Keith jarrett - SONO

Musik für erwachsene Hörer 

Keith 

jarrett 

Solo in rio und die 

Magie des Moments 

Ian Anderson 

„Das alles macht 

mich immer 

noch wütend!“ 

w w w. sonomaga z i n .d e 

Anoushka 

Shankar 

Eine Sitar auf dem 

Weg nach Spanien 

NOV. / DeZ. 2011 8 0.0 0 0 exe m p la re 

Roger Cicero 

Mehr Soul im 

Swing – die 

„Männersachen“ 

geben Gas 

Außerdem: George Benson, U2, 

Peter Gabriel, Michel Godard u. a. 

Und immer: CD-Besprechungen 

und Tourneedaten aus 

Pop, Rock, Klassik und Jazz!

The 

Real Jazz 

Is Back! 

Archie Shepp Alice Coltrane McCoy Tyner Coleman 

Hawkins Keith Jarrett Charles Mingus Duke 

Ellington Chico Hamilton Pharoah Sanders 

Paul Gonsalves Howard Roberts Albert Ayler 

Freddie Hubbard Michael White Sonny Rollins Milt 

Jackson Oliver Nelson Ahmad Jamal Clark Terry 

Hank Jones Art Blakey Gabor Szabo Mel Brown 

Sonny Stitt Marion Brown Curtis Fuller Steve Allen 

Elvin Jones Sonny Criss Shirley Scott John Handy 

Zum fünfzigsten Jubiläum des Kultlabels: 

• Jeweils zwei legendäre Alben auf einer CD ! 

• Neues digitales Remastering! 

• Komplettes Original-Artwork im Farb-Booklet! 

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JAZZ-KLASSIKER 

EINGEBOXT! 

Für diese streng limitierten Boxen 

sollten Jazz-Fans unter dem 

Weihnachtsbaum Platz freihalten! 

Sie bleiben die Größten: Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, 

Charlie Parker und Sidney Bechet! Die fünf prächtigen prächtigen Boxen der neuen 

THE JAZZ MASTERS-Serie gehen zurück in die 30er bis 50er Jahre und 

präsentieren auf jeweils 13-15 CDs digital neu remastert das Komplettwerk 

dieser Künstler. Die erstaunlich preiswerten Boxen enthalten zudem 

prachtvolle, ausführliche Booklets! 

WES MONTGOMERY’s Verve-Alben gelten als die 

Meisterwerke des unvergessenen Gitarristen. 

Das 5-CD-Set MOVIN’: THE COMPLETE VERVE 

RECORDINGS beinhaltet alle acht Alben wie 

“Movin’ Wes”, “Bumpin’”, “Tequila” und “The 

Dynamic Duo”, remastert und mit reichlich 

Bonustracks in einem ausführlichen, reich 

illustrierten Hardcover-Buch (19 x 19 cm). 

Zum 50. Jubiläum vollendet 

Impulse seine JOHN COLTRANE- 

Boxenserie! THE ORIGINAL 

IMPULSE ALBUMS 4 & 5 

enthalten jeweils fünf 

Albumklassiker und runden 

damit das Gesamtwerk des 

Saxophonisten ab: “Expression”, “Live at the Village Vanguard Again!”, “Om”, 

“Cosmic Music”, “Selfl essness”, “Live in Seattle”, “Sun Ship”, “Transition”, “Infi nity” 

und “Live in Japan”. 

Der swingendste schwarze 

Kasten aller Zeiten! Alle zwanzig 

Folgen der erfolgreichen 

ORIGINAL JAZZ CLASSICS 

REMASTERS in einer Box, mit 

einem nahezu unglaublichen 

Preisvorteil! Jedes der hier 

enthaltenen Alben von Top-Stars 

wie MILES DAVIS, SONNY 

ROLLINS, CHET BAKER, 

ART BLAKEY usw. ist ein Klassiker 

und wurde neu digital remastert! 

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inh alt 

Zunächst das Wetter: Golden 

scheint die herbstsonne durch 

das Münchner Redaktionsfenster, 

ein prächtiger altweibersommer. 

Dann die Stimmung: ist auch ganz 

gut, denn die musikalische Saison wartet mit 

vielen Prominenten und noch mehr Künstlern auf, 

die endlich entdeckt werden wollen. Da heißt es, 

eine auswahl treffen: alte Recken und junges Blut, 

klas sischer Jazz und modernes Entertainment, 

Weltmusik und Kammerklänge, alles unter einem 

Dach. Und dazu so manches Schmankerl, das 

über diesen horizont hinausreicht. lassen sie sich 

also ruhig zum Schmökern verführen. Denn wenn 

uns das gelingt, haben wir unsere Mission erfüllt! 

Ralf Dombrowski 

Chefredakteur SOnO 

t r ailer 

News aus der Welt der Musik 4 

l e serp ost/ iMpre ssUM 

Lob, Kritik und Wissenswertes 5 

In Rio spielte Keith Jarrett eines 

der Konzerte seines Lebens 6 

Jethro Tulls ian anderson denkt 

an die Kirche und an „Aqualung“ 8 

entertainment ist eine Kunst 

finden Alsmann, Cicero, Tukur 10 

Der Grübler peter Gabriel feilt 

weiter am Gesamtkunstwerk 12 

Diesmal singt George Benson 

kaum, greift dafür in die Saiten 14 

n eUe Gesi chter 

Irma, Alexander von Hagke, 

Duo Gazzana 15 

Berlin hatte für U2 die nötige 

Frischzellenkur parat 16 

Vergesst die Stones! Die stadionrocker 

Coldplay, Kings of Leon 

RHCP machen das Rennen 18 

Als camille Mutter wurde, 

klang plötzlich alles anders 20 

d ie sono - liste 

Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ 

im neuen Gewand 22 

Jazz trifft bei Michel Godard, 

auf Alte Musik und die 

Ideen Monteverdis 24 

Das radio.string.quartet.vienna 

schürft bei Freud und Dali, 

ein traumhaftes Projekt 26 

In anoushka shankas Welt 

lernt die Sitar spanisch 28 

c d - r e z e n si o n e n r o c K , p o p & co. 

Jeff Bridges, theo Bleckmann, Superheavy, 

Udo lindenberg, John Watts u.a. 30 

c d - r e z e n si o n e n K l a s siK 

Daniel Barenboim, hélène Grimaud, Sharon 

isbin, David Orlowsky, David Garrett u.a. 34 

c d - re z e n si o n e n Ja z z & wo r l d 

Malcolm Braff, Chick Corea, Brad Mehldau 

Rudresh Mahanthappa, Stefano Bollani u.a. 36 

s c h at z t r U h e 

neue Boxsets, Serien und Sampler 38 

M e d i a M i x 

neue Bücher, Spiele und DVDs 42 

t o U r n e e n p o p 

tony Christie, Bob Dylan, Jean Michel Jarre, 

ina Müller, Saga, tok tok tok, Wilco, u.a. 46 

t o U r n e e n K l a s siK 

lisa Batiashvili, nigel Kennedy, alice Sara 

Ott, Martin Stadtfeld, ingolf Wunder u.a. 48 

t o U r n e e n Ja z z 

Jan Garbarek, tringvall trio u.a. 

Rückblick: Badi assad 49 

p r o M i - h ö r e r -s t e c K B rief 

Fantasy-autor Kai Meyer 50 

E x K l U S i V F ü R a B O n n E n t E n : 

16 seiten s o n o p l Us 

10 camille 

8 Michel Godard 

10 stadionrocker 

14 radio.string. 

quartet. 

vienna 

3

TRAIleR 

Björk ist die Zukunft, R.E.M. schon Vergangenheit. Die eine feilt am 

eigenen Musik-App, die anderen haben vorerst die Segel gestrichen. 

Während Modesignerin Stella McCartney gerne Modells betrachtet, 

hat Papa Paul in new york Spaß bei den Proben zu seinem Ballett. 

Die Feuilletons haben geweint. 

Denn R.E.M. haben 

sich aufgelöst, und 

damit ging für manchen Redakteur 

ein „kleines Wunder der 

Pop-Geschichte“ (Süddeutsche 

Zeitung) zu Ende. Michael Stipe, 

Sänger und Vordenker der 

US-amerikanischen Edelrocker, 

nahm es allerdings gelassen. „Wie 

ein weiser Mann einmal sagte: Die 

Kunst ist es zu wissen, wann es Zeit 

ist, die Party zu verlassen“, gab er 

zu Protokoll und verwies darauf, 

dass 31 Jahre und 15 Alben mit einer 

Band genug seien. Man trenne 

sich in Freundschaft, hieß es 

weiter, und wer noch einmal die 

ganze Pracht des R.E.M.-Sounds 

genießen wolle, der könne ja zum 

frisch kompilierten Abschieds- 

Best-Of-Album „Part Lies, Part 

Heart, Part Truth, Part Garbage, 

1982–2001“ greifen. There’s no biz 

like showbiz! 

PAul MCCARtnEy hat ein Ballett 

geschrieben. Es heißt „Ocean’s 

Kingdom“ und ist das erste Werk 

4 

des Liverpoolers für die Welt des 

Tanzes. Den Auftrag dazu gab 

das New York City Ballet, das 

sich auch um die Uraufführung 

am 22. September in New York 

kümmerte. Gerade einmal zwei 

Monate soll McCartney für die 

Entwürfe gebraucht haben, die 

er dann zusammen mit dem 

Dirigenten John Wilson in eine 

Orchesterpartitur verwandelte 

und dem Leiter des New York City 

Ballet für die Bühne präsentierte. 

Die Kostüme übrigens designte 

McCartney-Tochter StEllA, die 

in diesen Tagen auch sonst viel zu 

tun hatte. Schließlich wollte Papas 

dritte Ehefrau Nancy Shevell, 

die der Ex-Beatle am 9.Oktober in 

London geheiratet hat, ebenfalls 

im schicken Kostüm antreten. 

Jamie Oliver hat ihn schon erhalten 

und auch Robin Gibb. Und 

Prince Charles. So befindet sich 

CliFF RiChARD in guter Gesellschaft, 

wenn er am 4. November 

in Düsseldorf den Ehrenpreis des 

Deutschen Nachhaltigkeitspreises 

überreicht bekommt. Der Künstler 

und Entertainer, der nicht zuletzt 

wegen seines humanitären Engagements 

von Queen Elizabeth II 

in den Adelsstand erhoben wurde, 

wird damit unter anderem für 

die weitreichende Unterstützung 

geehrt, die er wohltätigen Organisationen 

zukommen lässt. Allerdings 

wäre es nicht wirklich 

D i e z a h l 

30,1 % 

der Fernsehzuschauer hätten gerne 

Helge Schneider als neuen Tatort- 

Kommissar im Ruhrpott. In einer 

repräsentativen Umfrage des Medienportals 

Blickpunkt:Film konnte 

der Komödiant und Querdenker 

sich knapp vor Armin Rohde (27,9 

Prozent) platzieren. Andere Musikerkollegen 

blieben wie Marius Müller- 

Westernhagen (10,3 Prozent) und 

Herbert Grönemeyer (6,6 Prozent) 

weit abgeschlagen in der Gunst der 

Krimi-Freunde. 

Christoph Schlingensiefs Operndorf 

in Burkina Faso wächst 

und wächst. Sir Cliff Richard (l.) 

hilft gerne und singt am liebsten 

Souliges. 

nachhaltig, wenn Cliff Richard 

angesichts der Gala nicht auch 

einen Teil des Programms von 

„Soulicious – The Soul Album“ 

vorstellen würde. Apropos Nachhaltigkeit: 

Die Sängerin Björk, Islands 

Königin der Illusion, hat ihr 

neues Album „Biophilia“ zuerst 

nur als App veröffentlicht. Denn 

das Virtuelle macht weniger Müll, 

vielleicht aber auch nicht so viel 

Spaß. Deshalb kam die CD dann 

doch noch hinterher. 

Es war einer der Träume des 

im vergangenen Jahr gestorbenen 

Theaterpioniers ChRiStOPh 

SChlingEnSiEF: ein Operndorf 

in Burkina Faso, ganz real und 

zugleich eine „soziale Plastik“. 

Am 8.Oktober nun wurde diese 

Vision ein wenig mehr zur Wirklichkeit. 

Denn da öffnete die vom 

Architekten Francis Kéré entworfene 

Dorfschule ihre Pforten. Und 

auch sonst wird eifrig weiter gearbeitet, 

wie etwa in der vom Goethe-Institut 

geförderten „Dodo 

Opera Connection“, in der der 

Theateraktivist Wilfried Bambara 

Künstler und über 70 Jugendliche 

der umliegenden Dörfer in Tanz- 

und Gesangsprojekte integriert. 

Das Operndorf wächst. 

Foto: Corbijn

leSeRP oST 

Mehr junges Blut 

Betrifft: SoNo allgemein 

Erst ein Kompliment: 

Sie machen ein wirklich 

schönes Heft! Dann 

auch Kritik: Warum 

kommen so wenig jüngere 

Rockthemen vor? 

Ich bin zwar aus dem 

Hitparadenalter raus. 

Aber das heißt ja nicht, dass ich 

nicht noch was Neues entdecken 

möchte. Also nur Mut zu jungem 

Blut! 

Heinz Beierlein, per eMail 

Swingt ordentlich 

Betrifft: SoNoplus 

Manche brauchen dafür ein ganzes 

Buch, aber der Beilage vom 

letzten SONO Heft ist es gelungen, 

die Geschichte des Swings wirklich 

spannend und unterhaltsam 

auf wenigen Seiten darzustellen. 

Ich habe das mit viel Vergnügen 

gelesen! 

Friedemann Strate, Essen. 

Der Blender 

Betrifft: Nigel Kennedy 

in SoNo 4/11 

Also, ich will ja nicht 

meckern, aber Nigel 

Kennedy ist nun 

wirklich ein Blender. 

Mir kommt er vor wie 

ein Geiger, der nicht 

übt, und deshalb alles 

Mögliche spielt. Da hätte man 

ihm ruhig mal ein bisschen auf 

den Zahn fühlen können! 

Annemarie Liephold, Potsdam 

Sehr ehrlich 

Betrifft: Chris Rea in SoNo 4/11 

Ich war sehr beeindruckt, wie 

selbstverständlich Chris Rea 

in ihrem Interview über seine 

Krankheit und den Tod geredet 

hat. Solche Themen werden bei 

Künstlern in der Öffentlichkeit 

von den Hochglanzblätter ja oft 

verschwiegen. Dabei machen sie 

sie erst richtig menschlich. 

Klaus Heinemann, Trittau 

Projekt1:Layout 1 13.10.2011 11:54 am Seite 1 

Echt der hammer 

Betrifft: Sono-liste in SoNo 3/11 

Ihre SONO-Liste ist ein echtes 

Schmankerl! Dass da auch mal 

so Leute vorkommen wie Joni 

Mitchell , die ja sonst gerne bei all 

den Lady Gagas vergessen werden! 

Ich habe mir jedenfalls gleich 

mal ein paar von diesen Tipps bestellt 

und Joni Mitchell, Joe Jackson 

und Steve Hackett sind echt 

der Hammer. Freue mich schon 

auf die nächste Liste! 

Anselm Schuster, per eMail 

i h r e m e i n u n g 

ist uns wichtig! 

Haben Sie Fragen, Kritik, Anregun- 

gen oder ergänzungen zu den 

Artikeln in SoNo? Dann schreiben 

Sie uns – die Redaktion freut 

sich auf ihr Feedback unter post@ 

sonomagazin.de oder per Post 

an Inmedia, Redaktion SoNo, lucile- 

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Verlag: I N M e D I A Verlagsund 

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herausgeber: Günter F. Bereiter 

Redaktion: Ralf Dombrowski 

(r.dombrowski@inmedia.de, 

Tel. 0 89 / 45 72 61-41) 

Autoren dieser Ausgabe: 

Guido Fischer, Sascha Fröhlich, 

Raoul Gulbenkian, Paul Hammerthal, 

Wolf Kampmann, Jörg laumann, 

Reinhard lemelle, Felix Marondel, 

Gunther Matejka, Christiane 

Rebmann, Christian Stolberg, 

Steffen Rüth, Hans-Jürgen Schaal, 

Robert Wallner 

Bildredaktion: Fritz osskar 

termine: Michael Sailer 

Design: Arndt Knieper 

Produktion: Viola Müller-Hergerdt 

Anzeigenmarketing: Maren Kumpe 

(m.kumpe@inmedia.de, 

Tel. 089 / 457 261-35) 

Abo + Vertrieb: Susanne lanzinger 

(s.lanzinger@inmedia.de, 

Tel. 0 89 / 45 72 61-45) 

Druck: Augsburger 

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Aindlinger Str. 17–19 

86167 Augsburg 

SOnO erscheint sechsmal jährlich

Keith Jarre t t 

Das Rio-Erlebnis 

Eigentlich wäre Bach an der Reihe gewesen. Und auch 

ein Album im bewährten Trio steht auf der Warteliste. 

Aber dann spielte Keith Jarrett ein Konzert in Rio de 

Janeiro und war selbst so fasziniert, dass er alles andere 

vertagte. Von ralf Dombrowski 

Es sollte eine kleine Tournee im vergangenen 

Frühjahr werden. Drei Termine 

in Südamerika, São Paulo, Rio 

de Janeiro und Buenos Aires, drei der raren 

Solokonzerte, die Keith Jarrett selbst streng 

kontingentiert, um nicht in eine Routine der 

Gestaltung zu verfallen. Für die Fans in Brasilien 

war das eine Sensation, schließlich 

hatten sie mehr als zwei Jahrzehnte warten 

müssen, bis der anspruchsvolle Pianist zum 

überhaupt erst zweiten Mal in ihrem Land 

gastierte. Jarrett selbst hatte das Gefühl, dass 

er noch einen Koffer in Brasilien hatte, und 

so waren die Voraussetzungen gut für ein 

paar außergewöhnliche Konzertgastspiele. 

São Paulo klappte gut, Buenos Aires auch, 

aber der Abend in Rio de Janeiro fiel aus dem 

Rahmen. „Ich hatte zuvor nicht wirklich eine 

Vorstellung davon, was das bedeuten sollte, 

aber dann war mir klar: Dieses Konzert ist 

es!“ meint Keith Jarrett in der Rückschau. 

„Alles, was ich in Rio gespielt habe, ist improvisiert 

und es führt schlicht kein Weg dorthin, 

zu diesem speziellen musikalischen Platz ein 

zweites Mal zurückzufinden, nicht in einem 

anderen Land, nicht in einem anderen Saal, 

mit einem anderen Publikum oder in einer anderen 

Nacht.“ 

Der magische Moment 

Es ist das Mysterium des Spontanen und es 

führte dazu, dass der Pianist sich in Rio auf 

ungewohnt streng gegliederte Weise in Form 

spielte. Wo er früher große Bögen spannte, 

indem er lange Passagen oft aus einem initialen 

Motiv entwickelte, es in Farben, Formen, 

Dynamiken variierte und mit kontrastiven 

Elementen konfrontierte, bevorzugte er in 

Rio einzelne Stücke, 15 improvisierte Albumblätter, 

die er jedes für sich sich emphatisch 

6 

entfalten ließ, um sie in einem Fluss der 

Energien am Ende wieder zusammenzuführen. 

Keith Jarrett betont, dass er beim Spielen 

selbst nicht wusste, was er tat, am Ende aber 

ein Konzert formte, das alles hatte, was er sich 

als Künstler wünschte. Denn die Aufnahme 

aus Rio fühle sich auch aus der Distanz noch 

gut an, „ jazzig, ernsthaft, sanft, spielerisch, 

warm, ökonomisch, energetisch, leidenschaftlich 

und mit der brasilianischen Kultur auf 

einzigartige Weise verknüpft. Der Sound in 

der Halle war exzellent und ebenso das enthusiastische 

Publikum.“ 

Ganz bei sich und bei der Kunst: Der junge 

Keith Jarrett definiert das Solo-Konzert 

„Ich hatte zuvor 

nicht wirklich eine 

Vorstellung davon, 

was das bedeuten 

sollte, aber dann 

war mir klar: Dieses 

Konzert ist es!“ 

Ein Glücksfall also und doch auch das 

Ergebnis langjähriger Erfahrung. Denn Jarrett 

gehört zu den Mitbegründern des kammerjazzigen 

Solokonzerts, das er in der stilistischen 

Phase der Verinnerlichung im 

Anschluss an den extrovertierten freien und 

den lümmelig lärmenden Jazz entwickelt 

hatte. Viele Entwicklungsstränge liefen damals 

in den frühen 70er Jahren zusammen, 

zum einen das Bedürfnis nach einer neuen 

Individualität und Privatheit der Musik, 

nachdem man sie jahrelang in den Dienst

des Poltischen, Engagierten, Öffentlichen 

gestellt hatte. Ein bisschen Genietypus durfte 

ruhig auch dabei sein, die Absetzung vom 

Diktat des Afroamerikanischen, die Idee des 

Konzertanten, des Hochkulturellen, letztlich 

eine Abkehr von den Werten des überhitzten 

vorangegangenen Jahrzehnts, das mit dem 

offensichtlich scheiternden Vietnamkrieg, 

den unheilvollen Prophezeiungen des Club 

of Rome von den Grenzen des Wachstums die 

Bedürfnisse der Menschen nach Ruhe, Einkehr, 

Bedeutung multiplizierte. 

Zufriedenheit ist harte Arbeit. Keith Jarrett 

stellt hohe Ansprüche an sein Publikum, 

aber auch an sich selbst. Das Los des Genies. 

Die Möglichkeiten rasant sich verbessernder 

Aufnahme- und Wiedergabetechniken 

trafen damals auf den jungen Produzenten 

Manfred Eicher, der diese Notwendigkeiten 

erkannte, und auf den ebenfalls noch 

jungen, überaus begabten Keith Jarrett, der 

nach dem rasanten Aufstieg in Bands von 

Charles Lloyd bis Miles Davis nach einer veränderten, 

eigenen Identität suchte. Mit einer 

Prise Romantik im auditiven Cortex startete 

er eine ganze Reihe von Solokonzerten, traf 

damit auf eine Empathie des Publikums, das 

sich diesen Klangreisen verbunden fühlte, 

und schuf vor allem mit dem pathostrunkenen 

Kölner Konzert vom 24.Januar 1975 einen 

Monolithen der künstlerischen Selbstoffenbarung, 

der weit über die engen Kreise der 

improvisierenden Musik hinaus die Menschen 

bei der Emotion packte. 

Ein lebenslanges Projekt 

Seitdem kehrt Keith Jarrett in verschiedenen 

Näherungen alternierend mit der Arbeit im 

Trio zu den Soloprojekten zurück und erforscht 

die Dimensionen des Konzepts aus 

T h e K ö l n Co n C e rT 

Dauerbrenner des Spontanen 

Das Konzert, das Keith Jarrett 

am 24. Januar 1975 in der 

Kölner Oper spielte, war ein 

Glücksgriff. Zwar hatte der 

Pianist bereits in Lausanne, 

Bremen und andernorts 

seine improvisationen präsentiert. Manchem 

Spezialisten gelten die aufnahmen dieser abende 

als die eigentlichen Sternstunden jener Solojahre. 

in Köln jedoch brachte Jarrett seine künstlerische 

idee so pfiffig auf den Punkt, das ihn im anschluss 

daran auch das große Publikum ins herz schloss. 

wechselnden Perspektiven, noch immer 

streng dem Dogma des Spontanen folgend, 

bis hin eben zu dem Abend in Rio, den er in 

einer Dramaturgie der Kontraste von impressionistischen 

Flächen und bluesigen Exkursen, 

balladenhaften und gospelig-funkigen, 

weit schweifenden und kompakt verdichtenden 

Kapiteln fließen ließ. Es ist diese Vielfalt 

der improvisierten Angebote, versöhnlich im 

Impetus und von einem aufbrausend enthusiastischen 

Publikum begleitet, das „Rio“ eine 

besondere Atmosphäre verleiht und auch als 

Livedokument mit einer Aura des Besonderen 

umgibt. Und den Künstler rundum zufrieden 

macht. 

Neu: Das Doppelalbum „rio“ (eCM/Universal) 

mit dem Live-Mitschnitt des spektakulären 

Konzerts erscheint am 4.November. 

7

Je thro t ull 

„Das alles macht mich 

immer noch wütend!“ 

Mit „Aqualung“ überschritten Jethro Tull die Schwelle zum 

Erfolg. Jetzt wird der Album-Klassiker wiederveröffentlicht, 

aufwendig restauriert in neuer klingender Pracht. Band- 

leader Ian Anderson erinnert sich im Gespräch mit SONO 

an dessen schwere Geburt. Interview: Christian Stolberg 

Ian, dies ist nicht die erste 

8 

Anniversary-Edition von 

„Aqualung“ – zum 25. gab’s 

auch schon eine. Was bedeuten 

Ihnen selbst diese Jubiläen? 

Mir persönlich sind sie im Grunde 

ziemlich egal. Die Plattenfirmen 

nutzen sie natürlich, um 

ältere Titel wieder in Umlauf zu 

bringen. Die neue „Aqualung“- 

Edition hat aber auch für mich 

persönlich besondere Reize, weil 

wir dank der neuen Technologien 

endlich den Klang hingebracht 

haben, der mir seinerzeit schon 

bei der Aufnahme vorschwebte. 

Damals mussten wir aus rein 

technischen Gründen eine Reihe 

von Kompromissen machen, die 

mir überhaupt nicht behagt haben. 

In den neuen Mixen klingt 

das alles um Welten besser. 

Was für Erinnerungen kommen in 

Ihnen hoch, wenn Sie diese Songs 

nun wieder hören? 

Offen gestanden keine so besonders 

erfreulichen, obwohl ich 

auf dieses Album sehr stolz bin. 

Aber es war keine leichte Geburt: 

Die Räume waren feucht 

und kalt, die Akustik im Studio 

ziemlich unbefriedigend. Ich 

hatte bald einen satten Schnupfen, 

und die Band brauchte lange, 

bis sie unter diesen Umständen 

Clown mit 

Tiefgang: Ian 

Anderson 

spart nicht mit 

klaren Worten 

das gewisse Feeling in der Musik 

fand, das ich haben wollte. 

„Aqualung“ ist zwar kein Kon- 

zeptalbum, aber es hat doch ein 

eindeutiges und durchaus unge- 

wöhnliches Zentralthema: Ihre 

Auseinandersetzung mit der or- 

ganisierten Religion. War das von 

vorneherein so geplant? 

Nein, aber es war unvermeidlich 

– denn das waren Dinge, die mir 

damals ständig durch den Kopf 

gingen. Ich hatte sehr widerstreitende 

Gefühle und Gedanken, 

was das Christentum anbetraf, 

und sie verwirrten mich, so ähn- 

Foto: Corbis

lich wie die widersprüchlichen 

Emotionen in der Pubertät einen 

umtreiben. Mir ist eigentlich 

auch erst im Nachhinein klar geworden, 

wie sehr das Album von 

diesen Themen geprägt ist. Viele 

Leute behaupten ja bis heute, es 

sei ein Konzeptalbum, aber das 

ist schlicht nicht wahr! 

„Wir haben dank 

der neuen Technologien 

endlich 

den Klang hingebracht, 

der mir 

seinerzeit schon 

bei der Aufnahme 

vorschwebte“ 

Wie stehen Sie 40 Jahre später 

zu dem, was der 24jährige Ian 

damals über die Anglikanische 

Kirche von sich gegeben hat? 

Gut, ich habe heute nicht nur 

deutlich weniger Haare auf dem 

Kopf, sondern auch ein paar 

Flausen weniger im Sinn. Aber 

in den wesentlichen Punkten hat 

sich meine Meinung nicht geändert. 

Ich war ja kein Teenie damals, 

sondern immerhin schon 

Jethro Tull schminkten sich alt, 

als alle jung sein wollten. Ian 

Anderson (r.) ist noch immer 

der Derwisch der Rockflöte. 

ein junger Erwachsener, der alt 

genug war, um Auto fahren zu 

dürfen und bei Bedarf in den 

Krieg geschickt zu werden. Auch 

heute noch finde ich vieles an den 

Amtskirchen haarsträubend: die 

Überalterung ihres Führungspersonals, 

dass bei Anglikanern 

und Katholiken Frauen noch immer 

vom Klerus ausgeschlossen 

sind und so weiter und so fort. 

