Trinta anos depois de revolucionar os quadrinhos, Angeli faz ...

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geraçÃo multifacetada
Os músicos Romulo Fróes,
Kiko Dinucci, Rodrigo
Campos e Marcelo Cabral
conciliam experiências e
estilos no coletivo Passo Torto
MUITO ALÉM DOS
CINCO SENTIDOS
Stephan Doitschinoff
mostra sua arte místicopolítica
ao mundo
IMPULSIONADOS
PELA MULTIDÃO
O crowdfunding se firma
como alternativa para
o financiamento de
projetos culturais
fev / mar 12
o reflexo do
matador
Trinta anos depois de
revolucionar os quadrinhos,
Angeli faz retrospectiva de
arte e vida e se afirma em
fase de transição

720 Ave Marias (2009), de STEPHAN DOITSCHINOFF | acrílico sobre tela

GERAÇÃO MULTIFACETADA
Os músicos Romulo Fróes,
Kiko Dinucci, Rodrigo
Campos e Marcelo Cabral
conciliam experiências e
estilos no coletivo Passo Torto
MUITO ALÉM DOS
CINCO SENTIDOS
Stephan Doitschinoff
mostra sua arte místicopolítica
ao mundo
IMPULSIONADOS
PELA MULTIDÃO
O crowdfunding se firma
como alternativa para
o financiamento de
projetos culturais
fev / mar 12
COORDENAÇÃO EDITORIAL
Ana de Fátima Sousa
EDIÇÃO EXECUTIVA
Marco Aurélio Fiochi
PROJETO GRÁFICO E EDIÇÃO DE ARTE
Marina Chevrand
ASSISTÊNCIA À EDIÇÃO DE CONTEÚDOS
Roberta Dezan
EDIÇÃO DE FOTOGRAFIA
André Seiti
DESIGN
Lu Orvat Design
REVISÃO
Ciça Corrêa
Nelson Visconti
Polyana Lima
APOIO ADMINISTRATIVO
Isabella Protta
PAUTA
Ana de Fátima Sousa
André Seiti
Eduardo Saron
Jader Rosa
Marco Aurélio Fiochi
Maria Clara Matos
Marina Chevrand
Roberta Dezan
COLABORARAM NESTA EDIÇÃO
Angeli
Arthur d’Araujo
Carlos Costa
Carol Almeida
Claudiney Ferreira
Claus Lehmann
Garapa
Gustavo Ranieri
Leonardo Calvano
Liane Iwahashi
Lourenço Mutarelli
Micheliny Verunschk
Paula Fazzio
Pedro Henrique França
Rafael Coutinho
Ricardo Rafael
Rogério Borges
Ronaldo Bressane
Sabrina Duran
Stephan Doitschinoff
Trajano Pontes
AGRADECIMENTO
Carolina Guaycuru
CARTA DO EDITOR
A equipe da Continuum tem notado que, a cada número lançado, se repete uma situação não premeditada, mas
muito bacana: a aproximação de pautas que, no conjunto da edição, dão um peso maior a algum tema ou área
de expressão. Foi assim na revista passada, quando ganhou força a arte urbana. Nesta, são os quadrinhos que
dominaram o pedaço.
Na Capa fazemos uma homenagem a Angeli, um dos maiores cartunistas brasileiros. Leia o perfil do artista criado
pelo escritor Ronaldo Bressane. Na sequência, o cartunista Rafael Coutinho, que vê em Angeli uma de suas maiores
influências, reverencia com desenhos o mestre. Para completar, uma galeria traz trabalhos do cartunista que
revolucionaram os quadrinhos. Com esse especial, a revista sai na frente, fazendo um “esquenta” para a exposição
Ocupação Angeli, que será aberta, aqui no Itaú Cultural, em São Paulo, no meio de março.
Na sequência, outro fera, Lourenço Mutarelli, encerra sua participação na seção Quadrinhos com o último capítulo
da série de HQ Animais em Fuga. Aguarde: na próxima edição, a página passará a ser ocupada por outro nome
de destaque das narrativas em tiras. O “tema” rendeu ainda uma reportagem, com um viés bem interessante:
território dominado por criadores do sexo masculino, a produção de cartuns começa a ter mulheres à frente de
projetos de peso, tanto no Brasil quanto no exterior.
Os músicos paulistanos Romulo Fróes, Kiko Dinucci, Rodrigo Campos e Marcelo Cabral contam, na seção
Entrevista, como é o trabalho de criação coletiva que vêm experimentando com o Passo Torto. O grupo soma as
bagagens e as concepções musicais dos integrantes num projeto de vanguarda no cenário musical independente
paulistano. Ainda falando de música, mostramos a rotina de ensaios e estudos a que os regentes de grandes
orquestras se submetem em busca da perfeição.
A seção Práticas Culturais traz um assunto da ordem do dia: o crowdfunding, modelo de financiamento de projetos
culturais que utiliza a internet como sua principal plataforma. Saiba como funciona essa ferramenta colaborativa,
que vem ganhando adeptos aqui e lá fora. Outra matéria mostra os bastidores de uma modalidade de evento que
se firma como alternativa de lazer e cultura: os espetáculos de videomapping, como as recentes edições do Vídeo
Guerrilha e do VJ Passport University, que juntaram centenas de pessoas na capital paulista.
CARTA DO LEITOR
Eu me apaixonei pela revista Continuum, do Itaú Cultural. Ilustrações, textos e temáticas simplesmente fantásticas.
Camila Costta, pelo Twitter
ISSN 1981-8084 Matrícula 55.082
(dezembro de 2007)
Tiragem 10 mil –
distribuição gratuita.
Sugestões e críticas devem ser
encaminhadas ao Núcleo de
Comunicação e Relacionamento
continuum@itaucultural.org.br
Jornalista responsável
Ana de Fátima Sousa MTb 13.554
Gostaria de fazer uma queixa à revista Continuum. O conteúdo é excelente, mas não entendi o porquê da alteração do tamanho.
Não é sendo um outdoor que a circulação vai aumentar, mas, sim, com qualidade e mais pontos de distribuição.
Tatiana Moreno, São Paulo
NE: O formato atual, lançado há um ano, foi pensado para oferecer uma nova experiência de leitura tanto para o público fiel à revista
quanto para quem não a conhecia até então. A ideia foi presentear o leitor com um espaço ampliado para as imagens (por isso a
cada edição publicamos ensaios fotográficos especialmente produzidos) e para os textos. Foi uma aposta da equipe ao criar algo
impactante, que fugisse à mesmice do mercado editorial. E sem gastar mais papel: o formato atual propiciou um aproveitamento de
88,79% do papel utilizado, ao passo que no formato anterior o aproveitamento era de 82,30%.
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Mas, como em todo experimento, sempre há apostas que podem ser repensadas. Consciente disso, a equipe da revista já está
avaliando as manifestações elogiosas e críticas ao projeto gráfico-editorial. E as questões formato e distribuição, com certeza, têm
merecido nossa maior atenção.
Envie seu comentário sobre a Continuum para o e-mail continuum@itaucultural.org.br ou utilize os canais do Itaú Cultural
no Twitter e no Facebook.
Em caso de publicação na seção Carta do Leitor, a mensagem pode ser editada a critério da redação.
O REFLEXO DO
MATADOR
Trinta anos depois de
revolucionar os quadrinhos,
Angeli faz retrospectiva de
arte e vida e se afirma em
fase de transição
capa: angeli
foto: andré seiti
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PERFIL | muito além dos cinco sentidos
Stephan Doitschinoff representa uma nova cara das artes visuais do país: com um trabalho consolidado,
ele vê sua arte ganhar espaço em galerias e museus internacionais.
ARTIGO | bate cabelo, down jones!
Internet e mídias tradicionais se retroalimentam e, por vezes, uma toma para si o crédito do que
a outra inventou.
MUSEUs DO MUNDO | arte no campo
Versão americana de nosso Inhotim, o Storm King Art Center, próximo de Nova York, apresenta em
seus 2 mil hectares de área verde 130 obras de grandes nomes da arte contemporânea mundial.
entrevista | geração multifacetada
Romulo Fróes, Kiko Dinucci, Rodrigo Campos e Marcelo Cabral contam como formaram o coletivo
Passo Torto, considerado a grande revelação da música paulistana no último ano.
CERTIDÃO DE NASCiMENTO | enquanto dormem as crianças ladronas
Conheça a história da criação de Capitães da Areia, clássico escrito
no auge da militância comunista de Jorge Amado.
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Reportagem | saga modernista completa 90 anos
A Semana de Arte Moderna ainda ecoa como o principal evento cultural produzido no país.
CAPA | o reflexo do matador
Uma homenagem a Angeli em foto, texto e desenho.
Reportagem | sapatilhas de arame
A produção de quadrinhos sempre foi vista como um território masculino por excelência. Mas esse
cenário começa a mudar pelas mãos de mulheres que vêm abrindo seu espaço com garra e delicadeza.
PRÁTICAS CULTURAIS | impulsionados pela multidão
O crowdfunding se firma como alternativa para a viabilização de projetos que vão de publicações a
inserção de documentário brasileiro no circuito comercial de cinemas americanos.
Reportagem | arquitetura vivida no corpo
Tendência do momento, os espetáculos de videomapping surpreendem tanto pela plasticidade
quanto pelos recursos tecnológicos utilizados.
Reportagem | vila boa da humanidade
A Cidade de Goiás comemora os dez anos do título de patrimônio cultural concedido pela Unesco.
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Reportagem | no reger da vida
Disciplina, estudo, concentração. Resultado: perfeição. Assim é a rotina dos regentes das
orquestras brasileiras.
balaio | em pleno verão
Quadrinhos e mais quadrinhos: em Kerouac, o ilustrador João Pinheiro mostra pelo desenho sua
visão do grande escritor; e o BIG, grupo dinamarquês de arquitetos, conta em tirinhas a história da
arquitetura. Nas dicas de música, Maria Rita interpreta clássicos de Elis Regina em maratona de
shows pelo Brasil; e a vida de Raul Seixas é recontada no cinema.
Quadrinhos | animais em fuga
Chega ao gran finale a HQ de Lourenço Mutarelli.

perfil | stephan doitschinoff
M u i t o a l é m
d o s c i n c o
s e n t i d o s
Artista visual paulistano se destaca no cenário internacional com obras repletas de símbolos místicos
TEXTO gustavo ranieri FOTOS andré seiti
Dentro do apartamento-estúdio, no quinto andar
de um prédio na região da Bela Vista, em São Paulo,
Stephan Doitschinoff passa boa parte de seus
dias. Na ampla bancada um desenho a lápis está
ali há quase dois meses. Os traços no papel são
de uma mulher longilínea com símbolos religiosos
cravados em seu corpo e conflitos existenciais
evidentes. É sobre ela que o artista visual se debruça
por árduas oito horas diárias, emprestando
ao processo criativo disciplina e rigor. “Meu trabalho
exige planejamento, foco e a mente limpa.
Demoro três meses para pintar”, enfatiza.
A simbologia, que ganha forma e intenções nessa
obra, é o elemento que fez o artista, também conhecido
como Calma (corruptela de “com alma”),
alcançar status no mercado da arte e alçar patamares
internacionais. O trabalho de Doitschinoff
já circulou por diversos cantos do mundo. Prova
disso é a exposição individual Novo Asceticismo,
que apresentou 12 telas e desenhos inéditos na galeria
Jonathan LeVine, em Nova York, de dezembro
de 2011 a janeiro deste ano.
A exposição internacional faz aumentar a expectativa
do público por Brilho do Sol, filme-performance
de 25 minutos ainda sem data de lançamento. “É
o registro de uma pesquisa sobre as festas populares
que vieram da Península Ibérica para o Brasil”,
adianta ele. Doitschinoff tem planos também de lançar,
no segundo semestre, um livro de simbologia.
DESCOBERTAS
Não é de estranhar o fascínio de Doitschinoff pelos
símbolos e pela espiritualidade. Nascido em São
Paulo em março de 1977, seu pai era pastor evangélico,
enquanto a avó e a bisavó maternas – essa
última ele não chegou a conhecer – eram espíritas.
“Além disso, tinha um centro hare krishna na minha
rua e eu brincava com as crianças lá”, conta.
Devido às opções religiosas da família, durante a
infância ele e as duas irmãs, ambas mais velhas, ficavam
alguns meses do ano num acampamento evangélico.
Essa convivência e o gosto por ouvir a mãe
contar histórias sobre mitos e contos de fada seriam
a peça-chave para a escolha profissional futura.
A religião serviu também para alimentar o principal
dom do menino: desenhar. “Era uma criança
mais introspectiva”, conta ele, que, apesar de recluso,
gostava de jogar futebol e andar de carrinho
de rolimã. “Meu brinquedo era mesmo giz de cera
e guache. Enquanto a maioria das crianças desenha
bastante e depois para, eu nunca parei.”
Na adolescência, indagações de todas as partes
e o prazer cada vez mais profundo pela pintura
fizeram Doitschinoff ter uma verdadeira obsessão
pelo estudo do fundamentalismo. Revoltas
e armas passaram a ser desenhadas constantemente
nos trabalhos que fazia. Nessa fase flertou
com a turma do punk, o que abriu as primeiras
oportunidades de mostrar sua arte. “Comecei
desenhando capas de CD para várias bandas e,
com 15 anos, me tornei assistente do [cenógrafo
paulistano] Zé Carratu”, relembra.
Enquanto se dedicava a aprimorar sua técnica,
sempre de modo autodidata, encarou, dos 15 aos
19 anos, diversos empregos. Trabalhou no Mc
Donald’s, foi representante comercial e, por último,
estagiário em agência de publicidade, fruto
do curso inacabado de comunicação social.
Em 1998, o artista embarcou para a Itália apenas
com o dinheiro da passagem. Por lá ficou seis meses
e viveu outros seis com uma namorada em
Paris. Nesse período, tornou-se macrobiótico zen.
“É a dieta mais radical que existe, e ligada ao taoismo.
Fiquei dois anos sem tomar água e sem gastar
energia com a digestão”, diz.
Do interesse pelo taoismo veio a pesquisa do I
Ching e de outras manifestações religiosas e espirituais.
O novo passo foi estudar como as religiões
controlam o indivíduo, o coletivo e a relação
com o governo. “Isso foi um ponto de mudança
na minha arte, cuja estética traz elementos religiosos,
mas o tema maior é a política.”
UMA CIDADE COMO TELA
A certeza de que poderia viver de arte veio apenas
em 2000. Após voltar da Europa, Doitschinoff
começou a fazer ilustrações para revistas e livros
e aproveitou para, mesmo a distância, travar contato
com centros culturais ingleses e americanos.
Assim, conseguiu suas primeiras exposições, na
Inglaterra, além de uma residência realizada por
lá em 2002, e, pouco depois, sua primeira mostra
nos Estados Unidos. Os olhos do público tentavam
decifrar as enigmáticas pinturas e o aspecto
urbano delas, feitas com adesivos e estênceis. “A
partir daí, tudo deslanchou”, conta o artista, que,
em 2006, cansado de publicar os símbolos criados
ou adaptados por ele – incluindo a famosa e
constante caveira – em livros que mal conhecia,
determinou que a capa do álbum Dante XXI, do
Sepultura, seria seu último trabalho comercial.
Mas o marco incontestável em sua trajetória
já havia começado um ano antes, em 2005. Foi
quando Doitschinoff migrou para Lençóis, na
Bahia – onde sua irmã tem um restaurante –,

