Musiker Magazin 1/2022

C 10973 F | N o 1/22 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

40 Jahre 

Deutscher 

Rock & Pop 

Musikerverband e.V. 

Ein kleines, 

aber feines Jubiläum ... 

Federnelken 

Populärmusik 

zwischen Hirschbachstüberl 

und Mittlerem Ring 

»Sie sind mit ihrem 

ureigenen Stil 

Teil der kreativen Explosion 

der Rockmusik 

in der zweiten Hälfte 

der 1960er-Jahre« 

Der Schweiger 

Mittendrin in 

der deutschen Poesie 

Die Historie 

der Rock- & Popmusik:

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG UND MUSIKER MAGAZIN 

PRÄSENTIEREN: 

Bundeswettbewerb für Rock- und Popmusikgruppen und Sänger*innen 

aller musikstilistischen Bereiche 

Preisträger der Hauptkategorien 

A.G. Paul & Friends, ALWIN SMOKE, Amarillo Dusk, Andrea Beth, Andrea Wehner, Anja Sachs, Antlitz, Atomic Picnic Project, Barbara Zanetti, 

barlhow, Barry Alexander King, Ben Hendricks feat. Ally Queen, Berge, Black Frog Friday, Bogensberger, 

Carina, Catra + Conny Conrad, Chronique, Claudia Degen, Cosma Nova, Daisy Town, Daniel von Ischgl, Danny Streete, 

Die rollenden Steinchen, Die Söhne Tirols, DORIAN BLACK, Duo Saygili-Autschbach, Easy Gaby, EL PISTOLERO, Epos, Eric Maas, 

ERMANN & KRANZ, faek, FreiHerr, Front Row Warriors, George Theodorou, Gereon Stefer, GLÜXKINDER, Gunnar Nanuk, Henning Woitge, 

Jan Ullmann, Jasmin M., Joe Bennick, Klangfeder, Lilly + Georg Witsch, loewenhaupt, Maria Rahtkens, 

MARRANDRO (Andrea Hager / Michael Korn), Martin Meinzer, Meg Pfeiffer, Melissa Kross, Michaela Kuti, Miles King & The Foolish Knights, 

Miss Rockester, Nick Morrison & Band, Nicole Jukic, NOR!AN, Notes from the living room, Old Johnny’s Crew GbR, 

PATRICIA VIVANCO & GUNTHER GERKE, Paul Bartsch, Quick and Dörty, Ralf Beitner, RT-Projekt, Sammy Milo, SAOiRSE MHÓR, 

Schulte, Sofia Lainovic, SWAY, Sylvia Baumann, SYNYANA, Tameera, Ted’s Basement Connection, Tom WORDS, ToMiK, 

Udomat & die Panikgenossen, VAN SAALBACH, WAIDMANN, WILLMAN 

Preisträger der Sonderkategorien 

A.G. Paul & Friends, Alexander Schwegel, Alwin Smoke, Amarillo Dusk, Amy Lungu, Andrea Beth, Andrea Weil, Andy Frei, 

Anja Sachs, Anya Hartmann – Black Frog Friday, Awaiting Dawn, Barbara Zanetti, barlhow, Barry Alexander King, 

Bernd-Michael Land, Carina, Catra+Conny Conrad, Celine Georgi, Christoph Klüh, CHRONIQUE, Claudia Degen, Contrast 2, Corny Held, 

Cosma Nova, Country Fellows, Dana Maria, Daniel von Ischgl, Danny Streete, dee jay RUFUS, Denise Blum, DER OLE, 

Die rollenden Steinchen, Die Sargnägel, Die Traktor, DON TOCABAJO, DORIAN BLACK, Duo Saygili-Autschbach, E3 Acoustic Band, 

EDSP - Erste Deutsche Schlager Partei, Epos, Eric Maas, ERMANN & KRANZ, faek, Flame, Florian Müller, Franziska Kleinert, 

Free Wave Jazz Band, FreiHerr, George Theodorou, Gereon Homann, Gereon Stefer, GLiFFO, GLÜXKINDER, 

GrooveGorilla & seine tierische Gang, Gunnar Nanuk, Gunnar Nanuk + Lorraine Baron, Hartfield & Company, 

i Giocosi, Jan Rendels, Jan Ullmann, Jennifer Rast, Jens Dammann, Jeremy’s Jukebox, Jo Maximilian, Jo Oliver, Joe Bennick, 

John Liedermann, KIZZRock, Klangfeder, Klaus Michel, Lauschelieder, Lesly’s Dynamite, Letzte Station, Lilly + Georg Witsch, 

Living Tones, LOOPAHEAD, Luca Stricagnoli, Mai Cocopelli, Manfred Zarrelli, MARALEWO, Marc Savanna, Maria Rahtkens, 

Marie-Luise Cassar, Marina Ecker, Marrandro, Meg Pfeiffer, Melissa Kross, Mexs, Michael Vogt – Contrast 2, 

Michael Vogt + Veit Kortenkamp, Miss Rockester, Monika & Freunde, Musicalproduktionen Dr. Nadine und Thorsten Uebe-Emden GbR, 

Myriam Unplugged, Nick Morrison, Nicole Jukic, Noble Composition / One night with ABBA, Notes from the living room, 

PAPA ALFREDO, Paul Bartsch, Peter Sagurna, Peter Trappe, Philipp Dienstag, Rainer Gebauer, Ralph Lohaus, Reflection Club, 

Ricarda Jo Eidmann / Gabriel Groh, Roberto Bates, Ronny Berg, RT-Projekt, Sammy Milo, Sandra Ajtner, Sandra Herman, 

SAOiRSE MHÓR, Schirmbeck & Schott feat. Jessica Krüger, Schulte, Sebastian Rochlitzer, Simone Alena feat. Krech, Sofia Lainovic, 

SOUTHDOGROCK, Stefanie Rummel, Steff! Bauer, Steve Cathedral Group, STINGER, Sylvia Baumann, SYNYANA, Tameera, Th. Kässens, 

V. Bussmann, Patricia Vivanco, Gunther Gerke, Peter Sagurna, The Quarrymen Beatles, The Rosinenbomber, 

The Takanaka Club Band, Thomas Battenstein, TöFs Rappelkiste, Tom WORDS, ToMiK, Tony Liotta, Udo Klopke Band, Udomat & die Panikgenossen, 

UNPLUGGED INFERNO, VAN SAALBACH, WAIDMANN, Wattenläufer, Werner Krotz-Vogel, Wetterleuchten aus Songtexten, 

Willenlos Sexy, WILLMAN, Wolfgang Hering, Wolfgang Nicklaus, X-plosive, ZWULF 

Schirmherren 

Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen | Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. und des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V.

EDITORIAL 03 

PROLIGHT + SOUND 2022 

Mit viel Rückhalt aus der Branche: Taktgeber für einen 

erfolgreichen #Restart 

ie Musikmesse Frankfurt war eine bedeutende international ausgerichtete 

Messe für Musikinstrumente, Zubehör, Musikproduktion 

D 

und -vermarktung. Als eine der weltweit führenden Messen war sie zuletzt 

an drei Tagen für Fachpublikum und an zwei weiteren Tagen für alle Musik - 

interessierten geöffnet. Sie fand zuletzt vom 2. bis 5. April 2019 in Frankfurt 

am Main gemeinsam mit der Schwestermesse Prolight + Sound statt. In 

den Jahren 2020 und 2021 fand aufgrund der Corona-Pandemie keine 

Messe statt. Die nächste Musikmesse hätte vom 29. April bis 1. Mai 2022 

stattfinden sollen. Die Messeleitung teilte jedoch am 1. März 2022 mit, dass 

marktbedingt keine Musikmesse stattfindet und auch in Zukunft nicht mehr 

stattfinden wird. Nicht betroffen sind die Prolight + Sound sowie die Publi - 

kumsformate, die weiter fortgesetzt werden sollen. 

OFFIZIELLE PRESSEERKLÄRUNG 

MUSIKMESSE FRANKFURT: 

„Wir würden am liebsten bessere Neuigkeiten verkünden, doch leider können 

die Musikmesse Frankfurt, Musikmesse Frankfurt Plaza und Musik - 

messe Frankfurt Festival im April 2022 nicht stattfinden. Gerne hätten wir 

bereits im April die Stadt mit Euch zum Klingen gebracht, doch konnten 

sowohl Musikmesse Plaza als auch Musikmesse Festival vor dem Hinter - 

grund der geltenden Hygienebestimmungen nicht seriös geplant werden 

und sind daher nicht so umzusetzen, wie wir es uns wünschen. 

(Aus den gleichen Gründen konnte in 2020 und 2021 der 38. und 39. 

Deutsche SCHIRMHERREN: 

Rock & Pop Preis nicht stattfinden.) 

Marktbedingt Steffen Mues wird – Bürgermeister die Fachmesse der Musikmesse Stadt Siegen Frankfurt auch in Zukunft 

nicht Prof. fortgesetzt. Martin Maria Ein Krüger kleiner – Lichtstreif Präsident am des Horizont Deutschen in Sachen Musikrates Musik: Wir 

planen schon jetzt mit all unseren Kräften die Neuaufstellung der Publikums - 

formate JUROREN: Musikmesse Plaza und Musikmesse Festival für einen späteren 

Zeitpunkt. Rogelio Azcarate Fernandez, Matthias Bielecke, Franziska Bub, 

Bis Prof. zuletzt Dr. Bernd hatte Giezek, man bei Joachim der Messe Griebe, Frankfurt Dr. an Nicole den Hirschmann, 

Plänen festgehalten, 

vom Carsten 22. Kaiser, März an Lothar in Russland Krell, Dr. Messen Michael veranstalten Lorenz, André zu können. Scherzer, Doch am 

Dienstagnachmittag Thorsten Schmidt, Lutz wurde Sommer, dann mitgeteilt, Mike van Summeren, die Messe Frankfurt Jonas Wagner werde 

wegen der russischen Invasion in die Ukraine bis auf Weiteres alle Veran - 

staltungen in Russland aussetzen. Dies habe die Geschäftsführung entschieden, 

hieß es von dem vom Land Hessen und der Stadt Frankfurt ge - 

tragenen Unternehmen. Noch am Montag hatte man auf Anfrage geäußert: 

„Mittelfristige Auswirkungen auf das internationale Geschäft der Messe Frank - 

furt – in Russland und an unseren anderen Standorten weltweit – lassen 

sich zum jetzigen Zeitpunkt nicht prognostizieren.“ Nun aber teilte das 

durch die Pandemie stark betroffene Unternehmen mit: „Die Messe Frankfurt 

unterstützt alle Sanktionsmaßnahmen der Bundesregierung.“ 

Vom 26. bis 29. April läutet die Prolight + Sound den Saisonstart der 

Branchenevents rund um Entertainment Technology ein. Gemeinsam mit 

Hunderten Unternehmen zieht die Messe Frankfurt an einem Strang, um 

auf der Show ein starkes Signal für die erfolgreiche Zukunft der Veran stal - 

tungs wirtschaft zu setzen. Mit neuen Special Areas und Präsen tations for - 

maten weitet die Prolight + Sound ihr Portfolio aus – und widmet sich bei 

der Premiere des „Green Event Day“ dem Engagement der Industrie für 

den verantwortungsvollen Umgang mit natürlichen Ressourcen. 

WEITERE INFORMATIONEN: 

PLS.MESSEFRANKFURT.COM/FRANKFURT/DE.HTML 

1/2022 musiker MAGAZIN

04 SHORT-TAKES 

FESTIVAL 

02 Deutscher Rock & Pop Preis 2021 – 

Gewinner 

13 Deutscher Rock & Pop Preis 2022 – 

Konzept 

STORIES 

10 40 Jahre Deutscher Rock & Pop 

Musikerverband e. V. – Ein kleines, 

aber feines Jubiläum ... 

17 Alwin Smoke – »Six String Stories« 

20 Peter Volland – »Losgelöst von Markt 

und Umsatz bleibt das Musizieren 

weiter Teil meines Lebens« 

24 Lili Czuya – »Andere haben mit 20 

ein Auslandsjahr gemacht, ich hab auf 

dem Kiez als Sängerin gearbeitet.« 

28 FEDERNELKEN – Populärmusik 

zwischen Hirschbachstüberl und 

Mittlerem Ring 

30 LOOPAHEAD – Musikalische 

Strukturen, mit den Wurzeln im 

Blues, Rhythm ’n’ Blues, Latin, 

Rock & Jazz 

32 SANDRA Ajtner – »My future« 

34 BARRY ALEXANDER KING – 

Singer-Songwriter 

37 DER SCHWEIGER – Mit seinen 

philosophisch-poetischen Songs 

ist er mittendrin in der deutschen 

Poesie 

40 SANDRA DELL’ANNA – 

»Ich möchte nicht aufhören, 

an Musik zu wachsen« 

42 Die Historie der Rock- & Popmusik: 

THE DOORS 

MUSIKBUSINESS 

50 Online musizieren – verzögerungsfrei 

52 The Singer’s Coach von LeeZa Nail – 

Teil 3: VOCAL SKILLS 

RUBRIKEN 

04 Musiker-News 

56 Produkt-News 

61 Titelschutzanzeigen 

62 CD-Rezensionen 

66 Kleinanzeigen 

66 Impressum 

QUELLE TITELFOTO: THE DOORS 

WIE DIE MUSIKINDUSTRIE AUF 

DEN KRIEG REAGIERT 

Universal Music folgt dem Beispiel des Konzertriesen 

Live Nation und stellt die Arbeit in Russland ein. 

Sony und Warner Music ziehen einen Tag später nach. 

Spotify dagegen versucht einen Spagat. 

Viele westliche Unternehmen haben infolge 

des Ukrainekriegs ihr Russlandgeschäft auf Eis 

gelegt. Nun zieht sich auch der weltgrößte Musik - 

konzern aus dem Land zurück. Wie Universal 

Music mitteilte, werden alle Aktivitäten umgehend 

eingestellt und die Büros in Russland geschlossen. 

Universal dränge auf ein möglichst baldiges 

Ende der Gewalt und halte sich mit dem Schritt an 

internationale Sank tionen. 

Universal und die anderen beiden globalen 

Musikriesen – Warner und Sony Music – hatten 

zuvor angekündigt, Hilfsorganisationen zu unterstützen. 

Letztere erklärten, ebenfalls ihre Tätig - Handlungen ihrer Regierung empfinden und wir 

bewusst, die viele russische Fans angesichts der 

keiten in Russland auszusetzen. 

möchten an die Menschlichkeit erinnern, die russische 

und ukrainische Bürger teilen“. 

Der russische Markt für Musikaufnahmen war 

2019 laut dem Label-Branchenverband Inter na - 

tional Federation of the Phonographic Industry SPOTIFY WEITER AKTIV, PRÄSENZ 

(IFPI) zwar global gesehen nur die Nummer 17. IN RUSSLAND GESCHLOSSEN 

Doch stand im Vorjahresvergleich ein Umsatz - 

zuwachs von 50,3 Prozent zu Buche. Der Ge - Der Audio-Streamingdienst Spotify hat seine 

samt umsatz belief sich auf 171,7 Millionen Dollar. Präsenz in Russland auf „unbestimmte Zeit“ ge - 

Mit Blick auf die große Bevölkerung Russlands schlossen. Zudem sei der Zugang zu Inhalten von 

und die entsprechenden Wachs tums möglich - russischen Staatsmedien eingeschränkt und das 

keiten ist der Reiz für die Branche offensichtlich. Angebot von RT und Sputnik in der EU und 

„anderen Märkten“ entfernt worden. Der Dienst 

LIVE NATION ZOG SICH SCHON selbst ist in Russland allerdings bislang weiterhin 

FRÜH ZURÜCK 

verfügbar, um „den globalen Fluss von Infor ma - 

tionen aufrechtzuerhalten“, hieß es seitens des 

Der Universal-Rückzug ist freilich beileibe nicht schwedischen Unternehmens. In einer Mitteilung 

die erste Reaktion der Musikindustrie dieser Art. von Finanzchef Paul Vogel hieß es dann, das be - 

So hatte der größte Live-Entertainment-Konzern zahlte Angebot mit rund 1,5 Millionen Abon nen - 

der Welt, das US-Unternehmen Live Nation, zu ten werde bis auf Weiteres eingestellt. Spotify war 

dem auch die Plattform Ticketmaster gehört, erst im Juli 2020 nach Russland und unter anderem 

in die Ukraine expandiert. 

erklärt, keine Konzerte mehr in Russland zu veranstalten 

und im Markt nicht mehr tätig sein zu Auch die britische Verwertungsgesellschaft PRS 

wollen. Zusätzlich zu einer Reihe von Solidari täts - hat ihre Zusammenarbeit mit der russischen 

bekundungen von Künstlerseite sagten diverse RAO auf Eis gelegt. Die amerikanische BMI kündigte 

ebenfalls einen solchen Schritt an. Gleich - 

Musiker und Bands wie Björk, Nick Cave, The 

Killers oder Green Day Auftritte in Russland ab. zeitig be tonte das britische Pendant zur deutschen 

Auch die Russland-Termine der Solo-Tour von GEMA, dass es nicht das Ziel sei, russische 

Rammstein-Sänger Till Lindemann wurden ge - Kom po nis ten, Song writer und Verlage, die für 

strichen. Die deutsche Rockband hat in Russland Frieden einträten, zu bestrafen. Die PRS wolle im 

seit Langem eine große Fanbasis. Auf Instagram Dach ver band der Verwertungsgesellschaften 

erklärte die Gruppe vor einigen Tagen: „Rammstein (CISAC) auf eine Prüfung der weiteren Mitglied - 

möchten ihre Unterstützung für das ukrainische schaft russischer Organisationen hinwirken und 

Volk zum Ausdruck bringen, das sich gegen den darüber hinaus mit den Partnern weiter nach 

schockierenden Angriff der russischen Re gie - Möglichkeiten suchen, die „Stimmen für den 

rung wehrt.“ Auch sei ihnen „die Verzweiflung Frie den“ zu unterstützen. 

QUELLE: www.faz.net/aktuell/wirtschaft/unternehmen/universal-und-co-wie-die-musikindustrie-auf-den-ukraine-krieg-reagiert-17864452.html 

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SHORT-TAKES 05 

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SPOTIFY 

ÜBERRASCHT 

MIT OFFIZIELLEN 

ZAHLEN 

(und sieht sich als Retter 

der Musikindustrie) 

Spotify möchte für mehr Transparenz im Strea - 

minggeschäft sorgen. Dafür hat das schwedische 

Unternehmen im vergangenen Jahr mit 

Loud & Clear eine eigene Website ins Netz ge - 

stellt. Hier sind aktuelle Zahlen zur Nutzung von 

Spotify einsehbar. 

Inzwischen gibt es so erste (für die Öffent lich - 

keit einsehbare) Erkenntnisse über das Musik jahr 

2021 bei Spotify. Demnach zahlten die Schweden 

weltweit 7 Milliarden US-Dollar an die Musikin - 

dus trie aus. Kein anderes Unternehmen, so heißt 

es in einem Statement von Spotify, führe der 

Branche so viel Geld zu. 

STREAMING BOOMT IMMER 

WEITER 

Kein Wunder: „Im Jahr 2021 überstiegen die 

Streaming-Einnahmen der Musikindustrie die Ge - 

samteinnahmen der Branche durch Musik ver - 

käufe (inklusive digitaler und physischer Ton träger, 

Synchronisation und Performance) aus jedem 

einzelnen Jahr zwischen 2009 und 2016.“ 

Über 50 000 Künstlerinnen und Künstler hätten 

rund um den Globus allein über Spotify 10 000 

US-Dollar und mehr umgesetzt, wie es in der 

statistischen Auswertung heißt. Bleibt die Frage, 

ob dies nun ein Fortschritt ist, wenn die allermeisten 

Einnahmen aus dem Streaming ge schäft 

stammen, oder ob es für viele mittlere und kleine 

Musikerinnen und Musiker eher ein Rück schritt ist 

im Vergleich zu einer Welt ohne Strea ming. 

Immerhin weisen die Schweden aus, dass be - 

zogen auf die Breite des wirtschaftlichen Wachs - 

tums der Industrie mehr Protagonisten beteiligt 

sind, die substanzielle Summen einspielen, anders 

als in der CD-Ära. In der Mitteilung des Unter - 

nehmens heißt es dazu: „Damals entfielen fast 

25 Prozent der US-Albumverkäufe auf die Top- 

50-Künstler*innen. Auf Spotify entfielen im Jahr 

2021 nur 12 Prozent der US-Streams auf die Top- 

QUELLE: https://www.rollingstone.de/spotify-statistik-streams-2021-2427233 

50-Künstler*innen – was bedeutet, dass die Ein - 

nahmemöglichkeiten heute deutlich über die 

Superstars hinausgehen.“ 

MEHR GEWINN 

DURCH STREAMING 

Spotify weist deshalb darauf hin, dass die großen 

Plattenfirmen im Jahr 2021 einen Gewinn 

von über vier Milliarden US-Dollar gemacht hätten 

– was ohne den Erfolg des Streamings, so 

deutet es zumindest Spotify für sich, kaum möglich 

gewesen wäre. Fast ein Drittel (28 Prozent) 

aller nach eigenen Maßstäben erfolgreichen 

Künst lerinnen und Künstler (also mit Verdienst 

über 10 000 US-Dollar) veröffentlicht selbstständig 

oder mit kleinere Distributoren; ein Anstieg um 

171 Prozent im Vergleich zum Jahr 2017. 

„Künstler*innen können durch Streaming 

schneller Einnahmen generieren und erfolgreiche 

Karriere starten“, gibt Spotify zu bedenken. „Mehr 

als 10 Prozent der Künstler*innen (ca. 5 300), die 

im Jahr 2021 mehr als 10 000 US-Dollar auf 

Spotify generierten, haben ihre ersten Songs in 

den vergangenen zwei Jahren veröffentlicht. Im 

Jahr 2021 erwirtschafteten 350 von ihnen 

100 000 US-Dollar allein über Spotify.“ 

Inzwischen fokussiert sich das Interesse der 

Hörer auch fast zur Hälfte (43 Prozent) nicht mehr 

nur auf die großen zehn Musikmärkte. 

Bleibt die Frage, was all dies wirklich für Mu si - 

kerinnen und Musiker bedeutet. Die große Mehr - 

heit sieht nämlich erst einmal gar nichts von diesem 

Geld, das Spotify ausschüttet, bis es von den 

Rechteinhabern, also Labels, Verlegern und andere 

– weitergereicht wird. Das ist dann ab hän gig von 

abgeschlossenen Verträgen. 

UND WAS HABEN DIE 

MUSIKERINNEN UND MUSIKER 

DAVON? 

Spotify-CEO Daniel Ek hatte zuletzt lautstark 

erklärt, er wolle einer Million Musikerinnen und 

Musikern helfen, „von ihrer Kunst zu leben“, nur ist 

der Streamingdienst davon noch weit entfernt. Das 

liegt natürlich auch daran, dass die meisten an 

fest gelegte Tantiemen gebunden sind, die nicht 

Spotify mit ihnen ausgehandelt hat. Die greifen erst 

nach Abzug allerhand Vorschüsse und Aus ga ben 

und sind zu allem Überfluss in der Statistik bei 

Spotify nicht abhängig von etwa der Menge der 

Streams für einen Song, sondern konkret von dem 

Anteil, den die Streams eines bestimmten Acts im 

Vergleich zu allen anderen Acts auf Spotify hat. 



DEUTSCHER MUSIKMARKT WÄCHST UM ZEHN PROZENT 

Zum ersten Mal seit 30 Jahren legt der deutsche Markt für Musikaufnahmen 

wieder prozentual zweistellig zu. Das liegt vor allem am Streaming. 

Auch Vinyl wächst weiter stark, doch knappe Kapazitäten und hohe Preise trüben das Bild. 

Der deutsche Markt für Musikaufnahmen hat 

2021 im Vergleich zum Vorjahr um zehn Prozent 

zugelegt. „Das ist ein Meilenstein“, sagte Florian 

Drücke, der Vorsitzende des Bundesverbands 

Mu sikindustrie (BVMI), im Gespräch mit der F.A.Z. 

Zum ersten Mal seit 30 Jahren stehe ein prozentual 

zweistelliges Plus zu Buche. Insgesamt wurden 

im vergangenen Jahr mit Musikauf nah men 

1,96 Milliarden Euro umgesetzt, wie der Verband 

am Donnerstag mitteilte. „Alleine das Streaming 

steht nun für mehr als zwei Drittel des Gesamt - 

umsatzes“, so Drücke weiter, „doch nicht zuletzt 

das Beispiel USA, wo der Streaming-Anteil bei 

mehr als 80 Prozent liegt, zeigt, es besteht noch 

Luft nach oben.“ 

2020 war der Markt um neun Prozent gewachsen. 

Im Jahresvergleich gilt es freilich zu beachten, 

dass der Verkauf physischer Tonträger im 

ersten Halbjahr 2020 durch Ladenschließungen 

und die zeitweisen Einschränkungen beim Online- 

Versand belastet war. 

Der BVMI repräsentiert nach eigenen An ga ben 

rund 200 Musikunternehmen, die zusammen mehr 

als 80 Prozent des deutschen Marktes abde - 

cken – darunter allen voran die drei sogenannten 

Majors Universal, Sony und Warner Music. 

„DIE CD BLEIBT 

EIN WICHTIGES FORMAT“ 

Der Digitalanteil liegt dem Verband zufolge nun - 

mehr bei 76,4 Prozent. Hiervon stehen die Ein - 

nah men über die gängigen Streamingdienste für 

68,3 Prozent (plus 18,6 Prozent nach 24,6 Pro - 

zent in 2020), Downloads tragen noch 3 Prozent 

zum Gesamtumsatz bei, der Bereich „Digital 

Sons ti ges“ 5,1 Prozent. Unter diesen Posten fallen 

die Einnahmen über Plattformen wie Face book, 

Tiktok, Roblox oder Peloton und dem Video- 

Streaming – allen voran über YouTube. 

UMSATZ MIT MUSIKAUFNAHMEN 

IN DEUTSCHLAND 2021 

Der Umsatz mit CDs sinkt seit Jahren und 

stand 2021 noch für einen Marktanteil von 16,3 

Prozent (minus 16,7 Prozent). Weiter im Aufwind 

befindet sich dagegen der Vinyl-Absatz. Der Um - 

satz mit Schallplatten kommt auf 6 Prozent am 

Gesamtmarkt (plus 20,1 Prozent). 

Insgesamt wurde mit physischen Tonträgern 

ein Umsatz von 463 Millionen Euro erzielt (minus 

9,1 Prozent), die Einnahmen aus dem Digitalen 

beliefen sich auf 1,502 Milliarden Euro (plus 17,7 

Prozent). 

„Die CD verliert weiterhin an Relevanz, aber 

sie bleibt in Deutschland ein wichtiges Format“, 

resümiert Florian Drücke. „Mit dem Wachstums - 

treiber Streaming und dem – wenngleich auf vergleichsweise 

überschaubarem Niveau – ebenfalls 

stark wachsenden Vinyl-Segment haben wir 

ein gutes Angebotsportfolio. Dazu bieten sich 

den Labels auch immer mehr Möglichkeiten durch 

Partnerschaften und entsprechende Lizenzie rung 

von neuen musikalischen Nutzungs- und Er leb - 

nis welten wie beispielsweise Peloton, Tiktok oder 

Roblox.“ 

Umsatzanteile aus dem Musikverkauf 2021* 

physisch/digital 

Foto: © Good Studio / Adobe Stock 


SHORT-TAKES 07 

VINYL WÄCHST, 

SITUATION ABER WEITER SCHWIERIG 

Ein beliebtes Thema in der Industrie sind die sogenannten „Super- 

Fans“, also Musikliebhaber, die nicht nur streamen und gelegentlich CDs 

kaufen, sondern sich auch für kostspieligere Fanartikel interessieren. Boxen 

mit CD oder Schallplatte als Basis und diversen Beigaben werden entsprechend 

zu vielen Veröffentlichungen angeboten. Gerade limitierte und be - 

sonders gestaltete Vinyl-Versionen sind sehr gefragt. Viele Vinylfans hätten 

auch ein Streaming-Abo, sagt Drücke. „Die Schallplatte ist daher nicht nur 

als Tonträger relevant, sondern auch als begehrter Fan-Artikel und als solcher 

eine große Chance gerade für kleinere Künstlerinnen und Künstler.“ 

Neben den allgegenwärtigen Kostensteigerungen für Rohstoffe oder Ener - 

gie seien aktuell natürlich die Produktionsengpässe und gerade das Fehlen 

von kurzfristigeren Slots für einige ein Problem, so Drücke. Die Nachfrage 

nach Pressungen übersteigt derzeit deutlich die Kapazitäten der Presswerke, 

gerade für kleinere Labels ist die Situation mitunter enorm problematisch. 

Larry Teal | Heinrich Baumgartner 

DIE KUNST 

DES SAXOPHONSPIELS 

aus dem Amerikanischen ins Deutsche 

übertragen, kommentiert und mit zwei Beiträgen 

versehen von Heinrich Baumgartner 

Art.-Nr.: 20212G (Buch) 

ISBN-10: 3-943638-44-8 

ISBN-13: 

978-3-943638-44-8 

Format: DIN A4 

Seitenumfang: 112 Seiten 

19,95 Euro 

Bei deutschen Indie-Labels mache das physische Geschäft oft noch 

rund 50 Prozent des Umsatzes aus, hatte Jörg Heidemann, der Ge schäfts - 

führer des Verbands unabhängiger Musikunternehmer*innen (VUT) kürzlich 

der F.A.Z gesagt. Dass die Riesen der Branche ebenfalls den Run auf Vinyl 

nutzen wollen, könne man ihnen nicht vorwerfen: „Alle Labels – ob große 

oder kleine – wissen, dass sie für ihre Künstlerinnen und Künstler prozentual 

die meisten Einnahmen generieren, wenn sie physische Ton trä ger verkaufen, 

und die Majors arbeiten eben mit deutlich größerem Vo lumen.“ 

Mitunter gibt es Stimmen aus der Branche, denen zufolge größere Bestel - 

lungen von Majors priorisiert werden, wodurch kleine Auflagen von Indies 

hinten runterfallen. 

Ein Eindruck in die momentane Lage gibt eine Preisliste eines Dienst lei s - 

ters von Mitte Januar, die der F.A.Z. vorliegt und in der Kunden ein Auf preis 

von 14 Prozent für Vinylproduktionen mitgeteilt wird. Als Begründung führt 

das Unternehmen Preiserhöhungen des Presswerks an. Zudem seien die 

aktuell für 2022 zugesagten Presskapazitäten für Vinylproduktionen komplett 

verplant. 

Laut Larry Teal, dem „Meister“ 

der amerikanischen Saxo phon - 

schulen, ist die beste Metho de, 

das Saxophonspiel zu erlernen, 

der Unterricht bei einem 

kompetenten Lehrer. Kein Wunder also, dass sich sein englischsprachiges 

Originalwerk „The Art of Saxophone Playing“ vor allem 

an die Saxophonlehrer*innen an Musikschule und Musikhochschule 

richtet. Seit seinem Erscheinen im Jahr 1963 gilt es bis heute als 

eines der wichtigsten Nachschlagewerke für das Erlernen des Saxo - 

phons in der englischsprachigen Welt und wird auf den meisten 

Saxophon-Plattformen im Internet als unentbehrlich angesehen. Es 

zeichnet sich aus durch eine präzise Zusammenstellung von 

Methoden und Informationen, die für alle, die Saxophon spielen lernen 

möchten, für Saxophonist*innen, die ihre Kenntnisse verbessern 

oder gelegentliche Fehler korrigieren möchten, und die für Saxo - 

phon lehrer*innen als Lehrmittel sehr nützlich sind. Grund genug, 

dieses Standard werk nun endlich auch in deutscher Sprache zur 

Verfügung zu stellen. Denn „Die Kunst des Saxophonspiels“ kommt 

auch nach mehr als 60 Jahren überhaupt nicht altbacken daher. Die 

Präzision, mit der Larry Teal das Saxophonspiel durchleuchtet, und 

die Sorgfalt, mit der er die Abläufe und Entwicklungen beschreibt, 

haben nichts von ihrer Aktualität eingebüßt. Natürlich haben sich 

manche Details des Saxophons in den letzten Jahrzehnten weiterentwickelt, 

und vor allem hat sich die Sicht auf die Musikphysiologie, auf 

die Körper arbeit und damit auf die Vermittlung des Saxophonspiels, 

die Metho dik und die Didaktik, verändert. Um diesen Aspekten 

Rech nung zu tragen, hat der Übersetzer und Musiklehrer Heinrich 

Baumgartner ein paar Ergänzungen und Aktualisierungen zum Text 

von Larry Teal hin zugefügt. Dies geschieht sowohl in kommentierender 

Form als auch in eigenständigen Beiträgen, die er dem Original - 

werk im abschließenden 2. TEIL hinzugefügt hat. In dieser Form 

werden Lücken ge schlossen, ohne den Originaltext von Teal zu 

beeinträchtigen. Und sein großer Einfluss auf den Saxophon un ter - 

richt und das Saxo phon spiel wird erhalten und ausgebaut. 

QUELLE: www.faz.net/aktuell/wirtschaft/digitec/fast-2-milliarden-euro-umsatz-deutscher-musikmarktwaechst-um-10-prozent-17845596.html 

Weitere Informationen: alfredverlag.de | alfredmusic.de 



Claus Hessler & Claudio Spieler 

TALADIDDLE 

Konnakol meets 

Rudimental Drumming 

Foto: © prima91 / Adobe Stock 

Die Rhythmussprache Südindiens verbindet 

sich mit Snare-Drum-Rudiments. 

Das ist das Motto von TALADIDDLE, 

einem Buch für Drummer, Percussionisten 

und Rhythmus-Liebhaber. Konnakol ist einer 

der wirkungsvollsten Wege, um Rhythmus 

zu lernen und zu meistern – und Rudi ments 

bilden einen essenziellen Wortschatz des 

westlichen Trommelns. Beide Traditionen 

zählen zu den ältesten und am höchsten 

ent wickelten Rhythmuskonzepten der Welt 

und er weisen sich als hilfreiche methodische 

Tools. Die Ästhetik von Konnakol und Ru - 

diments liegt in ihrer Schlichtheit und Klar - 

heit. Beide Konzepte helfen uns, ein um - 

fang reiches Rhythmus-Vokabular im Ge - 

dächtnis zu be halten, Patterns und Kom - 

positionen zu visualisieren und während der 

Performance mental vorauszuplanen. Mit 

ihnen lassen sich Grenzen überschreiten, 

und sie zeigen uns neue Wege zu rhythmischer 

Kreativität und zur Improvisation in 

jedem musikalischen Genre. Eine fundierte 

und anschauliche Einführung in die süd - 

indische Rhyth mik sowie 26 ausgewählte 

Stücke – von leicht bis komplex – veranschaulichen, 

wie die zwei Rhythmus kul turen 

miteinander verschmelzen, sich gegenseitig 

bereichern und neue musikalische Räume 

eröffnen. Mit diesem Buch wird damit eine 

Brücke zwischen diesen beiden – ursprünglich 

nicht in Ver bindung stehenden – Welten 

gebaut, die so erstaunlich viele Gemein sam - 

keiten und Parallelen aufweisen. 

Weitere Informationen: alfredverlag.de | 

alfredmusic.de 

YOUTUBE ZAHLT 

VIER MILLIARDEN US-DOLLAR AN DIE 

MUSIKINDUSTRIE 

Die Videoplattform hat in den vergangenen zwölf 

Monaten ganze vier Milliarden US-Dollar an 

Musi ker*innen und Rechteinhaber*innen gezahlt. 

30 Prozent davon stammen von User Generated 

Content. 

YouTube hat in einem Blogpost den Wert der 

Plattform für die Musikindustrie betont. Lyor Cohen, 

Global Head of Music bei YouTube, berichtet von 

Zahlungen in der Höhe von vier Milliarden US- 

Dollar innerhalb der vergangenen zwölf Monate, 

die bei Künstler*innen und Rechte inha ber*innen 

eingegangen seien. Cohen betont die Einzigartig - 

keit der Plattform, die auch Advertisern zugutekommt: 

„YouTube is the world’s largest stage, and 

advertisers are eager to tap into the deep music 

engagement that the platform enables. With over 

2 billion users watching music videos monthly, 

YouTube allows advertisers to reach audiences 

they can’t find anywhere else.“ 

Er fügt hinzu, dass YouTube im ersten Quartal 

2021 mehr zahlende User als je zuvor dazugewinnen 

konnte. Kostenpflichtige Abonnements 

sind in 96 Ländern möglich, weitere 180 Länder 

bringen Werbeeinnahmen ein. Insgesamt liege die 

Zahl der User, die sich monatlich Musik videos an - 

schauen, bei zwei Milliarden. 

Ein knappes Drittel der Einnahmen wurde durch 

User Generated Content generiert. Hiermit sind 

zum Beispiel Fan-Videos gemeint, die die Musik 

der Künstler*innen verwenden. Neben Videos 

gibt YouTube an, auch andere Ein nah me quellen 

verstärkt ausbauen zu wollen. Dazu ge hört zum 

Beispiel der Verkauf von Konzerttickets und Mer - 

chandise. Damit könnte die Plattform Erfolg 

haben: Das virtuelle YouTube-Konzert der K-Pop- 

Band BLACKPINK etwa sorgte für ganze 280 000 

neue bezahlte Kanalmitgliedschaften. 

KONKURRENZKAMPF MIT TIKTOK 

Trotz der erfreulichen Zahlungen hat YouTube 

für die Musikindustrie auch erhebliche Nachteile, 

da Künstler*innen mit Streams deutlich weniger 

einnehmen als mit regulären Verkäufen. Doch auf - 

grund ihres mittlerweile riesigen Marktanteils 

musste sich die Musikbranche wohl oder übel 

mit Streamingplattformen wie YouTube und Spotify 

anfreunden. 

YouTube scheint mit der Verkündigung seiner 

Zahlungen an die Branche darauf anzuspielen, 

dass Musiker*innen auf YouTube tatsächlich die 

Chance haben, einiges an Geld zu verdienen – 

und sie deshalb guten Grund haben, hier aktiv zu 

bleiben, statt zum Beispiel zu TikTok zu wechseln. 

Doch auch TikTok Trends können für Künst - 

ler*innen ein Sprungbrett in die Charts sein. Mit 

dem stetigen Wachstum der beliebten Kurz video- 

App ist TikTok schon längst zur ernst zu nehmenden 

Konkurrenz für YouTube geworden. Die 

Platt form scheint nun in die Offensive zu gehen – 

so verkündete YouTube zuletzt, 100 Millionen US- 

Dollar an Creator des Kurz video formats Shorts zu 

zahlen. 

QUELLE: onlinemarketing.de/social-media-marketing/youtube-4-milliarden-us-dollar-musikindustrie 


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WISSENSCHAFTLICHE STUDIE ZEIGT: 

So 

programmiert 

man den 

Körper auf 

Abnehmen 

Abnehmen ist einfach, ja richtig, man 

muss nur weniger Kalorien aufnehmen als 

man verbrennt. Tausende haben das schon 

geschafft. Aber haben auch wieder 

zugenommen. Also suchen wir alle nach 

dem Königsweg bei dem wir lecker essen 

können aber nicht dicker werden, oder 

sogar noch abnehmen. 

DURCH 

NIEDRIG- 

GLYKÄMISCHE 

UND 

PROTEINREICHE 

ERNÄHRUNG 

Es ist und bleibt ein ständiger Kampf, obwohl 

wir mit unzähligen Theorien und Strategien 

zur Gewichtsabnahme von mehr oder weniger 

seriösen „Experten“ überhäuft werden. 

