Dieter ist ein Arsch. - Rowohlt Theaterverlag

THEATER VERLAG
2011 / 12
Albrecht
Arzt
Ayckbourn
Baron
Bronsky
Carnevali
Charms
Donnelly
Etchells
Freyer
Goos
Händl
Hare
Herrndorf
Jelinek
Karasik
Kelly
Kluck
Kruckemeyer
LaBute
Logan
Löhle
Marivaux
McCoy
Naumann
Norén
Pollak
Pollesch
Schmaering
Schmitt
Schober
Senkel
Shakespeare
Staffel
Steinbeck
Steinbuch
Stephens
Strauß
Syha
Tawada
Teller
Thorne
Tolstoi
Wallace
Walser
Wilde
Zaimoglu
Zeh

Uraufführungen
Jörg Albrecht
DIE BLAUEN AUGEN VON
TERENCE HILL
(siehe S. 7)
Lisa Danulat
KÖNIGREICH (KUCHEN
ODER TOD)*
Staatstheater Mainz
30.03.2012
Regie: Johannes Schmit
Irene Dische / Elfriede Jelinek
DER TAUSENDJÄHRIGE POSTEN
ODER DER GERMANIST
Libretto
(siehe S. 12)
John von Düffel
ANNA KARENINA
Nach Leo Tolstoi
(siehe S. 33)
Jon Fosse
SCHWESTER*
Bühnenfassung
Theater Marabu, Bonn
12.05.2012
Regie: Claus Overkamp
David Gieselmann / Klaus
Schumacher
GESCHÜTTELT, NICHT
GERÜHRT (Arbeitstitel)*
Grips Theater Berlin
Mai 2012
Regie: Klaus Schumacher
Händl Klaus
DER KLAGERUF DES
WEISELSCHWARMS*
Libretto
Salzburger Festspiele 2012
August 2012
Regie: Nicolas Liautard
Wolfgang Herrndorf
TSCHICK
Bühnenfassung von Robert Koall
(siehe S. 43)
Elfriede Jelinek
KEIN LICHT.
(siehe S. 11)
Elfriede Jelinek
FAUSTIN AND OUT
(siehe S. 11)
Dennis Kelly
THE RITUAL SLAUGHTER
OF GORGE MASTROMAS
(Arbeitstitel)*
Schauspiel Frankfurt /
Ruhrfestspielen Recklinghausen
Mai 2012
Regie: Christoph Mehler
Die mit * markierten Titel
liegen nicht oder noch nicht
als Rollenbuch vor
Oliver Kluck
DIE FROSCHFOTZEN­
LEDERFABRIK
(siehe S. 6)
Oliver Kluck
ÜBER DIE MÖGLICHKEITEN
DER PUNKBEWEGUNG
(siehe S. 7)
Oliver Kluck
LEBEN UND ERBEN*
(siehe S. 6)
Oliver Kluck
NOCH OHNE TITEL*
(siehe S. 7)
Philipp Löhle
DER WIND MACHT DAS
FÄHNCHEN (Arbeitstitel)
(siehe S. 5)
Philipp Löhle
DAS DING
(siehe S. 4)
Laura Naumann
SÜSSER VOGEL UNDSOWEITER
(siehe S. 19)
René Pollesch
JACKSON POLLESCH*
Teatr Rozmaitos´ci, Warschau
16.09.2011
Regie: René Pollesch
René Pollesch
DIE LIEBE ZUM
NOCHNIEDAGEWESENEN*
Burgtheater (Akademietheater)
Wien
07.12.2011
Regie: René Pollesch
René Pollesch
KILL YOUR DARLINGS. STREETS
OF BERLADELPHIA*
Volksbühne am Rosa-
Luxemburg-Platz, Berlin
18.01.2012
Regie: René Pollesch
René Pollesch
WIR SIND SCHON GENUG!*
Schauspiel Frankfurt
03.03.2012
Regie: René Pollesch
René Pollesch
EURE GANZ GROSSEN THEMEN
SIND WEG!*
Münchner Kammerspiele
15.04.2012
Regie: René Pollesch
Hans Rath
MAN TUT, WAS MAN KANN*
Bühnenfassung von Petra
Luisa Meyer
Schlossparktheater Berlin
Februar 2012
Regie: Petra Luisa Meyer
Oliver Reese
BACON TALKS*
Nach David Sylvester
Schauspiel Frankfurt
Mai 2012
Regie: Oliver Reese
Oliver Schmaering
DREI10 OUTTAKES
(siehe S. 9)
Katharina Schmitt
JUGENDBILDNIS
(siehe S. 18)
Katharina Schmitt
SAM
(siehe S. 19)
Holger Schober
DU BIST DABEI!
(siehe S. 39)
Holger Schober
AUS DER TRAUM*
(siehe S. 40)
Raoul Schrott
ILIAS
Nach Homer
Staatstheater Stuttgart
14.10.2011
Regie: Volker Lösch
Alexander Solschenizyn
KREBSSTATION
Bühnenfassung von John von
Düffel
(siehe S. 33)
Gerhild Steinbuch
AM SCHÖNSTEN IST DAS WAS
BEREITS VERSCHWUNDEN IST*
(siehe S. 18)
Gerhild Steinbuch
DAS KALTE HERZ
Nach Wilhelm Hauff
(siehe S. 17)
Simon Stephens
THREE KINGDOMS
(siehe S. 30)
Ulrike Syha
RADIKALE*
(siehe S. 16)
Theresia Walser
EINE STILLE FÜR FRAU
SCHIRAKESCH
(siehe S. 13)
Sabine Wen­Ching Wang
HUND HUND
Schlachthaus Theater Bern /
Theater Winkelwiese, Zürich
04.10.2011
Regie: Beatrix Bühler
Feridun Zaimoglu / Günter Senkel
BILDERGESCHICHTEN*
(siehe S. 37)
Juli Zeh / Charlotte Roos
NOCH OHNE TITEL*
(siehe S. 15)
Erstaufführungen
Alan Ayckbourn
ALLE LIEBEN GEORGE
(siehe S. 31)
Maria Goos
DER LETZTE VORHANG
(siehe S. 21)
David Hare
GETHSEMANE
(siehe S. 32)
Daniel Karasik
DIE UNSCHULDIGEN
(siehe S. 26)
Dennis Kelly
DIE GÖTTER WEINEN
Theater Basel
15.09.2011
Regie: Elias Perrig
Dennis Kelly
UNSER LEHRER IST EIN TROLL
(siehe S. 40)
Herman Koch
ANGERICHTET*
Theater Ingolstadt
28.04.2012
Regie: Johannes Lepper
Finegan Kruckemeyer
THE TRAGICAL LIFE OF
CHEESEBOY
(siehe S. 41)
Neil LaBute
ZUR MITTAGSSTUNDE
(siehe S. 22)
Neil LaBute
IN A FOREST, DARK AND
DEEP*
(siehe S. 23)
John Logan
ROT
(siehe S. 24)
Lars Norén
LIEBESSPIEL
(siehe S. 20)
Simon Stephens
WASTWATER
(siehe S. 29)
Janne Teller
NICHTS
Bühnenfassung von
Andreas Erdmann
(siehe S. 43)
Jack Thorne
BUNNY
(siehe S. 27)

«Wer, glaubst du,
wirst du sein, wenn
alles vorbei ist und
du endlich aus
träumbarer Masse
bestehst?»
Botho Strauß
Das blinde Geschehen
9D – 9H – Doppelbesetzungen
möglich
Das Theater ist verlassen, die Bühne
dunkel und leer. Das blinde Geschehen
übernimmt: das Reich der ungeträumten
und vergessenen Gestalten, des
Unbewussten und Phantastischen, der
ungelösten Reste des Realen. Schatten,
Avatare und Phantome treten aus dem
Off ins Licht. John Porto, Computer­
Das blinde Geschehen, Burgtheater Wien
programmierer und ein Prospero des
Cyberspace, glaubt ihr virtuelles Spiel
zu steuern. Doch die herbeigerufenen
Geister entwickeln schnell ein Eigenleben.
Vor allem Freya Genetrix, die als
«Anwesenheitsantiquität» Raum und
Zeit durchstreift, wird zu Portos leibhaftigem
Widerspruch in einem Game,
dessen Level ständig wechseln.
Botho Strauß’ jüngstes Stück wurde im
März 2011 in der Regie von Matthias
Hartmann am Wiener Burgtheater uraufgeführt:
«Eine Hommage ans Theater
als Überlebensform … Das blinde
Geschehen ist wie schon Strauß’ vorletztes
Stück Nach der Liebe beginnt
ihre Geschichte die dramatische Feier
eines Paarglücks. Nur dass im Blinden
Geschehen nach der Geschichte (des
Theaters) die Liebe erst beginnt. Darin
wird das Phantastische, Unglaubliche
und Märchenhafte nun nicht scheinbar
wahr, dann wäre es Kitsch, sondern
zur träumerischen Hoffnung … Es ist
ein großes, schwereloses Stück. Keine
kulturkritische Wut gegen die Zeitgeistwelt,
sondern deren geisterhafte Über­
windung in sardonischer Heiterkeit …
Eine barocke Liebesgeschichte in gesellschaftsloser
Welt. Auf der Traumhinterbühne
der Realität, in der allein die Luftgeisterscheinungen
in einem zerstörten,
aber wunderbar belebten Theater die
Gegengesellschaft bilden.» (Frankfurter
Allgemeine Zeitung) «Eine Enzyklopädie
der Liebesverwirrungen in den Zeiten
des Internets … Das Stück, das sich
aus vielen Quellen speist: Shakespeare
und Raimund, Strindberg und Pirandello,
ist auf phantastische Weise ungemütlich;
am Einzelnen, Privaten haftend,
lässt es den brüchigen Boden, auf dem
sich dies alles begibt, immer mitschwingen.»
(Theater der Zeit) «Botho Strauß
hat mit Das blinde Geschehen sein
schönstes Stück seit langem geschrieben
… Er schleust den Virus der Poesie
in unser programmiertes, durchforma­
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tiertes Leben ein, verwebt seine bekannten
Motive zu einem kaleidoskopartigen
Szenenreigen … Spielerisch lockt Strauß
den Zuschauer in ein zauberisches Zwischenreich,
in dem die Gegenwart ins
Archetypische verflimmert … Er lässt
die Zeit zurücklaufen, um die Heiterkeit
zurückzuerobern, mit der alles
begann: das Spiel zwischen Mann und
Frau ebenso wie das Spiel des Theaters.»
(Süddeutsche Zeitung)
Mit Cate Blanchett in der Hauptrolle
und neu übersetzt von Martin Crimp
hat im November 2011 Botho Strauß’
Groß und klein an der Sydney Theatre
Company Premiere (Regie: Benedict
Andrews), koproduziert von den Ruhrfestspielen
Recklinghausen, den Wiener
Festwochen, dem Théâtre de la Ville
Paris und dem Londoner Barbican, wo
das Stück im Frühjahr 2012 zu sehen
sein wird.
In Deutschland wurde Groß und klein
zuletzt am Theater Heilbronn gespielt
(Juni 2010, Regie: Esther Hattenbach)
sowie am Theater Bremen (Oktober
2010, Regie: Mirja Biel und Joerg
Zboralski). Strauß’ Bekannte Gesichter,
gemischte Gefühle hatte in der vergangenen
Saison am Düsseldorfer Schauspielhaus
Premiere (Dezember 2010,
Regie: Stephan Rottkamp).
2
«Es gibt da eine neue Behand lungs methode mit Hirn-Stimu latoren.
Dabei kann es aller dings zu Persön lich keits veränderungen kommen.
Aber das wäre in Ihrem
Fall vielleicht gar nicht
so schlecht.»
Tim Staffel
Hallo, Mr. Parkinson
2D – 3H
Lennarts Verhältnis zu seinen Eltern war
nie besonders innig, und längst hat sich
der 30­Jährige in der Großstadt eine
neue, glücklichere «Familie» gesucht:
Mit seiner Freundin Dalida und seinem
Kumpel Ümit betreibt er ein Café – wo
eines Tages ohne Vorwarnung Werner,
Lennarts Vater, auftaucht. Ausgerechnet
jetzt, da er an Parkinson erkrankt ist, hat
seine Frau ihn nach jahrzehntelangem
Ehekrieg kurzentschlossen vor die Tür
gesetzt. Gebrechlich, aber barsch wie
eh und je nistet sich Werner bei Lennart
ein, als sei dies das Selbstverständlichste
der Welt. Dabei verband ihn mit seinem
Sohn zeitlebens bestenfalls verstocktes
Schweigen. Widerwillig und mehr, weil
Blutsbande verpflichten, nimmt Lennart
Werner bei sich auf, dessen Zustand sich
sehr bald verschlechtert. Er rüstet seine
Single­Wohnung um, füllt Krankenkassenformulare
aus, engagiert eine polnische
Pflegekraft – stets begleitet von
Werners vorwurfsvollen Kommentaren.
Beide Männer sind mit der ungewohnten
Situation heillos überfordert, merken
jedoch ganz allmählich, dass sie
einander vielleicht ähnlicher sind, als es
ihnen lieb ist.
Unsentimental, einfühlsam und durchzogen
von lakonischem Humor erzählt
Tim Staffels neues Stück die Geschichte
einer Annäherung, die eine sehr große
Distanz überwinden muss.
Indien für Anfänger
1D – 1H
«Nichts an dir ist echt. Nicht mal deine
Gefühle. Glaubst, du schreibst Gefühle auf,
drückst auf Speichern, und schon hast du
welche.»
Jules und Jakobs Beziehung steckt in
einer tiefen Krise. Jule, 28, jettet rastlos
um den Globus und besucht Lehrgänge
für Interkulturelles Training, während
der Programmierer Jakob, 31, nur noch
vor dem Computer hockt. Früher halfen,
wenn sie sich mal sahen, erotisch
aufgeladene Rollenspiele, um Nähe herzustellen,
doch mittlerweile führt nicht
einmal das Nachstellen ihrer ersten realen
Begegnung zum Erfolg. Aus Angst,
Jakob zu verlieren, behauptet Jule, sie
habe einen Gehirntumor und ihr blieben
nur noch ein, zwei Monate zur Erfüllung
ihres größten Traums: eine Nacht
mit dem indischen Filmstar Shah Rukh
Khan. Jakob reagiert und fährt mit ihr
in die phantastischste aller Illusionsmaschinen:
Bollywood. Dass ausgerechnet
er sich erheblich besser in dem Chaos,
das draußen vor ihrem Hotel in Mumbai

herrscht, zurechtfindet als die weit gereiste
Jule, ist nicht die letzte Pointe der
Ereignisse …
Indien für Anfänger begleitet zwei Sinnsucher,
die sich im Zeitalter von Wikipedia
und Google Earth auf eine Reise in
die Fremde machen und dabei, getrieben
von der Sehnsucht nach dem großen,
authen ti schen Gefühl, unsanft in der
Wirklichkeit aufschlagen.
Zuletzt hat Tim Staffel seinen Roman
Jesús und Muhammed verfilmt, der
2012 unter dem Titel Westerland in die
deutschen Kinos kommt. Sein zweiteiliges
Hörspiel Der Jäger ist die Beute
wurde im Juni 2010 im WDR urgesendet.
Ebenfalls für den WDR hat er das
Hörspiel Das letzte Paradies produziert,
dessen Ursendung im Dezember 2011
sein wird.
Die Uraufführungen von Hallo, Mr.
Parkinson und Indien für Anfänger sind
noch frei.
Thomas Freyer
Das halbe Meer
3D – 5H
Eine Insel im Nirgendwo des Meeres, auf
halber Strecke zwischen zwei Kontinenten.
Immer wieder wurde sie im Laufe
der Jahrhunderte entdeckt, erobert und
besiedelt, bis sie erneut in Vergessenheit
geriet. Seit gut 30 Jahren lebt auf ihr nun
eine kleine verschworene Gemeinschaft,
die sich ihr eigenes Gesetz gegeben hat:
Jeder sei dem anderen gleich, alle teilen
alles. Lange hat dieses Fundament gehalten,
doch mittlerweile zeigt es erste
Risse. Im Inneren zweifelt die jüngere
Generation am strengen Regelwerk,
und von außen kommen immer seltener
Handelsschiffe, die die Versorgung
und damit auch den Frieden sichern. Als
eines Tages ein Fremder an den Strand
gespült wird, gerät das empfindliche
«Was uns ausmacht,
und
das steht fest
geschrieben, ist,
dass gemeinsam
wir hier leben
und uns bei allem
helfen. Wenn
einer das nun
anders sehen will,
kann er das tun.
Es steht ihm zu.
Doch nicht bei
uns. Auf unsrer
Insel.»
Gleichgewicht der Gruppe endgültig aus
dem Lot – ein Krieg bricht aus um Geld,
Macht und Ressourcen.
Thomas Freyer geht in Das halbe
Meer – uraufgeführt im April 2011 am
Staatsschauspiel Dresden (Regie: Tilmann
Köhler) – ein hohes Risiko ein:
Vom Zerbrechen eines Ideals «erzählt
er mit einer Behäbigkeit, die vielleicht
zum Tempo der Landwirtschaft, nicht
aber zur Nervosität des mediengeschulten
Rezipienten passt. Aber genau das
verleiht dem Stück seinen besonderen
Ton, seine Eigenart des verknoteten,
trotzigen Denkens, die durch die altmodische
Rhythmik und Satzstellung
eines Versgedichts sich noch störrischer
gegen modernen Zugang wehrt» (Süddeutsche
Zeitung). In einer «kraftvollen
Sprache» (Nachtkritik), «packend, mit
plastischen, glaubhaften Figuren, guter
Dramaturgie und dichter Atmosphäre»
(Dresdner Morgenpost), «maßt sich
der kaum 30­jährige Thomas Freyer
als einer der wenigen starken Gegenwartsautoren
nach wie vor die Auseinandersetzung
mit Utopien an … In
Das halbe Meer überprüft er ihre Tragfähigkeit.
Mit einem fatalen Ergebnis.
Es gibt keine Inseln des paradiesischen
Zusammenlebens … Der Mensch wird
durch Versetzung an einen unberührten
Ort und in einem vermeintlichen
Urzustand kein anderer. Also bleibt er
auch höchst verschiedenartig und widersprüchlich.
So ist die Dialektik die
www.rowohlt-theater.de 3

eigentliche Hoffnung des düster endenden
Stücks … Eigent lich eine schlichte
Erzählung gleich mehrerer großer Themen.
Ein Gleichnis vom Scheitern des
Kollektivs, das sich zu bewähren hätte,
wenn die Wohlstandsklammer auseinander
bricht. Im Dresdner Staatsschauspiel
sah man eine große kollektive Leistung»
(Theater der Zeit).
Außerdem wurde im Dezember 2010
am Landestheater Eisenach Thomas
Freyers Neufassung von Der gestiefelte
Kater frei nach den Gebrüdern Grimm
uraufgeführt (Regie: Rainer Fiedler), die
in der aktuellen Saison nachgespielt wird
am Theater Vorpommern in Greifswald
4
Das halbe Meer, Staatsschauspiel Dresden
(Regie: Marcus Staiger), Theater Heilbronn
(Regie: Alejandro Quintana) und
am Theater Osnabrück (Regie: Andrea
Udl).
Zurzeit schreibt Thomas Freyer an einer
Neufassung von Ibsens Hedda Gabler,
die in Tilmann Köhlers Regie im Januar
2012 am Staatsschauspiel Dresden Premiere
haben wird.
Philipp Löhle
Das Ding
1D – 4H
Mit Das Ding tritt Philipp Löhle den unumstößlichen
Beweis an: Es gibt keinen
Zufall mehr. Durch weltumspannende
Interdependenzen – genannt Globalisierung
– ist alles mit allem verknüpft.
Wenn sich der Afrikaner Siwa nachhaltige
Methoden des Baumwollanbaus
aufschwatzen lässt, verhilft das zwei
jungen Chinesen zu ihrem ersten Startup­Erfolg.
Wenn deren Handel mit Sojabohnen
ins Stocken gerät, wirkt sich das
auf die rumänische Schweinezucht aus,
was wiederum direkte Folgen für
die Ehe von Katrin und Thomas
hat. Katrins Eskapaden vor der
Webcam sind nicht nur Grund der
Beziehungskrise, sondern münden
auch in einen überraschend internationalen
Show down. Und das titelgebende
Ding – eine Baumwollfaser
– reist derweil einmal um die
Welt und schaut verwundert auf
das Treiben der Menschen.
In einer Zeit, in der alles mit
allem zusammenhängt und alle
Geschehnisse potentiell erklärbar
sind, werden die Figuren umso
mehr von ihrer Sehnsucht nach
dem Unerklärlichen, dem magischen
Moment, der großen Liebe
und vielleicht sogar nach dem Gefühl
von Heimat getrieben – und

