KUNSTINVESTOR AUSGABE SEPTEMBER 2017

SEPTEMBER 2017 

Auktionen in Wien- Partizipation als künstlerisches Prinzip 

Vennacontemporary 2017- Blickfang 2017 

Mehr als einen Vogel- 100 BESTE PLAKATE 16 

Ineke Hans- World Press Photo 17

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser!. 

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des Magazins 

KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und 

stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen 

informieren wir Sie rund um alle wichtigen 

Themen, die nationalen und internationalen Kunstmärkte 

betreffend. Kunst ist ein interessantes Portfolio 

und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr 

Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. 

Besonders in BREXIT-Zeiten, da Bullen auf sich warten 

lassen und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren 

sich Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable 

Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene 

Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der 

Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in 

Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle 

von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder 

kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die persönliche 

Entscheidung dieser Käufer weniger zählt. Wie 

schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler scheinen 

in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer haben 

eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren auch 

einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser Boom ist 

noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder, 

Antiquitäten und andere Sammelobjekte nehmen im 

Rahmen der Veranstaltungen einen immer höheren 

Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden 

Ergebnisse der Auktionshäuser mit Weltrekorden. Weil 

es bei allen Dingen des Lebens immer auf den richtigen 

Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten 

Hintergrundberichten, präzise recherchierten Topstorys 

und wichtigen Nachrichten begeistern. Lesen Sie den 

aktuellen KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles 

Bild über den Kunst-markt verschaffen können- eine 

wirklich gute Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, 

Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 1110 

Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920- 9045 DW, Fax: 

+43 1/2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Thierry Bongard/100 Beste Plakate 16 e. V. (Auftraggeber: 

Projektauftrag an der Hochschule der Künste Bern, Betreuung: Andréas Netthoevel, Christoph Stähli Weisbrod, Bern)

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler 

Kunst ist die Freude am Schönen 

… der Mensch sei zunächst ein ästhetisches 

und erst dann ein ethisches Wesen. 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen 

Henri Poincaré, einer der bedeutendsten Mathematiker 

seiner Zeit, hat die Behauptung aufgestellt, nicht 

Wissensdurst motiviere Wissenschaftler, sondern die 

Freude am Schönen: „Ich spreche hier nicht von der 

Schönheit, die aus der harmonischen Ordnung der 

Teile hervorgeht. Diese harmonische Ordnung gibt den 

schwankenden Erscheinungen, die unseren Sinnen 

schmeicheln, ein Rückgrat, und ohne diesen Halt wäre 

die Schönheit dieser flüchtigen Träume nur 

unvollkommen, weil sie unbestimmt und vergänglich 

wäre. Die intellektuelle Schönheit hingegen genügt sich 

selbst, und ihretwegen, mehr vielleicht als um des 

künftigen Wohles der Menschheit, verurteilt sich der 

Gelehrte zu langem und mühsamem Arbeiten.“ Man 

kann nicht umhin, zur Auffassung zu gelangen, dass 

die Gegensätze zwischen Wissenschaft und Kunst viel 

kleiner sind als zumeist unterstellt. Künstler (und auch 

Sammler) suchen nach neuen Formen, nach neuen 

Bildern, nach neuen Vorstellungen der Welt, weil sie sie 

schön finden, und weil sie an dieser Schönheit 

Vergnügen haben. Und ihre Schönheit erhalten diese 

Formen, diese Bilder, diese Vorstellungen, weil sie aus 

einem Nachdenkprozess entspringen, der aus purer 

Freude um seiner selbst betrieben wird. Dieses 

intellektuelle Vergnügen, verbunden mit einer 

Obsession für neue Fragestellungen, ist, wie ich 

glaube, das stärkste Motiv, das Künstler antreibt. Aber 

nicht nur sie: Freude und Vergnügen an dem, was wir 

tun, und Neugier für das, was wir dabei zu entdecken 

vermögen, sind Ansporn für jeden von uns. Für Victor 

Frankl ist es die grundsätzliche Konstellation des 

Menschen, ja des Menschlichen schlechthin: „Wovon 

der Mensch zutiefst und zuletzt durchdrungen ist, das 

ist weder Wille zur Macht noch Wille zur Lust, sondern 

Wille zum Sinn. Und auf Grund eben dieses seines 

Willens zum Sinn ist der Mensch darauf aus, Sinn zu 

finden und zu erfüllen.“ Künstlerinnen und Künstler 

finden und erfüllen diesen Sinn in ihren sinnlichen 

Werken. Aber das scheint ihnen nicht zu genügen. Es 

scheint ihnen nicht zu genügen zu wissen, dass es 

diesen Sinn gibt. Sie wollen ihn auch mit anderen 

Mitteln als jenen ihrer Kunst ergründen, sie wollen ihn 

in seine Einzelteile zerlegen, sie wollen ihn 

verbalisieren, sie wollen genau wissen, woher er kommt 

und wie er wirkt. Der gute Sammler, hat Josef Mikl 

einmal gesagt, lese nicht zufällig die besseren Bücher 

und höre nicht zufällig die bessere Musik. Wer sich mit 

Kunst auseinandersetze, komme nicht umhin, auch in 

der Literatur, in der Musik, in der Politik, ja selbst im 

Alltag höhere Ansprüche zu stellen. Und das geschehe 

nicht aus intellektueller Eitelkeit, sondern weil es als 

Vergnügen empfunden werde, den Dingen den 

richtigen Stellenwert zu geben. Kennerschaft bestehe 

nicht allein im Erkennen von Künstlern und Stilen und 

Epochen und ihrer Qualität; Kennerschaft bedeute, in 

der Lage zu sein, das Wesentliche vom 

Unwesentlichen zu trennen.

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler 

Sammler besitzen ein ausgeprägtes Sensorium für 

Werte; sie kennen das ebenso sinnliche wie 

intellektuelle Vergnügen, den Dingen auf den Grund zu 

gehen. Sie entwickeln eine immer stärker werdende 

Begeisterung für das, was sie tun. Sammler sind 

Genussmenschen; sie genießen die intellektuellen 

Herausforderungen von Kunst und sie genießen das 

Erlebnis der Schönheit von Kunst. Josef Popper, ein 

von Albert Einstein besonders geschätzter 

Sozialreformer aus Wien, formulierte 1901 in einer 

Schrift seinen Kulturbegriff als die Summe aller 

Äußerungen und Betätigungen von Menschen, die eine 

Erhöhung des Glücks zur Folge haben. Was er über 

den technischen Fortschritt schrieb, stellte er nicht 

zufällig der Kunst und ihrer Bedeutung gegenüber: 

„Man sagt, die Fortschritte in der Wissenschaft …. 

seien eine Forderung der Vernunft, jene der Technik 

eine Forderung unseres Nutzens und unserer 

Bequemlichkeit; aber …. ich behaupte: Beide, sowohl 

die wissenschaftliche wie auch die technische Tätigkeit, 

dienen auch zur Befriedigung unserer Empfindungen, 

und zwar unserer ästhetischen Empfindungen, wie das 

seit jeher die Kunst zu bewirken imstande war.“ Diese 

ästhetischen, sinnlichen, das Gemüt bewegenden 

Aspekte sind allein schon deshalb so wichtig, weil sich 

daraus moralische und ethische Konsequenzen 

ableiten. Die Gemeinsamkeiten zwischen Kunst und 

Wissenschaft mögen überraschen; aber neben den 

offensichtlichen Unterschieden – vor allem jenen der 

praktischen Anwendung – gibt es eben auch 

wesentliche Parallelen. Natürlich ist jedem von uns klar, 

dass man mit einem Gedicht niemanden töten kann, 

was sich von vielen technischen Errungenschaften 

nicht behaupten lässt. Aber es hat sich mehr als einmal 

in der Geschichte erwiesen, dass eine spitze Feder 

tödlicher als das schärfste Messer sein kann, und ein 

Wort oder ein Bild mächtiger als eine Waffe. Und 

deshalb gibt es so etwas wie eine (moralische) 

Verantwortung nicht nur auf Seiten der Wissenschaft, 

sondern ebenso auf Seiten der Kunst; auch und gerade 

weil die Kunst „alles darf und nichts muss“. Denn „jede 

neue ästhetische Realität präzisiert die ethische. Denn 

die Ästhetik ist die Mutter der Ethik. Die Begriffe schön 

und hässlich sind ästhetische Begriffe, die den 

Kategorien gut und böse vorausgehen. In der Ethik ist 

gerade deshalb nicht alles erlaubt, weil in der Ästhetik 

nicht alles erlaubt ist.“ Josef Brodsky, der 1996 

verstorbene russisch-amerikanische Dichter, spricht 

hier etwas von sehr weit reichender Bedeutung aus: 

Am Anfang unseres wahrnehmenden und sinnlichen 

Lebens stehe eine ästhetische Wahl, und bei dieser 

Wahl orientierten wir uns an der Schönheit, die wir 

erfassen. Und erst diese Art der Wahrnehmung werde 

zur Quelle unserer Moral. Was läge daher näher, als 

uns auf diese Fähigkeit zur sinnlichen Erkenntnis der 

Wirklichkeit zu besinnen: „Je reicher die ästhetische 

Erfahrung eines Individuums, desto unbeirrbarer sein 

Geschmack, desto präziser sein moralisches Urteil, 

desto größer seine Unabhängigkeit.“ (Brodsky) Der 

Zusammenhang zwischen Geschmacksbildung 

aufgrund ästhetischer Erfahrungen und der Fähigkeit, 

souveräne moralische Entscheidungen zu treffen, mag 

im ersten Augenblick überraschen, ja sogar 

erschrecken. Aber wenn er stimmt, bedeutete es, dass 

alle Erziehung viel stärker darauf abzielen sollte, 

unsere ästhetische Wahrnehmungsfähigkeit zu 

vertiefen. Und das geschieht auf keine Weise 

eindringlicher, nachhaltiger und besser als in der 

Auseinandersetzung mit Kunst. Kunsterziehung sollte 

unter diesem Gesichtspunkt einen ganz neuen 

Stellenwert erhalten. Denn anthropologisch gesehen, 

erklärte Josef Brodsky, sei der Mensch zunächst ein 

ästhetisches und erst dann ein ethisches Wesen. 

Deshalb sei die Kunst auch nicht ein Nebenprodukt der 

Entwicklung der Art, sondern es sei genau umgekehrt: 

Wenn das, was uns von den übrigen Spezies 

unterscheide, die Schriftsprache sei, die Kunst sei, so 

müssen Literatur und Kunst die höchsten Formen 

unseres Ausdrucks sein. Oder, vereinfacht gesagt: Die 

Bestimmung unserer Art.

KUNST.INVESTOR News 

Nationalrats-Sitzungssaal im österreichischen Parlament 

Ein Stück österreichische Demokratie-Geschichte ersteigern 

5.-19. September 2017: Dorotheum-Online-Auktion mit historischem Mobiliar 

aus dem österreichischen Parlamentsgebäude 

Nie war es leichter, einen Parlaments-Sitz zu ergattern 

– zwar ohne Stimmrecht, dafür mit demokratiegeschichtlichem 

Bezug. Fündig wird man bei der am 5. 

September 2017 anlaufenden und am 19. September, 

ab 14 Uhr endenden Dorotheum-Online-Auktion „Ein 

Stück Demokratiegeschichte. Mobiliar des Parlaments“. 

Versteigert werden rund 350 Möbelstücke, die zum Teil 

60 Jahre in Verwendung waren, nicht dem Denkmalschutz 

unterliegen und im generalsanierten 

Parlamentsgebäude nicht mehr benötigt werden. Allen 

voran die Stühle und Pulte des Nationalrats- 

Sitzungssaales, aber auch die knapp zwölf Meter lange 

Regierungsbank samt Stühlen. Alle Sitzgelegenheiten 

und Pulte sind nicht nummeriert im Katalog abgebildet, 

d.h. es ist nicht möglich, den Sitz eines gewünschten 

Abgeordneten zu ersteigern. Die Rufpreise der Objekte 

sind ab 15 Euro (für einen Beistelltisch) angesetzt. Der 

Reinerlös der Auktion fließt in das Bundesbudget.Durch 

die Bank günstige Rufpreise Das Rad der Zeit drehte 

(manchmal sehr) sichtbar an den Stühlen, die durchwegs 

mit 50 Euro beziffert sind. Da sie direkt im Boden 

verankert waren, sollte sie der neue Be-Sitzer mit einer 

Standfläche ergänzen. Es besteht auch die Möglichkeit, 

einen heuer dafür von einer privaten Schlosserei 

konzipierten Metallfuß zu erwerben. Die unterschiedlich 

langen Pulte aus dem Nationalratsaal werden zwischen 

50 und 80 Euro ins Rennen gehen. Die in den 1990er- 

Jahren entstandenen Bänke und Drehsessel des 

Bundesratsaals sind u.a. ebenfalls Teil der Auktion. Mit 

200 Euro starten die Gebote für die 15-sitzige 

Regierungsbank. Sämtliche Objekte sind im Online- 

Katalog abgebildet, werden aber nicht ausgestellt. Die 

Abholung der Möbel erfolgt extern bei einer Spedition 

am Wiener Stadtrand, wo die Exponate eingelagert 

sind. (Foto ©Dorotheum)


TERRA INCOGNITA 

im Rahmen von curated by_vienna 2017 

kuratiert von Matthias Arndt 

Patricia Piccinini- 'unfurled' – Foto: © Galerie Hilger 

Die Hilger BROTKunsthalle präsentiert im Rahmen von 

curated by_vienna 2017: „image/reads/text. Sprache in 

der zeitgenössischen Kunst“ Werke von 

zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern aus 

Südostasien und der Pazifikregion vorzustellen. Zum 

ersten Mal wird eine umfassende Schau dieser Art mit 

Fokus auf Malerei und Skulptur in Österreich gezeigt. 

„Terra Incognita“ wird kuratiert von einem der führenden 

Experten für zeitgenössische südostasiatische und 

australische Kunst, Matthias Arndt. Vorgestellt werden 

18 ausgewählte Kunstpositionen von Jumaldi Alfi (geb. 

