TRAKS MAGAZINE #20

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MAGAZINE
Numero 20 - Gennaio 2019
MIZA MAYI
ho smesso di nascondere
le emozioni
LUCA BURGIO
THE PRICE
NERO KANE
SQUE

sommario
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Miza Mayi
ThePrice
Sque
Luca Burgio
Lo-Fi Poetry
Nero Kane
Roberto My
A Red Idea
I miei migliori complimenti
Medicamentosa
Nevica
Ground Control
Andrillo
Quellochesentivo
Questa non è una testata giornalistica poiché viene aggiornata
senza alcuna periodicità. Non può pertanto
considerarsi un prodotto editoriale ai sensi della legge
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MIZA MAYI
ho smesso
di nascondere
le mie emozioni
Un esordio ricco di anima: dopo esperienze in band ecco il primo
disco “Stages of a Growing Flower”, tra influenze nu soul,
electro pop, electric jazz, lounge, funky
Stages of a Growing Flower è il
tuo esordio: perché hai deciso
ora di tentare questa avventura
solista? Come hai capito di essere
pronta?
Ero molto gelosa delle mie composizioni
soprattutto dopo aver
avuto delle esperienze negative in
questo ambito. Ho capito di essere
pronta per l’avventura da solista
dopo l’uscita della compilation
Pinkpolkadots vol. 1. Si tratta di
un progetto nato insieme a Jessica
Cochis ed Eros Cristiani, lavorare
con loro è davvero stimolante,
sono dei grandi professionisti,
mettono il cuore in tutto ciò che
fanno. Si è creata una bella sinergia,
loro mi hanno compresa in
quanto artista e io mi sono affidata
a loro, niente di più semplice.
Presenti il disco come un concept
album autobiografico: è stato
complicato “aprirti” nelle canzoni
che scrivi e canti?
C’è molto della mia vita in questo
disco, è tutto reale, ogni immagine
è stata vista, ogni sensazione è
stata sentita da me in prima persona.
Ho semplicemente smesso
di nascondere le mie emozioni,
non è stato facile ma è un percorso
che prima o poi un artista deve
fare, quando pubblichi qualcosa
la tua esperienza diventa a portata
di tutti, è un concetto che inizialmente
può spaventare.
Europa, Africa e (almeno a livello
di ispirazione) America:
quanto pesano nella tua cultura
e nella tua musica i continenti?
Non mi sono mai posta limiti geografici,
mi definisco afro-eclettica,
mi piace selezionare tutto ciò che
mi ispira a livello ritmico e sonoro.
Sono cresciuta ascoltando Paolo
Conte, Dave Brubeck, Lokua
Kanza perciò ho un infinito mondo
di suoni dal quale attingere. Ri-

cordiamoci che la race music, oggi
nota come black music, contiene
una varietà di generi incredibile,
parliamo di spiritual, gospel,
blues, jazz, swing, R&B, rock&roll,
fino ad arrivare al soul, funk, hip
hop, tutta questa musica si è generata
e si è evoluta solamente
grazie al bagaglio culturale che
gli schiavi africani hanno portato
con sé. L’Africa è una madre
musicale generosa, molto generosa.
Inoltre avvalendomi delle
conoscenze musicali di Eros e
Jessica Cochis che sono co-autori
arrangiatori e produttori del cd,
abbiamo esplorato alcune nuove
tendenze di questo millennio.
Difficile “evadere” da una domanda
che ti chieda un giudizio
sulla gestione del fenomeno migrazione
in questi anni...
Siamo figli di questa Terra, siamo
tutti fratelli, fosse per me non esisterebbero
né nazioni, né religioni
proprio come cantava John Lennon.
Il problema è che chi è al potere
ha la capacità di annebbiarci
la mente, ha la capacità di dividerci,
creare un nemico da combattere,
divide et impera: la storia insegna.
Per me i nemici non esistono,
esiste solo l’intelligenza e la stupidità.
Vorrei sapere qualcosa sulla genesi
di Kundalini Love
Kundalini Love è un brano scritto
e composto insieme ad Eros
Cristiani, la musica è sensuale e
mistica. Il piano di Eros è conduttore,
dopodichè ci servivano dei
suoni un po’ magici. Quindi abbiamo
fatto suonare il dobro e le
chitarre acustiche a Nicola Oliva
(Pausini, Vanoni), e il dobro con-
cede appunto al brano una connotazione
mistica e morbida. Le
ritmiche sono state studiate intorno
alla musica e Roberto Gualdi
(PFM-Vecchioni ) con la batteria
ha creato un ottimo flow, che si
sposa perfettamente con le nostre
intenzioni. Testualmente qui
ho voluto raccontare di un amore
bellissimo, che profuma di olio di
cocco e vaniglia, un’intensità carnale
e spirituale, qualcosa di cui
non possiamo fare a meno. E’ un
amore che ci fa perdere la testa,
una passione terrena che mette in
connessione il nostro io profondo
con tutto ciò che ci circonda. E’
un tipo di amore che ognuno di
noi vorrebbe di vivere.
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THE PRICE
Il nuovo progetto del chitarrista Marco Barusso si dipana tra le esperienze
del passato, film noir e collaboratori eccellenti
Vuoi raccontare come sei approdato
al tuo nuovo progetto, The
Price?
Nel corso degli anni, oltre a occuparmi
di musica come “addetto
ai lavori”, ho anche fatto parte
di due band, prima degli Heavy
Metal Kids e successivamente dei
Cayne, con i quali ho scoperto di
essere in grado di scrivere anche
brani miei. Quando si è interrotta
la mia collaborazione con i
Cayne, per un certo periodo non
ho più voluto saperne di fondare
un’altra band. Però il lupo perde il
pelo ma non il vizio, quindi piano
piano nella mia mente ha preso
forma l’idea di raccogliere i brani
che avevo scritto negli ultimi dieci
anni, fino ad allora rimasti in un
cassetto, e di registrare un album
coinvolgendo un po’ di amici con
cui da sempre avrei voluto collaborare.
In seguito questo progetto
si è anche sviluppato in una vera e
propria band, con cui ho già fatto
diversi concerti.
Oltre che chitarrista e autore, sei
ingegnere del suono, produttore
e arrangiatore: che idee sonore
volevi portare nell’album?
L’album, essendo costituito da
brani scritti in diversi periodi
della mia vita e in collaborazione
con cantanti diversi, ha per sua
natura molte influenze stilistiche
e attinge di volta in volta dal metal,
dal grunge degli anni ’90, dal
nu-metal, dalla new wave anni ’80
e dal rock alternativo moderno.
Per me è stato importante fissare
quelli che io chiamo “paletti” per
delineare la strada del progetto; è
un procedimento che adotto ogni
volta che affronto una produzione
e che mi permette di stabilire
le caratteristiche stilistiche dentro
cui muovermi, per dare al lavoro
un suono coerente, mantenendo
però una certa eterogeneità. I brani
dovevano essere riproducibili
dal vivo, potenti ma non troppo
pesanti, e con un forte impatto
melodico; volevo che fossero divertenti
da suonare ma non cervellotici
o troppo intricati. Non
amo l’autoreferenzialità di chi “si
suona addosso”. Infatti, malgrado
io sia un chitarrista, molti dei miei
pezzi non hanno nemmeno un
solo di chitarra e non se ne sente
la mancanza.
Come nasce la collaborazione
con Enrico Ruggeri?
