TRAKS MAGAZINE #19

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MAGAZINE
Numero 19 - novembre 2018
JOHNNY CASINI
senza filtri
MAC
PROGETTO PANICO
FRANCESCO MASCIO
UMBERTO TI.

sommario
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Johnny Casini
MAC
Progetto Panico
Francesco Mascio
Umberto Ti.
Frances P
Mico Argirò
Canecapovolto
Fab
Zuin
Elena Sanchi
Quellochesentivo
Questa non è una testata giornalistica poiché viene aggiornata
senza alcuna periodicità. Non può pertanto
considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge
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JOHNNY CASINI
senza filtri
Da Correggio alla California, passando per Londra: “Port
Louis” è il primo ep del musicista emiliano, prodotto da un nome
incredibile come Phil Manzanera e con musicisti internazionali
di grandissimo livello
La prima domanda è d’obbligo:
come succede a un cantante di
Correggio di trovarsi a incidere
un ep prodotto da Manzanera
e accanto a tutti i musicisti che
hanno suonato con te?
È successo che suonando a un
mio concerto circa quattro anni
fa nelle zone della Bassa reggiana
ho avuto la fortuna di incontrare
il mio odierno Manager Claude
Ismael (Youssou N’Dour, Kool &
the Gang, Rita Marley, Barry White,
Frank Zappa, The Cure...). Tra
di noi è nato un bellissimo rapporto
professionale che si è trasformato
poi anche in uno di amicizia.
Attraverso la sua esperienza,
le sue conoscenze e il suo alto
livello professionale nel mondo
del music business è successo che
mi sono ritrovato catapultato nel
mezzo di Londra nello studio di
Phil Manzanera ad incidere “Port
Louis”.
Come nascono le canzoni del
disco? Realizzate ad hoc oppure
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arrivate lungo un percorso lungo?
Le canzoni del disco nascono da
un’elaborazione di un lungo periodo
in cui ho maturato e trascritto
in musica e parole esperienze personali
vissute direttamente.
Il tuo disco “pesca” da sonorità
molto tradizionali del rock.
Quali sono i tuoi ascolti abituali?
Che cosa ti piace della musica
del 2018?
Premetto che amo tutta la musica
in generale e mi incuriosiscono
tutte le nuove tendenze musicali.
Sono un fan del britpop e dell’indie
anglosassone dalle origini a
oggi. Dai Beatles passando per
tutti i decenni successivi per arrivare
a band più moderne come
Arctic Monkeys o Kasabian. Ho
un certo trasporto anche per il
southern rock e del folk americano.
Seguo anche musica di cantautori
Italiani. Nella musica uscita
del 2018 mi piace l’ultimo lavoro
degli Arctic Monkeys, Black Rebel
Motorcycle Club, George Ezra,
Franz Ferdinand, Interpol, The
Vaccines, Cesare Cremonini, Calcutta
e Subsonica.
Vorrei saper come nasce “Dark
Sunglasses”, quasi una sorta di
manifesto di vita…
È vero. Sono contento che sia passato
il mio messaggio. Dark Sunglasses
è un brano pieno di metafore.
Gli occhiali sono come un
filtro da mettere sugli occhi ogni
volta che non vogliamo vedere la
verità. La collina dove piangere le
proprie lacrime di tristezza rappresentano
i vari cambiamenti di
vita. Ho scritto questo brano per
dare una speranza e la forza di poter
togliere gli occhiali un giorno,
di poter vivere senza filtri e di poter
accettare che la vita in sé è un
insieme di grandi cambiamenti.
Questo ep è già una prova piuttosto
concreta del tuo inizio di
carriera. Hai già chiari quali potranno
essere i tuoi passi successivi?
Attraverso la musica il mio obiettivo
è trasmettere i miei sentimenti
e le mie emozioni al pubblico.
Proprio per questo motivo nel
mio prossimo futuro la mia aspirazione
è quella di poter fare tantissimi
concerti e di continuare a
comporre musica.
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MAC
una mina vagante
Un esordio che mescola poesia, sentimenti crudi, problemi di comunicazione:
“Un pianeta su nove”, prodotto da Luca Spaggiari, mette sul
piatto tutta la verità, a volte oscura, di Mario Alessandro Camellini
Scrivi canzoni da quando avevi
15 anni ma prima di arrivare
all’esordio sei passato attraverso
due romanzi pubblicati e svariate
tappe intermedie. Puoi spiegare
il tuo percorso?
La domanda mi pare ad ampio
spettro, ad amplissimo spettro. Mi
spiego. In virtù di una mia deformazione
legata ad aspetti psicologici
ed emotivi sono impossibilitato
a scindere il mio percorso
di vita con quello artistico. I miei
slanci creativi nascono da flussi
che hanno contraddistinto e che
tuttora dipingono il mio vissuto.
Certe dinamiche così intrinseche
fra di loro, come la mia vita
artistica e quella come da essere
umano, non si possono separare.
Detto questo, cercherò di essere
sintetico ma efficace, riservato ma
esaustivo, di conseguenza dovrò
essere fedele alla premessa banale
che ho fatto poc’anzi; raccontarvi
un po’ dei cazzi miei. Figlio di un
ricchissimo poveraccio, la persona
citata non è morta, vive, eccome
se vive. Come è giusto che sia.
Se fosse scomparsa non avrebbe
senso sparare (in senso metaforico!)
a un morto. Ma non voglio
perdere il fragile filo del discorso
che ho imbastito. Cresciuto nel
lusso, in una dimensione che non
può non alienarti, perché sei un
alieno se tuo padre compare su
Forbes sulle loro classifiche della
vergogna. Non conoscevo il reale.
