Musiker Magazin 2/2021

C 10973 F | N o 2/2021 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

Voyager IV 

Akustik und 

Elektronik vereint 

Kerstin Bogensee 

Musikerin aus 

Leidenschaft und Optimistin 

aus Überzeugung 

Paul Bartsch 

Träume im Kopf, Wut im Bauch, 

Wärme im Herzen 

Zwei Menschen, 

zwei Stimmen, viel Gefühl 

Tonland 

SAMIYA 

Die Stimme einer 

neuen Generation Soul 

Die Historie der 

Rock- & Popmusik 

Randy California 

und Spirit 

39. Deutscher 

Rock & Pop Preis 

am 18. Dezember 2021

Angebot 

❶ Studiosendung 

Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir 

produzieren mit euch eine komplette Studiosendung 

wie in den goldenen Zeiten des Musik - 

fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged 

und live auch möglich) und Interview. 

(30 – 40 Minuten Videoclip) 

➜ 500 Euro 

+ Eine Seite Interview und Foto 

im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare) 

➜ 1 000 Euro 

+ Zwei Seiten Interview und Foto 


➜ 1 500 Euro 

Die Vorteile im Überblick: 

❷ CD-Hearing / 

Interview für 

Promozwecke in 

einem unserer 

Filmstudios 

Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein 

und stellen es vor! 

Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel - 

künstler und euer musikalisches Schaffen. 

(30 Minuten) 

+ Halbe Seite Interview und Foto 


➜ 500 Euro 

• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter 

• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras 

• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene 

• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht 

• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2) 

• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden* 

• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur Verfügung 

– hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken einbauen 

• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange 

• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und 

Abspann 

• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken 

zur Verfügung für noch mehr Reichweite 

❸ Aufzeichnung 

Live-Konzert 

Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um 

euch für Konzerte zu bewerben? 

Kommt in unser Rock-TV-Studio! 

(30 Minuten Videoclip) 

➜ 1 000 Euro 

★ Unser 

Film-Team ist 

auch mobil! 

Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh, 

drinnen oder draußen. 

Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um 

mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen. 

Auf Anfrage machen wir euch gern ein 

individuelles Angebot. 

© KZENON/FOTOLIA 

* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund 

auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis 

nachträglich von uns abgemischt werden). 

Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg 

Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

Mediale Reichweite 

EDITORIAL 03 

eit vielen Jahrzehnten hat unsere musikereigene Deutsche PopStiftung 

S einen Dienst für Medienbeobachtung in Berlin beauftragt, bundesweit 

alle Zeitungs- und Zeitschriftenartikel über unsere seit nunmehr 38 Jahren 

durchgeführten jährlichen Kulturveranstaltungen einzusammeln und uns für 

unsere Presse dokumentationen zuzuschicken. 

Somit erhalten wir einen jährlichen Überblick über alle bundesweiten 

Presseveröffentlichungen, die wir dann digitalisieren und im Internet auf 

unserer Website und auf Facebook veröffentlichen. 

Allein in 2018 konnten wir auf diese Weise 668 Artikel (zumeist in bundesweiten 

Tageszeitungen) nachweisen, davon circa 30 Prozent extragroße 

Artikel über die Fläche einer halben (oder fast einer halben) Zeitungsseite, 

circa 30 Prozent mittelgroße Artikel und circa 30 Prozent kleine Presse - 

meldungen. In 2019 haben wir 550 Presseartikel bundesweit einsammeln 

können und veröffentlicht. 

Und auch jetzt – im Corona-Zeitraum 2020/21 – haben wir 435 positive, 

kleine, mittelgroße und große Berichterstattungen über den 38. Deutschen 

Rock & Pop Preis 2020, den wir wegen der Corona-Pandemie mithilfe von 

zwei bundesweiten Juroren-Teams zum ersten Mal virtuell durchgeführt 

haben, erhalten. Die wichtigsten Presseberichte über die Preisträger veröffentlichen 

wir auf unserer Homepage und auf Facebook. 

Die bisher 51 größten Artikel/Berichte aus 51 bundesdeutschen 

Tages zeitungen in den Monaten Januar bis März 2021 über den (coronabedingt 

digitalen) 38. Deutschen Rock & Pop Preis 2020 wurden in fliessender 

Reihen folge in unserer Pressedokumentation zusammengefasst. 

Alle anderen mittelgroßen und kleineren Artikel werden auf unserer 

Homepage dokumentiert. 

Somit können wir schon heute erneut feststellen, dass wir wieder mit 

diesem kulturellen und nonkommerziellen Musikwettbewerb – trotz Corona 

– die umfangreichste bundesdeutsche Tagespresse-Resonanz für einzelne 

Konzerte und Musikfestivals erhalten haben. 

Nach einer schriftlichen Aussage unseres Schirmherren, des Präsi denten 

des Deutschen Musikrates Prof. Martin Maria Krüger, ist dies ein bundesweites 

mediales Alleinstellungsmerkmal im Bereich der zahlreichen 

Bericht er stat tungen für Musikveranstaltungen seitens der bundesweiten 

Tages zeitungen. 

Diese seit Jahren ungewöhnliche massenhafte bundesweite Veröf fent - 

lichung von Hunderten oft großen Presseartikeln renommierter und seriöser 

deutscher Tageszeitungen mit Millionen verkauften Zeitungs exemplaren 

(Reichweite und potenzielle Leser) hat für unseren gemeinnützigen Kultur - 

verband Deutscher Rock & Pop Musikerverband e. V. und unsere ebenso 

gemeinnützige Kulturstiftung Deutsche PopStiftung eine außergewöhnliche 

Außenwirkung und Publizität: In fast jedem der veröffentlichten Artikel 

wird seit ca. 38 Jahren nicht nur der Titel dieses Kultur wett be werbes 

Deutscher Rock & Pop Preis genannt, sondern auch die Namen der beiden 

Veranstalter Deutscher Rock & Pop Musikerverband e.V. und Deutsche 

PopStiftung werden veröffentlicht. 

Das bedeutet unbezahlbare Werbung für diesen Musikwettbewerb und 

die beiden veranstaltenden Kulturinstitutionen. 

DOWNLOADLINK PRESSESPIEGEL: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/ 

PRESSEDOKUMENTATION-DEUTSCHER-ROCK-POP-PREIS-2020 

CHEFREDAKTEUR: OLE SEELENMEYER 

SCHIRMHERREN: 

Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen 

Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates 

JUROREN: 

Rogelio Azcarate Fernandez, Matthias Bielecke, Franziska Bub, 

Prof. Dr. Bernd Giezek, Joachim Griebe, Dr. Nicole Hirschmann, 

Carsten Kaiser, Lothar Krell, Dr. Michael Lorenz, André Scherzer, 

Thorsten Schmidt, Lutz Sommer, Mike van Summeren, Jonas Wagner 

MEDIALE REICHWEITE: 

Zusammengefasste Reichweite aller verkauften Tageszeitungen mit 

Berichterstattungen über den 36., 37. und den 

38. Deutschen Rock & Pop Preis 2020 (lt. Nilsen-Angaben): 

2018: 9.730.628 potentielle Leser 



WEITERE INFORMATIONEN: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM 

2/2021 musiker MAGAZIN

04 SHORT-TAKES 

FESTIVAL 

10 Deutscher Rock & Pop Preis 2021 – 

Konzept 

STORIES 

13 TONLAND – Zwei Menschen, 

zwei Stimmen, viel Gefühl 

15 Kerstin Bogensee – Musikerin 

aus Leidenschaft und Optimistin 


20 Sam Reckless – 

»Dark Times On Glamroad« 

22 Mick Zimmer – »Das neue Jahr« 

24 VOYAGER IV – 

»Pictures At An Exhibition« 

28 SAMIYA – Die Stimme einer neuen 

Generation Soul 

32 Paul Bartsch – Träume im Kopf, 

Wut im Bauch, Wärme im Herzen 

36 SIHNA MAAGÉ – Soul mit Blick 

für den Zeitgeist 

38 SPACEMUELLER – Melodischer 

Indie-Rock mit viel Zerre auf den 

Gitarren und abgedrehten Rhythmen 

40 ARREST – True Power Metal Band 

from Germany 

42 Die Historie der Rock- & Popmusik: 

Randy California und SPIRIT 

MUSIKBUSINESS 

50 The Singer’s Coach von LeeZa Nail – 

Teil 2: VOCAL SKILLS 

RUBRIKEN 

04 Musiker-News 

53 Produkt-News 

62 CD-Rezensionen 

65 Titelschutzanzeigen 

66 Kleinanzeigen 

66 Impressum 

QUELLE TITELFOTO: SAMIYA 

WIE TIKTOK DIE POPMUSIK VERÄNDERT 

Olivia Rodrigo ist der Popstar des Moments. 

Die 18-jährige Sängerin aus Kalifornien wurde 2021 

die jüngste Person aller Zeiten, die es von 0 auf 

1 an die Spitze der US-amerikanischen Single- 

Charts schaffte, und brach weltweit Chart- und 

Stream-Rekorde. Rodrigo ist „ein neues Pop- 

Queen-Musterbeispiel“, und das sagt nicht irgend - 

wer, sondern das legendäre Musik magazin Rolling 

Stone. All das wäre wohl nichts geworden – wenn 

es TikTok nicht gegeben hätte. 

Durch seine enorme Popularität (weltweit nutzen 

Hunderte Millionen Menschen regelmäßig TikTok) 

ist die App zu einer der wichtigsten Methoden 

geworden, um neue Musik zu entdecken. Dabei 

können neue Popstars wie Olivia Rodrigo entstehen, 

aber auch Indie-Künstlerinnen wie die Ame - 

ri kanerin Ashnikko und die Deutsche Lune konnten 

sich durch Erfolg auf TikTok einen Namen 

machen. 

Für die Musikindustrie ist TikTok ein umkämpftes 

Gebiet. Jeder versucht, den nächsten viralen Hit zu 

landen. Doch der nächste virale Hit lässt sich nur 

schwer steuern – und ist oft unberechenbar. So 

sorgte ein einziges virales TikTok-Video 2020 dafür, 

dass der Song „Dreams“ von Fleet wood Mac aus 

dem Jahr 1977 von einer jüngeren Generation erstmals 

entdeckt wurde und weltweit nach Jahr zehn - 

ten wieder in die Charts einstieg. 

KANN MAN EINEN TIKTOK-HIT 

ERZWINGEN? 

Dass virale TikTok-Erfolge schwer vorherzusagen 

sind, hindert Musiker und Musikindustrie 

jedoch nicht daran, neue Popmusik oft genau auf 

die Spielregeln der Plattform auszurichten. Ein ähnliches 

Phänomen gibt es bereits seit einigen Jahren 

im Musikstreaming: Weil Plattformen wie Spotify 

erst Geld an die Rechteinhaber von Musik auszahlen, 

wenn ein Song länger als 30 Sekunden 

gehört wird, werden Popsongs immer kürzer – 

und Intros gibt es fast gar nicht mehr. Dann hört 

das Publikum den Song vielleicht öfter und skippt 

nicht so schnell zum nächsten Track. 

Auch auf TikTok versprechen manche Stra te - 

gien schnelleren Erfolg als andere: Weil die Videos 

so kurz sind, konzentrieren sich Songwriter mittlerweile 

manchmal darauf, besonders prägnante 

15-Sekunden-Ausschnitte zu produzieren, die gut 

in einen TikTok-Clip passen. Das sagt auch Pop - 

star Olivia Rodrigo: In einem Interview mit der 

New York Times erklärte sie, dass sie eine Piano- 

Überleitung in ihrem Song „Drivers License“ mit 

QUELLE: www.br.de/nachrichten/netzwelt/wie-tiktok-die-popmusik-veraendert,SZdfs2H 

einer möglichen TikTok-Umsetzung im Kopf ge - 

schrie ben hatte. 

Aber auch Popstars, die schon länger im Ge - 

schäft sind, kalkulieren TikTok mittlerweile mit. 

Der Song „Toosie Slide“ von Drake schaffte es 

letztes Jahr ganz ohne prägnanten Refrain oder 

klassische Songstruktur in die Charts – stattdessen 

mit einer TikTok-Tanz-Challenge. 

VON TIKTOK IN DIE CHARTS? 

Die Musikindustrie nutzt aber nicht nur TikTok 

für ihre Zwecke – sie rekrutiert auch neue Ge - 

sichter direkt von der Plattform. Influencerinnen wie 

Bella Poarch, Addison Rae und Dixie D’Amelio 

wurden auf TikTok vor allem mit Tanz-Videos be - 

rühmt. Jetzt singen sie auch, unterstützt von teuren 

Musikvideo-Produktionen. Früher entstanden 

neue Popstars in Castingshows, heute passiert 

das in den sozialen Medien. 

Vielleicht ist ja sogar der 26-jährige Schotte 

Nathan Evans der nächste große Popstar? Immer - 

hin hat er bereits einen Vertrag über drei Alben 

mit dem Universal-Label Polydor unterschrieben. 

Der Grund? Sein Cover des Seemannslieds „Weller- 

man“, das Anfang des Jahres erst TikTok und 

dann die Charts stürmte. 

Offen bleibt die Frage, ob aus dem schnellen 

Erfolg mit TikTok auch ein langlebiger werden kann. 

TikTok ist nicht nur eine Plattform, in der man mit 

oberflächlichen Inhalten schnell berühmt werden 

kann, sondern auch eine, in der Videos sehr kurz 

sind und dann sofort das nächste kommt. Und 

das macht die Sängerinnen und Sänger austauschbar. 

Olivia Rodrigos Erfolg könnte von Dauer sein – 

dafür sorgen ihre Musik und ihre Beliebtheit bei 

Kritikern und Publikum gleichermaßen. Aber ob 

das Debütalbum von Wellerman-Sänger Nathan 

Evans wohl ähnlich begeistert aufgenommen wird, 

wenn es irgendwann erscheint? Ein virales Meme 

ist vielleicht doch einfach nur ein Meme und so 

schnell wieder fort, wie es gekommen ist. 

Foto: © ink drop / Adobe Stock 

www.musiker-online.tv

SHORT-TAKES 05 

KÜNSTLICHE INTELLIGENZ MACHT’S MÖGLICH 

Wenn sich Erfolg im Musikbusiness berechnen lässt 

Die Schweizer Firma iGroove hat eine Software entwickelt, die im voraus kalkuliert, 

wie viel Geld ein Album einspielen wird. 

Fotoquelle: igroovemusic.com 

Wo stehe ich in einem halben Jahr? Wie viel 

Geld werde ich mit welchem Song verdienen? 

Und was sind meine bereits veröffentlichten Tracks 

wert? Der Blick in die Zukunft ist für alle Mu si - 

ker*innen wichtig. Für dieses unsichere Business 

hat der 2013 gegründete Schweizer Musikver - 

trieb iGroove die auf Künstlicher Intelligenz ba - 

sierende Software Muse entwickelt. Sie offenbart 

erstaunliche Hellseherqualitäten. 

Seit einem Jahr ist das Programm im Einsatz 

– die Trefferquote liegt bei bemerkenswerten 95 

Prozent. Dass jüngst der Rapper Bushido zu 

iGroove gestoßen ist, passt zur Erfolgs geschichte 

der auf 25 Angestellte angewachsenen Firma. 

3 000 Künstler*innen arbeiten mit iGroove inzwischen 

zusammen, darunter der Rapper Kollegah, 

der Österreicher Chakuza und Schweizer Mund - 

artkünstler wie Lo & Leduc und Baze. Umsatz - 

einbußen gab es in der Coronapandemie bislang 

keine. 

Eigentlich hat das Unternehmen die Software 

entwickelt, um genauere Zahlen für die Berech nung 

ihrer Vorschüsse zu erhalten. Rund 150 Kredite 

wurden bisher an Künstler ausgegeben, damit 

sie aufwendige Musikproduktionen bezahlen können. 

In den meisten Fällen wurde das Geld bereits 

zurückgezahlt, weil die Vorhersagen genau zugetroffen 

haben. 

INNOVATION AUS PFÄFFIKON 

„Am Anfang haben wir noch vorsichtiger kalkuliert. 

Aber je mehr Berechnungen die KI ge - 

macht hat, desto genauer wurden die Zahlen. So 

konnten wir immer mehr ins Risiko gehen. Mittler - 

weile können wir mit Angeboten von Major Labels 

mithalten“, sagt Moris Marchionna, einer der drei 

Gründer des in Pfäffikon ansässigen Unterneh - 

mens. 

Seit Kurzem stellt iGroove die Software 

jedem*jeder seiner Künstler*innen über eine App 

zur Verfü gung. Für eine einmalige Analyse kann 

Muse grundsätzlich jeder kostenlos nutzen. „Der 

Künstler muss jedoch eine gewisse Größe und 

Historie haben, damit uns genügend Daten für 

eine aussagekräftige Berechnung vorliegen.“ 

Einen ganz neuen Künstler, der erst ein paar 

Singles veröffentlicht hat, kann man noch nicht 

ana lysieren. Das prüft das Programm bereits in 

einer Vorselektion automatisch. Diese Analyse kann 

der Künstler auch nutzen, um bei einem anderen 

Label einen Vorschuss zu bekommen. Oder er 

kann ein bestehendes Angebot damit überprüfen“, 

sagt Marchionna. 

DIE „HISTORIE“ DER KÜNSTLER 

WIRD ANALYSIERT 

Wie die Software funktioniert, verraten die 

Macher nicht. Auf jeden Fall werden die Streaming - 

zahlen eines Künstlers detailliert analysiert: In 

welchen Ländern erzielt er wie viele Abrufe, welche 

Songs sind in Playlists zu finden, welche Ziel - 

gruppe erreicht er, mit welchen Künstlern arbeitet er 

zusammen? Aus dieser Historie eines Künstlers 

wird so ein Blick in die Zukunft konstruiert. Die 

Vorhersagen stimmen laut Betreiber selbst bei 

Songs, die noch nicht geschrieben sind. 

QUELLE: www.tagesspiegel.de/kultur/kuenstliche-intelligenz-machts-moeglich-wenn-sich-erfolg-im-musikbusiness-berechnen-laesst/27425166.html 

„Wir wollten etwas Neues machen, was es so in 

der Musikindustrie noch nicht gab. Deshalb entwi - 

ckelten wir eine Plattform, auf der Künstler ihre 

Musik hochladen und die Fans sie dort ohne 

Zwischen händler kaufen können“, erklärt Moris 

Marchionna, zusammen mit CEO Dennis Hausam - 

mann und Géraldine Allemann Gründer der Firma. 

„Die Künst ler wollten trotzdem bei Spotify oder 

itunes sein. So haben wir aus dem Shop einen 

vollwertigen Vertrieb gemacht.“ 

Nur acht Prozent der digitalen Einnahmen sollten 

bei iGroove bleiben, 92 Prozent beim Künst - 

ler – ein Geschäftsmodell, das in den ersten Jahren 

allerdings noch nicht funktionierte. „Deshalb haben 

wir neben dem Vertrieb nach und nach andere 

Dienstleistungen angeboten, wie Promotion. Wir 

möchten nicht an der Musik der Künstler Geld 

verdienen, sondern an unserer Arbeit“, so 

Marchionna. 

EINE ECHTE MARKTLÜCKE 

Für Heiko Freund, den Leiter des Schwer punkts 

Pop an der Zürcher Hochschule der Künste, füllt 

der Service eine echte Marktlücke. „Der Vorteil 

bei einem Aggregator wie iGroove besteht darin, 

dass man als Independent Artist auf den internationalen 

Plattformen präsent ist.“ 

Dennis Hausammann und Moris Marchionna 

sind selbst Musiker im Hip-Hop-Bereich. Ihre 

Kom petenz und ihr Stilempfinden spielen aber für 

die Beurteilung der Musik ihrer Künstlerinnen und 

Künstler keine Rolle. „Ein Song muss qualitativ 

hoch wertig und professionell aufgenommen und 

gemischt sein. Geschmacklich sind wir offen. Das 

Urteil liegt bei den Hörern.“ Nur gewalt ve r herr - 

lichende oder rassistische Songs lehnen die 

Macher ab. 

AN KLASSIK TRAUEN SIE SICH 

NICHT HERAN 

„Wir analysieren, was war und was kommen 

wird. Es wäre die Aufgabe eines Labels, einen 

Künstler aufzubauen und Zeit und Geld zu investieren, 

um später davon zu profitieren. Das ist 

nicht unser Metier. Wir sind eher wie eine Bank 

für den Künstler. Das Geld, das der Künstler nach 

unseren Berechnungen verdienen wird, können 

wir ihm auch jetzt schon zur Verfügung stellen“, 

so Marchionna. 



Foto: © Alessandro Biascioli / Adobe Stock 

WIE CORONA DIE MUSIKINDUSTRIE UMGEWÄLZT HAT 

Krisen sind Zeiten der Transformation. 

Welche Spuren also haben eineinhalb Jahre Pandemie in der Popmusik hinterlassen? 

Die Pandemie zwingt Musikschaffende weltweit 

in ein Eremitendasein. Künstlerische Isolation, 

zumindest physisch. Denn: Digital globalisiert sich 

der Musikmarkt radikal. Nach eineinhalb Jahren 

ökonomischem und künstlerischem Ausnahme - 

zustand: Wie hat sich Popmusik verändert? 

SO VIEL GRATISCONTENT 

WIE SEIT DER HOCHZEIT DER 

MUSIKPIRATERIE 

Am Beginn der Pandemie war das Credo der 

Kunstschaffenden ohne Bühne: Sichtbarkeit um 

jeden Preis. Darauf aufmerksam machen, dass 

ein Veranstaltungsverbot in dieser Branche einem 

Berufsverbot gleichkommt. Der Bund reagiert mit 

einem Soforthilfeprogramm über 50 Millionen Euro 

für Künstlerinnen und Künstler. Für die heißt es nun: 

Soforthilfeanträge stellen und kreativ werden. 

Sofa-Konzerte auf Streaming-Plattformen wie 

YouTube, Facebook oder Twitch. Intime Einblicke 

auf Instagram. Gags auf TikTok. Nicht alle Musiker 

und Musikerinnen wollen mitspielen in dem neuen 

digitalen Aufmerksamkeits- und Sichtbarkeitswett - 

bewerb: War die digitale Musik-Performance vor 

Corona nur eine Spielwiese, ist sie nun eine conditio 

sine qua non – ohne Digitalisierung geht nichts 

mehr. Ein Folgeproblem: Da jeder gesehen werden 

will, sind die meisten dieser Streaming-Kon - 

zerte auf freiwilliger Spendenbasis oder komplett 

umsonst. Die Krise generiert so viel Gratiscontent 

wie seit der Hochzeit der Musikpiraterie nicht 

mehr. Die Pandemie zwingt alle Musikschaffen den 

in die virtuelle Welt. Wer überleben will, muss mit - 

ziehen. Eine Fluchtbewegung, die für die Digita - 

lisierung des Musikkonsums wie ein Brand be - 

schleu niger wirkt. 

SOFA-KONZERTE? 

FUNKTIONIEREN SELTEN! 

Corona Winter 2020: Die Musiker haben nun 

Monate ohne echte Konzerte, Tourneen, Fes ti vals 

hinter sich. Ein Teil ist zwar mittlerweile finanziell 

durch staatliche Unterstützungen abgesichert, 

doch künstlerische Isolation im Homeoffice entpuppt 

sich als zermürbender Dauerzustand ohne 

Aussicht auf ein Ende. Maurice Summen, Musiker, 

Mitglied der Gruppe DIE TÜREN und Chef des 

Berliner Independent-Labels Staatsakt, hatte zu 

Beginn der Pandemie vor allem mit Förder anträgen 

zu kämpfen. Dann begann die Zeit der Reflexion: 

„Wir haben alle danach gesucht, nach technischen 

Wegen in den letzten Monaten auf irgendwelchen 

Streaming-Plattformen, irgendwie dieses 

Live-Erlebnis in die Hütte zu kriegen, also nach 

Hause. Aber wir haben alle schmerzlich feststellen 

müssen, es funktioniert nicht.“ 

STREAMING KANN MUSIKER 

FINANZIEREN 

Corona-Gewinner gibt es aber auch in der Musik. 

Denn die Verkaufszahlen der Platten firmen zeigen 

ein anderes Bild: 2020 ist ein Erfolgsjahr. Der Um - 

satz der deutschen Musikindustrie ist im Ver - 

gleich zum Vorjahr um gut neun Prozentpunkte 

gewachsen. 1,79 Milliarden Euro wurden eingenommen, 

so viel wie seit Zusammenbruch des 

Musikmarktes Anfang der Nullerjahre nicht mehr. 

Das Besondere: Gut 71 Prozent der Einnahmen 

stammen aus dem Streaming-Geschäft. Die Börse 

feiert. Der Aktienkurs des Unternehmens Spotify 

hat sich verdreifacht. 

Nach den ersten Monaten der Pandemie ist ein 

Großteil der soloselbstständigen Musiker und 

Musikerinnen in Deutschland finanziell durch staatliche 

Hilfen abgesichert. Zwar hakt es oft mit der 

Bürokratie und für die meisten bleiben die Lebens - 

zustände prekär. Aber, wenngleich es zynisch 

klingt: Die Situation ist nicht schlimmer als normalerweise, 

zumindest aus Sicht des Musikers und 

Labelbetreibers Maurice Summen: „Ich kenne eine 

Menge Leute, die wollen auf gar keinen Fall eine 

Rechnung stellen vor Juli dieses Jahres, weil sie 

halt bis Ende Juni noch gefördert sind. Und da und 

da gibt’s eine Menge Leute, bei denen ist das, was 

sie bekommen haben, auf keinen Fall weniger als 

das, was sie unter normalen Umständen verdienen 

würden.“ 

STAATLICH GEFÖRDERTE 

MUSIKPRODUKTION 

Statt auf Tour zu gehen oder Konzerte zu spielen, 

bleibt den meisten Musikschaffenden eigentlich 

nur eine Option: Musik schreiben und aufnehmen. 

Spätestens während der zweiten und 

dritten Welle läuft die Musikproduktion an, und weil 



feuert diesen Prozess: Denn durch die Unter bre - 

chung des klassischen Tour-Album-Tour-Rhyth - 

mus schafft das musikalische Zwangs-Home - 

office geradezu Idealbedingungen, um stetig 

Output zu generieren. Unterstützt die Pan demie 

die kreative Assimilierung an das Regel werk des 

Plattform-Streamings? 

Die Streaming-Plattformen bieten einen Stand - 

ortvorteil für Musiker mit hoher Schlagzahl. Alben 

aufbrechen in Singles. Einen Dauer-Buzz erzeugen. 

Präsent sein in den relevanten Playlists. In 

diesem digitalen Kontinuum verliert das Album 

als künstlerisches Format einer gewissen 

Schaffens periode an Relevanz. Ist das das Ende 

des Albums? Die Bilanzen der Musikindustrie lassen 

sich auch anders lesen. Denn während der 

Pandemie sind die Verkäufe von Vinyl-Platten an - 

gestiegen. Bewährt sich das Album in der Welt 

des Analogen? Als disruptives Moment einer ewig 

zu diesem Zeitpunkt kein Ende der Pan demie in fortblubbernden digitalen Popsoße? Die Musi ke - 

Sicht ist, beginnen die Leute zu veröffentlichen – rin Mira Mann kann sich das durchaus vorstellen: 

im Netz. Zu beobachten ist eine staatlich subventionierte 

Produktion von Musikkunst für den dadurch, dass es vielleicht auf dem absteigenden 

„Das Schöne an dem Album erstarkt ja auch 

digitalen Raum. Kein Streaming-Unternehmen Ast ist. Das kann ja auch viele Künstler*innen dazu 

muss monetäre Anreize setzen; der Trans for ma - bemüßigen, da doch noch mal genauer hinzuschauen. 

Gleichzeitig sind quasi andere Formen, 

tions prozess hin zu einer verstärkt digitalen Musik - 

landlandschaft folgt indirekt aus der Logik der die vielleicht besser in die Zeit passen, auch 

Corona-Erstversorgung. 

superspannend.“ 

Damit man heute mit Songs auf sechs-, sieben- 

oder achtstellige Abrufzahlen kommt und 

WAR POP JUGENDKULTUR? 

damit in den Bereich, in dem Streaming als Ein - Eine qualitative Egalisierung aller Genre gren - 

nahmequelle relevant wird, müssen Tracks in den zen bringt künstlerische Freiheit. Sie führt aber 

richtigen Playlists erscheinen. Diese Playlists werden 

zum Teil algorithmisch von den Plattformen tion als Identifikationsfläche verliert. Ganz ent- 

auch dazu, dass Popmusik notwendig ihre Funk - 

zusammengestellt, zum Teil von Menschenhand sprechend der Logik von Social Media und dem 

kuratiert. Schafft man es in die richtige Playlist, kann algorithmisch organisierten Streaming: Nicht ich 

das ein wichtiger Multiplikator sein. Wer nicht rein - richte mich nach Pop, sondern Pop richtet sich 

kommt, für den lassen sich auf Spotify nur läppische 

Beträge verdienen. Die Münchner Musikerin einer Bewegung: Sie trug die sexuelle Emanzi pa - 

nach mir. Seit den 1960ern war Musik das Zentrum 

Mira Mann versucht, sich von diesem Geschäfts - tion in beinahe jede Ecke der Welt, sie war Träger - 

modell nicht korrumpieren zu lassen. Trotzdem medium antikapitalistischer Utopien. Später hört 

spürt sie die Präsenz von Playlists: „Ich bin selbst die Gegenkultur Punk, Postpunk, Grunge. In den 

nicht auf Spotify. Aber meine letzte Single „Komm Neunzigern verliert sich der Hedonismus im 

einfach“ war bei der Spiegel-Playlist von Spotify Techno, Hip-Hop fungiert als soziales Ventil marginalisierter 

Gruppen, Indiepop wird zum Anti- 

und ist seitdem der meistgehörte Song von mir 

bei Spotify.“ 

Soundtrack der Hipster-Bewegung und im Hard - 

rock perpetuiert sich gegen allen Zeitgeist das 

ALBUM IS OVER? ALBUM IS BACK? Narrativ von unangepasster Maskulinität. Pop - 

musik ist Jugendkultur. Doch gilt das noch? 

Die Playlist ist weniger ein minutiös kuratiertes 

Mixtape als eine stetig wuchernde, kontingente Wie klingt Fridays For Future, wie die LGBTQ+- 

Browser History. Der ideale Künstler ist in dieser Bewegung? Songwriter Florian Kreier: „Musik und 

Welt eine Contentmaschine. Jemand, der in der dieses Erwachsenwerden oder diese Mensch - 

Lage ist, seriell zu arbeiten. Kontinuität statt Dy na - werdung, das wird immer irgendwie zusammengehören 

und auch sehr viel miteinander zu tun 

mik. Sich dem Zeitgeist der Algorithmen anzupassen, 

statt ihn zu brechen. Der Lockdown be - haben. Aber, was man schon sieht, ist, dass es halt 

TEXT: Maximilian Sippenauer | QUELLE: www.br.de/kultur/musikindustrie-corona-100.html 

viel mehr Möglichkeiten der Orien tierung gibt. Über 

Social Media beispielsweise, über diese Ins ze - 

nierungen. Also ich glaube, während es in den 

Siebzigern so war, dass man sich entscheiden 

konnte, hat man jetzt so einen Sportler oder ’nen 

Rockmusiker als Vor bild irgendwo in Bayern. Auf 

dem Land kann man sich halt jetzt, glaube ich, 

zwischen unendlich vielen Sachen entscheiden. 

Zudem noch ist es so interkultureller oder 

multikultureller, und es gibt ganz viele Themen, 

die vielleicht in der Musik gar nicht so gut be - 

sprochen werden können. Wenn man sich für 

das Thema im Anti-Rassismus be schäftigt, ist 

Musik schon so ein Ding. Aber dann sollte man 

sich auch Speaker*innen anhören, weil es dann 

vielleicht auch wichtig ist. Und man kann die sozusagen 

über Insta oder so auf derselben Plattform 

konsumieren oder sich daran so anleiten lassen. 

Das ist eine Sache, die hat sich durch Social Media 

für immer verändert. Also Musik ist nicht mehr so 

stark in der Prägung für Jugend kultur wichtig, 

weil es viel mehr aufgeschlüsselte Teil bereiche 

gibt.“ 

POPMUSIK ALS 

AKUSTISCHES TATTOO 

Popmusik ist heute nur eine von vielen Mö g- 

lichkeiten, das eigene Selbst zu codieren. Es ist 

symptomatisch, dass man den Ton bei einer 

Instagram-Story oder einem Facebook-Post an - 

schalten kann, aber nicht muss. Popmusik ist eine 

Option, kein Statement. Sie ist ein akustisches 

Tattoo, das im besten Fall Trendbewusstsein aus - 

drückt. Dekoration statt Subversion. Provokativ 

ist Popmusik allenfalls noch in Form einer an einen 

E-Scooter geschnallten Bluetooth-Box. Aber 

viel leicht tut diese ideologische Unverbindlichkeit 

dem Pop gut. Vielleicht ist genau das der Kitt 

einer durch das Digitale auf die eigene Singu - 

larität zurückgeworfenen Gesellschaft. Und vielleicht 

entwickelt sich im Pop ein neues Gespür 

dafür, was er eigentlich zu leisten vermag – nicht 

zuletzt als Live-Moment. Mira Mann: „Pop will 

Groove, Pop will Sound, Pop will Text, will Lyrik, 

will Tanz, Choreografie, will Licht, will Ins ze nie - 

rung, will einfach so alles. Und das ist das, was 

mich so anzieht an Pop, dass der ja so sowieso 

allumfassend ist, dass man sich quasi wirklich 

hingeben muss mit seiner ganzen Ge stalt. Und 

ich finde, dieser Körper im Pop, das ist ja nicht 

nur der Künstler in dem Körper, sondern auch 

der Publikumskörper im Pop, der ist ja was ganz 

Wichtiges. Und deswegen können wir den natürlich 

auch empfinden, wenn wir zu Hause auf unserer 

Couch sitzen. Aber dieser Moment der gleich - 

zeitigen Empfindung im Groove, das finde ich 

schon exzeptionell.“ 



bezeichnet werden, lautet die Bezeichnung des 

dadurch entstehenden Effekts „Tingles“. Die 

YouTube-Videos sollen dazu genutzt werden, 

Stress abzubauen oder als Einschlafhilfen zu dienen. 

