VERÃO 2022 – EDIÇÃO 6

VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6
Et cetera
Gente com Bossa
Claude Troisgros, o chef franco-carrrioca
Viviane Mosé, a filósofa que ama a vida
Papatinho, o produtor musical dos hits
Sandra Cinto, a artista dos céus e mares
O X da Bossa
1822, 1922 e 2022: reflexões sobre independência,
modernismo e futuro do Brasil
Comportamento
Três imigrantes contam como foram (ou não)
acolhidos pelos brasileiros
“Nos momentos difíceis a gente tem que
tirar a melhor lição, ser criativo e humilde
para aprender com os acontecimentos”
Claude Troisgros
Distribuição gratuita

vintage typewriter | foto: Getty Images
Expediente
Direção Geral Alessandra Lotufo | Direção Editorial e Edição: Daniela Macedo | Textos: Daniel Motta, Daniela
Macedo, Diego Braga Norte, Mariana Amaro, Sérgio Martins e Simone Costa | Arte e Diagramação: Alessandra Lotufo
Produção: Danielle Pasqualoto | Revisão: Ronaldo Barbosa | Gráfica: Elyon
Et cetera é uma publicação trimestral da Bossa.etc. Entre em contato conosco pelo revista@bossa.etc.br

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Sumário
Capa: Claude Troisgros
Foto: divulgação
06
Roteiro
10
Nesta edição, a Et cetera traz as melhores dicas de filmes,
livros, podcast, discos e documentários para você relaxar
e curtir as férias de verão
22
Comportamento
34
Como o Brasil acolhe os estrangeiros forçados a
abandonar casa, família e carreira para fugir da
fome ou da guerra? As histórias de uma venezuelana,
um congolês e um sírio mostram a dura realidade
de imigrantes e refugiados que buscam uma
vida melhor em um país que se diz hospitaleiro
O X da Bossa
Em seu artigo Bossa Além do Quadrado, Daniel Motta
convida o leitor para uma viagem no tempo. Antes de
pisar com os dois pés em 2022, ano que celebra o bicentenário
da independência e o centenário do movimento
modernista brasileiro, voltamos para 1822 e para 1922 a
fim de refletir sobre a formação da identidade do Brasil
Gente com Bossa
Até onde o pensamento inovador, que desperta novas
ideias, conceitos e conexões, pode nos levar? A resposta
está nas quatro histórias que a seção Gente com Bossa
apresenta nesta edição: um chef, uma artista plástica,
um produtor musical e uma filósofa que alcançaram o
sucesso driblando o tradicional
Foto: Zzn Peres
36
Claude Troisgros
Com alma carioca, o chef francês que desembarcou no
Brasil em 1979 ajudou a mudar a forma como os ingredientes
brasileiros aparecem na alta gastronomia, abriu
pelo menos uma dezena de restaurantes e ganhou notoriedade
comandando panelas (e esbanjando carisma)
em programas de televisão
Foto: Lana Pinho
Foto: divulgação
Foto: arquivo pessoal
44
Viviane Mosé
52
A filósofa, psicanalista, poeta, atriz, coautora de samba e
ex-ginasta Viviane Mosé se dedica a entender os desafios
do mundo contemporâneo, a traduzir filosofia para
as massas e a disseminar diversas manifestações de
arte enquanto lida com suas próprias dores emocionais.
E sem perder o otimismo e o amor à vida
Papatinho
Tiago da Cal Alves, conhecido no showbiz (e até no círculo
familiar) como Papatinho, é um dos mais bem-sucedidos
e requisitados produtores musicais do país. Com um currículo
extenso, esse carioca de 35 anos incorpora beats e
samples que transformam em sucesso produções do rap,
do funk, do samba, do pop e da soul music
60
Sandra Cinto
Na juventude, Sandra Cinto sonhava ser professora de artes,
mas seu talento para criar obras em diferentes modalidades
artísticas falou mais alto. Suas paisagens de céu e
mar desenhadas com canetas de ponta fina já percorreram
o mundo, e ela se tornou uma das principais expoentes
artistas plásticas brasileiras contemporâneas
68
Uma Palavra
69
A seção Uma Palavra desta edição homenageia Fiódor
Dostoiévski. Para celebrar os 200 anos de nascimento
do romancista russo, a página dedicada à literatura
publica um trecho de Crime e Castigo (1866), obra que
reflete sobre o que define justiça e vingança
Um Sabor
Quem não gosta de caju bom sujeito não é. Neste verão, experimente
recriar a brasileiríssima receita de ceviche de
caju da chef Helena Rizzo, que comanda os restaurantes
Maní e Manioca. Vai bem como entrada ou prato principal!
70
Uma Imagem
Anita Malfatti já era moderna antes mesmo da Semana
de Arte de 1922, que impulsionou o movimento no país.
No quadro O Farol, de 1915, há ecos do impressionismo,
com generosas pinceladas à la Van Gogh. Nele estão as
marcas inconfundíveis de Anita: colorido intenso e ousadia
na representação da realidade

[ R O T E I R O ] [ R O T E I R O ]
Séries, filmes etc.
Nomadland
Onde ver: Telecine Play
Duração: 1h46min
Ruína do sonho
americano
O grande vencedor do último Oscar,
enfim, chega ao streaming. Ganhador
nas categorias de melhor filme, direção
(Chloé Zhao) e atriz (Frances McDormand),
Nomadland narra a história de
Fern, uma das vítimas da crise econômica
de 2008. A protagonista perde o
emprego e a casa, e passa a viver em
sua van. Viajando de um local para
outro, segue atrás de oportunidades
sazonais de trabalho. Pelo caminho e
nas paradas, Fern conhece pessoas
em situação semelhante à sua. Misto
de documentário (com vários nômades
reais interpretando eles mesmos) e
ficção, o filme retrata o ocaso do sonho
americano: emprego estável, casa própria
e família feliz. A diretora acerta o
tom na sensibilidade da história e evita
pieguices e dramalhões, mostrando a
jornada de Fern de maneira sóbria, com
fotografia que propositalmente remete
aos clássicos faroestes hollywoodianos
e faz, ao mesmo tempo, uma homenagem
e desconstrução do gênero americano
por excelência.
A Fuller Life
Onde ver: Sesc Digital
Duração: 1h20min
Being the Ricardos
Onde ver: Amazon Prime Video
Duração: 2h05min
Drama de bastidores
Sucesso absoluto enquanto esteve no
ar, entre 1951 e 1957, a sitcom I Love
Lucy ultrapassou as fronteiras dos
EUA e conquistou o mundo. Exibido
na Europa, Ásia e América Latina (no
Brasil, pelas TVs Tupi, Gazeta e Bandeirantes),
ajudou a consolidar o american
way of life do pós-guerra. O que
poucos sabem é que os protagonistas
Lucille Ball (Lucy) e Desi Arnaz (Ricky
Ricardo) foram duramente perseguidos,
ameaçados e difamados no auge
do macarthismo, a paranoia anticomunista
americana. Aaron Sorkin (diretor
de Os Sete de Chicago e roteirista de West
Foto: reprodução
Wing, A Rede Social e outros) é o responsável
por contar a história da complexa
relação profissional e romântica do casal
– interpretado por Nicole Kidman e
Javier Bardem – em Being the Ricardos.
O filme enfoca uma semana especialmente
crítica na vida dos atores,
acossados politicamente e vítimas de
preconceitos (Arnaz era cubano). Por
sua interpretação, Kidman já desponta
como uma das favoritas ao Oscar.
De filha para pai
Para aprender
Autor e diretor de clássicos como Paixões
Que Alucinam (1963), O Beijo Amargo
(1964) e Agonia e Glória (1980), o
americano Samuel Fuller é um dos
poucos cineastas que viraram sucesso
de público e objeto de devoção de cinéfilos.
O documentário A Fuller Life é
dirigido por sua filha, Samantha Fuller,
e baseado em uma premiada autobiografia
do diretor, intitulada The Third
Face. O filme é dividido em 12 segmen-
tos, que rememoram a vida e a obra de
Samuel Fuller. Imagens pessoais, de
bastidores e de filmes do cineasta são
intercaladas ao som de trechos da autobiografia
lidos por atores e diretores
como William Friedkin, James Franco,
Jennifer Beals, Tim Roth, Mark Hamill
e Wim Wenders. A filha faz uma bela e
criativa homenagem ao pai, mas, assim
como ele, não recorre a invencionices.
O segredo está na sobreposição precisa
do áudio narrado e das imagens que
vão surgindo na tela.
Get Back
Onde ver: Disney+
Duração: 3 episódios
Beatles no estúdio
Em 2 de janeiro de 1969, os Beatles
entraram no hoje mítico estúdio londrino
Abbey Road para gravar aquele
que seria o último álbum da banda, Let
It Be. Uma equipe de filmagem acompanhava
o quarteto de Liverpool com
o objetivo de produzir um especial de
televisão para mostrar o que o grupo
melhor sabia fazer: trabalhar em estúdio
– os Beatles nunca foram uma
grande banda ao vivo e abandonaram
os palcos em 1966. Depois de terminadas
as gravações (do disco e do especial),
o clima hostil entre os músicos
acabou motivando o cancelamento do
programa de TV e o fim da banda. O
álbum saiu e foi um sucesso, mas as
mais de 200 horas de gravações ficaram
na gaveta. Coube ao diretor Peter
Jackson, que assina a franquia O Senhor
dos Anéis, editar e depurar o material. O
resultado é Get Back, o mais belo, intimista
e complexo registro da maior
banda pop de todos os tempos.
Educar para crescer
Engana-se quem pensa que educação
é um assunto que diz respeito apenas
a estudantes, professores, pedagogos
e gestores educacionais. Desfazer esse
engano é o maior mérito do podcast
Artigo 205. Apresentado pelos jornalistas
Marta Avancini e Rubem Barros,
ambos com grande experiência escrevendo
sobre o assunto para diversos
veículos da imprensa, o programa conversa
com acadêmicos, legisladores e
profissionais da educação sobre como
a melhoria das políticas públicas pode
garantir que todos os jovens aprendam
com qualidade a partir de experiências
escolares. Por meio de histórias, fatos
e projetos que fogem do academicismo,
os capítulos demonstram como a educação
universal e de qualidade é o melhor
investimento para o futuro do país
e por que ela deve ser uma bandeira de
toda a sociedade.
Artigo 205
Onde ouvir: Spotify, Deezer, Apple
Podcasts, Google Podcast
e SoundCloud
VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 7
VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 6

[ R O T E I R O ] [ R O T E I R O ]
Para ler
560 páginas
Todavia
109,90 reais ou 59,90 (e-book)
O poeta mineral
O apreço pelo equilíbrio reflete-se até
em seu nome: João Cabral de Melo Neto
é um perfeito verso octossílabo. Meticuloso,
eliminou um “l” do Mello de sua
família para evitar que o vocábulo de
difícil divisão silábica prejudicasse o
conjunto. O poeta pernambucano aca-
ba de ganhar uma biografia digna de
sua estatura: João Cabral de Melo Neto
– Uma Biografia, de Ivan Marques, professor
da USP e especialista em poesia
brasileira. Diplomata, João Cabral viveu
a maior parte da vida fora do país, mas
nunca se afastou das margens do Rio
Capibaribe. Famoso por uma obra que
renegou por anos, Morte e Vida Severina,
foi o poeta mais cerebral e antilírico da
literatura nacional, um ourives da pedra
bruta e sem brilhos.
Para ouvir
Adele acerta de novo
Um novo álbum da britânica Adele é
sempre mais que um conjunto de músicas,
é um produto meticulosamente
planejado. O quarto disco da cantora
segue a linha dos anteriores em vários
aspectos. No nome, 30 (os outros são 19,
21 e 25 – sua idade quando os gravou),
na capa (todos estampam um retrato
da cantora) e na sonoridade (aquela
mistura quase infalível de baladas e
pop dançante). Considerado o melhor
trabalho da cantora após o estonteante
21, o novo disco traz apenas composições
de Adele e reflete sua separação
de Simon Konecki – ex-empresário e
pai de seu filho, Angelo. A artista pediu
ao Spotify que removesse o botão de
shuffle, de reprodução aleatória. “Não
criamos álbuns com tanto cuidado e
reflexão em nossa lista de faixas à toa.
Nossa arte conta uma história, e nossas
histórias devem ser ouvidas como
gostaríamos”, tuitou Adele.
30
Onde ouvir: Spotify, Deezer, iTunes e Tidal
336 páginas
Intrínseca
59,90 reais ou 39,90 reais (e-book)
Um mundo melhor
é possível
Com apenas 36 anos, a respeitada economista
Minouche Shafik foi a mais
jovem pessoa a ocupar a vice-presidência
do Banco Mundial. No livro Cuidar
Uns dos Outros: Um Novo Contrato
Social, ela foge do economês tecnicista
para conduzir o leitor por um passeio
pelos estágios da experiência humana
– estudar, casar, adoecer, trabalhar,
envelhecer – mostrando como a reorganização
social é possível. Zelar pelo
bem dos outros, pagar impostos e usufruir
de serviços públicos são elementos
do contrato social que nos sustenta
e nos une. Com argumentos sólidos,
Shafik aponta soluções para desafios
atuais, como envelhecimento populacional
e mudanças climáticas, e indica
como é possível construir uma sociedade
melhor.
Caetano em forma
Para delírio dos fãs, Caetano Veloso
interrompeu um hiato de nove anos e
lançou um disco de músicas inéditas.
Gravado quase todo em seu apartamento
no Rio (por causa da pandemia),
o disco está longe de soar caseiro,
rústico ou qualquer outro adjetivo que
denote amadorismo. Meu Coco é, sim,
um autêntico Caetano. Está tudo lá: a
temática poético-social, as mensagens
políticas, as homenagens aos amigos
(Gilgal é ótima), a experimentação e a
abertura para o novo, dando espaço a
jovens instrumentistas, produtores e
arranjadores. Destaque para a belíssima
Autoacalanto (dedicada a seu neto
Benjamin) e para o fado Você-Você, cantado
com a portuguesa Carminho. Aos
79 anos, Caetano está afiado e otimista,
retoma propostas do tropicalismo e vê
na fusão cultural das heranças negro-
-luso-indígena saídas para o Brasil.
Meu Coco
Onde ouvir: : Spotify, Deezer,
Apple Music e Tidal
432 páginas
Ubu
99,00 reais ou 49,90 reais (e-book)
Clássico obrigatório
A metáfora do homem vivendo sozinho
numa ilha, com todos os seus defeitos
e virtudes, é poderosa a ponto
de tornar o livro Robinson Crusoe universal
e atemporal. A nova edição da
editora Ubu tem capa dura e projeto
editorial ousado, incluindo páginas que
vão esmaecendo a cor à medida que a
trama se aproxima do final. A inédita
tradução do poeta Leonardo Fróes dá
nova vida ao texto de 1729, de Daniel
Defoe. Desenhos do artista argentino
Nicolás Robbio e textos de apoio de J.M.
Coetzee, Virginia Woolf, James Joyce,
Karl Marx e Jean-Jacques Rousseau
completam o livro. A ficção é tida como
a primeira imagem da noção de individualismo
moderno, com toda a complexidade
que o conceito denota, para o
bem e para mal.
Blues autêntico
A faixa de abertura Blues Before Sunrise,
regravação da canção de Elmore
James, dá uma boa ideia do alto nível
do álbum Heavy Load Blues, primeiro
disco do quarteto Gov’t Mule totalmente
dedicado ao blues. A banda liderada
por Warren Haynes, guitarrista e vocalista
do The Allman Brothers, acerta
em cheio misturando covers e originais
gravados ao vivo dentro do estúdio. O
disco foi produzido em fita analógica,
em que a equipe usa guitarras vintage,
amplificadores e outros equipamentos
para capturar um som autêntico. Uma
viagem sonora para quem engata os 78
minutos das 13 faixas, entre elas Make
It Rain, do americano Tom Waits, e a
original Wake Up Dead, e principalmente
para os fãs que dedicam 50 minutos
adicionais às oito faixas bônus da versão
deluxe do álbum, que traz riffs de
guitarra na regravação de Have Mercy
on the Criminal, de Elton John.
Heavy Load Blues
Onde ouvir: Spotify, Deezer,
Apple Music e Tidal
VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 9
VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 8

[O X DA BOSSA]
Bossa
além do
quadrado
Por Daniel Augusto Motta – Senior Tupinambá Maverick da Bossa
Bicentenário da independência, centenário
do movimento modernista brasileiro e,
claro, segundo aniversário da Bossa.etc.
Para entrar em 2022 com o pé direito, é
preciso entender como chegamos até aqui
Foto: Getty Images
VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 11
VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 10

O
ano 2022 será especial também
por ser o primeiro da segunda
década do terceiro milênio já
além do surto pandêmico que isolou e
assolou o planeta. Sim, vivemos os dois
primeiros anos desta nova década fora
do eixo cotidiano das coisas, estupefatos
dentro do nosso lar. Agora, estamos
abandonando as máscaras encardidas
e os cotonetes sádicos, voltando a desbravar
novas paisagens mundo afora,
reconectando-nos com o ser humano.
Saímos da nossa casa diferentes do
momento em que nos fechamos lá dentro,
em 2020. Refletimos sobre inúmeras
coisas, sobretudo sobre o tempo – e
não só o tempo objetivo, mas também
o tempo subjetivo quântico. Fomos levados
a uma espiral paradoxal em que
celebramos o tempo ganho com o fim
dos deslocamentos urbanos e das reuniões
inúteis enquanto sofremos pelo
tempo distante daquilo que apreciamos,
daqueles que amamos. E, mesmo
assim, talvez mais conscientes do
avanço implacável do tempo que nos
envelhece, prosseguimos ineficientes
na alocação do nosso precioso tempo,
cada vez mais capturado pelas irresistíveis
mídias sociais, jogos eletrônicos
e afins. Quão irracionais continuamos
apesar da tão aclamada racionalidade
da era dos algoritmos? É fato que estamos
totalmente conectados ao mundo
pelas avenidas digitais, em que o tempo
adquire outras feições, outras dinâmicas.
