Haste Töne - Rondo

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Klassik CDs vorhandenen technischen Mängel (Fe- stigkeit der Zunge, ›Knödel‹), dass man dem vorliegenden Programm beinahe den Stellenwert eines Comebacks ge- ben möchte. Kiehr und ihr langjähriger musika- lischer Partner Jean-Marc aymes haben eine Folge frühbarocker Monodien (aufgeteilt in Kirchen- und Kammer- Concerti) zusammengestellt, die fast ausschließlich von Frauen komponiert wurden; und es ist nicht nur die mittlerweile recht bekannte Barbara Strozzi repräsentiert, sondern auch Francesca Caccini (die Tochter giulio Caccinis) sowie die beiden nonnen Caterina assandra und Isabella Leonarda. Rein instrumentale Stücke ergänzen das Programm; auch zu einigen gesungenen Stücken treten ein oder zwei Violinen als konzertierende Partner der Vokalpartie hinzu. »Konzentration und Versenkung« könnte als Motto über diesen ungemein ruhigen, fast friedvollen Darbietungen stehen. ausdruck wird kaum jemals durch exaltation, größere dynamische effekte oder Vibrato erzeugt – hierin liegt ein fundamentaler unterschied zu Magdalena Koženás etwa zeitgleich erschienenem Frühbarock-Rezital –, sondern durch verinnerlichte bzw. ins Innere zielende Intensität. Kiehr führt ihre Stimme stets sehr gerade, und sie achtet minutiös auf eine korrekte bzw. sinnvoll abgestufte gewichtung von betonten und unbetonten Silben – Tugenden, die eigentlich mit der historisierenden aufführungspraxis seit deren anfängen untrennbar verbunden zu sein scheinen, die aber in den letzten Jahren zugunsten einer erweiterung der ausdruckspalette etwas in Vergessenheit gerieten. Vor diesem Hintergrund ist María Cristina Kiehrs gesang nicht etwa puristisch, aber doch sehr rein im positiven Sinne. er gibt dadurch den Blick frei auf die Musik als solche, auf ihre melodischen und harmonischen Wendungen. Der Hörer wird durchaus gefesselt, aber nicht gebeutelt: eine legitime und vor allem überzeugende art, diese Musik umzusetzen. Wie es wirklich war, können wir niemals genau wissen. Michael Wersin 10 <strong>Rondo</strong>plus 1/2011 Enescu KLaVIeRSOnaTe nR. 1, SuITe nR. 2 varga Naxos 8.572120 (66 Min., aufgen. 9/2008) Klaviermusik von george enescu?! Da fällt es nicht schwer, die Repertoire- lücke einzugestehen (Luiza Borac, die bislang einzige CD-Interpretin, möge das verzeihen). umso begrüßenswerter (einmal mehr) die Veröffentlichungspolitik von naxos. Offenbart sie doch, dass der 1881 geborene, vorwiegend in Paris arbeitende, dort 1955 verstorbene Rumäne mehr zu bieten hatte als ›nur‹ seine Weltkarriere als geiger, den aufbau des heimatlichen Konzertlebens und seine relativ bekannten, weil volkstümlich grundierten Orchesterrhapsodien und Violinsonaten. In seiner einspielung der ersten Klaviersonate von 1924, der zweiten Suite von 1903 und zwei der sieben »Pièces impromptus« aus den Jahren 1913-16 erschließt uns der 30-jährige Matei Varga eine ganz eigene Klangwelt. auch wenn die pentatonisch-impressionistischen andante-Passagen der ersten Sonate anleihen an Debussy und Ravel aufweisen, die rhythmischen Presto-Widerborstigkeiten an Bartók erinnern und die atonalen Themenvorgaben von Schönberg inspiriert scheinen: Den Versuch, enescu in Schubladen zu stecken, sollte man lassen – sein Personalstil ist wirklich einer. Jedenfalls seit den reifen Jahren des Mittdreißigers, der in den beiden hier eingespielten Impromptus, einem Choral und einem »Carillon nocturne«, den fernen Klang eben dieser nächtlichen glocken so atmosphärisch dicht und eigenwillig einfängt. (und man denkt unwillkürlich: Messiaen muss das gekannt haben ...). Die zweite Klaviersuite des 22-Jährigen kommt äußerlich als (tonale) Retrospektive barocker Tanzsätze zwar traditioneller daher, entfaltet jedoch auch eine ganz eigene Klangmagie zwischen extrovertierter Brillanz und subtiler Innenschau. Zumindest wenn sie so poetisch durchdacht präsentiert wird wie von enescus Landsmann Varga. Christoph Braun DVDs Puccini TOSCa verrett, Pavarotti, MacNeil, The Metropolitan opera orchestra and Chorus, Conlon, Gobbi Decca/Universal 074 3410 (DvD, 127 Min. oper + 27 Min. Bonusmaterial, aufgen. 