TRAKS MAGAZINE #14

Monica P
PSLab
The Road Connection
Katia Pesti
Massimiliano Cusumano
No. 14 - GIUGNO 2018
www.musictraks.com

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Monica P
indice
Audio Hi Tech
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PSLab
Video
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The Road Connection
Katia Pesti
Massimiliano
Cusumano
Funnets
Mac and the Bee
Praino
De Grinpipol
Calcutta
Ginez e il bulbo della
ventola
Alcesti
In3pido
Tour
TRAKS MAGAZINE
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intervista
Monica P
Il mondo è
capovolto e ho
dovuto adeguarmi
Rosso che non vedi è il terzo album
di Monica P, cantautrice nata
a Torino ma con un background
che passa per la West Coast e l’Inghilterra.
Nelle dieci tracce del disco,
prodotto da Antonio Gramentieri,
si incontrano sensazioni di
vario tipo ma soprattutto un lavoro
coerente e maturo.
Ti sei messa a testa in giù nella
copertina di “Rosso che non
vedi”: che cosa hai visto, da
questo mondo al contrario? E
già che ci siamo, qual è il “Rosso
che non vedi”?
In realtà è il mondo che è capovolto,
quindi per guardarlo ho dovuto
adeguarmi ;) Il rosso che alcuni
fingono di non vedere comunque
si vede benissimo anche da dritti:
corruzione, falsità, superficialità,
ma anche amore, passione, paure,
emozioni che riconoscere comporterebbe
una certa scomodità e
il guardarsi dentro a fondo mettendosi
in discussione. Cose che si
può quindi scegliere se guardare o
ignorare.
Hai fatto scelte più “mature”
per le sonorità di questo disco:
pianificato a tavolino o risultato
di scelte spontanee?
Attraversando i miei tre dischi mi
sono sempre permessa il lusso di
essere me stessa, mai nessun tavolino,
al massimo un divanetto ;)
Ogni album racconta inevitabilmente
di me e del mio mondo, di
quello che vedono i miei occhi e
“Tutto il resto rende più denaro” - Monica P

intervista
che sentono le mie viscere. In questo
ultimo disco ho usato semplicemente
una chiave diversa, più diretta
e meno ermetica, a volte ironica
o sarcastica, per descrivere la realtà.
Le sonorità si adeguano al modo in
cui voglio comunicare quello che
ho da dire e all’atmosfera che voglio
creare nei brani, e ovviamente
al mio gusto personale.
Il mondo che esce dalle canzoni
di questo disco può sembrare
tra la decadenza e il disastro.
Hai davvero una visione così
pessimista?
Ti invito a riascoltare le canzoni
leggendole con il tono con cui
le ho scritte io: ti accorgerai che
questo non è affatto un disco pessimista,
anzi, molto realista, in cui
descrivo la confusione e l’assurdità
della società in cui siamo tutti
immersi oggi. La mia intenzione è
piuttosto polemica e provocatoria,
sfocio addirittura nel tragicomico
in Tuttofare. Anzi, a dirtela tutta, a
me non viene in mente un modo
altrettanto leggero per descrivere la
tragicità e la confusione di un mondo
così delirante, in cui - a cominciare
dai vertici - si continua a “fare
apparire solo quello che conviene”,
a “brindare e bere mentre il mondo
crolla a pezzi”, a “restare zitti o
urlare come pazzi” (citaz. Devo essere
così). In alcuni brani c’è persino
un’apertura sognante e di speranza,
un invito alla riflessione personale
che conduce all’idea positiva di una
soluzione, una parentesi di tranquillità
e genuinità in mezzo a tutto
questo casino. Tutto questo per
dirti che sono un’ottimista ;) Adesso
però una domanda te la faccio
io: la situazione sociale e politica a
te sembra così rosea?
Qui le domande le faccio io! Per
esempio: come nasce “Rivoluzione”?
Rivoluzione nasce di
getto, come molte delle
mie canzoni; è la descrizione
autobiografica di un modo di
essere, ma è anche un urlo disperato
che vorrebbe risvegliare un’umanità
che si è assopita tra i selfie e gli
inceneritori.
Nel tuo nuovo video, “Tutto il
resto rende più denaro” ci sono
tanti simboli e tante allusioni figlie
dell’attualità. Basta nascondere
il viso per proteggerci dalla
realtà?
No, anzi. Quella di “Tutto il resto
rende più denaro” è una realtà che
dobbiamo guardare chiaramente in
faccia, una realtà di cui siamo perfettamente
consapevoli, fatta di falsità
e corruzione, delle cose inutili e
dell’apparire. Una superficie scivolosa
ma ben definita, fatta di ruoli e
maschere che non tutti vorremmo
indossare, ma di cui ognuno di noi
infine diventa parte, poiché l’alternativa
sarebbe vivere su un altro
pianeta.
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intervista
PSLab
PSLab, ovvero un nuovo concept
di studio di registrazione: a Curno
(Bergamo) è nata un’attività a
tutto tondo che si svincola dall’offerta
basica dello studio “vecchia
maniera”. PSLab integra una rete
di servizi coordinati al progetto
musicale del cliente: immagine,
social-networking, brand apparel,
live show. Jacopo Tonon e Jacopo
D’Armento, i due ideatori di PSlab,
ci parlano di come possono aiutare
i giovani artisti a dar vita alla propria
carriera. Come nasce e come
si sviluppa PSlab?