FORSCHUNGEN ZUM 

INTERNETPHÄNOMEN 

Foto: © Universal Music 

SO VERÄNDERT DER ASMR-TREND 

AUCH DIE MUSIKINDUSTRIE 

In der Musik lassen sich immer häufiger ASMR- faches Fingertippen auf Buchoberflächen. Das 

Merkmale wiederfinden. Sängerinnen wie Billie Eilish Kürzel steht für „Autonomous Sensory Meridian 

sind besonders beliebt in der Szene: Die 19- Response“, zu Deutsch: selbstständige, sensorische 

Meridian-Resonanz. Die Geräusche sollen 

Jährige ist dafür bekannt, in ihren Songs öfters zu 

flüstern oder mit ruhiger Stimme zu singen. Auch entspannend auf die Zuschauer von ASMRin 

der Videosingle „Bury A Friend“ beginnt das YouTube-Videos wirken. Diese Clips erreichen ein 

Musikvideo mit einem schrillen Geräusch, das an millionenfaches Publikum weltweit und mittlerweile 

das Reiben an einem Weinglas erinnert. Auch bezeichnen manche auch den Flüster gesang von 

während des Liedes werden immer wieder Töne Billie Eilish als „ASMR“. 

wie das Treten auf Glasscherben oder ein tiefer 

langer Bass eingebaut. 

ASMR-VIDEOS: ZWISCHEN 

Der Psychologe Craig Richard beschreibt in „TRIGGER“ UND „TINGLES“ 

seinem Buch „Brain Tingles“, in dem er das ASMR- 

Phänomen analysierte, die Musik der Sängerin In den YouTube-Videos sind meist Menschen 

und ihre beruhigende Wirkung auf viele Hörer: zu sehen, die vor einem Mikrofon simple Ge - 

Billie Eilishs Gesang vermittelt ein Gefühl der räusche entstehen lassen, die eine große Wirkung 

Ruhe, das durch ihren entspannten Gesichts aus - auf die Psyche und den Entspannungs prozess 

druck noch verstärkt wird. Sie schmettert nicht des Zuschauers haben sollen. Dabei wird mit 

oder drängt ihre Stimme heraus, ihre Lautstärke flüsternder Stimme gesprochen, mit den Finger - 

ist leise und ihr Ton bleibt gleichmäßig. Ihre Stimme spitzen auf unterschiedliche Oberflächen geklopft 

und ihr Auftreten vermitteln ein Gefühl von Kom - („Tapping“), Papier oder Plastik zum Rascheln 

fort und Ruhe, das an ASMR-Künstler auf YouTube gebracht („Kringle Sounds“), auf Computertasta - 

erinnert. 

turen getippt oder es werden einfach Haare gewaschen 

oder gebürstet. Schaut man sich in ASMR- 

WAS HEISST ASMR? 

Online foren um, liest man, dass die Geräusch - 

kulisse als ein Gefühl des Wohlbefindens empfunden 

wird und ein Kribbeln sowohl im Nacken 

Der Begriff ASMR tauchte erstmals 2009 im 

Netz auf und beschreibt Geräusche wie zum Bei - als auch auf der Kopfhaut verursachen soll. 

spiel Flüstern, das Rascheln von Folie oder ein- 

Während die Töne von der Community als „Trigger“ 

QUELLE: www.musikexpress.de/so-veraendert-der-asmr-trend-auch-die-musikindustrie-1859381/ 

ASMR-Videos erzielen nicht nur Millionen Auf - 

rufe auf YouTube, sondern erregen auch die Auf - 

merksamkeit von Psychologen. Die Studie von den 

Wissenschaftlern Agnieszka B. Janik McErlean und 

Michael J. Banissy der James-Cook-Universität 

in Singapur und der Goldsmiths-Universität in 

London ergab 2017, dass elf Pro zent der Nutzer 

die Videos schauen, um Angst zustände zu lindern. 

Zwar steht die Forschung noch relativ am 

Anfang, doch so haben Wissen schaftler bereits 

erkannt, dass beim Schauen der Videos gewisse 

Hirnareale stimuliert werden, die für Empathie 

und Selbstwahrnehmung zu ständig sein sollen. 

Die Ursache dafür ist jedoch noch unbekannt. 

Zwar überlegt man auch, ASMR-Geräusche in 

Therapiemethoden einzubauen, doch ist der the - 

rapeutische Nutzen noch nicht ausgereift. Dennoch 

bewiesen bereits Forscher der Universität Sheffield 

2018, dass AMSR-Videos die Herzschlagrate re - 

duzieren kann. 

DER ERFOLG NIMMT ZU 

Eine der erfolgreichsten ASMR-YouTuber*innen, 

„Gibi ASMR“, hat mittlerweile 3,37 Millionen 

Abon nenten und erhält für ihre Videos Klicks im 

sechsstelligen Bereich. Auch im deutschen Raum 

finden solche Formate Anklang, so hat zum Bei - 

spiel der YouTube-Kanal von „ASMR Janina“ 

368 000 Abonnenten und genauso viele Aufrufe 

wie ihre US-amerikanische Kollegin. 

Angefangen hat das Phänomen unfreiwilligerweise 

mit Bob Ross. Der Fernsehmaler ist mit 

seinen Videos viral gegangen, dabei handelte es 

sich um die Aufnahmen seiner Fernsehsendung 

„The Joy of Painting“, in dem der Künstler Laien 

das Malen beibringen wollte. Durch seine sanfte 

Stimme wurde der aus Florida stammende Maler 

zum ASMR-Star. 

Diesen Erfolg wollte auch die Werbeindustrie für 

sich nutzen, sodass Werbespots entstanden, die 

ASMR-Praktiken nutzten. Der schwedische Möbel - 

konzern Ikea strahlte 2017 zum Beispiel einen 

Werbespot aus, in der eine Frau 25 Mi nu ten lang 

Einrichtungsgegenstände streichelte. Auch Zoë 

Kravitz machte 2019 Werbung in einem der teuers - 

ten Spots – in der Werbepause des Superbowls – 

für eine US-Brauerei, indem sie das Bier vor Mikro - 

fonen mit ASMR-Technik präsentierte. 



Foto: © Christoph Köstlin 

UMGANG MIT MUSIKBRANCHE IST 

„NICHT GERECHT“ 

Konzerte sind derzeit nur mit strikten Corona-Maßnahmen 

möglich. Sängerin Sarah Connor kritisiert: 

„Langsam verliere ich die Geduld.“ 

TWITCH TV: MUSIKINDUSTRIE 

ERHEBT URHEBERRECHTSANSPRÜCHE 

IN ÜBER 1 000 FÄLLEN 

Der Streaming-Dienst Twitch benachrichtigte 

die auf der Plattform vertretenen Streamer per E- 

Mail darüber, dass diverse Urheberrechts an - 

sprüche seitens der Musikindustrie bei dem Unter - 

nehmen eingegangen seien. Dabei handele es 

sich um über 1 000 Einzelansprüche von Musik - 

verlegern. Zudem gehe man davon aus, dass 

weitere folgen werden. 

Alle Ansprüche bezögen sich auf archivierte 

Video-on-Demand-Inhalte (Stream-Wiederho lun - 

gen, Clips) und beträfen hauptsächlich Streamer, 

die während ihrer Streams Musik im Hintergrund 

laufen ließen. 

Konzerte mit Maskenpflicht, Hygienekonzept, 

begrenztem Publikum und strikten Regeln sind derzeit 

an der Tagesordnung. Sarah Connor äußert zu 

dieser Situation nun scharfe Kritik. „Es ist schwer 

mitanzusehen, dass alle Welt in den Urlaub fährt, 

Restaurants wieder geöffnet sind, Fußballspiele 

mit Zehntausenden Zuschauern stattfinden und 

wir sind immer noch stillgelegt“, schreibt die Sän - 

gerin in einem langen Instagram-Post, in dem sie 

ihrem Ärger Luft macht. Dazu postete sie den 

Schriftzug: „Wann können wir wieder Konzerte 

spielen?“ 

Es sei zwar „toll“, dass sich das Leben größtenteils 

wieder „normal“ anfühle. „Aber was ist mit 

uns? Hat man uns vergessen? Als würden Musik, 

Konzerte und Kultur überhaupt keine Rolle spielen“, 

wettert die Sängerin. „Wie lange soll das jetzt 

noch gehen?“, fragt Connor weiter. „Und was 

sollen wir noch tun, um den Vorgaben zu genügen?“ 

Sie verliere „langsam (...) die Geduld. Das ist 

einfach nicht gerecht“. 

QUELLE: www.stern.de/kultur/sarah-connor--umgang-mit-musikbranche-ist--nicht-gerecht--30639116.html 

„Basierend auf der Anzahl der Ansprüche glauben 

wir, dass diese Rechteinhaber automatisierte 

Tools verwendet haben, um urheberrechtlich ge - 

schützte Musik in den VODs und Clips der Content- 

Creator zu scannen und zu identifizieren, was 

bedeutet, dass sie wahrscheinlich weitere Be - 

nachrichtigungen senden werden.“ 

Besonders enttäuscht zeigte sich Twitch darüber, 

dass sich die Musikverlagsbranche dazu 

entschieden habe, Takedown-Ansprüche zu er - 

heben, obwohl man sich bereits bereit gezeigt 

habe, gemeinsam über mögliche Lösungen des 

Problems zu sprechen. 

Trotz der jetzt eingeleiteten Schritte wolle man 

diese Gespräche weiterhin aufrechterhalten und 

eine Lösung finden, die sowohl für Content-Creator 

als auch Rechteinhaber funktionieren könnte, heißt 

es in der E-Mail. 

„AN DIE MUSIK“ 

Abstandsregelungen und Beschränkungen für 

Menschenmengen haben dazu geführt, dass Live- 

Musik-Veranstaltungen im ganzen Land ge schlos - 

sen wurden. Aber „An die Musik“, ein Jazzclub aus 

der Innenstadt von Baltimore, versucht, einen 

regel mäßigen Terminplan zu führen, Musiker auf 

die Bühne zu bringen und die Auf tritte online zu 

streamen. Künstler wie Michael Joseph Harris und 

Sami Arefin, Warren Wolf Trio und Caleb Stine 

haben bereits an der sogenannten Quarantine 

Concert Series teilgenommen. 

Henry Wong, der Besitzer des Clubs, sagte, 

das Geschäft von „An die Musik“ habe während 

der Pandemie einen Schlag erlitten. Der Veran - 

staltungsort ging von Shows fast an jedem Tag 

der Woche, einschließlich zwei oder drei an einigen 

Wochenendtagen, über zu nur einer Hand - 

voll Streaming-Konzerten. Trotzdem sagte er, er 

sei entschlossen, die lokale Musikszene in dieser 

einzigartigen Zeit zu präsentieren. „Sie haben es 

schon öfter gehört und in letzter Zeit oft: Musik 

heilt“, schrieb Wong per E-Mail. „Es ist eine Winwin-Situation, 

wenn lokale Musiker aus Balti more 

diese Heilung bieten und gleichzeitig einem breiten 

Publikum bekannt werden.“ In einer interessanten 

und angenehmen Wendung haben die 

Online-Shows ein größeres Publikum angezogen, 

als es normalerweise in dem intimen Club mit 80 

Personen auftritt. Wong sagte, dass Zuschauer 

aus so weit entfernten Gebieten wie Alaska die 

Aufführungen verfolgt haben. Zuschauer können 

für 5 US-Dollar Zugang zu den Streams erhalten. 

Ein YouTube-Link wird kurz vor Beginn der Show 

verschickt. Und für Leute, die nicht in Echtzeit 

sehen können, werden die Konzerte für kurze 

Zeit online gehalten, damit die Leute später be - 

zahlen können. Wong sagte, dass mehr als die 

Hälfte des Erlöses an die Künstler selbst geht, 

und die Zuschauer haben die Möglichkeit, mehr 

als die anfängliche Gebühr von 5 US-Dollar zu 

spenden. 

Fotoquelle: andiemusiklive.com 

QUELLE: www.xboxdynasty.de/news/twitch-tv/musikindustrie-erhebt-urheberrechtsansprueche-in-ueber-1-000-faellen 

WEB: andiemusiklive.com 


10 

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG UND MUSIKER MAGAZIN 

PRÄSENTIEREN 

Die verschiedenen Deutschen Rock- und Pop-Preise werden in folgenden Sparten verliehen: 

8 Hauptkategorien: 

Rock, Pop, Hard Rock, Funk & Soul, 

Alternative/Independent, Singer-Songwriter, Singer, Country 

119 Sonderkategorien: 

Rock, Pop, Funk & Soul, Hard Rock, Alternative, Metal, Jazz-Rock, Rhythm & Blues, New Age, 

Reggae, Latin-Pop, Folkrock, Country, Gospel, Musical, Punk, Fusion-Jazz-Rock, 

Gothic/Wave, Weltmusik, Hip-Hop, Schlager, Filmmusik, Kinderlieder, 

Experimental, Fusion, Hardcore, Industrial, Progressiv, Ska, New Metal, Trance, Elektronik, Dancehall, Elektropop, 

Blues, Rock’n’Roll/Rockabilly, Cover/Revival, A Capella, Tonstudio, 

Independent-Label, Independent-Musikverlag, Booking-Agentur, Musikmanager, Musikproduzent, 

Förderung der Rock- & Popmusik, Lebenswerk, neuer Rock- & Popkünstler, CD-Album (deutschsprachig), 

CD-Album (englischsprachig), Studioaufnahme, Single, Song (deutschsprachig), Song (englischsprachig), 

Musikvideo, beste Komposition, deutscher Text, Booklet und Inlaycard, 

Instrumentalband, Instrumentalsolist, Instrumentalalbum, bester Gitarrist, bester Keyboarder, bester Schlagzeuger, 

bester Bassist, bester Percussionist, bestes Arrangement, bestes Blasinstrument 

an Nachwuchsmusikgruppen, Einzelmusiker & Sänger*innen sowie an Profimusiker 

Anmeldegebühren pro Kategorie: € 20,– DRMV-Mitglieder / € 30,– DRMV-Nichtmitglieder (Bitte den Bewerbungsunterlagen beilegen.) 

Teilnahmegebühr: € 150,– je Sparte bei Auswahl durch die Bundesjury 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von € 1000,– für eigene Gäste/Fans) 

INFOS: Deutsche Pop Stiftung • Kolberger Straße 30 • 21339 Lüneburg 

Telefon: 0 41 31/ 23 30 30 • E-Mail: info@drmv.de / info@deutschepopstiftung.de 

ANMELDEFORMULAR: www.musiker-online.com/festival-konzept/anmeldung 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, 

des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V., des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V. 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften. 

18. Dezember 2021 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle

11 

ZIEL / KONZEPT 

KATEGORIEN 

In 2021 werden zum 39. Mal insgesamt über 385 „Deutsche Rock & 

Pop Preise“ der verschiedensten musikalischen Bereiche an herausragende 

Nachwuchsmusikgruppen, Nach wuchs einzelkünstler*innen sowie 

durch eine Fachjury ausgewählte professionelle Musik grup pen und Einzel - 

künstler*innen mit und ohne Ton träger ver trag verliehen. So sollen auch in 

diesem Jahr Künstler so unterschiedlicher musikstilistischer Bereiche wie 

Rock, Pop, Country, Hard & Heavy, Alternative, Weltmusik, Reggae, Funk 

& Soul u.v.a.m. geehrt werden. Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische 

Anspruch. In ihrer kulturellen und künstlerischen Ausrichtung steht 

diese Kulturveranstaltung damit im be wussten Gegensatz zu anderen 

Veranstaltungs zere mo nien von Industriepreisen und TV-Anstalten. Durch 

die Auszeichnung in über 125 verschiedenen Musikgenres wird der heutigen 

musikalischen Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik Rechnung 

getragen. Damit soll erreicht werden, dass sich möglichst viele Musik - 

gruppen und Einzel künstler*innen und in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als Plattform des kreativen 

Nachwuchses, aber auch als Treffpunkt einzelner etablierter Künst ler*innen 

und Persönlichkeiten des musikalisch-wirtschaftlichen Umfeldes dienen. 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musik preisen werden die Deutschen 

Rock & Pop Preise 2021 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Be reichen verliehen. Weitere Preise können an herausragende etablierte 

Musik gruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in den Sonderkategorien 

„Bester Gitarrist”, „Bester Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen werden. Hierfür kann man 

sich direkt bewerben. Die Bundesjury entscheidet, ob besondere Leis tun - 

gen in diesen Bereichen vorliegen. 

Folgende Einzelkategorien werden 

ausgeschrieben: 

» 8 HAUPTKATEGORIEN « 

» 119 SONDERKATEGORIEN « 

FINANZIERUNG 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesent lichen – wie in den vergangenen 

20 Jahren auch – durch die Deutsche Popstiftung, den Deutschen 

Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am Wettbewerb beteiligten 

Musikgruppen und Künstler*innen finanziert. Von allen Be wer bern dieses 

bundesweiten kulturellen Wett be werbs wird – ebenfalls wie in den 

Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form einer geringen An meldegebühr 

verlangt. Alle durch die Bundes jury nominierten Preisträger der Haupt- und 

Sonderkategorien zahlen erst nach Nominierung einen Teilnahmebetrag pro 

Musik sparte, um die Selbst finanzierung dieses musikereigenen Kulturfesti - 

vals auf Bundesebene zu ge währleisten. Diese solidarische Gemeinschafts - 

finan zierung ist in Deutschland einmalig: Damit wird auch der 39. Deutsche 

Rock & Pop Preis wieder gemeinschaftlich finanziert durch die Stiftungsund 

Verbandsträger, die ca. 3 000 Musikgruppen, Musikerinnen und Musiker 

im Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. sowie durch die über 

1 000 Teilnehmer dieses Festivals. 

Durch die differenzierte Auswahl an Sonder kategorien wird gewährleis - 

tet, dass eine große Anzahl vielversprechender Musikgruppen, In terpreten 

und Künstler*innen in musikhistorisch und aktuell bedeutenden, aber bisher 

bei Preisverlei hun gen vernachlässigten Musikrichtungen ebenfalls gewürdigt 

werden können. In den acht Hauptkategorien sowie in den übrigen 

Sonderkategorien entscheidet die Bundesjury allein aufgrund des eingeschickten 

Materials über eine Nominierung bzw. Aus zeichnung bei 

der Preisverleihung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich mit dem künstlerischen und 

technischen Um feld einer CD-Produktion und des Musikmana ge ments 

auseinandersetzen (Studiopro duktion, CD-Design, Independent-Label, 

Künstler agentur etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch die ansonsten im 

Schatten von künstlerischen Auszeichnungen stehenden Firmen und Per - 

so nen auf Vorschlag der Musikerbasis geehrt werden. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer CD/einem Musikvideo 

pro Kategorie (möglichst eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop stiftung 

für die verschiedenen Kategorien bewerben. 

8

12 FESTIVAL 

Anmeldegebühr: 

» 20,– EURO « 

DRMV-MITGLIEDER 

» 30,– EURO « 

DRMV-NICHTMITGLIEDER 

Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln unabhängige Expertenjuroren, 

die von der Deutschen Popstiftung eingesetzt werden, die nominierten 

Preisträger der Haupt- und Sonder kategorien des 39. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2021. Um eine gerechte Preis verleihung zu gewährleisten, 

kann die Bundes jury, wenn die Einordnung den Juroren passend erscheint, 

Preise auch in anderen als den durch die Künstler ursprünglich benannten 

Kategorien zuerkennen. 

TEILNAHME 

Die nominierten Bands und Künstler*innen des 39. Deut schen Rock & 

Pop Preises 2021 erhalten durch die Deutsche Popstiftung eine Ein - 

ladung nebst Teilnahmeformular. Erst die Rücksendung des ausgefüllten 

Teil nahme formulars und die Entrichtung der Teil nahmegebühr in Höhe 

von 150 Euro je Haupt kategorie und 150 Euro je erste Sonderkategorie 

(alle weiteren 100 Euro) garantieren die Teilnahme am 39. Deutschen Rock 

& Pop Preis 2021. Sollte die Preisverleihung wegen der Corona-Pandemie 

nicht stattfinden können, dann reduzieren sich die Teilnahmegebühren auf 

100 Euro pro Kategorie aller Kategorien. 

Die ausgezeichneten Preisträger der Haupt- und Sonderkategorien 

erhalten im Gegenzug je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 1 000 Euro 

für den eigenen Gäste-/Fankreis. 

Mit der Nichtrücksendung des Teil nahme formulars und der Nicht ent - 

rich tung der Teilnah me gebühr verfallen die Teilnahme und Preis zuer kennung. 

PREISVERLEIHUNG 

Die umfassende Preisverleihung aller Preis träger findet, falls sie trotz der 

Corona-Pandemie genehmigt wird, am 18. Dezember 2021 auf der 

Hauptbühne des 39. Deutschen Rock & Pop Preises 2021 in der Sieger - 

land halle in Siegen statt. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung durch die Festivaljury werden 

auf der Website des DRMV www.musiker-online.tv und durch die 

Kulturzeitschrift Musiker Magazin nach dem Festival veröffentlicht. 

WEB: WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE 

TEXT: OLE SEELENMEYER | FOTOS: LUDWIG CZAPLA

STORIES 13 

Ihre Musik ist echt, 

handgemacht 

und authentisch wie 

das Leben selbst. 

Die Lieder erzählen 

große und kleine 

Geschichten, die jeder 

von uns kennt: 

Vom grauen Alltag, 

von rosa Wolken, vom 

kunterbunten Chaos, 

das wir Leben nennen. 

TONLAND 

Zwei Menschen, zwei Stimmen, viel Gefühl. 

Ein Paar auf und hinter der Bühne. 

MM: Für Leser, die Tonland noch nicht kennen: Könnt ihr etwas über 

eure Entstehungsgeschichte erzählen? 

stützen wir uns auch immer gegenseitig, aber diese klare Verteilung beugt 

vielen Missverständnissen vor. 

TONLAND: 2016 haben wir uns durch die Musik kennengelernt und schnell 

festgestellt, wie gut wir zusammen harmonieren. Die ersten gemeinsamen 

Songs sind entstanden und 2018 haben wir Tonland ins Leben gerufen. 

Von Anfang an war für uns klar, dass wir ehrliche Musik in die Welt tragen 

wollen. Und so fing die Geschichte an … 

MM: Wofür steht Tonland? 

TONLAND: Authentizität, Hoffnung und Liebe. 

MM: Auf der Bühne seid ihr eine Band und privat ein Paar. Wie 

sorgt ihr dafür, dass es funktioniert? 

TONLAND: Da wir sogar mittlerweile nicht mehr „nur“ Paar, sondern auch 

Eltern sind, sind die wichtigsten Punkte Organisation, Disziplin und Kom - 

munikation. Wir sind sehr strukturiert und für uns sind der gegenseitige 

Austausch und das Zuhören enorm wichtig. Außerdem gibt es bei uns eine 

klare Rollenverteilung. Jörg kümmert sich um alle technischen und kompositorischen 

Aspekte. Er ist für jede Melodie in unserer Musik verantwortlich, 

leitet das gesamte Homerecording und ist für die Website zuständig. 

Isabell schreibt die Texte, macht das Booking, betreut alle Social-Media- 

Kanäle und übernimmt alles rund um die Kommunikation. Natürlich unter- 

MM: Was ist das Besondere an eurer Musik? 

TONLAND: Unsere Musik ist echt und handgemacht. Wir behandeln in 

unseren Songs Themen wie Selbstreflexion, Weiterentwicklung und verarbeiten 

eigene Geschichten. Unsere Texte sind autobiografisch und doch 

frei interpretierbar. Die Melodien sind immer unterlegt von unserem zweistimmigen 

Gesang. Wir haben unseren eigenen Stil und wollen die Zuhörer 

mit jeder Note in unsere Welt entführen. 

MM: Wie geht ihr beim Songwriting vor? Woher holt ihr eure In spi - 

ration? 

TONLAND: Unsere Inspiration kommt aus dem Leben. Eigene Er fah run - 

gen, Empfindungen und Erlebnisse werden in jedem Song verarbeitet. 

Einen festen Ablauf gibt es jedoch nicht. Wir sitzen meistens gemeinsam 

am Esszimmertisch und entweder gibt es schon einen Text, zu dem wir uns 

dann eine Melodielinie überlegen, oder es gibt bereits eine Melodie, mit der 

wir uns identifizieren können, die dann eine Geschichte bekommt. 

MM: Ihr nehmt und produziert eure Songs von zu Hause aus. Wie 

seid ihr dazu gekommen und was ist der Unterschied zu einem 

Studio? 

8 


14 STORIES 

»Emotionen, 

Tiefgang, Kraft und 

Ehrlichkeit. Das 

beschreibt die Songs 

und das, worüber 

sie erzählen.« 

TONLAND 

„Du wirst schon sehen“ 

VÖ: 21. MAI 2021 

WWW.TONLANDMUSIK.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/TONLANDMUSIK 

WWW.INSTAGRAM.COM/TONLAND_OFFICIAL 

WWW.YOUTUBE.COM/TONLAND 

TONLAND: Wir wollten unabhängiger und flexibler sein. Unseren eigenen 

Stil weiter definieren. Durch unseren Umzug hatten wir die Möglichkeit, einen 

separaten Probe- und Studioraum im Keller aufzubauen. Wann immer wir 

also kreativ sein wollen, können wir es sein. Ein unglaublicher Vorteil, denn 

egal zu welcher Zeit können wir proben oder aufnehmen. Der Unterschied 

zur Arbeit in einem Studio ist, dass wir natürlich technische Grenzen haben. 

Glücklicherweise haben wir jedoch ein wundervolles Team, das uns unterstützt 

– darunter unser Produzent in Nashville, der unsere Songs mixt und 

mastert. Digital und trotz der Entfernung nah an uns dran. 

MM: Ab Mai 2021 veröffentlicht ihr neue Songs und im Herbst kommt 

eure neue EP. Was können eure Hörer erwarten? 

TONLAND: Vielfältigkeit und die persönlichsten Lieder, die wir je geschrieben 

und veröffentlicht haben. 

Diese EP soll für die Hörer ein Anker werden und ihnen sagen: Egal mit 

welchem Gefühl oder Erlebnis – sie sind nicht alleine. Emotionen, Tiefgang, 

Kraft und Ehrlichkeit. Das beschreibt die Songs und das, worüber sie 

erzählen. Mit Einflüssen aus unterschiedlichen Genres, jedoch immer 

Tonland. 

MM: Trotz Covid-19 habt ihr 2020 beim 38. Deutschen Rock & Pop 

Preis die Auszeichnung als beste Popband erhalten. Wie habt ihr 

das Jahr noch genutzt? 

TONLAND: 2020 war ein Jahr mit mehr Tiefen als Höhen, aber diese Aus - 

zeichnung zu erhalten hat uns noch einmal darin bestätigt, wieso wir machen, 

was wir machen. Und darin, niemals aufzugeben. Wir hatten sowieso vor, 

an neuen Songs zu arbeiten, und damit haben wir auch be gonnen. Song - 

writing, Produzieren und diverse strategische Neuaus rich tungen unserer 

Präsenz standen auf dem Plan. Wir konnten kreative Ideen entwickeln und 

hatten sogar RTL Hessen zu Besuch, die einen wunderbaren Beitrag über 

uns gedreht haben. 

MM: Was sind eure Pläne für die Zukunft? 

TONLAND: Endlich wieder Gigs vor echtem Publikum spielen, ein Album 

aufnehmen und noch mehr Menschen mit unserer Musik erreichen. 

MM: Wenn ihr einen Wunsch frei hättet, was würdet ihr euch wünschen? 

TONLAND: … dass die Guten gewinnen. 

WEB: WWW.TONLANDMUSIK.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/TONLANDMUSIK 

INTERVIEW: LEONIE FORSTER 

FOTOS: NADINE KOPP – WWW.KOPPIRIGHT-FOTOGRAFIE.COM 


STORIES 15 

KERSTIN BOGENSEE 

Musikerin aus Leidenschaft und Optimistin 


»Mit meiner Musik lade ich dich ein, 

deinen Blickwinkel zu wechseln. 

Nordisch nüchtern und direkt, 

aber natürlich mit ganz viel Gefühl und 

Humor.« 

MM: Stelle dich bitte kurz vor. 

KERSTIN BOGENSEE: Ich bin Kerstin. Ich bin Musikerin und lebe mit meiner 

Familie in Schleswig- Holstein. Genau zwischen Nord- und Ostsee an der 

Grenze zu Dänemark. Das ist auch meine Heimat. 

MM: Wie schön! Welches Meer gefällt dir besser? 

KERSTIN BOGENSEE: Ich mag beide sehr. Aber wenn ich mich entscheiden 

müsste würde ich sagen, ich mag die Nordsee etwas lieber. Das Watt 

bei Ebbe und die Wellen bei Flut. Die Sonnenuntergänge und den salzigen 

Wind. Die Schafe auf dem Deich und den Blick auf die Halligen. 

MM: Also ein echtes Nordlicht! 

KERSTIN BOGENSEE: Absolut. Meine Muttersprache ist Plattdeutsch und 

ich begrüße hier jeden mit einem einfachen „Moin“. 

MM: Worum geht es in deiner Musik? 

KERSTIN BOGENSEE: Ich möchte mit meiner Musik zu einem Perspektiv - 

wechsel einladen. Es geht darum, das, was uns in unserem Leben begegnet, 

von allen Seiten zu betrachten. Gefühlvoll und empathisch. Nordisch 

nüchtern und direkt. Mit Humor, aber ohne etwas auszuklammern oder zu 

beschönigen. 

8 


16 STORIES 

MM: Wieso denkst du, dass wir einen Perspektivwechsel brauchen? 

KERSTIN BOGENSEE: Wir sind umgeben von negativen Schlagzeilen oder 

auch von Neid und Missgunst. Schauen oft nicht so sehr bei uns selbst 

und lassen uns, wenn wir ehrlich sind, auch oft von unseren Ängsten und 

Bedenken leiten. Generell bleibt Negatives eher in den Köpfen als Positives. 

Leider. 

Aber ich habe für mich erkannt, dass jeder Mensch so zufrieden wie 

möglich sein und seine Träume leben oder ihnen zumindest näher kommen 

kann, wenn er es sich nur selbst zutraut und sich selbst die Freiheit 

gibt. Die Kraft steckt in jedem von uns! 

MM: Ist das nicht naiv? 

KERSTIN BOGENSEE: Naturlich heißt das nicht, dass wir immer gut ge - 

launt und happy sein müssen. Oder dass alles immer gut ist. 

Äußere Umstände, Lebensbedingungen oder Erfahrungen haben wir auch 

einfach oft nicht in der Hand. Das ist so und auch darum geht es in meinen 

Songs. Für mich geht es vielmehr darum, unser Potenzial voll auszuschöpfen 

und die Dinge, auf die wir Einfluss haben, auch wirklich anzupacken 

und nach unseren Vorstellungen zu verändern. 

MM: Wie hast du das geschafft? 

KERSTIN BOGENSEE: Ich war vor ein paar Jahren an einem Punkt, an dem 

ich irgendwie feststeckte. Vormittags stand ich als PTA in der Apotheke und 

nachmittags in der Musikschule als Gesangslehrerin. Und das mit zwei kleinen 

Kindern. Es wurde beruflich zu einer sehr großen Belastung und hat 

mich ganz schön im Hamsterrad laufen lassen. 

Ich fühlte mich ausgebrannt und war unzufrieden. Ich spürte damals, 

dass mich die Musik rief, und ich fing an, darüber nachzudenken, was ich 

eigentlich wirklich will. Ihr Ruf wurde immer lauter, und es wuchs der Traum, 

hauptberuflich als Musikerin zu arbeiten. Allerdings zweifelte ich daran, dass 

das für mich möglich sein könnte, weil ich ja keine Zertifikate oder Ab - 

schlüsse hatte, auf denen erkenntlich war, was ich kann. Außerdem fehlte 

der Mut. Dann schrieb ich die ersten Songs. Das half mir, meine Gedanken 

und Gefühle zu ordnen. 

Man kann nicht richtig beschreiben, was Musik mit einem macht. Jeder 

Musiker weiß, was ich meine, wenn ich sage, dass die Musik einfach tief 

in uns verankert ist. Das ist nicht einfach nur etwas, was wir tun. Sondern 

es ist etwas, was wir tun müssen. Eine Passion. Mir wurde immer klarer, 

dass Musik meine Berufung ist. 

Und wenn ich es nicht versuchen würde, würde ich es mir irgendwann 

wirklich vorwerfen. Ich glaube, dass es ein schlechtes Gefühl ist, wenn 

man alt ist und sich eingestehen muss, dass man nicht versucht hat, das 

Leben zu leben, welches vielleicht möglich gewesen wäre. Das wollte ich 

für mich auf keinen Fall. 

Ich fasste all meinen Mut zusammen und kündigte in der Apotheke. Es 

hat mich wirklich Überwindung gekostet, das Gewohnte, Sichere zu verlassen. 

Aber ich bekam zum Glück schnell weitere Unterrichtsaufträge und 

traute mich, meine Lieder zu spielen. Jetzt fühlte ich mich frei und selbstbestimmt. 

MM: Aber Musikerin wird man ja nicht einfach so. Wie kommt es, 

dass du überhaupt in Betracht gezogen hast, die Musik zum Beruf 

zu machen? Seit wann machst du Musik? 

KERSTIN BOGENSEE: Bei uns zu Hause war es normal, dass Musik ge - 

macht wird. Mein Vater in der Woche in seinem Beruf als Hand werker gearbeitet 

und hat an den Wochenenden zusammen mit meinem Großvater Tanz - 

musik auf Feiern gemacht. 

Ich kann mich nicht erinnern, wann ich angefangen habe zu singen. Es war 

schon immer da und immer mein absolutes Ventil in allen Lebens lagen. 

Ich hatte Glück, dass es einen Kinderchor im Nachbardorf gab. Mein Chor - 

leiter entdeckte mein Talent und ließ mich schon früh Soli singen. Er verschaffte 

mir sogar eine kleine Rolle als Kinderdarstellerin am Flens burger Theater. 

Mein erstes Instrument war, wie soll es anders sein, die Blockflöte. Später 

am Gymnasium sang ich an Musikabenden auch als Elfjährige schon so - 

listisch. Zu dieser Zeit bekamen wir unseren ersten CD-Player. Meine Mutter 

kam eines Tages mit einer CD von Joan Baez nach Hause, die sie bereits in 

ihrer Jungend als LP gehört hatte. 

Ich war neugierig und legte die CD ein. Diese wunderschöne, klare Stimme 

und das feine Gitarrenspiel zogen mich magisch an. Ich wusste: Das will ich 

auch können. 

Meine Eltern ermöglichten mir Gitarren- und Gesangsunterricht und ich 

übte unermüdlich die Joan-Baez-Songs. In jeder freien Minute. Zwei Jahre 

lang. Dann gab es eine Musikpause. 

