Digitale Fotografie - Update Technik verbessern (Vorschau)

Entdecken Sie mit unserem Kursguide spannende Fotokurse- und Reisen auf einen Blick 

Digitale 

Nr. 7/2013 Jun-Aug 2013 

UPDATE 


UPDATE 

EXPERTEN- 

TIPPS 

TECHNIK UND 

INSPIRATION 

Technik Verbessern 

SCHRITT-FÜR-SCHRITT-ANLEITUNGEN FÜR PORTRÄTS, STILLLEBEN, LANDSCHAFTEN UND MEHR 

Deutschland: 

EUR 9,90 

Österreich: 

EUR 11,- 

Schweiz: 

CHF 15,- 

LU/BE 

EUR 11,50 

KLASSISCHE 

KÜSTENLANDSCHAFTEN 

Mit unseren Expertentipps machen Sie 

Meeresaufnahmen wie ein Profi 

LEBENSMITTEL 

Mit unserer detaillierten 

Technikanleitung fotografieren Sie 

Essen wie ein Profi 

PHOTOSHOP 

So verbessern Sie Ihre Fotos, damit sie 

wie echte Profiaufnahmen aussehen


UPDATE

Willkommen 

Liebe Leser und Fotografen, 

wir begrüßen Sie herzlich 

zur Ausgabe 7 von 

„Digitale Fotografi e - 

Update“! Die folgenden 

Inhalte warten auf Sie: 

Allen Liebhabern von 

Natur und Tieren zeigen 

wir neue Techniken, Tricks 

und Motive – wer Mut hat 

und gut vorbereitet ist, 

kann im nächsten Winter 

ein blaues Wunder 

erleben! 

Im Mittelpunkt dieses 

Hefts steht unser großer 

„Leserschaukasten“ (mit 

näheren Infos zum 

Einsenden!) – auf über 20 

Seiten stellen wir die 

besten Einsendungen 

unserer Leser vor, 

fachkundig von uns kommentiert. Unter „Expertenkritik“ besprechen wir 

ausgewählte Beiträge sogar im Detail und geben gezielte Verbesserungsvorschläge. 

Unsere „Fotoideen“ stellen Ihnen wieder neue Tipps für Stillleben und Porträts vor 

und regen zu Spielen mit Schatten und Farben an – wie immer ergänzt durch 

detaillierte technische Anleitungen in „5 Minuten Photoshop“. Anschließend 

beschäftigt sich die Rubrik „Vollständig im Bilde“ auf über 10 Seiten mit Food- 

Fotografie – die künstlerische und professionelle Aufnahme von Lebensmitteln und 

Getränken, die garantiert nicht dick macht. Eine appetitliche Kunst für Genießer, mit 

einem fruchtigen Thema als Nachtisch! 

Zurück zur Natur geht es beim Fotografi eren in Küstenlandschaften, wo Sie alles 

Wissenswerte über die speziellen Motive und Anforderungen dieses Themas 

erfahren. 

Dann stellen sich Ihnen zwei echte „Spitzen-Profis“ ihres Fachs persönlich vor, 

erzählen von ihrem Werdegang und geben bildgewaltige Kostproben ihrer Kunst. 

Zum Abschluss vermittelt unsere „Digitale Dunkelkammer“ wie immer jede Menge 

praktisches Wissen in Schritt-für-Schritt-Anleitungen für die digitale 

Nachbearbeitung Ihrer Fotos. Entdecken Sie Ihre Möglichkeiten! 

Viel Spaß & Erfolg dabei wünscht das Team von „Digitale Fotografie“! 

IMPRESSUM 

HERAUSGEBER: Ultimate Guide Media 

REDAKTION INTERNATIONAL: Daniel Lezano, Caroline 

Wilkinson, Ross Hoddinott, Lee Frost 

ART DIRECTOR: Dean Mullock 

FINANZDIREKTOR: Richard Layton 

DATENSCHUTZERKLÄRUNG 

Dieses MAGBOOKwird unter der Lizenz und mit 

der Erlaubnis von © Dennis Publishing Limited 

herausgegeben. Alle Rechte an Material, Titel und Marke 

dieses Magazins sind Eigentum von Dennis Publishing 

Limited und dürfen weder im Ganzen noch teilweise ohne 

vorherige schriftliche Genehmigung reproduziert werden. 

Die in diesem Magazin artikulierten Meinungen, sind 

die Meinungen der jeweiligen Autoren und stimmen 

nicht zwingend mit der Meinung des Herausgebers, der 

Redaktion oder den Vertreibern dieses Magazins überein. 

HAFTUNG 

Das Heft wurde mit großer Sorgfalt produziert. Der 

Verlag kann jedoch keine Haftung, Gewährleistung, 

Garantie oder Versicherung für Meinungen, Waren oder 

Dienstleistungen übernehmen, die in dieser Ausgabe 

veröffentlicht wurden. Der Herausgeber übernimmt keine 

Verantwortung für Inhalte von externen Webseiten, deren 

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LESERFRAGEN 

Bitte schicken Sie Leseranfragen an 

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DRUCK UND BINDUNG 

QuadWinkowski Sp. z o.o. 

ul. Okrzei 5, 64-920 Piła, Polen 

www.Quadwinkowski.pl 

Das Papier, auf dem dieses 

Magazin gedruckt ist, besteht aus 

umweltverträglichen Fasern.

052 

FARBEXPLOSIONEN, ABSTRAKT 

FOTOGRAFIERT

Inhalt 

008 Technik 1 

Professionelle Vogelaufnahmen 


Winterwunder für Frühaufsteher 


Unvergessliche Tierporträts 

020 Leserschaukasten 

Die besten Ihrer eingesandten Bilder auf 

über 20 Seiten, von unseren Experten 

bewertet und kommentiert 

044 Fotoidee 1 

Stillleben mit falschen Schatten 


Fotospaß auf dem Jahrmarkt 


Kinderporträts, der kostbare Moment 


Farbexplosionen, abstrakt fotografiert 


Landschaft als Silhouette 

056 5 Minuten Photoshop 

Materie-loser Monitor 


Porträts im Regen 


Magischer Nebel 


Badezimmer-Porträts wie im Studio 

068 Tipps und Tricks für 

Winterlandschaften 


Abstrakte Eismuster 

08 

PROFESSIONELLE 

VOGELAUFNAHMEN 

44 

STILLEBEN MIT FALSCHEN SCHATTEN 

072 5 Minuten Photoshop 

Farbverlaufsfilter 


Kreative Porträts mit Blitzfolien 


Retro-Refraktionen mit Weinglas 


Regen, erfrischend simuliert 

082 Expertenkritik 

zur Verbesserung Ihrer Fotos 

087 Vollständig im Bilde 

Appetitliche Kunst - Intro 

088 Food-Fotografie 1 

Erste Schritte & Design 


Kuchen & Torten 


Grundlagen für Getränkefotos 

20 

LESERSCHAUKASTEN 

94 

KUCHEN & TORETEN 

DIGITALE FOTOGRAFIE – UPDATE \ 005

Inhalt 

099 Fotografieren bei Zwielicht & 

Dämmerung 

Ohne das richtige Licht geht gar nichts! 

110 Fotografieren in 

Küstenlandschaften 

Intro 

112 Nah am Wasser 

Die richtige Ausrüstung 

122 Ein kreativer Blick 1 

Apfelsinenfabrik 


Fruchtiges in Scheiben 


Früchteschießen 


Buntstifte - Intro 

130 Buntstifte 2 

Wer zeichnet wen? 

132 Buntstifte 3 

Wer ist hier bunt? 


Kerzen & Strichmännchen 


Kerzen & Rauchsignale 


Kerzen & die flambierte Frau 

140 Spitzenprofis 1 

Shooting Stars 

144 Spitzenprofis 2 

Liebesgrüße aus Moskau 

148 Digitale Dunkelkammer 1 

Schnellauswahlwerkzeuge 


Manuell auswählen 


Cross-Entwickeln in Lightroom 

99 

OHEN DAS RICHTIGE 

LICHT GEHT GAR 

NICHTS 

128 

BUNSTIFTE 

152 

LIGHTROOM 

122 

APFELSINENFABRIK 

132 

WER IST HIER BURNT? 

006 / DIGITALE FOTOGRAFIE – UPDATE

ARBEITSTECHNIK 

VÖGEL 

RICHTEN SIE IHR OBJEKTIV NACH OBEN UND NUTZEN SIE UNSERE VORSCHLÄGE 

ZUR AUFNAHMETECHNIK – SIE WERDEN ÜBERRASCHT SEIN, WIE PROFESSIONELL 

IHRE VOGELAUFNAHMEN AUSSEHEN. 

O 

B ES EIN MÄCHTIGER, lautlos am Himmel 

dahinsegelnder Adler ist, der nach Beute 

Ausschau hält, oder ein schüchternes 

Rotkehlchen auf einem schneebedeckten 

Gartenzaun; Vögel gehören zu den attraktivsten 

Motiven überhaupt. Einer der Vorteile der 

Vogelfotografie ist, dass Sie nicht weit fahren 

müssen, um Ihr Motiv zu finden. Obgleich viele der 

exotischeren Arten, insbesondere der Raubvögel, in 

Deutschland nicht freilebend vorkommen, sind auch 

sie zu finden, nämlich in Zoos, Vogelparks oder 

Falknereien. Im Übrigen gibt es eine Fülle 

einheimischer Arten, wobei wir die Zugvögel mit 

einschließen. Draußen in der Natur finden Sie Eulen, 

rote und schwarze Milane, Falken, Finken, Reiher, 

Bussarde und viele mehr – vorausgesetzt, Sie 

suchen am passenden Ort und zur rechten 

Jahreszeit. Doch keine Sorge, Sie müssen kein 

Ornithologe sein. Wissenswertes darüber, wo und 

wann man die Vogelarten antreffen kann, erfahren 

Sie etwa auf www.lietzow-naturfotografie.de. 

Vergessen Sie aber auch nicht das Naheliegendste, 

nämlich den eigenen Garten! Mit ein wenig Planung 

und Vorbereitung machen Sie daraus ein Freiluft- 

Studio für die Vogelfotografie – und haben zugleich 

den Vorteil, im Warmen zu sitzen und aus dem 

Fenster fotografieren zu können. 

Was die Fotoausrüstung betrifft, ist ein Tele- 

MARINA CANO 

Zoomobjektiv unverzichtbar. Bei einer 34×36 mm 

Kleinbildkamera mit APS-C Sensor liefert ein 

70-200 mm Objektiv eine maximale Brennweite 

von 300 mm. Das reicht allemal aus, um Vögel im 

Garten formatfüllend ins Bild zu bekommen. Wenn 

Sie in der freien Natur fotografieren, sind 

Brennweiten von 300 mm bis 400 mm ideal. 

Allerdings sind gute Objektive dieser Größenordnung 

sehr teuer, deshalb sollten Sie gegebenenfalls einen 

Telekonverter in Betracht ziehen, um die Reichweite 

Ihrer vorhandenen Objektive zu erhöhen. Ein 

Telekonverter mit Vergrößerungsfaktor 1,4 an einem 

APS-C Gehäuse mit 200 mm Objektiv liefert etwa 

eine Brennweite von 448 mm. 

Nicht direkt dem Kamerazubehör zuzurechnen, für 

den Erfolg jedoch ebenso wichtig, ist eine gute 

Tarnung. Diese kann einfach darin bestehen, dass 

sie blasse, erdfarbene Kleidung tragen, um im 

Gelände möglichst wenig aufzufallen. Wenn Sie 

länger an einem Ort verweilen, leistet ein Tarnzelt 

sehr gute Dienste, da es von Vögeln als Teil der 

Landschaft wahrgenommen wird. Andernfalls kann 

es sehr lange dauern, bis die Tiere sich davon 

überzeugt haben, dass Sie in der gewohnten 

Umgebung keinen gefährlichen Fremdkörper 

darstellen. 

EXOTISCHE VÖGEL 

2 Wenn Sie exotische Vögel oder seltene Arten 

aufnehmen wollen, werden Sie um einen Besuch im 

Zoo oder Vogelpark nicht herumkommen. Der Trick, 

wenn Sie dort fotografieren, besteht darin, den 

Betrachter des Fotos nicht merken zu lassen, dass der 

Vogel nicht in freier Wildbahn aufgenommen wurde. 

Fotografieren Sie also mit geringer Schärfentiefe, damit 

vorhandene Netze, Maschendraht oder Gitter nicht 

erkennbar sind; überhaupt sollte sich kein von 

Menschen gemachtes Objekt im Bildausschnitt 

befinden, dann sind Sie immer auf der sicheren Seite. 

Benutzen Sie wenn möglich grünes Blattwerk oder 

den Himmel als Hintergrund. 

VÖGEL IM FLUG 

3 Kaum etwas sieht so majestätisch aus, wie ein 

großer Vogel, der lautlos über die Landschaft gleitet. 

Fast immer werden Sie für eine solche Aufnahme die 

größtmögliche Brennweite einstellen müssen. Einen 

Vogel im Flug mit der Kamera formatfüllend 

einzufangen, beruht zu 90% auf guter 

Aufnahmetechnik und richtigem Timing. Schalten Sie 

den Autofokus in den Modus „Nachführen“ und 

benutzen Sie nur einen einzigen Scharfstellpunkt, um 

das Tier am Himmel mit der Kamera zu verfolgen. 

Stellen Sie eine Verschlusszeit von 1/500 Sekunde 

oder kürzer ein, um die Bewegung einzufrieren und 

achten Sie besonders darauf, bei der Wahl des 

Bildausschnitts nicht die Spitzen der Flügelfedern 

abzuschneiden. 

CESAR AIDAN RODRIGUEZ BAUTISTA 

AUSTIN THOMAS 

STEFANO RONCHI 

KÜNSTLERISCHE FOTOS Aufgrund ihrer natürlichen Ästhetik und Eleganz eignen sich Vogelmotive 

1 sehr gut, um künstlerische Bilder aus deren Fotos zu erzeugen. Fotografieren Sie beispielsweise gegen den 

Himmel oder einen homogenen Hintergrund, damit sie ein aufgeräumtes Bild erhalten, dann konvertieren Sie es 

am Computer in Schwarzweiß. Verwenden Sie dabei eine Kurvenkorrekturebene, um den Kontrast zu verbessern 

oder benutzen Sie die Werkzeuge zum Abwedeln und Nachbelichten, um den Kontrast selektiv zu verstärken. 

Pfauen sind ausgezeichnete Motive – wählen Sie den Bildausschnitt so, dass der Vogel sich in der Mitte befindet. 

So können Sie die prachtvollen Farben und Muster des Pfauenschweifs einfangen. 

BEWEGUNG EINFANGEN 

4 Bestimmte Kolibri-Arten schlagen im 

Schwebeflug – wenn Sie also in der Luft zu stehen 

scheinen – bis zu 80 Mal in der Sekunde mit ihren 

Flügeln. Das gibt Ihnen die Möglichkeit, diese extrem 

schnelle Bewegung ohne Stativ oder lange 

Verschlusszeit einzufangen; Zeiten zwischen 1/200 

Sekunde und 1/500 Sekunde sind kurz genug, den 

winzigen Körper scharf abzubilden während die Flügel 

verschwimmen. Wenn Ihre Kamera die Highspeed- 

Synchronisation Ihres Blitzgeräts unterstützt, können 

Sie auch einen extrem kurzen Blitz hinzunehmen. Der 

Blitz friert ein scharfes Bild der Flügel ein, während die 

im Vergleich zum Blitz lange Verschlusszeit die 

Bewegung der Flügel gleichzeitig verschwimmen lässt. 


5 SERIENAUFNAHMEN 

Der blitzschnelle Sturzflug mit Eintauchen eines 

jagenden Eisvogels ins Wasser ist ein spektakulärer 

Anblick. Mit kurzer Verschlusszeit können Sie zwar einen 

Teil der Aktion als Einzelbild aus der Hand fotografieren; 

wenn Sie jedoch eine ganze Bildserie schießen, können 

Sie diese in der Nachbearbeitung zusammen montieren. 

Beobachten Sie, wo die Vögel tauchen, und richten Sie 

das Objektiv Ihrer auf Stativ montierten Kamera in diese 

Richtung. Der Bildausschnitt sollte so gewählt werden, 

dass die Wasseroberfläche sich möglichst nah am 

unteren Bildrand befindet. Stellen Sie die 

Blendenautomatik und eine Verschlusszeit von 1/2000 

Sekunde oder kürzer ein. Wenn Sie den Eisvogel zum 

Sturzflug ansetzen sehen, lösen Sie die Bildserie aus; 

achten Sie aber unbedingt darauf, die Kamera nicht mehr 

zu bewegen! Bei der Nachbearbeitung können Sie in 

Photoshop mithilfe von Ebenenmasken alle Bilder so 

übereinander legen, dass der ganze Bewegungsablauf in 

einem Bild dargestellt wird. 

BILDER: TONY HOUSE


BILDAUSSCHNITT FÜLLEN Die bei Porträts verwendete Aufnahmetechnik ist nicht nur für 

6 Menschen reserviert. Auch in der Tierfotografie gilt: oft entstehen die besten Ergebnisse durch direkten 

Blickkontakt. Mit einer langen Brennweite können Sie das „Gesicht“ des Vogels formatfüllend ins Bild bekommen. 

Dem Vogel können Sie im Gegensatz zum menschlichen Model allerdings nicht sagen, er solle sie direkt ansehen, 

doch wenn Sie ein für das Tier interessantes, nicht zu lautes Geräusch verursachen, wird es einen kurzen 

Moment in dessen Richtung schauen – lang genug für Sie, um die Aufnahme in den Kasten zu bekommen. Wie 

bei allen Porträts stellen Sie auch hier auf die Augen scharf und benutzen eine mittlere Blende von etwa f/8, damit 

Sie eine optimale Schärfe und eine komfortable Schärfentiefe bekommen. 

JIM CUMMING ANDREW KELLEY 

7 SILHOUETTEN 

Vogelschwärme in Bewegung sind ein 

eindrucksvoller Anblick: Die synchronen Bewegungen 

vermitteln oft den Eindruck eines einzigen, gigantischen 

und zugleich eleganten Lebewesens. Fotografieren Sie 

mal einen Vogelschwarm im Gegenlicht, sodass die Tiere 

als Silhouetten erscheinen. Versuchen Sie dabei auch 

etwas Horizont und nähere Umgebung ins Bild zu 

bekommen, damit der Betrachter sich am Maßstab 

orientieren kann. 

Damit die Vögel als Silhouetten erscheinen, müssen Sie 

wahrscheinlich die Belichtung negativ kompensieren, 

oder Sie nehmen eine Punktmessung am Himmel vor. 

Ein im Nebel liegender See bei Sonnenaufgang bildet 

den perfekten Hintergrund für diese eindrucksvolle 

Aufnahmetechnik. 

MICHAEL PACHIS 

STRUKTUREN UND MUSTER 

8 Gehen Sie nah heran und kreieren Sie ein abstraktes 

Bild, indem Sie einen Detailbereich des farbenprächtigen 

Vogelgefieders fotografieren. Vogelfedern sind unglaublich 

kompliziert aufgebaut und offenbaren sehr viele Details, 

wenn man sie aus großer Nähe betrachten kann. 

Benutzen Sie also Ihr Makroobjektiv, gehen Sie so nah wie 

möglich heran und Sie werden diese Details im Bild 

haben. Wenn Sie Glück haben und das Tier sich nicht 

bewegt, können Sie die Federn fotografieren, wie sie sich 

überlappend eng am Körperanliegen. Sie können natürlich 

auch einfach Federn sammeln und diese später zuhause 

fotografieren. Versuchen Sie möglichst interessante Farben 

und Muster in den Bildausschnitt zu bekommen oder 

verwenden Sie die Aufnahmetechnik des selektiven 

Scharfstellens kombiniert mit einer weit offenen Blende, 

um einen farbigen, weichen Rahmen zu erzeugen. 


Vögel 

ROSS HODDINOTT 

MARK BRIDGER 

WUNDERLICHE PAPAGEITAUCHER 

9 Papageitaucher sind sonderbare Tiere. Sie tragen 

ihren Namen wegen ihres bunt gefärbten Schnabels, 

der an die Gefiederfarben von Papageien erinnert. 

Leider kommen sie in Deutschland nicht vor, Sie sind 

lediglich sehr selten einmal als „Gäste“ auf Helgoland 

zu finden. Um sie zu fotografieren, müssen Sie sich 

nach Skandinavien, England, Irland oder Island 

bemühen, wobei der Trip auf die Farne Islands, direkt 

nördlich der Küste von Northumberland in England die 

am wenigsten aufwändige Alternative darstellt. Dort 

leben mehr als 35000 Papageientaucher. Zwischen 

Anfang April und Anfang Juli können Sie sie 

fotografieren, wie Sie mit Fisch im Schnabel vom Meer 

zurückkehren, um ihre Jungen zu füttern. 

Grasbewachsene Klippen und blauer Himmel sorgen 

für einen fantastischen Hintergrund. 

10 GARTENVÖGEL 

Um einheimische Vögel in den Kasten zu 

bekommen, brauchen Sie überhaupt nicht zu reisen, 

denn auch Ihr Garten kam zum Lebensraum für Vögel 

werden. Locken Sie sie mit Futterhäuschen und 

regelmäßigem Ausstreuen von Vogelfutter an. Platzieren 

Sie die Futterhäuschen so, dass Sie sie vor einem 

homogenen Hintergrund im Blick haben. Sobald Sie eine 

Zahl regelmäßig wiederkehrender gefiederter Besucher 

haben, statten Sie die Futterplätze mit Requisiten aus, auf 

denen sich die Vögel niederlassen können, beispielsweise 

mit moosbewachsenen Ästen. Nun können Sie hinter 

einem Fenster warten und aus der Gartenlaube oder 

einem anderen Versteck heraus fotografieren, während 

sich die kleinen Kerle die von Ihnen spendierten 

Mahlzeiten einverleiben. Im Verlauf der Jahreszeiten 

werden Sie die meisten heimischen Arten vor die Linse 

bekommen, von Goldfinken bis Rotkehlchen. 



WINTERWUNDER 

FOTOGRAFISCH HAT DER WINTER SEHR VIEL ZU BIETEN. WENN SIE BEREIT SIND, AUCH MAL AM WOCHENENDE 

FRÜH AUFZUSTEHEN, SICH WARM ANZUZIEHEN UND DER DUNKELHEIT UND KÄLTE ZU TROTZEN, WERDEN 

SIE MIT DEN FOLGENDEN ZEHN TIPPS GANZ BESONDERE FOTOS NACH HAUSE BRINGEN. 

F 

RAGE: WARUM EIGENTLICH sollte man 

sich als vernünftiges Wesen in aller 

Herrgottsfrühe bei Dunkelheit und 

Eiseskälte aufmachen, um Wetterbedingungen 

zu fotografieren, die schon vor rund 2000 Jahren 

Völkerwanderungen in den Süden ausgelöst 

haben? Antwort: Weil es in dieser Jahreszeit 

nichts Schöneres gibt! 

Wenn Sie noch nie im Licht der Dämmerung an 

einem eisigen Morgen einen verschneiten Weg 

ins Tal hinuntergestapft sind, über dessen 

weißer, im Nebel liegender Landschaft langsam 

die Sonne aufgeht, dann haben Sie einfach 

etwas verpasst. Allerdings spielt es eine 

entscheidende Rolle, wo Sie leben. Wer in einem 

industrialisierten Ballungsgebiet wohnt, wo auch 

das Winterwetter nur feucht und matschig ist, 

muss in den Harz, den Taunus, die Eifel, den 

Schwarzwald oder in die Alpen fahren. Wer 

weiter im Norden wohnt, findet weiße 

Winterlandschaften im Münsterland, der 

Lüneburger Heide, der Holsteinischen Schweiz, 

im Erzgebirge oder in Deutschlands Nordosten 

nahe der polnischen Grenze. Diese nur als 

Beispiele, für die Sie ggf. etwas fahren müssen. 

Der angenehme Teil der Aktion besteht jedoch 

darin, dass die Sonne erst gegen 8:00 Uhr 

aufgeht und gegen 16:00 Uhr schon wieder 

verschwunden ist. Das bedeutet, dass sie nicht 

mitten in der Nacht aufstehen müssen, um in 

der Morgendämmerung zu fotografieren – und 

zum späten Abendessen sind Sie wieder zu 

Hause. 

Da die Sonne im Winter nie hoch am Himmel 

steht, ist das Licht den ganzen Tag zum 

Fotografieren geeignet. Tatsächlich können Sie 

im Winter mehr Stunden pro Tag fotografieren als 

im Sommer. 

Noch ein Tipp: Da Sie sich für längere Zeit in der 

Kälte aufhalten werden, sollten Sie mitgeführte 

Ersatzbatterien so nah wie möglich am Körper 

tragen. Kälte reduziert die Funktionszeit von 

Batterien ganz erheblich, und das Allerletzte, 

dass Sie sich wünschen werden ist, dass Ihrer 

Kamera irgendwo in der eiskalten Pampa an 

einem frühen Sonntagmorgen, wenn sogar noch 

die Tankstellen geschlossen sind, der Strom 

ausgeht. Also alles warm einpacken, besonders 

sich selbst, Thermoskanne füllen – und los 

geht’s. 

1 SCHNEE 

Es gibt nichts Besseres als frisch gefallenen 

Schnee, um Landschaften in ein Winterwunderland 

zu verwandeln. Dieses ist sehr einfach zu 

fotografieren, idealerweise bei sonnigem Wetter. Die 

Sonne sollte sich seitlich der Kamera befinden, 

sodass der Schnee seitlich beleuchtet und seine 

Oberflächenstruktur erkennbar wird. Fußspuren, 

Zäune und Mauern können den Vordergrund 

auflockern. 

Achten Sie auf die Belichtung, denn bei viel Weiß 

neigt die Kamera zum Unterbelichten; in dem Fall 

stellen Sie bis zu zwei Blendenstufen positive 

Belichtungskorrektur ein! 

LEE FROST 

ISTOCK PHOTO 

LEE FROST 

LEE FROST 

2 POLFILTER 

An einem sonnigen Wintertag ist ein Polfilter auf 

dem Objektiv zu empfehlen. Er verstärkt nicht nur 

das Blau des Himmels und die kühlen Farbtöne am 

Boden, sondern hebt auch Wolkenformationen 

plastischer hervor, verbessert Klarheit und Kontraste, 

verstärkt insgesamt die Farben und absorbiert 

Lichtreflexe von Eis und Schnee. 

Drehen Sie den Polfilter, bis Sie mit seiner Wirkung 

zufrieden sind. Achten Sie besonders auf den 

Himmel, denn bei voller Polarisation kann der 

ohnehin tiefblaue Winterhimmel an den Ecken des 

Bildausschnitts fast Schwarz werden, was weniger 

schön aussieht. 

3 EISMUSTER 

Bei Dauerfrost bildet sich Eis auf Seen, Teichen 

und Pfützen. Das eröffnet Ihnen ungeahnte 

Möglichkeiten für Detailaufnahmen, die teils sehr 

abstrakt wirken können. Die eingeschlossene Luft 

bildet Blasen im Eis, und das sich während der 

Vereisung immer noch bewegende Wasser formt 

Buckel und Wirbel, an der Eisoberfläche, die deutlich 

zu sehen sind. Ein Fluss- oder Seeufer kann zur 

Quelle sehr vieler Motive werden. Idealerweise steht 

Ihnen ein Makroobjektiv zur Verfügung, doch ein 

Standardzoom- oder ein 50 mm Festobjektiv tun es 

auch. 

4 EISZAPFEN 

Überall dort, wo kleine Mengen Wasser 

kontinuierlich abtropfen, werden sich bei frostigem 

Wetter Eiszapfen bilden. Das kann an einer Dachrinne 

oder an einer Autostoßstange genauso gut sein, wie an 

einem überhängenden Felsen. Eiszapfen können ein 

paar Millimeter oder ein paar Meter lang sein. Bei kleinen 

Eiszapfen gehen Sie so nah wie möglich heran, so dass 

der Bildausschnitt gut ausgefüllt wird und fangen die 

Lichtreflexe ein. Bei größeren Eiszapfen benutzen Sie ein 

Weitwinkelobjektiv, was die Gebilde auf dem Foto noch 

größer erscheinen lässt. Die eindrucksvollsten Eiszapfen 

finden Sie an überhängenden Felsen. Wenn es möglich 

ist, sich dahinter aufzustellen, können Sie einen solchen 

Eiszapfen als dominierendes Vordergrundelement für 

eine Landschaftsaufnahme benutzen.. 


DER FRÜHE VOGEL … 

5 Nebel, Raureif, Schnee und Eis sind am 

fotogensten, wenn sie frisch sind und die 

Außentemperatur niedrig bleibt. Sobald die 

Temperatur ansteigt, schmilzt alles weg oder 

verblasst. Der frühe Morgen ist zu jeder 

Jahreszeit die kälteste Tageszeit, seien Sie 

also beim ersten Tageslicht vor Ort. Das Licht 

vor Sonnenaufgang hat einen 

stimmungsvollen blauen Farbstich, und 

gerade im Winter gibt es überwältigende 

Sonnenaufgänge. Im Übrigen ist ein früher 

Morgen auch die ruhigste Tageszeit von allen. 

IMAGE: HELEN DIXON


Winterwunder 

HELEN DIXON 

6 SCHWARZWEISS 

Eine Winterlandschaft ist starr und karg. Schnee 

bedeckt Vieles, das sonst sichtbar wäre, Skelette von 

Bäumen recken sich gen Himmel, und das Wetter ist 

düster und abweisend. Solche Faktoren machen ein 

Foto zum idealen Kandidaten für eine Konvertierung 

in Schwarzweiß. Oft genug enthält schon das 

Originalbild so wenig Farben, dass es fast wie ein 

Schwarzweißfoto wirkt. Bei der Konvertierung 

brauchen Sie sich mit der Dosierung der Effekte nicht 

zurückzuhalten. Erhöhen Sie kräftig die Kontraste, 

um die Kombinationen aus Hell und Dunkel einer 

Winterlandschaft zur Geltung zu bringen. 

ISTOCK PHOTO 

LEE FROST 

ADAM BURTON 

7 LICHT 

Mit der Qualität des Lichts steht und fällt das 

Foto einer Winterlandschaft. Zum Glück ist das Licht 

im Winter oft sehr gut. Die Farbtemperatur bleibt 

während des ganzen Tages relativ niedrig und somit 

warm, weil die Sonnenbahn nah am Horizont 

verläuft. Das bedeutet allerdings auch, dass Schatten 

länger und schwächer sind als im Sommer, denn das 

Sonnenlicht ist weniger intensiv. 

Achten Sie auf die Wettervorhersage: Wird ein 

trockener, sonniger Tag angesagt, machen Sie sich 

früh auf und fotografieren bis zum Dunkelwerden. An 

einem guten Wintertag können Unmengen guter 

Fotos schießen, obwohl die Sonne nur acht Stunden 

zu sehen ist. 

8 WASSERFALL 

Temperaturen, bei denen sogar fließendes Wasser 

gefriert, sind selten, aber nicht ausgeschlossen, und 

solche Aufnahmen versetzen Betrachter garantiert in 

Erstaunen. Ein Wasserfall gefriert nur sehr langsam, 

zwischen und hinter den Eiszapfen fließt fast immer noch 

etwas Wasser. Es ist jedoch schon vorgekommen, dass 

auch ein Wasserfall zufriert und nur noch aus einer 

Eiswand oder gigantischen Eiszapfen besteht. Wenn 

noch etwas Wasser fließt, versuchen Sie, es mit aufs Bild 

zu bekommen und lassen Sie es mit dem Eis 

kontrastieren. Verschlusszeiten von einer halben bis einer 

Sekunde sollten die Bewegung des Wassers durch 

Verschwimmen erkennen lassen. Ist der Wasserfall 

komplett eingefroren, können Sie vielleicht hinter die 

Eiswand gelangen, um sie gegen das Sonnenlicht zu 

fotografieren: Ein solches Foto gelingt Ihnen vielleicht nur 

einmal im Leben! 

9 VORDERGRUND 

Nichts stellt die Schönheit einer 

Winterlandschaft besser dar, als eine 

panoramaähnliche Weitwinkelaufnahme. Das sollten 

Sie auf ihrer winterlichen Motivsuche im Hinterkopf 

behalten. Ein attraktiver Vordergrund ist dabei 

besonders wichtig. Schneebedeckte Felsbrocken, 

Fußstapfen im Schnee, Muster im Eis oder um Felsen 

herum fließendes Wasser sind ideale 

Vordergrundelemente. Gehen Sie in die Hocke, um 

den Effekt der Perspektive zu verstärken. Wenn Sie 

auf Blende f/11 oder f/16 abblenden, sollten Sie die 

gesamte Szene scharf bekommen. Schießen Sie 

ruhig auch mal mit senkrecht ausgerichteter Kamera, 

statt horizontal, denn so bekommen Sie mehr Details 

vom Vordergrund mit ins Bild 


10 RAUREIF 

Reif bildet sich durch den raschen 

Temperaturabfall in klaren Winternächten: Die Objekte 

werden kälter als die Luft, sodass die Feuchtigkeit auf 

ihrer Oberfläche gefriert. Dies ermöglicht spektakuläre 

Fotos, weil selbst die feinsten Details der Landschaft 

– Zweige, Gras, Zaundraht und sogar Spinnweben – mit 

winzigen Eiskristallen überzogen werden. 

Der Effekt geschieht über Nacht und auch nur bei klarem 

Wetter, daher ist der frühe Morgen die beste Tageszeit, um 

ihn einzufangen. Nach Sonnenaufgang, ist die 

einzigartige Naturerscheinung bald verschwunden. 

BILD: ADAM BURTON


TIERPORTRAITS 

OB SIE EINE KATZE, EINEN HUND ODER EINEN HAMSTER HABEN 

UND OB SIE PFERDE, VÖGEL ODER MEERSCHWEINCHEN MÖGEN, 

HIER FINDEN SIE ANREGUNGEN FÜR UNVERGESSLICHE TIERFOTOS. 

IE WERDEN ZU unseren besten 

Freunden – manchmal sogar zum 

SKindersatz – sehr oft jedenfalls zu unseren 

gefragtesten „Models“, wenn es ums Fotografieren 

geht. Sie kommen in den sonderbarsten 

Variationen vor, jede mit eigener Persönlichkeit 

und sie sorgen – nicht immer ganz freiwillig – für 

die liebenswertesten Bilder. Haustiere, egal ob mit 

Fell oder Federn, sorgen für jede Menge 

Fotomotive. Dazu brauchen Sie kein Studio, noch 

nicht einmal ein Blitzgerät. Halten Sie es so 

einfach wie möglich: mit natürlichem Licht, der 

richtigen Aufnahmetechnik und dem richtigen 

Hintergrund werden Ihnen die besten Bilder 

gelingen. Je weniger Ausrüstung Sie verwenden, 

desto weniger kamerascheu sind Tiere. Das 

macht es relativ einfach, sie im Moment des 

direkten Blickkontakts zu fotografieren. Eine 

Kamera mit Weitwinkel- oder 50 mm 

Normalobjektiv ist alles, was Sie brauchen. 

Vermeiden Sie, ein Telezoom zu verwenden, es sei 

denn, Sie müssen aus größerer Entfernung 

fotografieren. Wir haben uns hier auf zehn 

Anregungen beschränkt, doch Sie werden selbst 

auf eine Fülle weiterer, inspirierender Ideen 

kommen, wenn Sie erst einmal mit einer 

tierischen Fotosession begonnen haben. Ein 

Großteil des Erfolgs ist dabei von der richtigen 

Umgebung abhängig. Sie können beispielsweise 

versuchen, ein Tier mit schussbereiter Kamera in 

den kleinen Bereich des optimalen Lichts zu 

locken, doch meistens entstehen die besten 

Tierfotos, wenn Sie in einem zufälligen Moment 

aufgenommen werden, besonders dann, wenn es 

sich um junge Tiere mit noch sehr ausgeprägtem 

Spieltrieb handelt – denken Sie nur an die 

berühmte Katze mit dem Wollknäuel. Es gibt 

einige Standardregeln, die für Bildideen mit Tieren 

gelten, ganz gleich ob es sich bei Ihrem „Model“ 

um einen exotischen Papagei oder eine heimische 

Hunderasse handelt. Fotografieren Sie mit weit 

offener Blende, f/5.6 oder größer. Um störenden 

Hintergrund zu verwischen, stellen Sie auf die 

Augen scharf und fotografieren im Raw-Format. 

Mit diesen Parametern haben Sie zwar meistens 

keine optimalen Einstellungen, doch Sie können 

auf sich schnell verändernde Situationen schnell 

reagieren. 

JAVI INCHUSTA GONZALEZ 

MATT DRAPER 

LOW KEY Wenn Sie gegen einen schwarzen Hintergrund fotografieren, erhalten Sie ein 

2 sogenanntes Low-Key-Porträt mit viel Schatten und dunklen Farbtönen. Ein Tier, das aus einem 

schwarzen Nichts auftaucht, ergibt ein sehr künstlerisches Bild. Das natürliche Licht eines bewölkten 

Tages ist perfekt geeignet, denn es ist weich und diffus. Stellen Sie sich zwischen Tier und Lichtquelle und 

machen Sie die Belichtungsmessung auf einer Graukarte, damit die Kamera nicht überbelichtet. Sie 

können auch eine bis zwei Blendenstufen negativ korrigieren oder, falls Sie im Raw-Format fotografieren, 

automatisch belichten und alle Korrekturen in der Nachbearbeitung vornehmen. 

Verwenden Sie aber auf keinen Fall Blitzlicht, Tiere mögen das nicht! Falls das Tier selbst eine eher dunkle 

Farbe hat, müssen Sie eventuell manuell scharfstellen, wenn der Autofokus wegen des geringen 

Kontrastumfangs Probleme hat. 

DURCH DAS GLAS 

3 Tiere im Terrain oder Aquarium zu fotografieren, ist 

nicht so einfach, wie es scheint. Ein Vorteil besteht darin, 

dass Ihr „Modell“ an Ort und Stelle bleibt und nicht 

entfliehen kann. Zudem sind Licht und Umgebung Ihres 

Arbeitsbereichs gut überschaubar und damit beeinflussbar. 

Positionieren Sie einen farbigen Hintergrund an der 

hinteren Glaswand und setzen Sie ein Makroobjektiv ein, 

um den Bildausschnitt auszufüllen. 

Idealerweise beleuchten Sie die Szene von oben, damit die 

Glaswände keine Reflexionen verursachen; im Zweifelsfall 

setzen Sie zusätzlich einen Polfilter ein. Sie werden Tiere, 

die in einer solchen Umgebung leben, nicht dazu bringen 

können, zu tun, was Sie wollen, damit Ihnen ihr Bild 

gelingt. Richten Sie sich also darauf ein, lange Zeit mit 

Warten zu verbringen, bis ein zufälliger Augenkontakt 

hergestellt wird. 


ACTION Hunde rennen gerne, und im Wind 

1 flatternde Lefzen und Ohren können hübsche 

Bilder ergeben. Bitten Sie einen Freund, Ihren Hund 

festzuhalten, während Sie sich in etwa 100 m 

Entfernung aufstellen. So kann Ihr Hund seine 

Höchstgeschwindigkeit erreichen, bevor er bei Ihnen 

ist. Verwenden Sie ein Telezoom im Bereich von 

50-200 mm und gehen Sie möglichst in die Hocke, 

um auf Augenhöhe mit dem Tier zu sein. 

Nutzen Sie die Blendenautomatik und den 

kontinuierlichen Autofokus, damit die Schärfe 

konstant bleibt, wenn Ihr Hund auf sie zuläuft, und 

wählen Sie eine kurze Verschlusszeit von mindestens 

1/500 Sekunde oder kürzer, je nach 

Lichtverhältnissen. 

Nun geben Sie das Signal, den Hund loszulassen. 

Sobald er unterwegs ist, machen Sie im 

Serienbildmodus beliebig viele Aufnahmen. Bringen 

Sie aber die Kamera in Sicherheit, bevor er bei Ihnen 

ist, denn Hunde können viel besser beschleunigen 

als bremsen! 

IMAGE: JORDAN BUTTERS 

IRENE MEI 

2013 BEN HEINE 

4 FENSTER 

Katzen sind aufgrund ihres eigensinnigen 

Charakters schwer zu fotografieren. Gute Chancen 

haben Sie, wenn die Katze faul auf der Fensterbank 

im Sonnenlicht liegt. Stellen Sie an der Kamera die 

Zeitautomatik, eine große Blende und den 

höchstmöglichen ISO-Wert ein, bei dem das 

Bildrauschen gerade noch vermieden wird. Diese 

Einstellungen sollten den Hintergrund ausreichend 

verwischen und dennoch eine Verschlusszeit 

garantieren, die kurz genug ist, selbst bei schlechtem 

Licht jede Bewegung einzufrieren. Holen Sie die 

Katze formatfüllend ins Bild, um das durch das 

Fenster hereinfallende natürliche Licht am besten zu 

nutzen. 

Hunde sind einfacher, sitzen eher still und schauen 

sogar zum Fenster, wenn sie gut gehorchen. 

KREATIVES Kreative Ideen für die Tierfotografie gibt es viele. Uns gefällt besonders die Serie „Kamera und 

5 Zeichenstift“ (Pencil vs Camera) von Ben Heine (http://www.benheine.com). Verschroben und humorvoll 

vermischt er Tierzeichnungen mit Tierfotos. Dieses Bild zeigt das Foto eines im Freien aufgenommenen sitzenden 

Hundes, während Ben seine maßstabgerechte Zeichnung davor hält. Kontraste und Farben wurden mit 

Photoshop verstärkt. 



Tierportraits 

FARBE UND RAUM 

6 Hunde und Katzen dürften als Haustiere am 

weitesten verbreitet sein; manchmal aber sorgen 

gerade ungewöhnliche Spezies für interessante, 

inspirierende Bilder. 

Ein bunter Papagei beispielsweise wirkt sehr schön 

vor farbenfrohem Hintergrund aus Komplementäroder 

Kontrastfarben. Wenn möglich, heben Sie den 

Hintergrund mit einem Spotlight hervor, um ihn 

noch attraktiver zu machen. Normalerweise versucht 

man den Papagei formatfüllend aufzunehmen; doch 

sofern der Hintergrund keine störenden Elemente 

enthält und das Foto farblich ausbalanciert, kann 

diese Bildkomposition die Motivwirkung sogar 

verstärken. 

DELIA GALHOTRA 

IRENE MEI 

OLKA KRYVOSHEI 

ISTOCKPHOTO 

NAH UND NÄHER 

7 Bei Katzen und Hunden, die kein bisschen 

kamerascheu sind und den Blickkontakt zum 

Objektiv halten, können Sie die Symmetrie des 

Gesichts durch ungewöhnlichen Bildausschnitt 

unterstreichen. So entstehen besonders attraktive 

Katzenportraits, wobei Sie sich um den Hintergrund 

nicht kümmern müssen, weil es keinen gibt. 

Allerdings muss das Licht gleichmäßig verteilt sein. 

Sie sollten ein solches Porträt nicht etwa auf kurze 

Entfernung zu fotografieren versuchen, sondern aus 

zwei bis drei Metern mit einem Zoomobjektiv, wobei 

Sie Blende f/5.6 benutzen und auf die Augen 

scharfstellen. Bei Hunden mit langer Schnauze ist 

jedoch wegen der notwendigen größeren 

Schärfentiefe eine kleinere Blende notwendig. 

8 KULISSE 

Kleidungsstücke, Spielzeug und 

Haushaltsgegenstände als Requisiten können 

besonders bei Kleintieren zu lustigen Motiven führen, 

wie hier bei Tobi, einem unternehmungslustigen 

Hamster. Dieses Bild ist ein sehr gutes Beispiel dafür, 

wie ein alltäglicher Haushaltsgegenstand dafür sorgt, 

dass das Tier lange genug für ein schönes Foto am 

Ort des besten Lichts bleibt. Hundewelpen und 

Kätzchen sehen neben im Vergleich zu deren Körpern 

überdimensionierten Requisiten besonders niedlich 

aus. 

GOLDENE STUNDEN 

9 Ob früh oder spät, ein Spaziergang mit dem 

Hund ist entspannend, besonders wenn Sie im 

schönsten Licht des Tages unterwegs sind. Wenn die 

Sonne niedrig steht, bekommen Gras und Bäume 

einen attraktiven, warmen Glanz. Fotografieren Sie 

aus einiger Entfernung mit Teleobjektiv und weit 

offener Blende. So erzeugen Sie ein schönes Bokeh, 

der Hund bemerkt nicht die Kamera und bleibt 

entspannt. Falls er von hinten beleuchtet wird, nutzen 

Sie die Punktmessung, um das Foto nicht 

unterzubelichten. Sie brauchen auch keine 

Gegenlichtblende, denn ohne wird das Licht noch 

wärmer. 


10 SICHTWECHSEL 

Experimentieren Sie mit verschiedenen 

Standpunkten und Brennweiten. Ein Weitwinkeloder 

besser ein Ultraweitwinkel-Zoomobjektiv 

sorgt für außergewöhnliche Bilder mit verzerrter 

Perspektive, wenn Sie von einem erhöhten oder 

sehr niedrigen Kamerastandpunkt aus arbeiten. 

Gehen Sie so nah auf den Boden wie möglich, 

und richten Sie die Kamera nach oben. 

Vergessen Sie aber nicht: Je dichter am Motiv, 

umso kleiner muss die Blende eingestellt 

werden, sonst erhalten Sie nicht genug 

Schärfentiefe. 

IMAGE: ISTOCK PHOTO

IHRE BESTEN BILDER 

Vincent Bourrut 

Alter: 39 / Beruf: Fotograf 

Étretat: Diese Klippen in Nordfrankreich habe ich nachmittags bei 

Ebbe fotografiert. Ich wollte das auf den Felsen im Hintergrund 

auftreffende, warme Licht mit dem natürlichen Bogengewölbe 

einrahmen. Ich setzte einen zehnstufigen Graufilter ein, um die 

Bewegung der ziehenden Wolken abzubilden und die 

Meereswellen zu verwischen. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon EF 17-40mm f/4L USM Objektiv 

Belichtung: 30 Sekunden bei Blende f/6.3 und ISO 100

Leserschaukasten 


KOMMENTAR 

Die Bilder sind so knackig scharf, dass 

man die herrschenden Minusgrade fast 

schon körperlich spüren kann. Dank ihrer 

Farben und der perfekten Beleuchtung 

zählen diese Aufnahmen zu den 

ausgezeichneten Naturfotos. 

Vincent Bourrut (fortgesetzt) 

Lac Léman: Diese Bilder entstanden im Frühling am Genfer See in der 

Schweiz. Es war immer noch so kalt, dass die auf der anderen Seite des Sees 

liegenden französischen Alpen von Schnee bedeckt waren. Ich habe einen 

zehnstufigen Graufilter verwendet, um die Bewegung der Wolken einzufangen. 

Der Himmel war stark bedeckt, deshalb musste ich auf den richtigen Moment 

warten, bis genug Licht vorhanden war, um das Sprungbrett zu beleuchten und 

dem Bild genug Tiefe zu geben. 


Belichtung: 101 Sekunden bei Blende f/18 und ISO 100 

Tête de Ran: Dieses Foto habe ich eines sehr frühen Morgens gemacht, als ich 

das wundervolle erste Sonnenlicht einfangen wollte. Ich war gerade rechtzeitig 

vor Sonnenaufgang auf 1200 Meter über dem Meeresspiegel angekommen 

und brauchte nur kurz zu warten, bis das Licht auf die gefrorenen Bäume fiel. 

Es war mit minus 12 Grad extrem kalt, doch ein sehr friedlicher Moment, als 

die Sonne über den Horizont stieg. Ich hatte nicht weit entfernt geparkt, und als 

ich die Aufnahme im Kasten hatte und wieder im warmen Auto saß, kehrte das 

Gefühl in Händen und Füßen schnell zurück. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon EF 24-70mm f/2.8L USM Objektiv 

Belichtung: 1/50 Sekunde bei Blende f/8 und ISO 400 

Lorenzo Mancini 

Alter: 25 / Beruf: Student 

Gedankenverloren: An einem späten Frühlingsmorgen wurde mein Modell von 

weichem, natürlichem Licht angestrahlt. Ich benutzte einen Reflektor, um ein 

paar Schatten aufzuhellen und ein subtiles Funkeln in den Augen zu erzeugen. 

Die Kameraeinstellungen hatte ich manuell vorgenommen, um die volle 

Kontrolle über das Motiv zu behalten. Ich hatte auf die Augen scharfgestellt und 

benutzte eine große Blende, damit nichts von ihnen ablenken konnte. Ich 

konvertierte das Bild in Schwarzweiß, wobei ich darauf achtete, dunkle 

Farbtöne und hohe Kontraste zu bekommen; Gesichtsausdruck und Pose des 

Modells vermitteln eine nachdenklich-melancholische Stimmung. 

Nikon D700 mit Nikkor AF-S 50mm f/1.4 Objektiv 

Belichtung: 1/640s Sekunde bei Blende 1.4 und ISO 100). 



KOMMENTAR 

Diese Aufnahmen zeigen Tiere in freier 

Wildbahn. Die Bildkomposition und das 

Timing der Tierszenen sind so perfekt, 

dass es so scheint, als seien sie eigens für 

die Aufnahme inszeniert worden. 

Hervorragend. 



Steve Langton 

Alter: 54 / Beruf: Chirurg 

Dieses Foto entstand in Amboseli, Kenia. Man könnte glauben, der Elefant 

würde den Vogel duschen. Ich habe aus dem Geländewagen heraus fotografiert 

wobei die Kamera auf einen Bohnensack aufgelegt war. Ich wollte das aus dem 

Rüssel spritzende Wasser einfangen, deswegen hatte ich eine kurze 

Verschlusszeit gewählt. In der Nachbearbeitung waren nur geringe Korrekturen 

von Kontrasten und Farben nötig, wobei ich auch den Himmel etwas 

abdunkelte. Dann musste ich das Bild nur noch passend zuschneiden. 

Canon EOS-1D Mk IV mit Canon EF 400mm f/4 DO IS USM Objektiv 

Belichtung: 1/2000 Sekunde bei Blende f/5.6 und ISO 400 

Auch dieses Foto stammt aus Kenia. Es war früher Abend – eine Zeit, in der 

Löwen aktiv werden, nachdem sie den heißen Nachmittag über nur geschlafen 

haben. Trotz der verwendeten großen Blende lässt diese Bildkomposition die 

enorme Weite des Landes erahnen. Die weite Blende war notwendig, um den 

Löwen besser von der ähnlich gefärbten Umgebung abzuheben. 

Canon EOS-1D Mk IV mit Canon EF 400mm f/4 DO IS USM Objektiv 

Belichtung: 1/320 Sekunden bei Blende f/5.6 und ISO 640 

Steve Wilson 

Alter: 42 / Beruf: Facharbeiter 

Elephant Cove ist in den Sommermonaten ein populäres Ziel für Touristen in 

Australien. Ich fotografierte sie im Winter, um nur die Natur im Bild zu haben 

und verschiedene Bildkomposition auszuprobieren. Ich verwendete einen 

zehnstufigen Graufilter, um die Bewegung der Wolken darzustellen, und schnitt 

das Foto auf Panoramaformat zu. Ich denke, das passt sehr gut zu der 

natürlichen Schönheit des Ortes. 

Canon EOS 7D mit Sigma 10-20mm f/4-5.6 EX DC HSM Objektiv 


Lights Beach befindet sich nahe der Kleinstadt Denmark in Südwestaustralien, 

wo dieses Foto entstand. Ich setzte einen sechsstufigen Graufilter ein und 

wartete, bis die Sonne an den Punkt gesunken war, wo sie die lebendigsten 

Farben erzeugt. Mir gefallen besonders die blauen und violetten Farbtöne. 

Canon EOS 40D mit Sigma 10-20mm f/4-5.6 EX DC HSM Objektiv 




KOMMENTAR 

Die optimal genutzten Formen und 

Führungslinien machen dieses Foto zu 

einer hervorragenden Darstellung von 

Architektur. Die HDR-Aufnahmetechnik in 

Schwarzweiß trägt durch ausgewogene 

Graustufen besonders zur 

Gesamtwirkung bei.


Moreno Geremetta 

Alter: 40 / Beruf: Kraftfahrer 

Morgenröte: Dies ist der Limedes-See in Italien, 2000 m über dem 

Meeresspiegel. Die Aufnahme entstand im Winter zu einem Zeitpunkt, als 

bereits eine dünne Eisschicht vorhanden, aber noch kein Schnee darauf 

gefallen war. Der Tag war sehr nebelig und die Berggipfel durch Wolken 

verdeckt. Ich fotografierte zuerst in Richtung Süden, doch als die ersten 

Sonnenstrahlen über den Horizont drangen, ging ich zum gegenüberliegenden 

Ufer, wobei ich darauf achtete, nicht zu viele Fußspuren zu hinterlassen. Der 

Nebel sorgte für ausgewogene Beleuchtung, daher nutzte ich keinerlei Filter 

und musste auch nicht viel nachbearbeiten. 


Belichtung: 1/2 Sekunde bei Blende f/9 und ISO 200. 