«Und ein Ding, das
etwas wert ist, das
ist nicht zu Ende.
Niemals.»
verstricken sich dabei hoffnungslos in
das weltumspannende Netz kausaler
Zusammenhänge.
Die Uraufführung von Das Ding, eine
Koproduktion des Deutschen Schauspielhauses
Hamburg und der Ruhrfestspiele
Recklinghausen, war im Mai
2011 in Recklinghausen (Regie: Jan Philipp
Gloger). Im November 2011 folgt
die Inszenierung am Deutschen Theater
Berlin (Regie: Daniela Löffner). «Wer
sich nach einer intelligenten, zeitgemäßen,
kritischen Komödie sehnt: Hier ist
sie.» (Frankfurter Rundschau) «Das
Ding schwingt sich zur gewaltigen,
poeti schen und nebenbei auch komischen
Weltmetapher auf, in der Leitmotive
wie Koi­Karpfen, Pistolen, Schwei­
supernova (wie gold entsteht), Nationaltheater Mannheim
nefleisch vertikal und horizontal durch
Raum und Zeit reisen.» (Nachtkritik)
«Es ist die anrührende Lebensgeschichte
einer Baumwollfluse. Und so kindlich
und einfühlsam sie Löhle auch erzählt,
sie ist mehr als der Abenteuerroman
einer Fußballtrikot­Faser.
Sie ist eine Globalisierungsparabel:
Das Ding als Teil eines
Ganzen, die Welt als Dorf.»
(Süddeutsche Zeitung)
Philipp Löhles supernova (wie
gold entsteht), abgedruckt in
Theater heute 03 / 2011, wurde
im Januar 2011 am Nationaltheater
Mannheim uraufgeführt
(Regie: Cilli Drexel). Die
nächsten Inszenierungen sind
im April 2012 am Theater Baden­Baden
(Regie: André Rößler) und im Juni
2012 am Schauspiel Essen (Regie: Katja
Blaszkiewitz). «Der Abend beginnt im
Dunkel mit der Ouver türe zu Wagners
Rheingold und dem Auftritt von drei Typen
mit Cowboy­Hüten. Damit ist ein
Kontext eröffnet, in dem Friedrich von
Anfang an weniger antreibender Protagonist
als vielmehr nur Rädchen in einer
Gesamtmaschinerie ist, was sich zu
Stück und Thema hervorragend fügt.»
(Theater heute)
In der aktuellen Spielzeit ist Philipp
Löhle Hausautor am National theater
Mannheim. Außerdem schreibt er zurzeit
für das Theater Bonn an einem
Auftragswerk mit dem Arbeits titel Der
Wind macht das Fähnchen, dessen Uraufführung
im Januar 2012 sein wird
(Regie: Dominic Friedel).
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Oliver Kluck
6
Die Froschfotzenlederfabrik
Besetzung variabel
Feuer mit mir, Theater Chemnitz
In Die Froschfotzenlederfabrik verlaufen
die Fronten der Verteilungskämpfe
kreuz und quer durch das bunte Figurenpersonal:
Jung gegen Alt, Stadt
gegen Land, Angestellte gegen Arbeitgeber,
privat versichert gegen gesetzliche
Krankenkasse, jeder gegen jeden,
und immer gibt es zu wenig Geld für
scheiß Jobs. Einige der eindrücklichsten
Figuren in diesem wortgewaltigen Reigen:
der Fabrikant, Hersteller von Spezialbekleidung
für Neofaschisten, der
seine Frau längst zugunsten der Frau
Minister für Divergenzfragen verlassen
hat, die beiden Töchter des Fabrikanten,
die Söhne werden sollten, deren Mutter,
die gewohnheitsmäßigen Getränkemissbrauch
betreibt, sowie ihr erstaunlich
schlecht bezahlter Krankenhausarzt, der
mindestens eine Tochter seiner Patientin
gänzlich unprofessionell in Doktor spiele
verwickelt. Die Beschreibung des Verfalls
einer Familie weitet sich schnell zu
«Schluss jetzt, wir wollten nicht mehr über Politik sprechen,
die Politik interessiert uns schon lange nicht mehr, damit
möchten wir nichts zu tun haben»
einem breiten gesellschaftlichen Panorama,
vor dessen Hintergrund bürgerliche
Selbstgefälligkeit und die Scheinheiligkeit
von Debatten zum Lebenszweck der
Erwerbsarbeit entlarvt werden.
«Wie gewohnt sind Klucks Figuren
eher skizzenhaft angelegt, eröffnen jedoch
in ihrer Unfertigkeit auch eine
Vielzahl spielerischer Möglichkeiten.
Diese Textfläche erforscht mit scharfem
Blick den Text der Fläche, verödete
(deutsche) Steppen und Regionen, die
stets auch als Seelenlandschaften erscheinen.»
(Florian Hirsch im Jahrbuch
2011 von Theater heute)
Die Uraufführung von Die Froschfotzen
leder fabrik ist im Dezember 2011
am Burgtheater (Kasino) Wien (Regie:
Anna Bergmann). Die Schweizer Erstaufführung
folgt im Februar 2012 am
Theater Bern (Regie: Erich Sidler).
Leben und Erben
Besetzung variabel
Die Neugestaltung des Stadtraumes
ist nicht aufzuhalten. Und wer wollte
das auch? Bestimmt nicht der Kaufinteressent,
der auf der Flucht vor dem
nachbarschaftlichen Terror eine ruhige
Wohnung sucht. Auch nicht der Besitzer,
der endlich die Hausbesetzer loswerden
will, die ihrerseits vor allem Anregungen
für den Einsatz von Sprühfarbe und
Feuerlöscher im öffentlichen Raum be­

eithalten. Dummerweise hat sich die
Tochter des Hausbesitzers, womöglich
aus einer Konfusion heraus, nun im
Haus der Besetzer eingerichtet. Die Besetzer
selber geben sich mit einer Vielzahl
von besten und allerbesten Ideen
einerseits kampfbereit, andererseits bestimmen
ausschließlich sie, wie genau
eine richtige und anständige Revo lution
auszusehen hat. Kurzum: Die gerade
überwunden geglaubten Muster und
Korrektheiten etablieren sich neu.
«Selbstverständlich habe ich keinen
Text für oder gegen die sogenannte
Gentrifizierung geschrieben,
und auch
habe ich nur am Rande
einige Worte zum
Faschismus verfasst,
den ich längst als Teil
unserer kulturellen
Identität anerkannt
habe. Vielmehr habe
ich den Versuch unternommen,
die viel
zitierte neue Ehrlichkeit
/ Transparenz, das aufrichtige Verhalten
im aufrichtigen Gespräch auf
seine tatsächlich vorhandene Aufrichtigkeit
hin zu überprüfen. Insbesondere
habe ich mir erlaubt, den Begriff ‹Inszenierung›
einer kritischen Betrachtung
auszusetzen.» (Oliver Kluck)
Leben und Erben entstand als Auftragswerk
für das Deutsche Schauspielhaus
Hamburg, wo im Januar 2012 die Uraufführung
sein wird (Regie: Dominique
Schnizer).
Oliver Kluck wird in der aktuellen Spielzeit
in Zusammenarbeit mit dem Schauspielhaus
Graz eine Serie von Veranstaltungen
erarbeiten, an deren Ende im Mai
2012 ein neues abendfüllendes Stück ur­
aufgeführt wird ( Regie: Christina
Rast). Außerdem steht als Ergebnis
der Zusammenarbeit mit
dem Natio nal thea ter Weimar in
der vergangenen Spielzeit dort im
Mai 2012 eine Kluck­Uraufführung
auf dem Programm (Regie:
Daniela Kranz). Im November
2011 ist die Uraufführung von
Über die Möglichkeiten der Punkbewegung
am Volkstheater Rostock
(Regie: Sonja Hilberger).
Warteraum Zukunft und Das
Prinzip Meese werden in der Spielzeit
2011 / 12 weiterhin nachgespielt: Das
Prinzip Meese am Theater Bielefeld
(September 2011, Regie: Babett Grube),
Warteraum Zukunft am Gostner Hoftheater
(September 2011, Regie: Stefan
Hoffstadt), Theater Luzern (Schweizer
Erstaufführung, Januar 2012, Regie:
Ivna Zic) und am Teatre Tantarantana,
Barcelona (November 2011, Regie:
Frithwin Wagner­Lippok). Zudem werden
Klucks Stücke derzeit ins Spanische,
Tschechische und Polnische übersetzt.
2011 wurde Oliver Kluck mit dem BDI­
Dramatikerpreis ausgezeichnet; damit
verbunden ist die Uraufführung eines
neuen Stücks, die am Schauspiel Frankfurt
voraussichtlich in der Spielzeit
2012 / 13 sein wird.
Jörg Albrecht
Die blauen Augen von
Terence Hill
1D – 3H
«Du bist so allein
als Selbständiger.
Letzte Woche hab ich
mich selbst sexuell
belästigt.»
Spätrömische Dekadenz droht ein Loch
in die bürgerliche Mitte des Sozialstaates
zu fressen. Das Ruder herumreißen kann
da nur noch ein Spaghetti­Western, und
so drehen dessen Superstars von einst,
Bud Spencer und Terence Hill, in den
Pappmaché­Kulissen eines Freizeitparks
für Arbeitslose noch einmal einen neuen
Film – Arbeitstitel: «Hartzen für ein
Halleluja». Und wie in den 1970er Jahren,
als sich Gut und Böse
noch klar trennen ließen,
gilt für den Plot das Motto:
prügeln, saufen, Bohnen
fressen! Schlagfertig
machen sich Spencer und
Hill daran, großen Schurken
und fiesen Bürokraten
das Handwerk zu legen.
«Dem Standard von sozialverträglicher
Unterversorgung und
Überproduktion setzen sie den Entwurf
www.rowohlt-theater.de 7

einer ganz anderen Welt entgegen. Kann
man das überhaupt: nicht arbeiten, sich
selbst aushalten, ohne Mehrwert? Unsere
H4 World ist offen für solidarische
Tricksereien und nachhaltige Verschwendung,
für arkadisches Nichtstun
und eine rastlos flexible Sozia li tät. Bud
Spencers wirbelnde Fäuste machen es
vor. In einer Zeit, in der nur die verschwenden
dürfen, die schon immer zu
viel hatten, werfen Spencer und Hill virtuos
alles über den Haufen. Aber sind
die Western­Helden noch dagegen, oder
ist ihr parasitäres Joint Venture von Superarm
und Superreich bloß eine weitere
Säule der neoliberal­flexiblen Wirtschaftsordnung?»
(copy & waste)
Dem Irrsinn des Turbo­Kapitalismus
begegnet Jörg Albrecht mit einer überbordenden
Turbo­Komödie, in der vier
Himmelhunde, falsch: Schauspieler, auf
dem Weg zur Hölle sind.
Die blauen Augen von Terence Hill ist
das jüngste Projekt der Theatergruppe
copy & waste, deren Texte Jörg Albrecht
schreibt. Uraufgeführt wurde es – nach
einer ersten Voraufführungsserie beim
steirischen herbst – im Oktober 2011
am Hebbel am Ufer / HAU, Berlin, in Koproduktion
mit dem Theaterhaus Jena
und uniT, Graz (Regie: Steffen Klewar).
Über copy & wastes letztes Stück Barbarellastrip,
dessen Uraufführung im März
2011 am Maxim Gorki Theater Berlin
im Rahmen des Festivals Reality Kills
war, schrieb der Tagesspiegel: «Es gibt
Momente im Theater, in denen wächst
die Bühnenkunst über sich hinaus – und
8
«Ich sags mal lieber gleich. Das ist eine echte
Hollywood-Identifikations-Story. In Farbe und mit Tränen. Gibts
bis hierher schon Fragen?»
nimmt wahrhaft prophetische Züge an.
Da ist zum Beispiel diese junge, hoffnungsvolle
Performancetruppe: copy
& waste – eine schöne Verfremdung
der beliebten Computerfunktion ‹copy
& paste›, mit der sich mühelos fremdes
Gedankengut in eigene Dokumente
transferieren lässt … copy & waste
legen Persönlichkeiten des Zeitgeists
gleichsam so lange auf den Kopierer,
bis ein heilloses Identitätskauderwelsch
zwischen Original und Kopie herrscht.»
Oliver Schmaering
Trailer für die nahe Zukunft
3D
Drei Frauen auf der Suche nach ihrer
Zukunft. Vom Jetzt und Hier in die
große weite Welt, Hauptsache raus aus
Kaffstadt – und warum nicht auch bis
nach Hollywood? Filmstar werden, die
Träume aus dem eigenen engen Kopf auf
die Großbildleinwände der ganzen Welt
werfen. Das Ich erweitern über alle Grenzen
menschlicher Vorstellungskraft hinaus.
Nur in den Träumen selbst liegt die
Erfüllung unserer Träume! Drei Frauen
aus einem Ort im Dornröschenschlaf, einem
Ort, der jede kleine, mittlere oder
größere Stadt der Welt sein könnte. Ein
Ort, in dem kein Mensch seine Zukunft
sieht. Kaffstadt ist überall. Drei Frauen
mit großen Träumen und ungebändigter
Lebenslust, zwischen Ausbruchsphantasien
und Realitätsangst, die Rosenhecke
im Kopf und die Zukunft ein unbeschriebenes
Blatt.
Trailer für die nahe Zukunft zeichnet in
poetischen Bildern und einer hoch energetischen
Sprache drei Figuren zwischen
Verzweiflung und Sucht nach Leben.
Konkret verortet und universell deutbar
begegnen wir Menschen, die all ihre

Trailer für die nahe Zukunft, Theater Plauen Zwickau
Sehnsüchte nach einem realen, erfüllten
Leben auf die absolute Fiktion projizieren:
Die Traumfabrik Hollywood ist
für uns längst zum realsten Ort der Welt
geworden.
Trailer für die nahe Zukunft entstand als
Auftragswerk für das Theater Plauen
Zwickau, wo im April 2011 die Uraufführung
war (Regie: Mari Bues). «Oliver
Schmaering hat einen in 30 Abschnitte
unterteilten Text geschrieben, der mal
solo, mal zu zweit, mal chorisch gesprochen
werden kann. Mit Zwischentiteln,
die auf Monitoren eingeblendet werden,
kommt der starke Text mal ironisch, mal
melancholisch, auch mal im Märchen­
oder Soap­Ton daher.» (Die Deutsche
Bühne)
Drei10 Outtakes
Ein Tag schlägt zurück
Besetzung variabel, mind. 1H
Ein Superheld blickt auf sein Leben zurück.
Eine Reihe von Schicksalsschlägen
deutet schon seit seiner frühesten
Jugend darauf hin, dass er entweder der
abergläubischste Paranoiker aller Zeiten
oder zum größten Kämpfer gegen
das Unglück ausersehen ist. Nachdem
er alles verloren hat, ist der Schritt zum
Einzelkämpfer, in den Untergrund, ins
Exil nur die logische Schlussfolgerung.
Seine Mission ist klar: Das Unheil, das
an einem Freitag, dem 13., passiert,
muss verhindert werden. Ganz auf sich
gestellt, wie es sich für einen Retter der
Menschheit gehört, erscheint allerdings
die Frage nach der eigenen Identität
unausweichlich. Und je mehr der Blick
ins innere Selbst gerichtet wird, desto
geringer werden dummerweise die Gewissheiten
und desto größer die Angst
vor allem, was da draußen ist. Aber
von der Suche nach dem Schauspieler
Larry Miller, der auf mysteriöse Weise
verschwand, wird ihn trotzdem nichts
abhalten.
Als wäre ein Superheld in einen Film noir
gestolpert, wird in Drei10 Outtakes ein
Kämpfer für das unbedingt Gute zum
großen Melancholiker, der das Dunkle
in sich entdeckt.
«Wo ich gestern war.
Keine Ahnung. Mein
Name. Schwierig.
Adresse. Vergessen.
Verheiratet. Ich weiß
es nicht.»
Die Uraufführung von Drei10 Outtakes
ist im Dezember 2011 am Ballhaus Ost,
Berlin (Regie: Eike Hannemann). Mit
den Stücken The Making of Der Untergang
der Vereinigten Staaten von Amerika,
Trailer für die nahe Zukunft und
Drei10 Outtakes hat Oliver Schmaering
einen Amerika­Zyklus geschrieben, der
mit dem nächsten Stück King Kong Bonus
Features abgeschlossen sein wird.
www.rowohlt-theater.de 9

Thomas Arzt
10
Grillenparz
3D – 3H
Am Grillenparz, dem Hügel, der direkt
an die Stadt grenzt, versammelt sich
jährlich die Belegschaft der ortsansässigen
Firma – zu einem archaischen
Spiel? Zu einem nächtlichen Ritual?
Zu einer besoffenen Sauerei? Jedenfalls
geht es derb zu bei dem Versuch, an
den Busen der Natur zurückzukehren
bzw. der eigenen Natur freien Lauf zu
lassen. Vorab muss noch das jährliche
Betriebsfest, eine anheimelnde Kulisse
für die Investorenträume der aus dem
Ausland angereisten Geschäftspartner,
absolviert werden. Doch vor allem treibt
die Sommerfestgesellschaft der Wiederholung
ihres eigenen Verbrechens zu.
Was eigentlich genau vor einem Jahr
geschah, verschwimmt mit dem diesjährigen
Rausch zu einem undurchschaubaren
Reigen und ist dennoch so real,
dass niemand darüber reden will. Zu
alldem singt der Chor der Grillen von
Heimat und anderen ewigen Dingen des
Lebens, von viel Gewalt und tröstlicherweise
auch von Vergebung.
Die Uraufführung von Grillenparz, abgedruckt
in Theater heute 06 / 2011, war
im April 2011 am Schauspielhaus Wien
(Regie: Nora Schlocker), wo Thomas
Arzt in der letzten Spielzeit Hausautor
war. Eine Inszenierung in Prag folgte
im Mai 2011 am Divadlo Leti (Regie:
Martina Schlegelová). «Grillenparz ist
ein Stück über Heimat, aber nicht als
Volksstück, auch wenn der ‹Chor der
Grillen› immer wieder sehr volkstümlich
wirkt – ein bemerkenswertes
Stück.» (Süddeutsche Zeitung) «Arzt
verwendet Firmenklischees und roman­
Grillenparz, Schauspielhaus Wien
«Tatort ist eine voralpine Binnenwelt. Zwischen
Zivilstadt und Wildland. Zwischen Geldmensch
und Geiltier. Zwischen Schweißbadetag
und Spätsommernacht. Bestimmt in einer
Binnensprache. Nicht mehr Volksmaul, noch
nicht Staatsnorm. Nicht mehr Rohschnitt, noch
nicht Figurenfleisch. Nicht mehr Naturgesetz,
noch nicht Moral.» (Thomas Arzt)
tische Archaik für eine poetische Krimi­
Sozialstudie. Kaum je zuvor hat sich
angewandte Brutalität so zwingend auf
die Bühne verirrt.» (Nachtkritik)
In der aktuellen Kritikerumfrage von
Theater heute wurde Thomas Arzt für
Grillenparz an zweiter Stelle als Nachwuchsautor
des Jahres genannt. Außerdem
erhielt er das Thomas­Bernhard­Stipendium
2011 des Landestheaters Linz.
Im Rahmen des Stipendiums schreibt er
in enger Zusammenarbeit mit dem Landestheater
an seinem neuen Stück.

