SAxOFONs - Sono-Magazin

plus
16 Extra-Seiten für SONO-Abonnenten
Von der Freiluftgeige
zum Sax-Appeal –
Eine kurze Geschichte des
saxofons
Außerdem: Die Royal-Albert-Hall im SONO-Portfolio
Special Service: Die CD-Neuheitenliste für Pop, Rock,Klassik, Jazz & Co.

Ekstase: R&B-Star Big Jay
McNeely inszeniert auf
der Clubbühne in Detroit
seinen „Dirty Boogie“
2
plus

etrospektive: saxofon
Der Sax-Report
Das Saxofon ist ein Spätzünder der Musikgeschichte. Als es erfunden
wurde, hatten die meisten Instrumente schon ihren Platz im kulturellen
Geschehen. Umso faszinierender ist die fulminante Karriere,
mit der das Saxofon sich seit den Roaring Twenties seinen Platz
im Musikleben erstritten hat. Gerade erschien mit „Portrait Saxofon:
Kultur, Praxis, Repertoire, Interpreten“ bei Bärenreiter eine umfassende
Darstellung des schillernden Instruments. Für SONO fasst
der Autor Ralf Dombrowski Kernpunkte der Monografie zusammen,
ergänzt um Tipps zu Platten, Personen und Perspektiven.
3
plus

Das Saxofon ist ein Spätzünder der Musikgeschichte.
Als es erfunden wurde, hatten die
meisten Instrumente schon ihren Platz im
Kulturgeschehen. Umso faszinierender, wie es sich seit
den Roaring Twenties seinen Platz im Musikleben
erstritt. Aus dem Außenseiter wurde ein Publikumsliebling
und Trendsetter, von Nachtschwärmern ebenso
geliebt wie von Konzertsaalgängern, von Werbeprofis
ebenso umgarnt wie von Musikstudenten.
Wie viele Instrumente Adolphe Sax im Laufe
seines Lebens erfunden hat, lässt sich nur
schwer rekonstruieren. Je nach Zählung ist
die Grenze der Hundert schnell überschritten
und beinhaltet unter anderem die Trompetenpauke
und das Mirliton, die Ventilposaune
und Ventiltrompete, Saxhorn, Saxotromba,
Saxtuba, Subkontrabasshorn, Saxhornbordun
und vieles mehr. Eines jedenfalls steht
fest: Adolphe Sax war unzufrieden mit dem
Klang seiner Zeit. Und der war aus vielen
Gründen rasanten Veränderungen unterworfen.
So erschloss zum einen die Ideenwelt der
Romantik auch der Musik ungeahnte Möglichkeiten.
Harmonik, Melodik, Rhythmik
orientierten sich nicht mehr streng an der
Form als grundlegendem Gestaltungsgrundsatz,
sondern wurden zunehmend mit außermusikalischen
Inhalten verknüpft.
Auf der anderen Seite wuchs mit der Bevölkerung
das Bedürfnis nach Unterhaltung.
Man fand sie nicht nur in der Oper und in
Salons, sondern auch bei zahllosen Freiluftkonzerten,
die wichtige Möglichkeiten des
zumeist kostenlosen Zeitvertreibs darstellten.
Für die aber war das bisher vorhandene Instrumentarium
nicht geschaffen. Besonders die
Streicher und Holzbläser verloren im Freien
deutlich an Klangvolumen und Brillanz und
waren zudem sehr anfällig für Feuchtigkeit
und Temperaturschwankungen. Für einen
musikalischen Menschen konnte das zum
akustischen Trauerspiel werden, und so war
dieses Manko eine der Motivationen für den
jungen Adolphe Sax, über ein Instrument
nachzudenken, das diese Schwächen kompensieren
konnte. Im Jahr 1835 präsentierte
der Erfinder seine erste 24-Klappen-Klarinette,
wenige Monate später bereits eine modifizierte
Bassklarinette.
Beide Instrumente basierten auf der Erkenntnis,
dass vor allem die Form des Rohrs,
das die schwingende Luftsäule umgibt, Farbe,
Qualität und Volumen des Tons bestimmt.
Daher kam er auch auf die Idee, für die im
Zeitalter des aufblühenden Nationalismus
boomenden Militärkapellen ein Instrument
zu kreieren, dass kaum noch von Feuchtigkeits-
und Klimaschwankungen abhängig
ist, zugleich aber die Spielqualitäten der Klarinette
aufweist und darüber hinaus über einen
kräftigeren Ton als eben jene verfügt. So
entstand 1841 das erste Saxofon, eine damals
vollkommen unübliche Verbindung aus Metallkorpus,
Klappenmechanik und Klarinettenmundstück.
Adolphe Sax hielt es für ein bahnbrechendes
Instrument, das seiner Meinung
Auch wenn Hector Berlioz hier skeptisch
blickt: Das Saxofon begeisterte ihn sofort
Visionär, Erfinder, Pleitier und Stehaufmännchen:
Adolphe Sax circa 1860
nach Streichercharakteristika annehmen
konnte und zugleich weit mehr Volumen und
Dynamik als Geigen und Celli besaß. Bevor
er seine Erfindung 1846 zum Patent anmeldete,
wollte er sie allerdings von einem von
ihm bewunderten Komponisten begutachten
lassen. Sax wanderte 1842 zu Fuß von
Brüssel nach Paris, um sein Saxofon Hector
Berlioz vorzustellen, dem damals radikalsten
Klangfarbenarbeiter der französischen
Romantik. Dieser war prompt begeistert von
der neuartigen musikalischen Hybride und
machte sich ans Werk. Er verwandelte sein
Chorstück Chant Sacré in eine Hymn Sacré
für Bläsersextett, die 1844 mit Sax selbst am
Basssaxofon aufgeführt wurde.
Solchermaßen unterstützt rüstete der Erfinder
zum nächsten Schritt. Zunächst perfektionierte
er die erste Modellpalette und
schuf Saxofone in den verschiedenen Lagen
Sopran, Tenor, Bass und Kontrabass. Vor allem
aber versuchte er, das Instrument den
einschlägigen Kreisen schmackhaft zu machen.
Sax beantragte im März 1845 eine Reform
der französischen Militärkapellen. Er
schlug vor, die üblichen 14 Klarinetten durch
sechs Sax-Klarinetten zu ersetzen, die restlichen
Oboen, Fagotte und Hörner durch
Fotos: Getty, Life
4
plus