Eis a questão quintessencial
da pandemia: Quanto do nosso tempo
tem sido dedicado ao inútil? Estou certo
de que todos nos surpreenderíamos
com tamanho desperdício.
Mas sempre é tempo de refletirmos
sobre a nossa jornada contínua em
aprendizagem, não restrita apenas ao
contexto das organizações, mas, notadamente,
como sociedade em expansão
de consciência. A natureza e o
social evoluem em ciclos de expansão e
retração desde sempre e para sempre.
Podemos antecipar sinais fracos a respeito
do futuro, ao mesmo tempo que
refletimos sobre o impacto dos contextos
passados em nosso momento
atual. Futuro e passado conectam-se
com frequência na busca por significados
presentes. E, mesmo que não precisemos
retornar a viver como índios
coletores para estarmos em harmonia
com a natureza, podemos nos inspirar
em princípios de sustentabilidade digital
para calibrarmos o novo equilíbrio
sustentável que não coloque em xeque
a própria sobrevivência humana no
planeta – outras escalas, outros pesos
e medidas, outros nexos e ethos, mas,
ainda assim, as mesmas questões essenciais
subjacentes à existência humana
neste plano natural.
A Bossa.etc avança em espiral exponencial
a partir de seu modelo operacional
baseado em learning streaming.
No nosso segundo ano, vamos além do
dobro, além do quadrado, em busca de
alguma função matemática que explique
nossos saltos quânticos em múltiplas
dimensões – evoluímos além dos
indicadores operacionais e financeiros
para a compreensão sistêmica dos fenômenos
sociais, das sinapses neurais,
das conexões afetivas, das relações
ecossistêmicas. Somos a expressão
concreta do abstrato contemporâneo,
em uma trajetória disruptiva de geração
de riqueza além das meras combinações
mecânicas entre trabalho e capital.
Nosso posicionamento asset light
produz valor além do capital empregado,
nossos ramos em inovação aberta
nos inserem como ponto de referência
em biomas criativos em prol da aprendizagem,
nossa estrutura organizacional
orgânica em células desafia os modelos
gerenciais mais convencionais
em caixas e fluxogramas. A Bossa.etc
é produto e vetor de seu tempo.
De qualquer modo, diante da relevância
simbólica do ano 2022, vale a
pena expandir nossa reflexão sobre
os tempos e movimentos, com seus
personagens e dramas. Viajemos
pelo tempo para compreender melhor
nosso atual momento no Brasil.
1822 – Independência
ou morte, dependência
e sorte
A transformação do Brasil Colônia em
Brasil Império é um caso exemplar na
história mundial. A corte portuguesa
havia deixado sua sede secular na
Europa para se instalar na colônia ultramar
em 1808, constituindo aqui
os precários fundamentos sociais e
econômicos que mudariam gradualmente
a dinâmica político-econômica
de exploração de bens naturais para
uma economia de mercado interno e
desafiariam a lógica social em torno da
agropecuária escravagista para uma
ordem emergente baseada em burocracia
governamental, investimentos
público-privados e consumo burguês.
A chegada da aristocracia real lusitana
rompeu com a pacata vivência colonial
como entreposto comercial nas quentes
terras tropicais. Por aqui viviam
mercadores simplórios, fazendeiros
poderosos, traficantes inescrupulosos,
escravos negros, índios rebeldes
e burocratas enviados pela Coroa.
Vivia-se numa terra que não se enxergava
como terra, mas sim como apêndice
comercial, fonte de riquezas para os
interesses metropolitanos. Por aqui se
cantavam cânticos estrangeiros miscigenados,
em que a gaita portuguesa se
fundia com os batuques africanos em
transes necessários para enfrentar a
dureza do trabalho forçado nas roças e
nas minas. Sentia-se que neste pedaço
de terra fértil, fora do eixo civilizatório,
quase tudo era permitido, promíscuo,
oportunista, e quase nada era humanista,
sagrado, sustentável.
É fato que alguns rompantes libertários
surgiram aqui e acolá, notadamente
com algum interesse econômico convergente
frente aos elevados tributos
exigidos pela Coroa. Dentre eles, a Inconfidência
Mineira ganhou destaque
na historiografia nacional, com o bode
expiatório Tiradentes sendo transformado
em mártir simbólico décadas
Moeda do Brasil Império,
20 réis, ano 1868 |
foto: Getty Images
mais tarde. Mas, em geral, aceitava-se
pacificamente a ordem natural das coisas
em um ambiente predatório contra
a natureza e as pessoas. A ganância,
disfarçada pelo fervor cristão, dominava
estas bandas.
Daí a relevância dos feitos acelerados
pela chegada da corte portuguesa aos
trópicos. A presença da realeza com a
promoção do Brasil a Império trouxe
verniz para as relações sociais, estimulou
certo orgulho em pertencer,
construiu bases institucionais para
a vida em sociedade urbana, desenvolveu
fundamentos (ainda precários)
econômicos para uma evolução
da matriz produtiva/exportadora e
elevou a consciência social contra os
horrores escravocratas. Ocorria uma
lenta e contínua revolução dos usos
e costumes coloniais para um centro
civilizatório que, embora ainda extremamente
rural, já buscava uma
identidade agregadora.
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Dom João VI | Gravura do acervo da Biblioteca Nacional
Rei em fuga – Apenas 14 anos depois de sua chegada ao Brasil, assegurada a
derrota definitiva das ameaçadoras tropas napoleônicas alguns anos antes, o rei retornou
a Lisboa com sua corte. É provável que seu orgulho pela obra construída em
poucos anos tenha se misturado com uma indagação mais íntima acerca do tempo
perdido com descaso por tantas gerações reais lusitanas. O rei deixava no Brasil um
potencial de geração de riqueza infinitamente superior a todo o acúmulo de reservas
douradas extraídas nos 300 anos coloniais, mas era tarde demais. Seu retorno a
Portugal era a viagem derradeira de um rei em declínio diante da supremacia militar
do Império Britânico. A história avançava em novas cenas.
Mundo afora, a fuga do rei seria motivo para algum levante organizado pelos colonos
e compatriotas em busca de sua independência política. Laços seriam desfeitos,
batalhas seriam travadas, sangue seria heroicamente derramado, uma nova identidade
seria cantada aos quatro ventos. Nada disso ocorreu por estes trópicos complacentes.
Por aqui, o filho do rei, seu herdeiro natural na Coroa portuguesa, apressou-
-se em proclamar a independência do Brasil, num ato de (pretensa) rebeldia juvenil
contra seu pai. Antes de ser cômico ou caricato, tal ato marcou imensamente a essência
da nossa cultura brasileira como um ambiente avesso a grandes gritos e grilos.
Essa foi a expressão cultural de um povo explorado por mais de 300 anos àquela
altura, em que mesmo a elite incipiente não se enxergava como representante de
valores nacionais, mas sim como europeus desbravadores de fronteiras agrícolas
e minerais, proprietários de índios e negros. Um eventual conflito entre patriotas e
colonizadores também se mostrou inviável: a população em geral era composta de
pessoas alienadas e alheias às questões nacionais, e a elite estabelecida mantinha
seus privilégios e ativos. Somos, ainda hoje, cordiais na forma, cordatos no conteúdo.
Nosso Primeiro Reinado como nação foi marcado pela indiferença e pelo abandono.
Dom Pedro I estava mais interessado em viver sua vida do que em liderar as vidas
nacionais. Não completou nem uma década no trono. Em 1831, deixou o Brasil nas
mãos de seu filho de 6 anos de idade, providencialmente tutelado por regentes. O
mesmo imperador que havia, alguns anos antes, reivindicado a nação para si, para
o bem de todos e felicidade geral, terminava por abandoná-la. Era já tempo de retornar
à real civilização.
Pátria com p minúsculo – O Segundo
Reinado seria um dos períodos
mais tensos de nossa frágil pátria em
formação. Seus mecanismos operacionais
limitavam-se ao agronegócio
exportador, enquanto a elite político-
-econômica desenvolvia-se com dificuldades
diante de tantos conflitos
provincianos, tantas lacunas institucionais,
tantas fragilidades em infraestrutura.
As famílias brasileiras em
ascensão econômica orgulhavam-se
de enviar seus jovens herdeiros para se
formar nas universidades europeias,
ganhando ares civilizatórios ausentes
nos quentes campos rurais. Por meio
do golpe da maioridade, o jovem dom
Pedro II assumiu o trono em 1840 e
acalmou os ânimos liberais e conservadores.
Reinaria por quase 50 anos –
nosso recorde jamais superado por outro
governante –, enfrentando crises
políticas e fortalecendo instituições relevantes
para o país. Deixou o poder em
1889, já idoso, com a celebrada proclamação
da República Federativa do Brasil
por um marechal – novamente, sem
um único tiro. O Brasil avançava em
berço esplêndido de Colônia a República,
financeiramente dependente de capital
estrangeiro, socialmente dividido
entre elites aristocráticas latifundiárias
e negros recém-emancipados.
A identidade nacional ainda era algo difuso,
ausente nos usos e costumes dos
locais, inexistente no arcabouço semiótico
da sociedade que se desenvolvia na
transição lenta do campo para as cidades.
Mas o país se conectava por emergentes
ferrovias, telégrafos e portos,
as cidades cresciam com as emergentes
classes mercantis, os escravos
haviam sido finalmente libertados e
os símbolos nacionais eram gradualmente
consolidados. O Império durou
apenas 67 anos, reticente diante de
raízes ausentes, narrativas fabricadas,
personagens apáticos. Por outro lado, o
período imperial iniciou uma trajetória
autônoma de nação, com todos os seus
desafios e incongruências, mas ainda
assim uma nação brasileira.
Mesmo o período republicano já nasceu
como República Velha, justamente
por seu apego aos valores e princípios,
usos e costumes do período
monárquico. É verdade que tivemos
uma nova Constituição promulgada,
mas nada que impactasse nossa identidade
patriótica. Após dois militares,
tivemos uma sequência de civis na
Presidência Executiva, todos oriundos
das elites agrárias dominantes. O
efetivo status quo agrário exportador
manteve-se quase intacto na transição
política, com insignificantes mudanças
nos controles dos meios de produção
– algo raro em grandes movimentos
de transformação sociopolítica de nações.
No Brasil, a elite latifundiária não
apenas manteve seus privilégios como
ainda ampliou seus poderes, conquistando
inclusive a Presidência da República.
Nossas eleições eram peças
de ficção diante de massas populares
com voto de cabresto e profusa manipulação
dos votos – um Carnaval fora
de época. Nas primeiras três décadas
republicanas, instituições foram reformadas
para deixar suas referências
monárquicas, novas lideranças políticas
emergiram no cenário nacional,
velhas questões econômicas e sociais
continuaram sendo procrastinadas.
D. Pedro II e a imperatriz em viagem – vista do porto do Rio de Janeiro no dia 25 de maio de 1871 | Gravura do acervo da Biblioteca Nacional
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VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 14

Embrião nacionalista – No plano simbólico, a República foi fundamental para
a construção da identidade nacional. Buscava-se o fio condutor nacionalista – muitas
vezes, ufanista – que apresentaria a narrativa inspiradora para uma nova pátria
no “novo mundo” com seus valores, heróis e lendas. Usos e costumes importados do
Velho Continente já vinham sendo aqui tropicalizados e fundidos com referências
africanas e indígenas, com manifestações dessa dinâmica antropológica na gastronomia,
no vestuário, na música e na arquitetura, por exemplo. Hinos e canções foram
criados para celebrar a jovem nação (e seus grandes desafios sociais e econômicos).
O Brasil nascia endividado em moeda estrangeira, fragmentado em sua infraestrutura,
sem mercado consumidor pujante, com baixo conhecimento científico e tecnológico,
abismos sociais entre raças, concentrado em sua pauta de exportações.
O projeto nacional precisava, acima de tudo, reunir forças em torno de agendas de
desenvolvimento socioeconômico nas diversas regiões, com ênfase na industrialização
da matriz produtiva, no aumento de bem-estar da população e na criação
de um mercado de capitais que pudesse financiar tamanha agenda empreendedora.
Quase tudo precisava ser construído. Havia certamente um entusiasmo com
tamanho desafio, e vários projetos empreendedores foram iniciados em múltiplas
dimensões. Apesar de os grandes produtores e exportadores agrários ainda
manterem sua dominância político-econômica, já havia sinais claros da migração
do epicentro financeiro para os centros urbanos que se desenvolviam com massas
populares imigrantes europeias formadas por operários, comerciantes, industriais,
funcionários públicos, mascates e autônomos, a base das classes médias nas regiões
Sul e Sudeste.
Nota-se, portanto, que 1822 foi, de fato, um ano de inflexão na trajetória brasileira,
com a proclamação da independência. Mesmo com traços de continuidade e conservadorismo,
mesmo sem aspirações impetuosas e revoluções míticas, o país passaria
a se enxergar efetivamente como Brasil, não mais como Reino Unido. Isso já foi um
salto muito importante, com raízes em 1808 e desdobramentos concluídos em 1889.
Grito do Ipiranga | Gravura do acervo da Biblioteca Nacional
Construção de Futuro, Influência
Sistêmica e Catalisação da Mudança
são as soft skills da independência
Soft skills da independência –
A saga brasileira também se apresentou
como agenda de aprendizagem. A
meu ver, três soft skills dominaram esse
primeiro século independente: Construção
de Futuro, Influência Sistêmica
e Catalisação da Mudança.
Naqueles tempos de Construção de Futuro,
um projeto nacional representava
uma nação miscigenada e integrada
em torno de uma agenda de construção
da identidade independente. Alteridade,
por exemplo, mostrou-se um desafio
colossal ao exigir um olhar inclusivo
por parte de uma sociedade dividida
em abismos, em que a própria escravidão
apresentava-se como crença cristalizada
no mapa mental coletivo. Todo
o arcabouço institucional monárquico
manteve-se intacto, inclusive já adaptado
como centro decisório na cidade
do Rio de Janeiro. Entre dom João VI e
dom Pedro I, os usos e costumes alteraram-se
muito pouco, tanto quanto a
própria expansão de consciência manteve-se
relativamente contida nesses
primórdios. Foram necessárias mais
algumas décadas, inclusive com pressões
políticas externas por parte do
Império Britânico e dos Estados Unidos
da América, para que o desejo abolicionista
se espalhasse pela jovem nação
brasileira. E, mesmo assim, com baixa
intensidade em alteridade, uma vez
que a sociedade brasileira continuaria
sendo dominada por uma classe agrária
conservadora, alienada com relação
a um projeto nacional de inclusão e
emancipação negra.
Exploração Interativa, outra habilidade
intrínseca à soft skill Construção
de Futuro, mostrou-se fator crítico
de sucesso na transição. A mudança
de mentalidade colonial-predatório-
-provinciano-submisso para patriota-
-desenvolvimentista-integrado-protagonista
mostrou-se extremamente
desafiadora aos líderes nacionais. O
próprio imperador não demonstrou
visão e energia nessa direção. Explorar
cenários possíveis com interação
multistakeholder estava longe do modus
operandi utilizado no cotidiano das
elites políticas. Mais uma vez, prevalecia
a ótica de evolução gradual
sem sobressaltos.
Além da Construção de Futuro, também
a Influência Sistêmica se destacava
como fator crítico de sucesso em
1822 e nos anos seguintes. Construir e
cultivar relações mostravam-se como
fundamentais na articulação das lideranças
regionais em um projeto único
de país. Aventuras separatistas já incomodavam
a metrópole, e precisaram
ser suprimidas para que um projeto
nacional se tornasse viável. O pacto
federativo, que seria o esteio republicano
décadas mais tarde, teve já aqui
seu embrião por meio da convergência
e da calibragem de interesses regionais
para a construção da rede política de
apoio ao governo imperial. Na tensão
criada às vésperas do golpe da maioridade,
esse acordo de interesses federalistas
se esfacelava à medida que o
eixo de poder econômico se fortalecia
nas plantações paulistas de café, em
detrimento dos engenhos nordestinos
e dos ímpetos bairristas sulistas. Novamente,
nos anos da República Velha,
a própria governabilidade se constitui
em torno de delicado equilíbrio de forças
entre Minas Gerais e São Paulo.
Por último, a Catalisação da Mudança
mostrou-se uma competência essencial
ao movimento de consolidação do
Brasil independente. Pensar um país
livre além dos controles metropolitanos
lusitanos demandou esforço de
integração de diferentes grupos e personagens
voltados ao projeto nacional.
O foco esteve na efetiva mobilização
de um povo sem identidade para algo
significativo em conteúdo e forma. Ao
longo de décadas, os usos e costumes,
os mapas mentais e as instituições se
transformaram. O processo foi lento,
mas, ao final desse primeiro século, já
apresentava um pensamento coletivo
articulado em torno de um novo conceito
para o Brasil.
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1922 – Manifesto em falsete
A Semana de Arte Moderna de 1922 foi simbólica em vários
aspectos. Em primeiro lugar, sua realização em São Paulo
ecoava o Grito da Independência, dado 100 anos antes, às
margens do Ipiranga, consolidando a capital paulista não só
como motor econômico da jovem nação mas também como
influente nos planos sociais, políticos e culturais brasileiros.
O manifesto revolucionário capitaneado por artistas sob a liderança
intelectual de Mário de Andrade, Oswald de Andrade,
Anita Malfatti e Menotti del Picchia reafirmou ainda nossa
inclinação soft power ao promovermos mudanças significativas.
E foi um despertar para a brasilidade original, libertada
das instituições europeias e influências forasteiras que ainda
dominavam nosso establishment.
O Brasil buscava sua identidade não no retrovisor primitivo,
mas no futuro autoral. Sim, por vezes, com certos ares ufanistas,
mas ainda assim orgulhosos e originais. Propunha um
Brasil plural e heroico em contraposição ao modelo hierárquico
oligárquico, construindo referências mais urbanas, industriais,
democráticas e livres. Inspiradas, certamente, pelas
massas imigrantes europeias que haviam se estabelecido
para empreender, progredir e expandir. Rompia com as estruturas
mais acadêmicas e clássicas. Promovia alternativas
anárquicas, revolucionárias. Contra o Parnasse Contemporain,
emergia o Manifesto da Poesia Pau-Brasil.
