PDF (4,1 MB) - SONO

Musik für erwachsene Hörer 

www.sonomagazin.de 

DEZEMBER 2011 / JANUAR 2012 

Tony Christie 

Nicht Schlager, 

sondern Soul - 

das neue Image 

des Entertainers 

80.000 Ex. 

ni ls 

landgren 

Posaunist mit Botschaft, 

Funk und Feeling 

Kate Bush 

Reflexionen über 

Schnee, Musik 

und Klang 

Tarja Turunen 

Finnische Klassik 

mit Heavy Metal im 

Stammbaum 

Außerdem: Nina Hagen, Lady 

Antebellum, Mischa Maisky u. a. 

Und wie immer: CD-Besprechungen 

und Tourneedaten aus Pop, Rock, 

Klassik und Jazz!

Rock und Pop Klassiker die man haben muss… 

THE KINKS 

Kinks in Mono 

Kinks in Mono – versammelt die ersten 

7 Studioalben in den Original Mono Mixen auf CD, 

3 extra CDs und einem 32seiten Booklet mit seltenen 

Bildern. Abgerundet wird das ganze durch eine 

BOX in Form eines Monoplayers. 

U2 

Achtung Baby 

(20th Anniversary Super Deluxe Edition) 

Inkl. dem Studioalbum digital remastered, 

dazu 5 weitere CDs mit bis dato unveröffentlichten 

Tracks, Remixes, B-Sides etc., die Dokumentation 

“From The Sky Down“ und 3 weitere 

DVDs und einer 4LP Vinyl Box 

THE WHO 

Quadrophenia - limitierte Super Deluxe Edition 

4-CDs mit dem original Doppel-Album neu gemastert und 25 

unveröffentlichten Demotracks aus Pete Townshends Archiven. 

Zudem eine Audio-DVD mit der ‚The Quadrophenia’ 

5.1 EP, eine 7”-Single des Hitsongs ‚5.15’ b/w ‚Water’ in 

einem Picturesleeve und ein 100-seitiges Hardcoverbuch 

ROLLING STONES 

Some Girls (Limitierte Super Deluxe Edition) 

Some Girls - das Erfolgsalbum von 1978 endlich remastered, inkl. 

12 unveröffentlichten Songs auf 2 CD + DVD + 7“ Beast of Burden 

Vinyl, 100-seitiges Hardcoverbuch mit bisher ungesehenen 

Helmut Newton Fotos, Prints, Poster und Postkartenset 

www.universal-music.de

inhalt 

Ein Jahr geht zu Ende, ein neues 

bricht an. Unwägbarkeiten stehen 

ins Haus, Finanzkrise, Terror, 

Unsicherheiten überall. Erstaunlich 

eigentlich, dass sich die Künstler 

nicht unterkriegen lassen und produktiver sind 

denn je. Sie antworten mit wichtigen Aufnahmen 

wie Kate Bush, mit persönlichem Einsatz wie Nils 

Landgren in Kibera, mit Benefiz wie die Jazzer für 

Japan. Einige Beispiele für Engagement haben 

wir im aktuellen SONO dokumentiert. Sie sind 

Schlaglichter, Wegweiser für alle, die nicht wissen, 

wohin mit ihren Energien. Denn die Botschaft 

lautet: Nicht reden, sondern handeln! Wenn das 

mal keine guten Vorsätze sind für 2012! 

Ihr Ralf Dombrowski, Chefredakteur 

Mit Jazz For Japan 

bekennen amerikanische 

Musiker Farbe 13 

die sono-liste 

Klassik trifft die E-Gitarre - 

und beide verstehen sich 14 

Für Emmanuel Pahud ist 

Friedrich der Große, weniger 

Monarch als Künstler 16 

Der Cellist Mischa Maisky 

reist mit Tochter Lily 

musikalisch nach Spanien 18 

9Kluge 

Männer 

Titel: Sebastian Schmidt, Dean Chalkley, Eugenio Mazzinghi; Foto: EMI/Josef Fischnaller 

t r ailer 

News aus der Welt der Musik 4 

leserpost / Impressum 

Was einmal gesagt werden muss 5 

Der Posaunist Nils Landgren 

ist Überzeugungstäter, 

als Musiker und Humanist 6 

Die starken Frauen Kate Bush, 

Nina Hagen und Alison Moyet 

sagen, wo es lang geht 8 

Die klugen Männer Johannes 

Strate, Niels Frevert und Peter 

Licht zeigen Alternativen 9 

Das Trio Lady Antebellum 

hat holt Folk und Country 

Music aus der Nische 10 

neue gesichter 

Anna Depenbusch singt freche 

Lieder, Angelika Niescier 

spielt kraftvoll Saxofon 11 

Unterwegs sind Lucio Dalla 

und Tony Christie mit neuer 

Musik und neuem Image 12 

Zuerst sang Tarja Turunen 

Heavy Metal, jetzt liebt sie 

leisere Töne 19 

CD-Rezensionen Rock, Pop & Co. 

Steven Wilson, Bob Dylan, Deep Purple, 

Lou Reed, R.E.M, Seal, The Who u.a. 20 

CD-Rezensionen Klassik 

Münchner Bachsolisten, Janina Fialkowska 

Pera Ensemble, Martin Stadtfeld, 

Trio Parnassus 22 

CD-Rezensionen Jazz & world 

James Carter Organ Trio, Frank Sinatra, 

Gianluigi Trovesi & Gianni Coscia u.a. 23 

schatzkiste 

Neue Boxsets von Leonard Cohen, 

Dusty Springfield und Can 24 

Mediamix 

Neue Editionen und DVDs von King 

Crimson, Motörhead und Paul McCartney 26 

Tourneen Pop 

The Bosshoss, Die Fantastischen Vier, 

Chris Rea, David Sylvian u.a. 27 

Tourneen Klassik 

Quatuor Ebène, Sol Gabetta, Simone 

Kermes, Carolin Widmann u.a. 27 

Tourneen Jazz 

Pablo Held, Dieter Ilg, Jeff Lorber, 

Tamikrest, Ralph Towner u.a. 29 

Promi-Hörer: gert scobel 

steht Rede und Antwort 30 

E x t r a : 

16 Seiten SONO plus 

10 Lady 

Antebellum 

16 Emmanuel 

Pahud 

18 Mischa & 

Lily Maisky 

3

Trailer 

Thomas Quasthoff (l.) verzichtet auf Swing, Sylvester Stallone (r.) 

lässt inzwischen andere sich prügeln und außerdem singen 

Versuchsballon in England 

für Andy Sheppards „Saxophone 

Massive“ (oben); 

Michael Jackson (l.) wäre 

heute reicher denn je 

Schlussakkorde für zwei Meister: Jazzschlagzeuger Paul Motian (l.) 

und Kabarettist Georg Kreisler (r.) traten von der Weltbühne ab 

Thomas Quasthoff singt 

nicht mehr. Zumindest 

keinen Jazz. Denn so leid 

es ihm tue und so viel Spaß ihm 

die improvisierende Musik auch 

mache, sagt der Bassbariton, so 

schwierig sei es doch auf der anderen 

Seite, die beiden Klangwelten 

technisch auf Dauer zu vereinen. 

Während der vergangen 

fünf Jahre hatte sich Quasthoff 

mit den Alben „Whatch What 

Happens“ (2007) und „Tell It Like 

It Is“ (2010) ins benachbarte musikalische 

Lager vorgewagt und 

war im vergangenen Sommer 

dafür sogar mit einem Echo Jazz 

ausgezeichnet worden. 

Andy Sheppard hingegen hat 

Großes vor. Der britische Saxofonist 

plant zusammen mit dem 

Schweizer Cully Jazz Festival und 

den Stanser Musiktagen ein Konzert 

der Superlative. Es trägt den 

Titel „Saxophone Massive“, dauert 

etwa 30 Minuten und vereint 

im April 2012 100 Saxofonisten auf 

den Bühnen der beiden Festivals. 

Dafür suchen die beiden Festivals 

noch Saxofonisten, Amateure wie 

Profis, die Zeit und Lust auf die 

Proben und Aufführungen am 

18. und 19.April 2012 haben. Die 

Bewerbungen laufen bis zum 23. 

Dezember (www.cullyjazz.ch). 

Dann wird sich zeigen, wie viele 

Hörner sich am Genfer See versammeln. 

Sylvester Stallone hat sechs 

Kinofilme lang als Boxer Rocky 

Balboa seinen Mann im Ring 

gestanden. Nun wechselt er die 

Fronten und fungiert als Co-Produzent 

eines Sport-Musik-Spektakels. 

Im November 2012 soll in 

Hamburg „Rocky – Das Musical“ 

Premiere haben. Grundlage der 

Story sind Stallones Kinofilme, 

und damit das ehrgeizige Projekt 

auch überzeugend wirkt, 

wurden mit den Brüdern Vitali 

und Wladimir Klitschko und 

dem Fight-Choreographen Steven 

Hoggett gleich drei weitere Profis 

als Co-Produzenten und Berater 

verpflichtet. 

Im Herbst sterben die Leut’. Auch 

im vergangenen November sind 

zwei große alte Herren von der 

Weltbühne abgetreten, deren 

Kunst über Jahrzehnte hinweg 

Spuren in der Kulturszene hinterlassen 

hat. Am 22. November erlag 

der Schlagzeuger Paul Motian im 

Alter von 80 Jahren in New York 

einer Knochenmarkserkrankung. 

Über ein halbes Jahrhundert hinweg 

hat er als Stilist, Ästhet und 

Mentor die Klangsprache des Jazz 

Die zahl 

170 Mio. 

US-Dollar hat Michael Jackson nach 

Schätzungen des Magazins ‚Forbes‘ 

postum während des vergangenen 

Jahres verdient. Damit ist der im Juni 

2009 gestorbene Sänger erneut der 

Topverdiener unter den verblichenen 

Stars, auch wenn er sein Vorjahresergebnis 

von 275 Millionen US-Dollar 

nicht übertreffen konnte. 

geprägt. Motian war in der Lage, 

Swing und Reduktion, Präsenz 

und Abstraktion so stimmig zu 

verknüpfen, dass er schon in den 

späten 50ern die erste Wahl für 

das legendäre Bill Evans Trio war. 

Seitdem blieb er in der Riege der 

verhaltenen Innovatoren eine Autorität, 

ein Stoiker am Schlagzeug, 

der bis kurz vor seinem Tod aktiv 

in den Studios und Clubs von 

Manhattan mitmischte. 

Der Kabarettist Georg Kreisler 

starb ebenfalls am 22. November 

im Alter von 89 Jahren in Salzburg. 

Kreisler hatte vieles erlebt, 

als Sohn eines jüdischen Anwalts 

aus Wien die Vertreibung durch 

die Nazis ebenso wie als US- 

Soldat den Untergang des alten 

Europas. Er arbeitete als Autor, 

Sänger, Pianist, schrieb Texte wider 

die Niederungen des menschlichen 

Geistes und dabei auch 

manche Hymne des modernen 

Kabaretts. Ob „Tauberln vergiften 

im Park“ oder „Wie schön wäre 

Wien ohne Wiener“, „Zwei alte 

Tanten tanzen Tango“ oder sein 

„Musikkritiker“ – Georg Kreisler 

fand den passend sarkastischen 

Ton als Meister der kunstvollen 

Eskalation. 

Foto: Sony BMG/Sam Emerson, A. Reimer 

4

leserPost 

Ein bisschen Ironie 

Betrifft: Keith Jarrett in SONO 5/11 

Klasse Jarrett-Artikel, by the way! Präzise Analyse 

mit einer Prise Ironie im Unterton. „ ... 

und schuf vor allem mit dem pathostrunkenen 

Kölner Konzert einen Monolithen der künstlerischen 

Selbstoffenbarung“. Das bringt’s genau 

auf den Punkt, warum immer noch so viele 

diese Platte mögen. 

Frankie Forster, Rheydt 

Falscher Johnny Marr 

Betrifft: Mediamix SONO 5/11 

Reingefallen! Da musste bei der Bildbeschriftung 

von der Besprechung der The Smiths- 

Box mal wieder Andy Rourke als Johnny Marr 

herhalten. Aber da sind Sie bestimmt nicht 

die erste Redaktion, der diese Verwechslung 

unterläuft. Und an der Musik der Briten ändert 

das ja nichts. Die finde ich immer noch 

unerreicht, vor allem als Morrissey und Marr 

noch zusammen spielten. 

Rainer Klose, Köln 

Mobile Zukunft 

Betrifft: SONO digital 

Haben Sie schon einmal darüber nachgedacht, 

das SONO Magazin auch als App anzubieten? 

Ich habe mir vor kurzem so ein Tablet gekauft 

und bin ganz begeistert von den vielen Möglichkeiten, 

die das Gerät bietet. Ich könnte mir 

gut vorstellen, Ihr Magazin auch in digitaler 

Form zu lesen. 

Ingrid Schultes, via iPad 

Musikbücher 

Betrifft: SONOPlus 5/11 

Mein Gott, wie sah denn Paul McCartney damals 

aus? Diese Bilder von der letzten Beatles-Welttournee 

im SONOplus sind ja echte 

Raritäten. Überhaupt hätte ich es ganz gerne, 

wenn Sie noch ein bisschen mehr Musikbücher 

in ihre Artikel aufnehmen könnten. Das ist so 

schön zum Schmökern. 

Christine Huber, Straubing 

Ihre meinung 

ist uns wichtig! 

Haben Sie Fragen, Kritik, Anregungen oder Ergän- 

zungen zu den Artikeln in SONO? Dann schreiben 

Sie uns – die Redaktion freut sich auf ihr Feedback 

unter post@sonomagazin.de oder per Post an 

Inmedia, Redaktion SONO, Lucile-Grahn-Str. 37, 

81675 München 

U2 

FROM 

THE 

SKY 

DOWN 

DIE U2 DOKUMENTATION 

ZUR ENTSTEHUNG IHRES 

BAHNBRECHENDEN 

ALBUMS „ACHTUNG BABY“ 

Directed by 

Davis Guggenheim 

verlosung 

Dusty Springfield 

in schwarz-weiß 

Dusty Springfield war die 

Königin des britischen Soul, 

eine Ikone der 60er Jahre. Und 

sie ist auch das Schmuckstück 

des aktuellen Gewinnspiels, 

als edel auf Leinwand gezogenes 

Bild im Format 38 x 30 cm. 

Wir verlosen drei Exemplare dieser Fotorarität, 

die nicht nur ins nostalgische Wohnzimmer passt. 

Einfach eine Postkarte mit dem Stichwort „Dusty 

Springfield“ abschicken an: Inmedia, Redaktion SONO, 

Lucile-Grahn-Str. 37, 81675 München. 

Einsendeschluss ist der 20. Dezember 2011. 

Impressum 

Verlag: INMEDIA Verlagsund 

Redaktionsbüro GmbH 

Lucile-Grahn-Str. 37 

81675 München 

Telefon 089 / 457 261-0 

Fax 089 / 457 261-50 

Mail post@sonomagazin.de 

Herausgeber: Günter F. Bereiter 

Redaktion: Ralf Dombrowski 

(r.dombrowski@inmedia.de, 

Tel. 089 / 457 261-41) 

Autoren dieser Ausgabe: Svevo 

Bandini, Ralf Dom browski, Guido 

Fischer, Sascha Fröhlich, Heiko Große, 

Paul Hammerthal, Jörg Laumann, 

Reinhard Lemelle, Felix Marondel, 

Gunther Matejka, Severin Mevissen, 

Christiane Rebmann, Michael Sailer, 

Hans-Jürgen Schaal, Robert Wallner 

Bildredaktion: Fritz Osskar 

Termine: Andra Limmer 

Design: Arndt Knieper 

Produktion: Viola Müller-Hergerdt 

Anzeigenmarketing: 

Maren Kumpe (m.kumpe@inmedia.de, 

Tel. 089 / 457 261-35) 

Abo + Vertrieb: 

Susanne Lanzinger 

(s.lanzinger@inmedia.de, 

Tel. 089 / 457 261-45) 

Druck: Augsburger Druckhaus ADV 

Aindlinger Str. 17–19, 86167 Augsburg 

SONO erscheint 6x jährlich 

5 

DER DIRECTOR’S CUT 

MIT UNVERÖFFENTLICHTEM 

BONUSMATERIAL 

AUF DVD UND BLU-RAY 

AB JETZT 

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Nils Landgren 

Mission Accomplished 

Fünf Jahre hat Nils Landgren das JazzFest Berlin 

geleitet, jetzt bricht für das schwedische Multitalent 

eine neue Ära an. Von Wolf Kampmann 

Der Schwede Nils Landgren hat den 

Funk europäisiert. Das kann man 

gut finden oder nicht. Fakt ist, dass 

die Jazzlandschaft zwischen Nordkap und Sizilien 

ohne den polarisierenden Skandinavier 

eine andere wäre. Nils Landgren hat eiserne 

Prinzipien. Er ist bedingungslos der gehobenen 

Unterhaltung verpflichtet, seine unmissverständliche 

Botschaft ist gute Laune. 

