Abendprogramm (PDF) - Philharmonie Luxembourg

Voyage dans le temps
Lundi / Montag / Monday
22.03.2010 20:00
Grand Auditorium
Münchner Kammerorchester
Alexander Liebreich direction
Hilary Hahn violon H
Christiane Schäfer soprano S
Matthias Goerne baryton G
Carl Philipp Emanuel Bach:
Sinfonie G-Dur (sol majeur) Wq 182 N° 1 (1773) – 11’
Allegro di molto
Poco adagio
Presto
Johann Sebastian Bach:
«Die Welt mit allen Königreichen» (Erdmann Neumeister)
(Kantate BWV 59, 1723) GH – 3’
«Die Schätzbarkeit der weiten Erden»
(Kantate BWV 204, 1726?, 1727?) SH – 4’
«Ja, ja, ich halte Jesum feste» (Picander)
(Kantate BWV 157, 1727) GH – 6’
Carl Philipp Emanuel Bach: Allegro assai (Sinfonie A-Dur [la majeur]
Wq 182 N° 4, 1773) – 4’
Johann Sebastian Bach:
«Angenehmer Zephyrus» (Picander)
(Kantate BWV 205, 1725) SH – 5’
«Hier in meines Vaters Stätte» (Georg Christian Lehms)
(Kantate BWV 32, 1726) GH – 7’
«Erbarme Dich» (Picander) (Matthäuspassion BWV 244, 1727)
(arr. Felix Mendelssohn Bartholdy, 1829) SH – 8’
—

Johann Sebastian Bach: Ouvertüre (Orchestersuite N° 2 h-moll
[si mineur] BWV 1067, 1738–1739) – 6’
«Wenn Trost und Hülf ermangeln muss» (Johann Jakob Schütz)
(Kantate BWV 117, ~1728/1731) GH – 4’
«Laudamus te»
(Messe h-moll [si mineur] BWV 232, 1747–1749) SH – 4’
«Wann kommst du, mein Heil?»
(Kantate BWV 140, 1731) SGH – 6’
«Ich bin vergnügt in meinen Leiden»
(Kantate BWV 58, 1727) SH – 4’
«Gebt mir meinen Jesum wieder» (Picander)
(Matthäuspassion BWV 244, 1727) GH – 3’
Air (Orchestersuite N° 3 D-Dur [ré majeur] BWV 1068, 1731) – 4’
«Welt ade, ich bin dein müde» (Kantate BWV 158, –1735) SGH – 6’

Johann Sebastian Bach
(Elias Gottlob Haussmann, 1748)
Princeton/NJ, William H. Scheide

Crédit Agricole Luxembourg soutient depuis toujours
la création artistique, ce qu’il confirme en 2010,
à travers son partenariat avec la Philharmonie
Luxembourg – Salle de Concerts Grande-Duchesse
Joséphine Charlotte.
Nous sommes heureux de pouvoir contribuer de
nouveau à l’expression et à la mise en valeur des
chefs-d’œuvre de la musique de tous les temps,
en assistant ce soir à un brillant plaidoyer pour la
musique de Jean-Sébastien Bach – avec la violoniste
Hilary Hahn, la soprano Christine Schäfer, le baryton
Matthias Goerne, et le Münchner Kammerorchester,
dirigé par son chef titulaire Alexander Liebreich.
Nous vous souhaitons une excellente soirée.
Charles Hamer
Administrateur-Délégué
Crédit Agricole Luxembourg

Tel père, tel fils?
Johann Sebastian Bach, Carl Philipp Emanuel Bach
Gilles Cantagrel
Auprès des œuvres de Johann Sebastian Bach (1685–1750), il est
très heureux d’entendre des pages symphoniques de son fils cadet,
Carl Philipp Emanuel (1714–1788). Face au génie écrasant de son
père, il a su, dans sa musique de clavier et ses symphonies principalement,
affirmer la personnalité très originale et novatrice
d’un créateur de grande envergure, admiré par Joseph Haydn.
Musicien universellement reconnu, humaniste fort cultivé, il
reçoit les beaux esprits de son temps et de nombreux intellectuels
étrangers lui rendent visite – il accueillera Charles Burney,
Gottfried van Swieten ou Denis Diderot. Mémoires ou correspondances
des uns ou des autres nous renseignent sur le musicien, et
portent témoignage tout autant de sa notoriété que du succès de
ses œuvres. Ainsi de son recueil des six Symphonies Wq 182, composées
en 1773, qu’évoque le compositeur et écrivain Johann
Friedrich Reichardt dans son autobiographie. «Bach composa alors
pour le baron van Swieten six grandes symphonies pour orchestre
où, comme l’avait souhaité van Swieten, il se laissa complètement
aller, sans tenir compte des difficultés d’exécution qui en résulteraient
nécessairement. Reichardt les exécuta au violon devant le
compositeur inquiet. Sans vraiment les comprendre, on écouta
avec ravissement des idées au déroulement original et audacieux,
des formes et modulations d’une grande nouveauté et d’une
infinie variété. Jamais, sans doute, un esprit génial n’a produit
une musique témoignant de tant de grandeur, de hardiesse et
d’humour.» On ne saurait mieux cerner la forme et le climat si
personnels de ces symphonies. De la Symphonie en sol majeur Wq 182
N° 1, avec les ruptures et les modulations imprévues de son
Allegro di molto initial, et le douloureux Poco adagio dont le Presto
6

final dissipe les ombres. Quant au finale, Allegro assai, de la Symphonie
en la majeur Wq 182 N° 4, il mène l’auditeur dans les méandres
d’un parcours aventureux.
Ainsi donc le fils rompt-il délibérément avec le style de la musique
instrumentale de son père, de ses concertos ou de ses suites.
De ce dernier, il ne subsiste que quatre Suites pour orchestre, alors
qu’il dut en composer bien davantage, pour les réjouissances à la
cour de Köthen ou de la ville de Leipzig. De son contemporain
et ami Georg Philipp Telemann, on en connaît quelque cent trente,
sur un total de l’ordre de six cents. C’est que le genre en était
fort en vogue dans le premier tiers du 18 e siècle, où l’on goûtait
ces successions contrastées de pièces fondées sur des rythmes de
danses. Un grand prélude préparait à leur écoute, baptisé «Ouverture»,
et ce terme était passé à l’ensemble de l’œuvre, c’est-à-dire
à l’ouverture proprement dite et aux danses qui la suivaient. On
raffolait des manières françaises dont les suites offraient le reflet.
Ainsi de l’Ouverture de la Suite en si mineur BWV 1067, grand portique
à la française quoique dans un climat plus intime, avec ses
deux volets lents encadrant un épisode animé. Quant au très
célèbre Air de la Suite en ré majeur BWV 1068, admirable phrase
de violon comme poursuivant un rêve intérieur, il met l’accent
sur le sens de l’expression vocale chère à Bach, et dont témoignent
les nombreux airs de ses cantates, allant de la déploration
à la plus vive jubilation.
La cantate Wer mich liebet, der wird mein Wort halten BWV 59 (Celui
qui m’aime gardera ma Parole) est destinée à la fête de la Pentecôte.
Annonçant son départ, le Christ promet qu’il reviendra au
cœur des fidèles qui ont respecté son enseignement et lui ont
conservé leur amour. À l’âme du chrétien de se réjouir de cet
honneur incommensurable qui lui est accordé, alors que sa nature
humaine en fait un misérable pécheur. L’aria «Die Welt mit allen
Königreichen» est un exquis trio pour violon solo, basse et continuo.
Très souple, la ligne mélodique que s’échangent les deux protagonistes
est toute à la tendresse d’une joie contenue. Au violon
solo revient traditionnellement d’évoquer l’éternité bienheureuse.
Surnommée «cantate du contentement», Ich bin mir vergnügt
7

BWV 204 (Je me contente de mon sort) revient sur l’idée chère à
Bach de la nécessité de vivre en paix et en accord avec soi-même,
sans s’attacher aux vanités terrestres. C’est bien ce qu’affirme
l’aria «Die Schätzbarkeit der weiten Erden», opposant les séductions
terrestres à la félicité promise dans l’au-delà. Mais plutôt que de
glorifier la paix de l’âme, la ritournelle du violon solo insiste sur
les séductions d’ici-bas par des bariolages très animés, les notes
liées par deux. Dans cette contradiction, on serait tenté d’entendre
les efforts constants que l’âme chrétienne doit accomplir
pour résister aux plaisirs terrestres et se vouer à une vie modeste
de renoncement.
Bach a composé la cantate Ich lasse dich nicht, du segnest mich denn
BWV 157 (Je ne te laisserai pas, que tu ne m’aies béni) pour un
service funèbre à la mémoire d’un notable. Le livret développe
un enseignement à partir de la célèbre réplique de Jacob à l’ange
qu’il a combattu toute la nuit au gué du Yabboq. C’est à Jésus
que le chrétien doit rester pour toujours fidèle, car il est sa consolation
et sa joie, sa bénédiction est sur lui; c’est par lui qu’il
pourra accéder à sa demeure dernière et éternelle auprès des anges.
Vienne donc la mort! C’est ce que chante le dernier air, «Ja ja ich
halte meinem Jesum feste», qui fait alterner aria, récitatif et arioso,
où la basse dialogue avec la flûte et le violon solo.
Les occasions furent nombreuses pour Bach de composer des
divertissements publics, sérénades et réjouissances, ce que l’on
nomme aujourd’hui «cantates profanes». Plus connue sous le
titre d’Éole apaisé, la cantate Zerreißet, zersprenget, zertrümmert die
Gruft BWV 205 (Rompez, pulvérisez, fracassez la caverne) était
destinée à fêter l’anniversaire d’un professeur de l’université de
Leipzig. Grande et puissante composition dans le goût de l’époque,
la trame allégorique y est empruntée de loin à Virgile. La
déesse Pallas supplie Éole, le maître des tempêtes, d’apaiser sa
fureur pour que la fête se déroule au mieux. Dans l’air «Angenehmer
Zephyrus», elle s’adresse au doux vent de Zéphyr, puis à Éole.
Avec grâce à Zéphyr, puis avec une certaine autorité à Éole. Les
arabesques du violon solo marquent bien l’insistance croissante
de la déesse à obtenir gain de cause.
9

Felix Mendelssohn Bartholdy: Eglise et Ecole Saint-Thomas de Leipzig, 1843
Le dessin de Mendelssohn montre la façade arrière de l’Ecole Saint-Thomas, vue
de l’appartement que Mendelssohn habitait entre 1837 et 1843. L’appartement
de Bach et de sa famille se situait dans la partie droite de l’école, derrière les deux
dernières rangées de fenêtres, et occupait tous les étages.
Destinée au premier dimanche après l’Épiphanie, la cantate Liebster
Jesu, mein Verlangen BWV 32 (Bien-aimé Jésus, toi vers qui j’aspire)
est intitulée par Bach Concerto in dialogo, dialogue de l’âme avec
le Christ. À partir de l’évangile du jour, les parents de Jésus recherchant
l’enfant qu’ils ont perdu à Jérusalem et qu’ils retrouvent
dans le temple, le livret exalte la quête intérieure de l’âme
cherchant le Christ au milieu d’un monde de souffrances et de
fautes. L’air «Hier meines Vaters Stätte» est la réponse du Christ à
tous ceux qui le cherchent, pour apaiser leur affliction, dans une
gravité douce et rassurante.
On ne sait rien des circonstances de la composition de la cantate
Sei Lob und Ehr dem höchsten Gut BWV 117 (Louange et honneur
au Bien suprême), sinon qu’il s’agit d’un grand chant d’action de
grâces fondé sur un cantique de l’Église luthérienne. Son poème
développe la louange qu’il faut adresser à Dieu, créateur tout
puissant de l’univers, et plus encore une action de grâces pour
avoir protégé chacun dans la détresse. Car il veut conserver l’univers
sur lequel il règne avec sa grâce, et c’est pourquoi il mène
les fidèles à bon port, leur apportant consolation et secours. Dans
l’air de basse «Wenn Trost und Hülf ermangeln muss», cependant, ce
n’est plus l’espérance, mais une certaine souffrance qui s’exprime,
10

hésitant entre quelque humilité inquiète et le confiant appel filial
lancé au Créateur.
La cantate Wachet auf, ruft uns die Stimme BWV 140 (Réveillez-vous,
la voix des veilleurs nous appelle), dite «cantate du veilleur», doit
sa célébrité au vieux choral que Philipp Nicolai avait adapté d’un
poème de Hans Sachs. Bach y paraphrase la parabole évangélique
des vierges sages et des vierges folles. Le duo «Wann kommst du,
mein Heil?» est une nouvelle rencontre entre l’âme du croyant et
le Christ, merveilleux dialogue de l’attente et du désir, pudique
et sensuel à la fois, enveloppé des volutes caressantes du violon
piccolo. Le repas de noces dont il est question est bien sûr l’image
du banquet céleste, de la réunion éternelle de l’âme avec le Christ.
Mais pour bien faire entendre ce désir fusionnel, le langage musical
de Bach est ici celui d’un véritable duo amoureux d’opéra.
L’idée que les vicissitudes de la vie d’ici-bas vaudront aux chrétiens
une éternelle béatitude dans l’au-delà parcourt de bout en
bout cette prédication sonore que Bach assure par ses cantates.
Dans Ach Gott, wie manches Herzeleid BWV 58 (Ah, Dieu! que mon
cœur a de tourment!), le livret s’applique en effet à opposer les
souffrances de la vie terrestre, aux félicités que ces souffrances
vaudront au chrétien dans la vie de l’au-delà. Il faut maintenir sa
confiance en Dieu et trouver son contentement dans la souffrance,
chante l’air «Ich bin vergnügt in meinen Leiden». Le soprano
y dialogue avec le violon solo sur l’appui de la basse continue
dans une pure écriture en trio pour deux dessus et basse, où l’expression
du contentement est confiée aux longs festons de la
ligne mélodique.
Il est vraisemblable que la cantate Der Friede sei mit dir BWV 158
(Que la paix soit avec toi) ne nous soit parvenue qu’incomplète.
Mais quel bonheur que ce qui en est aujourd’hui connu ait préservé
le duo «Welt ade, ich bin dein müde!». Cet air de l’adieu au
monde paraphrase une strophe d’un choral de déploration funèbre,
un Sterbelied. La longue phrase de violon qui ouvre le morceau
fera constamment dialoguer ses souples volutes dans l’aigu
avec la paisible et mouvante partie chantée par la basse. Cette
13