An diesem frühen Morgen war ich der erste Besucher am Colbricon-See in 

Italien. Da der Himmel völlig wolkenlos war, verwarf ich mein ursprünglich 

geplantes Motiv und suchte stattdessen nach interessanten Objekten für den 

Vordergrund. Schließlich fand ich diese Bildkomposition mit der 

moosbedeckten Felsformation. Ich hatte keine Graufilter dabei, also machte ich 

zwei Aufnahmen, von denen ich die eine für den Himmel und die andere für 

den Vordergrund belichtete. In Photoshop führte ich beide zusammen. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon EF 17-40mm f/4L USM Objektiv. 


Michael Woloszynowicz 

Alter: 29 / Beruf: Software Produktmanager 

Dies ist die Detailansicht einer berühmten und oft fotografierten Konzerthalle. Sie entstand, weil ich abseits der üblichen Motive etwas Neues ausprobieren wollte. 

Ich suchte zuerst einen ungewöhnlichen Blickwinkel. Das Geländer ergab eine wundervolle Führungslinie. Ich stützte die Kamera direkt darauf und machte eine 

Serie von drei Aufnahmen mit jeweils unterschiedlicher Belichtung. Stative waren verboten, und mein 14-24 mm Objektiv hat kein Filtergewinde, also 

fotografierte ich den Himmel vom nahen Parkplatz aus, wobei ich ein 24-70 mm Objektiv mit zehnstufigem Graufilter verwendete. Alles wurde in Photoshop 

zusammengeführt und mit Nik Color Efex Pro 4 weiterverarbeitet. 

Nikon D800 mit Nikkor AF-S 14-24mm f/2.8 G ED Objektiv 




Wojciech Dziadosz 

Alter: 30 / Beruf: Landvermesser 

Diese Aufnahme entstand in der Nähe meines Wohnorts 

Wroclaw in Polen. Als ich aufwachte, sah ich nur dichten Nebel, 

doch schon bald nach Sonnenaufgang kamen die ersten 

Sonnenstrahlen durch. Ich machte zwei Aufnahmen, eine mit 

der Belichtung für den Himmel, die andere für den Vordergrund, 

und montierte beide zusammen, wobei ich auch Farben, 

Tonwerte und Kontrast noch ein bisschen justierte. 

Nikon D200 mit Tokina 12-24mm f/4 PRO DX II Objektiv 

Belichtung: 1/90 Sekunde bei Blende f/8 und ISO 100


Wojciech Dziadosz (fortgesetzt) 

Auf dem steinigen Weg hinab ins Tal stand ich plötzlich vor einer 

überwältigenden Aussicht. Ich setzte mich auf einen der Felsen nahe dem 

Wasserfall. Der Felsen war glitschig, und es war nicht ganz ungefährlich, aber 

diese Aufnahme wollte ich nicht verpassen. Die Berggipfel lagen im Schatten 

der Wolken, nur das Tal wurde von der Sonne beschienen. Ich benutzte einen 

0.6- und einen 0.9ND-Verlaufsfilter, um das fließende Wasser sichtbar zu 

machen und den Himmel abzudunkeln, während das lichtdurchflutete Tal 

richtig belichtet wurde. 

Nikon D200 mit Tokina 12-24mm f/4 PRO DX II Objektiv 

Belichtung: 1 Sekunde bei Blende f/20 und ISO 100 

Dieses Foto stammt aus einer Serie, die ich im vergangenen Herbst am 

Rudawy Janowickie geschossen habe, einem Berg in den polnischen Sudeten. 

Ich hatte die Nacht auf dem höchsten Gipfel der Gegend verbracht, und als ich 

aufwachte, diesen fantastischen Blick. Das Wetter an jenem Morgen war 

perfekt: Es lag dichter Nebel über dem Tal und das frühe, durch die 

Baumwipfel fallende Sonnenlicht erzeugte fantastische Muster. Ich fotografierte 

mit einem 0.6ND-Verlaufsfilter. Bei der Nachbearbeitung habe ich nur noch 

Farbtöne, Tonwerte und Gradationskurven korrigiert. 

Nikon D700 mit Nikkor AF-S 70-300mm f/4.5-5.6D VR Objektiv 


Hussain Tarouti 

Alter: 30 / Beruf: Bankangestellter 

Dieses Bild entstand vor ein paar Monaten im Burj Khalifa in Dubai, dem 

höchsten Gebäude der Welt. Es war Mittag, und das durch riesige Fenster 

einfallende Sonnenlicht war so hell, dass ich meine Kamera schon vorbereitet 

hatte. Ich wusste, dass es bald ein attraktives Motiv geben würde. Die dunklen 

Stufen der Rolltreppe kontrastierten mit dem von den weißen Wänden 

reflektierten Licht, und ich wartete ab, bis keine Schatten mehr auf die Wände 

fielen. Mit Lightroom korrigierte ich die Spitzlichter, Schatten und Kontraste. 

Canon EOS 5D Mk II mit Sigma 15mm f/2.8 EX Fisheye-Objektiv 




KOMMENTAR 

Dieses Bild ragt heraus durch seine 

lebendigen Farben und das fantastische 

Licht. Die durch die Baumwipfel fallenden 

Lichtstrahlen und der Nebel erzeugen 

eine wunderbare Atmosphäre.


KOMMENTAR 

Diese Porträts sind absolut professionell. 

Die richtige Location, ein schönes Modell, 

perfekt aufgetragenes Make-up und eine 

hervorragende Aufnahmetechnik 

addieren sich zu fantastischen Bildern. 



Alex Filatov 


Dieses Bild entstand am Monument Cove, einem unwegsamen Gelände im 

Acadia National Park in Maine, USA. Ich schoss eine Serie von mehrere 

Aufnahmen bei Blende f/22, wobei ich die längste mögliche Verschlusszeit 

nutzte. Nach der Montage in Photoshop verlieh das nebelähnliche Wasser 

zwischen den Felsen dem Bild eine surreal anmutende Atmosphäre. 

Nikon D700 mit NIKKOR AF-S 14-24mm f/2.8G ED Objektiv 

Belichtung: Mehrere Aufnahmen mit Blende f/22 und ISO 200 

Der Bass-Harbor-Head Leuchtturm gehört zu den meistfotografierten Motiven 

im Acadia National Park. Ich war sehr früh vor Ort und machte meine 

Bildkomposition so, dass der Leuchtturm sich bei ablaufendem Wasser in einer 

Pfütze zwischen den Felsen spiegelte. Der Horizont war unmöglich mit der 

Übergangszone eines Verlaufsfilters zur Deckung zu bringen, also schoss ich 

eine Serie von Aufnahmen mit jeweils unterschiedlicher Belichtung und führte 

sie in Photoshop zu einem Bild zusammen. 

Nikon D700 mit NIKKOR AF-S 14-24mm f/2.8G ED Objektiv 

Belichtung: Mehrere Aufnahmen mit Blende f/13 und ISO 200 

Markus Oskarsson 

Alter: 26 / Beruf: Fotografiestudent 

Ich hatte diese Location schon vorher gesehen und wusste, dass ich dort 

unbedingt fotografieren musste. Ich buchte noch ein Modell, und ein Freund 

– Visagist von Beruf – beriet mich bei der Auswahl des passenden Outfits im 

Boheme-Stil, dass wir schließlich aus zweiter Hand in einem Oxfam-Laden 

besorgten. Am Tag der Fotosession herrschte klarer Himmel, deswegen warteten 

wir, bis die Sonne so niedrig am Himmel stand, dass wir das beste Tageslicht 

hatten. Um eine träumerische Stimmung zu erzeugen, nutzte ich einen kurzen 

Schärfentiefebereich und einen Reflektor, um die Schatten aufzuhellen. 



Nachdem ich die Bilder der Fotosession ausgewählt hatte, mit denen ich weiter 

arbeiten wollte, begann ich mit der Nachbearbeitung. Die Farbtöne sollten 

wärmer werden und die Schatten einen leichten Blaustich erhalten. Durch 

leichtes Nachbelichten und Abwedeln retuschierte ich das Licht und fügte 

anschließend mit dem Alien-Skin Photoshop-Plug-In etwas Körnung hinzu. 


Belichtung: 1/250 Sekunde bei Blende f/4 und ISO 100). 





KOMMENTAR 

Gelungene Reisebilder erzeugen beim 

Betrachter den Wunsch, die Koffer zu 

packen und ein Taxi zum Flughafen zu 

nehmen. Genau das tun diese 

wundervollen Landschaften voller 

Atmosphäre mit ihren 

stimmungsvollen Farben. 

Alan Chan 

Alter: 31 / Beruf: Bauingenieur 

Die Golden Gate Bridge gehört zu den meistfotografierten Bauwerken der Welt. 

Doch die Bucht von San Francisco, von tief liegendem Nebel ausfüllt, diesen 

Anblick muss man gesehen haben. Ich wollte ein Panorama fotografieren, bei 

dem die Stadt zwischen die beiden Pylone der Brücke passen sollte. Ich 

richtete das Stativ mit einer Wasserwaage aus und ließ die Aufnahmen um 

etwa 25 % überlappen. Diese Aufnahmetechnik erleichtert später das 

Zusammenfügen der Bilder. Vor dem selektiven Nachbelichten und Abwedeln 

nahm ich kleinere Belichtungskorrekturen vor. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon 70-200mm f/2.8L IS USM Objektiv 


Der Bonsai Rock ist ein sehr populäres Motiv an dem in Nevada gelegenen Teil 

von Lake Tahoe. Hier machte ich die Bildkomposition so, dass die durch 

Sonnenstrahlen erzeugten Farben von den Felsen auszugehen scheinen. Ich 

stellte die kleinstmögliche Blende ein, um die Verschlusszeit zu verlängern und 

eine Weichzeichnung des Wassers zu erreichen. Außerdem verwendete ich 

einen 0.9ND-Verlaufsfilter, um den Horizont abzudunkeln. In der 

Nachbearbeitung korrigierte ich die Belichtung des Felsens und der 

schneebedeckten Berggipfel. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon EF 16-35mm f/2.8L II USM Objektiv 


Stefano Granata 

Alter: 32 / Beruf: Mediendesigner 

Diese Aufnahme war Teil einer Testsession in einem alten, verlassenen Bahnhof. Es war eine großartige Location, und auf den Gleisen standen sogar noch ein paar 

stillgelegte Züge. Ich hatte gerade ein Nikon 80-200mm f/2.8 Zoomobjektiv aus zweiter Hand erstanden und wollte ausprobieren, wie es sich bei 

Porträtaufnahmen machen würde. Ich konvertierte das Bild nach Schwarzweiß und korrigierte die Tonwerte in Lightroom. Dann importierte ich das Bild in 

Photoshop CS6 für die erforderlichen Feinarbeiten. 

Nikon D700 mit Nikon AF-D 80-200mm f/2.8 Objektiv 




Peter Mahler 

Alter: 71 / Beruf: Rentner 

Dieses Bild entstand eines sehr frühen Herbstmorgens am 

Ammersee. Wir fuhren dort entlang, als plötzlich eine 

Nebelwand auftauchte – die Chance für ein schönes Motiv –, 

also hielten wir an und gingen ein Stück in den Wald. Ich 

benutzte eine 10 mm Brennweite, um so viel Farbe wie 

möglich einzufangen. Hier sehen Sie das Ergebnis. 

Sigma SD14 mit Sigma 10-20mm f/4-5.6 EX DC Objektiv 

Belichtung: 1/250 Sekunde bei Blende f/8 und ISO 200


Evgenia Galan 

Alter: 25 / Beruf: Fotografin 

Blackbird: Diese Aufnahme gelang genau so, wie ich sie geplant hatte. Das 

Modell trägt ein maßgeschneidertes schwarzes Kleid mit überdimensionierter 

Schleppe, die sich im Wind aufbauscht und eine Verbindung zu den flatternden 

Tauben suggeriert. Ich kannte in der Stadt einen größeren Platz, der sich gut für 

das Vorhaben eignete. Wir streuten Sonnenblumenkerne und Brotkrumen, um 

die Vögel anzulocken. Es brauchte einige Versuche, um die Aufnahme in den 

Kasten zu bekommen. Wie Sie sich vorstellen können, ist es nicht ganz einfach, 

auf ein Modell scharfzustellen, das auf Sie zu geht, während zugleich die Vögel 

um uns herum schwirren. Sie sehen das Bild so, wie es aus der Kamera kam, 

die Beleuchtung war völlig natürlich und es wurde nichts in Photoshop 

hinzugefügt. 

Canon EOS 60D mit Sigma 18-250mm f/3.5-6.3 DC OS HSM Objektiv 


Auch das rote Kleid für diese Aufnahme war maßgefertigt. Ich fotografierte von 

einem niedrigen Standpunkt aus, Location und Bildkomposition betonen die 

große, schlanke Gestalt. Die Säulen rahmen Sie zusätzlich ein, und ihre weiße 

Farbe erzeugt einen schönen Kontrast zum roten Kleid. Hier war allerdings 

etwas Nachbearbeitung erforderlich, weil ich das Bild nicht überladen wollte. 

Canon EOS 60D mit Sigma 50mm f/1.4 EX DG HSM Objektiv Belichtung: 

1/160 Sekunde bei Blende f/3.5 und ISO 100 

Deb Harder 


Ich machte dieses Bild eines Spätnachmittags im Columbia Hills State Park vor 

Sonnenuntergang. Um sowohl den Vordergrund als auch den Hintergrund 

gestochen scharf zu bekommen, legte ich zwei Aufnahmen übereinander und 

erhielt dieses Ergebnis. Da sich die Kamera sehr nah am Vordergrund befand, 

stellte ich direkt auf die Lupinen scharf und nutzte eine kleine Blende, um 

sicherzustellen, dass auch die Ecken scharf abgebildet werden. Dann machte 

ich die zweite Aufnahme, mit Fokus auf dem Baum im Hintergrund, und 

öffnete die Blende etwas weiter. 

Nikon D3 mit Nikkor AF-S 14-24mm f/2.8G ED Objektiv 

Belichtung: 1/13 Sekunde bei Blende f/18 und ISO 400 und 1/80 Sekunde bei 

Blende f/11 und ISO 400 



KOMMENTAR 

Das magische Licht der „goldenen 

Stunde“ war entscheidend für diese 

wunderschöne Landschaftsaufnahme. 

Es ist immer wieder erstaunlich, wie die 

warmen Strahlen der untergehenden 

Sonne eine Szene transformieren 

können. Ein herrliches Bild.

Kilian Schönberger 


Dieser Felsenturm steht in den Dolomiten in Norditalien. Ich hatte bereits 

schöne Sonnenaufgänge und Sonnenuntergänge im Kasten, wollte aber auch 

am Tag noch einige Bilder schießen, um das gute Wetter auszunutzen. Ich 

benutzte einen Polfilter, um die Kontraste am Himmel zu intensivieren, und 

machte drei Einzelaufnahmen, die ich mit Photoshop zu diesem Panorama 

zusammensetzte. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon TS-E 24mm f/3.5 L II Objektiv 

Belichtung: 1/20 Sekunde bei Blende f/14 und ISO 200). 

Dieses Motiv entdeckte ich in Schottland. Als ich die Gegend 

auskundschaftete, war das Licht denkbar schlecht. Ich hoffte auf besseres 

Wetter für den kommenden Tag, aber am nächsten Morgen regnete es. Um 

die Situation zu retten, verwendete ich einen 1.8ND Graufilter, damit ich 

Wasser und Himmel weichzeichnen konnte. Im Nachhinein betrachtet, gibt 

der Regen dem Bild sogar eine besondere Atmosphäre; bei einem 

farbenprächtigen Sonnenaufgang wäre eine solch geradlinige 

Bildkomposition kaum möglich gewesen. 



Dieses Foto stammt aus Norwegen. Ich war früh morgens aufgebrochen, und 

als ich das Plateau erreichte, lag der noch vom Nebel bedeckte Fjord unter 

mir. Wenige Minuten später brach die Sonne durch, und ihre Strahlen 

schufen eine magische Stimmung. Die beiden auf dem Felsen gerade noch 

erkennbaren Personen geben eine Vorstellung von den Dimensionen dieser 

Szene. 

Canon EOS 400D mit Sigma 10-20mm f/4-5.6 Objektiv Belichtung: 1/160 

Sekunde bei Blende f/13 und ISO 100 

Manchmal findet man fabelhafte Landschaftsmotive direkt vor der Haustür. 

Dieses Kiefernwäldchen ist nur ein paar Minuten von meinem Zuhause 

entfernt. Hier fällt das Licht der frühen Morgensonne zwischen den Stämmen 

hindurch. Die Nachbearbeitung dieses Fotos sollte die Pastellfarbtöne und 

heitere Stimmung der Szene herausarbeiten. 






KOMMENTAR 

Fotografie bedeutet die Kunst, das Licht 

einzufangen, was in diesen Bildern ideal 

gelungen ist. Hervorragende 

Bildkompositionen, kreative Belichtung 

und gekonnte Nachbearbeitung 

ergeben einmalig stimmungsvolle 

Fotos. 

Andrey Narchuk 

Alter: 34 / Beruf: IT Spezialist 

Das Fotografieren von Porzellankrabben gehört nicht zu den leichtesten 

Übungen. Beim geringsten Anzeichen von Gefahr sind die Tiere verschwunden 

– manchmal für Stunden. Für dieses Foto benutzte ich ein Nexus- 

Unterwassergehäuse und zwei Inon Z-240 Unterwasserblitzgeräte. Der 

komplizierteste Teil der Aufgabe bestand darin, Richtung und Stärke der 

Blitzgeräte so einzustellen, dass die Anemone richtig belichtet wurde, ohne die 

sehr helle Schale der Krabbe überzubelichten. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon EF 100mm f/2.8 Macro USM Objektiv 


Der Clownfisch gehört zu den am meisten fotografierten Fischen. Er besitzt ein 

solches Charisma, dass man es nicht lassen kann. Er ist extrem schnell, und oft 

besteht die einzige Chance, ein Foto von ihm zu bekommen, wenn er seine 

Anemone verteidigt, so wie hier. 

Canon EOS 5D Mk II mit Canon EF 100mm f/2.8 Macro USM Objektiv 



Francesco Riccardo Iacomino 

Alter: 26 Beruf: Jurist 

Dies ist eine erstaunliche Felsformation in den Coyote Buttes, die zur Paria 

Canyon-Vermilion Cliffs Wilderness nahe der Staatsgrenze zwischen Arizona 

und Utah gehören. Sie ist berühmt für ihre farbigen, außergewöhnlichen Formen 

– und berüchtigt für die beschwerliche Route, über die man sie zu Fuß auf 

unmarkierten Wegen erreicht. Pro Tag dürfen nur 20 Personen diesen 

atemberaubenden Ort besuchen. Zehn der Genehmigungen werden vier 

Monate vor dem geplanten Besuchstermin verlost, die übrigen einen Tag vorher. 

Die beste Tageszeit zum Fotografieren dieser Wellenformation ist mittags. Sie 

müssen sehr früh von Page, der nächst gelegenen Stadt, auf den etwa 13,5 

Kilometer langen Weg zum Wire Pass Trailhead aufbrechen und dann noch 

weitere fast 10 Kilometer zurücklegen, wobei Sie einen Höhenunterschied von 

110 Metern überwinden. Im Sommer erreichen die Temperaturen dort fast 40 

Grad, deswegen sollten Sie die Hauptsaison vermeiden. Wenn Sie es geschafft 

haben, können Sie Ihrer Kreativität an den wundervollen Linien und Schatten 

dieser einmaligen, abgelegenen Felsformation freien Lauf lassen. 

Canon EOS 550D mit Canon EF 17-40mm f/4L USM Objektiv 


Dieses Bild stammt aus dem Upper Antelope Canyon bei Page in Arizona. 

Gegen Mittag fallen die Sonnenstrahlen von oben in die schmale Klamm hinein 

und beleuchten die Wände mit einem warmen Licht, das sich über die 

erodierten Felsen ausbreitet. Der Staub in der Luft macht die einfallenden 

Lichtstrahlen für das Auge sichtbar und verstärkt die magische Stimmung. 

Ich hatte die Zeitautomatik und Blende f/8 eingestellt, um genug Schärfentiefe 

zu erhalten und sicher zu sein, dass das Foto scharf wird. Da der Canyon nach 

oben sehr schmal zuläuft, fotografierte ich im Hochformat mit 17 mm 

Brennweite. Es war nicht einfach, die richtige Belichtung zu finden, denn vom 

grellsten Sonnenlicht bis zum dunkelsten Schatten gab es große Helligkeitsund 

Kontrastunterschiede. Ich nahm eine Punktmessung an einem der 

einfallenden Lichtbündel vor und fügte etwas negative Belichtungskorrektur 

hinzu, um die Schatten zu verstärken. 

Canon EOS 550D mit Canon EF 17-40mm f/4L USM Objektiv 





KOMMENTAR 

Dieses Bild ist zu schön, um wahr zu 

sein, aber schließlich sehen wir es hier. 

Eine hervorragende Aufnahme, die 

zugleich künstlerisch und realistisch ist. 

Teuni Stevense 

Alter: 54 Beruf: Hausfrau 

Dieses Rotkehlchen kommt regelmäßig in meinen Garten. Eines Morgens saß es wieder mal auf seinem Lieblingsplatz, und ich konnte mich langsam mit der 

Kamera nähern. Es gelang mir tatsächlich, ein Foto zu schießen, bevor ich ihm wohl doch suspekt wurde und es die Flucht ergriff. Ein paar Monate später war 

mein roter Ahorn in voller Blüte, und ich fotografierte ihn mit dem Makroobjektiv. Es war ein gelungenes Foto, und ich beschloss, aus der Szene noch mehr zu 

machen. Dazu erschien mir das Bild des Rotkehlchens am besten geeignet. Ich stellte also den Vogel in Photoshop frei, montierte ihn in das Bild mit den 

Ahornzweigen und fügte noch ein paar Blätter ein, um die Bildkomposition zu verbessern. Wenn man bedenkt, dass keines der Ausgangsbilder in der Absicht 

geschossen wurde, später für eine Montage verwendet zu werden, ist das Ergebnis ganz ansehnlich. 

Canon EOS 450D mit EF-S 55-250mm f/4-5.6 IS Objektiv (für das Rotkehlchen) 

Canon EOS 60D mit EF 100mm f/2.8 Macro USM Objektiv (für den Ahorn) 

Belichtung: 1/100 Sekunde bei Blende f/5.6 und ISO 200 und 

1/250 Sekunde bei Blende f/2.8 und ISO 100 


Fotoidee 

Stillleben mit falschen Schatten 

Probieren Sie einmal diese Aufnahmetechnik, bei der die geworfenen Schatten nicht dem realen Objekt 

entsprechen. Der Effekt haucht den Figuren neues Leben ein. 

VICTORIA IVANOVA: In vielen 

Fällen sind Schatten unerwünscht; 

wenn man sie aber bewusst in das 

Motiv einbezieht, lassen sich 

erstaunliche Effekte erzielen. Die 

Nachbearbeitung von Schatten ist viel zu 

aufwendig und kann durch geschickte 

Aufnahmetechnik vermieden werden. 

Normalerweise machen Sie eine Aufnahme 

Ihres Motivs, eine weitere Aufnahme des 

Schattens und montieren dann beide Bilder 

zusammen. Der Teufel steckt aber im Detail, 

denn alles muss nahtlos zusammen passen. 

Deshalb gibt es folgende Alternative, um 

solche Bilder ohne Nachbearbeitung 

ausschließlich mit der Kamera zu 

produzieren. Sie brauchen dafür nur ein 

unbewegliches Motiv, eine lange 

Verschlusszeit und einige Beleuchtungstricks. 

Verschlusszeiten von mindestens 10 

Sekunden in einem dunklen Raum erzeugen 

die eindrucksvolle Illusion mit nur einem 

einzigen Foto, wobei die unterschiedlichen 

Bildelemente von einer Taschenlampe 

angestrahlt werden. Entscheidend ist, dass 

der größte Teil der Verschlusszeit darauf 

verwendet wird, den „falschen“ Schatten an 

die Wand zu projizieren, damit er zum 

dominierenden Teil des Bildes wird und der 

Originalschatten des Objekts nicht zu 

erkennen ist. 

Zur Vorbereitung der Aufnahme brauchen Sie 

eine Taschenlampe, einen Fernauslöser, das 

Originalobjekt und das Objekt, dessen 

Schattenspiele 

Schatten sichtbar werden soll. Scharf 

abgegrenzte Schatten wirken hier am besten, 

benutzen Sie deswegen eine kleine LED- 

Taschenlampe mit nur einer einzigen Diode 

und positionieren Sie die Objekte so nah 

beieinander wie möglich. Je größer die 

Lichtquelle und je weiter diese entfernt ist, 

desto weicher wird der Schatten. 

Schachfi guren eignen sich sehr gut für diese 

Aufnahmetechnik, denn Sie haben scharf 

umrissene, charakteristische Formen. Für das 

Bild rechts habe ich einen Springer als 

Originalobjekt benutzt und ein Spielzeugpferd 

für den falschen Schatten. Sie werden einige 

Versuche brauchen, um es richtig 

hinzubekommen, doch wie Sie sehen, ist das 

Ergebnis verblüffend. 

SETUP Positionieren Sie die Schachfigur auf dem Schachbrett oder einem 

Tisch, der sich nah an einer Wand befindet. Die Kamera wird auf ein Stativ montiert 

und davor aufgebaut. Machen Sie die Bildkomposition so, dass die Schachfigur 

relativ klein im Vordergrund erscheint; es muss viel Hintergrund für den Schatten 

vorhanden sein. Das Objekt, das den falschen Schatten werfen soll, stellen rechts 

von der Schachfigur auf. Rücken Sie beide Objekte so nah wie möglich zusammen. 

Schalten Sie die Kamera auf Zeitautomatik und wählen Sie eine mittlere Blende – 

bei mir war es Blende f/14. Stellen Sie die Schachfigur scharf und schalten 

anschließend den Autofokus aus, damit dieser nicht versucht, die Schärfe zu 

korrigieren, nachdem Sie die Zimmerbeleuchtung ausgeschaltet haben. 

BELEUCHTUNG Schalten Sie alle Lampen aus und stellen Sie sich etwas 

rechts des Objekts auf, das den falschen Schatten werfen soll. Beleuchten Sie es 

nun mit der Taschenlampe so, dass dessen Schatten auf den Bildhintergrund 

geworfen wird. Zwei Drittel der gesamten Verschlusszeit sollten darauf verwendet 

werden. Halten Sie dabei die Taschenlampe so ruhig wie möglich. Nun leuchten 

Sie die Schachfigur an und zwar so, dass deren Schatten im unteren Teil des an 

der Wand befindlichen falschen Schattens untergeht. In den beiden letzten 

Sekunden leuchten Sie das gesamte Schachbrett aus, um das Bild aufzuhellen. 

Weitere Ideen 

Läufer wird zum Ritter 

Dame wird zur Ballerina 

Schachmatt 

Die Zeit ist um 


Das fertige Bild 

Voraussichtlich müssen Sie 

die Aufnahme mehrmals 

wiederholen, bevor Sie mit 

dem Ergebnis zufrieden sind. 

Wenn es geschafft ist, 

bearbeiten Sie die Raw- 

Dateien, verstärken etwas 

den Kontrast und 

konvertieren das Bild nach 

Schwarzweiß. 

BILDDETAILS 

Kit: Canon EOS 5D Mk II 

mit Canon EF 50mm f/1.4 

Betriebsart: Zeitautomatik 

Belichtung: 13 Sekunden 

bei Blende f/14 

und ISO 250

Fotoidee 

Fotospaß auf dem Jahrmarkt 

Rummel, Jahrmarkt, Kirmes, oder wie die Volksfeste mit Schießbuden, Karussels und Autoscooter in Ihrer Gegend 

heißen: Sie sind nicht nur für Kinder die Attraktion des Jahres, denn sie bieten dem Fotografen dynamische Bilder 

voller Bewegung und Lichteffekte. 

JORDAN BUTTERS: Erinnern Sie sich noch an 

Ihre Aufregung als Kind, wenn Sie erfuhren, dass 

am Wochenende ein Jahrmarkt stattfi ndet? 

Zuckerwatte, Lebkuchenstände, Karussels, 

vielleicht sogar ein Spiegelkabinett oder 

Achterbahn direkt vor der Haustür! Solche Volksfeste sind 

ein magischer Anziehungspunkt nicht nur für Kinder, denn 

sie liefern fantastische Möglichkeiten zum Fotografi eren. Um 

die bunten, wirbelnden und drehenden Lichter als farbige 

Leuchtspuren einzufangen, brauchen Sie vor Allem lange 

Verschlusszeiten. Greifen Sie sich Kamera und Stativ und 

tauchen Sie in diese charakteristische Atmosphäre ein. 

Für Aufnahmen mit Leuchtspuren ist der frühe Abend die 

beste Zeit. Dann ist es auch nicht zu voll, und Sie müssen 

nicht ständig darauf achten, dass niemand versehentlich ihr 

Stativ mit der Kamera umwirft. Die Veranstaltungen dauern 

meist bis in die Nacht, die besten Motive bieten sich aber 

schon kurz nach Sonnenuntergang, wenn Sie gegen das 

verblassende Tageslicht fotografi eren, statt gegen schwarzen 

Nachthimmel. 

Ein Weitwinkel-Zoomobjektiv ist für solche Anlässe die beste 

Wahl, denn die Attraktionen sind meist auf geringem Raum 

zusammengedrängt. Ein weiter Blickwinkel führt außerdem 

Ansicht aus der Ferne: 8 Sekunden bei Blende f/14 und ISO 100 

automatisch zu dynamischeren Bildern. 

Was Sie sonst noch brauchen: ein gutes Stativ und einen 

Fernauslöser, um Verwacklungen zu vermeiden – doch das 

bewerkstelligen Sie zur Not auch mit dem Selbstauslöser. 

Sie werden öfter warten müssen, bis eine Karussellfahrt 

beginnt, ziehen Sie sich also warm an und bringen Sie 

Geduld mit. 

SETUP: Montieren Sie die Kamera auf das Stativ und 

schließen Sie den Fernauslöser an, dann machen Sie ihre 

Bildkomposition. Denken Sie auch daran, dass 

Kettenkarussells in Bewegung infolge der Fliehkraft mehr 

Raum erfordert als im Ruhezustand. Fotografieren Sie 

möglichst Richtung in Westen um das verblassende Tageslicht 

am Himmel einzufangen und dem Bild mehr Tiefe zu 

verleihen. Nutzen Sie den Einzelpunkt-AF oder stellen Sie 

manuell auf einen Punkt des Karussells scharf, dessen 

Entfernung zur Kamera sich nicht verändert. 

KAMERAEINSTELLUNGEN: Wählen Sie einen niedrigen 

ISO-Wert, Mehrfeldmessung und eine lange Verschlusszeit, 

beginnend mit 1 Sekunde. Machen Sie eine Testaufnahme, 

wenn das Karussell stillsteht, um die Belichtung des Himmels 

und der Umgebung zu prüfen, und stellen sie falls nötig eine 

Belichtungskorrektur ein. Nachdem das Karussell die Fahrt 

begonnen hat, probieren Sie verschiedene Verschlusszeiten 

– die Geschwindigkeit des Karussells entscheidet darüber, 

welche Belichtungszeit das beste Foto liefert. 

MEHR BEWEGUNG: Bei 1/8 Sekunde sind die Fahrgäste noch gut 

erkennbar, doch der Eindruck von Dynamik fehlt, und die Leuchtspuren 

sind sehr kurz. Die Automatik der Kamera hatte hier außerdem eine weit 

offene Blende von f/4 gewählt. 

DIE RICHTIGE BALANCE: Bei einer Verschlusszeit von1,6 Sekunden 

und Blende f/9 wird die Bewegung des Karussells sehr deutlich, doch die 

Fahrgäste sind nun bis zu Unkenntlichkeit verschwommen und heben sich 

nicht genug gegen den Himmel ab. 


Volksfeste 

BILDDETAILS 

Kit: Canon EOS 5D Mk II mit 

Canon EF 17-40mm f/4L 

Betriebsart: 

Blendenautomatik 

Verschlusszeit: 0,6 

Sekunden bei Blende f/5.6 

und ISO 100 


Mithilfe eines Verlaufsfilters 

wurde in Lightroom 4 die 

Belichtung des Vordergrunds 

etwas erhöht. 

FALSCHE FORM: Die Verschlusszeit von 6 Sekunden bei Blende f/18 

hat sowohl die Drehbewegung des Karussells als auch dessen Änderung 

der Rotationsachse aufgenommen, wodurch die reale Form des Karussells 

verloren gegangen ist. 

ZU LANGE BELICHTET : Bei 13 Sekunden Verschlusszeit wird die 

Drehbewegung um verschiedene Achsen aufgenommen, doch die 

Leuchtspuren sind weicher geworden und die Fahrgäste sind praktisch 

unsichtbar. 


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Fotoidee 

Kinderportraits 

Halten Sie einen kostbaren Moment fest 

Mit Kindern zu arbeiten, kann anstrengend sein. Mit der nachfolgend beschriebenen Arbeitstechnik 

binden Sie sie aktiv in das Projekt ein und erschaffen ein ganz besonderes Portrait – das funktioniert 

übrigens auch mit großen Kindern… 

CAROLINE WILKINSON: Zwei Sechsjährige, 

und noch dazu Zwillinge, das bedeutet 

normalerweise Probleme. Mein Shooting mit 

Gracie und Mia war jedoch ein Kinderspiel, 

obwohl ich sie noch nie zuvor getroffen hatte. Sie 

hatten einfach Spaß, und das erzeugte automatisch eine 

tolle Ausstrahlung. Sie durften zeichnen und sich in Pose 

werfen, während ich im Auftrag der Mutter versuchte, die 

Kinderträume dieses schnell vergänglichen Alters in 

Erinnerungsfotos zu bannen. Bei einer persönlichen 

Nachricht an die Mama wurden wir alle ganz sentimental, 

und in weniger als zwei Stunden entstanden Zeichnungen, 

die als richtige Kunstwerke bezeichnet werden können. Es 

war alles ganz einfach. 

Da ich nicht allzu viel über Gracie und Mia wusste, machte 

ich mir schon vorher Gedanken darüber, was sie zeichnen 

sollten, und sie haben dann ihre eigenen Ideen einfl ießen 

lassen. So lernten wir uns mittels Buntstiften und 

Textmarkern kennen, bevor ich sie unter der Aufsicht ihrer 

Mutter allein ließ, um im Kinderzimmer die Aufnahmen 

vorzubereiten. Wenn Sie die Kinder kennen, können Sie sie 

evtl. damit locken, nach dem Shooting zeichnen zu dürfen 

– lassen Sie sich einfach etwas einfallen, um die 

bestmöglichen Bilder zu bekommen. 

Ihr pinkfarbenes Mädchenzimmer war ideal, aber wie die 

meisten Kinderzimmer von Sechsjährigen war es voll mit 

Spielzeug, sodass nur sehr wenig Platz zum Arbeiten blieb. 

Ich fand ein Stück leere Wand, das ich als Hintergrund 

verwenden konnte und probierte ein paar Testaufnahmen, 

um die Belichtungs- und Kamera-Einstellungen so genau 

wie möglich vorzunehmen. Meine Nikon D800 und mein 

Blitzlichtgerät stellte ich jeweils auf Single-Point-Autofokus 

und den manuellen Modus ein, um sowohl Raw als auch 

JPEG aufzunehmen, während ich mit der Belichtung 

experimentierte. Die Einstellungen schon im Vorhinein so 

perfekt wie möglich vorzunehmen, war sehr wichtig, da ich 

auf jeden Fall verhindern wollte, dass es den Mädchen 

langweilig wird. Kommunikation ist bei der Arbeit mit jedem 

Modell entscheidend, aber für Kinder gilt das in einem ganz 

besonderen Maß. Also sollten Sie viel Unterstützung bieten, 

die lustigen Posen erst selbst vormachen und überhaupt so 

viel Spaß wie möglich aufkommen lassen, damit die Bilder 

voller lachender Gesichter sind und ganz natürlich wirken. 


Fotoidee 

Textfarbe 

Vorher 

Um die Schrift weiß statt schwarz zu machen, 

klicken Sie auf die Schriftebene und gehen zu 

„Neue Einstellungsebene > Umkehren“, und 

ändern dann die Füllmethode zu Negativ 

multiplizieren. Verwenden Sie eine 

Einstellungsebene Helligkeit/Kontrast, um 

alles, was noch das Papier erkennen lässt, 

loszuwerden. 

Testaufnahme Wenn Sie mit Kindern arbeiten, 

1müssen Sie schnell und energiegeladen sein. Jede 

Verzögerung durch Einstellungen von Kamera und 

Blitz macht es schwieriger, das Interesse aufrecht zu 

erhalten. Bevor die Kinder hereinkommen, sollten Sie 

den Hintergrund ausgewählt, die Posen grob geplant 

und mit der Belichtung experimentiert haben. Ich 

verwendete einen Teddybär als Ersatzmodell und 

entschied mich, für den Anfang das Blitzgerät auf 

1/16 Leistung und meine Kamera auf 1/160 Sekunde 

bei f/5.6 einzustellen. 

Aufbau Der Raum war so klein, dass es nur Platz 

2für ein Licht von vorne gab. Das bedeutete, dass 

ich den Schatten auf der gegenüberliegenden Seite 

mit einem Reflektor abdämpfen musste. Wenn wie 

hier ein Verlauf von Ton und Farbe des Hintergrundes 

unvermeidbar ist, muss man alles tun, was möglich 

ist, um die Veränderung zu minimieren. Ich hatte das 

Blitzgerät und die Honl Traveller16 Softbox in einem 

45 Grad Winkel nach unten und zur Seite gerichtet 

und meine kleine Helferin hielt den Reflektor auf der 

anderen Seite ihrer Schwester. 

Der letzte Schliff in Photoshop 

Mehrere Posen Um die Modelle für das Shooting 

3aufzuwärmen, bat ich sie, ihr Lieblingsspielzeug 

auszuwählen, damit ich sie damit fotografiere und 

den Rahmen feststecke. Wichtig ist, dass die Kinder 

Spaß haben, während Sie das Setup verfeinern. Bei 

den eigentlichen Aufnahmen ist es besser, wenn sie 

nichts mehr festhalten und auch keine Posen 

wählen, die von der Handschrift ablenken, die später 

hinzugefügt wird. Falls möglich, wählen Sie eine 

Pose oder lassen Sie die Kinder entsprechende 

Kleidung anziehen, die dazu passt, was sie für die 

Aufnahme geschrieben oder gezeichnet haben. 

Der künstlerische Touch Dieser Schritt sollte 

4entweder vor oder nach dem Shooting erfolgen, 

je nachdem wie gut Sie die Kinder kennen. 

Überlegen Sie sich ein Konzept und schreiben Sie 

den Anfang jedes Satzes auf, den die Kinder dann 

abschreiben – z. B. „Ich liebe Mama“, „Wenn ich 

groß bin, will ich... werden“, „Ich bin ... Jahre alt“ 

oder „Mein Hobby ist ...“ usw. Wenn den Kindern das 

Schreiben noch schwer fällt, macht es ihnen mehr 

Spaß, etwas zu zeichnen – etwa die Familie, mit dem 

Text „Das ist meine Familie“. 

Worte hinzufügen Öffnen Sie die Fotos und bearbeiten Sie sie nach Bedarf. 

5Anschließend scannen oder fotografieren Sie die Zeichnungen und öffnen 

die Dateien erneut in Photoshop. Gehen Sie zu „Ebene > Neue 

Einstellungsebene > Tonwertkorrektur“ und klicken Sie auf Auto. Nehmen Sie 

die Pipette für den Mittelton und klicken Sie auf das weiße Papier, damit der 

Weißabgleich akkurat ist. Nun gehen Sie zu „Ebene > Auf Hintergrundebene 

reduzieren“ und verwenden das Verschieben-Werkzeug, dann klicken Sie auf 

„Bearbeiten > Kopieren“. Klicken Sie auf Ihr Porträt-Bild und wählen Sie 

„Bearbeiten > Einfügen“. 

Worte hinzufügen Ändern Sie die Füllmethode für die Schreibebene auf 

6Multiplizieren und fügen Sie eine Helligkeit/Kontrast-Einstellungsebene 

hinzu. Klicken Sie in der Ebenenpalette auf die gemeinsame Linie zwischen 

diesen neuen Ebenen und halten Sie die Alt-Taste gedrückt, um sie zu 

verbinden, sodass sämtliche Anpassungen sich nur auf die Schrift auswirken. 

Verwenden Sie die Schieberegler Helligkeit und Kontrast, um die Schrift zu 

verstärken und das sichtbare Papier zu entfernen. Anschließend wählen Sie 

„Filter > Sonstige Filter > Dunkle Bereiche vergrößern“ und stellen den 

Schieberegler auf ca. 1 bis 3 ein, um die Schrift nach Bedarf zu verstärken. 


Kinderportraits 

BILDDETAILS 

Ausrüstung: Nikon D800 

mit NIKKOR 50 mm f/1.8 

Betriebsart: Manuell 

Belichtung: 1/160 Sekunde 

bei Blende f/5.6 

und ISO 100 


Fotoidee 

Farbexplosionen 

Lebensmittelfarben produzieren außergewöhnliche, abstrakte Bilder. 

JORDAN BUTTERS: Hier stellen 

wir Ihnen eine geradezu süchtig 

machende Aufnahmetechnik vor. 

Hat man einmal begonnen, fällt es 

sehr schwer, wieder aufzuhören; es 

ist eines jener Projekte, mit denen Sie trotz 

schlechten Wetters außergewöhnliche Fotos 

machen und dabei auch noch viel Spaß haben 

können. Mithilfe eines Aquariums, zwei 

Blitzgeräten und Lebensmittelfarben werden 

Ihnen Aufnahmen gelingen, auf denen im 

Wasser wabernde Farben zu sehen sind, die 

den Eindruck spontaner Explosionen erzeugen. 

Die entstehenden Formen können wundervoll 

abstrakt sein, oft lassen sich jedoch auch 

bekannte Formen identifi zieren. Jedes Foto ist 

einzigartig, denn die entstehenden Farbgebilde 

lassen sich nicht wiederholen. Fotografi eren Sie 

einfach immer weiter, und schauen Sie, was als 

nächstes passiert. Sie benötigen ein Objektiv 

mit kurzer Arbeitsdistanz – am besten also ein 

Makroobjektiv – ein Stativ, einen Fernauslöser 

und wenigstens ein Blitzgerät; mit zwei oder 

drei Blitzgeräten eröffnen sich Ihnen mehr 

Finish in Photoshop 

Möglichkeiten. Die Blitzgeräte können drahtlos 

oder per Kabel ausgelöst werden. 

SETUP Stellen Sie das Stativ mit der Kamera 

vor der Längsseite des Aquariums auf. Auf der 

gegenüberliegenden Außenseite angebrachter 

schwarzer Karton sorgt für schwarzen 

Hintergrund. Füllen Sie das Aquarium mit 

Wasser. Ein Blitzgerät sollte seitlich in das 

Aquarium gerichtet sein, während ein zweiter 

Blitz von oben die Wasseroberfl äche dort 

beleuchtet, wo der Farbtropfen auftreffen soll. 

Wenn Sie über ein drittes Blitzgerät verfügen, 

stellen Sie es gegenüber dem ersten Seitenblitz 

an der anderen Schmalseite des Aquariums 

auf. Andernfalls benutzen Sie einen Refl ektor 

oder weißen Karton. 

Stellen Sie nun die gewünschten Farben her, 

indem Sie verschiedene Lebensmittelfarben in 

kleinen Gefäßen mit Vollmilch mischen. Zum 

Eintropfen der Farben verwenden Sie Pipetten 

oder kleine Injektionsspritzen, die Sie in jeder 

Apotheke bekommen, ohne die Nadeln. 

BELICHTUNG Verwenden Sie die manuelle 

Betriebsart der Kamera mit ISO 100, stellen 

Sie die maximale Blitzsynchronisationszeit ein 

und wählen Sie eine Blende zwischen f/16 und 

f/22 für maximale Schärfentiefe. Die 

Blitzgeräte sollten auf 1/64 der Höchstleistung 

eingestellt sein. Schalten Sie den Autofokus der 

Kamera ein. Tauchen Sie die Spitze eines 

Bleistifts dort ins Wasser, wo der Farbtropfen 

auftreffen wird, und warten Sie, bis die Kamera 

die Stelle fokussiert hat. Dann schalten Sie den 

Autofokus aus. Machen Sie ein Testfoto und 

erhöhen sie die Blitzleistung, falls erforderlich, 

bis Ihnen das Ergebnis gefällt. 

Tonwertkorrektur Öffnen Sie das Bild in 

1Photoshop und fügen Sie eine 

Tonwertkorrekturebene hinzu. Wählen Sie die 

schwarze Pipette aus der Korrekturpalette und 

klicken Sie auf den hellsten Teil des Hintergrunds, 

damit dieser gleichmäßig schwarz wird. 

Farben anpassen Fügen Sie eine Farbton/ 

2Sättigung-Korrekturebene hinzu und stellen 

Sie die Farbton- und Sättigungsschieberegler der 

einzelnen Farbkanäle Ihren Wünschen gemäß ein. 

Mit dem Farbtonregler können Sie die Farbe der 

Tropfen ändern, um solche Farben nachzubessern, 

die beim Mischen nicht gelungen sind. 

Drehen Aufräumen Wählen Sie die 

3Hintergrundebene in der Ebenenpalette und 

benutzen Sie den Spot-Reparaturpinsel, um 

unerwünschte Elemente wie Blasen und Wirbel zu 

entfernen, die die Ästhetik des Bildes stören. Wenn 

Sie das Bild auf den Kopf drehen, wirken die Tropfen 

wie Farbexplosionen, die vom Boden ausgehen. 

Klicken Sie dazu auf Bild > Bilddrehung > 180°. 

Weitere Anregungen 

EXPLOSION Versuchen Sie, einen 

aggressiven Farbausbruch zu 

erzeugen, indem Sie zwei oder drei 

Farbtropfen nah beieinander ins 

Wasser fallen lassen. 

UFO Lassen Sie einen Tropfen aus 

großer Höhe auf das Wasser fallen 

– um 180° gedreht sieht das wie das 

Foto eines Ufos aus. 

WIRBEL Lassen Sie die Tropfen 

aus einer seitlichen Handbewegung 

heraus fallen, das erzeugt lange 

Wirbel. 

AUFSETZEN Setzen Sie den 

Tropfen sanft auf das Wasser auf, 

sodass er lange dünne Fäden zieht. 


Farbexplosionen 

BILDDETAILS 

Kit: Canon EOS 5D Mk II / EF 

24-70mm f/2.8L USM 




und ISO 100) 


Mit Blitzlicht und Farbtropfen 

entstehen interessante, 

abstrakte Motive. 


Fotoidee 

Silhouette 

Landschaft als Silhouette 

Silhouetten gehören zu den besonders lohnenden Projekten der Fotografie. 

Mit den folgenden Tipps machen Sie Landschaftsfotos mal ganz anders. 

ROBERT BIRKBY: Zu den Objekten, die sich gut für Silhouettenaufnahmen eignen, 

zählen Bäume, Boote, Bauwerke und natürlich Personen. Entscheidend für diese 

Aufnahmetechnik ist, dass allein der Umriss sofort das Objekt erkennen lässt. 

Tatsächlich werden manche Objekte, die sonst als unattraktiv gelten, durch die 

Darstellung als Silhouette erst fotogen. In diesem Beispiel sind es die Starkstrommasten 

und -kabel einer Überlandleitung. Die Struktur liefert mehrere eindrucksvolle Silhouetten, die 

zugleich als Führungslinien dienen. Auch weniger dominante Objekte können im Gegenlicht der 

Sonne fotografiert werden. Beachten Sie die folgenden Tipps, und Sie werden faszinierende Fotos 

nach Hause bringen. 

1. FOTOGRAFIEREN SIE INS GEGENLICHT: Sonnenaufgang und Sonnenuntergang sind die 

besten Tageszeiten für diese Aufnahmetechnik, denn die Sonne steht tief über dem Horizont und 

sorgt für eine besondere Farbenpracht am Himmel, die zu keiner anderen Tageszeit vorhanden ist. 

Ihr Objekt muss sich zwischen Kamera und Sonne befinden, denn nur dieses extreme Gegenlicht 

macht aus ihm eine dunkle Silhouette. 

2. MESSUNG UND BELICHTUNG: Die Silhouette muss wesentlich dunkler sein als der Rest der 

Szene, doch das ist einfach zu erreichen. Schalten Sie Ihre Kamera auf Zeitautomatik. Bei 

Gegenlichtsszenen mit viel Himmel im Bild sollten Sie als Belichtungsmessmethode die 

Mehrfeldmessung einstellen. Das allein schon sorgt in der Regel dafür, dass das Foto das richtige 

Maß an Unterbelichtung erhält. Füllt ihr Objekt jedoch einen Großteil des Bildausschnitts aus, 

müssen Sie gegebenenfalls zusätzlich eine oder zwei Stufen negative Belichtungskorrektur 

einstellen. Sie können jedoch auch die Punktmessung verwenden und einen hellen Bereich der 

Szene messen; auch das sorgt für eine Unterbelichtung des Fotos. 

3. SPITZLICHTWARNUNG: Je nach Helligkeit des Sonnenlichts kann es passieren, dass der 

Dynamikumfang Ihrer Kamera zu klein ist, alle im Bild vorhandenen Helligkeitsunterschiede 

korrekt darstellen zu können. In diesem Fall werden die Spitzlichter „abgeschnitten“, was sich als 

weiße Bildbereiche ohne jedes Detail bemerkbar macht. Ziehen Sie also das Histogramm zu Rate 

und prüfen Sie, ob die Spitzlichtwarnung angezeigt wird. Gegebenenfalls müssen Sie ihren 

Standort ändern, damit ihr Objekt die Sonne blockiert, oder Sie warten, bis die Sonne unter dem 

Horizont verschwunden ist, bevor sie ihr Foto schießen. Benutzen Sie auf jeden Fall die 

Gegenlichtblende, um störendes Streulicht zu vermeiden. 

4. SCHÄRFE UND BILDKOMPOSITION: Arbeiten Sie mit dem Einzelpunkt Autofokus und 

stellen Sie auf die Silhouette scharf. Vermeiden Sie es, ihr Objekt oder den Horizont in der Mitte des 

Bildausschnitts zu platzieren; treffen Sie vielmehr die Entscheidung, ob Sie den Himmel oder die 

Silhouette betonen wollen. 

ROBERT BIRKBY 

2 

Die Szene sollte belichtet werden, damit 

unterdie 

Details hervortreten. 

1 

Fotografieren Sie gegen die 

Sonne, damit Ihr Motiv von 

hinten beleuchtet wird. 

3 

Achten Sie darauf, 

die Spitzlichter nicht 

abzuschneiden. 

4 

Betonen Sie mit der 

Bildkomposition 

entweder den Himmel 

oder Ihr Objekt. 

BILDDETAILS 


mit EF 70-200mm f/4 

Objektiv 




und ISO 100

Fotoidee 

Materie-loser Monitor 

Modifizieren Sie Ihren Computermonitor so, dass man durch ihn hindurch 

sehen kann. Wenn Sie davor sitzen, werden Sie tatsächlich sehen, was 

sich dahinter befindet. Für den Effekt genügt Photoshop. 

JORDAN BUTTERS: Sie kennen 

das aus den Science-Fiction- 

Klassikern wie „Raumschiff 

Enterprise“ oder „Minority Report“: 

halbtransparente Bildschirme, mit 

denen man während der Arbeit am Computer 

die reale Welt dahinter im Auge behalten kann. 

Nun ist Photoshop zwar sehr leistungsstark, 

doch auch damit können Sie Ihr Büro nicht in 

den Kommandostand von Raumschiff Enterprise 

verwandeln. Einen scheinbar transparenten 

Bildschirm für den eigenen Computer können 

Sie aber durchaus erzeugen. 

Die hier vorgestellte Technik funktioniert 

übrigens einfacher mit Notebooks. Bei einem 

Desktopmonitor müssen Sie zusätzlich die 

exakte Position und den Winkel markieren, um 

ihn vom Schreibtisch nehmen und für den 

gewünschten Effekt später wieder in exakt 

derselben Position aufstellen zu können. Sie 

können den Trick sogar mit einem Smartphone 

oder Tablet-Computer ausprobieren. 

Realitätsnähe 

Diese Technik kann so einfach oder so 

kompliziert ausgestaltet werden, wie Sie es 

möchten. Bewegliche Objekte einzubinden ist 

etwas schwieriger, weil diese unbeweglich 

bleiben müssen, während Sie die letzten 

Handgriffe in Photoshop durchführen. Sie 

können auch mehr als einen Bildschirm 

einbinden, oder einen transparenten 

Bildschirm innerhalb eines anderen, es gibt 

zahllose Möglichkeiten. 

Position auswählen Der hier erwünschte Effekt 

1sieht natürlich am interessantesten aus, wenn 

für den Betrachter sofort offensichtlich wird, dass der 

Bildschirm „transparent“ ist. Wenn sich eine weiße 

Wand hinter dem Bildschirm befindet, geht der Effekt 

natürlich verloren; stellen Sie den Computer also so 

auf, dass sich dahinter etwas befindet, das den Blick 

auf sich lenkt. 