12/1978) Puccini TOSCa Cedolins, Álvarez, Raimondi, orchestra e Coro dell’Arena di verona, oren, Ana Arthaus/Naxos 107 195 (DvD, 119 Min., aufgen. 2006) Puccini TOSCa Mattila, Álvarez, Gagnidze, The Metropolitan opera orchestra and Chorus, Colaneri, Bondy virgin/EMi 50999 6419739 5 (DvD, 137 Min., aufgen. 10/2009) gleich drei »Tosca«-Produktionen auf DVD sind in den letzten Wochen erschie- nen. und verdeutlichen einmal mehr, dass gerade bei den Mitschnitten von Opernaufführungen oft ohne Sinn und Verstand veröffentlicht wird. Der Markt wird mit neuheiten überschwemmt, ohne dass es eine künstlerische Rechtfertigung dafür gäbe. Die liegt im Fall der ältesten der drei Produktionen vom Dezember 1978 einzig und allein bei Luciano Pavarotti at his very best. Der Tenor singt hier zum niederknien schön, aber das könnte man eigentlich auch auf einer CD genießen, da sein Spiel wie üblich nicht über arme-ausbreiten-undwieder-zurück-zum-Körper-Führenhinausgeht. Seine Partnerin in dieser durch und durch traditionellen MeT-aufführung ist Shirley Verrett, die im ständigen Kampf mit der Partie steht, und diesen nur selten gewinnt. Warum diese phantastische Mezzosopranistin an einem bestimmten Punkt ihrer Karriere meinte, unbedingt auch Sopranpartien in angriff nehmen zu müssen, bleibt ihr geheimnis. einen gefallen hat sie sich und ihrem Publikum damit nicht getan. natürlich verfügte sie immer über eine gute und sichere Höhe, aber es ist ein unterschied, ob sie damit als Mezzo fulminante Spitzentöne setzen kann oder als Sopran in einer auf Dauer unbequemen Tessitura singen muss und sich dazu noch ihres sinnlichen Timbres beraubt. Cornell Macneil ist ein durchaus beeindruckender Scarpia, auch wenn seine beste Zeit hier schon hinter ihm liegt. Die Bildqualität der DVD ist miserabel, und auch der Ton lässt zu wünschen übrig. aus der arena di Verona stammt der nächste Mitschnitt, Puccinis Oper gehört dort zu den meistgespielten Werken, obwohl die räumlichen gegebenheiten nicht gerade ideal sind für ein Kammerspiel wie »Tosca«. auch hier ist es wieder der Tenor, der rundherum beglückt. Marcelo álvarez war im Sommer 2006 in berückender vokaler Verfassung: Die Stimme verfügt über Schmelz, heldische Kraft, lyrische geschmeidigkeit, sauberes Piano und sichere Höhe. als Floria Tosca steht ihm Fiorenza Cedolins zur Seite, mit großem Vibrato und eher uninteressanter allerweltsstimme kommt sie zwar mit der Partie weitgehend zurecht, doch eine fesselnde Titelheldin hört sich anders an. Zumal Signora Cedolins sich gelegentlich sehr in der Rolle eines ordinären Fischweibs zu gefallen scheint. Für Ruggero Raimondi gilt Ähnliches wie für seinen Kollegen an der MeT, die Stimme ist nicht mehr die, die sie einmal war, dafür punktet er mit darstellerischer Präsenz. etwas ungünstig eingefangen sind die gesangsstimmen, die Mikrophone standen wohl am oberen ende des Orchestergrabens, wodurch sich eine gewisse klangliche Distanz ergibt. Dafür ist das Bild gestochen scharf. Womit wir wieder zurück zur MeT kommen, dort hatte die inzwischen auch in München gelandete Koproduktion im Herbst 2009 Premiere. Hier erlebt man die einzige der drei Versionen, die einen auch als Drama packt und mitreißt, was der exzellenten Personenregie von Luc Bondy zu verdanken ist. und einer Interpretin der Titelrolle, die sie wirklich – wie es sich gehört – in den Mittelpunkt des geschehens und Interesses rückt. Karita Mattila ist die mit abstand souveränste der drei Sopranistinnen (wenn auch nicht über alle Kritik erhaben): Wie sie Stimme und Spiel zu einer wahrlich aufregenden Interpretation zusammen-