La collaborazione con Ruggeri è
nata prima di The Price, quando
ho avuto il piacere di produrre
alcuni suoi brani, tra cui Il primo
amore non si scorda mai, che gli
è valso il 4° posto in classifica al
Festival di Sanremo 2016. Proprio
mentre stavamo lavorando al pezzo,
chiacchierando, Enrico mi ha
svelato che è da sempre un fan del
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ock più pesante. Mi ha parlato
del suo amore per Alice Cooper e
del fatto che negli anni ’80, malgrado
facesse dei concerti quasi
metal, tutti gli dicevano che la sua
voce bassa e profonda non era
adatta per quel genere, che secondo
l’immaginario comune richiede
un cantato su registri molto
alti, tipicamente femminili (come
Robert Plant e i Motley Cure per
intenderci). A quel punto ho deciso
di fargli ascoltare un po’ di
brani di band che, mantenendo
una musica comunque oscura e
pesante, avevano dei cantati molto
efficaci ed espressivi, ma perfettamente
in registro maschile e senza
spingersi in acuti
lancinanti. Gli ho
fatto ascoltare Jonas
Renske dei Katatonia,
Peter Steele dei
Type O Negative,
gli HIM, i 69 Eyes,
gli Amorphis, i Paradise
lost, etc…
Mentre stavo preparando
il mio album
ho contattato
Giordano Adornato,
il cantante dei Cayne, che
avrebbe dovuto interpretare il
brano On the Edge of Madness,
scritto insieme alcuni anni prima.
Giordano mi disse che non era più
disposto a cantarla e che avrebbe
voluto farne una sua versione con
l’attuale formazione dei Cayne,
(la canzone che nel loro disco è
diventata A new day in the sun).
Dato che lui non voleva prestare
la sua voce a due versioni diverse
dello stesso brano, ho pensato a
chi altro avrebbe potuto interpretare
efficacemente la canzone. In
quel momento mi sono ricordato
della chiacchierata con Ruggeri e
ho deciso di proporlo a lui. Enri-
co ha immediatamente accettato e
dopo averla cantata si è anche detto
disponibile a partecipare al video.
Devo dire che mi ha fatto un
bel regalo!
All’album è legata anche una serie
di cortometraggi a tema noir:
ce ne vuoi parlare?
Volevo dare al progetto anche una
connotazione visiva che si distaccasse
dai soliti cliché delle band
rock, fatte di tatuaggi, smorfie di
sofferenza, capelli al vento e mossette
da atteggiati eccetera, e che
conferisse un’omogeneità stilistica
al lavoro. A tale scopo ho contattato
diversi registi e tra le varie
proposte sono stato colpito dalla
creatività di Francesco Collinelli,
Vincenzo Ricchiuto e Davide Debenedetti
(Framers). Con loro abbiamo
pensato di ingaggiare due
attori principali ai quali affiancare
come comparse, di volta in volta,
chi aveva preso parte alle registrazioni
dei brani. L’idea era quella di
creare dei video interconnessi tra
loro ma che potessero avere anche
una vita a sé, come dei piccoli
telefilm, dentro ai quali raccontare
delle storie noir incentrate sui
rapporti patologici tra le persone
e sulle vicende umane “estreme”
che possono portarci sul bordo
della follia. Non nascondo che
l’idea di arrivare a un film vero e
proprio ci sta “solleticando” molto,
anche se è un progetto davvero
impegnativo, sia a livello di
lavoro che a livello economico.
Come nasce l’idea di inserire
una cover di Strange World di
Ke?
Quel brano mi è sempre piaciuto
molto; ha una tristezza intrinseca
notevole ed è spiccatamente
introspettivo, ma ha anche una
proiezione positiva verso il futuro.
Volevo da tempo darne una
mia personale lettura, diversa
dall’originale ma anche diversa
dalla versione fatta qualche anno
fa dagli HIM, che a mio avviso
non gli ha realmente reso giustizia.
Secondo me è un buon
brano per chiudere l’album. È un
po’ come dire: “Vabbè, al mondo
ci sono tanti pazzi e tante ingiustizie,
ma cerchiamo di tenere i
piedi per terra, di credere in noi
stessi e andare avanti cercando
di dare il meglio”.
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SQUE
Luca Squeglia è un cantautore romano, ma trevigiano
d’adozione, che ha concentrato le sue esperienze
nel nuovo ep “Something’s Happening”
Sque (A.K.A. Luca Squeglia) pubblica
Something’s Happening, un
ep da cinque canzoni che riunisce
le varie attitudini del cantautore,
romano ma trevigiano d’adozione,
con varie esperienze e vicende interessanti
alle spalle.
Vuoi raccontare la tua storia fin
qui?
Nasco nel 1991 a Roma. Fin
dall’età di 9 anni comincio a prendere
lezioni di canto e chitarra.
A 16 anni, una volta trasferito a
Treviso, sono entrato a far parte
dei “Rent Mind”, progressive
rock band. Una volta compiuti
i 20 anni ho fondato assieme ai
miei amici la prima band che mi
ha portato a fare esperienze di
grandi palchi, i Groov A Nation
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eggae band. Dopo che la band si
è sciolta ho ripreso in mano un
vecchio progetto, dedito a riarrangiare
le canzoni che più mi hanno
ispirato in chiave acustica. Con
questo progetto ho cominciato a
suonare per strada in molte piazze
d’Italia: Bologna, Milano, Torino,
la mia città adottiva Treviso... Con
l’inizio dell’attività da busker è
nato anche il primo ep Something’s
happening, primo passo di un
cammino.
Sei partito dalla strada, nel vero
senso della parola. Che cosa ti ha
lasciato questa esperienza?
Questa esperienza (il suonare per
strada) è quella che ogni volta
che si ripete è diversa, magnifica,
e che ogni volta mi fa capire che
sto camminando dalla parte giusta.
Amo vedere la gente felice,
che ascolta ciò che ho da dire e se
addirittura riesco a mandargli un
messaggio sono ancora più felice.
Questo mi lascia la strada; alle
volte è addirittura più bello che
suonare su palchi enormi.
Puoi spiegare la scelta di cantare
sia in inglese sia in italiano?
Tutto nasce dal fatto che sono
cresciuto ascoltando artisti come
Stevie Wonder, Aretha Francklin,
Etta James, The Police, Jimi Hendrix,
Cream, Otis Redding... Naturalmente
amo anche artisti italiani
quali Ivano Fossati, Fabrizio
De André, Paolo Conte, Celentano,
Dalla... Ma per la maggiore
son cresciuto con artisti stranieri.
Ogni giorno mi sento ripetere:
“Perché non canti in italiano?” E
io rispondo
sempre:
“Bella domanda”.
Come nasce
la title
track, Something’s
Happening?
Something’s
happening
perché
qualcosa
è effettivamente
successo.
Questa collaborazione
con Alter.
(A.K.A.
Giovanni Pezzato), amico e super
produttore, mi ha aiutato a migliorare
l’espressione musicale e
testuale della mia musica (è stato
per me un po’ come Quincy Jones
per Michael Jackson). Se vi capitasse
di scovare qualche mio lavoro
precedente, noterete un abisso
rispetto a quest’ultimo (che è il
primo lavoro del quale vado veramente
fiero).
E invece raccontaci come nasce
l’idea di fare la cover di Attenti al
lupo.