Die Szene fotografieren Montieren Sie die Kamera 

2auf ein Stativ, stellen Sie die Zeitautomatik ein und 

wählen Sie Blende f/8. nun stellen Sie auf den Monitor 

scharf und machen eine Aufnahme mit dem Monitor 

im Bild und eine zweite Aufnahme, bei der der Monitor 

ausgeschaltet oder entfernt wurde. Lassen Sie die 

Kamera nun in exakt in derselben Position, denn so 

werden Sie sie später erneut brauchen. 

Bildschirm auswählen Laden Sie beide Bilder in Photoshop. Bei dem Bild 

3mit eingeschaltetem Monitor an Ort und Stelle klicken Sie auf Auswahl > 

Alles auswählen, bei dem Bild mit ausgeschaltetem Monitor klicken Sie auf 

Bearbeiten > Einfügen. Wählen Sie das Polygon-Lasso-Werkzeug und wählen 

Sie in dem Bild, das den eingeschalteten Monitor zeigt, den Bildschirmbereich 

aus. 

Neues Dokument erzeugen Nun klicken Sie auf das Augesymbol in der 

4Ebenenpalette, um die Bildschirmebene zu verbergen. Wählen Sie das Bild 

mit dem ausgeschalteten Monitor und klicken auf Bearbeiten > Kopieren, dann 

auf Datei > Neu und anschließend auf OK, ohne einen der Parameter zu 

verändern. In diesem neuen Dokument klicken Sie auf Bearbeiten > Einfügen. 


5 Minuten Photoshop 


Erzeugen Sie das endgültige Bild mit 

dem neuen Desktop-Hintergrund – 

fertig ist Ihr futuristisch 

„transparenter“ Hightech-Bildschirm. 

Bild verzerren Ihre Bildschirmauswahl wird kaum exakt rechteckig sein. 

5Deswegen klicken Sie jetzt auf Bearbeiten > Transformieren > Verzerren 

und mit den Ankerpunkten formen Sie das Bild so, dass es genau in das 

Dokument passt. Wenn Sie fertig sind, klicken Sie auf Datei > Speichern unter, 

wählen als Speicherformat JPEG und speichern das Bild. 

Neuen Hintergrund einsetzen Nun machen Sie das soeben gespeicherte 

6Bild zu Ihrem Desktophintergrund. Wenn Sie Windows 8 verwenden, 

rechtsklicken Sie auf den Desktop, wählen Anpassen und klicken auf Desktop- 

Hintergrund, anschließend auf Durchsuchen, dann auf Desktop und danach auf 

OK. Nun setzen Sie einen Haken links oben neben das Bild und klicken auf 

Änderungen speichern. Fertig. Auf einem Mac klicken Sie auf die Bilddatei und 

wählen Als Desktop-Hintergrund festlegen. 


Fotoidee 


Porträts 

im Regen 

Ein plötzlicher Regenschauer während einer Portrait- 

Session unter freiem Himmel kann ein Glücksfall sein, 

denn er bietet Ihnen die Chance für eine ganz besondere 

Aufnahmetechnik – ein Blitzgerät sollten Sie allerdings 

dabei haben. 

Jordan Butters: Portraitfotografie ist für viele Kollegen ein Thema, mit 

dem Sie sich nur bei gutem Wetter oder im Studio befassen. Angesichts 

der Tatsache, dass das Klima in diesem Land so ist, wie es ist, entstehen 

deshalb die meisten Porträts als Innenaufnahmen. Wenn Sie jedoch 

lernen, bei der Portraitfotografie auch mit Regen und Schnee umzugehen, 

können Sie unter nahezu allen Wetterbedingungen fotografieren und die funkelnden 

Regentropfen oder Schneeflocken als natürlichen Hintergrund einsetzen. 

Wenn Sie großes Glück haben und kurz nach Sonnenaufgang oder kurz vor 

Sonnenuntergang ein Regenschauer genau dort niedergeht, wo Sie sich gerade 

befinden, liefert Ihnen die Sonne natürliches Hintergrundlicht. Die Chancen dafür 

sind jedoch gering, also werden Sie auf ein Blitzgerät zurückgreifen müssen. 

Aufgrund ihrer Transparenz wirken Regentropfen und Schneeflocken am besten, 

wenn sie seitlich oder von hinten angestrahlt werden; dann kann das Licht sich darin 

brechen und schafft zusätzliche, besondere Beleuchtungseffekte. Fotografieren Sie 

also im Regen mit Blitzgerät, versuchen Sie diese Technik aber möglichst im Schutz 

eines Regenschirms oder eines Vordachs, der teuren Ausrüstung zuliebe – außerdem 

sind vom Regen durchnässte Modelle nicht unbedingt in bester Fotolaune. Sie 

können diese Aufnahmetechnik aber auch nutzen, wenn es nicht regnet: Ein 

Gartenschlauch mit genügend Wasserdruck in der richtigen Position tut es auch.

Fotoidee 


Setup der Beleuchtung 

Indirekte Beleuchtung 

(Elektronenblitzgerät 2,5 m 

entfernt, volle Leistung) 

1 

Regen 

Modell im Hauseingang 

Durch den 

Schirm 

fotografieren 

Hauptlicht 

(Elektronenblitzgerät 

60-90 cm entfernt bei 1/32 

Leistung) 

Kamera: 1/60 Sekunde 

bei Blende f/8 und 

ISO 100 

SETUP: Da sich jeweils ein Blitzgerät hinter und vor dem Modell befindet, 

sollten sich beide nicht gegenseitig beeinflussen. Ich habe einen Hauseingang 

gewählt, um Modell und Kameraausrüstung vor Nässe zu schützen, trotzdem 

führte der Regen zum gewünschten Effekt. Natürlich können Sie dieses Setup 

auch im Regen vornehmen, sofern ein anderer Regenschutz vorhanden ist. 

2 3 

1 Spritzwasserschutz 

Eine wichtige Vorsichtsmaßnahme 

ist der Schutz Ihrer Kameraausrüstung. 

Wickeln Sie die Blitzgeräte und 

Zubehör wie Fernauslöser und 

Belichtungsmesser, die dem Regen 

ausgesetzt werden, in wasserdichten 

Klarsichtbeuteln unter. Wenn Sie selbst 

im Regen stehen, brauchen Sie einen 

speziellen Regenschutz für Kamera und 

Objektiv, oder bitten einen Assistenten, 

einen Regenschirm für Sie zu halten. 

Auswahl des Hauptlichts Das 

2Hauptlicht ist das Blitzgerät, mit 

dem Sie Ihr Modell anleuchten. Sie 

können dazu den in der Kamera 

eingebauten Blitz verwenden. 

Besseres Licht bekommen Sie jedoch 

mit einem separaten Blitzgerät, das Sie 

auch abseits der Kamera positionieren 

können. Ich wählte in diesem Fall ein 

unabhängiges Blitzgerät und blitzte 

durch einen weißen Leuchtschirm, der 

links von der Kamera stand. 

Einstellen der Belichtung 

3Wählen Sie den manuellen 

Modus, die maximale 

Blitzsynchronisationszeit der Kamera 

und eine mittlere Blende von etwa f/8, 

um optimale Schärfe zu erhalten und 

im Hintergrund ein attraktives Bokeh 

zu erzeugen. Messen Sie mit einem 

Belichtungsmesser das Licht auf dem 

Modell und stellen Sie die Blitzleistung 

entsprechend ein. Natürlich können 

Sie sich auch an einer Probeaufnahme 

orientieren. 

Setup der indirekten 

4Beleuchtung Stellen Sie ein 

wassergeschütztes Blitzgerät 3–5 m 

hinter Ihrem Modell auf. Stellen Sie es 

auf halbe Leistung und die weiteste 

Zoomeinstellung. Machen Sie ein 

Testfoto und schauen Sie nach, wie 

hoch der Anteil des angestrahlten 

Regens ist. Falls notwendig erhöhen 

Sie die Blitzleistung. Nun positionieren 

Sie das Modell zwischen dem 

Hintergrundlicht und der Kamera. 

Die richtige Blende 

Die Blende hat entscheidenden Einfluss 

auf das vom Regen erzeugte Bokeh. Falls 

Sie die Blende erst nach der ersten 

Belichtungsmessung einstellen, nehmen 

Sie eine weitere Messung vor und stellen 

dann die Leistung des Hauptlichts 

entsprechend ein. 

• Blende f/2.8: Bei weit offener Blende 

ist das Bokeh zu ausgeprägt und die 

Regentropfen verschwimmen ineinander. 

• Blende f/5.6: Wenn Sie etwas 

abblenden, werden die einzelnen 

Regentropfen unterscheidbar. 

Blende f/8: Bei mittlerer Blende sind die 

Regentropfen immer noch gut zu 

erkennen, befinden sich aber trotzdem 

nicht im Schärfebereich. 

Blende f/2.8 

Blende f/5.6 

Blende f/8 


BILDDETAILS 

Kit: Canon EOS 5D Mk II mit 

EF 24-70mm f/2.8L 



bei f/8 und ISO 100

Fotoidee 


Warum ist nebliges Wetter für Fotografen so unwiderstehlich? Die Antwort ist einfach: 

Nebel gibt unseren Bildern etwas Rätselhaftes, Unheimliches. Bei manchen Motiven 

erwartet der Betrachter geradezu eine solche Stimmung. 

ROSS HODDINOTT: Nebel schwächt 

Farben und Kontraste ab, er 

simplifiziert die Erscheinung der 

Landschaft und reduziert Objekte auf 

Formen und Umrisse. Kein 

Landschaftsfotograf kann der Faszination von 

nebligem Wetter widerstehen – doch wie stellt 

man es an, zum richtigen Zeitpunkt am richtigen 

Ort zu sein? 

Im Herbst und Winter ist die Wahrscheinlichkeit 

für Nebelbildung sicher am größten. Das bedeutet 

aber nicht, dass Sie während des Frühlings und 

Sommers kein Glück haben können. Achten Sie 

auf die Wettervorhersage. Es gibt unterschiedliche 

Arten von Dunst und Nebel; am fotogensten ist er, 

wenn der Boden nach klaren, ruhigen Nächten die 

tagsüber von der Sonne aufgenommene Wärme 

wieder abstrahlt. Dadurch kühlt die Luft in 

Bodennähe bis unter den Taupunkt ab, sodass 

Nebel entsteht. Dieser bleibt am Boden, wo er eine 

dünne weiße Schicht in Tälern und über Weiden 

und Feldern bildet. Beachten Sie die regionalen 

Wettervorhersagen auf klare, kühle Nächte, dann 

haben Sie gute Chancen, dort am Morgen Nebel 

vorzufinden, wenn Sie zeitig genug dort sind. 

Manche Vorhersagen erwähnen Nebelbildung 

ausdrücklich. Ein guter Indikator, den Sie selbst 

nutzen können, ist die Sichtweite. Fällt sie über 

Nacht von „sehr gut“ auf „gut“ oder auf nur noch 

„durchschnittlich“, bedeutet das gute Chancen für 

Nebel am nächsten Morgen. 

Stehen Sie früh auf und planen Sie viel Zeit ein, 

um die gewünschte Örtlichkeit zu erreichen. Die 

richtige Position zu finden ist nicht ganz leicht, da 

man niemals sicher sein kann, wo sich Nebel 

bildet oder wie dicht er wird. Grundsätzlich von 

Vorteil sind erhöhte Standpunkte, beispielsweise 

mit Blick von einem Hügel ins Tal, sodass Sie sich 

ggf. über den Nebelbänken befinden. Es ist auch 

sinnvoll, den Ort vorab zu besichtigen, um sein 

fotografisches Potenzial besser einzuschätzen. 

In der gewählten Szene sollte mindestens ein 

starker Fixpunkt vorhanden sein, vielleicht eine 

einsame Baumgruppe, ein Kirchturm oder ein 

anderes herausragendes Objekt. Die 

eindrucksvollste Nebelatmosphäre entsteht kurz 

vor bzw. kurz nach Sonnenuntergang. Dann ist 

das Licht nur schwach und die Verschlusszeiten 

werden entsprechend lang – ein Stativ ist also 

selbstverständlich erforderlich. Bringen Sie 

möglichst auch Objektive mit verschiedenen 

Brennweiten mit. Mit einem Weitwinkel sind Sie 

bei Nebelwetter auf der sicheren Seite, doch auch 

längere Brennweiten sind nützlich. Mit einem 

Telezoom im Bereich von 70-200 mm verkürzen 

Sie die Perspektive und verstärken so die 

Ausdruckskraft des Bildes. Außerdem können Sie 

mit langer Brennweite attraktive Bildelemente 

herauspicken – einen Baum, eine Scheune oder 

auch Starkstrommasten, denn selbst dieser wirkt 

bei dichtem Nebel attraktiv. 

Als Nebelmotive lohnen aber nicht nur offene 

Landschaften – auch in Waldgebieten werden Sie 

auf Ihre Kosten kommen, denn der Nebel reduziert 

diese Umgebungen auf einfachste Formen. So 

entstehen ausdrucksstarke, stimmungsvolle 

Aufnahmen von Bäumen, die sich im Dunst 

verlieren. 

Ziehen Sie sich frühmorgens warm genug an, 

auch wenn sie im Frühling oder Sommer 

losziehen, und versuchen Sie effizient zu arbeiten, 

denn Nebel löst sich oft so rasch auf, dass Sie 

vielleicht nur wenige Minuten optimale 

Bedingungen haben. Ganz wichtig ist auch ein 

Reinigungstuch für die Frontlinse des Objektivs, 

denn mit Sicherheit bildet sich Kondenswasser 

darauf. Zwar kann auch das interessante Effekte 

auf Ihre Fotos haben, aber die Feinmechanik 

verträgt es weniger gut. 

Vorausplanen Planen Sie Ihre Expedition 

1sorgfältig. Bevor dieses Foto entstand, hatte ich 

über mehrere Tage regelmäßig die lokale 

Wettervorhersage beobachtet, bis eine kalte, klare 

Nacht angekündigt wurde – bei geringer 

Windgeschwindigkeit die optimale Bedingung für 

Nebel. Auch die Sichweite sollte sich laut 

Wettervorhersage verschlechtern, ein weiterer 

positiver Indikator. Ich packte am Abend zuvor die 

Ausrüstung ein und legte warme Kleidung zurecht, 

damit es am Morgen schnell losgehen konnte. 

Früh aufstehen Ich entschied mich für eine 

2Stelle, wo eine Gruppe Nadelbäume auf einer 

Hügelkuppe steht, die ich vom gegenüberliegenden 

Hügel aus fotografieren konnte. Ich hoffte darauf, dass 

der Nebel das Tal dazwischen ausfüllt. 

Sonnenaufgang war an diesem Tag um kurz nach 

Sieben, also hatte ich den Wecker früh genug gestellt, 

um 45 Minuten vorher vor Ort zu sein: Genug Zeit, 

um einen guten Kamerastandpunkt zu finden, alles 

aufzubauen und vor den ersten Strahlen der 

Morgendämmerung bereit zu sein. 

Action Als ich ankam, hatte der erhoffte dichte 

3Nebel das Tal bereits gefüllt. Ich benutzte ein 

70-200mm Zoomobjektiv. Die lange Brennweite 

sollte nicht nur den Effekt des Nebels verstärken, 

sondern mir außerdem verschiedene Bildausschnitte 

ermöglichen. Mit der Kamera auf dem Stativ stellte 

ich per Live-View manuell auf die Baumgruppe 

scharf. Ich fotografierte mit Zeitautomatik und 

Blende f/11. Diese Einstellung führte zu 

15 Sekunden Verschlusszeit, doch das Bild war 

trotzdem zu dunkel. 




Der Lohn des frühen Aufstehens: 

Diese Aufnahme einer 

Nebellandschaft scheint aus 

einer anderen Welt zu stammen. 

BILDDETAILS 

Kit: Nikon D800 mit 

70-200mm f/2.8 Objektiv 

Belichtungsprogramm: 

Zeitautomatik 

Verschlusszeit: 30 

Sekunden bei Blende f/11 

und ISO 200 

Achten Sie auf die Belichtung Nebel hat die 

4Eigenschaft, auch ausgeklügelte 

Belichtungsmesssysteme auszutricksen. Das liegt 

daran, dass diese Systeme „annehmen“, alle Objekte 

seien von mittelgrauer Farbe, ausgehend von18 % 

Grau. Das führt dazu, dass helle Objekte wie Nebel 

und Schnee unterbelichtet werden. 

Prüfen Sie nach jeder Aufnahme das Histogramm: Ist 

die Grafik nach links verlagert, geben Sie positive 

Belichtungskorrektur hinzu. In diesem Beispiel war 

es eine Blendenstufe, um das Bild insgesamt 

aufzuhellen. 

Bildkomposition Mit der Bildkomposition steht 

5und fällt Ihr Foto. Ich versuchte eine ganze Reihe 

unterschiedlicher Bildkompositionen, auch mit 

verschiedenen Brennweiten. 

Mal hatte ich die Bäume rechts von der Bildmitte, 

manchmal zentral im Bildausschnitt. Unsere Augen 

sehen die Welt jedoch üblicherweise von links nach 

rechts. Daher beließ ich die Bäume schließlich links 

im Bild; dies erwies sich als die beste 

Bildkomposition. 

Wetter beobachten Nebelschwaden unterliegen 

6ständiger Veränderung, sie driften ins Bild hinein 

und hinaus und verändern ihre Dichte. Die selbe Szene 

kann also im Laufe einer Stunde völlig anders 

aussehen. Machen Sie so viele Aufnahmen wie 

möglich, von denen Sie später zu Hause die besten 

aussortieren. Sobald das Tageslicht Oberhand gewinnt, 

dauert es nicht mehr lange, bis der Nebel sich auflöst. 

Dann können Sie gemütlich Heim fahren und sich ein 

wohlverdientes Frühstück genehmigen. 


ab dem 4. Juni im Handel 

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Fotoidee 


Badewannenporträts 

Benutzen Sie Ihre Badewanne als gigantische 

Softbox und schießen Sie ganz besondere 

Porträts in natürlichem Licht. 

CAROLINE WILKINSON: Sie haben 

zu wenig Platz im Studio, um die 

lieben Kleinen zu fotografieren, oder 

sie bleiben nicht lange genug still 

sitzen, um eine vernünftige 

Aufnahme zu machen? Die Lösung dieser 

Probleme wird Sie überraschen. Wenn es zur 

Badezeit in Ihrem Haushalt feuchtfröhlich 

zugeht, können Sie dies zu Ihrem Vorteil 

ausnutzen: 

Die Badewanne ist ein hervorragender 

Schauplatz für Porträtaufnahmen, fast wie im 

Studio – allerdings nur, wenn Ihr Bad weiß ist, 

nicht pfirsichfarben oder olivgrün. Zuhause einen 

Ort mit sauberem, natürlichem Licht zu finden, 

wo harte Schatten, Farbstiche und unruhige 

Hintergründe nicht zum Problem werden, kann 

schwierig sein. Und ein Kind zu überreden, lange 

genug still zu sitzen, um ein engelhaftes Porträt 

zu fotografieren, macht die Herausforderung 

noch größer. Wenn die Kinder alt genug sind, um 

alleine sitzen zu können, hält eine weiße 

Badewanne sie an Ort und Stelle und fungiert 

zugleich als große Softbox und Reflektor. Das 

Licht prallt von der weißen Oberfläche ab und 

erzeugt eine helle, gleichmäßige Ausleuchtung 

mit einem sauberen, studioähnlichen 

Hintergrund. Wenn es in Ihrem Badezimmer 

wegen mattierter oder kleiner Fenster nur 

schwaches Tageslicht gibt, können Sie die 

Wände des Badezimmers nutzen, um mit 

reflektiertem Blitzlicht ähnliche Ergebnisse zu 

erzielen. 

Der schwierigste Teil dieser Technik ist es, dass 

das Kind mit der Kamera interagiert und Sie ein 

gutes Porträt gestalten können. Badewannen in 

Standardgrößen bieten wenig Spielraum; zudem 

kann es in einer leeren Wanne ungemütlich kalt 

sein. Achten Sie also darauf, dass die Heizung 

aufgedreht bzw. Ihr Kind angezogen ist. Die 

Kinder finden es wahrscheinlich komisch, dass 

kein Wasser im Bad ist. Wenn sie anfangen, sich 

darüber zu beschweren, lassen Sie etwas Wasser 

hineinlaufen, mit dem sie spielen können. 

Achten Sie jedoch darauf, dass ein zweiter 

Erwachsener in der Nähe ist, um Unfällen 

vorzubeugen, wenn Sie Ihre Aufmerksamkeit der 

Kamera zuwenden. Unternehmen Sie etwas, um 

die Kleinen zum Lachen zu bringen; die meisten 

Kinder lassen sich auch mit Schokolade locken. 

Auch Grimassen schneiden oder mit Spielzeug 

hantieren kann funktionieren, um Augenkontakt 

herzustellen. Vor allem müssen Sie aber darauf 

achten, dass die Aktion den Kindern Spaß 

macht, sonst werden Sie nur wenige Aufnahmen 

erhalten, bevor die Badezeit vorbei ist. 


Fotoidee 

Aufbau Für diese Technik brauchen Sie nur sehr wenig: Ihre Kamera, Ihr 

1Modell und, wenn die Lichtverhältnisse eher schwach sind, vielleicht ein 

Blitzgerät mit Bounce-Funktion und Schwenkkopf. Wenn der Platz sehr beengt ist, 

benötigen Sie ein Porträt- oder sogar Makro-Objektiv, um Elemente wie Handgriffe 

und Badewannenkante auszublenden. Bei dieser Aufnahme funktionierte ein 50 

mm f/1.8 befriedigend; mit einem längeren Objektiv, etwa einem 100 mm Makro, 

wäre es jedoch einfacher gewesen. 

Belichtung einschätzen Viel Weiß im Bild kann dazu führen, dass die 

2 Kamera das Bild unterbelichtet. Stellen Sie die Kamera für ein besseres 

Ergebnis auf Punktmessung anstatt auf Multizonen-Messung ein, denn die 

Belichtung berechnet sich aus dem Fokuspunkt: dem Gesicht. Verwenden Sie den 

Belichtungsprioritäts-Modus und wählen Sie eine große Blende von f/2.8 bis 

f/5.6, um das Licht zu maximieren und den Hintergrund verschwimmen zu 

lassen. Mit dem Single-Point-Autofokus lokalisieren Sie die Augen am nächsten 

zur Kamera. 

Winkel verändern Je nach Größe Ihres Kindes und der verwendeten 

3Brennweite müssen Sie Ihren Blickwinkel verändern, um unerwünschte 

Elemente wie Fliesen, Spielzeug oder Handgriffe auszublenden. Auch wenn dies 

nicht nötig ist, sollten Sie einmal ausprobieren, ganz tief zu gehen, sodass die 

Augen über den Badewannenrand schauen, oder ganz hoch für eine vorteilhaftere 

Perspektive. Wechseln Sie auch zwischen Hoch- und Querformat, um die 

unterschiedliche Dramatik zu testen. 

Aufnahmen bearbeiten Wenn das Bild gut belichtet ist, sollte außer etwas 

4einfacher Nachbearbeitung nicht mehr viel zu tun sein. Um den Kontrast zu 

verbessern, habe ich die Bildebene dupliziert („Ebene > Ebene duplizieren“) und 

die Füllmethode in Weiches Licht geändert. Eine kleine Anpassung der 

Tonwertkorrektur („Ebene > Neue Einstellungsebene > Tonwertkorrektur“), das 

Hinzufügen eines Hochpassfilters („Filter > Sonstige Filter > Hochpass“) mit 

einer Einstellung von höchstens 4 px, dann noch passend zugeschnitten – fertig. 

Bekannte Fehler, die Sie vermeiden können... 

UNGENAUE MESSUNG Wenn Ihr Hintergrund 

nicht strahlend Weiß sondern Grau dargestellt 

wird, überprüfen Sie, ob Punktmessung eingestellt 

ist. Wenn dies nicht ausreicht, fügen Sie eine oder 

zwei Stufen positive Belichtungskorrektur hinzu. 

Überprüfen Sie das Histogramm der Kamera, um 

festzustellen, ob das Bild unterbelichtet ist: 

Die Spitzen sollten ihren Schwerpunkt rechts im 

Histogramm haben. 

UNEXAKTES SCHARFSTELLEN Eine flache 

Tiefenschärfe zu verwenden, bedeutet, dass Ihr 

Fokus punktgenau sitzen muss. Da ein Multipunkt- 

Fokus sich immer an dem Objekt orientiert, das der 

Kamera am nächsten ist, was bei 

Porträtaufnahmen meist die Nase ist, sollten Sie 

einen einzelnen Autofokuspunkt auf das der 

Kamera am nächsten gelegene Auge legen, um 

beste Ergebnisse zu erzielen. Wenn beide Augen 

fokussiert sein sollen, brauchen Sie wenigstens 

f/5.6 für eine ausreichende Tiefenschärfe. 

ZU WENIG LICHT Wenn Sie mit weit geöffneter 

Blende fotografieren und Ihren ISO-Wert so hoch 

einstellen, wie die Rauschkontrolle der Kamera es 

Ihnen erlaubt, wird Ihre Verschlusszeit nicht 

schnell genug sein, um Bewegung einzufrieren 

oder die Badewanne ausreichend auszuleuchten. 

In dem Fall brauchen Sie ein Blitzlichtgerät. 

Verwenden Sie ganz einfach die TTL-Messung für 

einen Füllblitz und drehen Sie den Kopf, sodass 

das Licht von der weißen Decke oder den Seiten 

des Badezimmers zurückgeworfen wird. 



BILDDETAILS 


mit 50mm f/1.8 Objektiv 

Betriebsart: 

Blendenautomatik 



und ISO 200 


Hätten Sie gedacht, dass Ihre 

Badewanne zum „Baby-Studio“ 

umfunktioniert werden kann? 

Das Bad ist ein guter Ort, um 

natürliches Softbox-Licht für 

Porträts zu erzeugen. 


WINTERLANDSCHAFTEN 

Der Winter gehört zu den schönsten Zeiten des Jahres, was die Reichhaltigkeit der 

jahreszeitlichen Motive betrifft. Landschaftsfotograf Marc Adamus verrät uns seine besten 

Tipps und Tricks für faszinierende Fotos, die nur möglich sind, wenn es richtig kalt ist … 

Himmel 

Wenn Sie gegen einen 

teilweise bewölkten Himmel 

fotografieren, sollten Sie 

einen Graufilter in Betracht 

ziehen. Hier wurde ein 1.8 

ND-Filter verwendet und die 

Verschlusszeit auf 

74 Sekunden verlängert, 

um die Bewegung der 

Wolken einzufangen. 

BILDDETAILS 

Kit: Nikon D800E mit 

NIKKOR 14-24mm 

Betriebsart: B 

Belichtung: 74 Sekunden 


und ISO 320 

Scharfstellen 

Berechnen Sie die hyperfokale 

Entfernung, um maximale 

Schärfentiefe zu erreichen, 

oder machen Sie zwei 

Aufnahmen, eine mit Fokus auf 

dem Berg, eine andere mit 

Fokus auf dem Vordergrund. 

Später montieren Sie beide 

Bilder zusammen. 

Bildkomposition 

Eis gibt immer einen 

interessanten Vordergrund 

ab, weil es das Licht 

gebrochen reflektiert und 

einen natürlichen Glanz 

ausstrahlt. Die Gruppen der 

Eisstücke dienen als 

Führungslinie zum 

Hintergrund.

Nachbearbeitung 

Winterszenen sind aus 

offensichtlichen Gründen 

eher arm an Farben. Ein 

leichter Blaustich kann den 

Eindruck der Kälte einer 

Szene unterstreichen. 

Bildausschnitt 

Wählen Sie den Ausschnitt 

möglichst so, dass auch an 

den Rändern interessante 

Objekte im Bild sind. Hier sind 

es die gebrochenen, sich 

überlagernden Eisplatten, 

welche den Berg mit dem 

Himmel im oberen Bildteil 

einrahmen.

Fotoidee 


Gefrorene Pfützen weisen oft interessante Eismuster auf, die sich als Fotomotive eignen. Nehmen Sie Ihre 

Kamera – und ziehen Sie sich warm an! 

ROSS HODDINOTT: Kaltes 

Winterwetter kann sich besonders 

produktiv auswirken, wenn Sie in der 

Natur nach fotogenen Mustern 

suchen. Wasser gefriert zu dicken 

Eisschichten in bizarren Formen. Von November 

bis Dezember können wir mit Frostperioden 

rechnen. Überall in der Natur gibt es abstrakt 

aussehende Eismuster voller Details mit 

strukturierten Oberflächen – Sie müssen Sie nur 

erkennen. 

Bei Frost verwandeln sich die Oberflächen von 

Pfützen, Teichen, Seen und Kanälen in Eisflächen, 

während sich an den Sturzkanten von 

Wasserfällen fotogene Eiszapfen bilden. Nach ein 

paar Tagen mit schwerem Frost werden die sich 

überlappenden Schichten dicken Eises 

außergewöhnliche Muster kreieren. Suchen Sie 

nach eingeschlossenen Luftblasen, nach Linien 

und Wirbeln an der Oberfläche, die sie optisch 

isolieren können, um starke, engagierte 

Bildkompositionen zu erzeugen. Kieselsteine, 

Laub oder eine im Eis eingeschlossene Feder 

machen solche Motive noch attraktiver und geben 

ihnen einen Fixpunkt. Es lohnt sich, nach solchen 

Details zu suchen. 

Die meisten im Eis verborgenen Motive sind nur 

bei genauem Hinsehen aus kurzer Entfernung 

erkennbar, und sie wirken abstrakt. Sie zu finden 

ist oft die größte Herausforderung. 

Was die Wahl des Objektivs angeht, sind Sie mit 

einem Makroobjektiv am besten bedient, 

idealerweise eins im Bereich von 100 mm, denn 

das bietet Ihnen eine komfortable 

Arbeitsentfernung. Falls Ihnen ein solches 

Makroobjektiv nicht zur Verfügung steht, tut es 

auch ein Telezoom, denn Sie brauchen nicht 

immer eine starke Vergrößerung, wenn Sie 

Eismuster fotografieren. Ein Kamerastandpunkt 

senkrecht über dem identifizierten Motiv ergibt die 

besten Ergebnisse, wenn die Bildebene exakt 

parallel zu Eisoberfläche ausgerichtet ist. Dadurch 

erhalten Sie maximale Schärfentiefe. Helles, 

direktes Sonnenlicht kann die feinen Details 

verschlucken, warten Sie also auf bedeckten 

Himmel, an dem das Licht weniger kontraststark 

ist oder benutzen Sie einen Diffusor. Auf jeden Fall 

ist ein Stativ unentbehrlich. Seien Sie allerdings 

vorsichtig bei dessen Aufbau und auch, wohin Sie 

treten, denn wenn Sie das Eis durchbrechen, ist 

ihr Motiv verdorben. Sollte es einmal nicht kalt 

genug zur Eisbildung im Freien sein, schaffen Sie 

sich einfach ihre eigene Eisfläche, indem Sie eine 

flache Schüssel 6-8 cm tief mit Wasser füllen und 

diese ins Eisfach stellen. 

0 EV 

Setup Suchen Sie nach Eismustern in gefrorenen 

1 Teichen und Pfützen. Benutzen Sie ein Stativ und 

positionieren Sie die Kamera senkrecht über einem 

Motiv, wobei Sie darauf achten, das Eis nicht zu 

zerbrechen. Ein bedeckter Himmel liefert das beste 

Licht. Bei sonnigem Wetter können Sie ihren eigenen 

Schatten auf das Motiv fallen lassen, um kälteres, 

kontrastärmeres Licht zu erzeugen. Bei größeren 

Eisflächen bleiben Sie zur Sicherheit am Rand, es sei 

denn, die Eisfläche ist offiziell zum Betreten 

freigegeben. 

Einstellungen Da die Eisoberfläche flach ist, 

2 brauchen Sie keine große Schärfentiefe, solange 

Sie die Bildebene der Kamera parallel zur Oberfläche 

ausrichten. Schalten Sie deswegen auf Zeitautomatik 

und stellen Blende f/8 oder f/11 ein. In diesem Bereich 

ist jedes Objektiv am leistungsfähigsten und liefert 

gestochen scharfe Fotos ohne Verzerrungen. 

Fotografieren Sie mit geringer ISO Empfindlichkeit und 

lassen Sie die Kamera die korrespondierende 

Verschlusszeit wählen. Der Autofokus sollte 

funktionieren, doch ich persönlich ziehe es vor, mithilfe 

von Live-View manuell scharfzustellen. 

+1 EV 

Belichtung überprüfen Wenn Sie Eis, Schnee 

3oder andere sehr helle Objekte fotografieren, 

müssen Sie darauf achten, dass das 

Belichtungsprogramm der Kamera ihr Motiv nicht 

unterbelichtet. Wegen der überdurchschnittlich 

starken Helligkeit der Motive tendiert jede Kamera 

dazu. Überprüfen Sie deswegen regelmäßig das 

Histogramm auf Lücken an der rechten Seite der 

Grafik. Falls erforderlich, kompensieren Sie die 

Fehlbelichtung mit der Belichtungskorrekturtaste. In 

diesem Fall musste ich +1EV zu geben, nicht 

ungewöhnlich bei dieser Art Motiv. 

Bildkomposition Da Eismuster sehr abstrakt 

4 sind, gibt es kaum eine generelle Empfehlung, 

wie man sie richtig oder falsch fotografiert. Suchen 

Sie nach interessanten Details, eingeschlossenen 

Luftblasen, sich überschneidenden Linien, Umrissen 

und Kurven. Versuchen Sie diese zu isolieren, gezielt 

hervorzuheben und so zu arrangieren, dass sie eine 

ästhetisch ansprechende Bildkomposition ergeben. 

Kreativität und ein Auge für Details sind die Schlüssel 

zu diesen Motiven. 

Sie werden merken, dass sich die Bildkomposition 

im Laufe mehrerer Aufnahmen entwickelt, da Sie 

ständig kleine Verbesserungen finden. 

Nachbearbeitung Solche Fotos profitieren oft von 

5minimalen Korrekturen in der Nachbearbeitung. 

Ein winziger Blaustich kann den Eindruck der Kälte 

verstärken. Anstatt eine technisch „korrekte“ 

Farbtemperatur zu wählen, ist es oft besser, eine 

Kältevoreinstellung zu anzuwenden, etwa im Bereich 

von 4500-5000 Kelvin. Das können Sie schon vor der 

Aufnahme mit dem Weißabgleich der Kamera 

einstellen. Noch mehr Möglichkeiten haben Sie, wenn 

Sie im Raw-Format aufnehmen und den Weißabgleich 

erst in der Nachbearbeitung einstellen. Dabei können 

Sie auch die Kontraste verstärken, indem Sie die 

Tonwerte oder Gradationskurven ändern, damit Muster 

und Oberflächen detailreicher werden. 



BILDDETAILS 

Kit: Nikon D800 mit 

150mm Makroobjektiv 


Belichtung: 5 Sekunden bei 

Blende f/11 

und ISO 100 


Fotoidee 

Farbverlaufsfilter 

Steuern Sie die Farbverläufe in Photoshop, indem Sie einen 

Farbverlaufsfilter nutzen, der langweilige Himmel stimmungsvoll einfärbt. 

JORDAN BUTTERS: Eigentlich 

sollten Landschaftsfotografen ein 

ganzes Sortiment von Verlaufsfiltern 

dabei haben, um in jeder Lage einen 

gewünschten Effekt erzeugen zu 

können. Die Realität sieht anders aus, doch zum 

Glück gibt es einige Photoshop-Effekte, um die 

unterschiedlichen Filter zu simulieren. 

Farbverläufe eignen sich gut, um die Farben am 

Himmel zu betonen, den Charakter und die 

Stimmung eines Bildes vollständig zu verändern, 

oder um ganz andere Tageszeiten zu simulieren. 

Original 

Experimentieren Sie mit unterschiedlichen Filtern 

Sie könnten zum Beispiel versuchen, Ihrem Bild mehr als einen Farbfilter hinzuzufügen. Dazu Duplizieren 

Sie die Verlaufsebene, indem Sie sie in der Ebenenpalette auswählen. Anschließend gehen Sie auf „Ebene 

> Ebene duplizieren“ und ändern die Verlaufsfarbe, wie in Schritt 3 bis 5 beschrieben. Bringen Sie die 

Verläufe in verschiedenen Winkeln an, um unterschiedliche Effekte zu bekommen. Dazu benutzen Sie die 

Winkeldrehscheibe im Verlaufsflächen-Menü. 

Filter für wärmeren Farbton 

Filter für kälteren Farbton 

Grünfilter 

Multiple Filter 

Verlauf hinzufügen Bevor Sie beginnen, drücken 

1Sie die Taste D auf Ihrer Tastatur, um die 

Farbpalette auf ihre Standardwerte zurückzusetzen. 

Klicken Sie danach auf Ebene > Neue Füllebene > 

Verlauf > OK. 

Verlauf anpassen Setzen Sie in dem Dialogfeld 

2ein Häkchen in das Kontrollfeld Umkehren und 

klicken Sie auf OK. In der Ebenenpalette ändern Sie 

die Füllmethode der Verlaufsebene auf 

Multiplizieren. 

Verlaufseditor öffnen Doppelklicken Sie auf das 

3Miniaturbild in der Ebenenpalette, um erneut 

das Verlaufsfilter-Menü zu öffnen. Dann klicken Sie 

auf die Miniatur um die Verlaufseditor-Palette zu 

öffnen. 


Fünf Minuten Photoshop 


Filter zuhause vergessen? Keine 

Sorge: Mit Photoshop Filtern 

können Sie trotzdem einen 

solchen Sonnenuntergang 

gestalten. 

Farbe ändern Klicken Sie in die untere linke 

4Ecke des Verlaufs. Dann klicken Sie auf die 

Farb-Miniatur um das Farbauswahl-Fenster zu 

öffnen. Wählen Sie eine Farbe – ich nahm Pink, um 

Dämmerung zu simulieren – und klicken Sie OK. 

Deckkraft ändern Die beiden Farbstufen über 

5der Verlaufsskala steuern die Deckkraft des 

Verlaufs. Bringen Sie die Weiß-Verlaufsstufe in die 

obere rechte Ecke, um Tiefe und Stärke des Verlaufs 

anzupassen. Klicken Sie auf OK. 

Fotofilter hinzufügen Fügen Sie nun eine 

6weitere Korrekturebene hinzu und wählen Sie 

Foto Filter. Wählen Sie einen der wärmeren Filter 

und klicken Sie auf OK – das verleiht dem gesamten 

Bild einen wärmeren Ton, der zu den Farben der 

Dämmerung passt. 



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Fotoidee 



Mit Blitzfolien gestalten Sie Hintergründe und positionieren einzelne Farbtupfer, mit denen Sie Porträts 

attraktiver gestalten. 

JORDAN BUTTERS: Bei Tageslicht wirken 

Porträtfotos heiter, freundlich und natürlich. 

Sobald die Sonne untergegangen ist, kommt 

Blitzlicht ins Spiel, um dieselbe Stimmung zu 

erzeugen. Nun sind Sie auch unabhängig von 

natürlichen Lichtverhältnissen, können die Richtung und 

Intensität des Lichts besser steuern und den geringsten 

ISO-Wert und mittlere Blenden verwenden, um optimale 

Bildqualität zu garantieren. Doch der Blitz dient nicht nur zur 

Beleuchtung eines Modells. Sie können mit ihm auch sehr 

kreative Effekte erzeugen, indem Sie ihn auf die Umgebung 

richten. 

Mithilfe von Blitzfolien können Sie zudem Beleuchtungen 

erzielen, die mit natürlichem Tageslicht nicht möglich ist. Für 

den Fall, dass Blitzfolien neu für Sie sind: es handelt sich um 

halbtransparente Plastikfolien, die vor dem Blitzkopf 

angebracht werden, wodurch der Blitz die Farbe der Folie 

annimmt und die angeleuchteten Objekte entsprechend 

einfärbt. Diese Folien kosten kein Vermögen, Sie können 

sogar stattdessen buntes Bonbon-Papier verwenden, das Sie 

mit Gummiringen am Blitzkopf befestigen. Sie brauchen aber 

wenigstens ein von der Kamera entkoppeltes Blitzgerät – 

besser sind zwei oder drei – das Sie per Fernsteuerung 

auslösen. Das kann per Kabel, durch einen Master-Blitz oder 

über Funk geschehen. Zwei oder drei Blitzgeräte gleichzeitig 

einzusetzen ist nicht besonders kompliziert; Ihr eigentliches 

Motiv wird nur von einem Blitz beleuchtet. 

Natürlich können Sie mehrere Blitzgeräte mit den 

verrücktesten Farben im Hintergrund verwenden, doch wenn 

die Beleuchtung Ihres Modells nicht stimmt, erreichen Sie 

damit wenig. Erst wenn die korrekte Beleuchtung für das 

Modell eingestellt ist, gehen Sie daran, die verschiedenen 

Blitzfarben anzuwenden, eine nach der anderen. 


Fotoidee 

Setup des Hauptlichts Das Hauptlicht beleuchtet ihr Modell, dazu können 

1Sie den in der Kamera eingebauten Blitz verwenden. Bessere Ergebnisse 

erzielen Sie fast immer durch ein entkoppeltes Blitzgerät mit einer kleinen Softbox 

rechts von der Kamera. 

Belichtung Wählen Sie die manuelle Betriebsart, einen kleinen ISO Wert, die 

2maximale Blitzsynchronisationszeit der Kamera und eine mittlere Blende wie 

f/8. Machen Sie ein Testfoto, um die angemessene Blitzleistung zu finden. In 

diesem Beispiel war es ¼ der vollen Blitzleistung. Das Foto ist nicht schlecht, 

doch der Hintergrund ist dunkel und langweilig. 



BILDDETAILS 

Kit: Nikon D800 mit 85mm 

f/1.4 Objektiv 




und ISO 100 


Weil die Blitzgeräte nacheinander 

hinzugefügt werden, ist der Aufbau 

unkompliziert. Hier haben wir ein 

sehr schönes Portrait mit kreativer 

Beleuchtung durch farbige 

Blitzfolien. 

W and 

W and 

Blitzgerät mit 

roter F olie 

(10 m entfernt mit 

voller Leistung) 

Blitzgerät mit 

grü ner F olie 

(5 m entfernt mit 

halber Leistung) 

Kleine 

Softbox 

Kamera: 1/160 

Sekunde bei Blende 

f/8 und ISO 100 

Säule 

Säule 

Hauptlicht 

(Blitzgerät 

90 cm entfernt 

mit 1/4 

Leistung) 

TTL oder Manuell? 

Je nach verwendeten Blitzgeräten und deren 

Auslösemechanismus haben Sie die Möglichkeit, die 

Belichtung mit einer Messung durch das Objektiv 

festzulegen (TTL = engl. Through The Lens). Das 

bedeutet, dass Kamera und Blitzgeräte die Szene 

messen und die beste Blitzleistung für eine 

gleichmäßige Belichtung festlegen. 

Der Vorteil ist, dass diese Messmethode schnell und 

einfach durchzuführen ist. Der Nachteil ist, dass das 

System die Lichtverhältnisse vielleicht anders 

interpretiert als gewünscht. So mag zwar die richtige 

Lichtmenge erzeugt werden, das Ergebnis kann 

jedoch Ihrer Gestaltung zuwiderlaufen. 

Manuelle Belichtungsmessung hingegen erfordert 

auch die separate Einstellung der Blitzleistung jedes 

einzelnen Blitzgeräts. So dauert es wesentlich länger, 

bis die gewünschte Beleuchtung erzeugt wird; 

machen Sie daher besser nach jeder Änderung ein 

Testfoto. Der Vorteil dieser Methode liegt darin, dass 

Sie schneller lernen, welche Änderungen welche 

Effekte erzeugen. 

Farbe ins Spiel Nun beleuchtet ein zweites Blitzgerät den Hintergrund. Es ist 

3mit einer grünen Folie versehen und leuchtet die Säule auf der rechten Seite 

an. Da das Blitzgerät gut fünf Meter hinter dem Modell steht, ist es auf halbe 

Blitzleistung eingestellt. Machen Sie ein zweites Testfoto. 

Zweite Farbe Das zweite Blitzgerät mit roter Blitzfolie ist auf die etwa zehn 

4Meter entfernt liegende Wand gerichtet. Diese Entfernung erfordert die volle 

Blitzleistung. Sollte die Farbe zu intensiv werden, positionieren Sie das Blitzgerät 

in noch größerer Entfernung. 


Fotoidee 

Retro-Refraktionen 

Haben Sie 15 Minuten Zeit? Dann nehmen Sie ein Glas Wasser, zwei Bögen Karton 

und Ihr Blitzgerät – mehr braucht es nicht für dieses attraktive Stillleben. 

CAROLINE WILKINSON: 

Suchen Sie nach einem einfachen 

Stillleben für einen Regennachmittag, 

das Sie als Teil Ihres 365-Fotos-Projekts 

bearbeiten möchten? Wir haben genau 

das Richtige für Sie. Es gibt Dutzende von 

Möglichkeiten, Lichtbrechung in Ihrem Bild zu 

nutzen – von Wassertröpfchen auf Blumen bis hin zu 

Landschaften, die durch ein Glas fotografiert werden. 

Die folgende dürfte eine der plakativsten und 

zugleich einfachsten sein. 

Die Ausleuchtung von Gläsern bedarf einer gewissen 

Sorgfalt und Technik, um Reflektionen aus der 

Umgebung so gering wie möglich zu halten – dann 

entsteht eine einfache Aufnahme, die viel Spielraum 

für Kreativität bietet. Anstelle einer 

Schwarzweißaufnahme können Sie den Hintergrund 

mit lebhaften Farben aufpeppen – oder Sie gehen 

einen Schritt weiter und verwenden mehrere gefüllte 

Gläser. Ein besonders eindrucksvolles Stillleben 

entsteht, wenn Sie drei Weingläser anstelle von 

einem verwenden. Füllen Sie die beiden Gläser im 

Hintergrund mit Rotwein und Weißwein und stellen 

Sie das wassergefüllte Glas in die Mitte davor. Wenn 

Sie keinen Wein verschwenden möchten (mancher 

würde das als Alkoholmissbrauch empfinden), 

erzielen Sie den gleichen Effekt mit Fruchtsaft und 

Pflanzenöl. Oder Sie füllen drei Gläser mit Wasser, 

das Sie mit Lebensmittelfarbe färben, und gestalten 

damit Ihren Hintergrund. Wählen Sie stets eine 

ungerade Anzahl an Gläsern – zum Beispiel drei im 

Hintergrund und zwei wassergefüllte vorne –, das 

ergibt eine ästhetischere Bildkomposition. Außerdem 

sollten Sie darauf achten, klare Gläser mit glatten 

Oberflächen zu verwenden, damit das Licht 

ungehindert durchscheinen kann. Strukturierte oder 

getönte Gläser stören die Lichtbrechung und 

verursachen unkontrollierbare Reflexe. 

Und wie funktioniert nun das Ganze? Wenn Sie ein 

Glas mit Wasser füllen, werden Lichtwellen, die in 

einem anderen Winkel als 90 Grad oder 0 Grad auf 

das Glas treffen, abgelenkt. Diese Lichtstrahlen 

brechen (beugen) und erzeugen dadurch den 

Lichteffekt. Sie müssen die physikalischen 

Hintergründe aber nicht völlig verstehen, um gute 

Fotos zu machen… 

AUFBAU 

Stellen Sie Ihre Kamera in den manuellen Modus – ich 

habe hier eine Nikon D800 mit NIKKOR 50 mm f/1.8 

verwendet, ein Kit-Objektiv tut es aber auch. Wenn Sie 

einen Studioblitz verwenden, stellen Sie die 

Verschlussgeschwindigkeit auf die Blitzsynchronzeit der 

Kamera (hier bei 1/250 Sekunden) und eine niedrige 

ISO-Zahl ein. Achten Sie darauf, dass die Gläser ganz 

sauber sind, um den Nachbearbeitungsaufwand zu 

reduzieren: Die Kamera nimmt jeden Fleck und 

Wassertropfen auf, der möglicherweise das Bild ruiniert, 

wenn er nicht sorgfältig in Photoshop entfernt wird. 

Wenn Sie die Belichtung eingestellt haben, wählen 

Sie eine Blende, die genügend Tiefenschärfe schafft. 

Der Hintergrund sollte nicht im Fokus sein, der Rand 

des Glases und die Trennlinie aber gestochen scharf. 

Passen Sie die Lichtstärke an, um eine korrekte 

Belichtung zu erhalten. Möglicherweise fällt es Ihnen 

leichter, manuell auf das Glas zu fokussieren oder 

den Single-Point Autofokus auf die Linie zu richten, 

die durch das Glas verläuft. 

Fertigstellung in Photoshop 

Flecken entfernen Auch bei sorgfältig 

1polierten Gläsern kann es sein, dass Sie das 

Bild nachbearbeiten müssen. Zoomen Sie mit den 

Tasten „Strg+=“ („Cmd+=“ auf Mac) auf 100 bis 

200 % in das Bild und verwenden Sie ggf. das 

Reparatur-Pinsel- oder Kopierstempel-Werkzeug, 

um Staubflecken, Schmutz oder Wassertropfen zu 

entfernen. Klicken Sie auf „Alt“, um einen 

Bildbereich als Muster auszuwählen und klicken 

oder pinseln Sie dann auf den Fleck, den Sie 

entfernen möchten. 

BELEUCHTUNG EINRICHTEN 

Der schwierigste Teil dieser Technik besteht 

darin, das Glas so zu beleuchten, dass es keine 

Reflexionen gibt und nichts von dem 

gebrochenen Element ablenkt. 

Hintergrundbeleuchtung ist oft der einfachste 

Weg, und ein Lichtzelt sorgt für gleichmäßige 

Streuung. Wenn Sie ein Lichtzelt verwenden, 

genügt ein Studioblitz aus 45 Grad von hinten, 

möglichst nah am hellsten Teil der Karte 

platziert. Wenn die hellste Farbe – in diesem Fall 

Weiß – am weitesten vom Licht entfernt ist, 

besteht die Gefahr, dass es abfällt und die Ecken 

verdunkelt. Bei einem dunklen Hintergrund fällt 

das aber nicht so auf. 

Kontrast einstellen Um die Wirkung des 

2Bildes zu erhöhen, versuchen Sie, die 

Farbbrillanz und die Kontraste zu verstärken. Dazu 

gehen Sie auf „Ebene > neue Einstellungsebene 

> Tonwerte“. In der Tonwertkorrektur können Sie 

die Schieberegler manuell anpassen oder das 

weiße Pipette-Werkzeug verwenden und damit in 

den hellsten Teil Ihres Bildes klicken. Alternativ 

können Sie auch die Bildebene in der 

Ebenenpalette duplizieren und die Füllmethode in 

Weiches Licht ändern. 

Bekannte Fehler, die vermeidbar sind... 

Alternativer Aufbau 

UNTERBROCHENE LINIEN 

Ein Teil des Erfolgs dieser 

Aufnahme hängt von der Linie im 

Hintergrund ab, die mit der 

Trennlinie durch das Glas 

abschließt. Experimentieren Sie mit 

den Positionen von Glas und 

Kamera, um die Linien exakt 

auszurichten. 

FEHLENDE TIEFENSCHÄRFE 

Um zu verhindern, dass die 

Papierstruktur sichtbar wird und 

stattdessen den Rand und die Linie 

des Glases im Fokus zu haben, ist 

die Tiefenschärfe der Schlüssel zum 

Erfolg. Je kürzer die Entfernungen 

zwischen Hintergrund und Glas und 

zwischen Glas und Kamera sind, 

umso kleiner muss Ihre Blende sein. 

REFLEXIONEN IM GLAS 

Nur zu leicht erscheinen 

unansehnliche Reflexionen, wenn 

die Lichtquelle nicht diffus genug ist 

oder sich zu weit vor dem Motiv 

befindet. Versuchen Sie das Licht 

weiter hinter das Glas zu setzen, 

nutzen Sie eine Softbox und schalten 

Sie alle anderen Lichtquellen aus. 

Wenn Sie kein Lichtzelt haben, 

können Sie diese Technik mit einem 

Tisch und zwei Studioblitzen oder 

Blitzgeräten mit Softboxen 

versuchen. Positionieren Sie diese auf 

jeder Seite in einem 45 Grad Winkel 

hinter dem Glas; so reduzieren Sie 

störende Reflexionen. Entfernen Sie 

alle reflektierenden Gegenstände aus 

der Umgebung, schließen Sie die 

Vorhänge und schalten Sie unnötige 

Lichtquellen aus, um Spiegelungen 

zu vermeiden; auch schwarze Tücher 

können hilfreich sein. 


Glas-Refraktionen 


Ein passender Zuschnitt 

schneidet den Fuß des 

Glases ab, und Sie 

erhalten ein attraktives 

Monochrom-Stillleben. 

BILDDETAILS 


mit 50 mm f/1.8 Objektiv 




und ISO 200200 


Fotoidee 

Blumen gießen … 

Erfrischende Regentropfen, warme indirekte Beleuchtung und ein bunter 

Blumenstrauß ergeben ein interessantes Stillleben. 

DANIEL LEZANO: Für attraktive 

Blumenarrangements.müssen Sie nicht 

unbedingt weit fahren Mit dem Frühling 

erwachen die Gärten der Nachbarschaft 

zu neuem Leben und füllen sich mit 

Blüten, die nur darauf warten, fotografiert zu werden. 