Doitschinoff: punk,
macrobiótica, I Ching e
taoismo como referência
07
CONTINUUM
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perfil | stephan doitschinoff
O artista se prepara para lançar
seu terceiro filme, com registro
da performance Brilho do Sol
“Minha estética traz
elementos religiosos, mas
o tema maior é a política.”
Stephan Doitschinoff
assumindo ao longo de três anos uma grande
empreitada: comunicar-se e descobrir a cidade,
transformando-a em um site-specific, ou seja,
uma obra criada para dialogar com determinado
ambiente. “Pintei a cidade toda, incluindo a capela
e o cemitério.” O trabalho, intitulado Temporal,
foi registrado pela produtora Movieart, que o
transformou em um curta-metragem homônimo.
Também culminou no livro Calma – The Art of
Stephan Doitschinoff, publicado internacionalmente
pela editora alemã Gestalten.
Em 2007, com rumo mais do que certo e nome em
ascensão no Brasil e no exterior, Doitschinoff passou
a ser representado pela galeria paulistana Choque
Cultural, do curador Eduardo Saretta. “A disciplina
na parte técnica e a espiritualidade na parte temática
são as principais características do trabalho do
Stephan. Me agradam as imagens que remetem à
tatuagem e ao ocultismo”, afirma Saretta.
Depois da exposição e do filme Temporal,
Doitschinoff integrou a mostra De Dentro para
Fora/De Fora para Dentro, no Museu de Arte de
São Paulo (Masp), entre 2009 e 2010, e foi selecionado
pelo Ministério da Cultura para instalar
a escultura de grandes proporções A Mão nas
imediações do Museu Afro Brasil, no Parque
Ibirapuera, em São Paulo (foto na página 6).
Também foi premiado como Artista Revelação
pela Associação Brasileira de Críticos de Arte
(ABCA), em 2009, e emplacou exposição no
Museu de Arte Contemporânea de San Diego,
nos Estados Unidos.
A partir daí, Doitschinoff aprofundou a análise sobre
os conflitos do ser humano com a performance
Cras (Novo Asceticismo), realizada em 2010, na
Choque Cultural. A intenção era refletir sobre os
tipos de sacrifício e privação que o homem necessita
para viver plenamente. “O coração com
espinhos é um dos símbolos mais importantes do
cristianismo. Ele mostra a purificação e a iluminação
através do sofrimento. Mas, no meu trabalho,
acho mais apropriado tirar o espinho e colocar
um olho dentro do coração, que é a consciência”,
diz o artista, que fez, com base nesse trabalho, o
vídeo de cinco minutos Tudo É Vaidade.
Doitschinoff se prepara para lançar seu terceiro
filme, Brilho do Sol. “Depois que voltei de Lençóis,
continuei pesquisando muitas das festas
populares, como a de Nosso Senhor dos Passos,
a do Reisado, mas a que mais me interessava
era a Festa dos Caretos, pela tradição das máscaras
ibéricas. Fui estudá-la em Portugal, onde
até hoje acontece essa celebração em vários
locais, e descobri como são feitas as máscaras
de madeira e metal, as roupas de palha... Com
apoio da Universidade de Belas-Artes de Lisboa,
montamos uma performance e a filmamos por
lá.” Trata-se de mais um trabalho cujo olhar mira
sempre o homem. “Acho que uma das coisas
mais importantes na vida é saber que há muito
mais para conhecer além do que os cinco sentidos
alcançam.”

que deselegante!
se isso é tá numa pior...
artigo | internet e mídias tradicionais
bate cabelo,
down
jones!
Ou: sobre o poder da internet de pautar grandes mídias tradicionais e subverter sua linguagem
TEXTO trajano pontes ILUSTRAÇÃO marina chevrand
Filmada diante da Bolsa de Valores, a jornalista, atônita, diz: “Os mercados
sambaram o dia todo. As petroleiras arrasaram no pregão da tarde! 5-6-7-8!
Já as construtoras erraram o passinho da coreografia ditada pelo FED e o
resultado do dia só podia ser um: Dow Jones bateu cabelo à exaustão!”.
A cena é hipotética – talvez forçada... de leve! –, ao menos por ora. Mas, no
futuro, talvez possa acontecer, devido ao crescimento da influência da internet,
com seus personagens e jargões, a ponto de pautar grandes mídias
tradicionais e subverter sua linguagem.
No Brasil, esse movimento é tímido ainda. Em telejornais, aparecem matérias
amarelas sobre o comercial da Luiza que estava no Canadá e, por isso,
ausente do encontro familiar superempolgante ... zzzz... Em outra bancada,
menção eterna aos “bons drink” (não) eternizados por Luisa Marilac, que,
se até agora não acabaram, só podiam ser mesmo “água geladíssima” e só.
Também já se tomam por fonte de notícia barra entretenimento os relatos,
vídeos e fotografias publicados por leitores e telespectadores. Mais que
isso, eles viram temas centrais de revistas e programas da tarde, quando
não se convertem em publicidade. É o caso do vídeo do lindo bebê que
gargalha quando o pai rasga papéis.
Verdade que o movimento contrário também ocorre. Mídias tradicionais
ainda respondem por grande volume dos debates na internet. Fatos dali repercutem
exponencialmente na rede, transformam-se também em jargões
(os tais memes) e regressam, ainda mais mortíferos, ao meio que os concebeu.
Provando o ponto aí está a jornalista Sandra Annenberg, que ganhou
uma camiseta escrita “Eu te amo!”, opa!, “Que deselegante!”, seu desabafo
no ar, copiado e vomitado nas redes sociais para depois ser repetido pela
autora na TV.
Expressões aleatórias e incontroláveis
O bololô entre receptores e emissores acompanha a evolução da comunicação
provavelmente desde o seu surgimento. Está longe de ser a última
novidade da ciência dos foguetes. Interessante, no entanto, é divagar sobre
o ponto mais alto dessa trajetória. Entender ou antecipar, num exercício divertido
(tão mais divertido quanto menos compromissado e mais infundado),
a maneira como poderão influenciar (determinar? um sonho!) a própria
identificação do que se entende por notícia, cultura e arte.
Por um lado, a visão tradicional depositava importância no emissor da
mensagem, numa quase aplicação do argumento de autoridade aos objetos
culturais. Seria arte o que é criado por quem especialistas apontam como
~~artistas~~, detentores de técnicas/habilidades específicas incorporadas à
obra. Numa visão oposta, esticando-até-quase-romper a linha da arte contemporânea,
a arte estaria em toda parte, a ser produzida a qualquer hora,
ainda que involuntariamente, por todas as pessoas. Quando não também
por elefantes pintores da Tailândia ou cachorros bípedes dançarinos de salsa
e lambada, todos com sua dose de fama no YouTube (Lindos! Fãs dos
ritmos tropicais não devem perder!).
O mesmo pensamento pode ser levado à comunicação iniciada na internet
e extravasada para os meios tradicionais. No território ainda livre da rede
(*suspiro aliviado*), surgem expressões aleatórias e incontroláveis de ~~cultura~~:
artistas, tecnologias, formas de mobilização e colaboração, tudo novo ou
remixado. Longe de ser ignoradas, podem-se assimilar por outras mídias, por
serem curiosas, engraçadas e úteis ou pela simples busca de identificação do
meio com seus destinatários em ebulição, ainda que não adolescentes.
Extrapolando a tendência, talvez chegue o curioso dia em que a jornalista
de economia encontre na informalidade das pessoas da internet a melhor
expressão de suas inquietações com as oscilações do mercado. E por que
não? Afinal, desde sempre, vídeos de gatos, cachorros e ursos pandas parecem
ter o dom de acalmar pessoas. Do mercado e de fora dele. Missão
cumprida, foguetes aterrissam, papel rasgado, criança sorri.
Assista aos vídeos citados no artigo:
Luiza está no Canadá – bit.ly/Ak1iUx
Luisa Marilac – "Bons drink" – bit.ly/nLXGOE
Bebê gargalhando – bit.ly/xD2OXQ
Sandra Annenberg – “Que deselegante!” – bit.ly/tdO4dD – bit.ly/zwidLI
Elefantes pintores – bit.ly/Btmr
Cachorro dançando salsa – bit.ly/lzYe6d
Cachorro dançando "Adocica", de Beto Barbosa – bit.ly/voEP1h
Trajano Pontes, ex-advogado (sim!) e jornalista
a caminho, fica on-line tempo demais.
08 09

museus do mundo | storm king art center
Arte no
campo
A uma hora de Nova York, o Storm King Art Center reúne
130 obras numa área verde de mais de 2 mil hectares
TEXTO e FOTOS pedro henrique frança
Inaugurado em 1960 pelos visionários empresários
H. Peter Stern e Ralph E. Odgen, cofundadores
da Star Expansion Company, o Storm King
Art Center está instalado num enorme descampado
de mais de 2 mil hectares, em Mountainville,
Hudson Valley, a pouco mais de uma hora de
distância de Nova York, nos Estados Unidos.
Para comemorar meio século de atenção ao que é
produzido nas artes plásticas pelo mundo, o centro
de arte saiu em 2011, pela primeira vez, de sua
zona de conforto e realizou em Governors Island,
nos arredores de Nova York, uma mostra especial
do artista americano Mark di Suvero. O público
superou as expectativas: quase meio milhão de
pessoas viu os trabalhos, dispersos por essa localidade,
nos três meses em que a exposição esteve
em cartaz. O resultado, claro, agradou os organizadores,
que pretendem repetir o projeto no verão
de 2012, na mesma Governors Island.
Apesar dessa experiência promovida pelo museu,
ir até a sede do Storm King é programa obrigatório
para os amantes da arte, além de um agradável
passeio ao ar livre – só possível entre os meses
de abril e novembro, quando não há neve, o que
obriga o espaço a permanecer fechado. E, por falar
nisso, como sobrevivem às mudanças climáticas
as 130 obras instaladas? “Esse é um grande
desafio a qualquer instituição que se propõe a
exibir arte a céu aberto. Mas muitas das obras
aqui expostas já foram pensadas pelos artistas
contemplando essa condição, o que facilita sua
exibição. De qualquer forma, no inverno as obras
menores são levadas para nosso espaço coberto;
as maiores são preservadas com materiais de proteção”,
explica o conselheiro sênior da instituição,
Anthony Davidowitz. Por maiores, leia-se enormes,
com mais de 6 metros de altura.
Se a questão física é de “fácil” solução, não é tão
simples assim manter uma estrutura vultosa
como a do museu. Para mantê-la, o Storm King
conta com uma vasta lista de membros, doadores
e suporte da fundação homônima, além de parcerias.
“Somos muito felizes por termos um amplo
grupo de indivíduos e fundações que apoiam
nossas atividades e programas. Eles sintetizam a
compreensão da importância de proteger e promover
a apresentação única do centro, de sua arte
e paisagem. É essa generosidade que permite a
conservação desse espaço”, discursa Davidowitz.
Encabeçado por um de seus fundadores, H. Peter
Stern, o Storm King não tem fins lucrativos. Seu
riquíssimo acervo começou a se consolidar nos
anos 1960 com a compra de 13 trabalhos do escultor
americano David Smith. “Hoje são mais de
cem esculturas de alguns dos artistas mais importantes
das últimas décadas, incluindo obras realizadas
especialmente para o centro”, pontua Davidowitz.
Além disso, exposições temporárias são
realizadas para dar visibilidade a novos trabalhos,
que, enfatiza o conselheiro sênior da instituição,
dialogam com a coleção permanente. “Geralmente
são obras emprestadas pelos artistas, colecionadores
ou museus e fundações. E as mostras são
complementadas com catálogos especiais.”
Cenário lúdico
O Storm King faz de sua vasta área verde um cenário
lúdico, que nos remete às pinturas de Monet
ou de Van Gogh, especialmente no outono, quando
a natureza dá um show à parte, com a folha-
gem das árvores em tons vermelhos, roxos e amarelos.
As esculturas que abriga são assinadas por
nomes que fazem história na arte mundial, como
a francesa Louise Bourgeois, os ingleses Kenneth
Campbell e Henry Moore e os americanos Mark
di Suvero e Roy Lichtenstein, para citar alguns.
Em meio à valorização da arte contemporânea,
com obras negociadas por cifras muitas vezes
astronômicas, Davidowitz faz questão de frisar
a filosofia disseminada pelo instituto do qual faz
parte. “A maioria das novas obras entra em nossa
coleção como presente ou encomenda. Nós realmente
não nos concentramos em flutuações de
valores de mercado [para montar nosso acervo].”
Se essa supervalorização que corre mercado afora
valoriza ou banaliza a arte contemporânea, é
discussão em que o conselheiro prefere não carregar
nas tintas. “A curadoria do Storm King não
é pautada por esses critérios.”
Para 2012, a agenda do centro tem como foco,
além da nova edição da mostra realizada em Governors
Island, a exposição Luz e Paisagem, que
reunirá obras de artistas renomados e outros não
tão conhecidos do público. A curadoria vai explorar
o contraponto entre as obras e a luz natural –
aproveitando o generoso tapete verde do parque.
Apesar de ter olhos atentos ao crescimento da
visibilididade da produção brasileira em território
norte-americano, o Storm King Art Center
ainda não tem nenhum artista do país em seu
acervo. “Mas o curador David Collens e o Comitê
de Aquisições e Coleções estão constantemente
avaliando novos trabalhos produzidos em todo o
mundo”, ressalta o conselheiro.

