Antropofagia e Alteridade - CFH

Revista Virtual de Ciências Humanas - IMPRIMATUR - Ano 1 - Dezembro de 1999 Nº. 4
E em Volpi também percebemos nosso eu projetado sob a forma de um vocabulário que nos é
inteligível. São bandeirinhas, janelas, portas, ... transubstanciados numa aventura cromática e de
pesquisa sem fim.
No entanto, será somente com Oiticica e Lygia Clark que o diálogo obra/público se instaura de
maneira absoluta, onde a participação do público se torna condição necessária de realização da
própria arte.
A fruição em si passa a ser proposta de arte.
*
E é na fruição como arte que o sujeito reconstitui o processo de produção do artista, como
concreção do próprio impulso interior de que a obra nasceu. O diálogo que se estabelece entre a
obra e o público realiza-se no campo das vivências interiores, a obra fala à intimidade do homem
e não apenas à sua exterioridade sensorial. Os trabalhos tornam-se então “receptáculos abertos a
significações”.
Em Oiticica o aspecto identitário brasileiro – a cor – permanece. “A compreensão da monocromia
como condição moderna e eminentemente contemporânea atravessa toda a obra de Hélio
Oiticica...” (Venâncio Filho, 1998, p.224). Mas agora o que se busca são novas formas de se
alcançar o eu do indivíduo/espectador. A cor tem a sua função, pois a cor não se conforma a
nenhum limite. E, dessa forma, Oiticica a liberta da relação figura/fundo e da pintura de cavalete,
transformando-a em obra. Agora, a cor é o objeto e o objeto é a cor. A obra torna-se o corpo da
cor.
A cor é utilizada para se quebrar a distância que separa a obra do público. O trabalho com o
branco procura reduzir o contraste, induzindo à proximidade e estimulando a introspecção. Mas a
intenção de Hélio era extroverter, projetar. Daí sua proposta de uma cor energética, solar,
luminosa. Em sua arte o objeto deve ser um emanador de cor.
Mas mais do que a cor, a proposta de Oiticica era a de redefinir a arte como uma atividade lúdica,
aberta à interferência do público e ao imprevisível. “A produção de Oiticica, a partir dos
Parangolés, é nitidamente marcada pela busca para integrar a arte na experiência cotidiana. É a
recusa do amedrontamento perante um mito. A proposta da ‘Antiarte’ consiste em sensibilizar o
cotidiano por meio da repotencialização do ‘coeficiente’ criativo do indivíduo. O artista torna-se
agora o motivador da criação, que só se realiza com a participação do ‘ator/espectador’. Ele reúne
elementos e recursos diversos como cor, estrutura, música, dança, palavra e fotografia, no que
define como ‘totalidade-obra’. É por meio da experiência com a cor que Oiticica rejeita a
dicotomia objeto/sujeito. Funda a obra na própria relação com o sujeito que, ao realizá-la, efetiva
uma operação que o leva a si mesmo, a um autoconhecimento.” (Matesco, 1998, p.386).
Em Cildo Meireles, o mesmo estranhamento do olhar se dá entre o eu e o outro (a obra). Em
Desvio para o vermelho, o desvio consiste em afastar-se do sentindo que pareceria mais evidente,
para enveredar por sinuosidades. Saímos da identidade em direção à diferença. O que se vê é o
que não se vê...
*
No entanto, talvez seja em Lygia Clark que possamos encontrar a máxima da fruição tida como
arte. Na verdade, sua intenção era fazer da própria existência uma obra de arte. Com Lygia, o
objeto artístico torna-se um quase nada, reduzido apenas ao seu essencial, “...aquilo que opera, no
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