arabesque quasiment infinie évoque la félicité du séjour céleste.
À la ligne vocale, d’une grande intensité émotionnelle, se combine
le style fleuri de la partie instrumentale, très virtuose, image
d’un bonheur presque exultant en même temps que d’un mouvement
ascensionnel vers la mort. Quant au soprano, il énonce
une à une, en valeurs longues, les huit périodes de la strophe de
choral qui interpolent les six vers du livret.
Plus encore que les cantates, les oratorios de la Passion sont de
véritables opéras sacrés. Auprès de l’évangéliste prennent place
tous les personnages de l’action, y compris les groupes et les
foules. Quant aux airs qui interpolent le récit, ils interviennent
au nom des fidèles pour manifester les réactions individuelles
privilégiées, ou les instants de méditation de tout un chacun face
au drame. Dans la Passion selon saint Matthieu BWV 244, après le
reniement de Pierre, le récit s’interrompt soudain: Pierre s’effondre
en larmes, et une voix s’élève pour implorer la pitié divine: «Erbarme
Dich». Comme Pierre, chaque chrétien, en ce moment, pleure
amèrement; cet air bouleversant a été arrangé par Felix Mendelssohn
Bartholdy pour les exécutions qu’il a données de l’œuvre en 1729
à Berlin et en 1741 à Leipzig. Peu après, c’est Judas qui, pris de
remords, rapporte les trente deniers, prix du sang, et va se pendre:
«Gebt mir meinen Jesum wieder» (Rendez-moi mon Jésus). Cet air
bref, au rythme énergique, syncopé, dit la révolte du chrétien
devant cet épilogue de la trahison. Puisque l’accusateur qui a livré
le Christ s’est lui-même fait justice, pourquoi ne pas rendre sa
liberté à celui qui a ainsi été trahi?
La Messe en si mineur BWV 232, enfin, est pour l’essentiel une
œuvre chorale: les deux tiers des morceaux sont en effet polyphoniques.
Dans le Gloria, après les acclamations chorales liminaires
de l’Église universelle, c’est le soprano solo qui entonne le chant
de louange «Laudamus te» (Nous te louons), et cela malgré le pluriel
des formulations. Chaque chrétien, individuellement, fait à
présent sienne cette oraison, où le soprano rivalise d’ornementation
avec le violon solo. Dans cette fervente aria à l’italienne,
l’arabesque vocale s’élève «comme un parfum d’une agréable
odeur», ainsi qu’il est dit dans la Bible. Bach ne pouvait l’ignorer.
14

Der ‹große Bach›
Zu Johann Sebastian und Carl Philipp Emanuel Bach
Katrin Bicher
«Aus unsrer kleinen Welt voll, ach! So großer Mängel,
Gieng in die große Welt und ins Concert der Engel
Nun auch der Eine Bach!»
Mit diesen Versen aus der Feder Johann Wilhelm Ludwig Gleims
reagierte der Hamburgische Correspondent am Silvestertag 1788 auf
den Tod eines europaweit bekannten Komponisten, auf den Tod
des sogenannten ‹großen Bach›. Allerdings: Nicht Johann Sebastian
(1685–1750) wurde im Dezember 1788 betrauert, sondern sein
zweitältester Sohn Carl Philipp Emanuel (1714–1788). «Seine
Compositionen sind Meisterstücke, und werden vortrefflich bleiben,
wenn der Wust von modernem Klingklang längst vergessen
sein wird. Die Tonkunst verliert an ihm eine ihrer größten Zierden,
und der Name eines Carl Philipp Emanuel wird ihr auf immer
heilig seyn», hieß es wenige Tage zuvor am selben Ort. Der Ruhm
Carl Philipp Emanuels als Virtuose, als Komponist und als Pädagoge
überstrahlte den seines Vaters am Ende des 18. Jahrhunderts
weit. War von Bach die Rede in den Feuilletons, in den Salons,
in den Gesellschaften – dann war Carl Philipp Emanuel gemeint.
Begründen lässt sich dieses Phänomen zum einen mit dem Konzertrepertoire,
das weitgehend von aktuellen, zeitgenössischen
Kompositionen geprägt war und einen aktiven Komponisten und
Interpreten auf diese Weise zwangsläufig besser bekannt machte
als einen drei Jahrzehnte zuvor schon verstorbenen. Aber auch
ein veränderter Publikumsgeschmack trug zur enormen Beliebtheit
Carl Philipp Emanuel Bachs bei. Das Zeitalter der Empfindsamkeit
– der Briefromane, des Sturm und Drang, einer neu er-
16

Carl Philipp Emanuel Bach
(Stich von Heinrich Pfenninger nach Franz Conrad Löhr,
um 1800)
fahrenen Innerlichkeit, der Verbrüderung und einer Kommunikation
«von Herz zu Herz» – erreichte in Deutschland um 1750
einen Höhepunkt und löste das traditionelle barocke Kunstverständnis
ab. Während die Kompositionen Johann Sebastian
Bachs noch nach einem älteren Modell der Affektenlehre gestaltet
waren, nach der ein von außen kommender Affekt musikalisch
abgebildet wurde, motivierten die sensualistischen Künstler ihre
Werke nach einem prinzipiell anderen Modus. Der Künstler
drückte sich nun selbst aus. Ganz im Sinne des Kantschen Imperativs,
sich aus einer selbstverschuldeten Unmündigkeit zu befreien,
war der aufgeklärte Mensch auf sich selbst und nur auf
sich selbst zurückgewiesen. Nicht von außen, von Gott, der Natur
oder einem anderen spirituellen Medium kam nun das Wesentliche,
sondern aus jedem einzelnen Menschen selbst wurde es
erschaffen. «Göttern kann man nicht vergelten; Schön ist’s, ihnen
gleich zu sein», trieb Friedrich Schiller die Selbstsetzung des aufgeklärten
Ich in seiner Ode an die Freude auf eine poetische Spitze.
Was in ihm an Emotionen und Gefühlen war, versuchte der
empfindsame Komponist demnach so in Musik zu setzen, dass
17

eine ebensolche Schwingung beim Interpreten und beim Hörer
erreicht wurde. Er war bemüht, das Herz seines Hörers «in eine
sanfte Empfindung zu versetzen und dahin, wo er [der Komponist]
will, zu reissen», beschreibt Carl Philipp Emanuel Bach
sein Musikverständnis im Versuch über die wahre Art das Clavier zu
spielen. Die Rührung des Künstlers sollte sich wie eine Welle, angeregt
vom seelischen Zustand des Komponisten, über den Interpreten
auf den Hörer übertragen: «Indem ein Musickus nicht
anders rühren kan, er sey dann selbst gerührt; so muß er nothwendig
sich selbst in alle Affeckten setzen können, welche er
bey seinen Zuhörern erregen will; er giebt ihnen seine Empfindungen
zu verstehen und bewegt sie solchergestallt am besten
zur Mit-Empfindung. Bey matten und traurigen Stellen wird er
matt und traurig.»
Genau so erlebte Charles Burney, ein einflussreicher englischer
Musikhistoriker, Carl Philipp Emanuel Bach bei einem Konzert:
«Während dieser Zeit [des Klavierspielens] gerieth er dergestalt
in Feuer und wahre Begeistrung, daß er nicht nur spielte, sondern
die Miene eines ausser sich Entzückten bekam. Seine Augen stunden
unbeweglich, seine Unterlippe senkte sich nieder und seine
Seele schien sich um ihren Gefährten nicht weiter zu bekümmern,
als nur so weit er ihr zur Befriedigung ihrer Leidenschaft behülflich
war.» Der Eindruck, den der außergewöhnliche Virtuose mit
seinen Improvisationen und Fantasien auf seine – und hier vor
allem die weiblichen – Hörer gemacht hat, muss gewaltig gewesen
sein: Seine Tränen riefen die ihrigen hervor. Affekt wurde zu
Effekt, Ethos zu Pathos. Von dem Musikverständnis seines Vaters
Johann Sebastian, der fast jede der eigenen Kompositionen mit
dem Kürzel «S.D.G.» versah – «soli Deo Gloria», allein Gott zur
Ehre – hatte sich diese Kunstauffassung weit entfernt. Der Paradigmenwechsel
im 18. Jahrhundert lässt sich nicht glasklar mit
Vater und Sohn Bach gleichsetzen. So weisen Johann Sebastians
Kompositionen wohl in die spätere Zeit hinaus, andererseits
fußen Carl Philipp Emanuels Fantasien auch in den Werken des
Vaters. Die musikgeschichtliche Tendenz aber lässt sich an diesen
beiden je individuellen Musikerpersönlichkeiten gleichwohl gut
darstellen.
18

Die Familie Bach war seit mehreren Generationen fest im thüringischen
Musikleben verankert. Ihr Name galt als Synonym für
Musiker, und als am Schwarzburg-Sondershauser Hof in Arnstadt
1693 die Hofmusikusstelle vakant wurde, fragte der residierende
Graf Anton Günther, «ob denn kein Bach mehr vorhanden, der
sich ümb solchen Dienst anmelden wollte, Er sollte und müste
wieder einen Bachen haben». In allen Musiziersphären der Zeit
– Hof, Stadt und Kirche – fanden die Mitglieder der Bachfamilie
ihr Auskommen.
Johann Sebastian Bach wurde 1685 als jüngstes Kind des Stadtpfeifers
Johann Ambrosius in Eisenach geboren. Die Aufgaben
der städtischen Pfeifer waren so vielfältig wie die städtische Administration
selbst: Uhrzeiten wurden mit Musik bekannt gegeben,
Feste und Feiern musikalisch begleitet, Brände und Feinde
angezeigt. Im Stadtpfeiferhaus wurden Lehrlinge ausgebildet, die
für ihren zukünfigen Beruf mehrere Instrumente beherrschen
mussten. Diese Atmosphäre hat Johann Sebastian früh geprägt
und seine Laufbahn als Musiker wohl vorgezeichnet. Nachdem
beide Eltern kurz hintereinander gestorben waren, nahm der
älteste Bruder, Johann Christoph, Organist in Ohrdruf, ihn in
seine junge Familie auf und setzte die musikalische Erziehung
fort. Er «legte […] den Grund zum Clavierspielen [und] In kurtzer
Zeit hatte [Johann Sebastian] alle Stücke, die ihm sein Bruder
freywillig zum Lernen aufgegeben hatte, völlig in die Faust gebracht»
berichtet der von Carl Philipp Emanuel verfasste Nekrolog.
Seine ersten Anstellungen erhielt Bach daraufhin auch – ganz
der Familientradition gemäß – als Organist im mitteldeutschen
Raum. Allerdings bezog er schon in Arnstadt ein ungewöhnlich
hohes Gehalt und fiel nicht nur durch sein außergewöhnliches
Orgelspiel auf, sondern auch durch ein ausgeprägtes Selbstbewusstsein.
Konflikte blieben nicht aus, und Bach nahm knapp
vier Jahre später das Organistenamt an einer der Hauptkirchen in
Mühlhausen an. Nach nur einem Jahr aber verließ er die Stelle
wieder und ging an den Hof nach Weimar.
Mit dem Wechsel aus einem kirchlichen in ein höfisches Amt
indes änderte sich auch Bachs Abhängigkeitsverhältnis: Sein
21

alleiniger Dienstherr war nun der regierende Fürst Wilhelm Ernst,
bei dem Bach zunächst ab 1708 als Hoforganist, seit 1714 als
Concertmeister angestellt war. «Das Wohlgefallen seiner gnädigen
Herrschaft an seinem Spielen, feuerte ihn an, alles mögliche in
der Kunst, die Orgel zu handhaben, zu versuchen. [Die mit der
Stelle des Concertmeisters] verbundenen Verrichtungen aber,
bestunden damals hauptsächlich darin, daß er Kirchenstücke
componiren, und sie aufführen mußte.» Beschäftigte Bach sich
in Arnstadt und Mühlhausen seinem Amt als Organist entsprechend
vor allem mit der Komposition von Orgelstücken, rückte
in Weimar die Beschäftigung mit Kantaten – mit «Kirchenstükken»
– verstärkt in sein Blickfeld. Diese Kantaten fungierten im
protestantischen Gottesdienst als musikalische Reaktion auf die
Predigt als dem zentralen Element des Gottesdiensts: predigthafte,
also erklärende und auslegende Texte wurden vertont, die Verkündigung
des Gotteswortes auf diese Weise verstärkt und ihrer Verwirklichung
noch näher gebracht.
Die Weimarer Verhältnisse blieben jedoch nicht unbeschattet.
Bach geriet in einen Streit zwischen seinem Dienstherrn Wilhelm
Ernst und dessen seit 1709 de jure mitregierenden Neffen Ernst
August, der seinerseits einen Verfügungsanspruch auf die gemeinsamen
Diener – vor allem aber die Musiker – erhob. Bach, der
zeitweise von der Komposition der «Kirchenstücke» dispensiert
wurde – was einem tiefen Eingriff in seinen Aufgabenbereich
gleichkam –, ergriff die Gelegenheit, der unerfreulichen Weimarer
Konstellation zu entkommen und nahm ein Angebot Leopolds
von Anhalt-Köthen an, an dessen Hof als Kapellmeister zu wirken.
Als ‹Director derer Cammer-Musiquen› am Hof in Köthen boten
sich ihm neue Möglichkeiten, mit Musikern auf höchstem künstlerischen
Niveau zu arbeiten. Bach fand hier ideale Bedingungen
zum Komponieren und Musizieren, da der Fürst etliche hoch
qualifizierte Musiker der preußischen Hofkapelle aufgenommen
hatte, die sich nach der Machtübernahme des als ‹Soldatenkönig›
bekannt gewordenen Friedrich Wilhelm I. stark reduziert hatte.
In einem späteren Brief berichtete Bach, in Köthen «einen gnädigen
und Music so wohl liebenden als kennenden Fürsten; bey
22