In Jazzkreisen kommt das nicht immer gut 

an. Doch selbst seine größten Kritiker müssen 

ihm bescheinigen, dass er dabei stets absolut 

authentisch ist. Wer sich auf den blonden 

Skandinavier einlässt, bekommt hundert 

Prozent Nils Landgren, egal ob als Posaunist, 

Bandleader oder Festivalmacher. In den Augen 

des leidenschaftlichen Botschafters wider 

den tierischen Jazzernst blitzt unverstell- 

Noch schüchtern, aber den Blick nach vorn: 

Nils Landgren 1983 in Amsterdam, lange 

bevor er mit der Funk Unit bekannt wurde 

te Lebensfreude auf, wenn es um seine Musik 

geht. Doch wenn er Kritik einstecken muss, 

ändert sich sein Gesichtsausdruck. Plötzlich 

wird er zum aufmerksamen Zuhörer, der das 

Gehörte auf der Stelle und ohne jede Selbstgefälligkeit 

konstruktiv umsetzt, als ginge es um 

eine Live-Improvisation mit seiner Band. 

Vier Jahre war der Schwede beispielsweise 

Leiter des altehrwürdigen JazzFests Berlin. 

Er setzte damit eine Tradition fort, die zuvor 

von Joachim Ernst Berendt, 

George Gruntz, Albert Mangelsdorff 

und Peter Schulze 

ganz unterschiedlich ausgelegt 

worden ist. Landgren 

setzte eigene Akzente. Anders 

als Mangelsdorff ließ 

er es sich nicht nehmen, 

mit seinem Red Horn auch 

spielerisch in Erscheinung 

zu treten, wann immer es 

sich anbot. Er suchte weder 

die Provokation wie Peter 

Schulze, noch fahndete er 

überall auf der Welt nach 

neuen Idiomen des Jazz wie 

George Gruntz. Und den 

monolithischen Pioniergeist 

von Berendt hatte er 

schon gar nicht. Vielmehr 

machte er sich das Logo des 

Festivals zu eigen: ein Fest 

für den Jazz. Er wollte vor 

allem das Publikum hinter 

sich bringen. Dabei musste 

er lernen, dass Harmonie 

nicht immer Eintracht sät. 

„Ich bin Skandinavier. Ich 

ziehe den Konsens immer 

dem Streit vor, was soll ich 

machen“, bekennt der Posaunist 

mit einer Mischung 

aus Trotz und Resignation. 

„Das kann man sicher auch 

Vororthilfe 

Funk for Life 

In Kibera leben rund 250.000 Menschen 

unter katastrophalen Bedingungen. 

Trinkwasser ist rar, Müllhaufen 

gehören zum Straßenbild des Slums 

in Nairobi. Krankheiten breiten sich in 

rasanter Geschwindigkeit aus, es fehlt 

am Allernötigsten. Deshalb engagiert 

sich dort die humanitäre Organisation 

Ärzte ohne Grenzen. Und deshalb 

sammelt auch Nils Landgren Geld 

und Instrumente, um den Menschen 

vor Ort zu helfen. Mehr noch: Er reist 

regelmäßig nach Kibera, gibt gratis 

Konzerte und zeigt vor allem den 

Kindern und Jugendlichen, dass Musik 

eine Alternative sein kann. Denn mehr 

noch als Soforthilfe brauchen die 

Menschen Perspektiven. „Funk For 

Life“ ist eine davon. 

kritisieren, aber ich kann ja nicht meine Persönlichkeit 

ändern.“ 

Nach Berlin 

Den Job als Festivalleiter in Berlin hat Landgren 

Anfang November erfolgreich beendet. 

Sein viertes Festival in Folge und sein fünftes 

insgesamt – er hatte das JazzFest bereits 2001 

mit einem Skandinavien-Schwerpunkt kuratiert 

– war Gelegenheit, sich eine Reihe persönlicher 

Wünsche zu erfüllen. Jetzt gilt es, 

in die Zukunft zu schauen. Vor dem international 

aufgestellten Bandleader liegt jede Menge 

Musik. Noch Ende dieses Jahres nimmt er 

in Schweden eine CD mit Weihnachtsliedern 

auf, Anfang nächsten Jahres folgen ausgedehnte 

Touren nach China, Japan und in die 

USA. In dieser Hinsicht mag es geradezu befreiend 

sein, das jährliche Hauptstadtspektakel 

vom Hals zu haben. Seine Verantwortung 

für die Zukunft des Jazz hat er aber nicht am 

Ausgang der Berliner Festspiele abgegeben. 

„Wir müssen darauf achten, die Jugend ins 

Boot zu holen. Der Jazz ist eine aussterbende 

Musikform, da müssen wir verantwortungsvoll 

handeln. Ansonsten 

bleibt uns irgendwann das 

Publikum weg.“ 

Allerdings ist Mr. Red 

Horn, wie er gelegentlich 

wegen seiner roten Posaune 

genannt wird, der 

Letzte, der sich über Publikumsschwund 

zu beklagen 

hätte. Seine Auftritte 

sind große Partys. Mit 

seinen Platten hingegen 

polarisiert der Mann des 

großen Ausgleichs derzeit 

wie kaum ein anderer im 

europäischen Jazz. Was 

er selbst als Suche nach 

Konsens deklariert, entpuppt 

sich bei genauerem 

Hinsehen oft als mutiger 

Grenzgang. Damit ist noch 

nicht einmal seine ABBA- 

Hommage „Funky ABBA“ 

von 2004 gemeint, denn 

die drängt sich bei einer 

schwedischen Frohnatur 

wie Landgren ja regelrecht 

auf. Viel weiter lehnte er 

sich aus dem Fenster, als er 

2001 mit seiner Band Funk 

Unit auf der CD „Fonk Da 

World“ Herbie Hancocks 

Scratch-Hymne „Rockit“ 

und „Riders On The Storm“ 

6

Auf der Bühne liebt er die 

Kraft: Mr. Red Horn blies im 

vergangenen Oktober im 

Berliner Kammermusiksaal 

den Soul 

von The Doors coverte. Da mag der Spaß vielleicht 

ein wenig zu weit gegangen sein, doch 

zeigten diese beiden Songs auch, dass Landgren 

sich weder von der Jazzpolizei noch von 

den Wächtern des Pop beirren lässt. 

So ist der singende Posaunist immer wieder 

für handfeste Überraschungen gut. Erinnert 

sei an die stimmungsvollen Duo-Alben 

mit seinem Landsmann Esbjörn Svensson vor 

der Jahrtausendwende und an seine jüngst erschienene 

Arbeit mit dem deutschen Pianisten 

Michael Wollny. Das Partyvolk dürfte er 

indes am meisten mit der CD „Salzau Music 

„Wir müssen die Jugend 

ins Boot holen. Jazz 

ist eine aussterbende 

Musikform“ 

On The Water“ verwirrt haben, die er 2006 

gemeinsam mit Vibrafonist Christopher Dell 

und Bassist Lars Danielsson zu früher Stunde 

in einem offenen Pavillon über einem Teich 

in Salzau aufgenommen hat. Die drei Musiker 

verwandeln die Morgenstimmung in eine 

freie Improvisation, im Hintergrund singen 

Vögel, und selbst die Sonne glaubt man aufgehen 

zu hören. Nils Landgren voller Andacht 

und Demut in den mystischen Abgründen des 

Seelenklangs – einer der ergreifendsten Jazzmomente 

des zurückliegenden Jahrzehnts. 

Seine Mission auf dem JazzFest ist erfüllt, vor 

ihm liegen unendliche Weiten. 

Neu erschienen: Nils Landgren: „The Moon, 

The Stars And You“ (ACT/EDEL KULTUR) 

7

Starke Frauen 

Schnee von morgen 

Es gibt noch viel zu erkämpfen, nicht nur in Aufsichtsräten, 

sondern auch in der Musik. Deswegen 

machen die Mütter des Pop mobil und präsentieren 

sich überzeugender denn je. Drei Beispiele. 

diese Weise vielleicht mehr Aufmerksamkeit 

bekommen“. So gibt es Hits zu hören, aber auch 

Lieder wie „One More Time“ von 2007. Der 

Knüller aber ist die Bonus-CD, die ein knappes 

Dutzend Songs in kraftvolle, selbstbewusste 

Jazz- und Soulästhetik packt. Das ist die Alison 

Moyet, die man hören möchte. Von wegen 

abgehakt. 

Sascha Fröhlich 

erfreulich rockig übrigens, zuweilen aus der 

Zeit gefallen, wenn sie „Wir sind das Volk“ zu 

kräftigen Gitarrenriffs skandiert. Das ist Musik, 

die aus einem eigenen Kosmos herüberschallt, 

erfrischend verwegen in ihrer Individualität. 

 

Ralf Dombrowski 

Nina Hagen ist immer für einen Ausfall 

gut: „Was heißt da Publikum? Bei mir pupst 

niemand! Ich spiele für Menschen!“, poltert 

die Grande Dame der Provokation ins Mikrofon 

und fährt fort, ihre Botschaften von Jesus 

und der Liebe zu bewerben. Das hat etwas 

Putziges, aufs Ganze betrachtet, schließlich 

ist Nina Hagen mit 56 Jahren eigentlich aus 

dem Alter der Albernheiten heraus. Auf der 

anderen Seite aber ist sie eine der wenigen 

Künstlerinnen, denen man die lebenslange 

Exzentrik abnimmt. Vor allem ist sie eine 

Überzeugungstäterin. Schwer erkältet beim 

Pressetermin, lässt sie es sich nicht nehmen, 

einem Journalisten nach dem anderen zu erklären, 

was sie bewog, sich dem Gerne des Protestsongs 

zuzuwenden und, diesmal wieder auf 

deutsch, den Bogen von Bertolt Brecht bis Wolf 

Biermann zu schlagen. „Musik ist doch der 

Herzschlag des Lebens. Sie ist so wichtig, war es 

beispielsweise auch bei der Bürgerrechtsbewegung 

der DDR. Ein Volk hat immer eine Musik. 

Sie ist das, wo die Politiker nicht hinkommen.“ 

Und deshalb nun ein Album mit „Volksbeat“, 

8 

Alison Moyet ist ein typisches Beispiel für 

selektive öffentliche Wahrnehmung. In grauer 

Wave-Pop-Vorzeit hatte sie mit Yazoo und als 

Solistin einige Hits und wurde nach der Hausse 

der frühen 80ger in die Asservatenkammer 

der Kulturgeschichte gesperrt. Von den Trendmagazinen 

als erledigt abgehakt, boten sich 

ihr aber neue Möglichkeiten. Alison Moyet 

entdeckte den Jazz, das Theater für sich und 

spielte in London in dem Musical „Chicago“. 

Außerdem machte sie weiter Platten, die aber 

kaum noch den Weg über den Kanal fanden. 

Wenn nun ihr Best-Of-Album mit „25 Years 

Revisited“ unterschrieben ist, dann macht das 

Sinn: „Als Künstler kann man sich eigentlich 

nicht selbst langweilig werden. Denn alles was 

man macht, prägt das eigene Leben. Wichtig 

sind für mich auch die späteren Sachen, die auf 

Kate Bush, wenn auch äußerlich klein und 

zierlich, gehört die 53-Jährige doch unbedingt 

in die Kategorie der starken Frauen. Denn 

schon früh hat sich die Engländerin entschieden, 

das Popspiel einfach nicht mitzuspielen. 

Tourneen sind rar, Singleshits scheinen sie 

nicht zu interessieren, und auch die Abstände 

zwischen ihren Veröffentlichungen werden 

immer länger. So dauerte es sechs Jahre, bis 

nach ihrem Doppel-Album „Aerial“ im vergangenen 

Frühjahr die CD „Director’s Cut“ mit 

recycelten Songs aus den 90erjahren erschien. 

Doch dabei blieb es nicht, denn nun folgt mit 

„50 Words For Snow“ ein Massiv von Album, 

ein düsteres, minimalistisches, experimentelles 

Werk, das an zeitgenössische Klassik 

und den späten Scott Walker erinnert. Die 

meisten Stücke sind um repetitive Klavierfiguren 

gebaut und entwickeln eine hypnotische 

Sogwirkung. Selbst Elton John, der auf 

einem Song als Gastsänger mitmischt, klingt 

hier bedrohlich. Wahrlich, für so ein Album 

muss man stark sein: als Künstlerin, aber auch 

als Hörer. 

Heiko Große 

Neu erschienen: 

Nina Hagen „Volksbeat“ (Koch/Universal) 

Alison Moyet „The Best Of – 25 Years 

Revisited“ (Sony) 

Kate Bush „50 Words For Snow“ (EMI)

Kluge Männer 

Verschmitzte Versteher 

Mann zeigt wieder Flagge. Eine junge Generation 

von Bekenntnispoeten erobert derzeit die musikalische 

Sympathienlandschaft. Drei Beispiele, melancholisch, 

verschmitzt, ein klein wenig unrasiert. 

Sprache gefunden, die dezente Opulenz in 

Klarheit packt und auf markante Weise mit 

Text-Klang-Kontrasten arbeitet. Und er erzählt 

Geschichten aus dem Leben nachdenklicher 

Männer, die einen eigenen Blick auf die Welt 

präsentieren. „Ich hasse Klischees, denn ich will 

den Leuten ja auch nichts vorkauen“, meint er 

selbst mit Tendenz zum Understatement. Dabei 

macht es viel Spaß, ihm auf die Nebenwege 

zu folgen. 


Du warst die, die immer rausstach / jetzt bist 

du nur noch mittendrin“, hat eben doch sein 

Ego im Blick, auch wenn es sich sanft gibt. 

Einmal Revolverheld, immer Revolverheld. 

 

Paul Hammerthal 

Johannes Strates Band heißt Revolverheld. 

Sie ist ein Vorzeigeprodukt der Popakademie 

in Mannheim, die sich der Karriereplanung 

junger Musiker verschrieben 

hat. Alles hat mit Revolverheld geklappt, die 

Combo verbuchte Hits, und nun macht der 

Sänger auch etwas Eigenes. „Die Zeichen 

stehen auf Sturm“ heißt sein Soloalbum mit 

mentalem Lagerfeuer für melancholische 

Stadtvaganten. Es kann als Modell für eine 

neue Ära der Reflexivität gehört werden. Denn 

Beziehungsromantik heute hat ihre eigenen 

Regeln der Umsetzung. Johannes Strate ist 

ein Vertreter alltagspsychologisch versierter, 

verständnisvoller Sanftgemüter, quasi der Gegenentwurf 

zu Machomythen versprühenden 

Muskelmännern à la Rammstein und tattoogegerbten 

Thekenkumpels nach dem Haudegenmuster. 

Er wirkt auf den ersten Blick wie ein 

Frauenversteher aus der Margarinewerbung, 

aber Vorsicht: Die Langmut hat ihre Tücken! 

Denn wer Zeilen singt wie: „Es tut mir weh, 

dich so zu sehen / doch ich kann den Schritt 

zurück nicht gehen / Wo ist geblieben, was dich 

ausmacht? / Wo ist das große Mädchen hin? / 

Niels Frevert ist der Flaneur unter den 

Liedermachern. Vielleicht sogar ein neuer Udo 

Lindenberg. Denn Frevert hat diese spezielle 

Lakonik im Ausdruck, den frei rhythmischen 

Schlendrian der Wortwahl, der Spontaneität 

antäuscht, dabei aber genau mit den Wirkungen 

der Sprache umzugehen versteht. „Ich 

finde den Vergleich mit dem frühen Udo sehr 

schmeichelhaft, zumindest wenn damit eine unprätentiöse 

Erzählweise gemeint ist, die in den 

Worten arbeitet, die der Sänger auch spricht. 

Da gibt es durchaus Parallelen.“ Aber natürlich 

auch viele Unterschiede. Denn Niels Frevert 

hat längst seine eigene Biografie als Referenz, 

von den frühen Aufnahmen mit Nationalgalerie 

bis hin zu seinem fünften Soloalbum „Zettel 

auf dem Boden“. Er hat eine musikalische 

Von Peter Licht gibt es kaum Fotos. Das 

passt zur Inszenierung, denn der Kölner 

Sänger und Konzeptkünstler ist mal Aphorist, 

mal Rhapsode. Er wirft Motive in den 

Raum, konkret, dann wieder eigenartig verschlüsselt. 

Es ist ein Spiel mit den Hülsen, 

mit Widersprüchen und Gewissheiten, die 

längst keine mehr sind. Damit hat er es inzwischen 

zu einem fünften Album und mehreren 

Szenehits gebracht. Nun gibt Peter Licht 

mit „Das Ende der Beschwerde“ neue Rätsel 

auf. „Begrabt mein iPhone an der Biegung des 

Flusses“, textet er, „da wo in der Mitte der Gesellschaft 

eine Kausalkette entspringt!“ Ein 

Hauch von Dada? Vielleicht in der Haltung 

wider den vordergründigen Ernst. Musikalisch 

gibt sich Peter Licht entspannt konventionell. 

Zieht man die Texte ab, bleibt ein wenig 

The Cure mit etwas 80er-Wave-Pop übrig, 

schmissig gespielt, aber bei weitem nicht so 

wagemutig, wie sich die Worte präsentieren. 

Doch das sind Anmerkungen, aber bestimmt 

keine Beschwerde. 


Neu erschienen: Johannes Strate „Die Zeichen 

stehen auf Sturm“ (Sony) 

Niels Frevert „Zettel auf dem Boden“ (Tapete) 

Peter Licht „Das Ende der Beschwerde“ (Motor) 

9

Lady Antebellum 

Country-Luft mit 

Stadt-Appeal 

Lady Antebellum kommen aus Nashville 

und sind mit ihrer Mischung aus Pop, 

Country und Rock inzwischen auch in 

Deutschland salonfähig. Ihr neues 

Album „Own The Night“ soll den Erfolgskurs 

fortsetzen. Von Christiane Rebmann 

Gerade haben Sie Ihr drittes Album herausgebracht. 