Sie können es aber auch so machen wie ich und 

fahren schnell zum örtlichen Blumenladen, um einen 

oder zwei frische Sträuße zu erstehen. 

Es gibt viele Möglichkeiten, Blumen im Bild 

festzuhalten; für unsere Methode müssen Sie noch 

ein wenig selbstgemachten Regen hinzufügen. Sie 

denken wahrscheinlich: „Warum eigenen Regen 

machen, wenn es sowieso ständig regnet?“ Doch 

ironischerweise ist die beste Zeit für diese regnerische 

Stilllebenaufnahme, wenn es trocken ist, sodass Sie 

den „Regeneffekt“ kontrollieren können, ohne nass zu 

werden. 

Damit die Technik funktioniert, müssen Sie den Regen 

von hinten ausleuchten. Das Fotografieren bei niedrig 

stehender Sonne bietet eine gute Möglichkeit, das 

Wasser in der Luft abzulichten. Da Ihre Blumen von 

hinten beleuchtet werden, müssen Sie mögliche 

Schatten entweder mithilfe eines Reflektors oder eines 

Aufhellblitzes außerhalb der Kamera aufhellen. Als 

ideale Alternative für bewölkte Tage können schattige 

Bereiche oder unser Kunstregen mithilfe separater 

Blitzgeräte beleuchtet werden. Dies simuliert 

natürlichen Frühlingsregen im Gegenlicht, aber bei 

voller Kontrolle über die Stärke und Richtung von 

Regen und Licht. 

Den Regen können Sie auf unterschiedliche Arten 

erzeugen. Mit einer Blumendusche für Pflanzen 

können Sie die Richtung des Wassers bestimmen, 

aber die Tröpfchen sind sehr fein und die Streifen 

somit äußerst subtil. Aus einer Gießkanne mit einer 

Tülle mit feinen Löchern hingegen ergießt sich eher 

ein konstanter Strahl als einzelne Tropfen, was 

schwierig werden kann, da das Gewicht des Wassers 

die Blumen möglicherweise bewegt. Ich habe mich 

für einen Gartenschlauch mit einem Gießaufsatz 

entschieden, der mir ermöglichte, zu wählen, wie viel 

Wasser austreten und wie groß die Tropfen sein 

sollten. Damit der Regen so natürlich wie möglich 

aussieht, habe ich den Strahl zum Himmel gerichtet, 

sodass die Tropfen von oben auf die Blumen fallen. 

Probieren Sie außerdem den Schlauch etwas 

abzusenken, sodass der Regen in einem leichten 

Winkel auf die Blumen fällt. Das ergibt ebenfalls einen 

hübschen Effekt. 

Bekannte Probleme bei zu starker Blitzleistung 

AUFBAU Wenn Sie die Kamera auf das Stativ 

gestellt und die Blumen in die richtige Position gebracht 

haben, bauen Sie Ihr Bild auf und fokussieren Sie auf 

Ihr Motiv. Sobald das Objektiv fokussiert hat, schalten 

Sie auf MF (manueller Fokus). So fokussiert das 

Objektiv zwischen den einzelnen Aufnahmen nicht 

erneut. Es bleibt Ihnen überlassen, welche 

Belichtungsart Sie wählen. Ich habe mich für die 

Zeitautomatik mit Blendenvorwahl entschieden. Dazu 

habe ich eine große Blende ausgewählt und den 

ISO-Wert so eingestellt, dass die Belichtungszeit 

verlängert oder verkürzt wurde, um so unterschiedliche 

Stufen der Verschwommenheit für den Regen zu 

erzielen. Wie sich herausstellte, funktioniert eine 

Belichtungszeit zwischen 1/15 und 1/60 Sekunden 

sehr gut, weil so die Bewegung mit einer angenehmen 

Menge an Verschwommenheit eingefangen wird. Diese 

Werte variieren natürlich in Abhängigkeit von der 

Geschwindigkeit, mit der das Wasser fällt und den 

Lichtverhältnissen beim Fotografieren. Probieren Sie 

also ein wenig herum und schauen Sie sich die 

Ergebnisse auf dem LCD-Display an. 

Die Position Ihres Blitzgerätes ist wichtig, da es den 

fallenden Regen ausleuchten soll. Machen Sie eine 

Reihe von Probeaufnahmen, bei denen Sie die Position 

des Blitzgerätes immer wieder verändern, bis Sie den 

idealen Standort gefunden haben. Achten Sie darauf, 

dass der Blitzkopf geneigt ist, damit er den Regen 

ausleuchten kann. Denken Sie außerdem daran, dass 

der Blitz nicht zu nah an den Blumen positioniert sein 

sollte, da er ansonsten die Blüten ausleuchtet. Halten 

Sie einen Schild (wie zum Beispiel ein Stück Kunststoff) 

zwischen den Blitz und die Blumen, um das Licht von 

diesen fernzuhalten. 

Stellen Sie Ihren Blitz auf manuellen Modus und halbe 

Kraft ein, machen Sie eine Probeaufnahme und 

kontrollieren Sie diese auf Ihrem LCD-Display. 

Verstärken Sie die Blitzkraft oder schwächen Sie sie ab, 

bis Sie mit dem Ergebnis zufrieden sind. 

Denken Sie immer daran, Ihre Ausrüstung vor Wasser 

zu schützen, um Beschädigungen zu vermeiden. 

Simulieren Sie Regen auf Blumen 

Vorschläge zur Ausrüstung 

OBJEKTIV: Um bei Nässe 

Objektivwechsel zu 

vermeiden, verwenden Sie 

ein Tele-Zoomobjektiv, z. B. 

ein 55–200 mm oder ein 

70–300 mm. 

BLITZGERÄT: Verwenden 

Sie ein Modell mit 

manueller Einstellung. Die 

meisten Geräte verfügen 

über diese Funktion. Da Sie 

das Gerät kameraunabhängig einsetzen 

wollen, müssen Sie es mit einem 

kabelgebundenen oder einem kabellosen 

Auslöser an die Kamera anschließen. Wir 

haben ein Blitz- und Auslöser-Set von 

Yongnuo verwendet, das für unter 120 Euro 

erhältlich ist. Wir werden nächsten Monat in 

Fotografie für das kleine Budget mehr darüber 

berichten. 

STATIV MIT STATIVKOPF: 

Lange Verschlusszeiten 

erfordern einen stabilen 

Untergrund. Für ein 

anständiges Stativ mit 

Stativkopf sollten Sie schon mindestens 120 

Euro anlegen. Das Giotto MTL 9261B 

zusammen mit dem MH 5001, ebenfalls von 

Giotto, ist eine gute Kombination. 

REINIGUNGSTUCH: Mit 

einem Mikrofasertuch zur 

Objektivreinigung können 

Sie eventuell auftretenden 

Tröpfchen abwischen. Sie 

sollten es immer griffbereit haben. 

REGENSCHUTZ: Riskieren 

Sie nicht, dass Ihre 

Ausrüstung nass wird. 

Investieren Sie lieber in einen 

Regenschutz für Ihre Kamera 

und Ihr Objektiv. Der Regenschutz Op Tech 

Rainsleeve ist ideal und kostet nur 7,49 Euro! 

GRAUFILTER: Bei 

sonnigem Wetter sollten Sie 

einen Graufilter verwenden, 

um die Belichtungszeiten zu 

verlängern. Die Firmen Hoya, 

Cokin, Kood und Tiffen bieten alle eine gute 

Auswahl an Filtern. 

Wenn die Blitzleistung zu stark ist 

oder wenn der Blitz sich zu nah an 

den Blumen befindet, kann er die 

Blüten ausbleichen. In diesem Falle 

sollten Sie die Position und / oder die 

Leistung des Blitzgerätes verändern. 

ZU KURZE VERSCHLUSSZEIT 

Wenn der Regen mitten in der Luft 

eingefroren wird oder die Streifen zu 

kurz sind, haben Sie eine zu kurze 

Verschlusszeit eingestellt und 

müssen diese verlängern. 

WASSERDRUCK ZU STARK 

Wenn der Wasserdruck zu stark 

eingestellt ist, kann das dazu führen, 

dass sich die Blumen bewegen oder 

dass das Wasser von den Blüten 

spritzt. Drehen Sie den Wasserhahn 

etwas zu! 

WO IST DAS WASSER? 

Wenn der Hahn nicht weit genug 

aufgedreht oder der Blitz nicht 

korrekt positioniert ist, kann es sein, 

dass man das Wasser auf dem Foto 

nicht sieht. Passen Sie einen oder 

beide Parameter an und versuchen 

Sie es nochmal! 


BILDDETAILS 

Ausrüstung: Canon EOS 

550D mit EF 70 – 200 

mm f/4L USM 




und ISO 100 


Fotografieren Sie Blumen 

keinesfalls bei starkem Regen. 

Erzeugen Sie lieber künstliche 

Schauer, wenn es trocken ist. 

Damit behalten Sie volle 

Kontrolle, das Risiko für Ihre 

Ausrüstung ist wesentlich 

geringer, und Sie erhalten 

trotzdem großartige Bilder! 


Expertenkritik 

DIE MEINUNG UNSERER EXPERTEN HILFT, IHRE BILDER ZU VERBESSERN MACHEN 

TREFFEN SIE 

UNSER 

EXPERTEN- 

TEAM 

REDAKTEUR 

DANIEL LEZANO 

Daniel ist seit vielen 

Jahren regelmäßig 

Jurymitglied bei 

nationalen Foto- 

Wettbewerben 

NATUR & 

LANDSCHAFTEN 


Ross hat sich als 

Profifotograf und Autor 

auf Nahaufnahmen, 

und Landschaften 

und Tiere spezialisiert 

LANDSCHAFTEN 

LEE FROST 

Lee ist seit 

vielen Jahren 

professioneller 

Fotograf & 

Journalist für 

Fotozeitschriften 

PHOTOSHOP 

CAROLINE 

WILKINSON 

Caroline ist eine 

erfahrene Fotografin 

und Photoshop- 

Expertin 

Wenn Sie eine ehrliche und konstruktive Meinung zu Ihren Bildern hören möchten, schicken Sie eine Auswahl 

an unsere Expertenkritik. Sie sollten bis zu 25 Bildern auf einer CD/DVD einsenden und einen A4 Kontaktabzug 

mit Vorschaubildern hinzufügen. Legen Sie einen frankierten und adressierten Rückumschlag bei, wenn Sie Ihre 

Einsendung gerne zurück haben möchten. Jeder Leser, dessen Bild wir veröffentlichen, erhält ein fantastisches 

Paket im Wert von 75 Euro, bestehend aus einer Kameratasche Union Photo Messenger von Acme Made und 

einem Joby 3 Way Kameragurt. Weitere Informationen finden Sie unter www.acmemade.de und www.joby.com 

CRUMMOCK WATER 

Von Peter Wilson 

Kamera: Nikon D300s 

Objektiv: NIKKOR 17-55mm f/2.8 

Belichtung: 1/40 Sekunde bei f/22 (ISO 100) 

PETER SAGT: „Diese Aufnahme 

entstand nach einem heftigen 

Regenguss. Ich sah, wie die Sonne 

begann, die Wolken aufzubrechen, 

und hatte nicht viel Zeit für dieses 

Foto, während die Wolken vor der Sonne 

waren. Für die Bearbeitung des Bildes 

verwendete ich Photomatrix Pro und 

Photoshop CS4.“ 

LEE FROST: Als ich dieses Bild gesehen habe, 

wusste ich sofort, dass es sich um Englands 

Lake District handelt. Die Gegend hat einfach 

einen unverwechselbaren Charakter – die 

moosbewachsenen Mauern aus trockenen 

Steinen und die steinigen Felsen – man erkennt 

es einfach sofort. 

Ich mag die Atmosphäre dieser Aufnahme – die 

weichen Farben, der windgekämmte Himmel 

und der Sonnenstrahl, der hindurchbricht. Von 

der Komposition her keine schlechte 

Aufnahme. Die Mauer führt das Auge in das 

Bild hinein bis zu dem Lichtfl eck am Himmel. 

Im Großen und Ganzen sehr ausgewogen. 

Nicht so gut gefällt mir die Straße auf der linken 

Seite, da die Landschaft dadurch weniger 

natürlich erscheint (natürlich wurde auch die 

Mauer von Menschenhand gebaut, aber sie 

fügt sich einfach besser in die Landschaft). Ich 

frage mich, warum Peter es notwendig fand, 

das Bild mit HDR zu bearbeiten, es erhält 

dadurch eine etwas unrealistische Stimmung. 

Ich kann nicht nachvollziehen, warum er das 

Bild nicht normal bearbeiten und dabei Farben 

und dramatische Stimmung beibehalten 

konnte. Techniken wie HDR sollten sehr 

sorgfältig und nur bei den richtigen Motiven 

eingesetzt werden. Ich fi nde nicht, dass die 

klassische Landschaftsfotografi e das nötig hat. 

Ein paar Reinigungsarbeiten wären ebenfalls 

erforderlich gewesen – sogar ohne 

Vergrößerung sehe ich zahlreiche Flecken auf 

den Bildern, die auf Sensorstaub 

zurückzuführen sind. Mit dem Kopierstempeloder 

Reparaturpinsel-Werkzeug sind diese 

ganz einfach zu entfernen. Gleiches gilt für die 

hellen Flecken auf dem Hügel über dem Punkt, 

wo sich Mauer und Straße kreuzen. 

Urteil: Eine tolle Landschaft, aber die 

Anwendung von HDR war vielleicht unnötig. 

ROSS HODDINOTT: Nichts ist schlimmer als 

sich an der falschen Position zu befi nden, 

wenn die Sonne plötzlich durch die Wolken 

bricht und perfekte Bedingungen schafft. Ich 

bin mir sicher, dass Peter gerne näher am 

Wasser gewesen wäre, aber manchmal muss 

man einfach mit dem zurecht kommen, was 

man hat. Leider funktioniert diese Aufnahme 

für mich nicht wirklich. Die Mauer ist mir etwas 

zu dominant und anstatt wie beabsichtigt das 

Auge in die Aufnahme hineinzuführen, werde 

ich ständig zum Vordergrund zurückgeleitet. 

Der Himmel ist fantastisch, aber um die Sonne 

herum ist es etwas fransig. Außerdem sieht 

man ein paar störende Flecken. Das Auftreten 

von Feuchtigkeit und Schmutz auf dem 

Objektiv wird durch die kleine Blende noch 

überspitzt. Und schließlich gefällt mir der 

erweiterte dynamische Bereich nicht 

besonders – zu künstlich für meinen 

Geschmack. Ich mag, wie das Licht auf die 

Hügel fällt und ich frage mich, ob es sich 

hierbei um eine der Situationen handelt, wo ein 

Teleobjektiv besser geeignet wäre als ein 

Weitwinkel? 

Urteil: Tolles Licht und Verhältnisse, aber 

das Gleichgewicht stimmt nicht ganz, und mir 

persönlich gefällt der HDR-Effekt nicht so 

sehr. 

Kurzkritik 

1) Dramatischer Himmel 

Peter hat gute Arbeit geleistet, indem er die 

fantastischen Verhältnisse vor seinen Augen 

erkannte. Der Anblick der Sonne, die durch 

die düsteren Regenwolken bricht, ist der Stoff, 

aus dem traumhafte Landschaftsaufnahmen 

gemacht sind! 

2) Staub und Schmutz 

Man kann eine ganze Reihe von Flecken aus 

Sensorstaub und Schmutz oder Feuchtigkeit 

auf dem Objektiv erkennen. Hätte Peter die 

Oberfläche seines Objektivs vor der Aufnahme 

überprüft und etwas mehr Zeit zur 

Bildbearbeitung geopfert, hätte das Bild viel 

sauberer werden können. 

3) High Dynamic Range 

Beide Experten stimmen darin überein, dass 

HDR, auch wenn es dafür sinnvolle 

Einsatzgebiete gibt, nur mit Zurückhaltung 

und bei der richtigen Art von Bildern 

verwendet werden sollte. Der Effekt hätte 

realistischer gewirkt, wenn die Einstellungen 

etwas sanfter dosiert wären. 

1 

3 

2 


LISCANNOR COAST 

Von Derek O' Brien 

Kamera: Nikon D3000 

Objektiv: Nikkor DX 18-55mm f/3.5-5.6G VR 

Belichtung: 26,8 Sekunden bei f/10 (ISO 100) 

DEREK SAGT: „Diese lange Belichtung 

entstand in der Dämmerstunde, kurz vor 

Einbruch der Dunkelheit an der Küste 

von Liscannor, in der Nähe von Lehinch 

in Clare. Die Flut kam gerade herein und 

arbeitete sich die Schlucht hinauf.“ 

LEE FROST: Da ich am Meer wohne, bin ich schon 

von Natur aus ein großer Fan der Küstenfotografi e. 

Diese Aufnahmen mit langer Belichtungszeit bei 

Dämmerlicht sind ganz mein Geschmack. 

Derek wählte für seine Aufnahme genau den 

richtigen Zeitpunkt – die Sonne war gerade 

untergegangen und das Licht sehr indirekt. Die 

Kühle des fehlenden Lichts, noch verstärkt durch 

die Wolken, gibt dem Bild einen geheimnisvollen 

Blaustich. Die Milchigkeit des Wassers, die durch 

eine Belichtungszeit von fast einer halben Minute 

entstand, steht in gutem Kontrast zur Festigkeit und 

Dunkelheit der Felsen. Vom gestalterischen 

Gesichtspunkt aus passt das Hochformat perfekt 

zur Szene, da es die enge Schlucht betont. Die 

Kante der größeren Felsenplatte auf der linken Seite 

erzeugt eine perfekte Führungslinie, die das Auge 

auf einem Zickzack-Kurs durch die Szene führt. 

Das einzige, was dieser Aufnahme wirklich fehlt, ist 

ein Fixpunkt. Ein Leuchtturm am Horizont wäre das 

perfekte i-Tüpfelchen gewesen. Natürlich 

akzeptiere ich, wenn es keinen Leuchtturm oder 

etwas anderes am Horizont gab, aber so bleibt man 

etwas in der Schwebe – das Auge folgt der Kante 

des Felsens, aber es gibt keinen Zielpunkt, um die 

Gestaltung befriedigend abzuschließen. Der 

Ordnung halber hätte ich auch den Zuschnitt etwas 

enger gewählt, um die Felskante in der linken 

unteren Ecke loszuwerden. 

Urteil: Stimmungsvoll, gut gestaltet und gut 

belichtet – aber es fehlt ein Fixpunkt. 

ROSS HODDINOTT: Ich liebe lange 

Belichtungszeiten und milchiges Wasser! Es mag 

ein Klischee sein, ja, aber ich mag einfach den 

Effekt. Ich fi nde das Bild sehr schön. Der 

Blickwinkel ist toll, die senkrechte Gestaltung passt 

perfekt zur Landschaft, und die Felsspalte führt das 

Auge gut durch das Bild. Ich fi nde auch, dass Derek 

die Proportionen von Himmel zu Vordergrund 

genau richtig gewählt hat. Mein einziger Vorschlag 

wäre, das Bild etwas aufzuhellen und ihm ein 

wenig mehr Kontrast zu geben – im Moment ist es 

für mein Auge etwas zu dunkel und fl ach. 

Außerdem hätte ich die Komposition ganz leicht 

nach rechts verschoben, um der Kurve des Felsens 

in der rechten unteren Ecke mehr Platz 

einzuräumen. So wie es jetzt aussieht hat Derek 

den Felsen ein wenig zu abrupt für meinen 

Geschmack beschnitten. Aber ansonsten ist diese 

Aufnahme sehr stark – ich mag den kühlen blauen 

Farbton und das atmosphärische Gefühl dieses 

Bildes. 

Urteil: Ein schönes Bild voller Atmosphäre. 

Persönlich hätte ich das Bild jedoch etwas 

aufgehellt und ihm etwas mehr Kontrast gegeben. 

„Ich liebe lange Belichtungszeiten und milchiges Wasser! 

Es mag ein Klischee sein, ja, aber ich mag einfach den 

Effekt.“ ROSS HODDINOTT 

Digitale Dunkelkammer 

NEUGESTALTUNG DURCH ZUSCHNEIDEN 

Es ist erstaunlich, welchen Unterschied eine schnelle Änderung 

der Bildkomposition machen kann. Die Schlucht fungiert als 

fantastische Führungslinie, aber sie wird durch den krummen 

Felsen in der unteren Ecke beeinträchtigt. Wir können zwar in der 

Nachbearbeitung nicht auszoomen, um die Kurve der Felsen, wie 

von Ross vorgeschlagen, einzubeziehen, aber wir können mit dem 

Freistellungswerkzeug zuschneiden und den kurvigen Felsen aus 

dem Bild verbannen. Um das Freistellungswerkzeug in Photoshop 

zu verwenden, wählen Sie es einfach in der Werkzeugleiste, klicken 

und ziehen, um das gesamte Bild auszuwählen. Lassen Sie die 

Maus los und klicken Sie auf den Ankerpunkt in einer Ecke. Um 

das Seitenverhältnis beizubehalten, halten Sie die Umschalttaste 

gedrückt, während Sie den Ankerpunkt bewegen. Sobald der 

neue Ausschnitt ausgewählt ist, drücken Sie die Eingabetaste oder 

klicken auf das Häkchen in der oberen Menüleiste, um den neuen 

Ausschnitt zu bestätigen. 


Expertenkritik 

So machen Sie bessere Bilder 

FLUGSHOW 

Von Mike Phillips 

Kamera: Sony Alpha 65 

Objektiv: Sony 70-300mm f/4.5-5.6 G SSM 

Belichtungszeit: 1/400 Sekunde bei f/10 (ISO 100) 

MIKE SAGT: „Dieses Foto habe ich 

während der Flugshow in Old 

Buckingham aufgenommen, als ich 

zum ersten Mal mit meiner Sony 

A65 unterwegs war. Ich habe einen 

Kameraschwenk gemacht, als die Flugzeuge in 

der Luft waren und eine ganze Reihe 

unterschiedlicher Belichtungszeiten ausprobiert, 

um die Bewegung der Motive einzufangen, aber 

gleichzeitig das Bild scharf zu halten.“ 

LEE FROST: Bei tollen Actionfotos sieht es 

immer aus, als wären sie ganz einfach 

aufzunehmen. Dank Autofokus ist es 

heutzutage einfacher als früher. Akkurate 

Fokussierung ist aber nur ein Aspekt der 

erfolgreichen Sport- und Actionfotografi e 

– auch das Timing ist von großer Bedeutung. 

Wenn man bedenkt, dass dies Mikes erster 

großer Ausfl ug mit seiner neuen Kamera war, 

muss man sagen, dass er seine Sache 

hervorragend gemacht hat. Das vordere 

Flugzeug ist rasiermesserscharf und das Bild 

von solcher Klarheit, dass man sogar die 

Piloten in den Cockpits erkennen kann, die 

beide in die Kamera schauen. Der 

wolkenlose, blaue Himmel bietet natürlich 

den perfekten Hintergrund, und Mike hat 

genau die richtige Belichtungszeit gewählt, 

um die Propellerbewegung dynamisch 

abzubilden – ohne die leichte Unschärfe 

würden die Flugzeuge scheinbar still stehen. 

Schade nur, dass sich die beiden nicht 

stärker voneinander abheben. Wären beide 

komplett zu sehen, wäre dies nicht nur ein 

gutes, sondern ein fantastisches Foto. Doch 

wenn Piloten so dicht nebeneinander fl iegen, 

kann man nicht viel mehr tun als 

zuzuschauen und zu hoffen, dass sie sich 

während des Vorbeifl ugs voneinander 

trennen. Mike hat ganz zwar gut aufgepasst, 

aber diese Möglichkeit hat sich nicht 

ergeben. Wenn er eine größere Blende 

gewählt hätte, um die Tiefenschärfe zu 

reduzieren, wäre das hintere Flugzeug etwas 

weniger scharf zu erkennen gewesen – doch 

bei der Brennweite, mit der Mike fotografi ert 

hat, wäre dieser Unterschied wohl kaum zu 

erkennen. 

Urteil: Schade, dass die Flugzeuge 

einander überlappen, ansonsten ein gut 

eingefangenes Action-Foto. 

DANIEL LEZANO: Ich habe keine große 

Erfahrung mit dem Fotografi eren von 

Flugzeugen, aber wann immer ich 

Flugshows besuche, bemühe ich mich, diese 

schwierige Kunst zu meistern. Das fällt mir 

nicht leicht und deswegen kann ich 

nachvollziehen, welchen technischen 

Herausforderungen Mike sich gestellt hat. 

Die Belichtung hat er perfekt hinbekommen. 

Bei einem solch weiten, blauen Himmel 

besteht durchaus das Risiko einer 

Unterbelichtung. Auch die Belichtungszeit 

hat er hervorragend gewählt, sodass die 

Propeller verschwommen aber erkennbar 

abgebildet wurden. Bei einer zu kurzen 

Belichtungszeit würden die Propeller 

eingefroren und bei einer zu langen wären sie 

so verschwommen, dass man sie nicht mehr 

erkennen könnte. Auch die Fokussierung ist 

exzellent. Die Flugzeuge sind beide scharf 

abgebildet. Nicht so gut bei diesem Foto ist 

das Timing, da die Spitfi re zum Teil vom 

vorderen Flugzeug verdeckt wird. Wenn die 

Flugzeuge in enger Formation fl iegen, ist 

dieses Risiko natürlich immer vorhanden. 

Hätte Mike ein wenig gewartet, hätte sich der 

Winkel vielleicht so geändert, dass beide 

Flugzeuge ganz im Bild sind, doch das kann 

man nicht genau wissen. 

Urteil: Exzellente Technik. Leider ruiniert 

die Tatsache, dass die Flugzeuge einander 

überlappen, das Potenzial zu einem 

großartigen Bild. 

Kurzkritik 

1) Verschlusszeit 

Mikes Wahl der Verschlusszeit hat 

genau ins Schwarze getroffen. Lange 

genug, um die verschwommene 

Bewegung der Propeller einzufangen, 

aber trotzdem kurz genug, um die 

Flugzeuge scharf abzubilden und eine 

Trennung der einzelnen Propellerblätter 

zu erhalten. Toll gemacht! 

2) Bildausschnitt 

Mike hat die Flugzeuge gemäß der 

Drittelregel positioniert und den 

Flugzeugen negativen Raum gelassen, 

in den sie fl iegen können. 

3) Alternativer Blickwinkel 

Das Bild hätte durch eine stärkere 

Trennung der beiden Flugzeuge 

verbessert werden können. Tatsächlich 

aber lag dies ganz offensichtlich 

außerhalb von Mikes Kontrolle. In 

solchen Fällen kann man nur immer 

weiter fotografi eren und das Beste 

hoffen. 

3 

1 

„Man kann die Piloten in den 

Cockpits ganz deutlich 

erkennen. Beide blicken in die 

Kamera.“ LEE FROST 

2 


HARLOW CARR 

Von Stefan Schiefer 


Objektiv: NIKKOR DX 18-55mm f/3.5-5.6G 

Belichtungszeit: 1/1250 Sek bei f/4.5 (ISO 200) 

STEFAN SAGT: „Dieses Foto habe 

ich in Harlow Carr aufgenommen. 

Mir gefielen die Farben so gut und 

ich liebe es, wie der rote 

Orchesterpavillon die Hecke 

überragt.“ 

LEE FROST: Kreative Experimente machen einen 

wichtigen Teil der Entwicklung eines Fotografen 

aus – etwas Neues ausprobieren, die Regeln 

brechen, bekannte Objekte und Szenen aus einem 

neuen Blickwinkel betrachten. Wenn das zu 

einem erfolgreichen Foto führt, ist das eine tolle 

Sache, und wenn nicht, braucht es niemand zu 

wissen! Stefan hat ganz offensichtlich ein wenig 

experimentiert, als er dieses Foto gemacht und 

sich dafür entschieden hat, so tief nach unten zu 

gehen, dass er die Blumen vor dem Abhang 

fotografieren konnte und dabei eine so große 

Blende verwendet hat, dass alles, außer den 

nächstgelegenen Blüten aus dem Fokus ist. 

Funktioniert es? Da bin ich mir nicht so ganz 

sicher. Auch wenn er den roten Orchesterpavillon 

absichtlich mit in den Bildausschnitt genommen 

hat, empfinde ich ihn doch als störend, weil er das 

Auge von den Blumen ablenkt. Auch nehmen die 

Blüten nicht genügend Raum im Bild ein. Sie sind 

ins untere Drittel gedrängt, und die Blüten im 

Fokus befinden sich in einer Ecke. Aber was noch 

wichtiger ist, die nicht fokussierten Blüten sind 

nicht unscharf genug. Das macht die grüne Hecke 

zu einem Störfaktor, und es ist nicht offensichtlich, 

welche Blumen scharf sind und welche nicht. 

Alles in allem herrscht ein gewisses 

Durcheinander. Das Foto ist weder eine 

Weitwinkelaufnahme eines Gartens, noch ein 

kreatives Porträt von ein paar Blumen. Da die 

Blumen das interessanteste Element in diesem 

Bild darstellen, hätte ich mich wahrscheinlich auf 

sie konzentriert, wäre näher herangegangen und 

hätte von tiefer unten fotografiert, sodass ich sie 

vor dem blauen Himmel abgebildet hätte, und 

nicht vor der Hecke. 

Urteil: Viel Farbe und ein interessanter 

Blickwinkel, aber insgesamt eine verwirrende 

Bildkomposition. 

ROSS HODDINOTT: Welcher Fotograf kann 

schon solch bunten Blumen widerstehen? Es 

überrascht mich nicht, dass Stefan nach seiner 

Kamera gegriffen hat. Mir gefällt auch die Idee, die 

hinter diesem Foto steckt: Ein niedriger 

Blickwinkel, flache Tiefenschärfe und jede Menge 

Farben. Das könnte eine tolle Kombination sein, 

aber für meinen Geschmack finden sich in diesem 

Foto zu viel Hecke und Hintergrund und nicht 

genug Farben und Blumen. Die Blumen füllen nur 

ein Drittel des Raumes im Bildausschnitt. Eine 

solch gewagte Bildkomposition kann in der 

richtigen Situation einen tollen Effekt hervorrufen, 

aber für meine Begriffe funktioniert dies hier nicht. 

Wenn der Hintergrund der Blüten einfacher 

gewählt oder stärker verschwommen wäre, so wie 

zum Beispiel einfach nur ein blauer Himmel, hätte 

Stefans Ansatz möglicherweise gut funktioniert. 

So jedoch wirkt die Hecke zu dominant, und der 

rote Orchesterpavillon, der darüber hinausragt, ist 

für meinen Geschmack einfach nur störend. Ich 

glaube, dass ein noch niedrigerer Blickwinkel 

möglicherweise besser gewirkt hätte und mehr 

Betonung auf die Blumen gelegt hätte, als auf das, 

was sich hinter ihnen befindet. 

Urteil: Ein tolles Motiv, aber für meinen 

Geschmack liegt zu viel Betonung auf dem 

Hintergrund und zu wenig auf dem Motiv selbst. 

Was gefällt und was nicht... 

Was gefällt: Stefan hat sich hier für einen 

ungewöhnlichen Ansatz entschieden. Er 

ist tief hinunter gegangen und hat mit dem 

weiten Bereich seines Objektivs nach oben 

fotografiert und so eine einzigartige 

Froschperspektive erzielt. Das Bild ist 

ausdrucksstark, lebhaft und farbenfroh und 

die niedrige Tiefenschärfe stellt sicher, dass 

die Blumen im Zentrum der Aufmerksamkeit 

stehen. 

Was nicht gefällt: Obwohl die Position 

des Orchesterpavillons absichtlich 

gewählt wurde, lenkt er von dem Hauptmotiv 

des Bildes ab. Hätte Stefan einen anderen 

Bildaufbau gewählt und die Blumen vor dem 

blauen Himmel fotografiert, hätte er ein 

reineres Bild geschaffen. Ein noch tieferer 

Blickwinkel hätte auch mehr aus den Blumen 

herausgeholt. 

„Welcher Fotograf kann schon 

solch bunten Blumen 

widerstehen? Es überrascht 

mich nicht, dass Stefan nach 

seiner Kamera gegriffen hat.“ 



Yoga Deutschland 

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4. Juni im Handel 

In Form mit YOGA 

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V LLSTÄNDIG 

IM BILDE 

APPETITLICHE KUNST 

WENN SIE AUSSER FÜR DIE FOTOGRAFIE AUCH ETWAS FÜR GUTES ESSEN ÜBRIG HABEN, SIND 

SIE HIER RICHTIG. FREUEN SIE SICH AUF EINE DEN APPETIT ANREGENDE EXKURSION MIT DER 

KAMERA IN DIE WELT DER KULINARISCHEN GENÜSSE, SOWOHL IN DER KÜCHE ALS AUCH AM 

GEDECKTEN TISCH. CHEFKOCH BRAUCHEN SIE DAZU NICHT ZU SEIN. 

Ein hervorragendes Beispiel für gute Fotos angerichteter Speisen ist, man glaubt es kaum: McDonald’s. Wenn Sie unterwegs hungrig 

sind und es schnell gehen muss, gibt es kaum ein verführerischeres Bild als das Poster eines dicken Big-Mac – selbst wenn Sie genau 

wissen, dass sein Geschmack nicht halten wird, was das Bild verspricht. Gute Fotografien von Lebensmitteln und Mahlzeiten lösen 

beim Betrachter eine Reaktion aus – idealerweise die, dass er sich das abgebildete Objekt des Genusses augenblicklich einverleiben 

will. Doch das ist komplizierter als man vermuten mag. Oft sind es die „einfachsten“ Motive, die sehr viel Vorbereitung, Können und 

Erfahrung erfordern. 

Wie bei einem guten Portrait, kommt es auch bei der Lebensmittelfotografie auf die Präsentation an. Konzept und Details müssen auf 

das Motiv abgestimmt sein, damit der Lustreflex ausgelöst wird. Ob Sie nun selbst kochen und Ihre gelungensten Gerichte fotografieren 

oder nur an der Kunst der Lebensmittelfotografie interessiert sind, die folgenden Seiten bringen Sie auf den Weg. 

TEXT: CAROLINE WILKINSON

VOLLSTÄNDIG 

IM BILDE 

E 

INER DER ERSTEN Schritte zu einem 

guten Lebensmittelfoto ist das Design. 

Dieses muss geplant sein, bevor 

irgendwelche Zutaten aus dem Kühlschrank 

genommen werden. Der Designprozess 

umfasst die Entwicklung eines Konzepts, die 

sorgfältige Wahl der Bildelemente und des 

Fotostils. Dann folgt die Platzierung der 

einzelnen Elemente in einer geeigneten 

Bildkomposition, die das Interesse des 

Betrachters fesselt. Sie müssen seinen Blick im 

Bild herumführen und die Interaktion zwischen 

den unterschiedlichen Formen, Linien und 

Farben der verschiedenen Objekte steuern, um 

größtmöglichen Eindruck zu erzielen. Zuerst 

legen Sie das Hauptthema fest, das zentrale 

Bildelement. Dann überlegen Sie sich die 

Position akzentuierender Bildelemente wie 

Beilagen, Besteck und Accessoires, die das 

Motiv appetitlicher machen werden. 

Für professionelle Werbefotografen, die sich auf 

Lebensmittel und Speisen spezialisiert haben, 

ist das Ganze ein Kinderspiel, doch wir 

Hobbyfotografen brauchen hier ein paar 

Leitlinien, an denen wir uns orientieren 

können; die gelten allerdings genauso für die 

Profi s. Wie bei jedem Motiv gelten auch hier die 

Drittelregel und die Regel der ungeraden Zahl 

von Objekten. Wie immer können Regeln auch 

gebrochen werden, doch zu Beginn sollten Sie 

sich an diesen beiden Grundregeln der 

Bildkomposition orientieren. Wenn Sie später 

nach kreativeren Lösungen suchen werden, 

denken Sie immer daran, das Bild visuell 

auszubalancieren. Wenn Sie das Gefühl haben, 

es fehle etwas im Bild, dann liegt es in aller 

Regel an mangelnder visueller Balance der 

Bildkomposition. Sich wiederholende Muster 

mit denselben Formen und Oberfl ächen im 

Vorder- und Hintergrund sorgen für 

ausgewogene Bildkompositionen. Wenn Sie 

beispielsweise ein Cupcake auf einer großen 

Servierplatte anrichten, sind Balance und 

visueller Eindruck viel schwächer, als bei 

demselben Cupcake auf einer kleinen Platte, 

denn auf Ihr ist der Cupcake sofort als zentrales 

Bildelement zu erkennen. Grundsätzlich ist es 

besser, wesentlich kleinere Portionen zu 

fotografi eren, als Sie tatsächlich essen würden. 

Speisen wirken auf Fotografi en immer größer 

als in der Realität, deswegen dürfen Sie das 

Bild nicht überladen. 

Wenn Sie überprüfen wollen, ob Sie eine starke 

Bildkomposition haben oder nicht, folgen Sie 

der Blickrichtung des Betrachters in das Bild, 

wobei Sie darauf achten müssen, dass der 

Blick von unten nach oben führt, ohne dass er 

von diesem Weg abgelenkt wird oder sich zu 

schnell wieder abwendet. Schließlich wollen 

Sie den Blick des Betrachters und damit auch 

sein Interesse solange wie möglich festhalten. 

Genau hier kommen die Requisiten ins Spiel, 

die Akzente setzen, denn Sie machen das 

Motiv nicht nur visuell attraktiver, sie füllen 

auch Leerräume aus und fügen Farbe und 

Oberfl ächenstruktur hinzu, wo nötig. 

Auch der Hintergrund ist sehr wichtig, denn in 

vielerlei Hinsicht verbindet er die gesamte 

Bildkomposition. Ein rustikaler Hintergrund wie 

Holzpaneele, Schieferplatten oder Tuche mit 

strukturierten Oberfl ächen eignen sich sehr 

gut, solange Sie in das Konzept passen und mit 

den Farbtönen und Texturen des Motivs 

harmonieren. So werden Sie beispielsweise für 

Bilder, die einen rustikalen Komfort ausstrahlen 

sollen, eine raue, stark strukturierte Oberfl äche 

wählen, während Sie eine Speise die eher nach 

Michelin Sternen aussieht, besser vor einem 

einfachen, in einer Komplementärfarbe 

gehaltenen Hintergrund fotografi eren, wenn Sie 

in diesem Fall nicht ohnehin eine 

Nahaufnahme auf einem weißen Teller 

machen. 

Die meisten Profi fotografen arbeiten mit 

Unterstützung eines Gastronomiefachmanns, 

um sicherzustellen, dass der Teller perfekt 

angerichtet ist. Doch unbedingt notwendig ist 

das nicht. Wenn Sie mit Ihren Requisiten 

umgehen können und für visuelle Ästhetik 

nicht völlig blind sind, werden Sie auch mit den 

ihnen zur Verfügung stehenden, begrenzten 

Mitteln zu präsentablen Fotos kommen. 

Apropos Requisiten: sie gehören einfach dazu. 

Gehen Sie deshalb auf Flohmärkte und in 

Antiquitätenläden und suchen Sie nach 

ungewöhnlichen Utensilien, mit denen Sie 

Ihren Bildern das gewisse Etwas verleihen. 

Tipp: sehen Sie sich auch einmal in einem 

Steinmetzbetrieb um. Eine Fülle der dort 

verwendeten Materialien passt aufgrund ihrer 

natürlichen Herkunft sehr gut zur 

Lebensmittelfotografi e, z. B. Schiefer als 

Hintergrund! Die ästhetische Kombination von 

Requisiten unterschiedlicher Materialien macht 

Ihre Fotos attraktiv. Auf diese Weise kreieren 

Sie Ihr Stillleben, wobei die Speisen als 

Fixpunkt dienen und den Wunsch erwecken 

sollen, sich am besten gleich zu Tisch zu 

setzen. Je nachdem, welche Eindrücke und 

welche Stimmung Sie erzeugen wollen, können 

Sie die Perfektion eines solchen Ensembles 

auch bewusst ein wenig stören: ein schön 

garnierter Pudding, von dem erkennbar bereits 

mit einem Dessertlöffel genascht wurde, wobei 

der Löffel noch neben dem Teller liegt, ist ein 

schönes Beispiel dafür. Der Pudding wirkt auf 

diese Weise noch verführerischer, als eine 

Abbildung in unberührtem Zustand, denn das 

Bild suggeriert, dass selbst der Fotograf sich 

nicht zurückhalten konnte. In der Regel jedoch 

sollten Sie Objekte benutzen, die so perfekt wie 

möglich aussehen. Vermeiden Sie also 

beispielsweise Früchte, die Druckstellen 

Oben: Diese Bilder steuern das Auge des Betrachters 

innerhalb des Bildausschnitts. 

Unten: Sich wiederholende Objekte wirken gut bei 

einfachen, ausdrucksstarken Bildkompositionen. 

Ausrüstung für die Lebensmittelfotografie 

Objektiv: Makroobjektive sind am besten 

geeignet, denn damit füllen Sie den 

Bildausschnitt, komprimieren die Perspektive 

und haben gleichzeitig einen flachen 

Schärfentiefebereich. Eine preiswertere 

Alternative ist das 50mm f/1.8 Standardobjektiv, 

doch bei kleineren Objekten werden Sie sich eine 

stärkere Vergrößerung wünschen. 

Filter: Benutzen Sie einen Polfilter, um die 

Reflexionen glänzender Oberflächen zu 

neutralisieren. 

Stativ: Mit dem Stativ sichern Sie eine einmal 

eingestellte Bildkomposition und vermeiden das 

Verwackeln der Kamera bei dunklem 

Umgebungslicht. 

Zubehör: Pinzette und Holzspieße, um die 

Beilagen zu fixieren; Wattebäusche, um Fett- Ölund 

Wasserspritzer zu entfernen; Multifix- oder 

Patafix-Knetkleber, um Objekte an einer 

Oberfläche zu befestigen und Reflektoren in 

Position zu halten. 

ISTOCKPHOTO ISTOCKPHOTO 


Car Food-Fotografie photography 

Zum Reinbeißen! 

Die richtigen Requisiten, ein 

flacher Schärfentiefebereich und 

die Regel der ungeraden Zahl 

gleichartiger Objekte sorgen für 

eine starke Bildkomposition. 

ISTOCK PHOTO 


VOLLSTÄNDIG 

IM BILDE 

KATIA TITOVA 

Geld verdienen mit der 

Speisenfotografie 

„WAS AUCH IMMER SIE 

FOTOGRAFIEREN, UND WIE 

SIE ES AUCH ANRICHTEN, 

DENKEN SIE STETS DARAN: 

IN DER FOOD-FOTOGRAFIE 

IST WENIGER MEHR!“ 

haben, angeschnitten sind oder sonst wie von 

der Idealvorstellung abweichen, es sei denn, 

der Makel wird bewusst als Teil des Motivs 

eingesetzt. Wenn Sie jedoch nichts anderes 

wollen als schöne Bilder von den Gerichten, die 

sie selbst kochen, müssen Sie lediglich den 

richtigen Umgang mit natürlichem Licht 

beherrschen, dazu die Grundregeln der 

Präsentation bedenken und mit großer Blende 

arbeiten, um einen kurzen Schärfentiefebereich 

zu bekommen. 

Wenn Sie jedoch für einen Blog fotografi eren, 

müssen Sie die Speisen unter der Prämisse 

zubereiten und anrichten, dass sie fotografi ert 

und nicht aufgegessen werden sollen. Das ist 

keineswegs dasselbe, denn eine für das 

Fotografi eren zubereitete Speise ist oft für den 

Verzehr nicht geeignet. Damit das Aussehen 

der Mahlzeit perfekt wird, dürfen Sie die 

Zutaten beispielsweise nicht gar kochen, auch 

wenn das bedeutet, dass sie innen noch roh 

sind. So sollten Sie Gefl ügel mit 

Geschirrspülmittel einreiben, bevor Sie es 

kochen, damit die Haut nicht platzt. Es versteht 

sich von selbst dass Sie es danach nicht mehr 

essen können. Für manche Lebensmittel gibt 

es Ersatz aus Kunststoff, der genauso aussieht, 

jedoch das Fotografi eren wesentlich erleichtert. 

NATALIA LISOVSKAYA 

Oben: Die Kombination einer Nahaufnahme mit 

einem Porträt ergibt ein interessantes Diptychon. 

Oben: Bei der Präsentation der Speisen gehen Sie 

behutsam vor; drehen Sie die Spaghetti 

beispielsweise zu kleinen Wirbeln. 

Oben links: Die meisten Speisen werden in einem 

Winkel zwischen 20° und 35° geschossen, je nach 

Motiv auch senkrecht von oben. 

Dazu gehört zum Beispiel künstliches 

Scherbeneis, mit dem sich Bilder von 

gekühlten Bier- oder Sodafl aschen schießen 

lassen, denn es schmilzt nicht. Selbst 

Eiswürfel, Eiscreme und Obst aus Kunststoff 

können benutzt werden, solange sie sich im 

Hintergrund befi nden und dieser unscharf ist. 

Saucen werden dicker angesetzt als üblich, 

damit sie nicht so schnell verlaufen und 

Pfannkuchen werden mit wasserabweisendem 

Imprägniermittel für Textilien eingesprüht, 

damit Sie den Sirup nicht aufsaugen. Früchte 

werden mit Wasser besprüht, um sie frischer 

aussehen zu lassen. Apfel- und Birnenscheiben 

werden mit Zitronensaft eingetrieben, damit sie 

nicht braun werden. Spaghetti werden nicht zu 

einem Haufen auf den Teller getürmt, sondern 

in kleinen Wirbeln angerichtet, damit Sie 

appetitlicher aussehen. 

Was auch immer Sie fotografi eren, und wie Sie 

ISTOCKPHOTO 

Gastronomie: Wenn sie ihren Stil gefunden 

haben und Sie sich ihrer Fähigkeiten sicher 

sind, wenden Sie sich an Restaurants, 

Bäckereien, Cafés und Eisdielen und 

präsentieren Sie Ihr Portfolio. Vielleicht 

erlaubt man Ihnen, Ihre Fotos aufzuhängen 

oder beauftragt Sie, deren Gerichte für die 

eigenen Speisekarten und andere Formen der 

Werbung zu fotografi eren. 

Blogging: Ein eigener Block ist sehr gut 

geeignet, Ihre Arbeiten zu verbreiten und 

Eigenwerbung zu betreiben. Ein Block ist 

kinderleicht einzurichten und zu pfl egen, 

solange Sie einen stetigen Fluss neuer Motive 

produzieren und veröffentlichen. Verlinken 

Sie auf Websites wie www.1x.com oder 

www.500px.com um mit Kollegen in 

Kontakt zu kommen – Sie werden überrascht 

sein, welches Feedback Sie bekommen und 

wessen Aufmerksamkeit auf sich lenken. 

Bildagenturen: Der vielleicht einfachste 

Weg, Ihre Bilder für sich arbeiten zu lassen, 

besteht darin, sie über eine spezialisierte 

Bildagentur wie www.foodanddrinkphotos. 

com oder www.stockfood.co.uk anzubieten. 

Doch selbst große Bildagenturen wie Getty 

Images und Corbis Images werden bei 

qualitativ hochwertigen Aufnahmen Interesse 

zeigen. Sie müssen jedoch bei Agenturen 

generell Ihre Kosten im Blick behalten, weil 

der Erlöse für das einzelne Foto eher gering 

ausfällt. Doch gute Fotos werden sich 

verkaufen, und die Zeit arbeitet für Sie. 

Konzeptuelle Speisefotografi e verkauft sich 

im Allgemeinen sehr gut über Bildagenturen. 

es auch anrichten, denken Sie stets daran: 

weniger ist mehr! Alles muss genug Platz 

haben, der Zweck jedes Objekts muss 

innerhalb der Szene erkennbar sein und Sie 

müssen, was Bildkomposition, Textur und 

Farben angeht, zusammenwirken. 

Komplizieren Sie ein Bild nicht mit zu vielen 

Requisiten oder zu vielen Beilagen; das 

zentrale Bildelement muss klar erkennbar 

bleiben. 

Aufnahmetechnisch stellen Lebensmittel keine 

hohen Ansprüche. Was Sie beherrschen 

müssen, sind selektives Scharfstellen und das 

Kurzhalten der Schärfentiefe. Natürlich 

experimentieren Sie auch mit verschiedenen 

Blickwinkeln und Kamerastandpunkten, um 

unterschiedliche Eindrücke zu erzeugen. Die 

meisten Speisenfotos werden, je nach Motiv, 

im Winkeln von 20° bis 35° oder senkrecht von 

oben aufgenommen. 


Panoramic Food-Fotografie photography 

Dem Motiv angepasste 

Beleuchtung 

Der Studioblitz ist besonders 

nützlich bei Motiven wie 

diesem, bei dem die 

Beleuchtung der Ränder die 

Silhouette des Objekts betont. 

Beleuchtung 

Alles, was wir bisher erörtert haben, tritt 

gegenüber einer einzigen simplen Tatsache in 

den Hintergrund: Beleuchtung ist alles, und 

ohne Beleuchtung ist alles nichts. Ihr Stil, ihre 

Bildkomposition ihre Requisiten, all das braucht 

nicht perfekt zu sein, um trotzdem zu einem 

guten Foto zu kommen; das Licht hingegen 

muss perfekt sein, sonst sind sie auf dem besten 

Weg, das Motiv zu ruinieren. Doch gute 

Beleuchtung lässt sich problemlos erzeugen, 

wobei schon die einfachsten Arrangements für 

großartige Bilder sorgen können. Es gibt nichts 

Besseres als durch ein Fenster einfallendes 

weiches, natürliches Licht in Verbindung mit 

einem Reflektor. Das ist alles was Sie für die 

Speisenfotografie brauchen. Ein Teller, in die 

Nähe eines Fensters gestellt, wird sehr gut 

ausgeleuchtet und die Oberflächen werden 

akzentuiert. Wenn Sie ins Gegenlicht 

fotografieren, haben Sie mit einfachsten Mitteln 

eine High-Key-Beleuchtung. Wenn Sie wissen, 

wie Sie das Licht steuern können, brauchen Sie 

kein kompliziertes Setup, jedenfalls nicht, 

solange Sie noch an ihren Fähigkeiten arbeiten 

und Erfahrungen sammeln. Einfaches Licht, 

einfache Bildkomposition und gut präparierte 

Speisen sorgen für höchst attraktive Fotos, die 

lukullische Träumereien auslösen können. 

Es gibt nur wenige Grundregeln bei der Arbeit mit 

durchs Fenster hereinfallendem Tageslicht: 

benutzen Sie einen Reflektor, um die Schatten 

an der gegenüberliegenden Seite des Motivs 

aufzuhellen und vermeiden Sie direkte 

Sonnenlichteinstrahlung. Das wäre für unsere 

Zwecke zu viel des Guten, denn es würde sehr 

starke Kontraste produzieren. Vorzuziehen sind 

Fenster, die nach Süden oder Westen 

hinausgehen. Wählen Sie eine Tageszeit, in der 

das Licht möglichst weich ist oder ziehen Sie 

einen Vorhang vor, zur Not tut es auch ein 

weißes Bettlaken, mit dem das Fenster verhängt 

wird. Je größer das Fenster, desto weicher ist das 

IISTOCKPHOTO 

Beleuchtungsausrüstung 

Reflektoren/Diffusoren: Idealerweise 

verwenden Sie einen 5-in-1 Refl ektor, mit 

dessen unterschiedlich refl ektierenden 

Oberfl ächen Sie Licht hinzufügen, 

zurückwerfen und modifi zieren können. Bei 

Fotos von Speisen sind die Bereiche, die Sie 

beeinfl ussen wollen, eher klein, deswegen 

brauchen Sie keine große Zahl von 

Refl ektoren verschiedener Größe, sondern Sie 

verwenden stattdessen besser weißen Karton, 

Styropor oder auch – wenn Sie eine stärkere 

Refl exion benötigen – Aluminiumfolie. 

Schwarzer Karton: Schwarzen Karton 

benötigen Sie, um die Ausbreitung des Lichts 

zu steuern und um absichtlich Schatten 

erzeugen. Außerdem können Sie damit 

Refl exionen blockieren. Benutzen Sie Karton 

in mehreren kleinen Größen, denn wie 

erwähnt, können die zu beeinfl ussenden 

Bereiche recht klein sein. 

Studioblitz: Ein Studioblitzgerät sollte 

wenigstens zwei, besser drei Blitzköpfe 

mitbringen. Sie können auch normale 

Elektronenblitzgeräte verwenden, doch dann 

brauchen Sie zusätzliche Softboxen und 

Snoots, um das Licht steuern und 

kontrollieren zu können. 

Wabendiffusor: Es gibt sie in 

verschiedenen Formen und Größen. Sie 

dienen der punktgenauen Steuerung und der 

genauen Abgrenzung des Lichtkegels. 

Softboxen: Softboxen verschiedener Größe 

zahlen sich dann aus, wenn sie weiches Licht 

benötigen, dass jedoch nicht rundum verteilt 

werden soll. Je kleiner die Softbox, desto 

kleiner der ausgeleuchtete Bereich und umso 

stärker das Licht. So können Sie 

unterschiedliche Bereiche kleiner Setups 

gezielt ausleuchten. 