Schön wäre es, wenn wir uns nicht anstrengen 

müssten, um das abgenommene Gewicht 

zu halten, sondern wir einfach schlank bleiben 

würden. Dazu müsste der Stoffwechsel 

lernen während und nach einer Diät mehr 

Kalorien zu verbrennen. In Hungerperioden 

(also auch bei einer herkömmlichen Diät 

oder kalorienreduzierten Kost) tut er nämlich 

genau das Gegenteil. Und wir müssen lernen 

wenige gesunde Fette und keine ungesunden 

Zucker zu uns zu nehmen. Dazu kann man 

zum Beispiel gesunde Zucker nutzen, mit 

einem niedrigen glykämischen Index, damit 

der Appetit auf ungesunden Zucker gar nicht 

erst entsteht und man länger leistungsfähig 

und konzentriert bleibt. So braucht man 

nicht laufend Zucker „nach zu futtern“ und 

der Blutzuckerspiegel bleibt konstant. 

Neue Erkenntnisse 

Vor einiger Zeit haben die Ernährungswissenschaftler 

der Universität Freiburg mehrere 

Diätprogramme auf ihre Wirksamkeit getestet. 

Eine Diät schnitt überraschend besser ab. 

Die Gewichtsabnahme erfolgte schnell und 

ohne Jo-Jo-Effekt. Auf Grund dieses herausragenden 

Ergebnisses hat sogar das bekannte 

amerikanische Fachmagazin „International 

Journal of Obesity“ darüber berichtet. Ein 

wichtiger Teil dieses Programms ist Almased 

(in Apotheken erhältlich). Es wurde seinerzeit 

von einem Heilpraktiker entwickelt, um den 

Stoffwechsel seiner Patienten zu optimieren 

und somit das Immunsystem und die Leistungsfähigkeit 

zu steigern. Heute ist es das 

beliebteste Mittel zur Gewichtsabnahme in 

Deutschland und wird von Apothekern am 

häufigsten empfohlen. Jetzt haben Experten 

der Universität in Edmonton (Kanada) 

Almased dem Härtetest unterzogen. In der 

sogenannten „Stoffwechsel-Kammer“ wurde 

geprüft was Almased tatsächlich leistet. Erste 

Ergebnisse wurden anlässlich des ECO 2018 

in Wien vorgestellt. Sie beweisen, dass nur ein 

Almased-Drink pro Tag nicht nur den Grundumsatz 

(Kalorienverbrauch – ohne dass man 

etwas tut) steigert, sondern auch das Körperfett 

wesentlich früher zur Energiegewinnung 

herangezogen wird als bei einer alternativen 

Ernährung. Damit wurden die Ergebnisse 

der sogenannten „Frühstücks-Studie“ der 

Universität in Freiburg von 2011 bestätigt. 

Almased kann helfen 

Schon ein Almased-Drink pro Tag steigert 

den Kalorienverbrauch wie etwa 30 Minuten 

auf dem Laufband. Es kann also dafür sorgen, 

dass einmal abgenommenes Fett auch abgenommen 

bleibt. Man könnte annehmen, dass 

das in Almased unter anderem nachgewiesene 

bioaktive Peptid „Lunasin“ dabei eine wichtige 

Rolle spielt. Leider ist es Almased durch die sog. 

Health-Claims-Verordnung gesetzlich verboten 

über viele weitere gesundheitliche Vorteile, die 

durch die einzigartige Rezeptur und das besondere 

Herstellungsverfahren entstehen und wissenschaftlich 

belegt sind, zu informieren. Daher: 

„Probieren geht über studieren“. 

AUF DAS TIMING 

KOMMT ES AN 

Für viele von uns ist das abendliche 

Essen die Belohnung für einen 

langen Tag. Dadurch nehmen die 

meisten von uns den überwiegenden 

Teil der Kalorien am Abend auf. 

Der Körper wird also doppelt belastet: 

Zu den nächtlichen „Restrukturierungs- 

Maßnahmen“ kommt auch noch 

die Verdauung hinzu. Steht dem 

Stoffwechsel aber nicht genug Protein 

und Energie für die lange Nacht 

zur Verfügung, wachen wir öfter 

auf und fühlen uns zerschlagen. 

Ersetzt man die letzte Mahlzeit des 

Tages durch einen Almased-Drink mit 

etwas mehr Pulver als üblich, spart 

man viele Kalorien, schläft besser und 

wacht erholter auf. Ein „Selbst-Test“ 

lohnt sich – versuchen Sie es mal. 

Hier erfahren 

Sie mehr – 

scannen Sie 

einfach den 

QR Code!

10 STORIES 

Jahre 

DEUTSCHER 

ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 

43 Jahre Musiker Magazin 

20 Jahre Deutsche Popstiftung 

Ein kleines, aber feines Jubiläum ... 

Liebe Freundinnen und Freunde, 

eil es niemanden gab, der sich um die 

W künstlerischen, die musikalischen und 

die Arbeitsinteressen der Rock- & Popmusiker 

aller musikstilistischen Bereiche in Deutschland 

gekümmert hatte, gründeten 1982/83 ein paar 

Idealisten in Lüneburg eine „Arbeitsgemeinschaft 

Rockmusiker in Deutschland“ (AGRD) als Dis kus - 

sionsforum auf Basis und Grundlage einer selbst 

entworfenen gemeinnützigen Vereinssatzung (und 

nicht einer gewinnorientierten GmbH oder GmbH & 

Co. KG). Damals berichtete ich im Fachblatt Musik - 

magazin, dem damals größten Fachblatt für Mu - 

sikerinnen und Musiker in Deutschland, von den 

Ziel set zun gen und auch Schwierigkeiten dieser 

beispiellosen Idee eines Verbandes/einer Gewerk - 

schaft für die Rock-, Pop-, Folk- und Blues musiker 

etc. 1986 änderten wir den Namen dieser Arbeits - 

gemein schaft in „Deutscher Rock Musiker Ver - 

band“ und 1988 in Deutscher Rock & Pop Mu - 

sikerverband e. V., unserem heutigen Namen. 

Nach diesen 40 Jahren Aufbauarbeit wird es 

Zeit für einen Rück blick und ein Resümee ... 

1. 

Unsere mit Abstand wichtigste damalige Ziel - 

setzung war es, einen Verband für die Musi ke - 

rinnen und Musiker aller musikstilistischen Be - 

reiche in Deutschland zu gründen und aufzu- 

bauen. Das Ziel ist weiterhin, dass der Verband 

finanziell und organisatorisch völlig unabhängig 

und unbeeinflusst seitens der Musikindustrie, der 

GEMA, der GVL und der staatlichen Kultur & Partei - 

politik arbeiten kann. 

2. 

Um dieses Ziel zu erreichen, musste dieser 

Künstlerverband an erster Stelle finanziell unabhängig 

werden. Genau dies ist aber nur möglich, 

wenn seitens dieser Kulturorganisation ange mes - 

sene Mitgliederbeiträge erhoben werden. Von 

anderen Verbänden in anderen musikalischen und 

musikwirtschaftlichen Bereichen wussten wir, wie 

hoch dort die Mitglieder-Beitragsgebühren waren: 

im Jahr (nach heutiger Rechnung) zwischen 200 

und 600 €. Und so fingen wir damals ganz vorsichtig 

bei 50 € Jahres ge bühr an und erhöhten 

diesen Jahresbeitrag nach und nach auf heute 

100 €, weil anders kein Über leben eines professionellen 

Musikerverbandes mit den umfangreichsten 

Leistungen, Fach- und Rechts be ra tun gen 

aller Musikverbände möglich ist. 

3. 

Im gleichen Jahr – 1983 – veranstalteten wir 

unser erstes Nachwuchsfestival für Rock- & 

Popmusiker auf Bundesebene unter dem Namen 

„Bundes-Rockfestival“ in der Nordlandhalle in 

Lüneburg. Zu diesem ersten Nachwuchsfestival 

wurden Musikgruppen und Einzelinterpreten aus 

ganz Deutschland eingeladen. In 1988 wurde der 

Name geändert in Deutscher Rock und Pop 

Preis, um die stilistische Breite des Festivals besser 

anzugeben. Dieses Kulturfestival wurde von 

1986 bis 2000 vom Bundesministerium des 

Innern und von 1991 an mit dessen Mitteln über 

eine Kulturstiftung in Berlin bis 2001/02 mit kleinen 

jährlichen Beträgen gefördert (nicht institutionell, 

sondern projektbezogen). Da die jährlichen 

Antragstellungen und folgenden Abrechnungen, 

die wir anfangs dem Ministerium (BVA) und später 

der Stiftung immer wieder jährlich vorlegen 

mussten, Ende der Neunzigerjahre derart er nie - 

drigend waren, beschlossen wir, uns nicht mehr 

fördern zu lassen. Wir hatten es also darauf an - 

gelegt, geradeaus und direkt zu widersprechen, 

wenn die Drangsalierungen dieser Kultur ein rich - 

tungen zu verletzend waren. 

Allerdings: Hier an dieser Stelle muss festgestellt 

werden, dass wir in den 15 Jahren der 

staatlichen Förderung seitens des Ministeriums 

und der Stiftung immer von deren Prüfern ent - 

lastet wurden. Wir mussten nie größere oder 

große Förderbeträge zurückzahlen! So engagiert, 

genau und präzise hatten wir die Festival- 

Abrechnungen immer vorgenommen. Dazu kam 

dann auch, dass die Länderstiftung uns vorschreiben 

wollte, wie wir den Vorstand und die Ge - 

schäftsführung zu be setzen hätten. Im Rück blick 

gesehen: Eine absolute Frechheit! Die Stiftung 

drohte uns klar und deutlich – aber indirekt –, 

uns für unser Kulturfestival keine Fördermittel 


STORIES 11 

mehr zu geben, wenn wir ihrer institutionellen Be - 

setzungskonstruktion des Vorstandes nicht folgen 

würden. Und das, obwohl wir uns in all den 

15 Jahren der Förderung absolut nichts zuschulden 

haben kommen lassen. Wir haben uns von 

Anfang an eine Vorstandskonstruktion wie fast 

alle Gewerkschaften (z. B. der DGB oder Verdi) 

gegeben. Damit stand für uns der Entschluss 

fest, dass wir für das Überleben dieses inzwischen 

größten Musikerverbandes auf Bundes ebene für 

Rock- & Popmusik aller musikstilistischen Be - 

reiche und des heute größten Musik wett bewerbs 

im Bereich der Rock- & Popmusik in Deutsch - 

land seitens der teilnehmenden Musik gruppen 

und Einzelinterpreten jeweils Mit glieds-, Bewer - 

bungs- und Teilnahme gebühren ein fordern mussten. 

Deshalb gründeten wir 2002 zusätzlich eine 

gemeinnützige Kulturstiftung, die Deutsche Pop - 

stiftung, die gemeinsam mit dem Deutschen Rock 

& Pop Musikerverband zukünftig für die Aus rich - 

tung dieses Musikwettbe wer bes verantwortlich 

sein sollte. 

Außenstehende haben oft überhaupt keine 

Ahnung, wie teuer eine derartige große Kultur - 

veranstaltung ist, die zwölf Monate im Jahr ge - 

nauestens vorbereitet werden muss und mit 

einer Preisverleihungs-Gala endet (je nach Jahr 

ca. 80 000–100 000 Euro unter Ein be ziehung der 

tatsächlichen prozentualen zeitintensiven Ar beits - 

gehälter des DRMV, Übungs leiter pau schalen 

der Stiftung, PA, Licht- und Back line anlagen, 

Hotel übernachtungen und Fahrtkosten der ca. 

20-köpfigen Jury, Großbus für unser ca. 30-köpfiges 

Organisations-, Helfer-, Ordner- und Film - 

team (sie alle übernachten seit 38 Jahren aus 

Sparsamkeitsgründen nur in Jugendher ber gen), 

Hallennebenkosten, örtliche Ordner, Ver pfle gung 

aller 50 Teammitglieder und Juroren etc.). 

Insgesamt arbeiten jetzt in unserer Ge schäfts - 

stelle in Lüneburg sieben Personen „rund um die 

Uhr“, Tag für Tag, Woche um Woche an diesem 

jährlich stattfindenden Kulturprojekt, dessen 

Aus schreibung in aller Regelmäßigkeit jeweils 

Anfang März beginnt. Durch den unglaublich 

großen bundesweiten Medienerfolg in zahlreichen 

Tages zei tun gen (jährlich zwischen 400 und 

680 Artikel in den Tageszeitungen) vergrößert 

sich natürlich von Jahr zu Jahr die Zahl der 

Bewerber*innen (ohne die beiden Corona-Jahre 

zu be werten). Sämtliche Einnahmen aus den Be - 

wer bungs – und Teilnahmegebühren (20 bzw. 30 

Euro Be wer bungsgebühr vor und 100 Euro Teil - 

nah me ge bühr nach Auswahl in die Endrunden 

es für uns allerdings völlig unmöglich, eine derart 

große Anzahl von Preisträgern aus allen Teilen 

Deutschlands quasi virtuell in einer audiovisuellen 

Internet-TV-Show auszuzeichnen. Auch die 

bräuchte mindestens ein halbes Jahr Vorbe rei - 

tungszeit. 

4. 

Von 1986 bis 1999 veranstalteten wir in Lüne - 

burg 14 Jahre pro Jahr eine „Woche der Popular - 

musik“ mit insgesamt 455 Seminaren (Refe ren - 

ten), Work shops, Kon zerten, Podiums dis kus - 

sionen über alle Themen bereiche der Rock- und 

Popmusik. Für die Finan zierung gewannen wir das 

Ministerium für Wissen schaft und Kultur (MWK) 

in Nieder sachsen/ Hannover, das Bundes minis - 

terium des Innern, folgend durch die Kultur - 

stiftung der Länder und mit einem ganz kleinen 

Etat die Stadt Lüneburg. Auch hier stelle ich fest, 

dass wir bei diesen Kultur projekten immer seitens 

der staatlichen Geldgeber nach dem jeweiligen 

durch die Juroren pro Bewerbung) sowie alle 

anderen Ein nah men unserer Jahreskultur ver an - 

staltungen müssen laut Satzung ausschließlich 

für die kulturellen Zielsetzungen unserer Stiftung 

investiert und aus gegeben werden. Das wird 

durch das Land Nieder sachsen, Abt. Stiftungen 

in Hannover, regelmäßig überprüft. Keine*r unserer 

Jahres ende entlastet wurden. Zerstört wur- 

den diese erfolgreichen Kultur wochen Anfang 

2000 durch einen im MWK eingestellten – besser 

per Seil schaften eingestellten – ideologisierten 

marxistisch/sozialistischen Refe ren ten mit besten 

Verbindun gen zu zahlreichen K-Gruppen, weil wir 

1985 in unserer Satzung einen Passus per Mit - 

sieben Mit ar beiter*innen erhält von der glieder beschluss aufgenom men hatten, der 

Stiftung für diese Arbeit ein Ge halt oder ein 

Honorar, sondern lediglich monatlich eine vom 

Finanzamt genehmigte „Übungs leiterpauschale“ 

in Höhe von 200 €. Darüber hinausgehende 

Anteile der Mitarbeiter gehälter be zahlt der 

Deutsche Rock & Pop Mu si ker verband aus eigener 

Kasse. 

bestimmte, dass all die Partei mit glieder und Sym - 

pathisanten rechts- wie linksradikaler Parteien, die 

die Beseitigung der freiheitlich-demokratischen 

Grundordnung (GG) der BRD zum Ziel hatten, in 

unseren Verband nicht aufgenommen wurden 

und aus ausgeschlossen werden konnten. Die 

Macht dieser Ideo logen im MWK und auch im 

LMR: 

38 Jahre lang fand diese große Kulturver an - 

staltung in einem großen Kultursaal, Kon gress - 

zentrum oder einer Stadthalle statt. In den beiden 

Corona-Jahren 2020 und 2021 wurde es 

uns staatlicherseits aber unmöglich gemacht, die 

Veranstaltung live auf einer großen Ver an stal tungs - 

bühne durchzuführen. Die zahlreichen Corona- 

Verbote haben dies in 2020 und 2021 verhindert. 

Allein aus diesem Grund mussten wir in diesen 

beiden Jahren bis zum Jahresende warten in der 

Hoffnung, dass die Corona-Inzi denz zahlen so niedrig 

waren, dass die Veranstal tungen doch noch 

live durchgeführt werden konnten. In 2020 und 

2021 mussten wir die Live-Veranstal tungen deshalb 

jeweils einen Monat vorher absagen. In den 

 

1990 rief uns der im MWK für Musik zuständige 

Referent Dr. Lothar P. zweimal per Telefon an, 

ob wir schon – wie von ihm gefordert – diesen 

besagten Nichtvereinbarkeitsbeschluss in unserer 

Satzung (wie 1985 bei den Grünen) endlich 

gestrichen hätten, da wir sonst keine Förder mittel 

mehr von ihm (MWK) erhalten würden. (Klare Er - 

pressung, denn was geht einen Außen stehen - 

den unsere Vereinssatzung an?) Nachdem ich 

das zweimal im Abstand von sechs Monaten verneint 

hatte, wurden die Fördermittel des MWK in 

den folgenden Jahren kontinuierlich und ganz 

langsam – damit es nicht auffällt – „auf null ge - 

verbleibenden vier Wochen zum Jahresende war schraubt“. 

8 


12 STORIES 

 

Sein noch radikalerer und von ihm und dem 

LMR im MWK empfohlener ideologischer „Seil- 

schafts-Nachfolger“ aus Bremen besaß auf unserer 

letzten Kulturwoche als Gast einer von uns orga - 

nisierten Diskussionsrunde im Lüneburger Kul tur - 

haus (Glockenhaus) die Frechheit, uns als Gast - 

geber, Organisatoren und Veranstalter vor Ort die 

Leitung dieser Veranstaltung streitig zu machen. 

 

In 2001 wurde uns dann von der Vorgesetzten 

dieses Referenten, der Abteilungsleiterin des MWK 

und späteren Hamburger Kultursenatorin Frau 

Kisseler, ein Etat von ca. 25 000 DM für die 

Kulturwoche in 2001 schriftlich zugesagt und der 

Lüneburger Bezirksregierung rechtzeitig zur 

Auszahlung an uns im August jenen Jahres überwiesen, 

der dann aber erst (mittels konstruierter 

Anweisungen) viel zu spät nach der von uns mangels 

Finanzen nicht durchgeführten Kulturwoche 

an uns ausgezahlt wurde. Am selben Tag haben 

wir dann diesen Betrag wegen Undurch führ bar - 

keit der Kulturveranstaltung an das MWK/die BR 

zurücküberwiesen. 

5. 

Echte und überzeugende Demokratie im 

DRMV e.V. heißt für uns: jährliche Mitglieder ver - 

sammlungen am Ende eines jeden Jahres und 

Briefwahlen/Abstimmungen unter der Auf sicht 

eines vereidigten Notars & Rechtsanwaltes (für 

all die, die kein Geld, keine Zeit oder keinen „Bock“ 

haben, an diesen MVs „im hohen Norden“ in 

Lüneburg teilzunehmen oder krank sind), der die 

Wahl- & Abstimmungsbriefe der an den Wahlen 

teilnehmenden Mitglieder des DRMV zählt und 

stichprobenartig überprüft. Erst dann überprüft 

zusätzlich ein frei auf den MVs von allen gewählter 

Wahlausschuss diese Wahlantworten der 

Mit glieder und das Wahlergebnis. (Dieses 

Verfahren haben wir 1983 auf unserer Gründungs - 

ver samm lung in Lüneburg eingeführt, die 

Grünen haben dieses Verfahren 1985 auf ihrer 

Gründungs ver sammlung in Hannover ebenfalls 

eingeführt). 

SCHLUSSBEMERKUNG ZUM 

DEUTSCHEN ROCK & POP PREIS: 

Es gibt bis heute kein Festival, keine Konzert - 

veranstaltung und kein Riesenfestival mit Super - 

»Unsere mit Abstand 

wichtigste damalige 

Ziel setzung war es, 

einen Verband für die 

Musikerinnen und 

Musiker aller 

musikstilistischen 

Bereiche in 

Deutschland 

zu gründen und 

aufzubauen. 

Das Ziel ist weiterhin, 

dass der Verband 

finanziell und 

organisatorisch völlig 

unabhängig und 

unbeeinflusst seitens 

der Musikindustrie, 

der GEMA, der GVL 

und der staatlichen 

Kultur & Parteipolitik 

arbeiten kann.« 

stars, das eine derart bundesweite große, um - 

fangreiche und positive Medienresonanz seitens 

der Tageszeitungen und auch vieler Zeitschriften 

erhält, wie der jetzt seit 40 Jahren auf ge mein nüt - 

ziger Basis erarbeitete Deutsche Rock & Pop 

Preis. Das haben unsere Medienanalysen der 

letzten 20 Jahre mithilfe großer, bundesweit ar - 

beitender Ausschnittdienste eindeutig ergeben. 

(2018: 686 Artikel, 2019: 550 Artikel, Corona - 

ausfall/virtuell 2020: 510 Artikel, Corona ausfall/ 

vir tuell 2021: (Ergebnis Ende April) 

Das zeigt: Die Tageszeitungen in Deutschland 

haben den Wert und die Bedeutung dieser musikalischen 

Kulturveranstaltung und der Jury- 

Preis auszeichnungen nach 40 Jahren ständiger 

Berichterstattung erkannt. (Und wenn irgendwann 

einmal ein schräger Bericht irgendwelcher desinformierter 

Journalisten veröffentlicht wird, dann 

macht das vor diesem Hintergrund der zahllosen 

positiven und begeisterten Zeitungsberichte auch 

nichts aus. Wir sagen dazu: „Let it be ...“) 

Es gibt zudem auch keinen einzigen Musik - 

wett bewerb in Deutschland, der eine derart große 

Anzahl von heute renommierten und bekannten 

Musikgruppen und Musikinterpreten nach der 

Preis auszeichnung (mittels einer großen und perfekt 

gestalteten Urkunde) mithilfe dieser großen 

Kultur veranstaltung und unserem seit nunmehr 43 

Jahren selber herausgegebenen Musiker Magazin 

(Auflage 20 000) (mit mehr seitigen Foto-/ Text- 

Interviews der Preisträger der Haupt kate go rien) 

und mit unserer aktiven Hilfe bei der Suche nach 

den richtigen Tonträgerfirmen hervorgebracht hat. 

Wer wie auf einer Jahrmarkt ver anstaltung auf 

Geld gewinne, Sachpreise, nutz lose Label ver träge, 

„Zuschauer-Abstim mun gen“, Auswahl der Preis - 

träger ohne Juroren nach der Höhe ihrer Ton - 

träger- oder Digitalverkäufe spekuliert, sollte sich 

bei einem der zahllosen Ama teur- oder (nicht mehr 

existierenden Musik in dus trie) Musik-Wett be wer - 

ben (die ohne Juroren ar bei te ten) als Amateur 

be werben! Und als weg weisen des Ur beispiel: 

Auch bei den Grammy-Ver leihungen gibt es keine 

Geld- oder Sach preise und auch automatisch 

keine Schallplatten-Ton träger ver träge. Die Ein la - 

dungs ge büh ren be tragen dort für die zur dortigen 

Preis ver leih ungs gala ein geladenen Teil neh - 

mer über 2 000 Dollar und nicht wie bei uns 

lediglich 100 Euro pro Einzel sparte. 

WEB: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

GRAFIK: © ARDEA-STUDIO; © TOBRONO / 

ADOBE STOCK 


DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG UND MUSIKER MAGAZIN 

PRÄSENTIEREN 

FESTIVAL 13 

Bundeswettbewerb für Rock- und Popmusikgruppen und Sänger*innen 

aller musikstilistischen Bereiche 

In 2022 werden zum 40. Mal zahlreiche „Deutsche Rock & Pop Preise“ 

der verschiedensten musikalischen Bereiche an herausragende Nachwuchs - 

musikgruppen, Nachwuchseinzelkünstler*innen sowie durch eine Fachjury 

ausgewählte professionelle Musikgruppen und Einzelkünstler*innen mit 

und ohne Tonträgervertrag verliehen. So sollen auch in diesem Jahr Künstler 

so unterschiedlicher musikstilistischer Bereiche wie Rock, Pop, Country, 

Hard & Heavy, Alternative, Weltmusik, Reggae, Funk & Soul u.v.a. geehrt 

werden. Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische Anspruch. In ihrer 

kulturellen und künstlerischen Ausrichtung steht diese Kulturveranstaltung 

damit im bewussten Gegensatz zu anderen Veranstaltungszeremonien 

von Industriepreisen und kommerziellen TV-Anstalten. Durch die Aus zeich - 

nung in über 125 verschiedenen Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Popmusik Rechnung getragen. Damit 

soll erreicht werden, dass sich möglichst viele Musikgruppen und Einzel - 

künstler*innen in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als Plattform des kreativen 

Nachwuchses, aber auch als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler*innen 

und Persönlichkeiten des musikalisch-wirtschaftlichen Umfeldes dienen. 

+ 

ZIEL / KONZEPT 

FINANZIERUNG 

ihrer eigenen vorgenommenen Bewerbung und folgenden möglichen 

Nominierung einen Teilnahmebetrag pro (von ihnen selbst gewählter) Musik - 

sparte, um die Selbstfinanzierung dieses musikereigenen Kulturfestivals auf 

Bundesebene zu gewährleisten. Normalerweise bewerben sich die Teilnehmer 

nur in einer Sparte. Es bleibt aber den Entscheidungen der Bewerber überlassen, 

ob sie sich zusätzlich in weiteren Sparten bewerben (Beispiel: Band/ 

Musiker*in bewirbt sich in fünf Sparten: 5 x 100 Euro = 500 Euro). Diese solidarische 

Gemeinschaftsfinanzierung ist in Deutschland einmalig: Damit wird 

auch der 40. Deutsche Rock & Pop Preis wieder gemeinschaftlich finanziert 

durch die Stiftungs- und Verbandsträger, die ca. 3 000 Musikgruppen, Musi - 

kerinnen und Musiker im Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. 

sowie durch die Teilnehmer dieses Festivals. 

KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musikpreisen werden die Deutschen 

Rock & Pop Preise 2022 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise können an herausragende etablierte 

Musikgruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in den Sonderkategorien 

„Bester Gitarrist”, „Bester Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen werden. Hierfür kann man sich 

direkt bewerben. Die Bundesjury entscheidet, ob besondere Leistungen in 

diesen Bereichen vorliegen. 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesentlichen – wie in den vergangenen 

20 Jahren auch – durch die gemeinnützige Deutsche Popstiftung, 

den Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am Wettbewerb 

beteiligten Musikgruppen und Künstler*innen gemeinsam finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten kulturellen Wettbewerbs wird – 

ebenfalls wie in den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form einer geringen 

Anmeldegebühr (20 bzw. 30 Euro) erhoben. Alle durch die Bundesjury 

nominierten Preis träger der Haupt- und Sonderkategorien zahlen erst nach 

Folgende Einzelkategorien werden 

ausgeschrieben: 

» 8 HAUPTKATEGORIEN « 

» 119 SONDERKATEGORIEN « 

8 


14 FESTIVAL 

17. Dezember 2022 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle 

Durch die differenzierte Auswahl an Sonderkategorien wird gewährleistet, 

dass eine große Anzahl vielversprechender Musikgruppen, Inter preten und 

Künstler*innen in musikhistorisch und aktuell bedeutenden, aber bisher bei 

Preisverleihungen vernachlässigten Musikrichtungen ebenfalls gewürdigt 

werden können. In den acht Hauptkategorien sowie in den übrigen 

Sonder kategorien entscheidet die Bundesjury allein aufgrund des 

eingeschickten Materials über eine Nominierung bzw. Auszeichnung 

bei der Preisverleihung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich mit dem künstlerischen und 

technischen Umfeld einer CD-Produktion und des Musikmanagements 

auseinandersetzen (Studioproduktion, CD-Design, Independent-Label, 

Künstleragentur etc.), sollen auch die ansonsten im Schatten von künstlerischen 

Auszeichnungen stehenden Firmen und Personen auf Vorschlag 

der Musikerbasis geehrt werden. 

TEILNAHME 

Die nominierten Bands und Künstler*innen des 40. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2022 erhalten durch die Deutsche Popstiftung eine Ein - 

ladung nebst Teilnahmeformular. 

Erst die Rücksendung des ausgefüllten Teilnahmeformulars und 

die Entrichtung der Teilnahmegebühr in Höhe von 100 Euro je Haupt - 

kategorie und 100 Euro je Sonder kate gorie garantieren die Teilnahme 

am 40. Deutschen Rock & Pop Preis 2022. 

Die ausgezeichneten Preisträger der Haupt- und Sonderkategorien er - 

halten je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 1000 Euro für den eigenen 

Gäste-/Fankreis. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer CD/einem Musikvideo 

pro Kategorie (möglichst eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Popstiftung 

für die verschiedenen Kategorien bewerben. 

Mit der Nichtrücksendung des Teilnahmeformulars und der Nicht en t - 

richtung der Teilnahmegebühr verfallen die Teilnahme und Preis zuer - 

kennung. 

Anmeldegebühr: 

» 20 EURO « 

DRMV-MITGLIEDER 

» 30 EURO « 

DRMV-NICHTMITGLIEDER 

Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln unabhängige Expertenjuroren, 

die von der Deutschen Popstiftung eingesetzt werden, die nominierten 

Preis träger der Haupt- und Sonderkategorien des 40. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2022. Um eine gerechte Preisverleihung zu gewährleisten, 

kann die Bundesjury, wenn die Einordnung den Juroren passend erscheint, 

Preise auch in anderen als den durch die Künstler ursprünglich benannten 

Kategorien zuerkennen. 

Alle Teilnehmer dieser Kulturveranstaltung übertragen die audiovisuellen 

Sende- und Verbreitungsrechte non-exklusiv an die Deutsche 

PopStiftung. 

PREISVERLEIHUNG 

Die Preisverleihung an alle Preisträger findet am 17. Dezember 2022 

auf der Hauptbühne des 40. Deutschen Rock & Pop Preises 2022 in der 

Siegerlandhalle in Siegen statt. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung durch die Bundesjury werden 

auf der Website des DRMV www.musiker-online.tv und durch die 

Kulturzeitschrift Musiker Magazin nach dem Festival veröffentlicht. 

Wie in den vergangenen 39 Jahren auch kann die Deutsche PopStiftung 

die Preisauszeichnung einem Teilnehmer aberkennen, wenn dieser sich 

rufschädigend oder mit falschen Aussagen in und gegenüber anderen 

Medien äußert. 

WEB: WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

FOTOS: LUDWIG CZAPLA 

GRAFIK: © SHOWCAKE / ADOBE STOCK

ANMELDUNG 

40. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2022 

Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2022 an. 

Band/Künstler*in: ......................................................... 

Ansprechpartner*in: ...................................................... 

Straße: .......................................................................... 

PLZ Ort: ........................................................................ 

Bundesland: .................................................................. 

Tel.: ............................................................................... 

Mobil: ............................................................................ 

Fax: .................................................................................... 

E-Mail: ................................................................................ 

Internet: .............................................................................. 

DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................ 

GEMA-Mitglied?: q nein q ja: 

q angeschl. q außerord. q ordentlich 

Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich. 

Bewerbungsgebühr pro Musiksparte: 20,– Euro DRMV-Mitglieder /30,– Euro DRMV-Nichtmitglieder 

Die Bewerbungsgebühren in Höhe von Euro ........... q in bar beigelegt q als Scheck beigelegt q per Überweisung 

Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF 

Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 1. Juli 2022 an: 

Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2022, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg 

Teilnahmegebühr: 150,– Euro je Haupt- und je erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,– Euro) – Diese Gebühr fällt erst nach Auswahl durch 

die Bundesjury an. Sollte die Preisverleihung nicht stattfinden können, dann reduzieren sich die Teilnahmegebühren auf 100,– Euro pro Kategorie. 

40. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2022: HAUPTKATEGORIEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

q 1 

q 2 

q 3 

q 4 

q 5 

q 6 

q 7 

q 8 

Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band) 

Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band) 

Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band) 

Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band) 

Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band) 

Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste*r Solosänger*in – Wertung: Eigenkomposition und Stimme) 

Deutscher Singer Preis (beste*r Solosänger*in – Wertung: Stimme) 

Deutscher Country Preis (beste Country-Band) 

Die durch die Jury nominierten Preisträger der Hauptkategorien werden am 17. Dezember 2022 

auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen im Rahmen der Preisverleihung ausgezeichnet. 

40. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2022: SONDERKATEGORIEN 

q 9 Beste Filmmusik 

q 10 Bestes Kinderlieder-Album 

q 11 Beste Experimentalband 

q 12 Beste Crossoverband 

q 13 Beste Hardcoreband 

q 14 Beste Industrialband 

q 15 Beste Progressiveband 

q 16 Beste Skaband 

q 17 Beste Nu-Metal-Band 

q 18 Bestes Trancealbum 

q 19 

Beste*r Mundart-Interpret*in 

q 20 Beste*r Electronic-Interpret*in 

q 21 Bestes Dancehall-Album 

q 22 Beste Elektropopband 

q 23 Bestes traditionelles Blues-Album 

q 24 Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband 

q 25 

Beste Cover/Revivalband 

q 26 Beste A-Capella-Band 

q 27 Bestes Chanson-Album 

q 28 Beste Punkband 

q 29 Beste Gothic-/Wave-Band 

q 30 Beste*r Gospel-Interpret*in 

q 31 Beste Gospelgruppe 

q 32 Bestes Weltmusikalbum 

q 33 Bestes Hip-Hop-Album 

EINSENDESCHLUSS: 1. JULI 2022

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

BEREICH ROCK: 

q 34 Beste Rocksängerin 

q 35 Bester Rocksänger 

q 36 Bester Rocksong 

q 37 Bestes Rockalbum 

BEREICH POP: 

q 38 Beste Popsängerin 

q 39 Bester Popsänger 

q 40 Bester Popsong 

q 41 Bestes Popalbum 

BEREICH FUNK: 

q 42 Beste Funk-Sängerin 

q 43 Bester Funk-Sänger 

q 44 Bester Funk-Song 

q 45 Bestes Funk-Album 

BEREICH HARD ROCK: 

q 46 Beste Hard-Rock-Sängerin 

q 47 Bester Hard-Rock-Sänger 

q 48 Bester Hard-Rock-Song 

q 49 Bestes Hard-Rock-Album 

BEREICH METAL: 

q 50 Beste Metal-Sängerin 

q 51 Bester Metal-Sänger 

q 52 Beste Metal-Band 

q 53 Bester Metal-Song 

q 54 Bestes Metal-Album 

BEREICH FUSION-JAZZ-ROCK: 

q 55 Beste Fusion-Jazz-Rock-Sängerin 

q 56 Bester Fusion-Jazz-Rock-Sänger 

q 57 Beste Fusion-Jazz-Rock-Band 

q 58 Bester Fusion-Jazz-Rock-Song 

q 59 Bestes Fusion-Jazz-Rock-Album 

BEREICH ALTERNATIVE: 

q 60 Beste Alternative-Sängerin 

q 61 Bester Alternative-Sänger 

q 62 Bester Alternative-Song 

q 63 Bestes Alternative-Album 

BEREICH NEW AGE: 

q 64 Beste New-Age-Band 

q 65 Bester New-Age-Song 

q 66 Bestes New-Age-Album 

BEREICH R’N’B/SOUL: 

q 67 Beste R’n’B/Soul-Sängerin 

q 68 Bester R’n’B/Soul-Sänger 

q 69 Beste R’n’B/Soul-Band 

q 70 Bester R’n’B/Soul-Song 

q 71 Bestes R’n’B/Soul-Album 

BEREICH REGGAE: 

q 72 Beste Reggae-Sängerin 

q 73 Bester Reggae-Sänger 

q 74 Beste Reggae-Band 

q 75 Bestes Reggae-Album 

BEREICH LATIN-POP: 

q 76 Beste Latin-Pop-Sängerin 

q 77 Bester Latin-Pop-Sänger 

q 78 Beste Latin-Pop-Band 

q 79 Bester Latin-Pop-Song 

q 80 Bestes Latin-Pop-Album 

BEREICH FOLKROCK: 

q 81 Beste Folkrocksängerin 

q 82 Bester Folkrocksänger 

q 83 Beste Folkrockband 

q 84 Bester Folkrocksong 

q 85 Bestes Folkrockalbum 

BEREICH COUNTRY: 

q 86 Beste Country-Sängerin 

q 87 Bester Country-Sänger 

q 88 Bester Country-Song 

q 89 Bestes Country-Album 

BEREICH SCHLAGER: 

q 90 Beste Schlager-Sängerin 

q 91 Bester Schlager-Sänger 

q 92 Beste Schlager-Band 

q 93 Bester Schlager-Song 

q 94 Bestes Schlager-Album 

BEREICH MUSICAL: 

q 95 Beste Musicalsängerin 

q 96 Bester Musicalsänger 

q 97 Bestes Musicalalbum 

Die durch die Jury nominierten Preisträger aller Sonderkategorien werden am 17. Dezember 2022 

auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen im Rahmen der Preisverleihung ausgezeichnet. 

Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden. 

MUSIKBUSINESS: 

q 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis) 

(Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc.) 

q 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop) 

(Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc.) 

q 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc.) 

q 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht) 

q 102 Erfolgreiche*r Musikmanager*in (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen) 

q 103 Erfolgreiche*r Musikproduzent*in (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD) 

q 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik in 

Deutschland (Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig!) 

q 105 Lebenswerk (Bew.: Beschreibung des Lebenswerks) 

MUSIKPRODUKTION: 

q 106 Beste*r neue*r Rock- und Popkünstler*in des Jahres 

q 107 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig) 

q 108 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig) 

q 109 Bester Song des Jahres (deutschsprachig) 

q 110 Bester Song des Jahres (englischsprachig) 

q 111 Beste Studioaufnahme des Jahres 

q 112 Beste Single des Jahres 

q 113 Bestes Musikvideo 

q 114 Beste Komposition 

q 115 Bester deutscher Text 

q 116 Bestes Booklet und Inlaycard 

q 117 Beste Instrumentalband 

q 118 Bestes Instrumentalalbum 

q 119 Beste*r Barpiano-Interpret*in 

INSTRUMENTALISTEN: 

q 120 Beste*r Instrumentalsolist*in 

q 121 Beste*r Gitarrist*in 

q 122 Beste*r Keyboarder*in 

q 123 Beste*r Schlagzeuger*in 

q 124 Beste*r Bassist*in 

q 125 Beste*r Percussionist*in 

q 126 Bestes Arrangement 

q 127 Bestes Blasinstrument 

EINSENDESCHLUSS: 1. JULI 2022

STORIES 17 

ALWIN SMOKE 

»Ich hatte schon mein ganzes Leben im Hinterkopf, dass ich eine reine 

Gitarren-Platte machen wollte, und die Fender Stratocaster war dieses Mal für mich 

das Wesentliche an dieser ganzen Geschichte« 

MM: Wie würdest du dich beschreiben? Multi - 

instrumentalist/Songwriter? 

ALWIN SMOKE: Ich würde mich nicht so weit 

aus dem Fenster lehnen, aber sicherlich versuche 

ich, meine eigenen Ideen alle so weit umzusetzen, 

dass ich alles gleich aufnehmen kann, 

einen fertigen Song habe und die Idee dann fertig 

als Lied präsentieren kann – letztendlich so weit, 

dass ich die CD und die Songs insgesamt fertigstellen 

kann. 

