PINK FlOyD - SONO

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PINK FlOyD
An der Grenze der Unschuld:
mit Pink Floyd wurde die Rock-
musik ein bisschen erwachsen
plus
16 Extra-Seiten für SONO-Abonnenten
Außerdem: Die letzte Konzertreise der Beatles; die Festhalle in Frankfurt im Portrait
Special Service: Die CD-Neuheitenliste für Pop, Rock, Klassik, Jazz & Co.

Pink Floyd im November 1972 in
Kopenhagen: Nach dem Durchhänger
sprudelten die Ideen wieder,
im Studio wie auch auf der Bühne
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plus plus

Erfolg und Wahnsinn
Nein, kein Jubiläum! Auch keine Reunion, aber dafür
wurde das Gesamtwerk der Bombastrocker technisch aufwendig
restauriert. Und bei dieser Gelegenheit bietet
es sich an, einen Blick auf die Glanzlicher und schwarzen
Löcher der Band geschichte zu werfen. Von Wolf Kampmann
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plus plus
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Ein weißer Lichtstrahl, der auf schwarzem Untergrund
durch ein weißes Prisma geleitet in seine Spektralfarben
zu einem glattgezogenen Regenbogen aufgebrochen
wird. Das Cover-Image von Pink Floyds „The Dark Side
Of The Moon“ ist so bekannt wie Leonardo da Vincis
Mona Lisa. Doch wer „Dark Side“, „Wish You Were
Here“ oder „The Wall“ sagt, muss noch lange nicht „The Piper Of The Gates
Of Dawn“, „Ummagumma“ oder „Animals“ sagen. Das Gesamtwerk
von Pink Floyd ist so heterogen wie widersprüchlich. Vor allem ist es
abgeschlossen, denn nach dem Tod von Keyboarder Rick Wright ist eine
Reunion der zerstrittenen Restmitglieder mehr als unwahrscheinlich.
Pink Floyd waren unabhängig von ihrem gigantischen kommerziellen
Erfolg eine besondere Band. Sie passen in kein Genre, sondern
sind ein Genre für sich. Man muss nicht alle Platten von Pink Floyd
mögen, und nur kritiklose Hardcore-Fans können ausnahmslos allen
Perioden der Bandgeschichte etwas abgewinnen. Aber Pink Floyd haben
nicht nur das Instrumentarium und die Hörgewohnheiten nachhaltig
verändert, sie haben Mitte bis Ende der 70er Jahre einen ganz
neuen Maßstab für Massengeschmack gesetzt. Nicht jede ihrer Veröffentlichungen
war innovativ, am Ende erstickten sie in bombastischen
Selbstzitaten, aber der Einfluss auf die Entwicklung der Rockmusik
bleibt immens.
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Glückliche Freaks:
Roger Waters, Nick Mason,
Syd Barrett und Rick
Wright im Sommer 1967,
bevor Barretts Psychosen
übermächtig wurden
Wer aber waren diese Pink Floyd wirklich? Wie konnte es den insgesamt
fünf Musikern gelingen, mit radikalen ästhetischen Neuerungen
im Pop, die bis zur totalen Atonalität gingen, einen derart starken
Einfluss auf den Mainstream zu gewinnen? Waren sie wirklich Vordenker
oder eher typische Repräsentanten ihrer Zeit, die nur etwas
mehr Glück hatten als andere? Wie lange waren sie innovativ, und
wann begannen sie sich selbst zu blockieren? Und vor allem: worauf
begründet sich der einzigartige Mythos, der die Band umgibt?
Psycho
Die Geschichte von Pink Floyd beginnt wie die vieler Bands der damaligen
Zeit. In der behüteten Idylle von Cambridge experimentierte
der heranwachsende Roger Barrett auf seiner Gitarre herum. Im
Haus seiner Mutter probte er mit der Schülerband Geoff Mott & The
Mottoes. Sein präzises Rhythmusgefühl trug ihm den Spitznamen
Syd the Beat ein. Gern gesehener Gast bei diesen Sessions war der
zwei Jahre ältere Mitschüler Roger Waters. Barrett studierte nicht
Musik, sondern Kunst. Vielleicht war es daher kein Zufall, dass er
seine Liebe zur Musik nicht mit Musikern zelebrierte, sondern mit
einem Häuflein Architekturstudenten. 1964 hatte Barretts Freund
Waters mit den zwei anderen angehenden Architekten Nick Mason
und Rick Wright die Amateurband Sigma 6 gegründet, mit der er die
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Chart-Hits rauf und runter spielte. Nachdem die Gruppe sich in The
Abdabs umbenannt hatte, stieß Syd Barrett hinzu. Verschiedene Mitglieder
kamen und gingen, doch der harte Kern von Barrett, Waters,
Mason und Wright blieb erhalten und nannte sich als Hommage an
die beiden Bluesmusiker Pink Anderson und Floyd Council zunächst
The Pink Floyd Sound, woraus The Pink Floyd und schließlich Pink
Floyd wurde.
Anfangs stand das Quartett noch unter dem Einfluss des Bluesrock.
Zu den ersten Demos gehört eine Aufnahme von „I’m A King
Bee“. Live spielten die Newcomer Covers von den Rolling Stones
und anderen angesagten Bands, doch sie ließen keinen Zweifel daran,
dass diese Songs nur das Ausgangsmaterial für experimentelle
Soundorgien waren, die viel stärker unter dem Einfluss des deutschen
Avantgardisten Karlheinz Stockhausen standen. Eine Gruppe,
die häufig mit den frisch aus dem Ei geschlüpften Pink Floyd gemeinsam
auftrat, war Joker’s Wild mit einem Gitarristen namens David
Gilmour, der in unmittelbarer Umgebung von Barrett und Waters
aufgewachsen war.
London war Mitte der 60er Jahre eine Stadt, in der nichts unmöglich
schien. Viele amerikanische Musiker und Künstler starteten ihre
Karriere in England, der abstrakte Expressionismus aus den USA feierte
seinen Siegeszug von London aus, und die Bluesrock-Szene von
der Themse eroberte unter dem Motto British Invasion die ehemaligen
Kolonien. Das Wort vom Spontanen Underground machte die Runde,
Lightshow, Quadrophonie, Größenwahn: Pink Floyd proben für ihr
erstes Konzeptkonzert am 12. Mai 1967 in der Queen Elizabeth Hall
der nicht nur Bands wie Pink Floyd und Soft Machine hervorbrachte,
sondern auch Dichter, Maler, Choreografen, Filmemacher und Schauspieler.
Kaum etwas konnte zu diesem Zeitpunkt extrem genug sein
für diesen aus allen Nähten platzenden kreativen Moloch.