Sie sind ständig auf Tournee. 

Wann schreiben Sie Ihre Songs? 

Haywood: Wir nehmen Songwriter mit auf 

Tournee, die uns motiviert halten. Wenn 

man in Nashville wohnt, hat man automatisch 

viele Freunde, die in diesem Metier 

arbeiten. Wir laden jeweils einen oder zwei 

dieser Freunde ein, eine Woche mit uns zu 

reisen. Nach dem Mittagessen setzen wir 

uns gemeinsam hin und spielen uns gegenseitig 

unsere neuen Ideen vor. Auf die- 

Armen: Lady Antebel- 

Fünf Grammys in den 

se Weise haben wir für das jeweils nächste lum im Glück (2011) 

Album eine gute Auswahl zur Verfügung. 

Scott: Ja, es ist super. (lacht) Du hast einen Songwriter neben dir im Bus 

sitzen, der dich erwartungsvoll anstarrt und fragt: „Und was hast du?“ 

Da fühlst du dich dann komisch, wenn du nichts vorweisen kannst. 

Also bleibst du am Ball. 

Wer hat Sie musikalisch inspiriert? 

Dave Haywood: Wir kommen ja aus dem Süden der USA, deshalb sind 

wir mit Classic Rock und Southern Rock aufgewachsen. 

Hillary Scott: Im Moment hören wir oft Coldplay. Aber ich liebe auch 

Soul. Einer der ersten Nicht-Country-Acts, die ich als kleines Mädchen 

gesehen habe, war Gladys Knight. Ihre Soul-Performance hat mich so 

beeindruckt, dass ich dachte: So möchte ich auch singen. 

Holen Sie sich Ihre Textideen aus den Beobachtungen dessen, was um 

Sie herum geschieht? 

Charles Kelley: Nein. In den Texten erzählen wir aus unserem eigenen 

Leben. Wir wollen nicht über einen Lebensstil schreiben, der weit entfernt 

ist von unserem eigenen und dem der Menschen um uns herum. 

Woher stammt eigentlich der Name? 

Kelley: Die Idee kam uns bei einer Fotosession. Wir zogen durch New 

Orleans und fotografierten uns gegenseitig. Dabei landeten wir vor einer 

dieser typischen großen Südstaatenvillen, die wir hier in den USA 

Antebellum-Häuser nennen. 

Weil sie aus der Zeit vor dem Sezessionskrieg stammen? 

Kelley: Genau. Und einer von uns sagte: „Das ist ja ein richtig 

schönes Antebellum-Haus“. Damals hatten wir gerade angefangen, 

Musik zu machen. Wir waren auf der Suche 

nach einem guten Bandnamen. Und das Wort blieb 

uns im Ohr hängen. Wir packten noch das 

Wort Lady davor. 

 

Neu erschienen: Lady Antebellum: 

„Own The Night“ 

(Capitol/Sony) 

Vom Winde verweht: 

Hillary Scott, 

Dave Haywood und 

Charles Kelley

neue gesichter 

Angelika Niescier 

Kraftpaket mit Saxofon 

Diesmal ohne 

Band und 

Orchester: Anna 

Depenbusch 

[Jazz] Erstens ist Angelika Niescier nicht mehr ganz neu 

in der Szene, sondern hat etwa mit ihrem Quartett Sublim 

bereits die Jazzspezialisten überrascht. Zweitens ist 

sie auch nicht mehr so blutjung wie manch aufsteigendes 

Sternchen. Drittens aber ist die Saxofonistin mit polnischen 

Wurzeln eine der fulminanten Durchstarterinnen 

des vergangenen Jahres, die in der zeitgenössischen 

Moderne ebenso zu Hause ist wie im 

reflektierten Jazz der Gegenwart. 

„Quite Simply“ ist alles andere als 

einfache Musik, entwickelt aber 

eine mitreißende Kraft. Es ist ein 

Trio-Album, das alle Lügen straft, 

die behaupten, Komplexes müsse 

auch kompliziert klingen. 

 


Bläst der 

Szene den Jazz: 



„Quite Simply“ 

(Enja/Soulfood) 

Anna Depenbusch 

Schnuckelchen mit Klavier 

[Chanson] Manches muss man 

zweimal machen. Eigentlich war „Die 

Mathematik der Anna Depenbusch“ 

bereits ein schönes Album. Aber die 

Hamburger Sängerin war nicht zufrieden 

damit. Es rumorte in ihr, bis 

sie sich noch einmal hinsetzte und 

das ganze Programm wiederholte, 

alleine am Klavier. Und siehe da: Die 

Musik der Anna Depenbusch klingt 

solo „in schwarz-weiss“ reizvoller als 

zuvor. Ihre Lieder sind Chansons, die 

mit der Nähe spielen. Sie zehren vom 

Charme des Studentischen auf der 

einen und einer offensiven Poesie 

auf der anderen Seite. „Die Inspiration 

für die Lieder kommt aus meinem 

Umfeld. Es ist mein Alltag, der mir 

Ideen schenkt“, meint sie im Interview 

der beigelegten DVD. Vor allem 

aber ist es Depenbuschs lächelndes 

Spiel mit Sentimentalitäten, das 

beim Hören die Menschen umgarnt. 

 


Anna Depenbusch „Die Mathematik 

der Anna Depenbusch in 

schwarz-weiss“ (105 Music/Sony) 

Days Of Our Lives 

ALS DVD UND 

BLU-RAY 

Die brandneue Dokumentation 

zum 40. Jubiläum der Band 

AB JETZT 

www.universal-music.de 

mit bisher unveröffentlichtem Bonus-Material

tony christie · lucio dalla 

Der Crooner und der 

Cantautore 

Beide hatten ihre ersten Hits in den frühen 70ern. Und 

beide gehören seitdem zu den Konstanten des Showgeschäfts. 

Im Februar tourt Tony Christie, im 

März Lucio Dalla durch Deutschland. Eine Vorschau. 

Mehr Power als 

mancher junge 

Hüpfer: Tony 

Christie tourt 

mit British Soul 

Tony Christie – Silver Soul und 

goldener Groove 

Nur auf Tom Jones wird er nicht gerne 

angesprochen. Der sei schon ein 

guter Künstler, meint Tony Christie, 

aber er sehe kaum Parallelen zu dem, was er 

selbst mache. Vielleicht liegt der Vergleich 

auch vor allem aus deutscher Perspektive 

nahe. Denn hierzulande kennt man Tony 

Christie vor allem als Schlagersänger, der in 

frühen Radiojahren mit Songs wie „Is This 

The Way To Amarillo“ bekannt geworden 

war. In seiner Heimat England ist sein 

Image durchaus nicht so festgelegt. Dort 

gilt Christie als Crooner vom Fach, der 

Kollege Jones locker das Wasser reichen 

kann. Und deshalb ist es für ihn kein 

Imagewechsel, sondern bestenfalls 

ein Tuning der Außenwirkung, 

mit „Now’s The Time“ Soul und 

Adult Beat in den Mittelpunkt zu 

stellen. „Dieses Album hat mir die 

Chance gegeben, einfach ich selbst 

zu sein. Was könnte aufregender 

sein?“, meint er selbst und geht auf 

in der Rolle des Entertainers. Tatsächlich 

hat seine Musik etwas Zeitloses, 

pointiert verortet in der Welt des 

lockeren British Soul. Das macht Spaß, 

ist übrigens auch Tony Christies persönliches 

Geschenk zum 50. Bühnenjubiläum 

und die Grundlage der Tournee, 

die den Showman von 1. bis 8. Februar 

2012 nach Deutschland führt. Have 

fun! Now’s the time! Sascha Fröhlich 

Lucio Dalla – Canzone, Caruso 

und ein bisschen mehr 

Lucio Dalla macht sich rar. Er ist nur 

noch unterwegs, wenn er dazu Lust 

hat. Als Komponist und Sänger hat 

er längst ausgesorgt, als Klarinettist leistet 

er sich zuweilen ein wenig Jazz. Langweilig 

wird ihm nicht, Aufträge für Filmmusiken 

oder auch die Arbeit als Produzent für seine 

eigene Plattenfirma sorgen für genügend 

Abwechslung. Darüber hinaus darf man 

sich mit 68 Jahren zuweilen auch einmal zurücklehnen, 

das Leben genießen, einen guten 

Wein trinken und in die Sonne blinzeln. Der 

Sänger aus Bologna müsste also nicht mehr 

auf Tournee gehen, aber nach Jahren der Abstinenz 

reizt es ihn dann doch, sich mit einem 

Tross guter Musiker auf den Weg zu machen. 

Acht Konzerte wird Lucio Dalla in der zweiten 

Märzhälfte 2012 von Düsseldorf bis Berlin 

geben, mit großen Hits wie „Washington“ 

und „Caruso“ im Gepäck, aber auch mit Songs 

von seinem neuen Doppel-Album „Questo E’ 

Amore“ (Sony) im Programm. Denn was ein 

erfahrener Cantautore ist, der schreibt seine 

Reflexionen über die Schönheiten und Widrigkeiten 

des Lebens eben als Lieder nieder. 

Sie mögen vor allem von der Liebe handeln 

und nicht mehr so politisch sein wie am 

Anfang seiner Karriere, betörend aber sind 

sie allemal, besonders live auf der Bühne 

vom Lebenskünstler persönlich präsentiert. 

 


Auf Tour: Alle Tourneetermine siehe Seite 27 

Mediterran mit 

Esprit: Lucio Dalla, 

Lebenskünstler 

Auf Tour: Alle Tourneetermine siehe Seite 27 

12

jazz für japan 

Unter Brüdern 

Der Erlös von „Jazz For Japan“ kommt 

den Erdbebenopfern von Fukushima 

zugute. Es ist ein Zeichen der Solidarität, 

aber auch eine Frage der Identität. 

Los Angeles hilft Fukushima: 

Studioszene mit Marcus Miller 

(6. v. l.) und vielen Freunden. 

Für den Jazz ist Japan 

wichtiger als viele andere 

Landstriche der Erde, 

denn abgesehen von Europa 

gibt es nirgendwo sonst ein vergleichbar 

treues und begeistertes 

Publikum. Als daher der Produzent 

Larry Robinson kurz nach 

der Natur- und Nuklearkatastrophe 

im März 2011 zum Hörer 

griff, um Jazzmusiker für ein Benefizalbum 

zu gewinnen, ließen 

sich Künstler nicht lange bitten. 

Innerhalb weniger Tage fanden 

sich gut zwei Dutzend Koryphäen 

von Billy Childs bis Marcus 

Miller und Tom Scott bis Steve 

Gadd im Studio ein, um ihre 

Kompetenz in den Dienst des 

guten Zwecks zu stellen. Insgesamt 

13 Stücke wurden aufgenommen, 

überwiegend Standards 

aus den 60ern, als sich der 

Jazz an sich noch als politisch 

verstand. Denn es war schnell 

klar, dass „Jazz For Japan“ auch 

das Engagement von Musikern 

an sich zum Thema machte. „Es 

geht dem Jazz ja nicht anders als 

dem Pop“, räsoniert Saxofonist 

Tom Scott. „Die Zeit der großen 

Songs ist vorbei, aber das heißt 

nicht, dass sie für alle Zeiten vorbei 

sein muss. Wir müssen die 

wichtigen Hits der Vergangenheit 

verstehen, um wieder zu lernen, 

mit unserer Musik Aussagen zu 

treffen.“ Ein Versuch, die ummauerten 

Schlafstädte der Kreativität 

zu verlassen. Vielleicht ist 

„Jazz For Japan“ auch ein Schritt 

in Richtung künstlerischer Identität. 

Zumindest setzt die Aktion 

ein Zeichen. Sascha Fröhlich 

Neu erschienen: V. A. „Jazz For 

Japan“ (Edel Content/Edel) 

„Es genügt, wenn man meine Melodien kennt. Meine Musik sagt ja alles, was ich zu sagen habe.” 

Bert Kaempfert 

LET’S GO BOWLING – ursprünglich nur als LP erschienen, 

gibt es dieses lange nicht erhältliche Album für alle Fans 

endlich auf CD – Good Life Music der besonderen Art. 

VINYL BOXSET: Vinyl-Single-Selection (1958-1969) 

40 Hits auf 20 Vinyl Singles und dazu ein tolles 24-seitiges 

Booklet. Das sind Bert Kaempferts Meisterwerke der 

1958-1969er. 

RE-RELEASES: Alle Original Katalog Alben komplett remastered von 

1958-1979 - “A Swingin’ Safari”, “Strangers In The Night”, “Blue Midnight” u. v. m. www.universal-music.de www.kaempfert.de

Die Sono-liste 

Sie glauben, 

E-Gitarre und 

E-Musik passen 

nicht zusammen? 

Manchmal geht es aber doch! 

Von Hans-Jürgen Schaal 

1. Mark-Anthony 

Turnage & John Scofield 

Scorched 

Der britische Komponist und 

Jazzfan Mark-Anthony Turnage 

meint, dass Miles Davis bedeutender 

sei als die serielle Musik. 

John Scofield ist sein Lieblingsgitarrist 

und inspirierte Turnage 

schon zu mehreren Werken, 

auch zu „Scorched“ („Scofield 

Orchestrated“). Ein gutes Dutzend 

Stücke des US-amerikanischen 

Kollegen hat Turnage für 

Orchester und Bigband weiterkomponiert, 

auf dem Notenpapier 

„improvisierend wie ein 

Jazzmusiker“, und das Scofield- 

Trio mischt seine eigenen Interpretationen 

hinein. Das Ergebnis 

hat Farbe und Drive. (Deutsche 

Grammophon, 2002) 

2. Steve Reich 

Triple Quartet u. a. 

Nach „Electric Counterpoint“, 

das Pat Metheny 1987 aufnahm, 

ist „Electric Guitar Phase“ das 

zweite Werk für E-Gitarre vom 

Minimal-Music-Meister Steve 

Reich. Aber was heißt hier E- 

Gitarre? Bei Metheny waren es 

einst satte elf Gitarrenstimmen, 

hier sind es immerhin noch vier 

Spuren, die der Gitarrist Dominic 

Frasca übereinander legt. Im 

Kern spielt er eine Viertelstunde 

lang ein einziges Motiv, das sich 

ständig minimal gegen sich selbst 

verschiebt und verkantet. Anders 

als die originale „Violin Phase“ 

(1967) besitzt diese „Electric Guitar 

Phase“ einen ganz schön kräftigen 

Biss. (Nonesuch, 2001) 

Illustration: Fornfest 

3. Sonic Youth 

Goodbye 20th Century 

Die New Yorker Drei-Gitarren- 

Band zählt zu den anspruchsvolltsten 

Erscheinungen der 

experimentellen Noise-Szene. 

Hier haben sich Sonic Youth 

frech der Herausforderung der 

14

MATUTO Matuto 

Neuen Musik gestellt: Aleatorisches 

von John Cage, Steve Reich, 

James Tenney, Cornelius Cardew 

und anderen Neutönern erklingt 

so krachig, verhuscht und schrill 

wie selten. Pauline Oliveros lieferte 

dem Projekt sogar eine 

neue Komposition und widmete 

sie der Band. Nur für unerschrockene 

Gitarrenfans! (SYR, 1999) 

4. The New York Electric 

String Ensemble 

Drei Musiker, die kaum Noten 

lesen konnten, setzten sich 1967 

zusammen, um 13 Stücke von 

Bach, Telemann, Corelli, Purcell 

und Morley auf zwei E-Gitarren 

und einem E-Bass zu spielen. 

Der Gitarrensound mag ein wenig 

an die damaligen Byrds oder 

Doors erinnern, Lew Bottomlys 

linkshändige Gitarrenhaltung 

sogar an Jimi Hendrix denken 

lassen – aber ganz ohne Beispiel 

ist des Trios unerschütterliche 

Emotionslosigkeit in diesen 

elektrischen Alte-Musik-Interpretationen. 

Möglich wurde das 

provokante Teil nur dank dem 

wagemutigsten aller Freejazz- 

Labels. (ESP, 1967) 

5. Russo Three Pieces & 

Bernstein Symphonic 

Dances 

Der Dirigent Seiji Ozawa besuchte 

in den 1960er Jahren gerne den 

Bluesclub „Big John’s“ in Chicago, 

wo ihn die Siegel-Schwall 

Band, ein weißes Bluesquartett, 

so sehr begeisterte, dass er den 

Komponisten Bill Russo überredete, 

ein sinfonisches Werk rund 

um diese Band zu schreiben. Die 

„Three Pieces for Blues Band 

and Symphony Orchestra“ sind 

laut Russo einfach nur „89 Chorusse 

Blues“ – wenn auch nicht 

ganz gewöhnliche. Neben Corky 

Siegels Blues-Harp glänzt solistisch 

die perlende E-Gitarre von 

Jim Schwall, umrahmt von den 

Sinfonikern von San Francisco. 

(Deutsche Grammophon, 1973) 

6. Lepo Sumera 

Musica tenera u. a. 

In Estland ist Lepo Sumera (1950- 

2000) ein berühmter Name: Der 

erfolgreiche Komponist diente 

seinem Land in der schwierigen 

Übergangsphase zwischen 1988 

und 1992 sogar als Kulturminister. 

