fvhjfsjh - Sarah Weckert

Kunst aus Afrika in Deutschland
Art from Africa in Germany
Text: Peter Herrmann
In den neunziger Jahren des vorigen Jahrhunderts
veröffentlichte das Magazin „Capital“ eine umfangreiche
Untersuchung des internationalen Kunstmarktes
und unterteilte ihn in Segmente. Verblüffend
dabei war, dass ausgerechnet der komplizierte Markt
alter Kunst aus Afrika im Zeitraum von 00 Jahren
das solideste Preisgefüge hatte.
Dies dürfte für viele Leser eine Überraschung sein,
doch Deutschland hat eine lange Tradition von Sammlungen,
von Handel und wissenschaftlicher Bearbeitung,
die allerdings in den letzten Jahrzehnten
qualitativ schrumpften. Gleichzeitig zu dem Rückgang
der Bedeutung alter Kunst entstand ein kleiner
Umsatz mit neuer Kunst.
Bei klassischer Kunst wird regional zugeordnet,
während heute lebende Künstler aus Afrika solche
Zuordnungen von sich weisen. Natürlich steht in der
Biografie eines Künstlers sein Herkunftsland. Sie oder
er möchte sich aber nicht als Repräsentant eines Landes
oder einer Ethnie verstanden wissen.
Kunst der Shona oder Makondekunst sind Bezeichnungen,
die in unserem Sprachgebrauch festgemacht
sind. Diese direkten Verweise auf sogenannte Stämme
sind allerdings so unpassend wie falsch und entstammen
dem Schubladendenken einiger feldforschender
Ethnologen, die sich bis heute zuständig für Kunst
aus Afrika wähnen.
Translation: Brian Poole
In the 90s of the last century the magazine “Capital”
published a comprehensive study of the international
art market, dividing the market up into segments.
How astonishing that, over the last one hundred
years, the complicated market of old art from Africa
has had the most stable price structure.
That must have surprised many readers. And yet
Germany has a longstanding tradition of collections,
trade and scholarly studies in the field, although they
have declined in quality in recent years. Parallel to
the decline in the significance of old art, a small turnover
of new art has developed.
Whereas the classical art is regionally classified, the
contemporary artists living in Africa reject such classifications.
Of course the artists’ country of origin
figures in their biography. But they do not want to
be seen as representatives of their country or their
ethnicity.
The art of the Shona or Makonde art are linguistic
categories that have become established in everyday
usage. These direct references to the so-called tribes
are as inappropriate as they are false; they were derived
from the pigeon-hole categorisations of but a
few ethnologists doing field research who still fancy
themselves authorities in art today.
George Osodi: Okada Rider aus der Serie “Lagos Uncelebrated”, 007, C-Print on Alu-Dibond, 80 x 0 cm, /5
Nahezu alle Künstler, die in diese große ethnische
Verwurstungsmaschine geraten sind, verschwanden
im Orkus der Vermassung und mit ihnen die Bedeutung
der ersten angelegten Sammlungen in Deutschland
in der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts.
Seit vielen Jahren versucht man deshalb,
bestimmte Sprachgewohnheiten und Umgangsformen
zu ändern und mit dieser Wandlung unser Verhältnis
und unser Interesse gegenüber dem eigentlich
sehr nahe liegenden Kontinent zu verbessern.
Seit etwa 995 gewann eine differenziertere Wahrnehmung
an Boden. Ausgelöst durch einige große
Ausstellungen in Frankreich und den USA, begannen
in Deutschland verstärkt Künstler und Kunsthistoriker
mit Kooperationen und Rezensionen. Exotistische
Projektionen verlieren mehr und mehr an Einfluss.
Die Wahrnehmung eines Landes hängt leider auch
von der wirtschaftlichen Bedeutung ab, die es für
Deutschland hat. Da die meisten afrikanischen Staaten
dabei eine untergeordnete Rolle spielen, kann
sich auch keine Austauschsituation in der Kunst entwickeln.
Erschwerend kommt bei der Vermittlungsarbeit
hinzu, dass unsere Medien bei Berichten über
Afrika vorzugsweise über Katastrophen, Fauna und
Flora berichten. Künstler und Kunst spielen nahezu
keine Rolle. Das Gros unserer Bevölkerung nimmt
Afrika durch einseitige Berichte als Hilfsempfänger
wahr. Daraus abgeleitet werden Werte nicht adäquat
anerkannt.
Almost all the artists who have been swallowed up
by this massive ethnic grinder have been consigned to
the oblivion of depersonalisation, taking the significance
of the first collections established in Germany
in the latter half of the twentieth century with them.
And for that very reason, for years now many have
been attempting to alter certain linguistic habits and
mannerisms in order to change this relationship and
to improve our interests on the African continent,
which is actually not that far from us.
Since 995 a more differentiated perception has
been gaining ground. Triggered by a few large exhibitions
in France and the USA, artists and art historians
have formed co-operations and have collaborated in
reviews. The projections of exoticism are gradually
losing their influence.
Unfortunately, our perception of a country also depends
upon the economic significance it has for Germany.
And since most African countries play a minor
roll therein, the conditions for art exchange also cannot
develop. To further aggravate the situation, in our
media the reports on Africa tend to highlight catastrophes,
flora and fauna. Artists and art play almost
no role at all. The lion’s share of our population sees
Africa through lopsided reportage as the recipient of
foreign aid. On that basis, values are not recognised
adequately.
4 5

Nach jahrzehntelang vernachlässigter Präsenz in
Afrika beginnt man bei uns langsam zu realisieren,
dass der kleine wirtschaftliche Austausch, den wir
hatten, zugunsten Chinas und anderer asiatischer
Länder weiter und weiter schrumpft. In Wirtschaft
und Politik entdeckt man deshalb nun auch langsam
die Bedeutung von Kulturarbeit und entwickelt neue
Strategien.
Internationale, individuelle Erfolge von Künstlern des
ganzen afrikanischen Kontinents haben über die letzten
Jahre zugenommen. Neben einigen wenigen Ländern
mit traditionellem Binnenkunstmarkt entstehen
zaghafte Strukturen auch in Ländern, die bisher nur
in der Rangliste der ärmeren Länder aufgefallen sind.
Es gibt sehr unterschiedliche Kunsträume mit durchaus
sehr eigenen Prägungen.
Im nordafrikanischen Raum sind es Länder wie
Ägypten, Algerien und Marokko, aus denen viele
Künstlerinnen und Künstler kommen. In Ostafrika
gibt es in Äthiopien, Kenia, Uganda und Sudan
Künstlerszenen mit jeweils vielen Protagonisten und
Qualitäten, aus deren Mitte immer wieder eine oder
einer den Schritt auf die internationale Bühne schafft
und die in ihrem Herkunftsland höchst respektierte
Persönlichkeiten sind.
Im südlichen Afrika ist Simbabwe, nach blühenden
Zeiten für Kunst und Kunstgewerbe, heute nicht
mehr so wichtig. Südafrika dafür umso mehr. Gefühlt
rolliert dort die Hälfte des Umsatzvolumens des ganzen
Kontinents, und die einzige Messe in ganz Afrika
ist in Johannesburg zu finden. Für Deutsche spielt
Namibia noch eine kleine Rolle.
West- und Zentralafrika ist neben Theater und Musik
traditionell das Eldorado der bildhauerischen Kunst.
In der zeitgenössischen Bildenden Kunst scheint sich
dieses Erbe dadurch auszudrücken, dass besonders
viele Künstler aus diesem Teil des Kontinents kommen.
Besonders lebendig geht es in Ländern wie
Kongo, Kamerun, Nigeria, Benin, Togo, Ghana, Elfenbeinküste
und Senegal mit seiner Biennale zu.
Diese Vielfalt drückt sich in Deutschland nicht aus.
Verschwindend wenige Künstler aus Afrika sind in
Galerien vertreten, es sind sehr wenige Künstler in
namhaften Sammlungen und es gibt fast keine Ausstellung
in wichtigen Museen. Widerfährt einem
Künstler aus Afrika das Glück der Aufnahme in unser
Pantheon, ist er meist europastämmig und heißt
Breitz, Alexander, Kentridge, Tillim, Goldblatt, Hugo
oder Schadeberg.
Eine weitere Problematik liegt in der Institutionalisierung
der Kunst, was sich bezogen auf Afrika als
ganz besonders schwierig erweist. Deutsche Institutionen
mit Bezug zu Afrika arbeiten dem Markt dia-
After decades of neglecting our presence in Africa we
are slowly beginning to realise that the humble economic
exchange we had there has been dwindling in
deference to China and other Asian countries. On the
other hand, both economically and politically the significance
of cultural work is slowly being discovered,
and new strategies are being developed.
In recent years, the number of artists from the African
continent who have been successful internationally
has increased. In addition to the few countries
with traditional internal markets, tentative structures
are being developed even in countries that, hitherto,
have only figured in the rankings of the poorer nations.
There are very diverse artistic areas with entirely
individual characteristics.
In North Africa these are the countries Egypt, Algeria
and Morocco, and many artists hail from them. In
East Africa lie the countries Ethiopia, Kenya, Uganda
and the Sudan, where the artistic scenes each have
their own numerous qualities and protagonists, some
of them managing to forge their way onto the international
stage and to become highly respected personalities
at home.
In the south of Africa, following a period of flourishing
development in arts and crafts, Zimbabwe appears
less significant today – and South Africa all the
more. The feeling one gets is that half of the entire art
market on the African continent transpires there – as
if the only art fair in Africa were in Johannesburg. For
Germans, Namibia still plays only a minor role.
West and Central Africa are traditionally the Eldorado
of sculptural art, in addition to their theatre
and music. In contemporary fine arts this heritage is
reflected by the fact that a particularly large number
of artists come from this region of the continent.
And the countries Congo, Cameroon, Nigeria, Benin,
Togo, Ghana, the Ivory Coast, and Senegal (with its
Biennale) are also exceptionally lively.
This variety has not found expression in Germany.
Only a handful of artists from Africa are represented
at galleries here, there are very few of these artists
in renowned collections, and there are almost no exhibitions
at important museums. Should an African
artist be so lucky as to gain access to our Pantheon,
he’s usually of European stock and bears the name
Breitz, Alexander, Kentridge, Tillim, Goldblatt, Hugo
or Schadeberg.
Another problem is the institutionalisation of art,
which in Africa is proving to be especially difficult.
German institutions with connections to Africa are
working against the market here. There is almost no
involvement of freelance artists and dealers in their
activities, and the financing canalised by the state is
Ransome Stanley: For H. Mankell, 009, Öl auf Leinwand, 50 x 50 cm
metral entgegen. Es gibt nahezu keine Einbindung
freier Kunstschaffender und Vermittler in deren Aktivitäten,
und vom Staat kanalisierte Gelder werden
von Kulturbeamten fast zu hundert Prozent aufgebraucht,
ohne dass es dabei einen Einkaufsetat gäbe.
Weil keine Kooperationen zwischen freier Szene und
Institutionen stattfinden, entstehen Defizite. Es gibt
immer weniger logisch aufgebaute Sammlungen. Zu
zeitgenössischer Kunst gibt es in Deutschland aktuell
keine einzige relevante Sammlung mehr. Die berühmte
Sammlung Bogatzke ging spurlos außer Landes,
und vier Sammlungen der klassischen afrikanischen
Moderne, die aus den siebziger und achtziger Jahren
des zwanzigsten Jahrhunderts datieren, stehen ohne
Käufer im Marktangebot. Noch schlimmer sieht es
am Markt alter Kunst aus. Sammler und Händler,
die früher mit den als Stiftungen organisierten
Völkerkundemuseen in enger Verbindung standen,
sind abgekoppelt. Beide, Sammler und Händler,
erleben ohne wissenschaftliche Begleitung eine
Verflachung ihrer Ansprüche. Sammlungen verkommen
zu Schnäppchenparaden oder ästhetischen
Inneneinrichtungen. Die verbeamtete
Museumsperson verliert wichtige Informanten,
strandet in veraltetem Bücherwissen und wird zum
reaktionären Bremser wichtiger Entwicklungen und
Neuerungen.
Zurück nach Afrika. Die Anbindung der Kunst an lokales
Handwerk ist marginal. Arbeiten viele westliche
almost entirely consumed by members of the cultural
administration, with no budget remaining for
purchasing art.
Since no cooperation takes place between the freelance
art scene and the institutions, deficiencies
have been created. There are fewer and fewer logically
constructed collections. And there is no longer
a single relevant collection of contemporary African
art in Germany. The famous Bogatzke collection left
the country without a trace, and the four collections
of the classical African modern period dating back to
the 70s and 80s of the twentieth century have been
on the market for some time now without finding
buyers. The market for older art appears even worse.
Collectors and dealers who earlier were closely connected
with foundations operating museums of ethnology
are now suffering from diminishing standards
due to a lack of academic support. Collections are
sinking to bargain basement prices or relegated to the
aesthetic function of interior furnishings. The state
employed museum staff are losing important sources
of information, stranded on the shoals of outdated
bookish knowledge where they become reactionary
impediments to important developments and innovations.
Back to Africa. The integration of art in local handcrafts
is marginal. Although many western artists
work with printers, casters, carpenters and electri-
6 7

Künstler mit Drucker, Gießer, Schreiner und Elektroniker,
verlieren afrikanische Künstler weitgehend
ihre Bindungen an eigene traditionelle Gewerke. Es
gibt keine Händlerstruktur mit Pigmenten, keine
Rahmenbauer, wenig Fotofachlabore – und wenn,
dann auf sehr niedrigem Standard. Verpackungs- und
Kunsttransportgewerbe würden für ganz Afrika keine
Seite in unserem Branchenbuch füllen.
Hinter diesen beliebig fortzusetzenden Mankos verbirgt
sich, leicht nachvollziehbar, eine mangelnde
Professionalität des Berufstands Künstler, über die
man sich hier schon fast sarkastisch lustig macht,
indem man die Begabung des Afrikaners im Allgemeinen
hervorhebt, er sei ein wahrer Meister der
Recyclingkunst. Entsprechend verkaufbar sind denn
auch diese Produkte. Meist von Blechmärkten afrikanischer
Hafenstädte.
Es gibt einige Institutionen in Deutschland, deren
Inhalte praktisch orientiert sind und Stipendiaten
beste Arbeitsmöglichkeiten bieten. DAAD in Berlin,
Akademie Schloss Solitude in Stuttgart oder ZKM
in Karlsruhe bieten auf dieser Ebene eine sinnvolle
Leistung.
Diese Angebote bieten jedoch keine Marktstimulanz.
Bis auf sehr wenige Ausnahmen von Künstlern, die
nach dem Stipendium im Deutschland verbleiben,
kehren die Künstler in ihr Heimatland zurück und
finden sich ohne Infrastruktur wieder oder versuchen,
in Ländern mit besserer Infrastruktur wie Frankreich,
England oder Italien unterzukommen, wo letztlich
das Einschreiben an Universitäten, Projektbeteiligungen,
Stipendien und Ausstellungsmöglichkeiten
– und damit Verdienstmöglichkeiten – besser gegeben
sind.
Wichtig sind daher Ausstellungen wie die Sonderausstellung
zeitgenössischer Kunst aus Südafrika auf
der kommenden art Karlsruhe im März, bei der die
Messeleitung, die Daimler Art Collection und das
Auswärtige Amt kooperieren, oder das Erscheinen
eines aufwendig vorbereiteten Bandes über Kunst aus
Afrika in deutschen Sammlungen im Sommer.
Afrikas Verlust seiner Vergangenheit durch den Übergang
von oraler Überlieferungstradition zu westlichuniversitärer
Ausbildung hat tragische Dimensionen.
In weiten Teilen Afrikas kann Geschichte fast nur
durch seine Kunst rekonstruiert werden. Daraus
leitet sich auch eine Verantwortung für uns Europäer
ab, die wir über Archive verfügen – die wir zugänglich
machen müssen.
Was wir durch eine Öffnung bekommen, ist eine
frische und äußerst lebendige Kunstszene, die in den
nächsten Jahren mit einigen Überraschungen aufwarten
wird.
cians, African artists have largely lost their ties to
their own traditional guilds. There are no commercial
structures for pigments, no frame makers, few photo
labs – and where these do exist, they are of a very
low standard. Art packaging and transport businesses
from all over Africa would scarcely fill one of our yellow
pages.
The list could go on indefinitely, and behind these deficiencies
lies a lack of professionalism amongst working
artists that is almost sarcastically made fun of here.
What talent these Africans generally have – truly the
masters of recycling art! And that’s just about how
easy it is to sell these products, often forged from the
scrap metal markets of African seaports.
There are some institutions in Germany whose programmes
are practically oriented, offering the best
working environment for the recipients of stipends.
The DAAD in Berlin, the Academy Schloss Solitude
in Stuttgart and the ZKM in Karlsruhe provide helpful
services on this level.
Such offers, however, provide no market stimulation.
With the exception of very few artists who remain
in Germany after their stipends have expired, artists
return to their countries of origin where no infrastructure
awaits them, or they attempt to relocate to
countries with a better infrastructure such as France,
England or Italy, where the opportunities to attend
a university, to participate in projects, to obtain a
stipend and to exhibit – and thus to find sources of
income – are more abundant.
Exhibitions such as the Special Exhibit of Contemporary
Art from South Africa at the “art Karlsruhe” in
March are thus important. Here the directors of the
art fair, the Daimler Art Collection and the German
Foreign Office are all cooperating. Equally important
is the publication of an elaborately edited volume on
art from Africa in German collections, which is due
to appear this summer.
What Africa has lost, historically, in the transition
from the oral mediation of cultural traditions to
Western academic education does indeed have tragic
proportions. In broad regions of Africa, art is almost
the only source available upon which history can be
reconstructed. This means that Europeans also have
a certain obligation: we have archives, and we have to
make sure they remain accessible.
What we, in turn, will receive from this accessibility
is a fresh and extremely lively art scene – one that
is sure to offer us a number of surprises in the years
to come.
Peter Herrmann vermittelt zeitgenössische Kunst
mit thematischem Schwerpunkt Afrika und authentische
alte Kunst West- und Zentralafrikas. Bei der
Präsentation afrikanischer Inhalte arbeitet er mit
kunstgeschichtlichen Ansprüchen und ist weltweit
einer der wenigen Galeristen, die Afrika konsequent
auf einer langen Zeitschiene vermitteln. Als Experte
für afrikanische Kunst und Kultur ist Peter Herrmann
bei politischen und wirtschaftlichen Angelegenheiten
beratend tätig.
Galerie Peter Herrmann
Brunnenstr. 54, 0 5 Berlin-Mitte
Künstler der Galerie | Wasser – Luft – Essen
Wasser: bis 0. .
Di–Fr 4– 9h, Sa – 6h
www.galerie-herrmann.com, Map: C 0
auf der art Karlsruhe:
Galeriestand H4-M08 plus
Sammlerausstellung Süd-Afrika. Dr. Sello Rathete Collection
und die Daimler Art Collection, kuratiert von Monna
Mokoena (Gallery Momo) und Peter Herrmann
art KARLSRUHE 0 0,
Messe Karlsruhe, Messeallee , 76 87 Rheinstetten
4.–7. ., tgl. – 0h, So 7. . – 9h,
Eintritt: 6 €, erm. €
Peter Herrmann specialises in contemporary art, focusing
thematically on Africa and on authentic old
art from West and Central Africa. In his presentations
of African art and issues he applies the discipline of
art history, and he is one of very few gallerists worldwide
who have continuously dealt with Africa over
an extended period. Peter Herrmann is also an active
advisor in political and economic affairs as an expert
in African art and culture.
Galerie Peter Herrmann,
Brunnenstr. 54, 0 5 Berlin-Mitte
Artists of the Gallery | Water – Air – Food
Water: running to 0 March
Tues–Fri pm–7pm, Sat am–4pm
www.galerie-herrmann.com, Map: C 0
at the art Karlsruhe:
Gallery Stand H4-M08
Exhibition of South African collections: Dr. Sello Rathete
Collection and the Daimler Art Collection, curated by Monna
Mokoena (Gallery Momo) and Peter Herrmann
art KARLSRUHE 0 0,
Messe Karlsruhe, Messeallee , 76 87 Rheinstetten
4–7 March, daily, –8pm, Sun 7 March am–7pm. Admission:
6 €, students/seniors €
8 9