welchem auch vermeinete meine Lebenszeit zu beschließen» gehabt
zu haben. Von den Pflichten eines Kirchenmusikers vollständig
entbunden – am calvinistischen Köthener Hof spielte gottesdienstliche
Musik so gut wie gar keine Rolle –, konnte Bach sich
ganz auf die Komposition weltlicher Kantanten, vor allem aber
von Orchester- und Kammermusik konzentrieren.
Das Interesse des musikalischen Fürsten wandte sich allmählich
jedoch von der Musik ab – vermutlich aus finanziellen Gründen,
so gern Bach auch die neue Fürstin, die «schiene eine amusa zu
seyn», für die nachlassende «musicalische Inclination» verantwortlich
machen wollte. So musste Bach sich erneut nach einer
neuen Stelle umsehen und dachte an Leipzig, wo das Thomaskantorat
neu zu besetzen war. Leipzig bot zwar nicht die musikalischen
Freiheiten eines Fürstenhofes, aber Unabhängigkeit
von der labilen Beziehung zu einer einzigen Person (indes Abhängigkeit
von der viel schwerfälligeren Institution des städtischen
Rates) und – für Bach, der zeit seines Lebens unter seiner fehlenden
akademischen Bildung gelitten haben mochte, zunehmend
wichtig – als Universitätsstadt größere Ausbildungsmöglichkeiten
für die heranwachsenden Söhne.
Nach einem kulturpolitisch aufregenden und langwierigen Bewerbungsverfahren
wurde Bach schließlich das Amt des Thomaskantors
und städtischen Musikdirektors angeboten, und die
Familie siedelte 1723 nach Leipzig über. Komponierte Bach in
Köthen vor allem Instrumentalmusik, stand nun die Kirchenmusik
vorerst wieder ganz im Zentrum seines Schaffens: Bach
schuf in den ersten Leipziger Jahren für die gottesdienstlichen
Kantatenaufführungen etliche Kompositionen, die er in Jahrgängen
zusammenfasste. Nach einigen Jahren, in denen Woche für
Woche ein neues Werk für den gottesdienstlichen Gebrauch entstand,
ließ die Kantatenproduktion zwar nach (weil Bach inzwischen
auf ein großes Repertoire zurückgreifen konnte, aber auch weil
er sich zusehends in schulpolitische Zwänge verwickelt sah und
wenig Unterstützung bei Rat und Konsistorium fand); die Zusammenarbeit
mit den in Leipzig hoch gerühmten collegia musica
jedoch konnte intensiviert werden, und in den letzten Jahren
25

Johann Gottfried Krüger d.J.: Ordnung der Kirche zu S. Thomae
Der 1723 erschienene Stich zeigt die Thomaskirche und die alte
Thomasschule vor der Aufstockung 1732.
blieb Bach Zeit, seine intimeren ‹Spätwerke› – das Musicalische
Opfer, die Kunst der Fuge, Teile der H-moll-Messe – zu vollenden.
Johann Sebastian Bachs Kompositionen sind so zum größten Teil
in enger Wechselwirkung mit den Anforderungen des jeweiligen
Amtes entstanden – Orgelmusik in Arnstadt, Mühlhausen und
Weimar, Kantaten in Weimar und Leipzig, Orchestermusik in
Köthen – und spiegeln lebhaft die jeweiligen verschiedenen Musiziersphären
wider.
Auf veränderte Bedingungen jedoch stieß sein Sohn Carl Philipp
Emanuel. 1714 in Weimar als zweiter Sohn Johann Sebastian
und Maria Barbara Bachs geboren, erlebte er als Knabe die von
virtuoser Professionalität geprägte musikalische Atmosphäre in
Köthen. Als die Familie 1723 nach Leipzig übersiedelte, wurde
Carl Philipp Emanuel Thomasschüler. Nach Schulende immatrikulierte
er sich an der Leipziger Universität und holte damit
nicht nur ein ‹Versäumnis› seines Vaters nach: Er schuf zugleich
auch die eigentlichen Voraussetzungen für ein Amt, das dem
seines Vaters entprach. Der Kantor benötigte nämlich prinzipiell
einen Universitätsabschluss, damit er auch im Schuldienst ein-
26

gesetzt werden konnte. In der Tat bewarb Carl Philipp Emanuel
sich später auch zweimal auf die Vakanz des Thomaskantorats –
beide Male aber ohne Erfolg.
Noch während er seine juristischen Studien in Frankfurt an der
Oder fortsetzte, hat er, wie es in seiner Autobiographie heißt,
«am [dortigen] Orte sowohl eine musikalische Akademie als
auch alle damals vorfallenden öffentlichen Musiken bey Feierlichkeiten
dirigirt und komponirt». Schon in Frankfurt und noch
als Student nahm Carl Philipp Emanuel demnach eine bedeutende
Rolle im öffentlichen Musikleben ein. 1738 erreichte ihn
ein Ruf des damaligen preußischen Kronprinzen Friedrich II.
nach Rheinsberg. Förmlich angestellt als ‹Cammercembalist›
wurde er jedoch erst 1740, als Friedrich den Thron bestieg. Fast
drei Jahrzehnte lebte Carl Philipp in Berlin in engem Kontakt
zu den Komponisten Johann Gottlieb und Carl Heinrich Graun,
zum Flötenvirtuosen Johann Joachim Quantz, zu den Dichtern
Gleim, Lessing und Ramler. Seine Aufgabe als Cembalist umfasste
vor allem das Akkompagnement der königlichen Kammermusik.
Daneben fand Bach aber Zeit, mehr als 300 Werke zu komponieren:
Klavier- und Kammermusik, aber auch Sinfonien und
etliche Lieder. Vor allem mit den Klavierwerken wurde er nicht
nur berühmt, sondern auch reich. Seine Sonaten und Sinfonien
spielten darüber hinaus eine musikgeschichtlich bedeutende
Rolle, sie beeinflussten nämlich mit ihrer Art der motivischen
Arbeit die klassische Sinfonie, wie sie wenig später in Wien zur
Blüte gelangte. Doch auch zum öffentlichen Konzertieren und
Unterrichten blieb Gelegenheit.
Das Interesse des Flöte spielenden Königs an der Musik jedoch
stagnierte. Zum einen war Friedrich II. mit ständigen militärischen
Konflikten beschäftigt, die ihr Ventil in den beiden Schlesischen
Kriegen und im Siebenjährigen Krieg fanden, um anderen
beharrte auf seinem konservativen Musikgeschmack. Dies dürfte
dazu geführt haben, dass Carl Philipp Emanuel Bach – auf der
Suche nach alternativen Wirkungskreisen – den Kontakt zu seinem
Taufpaten Georg Philipp Telemann, der seit 1721 als Musikdirektor
in Hamburg wirkte, beständig pflegte. Als Telemann 1767
27

Gottfried Baron van Swieten
(Stich von Johann Georg Mansfeld nach Lakner, um 1780)
starb, ergab sich für Bach dann eine Gelegenheit, den preußischen
Hof zu verlassen und in der weltoffenen, anregenden Atmosphäre
der Hansestadt ein neues Arbeitsfeld als ‹director musices› zu
finden.
Carl Philipp Emanuel Bachs Aufgabenbereich in Hamburg ähnelte
dem seines Vaters in Leipzig: Er musste am städtischen Gymnasium
unterrichten und für die Kirchenmusik an den fünf Hauptkirchen
Sorge tragen. Entsprechend traten jetzt andere Gattungen
in den Mittelpunkt: Passionen, Oratorien, Kantaten. Daneben
organisierte Bach weiterhin öffentliche Konzerte. Aber auch wenn
die äußeren Bedingungen denjenigen Johann Sebastian Bachs in
Leipzig ähnelten, brachten sie doch Werke ganz anderer Art hervor.
Die großen Vokalgattungen begannen, sich aus dem Kirchenraum
in den Konzertsaal zu verlagern. Bachs 1769 entstandenes
Oratorium Die Israeliten in der Wüste sollte so ausdrücklich «nicht
just bey einer Art von Feyerlichkeit, sondern zu allen Zeiten, in
28

und außer der Kirche» gespielt werden. Der empfindsame Stil
der Klavier- und Instrumentalwerke wurde nun auch für die Vokalgattungen
beansprucht: In ihnen wurde nun nicht mehr eine
– biblische – Geschichte erzählt, vielmehr drückte der Künstler
sich selbst, seine individuelle Verfasstheit aus; auch Carl Philipp
Emanuel Bachs Oden, Motetten, Psalmen, Oratorien und Kantaten
sind von künstlerischer Subjektivität geprägt.
Bevorzugte Ausdrucksmöglichkeit Carl Philipp Emanuel Bachs
blieb aber die Instrumentalmusik. Und so übernahm er gerne
einen Auftrag Gottfried van Swietens, der als österreichischer Gesandter
in Berlin eine wichtige Rolle für die Verbreitung der norddeutschen
Musik in Wien spielte, Sinfonien zu schreiben, in denen
Bach sich «ganz gehen [lassen könne], ohne auf die Schwierigkeiten
Rücksicht zu nehmen, die daraus für die Ausübung nothwendig
entstehen mussten». Daraufhin entstanden die Sechs Sinfonien
Wq 182, in denen Bach ein neuartiger Ausdruck gelang.
«Schwerlich ist je eine musikalische Composition von höherm
[…] Charakter einer genialen Seele entströmt», schwärmte Bachs
Freund, der Kritiker und Komponist Johann Friedrich Reichardt.
Vor allem dieses Staunen dem ‹Originalgenie› gegenüber war Ursache
der großen Berühmtheit Carl Philipp Emanuel Bachs.
Trotz der ihren Werken zugrunde liegenden gegensätzlichen
musikästhetischen Prinzipien verbindet Vater und Sohn Bach
doch einiges. So folgten beide einem ähnlichen Lebensweg: vom
Organisten über den Hofmusiker zum Musikdirektor an den
Hauptkirchen einer zentralen Stadt. Beide komponierten Werke
in enger Übereinstimmung mit ihrem jeweiligen Amt. Beide
weisen aufeinander voraus bzw. zurück. Und beide trugen den
Namen ‹großer Bach›. Denn: Erst nachdem Felix Mendelssohn
Bartholdy am 11. März 1829 Johann Sebastian Bachs Matthäuspassion
nach hundertjährigen Schweigen in Berlin erstmals wieder
aufgeführt hatte, setzte eine Bach-Renaissance ungekannten Ausmaßes
setzte ein, und schon bald war der Name Bach in aller
Munde. Mit dem ‹großen Bach› war nun allerdings Johann Sebastian
gemeint – während Carl Philipp Emanuel mehr und
mehr vergessen wurde.
29

Texte
Johann Sebastian Bach
«Die Welt mit allen Königreichen» GH
(Kantate «Wer mich liebet, der wird
mein Wort halten» BWV 59,
Text: Erdmann Neumeister, 1723)
Die Welt mit allen Königreichen,
die Welt mit aller Herrlichkeit
kann dieser Herrlichkeit nicht gleichen,
womit uns unser Gott erfreut:
dass er in unsern Herzen thronet
und wie in einem Himmel wohnet.
Ach Gott, wie selig sind wir doch,
wie selig werden wir erst noch,
wenn wir nach dieser Zeit der Erden
bei dir im Himmel wohnen werden.
Johann Sebastian Bach
«L’univers avec tous ses
royaumes» GH
(Cantate «Celui qui m’aime gardera
ma Parole» BWV 59,
texte: Erdmann Neumeister, 1723)
L’univers avec tous ses royaumes,
l’univers avec toute sa gloire
ne peut pas égaler la gloire
dont notre dieu nous délecte:
celle de trôner en nos cœurs
et de s’y établir comme en une
demeure céleste.
Ah Dieu, quelle n’est pas notre
félicité!
Et quelle ne sera pas à plus forte
raison notre félicité
lorsque, après ce temps passé sur
la terre,
nous établirons demeure au ciel à
tes côtés.
«Die Schätzbarkeit der weiten
Erden» SH
(Kantate «Ich bin mir vergnügt»
BWV 204,
Text: anonym, 1726?/1727?)
Die Schätzbarkeit der weiten Erden
lass meine Seele ruhig sein.
Bei dem kehrt stets der Himmel ein,
der in der Armut reich kann werden.
«Que les attraits de ce monde» SH
(Cantate «Je me contente de mon
sort» BWV 204,
texte: anonyme, 1726?/1727?)
Que les attraits de ce monde
laissent mon âme en paix.
Le ciel est toujours avec celui
qui sait être riche dans sa pauvreté.
30