A dinâmica antropofágica já se estabelecia muito antes da
própria Abaporu ao pautar o modernismo brasileiro como
uma fusão interpretativa dos movimentos artísticos europeus
denominados cubismo, dadaísmo, expressionismo e
surrealismo, que, por sua vez, eclodiam diante das rupturas
causadas pela Primeira Guerra Mundial, como a ruína do
imaginário coletivo em torno da belle époque. Nosso ímpeto
identitário nos trouxe o lendário Macunaíma como ícone
iconoclasta. A revolução cultural que se desenvolvia tinha
influência generalizada, da arquitetura e do vestuário às expressões
artísticas.
O próprio contexto político não passaria incólume ao movimento:
em 1930, e pelos 15 anos seguintes, a Era Vargas romperia
com o controle oligárquico da política. O país retomou
sua vocação totalitária, atávica ao inconsciente coletivo de um
povo acostumado a viver sob rígidas estruturas sociais, militares
e políticas. Paradoxalmente, durante a Segunda Guerra
Mundial, fomos uma ditadura apoiando Aliados contra os regimes
totalitários. Com o desfecho dos conflitos globais, nossas
instituições totalitárias também se tornaram insustentáveis.
No turbilhão que se seguiu, o Brasil vivenciou seus Anos
Dourados sob a gestão de Juscelino Kubitschek, em que o
orgulho nacional talvez tenha alcançado seu ápice. O crescimento
econômico era pujante, a seleção brasileira de futebol
celebrava o encontro de Pelé e Garrincha, o concretismo encontrava
Oscar Niemeyer, Lucio Costa e Lygia Clark, o cinema
novo e a bossa nova completavam o cenário de ebulição
cultural e euforia nacional.
A criativa, irreverente e inovadora Klaxon foi
a primeira revista modernista do Brasil
Klaxon (1922-1923), a primeira revista modernista do Brasil
O Brasil é, finalmente, Brasil! – A jovem nação tropical avançava em seu processo de consolidação política, social e
econômica. Apesar das conquistas, muito ainda permanecia negligenciada. O crescimento econômico andava em descompasso
com o desenvolvimento social. Desde a independência, o país mantinha-se absolutamente dependente do estrangeiro em relação
a poupança para financiamento de investimentos, mercado consumidor de exportações brasileiras de recursos naturais e mercado
fornecedor de bens de alto valor agregado, ausentes de nossa matriz industrial. É fato que construímos nossa identidade
própria, mas não consolidamos, de modo algum, nossa independência.
Ainda retornaríamos, mais uma vez, ao modus operandi totalitário por mais 21 anos durante o regime militar. Algo que tornaria
a República Federativa do Brasil uma das menos democráticas desde sua origem, mas não por isso menos cordial. Somos, essencialmente,
um povo tranquilo. O país que mais uma vez ressurgiu com eleições gerais nos anos 1980 já estava desolado com
hiperinflação e estagnação econômica, desesperado diante dos abismos sociais entre favelados e poderosos, desconectado das
grandes revoluções tecnológicas. Mas somos um povo resiliente, e novamente encontramos esteios de esperança com o sucesso
do Plano Real, quando recuperamos poder aquisitivo e novas espirais de crescimento econômico (apesar de anos-luz de diferença
do boom econômico vivenciado pelos Tigres Asiáticos). Anos mais tarde, o país teria novo impulso com o boom de nossas
commodities agrícolas e minerais, enquanto internamente o governo Lula implementava amplo programa social com o Bolsa
Família. Lamentavelmente, não tivemos muito tempo para celebrarmos e cultivarmos: escândalos de corrupção assolaram o país
com a desestruturação governamental e criaram as bases para novas aventuras ideológicas extremistas. O Brasil encontra-se,
hoje, em tensas trevas.
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Soft skills da brasilidade – O segundo século independente
se apresentou como nova agenda de aprendizagem.
Eis o trio de habilidades que, a meu ver, refletiu aquele
período: Expansão de Consciência, Coragem Disruptiva
e Gestão de Crises.
A Expansão de Consciência que se desenvolvia com fervor
nas primeiras décadas do século XX na metrópole paulista
estimulou uma nova geração de intelectuais a compreender e
consolidar sua Prontidão Protagonista, a fim de romper com
os dogmas clássicos arraigados naquela sociedade essencialmente
oligárquica rural. Ao perceberem as incongruências
entre as referências tradicionais e as possibilidades inspiradoras,
Mário de Andrade e companheiros disseminaram aos
quatro ventos um novo ideal para a Pátria Brasil, mais indígena,
mais original, mais tropical, mais anárquica, mais urbana,
mais livre, mais miscigenada. Ressignificavam, assim,
a própria essência individual do brasileiro. Menos cartolas e
casacas, mais sandálias. Menos harpas e cravos, mais berimbaus
e violas. Menos pó de arroz, mais ébano. Na esteira desse
movimento protagonista, o Brasil conheceria Vinicius de
Moraes, Graciliano Ramos, Jorge Amado, João Cabral de Melo
Neto, Carlos Drummond de Andrade, Erico Verissimo, João
Guimarães Rosa, entre outros. E, anos depois, a incomparável
Clarice Lispector.
Como todo o processo de Expansão de Consciência, a configuração
da nossa própria identidade nacional foi lenta,
gradual, errática e ambígua. Vivenciamos altos e baixos.
Convivemos, ainda hoje, com incoerências fundamentais,
lacunas lamentáveis e conflitos irreconciliáveis. Mas também
construímos muitos fundamentos que sustentam nossa
trajetória patriótica. Não somos uma república de bananas
como muitos, inclusive aqui dentro da nossa própria pátria,
querem nos fazer acreditar. Já somos, há bastante tempo,
uma das principais potências globais. Mas poderíamos
ser muito mais, indubitavelmente.
Nossa Coragem Disruptiva manifestou-se principalmente
no rompimento com as oligarquias agrárias escravocratas
em prol de um desenvolvimento industrial-urbano. O crescimento
da economia doméstica em consumo, investimento e
gastos públicos, na virada do primeiro século independente,
foi extremamente desbravador. Exigiu-se articulação de diferentes
stakeholders em torno de um novo pacto social para
o Brasil. Não foi nada simples. Nesse período de transição,
vivenciamos uma dura ditadura getulista durante longos
15 anos – Getúlio Vargas foi o governante mais longevo da
história brasileira, depois de dom Pedro II – para alcançarmos,
alguns anos depois, a euforia máxima dos 50 anos em
cinco e, logo em seguida, uma sequência de governos militares
em regime de exceção. O país democrático que emergiu
no final dos anos 1980 já era completamente diferente
do país republicano de meados de 1880, sendo a Coragem
Disruptiva dos setores público e privado um vetor relevante
de transformação socioeconômica.
Finalmente, Gestão de Crises foi uma habilidade presente durante
toda a evolução do Brasil. Neste segundo século independente,
o país enfrentou inúmeras crises globais, como a
Grande Depressão, a Segunda Guerra Mundial, a Guerra Fria,
os Choques de Petróleo, a Crise Asiática, a Crise Russa, o Estouro
Ponto.com, a Crise Subprime e a atual pandemia. Também
superou graves instabilidades domésticas provocadas
por colapso das exportações cafeeiras, Revolução de 1930,
suicídio de Getúlio Vargas, renúncia de Jânio Quadros, Regime
Militar, Crise da Dívida Externa, sucessivos planos econômicos
anti-inflacionários, impeachment de Collor e Dilma,
entre outros. É razoável afirmar que o brasileiro, acima de
tudo, é um sujeito resiliente. Enfrentamos duras crises sem
perder a esperança por dias melhores. Esse povo misturado
tem suas raízes em índios nativos, negros sobreviventes, imigrantes
europeus destemidos. É justo o epíteto “bravo” para
descrever essa gente brasileira que luta diariamente para seguir
em frente.
2022
É razoável afirmar que o brasileiro, acima de tudo, é um
sujeito resiliente. Enfrentamos duras crises sem perder
a esperança por dias melhores. Esse povo misturado
tem suas raízes em índios nativos, negros sobreviventes,
imigrantes europeus destemidos. É justo o epíteto “bravo”
para descrever essa gente brasileira que luta diariamente
para seguir em frente
2022 – Expressão quântica sustentável
Com dois séculos de independência, vivemos em um Brasil diferente e similar ao mesmo tempo. Ampliamos nosso repertório
produtivo, consolidamos nossa estrutura institucional, melhoramos as condições sociais mínimas em todo o país, construímos
empresas relevantes na arena competitiva global e expandimos nossa consciência ambiental. Mas continuamos com enormes desigualdades
sociais, dependemos ainda de capital estrangeiro, temos dificuldade para atuar na vanguarda tecnológica/científica,
permanecemos irrelevantes na geopolítica militar global e padecemos de frágil capital humano acumulado em nossa sociedade.
O Brasil dos próximos 100 anos tem,
ao menos, três grandes prioridades:
1 – ciclos contínuos de desenvolvimento econômico acelerado em detrimento de vales
e picos erráticos, incluindo revisão simplificadora do arcabouço institucional em
prol de empreendedorismo privado, redução do tamanho do Estado e construção de
infraestrutura aderente às melhores práticas sustentáveis;
2 – salto quântico em bem-estar social com ênfase em habitação, saúde, educação,
alimentação, inclusão tecnológica, empregabilidade e assistência social com a erradicação
de moradias impróprias nos grandes centros urbanos;
3 – capital humano sólido capaz de posicionar o país na fronteira de conhecimento
aplicado a ciência e tecnologia, com papel relevante e protagonista nas principais
cadeias de valor globais.
Em poucas palavras, nosso desafio seria desenvolver
rapidamente as competências Adaptabilidade,
Intraempreendedorismo e Consciência Coletiva em
amplos setores de nossa sociedade. Um projeto especial
para este próximo centenário
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VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 20

[COMPORTAMENTO]
(Nova)
pátria
amada
Como a sociedade brasileira recebe estrangeiros
que tiveram de abandonar casa, carreira e família
para fugir da fome ou da guerra? Três histórias
de refugiados e imigrantes revelam a realidade de
quem tenta recomeçar a vida no Brasil
Por Diego Braga Norte
Foto: Getty Images
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VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 22

A
venezuelana Adriana Camargo saiu de sua terra natal
para fazer faculdade de administração na Colômbia
e após concluir o curso, em 2014, ouviu de sua mãe:
“Não volte, a Venezuela está terrível”. Vivendo sem muitas
perspectivas na Colômbia, Adriana viu-se, em suas palavras,
“perdida”. Dois anos depois, Luís, seu então namorado e atual
marido, conseguiu uma bolsa de estudos para um mestrado
na Universidade de Brasília. Era a chance que eles esperavam
para iniciar uma nova vida. Enquanto ele se dedicava aos estudos,
ela partiu em busca de um emprego. Sem falar português
nem conhecer ninguém na cidade, Adriana carregava
um diploma universitário com o mesmo valor de uma folha
de papel em branco. A saída foi se apegar à única oportunidade
que lhe apareceu: trabalhar como empregada doméstica
para uma família de classe média alta em Brasília. Como o
trajeto entre sua casa, em Taguatinga, e o trabalho era longo
e demorado, aceitou a proposta de dormir na casa dos patrões
durante a semana. De segunda a sexta-feira, o lar de Adriana
era o “quarto de empregada”, essa famigerada instituição
arquitetônica nacional.
“Foi um dos maiores erros da minha vida, fui explorada como
uma escrava. A família tinha quatro filhos e eu virei doméstica
e babá”, conta. Ganhava 900 reais mensais mantendo
uma rotina exaustiva, que se estendia por mais de 12 horas
todos os dias. Tinha direito a 45 minutos de descanso após o
almoço, mas as crianças não a deixavam em paz. Onze meses
depois, o casal avisou que iria viajar e ela teria de cuidar
das quatro crianças no fim de semana. Diante da recusa
de Adriana, que alegou não poder se responsabilizar pelos
menores – afinal, havia sido contratada como doméstica, e
não como babá –, foi demitida. Sabendo que sua demissão
sem nenhuma compensação financeira era ilegal, procurou
a defensoria pública e, com a ajuda de um advogado, conseguiu
um acordo em que receberia indenização e férias proporcionais
ao período trabalhado. Tendo de recomeçar, ela
imprimiu 50 currículos – “Era o que eu podia pagar”, diz
– e saiu à procura de uma nova oportunidade.
A rede de restaurantes Outback iria inaugurar uma nova unidade
e estava com 120 vagas abertas. Adriana encarou nove
horas de fila até finalmente conseguir entregar o currículo e,
dois dias depois, foi chamada para uma entrevista. Saiu-se
muito bem, mas, mais uma vez, seu diploma fora ignorado: foi
contratada como auxiliar de cozinha. Nesse período, sofreu
um ataque xenófobo de um colega de trabalho. “Ele falava que
eu deveria voltar para a Venezuela, que eu era ilegal, chavista,
comunista.” Pouco depois, Luís conseguiu um emprego em
São Paulo, e o casal se mudou para a metrópole paulista, já no
fim de 2018. Animada com a nova vida em uma cidade “enorme
e cheia de possibilidades”, concluiu cursos no Sebrae, no
Senac e no Migraflix, uma plataforma de empreendedorismo
gastronômico e cultural voltada para imigrantes e refugiados.
Mas as inúmeras rejeições em processos seletivos e o temperamento
dos habitantes da cidade – “Os paulistanos são muito
fechados” – desencadearam crises de ansiedade e tristeza.
Para combater a ansiedade e socializar com brasileiros, recorreu
à terapia e voltou a praticar escalada, seu esporte favorito.
Como era muito experiente, foi contratada como monitora da
academia. A estabilidade financeira permitiu que ela incentivasse
seus parentes (mãe, padrasto, irmã e cunhado) a imigrarem
para o Brasil. “Não dá para ficar lá. Faltam empregos,
comida, luz, água, internet, e tem muita violência.” Na zona
oeste da capital paulista, a família abriu o Aromas Café &
Cake, onde também vende as tradicionais arepas venezuelanas,
embora Adriana confesse que hoje prefere a brasileiríssima
tapioca. Segue como monitora de escalada e ainda faz
consultoria de espanhol para uma empresa de RH. Articulada,
comunicativa e dona de um português fluente, Adriana conta
que sempre teve facilidade em se relacionar com as pessoas e
fazer amizades. Gosta de MPB e açaí, dança forró. Questionada
se um dia pretende voltar ao seu país, ela não hesita: “Não.
Minha família está aqui, minha vida está aqui”, diz.
Erick Lira | foto: Giulianno Scotti
Adriana Camargo | foto: arquivo pessoal
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Sociedade cruel
Longe de ser exceção, a história de
Adriana é apenas mais um entre tantos
casos de xenofobia. “Venezuelanos
sofrem preconceito apenas por serem
venezuelanos; entra toda uma carga de
ignorância política no tratamento que
eles recebem aqui”, explica Marcelo
Haydu, diretor-executivo da ONG Instituto
Adus, que ajuda refugiados a se
integrarem à sociedade brasileira. Ele
conta que, assim como muitos brasileiros,
sempre viu o Brasil como um país
acolhedor, que recebe bem imigrantes
e refugiados. Depois de mais de dez
anos trabalhando com isso, Haydu mudou
sua opinião. “Há esse senso comum
de que somos simpáticos, acolhedores,
mas o Brasil não é esse paraíso. Temos
ainda em nossa sociedade muito racismo,
machismo e xenofobia”, afirma.
Muitos imigrantes que aqui desembarcam
também chegam com essa visão
idílica de estarem entrando em uma
sociedade multicultural e multiétnica,
livre de preconceitos. “Quando eles
passam a se movimentar pela cidade e
melhoram a compreensão dos códigos
culturais e do idioma, percebem que
não é bem assim, que o Brasil pode ser
bem cruel.” Haydu explica que o país é
signatário da Convenção da Organização
das Nações Unidas (ONU) de 1951 e
é obrigado, por lei, a acolher refugiados
– pessoas que estão fora de seu país de
origem devido a perseguição por raça,
religião, nacionalidade, pertencimento
a determinado grupo social ou opinião
política, como também devido a grave
violação de direitos humanos e conflitos
armados. Já imigrantes são aqueles
que saem de seu país com o objetivo de
conseguir melhores condições de vida.
Entretanto, apesar de o Brasil ter toda
a legislação para receber refugiados e
imigrantes, o especialista conta que o
país “não tem uma política estruturada
de acolhimento” e “pouco faz além
de conceder o visto e o RNE [Registro
Nacional de Estrangeiros]”. Com ou sem
visto, os refugiados e imigrantes devem
se apresentar à Polícia Federal e
solicitar o RNE. Com esse documento
em mãos, podem pedir uma carteira
de trabalho e abrir conta em banco, por
exemplo. “O papel do Estado brasileiro
praticamente se encerra aqui. Os refugiados
e os imigrantes não têm uma
rede de apoio oficial, e quem faz esse
trabalho são as ONGs, a Acnur [agência
da ONU para refugiados], a Igreja Católica
e setores da sociedade civil.”
Lavi Kasongo | foto: reprodução redes sociais
“Os refugiados e
os imigrantes não
têm uma rede
de apoio oficial,
e quem faz esse
trabalho são as
ONGs, a Acnur
[agência da ONU
para refugiados],
a Igreja Católica
e setores da
sociedade civil”
Marcelo Haydu, diretor-executivo
da ONG Instituto Adus
Tela intitulada Elegância (2021), de Lavi Kasongo |
foto: reprodução redes sociais
Cores brasileiras
“O Brasil mudou a forma como eu vejo as cores”, diz o congolês
Lavi Kasongo. O garoto que adorava desenhar durante a
infância em Kinshasa, capital da República Democrática do
Congo, acabou por seguir a carreira nas artes plásticas. Antes
mesmo de conseguir entrar na Académie des Beaux-Arts
de Kinshasa, Lavi já pintava seus primeiros quadros e muros
nas ruas de Lemba, bairro onde morava. Durante o último
ano da graduação, a delicada situação política de seu país (em
uma guerra civil que se arrasta há quase 20 anos) piorou e ele
se envolveu mais ativamente na resistência política. O então
presidente, Joseph Kabila, controlava as Forças Armadas, ignorava
a Constituição, adiava eleições, reprimia opositores e
assim manteve-se no cargo entre 2001 e 2019.