Damals entstand auch seine 

fünfsätzige 4. Sinfonie, geprägt 

von den Erschütterungen jener 

Jahre. Als besonderen Touch 

der „neuen Zeit“ integrierte Sumera 

eine E-Gitarre in den sinfonischen 

Klang: Sie tröpfelt im 

3. Satz in die gedämpfte Melancholie 

des Orchesters hinein und 

befreit sich dann – zusammen 

mit der Rhythmusabteilung – in 

einer großartigen „Cadenza per 

chitarra e percussioni“. (BIS, 

1994) 

7. Fred Frith Quartets 

Der Engländer Fred Frith gilt 

gleichermaßen als Ensemblekomponist 

wie als schräger Innovator 

der E-Gitarre. Beides 

verbindet er in seinem E-Gitarren-Quartettwerk 

von 1989 mit 

dem komplizierten Titel „The As 

Usual Dance Towards The Other 

Flight To What Is Not“. Jeder der 

acht Sätze erforscht eine andere 

Soundwelt der E-Gitarre: Da gibt 

es Schwebendes, Vitales, Klirrendes, 

Aggressives, Wohlklingendes. 

Durchsetzt ist Friths kammermusikalisches 

Kaleidoskop 

mit minimalistischen, rockigen, 

jazzigen und sogar balkanischen 

Anklängen. (RecRec, 1993) 

8. The Styrenes 

Terry Riley, In C 

Rileys „In C“ von 1964 zählt zu 

den Schlüsselwerken der frühen 

Minimal Music. Die Vorgabe sind 

53 Melodiefiguren („Patterns“), 

die nacheinander durchgespielt 

werden. Wie lange jeder einzelne 

Spieler bei einer Figur verweilt, 

ist ihm allerdings freigestellt: So 

entstehen unberechenbare polyrhythmische 

Verschränkungen 

zwischen den Patterns. Auch 

die Instrumentierung ist beliebig: 

Die Styrenes, echter US-Underground, 

spielen „In C“ ganz 

unklassisch mit vier E-Gitarren, 

Keyboards, Vibrafon, Bass und 

Drums. Das Stück endet, wenn 

alle bei Figur 53 angekommen 

sind. (Enja, 2002) 

9. The Robert Fripp 

String Quintet 

The Bridge Between 

Robert Fripp, Kopf der legendären 

Rockband King Crimson, 

ist ein Besessener seines Instruments. 

Gelegentlich versammelte 

er schon mal ein Dutzend 

Gitarristen für eine Art Kammermusik-Workshop-Band. 

Im 

String Quintet spielte er mit dem 

langjährigen Wegbegleiter Trey 

Gunn, der am Chapman-Stick 

etwa den Anfang von Bachs 

Chromatischer Fantasie herunterreißt, 

und dem California Guitar 

Trio, deren akustische Gitarren 

dank Pick-up fast wie Cembali 

klingen. Das erste Stück aus 

Bachs „Kunst der Fuge“ und die 

Orgel-Passacaglia sind auch mit 

dabei. (Discipline, 1993) 

10. Yngwie Johann 

Malmsteen 

Concerto Suite 

Irgendwann entdeckten die Saitenhexer 

des Heavy Metal, dass 

sie ja die wahren Paganinis unserer 

Zeit sind. Einer der gefürchtetsten 

Notenschleuderer der 

Metal-Gitarre, der Schwede Yngwie 

J. Malmsteen, schuf sich sogar 

seinen eigenen sinfonischen 

Kontext mit der zwölfsätzigen 

„Concerto Suite for Electric Guitar 

and Orchestra in E-flat Minor, 

op. 1“. Wie ein ganzer Hummelschwarm 

umtanzt Yngwies Gitarre 

die Tschechische Philharmonie 

Prag. Vielleicht keine große 

Musik, aber großartig frech! 

(Dream Catcher, 1999) 

Best-Nr.: GMC043 Best-Nr.: PSR004 Best-Nr.: GMC048 

Spektakulärer Mix von amerikanischem 

Bluegrass mit brasilianischer Perkussion, 

der auch die Jury der größten Weltmusikmesse 

Womex überzeugte. 

VONDA SHEPARD Solo 

Intim, direkt und unverstellt. Vonda 

Shepard präsentiert die besten Songs 

ihres Backkatalogs mit nichts als Klavier 

und ihrer kraftvollen Stimme. 

1.12. Hamburg, 3.12. Frankfurt, 4.12. Bochum, 

6.12. Dresden, 7.12. Berlin 

EVA JAGUN My Blue Hour 

Erstaunliches Debütalbum der Berliner 

Sängerin, die mit vielschichtigen Songs 

und einer unwiderstehlichen Stimme 

Ihre Version des Jazz mit Latin- und 

Bossa-Grooves präsentiert. 

2.2. PUC Puchheim, Jazz Around the World 

Galileo Music Communication GmbH 

Dachauer Str. 5-7 - 82256 Fürstenfeldbruck 

Tel +49 (0)8141 226 130 - Fax +49 (0)8141 226 133 

Email info@galileo-mc.de - www.galileo-mc.de 

KATJA WERKER Neuland 

Best-Nr.: T30022-2 

Nach dem großen Erfolg von „Contact 

Myself“ singt Katja Werker nun 

erstmals deutsch. Eindringliche, warme 

Folk-Pop-Songs gegen den kalten 

Winter. 

JANINE MAUNDER Blink 

Best-Nr.: T30023-2 

Die Sängerin von Naked Raven präsentiert 

ihr Solo-Debut. „Blink“ ist randvoll 

mit Kammer-Pop Juwelen, musikalisch 

abwechslungsreich und voll 

lyrischer Tiefe. 

15 

www.t3records.de

Korken am Revers: 

Emmanuel Pahud 

nimmt den großen 

Friedrich so ernst 

wie nötig 

Emmanuel Pahud 

Der Mann mit dem 

goldenen Atem 

Im Hauptberuf ist Emmanuel Pahud 

Erster Flötist bei den Berliner Philharmonikern. 

Anlässlich des 300. Geburtstags 

von Friedrich dem Großen wagt er eine 

musikalische Stippvisite nach Sanssouci. 

Von Guido Fischer 

So sah im 18. Jahrhundert vielleicht wirklich ein gepflegter 

Kammermusikabend am Hohenzollernhof 

aus. Die Damen haben sich rausgeputzt und ihre 

schönsten Hauben aufgesetzt. Die prachtvollen Kronleuchter 

funkeln im Kerzenschein. Und mittendrin: der 

Hausherr von Sanssouci, der gemeinsam mit seinen handverlesenen 

Hofmusikanten diese oder jene Flötensonate 

zum Besten gibt. Jeder hat diese Szene sicherlich schon 

einmal vor Augen gehabt, ob im Original, das in der Berliner 

Nationalgalerie hängt, oder als Reproduktion in den 

Standardwerken über den Monarchen. 

Im kommenden Jahr 2012 feiert man den 300. Geburtstag 

des Preußenkönigs, Feldherrn und Freund der Künste. 

Und der gebürtige Schweizer und erfahrene Flötist Emmanuel 

Pahud ist für sein musikalisches Geburtstagsständchen 

mit einem leichten Augenzwinkern in die Rolle Friedrichs 

geschlüpft. Im Booklet seiner Hommage „FlötenKönig“ 

hat Pahud zwar einen schmucken Rock angelegt, wie 

er einst en vogue war. Doch statt edler Knöpfe sind bunte 

Metallplättchen von Champagnerkorken zu sehen – ein 

Augenzwinkern für die Gralshüter der Interpetation. Denn 

auch mit solchen optischen Kuriosa scheint sich Pahud 

von allen Hardlinern der historischen Aufführungspraxis 

absetzen zu wollen, die den Sound vergangener Epochen 

so authentisch wie möglich zu rekonstruieren versuchen. 

Schließlich geht es Pahud von jeher ausschließlich um den 

16

earMUSIC und Berlin Classics präsentieren: 

Atem der Musik. Den aber kann er eben am besten nur mit 

seiner modernen Querflöte einfangen. 

Herrschaftsklang und Geist der Freiheit 

Zusammen mit der Kammerakademie Potsdam sowie 

Altmeister Trevor Pinnock am Cembalo hat Pahud zwar 

auch Werke von Komponisten wie Bach-Sohn Carl Philipp 

Emanuel eingespielt, die damals am Hof von Sanssouci 

musizierten. Im Mittelpunkt steht aber der Flötist und 

Komponist Friedrich der Große. „Friedrichs Kompositionen 

zeichnen sich dadurch aus, dass sie pompös klingen, auf 

der anderen Seite aber schlicht gehalten sind“, so Pahud. 

„In ihnen spiegelt sich nicht nur der Privatmann Friedrich, 

sondern auch der Herrscher. Die Musik schafft, was der Geschichtsschreibung 

nur selten gelingt: sie verbindet, ganz 

ohne Worte, Privates und Politisches miteinander.“ 

Ob empfindsam und galant, ob gedankenverloren innig 

und dann wieder virtuos – Emmanuel Pahud macht 

so selbst aus manch musikalischen Leichtgewichten Gehaltvolles, 

ja Wertvolles. Überraschend ist das andererseits 

nicht. Denn obwohl für ihn die Querflöte klanglich 

begrenzt ist, hat er aus ihr doch längst ein verblüffendes 

Allround-Instrument gemacht. Seit 1992 beweist Pahud das 

als 1. Soloflötist bei den Berliner Philharmonikern. Und 

wenn er nicht gerade mit Simon Rattle & Co. konzertiert, 

stürzt er sich vor allem als Kammermusiker in Abenteuer. 

Von Bach bis zum französischen Neue-Musik-Doyen Pierre 

Boulez sucht Pahud nach Herausforderungen und spielt 

schon mal mit Pianistin Hélène Grimaud zusammen. Im 

Jazz hat er es besonders mit seinem 

Kumpel Jacky Terrasson 

außerdem geschafft, aus der 

Querflöte stilechte Blue Notes 

kullern zu lassen. Dass Pahud 

das alles gelingt, liegt nicht zuletzt 

an einem Geheimnis, das 

er im Interview gelüftet hat: 

„Man muss sich vom Instrument 

befreien können, um jedes 

Werk zu jenem Leben zu erwecken, 

das der Komponist ihm 

gab.“ Kein Wunder, dass davon 

nun auch der alte Musikus 

Fritz profitiert. 

Neu erschienen: „FlötenKönig“, 

Emmanuel Pahud, Kammerakademie 

Potsdam, Trevor Pinnock 

u. a. (2 CDs, EMI Classics) 

D e r M u s e n k ö n i g 

Kunst trifft Politik 

Friedrich der Große galt als aufgeklärter 

Monarch. Das bedeutete für 

ihn, nicht nur in der Politik, sondern 

auch als Künstler bewandert zu sein. 

Adolph Menzel verklärte Friedrichs 

musikalische Passion postum mit 

einem 1852 entstandenen Genrebild. 

Das etwas andere 

Konzertvergnügen! 

Dabei immer beeindruckend: 

Tarjas einzigartige Stimme! 

Als Live-CD 

und Download: 

ab 25.11.2011 

Als Live-DVD/CD: 

ab 02.12.2011 

Als Blu-ray/CD: 

ab 02.12.2011 

I Cocer 

Live Sibelis Hll 

17 

www.tarjaturunen.com · www.facebook.com/tarjaofficial 

www.facebook.com/harusofficial 

www.ear-music.net · www.youtube.com/earMUSICofficial 

www.facebook.com/earMUSICofficial

Spanien als Herausforderung: 

Mischa und 

Lily Maisky widmen 

sich Albéniz, De Falla 

Granados und Ravel 

Mischa & Lily Maisky 

Feste Familienbande 

Eine starke Persönlichkeit sei sie, meint Cellist Mischa 

Maisky. Umso mehr könne er von seiner Tochter Lily 

lernen. Wie bei „¡España!“. Von Sascha Fröhlich 

Beziehungen und Querverbindungen 

gibt es zuhauf. Pablo Casals zum Beispiel, 

der Wiederentdecker des Cellos 

für die moderne Konzertmusik, war Katalane. 

Komponisten schrieben für ihn, er selbst 

sorgte durch seine Person und sein Engagement 

dafür, dass Spaniens Klangwelt im 

klassischen Kontext präsent war. Für seinen 

künstlerischen Nachfahren, den Cellisten 

Mischa Maisky, liegt es daher in mehrfacher 

Hinsicht nahe, sich mit der iberischen Tradition 

zu beschäftigen. „Da ich in Lettland an 

der Ostsee geboren bin, würde man von mir 

vielleicht ein anderes Temperament erwarten“, 

meint er im Interview. „Trotzdem fühle 

ich mich dieser Musik sehr nah. Und ich habe 

schon lange auf die Möglichkeit gewartet, ein 

Album mit diesen Stücken aufzunehmen.“ Dabei 

musste mit Umsicht vorgegangen werden. 

Denn auch wenn Maisky zu den derzeit profiliertesten 

Instrumentalisten seines Fachs 

gehört, so heißt das noch lange nicht, dass er 

jedes spanische Stück für Cello optimal umsetzen 

kann. So suchte er gezielt nach Kom 

positionen wie etwa Manuel De Fallas „Suite 

populaire espagnole“, die den sanglichen 

Charakter seines Instruments betonten. Außerdem 

wählte er eine passende und zugleich 

herausfordernde Partnerin: seine Tochter 

Lily Maisky, die ihrerseits bereits als Pianistin 

international bekannt ist. „Dies ist unser 

erstes komplettes gemeinsames Album. Sie hat 

eine starke Persönlichkeit und oft ganz andere 

Vorstellungen von der Musik. Da lerne ich 

viel von ihr und bekomme ständig neue Anregungen. 

Auf diese Weise beeinflussen wir uns 

gegenseitig“. Und natürlich die Musik, denn 

„¡España!“ klingt auf entzückende Weise 

temperamentvoll und versöhnlich zugleich. 

Der warme, kantable Celloton, das selbstbewusste 

Klavier, dazu die entspannte Atmosphäre 

von Schloss Elmau in Oberbayern, 

wo die Aufnahmen entstanden, verbinden 

sich zu einer emphatischen Hommage an 

Albéniz, De Falla und deren Zeitgenossen, 

die schwärmerisch die spanische Romantik 

durchwandert. 

Neu erschienen: Mischa Maisky & Lily Maisky 

„¡España! - Songs And Dances From Spain“ 

(Deutsche Grammophon/Universal) 

Foto: Bernard Rosenberg 

18

Foto: Eugenio Mazzinghi 

Tarja Turunen 

Eine für alle 

So etwas gibt es nur in Finnland: Die 

Kinder kennen Tarja Turunen vom 

Heavy Metal, die Eltern aus der Oper. 

Ein Konzert schlägt die Brücke zwischen 

den Generationen. Von Paul Hammerthal 

In bisschen Zufall gehört 

auch dazu. Im Winter 1996 

wurde die Gesangstudentin 

der Sibelius-Akademie Tarja 

Turunen von ihrem früheren 

Schulkameraden Tuomas Holopainen 

gefragt, ob sie beim einem 

akustischen Musikprojekt 

mitmachen wolle. Es entstand 

ein Demo mit Keyboards und 

Stimme, das im Freundeskreis 

gefiel. Bald gesellten sich der 

Gitarrist Emppu Vuorinen und 

Drummer Jukka Nevalainen zu 

dem Duo, die außer Spaß auch 

noch einen deutlich härteren 

Sound mitbrachten. Das war der 

Anfang von Nightwish, einer 

der erfolgreichsten Metalbands 

Finnlands der vergangenen eineinhalb 

Jahrzehnte. Für ihren 

Stil, der mit Bombast auf der einen 

und der klassischen Stimme 

auf der anderen Seite arbeitete, 

prägten Journalisten den Begriff 

„Opera Metal“. Das war missverständlich, 

denn genau genommen 

verstand sich Tarja Turunen 

nicht als Opernsängerin. Es 

öffnete aber die Türen renommierter 

Klassikbühnen ebenso 

wie großer Rockfestivals und 

so wurde Nightwish neben den 

Cello-Kollegen von Apocalyptica 

zu einem wichtigen Exponenten 

der finnischen Rockszene. 

Tarja Turunen war das nicht 

genug. Sie studierte weiter in 

Karlsruhe, tourte mit den Metal- 

Freunden um die Welt und sang 

zugleich Liedprogramme. Spannungen 

wuchsen innerhalb der 

Band, 2006 folgte die Trennung 

von Nightwish und zugleich ein 

Neuanfang als Solokünstlerin. 

In diesen Zeitraum fällt auch der 

Anfang ihres Projekts Harus mit 

dem Organisten Kalevi Kiviniemi, 

dem Gitarristen Marzi Nyman 

und Perkussionist Markku 

Krohn: „Als wir 2006 das erste 

Mal für ein Konzert zusammen 

kamen, hatten wir so viel Spaß 

und Freude an der Sache, dass 

wir beschlossen, als Gruppe weiterzumachen“, 

erinnert sich Turunen 

an die Anfänge. 

In mancher Hinsicht 

war es die Fortsetzung 

der Nightwish-Idee, 

denn auch bei Harus 

treffen die musikalischen 

Welten von 

geistlicher, klassischer 

und popfolkiger Klangtradition 

zusammen. 