«Ja, ja, ich halte Jesum feste» GH
(Kantate «Ich lasse dich nicht, du
segnest mich denn» BWV 157,
Text: Picander, i.e. Christian Friedrich
Henrici, 1727)
Ja, ja, ich halte Jesum feste,
so geh ich auch zum Himmel ein,
wo Gott und seines Lammes Gäste
in Kronen zu der Hochzeit sein.
Da lass ich nicht, mein Heil, von dir,
da bleibt dein Segen auch bei mir.
Ei, wie vergnügt ist mir mein
Sterbekasten,
weil Jesus mir in Armen liegt!
so kann mein Geist recht freundlich
rasten!
Ja, ja, ich halte Jesum feste,
so geh ich auch zum Himmel ein!
O schöner Ort!
Komm, sanfter Tod, und führ mich fort,
wo Gott und seines Lammes Gäste
in Kronen zu der Hochzeit sein. Ich
bin erfreut,
das Elend dieser Zeit
noch von mir heute abzulegen;
denn Jesus wartet mein im Himmel
mit dem Segen.
Da lass ich nicht, mein Heil, von dir,
da bleibt dein Segen auch bei mir.
«Oui, oui, je tiens bon mon Jésus» GH
(Cantate «Je ne te laisserai pas, que
tu ne m’aies béni» BWV 157,
texte: Picander, i.e. Christian Friedrich
Henrici, 1727)
Oui, oui, je tiens bon mon Jésus,
pour entrer au paradis,
où Dieu et les hôtes de son agneau
sont réunis pour assister aux noces.
Mon Sauveur, de toi je ne m’écarte,
de toi je reste béni.
Ah, comme mon cerceuil m’est doux,
puisque Jésus est dans mes bras!
Ainsi mon esprit peut reposer dans
la joie!
Oui, oui, je tiens bon mon Jésus,
pour entrer au paradis,
Ô lieu sublime!
Viens, douce mort, et conduis-moi
là où Dieu et les hôtes de son agneau
sont réunis pour assister aux noces.
Je me réjouis
de pouvoir dès aujourd’hui
me débarrasser des misères de ce
temps,
car Jésus m'attend dans le ciel avec
sa bénédiction.
Mon Sauveur, de toi je ne m’écarte,
de toi je reste béni.
«Angenehmer Zephyrus» SH
(Kantate «Zerreißet, zersprenget,
zertrümmert die Gruft» BWV 205,
Text: Picander, i.e. Christian Friedrich
Henrici, 1725)
Angenehmer Zephyrus,
dein von Bisam reicher Kuss
und dein lauschend Kühlen
soll auf meinen Höhen spielen.
Großer König Aeolus,
sage doch dem Zephyrus,
dass sein bisamreicher Kuss
und sein lauschend Kühlen
soll auf meinen Höhen spielen.
«Ô doux Zéphyr» SH
(Cantate «Rompez, pulvérisez,
fracassez la caverne» BWV 205,
texte: Picander, i.e. Christian Friedrich
Henrici, 1725)
Ô doux Zéphyr,
que ton baiser parfumé de musc
et que tes haleines rafraîchissantes
passent en jouant sur mes sommets.
Éole, Ô grand roi, dis à Zéphyr
de faire passer en jouant sur mes
sommets
son baiser parfumé de musc
et ses haleines rafraîchissantes.
31

«Hier in meines Vaters Stätte» GH
(Kantate «Liebster Jesu, mein Verlangen»
BWV 32,
Text: Georg Christian Lehms, 1726)
Hier in meines Vaters Stätte,
findt mich ein betrübter Geist.
Da kannst du mich sicher finden
und dein Herz mit mir verbinden,
weil dies meine Wohnung heißt.
«Là, en ce lieu de mon père» GH
(Cantate «Bien-aimé Jésus, toi vers
qui j’aspire» BWV 32,
texte: Georg Christian Lehms, 1726)
Là, en ce lieu de mon père,
un esprit affligé me trouve.
Là, tu peux me trouver sûrement
et unir ton cœur à moi,
car ce lieu est ma demeure.
«Erbarme Dich» SH
(Matthäuspassion BWV 244,
Text: Picander, i.e. Christian Friedrich
Henrici, 1727)
Erbarme dich,
mein Gott, um meiner Zähren willen!
Schaue hier
Herz und Auge weint vor dir
bitterlich.
«Prends pitié!» SH
(Passion selon saint Matthieu
BWV 244,
texte: Picander, i.e. Christian Friedrich
Henrici, 1727)
Prends pitié!
Seigneur, prends pitié, vois mes
pleurs!
Vois,
mon cœur et mes yeux pleurent
amèrement devant toi.
«Wenn Trost und Hülf ermangeln
muss» GH
(Kantate «Sei Lob und Ehr dem höchsten
Gut» BWV 117,
Text: Johann Jakob Schütz,
~1728/1731)
Wenn Trost und Hülf ermangeln muss,
die alle Welt erzeiget,
so kommt, so hilft der Überfluss,
der Schöpfer selbst, und neiget
die Vatersaugen denen zu,
die sonsten nirgend finden Ruh.
Gebt unserm Gott die Ehre!
«Et si consolation et secours» GH
(Cantate «Louange et honneur au
Bien suprême» BWV 117,
texte: Johann Jakob Schütz,
~1728/1731)
Et si consolation et secours
viennent à manquer au monde entier,
alors vient, alors secourt le Très-Haut,
le créateur lui-même, laissant tomber
un regard paternel sur tous ceux
qui autrement ne trouvent nulle part
la paix.
Rendez gloire à notre dieu!
32

«Laudamus te» SH
(Messe h-moll BWV 232, 1747–1749)
Laudamus te,
benedicimus te,
adoramus te,
glorificamus te.
Wir loben dich,
wir preisen dich.
wir beten dich an,
wir rühmen dich.
«Laudamus te» SH
(Messe h-moll BWV 232, 1747–1749)
Laudamus te,
benedicimus te,
adoramus te,
glorificamus te.
Nous te louons,
te bénissons,
t’adorons,
te glorifions.
«Wann kommst du, mein Heil?» SGH
(Kantate «Wachet auf, ruft uns die
Stimme» BWV 140,
Text: anonym, 1731)
Sopran
Wann kommst du, mein Heil?
Bass
Ich komme, dein Teil.
Sopran
Ich warte mit brennendem Öle.
Sopran, Bass
Eröffne/Ich öffne den Saal
zum himmlischen Mahl
Sopran
Komm, Jesu!
Bass
Komm, liebliche Seele!
«Quand viendras-tu, toi, mon
salut?» SGH
(Cantate «Réveillez-vous, la voix des
veilleurs nous appelle» BWV 140,
texte: anonyme, 1731)
Soprano
Quand viendras-tu, toi, mon salut?
Basse
Je viens, mais qui suis part de toi.
Soprano
J’attends, la lampe allumée.
Soprano, Basse
Ouvre/J’ouvre la salle
pour le banquet céleste!
Soprano
Viens, Seigneur Jésus!
Basse
Viens, douce âme!
«Ich bin vergnügt in meinen
Leiden» SH
(Kantate «Ach Gott, wie manches
Herzeleid» BWV 58,
Text: anonym, 1727)
Ich bin vergnügt in meinem Leiden,
denn Gott ist meine Zuversicht.
Ich habe sichern Brief und Siegel,
und dieses ist der feste Riegel,
den bricht die Hölle selber nicht.
«Je suis heureux dans ma
peine» SH
(Cantate «Ah, Dieu! que mon cœur a
de tourment!» BWV 58,
texte: anonyme, 1727)
Je suis heureux dans ma peine,
car Dieu est mon espoir.
Ma lettre cachetée est en lieu sûr,
le verrou qui la protège est solide,
même l’enfer ne le forcera pas.
34

«Gebt mir meinen Jesum wieder» GH
(Matthäuspassion BWV 244,
Text: Picander, i.e. Christian Friedrich
Henrici, 1727)
Gebt mir meinen Jesum wieder!
Seht, das Geld, den Mörderlohn,
wirft euch der verlorne Sohn
zu den Füßen nieder!
«Rendez-moi mon Seigneur!» GH
(Passion selon saint-Matthieu
BWV 244,
texte: Picander, i.e. Christian
Friedrich Henrici, 1727)
Rendez-moi mon Seigneur!
Voyez cet argent, le salaire du
meurtrier,
le fils égaré
le jette à vos pieds.
«Welt ade, ich bin dein müde» SGH
(Kantate «Der Friede sei mit dir»
BWV 158,
Text: anonym, –1735)
Bass
Welt, ade, ich bin dein müde,
Salems Hütten stehn mir an,
Sopran
Welt, ade, ich bin dein müde,
ich will nach dem Himmel zu,
Bass
Wo ich Gott in Ruh und Friede
ewig selig schauen kann.
Sopran
Da wird sein der rechte Friede
und die ewig stolze Ruh.
Bass
Da bleib ich, da hab ich
Vergnügen zu wohnen,
da prang ich gezieret
mit himmlischen Kronen.
Sopran
Welt, bei dir ist Krieg und Streit,
nichts denn lauter Eitelkeit;
in dem Himmel allezeit
Friede, Freud und Seligkeit.
«Adieu, ô monde, je suis las
de toi» SGH
(Cantate «Que la paix soit avec toi»
BWV 158,
texte: anonyme, –1735)
Basse
Adieu, ô monde, je suis las de toi,
les tabernacles de Salem sont la
retraite appropriée.
Soprano
Adieu, ô monde, je suis las de toi,
je veux monter au ciel.
Basse
D’où je pourrai contempler Dieu
dans la paix et la sérénité, à jamais
bienheureux.
Soprano
Où je trouverai la paix véritable
et le repos éternel de l’âme.
Basse
C’est là que je veux demeurer
et qu’il me plaît d’habiter,
c’est là que je resplendirai,
paré de couronnes célestes.
Soprano
Ô monde, tu subis la guerre et les
querelles,
tu ne connais que vanité.
Tandis que le ciel assure à tout jamais
la paix, le repos et la félicité.
Reprint by kind permission of Deutsche Grammophon Hamburg, GmbH
35

Interprètes
Biographies
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Münchener Kammerorchester
La programmation unique du Münchener Kammerorchester (MKO)
est l’une des de ses marques de fabrique, lui ayant value ces
dernières années une reconnaissance internationale. Les programmes
de ses concerts, d’un excellent niveau, associent la
musique contemporaine, parfois des créations, aux œuvres
classiques. L’ensemble parvient ainsi toujours à réaliser un équilibre
intéressant entre le respect de la tradition et son intérêt
pour la musique contemporaine. De nombreuses récompenses
confirment cette conception novatrice de la programmation de
la musique classique et soulignent le rôle-phare de l’orchestre:
le prix de l’Association allemande des éditeurs de musique «Meilleure
programmation de concert» en 2001/02 et 2005/06, le
Musikpreis der Landeshauptstadt München (2000), le Cannes
International Classical Award (2002), le prix de la fondation Christoph
et Stephan Kaske (2002), le prix de la fondation musicale
Ernst von Siemens (2001–2003) et en mai 2008, le prix Neues
Hören de la fondation Neue Musik im Dialog pour son implication
en musique contemporaine. Le Münchener Kammeror
chester donne près de 60 concerts annuels dans les salles de
concerts du monde entier. Depuis 1995, l’orchestre s’est produit
aux États-Unis, en Chine, au Japon, ainsi qu’en Europe de l’Est
et en Asie Centrale. Certaines tournées de concerts ont été
réalisées en étroite collaboration avec le Goethe-Institut, dont
une tournée de cinq concerts en Corée du Sud au printemps
2007. L’orchestre se produit régulièrement dans les grandes capitales
musicales européennes, ainsi que dans les grands festi-
38

photo: Lukas Beck
Münchener Kammerorchester
vals européens. L’été 2006, le MKO a joué La Betulia liberata en
version concert aux Salzburger Festspiele. Fondé en 1950 par
Christoph Stepp, Hans Stadlmair a repris la direction du Münchener
Kammerorchester en 1956, auquel il s’est consacré jusqu’aux
années 1990. À partir de 1995, Christoph Poppen a assuré la
direction artistique de l’orchestre et lui a conféré en quelques
années un nouveau profil. Depuis la saison 2006/07, Alexander
Liebreich est directeur artistique et chef principal du MKO. Le
cycle de concerts du MKO donnés au Prinzregententheater de
Munich, dédié chaque saison à un thème particulier, se situe au
39

