Musiker Magazin 1/2023

C 10973 F | N o 1/23 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

41. Deutscher 

Rock & Pop Preis 

am 16. Dezember 2023 

Eric Burdon 

und die Animals 

Miles King 

& The Foolish Knights 

Musik mit dem Potenzial, 

die Welt zu verändern

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG, MUSIKER MAGAZIN UND TASCAM 

PRÄSENTIEREN 

Die verschiedenen Deutschen Rock- und Pop-Preise werden in folgenden Sparten verliehen: 

8 Hauptkategorien: 

Rock, Pop, Hard Rock, Funk & Soul, 

Alternative/Independent, Singer-Songwriter, Singer, Country 

119 Sonderkategorien: 

Rock, Pop, Funk & Soul, Hard Rock, Alternative, Metal, Jazz-Rock, Rhythm & Blues, New Age, 

Reggae, Latin-Pop, Folkrock, Country, Gospel, Musical, Punk, Fusion-Jazz-Rock, 

Gothic/Wave, Weltmusik, Hip-Hop, Schlager, Filmmusik, Kinderlieder, 

Experimental, Fusion, Hardcore, Industrial, Progressiv, Ska, New Metal, Trance, Elektronik, Dancehall, Elektropop, 

Blues, Rock’n’Roll/Rockabilly, Cover/Revival, A Capella, Tonstudio, 

Independent-Label, Independent-Musikverlag, Booking-Agentur, Musikmanager, Musikproduzent, 

Förderung der Rock- & Popmusik, Lebenswerk, neuer Rock- & Popkünstler, CD-Album (deutschsprachig), 

CD-Album (englischsprachig), Studioaufnahme, Single, Song (deutschsprachig), Song (englischsprachig), 

Musikvideo, beste Komposition, deutscher Text, Booklet und Inlaycard, 

Instrumentalband, Instrumentalsolist, Instrumentalalbum, bester Gitarrist, bester Keyboarder, bester Schlagzeuger, 

bester Bassist, bester Percussionist, bestes Arrangement, bestes Blasinstrument 

an Nachwuchsmusikgruppen, Einzelmusiker & Sänger*innen sowie an Profimusiker 

Anmeldegebühren pro Kategorie: € 20,– DRMV-Mitglieder / € 30,– DRMV-Nichtmitglieder (Bitte den Bewerbungsunterlagen beilegen.) 

Teilnahmegebühr: € 150,– je Haupt- und je erste Sonderkategorie (alle weiteren € 100,–) bei Auswahl durch die Bundesjury 

INFOS: Deutsche Popstiftung • Kolberger Straße 30 • 21339 Lüneburg 

Telefon: 0 41 31/ 23 30 30 • E-Mail: info@drmv.de / info@deutschepopstiftung.de 

ANMELDEFORMULAR: www.musiker-online.com/festival-konzept/anmeldung 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, 

des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V., des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V. 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften. 

16. Dezember 2023 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle

EDITORIAL 03 

Es gab und gibt bis heute kein Musikfestival oder Musikwettbewerb im 

Bereich der Rock- und Popmusik, kein Musikkonzert mit Superstars in 

Deutschland, das eine derart bundesweit große, umfangreiche und positive 

Medienresonanz seitens der Tageszeitungen und auch vieler Zeit schriften 

erhalten hat und bis heute erhält, wie der jetzt seit 40 Jahren auf gemeinnütziger, 

ehrenamtlicher Basis arbeitende „Deutscher Rock & Pop Preis“. 

Das haben unsere intensiven Medienanalysen der letzten 20 Jahre mithilfe 

großer, bundesweit arbeitender Ausschnittdienste für Tageszeitungen 

eindeutig ergeben: Zum Beispiel 2018: 686 Zeitungsartikel bundesweiter 

Tages zeitungen – 2019: 550 Zeitungsartikel bundesweiter Tages zeitun gen – 

2020, wg. coronabedingtem Ausfall (virtuelle Preisverleihung): 510 bundes - 

weite Zeitungsartikel – 2021, wg. coronabedingtem Ausfall (virtuelle 

Preis verleihung): ca. 500 bundesweite Artikel aus den verschiedensten 

bundesweiten Tageszeitungen. 

Das zeigt: Die Tageszeitungen in Deutschland haben den Wert und die 

Bedeutung dieser musikalischen Kulturveranstaltung und Jury-Preis-Aus - 

zeichnungen nach jetzt 40 Jahren ständiger Berichterstattung erkannt. Und 

wenn irgendwann einmal ein schräger Bericht irgendwelcher desinformierter 

Journalisten veröffentlicht wird, dann macht dies vor diesem Hintergrund 

der zahllosen positiven und begeisterten Tageszeitungsberichte auch nichts. 

Es gibt zudem auch keinen einzigen Musikwettbewerb in Deutschland, 

der eine derart große Anzahl von heute renommierten und bekannten Musik - 

gruppen und Musikinterpreten nach der Preisauszeichnung mittels einer 

großen ästhetisch gestalteten Urkunde mithilfe dieser großen Kultur ver an - 

stal tung hervorgebracht hat. Unser seit nunmehr 43 Jahren selbst herausgegebenes 

Musiker Magazin (digitale Auflage ca. 60.000 bundesweite 

Leser) mit mehrseitigen Foto-Interviews der Preisträger der Haupt kate gorien 

und unsere aktive Hilfe bei der Suche nach den richtigen Tonträgerfirmen 

unterstützen die Musikgruppen und Musiker/innen auch nach dem Wett - 

be werb. Wer wie auf einer Jahrmarktveranstaltung auf Geldgewinne, Sach - 

preise, nutzlose Label-Verträge, perverse Zuschauer-Abstimmungen und 

Auswahl der Preisträger ohne Juroren nach der Höhe ihrer Tonträger- und 

digitalen Verkäufen spekuliert (ehemals wie bei der Tonträgerindustrie), sollte 

sich bei einem der zahllosen Amateur- und Musikwettbewerbe bewerben! 

Als wegweisendes Beispiel: Auch bei den Grammy-Verleihungen gibt es 

keine Geld- oder Sachpreise und auch keinen automatisch versprochenen 

Schallplatten- und Tonträgervertrag. Die Einladungsgebühren für die Teil - 

neh mer betragen dort für die zur dortigen Preisverleihungs-Gala eingeladenen 

Teilnehmer über 2 000,00 $ und nicht wie bei uns lediglich 150,00 € 

Teilnahmegebühr und 20,00 – 30,00 € Bewerbungsgebühr. 

WEITERE INFORMATIONEN: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM 

AM 16. DEZEMBER 2023 | IN DER SIEGERLANDHALLE | SIEGEN

04 SHORT-TAKES 

FESTIVAL 

02 Deutscher Rock & Pop Preis 2023 – 

Plakat 

DEVIN TOWNSEND KRITISIERT 

MUSIKINDUSTRIE 

09 Deutscher Rock & Pop Preis 2023 – 

Konzept 

STORIES 

11 Frank Reinke – »Mit „Apache“ hat 

alles angefangen – mit „Apache“ 

hört es auch auf.« 

15 NANOBEAT – Eine Symbiose von 

traditioneller kurdischer Musik mit 

Elementen der Rock- und Popmusik 

18 ÖTTE & BAND – 

Ein Song für den Frieden 

22 SYNYANA – Die gebürtige Hessin ist 

eine vielseitige talentierte Künstlerin 

26 GREIF TECH BRODY – 

Die orchestrale Gitarre 2.0 

28 Jutta König – Sie spannt einen 

musikalischen Bogen von 

Rocksongs bis singer-songwriter 

Stücken 

30 BERGE – 

Zwei Vollblutmusiker aus Berlin 

34 NOR!AN feat. Isi W. – 

Vibe der Freiheit und Abenteuerlust 

39 Nicole Jukic – »Neue Wege!« 

42 Sofia Lainovic – 

Musik ist für mich Freiheit 

46 Die Historie der Rock- & Popmusik: 

Eric Burdon und die Animals 

52 Miles King & The Foolish Knights 

55 VIBES O’ FIVE – 

Wenn Musik gut ge macht ist, 

verdient sie unseren Respekt 

RUBRIKEN 

04 Musiker-News 

57 Produkt-News 

63 CD-Rezensionen 

65 Titelschutzanzeigen 

66 Kleinanzeigen 

66 Impressum 

TITELFOTO: © CHRISTOPH KÖSTLIN 

Der Progressive-Metaller Devin Townsend er - 

zählte in einem Podcast-Interview von seinen Er - 

fah rungen mit der Musikindustrie. Er erklärt, wie 

die Zusammenarbeit mit Steve Vai seine Karriere 

nachhaltig prägte. 

Er sagt: „Ich kann mich noch daran erinnern, 

wie ich mit Steve Vai arbeitete. Zu dem Zeitpunkt 

war ich sehr desillusioniert von der Musikin dustrie. 

Es ging vielmehr um Bestätigung – darum, ob 

man dies oder jenes spielen konnte. Es ging nicht 

darum, Musik zu machen, sondern sich zu be - 

weisen.“ 

Townsend stellt klar: „Es hatte sehr wenig mit 

Steve zu tun. Er bot mir eine unglaubliche Gelegen - 

heit, die mein Leben veränderte und mich bis 

hierher brachte. Es ist mir wichtig, dass das im 

Voraus klar wird, bevor ich weiterrede. Ich war 

nicht glücklich, weil ich schon von Anfang an 

dachte, die Wurzeln der Musik stammen von 

einer Art höheren Macht. Als ich dann in L.A. landete, 

war es wie ein Weckruf für mich. Es hatte 

nichts mit den Leuten oder Steve zu tun, es war 

einfach Los Angeles“, so der Musiker. 

NUR FÜR DEN RUHM 

Er erklärt: „Die Musikindustrie und die Schau - 

spielindustrie sind berüchtigt dafür, voller Leute 

zu sein, die alles versuchen. Es gibt ein paar Leute, 

die wirklich eine Verbindung zu ihrer Arbeit haben, 

wie zum Beispiel Steve. Aber viele wollen sich 

einfach nur beweisen und machen nur für den 

Ruhm mit.“ 

Townsend meint: „Ich hatte diese Idee, nach 

Los Angeles zu ziehen, eine Ibanez-Gitarre zu be - 

sitzen und mit wichtigen Leuten zu Events zu 

gehen fetischisiert, ohne je zu erwarten, dass es 

tatsächlich passieren würde. Als es dann wirklich 

passierte, war es enttäuschend. Ich merkte, dass 

die wichtigen Leute einfach nur normale Typen 

waren und die Gitarre, die ich immer wollte, 

scheiße zu spielen war.“ 

DAS GANZE HATTE AUCH VORTEILE 

Der Musiker sieht es positiv: „Die Illusion wurde 

schnell zerstört, aber ich glaube nicht, dass das 

unbedingt etwas Schlechtes war. Es war eher zu 

meinem Vorteil, weil es meinen Idealismus schnell 

aus dem Weg räumte. Als ich dann anfing, meine 

Arbeit richtig zu strukturieren und später eigene 

kreative Unterfangen startete, gab es den nicht 

mehr.“ Er erklärt weiter: „Meine Beziehungen waren 

etwas klarer und ich war nicht mehr an der Be - 

stätigung anderer interessiert. Ich will nur noch 

Musik machen, die ich liebe und von der ich glaube, 

dass andere sie auch lieben werden.“ 

Devin Townsend wurde erstmals dank seiner 

Arbeit mit Steve Vai wirklich bekannt und arbeitete 

im Lauf seiner Karriere mit verschiedenen 

Künstlern zusammen. Mittlerweile liegt sein Fokus 

auf seiner Solo-Karriere. 

TEXT: Helen Lindenmann | QUELLE: www.metal-hammer.de/devin-townsend-kritisiert-musikindustrie-2106287/ 

Fotoquelle: Wikipedia 

www.musiker-online.tv

SHORT-TAKES 05 

Wegen 100 Jahre alter Schallplatten: 

MUSIKINDUSTRIE VERKLAGT INTERNET ARCHIVE 

Nach Klagen von Buchverlagen nehmen nun 

auch Musiklabels das Internet Archive ins Visier. 

Der Vorwurf: massenhafter Verstoß gegen das 

Urheberrecht. Die millionenschweren Forder un gen 

könnten dem gemeinnützigen Projekt beträcht lich 

schaden. 

Es war keine entspannte Woche für das Internet 

Archive. Kaum hatte sich die gemeinnützige Or - 

ga nisation im Streit mit vier Großverlagen geeinigt, 

brach ein neuer Konflikt aus. Diesmal sind es 

mehrere große Plattenlabels, die dem Online- 

Archiv massive Verletzungen des Urheberrechts 

vorwerfen. Es geht um hunderte Millionen US- 

Dollar und potenziell um die Zukunft des Archiv - 

projekts – und das wegen teils 100 Jahre alter 

Schallplatten. 

Das Internet Archive ist seit den 1990er-Jahren 

vor allem für seine Wayback Machine bekannt, 

mit der sich ältere Versionen von Websites aufrufen 

lassen. Inzwischen sammelt das in San Francisco 

sitzende Archiv auch Software, Videos oder 

Bücher und stellt die Daten weitgehend frei zu - 

gänglich zur Verfügung. Es versteht sich als aktivistisches 

Projekt mit der Mission, „universellen 

Zugang zu allem Wissen zu ermöglichen“. 

Doch die Mission des Internet Archives wird 

immer wieder durch die juristischen Fehden ausgebremst. 

So verlor das Internet Archive bereits 

im Frühjahr ein Gerichtsverfahren, geklagt hatten 

die vier US-Verlage Hachette Book Group, 

HarperCollins, John Wiley & Sons und Penguin 

Random House aus der Bertelsmann-Gruppe. 

Ihnen war die „Nationale Notfall-Bibliothek“ ein 

Dorn im Auge, die das Archiv in der Coronapan - 

demie gestartet hatte. Damit Menschen zumindest 

genug Lesestoff haben, verlieh das Internet 

Archive vorübergehend mehrere Exemplare eines 

digitalen Buches auf einmal, anstatt sich nur auf 

die Anzahl der Exemplare zu beschränken, die 

die Online-Bibliothek physisch erworben hatte. 

Die Verlage hielten das für eine Verletzung des 

Urheberrechts, das Gericht schloss sich dieser 

Sicht an. Der nun erzielten Einigung zufolge darf 

das Internet Archive künftig keine Bücher der 

klagenden Verlage mehr ohne ausdrückliche Ge - 

nehmigung verleihen. Hinzu kommt eine nicht 

öffent lich bekannte Geldsumme, sofern das Inter - 

net Archive das Berufungsverfahren verlieren sollte. 

Denn trotz der Einigung will Brewster Kahle, der 

Gründer des Projekts, in Berufung gehen: „Wir 

brauchen starke Bibliotheken“, heißt es auf dem 

Blog des Archivs. 

Der nächste Streit kommt durch die frische 

Klage von Musiklabels. In diesem Fall hatte das 

Internet Archive alte Schellackplatten aus der 

ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts digitalisiert 

und zum freien Herunterladen bereitgestellt. Es 

gehe darum, dieses auf „obsoletem Format“ verewigte 

kulturelle Material für künftige Gene ra tio - 

nen zu retten, bewirbt das „Great 78 Project“ 

seine bewusst knisternde, digitale Platten samm - 

lung. Zu den derzeit verfügbaren Alben aus der 

Frühzeit der Musikindustrie gehören neben 

Stücken von Stars wie Frank Sinatra auch traditionelle 

Lieder auf Jiddisch und Tschechisch. 

Aus Sicht der Labels hat das Internet Archive 

damit ihre Rechte bei knapp 3 000 Musiktiteln 

verletzt. Zum Vergleich: Im Archiv sind derzeit mehr 

als 400 000 Aufnahmen. Um den erlittenen Scha - 

den auszugleichen, seien bis zu 412 Millionen US- 

Dollar fällig, so die Kläger*innen, zu denen unter 

anderem die Universal Music Group und Sony 

Music Entertainment zählen. Alle beanstandeten 

Aufnahmen würden sich auf legalen Streaming- 

Angeboten finden, heißt es in der Klage schrift. 

Deshalb bestünde keine Gefahr, dass sie in Ver - 

gessenheit geraten oder zerstört würden, heißt 

es weiter. 

Möglich gemacht hat die Klage eine US- 

Gesetzesänderung aus dem Jahr 2018. Mit dem 

„Music Modernization Act“ wurde die Laufzeit des 

urheberrechtlichen Schutzes für Aufnahmen teils 

verlängert, die vor 1972 aufgezeichnet wurden. 

Auf Ausnahmeregelungen wie „Fair Use“ könnte 

sich das Internet Archive nicht berufen, betont die 

Industrie. Insgesamt sei das „Great 78 Project“ 

nichts anderes als ein massenhafter Verstoß ge - 

gen das Urheberrecht ohne rechtliche Grund lage, 

so ein Vertreter des Branchenver bands „Recording 

Industry Association of America“. 

Von einer massenhaften Nutzung könne keine 

Rede sein, argumentiert dagegen das Internet 

Archive. Seit 2006 würden engagierte Mitar bei - 

ter*innen aus Bibliotheken und Archiven hundert - 

tausende Aufnahmen konservieren. Dabei würden 

auch analoge Artefakte wie Knistern und Rau - 

schen aufgezeichnet. Dies sei bei den restaurierten 

Aufnahmen der Labels, die sich auf Strea - 

ming-Diensten finden, nicht der Fall. 

„Wenn Menschen Musik hören wollen, gehen 

sie zu Spotify“, schreibt Kahle. Wenn Menschen 

aber Aufnahmen von Platten studieren wollten, 

die so klingen, wie sie ursprünglich erschaffen 

wurden, dann würden sie sich an Bibliotheken 

wie das Internet Archive wenden. Eigenen An - 

gaben zufolge würde jede Aufnahme aus der 

Sammlung durchschnittlich einmal pro Monat von 

einer Forscher*in aufgerufen, so das Projekt über 

die Nutzungszahlen. Beide Formen der Nut zung 

seien notwendig, so Kahle: „Es sollte hier keinen 

Konflikt geben.“ 


TEXT: Tomas Rudl | QUELLE: netzpolitik.org/2023/wegen-100-jahre-alter-schallplatten-musikindustrie-verklagt-internet-archive/ 

1/2023 musiker MAGAZIN


Musikstreaming: 

ZEIT FÜR EIN SYSTEMUPDATE 

Musikindustrie zu leiten. Solange die Kündigungs - 

rate überschaubar und der Abo-Zuwachs stabil 

bleibt, sind alle beteiligten Parteien glücklich. Der 

komplizierte Aspekt in der Streamingdebatte ist 

aber die Art und Weise wie die Ausschüttungen 

der Dienste auf die Songs verteilt werden. 

Aktuell ist der Marktanteil entscheidend, ge - 

zählt wird ein Stream ab einer Länge von 31 

Sekunden. Ideen für Alternativen gibt es viele – nur 

eben auch viele Interessen. Wenn Warner Music- 

Chef Kyncl beispielsweise vorschlägt, dass der 

zuerst gestreamte Song eines neuen Abon nen ten 

Foto: © JCM / Adobe Stock 

Mit Spotify hat kürzlich auch der Markt führer 

die Preise erhöht. In der Diskussion über die Aus - 

zahlungsweise der Musikstrea ming-Dienste wäre 

es nach vielen Jahren mit dem alten System ebenfalls 

Zeit für konkrete Fortschritte. 

Ende Juli war es so weit: Auch Spotify erhöhte 

die Preise, und das in mehr als 50 Ländern. Vor 

allem die symbolträchtigen 9,99 für ein Einzel- 

Abo sind damit nun auch beim Marktführer in 

den USA, Großbritannien und anderen Ländern 

Geschichte. In Deutschland dürfte der Schritt 

ebenfalls bald anstehen. Spätestens mit dem An - 

ziehen der Inflation waren die Forderungen aus 

der Musikindustrie vielfältiger und lauter geworden. 

Natürlich waren die Dienste auch vorher schon 

alles andere als teuer, immerhin bieten sie permanenten 

Zugriff auf mehr als 100 Millionen Songs. 

Preiserhöhungen sind aber auch schlicht der 

einfachste und schnellste Weg, mehr Geld in die 

oder eines Nutzers generell höher vergütet werden 

solle, weiß er natürlich um diverse besonders 

gefragte Stars, die mit Warner zusam menarbeiten. 

Andere unken entsprechend, ein solches Mo - 

dell würde am Ende vor allem teures Marketing 

belohnen. Auf mehr Gegenliebe dürfte stoßen, 

aktiv gewählte Songs gegenüber vom Algorith - 

mus vorgeschlagenen besser zu stellen. Auch 

hat sicher niemand etwas dagegen, besonders 

passionierten Fans mehr Angebote direkt über 

Spotify und Co zu machen. 

Konkreteres als starke Worte und viele Vor - 

schläge gibt es noch nicht. Klar ist aber in jedem 

Fall: Nach mehr als zehn Jahren mit dem aktuellen 

Auszah lungs modell und einem längst vom 

Streaming dominierten Markt ist es Zeit für ein 

Update. 

TEXT: Benjamin Fischer | QUELLE: www.faz.net/aktuell/wirtschaft/unternehmen/spotify-erhoehte-preise-zeit-fuer-ein-systemupdate-im-musikstreaming-19112619.html#void/ 

DAS FINDET SKI AGGU AN TIKTOK 

„SEHR GEIL“ 

DER RAPPER FINDET ES NICE, 

WIE TIKTOK DAS MUSIKBUSINESS 

BEEINFLUSST 

Im Interview mit „Musik express“ sagt der Mu - 

siker, dass TikTok Künstlern die Möglichkeit bieten 

würde, sich selbst zu vermarkten und „groß 

rauszukommen“. 

Durch TikTok würde die Abhängigkeit von 

großen Labels kleiner werden. Dafür sollte TikTok 

Lob bekommen, so der Rapper. Auch er selbst 

QUELLE: www.dasding.de/newszone/ski-aggu-tiktok-einfluss-100.html 

habe von der Plattform profitiert, weil sich sein 

„Stuff“ dort wie ein „Lauffeuer“ verbreitet habe. 

Ski Aggu erklärt in dem Interview auch, dass 

die Aufmerksamkeitsspanne der Hörer immer ge - 

ringer wird. Es könne laut ihm sein, dass Künstler 

sich gezwungen fühlen, ihre Musik an die Platt - 

form anzupassen. 

Zum Interview: www.musikexpress.de/ski-agguund-charlotte-stahl-im-interview-tiktok-wirdimmer-wichtiger-2346613 



SHORT-TAKES 07 

KI-KOOPERATION 

VON 

UNIVERSAL MUSIC 

UND YOUTUBE 

Künstliche Intelligenz wird in vielen Bereichen 

ein immer wichtigeres Thema. Nun kündigen zwei 

Riesen der Musikbranchen eine Zusam men ar beit 

an, die Einfluss auf die gesamte Industrie haben 

könnte. 

Der weltgrößte Musikkonzern Universal Music 

und Googles Videoplattform YouTube wollen beim 

Einsatz Künstlicher Intelligenz in der Branche zu - 

sammenarbeiten. Youtube veröffentlichte Grund - 

sätze für den Umgang mit der Technologie. 

Dazu gehört, dass man sie verantwortungsvoll 

erkunden und dabei die Interessen der Künstler 

schützen wolle. Als Teil der Partnerschaft sollen 

Musiker Zugang zu KI-Technologien erhalten und 

damit experimentieren können. 

Universal Music und YouTube sind so einflussreich, 

dass ihre Kooperation die Regeln für die 

Branche etablieren könnte. Die Musikindustrie ver - 

sucht, einen geordneten Weg für den Um gang 

mit KI-Werkzeugen zu finden, die das Geschäft 

umkrempeln können. 

Denn es ist nicht nur möglich, Songs mit Hilfe 

von Software zu schreiben – KI kann dabei auch 

Musikstars imitieren. So hatte Universal Music im 

Frühjahr ein Lied von YouTube entfernen lassen, 

in dem künstlich erzeugte Stimmen der Künstler 

Drake und The Weeknd zu hören waren. 

Universal-Music-Chef Lucian Grainge betonte 

zu gleich, dass generative KI aus seiner Sicht die 

Musik bereichern werde. 

Man müsse aber die richtige Balance finden. 

„KI wird nie die menschliche Kreativität ersetzen“, 

zeigte er sich in einem Blogeintrag überzeugt. 

Software werde immer der „unentbehrliche Fun - 

ken“ fehlen, der die talentiertesten Künstler dazu 

bringe, ihre besten Werke zu erschaffen. 

„Von Mozart zu den Beatles zu Taylor Swift: 

Genie ist nie ein Zufall“, schrieb Grainge. 

Foto: © Nattakorn / Adobe Stock 

QUELLE: www.stern.de/digital/musikindustrie--ki-kooperation-von-universal-music-und-youtube-33755618.html 

DEEZER KÜNDIGT NEUES STREAMING-MODELL AN 

Grafik: © Christian Horz / Adobe Stock 

Seit vielen Jahren wird über ein neues Ab rech - gen aus dem Markt in dem betreffenden Zeit raum 

nungsmodell der Streamingdienste diskutiert. an die Rechteinhaber dieses Songs. 

Deezer will nun zum vierten Quartal in Frankreich 

in Partnerschaft mit Universal Music ein solches Das „Pro Rata“-System wird seit dem Start des 

einführen. 

Streamings von allen Diensten genutzt. Nur die 

Plattform Soundcloud arbeitet seit einiger Zeit in 

Über die Art und Weise, wie Spotify, Apple, Teilen mit einer nutzerzentrierten Abrechnung, bei 

Amazon, YouTube Music oder Tidal und Deezer der die Gelder eines Nutzers nur unter den tatsächlich 

die jeweils rund zwei Drittel ihrer Umsätze an die 

von ihm gehörten Songs verteilt werden. 

Musikindustrie ausschütten, wird seit Jahren diskutiert. 

Diverse Punkte des „Pro Rata“-Modells stehen seit 

Bis dato erfolgt die Auszahlung nach dem Langem in der Kritik, etwa die 31-Se kun den- 

„Pro Rata“-Modell. In diesem fließen alle Einnah - Gren ze. Unter anderem Lucian Grainge, der Chef 

men für jeden Markt gesondert in den jeweiligen von Marktführer Universal Music, und sein Pen - 

Ländertopf. Gezählt wird ein Stream ab einer Länge dant bei Warner Music, Robert Kyncl, kritisierten 

von 31 Sekunden. Die Verteilung aus den Töpfen zuletzt auch mehrfach, dass jeder Song bei der 

erfolgt im Anschluss nach Marktanteilen: Auf jeden Abrechnung gleich behandelt werde, bloßes Rau - 

Song fällt eine Summe ab, bemessen an der Ge - schen also genauso vergütet wird wie ein Taylorsamtzahl 

seiner Abrufe. Kommt ein Werk in einem Swift- oder Ed-Sheeran-Song. Unter anderem 

Markt so zum Beispiel auf 10 Prozent aller Streams, dies soll sich beim französischen Dienst Deezer 

dann verteilen sich 10 Prozent der Ausschüt tun - vom vierten Quartal dieses Jahres an ändern. 

QUELLE: www.faz.net/aktuell/wirtschaft/unternehmen/verteilung-der-gelder-deezer-kuendigt-neues-streaming-modell-an-19155394.html 

Im Rahmen einer im März angekündigten Zu sam - 

menarbeit mit Universal (der Konzern arbeitet auch 

mit Tidal zusammen) sei ein neues, „Artist Centric“ 

genanntes Modell erarbeitet worden, das zu nächst 

in Frankreich und perspektivisch auch in weiteren 

Märkten eingeführt werden soll, teilen beide Unter - 

nehmen mit. 

Grainge hatte zu Beginn des Jahres ein neues 

Modell gefordert, das „alle Abonnenten wertschätzt 

und die Musik belohnt, die sie lieben“, 

ohne allzu sehr ins Detail zu gehen. Deutlich 

wurde, dass er etwa die riesige Masse an Songs 

auf den Diensten und Inhalte wie bloßes Rau - 

schen, das „echten Musikern“ Tan tiemen streitig 

mache, als problematisch erachtet. Um das 

gegenwärtige „Ungleichgewicht“ zu beheben, 

brauche es daher ein Modell, das Künst lern 

jeden Genres zugutekomme, sagte Grainge im 

Januar. 



FRAUEN IM MUSIKBUSINESS 

Musikerinnen berichten über Knebelverträge und Sexismus 

Mädchen, in der Mercedes Benz Arena gehen 

und eine Band oder Künstlerin Mega cool finden. 

Dann hat das seine Daseinsberechti gung.“ 

Foto: © tryama / Adobe Stock 

Laut einer US- Studie liegt die Frauenquote im 

Bereich der Musikproduktion bei nur 2,6 Pro zent. 

Außerdem verdienen Frauen in der Musikbranche 

laut statistischem Bundesamt bis zu 30 Prozent 

weniger als Männer. In der Musikindustrie herrscht 

schon lange ein Ungleichgewicht. Beispielsweise 

liegt der Frauenanteil auf Festivalbühnen in 

Deutsch land laut der MaLisa Stiftung unter 20 

Prozent. 

Mit 13 erfüllt sich Sentas-Sofia Dellapontis Traum: 

Sie fährt mit ihrer Mutter nach Hamburg zum 

Casting bei „Starsearch“. Weil sie so wenig Geld 

haben, übernachten sie im Auto. Senta holt den 

2. Platz. Endlich macht sie, was sie immer wollte: 

Auf der Bühne stehen und singen. Schnell be - 

kommt sie einen Plattenvertrag bei einem großen 

Label. 

„Und da habe ich alles mitgemacht, ich war 

sehr naiv“, sagt sie heute. Eine Marionette sei sie 

gewesen, alles wurde von den Managern – fast 

ausschließlich Männer entschieden: Haarfarbe, 

Piercing und Musik. 

Trotzdem lief die erste Single nicht: „,Nimm fünf 

Kilo ab, dann wird die zweite Single sicherlich 

besser funktionieren‘ – es war schon sehr toxisch 

in der Branche“, sagt die Potsdamerin. Sie habe 

damals gedacht: So funktioniert die Musik in dus - 

trie. Heute bereue sie am meisten, dass sie das 

alles einfach mitgemacht und natürlich auch die 

fünf Kilo abgenommen habe. Damals war sie 15. 

„Ich hatte auf jeden Fall das Gefühl, sexistisch 

behandelt zu werden“, sagt sie heute. Bei Meetings 

sei sie häufig die einzige Frau gewesen. Wenn 

Zeitweise arbeitet sie auch in der Branche – 

zum Beispiel als Stagemanagerin: „Frauen haben 

da ein Problem, wir müssen zeigen: Hey, ich kenn 

mich mit Musik aus und ich kann sogar das Kabel 

in den Stecker stecken, mega verrückt, weil es 

gibt ganz viele Techniker, die mir das nicht zugetraut 

haben.“ Das Problem, so Jule Detlefsen, sei 

die „Kum pelei“ der Männer. Alle kennen sich und 

viel würde eben bei einem Bier ausgehandelt werden 

und so werden gerade im Livebusiness, die 

Jobs vergeben. 