MM: Du spielst dann auch alles selbst ein? 

ALWIN SMOKE: Ja, bei meinen Alwin-Smoke- 

Ge schichten auf jeden Fall. In diversen anderen 

Bands nicht, das übernehmen dann die Spezia - 

listen. 

MM: Wenn du Songs schreibst, wie entstehen 

die? Wie gehst du da ran? 

ALWIN SMOKE: Nun, das hat jetzt eigentlich 

keine richtige Planung. Ich würde eher sagen, der 

Song ist einfach da und bei mir entsteht eigentlich 

alles erst mal im Kopf oder im inneren Ohr 

und entwickelt sich dort erst mal, und dann 

wird’s erst mal mehr oder minder auf die In stru - 

mente übertragen. Ich versuche, was ich innerlich 

wahrgenommen habe, auf die Instru mente 

zu übertragen mit den Möglichkeiten, die ich halt 

habe. Daraus entwickeln sich die Songs. Ideen 

kommen aus dem normalen Leben, aus dem alltäglichen 

Geschehen, was jeder so kennt. 

MM: Gehst du dann auch mit deinen Songs 

live auf die Bühne? Du hast ja gerade schon 

gesagt, du spielst auch in Bands, aber es 

gibt eben auch dein Soloprojekt „Alwin 

Smoke“. 

8 


18 STORIES 

ALWIN SMOKE 

„Six String Stories“ 

VÖ: 12. NOVEMBER 2021 

WWW.ALWIN-SMOKE-MUSIK.DE 

FACEBOOK.COM/ALWINSMOKEBAND 

ALWIN SMOKE: Genau, also das Soloprojekt ist 

natürlich so angelegt, dass ich erst mal meine eigenen 

Vorstellungen, unberührt anderer Inte res sen, 

selbst umsetze. Das bedeutet, dass ich keinen 

habe, der mir reinredet. Da bin ich relativ egois - 

tisch, würde ich mal so sagen. 

Wenn ich die Chance habe, es live umzusetzen, 

dann habe ich durch meine anderen Tätig - 

keiten mit anderen Bands sehr viele Kontakte zu 

sehr guten Musikern, und die werden dann von 

meiner Seite aus gefragt, ob sie daran Interesse 

hätten, und daraus entstehen die Live-Pro jekte. 

Dort spielen dann die Spezialisten meine Parts, 

oder zu mindest Parts, die ich so ähnlich gespielt 

habe, in ihrer eigenen Version. 

MM: Also dass du auf der Bühne gar nicht 

alleine spielen musst? 

ALWIN SMOKE: Nein, auf keinen Fall. Würde ich 

auch gar nicht. Live ist die Sache schon angelegt 

als richtige Band. Ist aber so, dass ich halt nicht 

warten muss bei meinen Ideen, bis ich jetzt zum 

Beispiel einen Keyboarder finde, der die Songs 

so spielt, wie er es tun soll. Ich finde es selbst als 

Musiker auch ein bisschen schwierig, wenn 

andere Musiker einem genau alles vorschreiben. 

Ich denke, jeder Musiker hat seine eigene Art zu 

spielen und seine eigene Interpretation. Da ich 

das ja bei meinen eigenen Sachen nicht so will, 

sondern meine eigenen Ideen habe, würde es 

live in Betracht kommen, eine Aufnahme zum 

Beispiel nicht. 

MM: Das klingt, als würde es sich auf jeden 

Fall lohnen, sich eine Live-Show anzuschauen, 

weil es sich von den Aufnahmen unterscheidet. 

ALWIN SMOKE: Ja, durchaus, also die Aufnah - 

men sind nicht eins zu eins mit dem Live, das klingt 

dann bestimmt anders. 

MM: Das ist ja auch immer eine Art von 

kreativem Ausdruck, oder? Wenn du halt im 

Studio den ganzen Kram aufnimmst, dann 

planst du das alles genau durch und dann 

hörst du es hundertmal oder öfter an, und 

sobald man dann andere Musiker miteinbezieht, 

dann bekommt die ganze Sache noch 

mal ein neues Gefühl. 

ALWIN SMOKE: Auf jeden Fall. Für mich ist das 

so: Wenn ich die Sachen dann endlich mal live 

umsetze, ist es sehr spannend zu sehen, was 

aus diesen Sachen, die ich vorher aufgenommen 

habe, live entsteht durch die anderen. Also wenn 

die anderen ihre Interpretation, ihre Art zu spielen, 

dazugeben, bin da glücklicherweise live so 

flexibel, zum Beispiel, wenn ein Bassist meine 

Linien nicht so spielt, wie ich die auf der Auf nah - 

me gespielt habe, aber der Song insgesamt so 


STORIES 19 

»Ich für meinen Teil 

möchte was in der Hand 

haben, womit ich 

mich ausweisen und 

sagen kann: 

Guck mal hier, das ist das, 

was ich mache. 

Deshalb die CD.« 

rüberkommt, dann ist das völlig okay. Das finde 

ich sehr spannend, dass die Lieder ein ganz neues 

Flair kriegen. 

MM: Was bedeutet denn generell Musik für 

dich? Du machst ja jetzt auch schon recht 

lange Musik, du machst dein eigenes Pro - 

jekt, du spielst in Bands, spielst verschiedene 

Instrumente und du singst auch. Es ist ja 

schon ein großer Bestandteil deines Lebens. 

ALWIN SMOKE: Ja, mit einer der größten absolut. 

Mit Berufung ist vielleicht gar nicht genügend 

ausgedrückt. Es ist Leidenschaft, Berufung und 

mein Leben. Also ohne Musik ist es nicht vorstellbar. 

Seit ich sechs oder sieben war, ist das für mich 

ein wesentlicher Bestandteil. Musik hat mich durch 

alle Lebensphasen begleitet und ist schon fast 

ein meditatives Element. Wir gehen ja durch alle 

möglichen Phasen und Musik ist ein richtiger Anker. 

Du kannst dann richtig irgendwo sagen, wenn 

alles danebengeht oder wenn ich „down“ bin, 

dann nehme oder höre ich meine Lieblingsmusik 

und es geht weiter. Und das ist elementar, das 

muss sein, und so ist für mich dann auch der Aus - 

druck dessen, was mein Innerstes ist, meine Musik. 

MM: Das ist wirklich schön, und man hofft 

dann natürlich immer als Musiker, dass so 

was rüberkommt oder, wie du es schon ge - 

sagt hast, wenn es dir mal schlecht geht, 

hörst du auch manchmal Lieder, die dir guttun. 

Hast du manchmal diesen Gedanken: 

Vielleicht gibt es gerade jemanden, der traurig 

zu Hause sitzt und deine Musik hört, und 

dann geht’s ihm/ihr besser? 

ALWIN SMOKE: Ich wünsche es jedem Menschen, 

dass, ob es jetzt meine Musik ist, so egoistisch 

will ich gar nicht mal sein, aber dass jeder Mensch 

seine Musik findet, die ihm genau dafür hilft und 

in den einzelnen Phasen so kommt. Auch in den 

tollen Phasen, wo man feiert, Party-Songs und so 

weiter hört, dass man sagt: Okay, das ist ganz 

klasse, damit kann ich jetzt feiern, aber auch in 

den melancholischen Phasen, wo man sagt: Okay, 

ich bin jetzt echt nieder und muss jetzt durch diese 

Zeit gehen. 

Für mich ist es so, ich habe das auch jedem 

meiner Freunde/Bekannten/Familienangehörigen 

ge sagt: Musik ist immer das eine gewesen für 

mich. Wenn irgendwann mal was war, wenn es 

ein Zufall war oder nicht, war es immer die Mög - 

lich keit zu sagen: Okay, jetzt gehe ich da hin, da 

bin ich nicht allein, da habe ich meine Musik und 

komme damit klar. 

MM: Bist du Berufsmusiker oder ist es sozusagen 

dein zweites Standbein? 

ALWIN SMOKE: Nein, ich bin kein Berufsmusiker. 

Ich versuche, das so gut wie ich kann umzusetzen, 

manche sagen dazu professionell. Ich würde 

es so formulieren: so gut wie möglich umzusetzen 

und daraus das dann zu machen. Berufs - 

musiker bin ich deshalb jetzt nicht. 

MM: Okay, aber es ist manchmal entlastend, 

dass man die Freiheit hat, und nicht den 

Druck zu haben, man müsse jetzt unbedingt 

was machen, was gekauft wird. Das ist ja oft 

so eine Diskussion. 

ALWIN SMOKE: Ich kenne verschiedene Berufs - 

musiker, die diesen beruflichen Zwängen unterworfen 

sind, die müssen ja für ihr Einkommen sorgen 

über den Beruf und dadurch Dinge machen, 

die ihnen nicht gefallen, bei denen sie Auf träge 

verwirklichen müssen, um an das Geld zu kommen. 

Da habe ich mir in meinem Leben diesen 

„space“ frei gehalten, um zu sagen: Okay, ich 

kann immer machen, was ich will. Also ich muss 

das nicht machen, um an Geld zu kommen. 

Insofern ist es für mich leichter. Würde es dann 

lieber insofern bevorzugen, aber das ist jetzt ein 

Wunschtraum, dass über meine eigene Musik so 

viel entsteht an Einnahmen, dass ich weiter machen 

kann, was ich will, und insofern ist das mit dem 

Berufsmusiker-Dasein für mich nicht infrage ge - 

kommen. 

MM: Aber trotzdem ändert das ja nichts an 

der Motivation, die du hast, beziehungsweise 

deine Motivation ist da. Du hast ein Herzensprojekt 

von dir jetzt auch umgesetzt, und zwar 

hast du eine neue CD, die heißt „Six String 

Stories“, und ich hatte eben erwähnt, du bist 

auch Sänger, aber du singst auf der CD nicht. 

ALWIN SMOKE: Nein, auf dieser CD ist ausschließlich 

meine große Liebe, die Fender Strato caster, 

ohne dass ich hier Werbung machen will … sorry. 

Aber das ist meine geliebte Gitarre, sie ist auch von 

kleinsten Tagen an das leuchtende Instrument für 

mich gewesen. Die Songs sind entstanden von Mai 

bis September 2021, alles spontan, sehr schnell, 

die waren einfach alle da. Der Klang der Strato - 

caster war dieses Mal für mich das Wesentliche an 

dieser ganzen Geschichte und das wollte ich um - 

setzen. Das hatte ich schon mein ganzes Leben im 

Hinterkopf, dass ich eine reine Gitarren-Platte 

machen wollte. Da kam für mich dieses Mal 

gesangsmäßig auch nichts infrage, sondern das 

hat jetzt alles die Gitarre übernommen, und für 

mich ist es ein Ge nuss, sie zu spielen. So ist das 

entstanden. 

MM: Das Besondere, muss man ja mittlerweile 

sagen: Es ist eine physische CD. 

ALWIN SMOKE: Ja, ich bin halt noch so ein bisschen 

der „altbackende“ Musiker, der gerne was 

in der Hand hat und sich auch gerne Bilder an - 

schaut und auch gerne Platten. Sofern es noch 

Schallplatten in großen Stilen geben würde und 

die Pro duktion nicht so teuer wäre, würde ich 

auch über so was nachdenken. Die CD ist für 

mich schon sehr bedeutsam, weil es ist wie eine 

Art Visiten karte für eine Band. Du musst jemandem 

was in die Hand drücken können, ob er das 

umsetzt und die CD im CD-Player oder Computer 

hört oder ob er sagt: Okay, ich habe die CD zu 

Hause, höre es mir aber lieber über Spotify oder 

diverse Streamingportale an, das bleibt ja jedem 

unbenommen, das ist ja okay. Ich für meinen Teil 

möchte was in der Hand haben, womit ich mich 

ausweisen kann und sagen kann: Guck mal hier, 

das ist das, was ich mache. Deshalb die CD. 

MM: Das ist ein sehr schöner Gedanke. Du 

hast es ja eben gesagt, man könnte es auch 

streamen, also gibt es die Songs auch bei 

Spotify und Co.? 

ALWIN SMOKE: Ja, das ist natürlich der Gang 

der Zeit, das ist ganz klar. Das wird heute digital 

umgewandelt und muss für jeden zugänglich sein, 

die Musik ganz ohne große Hürden jederzeit 

wahrnehmen zu können, und das geht dann über 

alle Streamingportale. Die dürfte dann auch überall 

hörbar sein. 

MM: Und du warst ja auch bei uns im Studio 

und hast zwei Songs performt. Schaut es euch 

unbedingt an, große Empfehlung und vielen 

Dank, dass du da warst. 

ALWIN SMOKE: Ich habe mich zu bedanken. 

WEB: WWW.ALWIN-SMOKE-MUSIK.DE 

INTERVIEW: ALINA SEBASTIAN 

BEARBEITUNG: LEONIE FÖRSTER 

FOTOQUELLE: ALWIN SMOKE 


20 STORIES 

»Wer nicht sein will wie andere, darf sich orientieren, 

muss aber eigene Statements setzen. 

Und wer eigene Entscheidungen trifft, der kann 

die Welt verändern!« 

PETER 

VOLLAND

STORIES 21 

Losgelöst von Markt und Umsatz 

bleibt das Musizieren und Schreiben 

weiter Teil meines Lebens 

MM: 2012, 2016 und 2020 wurdest du vom 

„Deutschen Rock & Pop Preis“ als „Bester 

Rock sänger“ ausgezeichnet. Für dich als 

Mu siker ist der Preis ein „Türöffner“. In - 

wiefern hat er dich weitergebracht? 

PETER VOLLAND: Nun, wie auch bei meinen 

anderen Auszeich nun gen, habe ich das nie zur 

Schau getragen. Verheimlichen wollte und konnte 

ich es natürlich auch nicht. Ins be so n dere die 

regionale Presse hat bei solchen Ereignissen 

ausführlicher be richtet, auch Magazine wie Good 

Times oder Akustik Gitarre brachten etwas in 

ihren Aus ga ben. Re dak teure besuchten mich 

vereinzelt auch mal zu Hause oder während 

Aufnahmen im Tonstudio, um vor Ort mehr von 

meiner Arbeit zu erfahren. Nach der zweiten 

Verleihung „Bester Rocksänger Deutsch lands“ 

wurde ich von der Bürgermeisterin meiner Wahl - 

heimat gemeinsam mit Presse ver tre tern ins 

Rathaus eingeladen, geehrt und zum Kultur bot - 

schafter ernannt. Aber auch auf meinen jahrelangen 

Touren in ferne Regionen Deutsch lands 

waren insbesondere die wiederholten Aus zeich - 

nungen beim Deutschen Rock & Pop Preis 

immer wieder kleine Türöffner gegenüber Be - 

richt er stat tern und Veranstaltern. Leser bzw. 

Konzertbesucher erhielten dadurch mancherorts 

im Vorfeld hilfreiche Infos über den Mu - 

siker und seine Show. Die Preise sind für mich 

keine Geschenke des Himmels, sondern hart 

erarbeitet, sodass ich auch in der Lage sein 

möchte, mich daran messen zu lassen. 

MM: Du beschreibst dich als „Prophet im 

fremden Lande“. Warum ist es leichter, Gigs 

in der Ferne zu ergattern als im eigenen 

Land? 

PETER VOLLAND: Man sollte denken, dass es 

nicht so ist, aber ich habe es immer wieder 

erfahren. Als Musiker, der sein Booking selber 

macht und keinen nennenswerten Durchbruch 

zu verzeichnen hat, kann es leichter möglich 

sein, in der Ferne Gigs zu bekommen. Das kann 

ich insofern verstehen, wenn Bands den Fehler 

machen zu glauben, jeden Samstag im heimischen 

Pub auftreten zu müssen. Das kann ein 

paarmal funktionieren, aber noch bevor der 

Sät tigungs effekt eintritt, sollte daran gedacht 

werden, auch mal in andere Regionen aufzubrechen. 

Damit bleibt es dauerhaft für beiden 

Seiten spannend und die eigene Entwicklung 

wird massiv gefördert. Auf Veranstalter kann es 

deshalb, selbst wenn sie sonst kaum Live 

machen, durchaus interessant und erfrischend 

wirken, wenn sich plötzlich eine fremde Band 

meldet. Dabei spielt, ich nenne es Urlaubs effekt, 

eine Rolle, dass fremde Länder wie fremde 

Künstler ohne nähere Infos gerne als besser 

eingestuft werden. Natürlich ist es klangvoll, 

wenn ein Pubbesitzer in Buxtehude ankündigen 

kann, dass da ein Sänger aus New York kommt. 

Damit ist der Act schon vor dem ersten Ton riesengroß, 

ohne dass jemand fragt, was der Typ 

denn wirklich macht und warum ein Mann aus 8 

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22 STORIES 

New York in Buxtehude landet. In der Heimat 

bzw. Wahlheimat eines Künstlers kommt auch 

dazu, dass einen die Mitbürger sowie die kulturellen 

Macher ausreichend zu kennen glauben. 

Sie stufen einen lediglich als Privatperson 

ein oder einen Typen, der da irgendwie was mit 

Musik macht. Sie können oder wollen nicht die 

andere Seite eines Menschen sehen, die ihn 

anderswo interessant macht. Auch Eifersucht 

kann eine Rolle spielen. 

Die Eigenschaften, die Künstlern in vielen 

anderen Beispielen späterhin zu großer Be deu - 

tung verholfen haben, wurden oft in der Heimat 

der Betreffenden unterschätzt, verkannt und 

deshalb dort auch zuallerletzt anerkannt. Ohne 

mir das aber anmaßen zu können, so ist es 

doch ein Stück meines bisherigen Weges und 

Durchhaltevermögens, beruhigt weiterzumachen, 

während manche einen unterschätzen. 

»Statt Neid, Abgrenzung und Sternchengehabe 

würden alle davon profitieren, ja alle könnten 

glücklicher, zufriedener und erfolgreicher werden, 

würden wir uns wertschätzend und freundschaftlich 

miteinander verbinden und respektieren.« 

MM: Musik ist für dich dein treuester Weg - 

begleiter, deshalb sind deine Songs geprägt 

von persönlichen Erlebnissen. Was inspiriert 

dich, neue Songs zu schreiben? 

PETER VOLLAND: Es kann dem Feuer zugeordnet 

werden, das von Kind an in mir brennt und 

mich antreibt. Der Stoff für die Lieder kommt aus 

Erlebnissen und Geschich ten. Als junger Typ 

schrieb ich den Song „Voice Of Night“, der den 

Wechsel und die Gefühle beschreibt, wenn ein 

sonniger, belebter Tag zur dunklen, stillen Nacht 

geworden ist. Ob Schmetterlinge oder Schmerz, 

es gibt immer wieder Love songs, mit deren 

Niederschrift & Komposition ich Ver ar beitung und 

Ausdruck suchte und fand. Auch Hörern wird da 

oft ihre eigene Geschichte be wusst, hörbar und 

besser akzeptierbar ge macht. Auch ernste The - 

men erreichen mit der Ver to nung eine Transfor - 

ma tionsenergie, die sie schmerzfreier passieren 

lässt und Musiker wie Zuhörer optimistisch stimmen 

kann. In einem neuen Song „Love In Lies“ 

rechne ich mit den Lügen von Menschen ab, die 

anderen Liebe schwören, es aber nicht wahrmachen 

wollen oder können. Hingegen der Titel song 

meines bis Anfang 2022 erscheinenden Albums 

„Storm wind“ könnte auch für die letzten 20 Mo - 

nate stehen, für jede Form von Unheil, die auf 

jeden von uns im Leben zukommen kann. Wir 

können uns dem jeweils in den Weg stellen oder 

nichts tun und hoffen, dass es gut geht, oder wir 

leiten es einfach um bzw. weiter, ohne besondere 

Be rüh rung zu haben. Es mit einem Lächeln an der 

Haustür empfangen, durch die gute Stube ge leiten 

und geradewegs zur Hinter tür hinauslassen. 

MM: Du schreibst schon seit deiner Jugend 

eigene Songs. Wie hat es mit dem Song - 

writing bei dir angefangen? 


STORIES 23 

PETER VOLLAND: Mit zehn war ich regelmäßig 

an Omas Klavier zugange, versuchte, aus 

Stücken wie „Lady Madonna“ eigene Ablei tun - 

gen zu schaf fen. Als Jugendlicher hatte ich be - 

reits eine Vielzahl unterschiedlicher Instru mente 

zur Verfügung, sang unentwegt Liedfetzen meiner 

Vorbilder und schrie, mit einem für die Mit - 

be wohner nicht unerheblichen Schreck poten - 

zial verbunden, Falsetts durch das Treppen haus. 

Ich nahm immer viel an Ideen auf und verband 

früher oder später Musik und Texte. Ich musizierte 

viel mit anderen jugendlichen sowie ge stan - 

denen erwachsenen Musikern. In meiner ersten 

richtigen Band (Choice in Büdingen/Hessen) 

wurden meine eigenen Songs erstmals Teil des 

Repertoires. 

MM: Der Austausch mit anderen Musikern 

war dir früher immer wichtig. Was ist das 

Bedeutende daran? 

PETER VOLLAND: Der Austausch ist mir auch 

heute noch wichtig und ich praktiziere ihn bei 

Gigs, Studioarbeiten, Sessions, Gesprächen, 

Kooperationen oder eigenen Konzert besuchen. 

Von 2004 bis 2011 veranstaltete ich in Hessen 

hin und wieder eine Acoustic Night. Dazu lud 

ich jeweils mehrere kleine Akustikformatio nen ein, 

um gemeinsam in einem Saal einen schönen 

Abend zu gestalten. Dabei traten un be kannte 

Ama teure und auch andere Preis träger des 

Deutschen Rock & Pop Preises auf. 

Heute trete ich noch mehr für eine stärkere 

Solidarisierung von Künstlern ein. Statt Neid, 

Abgrenzung und Sternchengehabe würden alle 

davon profitieren, ja alle könnten glücklicher, 

zufriedener und erfolgreicher werden, würden 

wir uns wertschätzend und freundschaftlich mit - 

einander verbinden und respektieren. 

MM: Du sagst, du seist ein Künstler darin, 

immer mit „angezogener Handbremse zu 

fahren“, und hast Sorge um deine Songs und 

vor schlechten Verträgen. Woher kommt 

diese Angst? 

PETER VOLLAND: Hab ich das mal gesagt? 

Nun, wenn ich solche Angst gehabt hätte, 

wäre ich bestimmt niemals mit eigenen Songs 

bei Tausenden Aufritten und nicht zuletzt einigen 

Rock preisen aufgetreten. Aber ja, es gibt 

da noch etwas. Als junger Musiker war ich mit 

weniger Selbstbewusstsein ausgestattet und 

ehrlich ge sagt hatte ich nie viel Vertrauen in 

das Musik business. Auch in der Wiesbadener 

Hard rock band Booster, in der ich bis 1992 

Shouter war, gab es neben mir Kumpels, die 

die auf dem Tisch liegenden Plattenverträge 

kritisch sahen. Wir waren diejenigen, die noch 

semiprofessionell agierten, einen anderen Job 

hatten und Familienverantwortung trugen. Ich 

selber habe dazugelernt, mein eigenes Label 

Acoustic Power Records gegründet und bin 

trotzdem offen für andere Kooperationen. So 

habe ich mich 2011 für die Platte „Deep Black 

Water“ mit dem Online-Vertrieb Timezone in 

Münster verbunden. Für das kommende Album 

„Storm wind“ sollen beinahe alle Register für 

Promo und Distri bution gezogen werden. Dazu 

werde ich erstmals mit speziellen Radio- und 

Online-Marketing-Agen turen kooperieren. Das 

tue ich, weil ich mehr als je zuvor von dieser 

Produk tion überzeugt bin. Tut gut, dieses neue 

Selbst vertrauen! Ich wünsche mir so, dass die 

Hörer dies auch den neuen Titeln anmerken 

werden. 

MM: Seit 1999 tourst du als Solokünstler 

durch Deutschland. Zuerst überwiegend mit 

Rockcovern, doch die Anzahl der Eigen kom - 

positionen hat sich über die Jahre er höht. 

Welchen Song singst du am liebsten live? 

PETER VOLLAND: Schwere Frage, weil ich mit 

all meinen eigenen Songs viel verbinde und viele 

davon auch gerne live spiele. Ich würde sagen, 

der Song „The Ship“ von 2007 war die letzten 

Jahre live mein Favorit. Er beschreibt, wie ein zur 

Trennung verurteiltes Paar in einem Boot auf 

stür mischer See hin- und hergeworfen wird. 

Dabei wird die Frage gestellt, ob das Boot, das 

für die Verbindung steht, diese Um stände aushalten 

und eine Liebe fortbestehen kann. 

Dieses Lied gibt mir immer wieder ungeheure 

Energie, es spricht sofort in die Herzen der 

Konzertbesucher und es lässt sich unglaublich 

gut interpretieren. 

MM: Als Mensch aus dem LP-Zeitalter versuchst 

du, deine eigene Digitalisierung aufzuhalten. 

Warum ist es dir so wichtig, an 

den analogen Medien festzuhalten? 

PETER VOLLAND: Ich habe meine Platten samm - 

lung irgendwann verkauft, weil ich es vorzog, 

die CD als Hauptmedium im Schrank zu haben. 

Selbst das wird auf Dauer schwierig sein. Ich 

liebe die Erinnerungen an meine Jugend, als 

ich mir vom übrig gebliebenen Taschengeld 

Zug um Zug meine Lieblingsplatten kaufte. Ich 

würde sagen, ich halte heute noch an der CD 

als Ersatz dafür fest. Wie erwähnt, bin ich auch 

offen für die digitale Seite. Ich habe zwar niemals 

ein Smart- oder iPhone besessen, nie 

Facebook oder Konsorten genutzt, liebe immer 

noch sich drehende Tonbandgeräte, nutze 

aber dort die digitale Welt, wo sie der Musik 

zuträglich ist. Im Tonstudio wurde neben viel 

Analog-Stuff natürlich auch mit Com pu tern 

und Soft ware gearbeitet, und für den Ver trieb 

werde ich künftig vermehrt aktuelle Online - 

por tale nutzen. 

MM: Im 2022 soll dein neues Album veröffentlicht 

werden. Was ist für das Album ge - 

plant und was können deine Hörer erwarten? 

PETER VOLLAND: Zum einen spielen da die 

angesprochenen Musiker-Kooperationen eine 

nicht unerhebliche Rolle. Noch nie habe ich ein 

so aufwendiges Soloalbum mit Bandbe glei - 

tung produziert, das auch die passenden Spieler 

enthält. Ich bin sehr froh, dass Mu si ker größen 

wie Marcus Deml (E-Gitarre), Willy Wagner 

(Bass), Mathias Maze Leber (Key board), PiTTi 

Hecht (Percussion) oder Moritz Müller (Drums) 

Teil der Produktion sind. Fakt ist, dass ich dieses 

Mal keine Songs mit ausschließlich Akustik gi tar - 

re und Gesang abliefere, sondern eine elf Tracks 

umfassende Mixtur aus kernigem Rock, Pop 

und Feuerzeugballaden. 

Aufgenommen und gemischt wurde das 

Material von Jürgen Zimmer im NoLimit Studio 

in Reis kirchen, das Mastering erfolgte bei 

Stephen Macussen in L.A. Mein Ziel war und 

ist es, als englisch singender deutscher Song - 

writer und Produzent ein Werk mit internationalem 

Flair vorzulegen. 

MM: Du möchtest deine Anhänger noch 

mindestens einmal so richtig überraschen. 

Hast du schon etwas geplant? 

PETER VOLLAND: Ich hoffe zunächst wirklich, 

mit dem neuen Album „Stormwind“ Gehör zu 

er halten und weitere Musikfreunde zu erreichen, 

denn wie es mit der Musik und den Leuten 

im Musik-Biz weitergeht, hängt von der Ent - 

wick lung der Onlinedienste, dem einbrechenden 

Tonträgermarkt wie der die gesamte Künstler - 

branche beutelnden C-Krise ab. Losgelöst von 

Markt und Umsatz bleibt das Musizieren und 

Schreiben weiter Teil meines Lebens. Während 

ich nach über 20 Jahren als Solo-Akustik- 

Rocker 2022 ein Bandalbum mit mehr Rock 

vorlege, kann ich mir vorstellen, auch mit einer 

neuen Bandformation auf Tour zu gehen. Was 

weitere Produktionen betrifft, reizt mich auch, 

Rockmusik mit einer anderen Instrumen tie - 

rung hervorzubringen, das heißt, auch Blech, 

alpenländische oder südasiatische Klänge einzusetzen. 

WEB: WWW.PETERVOLLAND.DE 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER 

FOTOQUELLE: PETER VOLLAND 


24 STORIES 

LILI 

CZUYA 

»Andere haben mit 20 

ein Auslandsjahr gemacht, 

ich hab auf dem Kiez 

als Sängerin gearbeitet.« 

HÖRBIE SCHMIDT BAND 

FEAT. LILI CZUYA 

„Ich liebe den Blues“ 

VÖ: 13. SEPTEMBER 2019 

HOERBIESCHMIDTBAND.DE 

MM: Beim 38. Deutschen Rock & Pop Preis 

2020 wurdest du als beste Sängerin und 

beste Popsängerin ausgezeichnet. Be wor - 

ben hast du dich mit dem Song „Reisende 

Seele“ aus dem Album „Ich liebe den Blues“ 

der Hörbie Schmidt Band. Wie ist dein Ge - 

winner-Song entstanden? 

LILI CZUYA: Die Geschichte zu dem Song hat leider 

einen sehr traurigen Ursprung. Im Jahr 2018 

verstarb mein Vater völlig unerwartet an einem 

Herzinfarkt auf einer Geschäftsreise in Jordanien 

im Alter von 69 Jahren. Wir hatten eine sehr enge 

Verbindung, haben viele Konzerte seit meinem 

13. Lebensjahr zusammen gespielt. Er war 

Schlagzeuger. Sein Tod riss mir den kompletten 

Boden unter den Füßen weg und ich erlebte 

einen noch nie zuvor erlebten Schmerz. Als ich 

am dritten Tag nach seinem Tod tränenüberströmt 

unter der Dusche stand, hörte ich den 

Song „Wayfaring Stranger“. Ich hörte die Be - 

deutung, die der Song seit Generationen in die 

Welt trägt, und war sehr berührt. 

Als dann die Zeile „I’m just going over Jordan“ 

hörte, war mir klar, dass ich eine eigene Inter pre - 

tation in Gedenken an meinen Vater singen möchte. 

So begann die Geschichte zu der deutschen 

Fassung „Reisende Seele“ für das zweite Album 

der Hörbie Schmidt Band „Ich liebe den Blues“. 

Die Hörbie Schmidt Band hat in höchster Fein - 

fühligkeit und größtem Respekt meine Ge dan - 

ken und Wünsche in der Gestaltung der Neu in - 

terpretation gewirkt. Das hat diesen Song zu einer 

sehr persönlichen Fassung gebracht. Dieser Song 

soll Mut machen, dass wir uns alle vielleicht 

irgend wann, irgendwo und irgendwie wieder 

begegnen und der Weg hier auf der Welt nur ein 

Teil unserer Reise sein könnte. Besonders be - 

rührt mich, dass es die Melodie, den Traditional 

im Original, schon seit Generationen gibt und 

viele Menschen weltweit schon Trost in dem Lied 

finden konnten. Das verbindet und bringt eine 

besondere Energie mit sich. Wenn ich den Song 

live singe, weinen oft Menschen im Publikum, weil 

sie berührt sind, und bedanken sich danach fürs 

Teilen. Das ist Musik. 

MM: Im Laufe deiner Karriere hattest du 

einige musikalische Wegbegleiter wie Roger 

Cicero, Hörbie Schmidt und Jessy Martens. 

Inwiefern haben sie dich inspiriert und was 

haben sie dir für deine musikalische Lauf - 

bahn mitgegeben? 

LILI CZUYA: Alle drei haben in mir viel aufgeweckt, 

weil sie alle mein musikalisches Herz erkannt, 

lesen gelernt und mich immer sehr konsequent 

herausgefordert haben. Sie haben mir immer 

mehr zugetraut, als ich es überhaupt gedacht 

habe. Das ist ein großes Geschenk. Leider ist 


STORIES 25 

älter als ich und hatten massig Erfahrung, teils 

weltweit. Ich musste überzeugen und überraschte. 

Ich bekam den Job. 

»Ich bin sehr froh, dass ich vor vielen Jahren 

zusätzlich zu meinem musikalischen Weg 

die Logopädie dazugewonnen habe. 

Ich bin beides: Künstlerin & Logopädin. 

In beiden Dis ziplinen kann ich 

die Herzen berühren und die Welt etwas 

schöner machen. Das erfüllt mich.« 

Roger nicht mehr am Leben, aber sehr viel in 

meiner Stimme ist in der Zeit seiner Begleitung in 

mir entsprungen und wächst kontinuierlich weiter, 

bis heute. Ich bin sehr dankbar, die Zeit mit 

ihm gehabt zu haben. Er war ein großartiger und 

besonderer Mensch. Jessy und Hörbie und auch 

weitere tolle Menschen sind nach wie vor an 

meiner Seite, die ich als Wegbegleiter nicht missen 

möchte. Sie sind ein Gefühl von Zuhause auf 

der Bühne und im Herzen, die mich immer wieder 

inspirieren, neue Schritte zu gehen und mich 

musikalisch weiter zu entfalten. 

MM: Mit 17 Jahren hast du angefangen, in 

Live-Clubs auf der Hamburger Reeperbahn 

zu singen. Wie bist du dazu gekommen und 

wie war das für dich? 

LILI CZUYA: Es begann alles in der Roten Laterne. 

Zunächst waren es Sessions mit verschiedenen 

Bands. Ich habe damals in einer Künstler-WG im 

Hamburger Caroviertel mit Stefanie Hempel, der 

heutigen Gründerin der Beatles-Tour in Hamburg, 

gewohnt. Es war eine sehr belebte Zeit mit tollen 

Musikern und guten Freunden. Zwei Jahre später 

wurde ich dann über einen Musikerkollegen an 

die Live-Szene der Hamburger Reeperbahn weiterempfohlen. 

Es war eine neue Welt. Es war 

anders als alles, was ich zuvor als Sängerin 

erlebt hatte. Es war die absolute Realität der 

rauen und doch zugleich so urigen Atmosphäre 

der Reeperbahnclubs. Von der Performance der 

Bands hängt jeden Abend der Umsatz der Clubs 

ab. Ich musste liefern, sonst würde ich schnell 

ausgetauscht werden. Das waren jetzt keine 

Sessions mehr. Ich habe mir innerhalb einer Woche 

das erste Programm von 30 Songs drauf geschafft. 

Zunächst waren meine neuen Musikerkollegen 

der Kiezbands sehr skeptisch, weil ich noch so 

jung war. Die anderen waren alle 10–20 Jahre 

Der Gitarrist meiner Band Eric Förster sagte 

am ersten Abend zu mir: „Willkommen im wahren 

Leben, Kleines. Auf geht’s!“ Eric gehört auch 

zu den einflussreichsten Menschen in meiner 

musikalischen Laufbahn. Er war in der Zeit wie 

ein großer Bruder, Mentor, Vorbild und ein guter 

Freund. Wir wohnten zufällig in der gleichen 

Straße. Ich habe sehr viel von ihm gelernt und 

bin sehr glücklich, mit ihm diese Zeit erlebt zu 

haben. Ich war voller Energie und war nun auf 

diesen Bühnen und ich wollte nichts anderes. Ja, 

ich wollte das wahre Leben und hier war ich. Ich 

habe in den Irish Pubs und in der Kultkneipe 

„Lehmitz“ als Haussängerin mehrere Shows in 

der Woche gesungen. Im Lehmitz haben wir mit 

der Band auf einem riesigen U-Tresen performt. 

Der Aufgang auf den Tresen verlief über Kühl - 

schränke, die als Treppe dienten. Es war laut 

und rough, aber das ehrlichste Publikum, das ich 

je erlebt habe. Ich habe 30–40 Songs am Abend 

als 20-Jährige mitten auf der Reeperbahn bis 

morgens um vier gesungen und in jeder dieser 

Nächte die Menschen ganz nah erlebt. Die Clubs 

sind vor Energie teils fast explodiert. Andere haben 

mit 20 ein Auslandsjahr gemacht, ich hab auf dem 

Kiez als Sängerin gearbeitet – eine Er fahrung, die 

ich nicht missen möchte. Diese Zeit brachte mir 

auch meine große Liebe. Er war der Bassist meiner 

ersten Kiezband-Besetzung. Wir verliebten 

uns auf der Bühne. Wir sind jetzt seit 16 Jahren 

glücklich zusammen und haben einen Sohn, der 

mittlerweile 14 Jahre alt ist. 

Ohne den Kiez wären wir uns wahrscheinlich 

nicht begegnet. Somit war die Zeit auf der Ham - 

burger Reeperbahn eine sehr besondere in meinem 

Leben. 

MM: 2005 hast du an dem Projekt „Soulounge“ 

und 2018 beim „Rockpalast“ als Sängerin 

mitgewirkt. Wie waren diese Erfahrungen für 

dich? 

LILI CZUYA: Ja, beide Konzerte waren eine 

besonders schöne Erfahrung. 2005 hat Roger 

Cicero mich mit auf die „Soulounge“-Tour ge - 

nommen. Dort traf ich auf die Welt des Soul in 

facettenreichster Form mit fantastischen Sän gern 

und Musikern. Ich war sehr beeindruckt und 

erlebte meine Stimme in einem neuen Ge wand. 

Diese Tour eröffnete mir neue musikalische Pers - 

pektiven, die mich nachhaltig geprägt haben. 

2018 nahmen mich Jessy Martens & Band als 

Sängerin mit auf die Bühne der Produktion „WDR 

Rock palast“. Dort habe ich mit zwei weiteren 

Sängern die Backings für das Konzert gesungen. 

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26 STORIES 

Für Jessy war es gleich klar, dass ich mitkomme. 

Ich hatte zunächst großen Respekt, aber sagte 

zu. Und ich bin froh, dass ich zugesagt habe. Es 

war wie eine Reise in meine Kindheit, weil meine 

Eltern früher den Rockpalast viel gesehen haben. 

Nun stand ich selbst dort, das Rockpalast-Logo 

direkt hinter mir, und meine Eltern schauten die 

Live-Übertragung in Jordanien, kurz vor dem 

plötzlichen Tod meines Vaters, im Internet. Das 

war ein abgefahrenes Gefühl. Mein Vater war so 

stolz und glücklich. Ich freue mich, dass er diesen 

Moment noch mit mir teilen konnte. Die 

komplette Produktion hat super viel Spaß ge - 

macht. Eine grandiose Band und eine tolle Crew 

vor Ort. Einen so schnellen und guten Sound - 

check habe ich selten erlebt. Alle top am Start 

und eingespielt. 

MM: Aktuell bist du fester Bestandteil der 

Hörbie Schmidt Band. Wie kam es dazu? 

LILI CZUYA: Hörbie und ich lernten uns kennen, 

als ich 16 Jahre alt war. Er unterstützte damals 

meine Band LILI, die von meinem ersten Ge - 

sangslehrer und damaligen Produzenten Jürgen 

Scholz auf einer der Hauptbühnen auf der Kieler 

Woche präsentiert wurde. 

Wir waren uns gleich sympathisch. Hörbie und 

ich blieben von dort an immer in Kontakt. Später 

arbeiteten wir auch zusammen in seiner Rock & 

Pop Schule Kiel, in der Party- und Galaband 

MOVE AND GROOVE BAND und in Workshops. 