Mülheimer Dramatikerpreis 2011
«Beste deutschsprachige Dramatikerin des Jahres 2011»
Kritikerumfrage von Theater heute
«Da muß jetzt etwas zerfallen sein,
glaube ich, in sich und mit uns
hoffnungslos zerfallen, geflohen
ein flinkes Elektron vom Kern, das
vorher aber gar nicht da war, erst
im Zerfall entstanden.»
Elfriede Jelinek
Kein Licht.
Besetzung variabel,
mind. 2 Darsteller/innen
Das Wasser ist an Land gekommen,
eine gewaltige Flutwelle hat alles mit
sich fortgerissen. Energie wurde geraubt:
Eine Anlage ist ausgefallen oder
hat sich automatisch abgeschaltet. Nur
noch ohrenbetäubende Stille erfüllt die
Luft, ein Lärm, der die Welt lautlos unter
sich begräbt, jedes Gehör taub macht,
einem kollektiven Tinnitus gleich. Etwas
hat sich grundlegend verändert – aber
was? Etwas, das der Mensch erschuf, hat
sich unumkehrbar gegen ihn gewandt,
und das Licht, das früher auf ihn schien,
muss er nun selbst abstrahlen, bläulich
leuchtend aus den Knochen seines
Körpers …
Zwei Musiker (erste und zweite Geige),
die wie die Band auf der Titanic weiterspielen,
während das Schiff im Meer
versinkt, versuchen in Elfriede Jelineks
neuem Stück das Unfassbare zu fassen.
Ohne dass die Worte Fukushima oder
Atomkraft fallen, ist Kein Licht. ein
Geisterszenario nach dem Super­GAU,
ein Beckett­haftes Endspiel, das abrechnet
mit unserem bedingungslosen Glauben
an die Beherrschbarkeit der Technik
und in dem die Schreie der totgeschwiegenen
Opfer gespenstisch widerhallen.
Kein Licht. entstand auf Anregung des
Schauspiels Köln, wo im September
2011 in der Regie von Karin Beier die
Uraufführung war.
FaustIn and out
Besetzung variabel
Wie Abraumhalde zu Lessings Nathan
der Weise ist FaustIn and out ein «Sekundärdrama»
zu Goethes Urfaust, das
nur in Verbindung mit dem Klassiker gespielt
werden soll. Die Gretchentragödie
wird darin von Jelinek einem radikalen
Perspektivwechsel unterzogen und u. a.
zusammengedacht mit dem Fall Josef
www.rowohlt-theater.de 11

Fritzls, der seine Tochter jahrelang in
einen Keller sperrte und mehrere Kinder
mit ihr zeugte. «Das fromme, gefallene
Mädchen Margarete, die ihr Kind umgebracht
hat, die verführt und verlassen
wurde und an ihrem Ende allein im Kerker
ihre Hinrichtung erwartet – diese
Geschichte tritt zurück hinter dem apokalyptischen
Bild einer Lebensgemeinschaft,
in der Vater, Mann, Schöpfer und
Gott zu einem ‹Allerhalter, Allumfasser›
verschmelzen … FaustIn and out erhebt
seine Stimme aus dem Untergrund,
bleibt aber lieber im Keller, als sich von
einem Heinrich mitnehmen zu lassen. Es
will sowohl gehört als auch übergangen
werden, will anwesend und abwesend
zugleich sein. Ein Stück gewordenes
Frauenschicksal.» (Roland Koberg im
Jahrbuch 2011 von Theater heute) «Jelineks
‹Sekundärdrama› macht den Urfaust
als Tragödie der konsumistischen
Gewalt an der Frau wieder sichtbar und
ist selbst eine Tragödie der Gewalt in
unserer Zeit, deren Fausts die sex­ und
geldgierigen Männer und deren Mephistos
die Verkörperung einer skrupellosen
‹Leistungs­› und Konsumideologie, narzisstischer
Verkrüppelungen und psychischen
Mangels sind.» (Bärbel Lücke)
12
Winterreise, Münchner Kammerspiele
Die Uraufführung von FaustIn and out
ist im März 2012 als Teil von Goethes
Faust I & II am Schauspielhaus Zürich
(Regie: Dušan David Parizek).
Ebenfalls im März 2012 zeigt das Theater
Heidelberg in der Regie von An drea
Schwalbach die Uraufführung von Jelineks
gemeinsam mit Irene Dische geschriebenem
Libretto Der tausendjährige
Posten oder Der Germanist, basierend auf
Franz Schuberts Opern Der vierjährige
Posten und Die Zwillingsbrüder.
Außerdem hat im November 2011 Jelineks
in Zusammenarbeit mit Karin
Rausch entstandene Neufassung von
Oscar Wildes Komödie Der ideale Mann
(An Ideal Husband) Erstaufführung am
Burgtheater (Akademietheater) Wien
(Regie: Barbara Frey), siehe S. 36.
Jelineks Winterreise, im Februar 2011
in der Regie von Johan Simons an den
Münchner Kammerspielen uraufgeführt
und ausgezeichnet mit dem Mülheimer
Dramatikerpreis 2011, wurde bzw.
wird bisher nachgespielt am Badischen
Staatstheater Karlsruhe (Regie: Michael
Simon; ab Februar 2012 ist die Inszenierung
am Theater Ingolstadt zu sehen),
am Deutschen Theater Berlin (Regie: Andreas
Kriegenburg), Schauspiel Frankfurt
(Regie: Bettina Brui nier), Theater
Oberhausen (Regie: Peter Carp), Theater
Freiburg (Regie: Joachim Schloemer),
Staatstheater Mainz (Regie: Jan Phi lipp
Gloger), an den Städtischen Bühnen
Münster (Regie: Alexander Schilling),
am Deutschen National thea ter Weimar
(Regie: Claudia Meyer), Staatstheater
Kassel (Regie: Volker Schmalöer), Burgtheater
(Akademietheater) Wien (Österreichische
Erstaufführung, Regie: Stefan
Bachmann), Staatstheater Stuttgart (Regie:
Nora Schlocker) und am Theater
St. Gallen (Schweizer Erstaufführung,
Regie: Peter Ries).
In der Kritikerumfrage 2011 von
Thea ter heute wurde Winterreise – zusammen
mit Verrücktes Blut von Nurkan
Erpulat und Jens Hillje – zum besten
deutschsprachigen Stück des Jahres gewählt
und Karin Beiers Aufführung von
Jelineks Das Werk / Im Bus / Ein Sturz
(Schauspiel Köln) zur besten Inszenierung.
Rechnitz (Der Würgeengel) erhielt in
Hermann Schmidt­Rahmers Inszenierung
am Düsseldorfer Schauspielhaus
den Publikumspreis beim NRW Thea­

mir fehlt ein Schicksal.»
«Seit ich hier sitze, habe ich das Gefühl,
Eine Stille für Frau Schirakesch, Theater Freiburg / Theater Osnabrück
tertreffen 2011; im März 2012 hat das
Stück Premiere am Schauspielhaus Graz
(Österreichische Erstaufführung, Regie:
Michael Simon) und am Theater Chemnitz
(Regie: Enrico Lübbe).
Zu den weiteren Jelinek­Inszenierungen
2011 / 12 gehören u. a. In den Alpen
am Landestheater Linz (Regie: Christian
Wittmann), Ulrike Maria Stuart
am Schauspiel Essen (Regie: Hermann
Schmidt­Rahmer) sowie Die Kontrakte
des Kaufmanns an den Wuppertaler
Bühnen (Regie: Christian von Treskow)
und am Stockholmer Dramaten (Schwedische
Erstaufführung, Regie: Mellika
Melouani Melani).
Theresia Walser
Eine Stille für Frau
Schirakesch
4D – 2H
In genau 77 Minuten soll auf dem Marktplatz
von Tschundakar Frau Schirakesch
gesteinigt werden. Zeitgleich beginnt im
deutschen Fernsehen eine Talkshow, die
der grausamen Tat aus der Ferne still gedenken
will. Eingeladen hat die Moderatorin
Hilda Ludowsky dazu die junge
Soldatin Rose, die kürzlich traumatisiert
von einem Militäreinsatz zurückgekehrt
ist, sowie ihren Vater Herrn Fahnenberg,
der seinem Namen alle Ehre macht. Daneben
sitzen die Schönheitsköniginnen
Ruth und Heidrun, die gerade mit einer
Bikiniparade in Tschundakar für Zündstoff
sorgten, und Herr Gert, ein General,
dessen Truppe auf dem Markt von
Tschundakar immerhin ein Dixie­Klo
aufbauen konnte, um den Frauen dort
das Leben zu erleichtern. Noch bevor die
Sendung losgeht, geraten die Gäste aneinander.
Schon an dem Begriff «Krieg»
scheiden sich die Geister, und von Stille
kann in der eskalierenden Debatte um
Aufklärung und Menschenrechte bald
nicht mehr die Rede sein.
Mit Eine Stille für Frau Schirakesch
hat Theresia Walser ihr bisher wohl
politischstes Stück geschrieben: «Die
gepfeffertste Satire seit langem. Denn
Walser holt nicht nur weit aus, sondern
trifft in ihrem virtuosen Rundumschlag
auch die ganze Bandbreite des Politpalavers
zwischen Arroganz und Zynismus,
Verlegen­ und Verlogenheit, Opportunismus
und Ohnmacht, Selbstdarstellungsdrang
und Solidaritätsgesäusel.»
(Frankfurter Allgemeine Zeitung)
«(Ihre Figuren) verlieren sich im aus
Halbwissen geborenen Betroffenheitsgerede,
das in sarkastisch­komische
Dialoge mündet und aus der westlichen
Werte­ eine groteske Wartegemeinschaft
www.rowohlt-theater.de 13

verunsicherter Selbstdarsteller macht.»
(Süddeutsche Zeitung) «Die Konflikte
des Abendlandes mit dem Islam bringt
Walser sehr komisch auf den Punkt …
In ihrer wunderbar leichten, bissigen,
bitterbösen Komödie enttarnt sie die
Wortwaffen in der Kriegsdebatte der
vergangenen Jahre, macht die Taktik
der Teilnehmer nachvollziehbar – und
zwingt den Zuschauer, die eigene Position
zu hinterfragen.» (Nachtkritik)
Eine Stille für Frau Schirakesch entstand
als Auftragswerk für das Theater Freiburg
in Kooperation mit dem Theater
Osnabrück, wo im September 2011 in
der Regie von Annette Pullen die Uraufführung
war, bevor die Produktion im
Oktober in Freiburg Premiere hatte.
Das Stück war in Theater heute
10 / 2011 abgedruckt.
Im November 2010 wurde am Nationaltheater
Mannheim Die ganze Welt
uraufgeführt (Regie: Burkhard C. Kosminski),
das Theresia Walser gemeinsam
mit Karl­Heinz Ott geschrieben hat.
«Spätestens seit Kurt Tucholsky und
Loriot wissen wir: Männer und Frauen
passen nicht zusammen. Walser und
Ott setzen noch eins drauf: Mensch und
Mensch, das kann nicht gut gehen. In
Die ganze Welt finden sie eine originelle
Variante der Wer­hat­Angst­vor­Virginia­Woolf­Kampfzonen
… Wie in einem
zerbrochenen Spiegel reflektieren sich
die ramponierten Lebensentwürfe: Es
geht um Lebenslügen, die man niemandem
nehmen soll, will man ihm nicht
seine Hoffnung auf ein bisschen Glück
rauben. Es geht also auch um Glücksvorstellungen,
ums Verschweigen von
14
Realitäten und vom großen Crash, wenn
die nackte Wahrheit nicht mehr bemäntelt
werden kann.» (Nachtkritik) «Ein
prachtvolles Stück Literatur voller Lebensklugheit
und Witz – eines der besten
neuen Dramen der jüngeren Zeit überhaupt.»
(Wiesbadener Tagblatt)
Nachgespielt wird Die ganze Welt in
dieser Saison am Wallgraben Theater,
Freiburg (Regie: Heidi Gohde) und am
Staats thea ter Cottbus (Regie: Mario
Holetzeck). Außerdem hatte Walsers
Ein bisschen Ruhe vor dem Sturm im
Oktober 2011 an den Hamburger Kammerspielen
Premiere (Regie: Michael
Bogdanov).
Juli Zeh
203
6 Darsteller/innen
Als Daniel Marker eines Tages aus tiefem
Schlaf erwacht, findet er sich in
Raum 203 zu einem Mann verwandelt,
der Thomas heißt. Drei fremde Menschen
umringen ihn und behaupten,
seine Familie zu sein, deren konfliktgeladene
Vergangenheit sie ihm schrittweise
enthüllen. Durchlebt Daniel, der erfolgsverwöhnte
Banker, dem allerdings
gerade ein Millionen­Deal geplatzt ist,
einfach einen Albtraum? Oder ist das,
was bisher für ihn Wahrheit war, nichts
als eine Täuschung? Beklemmend real
sind jedenfalls die Wärterinnen, die
Raum 203 bewachen, seine Bewohner
mit großen Spritzen gegen Krankheiten
impfen und wie Mastvieh brutal
zwangsernähren. Immer gründlicher
wird Daniels alte Existenz von einer
neuen abgelöst, was jedoch nur die Nebenwirkung
eines ganz anderen, perfiden
Plans ist.
203 entstand als Auftragswerk für das
Düsseldorfer Schauspielhaus, wo im
April 2011 die Uraufführung war (Regie:
Hans­Ulrich Becker). «Mit pointierter
Schärfe und augenzwinkernder

«Erinnerungen. Zum größten Teil haben sie
mit der Wirklichkeit gar nichts zu tun …
Der Mensch erzählt sich sein Leben wie eine Geschichte,
Selbstironie konstruiert Juli Zeh Dialoge
und einen Plot, die im Gewand der
Groteske quer durch den Leitartikel­
Garten pflügen. Tierhaltung und Bio,
BKA und Bankenaufsicht, Rechtsstaat
und Gehirnwäsche, Freiheit kontra Sicherheit
… Gewitzt und gescheit, was
ja in der zeitgenössischen Dramatik
selten genug der Fall ist.» (Süddeutsche
Zeitung) «Ein glänzendes Enthüllungsdrama
mit halb politischer, halb poetisch­philosophischer
Botschaft. Denn
tatsächlich ist (hier) niemand unschuldig.
Der Staat hat die Entsorgung von
Schwerkriminellen hoch ökonomisch
geregelt, indem er sie mästen lässt, um
sie dann als leckeren Braten auf EU­
Festbanketten zu servieren … Raum
203 leistet Widerstand – nicht durch
Flucht oder Revolte, sondern durch das
Erzählen von Geschichten. Deren Material
liefern Zeitungen, die Wärterin­
203, Düsseldorfer Schauspielhaus
mit sich selbst als Hauptfigur.»
nen oder die eigene Biographie … Das
Stück ist weniger Anklage gegen einen
faschistischen Überwachungs­ und Entsorgungsapparat
als vielmehr tröstliche
Aufklärung: Geschichten sind Überlebens­Mittel.
Jenseits von Wahrheit oder
Lüge, unter den Bedingungen von totaler
Kontrolle oder totalem Ausgeliefertsein
geben sie, was jeder braucht: Identität.»
(Deutschlandradio)
Zurzeit schreibt Juli Zeh gemeinsam
mit Charlotte Roos für das Staatsthea
ter Braunschweig an einem neuen
Auftragswerk, dessen Uraufführung im
Rahmen des Festivals Theaterformen
und in Koproduktion mit dem z / k / m
Zagreb im Juni 2012 sein wird (Regie:
Ivica Buljan).
Zehs Stück Good Morning, Boys and
Girls, im April 2010 am Düsseldorfer
Schauspielhaus uraufgeführt (Regie:
Stephan Rottkamp), hat in dieser Saison
Premiere am Theater Ulm (Oktober
2011, Regie: Katja Langenbach), an der
Badischen Landesbühne Bruchsal (Januar
2012, Regie: Joerg Bitterich) sowie
im Herbst 2012 am Theater Heilbronn.
Weiter nachgespielt wurden bzw. werden
2011 / 12 auch Corpus Delicti, u. a.
am Schauspiel Essen (April 2011, Regie:
Florian von Hoermann), Landestheater
Tübingen (April 2011, Regie:
Jenke Nordalm) und am Staatstheater
Braunschweig (Juni 2011, Regie: Crescentia
Dünßer) sowie Der Kaktus, u. a.
am Thea ter Phönix, Linz (Januar 2011,
Regie: Esther Muschol), Innsbrucker
Kellertheater (Januar 2011,
Regie: Alexander Kratzer),
Theater Freiberg / Döbeln
(Februar 2011, Regie: Andreas
Pannach), an der Studiobühne
Bayreuth (März
2011, Regie: Birgit Franz),
am Wiener Theater Drachengasse
(März 2011, Regie:
Christine Wipplinger)
und am Thea ter Erlangen
(Mai 2011, Regie: Johannes
Wenzel).
www.rowohlt-theater.de 15

Ulrike Syha
16
Radikale
Besetzung variabel
Die Stimmung ist katastrophisch: Euro­
Krise, Stuttgart 21, Krieg in Afghanistan,
Streiks im Nahverkehr – globale
Erschütterungen hallen auf lokaler
Ebene wider, Privates und Politisches
vermischen sich, bis Unterschiede kaum
mehr auszumachen sind. Das Resultat
ist ein diffuses kollektives Unbehagen,
eine leicht entflammbare Gemengelage,
die in Ulrike Syhas neuem Stück wie in
einem Druckluftkessel brodelt. Erstmals
verzichtet Syha auf eine durchgehende
Handlung und klar konturierte Charaktere;
stattdessen zoomt sie auf Menschenansammlungen
an Bushaltestellen
oder in S­Bahnen, in Großraumbüros
oder Fußgängerzonen und fischt aus
der Masse Einzelstimmen heraus. Aufgeschnappte
Dialogfetzen oder innere
«Wir
kommunizieren
nicht, wir
überwachen
einander bloß.»
Herr Schuster kauft eine Straße, Nationaltheater Mannheim
Monologe, die normalerweise ungehört
bleiben, erzählen von gescheiterten
Lebensentwürfen, Leistungsdruck
und angestauter Aggression, trivialen
Alltagssorgen und nackter Existenzangst.
Wechselnd zwischen chorischen
Passagen und leisen Soli, Momenten
voller Tragik und abgründiger Komik,
verdichtet sich Radikale zur «Symphonie
einer Großstadt», die eine aus dem
Takt geratene Gesellschaft zeigt und in
der gleich mehrere Zeitbomben ticken.
Radikale entstand als Auftragswerk für
das Theater Chemnitz, wo im Februar
2012 die Uraufführung sein wird (Regie:
Dieter Boyer).
Zuletzt wurde im September 2010 am
Nationaltheater Mannheim, dessen
Haus autorin Ulrike Syha in der Spielzeit
2009 / 10 war, Herr Schuster kauft eine
Straße uraufgeführt (Regie: Mirja Biel
und Joerg Zboralski). Das Stück war in
Theater heute 11 / 2010 abgedruckt und
hat im November 2011 österreichische
Erstaufführung am Thea ter Drachengasse,
Wien (Regie: Katrin Schurich). An
selber Stelle und in derselben Regie war
im Februar 2011 auch die österreichische
Erstaufführung von Fracht (Nautisches
Denken I – IV): «Syha beweist
einmal mehr, dass sie zu Deutschlands
witzigsten Autorinnen zählt.» (Falter)
«Man könnte sie als die triumphale Komödienschreiberin
der Wirtschaftsblase
bezeichnen.» (Der Standard)
Außerdem hatte im Februar 2011 am
Theater Basel Syhas Bühnenfassung
von John Steinbecks Roman Jenseits
von Eden Uraufführung (Regie: Peter
Kastenmüller), von der weitere Inszenierungen
in Vorbereitung sind, siehe S. 33.

Gerhild Steinbuch
Das kalte Herz
nach Wilhelm Hauff
2D – 5H
Die Zeiten, in denen man sich in Peters
Stadt vor dem Holländer­Michel fürchtete,
der einem das Herz herausriss, sind
vorbei. An das Glasmännchen, das einem
Sonntagskind zum Glück verhilft,
glaubt erst recht keiner mehr. Glück, das
wäre für Peters Freunde höchstens, vom
Fernsehen entdeckt zu werden. Seiner
Mutter würde es schon reichen, wenn
ihr Sohn kein Versager wäre wie sein
Vater Michel, der im Keller wohnt und
vergessen hat, wer er ist. Und Mutters
Lebensgefährte Glasmann hofft bloß,
dass Peter endlich auszieht.
Aber Peter hat weder Lust, sich mit
seinen Freunden bei Schlägereien auszutoben,
noch den Weg in die Kleinbür­
gerlichkeit anzutreten; für die ewigen
Ratgeberweisheiten des Glasmanns hat
er nichts als Verachtung übrig. Er träumt
vom Anderssein und kann doch nichts
ändern – bis er Lisbeth begegnet und
von ihr lernt, wie man sich ein neues
Leben herbeilügt. Plötzlich ist die alte
Welt verschwunden, und Peter ist ein
Held, gefeiert und bewundert, mit schöner
Frau, schöner Wohnung und ohne
irgendein Problem. Doch nach und
nach regt sich Widerstand in Peters
zwangsoptimierter Umgebung, ein
Widerstand, dessen er nicht mehr
Herr werden kann.
«Warum hasst du mich, wenn ich versuch alles richtig zu machen.»
Das kalte Herz, eines der düstersten
Märchen Wilhelm Hauffs, stellt die
Frage nach dem Preis des Glücks
ohne Verstand und der Gier ohne
Mitmenschlichkeit. Auch in Gerhild
Steinbuchs Neuinterpretation sind
die Menschen weder klüger noch
großherziger geworden. Von den
Märchen sind ihnen bloß die Lügen
geblieben. Die Sehnsucht wird davon
nicht kleiner – aber wie kann
dann am Ende alles gut werden?
Das kalte Herz entstand im Auftrag
des Theaters Chemnitz, wo im November
2011 die Uraufführung sein
wird (Regie: Schirin Khodadadian).
«Ja das ist das Ortsschild
Ja hier endet die Welt»
Herr mit Sonnenbrille
2D – 2H – 1 weitere/r Darsteller/in
Ein Dorf in den Bergen. Die Landschaft:
dramatisch bis pittoresk. Früher war
hier die Stahlindustrie zu Hause, seit
aber die Fabrik stillgelegt wurde, setzt
das Dorf ganz auf Tourismus. Nur leider
funktioniert das nicht mehr wie gedacht.
Die Touristen kommen kurz und bleiben
nicht, oder sie kommen gar nicht erst.
Ab und zu stürzt sich ein Arbeitsloser
von einem malerischen Felsen, und die
Dorfjugend hat außer Sex auch keine
sinnvolle Beschäftigung mehr. Dennoch
ist man hier stolz auf sich. Der Ort, die
Landschaft, die Gemeinschaft, nicht
zu vergessen die Tradition: So etwas
schafft Identität, die einem keiner nehmen
kann. «Wenn du drin bist willst
du immer mal raus klar aber raus wird
allgemein überbewertet.» Ausbruchsversuche
sind zwecklos – wohin sollte
es auch gehen? Trotzdem versuchen Er
und Sie den Aufstand gegen das immer
gleiche Wir und kämpfen letztlich doch
nur gegen sich selbst. Ein Kampf, den sie
nur verlieren können: Sie bleiben und
begegnen sich schließlich selbst, einem
alten, desillusionierten Paar, für das die
Zukunft bloß eine Erinnerung ist.
Herr mit Sonnenbrille entstand im Auftrag
des Schauspielhaus Wien und wur­
www.rowohlt-theater.de 17

de dort in der Regie von Robert Borgmann
im Februar 2010 uraufgeführt.
«Ein Heimatstück für Hartgesottene …
Steinbuch erzählt von einem Paar, in
jüngerer und älterer Version, und von
einem weggelegten Kind. Doch sie erzählt
viel mehr, bohrt den Finger tief in
die Wunde österreichischer Befindlichkeit.
Und das sogar mit (Galgen­)Humor.
Sie berichtet von einem Land, an
dem sich die Vergangenheit so festkrallt,
dass die Zukunft nicht beginnen kann.
Von Verdrängung als Lebensphilosophie.
Von Alltagsfaschismus, ­katholizismus,
von Alltagsbrutalität.» (Kurier)
Im März 2012 kommt das Stück in einer
überarbeiteten Fassung am Theater
Chemnitz zur deutschen Erstaufführung
(Regie: Mirja Biel und Joerg Zboralski).
Ebenfalls am Schauspielhaus Wien
wurde im März 2010 im Rahmen der
X Gebote­Reihe Gerhild Steinbuchs
Kurzstück Vier Wörter für ein besseres
Leben uraufgeführt (Regie: Daniela
Kranz), das sich mit dem Gebot «Du
sollst nicht ehebrechen» auseinandersetzt.
«In Wirklichkeit ist es doch so:
Jeder sucht sich seine Sicherheit. Und
die vertragliche Festklopfung einer Ur­
Sicherheit, der Idee einer Liebe, ist natürlich
eine feine Sache … [Ich] ziehe
mich zurück auf privates Territorium,
das in vertraglichter Eheform zum öffentlichen
Standpunkt wird: Wie man
leben soll und wo ich mich befinde im
Verhältnis dazu, nämlich mittendrin.»
(Gerhild Steinbuch)
Im November 2010 kam außerdem
am Theater Konvikt in Olmütz Gerhild
Steinbuchs kopftot zur tschechischen
18
«Sie war die Art
von Person, die
Ihnen in die Augen
blickt und die
Wahrheit sagt,
selbst wenn die
Wahrheit eine
unangenehme
Wahrheit ist. Sie
konnte gar nicht
lügen.»
Erstaufführung (Regie: Jan Zurek). Im
Oktober 2011 wurde beim steirischen
herbst, Graz, die Audiowalk­Performance
Am Schönsten ist das was bereits
verschwunden ist (Regie: Julie Pfleiderer)
uraufgeführt.
Katharina Schmitt
Jugendbildnis
Besetzung variabel
Woran macht sich Jugend fest, woran
Erinnerung? Katharina Schmitts
Stück schleust den Zuschauer durch
ein Museum der Pubertät in elf Gegenständen.
Die Ausstellungsobjekte wurden
von verschiedenen Besitzern zur
Verfügung gestellt. Das Jugendbildnis,
das sich daraus ergibt, ist so disparat
und widersprüchlich wie die Aussagen
der Eigentümer. Ihr Andenken kreist
um ein sich entziehendes Zentrum der
Betrachtung: das Kind, die Jugendliche,
während die Gegenstände ein immer
stärkeres Eigenleben gewinnen.
«Das Kind im Wagen eines Karussells. /
Es ist der einzige Fahrgast, der Wagen
sieht aus wie ein Flugzeug. / Das Kind ist
elf Jahre alt. / Sein Geschlecht ist schwer
auszumachen. / Es sieht aus wie ein Junge.
/ Es sieht aus wie ein Mädchen, das
aussieht wie ein Junge. / Es sitzt in einem
Karussell und es lacht nicht. / Sehen