Mit ihrem Magazin will sie jungen Mädchen 

und Frauen zeigen, dass es auch für eine 13- 

Jährige ganz normal sein kann, eine E-Gitarre zu 

spielen und eine Band zu gründen. Sie hat jetzt 

erst angefangen, selbst zu spielen. 

Charlotte Brandi sagt von sich, sie sei schon 

immer Musikerin gewesen. Ihre Eltern hätten Musik 

gemacht und in Bands gespielt. Schon als Kind 

Frauen zu laut gewesen seien, sei ihr suggeriert sei sie mit auf Tour gewesen. 

worden, man könne nicht mit ihr arbeiten. Auch 

über andere Künstlerinnen sei so gesprochen worden, 

sie seien schwierig und zickig. Gleich zeitig Nur kurz sei sie mal bei einem Plattenlabel gewe- 

Die großen Plattenfirmen finde sie „gruselig“. 

habe es geheißen: „Du bist auch eine Frau, also sen, um ihr Urteil zu überprüfen. 

spiel auch mit deinen Reizen, zeig sie benutze sie.“ 

Genau diese Schubladen habe sie bedient, Es überrasche sie nicht, dass der Frauenanteil 

erzählt Dellaponti. Und ist damit schließlich mit der in der Musikbranche sinke: Denn es gäbe so einen 

Kunstfigur Oonagh erfolgreich. Mit einer Mischung Effekt von „Verliebtheit unter Männern“: Die alteingesessenen 

in den Schaltzentralen der Musik - 

aus Mittelaltermusik und Pop verkaufte sie nach 

eigenen Angaben mehr als 900 000 Platten – branche würden sich selbst in jungen männlichen 

und kann trotzdem kaum ihre Miete zahlen, wie Newcomern wieder entdecken und sie dann fördern. 

„Und so bleiben Seilschaften aufrechterhal- 

sie sagt. 

Corona ist für sie ein Wendepunkt: Sie sieht sich ten, die von Männern einmal aufgebaut wurden, 

ihre Verträge nochmal genauer an und stellt fest, andere Männer reinholen und da wird sich der 

dass sie selbst die letzte ist, die an ihrem Erfolg Staffelstab weitergereicht“, sagt die 37-Jährige. 

verdient. Heute ist Senta-Sofia Delliponti ihre eigene 

Chefin – hat ein eigenes Team, ihr eigenes Label Ihr aktuelles Album „An den Alptraum“ hat sie 

und bald auch ein eigenes Ton studio. 

nur mit Frauen produziert. Ein „Experiment“, wie 

sie sagt, denn „meines Wissens gibt es noch keine 

Mit 13 Jahren entdeckt Jule Detlefsen ihre Liebe Alben, bei denen kein Mann mitgemacht hat“. 

zur Musik. Schnell merkt sie aber, dass es bei Platten, die ausschließlich von Männern produziert 

werde, gebe es hingegen schon. 

ihren Freundinnen anders ist: „Ich glaube nicht, 

dass meine Freundin keine Lust hatten auf Kon - In drei Tagen haben sie gemeinsam neun Songs 

zerte zu gehen. Aber ich glaube, dass die gar eingespielt. „Ich glaube, das war die schnellste 

nicht so dachten, das ist irgendwie ein Thema für Albumproduktion, die ich je hatte“, sagt die 28- 

sie ist.“ Vielmehr hören ihre Freundinnen eher die Jährige. Niemand habe ihre Position in Frage 

Musik aus den Charts. 

gestellt, alles sei sehr professionell gewesen. 

Heute ist Jule Detlefsen 25 Jahre alt. Vor zwei Sie fordert, dass auch die Männer in der Mu - 

Jahren gründete sie das Musik-Onlinemagazin sikindustrie Stellung beziehen. Denn, so Charlotte 

„Flutwelle-Magazin“. Explizit für junge Frauen und Brandi, „es kann sich nur etwas ändern, wenn 

Mädchen. Sie war selbst überrascht, dass es so Männer untereinander anfangen ehrlich mit sich 

etwas noch nicht gab. Sie fordert: „Akzep tiert zu sein und sich eben auch öffnen für Selbstkritik 

doch einfach, wenn 16 000 Leute, hauptsächlich und Kritik an anderen.“ 

TEXT: Nathalie Daiber | QUELLE: https://www.rbb24.de/kultur/beitrag/2023/07/musik-musikbranche-frauen-sexismus-berlin-brandenburg.html 


DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG, MUSIKER MAGAZIN UND TASCAM 

PRÄSENTIEREN 

FESTIVAL 09 

Bundeswettbewerb für Rock- und Popmusikgruppen und Sänger*innen 

aller musikstilistischen Bereiche 

In 2023 werden zum 41. Mal zahlreiche „Deutsche Rock & Pop Preise“ 

der verschiedensten musikalischen Bereiche an herausragende Nachwuchs - 

musikgruppen, Nachwuchseinzelkünstler*innen sowie an durch eine Fachjury 

ausgewählte professionelle Musikgruppen und Einzelkünstler*innen mit 

und ohne Tonträgervertrag verliehen. So sollen auch in diesem Jahr Künstler 

so unterschiedlicher musikstilistischer Bereiche wie Rock, Pop, Country, 

Hard & Heavy, Alternative, Weltmusik, Reggae, Funk & Soul u.v.a. geehrt 

werden. Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische Anspruch. In ihrer 

kulturellen und künstlerischen Ausrichtung steht diese Kulturveranstaltung 

damit im bewussten Gegensatz zu anderen Veranstaltungszeremonien 

von Industriepreisen und kommerziellen TV-Anstalten. Durch die Aus zeich - 

nung in über 125 verschiedenen Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Popmusik Rechnung getragen. Damit 

soll erreicht werden, dass sich möglichst viele Musikgruppen und Einzel - 

künstler*innen in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als Plattform des kreativen 

Nachwuchses, aber auch als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler*innen 

und Persönlichkeiten des musikalisch-wirtschaftlichen Umfeldes dienen. 

+ 

ZIEL / KONZEPT 

FINANZIERUNG 

ihrer Bewerbung und folgenden möglichen Nominierung einen Teilnahme - 

betrag pro (von ihnen selbst gewählter) Musik sparte, um die Selbstfinanzierung 

dieses musikereigenen Kulturfestivals auf Bundesebene zu gewährleisten. 

Normalerweise bewerben sich die Teilnehmer nur in einer Sparte. Es bleibt 

aber den Entscheidungen der Bewerber überlassen, ob sie sich zusätzlich in 

weiteren Sparten bewerben (Beispiel: Band/Musiker*in bewirbt sich in fünf 

Sparten: 5 x 100 Euro = 500 Euro). Diese solidarische Gemeinschafts finan - 

zierung ist in Deutschland einmalig: Damit wird auch der 41. Deutsche Rock 

& Pop Preis wieder gemeinschaftlich finanziert durch die Stiftungs- und 

Verbandsträger, die ca. 3 000 Musikgruppen, Musi kerinnen und Musiker im 

Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. sowie durch die Teilnehmer 

dieses Festivals. 

KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musikpreisen werden die Deutschen 

Rock & Pop Preise 2023 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise können an herausragende etablierte 

Musikgruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in den Sonderkategorien 

„Bester Gitarrist“, „Bester Keyboarder“, „Bester Schlagzeuger“, „Bester 

Bassist“, „Beste Komposition“ etc. verliehen werden. Hierfür kann man sich 

direkt bewerben. Die Bundesjury entscheidet, ob besondere Leistungen in 

diesen Bereichen vorliegen. 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesentlichen – wie in den vergangenen 

20 Jahren auch – durch die gemeinnützige Deutsche Popstiftung, 

den Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am Wettbewerb 

beteiligten Musikgruppen und Künstler*innen gemeinsam finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten kulturellen Wettbewerbs wird – 

ebenfalls wie in den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form einer geringen 

Anmeldegebühr (20 bzw. 30 Euro) erhoben. Alle durch die Bundesjury 

nominierten Preis träger der Haupt- und Sonderkategorien zahlen erst nach 

Folgende Einzelkategorien werden 

ausgeschrieben: 

» 8 HAUPTKATEGORIEN « 

» 119 SONDERKATEGORIEN « 

8 


10 FESTIVAL 

16. Dezember 2023 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle 

Durch die differenzierte Auswahl an Sonderkategorien wird gewährleistet, 

dass eine große Anzahl vielversprechender Musikgruppen, Inter preten und 

Künstler*innen in musikhistorisch und aktuell bedeutenden, aber bisher bei 

Preisverleihungen vernachlässigten Musikrichtungen ebenfalls gewürdigt 

werden können. In den acht Hauptkategorien sowie in den übrigen 

Sonder kategorien entscheidet die Bundesjury allein aufgrund des 

eingeschickten Materials über eine Nominierung bzw. Auszeichnung 

bei der Preisverleihung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich mit dem künstlerischen und 

technischen Umfeld einer CD-Produktion und des Musikmanagements 

auseinandersetzen (Studioproduktion, CD-Design, Independent-Label, 

Künstleragentur etc.), sollen auch die ansonsten im Schatten von künstlerischen 

Auszeichnungen stehenden Firmen und Personen auf Vorschlag 

der Musikerbasis geehrt werden. 

TEILNAHME 

Die nominierten Bands und Künstler*innen des 41. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2023 erhalten durch die Deutsche Popstiftung eine Ein - 

ladung nebst Teilnahmeformular. 

Erst die Rücksendung des ausgefüllten Teilnahmeformulars und die 

Entrichtung der Teilnahmegebühr in Höhe von 150 Euro je Haupt- und je 

erste Sonder kate gorie (alle weiteren 100 Euro) garantieren die Teil - 

nahme am 41. Deutschen Rock & Pop Preis 2023. 

Die ausgezeichneten Preisträger der Haupt- und Sonderkategorien er - 

halten je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 1000 Euro für den eigenen 

Gäste-/Fankreis. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer CD/einem Musikvideo 

pro Kategorie (möglichst einer Liveaufnahme) bei der Deutschen Popstiftung 

für die verschiedenen Kategorien bewerben. 

Mit der Nichtrücksendung des Teilnahmeformulars und der Nicht en t - 

richtung der Teilnahmegebühr verfallen die Teilnahme und Preis zuer - 

kennung. 

Anmeldegebühr: 

» 20 EURO « 

DRMV-MITGLIEDER 

» 30 EURO « 

DRMV-NICHTMITGLIEDER 

Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln unabhängige Expertenjuroren, 

die von der Deutschen Popstiftung eingesetzt werden, die nominierten 

Preis träger der Haupt- und Sonderkategorien des 41. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2023. Um eine gerechte Preisverleihung zu gewährleisten, 

kann die Bundesjury, wenn die Einordnung den Juroren passend erscheint, 

Preise auch in anderen als den durch die Künstler ursprünglich benannten 

Kategorien zuerkennen. 

PREISVERLEIHUNG 

Die Preisverleihung an alle Preisträger findet am 16. Dezember 2023 

auf der Hauptbühne des 41. Deutschen Rock & Pop Preises 2023 in der 

Siegerlandhalle in Siegen statt. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung durch die Bundesjury werden 

auf der Website des DRMV www.musiker-online.tv und durch die 

Kulturzeitschrift Musiker Magazin nach dem Festival veröffentlicht. 

Alle Teilnehmer dieser Kulturveranstaltung übertragen die audiovisuellen 

Sende- und Verbreitungsrechte non-exklusiv an die Deutsche 

Popstiftung. 

WEB: WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE 

TEXT: OLE SEELENMEYER | FOTOS: LUDWIG CZAPLA

STORIES 11 

FRANK REINKE 

»Mit „Apache“ hat alles angefangen – mit 

„Apache“ hört es auch auf.« 

MM: Hast du schon in deiner Jugend Kon - 

takt mit der Musik gehabt? 

FRANK REINKE: Bei uns zu Hause wurde oft mu - 

siziert. Mein Vater spielte Akkordeon, meine 

Schwes ter Blockflöte und ich Gitarre. 

Meine Eltern hatten zu der Zeit Zimmer an Stu - 

denten vom Goethe Institut vermietet. Wir hatten 

immer Thailänder zu Gast und einer von denen 

spielte gut E-Gitarre. Da habe ich mir dann jeden 

Tag Akkorde abgucken können. Außerdem hatten 

die immer die neuesten Schallplatten, die ich 

eine nach der anderen „aufgesogen“ habe. 

MM: Welcher Sound hat deine Jugend ge - 

prägt? 

FRANK REINKE: Cliff & The Shadows waren 

natürlich dabei. Das war die absolute Initial zün - 

dung. Einen solchen Gitarrensound hatte ich bis 

dahin noch gar nicht gehört. Die Echos, die die 

Shadows da verwendet haben, waren komplexe 

Multi-Head-Echos (Meazzi-Geräte aus Italien, 

eigentlich für Akkordeon-Tanzmucker gebaut), 

ganz anders als die gängigen 200-ms-Single- 

Echos, die man von Rock ’n’ Rollern bis dahin 

kannte. 

„Apache“ von den Shadows ist verdient eines 

der besten Gitarrenstücke aller Zeiten. Ver meint - 

lich einfach zu spielen. Aber lässt man fünf Gitar - 

risten „Apache“ spielen, bekommt man fünf verschiedene 

Versionen. Dieses Stück hat zahllose 

Menschen damals veranlasst, Gitarre zu lernen. 

Die meisten davon spielen diese Musik auch heute 

immer noch. 

Der cleane, ausdrucksstarke Sound von Hank 

Marvin fasziniert mich bis heute, sowohl technisch 

als auch musikalisch. 

MM: Welche waren die ersten Schritte in 

Richtung Band? 

8 


12 STORIES 

gerne Tonmeister werden will. Darauf der Be - 

rater: Ach so, Sie wollen mit Ton arbeiten. Er meinte 

aber eine Töpferausbildung! 

Nächster Versuch. Aufnahmeprüfung zur NDR- 

Tontechnikerschule in Nürnberg. Habe ich nicht 

bestanden, weil ich nicht wusste, wie hoch der 

Eifelturm ist und was das Artgewicht von Kork ist 

… ich konnte also gar kein guter Tontechniker werden. 

Dass ich schon Radio- und Fernsehtech - 

niker und Musiker war, hat niemanden interessiert 

dort. 

Anfragen auf eine Assistentenstelle in den 

großen Hamburger Tonstudios (Windrose Studio, 

Polydor) blieben ohne Erfolg. Die alteingesessenen 

Tonleute dort hatten kein Interesse, ihr Wissen an 

junge Leute weiterzugeben. SAE gab es damals 

ja noch nicht. 

FRANK REINKE: 1964 – die erste Schülerband 

„The Chambers“. 

Es gab damals keine PA, wer einen Quelle- 

Universum-Verstärker hatte oder einen Dynacord 

Jazz war schon ganz weit vorn. Bassboxen wurden 

selbst gebaut. Immer wieder die Lieblings - 

plat ten gehört und versucht, so gut wie möglich 

nachzuahmen. Da merkte ich schon, dass ich viel 

Freude daran hatte, so perfekt wie möglich an das 

Original ranzukommen. 

Zu der Zeit spielte ich in der Tanzband „Mos- 

kitos“. Bei einem Gig in Hamburg hörte uns ein 

damals bekannter Produzent (George Moslener) 

und fragte uns, ob wir nicht Lust hätten, für ihn 

Playbacks einzuspielen. Das war für uns natürlich 

eine tolle Chance und so lernte ich die ersten 

Tonstudios kennen. 

Ein Jahr später meldete sich George bei mir 

und sagte, dass man im Peer Studio jemanden 

suchte. Ich hatte einen Monat Probezeit und war 

dann 13 Jahre dort. Es fing an mit einer Tele funken 

M10/4-Spur und endete mit MCI 48-Spur. 

MM: Welche Highlights hast du im Studio 

des Peer Musikverlags erlebt? 

Die Eltern haben uns dann am Samstagabend 

zum Gig in irgendeine Dorfgaststätte gefahren 

(wir waren etwa 15 Jahre alt zu der Zeit). Ju gend - 

schutz … was ist das? 

FRANK REINKE: In diesen 13 Jahren gab es so 

manchen Welthit. Taco/Puttin on the Ritz, Peter 

Schilling/Major Tom, Goombay Dance Band/Sun 

Geübt wurde im Seelenmeyer Waldhaus in 

Lüneburg in einem Wald nahe der Ilmenau. Ein 

wunderbarer Ort mit magischer Atmosphäre. 

Dort traf ich dann auch zum ersten Mal Django 

und Ole Seelenmeyer, mit denen ich noch heute 

verbunden bin. Wir konnten richtig aufdrehen 

und es hat niemanden gestört. 

MM: Wie bist du dann Tontechniker geworden? 

FRANK REINKE: Als Junge aus der Provinz 

(komme aus Lüneburg) war es zu der Zeit 

schwierig, in die Tonstudio-Szene zu kommen. 

Ich ging zur Berufsberatung und sagte, dass ich 


STORIES 13 

dulationseffekt. Kann man gut hören bei Lonzos 

Geigensolo im Titel „Hamburger Deern“ von der 

Rentnerband. Dieser Effekt wurde oft und gern von 

mir eingesetzt. 

Da das Peer Studio einem amerikanischen 

Musikverlag gehörte, wurde ich auch auf große 

USA-Studio-Besichtigungstour geschickt. NY, 

Nashville, LA, Miami, wobei ich besonders das 

Criteria Studio in Miami in Erinnerung habe. 

Die Bee Gees waren gerade da („Stayin’ Alive“) 

und verbrachten viel Zeit mit Volleyball vor dem 

Studio, während ich mit Karl Richardson (Bee 

Gees Engineer) hinter dem MCI-500-Pult plaudern 

konnte. 

MM: Nach deiner Peer-Zeit hast du als freiberuflicher 

Tontechniker weitergemacht. Mit 

welchen Studios und Künstlern hast du zu - 

sammengearbeitet? 

»Die Peer-Zeit war einfach großartig. 

Als Ver lagsstudio stand ich 

nicht so unter Druck wie in den 

meisten Mietstudios. 

Und das Team dort war toll.« 

FRANK REINKE: Ja, die ganze Branche veränderte 

sich so langsam. Japanisches Studio equip ment 

wurde für Musiker immer erschwinglicher. Bald 

hatte jeder Musiker sein eigenes Homestudio. 

Jeder fing an, alles selbst zu machen. 

Mein Tä tigkeitsfeld verlagerte sich immer mehr in 

den privaten Studiobereich. 

of Jamaica, Louisa Fernandez und viele, viele 

mehr. Nummer 1 Hits in USA und Europaweit 

waren immer wieder dabei. 

Die ganze Periode mit der Hamburger Szene 

war natürlich auch sehr lustig: Rentnerband, Leine - 

mann, Willem … eine unbeschwerte Zeit war das. 

Mit vielen Experimenten. 

Damals gab es ja noch keine Modu lations - 

effekte (Flanger, Phaser). Mit einem Trick war ich 

da doch der Zeit voraus. Bei der Telefunken 4- 

Spur Maschine gab es einen Sync.-Kopf der ja 

zeitlich vor dem Wiedergabekopf liegt. Ich verzögerte 

das Signal einer Spur vom Sync. Kopf über 

ein Dynacord Band Echo mit verstellbarem 

Tonkopf, dass er zeitlich kurz vor oder kurz nach 

dem Wiedergabekopf lag. Dadurch bekam ich 

einen Phasingeffekt. 

Durch Aufkleben von Klebeband auf der 

Bandschleife (leiern) erzielte ich einen quasi Mo - 

Aufnehmen konnte bald jeder Musiker selbst, 

aber mit dem Mischen haben sich die meisten 

doch sehr schwergetan. Das wurde dann zu meinem 

Hauptschwerpunkt. 

Chateau du Pape, Rüssl und Chamäleon 

Studio gab es immer noch. Aber der liebste Ort 

für mich war immer das VOX Klangstudio von 

Volker Heintzen. Ein einzigartiges Studio mit einer 

warmen Atmosphäre, tollem Equipment und 

Volkers unglaublichem Geschick und Ge schmack, 

alles im 60er-Jahre-Stil einzurichten. Ich habe dort 

8 


14 STORIES 

mit BAP, Veronika Fischer, Rocko Schamoni, Na - 

tionalgalerie, Götz Alsmann und viele Strei cher - 

aufnahmen gemacht. 

Der Vorteil war natürlich, dass viele kreative 

Musiker endlich die Chance bekamen, ihr eigenes 

Ding zu machen, ohne den Druck der großen 

Major Companies. Man konnte Stunde um 

Stunde experimentieren ohne strengen Blick auf 

die Studiouhr. Andererseits habe ich auch oft 

nicht optimale Abhör- und Arbeitsbedingungen 

vorgefunden. Manchmal habe ich erst einmal ein 

bis zwei Tage mit Umbauten verbracht, bevor ich 

einen Ton mischen konnte. 

Da kam mir meine Radio-und-Fernsehtech niker- 

Zeit immer wieder sehr zur Hilfe. Der Lötkolben 

ging niemals aus. 

MM: Du warst in der Jingle-Szene tätig und 

hast sogar Filmmusikaufnahmen gemacht. 

Erzähle uns bitte mehr darüber. 

FRANK REINKE: Ja, das war auch eine spannende 

Zeit. In der Rundfunk-Jingle-Szene muss man 

sehr schnell arbeiten. Oft habe ich am Tag 100 bis 

150 Takes gemischt. Da ist ein eingespieltes Team 

unbedingt nötig. Und menschlich muss es auch 

klappen. Das war beim JAM-X wirklich der Fall. 

Zuvor hatte ich schon Dolby-Surround-Er fa h - 

rung mit dem ersten Decoder (den man noch 

mieten musste) bei Wilbert Hirsch Audio ge macht. 

Da waren wir eine Woche in den Moskauer 

Mosfilm Studios mit einem großen Film or chester. 

Die hatten drei Studios dort mit drei verschieden 

großen Sälen und teilweise 60 Musi kern. 

Da habe ich eine Menge gelernt und die Auf - 

nahmen mit dem Decca Tree lieben ge lernt. Auf - 

genommen haben wir mit 24-Spur ADAT und 

dann in HH alles gemischt. Für weitere Filme war 

ich dann auch noch in Prag und Budapest. 

Bei JAM-X begann dann die Phase mit Film - 

musikaufnahmen und Mischungen für mehrere 

Til-Schweiger-Filme. Keinohrhasen, Zweiohr küken, 

Barfuss, 1 ½ Ritter und viele andere. 

MM: Du hast dich jetzt neuen Aufgaben ge - 

widmet … 

FRANK REINKE: Nach fast 48 Jahren Studio - 

ar beit werden die Ohren dann doch etwas müde. 

Und es ist ja auch vollkommen normal, dass junge 

Bands nicht mehr mit einem 71-jährigen Greis 

arbeiten wollen. Auf Musik wollte ich aber trotzdem 

nie verzichten. 

Während einer ehrenamtlichen Zeit in einem 

Altenheim merkte ich dann, dass das Singen mit 

älteren Menschen mir viel Freude bereitet. Und 

die ACC-Gitarre ist natürlich immer dabei. 

Ich hatte in der Zeit auch zehn wunderschöne 

Jahre mit meiner Shadows-Coverband SHAZAM 

verbringen können. Und so schließt sich der Kreis 

wieder. Mit „Apache“ hat alles angefangen – mit 

„Apache“ hört es auch auf. 

INTERVIEW: OLE SEELENMEYER 

FOTOQUELLE: FRANK REINKE 

GRAFIKEN: © VOYATA/ADOBE STOCK, 

© HANAHAL/ADOBE STOCK 


STORIES 15 

Eine echte Symbiose von traditioneller kurdischer 

und orientalischer Musik 

mit Elementen der internationalen Rock- und Popmusik 

MM: Wie kam es zur Entstehung der vierköpfigen Band? 

NANOBEAT: Die Idee zur Gründung der Band hatte der Schlagzeuger 

Heminderya, selbst gebürtiger Kurde. 

Ich, Heminderya, wollte die kurdische Musik in eine neue Form bringen, 

damit sie für deutsche und internationale Zuhörer zugänglicher wird, denn 

die Harmonien und Melodien wirken sicherlich erst einmal ungewohnt. 

Bis zur vierköpfigen Band war es allerdings ein langer Weg. Wir wollen 

zwei völlig verschiedene Musikwelten zusammenbringen und das müssen 

eben die Bandmitglieder auch mittragen können. Das hat nicht immer funk - 

tioniert, weshalb es einige Wechsel in der Besetzung ge geben hat. 

Ich habe also ganz gezielt nach Musikern und einer*einem Sänger*in ge - 

sucht, die für diese Projekt geeignet sind. Zum Glück konnte ich Hedy J. 

für das Projekt NANOBEAT begeistern. 

Hedy J. hat in Kurdistan Musik und Gesang studiert und bringt eben das 

Know-how und Potenzial mit, verschiedene Stile zu singen. 

darin, dass Bills Spieltechnik von der afrikanischen Musikkultur geprägt ist 

und das den NANOBEAT-Sound globaler macht. 

Unser Gitarrist Mario Waxenegger hat Musik in Köln studiert und bringt 

sehr viele Jazzelemente in die Musik ein. 

Für alle Bandmitglieder ist es eben dieser spezielle Mix, der den Reiz 

ausmacht, zusammen an diesem Projekt zu arbeiten und es auf die Bühne 

zu bringen. Zusammen macht das den NANOBEAT-Sound aus. 

MM: Eure Band steht unter dem Motto „Botschafter des Friedens 

durch Musik“. Das Umfasst unter anderem Bereiche wie Anti- 

Faschismus, Anti-Diskriminierung, Integration und Menschenrechte. 

Warum habt ihr NANOBEAT unter das Motto gestellt? 

NANOBEAT: Als Kurde bin ich selbst Opfer von Unterdrückung und Krieg 

und als Flüchtling nach Deutschland gekommen. Ich habe selber genug rassistische 

Äußerungen und Handlungen erlebt. Auch unsere Sängerin und 

unser Bassist mussten ihr Land verlassen und leben in der Fremde. 

Der Bassmann von NANOBEAT kommt von der Elfenbeinküste: Bill 

Goure Bi. Wir haben uns in Köln kennengelernt. Der besondere Reiz liegt 

Wir haben in der Band sehr viel Erfahrung mit Unterdrückung und Terror 

und wollen deshalb die Menschen wachrütteln und die Message rüberbringen, 8 


16 

dass das Leben eigentlich viel besser und schöner 

sein könnte, wenn wir uns gegenseitig res pek - 

tieren und Menschenrechte für alle gelten würden. 

Als Musiker hat man auch eine gesellschaftliche 

Verantwortung: Musik ist nicht nur tanzen und 

feiern. Musik soll ja auch zum Nachdenken und 

zur Reflexion anregen. 

MM: Wie schon angesprochen, habt ihr einen 

ganz besonderen Sound: den „NANOBEAT 

Style – A New Global Sound“. Was macht diesen 

Stil aus und warum grenzt ihr euch von 

dem Genre World Music ab? 

NANOBEAT: Bei der World Music geht es ja im 

Grunde um traditionelle Musik verschiedener 

Völker, die überwiegend mit den jeweiligen traditionellen 

Instrumenten dargeboten wird, ohne 

große Veränderung und Weiterentwicklung. 

Unser Ziel mit NANOBEAT ist es, eine Symbiose 

zwischen traditioneller Musik und mo derner 

Populärmusik zu schaffen. Dem ent sprechend 

erfahren unsere Songs eine komplette Neu aus - 

richtung und Weiterentwicklung. Das spiegelt sich 

auch in unserer instrumentellen Besetzung wider. 

Mit NANOBEAT wollen wir musikalisch Brücken 

bauen. 

»Als Musiker hat man auch 

eine gesellschaftliche Verantwortung: 

Musik soll ja auch zum Nachdenken 

und zur Reflexion anregen.« 


STORIES 17 

Mix hat einen großen Einfluss auf die Dynamik und den Sound, den man 

rüberbringen möchte. Mit dem Ergebnis müssen auch alle Bandmitglieder 

zufrieden sein, und das ist nicht immer ganz leicht, weil die Ohren von jedem 

etwas anders funktionieren und wir hier die Stücke sehr oft hören mussten, 

um zu einem gemeinsamen Ergebnis zu kommen. 

Nach so viel Arbeit haben wir uns natürlich wahnsinnig gefreut, dass wir 

ausgezeichnet wurden. Das ist ganz schwer in Worte zu fassen. 

Wir haben uns sogar extra Sticker mit dem Aufdruck „38. Deutscher 

Rock und Pop Preis 2020 Gewinner“ drucken lassen und auf die CDs 

geklebt, damit man sieht, dass wir eine Auszeichnung erhalten haben und 

Preisträger sind. 

MM: Während des Corona-Lockdowns habt ihr unter anderem ein 

Streaming-Konzert abgehalten. Wie war das für euch und wie habt 

ihr sonst noch eure Zeit genutzt? 

NANOBEAT: Das Streaming-Konzert war für uns eine ganz neue Erfahrung. 

Wir haben noch nie online gespielt ohne Zuhörer. Wir haben uns beim 

Spielen voll auf uns konzentriert und versucht, unsere eigenen Zuhörer zu 

sein. Sehr aufregend war die ständige Sorge, dass die Technik nicht funktionieren 

könnte oder bei der Übertragung etwas nicht richtig läuft. 

Statt des Applauses des Publikums haben wir uns im Nachgang des Kon - 

zerts den Livestream angeschaut; das war ein sehr positives Feedback, das 

wir bekommen haben. Darüber haben wir uns natürlich auch sehr gefreut. 

Der Vorteil eines Livestreams ist natürlich, dass man auf einen Schlag quasi 

die ganze Welt erreichen kann. Aber dennoch bevorzugen wir ein Konzert 

mit echtem Publikum. :) 

MM: Wie entstehen eure Songs? 

NANOBEAT: Das ist unterschiedlich: Einmal greifen wir auf traditionelle Me - 

lodien und Texte zurück, die uns besonders ansprechen. Wir haben auch 

schon zeitgenössische Texte musikalisch umgesetzt, weil die Botschaft hinter 

den Texten zu unserem Motto passt. Ansonsten werden wir vom Tages ge - 

schehen inspiriert. 

Wenn ein Song ausgewählt ist und die Melodie steht, setze ich mich ins 

NANOBEAT-Studio und beginne mit der Vorproduktion. Ich gebe dem Song 

eine grobe Struktur, lege den Rhythmus fest, kümmere mich um die Har - 

monien und hole dann die Bandmitglieder dazu. 

Das ist immer eine sehr intensive Arbeit im Studio. Bestimmte Stellen 

muss man gefühlte tausendmal hören, um eine Entscheidung treffen zu können, 

was musikalisch passt und von allen Bandmitgliedern mitgetragen wird. 

