Takte_1_19

[t]akte
1I2019
Kalkulation
und Inspiration
Manfred Trojahn über sein Liedschaffen
Klavierlieder sind eine Konstante in Manfred
Trojahns Œuvre. Im Interview gibt er seine
Gedanken zum „Vertonen“ preis: „verändern,
ohne zu beschädigen“.
[t]akte: In den vergangenen 14 Jahren haben Sie über
100 Klavierlieder geschrieben. Was reizt Sie an dieser in
Avantgarde-Kreisen aus der Mode gekommenen Gattung?
Manfred Trojahn: Ich denke, die Liedarbeit ist sehr eng
mit dem Musiktheater verbunden. Das
Lied und die ihm zugrundeliegende poetische
Form vermitteln konkrete Inhalte
so wie das Musiktheater, und ich habe ein
gewisses Bedürfnis nach diesen Inhalten.
Ist da etwas aus der Mode gekommen?
Wahrscheinlich ist mir das nicht weiter
aufgefallen. Mode ist nicht das, worauf
ich es primär abgesehen habe.
Erst in den 1980er Jahren haben Sie, relativ
spät und nur vereinzelt, Beiträge zu dieser
Gattung komponiert: die „Trakl-Fragmente“
1984 und den Zyklus „Spätrot“ nach Karoline
von Günderrode 1987. Ab 2004 hingegen
Manfred Trojahn
scheint es bei Ihnen zu einem Umdenken gekommen zu
sein Man bekommt den Eindruck, dass es für Sie inzwischen
zu einer Art Gewohnheit geworden ist, fast jedes
Jahr mindestens eine kleine Sammlung von Liedern zu
komponieren. Wie kam es zu diesem Wandel?
Den Wandel hat es nicht wirklich gegeben, von einigen
wenigen Jahren abgesehen, war immer die Bemühung
um Lieder ein zentraler Wunsch. Trakl war zum Beispiel
ein frühes Opfer dieser Bemühungen, aber nicht nur
er, auch Storm hatte es mir angetan. Allerdings war
ich nicht immer auf der Höhe meiner Möglichkeiten.
Ich bin ein Spätentwickler und so sind die Genres, die
meine wichtigsten geworden sind, recht spät zur Umsetzung
gekommen.
2004 begann die „Liederwerkstatt“ – eine von der
GEMA-Stiftung und später von der Siemens-Stiftung
geförderte Unternehmung – zunächst in Bad Reichenhall,
dann in Bad Kissingen Liedkompositionen
anzuregen. Die Kollegen wie Reimann, Killmayer,
Rihm, Schleiermacher und etliche andere begannen,
diese Anregung sehr interessiert aufzugreifen, und
so entstanden in diesem Zusammenhang viele Liedkompositionen.
Außerhalb dieser Reihe kam dann
noch das eine und andere hinzu. Zudem war die
„Liederwerkstatt“ ein Ort, an dem man zusammenkommen
konnte – das passiert ja nicht so oft. Man
geht essen, man besucht Proben – alles Dinge, die mit
dem Älterwerden seltener werden. Vor allem ist man
mit wunderbar motivierten jungen Sängerinnen und
Sängern und exquisiten Pianisten zusammen – also
ein Stückchen vom totalen Glück.
Es fällt auf, dass der Schwerpunkt Ihrer Dichterauswahl auf
dem klassischen Kanon, vor allem aber in der Romantik
liegt – Hölderlin, Schlegel, Eichendorff, Heine, um nur
einige Namen zu nennen. Nach welchen Kriterien suchen
Sie die Gedichte aus? Finden Sie die Gedichte oder finden
die Gedichte Sie? Wie kommt es zu diesem Bogen um
moderne Lyrik?
Es gibt keinen Bogen um irgendetwas herum. Aber es
gibt Voraussetzungen des Genres. Ich habe natürlich
auch zeitgenössische Lyrik verwendet wie in den Arbeiten
zu René Char oder Johannes Poethen. Ich neige
aber deutlich dazu, für diese Texte das Ensemble zu
bevorzugen und dem Klavierlied sozusagen eine andere
Form zu geben. Die genannten Dichter, unter denen
nur Peter Horst Neumann mit zwei Liedern (die für die
Akademie der Schönen Künste in München entstanden)
die Ausnahme darstellt, sind solche, auf welche die
Wahl der „Liederwerkstatt“ gefallen ist. Es gibt aber
auch andere, die sich frei gewählten Zusammenhängen
verdanken: Zum Beispiel der Lasker-Schüler-Zyklus, die
Rilke-Vertonungen oder auch ein Zyklus wie Abendröte
von Friedrich Schlegel, der auf Anregung von „Im Zentrum
Lied“ entstand.
Die Dichter für die „Liederwerkstatt“ brauchten die
Voraussetzung der Mehrfachvertonung, auch im Repertoire;
das Konzept der Werkstatt sieht neben den neuen
Stücken immer auch Werke des klassischen Repertoires
vor. Inzwischen gibt es konzeptionelle Änderungen,
aber dieser Schwerpunkt ist glücklicherweise geblieben.
Die Gedichte sind also nicht primär frei gewählt,
sondern dienten einem Konzept. So ist es auch vorgekommen,
dass ich einem Dichter nicht folgen konnte,
bei Schiller war das so, oder dass Stücke zu spät fertig
wurden und daher nicht realisiert werden konnten, wie
die Three women from Shakespeare. Ich habe diese Anregungen
immer als Möglichkeit begriffen und nicht als
Einschränkung, denn es ging ja um die Beschäftigung
mit Texten, mit denen ich ohnehin dauernd befasst bin.