MM: Warum? 

KERSTIN BOGENSEE: Das Dorf, in dem ich aufgewachsen bin und wo ich 

heute übrigens wieder mit meiner Familie lebe, ist wirklich klein und in die 

nächste Stadt dauert es etwas. In den Neunzigern war es noch nicht cool, ein 

Gymnasium zu besuchen und Instrumente zu spielen oder gar zu singen. 

Was war aber das Wichtigste für mich als Jugendliche? 

Genau. Cool sein. Dazugehören. „Normal“ sein. Ich fühlte mich so gar nicht 

„normal“ und wünschte mir einfach nur dazuzugehören. 

Also rebellierte ich gegen alles, was mich bis dahin ausmachte. Ich verließ 

das Gymnasium und machte Musik nur noch im stillen Kämmerlein. Das war 

zu diesem Zeitpunkt genau richtig so und gut für mich und mein Seelen heil. 

Ich habe mich einfach viel wohler in meiner Haut gefühlt und hatte eine 

schöne Zeit, in der sehr viele Freundschaften entstanden sind, die bis heute 

anhalten. 


STORIES 17 

MM: Wie bist du dann wieder zur Musik ge - 

kommen? 

KERSTIN BOGENSEE: Mit Mitte zwanzig ver spürte 

ich den Wunsch, wieder richtig Musik zu machen. 

Ich hatte zwar zwischenzeitlich auf Hochzeiten 

oder in einer Tanzband gesungen, aber das war 

alles nicht wirklich ernsthaft. Ich nahm Gesangs - 

unterricht und sang in einer A-cappella-Gruppe. 

Eine Freundin, die Gitarrenlehrerin ist, bat mich daraufhin, 

ein paar Schülerinnen etwas Gesangs - 

technik zu zeigen. 

Das machte mir große Freude, und es kamen 

immer mehr Schüler hinzu, sodass ich es irgend - 

wann nebenberuflich an Musikschulen anbieten 

konnte. Ich bildete mich stetig fort, um noch mehr 

fundiertes Wissen rund um den Rock-/Pop-Ge - 

sang zu erlangen. Dann schrieb ich die ersten 

Songs und träumte davon, wie ich zuvor schon 

sagte, die Musik zu meinem Beruf zu machen. 

MM: Mit deiner ersten Single „Auf Eis“ hast 

du 2018 beim Deutschen Rock & Pop Preis 

auf der Bühne gestanden. 8 


18 STORIES 

»Ich habe für mich 

erkannt, dass jeder 

Mensch so zufrieden wie 

möglich sein 

und seine Träume leben 

oder ihnen zumindest 

näher kommen kann, 

wenn er es sich 

nur selbst zutraut und 

sich selbst die 

Freiheit gibt. 

Die Kraft steckt 

in jedem 

von uns!« 


STORIES 19 

KERSTIN BOGENSEE: Richtig. Das war ein großartiges Erlebnis. Auch wenn 

die Jury mich letztendlich nicht ausgewählt hat, habe ich viel positives 

Feedback bekommen. 

MM: Mittlerweile hast du ein Album veröffentlicht? 

KERSTIN BOGENSEE: Ja genau. Mein Debütalbum „lebensWERT“ ist seit 

November 2019 draußen. Es hat schon viele Liebhaber gefunden und wurde 

sogar im NDR 90,3 vorgestellt. 

Ich habe es komplett in Eigenregie veröffentlicht. Auch das Recording 

habe ich in meinem kleinen Studio selbst gemacht. Abgesehen von den 

Drums. Hierfür sind wir ins Studio gegangen. Ein guter Freund hat Bass, 

ein paar zusätzliche Gitarrenspuren und Drums eingespielt. 

Das war eine unfassbar aufregende Reise, weil ich mir so viel Wissen in 

verschiedenen Bereichen draufschaffen musste. Vom Home-Recording über 

„Wie veröffentlicht man eigentlich ein Album?“ zu Covergestaltung und noch 

viel mehr. Zusätzlich zu den kreativen Prozessen. Es so gemacht zu haben 

ist einfach unglaublich wertvoll für zukünftige Projekte und Veröffent lichungen 

und ich würde es wieder tun. 

MM: Wie klingt es? 

KERSTIN BOGENSEE: „lebensWERT“ klingt wie ein Abend unter besten 

Freunden. Du quatschst einfach über alles. Über Beziehungen, Gesell schaft - 

liches, Liebe. Mal laut, mal leise. Mal ernst, mal heiter. 

Alles verpackt in einen schönen Bandsound, der manchmal etwas nach 

Country klingt, durchaus auch mal rockig anmutend nach vorne geht und 

im nächsten Moment wieder sehr schlicht und verträumt wird. 

MM: Wie sehen deine Zukunftspläne aus? 

KERSTIN BOGENSEE: Ich werde mich auf jeden Fall an ein zweites Album 

setzen. Zwischendurch vielleicht noch Videos zu bestehenden Songs veröffentlichen. 

Ich habe mir vorgenommen, auch in meiner Muttersprache, 

Plattdeutsch, Songs zu schreiben. Drückt mir die Daumen, dass es klappt! 

Und natürlich, wenn es endlich wieder geht, spielen, spielen, spielen! Ich 

wünsche mir einfach sehr, meine Musik an viele Menschen herantragen zu 

können und mich immer weiter entwickeln zu können. 

KERSTIN BOGENSEE 

„LebensWERT“ 

VÖ: 8. NOVEMBER 2019 

WWW.KERSTINBOGENSEE.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

KERSTINBOGENSEE.DE 

WWW.INSTAGRAM.COM/ 

KERSTINBOGENSEE 

MM: Wo kann man mehr über dich erfahren? 

KERSTIN BOGENSEE: Besucht mich gerne auf meiner Website 

www.kerstinbogensee.de und abonniert meinen Newsletter. Dort schreibe 

ich un gefähr einmal im Monat, was mich bewegt und was es Neues gibt. 

Außerdem bin ich natürlich auch auf Facebook, Instagram und YouTube 

unterwegs. 

MM: Möchtest du abschließend noch etwas sagen? 

KERSTIN BOGENSEE: Ja, vielleicht, dass es nicht immer wichtig ist, alles 

sofort perfekt zu können. Sondern nur, überhaupt anzufangen, seinen 

Träumen näher zu kommen. 

Ich bin heute glücklich, weil ich gelernt habe, jeden Schritt und auch die 

Fehler zu feiern. Ich weiß nicht, wohin meine Reise geht. Aber solange ich 

meinen Weg genießen kann, ist das auch gar nicht so wichtig. 

WEB: WWW.KERSTINBOGENSEE.DE 

INTERVIEW: OLE SEELENMEYER 

FOTOS: GRAUTONSTUDIO 


20 STORIES 

SAM RECKLESS 

„DARK TIMES ON GLAMROAD“ 

VÖ: 2019 

SAMRECKLESS.DE 


MARKUSROHMANN.SAMIRAHTARIQ 

»Die Rollen bei SAM 

RECKLESS etwas 

neu zu verteilen fühlte 

sich gut an. 

Der ja recht intime 

Prozess des Songwritings 

erfordert sehr viel 

gegenseitiges Vertrauen 

und davon gibt es bei uns 

beiden recht viel.« 

MM: 2020 hat Sam Reckless beim 38. 

Deutschen Rock & Pop Preis den 1. Platz in 

der Kategorie „Beste Solosängerin“ erhalten. 

Doch wer steckt eigentlich hinter Sam 

Reckless? 

SAM RECKLESS: Wir sind Samirah Tariq (23, 

Vocals und Gitarre) und Markus Rohmann (etwas 

älter, Gitarre, Piano und Vocals) und bilden als Duo 

das Gerüst von SAM RECKLESS. Zur Band gehören 

noch Christian Keller (Bass), Florian Altenhain 

(Schlag zeug) und Markus Höhle (E-Gitarre). 

MM: Ihr bezeichnet euer Duo als „musikalische 

Seelenverwandtschaft“. Wie habt ihr 

euch kennengelernt und warum funktioniert 

das gemeinsame Musikmachen so gut? 

SAMIRAH: Wir kennen uns seit unserer gemeinsamen 

Zeit in der Schulband. Relativ schnell 

haben wir gemerkt, dass wir musikalisch auf einer 

Wellenlänge sind. 

MARKUS: Ja, musikalische Seelenverwandtschaft 

be deutet für mich z. B., dass ich Songmelodien 

schon mit Samirahs Stimme im Kopf habe. Wenn 

wir eine Idee entwickeln, dann fühlt sich das sehr 

or ganisch und logisch an. 

SAMIRAH: 2016 habe ich Backing-Vocals auf 

dem Album deutschsprachigen Album „Himmel 

auf Erden“ von Markus gemacht. Daraus haben 

sich viele neue englischsprachige Songs entwickelt, 

mein Gesang ist in den Vordergrund ge - 

treten und Markus hat mehr Raum für die Be glei - 

tung an der Gitarre bekommen. Daraus ist dann 

SAM RECKLESS entstanden. 

MARKUS: SAM RECKLESS zu gründen war die 

logische Konsequenz unserer Zusammenarbeit 

an dem gerade genannten Album, das ich bei 

Acoustic Music Records veröffentlichen durfte. 

Die Zusammenarbeit funktionierte so gut, weil 

wir gemerkt haben, dass wir dieselbe musikalische 

Sprache sprechen. Die Rollen bei SAM 

RECKLESS etwas neu zu verteilen fühlte sich gut 


STORIES 21 

SAM RECKLESS 

»Dark Times On Glamroad« 

Rohmann bereitet mit seinen Gitarren die Bühne für die 

wunderbare Stimme von Frau Tariq. 

Mit dabei sind Florian Altenhein (Drums) und Christian 

Keller (Bass). Charlotte Fromme steuerte 

einen Violinen-Track bei und bei Live-Konzerten freuen 

SAM RECKLESS sich über Gäste wie 

Markus Höhle (E-Gitarre) und Dieter Kropp (Blues-Harp). 

Peter Finger gab sein Vertrauen dazu und so sind 

SAM RECKLESS bei Acoustic Music Records 

in Osnabrück beheimatet, um in die Welt zu ziehen. 

an. Der ja recht intime Prozess des Songwritings 

erfordert sehr viel gegenseitiges Vertrauen und 

davon gibt es bei uns beiden recht viel. 

MM: 2019 ist euer Album „Darktimes on 

Glam road“ erschienen. Was ist das Thema 

eures Albums? 

SAM RECKLESS: Unsere Songs stehen häufig 

auf – sagen wir mal – melancholischen Grund - 

pfeilern: Alte Menschheitsprobleme um Liebe & 

Co. können auch wir nicht einfach am Straßen - 

rand liegen lassen. Thematisch müssen wir diese 

Blumen pflücken ;-) aber auch Politisches („Burn 

Down Main street“) findet sich – aber ohne „Zeige- 

finger‘‘. Wir schreiben über das, was uns berührt. 

MM: Wie geht ihr beim Songwriting vor? 

SAMIRAH: Unsere Songs entstehen meist so, dass 

wir uns Textfragmente oder Instrumental ideen 

vorspielen oder schicken und der andere jeweils 

daran weiter arbeitet. Unsere Songs entstehen 

eigentlich immer im Zusammenspiel und machen 

sie deshalb gerade so besonders. 

MARKUS: Die Vorgehensweise lebt aber auch 

von den kleinen magischen Momenten, wie wir 

sie nur beim gemeinsamen Jammen haben können 

– soll heißen: bei allen digitalen Möglichkeiten 

ersetzt nichts die persönliche Präsenz! 

MM: Über die Produktion eurer Songs sprecht 

ihr von einer „Old School-Studio-Magie“. Wie 

kann man sich das vorstellen? 

SAMIRAH: Home-Recording bietet natürlich alle 

professionellen Möglichkeiten, aber wir schätzen es 

sehr, ein Studio zu buchen und uns in dieser durchaus 

wertvollen Zeit besonders zu fokussieren. 

MARKUS: Das macht etwas mit dir, wenn du deine 

Sachen packst und dorthin fährst wo alles passieren 

soll. Das ist schon eine gewisse Magie … 

MM: Live tretet ihr in verschiedenen Beset - 

zungen auf. Wie kommt es dazu? 

SAMIRAH: Es ist wahnsinnig schön, im ganz intimen 

Rahmen als Duo zu spielen und das genießen 

wir immer noch sehr. Allerdings hatten wir bei 

einigen Arrangements den Drang nach einem 

größe ren Sound und haben uns deshalb Unter - 

stützung geholt. Wir können in jeder Formation 

spielen, und jedes Mal herrscht eine ganz andere 

Magie auf der Bühne. 

MARKUS: Es kommt auch immer auf die jeweilige 

Location an, in der wir spielen. Kneipen kon zerte 

mit wenig Publikum eignen sich meist für eine 

kleine Besetzung, während die größeren Bühnen 

für die volle Bandbesetzung geeignet sind. 

MM: Woher holt ihr eure Motivation in so 

unsicheren Zeiten wie diesen? 

SAMIRAH: Um ehrlich zu sein, ist die Musik das 

Einzige, was uns gerade retten kann. Finden wir 

zumindest. Langsam geht auch uns die Puste 

aus und die Sehnsucht nach den Bühnen könnte 

nicht größer sein. Aber die Musik an sich bleibt 

uns immer erhalten, und wir versuchen, uns gegen - 

seitig zu motiveren und neue Musik zu schreiben. 

MM: Was sind eure Ziele für die Zukunft? 

MARKUS: Wir wollen alles! 

SAMIRAH: Was Markus wohl damit meint, ist eine 

Perspektive für uns als SAM RECKLESS. Wir 

wollen so viel spielen, wie wir nur können, und wir 

wollen neue Musik machen. Da wir durch die 

Pandemie nicht die Chance hatten, unser letztes 

Album großartig zu bespielen, wollen wir das 

jetzt umso mehr und umso größer. Wir hoffen, in 

Zukunft mehr Aufmerksamkeit zu bekommen. 

WEB: SAMRECKLESS.DE 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER 

FOTO: © MANFRED POLLERT 


22 STORIES 

MICK ZIMMER 

Die Corona-Zeit machte 

den Sänger kreativ, 

und es entstanden viele neue Songs, 

die alle das Licht der Welt 

erblicken wollen. 

Am 07.05.2021 meldet sich 

Mick Zimmer mit neuem Sound 

bei seinen Fans zurück. 

MICK ZIMMER 

„DAS NEUE JAHR“ – SINGLE 

VÖ: 7. MAI 2021 

WWW.MICK-ZIMMER.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/MICKZIMMERPAGE 

WWW.INSTAGRAM.COM/MICK_ZIMMER 

MM: Als Künstler hast du schon einige mu - 

sikalische Wege beschritten, vom Rock - 

sänger bis zum Musicalsänger. Wie kommt es 

zu dieser vielfältigen Laufbahn? 

MICK ZIMMER: Das liegt einfach daran, dass ich 

mich immer ausprobiert habe. Ich habe Schlager 

bei meinem Opa gesungen, in Musicals mitgespielt 

und schon mit Rockbands gesungen. Aber 

eine Sache blieb bis heute immer gleich, und 

zwar, dass ich fast ausschließlich auf Deutsch 

singe. 

Es ist einfach eine wunderschöne Sprache, und 

ich kann mich damit am besten ausdrücken, da es 

ja auch meine Muttersprache ist. Mein Englisch 

ist auch nur so Schülerenglisch (Note 3–4). 

Ich höre auch privat von Deutschrock bis 

Schlager hauptsächlich deutsche Songs. Ich bin 

froh, dass deutsche Songs wieder so angesagt 

sind wie noch nie. Dabei ist aktuell LEA ein großes 

Idol für mich. 

MM: Nun sagst du, du selbst seist angekommen, 

möchtest dich aber nicht in eine musikalische 

Schublade stecken lassen. Wie wür - 

dest du deine Musik beschreiben? 

MICK ZIMMER: Es fühlt sich im Moment gerade 

so an, als wäre ich angekommen, weil ich das 

Gefühl habe, mich bei meinen neuen Liedern nicht 

mehr zu verstellen. 

Ich habe auch nur mit einem Team gearbeitet, 

dass das gemacht hat, was ich wollte, und mir 

nichts mehr einreden lassen. Outfit, meine Be we - 

gungen, Song-Arrangements, mein Gesangsstil – 

alles kommt aus mir heraus. 

Ich würde die neue Musik als fröhlichen Elektro - 

pop beschreiben, aber trotzdem geht die Tiefe der 

Message der Songs nicht verloren. Ich könnte mir 

die neuen Songs auch auf jeder Schlagerparty 

vorstellen. Ich glaube, das macht es massentauglicher. 

MM: Für Menschen, die dich noch nicht kennen: 

Wer ist Mick Zimmer und wofür steht er? 

MICK ZIMMER: Mick Zimmer steht für ehrliche 

Texte und eine unverwechselbare Stimme. 

MM: 2019 hast du dein Debüt-Album „Ich 

bleib nicht stehen“ veröffentlicht. 2021 ist dein 

neuer Song „Das neue Jahr“ erschienen. Was 

hast du für dieses Jahr noch ge plant? 

MICK ZIMMER: Ja, meine neue Single ist endlich 

da. Es steckt sehr viel Herzblut und Liebe in diesem 

Projekt! Der Song ist in einer Elektro- und in 

einer Live-Akustik-Version erschienen. Das macht 

mich sehr glücklich, da ich den Song in beiden 

Versionen liebe und er zeigt, was man alles aus 

einem Lied machen kann. Ansonsten habe ich 

Promo-Aktionen geplant und will erst mal testen, 

wie die neue Musik an kommt. Natürlich sind 

langfristig auch ein neues Album geplant und wieder 

Live-Konzerte (wenn es endlich möglich ist). 

MM: Was macht dir als Musiker mehr Spaß: 

Live-Konzerte spielen oder an neuer Musik 

im Studio arbeiten? 


STORIES 23 

MICK ZIMMER: Ich liebe es, im Studio zu arbeiten. 

Das ist eine Arbeit, die mir so viel Spaß macht! 

Es ist so schön kreativ, etwas zu erschaffen, was 

dann immer unter Mick Zimmer bleibt. Egal ob 

der große Durchbruch gelingt oder nicht: Irgend - 

was bleibt immer. 

Und Live-Konzerte sind auf ihre Art und Weise 

auch etwas ganz Besonders, weil man das direkte 

Feedback der Menschen bekommt und das ist 

immer sehr spannend. 

Also ich würde sagen, man kann das nicht vergleichen. 

Auf der Bühne zu stehen ist wie Achter - 

bahn fahren, die Studioarbeit ist gechillter. Aber 

beides hat seinen Reiz, und ich würde sagen, ich 

liebe beides. 

MM: Durch Covid-19 sind besonders Musiker 

eingeschränkt. Wie nutzt du diese Zeit? 

MICK ZIMMER: Ich habe in dieser Zeit zwei Alben 

produziert und viele Songs geschrieben. Und 

meine Musikkarriere weiterhin geplant. Auf meinen 

Social-Media-Kanälen halte ich meine Fans 

auf dem neuesten Stand. 

MM: Du bist bekannt dafür, dass du deine 

Songs selber schreibst. Wie kann man sich 

deinen Songwriting-Prozess vorstellen? 

MICK ZIMMER: Ein Songwriting-Prozess beginnt 

meistens mit einem Thema, einer Idee und einem 

Gefühl. 

Viele Künstler sagen, dass Songs entstehen 

und man das nicht planen kann. Genau so ist es 

bei mir auch. Es kommt spontan eine Idee, die 

immer weiter ausgebaut wird. Meistens beginne 

ich mit einem Text, zu dem ich dann die Ge sangs - 

melodie erfinde. 

MM: Trotz dieser Zeit der Ungewissheit: Was 

sind deine Pläne für die Zukunft? 

MICK ZIMMER: Mein Plan ist es auf jeden Fall, 

mehr gehört zu werden und meine Fanbase zu 

»Es ist so schön kreativ, 

etwas zu erschaffen, 

was dann immer unter 

Mick Zimmer bleibt. 

Egal ob der große 

Durchbruch gelingt oder 

nicht: Irgendwas bleibt 

immer.« 

erweitern. Ich wünsche mir, dass immer mehr 

Menschen meine Musik hören. 

Und ich möchte Alben veröffentlichen und 

Kon zerte spielen. Ich glaube, das ist es, was 

sich jeder Musiker wünscht. 

Aber in erster Linie möchte ich glücklich und 

gesund sein. Das Leben ist immer ein Auf und Ab 

und man sollte immer das Beste daraus machen. 

MM: Was motiviert dich besonders in der 

jetzigen Zeit? 

MICK ZIMMER: Mich motiviert es, das Leben 

anders zu betrachten als vor dieser Corona-Zeit. 

Ich versuche mehr, Tag für Tag zu leben und be - 

wusster Dinge zu machen und zu erleben. Denn 

alles, was mal selbstverständlich war, ist nun weg. 

Ich glaub, das hat mich als Mensch schon verändert 

und ich kann mich tatsächlich über kleine 

Dinge freuen. Das hatte ich wirklich voll verlernt. 

MM: Neben der Musik ist Tierschutz auch ein 

sehr wichtiges Thema für dich. Wie kommst 

du dazu? 

MICK ZIMMER: Ich habe als Kind mitbekommen, 

dass es Legebatterien, Käfighaltung und Massen - 

tierhaltung gibt, und das hat mich irgendwie total 

runtergezogen. 

Ich finde, Tiere geben so viel Liebe und wir 

sollten sie viel mehr schätzen. Deshalb ist mir 

Tier schutz sehr wichtig. 

Ich esse zum Beispiel bewusst Fleisch und 

achte darauf, woher es kommt. Ich glaube nicht, 

dass es eine Lösung ist, Vegetarier oder Veganer 

zu sein. Ich finde, es liegt in unserer Natur, dass wir 

Tiere essen. Aber wie die Menschen mit den Tieren 

umgehen, das finde ich absolut scheiße, und ich 

finde, man sollte diese schlechten Zustände nicht 

unterstützen. Man sollte auch nicht gegen das 

Fleischessen ankämpfen, da man nie die ganze 

Welt zu Veganern oder Vegetarier machen kann. 

Das ist meiner Meinung nach nicht möglich. Aber 

man kann den Menschen zeigen, dass zum Bei - 

spiel Fleisch aus guter Tierhaltung viel besser 

schmeckt und auch frischer ist als das billige Zeug 

im Supermarkt. 

Man muss auch nicht jeden Tag Fleisch essen 

und es sollte etwas Besonders sein. Das sind 

Schritte, die man bei sich beginnen kann, und man 

kann damit die Welt ein bisschen verändern. 

WEB: WWW.MICK-ZIMMER.COM 


FOTOQUELLE: MICK ZIMMER

24 STORIES 

VOYAGER IV 

»Das gegen Ende 2019 erschienene Album 

„Pictures At An Exhibition“ von Voyager IV wurde mehrfach ausgezeichnet 

und bekam den Deutschen Rock & Pop Preis in vier Kategorien: Prog-Rock-Song, 

Prog-Rock-Sänger, Keyboarder und Singer-Songwriter. 

Absolut verdient, denn so wie die hochkarätig besetzte Band den Mix aus Klassik, 

Rock und Jazz rüberbringt, wirkt das bekannte Material 

kein bisschen abgedroschen. Im Gegenteil.« 

MM: VOYAGER IV bestehen aus vier ausgezeichneten 

Musikern, die auch einzeln in 

dem, was sie tun, sehr erfolgreich sind. Wie 

kam es dazu, dass ihr gemeinsam Musik 

machen wollt? 

MARCUS: Mein Ansatz als Crossover-Pianist 

ist es, stilübergreifend zu arbeiten. In den letzten 

Jahren habe ich mit dem Marcus Schinkel Trio 

(Fritz Roppel – bass und Wim de Vries – drums) 

und dem Programm „Crossover Beethoven“ 

Klassik und Jazz zusammengeführt. 

Bei dem neuen Programm wollte ich den 

Crossover-Gedanken mit Rockelementen er - 

weitern, indem ich Einflüsse meiner Jugend von 

Jon Lord/Deep Purple, Supertramp, Pink Floyd 

und Led Zeppelin mit meiner eigenen Musik 

verbinde. 

JOHANNES: Marcus und ich haben eine ähnliche 

Prägung, was unseren Musikgeschmack 

angeht. Aber unterschiedliche Fähigkeiten. 

Marcus ist technisch und harmonisch sehr 

versiert, er hat ja Jazzpiano studiert und kann 

eigentlich alle möglichen Stile spielen. Mein 

Schwerpunkt ist eher das Songwriting, das Er - 

stellen von musikalischen Geschichten. Da lag 

es irgendwann nahe, dass wir diese beiden 

Schwerpunkte in einem gemeinsamen Projekt 

zusammenbringen. 

MM: Euer aktuelles Album und Programm 

„Pic tures At An Exhibition“/„Bilder einer Aus - 

stell ung“ ist angelehnt an die Komposi tio - 

nen des russischen Komponisten Modest 

Mussorgsky. Warum habt ihr ihn als Vorbild 

für eurer neues Album genommen? 

JOHANNES: Die verschiedenen Versionen der 

„Bilder“ begleiten mich schon seit meiner Schul - 

zeit. Mir hatte meine Schwester damals die 

Lang spielplatten von Tomita (Synthesitzer- 

ver sion) und Ravel (Orchester) geschenkt. Das 

sind sehr zeitlose, gute und emotional tragfähige 

Melodien. Eigentlich habe ich lange auf 

eine Möglichkeit gewartet, sie selber einmal zu 

interpretieren. 

MARCUS: Das Album „Pictures At An Exhibition“ 

von Emerson, Lake & Palmer (ELP) hatte ich als 

Jugendlicher von der Stadtbücherei Hagen aus - 

geliehen und war direkt davon begeistert. Ich 

hatte ja im Klavierunterricht schon die klassische 

Klavierfassung gespielt. Es ist ja eines der ersten 

Progressive-Rock-Alben der Musikgeschichte 

und hatte bisher ungehörte Sounds mit dem 

Moog-Synthesizer. 


STORIES 25 

Nach dem tragischen Tod von Keith Emerson 

2016 wollte ich ein Hommage-Konzert für Keith 

und das Album machen, mit Johannes hat sich 

aber sehr schnell etwas ganz Eigenes daraus 

entwickelt. 

MM: Was sind die Geschichten der „Bilder“ 

eurer „Ausstellung“? 

MARCUS: In diesem inzwischen 150 Jahre alten 

Zyklus beschreibt der russische Klassik kom - 

ponist Modest Mussorgsky die gemalten Bilder 

seines vor Kurzem verstorbenen Freundes Viktor 

Hartmann. In den alten Versionen von ELP werden 

oft nur einige der Bilder beschrieben. Wir 

haben alle Bilder des Zyklus aufgenommen und 

neue musikalische Geschichten dazu er zählt. 

Das geht thematisch von einem alten Schloss 

über Ochsen und Geschichten von Arm und 

Reich bis zu Daedalus und Ikarus. 

Zusätzlich erzähle ich musikalisch von meinen 

Einflüssen, nicht nur von Keith Emerson, sondern 

auch denen anderer Synthesizerpioniere der 70er 

wie Jon Lord, Jan Hammer, George Duke, Herbie 

Hancock, Chick Corea und Joe Zawinul. 

JOHANNES: Geschichten sind immer dann gut, 

wenn sie etwas tief Persönliches erzählen können. 

Dann werden sie auch nie alt oder langweilig. 

Bei „Daedalus calling“ erzählen wir zum Beispiel 

den Absturz des Sohnes beim Fliegen erstmals 

aus der Sicht des betroffenen Ingenieurs und 

Vaters. Bei „Photophobia“ beschreiben wir eine 

Ge schichte aus meiner Vergangenheit, bei der 

ich aus einer vorübergehenden Erblindung langsam 

wieder sehen gelernt habe. Dies ist einer 

der wenigen Songs über eine Krankheit geworden 

und be schreibt auch die positiven Aspekte 

– dass sich zum Beispiel das Hören nach Verlust 

des Sehens stark verbessert und sich durch eine 

Ein schrän kung andere Möglichkeiten auftun. 

Die meisten Songs der Bilder sind auf unserer 

aktuellen CD. Der Song „Limoges – The City 

Is Alife“ ist aber neuer. Hier haben wir das Aus - 

sterben der Innenstädte unter und auch schon 

vor Corona thematisiert. Das Album wurde als 

„Bestes Album“ der Kategorie „Progressive 

Rock“ im Jahre 2019 gewählt und kam in die 

oberen Plätze des Rockmagazins „Eclipsed“. 

MM: Wie sind die Songs entstanden? 

MARCUS: Die erste Grundlage sind Melodien 

und Stimmungen der ursprünglichen „Bilder“. 

Diese haben wir dann als Grundlage für unsere 

eigenen Songs und Kompositionen genommen, 

also „die Melodien von innen nach außen 

gekrempelt“ (K. Emerson). 

Johannes und ich haben uns regelmäßig zu 

Kompositionssessions getroffen. Wir haben alles 

im Computer arrangiert und dann die Parti tu - 

ren an unsere Mitmusiker Fritz und Wim weitergegeben. 

Das war ein regelmäßiges Pingpong 

zwischen uns beiden, wo wir teilweise „oldschool“ 

zusammen am Klavier gesessen und teilweise 

Midi- oder Audiofiles hin- und hergeschickt 

haben. 

Der korrigierende Faktor des jeweils anderen 

war dabei sehr hilfreich, um eine gute Hör bar - 

keit und Allgemeingültigkeit zu erreichen. 

JOHANNES: Wir haben beide sehr viele unfertige 

eigene Songs auf unseren Festplatten. Die 

Songs zu diesem Projekt sind jedoch alle neu 

und genau hierfür gemacht. Wir haben beide 

kleine Studios und viele, teils sehr ungewöhnliche 

Instrumente. Da ist auch viel aus gemeinsamer 

Spielerei entstanden. Man schlägt eine 

Harmonie, Melodie oder einen Rhythmus für 

einen Song vor und ist dann überrascht, was der 

andere daraus macht. 

MM: Von den Aufnahmen bis zur Produk tion: 

Wie war die Arbeit im Studio? 

MARCUS: Wir haben uns in den wunderbaren 

Maarweg Studios, dem ehemaligen EMI Studio 

in Köln, eingemietet, das mit modernem Equip - 

ment trotzdem den Flair der 70er atmet. 

Hier haben schon Pink Floyd, Tina Turner, Joe 

Cocker, aber auch Jupiter Jones oder Clueso 

aufgenommen. 8 


26 STORIES 

Die Songs waren ja schon fertig arrangiert 

und wir haben vorher alles mehrfach in Demo - 

qualität aufgenommen. Die Atmosphäre dieses 

alten Studios hat unsere Musik doch sehr 

beeinflusst, das hört man auf den Aufnahmen. 

Produziert wurde das Album von Jon Caffery. 

Jon war prägend für den Sound und den Mix, 

hat sich jedoch nicht in die Arrangements der 

Songs eingemischt. Es war eine wunderbare 

Vor-Corona-Erfahrung – den ganzen Tag zusam - 

men im Studio, am Abend alle zusammen essen. 

MM: VOYAGER IV ist unter dem Label Me lodic 

Revolution Records (MRR) in Orlando, Florida 

als „Progressive Rock“ verzeichnet. Was 

genau ist „Progressive Rock“? 

JOHANNES: Ich habe mal bei Wikipedia nachgesehen: 

„Progressive Rock (kurz Prog oder 

Prog-Rock) ist eine Musikrichtung, die Ende der 

1960er-Jahre entstand, als Musiker populäre 

Genres wie Popmusik, Rockmusik, Blues oder 

Rock ’n’ Roll aufgriffen und um stilistische 

Merkmale anderer musikalischer Gat tun gen er - 

gänzten. Dabei wurden vor allem Kom po - 

sitionsweisen, harmonische Grund lagen und 

In strumentierungen aus der abendländischen 

Klassik einbezogen. Die beteiligten Bands griffen 

ebenso auf Einflüsse aus Jazz und traditionellen, 

nichtwestlichen Formen zurück.“ Wir 

wussten eigentlich vorher gar nicht, dass wir 

das machen. Aber inzwischen können wir uns 

damit identifizieren. Es ist auch schön, dass 

dieser Stil noch eine treue Fangemeinde und 

ein erfolgreiches Musikmagazin (Eclipsed) hat. 

Die verfolgen genau, was du machst. Das tut 

gut. 

»Geschichten sind immer 

dann gut, wenn sie 

etwas tief Persönliches 

erzählen können. 

Dann werden sie auch nie 

alt oder langweilig.« 

MARCUS: Diese Auszeichnung ist in vielerlei 

Hinsicht besonders. Es ist meines Wissens das 

erste Mal, dass eine Band den Hauptpreis „Beste 

Rockband Deutschlands“ bekommt, ohne dass 

überhaupt eine Gitarre dabei ist. Im Wett be - 

werbs song entsteht der Rock-Charakter eher 

durch das verzerrte „Distortion“-Clavinet und 

die Drums. Hinzu kommen gesampelte Or ches - 

ter parts. Außergewöhnlich also. Wir haben 2019 

auch erste Preise in den Kategorien „Bester 

Sänger Jazz-Fusion“, „Bester Key boarder“ und 

„Beste Komposition Progressive Rock“ erhalten. 

JOHANNES: Am Anfang von Covid gingen 

noch einige wunderbare Konzerte. In der brennend 

heißen Sommersonne 2020 haben wir 

zum Beispiel auf der Kulturbühne des Steinbruch 

Stöffelpark Open Air gespielt. Da durften dann 

anstatt sonst 600 Leute nur noch 200 hinkommen. 

Danach war es für alle erst mal vorbei. Wir 

haben einige Streamingkonzerte gemacht, zum 

Beispiel von der Stadt Kaiserslautern in der 

Fruchthalle. Das war eine tolle Umgebung, per - 

fekte Technik, aber eben kein Publikum. Da fehlt 

dann immer etwas Adrenalin, das man zum 

Gelingen eines perfekten Konzertes braucht. 

MARCUS: Online-Streamingkonzerte waren und 

sind ein guter Notbehelf, aber ersetzen nicht die 

Präsenz-Konzerte. Doch die Zeit konnte ich nutzen: 

Neben meinem Großprojekt, das Credo aus 

Beethovens „Missa Solemnis“ für Jazztrio, Chor 

und Orchester zu bearbeiten, basteln Johannes 

und ich auch schon an einem neuen Pro gramm 

und Album. 

MM: Was sind eure Ziele nach Corona? 

An das amerikanische Label sind wir über 

einen befreundeten Singer-Songwriter (Aaron 

English – unbedingt googeln!) herangekommen. 

