Leseprobe_Glüxam_Aus der Seele muß man spielen

Einführung
fühl und Charakter, danach folgen Kapitel über die Entwicklung der musikalischen Affektdarstellung
von der Antike bis ins beginnende 19. Jahrhundert, mit Schwerpunkt auf
der Musik des 17. und 18. Jahrhunderts. Dieser Überblick soll helfen, die musikalische
Affektdarstellung als ein gewachsenes und auf antiken Vorbildern basierendes System zu
begreifen, das in der Spätrenaissance wieder aufgegriffen und sukzessive weiter ausgearbeitet
wurde und das in der Musik des 17. und 18. Jahrhunderts schließlich zum vorherrschenden
Prinzip des gesamten musikalischen Denkens wurde. Zwei Hauptaspekte bilden
dabei den roten Faden der Betrachtung: einerseits die seit der Antike tief verankerte Überzeugung
von der besonderen Fähigkeit der Musik, im Menschen „wunderbare“ Wirkungen
erzielen und Emotionen musikalisch darstellen zu können, andererseits das ebenfalls auf
antiken Vorbildern basierende Verständnis von Musik als einer nachahmenden Kunst.
Die Verbindung dieser zwei Sichtweisen führte letztendlich zur Auffassung von Musik als
einer Kunst, die nicht nur fähig ist, menschliche Affekte musikalisch nachzuahmen und
dadurch gezielt den Menschen zu beeinflussen, sondern die dazu verpflichtet ist. Von essenzieller
Bedeutung ist hier die enge Verbindung von Musik und Sprache, denn es war die
Sprache, die als wichtigste Affektträgerin galt und die deshalb direkt mit musikalischen
Mitteln nachgeahmt werden konnte und sollte. Daraus resultiert die zentrale Stellung der
textgebundenen Musik in der Musik des 17. und 18. Jahrhunderts, ähnlich wie die zahlreichen
Parallelen zwischen Musik und Redekunst (Rhetorik), die sowohl für die Komposition
als auch für die Aufführung von entscheidender Wichtigkeit sind.
Die gedankliche Struktur, auf der das System der musikalischen Affektdarstellung basiert,
lässt sich folgendermaßen umschreiben: „Musik als Nachahmung der Natur“ –
„Nachahmung nach dem Prinzip der Analogie“ – „Musik als Nachahmung der Sprache“ –
„Instrumentalmusik als Nachahmung des Gesangs“. Jedem dieser Stichworte ist in
diesem Buch ein eigenes Kapitel gewidmet. Im Kapitel „Musikalische Darstellung der
Affekte nach dem Prinzip der Analogie“ wird mithilfe historischer Aussagen erklärt,
wie die Affektdarstellung konkret vonstatten ging; das Kapitel „Übersicht der Affekte“
bietet eine Übersicht über konkrete Affekte samt Beschreibungen der musikalischen
Umsetzung aus musikbezogenen Abhandlungen der Zeit.
Der II. Teil bringt zunächst zusammenfassende Erklärungen dazu, wie sich Affekte erkennen
lassen, und stützt sich auf Autoren wie J. J. Quantz, A. Lorenzoni, J. J. Engel, J. Ph.
Kirnberger, J. G. Sulzer (Allgemeine Theorie der Schönen Künste), J. N. Forkel, H. Chr. Koch
und J. Fröhlich. Da die verschiedenen Autoren stets das Zusammenwirken aller kompositorischen
Aspekte betonten (auch wenn sie nicht immer angeführt wurden), folgt nach
den Hinweisen zur Affekterkennung eine Übersicht der einzelnen kompositorischen
Aspekte wie Stil, Gattungen und Formen, Tonart, Melodie, Rhythmus, Tempo / Bewegung,
Takt, Harmonie, Dynamik, Artikulation, Verzierungen, Besetzung und Instrumentation,
wobei diese Ausführungen schließlich in das Kapitel über den sog. „guten“
Vortrag münden. Als „gut“ wurde ein Vortrag nur dann empfunden, wenn der Interpret
die in der Komposition enthaltenen Affekte erkannte und sie nach der Vorstellung des
Komponisten verständlich an den Zuhörer weitergab.
Obwohl es wünschenswert wäre, dass der Interessierte das gesamte Buch lesen würde,
sind es in Teil I insbesondere die Kapitel über das Prinzip der analogen Nachahmung
sowie über Musik und Rhetorik, die enorm wichtig für das Verständnis der Materie
sind. Die Kapitel aus Teil II können je nach Bedarf auch einzeln gelesen werden,
wie z. B. das Kapitel über die Artikulation oder Ornamentik. Da sich in den Kapiteln
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