«Phantasie hab ich keine nur Tagträume von Erfolg»
Sie. / Erinnern Sie sich an dieses Bild. / Erinnern
Sie sich. Sie müssen sich beeilen,
Sie müssen sich mehr Mühe geben. / Bitte
strengen Sie sich mehr an. / Die Gegenstände
werden langsam kalt.»
Jugendbildnis entstand als Auftragswerk
für das Thalia Theater Hamburg,
wo im Februar 2012 die Uraufführung
sein wird (Regie: Benedikt Haubrich).
Katharina Schmitts Stück Sam wird im
März 2012 am Hessischen Staats thea ter
Wiesbaden uraufgeführt (Regie: Tilman
Gersch), gefolgt von Inszenierungen
am Theater Bielefeld (Mai 2012, Regie:
Patrick Schimanski) und am Prager
Kammer theater (Tschechische Erstaufführung,
April 2012, Regie: Kamila Polivkova).
Im Rahmen ihrer Residency
an Robert Wilsons Watermill Centre in
New York im April 2012 wird die Autorin
eine englischsprachige Inszenierung
von Sam erarbeiten. Gleich zwei Stücke
von Katharina Schmitt werden vom
Deutschlandradio als Hörspiele produziert
und im November 2011 urgesendet
(Sam, Regie: Martin Schulze, und
Knock­out, Regie: Katharina Schmitt).
Laura Naumann
demut vor deinen taten baby
3D
Ein herrenloser Koffer in der Damentoilette
eines deutschen Flughafens
löst Terroralarm aus. Die Toilette wird
großräumig abgeriegelt, der Flughafen
evakuiert. Zurück bleiben nur Bettie,
Mia und Lore, die hilflos in ihren Klokabinen
festsitzen. Eben einander noch
völlig fremd, erwarten sie gemeinsam
die Katastrophe, Freundinnen fürs Leben,
wie kurz es auch nur noch sein mag.
Aber der große Knall bleibt aus, die Sicherheitskräfte
geben Entwarnung, «es
riecht nach Frühling und Geburt die
Vögel singen auch und irgendein goldener
Glitzer liegt auf uns allen drauf».
Lebenskrisen, Depression und Einsamkeit
– nichts davon hat irgendeine Bedeutung
neben dem Gefühl, gerade noch
einmal davongekommen zu sein. Dieses
Gefühl ist zu groß für die drei allein,
dieses Gefühl will in die Welt getragen
sein. Und plötzlich ist die Idee da: Ein
Anschlagsimulator muss
her, «dafür müssen wir
nicht mal was bauen wir
können das machen wir
gehen an die Orte wir sind
die Terroristen wir machen
die Leute erleben».
Das Konzept geht auf,
besser als gedacht. Das
Frauentrio überfällt Discos und Supermärkte.
Allmählich wird die Regierung
aufmerksam, doch statt einzuschreiten,
kauft sie die Idee. Die drei expandieren;
die Stimmung im Land steigt, die Geburtenrate
wächst und die Wirtschaft
gleich mit. Leichtsinn macht sich breit.
Ein bisschen zu viel Leichtsinn für all
die, die ihr Geschäft mit Pflichtbewusstsein,
Angst und Sorge machen. Es muss
wieder Ernst einkehren in Deutschland,
und es gibt auch schon einen Plan …
Laura Naumann studiert an der Universität
Hildesheim kreatives Schreiben
und Kulturjournalismus und ist Mitglied
des Theaterkollektivs machina
eX. Im Herbst 2011 nahm sie an den
Werkstatttagen des Wiener Burgtheaters
teil. Zuletzt wurde von Laura Naumann
im August 2011 süßer vogel undsoweiter
am Australian Theatre for Young
People in Sydney uraufgeführt (Regie:
Laura Scrivano).
www.rowohlt-theater.de 19

Lars Norén
20
Liebesspiel
Dämonen, Schaubühne am Lehniner Platz, Berlin
(Om kärlek)
2D – 3H
Deutsch von Katja Hagedorn
A und B haben einen siebenjährigen
Sohn. Schon lange sprechen sie darüber,
ein zweites Kind zu bekommen und ein
Haus zu kaufen, aber seit einiger Zeit
bringt B nur noch wenig Interesse für
die gemeinsamen Zukunftspläne auf. C
und D wünschen sich seit Jahren vergeblich
ein Kind. Alle Behandlungen sind
fehlgeschlagen, jetzt denken sie an eine
Adoption. Die Zeitebenen verschieben,
die Geschichten überlappen sich: C hat
eine Affäre mit B. C und D sind seit langem
getrennt, Bs und As Ehe scheitert,
eine weitere Figur, E, tritt auf – seine Beziehung
ist vor langer Zeit zerbrochen,
nachdem das kleine Mädchen, das seine
Exfrau und er adoptiert hatten, schon
nach wenigen Monaten starb. Aber ist
das nicht eigentlich Cs Vergangenheit,
die sich in die Gegenwart drängt? Dann
wird B schwanger, und Cs Kinderwunsch
scheint sich endlich zu erfüllen.
Aber B entschließt sich, das Kind nicht
auf die Welt zu bringen.
In Liebesspiel erweist sich Lars Norén
ein weiteres Mal als Meister im Sezieren
«Ein asketisches Meisterwerk.» Dagens Nyheter
menschlicher Beziehungen. Psychologische
Präzision und größte Allgemeingültigkeit
verbinden sich in einem Stück,
das aufs Wesentlichste reduziert ist:
«Ein Kammerspiel über die alltäglichsten
aller Dinge: Beziehungen, Unfruchtbarkeit,
Untreue, jemand stirbt, ein
Streit, so trivial, dass man schnell vergessen
hat, zwischen wem und warum.
Wie in einer Seifenoper – aber ohne den
Seifenschaum, ohne die grellen Töne falscher
Intimität. Nackt, aller unsinnigen
Ausreden beraubt.» (Dagens Nyheter)
Liebesspiel wurde im Januar 2010 am
Stockholmer Dramaten uraufgeführt
und im Juli 2011 auch am Teatro Municipal
de Almada in Portugal gezeigt. Die
deutschsprachige Erstaufführung ist im
Januar 2012 am Schauspiel Frankfurt
(Regie: Alexander Frank).
Seit März 2010 zeigt die Schaubühne
am Lehniner Platz, Berlin, Lars Noréns
Dämonen (Regie: Thomas Ostermeier),
das auch in Gastspielserien in Ma drid,
Paris und Lyon lief. «Vom Grusel­Boulevard
in die Psychonummer und zurück,
von der verklemmten Contenance

«Wenn man dir die Rolle des Godot anbieten würde, würdest du
die dann übernehmen?» – «Na ja … find ich eher so ’ne typische Männerrolle. Und ich find
das Stück auch ein bisschen überholt.»
in die schamfreie Entblößung … (Ein
Abend), der sich keinen Illusionen mehr
hingibt: Dieses seelische Prekariat rettet
kein Gott, kein Geld und kein guter Geschmack
… Trostlos ist das, und ziemlich
fesselnd anzuschauen.» (Theater heute)
Dämonen hatte außerdem im November
2010 am Akropolis Theater Helios
in Athen, im Februar 2011 am Grand
Théâtre de Luxembourg sowie im September
2011 bei De Queeste in Hasselt,
Belgien, Premiere und wird im November
2011 auch am Staatstheater Kaunas
in Litauen gezeigt. Im September bzw.
Oktober 2010 war an den Städtischen
Bühnen Münster und am Theaterlabor
Darmstadt die Premiere von 20. November,
das im Januar 2011 auch im
Atelier Theater in Sopot, Polen, sowie
im Frühjahr und Herbst 2011 in zwei
Tourneeproduktionen in Portugal aufgeführt
wurde. Im April 2011 zeigte das
Orange Tree Theatre, Richmond / London,
Lars Noréns Herbst und Winter.
Maria Goos
Der letzte Vorhang
(Doek!)
1D – 1H
Deutsch von Rainer Kersten
Die Bühnenstars Lies und Richard galten
einst als Traumpaar à la Liz Taylor
und Richard Burton. Dann heiratete Lies
einen reichen Arzt, beendete ihre Karriere
und zog nach Südfrankreich. Richard
blieb dem Theater treu und tingelt nach
wie vor über die Lande. Mit seinen Allüren,
seinem Größenwahn und besonders
seinem Alkoholkonsum hat er
allerdings schon so manche Partnerin
vergrault. Ausgerechnet bei den Proben
zu dem Stück, das Lies und ihn damals
berühmt machte (und das fatal an Wer
hat Angst vor Virginia Woolf? erinnert),
kommt es zum Eklat: Weinend verlässt
Jojanneke, die Richards Gattin spielen
soll und leider ziemlich unbegabt ist, die
Szene und kehrt nicht zurück. Kurzfristig
helfen kann jetzt nur noch Lies – die
sich zum Glück in Frankreich längst
ein bisschen langweilt. Nach über zehn
Jahren treffen Lies und Richard erstmals
wieder aufeinander, und die Mischung,
die dabei entsteht, ist hochexplosiv.
Der letzte Vorhang ist ein Geschenk für
zwei Schauspieler, die übergangslos in
die unterschiedlichsten Rollen schlüpfen.
In schnellem Tempo wechselt Maria
Goos zwischen Vergangenheit und Gegenwart:
Die Darstellerin von Lies spielt
nicht nur sich selbst (als heute 50­Jährige,
als junge Frau, als Kate im Stück­im­
Stück), sondern ebenso Jojanneke, die
tölpelhafte Kollegin. Ebenso sieht man
Richard in verschiedenen Stadien seiner
Biographie oder – in einem genüsslichboshaften
Porträt – als Lies’ unbedarften
Ehemann. Wilder Slapstick wird von
anrührenden Momenten abgelöst; alte
Wunden reißen auf, und Lies und Richard
müssen frühere Entscheidungen
neu überdenken. Goos’ Stück gleicht
einer Achterbahnfahrt der Gefühle: ein
komisches Spiel der Kunst um die todernsten
Dinge des Lebens.
Der letzte Vorhang wurde im Oktober
2010 an der Stadsschouwbourg Haarlem
uraufgeführt, tourte anschließend
durch Holland und hatte danach eine
ausverkaufte Vorstellungsserie am Amsterdamer
DeLaMar Theater. Zurzeit
sind zahlreiche internationale Produktionen
in Vorbereitung, darunter in London
und New York. Die deutschsprachige
Erstaufführung ist im Dezember
2011 am Renaissance­Theater, Berlin,
mit Suzanne von Borsody und Guntbert
Warns als Lies und Richard (Regie: Antoine
Uitdehaag).
Ebenfalls am Renaissance­Theater war
2006 die deutschsprachige Erstaufführung
von Goos’ Alte Freunde (Cloaca),
das seither vielfach nachgespielt wurde
und in Deutschland sowie in der Schweiz
auf Tournee ging.
www.rowohlt-theater.de 21

Davide Carnevali
22
Sweet Home Europa
Deutsch von Sabine Heymann
1D – 2H
Nur drei Figuren braucht Davide Carnevali,
um Mechanismen der Migration
samt einigen Stolperstricken der Integra
tion und den perfiden Verlockungen
westeuropäischer Überheblichkeit
durchzuspielen. Der Mann, die Frau
und der andere Mann repräsentieren
dabei möglicherweise Völker mit unterschiedlicher
Kultur und vor allem mit
ungleicher ökonomischer Bedeutung,
sie vertreten aber immer auch ihre ganz
persönliche Geschichte. Die Figuren, die
in unterschiedlichen Konstellationen
zusammentreffen, sind mal Vater und
Sohn, mal zwei Geschäftspartner, Mann
und Geliebte, Mutter und Sohn. Ihr Verhältnis
ist dabei immer von denselben
Machtstrukturen geprägt. Während
der Mann die Gepflogenheiten seines
Landes nicht nur beherrscht, sondern
auch definiert, bewegt sich der Fremde
zwischen zwei Kulturen und ist um Anpassung
und sozialen Aufstieg bemüht.
Der Frau bleibt nur die Beobachtung des
männlichen Machtkampfes, sie wird in
der Auseinandersetzung mit dem Sieger
ihre Rolle definieren müssen. Von Familientraditionen
wird erzählt, aber nur
solange sie amüsant sind, kulinarische
Bräuche werden gepflegt, und trotzdem
gibt es immer nur Kürbis, Wortspiele
scheinen die Gespräche humorvoll aufzulockern
und demonstrieren doch vor
allem die Überlegenheit des Muttersprach
lers. In der ersten Szene lädt der
Mann den Anderen zum feierlichen
Abendessen anlässlich eines Geschäftsabschlusses
in sein Haus ein. Doch wie
gastfreundlich ist die «Festung Europa»
tatsächlich, und ist der gemeinsame Bau
an einem «europäischen Haus» überhaupt
erwünscht?
Davide Carnevali, Jahrgang 1981, arbeitet
als Autor, Publizist und Übersetzer in
Italien, Deutschland und Spanien. Seine
Stücke wurden mehrfach ausgezeichnet
(u. a. mit dem Premio Borello per la nuova
drammaturgia) und zuletzt für den
Premio Riccione per il Teatro nominiert.
Seine Variationen über das Kraepelin­
Modell gewannen 2009 den Hörspielpreis
des Berliner Stückemarkts und
wurden daraufhin von Deutschlandradio
ausgestrahlt. Auch Sweet Home
Europa wird von Deutschlandradio als
Hörspiel produziert. Das Stück ist noch
frei zur deutschsprachigen Erstaufführung.
«Sie müssen
noch viel
lernen über
dieses Land.
Der Sinn für
Humor wird
Ihnen auf
jeden Fall nützlich
sein.»
Neil LaBute
Zur Mittagsstunde
(The Break of Noon)
mind. 2D – 2H
Deutsch von Frank Heibert
John Smith hat einen Amoklauf überlebt,
der kurz vor der Mittagspause
sein Großraumbüro in ein Höllenszenario
verwandelte. Während alle seine
Kollegen von dem Attentäter regelrecht
hingerichtet wurden, blieb John auf unerklärliche
Weise als Einziger verschont.
Für ihn bedeutet das eine Epiphanie: Im
Moment größter Todesangst ist ihm
Gott erschienen und hat ihm den Auftrag
gegeben, sein Leben von Grund auf
zu ändern und die Botschaft des Herrn
zu verbreiten. Doch schnell stellt sich die
Frage, ob ein Mann, der seine Nächsten
bisher wie Dreck behandelt hat, durch
ein Erweckungserlebnis wirklich ein
besserer Mensch wird oder einfach ein
erleuchtetes Arschloch ist. Durch das
riesige Medieninteresse ist er obendrein
auch Nutznießer des Attentats und ver

«Gott bedeutet
uns nichts mehr.
Wir tun, was wir
tun, wir treffen
Entscheidungen,
wir übernehmen
Verantwortung.
Irgendein Mann
hat dir eine
Waffe ins Gesicht
gehalten, jetzt
gefällt dir dein
Leben nicht mehr,
und du willst es
ändern. Schön.
Tu was.»
dient durch den Verkauf eines blutigen
Fotos vom Tatort ein kleines Vermögen.
So sehr John auch versucht, seine Ex­
Frau, seinen Anwalt, eine Fernsehmoderatorin
oder selbst die Polizei von seiner
neu gewonnenen Glückseligkeit zu
überzeugen, stößt er doch immer wieder
auf Unverständnis und scheitert an seiner
eigenen Unzulänglichkeit.
In Zweierszenen, eingerahmt von zwei
Monologen, zeigt Neil LaBute die
Wandlung eines Mannes, der verzweifelt
versucht, Gutes zu tun in einer Welt,
die seinem Wunderglauben mit Skepsis
und Zynismus begegnet und ihn als sehr
geübten Sünder dabei immer wieder in
Versuchung führt – bis zur letzten überraschenden
Szene.
Die Uraufführung von Zur Mittagsstunde,
mit David Duchovny als John
Smith, war im Oktober 2010 im Lucille
Lortel Theatre, New York. «LaBute
geht es nicht um das innere Drama des
Trauma­Opfers. Er entwirft ein Planspiel:
‹Was wäre, wenn jemand die matte
Routine des Religionsbetriebs mit
Breaking News von Gottes Existenz
Zur Mittagsstunde, Residenztheater, München
durchbräche?› Die Frage nach
Glauben und Religion, Gut und
Böse dient ihm vor allem dazu,
ein tristes Gesellschaftsbild zu
malen.» (Süddeutsche Zeitung)
Die deutschsprachige Erstaufführung
war im Oktober 2011
am Residenztheater München (Regie:
Wilfried Minks), dicht gefolgt von der
Inszenierung an den Hamburger Kammerspielen
(Regie: Jens Pesel).
Die deutsche Erstaufführung von Neil
LaButes lieber schön, dessen deutschsprachige
Erstaufführung in der Regie
von Alexandra Liedtke nach wie vor am
Burgtheater (Kasino) Wien läuft, ist im
Februar 2012 am Theater Kiel (Regie:
Neele von Müller). Weitere LaBute­Premieren
in der Spielzeit 2011 / 12 sind
u. a.: Fettes Schwein an der Komödie
am Kurfürstendamm, Berlin (Februar
2012, Regie: Folke Braband), und an
der Komödie Düsseldorf (Februar 2012,
Regie: Volker Hesse), In einem finsteren
Haus am Staatstheater Cottbus (Januar
2012, Regie: Anniki Nugis), Der große
Krieg am Luzerner Theater (Schweizer
Erstaufführung, Oktober 2011, Regie:
Andreas Herrmann) sowie das maß der
dinge am Theater Phoenix, Linz (Januar
2012, Regie: Johannes Maile).
Außerdem war im März 2011 die Uraufführung
von LaButes neuem Stück
In a Forest, Dark and Deep in der Regie
des Autors im Londoner West End.
Die deutsche Übersetzung ist in Vorbereitung,
die deutschsprachige Erstaufführung
wird im Mai 2012 am Theater
Bonn sein (Regie: Michael Lippold).
www.rowohlt-theater.de 23