Attenti al lupo? Amo Dalla, l’ho
sempre amato. L’aver poi scoperto
che ha studiato nella stessa scuola
dove ho studiato io qua a Treviso,
mi ha dato la marcia in più per
rendergli omaggio con un mio riarrangiamento
di quella che è forse
la sua canzone più conosciuta.
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LUCA BURGIO
“Versi da bancone” è il nuovo ep del cantautore “giramondo”, come
sempre accompagnato dalla fedele Maison Pigalle
I generi musicali cui fai riferimento
stanno stretti in un ep...
Versi da Bancone si propone come
un lavoro di passaggio, un veloce
momento che unisce la fine di
un periodo e l’inizio di un altro.
Il bancone si consuma in fretta,
è frugale e il formato breve è il
formato dei nostri tempi! La mia
gente è sempre in movimento, vi-
viamo in affitto e cambiamo casa,
città e lavoro sul ritmo frenetico
del tempo. Per questo ho deciso
di fare un breve omaggio alla mia
generazione, anch’essa di passaggio.
Anche la scelta del live in studio,
in cui ampio spazio è lasciato
all’improvvisazione, sta a sottolineare
la frugalità di un momento
irripetibile che passa… in attesa
del prossimo album.
A giudicare da qualche canzone
si direbbe che il rapporto con il
genere femminile non sia sempre
idilliaco...
Au contraire, per fortuna posso
ritenermi soddisfatto sotto quell’aspetto,
ho sempre avuto esperienze
piacevoli, interessanti e divertenti
che nella loro “frugalità” o
longevità mi hanno sempre comunque
arricchito e reso una persona
migliore. Proprio per questo
ne Il terzo incomodo mi sono preso
la libertà di fare ironia su quei
momenti da single che tutti conosciamo
ma che passano in fretta…
qualche volta.
Perché dedicare “La confessione”
alla monaca di Monza?
Marianna de Leyva era una donna
dotata di una mirabile forza,
e la sua sincerità trova risposta
oggi più che mai nella direzione
che stiamo prendendo. E’ come se
stessimo sull’asse dove il tempo si
piega, la fine di un ciclo e l’inizio
di un altro, finiscono le religioni,
i matrimoni, le razze e nascono
convivenze fra coppie miste per lo
più atee o non praticanti che
danno alla luce figli di razza mista
perdendo qualunque traccia di
distinzione. Ma noi siamo ancora
un passo prima di tutto ciò, il
momento di passaggio, quelli che
tutto questo lo stanno iniziando,
mentre le religioni perdono tutto
quello che era sacro in favore di
un più veritiero istinto, come racconta
appunto La Confessione, e
l’intolleranza etnica ha raggiunto
i suoi livelli più estremi vedi In
fondo al mar.
Un tuo punto di riferimento?
Senza alcun dubbio Sono solo canzonette
di Edoardo Bennato. L’ho
conosciuto da piccolo, quando
non avevo la minima idea che un
giorno sarei divenuto un cantautore,
lo amavo perché raccontava
la storia di Peter Pan. Ma crescendo
su quelle note ho cominciato
ad apprezzare il vero significato
e credo di non aver mai ascoltato
un album che raccontasse così
bene la vita dei musicisti. I dubbi
e le scelte di una vita in continuo
contrasto con un’idea del “crescere”
basata su schemi che non
ti appartengono riesce ancora a
strapparmi qualche lacrima.
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LO-FI POETRY
“La mia band” è il nuovo ep del trio Veneto: molte sensazioni alternative,
molta ironia e pensieri molto chiari (?) sull’indie italiano
Qual è la vostra storia fin qui?
Guarda, ti direi: “Niente, assolutamente
niente. Non abbiamo
fatto un cazzo per 10 anni”. Però
poi magari la pubblichi ‘sta roba,
allora meglio inventarsi qualcosa.
No dai, a parte l’aver prodotto un
primo ep, nemmeno andato tanto
male a livello di critica, aver suonato
qua e là -mai su palchi importanti-
ed essere entrati con una
nostra canzone, Omnisessualità,
nella compilation del Vicenza Pride
2013, abbiamo passato la maggior
parte del tempo a cercare bat-
teristi e bassisti (a Vicenza quelli
bravi sono metallari o amanti del
jazz). Be’, anche cantanti. Il batterista
poi l’abbiamo trovato, un
cantante no. E forse meglio così.
Diciamo che è già un miracolo essere
ancora qui e pensare di avere
vent’anni.
Chiamare l’ep La mia band sembra
quasi una dichiarazione
d’intenti...
Ci piace il suono della parola
“band”, anglofono, ironico, un
po’ cazzone. Ci ricorda di essere
nati negli anni ‘80 e aver visto The
Blues Brothers una ventina di volte
e quasi mai sobri. Quando le idee
e i contenuti della tua musica ti rispecchiano,
è facile indentificarsi
con la band. Abbiamo richiamato
la canzone meno rappresentativa
del repertorio, ma ci permetteva
di realizzare l’idea di video che
avevamo in mente: un orsacchiotto
arriva a una festa, si spacca, ci
prova con l’unica orsa presente; gli
va male e uno stronzo un po’ più
sobrio di lui gliela soffia. Ovviamente
non c’è alcun tentativo pedagogico
in tutto questo.
Sembra anche un manifesto anti-indie.
Ne parliamo?
Preferiremmo di no (cit). Sì, sì, ne
parliamo: i musicisti indie sono
tutti un po’ dei coglioni, noi inclusi.
La scena indie degli ultimi
anni è fantastica, ha sfornato fior
di supergruppi e di musica grandiosa,
ha delle peculiarità e dei
tratti originali che all’estero non si
trovano. Ma molti atteggiamenti e
rituali di questi anni sono davvero
ridicoli, basta aprire un profilo
Instagram per accorgersene. Non
siamo certo i primi a fare canzoni
autoironiche sul movimento, ci
sono pezzoni come C’è vita oltre il
Rockit dei Luminal, Sono così indie
degli Stato Sociale, Tropico del
cancro di Appino. E vogliamo parlare
delle parodie delle Coliche?
Le vostre band di riferimento?
Intendi da quali gruppi abbiamo
copiato? Per il secondo brano
il riferimento è ai Giorgieness
(avevamo chiesto alla cantante di
farci un featuring ma senza successo)
e un pochino ai Gomma,
per l’approccio iniziale al cantato
e all’urlato finale; il terzo brano ci
è stato ispirato -diciamo così- dai
Luminal (abbiamo chiesto anche
a loro di mettere la voce venendo
brutalmente ignorati), per la
quarta canzone abbiamo preso in
prestito qualche idea di arrangiamento
da John Frusciante in Before
the beginning e dai Funkadelic
di Maggot Brain, presenti nella
colonna sonora del porno d’autore
Love 3D, mentre l’ultima è un plagio
dei Bachi da Pietra (Enigma,
vi facilitiamo il compito). Per il
resto Afterhours, Marlene Kuntz,
Nirvana, Frah Quintale (per il
prossimo ep), Verdena, Placebo,
Rammstein, Debussy...
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NERO KANE
Con l’aiuto di Joe Cardamone, “Love In A Dying World” è un debutto
ricco di malinconie, decadentismo e influenze americane
In un’intervista di qualche anno
fa ci hai spiegato come i temi
trattati nelle tue canzoni sono
principalmente autobiografici.