Il vero stato delle cose e del mondo.
Devo ammettere che di tanto
in tanto, quando stavo diventando
un ragazzino, ci sono state certe
contingenze che mi hanno fatto
assaggiare cose che valicano
il confine con il reale. Cose che
attaccano e divorano chiunque,
senza alcuna discriminazione nella
loro scelta; dislessia, obesità,
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insonnia. Alla soglia dei dodici
anni mi sono avvicinato alla musica,
per l’esattezza al pianoforte.
Ho iniziato a studiare in una
realtà la cui natura accademica
e competitiva mi mise in grossa
difficoltà. Guerra in casa, grosse
difficoltà fuori casa. A quindici
anni iniziai a scrivere canzoni, in
realtà cominciai a comporre linee
di pianoforte. La dislessia mi stava
abbandonando, ma avevo ancora
difficoltà a scrivere, perfino
dei testi. A sedici anni vi fu una
svolta, oserei dire un miracolo;
dal giorno alla notte acquistai una
fluidità nello scrivere che solo
qualche mese prima nemmeno
nei sogni l’avrei sfiorata. Per essere
chiaro, alle scuole medie non arrivavo
mai alla sufficienza quando
si trattava del classico tema d’italiano.
E poi mi rivoltavo rabbioso
quando sentivo parlare di tutor o
logopedisti. Senza alcuna ragione
scientifica, da dislessico grave,
incapace di mettere insieme due
concetti in una frase, diventai assai
fluido e proficuo nella scrittura.
Scrivevo canzoni e poesie.
Solo a diciannove anni arrivai a
conoscere la libertà che ti penetra
nelle viscere quando ti dedichi a
un romanzo. Ma facciamo un passo
indietro! La dislessia miracolosamente
mi lasciò libero,
ma passai dalla padella alla
brace. Divenni abulico, persi
sessanta chili in nove mesi. E
poi le prime droghe. E poi la
depressione. E senza accorgermi
divenni una mina vagante.
E sopratutto un uomo. La
musica, le canzoni non hanno
assolutamente, per quanto mi
riguarda, una funzione terapeutica.
Non sublimo il dolore
attraverso la musica. Faccio
musica che prende vita dal dolore.
Scrivo canzoni perché, oltre alla
scrittura, non so fare null’altro; e
in virtù del fatto che non faccio
fatica a tirare fuori canzoni, io
amo le cose facili e non potrei non
godere di questo privilegio che
coccola da un lato il mio ozio, e
dall’altro il mio ego.
In copertina ci sei tu allo specchio
e molte canzoni sembrano
scavare nella tua carne viva. Non
hai nessuna remora nel presentare
te stesso in modo così sincero
e senza filtri?
In virtù di come ho risposto alla
prima domanda vi sembra che
abbia remore a darmi voce con
questa crudezza e questa attitudine
truce che avete colto nelle mie
canzoni? Sono stato un grande
bugiardo, un grande manipolatore,
poi ho deciso di smettere,
perché la menzogna è una droga,
ti ripaga istantaneamente, dopodiché
ti si ritorce contro con un’ira
mortale.
Come nasce “Livore” e perché
hai scelto una canzone così dura
e disperata come biglietto da visita
del disco?
Livore nasce in dieci minuti,
dopo una bottiglia di vino bevuta
a stomaco vuoto. Naturalmente
parlo del testo e della
sequenza di accordi. Poi gli arrangiamenti
sono stati curati da
Luca Spaggiari, il mio produttore.
E Nicola Manzan (Bologna
Violenta) con i suoi violini l’ha
valorizzata al meglio. Per quanto
riguarda la scelta di fare uscire
come primo singolo dell’album
Livore non è stata frutto di una
mia decisione
Che cosa ha offerto il produttore
Luca Spaggiari al tuo disco?
Luca si è occupato della produzione
artistica. Si è dedicato alla
maggior parte degli arrangiamenti
e ha suonato lui stesso le
chitarre, i bassi e i sinth. Parlo
delle registrazioni del disco ovviamente.
E non nascondo che
senza Luca con assoluta e granitica
certezza non sarei qui a rispondere
alle vostre domande.
Tre nomi di cantautori contemporanei
che ti piacciono?
Andrea Appino (da solista), Brunori
ed Emidio Clementi.
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PROGETTO PANICO
“Universo n. 6” è il nuovo lavoro, a distanza di due anni da “Cattivi tutti
quanti”, con un ritorno al suono e all’attitudine delle origini
Due anni dall’ultimo disco: visti
i ritmi della discografia indipendente
è un tempo abbastanza
ridotto. C’è stato qualcosa che vi
ha spinto ad accelerare oppure è
filato tutto liscio durante le lavorazioni
di “Universo n.6”?
In verità a noi è sembrato un tempo
lunghissimo. Il disco era praticamente
pronto appena è uscito
Cattivi tutti quanti in formato
acustico. Abbiamo spedito i pezzi
ad Alessandro Fiori e son volati
via due anni, divisi in tre giorni di
prese in studio, qualche mese di
missaggio e il resto tra meditazione
e cazzeggio.
A proposito: siete stati affiancati
da Alessandro Fiori in questo
nuovo disco: che cosa ha regala-
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to al suono dell’album e comunque
al progetto?
Alessandro ha donato al disco il
suo tocco fiabesco e fuori dal tempo.
Una persona di un umanità
ed empatia fuori dal comune. Dal
lato tecnico ha aggiunto archi,
pianoforte, synth e tutto quello
che gli capitava sotto mano nel
suo studio Rudere, una fucina di
creatività e accuratezza tecnica.