MM: 2000 habt ihr euer Album „New Ways“ veröffentlicht, das den 

2. Platz beim 38. Deutschen Rock und Pop Preis in der Kate gorie 

Bestes Alternativ-Album gewann. Wie war es, an dem Album zu arbeiten 

und für eure Arbeit ausgezeichnet zu werden? 

NANOBEAT: Für uns war es wichtig, dass wir uns unserem Publikum besser 

präsentieren können. Mit dem Album wollten wir aufzeigen, wie breit 

NANOBEAT musikalisch aufgestellt sind. Deshalb sind die Songs sehr 

unterschiedlich und der Titel des Albums „New Ways“ soll das noch mal 

herausstellen. 

Die Arbeit an dem Album hat sehr viel Spaß gemacht, ist aber auch ganz 

schön herausfordernd, vor allem, was den finalen Mix anbelangt. Denn der 

Insgesamt haben wir uns bemüht, den Corona-Lockdown gut zu nutzen. 

So hatten wir mehrere Radio-Interviews, zum Beispiel bei Radio Cosmo, 

Radio Washington, Radio Alex Berlin. Wir haben einige Produktionen vorangetrieben, 

einen virtuellen Covid Jam online gestellt und versucht, über 

Social Media den Kontakt mit unseren Fans aufrechtzuerhalten. 

MM: Im Mai 2021 habt ihr eure neue Single „Ay Mang“ veröffentlicht 

und 2022 ist das Album „Everything“ erschienen. Was können 

eure Hörer davon erwarten? 

NANOBEAT: „Ay Mang“ ist ein bekanntes kurdisches Gedicht, bei dem es 

um ein Zwiegespräch zwischen einem unglücklich Verliebten mit dem Mond 

geht. Die Melodie stammt nicht aus unserer Feder, sondern von einem jungen 

kurdischen Musiker. Das hat uns sehr angesprochen, weshalb wir es 

unbedingt im NANOBEAT-Style produzieren wollten. Herausgekommen ist 

ein schöner Song zum Träumen, den man als Single bei den bekannten 

Musikplattformen hören kann. 

Das neue Album steht ganz im Zeichen unseres Mottos „Botschafter 

des Friedens durch Musik“. Mehr wollen wir jetzt jedoch nicht verraten, lasst 

euch einfach überraschen. 

WEB: WWW.NANOBEAT.ME 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER | FOTOQUELLE: NANOBEAT 

NANOBEAT 

„Ay Mang“ – Single | „Everything“ 

VÖ: 10.06.2021 | VÖ: 04.11.2022 

WWW.NANOBEAT.ME 

WWW.FACEBOOK.COM/NANOBEAT 


18 STORIES 

ÖTTE & BAND 

Ein Song für den Frieden 

Christian Otte – Künstlername ÖTTE – steht seit nun 

genau 25 Jahren mit seiner Musik auf vielen 

Klubbühnen der Republik. 

Im April 2022 veröffentlichte er mit dem Vinyl-/CD- 

Album „MAYDAY“ sein inzwischen elftes Studioalbum. 

MM: Vor genau 40 Jahren hast du dir deinen 

ersten Bass gekauft. Woher kam für dich 

damals die Inspiration und Motivation, das 

Instrument zu kaufen und mit der Musik an - 

zufangen? 

ÖTTE: Oh, da hast du dir eine Frage ausgedacht. 

Mein damaliger Freund aus der Jugendzeit spielte 

schon eine Weile Gitarre. Ich fand das immer 

spannend am Lagerfeuer und er kam auch immer 

gut bei den Mädels an. Eines Tages fragte er: 

„Sollen wir keine Band gründen?“ Ja, keine 

Ahnung, ich konnte ja gar nix. Wie dem auch sei, 

hab ich mir dann eine Bassgitarre besorgt. Einen 

alten Fender Squire Precision. Dazu ein Basslern - 

buch von Dieter Petereit und los ging das. Das 

erste Lied waren, glaube ich, vier Töne – „Bad 

Moon Rising“. Als das klappte, freute ich mich 

wie ein Schneekönig. 

MM: 1997 hast du dann die ÖTTEBAND 

ge gründet. Ihr konntet einige Erfolge verzeichnen 

und wart auch mit Musikgrößen 

wie Nena, BAP und Extrabreit zusammen auf 

Tour. Was würdest du sagen, war die einprägsamste 

Erfahrung, die du zusammen 

mit der Band gemacht hast? 

ÖTTE: Also die zehn Jahre ÖTTEBAND in wenigen 

Sätzen zu besprechen ist gar nicht machbar. 

Wir haben da einfach zu viel gespielt in den 

ersten Jahren. 

»Raketen und Bomben fallen vom Himmel 

Wie ein Geschwür wütet der Krieg 

Wir sind verdammt und wir bestimmen 

Für welchen Gott man schließlich stirbt 

Wohin die Reise geht, wir stehen längst am Scheideweg 

Darauf ein letztes Stoßgebet für unseren blauen Planet«

STORIES 19 

Am einprägsamsten waren natürlich die WM 98, 

als wir in Frankreich für die deutschen Schlachten - 

bummler gespielt hatten, unser TV-Auftritt bei Big 

Brother, erste Staffel, mit sechs Mio. Zu schauern 

am TV und, ja, unser Gig auf dem Heiligen geistfeld 

vor 30 000 Leuten zum damaligen Aufstieg von 

St. Pauli. Das war schon ne coole Sache. Am tiefsten 

eingraviert ist allerdings unser Benefiz kon zert 

„Hallo Nadine“ gewesen, ein damals an Leukämie 

erkranktes Kind. Das war so eine Herzenssache 

und am Ende auch mit Happy End für Nadine. 

Das bleibt für immer. 

MM: Woher kam damals der Entschluss, mit 

ÖTTEBAND keine Covers, sondern nur noch 

eigene Songs zu spielen? Und wie kam es 

zwei Jahre später dann zur Trennung? 

ÖTTE: Ja, das ist schnell erklärt. Wir waren einfach 

ausgebrannt und leer. Zu viele Gigs, zu viele 

Partys und zu viel Stress. Ich hatte auch einfach 

keine Lust mehr, auf die Coverversionen reduziert 

zu werden, hatten wir ja doch auch von 

Anfang an immer eigene Songs mit eingestreut. 

Wir machten dann zwei recht rockige CDs mit 

eigenen Sachen und neuen Gitaristen. Das war 

eigentlich auch eine recht erfolgreiche Zeit, jedoch 

haben wir es, glaube ich, nicht verstanden, das 

richtig einzuordnen. Die Zuschauerzahlen wurden 

kleiner, wir spielten mehr in den Clubs und 8 


20 STORIES 

ÖTTE & BAND 

„MAYDAY“ 

VÖ: 23. APRIL 2022 

ÖTTE & BAND 

„Blauer Planet“ – Single 

VÖ: 06. MÄRZ 2022 

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unsere Vergangenheit holte uns permanent ein. 

Daher habe ich danach auch kurzfristig unter 

neuem Namen solo weitergemacht. 

MM: Mit dem Bandprojekt C.H.O.T. hast du 

einen Kontrast in deine Laufbahn als Mu siker 

gebracht. Warum bist du vom Kult-Rock zu 

ruhigen und tragenden Rock- und Pop songs 

gewechselt? 

ÖTTE: Ach, das ist irgendwie immer ein laufender 

Prozess. Musik höre ich eh alles querbeet, 

wenn sie handgemacht und gut ist, und das neue 

Projekt sollte sich ja schon auch abheben von dem 

Radau, den wir vorher gemacht haben. (lach) 

MM: An welchen Songs arbeitest du lieber: 

den ruhigen Rock-/Popsongs oder den lauten 

Rocksongs? Und welche performst du 

am liebsten? 

ÖTTE: Ich liebe es einfach, Songs und Texte zu 

schreiben und zu entwickeln. Und sehr liebe ich 

es auch, passend dazu alles selber zu entwerfen, 

vom Plattencover bis hin zur Website. 

Zusammen dann mit meinen Bandkollegen entstehen 

dann aber auch erst die Endprodukte. 

Allen voran Amadeus Sektas als Gitarrist und 

Produzent gibt den Sachen sozusagen den End - 

schliff. Aber alle derzeitigen Musiker sind kaum 

zu ersetzen. So hat Alex Könen, der Klavier - 

mann, sozusagen das neue Album „Mayday“ mit 

mit federführend kom poniert. Aber auch die 

anderen Jungs – Rene am Bass, David an den 

Drums – geben ihre Klasse mit ein. Neu dabei ist 

ja noch an der zweiten Gitarre der Thomas 

Puzik, aber wir haben bisher nur live gespielt und 

noch nicht zusammen komponiert. 

MM: Mit deinem ersten Solo-Album „Bonjour 

Tristesse“ hast du einen unverwechselbaren 

Sound aus „Oldschool Rock“ und modernem 

Pop erschaffen. Wie war es für dich, erstmals 

als Solokünstler zu arbeiten? 

ÖTTE: Ja Ich hab mir dann gedacht: Komm, Junge, 

alle nennen dich Ötte, jetzt machst du auch wieder 

als derjenige weiter. Der Vorteil ist: Logo etc. 

bleiben jetzt einfach ÖTTE, und ich kann jederzeit 

selbst entscheiden, was ich machen möchte 

und mit wem. Da bin ich jetzt einfach freier als 

früher mit der ÖTTEBAND. 

MM: 2018 unterzeichnetest du deinen ersten 

Plattenvertrag beim Berliner Label „Motor- 

music“. Wie hat das deine musikalische Lauf - 

bahn verändert? 

ÖTTE: Tja, das ist so ein Kapitel. Zunächst habe 

ich mich sehr gefreut darüber, aber am Ende war 

es eine Art Versuchsballon. „Rent a Platten kom - 

panie“, das heißt, du musst eigentlich selbst für 

die verschiedenen Leistungen bezahlen. Allerdings 

hatte man sich einen echten Schub durch den 

Namen Motormusic erhofft. Am Ende des Tages 

war es mein teuerstes Musikerlebnis aller Zeiten 

und so zwei, drei befreundeten Bands ist es ähnlich 

ergangen. Ja, ich hab das dann als Lehrgeld 

abgehakt und mache seitdem nun wieder alles 

alleine über mein eigenes Label ÖTTEMUSIC. 

MM: In der Pandemie hast du an deinem Al - 

bum „Mayday“ gearbeitet. Wie haben diese 

eher unerwarteten Umstände dein Schreiben 

und letztlich dein Album beeinflusst? 

ÖTTE: Zunächst hatte ich drei, vier Songs für ein 

Akustikalbum geschrieben. Dann kam Corona 

und alles wurde abgesagt, Studiotermine und 

auch Auftritte. Ja, dann kam das Thema: Die 

Welt funkt SOS – Mayday. Mir kam die Idee, ein 

Konzeptalbum zu machen, und da wir nun 

augenscheinlich alle mehr Zeit bekamen, wollte 

ich mir einen Traum erfüllen und mit den Jungs 

einen fast 20-minütigen Progsong schreiben mit 

dem Titel „Wann wird es geschehen?“. 

Das dieser am Ende so hammermäßig werden 

würde, hätten wir selber kaum erwartet, aber für 

uns ist das Stück so etwas wie unser Meister - 

werk und die bisherigen Reaktionen sind ja wirklich 

vom Feinsten. 

MM: „Mayday“ ist als 12“ colored Vinyl Edi tion 

erschienen. Trotz Lieferengpässen aufgrund 

von Rohstoffmangel war es dir wichtig, dass 

die Vinyl erscheint. Warum? 

ÖTTE: Ja, das war eigentlich von Anfang an der 

Plan – eine colored Vinyl mit CD und Download - 

card zu veröffentlichen. Dass es dann über ein 

Jahr noch länger dauern sollte, konnten wir vorher 

auch noch nicht absehen. Aber das Warten 

hat sich gelohnt – von der Erstauflage sind nur 

noch knapp 50 Platten übrig. 

MM: Nach einer so erfolgreichen und ereignisreichen 

Musikkarriere – was sind deine 

nächsten Pläne und Ziele? 

ÖTTE: Jetzt möchte ich nur noch Dinge machen, 

die mir Spaß machen und am Herzen liegen:

STORIES 21 

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Und welches Land gehört zu wem 

Und welche Fahne soll dort wehen 

Welcher Lügner wird entlarvt 

Und welche Sünder schießen scharf 

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A TRI 

Sperie BUTE TO CHARLEY 

Karas 

Kon zerte mit der Band – so sechs bis zehn, je 

nach Anfragen –, dann ein paar Solo-Akustik- 

Sachen und gerne auch an neuer Musik schreiben. 

Mein neuestes Projekt ist eher ein Solo- 

Ding. Ich war ja im August in New York und 

schreibe gerade an einem Reisetagebuch. Dazu 

soll es sechs neue Songs geben, die ausschließlich 

von und über New York handeln. 

Ich bedanke mich sehr bei euch für dieses 

Interview und wünsche euch alles Gute – Bleibt 

gesund – der ÖTTE. 

WEB: WWW.OETTE.NET 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER 

FOTO 2: SANDRA ALDERATH 

FOTOQUELLE: ÖTTE & BAND 

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alfredmusic.de

22 STORIES 

SYNYANA 

Die gebürtige Hessin ist eine vielseitige 

talentierte Künstlerin, die schon seit ihrer 

Kindheit in Österreich (Kärnten) lebt 

und die sich seit über zehn Jahren 

auf internationalen Bühnen wie Asien, 

Moskau, Holland, Dubai, Mallorca, Schweiz, 

Deutschland sowie in Österreich bewegt. 

SYNYANA 

„Der Tag“ – Single 

VÖ: 27. JANUAR 2023 

WWW.SYNYANA.COM 

MM: Seitdem du ein Kind warst, begleitet 

dich die Musik. Du hast schon früh angefangen, 

Instrumente zu spielen, bist aber letztlich 

beim Klavier hängen geblieben. Woran 

liegt das? 

den Schwerpunkt auf meine Eigenkom po si tio - 

nen gelegt. Das war auch gut so. (lach) 

MM: Seit über zehn Jahren bewegst du dich 

schon auf internationalen Bühnen, unter 

anderem in Asien, Moskau und Dubai. Doch 

Wusste nicht mal, wie und bei wem ich eine CD 

produzieren und veröffentlichen kann. Ich ging 

einfach auf ein Konzert von Musikern und bei der 

Autogrammstunde ging ich zu ihnen und fragte 

ungeniert danach, wie ich zu einer CD und einem 

Produzenten komme, der meine eigenen Songs 

SYNYANA: Ja, ich war vier Jahre alt. Zuerst war 

es eine Flöte und ich habe einfach drauflosgespielt. 

Dann bekam ich aber von meinem Vater 

eine kleine Orgel, und es hat mich sehr interessiert, 

die Tasten zu bedienen. Mit einem kleinen 

Liederbuch begann alles und ich ging dann sechs 

Jahre lang in die Franz-Koringer-Musikschule in 

Leibnitz ( Steiermark). Es fiel mir nicht leicht, die 

Noten zu erlernen, und es hat mir auch keinen 

Spaß gemacht. Mein Musiklehrer hatte damals 

schon fast die Nerven verloren. Ich habe den Spieß 

was waren deine ersten Auftritte und an 

welchen denkst du bis heute zurück? 

SYNYANA: Mein allererstes Mal war damals in 

Graz bei einem Kompositionswettbewerb im Con - 

gresshaus, wobei ich Zweite wurde. Da ging es 

aber nur instrumental ab. Erst viele Jahre später 

(mit 31) fing ich an, Texte zu schreiben und auch 

öffentlich zu singen. 

Ich kann mich noch sehr gut erinnern, wie nervös 

umsetzen kann. Dann ging die musikalische Reise 

richtig los. 

MM: Woher kam die Entscheidung, Musik 

pro fessionell zu machen? Und wie verlief dein 

musikalischer Werdegang bis heute? 

SYNYANA: Ich habe eine Lehre als Einzel han dels - 

kauffrau absolviert und arbeitete 17 Jahre lang bei 

der weltweiten Modekette H&M. Musik machte 

ich in dieser Zeit eigentlich nur zu Hause in meinen 

dann umgedreht und wir haben im Unterricht ich war, und dann auch noch alles alleine. eigenen vier Wänden. 

8 


STORIES 23

24 STORIES 

Musik war mein Ausgleich nach einem zwölfstündigen 

Tag und ich spielte oft bis um Mitter - 

nacht mit Kopfhörern an meinem E-Piano. 

Irgendwann kam natürlich die Zeit für Familien - 

planung. Ich habe zwei wundervolle Kinder zur 

Welt gebracht: Julian (23) und Celine (21). 

Ein Vollzeitjob: Mutter sein, acht Jahre am eigenen 

Häuschen gebaut. Da blieb noch gar keine 

Zeit für andere Sachen. 

Viele Jahre später habe ich mich leider von 

meinem Partner getrennt und ich zog mit meinen 

Kindern nach Kärnten. 

Dann kam der Wunsch, Musik zum Hauptberuf 

zu machen. 

2010 veröffentlichte ich mein erstes Album und 

ich war von da an ständig am Wochenende auf 

der Bühne. Zwei Jobs auf Dauer ging nicht und 

ich musste eine Entscheidung treffen: H&M oder 

Musik. Für mich war klar – Musik. 

MM: Gab es schon Tiefschläge in deiner 

Karriere? 

SYNYANA: Tiefschläge – ja, die gab es. Ich glaube, 

da bin ich aber nicht die Einzige, die als 

Künstlerin Tief schläge bei so einem harten Busi - 

ness erlebt. Ich muss trotzdem sagen: Tief schläge 

prägen einen und machen einen nur stärker und 

reifer! 

Ich bin ja lange meinen Karriereweg alleine ge - 

gangen (ohne Band usw.). Musste auch für mich 

entscheiden, ob es seriös ist oder nicht. Da bin 

ich schon ab und zu hingefallen, aber immer wieder 

aufgestanden. 

Ich hatte in den letzten Jahren ein deutsches 

Management. Er nahm mich und auch meine 

Toch ter (singt auch schon seit Kind an) unter Ver - 

trag. Ein tolles Popalbum wurde produziert, und 

als der erste Song veröffentlicht wurde und be - 

ginnenden Erfolg zeigte, riss uns das Mana ge - 

ment prompt auseinander. Ich verstand die Welt 

nicht mehr! Das so gute Mutter-Tochter-Verhältnis 

war so gut wie im Keller. Die ganzen Songs wurden 

eingefroren und die Blöße in der Öffentlichkeit, 

das hat mir die Füße vom Boden gerissen und ich 

wollte dann wirklich mit der Musik aufhören. 

Da die Trennung auch über Medien angekündigt 

wurde, bekam ich viel positiven Zuspruch 

meiner Freunde und Fans. 

Ich habe nach einer kurzen Auszeit noch mal 

die Krone gerichtet – und weiter ging’s, jedoch 

ganz anders als vorher. 

Ich wollte ich sein und das machen, was mir 

Spaß macht. So habe ich mich nach diesem Tief - 

schlag neu erfunden und mich umgestylt, einen 


STORIES 25 

Syn – steht für 

Synthesizer 

– der Sound zieht sich 

durchs gesamte Album 

NY – Abkürzung New York 

– das Lieblingsland 

der Sängerin, 

amerikanischer Style 

A – der Anfangsbuchstabe 

des Familiennamens 

A – Abkürzung für Austria 

»Ich wollte ich sein 

und das machen, 

was mir Spaß macht. 

So habe ich mich 

neu erfunden 

und mein Musikgenre 

gewechselt.« 

anderen Namen gesucht und mein Musikgenre 

gewechselt. Ich schrieb ein ganzes Album mit 

total autobiografischen Zügen. Alle Schmerzen, 

Erlebnisse, Glücksmomente habe ich darin verpackt. 

Die Texte sind nicht als seicht anzusehen 

– ich habe alles rausgelassen und in wundervolle 

Melodien einfließen lassen. Das Album „Ich 

kann’s“ wurde Ende 2019 veröffentlicht. 

MM: Welchen Talenten oder Hobbys gehst du 

neben der Musik nach? 

SYNYANA: Meine Hobbys sind unter anderem 

Sport in der Natur, ich bin gerne auf Städtereisen 

und natürlich am Meer. 

Zu Hause bin ich beim Handwerkeln nicht zu 

bremsen. Mein Eigenheim wird immer wieder de - 

korativ verändert, da hänge ich schon öfters in den 

Baumärkten. Meine Nachbarn sagen immer, ich 

war bestimmt im früheren Leben eine Bau meisterin. 

MM: Du bist nicht nur Musikerin, sondern 

auch Mutter. Konntest du die Liebe zur Mu - 

sik an deine Kinder weitergeben und sind 

vielleicht gemeinsame Projekte geplant? 

SYNYANA: Meine Kinder wuchsen schon von 

An fang an mit Musik auf. Beide spielen Instru - 

mente und sind sehr musikalisch. Meine Tochter 

stand schon mit sechs Jahren auf der Bühne, 

mein Sohn ist DJ und möchte anfangen zu produzieren. 

Es gab, wie vorhin erwähnt, ge meinsame mu - 

sikalische Projekte. Ich denke sehr gerne daran, 

und es war ein wichtiger Schritt nach vorne, auch 

um Erfahrungen zu sammeln. Für meine Tochter 

waren es die ersten Bühnen erfah rungen und sie 

bekam dadurch sehr viel Selbst bewusstsein. 

Aktuell steht mein Sohn bei meinen eigenen 

Konzerten als DJ mit mir auf der Bühne. 

MM: Du bist vom Schlager zum Pop/Elektro - 

pop gewechselt. Woher kam der Entschluss 

zum Genrewechsel? 

SYNYANA: Durch die gemeinsamen Projekte mit 

meiner Tochter, die unter anderem kein Schlager 

waren, habe ich bemerkt, dass mir die internationale 

Schiene sehr gefällt und auch meine Stimme 

ganz anders zur Geltung kam. 

Wenn man heute auf YouTube geht und meine 

Stimme vor ein paar Jahren vergleicht mit dem, 

was heute ist, erkennt man mich nicht mehr. (lach) 

Ich nahm ein paar Stunden Gesangsunterricht 

und konnte mich entfalten, hörte Tausende Videos 

von großen Stars an und lernte nach und nach 

die Forcierungen. Ich brauche immer wieder 

Herausforderungen, sonst wird es in meiner Welt 

zu langweilig. Zehn Jahre Schlager – toll, aber da 

gibt’s noch soooo viel mehr ... 

MM: Du hast dein eigenes Label gegründet. 

Wie funktioniert die Firmengründung eines 

eigenen Labels und warum war es so ein 

wichtiger Schritt für dich? 

SYNYANA: Mit der Entscheidung, selbstständig 

zu werden und Musik zum Hauptberuf zu machen, 

kam auch die Idee, ein eigenes Label zu gründen. 

Da ich ja auch Songwriterin bin und mich selbst 

promote und manage, konnte ich in den letzten 

Jahren viele Kontakte in der Musikbranche sam- 

meln. So habe ich Tonträger für mich und andere 

Künstler hergestellt und über mein Label vertrieben. 

Mein Motto: Selbst ist die Frau! Aber der 

Schwerpunkt liegt trotzdem bei meinen Auftritten. 

MM: Du schreibst nicht nur deine Songs, 

sondern auch für andere Interpreten. Mit wem 

hast du schon zusammengearbeitet und was 

ist das Besondere an der Arbeit mit anderen 

Künstlern? 

SYNYANA: Anfangs schrieb ich nur für mich und 

einige Newcomer. Nachdem ich bemerkte, dass 

ich Newcomer mit meinen geschriebenen Songs 

ins Radio bekomme und auch mehrere Top-10- 

Chartplatzierungen erreicht wurden, schrieb ich 

größere Verlage an. Eine Zusammenarbeit ergab 

sich mit Meisel Music, Deutschland, und unter 

anderem auch Adlmann Promotion. Auch eine 

eventuelle baldige Zusammenarbeit mit Schedler 

Music ist im Anmarsch. Meine größte Freude kam 

un verhofft im Urlaub in Dubai: zwei Auszeich nun - 

gen als Beste Popsängerin und Songwriterin des 

Deutschen Rock und Pop Preises 2021 mit meinem 

Titelsong vom Album „Ich kann’s“. 

Derzeit schreibe ich für mich gerade neue 

Popsongs, die heuer noch veröffentlicht werden. 

MM: Eines deiner nächsten Projekte ist der 

Umzug nach Florida/USA. Was sind dort deine 

Pläne und an welchen Projekten arbeitest du 

noch? 

SYNYANA: Seit Mai 2022 pendele ich zwischen 

Österreich und Amerika. Es war schon immer 

mein größter Traum, Amerika zu sehen. In meinem 

Namen SYNYANA stecken sogar die Buch - 

staben drinnen (NY). Dass es wahr wurde, kann 

ich bis jetzt noch nicht realisieren! Die Menschen 

hier sind sehr offen und freundlich. 

Man hört nichts von Corona und das Klima ist 

einfach wunderbar. Ich lebe hier eher am Land 

und nicht in der Stadt. Ein toller Platz, wo ich mich 

vollkommen entspannen kann. 

Nach den letzten stressigen zwei Jahren (co- 

ro nabedingt) bin ich jetzt wieder startklar für neue 

Songs und voll motiviert. Werde meine Englisch - 

kenntnisse verbessern und hier in Amerika auch 

internationale Songs aufnehmen. 

Ich weiß, ich bin ein kleiner Wirbelwind, und 

wenn ich mir etwas vornehme, ziehe ich es mit 

voller Begeisterung durch. Mal sehen, was noch 

so kommt – Diamond Vibes. ✧SYN✧ 

WEB: WWW.SYNYANA.COM 


FOTOQUELLE: SYNYANA 


26 STORIES 

„AUF IN DEN ROCK-OLYMP!“ 

Greif Tech Brody: Die orchestrale Gitarre 2.0 

MM: Greif, du nennst dich „Master of the 

Orchestral Guitar“: Was ist diese orchestrale 

Gitarre? 

GREIF TECH BRODY: Wohl nicht weniger als 

eine der vielleicht letzten großen Innovationen 

auf der E-Gitarre! – In der Musik gehörte die 

Suche nach neuen Sounds und Techniken 

schon immer dazu. So brachten in der Ver gan - 

genheit Gitarristen wie Jimi Hendrix, Van Halen, 

Yngwie Malmsteen oder auch Tom Morello das 

Instrument mit ihren Entwicklungen jeweils auf 

ein neues Level. Und „Orgy“ ist nun mein Bei - 

trag: Ich spiele die E-Gitarre wie ein ganzes 

Orchester – mit all seinen Facetten, Klang farben 

und der Dynamik. Kurz, eine Rockgitarre mit 

dem Sound und der Kraft eines ganzen Or - 

chesters! 

MM: Klingt interessant. Wer ist Greif Tech 

Brody und wie war dein bisheriger Werde - 

gang? 

reif Tech Brody bringt Ende 2019 mit 

G seiner „orchestralen Gitarre“ eine neue 

Dimension auf der E-Gitarre: Den „Sym pho nic- 

Avant garde-Rock“. Dann kam Corona. Doch 

jetzt startet der sympathische „Working class- 

Rockguitar-Hero 2.0“ richtig durch. 

GREIF TECH BRODY: Ich wuchs an der Ost - 

see küste in einem künstlerisch ambitionierten 

Arbeiterhaushalt auf einem ehemaligen Mili tär - 

stützpunkt zwischen Fabriklärm und Weltkrieg - 

s trümmern auf. Musik war schon früh meine 

große Liebe. Die erste Gitarre bekam ich mit ca. 

sechs Jahren. Nach Provinz-Punk-Band erfah - 

run gen als Teenager war mir früh klar: Das ist 

mein Ding! 

Mit der Zeit erweiterte sich auch der musikalische 

Horizont, und über Bands wie New Model 

Army, Deep Purple oder Uriah Heep kam ich 

schließlich zur Klassik: Welch eine Offen ba rung! 

In den nächsten Jahren durchlief ich alle Sta - 

dien der Rockmusiker-Werdung: Prak ti kum, 

Kaffee holen, Hamburger Schule, diverse Bandund 

Soloprojekte, eigener Tonstudiobetrieb mit 

Produzenten-Dasein etc … und immer schön 

üben – bis hin zur Umsetzung meiner mittlerweile 

Jahrzehnte alten Vision von der „orchestralen 

Gitarre“ mit dem Album-Debüt 2019. 

MM: Kurz nach dem Album-Release kam 

Corona. Was hat das für dich bedeutet? 


STORIES 27 

GREIF TECH BRODY: Tatsächlich kam nur wenige 

Wochen nach dem weltweiten Online-Re - 

lease der Lockdown. Ja, das war hart – auch 

für uns Künstler und alle assoziierten Be rufs - 

stände. Alle weiteren Schritte wurden sofort auf 

Eis gelegt. So kam es dazu, dass der YouTube- 

Release erst vor wenigen Monaten startete. 

Aber resignieren war nicht meins, und da Mit - 

streiter zu finden quasi unmöglich ge macht 

„orchestralen Gitarre“ hingegen ist zwar oft mit 

Hendrix besetzt, geht aber tatsächlich über 

zwei Jahr hunderte zurück. Schon im Orchester 

Beethovens spielte ein Gitarrist, der zusammen 

mit dem bekannten Nicolo Paganini versuchte, 

der Gitarre orchestrale Werke zu entlocken. 

MM: Der Sound des Albums wirkt recht un - 

geschliffen, wild. Absicht? 

„Symphonic-Avantgarde-Rock“, wie ich diesen 

Stil nenne, in Reinform zum Mitgehen und 

Abfeiern zu hören! 

MM: Bei so langer Zeit im Musikgeschäft hast 

du bestimmt schon so einiges erlebt, oder? 

GREIF TECH BRODY: Eine Anekdote? O ja … 

Da gibt’s vielleicht so einiges. Meistens bleiben 

wurde, entschied ich mich, eine Solo-Rock show 

aufzubauen, um so schnellstmöglich auf die 

Bühne zu können. So entstand das „Etegerè- 

Board“. 

MM: Wie bist du da herangegangen? 

GREIF TECH BRODY: Ich habe einfach überlegt, 

was ich live umsetzen will … und natürlich 

auch geschaut, wie zum Beispiel Yngwie 

Malmsteen und andere herangehen. Bei den 

meisten Lö sungen half mir aber mein Studio- 

Back ground. Während man normalerweise nur 

ein Pedalboard vor sich hat, habe ich einen 

Groß teil der Geräte in Etagen integriert, die ich 

händisch steuern kann. So spiele ich jetzt Drums, 

Bass, Orgel, Gesang und alle Gitarren simultan 

– ohne irgendwelche Looper oder Playback- 

Fakes. Das waren drei Jahre intensives Tüfteln. 

MM: Zum Album: Der Titel „The First Rays 

of the New Rising Orchestral Guitar of …“ 

wie auch der Begriff der orchestralen Gitarre 

selbst wecken Assoziationen zu Jimi Hendrix, 

oder? 