weitere Substitute aus der Saxhorn- und
Saxofonfamilie. Es kam zur öffentlichen Orchester-Battle,
bei der am 22. April 1845 am
Pariser Marsfeld vor stattlichem Publikum
eine herkömmliche Blaskapelle gegen ein
Sax-Ensemble antrat. Der Newcomer überzeugte
die Menge und die Verantwortlichen,
die Militärs verordneten ihren Kapellen noch
im selben Jahr eine Reorganisation. Die Auftragsbücher
von Sax waren schlagartig voll,
er hatte viele neue Freunde unter den Musikliebhabern
und Feinde unter den Instrumentenbauern
gewonnen.
Amerika als Katalysator
Was anfing wie eine Erfolgsgeschichte, war
jedoch vielen Schwankungen unterworfen.
Mal waren es politische, mal traditionalistische
Gründe, die dafür sorgten, dass Adolphe
Sax mehrmals Konkurs anmelden musste.
Das Saxofon blieb für die klassische europäische
Musikgeschichte des 19. Jahrhunderts
jedenfalls eine Randerscheinung. Es
hatte keinen angestammten Platz im Klanggefüge
von Orchester und Solistik, keine umfassende
Geschichte oder semantische Referenz,
mit der man gestalterisch hätte spielen
können. Es saß zwischen den Stühlen, war
nicht außergewöhnlich genug, um im klassischen
Klangzusammenhang nachhaltig zu
inspirieren, oder etabliert genug, um einfach
dazu zu gehören.
In Amerika jedoch war das anders. Dort
gab es noch mythisches und klangästhetisches
Neuland zu erobern. Zum einen waren
die Vereinigten Staaten als Einwanderungsland
per se mit einem Kulturengemisch konfrontiert,
das Innovationen provozierte. Darüber
hinaus gab es dort zwar zahlreiche,
überwiegend importierte regionale und nationale
Musikformen, aber bis zum Aufkommen
des Jazz keine originäre, übergreifende
Klangtradition, die es in ihrer Normativität
Die Blasinstrumentenmanufaktur
von
Conn in Indiana
fertigte nicht nur
Posaunen (oben)
Militärkapellen wie
dieser englischen
Truppe aus dem Jahr
1857 (links) wollte
Adolphe Sax mit
seiner Erfindung
weiterhelfen
und Identifikationskraft mit dem europäischen
klassischen Kanon hätte aufnehmen
können. Das aber bedeutete, dass in Amerika
zumindest potenziell Raum für Instrumente
war, die nach ihrem Platz suchten.
Ein Grundstein der Entwicklung wurde
im Jahr 1888 gelegt. Damals baute die Firma
Conn das erste amerikanische Saxofon in Serie.
Einer der Mitarbeiter der Firma, die außerdem
Fagotte und andere Blasinstrumente
produzierte, war ein gewisser Ferdinand
August Buescher, der bis 1895 in der Fabrik
im Städtchen Elkhart arbeitete, sich daraufhin
mit einer eigenen Werkstatt selbständig
machte. Mit dem Auslaufen der Sax’schen
Patente um 1900 nahm die Produktion von
Instrumenten weiter zu, Händler wie H. N.
White King sorgten außerdem durch umgearbeitete
Importe aus Frankreich für Nachschub.
Ein beachtlicher musikalischer Boom
wollte bedient werden, denn um die Jahrhundertwende
gab es Schätzungen zufolge rund
10.000 Blaskapellen in Amerika. Die professionellsten
tourten erfolgreich durch die Alte
Welt und riefen das bislang wenig beachtete
Saxofon in Erinnerung, das nun in einem
neuen, exotisch wirkenden Kontext farbiger
erschien als zuvor.
Vor allem aber gab es auch neue Stile wie
den knospenden Jazz, die noch wenig vorbelasteten,
aber wirkungsvollen Instrumenten
ein Entwicklungsforum boten. New Orleans
beispielsweise war eine musikalische Stadt.
Um 1910 existierten dort etwa 30 Orchester
in der Stadt – bei gerade einmal 200.000 Einwohnern
eine beachtliche Zahl. Und man traf
sich gerne in Storyville, dem Vergnügungsviertel
von New Orleans, das im Vergleich zu
puritanischeren Regionen vom Freigeist der
Stadt profitierte, und genoss dort Vaudevilleund
Minstrel-Shows ebenso wie das Nachtleben
der Bordelle mit den dazu gehörigen
Unterhaltungsorchestern.
Das Hauptinstrument der kreolischen
Gesellschaftsgruppen war allerdings die Klarinette,
die in den ersten Jazzbands neben dem
Kornett und der Posaune eine entscheidende
Rolle spielte. Saxofone gab es zwar, und sie
wurden auch eingesetzt. Sie schafften es aber
nicht, deutliche Spuren in der Musik des Storyville
der 1910er-Jahre zu hinterlassen.
»
5
plus

Früher Meister:
Sidney Bechet (hier
1952 im Pariser Exil)
setzte am Sopransaxofon
bereits in
den 20ern bis heute
gültige Maßstäbe
Das leichtlebige Hafenviertel
Storyville
(u.) war eine ideale
Brutstätte für den
frühen Jazz
struments, gegen den Mangel an Repertoire,
indem er zahlreiche Werke etwa von Mozart,
Albéniz und Tschaikowsky transkribierte,
arrangierte und als Solist Komponisten wie
Alexander Glasunov und Jean Françaix inspirierte,
neue Werke für das Instrument zu
schreiben.
Marcel Mules profiliertester klassischer
Konkurrent wiederum stammte aus Wuppertal-Elberfeld.
Gerade einmal sechs Jahre jünger
als der Kollege aus Paris, hatte Sigurd Rascher
mit ähnlichen Problemen zu kämpfen.
Denn auch er stand vor der Situation, kaum
»
Mit dem Eintritt der USA in den Ersten
Weltkrieg aber wurde New Orleans 1917 zum
wichtigen Kriegshafen. Storyville wurde geschlossen,
zahlreiche Musiker wanderten
nach Chicago, Memphis oder Kansas City
weiter und exportierten ihre musikalischen
Erfahrungen, was der Unterhaltungsmusik
und dem frühen Jazz wichtige Impulse gab.
Und das Saxofon trat langsam aus dem Hintergrund
der Ensembles heraus.
Für den noch jungen Jazz wurde Sidney
Bechet von grundlegender Bedeutung. Ursprünglich
Klarinettist und einer der Stars
der New-Orleans-Ära, wandte er sich zunehmend
dem Sopransaxofon zu. Das hatte mehrere
Gründe. Zum einen war das Sopransaxofon
leichter zu spielen als die Klarinette. Mit
weniger Kraft, weniger Luft ließ sich größere
Dynamik und Expressivität erreichen, die er
Maßgeschneidert:
Sigurd Rascher (o.
am Bass-Saxofon)
bekam von Paul
Hindemith (rechts)
1933 ein Konzertstück
quasi auf den
Leib geschrieben
für seinen markanten Ton mit dem charakteristischen
„talking vibrato“ benötigte.
Sein Pendant in der klassischen Musik
Europas, wenn auch eine Generation jünger,
wurde der Franzose Marcel Mule. Als Sohn
eines Saxofonisten einer französischen Militärkapelle
geboren, sammelte er erste Erfahrungen
mit dem Instrument in Armee-
Ensembles, lernte aber auch den frühen Jazz
in Pariser Clubs der 20er kennen. Enorm begabt,
wurde er Solosaxofonist in der Kapelle
der Republikanischen Garde und begann
darüber hinaus, sich auch in das klassische
Segment einzuarbeiten. Mule lernte, für
das Saxofon zu arrangieren, gründete 1927
ein eigenen Saxofonquartett und wirkte in
der Opéra Comique mit seinem Instrument
etwa bei Aufführungen von Jules Massenets
Werther mit. Vor allem aber arbeitete er gegen
eines der wesentlichen Defizite seines In-
Fleißig am Sax wie am Stift: Marcel Mule
erweiterte das Saxofonrepertoire enorm
Fotos: Getty, Grant, Life
6
plus

Werke für Saxofon zur Verfügung zu haben,
die er aufführen konnte. Daher wandte sich
der junge Mann an zeitgenössische Komponisten
und versuchte, ihnen das Instrument
schmackhaft zu machen. Rascher hatte damit
Erfolg. Paul Hindemith schrieb für ihn 1933
sein Konzertstück, das Rascher allerdings
erst 1960 gemeinsam mit seiner Tochter Carina
aufführte. Den Breslauer Komponisten
Edmund von Borck hingegen inspirierte er
bereits 1932 zu einem Konzert für Altsaxofon
und Orchester, op. 6, das als erstes Werk
dieser Gattung überhaupt zählt. Als die Nationalsozialisten
in Deutschland die Macht
übernahmen, sah Rascher sich bald mit
profunder Ablehnung seines Instruments
konfrontiert, das als „undeutsch“ diffamiert
wurde. Er wanderte über Skandinavien nach
Amerika aus und avancierte gemeinsam mit
Marcel Mule zu einer prägenden Persönlichkeit
der internationalen Musikszene. Sein
Debüt in der Carnegie Hall spielte er 1939 als
Solist der New Yorker Philharmoniker, im
Laufe der Jahre wirkte er bei rund 250 verschiedenen
Ensembles und Orchestern mit.
Der „Cotton Club“ in
NY (o.) bekam 1984
von Francis Ford
Coppola ein filmisches
Denkmal
Duke Ellingtons
Band (links) wurde
zu einer Talentschmiede
für Saxofonisten
Aufbruch und Experimente
Die Goldenen 20er waren eine Ära der Aufbruchsstimmung.
Das spürten nicht zuletzt
die Hersteller von Saxofonen, die über das
Jahrzehnt hinweg mit wundersamen Zuwachsraten
beschenkt wurden. Der damalige
Marktführer Conn brachte es Mitte der
20er in guten Monaten auf bis zu 4.500 Instrumente,
die seine Fabriken verließen, und
den Konkurrenten bei Buescher, King und
Martin ging es ähnlich gut. Die prosperierende
Unterhaltungsindustrie und die hitzige
Experimentierfreude dieser Jahre hatten zu
einem Boom geführt, der schrittweise auch
Großer Altsax-
Stylist: Benny Carter
(r.) mit Dizzy Gillespie
(ganz rechts)
die Klangvorstellungen der Orchester, Combos
und Kapellen veränderte. Während in
der New-Orleans-Ära das Saxofon noch eine
untergeordnete Rolle gespielt hatte, begann
es nun langsam, aber stetig an Bedeutung zu
gewinnen.
Es war ein Wechselspiel der Impulse. Einerseits
suchten innovative Bandleader nach
abwechslungsreichen Klangfarben, die das
Nachtleben bereichern und ihr eigenes Profil
stärken sollten. Auf der anderen Seite eröffneten
junge Talente den Orchesterchefs überraschende
Möglichkeiten des Ausdrucks und
beflügelten zu Erweiterungen der musikalischen
Konzepte. In Chicago machte beispielsweise
Frank Trumbauer von sich reden, der
mit dem Trompeter Bix Beiderbecke und dem
damals sehr beliebten C-Melody-Saxofon experimentierte.
New York hatte Institutionen
wie den „Cotton Club«, in dem Duke Ellington
sein Orchester leitete, das sich zu einer
Talentschmiede für Saxofonisten entwickelte.
Der Altist Otto Hardwicke, Harry Carney am
Bariton, von 1928 an aber vor allem Johnny
Hodges prägten den Sound des Ensembles,
das wiederum auf viele weitere Orchester
ausstrahlte.
So ging es in der Swing-Ära zügig voran.
Benny Carter avancierte unter anderem
bei Fletcher Henderson zum ersten Lead-
Altisten der Jazzgeschichte und einem
»
7
plus