Nas ruas, Lavi e seus companheiros faziam grafites e pinturas
criticando o governo. Ao ver amigos e colegas universitários
presos e mortos apenas por manifestarem suas opiniões,
decidiu sair do país. Foi para Casablanca, no Marrocos, mas
não conseguiu um visto de permanência, tampouco ter seu
status de refugiado político reconhecido. Soube que o Brasil
aceitava refugiados e, como nutria “simpatia” pelo país, o jovem
de 23 anos resolveu vir para cá. Seu voo pousou em São
Paulo no dia 10 de fevereiro de 2015, dia em que Lavi ouviu,
pela primeira vez na vida, o idioma português. Falando “apenas”
francês e o dialeto lingala, dois dos cinco idiomas oficiais
de seu país, teve muita dificuldade de comunicação. “Muitas
pessoas aqui falam inglês, mas é muito difícil encontrar nas
ruas alguém que entenda e fale francês”, diz.
Lavi só conseguiu se orientar na cidade e na burocracia para
conseguir seus documentos após fazer contato com outros
refugiados africanos e haitianos que falam francês. Sem
conseguir emprego e já sem dinheiro, ele teve de sair da pensão
onde morava, no centro da cidade. “Perdi as esperanças.
Passei por muitas dificuldades, dormi um tempo nas ruas,
sofri muita humilhação e preconceitos. Não gosto nem de me
lembrar dessa época”, conta. Ele vivia de caridade quando foi
localizado pela ONG Estou Refugiado, que o ajudou a conseguir
uma vaga em um albergue comunitário e um emprego.
“Durante quatro anos, trabalhei na agência de publicidade Sotaque
Brasil. Só saí para perseguir meu sonho de ser artista.”
Ingressou na Quanta Academia de Artes, e suas pinturas e
desenhos rapidamente se destacaram pela técnica apurada
e expressividade. Pouco tempo depois, já participava de exposições
individuais e coletivas, inclusive na Pinacoteca do
Estado de São Paulo. Foi descoberto pelos curadores do Sesc,
expôs seus trabalhos e ministrou workshops em várias unidades
da instituição. No Sesc Vila Mariana, na capital paulista,
Lavi foi convidado para pintar um mural de mais de 8 metros
no saguão externo. Segundo ele, no Congo, suas pinturas
tinham menos cores e mais mensagens políticas. “Aqui, meus
trabalhos ficaram mais coloridos”, garante. Hoje, o artista
plástico tem um ateliê na zona leste e integra o projeto Cores
do Mundo, iniciativa da ONG Estou Refugiado, que transforma
espaços cedidos por empresas, como muros, tapumes de
obras e painéis, em grandes pinturas. Casado com uma brasileira,
ele já aprendeu a gostar de arroz com feijão, mas revela
que ainda não consegue acertar o ponto do churrasco.
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Programa de capacitação para mercado de trabalho do
Instituto Adus | foto: reprodução redes sociais
Cidade cosmopolita e multiétnica
“Pois eu tive fome, e vocês me deram de comer; tive sede, e
vocês me deram de beber; fui estrangeiro, e vocês me acolheram.”
A passagem bíblica (Mateus 25:35) é o lema dos
scalabrinianos, uma congregação de missionários católicos
fundada em 1887 por dom João Batista Scalabrini, em Placência,
na Itália. Essa é a ordem religiosa do padre italiano Paolo
Parisi, coordenador da Missão Paz, em São Paulo. Com sede
no bairro do Glicério, no centro de São Paulo, ele e sua equipe
atendem cerca de 800 pessoas por mês, oferecendo moradia,
alimentação, cursos de português, auxílio jurídico, oficinas de
capacitação profissional e outras ações. Padre Paolo trabalha
com refugiados há mais de 35 anos – primeiro no sul da Itália,
depois em Roma – e chegou ao Brasil em 2010 para ajudar
seus colegas scalabrinianos. Depois de mais de uma década
aqui, seu sotaque soa familiar e ele poderia muito bem se passar
por um paulistano da Mooca.
O religioso consegue explicar a importância dos imigrantes
e refugiados de forma simples e precisa: “São Paulo é resultado
dessa intensa troca cultural, é uma cidade construída e
formada por imigrantes e seus descendentes. Dá para notar
essa rica mistura na arquitetura, na moda, na culinária e até
na forma como as pessoas se expressam e se relacionam”. E
o mesmo vale para o resto do país, já que, com exceção dos
nativos indígenas, todos os demais brasileiros são descendentes
de escravos trazidos ao país à força ou de imigrantes,
estrangeiros de diferentes nacionalidades que vieram
em uma das diversas ondas migratórias ao longo dos últimos
cinco séculos.
Atualmente, os haitianos constituem o maior contingente de
estrangeiros que a Missão Paz atende. Entre janeiro e outubro
de 2021, foram quase 4 mil. Os venezuelanos aparecem em
segundo, seguidos pelos angolanos. “Neste momento, temos
em nosso abrigo mais de 30 mulheres angolanas, muitas com
crianças.” Há ainda aqueles que nunca deixaram de vir: bolivianos,
paraguaios e peruanos. Convivendo diariamente e
há décadas com imigrantes e refugiados, o padre relata que
enriqueceu como pessoa. “Repensei minha biografia cultural
e pessoal, revi várias coisas e conceitos que julgava importantes,
mas não são. Eu, como padre italiano, vi várias fragilidades
em minha formação humanística e pessoal”, conta. Padre
Paolo diz que mudou até em relação a questões espirituais,
aprendendo a admirar outras religiões. “Tem muita riqueza
e ensinamentos nisso. Acho que me tornei mais humano, no
sentido de ser mais tolerante, mais aberto às diferenças.”
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VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 28

Professor nato
Em 2011, o então estudante de linguagem
audiovisual e cinema Mohamad
Alsaheb trabalhava em um popular
canal de televisão infantil em Damasco
quando eclodiu a guerra civil que
dilaceraria a Síria. Enquanto a maioria
de seus familiares fugia para o Egito,
Mohamad partia para Dubai, na esperança
de seguir trabalhando em sua
área e concluir seus estudos. Sem permissão
para permanecer nos Emirados
Árabes, seguiu para Beirute, no Líbano.
Pouco mais de dois anos depois,
novamente sem conseguir regularizar
sua situação, ele teria de deixar o país.
Mohamad já vivia havia três anos
longe de casa quando descobriu que
o consulado brasileiro estava concedendo
vistos a refugiados. Ele queria
ir para a Europa e, como o voo para o
Brasil fazia escala em Paris, resolveu
pegar o visto para tentar ficar na França.
“Não consegui nem sair do aeroporto.
Me colocaram no voo para o Brasil
e cheguei aqui com a roupa do corpo,
um par de tênis e uma mochila.” Seu
conhecimento do país resumia-se ao
trio clichê carnaval-praia-futebol. Não
conseguiu se comunicar com os agentes
da Polícia Federal porque, embora
falasse muito bem inglês, ninguém ali
sabia outro idioma além do português.
“Sozinho, com medo e nervoso, quase
arrumei briga, fui muito maltratado”,
recorda-se. Em São Paulo, ele morou
em abrigos comunitários e passou
oito meses procurando emprego, sem
sucesso. Para se manter ocupado, tornou-se
instrutor voluntário de inglês
na própria ONG em que estudava português,
o Instituto Base Gênesis. “Eu
nunca tinha dado aulas, mas me encontrei
como professor”, explica.
Foi contratado como professor de inglês
na ONG Abraço Cultural, onde
era incentivado a também oferecer
aulas a alunos interessados em aprender
árabe. Quatro anos depois, Mohamad
inaugurava sua própria escola
de caligrafia e língua árabe, no centro
de São Paulo. “O estudante de árabe é
diferente da pessoa que estuda inglês.
Ninguém aprende árabe porque é necessário
ou o trabalho exige. Estudam
porque querem, se interessam mesmo
pela língua e pela cultura”, relata. Na
busca por um imóvel para instalar sua
escola, o novo empreendedor deparou-se
com diferenças culturais. “Nós,
árabes, gostamos de negociar tudo,
até na compra de um lanche nas ruas.
No Brasil, vale o preço anunciado.” Por
causa do hábito de sempre oferecer
contrapropostas, chegou a perder bons
contratos de locação.
Quando ele finalmente conseguiu
alugar um espaço e se estabelecer, a
pandemia o obrigou a fechar a escola.
Versado em tecnologia, adaptou rapidamente
seus cursos para o modelo
online. Apostando nas redes sociais –
e também graças à propaganda boca a
boca de seus estudantes –, sua escola
cresceu em um período em que muitos
negócios faliram. Hoje, Mohamad tem
mais de 200 alunos em todo o Brasil e
no exterior, e ele teve de contratar outros
quatro professores. “Meus alunos
são médicos, advogados e empresários
descendentes de sírios e libaneses, estudantes
e professores da USP, jogadores
de futebol que estão em países
árabes e outros interessados”, explica.
Comunicativo e inquieto, fechou
parceria com a Câmara de Comércio
Árabe-Brasileira para ensinar funcionários
de empresas nacionais que têm
contatos com países árabes. E, enquanto
esperava a volta das aulas presenciais,
Mohamad instalou uma churrasqueira,
uma grande mesa e cadeiras na
área externa da escola, ansiando por
confraternizar com seus alunos.
Mohamad Alsaheb | foto: reprodução redes sociais
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VERÃO 2022 | EDIÇÃO 6 • PÁG. 30

“Conheço médicos bolivianos
trabalhando na costura, arquitetos
africanos varrendo ruas. Todos
os trabalhos são dignos, mas ver
pessoas assim sendo desperdiçadas
é uma perda enorme de capital
humano qualificado”
Padre Paolo Parisi, coordenador da instituição Missão Paz
Dados sobre refugiados e imigrantes no Brasil
Há 57.099
pessoas
refugiadas
legalmente
reconhecidas
pelo Brasil
Entre 2011 e
2019, o Brasil
recebeu
1.085.673
imigrantes
de diversas
nacionalidades
O país tem
ainda 193 mil
solicitantes
de refúgio
aguardando
uma resposta
oficial
A maior parte,
142 mil, é de
venezuelanos
Difícil adaptação
Com sua experiência no acolhimento,
padre Paolo ressalta que o choque cultural
varia de acordo com a origem do
recém-chegado. Há variáveis sociais
e culturais envolvidas e, claro, cada
pessoa reage de um jeito às mudanças,
mas há alguns traços em comum.
Por exemplo: colombianos e peruanos
costumam sentir menos a mudança;
bolivianos são geralmente reservados
e mantêm a convivência entre seus
conterrâneos, já possuem uma grande
colônia em São Paulo; angolanos já falam
português, o que ajuda bastante no
processo de adaptação; muitos sírios
têm ensino superior, mas demoram a
se encaixar por causa da língua e dos
costumes. E assim por diante.
“Para os imigrantes e refugiados, trabalho
e moradia são os maiores desafios”,
detalha o padre. E, nesse processo
de busca por uma casa e emprego,
vários talentos são desperdiçados.
“Conheço médicos bolivianos trabalhando
na costura, arquitetos africanos
varrendo ruas. Todos os trabalhos são
dignos, mas ver pessoas assim sendo
desperdiçadas é uma perda enorme de
capital humano qualificado.” E, mesmo
quando conseguem um emprego,
as imobiliárias impõem condições que
eles não conseguem cumprir, como
conseguir um fiador ou a necessidade
de um depósito antecipado de três
meses de aluguel. Além disso, há a burocracia
brasileira, outra famigerada
instituição nacional. “Regularizar a situação
de um refugiado é complicado
e leva muito tempo. Para um imigrante
se regularizar, esse processo é quase
impossível”, diz o padre italiano, que
espera há meses por um horário na
Polícia Federal para renovar seu visto
de permanência.
Mas, otimista “por fé e por opção”, padre
Paolo segue seu trabalho. “Tem
um Brasil que acolhe e ajuda, e tem
um grupo menor, xenófobo, racista.
Os que acolhem trabalham mais e são
silenciosos; os preconceituosos estão
em menor número, mas são mais barulhentos”,
constata. Andando pelo
centro de São Paulo, é possível passear
pela diversidade cultural e presença
estrangeira. São asiáticos, sul-americanos,
africanos, árabes convivendo
com brasileiros de diversas partes do
país. “Essas influências vão se enraizar
e se misturar ainda mais”, prevê o padre.
“Não temos ainda noção de como
será São Paulo e o Brasil depois das ondas
migratórias atuais. Estamos construindo
o futuro hoje.” E, esperamos,
esse futuro será construído à base de
tolerância e empatia.
Obs.: os números referem-se apenas aos imigrantes legais. Não há estimativa oficial do número de imigrantes ilegais no país.
Fontes:
6ª edição do relatório “Refúgio em
Números” (2020), do Comitê Nacional
para os Refugiados (Conare), e Dados
Consolidados da Imigração no Brasil
(2020), do Ministério da Justiça.
Serviço
Aromas Café & Cake
Instagram: @aromascafe46
Rua Caraíbas, 46, Perdizes,
São Paulo, SP
WhatsApp: (11) 95978-6122
Centro de Língua Árabe
www.centroarabe.com.br
R. Afonso de Freitas, 45,
conj. 01, Paraíso, São Paulo, SP
Telefone/WhatsApp:
(11) 93009-9689
Lavi Kasongo
Instagram: @lavikasongo
E-mail: kasongolavi@gmail.com
Telefone: (11) 95999-0933
Instituto Adus
www.adus.org.br
Missão Paz
www.missaonspaz.org
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[GENTE COM BOSSA]
Imagem: Getty Images
Ponto fora
da curva
Convencional é uma palavra quase esquecida no vocabulário
das quatro personalidades retratadas na seção Gente com
Bossa. Ideias inovadoras e soluções inusitadas são parte da
rotina desses profissionais que, como muitas pessoas que não
se deixam intimidar pelo status quo, criam novos conceitos,
elaboram novas conexões e buscam novas referências para
driblar o convencional. As histórias que a Et cetera apresenta
nas próximas páginas comprovam que o pensamento inovador
não requer um ambiente propício para se manifestar. Na
cozinha, na escola, diante de uma plateia, à frente do computador
ou no quintal, sob uma “chuva azul”, há sempre espaço
para as ideias pouco (ou nada) convencionais.
Quando desembarcou no Rio pela primeira vez, em 1979,
Claude Troisgros sentiu um cheiro descrito por ele como “calor
úmido, mar, maresia”. Se os ares cariocas mudaram para
sempre o jovem cozinheiro francês, o mesmo se pode dizer
de sua influência na gastronomia nacional. O chef começou
revolucionando o menu do restaurante que assumiu, com a
decisão de incorporar ingredientes brasileiríssimos à cozinha
francesa. Não demorou para que jabuticabas, maracujás e
outras iguarias tropicais transformassem receitas convencionais
em pratos da alta gastronomia brasileira. O chef foi
parar na TV e conquistou, definitivamente, seus quase compatriotas
com o carisma e o talento que nunca lhe faltaram.
Na vida da filósofa, psicanalista, poeta e atriz Viviane Mosé
não cabem rótulos caretas. A capixaba que dá palestras
transformadoras despista rígidos padrões preestabelecidos
para incorporar sentido poético à filosofia, psicologia à
poesia, filosofia às artes cênicas... Há dois anos, atenta às
reivindicações feministas que buscam a igualdade entre os
gêneros, resolveu mudar o nome de seu livro O Homem Que
Sabe, em que promove uma análise nietzschiana da evolução
da humanidade da maneira que ela melhor sabe fazer, levando
conteúdo filosófico para além do universo acadêmico. A
publicação traz na capa agora o título A Espécie Que Sabe, uma
forma de interromper um poder masculino que se perpetua
na linguagem.
Tiago da Cal Alves, carioca conhecido no showbiz como Papatinho,
ajudou a redefinir o papel do produtor musical. Começou
vendendo CDs com coletâneas de músicas que ele gravava
e vendia aos amigos na escola, mas o empreendimento
logo ganharia novos contornos com a veia inovadora do produtor
nato. Uniu batidas dançantes a samples perfeitos para
produzir as próprias músicas em vez de utilizar composições
de outros artistas. Coautor de inúmeros sucessos, do funk ao
pop, um dos mais requisitados produtores musicais do país
mistura estilos, abusa da versatilidade e deixa sua assinatura
em todos os seus trabalhos.
Poucas crianças absorvem tantos sentimentos e emoções
de meras roupas penduradas no varal como fazia a artista
plástica paulista Sandra Cinto. Do tecido que desbotava do
uniforme molhado do pai pingavam gotas azuis no chão do
quintal de casa, uma chuva azulada que mexia com a imaginação
da menina. As recordações de infância ainda vivem em
suas grandes paisagens de céu e mar produzidas em paredes
de dezenas de metros quadrados com... tinta e pincel? Não. A
artista usa canetas de ponta fina em um trabalho meticuloso
que resulta em belíssimas obras de arte. Seus trabalhos já
foram expostos em diversos espaços culturais do mundo ao
longo de suas três décadas de carreira.
Claude Troisgros, Viviane Mosé, Papatinho e Sandra Cinto
sabem que mexer em time que está ganhando pode dar um
gás extra à equipe. E eles jogam pra vencer de goleada.