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fringilla arcu. Lorem ipsum dolor sit ame.
O Storm King faz de sua vasta área verde um
cenário lúdico, que nos remete às pinturas
de Monet ou de Van Gogh, especialmente no
outono, quando a natureza dá um show à
parte, com a folhagem das árvores em tons
vermelhos, roxos e amarelos.
Three Legged-Budha, de Zhang Huan
Mon Père, Mon Père, de Mark di Suvero
Foci, de Chakaia Booker
Neruda’s Gate, de Di Suvero
Frog Legs
Serviço
Storm King Art Center – 1 Museum Road New
Windsor, NY 12553 – Fone (845) 534-3115. Entrada:
12 dólares (adulto); 10 dólares (65 anos ou mais);
8 dólares (estudante); gratuito (membros da
associação do museu e crianças). O espaço está
fechado devido ao inverno no hemisfério norte. A
reabertura está programada para 4 de abril.
Mais informações: .
CONTINUUM
10 11

entrevista | passo torto

geração
MULTIFACETADA
Em meio à decadência da indústria fonográfica, quatro amigos, célebres artistas da cena musical paulistana, colocaram
em prática o princípio da união e, em paralelo às suas carreiras individuais, se juntaram para fazer música independente e
de qualidade. Começaram apenas três, com apresentações numa casa de shows da cidade e, empolgados com o resultado
e a receptividade, decidiram entrar em estúdio para registrar o trabalho. Chamaram mais um músico para complementar
a sonoridade e terminaram 2011 entre os destaques nas listas de críticos e especialistas.
Grupo e CD se chamam Passo Torto. A banda é formada por Romulo Fróes, Kiko Dinucci, Rodrigo Campos e Marcelo Cabral,
nos violões, no baixo, no cavaquinho e nas vozes contidas que tecem uma sonoridade macia, em composições próprias
com harmonias criativas e letras inteligentes. A crítica associa o som do grupo à evolução do samba, à renovação da
música independente de São Paulo, com referências que vão de Adoniran Barbosa (pela criativa crônica do cotidiano) e
Paulinho da Viola (pela sofisticação e reinvenção nas composições) a Itamar Assumpção (pela inventividade das letras).
Na entrevista a seguir, o Passo Torto na voz de seus integrantes.
TEXTO carlos costa
FOTOS claus lehmann
(esq. para a dir.) Rodrigo,
Romulo, Marcelo e Kiko:
sofisticação e reinvenção
da música paulistana
Como nasceu o Passo Torto?
Romulo: Queria montar um show na Casa de
Francisca (café-teatro localizado no Jardim Paulista,
em São Paulo) e, conversando com o proprietário
do espaço, sugeri a formação: eu, Kiko Dinucci
e Rodrigo Campos. Não tinha nem falado com eles
ainda e a ideia já foi aprovada. O resultado foi positivo
e fomos para um estúdio gravar. Foi aí que o
produtor, Maurício Tagliari, sugeriu que acrescentássemos
um baixo acústico e decidimos chamar
Marcelo Cabral. Agora ele está começando também
a cantar e a compor com a gente. A amizade
e a afinidade estética nos uniram. O trabalho foi
desenvolvido com uma despretensão que nos fez
arriscar mais, sem medo. Queremos levar essa característica
para nossos outros projetos.
Marcelo: Quando entrei, eles já tinham o repertório
quase pronto e fui chamado porque tocamos
juntos, somos amigos.
Romulo: A receptividade a esse trabalho nos
surpreendeu, porque estamos acostumados a tomar
muita paulada. Mas, quando nos juntamos,
as pessoas acharam mais legal e deram opiniões
inesperadas: de que nos assemelhamos a Itamar
Assumpção, de que nossa música é o novo samba.
E o nome do grupo, vem de alguma canção?
Romulo: Da letra de “Cidadão” [composta
por Romulo Fróes e Rodrigo Campos]. Queríamos
algo que remetesse ao samba, mas não de
forma tradicional.
A música do Passo Torto tem sido vinculada
à evolução do samba. Isso é proposital?
Kiko: Já associaram o nosso disco ao trabalho
Nervos de Aço, do Paulinho da Viola, que
é incrível e faz uma releitura do samba. Mas,
no nosso caso, esse conteúdo não foi programático
− ele reflete de certa forma a linha da
vanguarda paulistana.
Rodrigo: Tudo vem do samba. Toda a música
brasileira vem do samba. Até na bateria do
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12 13

entrevista | passo torto
Marcelo Cabral
“Se for um cara restrito, só tocar percussão de samba,
por exemplo, você se isola. Se ficar atento ao que está
acontecendo e der a cara para bater, vai mais longe.”
Sepultura tem samba. É a música nacional, e a
gente está tentando inventar algo, entortar. O
samba funciona como um elemento, uma base.
Não é à toa que a bossa nova vem do samba. No
entanto, não pensamos nisso. É um alicerce do
trabalho, mas não foi proposital.
Vocês quatro são músicos de prestígio na
cena paulistana atual e têm em comum a
característica de atuar em diferentes projetos.
Essa versatilidade é uma constante
neste momento da música brasileira?
Kiko: Essa característica de ser multifacetado é
da nossa geração. Somos os quatro assim e são
muitos os outros músicos que também estão aí,
tocando com a gente, se virando.
Romulo: Hoje se pode viver de tocar só o que
se quer. Nem é preciso fazer outros estilos. O tamanho
de Tulipa Ruiz e Criolo, por exemplo, é o
tamanho que almejo. Tocar no Brasil inteiro sem
precisar fazer programa tosco de TV, sem precisar
ser ídolo popular. No entanto, fora Tulipa e
Criolo, não há muitos outros artistas assim. O
formato da grande estrela parece ter acabado. No
lugar disso, há outro tipo de artista, aquele que
pode viver só do que gosta, sem precisar tocar no
shopping ou em festas. Essa geração ainda não
está grande para viver de trabalhos autorais exclusivos,
mas está grande o suficiente para que
os artistas transitem por bons projetos.
Marcelo: Se for um cara restrito, só tocar percussão
de samba, por exemplo, você se isola. Se
ficar atento ao que está acontecendo e der a cara
para bater, vai mais longe. Além disso, eu não ia
ficar satisfeito com um trabalho único. Preciso do
meu trabalho autoral, como o Marginals [projeto
com o saxofonista Thiago França e o baterista
Tonny Gordin], e de outros, com Criolo, Kiko, Rodrigo,
senão eu não acho mais graça.
Kiko Dinucci
“Essa característica de ser
multifacetado é da nossa
geração. Somos os quatro assim
e são muitos os outros músicos
que também estão aí, tocando
com a gente, se virando.”
Rodrigo: É preciso fazer várias coisas, o Passo
Torto e outros projetos. Quando para um,
entra outro. Assim a coisa se movimenta e depende
só de você. Se ouvir pessoas de outros
meios, a realidade se modifica. Músico que faz
baile, evento, por exemplo, ganha melhor que a
gente. Ou o que faz trilha. Há mil caminhos. Somos
compositores, com trabalhos próprios, e é
assim que estamos vivendo.
Há outros planos?
Kiko: Estou preparando um disco novo com 30
minutos de vinhetas. Vai se chamar Kiko Dinucci –
Cortes Curtos (Cidade, Desejo, Solidão e Morte). A
inspiração veio da rapidez da cidade, da internet.
Rodrigo: Estou finalizando meu segundo CD,
Baía Fantástica, um trabalho repleto de conceitos.
O nome vem de uma metáfora de um monte
de coisas, inclusive da morte. Uma baía sobrenatural.
No disco, Kiko atua como guitarrista e produtor;
Cabral como baixista e também produtor.
E ainda tem a participação de Romulo.
Romulo: Meu próximo trabalho solo vai se
chamar Barulho Feio. Enquanto isso, vou continuar
trabalhando em vários projetos e vamos seguir
com o Passo Torto. Temos shows marcados e
fomos selecionados para o Conexão Vivo.
Como foi a formação musical de vocês?
Romulo: Sou o único não músico do grupo e,
por isso, faço outras coisas para sobreviver, como
escrever, mas tudo ligado à música. Meu barato
era desenhar. Queria ser desenhista e, para isso,
comecei a trabalhar cedo. Fui office boy e fiquei
nove anos num banco, enquanto estudava artes
plásticas. A música estava sempre presente. Tinha
uma banda, Losango Cáqui, que fazia um
rock “Renato Russo de segunda linha”, e fui por
um tempo assistente do artista visual Nuno Ramos.
Minha relação com a música está relacionada
à lembrança do meu pai, pessoa de origem
humilde do sertão da Bahia, mas um amante da
MPB, formado pela Rádio Nacional.
Kiko: Em casa ouvi muita música caipira e MPB.
Com 5 anos ganhei um violão. Aos 13 comecei a
curtir rock, metal e percebi que algo mudou na
minha visão de mundo e na convivência social. A
música virou obsessão. Recuperei o violão antigo,
que estava quebrado, consertei-o com fita adesiva
e comecei a tocar as músicas que ouvia. Mas no
local onde eu cresci, em Guarulhos, não se ouvia
rock, e isso me isolou. Virei o esquisito. Vivia ouvindo
disco e, quando saía de casa, o pessoal me
xingava, jogava pedra... Lembro de uma professora,
na sexta série, que me acusou de usar drogas,

Rodrigo Campos
“Tudo vem do samba. Até na bateria
do Sepultura tem samba. A gente está
tentando inventar algo, entortar. O
samba funciona como um elemento,
uma base, um alicerce do trabalho.”
Romulo Fróes
“A amizade e a afinidade estética nos uniram. O
trabalho foi desenvolvido com uma despretensão que
nos fez arriscar mais, sem medo. Queremos levar essa
característica para nossos outros projetos.”
disse que eu ia virar ladrão, só porque eu ficava
quieto, no canto. Continuei ouvindo música e fui
conhecendo outros roqueiros do bairro. Viramos
um grupo de esquisitos e montamos uma banda.
Isso abriu uma janela. Quando fizemos o primeiro
show no colégio, os caras que batiam na gente foram
à apresentação e curtiram; desse dia em diante
passaram a nos respeitar. Toquei muito tempo
sem ganhar nada. Isso durou de 1990 até 2005,
época em que eu vivia de música, mas não ganhava
dinheiro com isso. Quando comecei a compor,
a coisa mudou. Um dia, um amigo, Nei Mesquita,
armou um show com a dona do Ó do Borogodó
[bar da zona oeste paulistana]. Foi meu primeiro
cachê. Havia passado por vários trabalhos informais:
office boy, entregador de jornal, pintor de
parede, desenhista copista. Mas apenas a música
me fez achar um horizonte profissional.
Rodrigo: Toco desde moleque. Comecei nas
rodas de samba de São Mateus, experimentando,
improvisando com os amigos. Com 12 anos
montei o primeiro grupo e comecei a estudar
cavaquinho. Com 21 optei pelo estudo de música.
Trabalhei como office boy, carregador em
uma fábrica de calça jeans, engraxate. Hoje vivo
apenas de música. Toco cavaquinho e violão,
componho e canto.
Marcelo: Fui esqueitista profissional e depois
decidi estudar música. No início, dava aulas
para ajudar. Há oito anos estou vivendo de
música. Toco baixo acústico e elétrico e produzo.
Entrei na produção musical meio por acaso,
porque dispunha de equipamento e gostava. A
primeira experiência foi com a cantora Verônica
Ferriani e o produtor BiD. Recentemente produzi
dois discos, um de Lurdez da Luz [em 2010,
com Daniel Bozzio] e outro de Criolo [em 2011,
com Daniel Ganjaman].
Curta o Passo Torto em
e e baixe as músicas no
site .
Os integrantes do Passo Torto: formações
musicais distintas e carreiras marcadas
pela participação em vários projetos
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CERTIDÃO DE NASCIMENTO | capitães da areia