Galerieprofil:
ifa-Galerien Stuttgart und Berlin – Kunst ist international
Gallery Profile:
ifa-Galleries in Stuttgart and Berlin – Art is International
Text: Sarah Weckert
Jeder Künstler repräsentiert das Land, aus dem er
stammt. Irrtum! Ja oder nein? Zeitgenössische Kunst
ist ein globales Phänomen, und Künstlerbiografien
sind meist Lebensläufe von Kulturnomaden. Dabei
richtet sich der Blick auf die Frage der Bedingungen für
die Möglichkeiten der öffentlichen Artikulation. Die
ifa-Galerien sind eine Plattform, auf denen Akteure
zeitgenössische Kunst aus außer-europäischen
Ländern präsentieren. Beide Galerien gehören zum
Stuttgarter Institut für Auslandsbeziehungen, das
9 7 gegründet wurde. Seit knapp vierzig Jahren wird
ein transkontinentaler Kulturdialog durch die ifa-
Galerie in Stuttgart initiiert. Als führende deutsche
Institution im internationalen Kunstaustausch
konzipieren und organisieren Kuratoren Ausstellungen
in Stuttgart, während seit 99 auch in
Berlin unter dem Gedanken „Kunst ist international“
ein unmittelbarer Dialog mit außereuropäischer
Kunst geführt wird. Aktuelle kreative Prozesse
und Arbeiten sowie kuratorische Konzepte aus
Afrika, Asien, Lateinamerika und Osteuropa
werden vorgestellt. Die Ausstellungen entstehen in
internationaler Zusammenarbeit, begleitet werden
sie zumeist von einem Veranstaltungsprogramm
und regen, über die Werkschau hinaus, den Dialog
zwischen Künstler, Kuratoren und Publikum an.
Die Förderung zeitgenössischer außereuropäischer
Kunst setzt sich zum Ziel, aktuelle, kulturelle und
gesellschaftspolitische Entwicklungen immer wieder
0
Translation: Brian Poole
Every artist represents the country he comes from.
Is that wrong? True or false? Contemporary art is a
global phenomenon, and artists’ biographies are often
the curriculum vitae of cultural nomads. They
focus our attention upon the question of the conditions
required to provide opportunities for public
articulation. The ifa galleries are a platform where
people present contemporary art from beyond the
borders of European nations. Both galleries belong
to the Institute for Foreign Relations (ifa) in Stuttgart,
which was founded in 9 7. For almost 40 years
now the ifa Gallery in Stuttgart has been developing
a transcontinental cultural dialogue. As the leading
German institution in international art exchange, curators
plan and organize exhibitions here in Stuttgart;
and since 99 a direct dialogue with non-European
art is also being conducted in Berlin under the motto
“art is international”. Here, contemporary creative
processes and artworks as well as curatorial concepts
from Africa, Asia, Latin America and Eastern Europe
are presented. The exhibitions are thus developed in
international cooperation, usually accompanied by a
programme of events that help to stimulate dialogue
between artists, curators and the public even after
the exhibition has closed. The support of contemporary
non-European art is targeted towards creating
ever new discussions of topical cultural and sociopolitical
developments. Worldwide projects connect
artists and audiences from diverse cultures with each
ifa-Galerie Berlin, Tran Luong: Hidden Beauty – Verborgene Schönheit, 0 0, Ausstellung: connect: Kunstszene Vietnam,
Foto: Sarah Weckert
neu zur Diskussion zu stellen. Weltweite Projekte
bringen Künstler und Publikum unterschiedlicher
Kulturen miteinander in Kontakt und schaffen so
anhaltende Netzwerke. Regionale Schwerpunkte
liegen derzeit auf Asien sowie dem Nahen und
Mittleren Osten. Die ifa-Galerien Stuttgart und
Berlin konzipieren und realisieren jährlich vier
Ausstellungen, die im Wechsel an den jeweiligen
Standorten zu sehen sind. Viele Arbeiten der
Ausstellungen werden erstmals in Deutschland
gezeigt, weshalb die Kuratoren mit ihrem Anstoß eine
Vorreiterrolle in der Präsentation außereuropäischer
Kunst ausfüllen. Bereits im Gründungsjahr 97
wurde das damals zukunftweisende Konzept
entwickelt, die Grenzen von ethnografischen
Arbeiten und freier Kunst, Zeitgenössischem und
jüngster Vergangenheit zu überwinden und die Art
und Weise der Darstellung zu reflektieren. Die das
Ausstellungsprogramm ergänzenden Veranstaltungen
thematisieren eine Globalisierung der Künste, der
Gesellschaften und der Kreativszene und bieten eine
Plattform der vertiefenden Auseinandersetzung. Die
ifa-Galerien Stuttgart und Berlin sind ein lebendiger,
kreativer Ort des Austausches, der Begegnung und
der Auseinandersetzung. Dabei liegt ein großes
Anliegen in der Kunstvermittlung, besonders auch
für Kinder und Jugendliche. Ein abgestimmtes
Programm aus Projekten, Führungen und Workshops
leitet sie an, sich mit Kunst, Design und Architektur
other and thus create lasting networks. The current
regional focus lies in Asia as well as the Near and
Middle East. The ifa Galleries in Stuttgart and Berlin
plan and conduct four exhibitions per year that alternate
between locations. Many of the works at these
exhibitions are shown here for the first time in Germany,
and with this initiative the curators thus play a
leading role in the presentation of non-European art.
This progressive concept had already been developed
in 9 7, the year the ifa Gallery was founded, and
its goal was to overcome the borders between ethnographic
work and independent art, between the contemporary
world and its recent past, and to reflect
upon the manner in which it is portrayed. The events
organized around the exhibitions address the topics
of the globalization of the arts, of societies and of the
creative environment, and they offer a platform for
deeper discussions. The ifa Galleries in Stuttgart and
Berlin provide a home for lively creative exchanges,
encounters and debates. Considerable emphasis is
placed upon communicating art to others, particularly
children and youths. A coordinated programme
of projects, guided tours and workshops has been
designed to encourage them to relate to the art, design
and architecture of other cultures. This active involvement
in the materials exhibited helps to change
their perspectives and perceptions.

ifa-Galerie Berlin, Dinh Q Le: Zerstörte Gene, 998– 009, Ausstellung: connect: Kunstszene Vietnam, 0 0, Foto: Sarah Weckert
anderer Kulturen auseinanderzusetzen. Mit der
aktiven Beschäftigung des Ausstellungsmaterials
kommt es zu einer Veränderung ihrer Perspektiven
und Wahrnehmungen.
Die Reihe „Stadtansichten“ thematisierte die Veränderungen
in den Städten des 0. und . Jahrhunderts.
Die Ausstellung „Die Welt wird Stadt“ ging der
Frage nach, welche Effekte der dynamische Prozess
einer globalen Verstädterung mit Blick auf Europa,
Asien, Afrika oder Lateinamerika mit sich bringt und
wie diese unsere künftigen Lebenswelten betreffen.
In der Reihe „Schauplatz Natur“ wird die Rezeption,
Analogiebildung und künstlerische Auseinandersetzung
mit dem Naturbegriff thematisiert. So zeigt
die Ausstellung „Post-Oil-City – Die Stadt nach dem
Öl“, die noch bis zum 0. März 0 0 in Stuttgart
zu sehen ist, Lösungen für urbane Problemstellungen
nach dem Ende fossiler Brennstoffe.
Unter dem Reihentitel „Spot on …“ werden Einblicke
in herausragende kulturelle Veranstaltungen und Biennalen
anderer Kontinente gewährt. Lag in den vergangenen
zwei Jahren der Fokus auf zeitgenössischer
afrikanischer Kunst, wird in diesem Jahr die lateinamerikanische
Mercosul-Biennale im brasilianischen
Porto Alegre in den Blick gerückt. In Weiterführung
des bisher vorgestellten Programms ist für Winter
0 0/ die erste Ausstellung der Reihe „Kulturtransfers“
konzipiert, die unter dem Titel „Another
The series of “cityscapes” deals with the changes in
cities during the 0th and st century. The exhibition
“World becomes City” addressed the question
of how the dynamic process of global urbanisation
is affecting Europe, Asia, Africa and Latin America,
and how this may change the world we will live in in
the future. The series “On Stage: Nature” deals with
the reception, the structural analogies and the artistic
treatment of the concept of nature. The exhibition
“Post-Oil City” which will run to the 0th of March
0 0 in Stuttgart offers solutions to the urban problems
we will face once we have exhausted the supply
of fossil fuels.
The series entitled “Spot on …” offers an inside view
into the outstanding events and biennales of other
continents. Whereas in the past two years the focus
lay upon contemporary African art, this year the focus
is on the Latin American Mercosul Biennale in
the Brazilian city of Porto Alegre. In a continuation of
an already initiated programme, the first exhibition
in the series of “Cultural Transfers” is scheduled for
the winter of 0 0/ ; entitled “Another Country”,
it will deal with the encounters and flow of cultural
transfer as well as with the transnational migration
of motifs. The larger framework of the exhibition is
geared towards communicating various forms, content
and strategies of cultural transfer.
ifa-Galerie Stuttgart, Installation von Pélangie Gbaguidi, 0 0, Ausstellung: Spot on... DAK’ART – Die 8. Biennale zeitgenössischer afrikanischer
Kunst, Foto: Valérie Hammerbacher
Country“ Begegnungen und Ströme von Kulturtransfers
und transnationalen Motivwanderungen thematisiert.
Die Vermittlung von verschiedenen Formen,
Inhalten und Strategien kultureller Transferleistungen
bildet den übergeordneten Rahmen der Schau.
„connect:“ heißt die neue Ausstellungsreihe der
ifa-Galerie in Berlin. Unter dem Titel der aktuellen
Schau „Kunstszene Vietnam“ werden bis Anfang
April 0 0 die für das europäische Publikum
bisher unbekannten internationalen, regionalen oder
auch lokalen Kunstszenen anhand von Arbeiten elf
junger zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler
aus Hanoi und Ho-Chi-Minh-Stadt vorgestellt. Mit
dabei Tran Luong, Gründer des Contemporary Art
Centre in Hanoi, das er bis Ende 00 leitete. Die
Notwendigkeit der Vermittlungsarbeit wird anhand
seiner Arbeit besonders deutlich: Im Jahr 007 zeigte
die Ausstellung „come in“ in Zusammenarbeit der
Abteilung Kunst des ifa- und des Goethe-Instituts in
Hanoi seine Arbeit „Hidden Beauty – Verborgenen
Schönheit“. Schon nach einem Tag wurde von staatlicher
Seite veranlasst, die Arbeit abzubauen. Das
Objekt, das zugleich eine überdimensionale Windel
und gepolsterter Rückzugsraum ist, besteht aus unzähligen
zusammengenähten Militäruniformtaschen.
Das Werk ging danach in den Besitz eines Schweizer
Sammlers über und ist jetzt erstmalig wieder in der
ifa-Galerie Berlin zu sehen. Die momentane Ausstel-
“connect:” is the title of the new exhibition series at
the ifa Gallery in Berlin. The current exhibition in
this series, “Art Scene Vietnam” (open to the beginning
of April 0 0) offers the European public an
overview of hitherto unknown international, regional
or local art scenes in the form of eleven young contemporary
artists from Hanoi and Ho-Chi-Minh City
– among them Tran Luong, founder of the Contemporary
Art Centre in Hanoi, which he directed until
the end of 00 . The need for such communication
is particularly apparent in his work. In 007 the exhibition
“come in” – a cooperation between the art
department at ifa and the Goethe Institute in Hanoi
– exhibited Tran Luong’s “Hidden Beauty”. But after
just one day the state authorities demanded its removal.
The object – both an oversized diaper and simultaneously
a cushiony resting place – was made of
countless pieces of cloth from military uniform bags
sewn together. The work was later bought by a Swiss
collector and it is currently being exhibited for the
first time at the ifa Gallery in Berlin. The current exhibition
“connect: Art Scene Vietnam” at the ifa Gallery
in Berlin is complemented by the youth art project
“INvite” (“einLaden”) dealing with the themes
of Vietnamese labourers and boatpeople. During the
presentation of this project the gallery will be hosting
a large party for its participants and its guests on the
9th of March.

lung „connect: Kunstszene Vietnam“ der ifa-Galerie
Berlin wird von dem Jugendkunstprojekt „einLaden“
unter der Thematik vietnamesischer Vertragsarbeiter
und Boatpeople ergänzt. Innerhalb der Präsentation
des Projekts feiert die Galerie mit den Teilnehmern
und seinen Besuchern am 9. März eine große Party.
Profunde Online-Informationen und Ausstellungskataloge
begleiten das ausführliche Programm der
ifa-Galerien und bieten Gelegenheit für einen vertiefenden
Einblick in oft unbekannte Welten, andere
Kulturen und höchst lebendige und faszinierende
Kunstszenen aus aller Welt.
www.ifa-galerie.de
ifa-Galerie Stuttgart
Charlottenplatz 7, 70 7 Stuttgart, Map: H 9
Di–So – 8h, Do – 0h
bis 0. .:
Schauplatz Natur: Post-Oil-City – Die Stadt nach dem Öl.
Die Geschichte der Zukunft der Stadt
Leiterin der ifa-Galerie Stuttgart ist Iris Lenz. Sie entwickelt
mit Stefanie Alber und Dr. Valérie Hammerbacher die
Schwerpunktthemen, kuratorische Konzepte und die Programme
der Galerie.
ifa-Galerie Berlin
Linienstr. 9/ 40, 0 5 Berlin-Mitte, Map: F 9
Di–So 4– 0h
bis 5.4.:
connect: Kunstszene Vietnam
Die Berliner ifa-Galerie wird von Dr. Barbara Barsch geleitet.
Zusammen mit Ev Fischer entwickelt sie die Programme für
den Standort Berlin. Aufgrund ihrer wissenschaftlichen Biografie
sind vor allem Themen Osteuropas ein Spezialgebiet
Dr. Barbara Barschs.
Katalog:
DAK’ART, Die 8. Biennale zeitgenössischer
afrikanischer Kunst.
Berlin: Institut für Auslandsbeziehungen
(ifa), 008. Deutsch,
S., m. zahlr. Abb., 0 €
(Spot on...)
Katalog:
BAMAKO VII. Rencontres
Africaines de la Photographie.
Berlin: Institut für Auslandsbeziehungen
(ifa), 008. Deutsch/
Engl., 88 S., m. zahlr. Abb., 7 €
(Spot on...)
In addition to the exhibition programmes, the ifa galleries
also provide detailed online information and
exhibition catalogues, offering deeper insight into
often unknown worlds, into other cultures, and into
very lively and fascinating art scenes from around the
globe.
www.ifa-galerie.de
ifa-Galerie Stuttgart
Charlottenplatz 7, 70 7 Stuttgart, Map: H 9
Tues–Sun –6pm, Thur –8pm
Open to 0 March:
On Stage: Nature – The Post-Oil City – The History of the
Future of the City
The Director of the ifa-Galerie in Stuttgart is Iris Lenz. Together
with Stefanie Alber and Dr Valérie Hammerbacher
she develops thematic focal points, curatorial concepts and
the programme for the gallery.
ifa-Galerie Berlin
Linienstr. 9/ 40, 0 5 Berlin-Mitte, Map: F 9
Tues–Sun –8pm
Open to 5 April:
connect: Art Scene Vietnam
The ifa-Galerie Berlin is under the direction of Dr Barbara
Barsch. Together with Eva Fischer she develops the programme
for the Berlin branch. Due to her academic background
the themes of Eastern Europe play a large role in Dr
Barbara Barsch’s work.
Katalog:
connect: Kunstszene Vietnam.
Institut für Auslandsbeziehungen.
Berlin: Kerber Art, 009.
Deutsch, 5 S., mit 9 farbigen
Abb., Hardcover, 4,80 €.
ISBN: 978- -86678- 5 -9
Katalog:
Die Welt wird Stadt. Stuttgart:
Institut für Auslandsbeziehunge
(ifa), 009. Deutsch, 00 S., m.
zahlr. Abb., 4 €
(STADTanSICHTEN)
Klassische Moderne
und Gegenwartskunst
4. – 7. März 2010
Messe Karlsruhe
www.art-karlsruhe.de
4 5

Sammlergespräche: Dr. Dr. Thomas Rusche
Conversations with Collectors: Dr Dr Thomas Rusche
Text: Jan Kage, Jennifer Becker
Dr. Dr. Thomas Rusche sammelt Kunst in der vierten
Generation. Die Sammlung SØR Rusche vereint niederländische
Alte Meister aus dem 7. Jahrhundert
und internationale zeitgenössische Kunst, wie zum
Beispiel Arbeiten von Daniel Richter und Jonathan
Meese aus den nuller Jahren.
Du kommst aus dem Münsterland, welches zum niederländischen
Kulturraum zählt. Du sammelst niederländische
Kunst, die nach der Reformation begonnen
hat, als die Ikonoklasten, die Bilderstürmer,
religiöse Motive aus der Malerei verbannt hatten.
Im 7. Jahrhundert macht es Sinn, über Nationen
und nationale Grenzen nachzudenken. Ich bin im
Münsterland aufgewachsen, an der grünen Grenze,
die jetzt wieder offen ist. Diese Grenze war damals
nicht nur politisch so durchlässig wie heute. Das
katholische Münster und das katholische Utrecht
bildeten einen gemeinsamen Kulturraum. Und
in dieses katholische Utrecht ist Caravaggio, der
Künstler des Chiaroscuro, der Hell-Dunkel-Malerei,
mit seinen Schülern eingedrungen und hat nördlich
der Alpen diesen unglaublichen Lichtwahnsinn in
die Malerei getragen. In der Tat war Nordeuropa bis
auf diese katholische Enklave Utrecht protestantisch
im calvinistischen Sinne. Damit war das Malen
des Religiösen, des Göttlichen, verboten. Die
Ikonoklasten, die Bilderstürmer, haben alle heiligen
Bilder, alle Gottesstatuen abgebaut, kaputtgeschlagen,
Translation: Brian Poole
With two PhDs to his name, Dr Thomas Rusche collects
art in the fourth generation of his family. The
collection SØR unites old Dutch masters from the
7th century with international contemporary art
– for example works by Daniel Richter and Jonathan
Meese from 000 and beyond.
You’re from the Münster region of Westphalia in
Germany that is still considered to belong to the
Dutch cultural sphere. And you collect post Reformation
Dutch art, when the iconoclasts began to ban
religious motives from painting.
In the 7th century it makes sense to think about nations
and national borders. I grew up in the Münster
area lying next to the open border that is now once
again open. Back then this border was not merely
politically open as it is today. Catholic Münster and
Catholic Utrecht formed a common cultural region.
Caravaggio – the artist of chiaroscuro, that brightdark
painting style – invaded Catholic Utrecht in
the guise of his disciples, thus importing this unbelievable
chiaroscuro madness to painting techniques
north of the Alps. In fact, with the exception of the
Catholic enclave of Utrecht, Northern Europe was
Protestant in a Calvinistic sense. Thus painting religious
or divine motifs was forbidden. The iconoclasts
hacked to pieces all the religious imagery, all the statues
of the divine, since it was forbidden to depict
the divine. Holland was no longer a republic of no-
Porträt Thomas Rusche, Foto: Edmund Piper
denn das Göttliche durfte nicht gemalt werden.
Holland war im 7. Jahrhundert erstmals keine
Adelsrepublik mehr, sondern eine Bürgerrepublik.
Es gab keine Porträtaufträge der Adligen mehr, keine
religiöse Auftragsmalerei der Kirchen. In dieses
Vakuum hinein malten die holländischen Künstler
des 7. Jahrhunderts um die Wette. Sie malten alles,
was man malen kann. Das Alltägliche, was, wie die
Holländer sagten, nun erstmals „schilderachtig“
wird, d. h „wert genug“, um gemalt zu werden.
Holländische Künstler wendeten sich dem Pisspott
zu, der pissenden Frau, dem pissenden Pferd, das, was
die Romantiker im 9. Jahrhundert dann übermalt
haben. Die Auseinandersetzung mit dem Alltäglichen
beginnt in dieser Fülle und Breite zum ersten Mal in
Holland, im 7. Jahrhundert. Und das macht mich an
dieser Malerei so an.
Gab es im aufkommenden Bürgertum abgesehen von
der Motivwahl auch qualitative Veränderungen?
Die qualitative Spreizung war sehr groß. Mit dem
aufkommenden Bürgertum entstand eine unglaubliche
Nachfrage nach Kunst, alle kauften Bilder. Wenn
sich der Kleinbauer kein Ölgemälde leisten konnte,
dann hatte er zumindest das Poster von heute, einen
Kupferstich, an der Wand. Das ist mit der Manie
der letzten Jahre vergleichbar, dass alle möglichen
Leute glaubten, in Kunst investieren zu müssen.
Jeder bessere Pinselquäler bezeichnete sich als Maler.
bles in the 7th century; it was a bourgeois republic.
There were no longer any commissions for portraits
from the nobility, and no commissions for religious
paintings from the churches. In this vacuum Dutch
painters vied with one another in their paintings, and
they painted everything they could get onto their
canvas: scenes from everyday life – things that, as the
Dutch used to say, were schilderachtig, or worthy of
depiction. Dutch artists even applied their skills to
the chamber pot, to the peeing woman, the urinating
horse – images that were then painted over by the
romantics in the 9th century. For the first time in
history, the treatment of everyday life began with this
abundance and breadth in Holland in the 7th century.
And that’s what interests me in these paintings.
Beyond this choice of motifs, were there also qualitative
changes during the rise of bourgeoisie?
The qualitative gamut was very large. With the rise of
the bourgeoisie an unbelievable demand for art was
created. Everyone was buying paintings. If a small
farmer could not afford to buy oil paintings, at least
he would have the period’s version of a poster, a copperplate
print, on the wall. It can be compared to
the mania of recent years when all sorts of people
believed they simply had to invest in art. Anyone
capable of wielding a paintbrush referred to himself
as a painter. In Holland, scarcely a large country, between
ten thousand and twenty thousand “painters”
6 7