Gedichte sind verdichtete Sprache. Wie schaffen Sie sich
Freiräume für Ihre Musik?
Zunächst einmal stelle ich nicht in Zweifel, dass es diese
Freiräume gibt. Dem Gedicht geht nichts verloren von
seiner Eigenwertigkeit, es wächst ihm etwas zu. Allerdings
können wir sagen, dass das Gedicht es eigentlich
nicht benötigt. Es kann aber ein wunderbares Erlebnis
sein, beides zu haben. Es ist also eine dieser ganz
seltenen Situationen, in denen ich verändern kann,
ohne zu beschädigen. Darin liegt doch ein wahrlich
gewaltiger Freiraum und eine große Hypothek: Es liegt
alles an mir.
Arnold Schönberg schrieb einmal, dass er „berauscht
von dem Anfangsklang der ersten Textworte, ohne
[sich] auch nur im geringsten um den weiteren Verlauf
der poetischen Vorgänge zu kümmern, ja ohne diese im
Taumel des Komponierens auch nur im geringsten zu
erfassen“ seine Lieder komponiert habe. Wie gehen Sie
bei der Komposition Ihrer Lieder vor – erleben Sie auch
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diesen „berauschten Taumel“? Und wie hängen Wort und
Musik bei Ihnen zusammen?
Ich bin sicher weniger expressiv, als es Schönberg war
und denke, wenn ich das Glück hätte, meinen Arbeitsvorgang
in der Nähe von beispielsweise Francis Poulenc
ansiedeln zu dürfen, dann käme das der Mischung aus
Kalkulation und Inspiration, die meine Musik prägt,
eigentlich sehr nahe.
Auffällig an Ihren Liedern ist eine Bevorzugung von
tonaler Klanglichkeit. Woher kommt diese Neigung zur
Tonalität? Gibt es textliche Zusammenhänge?
Es gibt sehr viele verschiedene Texte, von daher ist
diese zweifellos vorhandene Tendenz sicher nicht in
erster Linie auf die Vorlagen zurückzuführen. Vielleicht
können wir uns noch einmal an den Begriff des Genres
erinnern: Ich denke, die erweiterte Tonalität ist eine
perfekte Sprache für das Genre Klavierlied, dem sie
alles ermöglicht und eigentlich nichts verstellt.
Wie bereits angesprochen, ist das Musiktheater, die Oper,
ein wichtiger Pfeiler in Ihrem Schaffen. Einige Ihrer Werke
für Gesang und Klavier tragen den Untertitel „Szene“. Was
Es schwin-delt
mir, es brennt mein Ein -ge
-
- wei - de.
Nur wer die Sehn - sucht
kennt, weiß, was ich lei - de!
Manfred Trojahn, aus der Szene „Sie ist nicht mehr da“
Sie ist jetzt nicht mehr
ist für Sie das dramaturgische Element und wie unterscheiden
sich die Szenen von den Liedern?
Die Szenen sind wirklich eine spezielle Form, die in ihrer
Freiheit der Gestik viel mehr am Musiktheater orientiert
ist, als es die Lieder sein könnten. Die Vielfältigkeit
dessen, was sich ereignet, ist im Allgemeinen größer.
Ich habe bei diesen Stücken durchaus auch szenische
Vorstellungen, stärkere als bei Gedichten, auch solchen,
bei denen es zum Beispiel Ortsbeschreibungen gibt.
Vielleicht ist es eine fast private Form, aber immerhin
sollten die Unterschiede zum Lied schon deutlich werden.
Auch dem Gesang ist eine eher dramatische Rolle
zugedacht und das erzählend Lyrische der Lieder spielt
eine weniger große Rolle. Es gibt auch Mischformen,
so ist in die Szene „Sie ist jetzt nicht mehr da“ Goethes
„Nur wer die Sehnsucht kennt“ eingearbeitet, und das
Gedicht bekommt in diesem Fall auch einen eher dramatischen
Charakter.
Die Fragen stellte Robert Krampe.
Aktuell
Manfred Trojahn
31.3.2019 Wien (Staatsoper), Orest. Musiktheater
in sechs Szenen, Musikal. Leitung: Michael
Boder, Regie/Bühne/Licht: Marco Arturo Marelli
(Weitere Termine: 5., 7., 10.4.2019 Livestream:
Vorstellung vom 5.4.2019) +++ 29./30.6.2019 Bad
Kissingen (Liederwerkstatt), Neues Werk für Mezzosopran
und Klavier (Uraufführung)
Ľubica Čekovská
22.7.2019 Bratislava, Piano Concerto, Miki Skuta
(Klavier), Slovak Youth Orchestra, Leitung: Benjamin
Bayl (auch 26.7. Prag, 28.7.2019 Berlin )
Rudolf Kelterborn
5.5.2019 Basel (Pantheon), Musica luminosa per
orchestra, Basel Sinfonietta, Leitung: Baldur
Brönnimann +++ 7.9.2019 Luzern (Festwochen),
Duett für Oboe und Englischhorn, Heinz Holliger
(Oboe), Marie-Lise Schüpbach (Englischhorn)
+++ 24.11.2019 Mosbach (Klassische Konzerte),
Klavierstück 7 für zwei Klaviere („Quinternio“).
Klavierduo Soós / Haag
Thomas Daniel Schlee
19.5.2019 Sailauf (Kirche St. Vitus), Sicut ros Hermon
op. 74/1, Martin Patzlaff (Orgel) +++ 5.7.2019
Ossiach, Stiftskirche (Eröffnung Festival Carinthischer
Sommer), Choralvorspiele op. 18, Emma
Black (Oboe), Davide Mariano (Orgel)
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