John Logan
24
Rot
(Red)
2H
Deutsch von Corinna Brocher
Mark Rothko befindet sich auf dem Höhepunkt
seines Ruhms. Gerade hat er den
Auftrag für eine Serie von Wandbildern
angenommen, die das neue Seagram
Building schmücken sollen – für das
höchste Honorar, das je einem Maler
gezahlt wurde. Mit entsprechenden
Starallüren führt er sich in seinem Studio
auf: Er bestimmt die Lichtintensität,
die Musikauswahl und die Gesprächsthemen.
Rothkos Megalomanie hat sich
sein neuer Assistent Ken widerspruchslos
zu fügen. Für den Meister wäscht er
nicht nur die Pinsel aus, sondern muss
sich vor allem von seinen Auslassungen
über Kunst, Gesellschaft und Gott und
die Welt tyrannisieren lassen. Der junge
Mann wird dennoch zu einem ernstzunehmenden
Gegner in einer Auseinandersetzung,
in der mit harten Bandagen
um die einzig wahre Kunst gestritten
wird. Rothko muss sich der Frage stellen,
ob er mit dem jüngsten Auftrag nicht
seine Seele verkauft, aber auch Ken wird
an den Rand eines psychischen Zusammenbruchs
getrieben. Was will Rothko
eigentlich von ihm? Ist Ken wirklich
nur austauschbarer Zuhörer, soll ihm
geziemender Kunstverstand beigebracht
werden oder will Rothko seine Kreativität
herauskitzeln? Zum Schluss bleibt
der alte Maler allein zurück, und plötzlich
scheint es, als habe er sich in dem
«Mein Freund,
es gibt nur
eine Sache, die
ich im Leben
fürchte … Eines
Tages wird das
Schwarz das Rot
verschlingen.»
Atelier längst von der Außenwelt abgeschottet,
voller Zweifel und Furcht vor
seiner drohenden Bedeutungslosigkeit.
John Logan hat u. a. die Drehbücher für
Aviator und Gladiator geschrieben, die
beide für den Oscar nominiert waren.
Rot, das nach der Uraufführung am
Donmar Warehouse in London auch am
New Yorker Broadway zu sehen war, gewann
zahlreiche Preise, u. a. den Drama
Desk Award, Drama League Award und
den Tony Award 2010 als bestes Stück.
Die deutschsprachige Erstaufführung
war im Oktober 2011 am Renaissance­
Theater Berlin (Regie: Torsten Fischer).
Es folgen Inszenierungen am Theater
Baden­Baden (März 2012, Regie: Stefan
Huber) sowie in der Spielzeit 2012 / 13
an den Hamburger Kammerspielen.
Jeff Baron
Besuch bei Mr. Green
(Visiting Mr. Green)
2H
Deutsch von Ulrike Syha
Ross ist vom Gericht verurteilt worden,
einmal pro Woche den 86­jährigen
Mr. Green zu besuchen und ihm
bei alltäglichen Erledigungen zur Hand
zu gehen. Doch der resolute Alte will
überhaupt nicht einsehen, warum ihm
jemand im Haushalt helfen soll. Und
wer ist dieser fremde Mann überhaupt?
Als Ross ihm erklärt, dass er in den
Verkehrsunfall verwickelt war, bei dem
Mr. Green gestürzt ist, steht sein Urteil
fest: Mörder! Andererseits, nun ist der
junge Mann schon mal da, und er hat
Suppe mitgebracht; soll man etwa gutes
Essen vergeuden? So erfahren die
beiden im Laufe der wöchentlichen Besuche
notgedrungen immer mehr per­

sönliche Dinge voneinander. Ross ist
verblüfft, dass es in über 50 Ehejahren
mit Mr. Greens kürzlich verstorbener
Frau Yetta keinen einzigen Streit gegeben
haben soll. Und Mr. Green horcht
zum ersten Mal auf, als er erfährt, dass
Ross auch Jude ist, selbst wenn er den
Unterschied zwischen milchick und flaychick
nicht kennt – vielleicht lässt sich
doch noch ein Mensch aus ihm machen.
Aber dann muss Ross plötzlich feststellen,
dass seine Ignoranz gegenüber jüdischem
Brauchtum nicht das Einzige ist,
was bei Mr. Green auf völliges Unverständnis
stößt. Unversehens findet sich
Ross in einer Rolle wieder, mit der er
schon seit Jahren hadert: Er muss sich
für das rechtfertigen, was er ist. Dass es
zwischen den beiden Männern schließlich
doch noch zu einer Versöhnung und
vielleicht sogar zu einem Moment tiefen
Verständnisses kommt, hat nicht nur
mit einem dunklen Geheimnis von Mr.
Green zu tun, sondern ist vielleicht sogar
das Verdienst der sanftmütigen Yetta.
Jeff Barons Komödie Besuch bei Mr.
Green wurde zu einem weltweiten Erfolg.
In über 20 Sprachen übersetzt,
erlebte sie mehr als 400 Produktionen
und wurde mit zahlreichen Preisen
ausgezeichnet. In Deutschland war das
Stück bisher in über 30 Inszenierungen
zu sehen. Zuletzt hatte im September
2011 am Schlossparktheater Berlin die
Inszenierung von Philip Tiedemann mit
Michael Degen in der Rolle des Mr.
Green Premiere. Jeff Baron hat sein erfolgreichstes
Stück überarbeitet und dabei
den Text behutsam modernisiert. Im
Rowohlt Theater Verlag liegt Besuch bei
Mr. Green nun in der pointierten Neuübersetzung
von Ulrike Syha vor.
«Du läufst 42 Kilometer? Das ist das Verrückteste, was ich je
gehört habe. Iss lieber was.»
Mischpoke
Neuer Besuch bei Mr. Green
1D – 3H
Deutsch von Ulrike Syha
Mr. Green ist mittlerweile 92 und immer
noch genauso starrköpfig wie vor
sechs Jahren, als er Ross kennenlernte.
Immerhin hat sich zwischen den beiden
unterschiedlichen Männern eine echte
Freundschaft entwickelt, die auch Ross’
Lebensgefährten Chris mit einschließt.
Mr. Green kann sich sogar mit der Idee
anfreunden, dass Ross und Chris ein
Kind adoptieren wollen. Als auch noch
Mr. Greens jüngste Enkelin Chana auftaucht,
die sich über das Kommunikationsverbot
zwischen ihrer säkularen
Mutter und ihrem religiösen Großvater
hinweggesetzt hat, scheint die neue
Wahlfamilie komplett zu sein. Doch
wie das in Familien nun mal so ist, der
erste handfeste Streit lässt nicht lange
auf sich warten. Chana ist eine streng
gläubige Jüdin, die selbst ihren Großvater
noch Mores lehren kann. Gegen­
über Ross’ und Chris’ Homosexualität
kann sie sich gerade noch zu skeptischer
Toleranz durchringen, doch als sie von
den Adoptionsplänen hört, reißt ihr ohnehin
schon gespannter Geduldsfaden.
Ross wiederum beobachtet mit einigem
Misstrauen, wie Chana ihren Großvater
für sich vereinnahmt und ihn ihrem
orthodoxen Verlobten als vorbildlichen
Ahnen präsentieren will. Mr. Green
steht zwischen den Fronten – bis der
Familienkrach ein Ausmaß erreicht, das
keiner der Beteiligten absehen konnte.
Die Fortsetzung von Besuch bei Mr.
Green ist noch frei zur deutschsprachigen
Erstaufführung.
www.rowohlt-theater.de 25

Daniel Karasik
26
Die Unschuldigen
(The Innocents)
2D – 3H
Deutsch von Philipp Löhle
Angeblich hat der junge Aaron eine ältere
Dame überfallen, ausgeraubt und umgebracht.
Die Beweislage für seine Beteiligung
an dem Verbrechen ist allerdings
dürftig, und die Polizei glaubt nicht an
seine Schuld. Warum beharrt er trotzdem
darauf, die Tat begangen zu haben?
Warum trägt andererseits ein blutjunger,
brillanter Anwalt permanent das Gefühl
von Unzulänglichkeit mit sich herum?
Warum hadert er ständig mit sich und
der Welt, in der er bisher perfekt funktioniert
hat? Aaron und Stanley, beide aus
Die Unschuldigen, Staatstheater Mainz
gut situierten Verhältnissen,
treffen als Klient und Verteidiger
im Gefängnis aufeinander.
Trotz Aarons feindseliger Haltung
entwickelt Stanley eine
Obsession für den Fall. Um zu begreifen,
warum Aaron eine Gefängnisstrafe
dem Leben in Freiheit vorzieht, dringt er
immer tiefer in dessen Welt ein und sieht
sich mit den Sehnsüchten, Ängsten und
der Abgeklärtheit seiner Altersgenossen
konfrontiert – sie spiegeln sich auch in
seinem auf die Karriere ausgerichteten
Leben wider.
«Karasik wirft einen hellsichtigen
Blick auf das ambivalente Lebensgefühl
einer Generation der Extreme. Er verdichtet
den Krimi zum feingesponnenen
Psychogramm einer jungen Gene ration,
die mit dem Glauben aufwächst,
alles erreichen zu können, dabei aber
verzweifelt nach ihrem Platz in einer
Wohlstandsgesellschaft mit Turboantrieb
sucht.» (Marie Rötzer im Jahrbuch
2011 von Theater heute).
Die Unschuldigen wurde 2010 in der
Regie des Autors am Factory Theatre in
Toronto uraufgeführt. Die deutschsprachige
Erstaufführung war im Septem­
ber 2011 am Staatstheater Mainz (Regie:
Philipp Löhle). «Sie sind wirklich
wahnsinnig jung. Sie wissen das, aber
nicht, was sie damit anfangen sollen. Die
einen fühlen sich schon jetzt als Versager,
die anderen haben schon jetzt keine
Zeit mehr. Die Unschuldigen ist ein
Gene ra tionen porträt unserer Tage, weit
entfernt von Jugend­ und Lebensfreudewahn.»
(Frankfurter Rundschau)
Daniel Karasik, Jahrgang 1986, lebt in
Toronto und arbeitet als Autor, Regisseur
und Schauspieler. Sein Stück Weiß
wie das Licht wurde bereits in der Spielzeit
2009 / 10 am Theater Magdeburg
erstaufgeführt (Regie: Sascha Hawemann).

Jack Thorne
Bunny
1D
Deutsch von John Birke
Ein Sommernachmittag. Katie wird von
ihrem Freund Abe von der Orchesterprobe
abgeholt. Abe ist etwas älter als
sie, er arbeitet, «er sieht gut aus. Hm.
Und er ist ein Schwarzer. Nicht, dass
das – ich weiß nur nie, wann ich das
erwähnen soll». Sie gehen ein Stück, Abe
holt sich ein Eis. Dann geht alles ganz
schnell: Ein Radfahrer streift Abe, das
Eis fällt auf die Straße. Abe tritt gegen
das Fahrrad, eine kurze Prügelei beginnt,
bei der Abe unterliegt. Der Junge fährt
davon, und die Sache wäre erledigt, hätten
nicht zwei Arbeitskollegen von Abe
die Szene beobachtet, Asif, Pakistani,
und Jake, ein Weißer. Sie beschließen,
dem Jungen hinterherzufahren, ihm eine
Lektion zu erteilen. Katie steigt mit Abe
in Asifs Auto. «Und wir sind fertig. Und
es geht los. Und ich hab nichts dagegen.
Erregung. Angst. Errangst.»
Katie, weißes Mittelklassekind aus
linksliberalem Hause, ist dabei, als sie
den Jungen stellen und dieser in letzter
Sekunde entkommt, sie wartet mit
den anderen vor seinem Haus und geht
schließlich mit hinein. Wie unter einem
Vergrößerungsglas nimmt sie das subtile
Spiel von Macht­, Klassen­ und Rassenverhältnissen
wahr, beobachtet die
anderen und – vor allem – sich selbst.
Nie bezieht sie Position, nicht einmal,
wenn sie von sich erzählt: davon, wie
sie heimlich den Wagen ihres Vaters zerkratzt
oder wie Asif sie sexuell demütigt,
als beide kurz allein im Auto sind.
Doch dann entdeckt Katie den versteck­
«Ich denk
nicht gern
nach. Aber ich
denke. Nach.
Andauernd.»
ten, verängstigten Jungen. Und plötzlich
hängt, was weiter geschieht, von ihr ab.
Bunny wurde im August 2010 beim
Edinburgh Festival uraufgeführt und
dort mit dem Fringe First Award ausgezeichnet.
Die deutschsprachige Erstaufführung
ist im Dezember 2011 am
National theater Mannheim (Regie:
Nicole Schneiderbauer). «Jack Thornes
großartiger Monolog versucht nicht,
uns Katies Verstörung zu erklären, hinterlässt
aber einen nachhaltigen Eindruck
ihrer tiefen, unausgesprochenen
Verzweiflung.» (The Scotsman) «Ein
mitreißender Text, der das Publikum
auf eine Reise ins Ungewisse führt.»
(Herald)
Jack Thorne schreibt neben Theaterstücken
und Hörspielen auch Drehbücher,
u. a. für die erfolgreichen Fernsehserien
Skins und This is England. 2009 wurde
er mit dem Best British Newcomer
Award des Londoner Film Festivals ausgezeichnet.
www.rowohlt-theater.de 27

«Ihr sagt uns Wörter, die wir uns merken sollen.
Ihr sagt uns, wo wir hin sollen. Ihr sagt, wir sollen uns in einer Reihe aufstellen.
Ihr sagt, dass ein Schauspieler nur ein Papagei ist, der Sätze spricht, die er nicht versteht.
Dass man tun muss, was einem gesagt wird.
Dass die Menschen Marionetten sind. Dass die Menschen Schafe sind.
Dass Kinder keinen eigenen Willen haben.»
Tim Etchells
28
Dass nach dem Tag die
Nacht kommt
(That Night Follows Day)
Besetzung variabel (Kinder bis
maximal 16 Jahre)
Deutsch von Astrid Sommer
«Beeil dich bitte», «Sei still», «Spiel
nicht so nah an der Straße» sind Sätze,
die sich wahrscheinlich jeder als Kind
von seinen Eltern anhören musste. Und
überhaupt sagen und tun Eltern bisweilen
ominöse Dinge: Sie suchen aus, was
man anziehen soll, schimpfen ohne klaren
Grund, behaupten, dass Sonnenlicht
gefährlich sein kann oder Rom nicht
an einem Tag erbaut wurde. Aus einer
Vielzahl scheinbar simpler Aus sage sätze
setzt sich Tim Etchells’ Performance­
Text zusammen, gespielt von Kindern
bis maximal 16 Jahre, aber gerichtet
an Erwachsene: Befehlen, Strafandrohungen,
Benimmregeln, Naturgesetzen,
Vorurteilen, Lob, Ansporn, Liebesbekundungen.
Mal chorisch gesprochen,
mal von Einzelnen, in wechselnden
Gruppierungen und Rhythmen, sprunghaft
assoziativ oder hartnäckig insistie­
rend, setzt sich so ein vielschichtiges Bild
der Welt aus Kindersicht zusammen, das
vor allem aber auch von Erziehung bis
hin zur Zurichtung erzählt, von der Anmaßung,
der Hilflosigkeit und Überforderung
der Eltern. Das Frappierende ist,
dass dabei trotz des sachlich­nüchternen
Erzähltons echte Rührung entsteht genauso
wie subversive Komik.
Dass nach dem Tag die Nacht kommt
entstand auf Anregung der belgischen
Produktionsplattform Victoria in Koproduktion
mit dem Festival d’Automne,
Paris, Les Spectacles Vivants – Centre
Georges Pompidou, dem steirischen
herbst Graz und dem Productiehuis
Rotterdam. Die Uraufführung war in
Tim Etchells’ Regie im Mai 2007 beim
KunstenFestivalDesArts in Brüssel. Seither
hatte die Produktion zahlreiche internationale
Gastspiele.
Tim Etchells ist Mitbegründer, Autor
und Regisseur der britischen Performance­Gruppe
Forced Entertainment.
Seine Storys Endland sowie sein Roman
Broken World sind, ins Deutsche
übersetzt von Astrid Sommer, im Verlag
diaphanes erschienen.
John Donnelly
Besser wissen
(The Knowledge)
3D – 4H
Deutsch von Karen Witthuhn
Die junge Lehrerin Zoe tritt ihr Referendariat
an – in einer Klasse mit Schülern,
die längst von der Schule geflogen
wären, würde das dem Schulamt nicht
die Statistik versauen. Versager in jedem
Lehrfach, Meister darin, wunde Punkte
aufzuspüren: Karris, Sal, Daniel und
Mickey sind nur zu viert, aber, wie Zoes
Vorgesetzter Harry anmerkt: «Die Reiter
der Apokalypse waren auch nur zu
viert.» Zoe müht sich redlich, aber sie ist
jung, weiblich, unerfahren: nicht gerade
ideale Voraussetzungen, um sich bei
Schülern und Kollegen Respekt zu verschaffen.
Denn wie Zoe bald feststellt,
hören die Revierkämpfe um Sex, Macht
und Anerkennung im Lehrerzimmer
nicht auf. Ihr Kollege und Mentor Maz
ist so attraktiv wie abgebrüht und einer
Affäre niemals abgeneigt. Und Harry ist
fast jedes Mittel recht, um den Ruf der
Schule nicht völlig den Bach runtergehen
zu lassen. Dennoch gelingt es Zoe
nach und nach, beim täglichen Kampf
um die Kontrolle im Klassenraum die
Oberhand zu behalten. Als aber die Zuneigung
eines ihrer Schüler ihre gesamte
weitere Karriere in Gefahr bringt, kann
sich Zoe ihre Ideale nicht mehr leisten.
Stattdessen muss sie sich entscheiden,
wie viel und vor allem wen sie opfern
will, um ihren Hals zu retten.
Mit «beunruhigender Eindringlichkeit
und ätzendem Humor» (The Independent)
hat John Donnelly, der selbst lan­

«Unsicher?
Das ist doch
das Zeit-
Magazin-
Wort für
Wichser?»
ge an öffentlichen Schulen
in England unterrichtete, ein
Stück geschrieben, das weder
in das Lamentieren über
bildungs­ und erziehungsresistente
Schüler einstimmt
noch ihre Lehrer denunziert.
«Donnellys Verdienst ist es, zu zeigen,
wie Lehrer von ihrem Umfeld beeinflusst
sind … Weit entfernt davon, sie
pauschal abzuurteilen, verweist er darauf,
dass in einer Welt des Mangels, in
der Lehrer gleichzeitig Ersatzeltern und
Sozialarbeiter sein müssen, Standards
kaum zu wahren sind.» (The Guardian)
Besser wissen, das im Januar 2011 am
Londoner Bush Theatre mit großem Erfolg
bei Publikum und Kritik uraufgeführt
wurde, ist «kein Stück zur Lage der
Nation, das ideologische Messer zur Bildungsmisere
wetzt … Immer wenn man
zu wissen glaubt, worauf Donnelly hinauswill,
bringt er etwas Neues ins Spiel»
(Financial Times). «Ernüchternd und
äußerst unterhaltsam … Was zunächst
wie ein Thesenstück wirken mag, entpuppt
sich auf der Bühne als schrecklich
glaubhaftes, bitter komisches menschliches
Drama.» (The Times) «Lesen Sie
John Donnellys exzellentes Stück Besser
wissen, um (unsere Gesellschaft) besser
zu verstehen.» (Dennis Kelly in Theater
der Zeit)
John Donnelly wurde bisher mit dem
PMA Award für den besten Nachwuchsautor
und dem Sunday Times
Play writing Award ausgezeichnet. Er
unterrichtet an Londons Central School
of Speech and Drama und schreibt derzeit
an einem Stückauftrag für das Royal
Court Theatre, London.
Simon Stephens
Wastwater
3D – 3H
Deutsch von Barbara Christ
«Bester ausländischer Dramatiker des Jahres 2011»
Der 25. Juni, 21 Uhr. Harry nimmt von
seiner Pflegemutter Frieda Abschied – er
geht nach Kanada, und wahrscheinlich
werden sich die zwei nie wieder sehen.
Zeitgleich treffen Mark und Lisa sich
in einem Hotelzimmer zu zwanglosem
Sex, dem Lisas Vorgeschichte aber eine
ungeahnte Richtung gibt. Parallel dazu
wartet Jonathan in einem verlassenen
Hangar auf die Ankunft eines gekauften
Kindes aus Fernost und wird dabei von
der skrupellosen Sian einem quälenden
Kreuzverhör unterzogen.
Wastwater heißt der tiefste See Englands,
der, gelegen im Lake District, nie
ganz von Tageslicht erhellt wird und
ähnlich still und unheimlich wirkt wie
die Ereignisse in Simon Stephens’ Stück.
Kritikerumfrage von Theater heute
«Alle drei Episoden von Wastwater –
inhaltlich subtil miteinander verlinkt –
spielen nahe dem Flughafen Heathrow
und werden regelmäßig vom Lärm startender
Maschinen durchdonnert. Doch
es ist vor allem ein unterschwelliger
Horror, der sie durchzuckt. Sie bergen
ein Geheimnis, sorgen für Misstrauen
und Unbehagen. Es ist der Kopf des
Zuschauers, in dem diese Geschichten
weiterarbeiten, Fragen, Zweifel und
Monster gebären. Hat der Pflegesohn
seinen Freund getötet? Plant er ein Attentat?
Geht es (in dem Hangar) tatsächlich
um illegale Adoption – oder nicht
vielleicht um Kindesmissbrauch? Es ist
die große Qualität von Simon Stephens,
in seinen Stücken mit minimalen Mitteln
messerscharfe Ausrisse der Realität
zu liefern – und es tun sich Abgründe
auf.» (Süddeutsche Zeitung) «Jede Szene
ist ein blitzendes Rätselfunkelspiel:
nur langsam offenbart sich, wovon die
Rede ist, nie, was die Figuren fürchten
und flüchten lässt … Simon Stephens hat
ein tastendes, vorsichtiges Stück Menschenerkundung
geschrieben, vielleicht
www.rowohlt-theater.de 29