Ma la cosa più interessante che
ha lavorato molto di sottrazione,
alleggerendo dove c’era bisogno
senza snaturare il nostro suono.
Il disco ha scarsissimo rispetto
per le distinzioni fra i generi, per
non dire nessuno. Vorrei sapere
qual è il vostro processo di lavorazione
visto che nel disco una
canzone punk si trova accanto a
una melodica, per poi passare a
una quasi psichedelica e via discorrendo…
Lo facciamo per destabilizzare i
critici musicali ehehe. A parte gli
scherzi, da sempre abbiamo cercato
di giocare con i generi. Abbiamo
gusti molto diversi e cerchiamo
di “vestire” un brano che si
porta in studio, come sembra renda
meglio, o perché semplicemente
quel giorno eravamo più incazzati
di altri. In verità il lavoro su
Universo n. 6 è stato quello dove
si è cercato di essere più aderenti
all’idea uscita dal provino acustico.
Poi, va be’, ogni tanto ci facciamo
prendere la mano.
Mi sembra che il brano “Spettacolare”
abbia una genesi che merita
di essere raccontata…
Spettacolare è nata in un attimo,
distrattamente. Ricordo soltanto
che mi sono detto, non ho quasi
mai scritto un verso che non contenga
una nota d’ombra, di livore.
Ed è arrivata la prima ballata romantica
del progetto, solare, diretta
e senza bava alla bocca... A riascoltarla
ora, mi sembra più punk
di quelle incazzate.
Avete sviluppato una notevole
esperienza dal vivo, anche viste
le band che avete affiancato. Avete
in mente qualcosa di particolare
per il tour di promozione
del disco?
Il set sarà simile ai tour precedenti,
forse con più spazio a parti di
relativa calma. Per il resto la solita
e sana violenza.
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FRANCESCO
MASCIO
“Wu Way” è il nuovo disco del chitarrista
nato a Cassino, largamente
avviato sulle strade d’Oriente
Da quali ispirazioni nasce il
nuovo disco?
Per quanto riguarda il sound, Wu
Way è ispirato per lo più alla musica
tradizionale cinese; mentre
da un punto di vista concettuale si
tratta di un disco permeato dalle
filosofie orientali come il
buddismo, il taoismo e lo
zen.
Hai costruito le sonorità
del disco utilizzando
molti strumenti singolari
e non utilizzati spesso.
Quali erano i tuoi intenti
nel disegnare le sonorità
del disco?
Avevo in mente un disco
in cui la chitarra fosse al
centro dell’ascolto, ma al
tempo stesso volevo creare,
grazie ai vari strumenti
utilizzati, delle precise atmosfere
sonore che fungessero
da cornice alla
voce della chitarra e da
collegamento ai brani per
dare maggiore coerenza al
concept dell’album.
Vorrei sapere come nasce
“Tiziano Terzani” e che tipo di
influenza ha esercitato su di te la
figura dello scrittore e giornalista
così legato all’Oriente.
In seguito alla lettura di un libro
di questo straordinario personaggio,
ho provato una forte emozione
che, dopo aver preso la chitarra,
quasi senza rendermi conto,
si è lentamente trasformata nella
ballad contenuta nel disco.
Tiziano Terzani mi ha sicuramente
ispirato sia come uomo che
come artista per il suo grande coraggio
verso la ricerca della verità.
Ci sono alcuni ospiti di prestigio
sul tuo disco: come nasce la collaborazione
con loro?
La collaborazione con il disco da
parte di Susanna Stivali, Gabriele
Coen e Sanjay Kansa Banik, nasce
dal fatto che in passato avevo
già avuto il piacere di suonare con
loro, scoprendone la grande sensibilità
artistica; in oltre per alcuni
brani, avevo bisogno di precise
sonorità che erano affini alle loro
caratteristiche stilistiche, così non
ho potuto fare ameno di coinvolgerli
in “Wu Way”.
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UMBERTO TI.
Si chiama “Alaska” nuovo lavoro del cantautore dopo “Cielo incerto”,
prodotto anche in questo caso da Giuliano Dottori
“Alaska” è il tuo secondo lavoro.
Che tipo di approccio hai adottato
e quanto è stato diverso lavorarci
rispetto al tuo esordio?
L’approccio che ho adottato con il
mio nuovo album Alaska è stato
lavorare per immagini, avevo in
mente un’atmosfera “americana”,
motel desolati, piscine abbandonate,
laghi, t-shirt scolorite.
Rispetto al mio primo ep, Alaska
è un album quindi sono nove canzoni,
ci abbiamo lavorato molto
inserendo parti di pianoforte,
Mauro Sansone ha suonato una
batteria compressa, diretta. Alexya
Salari ha fatto i cori su alcuni pezzi.
Insomma ci sono molti più elementi
rispetto al primo disco.
Il disco suona molto rock. E’ sta-
ta una scelta programmatica o ti
sei accorto in corso d’opera che
funzionava meglio così?
Ho deciso sin dall’inizio che volevo
un suono graffiante quindi
abbiamo usato chitarre aggressive,
ma anche qualcosa di noise, voci
doppiate e distorte che dovevano
ben rappresentare l’immaginario
che volevo descrivere.
Come nasce “Principianti”?
Il brano Principianti nasce dal primo
verso che ho scritto che poi ha
dato il via a tutte le altre canzoni
“ In questa storia come due Principianti
ci guardiamo negli occhi
per non sentirci così distanti...” La
canzone sottolinea come in amore
forse, siamo un po’ tutti dei
Principianti. L’atmosfera è molto
veloce, volutamente agitata.Per il
suono mi sono ispirato ad alcune
cose anni Novanta.