1972, Indonesien), Khadim Ali (geb. 1978, Pakistan), 

Del Kathryn Barton (geb. 1972, Australien), Zean 

Cabangis (geb. 1985, Philippinen), Jigger Cruz (geb. 

1984, Philippinen), Marina Cruz (geb. 1982, 

Philippinen), FX Harsono (geb. 1949, Indonesien), Mit 

Jai Inn (Geb. 1960, Thailand), Eko Nugroho (geb. 1977, 

Indonesien), Patricia Piccinini (geb.1965, Australien), 

José Santos III (geb. 1970, Philippinen), Svay Sareth 

(geb. 1972, Kambodscha), Yudi Sulistyo (geb. 1972, 

Indonesien), Melati Suryodarmo (geb. 1969, 

Indonesien), Agus Suwage (geb.1959, Indonesien), 

Rodel Tapaya (geb. 1980, Philippinen), Entang Wiharso 

(geb.1967, Indonesien), Kaa Yeo (geb. 1989, 

Philippinen). Als der österreichische 

Literaturwissenschaftler Oskar Walzel 1917 eine 

„wechselseitige Erhellung der Künste“ forderte und 

damit eine Zusammenlegung kunst- und 

literaturwissenschaftlicher Begrifflichkeiten meinte, 

konnte er kaum ahnen, wie sehr die beiden 

künstlerischen Disziplinen nur 100 Jahre später 

ineinander verwachsen sein würden: Kunst und 

Sprache stehen heute in einem vielschichtigen und 

regen Dialog.


Die Ausstellung „Terra Incognita“ versucht, die Liaison 

von Sprache und Kunst, den Moment des Narrativen 

und die Bedeutung von identitätsstiftenden Symbolen 

für die zeitgenössische Kunst mit einer Reihe von 

Arbeiten indonesischer, philippinischer, pakistanischer, 

kambodschanischer und australischer Künstlerinnen 

und Künstler zu ergründen. Der Name der Schau spielt 

auf die weiterhin vorherrschende Unterrepräsentation 

südostasiatischer und australischer Künstler in der 

eurozentrischen und nordamerikanisch geprägten 

Kunstwelt an. Fernab von einem westlichen Kanon der 

Ästhetik und Bildkultur haben sich besonders in 

Südostasien über Jahrtausende Bildsprachen 

herausgebildet, die auf den ersten Blick neu, 

streckenweise gar fremd erscheinen mögen. Aus den 

Codes und Symbolen, die sich in den gezeigten 

Arbeiten finden, lassen sich dabei etliche Verweise, 

Referenzen und Narrative lesen. Helden und Legenden 

aus Texten, die unter anderem aus dem heutigen Iran 

stammen, werden von Khadim Ali (Pakistan) scheinbar 

spielend leicht in ein System der visuellen Poetik 

übersetzt. Mithilfe von traditionellen Methoden wie dem 

„neem rang“ färbt der Künstler Teppiche ein und erzählt 

identitätsstiftende Sagen mit seiner liebevollen, 

eleganten Ästhetik nach. Eko Nugroho (Indonesien) 

verarbeitet Elemente aus Street Art, Comic-Kultur und 

Fotografie zu einer medialen Vermischung, die auf 

subtile Art von der Spannung zwischen islamischhierarchisch 

geprägter Gesellschaft und westlichem 

Einfluss in seiner Heimat Indonesien erzählt. 

Typografische Elemente transportieren humorvolle, 

pointierte Botschaften, die nicht nur zentraler, sondern 

auch vollkommen natürlicher Bestandteil der Arbeiten 

von Nugroho sind. Entang Wiharso (Indonesien) trägt 

für seine Arbeiten Autolack auf Aluminium auf, was 

selbst die surrealistische, manchmal tieftraurige 

Ästhetik, derer er sich bedient, nach Pop und 

Hedonismus aussehen lässt. In einer Zeit, in der die 

Gesellschaft von der Kunst eine zunehmende 

Politisierung und klare Positionierung fordert, sind mit 

FX Harsono (Indonesien) und Patricia Piccinini 

(Australien) außerdem ein Künstler und eine Künstlerin 

Teil von „Terra Incognita“, die Kritik am politischen 

System und an aktuellen Entwicklungen in 

Wissenschaft und Wirtschaft nicht scheuen. Ihre 

Arbeiten stoßen Dialoge und Diskussionen an, sie 

erzählen traurige, manchmal auch aufrüttelnde 

Geschichten, arbeiten mit Narrativen und 

wiederkehrenden Symbolen und machen damit letztlich 

all das, was gemeinhin der Sprache zugeschrieben 

wird. Der Übergang zwischen den Disziplinen wird 

fließend, und das nicht nur in Europa. (Text: Matthias 

Arndt) [HilgerBROTKunsthalle. Dauer der Ausstellung: 

15.9– 28.10.2017- Foto: Galerie Hilger]


Klimt und die Antike 

Erotische Begegnungen 

© Belvedere Wien, Gustav Klimt, Die Poesie 

(Detail Beethovenfries), 1901/02 

Die Ausstellung „Klimt und die Antike. Erotische 

Begegnungen” widmet sich dem faszinierenden 

Dialog zwischen Gustav Klimts Werk und der antiken 

Kunst. In einem interdisziplinären Ansatz verschränkt 

die von Tobias G. Natter kuratierte Schau Archäologie 

und Kunstgeschichte. Ausgewählte Belege aus dem 

Schaffen des Jugendstilkünstlers zeigen den 

zentralen Wandel in seinem Antikenverständnis. Ein 

Herzstück der Ausstellung bildet die von den Wiener 

Werkstätten gestaltete, mit Zeichnungen Gustav 

Klimts illustrierte Neuauflage der Hetärengespräche 

des Lukian. Die Gegenüberstellung antiker 

Vasenmalerei zeigt überraschende 

Übereinstimmungen zwischen Klimts Linienkunst und 

den antiken Bildwelten. Die Antike bildete für Gustav 

Klimt während seiner gesamten künstlerischen 

Laufbahn eine wichtige Inspirationsquelle. Die ersten 

Einflüsse auf sein Schaffen sind in den Dekorationen im 

Wiener Burgtheater oder im Kunsthistorischen 

Museum zu erkennen, die reich an klassischen 

allegorischen Darstellungen sind. In seinem vom 

Historismus geprägten Frühwerk waren es motivische 

Details, die den Künstler interessierten. Nach 1900 ist 

es dann vor allem der „Geist der Antike“, den er in 

seine eigene Formensprache überträgt. Die Ausstellung 

veranschaulicht Klimts Entwicklung zu einem freieren 

Umgang mit der Antike durch die Gegenüberstellung 

mit antiken Vorbildern, die der Künstler aus der 

Vasenmalerei oder den Abgüssen nach antiken 

Skulpturen bezog. Ein prominentes Beispiel für die 

freiere Auslegung der Antike in Klimts Werk stellt auch 

das Beethovenfries (1902) dar, dessen Replika als 

Referenz in der Ausstellung gezeigt wird. „In Klimts 

Oeuvre finden sich an unvermutet vielen Stellen 

Reminiszenzen an die Antike, die sich teilweise erst auf 

den zweiten Blick offenbaren. Die Ausstellung verfolgt 

die spannende, in der Kunstwissenschaft viel 

diskutierte Frage nach dem Unterschied zwischen 

bewusster Anleihe und unbewusster ‚Migration der 

Form‘. Das Dekor einer antiken Vase entpuppt sich 

als formverwandt zu einer Zeichnung von Klimt, und 

diese Entdeckung kann Funken der Erkenntnis 

schlagen“, so Stella Rollig, Generaldirektorin des 

Belvedere. [Belvedere. Dauer bis 8. Oktober 2017 – 

Foto: Belvedere]


Dokumentation und Archiv 

des zeitgenössischen 

Kunstgeschehens in 

Österreich 

Anlässlich ihrer Gründungsjubiläen laden das ZADIK - 

Zentralarchiv für deutsche und internationale 

Kunstmarktforschung e.V. (gegr. 1992) in Kooperation 

mit dem Kunsthistorischen Institut der Universität zu 

Köln, die basis wien - Dokumentationszentrum für 

zeitgenössische Kunst (gegr. 1997) und das Institut für 

moderne Kunst Nürnberg (gegr. 1967) - alle Partner im 

european-art.net - zu einer Konferenz internationaler 

Kunstarchive ein. In kurzen Präsentationen stellen die 

gastgebenden und eingeladenen Archive ihre 

Institutionen, die jeweiligen Sammlungsschwerpunkte, 

die eigene Arbeit wie auch ihre Arbeitsmöglichkeiten 

vor, die sie Forschenden bieten. Sie reflektieren dabei 

die Entwicklung und Bedeutung der Kunstarchive, die 

im Zuge der Cultural Turns für die Kunstgeschichte jene 

neuen Sammlungs- und Forschungsgebiete erschließen, 

die beginnend mit den Paradigmenwechseln der 

Moderne erwachsen sind. Mit digitaler Erschließung 

und Publikation gewinnt die Arbeit der Kunstarchive 

zunehmend an internationaler Wahrnehmung und 

Wirksam-keit und setzt neue Impulse für die 

Kunstwissenschaft, wie unter anderen für das 

dynamisch wachsende Gebiet der Kunstmarktforschung 

als auch zunehmend der Ausstellungspraxis 

selbst. Seit der Jahrtausendwende und vor allem im 

letzten Jahrzehnt mehren sich die Kunstausstellungen, 

die mit kulturhistorisch dokumentarischen Teilen auf die 

Quellendokumente der Kunstarchive zurückgreifen und 

damit eine Rekontextualisierung der Kunstwerke 

sichtbar machen. Die Konferenz bietet Archivarinnen, 

KunstwissenschaftlerInnen (auch Studierende), 

JournalistInnen und der interessierten (Fach-) 

Öffentlichkeit die Möglichkeit, durch Kurzvorträge die 

verschiedenen Archive mit ihren jeweiligen 

Besonderheiten und die von ihnen gebotenen 

Forschungsmöglichkeiten kennenzulernen. Die Referate 

und anschließenden Diskussionen in deutscher 

und englischer Sprache werden simultan übersetzt. 

Ebenso übersetzt werden zwei moderierte 

Diskussionen / Workshops zur (1.) qualitativen und (2.) 

quantitativen Kunstmarktforschung auf der Basis von 

Archivbeständen, zu denen sich jeweils zwanzig Interessierte 

bei der Registrierung anmelden können, um 

ihre spezifischen Wissensbedürfnisse zu formulieren.


Art Berlin 2017 

Die erste Ausgabe der neuen Kunstmesse art berlin 

findet vom 14. – 17. September 2017 statt und startet 

mit rund 100 Galerien aus dem Bereich der modernen 

und zeitgenössischen Kunst. Veranstaltet von der 

Koelnmesse GmbH, wird Maike Cruse, Direktorin des 

Gallery Weekend Berlin, die Messe leiten und 

gemeinsam mit ihrem Team umsetzen; Daniel Hug, 

Direktor der Art Cologne und sein Team werden die art 

berlin in allen Bereichen unterstützen. Nach neun 

Jahren abc soll die art berlin von der Art Cologne und 

der abc gemeinsam und langfristig als neue Messe in 

Berlin etabliert werden.


Art Cologne 2018 

Die älteste und wichtigste Kunstmesse in Deutschland 

findet im kommenden Jahr vom 19. bis 22. April wie 

gewohnt in den Messehallen der Koelnmesse statt. Die 

Besucher der Vernissage können sich den Vortag vor 

offiziellem Messebeginn, Mittwoch, 18. April 2018, 

vormerken. Damit findet die ART COLOGNE 2018 eine 

Woche vor dem Gallery Weekend Berlin (27. bis 29. 

April 2018) statt und kehrt zu ihrer alten Tagefolge von 

Mittwoch bis Sonntag zurück.Auch in 2018 versammeln 

sich wieder rund 200 weltweit renommierte Galerien 

und zeigen Arbeiten von rund 2.000 Künstlern aus den 

Angebotssegmenten der Klassischen Moderne, 

Nachkriegskunst und zeitgenössischen Kunst. Der 

offizielle Bewerbungsstart für die Galerien wird 

rechtzeitig kommuniziert. Die ART COLOGNE als 

Messe für Klassische Moderne, Nachkriegskunst und 

zeitgenössische Kunst geht zurück auf den 'Kunstmarkt 

Köln '67', der am 15. September 1967 im Gürzenich, 

dem mittelalterlichen Tanz- und Kaufhaus der Stadt 

Köln, eröffnet wurde und den internationalen 

Kunstmarkt für immer verändern sollte. Heute ist die 

ART COLOGNE eine der ersten Adressen, wenn es um 

das Betrachten, Genießen und Kaufen erstklassiger 

Kunstwerke geht, aber auch eine experimentelle 

Plattform für jungen Galeristen. Kunstliebhaber und - 

sammler finden hier ein breites Angebot moderner und 

zeitgenössischer Kunst aller Preissegmente und 

Bewegungen. Rund 200 führende internationale 

Galerien exponieren eine sorgfältig ausgewählte und 

kuratierte Reihe hochwertiger Kunstwerke des 20. und 

21. Jahrhunderts. 2016 feierte die Messe ihr 50. 

Jubiläum.