Später gründete Hörbie die HÖRBIE SCHMIDT 

BAND und fragte mich immer wieder, ob ich 

dabei sein möchte. Es war mir einige Jahre aus 

verschiedenen Gründen nicht möglich. Hörbie 

blieb dran. Eine sehr typische Eigenschaft von 

Hörbie, für die ich sehr dankbar bin. 

Im Jahr 2016 war es dann so weit. Ich sang 

die erste Show mit der HÖRBIE SCHMIDT BAND 

und war verzaubert. Der Blues, die Wahr haf tig - 

keit von Hörbie als Frontmann, der einfach frei 

Schnau ze aus seinem Leben erzählt, die tollen 

Musiker und diese urigen Clubs in Nord deutsch - 

land. Das war genau meins. Seitdem bin ich mit 

ganzem Herzen dabei und genieße jedes einzelne 

Kon zert. Die besondere Live-Atmosphäre, die 

Misch ung aus deutschen, plattdeutschen und 

englischen Texten, die Auswahl aus Eigenkom - 

po sitionen und Interpretationen bereits bestehender 

Bluesklassiker und die darin vielfältige 

Be leuch tung aller Facetten der Liebe macht diese 

Band so lebendig und vielfältig. 

MM: Ist für 2022 eine Tour geplant? 

LILI CZUYA: Bereits 2020 war eine Tour geplant, 

die wegen vieler Auflagen und Schließungen der 

Veranstaltungsorte abgesagt werden musste. 

Auch 2021 erlebten wir viele defensive Rück - 

meldungen. Einige Clubs warteten auf wichtige 

Hilfsgelder, die ewig nicht eintrafen, andere sind 

bereits pleite und mussten ihre teils über Jahr - 

zehnte etablierten Clubs schließen. Mir blutet das 

Herz. Es zeigt den nicht wiederherstellbaren Ver - 

lust einer gewachsenen Kulturszene. Ein großer 

Teil an Kulturgut stirbt. Es ist brutal und grausam. 

In den vergangenen Jahren haben wir bereits 

zwei erfolgreiche Tourneen in Süddeutschland 

und der Schweiz spielen dürfen. Ein Teil der 

geplanten Tournee für 2022 ist bestätigt. Wir 

hoffen sehr, dass wir bald wieder auf die Bühne 

können. Es fehlt uns sehr. Gern würden wir auch 

weitere Länder bespielen, weshalb wir immer 

wieder nach Unterstützung einer passenden 

Agentur Ausschau halten, da das Booking hierfür 

sehr umfassend ist und international erfahrene 

und vernetzte Booker braucht. Hörbie und ich 

wollen dieses Jahr zusätzlich auch als Duo einen 

Teil des Programms der HÖRBIE SCHMIDT BAND 

präsentieren. Wir hoffen, dass sich im Sommer 

Möglichkeiten hierfür entwickeln. 

MM: Wie sieht generell die berufliche Situa - 

tion während Covid-19 für dich aus? 

LILI CZUYA: Ich persönlich habe das große Glück, 

in der aktuellen Situation auch als Logopädin 

tätig sein zu können. Das wäre vor vielen Jahren 

anders gewesen, da ich einige Jahre hauptsächlich 

als Live-Sängerin tätig war. Viele meiner 

Freunde und Kollegen stehen gerade vor den 

Trümmern der ausgeschalteten Kultur- und Live - 

szene. Es ist dramatisch. Es wurden ihnen nicht 

nur ihre Einnahmen, sondern auch ihr komplettes 

Lebenswerk und ihre Identitäten genommen. 

Einige von ihnen arbeiten nun als Paket zusteller 

oder auf Baustellen, da bei einigen von ihnen 

weder die Coronahilfen greifen noch andere Hilfs - 

gelder. Sie haben ein Berufsverbot. Künstler ar - 

beiten nicht vorrangig wegen des Geldes, sondern 

weil es ihre Berufung ist. Viele von ihnen 

haben keine Kraft, keine Muße, keine Inspiration 

und vor allem keine Perspektiven mehr. 

Ihre Kunst stirbt. Jeden Tag mehr. Künstler gelten 

als nicht systemrelevant, obwohl Kultur und 

Musik aus meiner Sicht ein Grundrecht darstellen 

sollten. Wenn hier keine grundsätzliche Wende 

eintritt, wird ein Großteil der Kulturbranche nicht 

mehr existieren und leider existiert ein Teil bereits 

jetzt schon nicht mehr. 

MM: 1999 und 2003 absolviertest du als jüngs - 

te Teilnehmerin den Kontaktstudiengang für 

Popularmusik an der Hochschule für Musik 

und Theater in Hamburg. Wie kann man sich 

so einen Studiengang vorstellen? 

LILI CZUYA: Ich bin in einem Hamburger Brenn - 

punkt-Stadtteil aufgewachsen, in dem ich das 

Glück hatte, dass Musik eines der Förderpro - 

gramme war und meine Eltern mich immer sehr 

unterstützt haben. Ich bekam im Alter von 13 

Jahren kostenfrei Unterricht verschiedener In - 

stru mente und Gesangsunterricht. Schnell entwickelte 

sich meine erste Band, und ich fing an, 

Songs zu schreiben. Als ich 15 Jahre alt war, be - 

warb ich mich an der Hochschule für Musik und 

Theater für den legendären Popkurs und schickte 

meine selbst aufgenommene Kassette ein. Ich 

wurde zum Vorspielen in die Hochschule eingeladen. 

Ich nahm meine Gitarre in die Hand und 

fuhr zur Hochschule. Ich stellte mich vor die Jury 

und sang meine Songs. Ich war glücklich. Das 

war genau das, was mich erfüllte. Ich wurde 

genommen. Nach wenigen Wochen begann der 

Kontaktstudiengang. Ich wurde damals vom 

Unterricht der neunten Klasse meiner damaligen 

Gesamtschule befreit und besuchte die Musik - 

hochschule. Es war so faszinierend für mich. Ich 

war plötzlich die jüngste Teilnehmerin von 30 

ausgewählten Musikstudenten und Berufs mu - 

sikern aus ganz Deutschland, Österreich und der 

Schweiz. Die meisten Teilnehmer waren Mitte 20. 


STORIES 27 

»Künstler gelten als 

nicht systemrelevant, obwohl 

Kultur und Musik aus 

meiner Sicht ein Grundrecht 

darstellen sollten.« 

mit meiner langjährigen Kollegin und zugleich 

besten Freundin Nina Maleika. Wir sind wie ein 

Ehepaar, wenn wir zusammen arbeiten. Wir verstehen 

uns blind und können uns komplett ohne 

Worte verstehen, wodurch wir gemeinsam seit 

über 14 Jahren viel Spontaneität und Lebendig - 

keit in unsere Arbeit einbringen können. Egal 

ob Jung, Alt oder alle gemeinsam, wir verbinden 

mit Musik die Herzen, wecken die eigene 

Kreati vität und können somit viel Lebensfreude 

und Lebensqualität für alle Alters gruppen schaffen 

und die Generationen ver binden, was so wertvoll 

und kraftvoll ist. Absolute Herzensprojekte, die es 

viel mehr geben sollte. 

MM: Neben der Musik bist du auch ausgebildete 

Logopädin. Wie findest du die Schnitt - 

stelle zwischen Gesang und Logopädie? 

Alle waren so gut! Ausgereifte Musiker. Song - 

writer, Texter, Comedians (unter anderem der 

damals noch ganz junge Bodo Wartke) und ich. 

Am ersten Tag bekam ich direkt Fieber, weil mein 

System komplett überhitzte. Alle nahmen mich 

sehr liebevoll an die Hand. Ich erlebte Musik auf 

kreativstem Niveau. Der ganze Tag war voller 

Musik: Rhythm & Groove, Texten, Songwriting, 

Harmonielehre, Bandprojekte aller Stilistiken der 

Popularmusik, Chor, Gesangsunterricht, Studio 

Sessions und vieles mehr. Ich wurde gefordert, auf 

allen Ebenen. Die besondere Aufmerksamkeit, die 

mir damals auch bei dem Abschlusskonzert zuteilwurde, 

war überwältigend. Die folgenden Jahre 

entwickelte ich mich mit vielen tollen begleitenden 

Menschen weiter. 2003 absolvierte ich den 

Popkurs ein zweites Mal. Jetzt war ich musikalisch 

schon ausgereifter. Es entstand ein riesiges 

musikalisches Netzwerk für mich, viele Pro - 

duktionen, in denen ich mitwirkte, und berufliche 

Zusammenarbeiten, die zum Teil bis heute aktiv 

sind. Der Popkurs war definitiv ein Meilenstein in 

meinem musikalischen Leben. 

MM: Du bist musikalisch nicht nur als Sän - 

gerin tätig, sondern auch in der musikalischen 

Frühförderung, singst mit Demenz - 

kranken und bist in der Stammbesetzung der 

Dozent*innen für die Bandcamps der Rock 

& Pop Schule Kiel. Magst du etwas mehr 

darüber erzählen? 

LILI CZUYA: Ja, über die Jahre haben sich viele 

Projekte entwickelt, die ich zum Teil dann be - 

wusst weiter verfolgt habe. Die Bandcamps der 

Rock und Pop Schule Kiel sind jedes Mal wieder 

ein großartiges Erlebnis. Jugendliche im Alter 

von 13–18 Jahren bekommen kostenfrei einen 

Intensivworkshop in einer schönen Camp-Um - 

gebung. Von morgens bis abends, sechs Tage 

lang alles voller Musik. Einzel- und Gruppen un - 

terricht, Workshops zu musikalischen Themen 

und Bandtraining mit viel Spaß und einem großen 

Abschlusskonzert. Wir sind ein eingespieltes 

Team aus sechs Dozenten unterschiedlichster 

musikalischer Stile und Disziplinen. Die musikalischen 

und persönlichen Entwicklungen der 

Teilnehmer sind jedes Mal beeindruckend. Die 

musikalische Früherziehung für Kinder im Alter 

von drei bis sechs Jahren und das gemeinsame 

Singen mit Kitagruppen in Altenheimen und in 

einer Demenz-WG, gestalte ich seit vielen Jahren 

LILI CZUYA: Die Schnittstelle zwischen dem Ge - 

sang und der Logopädie stellt die Verbindung der 

zwei Herzen in meiner Brust und die Zusammen - 

kunft beider Erfahrungswerte dar. In beiden Dis - 

ziplinen bin ich zu Hause und kann dadurch aus 

unterschiedlichen Perspektiven Menschen auf 

ihrem stimmlichen Weg begleiten. Gesangs - 

schüler, die zum Beispiel Stimmprobleme haben, 

oder professionelle Sänger, die auf dem Weg von 

der Stimmtherapie wieder zurück auf die Bühne 

sind. Diese Schnittstelle bereitet mir viel Freude 

und ist ein Grundbaustein in meinen be ruflichen 

Tätig keiten. Gemeinsam arbeite ich mit der renommierten 

Stimmtherapeutin Bettina Schulten und 

der leitenden Gesangsdozentin des BIMM-In stituts 

Alexandra Pengler bei be sonderen Fällen sehr 

gewinnbringend zusammen. Auch das Netz werk 

aus guten Ärzten spielt hierbei eine positive Rolle. 

Es ist einfach schön, Stimmen in ihrer Hei lung zu 

begleiten und das Potenzial komplett oder bestmöglich 

wiederzuerwecken. Die Lebensqualität, die 

dadurch freigesetzt wird, ist wundervoll. Ich bin 

sehr froh, dass ich vor vielen Jahren zusätzlich zu 

meinem musikalischen Weg die Logopädie dazugewonnen 

habe. Ich bin beides: Künstlerin & 

Logo pädin. In beiden Dis ziplinen kann ich die 

Herzen berühren und die Welt etwas schöner 

machen. Das erfüllt mich. 


FOTOS: TORGE NIEMANN; JAN ZIEGLER; 

BEATE GRAMS 

WEB:WWW.LILI-MUSIK.DE 

AKTUELLE BANDS & PROJEKTE: 

WWW.HOERBIESCHMIDTBAND.DE 

WWW.HAPPYTOWN-MUSIC.DE 

WWW.MOVE-GROOVE.DE 

WWW.WHITE-LEAVES.JIMDOSITE.COM 

WWW.KAYO-MUSIC.DE 


28 STORIES 

»Die Federnelken sind 

ein Gewächs aus der Gegend 

in und um München und wachsen direkt 

zwischen den Straßen, 

auf denen das tägliche Leben spielt.« 

FEDERNELKEN 

„Endlich reich“ 

VÖ: 20. FEBRUAR 2020 

WWW.FEDERNELKEN.DE 

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INSTAGRAM.COM/FEDERNELKEN 


STORIES 29 

Populärmusik zwischen Hirschbachstüberl und Mittlerem Ring 

MM: Für Leser, die FEDERNELKEN noch 

nicht kennen: Wie hat es mit der Musik bei 

euch angefangen? 

FEDERNELKEN: Zu Beginn gab es nur die 

Gitarre von Vroni, das Schlagzeug von Alfons 

und ein Lied: Den „Ring-Song“, der von einer 

nächtlichen Fahrt auf dem Mittleren Ring handelt 

(der Münchner Stadtautobahn). Zwei Lieben - 

de müssen sich an der nächsten Ausfahrt trennen 

und träumen sich hinein in eine Fahrt, die 

endlos Richtung Sonne weitergeht. Darauf haben 

wir gute Resonanz erhalten, und uns war klar: 

Wir müssen da was machen, und das am besten 

in unserer eigenen Sprache. Bayerisch, Deutsch. 

Deutsch, Bayerisch. Diesen Song wird’s übrigens 

auf unserem nächsten Album geben. Den 

haben wir noch in unserem Schatzkästchen auf - 

gehoben. 

MM: Wie seid ihr auf den Bandnamen ge - 

kommen? 

FEDERNELKEN: Wir lieben den trockenen öster - 

reichischen Humor, und in einem Urlaub bei 

Wien ist uns ein großes Schild in einem Natur - 

park aufgefallen: „Naturdenkmal – Trocken rasen 

mit Mödlinger Federnelke“. Dahinter war praktisch 

„nichts“, ein wirklich skurriler Anblick. 

Und dann dachten wir uns: Vielleicht sollten 

wir was machen, damit es dann etwas dahinter 

gibt. Die Leere füllen mit den Federnelken, die 

auf dem Schild versprochen wurden ... 

MM: Vor FEDERNELKEN wart ihr auch in 

anderen Bands tätig. Was genau habt ihr 

ge macht und inwiefern beeinflusst es eure 

Band jetzt? 

FEDERNELKEN: Wir kommen aus den Be rei - 

chen Blues, Fusion, Hard Rock, Metal, Rock a - 

billy, Pop, Soul, und wir waren uns erst nicht 

sicher, ob sich unsere Wurzeln verbinden lassen. 

Aber dann kam dieser doch sehr interessante, 

besondere Sound raus. Was wir auf gar 

keinen Fall wollten, war, auf einen Zug aufzu- 

springen, sondern was Eigenständiges zu schaffen. 

Hinzu kam auch, dass Vroni zuvor nur Gi - 

tar ristin, aber noch nie wirklich Sängerin einer 

Band war. Da haben wir uns sehr treiben lassen 

und daraus Songs und ein Soundkostüm kreiert. 

Und was auch eine sehr große Rolle spielt, sind 

natürlich die Texte, da muss Inhalt rein. Da springen 

uns in München oft die Themen vor die 

Füße, und dann wird fein daran gefeilt. 

MM: Eure Songs sind überwiegend auf 

Bayrisch. Warum habt ihr euch dafür entschieden? 

FEDERNELKEN: Es ist die Sprache, die uns 

alle seit der Kindheit geprägt hat und einem 

Song daher eine besondere Ausdrucksstärke 

verleiht. Der Dialekt fühlt sich für uns einfach 

authentischer an als Hochdeutsch, wobei wir 

das natürlich auch beherrschen! Ein Musik kri - 

tiker der Münchner Abendzeitung hat unsere 

Sprache mal als „moderates Bayerisch“ be zeich - 

net: „... so moderat, dass es perfekt zu München 

passt: Den Alteingesessenen, die das Aus ster - 

ben des Dialekts bedauern, wird es da heimelig 

warm ums Herz. Und die Zuagroasten, die 

München ja auch ausmachen, können dennoch 

problemlos folgen.“ Wir finden diese Be schrei - 

bung so treffend, dass wir sie gerne zitieren. 

MM: Eure aktuelle EP „Endlich Reich“ hat 

beim Deutschen Rock & Pop Preis 2020 den 

zweiten Platz in beiden Hauptkategorien 

„Deut scher Rock Preis“ und „Deutscher Pop 

Preis“ erreicht. Woher stammte die Inspi ra - 

tion für die EP? 

FEDERNELKEN: Aus unserem Leben um und 

in München und den Spannungsfeldern, die 

sich hier aufspannen: Da gibt’s die „Schixn“, 

die mit ihrem SUV auf den Tramgleisen in der 

protzigen Maximilianstraße parkt (aus dem 

Song „Konsum“), die 90-jährige Ärztin und Ex- 

Schau spielerin Marianne Koch, die am Starn - 

berger See wohnt und im BR-Radio regelmäßig 

Gesundheitstipps gibt, Großstadtchaos und 

Berg idyll, Liebe und Fußball ... Wir müssen 

unsere Themen nicht lange suchen, die finden 

uns einfach. 

MM: Wie laufen die Vorbereitungen für eurer 

zweites Album? 

FEDERNELKEN: Die Songauswahl ist getroffen 

und die ersten Tracks sind eingespielt, jetzt 

geht’s Schritt für Schritt voran. Wir haben dieses 

Jahr unsere Single „Süße Grüße“ veröffentlicht 

als Vorgeschmack, in welche Richtung 

es gehen wird. Dazu haben wir auch wieder ein 

Video produziert, übrigens schon unser viertes. 

Die visuelle Umsetzung ist uns auch wichtig, wir 

sehen das als Teil des Gesamtkunst werks. 

MM: Ihr beschreibt euren Musikstil als „Po pu - 

lärmusik zwischen Hirschbachstüberl und 

Mittlerem Ring“. Was genau bedeutet das? 

FEDERNELKEN: Es ist nicht einfach Pop, sondern 

wir sehen es als Pop mit einer Art Er - 

weiterung. Wir verbinden damit kompakte, 

tanzfreudige Lines aus der Tiefe unserer Her - 

kunftsecken, zwischen den Bergen im südlichs - 

ten Süden bei Lenggries, wo das Hirschbach - 

stüberl liegt, und München, wo der Mittlere Ring 

den Puls der Stadt bestimmt. 

MM: Nun können teilweise wieder Konzerte 

stattfinden. Wie sind eure Pläne für zukünftige 

Konzerte? 

FEDERNELKEN: Wir hoffen, dass Konzerte 

bald wieder eins zu eins wie früher stattfinden 

können. Wir haben mega Lust zu spielen, langsam 

er wacht wieder alles wie nach einem langen 

Winterschlaf, der Rest kommt dann von 

ganz allein. Nach unseren sehr schönen Open- 

Air-Konzerten diesen Sommer befindet sich 

gerade alles in der Planungsphase. 

WEB: WWW.FEDERNELKEN.DE 


FOTOQUELLE: FEDERNELKEN 


30 STORIES 

LOOPAHEAD 

MM: Wer steckt hinter der Band? 

LOOPAHEAD: Hinter der Gruppe LOOPAHEAD 

stecken der Kopf und Mastermind Udo Lummer 

(Gitarren, Looper, Vocals), Paul-Gerhard Lange 

(Bass, Background Vocals) und (ab 2019) Uli 

Twelker (Schlagzeug, Percussion, Background 

Vocals). Uns gibt es seit sieben Jahren. Wir präsentieren 

den Blues in seiner akustischen, jazzigswingenden 

und rockigen Spielart. 

MM: Wart ihr vorher schon in anderen 

Grup pen tätig? 

LOOPAHEAD: Udo war Musiker bei: The Thimbles 

Skiffle Group – Klaus Reinhardt Swing Combo – 

Green Onions – The MGs – 1. Bielefelder Pop 

Orchester – British Army Rock Band – Brachmann 

& Lummer – Blue Phoenix – Kakadu Combo – 

Ente Vogts – LOOPAHEAD. 

PG war Musiker bei: The Thimbles Skiffle Group 

– Green Onions – Skiffle Revival – Flatfoot Sam 

Bluesband – Bluesburgers – Jam Factory – 

Alligator Blues Band – LOOPAHEAD. 

Uli war Musiker bei: Thunderbirds – Widow 

Murphy – Nothing – Merseyblues – Getaway – 

Blue Alley – The Sazerac Swingers – LOOPAHEAD 

MM: Mit den GREEN ONIONS habt ihr euch 

2012 wieder getroffen und ein Reunion- 

Konzert gespielt. Woher kam der Ent schluss, 

wieder zusammen Musik zu machen? 

LOOPAHEAD: Nachdem Udo und PG längere 

Zeit keinen Kontakt mehr hatten, haben wir nach 

dem (durchaus erfolgreichen) Konzert beschlossen, 

wieder zusammen zu musizieren. Die Idee, 

eine Live-Looping-Band zu gründen (zunächst 

als Duo), kam von Udo. 

MM: 2013 dann die Gründung von LOOP- 

AHEAD. Was ist der Unterschied zwischen 

den beiden Gruppen? 

LOOPAHEAD: Es gibt durchaus Gemeinsamkeiten 

zwischen den alten GREEN ONIONS und LOOP - 

AHEAD, zum Beispiel die Liebe zu dem R&B englischer 

Prägung. Aber auch Unterschiede bei der 

Hin wendung zu Swing-Titeln, Blues, Latin sowie 

Rock und Jazz. Nicht zu vergessen viele eigene 

Titel. 

MM: Im selben Jahr wurde von euch der 

LOOPER vorgestellt. Was ist das Besondere 

an diesem Gerät? 

LOOPAHEAD: Der Loop ist ein zeitlich begrenztes 

Klangerlebnis, das mit technischen Mitteln 

wiederholt wiedergegeben werden kann. 

Die LOOPS (Loop = Schleife) kennen wir bereits 

aus der (elektronischen) Musik von Karl-Heinz 

Stockhausen. Auch der Gitarrist Robert Fripp 

(King Crimson) setzte Loops ein, wie auch Brian 

Eno (Roxy Music). Weil es aber die digitalen 

Möglichkeiten damals noch nicht gab, wurde mit 

Tonbändern gearbeitet (Vorläufer der Echo ge - 

räte). Das alles war aber nur im Studio möglich. 

Mit dem Aufkommen der digitalen Geräte ist es 

auch möglich, dies auf der Bühne einzusetzen. 

Es ermöglicht den Musikern, nicht gleichzeitig 

spielbare Parts zu speichern und mit einer weiteren 

Spur gleichzeitig wiederzugeben. Sie hören 

ein Sextett und sehen ein Trio. Wir wollen aber nicht 

verschweigen, dass Live-Looping ein hohes Maß 

an Disziplin und Präzision erfordert. Dem haben 

wir uns mit LOOPAHEAD erfolgreich ge stellt. 

MM: Welche Musiker und Gruppen prägen 

euch und eure Musik? 

LOOPAHEAD: Zur Zeit der Beat-Ära die Rolling 

Stones, Yardbirds, Kinks, Moody Blues, Animals 

und andere. Daneben auch Delta-Blues- und 

Urban-Blues-Musiker, besonders aber auch Ray 

Charles, Taj Mahal und natürlich JJ Cale. 

MM: Woher kommt eure Faszination für die 

Genres Blues und R&B? 

LOOPAHEAD: Für uns ist der Blues der Ursprung 

der populären Musik schlechthin. Es fasziniert uns 

das Ursprüngliche, Rohe, sowohl in den Texten 

als auch in den Harmonien. Einfache, aber schöne 

Strukturen, die den Musikern jede Menge 

Raum für Improvisationen geben. 

MM: 2017 wurdet ihr beim Deutschen Rock 

und Pop Preis unter anderem mit einem 

ersten Platz in der Kategorie „Beste Expe ri - 

mentalband“ ausgezeichnet. Wie ging es 

danach für euch weiter? 


STORIES 31 

Was machen LOOPAHEAD 

und ist das eigentlich Live-Musik? 

Ein scheinbarer Widerspruch, der sich nach 

den ersten Songs klärt. 

Der Zuhörer/die Zuhörerin erlebt, wie sich 

eine musikalische Schicht über die vorher live 

eingespielten Schichten legt. 

So entsteht, oft durch Inspiration und Interaktion 

mit dem Publikum, ein musikalisches Unikat 

über – eigentlich einfache und reduzierte – 

musikalische Strukturen, Taktmaße 

und Tonarten mit den Wurzeln im Blues, 

Rhythm ’n’ Blues, Latin, Rock & Jazz. 

LOOPAHEAD: Die Jury gründete die Auszeich nun - 

gen auf unsere beiden CDs: „Close to the Blues“ 

– 1. Platz beste Experimentalband; „The other 

side of LOOPAHEAD“ – 2. Platz beste 

Coverband. 

Das hat uns sehr gefreut, zumal in der ersten 

Kategorie eine Anzahl eigener Titel von uns stammen. 

Das war eine Wertschätzung für unsere 

Arbeit und ein Zeichen, dass wir auf dem richtigen 

Weg sind. 

In den Folgejahren 2018 und 2019 hatten Udo 

und PG als Duo eine Menge Live-Auftritte. Ende 

2019 haben wir uns dann entschlossen, uns zum 

Trio zu erweitern und mit einem guten und erfahrenen 

Drummer und Perkussionisten zu verstärken. 

Das ist uns mit Uli Twelker außerordentlich 

gut gelungen. Seitdem haben wir die Sounds aus 

dem Drum Composer reduziert auf rudimentäre 

Taktgeber. Den entstandenen Freiraum nutzt Uli 

perfekt mit seiner langen, umfangreichen Erfah - 

rung und bereichert unsere Musik mit filigranen 

Percussions-Elementen. Leider ereilte uns im Jahr 

2020 die Coronapandemie, sodass wir plötzlich 

ohne Gigs dastanden und alle bereits vereinbarten 

Auftritte absagen mussten. 

MM: Während Corona habt ihr das „Projekt 

JJ Cale“ gestartet. Was kann man sich darunter 

vorstellen? 

LOOPAHEAD: Schnell waren wir drei uns klar, 

dass wir nicht die Hände in den Schoß legen 

würden, sondern während der Zwangspause an 

einer neuen Studioproduktion arbeiten wollten. 

Unsere Wahl fiel auf das Lebenswerk des 2013 

verstorbenen John Weldon Cale – genannt JJ 

Cale. Der „große Schweiger von Tulsa“ hatte es 

uns schon seit Jahrzehnten angetan mit seinem 

Relax-Sound und unnachahmlichen Laid-back- 

Gesang. In einer demokratischen Entscheidung 

hatten wir schnell die 18 Titel zusammen, die wir 

auf die CD bringen wollten. Ebenso schnell war 

auch klar, dass wir auf die von ungezählten Bands 

gespielten Titel wie „Cocaine“, „Call me the 

Breeze“ und „After Midnight“ verzichten wollten. 

Der Großteil der Arbeit lag bei Udo, der in seinem 

„Klangspektrum-Studio“ zunächst die Gi - 

tarrenparts zu einer zuvor eingestellten Drum - 

spur in die Looping-Station einspielte. Aus seinem 

sehr umfangreichen Gitarrenarsenal kamen 

vorwiegend seine Akustikgitarren Martin und 

Gibson zum Einsatz sowie die Duesenberg 

„Paloma“ und die Duesenberg Lapsteel „Fairy- 

tale“. Darüber hinaus eine seiner modifizierten 

Fender Strats und die mit einem hexaphonischen 

Pickup bestückte Telecaster. Liebevoll und detailverliebt 

arbeitete Udo Monate an den Spuren, und 

wenn wir meinten, dass die Ergeb nisse nun super 

seien, fand er immer noch Mög-lich keiten, etwas 

zu verfeinern. 

Dann folgte der Gesang, den Udo gefühlvoll 

den Texten des mürrischen Einzelgängers JJ an - 

passte. Erst dann legte PG das Bassfundament 

darunter mit seinem Sandberg California VM5 

und dem Warwick Streamer Stage I. Eingespielt 

über den Glockenklang-Amp „Blue Sky“. 

Uli machte die Sache perfekt mit seinen Tama 

Drums und der legendären RMV Brazil Bapeva 

Shell Snare sowie diversen Sounds aus seinem 

umfangreichen Percussions-Arsenal. 

Sehr viel Arbeit hat Udo investiert in das 

Mixing und Mastering. Alle Graphics und das 

Layout stammen ebenfalls von Udo sowie alle 

Fotos im Booklet, die er auf seinen zahlreichen 

USA-Reisen erschaffen und liebevoll zusammengestellt 

hat. 

Wir legen Wert darauf, dass dieses Album 

kein JJ-Cover ist, denn nachahmen kann man 

diesen Ausnahmekünstler und einen der größten 

amerikanischen Songwriter sowieso nicht, sondern 

es galt, uns JJ möglichst anzunähern. Daher 

auch der Titel unserer CD „Loopahead Approaches 

JJ Cale“. Wir glauben, dass uns zu Ehren des 

„Oklahoma Troubadour“ ein Meister stück gelungen 

ist. Nicht von ungefähr hat die BELLAPHON 

die CD umgehend in den Digital vertrieb aufgenommen, 

wie auch die drei Vorgänger-CDs „River 

Of Wine“ (ausverkauft), „Close To The Blues“, 

„The Other Side Of LOOPAHEAD“. 

MM: Wie stellt ihr euch die Zukunft nach 

Corona vor? 

LOOPAHEAD: Keiner von uns glaubt, dass die 

Pandemie kurzfristig überwunden werden kann. 

Live-Auftritte in Clubs und vor größerem Publi - 

kum werden die Ausnahme bleiben, zumindest 

auf absehbare Zeit. Deshalb haben wir schon vor 

kleinerem Publikum „Garten- und Wohnzimmer- 

Konzerte“ gegeben – der Erfolg kann sich durchaus 

sehen lassen. Wir hoffen, dass künftig viele 

Freunde unserer Musik ihre Gäste mit Wohn - 

zimmer-, Terassen- oder Garten-Konzerten über - 

raschen werden. 

Letztes Jahr wurde unsere CD beim DRMV in 

den Kategorien „bestes CD-Album“, „bestes 

Booklet“ sowie „bestes Musikvideo“ (mit dem 

Video „Jailer“ – unbedingt ansehen, zum Beispiel 

auf YouTube) ausgezeichnet. 

WEB: WWW.LOOPAHEAD.DE 


FOTOQUELLE: LOOPAHEAD 

LOOPAHEAD 

„Loopahead Approaches 

JJ Cale“ 

VÖ: 20. NOVEMBER 2020 

WWW.LOOPAHEAD.DE 


32 STORIES 

»MY FUTURE« 

MM: Sandra, du hast den Deutschen Rock & Pop Preis 2001 als 

beste Popsängerin ge won nen. Wie hast du dich gefühlt, als du 

die Nachricht bekommen hast? 

SANDRA AJTNER: Also, ich war sehr überrascht, konnte das am An - 

fang gar nicht glauben, aber ich bin dafür sehr dankbar und auch sehr 

glücklich. 

MM: Wann hast du mit Singen angefangen, kannst du dich noch 

erinnern? 

MM: Was hat dich an Billie Eilish und ihren Songs angesprochen? 

SANDRA AJTNER: Ich glaube, es ist ihr Stil, ihre Art, sich auszudrü - 

cken, ihre Ansichten, und auch ihre Musik selbst. Ihre Stimme ist verblü 

end. Vor Billie Eilish hörte ich Ariana Grande, Justin Bieber und all 

die Popsänger*innen, aber als ich Billie das erste Mal gehört habe, 

war das was anderes. Etwas in mir wachte auf. 

MM: Wie hast du die vier Stücke für die EP ausgesucht? 

SANDRA AJTNER: Professionell angefangen habe ich 2017/18, aber 

ich habe schon immer zum Vergnügen gesungen, seit meiner Kind - 

heit, also wirklich frühen Kindheit. Mit vier Jahren habe ich meiner Oma 

vorgesungen, und es ging weiter und weiter. 

MM: Hat es dich überrascht, dass du einen Preis aus Deutsch - 

land be kommen hast? 

SANDRA AJTNER: Ja und nein. Ich singe in Englisch, und das ist international. 

Ich habe ja in den Niederlanden gelebt, und die Musik wurde 

in Deutschland mit Karsten (Wolff) produziert. Jetzt lebe ich in Polen, 

wo ich geboren wurde. Eine Ver bindung ist da, ja. 

MM: Das ist großartig! Nun noch ein paar Fragen zu deiner neuen 

EP „My Future“. Alle vier Songs sind von Billie Eilish. Wann hast 

du das erste Mal von ihr gehört? 

SANDRA AJTNER: Also, das war 2016/17. Eine Freundin in Holland 

hat mir ihre Songs vorgestellt. Wir waren wie besessen von dem 

Stück „My Boy“, haben das Lied wieder und wieder gesungen und 

abgespielt. 

SANDRA AJTNER: Diese vier Lieder hier waren meine Lieblingsstücke 

zu dem Zeitpunkt der Vor bereitung der Aufnahmen, und ich mag sie 

immer noch sehr. Sie haben einen bestimmten Aus druck, ein be - 

stimmtes Gefühl an sich, ich kann das nicht genauer beschreiben, das 

ist alles in den Songs. Einige haben auch eine etwas dunkle, majestätische 

Stimmung, und ich bin darauf eingestiegen. 

MM: Wie hast du dich für die Aufnahmen im Studio vorbereitet? 

SANDRA AJTNER: Ich hab’ vor allem erst mal mich selbst vorbereitet, 

und meine Stimme, und hab’ auch Gesangsstunden genommen bei 

Adela (Konop), zu Hause allein geübt. Meine Mama hat mich unterstützt, 

sie hat einen hohen Anteil an meinem Fortschritt. 

Als ich im Studio war, war es anfangs immer etwas aufregend, aber 

ich habe mich dann schnell entspannt und wie zu Hause gefühlt. 

MM: Großartig! Und nun noch eine Frage zum Video „Party 

Favor“: Dort sind auch Pferde zu sehen. Was für eine Ver - 

bindung hast du zu ihnen? 


STORIES 33 

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Claus Hessler und 

Claudio Spieler 

DIE KUNST DES 

SAXOPHONSPIELS 

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SANDRA AJTNER 

„My future“ – EP 

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DRUMSET 

GROOVE CONTROL 

Sperie Karas 

SANDRA AJTNER: Meine Mutter hat schon Pferde geritten, und auch meine 

Großmutter, also das ist Tradition in der Familie. Ich bin auch schon geritten, hab’ 

das aber vor ein paar Jahren aufgeben. Pferde stehen ja auch als Symbol für 

Freiheit, glaube ich. Also ich liebe Pferde, sie haben einen besondern Platz in 

meinem Herzen. 

MM: Und da ist noch mehr Besonderes, nämlich Fotografie. 

SANDRA AJTNER: Ja, meine Mutter ist Fotografin, und ich habe Modeling 

auch schon als Kind angefangen, mit drei oder vier Jahren. Meine Mutter macht 

auch Workshops, organisiert Aus stellungen usw. 

Karsten kam dann zu den Fotos auch dazu, für CD-Cover und überhaupt 

im Zusammenhang mit Musik. 

MM: Wenn junge Leute mit Singen oder Mo deling anfangen wollen, welche 

Tipps kannst du ihnen geben? 

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Der Karriere-Ratgeber 

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SANDRA AJTNER: Also, sei du selbst, sei zuversichtlich, hab’ keine Angst, mach’ 

das, was du gerne machen willst! Respektiere Kritik, aber lass’ die nicht zu tief 

in dich rein, und lasse nicht zu, dass andere dich hängen lassen! Das ist wirklich 

wichtig. Was das Singen angeht, kannst du vielleicht mit Covers anfangen, 

Karaoke, das auf YouTube und anderen sozialen Medien verö entlichen, und 

mit Modeling, du kannst Selfies aufnehmen, Fotos, und die auch wieder auf 

sozialen Medien posten, in Kontakt zu Agenturen treten. 

MM: Vielen Dank, Sandra, und alles Gute fur das neue Jahr und deine 

Zukunft! 

SANDRA AJTNER: Und dir auch. Vielen Dank! 

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WEB: THE-ROSINENBOMBER.COM 

INTERVIEW: KARSTEN WOLFF | FOTOS: ANNA AJTNER 

alfredmusic.de

34 STORIES 

»Ich habe im Jahr 2018 

den Weg als Soloartist 

gezwungenermaßen begonnen. 

Inzwischen fühle ich mich 

in dieser Rolle sehr wohl 

und bin endlich angekommen, 

aber es stand ursprünglich 

definitiv nicht auf 

meiner „Bucket List“« 

BARRY ALEXANDER KING 

„Facetune_Autotune“ – Single 

VÖ: 18. DEZEMBER 2021 

BAK.BAVARIARECORDS.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

BARRYALEXANDERKING 

MM: Du wurdest in Lincolnshire / Groß bri - 

tannien geboren und bist dort aufgewachsen. 

Woher kam der Entschluss, nach 

Deutsch land zu ziehen? 

BARRY ALEXANDER KING: Mitte der neunzigerjahre 

hat meine damalige Band aus GB ein 

Agentur-Vertragsangebot aus Deutschland von 

der US-Regierung erhalten, um dort bei der ganzen 

Armee, der Air Force und den NATO-Kasernen 

auftreten zu können. Wir haben dieses Angebot 

dankend angenommen, sind über ein Jahr lang 

durch ganz Deutschland, Teile Spaniens und Italien 

getourt und haben uns schließlich in Mannheim 

niedergelassen. Irgendwann war die Luft raus, 

die anderen sind zurück nach GB und ich bin 

nach Rhein-Main gezogen, um mich dort einer 

neuen Band anzuschließen. Damals in den Klubs 

haben wir immer nur Cover gespielt und es war 

ein super „learning by doing“. Irgendwann haben 

wir jedoch erkannt, dass man nur weiterkommen 

kann, wenn man seine eigene Musik macht. 

Damals – ca. 2003 – beschloss ich, komplett 

nach Deutschland zu ziehen und weiter an meiner 

Musik zu arbeiten. 

MM: Du beschreibst dich selbst als „Band- 

Typ“ und hättest nie gedacht, Solokünstler 

zu werden. Wie ist es dann letztendlich dazu 

gekommen? 

BAK: Ca. 2013 haben wir mit der Idee gespielt, 

ein Band-Comeback zu geben und ca. drei Jahre 


STORIES 35 

BARRY 

ALEXANDER 

KING 

lang gemeinsam wieder neu zu komponieren und 

zu produzieren. Ich merkte aber, dass die anderen 

nicht mehr die Zeit oder vielleicht auch die 

Leidenschaft dafür hatten. Wie bei vielen Bands 

auch hatten wir untereinander ganz unterschiedliche 

Vorstellungen davon, in welche Richtung man 

gehen könnte. Wir haben uns zwar nie offiziell ge - 

trennt, aber ich wusste, das wird nichts mehr. Im 

Oktober 2017 hatte ich fast 25 teilweise schon 

fertige neue Songs, aber keine Band. So hatte 

ich nur die Wahl, es sein zu lassen oder mich als 

Solokünstler zu etablieren. 2018 entschied ich mich 

gezwungenermaßen für den Weg als Soloartist. 

Und inzwischen fühle ich mich in dieser Rolle sehr 

wohl und bin angekommen, aber das stand definitiv 

ursprünglich nicht auf meiner „Bucket List“. 

MM: Nun bist du ein Independent-Solo künst - 

ler. Du bist dein eigener Manager, doch welcher 

Herausforderung musstest du dich stellen? 

