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» Soul in den späten 50er Jahren bei gleichzeitigem Niedergang der klassischen Swing- Jazz-Orchester wurden mit Studiomusikern besetzte Bläsersätze für eine wachsende Öffentlichkeit stilprägend. Bereits 1957 wurde in Memphis Stax Records gegründet, zu dessen Künstlerstamm seit Mitte der 60er auch die Memphis Horns mit Andrew Love am Tenor und James Mitchell am Bariton zählten. Sie haben zunächst im Hintergrund von Albert King und Elvis Presley, seit den 70ern dann sowohl unter eigenem Namen als auch auf Alben von den Doobie Brothers über Aretha Franklin bis Rod Stewart gewirkt. Konkurrenz für Stax kam 1959 aus Detroit mit der Plattenfirma Motown, deren neue Stars wie Stevie Wonder, Marvin Gaye und die Commodores gerne auf das Saxofon als markante, soulig schwarze Klangfarbe zurückgriffen. Seit den 50er Jahren wuchs außerdem das Interesse zeitgenössisch klassischer und improvisierender Musiker aneinander. Jeder erhoffte sich etwas von der Welt des anderen, Abstraktion und zunehmende Verschlüsselung standen der Vitalisierung, dem Spontanen gegenüber. Nachdem serielle, elektronische Musik und musique concrète wenig mit dem zur Expressivität neigenden Saxofon hatten anfangen können und Versuche des Third Stream neben Klassik und Jazz eher wie Bebop im Frack geklungen hatten, änderte sich die Situation mit dem freien Spiel. Tatsächlich war auch in der Klassik die Skepsis dem einstigen Newcomer gegenüber geschwunden. Pierre Boulez und Luciano Berio setzten es längst im Orchesterkontext ein. Darüber hinaus schrieben seit den 70ern Komponisten wie Ryo Noda, Pierre-Max Dubois, Eckart Beinke und Jean-Marie Londeix Intellektuell: Anthony Braxton (o.) fordert viel von den Hörern So feurig wie verlässlich: die Memphis Horns (li.) liefern seit 40 Jahren funky Präzision zunehmend Stücke für Solo-Saxofon. Grenzgänger wie Anthony Braxton überschritten bewusst die Demarkationslinien zwischen Improvisation und Komposition, zumal nach dem Befreiungsschlag der Free-Jahre Neues vor allem auf dem Gebiet des Klangs und der Tonorganisation zu erwarten war. Nahm Coleman Hawkins mit „Picasso“ 1947 das erste Stück für unbegleitetes Saxofon auf, so war Braxtons „For Alto“ 1968 das erste komplette Album, das ohne ein anderes Instrument auskam. Für die junge klassische Szene wichtig wurden die Kreise um Jean-Marie Londeix an der Universität in Bordeaux und um Larry Teal und Donald Sinta an der Universität von Michigan. Londeix hat als herausragender Solist das klassische Saxofon der Avantgarde geöffnet und ist außerdem einer der führenden Historiker seines Fachs. Donald Sinta hat nach einer Verbindung der Klangideale von Rascher und Mule gesucht und diese Vorstellung an zahlreiche amerikanische Studenten weitergegeben. Außerdem gehört er zu den Initiatoren des seit 1969 in der Regel alle drei Jahre stattfindenden World Saxophone Congress, bei dem sich im Schnitt rund 1.000 Musiker, Lehrer, Komponisten und Instrumentenbauer um die Förderung und Fortentwicklung des Instruments kümmern und in dessen Rahmen zahlreiche Uraufführungen neuer Saxofonwerke stattfinden. Dabei ist inzwischen nicht mehr die Fülle des Repertoires das Problem. Jean-Marie Londeix hat für die Jahre zwischen 1844 und 1969 rund 3.000 Kompositionen für Saxofon aufgelistet. Insgesamt gehen Schätzungen bis zum Jahr 2000 von mehr als 11.000 Kompositionen und Transkriptionen aus, die dem Saxofon eine zentrale oder solistische Rolle zuweisen, Tendenz steigend. Ein Paradies mit Anspruch Auf der einen Seite haben