Enquanto dormem as crianças ladronas
Há 74 anos, Capitães da Areia anuncia que “a revolução é uma pátria e uma família”
TEXTO micheliny verunschk
ILUSTRAÇÃO arthur d’araujo
Rio de Janeiro, 30 de setembro de 1937. O general Goes Monteiro anuncia a descoberta de um
plano comunista de tomada do poder. Nesse mesmo dia, no Palácio do Catete, sede do governo
federal, o presidente Getúlio Vargas decreta estado de guerra contra a ameaça golpista. Cerca de
40 dias depois dá, ele mesmo, um golpe e implanta o Estado Novo, regime ditatorial que ambicionava
manter a paz e a unidade da nação perturbada pela ameaça vermelha. O documento que detalhava
a ação entrou para a história com o nome de Plano Cohen, um relato falso cujo objetivo real não era outro
senão estender a permanência de Vargas no poder.
Salvador, Bahia, 19 de novembro de 1937. Numa grande fogueira em frente à Escola de Aprendizes-Marinheiros
e sob os olhares dos agentes do Departamento Estadual de Ordem Política e Social (Deops) ardem
mais de 1.500 livros, todos exemplares de um mesmo autor, e, entre eles, aquele que havia acendido a faísca
da perseguição: a história de crianças delinquentes ou, antes, sobre dias de revolução que se aproximam.
O autor é Jorge Amado e o livro em questão é Capitães da Areia, lançado em setembro daquele ano, num
momento de efervescência e tensão no cenário político brasileiro.
Cartas à Redação
É sob esse título, “Cartas à Redação”, que o romance se inicia. O autor contextualiza o cenário social de sua
obra por meio de notícias e de cartas publicadas no periódico baiano Jornal da Tarde. As manchetes falam
das ações criminosas de um bando de crianças de rua e contrapõem a elas suas vítimas, sempre honradas,
trabalhadoras, exemplares. Durante todo o desenrolar da trama, o discurso jornalístico cioso da moral e dos
bons costumes surgirá como porta-voz das forças opressoras, o Estado, a religião, a família burguesa.
O núcleo da ação é representado pelo líder Pedro Bala, filho de um grevista morto em confronto, por Volta
Seca, afilhado de Lampião, e ainda pelos meninos Professor, Sem-Pernas, Gato, Pirulito, Querido-de-Deus,
entre outros. Única menina do grupo, Dora os agregará em torno de si representando múltiplas personas:
mãe, irmã, amiga, noiva e esposa. Não é possível ler Capitães da Areia e não relacioná-lo a outra obra que
trata de “meninos perdidos”. Escrito para teatro por J. M. Barrie, Peter Pan conta a história de crianças
perdidas em uma Terra do Nunca em que as regras são dadas por elas mesmas sempre em oposição ao
mundo adulto e suas representações na lei, na ordem e nos valores burgueses. Se na obra de Barrie, Peter
Pan recusa-se a ingressar no mundo adulto, na obra de Jorge Amado, Pedro Bala o faz levando consigo a
centelha da liberdade da infância.
À parte a violência e a erotização implícitas na narrativa, o romance apresenta a humanidade dos personagens.
Em várias passagens reiteradamente a voz narrativa afirma: são crianças. Os meninos, heróis romanescos,
não se configuram como marginais, mas como um grupo coletivamente organizado, movido por um
ideal de justiça social, regido por uma ética própria e em harmonia com a natureza ao seu redor.
No romance, o embate entre poderosos e oprimidos tem um contexto político bem definido. Assim, não é à
toa que o destino de Pedro Bala é o de se tornar um líder revolucionário ao abraçar a causa do operariado.
Num Brasil paranoico com supostas ameaças comunistas e às vésperas de um golpe de Estado, nenhum
livro poderia ter sido mais perigoso.
Companheiros, vamos pra luta!
Obra de juventude (seu autor não contava mais de 25 anos quando a escreveu), Capitães da Areia surge
como um livro do seu tempo e para além do seu tempo. Jorge Amado, que para escrever o romance foi
dormir nos trapiches junto com crianças abandonadas, estava fora do país durante o lançamento e o episódio
da queima dos livros. Foi preso ao retornar. Com Capitães da Areia ele não só antecipa “os anos em
que todas as bocas foram impedidas de falar”, para citar uma expressão da obra, como denuncia o olhar
equivocado que as políticas públicas teriam para as crianças pobres brasileiras por todo o século XX. Profundamente
humano e repleto de lirismo, o romance mantém intactos, 74 anos depois de lançado, sua força
e apelo por liberdade.
Vários eventos vão comemorar o centenário de Jorge Amado em 2012. Confira Capitães da Areia, filme da cineasta e neta do escritor Cecília Amado, em
cartaz; a Cia. das Letras lança livro com as cartas que Jorge trocou com Zélia Gattai no exílio. Veja mais em .
Saiba mais sobre Jorge Amado na Enciclopédia Itaú Cultural de Literatura Brasileira, disponível em .
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REPORTAGEm | semana de arte moderna
saga modernista
completa 90 anos
Ideais da Semana de 22 ainda ecoam com força na arte atual
TEXTO leonardo calvano
foto: divulgação
O ano era 1922. São Paulo ganhava status de metrópole
ao atingir quase 1 milhão de habitantes. A aristocracia
cafeeira e os imigrantes, que compunham
grande parte da população na época, assistiam à
expansão territorial e ao crescimento vertical da
cidade, representados por edificações simbólicas
como a Estação da Luz e as mansões da Avenida
Paulista. O centro da cidade ostentava um ar europeu.
Todo esse ambiente serviu de cenário para o
primeiro movimento cultural coletivo da história
brasileira: a Semana de Arte Moderna, que marcaria,
em definitivo, o rumo das artes nacionais e a
identidade cosmopolita e boêmia da capital.
“Naquela época, a cidade era a que apresentava as
melhores condições para a realização de um evento
como esse. Era próspera, recebia grande número de
imigrantes europeus e se modernizava rapidamente,
com a implantação de indústrias e a urbanização”,
afirma a historiadora e antropóloga Letícia Viana.
Era também o ambiente perfeito para propostas
artísticas transgressoras, diferentemente do Rio de
Janeiro – outro polo artístico, impregnado pelas
ideias da Escola Nacional de Belas-Artes –, que, por
muitos anos depois da Semana, ainda defenderia o
academicismo. “Claro que existiam no Rio artistas
dispostos a renovar, mas o ambiente não lhes era
propício, sendo mais fácil aderir a um movimento
que partisse da capital paulista”, completa.
Mário de Andrade (primeiro à esq., no alto), Rubens
Borba de Moraes (sentado, segundo da esq. para
a dir.) e outros modernistas em 1922, dentre eles
(não identificados) Tácito, Baby, Mário e Guilherme
de Almeida e Yan de Almeida Prado
Organizada por Mário de Andrade, Oswald de
Andrade, Menotti del Picchia, Manuel Bandeira,
Tarsila do Amaral, Heitor Villa-Lobos e muitos
outros, a Semana, realizada no Teatro Municipal
de São Paulo entre os dias 11 e 18 de fevereiro de
1922, marcou o surgimento do modernismo brasileiro,
além de ser o ponto de encontro das várias
tendências que vinham se firmando mundialmente
desde a Primeira Guerra Mundial (1914-1918).
O evento marcou também as comemorações do
primeiro centenário da independência do Brasil.
Reuniu cerca de cem obras e compreendeu três
sessões literomusicais noturnas. Consolidou grupos
e ideias, que passaram a ter espaço cativo em
livros, revistas e manifestos. As ideias que disseminou
foram legitimadas por completo após alguns
anos, quando chegariam a outros estados brasileiros:
em Minas Gerais, foram acolhidas pelos poetas
Carlos Drummond de Andrade, Pedro Nava,
Emílio Moura, Abgar Renault e João Alphonsus;

foto: cia de foto
Nas décadas seguintes, movimentos como o cinema
novo, com Glauber Rocha e Nelson Pereira
dos Santos, mostraram indícios de que a fonte
modernista continuaria a alimentar nossa cultura.
É notório encontrar elementos da estética
proposta na Semana em filmes como Terra em
Transe e Deus e o Diabo na Terra do Sol (Glauber)
e Macunaíma (Joaquim Pedro de Andrade),
inspirado no romance de Mário de Andrade.
Sarau da Cooperifa, eco da proposta
libertária dos modernistas
Sem programa estético definido, a Semana de 22 foi muito mais
uma manifestação de rejeição ao conservadorismo da produção
literária, musical e visual do que um acontecimento construtivo de
propostas e criação de linguagens.
no Rio Grande do Sul, por Mário Quintana, Augusto
Meyer, Pedro Vergara e Guilhermino César,
também poetas; e, no Nordeste, nas obras de José
Américo de Almeida, Jorge de Lima e outros.
De acordo com a historiadora e crítica de arte Aracy
Amaral, “a Semana de Arte Moderna é um marco por
ter sido um evento preparado, e que foi fundamental
para os artistas, mesmo se considerarmos que os trabalhos
expostos não são hoje, para nós, revolucionários.
Mas significaram um desejo de rompimento”.
Aracy observa que o movimento trouxe duas vertentes
bastante diversas: uma que sinalizava para os
valores locais, os ritmos musicais e as tradições populares.
Nesse ponto, segundo a historiadora, Mário
de Andrade foi um grande agente. A outra vertente
foi a das artes plásticas baseadas em temas que remetem
às raízes brasileiras. “É nesse contexto que
a pintura Pau-Brasil, de Tarsila do Amaral, emerge
com sabor e força, assim como as obras de Di Cavalcanti
e Cicero Dias, antes de ir para Paris.”
Desconstrução estética
Sem programa estético definido, a Semana de 22
foi muito mais uma manifestação de rejeição ao
conservadorismo da produção literária, musical
e visual do que um acontecimento construtivo de
propostas e criação de linguagens. Dois dos principais
ideólogos, Mário e Oswald de Andrade, defenderam
a “recusa à literatura e à arte importadas
com os traços de uma civilização cada vez mais
superada, no espaço e no tempo”. Em geral todos
clamavam em seus discursos por liberdade de expressão,
pelo fim de regras na arte e por ideários
futuristas, que exigiam a deposição de temas tradicionais
em nome da nova sociedade.
Na palestra proferida por Mário de Andrade na
tarde do dia 15 de fevereiro, posteriormente publicada
como o ensaio “A Escrava que Não É
Isaura”, em 1925, o autor debateu a importância
de mesclar a estética moderna com as raízes da
cultura popular brasileira. A dinâmica entre o nacional
e o internacional se torna a questão principal
desses artistas nos anos seguintes.
Vale ressaltar também que, apesar de toda a estrutura
contestadora e anarquista, a Semana não foi
um fato isolado e sem origens. Discussões sobre
a renovação surgiram na década de 1910, em textos
de revistas e em exposições, como a de Anita
Malfatti, em 1917. Em 1921, já existia, por parte de
Oswald de Andrade e Menotti del Picchia, a intenção
de transformar as comemorações do centenário
em um movimento de emancipação artística.
No entanto, é no salão do mecenas Paulo Prado, em
fins daquele ano, que a ideia ganhou força, após ele
promover um encontro para manifestações artísticas
diversas, inspirado na Semaine de Fêtes de Deauville,
na França. O mesmo Paulo Prado, homem
influente, conseguiu o patrocínio dos barões do
café para realizar o evento, além de ser fundamental
para a adesão de Graça Aranha. A presença do
romancista e diplomata, que chegara havia pouco
da Europa, legitimou as reivindicações do jovem e
ainda desconhecido grupo modernista.
Semente lançada
Criar uma arte baseada nas características do
povo brasileiro. Esse conceito foi o principal legado
deixado pelos modernistas de 1922. O primeiro
sinal de que as coisas nunca mais seriam as
mesmas veio em 1928 com o “Manifesto Antropófago”,
de Oswald de Andrade, que propunha
devorar influências estrangeiras para impor um
caráter brasileiro às artes plásticas e à literatura.
Alguns anos antes, o próprio Oswald e a artista
plástica Tarsila do Amaral publicaram o “Manifesto
da Poesia Pau-Brasil”, que enfatizava a necessidade
de criar uma arte baseada nas características
do povo brasileiro, com absorção crítica
da modernidade europeia.
Na música, o ideário modernista reverberaria
em movimentos que ocorreriam várias décadas
depois, como a bossa nova, com João Gilberto; o
tropicalismo, com Caetano Veloso, Gilberto Gil e
Tom Zé; a vanguarda paulistana, com Itamar Assumpção
e Arrigo Barnabé; e o mangue beat, com
Chico Science e Nação Zumbi e Mundo Livre S/A,
cuja proposta estética foi fundir ritmos brasileiros
como o samba, a música de terreiro, o maracatu e
o frevo com elementos estrangeiros como o jazz, a
música clássica, o rock e a música eletrônica.
Mais recentemente, o legado modernista pôde
ser visto nos movimentos de arte urbana, como
na paulistana Cooperativa de Artistas da Periferia
(Cooperifa). A crítica literária Heloísa Buarque
de Hollanda acredita que esse é “um dos
fenômenos culturais mais importantes destes
anos 2000”. Ela é a curadora da série de livros
Tramas Urbanas, da Editora Aeroplano, da qual
Cooperifa, Antropofagia Periférica, de Sérgio
Vaz, lançado em 2008, é o sétimo volume. Criado
pelo poeta Sérgio Vaz, o movimento ganhou repercussão
com o Sarau da Cooperifa, que recebe
até 500 pessoas para ouvir e declamar poesia, a
cada edição, realizada semanalmente em um bar
da zona sul da capital. “Achamos importante registrar
como surgiu esse encontro e de onde vem
esse poeta revolucionário – que, em pleno século
XXI, refaz não apenas o caminho antropofágico
da poesia modernista e sua Semana de Arte
Moderna, mas recria agora, dono de sua voz, o
grande quilombo da poesia paulista”, declarou,
na época do lançamento, a pesquisadora.
Modernismo na rede
Internet oferece várias opções de pesquisa sobre o
movimento deflagrado com a Semana de 22
Movimento multidisciplinar, a Semana de 22 teve influência
não só na literatura, na música e nas artes plásticas,
mas também no teatro. Se você deseja conhecer mais
sobre esse marco histórico da nossa arte, consulte as
enciclopédias virtuais do Itaú Cultural. Na Enciclopédia de
Artes Visuais, há verbetes dos artistas que participaram
do evento, com textos críticos e obras representativas,
e verbetes correlatos sobre o movimento modernista e
seus desdobramentos. Na de música, biografias de todos
os músicos citados nesta matéria, além de textos analíticos
sobre eles. A de literatura traz, em seus verbetes
sobre os escritores brasileiros, a contribuição da estética
modernista nas letras desde a década de 1920 até a
atualidade. Por fim, na Enciclopédia de Teatro, a trajetória
de encenadores que puseram em prática a experiência
estética moderna, como Zé Celso.
Consulte .
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perfil | angeli
Ao pressentir que determinado tema
atinge seu ponto de saturação, ele simplesmente
passa uma borracha por cima.
Como bom punk da periferia, Angeli tem
Ph.D. em tocar o foda-se.
Trinta anos depois de revolucionar
os quadrinhos brasileiros, Angeli
faz revisão de sua tragetória

"Estou numa bagunça mental e emocional, numa fase de transição", confessa Angeli sobre seu momento atual.
Para quem conhece o cartunista, é bom não acreditar: daqui a pouco ele explode − ou se autoimplode
TEXTO ronaldo bressane
FOTO andré seiti
Foi embranquecendo, embranquecendo.... até dar
branco total: do cabelo ao traço, Angeli desapareceu
de suas tiras.
“Implodiu”, para usar a expressão de Ruy Castro
em referência ao modo como Angeli desconstrói
o discurso dos personagens: uma corrosão
que parte de dentro. O homem que “suicidou”
seu maior sucesso − a doidona Rê Bordosa, cujas
histórias serão reunidas em breve em um álbum
a ser lançado pela Cia. das Letras − não tem o
mínimo pudor em armar para que seus personagens
direcionem ranzinzice, mediocridade,
raiva e loucura contra si mesmos. Foi assim com
Os Skrotinhos, com Bob Cuspe, com Meia-Oito,
com Bibelô, para citar somente alguns dos inúmeros
anti-heróis criados pelo mais iconoclasta
dos cartunistas brasileiros. Ao pressentir que determinado
tema atinge seu ponto de saturação,
ele simplesmente passa uma borracha por cima.
Como bom punk da periferia, Angeli tem Ph.D.
em tocar o foda-se.
Liga/desliga
Sempre foi assim com esse paulistano nascido
no bairro da Casa Verde, há 55 anos. Filho de italianos
calabreses e sicilianos, sob o signo de Virgem
com ascendente em Virgem, o sanguíneo
Angeli define-se como ultracontrolador, metódico,
meticuloso – daí a paúra ao sentir que um caminho
criativo se esgota: ele mata suas criaturas
no auge. Daí ter parado com as charges “fofas” de
personagens controversos como Delfim Netto,
Paulo Maluf e José Sarney, na época em que seu
traço reinava na poderosa página 2 da Folha de
S.Paulo. “Esses caras estavam ficando muito simpáticos,
eu estava dando espaço demais pra eles”,
explica. Daí também ter parado com as charges
para inventar o espaço de tiras adultas em jornais.
Hoje, na Folha, divide esse espaço com Laerte,
Fernando Gonsales, Fabio Moon & Gabriel
Bá, além dos discípulos confessos Allan Sieber,
Caco Galhardo e Adão Iturrusgarai. A influência
de Angeli – e seu modus operandi liga/desliga –
é gigantesca. Ele editou a revista de quadrinhos
de maior circulação no país, a Chiclete com Banana,
que vendia 120 mil exemplares mensais e
frutificou nos títulos Circo (de Laerte e Luiz Gê)
e Geraldão (de Glauco), sem falar nos filhos bastardos
Animal e General, lendárias publicações
do udigrúdi paulista, e ainda respingou sua semente
nos cariocas Planeta Diário e Casseta Popular.
Uma rede de publicações que emana do
espírito multiplamente anárquico do gênio Millôr
Fernandes – mentor das Pif-Paf que Angeli
lia alucinado quando criança e do Pasquim, que
movimentou sua adolescência.
A crise pela qual passa Angeli – a ponto de até
mesmo detonar a Série Angeli em Crise – tem
fundo estético e emocional. Cada vez mais, ele
prefere resguardar seu fôlego para trabalhos
grandes, em detrimento das tiras-em-três-quadrinhos
e da charge. Os personagens das tiras
foram rareando. Mesmo estas transitaram de séries
seminarrativas, como Lovestórias ou Duas
Coisas que Eu Odeio e Uma Coisa que Eu Adoro,
a retângulos abstratos, como o Caderno de Esboços
ou tiras em que tão somente exibe o traço
inconfundível em retratos de jazzmen ou reproduções
dos álbuns favoritos. Curiosamente, para
um cartunista ligado ao punk e ao rock ‘n’roll,
ele diz já não ter o hábito de desenhar ouvindo
música − com ressalva para Bob Dylan, seu ídolo
maior (ao lado de Gerald Scarfe e, é claro, Robert
Crumb, ambos desenhistas). Ou seja: ele tem
passado horas e horas em silêncio sobre a amada
prancheta − “adoro ficar sozinho”, diz −, em estado
de depuração: se de um lado a tira narrativa progressivamente
limpou traço e mensagem, como
na série O Imundo Animal, por outro, as charges
ganharam impacto, síntese e conceito.
O artista define seu momento como uma “dolorosa”
revisão. “Estou em plena andropausa. Eu me
orgulho muito de ter resistido ao tempo sem abrir
mão de meus ideais. Mas não escondo que estou
em banho-maria”, assume. Para quem conhece
sua alma rebelde, é certo que, em breve, ele vai
pular do banho-maria para aumentar o fogo no
máximo – sem o menor medo de se autofritar.
[Entrevista concedida a Claudiney Ferreira]
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20 21

Há anos Angeli passa a maior parte do tempo
em seu estúdio, debruçado sobre a prancheta
a exercitar um talento incomum de fazer humor
com o ridículo da vida alheia. Numa tarde
ensolarada de janeiro, o cartunista permitiu
uma pequena invasão em sua casa e espaço
criativo para contar histórias e falar sobre
sua extensa trajetória profissional ao programa
Ocupação, do Itaú Cultural (exposição que
ocorre de 16 de março a 29 de abril de 2012).
Na ocasião, a convite da Continuum, Rafael
Coutinho registrou o que viu e recriou a seu
modo parte do universo particular de Angeli.