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Nome: Claude Jean Baptiste Troisgros
Idade: 65 anos
Profissão: cozinheiro e apresentador de televisão
Cidade onde nasceu: Roanne/França
Meio
brasileiro,
moitié
français
Por Mariana Amaro
Em 1979, o chef Claude Troisgros
desembarcou no Brasil para viver um “sonho
tropical”. Quatro décadas depois, um dos
mais importantes nomes da gastronomia
nacional fala francês com sotaque brasileiro
Foto: reprodução mídias sociais
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“O
que é que há, pois, num nome?”, questionou William
Shakespeare na tragédia Romeu e Julieta. Para Claude
Troisgros, havia muita pressão. O chef francês cheio
de bossa carrega um sobrenome que, muito antes de se tornar
conhecido entre os brasileiros, já era célebre na Europa,
especialmente em uma pequena cidade chamada Roanne, a
menos de 100 quilômetros de Lyon, a capital gastronômica
francesa. Era ali que o sobrenome estampava a entrada do
restaurante agraciado com três estrelas do Guia Michelin – a
mais alta nota do guia turístico publicado desde 1900. E foi
na cozinha daquele prestigiado restaurante que Claude Jean
Baptiste Troisgros cresceu, testou seus primeiros pratos e recebeu,
aos 23 anos, uma proposta que mudaria sua vida: a
chance de comandar uma cozinha no Brasil.
O convite ocorreu em 1979. De lá para cá, o cozinheiro ajudou
a mudar a forma como os ingredientes brasileiros estão
inseridos na alta gastronomia; abriu pelo menos uma dezena
de restaurantes (e fechou alguns); tornou-se dono do grupo
Troisgros, que conta com as casas Chez Claude, CT Brasserie,
CT Boucherie e Le Blond (além de uma sociedade com o Do Batista);
ficou famoso no Brasil por seus programas de televisão;
e transformou seu sotaque frrrrancês em marca registrada.
A história de Claude se confunde com a história da própria
gastronomia. Ele pertence a uma família que revolucionou a
cozinha francesa e, consequentemente, a culinária mundial.
O avô Jean-Baptiste Troisgros era um “homem de salão”,
como eram chamados os grandes conhecedores de vinhos
que dominavam a arte de receber pessoas. Casado com Marie
Badaut, uma cozinheira de mão cheia, Jean-Baptiste decidiu
mudar a forma como a comida era servida no restaurante do
casal. Originalmente, e em todos os restaurantes franceses,
a comida era oferecida em uma bandeja para que o próprio
cliente se servisse. Para valorizar o trabalho de Marie, que
comandava a cozinha, ele sugeriu que ela montasse os pratos
lá mesmo, antes de entregá-los aos clientes. Na época, o
restaurante Troisgros foi bastante criticado pelo novo jeito de
servir, mas ele acabou adotado pela grande maioria dos estabelecimentos
mundo afora.
Jean-Baptiste e Marie tiveram três filhos: Jean, Pierre (pai de
Claude) e a caçula Madeleine. Os dois meninos começaram a
trabalhar cedo na cozinha do restaurante e logo se tornaram
chefs. Pierre se casou com Olympia, uma cozinheira italiana
que tinha sua própria história entre as panelas. Quando
criança, ela fora capturada por oficiais alemães quando a
família tentava escapar da Itália durante a Segunda Guerra.
O pai foi mandado para um campo de concentração, mas a
menina, a mãe e o irmão escaparam do destino trágico porque
um oficial alemão levou a mãe de Olympia para trabalhar
como cozinheira em sua casa. Quando a guerra acabou, o trio
fugiu para a França, onde Olympia virou Olympe – o mesmo
nome que batizaria o mais longevo dos empreendimentos
culinários de Claude.
“Meu prato afetivo é o nhoque com molho de
tomate da minha avó italiana. Ela deixava o molho
cozinhando por horas, e esse perfume ficou
guardado pra sempre na memória”
A infância na cozinha
Por causa de suas inúmeras possibilidades de acidente, crianças
não costumam ser bem-vindas à cozinha. Para Claude,
nascido em abril de 1956, a realidade era outra. “Cresci fazendo
as refeições na cozinha do restaurante e vendo meu pai e meu
tio trabalharem”, conta. A família, composta de 12 pessoas,
entre adultos e crianças (e um cachorro), vivia, literalmente,
dentro do restaurante. Em cima do salão, para ser mais exato.
Suas memórias de infância são bem diferentes do funcionamento
atual de um estabelecimento comercial. Naquela
época, os cozinheiros tinham de acender o carvão do fogão
bem cedo e receber fornecedores que vinham entregar alimentos,
como os apanhadores de cogumelos e os caçadores
que traziam lebres e outras caças ainda vivas. Mas, apesar
de conviver desde o ventre materno com a culinária francesa,
Claude atribuiu à cozinha italiana o status de comfort food.
“Meu prato afetivo é o nhoque com molho de tomate da minha
avó italiana. Ela deixava o molho cozinhando por horas, e esse
perfume ficou guardado pra sempre na memória”, lembra.
Como os pais de Claude trabalhavam juntos no restaurante,
o garoto passava muito tempo com a avó materna. “Ela
cuidou da família inteira”, diz. O nhoque da avó acabou incorporado
ao cardápio de um dos restaurantes que Claude
inauguraria muitos anos depois. “Nunca aprendi a dominar
totalmente os segredos da culinária italiana, mas via minha
avó realizar suas preparações. Foi uma grande influência
na minha formação”, diz.
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O clã Troisgros | foto: reprodução redes sociais

Destino entre as panelas
Claude sabia que seu futuro estava na cozinha. Prova disso é
que, aos 6 anos, assinou “contrato” com o renomado chef Paul
Bocuse, amigo da família, se comprometendo a passar por um
estágio no restaurante dele. E a promessa se cumpriu 11 anos
depois. Bocuse era o estereótipo do chef que grita, atira panelas
e aumenta ainda mais a pressão no ambiente quase explosivo
de uma cozinha profissional. A amizade entre o chef e
os Troisgros não garantia nenhuma regalia: Claude começou
descascando batatas, como a maioria dos novatos, e, quando
cometia um deslize, como enviar o prato na temperatura errada
para o salão, era mandado para a confeitaria – enrolar
massa folhada era a punição para quem errava.
Nesse período, Claude viu de perto o nascimento do movimento
chamando nouvelle cuisine française, capitaneado por
Bocuse, Jean e Pierre Troisgros e outros cerca de 15 cozinheiros,
que pregava uma espécie de evolução na maneira de
cozinhar, valorizando pequenos produtores locais, alimentos
frescos e adaptando o cardápio às estações. “Todos os movimentos
que vieram depois, como fusion cuisine e cozinha molecular,
foram baseados na nouvelle cuisine française”, explica.
Após a temporada com o “general” das panelas, Claude foi
convocado para o serviço militar obrigatório. O sobrenome
famoso se mostrou uma vantagem na ocasião: Claude foi
destacado como chef da residência do almirante. A experiência
foi seguida por uma viagem a diversos países, trabalhando
enquanto conhecia outras culturas, antes de voltar
para Roanne e o restaurante da família. Alguns meses depois,
enquanto preparava o serviço do dia na cozinha, Claude ouviu
o pai dizer que um famoso restaurante francês abriria uma
filial no Rio de Janeiro. Eles estavam buscando um chef para
tocar a cozinha durante dois anos. “Alguém se habilita?”, perguntou
Troisgros pai. “Eu!”, respondeu o filho.
Ao embarcar para o Brasil, no fim de 1979, o jovem Claude
não sabia nada sobre o país: achava que a Amazônia ficava
no Rio de Janeiro e não sabia que aqui se falava o português,
mas estava certo de que viveria um “sonho tropical”. E, claro,
o salário (em dólar) compensaria. Chegou ao Rio de Janeiro
em um dia particularmente quente. Ao sair do avião, sentiu
o cheiro que permanece gravado em sua memória até hoje,
descrito por ele como “calor úmido, mar, maresia”. Logo no
primeiro dia no Le Pré Catelan, cuja cozinha comandaria, conheceu
Marlene Pereira da Silva, com quem se casaria e teria
seus dois filhos, Thomas e Carolina.
Claude e Batista | foto: Victor Pollak - divulgação Globo
Fincando a bandeira
Da esquerda para a direita: Paul Bocuse, Pierre Troisgros, Jacques Pic, Georges Blanc e
Alain Chapel, em Alpe d’Huez, em 1983 | foto: Edmond Pinaud/AFP
Com a inauguração do Le Pré Catelan,
o Rio de Janeiro ganhava seu primeiro
restaurante verdadeiramente francês,
apesar de toda a dificuldade em conseguir
mão de obra especializada e,
principalmente, adquirir ingredientes.
“Não havia azeite, manteiga, creme de
leite com a qualidade a que estávamos
acostumados na Europa”, conta Claude.
Passou três meses tentando encontrar
os produtos com os quais estava
habituado a trabalhar na França, até
o dia em que ligou para o chef que o
havia contratado (e que assinava o cardápio
do restaurante) e sugerir mudar
o menu, a fim de incorporar os ingredientes
locais, como seu pai o havia ensinado
a fazer.
Não foi um processo simples. Muitos
clientes reclamaram, mas, aos poucos,
Claude desenvolveu sua própria versão
de uma culinária franco-brasileira.
O kir royal, drinque que mistura licor
de cassis com espumante, ganhou licor
de jabuticaba e foi rebatizado para
Jabukir. Pato com laranja virou pato
com maracujá, purê de castanhas portuguesas
foi substituído por purê de
feijão-branco. E assim, com carta branca
do chefe para criar e adaptar o cardápio,
Claude foi firmando seu nome
no Brasil. Lá fora, no entanto, continuava
sendo apenas o filho, sobrinho e
neto de grandes chefs.
Ao final dos dois anos do contrato com
o Le Pré Catelan, Claude abriu um restaurante
em Búzios, que só recebia
clientes aos fins de semana. Decididos
a voltar para o Rio, ele e a esposa
venderam tudo – um carro velho e algumas
joias –, juntaram 5 mil dólares
e alugaram um espaço de 30 metros
quadrados no Leblon, onde cabiam 18
banquinhos ao redor de seis mesas. O
restaurante levava o nome da cidade de
Claude: Roanne.
No segundo dia após a inauguração,
dois clientes contaram ao chef que
haviam entrado por causa do nome
do restaurante. Afirmaram ser fãs de
um restaurante localizado em Roanne,
chamado Troisgros. Para não envergonhar
a família com seu acanhado estabelecimento,
Claude respondeu apenas
que havia nascido na cidade, sem
revelar que também era um Troisgros.
A dupla elogiou a comida e saiu com a
promessa de indicar o local aos amigos.
Os clientes eram José Bonifácio
de Oliveira Sobrinho, o Boni, executivo
da Rede Globo de Televisão, e Armando
Nogueira, diretor de jornalismo da
emissora. No dia seguinte, havia fila na
porta do Roanne. E, pouco tempo depois,
bateria à porta um rapaz franzino
chamado João Batista Barbosa de Souza,
se oferecendo para ajudar na cozinha.
Foi assim que entrou na vida de
Claude o “Batiiiista”, que acompanha
o chef até hoje nos empreendimentos
gastronômicos e na televisão.
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Passada de bastão (ou
de panelas)
Com os filhos, Thomas e Carolina | foto: arquivo pessoal
Novos sonhos
Com o sucesso do Roanne, Claude decidiu
apostar em um espaço maior.
Abriu o Claude Troisgros, no Jardim
Botânico, que depois mudaria de nome
para Olympe (em homenagem à mãe),
que conquistou uma estrela no Guia
Michelin. Mas Claude tinha planos mais
ousados: ele queria chegar a Nova
York. Em 1994, deixou o Olympe sob
os cuidados de Batista e foi firmar seu
nome no cenário internacional, que
vivia o começo da fusion cuisine, inaugurando
o CT em Manhattan. “Estava
cheio de restaurante franco-oriental,
franco-tailandês. Cheguei com um
franco-brasileirrro.” E o CT foi um
sucesso imediato, com fila na porta.
“Em um mundo de cozinheiros imitadores,
ele é único”, escreveu o crítico
do jornal The New York Times sobre
o chef recém-chegado.
Claude deixava, assim, de ser apenas
o parente de grandes chefs e passou a
ser reconhecido por sua gastronomia
mundialmente. Dois anos depois, os
investidores venderam o restaurante
nova-iorquino, e Claude decidiu voltar
para o lugar que ele já considerava seu
lar. Foi recebido no Brasil com o carinho
de um filho que retorna à casa e
com uma ideia na cabeça: trabalhar
na televisão. Durante a temporada nos
Estados Unidos, ele percebeu a enorme
quantidade de programas de TV
sobre alta gastronomia. “Participei de
alguns programas lá e vi que gostava
disso”, diz. Muito bem relacionado,
conseguiu o contato de produtores
no GNT, e em 2004 estreou o quadro
Adivinha o Que Tem para o Jantar em um
programa de variedades no canal. Era
o início de uma parceria de sucesso.
Depois viriam o Menu Confiança, com o
jornalista Renato Machado, os programas
da série Que Marravilha! e o reality
show Mestres do Sabor. “E lá se vão 16
anos na televisão. Hoje, me vejo como
um cozinheiro que virou apresentador.
Vou ser sempre um cozinheiro”, diz.
Como preparação para entrar no universo
da TV, fez sessões de fonoaudiologia,
mas a ideia nunca foi acabar
com o sotaque, sua marca registrada.
“Queria apenas trabalhar a voz. Isso
é importante para a televisão”, acalma
Claude. Quando visita a família na
França, leva consigo outro sotaque.
“Minha família diz que falo com sotaque
brasileiro. O incrível é que não sinto
isso”, garante.
Assim como o pai famoso, Thomas e
Carolina cresceram em meio às panelas.
Thomas mostrou, desde cedo, o
interesse em seguir a profissão da família
e foi estudar e trabalhar na área.
Carolina optou pelo lado da administração
e marketing de restaurantes.
Aos poucos, Thomas foi assumindo a
cozinha até se tornar chef do Olympe.
Para dar espaço ao filho, Claude deixou
a casa principal e voltou às origens:
abriu o Chez Claude, um restaurante
intimista, com 80 metros quadrados
e uma cozinha no meio do salão, ao
lado de onde ficava o Roanne. Com a
pandemia, o estrelado Olympe acabou
fechando as portas. “Eu sempre digo
que nos momentos difíceis a gente tem
que tirar a melhor lição, ser criativo e
humilde para aprender com os acontecimentos.
Foi assim na pandemia. O
Olympe estava sob o comando do meu
filho Thomas. Ele optou por fechar e eu
respeitei a decisão dele”, diz.
Quando está fora da cozinha, Claude
gosta de praticar esportes variados: de
trilhas e parapente a mergulho e kitesurf.
E ama viajar, principalmente com
sua moto. “Meu sonho de vida é dar a
volta ao mundo. Quero largar tudo e
me mandar, sem data de volta”, diz. O
chef também tem seu lado músico: estudou
saxofone por dez anos. Embora
tenha aprendido a técnica, não consegue
tocar bem porque lhe falta, como
ele mesmo diz, “ouvido”. Sem a audição
aguçada, Claude diz que tem a “boca
perfeita”, que lhe permite sentir o
Que dica daria ao jovem Claude:
equilíbrio entre os sabores com sensibilidade.
É isso, segundo ele, que separa
um bom cozinheiro daqueles extraordinários.
Para Claude, sensibilidade
e técnica são as duas características
mais importantes para um chef. Ele
acredita que, assim como qualquer outro
profissional, um cozinheiro precisa
estar se aprimorando constantemente,
repetindo as receitas, melhorando a
prática por décadas enquanto lida com
muito calor, pressão, trabalho pesado e
horas em pé.
Após quatro décadas no Brasil, Claude
identifica uma revolução no paladar
dos brasileiros nos últimos anos. Mas
faz um alerta acerca da formação dos
futuros profissionais – a gastronomia
estava entre os dez cursos de graduação
tecnológica mais buscados na
rede privada em 2019. Para ele, não
basta ser criativo na cozinha, é preciso
também “saber fazer um bom caldo
de frango”. Ele critica tanto as escolas
quanto os alunos que têm como objetivo
formar ou ser chefs, perdendo de
vista o ofício de cozinheiro. “Chef é um
posto, uma função, como a de general.
Chegar lá depende de muitos fatores”,
afirma. Para ele, ser um chef é uma
conquista que vem com muitos anos de
cozinha, e inclui noções de administração,
relacionamento pessoal, conhecimento
para fazer boas compras, saber
escolher produtos e fornecedores e,
claro, comandar uma equipe. Tudo o
que esse carioca nascido na França faz
marrrravilhosamente bem.
“Ser um chef é uma conquista que vem com
muitos anos de cozinha. Se quer chegar lá, é
preciso começar treinando muito na cozinha”
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Nome: Viviane de Souza Mosé
Idade: 57 anos
Profissão: filósofa, poeta, psicóloga, psicanalista
Cidade onde nasceu: Vitória/ES
“A vida é
conflito”
Por Daniela Macedo
A filósofa e psicanalista Viviane Mosé
tem arte correndo nas veias desde
a infância: é poeta, atriz e assina a
autoria de canções em parceria com
a sambista Mart’nália
Foto: divulgação
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Lugar de fala
“A felicidade é uma ideia idiota. A vida é luta, é conflito
que nos faz crescer, que nos faz aprender. É um lugar
de aprendizado, de expansão de si. Nós estamos em
expansão, junto com o Universo, e expandir dói”
A
filósofa, poeta e psicóloga Viviane Mosé resume de
maneira brilhante o sentido da vida: para ela, a razão
de viver seria justamente aprender a lidar com a vida.
Aos 57 anos, a pensadora que traz ciência e arte na bagagem
entende que viver não deve ser uma eterna busca pela felicidade.
E ela não recorre a discursos empolados para enterrar
o ideal de vida feliz. Vai direto ao ponto: “A felicidade é uma
ideia idiota. A vida é luta, é conflito que nos faz crescer, que
nos faz aprender. É um lugar de aprendizado, de expansão
de si. Nós estamos em expansão, junto com o Universo, e expandir
dói”.