Nur waren diesmal die 

stilistischen Kontraste 

nicht so hart. 2008 

tourte das Quartett mit 

Crossover mit 

vielen Wurzeln: Tarja 

Turunen ignoriert 

musika lische Grenzen 

Peter Gabriel AZ Sono 210 x 95:Layout 1 21.11.2011 10:45 am Seite 1 

Weihnachtsprogrammen durch 

Finnland, ein Jahr später entstand 

dann der Mittschnitt aus 

der Sibelius-Halle in Lathi. Er 

dokumentiert auf CD und DVD 

die Faszination, die von Tarja 

Turunen als Sängern jenseits 

der Kategorien ausgeht. Er ist 

aber auch schlicht das Souvenir 

eines atmosphärischen Abends, 

mit dem vier Musiker ein begeistertes 

Publikum bezauberten. 

Neu erschienen: Tarja Turunen & 

Harus „In Concert: Live At Sibelius 

Hall“ (CD/DVD, Ear Music/Edel) 

! www.petergabriel.com

POP, Rock & co 

Priscilla Ahn 

„When You Grow Up“ 

BLUE NOTE/EMI 

[Folk/Pop/Jazz] Die junge Songwriterin 

aus Kalifornien sorgte 

bereits mit ihrem vor drei Jahren 

erschienenen Debütalbum 

„A Good Boy“ für einiges Aufsehen. 

Mit „When You Grow 

Up“ liefert Priscilla Ahn erneut 

eine eigensinnige und charmante 

Platte ab. Eingespielt wurden 

die zwölf Songs, an deren Entstehung 

Kolleginnen wie Sia Furler, 

Inara George, Eleni Mandell und 

Charlie Wadhams maßgeblich beteiligt 

waren, unter der Regie von 

Ethan Johns, der der Musikerin 

viele Freiräume lässt, die diese 

auch zu nutzen weiß. Vor allem 

Stücke wie der zerbrechlichen 

Midtempo-Hymne „Vibe So Hot“ 

und der introvertierten Ballade 

„City Lights (Pretty Lights)“ verleiht 

Priscilla Ahn mit ihrer em 

pfindsamen Stimme eine faszinierende 

Tiefe. Zu den weiteren Höhepunkten 

dieses Albums zählt 

aber auch die faszinierend-vielschichtige, 

mit sanften Streicherklängen 

veredelte Nummer „Lost 

Cause“ sowie der ebenfalls ganz 

nach innen gekehrte „Elf Song“. 

Unspektakulär, aber schön. 

 

Robert Wallner 

Anspieltipps: „Lost Cause“, „City 

Lights (Pretty Lights)“ und „I Don’t 

Have Time To Be In Love“ 

Bob Dylan 

„Pure – An Intimate Look 

At Bob Dylan“ 

COLUMBIA/SONY 

[Folk] Braucht man wirklich 

noch eine weitere Dylan-Best-Of? 

Nein, natürlich nicht. Aber was 

20 

die pop-cd des monats 

Steven Wilson 

„Grace For Drowning“ 

KSCOPE/EDEL 

Wenn zu einer Musik das Etikett „Prog-Rock“ passt, dann zu der von 

Steven Wilson. Und es macht wenig Unterschied, ob er mit Porcupine 

Tree am Start ist oder als Solokünstler. Denn der umtriebige 

und ästhetisch ehrgeizige Brite ist fasziniert von komplex strukturierten Klangräumen, 

die mit Erwartungshaltungen spielen und mal scharfe Kontraste, 

mal sanfte Melodien in den Vordergrund stellen. Seine musikalische Welt ist 

pathetisch, spielt mit Melancholie und Psychedelic, und da macht auch sein 

zweites Soloalbum „Grace For Drowning“ keine Ausnahme. Es ist nur noch ein 

wenig verwinkelter geworden, wohl auch unter dem Eindruck der Musik von 

King Crimson, mit deren Re-Edition Wilson neben seiner Arbeit als Bandleader 

und Komponist beauftragt wurde. Er experimentiert mit Klanglandschaften, 

mit Chören, Flächen, Sphären. Manche Episoden des Albums wirken eher wie 

Installationen als wie Lieder. Die Texte kreisen verhalten um das Horrorkabinett 

der Gefühle, um Verlorenheit und Enttäuschung, introvertiert, zuweilen 

lakonisch. Es ist nachdenkliche, manchmal schwülstige Musik, aber genau das 

wird von Steven Wilson erwartet. Denn er ist der Mann fürs Vertrackte, Verschlüsselte. 

Und das macht er gut. 


Info: Die BluRay-Version des Albums enthält neben der Musik auch einen 

Surround-Mix, Videos, zwei weitere Songs und in der Edelvariante außerdem 

ein Buch. 

wir wirklich brauchen (und was 

es in dieser Form bislang noch 

nicht gab), ist eine geschmackvolle 

Anthologie, die dem Neueinsteiger 

einen anderen Zugang abseits 

der Hits gewährt und auch den 

fortgeschritten Dylan-Aficionado 

dazu bringt, seinen Meister noch 

einmal neu zu entdecken. Genau 

das vermag „Pure“ – was vor allem 

am Kurator liegt. Dr. Hanns- 

Peter Bushoff, einer der besten 

Dylan-Kenner Deutschlands und 

zugleich bei Dylans Plattenfirma 

Sony Music beschäftigt, hat eine 

liebevolle wie kompetente Auswahl 

getroffen, die bislang noch 

nicht auf CD veröffentlichte Titel 

(wie etwa die Single-B-Seite 

„Trouble In Mind“) mit einigen 

essentiellen Albumtracks wie 

etwa „Girl From The North Country“ 

und dem raren Live-Track 

„Moonshiner“ von 1962 zusammenbringt. 

Heiko Große 

Weiterhören: Die jüngsten Veröffentlichungen 

aus dem Hause Dylan 

sind „In Concert - Brandeis University 

1963 und die CD-Box „The Original 

Mono Recordings“ 

The Who 

„Quadrophenia – Deluxe 

Edition“ 

POLYDOR/UNIVERSAL 

[Rock] In den frühen 70ern 

entdeckten Rockmusiker das 

Erzählen. Ging es in der Generation 

Dylan/Hendrix noch um 

Politisches oder auch um das Muskelspiel 

der Virtuosen, so wurde 

mit dem Konzeptalbum und verwandten 

Formen wie Musical und 

Rockoper eine neue Tür zum großen 

Epos aufgestoßen. The Who 

hatten bereits 1969 mit „Tommy“ 

einen Versuchsballon gestartet, 

der sich als erfolgreich erwies. 

Und so legte Pete Townshend 1973 

mit „Quadrophenia“, einer Geschichte 

über Pubertät und Identität 

im kleinbürgerlichen England, 

noch einmal nach. Wieder war die 

Begeisterung groß, und sie hält an 

bis heute. Nachdem die inzwischen 

reifen Herren im vergangenen 

Jahr das Werk bei einem 

umjubelten Wohltätigkeitskonzert 

live gespielt hatten, vertiefte sich 

Pete Townshend in die alten Bänder, 

remasterte und ergänzte sie 

um ein knappes Dutzend Demo- 

Versionen zum Album, die nun 

in die „Quadrophenia Deluxe Edition“ 

integriert wurden. Manches 

klingt wie „Cut My Hair“ dabei gar 

frischer als die endgültige Version, 

wie überhaupt die ganze Musik 

im Angesicht der Prog-Rock-Welle 

unserer Tage erstaunlich unverbraucht 

und zeitgemäß wirkt. Das 

Beste für die Fans hat Townshend 

sich aber für das Booklet aufgespart. 

Denn da kündigt er an, dass 

The Who 2012 mit „Quadrophenia“ 

auf Tournee gehen wollen. Und 

das wäre tatsächlich ein Grund 

zum Jubeln. Paul Hammerthal 

Info: „Quadrophenia“ erscheint als- 

Doppel-Vinyl, 2CD-Digipack und 

„Director’s Cut Super Deluxe Edition“ 

mit weiteren Masterings, Buch, Fotos 

und einigen bisher unveröffentlichten 

Songs der Sessions. 

Seal 

„Soul 2“ 

WARNER 

[Soul/Pop] Die Stelle war schon 

länger frei. Im Jahr 2003 starb mit 

Barry White einer der großen 

Soulsänger, der immer auch die 

enge Verbindung zum Pop gepflegt 

hat. Und von Bill Whiters 

wurde auch lange schon nichts 

mehr gehört. So braucht die Musikwelt 

jemanden wie Seal, der 

die Tradition des sanften, gefühlvollen 

Soul fortsetzt. Außerdem 

Produzenten wie Trevor Horn 

und David Forster, die ihm das

passende Studio-Klanggewand 

schneidern. „Soul 2“ ist nun die 

Fortsetzung des erfolgreichen 

Vorgängers von 2008, ein Kompendium 

der Evergreens von 

„Let’s Stay Together“ über „What’s 

Going On“ bis „Lean On Me“. Im 

Hintergrund wolkige Geigen im 

Philly-Sound, dazu ein wenig 

Motown-Feeling mit dezent arrangierten 

Bläsersätzen, klare 

und verlässlich groovende Beats 

schaffen einen vollmundigen 

Klangraum um Seals einprägsame 

und einfühlsame Stimme. Der 

Sänger selbst hat hörbar seinen 

Spaß daran, mit dem Idiom zu 

spielen. Das ist Musik mit viel 

Nostalgie im Konzept, die sich vor 

den Heroen des Genres verneigt. 

 


Wissenswertes: Seal hat über 

zwei Jahrzehnte hinweg mehr als 

20 Millionen Platten verkauft. 

Weiterhören: Marvin Gaye, Isaac 

Hayes. 

Deep Purple 

„The BBC Sessions 

1968-1970“ 

EMI 

[Rock] Zwar ist der Großteil der 

Aufnahmen, die Deep Purple zwischen 

1968 und 1970 für Radiosendungen 

der BBC einspielten, zuvor 

bereits auf Neueditionen der 

Studioalben dieser Ära sowie auf 

dem Boxset „Listen, Learn, Read 

On“ erschienen, doch liegen diese 

wichtigen Dokumente hier erstmals 

gesammelt und in chronologischer 

Reihenfolge vor. Besonders 

spannend wird diese frühe 

Phase des britischen Quintetts vor 

allem durch den stilistischen Wandel 

vom psychedelisch angehauchten 

Poprock hin zum urwüchsigen 

Hardrock. Dieser Übergang wird 

unter anderem in einer kraftvollen 

Version von „Bird Has Flown“ dokumentiert, 

einer der wenigen Gelegenheiten, 

bei denen Sänger Ian 

Gillan einen Song interpretierte, 

den ursprünglich sein Vorgänger 

Rod Evans gesungen hatte. „Ricochet“ 

zeichnet zudem die Entstehung 

des späteren „Speed King“ 

nach. Nicht nur für Purple-Fans 

eine mitreißende Zeitreise. 

Jörg Laumann 

Info: „The BBC Sessions 1968 – 

1970“ ist auch als Luxusedition erhältlich, 

die die Aufnahmen auf 

Doppel-LP und Doppel-CD enthält. 

Wissenswertes: Das Instrumental 

„Grabsplatter“ ist eine frühe Version 

der späteren Single-B-Seite „I’m 

Alone“. 

R.E.M. 

„Part Lies, Part Heart, 

Part Truth, Part Garbage, 

1982-2011“ 

WARNER 

[Adult Rock] Kein Rosenkrieg, 

eher ein geordneter Rückzug. 

R.E.M. haben sich getrennt nach 

mehr als drei Jahrzehnten musikalischer 

Ehe. Als Nachwort auf 

die bewegten Jahre und zugleich 

Resümee einer insgesamt sehr 

produktiven Partnerschaft verabschieden 

sie sich mit der „Best 

Of“-Doppel-CD. Sie führt chronologisch 

von noch vom New Wave 

geprägten Frühwerken bis hin zu 

einer Handvoll Songs der Gegenwart 

und präsentiert eine in Würde 

gealterte Band, die mit Liedern 

wie „Oh My Heart“ durchaus noch 

magische Pop-Momente zu entwickeln 

versteht. „Part Lies, Part 

Heart, Part Truth, Part Garbage, 

1982-2011“ ist ein Konzentrat aus 

15 Studioalben, das in Erinnerung 

ruft, warum Michael Stipe, Peter 

Buck und ihre Kompagnons zwischenzeitlich 

als Lichtbringer der 

avancierten Popmusik gefeiert 

wurden. Und das Album dokumentiert 

sogar eine Prise hintergründigen 

Humor, wenn die Herren 

mit dem Song „A Month Of 

Saturdays“ an Devo anknüpfen, 

um gleich darauf mit „We All Go 

Back To Where We Belong“ eine 

Botschaft an Epigonen wie Coldplay 

richten. Denn R.E.M. haben 

viel bewegt und gehen nun als alte 

Meister in die Annalen der Popmusik 

ein. Sascha Fröhlich 

Downloadtipps: die Hits natürlich, 

aber auch „Oh My Heart“ und „We 

All Go Back To Where We Belong“ 

The Bosshoss 

„Liberty Of Action“ 

Universal 

[Rock/Pop] Mit Alben wie „Internashville 

Urban Hymns“ (2005) 

und „Do Or Die“ (2009) erspielte 

sich die Band aus Berlin eine 

treue Fangemeinde. Nach einer 

Pause von eineinhalb Jahren 

melden sich The Bosshoss nun 

mit ihrem sechsten Longplayer 

zurück und gehen musikalisch 

durchaus ungewohnte Wagnisse 

ein. Die Basis, von der aus sie ihre 

Exkursionen starten, bleibt zwar 

urwüchsiger Rock’n’Roll, gewürzt 

mit Country-Anleihen, doch diesmal 

setzen sie von Beginn an auf 

eine deutlich größere stilistische 

Bandbreite. Das zeigt sich besonders 

eindrucksvoll bei der ersten 

Single „Don’t Gimme That“, mit 

der die Cowboys von der Spree 

ungewohnt poppige Wege einschlagen. 

Doch keine Angst, es 

wird auch auf „Liberty Of Action“ 

wieder ordentlich gerockt, 

wie beim im Midtempo-Bereich 

angesiedelten Titelsong und dem 

lässig groovenden, mit dezenten 

Elektroniksounds „I Keep On 

Dancing“. Und auch die standesgemäße 

Verbeugung vor dem King 

fehlt mit „Still Crazy ’Bout Elvis“ 

nicht. 

Robert Wallner 

Wissenswert: Bevor Bosshoss sich 

an die Arbeit zum neuen Album 

machten, gönnte sich die Truppe 

einen Texas-Trip inklusive drei Auftritten 

in ausgesuchten Clubs. 

Lou Reed & Metallica 

„Lulu“ 

MERCURY/UNIVERSAL 

[Epic Rock] „Take No Prisoners“ 

hieß eine Liveplatte von Lou Reed, 

mit „Metal Machine Music“ schuf 

er das sperrigste Album aller 

Zeiten, und auch seine konventionelleren 

Selbstzerfleischungen 

sind harter Stoff – etwa das Alkoholentzugsdrama 

„Waves Of 

Fear“ von 1982, das musikalisch 

vieles von dem vorwegnahm, was 

Metallica später zur Mainstream- 

Massenband machte. Die Kombination 

ist also so abwegig nicht. 

„Lulu“ beruht auf älteren Demos, 

die Reed für ein geplantes Theaterstück 

produziert hatte – einer 

Bearbeitung der Kompilation 

der Skandaltragödien „Erdgeist“ 

(1895) und „Die Büchse der Pandora“ 

(1902) von Frank Wedekind. 

Es geht um vergebliche Liebe, sexuelle 

Obsession, Betrug, bestialische 

Gewalt, Schmerz, Leid 

und Mord. Der Stoff ist zeitlos, 

und mit der musikalischen Umsetzung 

von Reeds gebrochenen, 

experimentellen Dichtungen 

sind Metallica erwartungsgemäß 

überfordert. Vielleicht ist genau 

das die künstlerische Intention. 

Die Band, zeitweise verstärkt 

um einige Streicher, knüppelt 

und brettert mit beamtenhafter, 

zähneknirschender Sturheit, reiht 

die Riffs wie am Fließband aneinander, 

zwei CDs lang entfaltet 

sich nichts. Nur das epische, fast 

20 Minuten lange Finale „Junior 

Dad“ entwickelt aus der Monotonie 

beachtliche Schönheit. Wenn 

„Lulu“ den Anspruch hat, die Welt 

musikalisch als den Haufen von 

Dreck, Blut und Elend zu zeigen, 

der unter ihrer Konsumfassade 

lauert, ist das durchaus gelungen. 

Ob das Album auf Dauer wesentlich 

mehr Hörer finden wird als 

„Metal Machine Music“, darf indes 

bezweifelt werden. 

 

Svevo Bandini 

21

Klassik 

Münchner 

Bachsolisten 

„Bach: Weihnachtsoratorium“ 

WINTER & WINTER/EDEL 

KULTUR 

[Geistliche Musik] Von jeher 

gehört Johann Sebastian Bachs 

„Weihnachtsoratorium“ rund um 

das Christenfest zum Pflichtprogramm. 

Schließlich hat Bach mit 

prachtvollem Chor- und Trompetengeschmetter 

sowie sanften 

Arien für die Ewigkeit die Weihnachtsgeschichte 

konkurrenzlos 

in Töne gesetzt. Dass Bach dafür 

1734 einfach mal zahllose Chöre 

und Arien aus anderen Kantaten 

recycelt hat, hört man dem 

Geniestreich aber eben nicht an. 