CONTINUUM
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perfil | angeli
Angeli em revista
Veja parte da Série Jazz publicada na Folha de S.Paulo e alguns trabalhos
que mostram como o cartunista se vê em diferentes fases de sua produção
Série Jazz: tiras publicadas na Folha de S.Paulo

Esboço de
autocaricatura
Autocaricatura, 1999
Esboço de autocaricatura feita para a capa da Revista TPM
Autocaricatura feita para a Revista Trip, 2010
25
CONTINUUM
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REPORTAGEM | mulheres quadrinistas
sapatilhas
de arame
Quadrinistas mulheres veem seu trabalho ser reconhecido no Brasil e no exterior, mas ainda
fazem parte de uma minoria, num mercado dominado pelos colegas do sexo oposto
TEXTO carol almeida
Quadrinhos sempre foram vistos com reserva por
educadores e pais. Para os artistas plásticos, raramente
essa linguagem era associada a obras de
grande qualidade. Esse cenário foi pouco a pouco
se modificando, com uma produção maior de histórias
e o refinamento dos traços de desenhistas
mundo afora. Hoje, enfim, as HQs têm seu valor literário
e artístico reconhecido e consolidado, mas
permanecem sendo um território quase exclusivamente
masculino. Identificada como “coisa de
menino”, é uma das únicas formas de expressão
pop que ainda arrastam consigo o ranço do direcionamento
de gêneros.
A boa-nova é: o lado feminino dessa gangorra
está começando a se levantar. E a prova disso é a
presença cada vez maior de mulheres em todos os
segmentos de produção das HQs. De resenhistas
a editoras, de quadrinistas a cartunistas e chargistas...
No mercado brasileiro de quadrinhos há pelo
menos 20 mulheres assinando trabalhos, sem contar
o grande volume de profissionais do sexo feminino
que atualmente colabora para a série Turma
da Mônica e sua derivada, a Mônica Jovem. Por
sinal, a principal roteirista desses produtos, editados
pela Panini, é uma mulher: Petra Leão.
O número ainda é ínfimo se comparado com o
de profissionais do gênero masculino, mas é quase
100% maior do que o que se via há breves dez
anos. “De memória, com exceção da Erica Awano,
que, naquele tempo, estava no começo de seu trabalho,
e da Eva Furnari, não me recordo de mulheres
criando quadrinhos no Brasil”, diz Sidney
Gusman, jornalista especializado no tema e hoje
editor dos estúdios Mauricio de Sousa. Em recente
projeto para rever os personagens do desenhista,
Gusman convidou 150 artistas nacionais para criar
quadrinhos e cartuns para três livros. O projeto
contou com a presença de dez mulheres no time
– 6,6% do total, na precisão matemática. “Posso garantir
que essas profissionais estavam no nível de
excelência de todos os outros participantes.”
Mas, como numa economia que se retroalimenta,
é certo que a presença de mulheres no campo da
produção de quadrinhos cresce conforme aumenta
sua presença na outra ponta do processo: o consumo.
Mariamma Fonseca, uma das três criadoras
do Lady’s Comics [ladyscomics.com.br] – site
dedicado a meninas que leem e fazem quadrinhos
cujo slogan é “HQ não é só para seu namorado”
–, diz que percebe uma presença cada
vez mais constante de mulheres em gibitecas e
livrarias e acredita que boa parte desse interesse
cresceu entre e com as meninas (em vez de
parar na infância após a inevitável leitura dos
gibis da Turma da Mônica) quando os mangás
se tornaram populares no país. Mariamma recebe
vários e-mails de meninas interessadas
em ler e fazer quadrinhos, e, para ela, desvincular
o HQ da questão de gênero, pelo menos
do lado de quem consome, ajuda a criar campo
para quem produz.
Prestígio lá fora
Já para as moças que hoje se debruçam sobre
a prancheta para criar tirinhas, quadrinhos
autorais e até mesmo super-heróis está claro
que tudo o que não precisam ver é a produção
e o consumo de seu trabalho atrelados ao fato
de serem mulheres. Numa conversa com cinco
quadrinistas que trabalham para o mercado
brasileiro e estrangeiro e vivem de sua criação,
é consensual não existir uma “leitura feminina”
que as diferencie dos profissionais homens.
“Isso não faz sentido. Não é o sexo que determina
esse tipo de coisa. São as pessoas, com suas
limitações e talentos, que produzem obras convincentes,
ou não, em suas propostas”, garante
a paulistana Erica Awano. Ela começou a desenhar
seus mangás no fim dos anos 1990 e ganhou
popularidade ao ilustrar a série brasileira
Holy Avenger. Hoje é reconhecida no mercado
internacional. São dela, por exemplo, os desenhos
da versão em quadrinhos de Alice no
País das Maravilhas, com roteiro de Leah Moore,
filha de Alan Moore, criador de clássicos
como Watchmen e V de Vingança.
O traço de Adriana Melo tenta fugir do estereótipo do mercado
internacional e ressaltar a força das heroínas em vez de seus
atributos corporais
A boneca inflável Amely, criação de
Pryscila Vieira: bom humor para falar
do universo feminino

O lado feminino dessa gangorra está começando a se levantar.
E a prova disso é a presença cada vez maior de mulheres em todos
os segmentos de produção das HQs. No mercado brasileiro de
quadrinhos há pelo menos 20 mulheres assinando trabalhos.
Outra brasileira que exporta seu
talento é a também paulistana
Adriana Melo. Primeira mulher no
mundo a desenhar dois importantes
personagens da editora Marvel,
Homem Aranha e Justiceiro, ela
tem uma longa lista de super-heróis
americanos no currículo e, de sua
casa em Interlagos, São Paulo, envia
pela internet aos estúdios americanos
seus desenhos que se tornaram
populares naquele país. No caso de
Adriana, é ainda mais latente o abismo
de gênero, não apenas entre os
realizadores, mas particularmente na
condução muitas vezes sexista da indústria
que sustenta esses personagens
há mais de 70 anos.
Acostumada a desenhar super-heróis
homens e mulheres em seus respectivos
uniformes colantes, Adriana fala sobre as
representações masculinas e femininas
nesses produtos: “Infelizmente, acho que
o que os quadrinhos americanos mostram
é um padrão de beleza impossível. Para
mim, é um desafio dar forma a heroínas
que fujam disso. O corpo feminino, às vezes,
é retratado de maneira sexista. Mas depende
muito do bom senso do profissional
em esboçar as personagens”. Para ela, boas
histórias e um traço de qualidade, independentemente
do estilo, são suficientes para
atrair leitores. “Sempre espero que não exista
a necessidade de usar esse tipo de ‘isca’. Tento
fugir de ângulos reveladores e, em vez de focar
nas curvas femininas, desenho as personagens
em poses interessantes, que demonstrem
personalidade e força”, diz.
A paranaense Pryscila Vieira, “mãe” de Amely,
uma boneca inflável feminista, engajada e engraçada
que é publicada hoje em tirinhas no jornal
Folha de S.Paulo, acredita que não deve haver distinção
entre o que as mulheres e os homens podem
criar em HQ, mas pondera: “Sou mulher, portanto,
acredito que posso falar com maior propriedade sobre
o universo feminino. Mas não compactuo com
a ideia de limitações de qualquer ordem na arte”.
Cratera lunar
A fluminense Clara Gomes – outra quadrinista
com um vasto trabalho publicado em tirinhas,
como os Bichinhos de Jardim [bichinhosdejardim.com]
– não acredita em qualquer tipo de
“reserva” do mercado editorial em relação às mulheres
que produzem quadrinhos, mas relativiza:
“Existe um preconceito de um modo geral em relação
ao feminino. Há também uma cultura de que
as mulheres precisam escrever necessariamente
sobre questões que dizem respeito ao que é fútil,
à cosmética, às dietas... Mas definir o ‘mercado’ tal
qual uma entidade é sempre perigoso. As publicações
são extremamente variadas e novos espaços
vêm sendo criados”.
“Acho que atualmente acontece o contrário: existe
um interesse pelo que as mulheres estão produzindo.
Como os quadrinhos brasileiros estão num
bom momento, com muita gente competente produzindo
material de alta qualidade, há uma curiosidade
também pelo trabalho delas, principalmente
por essa ser uma área dominada por homens.”
A opinião é da gaúcha Samanta Flôor, cujos cartuns
têm um estilo inconfundível. Ela foi revelada
em 2009, após o sucesso da webcomic Toscomics
[cornflake.com.br], tirinhas autobiográficas que
chegaram a ser indicadas naquele ano ao HQ Mix,
maior prêmio dos quadrinhos no Brasil.
Ainda em minoria, mas cada vez mais requisitadas
num mercado em que reinam os prazos curtos
e os trabalhos cansativos, as mulheres quadrinistas
sabem que há uma cratera lunar que
as separa de um cenário de equiparação com os
homens. E, claro, levam isso com o senso de humor
necessário. “Quando digo que sou cartunista,
as pessoas demoram um pouco para assimilar.
Já teve gente que confundiu ‘cartunista’ com
‘cartomante’ e me pediu para ler cartas sobre seu
futuro”, lembra Pryscila. “O pior é dizer que sou
ilustradora, porque pensam que trabalho limpando
móveis”, brinca Clara.
Ao dar seu testemunho sobre essa questão, Adriana
se lembra de uma história engraçada: “Uma
vez eu estava numa banca de jornal olhando um
monte de mangás. Procurava especificamente
um, referência para cenários. Foi quando o dono
da banca chegou todo sorrisos e disse: ‘E aí, qual
a idade do meninão?’ Olhei para ele meio perdida.
Só depois entendi que ele pensava que eu estava
comprando gibis para meu filho. Então, respondi:
‘Não é para ninguém, estou escolhendo para mim
mesma’. Ele ficou muito sem graça com a gafe”.
Mas a quadrinista espera que, em breve, a ideia de
que os quadrinhos nasceram apenas com o cromossoma
Y seja coisa do passado.
27
CONTINUUM
26

Práticas culturais | crowdfunding
IMPULSIONADOS
t a a o q u pe s e m ep r e l h e ac o u -
m u l t i d ã o
O p ú b l i c o a s s u m e u m a
n o v a f u n ç ã o , q u a s e o p o s -
b e , e p a s s a d e m e r o e s -
p e c t a d o r a a g e n t e a t i v o
d o p r o c e s s o p r o d u t i v o .
O financiamento coletivo inverte a lógica da produção cultural ao contar
apenas com a mobilização popular para a viabilização de projetos
Precisamente, o ideal mobilizador da informática não é mais a inteligência artificial,
mas sim a inteligência coletiva, a saber, a valorização, a utilização otimizada e a
criação de sinergia entre as competências, as imaginações e as energias intelectuais,
qualquer que seja sua diversidade qualitativa e onde quer que se situe.
(LÉVY, Pierre. Cibercultura. São Paulo: Editora 34, 1999. p. 167)
TEXTO roberta dezan
ILUSTRAÇÃO liane iwahashi
Há aproximadamente dois anos, o cineasta André
D’Elia estava em meio ao canteiro de obras da Usina
de Belo Monte, na cidade de Altamira, no Pará,
quando teve a dimensão da grande polêmica que
rondava a construção do empreendimento e percebeu
a necessidade de documentar em vídeo o que
passava longe dos olhos da população do restante
do país. Para isso, pensou em colher depoimentos
dos principais envolvidos, entre ribeirinhos, índios,
empreiteiros, técnicos e representantes do governo,
contabilizando, ao final de três expedições
ao Xingu e visitas a São Paulo e a Brasília, 87 entrevistas
e mais de 120 horas de imagens. Assim,
como ocorre com a grande maioria dos projetos
independentes, havia muita história para contar,
mas poucos recursos para viabilizar a ideia. Após
um longo período de reflexão e pesquisa, surgiu
a solução ideal para realizar o documentário Belo
Monte – Anúncio de uma Guerra: o financiamento
coletivo ou crowdfunding (crowd: multidão; funding:
financiamento).
A mais nova onda do empreendedorismo, sobretudo
cultural, ainda é muito recente no Brasil – começou
a funcionar por aqui em janeiro de 2011,
com o surgimento do site Catarse (catarse.me) –,
mas em poucos meses ajudou a tirar do papel alguns
projetos que, sem o financiamento coletivo,
provavelmente estariam fadados a permanecer no
campo das ideias. “Queríamos fazer algo diferente
e resolvemos pesquisar o que estava acontecendo
de interessante em projetos colaborativos em outros
países. Acabamos encontrando o Kickstarter
[kickstarter.com – maior site de crowdfunding do
mundo] e resolvemos importar a ideia para o Brasil.
Em menos de um ano conseguimos arrecadar
quase 1 milhão de reais, verba revertida em projetos
como o primeiro disco da Banda Mais Bonita
da Cidade, de Curitiba, e o documentário sobre a
Usina de Belo Monte”, conta Diego Reeberg, um
dos sócios fundadores do Catarse.
A força da plataforma é a mobilização, o engajamento
de gente impulsionada pelo desejo de ver
uma ideia se transformar em realidade − seja ela
um filme, seja uma revista, um disco, uma matéria
jornalística ou até mesmo um show ou festival de
música. A novidade pode até ser encarada como
uma reinvenção contemporânea e mais elaborada
da famosa “vaquinha”, e se tornou uma alternativa
aos patrocínios tradicionais e aos programas
de incentivo à cultura. “O crowdfunding foi interessante
para o documentário porque tratamos
de um assunto muito polêmico para ter apoio do
setor privado e até mesmo para conseguirmos
acessar os mecanismos das leis de incentivo, já
que assumimos uma posição contrária à construção
de Belo Monte. Além disso, quando criamos
a campanha na internet [em novembro de 2011]
para arrecadar os 114 mil reais de que precisávamos,
construímos um público engajado em torno
do filme mesmo antes de ele existir”, observa
Daniel Joppert, colaborador do núcleo de mobilização
de Belo Monte − Anúncio de uma Guerra,
que se tornou o maior projeto de crowdfunding
do Brasil, com arrecadação final de 140.010 reais
doados por 3.429 pessoas de todo o país, e com
estreia prevista para o primeiro semestre de 2012.
No entanto, projetos criativos aprovados em leis
de incentivo também encontram dificuldades na
arrecadação de verbas, especificamente no momento
da captação de recursos em empresas.
Para não decretar o fim da ideia por pura falta de
grana, seus criadores se veem obrigados a repensar
estratégias e a recorrer a outros tipos de financiamento
para realizar protótipos e pilotos que
ajudem na obtenção de patrocínios futuros. Esse
é o caso da revista Efêmero Concreto, idealizada
pelo coletivo responsável pelo site AHH! [ahh.
com.br] para ser distribuída gratuitamente. Aprovado
na Lei Rouanet, o projeto não captou a verba
necessária para a impressão do primeiro número,
justamente por não ter uma edição concluída que
incentivasse o apoio das empresas, apesar da qualidade
e pertinência da proposta. “Muitas empresas
grandes adoraram a ideia da publicação, mas
todas exigiram uma edição concluída para avaliação,
coisa que não tínhamos por causa do alto custo
de gráfica. A solução foi fazer uma campanha
no Catarse para arrecadar os 18 mil reais necessários
para imprimir inicialmente 5 mil exemplares,
apesar da nossa meta de tiragem ser 10 mil por
edição”, diz Deco Benedykt, um dos fundadores
do AHH! e produtor da Efêmero Concreto. Com
a colaboração de 205 pessoas, 19.077 reais foram
arrecadados e a primeira edição será impressa.
Criatividade e transparência
Para que uma ideia possa contar com a colaboração
financeira de pessoas comuns, o proponente
deve submeter seu projeto à equipe de curadoria
do site de crowdfunding escolhido. Geralmente