40
cœur des activités artistiques de l’orchestre. Un autre de ses
cycles propose des concerts sans chef d’orchestre, dirigés par
un Konzertmeister, en collaboration avec des spécialistes de
musique ancienne. L’orchestre travaille régulièrement avec des
chefs d’orchestre invités tels que Heinz Holliger, Dennis Russell
Davies, Anu Tali, Giovanni Antonini, Reinhard Goebel, et avec des
solistes tels que Kim Kashkashian, Sabine Meyer, Matthias
Goerne, Christian Gerhaher, Juliane Banse, Victoria Mullova, Heinrich
Schiff, Lisa Batiashvili, Janine Jansen, Lars Vogt, Steven
Isserlis, ou des formations comme le Hilliard Ensemble, etc.
Chaque saison, les musiciens du Münchener Kammerorchester
créaient des commandes d’œuvres de compositeurs tels que
Jörg Widmann, Erkki-Sven Tüür, Samir Odeh-Tamimi, Nikolaus
Brass, Tigran Mansurian, Thomas Larcher, Georg Friedrich Haas,
Bernhard Lang ou Roland Moser. Iannis Xenakis, Wolfgang Rihm
et Jörg Widmann ont également composé des œuvres pour le
MKO. Depuis la saison 2003/04, le Münchener Kammerorchester
a initié une nouvelle série de concerts à la Pinakothek der Moderne
à Munich intitulée «Nachtmusik der Moderne» (musique
de nuit des modernes), très appréciée, consacrée à des œuvres
de compositeurs contemporains. Trois nouveaux formats de
concerts initiés par Alexander Liebreich ont connu un grand retentissement
auprès du public et de la critique: le Münchener
Aids-Konzert, le concert «carte blanche» consacré à une grande
personnalité du monde culturel et le «concert sauvage» dont
ni le programme, ni le soliste ne sont annoncés à l’avance. Le
«Projekt München» témoigne de l’insertion de l’orchestre dans
la communauté munichoise, par le biais de différents concerts
et ateliers dont l’objectif est de collaborer avec les partenaires
éducatifs et sociaux. Le travail du MKO avec des enfants atteints
du syndrome de Down (trisomie 21) a fait l’objet d’un documentaire
– entre temps primé – diffusé en automne 2006 à la télévision
bavaroise. Ces dernières années, l’orchestre a pris part à de
nombreux projets spécifiques, dont certaines créations – l’opéra
Marco Polo de Tan Dun, PNIMA – Ins Innere de Chaya Czernowyn
et Cantio von Vykintas Baltakas – données à la biennale
de Munich. En 2007/08, le MKO a donné une série de concerts,
«Biennale Plus», avec les principaux ensembles internationaux

de musique contemporaine. L’orchestre a également connu un
grand succès lors de sa première coopération avec la Bayerische
Theaterakademie sur Les pèlerins de la Mecque de Christoph
Willibald Gluck, sous la direction de Klaus Zehelein. Le Münchener
Kammerorchester a entrepris une coopération à long terme
avec le label ECM Records. Jusqu’à présent, ses enregistrements
parus chez ECM comportent des œuvres de Karl Amadeus
Hartmann, Sofia Goubaïdoulina, Johann Sebastian Bach et Anton
Webern, Tigran Mansurian, Barry Guy, Giacinto Scelsi, ainsi que
Valentin Silvestrov. Un premier CD réalisé sous la direction
d’Alexander Liebreich, d’œuvres de Joseph Haydn et d’Isang Yun
est paru début 2008. Le MKO se compose de 25 musiciens employés
à titre permanent par la ville de Munich. L’orchestre est
soutenu par le Land Bayern et par des subventions publiques.
Depuis la saison 2006/07, European Computer Telecoms AG (ECT)
est le principal sponsor officiel de l’orchestre.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Münchener Kammerorchester
Das Münchener Kammerorchester hat eine einzigartige Programmatik
zu seinem Markenzeichen gemacht und dafür in
den letzten Jahren internationale Anerkennung gefunden.
In seinen hochgelobten Konzertprogrammen kontrastiert das
MKO zeitgenössische Musik – teilweise in Uraufführungen –
mit klassischen Werken. Damit glückt dem Ensemble immer
wieder eine aufregende Balance zwischen Traditionspflege
und dem intensiven Engagement für Neue Musik. Zahlreiche
Auszeichnungen bestätigen diese Auffassung der Programmgestaltung
klassischer Musik und unterstreichen das Selbstverständnis
des Orchesters als deren Botschafter: der Preis
des Deutschen Musikverlegerverbandes für das beste Konzertprogramm
in der Saison 2001/02 und erneut 2005/06, der
Musikpreis der Landeshauptstadt München (2000), der Cannes
International Classical Award (2002), der Preis der Christoph
und Stephan Kaske-Stiftung (2002), der Förderpreis der Ernst
von Siemens Musikstiftung (2001–2003) und im Mai 2008
der Preis Neues Hören der Stiftung Neue Musik im Dialog
für die gelungene Vermittlung zeitgenössischer Musik. Das
43

44
Ensemble ist in rund 60 Konzerten pro Jahr auf Konzertpodien
in aller Welt zu hören. Seit 1995 trat das Münchener Kammerorchester
in den Vereinigten Staaten, in China und Japan
sowie in den Musikzentren Osteuropas und Zentralasiens
auf. Einige Konzertreisen fanden in enger Zusammenarbeit
mit dem Goethe-Institut statt, zuletzt eine Tournee mit fünf
Konzerten in Südkorea im Frühjahr 2007. Das Orchester gastiert
regelmäßig in den europäischen Musikzentren sowie
bei den wichtigen europäischen Festivals; u.a. wirkte das
MKO im Sommer 2006 an der konzertanten Aufführung von
La Betulia liberata im Rahmen des großen Mozart-Projekts
der Salzburger Festspiele mit. Das Münchener Kammerorchester
wurde 1950 von Christoph Stepp gegründet und im
Jahr 1956 von Hans Stadlmair übernommen. Dieser leitete
und prägte es bis in die 1990er Jahre hinein. 1995 übernahm
Christoph Poppen als Nachfolger von Stadlmair die künstlerische
Leitung des Orchesters und verlieh ihm innerhalb
von wenigen Jahren ein neues, unverwechselbares Profil.
Seit der Saison 2006/07 ist Alexander Liebreich Künstlerischer
Leiter und Chefdirigent des MKO. Im Zentrum des
künstlerischen Wirkens des Orchesters steht die Reihe der
Abonnementkonzerte im Münchener Prinzregententheater,
die in jeder Saison einem thematischen Leitfaden folgt. Feste
Bestandteile der Abonnementreihe sind Konzerte ohne Dirigent
unter der Leitung eines der beiden Konzertmeister und
die Zusammenarbeit mit Spezialisten für Alte Musik. Das
Orchester arbeitet regelmäßig mit Gastdirigenten wie Heinz
Holliger, Dennis Russell Davies, Anu Tali, Giovanni Antonini,
Reinhard Goebel und mit Solisten wie Kim Kashkashian,
Sabine Meyer, Matthias Goerne, Christian Gerhaher, Juliane
Banse, Victoria Mullova, Heinrich Schiff, Lisa Batiashvili, Janine
Jansen, Lars Vogt, Steven Isserlis, dem Hilliard Ensemble
und vielen anderen zusammen. Das Orchester vergibt in
jeder Spielzeit mehrere Kompositionsaufträge, so in jüngster
Zeit an Jörg Widmann, Erkki-Sven Tüür, Samir Odeh-Tamimi,
Nikolaus Brass, Tigran Mansurian, Thomas Larcher, Georg
Friedrich Haas, Bernhard Lang und Roland Moser. Komponisten
wie Iannis Xenakis, Wolfgang Rihm und Jörg Widmann

haben Werke für das MKO geschrieben. Seit der Saison
2003/04 hat das Münchener Kammerorchester in der Pinakothek
der Moderne in München eine neue Konzertreihe
initiiert, die sich unter dem Titel «Nachtmusik der Moderne»
mit außerordentlichem Erfolg jeweils dem Werk eines zeitgenössischen
Komponisten widmet. Auf große Resonanz
bei Publikum und Kritik stießen auch drei neue, von Alexander
Liebreich initiierte Konzertformate: das Münchener Aids-
Konzert, die «carte blanche», die in loser Folge an bedeutende
Persönlichkeiten der Kulturwelt vergeben wird, und
das «concert sauvage», bei dem weder das Programm noch
die Solisten vorweg angekündigt werden. Ein weiterer Schwerpunkt
der Aktivitäten des MKO ist das «Projekt München»,
das mit verschiedenen Konzerten, Workshops, einer Orchesterpatenschaft
und anderen Aktivitäten eine Vernetzung des
Orchesters am Standort München und eine Zusammenarbeit
mit Institutionen im Jugend- und Sozialbereich zum
Ziel hat. So wurde die Zusammenarbeit des MKO mit Kindern
mit Down-Syndrom bei einem Kinderkonzert im Herbst 2006
vom Bayerischen Fernsehen mit einer – inzwischen preisgekrönten
– Dokumentation begleitet. In den letzten Jahren
hat das Orchester an einer Vielzahl von Sonderprojekten
mitgewirkt, etwa mit regelmäßigen Uraufführungen im Rahmen
der Münchener Biennale, darunter die Opern Marco
Polo von Tan Dun, PNIMA – Ins Innere von Chaya Czernowyn
und Cantio von Vykintas Baltakas. In der Saison 2007/08
wirkte das MKO in der Konzertreihe «Biennale Plus» mit
führenden internationalen Ensembles für zeitgenössische
Musik mit. Ebenfalls sehr erfolgreich verlief die erste Kooperation
mit der Bayerischen Theaterakademie und deren Leiter
Klaus Zehelein mit den Pilgern von Mekka von Christoph
Willibald Gluck. Mit dem Label ECM Records verbindet das
Münchener Kammerorchester eine langfristig angelegte
Zusammenarbeit. Bisher sind bei ECM Aufnahmen mit Werken
von Karl Amadeus Hartmann, Sofia Gubaidulina, Johann Sebastian
Bach und Anton Webern, Tigran Mansurian, Barry
Guy, Giacinto Scelsi sowie Valentin Silvestrov erschienen;
eine erste CD unter der Leitung von Alexander Liebreich mit
45

Werken von Joseph Haydn und Isang Yun wurde Anfang 2008
veröffentlicht. Das MKO hat 25 fest angestellte Musiker und
wird von der Stadt München, dem Land Bayern und dem
Bezirk mit öffentlichen Zuschüssen gefördert. Seit der Saison
2006/07 ist die European Computer Telecoms AG (ECT) offizieller
Hauptsponsor des Orchesters.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Alexander Liebreich direction
Selon le Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung, Alexander
Liebreich représente une nouvelle génération de chefs d’orchestre
«stars», pour lesquels le passage des grands orchestres symphoniques
à des ensembles flexibles de plus petits effectifs est
aussi évident que l’association de l’excellence artistique à l’engagement
social. Son répertoire «traditionnel» des symphonies
classiques et romantiques, de Beethoven à Strauss, avec un
accent particulier sur Bruckner, Wagner et Mahler, l’a conduit
à diriger, depuis son succès en 1996 au Concours Kondraschin,
de nombreux orchestres d’exception tels que le Concertgebouw
d’Amsterdam, le Radio Filharmonisch Orkest, l’Orchestre
National de Belgique, le BBC Symphony Orchestra, l’Orchestre
Philharmonique de Strasbourg, l’Orchestre National de la radio
Polonaise ou le Mozarteum Orchester (Salzbourg). Son concert
avec les Münchner Philharmoniker devant 7000 spectateurs
lors de «Klassik am Odeonsplatz» lui a valu le très convoité
«TZ–Rosenstrauß des Jahres» 2005. Le titre «Munich célèbre
Liebreich» donné par le Welt am Sonntag à un portrait du chef
d’orchestre reflète son sensationnel succès avec le Münchener
Kammerorchester dont il a repris la direction en tant que directeur
artistique et chef principal depuis l’automne 2006. Dès le
concert inaugural, la Süddeutsche Zeitung le qualifiait de «chef
d’orchestre certainement le plus passionnant de Munich». Depuis,
la carrière d’Alexander Liebreich a pris un nouveau tournant: la
programmation éclectique de l’orchestre, de la musique baroque
à la musique contemporaine, ainsi que son extraordinaire sonorité
ont été salués lors de leurs concerts donnés dans les grandes
métropoles européennes, aux festivals internationaux et lors de
leurs tournées en Europe et en Asie. La parution de leurs CDs
46

photo: Lukas Beck
Alexander Liebreich
chez ECM, Sony et Deutsche Grammophon a également été
saluée chaleureusement par la critique et le public. Originaire
de Ratisbonne, Alexander Liebreich est très attaché au répertoire
symphonique. Cette saison, il sera ainsi au pupitre de l’Orchestre
National de la Radio Polonaise et pour la première fois,
invité à diriger l’Orchestre philharmonique d’Osaka. Parmi les
grands évènements de la saison 2008/09, il a fait ses débuts
avec l’Orchestre symphonique de Taipei, l’Orchestre symphonique
de Lucerne, les Dresdener Philharmoniker et le Frankfurter
Oper. Son engagement social se reflète à travers son travail
avec le MKO, notamment dans le cadre du «Projekt München»
destiné aux jeunes et aux personnes soufrant de handicaps. Le
projet «Lorsqu’un éléphant et un lion dansent le tango» réalisé
avec des enfants trisomiques a fait l’objet d’un documentaire,
entretemps primé, diffusé à la télévision bavaroise. Alexander
Liebreich est également l’initiateur des «Korea-Projekts», créés
en coopération avec le Goethe Institut et le DAAD (Office alle-
47

mand d’échanges universitaires). En 2002, il s’est ainsi rendu
pour la première fois avec la Junge Deutsche Philharmonie en
Corée du Nord et du Sud, pour y diriger la création coréenne
de la Symphonie N° 8 de Bruckner. Fasciné par la musicalité et
l’enthousiasme des Coréens, Alexander Liebreich a coordonné
un travail de médiation culturelle entre l’Allemagne et la Corée
qui s’est concrétisé par d’autres voyages, notamment dans le
cadre d’une chair de professeur invité du DAAD à Pyongyang,
en 2005.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Alexander Liebreich Dirigent
Alexander Liebreich, schrieb die Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung
unlängst, steht für eine junge Generation von Dirigentenstars,
für die der Grenzgang zwischen großen Symphonieorchestern
und kleineren, flexiblen Ensembles so selbstverständlich
ist wie die Verbindung von künstlerischer Höchstleistung
und sozialem Engagement. Sein «angestammtes» Repertoire
– klassische und romantische Symphonik von Beethoven
bis Strauss, mit Schwerpunkten auf Bruckner, Wagner und
Mahler –, hat Liebreich seit dem Gewinn des Kondraschin-Wettbewerbs
1996 ans Pult zahlreicher bedeutender Orchester wie
dem Concertgebouw in Amsterdam, dem Radio Filharmonisch
Orkest Holland, dem Orchestre National de Belgique, dem BBC-
Symphony-Orchestra, dem Orchestre Philharmonique de Strasbourg,
dem National Polish Radio Orchestra, dem Mozarteum
Orchester Salzburg und den Münchner Philharmonikern geführt.
Liebreichs Debüt bei den Philharmonikern vor 7000 Zuschauern
bei «Klassik am Odeonsplatz» brachte ihm den begehrten «Rosenstrauß
des Jahres» 2005 der TZ ein. Die Schlagzeile «München
feiert Liebreich», mit der die Welt am Sonntag kürzlich ein Porträt
des Dirigenten betitelte, bezieht sich auf Liebreichs sensationelle
Erfolge mit dem Münchener Kammerorchester, das
er im Herbst 2006 als Künstlerischer Leiter und Chefdirigent
übernommen hat. Bereits nach dem Antrittskonzert erkor die
Süddeutsche Zeitung Liebreich zum «wohl spannendsten Dirigenten
Münchens». Inzwischen wird das innovative, wegen
seiner spannungsvollen Programmatik zwischen Barock und
49