„Blickfang 2017“ 

wenn beim Ankleiden die Haut prickelt, wenn das Auge 

das Essgeschirr verschlingt und wenn Schmuck einem 

zuwispert, dass man alles erreichen kann: Dann ist es 

ein blickfang-Moment. Vom27. bis 29. Oktober 

präsentiert die internationale Designmesse blickfang 

erneut Möbel, Mode und Schmuck abseits der 

Stangenware im Wiener MAK. „Als Ergänzung zu den 

Modemessen in Paris, Mailand und Berlin ist die 

blickfang eine super Plattform für aufstrebende Brands, 

um mit interessierten End- sowie Fachkunden in 

Kontakt zu treten. Für meine Marke sind die blickfang- 

Messen stets ein Highlight!", sagt Pauline Treis, die mit 

ihrem Label Jungle Folk den Designpreis der blickfang 

Wien 2015 gewann - und zu den 150 Designern zählt, 

die vom 27. bis 29. Oktober das Wiener Publikum zum 

Schlendern, Staunen und Shoppen ins MAK laden. Die 

Jury-Auswahl ist getroffen und blickfang- 

Geschäftsführerin Jennifer Reaves schwärmt: "Ich bin 

begeistert über die diesjährige Vielfalt der blickfang 

Wien! Besonders gespannt bin ich aufMaestrokatastrof, 

ihr extravagentes Geschirr hat mich vom ersten 

Moment überzeugt." Neben dem tschechischen Label 

warten beispielsweise das 2016 gegründete Wiener 

Modelabel Vis à Vis und präziser Schweizer Schmuck 

von Felix Doll auf Stilliebhaber, Designenthusiasten und 

Szenekenner. (Foto: © Blickfang - Soffa mag)


David Shrigley, ‘Life Model II’, 2016, Courtesy David Shrigley, Stephen Friedman Gallery, London, 

Anton Kern Gallery, New York, Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen, and BQ, Berlin, © David Shrigley 

Christine Hill, Small Business Model, 2012, Foto: Achim Kukulies, Düsseldorf 

Installationsansicht Museum Morsbroich, Leverkusen


Duett mit Künstler_in 

Partizipation als 

künstlerisches Prinzip 

Rirkrit Tiravanija, untitled 2015 (MORGEN IST DIE FRAGE), 2015 

Courtesy der Künstler und neugerriemschneider, Foto: Lisa Rastl 

Im Zentrum der Ausstellung „Duett mit Künstler_in“ im 

21er Haus steht das Publikum und seine Rolle beim 

Entstehen eines Kunstwerks. Historische und aktuelle 

Positionen zeigen, wie Künstlerinnen und Künstler 

Menschen aktivieren und zur Handlung auffordern. 

Kunst als wesentlichen Teil des Lebens zu denken, an 

dem „alle“ teilhaben können, ist nicht nur grundlegend 

für das Kunstverständnis des 20. und 21. 

Jahrhunderts, sondern gehört zu den fundamental 

demokratischen Werten unserer Gesellschaft. „Duett 

mit Künstler_in“ etabliert das Museum als zentralen Ort 

der Partizipation und zeigt über 20 internationale 

künstlerische Positionen, die Interaktion, Kooperation 

und bisweilen auch Kollaboration einfordern. Die 

Ausstellung thematisiert und fordert die aktive 

Mitarbeit der Besucher_innen und regt zu einer 

kritischen und schöpferischen Haltung an. In 

manchen Situationen lösen die Betrachter_innen 

eines Werkes eine künstlerische Handlung aus oder 

werden selbst zum Kunstobjekt. So können von 

bestimmten Arbeiten evozierte Vorstellungen 

genauso zum Kunstwerk werden, wie das Ausführen 

von Handlungsanweisungen oder die Kollaboration mit 

anderen. Die Ausstellungssituation öffnet die Institution 

Museum, indem sie soziales Handeln einfordert und 

Raum für Begegnungen schafft. [21er Haus, Kuratiert 

von Axel Köhne, Dauer von 27. September 2017 bis 4. 

Februar 2018 – Foto ©21er Haus]


Kunstrauum Innsbruck – 

‚GONN MOSNY‘ 

Die Malerei im Werk von Gonn Mosny ist nicht 

gegenständlich und ist Ausdruck seiner Vorstellung von 

Metaphysik. Der 1930 in Hamburg geborene Künstler 

gehört zu den letzten lebenden Schülern von Willi 

Baumeister und lebt seit 2005 in Tirol. 1952 wurde er 

an der Kunstakademie Stuttgart in die Baumeister- 

Klasse aufgenommen und studierte fortan intensiv bis 

zu dessen Tod 1955 seine Auffassung von Malerei. 

Zeitlebens beeinflusste Gonn Mosny Baumeisters 

spezielle Bildauffassung, die sich durch ein spirituelles 

Erleben gänzlich von einem Kunstwollen befreit und im 

Sinne des Zen-Buddhismus die Praxis der Malerei neu 

definiert. Baumeister veröffentlichte diesbezüglich 1947 

das Buch „Das Unbekannte in der Kunst“, in dem er auf 

die Verwandtschaft zwischen dem Unbekannten und 

den Naturkräften hinweist. Er ist der Meinung, dass das 

Schaffen eines Kunstwerks das Handlungsvermögen 

des Menschen übersteigt und Teil von Prozessen in der 

Natur ist. Auch Eugen Herrigels Buch „Zen in der Kunst 

des Bogenschießens“ aus dem Jahr 1948 ist bis heute 

ein maßgeblicher Einfluss für seine Kunstauffassung 

geblieben. [Kunstraum Innsbruck, Ausstellungsdauer 

bis 2.9.2017, Foto: Kunstraum Innsbruck]


33⅓ – Cover Art 

33⅓ – Cover Art, Foto: Juan Maiquez 

Derzeit erfährt die Schallplatte trotz des digital 

bestimmten Zeitalters eine Renaissance. Früher war 

sie der dominierende analoge Tonträger, der die 

verschiedensten musikalischen Genres in die 

Haushalte von Musikliebhabern brachte. Das 

Plattencover hatte dabei einen entscheidenden Anteil 

daran, dass die LP geradezu der Inbegriff des 

populären Musikmediums im 20. Jahrhundert wurde. 

Musik traf auf Fotografie, Grafik-Design und bildende 

Kunst, wodurch viele fruchtbare spartenübergreifende 

Verbindungen zwischen KünstlerInnen 

entstanden. So arbeitete zum Beispiel Robert Frank mit 

den Rolling Stones, die ihrerseits wiederum mit Andy 

Warhol kooperierten, Patti Smith wurde von ihrem 

Freund Robert Mapplethorpe gleich für mehrere Alben 

fotografiert, Debbie Harry inspirierte den Schweizer 

Maler HR Giger zur Gestaltung eines Plattencovers und 

immer wieder gab es MusikerInnen, die Cover auch 

selbst entworfen haben. Die Schau „33⅓ – Cover Art“ 

im Kunstraum Nestroyhof blickt mit über 250 

ausgewählten Exponaten zurück auf die Geschichte der 

Plattenhülle. Dabei werden Cover von so 

unterschiedlichen MusikerInnen wie Sonny Rollins, 

Janis Joplin, Bob Dylan, Grace Jones oder André 

Heller vorgestellt, FotografInnen wie Lee Friedlander 

und Annie Leibovitz, aber auch Designergruppen wie 

Hipgnosis oder bildende KünstlerInnen wie Roger 

Dean und Bridget Riley. Ein weiteres Augenmerk gilt 

den legendären Plattenfirmen Blue Note und ECM, die 

auf ein einheitliches künstlerisch gestaltetes 

Erscheinungsbild ihrer Albumhüllen Wert legten. Die 

Ergebnisse der Zusammenarbeit visualisieren 

kongenial die Musik und verdeutlichen oft den Zeitgeist. 

Viele der in der Ausstellung präsentierten Plattencover 

gelten heute als Kunst- und Kultobjekte. Die 

Plattencover werden als Leihgaben zur Verfügung 

gestellt von MusikliebhaberInnen, Plattensammlern, 

Musikjournalisten, Plattenläden, dem Jazzinstitut 

Darmstadt, dem Klaus-Kuhnke-Archiv für Populäre 

Musik Bremen sowie Musikern und KünstlerInnen. 

[Kunstraum Nestroyhof, Ausstellungsdauer 22. Juni bis 

7. Oktober 2017 - Foto: © Kunstraum Nestroyhof]


Erwin Wurm, House Attack, Performance, 2012 - © Gerald Y Plattner 

Erwin Wurm 

Performative Skulpturen 

Erwin Wurm ergründet seit über 30 Jahren die 

Ausdrucksmöglichkeiten der Bildhauerei. Sein 

vielfältiges, tiefgründiges und zugleich ironisches 

Œuvre umfasst nahezu alle Gattungen und erweitert 

den Skulpturbegriff um interaktive, soziale sowie 

zeitliche Aspekte. Selbst das Folgen von 

Handlungsanweisungen kann bei Wurm zur Skulptur 

werden. In der Radikalität seines Strebens nach 

Ausdehnung der herkömmlichen Kategorisierungen 

erinnert Erwin Wurm an Marcel Duchamp, der das 

experimentelle, visuelle Denken zum künstlerischen 

Programm erklärte und damit der Kunst neue Wege 

öffnete. Um 1990 fand der Künstler mit den 

Performativen Skulpturen – ein Begriff, den Wurm für 

sich allein beansprucht – eine neue Ausdrucksform. Die 

Einzelausstellung im 21er Haus umfasst rund 40 

performative Skulpturen und Plastiken, darunter eine 

Reihe neuer Werke, die Wurm eigens für die Schau 

erarbeitet hat. In seinen jüngsten Arbeiten setzt sich 

Erwin Wurm mit herausragenden Beispielen der 

Architektur und Objekten des täglichen Gebrauchs 

auseinander. Ausgangsbasis sind Modelle und Blöcke 

aus Ton, die in der Regel von Wurm selbst oder von 

Personen, die er instruierte, gezielt bearbeitet werden. 

Spannung entsteht im Dialog zwischen der Urform und 

den Spuren, die die performativen Eingriffe 

hinterlassen. Der Körper wird dabei zum Material und 

Medium von Handlungsvollzügen. Den Werken aus Ton 

stehen in der Ausstellung Abgüsse aus Bronze, 

Aluminium, Eisen oder Polyester gegenüber. Kuratiert 

von Severin Dünser und Alfred Weidinger. [21er Haus. 

Dauer: bis 10. September 2017 – Foto: © Belvedere]

KUNST.INVESTOR Dorotheum 

Anrichte/Buffet, Entwurf Dagobert Peche, um 1920, Wiener Werkstätte, Höhe ca. 103 cm 

Breite ca. 142 cm Tiefe ca. 59,5 cm, Schätzwert € 20.000 - 30.000 

Hofstätter die Zweite 

Teil II der Sammlung des Kunsthändlers Reinhold Hofstätterin der 

Dorotheum-Auktion am 26. September 2017 mit Jugendstil-Schwerpunkt 

Es ist der zweite und gleichzeitig der letzte Teil- der 

erste wurde erfolgreich im Mai 2017 im Dorotheum 

versteigert- der Sammlung des Wiener Kunsthändlers 

Reinhold Hofstätter, die am 26. September 2017 im 

Wiener Dorotheum zum Aufruf kommt. Versteigert 

werden insgesamt knapp 400 Objekte: die Ausstattung 

seines eleganten Wohnpalais an der Strudlhofstiege 

sowie das Inventar seines ehemaligen Geschäftslokals 

in der Wiener Innenstadt. Alte Meister, Gemälde des 

19. Jahrhunderts, Skulpturen von der Gotik bis zum 

Barock sind die Klassiker in dieser Auktion. Ein 

Schwerpunkt liegt jedoch diesmal auf einer eher 

unbekannten Seite von Reinhold Hofstätters 

Sammelleidenschaft: Dem Jugendstil, der mit Josef 

Frank, Josef Hoffmann, Dagobert Peche oder Otto 

Prutscher prominent repräsentiert ist. Der in Wien 

geborene Architekt Josef Frank steht für klare und 

funktionale Formen. In der Auktion wird eine 1912 

entworfene Kommode angeboten. 22.000 bis 30.000 

Euro beträgt die Schätzung für dieses Möbel, das 1912 

bei der Ausstellung der Kunstgewerbeschule 1912 im 

Raum XIII, der Wohnhalle in einem Landhaus im ÖMKI 

(Österreichisches Museum für Kunst und Industrie, 

heutiges MAK) ausgestellt war. Dagobert Peche ist mit 

einer phantasievoll gestalteten Anrichte aus der Zeit um 

1920 vertreten: Die Front des gelb lackierten Möbels ist 

mit farbiger floraler Ornamentik geziert, ebenso mit als 

Relief ausgearbeiteten floralen Schnitzarbeiten sowie 

silberfarbener Bemalung (€ 20.000 – 30.000).


Brunnen, Entwurf Otto Prutscher, Ausführung Wienerberger Keramik, um 1926, Höhe ca. 185 cm, Durchmesser ca. 245 cm 

Der Brunnen befand sich ehemals in der Villa des Burgschauspielers Josef Meinrad, Schätzwert € 30.000 - 40.000 

Ein Lot dieser Auktion stammt aus dem Vorbesitz eines 

bekannten österreichischen Schauspielers: In der Villa 

des Burgschauspielers Josef Meinrad (1913 – 1996) 

befand sich jener Brunnen aus der Zeit um 1926, der 

von Otto Prutscher entworfen und von Wienerberger 

Keramik ausgeführt wurde (€ 30.000 – 40.000). Zwei 

Stühle aus weiß bemaltem Holz, entworfen von 

niemand Geringerem als Josef Hoffmann um 1910, 

sollen 5.000 bis 8.000 Euro bei der Auktion einbringen. 

Ein Exemplar dieses Modells wurde für die Ausstattung 

des Schlafzimmers der Schauspielerin Mimi Marlow 

verwendet. In die Op-Art entführt eine Tapisserie von 

Victor Vasarely, ausgeführt vom Atelier Tabard Freres 

& Soeurs (€ 8.000 – 10.000). Im Bereich Malerei des 

19. und 20. Jahrhunderts sind zwei Arbeiten 

herausragend: Von Hans Makart wird „Ein 

Sommernachtstraum“ versteigert. 50.000 bis 70.000 

Euro beträgt die Schätzung für dieses 187 x 285 cm 

große Ölgemälde. Gleich viel wie für Oskar Laskes 

Tempera-Arbeit „Der jüngste Tag“ aus dem Jahr 1927. 

Es existieren insgesamt drei Fassungen dieser Laske- 

Arbeit, eine befindet sich im Besitz der Ostdeutschen 

Galerie in Regensburg, eine weitere in Wiener 

Privatbesitz. (Foto: © Dorotheum) 

Sammlung Reinhold Hofstätter: Der in Wien geborene Reinhold Hofstätter (1927 – 2013) eröffnete 1953 sein erstes 

Geschäft in der Dorotheergasse, Ende der 1960er Jahre seinen zweiten Standort in der Bräunerstraße. Das Dorotheum 

versteigerte im Herbst 2016 äußerst erfolgreich Bestände aus seinem privaten Landsitz Schloss Schwallenbach sowie 

im Mai 2017 ebenso hervorragend den ersten Teil seiner Sammlung. „Die Auktionen haben gezeigt, dass antike Möbel 

nach wie vor sehr gefragt sind, wenn die Kriterien von hoher Qualität und namhafter Provenienz zusammenspielen“, so 

Dorotheum-Experte Alexander Doczy zur Auktion im Mai 2017.