Lo studio nasce sulle spalle di “PaperShapes”
un duo di producer
e tecnici del suono, che militano
nell’ambiente da quattro anni. Ormai
convinti e motivati a voler
qualcosa di più, abbiamo sentito
l’esigenza di creare un luogo dove
convogliare gli stimoli e la realtà
della scena musicale di Bergamo ai
fini di nutrire i progetti artistici con
cui veniamo a contatto. PSlab è un
luogo dove musicisti, illustratori,
video-maker, o più semplicemente
artisti, possono condividere la propria
passione e lavoro, partecipando
ai progetti artistici in collaborazione
con PSlab. Vediamo questa
realtà come una svolta e un punto
di partenza per quegli artisti della
bergamasca (e, ci si augura, non
solo) che non hanno ancora avuto
modo, o possibilità, di introdursi a
pieno in questo mondo.
Qual è la vostra proposta per i
giovani artisti?
PSlab si definisce “smart studio”:
integriamo una rete di servizi coordinati
al progetto musicale del
cliente. Immagine, social-networking,
brand apparel, live show sono
ormai ingredienti imprescindibili
nel cocktail del successo. Forniamo
ai giovani artisti tutti gli strumenti
per muoversi nel panorama musicale,
con il vantaggio
di affidarsi a un’unica
consulenza che abbatte
l’ostacolo delle tariffe,
che da sempre taglia fuori i giovani
dalle dinamiche degli studi di registrazione
e tutti i servizi correlati
prima citati.
Non vi limitate a offrire semplicemente
un supporto “musicale”
con uno studio di registrazione
ma offrite un’assistenza a
360 gradi: come si articola?
La nostra filosofia ci ha permesso
di collezionare un discreto numero
di stakeholders e collaborazioni.
Virtù alla base della nostra offerta,
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intervista
infatti, è il networking con le realtà
che operano nell’ecosistema musicale:
giovani professionisti esterni
allo studio, tra i quali videomaker,
musicisti, art director ed operatori
del live entertainment. Ormai un
prodotto musicale, senza una giusta
correlazione di video, brand
identity, socialmedia strategy e PR
activities non riesce ad affermarsi
e risulterà non all’altezza del
mercato. La nostra esperienza, e il
nostro percorso di studi, ci abilità
a guidare l’artista a trattare tutti
questi aspetti, portandolo ad affacciarsi
alle etichette discografiche,
che ormai richiedono
artisti con un
background solido
e definito. Dallo
studio della produzione
allo stile del
cantato, dalla promozione
alla linea
editoriale da seguire,
PSlab sarà sempre
attento a cucire
il vestito perfetto
per il giovane artista che si affida
alla sua esperienza.
Avete nuovi progetti in previsione?
Ce ne potete parlare?
Ovviamente le idee per il futuro
sono moltissime. Quelle più vicine
e in via di concretizzazione sono
lo sviluppo di una linea di abbigliamento
in collaborazione con
giovani visual artists di Bergamo,
con l’obiettivo di creare un forte
legame identitario tra lo studio, il
sound di PSlab e di conseguenza
tutti i suoi artisti. In secondo luogo
stiamo lavorando alla creazione di
un format LIVE, che prenderà vita
sotto forma di piccole LIVE-VE-
NUES, con 20/30 spettatori direttamente
sulla terrazza dello studio
(con vista città alta), dove gli artisti
di PSlab possano cimentarsi a proporre
dal vivo la propria musica.
Se doveste dare un consiglio a
un artista che inizia il proprio
percorso, quale sarebbe?
Il consiglio è quello di non pensare
a quello che sarà il risultato del
proprio operato come artista; bensì
di concentrarsi a creare
una identità basata
su qualcosa di vero: un
disagio, un messaggio, un
ideale. Questo deve esse- re
il punto di partenza. Deve essere
qualcosa di profondamente personale.
Siamo abituati a pensare più al
risultato del successo che sul motivo
di quest’ultimo. Se il messaggio
c’è PSlab aiuta l’artista a renderlo
appetibile e visibile.
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intervista
The Road Connection
Si chiama Zero il nuovo disco di
The Road Connection, quintetto
romano che pesca volentieri
dal rock e dal blues per le proprie
composizioni.
“Zero” è presentato come in
perfetta continuità con il vostro
disco di due anni fa, “Movin’”.
Ma che cosa è cambiato nella
band in questi due anni?
Be’ sicuramente siamo maturati
musicalmente. c’è una maggiore
sintonia tra noi, dopo tanta musica
e tanti concerti insieme. Ci conosciamo
molto meglio e siamo in
grado di portare ognuno il proprio
gusto musicale in ogni canzone che
scriviamo. Abbiamo suonato, abbiamo
litigato, ci siamo supportati
a vicenda, insomma siamo diventati
come una famiglia, con tutti i pro e
i contro che questo comporta.
Qual è il vostro metodo di composizione?
Come nascono le vostre
canzoni?
La maggior parte dei brani di Zero è
nata dalla chitarra acustica del
nostro cantante Lorenzo, il quale si
è presentato in sala prove con le
canzoni molto scarne, poco più che
tracce di voce e chitarra, poi ognuno
di noi ha contribuito a sviluppare
le idee di base fino ad arrivare a
quello che potete sentire oggi
nell’album. Altre volte siamo partiti
da riff di chitarra di Emiliano,
diciamo che non c’è un “metodo
standard”.