Die Stadt war geradezu geschaffen für eine Band, die vor Einfallsreichtum
jeden Moment zu explodieren schien. Wenn man heute die
sperrigen Aufnahmen von Pink Floyd gegen Ende der 60er Jahre hört,
ist es schwer vorstellbar, dass sie den Zeitgeist jener Jahre im Swinging
Besser als jeder
Kostümfundus: Der
legendäre Klamottenladen
„Granny
Takes A Trip“ wurde
für Syd Barrett zur
zweiten Heimat
London repräsentierten. Und doch gaben sie Richtungen vor, wenn
auch nicht ohne Folgen für die Bandmitglieder. Denn Syd Barrett geriet
zusehends in den Sog psychedelischer Drogen. Er experimentierte mit
LSD und avancierte zur Kultfigur der Studentenszene von London und
Cambridge. In dem psychedelischen Klamottenladen „Granny Takes
A Trip“ deckte er sich obendrein mit schrillem Outfit ein, das seine
immer zahlreicher erscheinenden Apostel von Show zu Show aufs
Neue überraschte. Vor allem seinem exzentrischen Auftreten war es
zu verdanken, dass Pink Floyd in kurzer Zeit erheblich an Bekanntheit
zulegten, und das obwohl sie noch nicht einmal eine Single auf
dem Markt hatten.
Freaks mit Ideen
In ihren Shows projizierten Pink Floyd abstrakte
Filme und Dias, und von der Free-Jazz-
Band AMM inspiriert setzten sie Alltagsgegenstände
zur Klangerzeugung ein. Barrett
strich mit seinem Zippo-Feuerzeug oder einem
Kugellager über die Saiten seiner Gitarre,
Uhren tickten, elektronische Störgeräusche
bestimmten den Sound. Wenn das Wort
Multimedia um 1966 überhaupt Sinn machte,
dann war Pink Floyd eine multimediale Band.
Die ehemaligen Kunststudenten organisierten
Sound and Light Workshops, auf denen
sie dem Publikum Fragen beantworteten. Sie
waren die erste Rockformation überhaupt, die
eine eigene, wenn auch selbst gebastelte und
über Lichtschalter betätigte Lichtanlage besaß.
Für Syd Barrett, den Maler, ging es ganz
einfach darum, statt mit Leinwand und Pinsel
zu hantieren, eine Musik aus Farben zu schaffen.
„Pink Floyd waren die Ersten, die eine Art
intellektueller Experimentalmusik mit Rock’n’Roll kombinierten“, zitiert
Nicholas Schaffner einen Zeitzeugen in seinem Buch „Pink Floyd –
Vom Underground zur Rock-Ikone“.
Die frühen Pink Floyd waren ganz anders als jene, die von den 70er
Jahren an Millionen von Platten verkauften. Es lässt sich vielleicht ein
wenig mit den Grateful Dead vergleichen, deren Reise etwa zur gleichen
Zeit ein paar tausend Kilometer westlich begann. Im Februar 1967
versuchte das Quartett dann, die Kreativität der Bühne auch im Studio
umzusetzen. Die erste Single „Arnold Layne“ war eine psychedelische
Geschichte über einen kleptomanischen Transvestiten, eine abstruse
Story, die jedoch in ein vergleichsweise biederes Klanggewand gehüllt
war. Die Kapelle, die auf der Single zu hören war, wollte mit Nachdruck
aus dem engen Underground heraus ins Radio. Das gelang ihr
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jedoch erst mit ihrer zweiten Single „See Emily Play“. Die Aufnahmen
zu diesem Stück stellen aber auch in anderer Hinsicht eine Zäsur in
der Geschichte von Pink Floyd dar. Syd Barrett begann sich zu verändern.
Während der Rest der Band abhob, blieb der Gitarrist in einer
Art mentalem Untergrund, aus dem er nicht mehr herausfand. David
Gilmour besuchte die Session der befreundeten Combo und war entsetzt
von Barretts leerem Blick.
Dennoch behielt der Gitarrist vorerst noch die Zügel in seiner Hand.
Das erste Album „The Piper Of The Gates Of Dawn“, benannt nach einem
Kapitel des Kinderbuches „Der Wind in den Weiden“, war sein persönliches
Meisterwerk. Eine psychedelische Orgie, wild, unübersichtlich,
kantig. Wer sich heute ein Bild von der Aufbruchstimmung Londons
um 1967 machen will, der höre diese Platte. Sie war ein Produkt,
das nur zu dieser Zeit an genau diesem Ort möglich war. Anders als in
ihren Live-Shows entpuppten sich die vier Musiker, allen voran Barrett,
der die meisten Lieder geschrieben hatte, hier als pedantische Perfektionisten.
Einige Songs der Platte hatte Barrett schon Jahre zuvor komponiert,
„Astronomy Domine“ etwa gehörte bereits zu den Hymnen des
Spontanen Undergrounds. „Piper“ war daher eine Art Urknetmasse,
aus der alle folgenden Erfolge von Pink Floyd abgeleitet werden sollten,
auch wenn Barrett das Album wohl eher als Sololeistung betrachtete.
Einzelne Versatzstücke dieses Experiments auf Vinyl tauchten jedenfalls
punktuell im späteren Werk der Band auf, und die Intentionen des einstigen
Chefstrategen wurden auch in seiner Abwesenheit zum integralen
Bestandteil der Pink-Floyd-Philosophie. „Piper“ war gleichermaßen
Segen und Trauma der erfolgreichsten Prog-Band der Geschichte.
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Anno 1967 das höchste
der Gefühle: Roger
Waters, Nick Mason, Syd
Barrett und Rick Wright
posieren am hochmodernen
Studiomischpult
Alle gegen Einen
Der Leader und seine Getreuen entfernten sich immer weiter voneinander.
Das Dilemma der Band bestand jedoch darin, dass Barrett das
kreative Zentrum war. LSD zerfraß das Hirn des sensiblen Klangverführers,
der an sich selbst zerbrach, und für die Band ging es um die
Existenz. Doch überleben kann man auf unterschiedliche Weise. Roger
Waters, Nick Mason und Rick Wright entschieden sich für einen Weg,
den sie noch Jahrzehnte als Bürde mit sich herumtragen sollten. Syd
Barretts Verhalten wurde derweil immer undurchsichtiger. Er sperrte
beispielsweise eine Freundin drei Tage lang in einem Raum ein und
schob ihr Kekse durch die Türritze. Seine Umgebung machte sich darüber
lustig. Angebliche Freunde taten ihm irgendwelche Mittel in den
Tee, um ihn auf einen Trip zu bringen. Zwischen Barrett und Waters
kam es zum offenen Bruch, und der Bassist brachte Drummer und Keyboarder
auf seine Seite. In den Shows harmonierten Pink Floyd nicht
mehr, Waters, Mason und Wright hatten keinen Zugang zu Barretts
Welt und stellten diesen ihrerseits kalt. Bereits im Spätsommer 1967
verkündete der Melody Maker erstmalig, dass Pink Floyd abschlaffen.