Er hatte uns bei dem Label MRR empfohlen. 

MARCUS: Nick Katona vom MRR-Label coacht 

uns jetzt und macht den Vertrieb in den USA. 

Ich habe ihn 2019 in Florida besucht – er macht 

seinen Job aus Überzeugung und Liebe zur 

Musik. Die erste Pressung von 1 000 CDs haben 

wir 2019 – 2020 verkauft, sodass wir jetzt die 

nächste Auflage pressen konnten. 

Prog-Rock ist für mich die ideale Basis, um 

meine verschiedenen stilistischen Interessen 

wie Rock, Jazz und Klassik auf einen Nenner 

zu bringen. 

MM: 2020 wurdet ihr beim 38. Deutschen 

Rock & Pop Preis als „Beste Rockband“ 

ausgezeichnet. Was bedeutet das für euch? 

JOHANNES: Auf den aktuellen Preis sind wir 

besonders stolz, da es der allerletzte „Deutsche 

Rock & Pop Preis“ auf der Welt ist. Er wird ab 

2021 nicht mehr in dieser Form verliehen. Der 

goldene „Oscar“, der jetzt auf meinem Klavier 

steht, ist der letzte seiner Art weltweit. 

MM: Durch Covid-19 ist die Kulturbranche 

zurzeit sehr eingeschränkt. Hattet ihr trotzdem 

die Gelegenheit, Konzerte zu geben, und 

was habt ihr für Erfahrungen gesammelt? 

»Unser gemeinsames 

Hauptprojekt ist jedoch, 

dass wir uns 

mit VOYAGER IV tiefer 

in das musikalische 

Gedächtnis einbrennen 

können.« 


STORIES 27 

MARCUS: Wir mussten die Tour 2020 absagen. Davon wird dann 

2022 einiges nachgeholt. Wir freuen uns besonders auf das anstehende 

Open-Air-Live-Konzert bei „Night of the Prog“ auf der Loreley- 

Rheinbühne. Diese Location kenne ich seit der Kindheit von den 

„Rockpalast“-Konzertreihen, und das wird schon etwas Beson de - 

res. Zudem habe ich mehrere Anfragen als Solopianist für Latein - 

amerika und China, da hoffe ich, dass dies stattfinden kann. 

JOHANNES: Über unseren Labelmanager Nick werden wir auch 

ein oder mehrere Konzerte in den USA machen. Darauf freuen wir 

uns auch: frei als Musiker herumreisen, neue Leute kennenlernen, 

musikalische Kooperationen anfangen, uns selbst musikalisch neu 

erfahren bei einer gemeinsamen längeren Reise, die hoffentlich 

kosten deckend be zahlt wird (lacht). 

MM: Für 2022 ist ein neues Projekt von VOYAGER IV geplant, 

das sich mit der „Rheinromantik“ von Wagner beschäftigen 

wird. Was ist die Motivation für dieses Konzept und gibt es 

noch weitere Projekte der Bandmitglieder? 

MARCUS: Alle Bandmitglieder haben eigene Projekte: Unser Bassist 

Fritz spielt in einer argentinischen Tangoband, unser Schlagzeuger 

Wim de Vries gibt Solokonzerte für Sonor und Meinl, ich spiele mit 

dem Gitarrenvirtuosen Joscho Stephan. Zudem kommt die Premiere 

meines Credo zum Beethovenfest 2022 in großer Chor- und Or - 

chester besetzung plus Marcus Schinkel Trio. Johannes macht Film - 

musik, schreibt gerade ein Musical und macht Songs für andere 

Bands. Unser gemeinsames Hauptprojekt ist jedoch, dass wir uns 

mit VOYAGER IV tiefer in das musikalische Ge dächt nis einbrennen 

können. Dazu versuchen wir, mehr Liveauftritte zu machen und Auf - 

nahmen und Songs, die einen Langzeitwert haben. 

»Picco« 

»Grande« 

VOYAGER IV 

„Pictures At An Exhibition“ 

VÖ: 2019 

LABEL: Melodic Revolution Records, Florida 

MRRMUSIC.COM 

Album bei allen Streamingportalen und bei 

AMAZON.DE 

»Gomezz« 

JOHANNES: Wir leben hier alle sehr nahe am Wasser des Rheins. Er 

ist unsere Heimat. Das wollten Marcus und ich in einem gemeinsamen 

Projekt musikalisch thematisieren. Da sind wir dann gar nicht an 

den Leitmotiven von Richard Wagner vorbeigekommen. Keine Angst, 

das wird keine Oper. Wir mögen beide den knödeligen Operngesang 

nicht so sehr, der sich ja so entwickelt hatte, als es noch keine Mikro - 

fone gab. Das neue Projekt wird noch moderner klingen, vielleicht 

kein Progressive Rock, sondern „Space-Art-Contemporary-Euro- 

pop“, who knows. Und wir möchten bei Wikipedia und in den Schul - 

büchern kommender Generationen mit unseren Versionen der „Bilder 

einer Aus stel lung“ und der „Rheinromantik“ genannt werden. 

WEB: VOYAGERIV.COM 

MARCUS-SCHINKEL.DE | JOHANNESKUCHTA.COM 


FOTOQUELLE: VOYAGER IV 

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28 STORIES 

Was fängt man 

mit einer Überdosis 

musikalischen 

Talents im kleinen 

Sauerland an? 


STORIES 29 

SAMIYA 

Die Stimme einer neuen Generation Soul 

MM: Beim 38. Deutschen Rock & Pop Preis 

2020 hast du in vier Kategorien den ersten 

Platz erreicht, unter anderem in der Haupt - 

kategorie Deutscher Singer Preis, und das 

alles mit gerade mal 15 Jahren. Wie hast du 

deine Leidenschaft zur Musik und zum 

Singen entdeckt? 

SAMIYA: Ja, das ist immer noch krass für mich, 

beim Deutschen Rock & Pop Preis gleich in vier 

Kategorien den 1. Platz belegt zu haben, und ich 

freue mich sehr darüber. Meine Leidenschaft zur 

Musik war, glaube ich, schon immer da, seitdem 

ich denken kann. Mit sieben habe ich angefangen, 

selbst zu singen, und mit zehn war ich dann 

so weit und wollte meinem Vater etwas vorsingen. 

Der war dann so überrascht, dass er mich in einer 

Musikschule angemeldet hat. Erst bekam ich 

Gitarrenunterricht, dann mit 13 Jahren Ge sangs - 

unterricht und Klavierunterricht. Mit elf war ich 

Sängerin in einer Jugend-Band, mit der wir sehr 

viele Auftritte hatten auf Stadtfesten oder Ähn - 

lichem. Mit 13 wollte ich dann mein eigenes Ding 

machen und habe angefangen, nur noch solo 

aufzutreten. Nur mein Klavier und ich. 

MM: Wie bist du zum Songwriting gekommen 

und woher holst du die Inspiration für 

neue Songs? 

SAMIYA: Ich habe eine Zeit lang nur Songs ge - 

covert. Irgendwann fühlte ich mich einfach so weit 

und wollte eigene Songs schreiben über mich und 

meine Gefühle. Meine Inspiration hole ich eigentlich 

immer über das, was ich grad fühle. Mir ist es 

sehr wichtig, dass meine Songs echt sind, und 

wenn ich damit andere Menschen erreichen kann, 

die es vielleicht ähnlich oder genauso fühlen, dann 

ist das das Größte für mich. 

MM: Wie fängt es bei dir mit dem Song writing 

an? Kommt erst die Melodie oder der Text? 

SAMIYA: Ich schreibe immer am Klavier und bei 

mir kommt immer erst die Melodie und dann der 

Text. 

MM: Gibt es Musiker und/oder Songwriter, 

mit denen du gerne mal zusammenarbeiten 

möchtest? 

SAMIYA: Ich habe bereits mit einigen wirklich tollen 

Musikern und Songwritern zusammengearbeitet 

und es hat sehr viel Spaß gemacht oder tut es 

immer noch. 

Träume habe ich natürlich auch, wie jeder von 

uns. Ich würde sehr gerne mal mit Mariah Carey 

und Ariana Grande arbeiten. Das wäre die Krö - 

nung! Grins* 

MM: Du begeisterst mit deiner außergewöhnlichen 

Blues- und Soul-Stimme. Wer 

sind deine musikalischen Idole? 

SAMIYA: Danke, das freut mich, wenn es euch 

gefällt. Meine Idole sind Etta James, Whitney 

Houston, Mariah Carey, Beyonce und Ariana 

Grande. Das waren oder sind noch wirklich große 

Sängerinnen und Stars, die die Welt begeistert 

haben oder es noch immer tun. 

MM: Vor Kurzem warst du in Berlin im Ton - 

studio. An welchen Projekten arbeitest du 

zurzeit, kommt vielleicht bald dein erstes 

Album? 8 

Die Antwort liefert die erst 15-jährige Samiya: 

Schon seit ihren ersten Gigs mit 13 begeistert 

sie Blues-, Soul- und Pop-Fans 

wie -Kritiker mit ihrer überlebensgroßen und 

doch leichtfüßigen Ausnahmestimme. 

Und schickt sich nun an, ganz Deutschland 

zu erobern! 


30 STORIES 

»Schließt man die Augen, hallen 

Nuancen ihrer Idole 

Etta James, Christina Aguilera 

und Alicia Keys in Samiyas 

eigenem Sound und Stil wider.« 


STORIES 31 

SAMIYA: Ja, das stimmt! Ich bin seit Februar 

des Öfteren in Berlin. Wir schreiben neue Songs 

und nehmen sie im Studio auf. Ich arbeite mit 

Profis der Musikbranche zusammen und bin 

sehr dankbar, so eine Chance bekommen zu 

haben. Das macht einen Riesenspaß und ich bin 

mehr als nur glücklich mit den bisherigen Er - 

gebnissen. Wir pro duzieren weiter Songs und 

werden dann entscheiden, wie es weitergeht. 

Für ein Album ist es vielleicht noch zu früh, aber 

ich glaube, weitere Singles wird es vielleicht 

schon bald geben. Grins* 

Das ist sehr spannend für mich! 

MM: Wie ist es für eine junge New comerin 

wie dich, während Covid-19 im Musik - 

busi ness Fuß zu fassen? 

SAMIYA: Es ist, glaube ich, für uns alle schwer, 

und ich hoffe, dass es bald vorbei ist und wir 

wieder leben können, wie es Menschen normalerweise 

tun. 

MM: Was sind deine Ziele für die Zu kunft? 

SAMIYA: Meine Ziele und Wünsche sind Ge - 

sundheit, Liebe und Glück mit meiner Familie 

und meinen Freunden. Meinen Schulabschluss 

dieses Jahr zu machen, um mich komplett meiner 

Leidenschaft hingeben zu können, der Musik. 

Alles andere kommt von alleine. 

MM: Abschließend: Wo kann man mehr 

über dich erfahren und wo findet man deine 

Musik? 

SAMIYA: Ich bin auf Instagram zu finden unter 

@samiya.musiic. Meine Musik findet man auf 

allen gängigen Streaming-Plattformen wie Spotify, 

AppleMusic, AmazonMusic, Deezer etc. Mein 

Musik-Video auf YouTube unter „Samiya I’d 

Rather Go Blind“, und wenn man mehr er fah ren 

möchte, auch gerne auf meiner Homepage. 

WEB: SAMIYAMUSIC.COM 


FOTOQUELLE: SAMIYA 

SAMIYA 

„I’d Rather Go Blind“ 

VÖ: 2020 

SAMIYAMUSIC.COM 


SAMIYA.MUSIIC

32 STORIES 

PAUL 

BARTSCH 


STORIES 33 

Träume im Kopf, 

Wut im Bauch, Wärme 

im Herzen 

– das ist der Stoff, aus dem der 

hallesche Liedermacher 

PAUL BARTSCH und seine BAND 

seit Jahren 

ihre Songs schneidern. 

*Thomas und Paul 

MM: Du bist 1954 in der DDR geboren und aufgewachsen. Wann und 

wie ging es mit der Musik bei dir los? 

*Thomas Fahnert & Paul Bartsch 

PAUL BARTSCH: Das kann ich ziemlich genau datieren: Als ich im Sommer 

1968 auf die Erweiterte Oberschule in Halberstadt kam, hatte plötzlich 

jeder von uns 14-, 15-Jährigen eine Holzgitarre in der Hand und versuchte 

sich an „House Of The Rising Sun“ oder „Hey Joe“. Die meisten haben das 

schnell wieder gelassen, als Blasen auf den Fingerkuppen entstanden. Ich 

hab weitergemacht und ein Jahr später schon in einer ersten Schülerband 

geklampft. Wir haben Stones gecovert, Kinks, die McCoys, Lords oder 

Steppenwolf. Und weil mein DDR-Englisch nicht besonders gut war, hab 

ich da schon begonnen, eigene Texte zu schreiben. 

MM: Hattest du als Liedermacher Probleme mit dem Staat? 

PAUL BARTSCH: Nun, zunächst brauchte man ja in der DDR für jegliche 

musikalische Betätigung eine staatliche Zulassung, egal ob Amateur oder 

Profi. Ich habe 1981 meinen Berufsausweis erworben, da stand „Gesang 

(Chanson)“ drin, weil der Begriff „Liedermacher“ seit der Biermann-Aus - 

bür ge rung dem Staat suspekt war. Und es gab Diskussionen um Texte, die 

beispielsweise die Geschichte der Königskinder an die Berliner Mauer verlegten 

oder an den gerade verstorbenen Studentenführer Rudi Dutschke 

erinnerten. „Konzertberichte“ fanden sich später auch in meiner Stasi- 

Akte. Aber ich verstand mich ja keineswegs als Staatsfeind, nur weil ich ein 

anderes Bild vom Sozialismus im Kopf hatte als das, was mich real umgab. 

Zudem entwickelte ich – wie viele meiner Kolleginnen und Kollegen – eine 

bestimmte Technik, mich in meinen Texten über Metaphern und Bilder 

auszudrücken, die das Publikum sehr wohl verstand, die aber für die 

Zensur nicht angreifbar waren. Oft war es ein Tanz auf dem Drahtseil – ich 

bin aber nicht runtergefallen. 

MM: Was hat sich durch die „Wende“ seinerzeit für dich geändert? 

PAUL BARTSCH: Zunächst mal ganz persönlich: Das war ein Moment, der 

die Brust weitete, der Hoffnungen auslöste und bisher Undenkbares zu 

ermöglichen schien! Und der schnell umschlug in Ernüchterung, in Enttäu - 

schung, auch in Trotz, durchaus. Ich war in dieser Zeit mit einer professionellen 

*Gerd Hecht und Sander Lueken 

*Paul Bartsch und Band 

8 


34 STORIES 

PAUL BARTSCH 

„LiveRillen 

Konzerte aus sechs Jahrzehnten Rockmusikgeschichte 

– direkt vom Plattenteller abgedreht!“ 

(Die Scripte der monatlichen Radiosendung „LiveRillen“ 

auf Radio Corax) 

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Band in Halle aktiv, plötzlich konnten wir eine LP 

einspielen („Leben in der Stadt“), die im Sommer 

1990 erschien. Dann mussten wir die Erfahrung 

machen, dass sich kaum jemand für uns interessierte: 

Die Neu-Bundesbürger wollten endlich die 

Platten kaufen, an die man bisher nicht rankam, 

und die Alt-Bundesbürger hatten auch nur selten 

ein offenes Ohr für unsere kritischen Ost-Töne. Die 

Band hatte von heute auf morgen keine Auftritte 

mehr und zerbrach; die Musiker mussten sich mit 

allen möglichen Jobs über Wasser halten, viele 

haben die Musik ganz an den Nagel gehängt. 

Ich hatte ja meine berufliche Tätigkeit als Netz, 

das mich auffing, und habe künstlerisch ohne 

Pause weitergearbeitet. Und rasch fanden sich 

Musikerfreunde, die mich unterstützten. Dann eröffneten 

sich neue Möglichkeiten für Kon zerte, sogar 

international (Dänemark, Belgien, Bulgarien, 

Luxemburg), und für CD-Produktionen, die zu - 

nehmend Beachtung (etwa in der deutschen 

Liederbestenliste) fanden. Und seit 2003 habe 

ich nun wieder eine tolle Band, mit der ich spiele. 

MM: Wenn es um Songwriting geht: Welche 

Themen bewegen dich, was ist die Grund - 

lage deiner Texte? 

PAUL BARTSCH: Ich habe keine Prioritätenliste. 

Was mich an- und aufregt, kann zum Text, zum 

Lied werden. Das sind persönliche, private Dinge 

ebenso wie Fragen des gesellschaftlichen Mit - 

einanders, wobei ich stets den Bezug zu mir und 

meinem Leben suche. Das erfordert auch Reflexion 

und Selbstkritik – ich stelle mir oft die Frage, wie 

dieses Hier und Heute zwischen gestern und 

morgen eigentlich entsteht und was mein Anteil 

daran ist. Im besten Fall entstehen so Ge schichten, 

die über die musikalische Brücke ihr Publikum 

erreichen. 

MM: Hast du stilistische Vorbilder oder Mu - 

siker, an denen du dich orientierst? 

PAUL BARTSCH: Natürlich lebe ich als Künstler 

nicht im luftleeren Raum. Andererseits habe ich 

nie Spaß daran gefunden, andere zu covern. 

Frühe Bezugspunkte waren Pete Seeger, der in 

der DDR sehr populär war, auch Joan Baez, Bob 

Dylan, Bettina Wegner und das, was man als 

DDR-Singebewegung bezeichnet, wobei dort häufig 

das gesellschaftlich Erwünschte im Vorder - 

grund zu stehen hatte. Aber was Generations - 

gefährten wie Gundermann, Wenzel oder Rump 

seinerzeit machten, hat mich sicher beeinflusst. 

Und Gundi, dem 1998 mit nur 43 Jahren verstorbenen 

Liedermacher, fühle ich mich bis heute verbunden. 

Dabei sind meine musikalischen Vor lieben 

breit gefächert, was sich in der Musik meiner Band 

niederschlägt – das geht von Song und Chanson 

über Folk und Rock bis zu Blues und Reggae. 

MM: Du arbeitest professionell als Künstler, 

hast aber auch andere Berufe ausgeübt. Wie 

kam es dazu? 

PAUL BARTSCH: Tja, es hat sich einfach nicht 

ergeben, dass ich alles auf eine einzige Karte setzen 

wollte. Oder musste. Ein Architektur studium 

habe ich in den Sand gesetzt, als Hilfsarbeiter 


gejobbt, dann Pädagogik studiert, aber nie in der 

Schule gearbeitet. 1988 habe ich als Literatur - 

wissenschaftler promoviert, an der Uni Halle ge - 

arbeitet, dann als Medienpädagoge am Landes - 

institut Sachsen-Anhalt, als Hörfunkjournalist beim 

MDR und schließlich ab 2009 als Professor für 

Erziehungswissenschaft an der Hochschule 

Merseburg. Alles Erfahrungsbereiche, die sich mittelbar 

oder auch ganz direkt in meinen Liedtexten 

wiederfinden. Ich würde es im Nachhinein wohl 

wieder so machen – ein geradliniger, eindimensionaler 

Lebenslauf wäre nichts für mich. Und als 

„reiner Künstler“ steckt man mitunter in einer Blase 

fest, die mit dem eigentlichen Leben wenig zu 

tun hat. 

MM: Mit „Bartsch & Band“ kannst du schon 

einige Erfolge feiern. 2020 habt ihr beim 38. 

Deutschen Rock & Pop Preis unter anderem 

die Auszeichnung für den „besten Song des 

Jahres (deutschsprachig)“ erhalten. Doch 

wer steckt hinter „Bartsch & Band“? 

PAUL BARTSCH: Gut, dass du fragst, denn ohne 

meine Musiker, die zugleich gute Freunde sind, 

wäre das, was ich mache und erreicht habe, gar 

nicht möglich! Schon seit 1987 arbeite ich mit 

Thomas Fahnert (Gitarre, Geige, Gesang) zu sam - 

men; auch der Bassist Gerd Hecht ist „schon 

ewig“ an meiner Seite. Ende der 1990er-Jahre 

hat der Schlagzeuger Ralf Schneider (ein studierter 

Klassiker) eine Studioproduktion bereichert, 

und als ich 2003 meine Band gründete, sagte er 

sofort zu. Komplettiert wird die Stammbesetzung 

durch Sander Lueken (Keyboards, Gesang), der 

zu DDR-Zeiten in der populären M.-Jones-Band 

spielte und deren Hit „Nacht aus schwarzem 

Samt“ geschrieben hat. Zudem gibt es seit Jahren 

eine fruchtbare Zusammenarbeit mit dem Leipziger 

Jazzer Frank Nowicky (Saxofon, Quer flöte) und 

dem Berliner Gitarristen Michael Lehrmann (ex 

Reform, Stern Meißen, Veronika Fischer), und meine 

aktuelle CD hat Michas Sohn Felix M. Lehrmann 

eingetrommelt, der auch schon für Sarah Connor, 

Yvonne Catterfeld oder Dieter „Maschine“ Birr 

ge arbeitet hat. 

STORIES 35 

MM: Wie wichtig ist euch die Vernetzung 

innerhalb der Szene? 

PAUL BARTSCH: Man sieht schon an den Mu - 

sikern, mit denen ich gern arbeite, wie weit diese 

Netze reichen. Als Liedermacher bin ich, was das 

Schreiben betrifft, allerdings zunächst mal Indi - 

vidualist, aber eben kein Einzelkämpfer. Das endgültige 

Gesicht eines Titels wird von allen Mit wir - 

kenden bestimmt. Und natürlich gibt es Kontakte 

zu anderen Künstlern, die in ähnlichen Gefilden 

unterwegs sind. Diesbezüglich hat mir die Mit - 

gliedschaft im Profolk e. V. und im DRMV viel 

geholfen, wobei es gerade hinsichtlich der Vereine 

noch Luft nach oben gibt. Deren Arbeit kann eben 

nur so gut sein, wie wir als Mitglieder das aktiv 

fördern! 

MM: Was hat die Corona-Pandemie für Aus - 

wirkungen auf euch, eure Musik und was sind 

eure Perspektiven? 

PAUL BARTSCH: Tolles Timing: Ende Februar 

2020 war unsere CD „Alle Fragen offen“ fertig – 

gleich nach dem Release (29.02.2020) musste die 

Kultur runterfahren. Das war schon bitter, denn 

der Terminkalender war gut gefüllt. Im Sommer 

2020 waren einige Sachen möglich, wir haben 

auch ein Konzert im Offenen Kanal gespielt, das 

gestreamt wurde. Aber das ist nichts gegen echte 

Konzerte! Andererseits hat die unfreiwillig freie Zeit 

bei mir die Schleusen geöffnet – im Hand umdrehen 

habe ich ein Dutzend neuer Songs geschrieben, 

die wohl nur auf diese Ge legenheit gewartet 

haben. Die haben wir dezentral eingespielt, und 

nun ist schon der nächste Silberling da: „Lieder 

vom Kommen und Gehn“ (Release: 01.07.2021). 

Wir hoffen, viele der verschobenen Konzerte demnächst 

nachholen zu können, denn die neuen Titel 

wollen zum Publi kum! 

Dass wir für „Alle Fragen offen“ dann im 

Dezember 2020 den Deutschen Rock & Pop Preis 

als bestes Chanson-Album 2020 erhalten haben, 

war natürlich mehr als eine kleine Genug tuung. 

Mal sehen, ob die neue CD eine ähnliche Re so - 

nanz erfährt. 

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MM: Wen soll eure Musik erreichen und was 

soll sie bewirken? 

PAUL BARTSCH: Ein fest umrissenes Zielpublikum 

habe ich nicht. Ich denke, wir erreichen vor allem 

jene, die das, was uns umgibt, mit wachen Augen 

sehen und nichts für unveränderlich halten. Die 

träumen können, Utopien lieben und trotz aller 

Probleme ringsum optimistisch bleiben wollen. 

Genau das möchte ich unterstützen, auch wenn 

ich selbst in meinen Liedern manchmal mutiger 

und weiter bin als im Leben. 

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INTERVIEW: OLE SEELENMEYER 

FOTOS: © MANFRED POLLERT 

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36 STORIES 

Soul mit Blick für den Zeitgeist 

MM: Beim 38. Deutschen Rock & Pop Preis 

2020 hast du den 1. Platz in der Haupt kate - 

gorie „Pop“ mit deinem Song „Gratis“ erzielt. 

Was ist die Message des Songs? 

SIHNA MAAGÉ: Erst einmal freue ich mich riesig 

über diesen Preis. Vielen Dank, dass ich dabei 

sein durfte! Kurz und knackig: In „Gratis“ geht es 

um die Zustände in der deutschen Musik in dus - 

trie und was es mit den Musiker*innen macht, die 

ihren Lebensunterhalt mit Musikmachen verdienen, 

aber nicht super bekannt sind. Die haben 

nämlich, durch Streamingdienste und andere 

Plattformen, zwar die Möglichkeit, ihre Musik zu 

präsentieren, dadurch, dass aber beinahe alles 

for free ist, verdienen sie kaum etwas an ihrer 

Arbeit. Dabei ist Musiker*in ein Job wie jeder 

andere, der auch entsprechend vergütet werden 

sollte. Die Wahrnehmung dafür hat sich nur leider 

in den letzten Jahren sehr verändert. Viele 

denken, ich hätte den Song in der Coronazeit 

ge schrieben. Dass es primär um die Zeit im Lock - 

down geht. Doch tatsächlich ist „Gratis“ viel früher 

entstanden. Die aktuellen Zustände für Musiker 

sind zwar momentan katastrophal, das grundsätzliche 

Problem gab es jedoch schon deutlich 

früher. 

MM: Mit deinen Songs spielst du mit verschiedenen 

Genres, Themen und Stim mun - 

gen. Wie gehst du beim Songwriting vor? 

SIHNA MAAGÉ: Beim Songwriting selbst habe 

ich eigentlich kein Grundrezept. Ich finde es immer 

superspannend, Neues auszuprobieren und mit 

Genregrenzen zu experimentieren. Manchmal habe 

ich ein Thema oder eine Zeile im Kopf und schreibe 

sie auf. Danach folgt dann erst die Gesangs - 

melodie und dann die Musik. Manchmal baue 

ich aber auch zuerst einen Beat und überlege mir 

danach erst, welcher Text und welche Gesangs - 

melodie dazu passen könnten. Ich finde es sehr 

spannend, mit Beatloops oder Samples rumzuspielen. 

Das gibt mir manchmal ganz neue In spiration. 

MM: Woher erhältst du deine musikalischen 

Einflüsse und Inspirationen? 

SIHNA MAAGÉ: Privat kann ich mich für unendlich 

viele Musikstile begeistern und entdecke auch 

gerne Neues. Momentan höre ich super viel 

deutschen Hip-Hop und englisch- und deutschsprachige 

Soulmusik. Meistens ist es eine Stim - 

mung, die mich packt. Egal ob in einem Song 

oder aus einer Situation heraus entstanden. An 

manchen Tagen schreibe ich dann einen Song in 

wenigen Stunden. Manchmal funktioniert das aber 

auch überhaupt nicht. :) Auf Knopfdruck schreiben 

ist nicht so mein Ding. 

MM: Die Songs auf deiner aktuelle EP „Alles 

Gratis“ sind alle auf Deutsch. Die Songs auf 

deiner 2017 erschienenen EP „Summerlove“ 

sind auf Englisch. Warum hast du dich entschieden, 

auf Deutsch zu singen? 

SIHNA MAAGÉ: Eigentlich wollte ich nie auf 

Deutsch schreiben. In meiner Jugend haben alle 

meine Lieblingskünstler englischsprachige Musik 

gemacht und ich dann eben auch. Vor ein paar 

Jahren habe ich den deutschsprachigen Soul, 


STORIES 37 

»Sie schreit ihre Botschaften nicht 

plakativ heraus, sie platziert sie mit 

entspannten Pop-Sounds, fantastischer 

Soulstimme und poetisch-frechen 

Texten als musikalisches Statement.« 

SIHNA MAAGÉ 

„Gratis“ – Single 

VÖ: 18. SEPTEMBER 2020 

„Alles Gratis“ – EP 

VÖ: 15. JANUAR 2021 

WWW.SIHNA-MAAGE.DE 

mit Künstlerinnen wie Joy Denalane oder auch 

Sarah Connor für mich entdeckt. Dann habe ich 

mit relativ wenig Erwartung einen Song auf Deutsch 

geschrieben und war begeistert. Mir ist zu diesem 

Zeitpunkt klar geworden, dass ich mich, weil 

Deutsch eben meine Muttersprache ist, viel vielfältiger 

und detaillierter ausdrücken kann als auf 

Englisch. Das hat mich total ge catcht. Seitdem 

habe ich keinen einzigen englischen Song mehr 

geschrieben. 

MM: Covid-19 traf uns alle sehr unerwartet 

und hat vor allem die Kulturbranche sehr ge - 

troffen. Wie ist es für dich als aufstrebende 

Musikerin in solchen Zeiten? 

SIHNA MAAGÉ: Hart. Sehr hart. Im März 2020 

habe ich das Crowdfunding für meine CD-Pro duk - 

tion gestartet. Ein paar Tage später kam der Lock - 

down. Das ging sogar so weit, dass ein größe rer 

Sponsor, der schon Geld investiert hatte, dann 

doch wieder abgesprungen ist. Leider konnte ich 

meine Songs bis zum heutigen Tag noch nie mit 

Band vor einem Pu bli kum performen. Das ist 

eigentlich das Traurigste. Anderer seits haben mir 

die vergangenen Monate auch gezeigt, dass ich 

sehr viele wunderbare Menschen an meiner Seite 

habe, seien es die Fans, die mir geholfen haben, 

mein Fundingziel zu erreichen, mein Label und 

meine Band oder auch meine Familie, die an mich 

glauben und komplett hinter mir stehen. Das ist 

ein wunderbares Ge fühl, das mich ermutigt, diesen 

Weg weiter zu gehen. 

MM: Auf YouTube hast du ein Social-Media- 

Projekt gestartet: die Songchallenge. Wie bist 

du darauf gekommen und wie sieht sie aus? 

SIHNA MAAGÉ: Meine Freundin und Musiker - 

kollegin JOHNA und ich haben seit Kurzem ein 

neues Format auf YouTube gestartet, bei dem wir 

uns jeden Monat unter einem Oberthema, beispielsweise 

„90er-Jahre“, oder „Film und Serien - 

soundtracks“, gegenseitig Songs geben, die wir 

dann im Laufe der nächsten Wochen covern und 

mit einem passenden Video auf unseren YouTube- 

Kanälen präsentieren müssen. Das ist häufig sehr 

witzig, da wir beide uns gut kennen und uns ab 

und an auch mal mit einem richtig fiesen Song in 

die Pfanne hauen. So richtig knifflig wurde es, als 

unser Freund und Bandkollege Brat uns polnische 

Songs gegeben hat, denn wir können beide 

kein einziges Wort sprechen. Ein Riesenspaß, aber 

auch manchmal herausfordernd, denn wir machen 

alles selbst und dürfen uns keine Hilfe holen. Sollte 

euch das Format interessieren, schaut doch einfach 

auf unseren Youtube-Kanälen vorbei. 

SIHNA: www.youtube.com/channel/UCuZFiJ6e 

RhZK74m_0EpnubA 

JOHNA: www.youtube.com/user/johnaofficial 

MM: Du bist auch als Musiklehrerin tätig, 

bringst Jugendlichen das Singen bei und 

machst ihnen vor allem Mut. Was ist das Be - 

sondere, mit Jugendlichen zu arbeiten, und ar - 

beitest du noch an weiteren Musik projek ten? 

SIHNA MAAGÉ: Ich finde, Musik ist einfach pure 

Freude und auch eine Art der Therapie. Sowohl für 

mich selbst, als auch für die Kinder und Jugend - 

lichen, die ich unterrichte. Es ist einfach so schön 

zu sehen, wie Menschen beim Singen und Musik - 

machen aufblühen, neue Facetten an sich entdecken, 

Gefühle zeigen und einander näherkommen. 

Das ist einfach magisch. Ich bin Gesangs - 

lehrerin für Einzelunterricht, gebe aber auch in 

einem Kulturzentrum, der Kattwinkelschen Fabrik in 

Wermelskirchen, Kurse für Kinder und Jugendliche, 

die sich jetzt nicht unbedingt Einzelunterricht leisten 

können. Am Ende des Jahres geben wir immer 

in Kooperation mit der städtischen Musik schule 

und der Katt ein großes Weihnachts kon zert, bei 

dem alle Alters- und Bildungsgruppen miteinander 

Musik machen. Das letzte Konzert ist wegen 

Corona leider ausgefallen. Ich hoffe natürlich, dass 

ein Konzert dieses Jahr wieder möglich ist. 

MM: Was sind deine Pläne für die Zukunft? 

SIHNA MAAGÉ: Ganz, ganz viel Musik. Sofern 

wieder möglich, möchte ich endlich ein Release - 

konzert nachholen, um meine Songs von „Alles 

Gratis“ meinen Fans mit Band zu präsentieren. 

Darauf freue ich mich schon riesig. Es wird dieses 

Jahr aber auch noch mehr neue Songs von 

mir zu hören geben, denn ich werde wieder ins 

Studio gehen und einen ganzen Haufen neuer 

Songs aufnehmen. Falls ihr Lust habt, dabei zu 

sein: Das Ganze werde ich natürlich auf meinen 

Social-Media-Kanälen detailliert begleiten :) 

WEB: WWW.SIHNA-MAAGE.DE 

FACEBOOK: WWW.FACEBOOK.COM/ 

SIHNAMAAGEMUSIK 

INSTAGRAM: WWW.INSTAGRAM.COM/ 

SIHNA_MAAGE 


FOTOQUELLE: SIHNA MAAGÉ 


38 STORIES 

CURTIS 

NIKIL 

SCHOMO 

SPACEMUELLER 

Melodischer Indie-Rock 

mit viel Zerre auf den Gitarren, abgedrehten Rhythmen und 

vereinzelten Ausflügen in den Vintage-Bereich 

MM: Zum Teil kennt ihr euch schon seit eurer 

Jugend, doch seit 2014 steht die Band- 

Formation. Als SPACEMUELLER könnt ihr 

schon einige Erfolge feiern, doch wie kam 

es zu eurem Bandnamen? 

SPACEMUELLER: Rob, unser Bassist (Band grün - 

der), war im Urlaub in Pakistan und trug immer 

abgefahrene Klamotten, und die Leute dort gaben 

ihm den Spitznamen Spacemullah. Zurück in 

München erzählte er es einem Freund (Barny von 

der Spider Murphy Gang), er verstand den neuen 

Bandnamen aber falsch und hörte „Spacemueller“. 