Come nasce “Fallin’” e che significato
ha per voi?
Fallin’ è una canzone particolare,
ogni volta che la suoniamo, che sia
a un concerto o soltanto alle prove,
si crea un’atmosfera particolare,
magica. Se vogliamo è come se si
creasse un piccolo mondo in cui
ognuno di noi si lascia cullare dalla
musica. È una di quelle canzoni
che, mentre le stai scrivendo, non
sai bene dove andrai a parare, ma
mentre vai avanti tutti
i pezzi si incastrano
perfettamente. È una
canzone dedicata a tutti i
musicisti che stanno
cercando la propria “voce”, la
propria “strada”, forse per questo
si crea
qualcosa di speciale quando la
suoniamo, è dedicata anche a noi.
Benché sia evidente il vostro
gusto per la musica anglosassone,
c’è qualcosa che vi piace
particolarmente della musica
italiana di oggi?
Nella musica italiana di oggi ci
piace molto il fermento che c’è
nella scena indipendente, ci sono
molte cose interessanti da sentire.
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intervista
Katia Pesti
Se il titolo è sintomatico del significato
del disco, qual è l’abisso
dal quale sei risalita?
E’ incredibile come una sola parola
possa alimentare tanta curiosità! Sì
certo Abyss è il titolo, rappresentato
anche simbolicamente nella sua
forma grafica; uno spunto extra
musicale che è servito a dare un
titolo questo progetto. Abyss è partito
dall’idea di riprodurre al pianoforte
suoni primordiali arcaici e
contemporanei al tempo stesso.
Mi sembra palese la volontà di
comporre un disco di pianoforte
ma non soltanto di pianoforte...
Il pianoforte è il mio strumento.
Ho iniziato a suonarlo per gioco
da bambina per proseguire poi in
Conservatorio; ho seguito quindi
un percorso di studi accademici,
per poi distaccarmene. Finiti gli
studi accademici infatti ho continuato
in una direzione del tutto
personale, istintiva e libera, ma
sempre rigorosa, di quel rigore che
ho appreso studiando la musica dei
grandi compositori della musica
classica e non solo. Il felice imprinting
ricevuto da piccola credo abbia
influito sul mio rapporto con la
musica e il pianoforte. Da grande,
il gioco si è trasformato in ricerca e
sperimentazione e non ho mai perso
quel punto di vista legato al gioco.
Compongo il più delle volte direttamente
al pianoforte, trovando
in esso il rispecchiamento del mio
pensiero, che sviluppo seguendo
una fantasticheria iniziale. In alcuni
casi faccio risuonare le corde del
pianoforte insieme ad altri oggetti
poggiati sopra.... piccole cose che
vado via via cercando nelle mie cosiddette
“camminate musicali”.
I titoli delle composizioni lasciano
trasparire una certa materialità:
da dove nasce questa
“voglia di materia”?
Credo di averti risposto parlandoti
delle mie camminate e quindi della
mia abitudine di cercare oggetti
che inserisco nelle corde. Questi
oggetti infondo perdono la loro
funzione originale e diventano materia
sonora e vibrante. Siamo fat-
ti di impronte, ossa,
sangue... forse anche di
stelle e pietre lunari... in
un continuo rapporto sinestetico,
empatico, risonante.
Come nascono le collaborazioni
con Gabin Dabirè ed Elaine Trigiani?
Parlando di camminate musicali...
diciamo che ho avuto la fortuna di
incontrare Gabin Dabiré ed Elaine
Trigiani. La voce di Elaine possiede
un’inflessione che corrisponde
al suono che avevo in testa quando
ho scritto il testo di Rolling. Gabin
Dabirè l’ho conosciuto grazie ad
Aldo Coppola. Una felice collaborazione
con un grande artista;
voce e pianoforte sintetizzati in un
unico timbro. Nei brani interpretati
da Dabirè è evidente il legame
timbrico che si è creato. La formula
di questo legame è nella sintesi tra
la voce africana di Gabin e la voce
del mio pianoforte. Questa nuova
formula ha dato il “La” per avviare
una collaborazione più ampia con
un primo concerto a Roma.
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intervista
Massimiliano
Cusumano
Massimiliano Cusumano pubblica
The Island Tales, dieci composizioni
per lo più strumentali influenzate
dai climi mediterranei.
Il disco nasce da idee di mescolanza,
soprattutto collocate in
quella terra d’incontri che è la
Sicilia. Quali le ispirazioni originarie
del disco?
Come affermi tu correttamente la
Sicilia è una terra d’incontri. Questa
particolare dimensione, che è
sia geografica che culturale, rende
la mescolanza e la fusione di idee
e sentimenti molto agevole a chi le
porge l’orecchio. Le melodie presenti
in questo lavoro tentano di
evocare queste culture che hanno
arricchito la storia della mia terra
C’è un’aria molto morbida in
quasi tutte le composizioni del
disco. Dove hai elaborato nelle
varie fasi del disco e quanto sei
stato influenzato dall’ambiente?