Von dem „Weihnachtsoratorium“ 

gibt es Unmengen an Einspielungen, 

aber die von Karl-Friedrich 

Beringer geleitete Aufnahme mit 

den Münchner Bachsolisten und 

dem Windsbacher Knabenchor 

gehört schon jetzt zu den besten, 

zumal selbst dem Luxus-Sängerteam 

um Juliane Banse (Sopran) 

und Thomas Quasthoff (Bass) 

die tänzerische Beschwingtheit 

genauso ins Blut übergangen ist 

wie die kontemplative Innigkeit. 

 

Reinhard Lemelle 

Weiterhören: das „Weihnachtsoratorium“ 

mit The King’s Singers & 

WDR Big Band 

Pera Ensemble 

„Baroque Oriental“ 

BERLIN CLASSICS/EDEL KULTUR 

[Crossover] Schon mit seinem 

„Händel alla Turca“-Projekt hat 

der türkische Weltmusiker Mehmet 

C. Yesilcay kürzlich auf die 

musikalische Verbrüderung zwischen 

der barocken Kniegeige namens 

Gambe und der türkischen 

Fidel Kemençe gesetzt. Beim neuesten 

Dialog zwischen den Kulturen 

schlägt man nun einen Bogen 

vom italienischen Barock in die 

osmanische Musik. Zusammen 

mit dem großartigen Countertenor 

Valer Barna-Sabadus und 

dem Pera Ensemble werden da 

Arienperlen von Monteverdi, 

Caccini und Rossi mit arabischen 

Klangfarben und Rhythmen 

verwoben. Und zwischendurch 

streift man gar musikalisch die 

Glaubenswelt der Sufis. Die Arrangements 

dieser Gespräche 

zwischen Orient und Okzident 

sind zwar allesamt feinfühlig angelegt. 

Nur das stichhaltige Argument 

liefern sie nicht, warum 

man diese komplett gegensätzlichen 

Musiktraditionen zusammenklammern 

muss. Mehmet C. 

Yesilcays banales Credo von der 

„Musik als einer gemeinsamen 

Sprache“ reicht dafür nicht aus. 

 

Guido Fischer 

Weiterhören: Concerto Köln & Sarband 

„Dream Of The Orient“ 

Janina Fialkowska 

„Liszt Recital“ 

ATMA CLASSIQUE/MUSIKWELT 

[Recital] Diese Aufnahme kam 

spät im Jubeljahr, aber sie ist eine 

der interessantesten, zu denen das 

Liszt-Jubiläum Künstler inspiriert 

hat. Denn die kanadische Pianistin 

mit polnischen Vorfahren 

Janina Fialkowska widmet sich 

dem Romantiker nicht aus der 

Perspektive des Virtuosentums, 

sondern stellt ihn als aufmerksamen 

Beobachter des Zeitgeistes 

dar, dem es sowohl mit eigenen 

Werken als auch Bearbeitungen 

von Melodien von Frédéric Chopin 

und Charles Gounod gelingt, 

Transparenz und Pathos, Verinnerlichung 

und Offenheit zu vereinen. 

Geradezu fragil und anmutig 

klingt unter Fialkowskas Ägide 

etwa die „Bénédiction de Dieu 

dans la Solitude“, Schubert näher 

als dem eigenen Schaulaufen, das 

Liszt bei seinen Stücken für das 

sensationsgierige Bürgertum zuweilen 

bestimmt. Seine Bearbeitungen 

von Chopins „Sechs polnischen 

Liedern“ wiederum geraten 

gar noch verspielter als die 

Originale und werden von Janina 

Fialkowska mit einer Finesse interpretiert, 

die weit hinein reicht 

in die Welt des Komponisten, 

dessen Verständnis der Musik 

seiner Zeit freier und profunder 

war, als es ihm manche Kritiker in 

der Folgezeit unterstellt haben. So 

gelingt der Pianistin ein ebenso 

ungewohnter wie betörender musikalischer 

Beitrag zum Reigen 

der Klangglückwünsche. 

 


Weiterhören: Nelson Freire, Alice 

Sara Ott 

Martin Stadtfeld 

„J.S.Bach – Klavierkonzerte“ 

SONY CLASSICAL 

[Klavierkonzert] Es ist eine 

grundsätzliche Frage: Wie schön 

klingt Johann Sebastian Bach? 

Antworten kann der Meister nicht 

mehr, aber es steht zu vermuten, 

dass seine Klavierkonzerte, die 

er in den 1730ern für das Collegium 

Musicum schrieb, mit dem 

er regelmäßig im Leipziger Kaffeehaus 

von Gottfried Zimmermann 

konzertierte, sehr viel rauer 

daherumpelten als bei Martin 

Stadtfeld. Denn der Pianist aus 

Koblenz deutet Bach in der Tradition 

romantischer Rezeption, die 

aus dem Barock-Arbeiter, dessen 

zeitgenössische Klaviere Traktoren 

im Vergleich zu den heutigen 

Limousinen waren, einen vollendeten 

Ästheten macht. Dadurch 

verliert die Musik an Reibung 

und Präsenz. Im Fall von Bachs 

„Klavierkonzerten BWV 1054, 

1055 und 1058“ wäre aber gerade 

das die Herausforderung. Martin 

Stadtfeld bleibt auf der sicheren 

Seite, beugt sich letztlich 

dem ebenfalls wenig energisch 

agierenden Klang des Philharmonischen 

Kammerorchesters 

München unter der Leitung von 

Lorenz Nasturica-Herschcovici, 

das sein Spiel versiert, aber wenig 

markant rahmt. Sascha Fröhlich 

Weiterhören: Friedrich Gulda, 

Andreas Staier 

Trio Parnassus 

„French Piano Trios“ 

DG GOLD 

[Kammermusik] Das Trio Parnassus 

widmet sich mit „French 

Piano Trios“ nach der Beschäftigung 

mit Benjamin Godard nun 

drei ebenfalls wenig bekannten 

Werken an der Epochenschwelle 

zur Moderne, dem späten „Trio op. 

120“ von Gabriel Fauré, der Trio- 

Bearbeitung „Pelléas et Mélisande“ 

von Claude Debussy durch 

Hubert Mouton und dem „Trio 

op.3“ von Ernest Chausson. Die 

Geigerin Yamei Yu, der Cellist Michael 

Groß und der Pianist Chia 

Chou folgen dabei einer Chronologie, 

die vom frühen Fin de Siécle 

Chaussons über die Relativierung 

des klanglichen Zeitgeistes durch 

Debussy bis hin zum wehmütigen 

Nachwort auf das verlorene 

harmonische Glück durch Fauré 

führt. Faszinierend ist die pulsierende 

Gemeinsamkeit dieser 

Trios, der Fluss der Musik, die 

selbst etwa in den Leidenschaften 

Chaussons sich nicht in den 

Emotionen verliert, sondern dramaturgisch 

klar den Esprit der 

französischen Spätromantik herausarbeitet. 

Dem Trio Parnassus 

gelingt ein großer Bogen und eine 

beeindruckende Einspielung mit 

der Kraft reflektierter Empathie. 

 


22

jazz & world 

Frank Sinatra 

„Best Of The Best“ 

CAPITOL/EMI 

[Swing] Braucht man noch eine 

Hitsammlung von Frank Sinatra? 

Eigentlich nicht und doch 

wieder unbedingt. Denn auf der 

einen Seite gibt es bereits Hunderte 

Compilations, andererseits 

aber ist man umgehend bekehrt, 

sobald Frank Sinatra bei „Come 

Fly With Me“ zu singen anfängt. 

Auch nach Jahrzehnten strahlen 

seine Stimme, seine Person, seine 

Lieder eine Magie des Swing 

aus, die von Perfektion ebenso erzählt 

wie von Intuition. „Best Of 

The Best“ greift 24 Lieder heraus, 

die in den Capitol- und Reprise- 

Jahren um 1960 herum entstanden, 

zwei Dutzend Klassiker mit 

Orchestern von Count Basie bis 

Quincy Jones. Und sie werden in 

der Deluxe-Doppel-CD noch um 

einen Konzertmitschnitt aus Seattle 

aus dem Jahr 1957 ergänzt, 

der dokumentiert, wie souverän 

Sinatra auch live die Stimmung 

und seine Präsenz im Griff hatte. 

So ist diese Zusammenstellung 

nichts Neues, aber zugleich ein 

Klassiker, den man immer wieder 

anhören kann. 

 


Info: Frank Sinatra hat über die Jahre 

rund 1.500 Songs aufgenommen. 

Gianmaria Testa 

„Vitamia“ 

LE CHANT DU MONDE/HARMO 

NIA MUNDI 

[Canzone/World Jazz] Glück, 

meint Gianmaria Testa, sei für 

ihn, wenn vor der Tür im eigenen 

Garten die Tomaten reifen. 

Das heißt nicht, dass er deshalb 

die Augen vor der Welt verschließen 

würde. Aber er hat gelernt, 

dass der Erfolg, der ihn vor ein 

paar Jahre einholte, eine flüchtige, 

unberechenbare Größe ist. Glück 

kann man, so meint er weiter, 

außerdem in kleinen Episoden 

erleben, und ein paar davon hat 

Gianmaria Testa nun auf seinem 

Album „Vitamia“ versammelt. Die 

Themen sind ebenso alltäglich 

wie bedeutungsvoll: Kindheit und 

Liebe, Enttäuschung und Protest, 

erzählt am Beispiel poetisch verkleideter 

Alltagsgestalten. Die 

Musik ist dezent jazzig und canzonehaft, 

im Quartett gespielt 

mit Gästen wie dem Posaunisten 

Gianluca Petrella und dem Akkordeonprofi 

Luciano Biondini. 

Gianmaria Testa selbst bleibt der 

charismatische Geschichtenerzähler 

mit dem beschwörenden 

Bariton-Parlando, der wie schon 

auf früheren Alben den Hörer an 

der Hand zu nehmen versteht. 

 


Weiterhören: Paolo Conte, Lucio 

Dalla 

James Carter Organ 

Trio 

„At The Crossroads“ 

EMARCY/UNIVERSAL 

[Jazz] James Carter backt nicht 

gerne kleine Brötchen. So mag 

es nicht weiter verwundern, dass 

sein Organ Trio weit mehr ist als 

nur eine Troika. In vielen Tracks 

warten Carter, Organist Gerald 

Gibbs und Drummer Leonard 

King Jr. mit einer Reihe von Gästen 

wie Gitarrist Brandon Ross 

auf. Der intime Klang des Orgeltrios 

wird zuweilen mehr aufgebläht, 

als der Aufnahme gut tut. 

Zwar ist das große Thema der CD 

der Blues, doch scheint Carter 

manchmal den narrativen Faden 

zu verlieren. Unentschlossen pendelt 

er zwischen Großstadtgroove 

und Gospelromantik. In ihrer 

Gesamtheit wirkt die Platte für 

Carters Verhältnisse untypisch 

eklektisch. Und – noch erstaunlicher 

– Carter selbst agiert hier 

meist äußerst zurückhaltend. 

Wenn er in ganz wenigen Momenten 

mal richtig ausbricht, versteht 

er mitzureißen. Über längere 

Strecken ist „At The Crossroads“ 

jedoch ein gewollt sepiafarbener, 

wohl dem Produzenten Michael 

Cuscuna geschuldeter Blue-Note- 

Charme eigen – ein zwiespältiges 

Vergnügen. Wolf Kampmann 

Weiterhören: Joshua Redman, 

Kenny Garrett 

WDR Big Band & 

Nicolas Simion 

„Balkan Jazz“ 

BIGBAND RECORDS/NRW 

[World Jazz] Der Jazz hat Glück, 

dass es den deutschen Föderalismus 

gibt. Denn durch die Länderhoheit 

der Rundfunkanstalten 

werden hierzulande vier hochkarätige 

Rundfunk-Big-Bands 

finanziert, die wiederum in der 

Pflicht stehen, interessante Musik 

zu gestalten. So kommt es, 

dass eine Aufnahme wie „Balkan 

Jazz“ entstehen kann, die 

den Siebenbürger Saxofonisten 

Nicolas Simion, den Geiger Zoltan 

Lantos und den Akkordeonisten 

Fausto Beccalossi mit der WDR 

Big Band Köln zusammenführt. 

Obwohl bereits 2004 in Düsseldorf 

und Köln live vor Publikum 

aufgenommen, hat das Programm 

mit Grenzüberschreitungen 

nichts von seinem Schmiss verloren. 

Denn nicht nur die Solisten 

erweisen sich als eloquente 

Stiljongleure, sondern auch Arrangeur 

Bill Dobbins hat ausgezeichnete 

Arbeit geleistet, zwei 

Klangkosmen ohne Anbiederung 

sich begegnen zu lassen. Die zehn 

Kapitel von „Balkan Jazz“ spielen 

angenehm klischeearm mit 

den Möglichkeiten des großen 

Ensembles, das die stellenweise 

pittoresken Motive aus dem Rumänischen 

und Mediterranen 

zwar andeutet, aber mit Swing 

und Funk darauf reagiert. Simion, 

Lantos und Beccalossi und 

der ebenfalls als Gast fungierende 

Schlagzeuger Benjamin Henocq 

wiederum agieren undogmatisch 

mit den Angeboten, so dass ein 

bilateral sich inspirierendes 

Programm entstehen konnte. 

 


Weiterhören: Farmers Market, 

WDR Big Band „Jazz Al’Arab“ 

Gianluigi Trovesi/ 

Gianni Coscia 

„Frère Jacques – Round 

About Offenbach“ 

ECM/UNIVERSAL 

[Chamber Jazz] Musik kann ja 

so unterhaltsam sein, selbst wenn 

sie mit größter Präzision und 

Ernsthaftigkeit aufgeführt wird. 

Das italienische Pärchen Gianluigi 

Trovesi und Gianni Coscia ist für 

seinen feinen, unkonventionellen 

Humor bekannt, mit dem es sich 

schon Kurt Weills angenommen 

hat. Die leichtfüßigen Kompositionen 

Jacques Offenbachs bieten 

für diesen Pas de deux von Klarinette 

und Akkordeon natürlich 

eine noch bessere Steilvorlage. Der 

Humor kommt hier viel nuancierter 

zum Zuge als auf früheren CDs 

des Duos. Da ist ein nahezu unmerkliches 

Augenzwinkern, ein 

Vexierspiel mit den Koordinaten 

unseres kulturellen Wertekanons. 

Sie entbanalisieren das 

Triviale, indem sie es gekonnt aus 

dem historischen Kontext reißen 

und dem neuen Bildungsbürgertum 

unter die Nase reiben. Erst 

wenn der letzte Ton verklungen 

ist und ihr Hörer andächtig 

durchatmet, klopfen sie sich auf 

die Schenkel und lachen sich tot. 

Ein wahrlich gelungener Coup. 

 

Wolf Kampmann 

23

schatzkiste 

Leonard Cohen 

„The Complete Studio 

Albums Collection“ 

LEGACY/SONY 

Schriftsteller wollte er werden, Poet im altmodischen 

Sinn, und veröffentlichte noch 

zu Studienzeiten erste Gedichte, später 

auch Romane mit sprechenden Titeln wie 

„Schöne Verlierer“ (1966). Aber Leonard 

Cohen sang auch, schrieb Lieder, spielte 

schon als Teenager Gitarre in einer Countryband 

und wurde in den späten 60ern 

von der Presse prompt als zweiter Bob 

Dylan gehandelt. Zuvor allerdings hatte 

der Spross eines kanadischen Textilfabrikanten 

eine Auszeit auf einer griechischen 

Insel hinter sich, und auch später sollte ihn 

dieses Bedürfnis nach Kontemplation und 

geistiger Erfrischung immer wieder einholen, 

als Verwurzelung und Gegenpol wilder 

Jahre etwa im Dunstkreis der New Yorker 

Bohème. Denn Leonard Cohen gehört nicht 

zu den Vielschreibern, sondern hat über 

mehr als vier Jahrzehnte hinweg 

gerade einmal elf Studioalben 

aufgenommen. Sie sind als 

Werkschau nun in einer Box 

versammelt und dokumentieren 

das Werk eines Eigenbrötlers, 

den sich Kollegen wie Wolf- 

24 

Kniefall vor dem Kollegen: 

Leonard Cohen 

weiß Kunst zu schätzen 

gang Niedecken oder auch Nick Cave als 

Vorbild genommen haben. Das Spektrum 

reicht von „Songs Of Leonard Cohen“ (1967), 

dem spartanischen, aber ungemein stimmungsvollen 

Plattendebüt mit samtenen 

Songs zur Gitarre und Hits wie „Suzanne“, 

bis hin zu „Dear Heather“ (2004), einem 

Kompendium dunkler Poeme im Popgewand 

und Plauderton. Es sind im Kern unspektakuläre 

Lieder, deren Kraft auf der 

Klarheit und der Knorrigkeit, letztlich auch 

der Intellektualität ihrer Wirkung beruht. 