es Saxofonisten heute also besser denn je. Nie zuvor in der Geschichte der Musik war die Ausbildungssituation ähnlich kommod. Allein in Deutschland kann man im Jahr 2010 an 18 Hochschulen Jazzsaxofon studieren. Im Jahr 2003 wurde außerdem Daniel Gauthier auf den hierzulande ersten Lehrstuhl für klassisches Saxofon in Köln berufen. Die Preise für Einsteigerinstrumente sind gefallen, Repertoire in allen Stilsparten ist ausgiebig vorhanden. Die grundlegenden Legitimationskämpfe des Instruments sind ausgefochten, selbst als Männerdomäne taugt es nicht mehr, seit sich Saxofonistinnen wie Barbara Thompson, Candy Dulfer und in der nächsten Generation Angelika Niescier und Kathrin Lemke bewährt haben. Andererseits bedeuten die wachsende nationale und globale Konkurrenz, die weltweit gestiegene spieltechnische Kompetenz und die stilistische Offenheit nach nahezu allen Seiten hin bei gleichzeitig schrumpfendem Tonträgermarkt und anhaltendem Clubsterben, dass es mehr denn je für einen Musiker darauf ankommt, seinen persönlichen Sound oder seine spezielle Nische zu finden. Genau genommen steht das Saxofon damit noch immer relativ am Anfang seiner Möglichkeiten. das buch „Portrait Saxofon“ Faszinierend und schillernd ist die Geschichte des Saxofons, seiner Musik und seiner Interpreten. Im Bärenreiter Verlag erschien vor wenigen Wochen mit „Portait Saxofon: Kultur, Praxis, Repertoire, Interpreten“ (170 Seiten, kartoniert) eine lesenswerte und umfassende Darstellung dieses wichtigen Instruments des 20. Jahrhunderts. Für SONO fasste der Autor Ralf Dombrowski in dieser Retrospektive einige Kernpunkte der Monografie als Konzentrat und Vorgeschmack zusammen. Fotos: Getty, Marcello 10 plus
Sax-Hörfutter Ralf Dombrowski sichtet das CD-Angebot zum Thema – nicht nur im Jazz! Noch Jahrzehnte nach Charlie Parkers Tod fand man in New York Graffiti mit der Aufschrift „Bird Lives“. Der Saxofonist und Bebop-Heroe hatte eine derart markante Spur in der Musikgeschichte hinterlassen, dass manche Fans nicht wahrhaben wollten, dass er bereits 1955 im Alter von 35 Jahren gestorben war. „Bird“ war zum Mythos geworden und das auch, weil seine Musik einen gestalterischen Quantensprung darstellte, wie vor ihm schon bei Coleman Hawkins und nach ihm bei Sonny Rollins, John Coltrane und Ornette Coleman. Die Geschichte des Saxofons ist bis in die 60er Jahre hinein ein Netzwerk von Personalstilen, an dessen Knotenpunkten einzelne Koryphäen vor allem aus dem Jazzumfeld die Entwicklungen bestimmten – zur Orientierung daher einige kommentierte Hörtipps, von denen aus sich Vergangenheit, Gegenwart und ein wenig auch die Zukunft des Instruments erschließen lassen. Klassiker Coleman Hawkins „Body & Soul“ Aufgenommen wurde am 11. Oktober 1939, auf dem Plan standen zunächst drei Stücke. Dann aber fehlte noch ein Song, um die damals üblichen Vierergruppen von Aufnahmesessions voll zu machen. Coleman Hawkins wählte einen Schlager aus, ein harmonisch auf den ersten Blick ungelenkes Stück namens „Body And Soul“ – es wurde nur einmal eingespielt, es lief flüssig, und so war man im Großen und Ganzen zufrieden. Coleman Hawkins maß dem Take keine besondere Bedeutung zu und stellte erst später fest, was ihm gelungen war. Denn „Body And Soul“ war ein Meisterwerk, das für das stand, was der Tenorsaxofonist bislang repräsentierte: Inspiration und Eigensinn, melodische Finesse und Freiheit, in sich logische Gestaltung und betörenden, großen Sound. Die Aufnahme wurde zu einem Meisterstück der Übergangszeit vom vergleichsweise streng geregelten Swing zum solistisch