BAK: Zu Beginn hatte ich echt Angst, ob ich 

überhaupt einen Anfang starten könnte. Ich musste 

mich mit der Technik komplett neu auseinandersetzen. 

Nach einer gewissen Zeit ging das immer 

besser. Ich bin dann in die USA gereist, um dort 

Teile meines ersten Albums einzuspielen und zu 

produzieren. Schließlich, nach viel Schweiß, hatte 

ich Ende 2019 mein erstes Soloalbum veröffentlicht. 

Doch damit stand ich dann wieder am An - 

fang, denn ohne Management musste ich erst 

selbst lernen, wie man verkauft und vermarktet. 

MM: Du beschreibst Songwriting als einen 

Lernprozess. Wie gehst du da vor und was 

lernst du Neues beim Songwriting? 

BAK: Damals, im Jahr 2003, dachte ich, dass ich 

schon ein guter Songwriter sei, aber wenn ich 

jetzt zurückschaue, muss ich feststellen, dass ich 

mir das nur eingebildet hatte. Jetzt, nach zwei 

Veröffentlichungen meiner Soloalben „Leave It All 

Behind“ 2019, „Break Down The Borderrs 2020 

und der dritten, „BAK3“, schon in den Start - 

löchern, würde ich sagen, dass ich die Kunst 

des Songwriting viel besser draufhabe. Ich hatte 

mir mehr Zeit genommen, Sachen zu optimieren 

und anzupassen – früher hätte ich mich vielleicht 

einfach schneller zufriedengegeben. Ich konnte 

verschiedene Songversionen aufnehmen, anhören 

(am besten unterwegs im Auto) und dann 

schneller entscheiden, was richtig und was falsch 

war. In einer Bandumgebung ist dies sehr schwer 

und kompliziert, weil jeder seine Ideen am besten 

durchsetzen möchte. Als Solokünstler hast du dieses 

Problem nicht. Inzwischen habe ich ein kleines 

Team von Musikern, Producern, Mixern und Multi - 

media-Partnern aufgebaut. Diesen Leuten vertraue 

ich blind und zu 99 Prozent sind wir alle einer 

Meinung. Inzwischen habe ich auch gelernt, dass 

man relativ schnell einen Beat laufen lassen, spielen, 

singen und einen einfachen Song innerhalb 

weniger Minuten aufnehmen kann. Das war früher 

viel schwieriger. 

MM: Du bist schon länger in der Musik bran - 

che tätig. Wie haben sich das Recording und 

die Produktion über die Zeit verändert? 

BAK: Wenn ich an die Bandzeiten denke, hatten 

wir ein fast voll ausgestattetes Tonstudio mit einer 

alten 24-Track-Maschine, einem großen Misch - 

pult und Tausenden verschiedenen Effekten/Amps 

etc. gehabt. Dazu einen großen Proberaum mit 

komplettem Schlagzeug-Set. Heutzutage braucht 

man das nicht mehr (okay, für die Band bleibt vielleicht 

der Proberaum erhalten). Ein kleiner Raum 

mit kompaktem Equipment reicht. Wir sind schon 

längst (auch vor der Covid-19-Pandemie) in dem 

Zeitalter des Remote-Recordings. Sogar im Jahr 

2018 habe ich auch mit Musikern aus USA, UK 

und Deutschland Songs aufgenommen. Nicht 

gleichzeitig, aber mit Online-Tools wie Dropbox 

oder Online-Musiker-Dienstleistungen (Airgigs, 

Soundbetter) kann man seine Musiker selbst aussuchen 

und es ist nicht mehr so teuer wie in früheren 

Zeiten. Das Beherrschen der Technik ist auch 

ein sehr wichtiger Teil des Recordings, weil man 

mit Systemen wie iMac/LOGIC X so unglaublich 

viele Möglichkeiten hat. 

MM: Musik ist ein Business und du redest 

davon, deinen eigenen „Brand“ aufzubauen. 

Wie machst du das? 

BAK: Für mich persönlich ist es wichtig, meinen 

eigenen Sound zu kreieren. Ob mir das gelingt, wird 

die Zeit zeigen, aber wie baut man seine Songs/ 

Abläufe/Produktionen auf? 

Ich zum Beispiel liebe es, mit vielen Chor stim - 

men einen Song aufzubauen und zu arrangieren. 

Eine Lead-Stimme-Strophe vielleicht ohne Har - 

monie – aber spätestens in der Bridge muss eine 

Steigerung kommen mit einer zweiten Stimme 

bis hin zu einem fetten Refrain. Wenn der Song 

dazu passt, dann ist das meine Vorgehensweise, 

und wenn man meine Songs hört, wird man diesen 

Aufbau hoffentlich erkennen. 

„Building a Brand“ heißt auch: Was habe ich 

für eine Aussage? Habe ich überhaupt eine? Einen 

Pop-/Rocksong zu schreiben ist für mich nicht 

schwer, aber wie kann ich einen bedeutungsvollen 

Text schreiben, der etwas aussagt? Da arbeite 

ich sehr intensiv an verschiedenen Themen und 

hoffe, damit meinen Stil/Brand darzustellen. Dann 

kommen Bilder, Video und Grafik. Ich habe das 

Glück, in diesem Bereich einen sehr kompetenten 

Partner zu haben, der auch immer über „Bran- 

ding“ redet und sagt: „Mach was anderes, aber 

deines.“ 

MM: Woher bekommst du deine Einflüsse 

und Inspirationen für deine Musik? 

BAK: Ich denke, momentan sind wir alle mit Ein - 

flüssen und Inspirationen übersät. Es gibt so viele 

Themen, die aktuell reizen und polarisieren. Die 

Weltpolitik und soziale Ordnung scheinen manchmal 

auf der Kippe zu stehen. In den USA sind sie 

komplett politisch gespalten, und seit der Pan demie 

haben wir weltweit ein ganze Menge Probleme, 

weil es unterschiedliche Meinungen in Bezug auf 

Maskenpflicht, Impfpflicht, Verschwörungstheorien 

etc. gibt. Diese Meinungen werden teilweise 

aggres siv online vertreten, als öffentliche Kriegs - 

plätze benutzt, und es ist inzwischen ganz „normal“, 

dass fremde Leute sich gegenseitig beleidigen. 

Mein aktuelles Album beschäftigt sich mit 

solchen Themen. 

Ein anderes Thema, das mich sehr beschäftigt 

hat, ist die Obsession von der optischen und 

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36 STORIES 

*Ohne die verschiedenen Plattformen wie Instagram, Facebook, Twitter und inzwischen 

auch Tik Tok kann man heutzutage keine potenziellen Fans oder Follower erreichen. 

akustischen Perfektion. Heutzutage sollen alle Fotos 

und Aufnahmen „getunt“ werden. Die Menschen 

waren immer eitel, aber die Eitelkeit ist durch die 

Social Media noch viel extremer geworden. Das 

sind „meine“ Themen, aber jeder Künstler muss 

seinen eigenen Weg für sich selbst herausfinden. 

Für andere Künstler werden menschliche Be zie - 

h un gen immer ein zentraler Punkt in den kreativen 

Prozessen bleiben und das ist völlig okay so. 

MM: Die Welt ist digital und Social Media für 

Musiker*innen nahezu unersetzlich. Wie 

machst du dir die verschiedenen Platt formen 

zunutze? 

BAK: Ohne die verschiedenen Plattformen wie 

Instagram, Facebook, Twitter und inzwischen auch 

Tik Tok kann man heutzutage keine potenziellen 

Fans oder Follower erreichen. 

Es ist schwierig, gleichzeitig auf allen Platt - 

formen präsent zu sein, deshalb habe ich mich 

eher auf Instagram konzentriert. Das heißt, alle 

paar Tage etwas zu posten, entweder eine Story, 

einen Post oder was man inzwischen als Reels 

bezeichnet. Da ist man immer präsent und kann 

sich sein „Following“ langsam, aber konsequent 

aufbauen. Ich poste meistens music related contents, 

aber es ist auch wichtig, dass man sich 

von seiner menschlichen Seite zeigt. Das scheint 

sehr gut bei den Followern anzukommen. Auf der 

anderen Seite darf man nicht übertreiben – ein 

paar Tage Pause schaden nicht. Man kann sich hier 

kostenlos vermarkten, oder es gibt auch Face - 

book-/Instagram-Ads, mit denen man für kleines 

Geld zusätzlich ein breiteres Publikum erreichen 

kann. Diese Ads kann man auf sich selbst zu - 

schneiden (Alter, Länder, Interessen etc.). Aber 

ohne Inves titionen in sich selbst wird es sehr 

schwer, eine breite Fanbase zu erreichen und 

darauf aufzubauen. 

MM: Familie bedeutet dir alles, ohne deine 

Frau und Tochter hat alles keine Bedeu tung 

für dich. Inwiefern beeinflusst deine Familie 

deine Musik? 

BAK: Die Ehe und meine kleine Familie haben 

mir sehr viel Stabilität und Glück gegeben. Meine 

Frau und meine neujährige Tochter unterstützen 

mich sehr viel, und sogar unsere Tochter hat 

uns neulich eine Tanz-Choreografie zusammengebastelt, 

die in meiner nächsten Single er scheint. 

Früher war ich ein einsamer Wolf, aber durch ein 

paar unglaubliche Zufälle habe ich meine Frau kennengelernt. 

Sie war damals Flugbe glei terin, ich 

hatte meinen ursprünglichen Flug verpasst, und 

als ich hinten im Flugzeug nach Wasser gefragt 

habe, sind wir ins Gespräch gekommen. Daraufhin 

habe ich ihr einen blöden (englischen) Witz erzählt, 

aber sie hat gelacht, und da wusste ich, das ist 

meine Frau! 

Ich kann mir kein Leben ohne die beiden vorstellen 

und bin sehr dankbar, dass ich nach einigen 

gesundheitlichen Problemen vor 13 Jahren 

nun meinen richtigen Platz gefunden habe. 

MM: Was sind deine Pläne für die Zukunft? 

Was können deine Hörer erwarten? 

BAK: Meine zweite Single von meinem dritten 

Album „BAK3“ ist am 10.12.2021 erschienen. Bis 

April 2022 wird alle vier bis sechs Wochen ein 

Song veröffentlicht. Früher habe ich die Alben 

komplett auf einmal online gestellt. Aber inzwischen 

stelle ich fest, dass es besser ist, Stück für 

Stück und dann am Ende eine CD/Vinyl auf meiner 

Home page, Amazon und anderen Online - 

shops zu vertreiben. 

In diesem Jahr werde ich mich mehr mit Live- 

Streaming beschäftigen. (Dies ist immer noch ein 

großartiger Weg, viele Fans auf der Welt gleichzeitig 

zu erreichen.) Und wenn die Pandemie es 

erlaubt, ist eine kleine Tournee in den USA und 

Südamerika bereits im Gespräch. Letztlich werde 

ich auch weiterhin komponieren, weil mir das 

immer Spaß macht. Außerdem habe ich noch 

zwei Romane in der Schublade, die ich geschrieben 

habe, einmal Fiktion und einmal auf einer 

wahren Begebenheit basierend. In 2022 und 2023 

werde ich also genug zu tun haben! 

Zum Schluss möchte ich mich bei meinem 

kleinen Team und allen vom Deutschen Rock & 

Pop Preis/Verband bedanken. Was der Verband 

immer jedes Jahr auf die Beine stellt, ist schon 

großartig und gibt uns Künstlern eine Plattform 

uns professionell dazustellen. Ich war sehr dankbar, 

die Gelegenheit eines Interviews zu bekommen, 

was in den letzten Jahren nicht immer so 

einfach war. Da ich überwiegend in GB, Irland 

und Afrika aufgewachsen bin und mich nun in 

Deutschland niedergelassen habe, könnte ich 

als heimatlos beschrieben werden, undsomit ist 

es für mich nicht immer leicht, bei der lokalen 

Presse Interesse zu erwecken. 

WEB: BAK.BAVARIARECORDS.COM 


FOTOQUELLE: BARRY ALEXANDER KING 


STORIES 37 

DER 

SCHWEIGER 

Der Schweiger 

ist eine eigene Marke. 

Mit seinen 

philosophisch-poetischen 

Songs ist er mittendrin 

in der deutschen Poesie 

und verkörpert 

einen gelassenen, aber 

auch leidenschaftlichextravaganten 

Musikstil. 

MM: Nach 20 Jahren Musikpause geht’s nun 

wieder los. 2020 erhieltst du sogar den Deut - 

schen Rock & Pop Preis in der Haupt ka te - 

go rie „Deutscher Singer-Songwriter Preis“; 

Doch warum die lange Pause und warum der 

Entschluss, wieder mit der Musik anzufangen? 

DER SCHWEIGER: Musik zu machen und Songs 

zu schreiben hat in mir weitergelebt, und mir war 

immer klar, dass ich das wieder machen werde. 

Nur habe ich den Zeitpunkt lange hinausgezögert, 

da mich die Arbeit als Konzertmanager voll 

in Anspruch ge no mmen hat. Doch dann kam der 

50. Geburtstag näher, und ich habe mich gefragt: 

Wie lange willst du noch warten? Arbeit gibt es 

immer genug, aber wenn du den Entschluss nicht 

fasst, deine Musik wieder zu verwirklichen, und 

nicht anfängst, dann wird das nie was. 

So habe ich versucht, Zeit fenster zu schaffen, in 

denen ich Songs schreibe, und habe mir einen 

schönen Musik raum in meinem Haus eingerichtet. 

Es lief dann so ab: tagsüber Konzertmanager 

und Agen tur arbeit, nachts Musik machen und 

Songs schreiben. Trotz chronischem Schlaf mangel 

hat mir das so viel Spaß gemacht, dass ich daraus 

die Energie geschöpft habe, beides zu schaffen, 

Job und Musik. Und der Deutsche Rock & 

Pop Preis direkt in der Start phase meines Come - 

backs hat mich zusätzlich motiviert. 

MM: Dein Lebenslauf weist ein Musik-Philo - 

sophie-Studium auf, du bist dann aber zu 

Agentur- und Konzertmanagement ge wech - 

selt, um letztlich wieder bei der Musik zu 

landen. Wie kam es dazu? 

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38 STORIES 

»Ich fühl‘ mich ein bisschen 

wie ein „Spätberufener“ 

und deshalb empfinde ich 

alles wie im 

Brennglas verdichtet … 

Aus dieser Grundhaltung 

entsteht eine intensive, 

oft melancholische, 

manchmal tief gründige, 

manchmal verrückte 

Musik.« 

DER SCHWEIGER: Also ich habe nach dem Abi 

Philosophie studiert und mit Magister abgeschlossen, 

im Nebenfach ein Jahr Musik wissen schaft. 

Das war mir aber zu theoretisch und ich habe das 

Nebenfach gewechselt auf Pädagogik. Bei Philo - 

sophie war das okay, aber Musik wollte ich lieber 

praktisch machen und bin während des Studiums 

mit meiner damaligen Band und danach noch als 

Solomusiker durch die Musikclubs in Köln und 

Um gebung getingelt. 

In dieser Zeit habe ich viele Musiker, Kaba ret - 

tisten und Comedians kennengelernt. Da ich schon 

immer ein gewisses Organisationstalent hatte und 

ich meine Auftritte und Gigs alle selbst für mich 

gebucht habe, kamen viele Musikerfreunde auf 

mich zu und fragten, ob ich das auch für sie 

machen könnte. So entstand ein Pool von Künst - 

lern, für die ich gearbeitet habe. Dann kamen die 

ersten Kabarettisten dazu, die ich veranstaltet 

habe, unter anderem Jürgen Becker, Konrad 

Beikircher und das Improvisationstheater Spring - 

maus aus Bonn, mit dem ich übrigens bis heute 

zusammenarbeite. Und plötzlich hatte ich über 

beide Ohren Arbeit mit meiner Agentur MIRO LIVE 

und keine Zeit mehr, selbst Musik zu machen. Aber 

wie ge sagt, die Faszination, selbst Musik zu kreieren, 

hat mich nie losgelassen. 

MM: Du bist Produzent verschiedener Shows, 

Konzertmanager und hast immer kreativ ge - 

arbeitet. Doch inwiefern ist es anders, selber 

Musik zu machen? 

DER SCHWEIGER: Das sind tatsächlich völlig ver - 

schiedene Prozesse. Als Produzent kümmere ich 

mich darum, die Idee und den Inhalt einer Show 

zu entwickeln, Künstler, Kostüme, Bühnen ge stal - 

tung und die technische Umsetzung zu realisieren. 


STORIES 39 

DER SCHWEIGER 

„Sag mir ein Wort"“ 

VÖ: 15. OKTOBER 2021 

WWW.SCHWEIGER-MUSIK.DE 

FACEBOOK.COM/ 

DERSCHWEIGER 

»Gemeinsam feiern und 

Kultur erleben zu können, 

in all seinen Facetten, 

ist existenziell für die 

Gesellschaft und gehört 

zum Menschsein.« 

Das sind schon sehr kreative Prozesse, allerdings 

auch sehr pragmatische Arbeitsabläufe. Da sind 

viele Menschen beteiligt, das ist auch eine sehr 

teamorientierte Arbeit. 

Musik zu machen ist dagegen erst mal ein sehr 

einsamer Prozess. Da sitze ich zunächst einmal 

allein in meinem stillen Kämmerlein und entwickle 

Songs. Das ist eine ganz andere Art von Krea tivi - 

tät, die viel persönlicher, intimer und unberechen - 

barer ist. Ich weiß beim Songschreiben nie, was 

am Ende dabei rauskommt, und bin oft selbst 

überrascht. 

MM: Wie würdest du deine Musik beschreiben? 

DER SCHWEIGER: Die eigene Musik zu be - 

schreiben ist schwierig. Man hört die eigene Musik 

doch anders als jede andere Musik. Das ist wie 

die eigenen Kinder, die sieht man auch mit anderen 

Augen. Aber ich versuche es mal mit folgendem 

Gedanken: 

In meinem Pressetext steht: „Er hat gewartet, 

fast gelauert auf den richtigen Moment, wieder 

Musik zu machen.“ Ich glaube, das sagt auch einiges 

über meine Musik aus. Ich fühl mich ein bisschen 

wie ein „Spätberufener“ und deshalb empfinde 

ich alles wie im Brennglas verdichtet. Denn 

ich habe definitiv nicht mehr so viel Zeit wie jemand, 

der mit 20 oder 30 seine musikalische Ent wick - 

lung angeht. Aus dieser Grundhaltung entsteht 

eine intensive, oft melancholische, manchmal tief - 

gründige, manchmal verrückte Musik. Genre mäßig 

würde ich mich jedenfalls der Popmusik zuordnen. 

MM: Du schreibst deine Songs selbst. Wie 

und wo schreibst du am liebsten und woher 

holst du dir deine Inspiration? 

DER SCHWEIGER: Eigentlich plane ich nie, Musik 

zu schreiben. Ich habe mal gesagt, die Musik 

kommt auf mich zu. Was ich damit meine, ist, 

dass ich eine Situation, in der eine Emotion mich 

so packt, dass ich sie in Musik umsetzen möchte, 

nie voraussehen kann. Das kann sein, wenn 

ich Musik höre, aber auch durch einen intensiven 

Augenblick in der Natur oder eine besondere 

menschliche Begegnung, die mir passiert oder 

die ich beobachte. Dann brauche ich im besten 

Fall schnell ein Klavier, um diese völlig außermusikalische 

Situation in etwas Musikalisches zu 

transformieren. Inspiration kommt nie nur aus mir, 

sondern hängt immer mit meiner Außenwelt zu - 

sammen. 

MM: Warum hast du dir die deutsche Spra - 

che für deine Musik ausgesucht? 

DER SCHWEIGER: Deutsch ist meine Mutter - 

spra che und die einzige Sprache, in der ich mich 

wirklich auf einer tieferen emotionalen Ebene in - 

tensiv ausdrücken kann. 

Wenn ich einen Song schreibe, ist immer 

zunächst die Musik da. Wenn ich dann mit dem 

Texten beginne, ist das schon ein merkwürdiger 

Vorgang. Ich höre in die Atmosphäre und Stim - 

mung der Musik, der Melodie und versuche zu 

erfahren, was der Song mir sagen will. Meist ergeben 

sich dann Worte, Textzeilen und Fragmente, 

die die Musik geradezu vorgibt. Nach und nach 

entsteht daraus ein Bild bzw. eine Geschichte, die 

ich dann ausformuliere. 

MM: Mitte Oktober ist dein erstes Album er - 

schienen und dein Album-Release-Konzert 

in Köln hat stattgefunden. Mit welchen Ge - 

fühlen blickst du auf die Ereignisse zurück? 

DER SCHWEIGER: Nach meiner ersten EP, im 

Januar 2020, ist am 15. Oktober 2021 mein erstes 

Album mit dem Titel „Sag mir ein Wort“ und zehn 

neuen Songs erschienen. Man kann das Album 

als CD und Schallplatte erwerben und natürlich 

bei Spotify und allen anderen Streamingdiensten 

hören. 

Die Produktion des Albums war ein wahnsinnig 

aufregender und toller Prozess, zusammen 

mit meinem Produzenten Geo Schaller vom Kölner 

Studio trommelfell records, der neben der Studio - 

arbeit auch sehr wertvolle Beiträge mit Saxophon, 

Querflöte und den verschiedensten Percussion- 

Instrumenten geleistet hat. Außerdem haben viele 

Musiker der Kölner Musikszene mit Einspie lun - 

gen mitgewirkt. 

Am 13. Oktober 2021 fand zusammen mit meiner 

Band (Malte Selke/Gitarre – Moritz Gröger/ 

Drums und Bernd Krampe/Bass) endlich das 

Release-Album-Konzert in Köln im Bürger zentrum 

Stollwerck statt. Meine Musik kam live mit Band 

deutlich rockiger und handgemachter rüber als 

die Studioproduktion, aber ich finde, es war dennoch 

ein Mix aus Pop, Chanson und Lieder - 

macherei. Höhepunkte des Abends waren sicherlich 

auch die Auftritte meiner beiden hochklassigen 

Gastmusiker Erdal Tosun am Saxophon und 

Shadi Al Housh an der Darbuka. Der Mix aus 

rhythmischer Percussion und leidenschaftlichem 

Sax-Sound gab den Songs eine zusätzliche 

Qualität. Wir waren alle sehr glücklich, dass wir 

endlich wieder auf der Bühne stehen konnten, 

und das Publikum hat uns mit lang anhaltendem 

Beifall und Zugaberufen belohnt. Ein schöner und 

emotionaler Konzertabend. 

MM: Wie war es für dich in Zeiten von Corona, 

Musik zu machen, und wie geht es weiter? 

DER SCHWEIGER: Eigentlich war die Veröf fent - 

lichung meines Albums bereits im Dezember 2020 

vorgesehen. Leider musste dann wegen des Lock - 

downs alles verschoben werden. Auch alle weiteren 

Konzerte fielen der Coronakrise zum Opfer. 

Die ganze Musikszene freut sich auf die Rück - 

kehr der Kultur. 

In gewisser Weise habe ich allerdings auch ein 

bisschen von der Coronakrise profitiert. Da meine 

Agentur über ein Jahr in Zwangsurlaub war, hatte 

ich auf einmal viel mehr Zeit für meine Musik. Die 

nutze ich bis jetzt für neue Kom po si tionen und 

arbeite bereits intensiv am zweiten Album. 

MM: Wie ist dein Blick für die Zukunft? Was 

sind deine Ziele, Pläne und Perspektiven? 

DER SCHWEIGER: Ich wünsche mir vor allem, 

dass wir in Zukunft wieder angstfrei Konzerte 

genießen können, ohne darüber nachdenken zu 

müssen, ob wir uns oder andere infiziert haben. 

Denn gemeinsam feiern und Kultur erleben zu 

können, in all seinen Facetten, ist existenziell für die 

Gesellschaft und gehört zum Menschsein. 

Für mein Singer-Songwriter-Projekt „Der 

Schweiger“ steht dann im Herbst 2022 der 

Release des nächsten Albums an und vor allem 

viele Konzerte. Live vor Publikum zu spielen und 

die Interaktion mit den Zuschauern zu erleben ist 

doch im Endeffekt das Schönste am Musikmachen. 

WEB: WWW.SCHWEIGER-MUSIK.DE 


FOTOQUELLE: DER SCHWEIGER 


40 STORIES 

MM: Deine Musik ist bekannt dafür, sehr 

vielfältig zu sein, du singst in verschiedenen 

Sprachen und experimentierst mit Genres. 

Doch wie hat es alles für dich angefangen? 

SANDRA DELL’ANNA: Die Musik spiegelt meine 

Natur wider. Ich bin eine Suchende – nach neuen 

Herausforderungen, nach neuen Räumen. Ich will 

meine Seele reisen lassen, mich immer wieder neu 

entdecken. Das ist mir ein Bedürfnis, in diesen 

schwierigen Zeiten umso mehr. Schon als Kind 

hatte ich ein Gespür für Melodien. Meine erste 

Komposition habe ich mit neun Jahren auf einer 

Melodica entwickelt. Ein Klavier und auch den 

Unterricht dafür hatte ich nicht. Meine Eltern lebten 

und arbeiteten zu dieser Zeit in Deutschland. 

Ich wuchs bei meiner Tante in Süditalien auf, meine 

Schwester in Frankreich bei unserer Oma. Lange 

Zeit habe ich geglaubt, ich hätte keine richtigen 

Wurzeln und sei deshalb völlig uninteressant. Statt - 

dessen hat mich der frühe Umgang mit unterschiedlichen 

Kulturen menschlich und musikalisch 

positiv geprägt. Als ich schließlich in 

Deutsch land war und mein eigenes Musikprojekt 

gestartet hatte, probierte ich mich auch sofort in 

verschiedenen Genres aus: von Pop über Operette 

bis zu Jazz. Ich bin auch heute noch nicht festgelegt. 

In welcher Sprache oder in welchem Genre 

ich schreibe, entscheide ich aus dem Bauch heraus. 

»Ich möchte 

nicht aufhören, 

an Musik 

zu wachsen« 

MM: Du warst bereits als Musicaldar stel le rin 

tätig, genauso wie als Sängerin, aber auch 

als Bestandteil einiger Bands. Doch was 

macht dir am meisten Spaß? 

SANDRA DELL’ANNA: Die Abwechslung, die finde 

ich am schönsten. Ich war schon immer ein Team - 

player. Ich liebe es, als Teil eines Ensembles oder 

einer Band auf der Bühne zu stehen. In diesem 

Fall ist die gesamte Arbeit relevant und nicht nur 

das, was man selbst leistet. Und wenn dabei Har - 

monie herrscht, kommt etwas Großartiges heraus. 

Als Songwriterin genieße ich die schöpferische 

Zeit, dann, wenn ich mich ganz in mich zurückziehe 

und nur mit meiner Gitarre kommuniziere. 

Das sind wichtige, ganz intime Momente. Und 

dann hat Musik etwas Magisches. 

MM: 2020 hat du den zweiten Platz in der 

Hauptkategorie „Deutscher Singer-Song - 

writer Preis“ gewonnen. Wie gehst du beim 

Songwriting vor? Kommt erst die Musik oder 

die Melodie? 

Sandra 

Dell ‘Anna 

SANDRA DELL’ANNA: Selten kommt die Musik 

als Erstes. Meistens komme ich auf Textideen oder 

Melodiefragmente, auch beides zusammen. Erst 

dann suche ich die passenden Harmonien auf 


STORIES 41 

„Breath of life“ 

VÖ: 29. AUGUST 2020 

„In bilico“ 

VÖ: 29. AUGUST 2020 

„Questo mondo“ 

VÖ: 2019 

der Gitarre. Steht die Grundidee des Songs, 

nehme ich meine Musiker ins Boot, und wir erarbeiten 

gemeinsam das Arrangement. 

MM: Woher holst du die Inspiration für deine 

einzigartigen Songs? 

SANDRA DELL’ANNA: Danke für das „einzigartig“. 

Woher meine Inspiration kommt? Nun, 

zunächst arbeitet alles in meinem Unterbewusst - 

sein. In dieser Zeit notiere ich Gedanken und 

Reflexionen. Die Zettel fliegen dann überall im 

Haus herum. Es ist eine Zeit, in der ich etwas un - 

genießbar bin, sagt meine Familie. Sobald der 

Text flüssig ist und die Worte einen Rhythmus 

ergeben, entstehen die Melodien fast von selbst. 

Meistens dann, wenn ich allein bin – spaziere oder 

jogge, auch beim Kochen. Dann nehme ich alles 

mit dem Handy auf. So kann ich meine Ideen im 

Anschluss leichter bearbeiten. 

MM: Du beschäftigst dich auch viel mit so - 

zialen Themen. Das Thema Erde ist eines 

davon – wie stehst du dazu? 

SANDRA DELL’ANNA: Unsere Erde gibt uns 

klare Zeichen, dass wir nicht mehr so leben können 

wie bisher, dass wir alle verbunden sind. 

Ganz aktuell: Während Griechenland und die 

Türkei brennen, werden Deutschland, Belgien 

und Holland überflutet. Das Klima spielt verrückt 

und wir können uns davon nicht abwenden. Wir 

haben nur diese eine Welt, mit der wir achtsam 

sein müssen, weil sie uns nicht nur ernährt und 

erhält, sondern auch Hoffnung und Freude 

schenkt. Die Men schen sind ein Teil vom Ganzen, 

und es liegt letztendlich an uns, die Verant wor - 

tung grenzüberschreitend zu teilen und im Herzen 

zu tragen. 

Flüchtlingen. Vor zirka 60 Jahren kam mein Vater 

als Gastarbeiter von Italien nach Deutschland. 

Das ist im Grunde nichts anderes. Doch Italiener 

sind in Deutschland beliebt, dennoch ist es für 

sie nicht immer einfach in dieser doch häufig 

anderen Kultur. Die Lebenseinstellung und die 

Haltung, wie man miteinander umgeht, sind ganz 

verschieden, obwohl sich die Menschen beider 

Länder nicht nur geografisch näher sind. Nur 

wenn man bereit ist, andere Kulturen kennenzulernen 

und zu respektieren, ist ein Zusammen - 

leben möglich. Das ist ein Lernprozess, der häufig 

unterschätzt wird. Er ist auch keine Einbahn straße. 

Ich fühle mich durch die kulturellen Unterschiede 

in Deutschland bereichert und bereichere mein 

Umfeld mit den meinen. 

MM: Was ist noch wichtig für dich? 

SANDRA DELL’ANNA: Gegenseitiger Respekt 

und Verständnis füreinander. Die Pandemie hat die 

Macht der Medien und der sozialen Netz werke 

entlarvt, auch die Naivität mancher Menschen. 

Sobald man ins Internet geht, werden wir mit 

unterschiedlichsten Informationen und Meinun - 

gen bombardiert. Mittlerweile wird nur noch protestiert. 

Hauptsache, man fühlt sich frei, unabhängig 

davon, ob man so die Freiheit der anderen 

einschränkt. Medizin, Schulsystem oder 

Ordnungsamt werden ständig unter die Lupe 

genommen. Dabei jammern wir alle auf sehr 

hohem Niveau. Denn es gibt kaum ein vergleichbares 

Land auf der Welt mit einem solch guten 

Sozialsystem wie Deutschland. Gerade auch 

Frauen genießen hier mehr Gleichberechtigung 

und Schutz vor Gewalt, das ist in anderen Ländern 

viel schwieriger. 

MM: Was sind deine Ziele für die Zukunft? 

Darüber wollte ich schon 2019 schreiben. 

Doch erst als die Pan demie kam, fand ich mit 

meinem Song „Breath Of Life“ die richtigen Im - 

pulse und Worte dazu. Diese Botschaft habe ich 

gemeinsam mit meinen Musi ker kollegen Matias 

Collantes und Miguel Omar Berberena wunderbar 

umgesetzt. Sie ist wieder sehr aktuell. 

MM: Unsere Gesellschaft ist auch eines der 

Themen; unter anderem sprichst du von 

den Schwierigkeiten durch kulturelle Un ter - 

schiede. Warum beschäftigt dich dieses 

Thema? 

SANDRA DELL’ANNA: Wir leben in einer interkulturellen 

Welt und das wird sich künftig noch 

ver stärken. Wir sehen, was gerade in Afghanistan 

passiert, dass diese Menschen eine sichere 

Heimat suchen. In solchen Fällen spricht man von 

SANDRA DELL’ANNA: Ich arbeite gerade an 

einem Jazz Projekt und freue mich auf die 

Zusammenarbeit mit alten und neuen Musikern. 

In diesem Sinne kann ich für mich nur bestätigen: 

Der Weg ist das Ziel. Wenn ich das Gefühl 

habe, ich wäre fast angekommen, wird sofort 

alles wieder auf null gesetzt. Schlechte Gewohn - 

heit oder vielleicht eine Glückssache? Wer weiß, 

das wird die Zukunft zeigen. Ich bleibe offen und 

neugierig und das ist der Boden für Kreativität. Auf 

jeden Fall ist Musik ganz groß für mich. Und das 

wird sie immer bleiben. 

WEB: SANDRA-DELLANNA.COM 

FACEBOOK.COM/SANDRA.DELLANNA.5 

YOUTUBE.COM/C/SANDRADELLANNA 


FOTO: © MARACA FOTOGRAFIA 


42 STORIES 

Helden der 

Vergangenheit 


STORIES 43 

Sie sind mit ihrem ureigenen, 

unverwechselbaren Stil, der im 

Rock ‘n’ Roll und 

im Rhythm and Blues wurzelt, 

Teil der kreativen Explosion 

der Rockmusik in der zweiten 

Hälfte der 1960er-Jahre. 

Deswegen widersetzt sich die 

Musik der Doors auch im 

Wesentlichen der Kategorisierung. 

ie Band folgte nicht dem Trend der 

D Flower-Power-Musik und lehnte sich 

nicht an den US-Folk-Rock an. Trotz ihrer un - 

ver kennbaren Vorliebe für den Blues, für den 

stellvertretend der „Roadhouse Blues“ ge nannt 

sei, griffen die Musiker nicht den britischen 

Blues-Boom auf. Und schon gar nicht waren sie 

eine Pop band. Wie so viele Musiker ihrer Tage 

waren sie Vertreter der damaligen Jugend kultur, 

die gegen ihre Elterngeneration aufbegehrte 

und verkrustete Strukturen half aufzubrechen. 

Und auch bei den Doors spielten Drogen und 

Alko hol eine bedrohliche Rolle. Bei ihrem Lead - 

sän ger Jim Morrison endete dies unheilvoll. 

Morrison wurde zur 

Rock-Ikone. 

Er konnte ungewöhnlich poetische Song texte 

verfassen und war auf der Bühne zuweilen ein 

Naturereignis, der manchmal rezitierte und dann 

auch scheinbar in Trance verfiel, weshalb er als 

Schamane etikettiert wurde. Sein früher Tod mit 

nur 27 Jahren rückte ihn in eine Reihe mit dem 

Genie Jimi Hendrix und ließ Geheimnisvolles 

zurück. Dennoch waren die Doors keine Band, 

die nur aus dem Sänger und Performer Morrison 

und seiner Rhythmusgruppe bestand. Ohne die 

kreativen Beiträge der anderen Bandmitglieder 

hätte es die Einzigartigkeit der Band nicht ge - 

geben. Ray Manzarek war ein klassisch ausgebildete 

Keyboarder mit einem Faible für Blues. 

Robby Krieger war ein vorzüglicher Gitarrist, 

der den Sound der Band unter anderem durch 

sein exquisites Slide-Spiel mitprägte – und auch 

er konnte gute Songs schreiben. Drummer 

John Densmore verlieh der Musik der Doors 

eine facettenreiche und dem Jazz verwandte 

Dynamik. Alle vier Musiker verschmolzen zu 

einem Ganzen, das offenbar größer war als die 

Summe ihrer einzelnen Talente. 

Mit Morrisons Tod endete diese Magie. Die 

mit ihm entstandenen Alben überdauerten aber 

die Zeit und gewannen an Einfluss, so dass sie 

im Zuge der enorm gestiegenen tontechnischen 

Möglichkeiten remastert und bei ihren Neu auf - 

lagen um viele Bonustracks erweitert wurden. 8 


44 STORIES 

Morrison und Manzarek absolvierten 1965 die 

UCLA Film School in Los Angeles. Im Juli des 

Jahres trafen sie sich zufällig am Strand Venice. 

Morrison berichtete, er habe einige Songs ge - 

schrieben, und sang „Moonlight Drive“ vor. 

Manzarek war von dem Song mit dem ungewöhnlichen 

Text so beeindruckt, dass er überzeugt 

war, mit dieser Art Musik erfolgreich zu 

werden. Die beiden beschlossen, eine Band zu 

gründen. Damals besuchte Manzarek in Los 

Angeles eines der ersten Meditationszentren des 

Maharishi Mahesh Yogi, der 1968 zeitweise großen 

Einfluss zum Beispiel auf die Beatles hatte, 

und lernte dort den Jazz-Drummer Densmore 

kennen. Manzarek gewann seine zwei Brüder für 

das Band projekt, und man fand außerdem einen 

Bassisten. Der Name der neuen Band wurde 

Aldous Huxleys Aufsatz „The Doors of Perception“ 

über Erfah rungen mit bewusstseinsverändernden 

Drogen entlehnt. Im September 1965 spielte 

diese Doors-Besetzung sechs Demoversionen von 

Morrisons Songs ein, von denen vier im „The 

Doors Box Set“ von 1997 zu finden sind, darunter 

„Moonlight Drive“, das sich enorm von der 

später bekannt gewordenen Aufnahme unterscheidet. 

Diese For mation war nur kurzlebig, weil 

Manzareks Brüder und der Bassist von Morrisons 

Songs überhaupt nicht begeistert waren. Ersatz 

für diese drei fanden Manzarek und Densmore in 

dem Gitarristen Krieger, der ebenfalls das Medi - 

tationszentrum besuchte. Jedoch fand man keinen 

zufriedenstellenden Bassisten. Als Manzarek den 

Rhodes Piano Bass entdeckte, hatten sich die 

Doors endgültig formiert. Live spielte Manzarek 

zu den Keyboards den Klaviatur-Bass, und nur im 

Studio wurde die Band künftig von verschiedenen 

Bassisten unterstützt. 

Ihre ersten Live-Erfahrungen sammelten die 

Doors im kleinen Club London Fog in Hollywood 

mit einem zunächst stärker am Blues orientierten 

Re pertoire. Aus der Zeit stammt der Mitschnitt 

„Live at the London Fog 1966“, den das Label 

Rhino 2019 veröffentlichte. Er belegt, dass auch 

Morrison-Songs wie „You Make Me Real“ und 

„Strange Days“ vertreten waren. Im London Fog 

entdeckte die Talentsucherin Ronnie Haran die 

Doors für den bekannten Club Whiskey a Go Go. 

Die Doors avancierten 1966 zu dessen Hausband. 

Morrisons häufig assoziative, anspielungsreiche 

Texte machten vor nichts Halt und trafen im Ge - 

wand ungewöhnlicher Musik den Nerv der Zeit. 