Buccellati variable Diamant-Schmuckgarnitur, mit zwei Altschliffbrillanten, 6,60 ct und 6,40 ct, bestehend aus 

1 Ring und 2 Ohrgehänge, aus altem europäischen Adelsbesitz, Arbeit um 1920/30 Schätzwert € 90.000 - 150.000


Mailänder Juwelierkunst 

und hochkarätige 

Diamanten 

Dorotheum-Auktion mit frühen 

Buccellati-Arbeiten 

Buccellati Diamantarmband, zus. ca. 17 ct, aus altem europäischen Adelsbesitz, 

Arbeit um 1920/30, Schätzwert € 14.000 - 20.000 

Feinste Juwelier-Handwerkskunst spiegelt sich in den 

Arbeiten des Mailänder Traditionsunternehmens 

Buccellati wider. Zahlreiche hochkarätige Stücke dieses 

bemerkenswerten Schmuckherstellers, allesamt aus 

europäischem Adelsbesitz, finden sich im Angebot der 

Juwelen-Auktion im Wiener Dorotheum am 19. Oktober 

2017.Diamanten und Farbsteine in zarten Fassungen, 

die an Tüll oder feinen Damast erinnern, sind das 

Erkennungszeichnen des italienischen Nobeljuweliers. 

16.000 bis 20.000 Euro sollen zum Beispiel ein Paar 

Ohrgehänge mit Brillanten (ca. 6 ct) und Smaragden 

(ca. 3,30 ct) einbringen. Ein ebenso fein gearbeiteter 

Ring ist mit 7.000 bis 10.000 Euro bewertet. Aus der 

Zeit um 1920 bis 1930, stammt eine frühe Arbeit der 

italienischen Schmuckfirma, die 1919 gegründet wurde: 

Eine variable Garnitur mit 14,70 ct Diamanten, 

bestehend aus Ohrringen und Ring ist mit 90.000 bis 

150.000 Schätzwert das wertvollste Buccellati-Lot der 

Auktion. Beachtenswert ist auch ein Armband aus 

dieser Zeit besetzt mit 17 ct Diamanten (€ 14.000 – 

20.000). 

Hochkarätige Diamanten: Ein weiterer Schwerpunkt 

der Auktion gilt hochkarätigen und qualitätvollen 

Diamanten. 130.000 bis 190.000 erwartet sich das 

Dorotheum für einen Ring mit einem 6,21 ct Diamanten 

im Smaragdschliff in sehr hoher Qualität. 4,66 ct bringt 

ein Fancy Intense Yellow Diamant auf einem Clip auf 

die Waage, umrahmt von mehreren Diamanten, 

zusammen ca. 4 ct. 50.000 bis 80.000 beträgt die 

Schätzung der Dorotheum-Experten für dieses 

außergewöhnliche Stück. Außergewöhnlich ist auch ein 

Paar Ohrclipgehänge mit insgesamt ca. 16 ct 

Diamanten in unterschiedlichen Schliffarten (€ 130.000 

– 200.000). (Foto: © Dorotheum)


Buccellati Brillant Smaragd Ohrgehänge, aus altem europäischen Adelsbesitz, Brillanten zus. ca. 6 ct, 

Smaragde im Tropfenschliff, zus. ca. 3,30 ct, Schätzwert € 16.000 - 20.000 

Fancy Intense Yellow Natural Color Diamantclip, 4,66 ct, Diamanten 

im Marquise- und Topfenschliff, Brillanten, zus. ca. 4 ct, GIA 

Gutachten: Shape: Round Brilliant, Color Grade: Fancy Intense 

Yellow, Even, Clarity Grade: vvs2, Polish: very good, Symmetry: 

good; Fluorescence: none Schätzwert € 50.000 - 80.000 

Buccellati Brillantring, zus. ca. 2,30 ct, aus altem europäischen 

Adelsbesitz, Schätzwert € 7.000 - 10.000


Diamant Ohrclipgehänge, zus. ca. 16 ct, GIA Gutachten Carat weight: 3,37 ct Shape pear Brillant ,Color Grade: D, Clarity Grade vvs2, Polish: 

very good, Symmetry: good, Fluorescence: none;Carath weight 3,42 ct, Shape: pear brillant, Color Grade: E, Clarity Grade: vvs2, Polish: very 

good, Symmetry: very good, Fluorescence: none, Schätzwert € 130.000 - 200.000


Apollonio di Giovanni (1416 - 1465), Schlacht von Pharsalos, Tempera und Gold auf Holz, 40 x 157 cm, erzielter Preis € 674.000 

Dorotheum auf Erfolgskurs 

Das Dorotheum konnte in der ersten Jahreshälfte 2017 zahlreiche Spitzenergebnisse erzielen. Die 

enorme Bandbreite des Hauses, das das Vertrauen der Kunden weltweit genießt, spiegelt sich in den 

drei Top-Zuschlägen der Frühjahrssaison. 

Bei den Gemälden des 19. Jahrhunderts am 27. April 

2017 gab es mit 1,54 Mio. Euro das beste Ergebnis, 

das je in dieser Sparte im Dorotheum erreicht wurde, 

und zwar für das Gemälde zur Verlobung der späteren 

Kaiserin Elisabeth von Österreich. 60 Jahre lang war 

das von Carl Theodor von Piloty und Franz Adam 

gemalte historisch bedeutsame Porträtbild „Kaiserin 

Elisabeth von Österreich als Braut zu Pferd in 

Possenhofen“ über dem Bett von Kaiser Franz Joseph 

in der Hofburg gehangen. Weltrekord waren auch die 

792.500 Euro für Emilio Vedovas 1959 datiertes 

Großformat „Tensione“ bei der Auktion 

„Zeitgenössische Kunst“ am 31. Mai 2017. Mit dem 

Schwerpunkt Informel setzte das Dorotheum neue 

Akzente. Bei einer der besten Altmeister-Auktionen in 

der Geschichte des Dorotheum führte das ursprünglich 

auf einer Hochzeitstruhe angebrachte Meisterwerk der 

Frührenaissance die Verkaufscharts an: „Die Schlacht 

von Pharsalos“ von Apollonio di Giovanni erreichte am 

25. April 2017 hervorragende 674.000 Euro. Unter den 

Spitzenpreisen des ersten Halbjahres 2017 waren 

weiters sensationelle 466.600 Euro für ein Bilderpaar 

der Antwerpener Schule, altmeisterliche Porträts eines 

Mannes und einer Frau. Ein kleines Wunder im 

wahrsten Sinne des Wortes war die Skulptur eines 

bizarren, beinahe vom Pferd fallenden Reiters. „Piccolo 

Miracolo“ von Marino Marini schaffte es auf wundervolle 

405.600 Euro. Bei der klassischen Moderne konnte das 

Dorotheum auch ausgezeichnete Verkaufserfolge bei 

Kunst aus Österreich verbuchen. So wurden Gemälde 

von Carl Moll (Praterszene, € 247.000), Alfons Walde 

(„In Tirol“, € 198.200) und Albin Egger-Lienz 

(„Ruhender Hirte“, € 186.000) weit über ihren 

Schätzwerten versteigert.


Carl Theodor von Piloty (1826 - 1886) und Franz Adam (1815-1886) Elisabeth von Österreich 

als Braut zu Pferd in Possenhofen 1853, Öl auf Leinwand, 128 x 108 cm, erzielter Preis € 1.540.000 

Besonders der Auktionsschwerpunkt „Art Informel“ 

erfreute sich großer Nachfrage. Das pastose Bild 

„Komposition“ von Nicolas de Stael aus 1950 erzielte 

405.600 Euro, „Vegetaux“ (1957) von Jean Fautrier 

295.800 Euro. Herausragend waren auch 515.400 Euro 

für Josef Albers “Study for Homage to the Square: 

Earthen I” (1955). Klassische Fahrzeuge sind beim 

Dorotheum immer in der höchsten Liga präsent. Bei der 

Auktion am 24. Juni setzte sich ein Horch 853 

Sportcabriolet aus dem Jahre 1938 mit knapp 500.000 

Euro an die Spitze der fast restlos ausverkauften 

Veranstaltung. Mit der etappenweisen Versteigerung 

der an Kunst- und Dekorationsgegenstände vieler 

Epochen reichen Sammlung des legendären Wiener 

Kunsthändlers Reinhold Hofstätter ließ das Dorotheum 

ebenso aufhorchen. Nach der Session im Vorjahr mit 

dem Inventar von Schloss Schwallenbach wurde im 

Frühjahr 2017 erfolgreich der erste Teil einer insgesamt 

600 Stück umfassenden Sammlung aus den Beständen 

von Hofstätters Wohndomizil aus der Strudlhofstiege 

und seiner Antiquitätengeschäfte versteigert. Im Herbst 

2017 folgen Objekte des Jugendstils, die eine weniger 

bekannte Seite von Hofstätters Sammelleidenschaft 

zeigen. Die Bücher-Auktion am 28. Juni konnte mit 

einer absoluten Rarität, einem Grundlagenwerk der 

neuzeitlichen Anatomie, aufwarten. Die 1543 

erschienene kolorierte Erstauflage „De humani corporis 

fabrica libri septem“ (Über den Bau des menschlichen 

Körpers) des in Padua lehrenden Arztes Andreas 

Vesalius ging für sensationelle 367.237 Euro an einen 

Saalbieter. Es ist der höchste Preis, der je im 

Dorotheum für ein Buch erzielt wurde. (Foto: © 

Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

KOLOMAN MOSER, Schwertlilien, 1911/14- verkauft um € 588.600


EGON SCHIELE, Häuser in Krumau, 1917- verkauft um € 340.200 

118. Kinsky-Kunstauktion 

Neuer Rekordpreis für Koloman Moser und 

eine neue Preisdimension für Bruno Gironcoli 

Klassische Moderne: Koloman Moser war bis 1907 

v.a. für die Wiener Werkstätte tätig, bevor er sich ganz 

der Malerei widmete und in zehn Jahre 205 bislang 

bekannte Werke schuf. Im Garten seiner Villa auf der 

Hohen Warte fand er genügend Motive, die seinem 

Anspruch auf Naturnähe und symbolischer Erhöhung 

entsprachen. Die Schwertlilien, die er 1911 begann und 

1914 vollendete, markieren den Endpunkt seiner 

Beschäftigung mit Blumen, die er in einem engen 

Ausschnitt dokumentierte und trotz aller Naturnähe eine 

symbolhafte Erhöhung verlieh. Es kommt nun in eine 

bedeutende Sammlung österreichischer Malerei mit 

einem neuen Weltrekordpreis von € 480.000 / € 

604.800. Egon Schiele war wie zu erwarten der „Star 

des Abends“. 100 Jahre nach seinem allzu frühen Tod 

ist die Leidenschaft für seine Werke ungebrochen hoch, 

v.a. wenn sie quasi „marktfrisch“ aus alten privaten 

Sammlungen angeboten werden. Eines seiner ersten 

Ölgemälde, bei denen seine unverkennbare Handschrift 

zwischen nervöser Kalligraphie und malerischer Dichte 

zum Ausdruck kommt, schildert Futter suchende 

Hühner an einem grünen Zaun im Hof von 

Klosterneuburg. Die hohen Preiserwartungen bei 

Schiele werden dementsprechend überholt, der 

Zuschlag erfolgte erst bei € 420.000 / KP 529.200. 

Neben diesem Frühwerk reüssierten auch die beiden 

Blätter aus seinem letzten Lebensjahr, die beide aus 

der Sammlung Otto Stoessl, einem späten Freund des 

Malers stammen: die bislang am Markt einzigartige 

Ansicht von Krumau aus einer irritierenden 

Vogelperspektive erzielte € 270.000 / KP 340.200, der 

reizvolle weibliche Rückenakt verdoppelte den 

Schätzpreis auf € 250.000 /KP 315.000. Gustav Klimt 

konnte in der Sammlung Otto Stoessl auch nicht fehlen 

und mit sicherem Blick wählte er einen besonders 

reizvollen liegenden Akt auf weichem Tuch, der nun für 

€ 240.000 / KP 302.400 den Besitzer wechselt. 

Überaus erfolgreich verlief der Abend für die Grazer 

Malerin Norbertine Bresslern-Roth, um deren zehn 

angebotenen Bilder sich Sammler heftig stritten. Ihre 

„Stille Gasse“ endete gar nicht leise, sondern mit dem 

Toppreis von € 110.000 / KP 138.600. (Foto: im Kinsky)


JOSEF HOFFMANN, Teeservice, 1928- verkauft um € 132.300 

118. Kinsky-Kunstauktion 

Im Bann des Schönen – Jugendstil 

Josef Hoffmann war nicht nur der Mitgründer der 

Wiener Werkstätte, er war und ist eine eigene „Marke“ 

für sich! Das konnte auch wieder bei dieser Auktion 

bestätigt werden, bei der Arbeiten aus dem vielfältigen 

und sich über drei Jahrzehnte erstrecken-dem Oeuvre 

angeboten wurden. Das Toplos, ein silbernes 

Teeservice von Josef Hoffmann von 1928, ent-worfen 

zum Anlass des 30jährigen WW-Jubiläumsjahres, 

konnte den unteren Schätzpreis von € 50.000 leicht 

verdo-ppeln und geht nun für € 105.000/ KP 132.300 an 

einen internationalen Bieter. Zwei Broschen wiederum 

markierten den Beginn von Hoffmanns beispielloser 

Karriere, beide aus langjäh-rigem privatem Eigentum. 