»
der wichtigsten Satzführer seiner Zeit.
Er definierte die Rolle der Saxofone im Big-
Band-Zusammenhang neu, indem er den Satz
verselbständigte und dem Instrument eine
eigene, klar konturierte und aus der Solistik
sich herleitende Position im Gefüge zuwies.
Und der Tenorist Coleman Hawkins galt bald
als eigentlicher Erfinder des Saxofonspiels.
Sein sonorer Sound, sein auffallend kraftvoll
schwingendes Vibrato, seine rhapsodierende
Er schrieb nicht nur mit „Body & Soul“ Saxofongeschichte:
Coleman Hawkins (o.)
Unverwüstlicher Gigant: Als Improvisator
setzt Sonny Rollins bis heute Maßstäbe
Grundhaltung beim Solieren, die gewaltige
Dynamik auf der einen Seite und das melodische
Feingefühl beim Balladenspiel auf der
anderen, die harmonisch-strukturelle Übersicht
und gleichzeitig die neugierige Grundhaltung
seiner künstlerischen Persönlichkeit
machten ihn zur Leitfigur des modernen Jazz.
Die Aufnahme von „One Hour«, ebenfalls
bei Fletcher Henderson, zementierte bereits
1929 seinen Ruf. Zum ersten Mal in der Geschichte
dieser Musik spielte ein Saxofonist
ein frei über die Harmoniefolgen fließendes
Solo, ohne die Melodie zu paraphrasieren,
ein Quantensprung des künstlerischen Verständnisses
vom Umgang mit dem Toninventar.
Und mit Lester Young, der Hawkins 1934
bei Henderson ablöste, erschien auch der erste
Meister des Eleganten und Kantablen auf
der Bildfläche. Damit waren die Eckpunkte
bestimmt, von denen aus das Saxofon seinen
fulminanten Siegeszug antreten sollte.
Denn in Charlie Parker und der Tonsprache
des Bebop liefen Mitte der 40er zahlreiche
bereits schwelende Entwicklungen
zusammen und verdichteten sich zu einer
künstlerischen Aussage, die Rebellion und
vorläufige Vollendung gleichermaßen verkörperte.
Parkers verblüffende Virtuosität
und seine trotz allen Kontroversen unübersehbare
Vielseitigkeit setzte allen Diskussionen
über die mangelnde Ausdrucksfähigkeit
des Saxofons ein Ende. Nach 1945 war das
Saxofon im musikalischen Diskurs präsent
und forderte mit künstlerischer Macht seine
bisher vernachlässigte Position auch in der
knospenden Popmusik ein. Die Vorreiterrolle
übernahm ein Tenorist aus Louisiana, der
als einer der Väter des Rhythm & Blues in
die Annalen der Saxofongeschichte einging.
Wo Charlie Parker im Hinblick auf Virtuosität
und Erweiterung des Tonmaterials die
Richtung vorgab, da schuf Illinois Jacquet
den röhrenden, „honkenden“ Sound, der den
Rhythm & Blues sowie den Rock ’n’ Roll bestimmen
sollte.
Jemand wie Big Jay McNeely beispielsweise,
der exaltierteste Honker, der sich
halbstundenlang in Ekstase spielen konnte
und mit reichlich Pyrotechnik auf der Bühne
verrückte Shows mit seinem „Dirty Boogie“
inszenierte, war musikalisch der Erbe Jacquets
auf der Clubbühne, inhaltlich aber auch
Role Model für James Brown ebenso wie Jimi
Hendrix, der als Teenie voller Begeisterung
dessen Shows besucht hatte. Mit den Screams
und Honks ging es mehr und mehr darum,
eine schwarze Stimme zu formulieren, die
mit ihren Übersteuerungen, Verzerrungen
(und erotischen Anspielungen) so originär, so
uneuropäisch und unweiß wie möglich klingen
sollte. Noch vor der Gitarre wurde das
Saxofon zu einem Medium, das den Schrei
nach Freiheit formulieren konnte.
Charlie „Bird“ Parker (links) mit Red Rodney bei einem Gig von Dizzy Gillespie (im Spiegel)
Jazz and more
In der zweiten Hälfte der 50er blickte die Jazzwelt
wiederum vor allem auf einen Newcomer,
der Parkers Leichtigkeit, Lester Youngs
Eleganz und Coleman Hawkins’ satten Ton
mühelos in einen eigenen Personalstil verwandelte.
Sonny Rollins war der Star des
Hardbop, der harmonisch komplexeren und
8
plus

Vielleicht der einflussreichste Saxofonist
von allen: der privat stille John Coltrane
mehr auf Originalität setzenden Fortentwicklung
des Bebop. Ihm folgte John Coltrane, der
mit der Forderung nach gestalterischer, von
den bisherigen Gesetzen unabhängiger Freiheit
kämpfte, die Kollegen wie Ornette Coleman
von 1960 an als mögliche Zukunft der
Musik proklamierten. Er entwickelte neue
Spielweisen, machte mit „My Favorite Things“
das aus der Mode gekommene Sopran als hohes
Pendant zum Tenor wieder populär und
führte in eine Phase der Spiritualität, die
dem Saxofon nahezu mystischen Charakter
verlieh. Coltranes Ton und seine Fähigkeit,
Melodie, Harmonie, Rhythmus, Struktur zu
einem einer freien Ausdrucksweise sehr nahen
Personalstil zu verschmelzen, anstatt sie
zu dekonstruieren, erhob seine Musik zu einem
Maßstab, der nahezu alle Saxofonisten
bis in die 90er Jahre beeinflusste und sogar
Rockstars wie Bono, Jerry Garcia und Carlos
Santana zu seinen Fans werden ließ.
Während sich die Saxofonisten des Jazz
durch ihre immer schwerer verständlichen
Experimente vom großen Publikum entfernten,
entwickelten die Kollegen des boomenden
Soul- und Funk-Segments in Anlehnung
an die Bläsersätze der Swingorchester eine eigene,
effektvolle Klangsprache. Mit der Popularität
des Rhythm & Blues und jungen
»
Von Tubax bis Soprillo – Die Saxofonfamilie
Saxofone werden aus Messing gefertigt, einer Legierung aus Kupfer
und Zink. Ausgangspunkt der Herstellung sind plane Messingbogen, die
zu einem Rohr geformt und mit einem dünnen Lack überzogen werden,
dem goldene Farbe beigemischt wird. In oberen Preisklassen gibt
es außerdem versilberte und vergoldete Saxofone. Darüber hinaus
gibt es vernickelte Instrumente mit glänzend silbrigem Äußeren oder
auch in Schwarz. Das Saxofon besteht aus drei Teilen: dem S-Bogen,
an den das Mundstück angesteckt wird, dem Hauptrohr oder Korpus
mit den Tonlöchern und dem Schallbecher. Es ist konisch aufgebaut,
wird also in Richtung Schallbecher immer dicker. Mittels der Tonlöcher
verändert man die Tonhöhe nach dem gleichen Prinzip wie bei der Blockflöte.
Sind alle Löcher geschlossen, erklingt der tiefste Ton.
Sopranino und Sopransaxofon weich, anpassungsfähig, zugleich
Das Sopransaxofon gibt es in klar und wenn nötig auch prominent.
Von allen Instrumenten
zwei verschiedenen Bauformen.
Bei der Version mit geradem
der Familie kommt das
Korpus wird das Mundstück
Altsaxofon am ehesten
mit dem Korken direkt auf
diesem Ideal nahe. Es
dem Instrument befestigt.
ist der mit Abstand
Die gebogene Form verfügt
vielseitigste Vertreter
auch über einen S-Bogen,
der Familie, wird
der aber wie beim Alt ohne
von klassischen
weitere Schlingen in einem
Musikern ebenso
nicht ganz rechten Winkel in
geschätzt wie von
das Instrument führt.
Spielanfängern, hat
Das Sopranino ist das Instru-
mit Charlie Parker
ment mit den höchsten Lagen der seinen sagenhaften Genius erlebt
gängigen Bauformen. Üblicherweise
wird das Sopranino mit ten noch immer nicht ausgereizt.
und scheint in seinen Möglichkei-
geradem Hals gebaut, wobei der
Schalltrichter nach unten weist. Das Tenorsaxofon
Seltener ist die gebogene Form, Der Klang des Tenorsaxofons
bei der der Schalltrichter wie ist weicher, satter, voluminöser
beim Alt und Tenor nach oben als der des Altsaxofons, wird
weist. Da es auf diese Weise ein
von manchen Musikern
wenig wie ein Spielzeug aussieht,
findet man das gebogene
erotisch, manchmal
und Hörern auch als
Sopranino nicht nur in manchen
gar lasziv empfunden.
Blaskapellen, sondern auch in
In jedem Fall eignet
der Manege bei Zirkusclowns.
es sich hervorragend
für Blues,
Eine weitere Sonderform des
Saxofons ist das gerade einmal
Rock‘n‘Roll,
rund 30 cm lange Soprillo. Es ist
Funk, Soul, Pop
das höchste noch regulär gebaute
und Jazz, wird aber
Instrument der Familie.
aufgrund seiner
Präsenz, Durchsetzungskraft
und
Das Altsaxofon
Als Adolphe Sax das Saxofon Lautstärke kaum im klassischen
erfand, dachte er daran, dass es Ambiente verwendet. Obwohl es
Streichinstrumente in Orchestern deutlich schwerer und größer als
ersetzten könnte. Seine Vorstellung
vom Klang war seiden und ebenfalls gut für Anfänger.
das Altsaxofon ist, eignet es sich
Es
lässt sich vergleichsweise leicht
sauber intonieren, ermöglicht es,
den Ton zu biegen, und hat ein
Ausdrucksspektrum, das von den
sanften, beinahe gehauchten
Balladen eines Ben Webster bis
hin zu den herben, nebelhornartigen
Honks eines Big Jay McNeely
reicht.
Das C-Melody Saxofon
ist eine Sonderform zwischen Alt
und Tenor. Zu einem richtigen
Boom dieses Instruments
kam es im Anschluss an
den Ersten Weltkrieg,
als die Laienmusik das
Saxofon für sich entdeckte.
Während
Profis weiterhin
die üblichen B- und
Es-Instrumente bevorzugten,
empfanden
die Amateure die
C-Varianten als einfacher, da sie
sich sofort mit anderen Instrumenten
kombinieren ließen, ohne
dass man viel Ahnung von Musik
haben musste. Im professionellen
Ambiente gab es neben Frank
Trumbauer nur wenige Musiker,
die sich mit ihm beschäftigten.
Als in den frühen 30ern die
wirtschaftliche Depression dafür
sorgte, dass vielen kleinen Haushalten
das Geld ausging, brach
die Produktion der C-Melody-
Saxofone ein.
Das Baritonsaxofon
Wegen seines wuchtigen und in
tiefen Lagen schnell unscharfen
Klangs wird das
Baritonsaxofon selten
solistisch eingesetzt,
hat aber einen
festen Platz in
Bläsersätzen
von Big Bands, in
klassischen Saxofonquartetten
und in der
Blechblasmusik. Seine
Karriere als eigenständiges
Instrument
begann eher spät, da es
nicht nur unhandlich und schwer,
sondern auch teuer war.
9
plus