Das alles macht mich immer 

noch wütend. Andererseits sollten 

wir nie vergessen, wie sehr 

unsere Geschichte von den Kirchen 

geprägt ist. Und so laut ich 

vieles kritisiere, so wichtig ist es 

mir, etwa durch Benefizkonzerte 

meinen Beitrag zu leisten, um 

alte Kirchenbauten zu erhalten. 

Trotzdem: Der Reformbedarf in 

den Kirchen ist gewaltig! 

War Ihnen klar, als sie „Locomotive 

Breath“ fertig komponiert hatten, 

dass da etwas Besonderes im 

Entstehen war, dass dieser Song 

ein Klassiker werden könnte? 

Ich war schon sehr zufrieden mit 

dem Song, den späteren Hit habe 

ich aber nicht gerochen, auch 

weil er in meiner ursprünglichen 

Vision ruhiger und fast 

rein akustisch instrumentiert 

war. Übrigens war es damals 

auch nur in Deutschland und 

im Vereinigten Königreich so, 

dass „Locomotive Breath“ das 

Zugpferd von „Aqualung“ wurde. 

Die Amerikaner fuhren erst 

mehr auf „Crosseyed Mary“ ab, 

und in Italien und Spanien war 

„My God“ sehr populär. 

„Aqualung“ war das Album, das 

für Jethro Tull den endgültigen 

Durchbruch in Stadiondimensionen 

brachte. Hat Sie das über- 

rascht, angesichts der schweren 

Thematik? 

Wir haben das erst gar nicht so 

mitbekommen, weil es sich auch 

nicht über Nacht vollzogen hat, 

sondern nach und nach passierte. 

„Aqualung“ war ein „Slowburner“, 

wie wir das in England 

nannten. 

Sie spielen einige der Songs ja 

auch noch heute noch in Ihren 

Konzerten. Wie fühlt sich das für 

Sie an nach 40 Jahren? 

In aller Bescheidenheit: Die Substanz 

der Songs ist doch immerhin 

so gut, dass man sie in immer 

wieder neuen, anders akzentuierten 

Arrangements spielen 

kann. Und das hält sie dann auch 

für mich frisch. 

Neu erscheint:am 28. oktober 

Jethro tulls „Aqualung“ (eMI) als 

remasterte Doppel-CD-edition 

und als 40th Anniversary Deluxe 

edition mit einer 180g-lP, zwei 

CDs, jeweils einer Audio-DVD und 

Audio-Blu-ray inkl. unveröffentlichtem 

Material, verschiedenen 

Mixen und einem 48seitigen 

hardcover-Booklet. 

9 

Officium Novum 

Jan Garbarek 

and the 

Hilliard Ensemble 

07.11. MÜNCHEN 

Lukaskirche 

08.11. AUGSBURG 

Heilig Kreuz 

Kirche 

09. 09.11. WÜRZBURG 

Johanniskirche 

10.11. NÜRNBERG 

G. Adolf Kirche 

12.11. HAMM 

Pauluskirche 

13.11. ESSEN 

Ev. Kirche 

Katernberg 

11.12. STUTTGART 

Markuskirche 

info: 06221 25672 

www. bremme-hohensee.de 

16.11. 

KÖLN Philharmonie 

23.11. 

ZÜRICH Neumünster 

02.12. 

WIEN Konzerthaus 

03.12. 

MÜNCHEN 

Herkulessaal 

04.12. 

HALLE Oper 

07.12. 

HANNOVER Markuskirche 

08.12. 

HEIDELBERG 

Heilig Geist 

Kirche 

info: 06221 25672 

www. bremme-hohensee.de 

Das neue Album

CiCero · Al smAnn · T ukur 

That’s Entertainment! 

Dezent fing es in der 90ern mit Künstlern 

wie Max Raabe an. Inzwischen hat deutsches 

Entertainment auch jenseits des Schlagermarktes 

wieder Konjunktur. Ein Seitenblick auf drei 

Protagonisten dieses Musikherbstes. Von ralf Dombrowski 

Vor fünf Jahren ging es für Roger Cicero 

richtig los. „Männersachen“ wurde 

veröffentlicht, ein Album, das aus 

der Rückschau wirkt, als wäre es genau für 

ein verändertes Bedürfnis erwachsener Hörer 

konzipiert worden, die angesichts rasant 

sich beschleunigender Download-Beliebigkeit 

ein wenig Originales mit einem Hauch 

von Nabelschau und der nötigen Portion machistischer 

Larmoyanz zum selbstkritischen 

Beschmunzeln suchten. „Tatsächlich war das 

für mich ein Experiment“, erinnert sich der 

Sänger und Entertainer aus heutiger Sicht. 

„Zuvor hatte ich mich immer irgendwie in den 

Dienst von anderen gestellt. Das wollte ich 

nicht mehr, sondern an meiner eigenen Karriere 

basteln. Und so stand schnell die Idee im 

Raum, ob ich es mal mit deutschsprachigem 

Swing versuchen sollte. Nun waren bereits andere 

Pioniere wie Götz Alsmann an der Grenze 

von Swing und Pop unterwegs, aber das war 

ein anderer Sound, Chanson-Schlager-Jazz- 

Swing der 20er bis 40er. Wir wollten eher den 

typischen Big-Band-Swing, da hatte ich auch 

schon etwas Erfahrung. Dieser Mischung aus 

großer Band, Swing, Pop und etwas Soul sind 

wir dann über drei Alben hinweg treu geblieben. 

Diese vier Zutaten sind weiterhin im 

Topf, wurden aber für „In diesem Moment“ 

neu vermengt und mit einer anderen Kelle 

verrührt.“ Außerdem wurden ein paar neue 

Köche hinzugefügt. Kiko Masbaum, bekannt 

unter anderem von seiner Arbeit mit Unhei- 

Mit „Männersachen“ gegen den Rest der 

Popwelt: Der Big-Band-Swing hat Roger 

Cicero in die großen Hallen geführt. Nun 

ist er „In diesem Moment“ angekommen. 

10 

lig, stieß als Produzent zum Team, versierte 

Arrangeure wurden gewonnen, „um den Big- 

Band-Sound ein wenig aufzubrechen“. Der 

neue Roger Cicero ist also ein bisschen noch 

der alte, vor allem in der Tendenz, seine Texte 

pointiert, aber nicht zu exaltiert zu gestalten. 

Ansonsten dominieren Soul und Pop im 

orchestralen Gewand, präsent gemischt und 

durchaus mehrheitsfähig. 

Kollege Götz Alsmann hingegen präsentiert 

sich noch ein wenig puristischer 

als bisher. „Die Idee, ein wirklich 

durchgestyltes Konzeptalbum zu machen, 

stand immer wieder mal im Raum. Als dann 

die Idee mit Frankreich kam, war das etwas, 

wo man am wenigsten nachdenken musste. 

Das fühlte sich gleich so organisch, total 

gut an. Lass uns nach Paris fahren und dort 

Chansons suchen! Natürlich, nichts könnte 

selbstverständlicher sein!“ Als bekennendem 

Nostalgiker war es Alsmann klar, dass 

Recherche und Aufnahme vor Ort stattfinden 

mussten. Sänger und Band packten ihre Sachen, 

ließen sich als Wanderzirkus im Traditionsstudio 

Ferber nieder und machten 

sich daran, Lieder von Charles Trenet, Yves 

Montant oder auch Charles Aznavour in ein 

deutsches Bar-Jazz-Gewand zu kleiden. Die 

Stimmung in den Räumen des Komplexes 

war ebenso pittoresk wie inspirierend. „Da 

steht ein Flügel“, erinnert Alsmann sich weiter, 

„angeblich sollen auf dem schon Gilbert 

Becaud und Charles Aznavour gespielt haben. 

Ich sage, dieser Flügel hat schon Johannes 

Brahms persönlich gekannt.“ Künstler und Instrument 

gewöhnten sich aneinander, ebenso 

wie die 15 Lieder, die Alsmann und sein Quar- 

Foto: mathias Bothor

tett anstimmten. „Es gibt mehr Schnittstellen, 

als man glaubt. Wenn man sich vorstellt, dass 

schon in den 30ern französische Chansons 

ins Deutsche übertragen wurden, deutlich 

liebevoller und originalgetreuer als die USamerikanischen 

Schlager dieser Zeit, dann 

merkt man doch, wie früh man Notiz davon 

nahm.“ Nun also „In Paris“, mit Klassikern 

und Randnotizen des bilateralen Musikverständnisses, 

wie gewohnt stilvoll souverän 

gespielt und mit etwas Pomade im Konzept. 

Aber diese Konsequenz ist es ja, warum der 

Entertainer Alsmann so unterhaltsam ist. 

Mit Stilisierung hat auch der dritte 

im Bunde der souveränen Selbstdarsteller 

viel Erfahrung. Ulrich 

Tukur, Schauspieler, zuweilen Tatort-Kommissar, 

pflegt schon seit den späten 90ern 

mit seinen Rhythmus-Boys die Kunst der 

nostalgischen Unterhaltung. Das hat ihm 

sogar Jazz-Awards beschert, auch wenn die 

Musik deutlicher in der Tradition des Varietés 

als des improvisierenden Untertagebaus 

steht. Er selbst jedenfalls nimmt es mit einem 

Quäntchen Ironie, beschert dem goldenen 

Herbst „Musik für schwache Stunden“ und 

heftet dem Programm ein Augenzwinkern 

ans Revers. „So grau und trüb kann kein Tag, 

so schwach keine Stunde sein, dass sie nicht 

von Ulrich Tukur und den Rhythmus-Boys 

in ein heiter-lichtes Fest verwandelt würden. 

Hier haben Sie nicht nur Momente schöns- 

ter Besinnlichkeit, Sie tanken die Kraft, die 

Sie nötig brauchen, um mit rebellischer Entschlossenheit 

eine marode Welt durch eine 

neue, anmutigere zu ersetzen.“ „Coraggio e 

buon divertimento!“ gibt Tukur als Motto der 

Männer auf verlorenem Posten: Ulrich Tukur 

(ohne Eis) spielt mit den Klischees der 

heilen Welt und macht daraus einen bittersüßen 

Fluchtraum der Melancholie 

Die Pomade passt zum Konzept: Götz Alsmann 

schlendert musikalisch swingend 

durch Paris und landet damit in der Bar der 

Nostalgie. Voilà, un homme! 

Musik mit auf den Weg und taucht in eine 

Klangwelt ein, die im akustisch befrackten 

Bar-Swing-Gewand von „Liebling, was wird 

nun aus uns beiden“ bis „Ich steh im Regen“ 

führt. Auf Charles Trenets „Que reste-t-il 

de nos amour?“ textet er gar seinen eigenen 

galan ten Epilog. 

Zieht man zu Cicero, Alsmann und Tukur 

Phänomene in Betracht wie dass alte 

Recken wie Udo Lindenberg es wieder in die 

Hitparade schaffen und Annette Humpe mit 

Max Raabe fabulierend fusioniert, fällt das 

Fazit beinahe euphorisch aus. Denn wer sich 

dieser Tage niveauvoll unterhalten lassen 

will, hat gute Chancen, den richtigen Songs 

fürs nostalgisch zeitlose Gemüt zu finden. 

Neu: Götz Alsmann „in Paris“ (Blue note/ 

emi) erscheint am 21.oktober, roger Cicero „in 

diesem moment“ (Warner) folgt am 28. oktober. 

ulrich Tukur & Die rhythmus Boys „musik für 

schwache stunden“ (Trocadero/indigo) ist 

bereits seit 23. september erhältlich. 

Auf Tournee zu erleben: Götz Alsmann: 

Tourneestart 21. oktober 2011 (Dortmund). 

roger Cicero & Big Band: Tourneestart 23. Februar 

2012 (Timmendorf). ulrich Tukur & Die 

rhythmus Boys: Tourneestart 28. november 

2011 (Hamburg) 

11

Pe ter Gabriel 

Hits ohne Beats 

Mastermind ist das falsche Wort. Peter 

Gabriel ist eher eine Mischung aus 

Sinnsucher, musikalischem Pfadfinder 

und Filou. Und er liebt das Orchester. 

Von Christiane rebmann 

Als Peter Gabriel im vergangenen 

Jahr sein Album 

„Scratch My Back“ 

mit Coverversionen der Songs 

seiner Lieblingsmusiker herausbrachte, 

kündigte er an: „So, 

jetzt drehe ich den Spieß um und 

bitte die Kollegen, meine Songs 

zu interpretieren. Das wird mein 

nächstes Album.“ Dann aber 

hat der 61jährige Brite sich für 

sein neues Werk „New Blood“ 

umentschlossen und eigene 

Songs im veränderten Klanggewand 

aufgenommen. 

Herr Gabriel, haben sich keine 

Kollegen gefunden, die Ihre Songs 

singen wollten? 

(lacht) Doch. Ich habe jetzt die 

Hälfte zusammen. Da sind richtig 

schöne Sachen dabei: David 

Byrne singt „Not One Of Us“, 

Paul Simon „Biko“ und Lou Reed 

„Solsbury Hill“. Aber insgesamt 

dauert es länger, als ich geschätzt 

hatte. Die Idee zum jetzigen Album 

entstand dann, als wir meine 

letzte Tournee vorbereiteten. 

Wir stellten fest, dass wir außer 

den Coverversionen noch ein 

bisschen Material brauchten. 

Deshalb ließ ich meinen Arrangeur 

John Metcalfe auch einen 

Teil meiner eigenen Songs umarrangieren, 

wie die „Scratch 

my Back“-Versionen ohne Gitarre 

und ohne Schlagzeug. Und 

diese Arrangements gefielen mir 

so gut, dass ich mich entschied, 

12 

ein ganzes Album damit aufzunehmen. 

Hits wie „Sledgehammer“ sind 

allerdings nicht mit drauf. Nach 

welchen Kriterien haben Sie die 

Songs für dieses Album ausgesucht? 

Ich wollte nicht meine Hits mit 

Orchester. Ich suchte die Kompositionen 

aus, die nicht gerade 

traditionelle Popsongs sind. 

Ich fand, dass „San Jacinto“, 

„The Rhythm Of The Heat“ oder 

„Wallflower“ besser passen. 

Unter anderem nahmen Sie eine 

sehr filigrane Version ihres Liebesliedes 

„In Your Eyes“ auf. 

Das Stück bot sich für diese Art 

von Arrangement geradezu an. 

„Ich wollte nicht 

meine Hits mit 

Orchester. Ich 

suchte die Kompositionen 

aus, 

die nicht gerade 

traditionelle 

Popsongs sind“ 

Ich mag das rhythmische Element, 

das die Streicher diesem 

Lied geben. Es bekommt in dieser 

Fassung auch eine ausgeprägtere 

spirituelle Komponente. 

Das war mir wichtig. 

Eine Konsequenz des Älterwerdens? 

Wenn Sie so wollen. Ich habe 

quasi den Mittelpunkt der 

Schwerkraft im Körper etwas 

mehr von unten nach oben verlagert. 

(lacht) Wenn man älter 

wird, ist Sex nicht mehr so ein 

ausgeprägter Motivator. 

Für Ihre neue Version des 86er 

Klassikers „Don’t Give Up“ holten 

Sie sich die norwegische Sängerin 

Ane Brun ins Studio, die hier Kate 

Bush ersetzt. Können Sie sich 

noch an die Situation erinnern, 

in der Sie den Song schrieben? 

Er entstand in dem Bauernhaus, 

das ich damals außerhalb von 

Bath gemietet hatte. Ich hatte mir 

vorher einen Bildband der Fotokünstlerin 

Dorothy Lange angesehen, 

Fotos von der Großen Depression, 

der US-Wirtschaftskrise 

von 1929. In den Song flossen 

aber auch meine persönlichen 

Probleme ein. Ich hatte damals 

mit Eheproblemen und einer 

Depression zu kämpfen. 

Sie kämpften und hatten Erfolg. 

Ja, nach meiner Scheidung ging 

ich sechs Jahre lang in eine The- 

Warum in die Ferne 

schweifen, wenn das 

Gute liegt so nah? 

Peter Gabriel liebt es, 

sich musikalisch selbst 

zu kommentieren

apie. Ich bin dadurch ein bisschen 

offener geworden für die 

Gefühle anderer Menschen. 

Zumindest die Zeit der Eheprob- 

leme scheint passé. Sie leben seit 

einigen Jahren in zweiter Ehe mit 

zwei kleinen Söhnen. Spüren Sie 

hier und da noch etwas von den 

Depressionen? 

Manchmal. Ich habe dann das 

Gefühl, als wäre ich unter Wasser. 

Aber meistens bin ich viel 

entspannter als damals und fühle 

mich, als würde ich auf dem 

Wasser schweben. 

Vor vier Jahren gründeten Sie ge- 

meinsam mit Richard Branson The 

Elders, eine Art nationenübergrei- 

fenden Ältestenrat, der für eine 

bessere Welt kämpfen will. Wie 

kommen Sie voran? 

Gerade versuchen wir, eine Zusammenarbeit 

mit der internationalen 

Nichtregierungs- 

Organisation Avaaz aufzubauen. 

Protestbewegungen in Online-Petitionen 

eine Plattform zu 

geben, darin sehe ich die Zukunft. 

Neu erschienen: Das Doppelalbum 

„New blood“(real World/eMi) 

von Peter Gabriel ist seit 7. Oktober 

erhältlich. am 21. Oktober folgt die 

DVD „New blood – live in london“ 

mit der Konzertaufzeichnung vom 

März 2011 aus dem Hammersmith 

apollo (siehe SONO Mediamix). 

Foto: York tillyer 

baCKStaGe-le Ktü re 

Nils Wülker 

Sind sie schon einmal nachts vor dem Fernseher aufgewacht 

und haben festgestellt, dass die Musik der blauen Stunde besser 

klingt als manches im Hauptprogramm? Dann sind sie wahrscheinlich 

bei der „Space Night“ gelandet, einem der vielen Projekte, 

bei dem Nils Wülker mitmischt. Denn der trompeter aus 

bonn gehört in Deutschland zu den gefragtesten Musikern seines 

Fachs. im Handgepäck hat er zur Zeit einen amerikanischen 

roman, für den die Kritik nur lobende Worte fand: „Aktuell lese 

ich ‚Freedom‘ von Jonathan Franzen im Original. 

Besonders faszinieren mit die Absurditäten und 

Abgründe im Alltag der Protagonisten vor dem 

Hintergrund aktuellen Zeitgeschehens. Für mich 

das Richtige, wenn ich im Tourbus sitze.“ 

Hörfutter: Nils Wülkers album „6“, erschienen 

auf seinem eigenen label ear treat. 

VerlOSuNG 

„In The Spirit Of Jazz“ 

Die Compilation „In The Spirit Of Jazz _ 

Magic Moments 5 “ enthält unter anderem 

die einzige Solo-Aufname des Pianisten 

Esbjörn Svensson. 

Wir verlosen drei Exemplare dieser 

famosen Komplilation mit Jazz und 

mehr für die langen Abende des Herbstes. 

Einfach eine Postkarte mit dem Stichwort „Spirit Of Jazz“ 

abschicken an: Inmedia, Redaktion SONO, 

Lucile-Grahn-Str. 37, 81675 München. Einsendeschluss 

ist der 10. November 2011. 

13

Geo rGe Bens o n 

Der sanfte 

Riese 

Kaum zu glauben, aber 

George Benson steuert 

zügig auf die 70 zu. 

Eineinhalb Jahre vor 

dem runden Geburtstag 

zeigt er, dass er 

noch lange nicht zum 

alten Eisen gehört. 

Von sascha Fröhlich 

14 

Er spielt „I Want To Hold Your Hand“, 

aber man hört eigentlich „Breezin’“. 

George Benson darf das. Denn unter 

allen US-amerikanischen Jazzmusikern der 

vergangenen vier Jahrzehnte hat es der Gitarrist 

aus Pittsburgh in Pennsylvania am 

überzeugendsten geschafft, auf dem Grat 

zwischen improvisierter Musik und Pop entlang 

zu balancieren. Einst als Wunderknabe 

in der Nachfolge von Wes Montgomery gefeiert, 

konnte man es ihm angesichts seiner verblüffenden 

Fingerfertigkeit am Instrument 

noch nicht einmal übel nehmen, als er in den 

frühen 80ern in den Hitparaden auftauchte. 

„Für mich gibt es nur Musik“, meint Benson 

aus heutiger Perspektive. „Ich muss immer 

daran denken, dass früher viele Popsongs, die 

in den USA ein Hit waren, mit Jazzmusikern 

aufgenommen wurden. So entstanden zum Beispiel 

viele Motown-Aufnahmen. Die Jungs, die 

da spielten, waren Jazzmusiker, die in Detroit 

lebten. Man gab ihnen diesen Job, und sie erledigten 

ihn prima. Ich versuche, dasselbe zu 

machen. Egal was ich spiele, es soll natürlich 

klingen. Denn es gibt nur zwei Sorten Musik: 

gute und schlechte.“ 

Das ist ein Topos der Interviewgeschichte, 

aber er führt noch immer zum Wesentlichen 

zurück. Denn am Anfang aller als lässig 

empfundenen Musik stehen Künstler, die 

auch einmal loslassen können. George Benson 

hat diese Fähigkeit bei zahllosen Konzerten 

in aller Welt erworben und über die Jahre 

darüber hinaus seine Spielkompetenzen am 

Instrument weiter verfeinert. Wenn er ein 

Album nun „Guitar Man“ nennt, dann ist 

das zum einen ein Bekenntnis zu den Wurzeln 

seines Musikantentums, setzt aber auch 

die Latte hoch, an der er sich messen lassen 

will. Aufgenommen live im Studio mit überwiegend 

kleiner Band – nur an einigen Stellen 

ergänzt ein schmeichelndes Orchester im 

Ogerman-Stil die Aufnahmen –, spürt er dem 

Gefühl der Unmittelbarkeit nach und erweist 

sich abermals als souveräner Melodiker. 

Hauptsache elegant 

Damit setzt er sich aber auch gleichzeitig die 

Grenzmarke. Denn so flüssig und leichtfingrig 

ihm die Lieder von „Don’t Know Why“ 

bis „Tequilla“ von der Hand gehen, so wenig 

wagen sie doch, über ein gewisses Maß 

der Expressivität hinaus zu gehen. Es ist die 

künstlerische Maske, die George Benson seit 

zwei Jahrzehnten angelegt hat, die freiwillige 

Selbstbeschränkung des Erfolgs, von der er 

sich auch bei „Guitar Man“ an vielen Stellen 

nicht lösen kann oder will. Wie sehr wünscht 

man sich manchmal den Hendrix im Manne, 

der dem Glanz ein wenig Bodensatz verordnet. 

Aber das erlebt man nur in den seltenen 

Momenten, wenn der Meister sich inkognito 

wie eines Nachts beim Jazzfestival in Montreal 

im Club blicken lässt. Und so bleibt es bei 

sanften, wenn auch wunderschönen Harmonisierungen 

wie etwa in den Balladen „Tenderly“ 

und „My One And Only Love“, die 

die Kunst des „Guitar Man“ prägen. Und das 

wiederum beherrscht George Benson elegant 

und geschmackvoll wie sonst kaum ein anderer 

Gitarrist der Jazzwelt. 

Neu: George Benson „Guitar Man“ (Concord/ 

Universal) erscheint am 21. oktober 2011. 

ricardel 

Show gehört zum Geschäft. George Benson 

ist ein großer Poser, aber gut genug, um sich 

Vince 

ein bisschen Eitelkeit leisten zu können. Foto:

neUe Ge siCh ter 

Irma 

Die Selbstbewusste 

[World Pop] es muss ein Kul- 

turschock gewesen sein. Vor acht 

Jahren kam irma aus Kamerun 

nach Paris, eine teenagerin vom 

afrikanischen Land in einer vor 

eindrücken nur so sprudelnden 

Metropole. erst einmal wurde sie 

umgeworfen von der normativen 

Kraft der Großstadt, aber dann 

entdeckte sie bald deren Chancen. 

irma hörte sich so viel Musik an 

wie nur möglich und begann als 

sängerin eigene schlüsse daraus 

zu ziehen. „Letter to the Lord“ ist 

das resultat dieser orientierungsphase, 

ein Debüt, das irma sogar 

zweimal aufgenommen hat, weil 

Römische 

Kunst: 

Natascia (l.) 

und Raffaella 

Gazzana 

[Klassik] Auf Bildern sehen sie so jung aus. Aber das heißt nicht, dass Natascia 

und Raffaella Gazzana nicht schon längst international auf sich aufmerksam gemacht 

hätten. Schließlich sind die beiden Schwestern aus Sora in der Nähe von 

Rom seit Mitte der 90er auf den Bühnen der Klassikwelt unterwegs. So war es an 

der Zeit, die Früchte der gemeinsamen künstlerischen Arbeit festzuhalten. „Five 

Pieces“ führen die Geigerin und die Pianistin von Paul Hindemith bis Valentin 

Silvestrov. Dabei können sie auf eine musikalische Sensibilität bauen, die über die 

Spielkompetenz hinaus dem Programm Tiefe, Nachdruck, Bedeutung verleiht. 

Zwei Schwestern sind doch mehr als nur ein Duo. Paul Hammerthal 

Duo Gazzana: „Five Pieces“ (ECM/Universal)) 

ihr die erste Version nicht gefallen 

hat. Die themen ihrer Lieder 

behandeln das Allzumenschliche, 

von der Gleichgültigkeit des Alltags 

bis hin zur Leidenschaft der 

Zweisamkeit. Aber sie bringen die 

bekannten themen derart auf den 

Punkt, wie man es seit tracy Chapman 

nicht mehr erlebt hat. „Ich 

vermische in meinen Liedern alles 

was ich irgendwo aufschnappe: 

ein paar Sekunden aus dem Radio 

und Sachen, die ich auf der Straße 

höre. Ich verarbeite alles zu meinem 

ganz eigenen Style.“ Das sagen 

viele Künstler, aber nur selten 

trifft es so genau zu wie bei irma. 


Irma „Letter to the Lord“ 

(Warner) 

Duo Gazzana Die Klangverwandten 

Die Melancholie 

im Blick täuscht – 

Irma singt Lieder 

voller Energie 

Alexander von Hagke 

Der Seitenspringer 

[Jazz] Das Panzerballett ist harter stoff. sehr gut, 

aber braucht man nicht immer, befand der Münchner 

saxofonist Alexander von hagke. Mit eigenem Quar- 

tett gelingt es ihm nun auf „Loreley“, erfrischend mo- 

derne Kompositionen zu entfalten, die anders als bei 

den herben Kollegen den Fokus ganz auf die Feinheit 

der Melodieführung und die Ästhetik des instrumen- 

talklangs lenken. Damit schafft er Perspektiven für 

die eigene künstlerische Zukunft und empfiehlt sich 

als neue Kraft am horn. Sascha Fröhlich 

Alexander von Hagke „Loreley“ (Enja/Soulfood) 

15

U2 

Der Hansa-Encounter 

Es gibt Platten, an denen gehen Bands kaputt. Mit 

„Achtung Baby“ überwanden U2 vor genau 20 Jahren 

die Mauer zum Ernst des Künstlertums, kämpften 

und gewannen gegen die Reste der eigenen Pubertät. 

Nicht ohne Tränen im Auge. Von Sascha Fröhlich 

Der Trabi wurde zum Symbol. Im Jahr 

1991 wusste niemand genau, was bitte 

die Zweitaktplastikwannen des real 

nicht mehr existierenden Sozialismus auf 

dem Cover einer der beliebtesten Rockbands 

der Ära sollten. Koketterie wurde gemutmaßt, 

Ironie soll auch Pate bei der seltsam 

traumatisch anmutenden Collage gestanden 

haben, die Szene-Photograph Anton Corbijn 

für die CD-Hülle gestaltet hatte. Jedenfalls 

versuchten U2 sich mühsam neu zu erfinden, 

monatelang im noch unaufgeräumten Berlin, 

in das sie im November 1990 auf der Suche 

nach dem renovierten Gruppensound gezogen 

waren. Immerhin verhieß die kommende 

Hauptstadt des auf eine Vereinigung zustrebenden 

Deutschlands gleichzeitig Historie 

und Aufbruch, noch diffus in seiner künstlerischen 

Stoßrichtung, aber – und da machte 

der Trabi als Zeichen wieder Sinn – als Metropole, 

auferstanden aus ideologischen Ruinen 

mit der Option, die hippste Adresse der 

Alten Welt zu sein. 