Se è vero anche per quest’ultimo
disco, ne esce una fotografia non
troppo allegra dell’ultimo periodo…
Le mie canzoni nascono sempre
da momenti o situazioni difficili.
Ma non è tanto il periodo che influisce
sulla mia scrittura quanto
piuttosto la mia visione delle cose.
Sono tendenzialmente un pessimista
cronico, decadente e che
“ama” perdersi in un certo tipo di
malinconia. Ma è anche vero che
la realtà del mondo che ci circonda
non può che agevolare determinate
sensazioni di straniamento
o di profonda tristezza/insicurezza.
Che cosa ha regalato il lavoro a
Los Angeles con Joe Cardamone
a questo disco?
Oltre all’esperienza umana, unica
e importante che ho vissuto, in
termini tecnici ha regalato una dimensione
precisa e spaziale al disco.
Lavorando con i loops, in una
maniera vicina a quella usata da
Warren Ellis (con il quale Joe ha
anche collaborato) abbiamo creato
un certo tipo di spazialità desertica,
ma anche onirica e malinconica,
che ben si accosta al mio tipo
di songwriting.
Come nasce “I put a spell on
you”, posto che sulle prime pensavo
fosse una cover di Nina
Simone, che tutto sommato sarebbe
stata anche molto adatta
all’atmosfera del disco?
Il brano è nato molto velocemente
dopo una telefonata. In questo
caso riff e parole sono state scritte
assieme subito dopo che ho chiuso
la comunicazione con la persona
alla quale è dedicata la canzone.
Il testo parla di perdita, di fine,
e di quel poco che ne rimane. E’
uno dei brani che caratterizza di
più il disco e che ancora mi coinvolge
molto quando lo suono.
Avete realizzato anche un film
sperimentale per accompagnare
il disco. Che tipo di esperienza è
stata?
Il film è stato un’esperienza magnifica
e a tratti anche divertente.
Magnifica in primis per i luoghi
nei quali ci siamo trovati a girare.
Posti che ti entrano nell’anima
e che ti rimarranno impressi per
la vita. In secondo luogo intensa
per le modalità con il quale è stato
girato. Essendo un film “on the
road” tutto si è svolto in maniera
molto spontanea e libera, ma allo
stesso tempo ricercata e con un
occhio sempre attento, da parte
della regista Samantha Stella, nel
ricercare la cura di certi particolari
e nel dare un certo tipo di narrazione.
Ti va di fare tre nomi di artisti
che ti hanno particolarmente
impressionato o colpito di recente?
Impressionato credo nessuno. Se
devo fare dei nomi ti cito però tre
belle scoperte fatte negli ultimi
tempi: Medicine Boy, Laura Carbone,
Wild Daughter.
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ROBERTO MY
“Flares” è il disco che segna il ritorno sulle scene del cantautore, già attivo
negli anni Novanta e all’inizio del nuovo millennio con la sua vecchia band,
i Volcano Heart
Dieci anni dopo la fine della tua
band, eccoti a pubblicare l’esordio
da solista. Che cosa ti ha
spinto a questa ripartenza?
In realtà Afternoon Pleasures, l’ultimo
disco dei Volcano Heart, la
band da me fondata a metà anni
Novanta, nei miei primi anni di
vita universitaria a Bologna, è
uscito nel 2005. Quindi di anni,
prima di questo mio nuovo album
Flares, ne son passati tredici. Veramente
tanti. Era già da qualche
tempo che avevo provato a ripartire,
perché dopo 5-6 anni di totale
digiuno musicale la mia fame era
enorme. La lontananza dalla musica
suonata è iniziata con il mio
trasferimento per motivi di lavoro
a Roma, dove vivo. Nel 2012 ero
anche riuscito a rimettere su una
band con la quale avevamo iniziato
a scrivere e arrangiare dei nuovi
brani, ma il tentativo è naufragato
quasi sul nascere. Quando non
si hanno più vent’anni, per stare
in un gruppo che vuole scrivere e
suonare la propria musica bisogna
essere davvero motivati, perché c’è
il lavoro, magari per qualcuno i figli,
e quindi ci siamo sciolti prima
ancora di scegliere il nome della
band. Ma ormai io avevo riassaporato
il piacere di tornare a fare
musica e non volevo più smettere.
Ho continuato quindi con l’aiuto
di un pedale che produce loop per
chitarra (il mio “amico immaginario”),
perché per me è fondamentale
tessere trame polifoniche, e
in questa veste ho fatto pure qualche
concerto in dei piccoli club a
Roma, tipo il Klamm o il B-Folk,
posti ai cui gestori non smetterò
mai di essere grato per l’ospitalità
che danno ai musicisti indipendenti.
Nel 2017 ho deciso che i
tempi per un nuovo disco erano
maturi e ho chiesto alla mia amica
Micol Del Pozzo (che nel disco
suona il basso) e a Pasquale Montesano
(il batterista della band
romana Mia Wallace) se avevano
voglia di darmi una mano nell’arrangiare
e incidere i brani che avevo
scritto e per fortuna la risposta
è stata positiva.
Come nascono le canzoni di Flares?
Lavoro distribuito nel tempo
oppure scritte di getto?
I brani di Flares sostanzialmente
appartengono a due periodi. Uno
un po’ più datato, che coincide col
2012, l’anno in cui ho tentato di
rimettere su una band. A questo
periodo appartengono canzoni
quali Last Summer Ruins, My Sign
on You (Part 1) e Black Sky, brani
in cui credo sia forte l’influenza
del grunge e dell’indie rock americano.
Ci sono poi brani scritti
più a ridosso della registrazione
del disco: Motherland, World of
Sound, My Sign on You (Part 2) e
Congo. Credo che in questi brani
si possono cogliere influenze molteplici,
che travalicano i due generi
di riferimento che citavo prima.
Immagino sia cambiato molto
nel modo di lavorare rispetto a
quando eri con la band. C’è qualcosa
che ti ha sorpreso, anche a
livello di sensazioni, nel rimettere
le tue canzoni su disco?
Effettivamente sì. Prima con i
Volcano Heart, gran parte del lavoro
di scrittura veniva fatto in
sala prove, insieme alla band. Flares
invece è un disco che è nato
in solitudine con un lungo lavo-
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o preparatorio, soprattutto per
le canzoni scritte a ridosso della
registrazone. Ovviamente è stato
soltanto andando in sala a suonare
con Micol e Pasquale che i brani
hanno potuto sviluppare appieno
la loro energia. Il loro è stato un
apporto preziosissimo, così come
quello di alcuni ospiti quali Federico
Festino (della band danese
Me after You) al piano elettrico
in due brani e di Gianluca Varone
che suona il sax tenore in un
brano. Entrambi in passato hanno
fatto parte, per un breve periodo,
dei Volcano Heart. Ho provato
vera e propria gioia nel tornare in
studio dopo tanti anni, anche perché
ho registrato il disco con Danilo
Silvestri nel suo GreenMountainAudio
a Roma, ed è stato bello
vedere le canzoni assumere una
forma compiuta. Sono grato a Danilo
per il suo sapiente lavoro sui
suoni e per avermi messo completamente
a mio agio durante la registrazione
dell’album.
Quali sono i dischi che hai ascoltato
di più durante il lavoro sul
disco?
Di musica ne ascolto veramente
tanta, e anche di generi differen-
ti. E’ un vero nutrimento per me.