»
Soul in den späten 50er Jahren bei gleichzeitigem
Niedergang der klassischen Swing-
Jazz-Orchester wurden mit Studiomusikern
besetzte Bläsersätze für eine wachsende Öffentlichkeit
stilprägend. Bereits 1957 wurde in
Memphis Stax Records gegründet, zu dessen
Künstlerstamm seit Mitte der 60er auch die
Memphis Horns mit Andrew Love am Tenor
und James Mitchell am Bariton zählten. Sie
haben zunächst im Hintergrund von Albert
King und Elvis Presley, seit den 70ern dann
sowohl unter eigenem Namen als auch auf
Alben von den Doobie Brothers über Aretha
Franklin bis Rod Stewart gewirkt. Konkurrenz
für Stax kam 1959 aus Detroit mit der
Plattenfirma Motown, deren neue Stars wie
Stevie Wonder, Marvin Gaye und die Commodores
gerne auf das Saxofon als markante,
soulig schwarze Klangfarbe zurückgriffen.
Seit den 50er Jahren wuchs außerdem
das Interesse zeitgenössisch klassischer und
improvisierender Musiker aneinander. Jeder
erhoffte sich etwas von der Welt des anderen,
Abstraktion und zunehmende Verschlüsselung
standen der Vitalisierung, dem Spontanen
gegenüber. Nachdem serielle, elektronische
Musik und musique concrète wenig
mit dem zur Expressivität neigenden Saxofon
hatten anfangen können und Versuche des
Third Stream neben Klassik und Jazz eher
wie Bebop im Frack geklungen hatten, änderte
sich die Situation mit dem freien Spiel.
Tatsächlich war auch in der Klassik die
Skepsis dem einstigen Newcomer gegenüber
geschwunden. Pierre Boulez und Luciano
Berio setzten es längst im Orchesterkontext
ein. Darüber hinaus schrieben seit den 70ern
Komponisten wie Ryo Noda, Pierre-Max Dubois,
Eckart Beinke und Jean-Marie Londeix
Intellektuell: Anthony Braxton
(o.) fordert viel von den Hörern
So feurig wie verlässlich: die
Memphis Horns (li.) liefern seit
40 Jahren funky Präzision
zunehmend Stücke für Solo-Saxofon. Grenzgänger
wie Anthony Braxton überschritten
bewusst die Demarkationslinien zwischen
Improvisation und Komposition, zumal nach
dem Befreiungsschlag der Free-Jahre Neues
vor allem auf dem Gebiet des Klangs und
der Tonorganisation zu erwarten war. Nahm
Coleman Hawkins mit „Picasso“ 1947 das erste
Stück für unbegleitetes Saxofon auf, so war
Braxtons „For Alto“ 1968 das erste komplette
Album, das ohne ein anderes Instrument
auskam.
Für die junge klassische Szene wichtig
wurden die Kreise um Jean-Marie Londeix
an der Universität in Bordeaux und um Larry
Teal und Donald Sinta an der Universität von
Michigan. Londeix hat als herausragender
Solist das klassische Saxofon der Avantgarde
geöffnet und ist außerdem einer der führenden
Historiker seines Fachs. Donald Sinta hat
nach einer Verbindung der Klangideale von
Rascher und Mule gesucht und diese Vorstellung
an zahlreiche amerikanische Studenten
weitergegeben. Außerdem gehört er zu den
Initiatoren des seit 1969 in der Regel alle drei
Jahre stattfindenden World Saxophone Congress,
bei dem sich im Schnitt rund 1.000
Musiker, Lehrer, Komponisten und Instrumentenbauer
um die Förderung und Fortentwicklung
des Instruments kümmern
und in dessen Rahmen zahlreiche
Uraufführungen neuer
Saxofonwerke stattfinden. Dabei
ist inzwischen nicht mehr
die Fülle des Repertoires das
Problem. Jean-Marie Londeix
hat für die Jahre zwischen 1844
und 1969 rund 3.000 Kompositionen
für Saxofon aufgelistet.
Insgesamt gehen Schätzungen bis zum Jahr
2000 von mehr als 11.000 Kompositionen und
Transkriptionen aus, die dem Saxofon eine
zentrale oder solistische Rolle zuweisen, Tendenz
steigend.
Ein Paradies mit Anspruch
Auf der einen Seite haben es Saxofonisten
heute also besser denn je. Nie zuvor in der
Geschichte der Musik war die Ausbildungssituation
ähnlich kommod. Allein in Deutschland
kann man im Jahr 2010 an 18 Hochschulen
Jazzsaxofon studieren. Im Jahr 2003
wurde außerdem Daniel Gauthier auf den
hierzulande ersten Lehrstuhl für klassisches
Saxofon in Köln berufen. Die Preise für Einsteigerinstrumente
sind gefallen, Repertoire
in allen Stilsparten ist ausgiebig vorhanden.
Die grundlegenden Legitimationskämpfe
des Instruments sind ausgefochten, selbst als
Männerdomäne taugt es nicht mehr, seit sich
Saxofonistinnen wie Barbara Thompson,
Candy Dulfer und in der nächsten Generation
Angelika Niescier und Kathrin Lemke
bewährt haben.
Andererseits bedeuten die wachsende
nationale und globale Konkurrenz, die weltweit
gestiegene spieltechnische Kompetenz
und die stilistische Offenheit nach nahezu
allen Seiten hin bei gleichzeitig schrumpfendem
Tonträgermarkt und anhaltendem
Clubsterben, dass es mehr denn je für einen
Musiker darauf ankommt, seinen persönlichen
Sound oder seine spezielle Nische zu
finden. Genau genommen steht das Saxofon
damit noch immer relativ am Anfang seiner
Möglichkeiten.
das buch
„Portrait Saxofon“
Faszinierend und schillernd ist die Geschichte des
Saxofons, seiner Musik und seiner Interpreten.
Im Bärenreiter Verlag erschien vor wenigen
Wochen mit „Portait Saxofon: Kultur, Praxis,
Repertoire, Interpreten“ (170 Seiten,
kartoniert) eine lesenswerte und umfassende
Darstellung dieses wichtigen Instruments
des 20. Jahrhunderts. Für SONO
fasste der Autor Ralf Dombrowski in
dieser Retrospektive einige Kernpunkte
der Monografie als Konzentrat und Vorgeschmack
zusammen.
Fotos: Getty, Marcello
10
plus