freier und impulsiver agierenden Bebop, darüber hinaus ein Prüfstein für die balladenhafte Ausdrucksfähigkeit und ist nach dem Schellack-Original vielfach in Compilations wieder aufgelegt worden, etwa mit der Sammlung „Body & Soul“ (Victor Jazz BMG) Charlie Parker „Ornithology“ Genau genommen könnte man fast jede Aufnahme von Charlie Parker aus den Jahren 1945 bis 1947 als Beispiel für die Revolution heranziehen, die der Saxofonist im New York des musikalischen Paradigmenwechsels vom Swing zum Bebop anzettelte. Ein echter Meilenstein aber war vor allem „Ornithology“ von 1946, dessen elegant verspieltes Thema sich derart intensiv im kollektiven Klanggedächtnis der Ära einbrannte, dass es quasi als Paradebeispiel für Charlie Parkers Gestaltungskunst stehen kann. Da sich Charlie Parker nicht um die Vermarktung seiner Aufnahmen kümmerte, sind die Stücke inzwischen in zahllosen Compilations erhältlich. Sonny Rollins „Way Out West“ Es ist die wahrscheinlich witzigste, in jedem Fall die ironischste Platte, die Sonny Rollins in seiner Sturm-und-Drang-Zeit gemacht hat. „Way Out West“ (Original Jazz Classics) zeigt den Tenoristen auf dem Cover als Cowboy- Parodisten, und auch Songs wie „I’m An Old Cowhand“ gehen durchaus als Humor durch. Musikalisch jedoch ist „Way Out West“ auf dem Punkt. Es ist das erste Album von Sonny Rollins ohne Harmonieinstrument, nur im Trio mit Ray Brown am Bass und Drummer Shelly Manne. Aufgenommen in den frühen Morgenstunden des 7. März 1957 in Los Angeles zelebriert der Bandleader bei seinem Ausflug an die Westküste Hardbop-fundierte Coolness und genehmigt sich zugleich ausführliche improvisatorische Exkurse. Ornette Coleman „The Shape Of Jazz To Come“ Das Motto der Ära gab wenig später „Free Jazz“ (1960) aus. Auf „The Shape Of Jazz To Come“ (1959, Atlantic) aber war bereits formuliert, was an musikalischer Neuerung ins Haus stand. Es war das erste Album, das Ornette Coleman für Atlantic aufnahm, das erste auch mit seinem klassischen Quartett mit Trompeter Don Cherry als Alter Ego und Charlie Haden und Billy Higgins an Bass und Schlagzeug. Es experimentierte bereits nachhaltig mit der Auflösung der bisher dominierenden Songform und enthielt mit dem betörenden Rubato-Stück „Lonely Woman“ eine der bekanntesten Coleman- Kompositionen überhaupt. Kurz: Es ist ein Eckpfeiler, auf dem die Entwicklung der folgenden Jahre aufbaut und im Unterschied zu dem manifestartigen „Free Jazz“ auch nach Jahrzehnten noch genussvoll zu hören. John Coltrane „A Love Supreme“ Es ist das Monument des Instruments. „A Love Supreme“ konkurriert nicht nur seit Jahrzehnten mit Miles Davis’ „Kind Of Blue“ (1959) um das Siegerpodest des besten Jazzalbums aller Zeiten. Es markiert auch John Coltranes spirituellen Griff zu den Sternen, angelegt als hymnisches musikalisches Gebet. „A Love Supreme“ (Impulse/Universal) ist eine vierteilige Suite, aufgenommen am 9.Dezember 1964. Im Unterschied zu den einzelnen Kompositionen des Vorgängeralbums ist es ein in sich zusammenhängendes Werk, das ebenso intuitiv wie systematisch mit den Möglichkeiten von Steigerung und Rücknahme, Intensität und Entspannung arbeitet. Es ist ein Konzeptalbum, das auf jahrelanger bewusster, beiläufiger Vorbereitung mit dem klassischen Coltrane-Quartett mit McCoy Tyner am Klavier, Jimmy Garrison am Bass und Elvin Jones am Schlagzeug aufbauen konnte. Und es wurde eine Aufnahme, die genre- und gattungsübergreifend die Vorstellung der Ausdruckskraft des Saxofons neu definierte. » 11 plus
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