GREIF TECH BRODY: Stimmt. Hendrix ist ein 

wichtiger Einfluss und sein Spiel eine wichtige 

Inspiration für mich als Gitarrist. Zudem bin ich 

dort geboren, wo er sein letztes Konzert gab. 

Der Titel ist eine Reminiszenz. Der Begriff der 

GREIF TECH BRODY: Ja, eindeutig. Meine Er - 

findung der „Orgy“ liegt tatsächlich schon Jahr - 

zehnte zurück, und ich wollte die ur sprüng liche 

Energie von damals einfangen. Zudem war das 

Ganze mein „Langzeit-Geheimprojekt“: Das ge - 

samte Album wurde top secret mit lediglich 

einem Kopfhörer produziert. 

MM: Warum gibt es keinen Gesang auf dem 

Album? 

GREIF TECH BRODY: Auf dem ge samten Album 

sind eigentlich nur Tiere und Natur ge räusche 

meiner Heimat zu hören. Dieses Kon zept-Album 

enthält ausschließlich sozialkritische Programm- 

Musik. 

Auf dem nächsten Album, das gerade parallel 

produziert wird, werde ich aber selbst singen – 

ebenso natürlich auf den Kon zerten. 

MM: Zu den Live-Shows: Was erwartet die 

Zuschauer bei den Konzerten? 

GREIF TECH BRODY: Es wurde ein komplett 

neues Repertoire erarbeitet, um auch meinen 

Ansprüchen an ein Live-Event zu genügen. 

In haltlich gibt es einen roten Faden: ein rockiger 

Ritt durch 1000 Jahre Musik – vom Mittel - 

alter bis zum Elektro-Track. In der Hauptsache 

ist aber auf jeden Fall fulminant-orchestraler 

mir Kleinigkeiten in der Erinnerung, zum Bei - 

spiel, als der kleine Greif mit seinem Kumpel 

als Teen punkrocker einfach zu Schorsch 

Kamerun (Goldene Zitronen) hin ist und ihn so 

lange gelöchert hat, bis der uns geholfen hat, 

einen Namen für die neue Band zu finden. – 

Oder eine Phase, als quasi in jeder Stadt, die 

ich zu dieser Zeit besuchte, zufällig auch Abi 

Wallenstein auf der Straße musizierte – ein 

großartiger, authentischer Künstler. Da hab ich 

mich beinahe auch zum Straßenmusiker- 

Dasein hin reißen lassen. Och ja, da schreib ich 

vielleicht mal was auf, wenn ich alt bin. 

MM: Was sind deine Ziele für die nächste 

Zukunft? 

GREIF TECH BRODY: Na ja … Van Halen hat 

angeblich zehn Shows gebraucht, um die Welt 

von „seiner“ Gitarre zu überzeugen. Ich glaube 

an meine Musik, an die orchestrale Gitarre, und 

wenn die Veranstalter der Republik mir die 

Chance geben, das Publikum mit meinem neuen 

Sound zu begeistern, bin ich froh. Des Weiteren 

glaube ich an gute Major-Deals, en ga gierte 

Booking-Agenturen und gesunde Ernährung. 

WEB: 

HTTPS://GREIF-TECH-BRODY.JIMDOSITE.COM/ 

WWW.FACEBOOK.COM/GREIFTECHBRODY/ 

INTERVIEW: MUSIKER MAGAZIN 

FOTOS: GORDON L. MEHRENS 


28 STORIES 

JUTTA KÖNIG 

MM: Wie lange machst du schon Musik? 

JUTTA KÖNIG: Ich glaube, schon seit ich im Mami - 

bauch war. Ich kann ohne gar nicht leben. In der 

Familie wurde sehr viel gesungen, Frau Königinnenmutter 

spielte Klavier, ihr Vater und der Bruder 

auch, zudem noch Schifferklavier. Der Opa väterlicherseits 

spielte Trompete. 

MM: Du warst als Musikerin schon viel unter - 

wegs. Wo überall trittst du auf? 

JUTTA KÖNIG: Überall, außer beim Oktoberfest im 

Bierzelt oder in Clubs, in denen der Chef nur Grup - 

pen spielen lässt, oder auf Motorradtreffen. 

Ich fahre zwar selber Mopped, bin auch auf den 

Rennstrecken mit den Moppedjungs herumge - 

heizt oder war auf Motorradtreffen, habe aber dort 

nie Konzerte gegeben. Da wird leider immer dasselbe 

gespielt (und/oder verlangt) … Tja, da passe 

ich dann. 

MM: Bist du alleine unterwegs oder wirst 

du begleitet? 

JUTTA KÖNIG: Das kommt darauf an, ob Lothar 

Knorle, der großartige Gitarrist, der mich begleitet, 

Zeit hat oder ob es angebrachter ist, alleine 

zu spielen, ob die Gage das hergibt … Das sind 

alles so Punkte, die es anzuschauen gilt. Dasselbe 

gilt, wenn mit Gruppe gespielt wird. 

Lothar hat im April 2021 ein Projekt realisiert 

(das Werk kann bei YouTube angeschaut werden) 

und meinte, dass ich es wohl gut singen 

könne, ob ich Lust hätte. 

Klar hatte ich Lust! Ich habe immer Lust zu 

musizieren. Mich kann man nachts um vier aus 

dem Bett klingeln, ich mach einfach zu gerne 

Musik. Ich übernehme auch gerne Sprechrollen. 

Schreibe Lieder, von Geschichten inspiriert, oder 

vertone zum Beispiel die Lyrik, die eine befreundete 

TK (Tierkommunikatorin), Rose Fröhling, während 

ihres Workshops durch einen Kater erhielt. 

Wunderschöne, berührende Zeilen sind das. 

Und ja, es gibt davon auch eine CD. 

Ich spreche zuerst die Lyrik, dann folgt die 

Ent stehungsgeschichte, danach das Lied. Es gab 

sehr gute Resonanzen. Oder die Vertonung der 

Geschichte „Esmeraldas Traum“ einer befreundeten 

Schriftstellerin und Malerin, Cornelia Asal. 

Diese CDs können alle bei mir bestellt werden. 

MM: Wo wohnst du jetzt und wie bist du dazu 

gekommen, professionell Musik zu machen? 

JUTTA KÖNIG: Jetzt wohne ich in der schönen 

Bodenseeregion, da, wo andere urlauben. Ge - 

boren und aufgewachsen in Schimanskitown, in 

Duisburg, im Ruhrpott. Danach zogen wir wegen 

gesundheitlicher Probleme beim Vater in ein Dorf 

(jetzt Kleinstadt) im Taunus, wo es zwar gute Luft, 

jedoch keine Musik-, auch keine Ballett schule gab. 

Also widmete ich mich dem Leistungsport. 

Gitarre spielen brachte mir der damalige 

Freund bei – ich wollte nicht nur singen und 

spielte mir tatsächlich die Finger blutig. Anfangs 

gerne gehört (vor allem höre ich auf Texte) habe 

ich Bettina Wegners „Kinder“ (Sind so kleine Hände) 

– immer noch aktuell! –, Bob Dylan, CSN & Y. 

Liedermaching. Ganz klassisch. Dann folgten erste 

Gruppen. Und … es wurde immer rockiger. CCR, 

Cream, Jimi Hendrix, Rory Gallagher, Van Halen, 

Queen, Aerosmith, Scorpions, Michael Schenker, 

Dream Theater, ZZ Top, Zep und viele andere. Bad 

Co. – wobei mich Paul Rogers’ Stimme absolut 

faszinierte und inspirierte, wie später auch die 

Stimme von Jimmy Barnes, Melissa Etheridge 

und Myles Kennedy. Und nicht zu vergessen: 

Good ole Neil. Neil Young. Er ist unermüdlich. 

Immer noch bringt er CDs auf den Markt. Immer 

noch sozialkritisch, politisch. 

Das gefiel mir schon damals, als ich anfing. So 

lernte ich Schnellschrift: beim Raushören von 

Texten zum Übersetzen. 

Das ist mir auch in meinen Texten wichtig. 

Blabla kann ick nich so jut. Leider war es – laut 

Produzent – angebrachter, bei der Aufnahme zur 

„High Time“-CD (zu diesem Zeitpunkt wohnte ich 

in Frankfurt/Main) den sozialkritischen Text bei 

„Zeichen der Zeit“ zu ändern, da die Lieder radio - 

tauglich sein sollten. Er war mit der Änderung zu - 

frieden – ich, wir nicht. 

Dann Umzug nach Frankfurt/Main, wo ich lange 

lebte. E-Gitarre gespielt in einer Frauenband, da 

die Bassistin sang. Es folgten etliche Forma tio - 

nen, unter anderem Dominus Relax mit einer italienischen 

Schlagzeugerin, danach gründeten 

Tillmann Stubenrauch, Schlagzeuger mit eigenem 

Studio, und ich die Gruppe HIGH TIME – 

Rockmusik mit deutschen Texten. 

Wir gewannen den Preis „German Top Ten“ 1991 

Music Competition U.S.A., ausgerufen vom DRMV, 

dem Goethe-Institut und der Ver ei nigung American 

Association of Teachers of German. 

Die geplante Drei-Monate-Tour für die ersten 

drei Gewinnerplätze fand aufgrund des Per sonal - 

wechsels im Goethe-Institut in New York nicht 

statt. Das war total schade. 

MM: Musik ist und war offensichtlich schon 

immer deine Leidenschaft. Was machst du 

neben der Musik noch? 

JUTTA KÖNIG: Meine Website gestalte ich selbst, 

wie auch das Booking, und ich sehe, dass der 

Frauenanteil bei den Aufstellungen (Neudeutsch: 


STORIES 29 

Sie spannt ausdrucksstark 

und vielfältig einen 

musikalischen Bogen von 

Rocksongs bis 

singer-songwriter Stücken, 

vor allem aber 

sind eigene tiefgründige 

und tanzbare Lieder 

mit deutschen Texten zum 

Thema Selbstbestimmung, 

Tier- und Naturschutz, 

Frieden, Veganismus, 

Miteinanderleben 

und Liebe in all ihren 

Facetten, in der 

königlichen Schatztruhe. 

Line-ups) immer noch zu wünschen übrig lässt. 

Da schreibe/spreche ich dann auch schon mal 

die Veranstalter und Agenturen an, so wie ich 

auch Fragen wie Umweltschutz bei Konzerten stelle 

und das Angebot der Speisen bei Konzerten 

anschaue. Gebracht hat es bis jetzt noch nichts. 

Zur Musik sind in den letzten Jahren Sprech - 

rollen hinzugekommen – ich schreibe auch Kurz - 

geschichten. Eine ist schon in meinem Kanal auf 

YouTube veröffentlicht, die anderen folgen. Ferner 

habe ich diverse Projekte mit befreundeten Musi - 

kern, wie zum Beispiel bei Lothars „L.K. Pro - 

ject“ bei dem Song „Freiheit“ von Marius Müller- 

Westernhagen mitgemacht. 

Mit Burkhard Hickisch, dem Smoothie-Papst 

von Deutschland (etliche seiner Bücher sind auf 

dem Markt, Videos in YouTube), habe ich die CD 

„Heart2Heart“ eingespielt. Das sind eher spirituelle 

Texte, die er singt und dabei Gitarre spielt; 

ich gebe mit meinem SoSein, meinem Gesang 

und Gitarrenspiel, den Counterpart. 

Zudem werde ich gebucht als vegan raw food 

designer, als vegane [F]Rohkostzubereiterin. Ich 

trete auch auf Menschen- und Tierrechtsdemos auf. 

Umweltschutz fängt auf unseren Tellern an. 

Und … ich spiele meine Musik schon lange in 

der alten Stimmung, in 432 Hz. Tut gut. Diese 

Stim mung wird auch gerne bei Heilmeditationen 

angewandt. 

»Die Welt ist Klang. 

Klang ist Schwingung. 

Schwingung ist 

Energie. Energie ist Leben, 

ist … Liebe.« 

JUTTA KÖNIG 

„High Time“ 

VÖ: 24. FEBRUAR 2023 

WWW.KOENIG-JUTTA.DE 


FOTOS: DETLEF KINSLER; MARKUS MIEDLA 


30 STORIES 

MM: Wenn ihr von dem Werdegang eurer 

Band sprecht, redet ihr von einer spirituellen 

Reise. Wie verlief eure Reise als Musiker 

und Wegbegleiter bis jetzt? Welche Heraus - 

forderungen und Erfolge sind euch auf dem 

Weg begegnet? 

BERGE: Musik zu schreiben und auf Bühnen zu 

performen ist etwas sehr Persönliches. Man ist in 

diesem Beruf immer als ganzer Mensch gefragt, 

und wir hatten immer das Gefühl, dass wir mit 

jeder gemeisterten Herausforderung als Enter tai - 

ner oder Künstler auch uns selbst als Menschen 

ein Stück weit befreien konnten. Wir sind nicht 

unbedingt so extrovertiert auf die Welt gekommen, 

sondern haben diese Seite erst durch die Musik 

in uns entdeckt. Jede Form von Ausdruck tut uns 

einfach gut. Am Anfang war es zum Beispiel, Musik 

auf der Straße zu machen, später dann eigene 

Shows und Group Hugs in der Royal Albert Hall. 

Immer wieder neue Mutproben, das ist unser 

Ansatz. Natürlich gab es auch interne Hürden 

oder Streit. Auch daran wächst man, und wir 

haben in all den Jahren gelernt, nicht immer sofort 

aufzugeben. 

»Jede Form von Ausdruck 

tut uns einfach gut. 

Am Anfang war es zum Beispiel, 

Musik, auf der Straße zu machen, 

später dann eigene Shows 

und Group Hugs in der Royal Albert Hall. 

Immer wieder neue Mutproben, 

das ist unser Ansatz.« 

MM: Wofür macht ihr Musik? 

BERGE: Um etwas loszuwerden und etwas zu 

fühlen. Um sich selbst zu fühlen. Aber wir schreiben 

auch Lieder für diese Welt und die Men schen 

in dieser Zeit. Es ist uns wichtig, die Leute positiv 

zu berühren und zu inspirieren. Gerade jetzt brauchen 

wir alle ein bisschen Hoffnung und irgendwie 

auch den Glauben an das Gute. Das verkörpern 

wir. 

MM: Woher bekommt ihr eure Inspiration für 

eure Songs und wie entstehen sie? 

BERGE: Inspiration ist wirklich überall: in einem 

Gespräch mit Freunden, wenn man andere Musik 

hört oder in der Bahn sitzt und sinniert. Text zeilen 

tauchen oft auch plötzlich mitten in der Nacht auf, 

und dann mache ich das Licht an und beginne 

einen Song, auch wenn ich am nächsten Morgen 

megamüde bin. 

Mit den Jahren sind wir empfänglicher für Sig - 

nale geworden, es ist auch Übungssache. Es ist 

wichtig, jede Sehnsucht, jeden Gedanken, jede 

Idee, die in einem aufkommt, ernst zu nehmen und 

erst mal anzufangen, daran zu schreiben. Daraus 

ergibt sich dann meistens irgendetwas und 

man ch mal etwas Geniales. 


8

STORIES 31 

Zwei Vollblutmusiker aus Berlin, 

die mit ihrer Musik 

vor den ganz großen Themen, 

die uns Menschen seit jeher 

bewegen, nicht haltmachen. 


32 STORIES 


STORIES 33 

mieren natürlich auch dazu. Ob das Mitmach-Parts 

sind oder einfach der Vibe der Musik – es klappt 

immer! 

BERGE 

„Für die Liebe“ 

VÖ: 30. AUGUST 2019 

HOERTBERGE.DE 

BERGE 

„Akustisch Vol.1 & Vol. 2“ 

HOERTBERGE.DE | FACEBOOK.COM/HOERTBERGE 

INSTAGRAM.COM/HOERTBERGE 

MM: Nachhaltigkeit und Innovation in der 

Musik sind für euch sehr wichtig. Zum Bei - 

spiel geht es in eurem Song „10 000 Tränen“ 

um Tierschutz und die moralische Verzweif - 

lung moderner Massentierhaltung. Behan - 

deln alle eure Songs so wichtige Themen und 

was ist das Ziel eurer Musik? 

BERGE: Nein, manchmal wollen wir auch einfach 

nur schöne Lieder singen. Aber es stimmt, 

dass wir gerne auch mal unangenehme Themen 

be leuchten, wenn wir das Gefühl haben, es wäre 

an der Zeit dazu. Das Ziel ist aber nicht, die Leute 

zu deprimieren oder zu urteilen, sondern einfach 

ins Fühlen zu bringen. Schwere Themen leicht zu 

machen, das kann Musik. Das hat eine unglaubliche 

Kraft, haben wir gemerkt. Wegen des Songs 

„10 000 Tränen“ zum Beispiel haben viele Leute 

angefangen, weniger Fleisch zu essen. Das hat 

uns sehr geehrt. 

MM: Die Unabhängigkeit und Eigenregie von 

BERGE bedeutet euch sehr viel. Warum ist es 

euch so wichtig und was habt ihr damit vor? 

BERGE: Berge sind ja auf mehreren Ebenen so 

ein bisschen ein Gesamtkunstwerk und wir toben 

uns auch gerne mal in den Bereichen Video, Foto 

oder Per formance aus. Es ist nicht nur die Musik, 

die uns beschäftigt. 

Unabhängigkeit von anderen Instanzen be - 

deutet dann einfach Freiheit im Ausdruck und 

gibt uns den Raum und die Zeit, an allem so lang 

zu arbeiten, bis wir happy sind. 

MM: Die Stimmung eurer Konzerte wird als 

„wahrliche Manifestation des Positiven“ be - 

schrieben. Was ist das Besondere an euren 

Konzerten? 

Das schafft eine krasse Verbundenheit, und 

die Leute haben das Gefühl, sie können sie selbst 

sein. Es ist immer sehr schön mitzuerleben, wie 

die Leute über die gesamte Konzertlänge immer 

mehr auftauen. 

MM: Ein Musiker oder eine Band wird von 

den Fans erst zum Leben erweckt. Ihr habt 

besonders treue Fans. Wie baut man sich so 

einen Fan-Support auf? 

BERGE: Ich glaube, wir waren immer einfach wir 

selbst. Dass wir die meiste Zeit alles selbst machen 

und entscheiden und mit viel Liebe zum Detail 

unser eigenes Universum leben, hat wahrscheinlich 

auch eine ganz eigene Magie. Da ist vielleicht 

so eine Nahbarkeit zwischen uns und unserem 

Publikum. Ich glaube auch, dass wir es geschafft 

haben, Themen zu besingen, die sonst so nicht 

stattfinden, und das macht uns gewissermaßen 

einzigartig. 

MM: Im Herbst 2022 wart ihr auf Deutsch land- 

Tour. Worauf habt ihr euch am meisten ge - 

freut? 

BERGE: Wir haben die Songs in einem neuen 

Gewand präsentiert und außerdem haben wir auch 

ganz neue Lieder zum ersten Mal auf der Bühne 

gespielt. Das haben wir am meisten gefeiert. 

Wir setzen immer alles daran, dass die Leute 

nach dem Konzert mit einem nachhaltig positiven 

und befreiten Gefühl nach Hause gehen. Ein 

bisschen Heilung ist immer inklusive. 

MM: Was habt ihr für den Festivalsommer 

geplant? 

BERGE: Abzurocken! Diesmal auch mit ganzer 

Band. 

MM: Ihr arbeitet gerade an eurem neuen 

Album. Was sind eure Pläne und Ziele? 

BERGE: Die neuen Songs sollen motivieren und 

Kraft geben – nicht nur dem Publikum, sondern 

auch uns. Wir werden mit der neuen Musik eine 

völlig neue Show mit einem neuen Level an Ener - 

gie kreieren, darauf freuen wir uns am meisten. 

Da wird es bald kreativ, nicht nur auf der musikalischen 

Ebene. 

Ich glaube, die Menschen rücken ein Stück 

näher zusammen. Das wird zum einen in unseren 

Texten immer wieder besungen, aber wir ani- 


FOTOS: © MARIO SCHMITT; 

© CHRISTOPH KÖSTLIN 


34 STORIES 

MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis 

hast du 2021 den Deutschen Singer-Songwriter 

Preis erhalten, doch wer steckt hinter 

NOR!AN? 

NOR!AN: Es ist richtig, dass wir den Deut - 

schen Rock & Pop Preis 2021 erhalten haben. 

Bei NOR!AN handelt es sich um ein Duo. 

Gemeinsam haben wir den Singer-Songwriter 

Preis für den Song „For All The Time“ erhalten, 

den ich für meine Tochter geschrieben habe. 

Er spiegelt die Liebe eines Vaters zu seinem 

Kind wider und ist an alle Eltern gerichtet. Im 

gleichen Jahr haben wir auch den Deutschen 

Pop Preis in der Kategorie beste Pop-Band für 

den Song „A B C of my Life“ gewonnen. In spi riert 

dazu wurde ich von dem Sohn meiner Schwes - 

ter, der vor zehn Jahren in „die große weite 

Welt“ hinauszog, um dort seinen Traum zu leben. 

Er ist in seine Wahlheimat Kanada ausgewandert, 

wo er von der Freeskiing-Szene nicht 

mehr wegzudenken ist. Im Official Music Video 

sind Originalaufnahmen von ihm zu sehen. Wir 

sind enorm stolz auf unser erstes Musikvideo 

und freuen uns schon unbändig, euch den Vibe 

der Freiheit und Abenteuerlust zu vermitteln. 

Aber wir wollen nicht zu viel verraten! 

MM: Wie kam es dazu, dass du das Musik - 

projekt NOR!AN gestartet hast? Und woher 

kommt der Name? 

NOR!AN: Ich fühle mich immer schon mit der 

Musik verwurzelt, ob als Veranstalter, im Ma - 

na gement oder selbst als Musiker und Ghos t - 

writer. 

Die Initialzündung für das NOR!AN-Pro jekt 

bekam ich jedoch mit dem traurigen Tod der 

Tante meiner damaligen Lebensgefährtin, für die 

ich den Song „Angelika’s Song“ schrieb. Was 

lag nun also näher, als dass die eigene Nichte 

von Angelika ihr zu Ehren den Song singt? 

Nora, die selbst aus einer Musiker- und Künst - 

ler familie stammt, hat den Song zu Ehren ihrer 

Tante im Studio dann eingesungen. 

In der Zeit danach sang sie zwei weitere 

Songs, „It Is Unbearable“ und „Can U Hear 

Me“, ein. Weil wir die Songs selbstverständlich 

veröffentlichen und so für jeden zugänglich 

machen wollten, stellte uns sich ziemlich bald 

die Frage, unter welchem Namen das passieren 

soll, und nach ein paar Überlegungen ergab sich 

ein Wortspiel aus Nora und Christian. 8 

NOR!AN 


STORIES 35 

Wir sind enorm stolz auf 

unser erstes Musikvideo und 

freuen uns schon unbändig, 

euch den Vibe der Freiheit 

und Abenteuerlust zu vermitteln. 

feat. Isi W. 

NOR!AN FEAT. ISI W. 

„Hello Baby“ 

VÖ: 16. DEZEMBER 2022 

FACEBOOK.COM/NORIANOFFICIAL 


36 STORIES 

»Nein, ich nutze meine 

Musik nicht ausschließlich 

für kritische Themen. 

Ein Teil meiner Musik aber 

wird diesen Themen 

gewidmet, um ein kleines 

Zeichen zu setzen. 

Musik verbindet 

und überwindet Grenzen 

und mit Musik 

findet man Gehör.« 

Der Name NOR!AN war entstanden. Mir ge - 

fiel der Name am Ende so gut, dass ich ihn als 

Künstlernamen verwendet habe. So wurde aus 

Christian Gritl dann Chris Norian. 

Alsbald jedoch erreichte mich schon der 

nächs te ungeklärte Gedanke. 

Ich dachte bei mir: Wie sollte es nun mit dem 

Projekt NOR!AN weitergehen? Es sollte keine 

einmalige Sache bleiben. Ich bekam so viel In - 

spiration, und für mich war die Entscheidung 

gefallen, dass ich weitermachen möchte. Aber 

Nora wohnt am anderen Ende der Republik, in 

Wolfenbüttel, und es war uns aufgrund der Ent - 

fernung und ihres Berufs klar, dass eine weitere 

Zusammenarbeit schier unmöglich sein wird. 

Was also tun? 

Ich hielt Ausschau nach einer Duopartnerin, 

die mir ein Gesicht für NOR!AN geben kann. Ich 

habe nichts offiziell ausgeschrieben, sondern 

mich erst einmal intern umgehört und mich in 

ge wisser Weise auch auf mein Glück verlassen. 

Und siehe da, es hat funktioniert! 

Ein Freund hat mit mir dann über Isi gesprochen, 

die bei ihm Gitarrenunterricht nimmt. Ein 

Sonnenschein mit ansteckendem Charisma und 

einer Art, die einem das Herz aufgehen lässt – 

und eine super Stimme hat sie auch noch! 

Das neue Gesicht und die Voice von NOR!AN 

waren also gefunden. 

Überzeuge dich am besten gern selbst in 

unserem Musik video des Siegersongs „A B C 

Of My Life“! 

Neben dem Duo, bestehend aus Isabell (Isi) 

Wallner und Christian (Chris Norian) Gritl, wird 

das Projekt, ob im Studio oder live on Stage, 

mit hochkarätigen Studiomusikern aufgepimpt 

und liebevoll umgesetzt. 

MM: Du bist sehr sozial engagiert und um - 

weltbewusst und bist auch schon bei einigen 

Fridays-for-Future-Demos aufgetreten. 

Woher kommt das Engagement? 

NOR!AN: Nachdem ich den Song „Ein Zeichen 

– Sonne nach dem Regen“ für Music4future, 

einen Ableger von Fridays for Future, geschrieben 

habe und ich nun auch Mitglied von 

Music4future war, folgte noch der Song „Pigs 

Can Fly“, ein Song der von den Lügen und 

Versprechungen der Politik handelt und mit 

der Brandrede von Greta endet. 

Es ergaben sich dann Anfragen von Grup - 

pierungen von Fridays for Future, die uns live 

haben wollten. Eine Freundschaft zu der Grup - 

pierung Fürstenfeldbruck ergab sich, und ich 

war ihnen behilflich, einen Großevent (Globaler 

Streiktag) auf die Beine zu stellen. 

Ich habe dort von Bühne über Technik bis hin 

zu namhaften Künstlern wie Konstantin Wecker 

einiges organisiert, was aufgrund meiner Be - 

zie hungen möglich war. 

Das Engagement ergab sich einfach, und es 

bereitete mir Spaß, die jungen Leuten von Fridays 

for Future zu unterstützen und einen ehrlichen 

Eindruck zu erlangen. 

Ich schrieb dann noch den Song „Das Leben“ 

für den Streik wegen des Dannenröder Forsts, 

der abgerodet werden sollte. Der Song landete 

jedoch in der Schublade und wurde bisher nicht 

veröffentlicht. Er erscheint vielleicht auf unserem 

deutschsprachigen Album, das wir ge plant 

haben. 

MM: Dein Song „Das Leben“ handelt von 

der Waldrodung. War es für dich schon 

immer klar, dass du deine Musik als Me - 

dium für solche Themen nutzen möchtest? 

NOR!AN: Nein, ich nutze meine Musik nicht 

ausschließlich für kritische Themen. 


STORIES 37 

Ein Teil meiner Musik aber wird diesen 

Themen gewidmet, um ein kleines Zeichen zu 

setzen. Musik verbindet und überwindet Gren - 

zen und mit Musik findet man Gehör. 

MM: Dich beschäftigt auch die Benach tei - 

ligung der Künstler durch Social-Media- und 

Streamingportale Kann Social Media nicht 

für junge Musiker ein super Sprung brett 

sein? Wo siehst du da die Benachteiligung? 

NOR!AN: Das Netz ist mittlerweile überflutet, 

und es ist schwieriger, als Künstler herauszustechen. 

Auf Plattformen wie Instagram, 

YouTube und Spotify wimmelt es nur so von 

kreativen Zeitgeistern. Natürlich ist es schön, 

dass jeder seine Botschaften so einfach nach 

außen tragen kann, und nie zuvor war es leichter, 

Kontakt zur Außenwelt aufzunehmen und 

gehört zu werden. Jedoch steigt der Druck, herausstechender, 

auffälliger, kreativer, ja sogar 

besser zu sein, vor allem für die junge Gene ra - 

tion. Und wenn man den Algorithmus einmal 

übersieht, so gibt es kaum mehr ein Zurück im 

Medien dschungel. 

Selbst verständlich gegen Bezahlung. Leider 

kommt das Geld nur den Rang höchsten zugute. 

Ich finde das nicht fair. 

Über kurz oder lang kann einen diese Tat - 

sache ziemlich deprimieren. Sicherlich haben 

schon viele Talentierte deshalb ihren Traum auf - 

gegeben. 

BERGE 

„Akustisch Vol.1 & Vol. 2“ 

MM: Die Zeit mit Covid-19 hat unsere Welt 

HOERTBERGE.DE | FACEBOOK.COM/HOERTBERGE 

geprägt. Wie INSTAGRAM.COM/HOERTBERGE 

würdest du die Veränderung der 

Kultur nach Corona einschätzen? 

NOR!AN: Ich glaube, dass die Kultur eine Wieder - 

belebung erfährt. Die Menschen sind nach den 

Maßnahmen der Pandemie hungrig. Ver an stal - 

tungen sind wieder gut besucht und allgemein 

werden die Möglichkeiten der Freizeitbe schäf - 

tigung wieder viel stärker geschätzt und angenommen. 

Corona hat uns außerdem das Tor in 

eine Welt des Livestreams geöffnet. Nun haben 

wir hier auch die Chance, unser Puplikum zu 

er reichen. Sehr gefragt: das Wohnzimmer kon - 

zert via Live stream! 

MM: Nachwuchsförderung im Bereich Musik 

ist sehr wichtig. Was, meinst du, ist in diesem 

Bereich noch ausbaufähig? 

NOR!AN: Ich finde, es sollte schon in der Schule 

mehr getan werden. Mehr Förderung der Ta - 

len te, Manifestierung des Bewusstseins und 

des Spaßes an einer Tätigkeit oder eines Ge - 

dankens, Unterstützung und Zuspruch, Gehör 

schenken, offene Kommunikation, Aufbau eines 

Mindsets. 

8 

MM: Du sprichst von der Negativentwick - 

lung der Musikindustrie durch Social Media. 

Wo siehst du da den Nachteil? 

NOR!AN: Eine nennenswerte Benachteiligung 

ist zum Beispiel die Bezahlung der Künstler von 

Spotify und anderen Social-Media-Plattformen. 

Oft wird nämlich nicht nach Klicks bezahlt, 

sondern nach Rang. Ganz logisch, dass hier für 

den „kleinen Mann“ kaum eine Chance be steht. 

Täglich gibt es eine Riesenmenge an Neuer - 

scheinungen bei zum Beispiel Spotify. 

»Ein Freund hat mit mir 

dann über Isi gesprochen. 