Katharina Otto: Thanatos, 55 x 70 cm, Sammlung SØR Rusche D ... Witting (tätig um 6 0) zugeschrieben: Vanitas-Stillleben, auf Holz, ,8 x 48 cm, Sammlung SØR Rusche
Im kleinen Holland wurden 0 000, 0 000 „Maler“
gezählt.
Was sammelst du?
Ich sammle Gemälde, Bilder, Kunstwerke, die mich
ansprechen, die zu mir sprechen und die in mir etwas
auslösen. Ich denke, dass die, die hier zusammen sind
und täglich mit Kunst zu tun haben, weil sie sammeln,
Kunst schaffen, verkaufen oder vermitteln, diesen
Reflex irgendwann und irgendwie schon gespürt
haben. Man steht vor einem Kunstwerk und zuckt
zusammen. Irgendwas passiert in einem. Dieses innere
Getroffenwerden ist das einzige Kriterium, was
für einen Kunstsammler Bedeutung hat.
Du bist von deiner Familie her über die „alte Malerei“
zum Sammeln gekommen. Wann und wieso hast
du dann zu den Zeitgenossen gefunden?
Ich sehe unter uns Christian Ehrentraut, ein bedeutender
Kurator, der als einer der Ersten die Leipziger
Schule bis nach New York gebracht und gezeigt hat.
Er hat sich mal ein Dutzend Alter Meister von mir
genommen und in der Brunnenstraße bei Vlado, also
bei Artnews Projects ausgestellt. Christian hat die Alten
Meister mit Zeitgenossen gecrosst, und da wurde
mir deutlich, dass da was zu vibrieren anfängt. Dieses
Seherlebnis hat bei mir einen Turbo ausgelöst und ich
habe gespürt: Das passt.
have been counted.
What do you collect?
I collect paintings, pictures, and artworks that appeal
to me and that speak to me and somehow inspire me.
I’m sure that those who have gathered here today
and who have to do with art on a daily basis because
they collect or create art, or sell or procure it, have
somehow and at some time felt this reflex before.
You stand in front of a work of art and you’re suddenly
taken aback. Something happens inside you.
This inner feeling of being struck by something is the
only criterion of significance for the art collector.
You began to collect art under the influence of the
“old paintings” your family collected. When – and
why – did you later turn to contemporary artists?
I can see that Christian Ehrentraut, an important curator,
is among our guests here. He was one of the
first to bring the Leipzig school to New York and exhibit
them there. He once selected a dozen of the old
masters from my collection and exhibited them at
Vlado Velkov’s gallery on Berlin’s Brunnenstrasse – in
other words, the Artnews Projects. Christian “crossed”
the old masters with contemporary artists, and that’s
when it occurred to me that something electrifying
had been created. That visual experience put me in
high gear, and I sensed it. This works!
Nietzsche postulierte: „Gott ist tot“. Du sagst, das
letzte Tabu in der Kunst sei Gott. Meinst du, dass
jetzt die Kunst erst Gott tötet oder dass sie wieder
auf einer Sinnsuche nach dem Spirituellen, dem
Göttlichen ist?
Wir hatten vor einem Jahr 00 Stillleben aus unserer
Sammlung, 50 alte und 50 zeitgenössische Bilder,
in der Anhaltinischen Galerie in Dessau ausgestellt.
Ich ging dort mit zwei, drei Kunsthistorikern durch
und uns fiel auf, dass auf mindestens 0 Bildern,
sowohl bei den Alten als auch bei den Zeitgenossen,
Totenköpfe abgebildet waren. Der Totenkopf war vor
dem Hintergrund des Bildersturms eine Chiffre, sich
mit Tod, Vergänglichkeit und Transzendenz malerisch
auseinanderzusetzen. Warum ist heute der Totenkopf
in der Kunst so omnipräsent? Es gibt derzeit in Berlin
kaum eine Ausstellung, wo nicht irgendein Künstler,
gestern noch Moritz Schleime, einen Totenschädel
zeigt. Warum? Es gibt einen Brückenschlag zwischen
dem religiösen Tabu des 7. Jahrhunderts und dem
Tabu der Zeitgenossen. Wir haben alles dekonstruiert,
alle Tabus gebrochen, Künstlerscheiße in Konserven
abgefüllt und für 0 000 Euro auktioniert, im letzten
Jahr bei Gagosian groß ausgestellt. Wir wälzen uns
in Stier- und Schweineblut, alles ist erlaubt, aber wir
reden eben nicht über Gott. Und dieses letzte Tabu
scheint mir gerade mit dem „Schädel“ am Brechen
zu sein. Auf der Art Basel 009 stand ein großes
Kreuz vor der Eingangshalle. Das letzte Tabu ist,
Nietzsche once postulated that “God is dead”. You
mentioned that the last taboo in art is God. Do you
believe that art is currently bent on killing God, or
has a search for meaning, for spirituality and for the
divine broken out again?
A year ago we exhibited one hundred still-lifes from
our collection – 50 old and 50 contemporary pictures
– at the Anhaltinische Gallery in Dessau. I toured the
gallery with two or three art historians, and we noticed
that at least 0 works of both the old and the
contemporary artists contained the image of a skull.
In the age of iconoclasts the skull was a symbol, a
manner of treating death, transience and transcendence
in painting. But why is the skull so omniscient
in art today? There is scarcely an exhibition in Berlin
these days that fails to show an artist portraying
a skull – just recently, Moritz Schleime. But why?
There is a link between the religious taboo of the
7th century and the taboo of our contemporaries.
We’ve deconstructed everything, broken all the taboos,
put artists’ shit in glass jars and sold it for thirty
thousand euros – this was even featured in an exhibit
last year at the Gagosian Gallery. We wallow around
in the blood of cattle or pigs, everything goes, but we
don’t talk about God. And this last taboo appears to
me to be broken by the image of the skull. At the Art
Basel in 009 a large cross was erected in front of the
entrance hall. The last taboo is referring to God in art,
and this taboo is being broken.
8 9

Moritz Schleime: Nietzsche, 45 x 70 cm, Sammlung SØR Rusche Moritz Schleime: Off Rock Pearl (The Grunge), 60 x 50 cm, Öl auf Leinwand,
Sammlung SØR Rusche
Gott in der Kunst zur Sprache zu bringen, nun wird
es gebrochen.Wenn man von ostdeutscher Malerei
spricht, könnte man sagen, dass ist die gottloseste
Malerei schlechthin. Viele Kinder des Kommunismus
haben nie an Gott geglaubt. Mit dem kommunistisch
verordneten Atheismus wurde ein Vakuum erzeugt,
das nun nach „Gefülltwerden“ ruft, gerade auch in
Berlin, der Hauptstadt des Unglaubens.
Wie viel Leiden steckt in deiner Sammelleidenschaft
drin?
Der Berliner Kunstgalerist Volker Diehl hat mich
ganz früh geschnappt und gesagt: „Thomas, der Tag,
an dem du kein Bild kaufst – das ist ein verlorener
Tag.“ Man könnte meinen, dass er da Werbung in eigener
Sache macht, aber ich vertraue ihm. Ich habe
mir Volker Diehls Motto zum Lebensmotto gemacht.
Ich kaufe zwar nicht jeden Tag ein Bild. Aber wenn
ich einmal drei Tage kein Bild gekauft habe, kann
man das ja auch wieder nachholen. Gestern habe ich
sieben Bilder gekauft.
Eine Grunddefinition des Sammlers lautet, dass er
weiter kauft, obwohl die Wände voll sind. Ich habe
mich noch nie gefragt, wo hänge ich denn das Bild
hin. Ich habe gestern von einer Künstlerin, die keiner
kennt, Bilder gekauft. Vor einem halben Jahr hatte
sie noch keinen Galeristen. Aber interessanterweise
hat das KUNST Magazin, das hier heute einlädt, eine
Besprechung über Katharina Otto. Die Frau kennt
0
If we were speaking of East German painting you
could say that that is the most godless painting of
all. Many of the children of communism have never
believed in God. With the atheism decreed by the
communist state a vacuum was created that is currently
crying out to be filled, particularly in Berlin,
the capital of non-belief.
How much “passio”, how much “suffering” is there in
your passion to collect art?
The Berlin art gallerist Volker Diehl got hold of me
quite early and he said to me: “Thomas, a day you
don’t buy any pictures is a wasted day.” You would
think that’s just self promotion, but I trusted him. I
made Volker Diehl’s motto my life’s motto. I don’t
buy a picture every day, but if I haven’t purchased a
picture in the last three days, I still have time to make
up for it. I bought seven pictures yesterday.
A basic definition of the collector states that he continues
to buy although the walls are full. I’ve never
asked myself where I’m going to hang a picture
up. Yesterday I bought pictures by an artist nobody
knows. Six months ago she still hadn’t found a gallerist,
although, interestingly, KUNST Magazin Berlin,
our host this evening, did offer a review of Katharina
Otto’s works. But she’s still unknown; the gallery exhibiting
her has just opened. After just half an hour
I wanted to have at least four paintings by Katharina
Otto.
keiner, die Galerie ist gerade neu eröffnet. Ich wollte
nach einer halben Stunde mindestens vier Bilder von
Katharina Otto.
Also es ist zum einen schon dieses existenzielle
Wollen. Der Sammler ist ja auch Jäger, und ich spüre
in mir diesen alten genetischen Code, dass ich von
meiner Familie rausgeschickt werde aus der Höhle,
die ist irgendwo in Westfalen. Wer mich besser kennt,
weiß, dass man mich nicht jeden Tag ertragen kann.
Ich werde rausgeschickt und dann muss ich sammeln.
Dann muss ich jagen. Das steckt in uns allen drin.
Wir alle, so unterschiedlich wir sind, sammeln
irgendetwas, wir bevorraten irgendetwas.
Vielen Dank, Thomas Rusche!
Dr. Dr. Thomas Rusche studierte Sozial- und Wirtschaftswissenschaften,
Philosophie und Katholische Theologie an der
Université de Fribourg und an der FU Berlin. Er stammt aus
einer Familie von Textilhändlern, 984 trat er in das Familienunternehmen
ein und übernahm 988 in vierter Generation
die alleinige Geschäftsführung der SØR Rusche GmbH
in Oelde. 99 promovierte er in Fribourg in Wirtschaftswissenschaften,
00 in Philosophie an der FU Berlin. Er ist verheiratet
und hat vier Kinder.
Unser Moderator, der Soziologe Jan Kage, alias Yaneq, spricht
jeden Donnerstag um 9 Uhr in seiner Sendung „Radio Arty”
mit Künstlern und Kuratoren auf 00,6 MotorFM.
Das Gespräch in originaler, ungekürzter Form finden Sie unter
www.kunstmagazin.de
Thus, on the one hand, the passion is really an existential
desire. The collector is also a hunter, and I can
sense in me the old genetic code I must have been
carrying when my family sent me out of the cave
somewhere in Westphalia. Those who know me better
know that they can’t put up with me every day.
They send me packing, and then I have to collect.
Then I have to hunt. There is something of this in all
of us. However different we may be, we all collect
something, we all horde something.
Thank you, Thomas Rusche.
Dr Dr Thomas Rusche studied social sciences and economics,
as well as philosophy and Catholic theology at the Université
de Fribourg and at the Free University of Berlin. He was born
into a family of textile merchants. In 984 he joined the family
business and in 988 he became the fourth generation
sole manager of the SØR Rusche GmbH in Oelde. In 99
he completed his PhD in Fribourg in economics and in 00
received a PhD in philosophy from the FU Berlin. He is married
and has four children.
Our moderator, the sociologist Jan Kage, alias Yaneq, talks
with artists and curators every Thursday at 7pm in his radio
programme “Radio Arty” at 00.6 MotorFM.
You can find this conversation in its original unabbreviated
form at: www.kunstmagazin.de

Mythen porentief
Text: Christoph Zitzlaff
Dass die Erfindung der Kulturhauptstadt Europas
mehr ist als forcierte Tourismusförderung unter dem
Rubrum der schönen Künste, das versuchen die Macher
uns immer wieder einzubläuen. Gelingt das
auch 0 0, im Jahr von gleich drei Kreativmetropolen?
Angetreten ist ja nicht nur das Mittelzentrum
Essen, das mit dem Label „RUHR. 0 0“ den ganzen
Kohlenpott unter die von Karl Ernst Osthaus
geklaute Maxime „Wandel durch Kultur – Kultur
durch Wandel“ zusammengespannt hat. Vertreten
sind auch das südungarische Pécs (Fünfkirchen) und
vor allem – echt transkontinental – Istanbul, das sich
zuvörderst deshalb gerne paneuropäisch geriert, weil
sich die Türkei wegen ihrer EU-Bestrebungen vom
Folterverdacht befreien und die Außenwahrnehmung
so gerne auf möglichst nachhaltige internationale
Kulturfüße stellen würde.
Wie nicht anders zu erwarten, haben vor allem die
Ruhrmenschen, angeführt von Publizitätsmeister
Fritz Pleitgen als Geschäftsführer der „RUHR. 0 0
GmbH“, nichts unversucht gelassen, das Image der
Region, ohnehin Schmelztiegel von Erzen und Migrationen,
durch die Anverwandlung von künstlerischen
Positionen heterogenster Bauart immer
weiter in Richtung Multi-Kunst-Gebiet aufzupolieren.
Nachdem die Schnee- und Grönemeyerapokalyptik
zur Eröffnung überstanden ist, gibt es jetzt
Projekte wie „ – Straßen“ von Jochen Gerz zu erleben.
Der Konzeptkünstler produziert ein Environment,
das zu den verlautbarten Ruhrdoktrinen wie
die Faust aufs Auge passt, nämlich eine Arbeit, die
„die Kreativität und Autorenschaft der ganzen Gesellschaft
voraussetzt“: In drei stinknormalen Straßen
von Dortmund, Duisburg und Mülheim stellt man
Teilnehmern aus aller Welt ein Jahr lang gut fünfzig
Wohnungen mietfrei zur Verfügung. Dabei entsteht
ein Text, denn alle Mieter sowie die Besucher der
Straßenshow schreiben an etwas, das nächstes Jahr
als Buch veröffentlicht werden soll. Genuin offenes
Kunstwerk also? Mitteilsam wird es ebenfalls ab
Mai, wenn mit EMSCHERKUNST das größte Kunstprojekt
der „RUHR. 0 0“ beginnt: Die Emscherinsel
inmitten des industriell gequälten, aber längst
renaturierten Flusses wird von vierzig Künstlerinnen
und Künstlern bespielt, darunter Rita McBride,
Jeppe Hein, Tobias Rehberger und Tadashi Kawamata.
Natürlich setzt man sich auch hier intensiv mit
der Region auseinander, aber man erschrickt bei so
viel Kunstwollen im public space – wenn Kunst an
Schleusen, auf Industriebrachen oder Hobby-Ornithologenstationen
ebenso zu finden sein wird, wie es
singende Felsen, einen Community-Garden oder ein
wanderndes Kasperletheater geben soll und man „zum
Myths just Skin-Deep
Translation: Brian Poole
The advocates of the invention of the “Cultural Capital
of Europe” never cease to remind us that it is more
than a programme to support tourism forced upon
us under the auspices of fine arts. But is that going to
work in 0 0 with a total of three creative metropolises?
In line for the title is not only the central area of
Essen, which under the logo “RUHR. 0 0” has banded
the entire Ruhr coal basin together under a slogan
stolen from Karl Ernst Osthaus: “Change through
Culture – Culture through Change”. Vying for this
same title are also the southern Hungarian city of
Pécs (Fünfkirchen) and particularly the truly transcontinental
Istanbul, which, while endeavouring to
become a member the European Community, would
like to dispel suspicions of torture and to change the
way it is perceived beyond its borders towards a more
sustainable international profile.
As expected, following the lead of Fritz Pleitgen,
Managing Director of the “RUHR. 0 0 GmbH”, the
people of the Ruhr area have tried just about everything
to polish the image of the region – already a
melting-pot of ore and migration – into something
more closely resembling a multi-cultural art district
by assimilating the most heterogeneous of artistic
trends. Having survived the apocalyptic snowfall and
the Ruhr hymn sung by Herbert Grönemeyer at the
opening event, other projects such as the “Two to
Three Streets” by Jochen Gerz remain to be experienced.
This concept artist has created an environment
perfectly suited to the self-proclaimed doctrines
of the Ruhr, a work calling for the “creativity
and authorship of the entire community”. In three
boringly normal streets in Dortmund, Duisburg and
Mülheim fifty participants from all over the globe
have been offered rent free apartments for a year.
During the year, these squatters as well as the visitors
of the street shows are supposed to contribute
to a text, due to be published in book form next
year. So that’s a genuinely open work of art? Another
conniption of communication is scheduled for
May, when the EMSCHERKUNST, the largest of the
RUHR. 0 0 art projects, begins; the Emscher Island
in the middle of the industrially tortured but long
since re-natured river will provide the stage for some
forty artists, among them Rita McBride, Jeppe Hein,
Tobias Rehberger and Tadashi Kawamata. Of course
they will offer an intensive treatment of the region,
but the thought of so much artistic intention in public
space is frankly scary. You’ll find art at sluice gates
and on industrial wastelands or at lookouts for hobby
ornithologists, and there will be singing cliffs, a community
garden, and a mobile puppet theatre inviting
you to “come on and join in”.
Mitmachen und Mitgestalten“ eingeladen wird. Der
Pott setzt mit den Industrielandschaften von Bernd
und Hilla Becher auch auf Bewährtes. Man meint, die
kanonisierten Foto-Ikonen vergangener Schlotzeiten
längst abgehakt zu haben, aber was Heinz Liesbrock
vom Museum Quadrat Bottrop als „Bergwerke und
Hütten“ zusammengestellt hat, konnte man so bislang
einfach nicht sehen. Die meist unveröffentlichten
und neu abgezogenen Prints zeigen mehr als
die gewohnt nüchternen Bestandsaufnahmen von
Zechen und Brachen, sie weiten den Blick hin auf
menschlicheres Maß. Jetzt sieht man auch Büdchen,
wechselt der Bleihimmel zu Blaunuancen – erstaunlich,
diese Aufnahmen als soziale Manifeste lesen zu
können. Die Schau ist Teil von „Mapping the Region“,
dem Projekt, zu dem sich vierzehn der zwanzig unter
dem neuen Etikett „RuhrKunstMuseum“ firmierenden
Ausstellungshäuser zusammengebunden haben.
In dem Versuch, die Region kulturell neu zu vermessen,
stellt etwa Olaf Metzel im Duisburger Museum
Küppersmühle für Moderne Kunst mit zwölf
großen Rauminstallationen und Zeichnungen „noch
Fragen?“ und wird Andreas Sieckmann im Gustav-
Lübcke-Museum Hamm seine ab 996 entstandene
Zeichenserie „Aus: Gesellschaft mit beschränkter
Haftung“ zeigen, die seinen Fokus auf die Ökonomisierung
und Privatisierung des Öffentlichen in bewusste
Simpelbilder transponiert. Bei so viel Neudefinitions-
und Partizipationsgebaren im Ruhrgebiet
ist es merkwürdig, dass sogar die Zielgruppe vor Ort,
abgesehen vom zähen Ringen hinter den Kulissen,
von der Großartigkeit des kulturellen Strukturwechsels
gar nicht so viel mitbekommt. Trotz Pressegetöse,
trotz drohender Sperrung der A 40 fürs Bürgerfest.
Schon im März scheint die Kunst der „RUHR. 0 0“,
wie so oft bei überinstrumentierten Mega-Events, ein
wenig im medialen Hangover stecken zu bleiben.
Auch Istanbul kam erst nach langen organisatorischen
Krämpfen bei Schneeregen zur Eröffnung.
Zwei Drittel der 70 Millionen Euro, die man für das
Kulturhauptstadtjahr ausgibt, fließen in die Sanierung
historischer Gebäude, und so finden zwar gut
400 Einzelevents statt, aber die sollen tatsächlich nur
touristischen Mehrwert für die Stadt am Bosporus
generieren – etwas trostlos für die zeitgenössische
Kunst. Wie an der Ruhr präsentiert man sich als offenes
Zentrum im Wandel. „Lives and Works in Istanbul“
ist eine Reihe mit Gastkünstlern, von denen
der Österreicher Peter Kogler und die allerdings
altbekannte Französin Sophie Calle die renommiertesten
sind. Mit „Portable Arts“ will man „emerging
artists“ in alle 9 Distrikte der türkischen Metropole
bringen. Ansonsten wird, man muss es leider sagen,
auf Booten gesungen und auf Moscheedächern getanzt.
Immerhin sind nicht alle mit der Eventkultur
zufrieden, wie Literatur-Nobelpreisträger Orhan
Pamuk, der sein „Museum der Unschuld“, ein zentrales
Projekt von „Istanbul 0 0“, wegen finanzieller
Unregelmäßigkeiten beim Organisationskomitee
Installation raumlaborberlin: Soap Opera,
Foto: Matthias Horn, Courtesy: RUHR. 0 0
With the industrial landscape pictures of Bernd and
Hilla Becher the inhabitants of the Ruhr coal basin
are relying on the tried and trusted. You would
think that the canonized photo icons of yesteryear’s
smokestacks are old hat. But what Heinz Liesbrock
of the Museum Quadrat Bottrop has assembled under
the title of “Mine Sites and Smelting Works” has
never been so accessible before. These largely unpublished
and freshly printed photos show us more than
the typically sober surveys of mineshafts and fallow
fields; they enlarge our view towards a more human
dimension. Now we can also see huts, the ashen sky
changing to a shade of blue – and it is truly amazing
to read these images as social manifests. The exhibit
is part of a “Mapping the Region” project in which
fourteen of the twenty galleries cooperating under
the label of “RuhrKunstMuseum” are participating. In
an attempt to take stock of the region’s culture, Olaf
Metzel will be exhibiting twelve room installations
and the drawings “More Questions?” at the Museum
“Küppersmühle for Moderne Kunst” in Dusiburg.
At the Gustav-Lübcke-Museum in Hamm, Andreas
Sieckmann will be showing drawings dating back as
far as 996 from his series “From a Society of Limited
Indemnity” which focus on the economization and
privatization of the public sphere using intentionally
simple images. With all this brandishing of new
definitions of and participation in the Ruhr area it is
odd that, beyond the embattled struggles behind the
scenes, the intended audience on the ground hasn’t
really witnessed much of the marvels of this structur-