U2 liefen im alten Hansa-Studio ein, das 

spätestens mit David Bowie und den Aufnahmen 

zu „Heroes“ den Ritterschlag der künstlerischen 

Bohème erhalten hatte. Die Räume 

lagen im ehemaligen Grenzgebiet, draußen 

herrschte die Atmosphäre eines vergessenen 

Carpenter-Films, abgerissen und irgendwie 

abgefahren. Drinnen war es bald ebenso. The 

Edge trennte sich während der Aufnahmen 

von seiner Frau Aislinn O’Sullivan, die Stimmung 

war gespannt, der Gitarrist stürzte 

sich ins Chaos der Untreue, 

während Produzenten wie 

Daniel Lanois und 

Brian Eno im Studio 

vorbei schauten 

und einer Band 

Ratschläge gaben, 

16 

die zwischen Überspanntheit, musikalischer 

Frühvergreisung und Diventum pendelte. Eigentlich 

platzte der Knoten erst, als in einem 

konzentrierten Moment „One“ entstand, geschrieben 

innerhalb einer Stunde und trotzdem 

einer der größten Songs, die der Band 

bislang gelungen waren. 

Von da an ging es voran, wenn auch langsam. 

Nach Monaten, die aus der Rückschau 

eigentlich der Weg aus der Agonie waren, 

ging es U2 wie Berlin. Aus den Relikten der 

Vergangenheit entstand etwas Neues. Der 

Sound der Gitarren war härter, die Beats 

hatten das Elektrifizierte kennengelernt, die 

christliche Rockmusik der irischen Gutmänner 

war in der säkularen Wirklichkeit angekommen. 

Im November 1991 erschien „Achtung 

Baby“. Im Anschluss daran wurde viel 

getourt, die Fans erlebten eine ins Gigantische 

gewachsene Combo der Superstars, und 

die Promi-Szene gefiel sich, Bono & Co. die 

Reverenz zu erweisen. Aber es wurden eben 

gleichzeitig auch Alben wie Nirvanas „Nevermind“ 

veröffentlicht, das mal eben die Hybris 

des saturierten Vorjahrzehnts mit melancholischer 

Wut hinwegfegte, und grellbunte Hedonisten 

feierten in Clubs wie dem ‚Tresor‘ 

ein ganz anderes, boomendes Lebensgefühl. 

U2 jedenfalls hatten den Anschluss geschafft. 

Aber fast wäre es ihnen wie den Trabis auf 

dem Cover gegangen. Denn sie standen kurz 

vor der Ausmusterung. 

Info: Davis Guggenheims Doku „From The 

Sky Down“ eröffnete am 8.September das 

Toronto Film Festival. „Achtung Baby 

20th Anniversary – 

Remastered“ (Island/ 

Universal) erscheint 

am 28.11. als Doppel-CD 

und Super Deluxe Edition. 

Fotos: Anton Corbijn, Mark Monheim, Erich Roland, Eric Steelberg 

The Edge (l.) und Bono (r.) in Kanada: Für 

die Doku „From The Sky Down“ haben U2 

alte Lieder noch einmal live aufgenommen

Der Trabi wurde 

zum Maskottchen 

und zum Lieblings- 

bandmotiv von 

Star-Photograph 

Anton Corbijn 

Im Frühjahr sind 

U2 für Dokufilmer 

Davis Guggenheim 

in das Hansa-Studio 

zurückgekehrt 

Wenn nicht Berlin, 

dann Marokko: 

Auf der Suche nach 

Inspiration fuh- 

ren U2 auch in den 

Maghreb 

„Die Rohmixe haben 

mich umgehauen“, 

meinte Gitarrist 

The Edge (l.) beim 

Remastering 

von „Achtung Baby“ 

„So hört es 

sich an, wenn 

vier Männer 

den Joshua 

Tree zerlegen“ 

Bono über 

„Achtung Baby“ 

17

stadion-ro cker 

Alte Recken, junges Blut 

Die erfolgreichsten Tourneen der vergangenen Jahre 

waren The Police, Genesis, U2. Die Herren füllen, 

wie auch Metallica oder AC/DC die Stadien, doch was 

macht der Nachwuchs? ein ausblick von steffen rüth 

Die Dinosaurier des Rock’n’Roll sind 

zwar beileibe noch nicht ausgestorben, 

doch so langsam grasen sie mit 

unterschiedlichem Tempo ihrer wohlverdienten 

Ruhestandsweide entgegen. Nehmen 

wir die Rolling Stones als Paradebeispiel, seit 

fünf Jahrzehnten sind sie die internationalen 

Vorzeigestadionrocker schlechthin. Charlie 

Watts hat dieses Jahr seinen 70. gefeiert, 

auch Mick Jagger und Keith Richards sind 

inzwischen alt genug, um die Rente mit 67 zu 

18 

bekommen. Im kommenden Jahr feiert die 

Band ihr 50jähriges Bestehen, es halten sich 

Gerüchte, dass sie zu diesem Anlass Konzerte 

spielen, doch ob es noch einmal eine wirkliche 

Welttournee geben wird, ist unklar. Oder Bon 

Jovi. Der an guten Tagen immer noch schwer 

juvenil wirkende Herzensbrecher am Mikrofon 

wird nächsten März auch schon 50, und 

nach anstrengenden Jahren in den Stadien 

dieses Erdballs gönnt sich die Gruppe bis auf 

weiteres ein ausgedehntes Päuschen. 

Bühne mit Aussicht: Noch vor 

wenigen Jahren ein Geheimtipp 

aus der Südstaatenprovinz, 

füllt die Familienband Kings Of 

Leon inzwischen die Rockarenen 

Coldplay: Britsound für alle 

Was wird also aus ihm, dem guten alten Stadionrock, 

der in den 80er und 90er Jahren, 

als auch noch pensionierte, nicht mehr so angesagte 

oder verblichene Künstler wie Bryan 

Adams, Tina Turner, Michael Jackson das 

Genre verstärkten, so wahnsinnig boomte? 

Alles Geschichte, oder steuern wir gar auf die 

Ära Netrebko zu? Entwarnung, der Generationenwechsel 

hat eingesetzt. Coldplay zum 

Beispiel gastierten im Oktober im FNB Stadium 

in Johannesburg, Südafrika, und 62.000 

Besucher waren Zeugen. Die Band um Sänger 

Chris Martin ist eine Besonderheit. Eigentlich 

sind ja die wenigsten ihrer Songs besonders 

knallig, laut oder zum Grölen animierend. 

Und dennoch gelten die Briten global als diejenige 

Band, der man am ehesten zutraut, die 

nächsten U2 zu werden – eine verlässliche, 

qualitativ über die meisten Zweifel erhabene 

und fleißige Megaband. 

Dabei haben Coldplay vor 15 Jahren einmal 

als eher zarte, kleine Gitarrenpopgruppe 

angefangen, besonders unbescheiden 

waren sie außerdem nie. „Die Entwicklung 

ist bei uns nicht über Nacht passiert“, sagt 

Will Champion, der Schlagzeuger. „Wir haben 

sehr viel live gespielt und überhaupt sehr 

Foto: thomas rabsch

viel gearbeitet. Wir sind nicht eines Morgens 

wach geworden und haben festgestellt: Oh, wir 

sind ganz oben. Ich denke auf jeden Fall, dass 

wir Schwein hatten, eine der letzten Bands zu 

sein, die innerhalb eines stabilen Plattenfirmengefüges 

sich haben entwickeln können.“ 

Es ist also ein bisschen paradox. Coldplay 

sind eine Stadionrockband, ohne direkt Stadionrock 

zu spielen. Gut, ihr Hit „Viva La 

Vida“ und die jüngste, vom neuen Album 

„Mylo Xyloto“ stammende Single „Paradise“ 

passen schon ganz gut dazu, die Hände zum 

Himmel zu heben. Trotzdem schafft es die 

Band, speziell mit stilleren, fast intimen und 

doch energisch vorgetragenen Songs wie „Fix 

you“, „Clocks“ und „Yellow“ große Arenen zu 

bewegen. „Es gibt immer den Weg, eine kompromisslose 

künstlerische Reise damit zu verbinden, 

populär zu sein. Wenn du die ganzen 

Rock’n’Roll-Stories hören willst, dann sind 

wir die falsche Band. Wir arbeiten sehr hart, 

und das könnten wir nicht, wenn wir die ganze 

Zeit Party machen würden. Man muss fit und 

gesund bleiben, sonst bricht so ein Bandgefüge 

auch ganz schnell auseinander. Deshalb sind 

wir sehr vernünftig. Harte Drogen etwa sind 

bei uns vollkommen tabu. Und einen trinken 

tun wir nur, wenn es unserer Energie und der 

Show nicht schadet.“ 

Alltagsphilosophen mit Hang zur großen 

Geste: Coldplay verquirlen Melancholie 

und Ethos zur breitenwirksamen Mischung 

RHCP: Muskelspiel mit Appeal 

Bei den Kings Of Leon aus Nashville und den 

Red Hot Chili Peppers aus Los Angeles, also 

den zwei anderen Bands, die sich langfristig 

in der Stadionliga etablieren dürften (Kings 

Of Leon) oder diesen Schritt schon geschafft 

haben (Chili Peppers), sind die Regeln im Umgang 

mit Rauschmitteln laxer. Insbesondere 

die Mitglieder der Chili Peppers haderten lange 

Jahre ihrer seit den frühen 80ern währen- 

den Laufbahn mit Drogenproblemen. Heute 

sind die Männer clean und gesund, Sänger 

Anthony Kiedis surft täglich, Bassist Flea 

läuft Marathon, und die Shows rund um das 

jüngste Album „I’m With You“ haben absolute 

Großraumqualitäten. Die Lichttechnik der 

aktuellen Tournee hat Champions-League- 

Format, und Funkrocksongs wie „Give It 

Away“ und „Under the Bridge“ elektrisieren 

Massen jedes Alters. Denn auch das ist wichtig: 

Wer heute Stadien füllen will, der muss 

Zielgruppen und Generationen übergreifend 

die Leute begeistern. Coldplay schaffen das, 

die Chili Peppers auch. 

Kings Of Leon: Think Nashville! 

Die Kings Of Leon indes haben zumindest 

großes Potential, seit ihrem ersten Album 

„Youth And Young Manhood“ aus dem Jahre 

2003 bauen sie ihr Publikum sowie ihre 

stilistische Bandbreite kontinuierlich aus. 

Angefangen als Südstaatenrocker zwischen 

den Strokes und Lynyrd Skynyrd, umfasst 

das musikalische Spektrum auf dem neuesten 

Werk „Come Around Sundown“ auch viel 

Folkiges und Countryklänge. Ihren Durchbruch 

schafften die drei Söhne eines Wanderpredigers 

und ihr Cousin in Europa und 

dort speziell in Großbritannien. Seit sie 2008 

die zwei Hymnen „Sex On Fire“ und „Use 

Somebody“ auf ihrem Album „Only By The 

Night“ am Start hatten, sind die etwas kauzigen 

Kings Of Leon auch in der US-Heimat Superstars. 

Nur sind die Rocker, bei denen nur 

Schlagzeuger Nathan Followhill die 30 überschritten 

hat, bisweilen etwas unstet. Nach einem 

abgebrochenen Konzert in Dallas muss- 

Alles Macho oder was? 

Konzerte der Red Hot 

Chili Peppers sind auch 

Konditionssache 

ten sie zuletzt eine ganze US-Tour absagen, 

man tuschelte über Alkoholprobleme von 

Frontmann Caleb Followhill, zudem gibt es 

immer wieder Streit zwischen den Brüdern, 

die ihre bewegten Anfänge als Band jetzt in 

dem wirklich feinen Dokumentarfilm „Talihina 

Sky“ in die Kinos bringen. Mittlerweile 

ist das unermüdliche Quartett jedoch wieder 

unterwegs, und Bandküken Jared Followill 

bringt auf den Punkt, was für alle drei der 

nachrückenden Stadionrockbands gilt: „Ich 

weiß, dass wir ein wunderbares Publikum haben, 

sehr loyale Fans. Ich hoffe, dass wir immer 

in der Lage sein werden zu touren, egal 

was im Musikgeschäft sonst noch passiert.“ 

Neu erschienen: Bis zur nächsten stadionsaison 

kann man sich mit neuen alben von 

coldplay „Mylo Xyloto“ (eMi), den red Hot chili 

Peppers „i’m With You“ (Warner) und 

der doku-dVd „talihina sky“ (sony) trösten. 

„Wir arbeiten sehr hart, 

und das könnten 

wir nicht, wenn wir 

die ganze Zeit Party 

machen würden“ 

Will Champion,Coldplay 

19

C amille 

„Ein Song ist eine Frage“ 

Camille ist Mutter geworden. Auch für ihre Lieder hat die 

Stimmkünstlerin ein neues Gefühl von Verantwortung entwickelt. 

Die CD „Ilo Veyou“ steht für ihre Liebe zu ihrem 

Kind, zu Frankreich und zum Leben. interview: Wolf Kampmann 

Sie ist nicht einfach nur 

Sängerin, sondern hat 

ihre Stimme zur Skulptur 

gemacht. Von der Popband 

Nouvelle Vague kommend, erkundet 

Camille mit radikaler 

Hingabe die Abgründe und Horizonte 

ihres Instruments. Dabei 

nimmt sie stets in Kauf, den 

Hörer mit ihrer Hyper-Poesie 

zu überfordern. Auch auf ihre 

neue CD muss man sich sehr 

bewusst einlassen, denn Camille 

macht es uns nicht leicht, diesem 

äußerst heterogenen Liederzyklus 

zu folgen. Warum sie 

dennoch viel entspannter wirkt 

als auf früheren Alben, lässt sie 

im Interview mit SONO durchblicken. 

Auf „Ilo Veyou“ erzählt jeder Song 

eine andere Geschichte. Gibt es 

auch eine übergreifende Story? 

Ich habe mich bewusst gegen ein 

Konzeptalbum entschieden. Es 

war ein Experiment. Ich wollte 

a cappella in Kirchen arbeiten, 

mit einem Streichquartett 

aufnehmen und andere Dinge 

ausprobieren. Weil ich ein Baby 

erwartete, war ich in einer speziellen 

Stimmung. Einige Songs 

waren fertig, andere in Planung. 

All das musste raus. Wenn sich 

überhaupt ein roter Faden durch 

das Album zieht, dann diese 

Energie. Ich wollte in den Songs 

20 

an alle Orte gelangen, an die das 

Leben mich führt. Gib dich zärtlich 

und verspielt in den Lauf 

der Dinge, sagte ich mir. Ein Album 

zu machen, ist ja niemals 

ein hundertprozentig friedvoller 

Prozess. Es ist viel Arbeit, bei 

der man immer wieder an seine 

Grenzen stößt und sich selbst 

hinterfragt. Aber ich fühlte mich 

voller Leben. Darum geht es. Es 

ist ein Fluss. 

Jeder Song stellt die Frage, wer 

und wo bin ich. Doch bevor Gelegenheit 

für eine Antwort da 

ist, beginnt ein neuer Song. 

Richtig, ein Song ist eine 

Frage. Und ich erhalte 

niemals die Antwort. Ich 

wusste wirklich nicht, wo- 

Ca m i l l e s W e lt 

Stimme mit Anspruch 

Bossa Nova hieß 

die erste liebe der 

Camille Dalmais. 

2004 sang die Pariserin Hymnen 

den Punk-Ära im brasilianischen 

Klanggewand bei der Band Nouvelle 

Vague. es folgten nationale Pophits 

wie „Ta douleur“, ein Song-auftritt Bouret 

in „Ratatouille“ und eine Solokarriere, 

die sie immer weiter von den 

armelle 

Klischees der Popmusik entfernt. Foto: 

Eine Madonna des 

Gesangs: Camille 

liebt Inszenierungen 

mit Hintersinn 

hin ich gehen würde. Ausgehend 

von ein paar losen Ideen, 

musste ich mich immer wieder 

fragen, was ich will und was 

nicht. Jedes Album ist eine Reise 

von einem Punkt zu einem

anderen. Das ist ein Ritual. Ich 

schließe eine Türe und öffne 

eine andere. 

Es macht ja kaum einen Unterschied, 

ob du a cappella singst 

oder dich in verschiedenen Konstellationen 

begleiten lässt. 

Die Stimme hält alles zusammen. 

Ich wollte keinen Backgroundgesang, 

vom Kinderchor an einigen 

Stellen mal abgesehen. Meine 

Stimme sollte das Boot den Fluss 

hinabsteuern. 

Für mich als Deutschen geht es 

auf der Platte auch um verschiedene 

Zustände und Phasen von 

Frankreich. 

Manchmal bin ich ganz erfüllt 

von Frankreich. Heutzutage ist 

es so einfach zu reisen. Man bildet 

sich ja oft ein, überall sonst 

Reichtum der ganzen Welt in 

Paris. Als Künstlerin kann ich 

nicht vergessen, dass ich Französin 

bin. 

All diese Gerüche von Frankreich 

von Vietnam über den Maghreb 

bis zu Edith Piaf sind ja auf deiner 

Platte zu hören. 

Frankreich ist wie ein Stern mit 

ganz unterschiedlichen Zacken. 

Es ist der Schnittpunkt zwischen 

Süd-, Nord- und Osteuropa. 

Ohne die Einwanderer wären 

wir nichts. Wir waren schon 

immer ein Einwanderungsland. 

Das vergessen wir oft. Die extremen 

Rechten werden immer 

stärker und wollen die Zigeuner 

und andere Volksgruppen einfach 

aus dem Land schmeißen. 

Das ist eine Schande, denn sie 

missverstehen unsere Kultur. 

„Frankreich ist ein schönes Land. 

Warum tun wir uns so schwer, 

diese Schönheit zu erkennen?“ 

wäre es besser als dort, wo man 

lebt. Für uns abendländische 

Künstler ist es oft die größte 

Herausforderung, zu bleiben, 

wo wir sind, und zu beobachten, 

wie sich die Dinge dort entwickeln. 

Wir müssen uns mit 

den Schwierigkeiten unserer 

Umgebung konfrontieren und 

etwas daraus machen. Das passiert 

mir gerade. Ich bin so viel 

gereist und sehe mein Land sehr 

kritisch. Paris ist keine freundliche 

Stadt. Die Leute sind immer 

gestresst. Überall ist Stau. Es 

wäre so einfach, zu verschwinden. 

Aber Frankreich ist auch 

ein schönes Land. Warum tun 

wir uns so schwer, diese Schönheit 

zu erkennen? Außerdem 

haben wir so viel Ausland im 

eigenen Land. Wir haben den 

Früher sagtest du einmal, eine 

Platte zu machen sei wie eine 

Geburt. Siehst du das als junge 

Mutter immer noch so? 

Es gibt viele Gemeinsamkeiten, 

aber ein Hauptunterschied besteht 

darin, dass das Leben bei der Geburt 

eines Kindes stärker ist als du 

selbst. Der Zeitrahmen ist in etwa 

ähnlich. Bei einer Platte ist dieser 

Prozess nur ungleich komplizierter, 

weil du Kontrolle darüber 

hast. Wenn ein Baby dann auf der 

Welt ist, gehört es dir genauso wenig 

wie eine veröffentlichte Platte. 

Beide gehen ihren eigenen Weg. 

Neu erschienen: Camille 

„ilo Veyou“ (Virgin / emi) 

Live: Camille ist ende mai 2012 

mit vier Konzerten in Deutschland 

zu erleben. . 

21 

Die neue CD des weltberühmten britischen Geigers 

mit einer Eigenkomposition für Violine, Orchester, 

Band und Vokalstimme, inspiriert von Vivaldis „Die vier 

Jahreszeiten“ und den vier Elementen 

LUFT, ERDE, FEUER UND WASSER. 

Eine spannende Mischung aus Klassik, Jazz, Pop und 

Folk, eingespielt mit dem von Kennedy gegründeten 

„Orchestra of Life“. 

GROSSE DEUTSCHLAND-TOURNEE 2011 

1.11. Leipzig, 2.11. Stuttgart, 3.11. München, 5.11. Freiburg, 

6.11. Hannover, 8.11. Düsseldorf, 9.11. Bielefeld, 10.11. 

Hamburg, 12.11. Nürnberg, 13.11. Berlin, 14.11. Dresden, 

16.11. Dortmund, 17.11. Regensburg, 18.11. Baden-Baden, 

20.11. Mannheim, 21.11. Aachen, 23.11. Bremen, 24.11. 

Köln, 26.11. Kassel, 28.11. Essen, 29.11. Saarbrücken, 30.11. 

Frankfurt 

WWW.NIGEL-KENNEDY.NET 

WWW.SONYMUSICCLASSICAL.DE

Die S o n o - liSte 

22 

Sie kennen schon 

alle Bearbeitungen von 

Mussorgskys „Bilder 

einer Ausstellung“? 

Werfen Sie lieber mal einen Blick auf 

unsere Liste. Von Hans-Jürgen Schaal 

illustration: Fornfest

1. Emile Naoumoff 

„the Piano Concerto“ 

Wenn Sie sich zwischen Mussorgskys 

Original für Klavier und 

Ravels Orchesterfassung mal 

wieder nicht entscheiden können, 

versuchen Sie es doch mit 

diesem 44minütigen Zwitter. Die 

„Paraphrase“ des bulgarischen 

Pianisten Naoumoff zusammen 

mit dem Deutschen Symphonie- 

Orchester Berlin lässt zuweilen 

an ein brillantes russisches Klavierkonzert 

denken. Im Orchesterklang 

überraschen dagegen 

vorklassisch wirkende Holzbläserfarben. 

(Alcra-Wergo) 

2. John Wallace & The 

Wallace Collection 

Es gibt rund 30 verschiedene 

sinfonische Orchestrierungen 

der „Bilder einer Ausstellung“ – 

und ein Vielfaches an weiteren 

Bearbeitungen. Diese hier – nur 

für Blechbläser und Perkussion – 

schuf Elgar Howarth 1977 für das 

Philip Jones Brass Ensemble. Die 

Neuaufnahme unter John Wallace 

besticht durch ihre Farbigkeit 

und Dynamik – butterweich 

in den Solostellen, messerscharf 

in den Tutti. Eines vermisst man 

hier nie: Streicher. (Collins Classics) 

3. Granados Trio 

„Bilder einer Ausstellung“ 

Mussorgskys Klavierzyklus, 

übersetzt auf drei klassische Gitarren: 

Das hat perkussive Kontur, 

schönen Akkordklang und 

atmende Räumlichkeit. Die drei 

Gitarristen, die sich vor 20 Jahren 

in Professor Teucherts Solistenseminar 

in Frankfurt zusammenfanden, 

verzaubern die 

hohen Töne mit Silber und die 

tiefen mit Bronze. Wie wohligwarm 

akustische Gitarren klingen 

können, das wissen eben 

nicht nur Folkmusiker und Singer/Songwriter. 

(FSM) 

4. Tomita 

„Pictures At An exhibition“ 

Die Synthesizerversion des Elektronikpioniers 

Isao Tomita ist 

längst selbst zum Klassiker geworden. 

Ravels Orchester-Instrumentierung 

folgend, steigert 

sich der Japaner in einen wilden 

Rausch greller Klangfarben zwischen 

Horror und Humor. Zwitschernde 

Küken, blubbernde Tuilerien, 

sphärische Chorstimmen 

und diskrete Perkussionsanklänge 

– all das quetschte Tomita aus 

den frühen Synthesizermodellen 

von anno 1974. (BMG/RCA) 

5. Carsten Wiebusch 

„Reger – Wagner – 

Mussorgsky“ 

Erste Orgelversionen der „Bilder 

einer Ausstellung“ entstanden in 

den 1970er Jahren. Der Organist 

Carsten Wiebusch aber schrieb 

sich seine Fassung lieber selbst – 

maßgeschneidert auf die historische 

Walcker-Orgel der Evangelischen 

Kirche in Essen-Werden. 

Statt in extremen Registern musiziert 

Wiebusch auf ihren Manualen 

fast romantisch und mit 

der Finesse eines Konzertpianisten. 

Ein unspektakulär daherkommendes, 

großes Hörerlebnis. 

(Fermate) 

6. Heavy Tuba 

& Jon Sass 

Den Kern dieser eigenwilligen 

Jazzband aus Österreich bilden 

sieben tiefe Blechbläser, darunter 

der New Yorker Wahl-Wiener 

Jon Sass an der Basstuba. Wo das 

schwere Blech an Grenzen stößt, 

ergänzt Keyboarder Helmar 

Hill digitale Sounds. Er schrieb 

auch die phantasievollen Arrangements: 

Die „Tuilerien“ gibt’s 

rein perkussiv, die „Küken“ tanzen 

ein Blues-Duett auf synthetischen 

Flöten, immer wieder 

geht’s übermütig Richtung Rock 

und Salsa. (ATS Records) 

7. Fine Arts Brass 

Ensemble 

Noch einmal Blech, aber ganz anders: 

Das 1980 gegründete britische 

Fine Arts Brass Ensemble 

ist ein klassisches Blechbläserquintett 

– mit zwei Trompeten, 

Horn, Posaune und Tuba. Äußerst 

geschickt hat Stephen Roberts, 

der Hornist des Ensembles, 

Mussorgskys Klaviernoten 

auf das fünfstimmige Gebläse 

verdichtet. Das Ergebnis ist konzentrierte, 

virtuose Kammermusik 

mit Biss und Tiefe: 16 wohlklingend-expressive 

Miniaturen. 

(Nimbus Records) 

8. Mats-Up 

„Same Pictures, 

new exhibition“ 

Aus der Schweiz kommt die bislang 

überzeugendste Modern- 

Jazz-Adaption der „Bilder einer 

Ausstellung“. Das Septett des 

Trompeters Matthias Spillmann – 

vier Bläser und ein Rhythmustrio 

– stülpt Mussorgskys Themen 

jazzmäßig um und verwendet 

sie als Startschuss für 

kompetente Improvisation. Da 

werden Techniken der Westcoast-Jazz-Arrangeureaufgegriffen 

und große Bläsersoli der 

Jazzgeschichte zitiert. Mussorgsky 

swingt! (Unit Records) 

9. Mekong Delta 

„Pictures At An exhibition“ 

Wie man die „Bilder“ rockt, haben 

Emerson, Lake & Palmer 1971 mit 

viel Phantasie vorgemacht. Damit 

verglichen wirkt die Komplett- 

Version des deutschen Prog- 

Metal-Trios Mekong Delta asketisch 

streng: nur Gitarre, Bass, 

Drums. Allerdings erklingt die 

Gitarre zuweilen in ganzen Chören, 

der Bass spielt auch Melodie, 

der Drummer schlägt originelle 

Rhythmen – und wo es passt 

(Bydlo, Katakomben), wird’s auch 

mal heavy-düster. (Bullet Proof) 

10. German 

Marimba Duo 

Für Matthias Krohn und Andreas 

Schwarz war ihre Version der 

„Bilder“ der erfolgreiche Karrierestart 

als „German Marimba 

Duo“. Zu welchen Wirkungen 

zwei fünfoktavige Marimbas 

im Verein fähig sind, darüber 

kann man bei ihnen in jedem 

Stück staunen. Fast scheint es, 

als würde das Motorische in 

Mussorgskys Musik hier noch 

motorischer, das Groteske noch 

grotesker, das Schaurige noch 

schauriger. Wer braucht da Orchesterfarben? 

(KlangRäume) 

11. ChoralConcert 

„Bilder einer Ausstellung“ 

Jazz mit Kirchenorgel? Oder Orgelmusik 

mit Gästen? Beim Trio 

ChoralConcert bleibt so manches 

in der Schwebe, nicht nur stilistisch. 

Karl Scharnweber an der 

Orgel der Christkirche Rendsburg, 

Thomas Klemm an Saxofon 

und Flöten und Wolfgang 

Schmiedt an den Gitarren treten 

immer wieder überraschend zusammen 

und auseinander, als 

wollten sie Endgültiges vermeiden. 

Ein musikalischer Essay, 

der zum Nachdenken anregt 

(KlangRäume). 

12. „Mussorgsky 

für 44 Pianisten“ 

Zum Schluss noch ein echtes 

Unikum, ein Happening, ein musikalisches 

Ereignis zwischen 

Monumentalität und Bizarrerie. 

Fünftausend Zuhörer erlebten 

1993 in einer Braunschweiger 

Klavierfabrik diese Aufführung 

der „Bilder“ an 44 Flügeln und 

einem präparierten Piano. Hans- 

Christian Wille plante, Hans- 

Wilhelm Plate arrangierte, Uwe 

Präkelt dirigierte, VW sponserte. 