A n o v i d a d e p o d e a t é s e r e n c a r a d a c o m o u m a r e i n v e n ç ã o c o n t e m -
p o r â n e a e m a i s e l a b o r a d a d a f a m o s a “ v a q u i n h a ” , e s e t o r n o u u m a
a l t e r n a t i v a a o s p a t r o c í n i o s t r a d i c i o n a i s e a o s p r o g r a m a s d e i n -
c e n t i v o à c u l t u r a .
basta informar o objetivo, a justificativa, o orçamento,
o prazo de captação e as recompensas aos
patrocinadores. Quando aprovado, o projeto é publicado
e os interessados podem, então, colaborar
com qualquer valor, de acordo com as políticas
determinadas pelo site em questão. Cada quantia
investida se enquadra em uma cota que proporciona
contrapartidas ao patrocinador. Se o projeto
anunciado for um disco, por exemplo, quem ajudou
pode receber uma cópia gratuita em primeira
mão e, dependendo do valor doado, pode até
ganhar um show exclusivo da banda. As recompensas
são sempre determinadas pelo idealizador
e costumam ser decisivas para o sucesso da campanha
de arrecadação, pois funcionam como uma
motivação a mais para que as pessoas se envolvam
e optem pelas cotas maiores. “Para inscrever
um projeto no Catarse também é obrigatório fazer
um vídeo sobre a proposta e nós sempre reforçamos
a importância de produzir um material que
transmita as informações com transparência e clareza,
pois ele acaba sendo a principal ferramenta
de divulgação”, diz Reeberg.
O site Catarse, especificamente, utiliza um sistema
denominado “ou tudo ou nada”, que significa
que, se a meta de arrecadação não for
atingida dentro do prazo estipulado, o projeto
será cancelado e todo o investimento integralmente
devolvido aos patrocinadores, seja em
espécie, seja na forma de crédito para aplicação
em outras propostas. Em caso de sucesso, a
plataforma on-line retém uma comissão de 7,5%
e repassa o restante dos recursos captados ao
proponente, que se responsabiliza pela realização
e pela entrega das recompensas.
Brasil no Oscar
A vontade de resgatar e registrar a história do revolucionário
grupo de atores bailarinos Dzi Croquettes
levou os produtores e diretores de cinema Tatiana
Issa e Raphael Alvarez a realizar, com recursos próprios,
o projeto Dzi Croquettes (2009). O documentário,
hoje o mais premiado da história do gênero no
Brasil, não teria chegado às telas se não fosse uma
parceria firmada com o Canal Brasil. Superadas as
dificuldades, o filme foi exibido na Europa, nos Estados
Unidos, na Turquia e na Tailândia, entre outros
lugares, e causou comoção por onde passou, a ponto
de os fãs insistirem que a obra deveria ser inscrita
na categoria Melhor Documentário do Oscar 2012.
Passado o susto inicial, os diretores resolveram levar
a ideia adiante. Para isso, seria preciso veicular
comercialmente o filme nas cidades de Los Angeles
e Nova York, por uma semana em cada uma delas,
como determinam as regras da premiação – o
que custaria 23 mil dólares. Com os recursos para
lá de esgotados, Tatiana e Alvarez passaram a procurar
alternativas e, por intermédio de uma amiga,
conheceram a dinâmica do crowdfunding e o site
Kickstarter. “Acabamos sendo pioneiros em vários
sentidos, pois escolhemos uma plataforma de arrecadação
ainda inédita no Brasil, captamos recursos
para um filme já existente e fomos, até então, o único
projeto para qualificação de um documentário
para o Oscar. No início as pessoas achavam estranho,
pois parecia que nós estávamos apenas pedindo
dinheiro. Mas os fãs do filme foram fundamentais
para o sucesso da campanha, pois divulgavam
nas redes sociais apenas com o intuito de ajudar.
Acredito que isso aconteceu porque, desde o começo,
fizemos tudo na raça, como também acontecia
com os Dzi Croquettes”, conta Tatiana. Ao final do
prazo de arrecadação, 211 pessoas ajudaram a tornar
o sonho possível e foram doados 23.993 dólares.
Um dos aspectos mais interessantes é que, com a
plataforma, o público assume uma nova função,
quase oposta ao que sempre lhe coube, e passa
de mero espectador, de consumidor passivo de
um produto predeterminado e filtrado pela indústria
cultural, pelas empresas e pelo Estado, a
agente ativo do processo produtivo, defensor de
uma ideia, muitas vezes ainda embrionária. Estar
no início de tudo, aliás, é uma das peculiaridades
positivas e motivadoras do financiamento coletivo.
“Na nossa sociedade, temos um envolvimento
muito pequeno com aquilo que consumimos,
seja arte, seja cultura ou um produto qualquer
que compramos no supermercado e não temos
ideia de como foi produzido. O crowdfunding
muda esse processo e proporciona uma reconexão,
mesmo que pontual, das pessoas com as coisas
que as cercam. Há efetivamente a criação de
um diálogo com o público. Finalmente saímos da
era do monólogo”, acredita Joppert, colaborador
do documentário sobre Belo Monte.
Saiba mais sobre os projetos citados na matéria:
Dzi Croquettes [kck.st/rqkCBR]
Efêmero Concreto [bit.ly/sgrGgv]
Belo Monte – Anúncio de uma Guerra [on.fb.me/z5KuYF]
29
CONTINUUM
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REPORTAGEm | videomapping
Apresentações de videomapping transformam a relação entre homem, arte e cidade
TEXTO sabrina duran
FOTO garapa
No escuro, a apresentação começa. O som é forte,
percussão sintetizada, textura musical digitalizada.
Nosso ouvido se abre. As luzes que vêm em sequência
são linhas finas e coloridas, imagens abstratas
em movimento, fotos, frases, um mapa da
América Latina em tamanho descomunal. Aberto,
ele não caberia na sala da sua casa nem em três ou
quatro salas da sua casa. Tudo piscando e se movendo
em compasso com a música. Nossa mente
trabalha reconhecendo aquelas figuras enquanto
a boca entreaberta mostra quanto cada pessoa se
surpreende com o que vê e ouve. E o mais interessante
de tudo é que, sem ninguém nos tocar,
nossa pele se arrepia inteira, feito pele de galinha.
Insuspeitável é o que desencadeia toda essa reação
física: uma apresentação de videomapping
(ou videomapeamento), técnica de projeção audiovisual
em grandes estruturas, como edifícios
e monumentos, em que as imagens, interagindo
com a arquitetura onde são exibidas, ganham volume
e contam uma história ao público. No último
dia 17 de dezembro, a fachada que serviu de
suporte à projeção foi a alva estrutura externa do
Memorial da América Latina, em São Paulo, como
parte do Passport VJ University (passportvjuniversity.com.br),
série de seis dias de workshop
sobre videomapping. Com organização e curadoria
dos VJs Spetto e Pedro Zaz, ambos do coletivo
internacional United VJs (unitedvjs.org),
o Passport reuniu centenas de pessoas durante
uma noite quente diante do conjunto projetado
por Oscar Niemeyer, inaugurado em 1989.
Naquela festa, o Memorial serviu de palco para
tecnologias avançadas de videoprojeção, usadas
com a finalidade de integrar a arte e as pessoas à
arquitetura e ao espaço público – uma das principais
razões de ser do videomapping.
O pulo do gato
Embora as primeiras experiências com videomapeamento
tenham sido feitas no mundo há pouco
mais de cinco anos, o conceito que embasa essa arte
precede sua execução em mais de um século. “Os
futuristas, no início do século XX, já diziam que a
fachada devia ser midiática, que o edifício tinha de
se comunicar com o entorno”, afirma Spetto.
A luz é a matéria-prima do videomapping. Transformada
por técnicas de ilusão de óptica e anamorfose
(deformação reversível da imagem), por
exemplo, ela ajuda a romper padrões visuais aos
quais o olho humano está acostumado há séculos,
afirma Omar Calzada, do Telenoika (telenoika.
net), um dos mais expressivos grupos de criação
audiovisual da Espanha. E é justamente essa ruptura
que surpreende os sentidos de quem vê uma
apresentação de videomapeamento.
O “pulo do gato” do videomapping, que intensificou
sua comunicação com o entorno, foi a
projeção volumétrica em contraposição à bidimensional.
Isso foi possível quando os artistas
descobriram – de forma casual e intuitiva – que
era viável não só projetar imagens em várias telas
e em espaços bem maiores do que elas, mas
que também era possível “dobrar” essas imagens,
fazendo, assim, com que todos os detalhes das
fachadas – curvas, janelas, portas, torres e o que
mais existir – pudessem ser usados como suportes
em três dimensões para as projeções. Não se
trata de projetar uma imagem bidimensional em
uma parede plana, mas, sim, de desenhá-la com
luz em toda a estrutura cúbica de uma edificação.
A comunicação com o entorno passou a ser, então,
mais complexa (e completa) e o impacto causado
nos espectadores tornou-se mais vivo.
“Sem dúvida, a projeção mapeada tem levado
essa arte para um patamar nunca antes imaginado.
A evolução técnica é muito grande, tanto
por parte dos equipamentos quanto dos softwares
de criação. Hoje, o que define o limite de
cada projeto é seu budget e seu tempo de criação.
Simplesmente não há mais limites técnicos
ou de concepção. Conseguimos fazer de tudo,
até o Cristo Redentor fechar os braços”, afirma
Dudão Melo, diretor do departamento de comunicação
e projetos da produtora Visualfarm, responsável
pelo projeto artístico Vídeo Guerrilha
(videoguerrilha.com.br), que em novembro de
2011 “ocupou” fachadas de edifícios e casas na
Rua Augusta, em São Paulo.
Nessa edição, a segunda realizada, mais de
uma centena de criadores fez projeções monumentais
utilizando técnicas de videomapeamento.
“As pessoas não olham mais a
paisagem urbana, estão cegas e presas à sua
rotina, em que olhar para cima ou para o lado
significa perder tempo. Hoje, o êxodo urbano
central é uma realidade na maioria das grandes
cidades do Brasil e do mundo. A Rua Augusta
tem sido um bom exemplo da importância
do entretenimento para a recuperação
daquela região”, diz Melo.
O atual momento da videoprojeção ratifica, segundo
Spetto, um postulado do arquiteto italiano
Bruno Zevi em seu livro Saber Ver a Arquitetura
(WMF, 2009): a arquitetura é algo que se
vivencia. “Por mais que você tenha uma planta,
uma foto, um vídeo, um memorial descritivo,
nada disso suplanta a experiência de viver
a arquitetura, que é você passar por um portal
e sentir uma brisa no rosto, ver a luz do sol se