Quasi tutte le composizioni nascono
in momenti particolari. Penso
che il denominatore comune a tutte
sia il momento in cui mi allontano
da me stesso, quando la mia attenzione
si rivolge ad altro, al paesaggio,
ai colori e ai sapori del luogo
in cui vivo. Immagino delle storie
cercando di commentare con la
musica le diverse sensazioni che ne
ricevo. Mi capita spesso di definire
le idee durante la permanenza in
magici come Marettimo, un’isola
che riesce a rigenerarmi, a farmi
apprezzare il senso della bellezza, a
riportare il tutto ad uno stadio primordiale
non viziato da una quotidianità
scettica e indifferente.
Come nasce “Afrika”?
La composizione di Afrika si distingue
un po’ da quella di tutti gli
altri brani, questo è evidente vista
la presenza del canto. Durante la
sua composizione ero alla ricerca
di suoni che non riuscivo a trovare.
Qualcosa mi riportava alle voci del
mercato ma non erano esattamente
quelle. Poi l’incontro con Doudou-
Diouf: entrando in studio è stato
chiaro e naturale. Si è annullata
qualsiasi differenza culturale e geografica
e insieme abbiamo riporta-
to a casa quelle voci e
quelle melodie che faticavano
a trovare posto.
Puoi raccontare della
“squadra” che ti ha accompagnato
per il disco? Saranno con
te anche dal vivo?
All’inizio l’idea di “Island Tales”
non era proprio del tutto definita.
Era stata pensata come qualcosa
che sarebbe rimasto per pochi intimi.
Quando proposi al mio vecchio
amico sassofonista - Raffaele Barranca
- la pre-produzione di alcuni
brani ero un po’ imbarazzato, entrambi
avevamo fatto cose molto
diverse da quelle che stavamo per
fare. In realtà da lì a poco ci siamo
ritrovati più uniti che mai insieme a
Davide Femminino (contrabasso)
e Iano (batteria). Insieme abbiamo
pensato che Island Tales non poteva
concludersi con le ultime note
registrate in sala. In quel momento
ci siamo resi conto che era nato
The Island Tales Group, in quanto
tutti avevano raccontato qualcosa
in questo lavoro.
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ecensioni
Funnets
Wanji significa “uno” nella lingua
dei Sioux Lakota ed è questo il titolo
scelto dai Funnets per il loro
nuovo disco. L’album, il secondo
della band, si bagna in acque rockfunk
e affronta la sfida del concept
album. Shamans Song apre il disco
su sensazioni tribali che si mescolano
però con idee rock robuste
e dirette. Apertura di basso slappato
e parossismo sonoro improvviso
in F.O.W., calata in atmosfere
hardcore, anche se con cambi di
rotta improvvisi. Doubtful Waves
assomiglia a una ballad, che tuttavia
avanza per ondate successive e
affronta cambi di ritmo e momenti
differenti, affrescandosi come brano
di una certa profondità. Rumori
e sforzi caratterizzano un intermezzo
teatrale e recitato a due voci,
Shiny Monkey. Arriva Green Pig,
ricca di effetti e di echi e nostalgica
degli anni Novanta. Anche in questo
caso, comunque, non mancano
doppi fondi nella struttura della
canzone. Si torna a un funk/hardcore
con Capital Affair, cesellata
in modo da seguire umori diversi
e altalene sonore. Più diretta Shamarro,
anch’essa in territorio funkrock.
Byzantine, come promette
il titolo, si diffonde in percorsi che
prevedono svolte improvvise, sorprese,
assoli di chitarra, influenze
progressive e molto altro. Chiusura
ancora in tema funky con Ornitophobia,
finale particolarmente
scatenato di un disco che certo non
si tira indietro quando c’è da picchiare
forte. I Funnets pubblicano
un disco a molti strati, con tendenze
barocche ma anche con grandissima
energia, notevole abilità e una
certa ispirazione, che risulta efficace
e molto fantasioso.
Mac and the Bee
Mac and the Bee pubblicano il
nuovo disco One of the Two, con
otto brani tra electro e rock. Nati
nel 2012 con l’obiettivo di dar vita
a un progetto di elettronica pura,
hanno affrontato molte evoluzioni.
Si parte da un’ambigua Feel You,
carica di suoni taglienti e portata a
una certa acidità. Più diretta, anche
se con ritmi irregolari, Unleashed,
che dopo un avvio elettrico e fluido
si infila in un tunnel quasi edm.
Tutt’altri toni quelli di Asleep, più
vicino al synth pop antico e moderno.
Le cose si fanno dispari e
oscure con Be like them, che ha
tratti new wave e synth pop. In apparenza
più tranquilla, Body Parts
fa perno sui movimenti della sezione
ritmica e del basso in particolare.
Something new fa registrare
una progressione iniziale importante
prima che qualche ripensamento
consenta alla voce di entrare. I
wish sceglie di nuovo atmosfere
ambigue e compromettenti, facendo
crescere un sound ribollente un
poco alla volta. Si chiude con una
Noisy movimentata e acidula. Il
disco di Mac and the Bee porta alla
luce composizioni fresche e originali,
con una buona cura del sound.