Ao longo do último ano, Viviane mergulhou fundo na dor. No
início de 2021, seu casamento de quase seis anos com a economista
Eduarda La Rocque terminou abruptamente. “Levei
um fora, fui mandada embora”, resume. Viviane teve de sair
de casa e viu ruir, no auge da pandemia, uma estrutura familiar
que escorava sua saúde mental. “Foi muito inesperado, e
eu sustento a minha vida na minha casa. Tenho um poema
que diz ‘A casa é o corpo que me sustenta quando o meu próprio
me falta’.” A separação na vida pessoal não interrompeu
a convivência, já que ambas são sócias na Usina Pensamento,
uma empresa de produção de conteúdo e editora de livros, o
que deixa a experiência ainda mais dolorosa, como sabe qualquer
pessoa que já levou um fora. Entre os vários projetos desenvolvidos
em parceria – antes e depois da separação – está
o livro Política: Nós Também Sabemos Fazer, que a dupla produziu
ao lado dos professores Clóvis Barros de Filho e Oswaldo
Giacoia Junior.
O sofrimento da separação é o tema de seu novo livro, ainda
sem título definido. Viviane pretende explorar um sentimento
real por meio de uma obra de ficção. “É preciso demonstrar
respeito e carinho por casais que se separam. A gente trata o
amor como se fosse frescura, diz ‘Ah, tá sofrendo por amor,
não é nada’. Mas é um luto terrível”, diz. Assim como fala
abertamente sobre um assunto tão pessoal, a filósofa pretende
transmitir as lições que tirou de seu próprio luto. “Estou
entrando na terceira idade como uma criança. Com rugas,
sim, mas me sinto uma criança. Eu fui ao fundo do meu poço
e saí com uma energia incrível pra carregar o mundo nas costas,
se for preciso.”
A filósofa teve de aprender a lidar
com intempéries relacionadas à saúde
mental logo na infância. Ainda antes
de completar 10 anos de idade, já
manifestava uma hipersensibilidade
emocional e corporal, característica
percebida pela família e pela própria
Viviane. “Todos temos uma ferida na
alma, esta é a minha. Sinto tudo o tempo
todo, este poema me define bem:
Não tenho pele / Tudo me fere / Sofro
de carne viva / De carne vida eu sofro
/ De vida”, explica. Essa hipersensibilidade
ganhou nome, décadas depois,
nos consultórios de analistas e psicanalistas:
transtorno de personalidade
limítrofe, também conhecido como
borderline. “Quando eu falo de luta psíquica,
eu sei do que estou falando. Sinto
dores imensas até hoje, então falo de
cadeira, não levianamente”, afirma.
Com o tempo, aprendeu a transformar
a dor em ação. “Primeiro: eu não
fujo do sofrimento; eu vou nele, e sofro
mesmo. Naquele momento, parece
que a vida acaba, mas o sofrimento
sempre passa”, ensina. E complementa
com outra lição valiosa: “Não culpe
ninguém. O sofrimento é sempre seu.
Isto é maturidade: aprender a lidar
com a frustração”. Aqui, mais uma
vez, Viviane ilustra a teoria com suas
próprias experiências: “Quando eu fui
abandonada pelo meu amor, que eu
achava que era para sempre, eu não
tive ódio dela. Eu entendi que aquele
era um corte que estava acontecendo
comigo. Era eu quem precisava lidar
com aquilo. E eu me tornei mais forte”.
Diferentemente de muita gente que
atravessa sem apoio os vales solitários
dos transtornos psiquiátricos, Viviane
teve a sorte de sempre contar com
a família e com a psicanálise, combinação
que a afastou de crises graves.
Filha da dona de casa Joêmia e de Anselmo,
um protético (profissional que,
no passado, realizava procedimentos
odontológicos tendo aprendido o ofício
com um mestre), a filósofa cresceu
com a casa cheia, na Vitória das
décadas de 1960 e 1970. O pai, que era
autodidata, criou um cursinho pré-
-vestibular e “discutia mitocôndrias na
mesa de jantar” com os seis filhos, fazia
questão de gastar o que sobrava em
diversão para a família. “Não passava
um final de semana sem que recebêssemos
amigos em casa. Aos sábados,
éramos acordados ao som de Mozart,
Beethoven, logo às 8 horas da manhã,
com meu pai dizendo ‘Tem que acordar
pra ser feliz!’”, lembra.
A união dos irmãos Mosé se estendia
além do portão de casa, principalmente
quando a turma se juntava para defender
a irmã mais velha, Neusa, que fora
adotada por Anselmo e Joêmia antes
mesmo do casamento – a menina até
acompanhou o casal na lua de mel.
“Neusa é negra, e nós brigávamos na
rua quando ela era vítima de racismo”,
conta. “Quando saíamos todos juntos,
ela tinha que ir à nossa frente, na entrada
dos lugares, porque era barrada
se tentasse entrar depois da gente. Ela
era tratada pelos outros como se fosse
a empregada da família.” Mais tarde, o
casal adotaria outra criança negra, a
caçula da turma, Alina.
Aos 3 anos no jardim da casa da avó | foto: arquivo pessoal
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Com a amiga e parceira musical Mart’nália | foto: arquivo pessoal
Vida multidisciplinar
Viviane mantinha ocupada a agenda de atividades culturais e esportivas: frequentava aulas de teatro, incrementadas por apresentações
para a vizinhança no quintal de casa, e era atleta mirim de ginástica artística – chegou a integrar a equipe capixaba
de ginástica de solo, treinando quatro horas por dia. As atividades não tiravam seu foco na sala de aula: “Adoro estudar, faço
isso por prazer”. Aos 16 anos, passou em segundo lugar no vestibular de psicologia da Universidade Federal do Espírito Santo. O
feito foi noticiado no jornal da cidade, mas não marcou sua estreia na imprensa local, que ela já frequentava por causa das competições
de ginástica e dos desfiles escolares de 7 de setembro – Viviane emprestava as habilidades de ginasta para se destacar
como baliza à frente dos colegas.
Filosofia para as
massas
Ironicamente, foram os poemas que
abriram as portas da Rede Globo para
a Viviane filósofa. Uma matéria sobre
a poeta capixaba no jornal O Globo chamou
a atenção de Roberto Irineu Marinho,
presidente do grupo, que convidou
Viviane para declamar seus poemas
em um jantar em sua casa. Além do
executivo, estavam no sarau alguns
diretores da emissora carioca, e logo
ela seria convidada para comandar o
quadro no Fantástico intitulado Ser Ou
Não Ser, que apresentou entre 2005 e
2006. Sua participação no dominical,
em que Viviane levava a filosofia para
as massas, impulsionou sua popularidade.
Em certa ocasião, foi abordada
por um desconhecido “forte, enorme”
que descarregava um caminhão de
mudanças no centro do Rio. “Ouvi uma
voz grave chamar ‘Viviane Mosé! Viviane
Mosé!’ e estranhei. Disse ‘Eu?’, e
ele: ‘Claro, tu não é a filósofa? Não perco
um programa teu e boto meus filhos
pra assistir. Adoro!’”, conta.
O reconhecimento chegava também
pelo correio, a exemplo da carta escrita
à mão enviada por uma telespectadora.
“Ela contava que a filha costumava dizer
que ela era burra, mas ela entendia
tudo o que eu falava, e a filha, não. Era
ela quem explicava pra filha o que eu
dizia. Sabe por quê? Porque eu falava
da vida, e ela entendia da vida”, lembra.
O quadro deixou de ser exibido há 15
anos, mas a relação de Viviane com o
Grupo Globo dura até hoje, com participações
na rádio CBN e no programa
Encontro com Fátima Bernardes. Suas lives
e palestras disponíveis na internet
atraem milhares de fãs. Recentemente,
foi surpreendida por uma camelô, que
chegou a mostrar na tela do celular o
canal de Viviane no YouTube para provar
que é seguidora. “Esse carinho não
tem preço, é uma alegria indescritível.”
Tanta popularidade pode alimentar
críticas de filósofos mais conservadores.
Alguns dizem que Viviane não é
acadêmica por ser pop demais. “Isso
não me agride porque não é verdade. É
preconceito”, resume. E ela tem razão.
Seu livro Nietzsche e a Grande Política da
Linguagem, por exemplo, em que analisa
a obra do filósofo alemão, já foi inúmeras
vezes citado em teses de mestrado
e doutorado. Se a popularidade
gera comentários preconceituosos, o
fato de ser uma mulher bonita ajudou,
sim, como ela própria reconhece. “Tenho
que ser honesta: sempre fui muito
beneficiada por ser mulher. Sempre
fui bonita, e isso abriu portas.” Ela faz
questão de deixar claro que não se trata
de sedução ou de usar a aparência
para obter vantagens. “A beleza abre
portas. Não é um mérito meu”, explica.
Aos 17 anos, a universitária dedicada
começou a dar aulas de introdução à
psicologia em um curso de formação
de professores. Seguiu a carreira atendendo
em consultório por duas décadas
(até o nascimento do filho, Davi, em
2004), mas o interesse pela filosofia
nasceu cedo, nas aulas de introdução
à filosofia da graduação em psicologia.
A paixão virou relacionamento sério
quando se mudou para o Rio de Janeiro,
onde concluiu mestrado e doutorado
estudando Friedrich Nietzsche. Autora
de seis livros sobre filosofia – além
das seis obras de poesia –, Viviane se
dedica há duas décadas a entender os
desafios contemporâneos, tema dos
estudos do filósofo alemão. Com a arte
no DNA, levou Nietzsche para os palcos:
ela atua ao lado do cultuado diretor
de teatro Amir Haddad no espetáculo
Assim Falava Zaratustra, interpretando o
próprio Nietzsche.
Com a vida estabelecida em terras cariocas,
dividia o tempo entre o consultório
de psicanálise, os estudos filosóficos
e a poesia. Declamava seus poemas
em encontros culturais, cultivava amizade
com músicos e atores, e chegou a
compor sambas com Mart’nália, como
Não Me Balança Mais e Contradição. A
parceria com a filha de Martinho da
Vila foi retomada na pandemia, a distância:
a cantora cria a melodia e ajuda
Viviane a escrever a letra. “É muito
difícil pra mim porque meu texto tem
ritmo próprio, aí eu tento combinar o
ritmo da música com o do texto. Não
sei se vou conseguir fazer músicas
boas, mas o aprendizado tem sido maravilhoso”,
revela a aprendiz de letrista.
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Com Amir Haddad no espetáculo Assim Falava Zaratustra | foto: reprodução Sympla
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Bela, desinibida e livre
Viviane recorda o episódio em que sua
aparência a prejudicou durante um
processo seletivo para integrar o corpo
docente de uma universidade. Após
ser informada da reprovação, encontrou-se
por acaso com o único membro
da comissão (masculina, frisa-se) que
havia discordado da decisão. Segundo
esse integrante, ela foi reprovada logo
na inscrição. “O argumento era de que
uma professora de filosofia pode até
ser bonita, mas não pode ser sensual.
Ela disse que ouviu a frase ‘Até parece
que uma mulher com esse corpo
vai ser professora aqui’”, diz. O caso
isolado de discriminação não reflete a
carreira da psicóloga e filósofa. “Em todos
os lugares onde trabalhei, ganhava
mais do que os homens.”
Se a vida profissional não foi afetada
pelo machismo, o mesmo não se pode
dizer da vida pessoal. Durante os tempos
de solteira – antes de se casar, aos
38 anos, com o diretor de audiovisual
Daniel Duarte, com quem viveu por 13
anos –, Viviane lidou com o preconceito
comumente dispensado às mulheres
que não abrem mão da liberdade.
“Sempre fiquei com os caras que eu
quis, e isso não é respeitado. Fui livre,
mas sofri muito por causa da minha liberdade
sexual.” Sofreu inclusive com
a insistência de homens que não aceitam
rejeição. “Isso pra mim é a grande
merda do feminino. Se a mulher transa
com quem quer, é vadia. Quando eu era
mais jovem, isso era insuportável.”
Viviane celebra o feminismo que vem
quebrando tabus e permitindo que as
jovens de hoje tenham mais liberdade
que ela teve na juventude. “Ainda temos
muita coisa pra conquistar, mas é
importante falar dessa mudança. Parabéns
pras meninas”, comemora. E leva
para sua obra a influência de alunas
feministas. Em 2019, mudou o nome de
“A palavra Homem não pode
substituir a palavra Humano
seu livro O Homem Que Sabe – Do Homo
Sapiens à Crise da Razão, que faz uma
análise nietzschiana da evolução da
humanidade, para A Espécie Que Sabe.
As edições atualizadas do livro trazem
a explicação: “Não queremos mais que
o poder masculino, que guiou os séculos
até essa exclusão contemporânea,
se perpetue na linguagem. A palavra
Homem não pode substituir a palavra
Humano ou Humanidade, sustentando
a exclusão do feminino. Acatando
e afirmando essa questão, este livro
passa a se chamar a partir de agora A
Espécie Que Sabe, e a palavra Homem,
quando usada no sentido de espécie
no decorrer do livro, foi substituída
por Ser Humano ou apenas Humano”.
E a autora vai além: “Estou tentando
mudar o conceito nietzschiano de super-homem
para super-humano. Academicamente,
isso é uma afronta, mas
a mulher tem que estar incluída”, diz.
ou Humanidade, sustentando a
exclusão do feminino. Acatando
e afirmando essa questão, este
Foto: arquivo pessoal
Apesar de tudo, otimista
A filósofa que estuda os desafios do
mundo atual e acumula mais de duas
décadas de experiência como psicanalista
mantém no radar um fenômeno
mundial alarmante: o aumento no índice
de suicídio, principalmente entre
jovens e crianças. Segundo a Organização
Mundial da Saúde (OMS), a cada
quatro segundos, uma pessoa tira a
própria vida. Viviane faz questão de
trazer o tema à tona em lives, entrevistas
e palestras para o setor corporativo
e para a educação pública e privada. “O
suicídio na infância cresce no mundo
todo. Já é a maior causa de morte de
crianças de 8 a 14 anos nos Estados Unidos”,
afirma. Viviane acredita que esse
é um problema de saúde pública que
exige a atenção de toda a sociedade. “O
mundo está desabando em nossa cabeça.
Nós nos tornamos uma civilização
doente. Além de sermos hospedeiros
de vírus, estamos à mercê de destruições
ambientais como um rato roendo
nosso calcanhar que nos impede de
andar. Precisamos parar de olhar para
o nosso próprio umbigo e discutir essa
questão. As pessoas estão pulando da
janela!”, ressalta a pensadora.
No entanto, nem a pandemia, nem a
crise ambiental, nem o “mundo desabando
em nossa cabeça” abalam o
otimismo da filósofa. “Eu me vinculo
ao que tem luz, à vida, às galáxias.
Elas não estão aí à toa, o Universo não
está expandido à toa, e o ser humano
não chegou aqui à toa”, diz. Habituada
a ministrar palestras a professores,
Viviane tenta levar o otimismo a esses
profissionais que viram seu trabalho
virar de cabeça para baixo na pandemia.
“Eu digo para os professores que
estão sofrendo: ‘Vocês precisam sobreviver
pra plantar a semente de um
novo mundo’.” Ela acredita nas novas
gerações, que novos valores possam
vencer as “ideias paquidérmicas dos
velhos”. Mas, nesse momento, ela faz
uma pausa, e explica: “Quando eu falo
de velhos e novos, não me refiro à idade
nem à aparência. Eu tenho 57 anos,
mas sou jovem. Ser jovem é se dar
mais, saber que pode amar e namorar
aos 60 anos. Sem preconceito!”, esclarece.
“E eu quero viver até os 100 anos.
E eu vou viver, porque eu amo a vida.”
Capa do livro cujo título original era O Homem
Que Sabe – Do Homo Sapiens à Crise da Razão
livro passa a se chamar a partir
de agora A Espécie Que Sabe”
Que dica daria à jovem Viviane?
“Calma, esse peso que você carrega na
alma é amor em excesso, contido, sem
vazão. Aprenda a soltá-lo aos poucos.
Exponha-se, expanda”
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Nome: Tiago da Cal Alves (Papatinho)
Idade: 35 anos
Profissão: produtor musical
Cidade onde nasceu: Rio de Janeiro/RJ
Entre beats
e samples
Por Sérgio Martins
Aos 35 anos, Papatinho é um dos
produtores musicais mais requisitados do
mercado. Do funk ao pop, suas batidas e
timbres guardam a receita do sucesso
Foto: Lana Pinho
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Black Alien, Papatinho e Seu Jorge | foto: Lana Pinho
C
erta manhã de 2021, o carioca Tiago da Cal Alves foi acordado pelo porteiro
do condomínio onde mora no Recreio dos Bandeirantes, na zona oeste do Rio
de Janeiro, porque havia um estranho insistindo em falar com o morador.
“Está há mais de três horas gritando pelo senhor”, avisou. Tiago desceu à portaria
do edifício e se deparou com um jovem que desejava conhecê-lo para mostrar
suas músicas. Só estranha o fato de alguém passar horas à espera de Tiago quem
não sabe seu nome artístico nem faz ideia do currículo que ele ostenta no showbiz
nacional. Conhecido como Papatinho (“Nem meus pais me chamam de Tiago,
no máximo usam filho”, diz), ele é um dos produtores musicais mais requisitados
do mercado. Trabalhou com as popstars Anitta e Ludmilla, o rapper Gustavo Black
Alien, o funkeiro Mr. Catra e o sambista Péricles; tem parcerias com o rapper Snoop
Dogg e com o produtor Will.i.am (Black Eyed Peas); é dono do Papatunes, selo que
descobre e produz talentos da soul music moderna, como Califfa e L7nnon; possui
o Baile do Papato, no qual assume o posto de mestre de cerimônias e apresenta seus
contratados; e já fechou parcerias comerciais com uma plataforma de redes sociais
e uma loja de departamentos. Mas, afinal, qual o segredo desse carioca de 35 anos
para ser requisitado por artistas de tantos estilos?
Antes de mergulhar na biografia de
Papatinho, é preciso explicar a função
do produtor musical e sua importância
dentro do showbiz. Nos anos 1960,
esse tipo de profissional atuava como
uma espécie de “facilitador”: o artista
tinha a ideia, e cabia ao produtor – então
funcionário da gravadora – transformar
o rascunho numa composição
de sucesso, reunindo os melhores músicos,
arranjadores e até engenheiros
de som. Um dos casos mais exemplares
de produtor que deixou sua marca
foi George Martin, parceiro de criação
dos Beatles, que chegou a acelerar a
velocidade de um piano para que ele
soasse como um cravo (em In My Life) e
deu as condições técnicas necessárias
para que o quarteto inglês gravasse o
histórico Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club
Band. Martin era funcionário do Parlophone,
selo pelo qual gravou até discos
de piadas, e sua dobradinha com o
quarteto mais importante do Universo
lhe deu forças para sair em projetos
solo. Mas são poucos os nomes daquele
período que sobressaíam fora
do meio das empresas fonográficas.