Neuer Musik ebenso wie seiner außergewöhnlichen Klangkultur
vielfach ausgezeichnete Ensemble mit seinem neuen Chefdirigenten
nicht nur in München gefeiert, sondern auch bei Auftritten
in den großen europäischen Musikmetropolen, Gastspielen
bei internationalen Festivals, Tourneen in Europa und Asien und
mit seinen CD-Einspielungen für ECM, Sony und die Deutsche
Grammophon. Aber auch dem symphonischen Repertoire bleibt
der gebürtige Regensburger verbunden: so steht er in der laufenden
Saison erneut am Pult des National Polish Radio Orchestra
und ist erstmals beim Osaka Philharmonic Orchestra zu Gast.
Besondere Highlights der Saison 2008/09 sind u.a. Debüts mit
dem Taipei Symphony Orchestra, dem Luzerner Symphonieorchester,
den Dresdener Philharmonikern und an der Frankfurter
Oper, wo mehrere Produktionen unter Liebreichs Dirigat in
Planung sind. Dass Alexander Liebreich Kunst auf außergewöhnliche
Weise mit sozialem Engagement verbindet, zeigt nicht nur
seine Arbeit mit dem MKO, mit dem er unter dem Stichwort
«Projekt München» verschiedene Modellinitiativen in der Arbeit
mit Kindern und Jugendlichen und mit Behinderten ins Leben
gerufen hat – so wurde das Projekt «Wenn Elephant und Löwe
den Bolero tanzen» mit Down-Syndrom-Kindern vom Bayerischen
Fernsehen mit einer inzwischen preisgekrönten Dokumentation
begleitet. Liebreich ist auch Initiator des «Korea-Projekts», das
in Zusammenarbeit mit dem Goethe Institut und dem DAAD
entstand. 2002 reiste er erstmals mit der Jungen Deutschen
Philharmonie nach Nord- und Südkorea, um dort in Erstaufführungen
Bruckners Symphonie N° 8 zu dirigieren. Fasziniert
von der Musikalität und Begeisterungsfähigkeit der Koreaner,
führte Liebreich die kulturelle Vermittlungsarbeit zwischen
Deutschland und Korea seither mit weiteren Reisen, u.a. im
Rahmen einer Gastprofessur des DAAD in Pyongyang 2005, fort.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Hilary Hahn violon
Récemment nommée par le magazine Gramophone «Artiste de
l’année», la violoniste Hilary Hahn a remporté deux Grammy
Awards en soliste pour ses interprétations innovantes, sa brillante
technique et sa présence scénique convaincante. Depuis quinze
50

photo: Olaf Heine
Hilary Hahn
ans, ses tournées intenses et ses enregistrements très applaudis
en ont fait l’une des artistes les plus sollicitées de la scène
musicale internationale. Hilary Hahn se produit régulièrement
avec les meilleurs orchestres internationaux et dans les cycles
de récitals les plus prestigieux d’Europe, d’Asie, et d’Amérique
du Nord et du Sud. Ces dernières saisons, elle était soliste invitée
en tournée aux États-Unis, au Canada, en Russie, Suède,
Allemagne, Espagne, Israël, Angleterre, Suisse, Italie, France,
Autriche, Écosse, Croatie, Japon et Corée, entre autres avec le
National Symphony Orchestra (Washington, DC), le Montreal Symphony,
le Detroit Symphony, le Milwaukee Symphony, le Royal
Scottish National Orchestra et le BBC Symphony Orchestra. Ses
tournées de récitals et concerts en soliste l’ont dernièrement
menée aux États -Unis, au Canada, en France, en Italie, au
Luxembourg, en Belgique, au Danemark, en Suisse et au Japon.
Cette saison, Hilary Hahn retrouve Matthias Goerne, la soprano
Christine Schäfer et le Münchner Kammerorchester, dans le
cadre d’un cycle de concerts européens où ils interprètent des
airs de l’album «Bach: Violin and Voice», paru chez Deutsche
Grammophon en janvier 2010. Depuis qu’elle a commencé à
51

52
enregistrer, Hilary Hahn a réalisé onze albums de soliste chez
les labels Deutsche Grammophon et Sony, ainsi que trois DVDs,
une musique de film nominée aux oscars, un disque pour enfant
primé d’un Award et des compilations variées. Ses enregistrements
couvrent un vaste répertoire – de Bach, Stravinsky, Elgar,
Beethoven, Vaughan Williams, Mozart, Schönberg, Paganini,
Spohr, en passant par Barber, Bernstein, Korngold –, et ont reçu
de nombreux prix de la critique spécialisée, tout en rencontrant
un succès public analogue. Tous sont restés des semaines à
l’affiche de la Billboard’s Classical Top Ten list. Son enregistrement
des concertos pour violon de Schönberg et de Sibelius,
longtemps à la première place, est resté vingt trois semaines
à l’affiche de la Billboard’s Classical Top Ten list. L’album a valu à
Hilary Hahn son second Grammy Award en 2009, dans la catégorie
«Best Instrumental Soloist Performance with Orchestra».
Hilary Hahn a obtenu son premier Grammy Award en 2003 pour
son enregistrement des concertos de Brahms et de Stravinsky.
Son premier DVD est un enregistrement-live du Concerto N° 4
de Mozart au Royal Albert Hall, lors du concert du millénaire de
la Last Night of the Proms à Londres, en 2000. Six ans plus
tard, est paru «Hilary Hahn: A Portrait», un documentaire passionnant
comportant, outre des interviews et chroniques, un
enregistrement-live du Concerto pour violon de Korngold. Sa
prestation de soliste dans le Concerto N° 3 de Mozart à l’occasion
du 80 e anniversaire du Pape Benoît XVI au Vatican en avril
2007, a également fait l’objet d’un DVD paru chez Deutsche
Grammophon. Tout en étant essentiellement une musicienne
classique, Hilary Hahn participe cependant à d’autres projets.
En 2004, on a pu l’entendre en soliste sur la bande originale du
film de James Newton Howard (The Village de M. Night Shyamalan)
nominée d’un Oscar. En 2005 et 2006, on la retrouve
sur des albums du groupe de rock And You Will Know Us By The
Trail of Dead. Plus récemment, elle a composé et joué au violon
certains titres du disque «Grand Forks» du chanteur-compositeur
Tom Brosseau. Hilary Hahn travaille fréquemment avec le
chanteur-compositeur folk Josh Ritter avec lequel elle a réalisé
une tournée au Canada, en Europe, aux États-Unis, et au Japon.
Hilary Hahn est également très active sur la scène de musique

classique contemporaine. En 1999, elle a créé et enregistré le
Concerto pour violon composé pour elle par le compositeur
américain Edgar Meyer. En 2009, elle a également crée et enregistré
le Concerto pour violon de Jennifer Higdon, également
composé à son attention. Les enregistrements du Concerto de
Higdon ainsi que du Concerto de Tchaïkovski paraîtront en septembre
2010 chez Deutsche Grammophon. Cette saison, Hilary
Hahn jouera et enregistrera un album de pièces commandées
à de célèbres compositeurs actuels. Hilary Hahn a reçu de nombreuses
distinctions internationales au cours de sa carrière dont,
pour n’en nommer que quelques unes, de multiples Diapason
d’Or de l’année et le Preis der deutschen Schallplattenkritik (prix
de la critique de disque allemande), le 2008 Classical FM/Gramophone
Artist of the Year, le Cannes Classical Award, l’ECHO
Klassik Artiste de l’année et d’autres récompenses de l’ECHO.
Elle a fait la couverture des principales revues musicales classiques
et la Une de grands périodiques tels que Vogue, Elle, Town
and Country, et Marie-Claire. En 2001, Hilary Hahn a été nommée
«Meilleur jeune musicienne classique américaine» par
Time Magazine et en 2008, «Artist of the Year» par Classical
FM/Gramophone. Le 14 janvier 2010, Hilary Hahn a été invitée
à se produire à «The Tonight Show with Conan O’Brien». Hilary
Hahn est née à Lexington, en Virginie, en 1979. À l’âge de trois
ans, elle a déménagé pour Baltimore. Elle a commencé à jouer
du violon un mois après son quatrième anniversaire dans le
cadre du Programme Suzuki du Peabody Institute. À partir de
l’âge de cinq ans, Hilary Hahn a étudié à Baltimore avec Klara
Berkovich, originaire d’Odessa, ayant enseigné pendant vingt
cinq ans à l’École pour musiciens doués de Leningrad. De 10 à
17 ans, elle a étudié au Curtis Institute of Music avec le légendaire
Jascha Brodsky, le dernier étudiant vivant du grand violoniste
Belge Eugène Ysaÿe. Hilary Hahn a travaillé étroitement
avec lui, jusqu’à son décès, survenu à l’âge de 89 ans. Hilary
Hahn a terminé son diplôme universitaire en ce qui concerne les
cours obligatoires à 16 ans, mais elle a différé l’obtention de
son diplôme et est demeurée au Curtis Institute pendant plusieurs
années encore, en suivant d’autres cours facultatifs en
langue, littérature, écriture et art dramatique, ainsi qu’en musique
55

de chambre avec Felix Galimir et le pianiste Gary Graffman. Après
le décès de Jascha Brodsky, elle s’est entraînée régulièrement
avec le violoniste Jaime Laredo. Hilary Hahn a obtenu son
Bachelor of Music degree du Curtis Institute of Music à 19 ans.
Ses débuts avec un orchestre prestigieux ont eu lieu en 1991
avec le Baltimore Symphony, une année après son entrée au
Curtis Institute. À 14 ans, elle a fait ses débuts internationaux
en Hongrie en jouant des œuvres de Bernstein avec le Budapest
Festival Orchestra sous la direction d’Ivan Fischer. En mars
1995, à l’âge de 15 ans, elle faisait ses débuts en Allemagne
dans le Concerto pour violon de Beethoven avec le Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks sous la direction de Lorin
Maazel lors d’un concert retransmis dans toute l’Europe à la
radio et à la télévision. Deux mois plus tard, elle a reçu l’Avery
Fisher Career Grant à New York. Pendant plusieurs étés de son
adolescence, elle a assisté au Marlboro Music Festival dans le
Vermont, et en 1996, elle a fait ses débuts de soliste au Carnegie
Hall avec le Philadelphia Orchestra. Écrivain ludique et enthousiaste,
Hilary Hahn tient un journal de ses déplacements professionnels
sur son site web (www.hilaryhahn.com), est présente
sur Twitter (www.twitter.com/violincase), ainsi que sur youtube
(www.youtube.com/hilaryhahnvideos). Elle a également été
interviewée sur le blog de musique classique contemporaine
Sequenza21.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Hilary Hahn Violine
Die kürzlich von der Zeitschrift Gramophone als «Künstlerin des
Jahres» ausgezeichnete Violonistin und zweimalige Grammy-
Gewinnerin Hilary Hahn wird aufgrund ihrer innovativen Interpretationen,
technischen Brillianz und einnehmenden Bühnenpräsenz
international als Solistin gefeiert. Mit zahlreichen Auftritten
sowie von Kritikern und Publikum begeistert aufgenommenen
CD-Aufnahmen hat sich Hahn innerhalb der letzten 15 Jahre als
eine der begehrtesten Geigenvirtuosinnen etabliert. Hahn tritt
regelmäßig mit den weltweit führenden Orchestern auf. Ihre
Engagements führen sie nach Europa, Asien, Nord- und Südamerika.
Ziele vergangener Tourneen waren die USA, Kanada,
56