fügt, ist schon sehens- und hörenswert. Ich frage mich allerdings, welcher Frauen- hasser ihr die schwarze Perücke und das schlechte Makeup verpasst hat. an Marcelo álvarez‹ Stimme sind die drei Jahre zwischen Verona und new york leider nicht spurlos vorüber gegangen. Zwar ist die gesamtleistung immer noch mehr als respektabel, aber der argentinier muss jetzt viel mehr Kraft aufwenden, wodurch es an geschmeidigkeit und eleganz fehlt, und den Piano-Bereich weitgehend ausklammern, nur vom Mezzoforte an spricht die Stimme sicher an, ein untrügliches Zeichen für vokale Blessuren. george gagnidze als Scarpia schließlich kann als einziger der drei Baritone stimmlich aus dem Vollen schöpfen, was er hier und da auch ein wenig exzessiv tut, und trägt seinen Teil dazu bei, dass man hier einen spannenden Opernabend mit einem hochkarätigen Hauptdarsteller-Terzett in sehr guter Bild- und Tonqualität genießen kann. Michael Blümke Verrett/Decca Cedolins/arthaus Mattila/Virgin strauss eLeKTRa Watson, Uhl, Henschel, u. a., Münchner Philharmoniker, Thielemann, Wernicke (DvD, 111 Min. + 15 Min. Making-of, aufgen. 1-2/2010) opus Arte/Naxos oA 1046 D eigentlich hatte sie ihr Debüt in der Titel- rolle erst 2012 in Wien geplant, doch dann ist Linda Watson kurzfristig in die aus München entliehene »elektra«-Produktion von Herbert Wernicke in Baden-Baden eingesprungen. und man kann nicht anders, als der Sängerin größten Respekt zu zollen: Sie ist eine wirklich beeindruckende und durchweg überzeugende Interpretin, die diese Mörderpartie souverän meistert. Die Stimme ist groß und bis zum ende durchschlagskräftig, wird aber stets dynamisch gut abgestuft; nur an der Textverständlichkeit sollte Linda Watson noch arbeiten. Ihre Landsmännin Jane Henschel bietet als Klytämnestra den rich- tigen gegenpol zu ihr, um die auseinan- dersetzung zwischen Mutter und Toch- ter packend über die fast leere Bühne zu bringen. Da hat es Manuela uhl als Chrysothemis trotz sehr guter vokaler Leistung darstellerisch schwer, neben diesen beiden Larger-than-life-Partnerinnen zu bestehen. albert Dohmen ist ein stimmlich zwar sicherer, aber fast zu reifer, nicht ausreichend geschmeidiger Orest, für die Minipartie des aegisth wurde René Kollo verpflichtet. am Pult der hervorragend spielenden Münchner Philharmoniker sorgt Christian Thielemann für eine exzellente, immer auch auf die Sänger Rücksicht nehmende umsetzung der Partitur. Hätten die Tontechniker die gesangsstimmen gleichmäßiger eingefangen – das Opernglück wäre perfekt. Michael Blümke Arnold schönberg guRReLIeDeR Deborah voigt, Mihoko Fujimura, stig Andersen, NDR Chor, MDR Rundfunkchor, Chor des BR, symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Mariss Jansons BR Klassik/Naxos 900110 (117 Min., aufgen. 10/2009) Sie fordern schon einen gewaltigen perso- nellen aufwand, diese gurrelieder: Drei Rundfunkchöre ließ Mariss Jansons im Münchner gasteig zusammenkommen, um von ihnen ganz am ende des zwei- stündigen Werkes für knapp sechs Minu- ten in ekstatischem Tutti die Sonne be- singen zu lassen – und dann hat ihm die Tontechnik das ganze so eingefangen und abgemischt, dass der gewaltige Schlussef- fekt auf der DVD gar nicht so tiefenscharf und majestätisch herüberkommt, wie man es eigentlich erwarten würde (und als Konzertbesucher im Saal zweifellos auch erlebt hat). Der acht Jahre zuvor am selben Ort entstandene Live-Mitschnitt der »gurrelieder« unter James Levine hat da deutlich mehr zu bieten – obwohl Le- vine sich mit dem Philharmonischen Chor München als vokalem Klangkörper begnügte. Der Vergleich der beiden »gurrelieder«- Versionen aus München fällt auch in an- deren Punkten ungünstig für den vorliegenden Mitschnitt aus: Levine hatte z. B. mit Ben Heppner