Hai “confermato” la produzione
di Giuliano Dottori: che tipo di
dinamica avete sviluppato e che
cosa ha regalato a questo disco?
Con Giuliano Dottori oltre che
una collaborazione professionale
ormai è nata un’amicizia, viaggiamo
sulla stessa lunghezza d’onda
musicale, che ritengo una cosa
molto importante tra produttore
e musicista ,con i suoi arrangiamenti
è riuscito ancora una volta
a tirare fuori l’anima che cercavo
dalle mie canzoni. Giuliano ha
regalato a questo disco l’eleganza
che desideravo.
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FRANCES P
Classe 2000, un esordio in un coro di voci bianche a soli 4 anni ma anche
un’anima R&B molto profonda: con “No regrets like mama” Francesca
Piras mette in mostra voce, anima e determinazione
Sei giovanissima eppure l’impronta
del tuo cantato è piuttosto
“classica”, almeno quanto a
radici. Da che tipo di ascolti arrivi?
Ascolto un po’ di tutto, dal rock al
soul, dal pop all’hip hop, indie: vario
molto. Mi piacciono parecchio
gli Arctic Monkeys, Radiohead,
Bruno Mars, Paolo Nutini, Stevie
Wonder, Laurin Hill, Ed Sheeran,
giusto per citarne qualcuno.
Hai scelto di registrare interamente
in acustico, con pochissime
sovraincisioni: da dove nasce
questa scelta di presentarti “senza
rete”?
Ho deciso di mantenere tutto in
acustico per far sentire la semplicità
con cui sono nati i brani in
camera mia: ho ritenuto che presentarli
così avrebbe mostrato la
semplicità che mi rappresenta.
Inoltre ho preferito fare tutto da
sola per sentire tutto mio, interamente
realizzato da me; forse per
orgoglio, ma sicuramente per motivarmi.
Come nasce “No regrets like
mama” che hai scelto come singolo
di presentazione?
“No regrets like mama” parla di
mia madre, dei suoi sacrifici e della
sua grande etica nel lavoro. È
sempre stata il mio mentore, mi ha
insegnato tanto, soprattutto a lavorare
sodo e seguire i miei sogni.
Dopo il primo ascolto del brano
Scream di Paolo Nutini mi sono
sentita completamente rapita dal
sound, e aggiungendo un pizzico
di Stevie Wonder ho scritto e
composto il brano in pochissimo
tempo. “Nessun rimpianto come
mamma” perché, nonostante tutte
le cose a cui mia madre ha dovuto
rinunciare, è sempre andata avanti
senza rimorsi, rimboccandosi
le maniche e dando tutto, anche
ciò che non aveva per la famiglia;
e per questo, io le sarò sempre riconoscente.
Con questo brano ho
voluto dire “grazie” a mia madre,
dimostrandole tutta l’ammirazione
che provo nei suoi confronti.
Ovviamente ora sei concentrata
sul tuo nuovo ep. Ma se dovessi
pronosticare (o sognare) almeno
il prossimo pezzo della tua carriera,
quale sarebbe il tuo sogno?
Sto già lavorando a nuovi progetti;
mi sto cimentando a scrivere in
italiano e per ora sono abbastanza
soddisfatta di ciò che sta uscendo
fuori. Sicuramente ho in mente di
realizzare cose un po’ più articolate
strumentalmente, con l’aggiunta
di più musicisti!
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MICO ARGIRO’
Con un rimando diretto a Fabrizio De André, il cantautore lancia “Un altro
giugno 73”, singolo “stand-alone” dalla storia molto significativa
Ho letto che questa canzone è
nata in modo diverso dalle altre
tue: puoi raccontarne la genesi?
Questa canzone è nata come uno
di quei tanti fogli vuoti sui quali
appunti una strofa e non sai andare
avanti, quelli che scrivono mi
capiranno meglio… la strofa parlava
di questo istante di bellezza
e del mio non volere, con questa
ragazza, Un altro Giugno ’73 (che
è un pezzo di De André che parla
di due che si lasciano). Poi, un
annetto dopo, ho scritto un’altra
strofa, nel frattempo erano cambiate
cose, luoghi… e quando,
dopo anni, la storia era finita ho
capito che su quel foglio mancava
proprio la strofa di chiusura.
Io, in genere, scrivo le canzoni
abbastanza di getto, poi le rivedo
per lunghi periodi, ma la fase
di scrittura vera e propria dura
poco, questa è diversa perché è un
sincero “in progress”; l’ho scritta
mentre le cose nascevano, mentre
cambiavano e quando erano finite.
Ci puoi raccontare del video?
Il video, regia di Ciro Rusciano,
sviluppa una mia idea abbastanza
simbolica dove la fase bella del
rapporto vede due bambini in
scena, la fase più matura vede il
bambino diventare adulto e la fase
finale si tinge di assenza e sospensione.
Il luogo anche è un simbolo:
una stazione dei treni abbandonata,
che si ricollega a Saltare,
canzone del mio precedente album.
È stato bello girare questo
video con dei ragazzini (Emilio e
Cristina Marrocco), tra l’altro bravissimi,
e, come sempre, farlo in
terra cilentana.
Il tuo ultimo lavoro Vorrei che
morissi d’arte ha qualche mese…
Stai già lavorando a un disco
nuovo?
Sto lavorando a tante cose nuove,
molto varie e diverse, ma non ho
in progetto un album nell’immediato.