Haran war von den Doors so überzeugt, dass 

sie Jac Holzman, den Gründer des Plattenlabels 

Elektra, auf die Band aufmerksam machte. Es 

brauchte aber zwei Besuche im Whiskey a Go 

Go, bis sich Holzmans Enthusiasmus für die Doors 

einstellte und er sie im Sommer 1966 unter Ver - 

trag nahm. Um ein Haar hätte Morrison diese 

»Ich interessiere mich für alles, was mit Revolte, 

Unordnung und Chaos zu tun hat – 

vor allem für das, was keinen Sinn zu haben 

scheint. Für mich ist das der Weg zur Freiheit.« 

Riesenchance verspielt. Denn kurz nach Holzmans 

zweitem Be such endete das Engagement der 

Doors im Whiskey a Go Go. Morrison hatte dem 

Song „The End“ die berüchtigte ödipale Passage 

„Father, I want to kill you ...“ hinzugefügt, weshalb 

der Geschäftsführer des Clubs die Band auf 

der Stelle feuerte. Morrison, der schon damals als 

unberechenbar galt und es schätzte zu provozieren, 

sagte über sich selbst einmal: „Ich inte res - 

siere mich für alles, was mit Revolte, Un ordnung 

und Chaos zu tun hat – vor allem für das, was 

keinen Sinn zu haben scheint. Für mich ist das 

der Weg zur Freiheit.“ Seine sexuellen Provo - 

kationen, ge paart mit zügellosem Alkohol konsum, 

sollten den Doors in den prüden USA der 1960er- 

Jahre noch großen Ärger eintragen. 

Ende August/Anfang September 1966 wurde 

das Debütalbum „The Doors“ aufgenommen. Die 

Songs besaßen die wilde Rauheit, die die Band 

live ausmachte, und zeigte sie in Bestform. Die 

Zeile „Well, show me the way to the next Whisky 

bar“ aus dem „Alabama Song“ klang unbeabsichtigt 

wie Morrisons persönliches Programm, 

wie „Break On Through (To The Other Side)“ und 

„Light My Fire“ den Bandnamen thematisch wider- 

spiegelten. Um zu vermeiden, dass die Doors 

wegen Drogenbezügen von vornherein von den 

damals einflussreichen Radiostationen gemieden 

wurden, entschied der Produzent, Morrisons Text- 

Passage „She gets high“ in „Break on through“ 

zu entschärfen, indem „high“ entfernt wurde; 

dabei blieb es bis in die 1990er-Jahre. Unge wöhn - 

lich war vor allem der jam-artige psychedelischhypnotische 

Schluss-Song „The End“, der mit 

einer Dauer von über elf Minuten die übliche 

Song-Länge auf einer Rock-LP weit überstieg – 

später verwendete Francis Ford Coppola „The 

End“ in seinem Film „Apocalypse Now“ von 1979. 

„The Doors“ erschien am 4. Januar 1967 und 

machte die Band mit einem Schlag berühmt. 

Gleich von Beginn an gab es nach den Vorbildern 

der Beatles und der Rolling Stones Musik-Werbe - 

filme der Doors und außerdem Auftritte in Musik - 

sendungen des US-Fernsehens. Die erste Doors- 

Single mit „Break On Through“ schaffte nicht den 

erhofften Hit. 

Deswegen wurde im April 1967 „Light My Fire“, 

gekürzt um die Soli Manzarek und Krieger, ins 

Rennen geschickt. Damit gelang der erste Doors- 

Single-Hit, von dem im Laufe der Zeit zahllose 

Coverversionen entstanden. 


STORIES 45 

Morrison reagierte auf den Erfolg der Band 

gemeinsam mit seiner Freundin mit noch mehr 

Alkohol und Drogen. Der charismatische Per for - 

mer, der sich seiner theatralischen Möglichkeiten 

bewusst war, kam meist betrunken auf die Bühne 

und konnte zum Vulkan werden, dem das Publi - 

kum begeistert folgte. Zuweilen sang und schrie 

er sich die Seele aus dem Leib. Er provozierte, 

wenn er zum Beispiel mit der US-Flagge über 

sein Gesäß wischte. Unvermittelt fiel er auch auf 

der Bühne zu Boden, entweder kalkuliert oder als 

Folge von Alkohol und/oder Drogen. Anderer - 

seits wirkte er auch verklärt und abwesend und 

kehrte dem Publikum den Rücken zu, wie Bob 

Dylan es in späteren Jahren seiner Karriere tat. 

Bald hieß es auch, dass Zuschauer vor allem 

wegen Morrisons Bühnenexzessen in die Kon - 

zerte der Band strömten. Manzarek, Krieger und 

Densmore waren freilich ebenfalls alles andere 

als enthaltsam. Drogen und Alkohol wurden in 

rauen Mengen konsumiert. Manzarek zufolge 

waren manchmal alle vier Bandmitglieder auf 

der Bühne „drunks as skunks“. Zudem bediente 

Morrison in den ersten zwei Jahren der Doors- 

Karriere sein Image als Sexsymbol, das in seiner 

Ambivalenz sowohl Hetero- als auch Homo sexuelle 

erreichte. 1973 gehörte Morrison im Rock-Lexi - 

kon „Rock Dreams“ zu den Rockstar-Mythen und 

-Legenden, denen Guy Peellaert ikonografische 

Bilder widmete. Morrison stellte er im Netzhemd 

und in enger schwarzer Lederhose dar, wozu es 

in der Bildunterschrift stand, er sehe aus, „als 

hätten ihn sich zwei Schwule am Telefon ausgedacht“. 

Über seine öffentlichen Auftritte bemerkte 

Morrison 1969: „Nur auf der Bühne öffne ich 

mich. Dort oben empfinde ich Spiritualität.“ 

schlicht zu wiederholen. Mit „Strange Days“ entstand 

ein weiteres außergewöhnliches Doors- 

Album, das zugleich wie bei Filmen das seltene 

Beispiel ist, dass ein Nachfolger sogar besser als 

der Vorgänger ist. Vieles darauf ist „strange“ und 

„weird“, was zum wiederkehrenden Vokabular 

von Morrisons Lyrik gehörte. Kennzeichnend 

dafür dürfte auch seine Bemerkung „Ich glaube, 

ich kenne den Grund, kann ihn aber nicht benennen“ 

sein. Die Aufnahmen zu „Strange Days“ blieben 

von Morrisons Unberechenbarkeit nicht verschont. 

Das betraf ausgerechnet einen der be - 

kann testen Songs der Doors, das elfminütige 

Stück „When The Music’s Over“, mit dem das 

neue Album abschließen sollte. Da Morrison am 

Vorabend gemeinsam mit seiner Freundin Drogen 

eingeworfen hatte, erschien er nicht im Studio. 

Manzarek, Krieger und Densmore nahmen „When 

The Music’s Over“ ohne ihn auf. Morrisons Part 

wurde später aufgezeichnet. Das Ergebnis wirkt 

dennoch wie aus einem Stück und ist mitreißend. 

Auch heute noch kann man sich dem spek ta ku - 

lären Stück nicht entziehen. Es beginnt mit 

Manzareks gleichermaßen sparsamem wie aufregendem 

Spiel, zu dem Densmores Drums einsetzen, 

um in Morrisons orgiastischem Schrei 

und Kriegers Gitarre zu münden, die wie ein hoch - 

touriges Rennauto klingt. Gänsehaut pur. Wegen 

der Variationsbreite der Songs und ihrer musikalischen 

Wucht gilt „Strange Days“ für viele als das 

beste Album der Doors. Es kam Ende September 

1967 auf den Markt. 

Die ständige Live-Präsenz ließ der Band weniger 

Zeit, sich schon vor den Aufnahmen für das 

nächste Studio-Album in Ruhe auf neue Kom po - 

sitionen zu konzentrieren und sich ihrem Arran - 

gement zu widmen. Gleichzeitig wuchs das Be - 

dürfnis der Band nach anspruchsvollerer Pro - 

duktion. Die Songs für das dritte Album der Doors 

wurden im Studio entwickelt. „Waiting For The 

Sun“ erschien im Juli 1968. Textlich abgerundeter 

schien es wie eine Abkehr von der Rauheit 

der ersten beiden LPs. Der Single-Hit „Hello, I 

Love You“ und der elektrisierende Song „Five To 

One“ blieben auf dem Album Ausnahmen bluesrock-artiger 

Stücke. Der Song „Waiting For The 

Sun“ erschien gar erst auf dem fünften Studio- 

Album der Doors. Neben weicheren, balladesken 

Tönen bezogen die Doors mit „The Unknown 

Soldier“ aber auch Stellung gegen den Vietnam- 

Krieg. Auf „Waiting for the Sun“ trat der Gene ra - 

tions konflikt hervor, unter dem Morrison litt. In 

seiner Kurzbiografie für sein Schallplatten-Label 

Elektra hatte er 1967 angegeben, dass seine Fa - 

mi lienmitglieder verstorben seien, obwohl sie lebten. 

Auch dieses Mal sollte ein langes Stück das 

Album abschließen. Mit seinen etwas über 17 

Minuten Spielzeit blieb das experimentelle Projekt 

„Celebration Of The Lizard“ ein „Work in Progress“ 

und wurde zu Morrisons Lebzeiten nur live ge - 

spielt. Der Text spiegelte seinen Wunsch weg von 

der modernen Massengesell schaft zurück zu den 

Formen einfacheren Stammeslebens wider, mit 

ihm als Schamanen. 

8 

»Ende August/Anfang September 1966 

wurde das Debütalbum „The Doors“ aufgenommen. 

Die Songs besaßen die 

wilde Rauheit, die die Band live 

ausmachte, und zeigte sie in Bestform.« 

Das musikalische Qualitätsbewusstsein der 

Band litt darunter allerdings nicht. Für das Nach - 

folgealbum „Strange Days“ strebte sie eine ausgefeiltere 

Produktion an, in deren Vorfeld ihr Ton - 

ingenieur Bruce Botnick eine Vorpressung des 

Beatles-Album „Sergeant Pepper’s Lonely 

Hearts Club Band“ besorgte. Gemeinsam experimentierte 

man im Studio. Dadurch vermieden 

die Doors, das Erfolgskonzept von The Doors

46 STORIES 

Dessen Eigen schaften beschrieb Morrison 

wie folgt: „Er würde sich tanzend in Trance versetzen 

und wild herumwirbeln, dabei Alkohol trinken 

und Drogen nehmen. Dann würde er sich mental 

auf eine Reise begeben und sie seinem Stamm be - 

schreiben.“ 

„Waiting For The Sun“ förderte zwei Filme hervor, 

die stark miteinander kontrastierten. Im Februar 

1968 erschien „The Unknown Soldier“, der zwischen 

Krieg und US-amerikanischem Familien - 

leben pendelt und in dem der Christus-ähnliche 

Morrison standrechtlich erschossen wird. Während 

der Europa-Tournee der Doors entstand am 

Vortag ihres Auftrittes vom 14. September 1968 

auf dem Römerberg in Frankfurt am Main im 

Voll-Playback in einem bizarren Rahmen der Film 

mit ihrem Hit „Hello, I Love You“ für die ZDF- 

Sendung 4-3-2-1 Hot & Sweet – Musik für junge 

Leute. Das sterile Playback auf einem Platz unter 

freiem Himmel fügte sich nicht annähernd in den 

Sound des Songs mit Kriegers verzerrter Gitarre 

ein. Dazu hüpfte eine einzelne Tänzerin durchs 

Bild, während vorwiegend bieder gekleidete Er - 

wachsene hinter der Band standen und mit ihr 

nichts anzufangen wussten. Die Doors und Vati 

und Mutti passten nicht zueinander. Abseits davon 

hatte die Band begonnen, sich und ihre Musik 

selbst darzustellen. Während ihrer Tournee im 

Sommer 1968 wurde „Feast Of Friends“ gedreht, 

in den Aufnahmen von Auftritten einflossen. Der 

Film wurde damals nur auf ein paar Festivals ge - 

zeigt. Seit 2014 ist er gemeinsam mit Dokumen - 

tationen erhältlich und dazu einer Live-Aufnahme 

von „The End“ aus dem Jahr 1967, die als eine der 

besten gilt. Es wurden auch verschiedene andere 

Live-Auftritte der Doors auf Film festgehalten, zum 

Beispiel das bekannte Konzert vom 4. Juli 1968 in 

der Hollywood Bowl. Sie sind mittlerweile als DVDs 

auf den Markt gebracht worden. 

Das vierte Studio-Album der Doors geriet zu 

einem umstrittenen Projekt. Der Band fehlten neue 

Songs. Deswegen musste 1968 für „The Soft 

Parade“ experimentiert werden. Man stritt zum 

Beispiel darüber, ob Kriegers Song „Touch Me“ 

besser ohne Orchesterbegleitung veröffentlicht 

werden sollte. Allerdings wurde er mit Orchester 

und jazzigen Bläsern zu einem Riesenhit. Der 

Doors-Produzent war mit Vielem überhaupt nicht 

einverstanden und verlangte zahlreiche Ände - 

run gen. Am 25. Februar 1969 waren die Doors 

mit einem Übungsauftritt im Radio zu hören, der 

2018 als „Shot To Pieces“ veröffentlicht wurde. 

Das Ex perimentieren im Studio ließ die Pro duk - 

tions kosten auf 80 000 $ ansteigen, das Acht - 

fache, was für das Debütalbum ausgegeben worden 

war. Heraus kam ein Album, dem die Ge - 

schlossen heit fehlt. Gleich der erste Song „Tell All 

The People“ enthielt Anklänge an Popmusik. 

Zweifel wurden laut, die Band hätte ihre Richtung 

verloren. Die Doors hatten zwar ihr Spektrum 

erweitert, aber „The Soft Parade“ zerfällt in zwei 

Teile, die musikalisch wenig miteinander verbunden 

sind. Ein drucksvoll sind die vertrauten Doors 

neben Kriegers Hit auf „The Soft Parade“ aber 

jedenfalls vertreten: mit „Wild Child“, wovon auch 

ein Musik film entstand, und den raueren Songs 

„Do It“ und „Easy Ride“. Morrisons „Shaman’s 

Blues“ verlieh seinem Etikett Ausdruck. Auch dieses 

Mal produzierte die Band ein langes Stück, 

das das Album beschließen sollte. Die rund neun - 

minütige „The Soft Parade“ ist gewissermaßen 

ein Sinn bild der kritisierten Uneinheitlichkeit. Die 

ersten sind eine Melange. Morrison deklamiert 

bis hin zum Brüllen „You can’t petition the Lord 

with prayer,“ was ihm später spöttisch vorgehal- 

ten wurde. Es folgen unterhaltungsmusikartige 

Klänge. Aber dann legen die Doors kraftvoll-psychedelisch 

los, und der ekstatische Morrison ruft 

„This is the best part of the trip!“ Man kann ihm 

nicht widersprechen. 

Bevor „The Soft Parade“ am 18. Juli 1969 veröffentlicht 

wurde, ereignete sich am 1. März 1969 

beim Auftritt der Band im Dinner Key Auditorium 

in Miami ein folgenschwerer Eklat. Morrison, der 

als Folge seines ständigen Alkoholkonsums be - 

gonnen hatte, an Körperfülle zuzulegen, kam sturz - 

betrunken auf die Bühne. Zum Einstieg sang und 

schrie er „Five to One“ als unzüchtiges Lied im 

Alkoholrausch. Dann ging er dazu über, wie ein 

aggressiver Alkoholiker zu provozieren, und kündigte 

an, sich zu entblößen. Das chaotische Kon - 

zert, vom dem zahlreiche Fotos geschossen wurden 

und auch Filmaufnahmen existieren, wurde 

daraufhin nach 45 Minuten von der Polizei abgebrochen. 

Morrison wurde wegen seines Verhal - 

tens angeklagt und Ende Oktober 1970 wegen 

„Fluchens und unanständiger Zurschaustellung“ 

verurteilt. Allerdings belegte keines der zahlreichen 

Bilder das Morrison vorgeworfene exhibitionistische 

Verhalten, und vor allem Densmore war 

absolut sicher, dass Morrison sich nicht entblößt 

hatte. Morrisons Verteidiger legte Berufung gegen 

das Urteil ein. Weil Morrison verstarb, wurde das 

Verfahren nicht zu Ende geführt. Knapp 40 Jahre 

später wurde er posthum begnadigt. Wegen des 

Eklats durften die Doors in 16 Bundesstaaten der 

USA nicht mehr auftreten. Radiostationen verbannten 

Songs der Band bis auf Weiteres aus 

ihren Programmen. Außerdem fanden „Kund ge - 

bungen für den Anstand“ gegen die Doors statt, 

und schließlich blieb die Band auch dem Wood - 

stock Festival fern. Ein denkbar schlechter Start für 

„The Soft Parade“. 

Die musikalische Kraft der Doors war indessen 

nicht verflogen. Nach dem Miami-Fiasko veröffentlichten 

sie im Februar 1970 „Morrison Hotel“, 

»Das vierte Studio-Album der Doors geriet zu 

einem umstrittenen Projekt. 

Man stritt zum Beispiel darüber, ob Kriegers Song 

„Touch Me“ besser ohne Orchesterbegleitung 

veröffentlicht werden sollte. 

Allerdings wurde er mit Orchester und 

jazzigen Bläsern zu einem Riesenhit.«

47 

und dieses Album 

war wie eine Wieder - 

auf er ste hung. Die A- 

Seite trägt die Über - 

schrift „Hard Rock 

Cafe“ und gibt mit 

dem Eröffnungstitel „Road house Blues“ die 

Richtung vor: kraftvoller Blues rock vom Feinsten 

mit Morrison in Hochform. Während der Auf nah - 

me-Sessions hatten sich die Doors an diesen auch 

zum Live-Klassiker gewordenen Song in einer 

Reihe von Takes herangearbeitet, die mitunter 

durch ihre Unbehauenheit vor Vitalität sprühten. 

Parallel zu „Morrison Hotel“ wurde auch der Musik - 

film „Roadhouse Blues“ herausgebracht. Das 

„Hard Rock Cafe“ überzeugt mit seiner Wucht, 

die zum Beispiel die Songs „Peace Frog“ und 

„Ships Of Fools“ ausdrücken. Hierher passt daher 

auch der zurückgehaltene Song „Waiting For The 

Sun“, und auch das ruhige Stück „Blue Sunday“ 

mit seiner gediegenen Musikalität be deutet keinen 

Wider spruch. Die B-Seite „Morrison Hotel“ strahlt 

die zurückgewonnene Vitalität eben falls aus, 

am bemerkenswertesten wohl mit „Land Ho!“ und 

„Maggie McGill“. Im Juli wurde außerdem die 

Live-Doppel-LP „Absolutely Live“ veröffentlicht, 

die die Kraft der Doors als Live-Band in einer 

spannungsgeladenen Atmosphäre festgehal- 

»Aus dem Mangel an Songs zu Beginn der 

Produktion entstand keine verkrampfte LP voller 

Kompromisse, sondern ein vorzügliches Album. 

Die am 19. April 1971 veröffentlichte LP 

„L.A. Woman“ ist eine abwechslungsreiche LP, 

prallvoll mit zehn ansteckenden Songs, aus 

denen die Kraft quillt.« 

ten hat. Das Album eröffnet mit dem Bo-Diddley- 

Klassi ker „Who Do You Love“ von 1956 und sowie 

dem Medley aus „Alabama Song“, „Backdoor 

Man“, „Loves Hides“ und „Five To One“. Wer 

damals die Band nicht live erleben konnte, erhielt 

einen beeindruckenden Einblick in die Bühnen - 

präsenz der Band mit Morrisons wilder Per for - 

mance, in der er alle Register zieht, und Kriegers 

atemberaubenden Gitarrenparts. Auf „Absolutely 

Live“ erlebte auch „The Cele bration Of The Lizard“ 

seine Schall plattenpremiere. 

Der Alkohol zeichnete Morrison unerbittlich, 

und das wurde durch den Vollbart, den er sich 

hatte wachsen lassen, umso deutlicher. Zudem 

fühlte Morrison sich ausgebrannt. Als die Doors 

im August 1970 auf dem Isle of Wight Festival 

auftraten, erlebte das Publikum ihn stimmlich 

ausgezeichnet aufgelegt, aber verglichen mit früheren 

wilden, unberechenbaren Auftritten in sich 

gekehrt. Im De zem ber 1970 gingen die Doors für 

ihr nächs tes Album ins Studio und legten bereits 

ihre Ver sion von 

John Lee Hookers 

„Crawling King 

Snake“ im Film vor. 

Wieder stand die 

Band davor, nicht 

über genügend Songs für ein ganzes Album zu 

verfügen. Was sie ihrem Pro duzenten Paul 

Rothchild anboten, empfand er als „pure Lange - 

weile“. Schließlich warf er sogar das Hand tuch, 

und Toningenieur Botnick übernahm die Verant - 

wortung für die Produktion. Mit ihm be sannen 

sich die Doors auf die Ur sprünglichkeit ihres 

Debütalbums zurück, als sie sich selbst als Ga - 

ragen-Band gesehen hatten. Nach „The Doors“, 

„Strange Days“ und „Morrison Hotel“ ge lang ein 

viertes Album-Wunder. Aus dem Mangel an Songs 

zu Beginn der Produktion entstand keine verkrampfte 

LP voller Kompromisse, sondern ein 

vorzügliches Album. Die am 19. April 1971 veröffentlichte 

LP „L.A. Woman“ ist eine abwechslungsreiche 

LP, prallvoll mit zehn an steckenden 

Songs, aus denen die Kraft quillt. Was für ein 

Vermächtnis! „Love Her Madly“ und „Riders On 

The Storm“ bescherten der Band noch einmal Hits. 

Rothchild hatte den brillanten Song „Riders On 

The Storm“ abgelehnt, in dem die Musik der Doors 

psychedelisch fließt und der den Zuhörer durch 

8 


48 STORIES 

die Qualität der 

Kom position und die 

mu sikalische Ge die - 

genheit der Band in 

einen Sog zieht. In 

„Cars Hiss By My 

Window“ erzielt 

Morrison mit seinem Gesang, der zeitweise wie 

eine E-Gitarre klingt, hohe Span nung. Der Blues - 

rock „Been Down So Long“ ist eine Tour de force, 

und „The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)“ 

serviert in der Tat den zitierten „Big Beat“. 

Noch während „L.A. Woman“ abgemischt 

wurde, zog Morrison mit seiner Freundin nach 

Paris in der Hoffnung, wieder zu Kräften zu kommen. 

Alkohol und Drogen entließen die beiden 

aber nicht aus ihrem Griff. Nach Konsum von Al - 

ko hol und Heroin starb Morrison am 3. Juli 1971 

in der Badewanne seiner Pariser Wohnung. Um 

seinen Tod bildeten sich wie bei Jimi Hendrix 

rasch Legenden. 

Manzarek, Krieger und Densmore produzierten 

1971 und 1972 noch die Studio-Alben „Other 

Voices“ und „Full Circle“. Während ihrer Europa- 

Tournee traten die Rest-Doors am 3. Februar 

»Nach Konsum von Alkohol und Heroin starb 

Morrison am 3. Juli 1971 in der Badewanne 

seiner Pariser Wohnung. Um seinen Tod bildeten 

sich wie bei Jimi Hendrix rasch Legenden.« 

1972 im Beat-Club auf. Ohne Morrison blieb der 

Erfolg jedoch aus. 

Darauf reagierten die Doors mit der Aus wer - 

tung nicht veröffentlichten Materials mit Morrison 

und der Pflege des musikalischen Rufs der Band. 

Im Januar 1972 erschien der 2-LP-Sampler „Weird 

Scenes Inside The Gold Mine“, der einen sehr 

guten Überblick über die Musik der Band gibt. 

Morrison hatte allein einige seiner Gedichte auf 

Tonband aufgezeichnet. Für das im November 

1978 veröffentlichte Doors-Album „An American 

Prayer“ unterlegten Manzarek, Krieger und 

Densmore die Gedichte mit Musik. Außerdem 

fügten sie eine Live-Version vom „Roadhouse 

Blues“ hinzu. 

Im Herbst 1983 wurde mit dem Live-Album 

„Alive, She Cried“ die Fortsetzung von „Absolutely 

Live!“ nachgereicht, zusammen mit weiteren 

Live-Aufnahmen im 

Mai 1991 als 3-LP- 

Set „In Concert“ he - 

rausgegeben und 

später als Doppel- 

CD aufgelegt. Zu „An 

American Prayer“ 

und „Alive, She Cried“ wurden noch einmal 

Single-Auskopplungen veröffentlicht. Bis 1985 

waren vier weitere Musikfilme zu Doors-Songs entstanden, 

zuletzt Manzareks Vision von „L.A. 

Woman“. 1995 kam noch „Ghost Song“ hinzu. 

Nachdem Oliver Stone 1991 die Band mit seinem 

Spielfilm „The Doors“, in dem Val Kilmer 

Morrison spielt, auf die große Leinwand gebracht 

hatte, wurde das Set „The Doors Box“ von 1997 

mit vier CDs vorgelegt. Drei enthalten bis dahin un - 

ver öffentlichte Demo- und Studio-Aufnahmen 

sowie Ausschnitte aus Live-Konzerten, während 

die vierte CD Manzareks, Kriegers und Densmores 

Lieb lingsstücke der Doors versammelt. 2002 

belebten Manzarek und Krieger gemeinsam mit 

dem Sänger Ian Astbury die Doors auf der 

Bühne wieder. Densmore hatte seine Teilnahme 

abgelehnt. Sowohl er als auch Morrisons Eltern 


STORIES 49 

setzten ge richtlich durch, dass die neue Formation 

weder unter dem Namen The Doors noch als The 

Doors of the 21st Century auftreten durften. 

Deswegen benannte man sich schließlich in Ray 

Manzarek and Robby Krieger of The Doors um. 

Mit Astbury entstanden mehrere Live-Mitschnitte, 

einer davon kam 2004 als DVD auf den Markt. 

Gradmesser für die Attraktivität der Ur-Doors 

waren aber ihre persönlichen Auftritte. „The TV 

Collection“ von 2016 versammelte 13 Auftritte 

von 1967 bis 1969 in US-Fernsehshows, dabei 

auch die beiden Songs, die die Band in der Ed 

Sullivan Show präsentierte, in der es zu einer 

Kontroverse kam. Der Schwerpunkt lag aber auf 

Konzertmitschnitten von 1967 bis 1970 (San 

Francisco, Hollywood, New York, Boston, 

Pittsburgh, Vancouver, Isle of Wight), die das Label 

Rhino, das seit Jahren Wiederauflagen von Elektra 

vermarktet, von 2007 bis 2017 herausgab. 2009 

erschien sogar eine 6-CD-Box mit sämtlichen 

Shows der Doors im New Yorker Felt Forum vom 

17. und 18. Januar 1970. Erhältlich sind aber auch 

Radiomitschnitte, die der sogenannte graue Markt 

hervorgebracht hat (Stockholm 1968, New York, 

Detroit und Seattle 1970). Im Zeitalter von VHS, 

DVD und Blu-Ray wurden außerdem Live-Mit - 

schnitte im Bild verfügbar. Der Auftritt in der 

Hollywood Bowl von 1968 wurde im April 1999 

auch noch einmal in die „30 Years Comme mo - 

rative Edition“ gesteckt, zusammen mit dem Pro - 

gramm „Dance On Fire“ und „The Soft Parade. A 

Retrospektive“. 

Zum 40-jährigen Band-Jubiläum der Doors kam 

im November 2006 die Box „Perception“ mit 

allen sechs überarbeiteten Studio-Alben heraus, 

angereichert mit Bonustracks. Nun erzählten 

Manzarek, Krieger und Densmore 2006 und 

2008 die Geschichte des Debütalbums und von 

„L.A. Woman“ für DVD-Veröffentlichungen. Ein 

Highlight ist sicherlich Tom Dicillos ausführliche 

Filmdokumentation „When You’re Strange“ über 

die Band, die Johnny Depp erzählt. Sie ist als DVD 

mit Begleitmaterial herausgekommen. Dazu war 

von Betrachtern außerhalb des Doors-Zirkels 

2009 die durchaus sehenswerte DVD „The Doors 

from the Outside“ herausgekommen. Zuletzt 

erschien 2013 „R-Evolution“, die Samm lung der 

Musik-Videos der Doors von 1967 bis 1995. Sie 

wurde Manzarek gewidmet, der im selben Jahr 

verstarb. 

Die Doors-Welle rollte auch danach weiter. 

2017 wurden für das Set „The Singles“ alle 20 

Singles der Doors von 1967 bis 1983 zusammenfasst, 

dazu vier Monoversionen fürs Radio 

und auf Blu-Ray der quadrofonische Mix „The 

Best Of The Doors“ mit elf Songs. 

Der weitaus größere Wurf waren aber die „50th 

Anniversary“-Ausgaben aller sechs Studio-Alben 

von 2017 bis 2021. Bis auf „Strange Days“ und 

„Waiting For The Sun“ wurden sie dieses Mal 

sogar in Deluxe-Ausgaben angeboten. Und wieder 

gab es Neues aus dem Studio und live zu 

entdecken. „Morrison Hotel“ bot zum Beispiel 

einen umfangreicheren Einblick in die Entwicklung 

einiger Songs. Mittlerweile hatten Manzarek, 

Krieger und Densmore ihre Erinnerungen an die 

Doors auch in Buchform vorgelegt. Den bisherigen 

Schluss punkt setzte aber der deutschfranzösische 

Kultur kanal Arte am 2. Juli 2021 

mit einem The men abend über Jim Morrison. 

Eröffnet wurde er mit der neuen Dokumentation 

„Jim Morrison: Die letzten Tage in Paris“. Dann 

folgten der Auftritt der Doors auf der Isle of Wight 

und Dicillos „When You’re Strange“. Die Legende 

lebt also auch im öffentlich-rechtlichen Fernsehen 

weiter! 

NÄCHSTE FOLGE: 

DREI PIONIERE: CLIVE DAVIES, 

ALEXIS KORNER UND GRAHAM BOND 

TEXT: DR. NORBERT APING 

WEB: THEDOORS.COM 

FOTOQUELLE: THEDOORS.COM; DPA 

BACKGROUND: © AMIXSTUDIO; 

©TOBIAS ARHELGER / ADOBE STOCK 

»Manzarek, Krieger 

und Densmore 

produzierten 1971 und 

1972 noch die 

Studio-Alben 

„Other Voices“ und 

„Full Circle“. 

Während ihrer 

Europa-Tournee traten 

die Rest-Doors 

am 3. Februar 1972 

im Beat-Club auf. 

Ohne Morrison 

blieb der Erfolg jedoch 

aus.«

50 MUSIKBUSINESS 

ONLINE MUSIZIEREN – VERZÖGERUNGSFREI 

0 Latency – mit dem Elk-LIVE-System 

Musiker*innen an unterschiedlichen 

Orten in Europa spielen über das 

Mehrere 

Internet zusammen. Funktioniert das? Bisherige 

Lösungen kämpfen mit dem Problem der wahrnehmbaren 

Latenzen (Verzögerungszeiten), verursacht 

durch Software-Verarbeitungszeiten. Folge: 

Ein sensibles, punktgenaues Zusammen spiel ist 

nicht möglich. 

„Da muss es doch eine Lösung geben“, dachte 

Georg Berhausen-Land, und begann zu 

recherchieren. Anfang 2021 stieß er dabei auf die 

Entwicklungsarbeit der schwedischen Firma ELK 

AUDIO in Stockholm, Schweden. Fasziniert 

schaute er ein Video an, in dem der Jazzposaunist 

Nils Landgren und der Schlagzeuger Robert Ikiz 

in einer speziellen Session, die für Yamaha Music 

Europe aufgenommen wurde, miteinander über 

das Internet musizierten. Beide Spieler befanden 

sich in ihren eigenen vier Wänden und spielten 

gemeinsam live über 670 Kilometer voneinander 

entfernt. 

Berhausen-Land nahm Kontakt zu Elk AUDIO 

auf und machte die Idee des verzögerungsfreien 

Musizierens über das Internet zum Thema 

einer Projektförderung, die er 2021 im Rah men 

der Neustart-Kultur-Kampagne durch die GEMA 

erhielt. 

Ausgestattet mit der entsprechenden Hardund 

Software spielten vier Musiker am 24. Januar 

2022 an drei unterschiedlichen Standorten vier 

Stücke und nahmen Ton und Video auf. „Ich hatte 

bewusst betont rhythmisches musikalisches 

Material ausgewählt, bei dem sich Signalver zö - 

ge rungen sofort unangenehm bemerkbar machen 

würden. Dann die ersten gespielten Takte. Keinerlei 

wahrnehmbare Verzögerung! In den Kopfhörern 

ein Sound wie im Studio. Meine Kollegen und ich 

waren sprachlos. Das hatten wir nicht erwartet“, 

so Berhausen-Land. „Wir waren begeistert, denn 

das Konzept von Elk AUDIO funktioniert wirklich.“ 

»Unser Ziel ist es, 

neue Wege zu schaffen, 

um die Kluft zwischen 

Musikern und Technologie 

zu überbrücken und die 

Art und Weise zu 

verändern, wie Menschen 

Musik lernen, kreieren, aufnehmen 

und teilen.« 

BJÖRN EHLERS (CMO VON ELK AUDIO) 

WIE MACHT ELK AUDIO DAS? 

Grob gesagt werden die Verzögerungen 

haupt sächlich durch die Konvertierung von Audio 

zu Digital und umgekehrt auf der Emp fän ger - 

seite verursacht. Deshalb hat Elk AUDIO eine 

ultraschnelle Audio-Hardware entwickelt, die 

diesen Problemfaktor umgeht und direkt mit dem 

Netzwerk (Router) verbunden ist. 

UND WELCHE MÖGLICHKEITEN 

ERÖFFNEN SICH DADURCH? 

Seit Ausbruch der Coronapandemie sind 

Musiker*innen durch wegfallende Live-Auftritte 

und ausbleibende Probemöglichkeiten massiv 

in ihren Tätigkeiten eingeschränkt worden. Damit 

einhergehend folgten erhebliche Einkommen s - 

ein brüche, nicht selten mit existenzbedrohenden 

Konsequenzen. Wenn schon isoliert, wäre 

es da nicht traumhaft, über das Internet miteinander 

weiterarbeiten und auch Streaming kon - 

zerte geben zu können? 

Georg Berhausen-Land und seine Mitmusiker 

Berthold Matschat, Klaus Mages und Emanuel 

Stanley haben gezeigt, dass es jetzt geht. Fest - 

gehalten wurde das Online-Experiment in Form 

eines Videos: https://youtu.be/wt16I9U839M 


MUSIKBUSINESS 51 

MM: Wie lange arbeitet ihr schon an der Ent - 

wicklung des Elk-Systems? 

BJÖRN EHLERS: Der Kern von Elk LIVE ist das 

Elk AUDIO OS. Ein hyperschnelles Audio-Be - 

triebs system für ein gebettete Geräte (das heißt 

nicht Computer, sondern Audio-Hardwaregeräte). 

Elk Audio OS befindet sich seit etwa sechs 

Jahren in der Entwicklung. Und eines der vielen 

Dinge, die mit Geräten gemacht werden können, 

die von Elk Audio OS betrieben werden, ist, dass 

sie sich über das Internet miteinander verbinden 

können und eine Verbindung erhalten, die schnell 

genug ist, um Musik abzuspielen. 

MM: Was war die Initialzündung für den Start 

des Elk-Projekts? 

BJÖRN EHLERS: Als Unternehmen setzen wir uns 

dafür ein, mithilfe von Technologie neue Wege für 

Musiker zu finden, kreativ zu sein. Über das Inter - 

net zusammen zu spielen war für viele Musiker 

ein Traum, seit sie zum ersten Mal einen Video- 

Chat wie Skype ausprobierten. Mit Elk Audio OS 

hatten wir endlich das Zeug dazu, diesen Traum 

wahr werden zu lassen. Und da die Pandemie den 

Fragen an 

Björn Ehlers 

(CMO von Elk AUDIO) 

Parallel dazu werden wir den sozialen Aspekt 

von Elk LIVE entwickeln und Funktionen implementieren, 

mit denen Benutzer neue Leute zum 

Spielen finden können. 

Gleichzeitig führen wir einige großartige Ge - 

spräche über zukünftige Partnerschaften. Es passiert 

viel, also werden wir hoffentlich bald mehr zu 

erzählen haben! 

Angestachelt durch den Erfolg des Projekts, 

plant Georg Berhausen-Land bereits die nächsten 

Schritte: 

„Nach erfolgreichem Abschluss unseres Pro - 

jekts, wo wir noch aus verschiedenen Orten in 

Deutschland gespielt haben, stellt sich die Frage, 

ob es möglich wäre, mit Musiker*innen in ganz 

Europa ein Livestreaming-Konzert mithilfe des 

ELK-Systems umzusetzen.“ 

Würde ein solches Projekt mit Erfolg umgesetzt 

werden können, wäre dies eine Pionier leis - 

tung. Einmal in Bezug auf die internationale kulturelle 

Zusammenarbeit, zum anderen in Bezug 

auf das enorme Einsparpotenzial sonst zwangsläufig 

anfallender immenser Kosten für Weg - 

strecken bei der Umsetzung solcher Projekte. 

meisten Musikern das Leben extrem erschwert, 

haben wir uns natürlich noch mehr darauf konzentriert. 

MM: Wo siehst du den Hauptanwendungs - 

be reich für das Elk-System? 

BJÖRN EHLERS: Das Einzigartige an Elk LIVE ist, 

dass es echtes Live-Musikmachen über das Inter - 

net ermöglicht. Dies ist ein Aspekt, der in viele ver - 

schiedene Aspekte des Alltags im Leben eines Mu - 

sikers einfließt, wie das Proben und Schreiben. 

Bildung ist auch ein Bereich, in dem wir Fern - 

unterricht gut finden. Während der Pan demie 

haben wir großes Interesse von verschiedenen 

Schulen auf der ganzen Welt erhalten. 

MM: Wo werden eure Geräte bereits erfolgreich 

eingesetzt? 

BJÖRN EHLERS: Die erste Charge von Elk Bridges 

wurde gerade an Benutzer auf der ganzen Welt 

versandt. Wir haben zuvor eng mit der San 

Francisco Opera sowie mehreren Musikuniver si - 

täten auf der ganzen Welt zusammengearbeitet. 

Das Royal College of Music hier in Stockholm ist 

eines davon. Wir haben auch einige großartige 

Bands wie die Ikiz Cabin Crew, die Elk LIVE nutzen, 

wie Sie in dem offiziellen Video sehen können, 

das wir mit ihnen gemacht haben. 

MM: Was sind eure Pläne für die Zukunft? 

BJÖRN EHLERS: In der Phase, in der wir uns jetzt 

befinden, ist dies in vielerlei Hinsicht ein Werk - 

zeug für Musiker, um Musik zu proben, zu schreiben 

und einfach nur zum Spaß zu spielen. 

Während der Beta haben wir eng mit Musik - 

schulen zusammengearbeitet, daher ist uns auch 

der pä dagogische Aspekt des Unter richtens 

wichtig. In der nächsten Phase planen wir, weitere 

Funk tionen zu implementieren, die sich auf Auf - 

zeich nung und Streaming konzentrieren. So können 

wir auch das Publikum in Elk LIVE einbeziehen. 

»Neue Herausforderungen 

benötigen neue Lösungen!« 

GEORG BERHAUSEN-LAND 

Kleiner gedacht: Musiker*innen könnten an 

ihren Projekten in Pandemiezeiten online weiterarbeiten. 

Fahrten zu Proben oder Kon zerten würden 

wegfallen. Das würde Fahrtzeiten und Fahrt - 

kosten ersparen. Das wiederum würde die Um - 

welt entlasten. 