sein bestes bislang.» (Berliner
Zeitung) «Ein melancholisches,
kleines Großdrama.» (Frankfurter
Allgemeine Zeitung)
Uraufgeführt wurde Wastwater
im April 2011 in der Regie von
Katie Mitchell am Londoner
Royal Court Theatre; im Mai
gastierte Mitchells Inszenierung
bei den Wiener Festwochen. Das
Stück war in Theater heute 07 / 2011
abgedruckt.
Die deutschsprachige Erstaufführung
ist im März 2012 am Schauspiel Köln
(Regie: Dieter Giesing), im April gefolgt
von der österreichischen Erstaufführung
am Burgtheater (Akademietheater)
Wien (Regie: Stephan Kimmig).
In der aktuellen Kritikerumfrage von
Theater heute wurde Wastwater zum
besten ausländischen Stück des Jahres
gewählt.
30
«Du triffst eine
Entscheidung. Und
sie bleibt dir. Als
würden dir die
Konsequenzen bis
in die Knochen
dringen. Klingt
das jetzt irgendwie
verrückt?»
Punk Rock, Junges Theater Basel
Three Kingdoms
2D – 11H
Deutsch von Barbara Christ
«Ich glaube, ihr habt da drüben eine
Phantasievorstellung vom Osten, und die
dient eher euerm Selbstwertgefühl,
weil ihr euch dann die Scheiße bei euch zu
Hause nicht so genau ansehen müsst.»
Der abgetrennte Kopf einer Frauenleiche
wird an das Themseufer gespült. Ein
Tatverdächtiger ist schnell gefasst, doch
dessen Geständnis ist erst der Auftakt
labyrinthischer Ermittlungen, die Detective
Ignatius Stone und seinen Kollegen
Charlie Lee von London über Hamburg
nach Tallinn führen. Immer klarer
scheinen sich die Fäden eines kriminellen
Netzwerks zu entwirren, das sich
auf internationalen Menschenhandel,
Zwangsprostitution und brutale Pornofilme
konzentriert. Bis Ignatius merkt,
dass er – zunehmend geplagt von Schlaflosigkeit
– einer falschen Spur gefolgt ist
und seine Irrfahrt durch Europa von Anfang
an ein völlig anderes Ziel hatte …
Nicht zufällig erinnert Three Kingdoms
an TV­Serien wie The Wire oder
Breaking Bad und entwickelt, nur vordergründig
ein Krimi, einen ähnlich kafkaesken
Sog. «Mein Stück sollte davon
ausgehen, dass der Teufel womöglich in
uns allen steckt. Dass wir unter Umständen
Jahre damit verbringen, das Böse zu
suchen, um am Ende festzustellen, dass
wir es die ganze Zeit selbst waren. Gut
und Böse haben das exakt gleiche Gesicht.
Das Hinterfragen und Unterwandern
moralischer Gewissheiten ist das
Herz des Stückes.» (Simon Stephens)
Three Kingdoms entstand als Auftragswerk
für die Münchner Kammerspiele
in Koproduktion mit dem Teater NO99,
Tallinn, und dem Lyric Hammersmith
Theatre, London. Premiere der dreisprachigen
Uraufführungsinszenierung
(Englisch, Deutsch von Barbara Christ
und Estnisch von Anu Lamp) war in der
Regie von Sebastian Nübling im September
2011 in Tallinn. Seit Oktober 2011
ist die Produktion in München zu sehen,
im Mai 2012 wechselt sie nach London.
Im Februar 2011 war außerdem am
Schauspiel Frankfurt die deutschsprachige
Erstaufführung von Stephens’
Monolog Terminal 5 (Regie: Lily Sykes),
die Momentaufnahme einer Frau, die
nach einem traumatischen Erlebnis
plötzlich aus dem Alltag fällt: «Simon
Stephens schafft es, bedrückende Stimmungen
federleicht erscheinen zu lassen.»
(Süddeutsche Zeitung) «Es zeichnet
seine Texte aus, dass er unglaublich

viel unausgesprochen lässt,
dass die Sätze nur ein sehr
weitmaschiges Netz bilden,
durch dessen Lücken einem
ihre Deutung leicht mal entwischen
kann. Oder jedenfalls
die Gewissheit einer bestimmten
Deutung. Es sind,
trotz ihres tragischen Kerns,
zarte Texte.» (Frankfurter
Rundschau)
Stephens’ Stück Punk Rock,
im März 2010 am Deutschen
Schauspielhaus Hamburg
erstaufgeführt (Regie: Daniel
Wahl), wurde in der vergangenen Saison
nachgespielt am Jungen Theater Basel
(Schweizer Erstaufführung, Regie: Sebastian
Nübling), Staatstheater Mainz
(Regie: Matthias Kaschig), Thea ter Kiel
(Regie: Ulrike Maack), Theater Bielefeld
(Regie: Kerstin Lenhart) und am Volkstheater
Wien (Österreichische Erstaufführung,
Regie: Schirin Khodadadian).
In der aktuellen Spielzeit hatte bzw. hat
es Premiere am Schauspielhaus Graz
(September 2011, Regie: Stefan Behrendt)
und am Brandenburger Theater
(Februar 2012, Regie: Christiane Ziehl).
Die nächsten Inszenierungen von Stephens’
Jarry­Fortschreibung Ubus Prozess,
uraufgeführt im April 2010 am
Schauspiel Essen in Koproduktion mit
der Toneelgroep Amsterdam (Regie: Sebastian
Nübling), sind im Januar 2012
am Londoner Hampstead Theatre (Regie:
Katie Mitchell) sowie im Mai 2012
am Theater Ingolstadt (Regie: Vince
Zrinyi Gál).
Alan Ayckbourn
Alle lieben George
(Life of Riley)
3D – 3H
Deutsch von Inge Greiffenhagen
Früher war George Riley der Schwarm
sämtlicher Mädchen – die dann allerdings
solidere Jungs geheiratet haben.
Zwei, drei Jahrzehnte später ist der
ewige Hippie George immer noch attraktiv,
Single und für Kathryn, Monica
und Tamsin, die alle mal mit ihm liiert
waren, zum heimlichen Sinnbild ihrer
unerfüllten Sehnsüchte geworden. Als
bekannt wird, dass George unheilbar
krank ist und voraussichtlich bald sterben
wird, beginnt ein Wettkampf der
drei Frauen, wer ihn auf seinem letzten
Weg begleiten darf – sehr zum Entsetzen
ihrer Ehemänner.
«Findest du nicht auch, dass
die meisten Männer nie richtig
zuhören? Nach den ersten
paar Minuten schalten ihre
Ohren langsam auf taub.
Sie hören nur das, was sie
hören wollen. Klar, wenn du
jung bist, dann hängen sie
an deinen Lippen. Aber da
glauben sie auch noch, dass
was dabei für sie heraus-
springt. Zuhören ist in ihrem
eigenen Interesse. Aber wenn
du älter wirst und weniger
attraktiv – äußerlich –, hören
sie immer schlechter. Dann
kriegen sie diesen glasigen,
vage interessierten Blick. Als
ob du dich mit ihnen durch
eine Glasscheibe unterhältst.
Wie im Gefängnis oder am
Postschalter.»
Zum ersten Mal hat Alan Ayckbourn
ein Stück geschrieben, in dem die
Hauptperson, die das Geschehen dominiert
und ihre Umwelt in ein komplettes
Chaos stürzt, nie auftritt. George Riley
wird (auch für den Zuschauer) zur Projektionsfläche
längst begrabener Hoffnungen
und Träume, die plötzlich, wenn
auch aus makaberem Anlass, fröhlich
Wiederauferstehung feiern. In vier unterschiedlich
gepflegten Gärten durchleben
drei klassische Mittelschichtspaare
noch einmal die Gefühlsverwirrung
ihrer Jugend – nur eben als Erwachsene
und in Gestalt einer Tragikomödie voll
schwarzen Humors. Dabei knüpft Ayckbourn
selbst nicht von ungefähr an sein
eigenes «Jugendstück», seinen ersten
großen Erfolg Halbe Wahrheiten an:
Es ist das Stück, das seine Figuren als
Mitglieder einer Amateurtheatergruppe
nebenher proben und in dem sich die
Gegenwart so heiter wie melancholisch
spiegelt.
www.rowohlt-theater.de 31

Uraufgeführt wurde Alle lieben George
in Alan Ayckbourns Regie im September
2010 am Stephen Joseph Theatre, Scarborough.
Die deutschsprachige Erstaufführung
ist im März 2012 im Großen
Haus des Theaters St. Gallen (Regie:
Tim Kramer).
2009 wurde Alan Ayckbourn für sein
Lebenswerk mit dem Laurence Olivier
Special Award ausgezeichnet; 2010 erhielt
er, ebenfalls für sein Lebenswerk,
in New York den Special Tony Award.
32
David Hare
Gethsemane
4D – 5H
Deutsch von Stefan Kroner
Die Regierung steht kurz vor einem
handfesten Skandal: Suzette, Tochter der
Innenministerin Meredith Guest, wurde
beim Drogenkonsum erwischt; zugleich
droht Merediths Mann im Ausland ein
Prozess wegen zwielichtiger Geschäfte.
So etwas kann nicht nur Wählerstimmen
kosten, sondern vor allem noch wertvollere
Parteispenden. Die Fundraiser
sind alarmiert und versuchen mit allen
Mitteln – von dezenten Geldgeschenken
bis hin zur Manipulation von Journalisten
–, die Affäre zu vertuschen. Nicht
auf ihrer Rechnung haben sie jedoch Suzettes
Lust an der Rebellion, gefördert
von ihrer einstigen Lehrerin Lori, die
als bekennende Idealistin den Gegenpol
zur pragmatischen Meredith bildet. Lori
hat sogar in einem Moment des Zweifels
ihren Beruf gekündigt, statt sich um jeden
Preis an ihn zu klammern, und von
demselben Zweifel wird nun Meredith
erfasst …
«Wir sind
nicht korrupt.
Wir sind
vorsichtig.»
David Hares Stück, im November
2008 am Londoner National
Theatre uraufgeführt, hat
im Jahr der gefälschten Doktorarbeiten
und der Enthüllungen
um das Boulevardblatt News
of the World noch an Aktualität
gewonnen: «Verpackt in
eine hochkomplexe Handlung,
beleuchtet Gethsemane, das zu Hares
besten Stücken zählt, die Überschneidungen
von Wirtschaft, Politik und Medien
… Sein wahres Thema aber sind
die Ohnmacht und Entfremdung, die
Menschen mit Idealen angesichts einer
Partei empfinden, die sich weniger um
Inhalte sorgt als um den bloßen Machterhalt.»
(The Guardian) «Eindringlich
zeigt Hare, welchen Zwängen Integrität
und Visionen in einer Welt des sofortigen
Medienechos ausgesetzt sind und
wie stromlinienförmig Regierungsarbeit
heute geworden ist.» (Financial Times)
«Gethsemane ist ein wichtiges Stück,
das uns unsere aktuelle Misere treffsicher
vor Augen führt.» (Time Out)
Die deutschsprachige Erstaufführung
von Gethsemane ist im Februar 2012
am Ernst­Deutsch­Theater, Hamburg
(Regie: Rüdiger Burbach).
Für seine Drehbücher zu The Hours und
Der Vorleser war David Hare 2003 bzw.
2009 für den Oscar nominiert. Zurzeit
schreibt er am Drehbuch für die Verfilmung
von Jonathan Franzens Roman
Die Korrekturen.

KLASSIKER · BEARBEITUNGEN · STOFFREcHTE
Leo Tolstoi
Anna Karenina
«Ich möchte einen Garten aus
meinem Land machen … Bisher
habe ich keinen Garten Eden
gehabt, geschweige denn bin ich
aus einem vertrieben worden.»
3D – 5H
Bühnenfassung von John von Düffel
Anna Karenina, verheiratet und Mutter
eines neunjährigen Sohnes, reist von
St. Petersburg nach Moskau, um die Beziehung
ihres Bruders und seiner Frau
vor dem endgültigen Aus zu retten. Dass
sie damit ihre eigene Ehe riskiert, ahnt
sie noch nicht. Denn in Moskau begegnet
Anna dem charismatischen Graf Wronski
und beginnt mit ihm eine Amour fou,
die sehr bald öffentlich wird …
John von Düffel gelingt es, Tolstois Klassiker
ganz in unmittelbares Bühnengeschehen
zu verwandeln. Ohne dass die
Geschichte an Wucht und Intensität
verliert, übersetzt er sie durchgehend in
Spielszenen und behutsam aktualisierte
Dialoge, so dass man vollständig vergisst,
dass der Ausgangspunkt ursprünglich
ein Roman war.
Düffels Dramatisierung von Anna
Karenina entstand als Auftragswerk für
das Salzburger Landestheater, wo im
April 2012 die Uraufführung sein wird
(Regie: Carl Philip von Maldeghem).
Für das Hans­Otto­Theater Potsdam
hat John von Düffel außerdem Alexan­
Jenseits von Eden, Theater Basel
der Solschenizyns Roman Krebsstation
für die Bühne adaptiert; die Uraufführung
ist dort im März 2012 (Regie: Tobias
Welle meyer).
Zuletzt wurde im August 2011 John von
Düffels Stück Die Mätresse des Königs
bei den Zwingerfestspielen Dresden uraufgeführt
(Regie: Dieter Wedel), und
im November 2010 hatte Düffels Neufassung
von Gullivers Reise (nach Jonathan
Swift) Uraufführung am Deutschen
Nationaltheater Weimar (Regie: Marcelo
Diaz), dicht gefolgt von der Inszenierung
am Theater Heidelberg (Regie:
Annette Büschelberger).
In der aktuellen Spielzeit hat zudem
Sieben Sonette (nach Shakespeare) Premiere
am Rheinischen Landestheater
Neuss (März 2012, Regie: Katharina
Schmidt). Düffels Klassenzimmerstück
Traumjobs wurde zuletzt nachgespielt
am Theater St. Gallen (Februar 2011,
Regie: Dominik Kaschke), läuft nach
wie vor am Theater Naumburg (Regie:
Paul Sonderegger) und ist seit September
2011 zu sehen am Schleswig­Holsteinischen
Landestheater (Regie: Ilona Januschewski)
sowie ab November 2011 in
spanischer und katalanischer Erstaufführung
in einer Tourneeinszenierung
der Germinal Producciones / Alicante
(Regie: Sergi Calleja).
John Steinbeck
Jenseits von Eden
(East of Eden)
3D – 7H
Bühnenfassung von Ulrike Syha
Berühmt wurde Jenseits von Eden vor
allem durch Elia Kazans Verfilmung
(1955), die jedoch lediglich auf dem
letzten Drittel von John Steinbecks
monumentalem Epos basierte. Für ihre
Bühnenfassung greift Ulrike Syha nun
auf den gesamten Roman des Literatur­
Nobelpreisträgers zurück. Statt eines
intimen Kammerspiels erzählt sie eine
große Familiensaga, die sich über drei
Generationen spannt und in deren Mikrokosmos
sich die Umwälzungen der
Weltgeschichte spiegeln.
Syhas Steinbeck­Dramatisierung entstand
als Auftragswerk für das Theater
Basel, wo im Februar 2011 die Uraufführung
war (Regie: Peter Kastenmüller).
Die deutsche Erstaufführung ist im
März 2012 am Theater Bielefeld (Regie:
Christian Schlüter). In der Saison
2012 / 13 geht Syhas Fassung in einer
Produktion der Konzertdirektion Landgraf
auf Tournee.
Mehr zu Ulrike Syha siehe S. 16.
www.rowohlt-theater.de 33

KLASSIKER · BEARBEITUNGEN · STOFFREcHTE
Wie im Himmel, Rheinisches Landestheater Neuss
Kay Pollak
34
Wie im Himmel
(Så som i himmelen)
Besetzung variabel,
mind. 4D – 6H – Chor
Deutsch von Jana Hallberg
Mit Beginn der aktuellen Spielzeit vertritt
der Rowohlt Theater Verlag wieder die
deutschsprachigen Aufführungsrechte
an Kay Pollaks Film Wie im Himmel,
den allein in seiner Heimat Schweden
weit über zwei Millionen Kinobesucher
sahen und der 2005 nominiert war für
den Europäischen Filmpreis, den Europäischen
Publikumspreis sowie für den
Oscar als bester fremdsprachiger Film.
Auch auf der Bühne ist Pollaks Geschichte
um den Stardirigenten Daniel
Daréus, der nach einem Zusammenbruch
in das Dorf seiner Kindheit zurückkehrt
und dort widerstrebend die
Leitung des Kirchenchors übernimmt,
seit der Uraufführung am Theater Konstanz
(Januar 2007, Regie: Bettina Bruinier)
ein Erfolg. Nachgespielt wurde
Wie im Himmel bisher u. a. am Thüringischen
Landestheater Rudolstadt (Regie:
Alejandro Quintana), Theater Bielefeld
(Regie: Michael Heicks), Rheinischen
Landestheater Neuss (Regie: Bettina
Jahnke), Theater Lübeck (Regie: Pit
Holz warth), Staatstheater Cottbus (Regie:
Mario Holetzeck), Staats theater
Oldenburg (Regie: Michael Uhl) und
bei den Domfestspielen Bad Gandersheim
(Regie: Johannes Klaus). Fast
alle Produktionen hielten sich lange im
Repertoire und wurden von Publikum
und Kritik gefeiert: «Eine Inszenierung,
in der die Lebensfreude triumphiert
und die die Menschen gut gelaunt nach
Hause gehen lässt.» (Lübecker Nachrichten)
«Ein gefühlvolles Stück großartigen
Theaters.» (Neue Westfälische)
«Ein berührender Theaterabend, von
dem man keine Minute missen möchte.»
(Kieler Nachrichten) «Ergreifend
schön.» (Ostthüringer Zeitung) «Ein
himmlisches Vergnügen mit Tiefgang.»
(Nordwest Zeitung) «Breitwandkino
fürs melancholische Glücklichsein.»
(Die Deutsche Bühne)
Weitere Neuinszenierungen von Wie im
Himmel sind derzeit in Vorbereitung.
Nur Pferden gibt man den Gnadenschuss, Düsseldorfer Schauspielhaus
Horace McCoy
Nur Pferden gibt man den
Gnadenschuss
(They Shoot Horses, Don’t They?)
Horace McCoys Roman ist in den USA
der 1930er Jahre zur Zeit der Weltwirtschaftskrise
angesiedelt. Ein Tanzmarathon
lockt nicht nur mit dem Preisgeld
von 1000 Dollar, sondern auch mit der
Aussicht auf freie Verpflegung zahlreiche
Lebenskünstler, Verzweifelte und
professionelle Glückssucher an. Die
Teilnehmer unterwerfen sich den unmenschlichen
Regeln, die von den Veranstaltern
mit Blick auf die größtmögliche
Publikumsattraktion aufgestellt
werden. Im Grunde heißt das: Tanzen
bis zum Umfallen. Unter den Paaren
sind auch die arbeitslosen Film­Statisten
Gloria und Robert, die sich erst im Rahmen
ihrer Anmeldung für den Wettbewerb
kennengelernt haben. Wochenlang
drehen sie ihre Runden auf dem Tanzboden,
zunehmend zermürbt von körperlicher
Erschöpfung, aber auch von den
zwischenmenschlichen Querelen, die im
Laufe des Marathons eskalieren. Als der
Wettbewerb nach 879 Stunden vorzeitig
abgebrochen wird, gehören Robert und