Ci tenevo a far uscire questa
canzone da sola, perché racconta
una storia personale e perché ha
una funzione catartica per me e la
mia vita, che in questi anni ne ha
viste tante.
Nel 2017 hai composto le musiche
per lo spettacolo su Peppino
Impastato: che tipo di esperienza
è stata? Pensi che ne rifarai di
simili in futuro?
Da tanto tempo ormai mi occupo
di musiche per il teatro e ho
avuto il piacere di partecipare a
spettacoli molto diversi ai quali
ho dovuto adattare la mia musica
e le mie sperimentazioni.
“Io non mi rassegno – Un storia
d’amore” è un’esperienza molto
bella, che ha avuto già un grande
riscontro e che continuerà a
fare la sua strada nei prossimi
tempi; nasce dalla penna e dalla
capacità attoriale di Salvatore
Riggi, attore siciliano dell’Accademia
Internazionale di teatro
di Roma, e racconta di una
figura importante della nostra
contemporaneità. Io ho composto
una serie di musiche che ben
si adattavano al testo e sottolineavano
l’idea centrale di una
Bellezza che può salvare dalla
rassegnazione. Con me c’erano
due grandi musicisti, Letizia
Bavoso al flauto e Giampietro
Marra alle percussioni (che fanno
parte anche della squadra di
Un altro Giugno 73) e con i quali
abbiamo diviso bei momenti
su e giù per l’Italia.
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CANECAPOVOLTO
Con un’attività pluriennale alle spalle nel campo della musica sperimentale,
Canecapovolto presenta il nuovo album “Normale”. Gli abbiamo rivolto
qualche domanda
Puoi raccontare la tua storia fin
qui?
canecapovolto nasce nel 1992 dedicandosi
al video e alle arti visive.
Qualche anno più tardi scrivemmo
e realizzammo un primo
Radiodramma (che fu acquistato
da Radio Rai) un film senza immagini,
in poche parole. Inizia un
periodo di ricerca attraverso la
produzione di questi lavori (sia in
lingua italiana che in inglese) con
la premessa che suoni, rumori,
musiche e parole riuscissero a ge-
nerare immagini negli ascoltatori.
Iniziammo anche a fare “field recordings”
con l’obiettivo di realizzare
composizioni “musicali”
e anche di costituire un archivio
suddiviso tematicamente (che a
tutt’oggi conta quasi 3000 suoni).
Quando ho iniziato a suonare mi
è sembrato naturale utilizzare registrazioni
microfoniche all’interno
delle composizioni e cercare
relazioni con la musica. Ultimamente
mi sono dedicato alle tastiere
modificate con la tecnica
del circuit-bending e alle prospettive
musicali possibili. Ho subito
amato questa pratica perché i cortocircuiti
che si vengono a creare
azionando manopole e interruttori
rendono queste vecchie tastiere
Casio degli anni ‘80 incontrollabili
e sfuggenti e perché questa non-estetica
espressiva mi consente di
tenermi lontano dalla retorica e
dall’ambiguità delle musiche sperimentali
basate sul noise.
Hai raccolto questo materiale
durante molti anni di lavoro.
Come sei arrivato a sentire che
era giunta la conclusione per il
tuo lavoro di ricerca ed elaborazione?
Normale racchiude vari cicli di
esperienze dal circuit-bending
alle composizioni realizzate con il
cut-up, ai primi esperimenti con
le drummachine etc. Ci sono ad
esempio 2 brani realizzati collegando
un sequencer analogico
al pianoforte virtuale di Garage
Band; in pratica la struttura armonica/melodica
viene creata al volo
azionando decine di interruttori
e potenziometri e non suonando
una tastiera. Ho scoperto per
caso che si poteva fare e devo dire
che errori e limiti delle cosiddette
“macchine” sono spesso molto
istruttivi. Tutto ciò viene chiamato
“inconscio tecnologico” ma stiamo
notando che le tecnologie più
recenti non concedono tutto questo
spazio alla mente di musicisti
e autori in genere…
“Normale” è composto di molti
brani con una spiccata estetica
glitch e con una “passione” per
le voci interrotte: che cosa volevi
trasmettere con questo tipo di
composizioni?
Non sono un appassionato del glitch
ma mi interessa molto la strut-
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tura della musica minimalista, in
cui vengono progettate variazioni
in riferimento alle ripetizioni. Alcuni
brani di Normale sono basati
più precisamente sul cut-up
inventato da William Burroughs
(vedi per esempio il cortometraggio
The Cut ups del 1966 dove
questo metodo viene applicato sia
al montaggio visivo che a quello
sonoro). Mi piace che le parole
possano essere utilizzate come
suoni e strutture, al di là della loro
intellegibilità e comprensione.
Per il progetto parallelo The Ox
sto utilizzando spesso anche voci
narranti inglesi generate da un
software ‘text-to-speech’.
Lavori spesso in duo: che dinamiche
si formano all’interno della
collaborazione con altri per
una ricerca sonora che talvolta,
almeno da fuori, può sembrare
un po’ “autistica”?
Lavoro in duo con il progetto
Kinothon (un set di improvvi-
sazione visuale e sonora), poi ci
sono Istituto No (con un chitarrista),
Siddhi/cc (con un amico,
musica elettroacustica) e Pragma
(con una cantante e studiosa della
voce, stavolta utilizzo un violoncello,
microfoni a contatto e altri
strumenti a corda). Viene sperimentata
ogni volta soprattutto la
relazione e l’interplay con un’altra
persona e questa è una grandissima
opportunità in un periodo
contraddistinto dalla difficoltà di
“ascolto” dell’altro da noi. Con The
Ox, infine, sto scoprendo quanto
spazio può esserci tra la cosiddetta
intelligent dance music e la musica
“sperimentale”; Il cd è appena
uscito, autoprodotto, e si chiama
infatti “Dance that noise”.