Giusto per citare un paio di nomi
che ricordo aver messo spesso sul
piatto durante il periodo della registrazione
dell’album direi Here
Be Monsters dei Motorpsycho e
Micah P.Hinson and the Opera
Circuit di Micah P.Hinson.
Flares contiene sei brani: si direbbe
che stai testando un po’
l’acqua ma che magari stai già
pensando più in grande. E’ previsto
un lp all’orizzonte oppure è
una prospettiva ancora lontana?
Per la verità io Flares, che ha una
durata di circa 35 minuti, lo considero
un lp. E’ vero che sono solo
sei brani, ma molti di essi sono
assai lunghi. My Sign on You per
esempio è in due parti, una cantata
e una strumentale, e insieme
fanno quasi dieci minuti di musica.
Molti dei dischi delle band che
ho amato di più, penso ai primi
dei Karate e di Will Oldham/Bonnie
Prince Billy, o a Insignificance
di Jim ‘O Rourke, hanno più o
meno la durata di Flares. Se devo
pensare in grande dovrei rispondere
che il prossimo sarà un doppio
album! E perché no?
http://www.minollorecords.com
http://www.facebook.com/RobertoMyBand
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A RED IDEA
Preceduto dai singoli “Fear” e “My Memories” esce “Bed Sea Walks”,
il disco d’esordio del musicista veneziano, (Beautiful Losers), tra echi anglosassoni
e continua voglia di variare
Bed Sea Walks è il tuo esordio:
vuoi raccontare come sei arrivato
fin qui?
Ci sono arrivato a poco a poco,
tra dubbi, pause, e repentini passi
avanti... Le canzoni le ho compo-

ste negli ultimi anni, poi quando
ho contattato Andrea Liuzza di
Beautiful Losers, le cose si sono
messe in moto e abbiamo lavorato
sugli arrangiamenti e i mix. In
pratica è il risultato di un lungo
processo di maturazione, frutto
degli anni trascorsi a suonare nei
contesti più vari, con altri autori,
in formazioni jazz e così via. Volevo
un disco che si ispirasse al
rock più classico, ma allo stesso
tempo accogliesse e rielaborasse le
sonorità più contemporanee della
scena musicale odierna. In altre
parole, un disco moderno ma con
radici solide!
Mi sembra che a livello sonoro
tu sia andato alla ricerca della
varietà: si va dall’alternative al
blues, dall’acustico all’elettrico,
hai anche affidato le voci a Teresa
Sartore talvolta…
Sì è vero. Credo che ogni volta che
finisco una canzone, poi per quella
dopo vado a cercare qualcosa
di completamente diverso. Come
se avessi voglia di mettermi alla
prova... ‘Ho fatto una canzone con
chitarre elettriche? Allora adesso
una acustica, oppure piena di
sintetizzatori.’ ‘Una lenta? Allora
la prossima sarà molto ritmata’, e
così via.
Proprio a proposito di Teresa:
come nasce la vostra collaborazione?
Direi principalmente dal fatto che
mi piace l’idea di poter collaborare
con qualcuno che abbia delle
caratteristiche vocali completamente
diverse; offre la possibilità
di esplorare nuovi territori. Come
un pittore che avesse accesso a dei
colori nuovi. Teresa ha una voce
da cantante americana di soul o
jazz, che può cantare note che io
non raggiungerei neanche se cantassi
in falsetto. Ovviamente fare
cantare una canzone a qualcun
altro è difficile, non hai più il controllo
che hai sei fai tutto da solo,
hai la sensazione che la canzone ti
possa sfuggire di mano... Ma con
Teresa ne è valsa la pena!
Come nasce “My Memories”?
È la canzone composta più di recente.
È una canzone melodica,
un po’ beatlesiana, forse un po’
triste e con un testo che vorrebbe
trasmettere un senso di nostalgia.
Anche l’uso di Mellotron, di campanelle
e di percussioni da
bambini, contribuiscono a
creare un’atmosfera di altri
tempi. Volevo che fosse
una canzone allo stesso
tempo orecchiabile ma
non scontata, spero ci siamo
riusciti.
Ascoltando il disco mi
sono venute in mente
comparazioni internazionali
con il pop anglosassone,
come Badly
Drawn Boy e Prefab
Sprout. Ma quali sono i
tuoi capisaldi musicali?
Sicuramente i miei riferimento
sono internazionali, e
principalmente anglosassoni. Comunque
negli ultimi anni mi hanno
segnato i dischi di artisti come
Unkown Mortal Orchestra, King
Krule, The Antlers, Fleet Floxes,
Thundercat, Midlake. Tra gli italiani
Giorgio Poi e Andrea Laszlo
de Simone. Ma se ne potrebbero
citare tanti altri…
Ci puoi regalare una playlist dei
brani migliori da “accompagnare”
all’ascolto del tuo disco?
Se guardo a quanti bei dischi e
canzoni escono adesso, credo non
saprei neanche da dove cominciare.
Quindi forse meglio ripescare
qualche classico, ascolti fondamentali,
se qualcuno non li conoscesse.
Per esempio:
- Ballade de Melody Nelson
(Serge Gainsbourg)
- Sad eyed lady of the lowlands
(Bob Dylan)
- Ol 55 (Tom Waits)
- And you and I (YES)
- Harold the Barrel (Genesis)
- Oh my love (John Lennon)
- Next to you (Police)
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I MIEI MIGLIORI
COMPLIMENTI
#cinqueminuticon
E’ partito raccontando le vicende
di un amore fallimentare e ha
continuato così. I Miei Migliori
Complimenti, alias Walter Ferrari,
dopo aver parlato de Le disavventure
amorose di Walter e Carolina,
primo ep uscito nel 2015 che
ha smosso le acque dell’itpop, ha
messo in fila una serie di singoli
ora raccolti in Le cose cambie-
ranno, che ne hanno amplificato
il successo. Ed eccolo qui, a parlare
di sua madre, di Shazam, di
Aladdin e di tette piccole.
In Colazione da Gattullo dici
che tua madre al 93% ha sempre
ragione, e quindi devo chiedertelo…
quel 7% di errore a cosa
si riferisce? Ti sei mai pentito di
non aver dato retta ai suoi consigli?
La verità è che mia madre ha sempre
ragione. Mi sono tenuto quel
7% come margine mio ma è prettamente
simbolico. E’ incredibile
come abbia avuto ragione in tutto:
con la mie ex, sugli amici, sul lavoro.
Non mi pento di non avere
seguito i suoi consigli perché
sono quello che sono sbagliando.
Ogni scelta che faccio devo sempre
tenere conto del fatto che mia
madre avrà ragione e quando e se
avrà torto allora sarà quel 7%.
I tuoi brani sono tutti potenziali
singoli. Li hai raccolti in due ep,
Le avventure amorose di Walter
e Carolina e Le cose cambieranno.
Quali sono i pezzi a cui sei
particolarmente legato?
Shazam e Ricalcolo sono quelli
che prediligo in questo momento.
Però vado a molto a periodi. È
una cosa che mi dicono in molti
tra quelli che si sono affezionati
al progetto. È come se I miei migliori
avesse vari livelli di lettura.
Parliamo di Sabato… Ma poi
hai confermato la teoria “Piccole
tette grande cuore”? Così
regaliamo speranza alle nostre
lettrici non particolarmente
formose! Scherzi a parte, mi ha
molto incuriosita la tua frase
“esprimo un desiderio e poi libero
il genio, meglio libero lui
che un altro desiderio a me”.