Gloria zu den letzten 20 Paaren. Gloria
ist zu diesem Zeitpunkt bereits verbittert
und völlig desillusioniert. Sie drückt
Robert eine Pistole in die Hand …
Im März 2011 inszenierte Susanne
Ken ne dy eine Fassung von Nur Pferden
gibt man den Gnadenschuss an
den Münchner Kammerspielen, im Mai
2011 war die Premiere von Amélie Niermeyers
Inszenierung am Düsseldorfer
Schauspielhaus. «Der Stoff führt die
Leistungs­ und Spektakelgesellschaft
brutalstmöglich vor.» (Süddeutsche Zeitung)
«Unter dem Eindruck der ‹Great
Depression› geschrieben, verdichtet
McCoy die damals populäre Unterhaltung
des Tanzmarathons zur Metapher
für einen (Über­)Lebenskampf, der nur
Verlierer kennt.» (Frankfurter Allgemeine
Zeitung)
Seit Anfang 2011 vertritt der Rowohlt
Theater Verlag die Stoffrechte des Romans.
Da die Theater ihre Bühnenfassungen
auf Grundlage des englischen
Originaltextes erstellen können, liegen
für Nur Pferden gibt man den Gnadenschuss
keine Rollenbücher vor.
David Foster
Wallace
Unendlicher Spaß
(Infinite Jest)
Deutsch von Ulrich Blumenbach
1996 erschien Unendlicher Spaß in den
USA und machte David Foster Wallace
über Nacht zum Superstar der Literaturszene.
Nicht allein der schiere Umfang,
sondern vor allem die sprachliche Kreativität,
die ungeheure Themenvielfalt,
die treffsichere Gesellschaftskritik sowie
der Humor machen den Roman zum
Meilenstein der amerikanischen Literatur.
Die Theaterrechte an Unendlicher
Spaß – in der mehrfach preisgekrönten
deutschen Übersetzung von Ulrich Blumenbach,
die beim Verlag Kiepenheuer
& Witsch erschienen ist – werden vom
Rowohlt Theater Verlag vertreten.
Die Handlung spielt in einem leicht in
die Zukunft versetzten Amerika, das mit
Kanada und Mexiko die «Organisation
der nordamerikanischen Nationen» bildet
und von radikalen Separatisten in
Kanada, den rollstuhlfahrenden «Assassins
des Fauteuils Rolants» (A. F. R.),
KLASSIKER · BEARBEITUNGEN · STOFFREcHTE
bekämpft wird. Das Staatsgebilde wird
von einem ehemaligen Schlagersänger
und hypochondrischen Neurotiker namens
Johnny Gentle regiert.
Unendlicher Spaß, so nannte James
Incandenza seinen Film, der Menschen,
die ihn anschauen, so verhext, dass sie
sich nicht mehr von ihm lösen können
und dabei verdursten und verhungern.
Die A. F. R. ist auf der Suche nach der
Master­Kassette dieses Films, da sie ihn
für die ultimative Waffe halten, um die
Amerikaner Opfer ihrer eigenen unersättlichen
Gier nach Unterhaltung werden
zu lassen. Ebenso auf der Suche ist
der Geheimdienst, der die Verbreitung
des Films verhindern möchte. Diese Suche
verbindet unterschiedliche Figuren
miteinander und fokussiert den Handlungsort
auf die von Incandenza gegründete
Tennisakademie, wo seine beiden
Söhne Hal und Mario studieren, sowie
ein nahe gelegenes Entziehungsheim für
Drogenabhängige. Dabei stellen die Internatsbewohner
um den marihuanaabhängigen
Hal Incandenza und die schrägen
Bewohner der Drogenklinik um den
hünenhaften Ex­Junkie Don Gately nur
einen kleinen Teil des bunten Figurenpersonals
dar.
Im März 2012 ist die Premiere einer
Dramatisierung des Romans am Volkstheater
München (Regie: Bettina Bruinier).
Das Hebbel am Ufer / HAU wird
im Juni 2012 mit einer großangelegten
Adap tion, die in 24­Stunden­Performances
und in Inszenierungen mehrerer
Regisseure an verschiedenen Orten zu
sehen sein wird, ganz Berlin bespielen.
Eine Bühnenfassung von David Foster
Wallaces Erzählungen Kurze Interviews
mit fiesen Männern ist unter dem Titel
Böse Buben in einer Koproduktion der
Münchner Kammerspiele mit den Wiener
Festwochen für Juni 2012 in Vorbereitung
(Regie: Ulrich Seidl).
www.rowohlt-theater.de 35

KLASSIKER · BEARBEITUNGEN · STOFFREcHTE
Oscar Wilde
36
«Heutzutage machen wir alle einen auf Moral, sogar wenns um einen Krieg geht, und jeder
muß so tun, als wäre er ein Muster an Friedensliebe, Reinheit, Unbestechlichkeit und allen anderen sieben
Tugendsünden – und was
kommt dabei heraus? …
Kein Jahr vergeht, ohne
daß hier jemand einfach
so von der Bildfläche verschwindet.
Skandale früher,
die hatten wenigstens
noch einen gewissen Stil!»
Ernst ist das Leben (Bunbury), Thalia Theater Hamburg
Der ideale Mann
(An Ideal Husband)
6D – 6H
Deutsche Fassung von Elfriede Jelinek
nach einer Übersetzung von
Karin Rausch
Der populäre Politiker Sir Robert Chiltern,
gut aussehend, glaubwürdig und
vermögend, steht kurz vor dem Aufstieg
ins Kabinett. Dass sich sein Reichtum
einem Insidergeschäft verdankt, getätigt
am Anfang seiner Blitzkarriere,
weiß nur Mrs. Cheveley, die Sir Robert
nun erpresst. Gegen seine Überzeugung
soll er im Parlament für den dubiosen
Hyper­Alpenkanal stimmen, in den Mrs.
Cheveley investiert hat. Plötzlich steht
Sir Robert vor der unschönen Entscheidung:
Rücktritt oder Selbstverrat.
Basierend auf einer Übersetzung von
Karin Rausch, lässt Elfriede Jelinek ihre
Neufassung von Oscar Wildes böser
Politik­Komödie zwar nach wie vor im
England des ausgehenden 19. Jahrhunderts
spielen, verteilt jedoch genügend
Seitenhiebe auf die unmittelbare Gegenwart,
dass Ähnlichkeiten zu lebenden
Personen durchaus beabsichtigt sind.
Erstaufführung von Der ideale Mann
ist im November 2011 am Burgtheater
(Akademietheater) Wien (Regie: Barbara
Frey), im Dezember gefolgt von der
Schweizer Erstaufführung am Schauspielhaus
Zürich (Regie: Tina Lanik).
Jelineks / Rauschs Neufassung von Oscar
Wildes Ernst ist das Leben (Bun bury)
wurde seit ihrer Erstaufführung am
Burgtheater (Akademietheater) Wien
(Februar 2005, Regie: Falk Richter) vielfach
nachgespielt, u. a. am Düsseldorfer
Schauspielhaus (Regie: Patrick Schlösser),
Deutschen Theater Berlin (Regie:
Bettina Bruinier), Schauspielhaus Salzburg
(Regie: Robert Pienz), Theater Heidelberg
(Regie: Bernd Mottl), Thea ter
Osnabrück (Regie: Jos van Kan), Thalia
Theater Hamburg (Regie: Anna Bergmann)
und am Theater Koblenz (Regie:
Andrea Udl). Im Februar 2012 hat sie
am Theater Ingolstadt Premiere (Regie:
Cornelia Crombholz).
Mehr zu Elfriede Jelinek siehe S. 11.
Pierre Carlet de
Marivaux
Triumph der Liebe
(Le Triomphe de l’amour)
3D – 4H
Deutsch von Almuth Voß
Prinzessin Léonide dringt zusammen
mit ihrer Dienerin als Mann verkleidet
in den Garten des Philosophen Hermocrate
ein. Hier verbirgt sich der rechtmäßige
Thronfolger des Landes, Prinz Agis,
dessen Vater von Léonides Onkel entmachtet
wurde. Léonide ist entschlossen,
das Unrecht wiedergutzumachen
und Agis zu heiraten. Doch um nicht
sofort wieder aus dem Haus des eigenbrötlerischen
Philosophen vertrieben zu
werden, muss sie nicht nur Agis’ Liebe
erringen, sondern auch Hermocrate sowie
dessen spröde Schwester verführen.
Unter Aufbietung größter rhetorischer
Finessen gelingt es Léonide, dreifach
unsterbliche Liebe hervorzurufen, bis
sie am Ende den Betrug aufdeckt und
ihre Eroberung Agis heimführt.
Almuth Voß’ Neuübersetzung von Marivaux’
doppelbödiger Komödie um die
Macht der Sprache und die Skrupellosigkeit
des Gefühls entstand im Auftrag
des Stadttheaters Bern und wird dort im
Dezember 2011 erstaufgeführt (Regie:
Matthias Kaschig).
Für den Rowohlt Theater Verlag hat Almuth
Voß außerdem Stücke von Fabrice
Melquiot sowie Victorien Sardous Tosca
ins Deutsche übertragen.

William
Shakespeare
Julius caesar
Neufassung von Feridun Zaimoglu
und Günter Senkel
3D – 6H
Nach Othello und Hamlet, die in Luk
Percevals Inszenierungen nach wie vor
am Thalia Theater Hamburg zu sehen
sind, sowie nach Romeo und Julia haben
Feridun Zaimoglu und Günter Senkel
mit Julius Caesar bereits ihre vierte
Neufassung eines Shakespeare­Dramas
geschrieben. Entstanden ist sie als Auftragswerk
für das Theater Kiel, wo im
April 2011 die Erstaufführung war (Regie:
Anne Sophie Domenz).
Ebenfalls für das Theater Kiel arbeiten
Zaimoglu / Senkel zurzeit an dem Stück
Bildergeschichten, das als theatraler
Rundgang durch die Kieler Kunsthalle
konzipiert ist und auf einzelne Werke
der dortigen Sammlung Bezug nehmen
wird. Die Uraufführung des ersten
Teils mit dem Untertitel Liebe, diesseits,
jenseits ist im November 2011 (Regie:
Nora Mansmann); der zweite Teil wird
im März 2012 Premiere haben.
Zuletzt wurde von Zaimoglu / Senkel
an den Münchner Kammerspielen im
April 2011 Alpsegen uraufgeführt (Regie:
Sebastian Nübling), das auch zu
den Autorentheatertagen am Deutschen
Theater Berlin eingeladen war: «Mit auf
deutschen Bühnen schon lange nicht
mehr gehörter Sprachlust und Idiomverliebtheit
stürzen sich Zaimoglu / Senkel
in ein überbordendes Stimmengewirr
aus wundersamen Wortzusammensetzungen,
anmutigen Alliterationen und
kühnen Syntaxverstrebungen.» (Theater
heute) «Den Alpsegen sprechen die
Bauern im Gebirge jeden Tag, auf dass
ihr Vieh beschützt sei und die Ernte
reich werde. Das ist sie tatsächlich, die
Ernte, im Text von Zaimoglu / Senkel …
Ein herrlicher, ungemein saftiger Alb­
Alpsegen, Münchner Kammerspiele
KLASSIKER · BEARBEITUNGEN · STOFFREcHTE
traum … Man nimmt aus dieser Aufführung
einen feinen Rausch mit nach
Hause.» (Süddeutsche Zeitung)
Außerdem hatte im März 2011 an der
Neuköllner Oper das Libretto Discount
Diaspora Uraufführung (Musik: Vivan
und Ketan Bhatti, Regie: Markus Heinzelmann),
und im Auftrag der Wuppertaler
Bühnen haben Feridun Zaimoglu
und Günter Senkel das Libretto für die
Kammeroper Aufstand geschrieben, deren
Uraufführung in der Komposition
von Enver Yalçin Özdiker im März 2012
sein wird.
Im Verlag Kiepenheuer & Witsch ist im
Herbst 2011 Feridun Zaimoglus neuer
Roman Ruß erschienen, dessen Dramatisierung
bereits zur Uraufführung in
der Saison 2012 / 13 optioniert ist.
www.rowohlt-theater.de 37

KLASSIKER · BEARBEITUNGEN · STOFFREcHTE
Zwischenfälle, Burgtheater (Akademietheater) Wien
Daniil Charms
Der Rowohlt Theater Verlag vertritt für
den Verlag Galiani Berlin die Aufführungsrechte
an Alexander Nitzbergs und
Beate Rauschs Neuübersetzungen von
Daniil Charms’ Gesamtwerk, die seit
2010 in der ersten deutschen Charms­
Werkausgabe bei Galiani erscheinen.
«Nun kommt der ‹richtige› Daniil
Charms! … Nitzberg begreift (und zitiert)
Charms als den Performer, der
er war … Es geht um Klanglichkeit,
um den Vortrag, um das Gedicht als
Ereignis, nicht nur als Text. Daraus erwachsen
strenge Kriterien, auch wenn
deren Ziel das höchste Maß an Verspieltheit,
an Nonsens, an Sprachkomik
und Albernheit manchmal, sein mag.»
(Deutschlandradio) «Nie hat man Nitzberg
beschwingter gesehen als hier bei
Daniil Charms, den er nicht einfach
übersetzt … mit dem er vielmehr korrespondiert,
dessen Schreibbewegung er
mitvollzieht und dessen vielfältigen Intonationen
er im Deutschen zu entsprechender
Echowirkung verhilft.» (Neue
Zürcher Zeitung) «Die Prosa … ist in
der Übersetzung von Beate Rausch ein
einziges schaurig­schönes Vergnügen.
Im Alltäglichen, Banalen entdeckte
Charms das Mystische, im Biederen das
38
«Tragischer ist Komik derzeit nicht zu haben.»
Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung
Schaurige, im Harmlosen die widerwärtigste
Brutalität.» (Frankfurter Allgemeine
Zeitung)
Eine Auswahl von Charms Prosawerken
und Gedichten wurde im Februar
2011 in der Regie von Andrea Breth mit
überwältigendem Erfolg am Burgtheater
(Akademietheater) Wien in der Produktion
Zwischenfälle gezeigt. Neben
zwei vollständigen Theaterstücken hat
Daniil Charms auch eine Fülle kurzer
dramatischer Szenen geschrieben.
Jelisaweta Bam
2D – 3H
Deutsch von Alexander Nitzberg
Jemand hämmert an Jelisaweta Bams
Tür: Draußen stehen zwei Männer,
die sie verhaften wollen. Doch gerade
als sie beginnen, die Tür aufzubrechen,
endet die mit «Realismus, Melodram»
überschriebene erste Szene und Szene 2,
«Rea lis mus, Komödie» beginnt. Schlagartig
ändert sich die Stimmung, unter
den Herren draußen entbrennt ein heftiger
Streit – Szenenwechsel. Szene 3,
«Absurde Komik, naiv»: Die Besucher
haben ihre Mission völlig vergessen und
führen alberne Zaubertricks vor. Im wilden
Schweinsgalopp wechseln die Sze­
nen und mit ihnen die Genres – bis in der
vorletzten Szene 18 die Aus gangs situation
wieder hergestellt ist: Jelisaweta
Bam wird tatsächlich verhaftet und abgeführt,
für einen Mord, der zu Beginn
des Stücks noch gar nicht geschehen
war. Statt eines Entkommens vergönnt
ihr das Stück nur eine Schlussszene –
«Kadenz, opernhaft».
20 Jahre vor den absurden Theaterstücken
Ionescos und Becketts entzieht
Daniil Charms in Jelisaweta Bam dem
Zuschauer alle Verlässlichkeiten und
evoziert gerade im dauernden surrealen
Wandel den Widersinn des Geschehens.
Charms schrieb Jelisaweta Bam für die
Theatersektion der Avantgarde­Gruppierung
Oberiu, die das Stück im Januar
1928 unter seiner Regie uraufführte.
In ihrer Deklaration heißt es: «Die
dramaturgische Handlung des Stücks
wird von vielen quasi nebensächlichen
Themen verwackelt … darum wird
der Zuschauer in der dramaturgischen
Handlung keine klare narrative Linie
erkennen (denn diese glimmt gleichsam
dahinter), dafür aber eine szenische
Handlung, die sich mit Sturmgewalt
aus allen Elementen unseres Spektakels
heraus entwickelt.»

Kinder- und Jugendtheater
Daniil Charms
Zirkus Schardam
Besetzung variabel
Empfohlen ab 6 Jahren
Deutsch von Alexander Nitzberg
Im Zirkus Schardam geht alles drunter
und drüber. Denn während die Vorstellung
läuft, platzt immer wieder Wendehals
in die verschiedenen Nummern,
der selbst auch einmal auftreten möchte.
Leider hat er nur eher zweifelhafte
Kunststücke auf Lager: Er steht auf
einem Bein, bellt (einem Hund überhaupt
nicht ähnlich) oder imitiert eine
Fliege. Nichts davon kann den Zirkusdirektor
überzeugen, der zunehmend
verzweifelt versucht, die Vorstellung im
Griff zu behalten und sich gleichzeitig
des lästigen Eindringlings zu entledigen.
Er entwickelt einen hinterlistigen
Plan – doch eben als er glaubt, Wendehals
endgültig los zu sein, setzt dieser
versehentlich nicht nur die ganze Manege
unter Wasser, sondern lässt auch
noch den gefräßigen Haifisch Fifi frei.
«Wunderbare Figuren, running gags
und Missgeschicke, überhaupt eine geradezu
anarchische Komik. Man kann
den Zirkus Schardam deutschsprachigen
Bühnen nur ans Herz legen …
Reinster, schönster Blödsinn – und eine
lautpoetische Fingerübung, eine Verneigung
vor den russischen Futuristen und
ihrer Kunstsprache zwischen Magie und
Mathematik.» (Deutschlandradio)
1935 für das Leningrader Marionettentheater
geschrieben, wurde das Stück
direkt nach der Premiere von den Behörden
abgesetzt. In Deutschland wurde
es erst nach der Jahrtausendwende wiederentdeckt
und vielfach gespielt.
Schwarze Milch. Klassenfahrt nach Auschwitz, Comedia Theater, Köln
«Dieter ist ein Arsch.»
Holger Schober
Du bist dabei!
Klassenzimmerstück
1D – 1H
Empfohlen ab 12 Jahre
Diese Tour ist ihre letzte Chance. Bastian
Wunz (sieht so aus, wie er heißt)
und Lisa Lohr (ist nicht mehr die
Style­Ikone, die sie in der dritten Staffel
war) waren mal Stars einer der vielen
Castingshows, spielten vor Hunderttausenden
und haben schon Top­Fünf­Hits
vorzuweisen. Jetzt sind sie ganz unten
angekommen: Sie treten in Klassenzimmern
auf. Bastian hält mit seiner
Abscheu vor diesem mickrigen Publikum
nicht hinterm Berg. Er ist halt
das großmäulige, sozial inkompetente
Musik genie. Da muss erst Lisa in ihre
Rolle als optimistischer Energiefrosch
schlüpfen, um Bastian zum professionellen
«Performen» zu bewegen. Denn
schließlich wird ihr Auftritt mit der
mitgebrachten Kamera für eine Realityshow
dokumentiert. Dort können sie
sich dann endlich mal so zeigen, wie sie
wirklich sind. Aber wie sehr die beiden
längst mit den Rollen, die ihnen vom
Management vorgeschrieben wurden,
verschmolzen sind, ob Bastian schwul
ist, Lisa Depressionen hat, die beiden
ein heimliches Liebespaar sind – all das
ist letztlich egal. Eine Karriere als Musiker
scheint mittlerweile angesichts ihrer
desolaten Situation undenkbar. Dieser
ganze Casting­Zirkus ist doch menschenverachtend,
bei so einem Dreck
www.rowohlt-theater.de 39

Kinder- und Jugendtheater
kann man nicht mitmachen, da sind sich
Bastian und Lisa einig. Sobald sie dieses
hochemotionale Material im Kasten
haben, leiten sie zum Höhepunkt ihres
Auftritts über: Das Publikum wird einen
der beiden rausvoten und somit bestimmen,
wer die Schultour fortsetzen darf.
Du bist dabei! entstand als Auftragswerk
für die internationale Koproduktion des
Deutschen Theaters Berlin mit Fondazione
TeatroDue Parma und dem Jungen
Theater Zagreb. Die Uraufführung ist
am Deutschen Theater im November
2011 (Regie: Dominik Günther), danach
folgen die Produktionen in Italien
und Kroatien.
Im März 2011 war die Uraufführung
von Schwarze Milch. Klassenfahrt nach
Auschwitz am Comedia Theater, Köln
(Regie: Ulrike Stöck). «Ein Balanceakt,
der Schober großartig gelingt. Trotz
des ernsten Themas ist Schwarze Milch
wohltuend frei von falscher Betroffenheit.»
(WDR) «Schober erschafft ein
aufklärendes Stück frei von verklemmter
Political Correctness.» (Kölner
Stadtanzeiger) Zuletzt wurde Aus der
Traum, das als Auftragswerk für das
Theater der Jungen Welt entstand, im
September 2011 in Leipzig uraufgeführt
(Regie: Jürgen Zielinski). Ebenfalls im
September war die österreichische
Erstaufführung von Heimat.com am
Dschungel Wien (Regie: Kevin E. Osenau).
Im März 2012 zeigt das Stadt theater
Bremerhaven die Uraufführung von
Holger Schobers neuem Stück mit dem
Arbeitstitel Feiert! Facebooked! Folgt!
40
«Und sie lebten glücklich bis an ihr Ende.
Abgesehen von denen natürlich, die ihre Köpfe eingebüßt hatten,
denn die waren natürlich schon tot.»
Dennis Kelly
Unser Lehrer ist ein Troll
(Our Teacher’s a Troll)
Besetzung variabel, mindestens
drei Darsteller/innen
Empfohlen ab 8 Jahren
Deutsch von John Birke
Als Holly und Sean, die schrecklichen
Zwillinge, ihrer Schrecklichkeit mal
wieder freien Lauf lassen, erleidet ihre
Schulleiterin Mrs. Spike einen Nervenzusammenbruch.
Sie sitzt muhend in der
Sandkiste und isst Sand, dann wird sie
fortgebracht. Mrs. Spikes Nachfolger
ist ein Troll, der, weil er nun mal ein
Troll ist, Kindern und Lehrern bei der
kleinsten Ungezogenheit den Kopf abreißt
– und das ist sehr wörtlich zu verstehen.
Aber mit der Ankunft des neuen
Schulleiters haben nicht nur die Streiche
ein Ende. Statt Französisch, Mathe
oder Geschichte zu lernen, müssen die
Schüler jetzt jeden Tag in der Goldmine
schuften, die auf dem Schulhof ausgehoben
wird. Doch so schwer die Arbeit
auch ist: Wenn man ein Kind ist (und
speziell ein schrecklicher Zwilling), lässt
sich auch beim besten Willen die eine
oder andere Ungezogenheit kaum vermeiden.
Jeden Tag verhängt der Troll
neue Strafmaßnahmen, lässt Rosenkohl
in Erdnussbutter servieren und Männer
und Frauen ihre Schuhe tauschen – aber
niemand rebelliert. Nur Sean und Holly
wollen sich nicht kampflos geschlagen
geben. Immerhin ist Kinder zu fressen
definitiv nicht erlaubt. Sie suchen Hilfe,
aber leider stellen sich die Erwachsenen,
an die sie sich wenden, als völlig nutzlos
heraus: Von ihrer Mutter bis hin zum
Premierminister ist niemand bereit, etwas
zu unternehmen. Da beschließen
die Kinder, die Sache selbst in die Hand
zu nehmen, und begeben sich dabei in
große Gefahr.
Unser Lehrer ist ein Troll ist Dennis Kellys
erstes Kinderstück. Im April 2009
wurde es vom National Theatre of Scotland
am Mull Theatre als Auftakt einer
schottlandweiten Tournee uraufgeführt.
Im Februar 2012 ist die deutschsprachige
Erstaufführung am Schauspiel Hannover
(Regie: Ricarda Beilharz). «Ein
Fest der Ungezogenheit und des Fragenstellens;
ein wilder, haarsträubender
Spaß.» (The Guardian)