VJ SPETtO
“O videomapping vem na esteira de todas as manifestações
urbanas de arte. É uma ânsia da cultura e da arte atual
de transformar a cidade em que se vive numa coisa mais
humana, acessível e lúdica.”
Público assiste à apresentação
de videomapping no Passport VJ
University, em São Paulo
revelar por trás daquilo, ou chegar na frente de
uma fachada, olhar as portas e janelas e dizer:
‘nossa, parece a cara de um cachorro, de um
homem’”, exemplifica o VJ. Spetto diz que usa
os detalhes dos edifícios onde projeta como elementos
da dramaticidade. Essa ação artística
não se resume, para ele, em um espetáculo de
luzes, já que possui uma narrativa passível de
ser apreendida e sentida pelo espectador, que
dá sua própria interpretação ao que vê.
Novo, novíssimo; antigo, antiquíssimo
O processo de criação do videomapping envolve,
sem dúvida, uma refinada tecnologia de softwares
para modelar, editar e mixar as imagens,
e de hardwares robustos, capazes de rodar esses
programas – em geral, PCs com sistema Macintosh,
máquinas híbridas montadas pelos próprios
videomapers. Há também os projetores,
suas lentes e a técnica necessária para operá-
-los. Tudo isso é “novo, novíssimo”, como gosta
de dizer Spetto. Mas também há a porção antiga,
antiquíssima do videomapping. Para dobrar
a imagem na fachada tridimensional de um edifício
usando softwares modernos em hardwares
tunados, é preciso ter intimidade com a trigonometria.
Sem um estudo matemático da fachada
que servirá de suporte à projeção as contas não
fecham e o videomapping simplesmente não
pode existir. A arte, com sua virtude integradora,
consegue unir extremos de forma orgânica.
Spetto estima que, em todo o mundo, haja
cerca de 20 grupos que trabalham seriamente
com essa nova arte. No Brasil, o videomapping
segue evoluindo, mas encontra barreiras
técnicas por falta de formação profissional e
de equipamentos, que, de acordo com o VJ,
são itens caros e difíceis de ser importados.
“Mas com o pouco equipamento que há já dá
pra fazer bastante coisa”, diz.
O videomapping sustenta a reocupação do
espaço público pelas pessoas, desde a fachada
dos edifícios até o ambiente onde os espectadores
se reúnem para ver as projeções.
Naquela noite de sábado no Memorial da
América Latina, as centenas de espectadores
sentados no chão da parte exterior do edifício
– algumas até deitadas –, conversando,
bebendo e dançando, eram a imagem mais
próxima de um ideal de cidade participativa
e humana, que se preocupa menos em
proibir as coisas e mais em criar condições
para que as pessoas desfrutem dela. “O videomapping
vem na esteira de todas as manifestações
urbanas de arte. É uma ânsia da
cultura e da arte atual de transformar a cidade
em que se vive numa coisa mais humana,
acessível e lúdica. Todos querem transcender”,
diz Spetto.
No caso do Vídeo Guerrilha a história por
trás da fachada também foi protagonista
nas projeções. “Fizemos dezenas de visitas
técnicas à Rua Augusta até chegarmos a um
formato final para cada edifício. Mas o mais
interessante é você pensar que, em cada prédio
com seus moradores, existe uma história
que pode ser contada. E essa é uma das
missões do evento: encontrar a poesia visual
que está perdida e projetá-la, deixando as
cidades e os moradores mais bonitos e orgulhosos”,
explica Melo.
31
CONTINUUM
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REPORTAGEM | cidade de goiás
Vila boa da humanidade
Ex-capital goiana conserva suas tradições, mas se abre para o mundo através da cultura
TEXTO rogério borges FOTOS ricardo rafael
Casa das Raízes, Mercado Municipal de Goiás.
Ali, um homem com autoridade adquirida e
inconteste recebe seus clientes, alguns há décadas.
“Mexo com ervas naturais há 32 anos.
Aprendi com meu pai, que aprendeu com meu
avô, que era escravo”, diz Helios Gomes do Carmo.
Ele anda com dificuldade depois que quebrou
o joelho, mas é conhecido por curar os males
alheios. “Aqui tem remédio para os rins, para
o diabetes, para o estômago”, afirma, mostrando
uma prateleira abarrotada de rabo de tatu, casca
de ipê-roxo, cipó do índio. “Fui o único da família
a continuar no ramo. Faço tudo sozinho. Vou
ao campo colher as ervas, coloco para secar,
preparo as receitas. E ensino todo mundo que
me pergunta porque não quero que esse conhecimento
morra comigo.”
A Cidade de Goiás é assim, cheia de personagens
que a fizeram manter tradições, crenças,
costumes e possibilitaram que essa joia colonial
encravada no sertão goiano sobrevivesse a tudo
e a todos e, dez anos atrás, recebesse da Unesco
o título de Patrimônio Cultural da Humanidade.
Quando Helios nasceu, há 65 anos, um trauma
persistia: capital do estado até 1937, caiu no ostracismo
quando perdeu o posto para Goiânia.
Fundada pelo bandeirante Bartolomeu Bueno da
Silva, a cidade, que nasceu Arraial de Sant’Ana
em 1727, é emoldurada pela beleza da Serra Dourada
e cortada pelo Rio Vermelho − de cujo leito
saíram incontáveis quilos de ouro. O lugar, que
também se chamou Vila Boa, foi capital da Província
de Goyaz em tempos antigos, cujas marcas
se mantiveram no centro histórico − com ruas de
pedra, casario de telhados irregulares, prédios e
logradouros públicos que guardam tesouros do
passado. Antes do título de Patrimônio da Humanidade,
foi tombada pelo Patrimônio Histórico
Nacional, em 1978. Nos anos 1980 a cidade ganhou
mais visibilidade fora do estado. A cultura
local, sobretudo a literatura e as artes plásticas,
funcionou como o maior cartão de visitas.
O artesanato de Goiás permanece famoso graças
às mãos de gente como Alice Noronha, a “Alicinha”,
de 65 anos, fada dos potes e panelas de
barro. “Essa é a minha profissão desde 1970. Criei
meus filhos assim.” Ela integra a Associação dos
Artesãos de Goiás, fundada em 1977. “Nosso trabalho
é todo manual. A gente preserva as raízes
do ofício. Hoje, fabrico cerca de 50 modelos de
peças.” Ela é mais um exemplo de como a terra
move esse povo. “Hoje é muito mais fácil. Antes
a gente tinha de caminhar vários quilômetros e
trazer o barro na cabeça. E, o que era pior, não
tinha venda depois de tudo pronto. Agora não. A
gente fica até apertada com tanta encomenda.”
Essa força popular que Goiás soube valorizar,
com raízes portuguesas, negras e indígenas, se
mostrou fundamental para que a cidade se tornasse
patrimônio mundial. Obras de infraestrutura
foram realizadas, como a instalação de fiação
subterrânea e a revitalização da iluminação
pública, além da restauração de prédios, igrejas e
praças. Ao todo, a área tombada compreende cerca
de 800 imóveis e monumentos, bem preservados
em razão da constante atuação do Instituto
do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional
(Iphan) e de parcerias governamentais.
Turismo e ecologia
A 140 quilômetros de Goiânia e a 330 de Brasília,
Goiás ainda tem desafios pela frente. Nos últimos
dez anos, a frequência de turistas em seus principais
museus mais que dobrou. Até 2001, o Museu
da Boa Morte, um dos mais importantes, recebia
perto de 8 mil visitantes por ano. Hoje chegam a
18 mil. Pelo Museu Casa de Cora Coralina − antiga
residência da poeta e o local mais visitado da cidade
− em 2011 passaram cerca de 25 mil turistas
ante os pouco mais de 10 mil de uma década atrás.
Nesse período, também aumentou o número de
leitos na cidade de 800 para cerca de 1.500.
Eventos importantes começaram a ser realizados
e a antiga capital recebe hoje gente de todo o
Brasil e do exterior. Um dos picos dessa visitação
ocorre durante a Semana Santa em razão da secular
Procissão do Fogaréu − encenação da perseguição
a Cristo que ocorre nas ruas de pedra
do município. À meia-noite da Quarta-Feira Santa
as luzes da antiga capital são todas apagadas e 40
mascarados, chamados de farricocos, iluminam a
cidade com tochas e percorrem as principais igrejas,
representando os soldados destacados para
capturar Jesus. A cerimônia termina no adro da
Igreja de São Francisco, quando o Messias é encontrado.
Goiás também costuma atrair turistas
por seu carnaval, em que predominam as marchinhas,
e pelo festival gastronômico, que ocorre no
início de dezembro.
Após a grande enchente de 2001, poucos dias
depois da conquista do título internacional, Goiás,
que sedia o Festival Internacional de Vídeo
e Cinema Ambiental (Fica) desde 1999, percebeu
que o meio ambiente, sobretudo no entorno
da cidade, necessita de mais cuidados − o que
ainda não acontece como deveria. Mas isso não
chega a tirar o charme de um lugar que parece
ter parado no tempo, preserva seu bucolismo,
mantém uma cozinha caseira genuína e sabe
dar valor à sua história.
Pessoas como o raizeiro Helios e a artesã Alicinha
representam uma faceta importante da cidade,
aquela que dá vida à antiga Vila Boa e a faz
ser do jeito que é. Eles e tantos outros anônimos:
os que falam dos vários governadores que habitaram
o Palácio Conde dos Arcos, os que passeiam
de chapéu de aba larga em frente às fachadas
históricas, os que cuidam dos intermináveis
quintais e seus pomares, os que dão aula no centenário
Colégio Sant’Ana. No Largo do Chafariz,
na Praça do Coreto, na Casa da Ponte, em seus
becos estreitos e tortos, nos adros das igrejas,
Goiás convida todos para mergulhar num passado
belo, poético, rico em sua simplicidade.

A cidade de Goiás é cheia de personagens
que a fizeram manter tradições, crenças,
costumes e possibilitaram que essa joia
colonial encravada no sertão goiano
recebesse da Unesco o título de Patrimônio
Cultural da Humanidade.
O casario antigo faz de Goiás uma das principais representantes da arquitetura setecentista
no mundo. Alice Noronha mostra a cerâmica artesanal que deu fama à cidade,
e o raizeiro Helios, guardião das tradições locais
Becos que exalam arte
A poeta Cora Coralina, escritores e pintores
tornaram Goiás referência para as artes
Goiás sempre inspirou poetas, mas ninguém retratou a
antiga Vila Boa como Anna Lins dos Guimarães Peixoto
Brêtas, ou Cora Coralina. A casa em que ela nasceu em 20
de agosto de 1889 ainda guarda suas lembranças. Às margens
do Rio Vermelho, a residência, com seu imenso quintal
e uma bica no porão, viu a escritora crescer, sair de sua terra
natal e retornar em 1956 para viver lá até morrer, em 1985.
“Naquele ano, um grupo de amigos se reuniu para fazer do
imóvel um local em homenagem à escritora”, conta Marlene
Velasco, diretora do hoje Museu Casa de Cora Coralina.
Durante muitos anos, Cora Coralina viveu ali, fazendo
doces para sobreviver e escrevendo versos para encantar.
Seus cadernos com folhas pautadas fazem parte
do acervo da instituição. “Eu datilografei originais e
sempre brinquei aqui, desde menina”, revela Marlene.
“As lembranças que tenho desta casa são muito afetivas.”
Uma ligação que a faz ser uma guerreira em prol
do legado da autora. Ela liderou a compra da casa, sua
reforma, sua reconstrução após a enchente de 2001.
Marlene lutou para incluir o nome de Cora Coralina no
Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo. “Nós somos
o museu mais visitado da cidade. E Goiás e Cora
são indissociáveis.”
Na arte, Goiás produziu outros nomes de destaque. No
Largo do Chafariz está a casa onde nasceu Hugo de
Carvalho Ramos, autor de Tropas e Boiadas, clássico do
regionalismo brasileiro lançado em 1917, que influenciou
até Guimarães Rosa. No Largo do Rosário fica a residência
que foi de José Joaquim da Veiga Valle, escultor do
século XIX que deixou enorme acervo sacro em igrejas
da cidade, boa parte dele reunido hoje no Museu da Boa
Morte. No ano passado, Goiás perdeu outra grande artista.
Aos 95 anos, morreu Goiandira do Couto, pintora
que fez das areias coloridas da Serra Dourada seu instrumento
de expressão e homenagem às paisagens e à
história da antiga Vila Boa.
Saiba mais
Para conhecer melhor a cidade de Goiás
> A Capitania de Goyaz foi desmembrada da de São Paulo em 1748, mas o primeiro governador, Marcos de Noronha, só chegou a Vila Boa de Goyaz cinco anos depois do decreto.
> O Museu das Bandeiras funciona no prédio que abrigava a cadeia pública. Em seu interior estão os instrumentos de tortura empregados contra presos e escravos.
> Fora do centro histórico há o Mosteiro da Anunciação do Senhor, mantido por irmãos beneditinos. Local indicado para meditação.
> O Largo do Chafariz é um dos pontos mais agradáveis da cidade, com amplo gramado, muita sombra e uma sinfonia de passarinhos a qualquer hora do dia.
> Em Goiás faz muito calor e o clima é abafado. Para se refrescar, uma boa pedida é o picolé de frutas do cerrado vendido na Praça do Coreto.
> Quase 200 degraus levam à Igreja de Santa Bárbara. Vale o esforço. A vista de lá é linda.
> Preste atenção em como vai chamar esse patrimônio da humanidade. Os moradores preferem Cidade de Goiás e até aceitam Antiga Vila Boa, mas detestam o nome Goiás Velho.
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REPORTAGEm | regentes de orquestras
NO
DA VIDA
Polistchuk
REGER
e Bologna: mesma orquestra,
a Sinfônica do Estado de São Paulo,
mas estilos personalizados de regência
Maestros contam como a música entrou em suas vidas
e os caminhos que os levaram à regência de orquestras TEXTO paula fazzio FOTOS andré seiti
“Tocar é como cozinhar. Tem de tomar cuidado
com o fogo, porque ele pode queimar a comida.
É preciso cozinhar bem as notas. Cada instrumento
é um ingrediente e, misturando-os,
criam-se os sabores. O maestro está lá para ver o
ponto dessa mistura. O público está com fome e
quer se servir.” A receita é de Nailor de Azevedo,
o Proveta, maestro e professor da Orquestra Brasileira
do Auditório (OBA), sediada no Auditório
Ibirapuera, em São Paulo.
Ricardo Bologna, instrumentista da Orquestra
Sinfônica do Estado de São Paulo (Osesp), compara
a profissão de maestro com a de um atleta.
“Precisamos manter a forma. Temos de estudar
constantemente os instrumentos e a partitura.”
Ele complementa que o regente é também um
chefe, um empresário. Quando criança, ouvia
seu pai, hoje maestro aposentado, falar sobre os
problemas da orquestra que regia. Entendeu que
não há nenhum glamour nessa profissão e agora
concorda com as queixas. “Há muitos problemas,
como em qualquer grupo de pessoas. O regente
é o catalisador, um líder. Precisa resolver questões
administrativas, desentendimentos entre os
músicos ou com os superiores...”
Seu colega de Osesp e de regência Wagner
Polistchuk concorda com ele: “Os instrumentistas
não têm ideia dos problemas que o regente
precisa resolver”. Ele acredita que essa carreira
ajuda a de instrumentista e vice-versa. “Seria
ideal se todos tivessem ambas as formações.”
O maestro deve conhecer muito bem a estrutura,
a história e o contexto da música e também
os instrumentos e seu funcionamento. É necessário,
ainda, dominar algumas técnicas do movimento
com as mãos. Maestro Branco, nome
artístico de José Roberto Branco, professor e
regente da OBA, reforça que alguns músicos
populares não entendem os movimentos da batuta.
“Tem gente que nem olha para você”, diz.
Componente subjetivo
Apesar das padronizações, a atividade da regência
de orquestras possui um componente subjetivo
muito marcante. O modo de reger varia de
um profissional para outro. Mãos que gesticulam,
corpos em movimentos suaves ou bruscos e até
a boca podem ajudar a traduzir as orientações.
“Às vezes algo não dá certo e o maestro reage fazendo
uma careta. Os instrumentistas percebem
e interpretam o que ele quer transmitir”, conta
Polistchuk. Bologna concorda que as expressões
faciais são muito importantes e podem guiar o
músico, para o bem ou para o mal. No caso de
Proveta, foi para o bem. Certa vez, ele foi tocar
saxofone com um maestro japonês; estava inseguro
com a sua entrada e acabou se perdendo.
“Olhei para ele, que me deu um sorriso. O som
saiu. O cara me salvou. Foi o primeiro maestro
que me chamou atenção, por esse gesto. A maioria
dá bronca, mas o público não vê.”
Para ser um bom maestro, na opinião de Proveta,
é preciso ser um bom observador. “O regente
deve saber tudo o que vai acontecer. Mas também
precisa saber como ‘tirar’ o som do músico.
É o maestro que deve tocar com a orquestra e
não o contrário. No fundo, ele gostaria de estar
na posição dos instrumentistas.”
Talentos precoces
Polistchuk, natural de São Bernardo do Campo,
no ABC paulista, ingressou numa escola de música
aos 13 anos. Aos 17 já ganhava seu dinheiro
com shows e gravações. Entrou numa banda em
que o instrumento disponível era o trombone e
com ele segue até hoje, na Osesp, onde está há