WEB: ELK.AUDIO 

INTERVIEW UND FOTOQUELLE: 

GEORG BERHAUSEN-LAND 

FOTO: © IGOR_KELL /ADOBE STOCK 



THE SINGER’S COACH 

VON LEEZA NAIL 

Teil 3 

VOCAL SKILLS 

»Arbeiten an 

ausgewählten Songs« 

A – wie Anekdote 

Lotti Huber, die „Königin des Underground“, wie sie einmal in der Munchner Abendzeitung 

von Sigrid Hardt genannt wurde, meinte zu der Frage, „ob Kunst heute vielleicht mehr 

Erklärungen benötige“: Wenn man ihr Kunst erst erklären musse, bekomme sie schon Wut. Sie 

wolle schließlich fasziniert, hypnotisiert und begeistert werden – „und keine Erklärungen. Basta!“ 

Lotti Huber, „Jede Zeit ist meine Zeit“, dtv Munchen, S.48 

Damit ist gemeint, dass (vor allem während 

deines Auftritts) der Kopf frei sein muss von Ge - 

danken über schwierige Stellen und die Techni ken, 

die Stellen zu meistern, damit Platz für deine 

Emo tio nen und deine persönliche Interpretation 

ist. Zwar wird Technik durch regelmäßiges Üben 

verinnerlicht und automatisiert; auf der Bühne aber 

solltest du darauf vertrauen, dass dein Körper 

das Erlernte von alleine umsetzt. Stattdessen solltest 

du dich darauf konzentrieren, dein Publikum 

den Song so, wie du ihn singst, fühlen zu lassen. 

Es ist ähnlich wie beim Autofahren: Zuerst muss 

man über jeden einzelnen Schritt nachdenken 

(schalten, Gas geben, bremsen, blinken usw.), ihn 

bewusst ausführen. Irgendwann aber, nach vielen 

Stunden Fahrpraxis schaltet, blinkt, bremst und 

gibt man automatisch Gas. 

ALLGEMEINES 

Der dritte Teil einer Übungseinheit besteht darin, 

dass du dich intensiv mit einem Song beschäftigst. 

Vielleicht hast du mit deinem*r Gesangs pä - 

da gog*in zusammen ein Stück ausgesucht, das 

dir Qualitäten abverlangt, die du derzeit mithilfe 

der Gesangsübungen trainierst. Oder du musst 

für die Bandprobe ein Stück vorbereiten, das dir 

noch Schwierigkeiten bereitet. Trainierst du beispielsweise 

die Intensität der Vokale in der Höhe, 

kannst du in deinem Übungsstück bei allen 

höheren Stellen genau darauf achten, die erlernte 

Stimm technik ganz bewusst anzuwenden. 

A – wie Anekdote 

Charlie Parker, der berühmte Jazz-Saxo - 

phonist und Begründer des Bebop, sagte: 

„Musik ist deine eigene Erfahrung, deine Ge - 

danken, deine Weisheit. Wenn du es nicht 

lebst, kommt es nicht aus deinem Horn.“ 

(www.jazzpages.com/jazz-zitate-quotes.html) 

Die beste Möglichkeit, den eigenen Fortschritt 

zu überprüfen, ist, von Zeit zu Zeit Tonaufnahmen 

von deinem Gesang zu machen. Du wirst feststellen, 

dass dir während des Singens Details 

ent gehen, die du beim Hören der Aufnahmen deutlich 

wahr nimmst. Stimmbildung ist nur ein Teil - 

bereich des Gesangstrainings. Wichtig sind daneben 

Aus druck und Interpretation eines Stücks. 

Jede Form von Kunst ist immer das Ergebnis 

eines kreativen Prozesses mit einer (möglichst 

starken) Wirkung. Diese Wirkung beim Zuhörer 

tritt ein, wenn Ge fühle angesprochen werden. 

Ein*e gute Sänger*in wird also neben seiner*ihrer 

erlernten Fertigkeit des Sin gens immer auch 

seine*ihre Per sönlichkeit mit einfließen lassen 

und Gefühle zum Ausdruck bringen. 

DAS ZUSAMMENBRINGEN VON 

TECHNIK UND INTERPRETATION 

Wenn du dir nach Einsing- und Stimm bil dungsübungen 

die Songs vornimmst, die du zum Üben 

ausgewählt hast, solltest du Folgendes beherzigen: 

„Vergiss“ erst einmal alles, was du an Stimm - 

bildungstechnik gelernt hast. 

SCHWIERIGE STELLEN MEISTERN 

Hin und wieder gibt es Stellen in einem Song, 

über die man immer wieder stolpert. Das kann ein 

Übergang von Brust- in Kopfstimme, ein be son - 

ders hoher Ton ohne „Anlauf-Melodie“ oder ein 

sehr langer Ton oder eine andere Schwierigkeit 

sein. 

Beim Üben lernst du, solche Stellen bewusst 

mit den erlernten Techniken zu bewältigen. Du 

kannst sie auf deinem Noten- oder Textsheet 

markieren, sodass du beim Blick darauf frühzeitig 

an diese Stelle erinnert wirst. So kannst du 

dich blitzschnell auf die erforderliche Technik für 

die entsprechende schwierige Stelle besinnen. 

Aber sobald sie gemeistert wurde, solltest du wieder 

den Fokus auf deine Emotionen und deine 

Interpretation legen. Ich finde diesen Punkt sehr 

wichtig, sonst kann passieren, was leider nur allzu 

oft bei „studierten“ Musikern zu hören ist: Man 

erlebt zwar höchste technische Perfektion, aber 

der „Funke“ will einfach nicht überspringen, weil 

da nichts ist, das eine Gänsehaut erzeugt. Als 

Demonstration überragender Technik mag ein solcher 

Auftritt ja ganz interessant sein – als mu si - 

ka lischer Genuss ist er jedoch eher zweifelhaft. 



FINANZ-SKILLS 

FÜR SÄNGER*INNEN 

»Von reichen Stars und armen 

Künstlern« 

Verdienstmöglichkeiten 

als Sänger*in 

KUNST ODER KOMMERZ? ODER BEIDES? 

Wer das Privileg genießen möchte, als freiberufliche*r Musiker*in zu arbeiten, 

sollte sich – was die Musikrichtung betrifft – für mehr als nur eine Nische 

interessieren. Kommerziell arbeiten heißt, unter dem Hauptaspekt des Geld - 

v erdienens Musik zu machen. Es bedeutet jedoch nicht, minderwertige 

Arbeit zu verrichten. Jede Art von Musik kann und soll so kompetent und 

erstklassig wie möglich gespielt werden. 

In der Branche gibt es viele Musiker*innen mit einem sehr guten Ruf, die 

komfortabel von ihrem Job leben können. Es sind Musiker*innen, die immer 

hervorragende Arbeit leisten, egal, ob sie nun im Chor bei Andrea Berg oder 

im Musical „Starlight Express“ mitwirken. Aber dann gibt es die, für die ein*e 

Künstler*in nur dann eine*r ist, wenn er*sie exklusiv und ausschließlich Kunst 

macht, die alles sein darf, nur nicht kommerziell. Diese Exklusivität hat ihren 

Preis und nicht selten zur Folge, dass ein Künstler, der ausschließlich Kunst 

betreibt, nicht weiß, wovon er die nächste Miete zahlen soll. 

Manch einer unterrichtet lieber 60 und mehr Stunden die Woche, als mit 

kommerzieller Musik auf der Bühne zu stehen. Das ist in Ordnung – solange 

dir die Arbeit mit sehr vielen mehr oder weniger begabten Schülern Spaß 

macht, du damit deine Rechnungen zahlen kannst und zufrieden bist. Bist du 

aber der Typ Musiker*in, der*die lieber mehrere Monate im Jahr unterwegs 

ist, jede Menge Leute kennenlernen und ausreichend Geld verdienen will, 

ist der kommerzielle Weg vielleicht der bessere für dich. Nichts spricht 

dagegen, zusätzlich die Musik, an der dein Herz hängt, zu spielen. Jede*r 

muss für sich entscheiden, welchem Typ er*sie am ehesten entspricht. 

Solange es Künstler gibt, die ausschließlich von Musik leben wollen (oder 

müssen), solange scheiden sich schon die Geister darüber, wie kompromissbereit 

ein Künstler sein darf. Wie viel Kommerz verträgt die Kunst? Oder: 

wie schaffe ich es, mich selbst zu verwirklichen, so viel wie möglich künstlerisch-kreativ 

tätig zu sein und genügend Geld zum Leben zu verdienen? 

Ein Mittelweg kann bedeuten, deinen Lebensunterhalt mit kommerzieller 

Musik, zum Beispiel in einer Gala-Band, zu verdienen. In der übrigen Zeit 

kannst du dich deinen musikalischen Vorlieben widmen und beispielsweise 

in Clubs deine Musik spielen. 

Vielleicht ergeben sich tatsächlich Begegnungen, die zu begehrteren Jobs 

oder sogar einem Plattenvertrag führen. Auch wenn es eine langwierige 

Angelegenheit werden kann: Ausdauer und Durchhaltevermögen, die man 

sich als Freiberufler*in ohnehin antrainieren sollte, werden sich am Ende 

auszahlen und dich deinem Ziel näherbringen. 8 

E – wie Erfahrung 

Ich selbst habe – wie viele andere – ebenso angefangen. Die erste 

Band war eine Schülerband, mit der wir beschlossen, auch nach Ab - 

schluss der Schulzeit weiterzumachen. Wir probten jede Woche 

erst im Keller meines Elternhauses, später beim Bassisten und 

irgendwann stand der erste Auftritt an. 

Wir spielten auf einer Kirmes in einer kleinen Dorfkneipe – und verdienten 

damit das erste Mal Geld. Es folgten weitere Auftritte, wir hatten 

eine Menge Spaß und fanden es natürlich klasse, auf diese Weise 

unser Taschengeld aufzubessern. 

Erst viel später, als ich längst Gesang studiert hatte und Vorzüge, 

aber auch Nachteile einer freiberuflichen Tätigkeit als Künstlerin kennengelernt 

hatte (und nebenbei selbst für meine Wohnung und alle 

anderen Kosten aufkommen musste), da erst schlichen sich andere 

Gedanken ein. Plötzlich empfand ich es als ungerecht, dass all diese 

Hobbybands, deren Musiker weder studiert hatten noch besonders 

gut spielten, uns „Profis“ die Jobs wegnahmen. Denn leider ist es so, 

dass viele Veranstalter (ebenso wie das Publikum) den qualitativen 

Unterschied in der Musik gar nicht hören (oder er ihnen unwichtig ist) 

und sich für die finanziell günstigere Alternative entscheiden. Reine 

Hobbybands bieten eigentlich immer den niedrigeren Preis an – eben 

weil sie es können. Die Musik ist nicht ihre Haupteinnahmequelle und 

sie sind nicht auf das Geld angewiesen. 

Im Gegenteil: Es ist „nur“ ihr Hobby und im Gegensatz zu vielen 

anderen Hobbys, die Geld kosten, bekommen sie auch noch Geld 

dafür – und können sich das beste und teuerste Equipment leisten. 

Na, besser kann’s doch gar nicht laufen, oder? – zumindest nicht für 

die Hobbymusiker. Als Berufsmusiker hat man freilich einen anderen 

Blickwinkel: Ich dachte mir irgendwann, ich fange doch auch nicht 

an, daheim Brötchen zu backen und sie spottbillig an der Haustür zu 

verkaufen. Da würden mir die ortsansässigen Bäcker bald die Bude 

einrennen, oder? Stoff zum Nachdenken ... 



WAS VERDIENT MAN DENN 

SO ALS SÄNGER*IN? UND WO? 

UND WIE? 

Das sind gute Fragen, die nicht ganz einfach 

zu beantworten sind. Denn, wie so oft in der 

Künst ler branche, ist das sehr unterschiedlich. 

Wer einen „Hit“ gelandet hat, braucht sich um 

den Ver dienst – zumindest für eine Weile – nicht 

groß zu sorgen. Eher braucht er einen guten 

Finanz be rater. Allerdings hat man mit einem „Hit“ 

kaum ausgesorgt – und „oben zu bleiben“ kann 

schwerer sein als „nach oben zu kommen“. 

Kümmern wir uns also um die Musiker*innen, 

die zwar – als Solosänger*in oder mit Band – 

regional oder überregional bekannt sind, aber 

(noch?) keinen Hit gelandet haben und nicht 

regelmäßig in den Charts und den Medien vertreten 

sind. Auch wenn es nicht immer einfach ist 

(wann und wo ist es schon immer einfach?), die 

gute Nachricht ist: Man kann mit Musik Geld verdienen! 

»Motivation des Geistes« 

Viele Hobbymusiker, die tagsüber zum Bei spiel 

als Lehrer, Handwerker oder Polizisten arbeiten und 

am Wochenende in einer Band spielen, erzielen 

nicht selten ein beträchtliches Zusatz ein kommen. 

Doch es gibt keinen gewerkschaftlichen oder 

gesetzlichen Schutz für Berufsmusiker*innen. Es 

gibt auch keine einheitlichen Kriterien, zumindest 

nicht in Deutschland, die erfüllt werden müssen, 

bevor man seine musikalische Dienstleistung 

ver kaufen darf. Und wahrscheinlich ist es auch 

den meisten Veranstaltern ziemlich einerlei, ob 

die Musiker, die bei ihm spielen, einen „Schein“ 

haben oder nicht. Viele Auftritte kommen ohnehin 

über Beziehungen zustande. 

Als studierte Musiker*in könnte man sich also 

benachteiligt fühlen. Doch leider ändert das nichts 

an der Tatsache und für Berufsmusiker*innen 

bedeutet es oft ein arbeitsintensives und mühsames 

Ringen um Aufträge. Erst recht, wenn man 

beobachtet, dass Veranstalter aus Kosten grün - 

den immer häufiger auf Alleinunterhalter oder 

DJs zurückgreifen. Andererseits: Die wirklich 

großen Events, Galas und Partys werden fast 

ausschließlich von Berufsmusikern bestritten, die 

sich qualitativ, quantitativ und mit kreativen Ideen 

so von der Konkurrenz (egal, ob Amateur- oder 

Profibands) abheben, dass der Veranstalter gar 

nicht anders kann, als sie zu engagieren. 

Im Leben eines jeden Menschen gibt es 

Höhen und Tiefen. Um mit diesen Schwan - 

kungen zurechtzukommen, müssen 

Körper, Geist und Seele gleichermaßen 

eingesetzt werden. Künstler erleben oft 

viel intensiver als Menschen mit anderen 

Be rufen den Wechsel von labilen und 

stabilen psychischen und physischen 

Zuständen, was nicht immer einfach ist. 

Die gute Nachricht aber ist: Jeder kann Tech niken 

erlernen und sich Ge wohnheiten an trainieren, die 

ein stabiles Arbeiten mit der Stimme auch in wechselhaften 

Lebens phasen ve rbes sern bzw. überhaupt 

ermöglichen. So gibt es Sän ger*innen, 

die, nachdem sie gerade erst einen schweren 

Schicksalsschlag wie den Tod eines nahen 

Ver wandten hinnehmen hatten müssen, schon 

ein paar Tage später wieder auf der Bühne standen. 

Während darüber Verwandte und Freunde 

vielleicht die Köpfe schüttelten, half den Trauern - 

den gerade ihre routinierte Arbeit auf der Bühne 

über diese Krise hinweg. 

Darum: Bleibe achtsam und sei bestrebt, Körper, 

Geist und Seele in Einklang zu halten. Aber werde 

dabei nicht neurotisch und wittere nicht überall 

und ständig Gefahren für deine Stimme. Es ist 

nun mal nicht alles kontrollierbar, aber du kannst 

lernen, dein inneres wie dein äußeres Gleich ge - 

wicht zu finden und zu stabilisieren, damit dich 

nicht jeder Sturm des Lebens gleich umhaut. 

Das braucht Zeit, Geduld und Ausdauer. Aber 

am Ende wird es sich auszahlen und du wirst viel 

entspannter und gelassener mit den „Ups and 

Downs“ des Lebens umgehen können als noch 

zu Beginn deiner Berufstätigkeit. 

W – wie 

Wissenswertes 

Auch Menschen aus vielen anderen 

Be rufen nutzen die „mentale Ar - 

beit“, um sich bestmöglich vorzubereiten 

und zu motivieren. 

So zum Beispiel Sportler, indem sie trainingsfreie 

Zeiten (oder Ruhezeiten unmittelbar 

vor dem Wettkampf) nutzen, in Gedanken 

die einzelnen Stationen des Wettkampfs 

durchzugehen. Sie rufen sich die körperlichen 

Ab läufe und Bewegungen ins Gedächtnis, 

„spüren“ sie geradezu und „sehen“ sich selbst, 

wie sie die Hürden locker nehmen – und 

in Bestzeit die Ziellinie passieren. 

Er folgreiche Menschen aus anderen Be - 

rufen erzählen, dass sie sich zu Zeiten, da 

sie noch keinen nennenswerten Erfolg hatten, 

bereits in der Position sahen, in der sie 

sich Jahre später tatsächlich befanden. 

Manche von ihnen sagen, sie „wussten“ einfach, 

dass sie mit der Malerei, dem Schrei - 

ben, der Musik, der Forschung, dem politischen 

Amt oder mit was auch immer Erfolg 

haben würden. Andere erzählen, dass sie 

sich immer und immer wieder intensiv vorgestellt 

haben, wie sie leben würden, wenn 

sie ihr Ziel erreicht hätten. Diese Technik 

nennt man Vi sua li sie rung. 


Mentale Zielsetzung und Planung des Abenteuers 

»Leben als Berufssänger*in« 


In Kapitel 12 wurde bereits empfohlen, sich 

gründlich mit seinen eigenen beruflichen Zielen 

zu befassen und einen (schriftlichen) Business - 

plan zu erarbeiten. Vielleicht kennst du bereits 

sehr genau deine beruflichen Ziele als Sänger*in 

oder hast schon einen Businessplan entwickelt – 

dann ist ein erster wichtiger Schritt in die richtige 

Richtung bereits getan. Es gibt aber noch weitere 

Techniken, die das Erreichen deiner Ziele unter - 

stützen können. 

VISUALISIERUNG 

Mit der Visualisierung kannst du dein Unter - 

bewusstsein so programmieren, dass es die Er - 

reichung deiner Ziele unterstützt. Das ge schieht, 

indem du dir intensiv vorstellst, wer und wie du 

bist, wenn du dein Ziel bereits erreicht hast. Dazu 

füttere dein Gehirn mit den entsprechenden 

Bildern, aufgeladen mit möglichst kraftvollen Emo - 

tionen. 

Auch wenn es wahrscheinlich keinen Beweis 

für die Wirksamkeit des Visualisierens gibt: Das 

Gegenteil wurde ebenso wenig bewiesen. Und 

wenn du es mithilfe dieser Technik schaffst, dich 

in schwierigen Zeiten immer wieder neu zu motivieren, 

hat sie ihren Zweck schon erfüllt. Darum 

kann ich nur empfehlen, sie zu nutzen. 

WAS BEIM VISUALISIEREN ZU 

BEACHTEN IST 

Grundsätzlich wird jede Vorstellung positiv 

bebildert. Du solltest Bilder im Kopf haben, die 

dich genau so zeigen, wie du es für dich 

wünschst. Lass also keine Bilder zu, die zeigen, 

was du nicht willst. Nicht, wenn es dir schlecht 

geht, und auch nicht, wenn du zum Beispiel 

gerade glaubst, vor Lampen fieber verrückt zu 

werden. Stattdessen „malst“ du in deinem Kopf 

Bilder, wie du den Auf tritt locker meisterst, dein 

Publikum applaudiert und „Zu gabe“ ruft. 

Die begleitenden Gedanken zur Visua lisie - 

rung sollen immer in der Gegenwart und so präzise 

wie möglich sein. Mit dem Gedanken „Irgend- 

wann werde ich Konzerte mit meinen eigenen 

Songs geben und viele CDs verkaufen“ kannst 

du möglicherweise lange auf die Unterstützung 

deines Unterbewusstseins warten, denn „irgend- 

wann“ und „viele“ sind keine konkreten Infor ma - 

tionen, mit denen dein Gehirn etwas an fangen 

kann. 

Visualisieren ohne Emotion ist wie Fließbandarbeit: 

Man steckt mechanisch irgendwelche Teil - 

chen zusammen, weiß aber gar nicht, wozu das 

Ganze überhaupt gut sein soll. Visualisierung funk - 

tioniert, indem du sie mit intensiven Emo tionen 

unterstützt. Suche dir ein ungestörtes Plätzchen, 

schalte Handy und Türklingel aus, setze dich aufrecht 

hin und tauche für mindestens zehn Minuten 

konzentriert in deinen Wunschzustand ein. Be - 

schwöre nicht nur die Bilder herauf, sondern erlebe 

dich selber als Teil dieser Bilder. Spüre, wie es sich 

anfühlt, in diesem weiß glitzernden Traum von 

Gala kleid/Anzug vor all diesen Leuten zu stehen 

und zu singen, „höre“ den tosenden Applaus, 

während dich die Scheinwerfer blenden und du 

deinem Publikum zulächelst). 

Ausdauer beweisen: um das Unterbewusste 

auf den gewünschten Pfad zu bringen, braucht 

es Kontinuität. Es reicht nicht, die Technik des 

Visualisierens sporadisch oder nur ein paar Tage 

oder Wochen zu praktizieren. Mache es dir am 

besten zu einer festen täglichen Gewohnheit – 

auch in Zeiten, in denen es dir mal nicht so gut 

geht. Tue es mit Spaß und genieße die ungestörte 

Zeit mit dir selber. Gute Zeiten sind der Morgen 

gleich nach dem Aufwachen und am Abend vor 

dem Einschlafen. 

AUTOR: LEEZA NAIL 

WEB: WWW.ALFREDMUSIC.DE 

FOTOS: CREATOPIC, GSTUDIO, 

BILLIONPHOTOS.COM, GRAFICRIVER / 

ADOBE STOCK 

DIE AUTORIN 

LeeZa Nail ist freiberufliche Musikerin und arbeitet als Vocal Coach. 

Sie hat das Studium des Jazz- und Populargesangs in Frankfurt absolviert, 

ist international mit ihrem Solo-Projekt „LeeZa Nail“ unterwegs und 

widmet sich seit einiger Zeit verstärkt dem Schreiben und Komponieren. 

THE SINGER‘S COACH 

In ihrem bei Alfred Music erschienenen Buch The Singer’s Coach 

(978-3-947998-08-1) gibt LeeZa Nail ihre Erfahrungen weiter an alle, 

die es ebenfalls ernst meinen mit der eigenen Gesangskarriere. In insgesamt 

13 Kapiteln beschäftigt sich LeeZa mit: Gesangspraxis, allgemeiner 

Musiklehre, der Rolle des*r Sänger*in und den Aspekten des 

Musikbusiness. Und als Bonus: aufschlussreiche Interviews mit 

Profimusiker*innen aus Soul, Pop, Jazz, Musical, Oper u.v.m. 

TEXTQUELLE: MIT FREUNDLICHER GENEHMIGUNG VON 

ALFRED VERLAG | FOTO: © CAROLA SCHMITT 

LEEZA NAIL 

The Singer’s Coach – Der Karriere-Ratgeber 

Alles, was ambitionierte Sänger*innen wissen sollten! 

DIN A4, 160 SEITEN, 18,95 EURO, ISBN13: 9783947998081 

LEEZANAIL.DE | FACEBOOK.COM/LEEZA.NAIL.AUTORIN 


56 PRODUKT-NEWS 

Text: Fabian Brüne 

KÖNIG & MEYER – WIE DAS HOMEOFFICE GARANTIERT GELINGT 

Eines vorweg: Ja, ich sitze gerade im Homeoffice, während 

ich diesen Artikel schreibe. Und ich genieße es! Warum? Weil 

ich zum Schreiben vor allem eines brauche: Ruhe. Und die 

ist in einem kleinen Büro die knappste Ressource. Damit aus 

„in Ruhe sitzen“ nicht „zur Ruhe setzen“ wird, habe ich mir 

ein paar Tipps angehört, wie das mit dem Arbeiten im 

Homeoffice gelingen kann. Die plausibelsten und (für mich) 

nachvollziehbarsten Ratschläge habe ich hier short and simple 

zusammengefasst: 

DEN WEG ZUR ARBEIT SIMULIEREN 

Damit der Morning-Blues dem Working-Mindset weicht, ist 

es ratsam, eine Arbeitsroutine auch im Homeoffice zu entwickeln. 

Vielleicht hilft schon eine kleine Runde um den 

Block, um den Weg zur Arbeit zu simulieren. Daneben kann 

ein geordneter Tagesrhythmus, wie die Zeit des Aufstehens 

oder des zweiten Kaffees, nur von Vorteil sein. 

KLEIDER MACHEN LEUTE 

Hinter diesem geflügelten Wort steckt jede Menge Wah rheit. 

Die Kleidung ist nicht nur dafür verantwortlich, wie dich 

andere Menschen wahrnehmen, sondern auch, wie du dich 

selbst siehst. Die Kleidung hat großen Einfluss auf dein 

Mind set und deine innere Haltung und somit auf die Pro - 

duk tivität im Homeoffice. 

DAS A UND O IM HOMEOFFICE: 

DEN ANFANG UND DAS ENDE KENNEN 

Wie im Leben, ist es auch im Homeoffice wichtig, sich Ziele 

zu setzen. Das kann der Motor einer effektiven Arbeits - 

weise sein. Steck dir Ziele, was du in den nächsten zwei 

Stunden erreichen willst oder was du vor dem Feierabend 

erledigt haben musst. Ganz wichtig sind auch Pausen, die 

du dir im normalen Büroalltag auch gönnst. 

ARBEITEST DU NOCH ODER LEBST DU SCHON? 

Der Übergang zwischen Wohn- und Arbeitsraum ist im 

Homeoffice fließend, wenn nicht gar frei von Konturen. 

Damit aus dem Ess- oder Wohnbereich ein funktionsfähiges 

Büro wird, reicht in der Regel ein Handy, ein PC, optional 

ein zweiter Bildschirm und vielleicht die ein oder andere 

Unterstützung. Pünktlich zum Feierabend muss der Tisch 

dann seiner eigentlichen Aufgabe gerecht werden, weswegen 

auf leichtes, flexibles und mobiles Equipment gesetzt 

werden sollte. 

Wir haben einige Produkte im Sortiment, für deren Aufbau 

du weder einen Schraubenzieher noch eine Strich männchen- 

Gebrauchsanleitung brauchst: 

19805 

Smartphone und Tablet-PC-Halter 

19800 / 19805 

SMARTPHONE UND TABLET-PC 

TISCHSTATIV / HALTER 

Ganz neu in unserem Sortiment sind diese zwei Tablet-PCund 

Smartphone-Halter, die sich entweder ganz easy auf 

dem Tisch platzieren oder an der Tischkante montieren lassen. 

Beide Modelle überzeugen durch ihr geringes Gewicht, 

unterstreichen mit den verwendeten Materialien aber gewiss 

ihre Standfestigkeit. Der Klemmmechanismus kann Devices 

von 10,2“ bis 13“ stufenlos aufnehmen. Die Arme der beiden 

Modelle sind 360 Grad neig- und drehbar und passen 

sich so perfekt den räumlichen Gegebenheiten an. 

Der Unterkonstruktion des 19800 Tischstativs wurden vier 

rutschfeste Gummifüße spendiert. Die Aussparung im Fuß 

19800 

Smartphone und Tablet-PC Tischstativ 

des Stativs ermöglicht eine intelligente Kabelführung, was 

für einen ordentlichen Eindruck auf Arbeitsplatz sorgt. Der 

19805 Smartphone- und Tablet-PC-Halter lässt sich an 

Tischkanten von 10 mm bis 35 mm Stärke anbringen. 


PRODUKT-NEWS 57 

16075 

KOPFHÖRER-TISCHSTATIV 

Telefon- und Videokonferenzen dominieren derzeit unsere 

Agenda und sind das Mittel der Wahl, wenn es um den Kon - 

takt zu Kollegen, Lieferanten und Kunden geht. Für die Pausen 

zwischen den Telefonaten haben wir ein Kopf hörer-Tisch stativ 

entwickelt, in welchem du den idealen Auf be wah rung sort für 

dein Headset oder andere Kopfhörer findest. Das Kopf hörer- 

Tischstativ kann mit seinem geringen Gewicht (700 g) punkten 

und überzeugt auch in seiner Optik. 

12195 

LAPTOPSTÄNDER 

Wer zu Hause mit einem Laptop arbeitet, wird die Mö glich - 

keiten, die dieser Laptophalter mit sich bringt, sehr schätzen. 

Die maximale Einsatzhöhe des Laptopständers liegt bei 

265 mm und kann bei Bedarf stufenlos auf bis zu 65 mm 

reduziert werden. Damit kann der Laptop perfekt auf deine 

Sitzhöhe angepasst werden. Gleichzeitig spart der Laptop - 

ständer Platz, indem sich unterhalb des Laptops Notiz zettel, 

Dokumente und Stifte verstauen lassen. Die Kombination von 

Bauteilen aus Aluminium und Stahl sorgt für den perfekten 

Trade-off zwischen Stabilität und geringem Gewicht. Mit 

den individuell einstellbaren Anschlagstiften ist dein Laptop 

vor dem Absturz gesichert – zumindest die Hardware! 

Besonderheit: individuell einstellbare Anschlagstifte; 

inklusive geräteschonender Auflage-Pads 

12195-000-87 – basaltgrau | EAN: 4016842116119 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

Besonderheit: rutschfester Stand durch Gummipuffer 

16075-000-56 – schwarz struktur | EAN: 4016842102556 


12440 / 12450 

UNI-BOY »BOOK« ODER 

UNI-BOY »CLASSIC« 

Der ein oder andere kennt sie vielleicht aus der Schulzeit: 

die Buchstütze. Für das Homeschooling der Kids haben wir 

den Uni-Boy »Book« und den Uni-Boy »Classic« im Sor - 

timent. Die Buchstützen geben sicheren Halt für Arbeits - 

blätter, Schulbücher und sonstige Materialien und machen 

unbequemer Arbeit ein Ende. 

12440 UNI-BOY »BOOK« : 

12440-000-00 – 4-fbg. Set (VE: 22 St.) 

12450 UNI-BOY »CLASSIC«: 

12450-000-00 – 4-fbg. Set (VE: 22 St.) 


SIGI SCHWAB 

GUITAR BOOK 

30 Arrangements von Klassik bis Jazz 

Autor: Schwab, Siegfried (Sigi) | Sprache: deutsch | englisch 

Besetzung: Gitarre | Ausgabe: Noten 

Seiten-Bindung: 100 Seiten – Ring-/Spiralbindung 

Schwierigkeit: mittelschwer – fortgeschritten 

ISBN 978-3-7957-9906-9 | ED 23369 | 35,00 € 

Der vielsaitige Champion mit 30 Bearbeitungen und Kom - 

positionen aus Jazz, Pop und Klassik. Sigi Schwabs musikalisches 

Spektrum erstreckt sich vom Barock bis zur 

Gegenwart. In den sechseinhalb Jahrzehnten seines künstlerischen 

Schaffens haben sich gleich mehrere stilistische 

Umbrüche vollzogen, die sich auch in diesem Songbook 

wiederfinden: von den frühen Jazzstandards der Nach - 

kriegs zeit hin zu der unglaublichen melodischen Kraft der 

Beatles oder eines Michael Jackson. In all diesen Jahren 

entwickelte Sigi Schwab einen persönlichen Kanon an Spiel - 

material, der stark von der europäischen Musi zier tradition, 

aber auch von Einflüssen aus der indischen, afrikanischen 

und fernöstlichen Musik geprägt wurde. Dieses Buch enthält 

die bekanntesten und persönlichsten Kom po sitionen 

mit allen Leadsheets inklusive farbiger Fingersätze und Ak - 

kor de von Sigi Schwab. Das große Sonderformat sorgt hierbei 

für eine übersichtliche Darstellung auf Doppel seiten. Es 

erwartet Sie ein exklusives Workbook zum 80. Ge burts tag 

des legendären Gitarristen. 

Inhalt: Ain’t Misbehavin‘ – Basin Street Blues – Close To 

You – Lullaby Of Birdland – Moonglow – Moonlight In 

Vermont – Round Midnight – Stormy Weather – Take Five 

– Taking A Chance On Love – The Work Song – West Coast 

Blues – Black Bird – Downtown – Eleanor Rigby – I’ll Be 

There – Heal The World – Yesterday – African Colours – 

Blue Serenade – Capriccio Bavarese – Jazz Me, I’m Bluesy 

– Jazz-Suite Nr. 1 – Jogging – Laschia Ch’io Pianga – 

Memos Lullaby – Nobody Knows The Trouble I’ve Seen – 

Parvati – Prelude BWV 1007 – Swing Low, Sweet Chariot 

Weitere Informationen: de.schott-music.com 



FAME GREEN LEAF GL-JF2 E 

– die etwas andere Gitarre 

Gleich vorab: Eine Acoustic aus den hier verwendeten 

Materialien zu fertigen, ist nicht die Erfindung von Fame, 

das haben andere Hersteller schon vorgemacht. Die Fame 

Green Leaf weckt aber dennoch die Neugier, denn zum 

Beispiel kostet sie nur etwa ein Drittel eines amerikanischen 

Konkurrenz-Modells. 

PRAXIS: 

Der mittelkräftige Hals liegt gut in der Hand, die Saitenlage 

ist gleich ab Werk sehr gut eingestellt – es kann sofort ohne 

Eingewöhnungsprobleme losgehen. Ein rundes, sattes, in 

den Höhen eher mildes Klangbild dringt ans Ohr. Die Laut - 

stärke ist etwas geringer als bei der flugs herbeigeholten 

Vergleichsgitarre aus gewohnten Hölzern, aber das Sustain 

und die Dynamik-Reserven der Green Leaf können absolut 

überzeugen. 

FACTS: 

• Fabrikat: Fame 

• Modell: Green Leaf GL-JF2 e 

• Typ: Grand Auditorium E-Acoustic mit Cutaway 

• Herkunftsland: China 

• Mechaniken: schwarz, geschlossen 

• Hals: Schichtholz, C-Profil 

• Sattel/Stegeinlage: Knochen 

• Griffbrett: Richlite, 16“ Radius 

• Halsbreite: am Sattel 43 mm 

• Bünde: 20 

• Mensur: 650 mm 

• Korpus/Decke: HPL 

• Oberflächen: Charcoal, mattes Finish 

• Elektronik: Fame Pickup-System 

• Gewicht: 2,1 kg 

• Preis: 179 € 

PLUS & MINUS: 

+ Korpus-Material robust und widerstandsfähig 

+ Hardware (Tuner, Sattel, Bünde) 

+ D’Addario EXP Saiten ab Werk 

+ Bespielbarkeit, Werkseinstellung 

+ Klangbild, Sustain, Dynamik 

+ Pickup-System, E-Sounds 

– Regeleinheit und Batterietasche nicht optimal 

befestigt 

KONSTRUKTION: 

Wir haben hier eine Westerngitarre im Grand-Auditorium- 

Format mit Cutaway und Pickup-System vor uns – so weit, 

so normal. Was wir bei dieser Fame Green Leaf allerdings 

eher selten vorfinden, ist Holz! Der Beweggrund dafür kann 

allerdings kein finanzieller sein, der verbaute Werkstoff ist 

mindestens so teuer wie das laminierte Holz einer vergleich - 

baren Gitarre. Nein, es geht um die Schonung von Holz- 

Ressourcen, Strapazierfähigkeit und Unempfindlichkeit 

gegen klimatische Einflüsse (Trockenheit, Feuchtigkeit, Kälte, 

Hitze). 

Der Korpus aus hochstabilem, extradünnem HPL (High 

Pressure Laminate, einem unter Hochdruck hergestellten 

Werk stoff mit Papieranteilen und guten Klangeigenschaften) 

präsentiert sich in einem coolen dunklen Riegelahorn- 

Finish namens Charcoal und verzichtet dabei auf jeglichen 

Zierrat. Kein Binding oder Purfling, keine Schallloch-Rosette 

und auch kein Schlagbrett stören das schlicht-moderne 

Erscheinungsbild. Letzteres ist auch unnötig, da die Decke 

unempfindlich gegen Kratzer und Spielspuren ist. 

Auch der Hals aus Schichtholz (ja, er und das Bracing sind 

die Ausnahme aus Holz) setzt auf Stabilität und ist dank 

seiner Bauweise absolut verwindungssteif. Das Griffbrett 

aus Richlite trägt 20 gut polierte, sauber eingesetzte Bünde 

und eine „Green Leaf“-Einlage am 12. Bund. Der tadellos 

gefeilte Sattel aus echtem Knochen führt die Saiten zur 

Kopfplatte mit den soliden gekapselten Stimmmechaniken. 

Wer über Anlage spielen möchte, findet ein Pickup-System 

an Bord. Ein Piezo-Tonabnehmer unter der Stegeinlage ist 

regelbar über je ein Volume- und Tone-Rädchen am Schall - 

lochrand. Am hinteren Gurtpin kann ein Klinkekabel eingesteckt 

werden. 

Auch über Anlage gespielt sammelt die Fame fleißig Plus - 

punkte. Ein frischer, knackiger Sound erklingt, alle Saiten 

werden ausgewogen verstärkt, der Klangregler hält die Höhen 

im Zaum. Klasse … hier präsentiert sich eine robuste, 

klangstarke Bühnengitarre. 

FAZIT: 

Plötzlicher Regenguss auf der Gartenparty … egal! Gitarre 

im Hochsommer im Auto gelassen – nicht so schlimm! Die 

Fame Green Leaf macht (fast) alles mit und liefert wirklich 

(besonders auch elektrisch) tadellose Sounds bei bester 

Bespielbarkeit. Man muss sich eben nur von alten „Material- 

Gewohnheiten“ frei machen. 

Persönlicher Test empfohlen! 

Test: Rufus Jahn / Fotos: Dirk Schlossarek 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 


PRODUKT-NEWS 59 

FAME A-50 GLOSS II 

– viel Gitarre für’s Geld? 

Ja, dem ersten Eindruck nach bekommt man hier mit der 

A-50 eine Menge geboten für den doch sehr moderaten 

Preis. Das schauen wir uns näher an. 

KONSTRUKTION: 

Die A-50 Gloss II ist eine Westerngitarre im Grand-Auditorium- 

Format mit Cutaway und Pickup-System und ist – wie der 

Name „Gloss“ schon verrät – inklusive Hals und Kopfplatte 

mit einem Hochglanz-Finish versiegelt. Das wirkt edel, ein 

paar kleine Unsauberkeiten lassen sich bei genauem Hin - 

sehen aber entdecken. Der Korpus punktet mit einer massiven 

Fichtendecke, Boden und Zargen sind aus laminiertem 

Koa mit einer sehr attraktiven Maserung. Die Korpus - 

kanten sind dann auch noch mit einem Binding aus Ahorn 

in Szene gesetzt – sehr schick! 

Der Mahagonihals macht einen stabilen Eindruck. Er ist, 

hinten am Übergang zur Kopfplatte, in guter alter Martin- 

Manier mit einer kräftigen Volute in Pyramidenform verstärkt. 

Etwas speziell wird es beim Griffbrett: Es ist, wie 

auch der Steg, aus HPL (hochkomprimierter Werkstoff) ge - 

fertigt, hat eine dunkle Farbe wie Ebenholz und hilft dabei, 

eben dieses zu sparen bzw. zu schonen. Besonderer Hin - 

gucker: die Perlmutt-Einlage am 12. Bund in Form eines 

Bergpanoramas. 

Die Saiten ruhen auf der Stegeinlage und dem Sattel aus 

echtem Knochen und werden von den stylischen offenen 

Mechaniken im 1930er-Jahre-Stil in Stimmung gebracht. 

gen, die Werkseinstellung von Saitenlage, Hals krüm mung 

und Intonation erlauben einen sofortigen komfortablen Spiel - 

start. 

