Vorschau Scheidegger & Spiess Frühjahr 2017

Scheidegger & Spiess 

Kunst I Fotografie I Architektur 

Frühjahr 2017

Wichtige Neuerscheinungen Herbst 2016 

Hans Arp 

Das Lob der Unvernunft 

Rudolf Suter 

Gebunden 

336 Seiten, 69 farbige und 

52 sw Abbildungen 

17 × 24 cm 

978-3-85881-502-6 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Hans Arp (1886–1966) war nicht nur 

eine zentrale Figur der Dada-Bewegung, 

sondern der gesamten europäischen 

Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Sein 

vielgestaltiges Œuvre umfasst deutschund 

französischsprachige Gedichte und 

Aufsätze, Plastiken, Reliefs, Collagen, 

Gemälde, Radierungen, Zeichnungen 

und Textilentwürfe. Erstmals wird in 

dieser neuen Biografie sowohl Arps 

künstlerisches wie auch sein dichterisches 

Schaffen aufgearbeitet und interpretiert. 

Mit zahlreichen Werkabbildungen und 

Fotografien sowie einer stimmungsvollen, 

bislang unpublizierten Reportage 

des Fotografen Ernst Scheidegger 

(1923–2016), der Hans Arp bei der 

Arbeit im Atelier beobachten konnte. 

Alberto Giacometti – 

Material und Vision 

Die Meisterwerke 

in Gips, Stein, Ton und Bronze 

Herausgegeben vom Kunsthaus Zürich 

Mit Beiträgen von Philippe Büttner, Casimiro 

Di Crescenzo, Catherine Grenier, Tobias Haupt, 

Christian Klemm, Kerstin Mürer und 

Stefan Zweifel 

Gebunden 



22 × 27 cm 

978-3-85881-525-5 Deutsch 

978-3-85881-785-3 Englisch 

978-3-85881-786-0 Französisch 

sFr. 59.– | € 58.– 

50 Jahre nach dem Tod Alberto Giacomettis 

(1901–1966) wirft diese neue 

Monografie neues Licht auf grundlegende 

Aspekte des Werks und auf die Arbeitsweise 

des weltbekannten Schweizers. 

Anhand zahlreicher Meisterwerke aus 

allen Schaffensphasen stellt das Buch 

den künstlerischen Umgang Giacomettis 

mit der Materialität seiner Werkstoffe in 

den Mittelpunkt und macht den schöpferischen 

Prozess eines Jahrhundertkünstlers 

erfahrbar. 

Giovanni Segantini 

Beat Stutzer 

Herausgegeben von der Giovanni Segantini 

Stiftung, St. Moritz 

Gebunden 

208 Seiten, 141 farbige Abbildungen 

25 × 30 cm 

978-3-85881-522-4 Deutsch 

978-3-85881-783-9 Englisch 

978-3-85881-784-6 Italienisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Der ausgewiesene Segantini-Spezialist 

Beat Stutzer stellt das Werk dieses grossen 

Erneuerers der Alpenmalerei erstmals 

in seiner ganzen Breite umfassend 

dar. Unter den dafür ausgewählten 

und kommentierten 60 Bildern sind 

Schlüsselwerke, die seit Langem nicht 

mehr öffentlich zu sehen waren. Mit 

einer Einführung zur Rolle Segantinis 

als Vorbild etwa für die Futuristen oder 

für Joseph Beuys und die wechselvolle 

Rezeptionsgeschichte seines Schaffens 

mit allgemein verständlichen Bildanalysen 

schliesst diese neue Monografie eine 

seit Langem bestehende Lücke. 

ISBN 978-3-85881-502-6 

ISBN 978-3-85881-525-5 

Deutsch 

ISBN 978-3-85881-522-4 

Deutsch 

9 783858 815026 

9 783858 815255 

9 783858 815224

Für die Kunstbiennale Venedig 2017 kuratiert Philipp Kaiser die thematische Ausstellung 

Women of Venice im Schweizer Pavillon. Die Schau und dieses Buch nehmen Bezug auf 

Alberto Giacomettis kaum beachtete Absenz an der Biennale. Im 1952 von seinem Bruder, 

dem namhaften Architekten Bruno Giacometti, errichteten Pavillon werden 2017 

speziell für die Biennale geschaffene Werke von Carol Bove und dem Künstlerpaar Teresa 

Hubbard / Alexander Birchler gezeigt, die sich mit dem Erbe und Kosmos Giacomettis 

auseinandersetzen. In installativen und skulpturalen Anordnungen inszeniert Bove diskursive, 

verborgene Zusammenhänge und erkundet mit grosser Leichtigkeit das Vokabular 

der Skulptur. Teresa Hubbard / Alexander Birchler wenden sich in dokumentarischer 

Weise der Archäologie des Films zu und präsentieren die visuelle Installation Flora. Sie 

basiert auf Recherchen des Duos zur amerikanischen Künstlerin Flora Mayo, die in den 

1920er-Jahren mit Alberto Giacometti in Paris studierte und dessen Geliebte war. 

Women of Venice reflektiert die Geschichte des Schweizer Beitrags und Biennale-Pavillons 

aus zeitgenössischer Sicht und initiiert gleichzeitig neue, spezifische Kunstwerke. 

3 Scheidegger & Spiess 

«‹Women of Venice› will aus zeitgenössischer 

Perspektive die Geschichte des Schweizer Beitrags 

und Pavillons reflektieren und gleichzeitig neue, 

spezifische Kunstwerke initiieren.» Philipp Kaiser 

Women of Venice 

Carol Bove 

Teresa Hubbard / Alexander Birchler 

Die Publikation zur Ausstellung 

im Schweizer Pavillon auf der 

Kunstbiennale Venedig 2017 

(13. Mai bis 27. November 2017) 

Zeigt neue Arbeiten von 

Carol Bove und Teresa Hubbard / 

Alexander Birchler 

Reflektiert die Geschichte des 

Schweizer Beitrags und Pavillons 

an der Biennale Venedig 

Herausgegeben von Philipp Kaiser 

Mit Beiträgen und Interviews von Carol 

Bove, Sabeth Buchmann, Teresa Hubbard 

/ Alexander Birchler und Philipp Kaiser 

Gestaltet von NORM 

Broschur 

ca. 128 Seiten, ca. 60 farbige 

Abbildungen 

ca. 18 × 25,5 cm 

978-3-85881-549-1 Deutsch 

978-3-85881-795-2 Englisch 

ca. sFr. 19.– | € 19.– 

Erscheint im Mai 2017 

Carol Bove, geboren 1971, ist 

Künstlerin. Sie lebt und arbeitet in 

Brooklyn. 

Sabeth Buchmann, geboren 1962, 

ist Kunsthistorikerin und -kritikerin. 

Sie lebt und arbeitet in Wien. 

Teresa Hubbard, geboren 1965, 

und Alexander Birchler, geboren 

1962, sind seit 1990 ein Künstlerduo. 

Sie leben und arbeiten in Austin, 

Texas. 

Philipp Kaiser, geboren 1972, ist 

freier Kurator. Er lebt und arbeitet 

in Los Angeles. 

ISBN 978-3-85881-549-1 

Deutsch 

ISBN 978-3-85881-795-2 

Englisch 

9 783858 815491 

9 783858 817952

11 Cameon IX 

7 Cameon IX 

12 

Cameon IX 

Fernando Bordoni 

Acryl auf Leinwand / 

Acrylic on canvas / 

Acrylique sur toile, 

140 ×120 cm 

© Cantone Ticino 

13 

Cameon IX 





140 ×120 cm 


L Ueli Berger, Pausenplatzskulptur, 1970, Schulhaus Melchenbühl, Muri bei 

Bern (Gümligen) / Schoolhouse Melchenbühl, Muri near Berne (Gümligen) / École 

Melchenbühl, Muri à Berne (Gümligen). 

8 Cameon IX 

1 

Cameon IX 





140 ×120 cm 


B Ueli Berger, Pausenplatzskulptur, 1970, Schulhaus Melchenbühl, Muri bei 

Bern (Gümligen) / Schoolhouse Melchenbühl, Muri near Berne (Gümligen) / École 

Melchenbühl, Muri à Berne (Gümligen). C Michael Grossert & Theo Gerber, 

1967, Spielplastik, Schulhaus Aumatten, Reinach / Game Plastic, Schoolhouse 

Aumatten, Reinach / Plastic à jouer, École Aumatten, Reinach. D Peter Travaglini, 

Zahlenmauer / Number Wall / Numbre mur, 1967, Schulhausplatz / School 

space / Espace école , Bellach. 

1 Cameon IX 

1965 

Busboykott von Montgomery von 1955/56 

(amerikanische Bürgerrechtsbewegung, „Civil 

Rights Movement“ => seit Beginn des 20. 

Jahrhunderts). 

1967 

130 

131 









1966 

Vietnamkrieg von 1955 bis 1975 => 

antiamerikanische Proteste 





Raumflüge der Amerikaner und Russen 

(1957 unbemannter Erdsatellit „Sputnik 1“ 

der Russen). 

B 



der Russen). 



der Russen). 

C 

1967 

Aufstand in Ungarn / Hungarian Uprising / 

Insurrection hongroise 

1968 

Kulturrevolution in 

China / Cultural 

revolution in China / 

Révolution culturelle 

en Chine 

D 

Fernando Bordoni (Mendrisio 1937) Absolventen der Akademie Brera in 1962 mit einer 

Arbeit über Giovanni da Milano. Obwohl numerisch beschränkt, die in diesen Jahren 

entwickelt Freundschaften sind von größter Bedeutung. Er regelmäßig Studios von 

mehreren Künstlern aus dem Tessin, wie Carlo Cotti, Filippo Boldini und Remo Rossi in 

Locarno besucht, während Jean Arp, Fritz Glarner und Hans Richter in angrenzenden 

Studios arbeiteten. Er wird zu einem ergebenen frequenter der Gruppe und auf deren 

Drängen, insbesondere von Glarner, löst er in ganz Europa zu reisen. Sein Ziel ist eine 

systematische Untersuchung dessen, was auf dem Gebiet der bildenden Kunst geschieht. 

Fernando Bordoni (Mendrisio 1937) graduates from the Brera Academy in 1962 

with a thesis on Giovanni da Milano. Although numerically limited, the friendships 

developed in those years are of paramount importance. He regularly visited studios 

of several artists from the Ticino such as Carlo Cotti, Filippo Boldini and Remo Rossi 

in Locarno, while Jean Arp, Fritz Glarner and Hans Richter were working in adjoining 

studios. He becomes a devoted frequenter of the group and, at their urging, particularly 

of Glarner, he resolves to travel throughout Europe. His purpose is a systematic study 

of what is happening in the field of visual art. 

Fernando Bordoni (Mendrisio 1937) est diplômé de l‘Académie de Brera en 1962 

avec une thèse sur Giovanni da Milano. Bien que numériquement limité, les amitiés 

développées dans ces années sont d‘une importance primordiale. Il a visité régulièrement 

les studios de plusieurs artistes du Tessin tels que Carlo Cotti, Filippo Boldini et 

Remo Rossi à Locarno, tandis que Jean Arp, Fritz Glarner et Hans Richter travaillaient 

dans des studios adjacents. Il devient un habitué dévoué du groupe et, à leur demande 

pressante, en particulier de Glarner, il décide de voyager dans toute l‘Europe. Son but 

est une étude systématique de ce qui se passe dans le domaine de l‘art visuel. 

Zeigt Werke von Livio Bernasconi, Fernando 

Bordoni, Carl Bucher, Samuel Buri, Marc Egger, 

Emilienne Farny, Franz Gertsch, Margrit Jäggli, 

Urs Lüthi, Max Matter, Markus Müller, Markus 

Raetz, Peter Stämpfli u.a. 

316 Carl Bucher 

317 Fernando Bordoni 

148 149 

275 

276 

L 

Urs Bänniger (Mendrisio 1937) Absolventen der Akademie Brera in 1962 mit einer Arbeit 

über Giovanni da Milano. Obwohl numerisch beschränkt, die in diesen Jahren entwickelt 

Freundschaften sind von größter Bedeutung. Er regelmäßig Studios von mehreren 

Künstlern aus dem Tessin, wie Carlo Cotti, Filippo Boldini und Remo Rossi in Locarno 

besucht, während Jean Arp, Fritz Glarner und Hans Richter in angrenzenden Studios 

arbeiteten. Er wird zu einem ergebenen frequenter der Gruppe und auf deren Drängen, 

insbesondere von Glarner, löst er in ganz Europa zu reisen. Sein Ziel ist eine systematische 

Untersuchung dessen, was auf dem Gebiet der bildenden Kunst geschieht. 

Urs Bänniger (Mendrisio 1937) graduates from the Brera Academy in 1962 with a 

thesis on Giovanni da Milano. Although numerically limited, the friendships developed 

in those years are of paramount importance. He regularly visited studios of several 

artists from the Ticino such as Carlo Cotti, Filippo Boldini and Remo Rossi in Locarno, 

while Jean Arp, Fritz Glarner and Hans Richter were working in adjoining studios. He 

becomes a devoted frequenter of the group and, at their urging, particularly of Glarner, 

he resolves to travel throughout Europe. His purpose is a systematic study of what is 

happening in the field of visual art. 

Urs Bänniger (Mendrisio 1937) est diplômé de l‘Académie de Brera en 1962 

avec une thèse sur Giovanni da Milano. Bien que numériquement limité, les amitiés 

développées dans ces années sont d‘une importance primordiale. Il a visité régulièrement 

les studios de plusieurs artistes du Tessin tels que Carlo Cotti, Filippo Boldini et 

Remo Rossi à Locarno, tandis que Jean Arp, Fritz Glarner et Hans Richter travaillaient 

dans des studios adjacents. Il devient un habitué dévoué du groupe et, à leur demande 

pressante, en particulier de Glarner, il décide de voyager dans toute l‘Europe. Son but 

est une étude systématique de ce qui se passe dans le domaine de l‘art visuel. 

312 Samuel Buri 

313 Samuel Buri 

302 Urs Bänniger 

303 Urs Bänniger

Die Pop-Art war als eine der wichtigsten internationalen Strömungen der Nachkriegskunst 

auch für das Schweizer Kunstschaffen der 1960er- und der frühen 1970er-Jahre 

von zentraler Bedeutung. Die spezifisch helvetischen Ausformungen der Pop-Art bilden 

ein wichtiges, aber bisher kaum erforschtes Kapitel der Schweizer Kunstgeschichte des 

20. Jahrhunderts. 

Die vorliegende Publikation wird diese Lücke schliessen. Wissenschaftlich fundierte 

Texte untersuchen die Pop-Art aus Schweizer Perspektive und sind mit umfassendem 

Bildmaterial illustriert. Beleuchtet werden auch Themen wie «Swissness» oder die einzelnen 

Pop-Art-Phasen von Kunstschaffenden. Beiträge zu den Einflüssen der Kunstrichtung 

auf die Bereiche Design, Kunst im öffentlichen Raum, Grafik und Musik 

verorten die Thematik disziplinübergreifend im grösseren Kontext. Eine Text-Bild- 

Chronologie mit Zeugnissen einzelner Protagonisten bietet einen Überblick über die in 

politischer, gesellschaftlicher und künstlerischer Hinsicht ereignisreiche Periode und 

lässt den Zeitgeist aufleben. 


Das Standardwerk 

zur Schweizer Pop-Art 

Swiss Pop Art 

Formen und Tendenzen 1962–1972 

Die Pop-Art ist eine der wichtigsten 

Kunstströmungen des 

20. Jahrhunderts 

Das Buch dokumentiert die 

Pop-Art in der Schweiz erstmals 

umfassend und schliesst eine 

wesentliche Lücke in der 

Forschungsliteratur zur zeitgenössischen 

Schweizer Kunst 

Erscheint zur gleichnamigen Ausstellung 

vom 7. Mai bis 1. Oktober 

2017 im Aargauer Kunsthaus, 

Aarau 

Herausgegeben von 

Madeleine Schuppli und dem 

Aargauer Kunsthaus, Aarau 

Mit Beiträgen von Yasmin Afschar, 

Karoliina Elmer, Bernadette Fülscher, 

Kornelia Imesch, Dora Imhof, 

Renate Menzi, Franz Müller, 

Samuel Mumenthaler, Astrid Näff, 

Philipp Stamm, Madeleine Schuppli 

und Katrin Weilenmann 

Madeleine Schuppli ist Kunsthistorikerin 

und seit 2007 Direktorin 

des Aargauer Kunsthauses, Aarau. 

2000–2007 war sie Direktorin des 

Kunstmuseums Thun. 

Gestaltet von Raffinerie 

Broschur 


Abbildungen 

ca. 20 × 29 cm 

978-3-85881-536-1 

Deutsch / Englisch / Französisch 

ca. sFr. 69.– | € 68.– 


ISBN 978-3-85881-536-1 

9 783858 815361

A 

A Skiläufer, Schlittler an der Rigi, 

Plakatoriginal-Entwurf in 

Gouache WVR Nr. 62, 1906. 

B Dampfbetriebene Zahnradbahn 

auf die Rigi ab Vitznau LU, 

Wintersportler, Rigi-Massiv, 

Plakat WVR Nr. 61, 1906. 

B 

Anton Reckziegel – aus dem Leben eines Kunstmalers und Wegbereiters der Werbegrafik 19 Kursbesuch u. a. zusammen mit 

seinen Berufskollegen Arthur 

Gugger, Hans Steiner und Eduard 

Grüneisen, mit «Viktor Surbeck, 

stud.» und dem Münsterarchitekten 

Karl Indermühle. 

20 Insbesondere von Eduard Grüneisen, 

den späteren St. Galler 

Zeichenlehrer und Vorsteher der 

dortigen Buchdrucker-Fachschule. 

J Barken auf dem Genfersee bei 

Montreux VD, mit Dent de Morcles 

und Dents du Midi, Umschlagtitelbild 

nach einem gouachierten 

Aquarell, Edition Illustrato 

Gebr. Wehrli, Kilchberg, um 1905. 

K Anton Reckziegel vor seinem 

Gemälde der Habsburg, Fotografie 

von Jean Kölla, Bern, um 1903. 

L Habsburg bei Brugg AG, Tempera, 

um 1898. 

M Schneeschmelze am Moossee, 

Pastell, 1907. 

N Mitternachtssonne in Nordnorwegen, 

Plakat WVR Nr. 86, sig. 

A. Reckziegel, von C.T. Wiskott, 

Breslau-Berlin, 1908. 

O Molde und Romsdalfjord (N), 

Aquarell, 1908. 

J 

K 

N 

G 

Anton Reckziegel – aus dem Leben eines Kunstmalers und Wegbereiters der Werbegrafik 12 Paul Schirmer gehört zu den 

aktivsten Tourengängern 

der Sektion Aargau. 1899 wird er 

Vizepräsident der Sektion. 

13 Vgl. Jahrbuch des Schweizer 

Alpenclub 1896, S. 460. 

14 Der Name Fanny weist auf einen 

Zusammenhang mit der 

Taufpatin Fanny Gränicher hin. 

12, 13 

H 

L 

O 

M 

15 Siehe Liste im Anhang. 

16 Nachtlager in Granada (1834) von 

Konrad Kreutzer; die 

Fotografien erstellte Otto Gysi. 

17 Ab April 1898 wohnt die Familie 

Reckziegel am Scheuerrain 5 

in Bern, später (1903 nachgewiesen) 

an der Weissensteinstrasse 

122 und (1905 nachgewiesen) 

am Morellweg 6. Alle 

drei Adressen befinden sich in 

der Nähe der Seftigenstrasse 14 

(Druckerei Hubacher). 

18 Diese Bezeichnung geht auf 

die seit 1894 in Paris erschienene 

Zeitschrift dieses Namens 

zurück. 

G Gurten bei Bern mit Aussicht, 

6-teiliges Faltpanorama in Umschlag, 

H&B, sig. A. Reckziegel, 

1899. Der Aussichtsturm 

auf dem kleinen Bild wird erst 

101 Jahre später erbaut. 

H Sennen beim Käsen und Heuen 

auf der Alp, 9-farbiger Postkartenandruck, 

M & T, Aarau, Vorlage 

A. Reckziegel zugeschrieben, 

Verlag Gebr. Künzli Nr. 1173, 

um 1900. 

I Luzern mit Rigi und Talstation der 

Bahn in Vitznau, Plakat WVR Nr. 3, 

sig. Anton Reckziegel, um 1894. 

I 

Prospekte, Panoramen, 

Postkarten, Illustrationen 

Werbung mit Prospekten, Panoramen 

und Broschüren 

104 

Die wichtigsten Elemente der frühen touristischen 

Plakate sind Panoramaansichten, Vogelschaubilder 

und Fahrpläne. Ab 1898 verschwinden diese immer 

mehr aus den Plakaten und werden in Faltprospekten 

präsentiert, beispielsweise für die Bahn Vevey-Pèlerin 

oder für die Jungfraubahn, die das dreiteilige 

Imprimat 1898 herausgibt und 1902 mit 60’000 Exemplaren 

neu auflegt. 

Seit den späten 1890er-Jahren bündeln Verkehrsvereine 

und Bahnen ihre Informationen auch in 

kleinen, handlichen, mit einfarbigen Strichzeichnungen 

versehenen Führern. Reckziegel illustriert die 

Führer Adelboden C und Visp-Zermatt, S. 26 Letzteren 

schon mit einem mehrfarbig lithografierten Titelbild. 

Innovativ ist ein Werbemittel des Verkehrsvereins 

Genf I von 1899, das aus drei zusammengebundenen, 

länglichen Bildwerbekarten und einer Antwort-Postkarte 

besteht. 

Besonders gerne scheint Anton Reckziegel touristische 

Prospekte zu malen, vor allem die Faltprospekte 

der Jahre 1907 bis 1909 sind sowohl malerisch 

als auch lithografisch hervorragende Werke. Sie 

zeigen Ortsansichten aus den Regionen Kandersteg, 

Martigny-Châtelard H und St. Moritz-Poschiavo. J 

Von Reckziegel sind bisher rund 30 lithografierte 

Prospekte bekannt; 16 enthalten grosse Panoramen. 

Überdies werden vom Gurten S.12 und vom Gütsch 

Faltpanoramen im Umschlag publiziert. Besonders 

eindrucksvoll sind seine panoramatischen Ansichten 

Lac Léman, Grindelwald-Hotel Baer, Niesen, O Interla- 

1 Vgl. dazu: Schweizerisches 

Alpines Museum und Schweizer 

Alpen-Club 2001. 

2 Die späteren Auflagen weisen 

kein gezeichnetes Titelbild mehr 

auf. 

3 Bundesministerium für Handel 

und Verkehr Wien 1927 bis 1931. 

ken-Wengernalp S. 67 und Lausanne. P Im Gegensatz zu A, Bern, Umschlag Berner Fremden- 

B blatt. Titelblatt Sommernachtstraum, 

Syrinx spielender Pan, tan- 

den schon seit rund hundert Jahren hergestellten, 

beliebten und mit grosser topografischer Genauigkeit zende Jungfrauen, Eiger, Mönch, 

Jungfrau, Altstadt, 1909. 

ausgestatteten Panoramen von touristischen Regionen 

1 sind Reckziegels Werke weniger detailreich und C, Adelboden BE, Titelblatt und 

D Illustration sig. AR, 1898. 

nicht durchwegs genau, sondern mit künstlerischer 

Freiheit gestaltet. Absicht ist es, das Wichtige für E Fernpass im Tirol, Blindsee, Ehrwalder 

Sonnenspitze, Buch-Titelblatt, 

Offsetdruck nach einem 

den Touristen prägnant und eindrücklich darzustellen. 

Dabei können besonders bei den frühen Prospekten Aquarell, sig. Anton Reckziegel, 

1930. 

Teile der Landschaft gerafft oder gestreckt sein. Meist 

sind auf ihnen auch Touristen und Einheimische zu F Silsersee GR, Piz de la Margna, 

Titelbild, Offsetdruck nach einem 

sehen, entferntere und unwichtige Siedlungen sind 

Aquarell, um 1906. 

generalisiert. Eine Besonderheit ist das um 1900 entstandene 

Panorama Vitznau-Rigi mit Text und Orts- 

G Oria am Lago di Lugano (I), 

namen in tschechischer N San Salvatore, Titelbild, Offsetdruck 

nach einem Aquarell, um 

Sprache. 