Heraus kam Klaviermusik 

als orchestrales Raumerlebnis. 

(ram) 

23

Michel G o dard 

Claudios Erben 

Drei Barockmusiker treffen auf drei Jazz- 

kollegen. Sie spielen Musik von Monteverdi 

und ein bisschen mehr. Und aus 

dem Experiment wird eine Begegnung 

auf Augenhöhe. Von ralf dombrowski 

Die ehemalige Zisterzienserabtei von Noirlac ist ein besonderer 

Ort. Seit 2008 ein Kultur- und Begegnungszentrum, sind 

dort häufig Künstler zu Gast, um sich von der Atmosphäre 

oder auch der Akustik inspirieren zu lassen. Im Juni 2011 versammelte 

der Tubaist Michel Godard ein ungewöhnliches Sextett in den Gewölben. 

Theorbe, Barockvioline und Gesang standen Serpent, Bassgitarre 

und Saxofon gegenüber. Heraus kam Musik zwischen den Stilwelten, 

feintönend, manchmal knorrig, aber sehr französisch im Impetus der 

Klangkulturverschmelzung. Das Album „Monteverdi – A Trace Of 

Grace“ ist bei Carpe Diem Records erschienen, einem Label aus Bremen, 

das sich auf Alte Musik und deren Grenzgänge konzentriert. 

24 

Monteverdi macht 

glücklich. Das Projekt war 

für Michel Godard (r.) 

und seine Freunde 

die Erfüllung eines Traums 

Wie kam es zu „Monteverdi“? 

Die Aufnahme ist der Abschluss einer Trilogie. Der erste Teil beschäftigte 

sich mit Musik und Parfüm, der zweite mit Wein, und jetzt folgt 

Monteverdi. Jedes Mal ging es um Grenzüberschreitungen, zu Düften, 

zum Geschmack oder eben nun zur Alten Musik. Und es war außerdem 

ein Treffen von Musikern verschiedener Stilherkünfte. Drei entstammen 

der Barockszene, die anderen drei im Großen und Ganzen 

dem Jazz. 

Wie haben Sie sich vorbereitet? 

Die Musik von Monteverdi kenne ich, seit ich klein bin. Sie hat mich 

eigentlich immer schon begleitet. Dann habe Steve Swallow gefragt, ob 

er auch Kompositionen beisteuern möchte. So steht Monteverdi auf der 

einen Seite und unsere Musik als Spiegel auf der anderen. Als wir dann 

zu den Proben kamen, hatten wir ursprünglich Arrangements dabei, 

die sich dann aber vielfältig verändert haben. Denn im Kern geht es 

auch um Improvisation. 

Die Barockmusiker haben auch improvisiert? 

Natürlich. Vor allem der Spieler der Theorbe hat andauernd die Stücke 

variiert, ebenso die Geigerin. Lediglich Guillemette Laurens hat 

ihre Stimmpassagen weitgehend original beibehalten. Sie ist ja eine der 

Pionierfiguren der Alten Musik. Sucht man nach frühen Monteverdi- 

Aufnahmen, war meistens sie daran beteiligt. 

Wie kam das Repertoire zustande? 

Die meisten Stücke sind mir sehr präsent, überwiegend Madrigale und 

Ausschnitte aus der Oper „L’Incoronazione di Poppea“. Sie basieren 

vielfach auf einer ostinaten Grundform. Da wiederum ergeben sich

viele Berührungspunkte zum 

Jazz und sogar zur heutigen populären 

Musik. 

T ö n e n d e 

s c h l a n g e 

der (oder das) Serpent 

Warum diese Kombination von 

wurde um 1590 erfunden 

Musikern? 

und besteht aus einer 

Wichtig war für mich natürlich 

bis zu 240 cm langen 

Steve Swallow, eines meiner 

konischen, schlan- 

großen Idole. Die Möglichkeit, 

genförmig gewundenen 

mit ihm zu arbeiten, war die Er- Schallröhre. aufgrund seines tiefen 

füllungen eines Traumes. Aber und vokalnahen Klangs wurde es vor 

auch die anderen Musiker ken- allem in Frankreich zur Begleitung 

ne ich schon länger. 

von Gregorianischen chorälen 

verwendet. im 19. Jahrhundert wurde 

Warum spielen Sie in diesem Fall das Serpent durch Basshorn und 

nur Serpent und ein bisschen Tuba verdrängt und geriet lange in 

Bass? 

Vergessenheit. 

Auf der eine Seite wollte ich so 

nah wie möglich am Barock sein. 

Darüber hinaus aber hätte die 

Tuba in dieser Akustik dem Ganzen ein wenig die Natürlichkeit genommen. 

Sie wäre zu kraftvoll, zu dominant gewesen. Ich wollte mich 

da auch etwas selbst beschränken. 

Worin besteht die besondere Faszination des Serpents? 

Es lässt sich wie viele traditionelle Instrumente sehr reduziert spielen. 

Manchmal reicht die richtige Positionierung eines Tones, um eine große 

Wirkung hervorzurufen. Dafür werden Fragen etwa der Intonation 

viel wichtiger. 

Was kommt als nächstes? Ein Album zur französischen Küche? 

Nein, nein. Es wird eher darauf hinaus laufen, dass ich mit Steve 

Swallow enger zusammenarbeite. Erst unlängst meinte er, wir sollten 

öfter spielen, aber uns nicht mehr nur der Musik anderer Komponisten 

widmen, sondern etwas Eigenes machen. Und da habe ich nun wirklich 

nichts dagegen. 

Auch ein Schluck Wein im Becher: das Monteverdi-Team bei der Arbeit 

25 

K A R S T E N J A H N K E K O N Z E R T D I R E K T I O N 

11.11.11 Erfurt - Alte Oper 

12.11.11 Halle - Steintor-Varieté 

24.11.11 Stade - Stadeum 

25.11.11 Paderborn - Paderhalle 

26.11.11 Mülheim a.d. Ruhr - Stadthalle 

01.12.11 Dortmund - Konzerthaus 

02.12.11 Soest - Stadthalle 

09.12.11 Berlin - UdK 

10.12.11 Elmshorn - Stadttheater 

14.12.11 Düsseldorf - Tonhalle 

15.12.11 Mannheim - Capitol 

17.12.11 Frankfurt - Alte Oper 

12.01.12 Aachen - Eurogress 

13.01.12 Wuppertal - Historische Stadthalle 

14.01.12 Bonn - Oper 

19.01.12 Stuttgart - Liederhalle / Hegelsaal 

20.01.12 Lörrach - Burghof 

21.01.12 Mainz - Frankfurter Hof 

22.01.12 Saarbrücken - Congresshalle 

28.01.12 Ludwigsburg - Scala 

29.01.12 Karlsruhe - Tollhaus 

09.02.12 Wahlstedt - Kleines Theater am Markt 

10.02.12 Flensburg - Deutsches Haus 

11.02.12 Hamburg - Laeiszhalle 

08.03.12 Münster - Halle Münsterland, Congress-Saal 

09.03.12 Hannover - Theater am Aegi 

10.03.12 Buchholz - Empore 

14.03.12 Lüneburg - Vamos! Kulturhalle 

15.03.12 Bremen - Glocke 

16.03.12 Lübeck - Musik- und Kongreßhalle 

TOWER 

OF 

POWER 

15.03.12 Düsseldorf - Tonhalle 

17.03.12 Hamburg - Laeiszhalle 

22.03.12 Bremen - Glocke 

23.03.12 Frankfurt - Alte Oper 

24.03.12 Freiburg - Konzerthaus 

27.03.12 Stuttgart - Liederhalle 

28.03.12 München - Philharmonie 

30.03.12 Berlin - Tempodrom 

funkelnagelneu 

Winner 

Emmy Award 

17.03.12 Kiel - Kieler Schloss 

19.03.12 Köln - Philharmonie 

22.03.12 Datteln - Stadthalle 

23.03.12 Essen - Philharmonie 

24.03.12 Bielefeld - Rudolf-Oetker-Halle 

Theater am Ring 

31.03.12 Trier - Europahalle 

13.04.12 Aurich - Stadthalle 

14.04.12 Lingen - Theater an der Wilhelmshöhe 

15.04.12 Krefeld - Seidenweberhaus 

20.03.2012 Hamburg - Fabrik 

21.03.2012 Hannover - Capitol 

22.03.2012 Berlin - Postbahnhof 

TICKETS: 01805 - 62 62 80* | 040 - 413 22 60 | www.karsten-jahnke.de 

*� 0,14/Min. aus dem dt. Festnetz, Mobilfunk max. � 0,42/Min.

adio.strin g.quarte t.vienna 

Rapid String Movement 

Das radio.string.quartet.vienna wagt den ästhetischen 

Neuanfang und kommt mit „radiodream“ seinem Ziel 

ein gutes Stück näher. von Paul Hammerthal 

Björk würde er gerne einmal treffen. 

Aber daraus wird wohl nichts, denn 

die isländische Künstlerin, die sich 

eben erst mit dem Album „Biophilia“ wieder 

einmal neu erfunden hat, gehört zu den 

am besten abgeschotteten Künstlerinnen der 

Netzwelt. „Es ist erstaunlich und auch ein 

bisschen frustrierend“, meint Bernie Mallinger, 

erster Geiger und Mitbegründer des 

radio.string.quartet.vienna. „Einen ganzen 

Tag lang habe ich das Internet abgesucht, aber 

nicht einen Hinweis gefunden, kein Kontakt, 

nichts, was man verwenden könnte.“ Dabei 

hätte er der Sängerin gerne ein Exemplar von 

„radiodream“ in die Hand gedrückt. Denn 

Mallinger ist der festen Überzeugung, dass 

eine Geistesverwandschaft zwischen dem 

besteht, was er in Wien mit seinen Freunden 

experimentiert, und dem, was die öffentlichkeitsscheue 

Sängerin im Land der Geysire 

imaginiert. 

Tatsächlich gibt es Gemeinsamkeiten, 

wenn auch vor allem konzeptioneller Natur. 

So schwer sich Björk in ein Schema der Popwelt 

einpassen lässt, so wenig sieht sich 

auch das r.s.q.v. noch als Statthalter einer 

festgefügten Tradition. „Ich glaube, wir 

sind schon ein Streichquartett. Aber 

wir entwickeln uns immer mehr 

in Richtung einer Art globalen 

Musik. Deshalb bleibt es nicht 

immer beim Streichquartett, 

sondern der Sound 

öffnet sich nach vielen 

Seiten. Natürlich 

lieben wir alle die 

ursprüngliche Form, 

und auch auf dem Album 

gibt es Passagen, 

die sich ganz klassisch 

im klanglich bekannten 

Rahmen bewegen. Aber 

26 

es ist eben nicht das Einzige. Ein weiterer 

Punkt: Wir dürfen, sollen und wollen über den 

Tellerrand schauen. Das ist bei vielen Kollegen 

anders, die sind aus unterschiedlichen 

Gründen festgelegter.“ Dieser Anspruch der 

latent Klangausweitung hat allerdings nicht 

nur Vorteile. Während traditionelle Streichquartette 

sich zwar in harter Konkurrenz, 

aber doch innerhalb eines klaren Rahmens 

von Repertoire, Interpretation und Rezeption 

bewegen, muss das r.s.q.v. mit der Vielfalt 

der Möglichkeiten kämpfen, um eine eigene 

Sprache zu finden. 

Grenzgänger 

mit Geigen und 

einem Faible 

fürs Konzeptuelle: 

das r.s.q.v 

Die musikalischen Ergebnisse dieser ästhetischen 

Auseinandersetzung fielen bislang 

sehr unterschiedlich aus. Während das Tribute 

an die Musik des Mahavishnu Orchestra 

in sich rund und stimmig wirkte, gelang 

ihnen mit den folgenden drei Alben kein 

wirklicher Treffer. Zwar führten auch diese 

Projekte durch unterschiedliche Gäste 

wie den Akkordeonisten Klaus Paier klanglich 

über den engen Stilzusammenhang des 

Genres hinaus. Im Kern jedoch verwiesen 

sie das Streichquartett auf den Platz der Begleitung, 

wohltönend und wenig charakteristisch. 

„Quartett mit Gast ist etwas ganz anderes. 

Natürlich waren die ganzen Kooperationen der 

vergangenen Jahre jede für sich großartig. Aber 

jetzt schien es uns dringend nötig, wieder einmal 

etwas nur als Quartett zu machen. Denn wir hatten 

das Gefühl, dass sich sehr viel verändert hat, 

was wir noch nicht festgehalten hatten und unbedingt 

mitteilen wollten.“ 

Traumdeutung musikalisch 

Und so reifte ein Programm heran, mit dem 

das r.s.q.v. die Träume einer Nacht musikalisch 

nachvollziehen wollte. „Von Anfang an 

war klar, dass vieles von uns selbst geschrieben 

sein sollte. Aber es durften auch Stücke 

von anderen vorkommen, die irgendwie mit 

dem Thema zu tun hatten.“ Und so machten 

sich die Musiker und Musikerinnen des r.s.q.v. 

auf die Traumreise, ließen sich von Sigmund 

Freud und Salvador Dali, von Kinospektakeln 

wie „Inception“ und Henry Mancini inspirieren. 

Manches entwickelte sich schrill, anderes 

profitierte von der Transparenz der Streicherstimmen. 

Soundopulenz und Reduktion, 

Synthetik und Natürlichkeit stehen 

nebeneinander und ergänzen sich in 14 

Abschnitten zu einer Suite der akustischen 

Chimären. Aus den bisherigen 

Experimenten innerhalb der originär 

klassischen Klangwelt wurden 

Ausflüge bis hin in rockverwandte 

Gefilde. Für das r.s.q.v. jedenfalls 

ist „radiodream“ ein großer 

Schritt aus dem Lager der 

Puristen heraus. Und für die 

Szene womöglich ein Wegweiser 

in eine bislang kaum erforschte 

Richtung. 

Neu: das album 

„radio-dream“ (aCt/edel 

Kultur) des radio.string. 

quartet.vienna erscheint 

am 28. ok tober 2011.

Billy Joel 

Live at the 

Shea Stadium 

MiCHAel JACkson 

The Ultimate Collection 

peArl JAM 

Ten (Collector's Edition) 

roger WAters 

The Roger Waters Collection 

Miles DAvis 

The Complete Columbia Album Collection 

JiMi HenDrix West Coast Seattle Boy: 

The Jimi Hendrix Anthology (Collectors Edition) 

AC/DC 

Pug Me In 

BruCe springsteen 

Born To Run - 30th Anniversary

Anoushk A sh Ank Ar 

Krishna – Olé! 

Sie ist die Halbschwester von Norah 

Jones und trägt einen großen Namen. 

Doch mit ihrem Können ist Anoushka 

Shankar an der Sitar mehr als nur 

in die Fußstapfen ihres Vaters Ravi 

Shankar getreten. Von Guido Fischer 

28 

Der Sound einer Sitar ist einzigartig. Aber bei keinem anderen 

Weltmusik-Instrument schwingen bis heute so hartnäckig 

Klischees mit. Schließlich steht sie für eine Zeit, als Erleuchtungswillige 

und Blumenkinder sich nach Indien aufmachten, um am 

eigenen Karma zu feilen. Natürlich kann man sich auch weiterhin an 

der Sitar in höhere Klangsphären improvisieren. In einer genau geregelten 

Bodensitzhaltung, die wahrscheinlich allen orthopädischen 

Weisheiten spottet. Anoushka Shankar ist allein schon optisch der 

Beweis, dass man bei ausgiebigen Sessions seine Würde und Schönheit 

bewahren kann. Die 30jährige hat aber eben nicht nur das tiefverwurzelte 

ABC der indischen Musik verinnerlicht, all die Ragas, 

die den Weg zur spirituellen Einkehr ebnen. An der Sitar konnte sie 

mittlerweile selbst die verschiedensten musikalischen Freundschaften 

knüpfen. Mal spielte sie mit dem klassischen Cellisten Mstislaw Rostropowitsch 

und dann wieder mit Jazzklavier-Ikone Herbie Hancock. 

Und wenn sie nicht gerade mal mit Lenny Kravitz jammte, bildete sie 

mit Sting ein durchaus magisches Duo. 

Für ihr sechstes Album „Traveller“ hat Anoushka Shankar aber 

nun an eine musikalische Tradition angedockt, die in ihrer feurigen 

Robustheit eigentlich so gar nichts mit den filigranen Reizen der indischen 

Musik zu tun hat. Für die Virtuosin 

liegen die Unterschiede zwischen dem 

Flamenco und der Musik ihrer Ahnen aber 

Vater Ravi kann stolz nur im Detail. Was beide dagegen unüber- 

sein: Noch ist Anoushka hörbar miteinander verbindet, ist nicht nur 

Shankar keine Legende. ihr Fokus auf den Rhythmus. „Flamenco 

Aber musikalisch 

hat mich immer schon begeistert und fas- 

kann sie ihm bereits ziniert“, erinnert sich Anoushka Shankar. 

das Wasser reichen. 

„Er sprach mich an, da ich spürte, dass

er eine Eigenschaft mit der klassischen indischen Musik teilt, die ich 

ganz besonders schätze: die grenzenlose Musikalität des Ausdrucks, 

ganz gleich, ob es sich um eine Solostimme handelt, eine Sitar oder 

eine Gitarre.“ 

Die indischen Wurzeln des Flamenco 

Warum sich Shankar im Flamenco von jeher ein wenig wie zu Hause 

fühlte, wurde ihr erst so richtig bei den Vorbereitungen ihres Albums 

klar, als sie erfuhr, dass der Flamenco seine Ursprünge in Indien hat. 

So sollen vor rund 800 Jahren die Vorfahren der Gitanos aus Rajasthan 

zu einer lange Reise aufgebrochen sein, die sie über Asien und den Vorderen 

Orient bis nach Spanien geführt hat. Musikhistorisch gesehen ist 

der Flamenco damit gewissermaßen der kleine Bruder der indischen 

Musik. Nur hatten sie sich auch in der ansonsten so hellhörigen Weltmusik-Szene 

etwas aus den Augen und Ohren verloren. Jetzt ist aber 

die überfällige und verblüffende Familienzusammenführung geglückt, 

unter der Ägide von Anoushka Shankar und dem spanischen Gitarristen 

Javier Limón, die jeweils Koryphäen aus ihrem Umkreis wie den 

Ghatam-Spieler Pirashanna Thevarajah und Flamenco-Altmeister 

Pepe Habichuela zu den Aufnahmen mitgebracht haben. Dementsprechend 

bestaunt man da hitzige Duelle zwischen Tablas und spanischer 

Perkussion. Und plötzlich scheinen 

die Schleifgesänge von der Spanierin 

Sandra Carrasco und der Inderin 

Shubda Mudgal auf einem Atem daherzukommen. 

Die Musik auf „Traveller“ stammt 

durchweg von Anoushka Shankar 

und Javier Limón. Bei den Texten 

hingegen hat neben historischen 

Vorlagen auch ihr Vater Ravi Shankar 

mitgewirkt, den sie voller Stolz 

„meinen Guru, meinen Lehrer“ nennt. 

Neun Jahre war sie gerade mal, als sie 

von ihm in die Kunst des Sitarspiels 

eingewiesen wurde. Aber bereits mit 

13 Jahren gab das in London geborene 

und in den USA aufgewachsene 

Talent anno 1994 sein erstes Konzert 

in Neu-Dehli. Ravi Shankar war aber 

mehr als nur ihr unerschöpflicher Urquell 

der Inspiration. Wer wie er Gott 

und die Welt kannte, vom Klassikviolinisten 

Yehudi Menuhin bis zu den 

Beatles, der machte seine Tochter auf 

D i e T ö c h T e r 

Ravi Shankars 

Erben sind 

überaus aktiv 

Die erfolgreiche halbschwester 

ging ihren eigenen musikalischen 

Weg. Im Jahr 2002 veröffentlichte 

norah Jones „Come Away 

With Me“, den Überraschungserfolg 

des Jahrzehnts. und mit 

Anoushka shankar fand sie auch 

zusammen. Zwei Talente mit viel 

Wirkung auf die Musikwelt. 

den ständigen gemeinsamen Reisen mit der musikalischen Prominenz 

bekannt. Das größte Erlebnis aber waren nicht die George Harrisons 

und Eric Claptons dieser Welt – obwohl gerade mit ersterem die Teenagerin 

eine musikalische Seelenverwandschaft verband –, sondern 

die Geburt ihres ersten eigenen Kindes. Zubin heißt der stramme Junge 

und war schon bei den „Traveller“-Sessions mit dabei. Und so wie 

Anoushka Shankar in dem Stück „Inside Me“ ihre Sitarsaiten hüpfen 

und glitzern lässt, kann man sich lebhaft vorstellen, in welch freudiger 

Erwartung sie sich da befand. 

Neu: Anoushka shankar „Traveller“ (DG/universal) 

Tournee: Anoushka shankar spielt von 6. november 2011 an sechs 

konzerte in Deutschland, in München (6.11.), heidelberg (7.11.), Baden- 

Baden (17.11.), Berlin (6.12.), hamburg (7.12.) und Dortmund (8.12.). 

29 

Foto: Getty 

„Tut uns leid, 

alle vergriffen!“ 

Wenn Sie diesen Satz nie mehr 

hören wollen, können Sie ihn hier unten 

löschen – jetzt und für immer. 

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P O P, ROck & cO 

Jeff Bridges 

„Jeff Bridges“ 

BLUE NOTE/EMI 

[americana] Wie Hollywood- 

Recke Jeff Bridges auf dem Cover 

seiner gleichnamigen Debüt-CD 

mit einer alten Gretsch-Klampfe 

posiert – das passt. Das wirkt 

auch nicht gestellt. Klar, Bridges 

hat für seine Rolle als abgehalfterter 

Countrysänger in „Crazy 

Heart“ einen Oscar bekommen. 

Doch Musik spielt, so sagt er, eigentlich 

schon lange in seinem Leben 

eine Hauptrolle. Gemeinsam 

mit Produzent T-Bone Burnett 

und Songwritern wie John Goodwin 

und Greg Brown – alle waren 

sie auch bei „Crazy Heart“ beteiligt 

– präsentiert er jetzt zehn Titel 

aus dem Americana-, Folk- und 

Country-Fach. Meist hält sich 

der Hollywood-Veteran stimmlich 

diskret zurück: Er grummelt, 

nuschelt und näselt zu gemütlichen 

Rhythmen wie Dylan oder 

Young. Wenn das Tempo mal anzieht, 

wie bei „Blue Car“, lassen 

Clapton und/oder Cale grüßen. 

Kurz: gut gemachter Laidback- 

Sound. Gunther Matejka 

Hintergrund: Mit Produzent T- 

Bone Burnett verbindet Bridges seit 

30 Jahren eine enge Freundschaft. 

Downloadtipp: „What A Little Bit 

Love can Do“, „Everything But Love“, 

„Blue car“ 

The B-52s 

„With The Wild crowd! – 

Live In Athens, GA“ 

EAGLE/EDEL 

[new Wave/Rock] Auf ein Livealbum 

der legendären New-Wave- 

Band aus Athens, Georgia, hat 

wahrscheinlich niemand drin- 

30 

die pop-cd des monats 

Theo Bleckmann 

„Hello Earth! - The Music Of kate 

Bush“ WINTER & WINTER / EDEL:kULTUR 

kate Bush ist sakrosankt. Zu eigenwillig erscheint ihre Musik im kosmos der 

anspruchsvollen Popmusik der vergangenen drei Jahrzehnte, um sich ei- 

ner Bearbeitung unterziehen zu lassen. Tatsächlich blieben ihre Lieder im 

Vergleich zu denen von kollegen wie Sting oder Peter Gabriel bislang weitgehend 

ungecovert. Denn sie erfordern nicht nur einen brillanten Interpreten, um den be- 

reits komplexen Originalen eine weitere Ebene hinzuzufügen, sondern auch eine 

selbstbewusste Ästhetik, die sich am Bush-Universum reibt. kurz: Es braucht 

jemanden wir Theo Bleckmann, um der britischen künstlerin auf Augenhöhe 

zu begegnen. Denn der in New York lebende Sänger ist mit allen Avantgarde- 

Wassern gewaschen, zugleich aber empathisch genug, um Musik von innen he- 

raus leuchten zu lassen. „Hello Earth!“ hat er im Quintett mit Gleichgesinnten 

wie dem Pianisten Henry Hey und dem Bassisten Skuli Sverrisson aufgenom- 

men, mit Schwerpunkt auf der „Hounds Of Love“-Phase , aber auch mit Liedern 

wie „Army Dreamers“ und „The Man With The child In His Eyes“. Und es gelingt 

Bleckmann mit weicher, dezent dramatischer Stimme und Stilexkursen in die 

Welten von Folk bis Jazz, die Lieder auf ihre ursprüngliche Schönheit zurück- 

zuführen. Das ist ein kunststück, denn es entkleidet die Musik von kate Bush 

der Dominanz ihrer Stimme, ohne ihr gleichzeitig die Identität und Finesse zu 

nehmen. Ein Meisterstück der Interpretationskultur. Ralf Dombrowski 

Wissenswertes: Theo Bleckmann hat bereits mit künstlern wie Laurie Ander- 

son, Philip Glass oder auch Meredith Monk gearbeitet. 

Downloadtipp: das ganze Album 

gend gewartet. Umso größer ist 

die Überraschung, in welch bestechender 

Form sich die Formation 

um Sängerin Kate Pierson und 

Sänger Fred Schneider auf diesem 

Livemitschnitt aus dem Classic 

Center in ihrer Heimatstadt präsentiert. 

Nachdem ihr 2008 veröffentlichtes 

Comeback-Album 

„Funplex“ auf durchaus gemischte 

Reaktionen stieß, scheint die Band 

ihr kleines Tief wieder überwunden 

zu haben. Die anlässlich des 

34jährigen Jubiläums ihres ersten 

Konzerts am Valentinstag 1977 

aufgezeichnete Show überzeugt 

jedenfalls ohne Abstriche. Hits 

wie „Rock Lobster“ und „Party 

Out Of Bounds“ haben bis heute 

nichts von ihrer Dynamik eingebüßt 

und klingen erstaunlich 

modern und zeitgemäß. Entsprechend 

groß ist der Jubel, der der 

Band entgegen brandet, die sich 

gegen Ende hin bei Stücken wie 

„Love Shack“ und „Planet Claire“ 

in einen wahren Spielrausch hineinsteigert. 


Downloadtipp: „Give Me Back My 

Man“, „Party Out Of Bounds“ und 

„Rock Lobster“ 

Tony Christie 

„Now’s The Time!“ 

cOLUMBIA/SONY 

[adult pop] Der Titel ist Programm: 

Zeit wird’s, meint Tony 

Christie, um aus dem Soziotop 

der Schlagerwelt heraus zu treten 

und einen Sound zu machen, 

der das Erbauliche zugunsten 

des Tanzbaren und Soulgetönten 

hinter sich lässt. Damit steht 

der 68jährige Brite, der vor vier 

Dekaden mit Liedern wie „I Did 

What I Did For Maria“ bekannt 

wurde, in der Entertainment- 

Welt nicht alleine. Schon Tom 

Jones hatte als reiferer Herr die 

„Sex Bomb“ platzen lassen, und 

Produzent Rick Rubin recycelt erfolgreich 

alte Recken von Johnny 

Cash bis Neil Diamond. Nun also 

auch Tony Christie, und siehe da: 

Der Profi macht seine Sache gut. 

„Now’s The Time!“ hat mit seiner 

souligen Grundhaltung klares 

Partypotential, und der Meister 

selbst profitiert mit kräftigem 

Bariton davon, dass er mit 

allen Showwassern gewaschen 

ist. Ein Prise Motown schwingt 

da mit und ein pfiffiges Pathos, 

wie man es aus der Paul-Anka- 

Schule kennt. Handgemachter 

Studiosound mit einer Prise Big 

Band bildet den Rahmen, und der 

rüstige Crooner selbst fühlt sich 

in diesem entspannten Ambiente 

hörbar wohl. Offenbar wurde 

es wirklich Zeit für einen neuen 

Tony Christie. Sascha Fröhlich 

Ähnlich wie: Tom Jones, 

Phil collins, Neil Diamond 

Downloadtipp: „Now’s The Time!“ 

Fatoumata Diawara 

„Fatou“ 

WORLD cIRcUIT/INDIGO 

[World pop] Die 1982 in der Elfenbeinküste 

geborene Sängerin 

und Schauspielerin zählt zu den 

großen Talenten der Weltmusikszene. 