“O regente deve saber tudo o que vai
acontecer. Mas também precisa saber
como ‘tirar’ o som do músico. É o maestro
que deve tocar com a orquestra e não o
contrário. No fundo, ele gostaria de estar
na posição dos instrumentistas.”
Proveta
Integrantes da Orquestra Brasileira do
Auditório em ensaio para o espetáculo que
marcou o fim das atividades de 2011
30 anos. Os últimos 13 foram dedicados também
à regência na Orquestra Sinfônica da Universidade
Estadual de Londrina, na Camerata Antiqua
de Curitiba e na Orquestra Sinfônica de Santo
André. Para ele, é possível aprender algumas
técnicas de regência apenas pela observação.
“A música já estava na minha vida, nunca tive
de pensar no que iria fazer. Ela foi me levando
e, quando fui ver, já estava na Osesp”, relembra.
Bologna começou a tocar violino aos 8 anos, na
Escola Municipal de Música, em São Paulo, e depois
mudou para o piano, mas aos 13 se apaixonou
pela percussão. Estudou música na Unesp e
fez mestrado no exterior. Até então, não pensava
em se tornar maestro, não se interessava por isso.
De 1993 a 1999, período em que morou na Suíça,
aproveitou para estudar regência e, de volta ao
Brasil, prestou concurso para a Osesp.
Maestro Branco, natural de Pederneiras, São Paulo,
estudou marcenaria na infância, numa escola industrial
de Jaú, interior paulista, e começou a trabalhar
nesse ofício. A música entrou em sua vida
quando seu pai, um ferroviário que tocava violão
de forma amadora, lhe deu um cavaquinho e lhe
ensinou alguns acordes. Mas não o incentivou a
seguir carreira musical e abandonar o trabalho,
que ajudava no orçamento da casa. Aos 14 anos,
viu uma orquestra ensaiando. “Essa cena mudou
minha vida. Procurei um professor e comecei a estudar
e tocar na orquestra da minha cidade.”
Para ele, “não dá para desviar a atenção de uma
banda. O som preenche tudo. Quando se tem a
intenção de fazer música, é como um vício, não
tem como escapar”. Ao constatar isso, ele juntou
dinheiro e comprou um trompete. Convidado
para tocar em orquestra, decidiu que seguiria o
caminho da música e mudou-se para São Paulo,
depois de passar pelas cidades paulistas de Bauru,
Araçatuba e São José do Rio Preto. Trabalhou
como arranjador na extinta TV Tupi, na TV Record
e na Rede Globo. Não fez curso universitário;
estudou na Europa e nos Estados Unidos, onde
trabalhou num cassino. Até hoje, Branco vai dormir
pensando em notas musicais e lê partituras
no metrô. “Eu ainda estudo regência, aos 68 anos”,
conta ele. Para o músico, seguir uma carreira na
área requer muita coragem. “A não ser que se tenha
alto poder aquisitivo, é muito difícil. Você não
sabe o que virá pela frente. Não é fácil chegar lá.”
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REPORTAGEm | regentes de orquestras
A ligação de Proveta com a música vem de família.
O avô e o pai tocavam acordeão. Ainda
em Leme (SP), sua cidade natal, ele começou a
estudar música, aos 7 anos. Três de suas quatro
irmãs também tocavam algum tipo de instrumento,
todos eram incentivados pelo pai,
pedreiro, que os colocou numa escola de música
e lhes mostrou o samba, o maxixe e a música
clássica. “Em 1960, ouvia a Rádio Nacional.
Na televisão, programas como o Festival da
Record educavam as pessoas, havia mais informação
musical. É essa história que a gente
precisa de volta”, explica.
Aos 15 anos, foi convidado a tocar numa orquestra
em São Paulo, em que a média de idade dos
componentes era 40. Daí surgiu seu apelido, justamente
na época do nascimento do primeiro
bebê de proveta. Toca saxofone alto, tenor, clarinete
e saxofone soprano. Sobre seu lado maestro,
diz que aprendeu observando. “Aos 9 anos eu subia
na cadeira de um coreto em Leme, levantava
os braços e regia, era tão natural”, lembra.
“Seguir uma carreira musical requer muita
coragem. A não ser que se tenha alto poder
aquisitivo, é muito difícil chegar lá.”
Maestro Branco
Apostas no futuro
Proveta e Maestro Branco são professores de
Beatriz Pacheco, de 18 anos, na OBA. A jovem
aprendeu flauta doce e saxofone num projeto
musical na escola em que estudava, na cidade
de São Paulo. Teve problemas na família, mau
rendimento na escola, mas diz que a música a
reergueu. “Ocupei minha cabeça”, conta. “Tocando,
consigo fazer as pessoas se sentir bem, tratar
delas, mesmo que não estejam doentes”, explica.
Para ela, o regente é importante para mostrar que
um músico sempre precisa de outro.
Colega de Beatriz na orquestra, Vanessa Kivian,
também de 18 anos, aprendeu flauta doce e canto
coral na escola, na capital paulista. Sentiu que
tinha apoio da família para seguir carreira musical
quando sua flauta transversal, no valor de
3 mil reais – comprada com a bolsa mensal de
300 reais –, foi roubada. Naquela ocasião, os pais
reconheceram que aquilo era importante e a incentivaram
a seguir seu sonho. “Eles acreditam
cada vez mais em mim”, conta.
Maestro Branco, da OBA: “Aos 14
anos, vi uma orquestra ensaiando.
Essa cena mudou minha vida”

BAlAIO
Em pleno verão
Roteiro traz dicas de livros, documentários, show e sites para deixar mais cultural o início do ano
foto: divulgação
LIVRO
Yes Is More, de Bjarke Ingels Group (BIG) (Taschen, 2009)
Para o escritor e arquiteto dinamarquês Bjarke Ingels as cidades devem se adaptar aos homens
e não o contrário. Ele acredita em uma arquitetura que ajude o ser humano a evoluir. Yes Is More
é uma monografia em quadrinhos – ou um arqui-comic, como define o autor – que pretende ser
um manifesto da nova arquitetura praticada na Europa. O livro apresenta um retrospecto da
história da arquitetura, além de métodos, meios e processos criativos calcados na cultura de
massas, mas que podem gerar resultados inesperados e positivos.
DOCUMENTÁRIOS
Raul Seixas: O Início, o Fim e o Meio, de Walter Carvalho (Brasil, 2012, 120 min)
A trajetória de Raul Seixas, considerado o “rei do rock nacional”, é recontada por Walter Carvalho, cineasta e um dos mais
cultuados diretores brasileiros de fotografia cinematográfica. O documentário traz entrevistas com familiares do artista, como
o irmão Plínio, e parceiros, entre eles o escritor Paulo Coelho, com quem compôs várias canções. As filmagens ocorreram na
Bahia, no Rio de Janeiro, em São Paulo, nos Estados Unidos e na Suíça. Raul é o artista póstumo que mais vende discos no
país: cerca de 300 mil cópias ao ano. Vinte e dois anos após sua morte, a memória do roqueiro é preservada por uma legião de
fãs. Autor de clássicos como “Metamorfose Ambulante”, “Eu Nasci Há 10 Mil Anos Atrás” e “Tente Outra Vez”, Raul mostrou seu
vanguardismo não só nas letras, mas também pela mistura de ritmos aparentemente inconciliáveis, como o rock e o baião.
As Praias de Agnès, de Agnès Varda (França, 2008, 100 min)
Chega aos cinemas brasileiros a autobiografia documental da cineasta
belga Agnès Varda, radicada na França, que se tornou internacionalmente
conhecida por sua militância feminista e pela direção de
clássicos como Cléo de 5 a 7, de 1962. Imagens de praias, entrevistas,
fotografias, reportagens e trechos de suas obras conduzem a uma visita
ao universo de Agnès, desde a infância em Bruxelas, passando por
seu período como fotógrafa e pelo casamento com o cineasta francês
Jacques Demy, até a criação de seus filmes.
foto: Vicente de Paulo
SHOW
Viva Elis, com Maria Rita (Auditório Ibirapuera, São Paulo, 17 de março)
Trinta anos após sua morte, Elis Regina continua sendo considerada a maior cantora brasileira de
todos os tempos. Para marcar a passagem de três décadas de sua ausência, a família da cantora
organiza o projeto Redescobrir Elis, com shows, mostra itinerante, site, livro e documentário.
A exposição terá como destaque materiais de arquivo de centenas de fãs, recolhidos em todo o
país. Mas o ponto alto da homenagem – que começa justamente no aniversário de Elis, dia 17 de
março − é a turnê que Maria Rita (foto) fará em várias capitais brasileiras. A série, batizada de Viva
Elis, começa em São Paulo, no Auditório Ibirapuera, com show gratuito, aberto ao público do Parque
Ibirapuera, onde a casa se situa. A cantora deve se apresentar ainda em Belo Horizonte, em Porto
Alegre, no Recife e no Rio de Janeiro. O repertório foi montado exclusivamente com os clássicos de
Elis. É a primeira vez que Maria Rita, que despontou no cenário musical brasileiro há oito anos, interpreta
várias músicas imortalizadas por sua mãe. Mais informações .
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BAlAIO
Destaque
Retorno
à estrada
foto: André Seiti
O ilustrador e artista plástico paulistano João Pinheiro (foto)
transformou a vida de Jack Kerouac − um dos ícones do movimento
cultural conhecido como geração beat − na graphic
novel Kerouac, lançada em 2011 pela editora Devir Livraria. Os
acontecimentos da vida do autor de On the Road [Na Estrada],
(lançado em 1957 e considerado uma obra-prima da literatura
mundial) são relatados por meio de uma narrativa veloz em
formato de história em quadrinhos. Nesta entrevista, Pinheiro
conta como surgiu a ideia de criar o trabalho.
Por que Kerouac?
João Pinheiro: Li seus livros quando era adolescente e eles mexeram
muito comigo, mudaram minha vida. Passei a me interessar mais pela literatura
e pelas outras artes. O que fiz agora foi uma espécie de retorno. Não
é exatamente uma biografia, é a minha visão do Kerouac, embora tudo
tenha, de fato, acontecido.
dos Unidos). Eu fragmentei a narrativa, criei em cima e fiz as ilustrações. Fiz um
roteiro básico da vida dele, desde o nascimento, e fui decidindo o que era mais
relevante para mostrar e que tivesse a fluência da linguagem dos quadrinhos.
Quanto tempo você demorou para fazer o livro?
JP: Entre pesquisa, texto e ilustrações foram três anos. Usei as horas vagas,
quando não estava fazendo nenhum trabalho.
Na sua opinião, quem é o público-alvo?
JP: Não pensei nisso, mas a publicação pode ser vista como uma espécie
de iniciação no autor e nos beats.
Saiba mais sobre o livro em .
(por Paula Fazzio)
balaio.com
Opções culturais que você só encontra na internet
Como foi o levantamento biográfico para compor o texto?
JP: Li todos os livros do autor que foram lançados no Brasil, as biografias e um
livro de ensaios, do poeta Claudio Willer [Geração Beat, L&PM Pocket, 2009].
Para criar a obra, reli essas publicações com um olhar mais seletivo para tentar
entender melhor e fazer uma história que não conflitasse com o registro histórico.
Tentei pegar os fatos reais da vida do autor e também os textos que ele
mesmo escreveu e são biográficos. O capítulo “Visões da Estrada” é um trecho
de On the Road que trata de uma viagem que ele fez para São Francisco (Estamusarara.com.br
A revista eletrônica Musa Rara aproveita a internet como um meio de
comunicação rápido e eficiente para mostrar, divulgar e apontar caminhos
artísticos na literatura e suas adjacências, sem depender exclusivamente
do mercado. Existem as opções de ler ou enviar textos na área de
tradução, resenha, prosa, poesia, lançamentos, infantojuvenil, entrevistas,
ensaios, crônicas, crítica literária, blogs, artigos e textos acadêmicos. Há,
ainda, a TV Musa, um canal de notícias, e a seção “O que Estou Lendo?”,
para que os leitores compartilhem suas experiências literárias.
albumitaucultural.org.br
No site Álbum, como o nome sugere, está reunida boa parte da produção sobre
música já realizada pelo Itaú Cultural. Desde os vídeos de shows e entrevistas de
artistas que participaram das edições do programa Rumos Itaú Cultural Música até
textos avulsos publicados em títulos como a Continuum . Além desta compilação
eletrônica, o site apresenta conteúdos criados exclusivamente para a web − como as
seções Pitéu, de receitas gastronômicas indicadas por músicos ou seus familiares, e
Tô Assobiando, com playlists temáticas. A página é voltada para todo tipo de público,
não somente para quem pesquisa música.

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38 39 quadrinhos | lourenço mutarelli

CURADORES VIAJANTES PARTIRAM RUMO AOS
QUATRO CANTOS DO BRASIL PARA DESCOBRIR
NOVOS TALENTOS DAS ARTES VISUAIS.
Venha conhecer o resultado dessas viagens.
45 artistas, 130 obras
Coordenação-geral de curadoria de Agnaldo Farias
Erosões de Luz Acontecem Aqui entre 1817 e 2817 ao Meio-Dia e Dez
de 21 de Novembro a 22 de Janeiro, em Belo Horizonte de Raquel Versieux
até 22 de abril 2012
terça a sexta das 9h às 20h
sábados, domingos e feriados das 11h às 20h
ENTRADA FRANCA
estacionamento conveniado, com entrada pela rua leôncio de carvalho
itaucultural itaucultural.org.br fone 11 2168 1777 atendimento@itaucultural.org.br
avenida paulista 149 são paulo sp 01311 000 [estação brigadeiro do metrô]