Das hat sofort überzeugt! Das „ü“ haben wir 

dann in „ue“ geändert – ein Akt der Völkerver - 

stän digung! Denn international werden deutsche 

Umlaute eher verständnislos aufgenommen, 

ähnlich wie das deutsche Wetter! 

MM: Apropos: Völkerverständigung. Wie verständigt 

ihr euch in der Band? 

SPACEMUELLER: Mixed Pickels. Als Band mit 

einem Proberaum in der Münchner Maxvorstadt 

ist eine gewisse Portion Oberbayerisch natürlich 

Gesetz! Außerdem: viel Denglisch! Auch mal 

Bollywood-Englisch. Nikil hat ja ein paar Jahre in 

Bombay gelebt, und seine Cousine, Rani, ist eine 


STORIES 39 

MM: 2020 habt ihr beim 38. Deutschen Rock 

& Pop Preis sieben Auszeichnungen erhalten, 

unter anderem als beste Rockband. Wie seid 

ihr zum Genre Rock/Punk gekommen? 

MM: Wie man an den Spotify-Charts erkennen 

kann, dominieren Pop, Hip-Hop und Rap 

in der aktuellen Musikwelt. Was haltet ihr von 

der modernen Musik? 

SPACEMUELLER: Alle aus der Band haben verschiedenste 

musikalische Backgrounds. Curtis aus 

London kommend hat alles an Stilen gespielt/ 

produziert (Ex-Gitarrist von Roachford). Rob aus 

München hat schon in jungen Jahren in einer 

Punkband Deutschland unsicher gemacht. Nikil 

aus Tutzing/München hat schon als Teenie in 

Rockbands gespielt, um auf Partys und Kon zerte 

zu kommen, für die er eigentlich noch viel zu jung 

war. Schomo auch aus Tutzing/München hatte in 

vielen Bands und Studioprojekten alle möglichen 

Stile gespielt, trotz Jazzstudium in Arnheim/ 

Niederlande. Da ist es nur logisch, dass unser 

Stil Rock- & Punk-Elemente beinhaltet. 

SPACEMUELLER: Da hat jeder so seine eigene 

Ansicht in der Band. Man findet sicher überall in - 

teressantes Zeug. Aber es gibt in den letzten 

Jahren trotz vermeintlicher Vielfalt auch eine 

Menge Einfalt. Schomo, unser Drummer, ist zum 

Teil erschüttert wie rudimentär die Drums eingesetzt 

werden. Auch harmonisch bewegen sich 

viele Songs auf dem Drei-Akkord Level. Selbst die 

Beatles wollten ja immer Songs aus einem Akkord 

machen, aber man sieht, was daraus ge worden 

ist. Als Punk/Rock- oder Rock/Punk-Band ist das 

immer eine Gratwanderung. Wir rechnen uns 

nicht einem Genre zu, sondern arbeiten mit vielen 

Stilen – nicht mit allen, aber vielen. 

MM: Ihr kommt aus verschiedenen Ecken 

und bringt somit unterschiedliche Einflüsse 

mit in die Band. Was sind diese Einflüsse und 

wie machen sie sich bemerkbar? 

MM: Durch Covid-19 seid ihr, was Auftritte, 

Proben und Aufnahmen angeht, sehr eingeschränkt. 

Was beschäftigt euch in dieser Zeit 

und wie nutzt ihr sie? 

ROB 

bekannte Bollywood-Schauspielerin. Das färbt 

natürlich ab! Rob spricht offenbar Kroatisch – wie 

gut, weiß aber keiner von uns. Vielleicht erlaubt er 

sich da seit Jahren einen Spaß mit uns. Und Curtis 

hat aufgrund des Brexit-Dramas mittlerweile viele 

deutsche Wörter lernen müssen … äh … dürfen –, 

zum Beispiel „Einreise-Quarantäneverordnung“ 

und „Virus variantengebiet“. Aber damit kann man 

leider keinen Rock ’n’ Roll machen! 

SPACEMUELLER: Nicht ganz 200 Jahre musikalische 

Erfahrungen spiegeln sich einfach in der 

Band. Da wir zum Teil die Entwicklung der Rock - 

musik am eigenen Leibe erfahren haben, spiegelt 

sich das natürlich auch in unserer Musik wider. 

Schomo behauptet bis heute, er habe mit drei 

Jahren die Beatles in München gesehen, wurde 

vermutlich aber nur von seiner Mutter verarscht ... 

Wir denken auch überhaupt nicht in Stilen, sondern 

wir erarbeiten die Songs gemeinsam, jeder 

mit seinem musikalischem Background eben. 

Jeder in der Band kommt mit Songideen und wir 

arbeiten sie dann im Studio bzw. Proberaum 

aus. Es gibt Songs, da haben wir mit Streichern 

experimentiert. Wurlitzer, Sequenzer und Bariton - 

gitarren wurden auch ausprobiert. Das kann eine 

recht langwierige und spannende Sache werden 

– obwohl der Song eigentlich schon steht. Am 

Ende müssen aber alle zufrieden sein. 

MM: Eure Texte sind nicht predigend, und 

jeder findet dort genau, was er sucht. Ihr 

selber beschreibt euch auch als unpolitisch. 

Warum ist das so und was soll eure Musik 

ausdrücken? 

SPACEMUELLER: Texte, die dir sagen, was du 

denken oder wen du wählen sollst, sind nicht 

unsere Sache. Wer sich mit unserer Musik befasst, 

der kommt in aller Regel dadurch auf eigene Ideen, 

und das ist für uns viel spannender, als einfach 

eine Message abzuspulen. Was soll unsere Musik 

ausdrücken? Wohl alles und nichts. Oder: Wer 

suchet, der findet! 

SPACEMUELLER: Jeder in der Band hat seine 

Projekte, mal davon abgesehen, dass hart am Mix 

unserer CD gearbeitet wird, was durch Covid-19 

nicht gerade begünstigt ist. Nikil hat Anfang 2020 

das erste Buch über die Corona-Krise geschrieben 

( Covid-19: Was in der Krise zählt), Curtis ist 

im Dauerstudioeinsatz, Rob musste mit seiner 

Musikinstrumentenfirma PRO-AVS innerhalb 

Münchens umziehen und Schomo hat diverse 

Projekte (Musik/Videoschnitt) im SPACEMUELLER 

eigenen Studio, da das Schlagzeugunterrichten 

zum Teil ja verboten war. 

MM: Auf eurer Website steht: „Audiofiles 

und Livetermine und CD, Vinyl … werden 

kommen … Bald …“ Wann können eure Hörer 

Neues von SPACEMUELLER erwarten? 

SPACEMUELLER: Wir haben uns dazu entschieden, 

alle Songs noch mal neu zu mischen, da die 

Songs mit unterschiedlichem Equipment über 

die Jahre aufgenommen wurden. Wir lassen die 

Songs dann von Tony (Sound Arts Mastering 

Studio/London) mastern, da wir uns im eigenen 

Studio nicht gemeinsam aufhalten dürfen, und Tony 

hat das Vintage-Equipment, auf das wir stehen! 

Videos sind in Planung – sobald die Covid- 

Apokalypse vorbei ist, geht’s los mit der Pro - 

duktion! 

WEB: SPACEMUELLER.COM 


FOTO: STEPHANIE WOLFSTEINER 


40 STORIES 

True Power Metal Band from Germany 

MM: 2020 habt ihr beim 38. Deutschen Rock 

& Pop Preis ordentlich abgeräumt. Wie ist es 

für euch, so eine Auszeichnung zu erhalten? 

ARREST: Das ist schon eine ganz besondere Ehre, 

die uns vonseiten der Experten auch in ge wisser 

Weise in unserem Schaffen und Engage ment be - 

stätigt. Insofern fühlen wir uns in unserer Kreati - 

vität gestärkt und auf dem richtigen Weg, „unser 

Ding“ zu machen. 

MM: Mögt ihr etwas über die Band ge schichte 

von ARREST erzählen? Wie habt ihr euch 

kennen gelernt und wie ist es dazu gekommen, 

dass ihr gemeinsam Musik macht? 

ARREST: Sehr gerne, wobei das schon einiger 

Text wird, da wir bereits einige Jahre zusammen 

sind. Der „Grundstein“ für ARREST wurde schon 

1992 gelegt, als die erstmalige Idee entstand, 

gemeinsam eine professionell orientierte Rock - 

band ins Leben zu rufen. Über „urige“ Zeitungs - 

annoncen haben wir uns dann als Musiker alle 

Step by Step zusammengefunden, wobei wir an - 

fänglich noch gar nicht genau wussten, in welche 

musikalische Richtung sich die Band entwickeln 

würde. Es vergingen aber nochmals zwei Jahre, 

bis die ersten richtigen Gigs ins Haus standen. 

Vorher waren das mehr Proberaum-Meetings etc. 

Zwischen 1994 und 1996 machten wir dann 

so unsere ersten Gehversuche im Live- und Studio - 

bereich, die auch zu unseren ersten demoartigen 

Recordings führten. Weitere drei Jahre später, 

also 1999, haben wir unsere erste richtige Long - 

play-CD „Incarcerated“ veröffentlicht. Von da an 

ging es so richtig rund und wir waren mit zwei 

weiteren Longplayern („The Difference“ 2002 und 

„Night Stalker“ 2004) im Gepäck echt viel unterwegs. 

In der Spitze hatten wir in einem Jahr rund 

52 Gigs, was für unsere Verhältnisse doch echt 

viel war, da wir ja auch alle noch unseren „normalen“ 

Dayjob hatten. Gerade auch in der Zeit 

von 2002 bis 2006 durften/mussten wir die Höhen 

und Tiefen des Musikbusiness erleben. Und da 

könnten wir so einiges erzählen, was jetzt aber 

hier den Rahmen sprengen würde. Aufgrund 

familiärer (Ehe, Kinder) und beruflicher (Meister- 

aus bil dungen, Diplome etc.) Herausforderungen 

legten wir Ende 2006 unsere Tätigkeit erst mal 

auf Eis, was eigentlich nur für zwei Jahre geplant 

war. Aus diesen zweien wurden dann aber rund 

zehn Jahre, sodass wir wieder „richtig“ neu erst 

Ende 2018, Anfang 2019 gestartet sind. Ende 

2019 kam es dann auch durch unseren neuen 

Drummer Uwe zu einem deutlichen Motivations - 

schub und wir haben unsere „besten“ Songs 

nochmals grundsätzlich überarbeitet, um sie dann 

in Form unserer neuen CD „Reincarnation“ in 

neuem Ge wand herauszubringen. 

MM: Am 24.04.2020 ist euer Album „Re in - 

carnation“ erschienen. Wie war es, an dem 

Album zu arbeiten? 

ARREST: Da wir jahrelang die eigenen Titel nicht 

mehr gehört hatten, war es alles vollkommen 

neu und begeisternd für uns. Fast schon ein richtiger 

Genuss, sich der Erstellung eines kompletten 

neuen CD-Albums zu widmen. Und die darauf 

befindlichen Songs sind für uns so richtige 

Highlights. 


STORIES 41 

ARREST 

„Reincarnation“ 

VÖ: 24. APRIL 2020 

WWW.ARRESTMUSIC.COM 

Handgemachte, ehrliche 

Gitarrenrockmusik, 

frei von jeglichen Trends. 

Sie spielen ihren 

Heavy Metal 

ohne Kompromisse 

und sie machen es 

verdammt gut ... 

MM: Wie geht ihr beim Songwriting vor? 

Fallen euch erst die Lyrics ein oder kommt 

die Melodie zuerst? 

ARREST: Das ist immer total unterschiedlich und 

hängt vom Song und/oder der Idee ab. Es kann 

dabei von allem ausgehen: Rhythmus, Harmonie, 

Melodie oder Lyrics. Auch schon Solopassagen 

waren die Basis für das Entwickeln eines schönen 

Liedes. Irgendwie entsteht das dann recht 

organisch innerhalb verschiedener Proben, wo 

wir über diese jeweilige Idee jammen und dann 

immer mehr eine weitere Idee geboren wird. Das 

sind immer ganz spannende, aufregende Pro zesse. 

MM: Als Band beschreitet man gemeinsame 

Wege; manche sind leichter als andere. 

Wie ist euer Zusammenhalt? 

ARREST: Ja, da gibt es immer mal Höhen und 

Tiefen, durch die man geht. Gerade in den schwie - 

rigeren Zeiten ist es dann sehr gut, wenn das 

Teamwork und der Zusammenhalt innerhalb der 

Gruppe gut laufen, was bei uns gegeben ist. 

Grund lage ist dabei immer der Respekt voreinander. 

Grundsätzlich dürfen für unser Dafürhalten im 

Bereich der Musik auch niemals der Spaß und 

die Freude daran auf der Strecke bleiben. 

MM: Wie ist eure Zusammenarbeit mit dem 

Osnabrücker Vertrieb Timezone? 

ARREST: Ausgezeichnet, würde ich sagen. Wir 

sind jetzt sehr froh, bei solch einem tollen Unter - 

neh men gelandet zu sein, das absolut seriös und 

kompetent für seine Musiker arbeitet. Und das sind 

sicherlich Attribute, die die Grundlage für gemeinsame 

zukünftige Ziele und Planungen bieten. 

MM: Ihr habt euer eigenes autarkes Mana - 

gement. Wie ist dort eure Organisation, damit 

ihr noch genug Zeit für neue Songs habt? 

ARREST: Ach, das ist eigentlich gar kein großes 

Ding. Jeder hat neben dem Musikmachen so seine 

Aufgaben, die sich auch immer mal überschneiden 

und vermischen. Die „Big Points“ (CD-Pro duk tion, 

größere Gigs usw.) besprechen und entscheiden 

wir gemeinsam. In den operativen Proben kommen 

dann jedes Mal so viele neue Ideen, dass schon 

etliches Material für zukünftige Lieder da ist, aber 

noch sortiert und in Struk tur gebracht werden 

muss, worauf wir uns schon riesig freuen. 

MM: Durch Covid-19 waren Musiker sehr 

eingeschränkt. Was tatet ihr, um diese Zeit 

zu überbrücken? 

ARREST: Ja, das sind wirklich sehr schwierige 

Zeiten für Musiker. Gerade das Live-Geschäft, so 

will ich es mal nennen, lag ja echt brach. Deshalb 

haben wir uns in dieser Zeit zuletzt auf die Ver - 

breitung unserer Songs in Form unserer neuen 

CD „Reincarnation“ konzentriert, was echt gut 

läuft. Daneben ist natürlich – wie oben schon 

erwähnt – das Sammeln neuer musikalischer Ideen 

für neue Lieder Programm. Sobald wir dann wieder 

„ordentlich“ proben können, starten wir die Kom - 

positionen fürs neue Album und das Booking für 

hoffentlich viele schöne Gigs. 

MM: Was sind eure Ziele für die Zukunft? 

ARREST: Dass die Welt unsere Songs hört! Na 

ja, im Ernst, auf jeden Fall das weitere Bekannt - 

machen unserer Musik, damit dann verbunden 

tolle Live-Engagements, sobald das wieder machbar 

ist. Und schließlich die zukünftige Veröffentli - 

chung neuer ARREST-Musik, die schon in der 

Pipeline auf das Licht der Musikwelt wartet. Und 

mit all dem ganz viel Spaß haben! Das werden 

noch spannende „ARREST-Jahre“ werden. ;) 

WEB: WWW.ARRESTMUSIC.COM 


FOTOQUELLE: ARREST 


42 STORIES 

RANDY 

CALIFORNIA 

UND 


STORIES 43 

»Die Band Spirit und ihre Mitgründer Randy California und 

Ed Cassidy verbindet eine der wechselvollsten 

Karrieren der Rockgeschichte. Trotz eines enormen 

musikalischen Potenzials ließ sich der anfangs sehr große 

Erfolg nicht dauerhaft fortsetzen. 

Stattdessen litt der Ausnahmemusiker California, 

der einer der innovativsten Gitarristen und ein sehr guter 

Sänger war, unter Phasen psychischer Instabilität 

und musste meistens dagegen kämpfen, vergessen zu werden, 

was geradezu tragisch anmutet.« 

alifornia wurde 1951 als Randolph Craig Wolfe 

C im gleichnamigen US-Bundesstaat geboren und 

kam durch seine Mutter früh mit der Gitarre in Ver bin - 

dung. Als Californias Mutter nach ihrer Scheidung den 

1923 geborenen Schlagzeuger Ed Cassidy heiratete, 

der aus der Jazz-Szene kam und ein ungewöhnlich 

großes Schlagzeug mit zwei Basstrommeln besaß, die 

er rechts und links von seinem Sitz anbrachte, wurde 

der Kern der künftigen gemeinsamen musikalischen 

Zusammenarbeit mit seinem Stiefsohn angelegt. Mit 

Unterbrechungen musizierten die beiden bis Californias 

Tod im Jahr 1997. Er ertrank bei dem Versuch, seinen 

Sohn vor Hawaii aus dem Pazifik zu retten. Cassidy 

überlebte California um 15 Jahre. 

1965 gründeten California und Cassidy mit dem 

Bassisten Mark Andes die Band Red Rooster. 1966 

spielte California rund drei Monate mit Jimmy James 

And The Blue Flames. Jimmy James war niemand 

anderes als der geniale Gitarrist, der bald darauf als 

Jimi Hendrix die Rockgitarre revolutionieren sollte. Weil 

mehrere Mitglieder der Blue Flames den Vornamen 

Randy trugen, nannte Hendrix sie zur Unterscheidung 

nach den US-Staaten, aus denen sie stammten. Wolfe 

behielt im Musikgeschäft den Nachnamen California 

bis zu seinem Tod. Aus der kurzen Zeit mit Hendrix 

stammt der gemeinsame Song „Look Over Yonder“. 

Hendrix hatte für California einen prägenden musikalischen 

Einfluss, der in alle Bereiche seiner Art der Rock - 

gitarre ausstrahlte. Ähnlich wie Hendrix wurde California 

zu einem Instrumentalvirtuosen und ideenreichen 

Musiker mit großem Interesse für konzeptuelle Technik, 

immer auf der Suche nach Neuem. Viele sehen in ihm 

Hendrix’ legitimen Nachfolger. Vergleiche hinken meistens, 

aber ganz weit hergeholt ist das nicht. 

Andes hatte mit dem Sänger und Gitarristen Jay 

Ferguson in der Band The Marksmen gespielt. Auch 

Ferguson schloss sich Red Rooster 1967 an, und Key - 

boarder John Locke stieß dazu. Man benannte sich um 

in Spirits Rebellious und verkürzte den Bandnamen 

bald auf Spirit. Das war der Start einer vielversprechenden 

Karriere. Ihr erstes Album von 1968 hieß wie 

die Band selbst. Dies fiel in die Zeit, als die Rockmusik 

eine kreative Explosion erlebte, die bisher ohne Bei spiel 

geblieben ist. Spirit waren Teil dieser Entwicklung. Von 

der LP „Spirit“ erfuhr ich 1968 durch den Sampler 

„That’s Underground“, mit dem die CBS für ihr aktuelles 

LP-Programm warb und als Appetithappen einzelne 

Stücke verschiedener Bands präsentierte. Spirit war 

mit „Mechanical World“ vertreten. Das war absolut 

kein gewöhnlicher Rocksong, und das machte mich 

neugierig. Hier zunächst eine aufs Erste betrachtet 

unter kühlt wirkende Atmosphäre im stabilen Rhyth - 

mus mit mehreren Tempowechseln im eindrucksvollen 

Sound und dann zwei Gitarrensoli von California, die 

klanglich das erfüllten, was man unter psychedelisch 

verstand. Californias Musik hat man auch als „spacey“ 

bezeichnet. Und tatsächlich haftete ihr gelegentlich 

eine weltraumhaft-hypnotische Atmosphäre an. Der 

Kauf der „Spirit“-LP enttäuschte meine Erwartungen 

nicht. Sie enthielt weitere außergewöhnliche Songs, 

zum Teil stark jazzbeeinflusst, manchmal auch etwas 

der Klassik und dem Folk verbunden, das aber auf 

dem Rockfundament. Deswegen hat man Spirits ge - 

wöhnungsbedürftige Musik ihrer ersten vier Alben auch 

eklektisch genannt. Die Band war jedenfalls musikalisch 

breit aufgestellt und formte etwas unverwechselbar 

Eigenes. Der Spirit-Eröffnungstitel „Fresh Garbage“ 

und die Jazz-Improvisation des knapp elfminütigen Ab - 

schlussstücks „Elijah“ sind eindrucksvolle Beispiele 

dafür. Das Album umfasst auch Songs im Stil britischer 

Pop- und Rockmusik jener Tage und Californias 

„Taurus“. Letzteres sorgte knapp 20 Jahre nach 

Californias Tod für Schlagzeilen: Der Beginn von „Taurus“ 

hört sich verdächtig nach „Stairway to Heaven“ von 8 


44 STORIES 

Led Zeppelin an, die ihren Song allerdings erst 1971 auf 

ihrem vierten Album veröffentlichten. Mittlerweile ist der 

vor einigen Jahren dazu von Californias Nachlass - 

verwalter begonnene Urheberrechtsprozess zugunsten 

von Robert Plant und Jimmy Page entschieden worden, 

die behaupteten, „Taurus“ nicht gekannt zu haben, 

als sie „Stairway to Heaven“ schrieben und veröffentlichten. 

Anzumerken bleibt, dass Led Zeppelin 1969 

auf dem Zenit des Erfolgs von Spirit live in deren Vor - 

programm spielten und später in ihr eigenes Pro gramm 

zeitweise „Fresh Garbage“ aufnahmen. 

Noch 1968 legten Spirit das zweite Band-Album „The 

Family That Plays Together“ vor, das sich im Stil nahtlos 

an die Debüt-LP anschloss und daher nicht mehr ganz 

so überraschend war. Vor allem punktete die zweite LP 

mit dem Hit „I Got A Line On You“ und dem furiosen 

„It’s All The Same“, die zum Live-Repertoire von Spirit 

und California wurden und dann in herrlichen Impro - 

visationen lang ausgespielt wurden. Spirit-Produzent 

Lou Adler brachte die Band ebenfalls 1968 auch noch 

als Musiker für den Soundtrack des Spiel films „Model 

Shop“ unter. Als dieser Soundtrack 2005 veröffentlicht 

wurde, zeigte sich, dass diese Programm musik im 

Spirit-Stil auch ohne den Film gut funktionierte. 1969 

ließ Spirit als drittes Album „Clear Spirit“ folgen und 

festigte mit seiner Vielfalt die Beliebtheit der Band. 

Gleich das erste Stück „Dark Eyed Woman“ hatte das 

Zeug zu einem Rock-Ohrwurm, und Songs wie „Apple 

Orchard“ und „Caught“ standen nicht nach. Zu den 

späteren Publikumslieblingen von Live-Auftritten gehörte 

auch der exquisite Song „1984“, der das Thema von 

George Orwells gleichnamigem Roman aufgriff – und 

nun war dieses Jahr nicht mehr weit entfernt: „1984 

Knocking At Your Door!“ 

Das wohl beste Album gelang dieser ersten Spirit- 

Formation 1970 mit „Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus“. 

Es ist eines der wenigen Konzeptalben der damaligen 

Zeit. Die treibende Kraft dahinter war California, der 

Ferguson und Andes später vorwarf, nicht mutig genug 

gewesen zu sein, ihre Musik weiterzuentwickeln. Seit 

dem Debütalbum der Band war Californias musikalischer 

Einfluss gewachsen. Stammten auf den ersten 

beiden Alben noch jeweils über zwei Drittel der Songs 

von Ferguson, hatte California danach die meisten 

Stücke der Band geschrieben, wobei Hendrix’ Ein - 

fluss auf ihn unverkennbar blieb, wie „Love Has Found 

A Way“ auf „Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus“ zeigte. 

Californias wegweisende Art der Produktion und seine 

vielen ungewöhnlichen musikalischen Ideen machten 

das neue Album schließlich zu etwas Besonderem. 

Spirits Konzeptalbum gilt als die beste und geschlossenste 

Produktion von Spirit mit so hervorragenden 

Stücken wie „Nature’s Way“, „Animal Zoo“, „Street 

Woman“, „Morning Will Come“ und „Mr. Skin“. Der Titel 

des letzteren Songs ist der Spitzname des kahlköpfigen 

Drummers Cassidy, und wie er hat das Stück mit 

seinem herrlichen Bläsereinsatz viel Feuer. Das Cover 

des Albums mit seinen verzerrten Bildern signalisierte 

bereits, einen verschlungenen Weg zu diesem Meister - 

werk nachzuzeichnen. Es scheint aber auch naheliegend, 

dass die Band während der Produktion Drogen 

konsumiert hat. 

Als Richtung der Band hatte sich Californias gitarrenbetonter 

psychedelischer Rock durchgesetzt, was 

noch deutlicher zu hören war, als die Band ohne 

Ferguson 1971 im Paramount Theater in Seattle ein 

mitreißendes Live-Programm mit einem bestens aufgelegten 

California spielte. 

2015 ist ein Mitschnitt auf der CD „KSIW FM Live 

Broadcast from Paramount Theatre, Seattle“ aus dem 

Jahr 1971, veröffentlicht worden. Rück blickend war ein 

Auf tritt wohl die Blaupause für die Zukunft, der Californias 

Konzerte künftig folgten. Solche Live-Auftritte waren 

ungleich ge schlossener und spannender als derjenige 

von 1967, der 2016 als „Live At The Ash Grove, 1967 

Volume 1“ herauskam, bevor an Spirits Debütalbum zu 

denken war; ein Volume 2 folgte bislang nicht. 

Nach „Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus“ brach die 

Gründungsformation von Spirit schließlich auseinander, 

obwohl die Band es mit ihrer innovativen Musik zu 

einem Top Act der US-Musikszene gebracht hatte. 

Andes und Ferguson gründeten mit anderen die kurzlebige 

Band „Jo Jo Gunne“. California brach sich bei 

einem Reitunfall den Schädel und fiel geraume Zeit 

aus. Übrig blieben Cassidy und Locke, die 1972 mit 

den Brüdern Al und Chris Staehely das Spirit-Album 

„Feedback“ einspielten. Dessen gute Musik war eingängig, 

aber nicht mit Californias erfindungsreicher 

Musik zu vergleichen. 

Nachdem California sich erholt hatte, entstand 1972 

sein erstes Soloalbum „Kapt. Kopter And The (Fabulous) 

Twirly Birds“ mit Cassidy als Drummer und verschiedenen 

Bassisten wie dem späteren Spirit-Mitglied 

Larry „Fuzzy“ Knight. Dabei war auch der ominöse Clit 

McTorius: der ehemalige Hendrix-Bassist Noel Redding. 

Das Solodebüt war ein Ausflug in den Hardrock und 

löste gemischte Reaktionen aus. Manchen galt es als 

un inspiriert, andere waren begeistert. Sehr reizvoll sind 

jedenfalls Californias feurige Versionen der Beatles- 

Songs „Day Tripper“ und „Rain“. Vor „Kapt. Kopter And 

The (Fabulous) Twirly Birds“ hätte sich wohl niemand 

so recht eine Power-Fassung von Paul Simons „Mother 

and Child Reunion“ vorstellen können. Eröffnet wurde 

das Album mit dem wuchtigen „Downer“, das California 

später auch häufig live spielte. Als im September 1972 


STORIES 45 

»Das wohl beste Album gelang der 

ersten Spirit-Formation 1970 

mit „Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus“. 

Es ist eines der wenigen 

Konzeptalben der damaligen Zeit.« 

das Album veröffentlicht wurde, spielte er mit Cassidy 

und Knight für das KPFK Radio LA ein hervorragendes 

Konzert, das 2015 herauskam. Es schien, dass 

auf den Stücken „I Don’t Want Nobody“, „Shotgun“, 

„Happy“ (von Mick Jagger und Keith Richards) und 

„Downer“ Hendrix wiederauferstanden wäre. Schade, 

dass die Tonqualität der CD nur mäßig ist. 

Danach arbeiteten California und Cassidy an einem 

Back-Again-Projekt, aus dem sich das Album „The 

Adventures Of Kaptain Kopter And Commander Cassidy 

In Potatoland“ im Grunde als weiteres Soloprojekt entwickelte. 

Das war in der Tat ein „spacey“ Unterfangen, 

das erst 1981 mit elf Stücken erschien und als Spirit- 

Album deklariert wurde. Der Kaptain und der Comman - 

der waren darin im „famous Kopter Mobile“ in Idaho 

unterwegs und gerieten ins geheimnisvolle Potatoland 

mit seinen Potato Men. Damals waren der LP ein 16- 

seitiges Heft mit einem Comic im Underground-Stil und 

Fotos über das Abenteuer nebst Songtexten und 

einem Potatoland Mail Order Catalogue beigelegt. 

Offenbar hatten California und Cassidy an dem Potato - 

land-Abenteuer wesentlich umfangreicher ge arbeitet. 

2006 erschien aus Californias Nachlass „The Original 

Potatoland“ mit 18 Songs, dazu acht Bonus tracks mit 

Knight am Bass. 2019 wurde dann sogar das 4-CD- 

Set „Complete Potatoland“ vorgelegt, einschließlich 

eines Radiokonzertes, eines Auftritts beim Old Grey 

Whistle Test der BBC und Demos. 

Allein die Veröffentlichungsgeschichte von „The 

Adventures Of Kaptain Kopter And Commander Cassidy 

In Potatoland“ skizziert die Schwierigkeiten, die California 

mit seiner Solokarriere hatte. Sie zündete einfach nicht, 

und das ließ den kreativen Musiker 1973 psychisch 

zusammenbrechen. Er zog sich nach Hawaii zurück 

und lebte buchstäblich am Strand, ehe er zeitweise 

als Gärtner arbeitete und sich langsam erholte. Als er 

wieder in der Lage war, sich der Gitarre und der Musik 

zu widmen, nahm er Songs für ein neues geplantes 

Spirit-Album auf. Um unter diesem Bandnamen firmieren 

zu können, musste er ihn den Gebrüdern Staehely für 

25 000 US-Dollar abkaufen, die ihn sich rechtlich gesichert 

hatten. Anfang 1974 tat California sich mit Cassidy 

und dem Bassisten Barry Keene zusammen, der bei 

„Kapt. Kopter And The (Fabulous) Twirly Birds“ mitgewirkt 

hatte. Zuvor knüpften sie gemeinsam live schon 

vorher das Seattler Radiokonzert von 1971 an. Die 

Songs stammten überwiegend aus Californias Feder. 

Man spielte aber auch den Rolling-Stones-Klassiker 

„Satisfaction“ und Bob Dylans „All Along The Watch - 

tower“, wie Hendrix das Stück geformt hatte. Drei dieser 

Auftritte wurden 2007 für das posthum herausgegebene 

3-CD-Set „Salvation ... The Spirit Of ’74“ 

zusammengefasst. Das vollständig enthaltene Konzert 

von Ende Oktober 1974 in Ebbets Field wurde mit der 

Song-Kombination eröffnet, die auch das kommende 

neue Spirit-Album einleitete: „America The Beautiful/ 

The Times They Are A-Changing“. Dazu gehörte eine 

8 


46 STORIES 

knapp 14-minütige Fassung von „All Along The 

Watchtower“, die auf achteinhalb Minuten gekürzt 

wurde, als 2015 ein anderes Label „Spirit At Ebbets 

Field“ auf den Markt brachte, um das Konzert auf nur 

eine CD pressen zu können. All diese Live-Auf nahmen 

auf „Salvation ... The Spirit Of ’74“ enthalten echte 

Perlen, die für die zuweilen eingeschränkte Ton qualität 

der Aufzeichnungen entschädigen. 

Die Live-Präsenz der neuen Spirit-Formation wurde 

schließlich die Basis für ein neues Album. Am 2. März 

1975 sollte der Ex-Ten-Years-After-Gitarrist Alvin Lee 

in Tampa mit Spirit im Vorprogramm auftreten, sagte 

aber kurzfristig ab. California nutzte die Gelegenheit, 

stattdessen mit Spirit allein aufzutreten. In Überein stim - 

mung mit dem Konzert-Promoter übernahm er auch 

den Ticketverkauf. Das zahlte sich aus, denn auf diese 

Weise kam genügend Geld für die Miete des Auf nah me - 

studios zusammen. Dieses Mal übernahm California 

sowohl die Produktion als auch die künstlerische Lei - 

tung. Er spielte sämtliche Instrumente und meistens 

auch den Bass. An den Drums aber saß wieder der 

bewährte Cassidy. Das Doppelalbum „Spirit Of ’76“ 

wurde im Mai 1975 veröffentlicht und ist das wohl 

geschlossenste Spirit-Album, dem man auch keinen 

Eklektizismus vorhalten konnte. Es konzentrierte sich 

auf Californias Qualitäten als virtuoser, experimentierfreudiger 

Gitarrist, der wie bei „Kapt. Kopter And The 

(Fabulous) Twirly Birds“ der alleinige Sänger war. Die 

Songs zeichnete mitunter eine traumwandlerische 

Schönheit aus, wie die beiden Songs am Anfang der 

ersten LP. Zudem wurden klangliche Reinheit und verträumte 

Töne mit entrückten Klängen gemischt. Etwas 

musikalisch anreichernd wurden die technisch verfremdeten 

Sprach sequenzen „Jack Bond Pt. 1-2“ und 

die „Tampa Jam Pt. 1-3“ als „Electro Jam From The 

Time Coast“ eingestreut. Hätte Jimi Hendrix, der auch 

solche technischen Extravaganzen schätzte, anno 1975 

womöglich ähnlich geklungen? Spirit wirkten wie neugeboren 

und ließen als Referenz an die Finanzierung 

auf das Cover der Doppel-LP drucken: „Thanks to Alvin 

Lee for cancelling.“ 

California, Cassidy und Keene hatten während der 

Arbeit an „Spirit Of ’76“ weitaus mehr Songs aufgenommen. 

Aus diesem beträchtlichen Fundus wurde das 

Folgealbum „Son Of Spirit“ zusammengestellt und nur 

wenige Monate später im Oktober 1975 veröffentlicht. 

Auch wenn es nicht ganz so stark wie das Doppel album 

war, geriet „Son Of Spirit“ zu einem beachtlichen Nach - 

folger. Stücke wie „Family“, „Circle“ und „The Other 

Song“ beweisen die hohe musikalische Kompetenz 

der Band, die zum Beispiel aus einem erdigen Blues 

ein sphärisches Abenteuer entstehen ließ. California 

coverte immer wieder auch Songs anderer Musiker. 