Waters, Mason und Wright stellten währenddessen Barrett bloß,
indem sie ihn regelmäßig bis an die Grenzen der Geschmacklosigkeit
aufzogen. Wenn Waters heute von seiner Trauer um Barrett spricht,
klingt das daher streckenweise unaufrichtig. Mason hingegen gab später
zu, dass die drei Musiker das Problem ihres Kompagnons nur noch
verschlimmert hätten, statt ihm zu helfen.
Die Band war jedoch in einer komfortablen Lage, denn es stand
Ersatz bereit. Auf einer Amerika-Tour Ende 1967, auf der der Gitarrist
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nur noch physisch anwesend war, beschloss die Troika um Waters,
Barrett auszubooten. Zurück in Europa wurde der frühere Leader der
Band auf einer gemeinsamen Tour mit Jimi Hendrix zunächst teilweise
durch Dave O’List von The Nice ersetzt, was allerdings von der Lichtshow
überspielt wurde. Es war eine kritische Phase, denn Pink Floyd
bekamen kaum noch Angebote für Auftritte, weil niemand wusste, ob
der abgedrehte Chef nun mit dabei wäre oder nicht. Gegen den ausdrücklichen
Willen des Managements wurden im Hintergrund informelle
Gespräche mit David Gilmour geführt, der ja schon von Anfang
an ein Assoziierter der Band war. Gilmour hatte alle Voraussetzungen,
um Barrett zu ersetzen. Er war mit ihm gemeinsam aufgewachsen,
kannte seine Intentionen, seine Motive. 1968 gaben Pink Floyd der
Form halber einige Konzerte im Quintett, doch mit dieser Interimssituation
war niemand zufrieden.
Eines Tages einigten sich Waters, Gilmour, Mason und Wright
spontan, Barrett zu einem Konzert nicht abzuholen. Er sollte zwar
weiterhin als Songlieferant der Band fungieren, aber nicht mehr live
spielen, so die Idee der Meuterer. Mit dieser Absicht standen Pink
Floyd übrigens nicht allein in der Popgeschichte. Die Beach Boys
hatten dieselbe Arbeitsweise bereits erfolgreich mit Brian Wilson exerziert,
nur ging da der Impuls von der anderen Seite aus. Doch Barrett
war nicht mehr in der Lage, Material zu schreiben, mit dem seine
ehemaligen Mitstreiter etwas
hätten anfangen können.
Am 6. April 1968 wurde die
Arbeitsbeziehung zwischen
Pink Floyd und Syd Barrett
per Presseerklärung offiziell
beendet. Der Gemobbte wollte
sich mit dem Rauswurf nicht
abfinden und erschien noch
eine Weile zu den Konzerten
seiner ehemaligen Gespielen,
um Gilmour und die anderen
mit vernichtenden Blicken zu
peinigen. Doch die Ära Barrett
war unwiederbringlich
zu Ende. Zumindest personell,
denn der Geist des verschmähten
Leaders verfolgte
die Band noch bis „The Wall“
Die Geister, die er rief, wurde Syd und darüber hinaus.
Barrett nicht mehr los. Ein
Foto von 1969 , das Bände spricht
Vierer ohne
Steuermann
Ohne Syd Barrett war Pink
Floyd eine andere Band. Bei
allem Experimentiergeist war ihnen etwas abhanden gekommen, was
auch zu damaligen Zeiten ungeheuer wichtig war: die Galionsfigur, um
die sich alles drehte, die Sensation, das Spektakel. Die Aufnahmen des
zweiten Pink-Floyd-Albums „A Saucerful Of Secrets“ waren teilweise
noch im Quintett entstanden, doch bis auf den „Jugband Blues“ wurden
Barretts Kompositionen bis heute nicht veröffentlicht. Trotz des
grandiosen „Set The Controls For The Heart Of The Sun“ blieb die Platte
so zerrissen wie die Band in der Phase der Aufnahmen. Die Elektronik
wurde von der zeitgenössischen Presse als aufgesetzt empfunden,
die Band selbst wirkte entindividualisiert und okkultistisch.
Das dritte Album von Pink Floyd ist ein Paradoxon. „More“ war
eine Auftragsarbeit für einen französischen Independent-Film, den
„Ummagumma“ im Sinn : Rick Wright, David Gilmour, Nick Mason und
Roger Waters (vorne) 1968 in der Orientierungsphase ohne Barrett
heute kein Mensch mehr kennt. Pink Floyd zog es magisch zum Film,
weil sie hier ihre Vorstellung von Klanglandschaften in Verbindung
mit der Leinwand am besten umsetzen zu können glaubten. Doch ausgerechnet
„More“ entpuppte sich als erstes und für einige Zeit einziges
Album der Gruppe mit einer Reihe von relativ konventionellen
Songs. Besonders fällt „The Nile Song“ auf, in dem sich Pink Floyd dem
Hardrock annäherten. 1969 war die Band außerdem am Soundtrack
für Michelangelo Antonionis Kultstreifen „Zabriskie Point“ beteiligt,
doch der Regisseur fand nicht so recht mit den sonderbaren Briten
zusammen und entschied sich letztlich nur für drei Titel aus dem geplanten
Programm. Aus einem Thema wurde später „Us And Them“
für das Album „The Dark Side
Of The Moon“.