vom offiziellen Festivalprogramm zurückzog.
In Ungarns Kulturhauptstadt Pécs, wegen ihrer vielen
Minderheiten ohnehin ein transitorischer Ort, wurde
weder das seit Langem erhoffte Künstlerviertel auf
dem Gelände der Zsolnay-Porzellanfabrik noch die
Konzerthalle pünktlich fertig. Dafür zeigt man Klassiker.
Etwa Marcel Breuer, Andor Weininger und Alfréd
Forbát. Denn sie waren allesamt Künstler aus
Pécs oder der Umgegend, die am Dessauer Bauhaus
reüssierten, wie die Ausstellung „From Art to Life“
ab August dokumentiert. Oder Victor Vasarely: Der
ebenfalls aus Pécs stammende Op-Art-Heroe ist jetzt
durch Fassaden-Projektionen in der ganzen Stadt
omnipräsent. Ansonsten auch hier etwas zu sehr
um politische Korrektheit bemühte Projekte wie
die „National Gipsy Fine Arts Exhibition“ im Herbst
oder der Wettbewerb „ Dialogues“, über den außer
dem umständlichen Untertitel „Visual Art Competition
on the occasion of the st anniversary of the
political transition“ leider fast nichts zu erfahren ist.
Mehr denn je scheinen die europäischen Kulturhauptstädte
im Jahr 0 0 zum Tummelplatz von
Good-Will-Kunst-Projekten zu werden, die sämtliche
Klischees von Partizipation und Kulturfluktuation
nur mehr zementieren. Gut gemeint ist wie immer
beileibe nicht gut gemacht – und noch stärker
als bisher müssen die Künstler aufpassen, nicht zu
sehr zu bloßen Erfüllungsgehilfen des Marketings zu
werden. Also Obacht. Denn schiere Schaulust strömt
schon in Scharen. Und die Mythen sitzen porentief.
Christoph Zitzlaff, Jahrgang 967, studierte Kunstgeschichte,
Philosophie sowie deutsche und romanische Philologie mit
dem Fokus auf Skulptur und Theorie der Frührenaissance an
der WWU Münster. Als Publizist leitete er die Kulturressorts
verschiedener Magazine und beschäftigt sich mit der Zeitgenossenschaft
von Text, Kritik und Wissenschaft. Er lebt
und arbeitet als freier Autor und Kulturredakteur in Berlin.
Christoph Zitzlaff (born 967) studied art history and philosophy
as well as German and Romanic philology, focussing
on sculpture and early Renaissance theory at the University
of Münster. As a writer he is the senior cultural editor of various
magazines and he deals with issues relating to writing,
criticism and the sciences. He lives and works in Berlin as a
freelance author and cultural editor.
al change in culture – despite all the fuss of the press,
and despite threatening to close the A 40 highway for
an open-air festival. As with many overplayed megaevents,
already in March the RUHR. 0 0 artistry
seems to be stuck in a media hangover.
Istanbul came to the sleety opening event, but only
after enduring long organizational cramping. Two
thirds of the 70 million euros budgeted for the “year
of the cultural capital” are to flow into the renovation
and refurbishment of historical buildings. Another
400 individual events are planned, but they are
merely supposed to increase the touristic value of the
city on the Bosporus – a disappointment for contemporary
art. As in the Ruhr area, Istanbul is also presenting
itself as an open centre in transition. “Lives
and Works in Istanbul” offers a series of guest artists,
and the most renowned among them are the Austrian
Peter Kogler and the long-since famous French artist
Sophie Calle. “Portable Artists” is an attempt to
bring “emerging artists” to all 9 districts of the Turkish
metropolis. Otherwise – I’m afraid to say – there
will be much singing on boats and dancing on the
rooftops of the mosques. But not everyone is satisfied
with this event culture; Orhan Pamuk, winner of the
Nobel Prize for literature in 006, withdrew his “Museum
of Innocence” – a seminal project of “Istanbul
0 0” – from the festival’s official programme after
the organizational committee was accused of financial
irregularities.
In the Hungarian cultural capital Pécs, already a transitional
place due to its many minorities, neither the
long since opened artists’ district on the grounds of
the Zsolnay Porcelain Factory nor the concert area
was ready on time. Yet here they are offering classics,
among them Marcel Breuer, Andor Weininger and
Alfréd Forbát: all artists originating from Pécs or the
surrounding area who celebrated their first successes
at Bauhaus Dessau, as the exhibition “From Art to
Life” beginning in August will document. Then there
is the op-art hero Victor Vasarely, also originally from
Pécs; his projections onto the facades of buildings
throughout the city are omniscient. Beyond that,
here, too, we can expect such all-too politically correct
projects as the “National Gipsy Fine Arts Exhibition”
in the fall, or the competition for “ Dialogues”
about which, unfortunately, nothing more is known
than what is revealed in its prolix subtitle: “Visual Art
Competition on the occasion of the st anniversary
of the political transition”.
More the ever before, the European Cultural Capitals
in the year 0 0 have become the stomping ground
for goodwill art projects that collectively anchor all
the clichés of participation and cultural fluctuation
ever more deeply. Even the best of intentions are
indeed not always carried out well, and the artists
must be increasingly careful not to become the mere
henchmen of the marketing industry. So look out.
The sheer desire to see is already drawing the multitudes.
And the myths are just skin-deep.
Artverwandt
Das andere Altarbild: Sibylle Wagner – zwei für eins
Sibylle Wagner: Lichtskulptur St. Matthäus-Kirche, Foto: © Andreas Süß
Alle zwei Monate kreiert ein anderer Künstler ein
neues Altarbild für die St.-Matthäus-Kirche im Kulturforum.
Das Thema von Sibylle Wagners Arbeit mit
dem Titel „zwei für eins“ ist, etwas zur Deckung zu
bringen. Etwas, das eine andere Kraft, ein anderes Etwas
benötigt, hier das Licht, um aus zwei Elementen
eine neue Form zu schaffen. „zwei für eins” sind zwei
voneinander getrennte rechteckige, spiegelnde Plexiglasflächen,
die in der Apsis beleuchtet werden. Durch
Verschweißung des farblosen Acryls mit einem Plexiglasmaterial,
das Licht in Farbe aufspaltet, ergeben
sich neue farbige Schatten und die Kreuzform wird
erst durch die Bestrahlung geschaffen.
Die Künstlerin Sibylle Wagner wurde 95 in Stuttgart geboren,
arbeitet seit 987 in ihrem Atelier für Malerei und
Performance in Wintzenbach/Elsass sowie seit 00 in Berlin.
Neben ihren nationalen und internationalen Ausstellungen
sind die Arbeiten von Sibylle Wagner in öffentlichen
und privaten Sammlungen vertreten und wurden bereits mit
diversen Kunstpreisen, u. a. dem Hanna-Nagel-Preis ausgezeichnet.
Sibylle Wagners Lichtmöbel werden im ho-kiti-Showroom
präsentiert. Linienstr. 48, 0 5 Berlin-Mitte,
Di–Fr 5– 9h, www.ho-ki-ti.com
St.-Matthäus-Kirche im Kulturforum,
Matthäikirchplatz, 0785 Berlin,bis .4.
www.stiftung-stmatthaeus.de, Map: L 4
4 5

Sammeln & Bewahren
Universität der Künste Berlin
Jetzt bewerben!
Infos und Ausschreibungsunterlagen:
www.udk-berlin.de/udk-preis
Die Kunstsammlung ist der Ort, an dem künstlerische Werke dauerhaft
werden. Hier werden sie versammelt, in Bezug zueinander gebracht, erforscht
und präsentiert – bleiben so im Gespräch und wirken weiter. Dieser
umfassende Ratgeber für private und institutionelle Sammler, Künstler,
Galeristen, Kuratoren und kulturelle Einrichtungen legt besonderen Fokus
auf die Sammlungsstiftungen in der Schweiz, ihre Entwicklung, Bedeutung
und Praxis. Die Stiftung hat sich seit dem 0. Jahrhundert als nachhaltige
Sicherung der eigenen Kunstsammlung bewährt.
Franz-Josef Sladeczek, Andreas Müller: Sammeln & Bewahren. Das Handbuch zur
Kunststiftung für den Sammler, Künstler und Kunstliebhaber. Benteli Verlags AG,
Bern 009. 5 8 S., 4 S/W- und 40 Farbabbildungen, Hardcover, gebunden, 4 €.
ISBN 978- -7 65- 55 -5
Ulrike Turin – Portrait und Selbstportrait
Ulrike Turin studierte an der Kasseler Akademie und der Technischen Universität
Berlin. Seit 97 arbeitet sie als freischaffende Künstlerin und lehrt
heute an verschiedenen deutschen Hochschulen. Das Buch zeigt Porträts
und Selbstporträts aus den Jahren 959 bis 008 – über 0 Zeichnungen
und Gemälde – und gibt einen Einblick in Turins gesamten künstlerischen
Werdegang. Beginnend, als sie als 4-Jährige sich selbst oder ihre Tante mit
Bleistift zeichnete, bis zu ihren aktuellen, sehr realistischen Porträts. Interessant
ist der im Buch enthaltene Textbeitrag Turins über das künstlerische
Schaffen und den Weg zum überzeugenden Bildnis.
Ulrike Turin: Portrait und Selbstportrait. Hirmer Verlag, München 009. 44 S., 75
Farbtafeln, 4 Abbildungen in Farbe und 6 in Schwarz-Weiß, gebunden, Leinen,
9,90 €. ISBN: 978 777490 50
Kino-Magie – Zoo Palast Berlin
Als 957 der Zoo Palast Berlin aus Ruinen wiederauferstanden war, wurde
er zum Ausdruck des Optimismus. Ins Zuhause der Filmfestspiele lädt
Christine Kosorsy zur Uraufführung ihrer Foto-Kunst über die Architektur
und die Seele dieses Kinos. Der Vorhang hebt sich und die Privatvorstellung
beginnt. Im großen Saal warten 00 Plätze auf ihre Stars der Filmgeschichte.
Über ihnen schwebt ein funkelnder Sternenhimmel, der die Magie
des Kinos, gleich Kosorsys fotografischen Raumbildern, in diesem Palast
eingefangen hat. Ob in der Starloge oder auf dem Klappsitz des Platzanweisers,
Kino bleibt der Ort der Projektion vieler Wünsche.
Christine Kosorsy: Kino-Magie – Zoo Palast Berlin. Bertz + Fischer Verlag 0 0.
7 S., Deutsch/Engl., 6 Farbfotos, Hardcover, 7,90 €. ISBN: 978- -86505- 96-7
Sacri Monti
Bertram Kober studierte Fotografie und Kommunikationsdesign und arbeitet
heute als freiberuflicher Fotograf und Dozent an der fas Berlin. „Sacri
Monti“ zeigt Aufnahmen des Innenlebens von neun kleinen katholischen
Pilgerstätten in Norditalien aus dem 6. und 7. Jahrhundert. Im Zentrum
der Bilder stehen Terrakottafiguren in Szenen biblischer Geschichten
– meist Jesus umgeben von anderen Heiligen. Aus dem Zusammenspiel
des Figurentheaters mit dem Arrangement ihrer intensiven Blicke und den
Fresken im Hintergrund ergibt sich eine skurrile mystische Wirkung, die
den Betrachter in das Spannungsfeld der heiligen Geschichten zieht.
Bertram Kober: Sacri Monti. Kerber Verlag, Bielefeld 009. Deutsch/Engl., S.,
47 farbige Abbildungen, Hardcover, 9,80 €. ISBN: 978- -86678- 9 -8
Vera Mercer – Photographs and Still Lifes
Nach ihrer Heirat mit Daniel Spoerri war Vera Mercer Teil der Pariser
Künstleravantgarde der frühen 960er Jahre; sie porträtierte u. a. Marcel
Duchamp, Niki de Saint-Phalle und immer wieder Spoerri. Parallel zu
diesen Porträts fotografierte sie auch alte Pariser Markthallen kurz vor
deren Abriss. Hier begegnete sie einem Thema, das sie seitdem beschäftigt:
Nahrung wie Früchte und Gemüse, Fleisch und Fisch – und das spätere
Arrangement im heimischen Studio. Vera Mercers Blumen-, Früchte- und
Tierstillleben sind vom 7. . bis zum 5.4. in der Kommunalen Galerie in
Berlin zu sehen.
Matthias Harder (Hg.): Vera Mercer – Photographs and Still. Kehrer Verlag, Heidelberg
0 0. Deutsch/Engl., 08 S., 9 Farb- und S/W-Abb., Hardcover, 5 €.
ISBN 978- -868 8- -8
The Upset – Young Contemporary Art
„The Upset” stellt Vertreter einer jungen Künstlergeneration vor, die sich
vom Alltag urbaner Jugendkultur inspirieren lässt und sich innerhalb der
Bereiche Illustration, Design, Malerei und Skulptur gleichzeitig klassischer
Ausdrucksformen bedient. Viele der Künstler wie Takashi Murakami oder
John Currin sind außerhalb des klassischen Kunstmarktes kommerziell erfolgreich.
Das Buch teilt sie in Disziplinen wie „Lowbrow“ und „Urban Art“
ein und beschreibt die wichtigsten Merkmale. Mit Biografien, Abbildungen
ihrer Arbeiten und Interviews werden die Künstler vorgestellt.
Robert Klanten, Swen Ehmann, Hendrik Hellige & Pedro Alonzo: The Upset.
Young Contemporary Art. Gestalten, Berlin 008. Englisch, 88 S., zahlreiche, teils
ganzseitige Farbabbildungen, Hardcover, 44 €. ISBN: 978- -89955- -8
6 7

„Trick und Technik“ und „Mein eigener Trickfilm“ im Museum für Film und Fernsehen
© Deutsche Kinemathek
Kurs “Trick und Technik”
Termine: Di–So nach Vereinbarung
Kosten: 40 Euro, zzgl. Euro p. P.
Die Workshops für Kinder ab 8 Jahren finden im Museum
“Deutsche Kinemathek – Museum für Film und Fernsehen”
in der Potsdamer Str. in Berlin statt.
www.filmmuseum-berlin.de
Kinder Künstler Kritzelbuch
Bei der Betrachtung eines Filmes lassen wir uns
täuschen, da unser Auge und unser Gehirn Bewegungen
wahrnehmen. In Wirklichkeit besteht ein Film
aus ganz vielen Einzelbildern. Diese Illusion entsteht,
wenn Einzelbilder in schneller Abfolge, etwa 5 Bilder
pro Sekunde, gezeigt werden. Schon 895 arbeitete
der deutsche Filmpionier Sklandowsky mit dem Daumenkino.
Bald wurden die bewegten Bilder auch koloriert, und
einige Jahre später lernten sie auch sprechen. Was aber
ein Stummfilm, ein Phonograph oder Tricktableau
sind und mit welchen Tricktechniken die Filmemacher
gearbeitet haben, erfahrt ihr während des Rundgangs
„Trick und Technik“ im Museum für Film und Fernsehen.
Und wenn ihr Lust habt, könnt ihr euch im Workshop
„Mein eigener Trickfilm“ selbst ausprobieren, denn
Trickfilme selber machen muss nicht schwer sein! Hier
werdet ihr in die Arbeitsprozesse bei der Produktion
des Trickfilms eingeführt. Anschließend entwickelt ihr
in Gruppenarbeit eurer eigenes Drehbuch, und das
dürft ihr im Filmstudio unter Anleitung selbst umsetzen.
Euer Filmwerk wird euch nach Hause geschickt.
Anmeldung bei der Museumsinformation – Abenteuer
Museum unter Tel.: 4749 888
Kurs “Mein eigener Trickfilm”
Termine: Mo–So nach Vereinbarung
Kosten: Schulgruppen 00 bzw. 80 Euro
Gruppen und Kindergeburtstage 50 bzw. 00 Euro
Dieses herrliche und manchmal auch muffelnde Kritzelbuch hat 86 Ideen
zum Weiter- und Ausmalen, Verzieren und Erfinden. Malt einem Mann
einen Pups an die Hose oder lasst die Angreifer vor der Ritterburg entstehen.
Ein Kater wünscht sich Muster an den noch weißen Wänden, und
der dicke Martin soll mit Tätowierungen verziert werden. Was muss auf
deiner Lieblingspizza drauf sein? Auf jeden Fall brauchen die Stinkfußindianer
noch eine Kriegsbemalung, um ihre Feinde auch mit ihrem Aussehen
in die Flucht zu schlagen! Das Buch ist das erste gemeinsame Werk der
Ateliergemeinschaft LABOR, in der sich namhafte Frankfurter Künstler
zusammengeschlossen haben.
Vernissagenkalender | Calendar of Art Gallery Openings
Tag Datum Uhr Galerie Seite Stadtplan
Mi 4. . 9– h Galerie Horst Dietrich 47 M
Do 5. . 9h dr. julius | ap 49 x
Fr 5. . 9– h Kuma Galerie 5 E 8
Mi . . 9h Polnisches Institut 58 H
Fr 5. . 9h Zweigstelle Berlin 40 D
Fr 5. . 9h loftgalerie für Fotografie 4 x
Fr 5. . 9h Galerie Vinogradov 5 B
Fr 5. . 0h Akademie für Malerei Berlin 57 L 6
So 7. . h Kommunale Galerie Berlin 4 x
Do . . 9h Haus am Lützowplatz – Studiogalerie 47 N
Fr . . 7– h WENDT + FRIEDMANN GALERIE 45 E 4
Fr . . 8– 0h upstairs berlin 46 L 8
Fr . . 9h Galerie ICON Berlin 50 D
Fr . . 9h Galerie MAUD PIQUION & Partner 47 C 0
Fr . . 9h Galerie Poll 5 H
Fr . . 9– h AANDO FINE ART 54 F 9
Fr . . 9– h TAMMEN GALERIE 59 L 9
Fr . . 9– h und GALERIE GAULIN & PARTNER 59 L 9
Fr . . 0h Akademie für Malerei Berlin 57 L 6
Sa . . 7h Galerie der Kunststiftung Poll 5 F
Sa . . 8h FACTORY-ART 60 N /
Do 8. . 8h 8m Galerie für Zahlenwerte 49 x
Fr 9. . 0h Akademie für Malerei Berlin 57 L 6
Fr 9. . 0h Werkstattgalerie 49 P 0
Fr 9. . 8– h janinebeangallery / Two Window Project 60 E 0
Labor Ateliergemeinschaft: Kinder Künstler Kritzelbuch. Anmalen Weitermalen
Selbermalen. Beltz & Gelberg, Weinheim/Basel 009. Ab 5 Jahre, 76 S., broschiert,
9,95 €. ISBN: 978- -407-79 96-6
8 Lesen was Kunst ist KUNST Magazin ABO – Einfach Online bestellen www.kunstmagazin.de
9