Die „Complete Studio Albums Collection“ 

ist übrigens Resümee und Vorgeschmack 

zugleich. Denn Cohen, der inzwischen auch 

zum buddhistischen Mönch geweiht wurde, 

nachdem er fünf Jahre lang in klösterlicher 

Einsamkeit seine Depressionen mit 

Spiritualität und Demut bekämpft hatte, 

hat angekündigt, nach acht Jahren Pause 

im Frühjahr 2012 ein neues Studiowerk zu 

präsentieren. Dann kann der Poet außerdem 

seinen 78. Geburtstag feiern und mit 

ein wenig Gelassenheit auf ein 

Leben zurückblicken, in dem 

er viel erreicht hat, wenn auch 

nicht immer das, was er eigentlich 

wollte. Paul Hammerthal 

Dusty Springfield 

„Goin’ Back – The 

Definitive Dusty Springfield“ 

UNIVERSAL 

Das mit den Haaren hatte Regisseur John 

Waters („Hairspray“) bestimmt von Dusty 

Springfield. Denn die Britin aus dem Londoner 

Vorort Hampstead ließ sich nur 

selten ohne ihre kunstvoll aufgetürmten 

Frisuren in der Öffentlichkeit blicken. Sie 

waren ihr Markenzeichen, ähnlich wie der 

Motown-nahe Sound, der ihr zu dem Ruf 

verhalf, die erste weiße Soulsängerin von 

Rang zu sein. Jedenfalls schaffte es Dusty 

Springfield Mitte der 60er, als sonst alle 

Beatles hörten, zur beliebtesten Popsängerin 

Englands gewählt zu werden. Hits 

wie „I Only Want To Be With You“ gehörten 

zu jeder besseren Party, und so hat 

auch „Goin’ Back – TheDefinitive Dusty 

Springfield“ reichlich Ohrwürmer von den 

frühen Jahren bis hin zum Comeback in 

den 90ern zu bieten. Spannender noch 

sind aber die Raritäten, die Mitschnitte 

aus den BBC-Archiven, überhaupt das 

ganze Drumherum, das die Karriere dieser 

ungewöhnlichen Sängerin ausmachte. Auf 

vier CDs, drei DVDs ergänzt um zwei Bücher 

und Fotos, kann man die Erfolgsjahre 

nachvollziehen. Das ist Kulturgeschichte 

in Pink. 

Sascha Fröhlich

CAN (v.l.n.r.): 

Michael Karoli, 

Holger Czukay, 

Irmin Schmidt, 

Jaki Liebezeit 

CAN 

„Tago Mago – 40th 

Anniversary Edition“ 

SPOON RECORDS/WARNER 

1997 wurde der Neue Musik-Papst 

Karlheinz Stockhausen von einer 

deutschen Wochenzeitung 

gebeten, mal 

verschiedene Krautrockaufnahmen 

von 

Tangerine Dream bis 

Amon Düül II durchzuhören. 

Doch nur 

einem Song gab er die 

Höchstnote. „Die Grundhaltung ist 

musikalisch forschend“, so Stockhausen 

über „Aumgn“ aus dem 

dritten Album „Tago Mago“ der 

Kölner Band Can. Diese Einschätzung 

gilt eigentlich für das gesamte 

Album, das 1971 als Doppelvinyl 

erschien und Bands wie Sonic 

Youth und Radiohead beeinflusste. 

Psychedelische Soundschleifen 

und dämonische Klanggewitter, 

telepathische Grooves und 

hypnotisch wilde Trommelfeuer 

zogen sich durch die gerade mal 

sieben Stücke. Und um den rituellen 

Charakter radikal auf die 

Spitze zu treiben, setzte Sänger 

Damo Suzuki etwa in „Peking O“ 

seine Stimmbänder orgiastisch 

unter Starkstrom. Vor genau 40 

Jahren ist dieses Rockmanifest 

erschienen, das nach dem Piratenfelsen 

„Isla de Tagomago“ an 

der Küste Ibizas benannt wurde. 

Anlässlich des runden 

Geburtstags erscheint 

es nun in einer Sonder - 

edition mit zwei CDs. 

Der revolutionären 

Energie der originalen 

Studio-Aufnahme 

kann man sich dabei 

weiterhin nicht entziehen, und 

wie exzessiv und schweißtreibend 

Can damals auch auf der Bühne 

zu Werke gegangen sind, dokumentieren 

drei unveröffentlichte 

Livemitschnitte von 1972. Neben 

den „Tago Mago“-Stücken 

„Mushroom“ und „Halleluwah“ ist 

es da vor allem die halbstündige 

Fassung von „Spoon“ (aus „Ege 

Bamyasi“), in der Can zu Blues- 

Schamanen mutierten. Einfach 

irre – gut. Guido Fischer 

Besonderheit: Noch bis 18. 12. zeigt 

das Berliner Künstlerhaus Bethanien 

die Ausstellung „Halleluwah – Hommage 

à CAN“. 

25

MEDIA-MIX 

Ein Prise Jazz: 

die 1969 gegründete 

Combo 

King Crimson 

CD + DVD: King Crimson 

„Starless & Bible Black“, „Discipline“ 

DISCIPLINE/GALILEO 

Zwei Alben aus ganz unterschiedlichen Phasen von King Crimson: 

Zwar hat sich die Besetzung des Quartetts um den Perfektionisten 

Robert Fripp zwischen 1974 und 1981 nur auf zwei 

Positionen verändert, und trotzdem erleben wir hier zwei komplett 

unterschiedliche Bands. „Starless And Bible Black“ ist 

ein Jazzrockalbum im Kontext der mittleren 70er Jahre. Streckenweise 

klingt die Band mit elektrischer Gitarre, Geige, Bass 

und Schlagzeug, als wollte sie den Faden aufnehmen, den das 

Mahavishnu Orchestra bereits zu verlieren drohte. Auf „Discipline“ 

hingegen verfolgt die Band einen 

nervösen Strukturalismus. Die einstigen 

Prog-Helden waren in der Verknappung 

des Postpunk angekommen, hatten mehr 

mit den Talking Heads gemein als mit 

ihren eigenen Ursprüngen, finden aber in 

einzelnen Passagen doch überraschend 

zum Progrock zurück. Das Bonusmaterial 

auf CD und DVD ist eher etwas für 

eingefleischte Fans. Wolf Kampmann 

Info: Zu den King-Crimson-Erben von heute 

zählen Porcupine Tree und Zun Zun Egui. 

DVD: Paul McCartney 

„The Love We Make“ 

EAGLE VISION/EDEL 

Es war ein wichtiges Ereignis für die USA. Ein halbes 

Jahr nach Nine-Eleven fand in New York ein 

Benefizkonzert statt, bei dem Musiker von The 

Who bis Paul McCartney spielten. Letzterer ließ 

sich im Vorfeld, bei Proben und backstage von den 

Kameras von Albert Maysles („Gimme Shelter“) 

begleiten. Daraus entstand ein rund 90-minütiger 

Film mit viel Musik, der unter dem Titel „The Love 

We Make“ auf DVD und BluRay erschienen ist. Es 

ist ein Zeitdokument mit viel Intensität und einem 

Künstler, der selten zuvor die Objektive so nah an 

sich heran gelassen hat. 

26 


CD + DVD: Motörhead 

„The World Is Ours Vol. 1“ 

MOTÖRHEAD MUSIC/EMI 

Wer 1971 behauptet hätte, Rock’n’Roll sei die 

Musik schmutziger alter Männer, hätte sich 

von den damaligen Protagonisten eine Ohrfeige 

eingefangen. Dabei war Lemmy Kilmister 

(66) doch eigentlich schon immer 

alt, und schmutzig sowieso: Damals 

hauste er in der übelst beleumundeten 

Hawkwind-Kommune und 

haute sich in krassem Widerspruch 

zu deren höchst abgespaceter Auslegung 

des Hippie-Lebensstils die 

Birne mit Speed zu, bis die Zähne knirschten, 

sang den einzigen Hit „Silver Machine“ und 

ließ sich nach drogenbedingter Verhaftung 

bereitwillig feuern, um fortan der Welt die 

pure Dreckfaust auf Auge und Ohr zu knallen. 

So geht das jetzt seit 36 Jahren, und „objektiv“ 

betrachtet wird es immer reiner, besser und 

perfekter. Weniger unvoreingenommen Gesinnte 

mögen meckern, es gebe schon genug 

(nämlich fünf) Motörhead-Livealben mit „Ace 

Of Spades“ und „Overkill“ drauf, und außerdem 

sei die Zeit, als diese beiden Songs entstanden, 

die vom epochalen (eben!) Livealbum 

„No Sleep Til Hammersmith“ gekrönten 

Jahre 1976 bis 82, sowieso die größte und 

einzige gewesen, die zählt. Mag sein. Aber es 

hat seinen Reiz, Lemmy anhand neuer Versionen 

des trotz vielen jüngeren Songs immer 

Gleichen beim Altern zuzuhören wie einem 

guten Rotwein – allerdings ist er stimmlich 

inzwischen manchmal knapp vor dem Kippen, 

was indes den Reiz seltsamerweise 

noch steigert. Die DVD derselben 

Mitschnitte ist eine Zugabe für die 

Fans, die nicht davor zurückschrecken, 

eine Urgewalt wie Motörhead 

auf dem heimischen Sofa „nachzuempfinden“. 

Michael Sailer

tourneen POP, Rock & co 

tourneen klassik 

Alle Tourneedaten fortlaufend 

aktualisiert und 

mit genauen Orts an - 

ga ben finden Sie unter 

sonomagazin.de 

b 

The BossHoss 

9.3. Oberhausen 

10.3. Leipzig 

16.3. München 

23.3. Hamburg 

24.3. Berling 

30.3. Stuttgart 

31.3. Offenbach 

c 

Tony Christie 

1.2. Heilbronn 

2.2. Bonn 

4.2. Fellbach 

5.2. Berlin 

7.2. Frankfurt 

8.2. Hamburg 

d 

Lucio Dalla 

15.3. Düsseldorf 

17.3. Hamburg 

22.3. Bremen 


24.3. Freiburg 



30.3. Berlin 

SONO präsentiert: David Sylvian 

David Sylvian: 

der Insider 

David Sylvian ist der Rätselhafte, einer von denen, deren musikalische Phantasien 

immer opulenter und zugleich verschlüsselter werden. Unlängst erst hat 

sich der Sänger, Konzeptkünstler und einstige Kopf der Pop-Visionäre Japan 

mit „Died In The Wool – Manafon Variations“ (Samadhisound/Galileo Music) 

tiefer noch in seinen kammermusikalischen Kosmos vorgewagt als bisher und 

Songarchitekturen geschaffen, die in der zeitgenössischen Klassik ebenso ihren 

Platz haben wie im Umkreis von Remixing und fortgeschrittenem Pop und 

Songwriting. Wer aber den introvertierten Briten mit dem schönsten Bariton 

der Insel wirklich verstehen will, der hat im März bei vier Konzerten in Köln, Ber- 






a 

ensemble amarcord 

1.12. Dresden 

2.12. Eisenach 



17.12. Leipzig 

18.12. Berlin 

20.12. Dresden 

22.12. Walkenried 

20.1. Rüsselsheim 

21.1. Wildeshausen 

Anna Netrebko & 

Erwin Schrott 

6.1. Hannover 

9.1. Mannheim 


Kolja Blacher 

2.12. Berlin 

10.12. Ossiach (A) 

15.12. Landshut 

16.12. Neumarkt 

18.12. Viersen 

24.2. Mainz 

Gábor Boldoczki 

2.12. Saarbrücken 


7.12. Amberg 

8.12. Fürth 

9.12. Füssen 

19.1. Wien (A) 

21.1. Zürich (CH) 

16.2. St. Gallen (CH) 

19.2. Leipzig 

Gustavo Dudamel 

10.12. Wien (A) 

11.12. Wien (A) 

e 

Quatuor Ebène 

3.12. Schweinfurt 

4.12. Neuss 

17.12. Zug (CH) 

20.1. Heidelberg 

3.2. Salzburg (A) 

13.2. Bern (CH) 

14.2. Basel (CH) 

f 

Isabelle Faust 

2.12. Genf (CH) 

4.12. Schwetzingen 

10.1. Solingen 

11.1. Remscheid 

18.1. Heilbronn 

20.1. Berlin 

24.1. Kempen 

25.1. Bamberg 

26.1. Mosbach 

29.1. Boswil (CH 

30.1. Donaueschingen 

2.2. Vervey (CH) 

26.2. Martigny (CH) 


g 

Die Fantastischen 

Vier 

13.12. Münster 



17.12. Braunschweige 

18.12. Augsburg 

20.12. Wien 

21.12. Regensburg 


m 

Milow 

11.12. Kempten 



James Morrison 

7.3. Hamburg 

11.3. Köln 

13.3. Berlin 

14.3. Offenbach 


Ina Müller & Band 

1.12. Bremerhaven 

2.12. Kiel 

3.12. Hannover 

9.12. Bremen 

10.12. Flensburg 

11.12. Braunschweig 

15.12. Hamburg 

16.12. Hamburg 

lin, Frankfurt/Main und Stuttgart dazu die Gelegenheit. Und es hat wenig Sinn, 

mit den Tickets zu warten. Denn die Karten für die raren Auftritte von David 

Sylvian sind in der Regel schnell vergeben. Mit Recht, denn diese Abende sind 

etwas Besonderes! 

7.1. Leipzig 

8.1. Dresden 

12.1. Rostock 

13.1. Erfurt 


21.1. Berlin 

22.1. Chemnitz 

23.1. Zwickau 

27.1. Wetzlar 

28.1. Trier 

n 

Naturally 7 


26.1. Mainz 


29.1. Köln 

31.1. Hamburg 

1.2. Berlin 

Nena 

9.12. Bamberg 

11.12. Berlin 

12.12. Neu-Ulm 



11.1. Chemnitz 

Randy Newman 

4.3. Frankfurt a. M. 


8.3. München 

13.3. Berlin 

Night of the Proms 

feat. Seal & Alison 

Moyet 

2.12. Erfurt 

3.12. Berlin 

6.12. Mannheim 






13.12. Dortmund 


16.12. Köln 

17.12. Köln 

18.12. Oberhausen 

r 


Tournee: David Sylvian spielt 2012 in Köln (7.3.), Berlin (16.3.), Frankfurt/Main 

(19.3.) und Stuttgart (20.3.). 

www.sonomagazin.de 

Chris Rea 

3.2. Hamburg 

4.2. Berlin 






Khatia Buniatishvili 

25.11. Lucerne (CH) 

29.11. Berlin 


9.12. Mainz 

10.12. Aschaffenburg 

12.12. Wien (A) 

2.3. München 

c 

Cuarteto Casals 

10.1. Rotterdam (NL) 

11.1. Tilburg (NL) 

16.1. Brüssel (BE) 

17.1. Den Haag (NL) 

10.2. Berlin 

Ray Chen 

11.1. Elmau 

13.1. Elmau 

15.1. Gütersloh 

Trio Di Clarone 

7.12. Ludwigshafen 


26.2. Dessau 

d 

Xavier De Maistre 



18.12. Karlsruhe 

Sol Gabetta 

4.12. Essen 



9.12. Villingen- 

Schwenningen 

10.12. Baden-Baden 

13.12. Bamberg 

14.12. Berlin 

15.12. Köln 

17.12. Landau 

18.12. Essen 

19.12. Osnabrück 


11.1. Hamburg 

21.1. Lörrach 


27.1. Fribourg (CH) 

28.1. Bern (CH) 

1.2. Berlin 

2.2. Bremen 

3.2. Münster 

4.2. Bielefeld 

5.2. München 

23.2. Chur (CH) 

Elina Garanca 

19.12. Berlin 

22.12. Berlin 

Angela Gheorghiu 

11.2. Essen 

27.3. Hamburg 

30.3. Hamburg 

4.4. Hamburg 

27

tourneen jazz/world 

Vadim Gluzman 



7.2. Schleswig 


9.2. Husum 

10.2. Rendsburg 

Howard Griffiths 

2.12. Köln 

9.12. Frankfurt/Oder 

10.12. Potsdam 






21.12. Biel (CH) 

22.12. Biel (CH) 

27.12. Berlin 

28.12. Berlin 



1.1. Potsdam 



18.1. St. Gallen (CH) 

19.1. Genf (CH) 

20.1. Bern (CH) 

29.1. Potsdam 

Vittorio Grigolo 





30.12. Berlin 

3.1. Berlin 

29.1. Berlin 

3.2. Berlin 

10.2. Berlin 

Tal / Groethuysen 

04.12. Bad Säckingen 

26.1. Darmstadt 

29.1. Bordesholm 

22.2. Winterthur (CH) 

h 

Daniel Hope 


14.3. Berlin 


Maximilian Hornung 

18.12. Wundsiedel 

28.12. Lenzerheide 

(CH) 