Hai bisogno di protezione da
quello che desideri, come dice
Capossela?
Che le tipe con le tette piccole
abbiano un grande cuore è ovvio.
A una data del tour una tipa
mi ha dato del maschilista per
questa frase, diceva che era poco
rispettoso verso le ragazze. Però
sapeva tutte le canzoni a memoria.
Esprimo un desiderio e poi
libero il genio è una citazione al
film della Disney Aladdin. Con
il terzo desiderio Aladdin libera
il genio. E’ una grande dimostra-
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zione di amicizia e di gratitudine.
È chiaramente la parte più bella
del film. Aladdin libera il genio
perché non ha più nulla da desiderare.
Non è così avaro da volere
desiderare qualcosa in più di
inutile e superficiale. E’ felice così
com’è. Secondo me quando una
persona è felice e ha la possibilità
esprimere un desiderio dovrebbe
liberare il genio. Per esempio: soffi
sulle candeline al tuo compleanno,
puoi esprimere un desiderio ma
se sei a posto con te stesso allora
potresti liberare il genio delle candeline
del compleanno. Insegnerò
questa cosa ai miei figli.
Visto che con ironia ti lamenti di
chi utilizza Shazam per scoprire
i mostri sacri della musica, dicci
la verità… quali sono le ultime
shazammate che troviamo nella
tua app?
Bello:
Pino Daniele - Resta quel che resta
Calabi - Le terrazze
Thirty Seconds to Mars - Rescue
Me
Fleetwood Mac - The Cain
Level 42 - Running in the Family
La metà non ho idea di cosa siano.
Chiudiamo con la playlist: qualche
brano che magari non è troppo
conosciuto, o piccoli grandi
capolavori che tutti conoscono e
che ci facciano compagnia finito
di leggere questa intervista!
Mia Martini - Piccolo Uomo
The 1975 - TOOTIMETOOTIME-
TOOTIME
Bad Bunny - Tenemos Que Hablar
Mèsa - Oh Satellity
Ida Maria - Oh My God
Chiara Orsetti
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MEDICAMENTOSA
“Flood” è il terzo ep per il producer Bruno Mari, dopo “Iraglas” (2015)
e “Ubuntu Cola” (2018). Un lavoro diviso marcatamente in due parti
(una più sospesa e meditata, l’altra più psichedelica)
Vorrei sapere da quali presupposti
(soprattutto sonori) hai
iniziato a lavorare su questo tuo
nuovo ep?
I presupposti erano quelli di fare
dei pezzi che sfociassero l’uno
nell’altro e che seguissero un filo,
un sentiero comune. Dal punto
di vista sonoro ho ascoltato molta
musica psichedelica negli ultimi

tempi e volevo che ci fosse quella
componente di fluidità, di morbidezza
ed evocatività. Ma anche
che ci fosse un certo ritmo calzante
e a tratti ballabile. Ho riunito
varie idee e le ho accostate per
creare un discorso, anche sonoro.
Il concept dell’ep fa riferimento
a una possibile vita futura sottomarina.
Come ti è venuta l’idea?
L’idea mi è venuta in parte da
una mia fissa storica riguardo
a Darwin e all’evoluzionismo.
Mi piacerebbe davvero vedere il
frutto del tempo che passa e che
migliora la genetica umana per
renderci diversi, anche capaci di
vivere sott’acqua o in aria. Io poi
sento di stare veramente meglio
quando sono in acqua, è un po’
più facile per me fluttuare che
camminare e sentire il peso della
gravità (o nella gravità). Inoltre ci
sono stampe dell’epoca del futurismo
che immaginandosi il futuro
ritraggono uomini sott’acqua a
cavallo di delfini e di balene. Mi
piaceva molto l’idea e rientrava
nel concept che si stava formando
quando scrivevo il disco.
“Avremo le ali e le branchie” è
pezzo centrale nel disco, forse
non solo per collocazione. Vorrei
sapere come nasce
Il pezzo nasce essenzialmente dal
riff di chitarra. Da lì mi è venuto
tutto molto spontaneo: l’arrangiamento,
i suoni, il testo. Si è trattato
solo di metterla giù. Quel riff
mi dava l’idea di qualcosa in volo
che guarda con malinconica gioia
la terra e si immagina un futuro
diverso, una strana piega degli
eventi. È uscita molto naturalmente.
Tre nomi dell’elettronica contemporanea
di cui consigli l’ascolto
Ci sono tanti artisti validi in questo
campo ma mi sentirei di consigliare
The Blaze, Rival Consoles
e Daniele Sciolla.
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NEVICA
Torna sulle scene il musicista e produttore Gianluca Lo Presti per dar
vita a un nuovo percorso musicale in cui fondere le anime dei suoi precedenti
progetti Nevica su Quattropuntozero e Nevica Noise
Murakami, Scardovelli, Lo Presti:
mi spieghi in che modo questo
“triangolo” dà fondamento ai
concetti del tuo nuovo album?
Più che un trangolo mi immagino
una linea curva dove Murakami e
Scardovelli sono dei punti “guida”
e io un punto immensamente più
piccolo in movimento. Cronologicamente
ho conosciuto prima
Murakami attraverso la lettura del
romanzo 1Q84, me ne sono innamorato
e ho divorato quasi tutti i
suoi libri nel giro di poco tempo.
Di Scardovelli mi fece vedere un
video su Youtube un caro amico
circa 3 anni fa e anche qui è stata
una folgorazione. Diciamo che
queste due figure sono riuscite a
darmi delle risposte concrete a
cose che cercavo nella mia vita
senza averci avuto contatti reali,
molto più di tante persone che
ho incontrato. Nel loro pensiero
ho trovato una chiave di lettura
del mondo che mi appartiene totalmente
o quasi. Sono i cosidetti
rapporti “animici” cioè quando
entri in risonanza perfetta con
qualcuno o qualcosa. E sono accadimenti
molto rari. L’album
fondamentalmente racconta tutto
questo percorso interiore rivisto
coi miei occhi e anche con immagini
autobiografiche.
Si chiude la tua Trilogia dell’anima:
in te prevale un senso di
“completezza” oppure ti sei reso
conto di aver lasciato fuori qualcosa
di importante?
In realtà Tengo è il secondo capitolo
della trilogia iniziata con
Sputnik, il lavoro precedente di
natura strumentale. Nei miei progetti
dopo ci sarà un terzo album
che completerà il tutto collegato a
essi. Il senso di completezza non
lo avverto
mai, mi
concepisco
come un’anima
in
cammino
sempre alla
ricerca di
qualcosa.
Non ritengo
corretto
fermarsi
nella vita
ma andare
sempre avanti. Magari percepisco
che sono sulla strada giusta allora
più che completezza provo un
senso di soddisfazione e appagamento
che è il carburante indispensabile
per proseguire.
Dal punto di vista sonoro trovo
che il disco sia più eterogeneo
dei precedenti. Scelta progettuale
o spontanea?
E’ stata una scelta spontanea. In
realtà volevo fare un album che
suonasse tutto come Il nostro suono,
il brano di apertura, che ritengo
da un punto di vista di sound
come una perfetta sintesi dei miei
lavori precedenti. Poi man mano
40 41

le cose sono andate diversamente,
ne è uscito un disco molto più
eterogeneo, sono d’accordo. E’ importante
non forzare mai il processo
creativo in quanto non sei tu
che decidi certe cose ma sei solo
“un’antenna” che capta dei segnali
e non puoi far altro che ritrasmetterli
filtrati al massimo dalla tua
personalità. E’ un concetto difficile
da accettare.