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ecensioni
Praino
In passato ha collaborato con Santino
Cardamone e Il parto delle
nuvole pesanti: Praino arriva al
suo esordio discografico. Il disco
di Praino è una collezione di (sette)
brani di cantautorato fantasioso
e spesso spumeggiante. Si parte
con una sciolta Agnello, racconto
da domenica mattina che mescola
dub, itpop e perfino un po’ di sensi
psichedelici. Il finale è invece tirato
ed elettrico, facendo presumere che
la mescolanza non spaventerà Praino
nemmeno nel resto dell’album.
Spleen invece è elettrica fin dall’inizio
ma riesce a crescere lo stesso.
Torna il reggae con Disagio
Monolocale, che riempie le linee
con versi fitti. Radical chic sviluppa
dinamiche più malinconiche
ma anche ironiche, a dimostrare
come certe categorie di persone
non cambino a dispetto del procedere
delle generazioni. Più sciolti
gli atteggiamenti di Faccio fatica,
che pure accoglie istanze melodiche
e malinconiche quasi sottopelle,
soprattutto in forma di archi.
Martedì alle tre (dormi piccola
universitaria) parte con citazioni
in tralice (per esempio Ciuri Ciuri),
per un intermezzo strumentale
più che altro mattutino. Si chiude
su note amare con Do disdetta,
ricca di particolari alimentari e quotidiani,
tutti letti con la lente della
nostalgia, con un po’ di rabbia
scaricata in modo elettrico. Storie
familiari e di oggi popolano i racconti,
scritti da vicino, di Praino,
che spesso si dimostra affabulatore
senza perdere in sincerità e senza
debordare da canzoni solide.
De Grinpipol
Dopo 5 anni di silenzio De Grinpipol
riappaiono sulla scena
musicale con un nuovo album:
Elephants. Il disco si apre con
un’introduzione all’insegna di un
folk “rumoroso”, appoggiato sul
chiacchiericcio casuale: ecco Palo-matic.
Con Divine i discorsi si
fanno più induriti, il brano si immerge
in sonorità stoner, anche se
sono palesi profilazioni psichedeliche.Con
M_F si cambia decennio:
le evoluzioni garrule del pezzo
portano in territorio più vicino a
quello
cantato
dai Pulp
dei 90s. A
Wonder is About to
Start vede la chitarra
pronta a prendersi la
scena nella seconda
parte. Movimenti ritmici
continui e libertà
di svisata nella molto
rumorosa e seguente
Place to Forget. Scelta
dell’italiano per il testo
di Quello che importa,
ma non più di tanto, con chitarra
acida e atteggiamento new wave.
Molto più urlata e sanguigna Something
High, Something Low,
un pezzo di power pop stavolta
elettrico e senza sovrastrutture. La
breve Hooray, con un drumming
molto sonoro, riporta il discorso su
atmosfere più allegre. Si chiude con
Sunrise, ancora con chitarra protagonista,
finale fluido per un album
potente. Ottimo lavoro per De
Grinpipol, con un disco in grado di
trovare il bandolo della matassa.
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ecensione
Calcutta
Tutti parlano di Calcutta. C’è una
specie di curiosità morbosa verso
questo ragazzo di Latina, la necessità
di avere per forza un’opinione
sulle nuove canzoni, sul tour più
surreale di sempre (sono previste
due date, una allo Stadio di Latina
e una all’Arena di Verona), sul
nonsense applicato con dedizione
ragionata. Eppure. Da Mainstream
a Evergreen il passaggio è come
una gita in montagna, quando cammini
per tanto tempo su una strada
sterrata e all’improvviso riprende
l’asfalto. Si fa fatica lì per lì ad abituare
le gambe al sentiero di tipo
diverso, poi si prosegue e diventa la
nuova normalità. Mentre con Mainstream
si aprivano le porte a quello
che ancora non aveva un genere di
riferimento e degli artisti da poter
collocare a fianco di Calcutta, ora
le fila dell’indie, se ancora così possiamo
definirlo, sono ben tornite,
quasi più affollate di quelle più tradizionali
e rassicuranti, e le mezze
frasi mescolate a melodie in cui la
presa di posizione non è sempre
scontata non spaventano più, si
lasciano semplicemente ascoltare.
Inutile la critica, inutili gli schieramenti:
Evergreen è un lavoro ben
pensato, ben scritto e ben riuscito,
e se non piace si può solo dar la
colpa, se di colpa si può parlare, al
proprio gusto. Come da che mondo
è mondo è giusto che sia.
Calcutta traccia per traccia
Non è vero che mai ti mancherà il mio
sguardo da lontano e le luci di città
Briciole è una traccia quasi interamente
piano e voce, un’intro rispettosa
e rispettabile come ogni
prima traccia dovrebbe essere. Il
rischio di fidarsi di parole d’amore
da prendere con coscienziosa cattiva
fede.
Poi da me non vieni mai / che poi da te
non è Versailles
Scelta per lanciare il disco, Paracetamolo
è la canzone che definirei
“paracula”, se paracula fosse un
termine da poter usare in una recensione.
La frase di apertura che
somma i principi attivi delle compresse
di Tachipirina ha fatto il
giro dei meme in minor tempo di
quelli che sono stati inventati per il
caso Mattarella/Savona, e l’obiettivo
è stato raggiunto.
Un singolo orecchiabile,
scemo il giusto,
ma non così scemo come
vuol sembrare. Anche qui si parla
di amore, di che altro vuoi parlare.
Battiti che si sommano al contenuto
delle pastiglie.