Ein Sonnenschein mit 

ansteckendem Charisma 

und einer Art, 

die einem das Herz 

aufgehen lässt – 

und eine super Stimme 

hat sie auch noch! 

Das neue Gesicht 

und die Voice von NOR!AN 

waren also gefunden.« 


38 STORIES 

Es soll individuell auf die besonderen Fähig - 

keiten jedes Einzelnen eingegangen und darüber 

gesprochen werden, damit den Schü - 

ler*innen bewusst gemacht wird, dass man 

eine be son dere Fähigkeit oder zumindest ein 

Interessens feld tatsächlich aufbauen bzw. ausbauen 

und später in das eigene Leben integrieren 

kann. 

Vor allem soll den Kindern die Angst vor 

dem Scheitern an einer Sache genommen und 

ihnen verdeutlicht werden, wie wichtig es ist, 

im Leben etwas zu finden, das einem wirkliche 

Freude bereitet. Man soll sie anspornen, 

so viel Neues wie möglich auszuprobieren, um 

mögliche Fähigkeiten, Interessen und Ta lente 

in sich zu entdecken. 

NOR!AN: Leider konnten wir unsere Siege 

wegen Corona auf keiner Bühne feiern und 

streben deshalb noch mal die große Bühne 

in Siegen in der Siegerland-Halle an. 

Wir planen dann schon die ersten Touren ein 

und wünschen uns einfach eine gute Zeit des 

persönlichen, sowie künst lerischen Wachs - 

tums und vielen „Magic Moments“. 

NOR!AN FEAT. ISI W. 

„A B C Of My Life“ 

VÖ: 17. DEZEMBER 2021 

FACEBOOK.COM/ 

NORIANOFFICIAL 

»Ich finde, es sollte 

schon in der Schule mehr 

getan werden. 

Mehr Förderung der 

Talente, Manifestierung 

des Bewusstseins 

und des Spaßes an einer 

Tätigkeit oder eines 

Gedankens, 

Unterstützung und 

Zuspruch, Gehör schenken, 

offene Kommunikation, 

Aufbau eines Mindsets.« 

Niemand bereitet einen darauf vor, dass man 

als Erwachsener nur noch schwer tun und lassen 

kann, was man wirklich will. 

Projekte wie NOR!AN sollten ins Leben ge - 

rufen werden, um jungen Leuten die Möglich - 

keit zu geben, zum Beispiel Studioluft zu 

schnuppern, Liveerfahrung zu sammeln oder 

in einem Musikvideo mitzuwirken, um am Ende 

vielleicht auch mit der Musik erfolgreich zu sein 

– nicht nur theoretisch, sondern live und in 

Farbe. 

MM: Was sind deine nächsten Pläne mit 

NOR!AN ? 

NOR!AN: Aktuell liegt der Fokus auf unserem 

geplanten englischsprachigen Album, das in 

Kürze erscheinen soll. Danach kümmern wir 

uns um unser deutschsprachiges Album und 

um die ein oder andere Single. 

EIN GROSSES 

DANKESCHÖN AN: 

Ivo und Tommy von 

TMC Production Mün chen und 

Lee Esposito von rabbitfire Media 

creation, Alex Mario – Sound park 

Studios München (Pro ducer, 

Ton ingenieur und Gitarrist), 

Michael Flauer (Keyboard/Piano), 

Boris Boskovic (Bass), 

Jörg Keinert (Drums/Percussions) 

und, nicht zu vergessen, 

an unsere tolle Fotografin 

Gabriella Doronzo. 


WEB: FACEBOOK.COM/ 

NORIANOFFICIAL 

FOTOQUELLE: NOR!AN 


STORIES 39 

NICOLE 

JUKIC 

Für dieses Jahr 

lautet die Maxime: 

Neue Wege! 

MM: Erst kürzlich hast du die EP „Neue Wege“ 

veröffentlicht. Was ist das Besondere an dieser 

EP? 

»Die Sängerin 

und Songschreiberin mit 

kroatischen Wurzeln 

mischt zeitgenössischen 

Soul mit Einflüssen 

aus Jazz und Blues zu 

poetischem Pop.« 

NICOLE JUKIC: Aus der EP wurde nun doch ein 

Album. Das Besondere daran ist, dass es ein 

Album mit zauberhaften und beeindruckenden 

Streicherarrangements ist. Die Grundbesetzung 

sind ein Streichquintett und mein Gesang. Es ist 

außerdem mein erstes deutschsprachiges Album. 

MM: Deine neue Single „Alles was zählt“ ist 

bereits erschienen. Worüber handelt der 

Song? 

NICOLE JUKIC: In dem Song „Alles was zählt“ 

geht es darum, die Selbstsabotage des eigenen 

Lebens und seiner selbst aufzuheben und sein 

wahres Ich zu leben, ohne sich nach außen hin 

zu orientieren. Es geht darum zu erkennen, dass 

alles in dir und im Hier & Jetzt steckt. 

8 


40 STORIES 

MM: Das Konzept für das Musikvideo zu „Alles 

was zählt“ hast du selber erstellt. Wie war 

diese Erfahrung für dich? 

NICOLE JUKIC: Das Konzept an sich haben Helga 

und Werner Zülch vom Aktionstheater im Ge - 

spräch mit mir entworfen und letztendlich auch 

Regie übernommen. Das war sehr schön, jemanden 

zu haben, der einem sagt, was zu tun ist und 

der das große Ganze im Blick hat. Darüber hinaus 

ist es schön zu sehen, wie die eigene Musik 

rezipiert und interpretiert wird. 

„Struggles“. Es ist wichtig, vielmehr unerlässlich, 

den eigenen Wert zu kennen und auch zu kommunizieren: 

bei der Präsentation, beim Buchen 

oder Verhandeln der Gagen. Wie oft – und gerade 

jetzt nach Corona – bieten sich Künstler unter 

Wert oder gegen Spenden an, einfach nur um zu 

spielen. Ich finde das nicht richtig. Beim Bäcker, 

an der Tankstelle und im Supermarkt, überall wird 

alles teurer, nur der*die Musiker*in bietet sich 

zum Sparpreis an. Da stimmt was am Glaubens - 

satz und Selbstwert nicht – möglicherweise ja 

auch gesellschaftlich bedingt. 

»In fünf Jahren sehe ich 

mich entspannt in meinem 

Haus am Meer 

am Flügel sitzen und 

Songs schreibend, die 

die Welt liebt und 

bei vielen Konzerte hört 

und mitsingt.« 

MM: Du schreibst deine Songs selbst. Wie 

gehst du beim Songwriting vor? Woher holst 

du deine Inspiration? 

NICOLE JUKIC: Die Inspiration zu meinen Songs 

kommt immer direkt aus dem Leben, durch Er - 

lebtes, Erzähltes oder Beobachtetes. Zu manchen 

Themen inspirieren mich auch Bücher. Insgesamt 

ist alles miteinander verwoben. 

MM: Du bist nicht nur Musikerin, sondern 

auch Mutter. Wie lassen sich Familie und 

Musik managen? 

NICOLE JUKIC: Ich finde ja, dass das ganz wunderbar 

zu vereinen ist. Gleichzeitig erfordert es 

viel Organisation und ein stabiles Umfeld, das 

einen unterstützt, wobei dieses Umfeld für egal 

welche Berufstätigkeit unglaublich wichtig ist. 

Musikalische Aktivitäten finden vermehrt am 

Wochenende statt, da plant man sich dann unter 

der Woche Familien-/Kinderzeiten ein. Ich finde 

außerdem, dass es auch schön ist, wenn die 

Kinder mitbekommen, wie viel Freude man an seiner 

Arbeit haben kann und dass sie zum Leben 

aktiv dazugehört. 

MM: Seitdem du Mutter bist, hat sich deine 

Musik verändert. Du singst auf Deutsch und 

deine Texte werden persönlicher und tiefgründiger. 

War das eine geplante Verän de - 

rung? 

NICOLE JUKIC: Ganz und gar nicht. Ich wollte 

nie auf Deutsch schreiben, weil ich davor immer 

größten Respekt hatte und es gleichzeitig bis 

dahin nie meine Ausdruckssprache war. Es ist 

einfach passiert. Ich habe mich dem gestellt und 

es angenommen und schaue nun, wohin es 

mich führt. 

MM: Wie ist dein Mindset im Business? Wie 

gehst du vor? 

NICOLE JUKIC: Ich arbeite daran und das täglich. 

Jeder hat damit seine großen oder kleinen 

MM: Du sprichst auch das Thema Unterneh - 

mer tum als Musiker*in/Künstler*in an. Wie 

genau stehst du dazu? 

NICOLE JUKIC: Nun ja, ich bin ja Musikerin und 

lebe von dem, was ich kreiere. Faktisch bin ich 

Unternehmerin. Damit ich meine Arbeit weitermachen 

und davon leben kann, wie andere 

Menschen auch, kalkuliere ich so, wie ein Unter - 

nehmer kalkuliert. Sonst würde ich von der Hand 

in den Mund leben und könnte weder Rücklagen 

bilden noch mein Unter neh men er weitern, vergrößern 

etc. Dazu gehört auch, Auf gaben abzugeben 

und sich auf das zu fokussieren, was man 

am besten kann, das, was leicht geht. 

MM: Was sind deine weiteren Pläne für die 

Zukunft? 

NICOLE JUKIC: Ich plane eine Tour mit dem 

Album, mit Streichquintett. Parallel dazu entwickle 

ich noch ein Startup, und ja, in fünf Jahren 

sehe ich mich entspannt in meinem Haus am 

Meer am Flügel sitzen und Songs schreiben, die 

die Welt liebt, und bei vielen Konzerte hört und 

mitsingt. Mein Unternehmen hat expandiert und 

bereichert das Leben so vieler Menschen, ich 

schaffe darüber Arbeitsplätze, einen Mehrwert 

im ge sundheitlichen und mentalen Sinne und 

verbreite Liebe und Musik. Dabei schöpfe ich 

mein Po ten zial voll aus und bin dabei ganz ich 

selbst und habe viel Zeit für meine Familie und 

Freunde. 


WEB: NICOLEJUKIC.COM 

FOTOQUELLE: NICOLE JUKIC 


STORIES 41 

NICOLE JUKIC 

„NEUE WEGE“ 

VÖ: 23. MÄRZ 2023 

NICOLEJUKIC.COM 

FACEBOOK.COM/ 

NICOLEJUKICMUSIC 


42 STORIES 

MM: Musik umfasst dein komplettes Leben. 

Doch wie hast du den Bezug dazu gefunden? 

SOFIA LAINOVIC: Obwohl meine Familie eher 

wenig musikalisch ist – da ist nur mein Opa, der 

früher Stummfilme mit dem Klavier begleitet und 

mir sehr viel vorgesungen hat –, hat mich Musik 

schon immer umgeben. Ich habe zum Beispiel in 

vielen Chören gesungen. Das fing schon im Kinder - 

garten an, später auch in der Schulband, und von 

daher war es sehr naheliegend, dass es irgendwann 

noch mehr mein Leben bestimmen würde. 

Die ganz eigene Verbindung zur Musik habe ich 

aufgebaut, als ich mit zehn oder elf Jahren angefangen 

habe, Lieder zu schreiben. 

MM: Wann kam der Entschluss, Musik professionell 

nachzugehen? 

Musik ist für mich Freiheit. 

Sich fallen lassen, 

Leidenschaft spüren. 

SOFIA 

LAINOVIC 

SOFIA LAINOVIC: So richtig den Entschluss ge - 

fasst habe ich tatsächlich nicht. Also ich bin nie 

aufgewacht und hab gesagt „So, ab jetzt muss 

ich mein Leben umkrempeln und jetzt wird Musik 

die Priorität numero uno“. Aber es war schon 

immer so, dass ich wusste, ohne Musik geht’s auf 

gar keinen Fall. Deswegen kann ich sagen, es ist 

schon immer mein großer Traum und mein großer 

Wunsch gewesen, dass ich professionell Musik 

machen möchte. Ich muss gestehen, falls es nicht 

so klappen sollte, studiere ich auch gerade parallel 

Lehramt, würde mir aber wünschen, dass 

(nur) im bittersten Fall der Fälle beides miteinander 

verbunden werden kann und im besten Fall 

der professionelle Weg mit der Musik wirklich gut 

klappt. 

MM: Liebe ist für dich der Sinn des Lebens. 

Besonders zu deiner Familie hast du eine 

innige Bindung. Inwiefern stärkt dich das und 

deine Musik? 

»Ich finde, die Suche nach dem 

Sinn des Lebens erscheint oft wie 

eine semantische Schleife, 

man dreht sich oft im Kreis und man 

kann es nie richtig wissen.« 

SOFIA LAINOVIC: Ja, es klingt irgendwie so hochgestochen: 

Die Liebe ist der Sinn des Lebens. Ich 

finde, die Suche nach dem Sinn des Lebens er - 

scheint oft wie eine semantische Schleife, man 

dreht sich oft im Kreis und man kann es nie richtig 

wissen. 

Ich würde eher sagen, ich bekomme am meisten 

Erfüllung durch Liebe, in jeder Hinsicht. In Be zug 

auf meine Familie stärkt mich die Ver bindung zu 

meinem Bruder sehr. Er ist sehr musikalisch, spielt 

supergeil Gitarre, schreibt eigene Musik, hat auch 

eine eigene Band „Ascendancy“ und er unterstützt 

mich oft bei meinen Auftritten und auch beim Pro - 

duzieren meiner Musik. 

Bis auf ihn ist in unserer Familie eben wenig 

Musikalität vorhanden, vor allem meine Eltern sind 

8 


STORIES 43 


44 STORIES 

hyper unmusikalisch. Es ist einerseits toll, wenn 

man merkt, dass man etwas eigenes hat, und es 

stärkt mich andererseits auch, weil sie ja unterstützend 

da sind, sie gehen mit auf Konzerte und 

finden toll, was ich mache. 

MM: Die verschiedenen Jahreszeiten be ein - 

flussen dich und dein Schreiben sehr. Wie 

ver ändern sich deine Songs und wann bist du 

am kreativsten? 

SOFIA LAINOVIC: Ja, die verschiedenen Jahres - 

zeiten sind auf jeden Fall ein großes Thema bei mir, 

sie beeinflussen meine Emotionen ganz stark. Ich 

merke das total krass: Im Winter entsteht ein trauriger 

Song nach dem anderen, das ist leider so. 

Und im Sommer, na ja, im Sommer entstehen 

auch traurige Songs :), aber eben auch glück liche. 

Ich denke, es geht vielen Leuten so, dass man 

das so mit den Jahreszeiten verbinden kann. Ich 

würde aber gar nicht sagen, dass ich in einer be - 

stimmten Jahreszeit am kreativsten bin. Es ist 

eher so, dass wenn sich etwas zuträgt in meinem 

Leben oder mich etwas beschäftigt oder belas - 

tet, dann schreibe ich die meisten Songs. 

Selbst wenn ich im Winter traurige, melancholischere 

Lieder schreibe, spiegelt es nur wider, 

wie es mir in dem Moment geht. Ich finde es total 

wichtig, diese Emotionen zuzulassen, seien es 

gute oder nicht so gute, und es muss ja nicht 

alles ein Song werden, der ins Radio geht. Es ist 

eher wie ein Zugang zu meinen Emotionen, den 

ich sonst nicht habe, und die so vereinfacht in 

Worte zu fassen ist für mich so eine gewisse 

selbsttherapeutische Sache. Es geht mir oft so, 

dass ich, nachdem ich etwas geschrieben habe, 

erst wirklich verstehe, wie es mir in dem Moment 

ging oder in der Jahreszeit. 

MM: Musik ist dein Beruf. Welchen Hobby 

gehst du nach, um deinen Kopf freizubekom - 

men? 

SOFIA LAINOVIC: Ja, ich habe früher sogar ganz 

schön viele Geschichten geschrieben. Ange fan - 

gen habe ich damit schon in der Grundschule. 

Meine Songtexte fühlen sich immer ein bisschen 

an wie Tagebucheinträge und sind auch in der 

Rohform eher wie Kurzgeschichten, weil ich da 

eben meine Emotionen aufs Papier bringe. 

In der Übergangsphase habe ich natürlich erstmal 

nur so mit „Schmarrnschnipsel“ begonnen, 

wie es vermutlich viele gemacht haben, und als 

ein Song dann mal so richtig fertig wurde, war 

ich zehn oder elf Jahre alt. In dem Song – er 

heißt „Sunny Day“ – geht es darum, dass ich an 

meiner Fensterscheibe sitze und die Leute beobachte, 

die während des Regens zum Bus rennen, 

und wo die denn nun alle hinwollen und was 

deren Geschichte ist. Letzten Endes wünschte 

ich mir den „sunny day“. 

MM: Neben der Musik ist auch Veganismus 

ein wichtiges Thema für dich. Warum ist Ve - 

ganismus für dich der richtige Weg? 

SOFIA LAINOVIC: Ich habe, als ich ungefähr 14 

war, ein bisschen zu viel oder besser ge sagt 

genau richtig viele Dokumentationen angeschaut 

über Fleischkonsum, die ganze Fleisch industrie, 

unsere Ernährung und wie schlimm das alles für 

Tiere ist. Da habe ich dann schon angefangen, 

vegetarisch zu essen, und seit zwei Jahren er - 

nähre ich mich vegan. Mir persönlich ist dieses 

Thema total wichtig und es liegt mir auch sehr 

am Herzen. Dennoch würde ich es natürlich niemandem 

aufzwingen oder sagen, dass es der 

einzig richtige Weg ist und alle anderen Men - 

schen wären Abschaum. 

Das würde ich nie machen, weil ich auch die Er - 

fahrung gesammelt habe: Wenn man den Leuten 

da reinredet oder versucht, sie eines Besseren zu 

SOFIA LAINOVIC: Für mich ist zum Glück immer 

noch auch die Musik, vor allem das Lieder schrei - 

ben, eine tolle Möglichkeit, meinen Kopf freizubekommen, 

obwohl es ja jetzt irgendwie zur Pflicht 

geworden ist. Aktuell komme ich nicht so viel 

dazu, aber ich zeichne, male auch sehr gerne, das 

ist immer etwas, das mich auf andere Ge danken 

gebracht hat. 

MM: Du hast früher Geschichten geschrieben, 

die sich dann zu Songtexten entwickelt 

haben. Wann hast du mit dem Geschichten - 

schreiben angefangen und wann ist es zu 

Songtexten übergegangen? Woher kam die 

Inspiration für deinen ersten eigenen Song? 


STORIES 45 

»Im Winter entsteht 

ein trauriger Song nach 

dem anderen, das ist 

leider so. Und im Sommer, 

na ja, im Sommer 

entstehen auch traurige 

Songs :), aber eben 

auch glückliche.« 

belehren, dann ist das eher kontraproduktiv, und 

man stößt dann eher auf defensive Erklärungen, 

als wirklich eine Veränderung anzuschieben. Ich 

denke aber, alle Umgänge mit diesem Thema sind 

verständlich und nachvollziehbar. 

MM: Für dich ist Freundschaft die Familie, die 

man sich aussuchen kann. Inwiefern in spi rie - 

ren dich deine Freunde in deinem Leben, aber 

auch in der Musik? 

SOFIA LAINOVIC: Freundschaft ist für mich wahn - 

sinnig wichtig, ich suche mir meine Freund*innen 

da gut aus. Es sind alles wunderbare, inspirierende 

Personen, von denen viele auch selbst Musik 

machen oder irgendwo im kreativen Bereich 

unterwegs sind, das finde ich total toll. Ich habe 

auch schon oft Songs über Dinge geschrieben, 

die zum Beispiel Freundinnen oder Freunden 

widerfahren sind und die mich dann auch be - 

schäftigt haben. Das ist auf jeden Fall eine große 

Inspirationsquelle in meiner Musik. Menschen, die 

mir wichtig sind, liegen mir natürlich am Herzen, und 

dann muss ich das eben auch mit verarbeiten. 

MM: Was hat dir der Gewinn des Deutschen 

Rock & Pop Preises im Bereich „Deutscher 

Singer Preis“ medial via Presseartikel bisher 

gebracht? 

SOFIA LAINOVIC: Der Gewinn oder die Auszeich - 

nung, die Urkunde vom Deutschen Rock & Pop 

Preis, hat mich natürlich sehr gefreut. Die Süd - 

deutsche Zeitung hat über mich geschrieben und 

ich hatte ein paar Interviews zu dem Thema, aber 

so groß wurde es im Zuge von Corona auch leider 

nicht, da sind leider viele Auftritte usw. aus ge - 

blieben. 

WEB: WWW.SOFIALAINOVIC.COM 


FOTOQUELLE: SOFIA LAINOVIC 


46 STORIES 

ERIC BURDON 

und die Animals 

Der 1941 geborene Eric Burdon ist 

ein Urgestein des Bluesrock 

und Überlebender der 

British Blues Invasion, 

der tief mit afroamerikanischer 

Musik verbunden ist. 

Besonders in der Zeit von 1963 

bis 1971 war es ihm wiederholt 

gelungen, seiner Musik 

immer wieder neue Richtungen 

zu geben. Seine Bedeutung 

in der Rockgeschichte 

verdankt er nicht zuletzt seiner 

einzigartigen Gesangsstimme 

die für Blues, 

Rhythm and Blues 

und Rock ’n’ Roll wie 

geschaffen ist. 

Helden der 

Vergangenheit 


Rolling Stone Brian Jones nannte Burdon den 

größten weißen Blues-Sänger aller Zeiten, und 

seine Stimme zählt neben Jack Bruce, Chris 

Farlowe, Mick Jagger, Janis Joplin, Freddy 

Mercury, Jim Morrison und Robert Plant zu den 

bedeutendsten des Rocks. Davon zeugen zahlreiche 

einprägsame Songs, die sich dadurch aus - 

zeichnen, ausgetretene Bahnen zu vermeiden. 

Burdons Geschichten, die er mit seinen Songs 

erzählt, berühren die Zuhörer und nehmen sie 

mit, weil sie das, was den Blues ausmacht, erleb - 

bar machen. Höhen und Tiefen des Lebens stehen 

dicht nebeneinander. Und nicht nur in Burdons 

Geschichten. Er hat mittlerweile zwei Auto bio - 

grafien vorgelegt. Danach waren sein Leben und 

seine Karriere eine Achterbahnfahrt. Noch bevor 

Ian Dury den Begriff „Sex and Drugs and Rock and 

Roll“ nach dem gleichnamigen Song seines 

Debütalbums „New Boots and Panties“ aus dem 

Jahr 1977 endgültig in der englischen Sprache 

verankerte, war Burdon dessen lebender Aus - 

druck. 

1961 trampte Burdon von seiner Geburtsstadt 

Newcastle nach London in der Hoffnung, in Alexis 

Korners Blues Incorporated singen zu dürfen. 

Korner war von Burdons Gesang beeindruckt 

und ließ ihn auftreten. Durch diese Chance lernte 

er den Keyboarder Alan Price kennen. Beide 

gründeten mit dem Bassisten Chas Chandler, dem 

Gitarristen Hilton Valentine und dem Drummer 

John Steel 1962 The Animals. 

Der Ursprung des Bandnamens ist schon des - 

wegen ungeklärt, weil Burdon unterschiedliche 

Versionen erzählte. Entweder wurden damit das 

wilde Auftreten der Band oder die animalischen 

Aspekte der Rockmusik benannt, oder aber der 

Spitzname eines Mitglieds einer anderen New - 

castler Band hatte Pate gestanden. Jedenfalls 

galten die Animals mit ihrem Repertoire aus folkorientierten 

Songs und Blues schon bald als eine 

der härtesten britischen Bands. 

Bereits mit ihrer zweiten Single „The House of 

the Rising Sun“ schrieben die Animals Rock ge - 

schichte. Die treibende Version dieses US-Folk- 

Songs ungeklärten Ursprungs mit Burdons eindringlichem 

Gesang und Prices intensivem 

Orgelspiel wurde zu dem mit Abstand größten 

Erfolg der Animals. Sie war 1964 nicht nur der 

erste Track der ersten LP „The Animals“, die heute 

als „The Complete Animals“ mit reichlich Bonus - 

material auf zwei CDs vorliegt, sondern blieb die 

folgenden Jahrzehnte ein Favorit von Animalsund 

Burdon-Konzerten. Laut Burdon stammte die 

Bearbeitung des Traditionals von der gesamten 

Band. Auf Single und LP stand aber nur Price als 

Bearbeiter und er war somit der alleinige Nutznießer 

des Songs. Als Price im April 1965 die Animals 

verließ, gingen die Darstellungen über die Gründe 

des Ausscheidens auseinander. Entweder gab 

es mit ihm Streit über die Tantiemen an „The 

House of the Rising Sun“, oder ein interner Streit 

über seine Unpünktlichkeit war der Auslöser, weil 

Price die Kritik seiner Kollegen nicht ertragen 

konnte. 

Nach dem Erfolg ihres Debütalbums wurde 

1965 die LP „The Animals On Tour“ mit Live-Auf - 

nahmen aus dem Jahr 1963 nachgelegt. Aus dem 

Jahr 1963 stammte außerdem die Aufzeich nung 

eines Live-Auftritts des US-Blues-Musikers Sonny 

Boy Williamson mit den Animals als Begleitband, 

die allerdings erst ab 1972 unter immer wieder 

verschiedenen Titeln als LP erschien und heute 

auf der CD „The Animals With Sonny Boy 

Williamson“ gemeinsam mit den Tracks von „The 

Animals On Tour“ versammelt ist. Schon nach der 

ersten LP hatte die Band ihr Repertoire mit Covern 

von Standards um unbekanntere und um eigene 

Stücke erweitert, die meist von Burdon und Price 

stammten. Bereits auf dem dritten Album „Animal 

Tracks“ von 1965, das bis auf einen Track noch 

mit Price aufgenommen wurde, wurde das auch 

für Schallplattenkäufer deutlich. Auf diesem be - 

finden sich zudem prägende Stücke wie die 

Animals-Version des Nina-Simone-Songs „Don’t 

Let Me Be Misunderstood“ (1969 auch von Joe 

Cocker für seine zweite LP erfolgreich gecovert 

und 1977 als Disco-Hit der Band Santa Esmeralda 

auf den Markt gekommen), „The Story Of Bo 

Diddley“ und „We Gotta Get Out Of This Place“, 

die allesamt auch Live-Klassiker wurden. Spätestens 

jetzt stand fest, dass die Animals abseits des 

Schlagergeschäfts mit ihrer rauen Musik Weg be - 

reiter des British Blues waren. 

Bis November 1966 brachte die Band mit Dave 

Rowberry als neuem Keyboarder die drei weiteren 

erfolgreichen Alben „Animalism“, „Ani ma - 

lisms“ und „Animalization“ heraus. Auch diese drei 

LPs wurden dem eigenen Anspruch gerecht. Sie 

klingen auch heute noch frisch. Zu den herausragenden 

Stücken dieser Phase zählt der Song 

„Inside Looking Out“ von Burdon und Chandler, 

8 


48 STORIES 

den 1969 das Power-Trio Grand Funk Railroad 

für sein Live-Album gespielt hatte. 

Der Erfolg der Animals drückte sich in der Zeit 

von 1964 bis 1966 außerdem durch zahlreiche 

Singles, einige EPs und zahllose Live-Auftritte 

aus. Heute ist dies gebündelt dokumentiert durch 

die CDs „A’s B’s & EP’s“ (2003) und „The Complete 

Live Broadcasts“ I und II (1964 bis 1966) von 

2019 bzw. 2020. Die zweite Doppel-CD bietet 

sogar drei Tracks der um sieben Bläser verstärkten 

Ani mals Big Band, mit der es keine Studio-Auf - 

nahmen gab. Allein zu bedauern ist, dass all die 

Aufnah men entstanden, bevor sich Aufnahmeund 

Gi tarrentechnik sprunghaft entwickelten. 

Erfolg und das Tourleben ließen die Animals 

bald zerbrechen. Nicht zuletzt auch unter dem 

zunehmenden Konsum von Drogen und Alkohol 

wuchsen die Spannungen unter den Musikern. 

Burdon bekannte, dass LSD zu einem wichtigen 

Bestandteil der Bandmitglieder geworden sei. 

Hatten sie allerdings gedacht, ihre bisherige 

Karriere habe ihnen Millionen eingebracht, stand 

man plötzlich doch mit leeren Händen da und 

machte dafür den gemeinsamen Manager verantwortlich. 

Allerdings war Bassist Chandler auch 

des ständigen Reisens überdrüssig geworden und 

wollte künftig Musik produzieren. Sein Neu start 

war spektakulär. In New York hatte er Jimi Hendrix 

entdeckt. Chandler tat sich mit dem Animals-Ma - 

nager zusammen, um den kommenden Superstar 

zu fördern, und produzierte die ersten beiden 

Erfolgsalben der Jimi Hendrix Experience. Burdon 

wiederum freundete sich mit dem genialen Gitar - 

risten an, dem er bis zu dessen frühem Tod im 

September 1970 verbunden blieb. Noch zu dessen 

Lebzeiten wollte er einen Film über das Kon - 

zert der Jimi Hendrix Experience von Ende Februar 

1969 in der Londoner Royal Albert Hall in die 

Kinos bringen. Darauf wartet man bis heute vergeblich. 

Hendrix hatte die Veröffentlichungs rechte 

an dem Filmmaterial an den Manager der Ori gi - 

nal-Animals, an Burdons späteres US-Manage - 

ment sowie an einen Dritten abgetreten, dessen 

Witwe noch vor einigen Jahren darüber verfügt 

haben soll, sodass die Hendrix-Erben damit bislang 

nicht frei schalten und walten konnten. 

Nach der Auflösung der Original-Animals zog 

es Burdon in die USA, die ihn mit der psychedelischen 

Revolution und der Möglichkeit reizten, 

lange, rauschhafte Motorradfahrten in die kalifornische 

Wüste zu unternehmen. In New York nahm 

er mit unbekannt gebliebenen Studiomusikern die 

LP „Eric Is Here“ auf. Das 1967 veröffentlichte 

Album wirkte allein schon durch den Einsatz 

eines klassischen Orchesters arg geglättet. Kurz 

darauf hatte Burdon sich aber mit britischen Mu - 

sikern in Kalifornien niedergelassen, die er noch 

in London für eine Fortsetzung der Animals ge - 

wonnen hatte. Nun hatten die Animals zwei Gi - 

tar risten: John Weider, der 1969 bei der britischen 

Band Family einstieg, und Vic Briggs. Bass und 

Schlagzeug spielten Danny McCulloch bzw. Barry 

Jenkins. In dieser Besetzung traten Eric Burdon 

und die neuen Animals live in der Hamburger DAG 

Swing Time Party mit den Songs „C. C. Rider“, 

„A Love Like Yours“ und „Shake, Rattle and Roll“ 

auf, die der Beat-Club Ende Januar 1967 sendete. 

In der bundesdeutschen Konkur renz-Musik - 

show Beat Beat Beat spielte die Band unter anderem 

den Blues-Song „Tobacco Road“, der bald 

darauf durch die furiose Version der Bluesrock- 

Band Spooky Tooth und Burdon selbst besonders 

bekannt werden sollte. Weiders Gi tarrensoli zeigten, 

wie stark sich der Gitarren sound verbessert 

hatte. 