Sono curioso di sapere com’è la
resa dal vivo della tua musica:
che cosa si può aspettare chi viene
a vederti dal vivo?
Bella domanda. In genere gli spettatori
di musiche estreme o di ricerca
attendono di essere annichiliti
da muri di suono o addirittura
un’esperienza punitiva! E del resto
sappiamo che alcuni musicisti non
sono molto interessati al pubblico.
Per me è diverso, gli ascoltatori di
fatto completano l’opera sonora e
sperimentare secondo me implica
sempre la ricerca di una relazione
(magari controversa) con chi ci
ascolta e ci vede… Dal vivo suono
di solito tastiere modificate e batterie
elettroniche proprio perché
trovo divertente fare coesistere un
sistema imprevedibile con uno assolutamente
prevedibile. E’ tutto!
canecapovolto@gmail.com
www.scuolafuorinorma.it
https://canecapovolto.bandcamp.
com/
https://vimeo.com/canecapovolto
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FAB
Un disco “americano” ma anche cpm un’anima romantica tutta italiana
che dà forma a pensieri intimi e introspettivi, racchiusi in otto brani inediti:
ecco “Maps for Moon Lovers
Che cosa è cambiato dal tuo
esordio e che panorami nuovi
hanno fatto da sfondo a queste
tue “mappe per amanti della
Luna”?
Bless è stato un luogo perfetto
per mettermi alla prova, un’ottima
“palestra” per sondare la mia
capacità di scrivere canzoni. E di
farlo per la prima volta in qualità
di cantautore. Ho ricevuto ottimi
riscontri e bellissime soddisfazioni,
un incentivo a scrivere da subito
nuovi brani. Maps for Moon
lovers è nato già ai tempi dei primi
live di Bless e alcuni testi, come
per esempio The lazy one, li ho
composti durante il primo tour.
In quel frangente ho avvertito la
necessità di rinvenire nuovi suoni,
l’esigenza di dirigermi verso altri
territori ed esplorarli senza timore.
È stata una ricerca molto lunga,
durata circa un anno e mezzo.
Non ho avuto alcuna fretta. Ho
ascoltato tanta musica nuova (abitudine
che in realtà ho da sempre)
tentando di individuare le
sonorità più adatte per un nuovo
disco. Quanto ai testi mi sono
spinto in una direzione differente
e ho costruito otto storie per otto
protagonisti differenti, scenari totalmente
diversi rispetto a Bless,
che da questo punto di vista può
considerarsi un album più intimo
e autobiografico. I panorami di
Maps for Moon lovers nascono da
un’operazione “descrittiva”, il tentativo
di raccontare le singole vite
di personaggi moderni illuminati
dal chiarore della luna.
Benché buona parte del tuo disco
suoni “analogico”, a volte
perfino “old style”, tutto è partito
dal loop sintetico di “Shoreditch
girl”, a quanto ho letto…
Assolutamente sì! Un loop venuto
fuori quasi per caso con il microkorg,
una nenia creata in studio
da Alex Tolomeo (suo il piano
e le parti elettroniche del disco).
Quel suono, quel carillon dal sapore
anni 80, un po’ “Gameboy”,
mi ha affascinato molto e mi ha
convinto a coniugare suoni elettronici
con chitarre brit. Ed ecco
questi pad ampi, rotondi, estremamente
riverberati, suoni che non è
stato facile costruire ma che, una
volta “messi al guinzaglio”, hanno
segnato la svolta. Con il “tappeto
sonoro” giusto è stato agevole disegnare
le melodie che mi giravano
in testa da mesi, sostenute da
un hammond piuttosto che da un
piano Rhodes, suoni decisamente
vintage che a mio avviso si sposano
alla perfezione con un synth. E
questa la strada da battere, anche
per il futuro. È una sintesi che mi
affascina enormemente.
Come nasce How High the Moon
e perché l’hai scelta come singolo?
Nasce dall’idea di affrontare il
tema dell’amore da un punto di
vista differente. L’amore sa essere
fatto anche di urla e bugie, così
come alle volte può risultare talmente
ingombrante da risultare
ingestibile e pericoloso. Il video è
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stato costruito tentando di rendere
in maniera “teatrale” questo
concetto. Il finale è volutamente
brutale ed estremo, ma in alcuni
casi diventa necessario. Il manichino
è un elemento forte, altamente
simbolico, la sua accecante
immobilità sussurra mille parole
a proposito di amori finiti o maleodoranti.
È un brano nato da una
profonda osservazione della realtà
che mi circonda. Mille storie
ascoltate in questi anni a proposito
di amori ingovernabili mi hanno
suggerito una scrittura del genere.
Le sonorità sono molto brit,
il ritornello è diretto, immediato e
senza fronzoli. Ho compreso subito
che aveva tutte le carte in regola
per essere il primo singolo. Una
volta girato il video, poi, non ho
avuto alcun dubbio. La veste perfetta
per una storia d’amore che
sembra quasi un noir.
Quanto c’è di autobiografico nelle
storie che racconti?
C’è sempre qualcosa di noi nelle
canzoni che scriviamo. Inutile negarlo.
In questo disco, però, come
accennato prima, ho adottato un
approccio diverso, più distaccato e
neutrale. Un racconto più freddo
e asettico, meno coinvolto rispetto
a Bless. I personaggi che animano
i brani cantano le loro storie, i
loro frammenti di vita e lo fanno
a modo loro. Incespicano nei guai,
nelle disattenzioni, nelle immoralità
tipiche di questi tempi e trovano
riparo nella luce della luna.