Blitzauslöser: Sowohl beim Studioblitz als 

auch bei einzelnen Elektronenblitzgeräten 

brauchen Sie einen Fernauslöser, um die 

Lichtquellen zu synchronisieren. Einfache 

Fernauslöser gibt es bereits für etwa 50 Euro; 

wenn die TTL-Messfunktion der Kamera 

erhalten bleiben soll, wird es wesentlich 

teurer: ab 150Euro. 

Farbige Folien: Improvisieren können Sie 

mit Bonbonpapier, doch speziell für diesen 

Zweck hergestellte Folien sind größer und 

haltbarer. Entsprechende Folien gibt es auch 

für Studioblitzgeräte, achten Sie jedoch beim 

Kauf darauf, dass diese hitzebeständig sind. 

Licht und umso gleichmäßiger wird es verteilt. 

Das Umgekehrte gilt, je kleiner das Fenster ist. 

Wenn die gewünschten Lichtverhältnisse 

vorhanden sind, müssen Sie das Licht 

entsprechend den Anforderungen Ihres Motivs 

formen und lenken, indem Sie einerseits 

bestimmte Bereiche aufhellen und womöglich 

anderswo Schatten erzeugen. 

Arbeiten Sie mit der Zeitautomatik und einer weit 

offenen Blende. Machen Sie ihre 

Bildkomposition, und achten Sie dabei auf die 

optimale Schärfentiefe. Die Kamera gehört 

selbstverständlich auf das Stativ, damit Sie sich 

keine Gedanken über womöglich zu langsame 

Verschlusszeiten machen müssen. Schießen Sie 

in Raw und JPEG gleichzeitig, wobei der 

Weißabgleich auf „Tageslicht“ oder „Automatik“ 

eingestellt sein sollte. Im Allgemeinen sollte die 

Mehrfeldmessung dieser Art Motiv gerecht 

werden, denn sie erzeugt einen gleichmäßigen 

Farbtonumfang. Soll es jedoch ein stärker 

akzentuiertes, sehr frisch aussehendes Foto 


VOLLSTÄNDIG 

IM BILDE 

„AUF DIE BEDEUTUNG NATÜRLICHEN LICHTS KANN NICHT 

OFT GENUG HINGEWIESEN WERDEN, DOCH AN DUNKLEN 

WINTERTAGEN IST ES NICHT IMMER MÖGLICH, UNTER 

IDEALEN LICHTVERHÄLTNISSEN ZU ARBEITEN – HIER IST 

KREATIVITÄT GEFRAGT.“ 

werden, in dem die Spitzlichter betont werden, 

sollten Sie auf Punktmessung schalten oder ein 

oder zwei Stufen positive Belichtungskorrektur 

einstellen. 

Auf die Bedeutung natürlichen Lichts kann nicht 

oft genug hingewiesen werden, doch an dunklen 

Wintertagen ist es nicht immer möglich, unter 

idealen Lichtverhältnissen zu arbeiten – hier ist 

Kreativität gefragt. In diesem Fall kommt 

Kunstlicht in Form des Elektronenblitzes ins 

Spiel. Dann ist die Beleuchtung des Motivs 

jedoch nicht mehr ganz so einfach. Der Blitz 

sollte so weich wie möglich sein, damit 

Schlagschatten vermieden werden und die 

Spitzlichter nicht jegliches Detail verlieren. Diese 

Gefahren sind beim Blitzen viel höher als bei 

natürlichem Licht. Deswegen werden Sie kaum 

ein unmodifiziertes Blitzgerät benutzen, sondern 

zusätzlich weiße Blitzschirme, Softboxen und 

vielleicht sogar einen Wabendiffusor verwenden. 

Diese Hilfsmittel dienen dazu, das Licht zu 

formen und weicher zu machen. 

Ein Blitz kann das Licht vom Fenster durchaus 

ersetzen, wenn Sie ihn mit einer Softbox 

ausstatten und auf der gegenüberliegenden Seite 

eine große weiße Styroporplatte als Reflektor 

anbringen, der das Licht auf Ihr Motiv 

zurückwirft. Eine andere Möglichkeit besteht 

darin, permanente Lichtquellen zu verwenden; 

der Umgang damit ist wesentlich einfacher, denn 

Sie können sehen, woher und wie das Licht auf 

Ihr Motiv fällt. Achten Sie jedoch auf den 

Weißabgleich, denn Kunstlicht kann schlimme 

Farbstiche produzieren. Der automatische 

Weißabgleich funktioniert dabei nicht. Benutzen 

Sie stattdessen eine Graukarte, um einen der 

Situation angepassten Weißabgleich 

vorzunehmen und fotografieren Sie im 

Raw-Format; dann können Sie Farbfehler später 

korrigieren. 

Wenn Sie mit Studioblitz oder kabellosen 

Blitzgeräten arbeiten, müssen Sie Ihre Kamera 

auf manuelle Betriebsart einstellen und die 

Belichtung komplett selbst steuern. Stellen Sie 

einen kleinen ISO-Wert und danach die 

Blitzsynchronisationszeit der Kamera ein, die 

normalerweise je nach Modell 1/160 bis 1/250 

Sekunde beträgt. Wie auch beim Tageslicht gibt 

ISTOCKPHOTO 

Häufig gestellte Fragen 

Meine Bilder haben einen hässlichen, 

F Farbstich. Wie kann ich den vermeiden? 

A Sie haben den Weißabgleich für die 

herrschenden Lichtverhältnisse falsch 

eingestellt. Überprüfen Sie, ob der eingestellte 

Weißabgleich zur Farbtemperatur des Lichts 

passt, oder benutzen Sie eine Graukarte, um 

einen der Situation angemessenen 

Weißabgleich einzustellen. Sie können jedoch 

auch im Raw-Format fotografieren und 

auftretende Weißabgleichsfehler mit dem 

Weißabgleichwerkzeug in Adobe Camera Raw 

korrigieren, indem Sie auf einen neutralen, 

grauen Bereich klicken. 

Ich benutze Blende f/5.6, doch der 

F Bildteil, der scharf abgebildet wird, ist zu 

klein. Warum? 

A Ist die Arbeitsentfernung vom Objektiv zum 

Motiv sehr gering, ist der Schärfentiefebereich 

extrem klein. Wenn Sie ein Zoomobjektiv 

verwenden, vergrößern Sie den Abstand zum 

Motiv. Sie können das Bild später zuschneiden. 

Wenn Sie jedoch hohe Vergrößerungen des 

Motivs erreichen wollen, bleibt Ihnen nichts 

anderes übrig, als eine größere Blende zu 

benutzen. 

Meine Küche ist sehr klein, und ich habe 

F nicht genügend Platz für meine 

Bildkompositionen. Was kann ich tun? 

A Sie brauchen nicht viel Platz, um Speisen zu 

fotografieren – nur ein gut beleuchtetes Areal, 

einen kleinen Schärfentiefebereich und ein 

kreatives Auge. Gedrängte Bildkompositionen 

und Aufnahmen senkrecht von oben gelingen 

auch in sehr beengten Räumlichkeiten. 

Meine Kamera stellt immer auf das am 

F nächsten befindliche Objekt scharf oder 

ich habe Probleme, mehr als einmal auf 

dasselbe Objekt scharfzustellen. Was kann ich 

dagegen tun? 

A Offenbar benutzen Sie den Autofokus. 

Schalten Sie auf Einzelpunkt-AF um und 

wählen Sie Ihren Scharfstellpunkt manuell aus. 

Oder Sie schalten den Autofokus ganz ab, die 

Live-View-Funktion ein und stellen manuell 

scharf. 

Oben: Bier ist nicht einfach zu fotografieren, doch 

mit etwas Übung wird es Ihnen gelingen. Das 

Anstrahlen des Hintergrunds mit einem Spotlight 

macht Studioaufnahmen sehr dynamisch. 

Ganz links unten: Verwenden Sie Kerzenlicht, um 

ihren Fotos eine besondere Atmosphäre zu verleihen. 

Unten Links: Ein einfaches Fenster liefert bei 

bedecktem Himmel wunderschönes, weiches Licht. 

ISTOCKPHOTO 

ISTOCK PHOTO 

Ihnen eine große Blende von f/2.8 bis f/5.6 die 

richtige Schärfentiefe mit verschwommenen 

Hintergrund, damit das Auge des Betrachters auf 

dem Motiv bleibt. Nachdem Sie diese 

Basiseinstellungen vorgenommen haben, 

müssen Sie nun die passende Blitzleistung 

herausfinden, indem Sie einen Hand- 

Belichtungsmesser benutzen. Halten Sie ihn so 

nah wie möglich an das Motiv und richten Sie 

ihn nacheinander auf jede einzelne Lichtquelle. 

Stellen Sie die Blitzleistung entsprechend ein, bis 

Sie die richtige Blende gefunden haben. Wenn 

nötig, können Sie die Strahlungsrichtung der 

Lichtquellen noch verändern oder auch mit 

Stücken von schwarzer Pappe entsprechender 

Größe das Licht formen, indem sie Schatten 

erzeugen und Reflexionen blockieren. 

Positionieren Sie die Hauptleuchte seitlich oder 

seitlich etwas hinter dem Motiv. Das gibt dem 

Bild Tiefe und betont die Oberflächen. 


Car Food-Fotografie photography 

Fotografieren Sie bei 

natürlichem Licht 

Lernen Sie das Tageslicht zu steuern, 

dann Sie werden Bilder erzielen, bei 

denen dem Betrachter das Wasser im 

Mund zusammen läuft. 

JORDAN BUTTERS: Selbst eine von 

einem Sternekoch zubereitete Mahlzeit 

wird optisch auf dem Foto keinerlei 

Wirkung entfalten, wenn die 

Lichtverhältnisse schlecht waren, der 

Hintergrund nicht berücksichtigt und Requisiten 

nicht adäquat eingesetzt wurden. Ich habe in diesem 

Beispiel eine rustikale Schieferplatte benutzt, sowie 

das Glas Rotwein, die Pilze und den Thymian, um 

das Foto dieser Mahlzeit zu komplettieren. Um die 

warmen Farbtöne zu erhalten, die das Ganze so 

herzhaft aussehen lassen, wählte ich einen Teller in 

gebrochenem Weiß und eine leuchtend rote 

Servierunterlage. Die Objektivbrennweite von 

50 mm bedeutete, dass ich nah herangehen 

musste, um den Bildausschnitt zu füllen. Unter 

diesen Gegebenheiten ergaben Zeitautomatik und 

Blende f/8 einen guten Kompromiss zwischen 

Schärfe und geringem Schärfentiefebereich. Die 

Grundlagen dieser Aufnahmetechnik können Sie mit 

allen Lebensmitteln ausprobieren, sei es eine Schale 

mit Früchten, ein Dessert oder eine simple Zutat wie 

Spargel oder Kräuter; alles was Sie benötigen, sind 

ein Fenster, ein Reflektor und schwarzer Karton. 

Bevor Sie das Essen zubereiten, machen Sie ihre 

1 Bildkomposition und finden Sie den besten 

Kamerawinkel. Positionieren Sie den Teller, wobei Sie 

einen Platzhalter für die später zu platzierende Mahlzeit 

verwenden und arrangieren Sie die Requisiten so, dass 

deren Elemente den Betrachter durch das Bild führen. 

Requisiten, die sich überlappen, geben dem Motiv 

räumliche Tiefe und vermeiden, dass das Bild 

unnatürlich gestellt wirkt. Das Essen soll das Hauptmotiv 

darstellen, deswegen sollte nichts davon ablenken. 

Richten Sie das Essen auf einem zweiten, 

2 identischen Teller an. Arbeiten Sie schnell, 

positionieren Sie die größeren Zutaten, dann benutzen 

Sie eine Pinzette um die feineren Details auszurichten. 

Damit das Fleisch saftig aussieht, bepinseln Sie es mit 

etwas Olivenöl und für ein frisches Aussehen des 

Gemüses besprühen Sie dieses mit Wasser. Ein paar 

Tropfen Sauce hinzugeben, und es entsteht ein Motiv, 

bei dem jedem das Wasser im Mund zusammen läuft. 

Sie arbeiten vor dem Fenster, verwenden Sie 

3 also einen Diffusor um das Licht weicher zu 

machen, den vielleicht ohnehin vorhandenen 

Vorhang oder ein weißes Bettlaken, das Sie ins 

Fenster hängen. Mit kleinen Stücken weißen 

Kartons oder Styropors lenken Sie das Licht auf Ihr 

Motiv und mit kleinen Stücken schwarzen Kartons 

vertiefen Sie die Schatten. Gegebenenfalls muss 

dieses Setup jedoch später noch korrigiert werden. 

Achten Sie auf die Details: Reflexionen können 

4 vom Hauptelement des Motivs ablenken. In 

diesem Beispiel war eine Reflexion im Weinglas nicht 

zu vermeiden, denn wäre Sie blockiert worden, wäre 

auch die auf den Teller fallende Lichtmenge reduziert 

worden. 


VOLLSTÄNDIG 

IM BILDE 

Kuchen & 

Torten… 

Hier zeigt uns ein Profi, wie er es anstellt, 

die Verlockungen von delikaten Desserts 

einzufangen – in diesem Fall eines 

leckeren Schokotörtchens. 

ROSS DURANT: Das Foto eines 

Desserts soll – wie das Foto jeder 

Mahlzeit – den Betrachter durch 

gute Präsentation, passende 

Beleuchtung und attraktive 

Farben verführen. Für dieses Setup war der 

Schokoladenkuchen mit weißer Sahne, 

roten Himbeeren, schwarzen Trauben und 

grünen Blättern angerichtet. Der 

Hintergrund war neutral gehalten, um nicht 

abzulenken. Man sollte jedoch nicht zu 

viele Farben verwenden. Normalerweise 

reichen zwei Komplementärfarben aus. Mit 

solchen kleinen Kuchen lassen sich relativ 

einfach sehr schöne Dessert-Fotos 

produzieren, denn Sie können Sie fertig 

kaufen und selbst vielfältig garnieren und 

anrichten. Cupcakes, Kekse, Makronen, 

Törtchen und Pasteten sind gleichermaßen 

geeignet. Sie verlieren ihr frisches 

Aussehen nicht schon nach wenigen 

Stunden, so dass Sie als Einsteiger in 

dieses Genre beim Fotografi eren zumindest 

nicht unter Zeitdruck stehen. Sie sollten 

jedoch einen ausreichenden Vorrat frischer 

Garnierung zur Hand haben für den Fall, 

dass einige davon in der intensiven, 

warmen Studiobeleuchtung welken oder 

schmelzen; ich musste beispielsweise die 

hier verwendeten Pfefferminzblätter etwa 

alle 20 Minuten ersetzen. Was die 

Beleuchtung angeht, werden Sie etwas 

experimentieren müssen, bevor Sie sie 

Ihren Vorstellungen entsprechend 

eingerichtet haben. Hier wurden drei 

Lichtquellen benutzt, zwei davon, um den 

Rand des Törtchens von hinten und seitlich 

zu beleuchten. Außerdem wurde schwarzer 

und weißer Karton benutzt, um Teile des 

Blitzlichts zu blockieren und andererseits 

bestimmte Bereiche des Motivs 

aufzuhellen. Außerdem wurde für jeden 

Studioblitz mit einem 

Handbelichtungsmesser eine gesonderte 

Messung des Umgebungslichts 

vorgenommen. 

Problematische Leckerbissen 

Speiseeis ist schwierig zu fotografieren, weil es 

schnell schmilzt. Stellen Sie bei Bedarf besser 

künstliches „Speiseeis“ her, Rezepte dazu 

finden Sie auch im Internet. Als Zutaten 

benötigen Sie Maissirup, Puderzucker und 

Schmalz. Auch Pizza erfordert Vorbereitung: Sie 

müssen das zu fotografierende Stück vorher 

anschneiden und mehr Käse zugeben. Danach 

bleibt Ihnen nur kurze Zeit, während der Käse 

eine Konsistenz hat, dass er Fäden zieht, wenn 

das angeschnittene Stück aus der Pizza 

herausgezogen wird. 

Bei Cornflakes und Müsli sollten Sie anstatt 

Milch Sahne verwenden, die nicht so schnell 

aufgesogen wird; außerdem sieht Milch auf 

Fotos gelb aus. Auch Schokolade ist 

problematisch, denn sie beginnt bei Wärme zu 

schwitzen, und jeder Fingerabdruck ist deutlich 

zu sehen. 


Licht zum Beleuchten der F laschen 

(1,8 m entfernt, gemessene Blende f/8. 4 ) 

Klare 

F laschen und 

G läser 

Orange F olie 

A 

B 

Hauptlicht 

(2,5 m entfernt, 

gemessene Blende f/16. 2) 

Schokoladenkuchen 

W eiß e Karten 

zum A ufhellen 

Kamera mit 1/160 


f/4 und ISO 100 

Z w ei schw arze Karten 

als Lichtabsorbierer 

Kleine Softbox fü r 

A ufhelllicht 

(1,8 , entfernt, 

gemessene Blende f/8. 4 ) 

Diese Bilder zeigen den Effekt der beiden Lichtquellen, die das Törtchen 

1 beleuchten. Das Hauptlicht (A) befindet sich auf der linken Seite, während 

eine kleine Neonröhre dazu benutzt wird, den Rand des Kuchens an der rechten 

Seite hervorzuheben. Schwarzer Karton vermeidet, dass die Flaschen im 

Hintergrund, die das Bokeh erzeugen, überbelichtet werden. 

C 

D 

Ein mit orangefarbener Blitzfolie versehener Studioblitzkopf, gemessen mit 

2 Blende f/8.4, wirft ein warmes Licht auf die im Hintergrund stehenden 

Flaschen, wodurch die gewünschten Lichtreflexe erzeugt werden. Der schwarze 

Karton dient auch dazu, dieses vom Hintergrund induzierte Licht nicht auf den 

Kuchen fallen zu lassen. 

Je eine weiße Karte befindet sich vor und seitlich der Kamera, um Licht auf 

3 die Vorderseite des Kuchens zu reflektieren (C). Ein Testfoto zeigt, wie all die 

Lichter und Lichtformer Zusammenwirken (D). Nach letzten Feinarbeiten am 

Setup entstand das Foto auf der gegenüberliegenden Seite. 


Food-Fotografie 

BILDDETAILS 


mit 100mm f/2.8 macro 


Belichtung: 1/160 

Sekunde bei Blende f/4 und 

ISO 100 


VOLLSTÄNDIG 

IM BILDE 

Grundlagen der Getränkefotografie 

Nachdem die Food-Fotografie Sie hoffentlich auf den Geschmack gebracht hat, möchten wir Ihnen nun das verwandte 

Genre der Getränkefotografie nicht vorenthalten. Einige Aspekte sind dabei besonders zu beachten. 

VOM KÖSTLICH dampfenden Kaffee bis zu 

Cocktails in gekühlten Gläsern und edlem, 

20 Jahre alten Scotch on the Rocks: Die 

Getränkefotografie ist eine Kunst für sich. Die 

anspruchsvolle, sehr vom Detail abhängige 

Beleuchtung, Bildkomposition und die 

Aufnahmetechnik – all das erfordert mindestens 

ebenso viel Kreativität wie das Fotografieren von 

Speisen. Man könnte ein ganzes Buch darüber 

schreiben; wir beschäftigen uns aber zunächst 

mit den Grundlagen. 

Wie Sie sich denken können, ist auch in der 

Getränkefotografie die Beleuchtung von 

entscheidender Bedeutung. Ob künstliches 

Gegenlicht, natürliches Licht oder eine Studioblitz 

Anlage mit mehreren Köpfen, die Kunst besteht 

darin, Reflexionen im Glas zu eliminieren oder 

wenigstens zu minimieren. So entsteht ein 

elegantes, harmonisches Foto, das keine 

Elemente enthält, die von dem Eindruck 

ablenken, den Sie transportieren wollen. In 

seltenen Fällen verstärken Reflexionen den 

gewünschten Effekt und die Atmosphäre des 

Bildes, doch das ist die Ausnahme. Üblicherweise 

brauchen Sie schwarzen Karton, um das Licht 

von bestimmten Bildbereichen fernzuhalten und 

Position und Größe des Lichtkegels zu steuern. 

Bei der Auswahl der Farben und des Fotostils 

sollten Sie sich an der emotionalen Reaktion 

orientieren, die Sie erzeugen wollen. Sie brauchen 

ein Konzept, das zur Natur des Getränks passt. 

Ein rustikales Ambiente mit Kaffeebohnen und 

warmer Beleuchtung ist ideal für eine Aufnahme 

dampfenden Kaffees, während bei einem Glas 

mit edlem Whisky dessen Wärme ausstrahlende 

Bernsteinfarbe durch weiches Licht verstärkt 

werden kann. 

Requisiten, Bildkomposition und Arrangement 

sind genauso wichtig wie in der Speisefotografie; 

denken Sie also auch ans Garnieren. Eiswürfel, 

Obstscheiben, Pfefferminzblätter, verdrehte 

Zitronenschalen, nur die Papierschirmchen 

lassen Sie besser weg, sie sind nur für Eiscreme. 

Achten Sie auch auf den Grad der Transparenz 

der Getränke. Bier und Milchshakes 

beispielsweise verhalten sich im Gegenlicht 

anders als ein klarer Martini oder Wodka. 

ISTOCKPHOTO 

Oben: Wie diese Bilder verdeutlichen, ist das 

Anrichten bei Getränken ebenso wichtig wie bei 

Speisen – vergessen Sie also nicht die Garnitur und 

die Requisiten. 

Durchstöbern Sie einige Bilddatenbanken im 

Internet und schauen Sie sich entsprechende 

Fotos an. Das verhilft Ihnen zu neuen Ideen und 

unterschiedlichen Ansätzen, bis Sie ihren eigenen 

Stil gefunden haben. 

Probieren Sie unterschiedliche Winkel und 

Standpunkte bei der Bildkomposition. Früher oder 

später werden Sie feststellen, dass bei den besten 

Aufnahmen die Kamerawinkel flacher sind, als 

bei der Speisenfotografie. Das liegt daran, dass 

Gläser, in denen Getränke serviert werden, eine 

vertikale Grundform haben im Gegensatz zum 

Teller, auf denen Speisen serviert werden. Was die 

Belichtungsmessung und die Aufnahmetechnik 

angeht, gelten jedoch dieselben Regeln. 

Verwenden Sie eine weit offene Blende, um einen 

flachen Schärfentiefebereich zu erzeugen, 

messen Sie das Umgebungslicht mit einem 

Handbelichtungsmesser für jede einzelne Leuchte 

und halten Sie das Setup so einfach wie möglich. 

Besonders am Anfang sollten Sie eher auf die 

Lichtqualität achten, anstatt sich an 

komplizierteren Bildkompositionen zu versuchen. 

Beginnen Sie beispielsweise mit Kirschsaft, 

Martinis oder Wein, denn die sehen garniert sehr 

gut aus und sind vergleichsweise einfach zu 

fotografieren. Versuchen Sie es auch mit Eistee 

und Orangensaft; dabei können Sie 

korkenzieherartig verdrehte Zitronenschalen und 

Pfefferminzblätter als Garnierung verwenden. 

ISTOCKPHOTO 

ISTOCKPHOTO 

ISTOCKPHOTO 

Problematische Getränke 

Sprudelnde Getränke: Die Herausforderung von 

Bier und anderen schäumenden Getränken besteht 

darin, dass sie nicht statisch sind. Wenn Sie Bier 

einschenken, bildet sich die Schaumkrone, die für ein 

gutes Foto unerlässlich ist. Unter Umständen 

brauchen Sie viele Versuche, um das richtige 

Aussehen zu erzeugen und die Dynamik des Getränks 

im Bild festzuhalten. Die Gläser sollten mit Tropfen 

besprüht werden, am besten mit einem Spray, das zu 

50 % aus Wasser und 50 % Glycerin besteht. Auf 

gewachsten Gläsern haften die Tropfen noch besser. 

Halten Sie möglichst mehrere präparierte Gläser als 

Reserve bereit. 

Kaffee: Wenn wir das gelungene Foto einer 

dampfenden Tasse Kaffee sehen, werden Erinnerungen 

an das wohlriechende Aroma und den köstlichen 

Geschmack wach. Diese Assoziationen im Bild zu 

erzeugen ist nicht einfach. Kaffee hat eine ölige 

Oberfläche; dies darf nicht im Bild zu sehen sein. Es 

gibt aber Lebensmittelfarbe, die Wasser in der Farbe 

von Kaffee einfärbt. Wenn Sie frischen Kaffee 

verwenden, sollte die Oberfläche zu etwa 40 % mit 

Blasen bedeckt sein; dies ist das typische Aussehen 

von Kaffee, der in eine Tasse gegossen wird. Damit die 

Blasen länger halten, vermischen Sie Wasser mit Kodak 

Photo-Flo Entwicklerlösung und bringen die Blasen mit 

einem Löffel auf die Flüssigkeitsoberfläche auf. Sie 

können auch Geschirrspülmittel verwenden, doch 

dabei besteht die Gefahr, dass Regenbogenfarben in 

den Blasen sichtbar werden. 

Tipps und Tricks der Profis 

Stellen Sie manuell scharf und nutzen Sie 

Live-View, um gestochen scharfe Motive zu erhalten. 

Positionieren Sie ein Stück weißen Kartons hinter 

ein Bierglas, um Licht durch das Glas zurückzuleiten 

und die goldene Farbe des Getränks zu betonen. 

Denselben Effekt können Sie bei Whisky, Cola und 

Fruchtsäften erzielen. 

Verwenden Sie während des Setups und der 

Bildkomposition identische leere Gläser als 

Platzhalter. 

Besorgen Sie sich eine kleine Flasche Glycerin aus 

der Apotheke und mischen Sie es im Verhältnis von 

50:50 mit Wasser in einer Sprühflasche. Damit 

besprühen Sie die Gläser mit Eistee, Bier und anderen 

gekühlt servierten Getränken, um den Eindruck von 

Kälte optisch zu verstärken. 

Pfefferminzblätter, Zitronenschalen und 

Zitronenstückchen zum Garnieren sollten immer 

frisch bereit liegen. Für bestimmte Getränke sind 

auch Beeren, Stücke von Honigmelone und Ananas 

sowie bunte Trinkhalme für Cocktails geeignet. Auch 

hier gilt jedoch die alte Weisheit: weniger ist mehr. 

Beschränken Sie Requisiten und Farben auf ein 

Minimum. 

Kühlen Sie Ihre Gläser und Getränke bis 

unmittelbar vor der Aufnahme. Arbeiten Sie schnell, 

besonders wenn Eiswürfel im Spiel sind, die eine 

natürliche Wirkung von Erfrischung und Kühle liefern, 

aber schnell wegschmelzen. 

Benutzen Sie lange Pinzetten, Cocktailspieße oder 

Essstäbchen, um das Eis, die Garnitur und 

Fruchtstücke zu positionieren, damit Sie das Glas 

nicht anfassen müssen und Fingerabdrücke 

zurücklassen. Baumwoll-Pads eignen sich gut, um 

unerwünschte Tropfen abzuwischen. 


BILDDETAILS 


mit 100mm f/2.8 

Makroobjektiv 




und ISO 50 

Geschüttelt, nicht gerührt 

Hier erfahren Sie, wie Sie den klassischen James-Bond-Drink 

richtig in Szene setzen. 

ROSS DURANT: Der Martini ist wegen seiner Transparenz perfekt 

dazu geeignet, von hinten beleuchtet zu werden. Dasselbe gilt für 

Limonade, Eistee und Sodawasser, Sie können diese 

Aufnahmetechnik also an einer Reihe verschiedener Getränke 

anwenden. Fügen Sie eine Zitronenscheibe hinzu, eine Garnitur 

aus Pfefferminzblättern und ein weiteres Element nach eigenem Geschmack 

– nun sind Sie bereit für ein appetitliches Foto. 

Bei der Beleuchtung müssen Sie peinlich darauf achten, dass keine Reflexionen 

entstehen und auch die Bildkomposition sollte genauestens durchdacht sein, 

besonders der Hintergrund. Achten Sie darauf, dass die Farben des 

Hintergrunds mit der des Getränks korrespondieren, und dass auch der 

Hintergrund ein attraktives Element aufweist, entweder durch die Beleuchtung 

oder ein reales Objekt. Ich habe hier einfach ein zweites, identisches Glas 

benutzt. Der konzeptionelle Grundgedanke war die Umgebung eines 

Nachtclubs, deshalb die zur Dunkelheit tendierenden, dennoch energetischen 

Farben. Farbige Blitzfolien schaffen die nötige Atmosphäre, wobei die Farben 

umso satter werden, je mehr Lagen derselben Folie Sie übereinanderlegen. Die 

Folien müssen die hohen Temperaturen von Studioleuchten aushalten können. 

Experimentieren Sie mit unterschiedlichen Farbkombinationen, um den 

Eindruck des Bildes zu verändern. Ich habe hier die Farben Orange und Violett 

verwendet, die zu einer vibrierenden energetischen Stimmung passen, doch sie 

könnten genauso gut Grün und Blau für einen unterkühlten, ruhigen Eindruck 

einsetzen. 

Für meine Aufnahme kamen zwei 750-Watt Wolfram Lampen mit Fresnel- 

Linsen zum Einsatz, die im Hintergrund aufgebaut waren, etwa 2,5 m von den 

Gläsern entfernt. Sie waren in einem Winkel von 30 Grad auf einen Hintergrund 

aus Aluminiumfolie gerichtet, die sich über dem Tisch befand. Ein zweistufiger 

Graufilter glich den Kontrastunterschied zwischen dem orangefarbenen und 

dem violetten Licht aus. Sie müssen gegebenenfalls dasselbe tun, falls sie 

Dauerlicht verwenden und eine der Leuchten intensiver strahlt als die andere. 

Ich habe Dauerlicht anstelle von Blitz benutzt, um die Folie während der 

Belichtung bewegen zu können; die Dauer eines Blitzes wäre dafür zu kurz 

gewesen. Dazu habe ich einen Polfilter eigesetzt, um die Verschlusszeit um zwei 

Blendenstufen zu verlängern. Durch diese Maßnahmen kam ich auf 1/13 

Sekunde – lang genug, um die Bewegung der Folie einzufangen. 

Natürlich können Sie das Ganze auch vereinfachen, indem Sie zwei Blitzgeräte 

verwenden, um einen ebenso farbenfrohen Hintergrund zu erzeugen. Bei 

meinem Setup habe ich zusätzlich noch eine kleinere 250-Watt Wolfram Lampe 

mit Snoot benutzt, die in einem Abstand von 1,30 m von den Gläsern aufgebaut 

und in einem Winkel von 20 Grad auf den Tisch gerichtet war, um die Oliven 

anzuleuchten. 


Z w ei 7 50-W att Leuchten 

(2,5 m entfernt, gemessen mit 

Blende f/5. 6(links) und Blende 

f/8 (rechts) 

F arbige F olie 

F arbige 

F olie 

etfiger 

rafiter 

Z erknitterte 

A lufolie 

250-W att Spotlight 

(1,4 m entfernt, 

gemessen mit Blende f/4 ) 

W eiß e P lattform, 

er e fiert 

Martini-G läser 

Kamera: 1/50 Sekunde 

bei Blende f/2. 8 und 

ISO 50 


Alle Ausgaben sind auch zu 

bestellen unter 

www.digitale-fotografie-magazin.de/shop

BILD: ADAM BURTON 

Zwielicht 

und 

Dämmerung 

In der Fotografie geht ohne das richtige Licht gar nichts , besonders beim Tageslicht spielt die Lichtqualität eine 

entscheidende Rolle. Der Schlüssel zum Erfolg besteht darin, die besten Lichtverhältnisse des Tages abzupassen. 

Landschafts- und Reisefotografen finden das beste Licht am Anfang oder Ende des Tages. Natürlich kann es, je nach 

Wetterbedingungen, auch dazwischen fantastisches Licht geben, doch nichts reicht an das Licht nach Sonnenaufgang 

und vor Sonnenuntergang heran. Wenn Sie sich die Landschaftsfotos anschauen, die Sie persönlich am schönsten 

finden, können Sie praktisch sicher sein, dass sie jeweils in den „goldenen Stunden“ des Tages fotografiert wurden. 

Auf den folgenden Seiten erfahren Sie, warum…

FOTOGRAFIEREN IN DER DÄMMERUNG 

ADAM BURTON 

DIE SONNE 

Wir gehen davon aus, dass die Sonne immer im 

Osten aufgeht und im Westen untergeht. Doch 

genau genommen trifft dies nur auf zwei Tage 

des Jahres zu, den 21. März und den 21. 

September, wenn Tag und Nacht genau gleich 

lang sind. An allen anderen Tagen variieren die 

Positionen von Sonnenaufgang und 

Sonnenuntergang. Ab dem 21. März verschiebt 

sich der Sonnenaufgang nach Nordosten und der 

Sonnenuntergang nach Nordwesten, ab dem 

21. September geht es umgekehrt. Wie stark die 

Abweichung nach Norden oder Süden ist, hängt 

vom Datum und Ihrem Standort ab doch sie 

ändert sich jeden Tag ein wenig. Die stärksten 

Abweichungen treten zur Sommersonnenwende 

am 20. und 21. Juni auf der Nordhalbkugel 

innerhalb des Polarkreises auf, wenn die Sonne 

im Norden sowohl auf- und untergeht, zur 

Wintersonnenwende am 21. und 22. Dezember 

geht sie im Süden auf und unter. Innerhalb des 

Südpolarkreises verhält es sich genau 

umgekehrt. Zwischen diesen Extremwerten 

bewegen sich im Jahresverlauf die 

Sonnenaufgangs- und Untergangszeiten mit 

entsprechenden Himmelsrichtungen für alle 

anderen Standorte. In Deutschland 

beispielsweise geht die Sonne im Dezember/ 

Januar ziemlich genau im Südwesten auf und im 

Juni/Juli im Nordwesten unter. Die Richtung 

variiert also um etwa 90°. Das bedeutet im 

Verlauf des Jahres einen großen Unterschied der 

100 / DIGITALE FOTOGRAFIE – UPDATE 

Lichtverhältnisse, der berücksichtigt werden 

muss, weil er beeinflusst, wie eine Szene 

beleuchtet wird. So ist es durchaus möglich, 

dass ein Gebäude im Frühling von der 

aufgehenden Sonne seitlich angestrahlt wird, 

dass aber im Winter die Sonne hinter dem 

Gebäude aufgeht und daher nur eine Silhouette 

des Gebäudes zu sehen ist. An diesem Beispiel 

wird deutlich, wie groß der Einfluss der 

Jahreszeit auf die mögliche Auswahl ihrer Motive 

ist. Außer der geografischen Position von 

Sonnenauf- und Untergang sollten Sie auch die 

Zeiten wissen, wann die Sonne über dem 

Horizont erscheint und wieder hinter ihm 

versinkt. Es ist wenig sinnvoll, um 8:00 Uhr 

morgens vor Ort zu erscheinen, wenn die Sonne 

um 8:05 Uhr aufgeht, denn dann haben Sie die 

gesamte Dämmerung verpasst und Sie werden 

noch nicht einmal dazu kommen, ihre 

Ausrüstung auszupacken und aufzubauen, 

bevor die Sonne aufgeht. Um solche Probleme 

zu vermeiden, halten Sie ein Auge auf diese 

Zeiten, die im Jahresverlauf ebenfalls stark 

variieren. Im Winter geht die Sonne in 

Mitteleuropa erst nach 8:00 Uhr auf und schon 

kurz nach 16:00 Uhr wieder unter, doch Ende 

Juni geht sie zwischen 4:00 und 5:00 Uhr auf 

und erst nach 22:00 Uhr unter. 

Die Website www.sonnenverlauf.de zeigt Ihnen 

den Lauf der Sonne und die Sonnenlicht-Phasen 

für einen beliebigen Tag an einem beliebigen Ort 

an. Hier ein Auszug aus der Beschreibung der 

Website (© 2013 Torsten Hoffmann): „Sie 

können die Sonnen-Positionen für 

Sonnenaufgang, ausgewählte Zeit und 

Sonnenuntergang sehen. Die dünne, 

orangefarbene Kurve zeigt die Flugbahn der 

Sonne, die gelbe Hinterlegung zeigt die Variation 

der Sonnenbahn im Jahresverlauf. Je näher ein 

Punkt in der Mitte ist, desto höher steht die 

Sonne über dem Horizont. Die Farben auf dem 

Zeit-Schieberegler am oberen Rand der Webseite 

zeigen die Sonnenlichteinstrahlung im 

Tagesverlauf.“ 

Ein anderes, sehr nützliches Hilfsmittel ist das 

kleine Programm „The Photographers 

Ephemeris“, das sie von www.photoephemeris. 

com sowohl für den Mac als auch für den 

Windows-PC kostenlos herunterladen können. 

Die Android-Version kostet 3,74 , die Version 

fürs iPhone oder das iPad gibt es für 8,99 $ – es 

war schon immer etwas teurer, einen besonderen 

Geschmack zu haben. Die App gibt Ihnen die 

genauen Auf- und Untergangszeiten und 

Positionen von Sonne und Mond für einen 

beliebigen Standort auf der Erde. Außerdem 

liefert sie zusätzliche Daten zur Outdoor- 

Fotografie wie Lichteinfallswinkel und 

Informationen darüber, ob die Sonne an einem 

bestimmten Ort beispielsweise durch einen Berg 

verdeckt wird.


ZWIELICHT 

Zwielicht entsteht, wenn das Streulicht aus 

der oberen Atmosphäre den unteren Teil der 

Atmosphäre beleuchtet. Die Zeit dafür liegt 

zwischen Morgendämmerung und 

Sonnenaufgang, und dementsprechend 

zwischen Abenddämmerung und 

Sonnenuntergang. Sobald die Sonne mehr 

als 12° unter dem Horizont verschwunden 

ist, beginnt die Nacht. 

Wenn Sie einen Sonnenaufgang 

fotografieren wollen, seien sie 40 bis 60 

Minuten vorher vor Ort. Das in der 

Landschaft vorhandene Licht wird am 

Himmel reflektiert, der wie eine gigantische 

Softbox wirkt und das Licht gleichmäßig 

bzw. diffus verteilt. Diffuses Licht tendiert 

zu Blau, weil es die blaue Farbe des 

Himmels aufnimmt. Dadurch wird die 

Landschaft kühl, und Aufnahmen zu dieser 

Tageszeit können einen leichten Blaustich 

aufweisen. 

Bei klarem Wetter wird schon lange vor 

Sonnenaufgang ein warmes Glühen am 

mehr oder weniger östlichen Horizont 

auftauchen, das sehr schön mit dem kalten 

Licht des darüber befindlichen Himmels 

kontrastiert. Dieses kurze Zeitfenster eignet 

sich sehr gut dazu, Strandszenen bei Ebbe 

zu fotografieren, wobei die Farbe des 

Himmels im nassen Sand und in 

zurückgebliebenen Pfützen und in den 

Prielen reflektiert. Auch eine 

Stadtlandschaft wirkt großartig in diesem 

Licht, wenn der Himmel durch die 

Glasflächen moderner Architektur 

gespiegelt wird. Traditionelle Landschaften 

sind im Zwielicht weniger einfach 

einzufangen, denn der Kontrast zwischen 

Himmel und der Landmasse ist sehr stark, 

so stark, dass selbst ein 0.9ND 

Grauverlaufsfilter ihn nicht ausreichend 

reduzieren kann. Die eindrucksvollsten 

Farbenspiele entstehen bei 

Sonnenuntergang, wenn eine 

durchbrochene Wolkendecke von unten 

durch die Sonne angestrahlt wird. Dabei 

reicht die Farbskala von Rot und Orange bis 

zu Pink und Violett und der Himmel sieht 

aus, als stehe er in Flammen. In der 

Morgendämmerung tritt dieser Effekt nicht 

auf. Die Farben sind 20 bis 30 Minuten vor 

Sonnenaufgang am intensivsten, bei 

Sonnenaufgang verblassen sie schnell. 

Mit dem Zwielicht am Ende des Tages ist 

leichter umzugehen, denn es beginnt in 

dem Moment, in dem die Sonne vollständig 

unter dem Horizont verschwunden ist und 

es endet, wenn alle Farben am Himmel 

verschwunden sind. Bei durchbrochener 

Wolkendecke werden Sie eindrucksvolle 

Farben sehen, die von ein paar Minuten bis 

zu einer halben Stunde vorhanden sein 

können, bevor Sie zu Blau oder Grau 

verblassen. Bei klarem Wetter wird es keine 

Wolken geben, die Sonnenstrahlen 

reflektieren könnten, doch über dem 

Horizont kann ein warmes Glühen zu sehen 

sein. Die beste Zeit für die „Nachtfotografie“ 

ist dieses Zeitfenster des Zwielichts, wenn 

noch Farben am Himmel zu sehen sind, 

doch das Tageslicht schon so weit 

verschwunden ist, dass in bewohnten 

Gebieten bereits die Außen- und 

Innenbeleuchtungen eingeschaltet sind. In 

der Stadt kann die Kamera immer noch 

Farben am Himmel aufnehmen, die durch 

die „Lichtverschmutzung“ der elektrischen 

Beleuchtung verursacht werden. 

ISTOCKPHOTO 

ERFORDERLICHE AUSRÜSTUNG 

Kamera: Jede DSLR ist geeignet für Fotos in der 

Dämmerung, besondere Eigenschaften braucht eine 

Kamera dafür nicht. Natürlich ist ein gutes 

Belichtungsmesssystem erforderlich, doch das hat 

heute jede Kamera. 

Objektive: Eine Reihe von Brennweiten zwischen 

10 mm und 200 mm reicht für alle Anforderungen aus. 

Mit den kleineren Brennweiten können Sie den 

Vordergrund betonen und viel Himmel ins Bild bringen, 

die mittleren Brennweiten sind für Porträts, Architekturund 

Detailaufnahmen und die langen Brennweiten 

dienen dazu, die Sonne beim Auf- oder Untergang 

formatfüllend ins Bild zu bekommen. 

Stativ: Benutzen Sie grundsätzlich ein Stativ, dann 

brauchen Sie sich um ein Verwackeln der Kamera keine 

Gedanken zu machen; bei den herrschenden 

Lichtverhältnissen und gegebenenfalls langen 

Brennweiten kommen Sie ohnehin nicht darum herum. 

Fernauslöser: Bei der auf dem Stativ montierten 

Kamera ist es sinnvoll, den Auslöser per Fernsteuerung 

zu bedienen, denn auch das Auslösen direkt von Hand 

kann zum Verwackeln führen. 

Filter: Grauverlaufsfilter sind unabdingbar, um den 

Dynamikumfang und die Dramatik eines 

farbenprächtigen Himmels abbilden zu können, 

während der normale Graufilter benutzt werden kann, 

um die Bewegung des Wassers einzufangen, wenn Sie 

beispielsweise den Sonnenuntergang über dem Meer 

fotografieren. 

Gegenlichtblende: Reduzieren Sie das Risiko von 

Streulicht mit der Gegenlichtblende, das funktioniert 

besonders gut, wenn die Sonne nur knapp außerhalb 

des Bildausschnitts steht. Unter Umständen müssen 

Sie zusätzlich ein Stück Karton oder ganz einfach Ihre 

Hand zu Hilfe nehmen, um einen größeren Bereich vor 

und seitlich des Objektivs abzuschirmen. 

Reflektor: Falls Sie Porträts im Freien schießen 

wollen, verwenden Sie einen kleinen, faltbaren Reflektor 

von 40-80 cm Größe, um das Licht auf das Gesicht 

Ihres Models zurück zu werfen, wobei ein goldfarbener 

Reflektor ein wärmeres Licht ergibt. 

Kompass: Ein Kompass hilft Ihnen, die 

Himmelsrichtung festzustellen, wenn Sie schon 

tagsüber vor Ort eintreffen oder wenn der Himmel 

bedeckt ist. 

Reinigungsutensilien: In der Dämmerung besteht 

ein wesentlich höheres Risiko von Streulicht als unter 

normalen Lichtverhältnissen. Um dies zu minimieren, 

müssen Ihre Objektive und Filter von Staub, Schmutz, 

Feuchtigkeit und Fingerabdrücken völlig frei sein. 

Warme, wetterfeste Kleidung: Im Morgengrauen ist 

es oft auch im Sommer kühl und auch wenn abends 

die Sonne hinter dem Horizont verschwunden ist fällt 

die Temperatur schnell ab. Kleiden Sie sich also 

entsprechend und denken Sie dabei auch an 

Handschuhe, um die Finger warmzuhalten. In 

Feuchtgebieten und an der Küste sind auch 

Gummistiefel keine schlechte Idee, denn damit können 

Sie sich auch im flachen Wasser bewegen und 

erweitern somit die Möglichkeiten für ihren 

Kamerastandort. 

Starke Taschenlampe: Wenn Sie einen 

Sonnenaufgang fotografieren wollen, treffen Sie in aller 

Regel noch bei völliger Dunkelheit vor Ort ein. Damit Sie 

in unwegsamem Gelände nicht auf die Nase fallen und 

womöglich ihre Ausrüstung beschädigen, brauchen Sie 

die Taschenlampe. Sie ist ebenso unverzichtbar, wenn 

Sie nach einem Sonnenuntergang eine größere 

Entfernung zum Auto zurück laufen müssen. 



HELEN DIXON 

SONNE AM HORIZONT 

Ganz gleich, wie oft wir den Anblick schon 

gesehen haben mögen, es hat jedes Mal aufs 

Neue etwas Faszinierendes, wenn die Sonne wie 

ein goldener Ball über dem Horizont hängt – fast 

unwiderstehlich greift man zur Kamera. Am 

eindrucksvollsten ist es, wenn die Sonne den 

Bildausschnitt ausfüllt. Dazu brauchen Sie ein 

Teleobjektiv, je länger desto besser, idealerweise 

mit einer Brennweite ab 400 mm. Andernfalls 

schneiden Sie das Bild später zu. Heutige 

Kameras liefern eine so hochwertige Bildqualität, 

dass sie durch das Zuschneiden den Effekt eines 

Teleobjektivs imitieren können. Sie können das 

Foto dann allerdings nicht mehr sehr stark 

vergrößern. 

Die besten Ergebnisse bekommen Sie, wenn es 

ein wenig dunstig oder sogar staubig ist. Das 

vermindert die Intensität der Strahlung und 

damit das Risiko von Streulicht, außerdem sieht 

die Sonne dann durch die stärkere Lichtbrechung 

in der Atmosphäre noch größer aus. Wenn die 

Sonne dicht über dem Horizont steht, sind die 

Chancen für diesen Effekt am größten. Ist die 

Sonne jedoch sehr hell und Sie können nicht in 

deren Richtung schauen, ohne die Augen 

zusammenkneifen zu müssen, fotografieren Sie 

auf keinen Fall, denn die Helligkeit wird durch 

die Optik der Kamera verstärkt und sie könnten 

Augenschäden davon tragen. Um die 

Bildkomposition interessanter zu machen, 

suchen Sie nach einzelnen Objekten wie einem 

Baum oder einem Boot im Wasser, um dem Bild 

einen Maßstab zu geben und gleichzeitig einen 

Fixpunkt zu erzeugen. Falls das Sonnenlicht 

durch Dunst ausreichend geschwächt ist, wird 

die Kamera korrekt belichtete Fotos liefern, ohne 

dass Sie die Belichtung korrigieren müssen. 

Meistens ist dies jedoch nicht der Fall, dann 

müssen Sie mit bis zu einer Blendenstufe positiv 

korrigieren. 

STADTANSICHTEN 

Großstädte mögen schmutzig und die meiste Zeit 

des Tages laut und hektisch sein. In der Dämmerung 

erleben Sie jedoch einen wundersamen Wandel und 

entfalten eine inspirierende Atmosphäre voller 

Gelegenheiten für eindrucksvolle Fotos. 

Frühmorgens finden Sie verlassene Straßen vor, in 

denen Sie einzelne Objekte im Gegenlicht der Sonne 

als Silhouetten fotografieren können. Fotografieren 

Sie den Verkehr, während dessen Auspuffgase von 

der aufgehenden Sonne indirekt angestrahlt werden, 

oder den aus Kraftwerkskühltürmen aufsteigenden 

weißen Wasserdampf in der kalten Morgenluft. 

Finden Sie einen hoch gelegenen Standpunkt und 

benutzen Sie ein Teleobjektiv, um die Perspektive zu 

komprimieren, damit soweit das Auge reicht, 

Gebäude unter einem pastellfarbenen Himmel zu 

sehen sind, wobei die Sonne langsam aufgeht. 

Es lohnt sich, auch die historischen Altstädte in der 

Dämmerung zu erforschen, denn dort gibt es 

wesentlich weniger Zeichen der Moderne und Sie 

können beispielsweise jahrhundertealte 

Fachwerkhäuser im ersten Tageslicht fotografieren. 

Doch auch Industriegebiete sind in der Dämmerung 

unerwartet fotogen, deswegen kommt es gar nicht 

so sehr darauf an, wo sie zuhause sind. 

Gegen Abend beginnen Sie zu fotografieren, sobald 

die Sonne untergeht und hören nicht auf, bis es 

dunkel ist. Es sieht fantastisch aus, wenn die Sonne 

untergegangen ist und der Himmel in den Glas- und 

Stahlstrukturen moderner Hochhäuser gespiegelt 

wird. Mit einsetzender Dämmerung schalten sich 

automatisch die Außenbeleuchtung vieler Gebäude 

und die Straßenbeleuchtung ein. Nun ist es an der 

Zeit, in Flutlicht getauchte Bauten und Denkmäler 

gegen den sich verdunkelnden Himmel zu 

fotografieren, die Spuren der Verkehrslichter des 

Feierabendverkehrs in den Straßen und die Massen 

der hastenden Berufspendler auf dem Weg zur 

Straßenbahn, zum Bus oder zur U-Bahn, wobei die 

menschlichen Körper in der Bewegung 

verschwimmen, was die Stimmung der Szene noch 

verstärkt. 

Suchen Sie sich einen erhöhten Standpunkt, von 

dem aus Sie die Skyline der Stadt zuerst mit einem 

Weitwinkel- und dann mit dem Telezoomobjektiv 

fotografieren können. Die in jeder Stadt vorhandene 

Lichtverschmutzung wird dem Himmel auf den 

Fotos auch dann noch faszinierende Farben 

verleihen, wenn er für das menschliche Auge längst 

dunkel geworden ist. 

LEE FROST 

DAS WETTER 

Es gibt einen Faktor, der mehr als alles andere 

entscheidet, ob ein Foto in der Dämmerung 

gelingt oder nicht: das Wetter, oder genauer 

gesagt: die Bewölkung. Nutzen Sie für den Tag, 

an dem Sie Ihre Foto-Session planen, 

möglichst Wettervorhersagen aus 

verschiedenen Quellen. 

Wenn die Wettervorhersage von einer 

Bewölkung von mehr als 50 % ausgeht, 

besteht eben diese Wahrscheinlichkeit von 50 

%, dass weder Sonnenaufgang noch 

irgendwelche Farben am Himmel zu sehen 

sein werden. Beträgt die Wahrscheinlichkeit 

mehr als 75 %, sollten Sie sich genau 

überlegen, ob sie ein Risiko eingehen wollen, 

dass 3:1 gegen sie steht. Andererseits sind 

Wettervorhersagen oft falsch und zumindest im 

Herbst und Winter brauchen Sie nicht zu einer 




völlig unchristlichen Zeit aufzustehen, um 

einen Sonnenaufgang zu sehen. Das 

Schlimmste, was Ihnen passieren kann, ist, 

dass sie aufstehen, losfahren und nach ein 

paar Kilometern feststellen, dass eine dichte 

Wolkendecke über ihrem Ziel hängt; also 

fahren Sie wieder zurück und genießen Ihr 

Frühstück. 

Doch selbst bei geringer Bewölkung ist es nicht 

ungewöhnlich, dass diese sich genau an der 

Stelle befi ndet, wo der Sonnenaufgang zu 

erwarten ist. In diesem Fall werden Sie 

wahrscheinlich nicht die erwünschten Bilder 

bekommen, doch Wolken bewegen sich am 

Himmel, und wenn Sie nicht zu dicht sind, 

können höher stehende Wolkenfelder trotzdem 

von der aufgehenden Sonne angestrahlt 

werden. Die besten Bilder werden Sie 

bekommen, wenn es mehrfach durchbrochene 

Wolken gibt, doch das lässt sich auch mit der 

genausten Wettervorhersage nicht ermitteln. 

In der Abenddämmerung haben Sie es 

einfacher, denn Sie kennen den Wetterverlauf 

des ganzen Tages und können fundierter 

entscheiden, ob es sich lohnt, das Projekt 

anzugehen oder nicht. 

Dichte Bewölkung im Westen ist ein nahezu 

untrügliches Zeichen, dass an diesem Tag der 

Sonnenuntergang für Sie jedenfalls nicht 

stattfi nden wird, doch wenn es sich um eine 

durchbrochene Wolkendecke handelt, sieht die 

Sache anders aus. Es kann Ihnen passieren, 

dass sie an Ort und Stelle ankommen und alles 

dermaßen hoffnungslos aussieht, dass sie 

sofort wieder umdrehen und zurück fahren, nur 

um nach ein paar Kilometern einen 

spektakulären Sonnenuntergang zu sehen – im 

Rückspiegel Ihres Autos. 