Sax-Hörfutter
Ralf Dombrowski sichtet das CD-Angebot
zum Thema – nicht nur im Jazz!
Noch Jahrzehnte nach Charlie
Parkers Tod fand man in New
York Graffiti mit der Aufschrift
„Bird Lives“. Der Saxofonist und
Bebop-Heroe hatte eine derart
markante Spur in der Musikgeschichte
hinterlassen, dass manche
Fans nicht wahrhaben wollten,
dass er bereits 1955 im Alter
von 35 Jahren gestorben war.
„Bird“ war zum Mythos geworden
und das auch, weil seine Musik
einen gestalterischen Quantensprung
darstellte, wie vor ihm
schon bei Coleman Hawkins und
nach ihm bei Sonny Rollins, John
Coltrane und Ornette Coleman.
Die Geschichte des Saxofons ist
bis in die 60er Jahre hinein ein
Netzwerk von Personalstilen, an
dessen Knotenpunkten einzelne
Koryphäen vor allem aus dem
Jazzumfeld die Entwicklungen
bestimmten – zur Orientierung
daher einige kommentierte Hörtipps,
von denen aus sich Vergangenheit,
Gegenwart und ein
wenig auch die Zukunft des Instruments
erschließen lassen.
Klassiker
Coleman Hawkins
„Body & Soul“
Aufgenommen wurde am 11. Oktober
1939, auf dem Plan standen
zunächst drei Stücke. Dann aber
fehlte noch ein Song, um die damals
üblichen Vierergruppen
von Aufnahmesessions voll zu
machen. Coleman Hawkins
wählte einen Schlager aus, ein
harmonisch auf den ersten Blick
ungelenkes Stück namens „Body
And Soul“ – es wurde nur einmal
eingespielt, es lief flüssig, und so
war man im Großen und Ganzen
zufrieden. Coleman Hawkins
maß dem Take keine besondere
Bedeutung zu und stellte erst
später fest, was ihm gelungen
war. Denn „Body And Soul“ war
ein Meisterwerk, das für das
stand, was der Tenorsaxofonist
bislang repräsentierte: Inspiration
und Eigensinn, melodische
Finesse und Freiheit, in sich logische
Gestaltung und betörenden,
großen Sound. Die Aufnahme
wurde zu einem Meisterstück
der Übergangszeit vom vergleichsweise
streng geregelten
Swing zum solistisch freier und
impulsiver agierenden Bebop,
darüber hinaus ein Prüfstein für
die balladenhafte Ausdrucksfähigkeit
und ist nach dem Schellack-Original
vielfach in Compilations
wieder aufgelegt worden,
etwa mit der Sammlung „Body &
Soul“ (Victor Jazz BMG)
Charlie Parker
„Ornithology“
Genau genommen könnte man
fast jede Aufnahme von Charlie
Parker aus den Jahren 1945 bis
1947 als Beispiel für die Revolution
heranziehen, die der Saxofonist
im New York des musikalischen
Paradigmenwechsels
vom Swing zum Bebop anzettelte.
Ein echter Meilenstein aber
war vor allem „Ornithology“ von
1946, dessen elegant verspieltes
Thema sich derart intensiv im
kollektiven Klanggedächtnis der
Ära einbrannte, dass es quasi als
Paradebeispiel für Charlie Parkers
Gestaltungskunst stehen
kann. Da sich Charlie Parker
nicht um die Vermarktung seiner
Aufnahmen kümmerte, sind
die Stücke inzwischen in zahllosen
Compilations erhältlich.
Sonny Rollins
„Way Out West“
Es ist die wahrscheinlich witzigste,
in jedem Fall die ironischste
Platte, die Sonny Rollins in seiner
Sturm-und-Drang-Zeit gemacht
hat. „Way Out West“ (Original
Jazz Classics) zeigt den Tenoristen
auf dem Cover als Cowboy-
Parodisten, und auch Songs
wie „I’m An Old Cowhand“ gehen
durchaus als Humor durch.
Musikalisch jedoch ist „Way Out
West“ auf dem Punkt. Es ist das
erste Album von Sonny Rollins
ohne Harmonieinstrument, nur
im Trio mit Ray Brown am Bass
und Drummer Shelly Manne.
Aufgenommen in den frühen
Morgenstunden des 7. März 1957
in Los Angeles zelebriert der
Bandleader bei seinem Ausflug
an die Westküste Hardbop-fundierte
Coolness und genehmigt
sich zugleich ausführliche improvisatorische
Exkurse.
Ornette Coleman
„The Shape Of Jazz
To Come“
Das Motto der Ära gab wenig
später „Free Jazz“ (1960)
aus. Auf „The Shape Of Jazz To
Come“ (1959, Atlantic) aber war
bereits formuliert, was an musikalischer
Neuerung ins Haus
stand. Es war das erste Album,
das Ornette Coleman für Atlantic
aufnahm, das erste auch mit
seinem klassischen Quartett mit
Trompeter Don Cherry als Alter
Ego und Charlie Haden und Billy
Higgins an Bass und Schlagzeug.
Es experimentierte bereits
nachhaltig mit der Auflösung der
bisher dominierenden Songform
und enthielt mit dem betörenden
Rubato-Stück „Lonely Woman“
eine der bekanntesten Coleman-
Kompositionen überhaupt. Kurz:
Es ist ein Eckpfeiler, auf dem die
Entwicklung der folgenden Jahre
aufbaut und im Unterschied zu
dem manifestartigen „Free Jazz“
auch nach Jahrzehnten noch genussvoll
zu hören.
John Coltrane
„A Love Supreme“
Es ist das Monument des Instruments.
„A Love Supreme“ konkurriert
nicht nur seit Jahrzehnten
mit Miles Davis’ „Kind Of
Blue“ (1959) um das Siegerpodest
des besten Jazzalbums aller
Zeiten. Es markiert auch John
Coltranes spirituellen Griff zu
den Sternen, angelegt als hymnisches
musikalisches Gebet. „A
Love Supreme“ (Impulse/Universal)
ist eine vierteilige Suite, aufgenommen
am 9.Dezember 1964.
Im Unterschied zu den einzelnen
Kompositionen des Vorgängeralbums
ist es ein in sich zusammenhängendes
Werk, das ebenso
intuitiv wie systematisch mit den
Möglichkeiten von Steigerung
und Rücknahme, Intensität und
Entspannung arbeitet. Es ist ein
Konzeptalbum, das auf jahrelanger
bewusster, beiläufiger Vorbereitung
mit dem klassischen
Coltrane-Quartett mit McCoy
Tyner am Klavier, Jimmy Garrison
am Bass und Elvin Jones am
Schlagzeug aufbauen konnte. Und
es wurde eine Aufnahme, die genre-
und gattungsübergreifend die
Vorstellung der Ausdruckskraft
des Saxofons neu definierte. »
11
plus