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Alle Inhalte seit 2007
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Berlin-Tipps | Tips for Berlin Visitors
Einkaufen | Shopping
Kaufhaus | Department Store
Galeries Lafayette
Französische Straße 23
Map: J 18
030 20948-0
www.galerieslafayette.de
Kaufhaus | Department Store
KaDeWe
Tauentzienstr. 21-24
Map: M 9
030 2121-0
www.kadewe-berlin.de
Restaurants
Fischers Fritz
Charlottenstr. 49
Map: I 19
030 - 20 33 63 63
www.fischersfritzberlin.com
Maremoto
Strausberger Platz 2
Map: H 26
030 - 40 05 42 30
www.maremotoberlin.de
Asiatisch | Asian
Good Time
Hausvogteiplatz 11
Map: J 20
030 2007-4870
www.goodtime-berlin.de
Französisch | French
Le Faubourg
Augsburger Str. 41
Map: M 7
030 - 800 999 7700
take a walk on the wild side
f*cool rooftop-club
weekend
Am Alexanderplatz 5
Map: G 24
www.week-end-berlin.de
Rooftop Restaurant-Club
Solar
Stresemannstr. 76
Map: N 17
0163 765-2700
www.solarberlin.com
wichtige Rufnummern
Notruf/Polizei - Police 110
Feuerwehr 112
Ärztlicher Notdienst 31 00 31
Kreditkarte sperren 116 116
MAC Computer Store
GRAVIS
Ernst-Reuter-Platz 8
Map: J 5
030 39022333
www.gravis.de
finest suits: fe.male
Herr von Eden
Alte Schönhauser Str. 14
Map: F 22
030 24048680
www.herrvoneden.com
Borchardt
Französische Str. 47
Map: J 19
030 - 81 88 62 62
www.borchardt-catering.de
Der goldene Hahn
Pücklerstr. 20
Map: M 27
030 - 618 80 98
www.goldenerhahn.de
Italienisch | Italian
Mondo Pazzo
Schlüterstr. 52
Map: L 4
030 8851121
www.mondo-pazzo.de
Italienisch | Italian
Sale e Tabacchi
Rudi-Dutschke-Str. 23
Map: L 19
030-252 11 55
www.sale-e-tabacchi.de
fine clubbing
Rodeo Club
Auguststr. 5a
Map: F 19
0163 - 16 20 16 8
www.rodeo-berlin.de
The Techno Legend
Tresor
Köpenicker Str. 70
Map: K 24
www.tresorberlin.de
Grill Royal
Friedrichstr. 105b
Map: G 18
030 - 28 87 92 88
www.grillroyal.com
Schweizerisch | Swiss
Nola´s
Veteranenstr. 9
Map: D 21
030 4404-0766
www.nola.de
Café + Galerie
Einstein
Unter den Linden 42
Map: I 18
030 2043-632
www.cafeeinstein.com
Flughafen 0180 5000 186
Deutsche Bahn 11 8 61
Fundbüro 75 60 31 01
Taxi Würfelfunk 0800 cabcall
Berliner designers store
berlinomat
Frankfurter Allee 89
Map: J 33
030 4208-1445
www.berlinomat.com
Berlin designers store
Herz + Stöhr
Winterfeldtstr. 52
Map: O 11
030 21 64 42 5
www.herz-stoehr.de
Käfer im Reichstag
Platz der Republik 1
Map: I 16
030 - 22 62 99 33
www.feinkost-kaefer.de
electronic beats
Watergate
Falckensteinstr. 49
Map: M 29
030 6128-0395
www.water-gate.de
CALENDAR
Techno + Gay
Berghain
Am Wriezener Bahnhof
Map: K 28
www.berghain.de
Designers store
2211 essentials & luxuries
Almstadtstr. 5
Map: F 22
030 97004-664
www.2211berlin.de
Updated daily
All exhibitions in Germany
Filtering by art form
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Search by neighbourhood
Gallery profi les
CONTENTS
Key Issues
Interviews
Essays
Book reviews
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Bücher / Books
Bücherbogen
Stadtbahnbogen 593
Map: N 5
030 318695-0
www.buecherbogen.com
Vox im Hyatt
Marlene-Dietrich-Platz 2
Map: L 15
030 - 25 53 17 72
www.vox-restaurant.de
San Nicci
Friedrichstr. 101
Map: H 18
030 – 306 454 980
www.san-nicci.de
Café & Catering
Rée Kaffee
Brunnenstr. 5
Map: D 21
030 - 648 32 110
www.ree-kaffee.de
Lovely
Cafe Altes Europa
Gipsstr. 11
Map: F 21
030 - 28 09 38 40
Full text and detailed search
Directions
ARCHIVE
berlin original | every age
Clärchens Ballhaus
Auguststr. 24, Map: F 20
030 - 28 29 29 5
www.ballhaus.de
at the end …
ZURMOEBELFABRIK e.V.
Brunnenstr. 10
Map: D 20
030 13818151
www.zurmoebelfabrik.de
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Funktaxi 26 10 26
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Kurfürstendamm
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Rosa-
Luxemburg-
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Künstlerhaus Bethanien
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Kunst-Raum im
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Schiffbauerdamm ... H 7
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Bethanien
Mariannenplatz ... N 5
Kunstraum Potsdam
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Kunst-Werke
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loftgalerie für Fotografie
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Galerie Meier
Fasanenstr. 69 ... M 6
meisterschueler
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Merry Karnowsky
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K E R B E R
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Mkgalerie
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Moeller Fine Art
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Schauraum „moshi“
Bergstr. 7 D/E 9
Galerie Morgen
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Gilian Morris
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Hamish Morrison
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Galerie Sherin Najjar
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Kunstmagazins
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Haubitz + Zoche: Potsdamer Platz, aus der Serie „Facelift“,
C-Print, 50 x 70 cm, Courtesy: Zweigstelle Berlin
Karl-Ludwig Lange: Berlin Prenzlauer Berg, Behmstraßenbrücke,
Blick gen Nord über die Norweger Straße hin auf die Bösebrücke
und Bornholmer Straße, 990 © Karl-Ludwig Lange
Hito Steyerl: After the crash, 009, Videostill,
HDV-Video, 7 Min. Courtesy: die Künstlerin
Haubitz + Zoche – Agenten und Streber
Haubitz + Zoches Arbeiten positionieren sich im international
bearbeiteten Feld von Modellen und Inszenierungen
vor allem deshalb von spezieller Eigenheit, weil
sie diese Modelle eben nicht als eine Parallel-Wirklichkeit
erscheinen lassen. Die fotografische Aufnahme entspricht
einer Aneignungsstrategie, die die Künstlerinnen
auch in ihrem speziellen Umgang mit Architektursituationen
und Bauelementen erkennen lassen.
Zweigstelle Berlin
Lehrter Str. 7, 0557 Berlin-Tiergarten
Opening: 5. ., 9h, 6. .– 0.4., Do–Fr 4– 9h, Sa 0– 4h and
by appt., www.zweigstelle-berlin.de, Map: D
Karl-Ludwig Lange: Die geteilte Stadt – Topographie
der Berliner Mauer
Der Berliner Fotograf Karl-Ludwig Lange zeigt großformatige
Fotografien im Raum des Mauer-Mahnmales
des Deutschen Bundestages. Dort sind Mauerteile dem
ehemaligen Mauerverlauf folgend aufgestellt. Die Fotografien
von Karl-Ludwig Lange vertiefen das Verständnis
für die Folgen des Mauerbaus in Berlin. Sie stammen
aus dem Jahre 990 und veranschaulichen die Wunden,
die die Mauer in das Stadtbild von Berlin geschlagen
hat, lassen das Schmerzhafte dieses Schnitts nachempfinden.
Mauer-Mahnmal im Marie-Elisabeth-Lüders-Haus
Schiffbauerdamm, 0 7 Berlin-Mitte, Zugang über Spree-
Uferpromenade gegenüber Reichstag
bis 9.5., Fr–So – 7h, Eintritt frei
www.kunst-im-bundestag.de, Map: H 7
Im Moment des Verdachts
Unter Verdacht stellen lässt sich heute vieles. Der
Begriff kann jedoch nicht nur den Prozess der
Verifikation einer negativen Vermutung beschreiben.
Verdacht bezeichnet vielmehr, im positiven Sinne, eine
zielgerichtete Handlung, eine grundsätzlich skeptische
Einstellung gegenüber dem Bestehenden. Der Bielefelder
Kunstverein präsentiert mit Michael Fullerton,
Sven Johne, Johannes Maier, Falke Pisano, Clunie Reid
und Hito Steyerl sechs internationale, zeitgenössische
künstlerische Positionen, deren Werken eine besondere
Art der Beobachtung, Analyse, Werkentwicklung und
Fragen der Repräsentation zugrunde liegt.
Bielefelder Kunstverein im Waldhof
Welle 6 , 60 Bielefeld, bis 5.4., Do + Fr 5– 9h, Sa + So
– 9h, Mo–Mi nach tel.Vereinbarung,
Eintritt: €, erm. ,50 €, www.bielefelder-kunstverein.de
Vera Mercer: Naked Deer Head, Omaha 008 © Vera Mercer
Nicolas Provost: Long Live the New Flesh (film still), 009
Courtesy: Haunch of Venison
Peter Bialobrzeski: Paradise Now # 6 , 008
Vera Mercer – Porträts und Stillleben
Verheiratet mit Daniel Spoerri, zählte Vera Mercer in
den 960er Jahren zur Pariser Künstleravantgarde. Sie
porträtierte Marcel Duchamp, Jean Tinguely oder Niki
de Saint-Phalle und fotografierte die alten Pariser Markthallen.
Hier entdeckte sie das Stillleben, das seither ihr
Sujet ist. Die sinnlich-opulenten Früchte- und Tierstillleben
lassen die Bezüge zur Kunstgeschichte vom Vanitasmotiv
bis zum Memento mori erkennen.
Kommunale Galerie Berlin
Hohenzollerndamm 76, 07 Berlin-Charl.
Opening: 7. ., h, 7. .– 5.4., Di–Fr 0– 7h, Mi 0– 9h, So
– 7h, www.kommunalegalerie-berlin.de
Nicolas Provost – Films
Haunch of Venison zeigt Videoarbeiten des preisgekrönten
belgischen Künstlers und Filmemachers Nicolas
Provost. Im Rahmen der 60. Berlinale lädt die Galerie
zur Premiere von „Storyteller“ ( 0 0) ein. In diesem Film
arbeitet Provost mit altem Filmmaterial von Skylines
verschiedener Städte, verbindet einzelne Bilder neu
miteinander und kreiert eine glatte Künstlichkeit, die an
Science Fiction erinnert.
Haunch of Venison
Heidestr. 46, 0557 Berlin-Tiergarten
bis .4., Di–Sa – 8h
www.haunchofvenison.com, Map: D 4
Paradise Now – Naturdinge
Die Alfred Ehrhardt Stiftung ist von Köln nach Berlin
gezogen und stellt in ihrer ersten Ausstellung Alfred Ehrhardts
Aufnahmen von Naturdingen der Serie „Paradise
Now“ von Peter Bialobrzeski gegenüber. Bialobrzeski
dokumentiert die vom Stadtwachstum unberührt gelassene,
urwaldartige Natur in asiatischen Mega-Städten.
Als Zeichen der Hoffnung scheint sich das paradiesische
Tropengrün gegen die urbane Struktur durchzusetzen.
Alfred Ehrhardt Stiftung
Auguststr. 75, 0 7 Berlin-Mitte
bis 8.4., Di–So – 8h, Do – h
www.alfred-ehrhardt-stiftung.de, Map: F 9
40 4

Rineke Dijkstra: Amy, Liverpool, England, December , 008
Robert Wilson: Byamba Ulambayar, 006, Music by Peter Cerone,
65” Plasma Screen, Custom Speaker, HD Media Player
66” (H) x 6” (W)
Fergus Greer: Leigh Bowery – session -look , 0 0
© Fergus Greer / loftgalerie
Rineke Dijkstra – Liverpool
Die aktuelle Serie der holländischen Künstlerin Rineke
Dijkstra „Liverpool“ entstand in Zusammenarbeit mit
dem Museum Tate Liverpool. Die Künstlerin beobachtete
und filmte eine Schulklasse während des Besuchs der
Ausstellung und begleitete mehrere Jugendliche in den
Club Krazyhouse. Um die jugendlichen Clubbesucher zu
filmen, isolierte Dijkstra sie vom Clubkontext und arbeitete
mit ihnen in einem eigens eingerichteten Studio in
der Nähe des Krazyhouse. Dort bat sie die Jugendlichen,
zu Clubmusik zu tanzen. Der nüchterne Hintergrund
richtet alle Aufmerksamkeit auf die jungen Menschen,
die gleichermaßen verletzlich und angespannt wirken.
Galerie Max Hetzler
Oudenarder Str. 6– 0, 47 Berlin-Wedding
bis 7. ., Di–Sa – 8h
www.maxhetzler.com
Robert Wilson – Video Portraits
Robert Wilson (* 94 , Waco, Texas) ist einer der bedeutendsten
Avantgarde-Künstler des Theaters und
der Oper seit den 970er Jahren. Beeinflusst durch
die Bekanntschaft mit Merce Cunningham, John Cage,
George Balanchine, Yvonne Rainer, aber auch mit vielen
Minimal Artists, fand er zu einer Bildsprache, die in ihrer
kühlen Ästhetik und surrealistischen Poetik die Theater-
und Opernwelt revolutionierte. In seinen von absurdheiter
bis melancholisch anmutenden Video-Porträts, die
seit 004 entstehen, fließen die jahrzehntelangen Erfahrungen
als Opern- und Theaterdirektor, Bühnenbildner,
Lichtdesigner und bildender Künstler ein.
Galerie Thomas Schulte
Charlottenstr. 4, 0 7 Berlin-Mitte
bis . ., Di–Sa – 8h
www.galeriethomasschulte.de, Map: K 9
Fergus Greer – Leigh Bowery & Butterflies
Leigh Bowery ( 96 – 994) war Mode-Designer, Kostümbildner
und Performance-Künstler, Club-Promoter,
Schauspieler, Sänger und Modell. Er zählt zu den
schrillsten, kreativsten und einflussreichsten Künstlern
der 980er und -90er Jahre. Die loftgalerie präsentiert
zwischen 988 und 994 entstandene Studioaufnahmen
des britischen Fotografen Fergus Greer zusammen mit
jüngst vollendeten Porträts von Schmetterlingen.
loftgalerie für Fotografie
Friesickestr. 8, 086 Berlin-Weißensee Opening: 5. ., 9h,
6. .– 6.4., Di–Fr 4– 9h, Sa – 6h, www.loftgalerie.de
Nadav Kander: Barack Obama II
Audrey Armand: La caresse, 009 (film still)
04 © Sylvia Plachy: Jean Michel Basquiat
Nadav Kander
CAMERA WORK präsentiert zum ersten Mal in
Deutschland sowohl in ihrer Galerie als auch in ihrem
Museum THE KENNEDYS Photographien von Nadav
Kander. Neben Porträts von Künstlern und bekannten
Persönlichkeiten werden in der Galerie geheimnisvolle
Nachtaufnahmen und dokumentarische Landschaftsphotographien
gezeigt. Im Museum wird die Serie
„Obama’s People“ dem legendären Werk „The Family“
von Richard Avedon gegenübergestellt.
Nadav Kander – Selected, 0. .– 0.4., Nadav Kander
– Obama’s People, 0. .– . 0.
THE KENNEDYS, Pariser Platz 4a, 0 7 Berlin-Mitte
tgl. 0– 8h
CAMERA WORK, Kantstr. 49, 06 Berlin-Charlottenburg
0. .– 0.4., Di–Sa – 8h, www.camerawork.de, Map: N 6
Audrey Armand – Videos
Für die junge Französin Audrey Armand bilden die
Kindheitserinnerungen den fruchtbaren Boden ihrer
künstlerischen Arbeit. Die Videos „Dobra Noc” und „La
caresse” entstanden im Zusammenhang mit den Installationen
und spiegeln die Emotionen der Künstlerin wider.
Jedes Video Armands stellt ein eigenständiges, in sich
geschlossenes Kunstwerk dar. „Kosmary” ist die neueste
Videoarbeit der Boltanski-Schülerin.
KUNSTBÜROBERLIN
Uhlandstr. 6 , 07 9 Berlin-Charlottenburg
bis 0.4., Mi–Fr – 9h, Sa – 6h or by appt.
www.kunstbueroberlin.de, Map: O 6
Sylvia Plachy – Waiting
Die bereits mehrfach ausgezeichnete US-amerikanische
Fotografin Sylvia Plachy (* 94 ) wurde am 6. . im Willy-
Brandt-Haus in Berlin mit dem Dr.-Erich-Salomon-
Preis der Deutschen Gesellschaft für Photographie
(DGPh) ausgezeichnet. Unter dem Titel „Waiting“ wird
zeitgleich eine Ausstellung mit Werken der Fotografin
eröffnet. Plachys Bilder stehen in bester Tradition der
modernen amerikanischen Dokumentarfotografie.
Willy-Brandt-Haus
Stresemannstr. 8, 096 Berlin-Kreuzberg
bis 8. ., Di–So – 8h, Eintritt frei, Ausweis erforderlich
www.willy-brandt-haus.de, Map: M 8
4 4