Das im September 1969
veröffentlichte „Ummagumma“
hat einen besonderen
Stellenwert in der Discographie
von Pink Floyd. Obwohl
nicht allzu viele Menschen
das Opus vollständig durchgehört
haben dürften, wird
der Plattentitel doch immer
mit einer gewissen Ehrfurcht
genannt. Vielleicht liegt es an
dem seltsamen Titel, vielleicht
aber auch an der Undurchdringlichkeit
der Musik auf
„Zabriskie Point“, mit Musik von der zweiten Platte. „Umma-
Pink Floyd. Das Schlussbild passte gumma“ ist ein Zwitter aus
zur Stimmung in der Band
Live- und Studio-LP, der die
Identitätskrise und damit verbundene
Richtungssuche der
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Die Band im Spiegel, das Prisma,
der brennende Mann – die
Covers des englischen Graphikers
Storm Thorgerson stützten
den psychedelischen Mythos von
Pink Floyd
Thorgerson (u.) 2010 bei Warner
Bros. in L.A., dem Bildmotiv von
„Wish You Were Here“
Band dokumentiert. Die Live-Platte wirkte noch wie eine stringente
Best-Of, was jedoch dem Ruf von Pink Floyd als unermüdliche Innovatoren
nicht eben zugute kam. Doch die Studio-LP bestand aus vier
halben Seiten, die jeweils unter der separaten Regie eines einzelnen
PF-Mitglieds entstanden war. War das Kollektiv Pink Floyd nach seiner
Phase der Umstrukturierung am Ende? Bemerkenswerter als die
Musik ist vielleicht das Cover des Doppelalbums. Pink Floyd posieren
vor einem Bild, auf dem sie sich selbst vor einem Bild von sich selbst
abbilden und immer so weiter. Doch wiederholen sie sich nicht einfach
in sich selbst, sondern wechseln dabei die Positionen. Auf der Rückseite
des Covers wird das Instrumentarium der Band auf der Rollbahn
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Die Beatles haben die Abbey Road Studio berühmt gemacht. Und
1975 mischten dort Pink Floyd ihr „Wish You Were Here“
eines Flughafens ausgebreitet wie die Bewaffnung eines Kampfjets.
Wenn die Band hier auch nicht an ihre musikalischen Wurzeln anschließen
konnte, erinnerte sie mit dem kritischen Symbolismus der
Cover-Optik doch an die gesellschaftliche Bewegung, aus der sie einst
hervorgegangen war.
Am Anfang des neuen Jahrzehnts waren Pink Floyd schließlich
schöpferisch ausgebrannt. „Atom Heart Mother“ blieb ein beinahe verzweifelter
Hilferuf nach Anerkennung. Die opulenten Arrangements
des hoffnungslos überladenen Titelstücks überließen die vier traurigen
Helden Ron Geesin. Die zweite Seite wirkt ähnlich sinnfrei zusammengestückelt
wie die Studioplatte von „Ummagumma“. Gilmour sollte das
Album Jahrzehnte später als „Haufen Mist“ bezeichnen. Wahrscheinlich
wäre diese LP heute komplett vergessen, hätte sich während der
Aufnahmen nicht etwas ereignet, dessen Folgen gar nicht überschätzt
werden können. Völlig unangekündigt tauchte Syd Barrett im Studio
auf. Er hatte in der Zeitung von den Aufnahmen gelesen. Als hätte es
nie ein Problem gegeben, wurde der eben noch Verlachte plötzlich kultisch
von den anderen verehrt. Der verwirrte Ex-Bandleader brachte
den ganzen Prozess entscheidend durcheinander. Vielleicht lag gerade
in diesem absurden Besuch der Keim für den Barrett-Kult, der für spätere
Pink-Floyd-Alben zum Antrieb wurde.
Ganz oben
Der Trendwechsel setzte mit „Meddle“ ein, dem stilistisch geschlossensten
Album seit dem Debüt. Auf „Meddle“ manifestiert sich erstmals
jener selbstbewusste Stil zwischen Gassenhauer und groß angelegtem
Klangexperiment, der sich von „The Dark Side Of The Moon“
über „Wish You Were Here“ bis „Animals“ zieht. Obwohl die Songs
selbst recht unterschiedlich sind, liegt ihnen doch ein gemeinsamer
Spirit zugrunde. Pink-Floyd-Biograph Nicholas Schaffner führt den
Paradigmenwechsel darauf zurück, dass David Gilmour mehr und
mehr das Ruder in die Hand nahm. Womöglich wollte er endlich aus
dem Schatten von Syd Barrett heraustreten. Bei der Arbeit an „Meddle“
im Januar 1971 ließ die Band sich frei in den musikalischen Prozess
fallen, ohne ein konkretes Konzept zu verfolgen. Sie fanden den experimentellen
Geist wieder, der sie nach „Piper“ verlassen hatte. Mit dem
Epos „Echoes“ beginnt die Science-Fiction-Reise, mit der Pink Floyd
sich praktisch aus der Chronologie der Rockgeschichte verabschiedeten
und in ihr eigenes Universum aufbrachen. Nicht zu vergessen
Fotos: Rupert Truman, Getty Images

Pyrotechnik, Leinwände,
Megasound: Schon vor
„The Wall“ waren Shows
wie ein Rotterdam 1977
ein zirzensisches Spektakel
der Opener „One Of These Days“, der wie ein programmatischer Abschied
von allen Hard- und Progrock-Klischees in einen neuen, unerhörten
Orbit klingt. In „Fearless“, in dem die Band sich über den
Antagonismus von Individuum und Gesellschaft auslässt, nimmt die
Barrett-Saga ihren Anfang. Der letzte Song, der für
„Meddle“ entstand, war „Brain Damage“, doch die
Gruppe beschloss, diese weitere Barrett-Hommage
für die nächste Platte, ein Konzeptalbum namens
„The Dark Side Of The Moon“ aufzuheben. Pink
Floyd hatten ihr Thema und ihren Platz in der Musikwelt
gefunden.
Der Rest ist Geschichte. „The Dark Side Of The
Moon“ und „Wish You Were Here“ gehören nicht
nur zu den großen Konsensalben der 70er Jahre,
es sind zweifellos zwei Beispiele für absolut komplette
Klangkunstwerke, die auch noch beim hundertsten
Hören neue Schätze aus ihren unendlichen
Tiefen preisgeben. Beide LPs sind letztlich
zwar dem kollektiven schlechten Gewissen von
vier Musikern entsprungen, die zu spät begriffen
hatten, was Verantwortung bedeutet. Doch
was wäre der Welt verloren gegangen, wenn sie
sich immer menschlich korrekt verhalten hätten?
Pink Floyd spielten sich einen Dämon von der Seele
und wurden damit zu einem der erfolgreichsten
Rock-Unternehmen aller Zeiten. Für kurze Zeit
erwiesen sich David Gilmour, der ehemalige Dressman, der immer
ein wenig zu Gefälligkeiten neigte, und Roger Waters, der problembewusste
Klangphilosoph, der seinem Hörer stets eine Denkaufgabe
Steve Jones (Sex Pistols) trug schon
mal ein „I hate Pink Floyd“-T-Shirt
mitgeben wollte, als perfektes Team. Die bewusste Vereinbarung von
Experiment und kommerzieller Zugänglichkeit wurde mit „The Dark
Side Of The Moon“ zum Erfolgsrezept von Pink Floyd. Warum die
Platte über nunmehr fast vier Jahrzehnte so erfolgreich ist, fasst Nick
Mason in lakonische Worte: „Es war die richtige
Platte zur richtigen Zeit!“ Stimmt. Und trifft auch
auf „Wish You Were Here“ zu.