Auch hier schlugen wieder internationale Bieter zu, die 

das achteckige Schmuckstück mit seinen bunten, an 

Klimts Blumenwiesen erinnernden Steinen für € 60.000/ 

KP 75.600 für sich gewannen und den zarten, mit 

vegetabilen Mustern versehenen Silberanhänger für € 

40.000 / KP 50.400. Reges Interesse wurde auch 

Dagobert Peches Spiegel gezollt, den er für die Firma 

Max Welz. 1922 entworfen hatte. In diesem weniger 

bekannten Modell, paraphrasierte das Dekorationsgenie 

barocke Blattelemente und schuf eine geniale 

Verbindung von streng geometrischer Anordnung und 

verspielten Blattornamenten. Ein Modell, das seinen 

Preis von € 40.000 / KP 50.400 verdiente. Ein Unikat 

wurde Kennern und Sammlern der WW noch mit einer 

Vase in „Zebradekor“ von Koloman Moser geboten. 

Diese wohl noch vor Gründung des Unternehmens in 

der Manufaktur Johann Lötz Witwe hergestellte 

Glasvase besticht durch seine elegante Lösung 

zwischen strengem Dekor und einem weich 

geschwungenem Auslauf. Es verdiente den 

Bieterkampf bis zum Zuschlag von € 35.000 / KP 

44.100. Der 20. Juni war der Abend der Rekorde und 

brachte ein neues Rekordergebnis von rund € 4,3 

Millionen ein. (Foto: im Kinsky)


Eine neue Preisdimension 

für Bruno Gironcoli 

BRUNO GIRONCOLI, Hutnadel II, 1989-1991, verkauft € 126.000 

€ 100.000 / 126.000 für die Skulptur „Hutnadel II“ von 

Bruno Gironcoli setzte für diesen eigenwilligen wie 

kraftvollen Künst-ler mit seiner rätselhaften Bildsprache 

einen neuen Preisstandard. Die monu-mentale Skulptur 

aus vergoldetem Alu-miniumguss in schwarzer 

Rahmen-Vitrine stellt die erste von insgesamt vier 

Fassungen dar und verdient als épreuve d’artiste 

Unikatstatus. Der Kärntner Bildhauer ist nun auch am 

Preismarkt endgültig in den Rang der bedeutendsten 

Künstler des Landes angekommen. Ein 

beeindruckenden Preissprung von bisherigen 

Resultaten konnten auch die monumentalen 

Papierarbeiten aus den späten 1980er Jahren des 

Künstlers erzielen, wo er sich mit der Surrealität der 

Träume aber auch mit dem Thema Fruchtbarkeit, 

Geburt, Leben auseinandersetzte. € 70.000 /€ 88.200 

sind ein absoluter Rekordpreis für Papierarbeiten 

Gironcolis. Mit Hans Bischoffshausen setzte sich die 

beeindruckende Performance der Kärntner Künstler 

weiter! Das große Angebot aus seinem Oeuvre fand 

durchgehend Interesse und bemerkenswerte 

Steigerungen und auch die fast quadratische Variante 

seiner Serie der „Champ d’energie“ – in den 1960er 

Jahren in Paris entwickelt – konnte wie schon vor 

einem Jahr den Marktwert von € 100.000 / 126.000 

bestätigen. Ungebrochenes Interesse fand das Angebot 

an Papierarbeiten und Eitempera von Max Weiler. Das 

Gemälde „Baum mit violettem Stamm“ mit seiner 

dynamisch tänzerischen Farbsymphonie wurde am 

heftigsten umworben und endete erst bei € 70.000 /€ 

88.200. (Foto: © Auktionshaus im Kinsky) 

Schätze in Wort und Bild: Die Bibliothek aus Schloss 

Pfannberg aus dem Nachlass von Graf Carl-Anton 

Goess-Saurau und Marie, geb. Mayr-Melnhof war 

Anlass zu einer Sonderauktion im Kinsky von alten 

Büchern und Autographen. Das Gesamtergebnis von 

rund € 430.000 kann durchaus als Würdigung für die 

Kunst des Buches verstanden werden, um die auch fest 

geboten wurde. Der höchste Zuschlag wurde dem 

voluminösen Exemplar der umfangreichen Schilderung 

über „Adeliche Weydwercke“ von 1661 mit € 28.000 / 

35.280 zugestanden, gefolgt von dem mit herrlichen 

Kupferstichen ausgestatteten Band über die 

„Nürnbergischen Hesperiden“ von Johann Christoph 

Volckamer für € 25.000 / 31.500. Mehr als verdoppeln 

konnte den Preis auch ein lateinisches Exemplar der 

berühmten Schedelschen Weltchronik von 1493: der 

Rufpreis von € 10.000 erhöhte sich bis zu € 25.000 / 

31.500. Das Gebetbuch aus dem Besitz des 

Freiheitskämpfers Andreas Hofer war dem Letztbieter 

schließlich € 10.000 wert. (Foto: im Kinsky)

KUNST.INVESTOR Ressler Kunstauktionen 

Heimo Zobernig (Mauthen 1958 geb.): Ohne Titel, Öl auf Leinwand, 120 x 95 cm, 1987 Rufpreis: 12.000 Euro


Franz Grabmayr (Pfaffenberg bei Obervellach 1927 - 2015 Wien): Kornmandeln 

Öl auf Leinwand, 101 x 141 cm, 1982 Rufpreis: 15.000 Euro 

7. Kunstauktion der RESSLER KUNST AUKTIONEN 

Am 2. Oktober startet das Auktionshaus in der 

Anker Brotfabrik in seine nächste Saison 

Auffallend viele Werke internationaler Größen des 

Kunstmarkts befinden sich diesmal im Angebot: Das 

beginnt bei einem „Strich auf Rot“ von Gerhard Richter 

(Rufpreis € 28.000), setzt sich über fünf Zeichnungen 

von Raymond Pettibon fort (darunter „MaybePresident 

Reagan“ um € 4.000), findet Höhepunkte mit einer 

großartigen Arbeit von Herbert Zangs(€ 15.000), der im 

Zuge der Begeisterung für ZERO eine deutliche 

Aufwertung am Markt erfahren hat, und einer 

Abstraktion von Maria Elena Vieira da Silva (€ 12.000), 

einer Künstlerin, die in kaum einem internationalen 

Museum fehlt. Teuerstes Werk der Auktion wird wohl 

„Spiegelung II“ (des Altausseer Sees) von Helmut 

Ditsch werden. Der argentinische Maler mit 

österreichischen Wurzeln hat an der Akademie in Wien 

studiert und immer wieder mit Reinhold Messner 

zusammengearbeitet. Zu Studienzwecken überquerte 

er das patagonische Inland-Eis. Die Preise für Werke 

des Künstlers haben mittlerweile am Markt die 

Millionengrenze überschritten. „Spiegelung II“ startet 

um € 80.000.


Herbert Brandl (Graz 1959 geb.): Ohne Titel, Öl auf Leinwand, 120,5 x 100,5 cm, 2000 Rufpreis: 8.000 Euro


Helmut Ditsch (Buenos Aires 1962 geb.): Spiegelung II, Öl und Eitempera 

auf Holz, 130 x 150 cm, 1999 Rufpreis: 80.000 Euro 

Den Schwerpunkt des Angebots bilden natürlich 

österreichische Künstler, und hier ist alles vertreten, 

was am heimischen Kunstmarkt Rang und Namen hat: 

Franz West (u. a. die Gipsplatte „Bigi“ um € 10.000), 

Hermann Nitsch (mit 9 Werken, darunter eine 

Architektur-Zeichnung aus 1978 um € 15.000 und ein 

Schüttbild aus 1983 um € 12.000), Arnulf Rainermit 

einer übermalten Radierung (€ 12.000), Günter Brus 

(mit „Entweihungsstätte“ um € 6.500), Franz Grabmayr, 

von dem eines seiner berühmten Kornmandelbilder 

offeriert wird (€ 15.000) Hans Staudacher(mit einem 

300 x 200 cm großen Bild um € 25.000), Markus 

Prachensky (Luxor Swing 1997, € 25.000) undHerbert 

Brandl(€ 25.000), um nur einige zu nennen. Und auch 

die aufstrebende Generation nach diesen „Großen“ 

derKunstwelt kommen nicht zu kurz, ganz im Gegenteil: 

Peter Marquant dominiert mit einem 200 x 480 cm 

großen Ölbild eine ganze Wand (€ 12.000), Gottfried 

Mairwöger steht ihm mit seinem 240 x 128 cm großen 

„Mare Crisium“ um nichts nach (€ 14.000), und auch 

von Rudi Stanzel fällt das Statement wuchtig aus: 159 x 

278 cm misst seine Arbeit aus 51 frühen Digitaldrucken 

auf Öl auf Leinwand (€ 8.000). Die Ausstellung zur 

Auktion wird am Abend des 27. September eröffnet und 

läuft bis zur Auktion am 2. Oktober, um 18.30 Uhr in der 

Galerie OstLicht. (Foto © Ressler Kunst Auktionen) 

Gerhard Richter (Dresden 1932 geb.): Strich (auf Rot), Öl auf Karton, 3,3 x 47,5 cm, 1979 Rufpreis: 28.000 Euro

KUNST.INVESTOR viennacontemporary 

Liliane Tomasko, all is simple, all is bright, 2017, courtesy bechter kastowsky galerie 

Nina Rike Springer, Bildbauer geschmeidig, 2016, courtesy ba ckerstrasse4


viennacontemporary 2017 

„In den letzten beiden Jahren haben wir die besten 

Voraussetzungen für eine kontinuierliche Weiterentwicklung 

von viennacontemporary geschaffen. Mit der 

Marx Halle als Ort mit besonderem Flair und einer 

hochkarätigen Auswahl an Galerien werden wir auch im 

Jahr 2017 ein Programm präsentieren, das sowohl für 

Kunstinteressierte vor Ort als auch für internationale 

KunstsammlerInnen einen interessanten Mix aus 

etablierter Kunst bis hin zu Neuentdeckungen speziell 

bei junger Kunst und wichtigen künstlerischen 

Positionen aus Osteuropa bietet“, umreißt Christina 

Steinbrecher-Pfandt, künstlerische Leiterin von 

viennacontemporary, das diesjährige Programm 

Österreichs wichtigster internationaler Kunstmesse. 

Vom 21. bis 24. September 2017 werden rund 100 

Galerien und Institutionen aus 26 Ländern ihre 

KünstlerInnen und Programme in der Marx Halle 

präsentieren. Mit den Sonderschauen ZONE1, Solo & 

Sculpture, Focus: Hungary und Nordic Highlights 

unterstreicht viennacontemporary ihre Bedeutung nicht 

nur als Marktplatz, sondern als Ort der Präsentation 

junger und etablierter KünstlerInnen und der Information 

über die Entwicklung der Kunstszene in den 

Schwerpunktländern des Programms. Die Begleitveranstaltungen 

wie die Film- und Videopräsentationen 

im Rahmen von Cinema, die Gespräche und 

Diskussionen in den Talks und die Kunstvermittlung mit 

den Führungen zu ausgewählten Themen bieten einen 

lustvollen und unkomplizierten Zugang zu Kunst für alle 

Altersgruppen. Mit ihrem umfangreichen Programm und 

ihrer ausgewogenen TeilnehmerInnenliste, die sowohl 

die wichtigsten Galerien aus Österreich als auch junge 

wie etablierte Galerien aus der westlichen und östlichen 

Hemisphäre umfasst, gehört viennacontemporary zu 

den aufstrebenden Kunstmessen weltweit. 

„Die Stadt Wien ist nicht nur ein wichtiger Ort des 

Austausches und der Vermittlung von Kunst und Kultur, 

sondern sie ist in den vergangenen Jahren auch zu 

einem Zentrum für Entwicklung und Fortschritt in 

Mitteleuropa geworden. Mit unseren vielfältigen Kooperationen 

mit PartnerInnen aus Kultur, Wirtschaft und 

der Kreativszene wollen wir diese Tendenz stärken und 

in Zukunft weiter ausbauen“, betont Dmitry Yu. 

Aksenov, Vorsitzender von viennacontemporary, die 

aktive Rolle von viennacontemporary bei der 

Vernetzung der Kultur- und Kreativszene Wiens. 

Sonderpräsentationen 2017: Die ZONE1 hat sich als 

bewährtes Format für die Präsentation junger 

KünstlerInnen etabliert und bietet auch dieses Jahr eine 

Reihe innovativer Projekte. Die Auswahl der 

KünstlerInnen erfolgt durch Marlies Wirth, Kuratorin am 

MAK – Österreichisches Museum für angewandte 

Kunst / Gegenwartskunst in Wien, und zeigt die 

gesamte Bandbreite junger zeitgenössischer 

Kunstproduktion: Fotografie, erweiterte Malerei und 

Skulptur bis zu Installation und Performance werden bei 

viennacontemporary in jeweils eigenen Sektionen zu 

sehen sein. Das Bundeskanzleramt Österreich 

unterstützt, so wie in den letzten Jahren, die Teilnahme 

junger KünstlerInnen aus Österreich in der ZONE1. 

Solo & Sculpture: Skulptur als diesjähriges Thema: 

Mit Solo & Sculpture, kuratiert von Miguel 

Wandschneider, setzt viennacontemporary mit der 

Präsentation hochwertiger Skulpturen internationaler 

KünstlerInnen ein neues „Solo“ Thema. Mit zehn 

künstlerischen Statements zeigt Miguel Wandschneider 

seine Auswahl der bedeutendsten und etabliertesten 

VertreterInnen im Feld der Skulptur. Die Einzelpräsentationen 

bilden einen Gegenpol zur 

Geschäftigkeit der Kunstmesse und geben Raum zum 

individuellen Erleben und zur Konzentration auf 

fundamentale künstlerische Aussagen.


Tato Akhalkatsishvili,Back Home, 2017,courtesy ERTI Gallery 

Heimo Zobernig, Ohne Titel, 2016, courtesy Galerie Meyer Kainer


Focus Hungary: Rethinking the Hungarian neo-avantgarde: 

the rediscovery of artistic positions from the 

1960s and 1970s Konzipiert wird die 

Sonderpräsentation von den drei Budapester Galerien 

acb Gallery, Kisterem und Vintage Gallery. Als Kurator 

konnte der ungarische Kunsthistoriker und Kritiker 

József Mélyi gewonnen werden. Die diesjährige 

Sonderschau widmet sich der ungarischen Neo- 

Avantgarde der 1960er- und 1970er-Jahre, die bis 

heute kaum Anerkennung gefunden hat. Ausgehend 

von der Entwicklung der inoffiziellen Kunstszene der 

Neo-Avantgarde in Ungarn der frühen 1960er-Jahre 

unternimmt die Präsentation den Versuch, die 

unterschiedlichen Strömungen, die in dieser Zeit in 

Ungarn vorhanden waren, wieder bewusst zu machen. 