Una luce bislacca ma accondiscendente,
che comprende e giustifica,
condiziona e accudisce. La
luna è il conforto più grande per
un sognatore incallito. E alla fine
si può dire che si tratta di una raccolta
di racconti musicata, né più
né meno.
Tre nomi che ti piacciono della
musica italiana di oggi, a prescindere
dal genere?
Dario
Brunori su
tutti. Non
perché sia
mia conterraneo
ma semplicemente
perché
è stato in
grado di
creare un
linguaggio comunicativo tutto
suo. Operazione assolutamente
complicata di questi tempi, sopratutto
se si scrive in lingua italiana.
Nel panorama dell’attuale cantautorato
italiano lo considero una
spanna sopra gli altri. Un altro
progetto che ho sempre ritenuto
molto interessante è Le luci della
centrale elettrica. Anche in questo
caso c’è uno spessore compositivo
e comunicativo assolutamente degno
di nota. Infine, considerando
che i miei testi parlano lingua inglese,
non posso non citare gli A
Toys Orchestra, una band coraggiosa
e geniale che a mio avviso
meriterebbe palcoscenici europei
di assoluto rispetto.
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ZUIN
Preceduto dal singolo “Bianco”, “Per tutti questi anni” è il nuovo disco del
cantautore, che si è già fatto vedere sul palco del Concertone del Primo Maggio
a Roma
“Per tutti questi anni” è il tuo
esordio su lp: come l’hai vissuto
e approcciato?
L’ho vissuto come tutto in maniera
molto istintiva e naturale, ho
scritto e lavorato ad arrangiamento
e registrazioni parallelamente
all’attività live, i tempi si sono certamente
prolungati ma sono mol-

to contento del risultato finale.
Hai raccontato di questo disco
come del “più personale che potessi
scrivere”: ti è costato molto
aprirti così?
Sinceramente sì, ho sempre celato
le cose fin troppo dietro ai miei testi,
probabilmente in alcuni punti
l’ho fatto anche in questo disco
ma penso di avere fatto un passo
avanti riguardo alla mia apertura
nei confronti di un ascoltatore.
Non è così semplice mettersi completamente
a nudo perché rendi
pubblico il tuo vissuto, le tue paure
e le tue debolezze ma è anche
un bel modo per esorcizzare e trovare
supporto.
Mi incuriosisce
la copertina
del disco,
che mi sembra
piuttosto
ricca di simboli:
com’è
nato il concept?
Il concept è
nato da un
idea dello studio
che ha curato
le grafiche
The Mine
di Milano di
Francesca Panigutto e dal suo
team di creativi. Ho raccontato
a loro cosa c’era nel mio disco,
nei testi, nelle musiche, le immagini
che si portava dietro e
ne è uscita una grande mano
aperta che contiene i ricordi di
una vita.
Hai già vissuto un’esperienza
che non tutti possono vantare
come il Primo Maggio a Roma:
puoi raccontare com’è andata?
E’ stata l’esperienza più bella
della mia vita e la ricordo an-
cora oggi con grande emozione,
è stato un periodo della mia vita
ricco di novità perché pochi giorni
prima ho scoperto che sarei
diventato papà e un giorno lo racconterò
a mia figlia e questo mi
rende felice, a prescindere da tutto.
Come nasce “Bianco” e perché
l’hai scelta come singolo ma anche
come chiusura del disco?
Bianco nasce nella cameretta dove
solitamente scrivo le canzoni, era
una sera d’inverno, poco prima
di Natale. Il Natale mi trasmette
sempre un po’ di nostalgia, forse
perché da parecchi anni lo vivo
diviso tra due famiglie, sono uno
dei tanti figli di genitori divorziati.
Ho sentito la necessità di essere
accompagnato da una voce femminile,
forse la sorella che non
ho mai avuto e la voce di Daniela
D’Angelo mi sembrava perfetta.
L’ho scelta come singolo perché è
esattamente quel periodo dell’anno
dove riaffiora quella nostalgia
e ho scelto di inserirla alla fine del
disco perché in fondo è un cerchio
che si chiude.
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ELENA SANCHI
“Risveglio”, a quasi tre anni di distanza da “Cuore Migrante”, è il nuovo
album della cantautrice romagnola. Anticipato dal singolo e videoclip
“Rimini”, il disco contiene nove canzoni intense e ricche di poesia
“Se in passato la musica è stata
un’urgenza, una necessità anche
egocentrica di esprimere un mio
dolore, di trovare una collocazione
nel mondo, oggi, invece, è
qualcosa di meno personale, di
meno tenuto per me”: mi spieghi
meglio questa affermazione, che
ho copiaincollato dalla tua pagina
Facebook?
Ho sempre avuto la musica in testa,
sin da bambina. E’ stata una
sorella nei momenti difficili, un’amica
sincera alla quale sfogare la
mia rabbia, la solitudine, la timidezza
e la mia felicità. La musica
non mi ha mai lasciata sola, nemmeno
quando ho cercato di negarla
e di allontanarla per sempre,
il più lontano possibile. Per dieci
anni ho smesso di cantare ma lei
mi perseguitava, come un’ossessione!