Zu ihren Bewunderern gehören 

unter anderem Herbie Hancock, 

John Paul Jones, Damon Albarn 

und Tourmani Diabaté. Und 

das vollkommen zu Recht, denn 

auf ihrem Debütalbum für das 

Label World Circuit überzeugt 

Fatoumata Diawara mit zwölf eindringlichen, 

angenehm zurückhaltend 

instrumentierten Songs. 

Eingespielt hat die Künstlerin die 

Platte mit Hilfe von Produzent 

Nick Gold und Musikern wie Gitarrist 

Moh Kouyate, Keyboarder

Boris Persikoff, Schlagzeuger Seb 

Rochford und Bassist Alioune 

Wade. In Stücken wie „Sowa“ oder 

„Makoun Oumou“ begeistert Fatoumata 

Diawara als einfühlsame 

Geschichtenerzählerin, die 

durchaus auch vor kontroversen 

Themen nicht zurückschreckt. Zu 

den eindringlichsten Kompositionen 

auf „Fatou“ gehört neben 

dem mit einem hypnotischen Gitarrenmotiv 

unterlegten Opener 

„Kanou“ vor allem der mit einem 

hypnotischen Afrobeat-Groove 

veredelte Titel „Bissa“. 


Hintergrund: Bereits im Alter 

von 16 Jahren stand Fatoumata 

Diawara erstmals als Schauspiele- 

rin vor der kamera. 

Downloadtipp: „Bissa“ 

Kinderzimmer 

Productions 

„Gegen den Strich“ 

TRIkONT/INDIGO 

[symphonic Hiphop] Mit Kinderzimmer 

hat „Gegen den Strich“ 

nicht mehr viel zu tun, eher mit 

dem Salon einer herrschaftlichen 

Villa. Und eigentlich hatte sich das 

Duo von Textor und Quasi Modo, 

das unter dem Signum Kinderzimmer 

Productions den deutschen 

Hiphop expressiv-elektronisch 

aufgepimpt hatte, zum 

Zeitpunkt der Aufnahme bereits 

seit drei Jahren aufgelöst. Als aber 

der österreichische Radiosender 

FM4 die Herren im Sommer 2010 

zum Ortstermin mit Symphonie- 

Orchester einlud, konnten sie 

doch nicht nein sagen und erschienen 

im Großen Sendesaal 

des Radio-Kulturhauses des ORF 

in der Wiener Argentinierstraße. 

Rund 200 Zuhörer waren außerdem 

dabei, und so wurde diese 

Unplugged-Deluxe-Session eine 

bemerkenswerte Stilhybride dieses 

Musikherbstes. Neben alten 

Liedern wie „Marihuana“ kamen 

auch neue Songs wie „Sie kriegen 

uns nie“ zum Einsatz, die im dezent 

orchestrierten Rahmen schon 

beinahe etwas Offizielles hatten. 

Überhaupt ist das Experiment der 

Stil- und Attitude-Fusion auf irritierende 

Weise geglückt. Denn 

eigentlich war Hiphop ja einmal 

der Sound der Kinderzimmer, renitent 

und subversiv. Mit „Gegen 

den Strich“ aber tritt er in das Repertoire 

des erwachsenen Pop ein. 

Paul Hammerthal 

Wissenswertes: FM4, die amtliche 

Jugendwelle des ORF, ist seit 1995 

auf Sendung. 

Noel Gallagher’s 

High Flying Birds 

„Noel Gallagher’s High 

Flying Birds“ 

SOUR MASH/INDIGO 

[Rock] Seinem Bruder Liam ist 

es mit dem Anfang des Jahres 

veröffentlichten Debütalbum 

seiner Band Beady Eye nicht gelungen, 

sich nur halbwegs vom 

allseits bekannten Oasis-Sound 

zu emanzipieren. Noel Gallagher 

ist da auf seinem neuen Werk, unterstützt 

von Toningenieur Paul 

Stacey und dessen Zwillingsbruder 

Jeremy Stacey am Schlagzeug, 

schon etwas mutiger unterwegs. 

Natürlich enthalten auch die zehn 

Songs von „Noel Gallagher’s High 

Flying Birds“ viele bekannte Oasis-Elemente, 

aber doch in absolut 

verträglicher Dosis. Zu den 

außergewöhnlichsten Stücken 

zählt sicherlich das stark an die 

Kings Mitte der 60er Jahre erinnernde, 

mit Ragtime-Elementen 

angereicherte „The Death Of You 

And Me“, mit dem Noel unter Beweis 

stellt, was für ein versierter 

Songwriter er immer noch ist. Befreit 

vom einengenden Korsett seiner 

früheren Band läuft er auch 

in Nummern wie dem epischen 

„Everybody’s On The Run“ und 

der Midtempo-Hymne „If I Had 

A Gun“ zu absoluter Hochform 

auf. Robert Wallner 

Wissenswert: Noel Gallagher hat 

zusammen mit den DJs der Forma- 

tion Amorphous Androgynous noch 

ein weiteres Album eingespielt. 

Downloadtipp: „The Death Of You 

And Me“ 

Tom Waits 

„Bad As Me“ 

ANTI/INDIGO 

[Blues, Rock] Amerikas Gossenpoet 

und Rotlichtbarde Nummer 

eins ist wieder da und präsentiert 

sich bestens erholt mit einer so 

vitalen, engagierten, aufgedrehten 

Performance wie lange nicht 

mehr. Zudem haben er und seine 

Produzentin Kathleen Brennan 

großen Aufwand für den Klang 

seiner neuen Songs betrieben: 

Da scheppert wie immer vieles 

schräg, aber alle Instrumente bekommen 

viel Volumen – eine satte 

Soundkulisse. Die Stimmung 

der Stücke pendelt zwischen zwei 

Polen: hier rhythmisch packende 

Blues- und Funk-Knochenschüttler, 

in denen heisere Baritonsaxes 

mit spitzen Riffs den 

Gitarren nochmals zusätzlichen 

Pfeffer einblasen – dort gefühlige 

Texmex-Balladen ähnlich 

jenen, denen Bob Dylan zuletzt 

frönte. Aber Waits nölt und wütet 

heftiger: Im schwülen Boogie 

„Get Lost“ steigert er sich in einen 

überdrehten Falsettgesang, 

dessen Intensität nur noch von 

einem fiesen Bluesgitarrensolo 

übertroffen wird. Und in „Hell 

Broke Luce“, einer Art Rap-Inferno 

mit Metalgitarren, Maschinengewehrfeuer 

und Explosionsgeräuschen 

im Hintergrund, lebt 

er seine Lust am Untergang hemmungslos 

aus. Felix Marondel 

Comeback: Sieben Jahre nachdem 

er zuletzt mit neuem Material auf- 

gewartet hatte, serviert Tom Waits 

auf „Bad As Me“ 13 neue Songs (in 

der Deluxe-Version sogar 16) 

Spectrals 

„Bad Penny“ 

WIcHITA/PIAS 

[indie pop] Louis Jones ist 21 

Jahre alt und muss in seinem Leben 

bereits viel britischen Pop 

gehört haben. Denn der Sänger 

und Songwriter, der sich hinter 

dem Projekt Spectrals verbirgte, 

präsentiert mit „Bad Penny“ ein 

Album, das Morrissey in seinen 

jungen Jahren mit The Smiths 

kaum besser hinbekommen hätte. 

Diese Musik hat alles, was das 

sanfte Independent-Herz englischer 

Stilprägung sich wünscht: 

eine Prise Lakonik gepaart mit 

aufs Wesentliche reduzierten Gitarren-Pop 

Arrangements, einen 

launisch vor sich hin singenden 

Barden mit nicht allzu fordernden 

Texten über die Liebe und 

mehr, die bei aller Schlichtheit die 

Untiefen des Banalen geschickt 

umschiffen. So ist „Bad Penny“ 

eigentlich das Album, das man 

sich von längst etablierten Kollegen 

wie eben Morrissey oder 

Matt Johnson wünschen würde. 

Und das ist schon ziemlich viel 

für einen Neuling des Geschäfts. 

Sascha Fröhlich 

Ähnlich wie: The The, The Smiths, 

Elvis costello, Pulp 

SuperHeavy 

„SuperHeavy“ 

A&M/UNIVERSAL 

[Rock/soul/Reggae] Für Mick 

Jagger muss es nach fünf Jahrzehnten 

Rolling Stones durchaus 

einen gewissen Reiz besitzen, 

sich musikalisch noch 

31

P O P, ROck & cO 

einmal neu zu orientieren. Für 

sein Projekt SuperHeavy hat er 

seine Mitstreiter, Sängerin Joss 

Stone, Eurythmics-Mastermind 

Dave Stewart, Soundtrack-Komponist 

A.R. Rahman („Slumdog 

Millionaire“) und Dancehall-Star 

Damian Marley, mit viel Bedacht 

ausgewählt. Theoretisch betrachtet 

eine mehr als reizvolle Kombination, 

deren musikalischer 

Mehrwert sich aber leider nicht 

immer einstellt. So überzeugend 

diese Gruppe der Genre-Stars 

auch beim Titelsong „Superheavy“ 

agiert, auf die gesamte Spieldauer 

weist dieses Experiment 

doch zu viele Leerstellen auf, 

in denen das Zusammenspiel 

nur bedingt funktioniert. Neben 

gelungenen Nummern wie 

der sonnigen Reggae-Hymne 

„Miracle Worker“ und dem mit 

Elektronik-Elementen angereicherten 

„Energy“ gibt es mit dem 

zu stark an bekannte Strukturen 

angelehnten „Unbelievable“ und 

der recht zähen Ballade „One Day 

One Night“ durchaus ein paar 

Ausfälle zu vermelden. 


Info: Die fünf Beteiligten an diesem 

Projekt können zusammen elf Grammys 

auf ihrem konto verbuchen. 

James Morrison 

„The Awakening“ 

ISLAND/UNIVERSAL 

[pop, soul] Schon der Opener 

von „The Awakening“ macht 

deutlich, wohin die musikalische 

Reise auf dem dritten Album des 

Sänger, Gitarristen und Songwriters 

geht: Der sanfte Popsong „In 

My Dreams“ bettet James Morrisons 

prägnanten Gesang in ein 

ausgeklügeltes Soundgewand aus 

Streichern, dezenten Gitarren 

und Percussions ein. Auch mit 

den übrigen zwölf Songs bewegt 

sich der Brite fast ausschließlich 

im Midtempo-Bereich, weiß je- 

32 

doch einen interessanten Spannungsbogen 

aufzubauen. Vom 

souligen „6 Weeks“ über das tanzbare 

„Slave To The Music“ und 

das kraftvolle „Forever“ bis hin 

zur spartanisch instrumentierten 

Ballade „Right By Your Side“ 

reicht Morrisons breites Spektrum. 

Seinen Höhepunkt findet 

das überwiegend vom ehemaligen 

Suede-Gitarristen Bernard Butler 

produzierte Album allerdings in 

„Up“, einem stimmigen Duett mit 

der Sängerin Jessie J. 

Jörg Laumann 

Wissenswertes: Die „Saturn-Edition“ 

des Albums enthält eine Bonus- 

DVD mit der 20minütigen Dokumentation 

„Man Behind The Music“ und 

zwei Videoclips. 

Downloadtipp: „Up“, „The Awakening“, 

„I Won’t Let You Go“ 

Udo Lindenberg 

„MTV Unplugged – Live 

aus dem Hotel Atlantic“ 

STARWATcH MUSIc/WARNER 

[Rock] Vor drei Jahren gelang 

Udo Lindenberg mit dem Album 

„Stark wie zwei“ ein spektakuläres 

Comeback. Der Sänger, Musiker, 

Komponist, Maler und Entertainer 

feierte dieses Jahre seinen 65. 

Geburtstag und denkt noch lange 

nicht ans Aufhören. Mit „MTV 

Unplugged – Live aus dem Hotel 

Atlantic“ setzt sich Udo Lindenberg 

selbst ein Denkmal und legt 

eine pfiffige Werkschau seiner 

Karriere vor, eingespielt mit vielen 

Gästen und Kollegen, darunter 

Inga Humpe, Jennifer Rostock, 

Max Herre, Jan Delay, Clueso und 

natürlich dem Panik orchester. 

Aufgenommen wurde das Livealbum, 

für dessen musikalische 

Umsetzung Andreas Herbig, 

Henrik Menzel und Peter „Jem“ 

Seifert verantwortlich zeichen, in 

der Kulturfabrik Kampnagel. Die 

Bandbreite der Songs reicht von 

„Good Life City“ aus den frühen 

70er Jahren über Titel wie „Mein 

Ding“ aus dem Comeback-Album 

„Stark wie zwei“ bis hin zum von 

Annette und Inga Humpe komponierten 

Song „Ein Herz kann 

man nicht reparieren“. 


Info: Das Album ist in einer 

„Einzelzimmer“-Edition mit 13 Songs 

und einer „Doppelzimmer“-Edition 

mit 24 Songs erhältlich. 

Grateful Dead 

„Europe ’72, Vol. 2“ 

RHINO/WARNER 

[Rock] In den frühen 70er Jahren 

waren die Grateful Dead, jenes 

Vorzeigekollektiv des Hippierock, 

nicht nur auf der Höhe ihrer Popularität 

und kollektiven Schaffenskraft 

angelangt, sondern hatten 

die psychedelischen Soundexperimente 

ihrer Anfangszeit 

durch einen ansteckend lässigen 

Folk- und Countryrock ersetzt, 

den sie in ausgedehnten Improvisationen 

immer weiter verfeinerten. 

Mit diesem Sound bestritten 

Jerry Garcia, Bob Weir & 

Co. damals eine Tournee auf dem 

alten Kontinent und durch Großbritannien, 

die später auf dem legendären 

Triple-Album „Europe 

’72“ dokumentiert wurde. Was die 

Europäer damals vorgeführt bekamen, 

war relaxtes, der eigenen 

ländlichen Wurzeln auf neue Art 

bewusstes, kalifornisches Alternativ-Lebensgefühl. 

Die britische 

Popzeitung Melody Maker würdigte 

die Gastspielreise später als 

das „Europäische Rock-Ereignis 

des Jahres“. Nun wird das historische 

Livedokument um eine 

Doppel-CD ergänzt, die weitere 

fast ausnahmslos hörenswerte 

Mitschnitte der Konzertreise 

enthält. In für eine Rock-Liveaufnahme 

der frühen 70er Jahre 

verblüffend transparentem und 

knackigem Sound (die moderne 

Remixtechnik hat hier Wunder 

getan) erlebt man das Septett 

aus San Francisco in fabelhafter 

Spiellaune und als ungemein homogene 

Einheit. Traumhaft schön 

die entspannte Country-Ballade 

„Loser“, das dylaneske „Black- 

Throated Wind“, ansteckend funky 

das allmaneske „Good Lovin’“, 

faszinierend der Jam-Block aus 

„Darkstar – Drums – The Other 

One“. Felix Marondel 

Nachschlag: Die Doppel-cD ist 

eine Art Sequel des erstmals vor 

fast 40 Jahre erschienenen Albums 

„Europe ’72“ 

Klingen ähnlich: Bob Dylan, Neil 

Young, Gram Parsons, Tom Petty, 

The Allman Brothers Band 

John Watts 

„Fischer-Z“ 

PMG 

[Wave/pop] Natürlich fragt der 

Fan: Warum das Ganze? John 

Watts gräbt zum 30jährigen des 

Erfolgsalbums „Red Skies Over 

Paradise“ in der Krabbelkiste 

der eigenen Hits und nimmt 

Songs seiner Combo Fischer-Z 

noch einmal auf. Das ist an sich 

eine schöne Sache, denn es ermöglicht 

im Prinzip die Erweiterung 

der stilistischen Bandbreite. 

Nur verpasst John Watts 

diese Chance, denn er hält sich 

in vielen Passagen weitgehend an 

die Arrangements der Originale 

aus den frühen 80er Jahren. Er 

spielt ein Tribute für sich selbst 

und setzt damit fort, was er während 

der vergangenen zweieinhalb 

Jahrzehnte bereits gepflegt 

hat. John Watts kann nicht aus 

seiner Haut und genau genommen 

ist das auch gut so. Denn der 

agile und engagierte Brite war 

einer der großen Songschreiber 

der New Wave, der wiederum 

seine Energie aus kulturellen 

Konflikten vom Kalten Krieg bis 

zum unsozialen Thatcherismus 

gezogen hat. Durch die Brille

des Historikers betrachtet ist 

„Fischer-Z“ die anspruchsvollere 

Variante eines Best-Of-Albums. 

Und als solches macht es wieder 

Spaß. Ralf Dombrowski 

Wissenswertes: Fischer-Z spielen 

im November neun konzerte in 

Deutschland. 

Downloadtipp: „Room Service“, 

„Berlin“ 

Wilco 

„The Whole Love“ 

ANTI/INDIGO 

[progressive americana] Wilco 

haben einen langen Anlauf 

von den mittleren 90er Jahren 

bis heute genommen, aber es hat 

sich gelohnt. Als Country-Rock- 

Band gestartet, von Jim O’Rourke 

in Richtung Postrock geführt, 

durch Nels Cline zur Elitetruppe 

zwischen Americana, Jazz und 

Kunstlied avanciert, gelingt Wilco 

auf „The Whole Love“ ihr bislang 

komplettestes Statement. Die 

Sophistication der letzten Alben 

haben sie gegen simple und eingängige 

Melodien eingetauscht. 

Ihr Klangerfindungsreichtum ist 

grenzenlos, kein einziger Einfall, 

der sich wiederholen würde. Viele 

ihrer Songs glaubt man schon eine 

kleine Ewigkeit zu kennen. Nichts 

ist vordergründig, alles sanft verpackt. 

Unaufdringlich breiten sie 

sich in der Rockgeschichte aus, 

manches erinnert an die späten 

Beatles, anderes auch an die frühen 

Grateful Dead, einiges sogar 

an Krautrock, aber das Augenmaß, 

mit dem sie unterschiedlichste 

Klang- und Störquellen zu 

einem poetischen Fluss vereinen, 

kündet von Zukünftigem. Dieses 

ungewöhnliche Album will wieder 

und wieder entdeckt werden. 

Wolf Kampmann 

Weiterhören: Jim O’Rourke, Bonnie 

„Prince“ Billy 

Downloadtipp: „The Whole Love“ 

The Gotan Project 

„La Revancha En cumbia“ 

¡YA BASTA!/ALIVE 

[cumbia] Vor zehn Jahren veröffentlichte 

das Gotan Project sein 

mittlerweile legendäres Mix-Album 

„La Revancha del Tango“, 

das immer noch als Referenzwerk 

für einen aufgeklärten Umgang 

mit traditionellen Musikstilen gilt. 

Für „La Revancha En Cumbia“ 

haben die drei Herren den Spieß 

jetzt einfach umgedreht und die 

Creme der argentinischen Cumbia-Szene 

verpflichtet, um sich 

etwas genauer mit ausgewählten 

Songs des Gotan Projects auseinanderzusetzen.Herausgekommen 

sind zehn Remixe, unter anderem 

von Axel Krieger, El Hijo 

De La Cumbia, Bomba Estereo, 

Fauna, Tremor und El Remolon, 

die die ganze Vielfalt dieser ungemein 

vitalen Szene zeigen. Zu 

den Höhepunkten dieses Album 

zählen unter anderem die elektrisierende 

Bearbeitung des Titels 

„Triptico“ durch die einzigartigen 

Frikstailers und vor allem El Hijo 

De La Cumbias schweißtreibender 

Remix von „Una Musica Brutal“. 


Ähnlich wie: Tango crash 

The Walkabouts 

„Travels In The Dustland“ 

GLITTERHOUSE/INDIGO VÖ 21.10. 

[Rock] Es schien so, als hätten 

sich die Walkabouts nach ihrem 

letzten Album „Acetylene“ vor 

sechs Jahren in Wohlgefallen 

aufgelöst, doch jetzt kehren Chris 

Eckman, Carla Torgerson und Co. 

mit einem ihrer bislang stärksten 

Alben zurück. „Travels In 

The Dustland“ ist auf den ersten 

Blick einfach nur eine Sammlung 

einfacher Songs, doch bei genauerem 

Hinhören entpuppen sich 

alle Lieder als Teil einer größeren 

Geschichte, die in dem fiktiven 

County Dustland im mittleren 

Westen der USA spielt. Es ist eine 

Story über Amerika, die Chris 

Eckman so nur anlegen konnte, 

weil er in seiner neuen Wahlheimat 

Slowenien genug Distanz zu 

den Vereinigten Staaten gefunden 

hat. Durch alle Stücke, die heftigeren 

wie die ruhigeren, zieht 

sich ein durchgängiger Groove, 

der das Erzähltempo vorgibt. In 

alter Walkabouts-Manier teilen 

sich Eckman und Torgerson die 

Gesangsparts auf und wechseln 

somit die Erzählperspektive. 

Wenn es schon keine Romane 

mehr gibt, die an William Faulkner 

anschließen, dann tun das 

zumindest die Walkabouts musikalisch 

mit diesem Album. 

Wolf Kampmann 

Weiterhören: The Baseball Project, 

John Hiatt 

V.A. 

„Geisterbahn“ 

STEEPLEJAck/INAkUSTIk 

[Folk] Die Idee klingt zunächst 

mal gut: Folksänger von den britischen 

Inseln erzählen uns ein 

paar Takte über die deutsche 

Volksmusik. Produzent Andrew 

Cadie hat sich schon lange mit 

deutscher Folklore beschäftigt 

und ist befremdet, dass im deutschen 

Radio nur angloamerikanischer 

Pop läuft. Jetzt gibt er uns 

mit ein paar Landsleuten, die allesamt 

in Deutschland leben, einige 

verborgene Folkperlen zurück. So 

weit, so gut. Leider bleibt er dabei 

tief in den 70er Jahren stecken. 

Abgesehen von dem charmanten 

britischen Akzent erinnern viele 

der hier vorgetragenen Versionen 

an längst überwundene Gutmenschenmusik 

à la Zupfgeigenhansel 

(West) und Wacholder (Ost). Diese 

leicht verklemmte Rüstfahrtenromantik 

mag die eine oder andere 

sentimentale Erinnerung 

wecken, ist aber sicher nicht dazu 

angetan, eine Trendwende in der 

Aneignung deutschen Volksguts 

einzuleiten. Schade, denn es handelt 

sich hier um eine verschenkte 

Chance, die in dieser Form nicht 

so schnell wiederkommen wird. 

Wolf Kampmann 

Weiterhören: Wacholder, 

Brummtopf 

Downloadtipp: „Es geht ein 

dunkler Wolk herein“ 

Johnny Winter 

„Roots“ 

MEGAFORcE/NEO/SONY 

[Blues] Der Name ist Programm 

bei der neuen Veröffentlichung 

von Johnny Winter. „Roots“ führt 

den Gitarristen und Sänger zurück 

zu seinen musikalischen Wurzeln. 

Mit Unterstützung diverser Gäste 

hat Winter elf Blues-Klassiker 

neu eingespielt. Herausgekommen 

ist eine unterhaltsame, mit 

ansteckender Spielfreude dargebotene 

Zeitreise, die mit Robert 

Johnsons „Dust My Broom“ den 

Bogen zurück bis in die 1930er 

Jahre spannt. DerProtagonist 

liefert sich Gitarrenduelle mit 

namhaften Kollegen wie Warren 

Haynes und Susan Tedeschi und 

kann auch in gesanglicher Hinsicht 

überzeugen. Bruder Edgar 

Winter darf beim Instrumental 

„Honky Tonk“ mit dem Saxofon 

die Akzente setzen, bevor das mit 

satten Bläsersätzen instrumentierte 

„Come Back Baby“, im Original 

von Ray Charles bekannt gemacht, 

den stimmungsvollen Abschluss 

markiert. Jörg Laumann 

Wissenswertes: Die Idee zu „Roots“ 

stammt von dem Gitarristen Paul 

Nelson, der auch als Produzent und 

Musiker mitgewirkt hat. 

33

Kl a SSiK 

David Orlowsky Trio 

„Chronos“ 

Sony 

[Weltmusik] Der deutsche Klarinettist 

David Orlowsky hat genau 

diese intensive Herzenswärme in 

seinem ,singenden’ Ton, der man 

sich kaum entziehen kann. Und 

selbst wenn er jetzt wieder auf 

sein angestammtes Terrain zurückkehrt, 

in die Welt des Klezmer, 

reibt man sich verwundert 

die Ohren. Denn obwohl Orlowsky 

auch auf seinem dritten Album 

seiner Klarinette eigentlich altbekannte 

Tränen entlockt, er sein 

Instrument frech aufjauchzen 

lässt oder zum Tanz aufspielt, 

kommt diese uralte Musik einfach 

ganz neu daher. Das liegt jedoch 

weniger an den Kompositionen, 

die allesamt aus der Feder von Orlowsky, 

Florian Dohrmann (Kontrabass) 

und Gitarrist Jens-Uwe 

Popp stammen. Mit Gästen wie 

Bandoneonist Per Arne Glorvigen 

zeigt das Trio, das es hier nicht um 

das Idiom der osteuropäischen 

Folklore geht, sondern um ihren 

Geist. Reinhard Lemelle 

Weiterhören: Giora Feidman, David 

Krakauer, Don Byron 

David Garrett 

„Beethoven: Violinkonzert; 

Kreisler: Violinstücke“ 

DeCCa/UniVerSal, V.Ö. 4.11. 

[Konzert] Fast nur mit der Lupe 

kann man auf dem CD-Cover lesen, 

was Glam-Geiger und Teenie-Schwarm 

David Garrett nun 

eingespielt hat: Es ist Beethovens 

einziges Violinkonzert! Wer aber 

befürchtet, dass Garrett auf diesen 

Prüfstein der Interpretationkompetenz 

rockig drauf los 

34 

drischt, darf durchatmen. Dezent 

und elegant kommt sein Spiel daher. 

Sein Ton ist nicht nur schlank, 

sondern besitzt zudem verzaubernde 

Schönheit. Als wollte 

Garrett den oftmals verkannten 

Melodiker Beethoven endlich 

rehabilitieren. Und das ist ihm 

jetzt auf seine Weise gelungen. 

Im Zugabenprogramm zeigt er 

dann mit dem (leicht blassen) Royal 

Philharmonic Orchestra unter 

Ion Marin, dass er nicht nur sentimental 

zu schwelgen versteht. 

In den Wiener Salonstücken des 

Geigers Fritz Kreisler schaltet 

Garrett auch bravourös ein paar 

Gänge höher – und dürfte selbst 

damit seine ärgsten Kritiker souverän 

entwaffnen. Guido Fischer 

Weiterhören: Jascha Heifetz, Gidon 

Kremer, nikolaj Znaider 

The London Steve 

Reich Ensemble 

„reich: Different Trains, 

Piano Counterpoint u. a.“ 

eMi ClaSSiCS 

[Minimal Music] Goethe empfand 

das Streichquartett noch als 

Gespräch zwischen vier vernünftigen 

Menschen. Vorausgesetzt, es 

gibt Themen, über die man sich 

streiten kann. Beim US-amerikanischen 

Minimalismus-Guru 

Steve Reich gibt es stattdessen 

nur die rhythmische Kinetik. So 

komponierte er 1999 gleich ein 

Triple-Quartet, bei dem 12 Streicher 

über komplex verschachtelte 

Motive und Rhythmen einen unglaublichen 

Sog entwickeln. Und 

mit „Different Trains“ schuf Reich 

1988 gar ein beklemmendes Quartett 

über den Holocaust, das er mit 

Tonbandzuspielungen collagierte. 

Anlässlich von Reichs 75. Geburtstag 

hat das London Steve Reich 

Ensemble diese Kammermusikwerke 

enorm spannungsvoll in 

den Griff bekommen. Kaum glauben 

möchte man hingegen, dass 

Reichs Minimal Music-Manifest 

„Six Pianos“ jetzt als „Piano Counterpoint“ 

von einem einzigen Pianisten 

gestemmt worden sein soll. 