Anstatt lineare Entwicklungen aufzuzeigen, sollen die 

künstlerischen Wurzeln herausgearbeitet werden, die 

bis in die zeitgenössische Kunstproduktion wirken – mit 

dem Ziel, den Diskurs über die Neo-Avantgarde sowohl 

in Ungarn als auch in Zentral- und Osteuropa neu zu 

beleben. Bereits letztes Jahr haben die BesucherInnen 

sehr positiv auf die Sonderpräsentation Nordic 

Highlights reagiert. Ausgewählte Galerien aus Finnland, 

Dänemark und Schweden zeigen auch in diesem Jahr 

sowohl internationale Kunst wie spezifische junge und 

etablierte Positionen aus dem reichen künstlerischen 

Feld der nordischen Länder. 

Im Programm Cinema präsentiert Kurator Olaf Stüber 

Filme und Videos österreichischer und internationaler 

KünstlerInnen, die von den an viennacontemporary 

teilnehmenden Galerien eingereicht wurden. Die 

ausgewählten Filme und Videos werden in Form eines 

täglich wiederholten Programms mit festen Spielzeiten 

der einzelnen Arbeiten präsentiert. Für viennacontemporary 

2017 hat Stüber das Thema Mein kleines 

Glück ausgesucht: Unter diesem Motto hat er 

KünstlerInnenfilme und Videoarbeiten zusammengestellt, 

die sich mit dem Thema Glück und der Suche 

nach den kleinen Glücksmomenten auseinandersetzen 

– oder die das Scheitern der Glückssuche zum Inhalt 

haben. Cinema wird mit der freundlichen Unterstützung 

des Bundeskanzleramts Österreich realisiert. Erstmals 

bei viennacontemporary: der viennacontemporary 

Cinema Preis in Kooperation mit dem Mumok Zum 

ersten Mal wird bei viennacontemporary im Rahmen 

des Cinema Programms und in Kooperation mit dem 

mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig 

Wien, eine der bedeutendsten Institutionen zeitgenössischer 

Kunst in Europa, ein Preis vergeben. 

Die/der GewinnerIn erhält eine Sonderpräsentation im 

mumok kino. Die prämierte Arbeit wird bei freiem Eintritt 

im mumok zu sehen sein. 

Mit dem Foto-Print-Labor Artproof können 

KünstlerInnen ihre Visionen genau so umsetzen, wie 

sie es selbst gerne möchten. Zur Unterstützung junger 

KünstlerInnen, die mit dem Medium der Fotografie 

arbeiten, hat Artproof bisher Produktionsstipendien in 

Estland (seit 2012), Finnland (seit 2014) und 

Deutschland (seit 2016) vergeben. 2016 konnte 

Artproof zum ersten Mal bei viennacontemporary Ulrike 

Königshofer (Galerie Reinthaler, Wien) mit einem 

Produktionsstipendium auszeichnen. Auch 2017 wird 

eine hochkarätige Jury bei viennacontemporary eine/n 

FotokünstlerIn für ein Produktionsstipendium auswählen. 

Das Stipendium beinhaltet die Produktion und 

Rahmung von Fotoarbeiten im Wert von 5.000 Euro 

und einer Residency von einer Woche in Tallinn, 

Estland, inklusive Flug und Unterkunft, sodass die/der 

StipendiatIn die Produktion überwachen kann. Artproof 

ist ein internationales Kunst-Print-Labor mit Filialen in 

Tallinn, Stockholm und Berlin. Das Unternehmen 

produziert jährlich mehr als 60 Ausstellungen für 

KünstlerInnen weltweit. Die GewinnerInnen des 

„Artproof Produktionsstipendiums für Fotografie“ 

werden im Rahmen der Pressekonferenz von 

viennacontemporary am 20. September 2017 in der 

Marx Halle bekanntgegeben. 

(Foto: © viennacontemporary / A. Murashkin)

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

"birdman" Hans Langer, 2015, Alles Vogel/All Birds, Mischtechnik/mixed media, 88 x 108 cm, © by pixelstorm wien


"birdman" Hans Langer, 2017, Golden Times, Mischtechnik 

„Mehr als einen Vogel“ 

25 Jahre künstlerfreundschaft Hans Langer und Jens Mohr 

"Der beste Weg, einen Freund zu haben, ist der, selbst 

einer zu sein.“ Dieses Zitat von Ralph Waldo Emerson 

erscheint uns in Bezug auf die Freundschaft von 

„birdman“ Hans Langner und Jens Mohr als sehr 

passend. Alles begann im Jahre 1992, als Hans 

Langner einen Atelierplatz in Bonn, Deutschland, zu 

vergeben hatte. Der Erste, der sich auf die Annonce 

meldete, war Jens Mohr. Sie waren sich von Anfang an 

sympathisch und inspirieren sich bis heute gegenseitig. 

Das Atelier war eine frühere Backstube, in der die 

beiden Künstler Utensilien aller Art verarbeiteten und 

gemeinsame Kunstwerke schafften, die sich heute im 

Museum Dr. Guislain, Belgien, befinden. Bereits nach 

zwei Jahren wurde das gemeinsame Atelier aufgelöst, 

da sich „birdman“ entschied, nach Hong Kong zu 

ziehen; der Kontakt blieb aber fortan bestehen und die 

beiden verloren sich nicht aus den Augen. Die Galerie 

Gugging widmet nun den Künstlerfreunden 25 Jahre 

nach ihrer ersten Begegnung eine eigene Ausstellung, 

die erste dieser Art. Auf Malta haben die beiden 

Künstlerfreunde den Titel der Ausstellung „mehr als 

einen vogel - 25 Jahre künstlerfreundschaft birdman 

und jens mohr“ kreiert. Er bezieht sich mit einem 

Augenzwinkern auf das Vogel-Motiv, das für beide ein 

künstlerisches Thema ist, aber auch auf ihren 

„Schaffensdrang“, der nicht zu bändigen ist, wenn sie 

gemeinsam auf der ganzen Welt arbeiten. Gerade das 

gemeinschaftliche Arbeiten an den verschiedensten 

Orten und die Harmoniebedürftigkeit verbinden und 

lösen diesen regelrechten Schaffensdrang aus, um es 

in den Worten des birdman zu beschreiben: „Es ist 

Erfüllung, ein Sog! Oft arbeiten wir den ganzen Tag, 

manchmal 12, 14 Stunden und machen nichts anderes. 

Wir bereichern, befruchten und ergänzen uns sehr gut.“ 

Die Ausstellung, die gemeinsam mit den Künstlern 

aufgebaut wird, zeigt das umfassende Œuvre der 

beiden, wobei die Übereinstimmung und 

Überschneidung ihrer Arbeitsweise wesentlich ist. Sie 

arbeiten mit Gefundenem, Gesammeltem, einfach mit 

dem, was da ist, und schaffen aus der Fülle heraus. Sie 

lassen sich nicht vom Zeitgeschehen leiten. Jeglicher 

Gegenstand ist potenzielles Material und soll und darf 

transformiert werden. Das bereits Gegebene, ein 

fertiges Kunstwerk oder ein Alltagsgegenstand, wird in 

etwas Neues verwandelt.


Jens Mohr, 2017, Ameise / Ant, Objekt/object, 63 x 45 x 32 cm, © by pixelstorm wien


Jens Mohr, 2017, Kuh / Cow, Objekt/object, 67 x 31 x 7 cm, © by pixelstorm wien 

Die Bestrebung dabei ist es, die Essenz des Bildes 

bzw. des Objekts noch mehr hervorzuheben, es noch 

schöner und kostbarer wirken zu lassen. Miteinander 

gemein haben sie außerdem, dass ihre Kunst spontan 

und ohne Entwürfe oder Skizzen entsteht. Ähnlich 

intuitiv arbeiten sie an ihrer „Instant Art“, wie sie ihre 

Sofortkunst nennen, die meist vor Publikum praktiziert 

wird. Trotz alledem darf nicht außer Acht gelassen 

werden, dass die beiden eigenständige Künstler sind 

und auch unabhängig voneinander tätig sind. Birdman 

Hans Langner arbeitet seit 2015 fast ausschließlich an 

der Übermalung von Tapisserien und Gobelins, die 

immer dichter, goldener, üppiger, ja fast schon „barock“ 

werden. Dabei werden die unsichtbaren Vögel, die 

darin verborgen sind, sichtbar gemacht, indem der 

Hintergrund bemalt wird. Einen weiteren Schwerpunkt 

setzt der Künstler auf die Übermalung und 

Überarbeitung religiöser Kunst mit einer Botschaft: 

Liebe. In erster Linie widmet er sein Schaffen der 

Schönheit und Ästhetik; er lebt und arbeitet auch nach 

diesem Credo. Jens Mohr auf der anderen Seite 

zaubert aus vermeintlich Nutzlosem skurril humorvolle 

Wesen aus Fundstücken und Gebrauchsgegenständen 

aller Art. Seine Objekte sind vordergründig ohne 

Botschaft und leben von der Verbindung von 

Gegensätzen, indem er beispielsweise für eher 

„weichere“, anschmiegsamere Tiere eisernes, kaltes 

Material verwendet. Sie dürfen frei von Gedankenlast 

existieren, wie es das Privileg der Tiere im Allgemeinen 

zu sein scheint. Bei differenzierter Betrachtung mischen 

sich bei seinen Charakteren menschliche und tierische 

Züge. Über die besondere Freundschaft zu birdman 

Hans Langner sagt Jens Mohr: „Das Außergewöhnliche 

an uns ist, dass wir auf vielen Ebenen zusammen und 

nicht nebeneinanderher arbeiten und das ist selten.“ 

Den Besucher der Ausstellung „mehr als einen vogel - 

25 jahre künstlerfreundschaft birdman und jens mohr“ 

erwartet eine interessante Mischung von birdman Hans 

Langner's Werken, die von Gobelins und goldenen, 

üppigen Wandobjekten bis hin zu mit Tusche 

gefertigten "Black Birds" reicht, und auf erfrischend 

originell gestaltete Assemblagen von Jens Mohr, wie 

zum Beispiel die „Schafherde“ oder „Alle meine 

Entchen“ (Vernissage: Mittwoch, 27. September 2017, 

19:00 Uhr). [Galerie Gugging- Ausstellungsdauer: 27. 

September bis 15. November 2017- Foto: © Galerie 

Gugging]


Jens Mohr, 2017, Ente / Duck, Objekt/object, 19,5 x 26,5 x 7,5 cm 

Jens Mohr, 2017, Schnecke / Snail, Objekt/object, 29 x 19 x 10 cm, © by pixelstorm wien


"birdman" Hans Langer,2017, Der Stammbaum / Family Tree, Tusche auf Druck/indian ink on print, 37 x 29 cm

KUNST.INVESTOR MAK 

Grafik: Benjamin Buchegger, Atelier: Beton Mai Frische, Auftraggeber: Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig 

Druck: Onlineprinters GmbH, Neustadt a. d. Aisch, Drucktechnik: Offsetdruck Österreich, © Benjamin Buchegger/100 Beste Plakate e. V.


Grafik: Cybu Richli, Atelier: C2F, Echo Orgelfestival 2016 (aus einer Serie von zwei Plakaten), Auftraggeber: ECHO-Orgelfestival, Luzern 

Druck: DRUCKLABOR AG, Wettingen, Drucktechnik: Digitaldruck Schweiz, © C2F/100 Beste Plakate e. V. 

100 BESTE PLAKATE 16 

Deutschland-Österreich-Schweiz 

Zeitgenössisches Plakatdesign hat deutlich mehr zu 

bieten, als Inhalte publikumswirksam für öffentliche 

Werbeflächen zu illustrieren. Wie avanciert 

konsumentenorientierte Gestaltung aussehen kann und 

wie viel Spielraum für subtilen Humor und versteckte 

Kritik grafische Umsetzungen am Plakat bieten, 

stellt100 BESTE PLAKATE 16. Deutschland Österreich 

Schweiz auch 2017 unter Beweis. Mit der Ausstellung 

des beliebten Grafikdesignwettbewerbs, der heuer mit 2 

116 Plakaten von 632 EinreicherInnen einen 

Beteiligungs-Rekord verzeichnet, liefert das MAK 

wieder einen Querschnitt der aktuellen Trends und 

Codes des Grafikdesigns Hundert heterogene Sujets 

und EinreicherInnen – vom studentischen Projekt bis 

zur Auftragsarbeit etablierter GrafikdesignerInnen und 

Agenturen – stehen sich als gleichwertige Gewinner 

gegenüber. Die von einer international renommierten 

Fachjury prämierten Plakate und Plakatserien gehen 

auch heuer als Neuzugänge in die MAK-Sammlung ein. 

Nach Ländern gliedern sich die Gewinner in 52 Projekte 

aus der Schweiz, 46 aus Deutschland und – trotz 

abermaliger Steigerung der EinreicherInnen – nur zwei 

aus Österreich. Juryvorsitzender Alain Le Quernec 

resümiert: „Die Talente, die eine neue Ästhetik 

durchsetzen, indem sie Jahr um Jahr wieder 

ausgewählt werden, entwickeln sich ihrerseits zu 

Vertretern einer neuen Form der Klassik. Neue Trends 

kennen keine Grenzen, jede Generation schuldet es 

sich selbst, die Normen der Vorgängergeneration zu 

sprengen, neue Codes zu erfinden, sich mit dem Bruch 

zu identifizieren – selbst wenn diese Revolutionen mit 

Abstand betrachtet letztlich nur Entwicklungen sind.“ 

Die Palette der hundert prämierten Projekte reicht von 

vorrangiger Produktwerbung bis zur Affiche mit 

pointiertem Witz oder politischem Hintergrund. Teils 

überraschen unkonventionelle grafische 

Lösungsansätze mit ihrer Interpretation klassischer 

Sujets. Bildflächen werden zu Crossovers, in denen 

historische Bildwelten zitiert, neu interpretiert und somit 

erlebbar gemacht werden.