LEE FROST 

DER GOLDENE SCHUSS … 

Konzentrieren Sie sich nicht ausschließlich auf 

den Sonnenaufgang oder Sonnenuntergang, den 

Sie fotografieren, sodass Sie alles andere um Sie 

herum vergessen. Wenn die Sonne gerade über 

den Horizont gestiegen ist, oder kurz bevor Sie 

dahinter verschwindet, drehen Sie sich einmal 

langsam im Kreis und achten genau darauf, ob 

das Sonnenlicht nicht irgendwo anders einen 

guten Effekt erzeugt. Oftmals entdecken Sie so 

eine Landschaft in wahrhaft goldenem Licht 

erstrahlen. Dies ist aber nur möglich, wenn Sie 

aufmerksam schauen und nicht nur damit 

beschäftigt sind, den Himmel in die geplante 

Bildkomposition einzubauen, ohne zu bemerken, 

was hinter Ihnen vorgeht. 

Besonders schön werden Aufnahmen der niedrig 

stehenden Sonne, wenn Oberflächenstrukturen 

im Vordergrund erkennbar sind, beispielsweise ein 

gewellter Sandstrand bei Ebbe oder Sanddünen in 

einer Wüste. Um solche Oberflächenstrukturen 

detailliert ins Bild zu bekommen, fotografieren Sie 

mit der Sonne rechts oder links der Kamera, damit 

Schatten über den Himmel fallen. Oft haben sie 

ohnehin gar keine andere Möglichkeit, denn wenn 

Sie mit dem Rücken zur Sonne stünden, würde ihr 

eigener Schatten ins Bild fallen. Szenen, die frontal 

von vorn beleuchtet werden, haben mehr 

goldenes Glühen; doch da die Schatten von der 

Kamera weg fallen, können solche Fotos auch 

sehr flach aussehen. 

Falls Sie einen Polfilter verwenden, werden Sie 

feststellen, dass es viel effizienter ist, wenn die 

Sonne im rechten Winkel zur Kamera scheint als 

direkt von hinten. Das Licht ist am Ende des Tages 

intensiver als zu Beginn. Eine dichtere 

Atmosphäre und verstärkter Dunst – auch durch 

Abgase – bewirken eine größere Lichtbrechung 

der Sonnenstrahlen. Nicht umsonst wird die 

Stunde vor Sonnenuntergang die goldene Stunde 

genannt. An einem klaren Spätnachmittag lohnt 

es sich, schon lange vor Sonnenuntergang zur 

Stelle zu sein, um dieses magische Licht 

einzufangen, solange die Sonne noch am Himmel 

steht. Und wenn sie auch ganz unspektakulär 

hinter dem Horizont verschwindet, können Sie 

vorher noch großartige Aufnahmen machen. 

OUTDOOR-PORTRÄTS 

Bei Dämmerung lassen sich nicht nur wunderbare 

Landschaftsfotos schießen, auch für stimmungsvolle 

Porträts ist das Licht hervorragend geeignet. In den ersten 

Minuten nach Sonnenaufgang und den letzten Minuten 

vor Sonnenuntergang ist das Licht so warm, dass alles 

einen goldenen Schein erhält. Ihr Modell braucht sich nur 

mit dem Gesicht zur Sonne zu drehen, und das Licht 

bringt die Augen durch die Reflexionen zum Funkeln. Ist 

das Sonnenlicht noch zu hell, fotografieren Sie mit 

seitlichem Licht, wobei auf der gegenüberliegenden Seite 

ein Reflektor zum Einsatz kommt, um das Sonnenlicht auf 

die Schattenseite des Gesichts zurück zu werfen. Befindet 

sich die Sonne bereits unter dem Horizont und ist ein 

farbenprächtiger Himmel zu sehen, benutzen Sie den 

Himmel als Hintergrund und beleuchten das Modell mit 

einem Aufhellblitz. Die Blitzleistung darf nur schwach 

sein, damit man auf dem Foto nicht erkennt, dass geblitzt 

wurde. Ein Verhältnis von 1:4 zwischen Blitz und 

Umgebungslicht sollte diesen Effekt erzielen. 

Probieren Sie auch ein Porträt als Silhouette. Das Glühen 

des Himmels projiziert Licht und Farbe auf ihr Modell, 

und wenn Sie schrittweise die Belichtung korrigieren, 

können Sie diesen Effekt einfangen, ohne die Wärme des 

Himmels zu verlieren. 

ISTOCKPHOTO 

VERLAUFSFILTER 

Ein weiterer wichtiger Faktor beim Fotografi eren 

in der Dämmerung besteht darin, dass der 

Helligkeitsunterschied zwischen Himmel und 

Landschaft oft größer ist tagsüber. Das gilt 

besonders für die Zeit vor Sonnenaufgang und 

nach Sonnenuntergang, wenn kein direktes 

Licht auf die Landschaft scheint, der Himmel 

aber noch sehr hell ist. Das gilt auch, wenn die 

Sonne sich nah am Horizont befi ndet, doch von 

einer Wolke verdeckt wird. Wenn Sie in dieser 

Situation „normal“ fotografi eren, bekommen 

Sie entweder einen korrekt belichteten Himmel 

und einen stark unterbelichteten Vordergrund 

oder einen korrekt belichteten Vordergrund und 

einen überbelichteten Himmel. Wenn Sie 

Objekte des Vordergrunds als Silhouetten 

gegen den Himmel abbilden wollen, ist das 

kein Problem, doch wenn Sie 

Vordergrunddetails und gleichzeitig das 

dramatische Farbenspiel des Himmels im Bild 

haben wollen, müssen sie dem 

Belichtungsmess-System der Kamera ein 

wenig unter die Arme greifen. 



LEE FROST 

Eine Möglichkeit besteht darin, zwei identische 

Aufnahmen vom Stativ aus zu machen – eine 

mit korrekter Belichtung für den Himmel, die 

andere mit korrekter Belichtung für den 

Vordergrund – und beide Bilder später zu 

kombinieren. Die zweite Möglichkeit ist, eine 

Serie mit Belichtungskorrektur der Einzelbilder 

von etwa -2 Blendenstufen bis +2 

Blendenstufen in Schritten von einer halben 

Blendenstufe zu schießen und die Einzelbilder 

ebenfalls später zu kombinieren. In diesem Fall 

benötigten Sie dazu ein Programm wie 

Photomatix Pro, das die korrekt belichteten 

Teile der Einzelbilder benutzt und diese zu 

einem neuen, nun insgesamt korrekt 

belichteten Foto kombiniert. Beide Methoden 

kommen in etwa zu demselben Ergebnis, doch 

beide benötigen auch relativ viel Zeit am 

Computer. 

Viel schneller und einfacher geht es mit einem 

Grauverlaufsfilter, mit dem sie den Himmel 

abdunkeln, damit er mit denselben 

Einstellungen belichtet werden kann, wie der 

Vordergrund. So bekommen Sie bereits ein 

perfektes Ergebnis direkt aus der Kamera und 

brauchen später nur wenig nachzubearbeiten. 

Grauverlaufsfilter gibt es in unterschiedlichen 

Stärken, üblicherweise mit den Werten 0.3, 

0.6 und 0.9, welche die Helligkeit des 

Himmels jeweils um eine, zwei und drei 

Blendenstufen reduzieren. In der Dämmerung, 

wenn der Himmel besonders hell ist – 

verglichen mit dem Vordergrund – werden Sie 

generell den 0.9ND Verlaufsfilter brauchen, um 

ausgewogene Helligkeitsverhältnisse zu 

bekommen. Falls der Vordergrund jedoch aus 

Wasser oder nassem Sand besteht, wird sehr 

viel der Helligkeit des Himmels reflektiert 

werden und der ein 0.6ND Filter dürfte 

ausreichen. Wenn Sie sich nicht sicher sind, 

benutzen Sie den 0.6ND Filter zuerst und 

schauen sich das Bild in der Vorschau auf dem 

Kameramonitor an. Himmel und Vordergrund 

müssen „richtig“ aussehen. Die Spitzlicht- 

Warnung der Kamera sollte eingeschaltet sein, 

damit sie erkennen können, ob etwa Teile des 

Himmels überbelichtet sind. Ist dies der Fall, 

verwenden Sie den stärkeren 0.9ND 

Grauverlaufsfilter. 

Es gibt harte und weiche Verlaufsfilter. In der 

Dämmerung eignen sich harte Verlaufsfilter 

besser, denn sie haben einen abrupten 

Übergang vom dunklen zum neutralen Bereich 

– und genau das brauchen Sie, denn an der 

Horizontlinie ist der Himmel am hellsten. Bei 

weichen Verlaufsfiltern ist der Übergang zur 

neutralen Zone des Filters weicher, daher 

haben weiche Filter nicht den gewünschten 

Effekt auf einen grellen Horizont. 

Der Einsatz von Verlaufsfiltern ist ganz einfach: 

Sie montieren die Kamera auf das Stativ und 

schieben, während Sie durch den Sucher oder 

auf den LCD-Monitor schauen, den 

Verlaufsfilter in seinem Halter nach unten, bis 

der Verlaufsbereich den Himmel bis zum 

Horizont abdeckt. Die Belichtung können Sie 

getrost der Kamera überlassen; benutzen Sie 

dazu die Mehrfeldmessung und 

Blendenautomatik. Das Bild sollte auf Anhieb 

gelingen, denn der Verlaufsfilter senkt den 

Kontrast der Szene und ermöglicht dem 

Belichtungsmesssystem, die passenden 

Einstellungen zu finden. Falls das Bild zu 

dunkel wird, stellen Sie einfach 1/3 oder 2/3 

Stufen Korrektur ein. 



LANGE BELICHTEN 

Während der Dämmerung sind die 

Lichtverhältnisse logischerweise nicht 

überragend, außerdem verschlechtern sie 

sich zunehmend bis zum Einbruch der 

Nacht. Wenn Sie also mit mittleren bis 

kleinen Blenden und/oder geringen 

ISO-Werten fotografi eren, wird die 

Verschlusszeit etliche Sekunden, oft sogar 

mehrere Minuten lang. Bei Motiven wie 

bewegtem Wasser oder im Wind 

wiegenden Bäumen bilden lange 

Verschlusszeiten diese Bewegung ab. Sie 

werden jedoch oft feststellen, dass Ihre 

Verschlusszeiten nicht lang genug sind, 

besonders bei ruhigem Wetter, also 

müssen Sie noch länger belichten. 

Hier kommen Verlaufsfi lter ins Spiel. Sie 

sorgen dafür, dass das in das Objektiv 

einfallende Licht so reduziert wird, dass 

Sie den Verschluss länger öffnen müssen. 

Wie lange genau, hängt von der Stärke des 

Filters ab: Ein Filter der Stärke 0.3ND 

dunkelt das Objektiv um eine Blendenstufe 

ab, bewirkt also eine Verlängerung der 

Verschlusszeit um das Doppelte. Ein 

0.6ND Filter dunkelt zwei Blendenstufen 

ab, vervierfacht also die Verschlusszeit und 

ein 0.9ND Filter schließlich verdunkelt das 

Bild um drei Blendenstufen. Sie können 

zwei Graufi lter aufeinander schrauben, um 

noch höhere Werte zu erreichen. Die 

Farben werden durch die Filter bis zu 

einem gewissen Schwellenwert nicht 

beeinfl usst, deswegen werden Graufi lter 

auch Neutraldichtefi lter genannt (ND), ein 

Ausdruck, der jedoch wenig gebräuchlich 

ist. Ab einer Filterstärke von vier 

Blendenstufen können jedoch 

Farbverschiebungen auftreten. Das macht 

aber nichts, denn in der Dämmerung 

sorgen solche Verschiebungen sogar für 

eine Verbesserung des Bildes. Außerdem 

lassen Sie sich, wenn Sie wollen, in der 

Nachbearbeitung leicht korrigieren. 

Extreme Graufi lter mit einer Dichte von 

zehn Blendenstufen dienen dazu, die 

Verschlusszeit auf mehrere Minuten zu 

verlängern, wobei sich bewegende Wolken 

und Gewässer nur noch als watteähnliche 

Struktur dargestellt werden. Das kann dem 

Bild etwas Träumerisches, Übernatürliches 

verleihen, doch da die Lichtverhältnisse 

ohnehin schon ziemlich schlecht sind, 

können solch extreme Graufi lter zu 

Verschlusszeiten von 15 Minuten und 

länger führen, was nicht jedermanns 

Sache ist. Normalerweise sollten jedoch 

2–3 Minuten ausreichen; das hat den 

angenehmen Nebeneffekt, dass Sie in der 

ohnehin nur kurzen Zeit, die Ihnen zur 

Verfügung steht, mehr Fotos machen 

können. 

ADAM BURTON 

Belichtungstabelle für Verlaufsfilter 

Ungefilterte 

Belichtung 

Einstufiger 

Verlaufsfilter 

Zweistufiger 


Dreistufiger 


Vierstufiger 


Fünfstufiger 


Sechsstufiger 


Siebenstufiger 


Achtstufiger 


Neunstufiger 


Zehnstufiger 


1/15 Sekunde 1/8 Sekunde 1/4 Sekunde 1/2 Sekunde 1 Sekunde 2 Sekunden 4 Sekunden 8 Sekunden 16 Sekunden 32 Sekunden 1 Minute 

1/8 Sekunde 1/4 Sekunde 1/2 Sekunde 1 Sekunde 2 Sekunden 4 Sekunden 8 Sekunden 16 Sekunden 32 Sekunden 1 Minute 2 Minuten 

1/4 Sekunde ½ Sekunde 1 Sekunde 2 Sekunden 4 Sekunden 8 Sekunden 16 Sekunden 32 Sekunden 1 Minute 2 Minuten 4 Minuten 

½ Sekunde 1 Sekunde 2 Sekunden 4 Sekunden 8 Sekunden 16 Sekunden 32 Sekunden 1 Minute 2 Minuten 4 Minuten 8 Minuten 

1 Sekunde 2 Sekunden 4 Sekunden 8 Sekunden 16 Sekunden 32 Sekunden 1 Minute 2 Minuten 4 Minuten 8 Minuten 16 Minuten 



LEE FROST 

WASSER MACHT DEN 

UNTERSCHIED 

Die Hauptattraktion des Fotografierens in der 

Dämmerung sind die Farben – je mehr davon, 

desto besser. Zu einem traumhaften 

Sonnenuntergang gehört ein Himmel, bedeckt mit 

einer durchbrochenen Wolkendecke, die durch 

die Sonne von unten angestrahlt wird und eine 

Farbenpracht entstehen lässt, die von Gelb über 

Orange bis hin zu Blutrot und Violett reicht. Doch 

gekrönt wird eine solche Szene, wenn ein 

Gewässer im Bild ist. Die Spiegelung der 

Farbenpracht des Himmels in einem See oder im 

ruhigen Meer erhöht die Atmosphäre eines 

solchen Fotos ungemein, und Sie haben ohne 

weiteres Zutun einen attraktiven Vordergrund. Bei 

einem anderen, nicht reflektierenden Vordergrund 

erfordert es viel fotografisches Geschick, dafür zu 

sorgen, dass dieser gegenüber der Farbenpracht 

des Himmels nicht langweilig wirkt. Doch schon 

ein Bach, ein Kanal oder besser noch ein Fluss 

vermeiden dieses Problem und können außerdem 

noch als Führungslinien dienen. Auch ein noch 

nasser Sandstrand bei Ebbe macht sich sehr gut 

als Vordergrund; er wird den Himmel nicht 

spiegeln, doch er wird dessen Farbe annehmen. 

Besondere Aufnahmetechniken im 

Zusammenhang mit Gewässern in der 

Dämmerung gibt es nicht. Sie müssen lediglich 

darauf achten, dass Sie nicht aufgrund der 

Gesamthelligkeit der Szene das Foto 

unterbelichten. Um das zu vermeiden, können Sie 

einen 0.3ND Grauverlaufsfilter benutzen, mit 

dem Sie nicht nur den Himmel, sondern die 

gesamte Szene bis hinunter zum Horizont 

abdecken – das gibt Ihnen den Spielraum für ein 

wenig Extrabelichtung der Reflexionen, damit 

diese nicht zu dunkel erscheinen. 

SILHOUETTEN 

Zu den eindrucksvollsten und doch am einfachsten zu 

fotografierenden Motiven gehören Silhouetten in der 

Dämmerung. Jedes solide Objekt, das sich zwischen Ihnen 

und der Sonne oder dem Himmel befindet, wird als 

Silhouette abgebildet, weil es sich vor einem sehr hellen 

Hintergrund befindet, während aus Ihrer Blickrichtung kein 

Licht kommt. Menschen, Boote im Wasser, ein Leuchtturm, 

eine Windmühle, Bäume, Tiere – alles mit einem 

charakteristischen Umriss eignet sich dazu, als Silhouette 

aufgenommen zu werden, weiter entfernte Objekte 

vergrößern Sie mit einem Telezoom. Halten Sie die 

Bildkomposition einfach und achten Sie darauf, dass 

genügend Abstand zwischen den Objekten bleibt, denn 

überlappende Formen verschmelzen zu einer Silhouette und 

sind dann nicht mehr identifizierbar. Wenn Sie Ihre Kamera 

auf Zeitautomatik eingestellt haben, können Sie getrost alles 

der Kamera überlassen und gute Ergebnisse erwarten. 

Allerdings mit einer Ausnahme: Falls die Sonne im Bild ist, 

besteht das Risiko des Unterbelichtens. Das können Sie 

aber mit etwas positiver Belichtungskorrektur leicht 

kompensieren. 

LEE FROST 



EFFIZIENTE VORBEREITUNG 

Die Zeit der Dämmerung ist kurz, und die 

Lichtverhältnisse ändern sich von Minute zu 

Minute. Doch gerade darin liegt der Reiz, denn 

jede Minute bietet neue fotografische 

Möglichkeiten. Die Farben werden intensiver, 

ändern sich und verblassen schließlich; die 

Sonne kann sich in Sekunden hinter einer Wolke 

verbergen und wieder hervorkommen. 

Seien Sie also rechtzeitig vor Ort – wenigstens 40 

Minuten vorher. In der Morgendämmerung zeigt 

der Himmel oft schon seine schönsten Farben, 

noch bevor die Sonne aufgegangen ist. In der 

Abenddämmerung beginnen die schönsten 

Farbspiele etwa 1 Stunde vor Sonnenuntergang. 

Ein großer Vorteil der Digitalkameras besteht 

darin, dass Sie gleich an Ort und Stelle wissen 

können, wenn Ihnen eine großartige Aufnahme 

gelungen ist. So können Sie sofort das Objektiv 

wechseln oder Ihren Standpunkt und auch die 

Bildkomposition ändern, um sich auf eine neue 

Variation des Motivs zu konzentrieren. 

Verwenden Sie eine kürzere oder längere 

Brennweite als zuvor, variieren Sie den 

Vordergrund, neigen Sie die Kamera nach oben, 

um den Himmel zu betonen, fotografieren Sie im 

Hoch- anstatt im Querformat, schießen Sie eine 

Serie oder ein Panorama – kurz: lassen Sie 

Fantasie und Kreativität freien Lauf. Denken Sie 

dabei auch an die hinter Ihnen liegende 

Landschaft… 

Es ist ohne Weiteres möglich, in der zur 

Verfügung stehenden Zeit ein Dutzend oder 

mehr gute Fotos zu machen, Sie dürfen nur nicht 

trödeln. Hier ein Beispiel zur Veranschaulichung 

von Lee Frost. Er machte sich an einem 

vielversprechenden Tag auf, um ein paar 

Dämmerungsbilder zu schießen, und hatte sich 

eine Stelle bei Alnmouth an der Nordseeküste 

von Northumberland ausgesucht. 

4 

1) In dieser Bildkomposition ist der Himmel sehr stark 

betont, ein altes Fischerboot dominiert den Vordergrund, 

und im Hintergrund dient Church Hill als Fixpunkt. Ein 

harter 0.6ND Grauverlaufsfilter sorgt für eine ausgewogene 

Belichtung sowohl des Himmels sowie des Vordergrunds. 

2) Da die Kamera leicht nach links gedreht ist, befinden 

sich auch einige Häuser des Dorfes im Bild und das am 

Bug des Bootes befestigte Tau dient als subtile 

Führungslinie. 

3) Diese Aufnahme von der Seite des Bootes ändert dessen 

Beziehung zu den restlichen Bildelementen und ist dank 

des verwendeten Weitwinkelobjektivs, das den Himmel mit 

seinen Wolkenformationen dominieren lässt, gut 

ausgewogen. 

4) Der Himmel verändert sich permanent, und Lee kehrt zu 

seinem ursprünglichen Kamerastandpunkt zurück, um das 

Boot zwischen dem Berg und den Häusern zu fotografieren. 

5) Mit der hereinkommenden Flut werden die Spiegelungen 

in der ruhigen Wasseroberfläche deutlicher. Die 40:60 

Aufteilung zwischen Himmel und Vordergrund ergibt eine 

einfache Bildkomposition. Die Position des Verlaufsfilters 

vor dem Objektiv wurde natürlich entsprechend angepasst. 

6) Die nach oben geneigte Kamera lenkt die 

Aufmerksamkeit des Betrachters vom Vordergrund zum 

Himmel. Das in mittlerer Entfernung befindliche Boot sorgt 

für einen Maßstab, während der auf einer Drittellinie 

liegende Horizont für eine ausgewogene Bildkomposition 

sorgt. 

7) Mit dem Boot hinter der Kamera ergibt sich ein besserer 

Eindruck der Dämmerung, wobei der Kanal in der Mitte des 

Bildes die Horizontlinie unterbricht und Vorder- und 

Hintergrund zusammenführt. 

1 

2 

3 

5 

6 

7 


8 Hier erscheint das Boot 

prominenter im Bildausschnitt, und 

das Hochformat lässt genug Raum 

nach oben, um den Himmel zu 

betonen. Das vom Bug des Bootes 

hängende Tau dient als subtile 

Führungslinie, die den Blick in die 

Szene führt.

IMAGE: HELEN DIXON 

KÜSTEN- 

LANDSCHAFTEN 

DIE DEUTSCHEN KÜSTEN SIND ZWISCHEN 1200 UND 1600 KILOMETER LANG – JE NACH SICHT DER DINGE. 

MIT INSELN UND MEERESARMEN KOMMT DAS „CIA WORLD FACTBOOK“ GAR AUF ERSTAUNLICHE 2389 

KILOMETER, AMERIKA HAT ES EBEN GERNE ETWAS GRÖSSER. IN JEDEM FALL SIND DEUTSCHLANDS KÜSTEN 

LANG GENUG FÜR ÄUSSERST ABWECHSLUNGSREICHE LANDSCHAFTEN, DIE SICH FÜR FOTOGRAFEN ZU 

ALLEN JAHRESZEITEN, WETTERLAGEN UND TAGESZEITEN LOHNEN…

FOTOGRAFIEREN IN KÜSTENLANDSCHAFTEN 

Nah am Wasser: 

Die richtige 

Ausrüstung 

FÜR GUTE FOTOS VON LANDSCHAFTEN AN 

KÜSTEN BRAUCHEN SIE ZUERST DAS PASSENDE 

EQUIPMENT. 

WAHL DES OBJEKTIVS 

Die Brennweite ihres Objektivs beeinfl usst sehr stark die 

Wirkung der Küstenlandschaften auf Ihren Fotos, 

deswegen sollten Sie das Objektiv mit Bedacht 

auswählen. Ein Telezoom im Bereich von 70–200 mm 

ist handlich, vielseitig und daher gut geeignet. Mit der 

langen Brennweite fangen Sie sich an Felsen brechende 

Wellen oder weit entfernte Fixpunkte ein: eine Hallig, 

einen einsamen Spaziergänger oder einen Leuchtturm. 

Längere Brennweiten eignen sich auch gut, um die 

Perspektive zu komprimieren, wenn 

Hintergrundelemente stärker dominieren sollen. 

100 mm Brennweite sind gut für Details am Strand, wie 

Muster im Sand und interessant strukturierte 

Felsformationen. Natürlich deckt das Telezoom die 

100 mm ab, doch in diesem Fall ist ein Makroobjektiv 

die bessere Wahl, erstens wegen der höheren 

Lichtstärke, zweitens weil Sie damit auch Details wie 

Seetang, Muscheln usw. formatfüllend abbilden 

können. 

Abgesehen von den bisher erwähnten Brennweiten geht 

es nicht ohne ein Weitwinkelobjektiv, am fl exibelsten 

sind Sie im Bereich von 17–35 mm. Kurze Brennweiten 

haben immer einen sehr großen Schärfentiefebereich 

und eignen sich deshalb besonders gut für Motive mit 

viel räumlicher Tiefe, die sowohl im Vordergrund als 

auch im Hintergrund attraktive Bildelemente bieten. Der 

einzige Nachteil von Weitwinkelobjektiven am Strand 

besteht darin, dass Sie sehr nah an Ihr Motiv 

herangehen müssen, was manchmal schwer machbar 

ist, beispielsweise wenn die Flut kommt. In solchen 

Fällen ist ein 24–70 mm Zoomobjektiv die bessere 

Wahl; sein Bildfeld ist immer noch weit genug für 

großfl ächige Szenen und vergrößert zugleich stark 

genug, um aus sicherer Entfernung arbeiten zu können. 

FILTER 

Um allen Situationen gerecht zu werden, 

benötigen Sie drei verschiedene Sorten Filter: einen 

Polfilter, einen Grauverlaufsfilter und wenigstens 

zwei Graufilter. Mit dem Polfilter können Sie 

Reflexionen reduzieren und die Farbsättigung 

erhöhen. Der Grauverlaufsfilter ist ein 

Korrekturfilter, der den Kontrastunterschied 

zwischen Himmel und Vordergrund so weit 

reduziert, dass der Dynamikbereich der Kamera 

nicht überschritten wird. Erst dadurch wird es 

möglich, auch bei kontraststarken Motiven Details 

abzubilden. Graufilter zählen zu den Filtern, 

welche die kreativen Möglichkeiten des Fotografen 

erweitern. Sie reduzieren die ins Objektiv fallende 

Lichtmenge und verlängern so die benötigte 

Verschlusszeit. Damit können Sie Wasser in 

Bewegung bewusst unscharf abbilden, und das 

Bild wirkt weniger statisch. 




WEITERES NÜTZLICHES ZUBEHÖR 

Fernauslöser: Das Auslösen des Verschlusses 

mit dem Zeigefinger kann zu – wenn auch 

minimaler – Verwacklung der Kamera führen, 

deshalb ist es sinnvoll, einen Fernauslöser zu 

verwenden, ganz gleich ob mit Kabel oder 

drahtlos. Er ist auch im B-Modus sehr nützlich, 

wenn Sie Verschlusszeiten von mehr als 30 

Sekunden benutzen. 

UV-Filter: UV-Filter absorbieren ultraviolettes 

Licht und haben gleichzeitig den an der Küste 

vielleicht noch wichtigeren Effekt, dass sie die 

Frontlinse des Objektivs vor Salzwasser und Sand 

schützen. 

Reinigungstuch: Haben Sie immer ein 

spezielles Reinigungstuch für die Frontlinse – oder 

den UV-Filter – zur Hand, damit Sie Feuchtigkeit 

auf der Kameraoptik sofort entfernen können. 

LEE FROST 

STATIV 

Vergessen Sie ihr Stativ nicht, denn sonst schränken Sie 

Ihre kreativen Möglichkeiten stark ein. Lange 

Verschlusszeiten sind nur mit Stativ möglich. Es sollte sehr 

stabil sein, denn filigrane Leichtgewichte können durch 

eine stärkere Welle oder einen Windstoß schnell 

umgeworfen werden. Wenn Sie am Strand fotografieren, 

drücken Sie die Stativbeine tief in den Sand, um die 

Stabilität zu erhöhen. Andernfalls könnte das Stativ 

während der Aufnahme durch sein Eigengewicht in den 

Sand einsinken, was das Foto verderben würde. 

Vergessen Sie nicht, das Stativ von Salz und Sand zu 

reinigen, wenn Sie wieder zuhause sind. Das gilt 

besonders für die Federn und Verriegelungen. Auch ein 

Tropfen Öl von Zeit zu Zeit schadet nicht. 

WETTERFESTE KLEIDUNG 

Wenn sie nass geworden sind und zu frieren beginnen, wird sich Ihre Kreativität 

in engen Grenzen halten. Warme, wetterfeste Kleidung ist deshalb nicht nur im 

Winter besonders wichtig. Greifen Sie deshalb auch dann, wenn es nicht 

besonders kalt zu sein scheint, zu langer Unterwäsche und Wollsocken. Eine 

gute, wind- und wasserdichte Jacke ist nicht ganz billig, erweist sich jedoch 

langfristig als gute Investition in Ihre Gesundheit. Es gibt spezielle Modelle mit 

mehreren übergroßen Außentaschen für Fotografen, in denen Ersatzbatterien, 

Gegenlichtblende, Filter etc. geschützt untergebracht werden können, aber 

trotzdem schnell zur Hand sind. Tragen Sie bei kaltem Wetter einen Hut, denn 

die meiste Körperwärme verliert man durch den Kopf. Auch Handschuhe sollten 

nicht fehlen, die aber dünn genug sind, um die Kamera bedienen bzw. Objektive 

und Filter wechseln zu können. 

Passendes Schuhwerk sollte sich eigentlich von selbst verstehen. Wanderstiefel 

sind zu empfehlen, wenn Sie den Wellen fernbleiben – sie sind bequem, warm 

und stützen die Fußgelenke, wenn Sie über Felsen klettern. Leider sind jedoch 

die besten Kamerastandpunkte oft nah an der Wasserlinie und das bedeutet, Sie 

brauchen Gummistiefel. Die sind zwar weniger bequem, aber Ihre Füße bleiben 

trocken. 



BELICHTUNG UND VERSCHLUSSZEITEN 

In der Landschaftsfotografie bevorzugen wir 

normalerweise die Zeitautomatik, damit die 

Schärfentiefe sowohl Vorder- als auch Hintergrund 

erfasst. Beim Fotografieren an Küsten sieht es 

etwas anders aus, denn Sie müssen die 

Verschlusszeit stärker berücksichtigen: Sie 

beeinflusst, wie die bewegte Meeresoberfläche 

abgebildet wird, und damit die Stimmung des 

Bildes. 

Die Verschlusszeit hängt von der Szene ab, die Sie 

fotografieren und von dem Effekt, den Sie erreichen 

wollen. Wollen Sie beispielsweise starke Wellen 

einfangen, die sich an einer Felsenküste brechen, 

brauchen Sie eine schnelle Verschlusszeit, um die 

emporschießende Gischt einzufrieren. Das bedeutet 

Verschlusszeiten zwischen 1/500 und einer 

1/2000 Sekunde, je nachdem, wie aufgewühlt das 

Meer ist und wie die Wellen im Sucherbild 

erscheinen. Je höher sie sind und je kürzer die 

Entfernung, desto kürzer die erforderliche 

Verschlusszeit. 

Am anderen Ende der Verschlusszeitskala befindet 

sich die Langzeitbelichtung, eine adäquate 

Aufnahmetechnik, wenn sie Aufnahmen an der 

Küste bei schlechten Lichtverhältnissen machen 

wollen – besonders in der Dämmerung. In diesem 

Fall stellen Sie eine Verschlusszeit zwischen einigen 

Sekunden bis zu ein paar Minuten ein. Dann wird 

die Wasserbewegung weich und dynamisch 

dargestellt, was schön zu statischen Bildelementen 

wie Felsen, einem Bootssteg im Hintergrund oder 

einem Gebäude kontrastiert. 

Selbstverständlich gibt es zwischen extremer 

Kurzzeit- und extremer Langzeitbelichtung zahllose 

Variationen. Es lohnt sich, mit unterschiedlichen 

Verschlusszeiten bei unterschiedlichen Tageszeiten 

und Wetterverhältnissen zu experimentieren, damit 

Sie sehen können, wie die Abbildung des Meeres 

dadurch beeinflusst wird. Dank der Digitaltechnik 

können Sie jedes Bild sofort überprüfen und 

gegebenenfalls mit kürzerer oder langsamerer 

Verschlusszeit neu schießen. Der „milchige“ Effekt 

des Meeres sieht großartig aus, doch widerstehen 

Sie der Versuchung, ausschließlich lange 

Verschlusszeiten zu benutzen. Manche Details der 

Wasseroberfläche wirken noch besser und um die 

ins Bild zu bekommen, brauchen Sie mit 

Weitwinkelobjektiv nur eine Verschlusszeit von 

1/4 oder einer 1/2 Sekunde. In der Dämmerung 

bekommen Sie den milchigen Effekt mit 

Verschlusszeiten zwischen 30 und 60 Sekunden. 

Schauen Sie, was passiert, wenn Sie dieselbe 

Szene nur fünf oder 10 Sekunden lang belichten. 

Auch der Zeitpunkt, wann Sie abdrücken, ist sehr 

wichtig, jedenfalls bei kurzen Verschlusszeiten. 

Wenn sich beispielsweise weißer Schaum auf dem 

Meer gebildet hat wirkt ein Bild besser, wenn bei 

einer abfließenden anstatt einer heranrollenden 

Welle ausgelöst wird. 

Die Zeitautomatik ist nach wie vor die praktischste 

Betriebsart, denn damit können Sie über die Blende 

den Schärfentiefebereich steuern. Bei den meisten 

Weitwinkeln benutzen Sie einen Blendenwert 

zwischen f/11 und f/16. Ist die sich daraus 

ergebende Verschlusszeit zu lang, wählen Sie 

entweder eine größere Blende – vorausgesetzt, der 

Schärfentiefebereich leidet nicht zu sehr darunter 

– oder Sie erhöhen die ISO-Empfindlichkeit der 

Kamera. Diese Möglichkeit ist oft die einzige, die 

Ihnen zur Verfügung steht. Versuchen Sie jedoch 

einen ISO-Wert von 400 nicht zu überschreiten, 

denn sonst leidet die Bildqualität. Wenn Sie jedoch 

eine besonders dramatische Szenerie vorfinden, 

können Sie das vernachlässigen und den 

benötigten hohen ISO-Wert einstellen. Oftmals 

unterstreicht das im Bild als Körnung sichtbar 

werdende Bildrauschen die natürliche Dramatik 

des Motivs. 

Falls Sie einen gewünschten Effekt auch mit einer 

besonders langen Verschlusszeit, mit kleinster 

Blende und niedrigster ISO Empfindlichkeit nicht 

erreichen können, wird es Zeit, einen Filter 

aufzuschrauben – einen Graufilter in diesem Fall. Je 

höher dessen Dichte, desto länger wird die 

resultierende Verschlusszeit. Zwei Graufilter, einer 

mit 0.6ND (zwei Blendenstufen) und einer mit 

0.9ND (drei Blendenstufen) sollten ausreichen, 

denn Sie können Sie einzeln oder gleichzeitig 

benutzen. Nicht vergessen werden sollte der 

zehnstufige Graufilter, der sich bei vielen kreativen 

Fotografen inzwischen einen geradezu legendären 

Status erworben hat. Mit ihm können Sie den 

Verschluss minutenlang offen halten und ihre 

Küstenszenen in regelrechte Meisterwerke 

verwandeln. 

AUSWIRKUNGEN UNTERSCHIEDLICHER 

VERSCHLUSSZEITEN: Diese Bildreihe zeigt die 

Auswirkungen unterschiedlicher Verschlusszeiten auf die 

Abbildung sich bewegenden Wassers. Die ersten 

Aufnahmen sehen eher langweilig aus, weil das Meer 

fast eingefroren scheint und die Oberfläche von 

störenden Mustern bedeckt ist. Ab 1 Sekunde jedoch 

beginnt es zu verschwimmen und bei 8 Sekunden sieht 

es sehr weich aus. Die längeren Belichtungen zwischen 

30 und 120 Sekunden lassen das Meer übernatürlich 

aussehen und die alte Buhne sorgt fast schon für einen 

3-D Effekt - heutzutage sehr populär, doch nicht 

jedermanns Sache. Welche Aufnahme bevorzugen Sie? 

1/60 Sek 

1/15 Sek 

2 Sekunden 8 Sekunden 15 Sekunden 



1/8 Sek 1/2 Sek 1 Sekunde 

ALL IMAGES: LEE FROST 

30 Sekunden 60 Sekunden 

120 Sekunden 



BILDKOMPOSITION 

In Küstenlandschaften sind folgende Faktoren 

für die Bildkomposition zu berücksichtigen: 

Welche Vordergrundelemente und Fixpunkte 

sind vorhanden? Fotografi eren Sie bei 

auslaufendem oder ablaufendem Wasser, und 

wie viel Wasser soll überhaupt im Bild zu sehen 

sein? Wie sind die Lichtverhältnisse und die 

Position der Sonne? Welche Stimmung wollen 

Sie mit dem Bild erzeugen? Wenn Sie an einem 

Ihnen bereits bekannten Ort sind, haben Sie 

vielleicht eine genaue Vorstellung dessen, was 

Sie fotografi eren wollen: das Panorama eines 

Sonnenaufgangs mit welligem Sand im 

Vordergrund, ein Bild, auf dem die See einen 

Felsen umspült usw. Legen Sie sich jedoch 

nicht zu genau fest, denn bei Ihrer Ankunft sind 

die Wetterverhältnisse nicht unbedingt so, wie 

Sie es sich vorgestellt haben, oder vielleicht 

entdecken Sie das Potenzial für ein ganz neues 

Szenario. 

Falls alles wunschgemäß verläuft, haben Sie 

Zeit, nach weiteren Motiven zu suchen, denn 

ihren Panorama-Sonnenaufgang haben Sie ja 

bereits im Kasten. Bleiben Sie also noch ein 

wenig länger. Ganz gleich, an welcher Küste Sie 

sich befi nden, diese Art Landschaft bietet eine 

Fülle von Möglichkeiten für interessante Bilder, 

wenn Sie gewohnte Vorstellungen und 

Erwartungen verdrängen und sich 

unvoreingenommen umschauen. Lassen Sie 

sich Zeit dazu, und benutzen Sie verschiedene 

Objektive, Blickwinkel und Perspektiven. 

Schauen Sie sich dieselbe Szene von niedrigen 

und erhöhten Standpunkten an. Bringen Sie 

Abwechslung in den Vordergrund – gewellten 

Sand, Felsenkanten, Kies, den Himmel 

refl ektierende Pfützen. Warten Sie, bis Ebbe 

oder Flut beginnen, und beobachten Sie deren 

Einfl uss auf Ihr Motiv. 

Als Anregung mag mein Trip zum Bamburgh 

Beach an der englischen Nordseeküste dienen. 

Das Licht war alles andere als großartig, und es 

herrschte Ebbe. Trotzdem sind ein paar 

interessante Aufnahmen entstanden. 

1 2 

1) Hier wurde ein 17–40mm Zoomobjektiv bei 17 mm 

Brennweite benutzt. Ein Polfilter verbessert die 

Erscheinung des Himmels, und das Schloss ist ungefähr 

entsprechend der Drittelregel positioniert. 

2) Hier ist die Kamera etwas nach oben angewinkelt, die 

Brennweite beträgt nach wie vor 17 mm. Hier ist nun viel 

mehr vom Himmel im Bild und der Polfilter lässt die 

Wolken schön hervortreten. 

3) Die Konvertierung in Schwarzweiß erhöht die Dramatik 

des Motivs, wobei das Schloss fast nur noch als Silhouette 

zu erkennen ist. 

4) Ein paar Meter zurückgetreten und mit 40 mm 

Brennweite aufgenommen, ergibt sich im Querformat aus 

einem niedrigeren Blickwinkel eine völlig andere 

Stimmung des Bildes. 

5) Experimente mit unterschiedlichen Verschlusszeiten 

bei hereinkommender Flut zeigen, dass sich sogar bei 

5 Sekunden Verschlusszeit noch Merkmale der 

Meeresoberfläche erkennen lassen. 

6) Diese Kameraposition befindet sich unten am Strand 

im Gegenlicht. Die Sonne ist hell, doch da sie sehr klein 

abgebildet wird, gibt es keine Streulichtprobleme. Die 

Oberflächenstruktur des Sandes sorgt für räumliche Tiefe. 

7) Nicht der geringste Windhauch ist vorhanden, was liegt 

also näher, als sich mit den Spiegelungen des Himmels in 

den Pfützen zu befassen. Das ruhige, klare Wasser macht 

sich sehr gut als Vordergrund, und das Schloss dient als 

Fixpunkt unter einem fotogen bewölkten Himmel. 

8) Dieses Panorama entstand aus vier sich seitlich 

überlappenden Fotos, die vom Stativ aus geschossen und 

mit der Photomerge-Funktion von Photoshop 

zusammengeführt wurden. 

4 5 

6 7 


3 

ALL IMAGES: LEE FROST 

8 



GEBÄUDE AN DER KÜSTE 

Gebäude geben Bildern einen Maßstab und 

können als zentrale Fixpunkte dienen. 

Leuchttürme, Hafenmauern, Landungsstege, 

Buhnen und sogar Strandkörbe können 

attraktive Bildelemente sein und einem Foto 

seinen einzigartigen Charakter geben. Das 

wohl markanteste Küstenbauwerk ist der 

Leuchtturm, und trotz Radar- und GPS- 

Technologie fi nden sich an deutschen Küsten 

immer noch etwa 300 dieser alten 

Navigationshilfen. 

Wenn Sie ein solches Gebäude in ihr Motiv 

einbauen, darf es ruhig einen zentralen Platz 

einnehmen. Oft ist es aber vorteilhafter, 

Gebäude nur relativ klein im Bild zu zeigen. 

Das erzeugt ein Gefühl der Isolation und 

Abgeschiedenheit, gleichzeitig hat der 

Betrachter es einfacher, Örtlichkeit und 

Perspektive wahrzunehmen. Für eine 

harmonische Bildkomposition positionieren 

Sie ein Gebäude am besten ganz konservativ 

auf einer der Drittellinien. 

HELEN DIXON 

HELEN DIXON HELEN DIXON 

HELEN DIXON 

Nicht ganz so attraktiv, aber trotzdem fotogen, 

sind Hafenmauern, Hafenmolen und 

Landungsstege. Ihre gestreckten 

Konstruktionen eignen sich gut für 

Langzeitbelichtungen im Minutenbereich. 

Die Umrisse und Formen der Konstruktion 

eignen sich gut für die Konvertierung nach 

Schwarzweiß. 

Auch Reihen aus bunten Strandhütten, 

besonders häufi g an der Ostsee, sollten Sie 

nicht übergehen. Je nachdem, wie sie in die 

Dünenlandschaft eingebettet sind, wirken sie 

sehr fotogen. Aufnahmen mit Weitwinkel oder 

gar Fisheye ergeben attraktive, farbenfrohe 

Fotos, besonders, wenn sie von einem 

niedrigen Kamerastandpunkt gegen den 

blauen Himmel geschossen werden – mit 

Polfi lter, versteht sich. 


FILTER 

Vergessen Sie auf dem Weg zum Strand bloß nicht Ihre 

Filter! Ein Polfilter verstärkt die Farben und Sättigung des 

blauen Himmels, und durch Drehen in seiner Halterung 

können Sie Reflexionen reduzieren oder verstärken – 

besonders hilfreich, um Details von reflektierenden 

Flächen herauszuarbeiten, beispielsweise von bei Ebbe 

sichtbaren Prielen, nassen Felsen und nassem Sand. 

Aufgrund seines Lichtabsorptionsfaktors von zwei 

Blendenstufen kann der Polfilter auch als improvisierter 

Graufilter dienen, wenn Sie die Verschlusszeit bewusst 

verlängern wollen. 

Auch Verlaufsfilter sind an der Küste praktisch 

unentbehrlich. Ihre eine Hälfte ist transparent, die andere 

mit einer Übergangszone von klar nach farbig oder Grau 

beschichtet. Die Beschichtung absorbiert das Licht mehr 

oder weniger stark, wodurch der Fotograf den 

Kontrastunterschied zwischen hellem Himmel und 

dunklem Vordergrund ausgleichen kann. Verlaufsfilter 

haben entweder einen harten oder einen weichen 

Übergang und es gibt sie in verschiedenen Stärken. Üblich 

sind Stärken von einer, zwei und drei Blendenstufen. 

Verlaufsfilter sind die einzige Möglichkeit, bei Szenen mit 

hohem Kontrast – beispielsweise bei Sonnenauf- und 

Untergang – zu korrekter Belichtung zu kommen, es sei 

denn, Sie machen mehrere Aufnahmen mit jeweils 

unterschiedlicher Belichtung und führen diese in 

Photoshop zusammen. Dass dies wesentlich komplizierter 

ist, liegt auf der Hand. 

Der homogen beschichtete Graufilter wird benutzt, um die 

Verschlusszeit künstlich zu verlängern und so 

Bewegungen kreativ abzubilden – in der Regel dadurch, 

dass die Objekte verschwimmen. An der Küste sind das 

vorwiegend schnell fließendes Wasser und dessen Wellen. 

Mit einem dreistufigen Graufilter können Sie solche 

Bewegung gut einfangen. Ein Sonderfall sind extrem 

starke Graufilter. Damit können Sie sogar im hellsten 

Sonnenlicht Verschlusszeiten von mehreren Sekunden 

erzeugen. Während der Verschluss offen ist, werden 

schnell ziehende Wolken verwischen und selbst eine 

stürmische, raue See wird weich und gleichmäßig 

abgebildet. Graufilter gehören damit zur obligatorischen 

Grundausrüstung für die Küstenfotografie. 

Ohne Filter 

Mit Filter 

IMAGES: ROSS HODDINOTT 

IMAGES: ROSS HODDINOTT 

DETAILS AN DER KÜSTE 

Übersehen Sie nicht die an jedem 

Küstenstreifen vorhandenen kleinen Details. 

Dazu zählen Wellenmuster im Sand, Kies, 

Seetang, Muscheln und sogar Treibholz. Mit nur 

wenig Fantasie und einem Standard-Zoom oder 

Makroobjektiv sind abstrakte Naturaufnahmen 

möglich. Suchen Sie nach Formen, sich 

wiederholenden Mustern, dominierenden 

diagonalen Linien und Farbtupfern. Wenig 

Kontrast bei bedecktem Himmel passt am 

besten zu dieser Art Fotos, denn dadurch 

werden die feinen Details sehr schön 

hervorgehoben. 

Eine kurze Schärfentiefe, wie bei Blende f/2.8 

oder f/4, ist ein kreativer Ansatz – je größer das 

Objekt im Sucher erscheint, desto 

ausdrucksstärker das Foto. Wenn Ihr Objekt 

insgesamt scharf sein soll, wählen Sie eine 

kleine Blende und richten die Kamera parallel 

zum Objekt aus, damit so viel möglich im 

verfügbaren Schärfentiefebereich liegt. Dabei 

sollte ein Stativ die Kamera fixieren und Ihnen 

zugleich die Feinabstimmung Ihrer 

Bildkomposition ermöglichen. 



HELEN DIXON 

HELEN DIXON 

TAGES- UND JAHRESZEITEN 

Theoretisch können Sie in jeder Tageszeit und zu 

jeder Jahreszeit großartige Landschaftsaufnahmen 

machen. Doch die eherne Regel, dass die besten 

Lichtverhältnisse in der goldenen Stunde der 

Dämmerung herrschen, gilt natürlich auch hier. 

Jeweils eine halbe Stunde vor und nach 

Sonnenaufgang und Sonnenuntergang herrschen 

manchmal geradezu magische Lichtverhältnisse. 

Seien Sie also lange vor Sonnenaufgang vor Ort. 

Nachdem Sie Fotos eines Sonnenuntergangs im 

Kasten haben, sollten Sie nicht zu früh 

zusammenpacken, denn danach können sich die 

Farben am Himmel noch intensivieren und zu den 

schönsten Motiven des Abends führen. 

Unterschiedliche Örtlichkeiten haben nicht selten 

unterschiedliche Tageszeiten, an denen Sie auf 

Fotos am besten zur Geltung kommen. Die 

Westküste der Nordseeinsel Sylt ist beispielsweise 

prädestiniert für Sonnenuntergänge. Es erleichtert 

Ihre Planung, wenn Sie die Position der Sonne 

schon vorher wissen. So arbeiten Sie effizient und 

vermeiden Enttäuschungen. Wir empfehlen, einen 

HELEN DIXON 

Sonne/Mond-Rechner zu benutzen, wie 

beispielsweise „The Photographer’s Ephemeris“, 

den Sie für PC und Mac gratis von photoephemeris. 

com herunterladen können. Für Smartphones kostet 

er ein paar Euro. 

Jede Jahreszeit bietet unterschiedliche 

Fotochancen: Im Frühling finden Sie in Form 

lokaltypischer Pflanzen bunte Farbtupfer in der 

Dünenlandschaft. Im Winter kann die See rau, 

abweisend und einschüchternd sein. In den 

Sommerferien werden sie hektisches Treiben an 

überfüllten Stränden vorfinden. Falls Sie nicht nach 

Motiven suchen, die sich ausschließlich durch diese 

Situation ergeben, sollten Sie also die Ferienzeit 

besser meiden. 

Denken Sie auch an die Gezeiten, wenn Sie ihre 

Expedition planen. Bestimmte Örtlichkeiten sind bei 

Ebbe attraktiver, andere bei Flut. Doch allein schon 

aus Sicherheitsgründen sollten Sie die Zeit der 

einsetzenden Flut kennen. Die Daten für die 

Nordsee finden Sie unter www.bsh.de/de/ 

Meeresdaten/Vorhersagen/Gezeiten. 

Jene für die Ostsee sind vernachlässigbar, da der 

Pegelunterschied hier maximal 15 cm beträgt. 


EIN KREATIVER BLICK 



Von Paul Ward 


Objektiv : NIKON D800: NIKKOR AF-S 

24-70MM F/2.8G ED 

Software: Adobe Photoshop CS2 

ICH HATTE DAS THEMA 

„Früchte“ zu bearbeiten und hätte 

eigentlich lieber ein 

künstlerisches Stillleben mit einer 

verfaulenden Frucht produziert. 

Doch die zur Verfügung stehende Zeit reichte 

für den gewünschten Verfallsprozess nicht 

aus. 

Dann fi elen mir die Arbeiten des 

französischen Retuscheurs Christophe Huet 

ein, der Kampagnen für Ray-Ban, Nike und 

Cartier realisiert hat. Ich dachte mir, etwas 

Ähnliches könnte ich auch machen. Ich hatte 

noch keine genaue Idee, wie ich Früchte 

einbinden könnte und spielte ein wenig mit 

Photoshop. Ich fand heraus, dass man die 

Sättigung einer beliebigen Farbe per Filter 

komplett entfernen kann, so dass diese Weiß 

erscheint. Mit dem Kunst-Protokoll Pinsel 

kann man sie danach wieder aufbringen. So 

kam ich auf die Idee mit dem Fließband, an 

dem Industriearbeiter orangene Farbe auf die 

Apfelsinen spritzen. 

Ich fotografi erte also meine Modelle Charlotte 

Atkinson und Simon Andrews als Arbeiter in 

orangenen Overalls vor grünem Hintergrund. 

Das war der einfache Teil. Ich hatte keine 

Ahnung wie kompliziert die anderen Stadien 

werden würden und wie lange es dauern 

würde. Ein grüner Stoffhintergrund muss sehr 

gleichmäßig beleuchtet werden, deswegen 

verwendete ich auf jeder Seite 2 Softboxen. 

Berücksichtigend, wie der Lichteinfallwinkel 

in der Fabrik aussehen sollte, war eine 

Octobox als Hauptlichtquelle aufgestellt, die 

in einem Winkel von 45° nach unten strahlte, 

um Schatten zu erzeugen. 

Die Montagehalle habe ich in der Max 

Software von 3d erzeugt. Es sollten eine 

Menge Rohre, Schläuche und Zylinder zu 

sehen sein, damit das Ganze realistisch wird. 

Alles musste von Hand generiert werden, und 

sobald ein Element fertig war, konnte ich es 

kopieren und einfügen, bis endlich eine 

komplette Montagehalle entstand. Es dauerte 

eine ganze Woche, einschließlich Texturen 

und Beleuchtung. Jetzt brauchte ich eine 

fl ießbandartige Vorrichtung, die den Arbeitern 

die Apfelsinen zuführen sollte. Die entstand 

aus einer Unistrut-Schiene mit eingesetzter 

Laufkatze, an deren Haltebolzen die Apfelsine 

vermittels eines U-förmigen Schäkels und 

eines Schraubhakens befestigt war. Ein 

entsprechend gebogenes Stück Klingeldraht 

simulierte ein Steuerkabel. Die ganze 

Konstruktion balancierte auf zwei Stühlen. Im 

richtigen Licht und im richtigen Winkel 

betrachtet wirkte das Ganze richtig schön 

industriell. 

Drei Leuchten illuminierten die Szene in der 

Montagehalle mit weichem Licht, damit es 

realistisch aussah. In der endgültigen Version 

kam noch Streulicht hinzu, um den Eindruck 

von Refl ektoren an den Lampen zu erzeugen. 

Die Arbeiter und das Apfelsinenförderband 

wurden mit dem Zauberstab Werkzeug in die 

Szene hinein montiert. Was das fertige Bild 

besonders realistisch erscheinen lässt, sind 

die Schatten. Dafür benutzte ich in Photoshop 

eine leere Ebene, die mit schwarz gefüllt und 

unscharf gestellt wurde. Dann benutzte ich 

einen weichen Pinsel und eine Ebenenmaske, 

Links: Das grüne Tuch war 

mit Wäscheklammern 

befestigt und von jeder Seite 

mit zwei Softboxen 

gleichmäßig beleuchtet. 