1906. 

15 Prospekte werden flankierend zu mehr oder 

weniger gleichzeitig gedruckten Plakaten von Reckziegel 

erstellt. Die Phase der lithografierten Prospekte 

nach gemalten Vorlagen ist aber kurz und 

schon nach 1914 verschwindet dieses kostenintensive 

Imprimat. 

Souvenir-Broschüren mit Fotografien kommen 

nach 1900 in Mode. Reckziegel kann bei den Erstausgaben 

der Edition Illustrato F, G der Firma Gebr. Wehrli, 

Kilchberg um 1905 über 20 Titelbilder entwerfen, da 

das gemalte Bild mit seiner Farbigkeit damals beim 

Publikum noch attraktiver wirkt als Fotografien. 2 Auch 

in Österreich kann Reckziegel in ähnlicher Weise zu 

touristischen Werbemitteln beitragen. So malt er von 

1927 bis 1931 Vorlagen für die Umschlagtitel der über 

200-seitigen saisonalen Fahrplanbücher für die Kraftwagenfahrten 

der österreichischen Post, die grosse 

Verbreitung finden. 3, E 

C 

D 

105 

F 

G 

A 

B 

E 

Eine Zeitreise zu beliebten Destinationen der Belle Époque – 

und in die Vergangenheit der Tourismuswerbung 

Entwicklung und Techniken 

40 

der Lithografie 

1796 erfindet Alois Senefelder in München ein völlig Werdegang einer Chromolithografie 

neues Verfahren, den Flachdruck – die Lithografie, 

auch Steindruck genannt. Im Gegensatz zum damals 

vorherrschenden Hochdruck (Holzschnitt, den Zeichner. Schon in der frühen Werbegrafik ent- 

Es beginnt mit der Erstellung einer Vorlage durch 

Schriftsatz) und Tiefdruck (Kupfer- und Stahlstich, stehen gemalte und gezeichnete Originale als Vorlagen 

für die Lithografie in enger Zusammenarbeit mit 

Radierung, Aquatinta) liegen beim Flachdruck die 

druckenden und nichtdruckenden Bereiche in einer den Auftraggebern. Zeichner wie Anton Reckziegel 

Ebene. 

malen Ortschaften, Panoramen, Gebäude und andere 

Die Kunst auf Stein zu zeichnen und davon Drucke 

herzustellen wird vorerst namentlich für Musik- 

seltener nach fotografischen Unterlagen. Als ausge- 

Sujets für Werbezwecke vor Ort oder nach Skizzen, 

noten- und Landkartendrucke verwendet. Die grosse bildeter Lithograf beherrscht Reckziegel die lithografischen 

Techniken souverän, wodurch er seine Ent- 

Zeit der Chromolithografie, des Mehrfarben-Steindrucks, 

nimmt ihren Anfang um 1818 in Paris, bei würfe den Gegebenheiten des Steindruckes bestens 

Engelmann & Lasteyrie. 

anpassen kann. 

In der Schweiz beginnt die neue Drucktechnik Dann werden die Lithosteine vorbereitet. Die 

zögernd ihre Ausbreitung mit einfarbigen Drucken Steinplatten stammen aus dem fränkischen Jura, 

im Jahr 1807 in Zürich. Aus Breslau angereist, demonstriert 

Karl Theodor Müller gegen Entgelt vor nach Format eine Dicke von 4 bis 15 Zentimetern. 

aus Solnhofen und Kelheim. Die Platten haben je 

Künstlern und Kunstfreunden das Lithografieren Fehlerfreie Platten werden absolut plan geschliffen 

und Drucken. Ab 1815 begünstigen Kontakte mit und deren Oberfläche gekörnt oder glatt geschliffen. 

Deutschland, Frankreich und England die Gründung Diese Arbeit besorgen in der Regel geschulte Hilfskräfte 

in der betriebsinternen Schleiferei. Die mit 

lithografischer Betriebe in der Schweiz. Mit der Zeit 

gewinnt der mehrfarbige Druck für Bilder, Etiketten, Fluss-Sand erzielte Körnung findet sich zum Teil als 

Geschäftsdrucksachen, Wertpapiere, Schulwandbilder, 

Plakate und anderes an Bedeutung. Ende der 

1880er-Jahre zählt man in der Schweiz etwa 150 Lithografische 

Anstalten mit rund 400 Lithografen und 

Steindruckern. 

12 

60 Mitglieder zählt. Da es seinerzeit für einen Beitritt 

zwei Empfehlungen von «Clubisten» braucht, ist anzunehmen, 

dass sein Patron August Trüb und sein 

Zeichner-Arbeitskollege Paul Schirmer seine «Göttis» 

sind und dass Schirmer seinen Kollegen Anton 

auch auf Bergtouren mitgenommen hat. 

Am 19. Oktober 1896 freut sich das Ehepaar 

Reckziegel über die Geburt ihrer Tochter Martha 

Fanny. 14 Auf ihrer Taufurkunde und auch im Mitgliederverzeichnis 

des SAC bezeichnet sich Anton als 

«Kunstmaler» und nicht als «Zeichner», wie er in den 

Akten seines Arbeitgebers aufgeführt wird. Er wird 

bei Müller & Trüb als «ausgezeichneter Zeichner» und 

Entwerfer geschätzt und trägt wesentlich dazu bei, 

dass die Firma einen Ruf für hervorragend lithografierte 

Postkarten und Plakate erwirbt. Aus der Aarauer 

Zeit sind von Reckziegel 14 signierte Plakate I 

und etwa 240 ihm zugeschriebene Postkarten H bekannt; 

dazu kommen etliche weitere Plakate, die ihm 

zugeschrieben werden können oder die seinen Einfluss 

erkennen lassen. 15 

1897 scheint sich Reckziegel in Aarau gut eingelebt 

zu haben, denn für eine Opernaufführung 16 

des Cäcilienvereins schafft er ein exklusives Monumentalbild, 

indem er Gruppenfotos der Schauspieler 

mit Landschaft und Figuren übermalt, die fotografierten 

Gesichter jedoch frei lässt. In seiner Firma 

scheint es ihm aber immer weniger zu behagen. Die 

Zeichenabteilung wird von zwei auf fünf Werbezeichner 

aufgestockt und zahlreiche Lithografen und andere 

Mitarbeiter streiken während zwei Monaten. 

Reckziegel hat sich derweil mit seinem Lithografen- 

Berufskollegen Gustav Hubacher angefreundet. Dieser 

gründet Anfang März 1898 in Bern seine eigene 

«Lithographie», wie Steindruckereien damals bezeichnet 

werden, und bietet dem Freund die Stelle als 

erster Plakatmaler an. 

Bereits im April zieht die Familie Reckziegel in 

die Stadt Bern (60’000 Einwohner) und Anton tritt in 

die neugegründete Lithografische Anstalt Hubacher 

& Biedermann ein. 17 Vorerst ist Reckziegel vor allem 

mit Entwürfen für Postkarten beschäftigt. Aus der 

Phase von 1898 bis 1901 kennen wir heute rund 200 

Postkarten, 17 Plakate und einen nicht realisierten 

Entwurf von ihm. Er setzt sich dabei auch mit den 

neuen Kunstströmungen – genannt «Art Nouveau» 

– auseinander. Seine Plakate werden schweizweit 

sehr beachtet, und er erwirbt sich rasch Bekanntheit 

und einen guten Ruf als «maître d’affiche». 18 1899 

zeichnet er erstmals, ergänzend zu den Plakaten, 

auch lithografierte Faltpanoramen G (Aussicht vom 

Gurten und von Magglingen). Seine Panoramen der 

folgenden Jahre werden in Faltprospekte integriert 

herausgegeben. Mit dem Beitritt zur Berner Sektion 

des SAC (rund 400 Mitglieder) im Jahr 1900 wächst 

Reckziegels Netzwerk auch in seiner neuen Region 

zügig an. Von Ende 1899 bis 1902 sowie von 1906 bis 

1908 lebt auch seine Nichte Margaretha Franziska, 

die 1885 geborene Tochter von Antons Schwester 

Franziska, mit in seiner Familie. 

Das Prinzip des Steindrucks 

Der Steindruck, vom Erfinder «chemischer Druck» 

genannt, beruht auf dem Prinzip, dass sich Fett und 

Wasser gegenseitig abstossen. Der Lithostein samt 

der mit fetthaltiger Lithografietusche oder Fettkreide 

angebrachten Zeichnung wird mit einer Gummiarabikum-Salpetersäure-Lösung 

geätzt. Dadurch 

wird an den Stellen ohne Fett der Feuchtigkeitsträger 

auf gebaut – dies sind die nichtdruckenden Stellen 

des Lithosteins. Den Träger für die Druckfarben bilden 

die mit Lithokreide oder -tusche versehenen 

Bildstellen. Nun muss der Stein vor jedem Druckvorgang 

von Neuem angefeuchtet werden, bevor die 

Farbwalze über ihn hinweggeht. Für die verschiedenen 

Arbeitsgänge hat jeder Drucker «seine» erprobte 

Technik, seine Lederwalzen zum Einfärben 

und, gut versteckt, geheimnisvolle «Büchsli» mit 

Schwämmchen und Lappen. Steindruck ist heikel, 

sogar Lufttemperatur und Luftfeuchtigkeit beeinflussen 

das Druckergebnis. 

Vermutlich wünscht sich Reckziegel schon in nenuntergang», «Aus der Alpenwelt» und «Morgenstund». 

134 Kunstmaler haben Werke eingereicht. 

Aarau etwas mehr Selbstständigkeit als Künstler. 

Jedenfalls installiert er sich nun 1902 in Bern als Zusammen mit vielen anderen Prominenten gehört 

selbstständig erwerbender Kunst- und Plakatmaler Reck ziegel zu den Nichtprämierten. Keiner seiner 

und besucht im Winter 1903/04 an der Berner Kunstgewerbeschule 

den Abend-Akt-Kurs bei Ernst Form. 

eingereichten Entwürfe erscheint in gedruckter 

Linck. 19, K, L Er bleibt aber bis 1909 auch weiterhin 1905 reist Reckziegel nach Belgien und Frankreich. 

Für die Belgischen Staatsbahnen kann er zwei 

als Entwerfer für seine bisherige Berner Firma tätig, 

die sich nun Kunstanstalt Hubacher & Co. nennt, und Plakate aus den Ardennen ausführen. Im Jahr darauf 

widmet sich auch der Ausbildung der jungen Zeichner 

und Lithografen der Firma. 20 Sein Schritt in die Souvenir-Fotobroschüren Edition Illustrato der Gebr. 

malt er über 20 landschaftliche Titelbilder für die 

Selbstständigkeit entspricht ganz der neuen Künstlerbewegung 

um Ferdinand Hodler. In die Zeit bis Aus dem Jahr 1907 ist bekannt, dass Reckziegel 

Wehrli in Kilchberg. J 

1906 fällt der Höhepunkt von Reckziegels Plakatschaffen. 

Aus diesen fünf Jahren sind 30 Plakate schaft eingereicht hat. Die Entwürfe der Bewerber 

Entwürfe für die ersten Banknoten der Eidgenossen- 

und zwei nicht gedruckte Entwürfe aus seiner Hand sind noch heute bei der Nationalbank vorhanden und 

bekannt. Es gelingt ihm in den nächsten Jahren auch, einige können Reckziegel zugeschrieben werden. Für 

Aufträge aus zahlreichen Ländern Europas auszuführen, 

die nicht in seiner Stammfirma gedruckt wertenden 

Auftrag für zwölf grosse Schulwandbilder 

einen Stuttgarter Verlag arbeitet er an einem bedeuden. 

Der erste dieser Art wirbt 1904 für das Riesengebirge 

nahe seiner ehemaligen Heimat. 

Reckziegels Pläne, sich wieder vermehrt dem 

über die Naturerscheinungen der Erde. 

Freien Schaffen als Kunstmaler widmen zu können, 

führen 1907 zum Erfolg. Er präsentiert über 50 Werke 

Präsenz als Kunstmaler, 

in einer Einzelausstellung im Salle Thellusson in der 

Veränderung seines Plakatstils 

damals grössten Schweizer Stadt Genf, organisiert 

von der renommierten Société des Expositions d’art. 

Erster Vorbote eines Wandels ist der Plakatwettbewerb 

der Schweizerischen Bundesbahnen (SBB) der Durchführung des 34. Centralfestes betraut. Zu- 

Im selben Jahr wird die Sektion Bern des SAC mit 

von 1903. Reckziegel beteiligt sich persönlich, aber sammen mit Kunstmuseumsdirektor Horace Edouard 

Davinet, Clubfotograf Franz Rohr, dem jungen 

unter der Adresse der Firma Hubacher & Co., mit 

fünf Werken. Diese sind heute verschollen, nur noch Plakatgrafiker Emil Cardinaux und drei weiteren Personen 

wird Reckziegel ins «Dekorationscomité» ge- 

die für den Wettbewerb verlangten Mottos sind bekannt: 

«Milieu du Jour», «Hochgebirgssee», «Sonwählt. 

Dank dem Kontakt mit Direktor Davinet folgt 

14

Anton Reckziegel, geboren 1865 im böhmischen Gablonz und in Graz zum Maler 

ausgebildet, war ab 1893 in der Schweiz tätig. 1909 kehrte er nach Österreich zurück, 

wo er zunächst in Wien und ab 1912 in Mödling bis zu seinem Tod 1936 als Landschaftsmaler 

arbeitete. Während seiner Schweizer Jahre wurde Reckziegel rasch zum 

bekanntesten Plakatmaler des Landes. Er entwarf auch Werbemittel für viele andere 

Länder. 

Reckziegels Motive zeigen eine Welt der elegant gekleideten Paare, der schnaubenden 

Dampfeisenbahnen, der prachtvollen Grandhotels. Erstmals warben damals grosse, 

farbenprächtige Plakate und sorgfältig lithografierte Prospekte mit Panoramen für die 

neu erschlossenen Reiseziele. Das Versenden von Ansichtskarten wurde zum Volkssport. 

Reckziegel hat mit diesen Werbebildern die Vorstellungen von typisch schweizerischen 

Landschaften geprägt. 

Dieses Buch stellt nun zum ersten Mal überhaupt Leben und Werk dieses Künstlers im 

Kontext der Belle Époque umfassend vor und zeichnet seinen Werdegang vom vielseitigen 

Kunstmaler zum ersten selbstständigen Werbegrafiker der Schweiz nach. Ebenso 

werden die Entwicklungen im Druckwesen, in der Kunst und im Tourismus im Vorfeld 

und während Reckziegels Zeit beleuchtet. Über 300 Abbildungen entführen in die 

Frühzeit des touristischen Plakats und der Werbegrafik. 

Reklamekunst und Reiseträume 

Anton Reckziegel und die Frühzeit des Tourismusplakates 


Erste Monografie zu einem der 

herausragendsten Plakatkünstler 

der Belle Époque 

Reich illustriert stellt das Buch 

Reckziegels Werk in den Kontext 

der Entwicklungen in Kunst, 

Drucktechnik und des Tourismusmarketings 

seiner Zeit 

Erscheint zur Ausstellung über 

Anton Reckziegel im Alpinen 

Museum der Schweiz in Bern 

(27. Januar bis 23. April 2017) 

Herausgegeben vom Alpinen 

Museum der Schweiz 

Mit Beiträgen von Agathon 

Aerni, Roland Flückiger-Seiler, 

Hans Hirt-Tenger, Christian 

Jaquet und Urs Kneubühl 

Gestaltet von Hi – Visuelle 

Gestaltung 

Gebunden 



24,5 × 32 cm 

978-3-85881-532-3 Deutsch 

sFr. 59.– | € 58.– 

Lieferbar 

Agathon Aerni (1929–2006) war 

Dozent für Betriebswirtschaft, 

Bankier, Diplomat und Verfasser 

mehrerer historischer Publikationen 

über die Schweiz und ihre Beziehungen 

zu anderen Ländern. 

Roland Flückiger-Seiler, geboren 

1953, ist Architekt und Architekturhistoriker 

mit Forschungsschwerpunkt 

Schweizer Hotelgeschichte. 

Hans Hirt-Tenger (1910–2004) 

war Druckereifachmann und Dozent 

an der Kunstgewerbeschule 

Zürich. 

Christian Jaquet, geboren 1935, 

ist Werbeberater sowie Fachhochschuldozent 

und Experte im 

Bereich der Tourismuswerbung. 

ISBN 978-3-85881-532-3 

9 783858 815323 

Urs Kneubühl, geboren 1948, ist 

Geograf und hat zu Raumentwicklung, 

Tourismus und Umwelt geforscht. 

Zunächst Kurator und von 

1996–2011 Direktor des Alpinen 

Museums der Schweiz.

T 

Im Gegensatz zu den wässrigen Techniken benötigt 

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man für die trockenen Zeichentechniken weder Wasser 

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noch Öl. Es werden Metallstifte, Naturkreiden (Rötel, 

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schwarze und weisse Kreiden) 19, 20, Pastellkreiden, 

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Kohle 21, Kunstkreiden, Grafit und Buntstifte verwen- 

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K 

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det. Das Material wird direkt auf die Unterlage aufge- 

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bracht, ohne Zuhilfenahme eines Zeichengeräts (Feder 

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oder Pinsel), allenfalls mithilfe eines Minenhalters•. Bei 

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den heute benutzten Stiften sind das Material (die Mine) 

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und das Gerät (der Holzstift) in der Regel nicht vonein- 

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ander zu trennen. 

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Die trockenen Zeichentechniken werden sehr häu- 

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fig mit wässrigen Zeichentechniken kombiniert: Eine 

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Zeichnung wird zum Beispiel mit schwarzer Kreide skiz- 

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ziert, um dann mit der Feder überarbeitet und laviert 

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zu werden 22. Übrigens werden zuweilen die trocke- 

E 

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N 

nen Zeichentechniken wie wässrige Zeichentechniken 

N 

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N 

bearbeitet, was die Unterscheidung hinfällig macht. So 

kann der Rötel zu Pulver zermahlen und in Wasser gelöst 

werden, um dann mit dem Pinsel aufgetragen zu 

werden. 

Die Technik und die Kreativität des Künstlers können 

nicht getrennt voneinander gedacht werden. Die Technik 

nährt die Kreativität, indem sie ihr neue Möglichkeiten 

eröffnet, und die Kreativität bereichert die Technik, 

wenn Künstler die den Materialien und Werkzeugen 

zugeschriebenen Grenzen überschreiten und sich neue 

Verwendungsweisen ausdenken. 

Pirro Ligorio, 

Drei Männer «all’Antica» (Detail), um 1550? 

Jean-Baptiste Marie Pierre, 

Junge in ganzer Figur, um 1740? 

Théophile Alexandre Steinlen, 

Porträt von Leo Tolstoi (Detail), um 1905 

1 

1 

2 

2 

8 

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0 

1 

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Der METALLSTIFT ist ein altes, seit der Antike ge- 

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WEISSE KREIDE ist ein weiches und kompaktes 

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bräuchliches Zeichenmittel. Es handelt sich um einen 

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Kalziumkarbonat, dessen Verwendung während der 

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spitz zulaufenden metallischen Griffel• (Blei, Kupfer, Sil- 

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Renaissance aufkommt. Sie ist leicht zu schneiden, aber 

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ber oder Gold), der zum Skizzieren dient. Metalle hin- 

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recht zerbrechlich, weshalb die Künstler sie oft mit ei- 

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terlassen durch Reibung auf dem Träger eine leichte 

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nem Kreidehalter• oder einem Schilfrohr schützen. Ihre 

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Ablagerung. Die Spitze ist in einen Stiel eingearbeitet. 

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Hauptfunktion ist es, genau wie bei der weissen Gou- 

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Nicht selten werden zwei in Grösse oder Material ver- 

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ache, auf einer mithilfe anderer Techniken angefertig- 

N 

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schiedene Spitzen an die jeweiligen Enden des Stiels 

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ten Zeichnung hell beleuchtete Bereiche anzuzeigen 

E 

K 

angebracht. Das erlaubt, die Strichstärke zu variieren, 

I 

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und Lichter zu setzen, wie bei dieser Rötelzeichnung 

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die im Unterschied zu anderen Techniken bei Metallstif- 

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eines Widderkopfes 48. Am häufigsten wird sie folg- 

T 

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ten nicht allein durch den Druck der Hand modifiziert 

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lich für Höhungen verwendet (s.u.), selbst wenn bis zum 

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werden kann. 

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17. Jahrhundert die Gouache für diesen Gebrauch prä- 

C 

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feriert wird. Sie verleiht Figuren Plastizität, wie man am 

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Der Gebrauch von Metallstiften ist im Libro dell’arte 

N 

Männerkopf, nach oben schauend 47 sehen kann, 

N 

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von Cennino Cennini dokumentiert, einem für das Ver- 

I 

der im 17.Jahrhundert von einem anonymen italieni- 

I 

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ständnis der europäischen Kunst wesentlichen Hand- 

K 

schen Künstler angefertigt wird. Der Kontrast zur Kreide 

K 

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buch vom Beginn der Renaissance. Der Autor trifft da- 

E 

ist umso deutlicher, je dunkler das Papier ist 50. Auf 

E 

N 

rin eine Unterscheidung zwischen Bleigriffel (rein oder 

N 

Buntpapier sind Zeichnungen mit weisser Kreide übri- 

N 

in Legierungen) und Silberstift, den beiden unter Künst- 

gens zumeist vorherrschend, insbesondere im 17. und 

Italienische Schule (Genua?), Schlachtszene (Detail), 

zweite Hälfte 16.Jh. oder Anfang 17.Jh. 

lern meistverwendeten Metallstiften. Blei ist einfach in 

der Handhabung und kann direkt auf die Unterlage aufgetragen 

werden. Es eignet sich gut für Vorzeichnungen 

und Skizzen, weil sein leichter Strich einfach wieder 

entfernt werden kann. Es wird zumeist mit Zinn legiert, 

was für einen klareren Strich sorgt. Silber ist härter und 

muss auf einem vorbereiteten Untergrund verwendet 

werden. Dabei handelt es sich um Pergament, Holz, 

feine Leinwand oder grundiertes• (also mit einer kreidehaltigen 

Grundierung• versehenes) Papier. Sein klarer 

und eleganter, zugleich feiner und dichter Strich prägt 

sich tief in die Unterlage ein. Er hinterlässt eine graue, 

unauslöschliche Spur, die sich mit der Zeit verfärbt 

und oxidiert. Der Silberstift erlaubt also eine genaue, 

Giovanni Domenico Tiepolo, 

Kopf eines toten Widders (Detail), um 1755 

18.Jahrhundert. Und so tauchen zum Beispiel auch später 

noch in einem Werk von Giovanni Segantini die mit 

Kreide gezeichneten Formen aus der Dunkelheit des 

Blattes auf 53. E.H. 

detaillierte Darstellung. Deshalb wird er nicht nur für 

Skizzen, sondern auch für vollendete Zeichnungen verwendet, 

insbesondere für Illustrationen wissenschaft- 

2 

licher Werke. Insgesamt liefern Metallstifte in Bezug auf 

2 

4 

4 

2 

Reinheit, Genauigkeit und Linearität schöne Ergebnisse. 

3 

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Wenn auch das erste aufgeschriebene Rezept für 

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PASTELLKREIDE auf das Jahr 1574 zurückgeht, 

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wird die Technik bereits vor diesem Datum von Künst- 

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lern wie Leonardo da Vinci, Jacopo Bassano oder Fe- 

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derico Barocci verwendet. Da sie damals eine noch 

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eingeschränkte Palette aufweist, wird sie bis ins 17.Jahr- 

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hundert hinein im Wesentlichen dazu benutzt, Zeich- 

N 

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nungen zu höhen und somit andere trockene Zeichen- 

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techniken zu ergänzen. Dieser Gebrauch dauert weit 

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über diese Zeit hinaus an, wie Blätter von Maurice Denis 

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aus dem 20.Jahrhundert belegen 184↓. Erst zum Ende 

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des 17.Jahrhunderts entwickelt sie sich zu einer sehr 

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geschätzten eigenständigen Technik. Zu ihren bedeu- 

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tendsten Repräsentanten im Jahrhundert der Aufklä- 

N 

rung zählen Maurice Quentin de La Tour, Jean-Siméon 

I 

Chardin, Jean-Étienne Liotard oder Rosalba Carriera. 