Grafik: Wolfgang Ortner, Thomas Steiner, Sarah Oos, Atelier: OrtnerSchinko, Daedelus, The Future Sound (Serie von zwei Plakaten) 

Auftraggeber: Kulturverein Stadtwerkstatt, Linz, Druck: Onlineprinters GmbH, Neustadt a. d. Aisch Österreich 

© OrtnerSchinko/100 Beste Plakate e. V.


Grafik: Vinzent Britz, "Brexit", Auftraggeber: Eigenauftrag, Druck: Centralstation Druck + Kopie GmbH, Berlin 

Drucktechnik: Digitaldruck, Deutschland, © Vinzent Britz/100 Beste Plakate e. V. 

Neben der großen stilistischen Vielfalt, die die 

Ausstellung auch dieses Jahr wieder charakterisiert, 

sind heuer einige GewinnerInnen zu verzeichnen, die 

mit ihren hochqualitativen Einreichungen an Erfolge der 

Vorjahre anknüpfen konnten. Unter den beiden 

Siegerprojekten aus Österreich findet sich ein im 

Wettbewerb schon bekanntes Gesicht: bereits zum 

dritten Mal konnte Benjamin Buchegger vom Atelier 

Beton (Wien, Salzburg, Leipzig) die Fachjury 

überzeugen. Buchegger, der an der Hochschule für 

Grafik und Buchkunst in Leipzig studiert, hat für sein 

Plakat Mai Frische – getreu dem titelgebenden Motto – 

eine erfrischend bunte Farbgestaltung gewählt. Die 

dabei verwendeten kontrastierenden Farben der 

Typografie – Gelb, Blau und Rot – überschneiden sich 

und verlaufen ineinander. Ein alternatives Motto für 

dieses Plakat könnte daher auch „Vorsicht, frisch 

gestrichen!“ lauten. Das Linzer Studio OrtnerSchinko 

hat mit seinen Plakaten für den Kulturverein 

Stadtwerkstatt eine Serie von zwei 

Konzertankündigungen für The Future Sound 

geschaffen. Die beiden in Schwarz und Weiß 

gehaltenen Plakate erinnern in ihrer Aufmachung an die 

Covergestaltung von Magazinen. Der Name des Top 

Acts des Abends wird durch Silbentrennung 

beziehungsweise Silbenvertauschung typografisch so 

gesetzt, dass der Schriftzug gegen unsere 

Lesegewohnheit erscheint. Beinahe zu einer Tradition 

geworden sind die in den letzten Jahren mehrmals 

prämierten Plakate der – laut Eigendefinition – 

„hochkreativen Denkzellen“ Rocket & Wink für die 

Getränkemarke fritz-kola. Der cartoonhafte Witz ihrer 

Plakate ist irritierend, aber dennoch allgemein 

verständlich. Ihr in kindlicher Manier gesetzter Duktus 

ist mit subtilem Humor durchsetzt, Produkt und 

Zielgruppe finden sich in harmonischem Einklang. Dass 

ein politisch motiviertes Plakat kaum Gestaltungsmittel 

benötigt, stellt das Plakat Brexit von Vinzent Britz unter 

Beweis. Er stellt die Farbe Blau, die an die EU-Flagge 

erinnert, aus der britischen Flagge einfach frei und gibt 

somit ein eindeutiges politisch motiviertes Statement 

ab, das leicht dechiffriert werden kann. Im Rahmen 

einer Ausstellungstournee wird die Schau an insgesamt 

sieben Orten in Deutschland, Österreich und der 

Schweiz gezeigt. [MAK. Ausstellungsdauer: 18. 

Oktober 2017 – 25. Februar 2018 – Foto © MAK]


Grafik: Rebecca Wey, Elena Gabriel, Ida Lupino, Auftraggeber: Filmpodium der Stadt Zürich, Projektauftrag an der Zürcher Hochschule 

der Künste, Druck: Serigraphie Uldry AG, Hinterkappelen/Bern, Drucktechnik: Siebdruck Schweiz 

© Rebecca Wey, Elena Gabriel/100 Beste Plakate e. V.


Grafik: Uwe Loesch, l’air de la ville rend libre, [Stadtluft befreit], Auftraggeber: Fête du Graphisme, Paris 

Drucktechnik: Digitaldruck, Druck: DruckDiscount24.de, Köln, Deutschland, © Uwe Lösch/100 Beste Plakate e. V.

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien- Karlsplatz 

Porträt Ineke Hans, 2017, Foto: Lennard Heijer 

Ineke Hans 

Was ist Loos? 

Mit Was ist Loos? präsentiert die Kunsthalle Wien die 

erste institutionelle Einzelausstellung der Designerin 

Ineke Hans in Österreich. Die Designobjekte und 

Möbelentwürfe der Niederländerin entstehen als 

Antworten auf konkrete Bedürfnisse an Raum, Funktion 

und Interaktion. Faltbare Stühle, multifunktionale 

(monochrome) Tische, grafische Muster, 

ungewöhnliche Materialien sowie spielerische Formen 

und Farben – Ineke Hans‘ Designs zeichnen sich mehr 

durch einen zeitgemäßen wie humorvollen Umgang mit 

den Herausforderungen gegenwärtigen Wohnens und 

Arbeitens aus als durch einen charakteristischen Stil. 

Der Titel der Ausstellung verknüpft die Frage nach 

zeitgemäßer Gestaltung mit einer Anspielung auf den 

stilprägenden österreichischen Architekten und Kritiker 

Adolf Loos. Das Denken Loos‘ beeinflusste die 

Entwicklung der modernen Architektur und des 

Möbeldesigns auch deshalb maßgeblich, weil er 

öffentlich als Kommentator seiner Zeit auftrat. Nicht 

ohne Übertreibung übte er Kritik an bestehenden 

ökonomischen wie gesellschaftlichen Verhältnissen und 

stellte dabei Forderungen in Bezug auf Gestaltung auf, 

die eine radikal neue Epoche einleiten sollten. In der 

Ausstellung Was ist Loos? wirft Ineke Hans einen Blick 

auf den Status quo des internationalen Designs sowie 

auf dessen Verknüpfung mit Fragen des aktuellen 

Zeitgeschehens und Alltagslebens. Dabei spricht sie 

Designer/innen eine gesellschaftspolitische 

Verantwortung zu, gegenwärtige Problemstellungen in 

der eigenen Arbeit zu berücksichtigen. Was ist Loos? 

wird jüngere Arbeiten von Ineke Hans unter drei 

thematischen Schwerpunkten zeigen, die sich mit 

globalen Entwicklungen auseinandersetzen. Dabei 

werden Produktionsmethoden ebenso angesprochen 

wie die zunehmende Digitalisierung und die 

Verknappung von Ressourcen und Wohnraum. 

Exemplarisch für letztere stehen zwei für die 

Ausstellung entwickelte Designobjekte: ein gemeinsam 

mit Gebrüder Thonet Vienna produzierter Stuhl sowie 

der Entwurf eines Tisches, der über eine Online- 

Plattform verfügbar ist.


Ineke Hans, Making: Handmade series, 2017, Foto: Studio Ineke Hans 

Ineke Hans, Less resources: Re-use, 2017, Foto: Studio Ineke Hans


Ineke Hans, Digital daily: Home office 24/7, 2017, Foto: Studio Ineke Hans 

Das im 19. Jahrhundert für seine Möbel aus gebogenen 

Holz berühmt gewordene Unternehmen Thonet 

arbeitete immer wieder mit bedeutenden 

österreichischen Künstlern, Architekten oder 

Kunsthandwerkern wie Otto Wagner, Josef Hoffmann 

und Koloman Moser zusammen. Adolf Loos gestaltete 

gemeinsam mit Thonet den zur Ikone gewordenen 

Kaffeehausstuhl für das gegenüber der Kunsthalle 

Wien Karlsplatz gelegene Café Museum. Ineke Hans‘ 

Interesse für konventionelle wie innovative 

Produktionsmethoden und die regionalen Eigenheiten 

innerhalb der Designgeschichte spiegeln sich in ihrer 

Gestaltung des neuen Stuhls wider. Sie greift die 

Bugholz-Technik von Thonet auf und verbindet diese 

mit der Praktikabilität von stapelbaren Stühlen, die für 

Konferenzen und Veranstaltungen genutzt werden 

können. Als Kunsthalle Wien Chair bleibt der Stuhl mit 

dem Ort seiner Entstehung verbunden. Mit dem Instant 

Desk reagiert Ineke Hans auf den Einfluss von digitalen 

Technologien und globaler Vernetzung auf die 

Möbelproduktion. Als digitale Datei kann das Design 

über die Online-Plattform Opendesk weltweit bezogen 

und lokal von kooperierenden Produzenten hergestellt 

werden. Die Plattform gibt einerseits Designer/innen 

neue Möglichkeiten der globalen Distribution ihrer 

Entwürfe und fördert andererseits die lokale Produktion 

vor Ort. Neben den neuentwickelten Arbeiten zeigt 

Ineke Hans eine Auswahl an existierenden 

Möbelstücken und Objekten, welche sich wandelnde 

gesellschaftliche Bedingungen für die Designwirtschaft, 

-produktion und -entwicklung aufzeigen bzw. darauf 

reagieren. Der Bereich Making and Making Sense 

thematisiert Produktionsmethoden, von traditionell 

gefertigten Objekten über industrielle Verfahren bis zu 

innovativen Herstellungsweisen. Ineke Hans stellt 

Fragen danach, was, warum und vor allem wie 

produziert wird. Durch die Massenproduktion ist 

vielmals auch das Wissen über traditionelle 

Produktionsmethoden und Materialien 

verlorengegangen, welches in einem zeitgenössischen 

Kontext wieder sinnstiftend eingesetzt werden kann. 

Ineke Hans geht es dabei um die sinnvolle und sozial 

engagierte Auseinandersetzung mit verfügbaren 

Methoden der Herstellung, die über die grundlegende 

Frage nach Funktion und Stil hinausgehen.


Ineke Hans, Kunsthalle Wien Chair, 2017, Foto: Studio Ineke Hans 

Dealing with the Digital setzt sich mit der zunehmenden 

Digitalisierung unserer Lebenswelten auseinander. Dies 

betrifft zum einen unseren Alltag, der durch eine 

omnipräsente Vernetzung mit dem Internet geprägt ist, 

zum anderen aber auch Möglichkeiten der 

technologischen Innovation sowie Online–Distribution 

und Marketing von Ideen und Entwürfen. In einer 

nachindustriellen Gesellschaft ist die Verfügbarkeit 

theoretischen Wissens wichtiger geworden, welches 

sich über das Internet einfacher denn je teilen lässt. 

Kooperation und Austausch erlangen neue Bedeutung. 

Gleichzeitig führt die ständige Erreichbarkeit von 

Personen auch zur Verschiebung von Arbeits- und 

Privatleben. Eine von Mobilität und Flexibilität geprägte 

Lebensführung verändert den Anspruch an 

Gebrauchsgegenstände. Heute sind oftmals 

Multifunktionalität und Hybridität von entscheidender 

Bedeutung. Das Thema Less beschäftigt sich mit der 

Verknappung von Ressourcen. Dabei sind sowohl 

natürlich vorkommende Ressourcen als 

Ausgangmaterial für die Produktion gemeint als auch 

die Ressource Wohnraum. Entwicklungen hinsichtlich 

Klima und Umwelt verlangen ökologisch verträgliche 

Produktionen und nachhaltige Nutzung. Recycling und 

die Reduktion von Abfall rücken in den Fokus. 

Verstädterung trägt zur Verdichtung von urbanen 

Gebieten bei und lässt Wohnraum verknappen. Mit dem 

Rückgang der Quantität des Raum werden Aspekte wie 

Qualität und Aneignung von öffentlichem Raum als 

Raum der Gemeinschaft wieder wichtiger. Im 

Gegensatz zum monofunktionalen Bauen der Moderne 

geht es heute um kollektiv nutzbare Räume und hybride 

Objekte. Indem sie unsere Wohn-, Arbeits- und 

öffentlichen Räume strukturieren, können funktionale 

Objekte und Einrichtungsgegenstände soziale 

Situationen mitgestalten. Diese drei Themen sind auf 

das Engste miteinander verknüpft und demonstrieren 

die Herausforderungen, denen Design heute 

gegenübersteht. Mit ihren Entwürfen reagiert Ineke 

Hans auf gesellschaftliche Bedürfnisse und entwickelt 

Objekte, die in ihrer Funktionalität soziale Dimensionen 

einbeziehen. Was ist Loos? zeigt Objekte, die als 

gestalterische Lösungen für aktuelle Anforderungen 

gelesen werden können. [Kunsthalle Wien ‚Karlsplatz‘, 

Kuratorin: Juliane Bischoff, Dauer 28. September – 12. 

November 2017 - Foto Kundthalle Wien]

KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht 

© Burhan Ozbilici, The Associated Press, "Mord in der Türkei": Mevlüt Mert Altıntaş nach seinem Mord an Andrey Karlov, dem russischen 

Botschafter in der Türkei, in einer Galerie in Ankara, Türkei, 19. Dezember 2016


World Press Photo 17 

Mit der Wahl der Aufnahme des türkischen Associated 

Press Fotografen Burhan Ozbilici zum World Press 

Photo des Jahres traf die Jury heuer eine besonders 

kontrovers und hitzig diskutierte Entscheidung. Das Bild 

vom 19. Dezember 2016 zeigt die Ermordung des 

russischen Botschafters in der Türkei, Andrey Karlov, 

durch den 22- jährigen Polizeibeamten Mevlüt Mert 

Altintas bei der Eröffnung einer Fotoausstellung in 

Ankara. „Es war eine äußerst schwierige Entscheidung, 

aber schließlich war die Mehrheit der 

Auswahlkommission von der Explosivität des Bildes 

überzeugt“, so Jury-Mitglied Mary F. Calvert. „Es bringt 

den derzeit verbreiteten Hass auf den Punkt und jedes 

Mal, wenn das Foto auf unseren Bildschirmen 

auftauchte, wichen wir unwillkürlich ein Stück zurück, 

weil es eine solche Sprengkraft besitzt. Wir hatten den 

Eindruck, dass dieses Bild wirklich verkörpert, worum 

es beim World Press Photo des Jahres geht“. Ab 15. 