Trovo molto curiosa proprio Il
nostro suono, anche per la sua
storia, relativa a un acufene...
L’acufene è un problema comune
di molti musicisti. Tra gli esempi
più famosi c’è Caparezza e il
cantante dei Coldplay, per non
parlare di Beethoven. Ho iniziato
a soffrirne proprio nel periodo
che mi accingevo a comporre
questo disco ed è singolare come
coincidenza. Infatti Il nostro suono
è proprio il primo brano che
ho composto. Ho letto molte cose
sull’argomento e da un punto di
vista energetico-spirituale rappresenta
un richiamo a se stessi,
un monito che viene dalla nostra
anima che ci invita a non farci distrarre
dal mondo esterno spesso
superficiale e mutevole, a mantenere
la concentrazione su noi stessi
sul nostro io. E’una teoria molto
affascinante che ti aiuta ad accettare
meglio una cosa con la quale
sai che dovrai convivere per sempre.
Per fortuna nel mio caso non
mi ha dato problemi particolari
per cui continuo tranquillamente
a fare la mia professione, ma inizialmente
ero preoccupato.
Dall’alto della tua esperienza, chi
ti ha colpito di più negli ultimi
tempi, nella musica italiana?
Avrei sperato di evitare questa
domanda ma risponderò con sincerità:
trovo l’attuale panorama
musicale italiano molto desolante
e povero di idee e contenuti. Ma
è assolutamente al passo con la
società attuale quindi è coerente.
Viviamo un mondo dove abbiamo
dimenticato noi stessi,dove
abbiamo mercificato tutto, anche
le relazioni umane sono diventate
inesistenti. I social ne sono
la testimonianza. Il denaro è la
cosa più importante persino del
nostro tempo. Ci si trova dentro
un vuoto esistenziale senza
precedenti per cui se è vero che
l’arte è lo specchio della società
che rappresenta, non puoi sperare
di questi tempi di incontrare
un nuovo De Andrè o Battiato.
Ci sono però delle eccezioni rare
ma sono nascoste nel sottobosco
della musica, si devono cercare,
non stanno in superficie. Per essere
onesto eviterò di citare artisti
coi quali ho lavorato ma un
paio di musicisti della mia zona
che reputo decisamente sopra la
media: Aldo Becca e Pieralberto
Valli entrambi cantautori “trasversali”,
dei veri e prorpri outsider
fuori dagli schemi, consiglio
di ascoltarli. Qui capisci che per
fortuna c‘è ancora speranza che
il bello esiste e difficilmente morirà.
Al massimo viene tenuto
in ombra perché potrebbe creare
qualche scomodità. Ma qui si
aprirebbe un discorso che allungherebbe
troppo l’intervista!
42 43

GROUND CONTROL
“Untied” è il disco d’esordio della psycho-stoner band emiliana che trae
evidente ispirazione “ideale” da Bowie ma anche dal mondo della cinematografia
Volete raccontare la (non lunghissima)
storia della vostra
band fin qui?
La band nasce casualmente il 10
di gennaio del 2017 a un anno
esatto di distanza dalla morte di
Bowie, quindi da qui l’idea del
nome della band come una sorta
di omaggio. La band è formata
da Marco Camorani alla chitarra,
Pietro Albera alla batteria e Marco
Ravasini alla voce a cui dopo
sole poche settimane si è aggiunto
Jambo Iori al basso, siamo tutti
musicisti da diversi anni in attività
nella scena emiliana. La ricerca di
un sound particolare ci ha portato
sin da subito a sperimentare, metterci
alla prova per cercare una
nostra identità che fosse la perfetta
espressione dell’unione delle
nostre quattro differenti sensibilità
artistiche; dopo poco l’abbiamo
individuata con la musica che
facciamo, un genere che ci piace
chiamare psycho-stoner ma un
genere che forse in realtà nemmeno
esiste ufficialmente... Quello
che potete ascoltare nel nostro disco
Untied uscito a dicembre.
Dal punto di vista sonoro direi
che il vostro disco punta verso
un suono molto compatto e potente.
Avete un metodo di scrittura
delle canzoni o vi affidate
all’ispirazione del momento?
Grazie. Quello che cerchiamo di
fare è non darci limitazioni, cercare
di non seguire cliché e strade
troppo battute. Non seguire a
tutti i costi una struttura precisa
di canzone nella quale debba per
forza esserci una strofa o un ritornello
piuttosto che un assolo di
chitarra nel punto in cui tutti se lo
aspetterebbero... Seguiamo il più
possibile l’ispirazione e ci lasciamo
andare
completamente,
senza
rimorsi.
Una dimensione
fondamentale
dove abbandonare
l’autocontrollo
e
dove sentirsi
davvero liberi, dove trovare
conforto e sentirsi parte di qualcosa,
esprimere sé stessi attraverso
la musica intesa come creazione,
senza la paura di sentirsi assoggettati
a regole e dogma predefiniti.
Come nasce “Kaputt Mundi”?
Kaputt Mundi nasce da una jam
session strumentale di sole batteria
e chitarra, materiale registrato
insieme a tanto altro per un successivo
riascolto a freddo. La cosa
che ci colpiva riascoltando il riff
di chitarra e il groove di batteria
era la ripetitività a ciclo chiuso, il
fatto che potenzialmente poteva
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testo, in parte già scritto in precedenza,
che parla di quanto sia
difficile continuare a confrontarsi
con la società odierna, che osteggia
e disincentiva le diversità in
favore di comportamenti massificati
e omologati. Anche qui c’è
un sample molto interessante recuperato
dagli archivi storici Rai,
un telegiornale andato in onda
nel 1971 che parlava di politica ed
esteri che ci fa capire che in quasi
cinquant’anni di fatto le cose non
sono migliorate poi molto.
Posto che l’ingrediente Bowie
è piuttosto evidente nel vostro
mix, quali sono gli altri capisaldi
della vostra discografia?
Le influenze sono senz’altro innumerevole
e a volte anche molto
diverse tra loro. Altri artisti
che in qualche modo ci ispirano
e ci contaminano sono senz’altro
Nine Inch Nails, Biffy Clyro,
Queen of the Stone Age, Kyuss,
Metallica e Dream Theater ma
anche i nostrani Afterhours e
Ministri.
essere suonato all’infinito. Abbiamo
quindi cercato di sviluppare
questa idea e questa sensazione
attraverso l’utilizzo ripetuto del
sample di Benigni e attraverso un
testo che esprimesse questo tipo
di disagio in modo parossistico e
in modo ossessivo e claustrofobico
esprimesse l’incomunicabilità
del nostro tempo. Il testo di fatto
è ispirato alle tematiche belliche
dell’omonimo libro di Ben Pastor,
attualizzate ai giorni nostri.
Un altro brano che mi ha incuriosito
molto è Italiani brava
gente: potete raccontarne la genesi?