Russland, Schweden, Deutschland, Spanien, Israel, England, die
Schweiz, Italien, Frankreich, Österreich, Schottland, Kroatien,
Japan und Korea, wo Hilary Hahn u.a. mit dem National Symphony
Orchestra (Washington, DC), der Montreal Symphony, der
Detroit Symphony, der Milwaukee Symphony, dem Royal Scottish
National Orchestra und dem BBC Symphony Orchestra zusammenarbeitete.
Soloverpflichtungen führten sie in die USA, nach
Kanada, Frankreich, Italien, Luxemburg, Belgien, Dänemark, in
die Schweiz und nach Japan. Dieses Jahr tritt Hilary Hahn europaweit
mehrfach gemeinsam mit dem Bariton Matthias Goerne,
der Sopranistin Christine Schäfer und dem Münchener Kammerorchester
auf und führt die auf ihrem im Januar 2010 erschienen
gemeinsamen Album «Bach: Violin and Voice» (Deutsche Grammophon)
eingespielten Stücke auf. In den vergangenen zwölf
Jahren hat Hahn bei der Deutschen Grammophon und Sony elf
Soloalben, drei DVDs, einen mit dem Oscar nominierten Filmsoundtrack,
eine preisgekrönte Aufnahme für Kinder sowie
mehrere andere Aufnahmen veröffentlicht. Die Alben enthalten
unter anderem Werke von Bach, Strawinsky, Elgar, Beethoven,
Williams, Mozart, Schönberg, Paganini, Spohr, Barber, Bernstein
und Korngold. Sie wurden von den Kritikern gefeiert und waren
über Wochen in den Top Ten der Billboard Charts. Ihr letztes
Album – eine Aufnahme von Sibelius’ und Schönbergs Violinkonzerten
mit dem Swedish Radio Symphony Orchestra und
Esa-Pekka Salonen – war sofort nach der Veröffentlichung auf
Platz 1 und über 23 Wochen in den Billboard Classical Charts.
Dieses Album brachte Hahn 2009 mit dem Grammy für den
besten Soloauftritt mit einem Orchester ihren zweiten Grammy
ein; den ersten Grammy hatte sie 2003 für ihr Album mit Brahms’
und Strawinskys Violinkonzerten erhalten. Die erste DVD der
Violonistin – ein Livemitschnitt ihrer Interpretation von Mozarts
Violinkonzert N° 4 in der Royal Albert Hall in London – erschien
2000. 2007 veröffentlichte die Deutsche Grammophon die Dokumentation
«Hilary Hahn – A Portrait», die Exklusivinterviews
und Filmmaterial zahlreicher Konzerte enthält. Im April 2007
wurde sie eingeladen, als Solokünstlerin auf der Geburtstagsfeier
Papst Benedikt XVI. im Vatikan aufzutreten. Auch dieser
Auftritt wurde kurz darauf auf DVD veröffentlicht. Obwohl Hahn
57

58
hauptsächlich als klassische Musikerin tätig ist, hat sie ebenfalls
an diversen spartenübergreifenden Projekten teilgenommen.
Im Jahr 2004 war Hahn als Violinistin auf James Newton Howards
für den Oscar nominiertem Soundtrack zu M. Night Shyamalans
Film The Village zu hören. 2005 und 2006 war sie bei den Einspielungen
von den Alben der Band And You Will Know Us By
The Trail Of The Dead beteiligt. Erst kürzlich komponierte sie für
Tom Basseaus Album «Grand Forks» Stücke für Violine solo und
spielte diese ein. Regelmäßig arbeitet Hahn mit dem Musiker
Josh Ritter zusammen und war bisher mit ihm in Kanada, Europa
und den USA auf Tournee. Auch im Bereich der zeitgenössischen
Musik ist Hahn tätig: 1999 nahm sie das für sie vom amerikanischen
Bassisten und Komponisten Edgar Meyer komponierte
Violinkonzert auf und wurde hierfür prämiert, 2009 spielte sie
die Uraufführung des eigens von Jennifer Higdon für sie komponierten
Violinkonzerts. Eine Aufnahme dieser Uraufführung
wird im September 2010 zusammen mit einer Einspielung von
Tschaikowskys Violinkonzert bei der Deutschen Grammophon
veröffentlicht. Demnächst wird zudem eine Kompilation mit unterschiedlichen
für Hahn komponierten zeitgenössischen Stücken
erscheinen. Hahn hat im Laufe ihrer Karriere zahlreiche Auszeichnungen
erhalten. Dazu gehört der Grammy für ihre Interpretation
von Brahms’ und Strawinskys Violinkonzerten, der
Diapason d’Or de l’année, der Preis der deutschen Schallplattenkritik
und mehrere ECHO-Preise. Sie ist auf den Titelblättern
aller führenden Zeitschriften für klassische Musik erschienen,
und sie fand Erwähnung in Zeitschriften wie Vogue, Elle, Town
and Country und Marie-Claire. 2001 wurde Hahn vom Time
Magazine zu America’s Best Young Classical Musician und 2008
zum Classical FM/Gramophone Artist of the Year ernannt. Im
Januar 2010 trat sie in «The Tonight Show with Conan O’Brian»
als musikalischer Gast auf. Hilary Hahn wurde 1979 in Lexington,
Virginia, geboren. Im Alter von drei Jahren zog sie nach Baltimore,
wo sie einen Monat vor ihrem vierten Geburtstag im Suzuki-
Programm des Peabody Conservatory mit dem Violinspiel begann.
Die folgenden fünf Jahre nahm Hahn in Baltimore Unterricht
bei Klara Berkovich, die ursprünglich aus Odessa stammt
und 25 Jahre lang an der Leningrader Schule für musisch Hoch-

egabte unterrichtete. Im Alter von 10 bis 17 erhielt Hahn am
Curtis Institute of Music Unterricht vom legendären Jascha
Brodsky – dem letzten lebenden Schüler des großen belgischen
Violinisten Eugène Ysaÿe. Mit diesem arbeitete sie bis zu seinem
Tod im Alter von 89 Jahren eng zusammen. Nachdem sie
mit 16 Jahren alle Anforderungen für ein Universitätsstudium
erfüllt hatte, verschob sie ihren Abschluss und blieb noch mehrere
Jahre an der Schule, wo sie zusätzliche Wahlfächer in den Bereichen
Sprache, Literatur, Schreiben und Schauspiel besuchte.
Gleichzeitig wurde sie musikalisch von Jaime Laredo betreut
und nahm Unterricht in Kammermusik bei Felix Galimir und
Gary Graffman. Im Mai 1999, im Alter von 19 Jahren, machte
Hahn am Curtis Institute mit dem Bachelor of Music ihren
Abschluss. Eineinhalb Jahre nach ihrem Eintritt in das Curtis
Institute of Music absolvierte Hahn ihr Orchester-Debüt. Im
März 1995, im Alter von 15 Jahren, debütierte sie in Deutschland
unter Lorin Maazel mit dem Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks und Beethovens Violinkonzert. Die Aufzeichnung
wurde in ganz Europa ausgestrahlt. Zwei Monate später
erhielt sie den Avery Fisher Career Grant. Sie trat mehrere
Sommer in Folge beim Malboro Music Festival auf und gab
1996 mit dem Philadelphia Orchestra ihr Debüt in der Carnegie
Hall. Hilary Hahn führt auf ihrer Website www.hilaryhahn.com
ein Tagebuch und informiert auf Twitter die Öffentlichkeit über
ihre internationalen Engagements (www.twitter/violincase).
Hahn produziert einen YouTube-Channel (www.youtube.com/
hilaryhahnvideos) und arbeitet als Gastinterviewerin für den
Musikblog für zeitgenössische klassische Musik Sequenza21.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Christine Schäfer soprano
Christine Schäfer a étudié à la Hochschule de Berlin avec le professeur
Ingrid Figur, puis avec Arleen Augér, Aribert Reimann,
Dietrich Fischer-Dieskau et Sena Jurinac. Sa carrière internationale
est jalonnée de succès, tant à l’opéra qu’au concert, en
récitals ou enregistrements. À l’opéra, elle a endossé les rôles
de Constance, Ilia, Lulu, Cherubino et Donna Anna au festival
de Salzbourg; Constance, Gilda et Sophie au Covent Garden; Lulu
59

Christine Schäfer
et Gretel au Met; elle a chanté Saint-François d’Assise de Messiaen,
Donna Anna et Cherubino à l’Opéra National de Paris,
Pamina, Cleopatra et Alcina au De Nederlandse Opera, Sophie
à San Francisco et au Deutsche Oper de Berlin; Lulu aux festivals
de Glyndebourne et d’Innsbruck, Alcina au festival de Drottningholm
en Suède, Zdenka à Houston, Zerbinetta à Munich, Lucia
di Lammermoor au Welsh National Opera ainsi que Pierrot
Lunaire avec Boulez à Berlin et Paris. En 2003, elle a fait ses
débuts dans le rôle de Violetta (Verdi, La Traviata) au Staatsoper
Unter den Linden de Berlin dans la nouvelle production de Peter
Mussbach dirigée par Daniel Barenboim. Christine Schäfer connaît
une carrière florissante au concert, dans un répertoire incroyablement
varié. Elle se produit régulièrement sur les plus grandes
scènes européennes et américaines et travaille avec les plus
grands chefs d’orchestre actuels, tels que Nikolaus Harnoncourt,
Pierre Boulez, Christoph Eschenbach, Bernard Haitink, Daniel
Harding, Daniele Gatti, Ingo Metzmacher, Christian Thielemann
ou Sir Simon Rattle. Après ses débuts en récital très applaudis
au festival de Berlin en 1988 dans Nachträume d’Aribert Reimann,
sa carrière de soliste a pris une tournure internationale. Tout en
réalisant des tournées régulières en Amérique du Nord et au Ja-
60

pon,elle a donné des concerts dans des lieux prestigieux tels que
le Wigmore Hall de Londres ou le Musikverein de Vienne. Présente
lors de l’inauguration de la Ruhr Triennale en 2002, Christine
Schäfer y a été très applaudie dans Winterreise de Schubert mis
en scène par Oliver Hermann et accompagnée par Irwin Gage. La
vaste discographie de Christine Schäfer comprend Constance
dans Die Entführung aus dem Serail avec Les Arts Florissants/
William Christie (Erato); des airs de Mozart et de Strauss avec les
Berliner Philharmoniker/Claudio Abbado, la Cantate du mariage
de Bach avec MAK/Reinhard Goebel, Pierrot Lunaire de Schönberg
et Pli selon Pli de Boulez avec l’Ensemble Intercontemporain/Boulez
et un disque de récital Debussy et Chausson, accompagné
par Irwin Gage, tous parus chez Deutsche Grammophon.
Avec Nikolaus Harnoncourt, Christine Schäfer a enregistré
la Passion selon Saint-Matthieu de Bach et des Missae
breves de Mozart chez Teldec, ainsi que le Requiem de Mozart
et Le Messie de Händel chez BMG. Christine Schäfer est également
présente sur le cycle de Graham Johnson de lieder de
Schubert et Schumann enregistrés chez Hyperion. Pour le label
Capriccio, Christine Schäfer a enregistré la très primée Lyrische
Sinfonie de Zemlinsky (Eschenbach/Orchestre de Paris). Son enregistrement
avec le Petersen Quartet de transcriptions de lieder
de Mendelssohn et Schumann par Aribert Reimann, «…oder
soll es Tod bedeuten?» a remporté en 2007 l’ECHO Klassik dans
la catégorie Meilleur enregistrement de Mélodies. Son récent
Winterreise de Schubert paru chez Onyx Classics ainsi que son
album d’œuvres de Purcell et Georg Crumb, tous deux réalisés
avec Eric Schneider, ont reçu d’excellentes critiques. À l’opéra,
Christine Schäfer a, ces deux dernières saisons, incarné les
rôles de Violetta dans la nouvelle production controversée de
Marthaler de La Traviata au Palais Garnier à Paris; elle est retournée
au Met dans une nouvelle production de Hänsel und
Gretel dirigée par Vladimir Jurowski et a chanté dans le nouveau
Il Turco in Italia de David Alden, ainsi que Constance dans un
nouvel Entführung aus dem Serail, sous la direction de Philippe
Jordan, tous deux au Staatsoper Unter den Linden de Berlin. La
saison dernière, elle a fait ses débuts lyriques à Vienne dans
Partenope de Händel dans une nouvelle production au Theater
61

an der Wien, dirigée par Christoph Rousset. Elle était également
de retour à l’opéra de Francfort pour la reprise de Lucia di Lammermoor
de Donizetti. Cette saison, Christine Schäfer a chanté
le rôle-titre de Theodora de Händel au festival de Salzbourg, avec
Ivor Bolton et Christoph Loy, puis, a incarné Adele (Die Fledermaus),
sous la direction de Zubin Mehta au Staatsoper Unter den
Linden de Berlin. Elle fera son retour au Met dans Der Rosenkavalier
avec James Levine et chantera Asteria dans Tamerlano
de Händel ainsi que Cherubino au Covent Garden. Au concert,
elle sera à Berlin avec Metzmacher, à Londres avec Haitink, à
Vienne avec Jurowski, à San Francisco avec Eschenbach, et à
Paris avec Gatti. Elle sera en récitals à Istanbul, Cologne, Frankfort,
Barcelone, New York et Vienne.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Christine Schäfer Sopran
Die Auftritte der Sopranistin Christine Schäfer sind Höhepunkte
des internationalen Musiklebens. Die Künstlerin gehört mit
Opern- und Konzertauftritten in Salzburg, London, Wien, Paris,
Amsterdam, Berlin, München und New York, den Rollen Lucia,
Gilda, Sophie, Lulu, Konstanze, Traviata, Alcina, Partenope, Cherubino
und Donna Anna, deren Interpretation in den letzten Jahren
Maßstäbe setzte, sowie ihrem großen Konzertrepertoire zu den
erfolgreichsten und besten Sängerinnen unserer Zeit. Christine
Schäfer studierte an der Berliner Hochschule für Musik bei Professor
Ingrid Figur und vervollständigte ihre Ausbildung bei
Arléen Auger, Aribert Reimann, Sena Jurinac und Dietrich Fischer-
Dieskau. Die Teilnahme an bedeutenden Wettbewerben brachte
ihr etliche Preise. Christine Schäfer legte schon früh neben ihrer
Opernkarriere einen Schwerpunkt auf den Konzert- und Liedgesang.
Seither führten Lied-Tournéen Christine Schäfer in die
Hochburgen der Musikkultur. Die Künstlerin arbeitete bereits
mit den Dirigenten Claudio Abbado, Pierre Boulez, Andrew Davis,
Leopold Hager, Nikolaus Harnoncourt, Sir Charles Mackerras,
Seiji Ozawa, Sir Simon Rattle, Christian Thielemann und Helmut
Rilling. Von den Orchestern, mit denen Christine Schäfer aufgetreten
ist, seien beispielhaft die Berliner, Wiener und Münchchner
Philharmoniker sowie das Symphonieorchester des Bayer-
62