Phil Spector, na música pop, e Quincy
Jones, no mundo do jazz, são algumas
das honrosas exceções.
O papel do produtor foi sendo reconhecido
com mais propriedade nos
anos 1970 e 1980, quando ele passou a
se tornar uma grife às vezes maior do
que os artistas com quem trabalhava –
caso do próprio Quincy no período em
que trabalhou com Michael Jackson.
O showbiz brasileiro possui personagens
emblemáticos desse período, a
exemplo de Guto Graça Mello, mentor
de trilhas sonoras das novelas da Rede
Globo na década de 1970 e articulador
da virada de Rita Lee rumo ao estrelato;
Marco Mazzola, que assinou as obras
mais emblemáticas de Raul Seixas naquele
período; e Liminha, que moldou
o rock nacional na década seguinte.
Mazzola pontua que muitas vezes sua
função ia além de burilar o trabalho
de um contratado da gravadora. “Um
produtor de sucesso na década de 1970
tinha de entender de tudo: do contrato
da gravadora, da seleção de músicos e
arranjadores, dar pitaco na capa e no
marketing, masterizar e mixar, e tinha
uma remuneração muito baixa”, diz
ele, que trabalhou com Ney Matogrosso,
Milton Nascimento, Simone, Fafá de
Belém e até Paul Simon.
No estúdio da Papatunes | foto: Fernando Schlaepfer
Nova visão
Atualmente, a atuação do produtor
é mais ampla: pega o artista do zero,
cria uma identidade musical para seu
contratado e colabora nas parcerias.
O futuro popstar chega praticamente
pronto às companhias de disco, que se
tornaram uma espécie de distribuidora
– tempos atrás, cabia a ela trabalhar
exaustivamente na formatação e produção
de sua aposta. Papatinho segue
essa cartilha: descobre, aprimora, produz
e se torna parceiro na autoria das
músicas. “Se tem um beat meu, exijo
parceria”, diz. “Meu envolvimento com
esses artistas é total.” Muitos veteranos
apoiam essa nova visão de produção.
“Nada mais justo que eles sejam coautores.
Uma boa produção e arranjo
transformam a música num hit”, reconhece
Liminha, que recentemente
trabalhou com Papatinho num remix
do grupo Capital Inicial. “Ele é o cara.”
Tiago da Cal Alves já era conhecido
como Papatinho quando estudava na
Tijuca, bairro da zona norte do Rio. A
alcunha nasceu de uma variação de
“sapatinho”, seu apelido de infância. As
primeiras incursões musicais se deram
por meio de coletâneas em CDs que ele
mesmo fazia e vendia aos amigos da
escola. A destreza com que organizava
a passagem de uma música para outra
era sempre elogiada pelos, digamos,
clientes. O sucesso no grupo incentivou
Papatinho a se envolver cada vez
mais com o universo musical. Decidiu
que faria as próprias músicas em vez
de utilizar composições de outros artistas.
As primeiras produções saíram
de um computador. Ele tomou gosto
em criar batidas dançantes, depois se
preocupou em achar o sample (trecho
de músicas que vai entre uma batida e
outra) perfeito para cada composição
e, posteriormente, passou a se preocupar
com o feat, aquela participação
especial que um DJ, um cantor ou um
rapper fazem na música de um artista
amigo. O passo seguinte era adquirir
uma MPC (bateria eletrônica usada
para criar aqueles pancadões do funk
carioca), que ele comprou de segunda
mão de um certo MC Goiaba.
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Criativo e versátil
O talento de Papatinho fez com que ele
sobrevivesse ao tsunami causado pela
ConeCrewDiretoria. Produtor cuidadoso,
tinha bom gosto ao escolher os
samples do conjunto. O álbum Com os
Neurônios Evoluindo, lançado em 2011,
tinha samba, blues, rock, soul music
e até I Put a Spell on You, cantada pela
jazzista Nina Simone (na já citada Chama
os Mulekes). O esmero dessas produções
chamou a atenção de artistas
do chamado mainstream. Um deles foi
o rapper carioca Gabriel O Pensador.
“Conheci o Papatinho e o pessoal da
ConeCrew numa competição de skate
e os convidei para participar do meu
último álbum, Sem Crise. A gente acabou
ficando amigo e fiz outros singles
com ele”, conta o rapper. “Uma música
muito importante para mim foi
Muito Orgulho, Meu Pai. Fizemos ainda
Fé na Luta [que tem o sample de Dias de
Glória, do Charlie Brown Jr.] e Tô Feliz
(Matei o Presidente) 2. Ele é um cara
que trabalha muito, é muito focado e
criativo. Admiro essa versatilidade”,
derrete-se Gabriel.
Torcedor fanático do Flamengo, Papatinho
estende essa versatilidade para
além do universo dos cantores. Em
agosto deste ano, ele lançou Sei Lá, canção
que tem participação de Gabigol,
atacante do Flamengo. A música, que
eternizou o refrão “Quando eu tô louro,
esquece”, foi lançada no dia em que o
jogador fez três gols na partida contra
o Santos. “Eu sabia que ele iria pedir a
música do Fantástico, o que acontece
quando um jogador marca três gols no
mesmo jogo. Saí feito louco procurando
gente da equipe dele para que o Gabigol
pedisse a música e ainda corri para
mandar a canção para a Rede Globo
passar na hora dos gols da rodada.”
Em 2015, Papatinho sentiu necessidade
de expandir suas batidas para o mercado
internacional. Viajou até Los Angeles
e se encontrou com Scoop DeVille,
produtor que trabalha com rappers
celebrados como Kendrick Lamar. O
encontro se assemelhou aos duelos do
western spaghetti, em que dois pistoleiros
medem forças na rua principal
da cidade. Papato e DeVille exibiram
seus beats um ao outro a fim de provar
sua criatividade. Deu certo: o brasileiro
passou a contar com a admiração
do produtor americano, que o colocou
em contato com Snoop Dogg e Travis
Barker, ex-baterista do grupo de punk
pop Blink 182, que se aventurou pelo
hip hop, e a mandar beats para DeVille.
Outro agregado foi Will.i.am, dos Black
Eyed Peas, que aproveitou um rasante
pelo Brasil em 2019, quando o grupo se
apresentou no Rock in Rio, para conhecer
o carioca. “Ele quis meus beats de
funk porque acha que é o gênero do futuro”,
conta. O resultado foi 5 Estrelas,
single que traz ainda a participação de
Kevin o Chris, atual fenômeno do novo
funk carioca – que hoje tem uma batida
mais acelerada. A retomada dessa
trajetória no exterior está entre seus
próximos projetos. “Quero voltar e reconstruir
minha carreira internacional.
Passei quatro, cinco anos indo para lá
em busca do sonho.”
ConeCrew | foto: Sergio Blazer
Senhor Nunes e a ConeCrew
Em 2005, Papatinho uniu-se aos rappers e amigos de infância Cert, Bartoré, Maomé, Rany Money e Ari para prosseguir com seu
sonho de ter uma carreira musical. Nascia a ConeCrewDiretoria, primeiro fenômeno do hip hop na era da internet, que marcou
presença nos grandes festivais de música do país com seus versos que iam da ostentação ao libidinoso. O desejo de se levar a
sério num meio marcado pela informalidade fez com que Papatinho criasse um personagem: ele era o Senhor Nunes, empresário
do grupo, que entrava em contato com as casas de show para negociar as apresentações da ConeCrew. Muitos contratantes
jamais desconfiaram da identidade secreta do produtor. O furor causado pelo grupo fez com que Papatinho deixasse de lado o
sonho do emprego formal – chegou a estudar contabilidade – para se dedicar inteiramente à música. Baseou-se nos rappers e
empresários americanos Kanye West e Dr. Dre, que tinham uma visão mais avançada de como gerir seus negócios, para direcionar
sua carreira.
“O Dre, por exemplo, me inspiraria tempos depois para criar
minha própria gravadora”, diz ele. Outra lição importante que
aprendeu com o tempo foi a necessidade de se destacar em
meio a um combinado de rappers talentosos. “Antigamente,
eu levava os CDs com os beats para eles fazerem versos
em cima. Aí gravava partes do show, ia para a banquinha
de merchandising... Quando adquiri minha bateria eletrônica,
passei a fazer parte do show. Ia criando as batidas na hora
para o pessoal do grupo.”
A ConeCrewDiretoria fez história no universo do hip hop
pelas performances catárticas e hits como Chama os Mulekes
com seus versos “Bacana chama grana, e grana chama fama
/ Fama chama apart no Hotel Copacabana / Mente insana,
luzes, flash, flechada na sua cara / Foram te chamar pra te
botar numa furada / Que mancada, mas não faça enxame,
talvez me chame / Se os cara tira onda, nós tiramo tsunami”.
Outra reputação da ConeCrew trouxe dissabores para Papatinho
e seu grupo. Eles eram conhecidos como criadores de
encrenca, pessoas de comportamento instável, que transformavam
quartos de hotéis e aviões em campos de batalha. As
traquinagens iam de guerras de amendoim e água dentro da
aeronave a festas para lá de animadas em quarto de hotel.
“A gente chegava ao hotel e já escutava do gerente que estávamos
proibidos de passar a noite ali. Ou então via caras de
terno preto entrar no avião, se aproximar de nós, se anunciar
como policiais federais e nos tirar dali”, enumera. “Os moleques
eram malucos, era muita energia para gastar”, comenta.
A má fama aumentou quando o combo de hip hop ganhou um
programa na MTV, onde exibia seus dotes de causadores de
encrenca. “Um dia, um engravatado veio na minha direção e
disse: ‘Vocês não são aqueles caras da MTV que não podem
entrar no avião?’”, lembra o produtor.
Com Apl.de.ap e Will.i.am, dos Black Eyed Peas, e Pedro Pool, diretor da Papatunes (ao fundo) | foto: arquivo pessoal
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Caça-talentos
Como todo bom produtor, Papatinho
tem ouvidos atentos. Muitos anos atrás,
convocou uma cantora que chamava
sua atenção na equipe de baile Furacão
2000 para um dueto com um rapper
chamado Gil Metralha. A menina agradeceu
o convite, mas seu contrato com
a Furacão a impedia de participar de
projetos paralelos. Tempos depois, a
garota, que atende pelo nome de Anitta,
voltou a procurar Papato, avisou que
tinha se desligado da companhia e podia
participar de futuros projetos que
ele tivesse em mente. A parceria com
a popstar rendeu singles significativos,
como Onda Diferente – que traz Snoop
Dogg e Ludmilla – e Tá com o Papato,
ao lado dos rappers Dfideliz (do grupo
Recayd Mob) e BIN. Em um Réveillon
em Búzios, no Rio de Janeiro, se encantou
com o rap feito por um menino que
vendia trufas de chocolate. Ele chamou
o sujeito para se encontrar com
ele mais tarde, pois queria ouvir suas
rimas. Graças a esse empurrãozinho, o
vendedor engatou uma carreira ascendente
no funk com o nome de Kaemi.
Papatinho não é um músico formal. Ele
é mestre das batidas e tem gosto na
hora de escolher seus timbres e parcerias.
Uma postura muito diferente da
dos produtores de outrora, em que era
necessário ter um conhecimento mais
formal do instrumento. Os principais
nomes da história da produção, contudo,
não veem problema nessa nova
linha de pensamento. “Não é compulsório
saber tocar. Existe uma estética
criada em cima da tecnologia que
funciona muito bem. Conheci DJs que
nem sequer conseguiam batucar numa
mesa e faziam música. Coisas incríveis
podem acontecer quando a tecnologia
encontra um bom músico”, diz Liminha.
“Papatinho é um fenômeno da geração
dos beats, em que uma boa ideia
rítmica vale ouro e ajuda a criar um
novo universo. Ele tem boas ideias”,
completa Mazzola.
Ecletismo popular
Outra qualidade dele está na sua vontade
de buscar outros estilos. Recentemente,
se uniu ao sambista Péricles,
ao MC Hariel e ao onipresente Dfideliz
para criar Traje de Verão, uma canção
próxima ao trap, uma espécie de
versão mais “suja” do rap. “Foi minha
chance de cantar algo nesse estilo. Papatinho
é um excelente produtor e logo
o mundo irá conhecer o talento dele”,
exalta o sambista. Papato diz que seu
estilo é baseado na união do trap com
a linguagem do funk. Mas sempre se
permitiu se aventurar por outros caminhos.
Uma de suas mais recentes
produções, feitas para uma empresa
de streaming, juntou batidas eletrônicas
com a Marcha Turca, do compositor
clássico Wolfgang Amadeus Mozart.
Para um comercial do campeonato
de basquete, ele colocou um efeito de
bumbo na bola e fez um loop (aquela
repetição da música) com as derrapadas
de tênis na quadra. “Não gosto de
recusar trabalho.”
MC Hariel, Papatinho, Péricles e Dfideliz | foto: Waldir Evora
porque faz a música com muito prazer.
Saí com três músicas prontas logo na
primeira vez que fui ao estúdio”, diz o
cantor Califfa. O aumento da popularidade
impulsionou o assédio. Recentemente,
participou do popular Jogo
do Banquinho, quadro do programa do
apresentador Raul Gil. “Na época da
ConeCrew, quem me conhecia parecia
pertencer a uma sociedade secreta.
Hoje ando na rua e vem gente gritar
Papatinho”, orgulha-se. Não faltam
pessoas que buscam mostrar suas músicas
ao produtor. “Um dia, um cara
bateu no estúdio e eu disse para ele
me procurar às 10h30, horário em que
tomo meu açaí. “O moleque mostrou as
músicas e dei uns toques porque o senti
meio desanimado.” Com tanta gente
procurando Papatinho e até atormentando
seu sono, será que ele encontra
tempo para dormir? “Sim. No aeroporto,
quando dá problema com o voo.”
Com Anitta | foto: arquivo pessoal
A Papatunes Records foi criada em
2018, da necessidade de trabalhar
com novos artistas e estender seus
horizontes como empresário. O site da
companhia divulga seus artistas, mas
também tem um potente merchandising
– há grifes de roupas, bonés e outros
acessórios. Papatinho é um produtor
rigoroso, mas que deixa seus pupilos
à vontade. “A gente se sente de férias
Que dica daria ao
jovem Tiago?
“Vai nessa porque o
futuro será lindo”
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O azul das
recordações
Por Simone Costa
Uma das principais representantes da arte brasileira
contemporânea, a artista plástica Sandra Cinto usa
caneta de ponta fina para produzir céus e mares
carregados de referências de sua infância
Nome: Sandra Regina Cinto
Idade: 53 anos
Profissão: artista plástica
Cidade onde nasceu: Santo André/SP
Foto: arquivo pessoal
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.
E
nquanto brincava no quintal de casa, a pequena Sandra Regina Cinto gostava
de passar sob o varal onde sua mãe, Maria Teresa, pendurava os uniformes
do marido para secar. Albertino, pai de Sandra, era operário de uma fábrica
de pneus em Santo André, na região metropolitana de São Paulo, e usava um uniforme
de brim azul para trabalhar. Da roupa molhada estendida no varal pingavam
gotas azuis, e Sandra se divertia com a cena. Três décadas depois, ao falar sobre a
inspiração para desenhar a imensidão dos mares ou dos céus presentes em suas
obras, a renomada artista plástica recorre às lembranças da “chuva azul” no quintal
de casa, provocada pelo tecido molhado que desbotava. “Essa lembrança me emociona.
Eu passava embaixo do varal e caía aquela aguinha, aquele pinguinho azul
de tinta”, diz.
Tornar-se artista plástica foi uma construção em sua vida, “tijolinho por tijolinho”,
como a paulista de 53 anos gosta de dizer. Sandra Cinto conta que, durante anos, ao
preencher uma ficha na recepção do hotel, por exemplo, escrevia a palavra “professora”
no espaço reservado à profissão. “Não estava no meu radar me tornar artista.
Eu nem sabia o que era isso, queria dar aula de arte”, diz. “Foi difícil assumir que
a minha prática de artista tinha ganhado dimensão. Acho que isso tem a ver com
a dificuldade de ser artista e até com uma questão de entendimento, que leva um
tempo para acontecer.”
Sandra se formou em educação artística nas Faculdades Integradas Teresa D’Ávila
(Fatea, hoje Unifatea) em 1990. Quando ingressou no curso, já lecionava artes a alunos
da educação infantil. Começou aos 16 anos, como parte dos estágios do curso
de magistério que fez no segundo grau (atual ensino médio).
Carreira internacional
Encontro das Águas, 2012 – Seattle Art Museum | foto: Robert Wade
A construção da
artista
Por uma dessas escolhas que parecem
ter a mão do destino, Sandra viu
naquela faculdade a praticidade de
poder estudar perto de casa, além de
permitir que ela trabalhasse durante
o dia para pagar o curso noturno. Ali,
ela teve aulas com importantes artistas
plásticas, como Mônica Nador e
Ana Tavares, de quem Sandra se tornaria
assistente logo depois de receber
o diploma. Enquanto via seu interesse
pelas atividades se intensificar, percebeu
que poderia desenvolver algo autoral
para apresentar ao público. Ainda
como estudante, Sandra participou do
Salão Universitário de Artes Plásticas,
em 1988. Nele, ganhou uma menção
honrosa e uma caixa de tintas. “Guardo
até hoje a caixa de madeira que veio
com as tintas. Foi tão bom porque havia
muita dificuldade para comprar os
materiais. E foi, de fato, um estímulo”,
afirma a artista.