Il canto in particolare è un
canale attraverso il quale esplorare,
esprimere e conoscere le emozioni
più forti, è uno strumento
di profonda crescita. Da questa
relazione intima e molto personale,
sono riuscita poi con gli anni
a farne uno strumento di relazione
per parlare al cuore delle altre
persone: ho imparato a mettere da
parte la paura (più che altro quella
di vincere) e a lasciarmi andarmi
all’incontro con il mondo esterno
percependo un forte bisogno di
condivisione e liberazione.
Tre anni dopo Cuore migrante
eccoti con un disco nuovo. E’
stato più semplice o più difficile
questa volta? Come sono andate
le lavorazioni?
Tre anni dopo Cuore migrante torno
con un disco che vuole raccontare
tutta questa trasformazione.
Non so se sia stato più semplice o
difficile però è stato sicuramente
molto diverso. Il primo lavoro è
stato il frutto di brani scritti durante
un periodo lungo sei anni,
da esperienze di viaggi in Africa.
Prima di concretizzare il disco, ho
suonato le sue canzoni in diversi
live, quindi la sua realizzazione è
stata l’affermazione di un percorso
già in parte vissuto. Le canzoni
di questo nuovo progetto invece
sono nate in studio e sono state
scritte nell’ultimo anno. E’ un
disco di forte rottura, di cambiamento,
non soltanto da un punto
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di vista descrittivo ma musicale.
Ho sentito la necessità di ricominciare,
di ripartire da un’altra
me, più consapevole e meno dipendente
da antichi legami. Da
qui il bisogno di sperimentare
nuove collaborazioni che hanno
saputo interpretare questo nuovo
bisogno. Diego Brancaccio e Davide
“Red” Battistelli, che insieme
a me hanno curato gli arrangiamenti,
sono stati due compagni di
viaggio fondamentali. Uno degli
aspetti più importanti delle lavorazioni
è stata la campagna #incadutalibera
su Musicraiser perché
mi ha permesso di stringere un
legame ancora più forte con il mio
pubblico.
Perché hai chiamato il tuo disco
Risveglio? E risveglio da cosa?
Il nuovo disco si chiama Risveglio
e vuole comunicare, oltre alla mia
urgenza di cambiamento, il bisogno
di rinascita proprio anche
della nostra società. Viviamo in
un mondo molto complesso, super
strutturato e, come individui,
abbiamo perso molta fiducia nelle
istituzioni e negli esseri umani in
generale, siano essi i nostri vicini
di casa di sempre o persone venute
da un altro paese. Molti uomini
hanno paura e questo secondo disco
vuole parlare ai loro cuori, ai
loro occhi, per far sì che domani
sia davvero più luminoso e coraggioso.
Dal punto di vista sonoro mi
sembra che tu abbia cercato di
variare il percorso il più possibile.
Vorrei sapere se questo era il
tuo intento e quali dischi ascoltavi
di più durante la scrittura
dei brani.
Si esattamente, ma non ho seguito
una moda piuttosto che un’altra
ma soltanto un’urgenza creativa.
Le mie canzoni nascono al pianoforte
e questa volta ho voluto
mantenere questa essenza, verità.
Ho ascoltato in particolare Niccolò
Fabi, Cristina Donà, Yael
Naim e un ritorno ai The Doors.
Come nasce Rimini e perché l’hai
scelta come singolo di presentazione?
Rimini è il mio ritorno a casa, alla
mia città natale per rinascere nuovamente
dopo aver viaggiato lontano
e dopo essermi persa per la
paura di non essere accettata. Ho
voluto presentare questo nuovo
lavoro proprio ripartendo da qui,
perché in fondo si parte sempre
per ritornare, cambiati, diversi
però più autentici a ciò che sentiamo
di appartenere.
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SAMUELE BERSANI
“EN E XANAX”
#quellochesentivo
Il video di “En e Xanax” di Samuele Bersani esce il 10 settembre 2013, facendo
da apripista all’album “Nuvola numero nove”. Diretto da Nicolò
Massazza il clip, oltre al cantautore, vede la partecipazuone anche dei giovani
attori Camilla Semino Favro e Alessandro Sperduti, nonché della fidanzata
di Bersani, Desirée
Trovare la pace. Quella pace che
solo la comunione di due principi
attivi può nascere, mescolati insieme
e bevuti senza timore, aspettando
che l’effetto attenui le paure
e zittisca le attese.
En e Xanax si tranquillizzavano
Con le loro lingue al gusto di
Medicina amara e chiodi di garofano
La combinazione sa creare la magia,
aggiungere quello che manca
e limare il superfluo, rendendo
mostri spaventosi piccoli scarabocchi,
comprensibili, affrontabili.
Se non ti spaventerai con le mie
paure
Un giorno che mi dirai le tue troveremo
il modo di rimuoverle
In due si può lottare come dei giganti
contro ogni dolore
E su di me puoi contare per una
rivoluzione
L’energia creata da due cuori. Che
siano mescolati e affannati, sovrapposti
e sereni, separati e
indocili, sanno muovere mondi
interi, inarrestabili, come il loro
movimento vuole.
En e Xanax quando litigavano
avrebbero potuto fermare anche il
traffico di New York
Uccidersi al telefono
Lei si calmava e lui la ritrovava
nuda sulla sedia
E poi sovrapponevano il battito
cardiaco
E se due principi attivi e due cuori
sanno uccidere i mostri, anche
le anime possono trovare rifugio,
possono essere libere di essere,
con i pigiami di flanella e il fumo
intorno, tra il sonno e la veglia,
tra l’amare e il volersi, tra l’odore
di pioggia e l’essenza di te.
Tu hai l’anima che io vorrei avere
En e Xanax si anestetizzavano con
le loro lingue al gusto di menta e
marijuana
E poi si addormentavano
Chiara Orsetti
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