Punk Floyd oder Pink Freud?
Mitte der70er Jahre hatten Pink Floyd alles erreicht,
was eine Rockband erreichen kann. Dann passierte
1976 etwas, womit niemand gerechnet hatte. Die sozialen
Gegensätze in der einstigen Stadt der Liebe
waren unerträglich geworden, eine neue Generation
war herangewachsen, die mit dem Post-Hippie-Surrealismus
à la Pink Floyd nicht viel am Hut
hatte. Sie selbst hatten mit ihren letzten drei Alben
neben Bands wie Emerson, Lake & Palmer, Yes und
Genesis nicht unerheblich dazu beigetragen, dass
wieder eine größere Nachfrage nach einfacheren
Formaten bestand. Aus den Pionieren wurden Saurier,
Feindbilder. Der Punk und Szeneheroe Johnny
Rotten schmückte sich etwa mit einem „I hate
Pink Floyd“-Shirt, und für Waters, Gilmour & Co.
war ein Themenwechsel vonnöten. Man konnte
schließlich nicht ewig auf der Barrett-Wolke weiterschweben
und gab das Sujet preis, das die Band zusammenhielt.
Mit „Animals“ begann der Abschied Pink Floyds von der eigenen
Fabel. Die düstere Kapitalismus-Analyse „Animals“ wird nicht zu Un-
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echt als Antwort der Rockgiganten auf den Punk bewertet (was sich
freilich nicht auf die Länge der Stücke beziehen kann). Musikalisch
ist „Animals“ ein monumentales Bluesalbum, vielleicht die Gilmour-
Platte im Pink-Floyd-Gesamtwerk schlechthin. Nie zuvor und nie
wieder waren so viele Gitarren zu hören. Bezüge zu Allen Ginsberg
und George Orwell sind unüberhörbar. Viele Floyd-Fans allerdings
lehnen bis heute „Animals“ als flüchtig produzierten Ausrutscher
ab, was sicher durch abfällige Aussagen der Bandmitglieder angefeuert
wird. Für eine Minderheit ist es indes eine kraftvolle Abkehr
vom Kommerz, die auf ihre Rehabilitation vor der Geschichte wartet.
Und wenn man einen Song wie „Dogs“ genau hört, dann setzt er sich
eben doch aus vielen kleinen Formaten zusammen, die nur ohne Pause
aneinandergefügt sind. „Musikalisch haben Pink Floyd noch nie
so kompromisslos und mit größerer Überzeugungskraft abgerockt“,
findet Biograf Nicholas Schaffner. Die Punk- und New-Wave-Presse
überschlug sich, für ihre Fans
waren Pink Floyd aber nicht
mehr Pink Floyd, sondern
Mason, Waters, Gilmour in der eine amorphe Erbmasse der
Londoner O2-Arena im Mai 2011: früheren Größe.
Kurz-Reunion für zwei Stücke
Der interne Zusammenhalt
wurde nach „Animals“
aufgekündigt. Roger Waters
verstand die Band von nun an
als Vehikel zur Verkündigung
seiner Visionen und Traumata.
Abgründe taten sich zwischen
ihm und Gilmour auf,
unter denen die Produktion
von „The Wall“ litt. Genau genommen
war „The Wall“ als
Soloprojekt von Waters angelegt,
musste aber aus finanziellen
Gründen – Pink Floyd
waren wegen eines großangelegten
Betruges pleite – als
Bandalbum aufgenommen
werden. Waters erzählt eine
rührselige, zu großen Teilen
autobiographisch gefärbte
Geschichte, in der auch die Barrett-Saga noch einmal aufgewärmt
wird. Auf „The Wall“ sind Pink Floyd letztmalig als Quartett zu hören,
Rick Wright ertrug die Spannungen nicht mehr, verweigerte sich
und wurde noch während der Aufnahmen gefeuert. Doch all diese
Geschichten sind nur Nebensache. Das Doppelalbum verkaufte sich
30 Millionen Mal. Die einstigen Avantgardisten Pink Floyd waren
mit dieser Hochglanz-Produktion nicht nur weltweit im Mainstream
angekommen, schlimmer noch, sie definierten den Mainstream. Der
Mythos war erloschen.
Coda
„The Wall“ war das inoffizielle Ende von Pink Floyd. Alles, was danach
passierte, waren Episoden, die nur noch unter dem Logo der Band firmierten.
Was immer das Etikett „Pink Floyd“ trug, verkaufte
sich gut, und dabei hilft die Legende, die
sich Schritt für Schritt verfestigte:
die psychedelischen Anfänge
mit dem durchgeknallten Syd
Barrett, das Frühlingserwachen
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plus
Gigantomanisches
Marionettentheater: „The Wall“
ist das Ende der Barrett-Saga
auf „Meddle“, die großen Klangepen „The Dark Side Of The Moon“
und „Wish You Were Here“ sowie der apokalyptische Schwanengesang
auf „Animals“. So bleibt es eine Entdeckungsreise ins Innere der
Rockmusik, Bedeutung und Einfluss von Pink Floyd alle paar Jahre
neu zu justieren. Je mehr emotionalen Abstand wir zu den Dinosauriern
des Klangbombasts finden, desto besser erkennen wir wieder ihre
wahre Größe – und ihre großen Schwächen.
P i n k F l oy d „ d i s cov e ry “
Keine Weltraummission, sondern eine CD-Box
Sammler bekommen in diesem Herbst leuchtende Augen. Denn nachdem
bereits „Dark Side Of The Moon“ in einer reich bestückten „Immersion“-
Box mit diversen Mixen, Fan-Artikeln und Bildmaterialien erschienen ist, folgen
in ähnlich opulenter Ausstattung noch „Wish you Were Here“ (4.11.) und
„The Wall“ (24.2.). Für Puristen hingegen ist die „Discovery“-Box mit allen
14 digital remasterten Studioalben und Fotobuch die wahrscheinlichere Wahl.
Darüber hinaus erscheinen von allen Editionen auch abgespeckte Varianten
mit weni ger Bonusmaterial. Und wer einfach
nur die Hits der Band auf einer CD haben will, kann
sich „A Foot In The Door“ leisten. Viel Stoff
für die Ohren in bril lantem Sound.
Foto: Getty Images

„K athdralen der Kl änge“ (6)
Die spektakuläre Stahlkonstruktion des
Marburger Architekten Friedrich von
Thiersch wurde zum Vorbild für ähnliche
Bauten wie die Jahrhunderthalle in Breslau.