Italiani Brava Gente chiamata tra
di noi anche IBG, è il primo brano
che abbiamo scritto insieme. Nasce
da un’intro strumentale quasi
noise sul quale è stato inserito un
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ANDREA ARDILLO
Tra guerre antiche ed emozioni contemporanee, esce “Uomini, bestie ed
eroi”, primo disco appartenente a una trilogia con protagonista un’umanità
dolente ma capace d’amore
Uomini, bestie ed eroi è il primo
capitolo di una trilogia. Vuoi
raccontarne i concetti base?
Sostanzialmente potrebbero essere
una serie di racconti con protagonista
un’umanità dolente, non
priva di dignità, talvolta affetta
da viltà e cattiveria, talvolta vittima
di sé stessa, eppure in qualche
modo capace di amore, di grande
generosità e di poesia. Un po’
come siamo fatti tutti, no? Forse
questo è il motivo per il quale
UB&E sta arrivando a tanta gente,
pur non essendo un disco facile.
Molte delle canzoni del tuo disco
parlano di guerre lontane
nel tempo e spesso dimenticate,
ma mi sembra che il tuo sforzo
sia quello di mostrare le analo-
gie con le guerre presenti, che
saranno anche più tecnologiche
ma non fanno meno schifo.
Fanno ancora più schifo proprio
perché tecnologiche. Al progresso
materiale non siamo ancora riusciti
ad affiancare un progresso
della mente e dell’anima.
I testi di questo disco sono legati
a filo doppio con la poesia, dalla
citazione shakespeariana del
primo brano in avanti. Che cos’è
per te la poesia, a parte un’evidente
fonte di ispirazione?
Ho chiarissima la distinzione fra
poesia e canzone, seppure credo
siano nate assieme come un’unica
cosa attorno ai fuochi dei nostri
antenati costretti a rifugiarsi nelle
grotte. Se parliamo di poesia in
senso lato, c’è poesia ovunque, soprattutto
nelle piccole cose, nelle
quali più facilmente intravediamo
l’ombra di cose più grandi. Mi
spiego meglio: tu vedi una mela
e puoi fermarti lì. Poi passa un
matto, o un poeta, e vede la stessa
mela. E il miracolo della vita; e
il suo colore che cambia col trascorrere
della giornata, o se una
nuvola oscura il sole. E si interroga
sul suo sapore, sul perché a te
piace e a me no. E tutto questo,
se espresso con i dovuti accorgimenti,
quasi fosse uno sciamano
che sta preparando una pozione
magica, diventa poesia. O, alternativamente,
se non sta lì a tirarsela,
magari diventa canzone.
Cosa ti ha spinto a chiudere il
disco con una canzone così significativa
e controversa come
Gorizia, tu sei maledetta?
Nel 2005, su un giornale trovai
riportata la notizia che a Massa
Carrara, durante una delle manifestazioni
sostanzialmente farlocche
che fingono rispetto per
il Milite Ignoto e per i Caduti di
tutte le Guerre, una signora fra la
folla aveva intonato questa canzone
ed era stata subito identificata
ed espulsa dalla piazza dai
carabinieri. Ancora nel 2005, una
canzone del 1916! In quel momento
ho deciso che un giorno
avrei cantato quel brano. Ed è
successo. Quando ho registrato
Su Patriotu con Marti Jane Robertson,
a fine sessione, negli ultimi
quindici minuti, ho buttato
giù la versione del brano che sta-
48
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vo provando da un paio di giorni.
Che poi è quella che senti in chiusura
del disco.
Hai rinnovato la tua collaborazione
con Giovanni Coda firmando
la colonna sonora di
Mark’s Diary, che comprende cover
e originali interpretati da te.
Che cosa ha rappresentato per te
questo lavoro?
Ho cominciato a collaborare con
Giovanni Coda quando lui ha realizzato
Xavier, un corto per il
quale ho buttato giù una parte di
chitarra di un paio di minuti. Per
Mark’s Diary, che ha una struttura
narrativa complessa, anche a
causa del tema non proprio facile
- ovvero il rapporto fra disabilità
e sessualità – serviva qualcosa di
incisivo ma semplice. E
qui arrivo io, con le mie
versioni “andrillizzate”,
ovvero riarrangiate
fino al midollo, ma in
qualche modo riconoscibili
e godibili di brani
di Smiths, Blondie,
CCCP, De Andrè… e
con diversi miei brani
inediti. Il film è anche
un omaggio alla danza,
alla poesia, oltre a
essere una fucina di interrogativi,
un pugno
nello stomaco dato con
dolcezza (ma neppure
tanta), quando vai
a curiosare finalmente
dietro alle porte delle
stanze nelle quali vivono
reclusi, carcerati
eterni, tanti disabili che anelano
a una carezza d’amore, o anche a
una sana e salutare scopata. E non
la possono avere. Per me andare
oltre quelle porte è stato entrare
in un mondo che neppure immaginavo
esistesse. Ma è anche stato
collaborare con artisti favolosi,
performer, danzatori, trasformisti,
pittori, cineasti, altri musicisti –
ricordo Cosimo Morleo e Arnaldo
Pontis, che con me firmano la
colonna sonora del film. Ho allacciato
le cinture, come raccomandava
Giovanni, e ho fatto un meraviglioso
balzo nel vuoto. Questa
esperienza diventerà il secondo
capitolo della mia trilogia, un album
che uscirà entro pochi mesi
con sette “andrillizzazioni” e quattro
inediti. Poi per il 2020, sempre
se sarò vivo, romperemo ancora
gli schemi per un ultimo salto nel
vuoto, con le canzoni, si spera, a
fare da cuscinetto fra la dura terra
e il cielo.
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AFTERHOURS
“PADANIA”
#quellochesentivo
Padania è il nono album degli Afterhours, uscito il 17 aprile 2012. La canzone
omonima è il secondo singolo estratto dal disco e vede una doppia versione
del video, la prima con Manuel Agnelli protagonista, la seconda con
Giorgio Prette.
Il confine tra quello che hai e
quello che vuoi è impercettibile.
È disegnato in un campo di una
zona industriale qualsiasi, cancellato
dalla pioggia che ha sostituito
la neve creando un pantano. In
quel pantano ci affondano i piedi,
ci rimangono incollati i pensieri,
si sporcano e si inzuppano.
Ed è proprio quando provi a infilarci
le mani che ti rendi conto di
non saper sbrogliare la matassa di
idee confuse che ti ritrovi davanti.
La sigaretta con il vento non riesce
ad accendersi, il demone che
ti abita con questo freddo si rintana
ancora di più tra le tue pieghe,
cucito addosso come il vestito
delle occasioni mancate, pronto a
ricordare che puoi lasciarti andare,
ma che anche questa volta
cadrai… nel nulla di sempre.
Due ciminiere e un campo di neve
fradicia
Qui è dove sono nato e qui morirò
Se un sogno si attacca come una
colla all’anima
tutto diventa vero tu invece no
Ma puoi quasi averlo sai!
puoi quasi averlo sai!
tu puoi quasi averlo sai!
E non ricordi cos’è che vuoi
Ha ancora un senso battersi contro
un demone
quando la dittatura è dentro te?
lotti, tradisci, uccidi per ciò che
meriti
fino a che non ricordi più che cos’è
puoi quasi averlo sai!
puoi quasi averlo sai!
tu puoi quasi averlo sai
e non ricordi cos’è che vuoi
Fare parte di un amore anche se è
finto male
fare parte della storia anche quella
più crudele
liberarti dalla fede e cadere finalmente
tanto è furbo più di noi
questo nulla questo niente
Chiara Orsetti
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