Unten links: Die Modelle 

wurden gegen den grünen 

Hintergrund fotografiert, wobei 

sie Arbeitsanzüge trugen, 

sodass ich sie später in das 

Bild einmontieren konnte. 

Unten: Ich verwendete eine 

Unistrut-Schiene für die 

Förderkonstruktion und 

fotografierte sie separat, doch 

zusammen mit der Apfelsine, 

um den Lichteinfallswinkel in 

der Montagehalle zu 

bestimmen. 

Links: Die fertige 

Montagehalle mit Texturen 

und Beleuchtung. 

Großes Bild: Die richtige 

Position der Schatten auf den 

Models und auf dem 

Hallenboden ist entscheidend, 

damit das Ganze realistisch 

aussieht. 

Rechts: Die Rohre, 

Schläuche und Zylinder 

musste ich manuell erzeugen, 

um sie authentisch aussehen 

zu lassen. 

Ganz rechts: Das war eines 

der ersten Renderings, dass 

mir eine Vorstellung davon 

gab, in welchem Winkel ich 

die Unistrut-Schiene mit der 

Apfelsine fotografieren musste. 

um die Schatten zu verbergen, die ich nicht 

im Bild haben wollte. Das war sehr 

zeitaufwändig, doch das Endergebnis war es 

wert. Um den Umgang mit den Schatten 

genauer steuern zu können, verwendete ich 

jeweils eine einzelne Schattenebene für die 

unterschiedlichen Objekte. 

Ich würde jederzeit erneut ein solches Projekt 

angehen, obwohl der Aufwand enorm ist. 




FRUCHTIGES 

Links: Zitrusfrüchte 

wie Zitronen, Orangen, 

Granatäpfel und Kiwis 

lassen sich sehr schön 

auf dem Lichtkasten 

fotografi eren, weil sie 

halb transparent sind 

– natürlich in Scheiben 

geschnitten. Dann aber 

werden durch die 

Beleuchtung von 

hinten die kleinsten 

Details der Kerne und 

Verästelungen sichtbar. 

Unten links: Ein 

ästhetisches 

Arrangement auf dem 

Lichtkasten war der 

schwierigste Teil dieses 

kleinen Projekts. 

Nachdem ich eine 

Weile herumprobiert 

hatte, gefi el mir die 

Anordnung mit dem 

Herz aus 

Granatapfelkernen am 

besten. 

Rechts: Das fertige 

Bild zeigt eine 

großformatige 

Aufnahme der 

restlichen Früchte, die 

um das Herz herum 

drapiert sind. Da einige 

Fruchtscheiben so 

liegen, dass sie 

„abgeschnitten“ 

werden, wird das Auge 

des Betrachters in das 

Zentrum des Bildes, 

auf das Herz gelenkt. 

Unten rechts: Ich 

probierte etliche 

unterschiedliche 

Bildkompositionen und 

Setups mit dem 

Lichtkasten aus, die 

zwar alle schön hell 

und bunt waren, aber 

wenig originell – bis 

ich auf die Sache mit 

dem Herz kam. 

FRUCHTIGES 

Von Ross Hoddinott 


Objektiv: NIKKOR AF-S 105MM 

F/2.8 VR IF ED 

Software: Adobe Lightroom 

EIN BISSCHEN VERRÜCKT 

MUSS man als Fotograf wohl 

sein. Wie käme man sonst auf 

die Idee, einen ganzen 

Nachmittag lang in Scheiben 

geschnittene Früchte zu fotografi eren? 

Doch man kann es sich nicht immer 

aussuchen, und je mehr ich mich in die 

Aufgabe vertiefte, umso interessanter 

wurde es. Ich halte nichts davon, auf 

Photoshop zurückzugreifen, wenn es nicht 

nötig ist. Deswegen versuche ich immer, 

meine Motive schon mit der Kamera 

bestmöglich in Szene zu setzen. Als 

eingefl eischter Fan der Makrofotografi e 

kam für mich nur der Einsatz meines 

105 mm Makroobjektivs in Frage. 

Zitrusfrüchte offenbaren eine ganz 

eigenartige Schönheit, wenn sie 

aufgeschnitten werden, die Scheiben zu 

interessanten symmetrischen Mustern 

arrangiert, entweder einzeln oder mit 

anderen Sorten kombiniert. Sie können 

jede Zitrusfrucht in so dünne Scheiben 

schneiden, dass sie transparent sind und 

indirekt von hinten beleuchtet werden 

können. 

Ich bin schon etwas länger im Geschäft, 

deswegen habe ich noch einen großen 

Lichtkasten, wie er in den Tagen des 

Analogfi lms zum täglichen Handwerkszeug 

gehörte. Heute dient er nur noch dazu, 

kleine Objekte darauf zu legen und im 

Gegenlicht aufzunehmen. Das Setup 

könnte nicht einfacher sein: den 

Lichtkasten auf den Fußboden gestellt, das 

Stativ mit der senkrecht nach unten 

weisenden Kamera darüber, fertig. Auch 

die Einstellung der Kamera ist einfach und 

geradlinig; eine Empfi ndlichkeit von ISO 

100 sorgt für maximale Bildqualität und 

die Blendenautomatik mit Blende f/11 

erzeugt eine mehr als ausreichende 

Schärfentiefe. Das Mehrfeld- 

Belichtungssystem der Kamera erledigt den 

Rest. Soweit so gut. 

Eine ansprechende, ästhetische 

Bildkomposition zu gestalten, erwies sich 

als weit weniger einfach. Ich hatte mir eine 

Auswahl Zitrusfrüchte auf dem lokalen 

Wochenmarkt besorgt. Nachdem ich sie 

vorbereitet hatte, indem ich jeweils aus der 

Mitte die dicksten Scheiben herausschnitt, 

begann ich, sie auf dem Lichtkasten zu 

drapieren, zunächst einzelne Scheiben von 

Kiwi, Zitrone und Orange. Dann begann 

ich, die Zwischenräume mit roten 

Granatapfelkernen auszufüllen, weil ich 

mir dachte, durch den Farbkontrast ein 

attraktives Motiv zu bekommen. Doch es 

wirkte nicht. Welchen Winkel und 

Bildausschnitt und welchen Zoomfaktor 

ich auch wählte, das Ganze sah 


sterbenslangweilig aus. Schließlich begann 

ich die Granatapfelkerne, die sich in 

unmittelbarer Nähe der Fruchtscheiben 

befanden, wieder einzusammeln. Daraus 

ergab sich irgendwann, mehr zufällig als 

beabsichtigt, der grobe Umriss eines 

Herzens in der Mitte des Lichtkastens. Jetzt 

zündete die Idee. Aus den leuchtend roten 

Granatapfelkernen formte ich ein schön 

symmetrisches Herz, um das ich nun die 

Fruchtscheiben erneut anordnete. Nach 

langem Gefummel, um einigermaßen 

ausgewogene Abstände zu erzeugen und 

nach ein paar Testfotos kam ich schließlich 

zu einem Arrangement, das mir gefi el. Ich 

importierte die Bilder in Adobe Lightroom, 

und es waren nur wenige Einstellungen an 

Kontrast und Farben erforderlich, bevor ich 

das fertige Bild in einem vorzeigbaren 

Zustand hatte. 

Nun blieb nur noch eins zu tun: aus den 

immerhin schon halb verarbeiteten 

Früchten einen schönen Obstsalat zu 

machen… 

Alternative Bildkomposition 

Detailausschnitt 

Zu dicht 



FRUCHTIGES 

FRÜCHTE SCHIESSEN 

Von Jordan Butters 


Objektiv: NIKKOR AF-S 24-70MM F/2.8G ED 

Software: Adobe Lightroom und Photoshop 

WORAN LIEGT ES wohl, dass ein 

Fotograf, der Früchte fotografieren 

soll, das unüberwindliche 

Bedürfnis hat, sie ins Wasser zu 

werfen oder nasszuspritzen? Sei’s 

drum, ich entschloss mich diesmal weder für 

das eine noch das andere, sondern für eine 

Kollision der Objekte in der Luft. Es sollte so 

aussehen, als sei die Frucht so saftig, dass der 

Saft aus ihr spritzt. Mit dieser Vorstellung 

machte ich mich an die Arbeit. 

Zuerst glaubte ich, die Aktion in einer einzigen 

Aufnahme einfangen zu können, um die Arbeit 

mit Photoshop auf ein Minimum zu 

beschränken. Doch das erwies sich als Irrtum. 

Alle Versuche, Fruchtstücke in die Luft zu 

werfen, und gleichzeitig aus einem anderen 

Winkel Wasser darauf zu spritzen, bevor sie zu 

Boden fielen, führten zu nichts als einer großen 

Wasserpfütze mit Fruchtstücken am Boden. 

Also zerlegte ich mein Vorhaben in 

verschiedene Phasen, aus deren Einzelfotos ich 

später ein Komposit-Bild erzeugen konnte. 

Die Beleuchtung bestand aus drei Blitzgeräten. 

Das erste war auf die Kamera gerichtet und 

blitzte durch einen runden Diffusor. Das sollte 

für einen absolut weißen Hintergrund sorgen. 

Dann fixierte ich an zwei Lampenstativen einen 

Besenstiel, von dem der Apfel herabhing. Als 

der Apfel in Position war, baute ich das zweite 

Blitzgerät mit einer kleinen Softbox rechts der 

Kamera auf. Es folgten einige Testaufnahmen 

mit der maximalen Blitzsynchronisationszeit 

von 1/250 Sekunde, aus der sich ein 

Blendenwert von f/19 bei 1/4 der maximalen 

Blitzleistung ergab. Nun folgte der Aufbau des 

dritten Blitzgeräts, das links hinter den Apfel 

positioniert und auf 1/16 der Maximalleistung 

eingestellt wurde. Dieser Blitz sollte die Kanten 

des Apfels betonen. 

Zuerst fotografierte ich das Wasser. Ich breitete 

eine Plastikplane aus und stellte zusätzlich eine 

große Schale auf, um möglichst viel Wasser 

aufzufangen, und stellte die Stativkamera 

manuell auf den Apfel scharf. Mit einer Tasse 

schüttete ich Wasser nach oben an den Apfel 

und löste die Kamera im Moment des 

Auftreffens aus. Nach einigen Versuchen hatte 

ich das richtige Timing, und so fotografierte ich 

eine ganze Reihe von Wassergüssen. Als ich 

genügend Aufnahmen davon beisammen hatte, 

war es an der Zeit, den aufgeschnittenen Apfel 

zu fotografieren. Die einzelnen Apfelstücke 

steckte ich mit Cocktailspießen zu der 

gewünschten Anordnung zusammen. Es ist 

erstaunlich, wie schnell Apfelscheiben braun 

werden, deswegen musste es von jetzt an 

schnell gehen. Ich legte den von den Spießchen 

zusammengehaltenen Apfel auf einen Teller, der 

in ähnlicher Höhe fixiert war, wie zuvor der 

hängende Apfel. Als Reflektor, der die Schatten 

an der Unterseite des Apfels neutralisierte, kam 

ein kleines Stück weißen Styropors zum 

Einsatz. 

Nachdem alle Bilder in Lightroom geladen 

worden waren, suchte ich mir die mit den am 

besten gelungenen Wasserspritzern heraus, 

dann öffnete ich das Bild des aufgeschnittenen 

Apfels in Photoshop. Nach Entfernung des 

Tellers benutzte ich das 

Unten links: Nach dem 

Aufschneiden des Apfels 

steckte ich die einzelnen 

Stücke mit Cocktailspießen 

zusammen. 

Links: Glücklicherweise hatte 

ich mehrere Lampenstative im 

Studio zur Verfügung. 

Natürlich können Sie die 

Lichtquellen auch anders 

fixieren. 

Rechts: Es dauerte eine 

Weile, bis alles zu meiner 

Zufriedenheit in Photoshop 

zusammengefügt war, doch 

im Großen und Ganzen bin ich 

mit dem Ergebnis zufrieden. 

Links: Das Entfernen der 

Cocktailspieße war mit dem 

Kopierstempelwerkzeug ein 

Kinderspiel. 

Unten links: Die Serie der 

Aufnahmen des Spritzwassers 

sorgte für genügend 

Variationsmöglichkeiten beim 

Zusammenführen der 

einzelnen Bildelemente für 

dieses Komposit-Foto. 

Unten: Die Wasserwurf- 

Aktion erforderte mehrere 

Versuche. 

Kopierstempelwerkzeug, um auch die 

Cocktailspieße zu entfernen. So blieben nur die 

Apfelstücke vor einem sauberen Hintergrund 

zurück. Ich öffnete die Fotos der Wasserspritzer 

eins nach dem anderen und verwendete das 

Lassowerkzeug, um einzelne Wasserelemente 

auszuwählen, bevor ich sie jeweils als neue 

Ebene in das Bild kopierte. Mit den 

Transformationswerkzeugen positionierte und 

drehte ich die Wasserspritzer. Dann fügte ich 

eine Ebenenmaske hinzu, und benutzte das 

Pinselwerkzeug, um unerwünschte Elemente 

zu verbergen. Nun fügte ich jeder Ebene eine 

Tonwertkorrekturebene hinzu, um die 

Beleuchtung dem Bild des Apfels anzupassen. 

Anschließend führte ich alle Ebenen zu einem 

einzigen Bild zusammen und duplizierte dieses. 

Ich nahm die Farbsättigung in dem gesamten 

Bild etwas zurück und wendete einen 

Hochpassfilter an. Zum Schluss sorgte ich 

durch Änderung der Füllmethode noch für 

weiches Licht und reduzierte die Deckkraft, um 

das Bild zu schärfen. Das Ergebnis: ein 

„saftiges“, frisches Fruchtfoto. 




BUNTSTIFTE 

UNGEWÖHNLICHER 

REISSVERSCHLUSS 

Von Ross Hoddinott 


Objektiv: NIKKOR AF-S 105mm f/2.8G Micro 

Software: Adobe Lightroom 4 

ICH BIN ES DURCHAUS GEWOHNT an einem 

verregneten Nachmittag mit Buntstiften zu 

spielen; allerdings normalerweise zusammen mit 

meinen beiden kleinen Töchtern und diversen 

Malbüchern. Ans Fotografieren hatte ich dabei 

bisher nicht gedacht, denn Buntstifte sind wirklich nicht die 

aufregendsten Motive. 

Doch dann hatte ich eine Idee: Ich mag Nahaufnahmen, und 

bei formatfüllender Größe werden alltägliche Objekte zu 

abstrakten Motiven voller Farben und Details. Die Farben sind 

dabei besonders wichtig, deswegen muss deren Eindruck 

besonders berücksichtigt werden. Ich kramte im 

Kinderzimmer nach Malutensilien, fand eine Reihe schöner 

Buntstifte in leuchtenden Farben und begann zunächst damit, 

sie gut anzuspitzen. Bei Motiven, die aus spontanen Ideen 

entstehen, entscheidet allein die Kreativität des Fotografen 

über Erfolg oder Misserfolg. In diesem Fall hing alles vom 

Arrangement der Buntstifte ab. Das schöne an Stillleben ist, 

dass Sie die vollständige Kontrolle jedes einzelnen Aspekts 

Ihres Motivs haben. Gewissermaßen haben Sie das Bild schon 

fertig im Kopf, bevor Sie die Kamera überhaupt anfassen. Zwar 

hatte ich eine recht genaue Vorstellung von dem, was ich 

machen wollte, trotzdem holte ich mir im Internet noch ein 

paar Anregungen. 

Ich versuche grundsätzlich, meine Setups so 

einfach wie möglich zu halten. In diesem Fall sollte 

das durch ein Fenster hereinfallende Tageslicht für 

die Aufnahme genügen. Deshalb baute ich das 

Arrangement auf dem Fußboden direkt vor der 

Terrassentür des Wohnzimmers auf. Ich benutzte 

dazu ein weißes Tablett und ein Stück schwarzen 

Kartons als kontrastierenden Hintergrund. 

Draußen war es bewölkt, deswegen war das Licht 

angenehm diffus. 

Doch die hochglanzlackierten Buntstifte 

reflektieren das Licht sehr stark, deswegen 

verhängte ich die Terrassentür zusätzlich mit 

einem Musselin-Tuch, um das Licht noch 

gleichmäßiger zu verteilen. Außerdem schraubte 

ich einen Polfilter auf das Objektiv, mit dem ich 

etwaige noch auftretende Reflexe ausblenden und 

gleichzeitig die Farbsättigung maximieren konnte. 

Jetzt begann ich mit dem Arrangement. Zunächst 

legte ich einige Stifte seitlich nebeneinander, 

wodurch ein farbenfrohes Linienmuster entstand. 

Um einen Fixpunkt zu erzeugen, bestand eine der 

Linien aus zwei roten Buntstiften, von denen die 

Spitze des einen auf dem Ende des anderen Stifts 

aufsetzte. Ich hatte Rot als Farbe gewählt, weil sie 

zu den am stärksten ins Auge fallenden Farben 

Links: Stillleben stehen 

und fallen mit guter 

Vorbereitung und 

ansprechendem 

Arrangement. Es dauerte 

eine Weile, bis alle Stifte 

gespitzt und richtig 

ausgelegt waren. 

Ganz links: Ohne Tuch 

vor dem Fenster und 

ohne Polfilter hätte es zu 

viele ablenkende 

Lichtreflexe an den 

hochglanzlackierten 

Stiften gegeben. 

Unten links und 

Mitte: Da die Stifte das 

gesamte Sucherbild 

ausfüllten, entstand ein 

abstraktes Bild und weil 

Stifte und Bildebene 

exakt parallel ausgerichtet 

waren, ergab sich eine 

gute Schärfentiefe. 

Unten rechts: Zuerst 

probierte ich einen 

niedrigeren 

Kamerastandpunkt und 

einen flachen 

Schärfentiefebereich, 

doch nur mit Mühe ließ 

sich so ein Reißverschluss 

assoziieren. 

Gegenüber: Dank 

seiner Symmetrie ist 

dieses endgültige Foto 

sehr ausdrucksstark 

geworden. 

gehört. Ich positionierte das Stativ mit der Kamera 

und senkrecht nach unten gerichtetem Objektiv 

über dem Motiv. Blende f/11 sollte sicherstellen, 

dass der gesamten Bildausschnitt scharf 

abgebildet werden würde. Ich probierte 

unterschiedliche Bildkompositionen mit der roten 

Buntstiftspitze an verschiedenen Positionen und 

mit unterschiedlichen Kamerawinkeln, 

einschließlich der Horizontalen und Diagonalen. 

Die Fotos waren zwar hell und farbenfroh, doch 

besonders kreativ sah das Ganze nicht aus. Also 

versuchte ich etwas Neues. 

Irgendwo hatte ich schon einmal Stifte gesehen, 

die in Form eines Reißverschlusses arrangiert 

waren. Ich machte mich also daran, sie so zu 

platzieren, dass die Buntstiftspitzen sich 

ineinander „verzahnten“. Ein mit der Klinge nach 

unten auf das Tablett gelegter Bleistiftanspitzer 

imitierte das Reißverschlusselement. Die Form 

eines Reißverschlusses verlangt zwingend das 

Hochformat. Ich brachte mein Arrangement also 

wieder formatfüllend in den Sucher und probierte 

erneut ein paar unterschiedliche Aufnahmewinkel, 

doch senkrecht von oben sah es am besten aus. 

Voilà: ein schnell improvisiertes, abstraktes 

Stillleben! 




BUNTSTIFTE 

WER ZEICHNET WEN? 



Objektiv: NIKKOR 18-105mm f/3.5-5.6G 


FÜR MICH BEDEUTET 

KREATIVITÄT, etwas Alltägliches in 

einen neuen Zusammenhang zu 

bringen und diesen im Bild auf 

interessante Art auszudrücken. 

Also überlegte ich mir, wie man nach dieser 

Definition Bleistifte kreativ einsetzen konnte. 

Mir haben die Arbeiten von Ben Heine immer 

gut gefallen; falls Sie sie nicht kennen, schauen 

Sie unter www.benheine.com nach. Er 

kombiniert in seinen Bildern gerne 

Zeichnungen und Fotos, wobei die 

Zeichnungen als Fenster zu einer alternativen 

Realität dienen. Ich lasse mich also von seinen 

Werken anregen und versuche, die Grundidee 

noch ein Stück weiter zu führen. In diesem 

Beispiel sollte es so aussehen, als erwache die 

Zeichnung zum Leben und interagiere mit der 

realen Welt. Doch wie mit den meisten genialen 

Ideen, stieß ich sofort auf ein Problem: es war 

schon eine Weile her, dass ich mehr als 

Strichmännchen gezeichnet hatte. An einem 

Zeichenkurs vor vielen Jahren hatte ich nur 

teilgenommen, weil dem Klassenraum eine 

eigene Dunkelkammer angeschlossen war, die 

ich bei der Gelegnheit nutzen konnte. 

Nichtsdestotrotz schärfte ich meinen Bleistift 

und begann, meine Idee zu skizzieren: eine 

gezeichnete Hand, die aus dem flach auf dem 

Tisch liegenden Zeichenpapier hervorbricht und 

nun ihrerseits die reale Welt zeichnet. Nachdem 

diese Grundidee zu Papier gebracht war auch 

– wobei ich ein Agenturbild als Referenz benutzt 

hatte – scannte ich das ganze ein und öffnete 

die Datei in Photoshop. Ich war zwar 

überrascht, wie gut mein Versuch einer 

Bleistiftzeichnung tatsächlich an eine 

menschliche Hand erinnerte, doch die dünnen 

Bleistiftlinien würden nicht stark genug zu 

sehen sein, wenn ich sie in mein eigenes Bild 

montieren würde. So benutzte ich einen 

Tablet-Computer mit Stylus um meine 

Bleistiftzeichnung zu verbessern, wozu ich 

einen etwas dickeren, angewinkelten Pinsel 

benutzte. Auch das zerrissene Papier musste 

gezeichnet werden, doch ich schaffte es nicht, 

es realistisch aussehen zu lassen. Also lud ich 

ein Agenturbild herunter, zeichnete es auf den 

Tablet-Computer nach und fügte diese neue 

Zeichnung meiner ersten hinzu. Damit war der 

zeichnerische Teil erledigt, und ich wandte mich 

dem Bild zu, mit dem er kombiniert werden 

sollte. 

Ich positionierte ein Blatt DIN A4 Papier auf den 

Tisch sodass ich den korrekten Winkel, aus dem 

ich fotografieren würde, ermitteln konnte. Mit 

der Kamera auf dem Stativ nutzte ich Live-View, 

um den Bildausschnitt korrekt einzustellen. 


Links: Mein einfaches 

Setup: ein Blitzgerät in 

einer kleinen Softbox 

diente als Hauptlicht, 

während die kleine 

Strip-Box rechts zum 

Aufhellen diente. 

Unten links: Meine 

ursprüngliche Skizze 

machte ich nach 

althergebrachter Weise mit 

Bleistift auf Papier. Dabei 

benutzte ich ein 

Agenturbild als Referenz. 

Doch nachdem die 

Zeichnung eingescannt 

war, erwiesen sich die 

Bleistiftstriche als zu 

dünn, um später im Bild 

als Konturen klar genug 

erkannt werden zu 

können. 

Ganz unten links: bei 

laufendem Selbstauslöser 

brachte ich mich in die 

richtige Position, bevor die 

erste Aufnahme ausgelöst 

wurde. Die Kamera schoss 

eine Serie von fünf 

Bildern, zwischen denen 

ich Höhe und Winkel des 

Bleistifts leicht verändern 

konnte, so dass eins 

davon zu meiner 

Zeichnung passen würde. 

Ganz unten rechts: 

Das ist das Foto, so wie es 

aus der Kamera kam. Es 

war schon eine ziemliche 

Fummelei, bis der Stift in 

der richtigen Position mit 

der Zeichnung 

interagierte. 

Nachdem ich mit der Perspektive zufrieden war, 

baute ich die Beleuchtung auf. Sie bestand aus 

einem einfachen Setup mit zwei Lampen; das 

Hauptlicht bestand aus einem auf halbe 

Leistung eingestellten Blitzgerät, dass links 

oben von der Kamera stand und durch eine 

kleine Softbox blitzte. Dann fügte ich ein zweites 

Blitzgerät hinzu das ebenfalls mit halber 

Leistung durch eine kleine Strip-Box blitzen 

würde. Diese zweite Leuchte war rechts hinter 

dem Tisch aufgebaut. Dieser Aufbau sollte, so 

einfach er war, das Motiv korrekt ausleuchten. 

Nun musste noch ein Modell her. Nichts 

einfacher als das, diese Rolle übernahm ich 

gern selbst. Ich begann mit der Kamera in 

manueller Betriebsart, die Verschlusszeit auf die 

maximale Blitzsynchronisation von 1/250 

Sekunde eingestellt. Doch aufgrund der 

Eigenart des verwendeten drahtlosen 

Blitzauslösers musste ich die Verschlusszeit auf 

1/200 Sekunde senken, damit der gesamte 

Bildausschnitt korrekt belichtet wurde. Ich 

fotografierte mit ISO 100 und einer Blende von 

f/8 um sowohl die optimale Schärfe als auch 

eine gute Schärfentiefe zu erreichen. Ich stellte 

die Kamera so ein, dass sie fünf Aufnahmen 

jeweils im Abstand von 3 Sekunden 

hintereinander schießen würde, ausgelöst per 

Selbstauslöser. So hatte ich genug Zeit, mich in 

Position zu setzen und diese zwischen den 

Einzelaufnahmen etwas zu verändern. Ich 

platzierte dem Bleistift in die Mitte des Papiers, 

stellte auf ihn scharf und schaltete den 

Autofokus aus. Dann setzte ich den 

Selbstauslöser in Gang und ging schnell in 

Position. 

Die fünf Aufnahmen waren gut genug, und ich 

konnte mich daran machen, das endgültige Bild 

zu produzieren. Ich blätterte durch die 

Raw-Dateien, bis ich das Bild fand, mit dem ich 

arbeiten wollte. Nach Import der Datei in Adobe 

Camera Raw justierte ich den Weißabgleich ein 

wenig und richtete das Bild gerade aus, dann 

öffnete ich die Datei in Photoshop. Nachdem 

ich meine Zeichnung in eine neue Ebene des 

Bildes kopiert hatte, benutzte ich die 

Transformieren-Werkzeuge zum Skalieren und 

Drehen der Zeichnung, so dass sie 

maßstabsgerecht ins Bild passte. Dann fügte ich 

eine Tonwertkorrekturebene hinzu und passte 

mit der Pipette das Weiß des Papiers an, damit 

beide Weißtöne übereinstimmten. Das würde 

das Zusammenführen von Zeichnung und Bild 

erheblich erleichtern. Als nächstes erzeugte ich 

eine schwach ausgeprägte Vignette, fügte eine 

Gradationskurvenkorrekturebene hinzu und 

stellte den Kontrast etwas nach. Zum Schluss 

schärfte ich das Bild mithilfe einer 

Unschärfemaske – und fertig war mein 

epochemachendes Kunstwerk. 

Ältere Kollegen, die es sahen, vermuteten, ich 

sei wohl durch das Musikvideo „Take On Me“ 

von A-HA inspiriert worden – doch das stammt 

aus dem Jahr 1986, also noch vor meiner 

MTV-Zeit! 



BUNTSTIFTE 

WER IST HIER BUNT? 

Von Paul Ward 


Objektiv: NIKKOR AF-S 70-200mm f/2.8G ED 

Software: Adobe Photoshop 

ICH BIN SICHER, Sie alle haben 

solche Bilder schon gesehen: 

Eine Reihe von Buntstiften, 

aufgereiht zu einem farbenfrohen 

Stillleben. Das ist eine nette Idee, 

doch besonders kreativ erschien sie mir nicht 

für mein Vorhaben, das darin bestand, ein 

Stillleben mit besonderen Farbspielen zu 

kreieren. Als ich wenig auf der Straße an einer 

Tierhandlung vorbeikam, hatte ich die 

zündende Idee: Welche Kreatur ist besser für 

Farbenspiele geeignet als eine, die ihre eigene 

Farbe ändern kann? Also erkundigte ich mich 

im Geschäft nach Chamäleons. Man zeigte 

mir drei Exemplare, und ich suchte eines aus. 

Das Tier war zwar viel kleiner als ich erwartet 

hatte, doch es würde seinen Zweck perfekt 

erfüllen. Ich vereinbarte, am nächsten Tag 

wieder zu kommen, um die Fotos zu machen. 

Ich plante, das Reptil vor einer Reihe 

Buntstifte aufzunehmen und entschied mich 

für einen schlichten weißen Hintergrund – 

das würde später die Nachbearbeitung 

erleichtern. Bei meiner Ankunft am nächsten 

Tag hatte ich alles Notwendige dabei. Ich 

brachte ein Blatt weißes Papier an der Wand 

über einem kleinen Tischchen an und baute 

ein einzelnes, batteriebetriebenes 

Studioblitzgerät auf. Ich hatte mich für ein 

Setup mit nur einer Leuchte entschieden, weil 

das später im Studio, wenn ich die anderen 

Buntstifte fotografi eren würde, einfach zu 

reproduzieren war. Mithilfe eines 

Aluminiumsstreifens, den ich in die richtige 

Form bog, fi xierte ich den Buntstift und legte 

mit auf dem Stativ montierter der Kamera den 

Bildausschnitt fest. Ich verwendete ein 

NIKKOR 70-200mm f/2.8G Objektiv. Doch 

das Chamäleon war so winzig, dass es auch 

bei der minimalen Arbeitsdistanz des 

Objektivs nicht groß genug im Bild erschien. 

Dieses Problem löste ich mit einem 12 mm 

Zwischenring, wodurch das Reptil vergrößert 

wurde und sich die Arbeitsdistanz auf etwa 

30 cm reduzierte. Ein paar Testaufnahmen 

später hatte ich die Beleuchtung so, wie ich 

sie haben wollte, und ich brachte das Tier in 

Position. Es verhielt sich bemerkenswert still, 

so dass ich eine ganze Reihe Fotos machen 

konnte, bevor es sich bewegte und in die 

Ganz rechts: Das 

Chamäleon benahm 

sich als Modell sehr 

gut: Es blieb 

minutenlang in genau 

der richtigen Position, 

Rechts: …bevor es 

den Kopf drehte und in 

die Kamera sah. 

Kamera guckte – für seinen ersten Job als 

Modell hatte es sich jedenfalls perfekt 

angestellt. 

Später im Studio erzeugte ich dieselben 

Lichtverhältnisse und brachte die Reihe 

Buntstifte in Position. Doch der Effekt, den 

Sie hatten, gefi el mir nicht, das Ganze sah zu 

gezwungen aus. Also änderte ich das Motiv 

dahingehend ab, dass ich mich von der 

Reihenanordnung der Buntstifte 

verabschiedete und diese stattdessen in 

einen Becher steckte, was auf Anhieb viel 

natürlicher aussah. Ich benutzte einen 

einzelnen Stift als Platzhalter an der Stelle, 

an der sich die Eidechse befi nden würde, 

stellte manuell darauf scharf und machte 

mein Hintergrundbild. Jetzt brauchte ich die 

beiden Bilder nur noch zusammen zu 

montieren. 

Ich suchte mir das am besten gelungene Foto 

des Chamäleons aus und benutzte den 

Zauberstab, um den weißen Hintergrund und 

Links: Ich fotografi erte das 

Chamäleon mit nur einer 

einzigen Leuchte und einem 

Blatt DIN A4 Papier als 

Hintergrund. Das Reptil ist so 

klein, dass ich einen 12 mm 

Zwischenring benutzen 

musste, damit mein Objektiv 

es formatfüllend abbilden 

konnte. 

Ganz links: Das war mein 

zweites Bild – ich hatte etwas 

grüne Farbe auf einen Stift 

aufgebracht, ließ sie 

abtropfen und führte diese 

Aufnahme in Photoshop mit 

dem Bild des Chamäleons 

zusammen. 

Links: Ich benutzte ein 

einzelnes batteriebetriebenes 

Studioblitzgerät, um das 

Chamäleon und die 

Buntstifte auszuleuchten. 

Dieses einfache Setup 

erleichterte es, beide 

Aufnahmen 

zusammenzuführen, weil 

praktisch dieselben 

Lichtverhältnisse herrschten. 

Großes Bild rechts: Ein 

paar Minuten des 

Auswählens und Justierens 

in Photoshop, und ich hatte 

mein fertiges Bild, ein 

verblüffendes, buntes 

Stillleben – wobei der Begriff 

hier ausnahmsweise sogar 

zutrifft, denn schließlich war 

eine lebendige Kreatur im 

Bild. 

den Stift auszuschneiden. Ich positionierte 

anschließend den einzelnen Stift in eine neue 

Ebene vor den Becher mit den anderen 

Buntstiften. Dann nutzte ich das 

magnetische Lassowerkzeug und wählte die 

Teile des Tieres aus, welche die Farbe des 

jeweils dahinter platzierten Buntstifts 

annehmen sollten. Dann änderte ich die 

Farbe des ersten betroffenen Körperteils 

durch Änderungen der Farbbalance und der 

Einstellungen für Farbton und Farbsättigung. 

Diesen Prozess wiederholte ich nun für jeden 

einzelnen Buntstift, bevor ich beide Ebenen 

zusammen führte und den Kontrast 

verstärkte, was in einer duplizierten Ebene 

mit der Füllmethode „Überlagern“ geschah. 

Ich machte noch ein weiteres Bild, auf dem 

es so aussah, als würde alle Farbe aus dem 

Chamäleon herauslaufen und nach unten 

abtropfen. Es ist erstaunlich, wie viel 

Kreativität mit ein wenig Vorstellungskraft 

und nur sehr wenigen Requisiten möglich 

ist.! 




KERZEN 

STRICHMÄNNCHEN 

Von Caroline Wilkinson 


Objektiv: NIKKOR 50mm f/1.8 


DIE VERWIRKLICHUNG dieser 

Idee, wenngleich etwas morbid, hat 

viel Spaß gemacht. Ich wollte schon 

lange mal eine Szene mit 

Strichmännchen gestalten. Ich habe 

wohl ein Faible für sie, nur bisher nie die Zeit 

gehabt, eine passende Szene zu entwickeln – es 

gab wohl immer etwas Besseres oder 

Wichtigeres zu tun. Der Auslöser, das Vorhaben 

endlich umzusetzen, war eine Unterhaltung mit 

meinem Mann. Er besitzt eine lebhafte 

künstlerische Fantasie und sprach über ein 

Projekt mit seinen Schülern, bei dem diese zu 

einem vorhandenen Bild eine detaillierte 

Hintergrundgeschichte erfinden und 

aufschreiben sollten. So kam mir die Idee für die 

Szene mit der Kerze und den Strichmännchen. 

Doch warum gerade die Kerze? Nun, es stand 

just eine Kerze auf dem Wohnzimmertisch vor 

meiner Nase. Nach einigem hin und her 

Überlegen wurde dann aus der Kerze ein Feuer 

– welche Art Feuer, bleibt ganz dem Betrachter 

überlassen: ein Osterfeuer, ein 

Sonnenwendfeuer, ein schauriges Opferfeuer, 

wer weiß? 

Als erstes machte ich mir dann eine Zeichnung, 

wie die Szene aussehen sollte: eine Lichtung im 

Wald mit Bäumen im Hintergrund und mit Moos 

und Kieselsteinen als Vordergrund, um die Szene 

zu komplettieren. Doch die Beleuchtung, der 

Maßstab und die Perspektive würden bei einem 

solchen Setup nur sehr schwer 

zusammenzubringen sein, doch das ganze 

Projekt sollte höchstens ein paar Stunden in 

Anspruch nehmen, nicht länger. Deswegen 

machte ich mich zum nächstgelegenen 

Baumarkt auf und besorgte mir ein paar 

Tapetenreste mit unterschiedlichen Mustern, aus 

denen ich einen passenden Hintergrund 

auswählen wollte. Wieder zuhause, fand ich 

dann auch eine Tapete, deren Farbtönung und 

Oberflächenbeschaffenheit perfekt mit dem 

warmen Licht der Kerze harmonieren würde. Ich 

wollte nur eine einzige Kerze verwenden und die 

Belichtung des Fotos solange anpassen, bis sie 

den Effekt erzeugen würde, der mir vorschwebte. 

Um die Strichmännchen herzustellen, wollte ich 

Oben links: Die Vorschau 

der Szene auf dem 

Kameramonitor half mir, zu 

beurteilen, ob Beleuchtung 

und Maßstab richtig gewählt 

waren. 

Oben: Ich verbrauchte eine 

ganze Schachtel 

Streichhölzer bevor ich eine 

„Produktionsmethode“ für 

meine Strichmännchen fand. 

Links: Ein paar ganz 

alltägliche Dinge waren es 

nur, die ich brauchte, um die 

Aufnahme in den Kasten zu 

bekommen. 

Unten links und ganz 

unten: Ich probierte 

unterschiedliche Setups der 

Szene, bevor ich mich 

endgültig für eins entschied. 

Rechts: In meinem 

endgültigen Foto dominiert 

das „tote“ Männchen im 

Vordergrund. Das ganze war 

eine einfache Idee, die an 

einem freien Nachmittag 

auszuprobieren viel Spaß 

machte. 

eigentlich deren Arme und Beine aus besonders 

langen Streichhölzern anfertigen und sie zu 

diesem Zweck mit einem Taschenmesser 

spalten. Eine Streichholzschachtel und ein 

Haufen Streichholzfragmente später hatte ich die 

Erkenntnis, dass dies unmöglich war. Mit 

kleineren Streichhölzern und etwas Bastelleim 

funktionierte es schließlich. Dann stellte ich aus 

Wollfäden, wie man sie normalerweise für 

Stickereien verwendet, die „Kleidung“ für die 

Strichmännchen her. Nachdem das geschehen 

war und die Herrschaften eingekleidet waren, 

steckte ich sie einfach um ein Teelicht herum in 

die Tapete. Die Teile des im Vordergrund 

liegenden Strichmännchens wurden zuerst 

angesengt und danach zusammengeleimt. 

Nachdem sich das Arrangement an Ort und 

Stelle befand, griff ich zur Kamera und 

experimentierte mit unterschiedlichen 

Bildkompositionen und Kamerastandpunkten, 

bevor ich das Teelicht anzündete und ein Testfoto 

machte. Ich nahm alle Einstellungen manuell vor 

und begann mit Blende f/8, die ich später in f/9 

änderte. Die Einstellung der Verschlusszeit war 

weniger einfach. In diesem Fall war eine 

„richtige“ Belichtung nicht die beste Belichtung, 

denn zu viel Licht bedeutete das Fehlen der 

gewünschten Atmosphäre. Ich begann mit einer 

Verschlusszeit von 4 Sekunden und endete bei 2 

Sekunden, was wesentlich mehr Details der 

Flamme hervorbrachte und ein Glühen, das 

zuvor nicht zu sehen war. Trotzdem war das Licht 

ausreichend, das „tote“ Strichmännchen auf 

dem Boden gut auszuleuchten. 

Bleibt nur noch die Frage, was hier geschah. War 

nur jemand unvorsichtig, oder fand irgendein 

Ritual statt? 




KERZEN 

RAUCHSIGNALE 



Objektiv: NIKKOR AF-S DX 18-55mm f/3.5-5.6 

Software: Adobe Lightroom 4 und CS5 

EINE KURZE SUCHE auf 500px 

oder Flickr zeigt, dass Kerzen 

besonders beliebte Requisiten für 

Stillleben sind. Warum, ist 

unschwer zu nachzuvollziehen: 

Sie sind ästhetisch und erzeugen einen 

angenehm warmen Glanz. 

Doch ein kreatives, vor allem neues Motiv zu 

gestalten, war schwieriger als angenommen. 

Nach langem Überlegen und intensiver 

Suche nach Anregungen dämmerte es mir 

plötzlich: die Kerze selbst musste gar nicht 

das Motiv sein, sie musste lediglich eine 

Rolle zur Schaffung des Motivs spielen. So 

entschloss ich mich, die Rauchspur vom 

Docht einer erlöschenden Kerze für ein 

abstraktes Foto zu nutzen. Die 

entsprechenden Aufnahmen waren der 

leichtere Teil des Vorhabens. Ich stellte ein 

Stück schwarzen Styropors als Hintergrund 

auf die Arbeitsfl äche der Küchenzeile und 

einen Kerzenhalter mit Kerze davor. Dann 

montierte ich die Kamera im Hochformat auf 

das Stativ, richtete sie aus, und stellte per 

Einzelpunkt-AF auf den Docht der Kerze 

scharf. Dann schaltete ich den Autofokus ab, 

damit sich die Einstellung nicht mehr 

verändern konnte. Alle anderen 

Einstellungen nahm ich manuell vor: ISO 

100, die maximale Blitz 

Blitzsynchronisationszeit von 1/200 

Sekunde und Blende f/8 für eine komfortable 

Schärfentiefe. Dann schloss ich einen 

drahtlosen Fernauslöser an die Kamera und 

den dazugehörigen Empfänger an das 

Blitzgerät an, dass ich rechts von der Kerze 

auf der Arbeitsfl äche aufbaute, so dass es in 

einem Winkel nach oben blitzen und den 

aufsteigenden Rauch beleuchten würde. 

Auch den Blitz stellte ich manuell ein und 

versuchte es mit 1/32 der maximalen 

Leistung, die sich nach einem Testfoto als 

ausreichend herausstellte. Allerdings fi el 

auch etwas Licht auf den Hintergrund. Um 

das abzustellen, benutzte ich rechts vom 

Objektiv ein kleines Stück schwarzer Pappe 

und links einen schwarzen Aktenordner, und 

das Problem war gelöst. 

Bevor ich die Kerze anzündete, öffnete ich 

Küchentür und Küchenfenster, damit der 

Raum auskühlte, denn in kühleren 

Umgebungen ist Rauch besser erkennbar, 

und er hält sich länger. Nach einer halben 

Stunde schloss ich Tür und Fenster wieder 

und dunkelte den Raum ab. Nach dem 

Anzünden der Kerze ließ ich sie etwa eine 

Minute brennen, bevor ich sie ausblies und 

eine Bildserie schoss. Dies wiederholte ich 

mehrere Male, wobei ich herausfand, dass 

der Rauch, wenn er sich in Richtung 

Blitzgerät zog, unterbelichtet wurde. Um 

dieses Problem zu lösen, stellte ich ein 

zweites Blitzgerät an der anderen Seite der 

Kerze auf und stellte beide Blitzgeräte auf 

1/64 der vollen Leistung ein. Das bewirkte, 

dass der Rauch von derselben Lichtmenge 

Oben links: 

Zuerst erfolgte die 

Bildkomposition, dann 

wurde die Kamera auf 

dem Stativ fixiert. So 

hatte ich die Hände frei, 

um die Kerze zu 

bedienen und 

zwischendurch zu 


Oben: Nachdem die 

Kerze angezündet war, 

ließ ich sie so lange 

brennen, bis der Docht 

heiß genug war, um 

nach dem Auslöschen 

Rauch zu erzeugen. 

Links: Nach jedem 

Ausblasen der Kerze 

hatte ich Zeit genug, 3-4 

Aufnahmen in den 

Kasten zu bekommen, 

bevor sich der Rauch 

auflöste. 

Unten links: Ich 

wählte die gelungensten 

Rauchmuster in 

Lightroom, um sie in 

Photoshop mithilfe des 

Lassowerkzeugs 

zusammenzufügen. 

wie zuvor beleuchtet wurde, es aber keine 

Rolle mehr spielte, in welche Richtung er zog. 

Ein positiver Nebeneffekt war, dass die 

Blitzgeräte wegen der geringeren Blitzleistung 

schneller aufgeladen wurden als zuvor das 

einzelne Gerät. So konnte ich mehr Fotos 

schießen, bevor der Rauch sich aufl öste. 

Die Nachbearbeitung erfolgte zunächst mit 

Lightroom, wo ich die besten Rauchmuster 

aussuchte und nach Photoshop exportierte. 

Mit dem Lassowerkzeug wählte ich die 

einzelnen Rauchfahnen aus und kopierte sie 

in ein Bild der rauchfrei brennenden Kerze. 

Dann änderte ich die Füllmethode aller 

Ebenen zu „Aufhellen“, damit der Rauch 

durchscheinen konnte. 

Um das Ganze attraktiver zu machen, fügte 

ich jeder Rauchspur eine bunte Verlaufsebene 

hinzu und änderte die Füllmethode jedes 

Verlaufs in „Farbe“. Zum Schluss fügte ich 

alle Ebenen zusammen und duplizierte und 

spiegelte sie. Es folgten noch eine kleine 

Korrektur der Gradationskurven und etwas 

Bildschärfen, und fertig war das Endergebnis. 

Ich hatte mich entschieden, die Kerze nicht 

im Bild zu lassen, weil sie im Widerspruch 

zu der abstrakten Erscheinung des 

Bildes stand. 




KERZEN 

DIE FLAMBIERTE FRAU 

Von Paul Ward 


Objektiv: NIKKOR 24-70mm f/2.8 


MEINE URSPRÜNGLICHE Idee für 

dieses Projekt war, Kerzenwachs 

über einem Perückenkopf aus 

Styropor zu schmelzen, so dass 

nach dem Erkalten des Wachses 

eine Art Helm entstehen würde, den das Model 

tragen sollte. Ich wollte es so aussehen lassen, 

als sei ihr Kopf eine große Kerze, wobei das 

geschmolzene Wachs das Gesicht hinunter 

laufen würde. Doch als ich die Sache genauer 

durchdachte, wurde klar, dass es so nicht 

funktionieren würde. Es würde viel zu lange 

dauern, das Wachs zu schmelzen, außerdem 

hätte ich so viele Kerzen gebraucht, dass die 

Aktion ziemlich teuer geworden wäre. 

Als ich mich nach einem passenden Model und 

Visagisten umsah, kam ich mit Sabina 

Yunusova in Kontakt, mit der ich schon zuvor 

zusammengearbeitet hatte. Sie ist sehr kreativ, 

und ich wusste, wenn ich sie dabei haben 

würde, könnte ich es ihr überlassen, Kopf und 

Haare des Models in einen Kerzenhalter zu 

verwandeln. Nun mussten wir einen Weg 

finden, die Kerzen am Kopf zu befestigen. Ich 

besorgte vom Flohmarkt ein paar einfache 

Kerzenhalter, deren Fuß abgeschraubt werden 

konnte. Aus einem langen Streifen 

Aluminiumblech formte ich eine Art Stirnband 

und bohrte drei Löcher hinein, die als Aufnahme 

für die von ihren Standfüßen abgeschraubten 

Kerzenhalter dienten. Diese wurden mit 

passenden Muttern befestigt. Auf dem Foto 

sollte viel Rauch vor dem Hintergrund zu sehen 

sein. Ich benutzte dazu drei Lichtquellen und 

eine Rauchmaschine. Die Hauptleuchte 

bestand aus einer großen Octobox mit einem 

Wabendiffusor, der aus einer Eierverpackung 

improvisiert worden war. Diese Konstruktion 

verhinderte, dass Licht direkt auf den 

Hintergrund fiel. Ein Blitzgerät diente dazu, den 

Rauch hinter dem Modell zu beleuchten, ein 

weiteres befand sich links hinter der Visagistin, 

welche die Rauchmaschine bediente. Das Foto 

wurde mit 1/60 Sekunde bei Blende f/7.1 und 

ISO 200 geschossen. 

Die brennenden Kerzen wurden zur Sicherheit 

separat aufgenommen, denn wir wollten nicht 

die Haare des Modells entzünden – Haarspray 

ist extrem brennbar! Ich schoss mehrere 

Aufnahmen der Kerzen, damit sie auf dem Foto 

nicht identisch aussahen. Dabei verwendete ich 

keinen Blitz, sondern schaltete die 

Raumbeleuchtung aus, fotografierte vom Stativ 

und nahm die Belichtungsmessung an der 

Flamme vor. Der schwarze Hintergrund sorgte 

dafür, dass ich die Kerzen später problemlos als 

einzelne Ebenen in Photoshop einarbeiten 

konnte. 

Nachdem wir alles im Kasten hatten, gingen wir 

zurück in den Lifestyle-Bereich des Studios, wo 

auch vor der Session das Make-up des Models 

aufgelegt worden war. Dort war das durch die 

großen Fenster hereinfallende Tageslicht gerade 

so schön, dass ich noch eine Reihe weiterer 

Aufnahmen machte. Dazu änderte ich die 

Kameraeinstellungen auf ISO 800 und Blende 

f/3.2, denn das Licht war natürlich weniger 

intensiv als das der zuvor verwendeten 

Blitzgeräte. Ich stand zwischen dem Model und 

dem Fenster, damit das Gesicht gleichmäßig 

ausgeleuchtet war. So entstand die letzte 

Aufnahme des Tages, und wie sich 

herausstellte, auch die beste. 

Oft ist weniger eben doch mehr. 

Alternativszene 

Im Uhrzeigersinn 

von oben links: Ich 

bohrte drei Löcher in das 

Aluminiumblech, durch 

die die Gewinde der 

Kerzenhalter gesteckt 

und mit Muttern 

gesichert wurden. 

Sabina drapierte 

währenddessen das 

Haar des Models so, 

dass die Konstruktion der 

Kerzenhalter darunter 

verborgen sein würde. 

Unten links: Die dritte 

Leuchte ist hier nicht zu 

sehen; sie befindet sich 

links von der 

Rauchmaschine und 

sorgt für Glanz auf dem 

Haar und dem Nacken 

des Models. 

Unten: Dies war das 

eigentlich beabsichtigte 

Foto, dem der gesamte 

Aufwand einschließlich 

Rauch und den drei 

Leuchten gegolten hatte. 

Ganz unten: Ich 

fotografierte die Kerzen 

getrennt im dunklen 

Raum und montierte sie 

später per Bildfüllmodus 

mit Photoshop in das 

Bild hinein. 

Rechts: Die Fenster in meinem 

Lifestyle-Studio befinden sich in 

einer Höhe von etwa 1,80 m und 

reichen bis unter die 

Zimmerdecke. Das sorgt für viel 

natürliches Tageslicht; der Effekt 

ist etwa derselbe wie der einer 

großen Softbox, die in einem 

Winkel von 45 Grad nach unten 

gerichtet ist. 

Mitte: Ich fotografierte im 

Raw-Format und dunkelte das 

Bild in der Nachbearbeitung leicht 

ab, bevor ich die Farbsättigung 

verminderte und eine Vignette 

hinzufügte. 



Spitzen 

-Profis 

1 

SHOOTING 

VON 

STARS 

DER HAARPOMADE „BRYLCREEM“ BIS ZU CADBURY CREME 

EGGS, OB OLYMPIONIKEN, SCHAUSPIELER ODER KOMIKER: ADAM 

LAWRENCE HAT SIE ALLE PORTRÄTIERT. MIT CAROLINE WILKINSON 

SPRICHT ER DARÜBER, WARUM PERSÖNLICHKEIT SO WICHTIG IST 

– FÜR FOTOGRAFEN UND PORTRÄTIERTE. 

„MEIN ONKEL ADAM ist Mamas Bruder. Er ist 

verrückt, aber er ist wirklich nett zu mir. Mein 

Onkel Adam gibt mir für fünf Minuten sein 

iPhone, wenn Mama das will. Mein Onkel 

Adam hat Haare, so struppig wie ein Vogelnest. 

Er hat immer T-Shirts an wo so Sachen wie 

„Punk“ drauf stehen und er redet so lustig. Mein Onkel Adam 

benimmt sich, als ob er erst fünf wäre, und er kitzelt mich 

immer. Mein Onkel Adam macht dauernd Fotos von mir und 

von meinem Bruder, weil er Fotograf ist.“ Das war mein erster 

Eindruck von dem in London arbeitenden Porträtfotografen 

Adam Lawrence, gesehen durch die Augen seiner 

siebenjährigen Nichte. Ein starker Kontrast zu den üblichen 

Biografien, doch angesichts der hochkarätigen Marken- und 

Medien-Giganten wie Hovis, N-Power, Doritos, Channel 4, 

Radio One, LoveFilm, BBC, Nestle, Morrisons – die Liste ließe 

sich fortsetzen – wird klar, dass er es mit Humor und 

Ungewöhnlichkeit weit gebracht hat. 

„Ich möchte, dass die Leute meine Bilder anschauen und 

etwas Eigenartiges in ihnen sehen, das sie zum Lächeln 

bringt.“ 

Wenn er eine Verbindung zu den Porträtierten herstellt, bedeutet 

das, dass er ihre Persönlichkeit durch seine Porträts ausstrahlen 

kann und zugleich eine Beziehung aufbaut, die weitere Aufträge 

sichert. Das war so bei Gok Wan und Channel 4, bei Victoria 

Pendleton und den vielen Kampagnen, die auf sportlichem 

Erfolg beruhten. Persönlichkeit und Talent haben Adams 

Karriere viele Türen geöffnet, sodass er sich weiter entwickeln 

und in neuen Bereichen versuchen konnte. Wenn man sein 

vielseitiges Portfolio anschaut, stellt man erstaunt fest, dass 

man ihn keinem bestimmten Genre zuordnen kann. 