K 

Damals befindet sich die Kunst des mit Pastellkreiden 

E 

gemalten Porträts auf ihrem Höhepunkt – «gemalt», 

N 

weil die Technik zu jener Zeit nicht als eine grafische 

Jean-Baptiste Mauzaisse, 

Ossians letzter Gesang, 19. Jh. 

Jacques Courtois, genannt Le Bourguignon, zugeschrieben, 

Soldatenstudie (Detail), 17. Jh. 

Otto Vautier, Nackte Frau 

mit blauen Strümpfen (Detail), um 1915–1917 

Kunst gilt, sondern zu den Malkünsten gezählt wird. Die 

von ihr sowohl in chromatischer Hinsicht als auch durch 

die Wiedergabe mit Schraffur, Überlagerung und Verwischung 

gebotenen Möglichkeiten geben ihr tatsächlich 

eine pikturale Dimension. Pastellkreide setzt sich 

aus einem zu feinem Pulver zermahlenen Pigment• und 

einem mineralischen Füllstoff• zusammen, welcher zu 

ihrer Konsistenz und ihrer Farbnuance beiträgt. Manchmal 

werden ihr Bindemittel• (unter anderem Gummiwasser, 

Kandiszucker, Feigensaft) oder auch andere Zusatzstoffe 

beigegeben. Die so gebildete Paste wird zu 

Stäbchen geschnitten, geformt oder gerollt und dann 

getrocknet. Durch den Spielraum bei der Zubereitung 

und der Quantität der Bestandteile ist es möglich, eine 

sehr grosse Vielfalt an Farbtönen zu erlangen und die 

Härte des Materials zu variieren. Dieses ist jedoch in der 

Regel sehr zart und zerbrechlich. 

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Oskar Kokoschka, 

Totes Kaninchen, 1944 

Frans van Mieris, 

Der Wein ist ein Spötter, 1664 

Henri Chopin, 

Collage Poem, 1971 

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Im Jahr 2015 wurde dem Musée Jenisch Vevey ein Grafikfundus von einzigartiger Qualität 

vererbt, der Tausende Druckgrafiken und Zeichnungen u.a. von Eugène Delacroix, 

Auguste Rodin, Ferdinand Hodler, Félix Vallotton, Max Ernst und Hermann Hesse 

umfasst. Eine Ausstellung im Winter 2016/17 stellt diese Sammlung erstmals der Öffentlichkeit 

vor. 

Das aus diesem Anlass erschienene Buch ist weit mehr als ein gewöhnlicher Ausstellungskatalog. 

Vielmehr dienen die ausgewählten Werke aus diesem ausserordentlichen 

Vermächtnis als Beispiele in einem eigentlichen Handbuch der Zeichnungskunst, das 

diese Disziplin in ihren unterschiedlichen Ausprägungen umfassend und anschaulich 

darstellt. Es vermittelt Details zu den mannigfaltigen Zeichentechniken und erläutert 

die Unterschiede zwischen den Trocken- und Nassverfahren sowie den Einsatz diverser 

Papiersorten. Und es erklärt kuriose Begriffe wie etwa die «Schummelnudel» und wozu 

eine solche benötigt wird. 

Zudem ist das Kleine Handbuch der Zeichnungskunst eine Ode an den perfekten Einsatz 

des zeichnerischen Duktus und die meisterhafte Darstellung der Bewegung – ein 

Kunstbuch für visuelle Geniesser. 


Alles, was Sie schon immer über das 

künstlerische Zeichnen wissen wollten 

Kleines Handbuch 

der Zeichnungskunst 

Ein kompaktes und zugleich umfassendes 

Handbuch zur Kunst 

des Zeichnens 

Vermittelt anhand ausgewählter 

Werke aus einer einzigartigen 

Sammlung Techniken, Verfahren 

und Materialien und erläutert 

spezielle Begriffe 

Erscheint anlässlich der Ausstellung 

Rien que pour vos yeux 

im Musée Jenisch Vevey (bis 

19. Februar 2017) 

Mit Beiträgen von Julie Enckell 

Julliard, Elisa de Halleux und 

Emmanuelle Neukomm 

In Zusammenarbeit mit dem 

Musée Jenisch Vevey 

Julie Enckell Julliard ist seit 2013 

Direktorin des Musée Jenisch 

Vevey und Mitglied der Eidgenössischen 

Kunstkommission. Zahlreiche 

Publikationen, v.a. zur zeitgenössischen 

Zeichenkunst. 

Gestaltet von Bonbon 

Gebunden 



11,5 × 16,5 cm 

978-3-85881-534-7 Deutsch 

978-3-85881-790-7 Französisch 

sFr. 29.– | € 29.– 

Lieferbar 

ISBN 978-3-85881-534-7 

Deutsch 

ISBN 978-3-85881-790-7 

Französisch 

9 783858 815347 

9 783858 817907

Charlotte Perriand 

Prospectus « Bibliothèques Charlotte Perriand, 

éditions Steph Simon », 1958. 

Bibliothèques composées de tablettes en latté 

plaqué, entretoisées par des éléments 

plots métalliques laqués noir ou aluminités 

satiné naturel. Possibilité de placer des portes 

coulissantes en verre ou en stratifié de couleur. 

AChP. 

Prospectus « Bibliothèque à plots 

Charlotte Perriand, édition Steph Simon », 1956. 

Bibliothèque composée par des éléments à plots 

en tôle laquée au four entretoisant 

des étagères en latté plaqué d’essences variées. 

Portes coulissantes en métal laqué, verre ou 

plastique. Une seule profondeur, 335 mm. 

AChP. 

Page de droite 

Bibliothèque à plots aluminités naturel. 

Édition Steph Simon à partir de 1958. 

Photographie Christie’s. 

42 43 


Bloc-rangement à joues avec portes coulissantes 

en polyester. Édition Steph Simon à partir de 1958. 

Photographie Françoise Calmon/Galerie 54. 

Prospectus « Rangements Charlotte Perriand », 

Édition Steph Simon, 1958. 

Éléments de rangement constitués par assemblage 

de joues et fonds métalliques laqués noir, 

entretoisant des plateaux en latté plaqué frêne 

ou merisier. Les blocs peuvent être juxtaposés ou 

superposés pour constituer des ensembles meubles. 

AChP. 


Bloc-rangement à joues avec portes coulissantes 

en polyester, tiroirs et tablettes intermédiaires. 


Photographie Marie Clérin/ 

Galerie Downtown-François Laffanour. 

Blocs-rangement « Éditions Steph Simon, 

meubles galerie 58 ». Élévations, vers 1957. 

Mine de plomb, encre de Chine, 

Zip-a-tone sur calque. 

Archives Steph Simon/ 


Ci-contre et page de droite 


Bureau forme libre en bois massif, petit modèle, 1953. 


Photographies Jacques Delacroix/ 


Les bibliothèques 

Les bibliothèques de Charlotte Perriand éditées par la galerie Steph Simon à partir de 1956 

puisent leur origine dans les modèles qu’elle avait créés pour la maison de la Tunisie et pour 

la maison du Mexique à la cité universitaire de Paris en 1952 86 . Elles sont de deux types. La 

première, type Tunisie, est composée de plots métalliques en U d’une seule pièce disposés 

en quinconce entre les étagères. Elle se fixe au mur. Les hauteurs des plots sont de quatre 

dimensions pour s’adapter à la diversité des formats des livres ou des objets. La seconde, type 

Mexique, est composée de casiers ouverts à l’avant formés par deux joues métalliques latérales 

réunies par un fond, entretoisant les étagères. Elle est autoportante et peut être disposée librement 

dans l’espace ou contre un mur. Les joues sont de cinq hauteurs et de quatre profondeurs 

différentes. Elles sont perforées pour permettre l’accrochage d’étagères intermédiaires en glace 

48 49 

74 75 

94 95 

Der dritte Band über Leben und Werk der grossartigen 

Avantgarde-Designerin Charlotte Perriand 

102 103 

Weiterhin lieferbar: 

HABITER 

Charlotte Perriand: 

Complete Works 

Volume 1: 1903–1940 

978-3-85881-746-4 Englisch 

sFr. 120.– | € 120.– 

Volume 2: 1940 –1955 

978-3-85881-747-1 Englisch 

sFr. 120.– | € 120.– 

268 269


Der dritte Band der bisher ausführlichsten Monografie über die herausragende französische 

Designerin Charlotte Perriand umfasst die Jahre 1956 bis 1968. Im Zentrum 

steht zum einen ihre Kooperation mit Steph Simon, der ihr zusammen mit Jean Prouvé 

die künstlerische Leitung seiner 1956 in Paris eröffneten Galerie für zeitgenössische 

Einrichtung überantwortete. Den zweiten Schwerpunkt bilden das von Perriand geschaffene 

Firmenimage für Air France und verschiedene von ihr gestaltete Reisebüros 

und Niederlassungen weltweit. Schliesslich widmet sich das Buch ausführlich Perriands 

bisher kaum bekannter Beteiligung an der Neueinrichtung des Palais des Nations in 

Genf, des europäischen Hauptsitzes der UN: die Entwürfe für einzelne Möbel, die Ausstattung 

ganzer Sitzungssäle und Salons, von denen viele bis heute in unveränderter 

Form genutzt werden. 

Weiter dokumentiert der neue Band mit wiederum reichem Bildmaterial Perriands Ferienhaus 

im savoyischen Méribel sowie die ebenfalls bisher kaum publizierten Häuser 

des japanischen Botschafters in Paris und des Air-France-Direktors Jacques Martin in 

Rio de Janeiro sowie zahlreiche Möbelentwürfe der späten 1950er- und 1960er-Jahre. 

Jacques Barsac 


Complete Works. Volume 3: 1956 –1968 

Charlotte Perriand ist eine der 

massgeblichen Protagonistinnen 

der Designgeschichte des 


Band 3 der grossen Monografie 

dokumentiert bisher kaum publizierte 

Werke Perriands wie die 

Möbelentwürfe und Ausstattungen 

von Sitzungssälen im Palais 

des Nations in Genf sowie ihre 

engen Verbindungen zu 

Brasilien 

Reich illustriert mit einer Fülle 

noch nie zuvor veröffentlichter 

Dokumente und Bilder 

Ein wertvolles Nachschlagewerk 

für Wissenschaftler, Kunsthändler 

und Sammler 

Mit einem Vorwort von 

Barry Bergdoll 

Gestaltet von Delphine Renon 

Gebunden 


und 200 sw Abbildungen 

23 × 30,5 cm 

978-3-85881-748-8 Englisch 

ca. sFr. 120.– | € 120.– 

Erscheint 

ISBN 978-3-85881-748-8 

im März 2017 

Jacques Barsac realisierte Dokumentarfilme 

über Charlotte Perriand, 

Le Corbusier, Jean Cocteau 

und Winston Churchill. Seit 2001 

beschäftigt er sich ausschliesslich 

mit Perriands Werk. 

Barry Bergdoll ist Professor für 

Kunstgeschichte an der Columbia 

University sowie Kurator für Architektur 

und Design am MoMA, 

New York. 

9 783858 817488 

Im Frühjahr 2018 erscheint: 

Volume 4: 1969–1999 

978-3-85881-778-5 Englisch 

ca. sFr. 120.– | € 120.– 

ISBN 978-3-85881-778-5 

9 783858 817785

«Der verschneite Lukmanierpass mit seinen lichten Arvenwäldern 

ist so wenig ein Vergnügungspark für die rasenden 

Motorschlittenclubs, wie das Zürcher Grossmünster ein Ort 

ist für Spielautomaten. Und die grandiose Gletscherlandschaft 

Monte-Rosa-Dent-Blanche darf kein Platz sein, wo sich 

betuchte Konsumenten beim Heliskiing ein schnelles Tiefschneeabenteuer 

kaufen.» Helmut Scheben

Heimat, Energie, Freizeit und Transit sind die Themen von Hans Peter Josts Bildern aus 

den Schweizer Alpen, die über die letzten drei Jahre entstanden sind. Eine beeindruckende 

Auswahl davon präsentiert dieses Buch. Die Aufnahmen erzählen von Begegnungen 

mit Bergbewohnern und Touristen, zeigen Skurriles und Nachdenkliches, Kritisches 

und Liebenswertes. 

Die Fotografien werden begleitet von einer Einleitung von Mario Broggi, dem vormaligen 

Präsidenten der Internationalen Alpenschutzkommission CIPRA. Der Journalist 

und Schriftsteller Erwin Koch porträtiert zwei Menschen, die bei aller Verschiedenheit 

beide eine sehr enge Beziehung zu den Bergen haben. Der Autor Emil Zopfi befasst sich 

mit der Energiegewinnung in den Alpen und der Fernsehjournalist Helmut Scheben 

betrachtet kritisch deren stetig fortschreitende Mutation zum gigantischen Vergnügungspark. 

Josts Blicke auf aktuelle Entwicklungen im Alpenraum und die Texte beleuchten die 

Kontroversen zwischen ökonomischem und ökologischem Entwicklungsansatz oder 

das Gegenüberstehen von Kraftwerken und Kraftorten, physischer und spiritueller 

Energie und verdeutlicht so den unschätzbaren Wert des Alpenraums. 


Eine beeindruckende fotografische 

Darstellung kontroverser 

Entwicklungen im Alpenraum 

Alpen-Blicke.ch 

Heimat, Energie, Freizeit, Transit 

Die Texte bekannter Schweizer 

Autoren und Journalisten 

verdeutlichen die Botschaft der 

Bilder 

Ein vielschichtiger Beitrag zur 

Diskussion um die Zukunft des 

alpinen Lebensraums 

Herausgegeben und mit 

Fotografien von Hans Peter Jost 

Mit Beiträgen von Mario Broggi, 

Erwin Koch, Helmut Scheben und 

Emil Zopfi 

Hans Peter Jost, geboren 1953, lebt 

und arbeitet in Zürich als Fotograf. 

Seit 1984 ist er für zahlreiche 

Medien tätig. Menschen und ihr 

soziales Umfeld stehen bei ihm im 

Zentrum. 

Gestaltet von unfolded 

Gebunden 


Abbildungen 

ca. 27 × 23 cm 

978-3-85881-545-3 Deutsch 

ca. sFr. 59.– | € 58.– 

Erscheint im April 2017 

ISBN 978-3-85881-545-3 

9 783858 815453

128 /129 

from “Polaroid SX’70’s”, 1977/78 –› s.b. 

174 /175 

Klee, Kistlerweg 6, Bern, 2005 

The living room of Paul Klee’s two-room apartment, used as a studio 

where his late and largest works were realized, 1934 – 1940 

from Lenin/Klee/Fromm, 2005 – 06 –› s.b. 

32 /33 

Lenin, St. Johanns Vorstadt 48, Basel, 2005 

The venue of a pre-revolutionary speech delivered by Vladimir 

Ilyich Ulyanov (Lenin), 1916 

212 /213 

from “Prison Cells”, 1989 

from “Bei Sich”, 1986 – 

118 /119 

from “Naturräume”, 2004 – 2010 –› s.b. 

58 /59 

210 /211 48 /49

Seit fast 50 Jahren arbeitet der 1946 geborene Schweizer Christian Vogt mit dem Medium 

der Fotografie. Schon früh bewies er, dass er Meister seines Fachs ist, ein Bilderkünstler 

im wahrsten Sinne des Wortes. Vogts Schaffen kann gesamthaft als eine Erforschung 

des Sehens begriffen werden. Für ihn sind Bilder immer Projektionsflächen, weil 

jeder Betrachter anders auf das zu Sehende reagiert. Leere Räume und Orte, an denen 

etwas geschehen ist – sozusagen «geladene» Orte –, beflügeln die Fantasie des Fotografen 

und ziehen sich als roter Faden immer wieder durch sein Werk. Andere Aufnahmen 

sind von der Interaktion von Text und Bild bestimmt, das eine ist ohne das andere nicht 

mehr denkbar. Vogt zeigt sich so als fotografierender Philosoph. 

Diese neue Monografie würdigt nun erstmals alle Phasen seines Werks umfassend. Den 

Bildern zur Seite stehen ein Interview mit dem Künstler von Martin Gasser sowie eine 

kurze Einleitung von Christian Vogt. 


«Oft werde ich gefragt, was ich denn so fotografiere. 

Nie fragt man nach dem Wie. Wenn man van Gogh 

fragen würde, was er denn male, ohne seinen Stil 

zu kennen, und er würde antworten: Sonnenblumen 

– was wüsste man dann mehr?» Christian Vogt 

Christian Vogt zählt zu den wichtigsten 

zeitgenössischen Schweizer 

Fotokünstlern 

Das Buch präsentiert freie Projekte 

und einige Auftragsarbeiten 

Erste umfassende Monografie zu 

allen Phasen seines Schaffens 

Christian Vogt 

The longer I look 

Mit Beiträgen von Martin Gasser 

und Christian Vogt 

Gestaltet von Matthias Huber 

Gebunden 



ca. 20 × 27,5 cm 

978-3-85881-791-4 Englisch 

ca. sFr. 69.– | € 68.– 

Erscheint im März 2017 

Martin Gasser studierte Fotografiegeschichte 

an der Princeton 

University und ist seit 1998 Konservator 

und Kurator bei der Fotostiftung 

Schweiz in Winterthur. 

Christian Vogt, geboren 1946, 

realisiert seit den 1960er-Jahren 

fotografisch-visuelle Konzepte für 

sich selbst und im Auftrag. Zahlreiche 

Bücher und internationale 

Ausstellungen. 

ISBN 978-3-85881-791-4 

9 783858 817914

8005-016d_Neugasse 1995 /10.tif 

Baujahr Nein 

Fotografiert Nein 

8005-016b_Neugasse_155/159/163.tif 

Baujahr Nein 


108 109 

8004-053_Neufrankengasse_6/14.tif 

Baujahr Nein 


8004-061_Schöneggstr.28.tif 

Baujahr Nein 


72 73 

50 51 

8003-079_Weststr.94.tif 

Baujahr Nein 


32 

8005-067_Neugasse-1335_Bronx.tif 

Baujahr Nein 


8004-006_Neufrankengasse_4.tif 

Baujahr Nein 


8003-066-Weststrasse46.tif 

Baujahr Nein 


33 

8003-112-Birmensdorferstrasse155.tif 

Baujahr Nein 


8005-062-HB&Gleisfeld.tif 

Baujahr Nein 


8003-078a_Weststr.84.tif 

Baujahr Nein 


8004-046a_Molkenstr.5-9.tif 

Baujahr Nein 


74 

8004-070b_Werdstr.40/Stauffach25.tif 

Baujahr Nein 


8004-108_Stauffacherstr.28.tif 

Baujahr Nein 


56 57 

8003-169A-Birmensdorferstr80-Bhf.Wiedikon.tif 

Baujahr Nein 


8003-191A_Schimmel_Seebahnstr_FlaMa_009.jpg 

Baujahr Nein 


8003-169C-Birmensdorferstr80-Bhf.Wiedikon.tif 

Baujahr Nein 


8055-262B-Triemlihalde_02380.jpg 

Baujahr Nein 


48 49 

8032-129_Forchstr.150..tif 

Baujahr Nein 


112 

75 

8004-075b_Köchlistr.10.tif 

Baujahr Nein 


8003-102_Zweierstr 138.tif 

Baujahr Nein 


8047-252-Stadtgaernerei_5068-sw.jpg 

Baujahr Nein 


113 

Focus: Kreis 4 

Andrea Helblings Atelier liegt nahe bei Helvetiaplatz 

und Langstrasse, in einer Nebengasse, die 

sich freilich recht schmuck präsentiert, dezent 

renoviert. So richtig proletarisch sieht es hier 

nicht mehr aus. Ihr «Langstrassen-Dörfli», meint 

sie, reiche eigentlich nur bis zu den Gleisen, 

wo der Kreis 5 beginnt. Sie kennt die kleinen 

Läden und Handwerksbetriebe um die Ecke, 

die Bars und Beizen, viele Leute aus der Kreativwirtschaft, 

die hier ansässig geworden und in 

allen möglichen Sparten tätig sind. Die Bilder 

jedoch sucht sie in einem weiteren Radius: Wipkingen, 

Zürich-West, Oerlikon, Leutschenbach, 

Affoltern, Altstetten, Hardbrücke, Wiedikon, 

Albisriederplatz … Das sind Gegenden, die für 

viele erst seit ein paar Jahren mit Prime Tower, 

Schiffbau und der Zürcher Hochschule der Künste 

vertrauter geworden sind. Der Schriftsteller 

Hugo Loetscher hat sie seinen Lesern allerdings 

schon in den 1960er-Jahren nahegebracht. In 

seinem Roman Die Kranzflechterin zieht seine 

Grossmutter Anna ihren Leiterwagen mit dem 

Gemüse durch ebendiese Quartiere. Sie lebte vor 

über hundert Jahren. Ihr dürftiges Ladenlokal 

befand sich samt Küche und Wohnstube in einer 

Quergasse zur Langstrasse, wie heute Andrea 

Helblings Atelier. 

Nicht Vorzeigestadt, 

sondern 

Gebrauchsstadt 

Die repräsentative Zürcher Innenstadt ist in 

dieser Häuserserie nicht vertreten. Aus der Sicht 

der Fotografin weist sie allzu bekannte Konturen 

auf, ist gar sehr auf ihr Image bedacht, kommt 

sich gediegen vor, vollendet. Fertig gebaut sei 

diese Stadt, hiess es ja noch vor einigen Jahren. 

Zürich sei «hoffnungslos verbaut», schreibt 

Friedrich Dürrenmatt im Roman Justiz, womit 

er wohl auch meint, die Stadt sei lähmend festgelegt, 

definiert 4 . Nicht die Landmarks, nicht 

die symbolbehafteten Zeugen der Vergangenheit 

fasst Andrea Helbling also ins Auge, nicht die 

Vorzeigestadt, sondern die Gebrauchsstadt. Weder 

Rat- und Stadthaus, noch Gross- und Fraumünster 

treten als Protagonisten auf. Am Rand 

zeigt sich einmal eine Ikone der Bahnhofstrasse: 

das Globus-Gebäude beispielsweise, weil dessen 

«brutalistisches» Aussehen die Fotografin, wie sie 

sagt, fessle, und sie überhaupt die 1960er-Jahre 

ins Herz geschlossen habe; daneben auch noch 

das feingliedrige Griederhaus mit dem steil 

aufschiessenden Dach, das an die Hansearchitektur 

nordischer Kaufmannschaften erinnert. 

Auch die heute geschönte Altstadt fällt ausser 

Betracht. Noch im 19. Jahrhundert war sie nichts 

Besonderes. Als ärmliches, ganz gewöhnliches 

Quartier hat sie der Knabe Gottfried Keller empfunden, 

der da gewohnt, gespielt, gelitten hat. 

Selbst die landschaftliche Schönheit, die man seit 

Jahrhunderten an Zürich rühmt, darf bei Andrea 

Helbling nicht mitspielen, höchstens taucht da 

und dort als zarter Akzent ein Bäumchen oder 

Vorgärtchen auf. See, Limmat, Zürichberg und 

Üetliberg bleiben ausgespart. 

Das spricht natürlich nicht gegen das 

Übergangene. Gerade auch die Schreibende, 

die noch die graue, oft beklemmend brave Atmosphäre 

im Zürich der späten 1950er-Jahre 

erlebt hat, schätzt die Lockerheit, die Farbigkeit 

und – ja doch auch – Lebendigkeit der heutigen 

Stadtmitte. Helblings Blick aber erweitert das 

urbane Verständnis. Er macht die Stadt grösser, 

differenzierter, redlicher. 

Neue Blicke 

Es ist auch ein Generationenblick, der hier waltet. 

Ich erinnere mich an ein Gespräch mit dem 

Schriftsteller Peter Weber. Es ging um das Buch 

Bahnhofsprosa, Webers surreale Hommage an 

den vielstimmigen Klangkörper des Zürcher 

Hauptbahnhofs. Man spazierte durch Albisrieden, 

wo der Autor wohnt. Ich bekam damals 

einiges mit von der mir unbekannten Schönheit 

des Vororts. Was mich aber doch verblüffte, war 

Webers Aussage, nach Möglichkeit würden er 

und seine Schriftsteller- und Künstlerkollegen 

die Innenstadt meiden. 