STORIES 47 

Hier hatte er sich dem Beatles-Klassiker „Yesterday“ 

zugewandt, dem er neue Seiten abgewann. Spirit hatten 

sich erholt und zu neuer Kraft gefunden. Noch weitere 

Studioaufnahmen aus der Vorbereitungsphase von 

„Spirit Of ’76“ sind auf „Salvation ... The Spirit Of ’74“ 

zu finden. 

Danach reformierte sich überraschenderweise fast 

wieder die Originalbesetzung von Spirit, bis auf 

Ferguson, der durch Andes’ Bruder Matt ersetzt wurde. 

Die Neuauflage erweiterte das musikalische Spektrum 

von „Spirit Of ’76“ und „Son Of Spirit“, auch wenn 

California fast alle Stücke geschrieben hatte. Es waren 

Anklänge an die Musik der Band der ersten vier Spirit- 

Alben zu hören, aber auch Funk-Einflüsse und sogar 

Disco-Ausflüge („Atomic Boogie“), die im Kosmos der 

Spirit-Musik nicht störten. Das Album „Farther Along“ 

erschien im Juni 1976 und ist auch heute noch hörens - 

wert, wie die Songs „World Eat World Dog“, „Mega 

Star“ und „Nature’s Way“ zeigen. „Nature’s Way“ ist 

natürlich bekannt von „Twelve Dreams Of Dr. Sar do ni - 

cus“, aber auf „Farther Along“ wurde es als einfühlsames 

Orchesterwerk präsentiert. 

Die Reunion endete jedoch schnell wieder. Das nächste 

Spirit-Album „Future Games (A Magical-Kahauna 

Dream)“ von April 1977 war im Grunde ein weiteres 

California-Soloprojekt. Er nahm bis auf die Drums, die 

Cassidy spielte, fast alles selbst in die Hand. Unter dem 

Pseudonym Dr. Sardonicus war er außerdem der Pro - 

duzent. Daraus resultierte allerdings kein konsistentes 

Werk. California präsentierte vielmehr ein musikalisches 

Brainstorming mit zahlreichen außergewöhnlichen 

musikalischen Ideen, das die meisten Hörer ratlos 

zurückgelassen haben wird. Andere Musiker hätten 

daraus wahrscheinlich gleich mehrere Alben kreiert. 

California gelang es jedoch nicht, seine überbordenden 

Ideen auf den Punkt zu bringen, geschweige denn 

zu Ende zu führen. Das Ergebnis von „Future Games“ 

passte irgendwie zu dem verzerrten Cover von „Twelve 

Dreams Of Dr. Sardonicus“ und wurde auch die Science- 

Fiction-Version des Spirit-Klassikers von 1970 genannt. 

Daher muss es für die Spirit-Gefolgschaft wie Balsam 

gewirkt haben, dass California, Cassidy und Bassist 

Larry „Fuzzy“ Knight anschließend als Power-Trio live 

auftraten. 1978 lieferten sie eine Reihe hochenergetischer 

Konzerte in den USA, in Großbritannien und in 

Deutschland. Spirits Auftritt in der zweiten Rockpalast- 

Nacht am 5. März 1978, der in Bild und Ton festgehalten 

wurde, ist Legende. California spielte so mitreißend 

Gitarre und bediente dazu einen Foot Pedal Synthe - 

sizer, dass es den WDR-Aufnahmeleiter nicht hinter 

der Kamera hielt und er zu Spirits Musik mittanzte. 

Das Publikum in der Essener Grugahalle geriet völlig 

aus dem Häuschen. Zum Schluss dieses denkwürdigen 

Konzertes kam noch Dickey Bett zu einer Jam auf 

die Bühne – er war mit seiner Band Great Southern in 

der Rockpalast-Nacht vor Spirit aufgetreten. Müsste 

man sich nur ein einziges Spirit-Album aussuchen, wäre 

das Rockpalast-Set mit zwei CDs und einer DVD wohl 

die erste Wahl. Außer dieser DVD scheinen kaum 

andere Spirit-Konzerte gefilmt worden zu sein. Denn 

es gibt nur noch eine Video History der Band und „Spirit 

in Concert“ aus ihrer Endphase in den 1990er-Jahren 

von 2003 vom Label Woodhaven Entertainment. 

Vor dem Rockpalast-Auftritt hatten Spirit ihr Publi - 

kum im Londoner Rainbow Theatre begeistert und nicht 

weniger als sechs Zugaben gespielt, darunter „Stone 

Free“ von Hendrix und dessen Version des Troggs-Hits 

„Wild Thing“. Damals erschienen Teile des Rainbow- 

Konzertes in drei voneinander abweichenden Fas - 

sungen als LPs: „Spirit Live“ in Großbritannien, „Made 

in Germany“ in Deutschland (nur die „Rockpalast 

Jam“ stammte aber aus Essen) und „Live Spirit“ in 

den USA, dort herausgekommen bei einem Label mit 

dem beziehungsreichen Namen Potato Records. 2008 

war die Doppel-CD „Two Sides Of A Rainbow“ mit dem 

kompletten Londoner Auftritt samt Zugaben erhältlich. 

Sie umfasste auch den Inhalt der US-LP „Live Spirit“. 

Das Rainbow-Konzert war allerdings tontechnisch nicht 

optimal aufgezeichnet worden. Deswegen erschien 

2019 das Set noch einmal in einer technisch überarbeiteten 

Fassung. Einen Einblick in diese hervorragende 

Phase des Power-Trios Spirit bietet zudem das 3- 

CD-Set „Rock and Roll Planet ... 1977-1979“ mit Kon - 

zertmitschnitten aus den USA und Studioaufnahmen, 

aus denen schließlich kein Album entstand. Leider 

gelang es auch dieser Spirit-Formation trotz ihrer enormen 

Musikalität und Live-Anziehungskraft nicht, eine 

dauerhafte gemeinsame Karriere zu gestalten. Das 

Trio-Projekt zerplatzte wie eine Seifenblase. Wehmut 

kommt auf, wenn man sich die fantastischen Live- 

Versionen von „All Along The Watchtower“, „Stone Free“ 

und „Downer“ anhört. 

California setzte sich freilich nicht zur Ruhe. Nach 

dem Aus des Trios mit Cassidy und Knight stellte er 

die Randy California Band zusammen. Dies war ein 

neues Trio, das in Großbritannien das Vorprogramm des 

Deep-Purple-Sängers Ian Gillian bestritt, der sich selbst - 

ständig gemacht hatte. Doch die Randy California 

Band erwies sich als noch kurzlebiger. Schon Anfang 

1980 arbeiteten California und Cassidy wieder ge mein - 

sam und gingen 1981 als Spirit auf Tournee, um für 

das jüngst veröffentlichte Album „The Adventures Of 

Kaptain Kopter And Commander Cassidy in Potato - 

land“ zu werben. Aus dieser Zeit stammt ein Live-Mit - 

schnitt, der auf dem mittlerweile zu einem 6-CD-Set 8 


48 STORIES 

»Spirits Auftritt in der 

zweiten Rockpalast-Nacht 

am 5. März 1978, 

der in Bild und Ton 

festgehalten wurde, 

ist Legende. 

California spielte 

so mitreißend Gitarre und 

bediente dazu einen 

Foot Pedal Synthesizer, 

dass es den WDR- 

Aufnahmeleiter nicht 

hinter der Kamera hielt 

und er zu Spirits Musik 

mittanzte.« 

angewachsenen Nachlass-Album „Randy California and 

Spirit: „The Euro-American Years 1979-1983“ von 2020 

zu finden ist; 2007 hatte das Set noch 4 CDs umfasst. 

Jedoch muss auch dieses Unternehmen für California, 

der sich erneut in einer Phase psychischer Instabilität 

be fand, unbefriedigend gewesen sein. Denn abermals 

entschied er sich gegen Spirit für eine Solokarriere. In 

deren Verlauf kam er mit verschiedenen früheren Mit - 

gliedern zusammen. Das erste Soloalbum war 1982 

„Euro-American“ beim britischen Label Beggars 

Banquet. Es teilte sich tatsächlich auch musikalisch in 

zwei Hälften und spiegelte die unterschiedlichen Musik - 

auffassungen beider Kontinente wider. „Euro-American“ 

konnte mit guten Stücken punkten und wurde bei 

Beggars Banquet begleitet von dem Mini-Album „All 

Along The Watchtower“ mit fünf weiteren Songs. 

Kurioserweise lagen „Euro-American“ in Großbritannien 

die beiden besten Songs „Shattered Dreams“ (eines 

der eindrucksvollsten California-Stücke überhaupt) und 

„Magic Wand“ nur auf einer kostenlosen Single bei. 

Von „Fearless Leader“ hatte California auch eine deutsche 

Fassung mit dem Titel „Grosser Herrscher“ eingespielt. 

Das mag ein Vorbote seiner 1983 in Deutsch - 

land bei Line Records veröffentlichten LP „Shattered 

Dreams“ mit ihren vielen überzeugenden Songs ge - 

wesen sein. „Grosser Herrscher“ war aber nicht dabei, 

dafür „Hey Joe“, aufgenommen auf dem Hamburger 

Stadtpark-Festival „Line’s Greatest Lines“. 1982 tourte 

California mit seiner Band in Großbritannien und brillierte 

auf den Festivals von Reading und Glaston bury in 

bester Spiellaune, wovon man sich auf dem genannten 

6-CD-Set überzeugen kann. 1982 hatte davon nur der 

Titel „Come On Woman“ den Weg auf das Doppel - 

album „Reading Rock Volume One“ gefunden. 

1982 kam es dann doch rund zwölf Jahre nach 

dem Auseinanderbrechen der Originalbesetzung von 

Spirit zu einer echten Reunion – obwohl California 

1972 geäußert hatte, nie wieder mit Ferguson zusammenarbeiten 

zu wollen. Gemeinsam spielte man live 

im Studio einige neue Songs ein und nahm alte neu 

auf. Das sehr hörenswerte Album kam im Juni 1984 

unter dem Titel „The Thirteenth Dream“ in Deutschland 

heraus, wo auch eine Maxi-Single erschien mit der 

Neuaufnahme von „Elijah“. Diese Version ist seither 

nicht wieder veröffentlicht worden. In den USA hieß 

das Album „Spirit Of 84“ und hatte ein anderes Cover. 

Der Erfolg blieb jedoch aus, und nach einigen Live- 


STORIES 49 

Auftritten zur Werbung für dieses Album, bei denen 

Bassist Scott Monahan Ferguson ersetzte, trennte 

sich die Spirit-Formation endgültig. 1985 entstand 

Californias nächstes Soloalbum „Restless“ mit wieder 

anderen Musikern und ohne Cassidy, das 2003 mit 

sieben Bonustracks neu veröffentlicht wurde. Das war 

ein modernisiert klingender Spirit-California, der sich 

eigens dafür auch eine neue Frisur statt seiner bisherigen 

Mähne zugelegt hatte. Im Vordergrund standen 

einmal mehr Californias melodisches und gleichzeitig 

energiereiches Songwriting und seine unverwechselbare 

Gitarre. Herausgegriffen seien die Songs „Second 

Child“, „Restless Nights“ und das bluesige Stück 

„Childhod’s End“. Seine bewährte Musik fand zumindest 

in Großbritannien großen Zuspruch. Mit dem 

„Restless“-Programm ging California auf Tournee, auf 

der ihn unter anderem Bassist Monahan begleitete, der 

künftig häufiger mit California zusammenarbeitete. 1988 

war California unter anderem mit Alvin Lee auf dem 

Sampler „Music Too Good For Words, Two“ mit seinem 

Song „The Prisoner“ vertreten und 1989 mit einem 

Auftritt auf der „Night Of The Guitar“. 

Dann aber rief California gemeinsam mit Cassidy 

und Locke ein weiteres Spirit-Trio ins Leben, das zum 

Teil im Stil des New Wave 1989 die CD „Rapture In 

The Chamber“ vorlegte. Im Jahr darauf folgte „Tent Of 

Miracles“ mit dem Bassisten Mike Neil, mit dem dieses 

Spirit-Trio auch auf Tournee ging. Die Band spielte 

auf hohem Niveau, von dem neue Songs wie „Border- 

line“ und „Love from here“ zeugten. Als „Tent Of Miracles“ 

2020 wiederveröffentlicht wurde, war die Aufzeichnung 

eines ausgezeichneten Auftritts in Amsterdam vom März 

1990 dabei. Noch zu Californias Lebzeiten erschien 

1995 der sehr schöne Auftritt „Live At La Paloma“, nun 

wieder mit dem bewährten Bassisten Monahan. Mit 

dem letzten offiziellen Spirit-Album „California Blues“ 

von 1996 gelang California noch einmal musikalisch 

ein großer Wurf, zu dem er Cassidy, Matt Andes und 

den Bassisten Steve Loria versammelt hatte. Californias 

Qualitäten als Musiker, Sänger und Instrumentalist sind 

hier versammelt. Das Duett „Call On Me“ mit Andes’ 

15-jähriger Tochter Rachel geht mit seiner un ver gleich - 

lichen Schönheit unmittelbar unter die Haut. Blues- 

Stücke wie „Crossroads“, „Song For Clyde“, „Pawn 

Shop Blues“, „Sugar Mama“ und Hendrix’ „Red House“ 

machen deutlich, welche Lücke Californias Tod gerissen 

hat. Unterstrichen wurde dies durch die Wieder - 

veröffentlichung „California Blues Redux“ von 2009 

mit Bonustracks und einem Live-Konzert aus dem 

Jahr 1993. 

herausgibt, sind nicht die einzigen. Von 2000 bis 2011 

kamen noch sieben weitere 2-CD-Sets mit einer Fülle 

von Studioaufnahmen (fertig produzierte Stücke und 

Demos) und Live-Mitschnitten heraus. Sie lassen sich 

in etwa wie folgt einordnen: 

„Sea Dream“ (2002) aus der Zeit von 1987 bis 

1996 mit der sehr schönen „Sea Dream Suite“, 

„Live From The Time Coast“ (2004) aus der Zeit 

von 1989 bis 1996, 

„Cosmic Smile“ (2000), „Blues From The Soul“ 

(2003) und „Son Of America“ (2005) aus der Zeit 

von 1990 bis 1995, Letzteres 2021 um eine weitere 

Live-CD erweitert, 

„The Last Euro Tour“ (2010) von November 1991 

mit vielen elektrisierenden Stücken und 

„Tales From The Westside“ (2011) aus der Zeit von 

1992 bis 1995, als Spirit gegen schwindende Zu - 

schauerzahlen kämpfen mussten und gleichwohl 

das Beste gaben. 

Für diejenigen, die sich für California und Spirit 

begeistern, sind auch diese Sets eine Fundgrube, die 

über gelegentliche aufnahmetechnische Unzulänglich - 

keiten hinwegsehen lassen. California war offenbar 

ähnlich kreativ und produktiv wie sein großes Vorbild 

Jimi Hendrix, und auch von California wurde zu seinen 

Lebzeiten sehr viel weniger offiziell vermarktet. Ob 

Skidmore aus dem Nachlass noch mehr zutage fördert, 

bleibt abzuwarten – und nach der vielen hervorragenden 

Musik, die er bisher vorlegen konnte, auch 

zu hoffen. 

NÄCHSTE FOLGE: JIM MORRISON UND THE 

DOORS 

TEXT: DR. NORBERT APING 

BACKGROUND: © HANNA ABRAZHEVICH / 

ADOBE STOCK 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, Buchautor 

und Direktor des 

Amtsgerichts a. D. in 

Buxtehude 

Die wiederholt angesprochenen Veröffentlichungen 

aus Californias Nachlass, die Mick Skidmore seit Jahren 


50 MUSIKBUSINESS 

The Singer’s Coach 

von LeeZa Nail 

Teil 2: 

VOCAL SKILLS 

THE SINGER’S COACH 

In ihrem bei Alfred Music erschienenen Buch „The 

Singer’s Coach“ (978-3-947998-08-1) gibt LeeZa 

Nail ihre Erfahrungen weiter an alle, die es ebenfalls 

ernst meinen mit der eigenen Gesangs karriere. 

In insgesamt 13 Kapiteln beschäftigt sich LeeZa mit: 

• der Gesangspraxis und deren handwerklichen 

Grundlagen 

(Atemtechnik, Stimmbildung, Interpretation) 

• den „Basics“ der allgemeinen Musiklehre 

(Harmonik, Rhythmik, Gehörbildung, 

Vom-Blatt-Singen) 

• der bewussten Auseinandersetzung mit 

der eigenen Rolle als Sänger*in 

(Performance, An sprache des Publikums, 

Imagebildung, Zeit- und Selbstmanagement, 

Fitness von Körper, Geist und Seele) 

• den Notwendigkeiten des Musikbusiness 

(Equipment, Marketing, Künstlersozialkasse, 

Verwer tungs gesellschaften wie 

GEMA und GVL) 

Spannende und aufschlussreiche Interviews mit 

Profimusiker*innen aus Soul, Pop, Jazz, Musical, 

Oper und Chor runden ihr Buchkonzept ab. 

EINSINGEN 

Die benötigte Zeit zum Einsingen ist individuell 

verschieden und hängt von mehreren Faktoren ab. 

Ich empfehle, die vorgestellten Glissando-Übungen 

für mindestens zehn Minuten durchzuführen. 

Während dieser Zeit wirst du merken, ob deine 

Stimm bänder inzwischen weich und locker sind oder 

noch mehr Auf wärm zeit brauchen. Das kann zum 

Beispiel noch einige Tage nach einer überwundenen 

Erkältung, nach einem anstrengenden Gig am Vor tag 

oder bei feuchtkaltem Wetter der Fall sein. 

Nach den Glissando-Übungen sind ein paar 

Locke rungsübungen sinnvoll. Sie bereiten die Stimm - 

bänder optimal auf die folgende Übungs zeit oder 

den Auftritt vor. Während der Glissando-Übungen 

kann es vorkommen, dass sich plötzlich Schleim 

löst und den Stimm bändern regelrecht aufliegt. 


MUSIKBUSINESS 51 

STAGE SKILLS 

FÜR SÄNGER*INNEN 

»Die Bühnen-Performance« 

Man spürt es und hört 

es manchmal an einem 

feinen „Rasseln“ in einer be - 

stimm ten Tonlage. Durch weitere 

Wieder holungen der Übung 

(gaaanz sanft!) in dieser und den 

be nachbarten Ton lagen wird sich 

der Schleim nach und nach lösen. 

Manchmal wird das Rasseln zunächst 

noch stärker, dann kann man durch ein 

gezieltes Zusammenführen der Stimm - 

bänder (so, als ob man sich in Zeitlupe und sanft 

räuspern würde) den Schleim lösen und „wegschlucken“. 

Zwischen durch solltest du immer mal 

einen Schluck Tee oder Wasser trinken! 

EINSINGÜBUNGEN 

Warm-up mit Glissando-Übungen 

Quinten in mittlerer Tonlage und Lautstärke: 

Be ginne in einer für dich angenehmen, mittleren 

Tonlage und in einer mittleren Lautstärke. Summe 

den Kon sonanten M im Glissando, das heißt, du 

verbindest die Töne stufenlos miteinander (der 

Klang erinnert an eine Sirene). Summe eine Quinte 

aufwärts, atme kurz ein, dann geht es wieder 

abwärts. 

ie Bühnen-Performance setzt sich zu - 

D sammen aus allen Komponenten, die den 

Auftritt auf der Bühne betreffen. Bei einem*einer 

Solo sänger*in ist das selbstverständlich eine andere 

als bei einem*einer Backgroundsänger*in. Ein 

Rock sänger stellt sich auf der Bühne in Outfit, 

Gestik, Mimik und Be wegung anders dar als eine 

Chanson sängerin. 

Aber was genau ist denn eine „Bühnen-Per- 

formance“? Was gehört alles dazu? Und was 

bedeutet all das speziell für den*die Sänger*in? 

Gehört zum Singen auf der Bühne automatisch 

immer eine Show? Oder reicht eine gute 

Mo deration? Und wie und was genau gilt als 

Show? Was mache ich, wenn ich Lampenfieber 

bekomme? 

Alle diese Fragen sollen in diesem Kapitel über 

die Bühnen-Performance geklärt werden. 

BEWEGUNG, 

SHOW UND MODERATION 

Ein*eine Sänger*in kann noch so perfekt intonieren, 

noch so gefühlvoll phrasieren – wenn er*sie 

dabei stocksteif auf der Bühne steht und zwischen 

den Songs kein Wort herausbringt, wird 

das ihrer Karriere wenig förderlich sein. 

Andererseits: Ein*eine Sänger*in, der*die aufdringlich 

und aggressiv die Leute animieren will 

oder zwischen den Songs ohne Ende plappert, 

verhält sich ebenso unprofessionell – es sei denn, 

es ist sein*ihr spezielles Markenzeichen und 

sein*ihr Publikum erwartet es so. 

Darum solltest du dir über ein paar Aspekte 

einige grundsätzliche Gedanken machen. 

Mit Bewegung ist hier weder Sport noch das 

Tanzen gemeint, das für angehende Musical sän - 

ger*innen selbstverständlicher Teil der Ausbildung 

ist, sondern die Art von Bewegung, die den mu - 

sikalischen Part optisch unterstützen kann. Das 

können kleinere Choreografien während eines 

Songs sein oder auch die (sparsame) Un ter - 

streichung einer Ballade mit Gestik und Mimik. 

Wer nur eine musikalische Sparte bedient, hat 

es leichter, sich ein Repertoire von passenden Be - 

wegungen und Ansagen zuzulegen und braucht 

nicht ständig etwas daran zu ändern. Wer jedoch 

in verschiedenen Bereichen tätig ist, sollte flexibler 

sein und die jeweiligen Klischees kennen und be - 

dienen. 8 


52 MUSIKBUSINESS 

»Wer das Mikrofon hat, 

hat die Macht« 

Konzerte, bei denen zwischen den Songs kaum 

ein Wort zum Publikum gesprochen wird, wirken 

schnell unpersönlich und kühl. Es wird kein Kon - 

takt hergestellt, und wäre da nicht der Applaus, 

könnte man glauben, es liefe eine CD. Es mag 

Ansichtssache sein, ob man vor jedem Song etwas 

darüber erzählen oder die Leute zum Mitmachen 

animieren will – aber um eine gewisse Nähe zu 

seinem Publikum herzustellen, ist ein Minimum an 

Ansprache notwendig. Dafür sollte der*die Sän - 

ger*in über ein gewisses Repertoire an Ansagen 

verfügen, spontan eine Showeinlage anmoderieren 

oder – je nach Stimmung und Anlass – sein*ihr Pu - 

bli kum zum Mitmachen animieren können. 

ANSAGEN UND MODERATION 

Kann ich das üben? 

Ja. Man kann durchaus zu Hause oder im Probe - 

raum mit einem imaginären Publikum „üben“. Es 

macht Sinn, sich ein paar gute Ansagen und Gags 

auszudenken und das (deutliche, aber nicht über - 

zogene) Sprechen zu üben. Die Übe-Situation 

sollte so genau wie möglich der Live-Situation 

nachempfunden werden. Es wird im Stehen geübt 

und auf Lautstärke und Dynamik geachtet. Wie 

beim Singen-Üben wirst du den besten Fort schritt 

erzielen, wenn du (Video-)Aufnahmen von dir 

machst. Zum einen hörst du bei der Kontrolle, ob 

du dynamisch und deutlich genug gesprochen 

hast, zum anderen gewöhnst du dich an den eigenen 

(Sprech-)Stimmklang und erlangst ein feineres 

Gespür für Stimmmodulation. (Auch pro fes sio - 

nelle Redner proben ihre Reden viele Male, bevor 

sie öffentlich auftreten.) 

»Die oberste Regel für gute 

Ansagen lautet: 

Sprich deutlich artikuliert 

und in mäßigem Tempo!« 

A – wie Anekdote 

Von Barbra Streisand heißt es, sie schaue 

immer über die Köpfe der vorderen Reihen 

hinweg, da – selbst wenn ihr Blick in Rich tung 

Horizont schweift – für die vorderen Reihen 

„immer noch genügend von ihrem Glanz“ 

abfällt ... 

LEEZA NAIL 

The Singer’s Coach – Der Karriere-Ratgeber 

Alles, was ambitionierte Sänger*innen wissen sollten! 

DIN A4, 160 SEITEN, 18,95 EURO 

ISBN13: 9783947998081 

LEEZANAIL.DE 

FACEBOOK.COM/LEEZA.NAIL.AUTORIN 

die Stimme überträgt. So wirst du mit jedem Auftritt 

sicherer werden – versprochen. 

IMMER ANSAGEN? 

Es muss nicht vor jedem Song eine Ansage 

gemacht werden. Wenn das Publikum bereits auf - 

geheizt und die Stimmung ausgelassen ist, reicht 

es oft, einige „Knaller“ direkt hintereinander zu 

spielen. Ohne Pausen. Das funktioniert freilich am 

besten mit einer gut eingespielten Band. Wenn die 

Stimmung aufrechterhalten werden soll, gehen 

langes Noten-Umblättern oder Tonart-Checken 

gar nicht. 

Bei konzertanten Auftritten kann und darf es 

zwischen den Songs auch mal etwas längere 

Pausen für Ansagen geben. Vor allem bei eigenen 

oder ausgefallenen Kompositionen interessiert die 

Leute, wie dieser Song zustande kam, was darin 

erzählt wird oder was er für den*die Sänger*in 

bedeutet. Dafür können andere Songs wiederum 

kurz und knapp vorgestellt werden. Es kommt 

immer auf den Moment an. 

Ein*e professionelle*r Sänger*in bleibt aufmerksam 

und spürt, was sein*ihr Publikum gerade 

„braucht“. Bei gehobenen Tanzveranstaltungen 

(Galas, Abschlussbällen usw.) sind meist kurze 

Pausen zwischen den Songs sogar erwünscht. 

Während ruhig und entspannt der nächste Titel 

angesagt wird, haben die Tanzpaare Gelegenheit, 

kurz zu verschnaufen und sich auf die nächste 

Runde vor zubereiten. Bei Tanzabschlussbällen wird 

manchmal erwartet, dass der jeweilige Tanz (Cha- 

Cha-Cha, Rumba, Slow Fox, Langsamer Walzer, 

Wiener Walzer usw.) angesagt wird, damit die Tanz - 

schul absolventen wissen, welcher Tanzschritt folgt. 

KÖRPERSPRACHE 

Eine aufrechte, gerade und lockere Körper hal - 

tung strahlt Souveränität und Kompetenz aus. 

Wenn du mit Ansagen (noch) nicht so vertraut 

bist, achte doppelt so gut auf eine selbstsichere 

Körper haltung und den Blickkontakt zu deinem 

Publikum. 

Zu schnelle und genuschelte Ansagen versteht 

niemand. Meistens wirkt eine tiefere Sprech stimme 

charismatischer und klingt routinierter als eine hohe. 

Wenn du eine sehr hohe Sprechstimme hast, übe, 

in etwas tieferer Lage Ansagen zu machen, und 

intoniere, wie beim Singen, einen vollen, warmen 

Stimmklang, indem du die verfügbaren Resonanz - 

räume nutzt. Sprich beim Üben in der gleichen 

Lautstärke wie auf der Bühne. Vielleicht hast du 

die Möglichkeit, beim Soundcheck ein paar An - 

sagen zu üben, und kannst die Kollegen um ein 

Feedback bitten. Ein weiterer wichtiger Aspekt 

ist der Blickkontakt zu deinem Publikum. Schau 

in die Menge, suche dir einzelne sympathische 

Gesichter und nimm mit ihnen Blickkontakt auf, 

wenn du sprichst. 

Je besser du dich vorbereitest und die Wirkung 

deiner Ansagen einschätzen kannst, umso lockerer 

und gelassener wirst du, was sich wiederum auf 

Wie schon erwähnt, unterstreicht ein fester, 

offener und freundlicher Blick deine Präsenz auf 

der Bühne. Ein Lächeln (nicht übertrieben, aber 

doch deutlich) wird dir fast immer die Sym pathien 

deines Publikums sichern. 

AUTOR: LEEZA NAIL 

WEB: WWW.ALFREDMUSIC.DE 

TEXTQUELLE: MIT FREUNDLICHER 

GENEHMIGUNG VON ALFRED VERLAG 

FOTOS: © FANTOM_RD / ADOBE STOCK 


PRODUKT-NEWS 53 

MATTHIAS PHILIPZEN 

CAJÓN BOOK 

Für Quereinsteiger, Fortgeschrittene & Pros 

65 Online-Videos inklusive 

Matthias Philipzens CAJÓN BOOK beschreibt die bislang 

umfassendste Cajón-Methode des Autors und richtet sich 

an Schlagzeug-Quereinsteiger, Fortgeschrittene und professionell 

orientierte Drummer und Percussionisten. Im 

Fokus steht die Cajón als Drumset-Ersatz. Das CAJÓN BOOK 

be antwortet die folgenden brennenden Fragen: 

Wie übertrage ich Drumrhythmen auf die Cajón? 

Wie übertrage ich traditionelle und moderne Patterns auf die 

Cajón und verwende sie in meiner Musik? Welche An - 

schlag techniken verwende ich für dynamisches Spiel? Wie 

kann ich Songs auf der Cajón begleiten? Welche Add-Ons 

helfen mir, mein Spiel mit zusätzlichen Sounds und Spiel - 

möglichkeiten interessant und authentisch klingen zu lassen? 

DAS CAJÓN BOOK DECKT FÜNF GROSSE 

THEMENBEREICHE AB: 

• Basics – Grundlagen und Tipps 

• Sound & Movements – Klänge und Anschlagarten 

• Grooves & Styles – Rhythmen und Stilistiken 

• Special Sounds & Add-ons – Spezielle Klangfarben und 

Zusatzinstrumente auf der Cajón 

• Techniques & Phrasing – Spieltechniken und Phrasierung 

Das CAJÓN BOOK richtet sich nicht ausdrücklich an Cajón- 

Einsteiger, deckt aber auch Anfängerwissen bezüglich An - 

schlagtechniken und Notenschrift für diejenigen ab, die 

sich das Cajónspiel „von der Pike auf“ erarbeiten möchten 

und das Notenlesen nicht zu ihren Stärken zählen. Dieser 

Ansatz wird mit den zum Lieferumfang ge hörenden Online- 

Videos und CD-Play-alongs zusätzlich unterstützt. 

Wir wünschen viel Freude beim Entdecken, Üben und 

Ausprobieren der vielfältigen Patterns, Grooves und Tech - 

niken in Matthias Philipzens CAJÓN BOOK. 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de | Art.-Nr.: 20296G (Buch & CD & Online Videos) | ISBN-10: 3-947998-34-1 | ISBN-13: 978-3-947998-34-0 | DIN A4 | 132 Seiten 

TASCAM STELLT 

DIE PODCAST-STATION MIXCAST 4 VOR 

Tascam, einer der weltweit führenden Anbieter von Audio - 

produktionslösungen, stellt die Podcast-Station Mixcast 4 

vor. Mixcast 4 ist ideal für das Produzieren von Podcasts, 

Live-Streaming, Event-Produktion oder Nachvertonung und 

kann über Mikrofone eingehendes Material mit anderen 

Sounds mischen und aufnehmen. Dazu zählen beispielsweise 

intern gespeicherte und über die Triggerpads zugespielte 

Hintergrundmusik, Effektsounds und Jingles oder 

auch externes Tonmaterial von einem Telefon oder Computer. 

Zudem enthält Mixcast 4 einen 14-Spur-Recorder, der direkt 

auf eine SD-Karte schreibt. Mit zahlreichen Funktionen und 

der Software Tascam Podcast Editor steht somit eine komplette 

Tonproduktionsumgebung zur Verfügung – von der 

Vorproduktion bis zur Fertigstellung des Projekts. 

Als stressfreies Audiointerface bietet Mixcast 4 vier Mikro - 

foneingänge über XLR/TRS-Kombibuchsen und vier separate 

Kopfhörerausgänge, sodass bis zu vier Podcaster mühelos 

miteinander interagieren können. Mit der enthaltenen 

Auto-Mixing-Funktion, die automatisch die optimalen Pegel 

einstellt, ist es mit dem Mixcast 4 ein Kinderspiel, professionelle 

Ergebnisse zu erzielen. In Verbindung mit einem 

12,7-cm-Farb-Touchscreen, der einen schnellen und intuitiven 

Zugriff auf die gewünschten Menüeinstellungen bietet, 

ermöglicht das System Podcastern, sich auf ihre Inhalte 

zu konzentrieren, ohne durch komplexe Bedienungs aufgaben 

abgelenkt zu werden. 

Einzigartig am Mixcast 4 ist die mitgelieferte Original-Software 

Tascam Podcast Editor, die das unkomplizierte und praktische 

Bearbeiten von Wellenformen, das Scharfschalten von 

Spuren sowie das Konfigurieren von Soundeffekten oder 

Hintergrundmusik und das Zuweisen zu den Sound-Pads 

des Geräts ermöglicht. Die Software fügt sich vollständig in 

Mixcast 4 ein, ist einfach zu bedienen und bietet intuitive 

Symbole, die auch Benutzerinnen und Benutzer ohne Er - 

fahrung mit DAW-Software (Digital Audio Workstation) bei 

der Produktion unterstützen. Die Software läuft unter 

Windows, Mac OS und iOS und benötigt für die direkte Ver - 

wendung mit Mixcast 4 keinen speziellen Treiber. Eine Android- 

App wird mit einem zukünftigen Update folgen. Tascam Podcast 

Editor erfordert eine Registrierung auf dem Kundenportal 

TASCAM ID. Über TASCAM ID erhalten alle registrierten 

Tascam-Anwenderinnen und -Anwender die neuesten 

Support-Inhalte und -Informationen, Be nach rich ti gungen über 

Firmware-Updates, Anwendungs-Tutorials und vieles mehr. 

Das Mixcast 4 verfügt über acht vollständig anpassbare 

Sound-Pads mit acht Bänken, die eine Fülle von Möglich - 

keiten für die eigenen kreativen Ideen bieten. Neben voreingestellten 

Soundeffekten lassen sich neue Klänge, Musik oder 

sogar Aufnahmen zuweisen, die auf dem Gerät vorab per 

Mikrofon aufgenommen wurden. Die Sound-Pads des 

Mixcast 4 ermöglichen außerdem einfache und zeitgenaue 

Stimmeffekte wie Tonhöhentransformation, Hall und andere, 

mit denen man Live-Streams und Aufnahmen noch inte - 

ressanter und unterhaltsamer machen kann. 