Festhalle Frankfurt
Turner, Bücher, Superstars
Die Frankfurter hatten es eilig. Noch bevor die Festhalle eröffnet
wurde, fand 1908 im Rohbau des Gebäudes bereits das XI.
Deutsche Turnfest statt. Als es dann soweit war, kam der deutsche
Kaiser Wilhelm II persönlich, um das prachtvolle historistische
Ensemble des Architekten Friedrich von Thiersch am 19.Mai 1909 offiziell
seiner Bestimmung zu übergeben. Und die wiederum gestaltete
sich vielfältig. Zur „Internationalen Luftfahrt-Ausstellung“ kamen
noch im selben Jahr eine halbe Million Besucher. Wettkämpfe, Zirkusgastspiele
lockten Publikum an. Dann kam der Erste Weltkrieg, die
Stagnationsphase der frühen Zwanziger, der Aufschwung mit internationalen
Messen, schließlich das vorläufige Ende im Bombenhagel des
Zweiten Weltkriegs. Doch die Frankfurter ließen sich ihre Festhalle
nicht nehmen. Der Prunkbau wurde wieder aufgebaut, die Aussteller
kamen zurück, die Buchmesse, die Automobilausstellung. Mehr und
mehr wurden die Räume auch für Konzerte genützt. Seit 1972 steht die
Lena singt in der Festhalle und Iron Maiden rocken, aber auch die
Stars der Klassikwelt geben sich dort vor großem Publikum die Ehre.
Festhalle unter Denkmalschutz, Mitte der Achtziger wurde sie saniert
und ist seitdem der Ort, wo all die Großen spielen, wenn sie in der
Stadt sind. Denn der Hauptraum unter der rund 40 Meter hohen Kuppel
fasst bestuhlt mit den Rängen über 9.800 Sitzplätze. Unbestuhlt
dürfen sogar 13.500 Menschen in den Saal. Diese Kapazität zusammen
mit dem architektonisch reizvollen Ambiente und der überraschend
präsenten Akustik machen aus der Frankfurter Festhalle eine Kathedrale
der Klänge.
11
plus

ilderbuch
Robert Whitaker
„The beatles: eight
days A Week“, Schwarzkopf
& Schwarzkopf.
Großformatige
Premiumausgabe,
156 Seiten, € 49,95
12
plus
Der Käfig des Erfolgs
Ein opulenter Bildband von Robert Whitaker, der die
Beatles auf ihrer letzten Welttournee begleitete.
Man kann sich das heute gar nicht mehr vorstellen. Viel zu geläufig sind inzwischen die
Bilder von großen Stadien, in denen Rockstars die Massen in Ekstase versetzen. Als
jedoch die Beatles Mitte der 60er wie eine Naturgewalt über die Popmusik hereinbrachen,
war das Phänomen der kollektiven Hysterie noch weitgehend unbekannt. So waren
nicht nur die Sittenwärter, sondern auch die Fab Four selbst mit einer Situation überfordert, für
die es noch kaum Verhaltensnormen gab. Die Tournee, die sie im Sommer 1966 nach Alaska,
Hongkong, Japan, den Philippinen und Deutschland führte, sollte daher ihre letzte große Konzertreise
werden. Der im September verstorbene britische Fotograf Robert Whitaker, der sich
mit Beatles-Manager Brian Epstein angefreundet hatte, wurde engagiert, die zwei intensiven
Wochen mit der Kamera festzuhalten. „Die Zeit der Beatles war kostbar. Ich versuchte, ihnen
nicht im Weg zu sein, und sie freuten sich, dass ich mit den Fotos ihren Weg begleitete“, erinnert
er sich im Vorwort von „Eight Day A Week“. Und so entstanden Bilder aus dem Leben der Stars,
die die Früchte des Erfolgs wie auch die Einsamkeit in Hotelzimmern dokumentieren.

Warten auf den
Shuttle in Anchorage:
Draußen die Fans,
drinnen gepflegte
Langeweile, aus der
John und Paul das
Beste machen
Trommeln, so laut es
ging: Ringo versuch-
te sich im Münchner
Circus Krone gegen
3.000 kreischende
Fans durchzusetzen
Auch ein Pilzkopf
will gestylt sein:
George kontrolliert
vor dem Spiegel
in Hamburg, ob die
Wolle richtig sitzt
Backstage-Chillen auf Cam-
ping-Liegen: Ringo, George
und John machen es sich
mit Manager Brian Epstein
hinter der Bühne in Hamburg
bequem
Ein Präsent von Bert
Kaempfert: Paul probiert
das „Tubon“ aus. Die
Miniaturorgel sollte 1974
durch den Song „Autobahn“
der Band Kraftwerk
berühmt werden.
13
plus

NeuheiteN P oP & ro ck
CD-Veröffentlichungsübersichten
aus Pop &
Rock, Jazz, World & Co.
und Klassik finden
Sie wöchentlich aktualisiert
unter
sonomagazin.de
A A Taste Of Honey
„twice As Sweet“
(expanded & remastered)
(22.10.)
Active Child „You
Are All i See“ (15.10.)
Andy Timmons
Band „Plays Sgt.
Pepper“ (15.10.)
Atomic „heartbeater“
(22.10.)
b
Bill Wyman’s
Rhythm Kings „Live
communication“
(08.10.)
Björk „Mount Wittenburg
orca“ (15.10.)
Bob Seger & The
Silver Bullet Band
„Live Bullet“ (remastered)
(22.10.)
Bob Seger & The
Silver Bullet Band
„Nine tonight“ (remastered)
(22.10.)
Brian Wilson „in
the key of Disney“
(22.10.)
Bush „the Sea of
Memories“ (22.10.)
c Camille „ilo Veyou“
(08.10.)
14
plus
Chicago „chicago
XXXiii – o christmas
three“ (15.10.)
Christophe Lemaire
„Where Are You From?“
(08.10.)
Coldplay „Mylo
Xyloto“ (15.10.)
Cowboy Junkies
„Sing in My Meadow
– the Nomad Series“
(08.10.)
d
Dave Formula/
Christine Hanson
„the organ of corti“
(15.10.)
Dave Hause
„resolutions“ (08.10.)
e
Elder „Dead roots
Stirring“ (15.10.)
Emmy The Great
„Virtue“ (15.10.)
f
Fishbone
„crazy Glue“
(08.10.)
Frei.Wild „händemeer“
(22.10.)
g
Gazpacho
„London“ (Digipack)
(22.10.)