ischen Rundfunks, das City of Birmingham Symphony Orchestra
und die Boston und Chicago Symphony Orchestras genannt.
Dabei liegt das besondere künstlerische Interesse der Künstlerin
neben dem klassischen Repertoire bei Werken des Barocks und
des 20. Jahrhunderts. Auf Tonträger sind zahlreiche Aufnahmen
erschienen: Die Schöpfung mit Helmut Rilling; von Aribert Reimann
Nachtträume und Kinderlieder; die Johannespassion mit
den Stuttgarter Hymnus-Chorknaben; Kanzonetten von Mozart
mit dem Bläserensemble der Berliner Philharmoniker unter
Dietrich Fischer-Dieskau; die Konstanze in der Entführung aus
dem Serail unter William Christie mit Les Arts Florissants sowie
Lieder von Schubert und Schumann mit Graham Johnson. Ein
Exklusivvertrag band die Künstlerin einige Jahre an die Deutschen
Grammophon; dort erschienen sind unter anderem eine Mozart/
Strauss-CD mit Claudio Abbado und den Berliner Philharmonikern
sowie Pierrot Lunaire mit Pierre Boulez. Zuletzt erschienen im
Herbst 2006 bei Onyx die von der Kritik begeistert aufgenommene
CD mit Schuberts Winterreise sowie 2007 mit dem Petersen
Quartett «…oder soll es Tod bedeuten?», Lieder von Mendelssohn
und Schumann in Bearbeitungen von Aribert Reimann,
erschienen bei Capriccio; sowie «Apparition», Lieder von Henry
Purcell und George Crumb, am Flügel Eric Schneider, erschienen
wiederum bei Onyx. Ihren außergewöhnlichen Rang als Liedsängerin
belegen die Partner Christine Schäfers am Flügel, zu
denen Liedspezialisten wie Irvin Gage, Graham Johnson oder
Eric Schneider, aber auch Pianisten wie Helène Grimaud, Pierre-
Laurent Aimard, Christoph Eschenbach, Ingo Metzmacher oder
Daniel Barenboim zählen. Erwähnt sei hier nur der Februar 2008,
in dem Christine Schäfer Liederabende in Atlanta mit Martin
Katz (Strauss), München mit Eric Schneider (Winterreise), Berlin
mit Daniel Barenboim (Schubert, Debussy und Wolf) sowie
London mit Graham Johnson (Schumann, Brahms und Wolf) sang.
Bei den Salzburger Festspielen ist Christine Schäfer regelmäßig
zu Gast, 2009 eröffnete sie dort die Opernfestspiele in der Titelrolle
aus Händels Oratorium Theodora. 2006 erkoren die Kritiker
die Künstlerin zum «Star der Festspiele» für ihre Interpretation
des Cherubino und der Donna Anna. Für 2009 und 2010 fanden
Auftritte an den Opernhäusern in Wien (Partenope), Frankfurt
63

(Lucia), Berlin (Konstanze) und New York (Sophie) statt – in Planung
sind u. a. London Wien und New York. Im Oktober 2007
wurde Christine Schäfer von der Zeitschrift Opernwelt zur «Sängerin
des Jahres 2006» gekürt. Im gleichen Monat erhielt die
Künstlerin den ECHO Klassik 2007 für die beste Liedeinspielung
des Jahres. Bundespräsident Horst Köhler ehrte Christine Schäfer
im Oktober 2008 mit der Verleihung des Bundesverdienstkreuzes.
Im Herbst 2009 erfolgte die Berufung zum Mitglied der
Akademie der Künste Berlin.
IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Matthias Goerne baryton
Avec sa voix chaleureuse et souple de baryton, et ses interprétations
profondes, Matthias Goerne a acquis une réputation
internationale. Excellent interprète de lieder, il est régulièrement
invité dans les festivals les plus renommés et dans les plus
grandes salles du monde, telles que le Carnegie Hall de New York
et le Wigmore Hall de Londres. De célèbres pianistes tels que
Pierre-Laurent Aimard, Leif-Ove Andsnes et Christoph Eschenbach
comptent parmi ses partenaires musicaux. Goerne travaille
avec les plus grands orchestres et chefs d’orchestre, notamment
avec l’élite des orchestres américains tels que le Chicago
Symphony, le Philadelphia Orchestra, le New York Philharmonic
et le San Francisco Symphony, ainsi que l’Orchestre National de
France, l’Orchestre de Paris, le London Philharmonic, le London
Symphony et le Philharmonia Orchestra, les Berliner Philharmoniker
et la Staatskapelle de Dresde. Lors de la saison 2009/10,
ses tournées et productions invitées le mènent à travers toute
l’Europe, aux États-Unis, ainsi qu’en Asie. À l’automne 2011,
Matthias Goerne sera en tournée avec les Wiener Philharmoniker.
Depuis ses débuts lyriques aux Salzburger Festspiele en
1997 dans le rôle de Papageno sous la direction de Christoph
von Dohnányi, Goerne est invité à se produire dans les plus
grands opéras du monde, entre autres au Royal Opera House
de Covent Garden à Londres, au Teatro Real de Madrid, à l’Opernhaus
de Zurich, à l’Opéra National de Paris, au Semperoper de
Dresde, au Metropolitan Opera de New York, ainsi qu’au Saito
Kinen Festival, au Japon. Son répertoire lyrique s’étend de
64

photo: Marco Borggreve
Matthias Goerne
Papageno et Wolfram, aux rôles titres de Wozzeck d’Alban Berg
et Lear d’Aribert Reimann. Les saisons prochaines, Matthias
Goerne se produira dans les plus grands opéras et festivals dont,
aux Salzburger Festspiele, à l’Opéra National de Paris, au Wiener
Staatsoper et au Metropolitan Opera (Wozzeck). La très belle
carrière de Goerne est documentée par de nombreux CDs, la
plupart primés. Matthias Goerne enregistre actuellement un
coffret de 12 CDs d’une sélection de lieder de Schubert pour le
prestigieux label harmonia mundi, Matthias Goerne enregistre
actuellement un coffret de 12 CDs d’une sélection de lieder de
Schubert. Die schöne Müllerin (La Belle Meunière) avec Christoph
Eschenbach et Heliopolis avec Ingo Metzmacher sont parus
dans le cadre d’une très attendue parution Schubert-Goerne.
Matthias Goerne est membre d’honneur de la Royal Academy
of Music de Londres. De 2001 à 2004, il a enseigné, en qualité
de professeur honoraire, l’interprétation de lieder à la Robert-
Schumann-Hochschule de Düsseldorf. Né à Weimar, Matthias
Goerne a étudié avec Hans-Joachim Beyer à Leipzig, ainsi qu’avec
Elisabeth Schwarzkopf et Dietrich Fischer-Dieskau. Pour plus de
renseignements, consulter www.matthiasgoerne.com.
65

IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII
Matthias Goerne Bariton
Mit seiner warmen, geschmeidigen Baritonstimme und seinen
tiefgründigen Interpretationen hat sich Matthias Goerne international
hohes Ansehen erworben. Als Liedsänger ersten Ranges
ist er regelmäßig zu Gast bei den renommierten Festivals und
in den bedeutenden Konzertsälen der Welt wie etwa der Carnegie
Hall in New York oder der Wigmore Hall in London. Berühmte
Pianisten wie Pierre-Laurent Aimard, Leif-Ove Andsnes und
Christoph Eschenbach sind unter seinen musikalischen Partnern.
Goerne arbeitet mit den führenden Orchestern und Dirigenten
zusammen, unter anderem mit den amerikanischen Spitzenorchestern
wie Chicago Symphony, The Philadelphia Orchestra,
New York Philharmonic und San Francisco Symphony sowie mit
dem Orchestre National de France, Orchestre de Paris, London
Philharmonic, London Symphony und Philharmonia Orchestra, den
Berliner Philharmonikern und der Staatskapelle Dresden. Tourneen
und Gastspiele führen Matthias Goerne in der Saison 2009/10
durch ganz Europa, in die USA sowie nach Asien. Für Herbst
2011 wurde Matthias Goerne zu einer Tournee mit den Wiener
Philharmonikern eingeladen. Seit seinem Operndebüt bei den
Salzburger Festspielen – 1997 in der Rolle des Papageno unter
Christoph von Dohnányi - ist Goerne an den großen Opernbühnen
der Welt zu Gast, unter anderem am Royal Opera House Covent
Garden in London, Teatro Real in Madrid, Opernhaus Zürich, an
der Opéra National de Paris, der Dresdner Semperoper, der
Metropolitan Opera in New York und beim Saito Kinen Festival
in Japan. Das Spektrum seiner sorgfältig ausgewählten Rollen
reicht vom Papageno und Wolfram bis zu den Titelpartien in
Alban Bergs Wozzeck und Aribert Reimanns Lear. Für die kommenden
Spielzeiten liegen Einladungen der bedeutendsten
Opernhäuser und Festivals vor, darunter die Salzburger Festspiele,
die Opéra National de Paris, die Wiener Staatsoper und
die Metropolitan Opera (Wozzeck). Goernes erfolgreiche Tätigkeit
ist in zahlreichen, teils mehrfach preisgekrönten Aufnahmen
auf CD dokumentiert. Für das Qualitätslabel harmonia mundi
spielt Matthias Goerne derzeit eine Serie von zwölf CDs mit ausgewählten
Schubert-Liedern ein; im Rahmen dieser vielbeach-
67

68
teten und sorgfältig editierten Goerne-Schubert-Edition sind
unter anderem bereits Die schöne Müllerin mit Christoph Eschenbach
und zuletzt Heliopolis mit Ingo Metzmacher erschienen.
Matthias Goerne ist Ehrenmitglied der Royal Academy of Music
London. Von 2001 bis 2004 unterrichtete er als Honorarprofessor
für Liedgestaltung an der Robert-Schumann-Hochschule Düsseldorf.
Der gebürtige Weimarer studierte bei Hans-Joachim Beyer
in Leipzig, bei Elisabeth Schwarzkopf und Dietrich Fischer-Dieskau.
Weitere Informationen unter www.matthiasgoerne.com.

IIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII VOYAGE DANS LE TEMPS
Prochain concert dans le cycle «Voyage dans le temps»
Nächstes Konzert im Zyklus «Voyage dans le temps»
Next concert in the cycle «Voyage dans le temps»
Jeudi / Donnerstag / Thursday 22.04.2010 20:00
Salle de Musique de Chambre
«O rosa bella»
Ensemble Unicorn
Michael Posch direction, flûte à bec
Markus Forster contre-ténor
Jane Achtman violon
Reinhild Waldek harpe
Thomas Wimmer luth, violon
Wolfgang Reithofer percussion
Johannes Ciconia: Credo «Regina gloriosa»
Anonyme: Istampitta «Chominiciamento di Gioia»
«Tres dous compains» (Codex Ivrea)
«Retrove»
Francesco Landini: «Adiou, dous dame joly»
Anonyme: J’ay grant espoire (Codex Faenza)
Saltarello
Johannes Ciconia: «O rosa bella»
Anonyme: Biance flour (Codex Faenza)
Maestro Piero: «Cavalcando un giovine accorto»
Anonyme: Stantipes (Robertsbridge Codex)
Solage: «Fumeux fume» (Codex Chantilly)
Oswald von Wolkenstein: «Frölich, zärtlich, lieplich»
Johannes Ciconia: «Per quella strada lactea»
Oswald von Wolkenstein: «Der Mai mit lieber Zal»
Lorenzo da Firenze: «Sento d’amor la fiamma»
Francesco Landini: «Giovine vagha»
Anonyme: Istampitta «Tre Fontane»
Nicolaus de Perugia: «Non posso»
Backstage 19:15 Salle de Musique de Chambre
Dominique Escande: Miniatures vocales du Trecento italien (F)
71

La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont disponibles
en ligne, version PDF, sur le site www.philharmonie.lu
avant chaque concert.
Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden Sie
als Web-PDF auch online unter www.philharmonie.lu beim
jeweiligen Konzert.
Impressum
© Philharmonie Luxembourg 2010
Damien Wigny, Président
Matthias Naske, Directeur Général
Responsable de la publication: Matthias Naske
Photo Philharmonie: Jörg Hejkal
Design: Pentagram Design Limited
Imprimé à Luxembourg par l’imprimerie Faber
Tous droits réservés.
72