Oder ich lese Peter Stamm, der sich gern 

architektonischen und städtebaulichen Themen 

widmet; im Roman Sieben Jahre – er spielt in 

München und Marseille – sind sie konstitutiv. 

Auch Stamm favorisiert die Bauten der Gewöhnlichkeit. 

Jahrelang sei er zwar der Altstadt in 

Winterthur treu geblieben, habe sich aber stets 

nach Quartieren gesehnt, die man «gemeinhin 

als anonym» bezeichnet. Dort sei «nicht alles 

Denkmal», nicht jedes Loch in der Erde fördere 

alte Kultur zu Tage: «Es sind geschichtslose 

Quartiere, gebaut ohne ästhetische Absichten 

und vielleicht gerade deswegen ästhetisch, weil 

zweckmässig», so Stamm im Essay Mein Winterthur 

5 . In Endstation Zürich legt er eine skurril 

kleinteilige Betrachtung einiger Endschlaufen 

der Zürcher Tramlinien vor 6 . Zusammen mit 

ihrem architektonischen Zubehör sind sie wenig 

aufregend, doch gewinnt jede ihr eigenes 

Gesicht. 

Die Zuwendung zur Alltagsstadt und 

deren Detailansichten hat schon eine längere 

Tradition, sowohl in der bildenden Kunst und 

in der Fotografie, als auch in der Literatur. Wenn 

Adalbert Stifter vom alten Wien berichtet, dann 

bezieht er eindringlich die Masse der Vorstädte 

mit ein, die sich «in ungeheurem Kreise» gegen 

die Innenstadt heranschieben 7 . Oder man denke 

an die Spaziergänger und Feuilletonisten Robert 

Walser und Franz Hessel in Berlin. Walser fasste 

populäre Örtlichkeiten ins Auge, die Bierlokale 

«Aschinger» und «Gebirgshallen» beispielsweise. 

Franz Hessel war süchtig nach dem «heimlichen 

Berlin». Wenn er dessen übersehenen Winkeln 

nachspürte, nannte er das «Heimatkunde». Eine 

Stadt sei nicht leicht zu entdecken, «gerade wenn 

man in ihr zu Hause ist» 8 . 

Vieles in der Welt muss man von den Dichtern 

und Künstlern erzählt bekommen, damit 

man es selber wahrnimmt. 

Die Kamera 

macht fremde 

Dinge vertraut 

Andrea Helbling – aufgewachsen in traditionell 

bürgerlichen Quartieren – fotografierte zunächst 

vom Fenster ihrer ersten eigenen Wohnung 

aus. Diese lag nahe beim Albisriederplatz. Die 

Kamera mache fremde Dinge vertraut, schreibt 

auch Susan Sontag 9 . Fotografien würden einem 

helfen, einen Platz zu finden auf der Welt. Später 

zog Andrea Helbling in die Nachbarschaft ihres 

Ateliers an der Marmorgasse, zu Fuss war sie 

unterwegs, samt schwerer Sinar-Grossformatkamera 

– noch nicht digital. Allmählich 

schwärmte sie immer weiter aus, beschaffte sich 

für ihre Geräte ein Wägelchen, packte dieses ins 

Auto. So steuerte sie Altstetten an, Affoltern und 

Seebach, Höngg und Wipkingen via Europa- und 

Hardbrücke. Inzwischen hat sie umgestellt und 

ist Besitzerin einer verstellbaren Alpa mit Digitalrückteil. 

Auch hier lässt sich das Objektiv 

gegenüber der Bildebene verschieben. Nicht alle, 

sagt sie, könnten sich eine solche leisten, unter 

den Fotografen sei eine Zweiklassengesellschaft 

entstanden. Doch ob analog oder digital, die 

Fotografin zielt in diesem Zyklus auf das Unspektakuläre. 

Es sind Orte, wo Abertausende ihr 

Leben verbringen. Da zieht man meistens ohne 

Blick für die Umgebung seiner Wege. Nur selten 

schaut man noch zu den Obergeschossen und 

zum Himmel darüber. Gerade, wo sich unser 

Alltag abspielt, sehen wir am flüchtigsten hin. 

Wir achten nicht auf die Modellierung, die plastische 

Form, der gewöhnlichen Häuser. Andrea 

Helblings Bilder sind also auch ein Plädoyer für 

eine Demokratisierung des ästhetischen Blicks. 

Die anerzogenen Unterscheidungen zwischen 

«trivial» und «bedeutend» werden von ihr einer 

energischen Kritik unterzogen. 

Dabei beschönigt sie gar nichts an ihrem 

Viertel. Nach Mitternacht fahre sie mit dem 

Fahrrad oft auf Umwegen nach Hause. Denn 

die Langstrasse komme ihr manchmal auch 

unheimlich vor. Und mit dem berühmten Multikulti-Ideal 

sei es auch nicht gar so weit her. Sie 

habe zwar Nachbarn aus vielen Ländern und 

man grüsse sich freundlich, doch die meisten 

blieben unter sich. 

Rigoroser Stilwille 

In dieser Arbeit herrscht ein rigoroser Stilwille. 

Die Objekte werden zunächst fast obsessiv als 

Einzelwesen inszeniert. Ebenso hingebungsvoll 

wie zurückhaltend sind Charakteristika hervorgehoben: 

Bänder, Balkone, Fensterfronten, 

Brüstungen, nicht zuletzt die Baumaterialien, 

ob Backstein, Beton, Stahl und Glas, Sandstein 

ist auch diese Periode historisch, hatte doch der 

Häuserkampf seinen Höhepunkt in den frühen 

1990er-Jahren. In der letzten Zeit haben sich in 

Zürich die Fronten verschoben. Wo noch besetzt 

wird, geht es weniger um die Frage des Wohnens 

als um kreative Freiräume: Zum Schauplatz für 

einschlägige Aktionen wurden die wenigen, 

noch verbliebenen Industriebrachen. Widerstand 

kristallisierte sich im Fall von Binz- und 

Koch-Areal an weitaus periferer gelegenen 

Orten. Einen Rand wie noch vor zwanzig Jahren 

verkörpert Aussersihl demnach nicht mehr 

(selbst wenn im administrativen Sinn seine 

Rand-Eigenschaft mit der zweiten Eingemeindung 

von 1934 längst verloren gegangen war). 

Die Arbeit von Andrea Helbling kann in 

den Kontext einer Umkodierung von Zentrum 

und Rand gestellt werden. In ihre Bildfindung 

schiebt sich ein vorausgeahntes Verschwinden. 

Indem viele Aufnahmen eine immanent zeitliche 

Dimension besitzen, bewegt sich Häuser und 

Konglomerate in der dokumentarischen Tradition 

eines Charles Marville im Paris des Second 

Empire, der die Stadt vor den grossen Eingriffen 

unter Georges Eugène Haussmann festhielt. In 

beiden Fällen sind später verschwundene Welten 

akribisch festgehalten und in einer Art Unschuld 

zu sehen. Bei Marville handelte es sich um die 

Normalität von Strassenräumen, Ensembles 

und Objekten, die Baron Haussmanns Erneuerungswalze 

im Weg standen. Der Zeitraum 

seiner Dokumentation ist von vergleichbarer 

Länge wie bei Andrea Helbling, die im Gegensatz 

zu Marville allerdings keinen offiziellen Auftrag 

hatte, die bauliche Transformation ihrer Umgebung 

festzuhalten. 

Angesichts der schleichenden Zerstörung 

dieser Substanz geht es der Fotografin weder um 

Anklage, noch um das Schicksal von Bauzeugen, 

die der Spekulation getrotzt haben. Eher handelt 

es sich um eine Auseinandersetzung mit durchschnittlichen 

Situationen, die sind, was sie sind. 

Für die Fotografin, die seit langem in Aussersihl 

lebt, ist der Stadtteil zugleich ein Raum persönlicher 

Erinnerung. Daher ist es auch möglich, 

über ihre Arbeiten im Sinne hermetischer Bilder 

zu schreiben, die aus einem Prozess der kontinuierlichen 

Betrachtung hervorgegangen sind und 

die einer inneren Logik folgen. Die Bilder sind 

hypersubjektiv und dennoch unsentimental. 

Unschärfen existieren praktisch nicht, was eine 

hyperreale Verfremdung, zuweilen auch den 

Eindruck einer Einheit von Objekt und Umraum 

entstehen lässt. Anderseits trägt die Bildfindung 

zu einer Auratisierung stilisierter Alltagssituationen 

bei: Ein Gebäude, ein Konglomerat, 

ein Ausschnitt aus einem gebauten Ensemble 

arrangiert Andrea Helbling derart, dass selbst 

die zufälligsten Ensembles zu Kompositionen 

sublimiert werden. Dies gilt für das Geschäftshaus 

einer moderaten Moderne der 1950er- und 

1960er-Jahre ebenso wie für das Mietshaus im 

historischen Aussersihler Blockrandgefüge oder 

für die baulichen Havarien der 1980er-Jahre. 

Zu Objekten herausgearbeitet, gelegentlich 

in hartes Licht getaucht, erscheinen diese 

Bauten wie auf einer Petrischale als Vertreter 

der Gattung «Haus». Ihre bis zur Heroisierung 

reichende Vereinzelung steht jedoch in Gegensatz 

zu einer auf Wiederholung und Rationalität 

basierenden ökonomischen Logik, die für 

das Mietshaus ja massgebend war. Ihm ist die 

Wirkung als singuläres Objekt im Grunde genommen 

fremd, handelt es sich doch um einen 

Massenartikel der eher eine Extrusion aus der 

Parzelle darstellt. Zum Hofverbund gruppiert, 

spiegeln die Mietshäuser die Baugesetze einer 

Zeit, in der spekulative Bauproduktion die 

Nachfrage nach billigem Wohnraum in der 

Industriestadt befriedigte. Bis über den Ersten 

Weltkrieg hinaus waren die Gewerbenutzungen 

überlassenen Innenhöfe die Matrix für dieses 

«steinerne» Zürich. Von ähnlicher Kompaktheit 

war aber auch die anschliessende Reformarchitektur, 

die sich in Zürich vorerst nicht auf der 

Grünen Wiese abspielte: Die Genossenschaftssiedlungen 

der Zwischenkriegszeit schreiben 

sich in die Blockrandviertel ein und beteiligen 

sich als ein konstituierender Faktor am Weiterbau 

der Stadt des 19. Jahrhunderts. 

Die Fügungsprinzipien des Blockrands, 

die sich in vielen Bildern von Andrea Helbling 

zeigen, geben etwas über den morphogenetischen 

Code der Stadt preis. Als Unregelmässigkeiten 

in dieser Struktur erscheinen etwa die 

freistehenden Baumeisterhäuser des 19.Jahrhunderts 

– für die späteren Erneuerungswellen 

eine leichte Beute, weil hier die Baulinie nicht 

vollständig ausgenutzt wird. Indem sie die 

Symptome dieses Verwertungsdrucks aufzeigt, 

unterscheidet sich Andrea Helbling in ihrer 

Arbeitsweise von den Inventaren bei Bernd 

und Hilla Becher. Zwar zeigt das fotografische 

Werk in beiden Fällen ein Interesse am Seriellen 

und Typisierten. Doch im Gegensatz zu den 

verklärenden Phänotypen der Bechers treten 

hier Massstabsprünge und unvorhergesehene 

Ereignisse in Erscheinung. Andrea Helbling 

beschäftigen «Häuser» in ihrer Bedingtheit – 

dann, wenn sie als Objekte von Zusatznutzungen 

und baulichen Eingriffe korrumpiert worden 

sind. Obwohl sie die jeweilige Konstellation mit 

einer eigenen Aura ausstattet, führt sie Gebäude 

innerhalb eines urbanen Dispositivs vor. Dem 

Universellen stehen Störungen, Unregelmässigkeiten, 

Improvisationen gegenüber, was wiederum 

die Gestaltungskraft dieser Ereignisse ins 

Bild rückt. Aus solcher Bewährung resultieren 

architektonische Metamorphosen – ein Thema, 

das bereits von Kevin Lynch, Aldo Rossi und O.M 

Ungers in den 1950er- und 1960er-Jahren aufgegriffen 

wurde. Diese Theoretiker suchten nach 

Alternativen zu Organisationsprinzipien der 

Nachkriegsmoderne wie Mobilität und Wachstum, 

weshalb sie die Stadt als eine gewachsene 

Umwelt entwarfen. Die damit zusammenhängenden 

Gestaltlogiken, für die Alltag, Repetition, 

Abschleifung, Umnutzung, Erneuerung eine 

Art Ökologie bilden, finden wir indirekt auch in 

Häuser und Konglomerate vor. 

Pluralismus, 

Identität, 

Geschichte 

Häufig thematisiert Andrea Helbling die Präsenz 

und Kommunikation eines Objekts im Strassenraum. 

Sie erinnert damit an Bildsequenzen, die 

Ed Ruscha sowie Denise Scott Brown und Robert 

Venturi in Los Angeles beziehungsweise in Las 

Vegas während der 1960er-Jahre herstellten. 

Nachdem Kevin Lynch die «Ablesbarkeit» der 

städtischen Umwelt gefordert hatte, ging es für 

Venturi Scott Brown dort um «Kommunikationssequenzen». 

Was angesichts der sprachlos 

gewordenen offiziellen Idiome von International 

Style und Brutalismus damals radikale Forderungen 

waren, sollte später in der postmodernen 

Architektur in Erfüllung gehen. Der im Manifest 

The Ugly and Ordinary as Symbol and Style von 

Venturi Scott Brown festgehaltene Anspruch, 

alltägliche Dissonanzen zuzulassen, gehört 

inzwischen zu den Allgemeinplätzen von Architektur 

und Stadtplanung. In einer bildgestützten 

Ökonomie kommen der Architektur strategische 

Kommunikationsaufgaben zu – so etwa wenn es 

um die Darstellung von «authentischen» Ortseigenschaften 

geht. 

Pluralismus, Identität, Geschichte sind 

heute feste Bestandteile professionellen Stadtmarketings, 

das Urbanität sichert und mediatisiert. 

Es ist gerade möglich, die Arbeit von 

Andrea Helbling hin zu Fragen der Identität 

zu öffnen: Welches Bild von sich selbst entwirft 

eine Stadt, die, nach einer längeren Periode 

der Stagnation, nach politisch-ökonomischen 

Blockaden, den eigenen Erfolg zelebriert? Lange 

Zeit mit dem Cliché der Verkrampftheit behaftet, 

ist es Zürich gelungen, ein «attraktives» Image 

weit über die Landesgrenzen hinauszutragen. 

Das damit verknüpfte Versprechen von Urbanität 

kann jedoch weniger als Basel oder Genf an 

alte Traditionen anknüpfen. Zusammen mit dem 

Kanton figuriert die Stadt zwar unbestritten als 

Schwergewicht der Schweizer Wirtschaft, aber 

in der Erscheinung des Geschäftszentrums 

drückt sich ihre Hegemonie kaum aus. Die Anzeichen 

auf diese erfolgreiche Positionierung 

bleiben weiterhin überaus diskret. Von der 

Verdrängung von Traditionsgeschäften durch 

Luxuslabels abgesehen, setzt sich die monokulturelle 

Erstarrung von Räumen wie Paradeplatz, 

Bahnhofstrasse und den angrenzenden Adressen 

fort. So erzeugen weite Teile der Innenstadt 

den Eindruck, Zürich folge über Tourismus, 

Shopping und als Ausgehdestination dem ehrgeizigen 

Fremdenverkehrs-Slogan des «World 

Class – Swiss Made». 

Zusammen mit dem Anstieg von Arbeitsplätzen 

in der aufgeblähten Dienstleistungsbranche 

deckt Zürich zunehmend entgrenzte 

Konsumbedürfnisse ab, die in immer ausgedehnteren 

Fussgängerzonen erfüllt werden. 

Eine Veränderung zeigt allenfalls deren Bespielung, 

wurde doch über Jahre die Innenstadt 

von den Sommer-Aktionen der City-Vereinigung 

infantilisiert: Kühe, Löwen oder übergrosse 

Blumentöpfe – jeweils in Plastik ausgeführt 

und mit individuell gesponsorter Bemalung – 

möblierten die Fussgängerzonen. Heute lässt 

sich jedoch eine Verlagerung der Bildsprache 

in Richtung Hochkultur ausmachen. Von Grossbanken 

gesponserte und professionell kuratierte 

künstlerische Interventionen übernehmen im 

öffentlichen Raum themengebende Aufgaben. 

Eine versteckt pädagogische Dimension hatte 

etwa die 2014 durchgeführte Aktion Zürich 

Maritim. Zur Reflexion sollte ein am Limmatquai 

aufgestellter alter Hafenkran aus Rostock 

anstiften – ein in die musealisierte Altstadt versetztes 

Ready Made aus dem real existierenden 

Sozialismus der DDR. Der Vintage-Effekt weckte 

nicht nur Konnotationen an die Ferne. Nach 

dem Wegzug der gesamten Maschinenindustrie 

aus der Schweiz hatte Zürich Maritim auch 

den Stellenwert einer industriegeschichtlichen 

Reminiszenz und kommentierte die gewandelte 

Identität der Stadt. 

Umschichtungen 

Was Transformationsprozesse angeht, gehört 

Zürich ganz vorn mit zu den Städten, deren 

Periferie unendlich interessanter ist als seine 

saturierte Innenstadt. Es ist gerade der Stadtrand, 

wo die in den vergangenen Jahrzehnten 

von Andrea Helbling festgehaltenen Texturen, 

Atmosphären und Morphologien mit spektakulären 

Investitionsdynamiken konfrontiert 

worden sind. Diese Entwicklungsschübe haben 

eine Nachfrage nach anderen Bildern von 

Stadt erzeugt. Darin spiegelt sich ein reflexiver 

Konsum von Urbanität, wie er für wohlhabende 

postindustrielle Städte wie Zürich typisch ist. 

Wie beim Hafenkran kann sich solcher 

Konsum durch Atmosphären-Recycling auszeichnen, 

kann sich im Rahmen der Gentrifizierung 

aber auch ganze Stadtteile aneignen. 

Inzwischen spiegelt sich die Ausdifferenzierung 

touristischer Bedürfnisse darin, dass auch 

Abschleifen, 

Arrangieren, 

Umkodieren – 

Zürichs 

Transformation 

André Bideau 

Städte verändern sich in der Regel in Zyklen. 

Unterschiedliche Faktoren tragen dazu bei, dass 

sie verdichtet, ausgedünnt, zerstört, neu lanciert 

werden. In diesem Prozess werden Bilder des 

Urbanen gesucht, formuliert und transportiert. 

Vorhandenes wird dabei zu Geschichte. Was vor 

zwanzig Jahren alltäglich unspektakulär war, 

vor sich hin existierte, ist in der Zwischenzeit 

eine Seltenheit, besteht in vielen Fällen nicht 

mehr und wird gerade deshalb zum Gegenstand 

einer Verklärung. Solcher Wandel ruft unterschiedliche 

Interpretinnen und Interpreten auf 

den Plan. Dazu gehört auch Andrea Helbling, die 

während bald dreier Jahrzehnte Mietshäuser, 

Gewerbebauten, Tankstellen dokumentiert hat. 

Als Resultat dieser Sichtung der urbanen Landschaft 

ist die inoffizielle Chronik eines Umbaus 

zur postindustriellen Stadt entstanden. 

Seit den 1980er-Jahren hat die Entwicklung 

zur Dienstleistungsgesellschaft, das heisst, die 

Tertiärisierung Zürichs Ränder einer radikalen 

Verwertung ausgesetzt. Ein Entwicklungsschub 

hat dort grösstenteils spekulativ entstandene 

Bebauungen aus dem 19. und 20. Jahrhundert 

überrollt. Während Veränderungen am Zentrum 

Zürichs mehrheitlich abprallten, haben Abriss, 

Sanierung, Ergänzung die Semantik der noch 

vorhandenen vorstädtischen Bebauungen verändert. 

Im Verlauf dieser Evolution erfuhr der 

urbane Raum eine Umkodierung, die sich vor 

allem im Stadtteil Aussersihl beschreiben lässt. 

Dort deckt die Arbeit Häuser und Konglomerate 

den Zeitraum ab, in dem dieser Prozess stattfand 

und an dessen Ende die Gentrifizierung steht. 

Wie der Name andeutet, erwies sich im 19. 

Jahrhundert die Lage ausserhalb, hinter der Sihl, 

dem zweiten Zürcher Fluss, konstituierend für 

den Charakter dieser Gegend. Ihre Verarmung 

als Industrie- und Proletariergürtel war 1893 ein 

Hauptgrund für die Eingemeindung, die Zürich 

mit einem Schlag in eine Grossstadt verwandelte. 

Als Andrea Helbling ihre Kamera auf Aussersihl 

zu richten begann, hatte der Stadtteil seine 

Vergangenheit als Arbeiterbezirk mehr oder 

weniger hinter sich. In den 1980er-Jahren hatte 

eine Entwicklung eingesetzt, bei der seine Liegenschaften 

zum zweiten Mal zum Gegenstand 

der Spekulation wurden. Unter diesem Druck 

entstanden Neubauten und Hybride, Konglomerate 

eben, für deren Verrenkungen Andrea 

Helbling eine eigene Sensibilität entwickelt hat, 

indem sie groteske Massstabsprünge, absurde 

Nachbarschaften und bodenlose Hässlichkeiten 

in Kompositionen überführt. 

Das vorausgeahnte 

Verschwinden 

Eine hypertrophe Bauspekulation war die Folie, 

vor der die Zürcher Hausbesetzerszene in Aussersihl 

ihren Kampf gegen Wohnungsnot und 

Stadtzerstörung begonnen hatte. Inzwischen

Die Zürcher Architekturfotografin Andrea Helbling fotografiert seit 1993 in ihrer Heimatstadt 

ausgewählte Häuser. Es sind diejenigen Bauten, die «bar jeder Exotik» sind, 

wie es die Literaturkritikerin Beatrice von Matt formuliert. Wir übersehen sie, finden 

sie vielleicht hässlich – und doch bilden auch sie das Gesicht der Stadt. 

Dieses Buch präsentiert erstmals Helblings Schwarz-Weiss-Fotografien in einer grossen 

Auswahl. Die Bilder befragen Zürichs unauffällige Gebäude nach ihrem architektonischen 

und städtebaulichen Stellenwert, nach ihrem Charakter, ihrer Emotionalität und 

machen einen historischen Transformationsprozess sichtbar. 

Beatrice von Matt betrachtet Helblings Häuser aus der Perspektive der Spaziergängerin 

und zeigt die Verbindung zu Stadtmotiven in der Literatur auf. Der Architekturkritiker 

André Bideau legt die Entwicklung von Zürichs Architektur, Infrastruktur und den 

ökonomischen Druck auf die Bauten dar. Nadine Olonetzky ordnet Helblings Langzeitprojekt 

in die Geschichte der Architekturfotografie ein. 


200 auffällig unauffällige Gebäude 

in der Stadt Zürich 

Ein Porträt Zürichs, wie es bislang 

noch keines gab 

Ein weit gefasster Blick auf Zürich 

abseits der Postkartenidylle 

Eine fotografische Erkundung 

der Stadtentwicklung 

Andrea Helbling 

Vertreter der Gattung Haus 

Die erste Monografie zum Werk 

der Fotografin Andrea Helbling 

Zürich 1993 –2016 

Mit Beiträgen von 

André Bideau, Beatrice von Matt 

und Nadine Olonetzky 


Gebunden 

ca. 280 Seiten, ca. 200 sw 

Abbildungen 

ca. 23 × 28 cm 

978-3-85881-516-3 Deutsch 

ca. sFr. 69.– | € 68.– 


Andrea Helbling, geboren 1966, 

studierte Fotografie an der Hochschule 

für Gestaltung und Kunst 

Zürich (heute ZHdK). Seit 1995 

ist sie als freischaffende Architekturfotografin 

tätig. 

André Bideau ist Architekturkritiker, 

-theoretiker und Dozent mit 

Lehrtätigkeit an verschiedenen 

Universitäten und Architekturschulen 

in Europa und den USA. 

Beatrice von Matt, bis 1995 

Feuilletonredaktorin der Neuen 

Zürcher Zeitung, ist freie Autorin 

und Literaturkritikerin. 