Wayne Shorter
„Native Dancer“
Für seinen Einstand 1975 als
Leader bei der Plattenfirma CBS
hatte der über das Miles-Davis-
Quintett und die Fusion-Combo
Weather Report bekannt gewordene
Wayne Shorter Neues im
Sinn. „Native Dancer“ (Columbia)
sollte seine Begeisterung für
die gerade im Wachstum befindliche
Música Popular Brasileira
ausdrücken, dabei die jazzrockigen,
modernen Wurzeln integrieren
und zugleich klangkulturell
so wenig dominant wie möglich
sein. Damit das gelingen konnte,
lud er alte Weggefährten wie
den Pianisten Herbie Hancock
und den Perkussionisten Airto
Moreira zur Session und gab
vor allem dem jungen Sänger,
Gitarristen und Komponisten
Milton Nascimento viel Raum.
Das Resultat klang jazzfundiert
mondän, und es unterschied sich
deutlich von den Samba- und
Bossa-Klischees, aber auch von
südamerikanischen Stiladaptionen
nach Art der damaligen
Supergruppe Return To Forever
und knüpfte zugleich an deren
Arbeit an.
Michael Brecker
„Tales From The Hudson“
Michael Brecker gehörte zu der
Generation danach. Die Revolutionen
waren bereits gelaufen,
als der Tenorist aus Philadelphia
sich in den 70ern seinen Namen
in der New Yorker Studioszene
machte. Formal war der Musik
kaum noch etwas hinzuzufügen,
dafür aber etablierte er einen eigenen,
soulgetönten Sound, der
neben dem Quietschton von David
Sanborn prägend für die 80er
und 90er Jahre wurde. Bands
Chris
Potter
wie die Brecker Brothers und
Steps Ahead verfeinerten das
Fusion-Idiom, und mit „Tales
From The Hudson“ (1996, GRP/
Impulse) erwies Michael Brecker
sich auch als pointierter Gestalter
des anspruchsvollen Modern
Mainstream. Als Band hatte er
mit Pat Metheny (g), McCoyTyner
(p), Joey Calderazzo (p), Dave
Holland (b), Jack DeJohnette (dr)
und Don Alias (perc) die Crème
der Szene an seiner Seite.
Jan Garbarek
„Folk Songs“
Die Saxofonstimme Europas
war zunächst laut. Peter Brötzmann
war als Berserker in die
Free-Szene gefahren und hatte
mit Energieausbrüchen Zeichen
gesetzt. Sein norwegischer Kollege
Jan Garbarek ging anfangs
ebenfalls freie Wege, lenkte dann
aber melodisch ein. „Folk Songs“
(1979, ECM) war ein programmatisches
Trioalbum, das die
Suche nach einer neuen Identität
schon im Titel hatte. Neben
Garbarek hörte man den brasilianischen
Gitarristen Egberto
Gismonti und den bei Ornette
Coleman sozialisierten Bassisten
Charlie Haden. Heraus kam
eine Mischung, die den vokalnahen
und elegischen Sound vor
allem des Sopransaxofons mit
der melodisch mäandrierenden,
rhythmisch subtilen Gitarre und
einem gelassen sonoren Bass
kombinierte.
Alexander Glasunow
„Konzert für Altsaxofon
und Streichorchester
op. 109“ (1934)
Im Unterschied zum Jazz fallen
in der Klassik Komposition und
Interpretation selten zusammen.
Aber auch hier gab es prägende
Werke, die die Vorstellung der
Darstellung nachhaltig bestimmt
haben, wie Alexander Glasunows
Saxofonkonzert. Der in St.
Petersburg geborene, im Alter
in Paris lebende Spätromantiker
schrieb zwei Konzertstücke
für Saxofon, und beide entstanden
in seinen letzten Lebensjahren.
Angeregt von Sigurd
Rascher schrieb er das „Konzert
für Altsaxofon und Streichorchester
op. 109“ ganz unter dem
Eindruck des jungen Virtuosen,
ein schwärmerisches Opus, das
sich aufgrund seiner angenehmen
Klanggestalt schnell zum
Standard des klassischen Repertoires
entwickelte. Interpretationen
gibt es viele, etwa von John
Harle, begleitet von der Academy
Of St. Martin In The Fields unter
der Leitung von Sir Neville Marriner,
der Klassiker des Genres
von Glasunow über Debussy und
Ibert bis Villa-Lobos auf einer
CD zusammenfasst (Saxophone
Concertos, 2005).
Schmankerl
Roland Kirk „Domino“
Roland Kirk war ein typischer
Musician’s Musician, von Kollegen
verehrt, aber vom Publikum
nicht in der Weise anerkannt, wie
er es verdient hätte. Seit seinem
zweiten Lebensjahr blind, hatte
er Trompete, dann Klarinette
und Saxofon gelernt und seitdem
andere ungewöhnliche Instrumente
wie Nasenflöte, Man -
zello, Whistle, Stritch ausprobiert.
Ein Freak, den man in New York
an der Straßenecke treffen konnte,
mit drei Saxofonen gleichzeitig
im Mund seinen eigenen Bläsersatz
übend. „Domino“ (Verve)
entstand 1962, ein Quartettalbum
mit verschiedenen Besetzungen,
das vom Jazz-Walzer über Funk-
Bop bis zur Flötenballade in repräsentativer
Form die Facetten
seiner Stil- und Instrumentalexperimente
abbildet.
Four Brothers
„... Together Again!“
Die Four Brothers sind die Mutter
aller Bläsersätze. Die Originalbesetzung
bestand aus den
vier Tenoristen Stan Getz, Zoot
Sims, Jimmy Giuffre und Herbie
Stewart, die Woody Herman 1947
geschlossen für sein Orchester
Second Herd engagierte. Giuffre
stieg bald aus, wurde von dem
Bariton Serge Chaloff ersetzt,
und damit war der typische
„Four-Brothers-Sound“ kreiert,
der die Energie des Bebop auf
die Kraft des Bläsersatzes übertrug
und zu einem viel kopierten
Vorbild effektiven Arrangierens
wurde. Anno 1957 wurde in New
York – nun mit Al Cohn statt
Stan Getz – die LP „... Together
Again!“ (RCA Victor/BMG) aufgenommen,
die mit viel Verve
das Prinzip noch einmal auf den
Punkt bringt, einschließlich des
Erkennungsstücks des Ensembles
„Four Brothers“ in schmissig
mitreißender Version.
Heinz
Sauer
12
plus