Raum 6: Chormäntel aus dem 5. Jh. und 89 Hochzeitsfotos
des 9. und 0. Jahrhunderts
Thomas Rentmeister: Diagramm , 008, Holz, Würfelzucker,
Tampons, Wattestäbchen, Kunststoff, Watte, Zahnstocher, Kugelschreiber,
Papier, Bleistift, Uhu, Pattex, 90 x 0 x cm
Egill Sæbjörnsson: The Silent Maker (Glass Objects), 009,
Glasobjekte, bewegliche Scheibe, DVD, Beamer, Sound, Maße
variabel, Ausstellungsansicht Frankfurter Kunstverein, 0 0
Foto: Norbert Miguletz, 0 0 © Frankfurter Kunstverein
Courtesy: the artist and i8 Gallery, Reykjavík and Gallery
Grusenmeyer, Deurle
Hinterlassenschaft
Die dritte Jahresausstellung beschäftigt sich mit dem,
was zurückbleibt: mit den Dingen, die wir gestalten und
benutzen, die uns behausen und bekleiden, mit denen
wir spielen und an denen wir arbeiten. Eine Ausstellung
über die Spur, den Wert der Erinnerung und den Umgang
mit dem historischen Erbe. Neben etablierten Positionen
der Sammlung sind eine Vielzahl von Schenkungen, wie
eine spätmittelalterliche Johannesschüssel und Werke u.
a. von F. Droese, K. Benning, H. Küpper, P. Thek, H. Breloh,
H. Falken und J. Paatz, zu sehen.
KOLUMBA, Kunstmuseum des Erzbistums Köln
Kolumbastr. 4, 50667 Köln
bis 0.8., Mi–Mo – 7h, Eintritt: 5 €, erm. €
www.kolumba.de, Map West: D
Thomas Rentmeister – Leben auf dem Lande
Thomas Rentmeister (* 964 in Reken/Westfalen) erlangte
zu Beginn der neunziger Jahre Bekanntheit mit
seinen organisch geformten, handwerklich perfekt gearbeiteten,
spiegelnden Polyesterskulpturen, die der Künstler
als „Blobs“ bezeichnet. Ungewöhnliche, teilweise bizarre
Materialkombinationen machen das spätere Werk
aus. Auf der Art Cologne 999 bestrich der Künstler ein
Wandregal mit Nutella und verwandelte das Möbelstück
in eine Skulptur. Seit einigen Jahren verwendet Rentmeister
verstärkt Produkte aus dem Lebensmittel- und
Hygienebereich. Die Schau zeigt einen Querschnitt
durch sein vielschichtiges Werk.
Kunstverein Wilhelmshöhe Ettlingen e. V.
Schöllbronner Str. 86, 76 75 Ettlingen
bis 8.4., Mi–Sa 4. 0– 7. 0h, So – 8h
www.kunstverein-ettlingen.de
Das Wesen im Ding
Das Ergründen der Natur- und Dingwelt durch deren
Repräsentation und Imitation, um tiefere Erkenntnisse
über das Wesen der Welt zu gewinnen, zieht sich wie ein
roter Faden durch die Geschichte der Bildenden Kunst.
Die Gruppenausstellung „Das Wesen im Ding“ kreist
um Fragen der Mimesis, verstanden als nachahmende
Darstellung der Wirklichkeit, und spürt der Rolle nach,
die sie heute in künstlerischen Produktionen einnimmt.
Die Arbeiten und Projekte von Nina Canell, Florian
Haas, Till Krause, Bettina Lauck, Yoon Jean Lee, Egill
Sæbjörnsson und Andreas Wegner präsentieren verschiedene
Methoden der Suche nach dem „Wesen im Ding“.
Frankfurter Kunstverein, Steinernes Haus am Römerberg
Markt 44, 60 Frankfurt am Main
bis 5.4., Di–So – 9h, Eintritt: 6 €, erm. €
www.fkv.de, Map West: C
Amélie Grözinger: o. T., 009, Papier, 5 x 6 x cm
Courtesy: Wendt + Friedmann Berlin
Joan Leandre: Lonely Record Sessions, 009,
digital video collage
Amélie Grözinger – default values
Default values (Standardwerte) sind der Ausgangspunkt
Amélie Grözingers, um sich mit Abweichungen von diesen
zu beschäftigen. Sie zeigt Skulpturen, die durch Differenzen
bzw. Individualisierungen diese Standardwerte
verlassen, und Arbeiten aus vorgefundenen Materialien,
die durch Abnormität wie z. B. Alter, Beschädigung, Fehldruck
o. Ä. die default values nicht erfüllen. So entstehen
Skulpturen und Installationen mit neuer Struktur und eigenständiger
Form.
WENDT + FRIEDMANN GALERIE
Heidestr. 54, 0557 Berlin-Mitte
Opening: . ., 7– h, . .– 4.4.
Mi–Fr – 8h, Sa – 7h
www.wendt-friedmanngalerie.com, Map: E 4
Susanne Ring – Verholzen
Christiane Ensslen – Aus einer anderen Welt
Unter dem Titel „Verholzen“ erweitert Susanne Ring ihre
archaisch anmutenden, ausdrucksstarken Keramikplastiken
mit Malereien zu einer großen Rauminstallation.
Die Malerin Christiane Ensslen lässt in ihren farbintensiven
Bildern Fantasie und Wirklichkeit zu surrealen Erinnerungswelten
verschmelzen.
Galerie Axel Obiger
Brunnenstr. 9, 0 9 Berlin-Mitte
bis 0. ., Mi–Sa – 9h
www.axelobiger.com, Map: C 0
Die Ausstellung zeigt internationale Positionen zum
Thema Computerspiele und elektronisches Spielzeug.
Das Spektrum umfasst interaktive, von Künstlern entwickelte
Computerspiele (Mark Essen, US; Jason Rohrer,
US; Tales of Tales, B); eine Filmcollage aus modifizierten
Sequenzen kommerzieller Spiele (Loan Leandre, ES)
sowie kleine modifizierte Tierroboter (France Cadet, F).
Zudem porträtiert eine Fotoserie Jugendliche während
einer LAN-Party (Todd Deutsch, US). Seit einigen Jahren
widmen sich auch Künstler verstärkt diesem Thema, setzen
sich mit der Ästhetik und dem Inhalt kommerzieller
Spiele kritisch auseinander oder entwickeln alternative
Spielkonzepte.
[DAM]Berlin
Tucholskystr. 7, 0 7 Berlin-Mitte
bis 4. ., Di–Fr – 8h, Sa – 6h
www.dam.org, Map: F 9
44 45
GaMe!

Alighiero e Boetti: Strumento (# ) / aus der Arbeit: „Insicuro
Noncurante“, 966–75, Mischtechnik, 8 Blätter, jeweis 55 x 45 cm
© Le Case d’Arte, Mailand und Sprüth Magers Berlin London
Courtesy: Le Case d’Arte und Sprüth Magers Berlin London
Foto: Neuer Berliner Kunstverein/Jens Ziehe
Emma Stibbon: Emblem, courtesy: upstairs berlin
Alighiero e Boetti – Insicuro Noncurante
Das Werk „Insicuro Noncurante“ hat die Form eines
Portfolios mit 8 nummerierten Blättern, die einen
Überblick über das künstlerische Schaffen Alighiero e
Boettis der Jahre 966 bis 975 geben. Die Arbeit umfasst
unterschiedliche Werkformen, wie originale Skizzen und
Klebearbeiten, Postkarten und Briefe, aber auch Kopien
seiner großformatigen Hauptwerke, zu denen sich die
Blätter in unterschiedlichem Verhältnis befinden.
In „Insicuro Noncurante“ hat Boettis Lust an der Analyse,
Neuzusammenstellung und somit Kenntlichmachung
von Ordnungssystemen auch auf sein eigenes Werk
übergegriffen.
Sprüth Magers Berlin
Oranienburger Str. 8, 0 78 Berlin-Mitte
bis .4., Di–Sa – 8h
www.spruethmagers.com, Map: G 0
Sounds. Radio – Kunst – Neue Musik
Das Ausstellungsprojekt „Sounds. Radio – Kunst – Neue
Musik“ macht Radio als künstlerisches Medium begehbar
und räumlich erlebbar. Ausgehend von der medieneigenen
Vielstimmigkeit der Radiokunst und der
Faszination der Körperlosigkeit, die die frühen Radiojahre
prägte, eröffnet die Ausstellung überraschende Perspektiven
auf die Radiokunst und ihr Potenzial, komplexe
Erfahrungsräume zu schaffen. Fünf Radioarbeiten, die
009 im Rahmen des deutsch-tschechischen Radiokunstprojekts
„rádio d-cz“ entstanden, bilden den Ausgangspunkt
der Ausstellung.
Neuer Berliner Kunstverein
Chausseestr. 8/ 9, 0 5 Berlin-Mitte
bis 8. ., Di–So – 8h, Do – 0h
www.nbk.org, Map: E 8
Emma Stibbon – Now’s the Time
Nach ihrer großen Einzelausstellung letzten Sommer
im Ephraim-Palais des Berliner Stadtmuseums kehrt
die britische Künstlerin mit neuen Zeichnungen nach
Berlin zurück. In ihren dramatisch aufgeladenen
Ansichten erscheint die deutsche Hauptstadt als Ort
der gescheiterten Utopien und Labor modernistischer
Experimente, die eindrucksvolle Spuren im Stadtbild
hinterlassen haben.
upstairs berlin
Zimmerstr. 90/9 , 0 7 Berlin-Mitte, . Etage
Opening: . ., 8– 0h, . .– 4.4., Mi–Sa – 8h
www.upstairs-berlin.com, Map: L 8
Moritz Hasse: Amsterdam, Kloveniersburgwal,
009, Öl auf Leinwand, 80 x 5 cm
Jérémie Bennequin: Relique, Du côté de
chez Swann, 007– 009
Ute Krautkremer: Himmelhoch (Ausschnitt),
Reihe: Zeitspuren, 009, Holz,
Papierabguss, Acryl, 50 x 50 x 0 cm
Pierre Garoia: o. T., 00
Ha Manh Thang: Keine Erinnerung, 009,
Öl auf Leinwand, 00 x 0 cm
Moritz Hasse: Stadtlandschaften.
London – Amsterdam – Leipzig – Moskau
Ausgangspunkt seiner Malerei sind Straßenaufnahmen, Situationen des
Alltags, die Moritz Hasse mit der Kamera in den Metropolen der Welt sammelt.
Er ist dabei auf der Suche nach einem Bildtypus, der bewusst einem
von Fotografie und Film geprägten Blick folgt. Im Atelier wandelt er diese
Momentaufnahmen in impressionistisch wirkende Gemälde um.
Galerie Horst Dietrich, Giesebrechtstr. 9, 06 9 Berlin
Opening: 4. ., 9– h, 5. .– 6.4., Mi–Fr 4– 9h, Sa 0– 5h
www.GalerieDietrich.de, Map: M
Jérémie Bennequin – Tout doit disparaître
Die Ausstellung „Tears welling up inside“ stellt drei neue Skulpturen
des britischen Künstlers John Isaacs (* 968) vor: Realistisch-fantastische
Wachsskulpturen, darunter eine aus Wachs gestaltete Kopfhaut mit langen,
blonden Haaren, die in einer Glasvitrine hängt. Diese Arbeit irritiert nicht
nur durch ihre quasi-museale Präsentation, sondern auch als Dokument
eines paradoxen Aufeinandertreffens unterschiedlicher Epochen.
Galerie MAUD PIQUION & Partner, Brunnenstr. 8, 0 5 Berlin-Mitte
Opening: . ., 9h, . .–9.4., Di–Do 4– 8h, Fr 5– h,
Sa 5– 8h and by appt., www.maudpiquion.com, Map: C 0
Ute Krautkremer – Plastische Arbeiten
Ute Krautkremer kombiniert in ihren Objekten Papierabformungen der
realen Welt, z. B. Architekturfragmente, mit freien malerischen Flächen.
Sie verbindet dabei die spielerische Auseinandersetzung mit zufällig
Gegebenem mit planvoller, aufwendiger Arbeit. Ihre ungewöhnlichen
Formgefüge geben keine bestimmten Inhalte vor, sondern fordern den
Betrachter auf, eigene Verknüpfungen zu entwickeln.
Galerie Förster, Schröderstr. , 0 5 Berlin-Mitte
bis 7. ., Di–Fr 6– 9h, Sa – 8h
www.galerie-foerster.de, Map: E 9
Pierre Garoia – Bilder und Installationen
Der franko-italienische Künstler Pierre Igor Garoia (* 96 , Clermont-
Ferrand, Frankreich) lebt und arbeitet in Fano, einer Kleinstadt an der
italienischen Adriaküste. Seit 995 ist er Mitglied der CampFireGroup,
einer Künstlergruppe in Australien, größtenteils aboriginaler Herkunft. Er
leitete mehrere Workshops in Australien und stellt seitdem regelmäßig in
Australien, Italien und Frankreich seine Arbeiten aus.
Haus am Lützowplatz – Studiogalerie
Lützowplatz 9, 0785 Berlin-Tiergarten, Opening: . ., 9h
Di–So – 8h, www.hausamluetzowplatz-berlin.de, Map: N
In der Reihe „connect:“ Kunstszene Vietnam
Die erste Ausstellung in der Reihe „connect:“ stellt elf vietnamesische
Künstlerinnen und Künstler mit Installationen, Videoarbeiten, Performances
und Malerei vor, die sich in ihren Arbeiten mit gesellschaftlichen und
sozialen Phänomenen ihrer Heimat auseinandersetzen. Sie alle leisten einen
wichtigen Beitrag zu einer gesellschaftspolitisch relevanten Kunstszene in
Vietnam.
ifa-Galerie Berlin, Linienstr. 9/ 40, 0 5 Berlin-Mitte
bis 5.4., Di–So 4– 0h, Sa – 0h
www.ifa.de, Map: F 9
46 47

Shannon Finley: Violet Execution, 009,
Acryl auf Leinwand, 60 x 50 cm
Minjung Kim: Mountain, 009, Tinte und Aquarellfarbe auf Reispapier,
70 x 0 cm © Minjung Kim, Mailand
Shannon Finley – Specters into Signals
Auf seinen farbintensiven Leinwänden legt Finley zahllose
Farbfelder übereinander, bis prismatische Räume
und Figuren entstehen. Die collageartigen Flächen
setzen sich zu geometrisch abstrahierten Formationen
zusammen, dahinterliegende Strukturen scheinen
durch die transparenten Farbschichten hindurch und
lassen die Oberfläche beinahe holografisch und dreidimensional
wirken. Farbverläufe, Spiegelungen, starke
Kontraste, Glanz, Mattigkeit, grelle Neonfarben und
Glitzer irritieren das Auge, lassen einzelne Passagen innerhalb
der Bilder mal schemenhaft hervortreten, mal
ganz verschwinden und entziehen sie einer unmittelbaren
Wahrnehmung. Finley verweist in seinem Werk
auf zeitgenössiche Popkultur und die Ästhetik früher
Computerspiele. Gleichzeitig spielt er mit Referenzen
an Farbmystik und sakrale Kunst und überführt seine
Malerei in spirituell anmutende Sphären.
Galerie Christian Ehrentraut
Friedrichstr. , 0 7 Berlin-Mitte
bis . ., Di–Sa – 8h
www.christianehrentraut.com, Map: I 8
Andy Harper, Minjung Kim & Chrystel Lebas
Twilight Zone
Die Gruppenausstellung „Twilight Zone” (Dämmerung
oder Zwielicht) erfasst den Übergangsmoment
zwischen Hell und Dunkel, zwischen Illusion und Realität.
„Twilight Zone” zeigt Bilder im Zwischenlicht,
teils rätselhaft, teils mystisch und spirituell, welche die
Wahrnehmung von Form und Raum verfremden. Die
Fotografien von Chrystel Lebas erfassen den Moment
der Dämmerung fast wortgetreu. Die Motive ihrer
„Blue Hour”-Serie sammeln das Licht der Stunde nach
Sonnenuntergang in einer einzigen Langzeitaufnahme.
Andy Harpers Gemälde zeigen einen Dschungel von
krautartigen Pflanzen und heimtückischer Fauna. Sie
erkunden den undurchsichtigen Raum zwischen Sehen
und Vorstellung, zwischen (Alb)traum und Wirklichkeit.
Das Thema Minjung Kims abstrakter Kompositionen
ist die Verquickung von Zeit und Raum. Ihre
Reispapierarbeiten schweben zwischen Farbexplosion
und schwindender Materie, zwischen Schöpfung und
Zerstörung, so dass die Leere, der Zwischenraum, zum
Sinn ihrer Bilder wird.
Galerie Morgen
Oranienburger Str. 7 (im Kunsthof), 0 7 Berlin-Mitte
in Kooperation mit Patrick Heide Contemporary Art,
London, bis .4., Di–Sa – 8h
www.galerie-morgen.com, Map: G 0
Claudia von Funcke: What happened yesterday, Installation
© Claudia von Funcke
Casey Vogt: Against the Grain, 009,
house paint, collage, envirotex/panel, 6 x 6 cm
Edgar Diehl: Aussagen über das Ich
What’s new? – Zeitung und Kunst
„What’s new?“ Die Zeitung steht trotz vieler neuer
Informationsmedien noch immer für Aktualität und
gleichzeitig für Vergänglichkeit. Kann Kunst aus diesem
Alltäglichen das Besondere machen? Roland Albrecht,
Jan Bauer, Ligia Cabral, Ben Carter, Claudia von Funcke,
Sebastian Koth, Albrecht Schäfer und Gabriela Volanti
zeigen Papierarbeiten, Fotografie, Installation und
Malerei.
18m Galerie für Zahlenwerte
Akazienstr. 0, . OG, 08 Berlin-Schöneberg
Opening: 8. ., 8h, geöffnet am 8. ., 8.4. ab 8h, 9.5.
– 5h and by appt., 0 0 - 88 70 9 04 oder
0 6 - 887 0 90, www. 8m-galerie.de
Optimistic American Discords
Jon Barwick, Roni Feldman, Elizabeth Ferry, Ryan P.
Miller, Grant Vetter and Casey Vogt have formed a group
named Cacophonic. Their work is a reaction to a decade
that began with 9/ and ended with a financial crisis:
a period of complexity and dissonance. The balance between
content and physical presence in their work reflects
an enduring optimism in the face of the odds that
is typical of a new generation of American artists.
Werkstattgalerie
Eisenacher Str. 6, 0777 Berlin-Schöneberg
Opening: 9. ., 0h, 9. .– 6.4., Di–Fr – 0h, Sa – 8h
www.werkstattgalerie.org, Map: P 0
Edgar Diehl – Überraschung und Widerspruch
Edgar Diehl arbeitet im Bereich der konkreten Kunst.
In seinen Werken erforscht er das Zusammenwirken
von Farbe, Form und Raum. Dabei hat er Entdeckungen
gemacht, die das gewohnte Sehen bis an die Grenzen
optischer Wahrnehmung erweitern und dem Betrachter
neue visuelle Räume eröffnen. In der Ausstellung bei dr.
julius | ap sind neueste Ergebnisse dieser Auseinandersetzung
zu sehen.
dr. julius | ap
Leberstr. 60, 08 9 Berlin-Schöneberg
Opening: 5. ., 9h, 6. .– 0.4., Do–Sa 5– 9h by appt.
0 0 - 4 74 49, info@dr-julius.de, www.dr-julius.de
48 49