Guido Fischer 

Ähnlich wie: Philip Glass, John 

adams 

Trio Bravo+ 

„Trio Bravo+“ 

oZella/Galileo MC 

[Crossover] Eine Biographie, die 

heute schon wieder unwirklich 

wirkt. Der Geiger Mark Chaet wurde 

in der realsozialistischen Ukraine 

geboren, geriet dort zunächst 

an den falschen Musiklehrer, der 

ihm sein Talent absprach. Er ließ 

sich aber davon nicht abbringen, 

kam in einer Musikberufsschule 

unter und studierte sein Instrument 

so lange, bis seine politische 

Einstellung nicht mehr ins System 

passte. Zwar wurde er in der Ära 

der Öffnung als Musiker rehabilitiert, 

hatte aber 1992 dann doch 

die Nase voll und wanderte über 

weite Umwege nach Berlin aus, 

wo er 1994 endlich an der Hanns- 

Eisler-Universität seine Kompetenzen 

weiter verfeinern durfte. 

Dort traf er auf den Kontrabassisten 

Sergej Sweschinskij und 

gründete zusammen mit Pianist 

Alexander Gutman das Trio Bravo. 

Mit dieser Formation erspielte 

Chaet sich im Lauf der folgenden 

Jahre einen guten Ruf als Geiger 

zwischen den Stilen, und so 

entwickelt sich das Ensemble zu 

einer Konstante in seinem Künstlerleben. 

„Trio Bravo+“ bietet nun 

einen Schlusspunkt der ersten 

15 Jahre Klangerkundungen im 

Grenzgebiet von Folklore, Klassik 

und Jazzgetöntem. Mit wechselnden 

Besetzungen etwa um die 

Marimba-Spielerin Maria Schneider 

ergänzt, schlendert Chaet an 

den Stationen seiner bisherigem 

Karriere entlang, bringt eine Prise 

Russisches mit etwas Abstrakti- 

on, einen Hauch des Schtetls mit 

Kammermusikalischem zusammen. 

Mit viel Emphase gestaltet 

er Räume voller Offenheit, Melancholie 

und ist längst da, wo Nigel 

Kennedy gerne wäre. 


Weiterhören: Fauré Quartett, Daniel 

Kahn, Moscow art Trio 

Enrico Pieranunzi 

„1685 – enrico Piera nunzi 

plays Bach, Händel, 

Scarlatti“ 

CaM JaZZ/eDel KUlTUr 

VÖ 28.10. 

[Recital] Irgendwann packt es 

jeden einmal. Keith Jarrett hat es 

schon getan, Chick Corea ebenfalls 

und nun eben auch Enrico 

Pieranunzi. Der italienische Pianist 

und Klavierprofessor spielt 

Klassiker, und er wählt die Komponisten 

aus, die mit ihrem Hang 

zur zuweilen improvisiert wirkenden 

Linienbildung neben den Impressionisten 

dem Jazzempfinden 

am nächsten sind. Als Motto wählt 

er das Geburtsjahr von Johann 

Sebastian Bach, Georg Friedrich 

Händel und Domenico Scarlatti 

1685, von dem aus er verschiedene 

Kapitel der Variationskultur 

anvisiert. Das Besondere dabei: 

Pieranunzi verknüpft die Werke 

der barocken Meister mit eigenen 

Improvisationen, gemäß der Vorstellung, 

dass erst die bürgerliche 

Klassikrezeption des 19. Jahrhunderts 

den Interpreten die Fähigkeit 

zu spontanen Variationen 

abgewöhnt hat. Und tatsächlich 

ist dieses Solo-Recital immer dann 

am besten, wenn Freiheit auf die 

Festlegung trifft, wenn eine intuitive 

Passage beinahe unmerklich 

in eine komponierte übergeht und 

sich auf diese Weise die musikalischen 

Welten kommentieren, ergänzen, 

komplettieren. Allerdings 

stößt Pieranunzi da auch an seine 

Grenzen. Denn so souverän sein

Anschlag und seine Phrasierung 

im Jazzigen klingen, so klar fehlt 

ihm im Klassischen doch eine Anschlagskultur 

etwa eines András 

Schiff oder der Nachdruck eines 

Friedrich Gulda. Da hilft es auch 

nicht, für einige Stücke auf ein historisches 

Instrument aus dem Jahr 

1849 zurückzugreifen, denn gerade 

ein alter Pleyel ist noch herausfordernder 

als ein neuer Steinway. 


Weiterhören: Brad Mehldau, 

Stefano Bollani, alfred Brendel 

Daniel Barenboim/ 

Pierre Boulez 

„The liszt Concertos“ 

DG/UniVerSal 

[Konzert] Ein Pianist spielt Liszt, 

natürlich, es ist ja Jubiläum. Und 

deshalb widmen sich dieser Tage 

ganze Armaden von Interpreten 

dem musikalischen Schaffen 

des romantischen Komponisten, 

der in vielfacher Hinsicht die 

Vorstellung und Wahrnehmung 

von Musik verändert hat. Denn 

Liszt etablierte die Idee des Virtuosen 

endgültig in der bürgerlichen 

Konzertkultur, und seine 

beiden Klavierkonzerte gelten 

als Schlachtschiffe des Zirzensischen, 

gerne geschmäht von einer 

Musikkritik, die den Kampf des 

erfolgreichen Künstlers mit den 

Grenzen der Ausdruckskraft so 

nicht akzeptieren wollte. Daniel 

Barenboim nun, selbst auf seine 

Weise ein Missionar eines toleranten 

Kulturverständnisses, konnte 

es daher nicht hinnehmen, dass 

die Liszt’schen Konzerte im Jubeljahr 

womöglich falsch verstanden 

werden könnten, und widmete 

sich für das Klavier-Festival 

Ruhr dem mächtigen Werk aus 

seiner Perspektive. Wichtig war 

ihm die Entkleidung des Mythos 

vom Gewand des Historischen 

und eine Neudeutung des Virtuosen 

als Spiel mit Illusionen und 

Farben. Damit das auch möglich 

werden konnte, lud er seinen Kollegen 

Pierre Boulez an das Pult der 

Staatskapelle Berlin, einen der erfahrensten 

Klangraumgestalter 

der Gegenwart. Und vor allem 

diese Entscheidung trug dazu 

bei, dass die im Juni des Jahres in 

Essen aufgezeichneten Konzerte 

sich auch dem nähern, was Barenboim 

sich dachte. Denn erst 

im Verbund des dynamisch und 

dramaturgisch perfekt gesteuerten 

Orchesters konnte der Pianist 

mit den Möglichkeiten der Klangfarblichkeit 

spielen. So wurde aus 

„The Liszt Concertos“ zwar keine 

Jahrhundertaufnahme, aber doch 

eine Version inspirierter Auseinandersetzung 

mit dem Monumentalen, 

die Feinheiten des Tiefgründigen 

zuließ. Sascha Fröhlich 

Weiterhören: Svjatoslav richter, 

Julius Katchen 

Hélène Grimaud 

„Mozart: Klavierkonzerte 

nr. 19 & 23 u. a.“ 

DG/UniVerSal 

[Konzert] Von den bisherigen 

Aufnahmen Hélène Grimauds 

weiß man, dass sie sich über die 

ausgewählten Klavierstücke lieber 

einmal zu viel als zu wenig 

Gedanken macht. Kopflastig ist 

ihr Spiel aber nie, sondern bisweilen 

verstörend aufwühlend. 

Kein Wunder, dass sie selbst bei 

ihren in München mitgeschnittenen 

Konzert-Aufnahmen zwei 

bekannte Klavierkonzerte von 

Mozart nicht einfach runterperlte. 

Mit dem Kammerorchester 

des Symphonieorchesters des BR 

legte sie vielmehr Stimmen und 

Stimmungen frei, die vor allem 

an den Musikdramatiker Mozart 

denken lassen. Ungemein empfindsam 

und subtil lotet Grimaud 

die langsamen Sätze aus, während 

die spielerische Brillanz in 

den schnellen immer auch etwas 

Trügerisches besitzt. Geistigkeit 

und Musikalität geraten bei Grimaud 

in ein auf- und anregendes 

Wechselspiel. Guido Fischer 

Sylvain Cambreling 

„antonín Dvorˇák: Sinfonie 

nr. 9 ,aus der neuen 

Welt‘; leoš Janáček: 

Sinfonietta“ 

Glor ClaSSiCS/Sono MUSiC 

[Sinfonik] Es ist eine Frage des 

Tempos und der Offenheit. Denn 

Antonín Dvorˇáks neunte Sinfonie 

„Aus der Neuen Welt“ ist so 

prall gefüllt mit grandiosen, pathostrunkenen 

Melodien, dass 

Dirigenten gerne den Fehler begehen, 

sie als Potpourri klassischer 

Gassenhauer zu verstehen oder 

auf der anderen Seite via übertriebener 

Empathie dem imaginierten 

Schicksal der Indianer akustisch 

nachzuspüren. Es ist eine Frage 

der Balance, und Sylvain Cambreling 

erweist sich als umsichtiger 

Gestalter mit dem Gespür für ein 

passendes Maß der Introspektion. 

So zart und fragil, beinahe intim 

war das „Largo“ lange nicht 

mehr zu hören; mehr portionierter 

Nachdruck als beim „Scherzo. 

Molto Vivace“ mit dem SWR-Sinfonieorchester 

Baden-Baden und 

Freiburg, das der gebürtige Nordfranzose 

seit 1999 als Chefdirigent 

leitet, ist kaum noch möglich. Cambreling 

schöpft die Möglichkeiten 

der Farbgestaltung mit Pfiffigkeit 

aus, und bevor das Fest der Ohrwürmer 

allzu versöhnlich wird, ist 

die 2009 entstandene Aufnahme 

auch schon vorbei und mündet in 

Leoš Janáček „Sinfonietta“, eine 

Komposition des bereits 72jährigen 

Tschechen, die er in nur drei 

Wochen anlässlich eines Kongresses 

des patriotischen Turnerverbandes 

„Sokol“ geschrieben hatte 

und die 1926 in Prag uraufgeführt 

wurde. Hier treffen imaginierte 

Folklore und Fanfarenpracht, orchestraler 

Wohlklang und dezente 

Abstraktion aufeinander, als spätes 

Erbe der nationalen Musikjahrzehnte. 

Für Cambreling und 

sein Orchester ist Janáček mehr 

noch als Dvorˇák eine Spielwiese 

der Akzente, der Präsenz in der 

Transparenz. Eine ebenso feinsinnige 

wie unterhaltsame Aufnahme 

zweier großer Orchesterwerke 

aus dem Geiste der reflektierten 

Romantik. Sascha Fröhlich 

Wissenswertes: im Jahr 2009 

bekam Sylvain Cambreling den 

echo Klassik als Dirigent des Jahres 

für sei ne Beschäftigung mit olivier 

Messiaen. 

Sharon Isbin & 

Friends 

„Guitar Passions“ 

Sony ClaSSiCal 

[Crossover] Natürlich ist die 

US-amerikanische Topgitarristin 

Sharon Isbin absolut sattelfest im 

klassischen Kernrepertoire, ob bei 

Bach oder in den spanischen Miniaturen 

eines Albéniz. Die ehemalige 

Schülerin des Jahrhundertgitarristen 

Andrés Segovia geht aber 

eben gerne mal musikalisch fremd. 

Für ihre Klangroute in Richtung 

Brasilien und Lateinamerika hat 

sie sich nun namhafte Begleitung 

gesichert. Ex-Zappa-Gitarrist Steve 

Vai, die brasilianische Sirene 

Rosa Passos sowie der Tapping- 

Spezialist Stanley Jordan assistieren 

Isbin bei ihren einfühlsamen, 

akustischen Saitenschwingungen. 

Und für weltmusikalisch angenehme 

Brisen sorgt etwa eine Coverversion 

von Antonio Carlos Jobims 

„Chovendo na Roseira“. Das 

eigentliche Gitarrenfeuer lodert 

aber erst, wenn Isbin ganz allein 

und atemberaubend virtuos zupackt, 

in Klassikern von Agustín 

Barrios Mangoré und Albéniz. 

Reinhard Lemelle 

Ähnlich wie: Miloš Karadaglić 

„Mediterráneo“ 

35

Ja Z Z & Wo rlD 

Inge Brandenburg 

„Sing! inge, sing!“ 

SilVer SPoT/eDel:KUlTUr 

[Vocal Jazz] Im Booklet liest 

man über die gebürtige Leipzigerin 

Lobeshymnen aus berufenem 

Jazz-Munde, auch von Emil 

Mangelsdorff und Klaus Doldinger. 

Dabei ist der Name Inge Brandenburg 

längst vom Jazz-Radar 

verschwunden. 1999 starb die 

Sängerin mit 70 Jahren in München, 

verarmt und vergessen. 

Doch auch in den Jahrzehnten zuvor 

kannten sie nur noch Insider, 

obwohl Brandenburg für kurze 

Zeit als Europas beste Jazzsängerin 

galt. Ein überfälliger Tribut 

an diese verschollene Künstlerin 

versammelt jetzt Aufnahmen von 

1959 bis 1995, die sie vorrangig für 

deutsche Rundfunkstationen gemacht 

hatte. Und ob nun in den 

Standards „The Man I Love“ und 

„Body and Soul“ oder „Non, je ne 

regrette rien“ – sie besaß neben 

mitreißender Swing-Power auch 

stets diese Bittersüße im Ausdruck, 

die große Jazzstimmen 

aus und unsterblich macht. 

Guido Fischer 

Besonderheit: ein gleichnamiges 

Filmporträt über inge Brandenburg 

kommt am 26.10. in die Kinos. 

Dieter Ilg 

„otello live at 

Schloss elmau“ 

aCT/eDel:KUlTUr VÖ 28.10. 

[Fusion] Jazz-Bassist Dieter 

Ilg gibt meistens prominenten 

Musikern Rückendeckung, wie 

etwa Till Brönner oder Bassbariton 

Thomas Quasthoff bei dessen 

Standardausflügen. Doch 2010 begab 

sich Ilg mit eigenem Trio ins 

36 

Studio und in die Operngeschichte, 

um Giuseppe Verdis berühmten 

Mohren „Otello“ auf Fusion- 

Herz und Nieren abzuklopfen. 

Das Experiment glückte, die verjazzte 

Otello-Annäherung wurde 

mit einem Schallplattenpreis ausgezeichnet. 

Anfang 2011 entstand 

nun der Livemitschnitt im oberbayerischen 

Schloss Elmau. Und 

mit seinen Kompagnons Rainer 

Böhm (Klavier) und Patrice Heral 

(Schlagzeug) legte Ilg noch mal 

nach, was die dauergroovende 

Gangart und romantische Jazz- 

Hymnenseligkeit angeht. Würde 

da aber zwischendurch nicht 

einer der Musiker als intriganter 

,Jago’ mit einer Free-Funk-Scat- 

Arie auftreten, man würde glatt 

vermuten, hier eine verschollene 

Aufnahme des schwedischen 

Esbjörn Svensson Trio zu hören. 

Guido Fischer 

Weiterhören: Uri Caine „Wagner e 

Venezia“ 

Kerkko Koskinen 

Orchestra 

„Trains & letters“ 

riCKy-TiCK/GrooVe aTTaCK 

[Ensemble Jazz] Der finnische 

Komponist, Pianist und Bandleader 

Kerkko Koskinen nennt gerne 

Charles Mingus als Vorbild 

seiner eigenwillig humorvollen 

Klangwelten. Tatsächlich ist da 

eine entfernte Geistesverwandtschaft 

auf dem aktuellen Album 

seines Orchesters zu spüren. 

Zum einen erscheint das Thema 

„Trains & Letters“ zunächst abstrus 

genug, dass es auch von dem 

amerikanischen Querdenker hätte 

sein können. Es ist gedacht als 

augenzwinkernder Nekrolog auf 

zwei Kulturräume, die in Zeiten 

von Internet und E-Mail immer 

mehr verloren gehen, Züge als 

Soziotope und Briefe als fest geschriebene 

Dokumente menschlicher 

Verfasstheit. Vor allem aber 

ist die Musik auf sympathisch 

intendierte Art chaotisch, ein 

wunderbares Ineinanderwirken 

konkurrierender Bläsersätze, 

irrlichternder Linien auf modern 

swingender Basis, die aber 

rechtzeitig zur Gemeinsamkeit 

zurückkehren, bevor musikalische 

Zentrifugalkräfte wirken 

können. Zwischendurch wird 

das Ganze noch gewürzt durch 

ein wenig Cembalo oder auch ein 

paar finnische Verse. So bekommt 

Kerkko Koskinens Klangkosmos 

eine überraschende Prise Sonderbarkeit, 

die so vielen gelackten 

Orchesterplatten abgeht. Eine 

Entdeckung! Ralf Dombrowski 

Weiterhören: le Sacre Du Tympan, 

Mingus Big Band 

Brad Mehldau, Kevin 

Hays 

„Modern Music“ 

noneSUCH/Warner 

[Piano Jazz] In den 90ern startete 

der New Yorker Tenorsaxofonist 

Patrick Zimmerli zunächst 

eine Musiklaufbahn im Umkreis 

der avancierten Moderne etwa 

an der Seite des Gitarristen Ben 

Monder. Doch dann zog es ihn 

mehr zum Komponieren hin, und 

er schrieb viel Kammermusik unter 

dem Eindruck von Minimalisten 

wie Steve Reich. Eines dieser 

Projekte ist „Modern Music“, ein 

Programm, konzipiert für zwei 

Klaviere, dessen sich nun die Pianisten 

Kevin Hays und Brad Mehldau 

angenommen haben. Obwohl 

weitgehend auskomponiert, ist die 

Wahl von zwei Jazzkoryphäen 

für diese musikalischen Zwiegespräche 

wohl durchdacht. Denn 

Zimmerlis Kompositionen wirken 

frei fließend und fordern von den 

Interpreten dieses nötige Quäntchen 

Spontaneität und Impulsivität, 

um aufzublühen. So gelingt es 

Hays und Mehldau, die „Modern 

Music“ mit postimpressionisti- 

scher Gestaltungskraft wirken zu 

lassen und der Tendenz zum Plakativen 

der Ausdruckspatterns 

mit Impulsivität und pianistischer 

Eleganz entgegen zu wirken. 


Ähnlich wie: Wim Mertens, 

Michael nyman 

Chick Corea, Stefano 

Bollani 

„orvieto“ 

eCM/UniVerSal 

[Piano Jazz] Spontan sollte es 

sein, ein Treffen aus dem Geiste 

der berühmten Klavierduos, die in 

den 70er Jahren die Jazzwelt faszinierten. 

So reisten die Pianisten 

Chick Corea und Stefano Bollani 

im vergangenen Dezember ohne 

große vorherige Absprachen an, 

um beim Umbria Jazz Winter 

Festival ihr Glück auf der Bühne 

zu versuchen. Lediglich ein paar 

Lieder hatten sie vereinbart, der 

Rest blieb der Gunst des Moments 

überlassen. Und die Schwingungen 

am Abend vor Silvester waren 

dem Künstlerduo gewogen. Mit 

charmanter Eloquenz formulierten 

sie ihre Dialoge, ästhetisch 

eher unter der postromantischen 

Führung Bollanins als dem früheren 

Idiom der Corea-Gespanne 

folgend. Es gab Kammerjazziges 

und ein wenig Avantgardeskes, 

allerdings in Maßen, ansonsten 

viel Melodie, viele perlende Läufe 

und fein balancierte, manchmal 

gar höflich zurückhaltende 

Zwiegespräche. Tatsächlich fehlt 

„Orvieto“ daher ein wenig der 

Schmiss, der zweieinhalb Jahrzehnte 

zuvor die Konzeption der 

Klavierduos von Corea bestimmte. 

Dazu hätten sich die beiden vielleicht 

doch vorher treffen sollen, 

um im Kleinen die Grenzen des jeweiligen 

Partners auszuloten und 

sie dann vor Publikum im kreativen 

Idealfall auszukosten. Sei’s

drum: Schön klingt die Musik von 

Corea und Bollani allemal. 


Wissenswertes: Chick Corea ist der 

Duo-König des Jazz. Berühmt wur- 

den vor allem seine aufnahmen mit 

dem Vibrafonisten Gary Burton. 

Rudresh 

Mahanthappa 

„Samdhi“ 

aCT/eDel:KUlTUr 

[World Jazz] Indien holt auf. 

Während das Land kurz davor 

steht, China den demographischen 

Spitzentitel abzuluchsen, 

ist auf der anderen Seite der Welt 

eine Generation von nicht mehr 

ganz jungen, selbstbewussten 

Musikern herangewachsen, die 

in der Jazzszene klangkulturelle 

Akzente setzen. Dabei geht es 

nicht um das Relativieren vorhandener 

Normen, sondern eher um 

die Definition eines eigenen Stilplatzes 

im Impulsgemenge starker 

Gestaltungstraditionen. Dem 

Saxofonisten Rudresh Mahanthappa 

kommt dabei eine besondere 

Bedeutung zu. Denn über seine 

spieltechnische Kompetenz hat er 

sich bereits während der vergangenen 

fünf Jahre einen prominenten 

Platz in der Wertschätzung 

von Presse und Publikum erspielt. 

Mit „Samdhi“ nun geht er einen 

Schritt weiter als bisher. Im Quintett 

mit Gitarrist David Gilmore, 

E-Bassist Rich Brown, Drummer 

Damion Reid und Mridangam- 

Trommler Anantha Krishnan 

entwickelt er ein Programm zwischen 

den Welten, verwurzelt im 

Free Funk ebenso wie im Polyrhythmischen, 

im Jazz Blues wie 

in den weit ausholenden Bögen 

der indischen Ideenwelt. Da findet 

sich viel New York im Stilgepäck, 

das Erbe der M-Base-Ära à 

la Steve Coleman etwa, aber eben 

auch jazzig Ungewohntes in Tonbildung 

und Phrasierung. Das ist 

neu, muss sich setzen, wird aber 

Spuren hinterlassen. 


Malcolm Braff 

„inside“ 

enJa/SoUlFooD 

[Piano Jazz] Für Malcolm Braff 

war es auch ein wenig ein Neuanfang. 

Sein langjähriges Trio 

mit dem Bassisten Bänz Oester 

und dem Drummer Samuel 

Rohrer hatte sich aufgelöst, und 

so konnte sich der in der Schweiz 

lebende, aber in Brasilien geborene 

Pianist Malcolm Braff nach 

anderen Partnern umsehen, ohne 

jemanden vor den Kopf zu stoßen. 

Als ihn das Festival von Cully in 

diesem Frühjahr als Artist in Residence 

engagierte, bekam er die 

Gelegenheit, den Bassgitarristen 

Reggie Washington und den 

jungen Drummer Lukas Koenig 

einzuladen. Die Arbeitsphasen 

entwickelten sich so produktiv, 

dass das frischgebackene Trio 

wenig später ins Studio ging. Elf 

überwiegend eigene Stücke wurden 

aufgenommen, funky an der 

Basis und beiläufig komplex in 

der Durchführung. Auf „Inside“ 

laufen die M-Base-Erfahrungen 

Washingtons mit frei fließenden 

Grooves und Braffs Hang zu verschmitzter 

Abstraktion zusammen, 

ergänzt um das klare, versiert 

kommentierende Schlagzeug 

des österreichischen Newcomers. 

Als kleinen Bonus sang schließlich 

im Nachhinein noch die bislang 

unbekannte Aurélie Emery 

– ein Session-Gast aus Cully – 

Björk-getönte Linien über ein 

Stück des Albums. So entstand 

funky Pianojazz mit ordentlich 

Kraft in der Hinterhand, ein Rezept, 

das noch richtig groß rauskommen 

könnte. 


Ähnlich wie: Kevin Hays, Gerald 

Clayton, andy Milne 

37 

Joo Kraus & Tales In 

Tones Trio 

„Painting Pop“ 

eDel ConTenT / eDel KUlTUr 

[Cool Jazz] Erinnert sich noch 

jemand an Tab Two? An dieses 

rätselhaft verschrobene Duo des 

früheren Kraan-Bassisten Helmut 

Hattler mit einem jungen 

Trompeter namens Joo Kraus? 

Richtig, es ist eben jener Newcomer, 

der sich inzwischen zu 

einem der führenden Instrumentalisten 

seines Fachs in der 

deutschen Szene gemausert hat. 

Und er kann es noch immer nicht 

lassen, mit seinen Projekten die 

Randgebiete des Jazz an der Grenze 

zum Pop abzugehen, um nach 

Inspirationen und Repertoireideen 

zu suchen. „Painting Pop“ 

führt ihn nun mit seinem Trio 

Highlights: 

Fr., 04.11., 19.30 Uhr, Festsaal Ingolstadt 

Pat Metheny Trio 

w/Larry Grenadier & Bill Stewart 

So., 06.11., 19.30 Uhr, Festsaal Ingolstadt 

Earth, Wind & Fire 

Experience 

feat. The Al McKay Allstars 

Fr., 04.11., Jazz Party I: 

• George Duke Quartet • Tingvall Trio 

• Iiro Rantala 

Sa., 05.11., Jazz Party II: 

• The Bahama Soul Club • Magnus 

Lindgren Quartet • Raphael Gualazzi 

• Incognito • Mike Stern Band feat. 

Dave Weckl, Bob Malach, Chris Minh Doky 

über den Kosmos von Michael 

Jackson hinaus, den er mit dem 

vorangegangenen „Neverland“- 

Projekt erkundete. Wirkte die 

Hommage an den „King Of Pop“ 

noch ein wenig konstruiert, so 

ist dieses Album ein gelungenes 

Experiment. Die Stücke stammen 

mal von Toto und 10cc, mal 

von Sade und sogar Nena, werden 

aber von den Musikern mit 

einer Nonchalance in die eigene 

Klangsprache übersetzt, dass 

einem stellenweise Gänsehaut 

kommt. So klingt ein „I’m Not In 

Love“ momenthaft wie eine verschollene 

Ballade von Chet Baker, 

und der „Smooth Operator“ hätte 

auch aus einer Laune von Art 

Blakey’s Jazz Messengers heraus 

entstanden sein können. Hier ist 

ein Konzept gereift und wirkt sogar 

bei den Liveaufnahmen der 

Bonus-CD von der Neverland- 

Tournee homogen und überzeugend. 

Was für ein cooler Typ dieser 

Kraus doch geworden ist! 


Das komplette Programm & Tickets unter: 

www.ingolstaedter-jazztage.de, Tel.: 08 41/3 05 18 11

s chat zkiste 

The Smiths 

„complete“ 

RhiNO/WaRNeR 

The Smiths waren das gute Gewissen der New 

Wave, jedenfalls stellen sie sich gerne so dar. 

Während die Kollegen von Human League 

bis Spandau Ballet den Synthiepop der Punk- 

Nachfolge gerne als Kunstform inszenierten, 

gaben sich Sänger Steven Patrick Morrissey 

und Gitarrist Johnny Marr mit ihrer Band betont 

authentisch und normal. Schon der Allerweltsname 

war eine Botschaft, allerdings eine 

ironisch relativierte. Denn so durchschnittlich 

jugendlich The Smiths auf der einen Seite 

wirken wollte, so massiv nahmen sie auf der 

anderen Stellung zu den Verfasstheiten 

der britischen Gegenwart. Morrisseys 

verbaler Lieblingsfeind war 

Premierministerin Margaret Thatcher, 

der er in seinen Liedern schon einmal 

die Guillotine an den Hals wünschte, 

dicht gefolgt von Bob Geldof, den er 

schlicht für einen Scharlatan des Benefiz-Business 

hielt. Dazu kamen klare 

Stellungnahmen gegen den Verzehr 

von Fleisch, dem die Band sogar 

den Albumtitel „Meat Is Murder“ 

widmete. 

38 

Saubermänner mit 

Attitüde: Johnny Marr 

(l.) und Morrissey 

(2.v.l.) mit Band 

So waren The Smiths eine wunderbar widersprüchliche 

Combo, die zum einen stellenweise 

aggressive oder traumatische Texte in eine 

ansprechende musikalische Form brachte, auf 

der anderen Seite zumindest auf dezente Weise 

dem Ausverkauf der Popmusik, der in den 

frühen 80ern einsetzte, einen künstlerischen 

Anspruch der Originalität entgegensetzten. 

Markant waren neben Morrisseys mal flehender, 

mal larmoyanter, aber auch beschwörender 

Stimme vor allem die schwebenden und 

fröhlich flirrenden Gitarrenlinien Marrs, die 

dem Pathos des Textes einen Teil des poetischen 

Ernstes wieder nahmen. So war es eigentlich 

unvermeidlich, dass 

die beiden stilistischen Protagonisten 

der Band über kurz 

oder lang aneinander geraten 

mussten. 