Gerry Mulligan Quartet
with Chet Baker
„Giants Of Jazz“
Der Baritonsaxofonist Gerry
Mulligan war in der Hoffnung
auf Arbeit von New York nach
Los Angeles getrampt und hatte
beim Jammen den Milchbart
Chet Baker kennen gelernt, ein
Naturtalent an der Trompete, der
keine Ahnung von Noten, aber
viel Intuition hatte. Sie spielten
ein paar Auftritte, aus Platzgründen
im Quartett ohne Harmonieinstrument,
und trafen damit den
Sound der Zeit. Am 16.August
1952 gingen sie zum ersten Mal
für das noch junge Label Pacific
Jazz ins Studio, bis Mitte 1953 entstanden
weitere Aufnahmen, die
sich wie „Lullaby Of The Leaves“,
„Line For Lyons“ und „My Funny
Valentine“ zu Hits der Cool-Ära
entwickelten und seitdem als
Klassiker des West Coast Jazz
gelten. Sie sind in zahlreichen
Editionen zusammengefasst, sogar
in Budget-Ausgaben wie in
der Reihe Giants Of Jazz (Giants
Of Jazz CD).
Grover Washington Jr
„Winelight“
Puristen schüttelten den Kopf.
Aber sie konnten nicht verhindern,
dass Winelight eines der
erfolgreichsten Jazz-Alben der
achtziger Jahre wurden. Es bekam
zwei Grammys verliehen,
verkaufte sich mehr als eine Million
Mal, nicht zuletzt wegen Bill
Whiters’ Gastauftritt in „Just The
Two Of Us“. Tatsächlich ist Winelight
(1980, Warner Jazz) das
Flaggschiff der Smooth-Sparte,
das aber aufgrund einer herausragenden
Band unter anderem
mit Marcus Miller am Bass und
Steve Gadd am Schlagzeug nicht
ins Seichte abglitt. Und natürlich
war es auch Grover Washington
Jr. selbst, der Sopran-Spezialist
aus Buffalo, New York mit geschmeidigen
und eloquenten
Linien.
Sauer/Wollny/Kühn
„If (Blue) Then (Blue)“
Obwohl der Saxofonist aus Merseburg
Heinz Sauer schon in den
Sechzigern als Saxofonist bei Albert
Mangelsdorff auf sich aufmerksam
machte, wurde er erst
während des vergangenen Jahrzehntes
richtig entdeckt. Dazu
trug vor allem das Duo mit Michael
Wollny bei, dem versponnenen
Klavierexzentriker, der
sein Enkel sein könnte. Auf „If
(Blue) Then (Blue)“ (ACT) stieß
nun anno 2009 noch Joachim
Kühn zum Team, ebenfalls einem
Klavier-Freak mit markant
irisierendem, irrlichterndem
Stil. Sechzehn Miniaturen wurden
aufgenommen, dialogische,
skizzenhaft Pretiosen von selten
mehr als drei Minuten Länge.
Kühn und Wollny wechseln
sich am Klavier ab, Sauers Linien,
Bögen und Salven schweben
darüber, verstockt manchmal,
rhapsodisch, aber auch lyrisch
und versöhnlich. Großes musikalisches
Erzählkino in kleinen,
persönlichen Episoden.
Perspektiven
Chris Potter „Gratitude“
„Als ich mit dem Saxofon anfing,
ging es viel um Johnny Hodges,
Paul Gonsalves und die ganzen
Cracks der Duke Ellington Band.
Damals war ich elf Jahre alt.
Dann machte ich weiter mit Charlie
Parker und so bin ich meinen
Weg durch die Jazzgeschichte gegangen“.
Gelandet ist Chris Potter
an der Spitze des modernen
Saxofonspiels, ein Virtuose mit
profunder Musikalität. „Gratitude“
(Verve) ist seine Verbeugung
vor den Meistern der Geschichte
von John Coltrane bis Joe Henderson.
Branford Marsalis
„Metamorphosen“
„Mein Tourmanager rief mich an
und meinte, er brauche wieder
neues Material, denn es wären
schon zwei Jahre vergangenen seit
dem letzten Album. Also tourten
wird zwei Wochen, mieteten ein
Studio und haben aufgenommen.
Zum Glück hatte die Band
genügend neue Songs geschrieben,
dass daraus auch etwas
wurde. Und einiges ist auch von
mir. ‚Jabberwocky‘ zum Beispiel
bezieht sich auf ein Gedicht von
Lewis Carroll, in dem die ganze
Welt auf dem Kopf steht. Nichts
passt zusammen. Ich mag Songs,
die sich nicht an die Regeln halten,
und daher passte in diesem
Fall der Titel perfekt. Denn das
Stück ist ein ziemliches Durcheinander“.
Und das Album „Metamorphosen“
(2009, Marsalis
Music) eines der konsequentesten
des amerikanischen Modern
Traditionalism. Spieltechnisch
kann kaum ein anderes Quartett
Branford Marsalis und den Seinen
das Wasser reichen.
Branford
Marsalis
Rudresh Mahantappa
& Bunky Green „Apex“
Rudresh Mahanthappa, indischstämmiger
Nicht-Mehr-Ganz-
Jungstar am Alt-Saxofon trifft
auf den Kollegen Bunky Green
aus Chicago, holt sich Jason Moran
in die Band, einen Pianisten
mit Mut zu kantigen Kommentaren,
den Saitenderwisch
François Moutin am Bass und
abwechselnd die Drummer Damion
Reid und Jack DeJohnette.
Das Resultat klingt virtuos modern,
denn der Newcomer und
seine Alter Ego verknüpfen geschickt
die Motivwelten von modernem
Jazz und fernöstlicher
Tönung mit einem deutlichen
Schwerpunkt auf dem gepflegten
Modern Sound der East Coast.
Heraus kommt eine Sammlung
eloquenter Bandgespräche mit
dem Titel „Apex“ (PI Recordings
), sperrig zuweilen, aber mit viel
kreativer Substanz.
Angelika Niescier
„Sublim III“
Angelika Nescier hat ihren eigenen
Kopf. Die Saxofonistin aus
Stettin und Echo Jazz Preisträgerin
entwirft ihre Idee von modernem
Jazz, indem sie möglichst
detailliert mit Farben und komplexen
Abläufen, Kontrasten und
klangdramaturgischen Gewichtungen
arbeitet. Dabei erweist
sich ihr klarer, kraftvoller Sound
und ihre Phrasierung von den feinen
Momenten bis zu den Tonsalven
kontrollierter musikalischer
Ekstasen als vielfältig wandelbar.
„Sublim III“ (2009, Enja) präsentiert
sie im Quartett unter anderem
mit Pianist Florian Weber als
präzise Strukturdenkerin, deren
Musik systematisch die Felder
moderner Ausdrucksformen abtastet.
Anspruchsvoller Stoff.
13
plus

sono-portfolio „Kathedralen der klänge“ (3)
Vornehme Nachbarschaft:
das Konzerthaus liegt
in South Kensington
Royal Albert
Hall, London
Rund um die Halle zeigt ein
mosaik-artiges Fresko den
„Triumph der Künste und
Wissenschaften“ (links)
Die Beatles haben sie in „A DayIn The Life“ besungen,
für die betuchten Jünger von Eric Clapton ist
sie eine Art jährlich zu besuchender Pilgerstätte
(der Gitarrist hat bis heute mehr als 150 Konzerte in ihr
gegeben), doch für die meisten Briten ist sie vor allem der
Schauplatz der seit 1941 stattfindenden „Summer Proms“,
der sommerlichen Klassikkonzerte der BBC.
Queen Victoria hat die heute rund 5500 Besucher
fassende Halle mit dem elliptischen Grundriss im März
1871 eröffnet und nach ihrem Gatten Prince Albert taufen
lassen (eigentlich sollte das Bauwerk „The Central Hall
Of Arts And Sciences“ heißen). Die Baumeister Captain
Frances Fowke und Major-General Henry Y.D. Scott
liessen sich bei ihrem Entwurf sowohl von antiken Amphitheatern
als auch von den Bauwerken des Deutschen
Gottfried Semper inspirieren. Außen wie innen wurden
an ihrem Werk bis heute nur dezente (vornehmlich den
technischen Anforderungen moderner Veranstaltungen
geschuldete) Modifikationen vorgenommen.
Gut gebucht: rund 350 Mal
im Jahr füllen Konzerte,
Oper, Ballett, Awardshows
u.ä. den Bau mit Leben
14
plus

Neuheiten Pop & rock
Foto: Martin Huch
CD-Veröffentlichungsübersichten
aus Pop &
Rock, Jazz, World & Co.
und Klassik finden
Sie wöchentlich aktualisiert
unter
sonomagazin.de
A
... And You Will
Know Us By The
Trail Of Dead
„Tao Of The Dead“
(29.01.)
Adele „21“ (08.01.)
Anne Haigis
„Wanderlust“ (29.01.)
b
Barclay James
Harvest „Once
Again (40th Anniversary
Edition)“
(22.01.)
Bart Davenport
„Searching For Bart
Davenport“ (08.01.)
Beatsteaks
„Boombox“ (22.01.)
Black Sabbath
„Dehumanizer (Deluxe
Edition)“ (29.01.)
Bluekilla „Never Was
A Ska Band“ (26.02.)
Bonfire „Branded“
(08.01.)
Boy George „Ordinary
Alien (Digipack
Edition)“ (22.01.)
c
Ciara „Basic Instinct“
(04.12.)
Cold War Kids „Mine
Is Yours“ (08.01.)
Convertible
„ALH84001“ (18.12.)
d
David Hasselhoff
„A Real Good Feeling“
(08.01.)
David Lynch „Good
Day Today“ (22.01.)
Decemberists „The
King Is Dead“ (01.01.)
Diverse Interpreten
„Kokowääh“ (Soundtrack)
(29.01.)
Dover „I Ka Kene“
(04.12.)
e
Erik & Me
„Versteck“ (01.01.)
Esben & The Witch
„Violet Cries“ (22.01.)
Eva Cassidy
„Simply Eva“ (29.01.)
f
Faust
„Something Dirty“
(22.01.)
Filter
„The Trouble With
Angels“ (01.01.)
Herr Kunze nutzt „Die Gunst der Stunde“
Fujiya & Miyagi
„Ventriloquizzing“
(22.01.)
Funeral Party
„Golden Age Of
Knowhere“ (08.01.)
g
Gang Of Four
„Content“ (22.01.)
George Michael
„Faith“ (Remastered)
(22.01.)
Gregg Allman
„Low Country Blues“
(22.01.)
Gregorian
„Best Of 1990–2010“
(22.01.)
Gregory Isaacs
„One Man Against
The World – The Best
Of“ (29.01.)
Gretchen Peters
„Circus Girl – The Best
Of“ (29.01.)
h
Heidi Spencer
„Under Streetlight
Glow“ (22.01.)
Heinz Rudolf
Kunze „Die Gunst
der Stunde“ (08.01.)
Hercules & Love
Affair „Blue Songs“
(22.01.)
Hot Chocolate
„Box Selection
(1974–1983)“ (22.01.)
Hot Club De Paris
„Free The Pterodactyl
3“ (29.01.)
How To Dress
Well „Love Remains“
(22.01.)
i
Iron & Wine
„Kiss Each Other
Clean“ (08.01.)
Isolee
„Well Spent Youth“
(22.01.)
j
Jack Bruce
„Live At The Milkyway“
(29.01.)
Jamie Foxx
„Best Night Of My Life“
(11.12.)
Jay-Z
„All Black Everything“
(29.01.)
Unglaublich,aber wahr: David „The Hoff“ Hasselhoff is back!
Joan As A Police
Woman „The Deep
Field“ (08.01.)
Johannes Oerding
„Boxer“ (22.01.)
k
Kaizers Orchestra
„Violeta Violeta Vol.1“
(22.01.)
Keyshia Cole
„Calling All Hearts“
(25.12.)
l
Ludacris „Doing
Units“ (18.12.)
m
M. Walking On The
Water „Flowers
Of The Departed“
(22.01.)
Marianne Faithfull
„Horses And High
Heels“ (22.01.)
Matthew Friedberger
„Napoleonette“
(22.01.)
Michael Jackson
„Michael“ (04.12.10)
n
Neogene „Hunting“
(29.01.)
p
Pat Appleton
„Mittendrin“ (22.01.)
Patty Moon „Mimi
And Me“ (22.01.)
Peter Finger „Flow“
(08.01.)
Plan B „The Defamation
Of Strickland
Banks“ (04.12.)
q
Quicksand feat.
Pit Baumgartner
& Sandie Wollasch
„Economic Poetry“
(22.01.)
r
R. Kelly
„Love Letter“
(11.12.)
Robin Trower „At
The BBC 1973-1975“
(29.01.)
s
Schandmaul
„Traumtänzer“
(22.01.)
Scott Kelly „The
Wake“ (11.12.)
Skunk Anansie
„Wonderlustre“
(Limited Tour Edition)
(22.01.)
Sonique „Sweet
Vibrations“ (22.01.)
Stefan Dettl
„Rockstar“ (29.01.)
Sufjan Stevens
„All Delighted People“
(04.12.)
t
Talib Kweli „Gutter
Rainbows“ (22.01.)
Teitur „Let The
Dog Drive Home“
(22.01.)
The Bonzo Dog
Band „A Dog’s
Life (The Albums
1967-1972)“ (29.01.)
The Go! Team
„Rolling Blackouts“
(22.01.)
The Music
„Singles & EPs
2001-2005“ (22.01.)
The Phoenix
Foundation
„Buffalo“ (08.01.)
The Residents
„Not Available“
(Special Extended
Version) (22.01.)
Tony Furtado
„Golden“ (22.01.)
Tu Fawning „Hearts
On Hold“ (01.01.)
Tupac „The Way
He Wanted It Vol. 5“
(18.12.)
u
UK Subs „Work In
Progress“ (22.01.)
w
Wanda Jackson
„The Party Ain’t Over“
(22.01.)
White Lies „Ritual“
(22.01.)
Wild Orchid
Children „The Wild
Orchid Children
Are Alexander Supertramp“
(04.12.)
Wir sind Helden
„Tausend wirre
Worte – Lieblingslieder
2002-2010“
(08.01.)
15
plus