Für noch mehr Flexibilität bietet Mixcast 4 einige weitere 

wichtige Funktionen, darunter ein USB-Audiointerface mit 

14 Eingängen und zwei Ausgängen für die direkte Mehr - 

spur aufnahme auf einem Computer oder einem anderen 

Gerät sowie Unterstützung für eine Bluetooth-Verbindung, 

die die Aufnahme von Telefongesprächen oder die Wieder - 

gabe von Hintergrundmusik von gekoppelten Smartphones 

oder Tablets ermöglicht. 

Darüber hinaus gibt es einen zwischen Standard- und Mini - 

klinke umschaltbaren Stereo-Line-Eingang, sodass sich 

problemlos Telefongespräche mischen und aufnehmen oder 

andere Klangquellen wie Musikinstrumente einspeisen lassen. 

Das Gerät kann auch Sounds von einem Computer 

über eine USB-Verbindung importieren. Weitere Anschlüsse 

sind ein TRRS-Kopfhörerausgang an der Vorderseite, der 

dem Kopfhörerausgang 1 entspricht, sowie symmetrische 

Stereo-Monitorausgänge und ein Stereo-Line-Ausgang über 

Miniklinke. Das Ergebnis sind unvergleichliche Flexi bilität 

und Benutzerfreundlichkeit, die man erlebt haben muss, um 

sie zu verstehen. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu/de/mixcast4 

www.tascam.eu/de/podcast_editor 


54 PRODUKT-NEWS 

NORBERT APING 

ES DARF GELACHT WERDEN 

von Männern ohne Nerven und Vätern der 

Klamotte – Lexikon der deutschen 

TV-Slapstickserien Ost und West 

SPERIE KARAS 

DRUMSET GROOVE CONTROL 

100 Groove Exercises, Odd Meters, and 

Changing Meter Pieces 

Viele erinnern sich aus ihrer Jugend an die Slapstick-Serien 

im Vorabendprogramm, die bis Ende der 1990er Jahre 

regelmäßig ausgestrahlt wurden. 

Veröffentlichungen über die Geschichte des Fernsehens in 

der Bundesrepublik Deutschland und der DDR sowie über 

TV-Serien haben sich allerdings mit diesen Serien bisher 

kaum befasst. 

Diese Lücke in der deutschen Fernsehgeschichte schließt 

diese Arbeit. In lexikalischer Form werden die Serien, ihre 

Resonanzen, Hintergründe und „Macher“ vorgestellt, ebenso 

die berühmten bekannten und weniger bekannten Komi - 

ker der verwendeten Originalfilme. 

Norbert Aping erinnert an die geliebten Stummfilm-Aus - 

strahlungen im deutschen Fernsehen. 

Weitere Informationen: www.schueren-verlag.de | 436 Seiten | Buch 28,– € | E-Book 19,99 € ISBN 978-3-7410-0339-4 

Drumset Groove Control bietet ein umfassendes Work-out für 

Schlagzeuger, die von der langjährigen Erfahrung Sperie Karas’ 

als Schlagzeuger, Pädagoge und Autor profitieren möchten. 

„My goal with this book, Drumset Groove Control, is to give 

you the security and command you’ll need for the challenges 

you will encounter in the music of today’s world,“ sagt 

Sperie über seine neueste Veröffentlichung. 

Das Buch ist voll mit Tipps und Vorschlägen, wie man zeitgenössische 

Rock- und Popmusik spielt, und geht dabei 

auch auf ungerade und wechselnde Taktarten ein. „Your 

careful work with this book will enhance your coordination 

and technique and will be a great aid in solving the groove 

problems, that you are consistently confronted with. Your 

solo ideas and drum licks will also greatly benefit from this 

book!“ Speries Work-out erstreckt sich über insgesamt 124 

Seiten, wobei er auf jeder Seite nützliche Informationen zu 

den jeweiligen Übungen gibt. 

Teil 1 von Drumset Groove Control – der umfassendste Teil 

dieses Buches – nimmt die Grooves aus Rock, Pop, Funk, 

Soul und Blues nicht nur im 4/4-Takt, sondern auch in un - 

geraden Taktarten in den Fokus. Sperie zeigt, wie man diese 

Grooves zu beherrschen lernt und zu einem Teil des eigenen 

Schlagzeugvokabulars macht. Teil 2 steht ganz im 

Zeichen von Taktartwechseln – eine gute Übung für das Spiel 

moderner zeitgenössischer Musik! Teil 3 – der letzte Ab - 

schnitt – befasst sich mit der Verteilung auf dem ganzen 

Drumset: „A lot of solo inspiration will come to you as you 

experiment with the integrating of Toms and Snare, and you’ll 

be amazed at the limitless grooves and licks you’ll discover.“ 

Ein umfassendes Work-out für alle Drummer, die in Sachen 

Groove-Koordination weiterkommen wollen! 

Das Buch erscheint nur in englischer Sprache. 

ISBN-10: 3-947998-38-4 | ISBN-13: 978-3-947998-38-8 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 

THOMAS BATTENSTEIN 

EINFACH WEITERMACHEN 

Meine Herkunft, mein Leben, meine Musik 

Biografie in zwei Bänden – mit über 

1400 Bildern, Zeichnungen und Dokumenten 

Einfach Weitermachen ist seit früher Jugend das Lebens - 

motto des Düsseldorfer Gitarristen Thomas Battenstein. Mit 

viel Humor, Augenzwinkern, aber auch großer Offenheit und 

Ernsthaftigkeit erzählt er seine Familiengeschichte, die den 

Bogen über zwei Weltkriege und die Wirtschaftswunderzeit, 

die Teilung und Einheit Deutschlands bis ins 21. Jahr - 

hundert spannt. Seit seiner Kindheit stellen Einschnitte und 

Krisen Thomas Battenstein immer wieder vor neue Auf - 

gaben. Dazu gehören auch Erfahrungen mit Liebes be zie - 

hun gen und Trennungen, die ihn zu einem Einzelkämpfer 

werden ließen. 

Der erste Band erzählt, wie sich aus dem pummeligen, Nägel 

kauenden Pubertier schon der 14-Jährige zu einem politisch 

interessierten Bücherwurm entwickelte, der gerne die Zei - 

tungen, Magazine und Bücher von seinem Vater las, bereits 

mit 17 Jahren Grafikdesign studierte, nebenbei anfing, Gitarre 

zu spielen, an der Kunstakademie Lehramt studierte, ein 

gefragter Gitarrenlehrer wurde, die Rockband MEK BILK 

gründete und bald von seiner Musik leben konnte. 

Mit der 1981 gegründeten Rockband NOX NOX entwickelte 

er sich endgültig zum Profimusiker. 

Im zweiten Band erzählt er, wie er 1982 mit seiner Rock - 

band NOX NOX durchstartete, zahlreiche TV-Auftritte hatte, 

LPs produzierte und sich nach sechs lehrreichen Rock - 

musiker-Jahren zu einem eigenständigen Sologitarristen 

und Komponisten entwickelte. Als Solist und als Band - 

musiker sammelte er mit weit über 1 000 Live-Auftritten 

wertvolle Erfahrungen. Ab 1991 produzierte er auf seinem 

Label TOMTE MUSIC CD-Alben am Fließband. 

Battenstein erzählt weiter sehr offen von seinem Privat - 

leben, von Krisen, wichtigen Therapieerfahrungen, seinen 

zahlreichen Wohnungswechseln, von Urlaubsreisen zum 

Atlantik und in die Alpen, von glücklichen Phasen und von 

manchen Rückschlägen. 

Die Konfrontation mit einer schweren Krebserkrankung und 

sein langer Kampf ums Überleben an der Seite seiner Frau 

Carola sollte den Blick auf sein ganzes Leben derart schärfen, 

dass er jetzt den richtigen Zeitpunkt sah, diesen sehr 

bewegenden Lebensroman zu schreiben und zu veröffentlichen. 

Band 1: ISBN 978-3-9815-448-2-4 

Band 2: ISBN 978-3-9815-448-3-1 

Infos auf einfach-weitermachen.de 

Online bestellen unter: www.tomtemusic.de/order.html 



TASCAM ERWEITERT SEINE VIDEOSTREAMER VS-R264/VS-R265 MIT DER FIRMWAREVERSION 2.0 

UM MEHRERE NEUE FUNKTIONEN 

Tascam gibt für seine Video-over-IP-Streamer und -Re corder 

VS-R264 und VS-R265 eine Firmware aktuali sie rung auf 

Version 2.0 bekannt. Direkt nach dem kürzlich veröffentlichten 

Update der Version 1.1.0, das drei gleich zeitige Streams 

im RTMP-Format ermöglicht, bietet Version 2.0 eine Fülle 

neuer Funktionen. Dazu zählen die verbesserte Nutzung 

des internen Speichers für Auf nah men, das Erstellen von 

Aufnahmen im Dateiformat MP4, eine Erweiterung der 

maximalen Größe von Dateien, die auf externen Speicher - 

medien aufgezeichnet werden, und weitere mehr. 

Mit der Version 2.0 stehen Nutzern nun 17 GByte interner 

Speicherplatz für die Aufzeichnung zur Verfügung, wobei 

die maximale Dateigröße auf 17 GByte erhöht wurde. 

Dadurch sind externe Speichermedien wie SD-Karten oder 

USB-Laufwerke für viele Anwendungen verzichtbar. Ebenso 

erwähnenswert ist, dass einzelne Dateien, die auf einem 

externen Speicher aufgezeichnet werden, jetzt 4 GByte statt 

2 GByte groß sein können. Die maximale Datei größe lässt sich 

außerdem begrenzen, um die Aufnahmen einfacher handhaben 

zu können und den jeweiligen Anforderungen besser 

gerecht zu werden. In einem solchen Fall beginnt automatisch 

eine neue Aufnahme, sobald die festgelegte Datei - 

größe erreicht ist. Dabei wird jede Datei mit Datum und 

Uhrzeit versehen. 

NEUE SPEICHEROPTIONEN MIT FIRMWAREVERSION 2.0 

Die neue Firmware ermöglicht auch die fortlaufende Auf - 

nahme unabhängig von der Speicherkapazität, indem das 

Gerät ältere Dateien automatisch löscht, sobald der Speicher - 

platz zur Neige geht. So ist auch bei Dauer auf nahmen immer 

Platz für neue Aufnahmen verfügbar. Diese Funktion könnte 

zum Beispiel dann besonders nützlich sein, wenn eine 

Kirchengemeinde ein oder zwei Gottes dienste pro Tag aufzeichnet 

und streamt. In diesem Fall wäre kein zwischenzeitliches 

Aufräumen der Speicher medien erforderlich. 

Darüber hinaus ist es möglich, Auf nahmedateien nach ihrer 

Fertigstellung automatisch per FTP auf einen zentralen 

Server hochzuladen, während das Gerät bereits eine neue 

Aufnahme erstellt – so ist ein unterbrechungsfreier Betrieb 

über lange Zeiträume hinweg gewährleistet. 

EINE WEITERE NEUERUNG MIT VERSION 2.0: 

Die Geräte unterstützen neben TS (Transport Stream) jetzt 

auch das Dateiformat MP4. MP4 ist ein sehr beliebtes 

Audio-/Video-Streaming-Format, da es auch andere Daten 

wie Unter titel und Standbilder speichern kann. Jetzt 

haben Nutzerinnen und Nutzer die Wahl zwischen 

TS-Dateien, die auch dann abspielbar sind, 

wenn die Auf nahme durch einen 

Strom ausfall oder eine andere 

unvorhergesehene Situation 

unter brochen wurde, und dem 

vielseitigeren MP4-Format. 

Im Rahmen des Firmware-Up - 

dates sind mehrere neue Optionen für den H.265-Codec 

verfügbar. H.265, auch bekannt als HEVC (High-Efficiency 

Video Coding), ist ein Nachfolger von H.264 und der neues - 

te Komprimie rungs standard für Videomaterial, der bei gleicher 

Bildqualität eine doppelt so hohe Daten kom pri mie rung 

wie H.264 bieten soll. Die Qualität/Latenz von H.265 ist nun 

wählbar zwischen Hoch, Normal, Niedrig oder Niedrigst. 

Darüber hinaus bietet Version 2.0 Unterstützung für RTMP 

(Real-Time Messaging Protocol). Durch Drücken der STRE- 

AM-Taste steuert man nun die RTMP-Streams 1, 2 und 3 

gleichzeitig. Das praktische Kom muni kations pro tokoll RTMP 

dient dazu, parallele Ströme von Bild-, Ton- und Datenpaketen 

mit den dazugehörigen Zeitinfor ma tio nen zwischen zwei 

kom munizierenden Partnern zu übertragen. 

Als eine weitere Neuerung hat der Hersteller das Streaming- 

Dashboard und die Web-Benutzeroberfläche Tascam 

Discovery aktualisiert. Tascam Discovery ist sowohl für Mac 

als auch für Windows verfügbar und ermöglicht die Ver wal - 

tung mehrerer VS-R-Geräte im Netzwerk über eine einfache 

browserbasierte Benutzeroberfläche. Alle Konfigura tions - 

einstellungen bleiben im jeweiligen Gerät gespeichert, sodass 

im Normalbetrieb kein Computer für das Streaming oder die 

Aufzeichnung erforderlich ist. Die aktualisierte Benutzer - 

oberfläche bietet eine bessere Übersicht über den Status 

der einzelnen Streaming-Ausgänge (bis zu acht gleichzeitige 

Streams) und der Aufnahmefunktion in einem gemeinsamen 

Fenster. 

Neben den primären Verbesserungen, die mit dem Update 

auf Version 2.0 zur Verfügung stehen, hat Tascam zahlreiche 

weitere Feinabstimmungen vorgenommen. Dazu gehören 

eine optimierte Streaming-Ausgabe über das RTSP- 

Protokoll, eine verbesserte AV-Synchronisierung, stabilisierte 

Bildinformationen für kodierte Videodaten und verbesserte 

Unterstützung von Farbräumen bei der Kodierung. 

Bisher konnte bei der Verwendung einer statischen IP- 

Adresse das Abziehen oder Anschließen von LAN-Kabeln 

dazu führen, dass diese Adresse nicht mehr korrekt erkannt 

wurde. Dieses Problem ist behoben. Darüber hinaus be - 

zeichnet der Hersteller das adaptive Bitraten-Streaming- 

Format HLS jetzt mit dem gebräuchlicheren Begriff HTTP 

Pull. Und die REST-API wurde auf Version 2 aktualisiert. 

Die Firmwareversion 2.0 für die der VS-R-Serie steht unter 

https://www.tascam.eu/de/downloads zum Download zur 

Verfügung. 



während über den EFX-Pan Regler die Effekte anteilig den 

Kanälen zugeordnet werden. 

Auf der Rückseite des Fame Athena ermöglicht ein AUX In den 

Anschluss von externen Zuspielgeräten und ein Line Out den 

Anschluss von Aktivlautsprechern oder Aufnahme geräten. 

Darüber hinaus lassen sich externe Effekte über den Send 

und Return einschleifen, während über den DI Out ein symmetrisches 

Signal an ein Mischpult oder ein Recording-Gerät 

gegeben werden kann. Darüber hinaus verfügt der Fame 

Athen über ein Footswitch-Input, mit dem die Effekte on und 

off geschaltet werden können, einen Tuner-Eingang und einen 

Kopfhörerausgang . Über einen 35-mm-Boxenflansch kann 

der Athena auf einem Stativ in entsprechender Höhe positioniert 

werden. Nicht zuletzt gewährleistet ein stabiler Griff aus 

Leder den komfortablen Transport, während das stabile Holz - 

ge häuse aus mehrschichtig verleimtem Multiplex dem Ver - 

stärker eine hochwertige Optik verleiht. 

DER FAME ATHENA ACOUSTIC COMBO IM ÜBERBLICK: 

FAME ATHENA ACOUSTIC COMBO 

Akustik-Verstärker mit 50 Watt Leistung, zwei Kanäle für Gitarre und Gesang, Reverb, Chorus, 

Delay und Equalizer 

Der preisgünstige Fame Athena ist mit 50 Watt , zwei Kanälen, 

integrierten Effekten und Equalizer der ideale Begleiter für den 

ambitionierten Singer-Songwriter. Zudem sorgen hochwertige 

weich aufgehängte Speziallautsprecher für ein natürliches, 

neutrales und ausgewogenes Klangbild, das man eigentlich 

erst in einer deutlich höheren Preisklasse erwarten würde. 

neben dem Gain-Regler ein 2-Band-Equalizer zur Verfügung. 

Für die entsprechende Atmosphäre sorgt die Effektsektion 

des Fame Athena. Mithilfe eines vierstufigen Drehschalters 

können die Effekte Reverb 1, Reverb 2, Delay und Chorus 

aus wählt werden. Dabei kann über den EFX-Level die In - 

ten sität des zugewiesenen Effekts ausgewiesen werden, 

• Akustik-Verstärker für Gitarre und Gesang 

• 50 Watt Leistung 

• 2 Kanäle 

• Ideal für Singer-Songwriter 

• Kanal 1: Line-Input mit Gain, 3-Band-EQ, Color- und 

High/Low-Schalter 

• Kanal 2: Kombibuchse mit XLR/Line-Input, Gain, 2- 

Band-EQ, Mic/Line-Schalter 

• Effekte: Reverb 1, Reverb 2, Delay und Chorus 

• AUX In zum Anschluss von externen Zuspielgeräten 

• Line Out für Recordings und externe Aktivboxen 

• Symmetrischer DI-Ausgang zum Anschluss an ein 

Mischpult oder für Aufnahmen 

• 6,35-mm-Kopfhörerausgang 

• Send und Return zum Einschleifen von externen Effekten 

• Tuner-Anschluss 

• Boxenflansch 35 mm 

• Stabiler Ledergriff 

• Stabiles Holzgehäuse aus mehrschichtig verleimtem 

Multiplex 

• Footswitsch-Eingang zum Ein- oder Ausschalten der 

internen Effekte 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

Dabei liefert der erste Kanal einen Gain-Regler zur An - 

passung des Gitarreneingangssignals, während ein 3-Band- 

Equalizer viel Raum für die individuelle Frequenztrennung 

zulässt. Zudem kann mithilfe des High/Low-Schalters die 

Eingangslautstärke reguliert werden. Außerdem wurde der 

Fame Athena mit einem Klangfilter „Color“ ausgestattet, 

der per Knopfdruck die Mitten leicht anhebt und der Gitarre 

dabei ein brillanteres Klangbild verleiht. 

Der zweite Kanal verfügt über eine Kombibuchse, mit der 

sowohl per XLR ein Mikrofon als auch ein zweites In stru - 

ment angeschlossen werden kann. Dabei sorgt ein Line/Mic- 

Schalter für die entsprechende Pegelanpassung von Mikro - 

fon oder Instrument. Darüber hinaus steht dem Musiker 



MARKUS FRITSCH, KATRIN JANDL, 

PETER KELLERT, ANDREAS LONARDONI 

HARMONIELEHRE UND 

SONGWRITING 

8. völlig revidierte und erweiterte Auflage 2020 

Darstellung und Verbindung von Harmonielehre und Song - 

writing in der populären Musik sind die Themen, die in diesem 

Lehrbuch praxisorientiert behandelt werden. Zahl reiche 

Abbildungen, Notenbeispiele, Tabellen, Übun gen, Register 

und ein Songwriterkatalog erleichtern die Übersicht. 

Vermittelt werden grundlegende Kenntnisse über den Pro - 

zess des Songwritings, die Songwriting- und Lyric writing - 

techniken, die Betätigungsfelder von Songwritern und das 

Berufsbild. Themen wie Melodik, Harmonik, Text-, Vers-, 

Reimlehre und Songformen werden ausführlich behandelt, 

ebenso die Grundlagen der allgemeinen Musik lehre, der 

Notations-, der Rhythmik- und der Harmonie lehre. 

Das Buch bietet: 

• Teil 1 „Intro“ 

• Teil 2 „Tools – Allgemeine Musiklehre“ 

Alle Grundlagen der Allgemeinen Musiklehre wie Notation, 

Rhythmik, Formenlehre. 

• Teil 3 „Harmonielehre“ 

Stammtonreihe, Tonleitern, Tonarten, Kadenzen, Mo du - 

lation, Akkordlehre und Akkordverwandtschaften sind 

die Themen dieses Kapitels. 

• Teil 4 „Songwriting“ 

Von der Skizze zum fertigen Song. Hier werden einfache, 

aber effektive Wege gezeigt, wie man mithilfe verschiedener 

Herangehensweisen eigene Songs schreiben lernt. 

Textdichtern werden bei Themenfindung und Stoff sam m - 

lung unterstützende Techniken wie Object Writing, Story - 

telling und Destination Writing vorgestellt. 

• Teil 5 „Business“ 

Urheberrecht, GEMA, GVL, Demoproduktion und Mar ke - 

ting sind einige der Themen, über die jeder (angehende) 

Musiker informiert sein muss. In diesem Kapitel findet 

sich alles Wissenswerte dazu. 

• Teil 6 „Nachschlag“ 

Hier finden sich Themen, die im Buch nicht erklärt werden, 

um den Lesefluss nicht zu unterbrechen. 

Es sind Themen, deren Kenntnis zwar nützlich, aber nicht 

wichtig für den Lernerfolg ist, wie zum Beispiel die Ober ton - 

reihe. Unter History sind ein paar Eckpfeiler der Geschichte 

des Songs und der Songwriter gesammelt. 

Es gibt eine umfassende Buchliste zur gezielten Weiter bil - 

dung sowie einige wichtige Adressen aus der Musik - 

branche. Der Songwriterkatalog ist ein Versuch, ein paar 

der wichtigsten Namen hervorzuheben. Das hilft und spart 

Zeit bei der eigenen Recherche. 

Peter Kellert ist Gitarrist, Arrangeur und Komponist. Aus - 

bildung u. a. bei Jerry Bergonzi (Boston), Henning Brauel 

(Hannover), Frank Sikora (Stuttgart). 

Markus Fritsch, Ausbildung am Berklee College of Music in 

Boston, arbeitet als Bassist, Arrangeur, Komponist im Studio für 

Produktionen und ist als Livemusiker und Bassist in be - 

kannten Bands tätig. 

Andreas Lonardoni, Ausbildung am Berklee College of Music in 

Boston, Bassist und Dozent für Elektrobass. 

Katrin Jandl wurde von Peter Kellert zur Gitarristin und Kom - 

ponistin ausgebildet. Neben ihrer Tätigkeit als Autorin arbeitet 

sie als Songwriterin und Gitarrenlehrerin. 

8. völlig revidierte und erweiterte Auflage 2020 

Mit Notenbeispielen, Tabellen, Übungen und Fotos 

472 Seiten | 34 Euro 

ISBN 978-3-928825-23-8 

Weitere Informationen: www.leu-verlag.de 

MARTIN SACHS 

MEIN ERSTER POPSONG 

8 leichte Lieder zum Mitspielen für 

Schlagzeug (Band 6 mit CD) 

Das Spielen eines populären Liedes stellt für Schlagzeug - 

schüler ein attraktives Ziel dar. 

Das vorliegende Heft mit Schlagzeugparts und Begleitmusik, 

abgeleitet von ebensolchen Liedern, arbeitet auf dieses Ziel 

hin und enthält quasi als „Gesellenstück“ den Song „I Love 

Rock ’n’ Roll“ in der Interpretation von Joan Jett & The 

Blackhearts. 

Das Heft bietet: 

DRUMSET DIREKT 

➜ Verzicht auf Übungen allgemeiner Art nur für kleine 

Trommel. 

LIED DIREKT 

➜ Übungen nur direkt aus dem und für das Lied. 

KLARTEXT STATT IMPROVISATION 

➜ Klare Vorgaben für den Anfänger statt zu improvisierender 

Anweisungen. 

SPIELEN STATT LESEN 

➜ Verzicht auf lange Texte. 

THEORIE GANZ PRAKTISCH 

➜ Erklärungen dann, wenn sie gebraucht werden. 

JEDES DER 8 LIEDER WIRD AUF JEWEILS 4 SEITEN 

BEHANDELT 

➜ Die erste Seite bietet Erklärungen. 

➜ Auf der zweiten Seite werden einzelne Takte oder Takt - 

übergänge geübt, die bei Bedarf in mehrere Schritte 

zerlegt werden. 

➜ Alle gekennzeichneten Takte befinden sich auf der 

CD in drei Geschwindigkeiten. 

➜ Auf der Doppelseite folgt dann das Lied, auf der CD 

einmal langsam und einmal schnell. 

Martin Sachs ist Schlagzeuglehrer, ausgebildeter Orches - 

ter schlagzeuger und Buchautor und hat mit „Mein erster 

Popsong, 8 leichte Lieder zum Mitspielen für Schlag - 

zeug“ bereits Band 6 in einer für den Schlagzeug- 

Anfangs unter richt geeigneten Buchserie im LEU-Verlag 

veröffentlicht: 

Mein erstes Konzert, Band 1: ISBN 978-3-89775-162-0 

Mein erstes Konzert, Band 2: ISBN 978-3-89775-163-7 

Mein erstes Solo: ISBN 978-3-89775-164-4 

Mein erster Rhythmus: ISBN 978-3-89775-173-6 

Mein erstes Konzert, 8 Weihnachtslieder für Schlag - 

zeug: ISBN 978-3-89775-176-7 

Martin Sachs vermittelt gekonnt, einfach und verständlich, 

wie man zu verschiedenen Songs trommelt. 

ISBN 978-3-89775-188-0 | 48 Seiten mit CD | 19,80 Euro 

Weitere Informationen: www.leu-verlag.de 



KAMERA-TISCHSTATIV »19781« 

Stabiles Kamera-Tischstativ für die Aufnahme von Kom - 

pakt kameras, Action-Kameras, Web-Cams, Mini-Beamern 

und mobilen Recordern mit einem 1/4“-Anschlussgewinde. 

Durch das Kugelgelenk kann das montierte Equipment um 

360 Grad gedreht und in jeder beliebigen Position fixiert 

werden. Die Neigung ist stufenlos bis 90 Grad einstellbar 

und die Trag fähigkeit ist für Geräte mit einem Gewicht von 

1 kg ausgelegt. 

19781 

Stabiles Tischstativ mit 1/4“-Anschlussgewinde 

TECHNISCHE DATEN: 

Gewicht: 1,45 kg 

Besonderheit: 360 Grad drehbar 

Material: Stahl 

Aufstellmaß: ø 130 mm 

max. Belastbarkeit: 1 kg 

Fußkonstruktion: schwerer Guss-Rundsockel 

Höhe: 214 mm 

Neigung: 0 bis 90 Grad 

Best.-Nr.: 19781-100-55 - schwarz 


Praktisches Kamera-Tischstativ für die Aufnahme von Kom - 

paktkameras, Action-Kameras, Web-Cams, Mini-Beamern 




werden. Die Höhe kann von 280 bis 488 mm über zwei 

Spannhebel frei eingestellt werden. Die Neigung ist stufenlos 

bis 90 Grad einstellbar und die Tragfähigkeit ist für Geräte 

mit einem Gewicht von 1 kg ausgelegt. Für den Transport wird 

das Stativ kompakt und platzsparend zusammengelegt. 



Besonderheit: handliche Klemmhebel; 360 Grad drehbar 



Fußkonstruktion: Einrastende Vierkant-Fußrohre 


Rohrkombination: 1-fach ausziehbar 

Höhe: von 280 bis 488 mm 

Höhenverstellung: stufenlos mittels Klemmschraube 


Best.-Nr.: 19782-100-55 


Handliches Kamera-Tischstativ für die Aufnahme von Kom - 

paktkameras, Action-Kameras, Web-Cams, Mini-Beamern 




werden. Die Neigung ist stufenlos bis 90 Grad einstellbar 

und die Trag fähig keit ist für Geräte mit einem Gewicht von 

1 kg ausgelegt. Eingeklappt verwandeln sich die Füße zu 

einem Griff, der zusätzlich den mobilen Einsatz ermöglicht. 

19782 

Höhenverstellbares Tischstativ 

mit 1/4“-Anschlussgewinde 



Besonderheit: für den mobilen Einsatz als Handgriff verwendbar; 

360 Grad drehbar 

Material: Kunststoff 


Fußkonstruktion: Klappfüße 


Höhe: 118 mm 


Best.-Nr.: 19783-100-55 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

19783 

Handliches Kamera-Tischstativ, 

das auch als Griff verwendet werden kann 



DR. KARL-HEINZ KLEIFGES 

RETTE DICH VEGAN 

Wie Ernährung das Leben verlängern und 

das Risiko für Krankheiten verringern kann 

Karl-Heinz Kleifges (Diplom-Chemiker, Doktor der In ge nieur - 

wissenschaften) deckt aufschlussreiche Zusam menhänge auf 

zwischen Ernährung und Lebensstil einerseits und den 

Risiken für die Entstehung von Krankheiten andererseits. So 

können mit einer gesunden Lebens füh rung, die eine ab - 

wechslungsreiche und ausgewogene vegane Ernährung beinhaltet, 

die Risiken für die sogenannten Zivili sations krank heiten 

− dazu zählen zahlreiche Herz-Kreis lauf-Erkran kun gen, diverse 

Krebserkrankungen, Diabetes Typ 2, Übergewicht, Adipositas 

und Demenz − verringert sowie weitere gesundheitliche 

Vorteile erzielt werden. Darüber hinaus räumt der Autor mit 

vielen Ernährungs fehlern und -irrtümern auf, gibt praktische 

Tipps und unterstützt beim Einstieg in ein länger gesundes 

und gesünderes längeres Leben: Der Schlüssel hierfür liegt in 

der Hand eines jeden Einzelnen und der richtige Zeitpunkt, 

damit zu beginnen, ist genau jetzt! 

Weitere Informationen: tredition.de | Hardcover | 23,99 € inkl. MwSt. | Seitenanzahl: 260 | ISBN: 978-3-347-33459-5 

19784 

Kompakt; mit praktischem 

Kugelgelenk 

HEINER KRUSE 

LOGIC PRO 

Das umfassende Handbuch 

1 212 Seiten, 3., aktualisierte Auflage 2021, gebunden 

Rheinwerk Computing, ISBN 978-3-8362-8014-3 

KAMERA-STATIV »19784« 

Praktisches Kamera-Dreibeinstativ für die Aufnahme 

von Kompaktkameras, Action-Kameras, Web-Cams, 

Mini-Beamern und mobilen Recordern mit einem 

1/4“-Anschlussgewinde. Durch das Kugelgelenk 

kann das montierte Equipment um 360 Grad gedreht 

und in jeder beliebigen Position fixiert werden. Die 

Neigung ist stufenlos bis 90 Grad einstellbar und 

die Tragfähigkeit ist für Geräte mit einem Gewicht 

von 1 kg ausgelegt. Die Höhe kann von 555 bis 

1355 mm über zwei Auszüge frei eingestellt werden. 

Für den Transport wird das Stativ kompakt 

und platzsparend zusammengelegt. 



Besonderheit: 360 Grad drehbar 



Fußkonstruktion: Profilfüße mit Stützstreben 


Rohrkombination: 2-fach ausziehbar 

Höhe: von 555 bis 1.355 mm 


Best.-Nr.: 19784-100-55 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

Wenn Sie mit Logic Pro Musik aufnehmen, produzieren 

oder abmischen wollen, dann ist dieses Handbuch Ihr um - 

fassender Begleiter. Kompetente Anleitungen, zahlreiche 

Hintergrundinfos und praxisnahe Beispiele helfen Ihnen auf 

dem Weg zum perfekten Track – von den technischen Details 

der Aufnahme und Timing-Bearbeitung bis zur klassischen 

Harmonielehre, von den ersten Schritten mit der Software bis 

zum Feinschliff der Produktion. Aktuell mit allen neuen Tools 

wie Quick Sampler, Live Loops, Remix und Multi FX, Step 

Sequencer, Drum Synths, dem überarbeiteten Drum Machine 

Designer, Smart Tempo und Vintage EQs. 

• Grundlagen und fortgeschrittene Techniken 

• MIDI und Audio aufnehmen, editieren, arrangieren, mixen 

und mastern 

• Umfassend erklärt: Instrumente, Effekte, Mixer, Film ver - 

tonung 

Nachdem Sie Logic installiert und konfiguriert haben, zeigt 

Ihnen ein Schnellkurs voller Szenarien und Beispiele die 

grundlegenden Schritte der Musikproduktion. So erhalten 

Sie einen Gesamtüberblick über die Software. 

Nicht nur alle Aspekte der MIDI- und Audioaufnahme und 

-Bearbeitung sowie der Umgang mit Logic-Instrumenten und 

-Effekten werden behandelt: Mit Know-how zu Harmonie - 

lehre, Kreativitätstechniken und Mixdown machen Sie Ihre 

Musik noch interessanter! 

Best Practices zur Produktion verschiedener Genres, zum 

Mastern, zur Filmvertonung und den mitgelieferten Samples: 

Mit diesem Wissen holen Sie das Optimum aus Logic heraus! 

AUS DEM INHALT 

• Installieren und einrichten, mit Schnellkurs: Schritt für 

Schritt zum ersten Track 

• Einstellungen, Sounds und Bibliothek 

• Aufnehmen und editieren 

• Live Loops und Step Sequencer 

• Tempoanpassungen & Smart Tempo 

• MIDI-Editoren, MIDI-Enviroment 

• Audio-Editoren, Audioexport und -import 

• Mixdown: Drums, Bass, Sounds & Vocals 

• Strategien und Ziele beim Abmischen & Tipps für die 

Musikkomposition 

• Instrumente, Mixer und Effekte 

• Filmmusikkomposition, Filmvertonung, Remixing, Live-Act, 

Master 

• Projektbeispiele: Pop, Klassik, Hip-Hop, Trap, Techno, 

Drum & Bass 

Weitere Informationen: www.rheinwerk-verlag.de 



FAME KOA STANDARD 

Grand-Auditorium-Westerngitarre mit massiver Koa-Decke und Armrest 

FEATURES: 

Mit der Fame Koa Standard präsentiert Fame eine komplett 

aus Koaholz gefertigte Westerngitarre in Grand-Audi to rium- 

Bauweise. Das aus dem Ukulelenbau bekannte hawaiianische 

Akazienholz besticht nicht nur mit seiner eindrucksvollen 

Maserung, sondern auch mit einem erstaunlich warmen 

und offenen Klangbild. Für zusätzlichen Spielkomfort 

wurde die Fame Koa Standard mit einem komfortablen 

Armrest für den rechten Arm versehen, während der be - 

sonders weite Cutaway einen einfachen Zugang zu den 

höchsten Lagen des 20-bündigen Griffbretts aus Walnuss 

gestattet. Dank des dezent im Schallloch untergebrachten 

Fishman-Sonitone-Tonabnehmersystem ist die Koa Standard 

auch für Einsätze auf der Bühne und im Studio bestens 

gerüstet und präsentiert ansprechende optische Appoint - 

ments aus hochwertigen Materialien wie Padauk und 

Abalone. 