Nadine Olonetzky schreibt für 

die NZZ am Sonntag über Fotografie 

und ist Lektorin im Verlag 

Scheidegger & Spiess. 

ISBN 978-3-85881-516-3 

9 783858 815163

49 

7

Alfons Rohrer (1925–1998) war Wirt im Gasthaus Bahnhof in Sachseln, einer klassischen 

Schweizer Dorfbeiz. Zugleich war er auch ein begabter und unermüdlicher Fotograf, 

sodass sich in seinem Nachlass rund 14000 Diapositive befinden. Nicht das 

künstlerische Bild war Rohrers Ziel, sondern das Festhalten von Eindrücken, Momenten 

und Situationen, vom Vergänglichen quasi für immer. Die Aufnahmen bezeugen 

seine Begeisterung für das Motiv, seine Freude über die jeweiligen Begegnungen und 

Ereignisse. Die gezeigten Posen sind aus einer anderen, einer prädigitalen Zeit, als man 

sich noch geehrt fühlte, ein Bild wert zu sein. 

Die in diesem Buch zusammengetragenen Aufnahmen, Dokumente aus mehr als fünf 

Jahrzehnten eines Dorflebens, lösen beim Betrachter unmittelbar ein nostalgisches Gefühl 

aus und laden zur Auseinandersetzung mit der persönlichen Vergangenheit und 

den eigenen Erinnerungen ein. 


Ein Stück wiederentdeckte Heimat: 

die Fotografien eines Dorfwirts 

Alfons Rohrer – Heimat 

Ein Fotoalbum 

Präsentiert erstmals das Werk 

des Amateurfotografen Alfons 

Rohrer 

Zeigt über mehrere Jahrzehnte 

das ländliche Leben im Herzen 

der Schweiz vom Standpunkt des 

Gastwirts, einer Schlüsselfigur 

des Dorflebens 

Eine Einladung, sich mit persönlicher 

Vergangenheit und eigener 

Erinnerung auseinanderzusetzen 


Heinz Anderhalden 


Martina Clavadetscher und 

Sylvie Henguely 

Gestaltet von Heinz Anderhalden 

Gebunden 


Abbildungen 

ca. 16,6 × 22,8 cm 

978-3-85881-539-2 

Deutsch / Französisch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 

Erscheint im Januar 2017 

Heinz Anderhalden, geboren 1981 

in Sarnen, bildete sich an der 

Hochschule der Künste in Bern 

zum Grafikdesigner aus. Lebt und 

arbeitet nach Aufenthalten u.a. in 

Paris seit 2011 wieder als selbstständiger 

Grafiker in Sarnen. Seit 

2012 hat er den fotografischen 

Nachlass seiner Grossvaters Alfons 

Rohrer aufgearbeitet. 

Martina Clavadetscher, geboren 

1979, studierte Germanistik, Linguistik 

und Philosophie. Lebt seit 

2006 als Dramatikerin und Kolumnistin 

für das Schweizer Radio 

SRF in der Zentralschweiz. 2014 

erschien ihr erster Roman Sammler. 

ISBN 978-3-85881-539-2 

Sylvie Henguely, geboren 1968, 

studierte Kunstgeschichte, Romanistik 

und Anglistik. Sie arbeitete 

u.a. am Musée de l’Elysée in Lausanne, 

am Institut suisse pour la 

conservation de la photographie 

(ISCP) in Neuchâtel und 2001– 

2016 für die Fotostiftung Schweiz 

in Winterthur. 

9 783858 815392

Walter Mittelholzer (1894–1937), Flugpionier und einer der Mitbegründer der Swissair, 

ist vor allem als grossartiger Luftfotograf bekannt. Insbesondere seine Aufnahmen 

der Schweizer Alpen sind bis heute vielfach präsent. Weniger bekannt sind Mittelholzers 

Flugexpeditionen ins Ausland, mit denen er sich auch als gewiefter Medienunternehmer 

erwies. Die Bilder seiner Reisen nach Spitzbergen, ins damalige Persien oder 

Abessinien vermarktete er auf allen Kanälen: in Büchern, Filmen und in der Presse. 

Der Durchbruch gelang Mittelholzer mit dem Afrikaflug 1926/27 im Wasserflugzeug 

Switzerland von Zürich nach Kapstadt. Mittelholzers Flüge wurden von wichtigen Industriellen 

und Bankiers jener Zeit finanziell unterstützt und hatten die erklärte Absicht, 

die Luftfahrt in der Schweiz populär zu machen. 

Der neue Band der Reihe Bilderwelten betrachtet Mittelholzers Medienproduktionen 

neu. Über 200 herausragende Bilder aus seinem Archiv werden wieder von einem 

ausführlichen Einführungsessay begleitet, der nach dem Afrikabild des Flug- und 

Foto pioniers fragt und erzählt, wie die Swissair vor einer weitgehend kolonialistischen 

Kulisse abhob. 



Die Welt im Taschenformat 

Die Postkartensammlung 

Adolf Feller 

978-3-85881-339-8 

Swissair Souvenirs 

Das Fotoarchiv der Swissair 

978-3-85881-359-6 

Forschung im Fokus 

Wissenschaftsfotografie aus 

dem Bildarchiv der ETH-Bibliothek 

978-3-85881-395-4 

Swissair Luftbilder 

Das Luftbildarchiv der Swissair 

978-3-85881-429-6 

Fotomosaik Schweiz 

Das Archiv der Pressebildagentur 

Comet Photo AG 

978-3-85881-465-4 

Ferne Länder aus der Luft: der Flugpionier 

Walter Mittelholzer als Medienunternehmer 

Kaspar Surber 

Walter Mittelholzer revisited 

Zeigt eine grosse Auswahl herausragender 

Bilder von Walter 

Mittelholzers Flugexpeditionen 

in ferne Länder 

Der Text stellt Mittelholzers 

Wirken als Fotograf und Medienunternehmer 

in den Kontext 

der Zeit und fragt nach dessen 

Afrikabild 

Aus dem Fotoarchiv von Walter Mittelholzer 

Bilderwelten. Fotografien aus 

dem Bildarchiv der ETH-Bibliothek, 

Band 6 


Michael Gasser und Nicole Graf 


Gestaltung 

Gebunden 


Abbildungen 

20 × 26 cm 

978-3-85881-543-9 

Deutsch / Englisch 

ca. sFr. 59.– | € 58.– 

Michael Gasser ist Leiter der 

Archive der ETH-Bibliothek in 

Zürich. 

Nicole Graf ist Leiterin des Bildarchivs 

der ETH-Bibliothek in 

Zürich. 

Kaspar Surber ist stellvertretender 

Redaktionsleiter Kultur der 

Schweizer Wochenzeitung WOZ 

und Redaktor beim Ostschweizer 

Kulturmagazin Saiten. 


ISBN 978-3-85881-543-9 

9 783858 815439

Thomas Kern, geboren 1965, gehört zu den herausragenden Schweizer Reportagefotografen. 

Seit 1997 fotografiert er immer wieder in Haiti – ausschliesslich analog und in 

Schwarz-Weiss. Entstanden ist ein beeindruckender Fotoessay, der ein differenziertes 

und emotional ergreifendes Bild des Karibikstaats entwirft. Seit seiner hoffnungsvollen 

Gründung durch aufständische Sklaven 1804 wird Haiti immer wieder von politischen 

und sozialen Krisen sowie von Erdbeben heimgesucht. Kern porträtiert das Land mit 

all seinen Sonnen- und Schatten seiten – und zeigt ein Leben jenseits der Schreckensmeldungen, 

welche die Berichterstattung dominieren. 

Dieses vierteilige Buch präsentiert mit einer Auswahl aus Thomas Kerns Langzeitprojekt 

die ewigen Befreiungsversuche der Haitianer aus ihrer Not – und einen lebensprallen 

Alltag. Der Bildteil wird begleitet von drei Heften (jeweils in Deutsch, Englisch 

und Kreolisch): sachkundige Texte des Fotografen, die Innensicht auf Kultur und 

Si tuation Haitis von der angesehenen haitianischen Schriftstellerin Yanick Lahens und 

die Aussensicht auf Politik und Geschichte des Landes vom Schweizer Publizisten 

Georg Brunold. 


Himmel und Hölle auf Erden 

Haiti 

Die endlose Befreiung 

Eine einmalig umfassende 

Darstellung des Lebens und der 

Kultur der Menschen auf Haiti 

Erste Publikation von Thomas 

Kerns Haiti-Fotoprojekt 

Erscheint zur gleichnamigen 

Ausstellung in der Fotostiftung 

Schweiz in Winterthur (bis 19. Februar 

2017) 

Fotografien von Thomas Kern 


Georg Brunold, Thomas Kern 

und Yanick Lahens 


Gestaltung 

Vier Teile im Schuber, Broschur 

Total 628 Seiten, 1 farbige und 


11 × 16,5 cm 

978-3-85881-515-6 

Deutsch / Englisch / Kreolisch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Lieferbar 

Haiti · Die endlose Befreiung 

Haiti · The Perpetual Liberation 

Haiti 

Die endlose Befreiung 

Haiti 

texte zu 

The 

den Fotografien 

Perpetual Liberation 

von Thomas Kern 

ayiti 

texts accompanying 

Liberasyon 

the Photographs 

pou tout 

by Thomas Kern 

tan gen tan 

ayiti · Liberasyon pou tout tan gen tan 


tèks pou imaj Thomas Kern yo Haiti · The Perpetual Liberation 



Thomas Kern publiziert seine 

Fotografien in renommierten 

Zeitungen, Zeitschriften und Fotomagazinen 

und wurde u. a. mit 

dem World Press Photo Award und 

dem Swiss Press Photo Award ausgezeichnet. 

Georg Brunold ist freier Publizist. 

Er war u.a. Afrikakorrespondent 

der Neuen Zürcher Zeitung und 

als stellvertretender Chefredaktor 

des Du verantwortlich für die Ausgabe 

Nr. 680 über Haiti, die in 

Zusammenarbeit mit Thomas Kern 

entstand. 

Yanick Lahens lebt und arbeitet als 

Schriftstellerin und Radiomoderatorin 

in Port-au-Prince. 2014 

wurde sie mit dem französischen 

Literaturpreis Prix Fémina ausgezeichnet, 

2015 mit dem Prix 

Joseph D. Charles. 

ISBN 978-3-85881-515-6 

9 783858 815156

Bushaltestellen, Toilettenhäuschen, Briefkästen, Tankstellen: Beiläufig nehmen wir sie 

wahr, nutzen sie, vergessen sie sofort wieder. In der kleinen Schweiz ist die Landschaft 

gespickt mit Objekten, die bestimmten Zwecken dienen, mit Bänken, Schildern, Telefonzellen 

etwa. Das grosse Amerika ist unverbauter und viel weitläufiger, doch auch dort 

ist die Landschaft unter Druck, von Strassen durchschnitten und voller industriell gefertigter 

Gegenstände. 

Der Fotograf Roland Iselin hat auf seinem Unguided Road Trip durch die Schweiz und 

durch Amerika, seine zweite Heimat, viele gemeinsame Motive gefunden: Kuhgatter, 

Schützenhäuser, Gedenkkreuze für Verkehrsopfer, Rastplätze. Und weil die Möblierung 

einer Landschaft nicht zufällig ist, ist sie auch Zeichen für den Zustand einer Gesellschaft. 

Über Iselins Bilder werden Werte und Ideale sowie der verhaltenssteuernde 

Charakter aller gestalteten Orte sichtbar. 


Robidog und Gasoline Station – die Schweiz 

und die USA im Doppelporträt 

Eine fotografische Feldstudie 

zur Gestaltung von Landschaften 

und Lebensräumen 

Die USA und die Schweiz im 

Doppelporträt mit spezifischer 

Perspektive 

Erste Monografie über Roland 

Iselins Projekt zur Möblierung 

der Landschaft 

Roland Iselin – Unguided Road Trip 

Herausgegeben und mit Texten 

von Nadine Olonetzky 

Gestaltet von Katarina Lang 

Gebunden 


Abbildungen 

ca. 25,5 × 24 cm 

978-3-85881-517-0 


ca. sFr. 49.– | € 48.– 


Roland Iselin, geboren 1958 in 

Kreuzlingen, studierte an der Fotoklasse 

der Zürcher Hochschule der 

Künste ZHdK und an der School 

of Visual Arts in New York. Seine 

Fotografien sind in Ausstellungen 

zu sehen und in mehreren Kunstsammlungen 

vertreten. 

Nadine Olonetzky, geboren 1962 

in Zürich, schreibt u. a. für die 

NZZ am Sonntag über Fotografie 

und ist Lektorin im Verlag Schei d - 

egger & Spiess. 

ISBN 978-3-85881-517-0 

9 783858 815170

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31 

First of all, it was the name of the city, and second, the 

vague notion of what it might look like, that motivated me 

to travel to Bilbao for the first time in 1988. Having just 

completed my photography training and hardly seen anything 

of the world, I longed to travel and go on an adventure. 

Since my budget was extremely modest, I had no 

alternative but to seek out places that were both exotic 

and practically on my own doorstep, namely in Europe. 

Equipped with an old Nikon and a few black-and-white films, I set out to the Basque 

region. Eventually, the train and bus journey would make me feel like I was on a trip 

around the world. 

My first tours of Bilbao and its industrial zones can only be described as extremely 

disturbing. Never before in my young life had I seen anything like it: the smoking 

and fire-spewing chimneys of the furnaces, the slowly rusting freighters in the oily 

slurry of the Ria, and densely stacked, dilapidated, and soot-covered apartment 

blocks, which, as I noticed with shock, were actually still inhabited. What I saw there 

had nothing at all to do with my quaint little homeland, although looking at the undulating 

green of the surrounding countryside, it reminded me of the Alpine foothills. 

But the landscape similarities only served to confuse my senses all the more. 

Naturally, to me this scenery was at least as fascinating as it was intimidating. 

The industrial plants, which resembled the gates of hell, were one aspect, while the 

nocturnal activities of the Basque nationalists and left-wing radicals were another. 

As soon as darkness descended, when the shops closed in the Old Town, the 

Casco Viejo became their domain. Basque punk and ska music boomed from the 

bars, which were wallpapered in ETA propaganda posters. As soon as a few of the 

boys had had enough to drink, they would set out to provoke 

the policemen stationed nearby, who in turn seemed merely 

to have been waiting for an opportunity to fire their rubber 

bullets in the direction of the bars. 

By the end of my first Bilbao trip I knew I would be coming back 

as soon as I could. I had the sense of having stumbled upon a 

priceless treasure perfectly suited to me: a city that interested 

no one, no foreign photographers far and wide, leaving the 

whole playing field to me. It was a good job, too, because I was 

convinced that I could learn about real photography there. 

The aim of my next visits was to gain an insider perspective of 

the city and its surrounding region, which required contacts 

with the locals and the odd permit. For instance, I was desperate 

to visit the Altos Hornos de Viscaya, the gigantic furnaces 

of Sestao. To my surprise, that posed no problem, and 

in 1997 it was equally simple to get permission to photograph the Guggenheim Museum 

building site. The museum’s construction marked the beginning of a new era 

in Bilbao. The city’s spectacular calling card was built according to a bold design by 

bilbao 

Roger Wehrli 

Zum einen war es der Name der Stadt, zum andern die vage Vorstellung davon, wie 

es dort aussehen könnte, was mich 1988 zu meiner ersten Bilbao-Reise veranlasste. 

Eben erst die Fotografenausbildung beendet, noch kaum etwas von der Welt 

gesehen, dürstete es mich nach Reisen und Abenteuern. Da mein Budget äusserst 

bescheiden war, blieb mir nichts anderes übrig, als die Exotik quasi vor der Haustüre 

zu entdecken, also in Europa. 

Ausgerüstet mit einer alten Nikon und ein paar Schwarz-Weiss-Filmen machte ich 

mich auf den Weg ins spanische Baskenland. Die Anreise mit Zug und Bus gab mir 

letztendlich doch das Gefühl, eine kleine Weltreise unternommen 

zu haben. 

Die ersten Rundgänge durch Bilbao und seine Industriezonen 

waren zutiefst verstörend. Nie zuvor in meinem jungen 

Leben hatte ich etwas Derartiges gesehen. Die rauchenden 

und Feuer speienden Kamine der Hochöfen, die 

in der öligen Kloake der Ria vor sich hin rostenden Frachtschiffe, 

dicht an dicht stehende heruntergekommene, 

russgeschwärzte Mietskasernen, die zu meinem Entsetzen tatsächlich noch bewohnt 

waren. Was ich hier zu Gesicht bekam, hatte mit meiner putzigen Heimat so 

gar nichts gemein. Wenn ich jedoch das hügelige grüne Umland betrachtete, fühlte 

ich mich an eine Gegend in den Voralpen erinnert. Aber diese landschaftliche Ähnlichkeit 

verwirrte meine Sinne nur noch mehr. 

Natürlich faszinierte mich dieses Szenario mindestens so sehr, wie es mich einschüchterte. 

Die an eine Höllenpforte gemahnende Industrie war das eine, die nächtlichen Aktionen 

der baskischen Nationalisten und Autonomen das andere. Mit Einbruch der 

Dunkelheit, wenn die Geschäfte in der Altstadt schlossen, wurde der Casco Viejo 

zu ihrem Hoheitsgebiet. Aus den mit ETA-Propagandaplakaten tapezierten Bars 

dröhnte baskischer Punk und Ska, und wenn einige der Jungs genug getrunken 

hatten, zogen sie los, um die in der Nähe stationierten Polizisten zu provozieren. 

Die schienen nur darauf zu warten, ihre Gummigeschosse in Richtung der Bars abfeuern 

zu können. 

Am Ende meiner ersten Bilbao-Reise wusste ich, dass ich so schnell wie möglich 

zurückkehren würde. Ich hatte das Gefühl, auf einen kostbaren Schatz gestossen 

zu sein, wie gemacht für mich. Eine Stadt, für die sich niemand 

interessierte, kein ausländischer Fotograf weit breit, ich hatte 

die ganze Spielwiese für mich alleine. Das war auch gut so, 

denn ich war überzeugt, dass ich hier das wirkliche Fotografieren 

erlernen konnte. 

Ziel meiner nächsten Besuche war, eine Innenansicht der 

Stadt und ihres Umlands zu erlangen. Das erforderte Kontakte 

zur Bevölkerung und die eine oder andere Genehmigung. 

So wollte ich unbedingt die „Altos Hornos de Viscaya“ 

besuchen, die gigantischen Hochöfen von Sestao. Zu meiner 

Überraschung war das kein Problem. Ebenso verhielt es sich 

mit der Bewilligung für das „Guggenheim-Museum“, dessen 

Baustelle ich 1997 fotografieren durfte. Der Bau des Museums 

markierte den Beginn einer neuen Epoche in Bilbao. Auf 

dem seit Jahren brachliegenden Grundstück der „Euskalduna-Werft“ 

entstand nach den kühnen Plänen Frank Gehrys das spektakuläre Aushängeschild 

der Stadt. Eine rege Bautätigkeit erfasste das Stadtzentrum. Moderne 

Glaspaläste reckten sich immer höher in den Himmel, eine Untergrundbahn ersetzte 

Bilbao 1994 

Bilbao 1988 Die Eröffnung der Eisenbahnlinie, welche Bilbao mit den Hochöfen in Sestao 

und den Eisenerzminen in Gallarta verband, markiert im Jahre 1857 den Beginn des industriellen 

Zeitalters. / In 1857, the opening of the railway line connecting Bilbao to the furnaces 

in Sestao and the iron ore mines in Gallarta marked the beginning of the industrial age. 

Zwischen 1880 und 1890 wuchs die Bevölkerung Bilbaos von 10 000 auf 

80 000 Einwohner. / Between 1880 and 1890, the population of Bilbao 

grew from 10,000 to 80,000 inhabitants. 

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Bilbao 1993 

Bilbao 1997 

Bilbao 1999 Ein regnerischer Nachmittag im Geschäftsviertel. 

/ A rainy afternoon in the business quarter. 

29

Bilbao, die baskische Metropole, galt in den 1980er-Jahren noch als die wohl schmutzigste 

Stadt Spaniens. 1993 begann eine radikale Neuorientierung weg von der Industrie- 

und hin zur Dienstleistungs- und Kulturstadt. Architekten von Weltruf wie Santiago 

Calatrava, Norman Foster oder Frank O. Gehry wurden beauftragt, ikonische 

Bauwerke zu schaffen. Besonders Gehrys Guggenheim-Museum war als Aushängeschild 

des modernen Bilbao gedacht. Und tatsächlich gelang es, die Stadt zu einem neuen 

kulturellen Zentrum Spaniens aufblühen zu lassen – Bilbao hat die Chance seiner Krise 

genutzt. Die industrielle Vergangenheit ist jedoch nach wie vor sicht- und spürbar und 

verleiht dem Ort seinen eigentümlichen Charme. 

Der Schweizer Fotograf Roger Wehrli hat zwischen 1988 und 2014 den Wandel und die 

Neuerfindung Bilbaos in einem Langzeitprojekt fotografisch dokumentiert. Seine 

Schwarz-Weiss-Bilder erzählen diese spannende und besondere Geschichte, die als Beispiel 

für viele andere Industriestädte Europas gelten kann. 


Vom Industriemoloch zur Kulturhauptstadt – 

die Geschichte eines urbanen Wandels 

Roger Wehrli – Bilbao 

Bilbao gehört heute zu den 

meistbesuchten Städten Europas 

Eine Langzeitdokumentation von 

Bilbaos beispielhaftem Wandel 

von einer Industrie- zu einer 

Dienstleistungs- und Kulturstadt 

Präsentiert erstmals umfassend 

Roger Wehrlis Bilbao-Projekt 

Fotografien seit 1988 

Mit Beiträgen von Roger Wehrli 

und Ibon Zubiaur 

Gestaltet von 2xGoldstein 

Gebunden 

160 Seiten, 80 sw Abbildungen 

17 × 24 cm 

978-3-85881-535-4 


sFr. 39.– | € 38.– 


Roger Wehrli, geboren 1965, lebt 

und arbeitet als freischaffender 

Fotograf im schweizerischen Baden. 

Sein Arbeitsschwerpunkt sind 

Reportagen und Dokumentationen 

sowie Porträts. Seine Fotografien 

erscheinen in verschiedenen Zeitungen 

und Zeitschriften, u.a. in 

Neue Zürcher Zeitung, Sonntagszeitung, 

Der Bund, Die Weltwoche, 

Chrismon. 

Ibon Zubiaur, geboren 1971 in 

Getxo bei Bilbao, lebt als Autor 

und Übersetzer in Berlin. 2008– 

2013 war er Leiter des Instituto 

Cervantes in München. Er übersetzte 

zahlreiche klassische und 

neuere deutsche Autoren ins Spanische. 

2015 erschien sein Buch Wie 

man Baske wird. Über die Erfindung 

einer exotischen Nation. 

ISBN 978-3-85881-535-4 

9 783858 815354

Dhaka, die Hauptstadt von Bangladesch, ist eine der grössten Metropolen der Welt – 

und ein Theater des Absurden. Die einstige, gelegentlich als «Venedig des Ostens» bezeichnete 

Gartenstadt verabschiedete sich durch das rapide Bevölkerungswachstum von 

rund 400 000 im Jahr 1950 auf geschätzte 16,8 Mio. Einwohner 2015 von jeglicher 

Ordnung oder Nachhaltigkeit. Gläserne Wolkenkratzer und Luxusautos wecken ein 

Trugbild, hinter dem sich faszinierende Schicksale und unentdeckte Realitäten verbergen. 

Die Fotografien des Architekten Kashef Chowdhury sind Skizzen des Lebens in den 

dunklen Gassen und an unzugänglichen Flussufern, aufgenommen aus der Rikscha oder 

von Hausdächern herab, mitten in der Nacht oder im stärksten Monsunregen. Das 

Streiflicht eines Transporters, derart getarnt vor Dieben, dass er kaum sichtbar ist. Eine 

Frau wäscht und trocknet Plastikplanen zum Wiederverkauf. Arbeiter liegen spätmorgens 

wie leblos in den Strassen. Ein blinder Sänger singt geheimnisvolle Liebeslieder. 

Die 35 ausdrucksstarken Fotografien Chowdhurys ergeben eine bedrückende Spurensuche 

nach existenzialistischen Manifestationen des Lebens. 