General Elektriks
„Parker Street“
(08.10.)
Guitar Gangsters
„the class of ’76“
(15.10.)
h Hazel O’Connor
„i Give You My Sunshine“
(15.10.)
i
I Am The Avalanche
„Avalanche united“
(08.10.)
Ira „these Are the
Arms“ (08.10.)
Irma „Letter to the
Lord“ (08.10.)
j
Jacques Stotzem
„Lonely road“ (22.10.)
Jane’s Addiction
„the Great escape
Artist“ (08.10.)
Jim Ward „Quiet
in the Valley, on
the Shores the end
Begins“ (15.10.)
John Waite „rover’s
return“ (Digitally
remastered) (08.10.)
John Watts „Fischer-
Z“ (22.10.)
k
Kid Dakota „Listen
to the crows As they
take Flight“ (08.10.)
Kimball/Jamison
„kimball/Jamison“
(08.10.)
l Leningrad Cowboys
„Buena Vodka Social
club“ (Limited edition)
(08.10.)
Nach Gershwin folgt Disney: Brian Wilson liebt die Mythen Amerikas
Ein Aufstand alter Männer: Metallica und Lou Reed spielen „Lulu“
Lonely Kamel „Dust
Devil“ (22.10.)
Lou Reed & Metallica
„Lulu“ (31.10.)
Loudboy „Loudboy“
(08.10.)
Love A „eigentlich“
(08.10.)
Lunatic Soul
„impressions“
(Digipack) (08.10.)
Lydia Loveless
„indestructible
Machine“ (15.10.)
m
Marius Müller­
Westernhagen
„hottentottenmusik“
(08.10.)
Marsland Dot Com
„Marsland Dot com“
(08.10.)
Mono „revenge“
(08.10.)
n
Noel Gallagher
„Noel Gallagher’s high
Flying Birds“ (08.10.)
Nullvektor „i Walk
Alone“ (15.10.)
o
Oliver Wand „Storyteller“
eP (15.10.)
p
Pankow „kunst &
Wahnsinn“ (08.10.)
Papermoon „Wake“
(15.10.)
PeterLicht „Das
ende der Beschwerde“
(22.10.)
r
Radio Moscow „the
Great escape“ (08.10.)
Real Estate „Days“
(08.10.)
Riff „Dogs & Bones“
(22.10.)
s
Samsara Blues Experiment„revelation
& Mystery“ (22.10.)
Sean Taylor „Walk
With Me“ (08.10.)
Shy „Shy“ (15.10.)
Soft Metals „Soft
Metals“ (15.10.)
Spectrals „Bad
Penny“ (22.10.)
Sting „the Best of 25
Years“ (08.10.)
t
The Chap „We Are
the Best“ (08.10.)
The Damned „the
chiswick Singles –
And Another thing“
(08.10.)
The Fog Joggers
„Let’s call it A Day“
(08.10.)
The Walkabouts
„travels in the Dustland“
(22.10.)
Thomas Dolby
„A Map of the Floating
city“ (15.10.)
Todd Rundgren
„No World order“
(expanded & remastered)
(22.10.)
Tom Waits „Bad As
Me“ (15.10.)
u
Udo Lindenberg
„MtV unplugged –
Live aus dem hotel
Atlantic“ (08.10.)
v
Veronica Falls „Veronica
Falls“ (15.10.)
w
William Shatner
„Seeking Major tom“
(15.10.)
Wosimski „could Be
Anywhere“ (15.10.)

Foto: Mathias Bothor
NeuheiteN kL A SSik , JA Z Z & Wo rLD
A
Albert Ferber
„Debussy“
(15.10.)
Alexander Gavrylyuk
„Moments
Musicaux/Sonata 5/
Sonata 7“
(15.10.)
Alfred Brendel
„Brendel spielt Liszt“
(22.10.)
Andre Previn
„rhapsody in Blue“
(15.10.)
Andrei Gavrilov
„Goldberg Variations“
(15.10.)
b
Boris Berezovsky
„Piano concerto No. 1/
totentanz/Ètudes
D’exécution transcendante“
(15.10.)
Bramwell Tovey/
Gryphon Trio/
Vancouver Symph.
Orch. „Fugitive
colours/the Linearity
of Light/equilateral“
(08.10.)
c
Carlo Maria Giulini
„Pictures At An
exhibition“
(15.10.)
Carlos Damas/Anna
Tomasik „Violin
Sonatas Nos. 1 & 2“
(08.10.)
Christian Chamorel
„robert Schumann“
(15.10.)
Christian Thielemann
„carmina
Burana“
(15.10.)
Christian Zacharias
„Schubert“
(15.10.)
d
Daniel Barenboim
„ritt der Walküren“
(15.10.)
Das Orchester
der Bayreuther
Festspiele
„Das rheingold“
(08.10.)
Diana Damrau
„Lieder“ (15.10.)
e
Ensemble MidtVest
& Carsten Dahl
„Synthesia & Metropolis“
(08.10.)
f
Farhad Badalbeyli/
Murad Adigezalzade/RoyaPhilharmonic
O.
„Azerbaijani Piano
concertos“
(08.10.)
Franca Duval/
Richard Cross/
Boston Symphony
Orchestra „Maria
Golovin – Violin
concerto“ (08.10.)
g
Geir Draugsvoll/
Andres Loguin/
Trondheim Symph.
Orch. „Fachwerk –
Silencio“ (08.10.)
Gidon Kremer
„Violin concertos“
(15.10.)
Maurizio Pollini trifft Christian Thielemann trifft Johannes Brahms
Gidon Kremer
„the Four Seasons“
(15.10.)
Hans­Joachim
Berg/Naoka Akutagawa
„Violin Sonatas“
(08.10.)
Heinrich Steiner
„Don Pasquale“
(GA 1939 aus Berlin)
(15.10.)
h
Hille Perl
„Verleih uns Frieden
gnädiglich“
(08.10.)
i
Idel Biret
„32 Piano Sonatas“
(08.10.)
Isabelle Perrin/
Shigenori Kudo
„chamber Music
For harp & Flute“
(08.10.)
j
Jascha Heifetz
„Miniatures Vol. 1“
(08.10.)
John Powell Singers/Victorian
Opera Chorus And
Orch. „robin hood“
(08.10.)
k
Kiri Te Kanawa/
Thomas Allen
„Die hochzeit des
Figaro“ (15.10.)
Kyung­Wha Chung
„Violin concerto No. 1“
(15.10.)
Kyung­Wha Chung
„Violin concerto“
(15.10.)
l
Lazar Bermann
„B Minor Sonata/
transcendental
Studies/Années De
Pelerinage Suisse“
(15.10.)