Mi sono innamorato / mi ero addormentato
di te
Vecchia conoscenza, Pesto da
qualche mese suona ormai nelle
playlist di Spotify. Il buio col pesto
è diventato lo slogan anche di una
famosa compagnia di energia elettrica,
per dire la portata mediatica
di Edoardo. Forse la traccia più simile
a quanto offriva Mainstream,
romantica e straziante, con il pathos
che aumenta grazie all’interpretazione
sempre accorata che lo
caratterizza.
Fammi vedere i calci sui denti che non mi
riesci più a dare
Kiwi è la prima delle tracce in sordina
che da sole valgono l’intero
album. Musicalmente piena, ritmicamente
coinvolgente, con un testo
che a ogni ascolto assume un colo-
22 23

ecensione
re in più, un significato in più. E lo
slogan che potrebbe serenamente
campeggiare su ogni balcone: oh
mondo cane, tu fatti gli affari tuoi
che esplode nel ritornello come
urlo liberatorio. Funziona, con o
senza cuscino davanti alla faccia.
La cosa più bella che hai è la tua saliva
/ che risbatte forte come il mare i miei
pensieri a riva
In ogni disco
che si rispetti ci
deve essere una
traccia da usare
per rimorchiare.
Saliva è utile
allo scopo,
parla di nei, di
baci, del potere
benefico delle
persone che ci
piacciono e che
ci fanno stare
bene. Anche
qui momenti
in cui il testo fa
aggrottare un
po’ la fronte,
ma poi chi se
ne frega, si continua
a cantare, a perdersi, con la
chitarra e il fuoco in spiaggia…
Dateo, l’intermezzo, morbido, leggermente
distorto. E poi si continua.
E non lasciarti a casa mai a
consumare le unghie. Altra piccola
perla, Hubner, un inno al volemose
bbene, nonostante il mondo sia un
posto difficile da vivere. Si suona
poco, ma si parla di Fondi, paese in
provincia di Latina poco conosciuto
ai foresti, della sua stazione, dei
pensieri che scattano quando sei in
viaggio, magari fermo proprio in
una stazione conosciuta da pochi.
Un mare pieno di tracine in cui stare
vicini è la sola possibilità di rimanere
a galla.
Sto perdendo il tempo / e penso che mi va
A vincere il premio miglior singolo
che forse non sarà mai singolo, e
sarebbe anche giusto così, è Nuda
Nudissima, senza ombra di dubbio.
Sinuosamente si insinua nelle
curve di un corpo nudo, con una
chitarra elettrica accennata a far respirare
un’atmosfera diversa rispetto
a quella a cui finora siamo stati
abituati. Ritornello martellante, e
non solo per la cassa.
Antenne che guardano il cielo / E il cielo
che guarda le antenne
Sulla stessa scia prosegue Rai, in
un tuffo nel passato che sembra
quasi riportare ai televisori a tubo
catodico. Un Corso Sempione che
ospita gli studi, i viali alberati, la
sensazione di sentirsi una star.
Musicalmente complessa,
sicuramente
meno immediata.
Servirebbe un secondo più
all’anno / Per fare un respiro profondo,
per rilassare le spalle
Compito di chiudere il disco è affidato
a Orgasmo, anch’essa vecchia
conoscenza degli affezionati, già
uscita come singolo. Che racchiude
nei suoi 3:18 l’essenza di Calcutta.
Il pensiero confuso, lo sfogo liberatorio,
lo slogan che acchiappa,
la riflessione che chiude il cerchio.
Senza un genere, senza una definizione.
Che tanto tutte le strade mi
portano alle tue mutande. È finito
il disco. Non era il primo ascolto,
lo confesso. E non sarà neanche
l’ultimo. Perché Calcutta in qualche
modo sa cosa fare e come farlo, si
fa scattare foto improbabili dalla
mamma con la solita faccia qualsiasi,
e invece è riuscito in un’impresa
che sembra essere talmente avanti
da non essere nemmeno ancora
chiara a molti. E questo, bisogna
ammetterlo, si chiama talento.
Chiara Orsetti
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intervista
Ginez e il bulbo
della ventola
Qual’è la storia della band?
La storia della nostra band, credo
che sia un po’ la storia di tutte le
band, rispondendo io, come Ginez
a questa domanda, posso raccontarne
il mio pezzetto. Un giorno
finii in ospedale, terapia intensiva,
quando uscii cominciai a scrivere
delle canzoni. Decisi di farlo perché
penso che fosse quello che da
sempre stimolava la mia esistenza,
ma visto che ho avuto sempre una
vita piuttosto piena, non avevo mai
dedicato tempo a questo desiderio
latente. Forse l’avvicinarsi al fatto
che la vita poteva andarsene, mi ha
spinto a farlo. Da quel momento,
la canzone, che prima per me fu
terapia come ascoltatore, divenne
terapia come compositore. Da lì in
poi, il fatto di avere una band al
mio fianco, che potesse comprendere
e apprezzare tutte le stronzate
che stavo scrivendo, fu necessario
e con Dani, Roby e Fabio, ho trovato
le persone perfette per poter
cominciare il nostro “bulbico viaggio”.
Con quali premesse nascono
sensazioni e idee di “canzoni,
bottiglie e altre battaglie”?