Die Stadt Dhaka in Fotografien 

des Architekten Kashef Chowdhury 

Dhaka 

Ein sehr persönlicher Blick auf 

eine der grössten Metropolen 

der Welt in bisher unveröffentlichten 

Fotografien 

Kashef Chowdhury ist einer der 

bekanntesten Architekten Südasiens 

Memories or Lost 

Fotografien und Text von 

Kashef Chowdhury. Mit einem 

Interview von Philip Ursprung 

Gestaltet von Bruno Margreth 

Gebunden 


Abbildungen 

ca. 24 × 32 cm 

978-3-85881-787-7 Englisch 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 

Kashef Chowdhury führt in Dhaka 

sein Architekturbüro URBANA, 

das seit 1995 ein international viel 

beachtetes und preisgekröntes 

Werk geschaffen hat. Sein Friendship 

Centre in Gaibandha, Bangladesch, 

wurde auf der Architekturbiennale 

von Venedig 2016 

ausgestellt und mit dem Aga Khan 

Architecture Award 2016 ausgezeichnet. 

Erscheint im Februar 2017 

ISBN 978-3-85881-787-7 

9 783858 817877

Day after Reading beschäftigt sich mit unserem heutigen Medienkonsum, mit der Art, 

wie wir Informationen aufnehmen und verarbeiten. Von September bis Dezember 2016, 

während der heissen Endphase des Wahlkampfs bis unmittelbar nach den Präsidentschaftswahlen 

in den USA, bereiste der Schweizer Buchgestalter Ludovic Balland die 

Vereinigten Staaten. Zusammen mit der US-Journalistin Dasha Lisitsina hält er Hoffnungen 

und Erwartungen, aber auch Auswirkungen dieses politischen Grossereignisses 

fest und zeichnet ein detailreiches Porträt der amerikanischen Wählerinnen und Wähler. 

Interviews und Fotoporträts beziehen amerikanische Bürger verschiedenster sozialer 

und geografischer Herkunft mit ein, von gewöhnlichen Amerikanern über Personen des 

öffentlichen Lebens bis zu Prominenten aller Art. Day after Reading entwirft eine neue 

personalisierte Art, das Tagesgeschehen zu dokumentieren und zu konsumieren, in 

Zeiten des Überlebenskampfs der traditionellen Medien. Die Nachrichten werden in 

ein Verhältnis zum persönlichen Erleben gesetzt und im Alltag des Konsumierenden 

verankert. Das Projekt bedient sich verschiedener Kanäle: Zeitungsberichterstattung, 

Online-Präsenz, Video- und Audioaufnahmen. Das Buch sowie eine Ausstellung präsentieren 

das gesammelte Material. 


Wie erleben wir das aktuelle Geschehen 

und formen daraus persönliche Erinnerungen? 

Day after Reading 

Eine völlig neuartige Perspektive 

auf die heutige Medienlandschaft 

und unsere Medienrezeption 

Eine einzigartige Dokumentation 

der kontroversen US-Präsidentschaftswahlen 

Ein Archiv amerikanischer Alltagsund 

Medienkultur 

A Road Trip across the United States during the 2016 Election 


Ludovic Balland 

Mit einem Beitrag von 

Dasha Lisitsina. Fotografien 

von Ludovic Balland 

Gestaltet von Ludovic Balland 

Typography Cabinet 

Ludovic Balland, geboren 1973 in 

Genf, ist ein vielfach ausgezeichneter 

Grafikdesigner mit einem Fokus 

auf Typografie und Schriftsatz. 

Er erarbeitet Gesamtkonzepte für 

Publikationen und unterrichtet an 

verschiedenen Kunstschulen und 

Universitäten. 

Gebunden 



ca. 22 × 28 cm 

978-3-85881-788-4 Englisch 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 


ISBN 978-3-85881-788-4 

9 783858 817884

Das Medium Film spielt im Schaffen vieler zeitgenössischer Künstler eine wichtige 

Rolle. Sie gestalten damit nicht nur ihre Werke, sondern lassen sich auch vom Prozess 

und den Produktionsbedingungen von Filmen inspirieren. Umgekehrt hegen Filmschaffende 

ein besonderes Interesse für die bildende Kunst und ihre Schöpfer. Künstlerporträts, 

Biopics sowie Werkdokumentationen finden immer wieder ein grosses Publikum, 

und die Filme prägen auch die öffentliche Wahrnehmung von bildenden Künstlern. 

Cinéma mon amour handelt von dieser wechselseitigen Faszination von Kunst und 

Film und knüpft damit an die gleichnamige Ausstellung im Aargauer Kunsthaus sowie 

das Filmprogramm Art mon amour an den Solothurner Filmtagen 2017 an. Das Buch 

präsentiert Werke internationaler Künstler, die sich mit unterschiedlichen Aspekten von 

Kino und Filmschaffen auseinandersetzen. Die Vielfalt der Medien, auf welche die 

Künstler zurückgreifen, zeigt, dass die Beschäftigung mit dem Thema weit über das eigentliche 

Genre hinausreicht: Zeichnung, Malerei, Fotografie und Skulptur sind ebenso 

vertreten wie Video- und Filmarbeiten. Dieses grosszügig bebilderte Buch spürt in sechs 

thematischen Schwerpunkten der Anziehung nach, die Film und Kino auf uns ausüben. 


Die Liebesgeschichte 

zwischen Kunst und Kino 

Cinéma mon amour 

Kino in der Kunst 

Eine reich illustrierte Betrachtung 

der Wechselbeziehung zwischen 

zeitgenössischer bildender Kunst 

und Filmschaffen 

Präsentiert eine grosse Auswahl 

von Werken schweizerischer und 

internationaler Künstlerinnen 

und Künstler 

Begleitet die Ausstellung 

Cinéma mon amour im Aargauer 

Kunsthaus, Aarau (22. Januar bis 

17. April 2017) und das Spezialprogramm 

Art mon amour im 

Rahmen der 52. Solothurner Filmtage 

(19. bis 26. Januar 2017) 


Madeleine Schuppli und dem 

Aargauer Kunsthaus, Aarau 

Mit Beiträgen von Yasmin Afschar, 

Erika Balsom, Jenny Billeter, 

Steven Cairns, Vinzenz Hediger, 

Simon Koenig und Madeleine 

Schuppli 

Madeleine Schuppli, geboren 1965, 

ist Kunsthistorikerin und seit 2007 

Direktorin des Aargauer Kunsthauses, 

Aarau. Davor war sie 

1996–2000 Kuratorin an der 

Kunsthalle Basel und 2000–2007 

Direktorin des Kunstmuseums 

Thun. 

Gestaltet von NORM 

Broschur 

224 Seiten, 140 farbige 

Abbildungen 

26,4 × 19,8 cm 

978-3-85881-541-5 


sFr. 49.– | € 48.– 

Erscheint im Januar 2017 

Zeigt Werke von Martin Arnold, Fiona Banner, Marc Bauer, Pierre Bismuth, 

Candice Breitz, Janet Cardiff & George Bures Miller, collectif_fact, 

ISBN 978-3-85881-541-5 

Stan Douglas, Thomas Galler, Christoph Girardet & Matthias Müller, 

Teresa Hubbard / Alexander Birchler, Samson Kambalu, Daniela Keiser, 

9 783858 815415 

Julian Rosefeldt, Sam Taylor-Johnson, Mark Wallinger u.a.

höchsten Bergspitzen der Alpen wurden just zum ersten Mal bestiegen. 

1852 war selbst der höchste Berg der Erde bereits wissenschaftlich 

vermessen und nach dem ehem. Leiter des Vermessungsamtes, 

Sir George Everest, benannt. Kurz danach wurden die Alpenvereine 

in Österreich (1862), der Schweiz (1863) und in Deutschland (1869) 

gegründet und die durchgreifende touristische Erschließung der 

Berge begann. So vermessen, bestiegen und erschlossen waren die 

schroffen Alpen nicht mehr „schlechthin groß“. Diese Eigenschaft 

aber war es, die Immanuel Kant 1764 mit dem Gefühl des Erhabenen 

verknüpft hatte: „Erhaben nennen wir das, was schlechthin groß 

ist.“ 

Es ist insofern signifikant, dass sich die Berge auf den von Loidl 

verwendeten Grafiken manchmal fast in den Hintergrund auflösen. 

Ihre einstige Erhabenheit scheint dadurch 

auch materiell zu schwinden. Die Grafiken 

öffnen damit eine Fehlstelle, in die Katharina 

Anna Loidl mit ihrer Nachbearbeitung 

kunstvoll eingreifen konnte. Ergänzt hat 

sie die vorgefundenen Landschaften mit 

geometrischen Fremdkörpern, die wie weiße 

Riesenkristalle in die Szenen eingebettet 

wurden. Zur Herstellung dieser Ergänzungen 

verwendete sie die gleichen Werkzeuge, die Friedrich Schiller, 1801 

bereits bei der Herstellung der originalen 

Druckplatten zum Einsatz kamen: Stichel 

und Radiernadel. Behutsam hat Loidl damit 

von Teilen des Papiers die Druckerschwärze 

abgehoben, bis schließlich ihre abstrakten 

weißen Kristallkörper erschienen. Handwerklich 

und im Wortsinn sind es damit „Radierungen“ (von lat. radere 

„kratzen, wegnehmen, entfernen“). Ideengeschichtlich ist es ein 

Weitererzählen des Erhabenen. 

Den Topos des Kristallin-Erhabenen kennt die Kunst seit der Zeit der 

Romantik. Berühmt ist Caspar David Friedrichs Gemälde „Eismeer 

/ gescheiterte Hoffnung“ (1823/24), das ein Schiff inmitten sich 

kalt auftürmender Eisschollen zeigt, oder auch Adalbert Stifters 

Erzählung „Der Bergkristall“ (1845), die von zwei Kindern handelt, 

die sich im Gebirge verlaufen. Später wanderte der kristalline Topos 

May we be bound to 

the sensual world 

by the beautiful, 

but freed from it 

by the sublime. 

of the Alps had just been climbed for the first time then. In 1852 even 

the highest mountain in the world had already been scientifically 

measured and named after the former Surveyor General of India, 

Sir George Everest. Shortly thereafter, Alpine Associations were 

founded in Austria (1862), Switzerland (1863) and Germany (1869), and 

the thorough development of tourism in the mountains began. Thus 

measured, climbed and developed, the rugged Alps were no longer 

“absolutely large”. Yet it was this characteristic that Immanuel Kant 

had linked with the feeling of the sublime in 1764: “We call sublime 

what is absolutely large.” 

In this sense it is significant that the mountains 

in the graphic works that Loidl uses seem almost 

to dissolve in the background sometimes. Their 

former sublimeness thus also seems to dwindle 

materially. In this way, the graphic works open 

up a crack that Katharina Anna Loidl was able 

to artfully intervene in with her reworking. She 

expanded the found landscapes with geometrical 

foreign bodies, which are embedded in the 

scenes like giant white crystals. To produce 

these expansions she used the same tools that 

were already employed to produce the original 

printing plates: graver and etching needle. With 

these Loidl carefully separated the printing ink 

from parts of the paper, until her abstract white 

crystal bodies finally appeared. In terms of craft, 

this type of technique involves making incisions, removing. In terms 

of the history of ideas, it is a matter of continuing the story of the 

sublime. 

The topos of the crystalline sublime is familiar to art since the 

Romantic period. There is the famous painting by Caspar David 

Friedrich, The Sea of Ice / The Wreck of Hope (1823/24), which 

shows a ship in the midst of a heap of shards of an ice floe, or 

Adalbert Stifter’s story Rock Crystal (1845) about two children lost 

in the mountains. Later the crystalline topos wandered through 

the architectural visions of Paul Scheerbart and Bruno Taut into 

N° 19 

N°20 

N°05 

N°06 

N°44 

N°05 

N°06

Die österreichische Künstlerin Katharina Anna Loidl, geboren 1978, hat für ihr Projekt 

Landschafts radierungen Stahlstiche von Schweizer Alpenlandschaften aus den 1830er- 

Jahren zusammengetragen. Diese Drucke bearbeitete sie dann mit Gravurnadel und 

Stichel. Durch vorsichtiges Entfernen der Drucktinte löscht sie einzelne Bereiche der 

Landschaften vom Papier und ersetzt sie durch geometrische (Fremd-)Körper. Die Einfachheit 

dieser Formen sowie das Weglassen jeglicher architektonischer Details ermöglichen 

es dem Betrachter, sich industrielle Strukturen, Wohngebäude oder Sportanlagen 

als Ergänzungen oder aber Störfaktoren in der idyllischen Landschaft vorzustellen. 

Loidl verweist so auf aktuelle Diskurse zur Be- und Verbauung des Alpenraums sowie 

den Konflikt zwischen Nutzung und Erhaltung von Landschaften in einer globalisierten 

Welt. Ihre Werkreihe beschäftigt sich mit den Alpen und den Folgen, welche deren 

wirtschaftliche Nutzung mit sich bringt. Die Texte befassen sich mit dem sublimen, 

kristallinen Charakter von Loidls Arbeit und mit Aspekten der Romantik als Fundus, 

der Wahrnehmung von Landschaft und der Kunst der Wiederholung. 


Überwältigung, Idylle und Wandel: 

Katharina Anna Loidl hinterfragt 

Alpenromantik 

Präsentiert eine neue Werkserie 

der österreichischen Künstlerin 

Katharina Anna Loidl 

Ein visueller Beitrag im Spannungsfeld 

zwischen Nutzung und 

Erhaltung der alpinen Landschaft 

Landschaftsradierungen 


Mit Beiträgen von Vitus Weh 

und Paolo Bianchi 

Gestaltet von 


Gebunden 


Abbildungen 

ca. 27 × 21 cm 

978-3-85881-530-9 


ca. sFr. 39.– | € 38.– 


Katharina Anna Loidl lebt und 

arbeitet als Künstlerin in Linz. 

Sie studierte Experimentelle Gestaltung 

/ Bildende Kunst und 

Kulturwissenschaften an der 

Kunstuniversität Linz. Ihre Arbeiten 

im Bereich Fotografie, Video, 

Objekt und Installation wurden 

in internationalen Ausstellungen 

präsentiert. 

Vitus Weh ist Kulturwissenschaftler, 

Ausstellungsmacher und 

Museumsplaner in Wien. 

Paolo Bianchi ist freier Kurator für 

zeitgenössische Kunst und Kunst 

im öffentlichen Raum. Dozent an 

der ZHdK in Zürich und Autor bei 

Kunstforum International. 

ISBN 978-3-85881-530-9 

9 783858 815309

1905 malte Edvard Munch (1863–1944) mehrere Bildnisse der Familie des Chemnitzer 

Textilindustriellen Herbert Esche. Die meisten dieser Bilder befinden sich seit Längerem 

als Dauerleihgabe der Herbert Eugen Esche-Stiftung im Kunsthaus Zürich. 2015 konnte 

ein weiteres zentrales Werk der Gruppe, das Porträt der Mutter Hanni Esche – ein 

Meilenstein in der Entwicklung von Munchs farbigem reifem Stil –, erworben werden. 

Entstanden sind die Gemälde für die berühmte Villa Esche, die der belgische Meister 

des Jugendstils Henry van de Velde 1902/03 für die Familie erbaut hatte. Das Buch 

präsentiert und erläutert Munchs Esche-Bildnisse und dokumentiert deren Platz in der 

Chemnitzer Villa fotografisch. Es illustriert zudem den Kontext der Familiensammlung, 

die ein für den avantgardistischen Geschmack um 1900 paradigmatisches Ensemble 

bildet, wie es sich nur selten erhalten hat. 


Die Bildnisse der Familie Esche: 

ein Meilenstein in der künstlerischen 

Entwicklung Edvard Munchs 

Präsentiert die herausragende 

Werkgruppe der Familienbildnisse 

Esche von Edvard Munch 

und die berühmte Villa Esche 

von Henry van de Velde 


Ausstellung im Kunsthaus Zürich 

(bis 26. Februar 2017) 

Edvard Munch und die Familie Esche 

Die Bildnisse, die Sammlung 

Herausgegeben vom 

Kunsthaus Zürich 

Mit Beiträgen von Lukas Gloor 

und Christian Klemm 

Gestaltet von Ralf Klöden 

Broschur 

112 Seiten, 49 farbige 

Abbildungen 

17 × 23,5 cm 

978-3-85881-544-6 Deutsch 

sFr. 19.– | € 19.– 

Lieferbar 

Lukas Gloor, geboren 1952, 

Kunsthistoriker und seit 2002 

Direktor der Stiftung Sammlung 

E.G. Bührle in Zürich. Davor Mitarbeit 

u.a. am Kunstmuseum Basel 

und am Schweizerischen Institut 

für Kunstwissenschaft SIK-ISEA in 

Zürich. 

Christian Klemm, geboren 1946, 

Kunsthistoriker und Geschäftsführer 

der Alberto Giacometti- 

Stiftung. 1982–2011 Sammlungskonservator 

des Kunsthaus Zürich, 

ab 1995 auch dessen Vizedirektor. 

ISBN 978-3-85881-544-6 

9 783858 815446

Sie hat Roman Signer entdeckt, Imi Knoebel und Franz Erhard Walther hatten ihre 

ersten Ausstellungen in der Schweiz in ihrer Galerie in St. Gallen: Wilma Lock war 

viele Jahre die Betty Parsons der Schweizer Kunstszene. Als sie 1969 ihre Ausstellungsräume 

eröffnete, zeigte Harald Szeemann in der Kunsthalle Bern die wegweisende Ausstellung 

When Attitudes Become Form. Junge Künstler entdeckten neue Materialien 

und experimentierten mit neuen Formen, die zeitgenössische Kunst erlebte einen internationalen 

Epochenwandel. Als Wilma Lock ihre Galerie 2009 schloss, hatte sich der 

Kunstmarkt zum globalen Investmentvehikel entwickelt. 

Dieses Buch führt am Beispiel von Wilma Locks Ausstellungstätigkeit den kulturellen 

Aufbruch und die Veränderungen im Kunstmarkt von den 1960er-Jahren bis in die 

Gegenwart vor Augen. Ein Interview mit der Galeristin lässt ihre persönlichen Erfahrungen 

lebendig werden. Beiträge von Roland Wäspe und Claudia Jolles analysieren die 

Situation der Galerien und der Kunst in der Schweiz jener Jahrzehnte. Wichtige Künstler 

der Galerie äussern sich zur Bedeutung, die Wilma Lock für sie persönlich hatte. 

Zahlreiche Abbildungen und eine ausführliche Chronologie runden den Band ab. 


Vier Jahrzehnte lang auf unermüdlicher 

Ent deckungsreise durch die Kunstwelt: 

die St. Galler Galeristin Wilma Lock 

Wilma Lock war über vier Jahrzehnte 

eine der bedeutendsten 

Vermittlerinnen zeitgenössischer 

Kunst in der Schweiz 

Das Buch dokumentiert Geschichte 

und Wirkung von Wilma 

Locks Ausstellungs- und Vermittlungstätigkeit 

Vierzig Jahre Gegenwart 

Die Galerie Wilma Lock in St. Gallen 


Gerhard Mack 

Mit Beiträgen von Bernhard 

Mendes Bürgi, Claudia Jolles, 

Gerhard Mack und Roland Wäspe 

Gestaltet von Samuel Bänziger 

Gebunden 



ca. 23 × 29 cm 

978-3-85881-542-2 Deutsch 

ca. sFr. 69.– | € 68.– 


Bernhard Mendes Bürgi ist Kunsthistoriker 

und war 2001–2016 

Direktor des Kunstmuseums Basel. 

Claudia Jolles ist Kunsthistorikerin 

und seit 1996 Chefredaktorin der 

Zeitschrift Kunstbulletin. 

Gerhard Mack ist seit 2002 

Kultur redaktor bei der NZZ am 

Sonntag und Autor mehrerer 

Bücher. 

Roland Wäspe ist Kunsthistoriker 

und Direktor des Kunstmuseums 

St. Gallen. 

ISBN 978-3-85881-542-2 

9 783858 815422

6 

7 

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9 

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18 

19 

Der besondere Blick auf ein aussergewöhnliches Werk: 

Jürg Hasslers Aufnahmen aus dem Atelier von Hans Josephsohn 

20 

21 

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25 

28 

29 

82 

83

Der Fotograf und Filmer Jürg Hassler, geboren 1938, beschäftigte sich über Jahre hinweg 

intensiv mit dem bildhauerischen Werk von Hans Josephsohn (1920–2012). Als 

Jugendlicher führte ihn sein Schulweg täglich am Atelier des Künstlers in Zürich vorbei, 

was Hasslers Interesse für die Arbeit des Bildhauers weckte. Nach der Matura begann 

Hassler bei Josephsohn als Assistent zu arbeiten und dabei das Handwerk der Bildhauerei 

zu erlernen. Nach einem Studium der Fotografie in Vevey und paralleler eigener 

bildhauerischer Tätigkeit realisierte Hassler 1977 den Film Josephsohn – Stein des 

Anstosses und fotografierte während vielen Jahren häufig in Josephsohns Atelier. 

Dieses Buch zeigt eine Auswahl von Hasslers fast ausschliesslich in Schwarz-Weiss gemachten 

Aufnahmen, mehrheitlich mit einzelnen Skulpturen Josephsohns als Motiv, 

und es beleuchtet die Eigenheiten seiner Bildsprache. In seiner Einführung schreibt 

Ulrich Meinherz über das Auffinden von Hasslers Fotografien in Josephsohns Atelier 

ein Jahr nach dessen Tod. Und Nina Keels Essay beschreibt, in welchem Zusammenhang 

Hasslers Fotografien der Skulpturen entstanden sind. 



Gerhard Mack 

Hans Josephsohn 

978-3-85881-163-9 Deutsch 

978-3-85881-701-3 Englisch 

sFr. 98.– | € 97.– 

Hans Josephsohn Skulpturen 

Fotografien von Jürg Hassler 

Jürg Hassler ist als früherer 

Schüler und Assistent Hans 

Josephsohns ein intimer Kenner 

von dessen skulpturalem Werk 

und somit als Fotograf und 

Filmer dessen besonders berufener 

Dokumentarist 

Das Buch ist Auftakt einer losen 

Publikationsreihe zur fotografischen 

Auseinandersetzung mit 

dem Werk Hans Josephsohns 

Herausgegeben vom 

Kesselhaus Josephsohn 

Mit Beiträgen von Nina Keel 

und Ulrich Meinherz 

Gestaltet von István Scheibler 

Broschur 


Abbildungen 

ca. 17 × 22,7 cm 

978-3-85881-548-4 Deutsch 

978-3-85881-796-9 Englisch 

ca. sFr. 29.– | € 29.– 


Nina Keel, geboren 1990, arbeitet 

seit 2010 u.a. als Kuratorin für 

das Kesselhaus Josephsohn und 

studiert an der Universität Zürich 

Kunst- und Fotografiegeschichte. 

Daneben setzt sie sich in verschiedenen 

Projekten mit Stadtentwicklung 

sowie Kunst im öffentlichen 

Raum auseinander. 

Ulrich Meinherz, geboren 1969, 

ist seit 2005 Leiter des Museums 

Kesselhaus Josephsohn im Sitterwerk 

in St. Gallen. Während seines 

Studiums der Philosophie, Germanistik 

und Kunstgeschichte an der 

Universität Zürich war er für die 

Galerie Bob van Orsouw in Zürich 

tätig, die zu der Zeit Hans Josephsohn 

vertrat. 

ISBN 978-3-85881-548-4 

Deutsch 

ISBN 978-3-85881-796-9 

Englisch 

9 783858 815484 

9 783858 817969

Die ehemalige Klosterkirche. 

Gestiftet 1145 von 

Graf Adalbero von Froburg. 

Gewidmet dem Orden 

der Benediktiner. 

DIE AUSSTELLUNGEN IM KIRCHENRAUM 

134 135 

Ian Hamilton Finley 

Links: 

Stile 1 

2000 

Rechts: 

Marker Stone 

2000 

DER SKULPTURENPARK 

68 69 

8 

DAS GUTE WEITER DENKEN. 

DIE JAHRE 1986 BIS 2016. EIN ÜBERBLICK 

36 37 

Linke Seite: 

Hans Josephsohn 

2007 

Oben: 

Jean Tinguely, 

Totentanz 

2006 

Unten: 

Kurt Sigrist 

2004 

Das Kloster Schönthal, 1852. 