Anno 1987, nur fünf Jahre nachdem sich 

The Smiths in Manchester gegründet hatten, 

verließ Johnny Marr die Band, die das letzte, 

noch gemeinsame und vierte Studioalbum 

„Strangeways, Here We Come“ wenig später 

als Nachruf veröffentlichte. Morrissey startete 

seine Solokarriere, setzte mit „Viva Hate!“ im 

folgenden Jahr das Politikerbashing erfolgreich 

fort und gilt heute neben Elvis Costello 

und David Sylvian als integre Ikone der 

Independent-80er. Marr arbeitete mit Bands 

wie Electronic weiter, schrieb Songs für Oasis 

und Beck und machte sich im Vorfeld der 

30jährigen Bandjubiläums daran, das Erbe 

von The Smith zu remastern und in einer 

CD-Box mit neuen Linernotes herauszugeben. 

„Complete“ heißt das gute Stück, ist in 

verschiedenen CD- und Vinylversionen erhältlich 

und macht alle, die die 80er miterlebt 

haben, ein bisschen nostalgisch. Denn genau 

genommen ging es damals kaum jemandem 

in England, in Europa wirklich schlecht. The 

Smiths dokumentieren diesen musikalischen 

Wohlstand in aller verschmitzt intellektueller 

Pracht. Sascha Fröhlich 

Info: the smiths wurden zum Vorbild vieler Bands 

des Britpop und des New-Wave-Revivals.

Blondie 

„Original album classics“ 

ePic/LeGacY/sONY 

Zwar hatte sich die New Yorker 

Pop-Punk-Combo Blondie 1983 

nach neun produktiven Jahren offiziell 

aufgelöst. Aber so ganz sein 

lassen wollten es die Musiker und die Sängerin Deborah 

Harry dann doch nicht, und so veröffentlicht die Band bis 

heute Alben unter dem erfolgreichen Namen. Drei Aufnahmen 

der mittleren Jahre, „No Exit“, „Livid“ und „The 

Curse Of Blondie“ sind nun im Rahmen der Reihe „Original 

Album Classics“ in einem Schuber zusammengefasst wieder 

zu haben. Sie gehören zur Herbstrunde der bereits 2008 

gestarteten Serie, die Raritäten und vergriffene Aufnahmen 

jeweils im Dreierpack mit Originalcovers im Vinylstil 

zusammenfassen. Neben Blondie sind diesmal Songwriter 

Ben Folds, die Altrocker von Deep Purple und die britischen 

Indie-Rocker Manic Street Preachers mit von der Partie. 

Noch umfangreicher sind die 5-CD-Päckchen mit Alben von 

REO Speedwagon, Lou Reed, Suicidal Tendencies und Elvis 

Presley, die ebenfalls dieser Tage in die Läden kommen. 

Und wem das nicht genügt, der kann noch ein bisschen in 

den Regalen kramen. Denn seit Start der Serie sind bereits 

rund 200 Titel im Rahmen der „Original Album Classics“ 

wieder veröffentlicht worden. Paul Hammerthal 

Info: Die „Original album classics“ umfassen auch Folk- und 

Jazztitel von Willie Nelson über George Benson bis Deodato. 

Ganz entspannt: Als 

Blondie stagnierte, 

sang Deborah Harry 

auch mal Jazz 

Miles Davis 

„the Perfect Miles Davis 

collection“ 

cOLUMBia/LeGacY/sONY 

im september 1991 starb Miles Da- 

vis an den Folgen eines schlagan- 

falls. zwei Jahrzehnte sind seitdem 

vergangen, aber noch immer gilt der 

trompeter als tonangebende kraft 

im Jazz. Denn er war mehreres zu- 

gleich: einerseits ein neugieriger und 

risikofreudiger Musiker, der mehr- 

mals dem Jazz eine Richtung wies 

und darüber hinaus in seinen Bands 

mit steter Regelmäßigkeit die hoff- 

nungsträger seines Fachs versam- 

melte. auf der anderen seite war er 

ein kämpfer für die Gleichberechti- 

gung schwarzer künstler, der es als 

einer der ersten durchsetzte, ge- 

nauso bezahlt zu werden wie seine 

weißen kollegen. Und er war Prota- 

gonist eines Lebensstils, der mit ex- 

altierter Mode, ruppigen Gesten und 

der Botschaft, mit dem Rücken zum 

Publikum zu spielen, die Verhaltens- 

normen von Jazzmusikern revidierte. 

in einer hinsicht allerdings war 

Miles Davis erstaunlich konstant. 

Nachdem er Mitte der 50er 

Jahre einen Vertrag mit 

der Plattenfirma cBs/ 

columbia unterschrieben 

hatte, blieb er dem 

haus weitgehend treu. 

Das ermöglicht es sony, 

d i e i n z w i s c h e n d e n 

katalog von columbia verwaltet, 

erstaunliche sammlungen seiner 

Platten herauszugeben. aus anlass 

des 20. todestages nun kann man 

als Miles-Davis-Fan auf zwei zusammenstellungen 

zurückgreifen. 

Für den enzyklopädisch veranlagten 

sammler bietet die bereits 2009 

erschienene Box „the complete columbia 

album collection“ die Möglichkeit, 

den gesamten Miles mit 52 

alben auf 70 cDs, Bonusmaterial 

und zusätzlicher DVD zu archivieren. 

Darüber hinaus gibt es nun auch 

eine auswahl dieser edition in einer 

kleineren, aber für viele Jazzfans 

vollkommen ausreichenden Version. 

„the Perfect Miles Davis collection“ 

versammelt 20 essentielle alben, 

angefangen bei den Gil-evans-aufnahmen 

über „kind Of Blue“ und 

das legendäre Quintett der 60er bis 

hin zum Jazzrock von „Bitches Brew“ 

und einigen alben aus den 80ern. 

Mit einem eigenen Booklet sorgfältig 

ediert und kommentiert, bietet 

diese Box einen ausgezeichneten 

Überblick über die schaffensphasen 

mit hohem Genusspotential. Und 

wer dann erst einmal 

Blut geleckt hat, 

kann sich „sorcerer“, 

„the Man With the 

horn“ oder „You’re 

Under arrest“ immer 

noch einzeln zulegen. 


39

s chat zkiste 

Verschiedene 

Interpreten 

„süddeutsche zeitung Jazz“ 

aLiVe 

Es muss eine Heidenarbeit gewesen 

sein, mehr als 300 Titel zusammenzustellen, 

um das Thema Jazz mal von 

einer neuen Seite anzugehen. Aber der 

Musikjournalist – und frisch gebackene 

Chefredakteur des SONO-Magazins 

Ralf Dombrowski – hatte die Idee, das 

schier grenzenlose Repertoire nicht 

nach Kriterien wie Chronologie oder 

Persönlichkeiten, sondern nach einem 

dramaturgischen Konzept zu gliedern. 

Es sollten CDs entstehen, die jeweils 

nach Themen sortiert jede für sich einem 

Spannungsbogen folgen, der die 

ganz alten Stücke ebenso integriert wie 

die ganz neuen. Spezialisten sollten 

ebenso angesprochen werden wie Novizen 

des Musikgenusses, Entdecker 

ebenso wie Hörer, die sich einfach nur 

gute Unterhaltung wünschen. Heraus 

kam eine Box mit 18 CDs, die manche 

Überraschung zu bieten hat. So finden 

sich die Größen des Geschäfts 

40 

Hände hoch und 

zuhören! Bugge ist 

dabei bei SZ Jazz 

von Charlie Parker und Miles Davis 

bis John Coltrane und Ornette Coleman 

ebenso in den Zusammenstellungen 

wieder wie Musiker, die auf 

einem Theremin spielen, eine Bluegrass-Version 

eines Queen-Klassikers 

anstimmen oder indische Musik aus 

Jazzperspektive interpretieren. Darin 

unterscheidet sich die Jazz-Edition der 

Süddeutschen Zeitung von anderen 

Compilations, die diesen Weg schon 

gegangen sind. Sie nimmt den Hörer 

an der Hand und führt ihn durch das 

Spiegelkabinett einer Musik, die viel 

mehr zu bieten hat als Swing, Bebop 

und verrückte Bläser. 


Maria Callas 

„the callas effect“ 

eMi cLassics 

Als Teenagerin sang Maria 

Callas ihre erste Rolle 

in Mascagnis „Cavalleria 

Rusticana“ in Athen, und 

wenig später schon galt die in New York geborene 

Griechin mit italienischem Pass als Jahrhundertstimme. 

Sie schaffte es, in den nach neuen Helden 

und Heldinnen dürstenden Nachkriegsjahren 

nicht nur der Oper an sich wieder zu neuem Glanz 

und Popularität zu verhelfen, sondern ganze Epochen 

wie das Belcanto neu zu beleben. Und sie 

war eine schillernde Gestalt des öffentlichen Lebens, 

durch ihre glamouörsen Auftritte, aber auch 

durch ihre Affäre mit dem Milliardär Aristoteles 

Onassis. Die Edition „The Callas Effect“ spürt dem 

besonderen Reiz dieser Märchenkarriere nach, 

mit zwei CDs, die ihre Paradearien von Gluck 

bis Verdi und Puccini bis Catalani unter einem 

Dach versammeln. Als besonderer Bonus wird 

die Sammlung durch eine DVD-Dokumentation 

ergänzt, die mit viel historischem Material die Lebensgeschichte 

von Maria Callas nachvollzieht. 


Little Feat 

„40 Feat“ 

PROPeR/ROUGh tRaDe 

als Litte Feat 1968 anfin- 

gen, war noch alles offen. 

Die Rockmusik war gerade 

erst im Begriff, erfunden zu 

werden, und allerlei schräge Vögel und träumer suchten 

nach ihrem Platz auf der spielwiese. einer davon 

war Lowell George, sänger und Gitarrist mit Blumen 

im haar und Gewürzkraut im kopf. er rief mit Freunden 

aus dem zappa-Umfeld Little Feat ins Leben, schrieb 

Lieder, die die Freiheit der amerikanischen highways 

priesen, und glaubte selbst an diese Mythen. in den 

70ern avancierte die Band zum kritikerliebling, wurde 

allerdings vom Publikum langsamer anerkannt. Lowell 

George frönte den Rauschmitteln, starb 1979 an herzversagen 

und hinterließ eine Band, die im Laufe der 

Jahre auf der Bühne immer besser wurde. „40 Feat/ 

the hot tomato anthology 1971-2001“ versammelt 

nun auf 3cDs Live-aufnahmen aus vier Jahrzehnten 

vom bandeigenen hot-tomato-Label. Manches fällt 

unter die Rubrik kurioses, das Meiste aber ist so durch 

und durch amerikanischer country-Funk mit Blues vermengt, 

dass man sich am liebsten gleich ins auto setzen 

möchte und gen süden cruisen, der sonne, dem 

taumel, der Freiheit entgegen. Paul Hammerthal

Elvis Presley 

Young Man With the Beat – 

the complete ’56 

elvis Presley Masters 

Rca/LeGacY/sOnY 

Popgeschichtsschreibung hat etwas surrea- 

les. Denn Journalisten neigen dazu, karrieren 

wie naturgewalten erscheinen zu lassen, die 

über die Musikwelt hereinbrechen. Da tau- 

chen Genies wie aus dem nichts auf, walzen 

alles nieder, was sich ihnen kritisch in den 

Weg stellt, und schaffen es scheinbar mühelos, 

ein großes Publikum auf ihre seite zu 

ziehen. Dieses Modell ist zwar alt, aber wirkungsvoll, 

und einer der ersten, bei denen es 

breitenwirksam zum tragen kam, war elvis 

Presley. 

noch 1955 kannte kaum jemanden den 

jungen Wilden aus tupelo, der mit seiner Mischung 

aus country-sound und Rockabilly 

beim regionalen sun-Label ein paar ebenso 

regionale singles aufgenommen hatte. 

allerdings waren die talentscouts von Rca 

Victor auf ihn aufmerksam geworden und 

bearbeiteten elvis’ Manager sam Philips, den 

newcomer doch für die große Firma zu verpflichten. 

es wurde viel gefeilscht, schließlich 

unterschrieb Presley im november 1955 seinen 

Vertrag und kassierte den für damalige 

Für seine Karriere ging Elvis 

Presley auch vor den Fans 

auf die Knie. Die fanden es 

großartig und liebten ihn. 

Verhältnisse traumhaften Betrag von 35.000 

Dollar. Das war eine große investition, die 

sich für Rca Victor lohnen musste, und deshalb 

warfen die Werbe- und Marketingleute 

die star-Maschinerie an. elvis Presley, eben 

erst 20 geworden, machte mit jugendlichem 

elan den ganzen trubel mit. Das Jahr 1956 

ging daraufhin in die Pophistorie ein als Beben 

des Rock’n’Rolls, der in Gestalt des Jungen 

mit dem hüftschwung die nach neuen 

klängen dürstende Musikszene überflutete. 

ein Märchen, möchte man meinen. Doch 

die umfangreiche edition „Young Man With 

the Big Beat – the complete ’56 elvis Presley 

Masters“ zeichnet da ein differenziertes 

Bild. natürlich gibt es in dieser opulent bebilderten 

und mit Devotionalien, 

Outtakes, 

Liveaufnahmen und 

interviews auf insgesamt 

5 cDs geschmückten 

edition 

reichlich mitreißende 

Musik zu hören. Die 

minutiös rekonstruierte 

chronologie 

des Durchbruchsjahres 1956 dokumentiert 

aber auch einen pausenlos arbeitenden, von 

termin zu termin hetzenden künstler, der 

sich ganz in den Dienst der Vermarktung der 

eigenen Person gestellt hat. 

Das ist spannend nachzuvollziehen und 

zeigt darüber hinaus einen Menschen innerhalb 

eines Räderwerks, dem das Private 

weitgehend abhanden gekommen war. auf 

der Promosingle von 1956, mit der elvis unter 

dem Motto „the truth about Me“ den 

Wissensdurst der Fans zu stillen versuchte, 

meinte er: „In vielen der Briefen fragen 

mich die Leute nach den Dingen, die ich 

so mache. Also, ich rauche nicht, ich trinke 

nicht, und ich gehe gern ins Kino. Vielleicht 

werde ich eines Tages auch ein Heim 

und eine eigene Familie haben, von der ich 

mich nicht mehr fortbewegen werde.“ 

träume eines 21jährigen, der sich in den 

Dienst der Öffentlichkeit gestellt hatte, 

von dort den Weg aber nie mehr zurück 

in die normalität gefunden hat. 

Sascha Fröhlich

42 

Der Durchstarter: Als 

Produzent und Filmkomponist 

wird Quincy 

Jones berühmt 

Buch: Quincy Jones 

„Mein Leben – meine Leidenschaften“ 

EDEL:VITA 

Es muss einen unglaublichen Spaß gemacht haben, dieses 

Buch zu gestalten. Denn zum einen ist Quincy Jones 

einer dieser Dogen der Musikkultur, der über mehr als 

ein halbes Jahrhundert hinweg als Musiker, Komponist, 

Produzent und Master Mind mit so ziemlich allen wichtigen 

Gestalten des Business gearbeitet hat. Darüber hinaus 

aber hat er wirklich auch Geschichten zu erzählen, wie 

das war, damals mit Michael Jackson zum Beispiel, dem 

begabten Wunderkind des Pop, das den richtigen Anstoß 

zur Weltkarriere brauchte. Oder als er als erster Schwarzer 

in leitender Stellung bei einer Plattenfirma 1961 über Nacht 

mit Lesley Gores Nummer-1-Hit „It‘s My Party“ ein Label 

sanierte. Oder noch früher, als er als Neuling im Geschäft 

gleich eine zehnmonatige Orchester-Tournee organisierte 

und beinahe pleite ging. Genau genommen hat er fast überall 

im Lauf der Jahre mitgemischt, hat mehrere Dutzend 

Filmmusiken geschrieben, wurde 79 Mal für den Grammy 

nominiert und hat die begehrte Trophäe der amerikanischen 

Musikwirtschaft auch 27 Mal erhalten. 

So kann ein Buch wie „Mein Leben – meine Leidenschaften“ 

aus den Vollen schöpfen. Auf 178 Seiten tummelt 

sich die Hautevolee des amerikanischen Entertainments 

auf zahlreichen, zum Teil seltenen oder noch nie gezeigten 

Bildern und der Meister selbst kommentiert die eigene Biographie, 

aber auch die Geheimnisse des Musikgeschäfts. Es 

ist keine Autobiographie im strengen Sinne, eher ein mit 

vielen Zitaten garniertes Portrait, das Quincy Jones‘ Aktivitäten 

locker chronologisch abbildet. Und das macht auch 

den Schmökerspaß bei der Lektüre aus. Denn man muss 

nicht den Erinnerungen allein folgen, sondern bekommt 

sie von einem Autorenteam im Hintergrund journalistisch 

aufbereitet präsentiert. Vor allem aber vermittelt sich mit 

den vielen Dokumenten eines prall gefüllten Lebens eine 

doppelte, rundum positive Botschaft: Erstens kann man 

sehr viel mehr erreichen, als es am Anfang erscheinen 

mag, und zweitens ist Musik eine Leidenschaft, für die es 

sich zu kämpfen lohnt. Sascha Fröhlich 

Fakten: Quincy Jones: „Mein Leben – meine Leidenschaften“ 

(Edel:Vita), 178 Seiten, 24,95 €. 

Seine Karriere 

startete Quincy 

Jones als Jazztrompeter

Hörbuch: Walter Moers 

„Das Labyrinth der 

Träumenden Bücher“ 

Man darf Walter Moers nicht unterschät- 

zen. Natürlich, bekannt wurde er über seine 

Cartoons wie das „kleine Arschloch“, einem 

renitenten Weltverächter, der mit einer Portion 

Sarkasmus der hedonistischen Spaßgesellschaft 

der Neunzigerjahre den Spiegel 

vorhielt. Und spätestens, seitdem der Großmeister 

des Seemannsgarns Käpt‘n Blaubär 

seinen Platz in der „Sendung mit der Maus“ 

gefunden hatte, waren die charakteristischen 

Kartoffelnasen ein fester Bestandteil 

bundesdeutscher Kinderzimmer. Weit 

weniger bekannt ist aber Walter Moers, der 

Romanautor. Ähnlich pointiert wie bei seinen 

Zeichnungen, nur freigiebiger noch mit 

phantasievollen Ideen hat er von seinem 

Erstling „Die 13½ Leben des Käpt‘n 

Blaubär“ an seinen Phantasiekontinent 

Zamonien aufgebaut, wo sich allerlei 

schräge Vögel tummeln. 

Zur zentralen Figur nach dem furchtlosen 

Blaubären und dem Wolpertinger 

Rumo hat sich der schriftstellernde Lindwurm 

Hildegunst von Mythenmetz 

entwickelt, der bereits in „Die 

Stadt der Träumenden Bücher“ 

tief in die Katakomben von 

Buchhain hinabstieg, um den 

Schattenkönig zu suchen. Auf 

dieser abenteuerlichen Reise 

ins Innere des Literarischen 

begegnete er harmlosen Buchlingen ebenso 

wie skrupellosen Bücherjägern und entkam 

einer Katastrophe nur fast. Da sich aber diese 

seltsame Echse schnell zu einem Liebling 

einer wachsenden Zamonien-Fanschar entwickelte, 

entschloss sich der Autor, die Saga 

von Hildegunst fortzusetzen. 

Nun also das „Labyrinth der Träumenden 

Bücher“, zum einen als illustrierter 

Schmöker-Wälzer, zum anderen in der Hörbuchversion. 

Wieder kämpft Hildegunst 

von Mythenmetz mit den Wörtern wie mit 

den irrlichternden Gestalten und Andreas 

Fröhlich gibt dem phantastischen Getümmel 

mit sonorer, dramaturgisch vielseitiger 

Stimme eine raffiniert lakonische Form. Wer 

Hörstoff für dunkle, verwunschene Herbstund 

Winterabende sucht, für den ist dieses 

„Labyrinth“ ein Füllhorn. Ralf Dombrowski 

Fakten: Walter Moers „Das Labyrinth der 

Träumenden Bücher“ (Der Hörverlag), Vollständige 

Lesung durch Andreas Fröhlich. 

Laufzeit ca. 1.050 Min. 12 CD (39,99 €), 

2 mp3-CD (29,99 €) 

DVD: Sonic Youth 

„1991: The Year Punk Broke“ 

GEFFEN / UNIVERSAL 

20 Jahre ist es her, dass Sonic Youth mit dieser 

rasanten Filmmontage ein ungewöhnliches 

Dokument einer Festivaltour, an der neben 

ihnen selbst auch Nirvana, Dinosaur Jr, die 

Babes In Toyland und noch ein paar andere 

Bands beteiligt waren, veröffentlichten. Schon 

damals ging es weniger um einen Konzertfilm, 

als um ein Zeitgemälde. Neben mitreißenden 

Live-Aufnahmen, die meist aus mehreren 

Shows zusammengeschnitten und nur selten 

in Bild und Ton synchron sind, gibt 

es flüchtige Szenen aus dem Backstage 

und seltsame Inszenierungen 

wie einen Dackel, der bellend zu Sonic 

Youth einlädt, Kim Gordon beim 

vergeblichen Versuch, J Mascis zu interviewen, 

spontane Gedichte, die in 

irgendwelchen europäischen Städten 

proklamiert werden und viele absurde 

Spielereien. Nichts an diesem Film sollte allzu 

ernst genommen werden. Wir erleben einen 

lebensfrohen Kurt Cobain unmittelbar vor der 

Veröffentlichung von „Nevermind“ und Sonic 

Youth im Zenit ihres alternativen Ruhmes. Die 

zentrale Botschaft des Films: Alles hätte ganz 

anders werden können, wenn es diesen Bands 

wirklich gelungen wäre, die Macht der Plattenfirmen 

zu brechen. Hier setzt sich eine Szene 

selbst ein Denkmal, wohl wissend, dass ihr 

Husarenritt bald vorbei sein wird. Die erstmalige 

Veröffentlichung dieses Films auf DVD 

hat daher einen überaus sentimentalen Beigeschmack. 

Obwohl es derselbe Film wie damals 

ist, wurde es doch ein ganz anderer Film, denn 

wir wissen, wie die Geschichte nach 1991 weitergegangen 

ist. Wolf Kampmann 

Weiterhören: Das wohl einflussreichste Album 

von Sonic Youth ist „Bad Moon Rising“ (1985). 

Selbst Freejazztrommler Han Bennink gehört wie 

auch Rapper Chuck D zu den Fans der Band. 

MONTEVERDI a trace of grace 

Anfang Juni 2011 treffen sich sechs Musiker in der uralten französischen Abtei 

von Noirlac, um in der Stille traumhafter Sommernächte eine außergewöhnliche 

Musik zu erschaffen. Es entsteht eine einzigartige Begegnung zwischen Jazz und 

Alter Musik, voll magischer Momente der Improvisation aus einer gemeinsamen 

musikalischen Sprache. 

Das neue Projekt von Michel Godard mit Steve Swallow, Guillemette Laurens u.a. 

Jetzt überall im Handel und als MP3-Download erhältlich. 

www.carpediem-records.de

MEDIA- MIX 

3CD + DVD: Klaus Hoffmann 

„Mit Freunden“ 

STILLE-MUSIC / INDIGO 

Gästelisten sind verräterisch. 

Denn wer sich bei 

einem größeren Event als 

Freund oder Mitwirkender 

ansagt, der gibt damit auch 

ein Votum über die Beliebtheit 

des Gastgebers ab. Und 

da kann Klaus Hoffmann nicht klagen. Denn 

als der Schauspieler und Sänger am 27. März 

2011 einen Tag nach seinem 60. Geburtstag 

zum großen Fest in den Berliner Friedrichstadtpalast 

lud, kamen nicht nur rund 

2.000 Gäste im Saal, sondern auch namhafte 

Kollegen, um dem Jubilar angemessen zu 

gratulieren. Mit dabei war beispielsweise 

Reinhard Mey, der zu Ehren Hoffmanns wie 

Orpheus singen wollte, sich auf der Bühne 

außerdem mit Hannes Wader zusammen 

tat und für diesen Abend mit „Bruder 

Klaus“ sogar ein neues Lied geschrieben 

Buch: „Paul Simon 

– die Biografie“ 

von Marc Eliot 

EDEL:VITA 

Im angelsächsischen Sprachraum 

gibt es im Prinzip zweierlei Arten von 

Popstar-Biografien: die sogenannten 

„autorisierten“, deren Informations- 

und Unterhaltungswert oft darunter 

leidet, dass ihre Autoren Leben und 

Person der beschriebenen Stars bis 

zur Peinlichkeit schönfärben. Und, 

vor allem im Boulevardpresse-Pa- 

radies England beliebt, die soge- 

nannten „unautorisierten“, in de- 

44 

Reinhard Mey, Klaus Hoff- 

mann, Hannes Wader: mit 

Freuden unter Freunden 

nen durch allerlei mediale 

Schlammschlachten ge- 

stählte „Hacks“ aus der 

Fleet Street hinter jedem 

hatte. Ein ähnliches Kaliber war der holländische 

Entertainer und Charmeur Herman 

van Veen, der es sich nicht nehmen ließ, seine 

verschmitzt besinnlichen Texte auch auf Klaus 

Hoffmann zu münzen. Hinzu kamen künstlerische 

Partnerinnen wie Romy Haag und Caroline 

von Brünken, aber auch Instrumentalisten 

wie die französische Akkordeonistin Lydie 

Auvray und der in Berlin lebende Klarinettist 

Rolf Kühn. Es wurde ein rauschendes Fest, das 

mehr als drei Stunden lang einen großen Bogen 

bis hin zu „Mein Weg“ spannte, nicht dem 

von Frank Sinatra, sondern dem eigenen Song, 

den Hoffmann mit Reinhard Mey anstimmte. 

Festgehalten wurde dieser Abend, bei dem, so 

der Gastgeber, der Geburtstag nur der Anlass 

gewesen sei, das Leben selbst zu feiern, sowohl 

auf DVD als auch auf 3 CDs, die neben 

Stöhner ihrer Protagonis- 

ten einen Skandal, min- 

destens aber eine finstere 

Charakterschwäche wit- 

tern. Das Buch des Ame- 

rikaners Marc Eliot über Paul Simon 

gehört weder zur einen noch zur 

anderen Spezies. Eliot, ein Genera- 

tionsgenosse Simons, der schon Bio- 

graphien über Clint Eastwood, Bruce 

Springsteen und die Eagles geschrie- 

ben hat, ist ein profunder 

Kenner des US-Showge- 

schäfts. Er hat allerhand 

erhellendes mitzuteilen 

über die zeitgeschicht- 

lichen Umstände, unter 

denen sich die frühe 

Freundschaft zwischen 

Paul Simon und Art Garfunkel, 

ihr kometenhafter Aufstieg 

als Popduo in den 60er Jahren und 

die von allerlei Großtaten, aber auch 

immer wieder bitteren Enttäuschungen 

geprägte weitere Laufbahn Paul 

Simons bis heute vollzog. 

dem ungewöhnlichen Programm auch die 

begeisterte Stimmung dokumentieren, die 

die Künstler auf der Bühne beflügelt hat, tatsächlich 

wie Orpheus zu singen. 


Wissenswert: Klaus Hoffmann wurde auch 

als Schauspieler, unter anderem durch die Titel - 

rolle in der Verfilmung von Ulrich Plenzdorfs 

„Die neuen Leiden des jungen W.“, und als 

Interpret der Chansons von Jaques Brel bekannt. 

„Mit Freunden“ erscheint als 3CD-Box, DVD und 

Deluxe-Edition mit Bonusmaterial. 