GA-KORPUS AUS KOA MIT ARMREST 

Mit ihrer Grundkonstruktion aus Koa-Holz und einer massiven 

Koa-Decke wendet sich die Koa Standard an eine 

Vielzahl unterschiedlicher Spielstile. Das tropische Hartholz 

ist bekannt für seinen fokussierten und offenen Ton mit 

erstaunlicher Projektion und bietet gerade Fans des Finger - 

style eine passende klangliche Grundlage. Für maximalen 

Spielkomfort verfügt das GA-Design über einen aus dem aus 

Abalone und Padauk gefertigten Binding hervorgehenden 

Armrest, um auch auf längeren Sessions stets eine komfortable 

Auflage für den rechten Arm zu gewährleisten. 

DIE FAME KOA STANDARD IM ÜBERBLICK: 

• Grand-Auditorium-Westerngitarre mit Cutaway 

• Decke aus massivem Koa 

• Boden und Zargen aus Koa-Laminat 

• Korpus-Binding aus Abalone und Padouk 

• Komfortabler Armrest 

• Mahagoni-Hals mit C-Profil 

• 20-bündiges Walnuss-Griffbrett 

• Fishman-Sonitone-Tonabnehmersystem 

• Walnuss-Steg 

• Goldfarbene Druckgussmechaniken mit schwarzen 

Flügeln 

• Natural Highgloss Finish 


Hersteller: Fame 

Bauform: 

Grand Auditorium 

Cutaway: Ja 

Decke: Koa 

Massive Decke: Ja 

Finish-Decke: 

Hochglanz 

Verstrebung: Standard 

w/ Relief Rout 

Boden & Zargen: Koa 

Massive Boden & 

Zargen: Nein 

Finish Boden & Zargen: 

Hochglanz 

Binding: Holz 

Hals: Mahagoni 

Halsprofil: ‚C‘ 

Griffbrett: Walnuss 

Inlays: Dot 

Anzahl Bünde: 20 

Sattelmaterial: Knochen 

Sattelbreite in mm: 43 

Mensur in mm: 650 

Steg: Walnuss 

Stegeinlage: Knochen 

Mechaniken: Druckguss 

Hardware: Gold 

Saitenzahl: 6 

Tonabnehmerhersteller: 

Fishman 

Tonabnehmersystem: 

Sonitone 

Stimmgerät: Nein 

Rosette: 

Abalone/Padouk 

Schlagbrett: Nein 

Bridge Pins: Kunststoff 

Farbbezeichnung: 

Natural 

Koffer enthalten: Nein 

Gigbag enthalten: Nein 



RED HILL WESTERN VINTAGE ELECTRIC BROWN 

Elektroakustische Westerngitarre mit Tonabnehmersystem und Open-Pore-Finish 

te Sapele-Korpus die Bassfrequenzen mit einer flächendeckenden 

Wärme einfärbt. Das dünne Finish und die leichte 

Bauweise ermöglichen zudem eine schnelle Ansprache, 

sodass man bereits bei leichten An schlägen einen kraftvollen 

Ton erzeugen kann. Gleichzeitig sorgt der Mahagoni-Hals für 

einen ausgezeichneten Spiel komfort auf dem gesamten Wal - 

nuss griffbrett, auf das mithilfe des Cutaways in allen 20 

Bünden mühelos zugegriffen werden kann. 

ELEKTRONIK 

Das aktive Piezo-Tonabnehmersystem ist mit einem um - 

fangreichen Zargen-Preamp ausgestattet, der neben einem 

4-Band-Equalizer über ein integriertes Stimmgerät verfügt. 

Über ein großes LED-Display wird die jeweilige Tonhöhe 

angezeigt. Angetrieben wird das System über eine 9V- 

Blockbatterie, die in einem Batteriefach verstaut ist. 

HARDWARE UND DESIGN 

Eine absolute Besonderheit stellt der speziell gefeilte 43-mm- 

Sattel dar, der millimetergenau auf die Stegeinlage an gepasst 

ist. So intonieren die sechs Stahlsaiten auf der ge samten 

Mensur von 650 mm sauber und präzise. In die Kopf platte 

Die Red Hill Western Vintage Electric Brown beinhaltet alle 

Zutaten für einen optimalen Einstieg in das Gitarrenspiel. 

Neben einem geschmackvollen Äußeren kommt das In stru - 

ment mit einem hauchdünn laminierten Korpus, einem griffigen 

Hals und einer wertigen Hardware. Daher erzeugt die 

Westerngitarre ein warmes Klangbild, das dank eines 

hauseigenen Tonabnehmers auch verstärkt wiedergegeben 

werden kann. Darüber hinaus lässt sich das Instrument sehr 

zuvorkommend in allen 20 Bünden greifen, was nicht zuletzt 

an dem gerundeten Halsprofil und dem großzügigen Cutaway 

liegt. Das integrierte Stimmgerät mit einem LED-Display 

entpuppt sich als ein weiteres praktisches Tool, das gerade 

Anfänger bei den ersten Versuchen unterstützt. Abgerundet 

wird die Red Hill Western Vintage von detailreichen Einle ge - 

arbeiten, die in einem angenehmen Kontrast zu dem braunen 

Open-Pore-Finish stehen. 

AUFBAU UND HÖLZER 

Wegen ihrer kompakten Bauform eignet sich die Mini-Jumbo 

sowohl für Erwachsene als auch für Kinder und erzeugt einen 

mittenreichen Ton. Die laminierte Fichten decke reichert das 

Klangbild mit einer definierten Note an, während der laminiersind 

schwarze Druckgussmechaniken die ein feines 

Einstimmen der Saiten gewährleisten. 

Die Decke ist mit einem aufwendigen Binding umrandet, 

das perfekt mit der Schalllochrosette übereinstimmt und 

die Decke von dem Korpus trennt. Außerdem erzeugt die 

Marmorierung des Finishs ein individuelles Erschei nungs - 

bild, das sich bei jedem Instrument minimal unterscheidet. 

DIE RED HILL WESTERN VINTAGE ELECTRIC BROWN 

IM ÜBERBLICK: 

• Mini-Jumbo-Westerngitarre 

• laminierte Fichtendecke 

• laminierter Korpus aus Sapele, mit Cutaway 

• Mahagoni-Hals 

• Walnuss-Griffbrett mit 20 Bünden 

• Kunststoffsattel mit 43 mm Sattelbreite 

• Walnuss-Steg mit kompensierter Stegeinlage 

• Druckgussmechaniken 

• Multi-Stripe-Rosette aus Abalone und Sapele 

• Red Hill PS-400T Tonabnehmersystem 

• Open Pore Brown Finish 



62 REZENSIONEN 

DIE PLANK 

»Schwer zu leicht« 

Hinter dem lässigen Namen DIE PLANK versteckt sich Julia 

Plank, eine feinfühlige Powerfrau, die was zu sagen bzw. zu 

singen hat. Auf ihrem Album „Schwer zu leicht“ hat sie wunderbar 

eingängige und dabei abwechslungsreiche Melodien 

und Texte zu einem überzeugenden Gesamtpaket geschnürt 

– zusammengehalten wird alles von ihrer Eisbonbon-Stimme, 

mit der sie die Popsongs mit Chanson-Einschlag glänzend 

darbietet. Ihre Songtexte zeichnen sich durch eine feine 

Poesie und ehrliche Einblicke in ihre Gefühls- und Gedanken - 

welt aus. Dabei wechselt sie, gemäß dem Albumtitel, zwischen 

nachdenklichen und lockerleichten Inhalten und Me - 

lo dien, greift die Wechselströmungen des Lebens auf und 

gibt sie in ihren Songs wieder. In „Leben“ geht es um den 

Sinn und Unsinn des Lebens, das durch die Liebe eine 

Richtung erhalten kann. Ein absoluter Gute-Laune-Song, 

der Hoffnung ausstrahlt, ist „Jetzt geht die Sonne auf“. 

Schöne Textperlen wie „Der Raum ist leer und es tanzt nur 

das Licht mit den Motten, ich tanze nicht“ finden sich im 

Song „Halt mich“, der mit einem beschwingten Walzer- 

Rhythmus doch eigentlich sehr zum Tanzen einladen würde. 

Sogar Kritik bringt DIE PLANK galant rüber: Dass sie mit der 

„Großen Stadt“ nicht so ganz warm wird, verpackt sie herrlich 

charmant und versetzt ihre Hörer*innen durch den ge - 

schickten Einsatz von Akkordeon gedanklich nach Paris. 

www.die-plank.de 

L.K. 

GABY JOGEIX 

»Meanwhile In New Orleans« 

Gaby Jogeix liefert seit Jahren Musik ab, die ihresgleichen 

sucht. Er verbindet Blues, Soul und Rock so perfekt miteinander, 

dass einem sein neues Album „Meanwhile in New 

Orleans“ regelrecht in einen Bann zieht. Gleich beim Opener 

„Right Way To Love You“ steht noch der Soul im Vorder - 

grund, unterlegt mit einer leichten und nicht aufdringlich 

gespielten Gitarre, die dennoch dem Song seine eigene Note 

gibt. Aber schon bei „Fair Green“ überwiegen die Blues- 

Elemente, hier kitzelt er dreckige bis melodiöse Töne aus 

seiner Gitarre heraus. Aber Gaby Jogeix lässt auch leichte 

Gospel-Töne zu wie auf „In My Dying Hour“. Über die ge samte 

Spiellänge seines neues Werkes merkt man aber schon, dass 

er den Blues mit Herz und Seele lebt und liebt, auch wenn 

sich immer wieder Soul-Einflüsse einmischen. Höhepunkt 

des Albums bildet „I’m Gonna Get There“, hier verbindet er 

alle genannten Genres perfekt miteinander. Sein Gesangs - 

organ kommt über das ganze Album mit sehr viel Power 

daher, weiß aber auch, zum richtigen Zeitpunkt langsame 

Töne anzuschlagen. 

www.gabyjogeix.com/label/gaby-jogeix/ M.D. 

DIE SARGNÄGEL 

»Ars Vivendi – 

Liebe, Leid & Lügen« 

In schweren Zeiten über lustige und fröhliche Zeiten zu singen 

fällt sicherlich nicht jedem leicht. Die Folk-Mittelalter- 

Band DIE SARGNÄGEL wollen den Menschen mit ihrem 

Debüt-Album „Ars Vivendi – Liebe, Leid & Lügen“ Mut 

machen und ein wenig Licht in die dunklen Zeiten bringen. Es 

wird gefeiert, getrunken, getanzt und gelacht. Gleich beim 

Opener „Ars Vivendi“ wird einem Wein eingeschenkt und man 

wird zum Tanz aufgefordert. Menschen sollen fröhlich zusammensitzen 

und das auch in vollen Zügen genießen. Wer auf 

Bands wie DIE IRRLICHTER oder DUNKELSCHÖN steht, 

kommt hier voll auf seine Kosten. Aber sie können auch auf 

die Miss stände der Gesellschaft aufmerksam machen, wie 

beim vorzüglichen „Der Fleischer“. DIE SARGNÄGEL prangern 

die Zeit an, in der wir leben, nämlich voll von Profit und Gier. 

Das High light auf dem Album bildet „1 000 Lichter“, man will 

den Leuten Mut machen für die Zukunft. Es wird nicht infrage 

gestellt, ob wir alle mal wieder ein „normales“ Leben führen 

werden, sondern festgestellt, dass wir es wieder führen werden. 

Lebens bejahende Texte mit toller Musik, so soll es sein. 

www.facebook.com/galahad.germany M.D. 

LAINO & BROKEN SEEDS 

»Sick To The Bone« 

LAINO & BROKEN SEEDS wurden 2013 auf der Upper 

Westside in New York geboren, als ein Italiener an einem 

Scheideweg seines Lebens in einer verrauchten Bluesbar 

saß. Mit einem Notizbuch voller Geschichten kehrte er ins 

heimische Bologna zurück und brachte diese dann als 

Straßen musiker auf den heimischen Straßen von Bologna. 

Aus diesen musikalischen Geschichten entstand das Duo 

LAINO & BROKEN SEEDS. Seitdem arbeitet man auf einen 

urtümlichen und vintagelastigen Roots- und Bluessound 

hin und erschafft so einen Sound, der zwischen Rural Blues 

und Alter native-Rock fällt. 

„Geboren auf den Bürgersteigen meiner Stadt, ist dieses 

Projekt tief verwurzelt in der Tradition der Straßenmusik. Ich 

singe Songs über das Alltagsleben, Träume und persönliche 

Mythen. Im Einklang mit meinen musikalischen Wurzeln Delta- 

Blues und Americana versuche ich, die Songs auf verschiedenste 

Weisen auszuleuchten. Für mich ist das eine Art 

‚Land‘, in dem ich geheimnisvolle Samen säe; manchmal 

werden sie von der Zeit schlecht behandelt, verbrennen oder 

gehen kaputt. Und dennoch wachsen aus ihnen Früchte.“ 

Das sagte Laino zu Zeiten seiner LP „The Dust I Own” von 

2017. Mit „Sick To The Bone” ist nun die Nachfolgescheibe 

erschienen und zuallererst und am wichtigsten ist zu konstatieren: 

Der Albumtitel spiegelt nicht das auf selbigem 

enthaltene Klanggut wider. LAINO & BROKEN SEEDS sind 

ihrer eigenen Auslegung des über den Tellerrand schauenden 

Blues treu geblieben. Hier gibt es Boogie, Bottlenecks und 

eine ordentliche Portion psychedelischen Bluesrock. Das ist 

zwar nichts für Südstaaten-Puristen, aber als „Aus wärtiger“ 

wäre es ja auch schade, wenn Laino hier bekannte Kost aufgewärmt 

hätte. So ist „Sick To The Bone” ein aufregender und 

unorthodoxer Blues-Mix, der durchgehend Spaß macht. 

www.lainobrokenseeds.com 

P.S. 

REFLECTION CLUB 

»Still Thick As A Brick« 

Auf dieses Werk könnte der Querflötenzauberer Ian Anderson 

stolz sein, wäre es aus seiner Feder geflossen. Sage und 

schreibe 49 Jahre nach dem Jethro-Tull-Meisterwerk „Thick 

As A Brick“ erscheint ein Album von Tribute-Musikern in 

Anlehnung an das Original. Der Multiinstrumentalist Lutz 

Meinert und George Boston steuerten die Lyrics bei, die 

REFLECTION CLUB in „Still Thick As A Brick“ verarbeiteten. 

Sänger Paul Forrest kommt seinem Original zum Ver wechseln 

nahe. Bei klassischer Jethro-Tull-Instrumentierung schwelgt 

die Band in rockigen, klassischen und jazzigen Sphären virtuos 

und frisch, wie seinerzeit das Prog-Original. Wie damals 

scheint es wie aus einem Guss, ein Song, ohne die Vinylplatte 

umdrehen zu müssen, ein Konzeptalbum. Wie geht die darin 

erzählte Geschichte des Protagonisten des Albums Gerald 

Bostock weiter? Vielleicht findet sie hier eine Fortsetzung? 

Nachdem Ian Anderson eine Fortsetzung, betitelt mit „Thick 

As A Brick Part II“, im Jahr 2012 vorstellte, wirkt die Aus - 

gabe von REFLECTION CLUB wie ein alternativer und würdiger 

weiterer Nachfolger. Jedenfalls ist das „Hear and Feel“ 

ganz nah bei Jethro Tull. Ein ambitioniertes und meisterhaftes 

Album von REFLECTION CLUB. 

www.madvedge.com 

C.S. 


REZENSIONEN 63 

lenweise düsteren und wankelmütigen Texten entsteht eine 

bittersüße Stimmung, die mit „Sommermelancholie“ wohl 

am besten beschrieben ist. Für dieses Album muss man sich 

Zeit nehmen – denn wenn man sich nicht voll darauf einlässt, 

besteht die Gefahr, dass es an einem vorbeifliegt und den 

Eindruck von Beliebigkeit erweckt. Mit der entsprechenden 

THE FLAMING SHOES FEAT. 

JARROD COOMBES 

»Jump Jive Swing« 

Die mehrfachen deutschen Rock-&-Pop-Preisträger FLA- 

MING SHOES präsentieren ein Rock’n’Roll-Album aus ihren 

Re cording Sessions mit dem Kontrabassisten Jarrod Coombes 

(Ex-Keytones). Die Brüder Benny (Drums, Backing Vocals) 

und Bastian (Piano, Accordion, Vocals) spielten schon als 

junge Buben, inspiriert von The Beatles und Jerry Lee 

Lewis, ge meinsam auf der Bühne. Mit bestens aufgelegten 

Musikern zelebrieren sie die 50er-Jahre der ersten 

Rock’n’Roller wie Chuck Berry oder Fats Domino. Ebenso 

brennen die Schuhe bei Toby Schwietering (Bass, Kontra - 

bass), Jörg Langanke (Kontrabass) und Michael Minholz 

(Guitars). Das Line-up wird mit einem ganzen Bläsersatz 

komplettiert. Mit dem hochwertigen Vinyltonträger dieses 

Albums kommt das Ballroom Feeling ins Wohnzimmer. 

Denn das Orches ter frönt dem Sound konservativ und ohne 

Kom promisse an die Neuzeit. Das ist konsequent und deshalb 

sensationell gut. Klassiker gibt’s auch, so zum Beispiel 

die Dean-Martin-Version von Domenico Modugnos „Volare“. 

Dazu gesellt sich Louis Primas „Jump, Jive & Wail“. Das hat 

sich schon Brian Setzer zu eigen gemacht und THE FLA- 

MING SHOES stehen dem in nichts nach. Hoffentlich bald 

wieder postpandemisch auf der Live-Bühne. 

www.theflamingshoes.de 

C.S. 

THE GOLDEN CREEK 

»Heartbreaks And Breakdowns« 

Unter die Haut wollen THE GOLDEN CREEK mit ihrem 

Album „Heartbreak And Breakdowns“ gehen und nutzen als 

musikalische Tattoo-Nadel dafür warmen, harmonischen und 

melan cholischen Americana mit ebenso melancholischen, 

nostalgischen und bisweilen düsteren Texten. Angereichert 

durch eine hörbare Leichtigkeit und Unbekümmertheit, die 

oft so gar nicht zur textlichen Schwere passen möchten, klingt 

das wie ein gelungener Mix aus A. A. Bondy, Eric Clapton, 

John Mayer und James Blunt – Letzterer, weil Matthias Abels 

mittenlastige Stimme des Öfteren an die britische Gold kehle in 

dessen ruhigen Momenten erinnert. Ein Großteil der Songs 

bewegt sich im unteren Tempobereich und dürfte daher die 

beste Begleitung für eine entspannte Fahrt auf der Landstraße 

an einem Sommerabend sein. In Verbindung mit den stel- 

Aufmerksamkeit wird „Heartbreaks And Breakdowns“ zu 

einem Kleinod der hiesigen Americana-Szene. 

www.thegoldencreek.com 

P.S. 

THOMAS BATTENSTEIN 

»Soundtrack Of My Life« 

Der Verlagsgründer, Gitarrenlehrer und Virtuose stellt seinen 

„Soundtrack Of My Life“ vor. Ein Doppelalbum, getrennt nach 

Akustik- und E-Gitarre, kreierte Thomas Battenstein, ein 

absoluter Künstler seines Fachs. Nach seiner ersten Band 

in den 70ern und der 80er-Rockband Nox Nox, mit der er 

mediale Aufmerksamkeit im TV feierte, beschäftigte er sich 

zunehmend als Solokünstler mit den klingenden Saiten. Er 

präsentierte unplugged oder mit Halbplaybacks Klassiker 

des Rock und Pop, unter anderem von den Beatles oder 

JJ Cale. Erfolg reich waren auch seine besonderen 

Interpretationen von Weihnachtsliedern. Unter seinem ganz 

persönlichen Motto „Einfach weitermachen“ – seiner Buch - 

veröffentlichung, die gut in unsere Zeit zu passen vermag 

– stellt er diesen seinen neuen Hörgenuss vor. Viele Eigen - 

kompositionen gesellen sich zu einem Beatles-Cover und 

einigen Traditionals. Die Akustikstücke klingen oft leicht jazzig 

in Latin Vibes, gefühlvoll, persönlich und wohlgefällig. 

Die Percussion-Symbiose zur Gitarre kreierte Kurt Schütze. 

Mit der E-Gitarre schafft Thomas Battenstein getragene 

Melodien, an Smooth Jazz angelehnt, manchmal funkig 

verspielt, mal bluesig stimmungsvoll. Eine Anekdote aus 

seinem Leben ist „Mir gings’ doch ganz gut“, Latin rockig 

und melancholisch. Mein Rock-Favorit: „Lines & Spaces“. 

Nostalgie für Gitarren zuhörer mit Lebenslust: Empfehlung! 

www.tomtemusic.de 

C.S. 

4 ZIMMER KÜCHE BADEZIMMER 

»Lasst Liebe Regieren« 

Deutscher Punk bzw. Pop-Punk war ja eine ganz Zeit irgendwie 

von der Bildfläche verschwunden. Von den Toten Hosen 

oder den Ärzten kam nicht mehr viel, aber jetzt sind sowohl 

die genannten Bands als auch die Broiler und Donots wieder 

aktiver und bringen neue Musik unter die Leute. Also 

höchste Zeit, dass 4 ZIMMER KÜCHE BAD mit ihrem neuen 

Album „Lasst Liebe Regieren“ Dampf ablassen. Gleich beim 

Opener, dem Titellied, überrollen sie einen förmlich und lassen 

einem fast keine Zeit zum Atmen. Sozialkritische Texte, dieden 

Leuten den Spiegel vors Gesicht setzen, dass ist ihr Ziel, 

und solange es noch solche Bands gibt, steht die Musik 

nicht am Abgrund. „Egoland“ und „World Wide Web Emotion“ 

sind perfekte Beispiele, wie man der Gesellschaft den 

Finger zeigt und sie zum Umdenken bewegen kann. Über zwölf 

Lieder lang befindet man sich in einem Schnellzug, aber dann 

legen sie einem zum Abschluss die akustische Anti-Ballade 

„Sicher in Gefahr“ vor, sodass man sich erholen kann, nur um 

gleich wieder die Nadel auf Anfang zu legen. 

www.facebook.com/vierzimmerkuechebad M.D. 

GEORGIO FARINA’S 

»The Original Meets Gospel – 

Praise The Lord« 

Georgio Farina ist jetzt schon seit zwölf Jahren mit seinem 

Projekt „The Original Meets Gospel“ unterwegs, dies auch 

immer mit abwechselnden Interpreten. Bei seinem neuesten 

Album „Praise The Lord“ hat er unter anderem Claudia Cane, 

Nana Petrossi und den Ex-Toto-Sänger Jean-Michel Byron 

mit an Bord. Dieses Werk setzt sich aus religiösen Liedern 

zusammen, die tatkräftig von einem Gospelchor unterstützt 

werden. Beim Titellied „Praise The Lord“ lässt sich am besten 

erkennen, wohin die musikalische Reise geht: kraftvoller Ge - 

sang, der mit einem Chor, Bläsern, Gitarren und Percus sions 

unterlegt wird. Aber es geht auch ein wenig leiser wie auf 

„Sometimes“, hier wird die ganze Fragilität, aber auch zum 

nötigen Zeitpunkt die Power der Stimme von Nana Petrossi 

gezeigt. Jeder, der sich für Gospel und christliche Musik 

interessiert, wird hier ein Album vorfinden, das ein einziger 

Genuss ist. Aber es ist auch ein schöner Einstieg für alle, die 

sich bisher noch nicht mit diesem Musikgenre beschäftigt 

haben. Also zugreifen und die Seele baumeln lassen. 

www.rockmeetsgospel.com 

M.D. 

FLYING PENGUIN 

»Orange« 

„Die Menschheit vor sich selbst zu retten, das wäre doch 

was.“ Gewagte These, mit der die Punkrocker von FLYING 

PENGUIN in ihre Albumpromo zu „Orange“ einsteigen. Was 

bei der präventiv-proaktiven Fridays-for-Future-Bewegung 

sicher noch einige Zustimmung finden wird, dürfte so manchen 

liberalen Politiker*innen die Zornesröte ins Gesicht 

8 


64 REZENSIONEN 

treiben. Dass am Ende bei FLYING PENGUIN alles gar nicht 

so böse gemeint und eher kritisch-konstruktiv als spalterisch 

gedacht ist, zeigt schon der erste Hördurchgang von 

„Orange“. Es geht um das Leid der Massen, hervorgerufen 

durch Kriege und Terror, oder die Verzweiflung des Ein zelnen, 

der den Fesseln der Depression nicht entkommt. FLYING 

PENGUIN zählen sich zu jenen, die sich kritischen Blickes 

schwieriger Themen annehmen und in ihrer Musik damit 

Gestalt verleihen. Auf ihre eigene Weise, mit punkrockigen, 

ironisch fröhlichen Sounds, erschließen sich Felix Schneider 

(Songwriter, Lead Vocals, Gitarre), Timo Ambrus (Gitarre), 

Thomas Bösl (Schlagzeug) und Florian Knoll (Bass, Backing 

Vocals) diese Herausforderungen musikalisch, um letztlich 

einen neuen Ausblick und Hoffnung zu geben. Apropos Musik: 

„Orange“ besteht natürlich nicht nur aus Botschaften, sondern 

auch aus guter Musik. Pop-Punk der frühen 2000er 

erwartet die Hörer*innen hier. Vor allem Blink 182, The 

Offspring und in manchen Momenten die wieder erstarkten 

Sum 41 dienen hier als eindeutige Paten, die FLYING PENGUIN 

den musikalischen Weg ebnen, um ihre Botschaften laut in 

die Welt hinauszurocken. 

www.flyingpenguinband.com 

P.S. 

GERALDINO 

»Gummireh« 

Mit „Gummireh“ legt Geraldino eine weitere launige EP für 

Kids vor. Schon das bunte Cover stimmt auf die fantasievolle 

Musikwelt des Liedermachers ein, in der das Schmunzeln 

und Augenzwinkern nie fehlen dürfen. Auf die Idee, einem 

Gummireh eine EP zu widmen, muss man nämlich erst mal 

kommen. Hingebungsvoll singt Geraldino im titelgebenden 

Song von dem ersehnten Gummireh, das dann im Privat- 

WC steht und mit Kokosplätzchen gefüttert wird. Aber keine 

Sorge, ein Gummi-Fußabstreifer würde es auch tun, sollte 

es mit dem Reh nicht klappen. Auch wenn ihnen der dezente 

Humor an mancher Stelle entgehen könnte, finden sich 

junge Hörerinnen und Hörer in Geraldinos Songs schnell wieder. 

In „Superstars“ stehen allerhand Held*innen der Kind heit 

im Mittelpunkt – nicht zuletzt Mama und Papa! „Der 

Maulwurf“ erzählt von einem Maulwurf, der so gerne ein 

Vogel wäre und am Ende doch mit den Grenzen seiner Natur 

konfrontiert ist. Neben den humorvollen Texten auf Augen - 

höhe geht es aber auch immer wieder um die Musik. Das 

zeigt Geraldino zum Beispiel auf eben genanntem „Der Maul - 

wurf“, in dem einem coolen Gitarrensolo viel Raum gelassen 

wird. Beim „Gummireh“ sind es das Akkordeon und die 

Gitarre, die glänzen dürfen, bei „Superstars“ gehen Rap und 

Saxofon ins Ohr. Von coolen, minimalistischen Beats auf 

„Die Welt und ich“ bis zu Western-Klängen in „U u ei ei ei“ 

ist auf der EP für jeden Musikgeschmack etwas dabei. 

www.geraldino.de 

L.K. 

EDDIE KOLD BAND 

»Chicago Alley Blues« 

Der Titel des aktuellen Albums der EDDIE KOLD BAND, 

„Chicago Alley Blues“, sagt eigentlich alles über die Musik aus, 

die sich auf dieser Scheibe befindet. Hier bekommt man Blues, 

Blues und noch mal Blues mal etwas rockiger wie bei „Gimme 

Back My Money“ oder eher in ruhiger Variante bei „Blues 

Man“. Über die gesamte Spiellänge überwiegt doch die ruhigere 

Variante des Blues. Das Highlight des Albums bildet mit 

Sicherheit „Just A Dream“, hier wird der Blues zelebriert, wie 

man ihn von Größen wie John Lee Hooker oder B. B. King 

kennt. Die Produktion von „Chicao Alley Blues“ ist exzellent, 

nicht zu glatt, was dem Blues jeden Charme nehmen würde – 

andererseits aber auch nicht zu retro. Einige werden da vielleicht 

anderer Meinung sein und behaupten, Blues müsse rau 

klingen, aber man kann es halt nicht allen recht machen. Aber 

die Melange von rau und sanft verbindet sich exzellent mit der 

Stimme von Sänger Larry Doc Watkins, der den Blues wahrlich 

lebt. Dies hört man in jeder Silbe, die er von sich gibt. Hier gilt 

für alle Blues-Liebhaber nur eins – zugreifen. 

www.eddiekold.com 

M.D. 

HEJOE SCHENKENBERG 

»Poet der Klänge« 

HeJoe Schenkelberg und sein Akkordeon sind schon seit 

Jahren ein unzertrennliches Paar. So bringt er auch immer 

wieder in schöner Regelmäßigkeit authentische Alben heraus. 

Sein neuestes Werk hört auf den Namen „Poet der 

Klänge“. Man kann jetzt nicht sagen, dass sich seine Alben 

groß unterscheiden, aber dies ist auch sicherlich nicht 

seine Absicht. Ob man nun das Eröffnungsstück „Ruf der 

Eule“ oder „Webstuhl und Akkordeon“ nimmt, alles bewegt 

sich in einem engen Raum. Seine Musik sorgt für gute Laune, 

kann einen aber manchmal auch nachdenklich bzw. melancholisch 

stimmen. Sobald er die ersten Töne an stimmt, fühlt 

man sich in ein kleines französisches Dorf versetzt, wo die 

Leute sich auf dem Markt tummeln und Pétanque bei 

einem Gläschen Pernod gespielt wird. Dies ist genau die 

Atmosphäre, die das Album wiedergibt. Aber er kann auch 

anders wie zum Beispiel auf „Greetings From Lousiana“, 

wo er seinem Akkordeon einen kleinen Hauch Cajun herauskitzelt, 

ohne jedoch komplett in den genannten Musik - 

stil zu fallen. HeJoe Schenkelberg ist ein Musiker, wie man 

sie heutzutage selten findet. 

www.hejoe-schenkelberg.de 

M.D. 

ZYDECO ANNIE & SWAMP CATS 

»Zydeco Gaga« 

Anja Baldauf bringt mit ihrer Band ZYDECO ANNIE & 

SWAMP CATS das neue Album „Zydeco Gaga“ heraus. 

„Gaga“ ist hier aber keiner und auch nicht die Musik. Mit dem 

„Swamp“ verbindet man sofort New Orleans, feuchte Hitze 

und natürlich auch das Genre der Swamp-Musik. In diesem 

Gebiet der USA wird auch heute noch viel Französisch 

gesprochen, was ein Überbleibsel der Kolonialzeit ist. So 

werden dann auch die Mehrzahl der Lieder auf Französisch 

gesungen, ganze neun Lieder, und drei auf Englisch. 

Akkordeon und Mundharmonika sind omnipräsent in den 

Songs. So, wie bei den Texten das Wort Voodoo beim Lied 

„Voodoo Woman Mystery“ nicht fehlen darf, wenn man sich 

musikalisch in New Orleans befindet. Bei Songs wie „J’ai 

perdu ma tête“ kommt man eher schwungvoller daher, 

während beim Schlussstück „And Now It’s Gone“ dann 

doch ruhigere Töne angeschlagen werden. Man muss 

schon in der Stim mung sein und dieses Genre mögen, um 

mit der Musik klarzukommen. Aber es ist doch schön, 

Neues zu entdecken und sich daran zu erfreuen. 

www.zydecoannie.de 

M.D. 

REZENSENTEN: 

C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING 

L.K. – LINDA KNAUER 

M.D. – MIKE DOSTERT 

P.S. – PHILIPP STRUNK 

BEMUSTERUNG: 

MUSIKER MAGAZIN „CD-REZENSION“ 

KOLBERGER STR. 30 

21339 LÜNEBURG 

INFO@MUSIKERMAGAZIN.DE 


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„Live & Pure“ 

VÖ: 01.10.2019 

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GOLDMARIE 

„Awakening“ 

VÖ: 11.12.2020 

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DIE PLANK 

„Jetzt geht die Sonne auf“ 

VÖ: 17.04.2020 

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DACAPO 

„Covers“ 

VÖ: 06.09.2019 

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In freundschaftlicher Partnerschaft 

Produzentin Franziska Bub mit Designerin Sophie Graff. 

www.franziskabubproduction.com | www.sophiegraff.ch 

FRANK PROFT 

„Wo bist du“ 

VÖ: 18.11.2020 

proft-live.de 

PART OF THE CROWD 

„Time Machine“ 

VÖ: 15.04.2020 

www.part-of-the-crowd.de 

JOSEF BECKER 

„We all grew older“ 

VÖ: 16.08.2019 

UDO OCHSENCOCKER 

Thomas Rieke – Teschendorf 17 – 29378 Wittingen 

GOLDMARIE 

„Bittersweet Misery“ 

VÖ: 09.10.2020 


NIMA LINDNER 

„The truth behind“ 

VÖ: 03.04.2020 

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CAPELLASTREET 

„Dicht an dicht“ 

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Funkey Fellas“ 

VÖ: 18.02.2020 

WATTENLÄUFER 

„We bruuk keen Kalifornien“ 

VÖ: 09.08.2019 

Urheberin & Production: Franziska Bub | www.franziskabubproduction.com 

Design & Graphic: Jeannine Platz, Joscha Radaj, Franziska Bub 

www.dorian-black.de 

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MARCUS GENARD 

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DIE SARGNÄGEL 

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DORIAN BLACK 

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MARCUS GENARD 

„There must be something 

in the water“ 


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BARBARA ZANETTI 

„Wunder Natur“ 


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DORIAN BLACK 

„Sounds Like A Melody“ 

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DIE ROCKMEDIZINER 

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DORIAN BLACK 

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„Blood, Passion & 

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29.01.2021 

GOLDMARIE 

„Goldmarie“ 

29.05.2020 

FRANK PROFT 

„Schon im Himmel gesehen“ 

VÖ: 18.10.2019 

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16.04.2021 


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Lektorat: 

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