“canzoni bottiglie e altre battaglie”, nasce
fondamentalmente come una
raccolta, non solo di canzoni scritte
e suonate, ma come il luogo
dove depositare un convulso bagaglio
esistenziale, dove mettere
insieme tanti tasselli che compongono
vite e emozioni, che sono trasmesse
nelle storie che queste canzoni
narrano.
Nel disco si respira un’atmosfera
di rimpianto, salsedine, taverne,
cuori infranti e alcool. Tutta
vita vera o c’è del romanzato?
Penso che questa domanda, dovrebbe
essere fatta a chi ci conosce
veramente, o comunque a chi ha
condiviso insieme a me, alcune stagioni
della vita. Credo che le canzoni
non descrivano sempre la verità,
ma credo che sempre la verità
sia scritta in una canzone, chi ascolta
lo sa, non si può mascherare. Il
rimpianto ci accompagna e ci accomuna,
la salsedine l’abbiamo addosso,
siamo nati e cresciuti davan-
ti al mare, le taverne
ci hanno dissetato di
sogni, i cuori infranti ci
hanno reso forti e l’alcool ci
ha conservato vivi fino a oggi.
Che cosa si deve aspettare chi vi
viene a vedere dal vivo?
Chi ci viene ad ascoltare dal vivo
non si deve aspettare nulla, può
scegliere se sedersi ad un tavolo o
davanti al bancone, oppure stare in
piedi, non importa, la cosa importante
e che non gli manchi da bere
e che si lasci andare, tutto il resto
proviamo a farlo noi.
Avete nuovi progetti in cantiere?
Il disco è uscito da un anno, ma è
secondo noi un lavoro che deve essere
ascoltato, e lo stiamo promuovendo
più adesso di quando è uscito.
Sinceramente, ora, quello che ci
interessa di più, è occuparci interamente
ai live, quindi il tempo che
abbiamo a disposizione cerchiamo
di dedicarlo ai concerti. Evidentemente
stiamo già lavorando a pezzi
nuovi. Dico evidentemente perché
alcuni brani nuovi, stiamo già suonandoli
dal vivo.
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intervista
Alcesti
Monumenti è l’ep d’esordio degli
Alcesti, edito da Dischi Soviet Studio:
Marco Ferrante, Mattia Quaglia
e Stefano Cocco riescono a
creare atmosfere ricche di influenze
tipiche del post-rock e del trip-hop.
Dopo un primo demo, “Monumenti”
è il vostro primo ep ufficiale:
sotto quali premesse nasce
e come lo avete realizzato?
Questo ep è nato dalla nostra voglia
di dirigerci verso sonorità e
soluzioni un po’ più pop, senza
però perdere quella che era stata
la nostra ricerca sonora che avevamo
sviluppato fino a quel momento.
Alcune delle idee dei nuovi
pezzi erano già nate a inizio 2017,
ma le abbiamo sviluppate poi nei
mesi seguenti insieme a Martino
dei Non Voglio Che Clara che si è
occupato della produzione e registrazione
del disco. Molto è venuto
fuori in studio. È sicuramente un
disco di transizione, un’esperienza
fondamentale per mettere a fuoco
il nostro sound che ci ha aperto la
strada verso nuove idee e un nuovo
modo di comporre.
Mi sembra che i suoni del disco
siano sì pop, ma anche frutto di
una stratificazione di tanti elementi
sonori diversi: qual è il
vostro modo di comporre?
Solitamente Stefano arriva in sala
con un’idea di base, che sia un giro
di chitarra o una melodia, e poi la
si sviluppa tutti assieme. La differenza
rispetto a come lavoravamo
prima di avventurarci nella produzione
dell’ep è che ora non siamo
così rigidi sulla struttura del pezzo.
Lasciamo che sia lo studio di registrazione
e il lavoro in team che
stiamo proseguendo con Martino a
definire il pezzo e plasmarlo nella
sua versione definitiva.
Che tipo di contributo ha dato al
disco Martino Cuman?
Come avrai sicuramente già capito,
è stato molto importante. Oltre
all’aiuto dal punto di vista delle
scelte sonore e delle liriche, è stato
un vero e proprio mental coach. Ci
ha messo alla prova con noi stessi,
ci ha fatto tirare fuori idee che
magari da soli non avremmo avuto
e soprattutto ci ha
dato una direzione
chiara da seguire.
E’ approfondito anche
il lavoro sui testi. Come nascono
le ispirazioni che hanno portato
a “Talamo”?
Talamo, come molti dei nostri testi,
parla della difficoltà di comunicare.
Nasce immaginandosi un dialogo
tra due persone, in cui una delle
due vorrebbe andare più a fondo
e conoscere l’altra ma non ce la fa.
Tutta la similitudine “spaziale” che
percorre il testo rappresenta questo,
la distanza che a volte sembra
incolmabile ma che molto spesso
è frutto solo dei nostri limiti, un
viaggio nell’immaginazione
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intervista
In3pido
Qual è la storia degli In3pido?