Yoko Tawada
Mein kleiner Zeh war ein
Wort
1D – 1H
Empfohlen ab 8 Jahre
«Hallo. Hallo, schön, dass du uns besuchst.
Du hast schon gehört, ja, es ist
wirklich ungewöhnlich, dass das Haus
verschwunden ist. Aber uns geht es erstaunlich
gut, und unser Kind scheint besonders
glücklich zu sein.» Mit dem Verlust
und dem Verschwinden von Haus,
Arbeit, Regeln und Grenzen beginnt
auch das Gewohnte und Gewöhnliche
sich aufzulösen. Die vertrauten Wörter
und Klänge öffnen sich für neuen Sinn;
die kleine Familie in Tawadas Stück
richtet sich ein in einer Welt aus Sprache.
Ausgehend von den Buchstaben des
Alphabets, entstehen Szenen, Wörter
und Bilder. Dabei tun sich unerwartete
Fragen auf: Ob in dem Wort «Dusche»
Wasser läuft? Wie betritt man ein Haus
ohne Tür? Träumt ein Adler manchmal
davon, ein Hase zu sein? Braucht ein
Regenschirm den Regen? Unbeschwert
von Linearität und Chronologie, ist
Mein kleiner Zeh war ein Wort ein Tanz
der Bedeutungen, in dem auch das, was
tragisch und dramatisch sein
könnte, neue Leichtigkeit gewinnt.
Konkret und zugleich
philosophisch lässt der Text
den Gedanken der Zuschauer
Raum für eigene Assoziationen
und Bilder.
«Das Alphabet als Welt, jeder
Buchstabe ein Wort und Beginn
einer Szene – das Spiel damit fügt sich
zu einem kleinen Kosmos als Theater
der erzählten Dinge … Tawada hat ein
‹Alphabeet› bereitet, auf dem die Schauspieler
Geschichten sprießen lassen, von
A wie anders bis Z wie zählen … Ein
Spiel als Anregung, die eigene Sprache
mit Tawadas staunendem Blick zu begreifen.»
(Thomas Irmer für die Auswahljury
des Mülheimer KinderStücke­
Preises 2011)
Mein kleiner Zeh war ein Wort entstand
als Auftragswerk für die Theaterwerkstatt
Pilkentafel in Flensburg,
wurde dort im Juni 2010 uraufgeführt
und war nominiert für den Mülheimer
KinderStückePreis 2011. Im April 2013
hat das Stück an der Württembergischen
Landesbühne Esslingen Premiere.
Yoko Tawada wurde 1960 in Tokio
geboren und studierte in Japan Literaturwissenschaften.
Seit 1982 lebt sie in
Deutschland. Tawada schreibt Essays,
Prosa, Theaterstücke, Hörspiele und
Lyrik in deutscher und japanischer Sprache
und wurde vielfach ausgezeichnet.
Kinder- und Jugendtheater
Finegan
Kruckemeyer
Das tragische Leben des
Käsejungen
(The Tragical Life of Cheeseboy)
1D oder 1H
Empfohlen ab 6 Jahre
Deutsch von Thomas Kruckemeyer
Das Leben des Käsejungen nimmt eine
dramatische Wendung, als seine eigenartig
märchenhafte Welt, ein Miniaturplanet
mitsamt seiner ganzen Familie
zerstört wird. Durch einen glücklichen
Zufall, eigentlich weil er sich nicht an
die Verbote seiner Eltern hält, driftet der
kleine Held schlafend in einem Beiboot
ins Weltall hinaus, ohne von der Kata­
www.rowohlt-theater.de 41

Kinder- und Jugendtheater
strophe etwas zu bemerken. So beginnt
eine Odyssee, die ihn auf der Suche nach
seinen Eltern und nach sich selbst durch
die Wüste, übers Meer und bis zum
Mond und zurück führt. Bald muss er
erkennen, dass er nach seiner Heimat
noch viele andere Dinge verlieren wird.
Seine beiden neuen Freunde, die als Astronom
und Astrologin durch die Welt
ziehen, sind nur temporäre Gefährten,
und selbst Ebbe und Flut erweisen sich
auf seiner Reise als unbeständig. Das
mag traurig sein, aber es ist nie hoffnungslos.
Dementsprechend ist auch der
Erzähler dieser Geschichte vom Verlieren
und (Wieder­)Finden unbeschwert
heiter und nie um eine überraschende
Wendung oder ein zuversichtliches Lied
verlegen. Am Ende steht der Protagonist
ganz alleine und mit neuem Selbstbewusstsein
am Rand einer unüberschaubaren
Welt, vielleicht so einsam wie nie
zuvor – und erfüllt uns trotzdem mit
seltsamer Zuversicht.
Finegan Kruckemeyer, 1981 als Sohn eines
Deutschen in Irland geboren, ist in
Australien aufgewachsen und lebt derzeit
in Tasmanien. Er hat bereits über
40 Stücke geschrieben, die international
aufgeführt wurden. Er war u. a. zu World
Interplay 2005, zum ASSITEJ Weltkongress
2008 und zuletzt zum ASSITEJ
Weltkongress 2011 in Kopenhagen eingeladen.
Das tragische Leben des Käsejungen
wurde 2008 uraufgeführt, mit
zahlreichen Preisen ausgezeichnet und
war u. a. in England, Spanien, Kanada
und den USA zu sehen. Die deutschsprachige
Erstaufführung ist im März 2012
am Theater Ingolstadt (Regie: Donald
Berkenhoff).
42
Alina Bronsky
Scherbenpark
Bühnenfassung von Thomas Richhardt
1D
Empfohlen ab 16 Jahre
Sascha, 17, hat zwei Träume: «Ich will
Vadim töten. Und ich will ein Buch über
meine Mutter schreiben. Ich habe auch
schon einen Titel: ‹Die Geschichte einer
hirnlosen rothaarigen Frau, die noch
leben würde, wenn sie auf ihre kluge
älteste Tochter gehört hätte›.» Seit er
Saschas Mutter erschossen hat, sitzt
Vadim im Gefängnis. Und Sascha lebt
mit ihren zwei jüngeren Geschwistern
und einer Tante aus Sibirien weiter in
ihrer Plattenbausiedlung am Stadtrand,
auch schlicht «Russenghetto» genannt.
Getrieben von ihrer Wut und ihrem messerscharfen
Verstand, hat sie keinesfalls
vor, sich mit ihrem Schicksal einfach so
abzufinden. Sie wird an ihrem katholischen
Elitegymnasium weiter Einsen
schreiben, sie wird für ihre Geschwister
sorgen, und sie wird ihre Mutter rächen,
so viel ist klar. Doch als sie den Journalisten
Volker und dessen Sohn Felix ken­
nenlernt, entwickelt die Geschichte sich
in eine unerwartete Richtung. «Je mehr
Sascha ihre Stärke, ihre Selbständigkeit
und ihre Unerschrockenheit betont,
umso sichtbarer werden ihre Ängste,
ihre Verzweiflung und ihre Sehnsüchte
… Von einer, die auszog, das Fürchten
zu lernen, könnte dieses Buch auch
heißen.» (Süddeutsche Zeitung)
Alina Bronskys Debütroman Scherbenpark,
erschienen 2008 bei Kiepenheuer
& Witsch, war für den Deutschen Jugendliteraturpreis
2009 sowie für den
Aspekte Literaturpreis nominiert. Der
Rowohlt Theater Verlag vertritt die
Dramatisierungsrechte an dem Roman.
Thomas Richhardts Monologfassung
wurde im Juli 2010 am Theaterhaus
Stuttgart uraufgeführt (Regie: Werner
Schretzmeier). Außerdem hatte der
Text in jeweils eigenen Spielfassungen
am Deutschen Theater Berlin (November
2010, Regie: Annette Kuß) und am
Thea ter haus Frankfurt (Juni 2011, Regie:
Elisabeth Gabriel) Premiere.

Wolfgang
Herrndorf
Tschick
Bühnenfassung von Robert Koall
1D – 3H
Empfohlen ab 14 Jahre
Es ist der erste Tag der Sommerferien.
Die Mutter des 14­jährigen Maik ist
beim jährlichen Entzug, sein Vater mit
jugendlicher Geliebter auf Geschäftsreise,
der Rest der Klasse eingeladen bei der
Geburtstagsfeier der Jahrgangsschönsten.
Und Maik allein mit Villa, Pool
und 200 Euro Taschengeld. Da taucht
Tschick vor Maiks Haustür auf, in einem
geklauten Lada. Tschick ist noch
neu in Maiks Klasse, ein Proll aus der
Hochhaussiedlung, öfters betrunken,
möglicherweise Russenmafia. Trotzdem
steigt Maik ein. Zuerst wollen die beiden
noch Richtung Walachei, Tschicks
Familie besuchen, aber schon bald
(«Landkarten sind für Muschis») fahren
sie einfach drauflos, die Fenster offen,
als Soundtrack die einzig verfügbare
Kassette, Richard Claydermans Solid
Gold Collection.
Tschick ist die Geschichte einer sommerlichen
Deutschlandreise durch ein
vertrautes, fremdes Land. Durch Orte
mitten im Nirgendwo, bizarre Kraterlandschaften
und fehlplatzierte Gebirgszüge,
bevölkert von seltsamen, aber häu­
Deutscher Jugendliteraturpreis 2011
fig entwaffnend freundlichen Menschen.
Eine Reise, getränkt mit dem Gefühl von
Freiheit und Abenteuer und gleichzeitig
voller Wehmut, weil sie nicht ewig dauern
kann. «Man lacht viel, wenn man
Tschick liest, aber ebenso oft ist man gerührt,
gelegentlich zu Tränen. Tschick ist
ein Buch, das einen Erwachsenen rundum
glücklich macht und das man einem
Altersgenossen seiner Helden jederzeit
schenken kann.» (Süddeutsche Zeitung)
«Dass diese Hymne auf das Jungsein, die
Freundschaft, die Liebe und das Leben
auch von großer Wehmut und Trauer
kündet, macht sie aus … Auch in 50 Jahren
wird dies noch ein Roman sein, den
wir lesen wollen. Aber besser, man fängt
gleich damit an.» (Frankfurter Allgemeine
Zeitung) «Leider endet dieser
Roman.» (Frankfurter Rundschau)
Wolfgang Herrndorf erhielt für Tschick
den Clemens Brentano Förderpreis der
Stadt Heidelberg sowie den Deutschen
Jugendliteraturpreis 2011. Robert Koalls
Bühnenfassung wird im November
am Staatsschauspiel Dresden (Regie:
Jan Gehler) uraufgeführt, gefolgt von
Premieren am Deutschen Theater Berlin
(Regie: Alexander Riemenschneider),
Badischen Staatstheater Karlsruhe (Regie:
Ulrike Stöck), Theater Osnabrück
(Regie: Alexander May), Hans­Otto­
Theater Potsdam (Regie: Sascha Hawemann)
sowie am Gostner Hoftheater,
Nürnberg (Regie: Thomas Stang).
Kinder- und Jugendtheater
Janne Teller
Nichts
Was im Leben wichtig ist
(Intet)
Bühnenfassung von Andreas Erdmann,
nach der deutschen Übersetzung von
Sigrid C. Engeler
5 oder 8 Darsteller/innen
Empfohlen ab 13 Jahre
Am ersten Tag nach den Sommerferien
verkündet Pierre Anthon seine Erkenntnis:
«Nichts bedeutet irgendwas, deshalb
lohnt es sich nicht, irgendwas zu
tun.» Er verlässt mitten im Unterricht
die Klasse, zieht sich auf einen hohen
Ast im Pflaumenbaum zurück und traktiert
seine Schulkameraden von da an
abwechselnd mit reifen Pflaumen und
nihilistischen Einsichten. Die Klasse ist
sich schnell einig, dass sie Pierre Anthon
etwas entgegensetzen muss. Die Schüler
beginnen, persönliche Gegenstände zusammenzutragen
und so einen «Berg aus
Bedeutung» aufzuhäufen. Sie werden zu
einer eingeschworenen Gemeinschaft,
die sich mit zunehmendem Fanatismus
ihrer Mission widmet. Als ihr mons tröser
Plan, der immer drastischere Opfer
verlangt, auffliegt, stürzen sich die
Medien darauf, und es kommt zu einer
landesweiten Diskussion um Sinn und
Unsinn ihres Tuns. Nur Pierre Anthon
bleibt von alldem unbeeindruckt – und
die Klasse rächt sich an ihm … Die
Hauptfigur in Janne Tellers Roman ist
www.rowohlt-theater.de 43

Kinder- und Jugendtheater
Kinder- und J ugendtheater
Agnes, die rückblickend die Ereignisse
dieses Schuljahres schildert, das alle Beteiligten
für immer verändern wird.
Janne Teller wurde 1964 in Kopenhagen
geboren. Nach Abschluss ihres Jurastudiums
arbeitete sie für internationale
Organisationen wie die EU und die UN,
u. a. in New York und in verschiedenen
Krisengebieten der Welt. Seit 1994
widmet sie sich ausschließlich dem Schreiben.
In Deutschland erscheinen ihre
Bücher beim Carl Hanser Verlag.
Nach der Veröffentlichung von Nichts
in Skandinavien gab es zunächst viel
Widerstand gegen den Roman. Das dänische
Schulamt untersagte sogar, das
Buch im Unterricht durchzunehmen.
2001 erhielt Nichts den Dänischen Kinderbuchpreis.
Mittlerweile ist der Roman
ein internationaler Bestseller und
wurde vielfach ausgezeichnet.
Die deutschsprachige Erstaufführung
war im Oktober 2011 am Düsseldorfer
Schauspielhaus (Regie: Marco Štorman),
es folgen Inszenierungen u. a. am Theater
Ingolstadt (Regie: Julia Mayr),
Tha lia Theater Halle (Regie: Michael
Krenz), Theater am Ortweinplatz, Graz
(Österreichische Erstaufführung, Regie:
Simon Windisch), Theater im Marien­
44
Nichts. Düsseldorfer Schauspielhaus
«Du sitzt bloß da und gaffst in die Luft.
Ist das vielleicht besser?»
bad, Freiburg (Regie: N. N.), Theater an
der Parkaue, Berlin (Regie: Roscha A.
Saidow), Landestheater Tübingen (Regie:
Michael Miensopust), Staatsschauspiel
Dresden (Regie: Tilmann Köhler),
Schauspielhaus Zürich (Schweizer Erstaufführung,
Regie: Enrico Beeler) sowie
an der Badischen Landesbühne Bruchsal
(Regie: N. N.).
«Ein brutales, ein mutiges Buch – ein
literarischer Glücksfall zur rechten
Zeit! Nichts deprimiert nicht, sondern
ermutigt seine Leser, ihr Leben selbst
zu bestimmen. Es beschreibt eine Suche,
auf die sich jeder irgendwann begibt,
die aber selten so packend erzählt
worden ist.» (Die Zeit) «Eine psychologisch
spannende Parabel über Mut und
Feigheit, über die Verführbarkeit durch
Ideologien und die Suche nach dem Sinn
des Lebens. Nichts erschüttert dadurch,
dass das Erzählte so unaufhaltsam abläuft
wie ein antikes Drama.» (Deutschland
radio) «Wer wissen möchte, welchen
Weg Fanatiker hinter sich haben,
die alles und jeden zu opfern bereit sind,
findet in Nichts eine Antwort.» (Frankfurter
Allgemeine Zeitung)
Krieg
Stell dir vor, er wäre hier
(Hvis der var krig i Norden)
1 oder 2 Darsteller/innen
Empfohlen ab 12 Jahre
Deutsch von Sigrid C. Engeler
Stell dir vor, es ist Krieg – nicht irgendwo
weit weg, sondern hier in Europa.
Die demokratische Politik ist gescheitert
und faschistische Diktaturen haben die
Macht übernommen. Wer kann, flieht
in den Nahen Osten, wie der 14­jährige
Protagonist aus Deutschland. In einem
ägyptischen Flüchtlingslager versucht er
mit seiner Familie ein neues Leben zu beginnen.
Weil er keine Aufenthaltsgenehmigung
hat, kann er nicht zur Schule gehen,
kein Arabisch lernen, keine Arbeit
finden. Er fühlt sich als Außenseiter und
sehnt sich nach Hause. Doch wo ist das?
«Eine ebenso einfache wie geniale Idee:
Mit einem kleinen Dreh stellt die Autorin
unsere Alltagswirklichkeit auf den
Kopf und zwingt uns, in einen hässlichen
Zerrspiegel zu schauen.» (Deutschlandradio)
Die Bühnenfassung, der ungekürzte Text
des Buches für maximal zwei Darsteller,
wurde im Mai 2011 an der Badischen
Landesbühne Bruchsal uraufgeführt
(Regie: Carsten Ramm). Die österreichische
Erstaufführung ist für März 2012
am Dschungel Wien geplant (Regie: Mareike
Dick).

Bildnachweise:
Arno Declair (Cover: Szenenfoto aus
Winterreise, Deutsches Theater Berlin,
Regie: Andreas Kriegenburg)
Reinhard Werner (S. 1 o.)
Ruth Walz (S. 1 u.)
Jochen Jezussek (S. 2)
Matthias Horn (S. 3 & S. 4)
Fernando Perez Re (S. 5 o.)
Hans Jörg Michel (S. 5 u.)
Dieter Wuschanski / Die Theater
Chemnitz gGmbH (S. 6 o.)
Beowulf Sheehan (S. 7)
Peter Awtukowitsch (S. 9)
Johannes Gebert (S. 10 o.)
Alexi Pelekanos (S. 10 u.)
Karin Rocholl (S. 11)
Julian Röder (S. 12)
Jörg Landsberg (S. 13 l.)
Ekko von Schwichow (S. 13 r.)
David Finck (S. 14)
Sebastian Hoppe (S. 15)
Christian Kleiner (S. 16 l. & r)
Tobias Bohm (S. 17)
Nicole Gräter (S. 18)
Renate Baricz (S. 19)
Arno Declair (S. 20 o.)
Martin Skoog (S. 20 u.)
Jan Giliam van Arkel (S. 21)
Hans Jörg Michel (S. 23 l.)
Aaron Eckhardt (S. 23 r.)
Michael Rafelson (S. 25)
Bettina Müller (S. 26 r.)
www.fayethomas.com (S. 29 l.)
Katrin Ribbe (S. 29 r.)
Uwe Heinrich (S. 30)
Adrian Gatie (S. 31)
Daniel Farhi (S. 32)
Judith Schlosser (S. 33)
Björn Hickmann / Stage Picture (S. 34 l.)
Sebastian Hoppe (S. 34 r.)
Kiepenheuer & Witsch (S. 35)
Krafft Angerer (S. 36)
Iko Freese, Drama – Agentur für
Theaterfotografie (S. 37 o.)
Philipp Ottendörfer (S. 37 u.)
Bernd Uhlig (S. 38)
MEYER ORIGINALS (S. 39 o.)
Yves Noir (S. 41 o.)
Andy Rasheed, Eyefood (S. 41 u.)
Bettina Fürst Fastré (S. 42)
Mathias Mainholz (S. 43)
Sebastian Hoppe (S. 44 l.)
Morten Holtum Nielsen (S. 44 r.)
Alle weiteren Abbildungen sind über das Archiv
des Rowohlt Theater Verlages nachweisbar
oder konnten bisher nicht ermittelt werden.
Impressum:
Rowohlt Theater Verlag
Hamburger Straße 17
D-21465 Reinbek bei Hamburg
Tel. 040-7272-270
Fax 040-7272-276
theater@rowohlt.de
www.rowohlt-theater.de
Leitung:
Nils Tabert
(nils.tabert@rowohlt.de)
Lektorat:
Bastian Häfner
(bastian.haefner@rowohlt.de)
Maren Zindel
(maren.zindel@rowohlt.de)
Aufführungsverträge:
Tanja Müller
(tanja.mueller@rowohlt.de)
Honorarbuchhaltung:
Marion Steinert
(marion.steinert@rowohlt.de)
Kerstin Runte
(kerstin.runte@rowohlt.de)
Redaktion: Bastian Häfner, Nils Tabert,
Maren Zindel
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