September präsentiert das Fotomuseum WestLicht 

bereits zum sechzehnten Mal in Folge das World Press 

Photo. Die prämierten Einzelbilder und Fotoserien 

lassen als Ikonen der Zeitgeschichte das vergangene 

Jahr Revue passieren und zeigen auf eindringliche 

Weise Ereignisse aus den Bereichen Politik, 

Gesellschaft, Sport und Natur. Zu den dominierenden 

Themen im Wettbewerb gehören die Konflikte in der 

islamischen Welt, insbesondere der Krieg in Syrien und 

der Kampf gegen den IS im Norden Iraks, ebenso wie 

das Schicksal der Flüchtlinge auf den gefährlichen 

Transitrouten nach Europa. Jenseits des Atlantiks, auf 

einer Demonstration in Baton Rouge im US- 

Bundesstaat Louisiana, schoss der Fotograf Jonathan 

Bachman ein schon jetzt ikonisches Bild für den zivilen 

Widerstand und die Proteste gegen die wiederholte 

Polizeigewalt gegen Afroamerikaner in den USA und 

belegte damit den ersten Platz in der Kategorie Aktuelle 

Themen. Das Bild zeigt die 27-jährige Aktivistin Ieshia 

Evans, die sich allein einem Kordon von schwer 

gepanzerten Polizisten in den Weg stellt. Gleich zwei 

ausgezeichnete Projekte beschäftigen sich mit dem 

brutalen Anti-Drogen-Krieg, den der im Juni 2016 

angetretene Präsident Rodrigo Duterte auf den 

Philippinen entfesselt hat. Seit seiner Amtseinführung 

wurden über 2.000 Menschen von der Polizei getötet, 

darüber hinaus zählt die Statistik mehr als 3.500 

ungeklärte Morde an vorgeblichen Abhängigen und 

Kleindealern. In der Kategorie Natur belegte die 

amerikanische Fotojournalistin Ami Vitale einen zweiten 

Platz mit ihrer Geschichte über Aufzucht- und 

Forschungsstationen für Pandas in der chinesischen 

Provinz Sechuan. Im vergangenen Jahr konnte der 

Große Panda von der Liste der vom Aussterben 

bedrohten Tierarten genommen werden – die 

Population gilt zwar nach wie vor als fragil, hat sich 

aber auch dank des Einsatzes des chinesischen 

Staates zum Schutz des natürlichen Lebensraums der 

Bären stark erholt. Insgesamt wurden im Wettbewerb 

45 FotografInnen aus 25 Ländern in acht Kategorien 

ausgezeichnet. Beworben hatten sich 5.034 

KandidatInnen aus 125 Nationen mit über 80.000 

Fotografien. [Fotomuseum WestLicht. Dauer: 15. 

September bis 22. Oktober 2017 - Foto Westlicht]


© Laurent Van der Stockt, Getty Images Reportage for Le Monde, "Angriff auf Mosu": In Gogjali, einem der östlichen Bezirke von Mosul, 

durchsuchen Mitglieder irakischer Spezialeinheiten am 2. November 2016 die Häuser nach IS- Kämpfern, Ausrüstung und Spuren. 

© Valery Melnikov, Rossiya Segodnya, "Schwarze Tage in der Ukraine": Nach einem Luftangriff in Luhansk, Ukraine, 

fliehen Zivilisten aus einem zerstörten Haus, in dem Feuer ausgebrochen ist, 2. Juli 2014


© Hossein Fatemi, Panos Pictures, "Eine iranische Reise": Iranerinnen beim Poolspiel in einer 

für Frauen verbotenen Billardhalle, Iran, 28. April 2013 

© Jonathan Bachman, Reuters, "Stellung beziehen in Baton Rouge": Während einer Protestveranstaltung gegen Polizeigewalt vor dem Police 

Department von Baton Rouge, Louisiana, USA, am 9. Juli 2016, stellt sich die Aktivistin Ieshia Evans den vorrückenden Polizisten entgegen 

und streckt ihre Hände aus, bereit, sich verhaften zu lassen.

KUNST.INVESTOR Genusskunst 

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer 

und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale 

Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees. 

Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in 

den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit", 

erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch 

marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer 

Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 

2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten 

den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen 

Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen Mezze- 

Gerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können 

diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im 

Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt 

regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und 

Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder 

gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.

KUNST.INVESTOR Genusskunst 

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine Signature- 

Drinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia 

schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks 

aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen Bar- 

Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen 

Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden 

Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe. 

Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht 

machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de 

Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß 

verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad, 

Behandlungs- und Entspannungsräumlich-keiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, 

Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

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KUNST.INVESTOR News


Raffael 

Porträt des Bindo Altoviti, ca. 1514-1515, Öl auf Holz 

Raffael bildet mit Leonardo da Vinci und Michelangelo 

das große Dreigestirn der Renaissance. Mit seinen 

weltberühmten Zeichnungen zählt der jung verstorbene 

Meister darüber hinaus zu den größten Zeichnern der 

Kunstgeschichte. In diesem Herbst würdigt die 

Albertina Raffael mit 150 Gemälden und Zeichnungen 

eine groß angelegte Ausstellung. Ausgehend von den 

bedeutenden Beständen der Albertina und ergänzt um 

die schönsten und wichtigsten Zeichnungen 

bedeutender Museen wie den Uffizien, der Royal 

Collection der britischen Königin, dem British Museum, 

dem Louvre, den Vatikanischen Museen und dem 

Ashmolean Museum in Oxford stellt die monografische 

Schau das Denken und die Konzeption Raffaels ins 

Zentrum: Sie reicht von den ersten spontanen 

Ideenskizzen, virtuose Detailstudien, über 

Kompositionsstudien bis zu den ausgeführten 

Gemälden. Ob als Maler und Architekt in Florenz und 

Rom oder im Auftrag von Päpsten und Fürsten – 

Raffael ist ein wahres Universalgenie der 

Hochrenaissance, stets auf der Suche nach dem 

Equilibrium zwischen Naturnachahmung und Idealität. 

Die Ausstellung zeigt mit rund 130 Zeichnungen und 18 

Gemälden sämtliche bedeutende Projekte des 

Künstlers: Von der frühen umbrischen Periode (bis 

1504) über die Jahre des Florenz-Aufenthaltes 

(1504/1505–1508) bis hin zur römischen Zeit 

(1508/1509–1520) sind beeindruckende Werke aus 

allen Schaffensphasen zu sehen. Doch nicht nur 

Raffael steht diesen Herbst in der Albertina im Fokus, 

auch einem der größten niederländischen Künstler des 

16. Jahrhunderts ist parallel eine umfangreiche 

Ausstellung gewidmet: Pieter Bruegel. Mit zwei großen 

Meistern der Kunstgeschichte stehen sich zwei völlig 

verschiedene Weltbilder gegenüber. Die Albertina 

bietet die Gelegenheit, den ästhetischen Idealismus 

Raffaels mit dem schonungslosen Realismus des 

Moralisten zu erleben. [Albertina. Dauer 29. September 

2017 bis 7. Jänner 2018 – Foto © Albertina]

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Isa Rosenberger, Espiral, 2010/13, (Tänzerin: Amanda Piña, Setfoto: Reinhard Mayr) 

Setfoto: © Reinhard Mayr, © Artothek des Bundes 

Spiegelnde Fenster 

Reflexionen von Welt und Selbst 

Spiegelnde Fenster zeigt rund sechzig zeitgenössische 

Werke und einzelne historische Exponate aus der 

Sammlung des Belvedere, die allesamt um 

Erfahrungen von Selbst und Welt kreisen. Die Arbeiten 

handeln von Utopien und Krisen, dem Grauen des 

Alltäglichen, Phänomenen des Spirituellen, der 

Politisierung des Körpers ebenso wie von Soziophysik 

und Psychonautik, von surrealen Welten und 

individuellen Mythologien. Im Sinne der Bedeutung von 

Kunst als Fenster zur Welt wirft die Ausstellung einen 

Blick auf das Spannungsfeld zwischen Individuum und 

Gesellschaft und reflektiert zugleich Auswirkungen auf 

Körper und Geist. [21er Haus. Dauer bis 14. Januar 

2018 – Foto:© Belvedere Wien] 

KünstlerInnen: Marc Adrian, Martin Arnold, Vittorio Brodmann, Georg Chaimowicz, Adriana Czernin, Josef Dabernig, 

Gunter Damisch, VALIE EXPORT, Judith Fegerl, Michael Franz / Nadim Vardag, Padhi Frieberger, Bernhard Frue, 

Walter Gamerith, Bruno Gironcoli, Samara Golden, Judith Hopf, Alfred Hrdlicka, Iman Issa, Martha Jungwirth, Jesper 

Just, Tillman Kaiser, Johanna Kandl, Joseph Kosuth, Susanne Kriemann, Friedl Kubelka/Peter Weibel, Luiza Margan, 

Till Megerle, Henri Michaux, Muntean Rosenblum, Walter Pichler, Tobias Pils, Arnulf Rainer, Ugo Rondinone, Isa 

Rosenberger, Gerhard Rühm, Markus Schinwald, Toni Schmale, Anne Schneider, Richard Teschner, Simon 

Wachsmuth, Rudolf Wacker, Anna Witt (Kuratiert von Luisa Ziaja und Severin Dünser)

KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden – 

vom Gestern ins Morgen“ 

Hundert Jahre Kunstverein 

Zum Thema Kunst in Baden wurde viel geschrieben. 

Musik, Theater, Literatur prägten das kulturelle Leben 

im 19. Jahrhundert. Die Namen von Mozart, Beethoven, 

Lanner, Strauß zieren Gedenktafeln und 

Erinnerungskultur. Während Mozarts Bezug zu Baden 

maßlos überschätzt wird, war die Stadt Beethovens 

Lieblingskurort, wo er viele Sommer nach Heilung für 

seine zahlreichen Krankheiten suchte.…“ 

Inhaltsverzeichnis: 7 Ein Kunstverein in Baden – vom 

Gestern ins Morgen- Hans Hornyik, 13 Kurze 

Anmerkungen zu den Ritualen der Kunst- Alexandra 

Schantl, 17 Die Blüte der Kunstvereine im 19. 

Jahrhundert- Cornelia König, 29 Die Gründungszeit des 

Kunstvereins- Regina Hadraba, 41 Die temporäre 

Vereinigung des Kunstsinns- Wolfgang Müller-Funk, 49 

100 Jahre Kunstverein Baden- Leo Hemetsberger, 57 

Artists in Residence- Hartwig Knack, 65 Künstler des 

Kunstvereins Baden, 148 Galerieprogramm 1995 – 

2016, 156 Biografien. 

Auszug aus „Ein Kunstverein in Baden – vom Gestern 

ins Morgen, Hundert Jahre Kunstverein“: Das ist 

eigentlich eine Spätgeburt. In den Jahren ab 1793 

begann der steile Aufstieg der kaiserlichen Kurstadt. 

Wiener Adel und Großbürgertum entdeckten die hohe 

Lebensqualität Badens und ab 1842, dem Jahr des 

Anschlusses an die Südbahn, reihte sich Villa an Villa 

der Reichen und Schönen. Diese Entwicklung 

verwandelte die Kleinstadt in ein gründerzeitliches 

Arkadien mit großzügigen Parkanlagen, Alleen und 

allen urbanen Annehmlichkeiten, die den „Weltkurort“ 

zur einer der führenden Fremdenverkehrsdestinationen 

der k. k. Monarchie machte. Vor diesem Hintergrund 

erscheint die Gründung des Kunstvereins im Jahr 1915 

als späte Geburt. 

Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden-vom Gestern ins Morgen“ 

160 Seiten, Größe: 240 x 290 mm 

Gebunden, Leineneinband 

Preis: € 18,00 

Verlag Kunstverein Baden

KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Alfred Zellinger 

Flash Poetry 

Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets 

Arnold Schönberg im Café Museum 

Doktor Faustus in London 

James Joyce in Triest 

Unsere Zeit bedarf schneller Kommunikation, ihre 

Kunst sollte dabei vorangehen. Postings, Slams, Jazz 

Slams – die Zeiteinheiten werden immer kürzer; alles 

lässt sich heute twittern, sogar "Die letzten Tage der 

Menschheit" und wie Kraus auch Joyce, ein neuer 

Faust oder Börsenstrategien – wofür in diesem Buch 

der Beweis angetreten wird. Das neue Jahrtausend 

begann mit der 5-Minuten-Regel für Poetry Slams 

ebenso wie für die Pitches von Start-ups und 

beschleunigte indessen zum "Elevator Pitch": 30 

Sekunden, die Dauer einer Aufzugsfahrt. Alfred 

Alfred Zellinger, geb. 1945, lebt als Schriftsteller in 

Wien und Gmunden. Während seiner, wie er es nennt, 

"40 Jahre im Auge des Kapitalismus" arbeitete er für 

Konzerne wie Unilever und Procter & Gamble, für die 

Zellinger beschleunigt seine Prosa, rhythmisch und 

minimalistisch, in Blitzlichtern fragmentiert zur "Flash 

Poetry", zu interpretieren wie ein Blues oder eine 

Ballade – vom Elevator-Pitch zur Minimal Prose. Karl 

Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets / Arnold 

Schönberg im Café Museum / Giacomo Casanova auf 

dem Wiener Graben / Doktor Faustus in London / 

James Joyce in Triest /City Boys /Droge-Leben / 

BörsenBeben 

englische Werbeagentur Masius, war Marketingleiter 

bei Philips, Professor an der Kunstuniversität Linz; 

Werbechef und Bankdirektor der BAWAG-PSK und 

CEO von Bösendorfer 

edition pen Bd. 45 

12,5 x 20,5 cm | Broschur 

© 2016 Löcker Verlag 

Ca. 200 Seiten | € 19,80 

ISBN 978-3-85409-816-4

KUNSTINVESTOR AUSGABE SEPTEMBER 2017

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