Eric Burdon und die neuen Animals spielten 

Ende 1967 und im Mai 1968 die wegweisenden 

Alben „Winds Of Change“ und „The Twain Shall 

Meet“ ein und waren Mitte Juni 1967 auf dem 

legendären Monterey Pop Festival vertreten, das 

für Burdon zum zentralen Erlebnis seiner Kar rie - 

re wurde – und darüber begeistert in seinem 

Song „Monterey“ berichtete. Auch auf dem 

Newport Pop Festvial spielte er Anfang August 

1968 mit den Animals ein Set. Überhaupt verarbeitete 

Burdon seine neuen US-Erfahrungen, die 

weiterhin mit LSD-und Kokain-Konsum einhergingen, 

zu mitreißenden, psychedelisch-beeinflussten 

Songs, deren Texte aber wie Talking 

Blues wirkten. Herausragende Songs aus dieser 

Periode sind die Cover-Version des Rolling- 

Stones-Hit „Paint It Black“, „San Franciscan 

Nights“, „Good Times“, „When I Was Young“ und 

„Sky Pilot“. Der Psychedelic-Rock der neuen 

Animals hätte sich nicht deutlicher von den Alben 

der Original-Animals unterscheiden können. Nur 

wenigen anderen zeitgenössischen Musikern ge - 

lang eine so beeindruckende Erweiterung ihres 

musikalischen Spektrums. Unbedingt empfehlenswert 

sind daher auch Live-Aufnahmen der 

neuen Animals aus den Jahren 1967 und 1968. 

Diese findet man als Bonus-Tracks auf der CD- 

Ausgabe von „Animalism“, vor allem aber auf der 

Doppel-CD „The New Animals, Complete 

Broadcasts III“ von 2022. Sie füllten 1990 auch 

die in Australien veröffentlichte CD „Roadrunners“. 

Der musikalische Höhenflug der neuen Animals 

war aber nicht von Dauer. Psychedelische Ein - 

flüsse nahmen überhand und lenkten auf dem 

1968 vorgelegten Album „Every One Of Us“ von 

bisher gezeigten Stärken ab, für das sich die Band 

um den britischen Keyboarder Zoot Money verstärkt 

hatte. Manchmal fehlte es an Konsistenz, 

zum Beispiel bei dem überlangen, knapp 19- 

minütigen Stück „New York 1963 – America 1968“. 

Viele Käufer reagierten enttäuscht. Zwiespältig 

wurde auch die Doppel-LP „Love Is“ aus demselben 

Jahr aufgenommen, für die Vic Briggs 

durch den künftigen Police-Gitarristen Andy 

Summers ersetzt wurde. Man warf „Love Is“ vor, 

die Band habe ihre Richtung vollends verloren. 

Auch wenn das Doppelalbum überwiegend Cover- 

Versionen enthält, sind sie fulminant und innova- 


STORIES 49 

»Burdons Geschichten, 

die er mit seinen Songs 

erzählt, berühren die 

Zuhörer und nehmen sie 

mit, weil sie das, 

was den Blues ausmacht, 

erlebbar machen.« 

tiv. Einige von ihnen zählen sogar zum Besten, 

was Burdon und die Animals hervorgebracht 

haben: die grandiose Verneigung vor Tina Turner 

mit „River Deep, Mountain High“ sowie die einfallsreichen 

Cover von „Ring Of Fire“ (Johnny 

Cash), „To Love Someboy“ (ja, von den Bee 

Gees!) und „Coloured Rain“ (Traffic), dazu das 

herrliche Rhythm-&-Blues-Stück „I’m An Animal“. 

Viele lehnten das Album wohl wegen der psychedelisch 

überladenen Stücke „Gemini“ und 

„The Madman (Running Through The Fields)“ ab, 

die die vierte LP-Seite füllten. Das aus heutiger 

Sicht aus der Zeit gefallene Stück „Gemini“ stört 

regelrecht und reichte schon damals nicht an 

den Space-Sound der frühen Pink Floyd heran. 

Wären einige der nicht zielführenden musikalischen 

Passagen geschnitten worden, wäre „The 

Madman“ wohl ein hörenswerter Song geworden. 

Für beide Stücke braucht man Durchhalte - 

vermögen, das die wenigsten nach dem langen 

Blues „As The Years Go Passing By“ für die vierte 

Albumseite von „Love Is“ ein zweites Mal aufgebracht 

haben werden. Mir ist es nicht anders 

ge gangen. Jedenfalls sank die Popularität der 

Band weiter, und Ende 1968 trennte man sich. 

Dass die Auskopplung „Ring Of Fire“ Anfang 

1969 in die Hitparaden kam, war nur noch eine 

Rand notiz. 

Die Entwicklung hinterließ solche psychischen 

Spuren bei Burdon, dass er erwog, dem Musik - 

geschäft den Rücken zu kehren. Vorübergehend 

besuchte er in Hollywood eine Schauspielschule, 

erkannte aber, dass Musik seine treibende Kraft 

geblieben war. Bald nahm er im örtlichen Club 

Experience an Jamsessions teil und lernte dabei 

in der ersten Jahreshälfte 1969 den Blues-Mund - 

harmonika-Spieler Lee Oskar aus Kopenhagen 

kennen. Mit ihm trat er erstmals im Juni des 

Jahres öffentlich beim Newport Pop Festival auf. 

Durch weitere neue Bekanntschaften schloss 

Burdon einen neuen Managementvertrag, der 

sich rückblickend für ihn als noch ungünstiger 

herausstellen sollte als der der Original-Animals. 

Shift aufmerksam. Und das leitete für ihn eine und Blues-Mundharmonika-Soli von Charles Miller 

neue fruchtbare musikalische Periode ein. Als Lieb - bzw. Lee Oskar zu einem besonderen Erlebnis 

haber afroamerikanischer Musik war er davon werden ließen. Nun strömten die Zuschauer erst 

begeistert, mit einer solchen Band neu durchzustarten. 

Mit Oskar, einigen Mitgliedern von The Zwei Tage vor Jimi Hendrix’ Tod war die Band 

recht in die Konzerte von Eric Burdon und War. 

Night Shift und einem neuen Bassisten wurde am 16. September 1970 noch gemeinsam mit 

die neue Band Eric Burdon And War aus der ihm als Rhythmusgitarristen im Londoner Ronnie 

Taufe gehoben, die aber erst einmal zu einer ge - Scott’s Jazz Club aufgetreten und hatten mit ihm 

meinsamen musikalischen Richtung finden musste. 

Während Burdon und Oskar die Band auf gespielt. Als die Band am 26. September 1970 

„Blues For Memphis Slim“ und „Tobacco Road“ 

Blues einschwören wollten, verstanden die übrigen 

Mitglieder unter amerikanischem Blues fun- 

Studio ohne Zuschauer vier furiose Stücke von 

zu Gast im Bremer Beat-Club war, lieferten sie im 

kigen Rhythm & Blues. Schließlich fand man zu rund 45 Minuten Dauer ab. Damals wurden aber 

einer jazzartigen Mischung, zu der der experimentierfreudige 

Burdon Songtexte aufgriff und strahlt. Die schiere Energie der Band verschlug 

nur „Paint It Black“ und „Spill The Wine“ ausge- 

auf deren Grundlage er improvisierte. Damit entfernte 

er sich noch weiter von der Musik der tig dieser Auftritt war, erschloss sich Jahrzehnte 

einem vor dem TV-Gerät den Atem. Wie großar- 

Original-Ainmals. Aber genau die neue Musik rich - später, als auch die beiden anderen Stücke 

tung schlug bei Live-Autritten so gut ein, dass „Tobacco Road“ und der Boogie-artige Song 

Anfang 1970 die LP „Eric Burdon Declares ,War‘“ „Bare Back Ride“ aus dem Archiv geholt und als 

produziert werden konnte. Bei den Sessions DVD unter dem Obertitel „The Lost Broadcast“ 

konnten Burdon und seine Bandkollegen offenbar 

aus dem Vollen schöpfen: Es wurden so viele hatte nicht weniger als eine musikalische Stern - 

verkauft wurden. Regisseur Michael Leckebusch 

neue Songs aufgezeichnet, dass ein Teil erst auf stunde festgehalten. Mittlerweile liegt das Set auch 

dem Nachfolgealbum Platz fand. 

auf der 2022 erschienenen CD „Spill The Wine ... 

Live!“ vor, zusammen mit zwei Live-Aufnahmen 

Das neue Debütalbum und die daraus ausgekoppelte 

Single „Spill The Wine“ wurden zu 1969. Noch wagemutiger und improvisierungs- 

aus dem italienischen Fernsehen vom Oktober 

einem großen Erfolg. „The Vision Of Rassan“, freudiger geriet Eric Burdon und War 1971 das 

„Spill The Wine“, „Tobacco Road“ und der herrliche 

„Blues For Memphis Slim“ glichen intensiven Burdon“, das mit dem bereits Anfang 1970 auf- 

nachfolgende Doppelalbum „The Black Man’s 

musikalischen Expeditionen. Im Zentrum des genommenen „Paint It Black Medley“ eröffnet 

Seine neuen Produzenten machten Burdon allerdings 

auf die afroamerikanische Band The Night den die beiden exquisiten, inspirierten Saxophon- Mischung aus der Aretha-Franklin-Hommage 

letz teren Tracks stand der „Mother Earth“-Blues, wird. „The Black Man’s Burdon“ wurde mit seiner 

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50 STORIES 

»Höhen und Tiefen des Lebens 

stehen dicht nebeneinander. 

Burdons Leben und seine Karriere waren 

eine Achterbahnfahrt.« 

„Spirit“, treibenden Improvisationen und eingängigen 

Songs wie „Nights In White Satin“, „Bare 

Back Ride“ und „Home Cookin’“ zu einem weiteren 

musikalischen Abenteuer, zu dem es wenig 

Vergleichbares geben dürfte. 

Ohne Burdon blieben War geraume Zeit erfolgreich 

mit Latin-Funk und Songs, die an die Musik 

der Temptations angelehnt waren. Doch ohne 

Burdons kreativen Einfluss auf die Band gehörte 

die musikalische Einzigartigkeit der Vergangen heit 

an. Nachdem Burdon wieder einigermaßen zu 

Kräften gekommen war, entstand gemeinsam mit 

dem Blues-Musiker Jimmy Witherspoon und 

einigen War-Mitgliedern, die unter dem Namen 

Tovarich mitwirkten, bis September 1971 das 

kraftvolle Blues-Abum „Guilty“, das ab 1976 unter 

dem Titel „Black & White Blues“ verkauft wurde. 

Burdon und Witherspoon sangen dafür einige 

spannende Duette. Schade, dass es bei dieser 

einen Zusammenarbeit blieb, die den modernen 

City-Blues in die 1970er-Jahre getragen hatte und 

auch heute nichts an musikalischem Genuss eingebüßt 

hat. Danach hatte man noch einmal im 

Archiv gegraben. Das Ergebnis war 1976 die LP 

„Love Is All Around“ mit Aufnahmen von Eric 

Burdon and War, die vor und während der Session 

zu „Eric Burdon Declares ,War‘“ entstanden waren, 

dazu eine Live-Version des „Paint It Black Medley“. 

Das Glanzstück ist die spannende Ver sion des 

Beatles-Songs „A Day In The Life“. 

Nach „Guilty“ begann nach Burdons Darstel lung 

sein aktuelles Management, ihn finanziell aus zu - 

zählen. Jedenfalls geriet seine Karriere für lange 

Zeit zur Talfahrt. Sein Multimedia-Projekt „Mirage“ 

von 1973 über den Blues und Jimi Hendrix sollte 

1974 veröffentlicht werden. Der Titelsong erinnerte 

ganz an Hendrix, von dem auch der Text 

stammte. Die hörenswerten Ergebnisse wurden 

teilweise aber erst 2006 und dann 2008 mit elf 

Songs als Studioalbum herausgebracht. Bis dahin 

waren einige Stücke hin und wieder in Burdon- 

Konzerten zu hören gewesen. Mit Tova rich- 

Mitgliedern und Musikern der Mirage-Sessions 

hatte Burdon außerdem etliche Probeaufnahmen 

und Outtakes einspielen können, die er nicht für 

neue Alben vorgesehen hatte. Indessen veräußerte 

sein Management das Material an das Label 

Capitol, und so wurden 1974 und 1975 die LPs 

„Sun Secrets“ bzw. „Stop“ unter die Käufer ge - 

bracht. Die Rhythm-&-Blues-Songs von „Stop“ 

waren vor denen von „Sun Secrets“ aufgenommen 

worden und lassen eine gemeinsame Richtung 

vermissen. „Sun Secrets“ hingegen überzeugt 

durch interessante Remakes bekannter Animals- 

Songs und wie „Mirage“ durch die angenehme 

Rauheit einer Garagenband. Diesen Sound präsentierte 

die Eric Burdon Band auch im Oktober 

1974 live in Denver – seit 2021 als „Alive In 

America“ erhältlich. 

Burdons Unzufriedenheit mit dem Verlauf seiner 

Karriere mag 1975 ein Grund für die Reunion 

der Original-Animals gewesen sein. Nach knapp 

zehn Jahren stellte man wieder ein gemeinsames 

neues Album vor. Die neue LP „Before We 

Were So Rudely Interrupted“ geriet überraschend 

überzeugend, wenngleich so kantig wie in den 

1960er-Jahren. Die Veröffentlichung wurde bis 

1977 hinausgezögert und stieß auf ein positives 

Echo. Auch Burdon zeigte sich zunächst zufrieden, 

sagte aber später, „Before We Were So 

Rudely Interrupted“ sei schon Ende der 1970er- 

Jahre nur noch lächerlich gewesen. 

Mit einer neuen Besetzung seiner Band gab 

Burdon Ende April 1976 im WDR-Studio sein 

erstes solides Rockpalast-Konzert. Dennoch 

reichte er auch jetzt nicht an die Zeit seiner Höhen - 

flüge heran. An seinem Solo-Album „Survivor“ von 

1977 wirkten dann zwar namhafte Musiker wie 

Maggie Bell, Frank Diez, Alexis Korner, Rabbit 

und Zoot Money mit. Die guten Ansätze konnten 

aber nicht verbergen, dass gelegentlich Konzes - 

sio nen an den musikalischen Mainstream ge - 

macht wurden. Im selben Jahr zog Burdon für 

längere Zeit nach Deutschland, wo er 1980 Udo 

Lindenberg kennenlernte. Obwohl Musiker aus 

dessen Umfeld Burdon in seiner neuen Band Fire 

Department zur Seite standen, war das 1980 

entstandene Album „Last Drive“ von 1980 nicht 

überzeugender, sodass es erst 2012 als CD er - 

schien. Genauso wenig überzeugend war das 

1980 erschienene US-Album „Darkness Dark - 

ness“. Eine große Chance sah Burdon danach 

im Angebot der deutschen Regisseurin Christel 

Buschmann, die Hauptrolle in dem Spielfilm 

„Comeback“ zu übernehmen, der sich an seine 

Erfahrungen im Musikgeschäft anlehnen sollte. 

Der Film enthielt Ausschnitte eines Burdon-Live- 

Konzerts im Berliner Metropol; Tonaufnahmen 

davon waren 1992 auf „The Unreleased Eric 

Burdon“ zu finden. Aber sowohl der im April 1982 

uraufgeführte Film als auch das Soundtrack-Album 


STORIES 51 

der Burdon Band blieben hinter den Erwartun gen 

zurück, obwohl einige starke Songs wie „No More 

Elmore James“ dazugehörten und der Sound - 

track bis auf gelegentliche störende Syn thesizer- 

Einsätze und der Disco-Track „Street walker“ 

durchaus überzeugen. Tatsächlich waren in der Zeit 

noch weitere hörenswerte Songs entstanden, und 

Burdon spielte mit seiner Band gute Konzerte, 

wie die 2008 in Japan erschienene Doppel-CD 

„Ulitmate Comeback“ beweist. 

Im August 1982 trat die Eric Burdon Band mit 

den Top Acts Rory Gallagher, BAP und David 

Lindley beim ersten Rockpalast Open Air Festival 

auf der Loreley auf und zeigte sich in blendender 

Form. Alle Bands kamen dann noch zu einer 

ausgedehnten Jam session zusammen, sodass 

dieses Festival zu den denkwürdigsten Rock palast- 

Events zählt. 

Neue Impulse für Burdons Schallplatten-Kar - 

riere folgten daraus nicht. Die Original-Animals ver - 

suchten 1983 ihr Heil mit einer weiteren Reunion. 

Das neue Resultat „Ark“ wirkte nun aber weichgespült, 

so dass die Animals ein Schatten ihrer 

selbst blieben. Für Live-Auftritte im Londoner 

Wembley-Stadion und in Detroit hatte sich die 

Band vorsorglich auf ihre Hits der 1960er-Jahre 

konzentriert. Die Alben „Rip It Off – Greatest Hits 

Live“ von 1984 und „The Last Live Show“ von 2008 

mit Studioaufnahmen der Band aus den 1970er- 

Jahren klangen daher besser als „Ark“, jedoch 

hatte die Musik auch live an Biss eingebüßt. 

Rückblickend meinte Burdon, dass es zu dieser 

Reunion besser nicht gekommen wäre. Sein 

eige nes Album „Power Company“ von 1983 hatte 

freilich musikalisch auch nicht viel zu bieten. 

Burdons Durststrecke bis zum nächsten respektablen 

Soloalbum sollte noch lange anhalten. 

Deswegen griff er für neue Veröffentlichungen 

über viele Jahre auf sein Archiv zurück, meistens 

auf Konzertmitschnitte in überwiegend guter Ton - 

qualität. Die Bühne war sein Lebensraum, und er 

setzte bei seinen Konzerten in aller Regel auf 

bewährtes Songmaterial, das er einfallsreich zu 

variieren wusste. Manchmal belebte er mit Lee 

Oskar auch alte War-Zeiten wieder, ohne die 

Energie der Jahre 1969 bis 1971 erreichen zu 

können. Abgesehen davon konnte Burdon mit 

seinen Auftritten fast immer punkten. Gute 

Beispiele dafür sind die Alben „The Unreleased 

Eric Burdon“ und „I’m Ready – The Unreleased 

Eric Burdon Vol. II“ von 1992 bzw. 1997. Ein 

Highlight wurden 1990 gemeinsame Auftritte mit 

dem Doors-Gitarristen Robby Krieger. Das war 

ein Traumpaar, und natürlich war der Doors- 

Klassiker „Roadhouse Blues“ im Repertoire, der 

Burdon auf den Leib geschrieben zu sein schien. 

Dennoch kam nicht mehr als das Bootleg 1990 

„Detroit Tapes“ dabei heraus, und erst 2008 vermittelte 

die offizielle DVD „Live At Ventura Beach 

California“ einen bildlichen Eindruck von der At - 

mos phäre in der Band Eric Burdon, Robby Krieger 

and Friends. 1991 tat Burdon sich mit dem Key - 

boar der Brian Auger und dessen Band zusammen. 

Das Ergebnis wurde im selben Jahr auf dem Album 

„Access All Areas Live“ festgehalten – eingeschlossen 

der „Roadhouse Blues“. Diese Band bot einen 

gelungenen Querschnitt durch Burdons bisherige 

Erfolge und strahlte große Spielfreude aus. 

Unter Burdons zahlreichen Live-CDs verdienen 

seine vier unter seinem eigenen Label Flying 

Eye Records herausgebrachten Alben aus der 

Zeit von 1997 bis 2002 besondere Erwähnung: 

die drei „Official Bootlegs“ und „Live In Seattle“. 

Aber auch Studioaufnahmen, die bis in die 

frühen 1970er-Jahre zurückreichten, kamen ans 

Tageslicht, so die Japan-CDs „Ultimate Rarities 

Vol. 1 und 2“ aus der acht Alben umfassenden 

Spirits of „Eric Burdon“ Series. Manches konnte 

es ohne Weiteres mit bisherigen offiziellen Ver - 

öffentlichungen von Burdon aufnehmen, sodass 

es erstaunt, was im Archiv geblieben war. Zum 

Beispiel wurde ein Teil von Burdons autobiografischem 

Konzept-Projekt „I Used To Be An Animal“ 

von 1988 übertroffen, das sein damaliges Label 

Metronome unter diesem Titel „I Used To Be An 

Animal“ nur gekürzt verkaufte. Besser als „Power 

Company“ von 1983 konnte Burdon aber auch 

damit nicht an seine Karriere bis 1971 anknüpfen. 

Restliche Aufnahmen der autobiografischen 

Sessions wurden 1995 mit daraus veröffentlichten 

Songs als „Lost Within The Halls Of Fame“ 

angeboten, nachdem Burdon und die Animals 

1991 in die Rock ’n’ Roll Hall of Fame aufgenommen 

worden waren. Leider weist das nach 

Mainstream klingende Album „Lost Within The 

Halls Of Fame“ Burdon nicht als einen der größten 

Rocksänger aus, sondern ist hin und wieder 

sogar langweilig. 

Von 2004 bis 2013 gelang es Burdon endlich, 

neue Studioalben von kontinuierlich steigender 

Qualität vorzulegen. Mittlerweile war es ihm 

gelungen, von Alkohol und Drogen wegzukommen 

und Kopf und Seele zu befreien. Wasser 

wurde zu seinem Lebenselixier. 2004 erschienen 

seine gemeinsam mit einem Schriftsteller verfasste 

zweite Autobiografie „My Secret Life“ und 

sein gleichnamiges neues Studioalbum, das ge - 

genüber „Lost Within The Halls Of Fame“ ein großer 

Fortschritt war. Um beides zu promoten, war im 

Vorfeld bereits die DVD „Yes, You Can Go Home 

– On The Road With Eric Burdon & The Animals“ 

von 2003 entstanden – ein persönlicher Rück - 

blick mit einigen Statements und Ausschnitten aus 

einem Auftritt in Burdons Heimatstadt New castle. 

Eric Burdon und seine Animals gingen außerdem 

auf Tournee und traten 2004 in Köln für den Rock - 

palast auf. In dem erfrischenden Konzert spielte 

die Band einige Stücke von „My Secret Life“, 

überwiegend aber frühere Erfolge der Animals. 

Ähnlich verhielt es sich 2005 mit den Live-Auf - 

nahmen des Albums „Athens Trafic Live“, dem der 

bekennende MTV-Gegner Burdon eigene Musik - 

videos mit persönlichen Reminiszenzen beigab. 

Seine Kraft war so weit zurückgekehrt, dass 2006 

sein nächstes Studioalbum „Soul Of A Man“ auf 

dem Markt war, das mit seiner Erdigkeit „My 

Secret Life“ übertraf. Ende April 2008 gab Burdon 

mit der völlig umbesetzten Band War in der 

Londoner Royal Albert Hall ein sehr gut aufgenommenes 

Konzert, das Spekulationen über eine 

dauerhafte Reunion nährte, bei denen es aber 

blieb. Eine regelrechte Überraschung war 2012 

die EP „Eric Burdon & The Greenhornes“ mit vier 

sehr unterschiedlichen Songs. Die ersten drei 

gehören zum Besten, was Burdon seit Jahr - 

zehnten aufgenommen hat. Gemeinsam mit der 

US-Garagen-Rockband The Greenhornes hatte 

er „in no time with no sacrifice of professionalism“ 

(Burdons Liner Notes) den an Jimi Hendrix’ „Who 

Knows“ erinnernden und vor Kraft strotzenden 

Song „Black Dog“, den gediegenen, ruhigen Blues 

„Out Of My Mind“, den herrlich rauen Song „Can 

You Win“ und die wie hingeworfene Spaß num - 

mer „Cab Driver“ aufgenommen. Letzteren konnte 

sich wohl nur ein Urgestein wie Burdon leisten – 

ähnlich wie die Beatles und Cream in ihrer Blüte - 

zeit so etwas auf ihren Alben eingestreut hatten. 

Burdons bis dato letztes Studioalbum ist das 

würdige Alterswerk „’Til Your River Runs Dry“ von 

2013. Er war sich treu und innerlich jung geblieben. 

So jemand konnte auch immer noch Auf - 

trittsorte wie die gut 1 200 Personen fassende 

Hamburger Fabrik füllen und zum Kochen bringen. 

Von August 2010 bis Juni 2015 war er dort 

nicht weniger als sechsmal zu Gast. Das ruhige 

Sitzen im Lehnstuhl ist nicht seine Sache, und 

vielleicht wird er nach der lähmenden Corona- 

Pause auch im Alter von über 80 wieder auf 

Tournee gehen. 

NÄCHSTE FOLGE: COLOSSEUM 

TEXT: DR. NORBERT APING 

BACKGROUND: © VEJAA / ADOBE STOCK 

FOTOQUELLE: ERIC BURDON, WIKIPEDIA 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, 

Buchautor und Direktor 

des Amtsgerichts a. D. 

in Buxtehude 


52 STORIES 

MILES 

KING 

& The Foolish Knights 

MM: Ihr seid eine sechsköpfige Band, die sich dem 

Oldschool Soul verschrieben hat und dafür auch schon 

einige Preise erzielen konnte, unter anderem den 39. 

Deutschen Rock & Pop Preis in der Kategorie „Deut- 

scher Funk & Soul Preis“. Doch wer steckt eigentlich 

hinter MILES KING & THE FOOLISH KNIGHTS? 

MILES KING: Tatsächlich sind wir sogar sieben! Das 

ist schon ’ne ganze Menge, muss aber sein, wenns auf der 

Bühne krachen soll. Hinter der Band stecken einige Jahre 

des Hinfallens und Aufstehens. Miles hat schon seit 

Längerem ähnliche Bands und Projekte gemacht. Seit 2018 

stehen wir als MILES KING & THE FOOLISH KNIGHTS auf 

der Bühne. 

MM: Wie habt ihr euch kennengelernt und wie ist eure 

Band entstanden? 

MILES KING: Kennengelernt hat sich ein Großteil der Band 

übers Studium in Osnabrück. Luca und Miles wohnten 

da zusammen und hatten sich ganz am Anfang bei ’nem 

Bier kennengelernt, wobei es auch noch ein bisschen 

dauerte, bis Luca an den Drums saß. Der Rest kam ziemlich 

schnell dazu. Probe, Bier, cool. Eher unspektakulär. Mittler - 

weile ist’s aber wie ’ne Klassenfahrt: Ein Teil kommt aus 

Frankfurt, ein Teil aus München, ein Teil aus Käffern in 

Ost westfalen. Wenn dann mal alle auf einem Fleck sind, 

pennen wir entweder bei Miles’ Oma oder in der „großen“ 

Butze (größer als ein WG-Zimmer) von unserem Trom - 

peter Jan. Immerhin hasst er uns noch nicht. 

MM: Woher kam der Impuls, das Genre Funk and Soul 

zu bedienen? 


STORIES 53 

»Wo viele Menschen 

beteiligt sind, 

hängt auch viel 

davon ab. 

Das Ganze am Laufen 

zu halten, ist 

eben die Kunst.« 

MILES KING: Das war eigentlich nie ein Impuls. Miles kam 

da mit zwölf an ein Album von Ben L’Oncle Soul (er hörte 

vorher Billy Talent und war ein schlechter Schlag zeuger). 

Irgendwas an der Musik catchte ihn … Die Soulplatten 

stapelten sich in seinem Zimmer und nach Tausenden 

Stunden Mitgesinge war es irgendwann erträglich genug. 

Der Rest hörte das vorher schon ein bisschen oder wurde 

indoktriniert … Am Ende steht man ja als Band ge meinsam 

auf der Bühne. Wir suchen die Energie, die Dra matik oder 

die Tanzbarkeit. Wir stehen eigentlich immer schwitzend 

(oder extrem schwitzend) auf der Bühne. Ist auch immer 

wieder schön nach den Gigs, wenn man nicht weiß, wohin 

man das nasse Zeug packen soll. 

MM: Miles, du schreibst die Songs. Woher bekommst 

du die Inspiration für die Texte und Melodien und wie 

sieht der Prozess des Songwritings bei dir aus? 

MILES KING: Das kommt irgendwie. Manchmal ist was 

im Kopf, manchmal ist es der Zufall, wobei ich beim Zufall 

wesentlich weniger perfektionistisch bin. Manchmal 

schrei ben wir auch gemeinsam. Wenn ’ne Idee im Kopf 

ist, kann ich eigentliche erst ruhig schlafen, wenn ich es 

einmal gehört habe, wie ich es mir vorstelle. Dann hocke 

ich mit ’ner Gitarre, ’nem abgenudelten Midi-Keyboard und 

meinem Rechner so lange auf meinem Zimmer boden, bis 

es da ist. Horns drauf, fertig ist die Suppe. Und dann freut 

man sich schon gleich darauf, dass Ganze mit der Band zu 

spielen und bei der nächsten Session einzukloppen … 

Wobei ein fertiger Text bisher bei mir am längsten dauert. 

Ich höre gerne unbekannten Soul und Funk aus den 

60s, das ist für mich total inspirierend. Manchmal muss 

aber auch was Poppigeres dazwischen, damit auch neuere 

Inspo mitmischt. Künstler wie Charles Bradley, Kelly 

Finnigan, Sam Cooke oder Otis Redding laufen den ganzen 

Tag bei mir hoch und runter. Sonst ist es immer von 

der Lebenssituation abhängig, was rauskommt. Ist dann 

immer irgendwie Drama. Auch wenn man mal frisch verliebt 

ist (haha). 

MM: Was sind deine Tipps und Tricks fürs Schreiben 

eines großartigen Songs? 

MILES KING: Neben irgendeiner Melodie im Song, die hängen 

bleiben sollte, finde ich es wichtig, dass man alles 

gibt, den Emotionen freien lauf lässt. Ich find Mucke geil, 

die mich packt und mitreißt … wenn ich jemandem tief 

in die Seele gucken kann. Wir tracken live, weil wir genau 

das einfangen wollen. Wenn keiner schwitzt, wird halt die 

Heizung auf 5 gestellt (auch im Sommer). 

MM: Wie kreiert ihr euren eigenen Sound? Ich habe 

gelesen, dass ihr auch eine Hammond-Orgel im Ein - 

satz habt. 

MILES KING: Ja, die Hammond … Alle hassen sie (weil die 

70 Kilo irgendwie getragen werden müssen) und alle lieben 

sie (weil es vom Sound schon was ausmacht). 

Irgendwo hat das Teil mehr Seele, wenn’s rauscht und 

nach Nähmaschinenöl riecht. Miles steht ja auf so alten 

Kram … der wiederum unseren Sound definiert. 

Wir tracken in unserem kleinen Lo-Fi-Studio auf echten 

alten bzw. echten Instrumenten, an denen alte Mikro - 

fone hängen, durch ein altes Tascam-Mischpult auf eine 

eher bescheidene 8-Track-Reel-to-Reel-Bandmaschine. 