30.12. Scuol (CH) 

2.1. Chur (CH) 

3.1. Arosa (CH) 

6.1. Pontresina (CH) 

7.1. Ilanz (CH) 

11.1. Elmau 


7.2. Kiel 

10.2. Nürnberg 

11.2. Illertissen 

k 

Sharon Kam 

1.12. Berlin 

5.12. Berlin 


6.2. Mannheim 

7.2. Mannheim 


Milos Karadaglic 

2.12. Berlin 

3.12. Hamburg 




9.12. Köln 


Vesselina Kasarova 



30.4. Wien (A) 

Amir Katz 

3.12. Berlin 

18.12. Wien (A) 

Concerto Köln und 

Harald Schmidt 

14.1. Kiel 

15.1. Lübeck 

21.1. Düseldorf 





2.3. Bremen 


4.3. Dortmund 

Simone Kermes 

8.12. Bochum 

9.12. Bochum 

10.12. Hamm 

2.1. Elmau 

26.1. Hamburg 

Gidon Kremer 

26.11. Zug (CH 


3.2. Freiburg 

5.2. Amsterdam 

(NL) 

l 

Lang Lang 

2.2. Genf (CH) 



21.2. Hamburg 

23.2. Baden-Baden 

26.2. Dresden 

28.2. Berlin 

m 

Nils Mönkemeyer 

2.12. Bonn 


19.1. Mönchengladbach 

14.2. Wiesbaden 

19.2. Berlin 

27.2. Bremen 

28.2. Bremen 

Olli Mustonen 



o 

Dorothee 

Oberlinger 

3.12. Luzern (CH) 


5.12. Bern (CH) 


10.12. Leer 

11.12. Berlin 


2.1. Erlangen 

14.1. Weingarten 

12.2. Köln 

26.2. Heidenheim 


28.2. Wien (A) 

David Orlowsky 

2.12. Essingen 

3.12. Berlin 

4.12. Nürtingen 

5.12. Hamburg 

6.12. Leipzig 

7.12. Regensburg 

8.12. Bochum 

9.12. Papenburg 

21.1. Berlin 

Alice Sara Ott 

4.12. Berlin 

p 

Murray Perahia 

7.12. Berlin 

22.12. Berlin 

Olga Peretyatko 



19.2. Lausanne (CH) 




Hille Perl 

1.12. Darmstadt 


3.12. Berlin 

28.1. Bad Säckingen 

29.1. Neuss 


5.2. Duisburg 

q 

Emerson String 

Quartet 

20.1. Genf (CH) 

22.1. Zug (CH) 


Juilliard Quartet 

15.1. Leer 

18.1. Würzburg 

Hagen Quartett 

1.12. Wien (A) 

25.1. Groningen (NL) 

26.1. Kaiserslautern 




2.2. Wien (A) 

s 

Mikhail Simonyan 



31.1. Berlin 

Baiba Skride 

1.12. Innsbruck (A) 



Martin Stadtfeld 

13.1. Köln 

16.1. Viersen 


18.1. Hamburg 

26.1. Grünwald/ 

München 



3.2. Frankenthal 

4.2. Essen 

8.2. Wuppertal 


25.2. Bad Wildungen 


t 

Nikolai Tokarev 

4.12. Erlangen 


8.1. Zug (CH) 

15.1. Bremen 

16.1. Bremen 

17.1. Bremen 

v 

Jan Vogler 




Klaus Florian Vogt 




30.12. Berlin 

31.12. Berlin 

5.1. München 

8.1. München 


21.1. Berlin 

27.1. Berlin 

w 

Carolin Widmann 

11.1. Winterthur 

(CH) 

20.1. Berlin 





17.2. Amsterdam 

(NL) 

23.2. Halle 






a 

John Abercrombie & 

Marc Copland 

19.1. Neustadt 


22.1. Wien (A) 

b 

Battles 

6.12. Frankfurt/Main 

7.12. Berlin 

Dean Brown 


4.12. Berlin 

10.12. Wien (A) 

12.12. Basel (CH) 


14.12. Zülpich 

15.12. Kassel 

16.12. Rotterdam (NL) 

17.12. Minden 

c 

Uri Caine Acoustic 

Trio 

21.1. Amsterdam (NL) 


26.1. Antwerpen (B) 

28.1. Neuburg 

29.1. Wien (A) 

Paul Carrack & 

SWR Big Band 

6.12. Mannheim  

7.12. Tuttlingen  

8.12. Karlsruhe  

9.12. Stuttgart  

14.12. Willstädt  

15.12. Zürich 

d 

Barbara Dennerlein 

2 7.1 . K l e v e 

e 

Echoes Of Swing 

6.12. Duisburg 

7.12. Witten 


31.12. Elmau 

Sidsel Endresen & 

Humcrush 

8.12. Wien (A) 



11.12. Bern (CH) 

13.12. Köln 


15.12. Essen 

h 

Pablo Held Trio 


17.12. Villingen 

20.1. Hamburg 

3.2. Dortmund 

21.2. Berlin 

Jasper van’t Hofs 

Pili Pili 

12.1. Osnabrück 

13.1. Detmold 


15.1. Bremen 

16.1. Hamburg 

17.1. Bochum 

18.1. Bonn 


20.1. Ravensburg 

21.1. Frick (CH) 


24.1. Wien (A) 

25.1. Ingolstadt 


27.1. Tübingen 

28.1. Bayreuth 

i 

Dieter Ilg 

27.1. Neunkirchen 

28.1. Gschwend 

29.1. Biberach 

4.2. Donaueschingen 

8.6. Oldenburg 

j 

Äl Jawala 

2.12. Rostock 

7.12. Potsdam 

8.12. Schwerin 

9.12. Dresden 

10.12. Plauen 

11.12. Bamberg 

15.12. Kiel 

16.12. Lübeck 


JazzIndeed & 

Michael Schiefel 

15.1. Berlin 



20.1. Ulm 

21.1. Villingen 

k 

Klazz Brothers 



9.12. Vilsbiburg 

10.12. Minden 

28

11.12. Hameln 

12.12. Bargteheide 

13.12. Peine 

16.12. Bünde 

17.12. Bochum 


22.12. Berlin 

Besondere 

Hörempfehlungen 

l 

Lisbeth Quartett 

10.12. Bad Salzhausen 



5.2. Kiel 

Jeff Lorber 

1.12. Dresden 

2.12. Berlin 

5.12. Aschaffenburg 



8.12. Zoetermeer (NL) 

11.12. Krefeld 

13.12. Leverkusen 

19.12. Wien (A) 

Jeff Tweedy, Mikael 

Jorgensen: Americana 

mit Stehlampe 

POETICA DIE SINNLICHSTE 

VERSCHMELZUNG VON 

POESIE & KLASSIK 

So hat man Klassik & Poesie noch nie gehört: 

Hannes Jaenicke, Martina Gedeck, Ina Müller, 

Ulrich Tukur und viele weitere Stars lesen ihre 

Lieblingsgedichte, untermalt und verwoben 

mit passender klassischer Musik. Die CD bildet 

und ist Balsam für die Ohren zugleich. 

m 

Nils Petter Molvaer 

2.12. Nürtingen 

3.12. Wien (A) 

n 

Nighthawks 

17.1. Kiel 

18.1. Wilhelmshaven 

19.1. Hamburg 

r 

radio.string. 

quartet.vienna 

7.12. Fürstenfeld 

8.12. Gauting 

9.12. Pullach 


2.2. Steyr (A) 

3.2. Feldafing 



t 

Blick zurück: 

Bohème Blues 

Wilco, München 

Am Vorabend, meint John Tweedy, 

hätten sie in einem Opernhaus 

gespielt. Nun also Zirkus, er finde 

das gut. Ein Quäntchen Koketterie 

schwingt da mit, aber das stört niemanden. 

Schließlich sind Wilco dafür 

bekannt, mit den Zeichen des Establishments 

zu spielen, nicht vehement, 

eher dezent. So halten es die 

Chicagoer Post-Folk-Rocker auch im 

Münchner Circus Krone. Das Konzert 

findet vor einem zerknitterten Samtvorhang 

statt, Tweedy selbst präsentiert 

sich im Anzug mit Hut, und die 

Musik wirkt angenehm eingängig. Ein 

bisschen moderne Bohème trifft Varieté, 

ein wenig Stadtblues intellektuelle 

Spielarten des Countrysounds 

und aktuelles Repertoire wie „I Might“ 

und „One Sunday Morning“ reichlich 

Lieder früherer Jahre. Der Spaß an 

der Musik besteht dabei nicht nur in 

der verschmitzten Verkleidung USamerikanischer 

Alltäglichkeiten, sondern 

auch in den Querschlägern, die 

die angedeutete Harmonie relativeren. 

So sägt Gitarrist Nels Cline immer 

dann in den Wohlklang, wenn dieser 

zu bieder zu werden droht. Und 

Glenn Kotche setzt der akustischen 

Heimeligkeit drastische Schlagzeugexkurse 

entgegen. Das ist die Haltung, 

weshalb Wilco derzeit zu den 

Lieblingen der Kritik gehörten. Und 

das sorgt auch für das Vergnügen, 

das das Publikum mit zwei Stunden 

Americana für Fortgeschrittene hat. 

 


JAZZ FOR DINNER 3 

Die schönsten Songs für einen stimmungsvollen 

Abend auf einer Doppel-CD. Wundervolle 

Songs aus Pop und Jazz ausgewählt von der 

Brigitte-Redaktion. Mit Künstlern wie Norah 

Jones, Lyambiko, Melody Gardot, Rumer, Jamie 

Cullum, Till Brönner, Silje Nergaard und vielen 

anderen Stars. 

Tamikrest 

1.12. Erlangen 

2.12. Geislingen 

3.12. Aarau (CH) 

4.12. Bern (CH) 



8.12. Köln 


12.12. Berlin 

Ralph Towner & 

Paolo Fresu 

8.2. Dudelange (L) 

9.2. Trier 

10.2. Berlin 

14.2. Esslingen 

u 

Gebhard Ullmann 

Conference Call 

1.12. Wien (A) 

2.12. Dachau 

3.12. Taubenbach 

5.12. Krems (A) 

6.12. Marburg 



9.12. Eschen (FL) 

10.12. Lausanne 

(CH) 

w 

Ernie Watts Quartet 

2.12. Neuburg 

3.12. Göppingen 


9.12. Siegen 

10.12. Frankfurt/ 

Main 

SCHÖNHERZ & FLEER 

BEST OF RILKE PROJEKT 

Die schönsten Gedichte Rainer Maria Rilkes 

in Zusammenklang mit den bewegenden 

Kompositionen von Schönherz & Fleer. 

Jetzt gibt es das Beste aus 10 Jahren Rilke 

Projekt auf einer CD, mit Hardy Krüger, Xavier 

Naidoo, Iris Berben, Ben Becker, Nina Hagen, 

Montserrat Caballé u.v.a. 

29 

www.sonymusicclassical.de

der Promihörer 

Gert Scobel 

Kulturzeit, ARD-Morgenmagazin, inzwischen 

eine wöchentliche Wissensrunde 

bei 3sat. Das geht nur, wenn man 

sich die Neugier erhält. Auch auf Musik. 

Welche Platte haben Sie sich als 

erste selbst gekauft? 

Das war das blaue Album von den 

Beatles, das ich dann die nächsten 

Jahre rauf und runter gehört habe 

(und das jetzt erstaunlicherweise 

mein Sohn hört). 

Welches Instrument haben Sie 

gelernt? 

Lernen? Na ja. Eher dilettieren. 

Gitarre bei einem Freund, der 

klassische Gitarre lernte und extrem 

gut war (ich habe dann viel 

später und viel schlechter in einer 

Band gespielt). E-Bass im Selbstversuch. 

Klavier beim Pfarr-Organisten, 

eine elende Erfahrung, 

die nur anderthalb Jahre dauerte. 

Im Anschluss dann bis heute 

(leider) nur alleine. Trompete 

zunächst als Autodidakt (was 

die vielen technischen Mängel 

erklärt) und in der Zeit, in der ich 

Morgenmagazin moderiert habe, 

bei Manfred Schoof (danke!!!). 

Was war Ihr bisher eindrucksvollstes 

Konzerterlebnis? 

Es gab einige. Das stärkste vielleicht, 

weil es ein Erlebnis voller 

Wucht war, das mich noch Wochen 

danach wach gemacht hat, 

war Eric Clapton in Frankfurt. 

Ansonsten glaube ich Emil Gilels 

in Berkeley (für rund drei Dollar, 

als Student). 

Sind Sie auch mal selbst als Musiker 

aufgetreten? 

Mit den Nachbarjungs in der üblichen 

Garagenband (mit alten 

Radios und frisierten Bandmaschinen 

als Verstärkern) – und 

später mit einer Band aus Studentenkollegen 

bei Festen und 

im Jugendclub. Wir haben einige 

Jahre zusammen gespielt. 

Was singen Sie am liebsten unter 

der Dusche? 

Nichts. Ich will das nicht hören. 

Mein Hund erst recht nicht. Und 

der Rest der Welt vermutlich auch 

nicht. Aber ich gebe zu: Manchmal 

singe ich ziemlich laut im 

Auto. 

Mit welchen Songs bringt man Sie 

auf die Tanzfläche? 

Mit so gut wie keinem. James 

Brown vielleicht, „Sex Machine“. 

Mit welchen wieder herunter? 

Mit so ziemlich allem. Übrigens 

auch mit allem, was wirklich gut 

ist – dann höre ich lieber zu. 

Mit welcher Platte testen Sie die 

Belastbarkeit ihrer Boxen? 

Carolyn Mas, „Sittin’ In The Dark“. 

Und Bruce Springsteen: „Racing 

In The Street“. 

Was läuft bei Ihnen zum Sonntagsbrunch? 

Kommt wirklich auf meine Stimmung 

an. Ich höre anders als beim 

Essen gerne durcheinander: Da 

kann Chopin sich mit Kings of 

Convenience und Nils Landgren 

abwechseln. 

Wessen Stimme könnten Sie ewig 

lauschen? 

Barbara Hendricks. Und Barbra 

Streisand. 

Der beste Soundtrack zum Joggen: 

Alles was den richtigen Rhythmus 

zum Laufen hat, was gerade 

neu ist. Und seltsamerweise Rolling 

Stones. 

Ihr Lieblingsinstrumentalist: 

Nicht sehr innovativ, das zu sagen: 

Aber auch hier wechselt die 

Präferenz – nicht zuletzt mit dem 

Instrument. Im Moment wieder 

Chet Baker. Gefolgt von Trombone 

Shorty, Murray Perahia und 

Michael Rische. 

Welche Musik haben Sie sich als 

letztes gekauft? 

Wilco („The Whole Love“) sowie 

Carl Philipp Emanuel Bach, 

Klavierkonzerte Wq 23, Wq 112/1, 

Wq 31, gespielt von Michael 

Rische, den ich für den besten 

deutschen Pianisten halte. 

Bei welcher Musik bekommen Sie 

Ganzkörperausschlag? 

Bushido, der jetzt auch noch einen 

Integrationsbambi erhalten hat. 

Wen integriert der eigentlich? 

Ihr Album für die einsame Insel: 

Genesis „Trick of the Tail“, Mozarts 

„Moll-Klavierkonzerte“ und 

„Islands“ von Benny Bailey (sorry, 

aber ich kann nicht mit einem Album 

auf eine Insel). 

Sind Sie eher der High-End – oder 

der MP3-Typ? 

Definitiv High-End – obwohl ich 

im Zug oder Flugzeug natürlich 

MP3 höre, notgedrungen. 

Nach welchen Kriterien ordnen 

Sie ihre Plattensammlung? 

Nach Genre. Blöd wird das nur, 

wenn sich etwas überlappt, besonders 

bei Klassik. 

Welchen Songtext können sie auswendig? 

Dadada. 

Erscheinungstermin der nächsten Ausgabe: 9. Februar 2012 

Foto: Jürgen Bauer 

30

wieder label des jahres 

ECHO Jazz 2010 & 2011 

get the spirit of jazz - highlights 2011: 

landgren der jazz-romatiker: 

„wer zuhört kann kaum anders, 

als vom charme dieser musik 

hingerissen zu sein“ (stern) 

„ein phänomen“ (sz): polens 

populärster jazzer verneigt sich 

vor dem urvater des polnischen 

jazz, krzysztof komeda. 

ein naturereignis an den tasten 

(jazzthing): „jazzalbum des 

jahres“ der deutschen schallplattenkritik 

hits von bob marley, janis 

joplin, led zeppelin, cream 

und den beatles im unwiderstehlichen 

world-jazzsound. 

nils landgren 

the moon, the stars and you 

ACT 9505-2 

leszek możdżer 

komeda 

ACT 9516-2 

iiro rantala 

lost heroes 

ACT 9504-2 

nguyên lê 

songs of freedom 

ACT 9506-2 

gospel durchdrungen, blues 

und soul durchtränkt: sand 

singt klassiker von nina simone 

bis bill withers. mit raul midón. 

musikalischer liebesbrief an 

herbie hancock: tolstoy interpretiert 

klassiker und 80er 

funk-songs aus dessen feder. 

das erfolgsalbum der besten 

internationalen sängerin 2011 

(echo jazz) plus bonus cd mit 4 

bisher unveröffentlichten titeln. 

„bewegendes hörerlebnis“ 

(rondo): „mit den ideen dieses 

albums bestreiten andere 

künstler ihre komplette karriere“ 

(stern) 

ida sand 

the gospel truth 

ACT 9518-2 

viktoria tolstoy 

letters to herbie 

ACT 9519-2 

youn sun nah 

same girl collector’s edition 

ACT 6012-2 (2 CD-set) 

caecilie norby & lars danielsson 

arabesque 

ACT 9723-2 

20 jahre ACT: jubilee nights mit der ACT family band in kooperation mit karsten jahnke: 

mit nils landgren, caecilie norby, michael wollny, lars danielsson, nguyên lê, 

wolfgang haffner, verneri pohjola, céline bonacina vom 2.2. - 5.2. in berlin, münchen, 

düsseldorf und hamburg 

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