Bleistift mit Pinsel. 

Von Konstantin Guise (1811–1858) 


78 79 

Nicola Hicks 

Links: 

Crouching 

Minotaur 

2003 

Rechts: 

Recovered 

Memory 

1996–1997 


86 87 

168 

CHRONOLOGIE KLOSTERGESCHICHTE 

«Die Quelle meiner Arbeit ist die Natur. Ich nutze 

sie mit Respekt und Freiheit. Ich verwende 

Materialen, Idee, Zeit und Bewegung, um eine 

Gesamtansicht meiner Kunst in der Welt 

auszudrücken. Ich hoffe, damit Bilder und Ideen 

zu kreieren, die in der Vorstellungswelt 

Widerhall finden, die in der Erde und im Geist 

Spuren hinterlassen.» – Richard Long 

Richard Long 

Cowshed Ellipse 

und 

Yellow Mud 

On Wall 

2008 

1145 Ältester urkundlicher Hinweis auf eine Schönthaler Mönchsgemeinschaft. 

1146 Der genaue Zeitpunkt der Gründung des Klosters Schönthal ist unbekannt, doch 

bestätigt 1146 eine Urkunde, dass der Froburger Graf Adalbero sein Stifter war. Die 

Urkunde hält ferner fest, dass das Kloster der Regel des heiligen Benedikt gehorcht. 

1187 Weihung der Klosterkirche 

1266 Erste Erwähnung des aus einem Doppelkloster hervorgegangenen 

Benediktinerinnenklosters. 

1367 Das Geschlecht der Froburger erlischt. 

1400 Das Amt Waldenburg fällt an die die Stadt Basel; 

damit geht das Aufsichtsrecht über das Kloster an die Stadt. 

1415 Schönthal wird nach der Aufhebung des Frauenklosters vom Orden der 

Serviten übernommen. 

1525 Am Kirchweihtag (1. Mai) Plünderung und Verwüstung durch einheimische Bauern. 

1529 Am 1. Mai, dem Kirchweihtag, Aufhebung des Klosters als Folge der Reformation. 

1541 Übertragung des Klostergutes an das Basler Spital. Schönthal wird Basler Sennhof. 

1645 Einrichtung eines Ziegelbrennofens in der ehemaligen Klosterkirche. 

1682 Ausquartierung des Ziegelbrennofens. Die Kirche wird fortan als Geräteraum 

und Holzschopf genutzt. 

1686/87 Einbau eines Zwischenbodens. 

1833 Kantonstrennung; die Halbkantone Basel-Stadt und Basel-Landschaft entstehen. 

1835 Der Schönthaler Sennhof wird von Basel an einer Gant abgestossen; 

er ist fortan Privatbesitz. 

1967 Der Kanton Basel-Landschaft stellt die Klosterkirche unter kantonalen Denkmalschutz. 

2000 Eröffnung des Skulpturen-Parks. Das Kloster Schönthal wird kultureller Begegnungsort. 

2001 John Schmid überführt das gesamte Ensemble in eine gemeinnützige Stiftung. 

DAS GUTE 

WEITER DENKEN. 

JOHN SCHMID 

D 

as Ende meiner Berufslaufbahn als Werber war in Sicht und 

da meldete sich eines Tages eine innere Stimme «versuche 

doch mal etwas anderes.» Peter Mayle ein erfolgreicher Texter aus 

London fand das Glück schreibend in der Provence. Ein Freund 

kaufte Rebberge in der Toscana. Geschickt konnte er Glück und Geschäft 

in eine Balance bringen. Den berühmten «Brancaia» kennen 

Sie doch? «Also ziehe Manchester und Windjacke über und mache 

statt Einträglichem etwas Sinnstiftendes, – etwas das Bestand hat.» 

Eines Tages stand ich im Baselbieter Jura vor einem Baudenkmal LIEBE AUF DEN 

inmitten einer traumschönen Landschaft. Dem Hofgut Kloster ERSTEN BLICK. 

Schönthal mit der ehemaligen Kiche, deren romanischer Westfassade 

nationale Bedeutung zukommt. Aber hinter der Fassade rieselte 

der Kalk und aus den fensterlosen Öffnungen roch es nach 

Moder und saurem Most. Und innen konnte man erahnen, dass 

sich unter dem Mörtel ein stattliches Christophorus Wand bild 

von anno 1310 verbirgt. Nach einer jahrhundertelangen Zweckentfremdung 

als Ziegelbrennerei, Holzschopf und dergleichen, rief 

das Kloster mit altersschwacher Stimme zum Himmel, man solle 

ihm wieder zu Würde und einer sinnvollen Bestimmung verhelfen. 

Fröhlich bimmelte es aber von den Weiden und Wiesen des 

Klostergutes: Eine Einladung zum Wandern. Ich entdeckte eine 

traumschöne Landschaft mit einem visuellen Reichtum an Wegen, 

Bächen und Pfaden. Der Kompass führte mich durch einen weit 

offenen Möglichkeitsraum, wo Neues mit einem respektvollen Umgang 

mit dem Baudenkmal entstehen könnte. Ermutigt und unterstützt 

von meiner Familie wurde es zu einer Wanderung Richtung 

Zukunft des «schönen Thals.» 

Im Skulpturenpark des Klosters Schönthal 

sind Werke zu sehen von Ilan Averbuch, 

Hamish Black, Miriam Cahn, Tony Cragg, 

Martin Disler, Walter Fähndrich, Ian 

Hamilton Finlay, Nigel Hall, Nicola Hicks, 

Hans Josephsohn, Peter Kamm, Richard 

Long, Peter Nagel, David Nash, William 

Pye, Ulrich Rückriem, Roman Signer, Kurt 

Sigrist, Erik Steinbrecher, Gerda Steiner / 

Jörg Lenzlinger, Not Vital u.a. 

CHRONOLOGIE 

KLOSTER- 

GESCHICHTE 

2001 2002 2003 

2004 

John Schmid überführt das gesamte 

Ensemble Kloster Schönthal in 

eine gemeinnützige Stiftung. 

Ein neuer Holzbau für die 

Pächterfamilie. 

Architekten: Erny & Schneider 

Installationen 

«Spring» von Nigel Hall 

«Weissweidbuche» von Erwin Wortelkamp 

Ausstellungen 

Ian Hamilton Finlay 

Andrew Ward 

Peter Kamm 

Installation 

«Rote Stehende» von Erwin 

Wortelkamp. 

Ausstellungen 

Erwin Wortelkamp und 

Patrick Rohner. 

Installation 

«Minotaur» von 

Nicola Hicks 

Ausstellungen 

Andrea Wolfensberger 

Nicola Hicks 

Jürg Stäuble 

Ankunft Kunsthaus Zug 

mobil mit Arbeiten von 

Tadashi Kawamata. 

Installation 

«Unterstand» von Kurt Sigrist. 

Ausstellungen 

Kurt Sigrist 

Claire Langdown 

Jennifer Gough-Cooper 

Verleihung Kulturpreis BL an John Schmid.

Das ehemalige Kloster Schönthal im Kanton Basel-Landschaft, 1145 erstmals urkundlich 

erwähnt, wurde während der Reformation geplündert und verwüstet. Die Gebäude, 

einschliesslich der Klosterkirche, deren romanischem Westportal nationale Bedeutung 

zukommt, dienten danach während fast 500 Jahren profanen Zwecken. Die 

gesamte Anlage mitsamt Umschwung wurde 1986 von John Schmid erworben, über die 

Jahre sorgfältig restauriert und in einen der schönsten kulturellen Begegnungsorte der 

Schweiz verwandelt. Internationale und Schweizer Künstler haben für den zauberhaften 

Landschaftspark im Schönthal ortsspezifische Werke geschaffen. Zuvor machten sie 

sich jeweils mit dem Kloster, seiner Geschichte und der Landschaft vertraut. Derzeit 

säumen 31 Werke von 22 Künstlern die Wege und Pfade. 

Dieses reichhaltig bebilderte Buch zeigt die Kunstwerke im Dialog mit der Natur und 

lässt die Entwicklung dieses besonderen Ortes während der letzten drei Jahrzehnte 

chronologisch in Wort und Bild Revue passieren. Die Beiträge von Dieter Bachmann, 

Guido Magnaguagno, Raimund Rodewald, René Salathé und John Schmid erläutern 

umfassend die Geschichte des Klosters von der Gründung bis heute und informieren 

über die Kunstwerke und über die besondere Schönheit der sie beherbergenden Kulturlandschaft. 


Ein kleines Paradies für Liebhaber von Kunst, 

Geschichte und Natur 

Himmel, Erde, Kunst 

Der Skulpturenpark Kloster 

Schönthal ist ein viel beachtetes 

Freiluftmuseum und kultureller 

Begegnungsort in schönster 

Landschaft 

Das Buch präsentiert die eigens 

für den Ort geschaffenen Kunstwerke 

und erzählt die Geschichte 

der Anlage und ihrer Umgebung 

Das Kloster Schönthal als Gesamtwerk, vorgestellt von John Schmid 

Herausgegeben von John Schmid 

Mit Beiträgen von Dieter 

Bachmann, Guido Magnaguagno, 

Raimund Rodewald, René Salathé 

und John Schmid 

Gestaltet von Equipo Basel 

Gebunden 


Abbildungen 

ca. 22,5 × 25,5 cm 

978-3-85881-370-1 Deutsch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 

John Schmid, geboren 1937, zählt 

zu den bekanntesten Schweizer 

Werbern. Er war Inhaber oder 

Mitbegründer von verschiedenen 

Agenturen und gewann zahlreiche 

Auszeichnungen für kreative Kampagnen. 

Auch sein Engagement für 

das Kloster Schönthal wurde mehrfach 

ausgezeichnet, u.a. 2004 mit 

dem Kulturpreis des Kantons 

Basel-Landschaft. 


ISBN 978-3-85881-370-1 

9 783858 813701

Bild 

KM_Publikation_FGEHR_16100702_Print.indd 1 13.10.16 08:18 






1 Kirche St. Johannes, Zug, Kircheninneres, Detail mit Künstlersignatur, 1971 

4 Kirche St. Marien, Olten, 1952, Chorwandfresko, Ausschnitt 

9 Kircheninneres, heutiger Zustand, mit Fastentuch 

6 

17 

17 Gesamtansicht, links angeschnitten die zwei rechten Fenster des fünfteiligen Fensterzyklus 

26 

27 



116 Ferdinand Gehr bei der Arbeit in der Kirche St. Michael, Luzern, 1979 

XIX Ferdinand Gehr beim Malen in der Kirche der Propstei St. Gerold, Vorarlberg, um 1966 

33) 1966 Kurhaus Bergruh 

34) 1966 Kirche Liebfrauen 

35) 1966 Igreja de Nossa Senhora 

36) 1966 Propstei St. Gerold 

Amden SG 

Nussbaumen bei Baden AG 

do Rosário de Fátima 

Fátima, Portugal 

St. Gerold, Vorarlberg, Österreich 

Architekt: Josef Scherrer 

Architekt: Ernest Brantschen 

Architekt: Luiz Cunha 

Architekt: Arnold Stöckli 

Fresko am Sakramentsaltar, 

Deckenmalerei im Chor, Glasfen 

Deckenmalerei (Mineralfarbe) in 

Fresko im Chor, Deckenmalerei in 

Wandbild in der Eingangshalle 

ster bei Taufstein und Empore, 

der Sakramentskapelle 

der Taufnische und im Konvent 

Tabernakel 

(Mineralfarbe) 

41) 1970 Kloster 

42) 1970 Kirche St. Katharina 

43) 1971 Regionalspital 

44) 1971 Kirche St. Johannes 

Disentis GR 

Klingau AG 

Herisau AR 

Zug 

Hallenbad 

Anbau 

Aufbahrungshalle 

Architekt: Hermann und 

Architekt: Hanns Anton Brütsch 

Architekten: E. Schindler, 

Architekten: Leo Hafner, 

Hans Peter Baur 

H. Spitznagel, M. Burkhard 

Alfons Wiederkehr 

Entwurf zu Keramikwand im 

Hallenbad 

Keramik an der Aussenwand, 

Glasfenster 

Glasarbeit in der Aufbahrungshalle, Ausmalung des gesamten 

Entwurf zu Wandteppich 

Kirchenraumes (Mineralfarbe), 

Glasfenster, Entwürfe zu 

Wandteppichen 

167 

208 

224

Das Schaffen von Ferdinand Gehr (1896–1996) ist im öffentlichen Raum so präsent 

wie kaum ein anderes von einem Schweizer Künstler des 20. Jahrhunderts. Dennoch ist 

der Schöpfer von mehr als 60 Wand-, Decken- und Glasmalereien, Sgraffiti und Keramiken 

alleine für Kirchen, Schul- und Gemeindehäuser dem Publikum eigentlich nicht 

bekannt. Besonders Architekten der Schweizer Nachkriegsmoderne schätzten Gehrs 

reduzierte Formensprache und sein einmaliges Gespür für räumliche Zusammenhänge. 

Mit seiner Fähigkeit, sakrale Innenräume in Abstimmung mit der Architektur zu gestalten, 

schuf Gehr Arbeiten, die zum Herausragendsten zählen, was in der Schweiz in 

diesem Bereich in den letzten Jahrzehnten hervorgebracht wurde. 

Diese neue, reich bebilderte Monografie stellt nun erstmals Gehrs öffentliche Aufträge 

ins Zentrum. Die wichtigsten Werke in der Schweiz, in Österreich, Deutschland und 

Portugal werden mit Fotografien des Architekten Marco Bakker dokumentiert. Die 

Texte nähern sich Gehrs Œuvre aus historischer, architekturtheoretischer und kunstgeschichtlicher 

Perspektive und werden durch ein Werkverzeichnis seiner öffentlichen 

Aufträge komplettiert. 


Lange verkannt, heute hochgeachtet: 

die Werke des Kirchenmalers Ferdinand Gehr 

Ferdinand Gehr 

Die öffentlichen Aufträge 

Stellt reich illustriert ein herausragendes 

Werk der zeitgenössischen 

Schweizer Kunst in 

Wand-, Decken- und Glasmalerei, 

Sgraffito und Keramik vor 

Dokumentiert erstmals umfassend 

die öffentlichen Auftragswerke 

Ferdinand Gehrs in der 

Schweiz, Österreich, Deutschland 

und Portugal 

Erscheint zur Ausstellung Ferdinand 

Gehr – Bauen an der Kunst 

im Kunstmuseum Olten (bis 

26. Februar 2017) 

Herausgegeben vom Kunstmuseum 

Olten, Dorothee 

Messmer und Katja Herlach 

Mit Beiträgen von Dorothee 

Messmer, Laetitia Zenklusen 

und Roland Züger 

Fotografien von Marco Bakker 

Gestaltet von Herrmann Germann 

Dorothee Messmer ist Kunsthistorikerin 

und seit 2012 Direktorin 

des Kunstmuseums Olten. 

Katja Herlach ist Kunsthistorikerin 

und seit 2003 Konservatorin der 

Oltener Stiftung für Kunst des 

19. Jahrhunderts sowie seit 2009 

stellvertretende Direktorin des 

Kunstmuseums Olten. 

Broschur 



21 × 27 cm 

978-3-85881-533-0 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Lieferbar 

Laetitia Zenklusen ist Kunsthistorikerin 

und wissenschaftliche 

Mitarbeiterin der Kantonalen 

Denkmalpflege Zürich. 

Roland Züger ist Architekt mit 

eigenem Büro in Zürich. Daneben 

ist er als Dozent für Entwurf am 

Institut Urban Landscape der 

ZHAW Winterthur und als Redaktor 

der Zeitschrift werk, bauen + 

wohnen tätig. 

ISBN 978-3-85881-533-0 

9 783858 815330

Der Lausanner Künstler Jean-Pierre Kaiser (1915–2001), ausgebildet und später nahezu 

30 Jahre lang auch Lehrer an der damaligen École cantonale de dessin ECAL in 

Lausanne, schuf neben zahlreichen Kirchenfenstern, Wandgemälden, Gebrauchsgrafik 

und kleineren Skulpturen auch mehr als 300 druckgrafische Werke. Unermüdlich widmete 

er sich der Radierung. In dieser Technik liess er mysteriöse Welten auf Papier 

entstehen: ungeheure Maschinen mit menschlichem Äusseren, gigantische Städte, 

schwebend zwischen Erde und Himmel, oder scheinbar in Stein gemeisselte florale 

Muster. 

Erstmals seit mehr als vier Jahrzehnten widmet sich eine umfassende Monografie Kaisers 

druckgrafischem Schaffen. Das Buch macht namentlich die enorme künstlerische 

Qualität seiner eindrücklichen Fantasiewelten deutlich. Zudem zeigt es auf, in welchem 

Masse Kaisers Werke ein Echo in der zeitgenössischen Schweizer Kunst finden. 


«Die Radierung ist eine sehr intime Kunst, 

eine Entblössung der eigenen Persönlichkeit.» 

Jean-Pierre Kaiser 

Erste Monografie zum druckgrafischen 

Werk Jean-Pierre Kaisers 

seit vier Jahrzehnten 

Jean-Pierre Kaiser 

Himmlische Phänomene. Das druckgrafische Werk 


Laurence Schmidlin 

Mit Beiträgen von Marc Atallah, 

Bruno Corthésy, Jérémie Gindre, 

Philippe Kaenel, François Kaiser, 

Christopher Kaiser und Laurence 

Schmidlin 

Gestaltet von Noémi Gygax 

Gebunden 


Abbildungen 

ca. 21 × 30 cm 

978-3-85881-538-5 

Deutsch / Französisch 

ca. sFr. 69.– | € 68.– 


Marc Atallah ist Direktor des Maison 

d’Ailleurs in Yverdon-les-Bains 

sowie Lehr- und Forschungsbeauftragter 

an der Université de Lausanne. 

Bruno Corthésy arbeitet als freier 

Architekturhistoriker u.a. für den 

Bund, den Kanton Waadt und die 

Städte Genf und Lausanne. 

Jérémie Gindre lebt und arbeitet als 

Schriftsteller und Künstler in Genf. 

Philippe Kaenel ist Lehr- und Forschungsbeauftragter 

in Kunstgeschichte 

an der Université de Lausanne. 

Christopher Kaiser ist Bibliothekar 

an der Université de Genève und 

Enkel des Künstlers Jean-Pierre 

Kaiser. 

François Kaiser ist Rechtsanwalt 

und Sohn des Künstlers Jean-Pierre 

Kaiser. 

ISBN 978-3-85881-538-5 

9 783858 815385 

Laurence Schmidlin ist am Musée 

Jenisch Vevey als Konservatorin im 

Cabinet cantonal des estampes und 

als stellvertretende Direktorin tätig.

Anne Loch (1946–2014) hat nach ihrer Ausbildung an der Kunstakademie Düsseldorf 

und einem längeren Aufenthalt in Italien in den 1980er-Jahren grosse Beachtung als 

Malerin von Landschaften und Stillleben gefunden und wurde von wichtigen Galerien 

in Deutschland und in der Schweiz vertreten. 1988 zog sie sich für 14 Jahre nach 

Graubünden zurück, wo sie in Thusis eine neue Wahlheimat fand. Der Rückzug war 

radikal sowohl gegenüber dem Kunstbetrieb wie gegenüber der neuen Umgebung. Im 

Stillen schuf sie hier ein umfangreiches Werk, das sich mit der Natur, dem Bild der 

Landschaft in der Malerei und dem künstlichen Paradies in seiner ganzen zerbrechlichen 

Schönheit auseinandersetzt. Nach einem weiteren elfjährigen Aufenthalt in 

Deutschland kehrte sie 2013 erneut nach Graubünden zurück, wo sie ein Jahr später im 

Bergell verstarb. 

Das Bündner Kunstmuseum Chur widmet Anne Loch nun erstmals eine umfassende 

Retrospektive. Diese gleichzeitig erscheinende Monografie ruft in Erinnerung, was durch 

den Rückzug in Vergessenheit geriet. Vor allem aber ermöglicht sie die Entdeckung eines 

immensen künstlerischen Werks, das bis heute kaum an die Öffentlichkeit gelangte. 


Grosse Kunst, im Verborgenen geschaffen: 

die Entdeckung der Malerin Anne Loch 

Anne Loch hat in den 1980er- 

Jahren grosse Beachtung als 

Malerin von Landschaften und 

Stillleben gefunden 

Das Buch ermöglicht die (Neu-) 

Entdeckung ihres bislang weitgehend 

unveröffentlichten Schaffens 

aus rund vier Jahrzehnten 

Anne Loch 

Künstliche Paradiese 


Ausstellung im Bündner Kunstmuseum 

Chur (24. Februar bis 

7. Mai 2017) 

Herausgegeben vom Bündner 

Kunstmuseum Chur 

Mit Beiträgen von Stephan Kunz, 

Annelie Pohlen und Konrad 

Tobler 

Gestaltet vom Büro 146 

Broschur 


Abbildungen 

ca. 22 × 26 cm 

978-3-85881-547-7 Deutsch 

ca. sFr. 49.– | € 48.– 


Stephan Kunz, geboren 1962, ist 

seit Herbst 2011 Direktor des 

Bündner Kunstmuseums Chur. 

Davor war er langjähriger Kurator 

und stellvertretender Direktor des 

Aargauer Kunsthauses, Aarau. 

Annelie Pohlen, geboren 1944, ist 

freie Kunstkritikerin und Publizistin. 

1986–2004 war sie Direktorin 

des Bonner Kunstvereins. 

Konrad Tobler, geboren 1956, ist 

seit 2007 als freier Kunst- und 

Architekturkritiker u.a. für die 

Neue Zürcher Zeitung, den Tages- 

Anzeiger und das Kunstbulletin 

tätig. 1992–2007 war er Kulturredaktor 

der Berner Zeitung, ab 

2000 Leiter des Kulturressorts. 

ISBN 978-3-85881-547-7 

9 783858 815477

Günther Wizemann, 1953 in Graz geboren, lebt seit 1960 in der Schweiz. Nach seiner 

Ausbildung an der Kunstgewerbeschule der Stadt Zürich in den 1970er-Jahren ist er 

heute als Maler und Konzeptkünstler aktiv. Durch das Studium der russischen Moderne 

stellte sich ihm die Frage, was nach Malewitsch und Rodtschenko noch gemalt 

werden könne. Mario Merz’ Neonarbeit che fare? aus dem Jahr 1968 oder, wie Barnett 

Newman es formulierte, «What to paint?» wurde auch für Wizemann programmatisch. 

Der Werkzyklus Der schwarze Garten, entstanden 2003 bis 2013, ist eine mögliche 

Ant wort darauf. Die 43 Gemälde, Öl und Kunstharz auf Leinwand, sind aus zeitintensiven 

malerischen Prozessen und einer Vielzahl von Farbschichten hervorgegangen, die 

einen Bildraum nach innen wie nach aussen konstruieren. 

Die Texte dieser Monografie ordnen Wizemanns bis anhin grösste Werkgruppe in die 

Kunstgeschichte ein und eröffnen eine Sicht auf mögliche formale und konzeptuelle 

Verwandtschaften, die von der Renaissance bis in die Gegenwart reichen. Ausgehend 

vom Titel Der schwarze Garten, wird zudem ein literaturgeschichtlicher Bogen zwischen 

Wizemanns Œuvre und manchen Fragen des Menschseins gespannt. 


Spiegelung und Selbsterkenntnis: 

der eindrucksvolle Werkzyklus des Künstlers 

Günther Wizemann 

Erste Publikation zum Schaffen 

Günther Wizemanns seit mehr als 

20 Jahren 

Präsentiert erstmals überhaupt 

den grossen Gemäldezyklus 

Der schwarze Garten 

Günther Wizemann 

Der schwarze Garten 

Mit Beiträgen von Giorgia von 

Albertini und Florian Vetsch 

Gestaltet von Urs Stuber und 

Susanna Entress 

Gebunden 


Abbildungen 

ca. 20 × 27 cm 

978-3-85881-550-7 


ca. sFr. 49.– | € 48.– 

Giorgia von Albertini, geboren 

1992, ist Kunsthistorikerin und 

freie Kuratorin, seit 2015 arbeitet 

sie u.a. als Archivarin und Assistentin 

für die Schweizer Kuratorin 

Bice Curiger. 