Und genau da liegt die Magie. Maximal zwei Mics an den 

Drums, und dann wird der Sound gesucht, vorzugsweise 

mit einem Hauch Nastyness bzw. Shitty-is-pretty-Vibe. 

MM: Ihr seid mit Festivals gut ausgebucht. Letztens 

konnte man euch noch beim Duckstein-Festival in 

Hamburg sehen. Was sind eure weiteren Ziele? Even - 

tuell ein Album? 8 


54 STORIES 

MILES KING & THE FOOLISH KNIGHTS 

„My True Love“ | „The Good Life“ 

– Singles 

VÖ: 12.11.2021 | VÖ: 18.06.2021 

MILESKINGANDTHEFOOLISHKNIGHTS.COM 

MILES KING: Dieses Jahr ging wieder etwas mehr, wobei das natürlich alles 

noch viel zu wenig ist. Nächstes Jahr wollen wir definitiv öfter auf der Bühne 

stehen. Auch wenn wir genügend Songs zusammen haben, wird ein Album 

wohl noch etwas dauern … So was ist ja auch ein Statement. Da vermischen 

sich derzeit zu viele alte und neue Songs. Auch vom Sound und Approach 

her hat sich über die letzten Jahre einiges geändert. Das wird dann hoffentlich 

im kommenden Jahr unter anderem auf 45s – also Vinylsingles – 

zu hören sein. Danach wird es schon eher in Richtung Album gehen. 

MM: Ihr habt ein eigenes Label gegründet. Woher kam der Ent schluss 

und wie habt ihr euch das aufgebaut? 

MILES KING: Vor allem Miles hatte da schon lange eine Vorstellung. So 

was wie Stax oder Daptone haben ihn seither begeistert. Bands und 

Musiker*innen aus einem familiären Pool mit einem ähnlichen Sound als 

verbindendem Element. Langfristig wollen wir an weiteren Projekten mit 

verschiedenen Künstler*innen arbeiten und das eben über ein Label veröffentlichen. 

Da entstehen zudem auch ganz viel Raum für neue Sounds 

und kreative Möglichkeiten und Platz, sich auszutoben. Im Mittelpunkt 

stehen immer der Vibe und die Nähe zum Funk bzw. Soul. Die Produktions - 

abläufe, die wir hier anstreben, ermöglichen auch, dass nicht zwingend alle 

auf einem Fleck sein müssen. Ohnehin sind es ja bei unseren Studio pro - 

duk tionen schon beinahe 14 Leute. 

MM: Ihr sprecht vom Scheitern und Wiederaufstehen. Woran seid ihr 

gescheitert und wie seid ihr wieder aufgestanden? 

MILES KING: Sieben, acht Leute finden, die sich auf dieselbe Musik einlassen, 

ist schon nicht so einfach. Bei so einer großen Band kann nicht jeder 

machen, was er oder sie will … Spontan klappt da auch wenig. So eine Band 

kann sehr schnell träge werden. Man muss nur mal daran denken, wie 

viele Telefonate getätigt werden, um einen Termin festzumachen. Da 

müssen schon alle an einem Strang ziehen, sonst frisst man immer nur Dreck. 

Moral ist halt auch ’ne Sache, die sich immer auf alle auswirkt. 

Zudem ist die ideologische Komponente in der Soulmusik vorranging: 

Es reicht nicht, mal ein Album gehört zu haben … Das muss man lieben und 

den Kulturkreis, aus dem die Musik kommt, wertschätzen. Man wird in solchen 

Sachen öfter gegen eine Wand rennen, aber am Ende mit Leuten 

dastehen, die eine Vision teilen. 

Es gibt immer wieder Rückschläge in verschiedenen Bands oder generell 

in sozialen Verbindungen. Wo viele Menschen beteiligt sind, hängt auch 

viel davon ab. Das Ganze am Laufen zu halten, ist eben die Kunst. Neue Ziele, 

neue Songs, neue Sessions … neue Termine. Das ist das, was dann wieder 

anfixt. Gerade das Label generiert gerade enorm viel Auftrieb und eine 

endlose Liste an Möglichkeiten. 

WEB: WWW.MILESKINGANDTHEFOOLISHKNIGHTS.COM 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER | FOTOS: © POLLER 


STORIES 55 

VIBES O’ FIVE 

»Wenn Musik gut ge macht ist, 

verdient sie unseren Respekt. 

Alles andere ist individueller Geschmack.« 

BAND-BESETZUNG: 

HOLGER WENCK 

MARC SCHMIDBAUER 

JESSIE SCHNEIDER 

SEBASTIAN FIX 

JÖRN JAHNKE 

– GITARRE 

– SCHALGZEUG 

– GESANG 

– GITARRE 

– BASS 

MM: Wie kam es zur Entstehung von VIBES 

O’ FIVE? 

VIBES O’ FIVE: Die Idee zur Bandgründung ging 

von Holger und Faxe aus, welche sich bereits von 

ge meinsamen Sapiency-Zeiten kannten. Der ur - 

sprüngliche Plan war damals, eine reine Cover band 

zu gründen, um einfach nur Spaß zu haben. Die 

beiden waren dann als Zuschauer auf dem Karben 

Open Air und haben dort Marc getroffen und ihn 

bei einem feuchtfröhlichen Abend von der Idee 

begeistert. Glücklicherweise wohnte Marc zu dieser 

Zeit in einer WG mit Jessie, und nach den ersten 

Proben wurde schnell klar, dass wir die perfekte 

Frontfrau gefunden hatten. Um die „Five“ komplett 

zu machen, fehlte nun nur noch ein mächtiger 

Rhythmusvertreter für die tieferen Töne. Zu Jörn 

gab es vorher keinen Kontakt, er stieß über eine 

Anzeige im Internet zu den Vibes – ein Lob auf die 

elektronischen Medien! Er musste direkt nach der 

ersten Probe verpflichtet werden – ob er wollte 

oder nicht! – einfach nur gut gemacht. 

MM: Wie seid ihr auf den Bandnamen ge - 

kommen? 

VIBES O’ FIVE: Wir hatten ein paar Listen mit 

möglichen Bandnamen. Bei einer gemeinsamen 

Diskussion stand Vibes O’Five dann schnell als 

Bandname fest. Das ging wirklich kurz und 

schmerz los ohne lange Diskussionen – dafür mit 

etwas mehr Gerstensaft und Hopfentee. :) 

Wir waren alle direkt begeistert von der Idee 

hinter dem Namen! Da wir so unterschiedliche 

Cha raktere sind und jeder von uns seinen ganz 

eigenen Stil in unsere Musik einbringt, passt er 

perfekt zu uns! 

MM: VIBES O’ FIVE gibt es seit 2018. Was habt 

ihr davor gemacht? 

VIBES O’ FIVE: Holger und Faxe haben bei 

Sapiency viele Jahre zusammen gespielt, Holger 

ist dort immer noch aktiv. Weiterhin war Holger 

noch bei Everfest und Force Trankill, Bonneville 

und Traitors Gate. Jörn hat bei Lakehurst, Rent 

A Hero und Relaxed gespielt. Jessie war bei 

Flashback, Ratneck und HEFE (However Forever) 

und hat teils bei Eye For An Eye ausgeholfen, wo 

Marc gespielt hat. Wir haben also schon ein 

wenig Banderfahrung. 

MM: Ist Musik euer Hauptberuf? 

VIBES O’ FIVE: Nein, Musik ist nicht unser Haupt - 

beruf, dennoch hat die Musik bei uns allen einen 

hohen Stellenwert. 

Und wenn man alle Zeiten für das Lernen eines 

Instruments, die Bandproben, die Vermarktung, 

das Songwriting, die Studiozeiten bis hin zur An - 

reise und das Spielen von Konzerten rechnet, ist 

es insgesamt viel Zeit, die dieses Hobby kostet. 

Der Stundenlohn ist leider sehr überschaubar. 

Ohne Leidenschaft und Individualismus geht hier 

Garnichts. 

MM: Eure Setlist ist ein Gemisch aus AC/DC, 

Blink 182 und Justin Bieber. Sind das Mu - 

siker, die ihr auch privat hört? Welche Künstler 

beeinflussen euch als Band? 

VIBES O’ FIVE: Wir sind sehr verschiedene Charaktere 

in der Band. So ist auch unser Musikgeschmack 

sehr weit gestreut mit einigen Über - 

schnei dun gen, aber auch großen Differenzen. 

Unser Coverprogramm hören wir also teils auch 

privat, zumindest gibt es eine gewisse Zustim - 

8 


56 STORIES 

fen neue Kontakte und unterhalten uns gerne. Ist 

die Rückfahrsituation organisiert, kann auch mal 

ordentlich gefeiert werden … Rock on! – bis die 

Sonne aufgeht! 

»Wir waren alle direkt 

begeistert von der Idee hinter 

dem Bandnamen! 

Da wir so unterschiedliche 

Cha raktere sind 

und jeder von uns seinen 

ganz eigenen Stil 

in unsere Musik einbringt, 

passt er perfekt zu uns!« 

MM: Woraus besteht euer Equipment? 

MARC: Als Schlagzeug nutze ich zwei alte Sonor - 

schlagzeuge aus den 80ern, dazu unterschiedliche 

Snares, meistens eine Ludwig- und eine billige 

60- €-Millenium-Snare. Dazu Paiste- und Sabian- 

Becken und ein günstiges Thomann-China mit 

Kette vom Abflußstopfen, das klingt im Studio 

wirklich gut. Als Fußmaschine eine DW 5002. 

HOLGER: Anfangs habe ich Mashall-Verstäker 

gespielt, bin dann aber schnell auf Engl umgestiegen 

– einfach nur gut! Ich bevorzuge in der 

Regel Ibanez-Gitarren, wobei über die Jahren 

natürlich auch einige andere Gitarrenhersteller 

ausprobiert wurden. Als Ersatzgitarren kommt 

eine Shecter mit auf die Bühne. 

mung zu den Songs, sonst würden wir sie auch 

nicht spielen. Wir sind schließlich eine demokratische 

Band. 

Unsere Einflüsse sind wirklich sehr weit ge streut: 

von Rock und Metal (und härter) über Hip-Hop 

und Pop bis hin zu Jazz und Singer-Songwriter. 

Die größten Überschneidungen gibt es wohl im 

härteren Rock und im Metal. Wenn Musik gut ge - 

macht ist, verdient sie unseren Respekt. Alles 

andere ist individueller Geschmack. 

MM: Wenn es zu euren eigenen Songs kommt: 

Wie geht ihr beim Songwriting vor? 

VIBES O’ FIVE: Holger schreibt die Harmonien und 

Rhythmen für ein oder zwei Gitarren und ein grobes 

Arrangement. Dann trifft er sich mit Marc im 

Proberaum, um die Schlagzeugparts zu entwerfen. 

Parallel dazu schreibt Jessie Songtexte. Aus 

einem Fundus an Songtexten wählt sie dann einen 

zur Stimmung des Songs passenden Text aus. In 

gemeinsamen Proben werden dann Gesangs - 

me lodie und der letzte Feinschlief erarbeitet. 

MM: Was sind eure besten, aber vielleicht 

auch peinlichsten Live-Erfahrungen? 

VIBES O’ FIVE: Wie alle von uns habe auch ich 

(Holger) vorher in vielen verschiedenen Bands und 

Projekten mitgewirkt. Was mir immer in Erinne rung 

bleiben wird, passierte auf einem mittelgroßen 

Festival mit meiner damaligen Hauptband. Der da - 

malige Sänger hatte bereits vor dem Auftritt etwas 

ausgiebiger angefangen, den Tag zu feiern … Wir 

durften damals das Festival eröffnen und gingen 

hochmotiviert auf die Bühne – teilweise vielleicht 

etwas „übermotiviert“. Gegen Ende des Auftritts 

ist es dann passiert … Im Rückwärtsgang ist unser 

Sänger in das Schlagzeug gefallen und hat es 

wirklich fast komplett abgeräumt … Somit endete 

unser Gig etwas abrupt. Anschließend dauerte 

es etwa eine halbe Stunde, bis alles wieder auf - 

gebaut war und funktionierte. Dass nicht alle von 

dieser Show begeistert waren, könnt ihr euch 

vorstellen. Um die Laune aller Anwesenden wieder 

etwas zu verbessern, müssten wir viele Drinks 

ausgeben, sodass wir dann insgesamt draufgelegt 

haben. Gegen Ende des Festivals konnten 

dann zum Glück fast alle drüber lachen. 

MM: Sagen wir, ihr habt ein erfolgreiches Kon - 

zert gegeben. Wie sieht es danach hinter den 

Kulissen aus? Wie kann man sich eine After - 

show-Party mit VIBES O’ FIVE vorstellen? 

VIBES O’FIVE: In der Regel landen wir bei einem 

von uns zu Hause und feiern dort noch ein wenig. 

Manchmal wird dort auch mal ein Bier getrunken 

– oder zwei bis vielleicht sogar ein paar mehr. ;) 

Wir genießen natürlich auch die Stimmung in 

den Clubs direkt nach den Auftritten. Wir sind alle 

sehr offen, bewegen uns direkt im Publikum, knüp- 

FAXE: Da ich noch nicht so ewig Gitarre spiele, bin 

ich noch am Rumprobieren. Zurzeit spiel ich eine 

Charvel San Dimas als Hauptgitarre und nutze 

ein Line 6 Helix über eine 4x12er-Marshall-Box, 

wobei ich – ähnlich wie Holger – eher auf Englartige 

Sounds stehe. 

JÖRN: Ich spiele meinen Sandberg-Bullet-5-Saiter 

über einen TC Electronic RH450 an einer SWR 

Big Bertha (2x15 plus Horn). Zu Hause habe ich 

noch einen 70er Fender Jazz Bass und einen 

Warwick Streamer Stage 1. 

MM: Was sind eure Ziele und was wollt ihr 

noch erreichen? 

VIBES O’ FIVE: Reich und berühmt werden! ;) Na ja, 

das ist vielleicht ein wenig hochgegriffen. Na - 

türlich wollen wir wie alle Musiker auf Bühnen, 

viele geile Gigs spielen und Vollgas geben! Vor 

allem auf mehr Open Airs und kleineren Festivals 

würden wir gerne performen! Vorerst ist uns aber 

jede Kneipe recht, wir spielen sogar unplugged 

spontan in Parks oder auf Privatpartys. Wir wollen 

spielen, spielen, Hauptsache spielen und die 

Leute für unsere Musik begeistern. 

Zudem wollen wir weiter eigene Songs schreiben, 

sie im Studio aufnehmen und dann als CD 

rausbringen – aber am Wichtigsten ist uns immer 

noch, dass wir eine schöne gemeinsame Zeit 

haben! 

WEB: WWW.VIBES-O-FIVE.DE 


FOTOQUELLE: VIBES O’ FIVE 


PRODUKT-NEWS 57 

TASCAM MACHT SONICVIEW-DIGITALMISCHER KOMPATIBEL MIT AV-NETZWERKEN 

NACH SMPTE ST 2110 

Tascam hat die Entwicklung einer Erweiterungskarte für die 

Sonicview-Konsolen des Unternehmens angekündigt, die 

den AV-Netzwerkstandard SMPTE ST 2110 vollständig unter - 

stützt. Die IF-ST2110 bietet Zugriff auf 64 Audioeingangsund 

-ausgangskanäle mit voller Netzwerkredundanz gemäß 

SMPTE ST 2022-07 und unterstützt die Übertragungs stan - 

dards SMPTE ST 2110-30/31, NMOS, AES67 und SAP. Die 

internationale Markteinführung dieses Produkts ist für den 

Sommer 2024 geplant. 

Mit dem weltweiten Trend zu IP-basierten AV-Anwendungen 

wächst der Bedarf an Produkten, die genau diejenigen AVover-IP-Protokolle 

bereitstellen, die für die jeweilige Anwen - 

Tascam kündigt das Firmware-Update Version 1.40 für das 

integrierte Produktionsstudio Model 12 an. Das Update wurde 

auf Basis von Benutzerwünschen entwickelt und soll in vielen 

Situationen deutlich mehr Flexibilität bieten. 

FLEXIBLE ZUWEISUNG VON USB-RETURNS 

Zunächst wurde die Nutzbarkeit der Rückführungen aus dem 

USB-Interface verbessert, die sich nun unterschiedlichen 

Kana l paaren zuweisen lassen. Das heißt, wer USB-Returns 

benötigt und die Eingänge 1 und 2 für Live- oder Mehr spur - 

signale nutzen möchten, kann die USB-Returns jetzt einfach 

den Kanälen 9–10 oder direkt der Stereosumme zu weisen. 

NORMALISIERUNG VON SPUREN UND TITELN 

Eine weitere wichtige Neuheit ist die Funktion „Track Nor - 

malize“. Bei der Normalisierung wird der Pegel einer aufgenommenen 

Audiospur um einen konstanten Wert angehodung 

am besten geeignet sind. Es gibt viele Gründe für diesen 

Trend, wie zum Beispiel verbesserte Systemflexibilität 

und die Imple mentierung effizienterer Arbeitsabläufe sowie 

die allgemeinen Kostenvorteile, die IP-basierte Lösungen 

erzielen können. Während Sendeanstalten zunehmend 

AV-Netzwerke mit SMPTE ST 2110 und AES67 implementieren, 

gibt es auch Situationen, in denen unterschiedliche IP- 

Protokolle zum Ein satz kommen. Tascam hat den Bedarf an 

flexibler Ein- und Ausgabemöglichkeit schon lange erkannt 

und bietet eine Reihe von Erweiterungskarten und ein eigenes 

standardisiertes Steckplatzformat an, das von vielen 

Tascam-Pro dukten unterstützt wird. 

Mit einer integrierten Dante-Schnittstelle bieten die Misch - 

pulte Sonicview 16 und Sonicview 24 von Tascam bereits 

von Haus aus AV-Netzwerkkonnektivität, die nun durch die 

neue Karte um wichtige Protokolle erweitert werden kann. 

Die IF-ST2110 ergänzt das bestehende Angebot an Erwei te - 

rungskarten mit MADI, AES-EBU, Analogausgängen, zusätz - 

licher Dante-Fähigkeit und einem 32-Spur-Audio re cor der und 

hilft damit, die Anforderungen von Live-Events, installierten 

Audio systemen sowie von Sendeanstalten in Studios und Ü- 

Wagen für die Remote-Produktion zu erfüllen. 

Weitere Infos: www.tascam.eu/de/category/sonicview 

NEUE FUNKTIONEN FÜR MODEL 12 VON TASCAM 

ben oder abgesenkt. Dies ist vor allem dann nützlich, wenn 

eine Spur oder ein Titel mit einem zu niedrigen Pegel aufgenommen 

wurde. Als Zielpegel für die Normalisierung kann 

ein Wert zwischen 0 und –20 Dezibel in Schritten von 0,1 dB 

festgelegt werden, was entweder subtile oder deutlichere 

Pe gel änderungen bewirkt. 

HÖHERE EINGANGSVERSTÄRKUNG 

Tascam hat außerdem eine Gain-Boost-Funktion hinzugefügt. 

Unter Gain versteht man den Grad der Verstärkung eines 

Signals. Je schwächer ein Mikrofon- oder Line-Signal ist, 

desto mehr Verstärkung ist erforderlich, um es auf das Niveau 

anderer Audiosignale zu bringen. Mit dem Firmware-Update 

kann die Verstärkung jedes analogen Eingangskanals un - 

abhängig voneinander um zusätzliche 6 oder 12 Dezibel er - 

höht werden, was die Anpassung an schwache Eingangs - 

quellen erleichtert. 

Das Tascam Model 12 ist ein kompaktes, integriertes Allin-One-Mischpult, 

das sich an Musik- und Multimedia-Pro - 

duzenten, Songwriter und Künstler richtet. Die vielseitige 

Workstation bietet laut Hersteller ein hohes Maß an Funk - 

tionalität, darunter einen digitalen Mehrspur-Recorder, ein 

USB-Audio-/MIDI-Interface, DAW-Steuerungs funktionen 

(Digital Audio Workstation) und hervorragende Podcasting- 

Funktionen einschließlich Mix-Minus und Smartphone-Ein - 

gängen. Damit kann Model 12 den kreativen Prozess, die 

Produktion und den Workflow in vielen Einsatzbereichen 

von Anfang bis Ende unterstützen. 

Das Update steht auf der deutschsprachigen Website von 

Tascam Europe zum kostenlosen Download bereit (tascam.de/downloads). 

Weitere Infos: www.tascam.eu/de/model12 


58 PRODUKT-NEWS 

FÜNF K&M-PRODUKTE, DIE DEINEN TOUR-ALLTAG ERLEICHTERN 

11806 ROLLSCHLITTEN FÜR 

KEYBOARDSTÄNDER 

21467 BOXENSTATIV 

»RING LOCK« 

SPERIE KARAS 

A TRIBUTE TO CHARLEY 

50 Rudimental Solos 

In honor of my studies with Charley 

Wilcoxon 

A Tribute to Charley – 50 Rudimental Solos ist Sperie 

Karas’ Hommage an die Schlagzeuglegende Charley 

Wilcoxon. Als ehemaliger Schüler Wilcoxons kennt Sperie 

dessen Stil und Herangehensweise aus erster Hand. 

In den 50 musikalisch ausgefeilten Solostücken für 

Snare drum begegnet man folgerichtig klassischem 

Rudi mental Drumming à la Wilcoxon, wobei dieser Ein - 

fluss auf eine moderne Ebene gehoben wird. 

Neben Solos im 2/4-, 4/4- und 6/8-Takt sind auch un - 

gerade Taktarten vertreten, die Stücke sind außerdem 

durchweg dynamisch ausgearbeitet und Metrum wechsel 

oder Swing-Feel sind ebenso zu finden wie Ideen zur 

Inter pre tation am Drumset. 

Das eröffnet eine zeitgemäße Perspektive und bietet 

damit eine einzigartige Möglichkeit, das eigene Rudi - 

mentspiel durch neue, inspirierende Impulse zu bereichern. 

Faszinierend! 

Beim Umzug, während des Einkaufs oder beim Aufbau der 

Bühne stehen wir häufig vor einer zentralen Frage: Schleppen 

wir alles auf einmal oder gehen wir lieber mehrmals? Sofern 

du dir diese Frage auch bereits gestellt hast, wirst du schnell 

zur Erkenntnis gelangt sein, dass sich für beide Heran gehensweisen 

überzeugende Argumente finden lassen. Da auch wir 

keine wirkliche Lösung für dieses Schlepp-Dilemma haben, 

präsentieren wir dir die Rollschlitten für Keyboard ständer, mithilfe 

derer du dein Equipment in Zu kunft auf die Bühne 

schiebst, anstatt es auf die Bühne zu hieven. Die Rollschlitten 

lassen sich in der Länge ausziehen und sind dadurch mit 

allen Key board- und Geräteständern aus dem K&M-Sortiment 

kompatibel. Feststellbare Rollen sorgen für einen sicheren 

Stand und ermöglichen es dir, dass die Rollschlitten auch 

während des Gigs unter dem Gerät verbleiben können. 

21316 TRAGETASCHE 

»SELECT« 

Okay, okay, schon gut! Auf schweres Schleppen hat nun 

keiner so wirklich Bock – im Sommer bei 38 °C schon dreimal 

nicht. Zwar können wir dir das Tragen nicht abnehmen, 

die Sache etwas leichter machen aber schon: Mit einem 

Eigen gewicht von nur 5,2 kg ist das Boxenstativ »Ring 

Lock« wohl das sommertauglichste seiner Art. Gefertigt aus 

Alu minium gelingt dem Boxenstativ 21467 der Kompromiss 

aus Transportfreundlichkeit und Stabilität und es trägt mit 

50 kg Belastungsgrenze ein Vielfaches seines Eigengewichts. 

Mittels Rastbolzen und Sicherungsschraube lässt sich das 

Boxenstativ auf eine Höhe zwischen 1370 mm und 2170 mm 

einstellen. Die integrierte »Ring Lock«-Technologie sorgt für 

einen sicheren Halt der Satelliten. Separat erhältliche Trage - 

taschen machen den Transport noch bequemer und schützen 

das robuste Material vor Beschädigung. 

„A Tribute to Charley – 50 Rudimental Solos is Sperie 

Karas’ salute to drumming legend Charley Wilcoxon. 

As a former student of Wilcoxon, Sperie knows his 

style and approach firsthand. The 50 musically detailed 

snare drum solos feature classic rudimental drumming 

à la Wilcoxon, but with a modern twist. 

In addition to solos in 2/4, 4/4 and 6/8 time, odd time 

signatures are also represented, the pieces are 

dynamically refined, and meter changes or swing 

feel can be found as well as ideas for interpretation 

and execution on the drum set. This opens up a contemporary 

perspective and provides a unique opportunity 

to improve your own rudi men tal drum ming 

with new, inspiring impulses. Fascinating!“ 

ISBN-10: 3-947998-61-9 | ISBN-13: 978-3-947998-61-6 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 

Steile These: Sänger*innen drücken sich vor dem Aufbau! 

Mit einer stoischen Gelassenheit (genervte Bandmitglieder 

würden auch von Arroganz sprechen) bringen sie Mikrofon - 

stativ und Mikrofon auf die Bühne und signalisieren mit einem 

frechen Grinsen, dass ihre Aufgabe hiermit erledigt ist. Wenn 

du dich als Sänger von diesem Vorurteil befreien möchtest, 

dann haben wir hier den ultimativen Tipp für dich. (Über- 

arbeiten wirst du dich auch damit nicht, versprochen! ;)) In 

der Tragetasche »Select« lassen sich sechs K&M-Mikro fon - 

stative verstauen und mit den eingebauten Rollen spielend 

einfach auf die Bühne ziehen. Die Tragetasche ist aus strapazierfähigem 

Material gefertigt. Das K&M-Stick emblem 

rundet das qualitativ hochwertige Erscheinungs bild ab. Neben 

der Tragetasche für Mikrofonstative bieten wir auch eine 

Tasche für zwei Boxenstative in unserem Sortiment an. Stell 

dir mal die Blicke deiner Kollegen vor, wenn du mit Boxen - 

stativen auf die Bühne kommst … 

18826 GERÄTESTÄNDER 

Es gibt Dinge, von denen man nicht genug haben kann. 

Freizeit sagen die einen, Schokolade meinen die anderen. 

Quasi die Schokolade unter den Zubehörartikeln ist dieser 

Geräteständer 18826. Flexibel einsetzbar als Keyboard stän - 

der, Amp-Stativ oder Mischpultablage, ist der Geräte ständer 

18826 ein wahrer Allrounder. Die Ablagebreite ist mit 250 bis 

840 mm angegeben, somit nimmt der Ständer Equipment 

verschiedener Couleur auf. Die Auflagerohre können unabhängig 

voneinander auf eine Höhe zwischen 595 und 1015 

mm eingestellt werden. Das einfache Handling und das 

transportfreundliche Packmaß machen den Ständer zum 

idealen Reisebegleiter. 



PHILIPP REHM 

BASS MATRIX 

Entschlüssele die Geheimnisse der Bass 

Grooves 

Für Einsteiger, Fortgeschrittene und Pros 

auch ohne Notenkenntnisse 

17534 4-FACH- 

GITARRENSTÄNDER 

Was haben Ritchie Blackmore von Deep Purple, Jimi Hendrix 

und Pete Townshend von The Who, abgesehen von der Tat - 

sache, dass sie Meister ihres Fachs sind, gemein? Sie brauchen 

eine Menge an Gitarren auf der Bühne, und das unabhängig 

vom womöglich offensichtlichsten Grund: Klangun ter - 

schied. Diese Herren haben während ihrer Gigs eine Unzahl 

an Gitarren zerstört. Im Netz kursieren Videos, auf denen für 

die Nach welt festgehalten wurde, wie sie im Wahn Gitarren 

jeglicher Couleur zerschmettern. Warum wir dir das er zählen? 

Weil wir dich von unserem letzten Artikel, der deinen Tour- 

Alltag erleichtern wird, überzeugen möchten. Stell dir vor, 

diese Gitarren würden alle einzeln in Gitarrenständern stehen 

anstatt feinsäuberlich neben einander gereiht? Mit dem 4- 

fach-Gitarrenständer »Guardian« kannst du alle Gitarren 

Backstage vorbereiten und in einem Schwung auf die Bühne 

schieben. Nur nicht zu fest, wir wollen ja keine kaputten 

Gitarren … Oder etwa doch? 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

OLAF SATZER 

GARANTIERT SCHLAGZEUG 

LERNEN FÜR KINDER 

DER KINDERLEICHTE EINSTIEG INS 

SCHLAGZEUGSPIEL. 

Für angehende Schlagzeuger*innen ab 5–6 

Jahren 

Garantiert Schlagzeug lernen für Kinder zeigt dir alles, 

was du wissen musst, um ein cooler Drummer zu werden: 

Entdecke die (einzelnen) Instrumente deines Drum - 

sets, starte direkt mit den ersten Grooves und Fill-ins 

durch, lerne die Schlagzeugnoten kennen und schon nach 

kurzer Zeit spielst du zu richtigen Songs. Olli die Schlag - 

zeugmaus und Professor Trommelbein begleiten dich 

dabei. Sie geben dir hilfreiche Tipps, Hinweise zur Spiel - 

technik und helfen dir, das Gelernte direkt in die Praxis 

umzusetzen. 

Willkommen bei BASS MATRIX! Entschlüssele die Ge heim - 

nisse der Bass Grooves! 

Tauche ein in die faszinierende Welt des Bass-Spiels und ent - 

decke alles, was du schon immer über Rhythmen, Basslines 

und Groove Design wissen wolltest. Bringe deinen Bass- 

Motor auf Hochtouren mit dem innovativen Ansatz der BASS 

MATRIX. 

• Mache dein Timing und deinen Groove so solide wie 

einen Felsen. 

• Entschlüssele die Magie hinter Riffs und Basslines. 

• Entdecke ihren unwiderstehlichen Charme. 

• Stärke deine rhythmischen Skills mit Subdivisions und 

Groupings. 

• Schöpfe aus einem riesigen Fundus an Bass-Tools. 

• Kreiere stylische Basslines und Bass & Drum-Patterns. 

• Lass es fett grooven, nice & easy, in jeder Groove- 

Situation und Taktart. 

• Von 4/4 bis Odd Meter. 

• Navigiere mühelos durch viele Stilrichtungen. 

• Entdecke eine epische Sammlung von weit mehr als 

400 Song- und Audiobeispielen, inspiriert von bekann - 

ten Songs, Bands und Bassisten. 

Keine Sorgen mit dem Notenlesen. Die eigens entwickelte 

BASS MATRIX-Notation ist so intuitiv wie bei einem Drum - 

computer. Sie zeigt dir genau, wo jeder Ton sitzt und wie 

lang er klingen soll – auch ohne Notenkenntnisse. 

BASS MATRIX hilft dir, dein eigenes Groove- und Fill-Reper - 

toire aufzubauen, das du in allen Tonarten und Situationen 

abgroovebereit hast, um songdienlich, solide und gesch - 

mack voll zu spielen – ganz so, wie du es für deinen Bass- 

Alltag benötigst. Alles in einer Form aufbereitet, die sowohl für 

Einsteiger als auch für Fortgeschrittene und Pros geeignet ist. 