einen deutlich mitrei- ßenderen Tenorsolisten. Sein Legato, seinen lyrischen Schmelz bei aller Dramatik, sein körperhaft gerundetes Timbre kann Stig andersen nicht erreichen. und selbst Deborah Voigt, in beiden Versionen die Sopransolistin, kommt unter Levine we- niger spitz herüber als bei Jansons. Wie gesagt, die Tontechnik hat das nicht allzu beglückende endergebnis sicher mitzu- verantworten, aber was hilft‹s? allein die schönen Bilder, entstanden unter der kompetenten Regie von Brian Large, vermögen den gesamteindruck nicht maßgeblich zu verbessern: Obwohl Mariss Jansons seinem BR-Symphonieorchester, zu dessen 60. geburtstag dieses ereignis stattfand, ein beachtlich differenziertes Farbenspiel bei großer Präzision zu entlocken verstand, wird man Levines Version vorziehen – wenn man nicht gleich zu Riccardo Chaillys Studioproduktion von 1985 greift: Susan Dunn und Siegfried Jerusalem, beide damals auf dem Höhepunkt ihres Könnens, sind als Hauptprotagonisten des ersten Teils nicht zu übertreffen. Michael Wersin Brahms eIn DeuTSCHeS ReQuIeM schäfer, Gerhaher, Chor des Bayerischen Rundfunks, Münchner Philharmoniker, Thielemann C-Major/Naxos 703308 (DvD, 83 Min., aufgen. 4/2007) an langsame Tempi sind die Münchner Philharmoniker gewöhnt: Sie zelebrierten unter dem späten Celibidache wichtige Teile des sinfonischen Repertoires teilweise im Zeitlupen-Feeling. Celi mochte zu Lebzeiten keine Mitschnitte seiner Konzerte zur Veröffentlichung genehmigen; das Wissen um die Schwierigkeit des authentischen Konservierens seines speziellen Zeitgefühls beim Musizieren könnte ein wichtiger grund dafür gewesen sein. Vor diesem Hintergrund möchte der Rezensent nicht ausschließen, dass das live mitgeschnittene Brahms-Requiem auf dieser DVD in der Münchner Philharmonie an jenem abend im april 2007 eine großartige Wirkung entfaltet hat. Im nacherleben mittels eines Ton- und Bildträgers jedoch steht es streckenweise förmlich auf der Stelle. De facto fand der Rezensent unter den zehn einspielungen des Werks in seinen CD-Regalen keine einzige, in der der vierte Satz (»Wie lieblich sind deine Wohnungen«) die Sechs-Minuten-grenze überschreitet; Thielemann musiziert das kurze Stück in 6:39. ergebnis ist, das jene Sehnsucht nach den Wohnungen des Herrn Zebaoth, von denen im Psalmtext die Rede ist, fast den Beigeschmack der agonie erhält. und im anschließenden Sopransolo »Ihr habt nun Traurigkeit«, das nur Rudolf Kempe 1955 mit elisabeth grümmer annähernd so langsam musizierte, muss Thielemanns Solistin Christine Schäfer unverhältnismäßig oft, teilweise nach einzelnen Worten, nachatmen. Sie meistert das atemproblem souverän, behält bei frontal auf sie gerichteter Kamera einen kühlen Kopf – aber die Musik rührt sich nicht vom Fleck. Ist es verwerflich, etwa bei »Sehet mich an …« ein wenig anzuziehen, wie das viele Dirigenten tun, und damit den gestus der an dieser Stelle noch intensivierten anrede zu unterstreichen? Diesen grundsätzlichen Kritikpunkten steht die Perfektion der Darbietung gegenüber; freilich musizieren Chor und Orchester unter Thielemanns minutiös genauer Leitung höchst vollkommen. aber wie mühsam ist das Zuhören, wenn selbst hochdramatische Passagen (»Tod, wo ist dein Stachel, Hölle, wo ist dein Sieg«) seltsam buchstabiert daherkommen, wenn sich selbst in den finalen Fugen (»Die erlöseten des Herrn …«) die Spannung niemals über ein gelösteres Tempo entlädt? Thielemann formt und gestaltet unablässig auf Detailebene, teils mit weit aufgerissenen augen zwingt er das riesige ensemble zu einer mitunter lähmenden Langsamkeit, die den vielen aufblühenden, aufjubelnden oder aufbegehrenden Passagen nicht gerecht wird. Michael Wersin Weitere Rezensionen finden sie auf www.rondomagazin.de 1/2011 <strong>Rondo</strong>plus 11
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