Esperienze musicali diverse e un
incontro artistico casuale, danno
vita al progetto IN3PIDO, definito
scherzosamente dai protagonisti un
“toy-rock senza pretese”. Massimo
e Giancarlo che suonavano assieme
in un precedente gruppo incontrano
Cristiano e Christian nel corso
di una jam session in occasione di
una festa di laurea. Max alla voce
e tastiere, Gianka alla chitarra, Cristiano
alla batteria e Chris al basso
iniziano nel 2015 il loro percorso
musicale assieme, suonando un po’
ovunque in provincia di Vicenza e
nel Veneto, (loro terra natale), eseguendo
cover di brani più o meno
conosciuti. Dopo un breve “rodaggio”
fu subito chiara la direzione da
prendere: proporre musica inedita
frutto della fusione delle quattro
diverse anime artistiche dei componenti
della band. La ricerca di
qualcosa di nuovo e il vissuto dei
quattro musicisti hanno portato,
nell’arco di pochi mesi, alla realizzazione
del primo album degli In-
3pido: Brexit.
Perché “Toy Rock”?
Racconta Chris (bassista) sorridendo:
“Questa definizione è stata il
frutto di una divertente discussione
tra noi; dopo una sessione di prove,
con la complicità di qualche birra,
si diceva che la nostra è una mu-
sica che “non se la tira” e con cui
semplicemente ci divertiamo emozionandoci,
così mi è uscita questa
espressione e, tra le risate di tutti,
abbiamo deciso di etichettare la nostra
musica e il nostro progetto in
questo modo.”
Parliamo di Brexit: cosa vi ha
spinto a scrivere la canzone e
perché avete preso spunto proprio
dall’uscita della Gran Bretagna
dall’Unione Europea?
È successo all’improvviso senza
pensare a quello che stavamo facendo:
in una sessione di prove
Christian con la chitarra acustica
parte con un nuovo Riff. Giancarlo
subito lo segue e con la chitarra
elettrica e “incattivisce” il riff. Erano
passati pochi giorni dal referendum
in Gran Bretagna sulla Brexit
e ascoltando questa nuova musica
di getto mi sono uscite queste parole:
“Uk’s out of Europe”.Da lí
è partita la batteria con un ritmo
serrato.... a un certo punto sembrava
stessimo suonando seguendo
uno spartito, mancava solo di completare
il testo. Il titolo era chiaro:
“Brexit” e il giorno
successivo pensando
alle sensazioni e allo
stupore causati da questo
evento storico ho completato
il testo.
C’è un altro brano che fa perno
sulle notizie di oggi (o di ieri),
cioè Schiaparelli: come nasce?
Schiaparelli è nata da un riferimento
di attualità che ronzava nella
testa di Massimo. Era fine ottobre
del 2016 e su tutte le testate giornalistiche,
radio e TV c’era un gran
fermento per questo evento epocale
che stava per avvenire: l’atterraggio
su Marte, per la prima volta
nella storia, di una sonda spaziale
progettata e costruita in Europa.
Racconta Massimo: “ La delusione
che seguì al fallimento della missione
è rimasta dentro di me anche se
io, con quella missione nulla c’entravo”.
Tutta la canzone è partita
da un riff di Giancarlo (il chitarrista
n.d.r.) da cui il cantante ha preso
ispirazione per creare di getto l’incipit:
“come sia stato non so, uno
schianto su Marte tuonò”.
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live
audio hi tech
Tutti dj
Tour in Italy
(a prezzi decenti)
E’ iniziata la grande stagione dei
festival: ovunque nella Penisola si
tengono eventi ed eventoni ripieni
di ospiti interessanti. Si può partire
dal Lumen Festival di Vicenza,
dal 20 al 24 giugno, con Coma_
Cose, Amari, Ghemon e Joan Thiele.
Dal 7 luglio all’11 agosto 2018
a Locorotondo torna il Locus
Festival, con Ghemon, Baustelle,
Diodato e molti altri. C’è il Gravity
Pop Festival a Olgiate Olona (Varese),
dall’11 al 14 luglio, con Achille
Lauro, Annalisa, Joan Thiele, Junior
Cally, Le Mandorle. Il 14 e 15
luglio ad Alba (Cuneo) c’è Tanaro
Libera Tutti, con Bianco, Selton,
La Notte, Liede. Appuntamento
poi a Genova con il Goa Boa, che
quest’anno parte il 13 luglio, e che
allinea MYSS KETA, Pinguini Tattici
Nucleari, Caparezza, Negrita
Coez, Motta, ComaCose, I Ministri,
Mudimbi, Frah Quintale.
Qualità “DJ” ma prezzi abbordabili?
Non sempre possibile. Ma è
l’obiettivo che Pioneer si è posta
con le HDJ-S7, che a 199 euro
propongono una serie di caratteristiche
non comunissime. Grazie al
driver ad alta definizione da 40mm,
producono lo stesso suono ad
alta risoluzione da 5kHz a 40kHz
del modello di punta over-ear
HDJ-X10. Ideali per il monitoring
nel DJing, queste cuffie consentono
una maggiore separazione di
toni bassi ricchi e frequenze medio-alte
chiare. Il modello HDJ-S7
è stato progettato sulla base degli
input di dj internazionali di tutto
rispetto. Perciò è flessibile e vanta
cuffie on-ear, archetto regolabile e
meccanismo girevole, fissabile a 45
gradi, per indossarle in tutta comodità
e per durare a lungo.
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video
The Strikes, “Be More”
Matteo Fiorino, “Canzone senza cuore”
Moscow Club, “Blu”
Elton Novara, “Papango”
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