Neuheiten Klassik, Jazz & world
A
Alfred Brendel
„Seine persönliche
Auswahl“ (01.01.)
Arthur Rubinstein
„Ludwig van Beethoven:
Sonatas“ (01.01.)
b
Bruno Walter
„Bruckner/Wagner:
Symphony No. 4/
Overtures“ (01.01.)
c
Charles Munch
„Johannes Brahms:
Symphonies No. 2 & 4“
(01.01.)
Clarini Trumpet
Consort „Creation“
(01.01.)
e
Eugene Ormandy
„Sibelius/Grieg: Finlandia/Valse
Triste/
The Swan Of Tuonela“
(01.01.)
f
Franz Welser-Möst/
Wiener Philharmoniker
„Neujahrskonzert
2011“ (01.01.)
Fritz Reiner
„Gioacchino Rossini:
Overtures“ (01.01.)
g
George Szell
„Wolfgang Amadeus
Mozart: Symphonies
Nos. 35, 39 & 40“
(01.01.)
Glenn Gould „Johann
Sebastian Bach: Goldberg
Variations, BWV
988 (1955 Version)“
(01.01.)
j
Jascha Heifetz
„Bruch/Mozart: Violin
Concerto No. 1 /Violin
Concerto Nos. 4 & 5“
(01.01.)
Joyce DiDonato
„Diva – Divo“ (08.01.)
l
Leonard Bernstein
„Ludwig van Beethoven:
Symphonies No.
5 In C Minor“ (01.01.)
Leonard Bernstein
„Gershwin: Rhapsody
In Blue/An American
In Paris“ (01.01.)
m
Matthias Goerne/
Alexander Schmalcz
„Franz Schubert:
Nacht und Träume“
(08.01.)
Mitsuko Uchida/
The Cleveland
Orchestra „Wolfgang
Amadeus Mozart:
Piano Concerti 20 &
27“ (01.01.)
Montserrat Caballé
„Presenting Montserrat
Caballé“ (01.01.)
p
Plácido Domingo
„Plácido Domingo
In Romantic Arias“
(01.01.)
Plácido Domingo
„The Plácido Domingo
Story“ (01.01.)
Plácido Domingo/
Angela Gheorghiu
„Fedora“ (01.01.)
r
Robert Casadesus
„Wolfgang Amadeus
Mozart: Piano Concertos
No. 21 & 24/
Piano Sonata No. 12“
(01.01.)
s
Seiji Ozawa
„Mussorgsky/Britten:
Pictures At An
Exhibition/Young
Person’s Guide To The
Orchestra“ (01.01.)
Sviatoslav Richter
„Brahms/Beethoven:
Piano Concerto No. 2/
Piano Sonata No. 23“
(01.01.)
w
Wilhelm Furtwängler
„The Great EMI
Recordings“ (08.01.)
Wilhelm Furtwängler
„Der Ring des
Nibelungen“ (08.01.)
y
Yo-Yo Ma „Impressions“
(01.01.)
Jazz & World:
A
Anne Ducros „Ella ...
My Dear“ (08.01.)
b
Biber Herrmann
„Love & Good Reasons“
(22.01.)
Bing Crosby „Essential
Early Recordings“
(22.01.)
Miles Davis’ Schatten wird immer länger
Boo Boo Davis
„Undercover Blues“
(04.12.)
c
Caroline Henderson
„Keeper Of The Flame“
(08.01.)
Chick Corea/Stanley
Clarke/Lenny
White „Forever“
(22.01.)
d
Duke Garwood
„Dreamboatsafari“
(22.01.)
e
Elsie Bianchi „Fly Me
To The Moon“ (22.01.)
Espexp „Flora &
Fauna“ (22.01.)
f
Fabian M. Mueller
„Monolog“ (22.01.)
g
Gwilym Simcock
„Good Days At Schloss
Elmau“ (01.01.)
h
Harry Payuta „Zacatecoluca“
(11.12.)
Hüsnü Senlendirici
& Trio Chios „Both
Sides Of The Aegean“
(29.01.)
Heinz von Hermann
„Lucky Thompson And
Me“ (22.01.)
i
Imelda May „Mayhem“
(29.01.)
Intuit „Voyage No. 2“
(08.01.)
j
Jacques Pelzer
„Never Let Me Go“
(22.01.)
Jessica Pilnäs „Bitter
And Sweet“ (22.01.)
Joe Lovano & Us
Five „Bird Songs“
(29.01.)
Joscho Stephan
„Gypsy Meets Jazz“
(22.01.)
Julia Hülsmann „Trio
Imprint“ (29.01.)
Hommage an Charlie Parker: Joe Lovano
k
Ketil Björnstad/
Svante Henryson
„Night Song“ (08.01.)
l
Lars-Luis Linek
„Blues in Hamborg Op
Platt“ (04.12.)
m
Manuel Rocheman
„The Touch Of Your
Lips“ (29.01.)
Martin Schulte
Quartet „In Transit“
(08.01.)
Max Raabe „Küssen
kann man nicht alleine“
(22.01.)
Miles Davis „All
Miles – The Prestige
Albums“ (14 CDs)
(22.01.)
n
Nils Wogram „Moods
& Modes“ (22.01.)
No Blues „Hela Hela“
(04.12.)
p
Paolo Radoni „Storie
Vere“ (22.01.)
Philip Catherine
„Oscar“ (22.01.)
q
Quadro Nuevo
„Grand Voyage“ (11.12.)
r
Rigmor Gustafsson
„The Early Years“
(22.01.)
Robin McKelle „Mess
Around“ (22.01.)
s
Scorch Trio „Melaza“
(04.12.)
Serge Lazarevitch
„London Baby“
(22.01.)
Shauli Einav „Opus
One“ (08.01.)
Sidi Toure &
Friends „Sahel Folk“
(22.01.)
Soft Machine
Legacy „Live Adventures“
(08.01.)
t
The Juke Joints
„Going To Chicago“
(08.01.)
Thomas Sauter
„Tranceactivity Findling“
(22.01.)
Tupolev „Towers Of
Sparks“ (29.01.)
u
Ultralyd
„Intertiadrome“
(04.12.)
v
Veneri Pohjola
„Aurora“ (22.01.)
Foto: Martin Abbott, Bob Kato
16
plus