Geleitet von dem renommierten Bassisten Philipp Rehm 

und zusammen mit Schlagzeugikone Ralf Gustke führt dich 

BASS MATRIX in neue und bislang unerforschte musikalische 

Regionen, die du lieben wirst. 

Schnapp dir dein Instrument, mach es dir bequem und lass 

uns gemeinsam rocken! 

Art.-Nr.: 20281G | ISBN-10: 3-947998-14-7 

ISBN-13: 978-3-947998-14-2 | DIN A4 

296 Seiten | Buch & CD & Online Audio | VK: 25,95 € 


In sorgfältig aufeinander aufbauenden Lernschritten vermittelt 

dir Garantiert Schlagzeug lernen für Kinder alle 

wichtigen Grundlagen. 

So wirst du schnell sicherer und erlebst immer wieder 

Erfolgserlebnisse. 

Schnapp dir die Sticks und los geht’s! 

Garantiert Schlagzeug lernen für Kinder bedeutet: 

• durchgehend farbige Gestaltung 

• leichte Lesbarkeit mit großzügigem Notenbild 

• systematische Einführung von Noten und Pausen 

• (bis hin zu Sechzehnteln und Triolen) 

• Wortrhythmen zur methodischen Unterstützung 

• kindgerechte Erklärung musikalischer Begriffe 

• eine Bandbreite von kurzen Zweitakt- bis zu XXL- 

Übungen 

• coole Songs zum Vor- und Play-alongs zum Mit - 

spielen 

• für ein interaktives Lernerlebnis 

• Vorbereitung auf Band- und Ensemblespiel 

Dieses praxiserprobte Lernkonzept garantiert schnelle 

Er folgserlebnisse und stellt den Spaßfaktor in den Vor - 

dergrund. 

Art.-Nr. 20286G | VK: 21,95 € 

ISBN-10: 3-947998-20-1 | ISBN-13: 978-3-947998-20-3 

Buch & Online Audio | Format DIN A4 quer (29,7 x 21cm) 




FAME GC-112 VINTAGE 30 

1x12˝-Lautsprecherbox für E-Gitarren-Verstärker 

• Ein 12’’ Celestion Vintage 30 Lautsprecher 

• 60 Watt Belastbarkeit 

• 16 Ohm Impedanz 

• Robuste Holzkonstruktion mit geschlossener 

Rück wand 

• Ein- und Ausgang zur Verwendung in Kom bi - 

nation mit weiteren Cabinets 

• Schwarzer Außenbezug und „Salt & Pepper“- 

Front be spannung 

• Maße (BxHxT): 530 mm x 450 mm x 285 mm 

DIE FAME-GITARRENBOX IM ÜBERBLICK: 

Die Fame GC-112 Vintage 30 ist die ideale Laut - 

sprecher box für Studio, Proberaum und Bühne. 

Ausgestattet mit einem 12˝-Celestion-Vintage-30- 

Lautsprecher, liefert diese Box den unverwechselbaren 

und kraftvollen Sound, für den der Vintage 

30 seit Jahrzehnten bekannt ist und von Gitar - 

risten unterschiedlichster Genres geschätzt wird. 

Mit seiner Impedanz von 16 Ohm und einer Be - 

last barkeit von 60 Watt lässt sich das Cabinet 

sowohl alleine als auch in Kombina tion mit weiteren 

Lautsprecherboxen verwenden. Nicht zuletzt 

sorgen der klassisch schwarze Außenbezug und die 

„Salt & Pepper“-Frontbespannung für den angesagten 

Vintage-Look dieser Box. 

FEATURES: 

• Hersteller: Fame 

• Belastbarkeit (Watt): 60 

• Impedanz (Ohm): 16 

• Lautsprecherhersteller: Celestion 

• Anzahl Lautsprecher: 1 

• Lautsprecher: 12˝ Vintage 30 

• Frontausführung: gerade 

• Stereo: Nein 

• Farbbezeichnung: Black/Salt & Pepper Grille 

• Breite (mm): 530 

• Höhe (mm): 450 

• Länge (mm): 285 

2x12˝-Lautsprecherbox für E-Gitarren-Verstärker 

• Zwei 12˝-Celestion-Vintage-30-Lautsprecher 



• Robuste Holzkonstruktion mit halboffener Rückwand 

• Ein- und Ausgang zur Verwendung in Kombination mit 

weiteren Cabinets 

• Schwarzer Außenbezug und „Salt & Pepper“-Frontbe - 

spannung 

• Inklusive Rollensatz 

• Maße (BxHxT): 765 mm x 565 mm (625 mm mit Rollen) 

x 300 mm 

DIE FAME-GITARRENBOX IM ÜBERBLICK: 

Die Fame GC-212 Vintage 30 ist die ideale Laut sprecher - 

box für Studio, Proberaum und Bühne. Ausgestattet mit zwei 

12˝-Celestion-Vintage-30-Lautsprechern, liefert diese Box 

den unverwechselbaren und kraftvollen Sound, für den der 

Vintage 30 seit Jahrzehnten bekannt ist und von Gitarristen 

unterschiedlichster Genres geschätzt wird. Mit seiner Impe - 

danz von 8 Ohm und einer Belastbarkeit von 120 Watt lässt 

sich das Cabinet sowohl alleine als auch in Kombination mit 

FAME GC-212 VINTAGE 30 

weiteren Lautsprecherboxen verwenden. Nicht zuletzt sorgen 

der klassisch schwarze Außenbezug und die „Salt & Pepper“- 

Frontbespannung für den angesagten Vintage-Look dieser 

Box. 

FEATURES: 






• Lautsprecher: 12˝ Vintage 30 

• Frontausführung: gerade 


• Farbbezeichnung: Black/Salt & Pepper Grille 

• Länge (mm): 300 

• Höhe (mm): 565 

LIEFERUMFANG: 

• Rollen: Ja 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

Weitere Informationen: www.musicstore.de


FAME GC-212 VINTAGE 30 VERTICAL 

Die Fame GC-212 Vintage 30 Vertical ist die ideale Lautsprecherbox für Studio, Proberaum 

und Bühne. Ausgestattet mit zwei 12’’ Celestion Vintage 30 Lautsprechern, liefert diese 

Box den unverwechselbaren und kraftvollen Sound, für den der Vintage 30 seit Jahr - 

zehnten bekannt ist und von Gitarristen unterschiedlichster Genres geschätzt wird. Mit seiner 

Impedanz von 8 Ohm und einer Belastbarkeit von 120 Watt lässt sich das Cabinet 

sowohl alleine als auch in Kombination mit weiteren Lautsprecherboxen verwenden. Nicht 

zuletzt sorgt der klassisch schwarze Außenbezug und die „Salt & Pepper“-Front be - 

spannung für den angesagten Vintage-Look dieser Box. 

DIE FAME GITARRENBOX IM ÜBERBLICK: 

• Zwei 12˝ Celestion Vintage 30 Lautsprecher 



• Robuste Holzkonstruktion mit halboffener Rückwand 

• Ein- und Ausgang zur Verwendung in Kombination mit weiteren Cabinets 

• Schwarzer Außenbezug und „Salt & Pepper“-Frontbespannung 

• Inklusive Rollensatz 

• Maße (BxHxT): 510 mm x 690 mm (750 mm mit Rollen) x 300 mm 

FEATURES: 






• Lautsprecher: 12’’g Vintage 30 

• Frontausführung: schräg 


• Farbbezeichnung: Black/Salt & 

Pepper Grille 

• Länge (mm): 300 

• Höhe (mm): 690 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

LIEFERUMFANG: 

• Rollen: Ja


TASCAM DR-10L PRO: 

NEUESTE AUFNAHMETECHNOLOGIE IM KLEINSTFORMAT 

Tascam stellt mit dem DR-10L Pro einen ultrakompakten und 

leichten Field-Recorder mit Lavalier-Mikrofon und neuester 

32-Bit-Float-Recording-Technologie vor. Mit seinem hervor - 

ragenden Klang, der langen Akkulaufzeit sowie Optionen 

für Fernsteuerung und Timecode-Synchronisation soll der 

DR-10L Pro die perfekte Wahl für Anwender sein, die Ton 

möglichst unauffällig in hoher Qualität aufzeichnen wollen. 

Ob bei Hochzeiten, Dreharbeiten vor Ort, bei der Erstellung 

von YouTube- und anderen Social-Media-Inhalten oder bei 

allgemeinen Sprachaufnahmen – die grundsolide Arbeits weise 

eines kabelgebundenen Lavalier-Recorders hat sich bewährt 

und ist garantiert. 

32-BIT-FLOAT FÜR BESSERE AUFNAHMEQUALITÄT 

MIT WENIGER AUFWAND 

Im standardmäßigen 32-Bit-Float-Aufnahmemodus des DR- 

10L Pro erfassen zwei Analog/Digital-Wandler (ADCs) das 

Audiosignal über einen enorm weiten Dynamikbereich ohne 

Verzerrungen oder übermäßiges Rauschen. Nach Angaben 

des Herstellers ist eine Feinabstimmung der Eingangs ver - 

stärkung nicht erforderlich, selbst wenn eine große Band - 

breite an Schalldruckpegeln zu erwarten ist. 32-Bit-Float- 

Aufnahme bedeutet weniger Vorbereitungszeit und keine 

Sorge, dass Aufnahmen unbrauchbar werden. 

von microSDXC-Karten mit bis zu 512 GB steht ausreichend 

Platz für hochwertige Audiodateien zur Verfügung. 

FERNSTEUERUNG UND 

TIMECODE-SYNCHRONISIERUNG 

Wer öfter bei Veranstaltungen aufnimmt, wird die Möglich - 

keit der Fernbedienung zu schätzen wissen: Bis zu fünf DR- 

10L Pro lassen sich über den optionalen Bluetooth-Adapter 

AK-BT1 und die kostenlose App DR-10L Pro CONNECT fern - 

steuern. Neben dem Starten und Stoppen der Aufnahme können 

Videofilmer mit der App den Gerätestatus überprüfen, 

Marker setzen, die aufgezeichneten Wellenformen in Echt - 

zeit betrachten, Metadaten zu Aufnahmedateien hinzufügen 

und vieles mehr. 

Über den optionalen Bluetooth-Adapter kann der DR-10L 

Pro außerdem drahtlos Timecodes mit unterstützten Atomos- 

Produkten synchronisieren, um Audio- und Videoaufnahmen 

zeitlich präzise aneinander auszurichten. 

Zu den weiteren erwähnenswerten Merkmalen des DR-10L 

Pro gehören ein gut sichtbares OLED-Display, ein Kopf hörer - 

ausgang für Eingangsmonitoring und Kontrolle der aufgezeichneten 

Daten sowie ein USB-C-Anschluss für die einfache 

Datenübertragung auf einen Computer. Nicht zuletzt legt 

Tascam dem Recorder eine kostenlose Version von iZotope 

RX Elements bei. Die Software bietet leistungsstarke Funk - 

tio nen zur Audiowiederherstellung, darunter die Möglich keit, 

Husten und Hintergrundgeräusche nahtlos zu entfernen sowie 

Wind- und Umgebungsgeräusche mit nur wenigen Klicks zu 

verringern. 

Yosuke Matsuno, Generaldirektor des Geschäftsbereichs bei 

Tascam, kommentiert den neuen DR-10L Pro wie folgt: „Der 

DR-10L Pro ist ein bemerkenswert leistungsstarker Recorder 

und ein Lavaliersystem mit einem ebenso beeindruckenden 

kompakten Formfaktor. Und mit seiner App-Steuerung einschließlich 

der Möglichkeit zur drahtlosen Timecode-Syn chro - 

nisierung mit Atomos-Produkten bietet das System eine breite 

Palette kreativer Möglichkeiten für die Aufnahme von Audio - 

material der Spitzenklasse. Ich bin zuversichtlich, dass der DR- 

10L Pro bei vielen Audioprofis ein Zuhause finden wird.“ 

Paul Scurrell, Senior-Vizepräsident für Produkte bei Atomos, 

kommentiert: „Wir freuen uns, dass ein weiterer marktführender 

Recorder von Tascam das drahtlose Timecode-Syn - 

chronisationssystem Atomos AirGlu BT unterstützt. Der DR- 

10L Pro ist der perfekte Partner für unsere Kunden, die unsere 

UltraSync Blue, Ninja V / V+ mit Atomos-Connect-Modul und 

die Shogun Connect verwenden – sogar für Videoaufnahmen 

mit der iOS-App Atomos Pro Camera, die AirGlu BT Timecode 

unterstützt. Viele verschiedene Anwen dungsfälle für unsere 

gemeinsamen Kunden!“ 

Weitere Infos: www.tascam.eu/de/dr-10l_pro 

LEICHT, KLEIN UND AUSDAUERND 

Der Mikro-Recorder von Tascam passt in eine Handfläche 

und wiegt nur 65 Gramm. Dadurch lässt er sich leicht verstecken, 

wenn Unauffälligkeit gefragt ist. Der mitgelieferte 

Gürtelclip erlaubt es, das Gerät einfach und sicher an der 

Kleidung zu befestigen, ohne die jeweilige Person in ihrer 

Freiheit einzuschränken. Mit nur zwei Lithium-AAA-Batterien 

läuft der Recorder bis zu 24 Stunden lang – Gedanken über 

einen Batteriewechsel während der Aufnahme muss sich 

niemand machen. Die Aufnahmezeit ist auch nicht durch 

die Speicherkapazität begrenzt: Dank der Unterstützung 


REZENSIONEN 63 

C. K. BAKER BAND 

»Find your way« 

Wer sich aufgrund des Covers des hier vorliegenden Albums 

eher auf musikalischen Inhalt in Sachen Progressive Rock 

oder sogar Progressive Metal erwartungsvoll eingestellt 

hat, muss sich wohl nach den ersten paar Takten verwundert 

die Äuglein reiben oder zumindest erst mal die 

Gehörgänge reinigen und ein paar Gänge runterschalten 

Tönen einem doch nach erstem verdauten Überraschungs - 

moment unerwartet ruhige und transparente Singer-/Song - 

writer-Klänge entgegen, die den Hörer spätestens beim 

Titeltrack „Find your way“ in eine auf Weiteres gespannte, 

wohlig-knisternde Stimmung versetzt. Nachfolgend wären 

noch weitere Tracks zu nennen, die sich im Verlauf des 

Stückes in einen hineinschlurfen und festsetzen werden. 

Sich etwas Zeit geben, zurücklehnen und zuhören ist hier 

angebracht- möglichst auf einem Bärenfell vor dem prasselnden 

Kaminfeuer – aber wer nennt das schon sein Eigen. 

Das zweite Album der Band in dieser Formation ist auch 

diesmal wieder eine Eigenproduktion und wurde von Brian 

Deck unter Mitwirkung mehrerer illustrer Cracks der ansässigen 

Studioszene in Chicago produziert. Als auffällig darunter 

ist sicherlich der bekanntere Import-Mann an den 

Tasten des Keyboards namens George Kochbeck zu nennen, 

der sich schon über viele Jahre einen Namen als vielseitiger 

Sänger, Arrangeur und Komponist verschiedenster 

Genres erarbeiten konnte, nicht zuletzt durch seine 

Zusammenarbeit mit Joachim Kühn oder seinem eigenen 

Projekt Georgie Red. 

Hier steuert er für die Songs gekonnt sehr zurückhaltende, 

fast schon zerbrechliche, Klangkollagen und Soundteppiche auf 

dem Manual bei, die selbst mit angetriggertem Hammond- 

Sound nie aufdringlich erscheinen und ausschließlich nur song - 

dienlich rüberkommen. Das macht den absoluten Profi aus. 

Carlos Baker selbst, hier als Gründer, Songschreiber, Bassist 

und Sänger der Combo hervorzuheben, hat zuvor schon 

Zeit seines musikalischen Wirkens einige Solo-Alben veröffentlicht, 

in denen er auch schon im Erstlingswerk der Band 

„“Walk alone“ von 2019 Erlebnisse, Erfahrungen und auch 

harte persönliche Schicksalsschläge textlich verarbeitet hat. 

Seine Stimmfarbe erinnert dabei an den kanadischen Song - 

writer Wayne Matthews oder auch entfernt an den Sohne - 

mann von Bob Dylan, Jacob Dylan und seinen Wallflowers. 

Seine eingängigen Lyrics und Melodie-Lines sind klar verständlich 

und schnörkellos – ohne dabei in den Schmalz - 

topf gegriffen zu haben und dann schmerzempfunden ins 

Aufnahmemikro zu schluchzen und jammern. 

Die Gitarrenarbeit des deutschen Nordlichts Christoph von 

Storch, nicht verwandt mit Beatrix von Storch, ist durchaus 

bemerkenswert, sowie ebenfalls ausgesprochen dem Song 

dienlich. Blitzsauber, glasklar, teilweise leicht angezerrt, nie 

übermotiviert, aber mit gehöriger Prise Country-Blues-Folk- 

Rock. Spieltechnisch kann er neben einem Buddy Miller von 

der Emmylou Harris Band sicherlich bestehen und auch als 

Studio- oder Sessionmusiker für Country Joe McDonald, 

David Baerwald oder Peter Himmelman seinen Mann an 

der Klampfe stehen. J. J. Cale hätte wohl auch Gefallen an 

ihm gefunden. 

Die Drums (laut Vorab Info-Sheet namentlich nicht aufgeführt) 

sind allgemein als doch recht schüchtern gesetzt zu 

bezeichnen und vermitteln eher den Eindruck zu den Songs 

dazuzuspielen, als vielmehr den Groove vorzugeben – was 

letztlich schade ist und dem Ganzen wohl etwas mehr Pep 

gegeben hätte. Vielleicht aber so gewollt – wer weiß. 

Einen richtiggehenden Kracher und flotten Fetzer, der 

ordentlich über die Kniekehlen über die Hüfte, durch die 

Carotis ins Hirn schießt, wird man vergeblich auf diesem 

Album suchen – auch keinen sprichwörtlichen Ohrwurm. 

Dank dafür! Dennoch ein gelungenes Werk für überzeugte 

Folk-Country-Blues-Poetry Jünger*innen, die sich nach mehrmaligem 

Anhören sicherlich von der gebotenen Qualität überzeugen 

lassen. Ein Quentchen mehr Tiefe und Space hätte 

der finalen Abmischung dennoch nicht geschadet. Für ein 

imaginäres 10-Sterne Bewertungssystem sind gute 7,5 

Stars verdient. 

www.ckbakerband.com 

O.K. 

BASTIAN KORN 

»Polaroids« 

C.S. 

Mit Polaroids konnte man seiner Zeit Schnappschüsse aufnehmen. 

Sie wurden schnell und sofort entwickelt. Man 

konnte eine fest gehaltene Emotion in Händen halten, be - 

trachten und nachempfinden. Lieder, wie auditive Polaroids 

hat BASTIAN KORN entwickelt. Bunt, sensibel, zart und eindringlich 

klingen seine Schnappschüsse in Songwriter 

Qua lität. BASTIAN KORN war schon als 6-Jähriger gemeinsam 

mit seinem Zwillingsbruder mit dem Duo 78Twins auf 

der Bühne. Der Rock-’n’-Roll-Pianist Bastian hat sich mit 

seinem Bruder Benny, der als Drummer agiert, längst einen 

Namen gemacht. Und sie rocken immer weiter. Die Musik 

ist seither seine große Bestimmung. Mit seiner Solo-Scheibe 

Polaroids beweist BASTIAN KORN, dass er als Radio tauglicher 

Interpret in den 20ern der 2000er angekommen ist. 

Die Songs schwelgen in Erinnerungen und nehmen den 

besten Sound aus modernem Schlager und Uptempo Rock- 

Balladen. Erinnerungen, so schön beschrieben wie in Song 

mit dem Titel „Meilensteine“. Eingängige Melodien, Chorus 

im Gewand einer schicken Produktion mit entspannten 

Gitarren Licks und Keys schmeicheln im MidTempo in 

„Unter Deiner ehrlichen Haut“. Überhaupt zählen die Arran - 

gements von Streichern, Chor und Band besetzung zum 

Feins ten, entstanden im Studio der Maarweg Records in 

Köln. „Bermuda“ beschreibt melancholisch die Sehnsucht 

nach neuen Rock-’n’-Roll-Liedern, hübsch lennonesk. Auf 

der edlen Vinyl Scheibe finden sich auch „Ohne Plan ans 

Ziel“ in einer Extra Piano Fassung und „Unter Deiner ehrlichen 

Haut“ als Dance Remix. Das ganze Album besticht 

durch seine Melodien, für mich herausragend zu hören im 

Titellied „Polaroids“. BASTIAN KORNs Solo-Werk lässt sich 

deshalb vielleicht in die musikalische Verwand schaft von 

Adel Tawil und Johannes Oerding einsortieren. Bleibt den 

Hörerinnen und Hörern überlassen, die gar wunderschönen 

Polaroids einzusortieren. 

bastiankorn.de 

C.S. 

DAGOBERT BÖHM 

»Within A Dream« 

Verträumte Klangbilder – irgendwo zwischen Jazz und Folk, 

feine Balladen von der schönen Seite der Einsamkeit, dies 

ist das Hörerlebnis der neuen Platte von DAGOBERT BÖHM 

mit dem Titel „Within A Dream“. Seine Kooperationen klingen 

nach einem kleinen Who is Who der europäischen Jazzund 

Weltmusik. Der Gitarrist, Komponist und Produzent ar - 

beitete schon mit Zoltán Lantos (5-String Violine), Kornél 

Horváth (Percussion) und Tony Lakatos (Saxophon) zusammen. 

Seit dem Debut Sound of Wood von 1982 ist dies die 

achte von BÖHM veröffentlichte Platte. Unter seinem 

Pseudonym „Dago“ erschien das Smooth Jazz Album Sounds 

for a Blue Planet. DAGOBERT BÖHM, auch Begründer des 


64 REZENSIONEN 

Plattenlabels Ozella ist ein ausgewiesener Akustik Gitarrist 

und Multiinstrumentalist, was er auf „Within A Dream“ auf’s 

Schönste unterstreicht. Carsten Mentzel steuert unter anderem 

Klänge aus dem Fender Rhodes und Percussion bei. 

Karl Seglems Saxofon lässt eine Sommerbrise in Lucky Me 

wehen, das mit betörendem Groove hypnotisiert. Wenn gleich 

es sich um eine Instrumental Platte handelt, so hätte sich ein 

Michael Stipe im Song Lone Station bestimmt gut gemacht. 

Auch ein Meister der Melancholie, leider schon in Rente. 

Dagobert Böhms „Within A Dream“ lässt sich genau darum 

so echt, präsent und gut anfühlen. Es ist der Moment, der 

zählt. Im Hier und Jetzt diesen Träumen lauschen, zwischen 

Folk und Jazz. 

dagobertboehm.de 

C.S. 

CORDELIA LOOSEN-SARR 

»Kaleidoscope of Oneness« 

Die Solistin und Instrumentalistin CORDELIA LOOSEN-SARR 

nimmt uns auf eine musikalische Reise durch die Welt der 

Flöten und Kulturen mit, wie das Cover ihres neuen Albums 

verrät. Die Preisträgerin des Rock & Pop Preises 2022 in 

der Rubrik „Bester Instrumentalsolist“ brilliert auf dem 

Instrument Flöte. Sie beherrscht verschiedenste Bau- und 

Stilarten von Flöten aus aller Welt – so die Tin Whistle, die 

Piccolo, die Arabische Flöte und viele mehr. Die klassisch 

studierte Flötistin lässt uns durch ein Kaleidoskop voller 

Abwechslung blicken und hören. Begleitet wird CORDELIA 

von Georg Berhausen-Land an Gitarren und Keys, Diarra 

Konaté an Djembe und Percussion, Robert Niegel am Bass, 

sowie Keys, Pape Samory Seck mit African Drums und 

Percussion und Uwe Fuchs an Framedrum und Gitarre. Das 

Album „Kaleidoscope Of Oneness“ entführt in Sahara Ge - 

filde, wie in „Arabic Flow“, auf die angelsächsischen Inseln 

in „Pure Heart“ oder nach Nepal in „Cheer Up“. Dabei hat das 

Album einen ausgeprägten „unplugged-Charakter“, weil mit 

überwiegend akustischem Set, warm analog klingend aufgenommen. 

Die Melodien sind wohlgefällig poppig und eingängig. 

Wohl auch mal mutiger klingt „Welcome the Night – 

Fiesta“, hier mal rockig Samba lastig und mit Santana-like 

Solo Gitarre. CORDELIA LOOSEN-SARR, vielfache Preis trä gerin 

auf ihren Instrumenten fühlt sich in vielen Genres zuhause und 

zelebriert die heilende Wirkung der Flöte im besten Sinne 

auf diesem hörenswerten Album. 

cordelia-loosen-sarr.de 

C.S. 

HELGE LIEN TRIO 

»Revisited« 

Wiedervereinigt in schwierigen Zeiten und doch leichtfüßig. 

So klingt das Jazz Trio des HELGE LIEN. Im Studio, wie auch 

live vor Publikum wurden neun Klassiker des Masterminds 

aufgenommen, und zwar in berauschender Tonqualität. Das 

norwegische Trio hat, wie viele andere die Pandemie-Pause 

genutzt um sich wiederzuvereinigen. In neuer Besetzung. 

Wohl harmonierend gesellten sich für die Aufnahmen Knut 

Aalefjær (drums) und Neuzugang Johannes Eick (bass) zu 

dem Pianisten um Revisited aufzunehmen. Nach drei Jahr - 

zehnten Bandgeschichte kreierten das HELGE LIEN TRIO 

Jazz Improvisationen im Kosmos der tragenden Themen, 

hymnisch (Hymne), getragen, ausufernd, hypnotisch. Ge tra - 

gene Träume und anschwellende Emotionen finden ihren 

akustischen Weg zum Sinneseindruck. Das Schlag werk von 

Knut Aalefjær virtuos, der Kontrabass von Johannes Eick 

mal melodisch, mal funkifiziert. Wegen der überraschenden 

Wendungen und Breaks sei „Jasmine“ als Anspieltipp er - 

wähnt. Die Stücke sind entnommen aus Vorgängerwerken, 

wie beispielsweise Guzuguzu und neu interpretiert, Revisited 

eben. Die größere Bandbreite zeichnet sich in diesem neuen 

Album aus und macht es zu einem audiophilen Highlight. 

Ozellamusic.com 

C.S. 

MARIO SOUTSCHKA 

»Green Lights« 

„Grüne Lichter im Kopf“, das hat MARIO SOUTSCHKA auf 

seinem dritten Album. Der Gitarrist, Sänger und Songwriter 

hat sich diesmal bis zum Dancefloor vorgewagt. Seine Ein - 

flüsse, von Beatles bis Nirwana reichend, hat er mit Opti - 

mis mus, Ironie und Selbstreflexion angereichert. Und einer 

gehörigen Portion Pop. Diese Offenheit und Erfahrung tut 

dem Album gut. Das Experiment Pop meets Rock gelingt 

MARIO SOUTSCHKA auf „Green Lights“ in bester Weise. Es 

klingt, als gehörte es schon immer so zusammen, mit seinen 

Ausflügen in Disco, Eigthies, Nineties und aktuellem 

Radio Dance Pop. Die Stimmlage erinnert an Brian Molko 

auf Stimmungsaufheller (Lonesome Nights), der Sound an 

Pet Shop Boys im Home Studio. Unterstützt wird MARIO 

gesanglich von Christian Hofmeier, der Gitarrenarbeit von 

Riccardo Dehmen und an der Violine von Simone Stelzer. Gut, 

dass er den Pop auch selbstironisch sieht, wie in „Minutes To 

Midnight“, arg an Nico Sanchez erinnernd. Das Album 

„Green Lights“ ist schon ein großer Wurf und wird seine 

Fangemeinde finden. Mit seinen 35 Jahren zählt Mario zu der 

Fraktion „junge Wilde mit Erfahrung“. MARIO SOUTSCHKA ist 

fähig die immer gleichen Protagonisten der Charts im Radio 

mal richtig durchzuwirbeln. Die Ampel steht – musikalisch 

– für ihn auf Grün. 

motormusic.de/artists/mario-soutschka/ C.S. 

GERALDINO 

»Känguru – Musik für Kids« 

Geraldino, bürgerlich Gerd Grashaußer, seines Zeichens 

äußerst fleissiger Kinderliedermacher, hat sein aktuelles Werk 

„Känguru“, bequem und rechtzeitig zum leider letzten Male 

und als Jubiläum des zum 25. veranstalteten Kinder lieder - 

macher-Festivals am 22.10.2023 in Nürnberg veröffentlicht. 

Die nur im Eigenvertrieb erhältliche Mini-CD im Cardsleeve 

überrascht mit 8 Tracks auf musikalisch höchster Ebene 

unter blitzsauberer, gekonnter Produktion in DDD-Qualität. 

Die Kategorie „Musik für Kids“ trifft es nicht ganz, so kommen 

hier doch auch Freunde des swingenden Jazz, des 

anspruchsvollen Country- Folksongs, oder Rock- und Pop - 

fans in den Genuss spielfreudig und spielwitzig vorgetragener 

Virtuosität der beitragenden Mitwirkenden. Allen voran 

sind dabei ein gewisser Flitzefinger Norbert Schrüfer an der 

Django Reinhardt Gitarre, Norbert Gabla am Funken sprühenden 

Bandoneon und der gnadenlos groovende Gunther 

Rissmann am Kontrabass zu nennen. Anspruchsvolle Arran - 

ge ments, auch mit moderner Note, sollten auch größer Ge - 

wachsene jenseits des Alters von 4 – 10 Jahre überzeugen. 

Die Texte beinhalten manch' überraschende Pointe, zeugen 

von Einfallsreichtum bis hin zur blühenden Fantasie – und 

es wird nicht unbedingt auf Teufelkommraus Wert auf den 

perfekten Reim gelegt. Die Refrains und Rhythmen sind durchaus 

eingängig und dürften die Kids zum Mitsingen, Mitwippen, 

Tanzen oder auch Hopsen animieren. Ein be son derer Spaß ist 

der Song Nummer 6, „Zehn kleine Eier lein“, eine Variante des 

hinlänglich bekannten Liedes, dessen sich sogar die Toten 

Hosen angenommen haben, mit dem heutzutage – und hier 

nicht genannten Original titels, um die Political Correctness zu 

wahren und nicht sauer aufzustoßen. 

Im Ganzen ein trefflich äußerst kurzweiliges Produkt für groß 

und klein, die ganze Familie, nebst Verwandtschaft, Freun - 

den, Bekannten, Anhang und anderen Zeitgenossen, denen 

es nicht schaden würde hierdurch mal wieder zu lächeln 

oder sogar bis zu den Ohrwascheln zu grinsen. 

www.geraldino.de 

O.K. 

C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING 

O.K. – OLAF KRÜGER 

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Lektorat: 

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