Quatro anos mais tarde, ela foi selecionada
para dois programas importantes,
considerados ritos de passagem
para os artistas daquela época: o do
Centro Cultural São Paulo (CCSP) e o
do Projeto Macunaíma, da Fundação
Nacional de Artes (Funarte), no Rio de
Janeiro – o primeiro existe até hoje; já o
segundo foi extinto. No CCSP, Sandra
fez sua primeira exposição individual,
apresentando três obras. Nesses trabalhos
já estavam presentes as imagens
de céu com sua assinatura, mas ainda
pintadas a óleo. Mais tarde, elas ganhariam
grandes dimensões e seriam
produzidas com canetas de ponta fina,
algo que se tornou marca registrada
da artista. “A cosmologia, essa ideia de
infinito cósmico, está presente no meu
trabalho até hoje”, diz.
A exposição no CCSP foi a primeira a
dar visibilidade ao trabalho de Sandra.
Naquele mesmo ano, ela foi convidada
a trabalhar com a Casa Triângulo,
que até hoje a representa no Brasil.
Em 1996, esteve entre os artistas que
participaram de um importante projeto
realizado pelo jornal Folha de S.Paulo, o
Antarctica Artes com a Folha. Ao todo,
foram selecionados 62 artistas emergentes
com menos de 32 anos. Eles foram
escolhidos por cinco curadores e
seus assistentes, que rodaram o Brasil
em busca de novos talentos.
No ano seguinte, Sandra saiu do país
pela primeira vez para apresentar seu
trabalho na famosa Arco, a Feira Internacional
de Arte Contemporânea
de Madri, na Espanha. Além da estreia
em uma viagem ao exterior, a artista se
recorda da experiência como um momento
marcante em sua vida pessoal
e profissional. Na capital espanhola, a
brasileira pôde visitar museus como o
do Prado e o Reina Sofia, onde teve a
oportunidade de estar frente a frente
com obras de pintores como Francisco
de Goya e Diego Velázquez. “Isso foi incrível!
E ainda conheci vários artistas
de outros países e pude mostrar meu
trabalho internacionalmente”, lembra.
A carreira de Sandra foi marcada por
outra importante estreia em 1998,
quando participou da 24ª Bienal Internacional
de São Paulo, organizada
pelo renomado curador Paulo Herkenhoff.
Precisou de 30 dias para pintar
uma parede de 64 metros quadrados
para apresentar naquela mostra.
A obra lhe rendeu bons frutos. Foi
por causa dela que a galerista Tanya
Bonakdar, de Nova York, quis representá-la
nos Estados Unidos. “Graças
a isso, já fiz exposições em vários
lugares, como Washington, São
Francisco, Seattle, muitas instalações
monumentais e individuais, além de
obras públicas”, conta.
Ao completar 30 anos de carreira, em
2020, a artista teve a chance de rever
seus trabalhos e refletir sobre eles para
uma panorâmica exibida no Itaú Cultural,
em São Paulo. Sob curadoria de
Herkenhoff, a exposição Sandra Cinto:
Das Ideias na Cabeça aos Olhos no Céu
ocupou três pisos do espaço, na Avenida
Paulista. Por causa da pandemia
de Covid-19, a mostra, prevista para
ocorrer entre março e novembro de
2020, permaneceu fechada para visitas
presenciais por sete meses. “Havia
80 escolas agendadas para visitar
a exposição. Foi difícil ver um projeto
construído com tanto amor ficar
fechado”, desabafa.
Os inúmeros encontros entre a artista e
o curador ao longo de 2019 renderam,
além da panorâmica de três décadas,
um livro homônimo sobre a carreira de
Sandra. Nesse período, enquanto olhava
para sua trajetória, ela recordou histórias
como a “chuva azul” que caía no
quintal de casa e outros fatos da infância
que influenciaram seus desenhos.
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Mar Aberto, 2014 – Centro Atlántico de Arte Moderno – CAAM | foto: Tereza Arozena
“Nos anos 1980, houve um
boom da pintura colorida,
festiva. Na virada da
década, veio uma espécie
de ressaca, resultado do
advento da aids, do sonho
perdido das Diretas Já e da
crise econômica”
Recordações de infância
Sandra guarda na memória os quatro volumes de uma Bíblia
com ilustrações de Gustave Doré que sua mãe possuía. Os
céus e as nuvens dos desenhos do artista francês são suas
referências ainda hoje. Essa mesma temática também está
associada às viagens da família à casa dos avós maternos, na
cidade de Tietê, a 140 quilômetros da capital paulista. Ao passar
alguns dias ali, a garota costumava brincar no quintal de
um seminário, cuja igreja era ornamentada com pinturas celestiais.
“Creio que veio dali o meu repertório de céus”, afirma.
Outra forte memória afetiva que influencia a obra da artista
vem dos períodos em que a família se hospedava em uma colônia
de férias em Praia Grande ou em uma pousada simples
em Santos. No dia a dia, como o pai trabalhava à noite e dormia
durante o dia, ela e o irmão, Mauricio, tinham de fazer silêncio
enquanto Albertino descansava. E, por causa desse fuso
horário invertido, os filhos também não conseguiam passar
muito tempo com o pai. Portanto, era durante essas viagens
para o litoral paulista que a família finalmente conseguia
aproveitar o tempo juntos. Daí a relevância do mar em seus
desenhos. “Essas viagens tinham o sabor de quando podíamos
estar com nossos pais. Eu fiz até uma série de trabalhos
que intitulei Dias Felizes, Noites de Esperança, que é uma homenagem
a esses dias alegres na praia com a família reunida.”
Além dos desenhos bíblicos e das férias na casa dos avós ou
à beira-mar, Sandra também guarda como boas recordações
as brincadeiras na tranquila rua onde morava, na periferia de
Santo André. “Não tínhamos muitos brinquedos, mas havia
farta imaginação. O lúdico e o brincar estão presentes na minha
obra também”, diz.
Sandra conta que sua produção artística guarda ainda reflexos
de uma atividade que ela praticou na juventude. Quando
era criança, ela queria fazer balé. Embora a mãe quisesse
realizar o desejo da filha, a família não podia arcar com as
despesas das aulas. Um dia, durante uma visita a uma unidade
do Sesi na cidade, Maria Teresa viu um grupo de garotas
dançando com alguns acessórios ao som de uma mulher ao
piano. Como aquilo parecia balé, ela desconfiou que a filha poderia
se interessar. E o melhor: era um curso gratuito. A mãe,
então, matriculou Sandra nas aulas de ginástica rítmica, das
quais a menina não só gostou como frequentou por 12 anos,
até os 18 anos de idade.
Os trabalhos de Sandra ocupam grandes espaços, paredes de
dezenas de metros quadrados. Olhando em retrospectiva, ela
acredita que a experiência na ginástica rítmica, que mescla
elementos do balé e da dança teatral, unindo arte, criatividade
e capacidade física, deu-lhe a noção de espacialidade que
orienta suas criações. “Sempre penso que os meus desenhos
são coreografias no espaço”, diz Sandra.
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O desenho como fio condutor
Suas obras incluem diferentes formas de produção artística,
como instalações e esculturas, mas o fio condutor está no desenho.
Para explicar sua trajetória nessa modalidade de produção
artística, Sandra observa que desenho não era uma
linguagem recorrente no fim dos anos 1980 e início da década
seguinte. Seu interesse pelo formato despertou quando
viu as criações do artista cearense Leonilson (1957-1993).
“Nos anos 1980, houve um boom da pintura colorida, festiva.
Na virada da década, veio uma espécie de ressaca, resultado
do advento da aids, do sonho perdido das Diretas Já e da
crise econômica. Várias questões fizeram com que a minha
geração olhasse para o mundo e buscasse um trabalho mais
intimista”, explica. “Para desenhar, não precisa de mais nada
além de um pedaço de papel e um lápis.”
Inicialmente, a artista criava desenhos na própria pele, que
renderam uma série de fotografias. Em seguida, as produções
passaram a ocupar as paredes. Para conseguir realizar
trabalhos em tamanhos monumentais com poucos recursos,
veio a ideia de utilizar canetas de ponta fina. Esse material,
de acordo com Sandra, ainda lhe permite fazer traçados milimétricos,
que, em grandes quantidades, mostram a força da
imagem. “É uma atividade de persistência, de obsessão. Há
nisso uma similaridade com a vida, em que a gente vai devagarzinho,
um pouquinho por dia para construir uma obra,
uma carreira ou a educação de uma criança”, compara.
No início, Sandra desenhava sozinha. Quando começou a
produzir grandes montagens para museus importantes, em
que o prazo para finalizar a obra é curto, a artista começou a
recrutar assistentes. Os primeiros ajudantes saíram da equipe
que já trabalhava com ela em seu ateliê. Depois, ela passou
a convidar estudantes de arte. Mais recentemente, impôs
apenas dois pré-requisitos aos candidatos: pessoas que gostem
de desenhar e que sejam calmas para realizar um trabalho
que chega a ser meditativo. “Descobri que dividir a prática
do desenho era algo didático e até terapêutico”, afirma.
Antes de começar um novo desenho, Sandra monta o grupo
de assistentes voluntários com a participação de pessoas que
estejam inseridas na comunidade onde vai atuar. Quando esclarece
que eles não vão reproduzir seu desenho, mas sim trabalhar
a mão livre, muitos recém-chegados dizem que, dessa
forma, não são capazes de ajudar. “Eu traço, então, as linhas
principais e realizo um treinamento no primeiro dia. Nessa
hora, eu digo: ‘Calma, eu vou segurar na sua mão e vamos fazer
um pedaço juntos’. É um trabalho de confiança”, explica.
A artista observa cada assistente para descobrir como tirar
o melhor de cada um. E, ao final de dias de trabalho, os voluntários
comparecem à inauguração da exposição levando
a família para mostrar, cheios de orgulho, a parte do trabalho
que ajudaram a criar. “Muita gente que participou já me escreveu
dizendo que começou a pintar depois que me auxiliou.
É um verdadeiro processo de empoderamento por meio
do desenho”, diz.
A artista acredita que todos podem desenhar e que a atividade
é uma expressão importante de comunicação, principalmente
para as crianças. Não raro, no entanto, os adultos
podam a criatividade dos pequenos dizendo, por exemplo,
que não é de tal forma que se desenha uma casa, ou que as
folhas de uma árvore não podem ser azuis. “Por volta dos 10
anos, as crianças começam a fazer os desenhos todos iguais
ou deixam de desenhar”, afirma. “Os pais compram aqueles
livros com desenhos prontos para colorir. Eu nunca daria um
livro desses a uma criança.”
A arte de lecionar
Assistentes trabalhando em Dallas | foto: Albano Afonso
O processo que desenvolve com os assistentes
voluntários não deixa de ser
um viés de Sandra como professora.
Concomitantemente ao trabalho artístico,
ela nunca deixou de lecionar. Por
uma década, foi professora na rede
pública municipal de ensino de Santo
André. Também já deu aula em importantes
cursos de artes, como o da
Fundação Armando Alvares Penteado
(FAAP), em São Paulo.
Com o marido, o também artista plástico
Albano Afonso, ela mantém o Ateliê
Fidalga, na Vila Madalena, na zona
oeste da capital paulista. O ambiente de
trabalho é também de troca e de ensino.
O casal oferece a artistas de todas
as partes do mundo estada, alimentação,
espaço para trabalhar, além da
possibilidade de realizar uma exposição
e até uma publicação. O casal promove
ainda um grupo de estudos sobre
arte. Paralisado desde o ano passado
em função da pandemia, o grupo deve
voltar à ativa em 2022. “Quero ainda
retomar os projetos de educação para
promover cursos para professores
da rede pública. Eles são importantes
agentes multiplicadores”, afirma.
Ainda que isolada em seu ateliê por
causa da Covid-19 – ela conviveu por
meses apenas com o marido, a mãe e a
sogra –, Sandra produziu bastante. Por
videoconferência, por exemplo, está
atuando na criação de um boulevard
de 700 metros quadrados para uma
praça na cidade de Korat, onde ocorre
a Bienal da Tailândia, um trabalho em
azulejo que contou com a participação
de mais de 100 crianças da cidade.
Ela também ganhou um concurso
para construir uma parede de azulejos
no campus da Universidade Johns
Hopkins, em Washington, nos Estados
Unidos. Lançou ainda um livro infantil
sobre a pandemia. Ao todo, mil cópias
foram vendidas, o que rendeu outros
mil exemplares para doação a crianças
em situação de vulnerabilidade.
“Eu quero ser ponte com meu trabalho,
conectando saberes e também pessoas
com poder aquisitivo maior que possam
ajudar quem tem pouco. Em 2022,
essa ponte vai funcionar mais do que
nunca.” A sociedade agradece.
Que dica daria à
jovem Sandra?
“Não desista, siga
o seu sonho. Não é
fácil, nunca é, mas
vale a pena”
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Um sabor
Na temporada mais quente do ano, que tal exaltar uma das frutas mais tropicais do planeta? Com seu inconfundível
sabor adocicado adstringente, o caju é a estrela do ceviche criado pela chef Helena Rizzo, que
comanda os restaurantes Maní e Manioca. Leve, original e brasileiríssimo, o ceviche de caju é uma boa pedida
como entrada ou prato principal.
CEVICHE DE CAJU
Chef Helena Rizzo
INGREDIENTES
MODO DE PREPARO
Uma palavra
Sim, eu sou realmente um piolho – continuou ele,
agarrando-se com maldade a esse pensamento,
escarafunchando nele, brincando e distraindo-se
com ele – e já unicamente porque, em primeiro lugar,
neste momento raciocino sobre o fato de que
sou um piolho; porque, em segundo lugar, passei
um mês inteiro incomodando a Providência em sua
excelsa bondade, apelando para que testemunhasse
que eu não estaria fazendo aquilo com vista a
vantagens materiais mas a um objetivo magnífico e
agradável – eh-eh! Porque, em terceiro lugar, decidi
observar a justiça possível na execução, o peso e a
medida, e a aritmética; de todos os piolhos eu escolhi
o mais inútil e, depois de matá-lo, decidi tomar
dele exatamente tanto quanto me era necessário
para o primeiro passo, não mais nem menos (e o
restante, portanto, que fosse para os mosteiros, por
testamento espiritual – he-he!)... Porque, porque
eu sou definitivamente um piolho – acrescentou
rangendo os dentes –, porque eu mesmo, é possível,
sou ainda pior e mais torpe que o piolho morto,
e pressenti de antemão que viria a dizer isso a mim
mesmo depois que o matasse! É, será que alguma
coisa pode comparar-se a tamanho horror? Ó, torpeza!
Ó, torpeza!... Ó, como eu compreendo o “profeta”
de sabre em punho, a cavalo. Alá manda, então
obedece, “trêmula” criatura! Está certo, está certo o
“profeta” quando coloca no cruzamento de alguma
rua uma bo-o-o-o-a bateria e a aciona contra o justo
e o culpado, sem se dignar sequer a dar explicações!
Obedece, trêmula criatura, e evita querer, porque
isto não é problema teu!... Ó, não perdoo, não perdoo
por nada a velhusca!
Raspadinha de cajuína:
• 1,5 kg de cajus maduros
• 50 ml de cachaça
Leite de castanha de caju:
• 1 kg de castanhas de caju
• 1 litro de água mineral
Ceviche:
• 8 cajus maduros
• Sal
• 2 pimentas dedo-de-moça
picadas, sem as sementes
• 1 cebola roxa pequena, cortada
em juliana
• Suco de 2 limões-taiti
• 50 ml de leite de castanha de caju
• 10 g de coentro picado
• Brotos de coentro
Raspadinha de cajuína: lave bem os cajus e remova as castanhas. Corte os cajus em
pedaços e coloque-os numa centrífuga para extrair o suco. Coloque o suco de caju na
geladeira em recipiente fechado e deixe decantar durante 12 horas. Uma vez decantado,
retire a espuma e a parte sólida do caju, que terá flutuado para a superfície. Passe o
líquido por um coador fino. Despeje 150 ml de suco em uma panela e deixe ferver em
fogo baixo. Despeje o restante do suco, adicione a cachaça e coloque no congelador.
Leite de castanha de caju: triture as castanhas com a água e centrifugue
o purê para obter o leite. Passe o leite por um coador fino e reserve.
Ceviche: descasque os cajus e corte-os em cubos. Misture o sal, a pimenta, a cebola, o suco
de limão e o leite de castanha de caju numa tigela e adicione o coentro picado. Reserve.
Sirva o ceviche numa tigela com uma colherada de raspadinha
de cajuína, decorado com os brotos de coentro.
Rendimento: 4 porções
Fiódor Dostoiévski
Trecho do livro Crime e Castigo
Tradução de Paulo Bezerra / Editora 34
Foto: Lufe Gomes/divulgação
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Uma imagem
Foto: Coleção Gilberto Chateaubriand – MAM Rio/divulgação
Curiosamente, um dos nomes mais associados à Semana de
Arte Moderna de 1922 é Tarsila do Amaral, mas a pintora morava
em Paris e nem participou da festa que comemora seu
centenário em fevereiro. O fato é que a artista que mais cedeu
quadros para expor no saguão do Theatro Municipal de São
Paulo durante o evento foi Anita Malfatti: ao todo, 20 obras
levavam sua assinatura, entre elas estava O Farol. Com seu
trabalho à sombra de Tarsila, engana-se quem cogite alguma
rivalidade entre as duas artistas. Elas se tornaram grandes
amigas e, junto com Mário de Andrade, Menotti del Picchia
e Oswald de Andrade, formariam o inseparável Grupo dos
Cinco, que impulsionou o movimento modernista brasileiro.
Para muitos críticos e historiadores de arte, Anita é uma pintora
tão importante quanto Tarsila. Pioneira, ela partiu para
estudar artes em Berlim, em 1910. De volta ao Brasil, fez sua
primeira exposição em 1914. No ano seguinte, viajou para a
ilha de Monhegan, na costa leste dos Estados Unidos, para ter
aulas com o mestre Homer Boss, que teve como pupilos nomes
como Rockwell Kent, George Bellows e Edward Hopper.
Foi a paisagem de Monhegan que a inspirou a pintar O Farol,
em 1915. Com um céu magnífico, a tela retrata o cenário de
forma colorida e luminosa, com ecos do impressionismo e generosas
pinceladas à la Van Gogh. Anita já era moderna antes
do pontapé inicial do modernismo.
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