Leonard Pennario
„American Piano“
(08.10.)
Leonard Pennario
„Piano Works“
(08.10.)
Lisa Yui
„Dussek & Weber“
(08.10.)
Klavier mit Kajal: Wer meint, Bach sei nicht
sexy, sollte Martin Stadtfeld anhören
m
Maeve Gilmore/
Rupert Degas
„titus Awakes“
(15.10.)
Martin Stadtfeld
„klavierkonzerte“
(Limited edition)“
(08.10.)
Matteo Napoli
„keyboard Sonatas
Vol. 2“ (08.10.)
Maurizio Pollini
„Johannes Brahms,
klavierkozert Nr.1
op.15“ (14.10.)
Myung­Whun Chung
„Scheherazade/
Firebird“ (15.10.)
n
Naum Grubert
„Fantasy/Symphonic
Studies op. 13“
(15.10.)
Nuria Rial
„telemann“ (15.10.)
o
Orchestre De
Chambre
De Toulouse
„Joseph haydn“
(08.10.)
p
Patricia Petibon/
Joseph Pons
„Melancholia –
Spanische Arien und
Lieder“ (08.10.)
Peter Hurford
„organ Symphony“
(15.10.)
Prague Sinfonica/
Christian Benda
„complete overtures“
(08.10.)
r
Rafael Orozco
„Piano concerto
No. 2“ (15.10.)
Ragna Schirmer
„Années De Pèlerinage“
(08.10.)
Reinbert de Leeuw
„Gymnopedies/
Gnossiennes“
(15.10.)
s
Sebastian Hackel
„kreideblumen“
(15.10.)
Seiji Ozawa
„Bolero“
(15.10.)
Sergey Ostrovsky/
Bournemouth
Symphony
Orchestra
„russian Violin
concertos“ (08.10.)
Sergiu Celibidache
„celibidache-edition
Vol. 1: Sinfonien“
(Box Set)“ (15.10.)
Sir John Eliot
Gardiner
„Water Music/
Fireworks Music“
(15.10.)
Sir Neville Marriner
„requiem“
(15.10.)
15
plus

Er hat das größte Horn von allen: James Carter glänzt im Trio
Spectrum Concerts
Berlin/ATOS Trio/
Robert Helps
„chamber Music With
Piano“ (08.10.)
Stefan Blunier/
WDR Rundfunkorchester
Köln
„Nacht der träume“
(15.10.)
Stephen Kovacevich
„Piano concerto
No. 5“ (15.10.)
t
The Snark
Ensemble/Gisele
Becker
„the hunting of
the Snark: An Agony
in eight Fits“
(08.10.)
Tina Turner/Regula
Curti/Dechen
Shak­Dagsay
„children Beyond“
(08.10.)
Trevor Pinnock
„Brandenburg
concertos 1-3“ (15.10.)
16
plus
Trevor Pinnock
„Brandenburg
concertos 4-6“
(15.10.)
u
Ursula Oppens
„the People united
Will Never Be
Defeated“ (15.10.)
v
Vasily Petrenko/
Royal Liverpool
Philharmonic
Orchestra „Symphony
No. 6/Symphony
No. 7 ‚the Year 1917’“
(08.10.)
Véronique Gens
„tragédiennes Vol. 3:
Les héroines romantiques“
(08.10.)
Vladimir Ashkenazy
„Piano concerto No. 1/
Symphony No. 4“
(15.10.)
Zubin Mehta
„the Planets“ (15.10.)
Ja z z &
Wo r l d :
A
Angelika Niescier
„Quite Simply“
(21.10.)
Aram Bajakian’s
Kef „Aram Bajakian’s
kef“ (08.10.)
b
Bill Laswell/
Raoul Björkenheim
„Blixt“ (08.10.)
BoNObo­Trio feat.
Médéric Collignon
„toGether“
(15.10.)
c
Christian McBride
Big Band
„the Good Feeling“
(15.10.)
Chrity Doran’s
New Bag
„take the Floor
And Lift the roof“
(15.10.)
Claudia Quintet +1
„What is the
Beautiful?“ (08.10.)
e
Earl Thomas &
Paddy Milner And
The Big Sound
„See it My Way“
(15.10.)
Enrico Rava
„tribe“ (15.10.)
Eric Vloeimans &
Florian Weber
„Live At the
concertgebouw“
(08.10.)
g
Götz Alsmann
„in Paris.“ (15.10.)
Gianluigi Trovesi/
Gianni Coscia
„Frere Jacques –
round About
offenbach“
(15.10.)
h
Humcrush With
Sidsel Endresen
„ha!“ (15.10.)
i
Ikue Mori/Mark
Nauseef/Evan
Parker/Bill Laswell
„Near Nadir“
(08.10.)
j
James Carter
„At the crossroads“
(18.10.)
Jamie Saft
„Borscht Belt
Studios“
(08.10.)
Jim Hall & Pat
Metheny
„Jim hall & Pat
Metheny“
(08.10.)
Joel Rubin/Uri
Caine Duo
„Azoy tsu tsveyt“
(08.10.)
Jon Balke/Batagraf
„Say And Play“
(15.10.)
Jonas Burgwinkel
„Source Direct“
(15.10.)
Joo Kraus & Tales
In Tones Trio
„Painting Pop“
(15.10.)
k
Karl Demata Band
„cross the Mountain“
(08.10.)
l
La Oreja De Van
Gogh „cometas Por
el cielo“ (08.10.)
Ledisi
„Pieces of Me“
(08.10.)
Lorenz Raap’s
XY Band
„hyperdrive“
(08.10.)
n
Nicholas Payton
„Bitches“
(04.11.)
o
Olivia Trummer
„Poesiealbum“
(08.10.)
p
Pink Martini
„1969“ (08.10.)
Pierrick Pédron
„cheerleaders“
(30.09.)
Poncho Sanchez &
Terence
Blanchard
„chano & Dizzy“
(08.10.)
r
Randy Newman
„Live in London“
(12.10.)
Rez Abbasi’s
Invocation
„Suno Suno“
(Digipack)“
(15.10.)
Roy Haynes
„roy-Alty“ (08.10.)
s
Solveig Slettahjell
„Antologie“ (15.10.)
Sonny Rollins
„road Shows Vol.2“
(20.09.)
t
Tam De Villiers feat.
David Linx „Motion
unfolding“ (15.10.)
v
Vince Mendoza
„Nights on earth“
(08.10.)
w
Weather Report
„Live in cologne 1983“
(21.10.)
Noch immer nicht versöhnlich: Randy Newman
bleibt sich auch in London treu