Florian Vetsch, geboren 1960, ist 

Gymnasiallehrer, Autor, Übersetzer 

und Herausgeber. Er lebt und 

arbeitet in St. Gallen. 


ISBN 978-3-85881-550-7 

9 783858 815507

Transdisziplinäre Zusammenarbeit 

jenseits eines Problems 

The Wind Tunnel Model 

Transdisciplinary Encounters 


Florian Dombois 

Mit Beiträgen von Haseeb 

Ahmed, Jacqueline Burckhardt, 

Martin Burr, Florian Dombois, 

Julie Harboe, Christoph Hoffmann, 

Kaspar König, Dieter 

Mersch, Isabel Mundry, Mirjam 

Steiner, Jan Svenungsson, 

Sarine Waltenspül und Reinhard 

Wendler 

Wo ist der Wind, wenn er nicht weht? In dem neuen Buch The 

Wind Tunnel Model schlägt der Künstler Florian Dombois alternative 

Formen der Interaktion zwischen den Disziplinen vor: 

zwischen den Künsten, aber auch zwischen Künsten und Wissenschaften. 

Statt ein Problem oder ein Thema zu definieren, zu 

dem sich die jeweiligen Vertreter unterschiedlicher Richtungen 

zusammenfinden, gründete Dombois ein Windkanal-Labor mit 

leerer Mitte. Eine Architektur, die uns ihren Rücken zukehrt 

und ein nicht Sichtbares formt, ein Modell zweiter Ordnung, 

dabei verstörend konkret. 

In dem Buch kommen die Akteure des Windkanal-Labors zu 

Wort, ebenso wie eine eigens eingerichtete Reflexionsgruppe. 

Die Texte plädieren darüber hinaus für einen Austausch zwischen 

verbalem und nonverbalem Denken nach dem Modell 

der Fahrkunst, einer Transporttechnik des Bergbaus im 19. 

Jahrhundert, die Dombois zur Leitmetapher seiner Arbeitsgruppe 

und ihrer Zusammenarbeit umdeutete. 

Gestaltet von Viola Zimmermann 

Broschur 



ca. 17 × 24 cm 

978-3-85881-792-1 Englisch 

ca. sFr. 29.– | € 29.– 

Florian Dombois, geboren 1966, 

ist Künstler und seit 2011 Professor 

an der Zürcher Hochschule der 

Künste ZHdK. 2017 wird er den 

Research Pavilion in Venedig bespielen. 

Untersucht den Windkanal 

als künstlerisches Labor und 

Metaphernmaschine 


ISBN 978-3-85881-792-1 

9 783858 817921 

Wachsen und Schrumpfen: 

der Begriff der Skalierung im 

21. Jahrhundert 

Too Big to Scale 

On Scaling Space, Number, Time and Energy 

Herausgegeben von Florian 

Dombois und Julie Harboe 

Mit Beiträgen von Haseeb 

Ahmed, Olivier Chazot, Florian 

Dombois, Andrew Fisher, Simon 

Grand, Julie Harboe, Juliet Koss, 

Adrien Lucca, Frank Schweitzer, 

Mirjam Steiner, Helmut Völter, 

Sarine Waltenspül, Christoph 

Weckerle und Reinhard Wendler 

Gestaltet von Viola Zimmermann 

Broschur 



ca. 14 × 20 cm 

978-3-85881-793-8 Englisch 

ca. sFr. 29.– | € 29.– 


ISBN 978-3-85881-793-8 

9 783858 817938 

Was wäre das 21. Jahrhundert ohne eine Vergangenheit massloser 

Skalierung? Der technologische Fortschritt lebt wesentlich 

von der gedanklichen Fähigkeit des Menschen, sich Dinge grösser 

oder kleiner vorzustellen, Prozesse schneller oder langsamer 

zu imaginieren oder Energien in der Vorstellung zu verstärken 

oder zu reduzieren. Diese Fähigkeit begleitet den Menschen 

zwar seit den Anfängen der Kunst und ihrer Repräsentation, 

nahm aber seit der Industrialisierung nochmals ganz andere 

Dimensionen an. 

Dieses Buch versammelt Beiträge von 14 Vertreterinnen und 

Vertretern aus Kunst, Kunstgeschichte, Systemdesign, Kulturanalyse 

und Aerodynamik, die sich an der ZHdK in Zürich zur 

Diskussion der Bedeutung des Skalierens in ihren jeweiligen 

Disziplinen getroffen haben. Ausgangspunkt war dabei die 

Kamera, die mit Linse, Zeitlupe/Zeitraffer, Filmempfindlichkeit 

bereits drei Dimensionen des Skalierens in ihrem Apparat vereint. 

Die Vervielfältigung als vierte Dimension lässt den vermeintlichen 

Abbildungsapparat zur Denk- und Vorstellungsmaschine 

avancieren. 

Julie Harboe, geboren 1962, ist 

Kunsthistorikerin, Kritikerin sowie 

Kuratorin und derzeit Dozentin im 

Zukunftslabor CreaLab der Hochschule 

Luzern. 

Vermittelt eine Expertendiskussion 

zum Thema Skalierung und 

zur erweiterten Funktion der Kamera 

als Denk- und Vorstellungsmaschine 

Versammelt Texte internationaler 

Vertreter aus den Bereichen 

Kunst, Kunstgeschichte, Systemdesign, 

Kulturanalyse und Aerodynamik

Kunst für kurze Zeit: die 

temporären Kunst-am-Bau-Werke 

im Zürcher Sihlcity 

Farbanschlag 

Kunstprojekte in Sihlcity 2007–2016 

Herausgegeben von der 

Miteigentümerschaft Sihlcity, 

Magdalena Plüss, Gabriela 

Gerber und Mirjam Varadinis 

Mit Beiträgen von Bernadette 

Fülscher, Magdalena Plüss, 

Brita Polzer und Philipp Schoch 

In den Jahren 2007 bis 2016 finanzierte die Miteigentümerschaft 

des Einkaufs-, Kultur- und Dienstleistungszentrums Sihlcity 

in Zürich das Projekt Kunst am Gebäude. In einem jurierten 

Wettbewerb an verschiedenen Kunstschulen in der Schweiz 

und im angrenzenden Ausland wurden für jedes Jahr Künstlerinnen 

und Künstler für die Gestaltung von Megapostern ausgewählt, 

die dann für jeweils drei Monate an den Aussenfassaden 

der Sihlcity-Gebäude hingen. Nach Ausstellungsende 

wurden die Kunstwerke vernichtet. 

Dieses Buch präsentiert die realisierten Siegerprojekte sowie 

auch die zweitplatzierten Vorschläge und hält sie so in Erinnerung. 

Neben zahlreichen Abbildungen widmen sich die Texte 

Themen wie der Wechselbeziehung zwischen Kunst und Laienpublikum 

seit der Moderne, der Bedeutung von vergänglicher 

Kunst und dem Potenzial von Auftragskunst im 21. Jahrhundert. 


Gebunden 


und sw Abbildungen 

ca. 20 × 25 cm 

978-3-85881-537-8 Deutsch 

ca. sFr. 39.– | € 38.– 


ISBN 978-3-85881-537-8 

Dokumentiert ein prominentes 

Langzeitprojekt mit temporärer 

Kunst-am-Bau in Zürich 

Beleuchtet Hintergrundthemen 

wie die Wechselbeziehung zwischen 

Kunst und Laienpublikum, 

die Bedeutung vergänglicher 

Kunst und das Potenzial von Auftragskunst 

9 783858 815378 

Schaffhausen? Ein bedeutendes 

europäisches Post-Scharnier! 

Hans Konrad Peyer 

Schaffhauser Postgeschichte 

1411 –1848 

Nachrichtenübermittlung vor dem Hintergrund 

der grossen europäischen Konflikte 

Gestaltet von PeyerDC 

Gebunden 


und sw Abbildungen 

ca. 24 × 27,5 cm 

978-3-85881-551-4 Deutsch 

ca. sFr. 99.– | € 97.– 

Dieses Buch beleuchtet eine faszinierende Periode der mitteleuropäischen 

Geschichte anhand einer jahrhundertelang zentralen 

Institution: der Post. Begünstigt durch die Lage am Schnittpunkt 

von Heiligem Römischem Reich Deutscher Nation, Vorderösterreich 

und Alter Eidgenossenschaft entstand in der Stadt 

Schaffhausen ab dem 15. Jahrhundert eine wichtige Drehscheibe 

der Nachrichtenübermittlung. Von den frühen Botenlinien über 

die Kaiserliche Reichspost und die Vorderösterreichische Post 

bis zum Postunternehmen der Thurn und Taxis erstreckt sich 

die Geschichte des Postwesens, in deren Mittelpunkt oft der 

rücksichtslose Kampf um Routen, Macht und Geld steht. 

Mit einer Fülle von Dokumenten – Verträge, Verlautbarungen 

und Briefwechsel – zeichnet das Buch ein lebhaftes Bild einer 

Zeit, in der das Postwesen höchst komplex war, aber trotz kriegerischer 

Wirren, Zoll- und Grenzstreitigkeiten schnell und 

zuverlässig funktionierte. In Verbindung mit den Biografien 

massgeblicher Persönlichkeiten und oft über Generationen im 

Postgeschäft wirkender Familien entfaltet sich vor dem Hintergrund 

der europäischen Geschichte die an Tragödien, Intrigen, 

Erfolgen und Misserfolgen reiche Schaffhauser Postgeschichte. 


ISBN 978-3-85881-551-4 

9 783858 815514 

Hans Konrad Peyer, geboren 1937 

in Schaffhausen, war bis 2003 

international tätiger Geschäfts anwalt 

und hat als Vorsitzender der 

Peyerschen Legate mehrere Biografien 

seiner Vorfahren verfasst. 

Schaffhausen bildete über mehr 

als 400 Jahre eine wichtige Drehscheibe 

des europäischen Nachrichtenverkehrs 

Das Buch zeichnet die Geschichte 

Schaffhausens in dieser Rolle mit 

einer Fülle erstmals ausgewerteter 

Dokumente präzise nach

Ferdinand Hodler (1853–1918), als Künstler bedeutend und umstritten zugleich, 

brachte an der Wende zum 20. Jahrhundert die Schweizer Malerei zu 

internationaler Geltung. Seine Landschaften und Porträts, seine monumentalen 

Historien- und symbolistischen Figurenbilder wurden überall in Europa ausgestellt. 

Sie fanden Eingang in zahlreiche öffentliche und private Sammlungen 

und wurden in Publikationen diskutiert, gelobt und kritisiert. 

Mit rund 630 Gemälden entspricht die Gattung der Figurenbilder umfangmässig 

etwa Hodlers Landschaftswerk. Der Bogen spannt sich von den patriotischen und 

religiösen Genrebildern bis zu den um 1890 mit dem Schlüsselwerk Die Nacht 

einsetzenden symbolistischen Menschenbildern und den Historiengemälden. 

Der nun erscheinende dritte Band des grossen Werkverzeichnisses von Hodlers 

Gemälden widmet sich diesem zentralen Teil seines Schaffens. Mit einer Einleitung 

der Herausgeber, dem chronologisch geordneten Katalogteil sowie dem 

umfangreichen Anhang, der unter anderem auch fragliche und irrtümliche 

Zuschreibungen sowie Fälschungen auflistet, setzt das Buch das Referenzwerk 

fort, das wissenschaftliche Kriterien erfüllt und Experten ebenso wie Liebhaber 

von Hodlers Kunst anspricht. 

Band 3 des Catalogue raisonné: 

die Fortsetzung des massgeblichen Referenzwerks 

zu Ferdinand Hodlers Gemälden 

Ferdinand Hodler 

Catalogue raisonné der Gemälde 

Band 3: Die Figurenbilder 


Pressestimmen zu den bereits 

erschienenen Bänden 

«Ein Meilenstein der Hodler- 

Forschung.» Neue Zürcher Zeitung 

«Dieses wissenschaftlich anspruchsvolle 

Referenzwerk wirkt 

nicht wie eine ‹trockene› Auflistung 

von Fakten und Daten, sondern 

lädt zum Blättern, Lesen und Vergleichen 

ein. Eine schön gestaltete, 

sorgfältig edierte Buchausgabe.» 

Silvia Volkart, Kunst + Architektur 

in der Schweiz 

«Der ausserordentlich sorgfältig 

gemachte Band genügt allen wissenschaftlichen 

Ansprüchen und 

liegt dazu noch digitalisiert vor.» 

Barbara Basting, SRF-Kultur 

Ferdinand Hodler ist der 

«Schweizer Nationalkünstler», 

sein Werk geniesst Weltruf 

Der Catalogue raisonné in vier 

Bänden ist das Referenzwerk zu 

Hodler und präsentiert erstmals 

sein malerisches Gesamtwerk 

vollständig 

Die Figurenbilder bilden einen 

ebenso umfangreichen Komplex 

in Hodlers Schaffen wie die Landschaften 

Äusserst reichhaltiges Bildmaterial 

und erhellende Essays 


Oskar Bätschmann und Paul Müller 

Mit Beiträgen von Oskar Bätschmann, 

Regula Bolleter, Monika 

Brunner, Sabine Hügli-Vass, 

Paul Müller und Milena Oehy 

Eine Publikation des Schweizerischen 

Instituts für Kunstwissenschaft 

SIK-ISEA 

2 Teilbände, gebunden, im Schuber 

Total ca. 630 Seiten, 

ca. 700 farbige Abbildungen 

23,5 × 32 cm 

978-3-85881-256-8 Deutsch 

Subskriptionspreis bis 31.5.2017: 

ca. sFr. 480.– | € 480.– 

Normalpreis ab 1.6.2017: 

ca. sFr. 640.– | € 640.– 


ISBN 978-3-85881-256-8 

9 783858 812568 

Band 1: Die Landschaften 

(2 Teilbände) 

978-3-85881-244-5 Deutsch 

sFr. 640.– | € 640.– 

Lieferbar 

Band 2: Die Bildnisse 

978-3-85881-255-1 Deutsch 

sFr. 480.– | € 480.– 

Lieferbar 

Band 4: Biografie und Dokumente 

978-3-85881-257-5 Deutsch 

Subskriptionspreis ca. sFr. 240.– | € 240.– 

Normalpreis ca. sFr. 320.– | € 320.– 

Erscheint 2018

Ausgewählte Backlist-Titel 


Kunst 

Die Neuausgabe von Ernst 

Scheideggers Klassiker 

mit mehr als 60 zuvor unveröffentlichten 

Farbbildern 

Alberto Giacometti 

Spuren einer Freundschaft 

978-3-85881-349-7 

Deutsch/Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Eine aussergewöhnliche 

private Sammlung: 

das Alberto-Giacometti- 

Museum in Sent 

Alberto Giacometti – 

Druckgrafik 

Die öffentliche Sammlung 

Gross in Sent 

978-3-85881-520-0 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Form, Farbe, Material, Klang 

und Bewegung: Dada 

und die Kunst aus Afrika, 

Ozeanien und Asien 

Dada Afrika 

Dialog mit dem Fremden 

978-3-85881-507-1 Deutsch 

978-3-85881-779-2 Englisch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Zum Dada-Jubiläum 2016 

erstmals veröffentlicht: die 

von Tristan Tzara geplante 

Anthologie der Dada- 

Bewegung 

Dadaglobe Reconstructed 

978-3-85881-499-9 Deutsch 

978-3-85881-775-4 Englisch 

sFr. 59.– | € 58.– 

Der Beitrag der Frauen an 

Dada erstmals umfassend 

und in seiner ganzen Vielfalt 

dargestellt 

Ina Boesch 

Die Dada 

Wie Frauen Dada prägten 

978-3-85881-453-1 Deutsch 

sFr. 29.– | € 29.– 

Kunst 

Emmy Hennings’ Dada- 

Œuvre in bislang einmaliger 

Fülle und Zeugnisse ihrer 

Zeit- und Weggenossen 

Emmy Hennings Dada 

978-3-85881-472-2 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Die Neuausgabe des 

populären Standardwerks 

Ferdinand Hodler – 

Landschaften 

978-3-85881-344-2 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Der Urknall der Dada-Bewegung 

vor 100 Jahren! 

Die Stimmung der Geburtsstunde! 

Die Bilder! 

Die Worte! 

Genese Dada 

100 Jahre Dada Zürich 

978-3-85881-492-0 Deutsch 

978-3-85881-767-9 Englisch 

sFr. 39.– | € 38.– 

Ausgezeichnet mit der 

Goldenen Letter als 

schönstes Buch aus aller 

Welt 2014 

Meret Oppenheim – Worte 

nicht in giftige Buchstaben 

einwickeln 

978-3-85881-475-3 Deutsch 

sFr. 69.– | € 68.– 

Erstmalige Gegenüberstellung 

von zwei der 

wichtigsten Künstler des 


Torsten Otte 

Salvador Dali & 

Andy Warhol 

Encounters in New York 

and Beyond 

978-3-85881-774-7 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Architektur 

Kunst 

Diverses Fotografie 

Die Schweizer Künstlerin 

im Kreis ihrer New Yorker 

Freunde: ein neues Porträt 

Sonja Sekula & Friends 

978-3-85881-512-5 


sFr. 49.– | € 48.– 

Die wegweisende Gesamtdarstellung 

des Schaffens 

dieses Universaltalents der 

frühen Avantgarde 

Sophie Taeuber-Arp – 

Heute ist Morgen 

978-3-85881-432-6 Deutsch 

978-3-85881-757-0 Englisch 

sFr. 59.– | € 58.– 

Architekturfantasien, 

Zeichnungen und Texte 

dreier Visionäre des frühen 


Visionäre der Moderne 

Paul Scheerbart, Bruno Taut, 

Paul Goesch 

978-3-85881-510-1 


sFr. 39.– | € 38.– 

Ein künstlerischer Blick 

auf die legendäre indische 

Planstadt heute 

Chandigarh Redux 

Le Corbusier, Pierre Jeanneret, 

Jane B. Drew, 

E. Maxwell Fry 

978-3-85881-762-4 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Beeindruckende Fotoporträts, 

mit Reflexionen von vier Schweizer 

Schriftstellern über das Alter 

Katja Snozzi – 

Jahrhundertmenschen 

Hundert 100-Jährige und ältere 

Schweizer und Schweizerinnen 

978-3-85881-518-7 

Deutsch/Französisch/ 

Italienisch/Rätoromanisch 

sFr. 69.– | € 68.–

Ausgewählte Backlist-Titel 


Fotografie 

Die legendären Las-Vegas- 

Bilder von Robert Venturi 

und Denise Scott Brown 

Las Vegas Studio 

Images from the Archive 

of Robert Venturi and 

Denise Scott Brown 

978-3-85881-764-8 Englisch 

978-3-85881-765-5 Französisch 

sFr. 32.– | € 32.– 

Eine grandiose Entdeckung: 

das Gesamtwerk des 

französisch-brasilianischen 

Fotografen 

Marcel Gautherot 

Die Monografie 

978-3-85881-495-1 Deutsch 

978-3-85881-777-8 Englisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Ausgezeichnet mit der 

Silbermedaille des Deutschen 

Fotobuchpreises 2016 

Meinrad Schade – 

Krieg ohne Krieg 

Fotografien aus der 

ehemaligen Sowjetunion 

978-3-85881-452-4 


sFr. 54.– | € 54.– 

Eine der ungewöhnlichsten 

Städte des 20. Jahrhunderts, 

gesehen von einem der 

grössten Fotografen des 


René Burri. Brasilia 

Fotografien 1958–1997 

978-3-85881-307-7 


sFr. 79.– | € 77.– 

32 Städte, fünf Kontinente, 

ein Hotelzimmer: Standard 

Roger Eberhard – Standard 

978-3-85881-528-6 


sFr. 59.– | € 58.– 

Architektur 

Fotografie 

Architektur 

Die künstlerische Suche 

nach dem höheren Sinn 

alltäglicher architektonischer 

Unglücksfälle und Verbrechen 

Serge Fruehauf – 

Extra Normal 

978-3-85881-527-9 

Deutsch/Englisch/Französisch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Die Schweiz als neue 

Heimat – eine fotografische 

Annäherung 

The Swiss 

Fotografien von 

Christian Nilson 

978-3-85881-529-3 


sFr. 49.– | € 48.– 

Städte und Landschaften als 

Produkt menschlicher Ideen, 

als Resultat von Ausbeutung 

und Gier 

Tobias Madörin. Topos 

Contemporary 

Global Prospects 

978-3-85881-372-5 


sFr. 99.– | € 97.– 

Leben und Schaffen 

des legendären Schweizer 

Magnum-Fotografen 

Werner Bischof 

Standpunkt 

978-3-85881-508-8 Deutsch 

sFr. 79.– | € 77.– 

Kann man Architektur filmen? 

Mögliche Antworten des 

Regisseurs Christoph Schaub 

auf drei DVDs 

Christoph Schaub – 

Films on Architecture 

978-3-85881-908-6 


sFr. 39.– | € 39.– 

Kunst Architektur 

Diverses 

Diverses 

«Einen Stuhl brauche 

ich zum Sitzen, weniger 

zum Bestaunen.» 

Hans Eichenberger 

Hans Eichenberger 

Designer und Innenarchitekt. 

Protagonist der Schweizer 

Wohnkultur 

978-3-85881-521-7 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Die grosse Monografie des 

weltbekannten Architekten 

Peter Zumthor 1985–2013 

Bauten und Projekte 

978-3-85881-304-6 Deutsch 

978-3-85881-723-5 Englisch 

978-3-85881-740-2 Französisch 

sFr. 250.– | € 250.– 

Moderne Hotel-Nostalgie 

auf Postkarten 

Bikini in den Bergen 

Badefotografie der Kunstanstalt 

Brügger Meiringen. 

Ein Postkartenbuch 

978-3-85881-481-4 Deutsch 

sFr. 24.– | € 24.– 

Opulenter Bildatlas und 

Enzyklopädie des Wissens 

zur Gebirgsregion im Herzen 

der Schweiz 

Der Gotthard / Il Gottardo 

Landscape – Myths – 

Technology 

978-3-85881-503-3 

Deutsch/Englisch/Italienisch 

sFr. 99.– | € 97.– 

Protokolle über Leben und 

Tod: das unvollendete letzte 

Filmprojekt Peter Liechtis 

Peter Liechti – Dedications 

978-3-85881-500-2 Deutsch 

978-3-85881-776-1 Englisch 

sFr. 39.– | € 38.–


Niederdorfstrasse 54 

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Scheidegger & Spiess ist Mitglied 

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Der Verlag Scheidegger & Spiess 

wird vom Bundesamt für Kultur 

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Stand Dezember 2016 

Die angegebenen Franken-Preise sind 

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für Österreich. Für Preise, Beschreibungen 

und Erscheinungstermine bleiben 

Änderungen und Irrtum vorbehalten. 

Umschlagbild: 

Regal Nuage von Charlotte Perriand 

(1957, © AChP., Paris / 2016, ProLitteris, 

Zurich), Sessel P 40 von Oswaldo Borsani 

(1955). Foto: Dulut, publiziert im Messekatalog 

Arts ménagers, Nr. 95, Nov. 1957. 

Aus dem Buch: Charlotte Perriand, S. 11 

William Eggleston 

Porträts 

Phillip Prodger. Mit einem Gespräch von William Eggleston 

mit Phillip Prodger, Rose Shoshana, Maud Schuyler Clay 

und Lesley Young 

In Zusammenarbeit mit der 

National Portrait Gallery, London 

Gebunden 

184 Seiten, 122 farbige und 89 sw Abbildungen 

27,5 × 28 cm 

978-3-85881-513-2 Deutsch 

sFr. 49.– | € 48.– 

Ungewöhnliche Bildkompositionen, ein treffender Blick 

und eine besondere Verspieltheit zeichnen William Egglestons 

Porträts aus. Über 50 Jahre fotografierte er Freunde, 

seine Familie und zahlreiche Künstler wie die Musiker 

Elvis Presley und Joe Strummer, den Schauspieler Dennis 

Hopper oder den Regisseur David Lynch. Diese erste 

Monografie zu Egglestons Porträtkunst zeigt rund 90 seiner 

Fotografien, viele davon erstmals überhaupt.

Vorschau Scheidegger & Spiess Frühjahr 2017

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