Sebastian Schrader: Real I, 004, Öl auf Leinwand, 60 x 00 cm
Marek Benczewski: scherzo, 0 0
Tusche, Bleistift, Acryl auf Fabriano, 60 x 80 cm
Gastspiel I Neues aus Berlin und Leipzig
Die Galerie Anne Moerchen zeigt in Kooperation mit
der Galerie Berlin Art Projects die Gruppenausstellung
„Gastspiel I Neues aus Berlin und Leipzig“ mit
Christian Awe, Tom Fleischhauer, Sebastian Schrader
(Berlin) und Jörg Lohse (Leipzig). Gezeigt wird ein
repräsentativer Querschnitt aktueller Malereipositionen:
von figurativ bis expressiv-abstrakt, von farbreduziert
bis pointillistisch. Die Künstler greifen Themen
auf, die exemplarisch für ihre Generation stehen:
Sie spiegeln die komplexe Auseinandersetzung mit
Urbanität und Alltag, Mensch und Wahrnehmung,
Emotion und Medien wider und rücken damit die Fragen
unserer Zeit in den Mittelpunkt ihres Werks.
Galerie Anne Moerchen
Milchstr. 6a, 0 48 Hamburg (Pöseldorf)
Opening: 4. ., 9– h, 5. .– 6.4.
Di–Fr . 0– 8. 0h, Sa – 5h and by appt.
www.galerie-anne-moerchen.de, Map Nord: A 0
Marek Benczewski – “point it”
Zeichnungen
„Egal wohin man sich begibt, es kann passieren, dass
man sich in einer skurrilen Gesellschaft wiederfindet.
Ohne ersichtlichen Grund entstehen dann ungewöhnliche
Bildkonstellationen – es ist ein Spiel mit Dingen,
die nicht zusammenpassen und somit bestens dafür
geeignet sind, sie zusammenzubringen.“
Galerie ICON Berlin
Veteranenstr. , 0 9 Berlin-Mitte
Opening: . ., 9h, . .– 4.4.
Mi–Fr 4– 9h, Sa 4– 8h
0 0 - 44 5 4 0, www.galerie-icon.de, Map: D
Florian Merkel: Maßgabe, 004, „Kunst im
Bau“-Sammlung der GASAG, Dauerleihgabe
in der Berlinischen Galerie
© Florian Merkel
Osvaldo Ramirez Castillo: Origenes de una
Especie, 008, mixed media drawing on
mylar, 07 x 0 cm
Claudia Rößger: Rodeo, 009, Öl und
Eitempera auf Leinwand, 50 x 40 cm
Herbert Kaufmann: 6-76 R-ts, Aquatec auf
Leinwand, 70 x 0 cm
Marc Jung: Halbwahrheit, 0 0,
Mischtechnik auf Leinwand, 50 x 5 cm
Berlin Transfer : Junge Kunst der Berlinischen Galerie und
der GASAG
In der Ausstellung werden Neuerwerbungen der Berlinischen Galerie im
Dialog mit einem umfangreichen Konvolut von Arbeiten aus der Sammlung
„Kunst im Bau“ der GASAG präsentiert. Mit zahlreichen Werken in
Berlin tätiger Künstler entsteht ein Panorama zeitgenössischer Positionen in
Malerei, Fotografie, Grafik und Installationen.
Berlinische Galerie, Alte Jakobstr. 4– 8, 0969 Berlin-Mitte
5. .– 4.5., Mi–Mo 0– 8h, Eintritt: 6 €, erm. €
www.berlinischegalerie.de, Map: N 0
Osvaldo Ramirez Castillo, Markus Merkle – Drawings
Osvaldo Ramirez Castillo draws allegorical narratives of historical, cultural
and personal experience, engaging with the memories of loss and violence
that marked El Salvador during the civil war. Markus Merkle is occupied
with pieces of disalignment on different cultural levels. His work, consisting
of fragmented pieces, also represents a holistic cosmos, influenced by
elements from travels, spirituality and music.
Kuma Galerie, Novalisstr. 7, 0 5 Berlin-Mitte
Opening: 5. ., 9– h, 6. .– 0.4., Di–Sa – 9h and by appt.
contact@kuma-galerie.com, www.kuma-galerie.com, Map: E 8
Claudia Rößger – all my saints
Claudia Rößgers Arbeiten gleichen einer Prozession von Heiligen
ohne Legenden: Inspiriert von geometrischen Figuren, entwirft sie mit
(alb)traumhaften Verformungen vollendete Kreaturen. Diese visualisierten
Seelenporträts – Zwerge, Zwitterwesen, Mensch-Tier-Kreaturen und andere
Gestalten – verweigern sich dem vollendet Schönen und feiern das
Unvollkommene und Abwegige.
maerzgalerie, Sophienstr. , Sophie-Gips-Höfe, 0 78 Berlin-Mitte
bis 4.4., Di–Sa – 8h
www.maerzgalerie.com, map: F
Herbert Kaufmann – Die Berliner Schenkung
Anlässlich der Schenkung Herbert Kaufmanns zeigt die Kunststiftung
Poll eine Auswahl seiner wichtigsten Werke aus allen Schaffensphasen.
Kaufmann verwendet zur Herstellung seiner Arbeiten Bruchstücke vorgefundener
Nachrichten, Bildreproduktionen und gedruckte Texte, setzt Logos
und Schriftzeichen in seine Collagen ein. Als Gründer der Gruppe 5
prägte er ab 957 das Kunstgeschehen im Westen wesentlich.
Galerie der Kunststiftung Poll, Gipsstr. , 0 9 Berlin-Mitte
Opening: . ., 7h, . .– 5.5., Di–Sa 5– 8h
www.poll-berlin.de, Map: F
Marc Jung – Piefke Power Bomb
Powerbomb, ein Wurf beim Wrestling, bei dem der Gegner mit dem Rücken
auf den Boden geschleudert wird, variiert wie die Motive der Farbattacken
auf den Leinwänden von Marc Jung. Im Kunsthaus Erfurt zeigt er in
seiner ersten großen Einzelausstellung aktuelle Arbeiten, die in den letzten
Monaten in Wien entstanden sind: illustrativ, malerisch und expressiv auf
den Boden der Tatsachen geworfen.
Kunsthaus Erfurt, Michaelisstr. 4, 99084 Erfurt
Opening: . ., 0h, 6. .– .4., Di–Fr – 8h
www.kunsthaus-erfurt.de
50 5

Paul Gauguin: Barbarische Erzählungen, Contes Barbares, 90
Museum Folkwang, Essen © Museum Folkwang
Foto: Jens Nober 009
Pablo Picasso: Femme au miroir (Femme accroupie), 9 7, Öl auf
Leinwand, 9,8 x 94,7 x ,4 cm
© VG Bild-Kunst, Bonn
„Das schönste Museum der Welt“
Museum Folkwang bis 1933
Die erste große Sonderausstellung des Museums im
Neubau ist der Geschichte der Folkwang-Sammlung
und ihrer Entwicklung gewidmet. Im Mittelpunkt
steht die Rekonstruktion der Sammlung, die von Karl
Ernst Osthaus 90 begründet wurde, kurz nach
seinem frühen Tod 9 nach Essen gelangte und
hier von Ernst Gosebruch zu einer Institution mit
weltweiter Ausstrahlung weiterentwickelt wurde. Der
Mitbegründer des Museum of Modern Art in New
York, Paul J. Sachs, sagte bei einem Besuch in Essen
9 , das Folkwang sei „das schönste Museum der
Welt“. Die Nationalsozialisten unterbrachen brutal die
fortschrittliche Ankaufs- und Ausstellungspolitik des
Museums und konfiszierten 9 7 mehr als 400 Werke,
die später legal verkauft wurden und heute zu den
Meisterwerken großer Museen und Privatsammlungen
im In- und Ausland gehören, darunter Gemälde von
Kandinsky und Matisse, Kirchner und Marc, Munch und
Beckmann. Wie schon zur Zeit von Osthaus werden
auch jetzt Meister der Moderne neben Skulpturen
und Objekten aus China und Japan, Griechenland und
Ägypten, Java und Ozeanien stehen.
Museum Folkwang, Neubau, Museumsplatz , 45 8 Essen
0. .– 5.7., Di–So 0– 0h, Fr 0– 4h, Eintritt: Di–Fr 0 €,
Sa + So €, erm. 7 €, www.museum-folkwang.de
Silent Revolution
Eine neue Sammlungspräsentation
Bisher wurden in K 0 Grabbeplatz hauptsächlich
Gemälde gezeigt und in K Ständehaus vorrangig
Installationen, Skulpturen, Fotografie und Videoarbeiten
ausgestellt. Bei der gemeinsamen Präsentation im
Ständehaus spannen sich die Dialoge nun auch von der
zweiten in die dritte Dimension und wieder zurück. Es
entspinnt sich ein Wettstreit der Gattungen. So treffen
im Erdgeschoss die Belgier Marcel Broodthaers und
René Magritte mit ihrer Befragung von Museum und
Wahrheit aufeinander. Jeff Wall und Wassily Kandinsky
setzen den Widerstreit von Chaos und Ordnung ins
Bild. Paul Klee und Nam June Paik befassen sich mit
den Universalsprachen Kunst und Musik. Im zweiten
Geschoss des Ständehauses finden sich die Hauptwerke
des Kubismus, der Neuen Sachlichkeit und des
Surrealismus. Sie werden „kommentiert“ durch Skulpturen
der Gegenwart von Thomas Schütte, Katharina
Fritsch, Paloma Varga Weisz und anderen. Im dritten
Geschoss trifft man auf Piet Mondrian, Marcel Duchamp,
Otto Dix und Kurt Schwitters, Gerhard Richter
und Francis Bacon.
K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
Ständehausstr. , 40 7 Düsseldorf
7. .– .6., Di–Fr 0– 8h, Sa + So – 8h, Eintritt: 6,50 €,
erm. 4,50 €, www.kunstsammlung.de, Map West: I
Pavel Feinstein: Akt, 005, Bleistift auf Papier, 0 x 40 cm
Boris Zabirokhin: Akt, 009, Bleistift auf Tonpapier, 50 x 70 cm
Dieter Kraemer: Fischsuppe, 0 0, Öl auf Leinwand, 67 x 0 cm
Emil Nolde: Matterhorn, Aquarell, 9 0 © Nolde Stiftung Seebüll
Boris Zabirokhin, Pavel Feinstein – Aktzeichnungen
Aktzeichnen ist für Künstler aller Epochen das
faszinierendste und zugleich das schwierigste Terrain,
da es das größte handwerkliche Können erfordert.
Der weibliche Akt verlangt vom Künstler dazu auch
noch eine Gratwanderung auf der feinen ästhetischen
Grenze zwischen Idealisierung und augenzwinkernder
Subversion, zwischen Unschuld und purer Erotik. Boris
Zabirokhin bevorzugt die Überhöhung: weiche, fließende
Linien, sanfte Übergänge von Licht und Schatten. Pavel
Feinsteins weibliche Akte dagegen zeugen von einer
präzisen, ja gnadenlosen Strichführung: dahingeworfene
Umrisse, scharfe Linien – eine der Wirklichkeit getreue
Darstellung ist das Ziel.
Galerie Vinogradov, Chodowieckistr. 5, 0405 Berlin-
Prenzlauer Berg
Opening: 5. ., 9h, 6. .– . ., Mi–Fr 4– 9h, Sa – 5h and
by appt., www.eurusart.com, Map: B
Dieter Kraemer – Alltägliches
Bilder und Aquarelle
Unbeeindruckt von den künstlerischen Entwicklungen
der letzten Dekaden malt Dieter Kraemer seit mehr als
zwanzig Jahren Stillleben. Neben Alltagsszenen, Stadt-
oder Landschaftsansichten sind es vor allem die täglichen
Dinge des Lebens, die er auf die Leinwand bannt.
Das Banale und Vergängliche weist in der künstlerischen
Aneignung über sich hinaus und wird zum Bedeutungsträger
für das Einzigartige und Unvergängliche.
Galerie Poll
Anna-Louisa-Karsch-Str. 9, 0 78 Berlin-Mitte
Opening: . ., 9h, . .– .5.,
Di–Fr – 8h, Sa – 6h and by appt.
Auf der art Karlsruhe 4.–7. . mit Jenö Gindl,
www.poll-berlin.de, Map: H
Reiselust – Emil Nolde unterwegs in
Deutschland, Spanien und der Schweiz
Emil Nolde ist zeit seines Lebens viel und weit gereist.
Ob im winterlichen Cospeda bei Jena, dem sonnenverwöhnten
Spanien, vor der imposanten Kulisse der
Schweizer Alpen oder an der sturmgepeitschten Nordseeküste
– immer hielt der Künstler seine Eindrücke von
Natur und Menschen mit traumwandlerischer Sicherheit
im Bild fest. Die Ausstellung zeigt dreizehn Gemälde
sowie über hundert Aquarelle aus der Sammlung der
Nolde Stiftung Seebüll, von denen viele zum ersten Mal
öffentlich zu sehen sind.
Nolde Stiftung Seebüll, Dependance Berlin
Jägerstr. 55, 0 7 Berlin-Mitte
bis 8.7., tgl. 0– 9h, Eintritt: 8 €, erm. €, Audioguide 4 €,
Jahreskarten (Berlin und Seebüll) 0 €
www.nolde-stiftung.de, Map: J 9
5 5

Matej Košir: Cornelius Norberus Gysbrechts, Trompe-l’Oeil eines
geöffneten Wandschranks, 008, lambda print, Rahmen, x 96 cm,
Sammlung SØR Rusche
Soojung Choi: No Man’s Land , 009, acrylic and embroidery on
canvas, 80 x 80 cm
Matej Košir – Beyond the Surface
Matej Košir, Preisträger des . Preises des DAAD von
007 und des Diesel New Art Award von 006, stellt
Projekte aus den letzten fünf Jahren in München vor.
Viele dieser Arbeiten sind erstmals in Deutschland zu
sehen. Das Spiel mit Illusion und Täuschung ist eines
der zentralen Themen. Inspiriert von der Malerei der
Alten Meister übersetzt Košir Malerei in Bildhauerei,
inszeniert diese mit Licht als Installation und hält sie
in Fotografien fest. Als Grenzgänger zwischen den Medien
schafft Košir damit wieder ein Original, das als
zeitgenössisches Werk in einen Dialog mit der Kunstgeschichte
tritt. Was ist Kopie, was Reproduktion?
Wie verhält sich die Reproduktion zum Original, das
Alte zum Zeigenössischen, die Illusion zum Realen?
Die vermeintliche Präsenz „echter“ musealer Stücke,
ihre inszenierte Monumentalität beeindrucken und irritieren.
Dem Betrachter steht im Rezeptionsprozess
eine Vielzahl an Elementen zur Verfügung, die ihm
beim Lesen der Erklärung des Künstlers und bei der
Entschlüsselung der Bilder behilflich sind.
Jörg Heitsch Galerie
Reichenbachstr. 4, 80469 München
Opening: . ., 9h
. .– 7.4., Di–Fr 4– 9h, Sa – 6h and by appt.
www.heitschgalerie.de, Map Süd: I 6 | www.matejkosir.com
As If You Know – Soojung Choi, Hyena Kim,
Sojung Lee
The group exhibition “As If You Know” at Aando Fine
Art surveys Korean contemporary painting through
the scopes of three young women artists: Soojung
Choi, Hyena Kim and Sojung Lee. The artists have
received great recognitions in the recent Korean art
scene with their large-scale paintings expressing metaphorical
boundaries of aesthetics and self-confessions.
It is transformed, envisioned and personalized into vibrant
visual language respectively to their experience,
gender and memory.
AANDO FINE ART
Tucholskystr. 5, 0 7 Berlin-Mitte
Opening: . ., 9– h, . .– 6.4.
Di–Sa – 8h and by appt.
0 0 - 8 09 4 8, www.aandofineart.com, Map: F 9
Josef Grassi: Königin Luise von Preußen, 80 , Öl auf Leinwand
© SPSG / Haus Hohenzollern (Eigentum des Hauses Hohenzollern
SKH Georg Friedrich Prinz von Preußen), Foto: Jörg P. Anders
Franz Gertsch: Franz und Luciano, 975, Serigrafie, fotomechanisch
Sprengel Museum Hannover
© Foto: Michael Herling / Aline Gwose
Alexej von Jawlensky: Großer Frauenkopf (Manola), um 9 , Öl
auf Leinwand, 60 x 57 cm, Staatsgalerie Stuttgart,
Sammlung Max Fischer © VG Bild-Kunst, Bonn 009
Luise. Leben und Mythos der Königin
Königin Luise ist die populärste Gestalt der preußischen
Geschichte. Die Stiftung Preussische Schlösser und
Gärten Berlin-Brandenburg begeht das Jahr ihres 00.
Todestages mit drei Ausstellungen. Den Mittelpunkt
bildet das Schloss Charlottenburg. Die Ausstellung
„Luise. Leben und Mythos der Königin“ geht dem
Menschen Luise, ihren verschiedenen Rollen und der
Mythosbildung nach ihrem Tod auf den Grund. Die
medialen Inszenierungen ihrer Person reichen bis in die
Gegenwart. Die Luisenwohnung im Obergeschoss des
Neuen Flügels wird nahezu authentisch rekonstruiert.
Im Schlossgarten wird erstmals auch die Gruft im
Mausoleum zu besichtigen sein.
Schloss Charlottenburg – Neuer Flügel
Spandauer Damm 0– , 4059 Berlin, Map: H 0
6. .– 0.5., Mo, Mi, Fr, Sa, So 0– 8h, Di – 8h, Do 0– h
Eintritt: €, erm. 0 €, www.spsg.de/LUISE 0 0
Das andere Ich
Das andere Du. Porträts im 20 Jahrhundert
Mit der Popularisierung der Fotografie schwindet im
Laufe des 0. Jahrhunderts zunehmend das Bedürfnis,
gemalte oder gezeichnete Porträts der Lieben von Künstlern
anfertigen zu lassen. Das künstlerische Porträt beschränkt
sich fast ausschließlich auf die Selbstdarstellung
der Künstler, die nie wirklich aufhören, das eigene Ich
zu befragen. Es gibt jedoch auch einige Ausnahmen:
Künstler, die aus dem Porträt ganze Werkreihen gemacht
haben, die häufig ohne Auftrag durch Dritte entstanden
sind. Bekannt geworden sind die Porträts von Franz
Gertsch, von Chuck Close oder Andy Warhol.
Sprengel Museum Hannover
Kurt-Schwitters-Platz, 0 69 Hannover
7. .– .5., Di 0– 0h, Mi–So 0– 8h, Eintritt: 7 €, erm. 4 €,
freitags Eintritt frei, www.sprengel-museum.de
Brücke Bauhaus Blauer Reiter
Schätze der Sammlung Max Fischer
Seit den 9 0er Jahren trug der Stuttgarter Unternehmer
Dr. Max Fischer eine Sammlung vorwiegend expressionistischer
Meisterwerke von erstaunlichem Umfang und
herausragender Qualität zusammen, die im Laufe seines
Lebens auf über 50 Arbeiten anwuchs. Die Staatsgalerie,
der diese Sammlung Ende 008 als Dauerleihgabe
anvertraut wurde, stellt ab März eine repräsentative
Auswahl der Werke vor: Druckgrafiken von Ernst Ludwig
Kirchner, Holzschnitte und Lithografien von Edvard
Munch sowie Ölgemälde von Max Beckmann, Alexej
von Jawlensky, August Macke u. v. m.
Staatsgalerie Stuttgart
Konrad-Adenauer-Str. 0– , 70 7 Stuttgart
6. .– 0.6., Mi, Fr, Sa + So 0– 8h, Di + Do 0– 0h
Eintritt: 0 €, erm. 7 €, www.staatsgalerie.de
54 55