Eliot bemüht sich spürbar dem 

komplexen (und von Komplexen 

geprägten) Charakter Paul Simons 

gerecht zu werden. Die Musik und 

deren Wirkungsgeschichte allerdings 

bekommt er schriftstellerisch wenig 

anschaulich in den Griff. Von diesem 

Manko abgesehen ist das ansprechend 

gestaltete und solide bebilderte 

Buch dennoch eine lohnende 

Lektüre. Christian Stolberg 

Info: 352 Seiten, 30 Bilder, € 19.95

DVD: Oscar Peterson Trio 

„The Stuttgart Concert“ 

INAKUSTIK 

Der Kanadier Oscar Peterson galt als Wun- 

derkind des traditionellen Jazz und recht- 

mäßiger Erbe des Titanen der Virtuosität Art 

Tatum. Tatsächlich konnte sich in Sachen Ge- 

läufigkeit kaum jemand mit Peterson messen, zumindest bis zum 

Jahr 1993, als er einen Schlaganfall erlitt und im Anschluss dar- 

an erst mühsam die Kunst des Klavierspiels wieder erlernte. Der 

Mitschnitt des ZDF Jazz-Clubs vom 25. April 1988 gehört daher 

zu den goldenen Tagen, als der Pianist die Musik einfach laufen 

lassen konnte. Tatsächlich zeigte er im Fernsehstudio mit lässiger 

Eleganz die Facetten seiner Kunst, perlende Unisono-Passagen, 

Blues-inspirierte Phrasierungen, das ganze Spektrum des ge- 

schmackvollen Klavierspiels. Ihm zur Seite standen Bassist Dave 

Young und Schlagzeuger Kenny Drew, die den opulenten Passa- 

gen des Klaviers die nötige Trio-Form gaben. So ist das „Stuttgart 

Concert“ ein Dokument aus den glücklichen Tagen des Jazz und 

eines Pianisten, der über Jahre hinweg der Maßstab des modern 

traditionellen Klavierspiels war. Ralf Dombrowski 

Info: „Stuttgart Concert“ ist auch im Surround-Sound gemischt 

und führt High-End-Fans auf diese Weise mitten in den Club. 

DVD: Peter Gabriel 

„New Blood – 

Live In London“ 

EAGLE VISION/EDEL 

Peter Gabriel ist Charismatiker. 

Schon in den Achtzigern zählten 

seine Konzerte zu den großen Live- 

Ereignissen der Pop-Kultur 

und daran hat sich bis 

heute nicht viel geändert, 

auch wenn er inzwischen 

auf Show zugunsten eines 

Orchesters verzichtet. Zwei 

Tage machte Gabriel im vergangenen 

März im Londoner 

20 JAHRE 

Hammersmith Apollo Theater Station 

und hatte ein gutes Dutzend 

Bearbeitungen seiner Hits von „Mercy 

Street“ über „Biko“ bis „Solsbury 

Hill“ im Gepäck. Es war zunächst ein 

Experiment, aber die beiden Abende 

wurden für alle, einschließlich 

des Künstlers selbst, ein derartiges 

Erlebnis, dass sie schließlich in sein 

Albumprojekt „New Blood“ mündeten. 

Und natürlich ließ Peter Gabriel 

die Shows in London auch mit Kameras 

für die Nachwelt festhalten. 

Zusammen mit dem New Blood Orchestra 

unter der Leitung von Ben 

Foster und ergänzt um pointierte 

Visuals lässt sich die Magie dieser 

Abende nachvollziehen, die auch 

noch Monate später die Zuschauer 

in Euphorie versetzen kann. 

Typisch Peter Gabriel eben, 

der Charismatiker. 


Fakten: Peter Gabriels DVD 

„New Blood – Live In London“ 

erscheint am 21. 10. 

Das Berlin-Album von U2 mit den Hits One, Mysterious Ways und The Fly 

www.u2.com | www.universal-music.de 

2-CD Deluxe Version 

• CD 1: original Album 

neu gemastert 

• CD 2: B-Seiten, 

Raritäten und 

unveröffentlichte 

Tracks 

Limitierte Super Deluxe Edition 

• sechs CDs inkl. neu gemastertes 

Album, unveröffentlichte Remixe, 

B-Seiten und einer neuen, alternativen 

Version des Albums 

• vier DVDs mit Videos, unveröffentlichtem 

Bonus Material und der 

neuen Dokumentation „From The 

Sky Down“ 

Streng limitierte und nummerierte 

Über Deluxe Edition 

• sechs CDs inkl. neu gemastertes Album, unveröffentlichte 

Remixe, B-Seiten und einer neuen, 

alternativen Version des Albums 

• vier DVDs mit Videos, unveröffentlichtem Bonus Material 

und der neuen Dokumentation „From The Sky Down“ 

• fünf 7" Singles, Hardcoverbuch sowie ein Exemplar 

Bono’s „The Fly“ Sonnenbrille u.v.m. 

AB 28. Oktober Auch als Standard-CD, Vinyl und Download

TOUrNEEN P O P, rOcK & cO 

Alle Tourneedaten 

fortlaufend aktualisiert 

und mit 

genauen Ortsangaben 

finden Sie unter 

sonomagazin.de 

A 

Laith Al-Deen 

24.1. Hannover 

25.1. Hamburg 

26.1. Dortmund 

27.1. Bremen 

29.1. Bielefeld 

30.1. Köln 

31.1. Ulm 

1.2. Stuttgart 

3.2. Mannheim 

4.2. Karlsruhe 

5.2. Offenbach a. M. 

7.2. Leipzig 

8.2. München 

10.2. Berlin 

Tori Amos 

25.10. Frankfurt 

31.10. Essen 

b 

Beatsteaks 

7.11. Osnabrück 

8.11. Lübeck 

11.11. Trier 

12.11. Siegen 

14.11. Oldenburg 

15.11. rostock 

17.11. Zwickau 

19.11. Freiburg 

22.11. Heilbronn 

23.11. Würzburg 

27.11. Fürth 

29.11. Magdeburg 

30.11. cottbus 

2.12. Köln 

3.12. Göttingen 

5.12. Braunschweig 

7.12. Essen 

9.12. Berlin 

The BossHoss 

9.3. Oberhausen 

10.3. Leipzig 

16.3. München 

23.3. Hamburg 

24.3. Berling 


31.3. Offenbach 

Bush 

5.11. Hamburg 

7.11. Berlin 

8.11. Köln 


c 

Tony Christie 


2.2. Bonn 

4.2. Fellbach 

5.2. Berlin 

46 


8.2. Hamburg 

Coldplay 

15.12. Köln 


21.12. Berlin 

Elvis Costello 

7.11. Berlin 

Crosby & Nash 

20.10. Essen 

27.10. Niedernhausen 

d 

Joy Denalane 

3.11. Köln 


6.11. Berlin 

7.11. Hamburg 

9.11. Nürnberg 

The Dubliners 






8.11. Dresden 


11.11. Berlin 



26.11. Aurich 

28.11. Lübeck 

30.11. Bremen 

2.12. Flensburg 

3.12. Hamburg 

e 

Elbow 

7.11. Köln 


10.11. Berlin 

Erasure 

8.11. 

11.11. 

12.11. 

14.11. 

Evanescene 


18.11. Düsseldorf 

20.11. Berlin 


f 

Die Fantastischen 

Vier 

13.12. Münster 


16.12. Leipzig 


18.12. Augsburg 

21.12. regensburg 


Peter Frampton 

21.11. Berlin 

22.11. Mainz 

Jean Michel Jarre 

Sein Vater Maurice Jarre war mit Musik für 

Schmonzetten wie „Doktor Schiwago“ oder „Law- 

rence von Arabien“ berühmt geworden. Dem Sohn 

stand aber der Sinn nach ganz anderer Musik. Sein 

Orchester holte sich der Technik-Freak aus den 

frühen Synthesizern, zumeist wandschrankgroßen 

Ungetümen, die aber ein neues Klang-Universum 

erschlossen. Als dann 1976 „Oxygène“ erschien, war 

es geschehen. Jean Michel Jarre war der erste Pop- 

star der elektronischen Musik, allen Kraftwerkern 

zum Trotz, ein Magier der Sound-Spektakel, zu de- 

nen bald auch aufwändige Light-Shows kamen. 

Und daran hat sich bis heute nichts geändert. Die 

Konzerte, die der inzwischen 63jährige Meister des 

Synthetischen gibt, sind Multimedia-Ereignisse mit 

hohem Unterhaltungswert und Anfang November 

in zehn deutschen Städten zu erleben. 

Tournee in Deutschland vom 31.10. bis 19.11.2011, 

Weitere Infos unter www.jeanmicheljarre.com 

g 

Marla Glen 

7.11. Aschaffenburg 

8.11. Köln 

9.11. Hamburg 

10.11. ratingen 

Guano Apes 



29.1. Mannheim 

8.2. Hannover 

Wise Guys 

21.10. Bonn 


26.11. Bochum 

17.12. Essen 

20.1. Limburg 



1.6. Saarbrücken 

20.6. Lübeck 

21.6. Lübeck 


30.6. Köln 

8.9. Dresden 

13.9. Leverkusen 


13.12. Halle 

19.12. Kiel 

i 

In Flames 

21.11. Ludwigsburg 




Incubus 

19.11. Köln 



j 

Jean Michel Jarre 



3.11. Hamburg 


5.11. Köln 

7.11. Dresden 

8.11. Berlin 

9.11. Erfurt 

10.11. Trier 


Jennifer Rostock 




3.11. Bremen 

4.11. Dresden 

5.11. Erfurt 



11.11. Hamburg 




16.11. Köln 

18.11. Kiel 


20.11. Berlin 

Jon Lord Blues 

Project 

15.11. regenstauf 

17.11. Berlin 


19.11. Isernhagen 

20.11. Bochum 

Cowboy Junkies 

3.11. Hamburg 


5.11. Berlin 

k 

K.I.Z. 



12.11. Dresden 



25.11. Bremen 


Paul Kalkbrenner 

29.10. Neubrandenb. 



16.12. Berlin 

The Kooks 





3.11. Hamburg 

5.11. Berlin 

Lenny Kravitz 


4.11. Hamburg 


7.11. Berlin 


l 

LaBrassBanda 

1.11. Erfurt 

2.11. Leipzig 

3.11. Dresden 

4.11. Berlin 


8.11. Köln 





Annett Louisan 


26.10. Kassel 

27.10. Bremen 






5.11. Erfurt 


8.11. Essen 





25.11. Bamberg 

28.11. Kiel 

29.11. Lübeck 


2.12. rostock 

3.12. Stade 


5.12. Hamburg 


m 

Söhne Mannheims 




14.11. Berlin 



21.11. Köln 



Bob Dylan & Mark 

Knopfer 



29.10. Berlin 



Ina Müller & Band 


12.11. Ilsenburg 



20.11. Kassel 

25.11. Fürth 


1.12. Bremerhaven 

2.12. Kiel 


9.12. Bremen 





George Michael - 

Symphonica 


15.11. Berlin 



Milow 





31.10. Berlin


4.11. Leipzig 

5.11. Bremen 


11.12. Kempten 



n 

Heather Nova 

9.11. Berlin 



14.11. Köln 


r 

Rea Garvey, Xavier 

Naidoo, Sasha & Michael 

Mittermeier 



Achim Reichel 

3.11. Neuruppin 

4.11. Berlin 

Tok Tok Tok 

7.11. rostock 

8.11. Hamburg 

11.11. rheine 

12.11. Mülheim an der 

ruhr 

13.11. Witten 

15.11. Mainz 

16.11. Wolfenbüttel 

17.11. Kiel 

Rihanna 




5.11. Leipzig 

8.11. Köln 

4.12. Hamburg 

Roxette 



14.10. Halle/Westfalen 




24.10. Berlin 



Ist es noch Pop oder schon Pop, was Tok Tok Tok 

spielen? Während sich die Experten streiten, macht 

die Band um Sängerin Tokunbo Akinro und den 

Saxofonisten und Gitarristen Morten Klein Karriere. 

Gerade ist das Album „Was heisst das denn?“ 

(BHM/ZYX) erschienen, ein Schritt in eine neue 

richtung. Denn diesmal sind alle Stücke auf 

deutsch geschrieben. Ansonsten aber bleiben sich 

Tok Tok Tok musikalisch treu und verpacken ihre Lieder 

in eine soulig funky swingenden Mischung flockiger 

Klänge. Damit stehen sie Ende November in 

ausgewählten deutschen Städten auf der Bühne – 

sonniger Sound gegen herbstliche Stimmungen. 

Konzerte vom 24.11. bis 3.12.2011, mehr unter 

www.toktoktok.de 

s 

Sade 




Saga & Marrilion 




15.11. Offenbach 



19.11. Idar-Oberstein 

20.11. Köln 

22.11. Berlin 


25.11. Mühlheim 

Helge Schneider 



23.10. Mainz 

The Smashing 

Pumpkins 

21.11. Bremen 

23.11. Berlin 

24.11. Köln 



w 

John Watts 

6.11. Ubach-Palenberg 


8.11. Wuppertal 


10.11. Bremen 

12.11. Ubach-Palenberg 

13.11. Darmstadt 


Wilco 



12.11. Berlin 

Kim Wilde 

7.3. Mainz 

8.3. Trier 

9.3. Köln 



y 

Yes 






z 

Zucchero 

3.11. Leipzig 



TOUrNEEN KL A SSIK 

Lisa Batiashvili 

Der Kollege vom Londoner The Guardian 

war unlängst schwer begeistert. 

„Lisa Batiashvili ist auf dem Podium 

so energiegeladen und charismatisch, 

eine Geigerin mit ungeheurem 

Potenzial und der künstlerischen 



und mit 




b 

Joshua Bell 

27.11. Berlin 

Kolja Blacher 

23.11. Nienburg an 

der Weser 

2.12. Berlin 

15.12. Landshut 

16.12. Neumarkt 

18.12. Viersen 

Lisa Batiashvili 

3.11. Bremen 


9.11. Köln 

18.11. Schweinfurt 


Khatia Buniatishvili 

29.11. Berlin 


9.12. Mainz 


c 

Cuarteto Casals 

17.11. Köln 

Ray Chen 

11.1. Elmau 

13.1. Elmau 

15.1. Gütersloh 

Trio di Clarone 

7.12. Ludwigshafen 

d 

Xavier de Maistre 


14.11. Köln 


17.11. Bietigheim- 

Bissingen 



23.11. Berlin 

e 

Quatuor Ébène 


4.12. Neuss 

f 

Isabelle Faust 

25.10. Bad reichenhall 

Nelson Freire 


g 

Sol Gabetta 

30.10. Berlin 

Elīna Garanča 

19.12. Berlin 

22.12. Berlin 

Christian Gerhaher 


23.11. Herzogenaurach 


27.11. Baden-Baden 

Neugier, um es auch zu verwirklichen“, 

gab er im Anschluss an ein 

Konzert der Newcomerin aus Tiflis 

zu Protokoll und brachte damit die 

Euphorie, die Lisa Batiashvili derzeit 

umgibt auf den Punkt. Dabei gehört 

sie nicht einmal zu denen, die zum 

Einstand vor allem Gefälliges spielen, 

sondern hat unlängst mit „Echoes Of 

Time“ (DG/Universal) ein durchaus 

eigenwilliges Debüt mit Klangerinnerungen 

an ihre georgische Heimat 

vorgelegt. Aber sie ist eben eine 

charismatische Gestalt und das hilft, 

um Musik eine überzeugende Kraft 

zu verleihen. 

Konzerte vom 3.11. bis zum 20.11., 

mehr unter www.lisa-batiashvili.com 

Vadim Gluzman 





Vittorio Grigolo 

30.12. Berlin 

3.1. Berlin 

h 

Hilary Hahn 


Nikolaus 

Harnoncourt 

28.10. Berlin 

29.10. Berlin 

j 

René Jacobs 

3.11. Köln 

20.11. Berlin 

k 

Milos Karadaglic 

2.12. Berlin 

3.12. Hamburg 




9.12. Köln 


Vesselina Kasarova 



Nigel Kennedy 

1.11. Leipzig 


47








13.11. Berlin 






21.11. Aachen 

23.11. Bremen 

24.11. Köln 

26.11. Kassel 

28.11. Essen 



Simone Kermes 


5.11. Berlin 

Gidon Kremer 

18.11. Neuhardenberg 

20.11. Frankfurt a. M. 

m 

Daniel Müller- 

Schott 


30.11. Duisburg 



o 

David Orlowsky 

30.10. Bremen 



3.11. Dresden 

9.11. Ulm 


11.11. Erlangen 


15.11. Heidelberg 

16.11. Köln 

18.11. Güglingen 


20.11. Neuenstadt 


29.11. Halle (Saale) 

Alice Sara Ott 

23.10. Pforzheim 

3.11. Bremen 



20.11. Mönchengladb. 



4.12. Berlin 

p 

Murray Perahia 

7.12. Berlin 

Maurizio Pollini 

14.11. Berlin 


48 

q 

Emerson String 

Quartet 

4.11. Bonn 

5.11. Hamburg 


Artemis Quartett 

21.11. Berlin 



Hagen Quartett 

21.11. Bremen 


s 

Fazıl Say 


Martin Stadtfeld 

5.11. Leipzig 


11.11. Köln 


14.11. Eckernförde 

17.11. Berlin 

18.11. Mainz 

t 

Nikolai Tokarev 

18.11. Berlin 

19.11. Berlin 




23.11. Köln 

v 

Jan Vogler 

9.11. Hildesheim 


w 

Carolin Widmann 




Ingolf Wunder 


21.11. Berlin 





y 

Quatuor Ysaÿe 



z 

Christian Zacharias 

7.11. Neuss 

TOUrNEEN JA Z Z & WO rLD 



und mit 




b 

Rebekka Bakken 

11.11. Essen 


13.11. Mainz 

15.11. Köln 



18.11. Berlin 

19.11. Kiel 



2.2. München 



19.4. Lübeck 

20.4. Worpswede 

21.4. Hamm 


24.4. Bonn 


26.4. Halle 

27.4. Potsdam 

28.4. Dresden 

29.4. Helmbrechts 

Till Brönner 



c 

Cyminology 

15.10. Neuhardenberg 

24.11. Kassel 

25.11. Bremen 

26.11. Kiel 

9.12. Penzberg 



d 

Barbara Dennerlein 

27.1. Kleve 

1.3. Bad Hamm 

11.3. Halle 

e 

Echoes Of Swing 


g 

Jan Garbarek & 

Hilliard Ensemble 


16.10. Bremen 

18.10. Pirmasens 




Jan Garbarek & Hilliard 

Ensemble 

Als vor 17 Jahren das Album „Officium“ erschien, 

konnte keiner ahnen, was für eine Welle der Zustimmung 

dem Experiment folgen sollte. Aber die 

Verbindung von frühneuzeitlicher Vokalmusik und 

improvisierendem Saxofon traf auf anhaltenden 

resonanz, so dass Jan Garbarek und das Hilliard 

Ensemble damit inzwischen nahezu überall auf 

der Welt zu Gast waren. Im vergangenen Jahr nun 

wurde das Projekt mit „Officium Novum“ (EcM/ 

UNiversal) fortgesetzt und um Klangeinflüsse erweitert, 

deren Blick ostwärts in richtung Armenien 

zu dem Komponisten Komitas Vardapet schweift. 

Die Grundhaltung ist geblieben, nur das repertoire 

ist noch vielfältiger geworden. Im November sind 

Jan Garbarek und das Hilliard Ensemble wieder in 

Deutschland zu Gast. Ein Klassiker der Konzertwelt. 

Tournee vom 7.11. bis 11.12. 2011, Infos unter 

www.bremme-hohensee.de 


12.11. Hamm 

13.11. Essen 



Hubert von Goisern 

23.1. Lörrach 

24.1. Kaiserslautern 

3.2. Landshut 




8.2. Leipzig 

10.2. Dresden 


12.2. Erfurt 

10.3. Köln 


12.3. Berlin 


15.3. Hamburg 

16.3. Bremen 

17.3. Mühlheim an 

der ruhr 

13.4. Passau 





20.7. Losheim am See 

h 

The Harlem Gospel 

Singers Show 



2.1. Köln 

3.1. Köln 

5.1. Essen 





16.1. Hamburg 



Julia Hülsmann Trio 

27.10. Gelsenkirchen 

29.10. Hameln 

2.3. Emsdetten 


30.3. Schwäbisch Hall 

9.5. Hamburg 

12.5. Donaueschingen 

i 

Irish Folk Festival 

19.10. Kleinostheim 

20.10. Mainz 


22.10. Landsberg 



31.10. Unna 

1.11. Hamburg 

2.11. Buchholz 


4.11. Worpswede 

6.11. Schwedt 

7.11. Leipzig 

8.11. Dresden 

9.11. Görlitz 

10.11. Berlin 

11.11. Neubrandenburg 

12.11. rostock 




17.11. Nordhorn 

18.11. Kreuztal 

Vijay Iyer 

17.10. Koblenz 


26.10. Innsbruck 

27.10. Salzburg 



15.12. Singen 

26.1. Kassel 

27.1. Dornbirn 

28.1. Basel 

20.4. Neuburg/Donau 

k 

Rolf & Joachim 

Kühn Quintet 


4.11. Schorndorf 

5.11. Bayreuth 

6.12. Hamburg 



3.3. Dessau 

l 

Charles Lloyd 

6.11. Berlin

m 

Max Raabe & Das 

Palast Orchester 

18.10. rosenheim 

8.11. Erfurt 

9.11. Gera 

10.11. cottbus 




26.11. Niedernhausen 





2.12. Kassel 

10.12. Kulmbach 


Rudresh Mahanthappa 

25.10. Tübingen 


27.10. Köln 

I Muvrini 





Tingvall Trio 

21.11. Erfurt 


23.11. Berlin 

25.11. Mainz 

Mo’ Blow 

23.10. Greifswald 

5.11. Wolfsburg 


18.11. Jena 

r 

Céline Rudolph 


12.11. Halle (Saale) 


7.2. Augsburg 

10.2. Lörrach 

s 

Ryuichi Sakamoto 


Diknu Schneeberger 

Trio 

2.12. Sulzbachrosenberg 

21.1. Kirchheim/Teck 

Ein Schwede, ein Kubaner, ein Deutscher treffen 

sich in der Hamburger Szene und heraus kommt 

ein Trio, das die heimische Jazzwelt aufmischt. Nun 

machen der Pianist Martin Tingvall und seine Kumpels 

nichts wirklich Neues. Aber sie bringen die Idee 

des Klaviertrios derart gekonnt auf den Punkt, dass 

sie nicht nur das Publikum, sondern auch die connaisseure 

des Fachs überzeugen, die dem Tingvall 

Trio beispielsweise den Echo Jazz 2010 überreicht 

haben. Das aktuelle Kapitel ihrer Klangstreifzüge 

durch die nordisch geprägten Soundlandschaften 

heißt „Vägen“ (Skip/Soulfood) und ist auch die 

Grundlage des Live-Programm, mit dem die Musiker 

von Ende Oktober bis hinein in den Dezember 

auf deutschen Bühne Station machen. 

Konzerte vom 27.10. bis zum 8.12., mehr Info unter 

www.sonomagazin.de 

Karl Seglem 

11.11. ravensburg 

12.11. Herrenwies 


14.11. Berlin 

15.11. Zehdenick 

16.11. Marburg 

17.11. Gotha 

18.11. Altenburg 

19.11. Helbedündorf 

t 

Tomasz Stanko 

3.11. Berlin 


27.4. Neuburg 

Tingvall Trio 

3.11. Aalen 

4.11. Ingolstadt 

5.11. Neuwied 

6.11. Dresden 


12.11. Burghausen 



23.11. Berlin 

8.12. Hamburg 

19.1. Bremen 

21.1. Kassel 


27.1. Offenburg 

30.3. St. Ingbert 

TOK TOK TOK 


29.11. Wiesbaden 


2.12.11 Tübingen 

3.12.11 Jena 

Trombone Shorty 

29.11. Bremen 



3.12. Köln 




8.12. Berlin 

9.12. Hamburg 

Olivia Trummer 

15.10. Esslingen 

3.11. Ingolstadt 


27.12. Bad Kissingen 

v 

Colin Vallon Trio 

29.10. Ludwigshafen 

15.11. Elmau 

w 

Bugge Wesseltoft 

27.11. Neuharden- 

berg 

30.11. Bochum 

2.12. Heidelberg 

Lizz Wright 

5.11. Berlin 

6.11. BIX Jazzcclub 

Badi Assad, Ottobrunn 

Man darf nicht immer auf die Ärzte 

hören. Denn hätte sich Badi Assad 

an das gehalten, was ihr die Spezialisten 

vor einen guten Jahrzehnt 

erzählt haben, dann hätte sie ihre 

Musikerlaufbahn knicken können. 

Denn jene meinten angesichts einer 

Nervenerkrankung an den Händen, 

sie würde nie mehr Gitarre spielen 

können. Tatsächlich legte Badi Assad 

das Instrument, mit dem die 

Schwester der beiden renommierten 

Gitarren-Gurus Sergio und Odair Assad 

zuvor innerhalb weniger Jahre 

den Sprung in die erste Musik-Liga 

geschafft hatte, zwei Jahre lang 

zur Seite und konzentrierte sich auf 

Gesang und Percussion. Dann aber, 

Stück für Stück, eroberte sie sich die 

Kompetenz an den Saiten zurück, 

und kann daher als besonderer Gast 

der Ottobrunner Konzerte gelassener 

und zugleich bewusster spielen, als 

ihr das früher möglich gewesen wäre. 

„Man kann sein Schicksal als Opfer 

verstehen,“ meint sie im Gespräch, 

„dann ist alles vorbei. Man kann es 

aber auch als Herausforderung se- 

Ein Hauch von 

Bra silien auf der 

Bühne: Badi Assad 

B L I c K Z U r ü c K : 

Der Dschungel von Assad 

hen und dann geht es immer weiter.“ 

So massiert sich Badi Assad auf der 

Bühne zwar zwischendurch die Arme, 

präsentiert aber ein vielschichtiges 

Panoptikum der Stileinflüsse auf der 

Basis der Klangtraditionen ihrer brasilianischen 

Heimat. Die Klassik hat 

sie weitgehend hinter sich gelassen, 

dafür kommen Vorbilder wie caetano 

Veloso oder auch die Eurithmics 

ins Spiel, deren Lieder und Ideen sie 

geschickt in die eigene Songwelt integriert. 

Manches verblüfft wie die 

Mundpercussion, die sie gleichzeitig 

zum Gesang erzeugen kann, oder wie 

die mit einem Drumstick präparierte 

Gitarre, die auf einmal wie eine Mischung 

aus Koto und Kalimba klingt. 

Vor allem aber stellt Badi Assad sich 

als faszinierende rhythmikerin und 

musikalische Poetin vor, deren Lieder 

etwas von der Intensität haben, 

die viele Menschen suchen. So war 

das Konzert von Ottobrunn, gespielt 

in einem wild wuchernden Bühnendschungel 

aus Palmen und exotischen 

Dekorationen, einer dieser leisen, 

feinen Momenten, der weit über den 

Klangalltag hinausreicht. 


49

der Promih ö rer 

50 

Kai Meyer 

Kai Meyer ist einer der erfolgreichsten 

Romanautoren Deutschlands. 

Mit „Arkadien fällt“ (Carlsen) hat 

er soeben seine Gestaltwandlertrilogie 

fertig gestellt. Und er liebt 

musikalisch Opulentes. 

Welche Platte haben 

Sie sich als erste selbst 

gekauft? 

Im Anschluss an die 

Sozialisierung mit Hörspielplatten: 

„The Black 

Hole“, den Soundtrack 

von John Barry. 

Welches Instrument 

haben Sie gelernt? 

Keines. Leider. Trotz 

der üblichen elterlichen 

Mahnung. 

Was war ihr bisher 

eindrucksvollstes Kon- 

zerterlebnis? 

IQ im Londoner Marquee. 

Sind Sie auch 

mal selbst 

als Musiker 

aufgetreten? 

Mit Musikern, 

aber 

nicht 

als Musiker. 

Was singen 

sie unter der 

Dusche? 

Ich pfeife 

kunstvolle 

Eigenkompositionen. 

Mit wel - 

chen Songs 

bringt man 

sie auf die 

Tanzfläche? 

Mit keinem. 

Und mit welchen 

wieder herunter? 

Viel zu vielen. 

Mit welcher Platte 

testen Sie die Belastbarkeit 

ihrer Boxen? 

Metal aller Art. 

Was läuft bei Ihnen zum 

Sonntagsbrunch? 

Das Radio. 

Wessen Stimme könnten 

Sie ewig lauschen? 

Lisa Gerrard 

Der beste Soundtrack 

zum Joggen: 

„Conan the Barbarian“ 

von Basil Poledouris. 

Schreibt sich auch gut 

dabei. 

Welche Musik haben 

Sie sich als letztes 

gekauft? 

„Ego Anthem“ von 

Tracedawn 

Bei welcher Musik bekommen 

Sie Ganzkörperausschlag? 

Obwohl ich Prog-Rock- 

Fan bin: Yes. Geht für 

mich so was von gar 

nicht. 

Ihr Album für die einsame 

Insel: 

„The Serpent’s Egg“ von 

Dead Can Dance. 

erscheinungstermin der nächsten Ausgabe: 1. dezember 2011

Ilja Richter präsentiert 

“Licht aus, 

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