„Im vergangenen Sommer habe ich die Standfotos für zwei 

Spielfilme gemacht, und zwischendurch immer wieder meine 

Werbeaufnahmen. Es ist eine andere Herausforderung – man 

muss mit dem vorhandenen Licht arbeiten und ist ständig von 

der Film-Crew umgeben; die Arbeit hat dokumentarischen 

Charakter und unterscheidet sich sehr von meinem normalen, 

perfektionierten Stil. Ich genieße diese Vielfalt, doch ganz oft 

überschneiden sich solch unterschiedliche Bereiche der 

Fotografie. Die Schauspieler wissen zum Beispiel, dass ich 

auch Werbefotograf bin, also muss ich sie gar nicht lange 

überreden, sich vor einen weißen Hintergrund zu stellen, 

wenn sich die Gelegenheit ergibt. Diese Bilder können dann 

ohne weiteres auf Werbeflächen an den Seiten der 

Straßenbahnen und Stadtbusse enden, als Teil der 

Werbekampagne für den Film.“ 

Vor dem Hintergrund seiner eigenen Erfahrung mit Film und 

Fernsehen hat er seine inzwischen 20 Jahre dauernden Karriere 

aufgebaut; es war nicht die Fotografie, mit der sie anfing. Er war 

immer sehr vielseitig, und das ist bis heute so geblieben. 

„Mein Durchbruch kam mithilfe eines Freundes, der 1992 in 

der Presseabteilung für Capital Radio arbeitete: ich 

1) Der fünfjährige 

Darryl Olorunfem, 

verkleidet als kleiner 

Tinie Tempah wurde 

für eine Vision-Express 

Kampagne fotografiert, 

die Kindern ihre Scheu 

vor dem Tragen einer 

Brille nehmen sollte. 

Es sollte Teil einer Serie 

von Mini-Musik- und 

Hollywood-Stars 

werden, aber das 

Projekt wurde nicht 

weiter verfolgt. 

2) Paloma Faith – Tia 

Marias 

Markenbotschafterin 

– wurde mit einer 

Phase One P30+ back 

mit einer Verschlusszeit 

von 1/250 Sekunde 


aufgenommen. 


2 


Spitzen -Profis 

3) Weltmeisterin und 

Olympiasiegerin Victoria 

Pendleton wurde für eine 

Hovis-Kampagne als Audrey 

Hepburn in Frühstück bei 

Tiffany abgelichtet. 

4) Gok Wan wurde für „How 

to Look Good Naked“ mit 

einer Hasselblad P30+ und 

Phase One Rückwand in 

einer einzigen Aufnahme 

fotografiert, mit 1/8 Sekunde 

bei Blende f/16. 

5) Diese Aufnahme von 

Heston Blumenthal gehörte 

zu einer dreiteiligen 

Komposition: Heston, einen 

Eimer Deckel haltend, die 

Tortenschachtel und die aus 

einem Kasten aufflatternden 

Tauben. Geschossen wurde 

mit einer Verschlusszeit von 

1/5000 Sekunde bei Blende 

f/19. 

6) Ein Teil der Besetzung von 

„Made in Chelsea“, 

fotografiert mit einer Phase 

One IQ140. Das Bild besteht 

aus einer einzigen 

Aufnahme, bei der zwölf 

Leuchten benutzt wurden. 

Sie wurde mit einer 

Verschlusszeit von 1/125 

Sekunde bei Blende f/13 

gemacht. 

3 

4 5 

fotografierte einige Radio-Berühmtheiten, das war für mich 

der Einstieg. Doch die redaktionelle Fotografie mit festem 

Einkommen stirbt langsam aus, und seit die Musikindustrie 

Konkurrenz durch das Internet bekam, geht es nur noch 

darum, halbnackten Glamour zu fotografieren – in all den 

Strapsen und Strümpfen war nicht mehr viel Raum für 

Persönlichkeit. Meine heutige Arbeit besteht meist aus 

High-End PR: TV-Publicity und charakterbetonte Anzeigen. 

Mir gefällt alles, was auf einer guten Idee beruht und im 

Studio eine Herausforderung darstellt. Eine meiner 

kürzlichen Aufnahmen, an die ich mich gerne erinnere, war 

für Cadbury: die Fortsetzung einer bereits gelaufenen 

Creme-Egg-Kampagne. Dafür haben wir das Coverfoto neu 

erfunden, auf dem Nigela Lawson mit Honig überzogen war 

– nur diesmal haben wir mit Wasser verdünnte Schmiere 

benutzt. Es war eine famose Schweinerei.“ 

Wie alle erfolgreichen Fotografen wird Adam wegen seines Stils 

angeheuert, der Art und Weise, wie er denkt und fotografiert. 

Abgesehen von seinem Auftreten hat das eine Menge zu tun 

mit seinen Fähigkeiten der Beleuchtung, die normalerweise 

ausgewogen ist zwischen hartem und weichem Licht. Er 

benutzt gerne eine kleine Softbox als Hauptlicht und eine 

weitere Leuchte mit Beauty-Dish, die jedoch nicht in die Mitte 

des Motivs strahlt. Diese Kombination ergibt eine weiche 

Gesamtansicht des Gesichts, während die Gesichtszüge durch 

das harte Licht hervorgehoben werden. Bei Aufnahmen wie 

die Besetzung des Films „Made in Chelsea“ kann es aber 

wesentlich komplizierter werden: 

„Das war das Ergebnis der Kombination von großartiger 

Location, einem hervorragenden Requisiteur und einem 

exzellenten Retuscheur. Es ist eine einzige Aufnahme, was 

bedeutete, dass da wohl so um die 10 bis 12 Leuchten im 

Spiel waren. Jede einzelne Person musste individuell 

herausgehoben werden mit Randleuchten an den richtigen 

Stellen und einer Mischung aus hartem und weichem 

Licht.“ 

Adam ist der Ansicht, dass die Arbeit eines professionellen 

Retuscheurs zu einem wichtigen Teil der Branche geworden 

ist, quasi als Nebeneffekt der Digitalfotografie. 

„Die Digitaltechnik hat nicht nur unseren Workflow 

verändert, weil wir Bilder jetzt sofort sehen und verändern 

können, sondern auch für die Kunden, weil sie eine 

Aufnahme jetzt auf dem iPad ansehen können; es bedeutet 

auch, dass Porträts heute im Vergleich zu den Tagen des 

Films viel perfekter aussehen müssen. Wie für die Fotografie 

mit Film eine gute Vergrößerung entscheidend war, ist es 

jetzt gute Retusche, die deine Arbeit heraushebt.“ 

Weitere Bilder finden Sie auf www.adamlawrence.com 

7) Hier haben 

CGI-Künstler das 

Kleid für Paloma Faith 

kreiert. Wir 

fotografierten in dem 

Raum zuerst eine 

silberne Kugel, so 

dass die Artists 

wissen konnten, 

wohin die Spitzlichter 

fallen würden. 

8) David Mitchell und 

Robert Webb 

fotografierten diesen 

Mitchell und Webb 

Look. Die 

Beleuchtung bestand 

einfach aus zwei 

Blitzköpfen mit 

Softboxen. 

9) Lydia Bright aus 

„The Only Way is 

Essex“ wurde für die 

Cadbury Creme-Egg 

Kampagne 

fotografiert. 


Adam Lawrence 

6 

PORTRÄTS MÜSSEN HEUTE IM VERGLEICH ZU DEN ZEITEN DES FILMS VIEL PERFEKTER 

AUSSEHEN. WIE FÜR DEN FILM EINE GUTE VERGRÖSSERUNG ENTSCHEIDEND WAR, IST ES 

JETZT GUTE RETUSCHE, DIE DEINE ARBEIT HERAUSHEBT.“ 

7 8 9 


Spitzen-Profis 

LIEBESGRÜSSE 

AUS MOSKAU 

VOM ROTEN PLATZ BIS ZU DEN WEISSEN NÄCHTEN SANKT PETERSBURGS: REISEFOTOGRAF JON 

HICKS BERICHTET ÜBER SEINE RUSSLAND-EXPEDITION UND ERKLÄRT, WARUM ER EINE MICRO 

FOUR-THIRDS KAMERA GEGENÜBER SEINER CANON EOS-1DS MK III VORZIEHT. 

JEWEILS ACHT TAGE in Moskau und Sankt 

Petersburg sollten es sein, und im Gegensatz 

zu den meisten meiner Projekte für Corbis 

Images verlief auch fast alles nach Plan. Ich 

wollte schon lange gerne nach Russland 

reisen, doch die bisher geltenden Vorschriften 

über das Fotografi eren öffentlicher Plätzen, insbesondere in 

Moskau, hatten mich abgeschreckt. 

Es gab zu viele Örtlichkeiten, an denen keine professionelle 

Ausrüstung verwendet werden durfte, beispielsweise die 

Moskauer U-Bahn, und selbst für ein Stativ brauchte man 

eine Sondererlaubnis. Aufgrund dieser Restriktionen kam ein 

Besuch in Russland für mich lange Zeit nicht in Frage. 

Doch ich hatte gehört, dass aufgrund des politischen 

Einfl usses eines russischen Kollegen die Vorschriften 

gelockert worden waren; sie galten angeblich nun nur noch 

für Privatgelände, und genauso war es auch. Trotzdem war 

ich darauf vorbereitet, feindselige Reaktionen zu vermeiden, 

indem ich mir vor dem Abfl ug eine Olympus OM-D EM-5 

Kamera zugelegt hatte. Sie erwies sich bei Innenaufnahmen 

in der U-Bahn, in Einkaufszentren, in Kirchen und 

Museen von unschätzbarem Wert – eben überall dort, wo 

erhöhte Sicherheitsvorkehrungen gelten. Mit dieser 

Kamera ohne weiteres Zubehör sah ich wie ein Tourist 

aus, und das war mein Vorteil. So konnte ich Situationen 

fotografi eren, die mir mit voller Profi ausrüstung ganz 

sicher verwehrt geblieben wären. Ein Übriges tat die 

hervorragende Bildstabilisierung der Kamera. Das System 

arbeitet über fünf Achsen, nicht nur über die Horizontale 

und die Senkrechte. Ich konnte die Kamera beliebig 

drehen und neigen, und auch bei langen Verschlusszeiten 

noch aus der Hand schießen. Die Wechselobjektive sind 

vergleichsweise winzig; darum ist dieses Kamerasystem 

sehr einfach und unauffällig zu transportieren. 

Ich verwendete sehr oft das Lumix G Vario 7-14mm f/4 

Objektiv, denn es ist ein sehr gutes Weitwinkel für 

Innenaufnahmen (entsprechend 14–28 mm im 

Vollformat). Außerdem hatte ich noch ein 20mm f/1.8 

und ein 45mm f/1.7 Objektiv dabei (entsprechend 40 

mm und 90 mm im Vollformat). Im Vergleich zu einem 

35mm-Objektiv bekommt man damit viel mehr 

Schärfentiefe. Ich habe zum Beispiel in der U-Bahn mit 

1/8 Sekunde bei Blende f/5.6 aus der Hand geschossen, 

und weil der Sensor ein sehr gutes Rauschverhalten hat, 

machte ich viele Aufnahmen bei ISO 1600. Natürlich 

schneidet die Olympus bei der Bildqualität im direkten 

Vergleich zu meiner Canon EOS-1Ds Mk III schlechter ab, 

doch das war zu erwarten. Für den Zweck, zu dem ich sie 

gekauft hatte, konnte ich mir nichts besseres wünschen.

Das Wetter in 

Moskau war sehr 

wechselhaft, doch 

das hinderte mich 

nicht daran, auf dem 

Roten Platz diese 

Touristen mit 

aufgespannten 

Regenschirmen zu 


Kamera: Canon 

EOS-1Ds Mk III, 

Belichtung mit 1/4 


f/6.3

Spitzen 

-Profis 

Jon Hicks 

1 

1) Obwohl traditionelle 

russische Szenen von 

den Agenturen nicht 

nachgefragt werden, 

schoss sich auch solche 

Motive, aber in meinem 

eigenen Stil. So entstand 

dieses Bild vom Kreml 

und der Moskwa in der 

Dämmerung, mit einem 

70-200mm f/2.8 

Objektiv und 5 

Sekunden Belichtung 

bei Blende f/13. 

2) Die Olympus OM-D 

E-M5 leistete mir 

unschätzbare Dienste 

bei Innenaufnahmen, 

besonders mit dem 

Lumix G Vario 7-14mm 

f/4 Objektiv. Diese 

Aufnahme entstand aus 

der Hand mit 1/10 

Sekunde Verschlusszeit 

bei Blende f/5 und ISO 

1250. 

3) Kirche am Griboyedov 

Kanal in St. Petersburg 

in einer weißen Nacht, 

aufgenommen mit einer 

Brennweite von 24 mm. 

2 

3 

(nächtse Seite :) 

4) Mit der Olympus konnte 

ich auch an Orten wie der 

Moskauer U-Bahn 

fotografieren, und ich 

brauchte keine 

Kompromisse wegen 

möglichen Verwackelns 

einzugehen. Ich konnte 

aus der Hand mit 0,3 

Sekunden Verschlusszeit 

bei Blende f/4 schießen, 

um den Zug und die 

Reisenden verschwimmen 

zu lassen. 

5) In der Galeria Shopping 

Mall in Sankt Petersburg, 

aufgenommen mit der 

Olympus mit 1/40 

Sekunde Verschlusszeit 

bei Blende f/5 und ISO 

200. 

WENN SIE IM MAI IN MOSKAU SIND, DÜRFEN SIE NICHT DIE 

WEISSEN NÄCHTEN VON SANKT PETERSBURG VERSÄUMEN. 

Die produzierten Fotos erforderten allerdings einige 

Nachbearbeitung, um sie an Bildagenturen verkaufen zu 

können. Es müssen beispielsweise Artefakte und 

Farbsäume entfernt werden, und selbstverständlich sind 

Nachschärfen und Rauschreduktion obligatorisch. 

Aufnahmen mit der Canon brauchen nichts von alledem. 

Ich erledigte meinen Pfl ichtanteil an traditionellen 

Russlandfotos, obwohl Bildagenturen damit überschüttet 

werden. Dann konzentrierte ich mich auf das moderne 

Russland: die Einkaufszentren, die Geschäftsviertel wie die 

neue Moskauer City und das U-Bahn System. Auch wenn 

Bilder von Starbucks, Marks & Spencer und Mc Donald´s 

weniger interessant sind als die wunderbare Architektur, 

sind kyrillische Schriftzeichen ein fotografi sches 

Alleinstellungsmerkmal, jedenfalls für West-Kunden, und 

die ein- und ausströmenden Menschen ergeben 

dynamische Bilder. Über die Hälfte meiner Zeit in Moskau 

war der Himmel bedeckt, ich verbrachte viel Zeit in 

Gebäuden und wartete auf die Nacht. Hier kam die Olympus 

zu ihrem Recht: Wo immer ich mit meiner Canon und dem 

Stativ auf dem Rücken ein Einkaufszentrum betrat, wurde ich 

von irgendeinem Sicherheitsmenschen belehrt: „Keine Fotos“. 

So versuchte ich denn das Beste aus meiner Zeit zu machen, 

selbst im abendlichen Regen. Ich machte „Undercover“- 

Aufnahmen von Menschen mit Regenschirmen, selbst wenn 

ich nachträglich Himmel in das Bild einfügen musste. An 

Tagen mit gutem Licht konnte ich mit der Olympus mehr 

Bilder machen als normalerweise üblich – und sie verkaufen 

sich wirklich gut. Es war eine völlig neuer Arbeitsweise für 

mich: Normalerweise bleibe ich stehen, hole die Ausrüstung 

aus der Kameratasche und baue das Stativ auf; diesmal 

jedoch schoss ich viele Fotos einfach mit der Kamera vor dem 

Bauch, während ich durch die Stadt schlenderte. Die Canon 

benutzte ich nur noch für komplizierte Lichtverhältnisse und 

Panoramen. 

Wer Moskau im Mai besucht, sollte auf keinen Fall die 


4 

5 6 

Gelegenheit verpassen, die vierstündige Bahnfahrt nach 

St. Petersburg zu unternehmen, um dort die weißen Nächte 

zu fotografieren. Es ist fantastisch: ein nicht enden wollendes 

Zwielicht. Wirklich dunkel wird es nie, und Sie können 

wunderschöne Fotos in dieser endlosen goldenen Stunde 

machen, bis Sie so müde sind, dass Sie die Kamera kaum 

noch halten können. Ich habe oft genug bis 3:00 Uhr 

morgens gearbeitet, bevor ich ins Hotel zurück ging. Weil ich 

am Wochenende dort war, konnte ich auch die sonst völlig 

unübliche nächtliche Betriebsamkeit der Stadt erleben, wenn 

Familien mit ihren Kindern morgens um 2:30 Uhr am 

Flussufer der Newa spazieren gingen. 

Tagsüber fotografierte ich wieder meine Einkaufszentren und 

traditionelle Gebäude wie das Hermitage Museum und etliche 

der über 2000 eindrucksvollen Paläste, die auch mehr als 70 

Jahre Sozialismus mühelos überstanden haben. In Sankt 

Petersburg ist alles zu Fuß erreichbar, und das Wetter war 

schön, ganz abgesehen von der umwerfenden, ganznächtlichen 

goldenen Stunde. 

Auch hier benutzte ich die Olympus für Innenaufnahmen, 

doch für die in der Dämmerung aufgenommenen 

Außenaufnahmen verwendete ich meine bewährte Canon 

EOS-1Ds Mk III. Trotzdem ich mich nächtelang auf 

Motivsuche draußen herumtrieb, fühlte ich mich überall 

sicher und die Menschen beider Städte waren sehr freundlich 

– wenn auch oft stark mit Wodka angetrunken. Niemand war 

unfreundlich zu mir, trotz der vielen Warnungen, die ich vor 

meiner Abreise gehört hatte, dass Russen sich nicht gern 

fotografieren lassen. 

Ich hatte jedenfalls einen sehr schönen Aufenthalt und werde 

eines Tages im Winter zurückkehren, wenn der Rote Platz mit 

Schnee und Nebel bedeckt ist. 

6) Eine lange 

Verschlusszeit, die 

Passanten 

verschwimmen lässt, 

ist entscheidend, 

wenn sie ein 

ansonsten statisches 

Bild dynamisch und 

damit attraktiver 

machen wollen. 

Dieses Foto auf einer 

Ausstellung im 

Russischen Museum 

in Moskau entstand 

mit 1/8 Sekunde 

Verschlusszeit bei 

Blende f/5.6 und ISO 

1250. 


Photoshop Elements 

Erweitertes Auswählen 

Schnellauswahlwerkzeuge 

Photoshop Elements bietet so viele Auswahlwerkzeuge, dass oft schwer zu 

entscheiden ist, in welcher Situation sie verwendet werden. Zeit für eine Klärung. 

Original 

JORDAN BUTTERS: Jedes 

Auswahlwerkzeug hat seine Vor- und 

Nachteile, je nachdem, was Sie 

auswählen wollen. Smartauswahl- 

Werkzeuge benötigen nur wenig 

Eingriffe Ihrerseits, denn sie messen die 

nächstgelegenen Pixel, bewerten deren 

Unterschiede und extrapolieren anhand dieser 

Bewertungen, welche Bereiche in die Auswahl 

eingeschlossen werden sollen, und welche 

nicht. Das magnetische Lassowerkzeug 

beispielsweise sucht nach Kanten mit starken 

Kontrasten, an denen es sich orientiert, während 

der Zauberstab Pixel von ähnlicher Farbe und 

Farbtönung auswählt, wobei Sie zuvor eine 

Toleranzschwelle eingeben müssen, an der er 

sich orientiert. Je größer die Toleranz, desto 

weiter wird der auszuwählende Tonwertbereich 

gefasst. Das Schnellauswahlwerkzeug 

Alternative Werkzeuge 

SMARTPINSELWERKZEUG 

Er ähnelt dem Schnellauswahlwerkzeug, doch 

mit dem Smartpinsel können sie aus einer Liste 

von Voreinstellungen wie „Blauer Himmel“, 

„Weiße Zähne“ usw. auswählen. 

Das Smartpinselwerkzeug arbeitet allerdings 

nur mit den in der Liste enthaltenen Effekten. 

funktioniert ähnlich wie der Zauberstab, jedoch 

mit dem kleinen Unterschied, dass Sie einen 

Bereich „überpinseln“, anstatt auf ihn zu klicken. 

Das ist die einfachste Methode, eine Auswahl zu 

treffen, wenn der fragliche Bereich aus 

unterschiedlichen Farben und Farbtönen 

besteht. Sie spart viel Zeit und ist oft genauso 

effizient wie die manuelle Auswahl. Die 

folgenden Ausführungen sollen Ihnen die 

Entscheidung erleichtern, wann Sie welches 

Werkzeug verwenden. 

Zauberstab Um die Farbsättigung des Himmels 

1zu verstärken, benutzen Sie den Zauberstab und 

klicken auf den Himmel. Falls durch diesen Klick 

nicht der gesamte Himmel ausgewählt wird, halten 

Sie die Umschalt-Taste gedrückt und klicken in die 

fehlenden Bereiche, um diese in die Auswahl 

einzuschließen. Haben Sie versehentlich einen 

falschen Bereich ausgewählt, halten Sie wieder die 

Umschalt-Taste gedrückt und klicken erneut in den 

Bereich, um ihn aus der Auswahl zu entfernen. 

Auswahl modifizieren Die Auswahl ist 

2hervorgehoben. Gehen Sie nun auf Auswahl > 

Kante verbessern und im Dialogfeld Kante anpassen 

erhöhen Sie Weiche Kante auf 3.0px und klicken auf 

OK. Das schwächt die Kanten des ausgewählten 

Bereichs ab. 

Farbsättigung korrigieren Um das Blau des 

3Himmels zu verstärken, gehen Sie auf Ebene > 

Neu > Ebene durch Kopie, um eine neue Ebene des 

ausgewählten Bereichs zu erzeugen. Dann wählen 

Sie Überarbeiten > Farbe anpassen > Farbton/ 

Sättigung anpassen. Nun können Sie in der Palette 

die Farbsättigung mit dem Schieberegler nach 

Belieben verändern. Anschließend klicken Sie auf 

OK. 

4 

Schnellauswahlwerkzeug Der Vordergrund 

könnte etwas mehr Helligkeit und Kontrast 

vertragen. Wählen Sie zunächst die 

Hintergrundebene in der Ebenenpalette und klicken 

Sie auf das Schnellauswahlwerkzeug. Stellen Sie die 

Pinselgröße wie gewünscht ein, und überpinseln Sie 

den Bereich, den Sie auswählen wollen. 

Auswahl korrigieren Falls das Werkzeug nicht 

5die gewünschten Bereiche ausgewählt hat, 

reduzieren Sie zuerst die Pinselgröße, dann halten Sie 

die Alt-Taste gedrückt, während Sie die Bereiche 

überpinseln, die Sie aus der Auswahl ausschließen 

wollen. Eventuell müssen Sie dies ein paar Mal 

wiederholen, bis Sie die gewünschten Bereiche exakt 

selektiert haben. Schwächen Sie nun die Kanten ab, 

wie bereits unter Punkt 2 beschrieben. 

Beleuchtung verbessern Gehen Sie auf Ebene 

6> Neu > Ebene durch Kopie, um erneut eine 

Ebene mit dieser Auswahl zu erzeugen, doch dieses 

Mal gehen Sie auf Überarbeiten > Beleuchtung 

anpassen > Helligkeit/Kontrast. In der Helligkeit/ 

Kontrast-Korrekturpalette erhöhen Sie Helligkeit und 

Kontrast und klicken anschließend auf OK. 


DIGITALE DUNKELKAMMER 


Mit den einzelnen 

Auswahlwerkzeugen 

bearbeiten sie das Bild 

Schritt für Schritt. 

ZU WEIT 

GEGANGEN? 

Wenn Sie einen Bereich 

auswählen wollten und über‘s 

Ziel hinaus geschossen sind, 

halten Sie die Alt-Taste 

gedrückt und klicken erneut 

auf den Bereich, um ihn 

wieder aus der Auswahl zu 

entfernen. 


Photoshop CS Erweitertes Auswählen 

Manuell auswählen 

Schnellauswahl-Werkzeuge sparen Zeit und sind komfortabel, doch wenn 

höchste Genauigkeit gefragt ist, führt die manuelle Auswahl am besten zum Ziel. 

Original 

JORDAN BUTTERS: 

Schnellauswahlwerkzeuge können 

Farbbereiche auswählen, so weit so 

gut. Doch was tun Sie, wenn Sie 

etwas auswählen müssen, das keine 

genau definierte Farbe oder einen komplizierten 

Umriss aufweist? Dann ist die manuelle Auswahl 

von Werkzeugen erforderlich. Mit ihnen werden 

Sie für einen Vorgang etwas länger brauchen, 

weil Sie den auszuwählenden Bereich, selbst 

bestimmen müssen, doch die Bereichsauswahl 

wird wesentlich akkurater sein, wenn Sie 

sorgfältig arbeiten. Ich wollte in diesem Beispiel 

ein sehr kontrastreiches Bild dieser Szene 

erzeugen. Doch da manche Bereiche bereits 

einen sehr hohen Kontrast aufwiesen, wollte ich 

den Kontrast nur in bestimmten Bereichen 

verstärken. Dazu gehörten der Weg aus 

Alternative Werkzeuge 

DAS ZEICHENSTIFTWERKZEUG 

Das Zeichenstiftwerkzeug ermöglicht eine sehr 

präzise Auswahl. Mit ihm wird eine Fläche nicht 

automatisch eingegrenzt, sondern Sie müssen diese 

Eingrenzung von Hand vornehmen. Das Werkzeug 

folgt Vektorlinien, nicht einzelnen Pixelkanten, und 

so entsteht ein Beschneidungspfad. Deswegen 

eignet es sich sehr gut, wenn besondere 

Genauigkeit gefordert ist; es benötigt aber einige 

Zeit der Einarbeitung und Übung. 

Holzbohlen und der Himmel. Um das zu 

erreichen, musste ich sowohl das Lasso- 

Werkzeug als auch das Polygon-Lasso-Werkzeug 

benutzen, denn sonst wäre keine präzise 

Auswahl möglich gewesen. 

Die erste Auswahl Klicken Sie auf das 

1Lassowerkzeug, halten Sie die Maustaste 

gedrückt und wählen Sie das Polygon-Lasso. Klicken 

Sie einmal in das Bild, um den Startpunkt ihrer 

Auswahl festzulegen, bevor Sie mit dem Mauszeiger 

den nächsten Ankerpunkt festlegen. Die dadurch 

gebildete Linie sollte parallel zu den geraden Kanten 

des auszuwählenden Objekts verlaufen 

Zwischen Lassowerkzeugen umschalten 

2Wenn Sie an eine Zone gelangen, die größere 

Flexibilität erfordert, halten Sie die Alt-Taste gedrückt, 

um zum Lassowerkzeug zu wechseln, und fahren 

mit dem Cursor um das Objekt. Lassen Sie die 

Alt-Taste los, um wieder zum Polygon- 

Lassowerkzeug zurückzukehren. Wenn die Auswahl 

getroffen ist, doppelklicken Sie in die Nähe des 

Startpunkts der Linie, um sie abzuschließen. 

Bereiche entfernen Um die sandigen Bereiche 

3zwischen den Holzbohlen zu entfernen, halten 

Sie die Alt-Taste gedrückt und wählen die Bereiche 

einzeln aus. Sobald eine Auswahl abgeschlossen ist, 

wird der Bereich aus der Originalauswahl entfernt. 

Wenn Sie fertig sind, klicken Sie auf das Polygon- 

Lassowerkzeug und halten die Maustaste gedrückt, 

um zum magnetischen Lasso-Werkzeug zu 

wechseln. 

Die Auswahl vergrößern Halten Sie die Umschalt- 

4Taste gedrückt und klicken Sie, um den ersten 

Ankerpunkt zu setzen. Fahren Sie den Horizont entlang, 

und das Werkzeug wird bei allen Kontrastunterschieden 

weitere Ankerpunkte setzen. Falls dies einmal nicht 

geschehen sollte, können Sie mit einem Einzelklick 

selbst einen neuen Ankerpunkt entlang dieser Kante 

setzen. Wenn Sie einen Ankerpunkt versehentlich falsch 

setzen, drücken Sie die Rückschritttaste. 

Auswahl überarbeiten Nachdem der Horizont 

5ausgewählt ist, halten Sie die Alt-Taste erneut 

gedrückt und klicken oberhalb des Horizonts an den 

Bildkanten entlang, um die Auswahl um den Himmel 

herum zu schließen. Dann gehen Sie auf Auswahl > 

Kante verbessern, setzen im Dialogfeld die Weiche 

Kante auf 6.0px und Abrunden auf 10. Dies lässt die 

Kanten ihrer Auswahl verschwimmen. 

Korrekturen hinzufügen Gehen Sie auf Ebene > 

6Neu > Ebene durch Kopieren. Fügen Sie eine 

Tonwertkorrekturebene hinzu, doch bevor Sie 

irgendwelche Einstellungen vornehmen, gehen Sie 

auf Ebene > Schnittmaske erstellen. Nun stellen Sie 

in der Korrekturpalette die Schwarz-, Grau- und 

Weißpunkt-Schieberegler ein, wobei nur der Kontrast 

der ausgewählten Bereiche verstärkt wird. 




Das Entfernen der 

Farbsättigung aus dem 

ganzen Bild bringt schließlich 

den gewünschten Effekt. 


Lightroom Digitale Crossentwicklung 

Cross-Entwickeln von Porträts 

In den Tagen der Dunkelkammer war die Crossentwicklung eine besondere Kunst. 

Finden Sie heraus, wie Sie sie in Lightroom wieder lebendig werden lassen können. 

CAROLINE WILKINSON: 

Crossentwicklung war jedes mal ein 

Experiment mit unvorhersehbaren 

Ergebnissen. Für diejenigen, die 

eine Dunkelkammer nur noch vom 

Hörensagen kennen: beim Crossentwickeln 

wurden für den Entwicklungsprozess absichtlich 

die falschen Chemikalien benutzt, 

beispielsweise, indem man einen Negativfilm 

mit eigentlich für Diafilme vorgesehenen 

Chemikalien entwickelte. Manchmal kamen 

dabei furchterregende Ergebnisse zustande, 

doch oft genug erhielt man auch eindrucksvolle 

Farben und attraktive Hauttöne. Heute, mit der 

Digitaltechnik, ist es immer noch ein Experiment, 

doch es lässt sich leicht wieder rückgängig 

machen. Die hier beschriebene Technik mit 

Lightroom funktioniert genauso gut in 

Photoshop, wo sie jeden einzelnen Kanal mit 

Kurven beeinflussen, anstatt mit Farbtonkurven. 

Mit einer Vignette können Sie ein Bild effektiv 

aufpolieren. Entweder man mag Vignetten oder 

man mag sie nicht, doch indem sie Kanten eines 

Fotos abdunkeln, wird das Auge des Betrachters 

automatisch auf den Schärfepunkt gelenkt. In 

diesem Fall handelt sich dabei um Gesicht und 

Augen des Models. Diese Arbeitstechnik eignet 

sich besonders gut für Fotos, bei denen der 

Hintergrund sonst nur ablenken würde. Die alte 

Dunkelkammertechnik hätte einen ovalen, 

schwarzen Rahmen über das Bild gelegt, doch 

moderne Vignetten sind weicher, subtiler und 

viel besser steuerbar. Deswegen sind sie heute 

auch vielfältiger einsetzbar. 

Original 

Lightroom-Grundlagen 

Erforschen Sie die Vorgaben Das schöne an 

1Lightroom ist die Kollektion der Vorgaben; das 

sind „fertige“, sofort zur Verfügung stehende Effekte, 

die mit einem einzigen Mausklick aktiviert werden 

können. Sie können aus drei Voreinstellungen zur 

Crossentwicklung wählen. Es ist aber nützlich zu 

wissen, wie man den Effekt selbst erzeugt, um 

flexibler und genauer steuern zu können. Für dieses 

Porträt wurde die Vorgabe Crossentwicklung 3 

verwendet. 

Selber machen Zur manuellen 

2Crossentwicklung oder um eine Vorgabe zu 

verändern, klicken Sie auf den Tab für die 

Tonwertkurve und anschließend auf auf die kleine 

Schaltfläche Punktkurve bearbeiten. Jetzt haben Sie 

Zugang zu den Tonkurvenkanälen. Die 

Standardeinstellung sollte RGB sein. Klicken Sie auf 

den Pfeil, wählen Sie „Rot“ und erzeugen Sie eine 

S-Kurve. 

TONKURVE ERKLÄRT 

Die Tonkurve – ebenso wie die Photoshop- 

Gradationskurve – zeigt das Histogramm Ihres 

Bildes, zweigeteilt durch eine diagonale Linie. 

Manipulationen an dieser Linie beeinflussen 

das Bild. Die linke untere Ecke beeinflusst die 

Tiefen, die rechte obere Ecke die Lichter. Mit 

dieser Technik geschieht das jeweils in den drei 

Farbkanälen – Rot, Grün und Blau – aus denen 

ein RGB-Bild besteht. Indem Sie die Linie in 

eine S-Kurve verwandeln, können Sie für den 

entsprechenden Kanal tiefere Schatten und 

hellere Lichter erzeugen. Je steiler die S-Kurve 

verläuft, umso stärker der Effekt. 

Jedes Foto muss anders behandelt werden, im 

allgemeinen wird jedoch beim Crossentwickeln 

im roten Kanal die stärkste S-Kurve verwendet. 

Bei den Kanälen Gelb und Grün hält man sie 

flacher. Doch das sind nur Empfehlungen, 

keine Regeln – es kommt immer auf Ihr eigenes 

Bild an. 

Mit Grün und Blau arbeiten Die Form der 

3S-Kurve hat einen dramatischen Einfluss auf 

den erzeugten Effekt in Ihrem Bild. Nehmen Sie 

deswegen nur kleine, langsame Änderungen am 

roten Kanal vor und wiederholen Sie diese für die 

Kanäle Blau und Grün. Eventuell müssen Sie sich 

den roten Kanal noch einmal vornehmen, nachdem 

Sie an den beiden anderen Kanälen gearbeitet 

haben. 

hinzufügen Gehen Sie auf Effekte > 

4Vignette nach Freistellen und Sie sehen fünf 

Schieberegler, mit denen Sie den Stil der Vignette 

anpassen können. Bewegen Sie den Betrag-Regler 

nach links, um eine dunkle Vignette zu erzeugen und 

nach rechts, wenn Sie eine helle Vignette wünschen. 

Passen Sie auch Mittelpunkt, Rundheit und Weiche 

Kante an, um Position, Form und Weichheit der 

Vignette zu gestalten, wobei der Schärfepunkt des 

Bildes allerdings nicht zu dunkel werden darf. 

Kontrast anpassen Eventuell dunkelt ihre 

5Vignette Bereiche Ihres Bildes ab, die nicht 

beeinflusst werden sollten, oder die Vignette reduziert 

den Kontrast. Minimieren Sie diesen Effekt mit den 

Reglern für Mittelpunkt und Weiche Kante. 

Verwenden Sie in den Grundeinstellungen die Regler 

für Lichter und Tiefen und für Weiß und Schwarz, 

um die Tonwerte Ihres Bildes zu beeinflussen, bis sie 

ihren Vorstellungen entsprechen. 




Falls bestimmte Bildbereiche 

aufgehellt werden müssen, 

nutzen Sie den Korrekturpinsel 

und den Belichtungs- oder 

Spitzlicht-Regler, um die 

gewünschten Änderungen 

durchzuführen. 



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UNS AUF 

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50 FOTOPROJEKTE 

AKTUELLE FOTOAUSSTELLUNGEN, 

KURSE UND REISEN AUF EINEM BLICK 

Sie wollten schon immer Ihre Fähigkeiten in der Fotografie verbessern, wissen aber nicht 

wo Sie anfangen sollen? Oder Sie sind auf der Suche nach neuen Ideen und Locations?

Fauna-Reisen mit Sitz in 

Berlin bietet als Naturreise- 

Spezialist weltweit Reisen 

für Natur- und Tierbeobachtungen 

an. Auf diesen Reisen lassen sich 

Tiere in allen Teilen der Erde in freier 

Natur aus nächster Nähe erleben. 

Zudem ist der Reiseveranstalter 

überzeugt davon, dass die lokale 

Bevölkerung in den Reiseregionen 

durch die Einnahmen dieses 

umweltverträglichen Tourismus 

einen Anreiz bekommt, ihre 

„tierischen“ Nachbarn und deren 

Argentinien 

Lebensraum besser zu schützen. 

Bei den speziell für Hobby- 

Fotografen konzipierten Fotoreisen 

hat der Berliner Spezialveranstalter 

besonderen Wert darauf gelegt, die 

einzigartige Landschaft und die 

Tierwelt der Länder miteinander 

zu kombinieren. Dazu wird dem 

Naturfotografen an den einzelnen 

Stationen sehr viel Zeit gegeben. 

Falls gewünscht, erhält er von der 

fachlichen Begleitung auch Tipps 

und Anregungen, die für optimale 

Fotoergebnisse sorgen werden. 

26.10.-10.11.2013 

Valdés - 

Heimat der Südlichen 

Glattwale 

• Südliche Glattwale, 

Felsenpinguine und Jakobiter- 

Delphine fotografieren 

• Intensive 

Walbeobachtungen mit 

privaten Booten und extrem 

guten Fotomöglichkeiten 

• Eine Kundenmeinung: „Es 

waren unsere intensivsten 

Begegnungen mit Walen 

weltweit“ 

• 16-tägige Reise 

• Reisepreis 4380 € 

Argentinien 

04.04.-20.04.2014 

Naturexpedition Patagonien - 

Orcas bei der Robbenjagd 

• Weltweit ist nur eine einzige 

Schule von Schwertwalen 

bekannt, die eine spektakuläre 

Jagdmethode auf Robben 

entwickelt hat. Dabei schwimmen 

die bis zu 7 Tonnen schweren 

Tiere fast bis an den Strand – 

seien Sie dabei! 

• 17-tägige Reise 

• Fotoreise für erfahrene Hobby- 

Fotografen 

• Reisepreis ab 6730 € 

Indien 

Beratung, Buchung und Kataloganforderung: 

Fauna-Reisen GmbH 

Schloßallee 8 

D-13156 Berlin 

Tel: +49 (0)30-476 23 82 

www.fauna-reisen.de info@fauna-reisen.de 

12.04.-25.04.2014 

Fotoreise nach Indien – 

Tiger und Leoparden in 

reizvoller Landschaft 

• Pirschfahrten in 

den Pench-, Kanhaund 

Bandhavgarh- 

Nationalparks 

• 14-tägige Fotoreise 

• Reisepreis 3790 € 

Tansania 

31.01.-12.02.2014 

Fotoreise Tansania - Nachwuchs 

in der Serengeti 

• Es ist die Zeit der Geburt von 

Gnus und Zebras 

• 6 Tage Safaritouren in der 

Serengeti mit Umrundung des 

Ngorongoro-Kraters 

• Reiseverlängerung möglich 

• Große Auswahl an Badehotels 

auf Sansibar 

• 13-tägige Fotoreise 

• Reisepreis 4850 €

Afari Exklusiv 

Botswana - Fly-In-Safari 

Vom 05.10. – 16.10.2013 

Wildes Okavango Delta 

Chobe Nationalpark 

Chobe Fluss 

Safari im Fotoboot 

Ein Kontinent voller atemberaubender Eindrücke, die es festzuhalten 

gilt – im Herzen und in Bildern. Dafür bieten wir allen, die Interesse am 

Fotografieren haben, ob Einsteigern oder Fortgeschrittenen, einzigartige 

Fotosafaris und -Workshops an ausgewählten Örtlichkeiten im südlichen 

Afrika. 

Wir, das ist ein Team aus professionellen, deutschen und südafrikanischen 

Fotografen, die mit Liebe zu Afrikas Natur und Tierwelt die besten Locations 

ausgekundschaftet haben, damit Sie unvergessliche Tage dort verbringen 

können. Der afrikanische Busch mit seiner außergewöhnlichen Magie 

verzaubert jeden, der ihn einmal erlebt hat. Weit ab vom Massentourismus 

entdecken Sie in kleinen Gruppen gemeinsam mit uns Wildlife pur und 

erhalten praktische Tipps für ausdrucksstarke Fotos. Von ausgesuchten 

Lodges und Fotocamps aus, fahren wir gemeinsam in offenen Fahrzeugen, 

die mit Bohnensack, Klemmen und viel Platz für die Ausrüstung, welche 

speziell für Fotosafaris ausgelegt ist, zu den Hotspots der afrikanischen 

Tierfotografi e. Die Teilnehmer haben je eine eigene Fotobank für sich und ihre 

Ausrüstung. Die Auswahl der Unterkünfte ermöglicht es uns, zu unüblichen 

Zeiten auf die Pirsch zu fahren und ins Camp zurückzukehren, damit 

wir beim besten Licht – vor Sonnenaufgang und nach Sonnenuntergang 

– draußen im Busch sein können. Abends tauschen wir uns über die 

gesammelten Eindrücke aus, lassen in gemütlicher Runde das Erlebte Revue 

passieren und planen gemeinsam die Tour für den nächsten Tag. 

Leistungen: 

- 12 Tage ab und an Johannesburg 

- Begrüßung und Abholung am Flughafen Tambo International, 

Johannesburg 

- Transfer ins 4 Sterne Guesthouse in Pretoria, Übernachtung mit Frühstück 

- Alle Straßen- und Boot-Transfers 

- Alle Inlandsfl üge in Botswana mit Kleinfl ugzeugen (Maun – Kasane-Maun- 

Shakawe) sowie der internationale Flug nach Maun und zurück nach 

Johannesburg 

- 5 Übernachtungen mit Vollpension Mowana Lodge 

- 5 Übernachtungen mit Vollpension in der Xaro Lodge 

- Offenes Allradfahrzeug, das Fotografi eren in alle Richtungen erlaubt 

- Eintritt in alle Nationalparks 

- Pirschfahrten in speziellem Fotoboot mit Drehsesseln und fest montierten 

Stativen auf dem Chobe Fluss 

- Pirschfahrten im Okavango Delta in einem Aluminium Boot 

- Guides der Lodge, die Sie zu den Locations mit den Motiven bringen 

- Deutsche Foto- und Reiseleitung mit Judith Gawehn 

- Bohnensäcke werden gestellt, wer eigene hat, kann diese gern zum 

Befüllen mitbringen 

Preis: 

6250 USD ca. 4831 € 

Fotografieren mit professionellen Wildlife-Fotografen 

- Aufnahmen trinkender Löwen, Elefanten und Büffel – mit den Tieren auf 

Augenhöhe 

- Pirschfahrten auf dem Chobe mit einem Spezial-Fotoboot, ausgestattet mit fest 

installierten Stativen und 360 Grad Drehsessel 

- Pirschfahrten im wildreichsten Nationalpark Botswanas 

- Actionszenen am Ende der Trockenzeit, wenn alle Wasserlöcher trocken sind 

- Flusspferde direkt vom Boot und Krokodile in bester Perspektive 

- Luxus-Lodges und Tier- und Vogelfotografi e sogar im Camp 

- Aufnahmen seltener Vögel 

- Brutkolonien in traumhafter Perspektive (jahreszeitabhängig) 

- Schreiseeadler und viele andere Vögel beim Fischfang 

Tierparadies Cobe 

Der 10.698 km² große Chobe Nationalpark wurde 1967 gegründet und ist 

einer der artenreichsten und landschaftlich attraktivsten Schutzgebiete Afrikas. 

Er besticht neben seinen landschaftlichen Reizen durch seinen immensen 

Wildreichtum Afrika.Die größte Attraktion sind die riesigen Elefantenherden. Mit 

bis zu 100.000 Tieren leben hier mehr Dickhäuter als irgendwo sonst im Süden 

des Kontinents. 

Okavango Delta 

Eine grüne Oase inmitten der trockenen Einöde der Kalahari. Zahllose Wildtiere, 

kristallklares Flusswasser, idyllische Palmeninseln und luxuriöse Safaricamps. 

Das Okavango Delta, das „Juwel von Botswana“, ist das weltweit größte 

inländische Flussdelta und gehört zu den großartigsten Naturschauplätzen Afrikas 

Fotografische Highlights 

- Tierherden im Staub des goldenen Nachmittagslichts 

- Löwen im Chobe Park und am Fluß, Flusspferde und große Krokodile 

- Elefantenherden beim Trinkenund Baden im Chobe Fluss 

- Actionaufnahmen mit Flusspferden 

- Riesige Büffelherden 

- Schreiseeadler beim Fischfang 

- Eisvögel und Bienenfresser 

-Reiher, Blaustirnblatthühnchen und Kormorane, zahlreiche Vogelkolonien 

- Brutzeit der Karminspinte und Scherenschnäbel im Okavango Delta 

Ausführliche Informationen und Katalogbestellung unter 

www.afari.de 

info@afari-photo.com 

Judith Gawehn 

Tel.: 0171 78 46 815 

Am Ebersbrink 6 

D-31840 

Hessisch Oldendorf

Half the fun of the travel is the esthetic of lostness 

ihre Dörfer besuchen und ihr reiches kulturelles 

Erbe aus erster Hand kennenlernen. 

Unendliche Weiten, grandiose Wildnis, ein 

Garten Eden: Botswana darf für sich in Anspruch 

nehmen, eines der letzten ökologisch 

intakten Areale der Welt zu besitzen. Der 

grandiose Reichtum an Flora und Fauna und 

die Unberührtheit der Natur sind Botswanas 

größter Schatz. Dies soll auch so bleiben: 

Botswana setzt nicht nur auf nachhaltiges 

Wirtschaften, sondern auch auf sanften, umweltfreundlichen 

Tourismus, um die grandiose 

Vielfalt des Landes der Nachwelt zu erhalten. 

38% der Fläche Botswanas sind als Nationalparks, 

Wildreservate und Schutzgebiete 

ausgewiesen. Seien Sie uns in Botswana 

willkommen und genießen Sie einen wahrhaft 

unvergesslichen Aufenthalt! Dabei brauchen 

Sie auf Komfort nicht zu verzichten: In luxuriösen 

Lodges und Camps, selbst auf Safaris in 

entlegenen Winkel der Kalahari wird es Ihnen 

an nichts fehlen. 

Das Okavango-Delta ist größer als Schleswig- 

Holstein und damit das größte Binnendelta der 

Welt. Hier liegen 95 Prozent aller Wasserreserven 

Botswanas. Gespeist vom aus dem 

Hochland Angolas kommenden Okavango- 

Fluss transportiert das Delta mehr als 18,5 

Milliarden Kubikmeter Wasser, um anschließend 

in den unendlichen Weiten der Kalahari 

zu versickern. Tatsächlich verschwinden aber 

nur zwei Prozent dieser Wassermenge im 

„Durstland“; mehr als 90 Prozent verdunstet 

unterwegs. Tektonische Verwerfungen haben 

für diese kuriose geografische Situation und 

das Entstehen dieses Wasserwunderlandes im 

Herzen Afrikas gesorgt 

Die ersten Eindrücke werden auch die nachhaltigsten 

sein: die weite unberührte Wildnis 

bis über den Horizont hinaus, das Gefühl grenzenlosen 

Raumes, die erstaunlich vielfältigen 

Möglichkeiten zur Wild und Vogelbeobachtung, 

der mit Sternen und Himmelskörpern unvorstellbarer 

Leuchtkraft übersäte Nachthimmel 

und die atemberaubenden Sonnenuntergänge 

von unwirklicher Schönheit. In dem Maße, in 

dem sich das Angebot an Kulturtourismus erweitert, 

werden Sie auch die Gastfreundschaft 

der Bewohner des Landes schätzen lernen, 

In unserer überbevölkerten und hochtechnisierten 

Welt stellt Botswana eine Rarität dar. 

Ein Aufenthalt in Botswana bietet eine ganz 

besondere Möglichkeit, wieder zu uns selbst 

zu finden. Er hilft uns, eine in der modernen 

Konsumgesellschaft schmerzlich empfundene 

Lücke zu schließen, ein Gefühl der Leere zu 

überwinden, das oft schwer zu beschreiben 

ist. Denn in uns erwacht wieder die Liebe zur 

Natur, der innige Wunsch, eine staunenswerte 

Vielfalt an Pflanzen und Tieren zu erkunden. 

Botswana Tourism Organisation 

c/o Interface International GmbH 

Karl-Marx-Allee 91 A 

10243 Berlin 

botswanatourism@interface-net.de 

www.botswanatourism.de

fotokurse.ch 

Sie haben eine Fotokamera und wissen 

nicht, was sie alles kann? Kommen 

Sie zu uns, und wir zeigen es Ihnen – in 

Theorie und Praxis. Erleben Sie mit uns 

unvergessliche Momente, zum Beispiel 

während unserer Fotowoche vom 

30.Juni bis 5. Juli 2013 in Vals (Graubünden) 

Aktuell: Fotowoche in Vals 

Der Kurs eignet sich für Anfänger wie auch für 

fortgeschrittene Hobbyfotografen. Auf Wunsch 

stellen wir Ihnen für die Dauer des Kurses sogar 

eine Leihkamera zur Verfügung. 

Location: 

Hotel Rovenada, Vals, Graubünden, Schweiz, 

Motive: 

Natur- und Landschaftsfotografie, sowie 

fotografieren im Nahbereich. Was uns in dieser 

Bergwelt fasziniert, sind die vielfältige Flora, 

das Spiel von Wasser und Stein, das verwitterte 

Holz der alten Häuser und Ställe, die Details im 

Nahbereich, aber auch die wildromantischen 

Landschaften und die Stimmungen, die abhängig 

sind von Wetter und Tageszeit. 

Leistungen: 

• 5 bernachtungen im Einzel- oder 

Doppelzimmer 

• Halbension 

• Service und Tae 

• Fotours und Kursunterlagen 

• eihamera auf Wunsch 

Preise: 

Fr 145im Doelzimmer 

Fr 135im Einzelzimmer 

Karneval in Venedig: 

24. Februar bis 1 März 2014 

Melancholie und italienische Lebensfreude, aber 

nicht nur das: Peter Schärer zeigt Ihnen, wie Sie Ihre 

Eindrücke mit der Kamera am besten einfangen. Der 

Karneval bietet für Einsteiger und Fortgeschrittene 

traumhafte Sujets in Hülle und Fülle. 

Näheres zu weiteren Reisen und Fotowochen 

erfahren Sie auf www.fotokurse.ch 

Holz, Stein und Wasser 

6. Okt. bis 12. Okt. 2013 

Cevio im Tessin liegt am Eingang zu mehreren 

Seitentälern des Maggiatals – ein idealer Ausgangspunkt 

für unsere Motivsuche. Wir werden die Gegend 

erwandern und das in der Theorie Erlernte in die Praxis 

umsetzen. 

Kursleitung 

Peter Schärer kann als selbständiger Fotograf auf 

langjährige Erfahrung zurückgreifen. Er arbeitet für lokale 

Zeitungen und vermittelte im Gemeinschaftszentrum 

Volketswil, an der Volkshochschule Wetzikon, im 

Bildungszentrum Uster und in der Lehrerfortbildung 

für Anfänger und Fortgeschrittene sein großes Wissen. 

„Berufsgeheimnisse muss ich keine hüten…“ verrät 

„Fotopeter“ schmunzelnd. Mit dem Fotografieren hat er 

schon als Sechsjähriger begonnen, angeleitet von seinem 

Großvater, der Fotograf war. Später absolvierte er Kurse 

– auch an der Zürcher Kunstgewerbeschule und der 

ETH – und gründete zusammen mit einem Kollegen den 

Zürcher Fotoclub „Blende 79“. Zum klassischen Angebot 

seiner Firma fotokurse.ch gehören heute Freifachkurse 

mit Einführung in die digitale Fotografie mit Theorie und 

praktischem Fotografieren im Zoo Zürich. Nicht zu kurz 

kommen die Schule des Sehens, das Gestalten beim 

Fotografieren und die Nachbearbeitung der Bilder auf 

dem PC. Eine Spezialität sind Fotowochen wie beim 

Karneval in Venedig, auf der Trauminsel Santorini oder in 

Vals, Graubünden und im Maggiatal im Tessin. 

Riccarda Staub war als 

Teilnehmerin an der Fotoreise 

2007 zum Karneval in Venedig 

dabei und stieß anschließend zum 

Fotokurs-Team. Als Assistentin 

ist es ihre Aufgabe, die Kurse 

und Reisen zu organisieren und 

für das Wohl der Absolventen zu 

sorgen. Eine große Bedeutung 

haben inzwischen die Privatkurse 

erhalten, bei denen man sich 

die Funktionen der eigenen 

Kamera oder die Geheimnisse 

der Bildbearbeitung auch zu 

Hause am eigenen Computer 

erklären lassen kann. „Mich 

faszinieren die Möglichkeiten der 

neuen Kamerageneration und 

Programme, aber am meisten 

gefällt mir die Arbeit im direkten 

Kontakt mit Menschen…“ erklärt 

die gelernte Lehrerin. Für sie ist 

es das Schönste, die Freude der 

Teilnehmer zu sehen, wenn es 

ihnen gelingt, mit Hilfe des frisch 

Gelernten jene Bilder zu machen, 

die ihre Wünsche erfüllen. 

Peter Schärer 

Fotokurse 

Postfach 229 

CH-8603 Schwerzenbach 

0041 (0)44 945 32 77 

0041 (0)79 462 63 08 

www.fotokurse.ch 

info@fotokurse.ch

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