Outi Pieski: Versteck (Detail)
Klassentreffen – Sabine Fassl, Ewa Paszkiewicz und
Katrin Peters
Sabine Fassl, Ewa Paszkiewicz und Katrin Peters haben
vor mehreren Jahren an der UdK bei Professor Dieter
Hacker studiert und nutzen alle auch die traditionellen
Kunsttechniken Zeichnung und Malerei. In einer Serie
von neuen Ölgemälden setzt sich Katrin Peters mit ihrer
Herkunft aus der DDR auseinander und stellt sich die
Frage, welche Entwicklung sie genommen hätte, würde
dieser Staat heute noch existieren.
Katrin Peters: Wie Gott mich schuf, 009
GEHAG Forum – Deutsche Wohnen AG
Mecklenburgische Str. 57, 4 97 Berlin-Wilmersdorf
bis 0. ., Mo–Fr 9– 9h
Öl auf Leinwand, 60 x 80 cm 0 0 - 897 86 0, www.deutsche-wohnen.com
Brigitte Henker-Hansmann: o. T., 009, Mischtechnik, 00 x 80 cm
Verena Landau: aus der Serie „Feindbild-Verleih“ von 005
© VG Bild-Kunst, Bonn 0 0
Ausgrabungen des Alltags – Arjen kaivauksilla
Niina Lehtonen-Braun, Outi Pieski und Mirka Raito kennen
sich seit ihrem Kunststudium an der Akademie der
Bildenden Künste in Helsinki. Ihre Wohnorte verteilen
sich auf Berlin, Hamburg und Utsjoki/Lappland, aber
sie arbeiten nach wie vor eng zusammen. Themen ihrer
Kunst sind das Interpretieren der Kindheit, Vergangenheit
und die Existenz einer zweiten Wirklichkeit: Alltag,
Umwelt, Trost und Sehnsucht sind gegenwärtig. Die
Künstlerinnen erfahren ihre Welten als nahe aneinander,
als hätten sie eine gemeinsame Sprache des Unterbewusstseins.
So erforschen sie die Schichten ihres alltäglichen
Lebens – und erleben in ihrer Kunst Ausgrabungen
des Alltags.
Finnland-Institut
Georgenstr. 4, 0 7 Berlin-Mitte
bis 8.4., Mo 0– 7h, Di–Do – 9h, Fr 9– 5h
www.finnland-institut.de, Map: H 8
Macht zeigen – Kunst als Herrschaftsstrategie
Seit einigen Jahrzehnten macht moderne Kunst eine erstaunliche
Karriere als Statussymbol. Unternehmer und
Spitzenmanager lassen sich gerne mit Kunstwerken fotografieren,
auch Politiker präsentieren sich als Freunde der
Kunst. Dieses Phänomen ist in der Bundesrepublik besonders
weit verbreitet, waren doch nach dem Nationalsozialismus
viele politische Symbole belastet. Ersatzsymbole
mussten gesucht werden – und dabei kommt gerade
Kunstwerken die Autorität zu, Macht zu signalisieren, zu
legitimieren oder auch augenfällig zu steigern.
Deutsches Historisches Museum
Ausstellungshalle von I. M. Pei, Unter den Linden , 0 7
Berlin-Mitte, bis .6., Mo–So 0– 8h
www.dhm.de, Map: I 0
Christine Jörss-Munzlinger: Farbe , 009, Acryl auf Fotografie
Katrin Hosterbach: Ilex und Hortensie, 0 0,
Aquarell und Acryl, ca. 00 x 80 cm
Ausstellung mit Vortrag: Christine Jörss-Munzlinger
Die erfolgreich arbeitende Fotografin hat das Studium an
der Akademie für Malerei aufgenommen mit dem Ziel,
die Fotografie mit der Malerei zu verbinden und vor allem
die Fotografie um die materielle Dimension der Malerei
zu bereichern. Sie hat in ihrem ersten Studienjahr spannende
Grenzgänge in diesen Bereichen unternommen,
die sie zu irritierenden Ergebnissen geführt haben. Wo
fängt Malerei an und wo hört Fotografie auf?
Akademie für Malerei Berlin im Steinwayhaus
Hardenbergstr. 9, 06 Berlin-Charlottenburg
Opening und Vortrag: 5. ., 0h
www.a-f-m-b.de, Map: L 6
Ausstellung mit Vortrag: Brigitte Henker-Hansmann
Die Bilder von Brigitte Henker-Hansmann überzeugen
durch ihre Klarheit in der Reduktion. Dabei arbeitet sie
mit einfachen Darstellungen von Figur oder Objekt. In
der Malerei betont sie in dem Aufeinandertreffen eines
leuchtenden Ultramarinblaus und eines kräftigen Rottons
die Kontur der Form. Das Pendant sind Kohlezeichnungen,
bei denen sich in der schwarzen Fläche kaum
wahrnehmbar die Umrisse eines Objektes abzeichnen.
Akademie für Malerei Berlin im Steinwayhaus
Hardenbergstr. 9, 06 Berlin-Charlottenburg
Opening und Vortrag: . ., 0h
www.a-f-m-b.de, Map: L 6
Ausstellung mit Vortrag: Katrin Hosterbach
Anlässlich der Aufnahme in das Hauptstudium reflektiert
Katrin Hosterbach ihr zurückliegendes erstes Studienjahr.
Momentan arbeitet sie an farbkräftigen „Kingsize“-
Aquarellen in Größen bis zu 0 mal 70 Zentimeter!
Ihr geht es hauptsächlich darum, in bis zu 40 transparent
aufgetragenen Farbschichten einen schwebenden Farbraum
zu erzeugen.
Akademie für Malerei Berlin im Steinwayhaus
Hardenbergstr. 9, 06 Berlin-Charlottenburg
Opening und Vortrag: 9. ., 0h
www.a-f-m-b.de, Map: L 6
56 57

Michael Joaquin Grey: Northern Romantic Citrus.
Computergestützte Transformation der „Einsamen Eiche“ von
Caspar David Friedrich, 006– 009,
generative Zeichnung, Monitor, Computer
Zbigniew Rogalski: From the Similar Paintings series
( 0th Century Fox), 00 , Öl auf Leinwand, 68 x 8 ,5 x 4 cm
Stefan Müller: Blossoms like Blisters – Boredom’s my sister, 009
A Man is not a Tree – Michael Joaquin Grey, Gonkar
Gyatso, Anna Malagrida und Mark Melvin
Die Galerie Sherin Najjar eröffnet als erste Galerie ihre
Ausstellungsräume am Potsdamer Platz. Der programmatische
Schwerpunkt der Galerie liegt auf jungen und
etablierten Künstlern, die an der Schnittstelle von Wort
und Bild arbeiten. Die Eröffnungsausstellung „A Man is
not a Tree“ zeigt die permanente Wirkung von Sprache
auf die zeitgenössische Kunst. Sie untersucht speziell die
Verbindung zwischen sprachlichen Strukturen und kultureller
Identität. Neben Michael Joaquin Grey, Gonkar
Gyatso und Anna Malagrida nimmt der junge Künstler
Mark Melvin an der Ausstellung teil.
Galerie Sherin Najjar
Am Park 4, 0785 Berlin-Mitte
bis 0.4., Mi–Sa – 8h und nach Vereinbarung
www.sherinnajjar.com, Map: K 5
Polnische Malerei aus der Sammlung Marx
Der Kunstmäzen Dr. Erich Marx hat seit den 960er
Jahren museumswerte Kunstwerke u. a. von Andy Warhol,
Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein oder Joseph
Beuys zusammengetragen. Vor etwa vier Jahren begann
der Sammler sich auch für zeitgenössische Kunst aus
Polen zu interessieren. Zu seinen Beständen gehören inzwischen
Werke von Wilhelm Sasnal, Zbigniew Rogalski,
Rafał Bujnowski und Roman Lipski. Bis zum 8. Mai
0 0 ist die renommierte Sammlung Marx mit ihren
wichtigsten Werken der polnischen Malerei zu Gast im
Polnischen Institut Berlin.
Polnisches Institut
Burgstr. 7, 0 78 Berlin-Mitte
Opening: . ., 9h, Di–Fr 0– 8h
www.polnischekultur.de, Map: H
Stefan Müller – Hang zur Neigung
Müller (* 97 , Frankfurt am Main) lotet mit einem minimalistischen
Ansatz seine Bilder aus, wobei er sie oft bereits
zu einem sehr frühen Zeitpunkt als fertig erachtet.
Mit dieser Haltung greift Müller Kernfragen postkonzeptueller
Bildproduktion auf. Malgrund sind unbehandelte
Leinwand oder gebrauchte Stoffe wie Bettlaken, die vor
und während des Malens dem Zufall ausgesetzt werden.
Oft ersetzen Bierflecken, Asche oder Staub die übliche
Versiegelung durch Farbe. Müllers Materialpalette reicht
von Acryl, Transparentlacken, Öl, Silikon über Edding bis
hin zu Blei- und Buntstift. Ebenso integriert er banale
Elemente wie Seidenpapier oder Glitzerstreu.
Staatliche Kunsthalle Baden-Baden
Lichtentaler Allee 8a, 765 0 Baden-Baden
7. .– 4.5., Di–So 0– 8h, Eintritt: 5 €, erm. 4 €
www.kunsthalle-baden-baden.de
Parul Thacker: Cosmic Dance, 008, nylon threads and minerals
embroidered on canvas, 65 x 65 x 0 cm
Volker März: Prof. B. in D. mit seinen Schülern, 0 0,
Skulpturen, gebrannter Ton, bemalt, Höhe 0–40 cm
Mathilde Vollmoeller-Purrmann: Stillleben mit Paprika, Paris um
907, Öl auf Leinwand, ,6 x 40,6 cm, Stadt Speyer,
Fotos: Gerhard Kayser
Galerie Christian Hosp – Art Dubai
Aktuelle Perspektiven auf den transkulturellen Diskurs
ohne exotische Kategorisierung: Im Rahmen der Art
Dubai 0 0 präsentiert sich die Galerie Christian Hosp
mit internationaler Besetzung. Neben etablierten Größen
der indischen Kunstszene wie Anita Dube und Suhasini
Kejriwal werden auch die Newcomer Parul Thacker und
Vishal K. Dar zu sehen sein. In ihren organisch anmutenden
Stadtplänen thematisiert die Vietnamesin Tiffany
Chung Entstehung und Wirkung von geografischen
Veränderungen. Die aus Tunesien stammende Berlinerin
Nadia Kaabi-Linke hinterfragt in ihren Arbeiten die
Beziehung von Orten und deren Geschichte und rundet
den Kanon der Diaspora ab.
Galerie Christian Hosp, Invalidenstr. 50/5 , 0557 Berlin-
Mitte, Art Dubai, 7.– 0. ., Di–Sa – 8h
www.christianhosp.com, Map: E 5
Sarah Haffner, Volker März
Volker März’ diesjährige Präsentation auf der art Karlsruhe
machte Furore, seine letztjährige museale Ausstellung
„Kafka in Israel“ führte zu hitzigen öffentlichen
Debatten in Tel Aviv. Immer wieder weiß er mit seinen
skulpturalen Ausstellungsprojekten intelligent zu provozieren.
Neben der umfangreichen Ausstellung seiner
neuen Arbeiten würdigen die Galerien zum 70sten Geburtstag
die Berliner Malerin Sarah Haffner, deren eigenwillige
poetische Stadtlandschaften Berlinkolorit einfangen.
Zu beiden Ausstellungen erscheinen neue Kataloge.
TAMMEN GALERIE und GALERIE GAULIN & PARTNER
Friedrichstr. 0, 0969 Berlin-Mitte
Opening: . ., 9– h, bis 4.4., Di–Fr – 8h, Sa – 8h
www.galerie-tammen.de, Map: L 9
Mathilde Vollmoeller-Purrmann (1876–1943).
Berlin – Paris – Berlin
Die Malerin Mathilde Vollmoeller-Purrmann gehört zur
künstlerischen Avantgarde des beginnenden 0. Jahrhunderts
in Deutschland. Drei Jahre nach der Retrospektive
der Gemälde ihres Künstlerkollegen und Mannes Hans
Purrmann widmet die Stiftung Kunstforum der Berliner
Volksbank in Kooperation mit dem Purrmann-Haus
Speyer nun ihr eine Ausstellung. Gezeigt werden 8
Gemälde und 4 Aquarelle.
Kunstforum der Berliner Volksbank
Budapester Str. 5/Ecke Kurfürstenstr., 0787 Berlin-Charlottenburg,
bis 6.5., tgl. 0– 8h
www.kunstforum-berliner-volksbank.de, Map: N 9
58 59

Blick in die Ausstellung „VisualLeader“ im Haus der Photographie
in den Deichtorhallen Hamburg (Aufnahme aus
der Ausstellung 009), Foto: © Marcel Schwickerath
STiNK!: The Fallen (right), 009,
oil on panel, 00 x 00 cm © artist
Mario Wagner: Worm Mountain (left), 009, collage, acrylic on
canvas, 0 x 40 cm © janinebeangallery
„indifference, looking beyond x-rays“
VisualLeader 2010
Zum siebten Mal werden im Haus der Photographie
die Nominierten und Gewinner der LeadAwards vorgestellt:
Fotoserien, Zeitschriftenbeiträge, Anzeigen und
Websites sind zu sehen – das Beste, was im Jahr 009
in deutschen Magazinen erschienen ist. Die Ausstellung
umfasst alle Arbeiten, die in diesem Jahr mit den
begehrten LeadAwards, Deutschlands bedeutendstem
Print- und Online-Preis, ausgezeichnet werden. Anders
als bei anderen Kreativwettbewerben kann man sich für
die LeadAwards nicht bewerben, die Arbeiten werden
von einer unabhängigen Fachjury ausgewählt.
Deichtorhallen Hamburg
Deichtorstraße – , 0095 Hamburg
bis . ., Di–So – 8h, Eintritt: 9 €, erm. 5 €
www.deichtorhallen.de, Map Nord: I
Mario Wagner & Thomas Stüssi –
STiNK! & Super Blast
In Two Window Project’s first exhibition, STiNK!’s dramatic
paintings are alluring in both intimacy and sophistication.
The subject of each, in the act of falling, shows
layers of human motion and emotional states with rich
colours resulting in deeply personal portraits that meld
the figurative with abstract. Super Blast – new works.
The janinebeangallery presents collages of the German
native artist Mario Wagner, based on magazines of the
50ies and 70ies. The other half of the group show features,
objects and installations of the Swiss artist Thomas
Stüssi.
janinebeangallery / Two Window Project, Torstr. 54, 0 5
Berlin-Mitte, Opening: 9. ., 8– h, 0. .– 7.4., Mo–Sa
– 8h, 0 0 - 4 76 7 68 (JBG), 0 0 - 8 50 0 7 (TWP)
www.twowindowproject.com, www.janinebeangallery.com
Map: E 0
Looking Beyond: X-Rays – Renato Meneghetti
“Looking beyond: X-Rays” stellt einen großen zusammenhängenden
Teil der Werkschau, die zu Ehren
Meneghettis in Rom im Museo Nazionale di Palazzo
Venezia von Achille Bonito Oliva kuratiert wurde, aus.
Die Ausstellung ist Indiz für eine unerschöpfliche Suche,
mit dem Auge zu sehen, was es normalerweise nicht zu
sehen vermag.
“…In this manner the eye can see what normally it cannot
read…”
FACTORY-ART
Mommsenstr. 7, 06 9 Berlin-Charlottenburg
Opening: . ., 8h, 4. .–8.5., Di–Sa – 8h and by appt.
www.factory-art.com, Map: N /
Per Mårtensson: untitled, 0 0, Diptychon,
Öl auf Leinwand, je 0 x 70 cm
Martin Kippenberger: Bitte nicht nach Hause schicken, 98 , Öl
auf Leinwand, 0 x 00 cm, Privatsammlung, Berlin
© Nachlass Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain, Köln
Foto: Lothar Schnepf
Uwe Lausen: Geometer, 965, Öl/Kunstharzdispersion auf
Leinwand, 80,5 x cm, Privatsammlung
© VG Bild-Kunst, Bonn 0 0
Per Mårtensson
Die Arbeiten des 969 geborenen schwedischen Künstlers
verwickeln uns in ein Spiel der Illusionen. Auf den
ersten Blick sehen wir ein Foto von einem Lamellenvorhang.
Mit dem zweiten Blick wird deutlich, dass es
tatsächlich ein abstrakt anmutendes Ölgemälde ist. Bei
den installativen Arbeiten in Form von Relief-Skulpturen
erscheint der Lamellenvorhang von Spotlights
angestrahlt. Dem Künstler aus Malmö geht es nicht um
Effekthascherei. Ihn interessiert die abstrakte und minimiale
Tradition der Malerei. Mårtensson schafft Arbeiten,
die eine konzeptuelle Stringenz verfolgen und eine
sinnliche Dimension beinhalten.
Galerie Zink München
Theresienstr. a, 80 München
Opening: 8. ., 9h, 9. .– .5., Di–Fr – 8h, Sa – 6h
www.galeriezink.de, Map Süd: D 4
Pop Life: Warhol, Haring, Koons, Hirst, …
„Gute Geschäfte sind die beste Kunst“ – die Ausstellung
nimmt Andy Warhols berüchtigte Provokation zum
Ausgangspunkt, um das Vermächtnis der Pop Art und
den Einfluss ihrer bedeutendsten Vertreter vollkommen
neu zu interpretieren. „Pop Life“ zeigt die verschiedenen
Methoden, mit denen sich Künstler seit den 980er
Jahren auf die Massenmedien eingelassen haben, und wie
sie dabei ihre künstlerische Persönlichkeit bewusst als
„Marke“ geschaffen und kultiviert haben. Neben Werken
von Andy Warhol sind Arbeiten von Keith Haring, Jeff
Koons, Damien Hirst, Martin Kippenberger u. a. zu
sehen.
Hamburger Kunsthalle, Galerie der Gegenwart
Glockengießerwall , 0095 Hamburg
bis 9.5., Di–So 0– 8h, Do 0– h, Eintritt: 8,50 €, erm. 5 €
www.hamburger-kunsthalle.de, Map Nord: F
Uwe Lausen – Ende schön alles schön
Anlässlich des vierzigsten Todestags von Uwe Lausen
im Jahr 0 0 widmet die Schirn dem mit 9 Jahren
durch Freitod aus dem Leben geschiedenen Autodidakten
eine große Überblicksausstellung. Innerhalb von nur
neun Jahren schuf Lausen ein von rasanten Entwicklungssprüngen
gekennzeichnetes künstlerisches Werk, in
dem er auf überzeugende Weise den ab 964 aus England
und Amerika einbrechenden Einfluss der Pop-Art
in eine sehr eigene und zeitgemäße Sprache übersetzte.
Dabei ging es ihm nicht um die Schilderung der banalen
Konsumwelt, sondern um die schonungslose Darlegung
menschlicher und gesellschaftspolitischer Dramen.
Schirn Kunsthalle Frankfurt
Römerberg, 60 Frankfurt
4. .– .6., Di, Fr–So 0– 9h, Mi + Do 0– h
Eintritt: 8 €, erm. 6 €, www.schirn.de, Map West: C
60 6

KUNST Magazin Sammlergespräch: Ivo Wessel
Der 965 in Paderborn geborene Ivo Wessel gehört zu
der jüngeren Generation von Kunstsammlern und lebt
als Software-Entwickler in Berlin. Seit Schultagen hat
er – neben einer gewissen Zuneigung für Computer
und Elektronik – eine ausgesprochene Obsession für
Literatur, insbesondere Prosa und zeitgenössische
Kunst, wobei eine besondere Vorliebe für Video- und
Konzeptkunst besteht. Teile seiner Kunstsammlung
waren in der Fruchthalle Kaiserslautern, im
Literaturhaus Berlin, in der Kunsthalle Kiel, im
Kunstverein Göttingen und in der Galerie der Stadt
Sindelfingen zu sehen. Er schreibt Computerbücher
über Entwicklung und Gestaltung von Software, die
er gerne mit Zeichnungen seiner Lieblingskünstler
wie Via Lewandowsky oder Ottmar Hörl und
Nachworten seiner Lieblingsschriftsteller wie Max
Goldt, Eckhard Henscheid oder Ror Wolf trüffelt.
Mit Reiner Speck und Michael Magner gibt er die
Buchreihe “Sur la lecture” im Rahmen der deutschen
Marcel-Proust-Gesellschaft heraus. Mit Olaf Stüber
zeigt er einmal im Monat unter dem Motto “Videoart
at Midnight” Videokunst im Kino Babylon. Zurzeit
schreibt er ein Buch zur iPhone-Programmierung
und hat jüngst, zusammen mit Gerd Harry Lybke, die
“e-art-apps” ins Leben gerufen: Kunst-Applikationen
für das iPhone.
Impressum | Imprint
KUNST Magazin / KUNST Verlag, Berlin,
Wrangelstr. , 0997 Berlin
Tel.: 0 0 - 6 0 4 und 0 0 - 4 9 58 9
Fax: 0 0 - 6 0 7 und 0 0 - 4 9 70 59
info@kunstmagazin.de | ISSN 86 - 7 8
Herausgeberin
Jennifer Becker (v. i. S. d. P.)
Chefredakteurin
Katharina Helwig
Chef vom Dienst
Hannah Nehb
Redaktion & Texte: Elisabeth Jungklaus, Agathe
Power, Sarah Weckert, Steffi Weiss, Claudia Wissel
Gastautoren in dieser Ausgabe: Peter Herrmann,
Jan Kage, Christoph Zitzlaff
Lektorat: Carolin Mader
Übersetzungen: Brian Poole
Grafik: Matej Košir
Portrait Ivo Wessel, Foto: Miriam Schoofs
Das KUNST Magazin freut sich auf das Sammlergespräch
mit Ivo Wessel. Das Gespräch wird moderiert
von Jan Kage.
Donnerstag, 4.3.2010, Einlass ab 0h
Bar Tausend, Schiffbauerdamm , Berlin-Mitte
RSVP: sammler@kunstmagazin.de
Onlineredaktion: Katja Schorch, , Katharina Horst
Webdesign: Marius Bruns, www.robinson-cursor.de
Druck: Druckerei Conrad GmbH,
www.druckereiconrad.de
Distribution: DHL GoGreen – wir versenden
klimaneutral, Deutsche Post Pressevertrieb
Erscheinungsweise: 40.000 Exemplare, 0-mal im
Jahr, Doppelausgaben: Jul./Aug. und Dez./Jan. Es
gelten die Mediadaten 0 0.
Alle Ausstellungshinweise im KUNST Magazin
sind für Galerien, Museen und Ausstellungshäuser
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