Und die A-50 hält klanglich, was sie optisch verspricht. Mit 

klarer, fester Stimme setzt sie den Input des Spielers sensibel 

um. Sonore, straffe Bässe, knackige Mitten und durchsetzungskräftige 

Höhen bilden ein kraftvolles Klangbild, das 

auch höhere Ansprüche leicht erfüllen kann. 

Gleiches gilt verstärkt über Anlage gespielt – ein richtig 

guter Sound! Da kann man verschmerzen, dass der Klang - 

regler keine allzu große Wirkung hat und eher nur in Nuancen 

auf den tollen Gesamtsound wirkt. 

FAZIT: 

Optik, Verarbeitung, Bespielbarkeit und Klang ergeben ein 

stimmiges Gesamtbild, das zu überzeugen weiß – besonders 

angesichts des Preises. Eine Gitarre nicht nur für an spruchs - 

volle Einsteiger, sondern auch für preisbewusste „Working- 

Musicians“, die ein zuverlässiges Arbeitsgerät suchen. 

Test: Rufus Jahn / Fotos: Dirk Schlossarek 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

Erstklassige Verarbeitung 

bei Cutaway 

und Halsansatz 

FACTS: 

• Fabrikat: Fame 

• Modell: A-50 Gloss II 

• Typ: Grand Auditorium E-Acoustic mit Cutaway 

• Herkunftsland: China 

• Mechaniken: offen, verchromt 

• Hals: Mahagoni, C-Profil 

• Sattel/Stegeinlage: Knochen 

• Griffbrett/Steg: HPL 

• Halsbreite: am Sattel 44 mm 

• Bünde: 20 

• Mensur: 650 mm 

• Decke: Fichte, massiv 

• Korpus: Koa, laminiert 

• Oberflächen: Hochglanz 

• Elektronik: Fishman Sonitone 

• Gewicht: 2,0 kg 

• Preis: 333 € 

PLUS & MINUS: 

+ Hölzer, Hardware 

+ Design, Optik 

+ Bespielbarkeit, Werkseinstellung 

+ kraftvolle A- und E-Sounds 

+ Preis/Leistung 

– kleine Unsauberkeiten bei der Lackierung 

Zur Elektrifizierung der Klänge ist das tausendfach bewährte 

Fishman-Sonitone-System an Bord. Ein Piezo-Tonab neh - 

mer unter der Stegeinlage wird über zwei Rädchen am 

Schalllochrand unauffällig geregelt – eine kleine Kunst - 

stoffplatte hinten auf der Zarge bietet ein Klinke-Output 

und ein Batteriefach für schnellen Zugriff zum 9-Volt-Block. 

PRAXIS: 

Das mittelkräftige C-Profil des Halses und das Griffbrett mit 

44 mm Breite am Sattel bieten erwachsene Spiel be din gun - 



Die streng limitierten Vinyls werden schließlich auf der IFA 

an die wichtigsten TEAC-Kund*innen vergeben und ermöglichen 

dadurch den aufstrebenden Musiker*innen, in der 

In dustrie Bekanntheit zu erlangen. 

Guter Sound ist die Kernidentität von TEAC. Ohne gute 

Musik ist allerdings auch der beste Sound wertlos. Deswegen 

möchte TEAC seine Zusammenarbeit mit Interpret*innen 

ausbauen. „Recording Tomorrow“ soll aufstrebenden Ta - 

lenten aus allen Genres und sozialen Umfeldern die Chance 

bieten, ihre Kunst auf der Weltbühne zu präsentieren. Da 

liegt für TEAC nichts näher, als die Songs auf Vinyl zu pressen. 

TEAC ist einer der wenigen Hersteller, die neben verschiedenen 

Plattenspielern mit Bluetooth und High-End- 

Geräten für Audiophile auch noch Kassettendecks anbieten. 

So hält TEAC der analogen Tontechnologie nach wie 

vor stolz die Stange. 

DER SOUND VON MORGEN 

TEAC kündigt Talentsuche in Kooperation mit gigmit an 

Der japanische High-End-Audiohersteller TEAC gibt be - 

kannt, in Kooperation mit dem Artist-Booking-Anbieter gigmit 

einen besonderen „Call for Talents“ zu veranstalten. Vier 

aufstrebende Künstler*innen erhalten dabei im Rahmen der 

Aktion „Recording Tomorrow“ die Chance, ihre Songs auf 

einer exklusiven Vinyl zu platzieren. 

Nach einem Auswahlverfahren durch gigmit und TEAC werden 

die Gewinner*innen auf der HIGH END in München (19. 

Mai – 22. Mai) präsentiert. Neben der fertigen Platte, die 

auf der IFA 2022 in Berlin (2. September – 6. September) 

enthüllt wird, winken den Künstler*innen ein Preisgeld sowie 

zusätzliches High-End-Equipment von TEAC. 

Nähere Informationen zum Bewerbungsprozess und Ablauf 

für interessierte Musiker*innen finden sich direkt bei gigmit. 

Im deutschsprachigen Raum organisiert der europäische 

Distributor für Premium-Marken Aqipa den Vertrieb der 

hochqualitativen Audiolösungen von TEAC. Dazu zählen die 

stylischen Plattenspieler der TN-Serie und moderne Kas - 

set tendecks. 

Weitere Informationen: 

blog.gigmit.com/de/teac-recording-tomorrow_2022_de/ 

eu.teac-audio.com/de-DE/ 

TASCAM ERWEITERT 

SEINE PODCAST-STATION 

UM EINE REIHE 

NEUER FUNKTIONEN 

Tascam 

Podcast Editor 

Einfacher 

Audio-Editor 

für die Podcast- 

Erstellung 

Mit der veröffentlichten Firmwareversion 1.20 stattet Tascam 

seine Podcast-Station Mixcast 4 mit einer Reihe zusätzlicher 

Features aus, die Anwender sich noch ge wünscht hatten. So 

ist es nun möglich, die eingebauten Effekte auf mehrere 

Mikro fone gleichzeitig anzuwenden und durch An tippen der 

Pegelanzeigen für jeden Kanal separat ein- und auszuschalten. 

Zudem kann sich die Ducking-Funktion nun auch auf die 

mit den Sound-Pads abgespielten Klänge auswirken. Darüber 

hinaus haben die zuvor fest abgestimmten Audio eingänge 

über USB, Bluetooth und Mini klinke einen Eingangs pegel - 

regler erhalten, für die Pegel anzeigen gibt es eine Dezibel- 

Skala und Nutzer gelangen vom Hauptbild schirm aus schneller 

zu den Einstellungen für die einzelnen Eingänge. 

Das Firmware-Update steht zusammen mit einer Hand buch- 

Ergänzung ab sofort zum kostenlosen Download bereit. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu 


TITELSCHUTZANZEIGEN 61 

Titelschutzanzeigen müssen uns fertig layoutet 

zugesandt weden. 

Sie können nur noch gegen Bargeld 

veröffentlicht werden 

Anzeige 45 x 20 mm 

(fertig layoutet): 

20,– € für Mitglieder 

30,– € für Nichtmitglieder 

EDGAR WEILER 

„Will the circle be unbroken“ 

VÖ: 15.01.2021 

edgar.weiler@weiler-legal.com 

RAYO DE LUNA 

„A Journey to…“ 

VÖ: 08.05.2020 

info@martinschroer.de 

REIDAR JENSEN 

„Boundless“ 

VÖ: 26.11.2021 

ww.reidarjensen.com 

GOLDMARIE 

„Awakening“ 

DIE PLANK 

„Jetzt geht die Sonne auf“ 

ENGELA 

„Hoid ma zam“ 

VÖ: 11.12.2020 

VÖ: 17.04.2020 

VÖ: 15.10.2021 

www.oliwoodmusic.com 

franziskabubproduction.com 

www.die-plank.de 

www.angela-nebauer.de 

Oliver Deuerling | Sudetenlandstrasse 32 | 86633 Neuburg an der Donau 

FRANK PROFT 

„Wo bist du“ 

PART OF THE CROWD 

„Time Machine“ 

DORIAN BLACK 

„Berlin is not Germany“ 

VÖ: 18.11.2020 

VÖ: 15.04.2020 

VÖ: 13.08.2021 

www.franziskabubproduction.com 

proft-live.de 

www.part-of-the-crowd.de 

www.dorian-black.de 

UDO OCHSENCOCKER 

Thomas Rieke – Teschendorf 17 – 29378 Wittingen 

GOLDMARIE 

„Bittersweet Misery“ 

VÖ: 09.10.2020 


NIMA LINDNER 

„The truth behind“ 

VÖ: 03.04.2020 

www.nima-lindner.de 

ECLIPSE SOL-AIR 

„Generation Y“ 

VÖ: 13.08.2021 

www.eclipse-sol-air.de 

DORIAN BLACK 

„Down Wth You Love“ 

VÖ: 28.08.2020 

JOGALO 

„Jogalo and the 

Funkey Fellas“ 

VÖ: 18.02.2020 

CAPELLASTREET 

„Boys don’t cry“ 

VÖ: 09.07.2021 

Urheberin & Production: Franziska Bub | www.franziskabubproduction.com 

Design & Graphic: Jeannine Platz, Joscha Radaj, Franziska Bub 


jojobamusic@gmx.de 

www.capellastreet.de 

CD-Veröffentlichungen in den weltweiten 

digitalen Downloadportalen 

über 

– MUSIKER ONLINE – 

Infos: info@musikermagazin.de 

JÜRGEN TESCHAN DUO 

In Session“ 

VÖ: 03.07.2020 

www.teschan.com 

CAPELLASTREET 

„Close to close“ 

VÖ: 20.12.2019 

thiboe@gmx.de 

MARCUS GENARD 

„RISE“ 

VÖ: 18.06.2021 

marcus-genard.com 

DIE SARGNÄGEL 

„Ars Vivendi“ 

VÖ: 09.04.2021 

www.facebook.com/ 

galahad.germany 

DORIAN BLACK 

„Take The Hard Way“ 

18.06.2020 


JAMBERRY 

„Schicksal“ 

22.11.2019 

jamberry-music.de 

MARCUS GENARD 

„There must be something 

in the water“ 

VÖ: 11.06.2021 

marcus-genard.com 

BARBARA ZANETTI 

„Wunder Natur“ 

VÖ: 23.03.2021 

barbarazanetti.com 

DORIAN BLACK 

„Sounds Like A Melody“ 

18.06.2020 


DIE ROCKMEDIZINER 

„… auf Krankenschein“ 

VÖ: 22.11.2019 

DORIAN BLACK 

„Karpov!“ 

VÖ: 21.05.2021 


THE LOST ART SOCIETY 

„Five Leaf Clover“ 

VÖ: 05.03.2021 


alex.kingscall 

DORIAN BLACK 

„Take Me Out Of Here“ 

18.06.2020 


Jenna Akua Hoff 

„Happy Holidays“ 

VÖ: 16.11.2019 

facebook.com/iamjennahoff 

MICK ZIMMER 

„Das Neue Jahr“ 

VÖ: 07.05.2021 

mick-zimmer.com 

FRANK PROFT FEAT. 

SANDRA 

„Einsam“ 

DORIAN BLACK 

„Your Room“ 

FRANK PROFT 

„Stück zurück“ 

FRANK PROFT 

„Mein Herz brennt“ 

VÖ: 26.02.2021 

18.06.2020 

VÖ: 15.11.2019 

VÖ: 16.04.2021 

proft-live.de 


www.proft-live.de 

proft-live.de 

STEFAN LAUTERBACH 

„Moments of truth“ 

VÖ: 26.02.2021 

stefan.lauterbach@arcor.de 

DORIAN BLACK 

„Revenge“ 

18.06.2020 


JOGALO AND 

THE FUNKY FELLAS 

„Heat Buzz“ 

VÖ: 03.03.2022 

jogalo.de 

FRANK PROFT 

„Tage kommen, Tage geh’n“ 

VÖ: 16.04.2021 

proft-live.de 

BLACKROY 

„Blood, Passion & 

Rock ’n’ Roll“ 

29.01.2021 


blackroymetaldortmund/ 

GOLDMARIE 

„Goldmarie“ 

29.05.2020 


JARIDIS 

„Time and again“ 

VÖ: 03.12.2021 

www.facebook.com/Jaridis- 

107200395127090 

LILLY & GEORG WITSCH 

„’S Leben“ 

16.04.2021 

unseremusikwerkstatt.de 


62 REZENSIONEN 

TOKUNBO 

»Golden Days« 

Nach 15 Jahren Tok Tok Tok und ihren ersten beiden Solo- 

Alben „Queendom Come“ (2014) und „The Swan“ (2018) 

hat Tokunbo nun ihren dritten Longplayer „Golden Days“ 

veröffentlicht. Mit warmer, weicher und dennoch klarer 

Stimme, bei der man die Texte jederzeit bestens versteht, 

singt sie unangestrengt nostalgisch von goldenen Tagen 

und fragt dann, ob diese nicht vielleicht gerade jetzt da 

sind. Geerdet, reduziert und auf den Punkt produziert und 

komponiert, passt hier einfach alles zusammen. Als Folk Noir, 

der bei einigen Songs an Norah Jones erinnert, kann man 

das Album als American irgendwo zwischen Folk und Country 

einordnen. Melodisch und feinfühlig bringt Tokunbo das 

Golden-Days-Feeling auf die Platte. Wie ein goldener Herbst - 

tag, voller Vertrauen in sich und die Zukunft. Die Songs 

sind sehr gut produziert, die Texte und Arrange ments fügen 

sich zu einem erwachsenen Gesamtalbum, nach dessen 

Hören man selbst ganz zuversichtlich ist. Alles in allem eine 

Platte, die sicher auch bei Fans unterschiedlicher Genres 

Gehör und Gefallen finden wird. Eine klasse Sängerin, die 

ihre Stimme nie ganz ausreizt, tolle Kom positionen und 

Umsetzung machen „Golden Days“ zu einem Genuss für die 

Ohren. 

golden.tokunbomusic.com 

R.F. 

DAVID BETA 

»Wenn ich schonmal hier bin« 

Mit „Wenn ich schonmal hier bin“ hat David Beta ein wunderbares 

Deutschpop-Album geschaffen. Die Tracks des 

Wahlhamburgers sind mal beat-, mal melodielastiger. Mit 

seinem flowigen Sprechgesang bringt er jetzt schon ein 

bisschen Sommerfeeling auf die Boxen – vor allem „Leicht“ 

und „Sommer“ tragen das Gefühl bereits im Titel. Mit Sonne 

und Meer aufgewachsen, schreibt er in „Meermensch“ und 

„Hurra“ über seine Wurzeln. Aber er schlägt auch nachdenklichere 

Töne an. Das Gefühl, für jemand anderen wenig 

tun zu können, außer für ihn da zu sein und zu warten, der 

Wunsch nach Verbindung oder einfach die Auseinander - 

setzung mit dem inneren Pessimisten oder der inneren 

Unruhe sind Themen seiner Songs. Kein Wunder, ist das 

Album doch während der Pandemie entstanden, wo bei vielen 

die eigenen Themen plötzlich in den Vordergrund rückten, 

weil es viel weniger Ablenkung gab. Insgesamt ein eingängiges 

Album mit prominenter Unterstützung von namhaften 

Musikern wie Gitarrist Peter Koobs (u. a. Peter Maffay), Pianist 

Zoran Grujovski (u.a. Das Pack, Rosenstolz), sowie dem 

Bassisten und den Bläsern von Jan Delay: Ali Busse, Philipp 

Kacza, Johnny Johnson. Carstens steuerte nicht nur die 

Drums bei, er übernahm auch die Produktion zusammen 

mit Grujovski. 

davidbeta.de 

R.F. 

SANDRA AJTNER 

»My Future« 

Auf „My Future“ covert Sängerin Sandra Ajtner vier Songs 

von Superstar Billie Eilish. Keine einfache Angelegenheit, 

aber Sandra braucht den Vergleich mit ihrem Idol nicht zu 

scheuen. Eine ganze Spur poppiger und gefälliger im Ge - 

sang sind ihre Interpretationen richtig gut und könnten zu - 

weilen auch als Remixe funktionieren. Besonders „Everything 

I Wanted“ besticht vor allem durch die weniger depressive 

Interpretation. Das Piano und ein entspannter Dance-Beat 

verstärken die mutmachende Botschaft des Songs. Seit 

2017 ist Ajtner als professionelle Sängerin unter wegs, singen 

tut sie aber schon seit ihrem vierten Lebensjahr. Ihre 

wohlklingende Stimme fügt sich wunderbar in die Songs 

ein und man möchte gern mehr von ihr hören. „My Future“ 

kommt wie bei ihrem Idol mit minimalistischen Beats daher, 

und gerade wem die Stimme von Billie Eilish etwas zu speziell 

ist, wird diese Version lieben. Auf „I

REZENSIONEN 63 

MEIN ELBA 

»Auftakt« 

„Welches ist der Albumname, welches der des Künstlers?“, 

mag man sich fragen, wenn man die türkis umrandete CD 

mit dem Foto eines entspannten Mannes auf dem Cover 

erstmals in den Händen hält und „Mein Elba“ und „Auftakt“ 

liest. Um es abzukürzen: MEIN ELBA ist das Bandprojekt des 

Musikers Carsten Schlegel, der mit „Auftakt“ sein Debüt - 

album veröffentlicht hat. Viel über den Künstler erfährt man 

auf seiner Homepage nicht; nur, dass er sich nach 20 

Jahren im Musikgeschäft dazu entschlossen hat, seinen 

eigenen Weg zu gehen, wobei er dem Gefühl folgt, das 

Richtige zu tun. Dieses Gefühl bestätigt sich in den zehn 

Songs des Debütalbums, das einen wirklich vielversprechenden 

Auftakt zu MEIN ELBAS Solokarriere hinlegt. Boden - 

ständig und authentisch fühlen sich seine Songs an, erinnern 

in Stimme und Text an die einiger anderer Vertreter 

der deutschsprachigen Popszene wie Bosse, Revolverheld 

und Co., wobei es MEIN ELBA mühelos schafft, den Pop- 

Songs seinen ganz eigenen Stempel aufzudrücken. Seine 

Musik macht Lust auf Urlaub: einen Roadtrip, bei dem der 

Fahrtwind durch die Haare streicht und man die CD laut 

aufdreht. Schon der Einstieg ins Album ist eindringlich. Direkt 

angesprochen fühlt man sich von dem Sänger, der im Intro 

Einblick in seine Lebensphilosophie gibt. Der mit Streichern 

unterlegte Refrain „Ich fang zum letzten Mal von vorne an“ 

geht direkt unter die Haut, was auch an MEIN ELBAS eindringlicher 

Stimme liegt. Eine leichte Melancholie durchströmt 

die Songs, bei allem Willen zum Aufbruch darf der 

Blick in die Vergangenheit nicht fehlen. Von den alten Bravo - 

heften an maroden Tankstellen ist in „Abbruch Ausbruch“ die 

Rede, „Nicht mal Hundert“ erinnert an die Kindheit und 

Jugend im 99-Seelen-Dorf. Musikalisch gesehen bieten die 

Songs eine feine Palette an Popklängen von rockig bis poetisch. 

Bitte mehr davon! 

www.elba-musik.de 

L.K. 

BARBARA ZANETTI 

»47 (2001– 2021)« 

Emotionen stehen bei Barbara Zanettis Liedersammlung im 

Fokus. Sie selbst schreibt, dass die Lieder sie „zutiefst berührt 

und getragen, aber vor allem mit Freude erfüllt“ haben, und 

das merkt man jedem Song an. Auf „47“ sind abwechs- 

lungsreiche Liedperlen aus 20 Jahren Wirken als Lieder - 

macherin versammelt. Viele davon sind für besondere 

Anlässe entstanden: Jubiläumslieder für RUN FOR LIFE 

oder BIOLAND, eine Hymne für „Die Sportler des Jahres“ 

2003 oder der offizielle WM-Song für die Biathlon World 

Championships in Antholz 2007. Die zweisprachigen Wurzeln 

und die internationale Aufgeschlossenheit der Südtirolerin 

finden sich auch in den Liedtexten wieder: Sie singt souverän 

auf Deutsch, Italienisch und Englisch. Neben emotionalen 

Songs, mit gefühlvoller klarer Stimme gesungen, finden 

sich zahlreiche schwungvolle Lieder auf der CD, die Zanettis 

Lebensfreude und positive Energie rüberbringen, darunter 

„Bergwärts“, „Fianco a fianco“ oder „Showdown“. Nun hat 

Barbara Zanetti aber noch mehr zu bieten als „nur“ schöne 

Lieder. Sie engagiert sich mit ihrer Musik politisch, wie in 

„Der Ring“ oder „Stand Up For African Mothers“ sehr deutlich 

wird. In „Der Ring“ singt sie gegen Propaganda und 

Gewaltfantasien, klagende Opportunisten und schweigende 

Korrupte. „Stand Up For African Mothers“ ist für die gleichnamige 

Kampagne der NGO Amref Health Africa entstanden. 

„No woman should die giving life to this earth, no child 

should cry because left motherless” – diese Zeilen fassen 

die wichtigen Gründe zum Aufruf „Stand up” zusammen. 

Alles in allem gibt „47“ einen wunderbaren Einblick in 

Zanettis Schaffen, das 2022 sicherlich noch nicht sein 

Ende gefunden haben wird. 

www.barbarazanetti.com 

L.K. 

GEREON STEFER 

»Setzkasten« 

Ton für Ton, Wort für Wort setzt der Singer-Songwriter Gereon 

Stefer die fünf Songs zusammen, die seine EP „Setzkasten“ 

bilden. Mehr als seine Gitarre, seine Stimme, einige Bass - 

linien und Percussion-Rhythmen braucht er nicht, um fünf 

stimmungsvolle und doch sehr unterschiedliche handgemachte 

Songs zu schaffen. Auf einem weißen Blatt Papier 

ist der Eingangssong „Aller Anfang ist mehr“ entstanden, in 

dem der Sänger beschreibt, wie schwer alle Anfänge sind, 

wie sehr es sich letztendlich aber doch lohnt „einen neuen 

Schritt zu wagen, einen neuen Weg zu schlagen“. Denn „aus 

dem Nichts entstehen Sachen, wo sonst keine wären“. Wahre 

Worte, die zum Loslegen ermutigen. Der Wechsel ins 

Englische im zweiten Song kommt überraschend, aber man 

hört sich schnell ein. „Spinning“ ist eine locker-leichte Hymne 

an das Zusammensein als Verliebte. Mit dem Track „Komm 

doch rein“ hat Gereon Stefer beim 39. Deutschen Rock & 

Pop Preis in der Kategorie „Bester Deutscher Text“ abgesahnt. 

Zu Recht, denn der Text ist poetisch und nachdenklich, 

lädt mit dem Motto „Mach mal Pause von der Welt“ 

zum Ausruhen und Innehalten ein. Auf „You always had 

a knack for slightly not-so-romantic places“ singt Stefer mit 

einer guten Portion Humor von seiner Freundin, die eine 

Vorliebe für eben nicht so ganz romantische Orte hat. Der 

Song bringt einen entspannten Bossa-Groove mit und bietet 

Raum für ein schönes Gitarrensolo. Romantisch geht es 

weiter mit dem Folgesong, in dem Stefer ganz frei von der 

Seele spricht: „Scheiße, ich hab’ dich gern“. Der einzige 

klare Gedanke, den er fassen kann, der aber zugegebenermaßen 

nicht ganz in ein Liebeslied passt. Gerade das macht 

den Song so sympathisch und trotz allem zu einem charmanten 

Liebeslied. 

stefer.eu 

L.K. 

ALWIN SMOKE 

»Six String Stories« 

Auf „Six String Stories“ frönt Alwin Smoke, wie der Titel 

schon verrät, seiner Liebe zur Gitarre. Vierzehn E-Gitarren- 

Instrumentals von Classic- bis Poprock finden sich auf der 

Scheibe. Mit seiner Strat nimmt er die Hörer*innen auf eine 

Reise durch Sphären aus Gitarrenklängen. Die Melodien 

stehen hier ganz im Vordergrund. So sind die Songs auch 

für Gitarrenskeptiker nicht zu schrill, die Effekte wohldosiert 

und der Klang wie auf „A New Life Of The Little Sparrow“ 

angenehm warm und melodisch. „Remembrance At Mary“ 

ist ein altes deutsches Volkslied, dem Alwin mit seiner 

Gitarre neues Leben einhaucht. Auf „Spency“ spielen Bass 

und Gitarre im Duett, während „Bumble Bee“ zum reinen 

Solo-E-Gitarren-Stück avanciert. Alwin Smoke spielt dabei 

alle Instrumente selbst ein und holt sich nur auf der Bühne 

Verstärkung an Bass und Schlagzeug. E-Gitarren-Fans werden 

ihre Freude an diesem Album haben. 

www.alwin-smoke-musik.de 

R.F. 

MATTES WISSING 

»Die Chronik« 

Auf seiner ersten Solo-CD liefert Mattes Wissing durchweg 

ehrliche, handgemachte Musik. Das Album ist eine Art 

musikalisches Tagebuch. Auf einer Zeitreise von den 70ern 

bis heute nimmt Wissing seine Hörerschaft mit durch sein 

musikalisches Tagebuch aus einer Mischung von Coverund 

eigenen Songs. Die Stücke sind zumeist so arrangiert, 

wie er sie auch live auf die Bühne bringt – mithilfe von 

Stompbox, Looper und Sizzle Board. Ab und an dient ihm 

auch die Gitarre als Rhythmusinstrument und wird sehr 

perkussiv genutzt, sodass die Songs der verschiedenen 

Dekaden hervorragend akustisch umgesetzt werden konnten. 

Das ganze Album ist irgendwo also auch eine Hom - 

mage an die Musik. Von Peter Gabriel über a-ha und U2 bis 

zu Gregor Meyle und sogar einem Song von Joris, obwohl 

er eigentlich kein Fan vom Deutschpop der 2010er ist. Alle 

8 


64 REZENSIONEN 

Instrumente hat Wissing selbst aufgenommen, produziert 

und abgemischt, ein bisschen Unterstützung hat er sich 

aber dennoch ins Boot geholt. So singt zum Beispiel seine 

Frau Heike Wissing auf „I Want More“ mit und Stephan 

Schmitt spielt die Bluesharp für „She Hates Blues“ ein. Wer 

sich nun fragt, wie man einen Titel wie „Where The Streets 

Have No Name“ in Ein-Mann-Besetzung hinbekommt, 

wird sich freuen, dass der Looper hier so geschickt ein gesetzt 

wurde, dass im Zusammenspiel und mit dem Stomper 

trotzdem eine dichte Atmosphäre geschaffen werden kann. 

Verschiedene Genres werden hier verarbeitet und auch die 

Eigenkompositionen sind sehr unterschiedlich. Mal klingt 

eine Begeisterung für Shanty und Irish Folk durch, wie in 

„Sail On Rover“, dann gibt es ein bisschen Swing mit 

„Moccaschnäuzchen“. „Die Chronik“ ist ein sehr persönliches 

Album mit ganz viel Liebe zur Musik – klare 

Empfehlung für Fans akustischer Musik. 

https://www.matteswissing.de 

R.F. 

KROHN BAND 

»The Missing Link« 

Als „Advanced Hippie Music“ bezeichnet die Münchener 

Krohn Band selbst ihre Musik und liefert damit den perfekten 

Soundtrack für lange Autofahrten. Verschiedene Musik - 

stile mal eher rockig, bluesig oder jazzig wie auf „Kiss On 

The Moon“ finden sich auf dem Tonträger wieder und die 

erfahrenen Musiker liefern gut eingespielte Handwerks - 

kunst. Mit Ausnahme einer Coverversion von Dylans „Like 

A Rolling Stone“ alles Eigenkompositionen von Sänger und 

Gitarrist Hans-Peter Krohn. Drums, Percussion, Bass, Saxo - 

fon, Flöte, Klarinette und weitere Sänger*innen komplettieren 

den Sound der Krohn Band und bieten viele Möglich - 

keiten für unterschiedliche Genres. In „Baked Potatoes“, 

einem Instrumentalstück, steht die Gitarre ganz im Vor der - 

grund und entführt auf eine melodische Reise. Den Titeltrack 

„The Missing Link“ nutzt die Besetzung geschickt aus, indem 

sich Saxofon und Gitarre in bester Call-and-Response- 

Manier abwechseln. Die Lyrics der Songs basieren zu großen 

Teilen auf persönlichen Beobachtungen und sind zuweilen 

sehr reflektiert und zeitkritisch. Alles in allem ein abwechslungsreiches, 

handwerklich gutes Album. 

www.krohnband.com 

R.F. 

UNITED 

»Musicians Against Poverty, 

Pro Health« 

Musiker aller Genres haben sich für einen Sampler zusammengetan, 

um das Projekt Armut und Gesundheit in 

Deutschland e.V. zu unterstützen. Zum Projekt: Der Verein 

setzt sich für Arme und Obdachlose ein, um ihnen Zugang 

zu medizinischer und sozialer Unterstützung zu verschaffen. 

Ob in der ambulanten Arztpraxis für Bedürftige, mit 

dem Arztmobil beim Mainzer Modell oder bei verschiedenen 

Einsätzen im Ausland. Wie auf der Vereins-Homepage 

vorgestellt, handelt es sich um einen sozialen Verein mit 

vielen unterstützenswerten Projekten. Armut und Ge sund heit 

in Deutschland e.V. ist Mitglied in der nationalen Armuts kon - 

ferenz (NAK) und der Landesarmutskonferenz Rheinland- 

Pfalz (LAK). Es handelt sich also um eine Charity-CD mit 

dem Titel „UNITED – United Musicians Against Poverty, 

Pro Health“. Nicht nur für den guten Zweck lohnt sich die 

Anschaffung des Silberlings. Es finden sich darauf musikalische 

Leckerbissen aus den verschiedensten Diszipli nen: 

ALLY THE FIDDLE rockt beim Opener „Distance“ die Geige. 

Die Stromgitarren treiben das Barockwerk mit Double Bass 

Drum in ein Metallgewitter. Gaby Weihmayer rockt mit LABEL 

Z den Song „Go To Pot“. Ein Groove-Metal-Megalith. RAIMLER 

BENZ beweist, er hat mit „Nicht recht!“ einen echt guten Flow 

im Deutsch-Rap-Stil. Weitere Künstler auf dieser lohnenswerten 

Sammlung Musik sind BACKDOOR CONNECTION, 

ATOMIC PICNIC PROJECT, STANZI JOY und viele mehr. Gutes 

tun und Gutes hören! Erhältlich bei Atomic Picnic Records. 

www.armut-gesundheit.de/was-wir-tun/ C.S. 

ZYDECO ANNIE & SWAMP CATS 

»Louisiana Christmas Night« 

Augen schließen und an die schönste Zeit des Jahres denken 

– ZYDECO ANNIE & SWAMP CATS versetzen einen mit 

ihrer CD „Louisiana Christmas Night“ direkt in die besinnliche 

Weihnachtszeit zurück. Besinnlich ist die Zeit bei der 

Band jedoch nur manchmal, auf dem Eingangssong „Le 

Temps Est Venu“ zum Beispiel, und umso fetziger geht es 

in anderen Songs zu. Zu „Nous Nous Amusons“ will man 

sofort die Beine schwingen, da kommt der Rhythmus von 

New Orleans direkt ins deutsche Wohnzimmer geflogen. 

Ein paar Klassiker dürfen auf der CD nicht fehlen: Die Band 

hat ihre ganz eigenen Arrangements von „Let It Snow“, „Silent 

Night“ oder „Jingle Bells“ im Gepäck. „Blue Christmas“ startet 

mit einem coolen Klaviersolo und wird ebenfalls mit einem 

durchgängig groovigen Südstaaten-Anstrich präsentiert – 

dabei macht Sänger Frederic Berger fast schon Elvis Kon - 

kurrenz. Traurig klingt hier nur der Text. „Les Enfants Sont 

Tres Heureux“ wird mit einer charmanten Schnod drig keit 

vorgetragen. Durchweg positiv fallen die Soli auf, in denen 

sich alle Instrumente und Bandmitglieder immer wieder 

präsentieren können. Zum nächsten Weihnachtsfest sollte 

man die CD definitiv wieder hervorholen und seine Familie 

auf eine weihnachtliche Reise vom kalten Norden bis in den 

heißen, rhythmischen Süden der USA mitnehmen. 

www.zydecoannie.de/konzerte.html L.K. 

REIDAR JENSEN 

»Boundless« 

Er ist ein Reisender, der vor 40 Jahren seine Heimat Nor - 

wegen verließ. Als international arbeitender IT-Manager traf 

Reidar Jensen Menschen in vielen Regionen der Welt. Er 

hörte zu, tauschte sich aus und lernte ihre Kulturen kennen. 

Diese vielschichtigen Erfahrungen und Begebenheiten in - 

spirierten ihn zu seinen Song-Geschichten. Als Singer- 

Songwriter/Gitarrist hat er viel zu erzählen und sieht sich in 

der Tradition eines Bob Dylan oder Donovan. So auch in 

„Boundless“, seinem aktuellen Album. Es steht wieder in 

einer Reihe des nordischen Folk, den er als Protagonist mitprägt. 

Gleich eine ganze Reihe von Preisen dürften sein 

Musik zimmerregal zieren. Exemplarisch sind diese: 4 & 5 

Stars beim „UK Songwriting Contest 2021“. Beim 

Deutschen Rock & Pop Preis 2016 und 2017 u. a. „bester 

englischsprachiger Text“, 1. Platz, sowie die Top-Platzierung 

„bestes traditionelles Weltmusikalbum“ und mehrere 

Zweitplat zie rungen in der Kategorie Folk Rock. Der Mann 

mit der markant rauchigen Stimme erhält in seinen Werken 

vorzügliche Unterstützung seiner Instrumentalisten. Diese 

sind im Gegen satz zum einstimmigen und markanten 

Vokaleinsatz Jensens virtuos und breit besetzt. Bläsersätze, 

Querflöte, Piano, Organ, mal dezent, mal im Breitband-Sound, 

malen die Songs auf dem neuen Album „Boundless“. Diese 

Beset zung ist ein Maximum an Musikalität. Um nur einige 

der Instrumentalisten zu nennen: David Pèrez Luna am 

Bass, Keys, Drums; Rómer Avendano, Gitarren, Ukulele; 

Carlos Ferrer am Cello und Josefien Kieppe an diversen 

Saiten instrumenten. Sie werten das Album in eine professionelle 

Dimension auf. Die Songs verströmen einen sanften 

Opti mismus, wie wir ihn dringend benötigen. „What You 

Are“ ist der Opener, der nur als eine Liebeserklärung an die 

Herzens dame zu verstehen ist. Das Berlin der 1930er ist 


REZENSIONEN 65 

Thema von „Swing Life 1931“. „When you are with me, you 

light up all of me (...)“ klingt wieder nach Liebesballade im 

beschwingten Mid-Tempo. „Smell Of Fear“ thematisiert die 

Dramen der Gegenwart mit Lockdown und einer geteilten 

Welt. Reidar Jensen beschwört, erzählt und singt im Gewande 

dieser schönen Produktion, die Extrasterne verdient. Wunder - 

bar für die Anhänger des Songwriter Rock-Pop! 

www.reidarjensen.com 

C.S. 

BRUTAL VISION 

»Volume 4« 

Aus dem Hause Noizgate kommt der Sampler von Deaf - 

groundrecords als bereits vierte Ausgabe. 33 Bands aus sieben 

Ländern präsentieren feinsten Metal in all seinen Facet - 

ten. Zehn Gewinner aus einem Online-Voting fanden Platz 

auf diesem expliziten Sampler mit zwei silbernen Ton trägern. 

CD 1 trägt den Untertitel „Dystopia“, CD 2 „Utopia“. Es geht 

hart zur Sache. Als Feinheiten und Subgenres können hier 

unter anderem Death Metal und Grindcore genannt werden. 

Jedenfalls gibt es viele Growls beim Gesang. Gelegentlich 

finden Melodien Eingang in derbe und brutale Metal-Riffs. 

CRITICAL MESS lassen mit ihrem Titel „Generation Fork“ Black 

Sabbath mit ihren Doom-Riffs erinnern. Die fauchende 

Stimme von Shouterin und Cover-Art-Model Mara Bach lädt 

bei „Totentanz“ mit ihrer Band MIR ZUR FEIER zur Wall Of 

Death ein. CHARGER bewegen sich mit „Automatical War“ 

im melodiösen Power Speed Metal. PSYCHO TOASTER erinnern 

gesanglich wiederum an Type O Negative in „Lights 

Out“. Nach Genuss von „Dystopia“ geht die Reise auf CD 2 

nach „Utopia“. Melodiös und orientalisch lassen GRAI mit 

einer bezaubernden Frauenstimme im Song „Of Dead Water“ 

erschaudern. Was bringt uns die Zukunft? Eine überraschende 

Antwort bieten die Macher des Albums mit dem letzten 

Song auf der Liste: NIKA TIMOS lässt es mit „Crash“ krachen 

– aber: im Disco-Sound! Fazit: Metal wird weiblicher. 

Und Metal bleibt beinhart! 

www.noizgate.com 

C.S. 

PAUL BARTSCH & GUTFREUND 

»Lieder vom Kommen und Gehen« 

Als gesamtdeutscher Liedermacher hat dieser Künstler sich 

schon längst einen Namen gemacht. Als Bartsch & Band, 

Bordkapelle und heute mit dem aktuellen Album als PAUL 

BARTSCH & GUTFREUND. Er ist und bleibt ein Garant für 

poetischen deutschsprachigen Rock und Folk. „Lieder vom 

Kommen und Gehen“ ist ein Album im besten akustischen 

Liedermacherstil mit einem Hang zum Rock und entsprechender 

elektrifizierter Besetzung. Slide-Gitarren, Bläser und 

Trommeln klingen wohltuend analog produziert. Mit dabei: 

Michael Lehrmann (guit.), Felix Lehrmann (dr.), Gerd Hecht 

(keys), Thomas Feinert (Geige) und viele weitere. PAUL 

BARTSCH (Gesang, Mundharmonika) ist ein Poet, wie es 

sich in jedem Sätzchen Text herauskristallisisert: „Der 

Kompass drehte durch und war am Ende ...“. So heißt es in 

„Odyssee“ – eine Retrospektive über die deutsch-deutsche 

Wende? Eine Standortbestimmung oder eine Perspektive? 

Um beim Thema zu bleiben, rockt der Ostalgie-Blues mit 

einem angedeuteten Bad-Moon-Rising-Riff. Warum nun ein 

Album zu besprechen wäre, wird mir im Song „Ballade“ von 

dem, was es so niemals gab, glasklar vor Augen geführt. Musik 

ist nicht um ihrer Selbst willen oder um des Künstlers willen 

Kunst. Allein ein Lied wie dieses ist Grund genug, Musik als 

wunderbar und Poesie als bereichernd zu sehen und zu 

hören. PAUL BARTSCH & GUTFREUND präsentieren Lieder 

mit einer umwerfenden Selbstverständlichkeit. Wohl das 

Beste, was gesamtdeutscher Liedermacher-Rock heute ist. 

Und wie BARTSCH selbst hofft: demnächst auch wieder live! 

www.zirkustiger.de 

C.S. 

LILLY + GEORG WITSCH 

»’s Leben« 

Mal jazzig, mal poppig, mal soulig, mal bayerische Texte, 

mal Hochdeutsch – Lilly und Georg Witsch präsentieren auf 

ihrem Album „’s Leben“ einen vielseitigen Mix ihrer musikalischen 

Schaffensperioden. Aufgenommen im eigenen 

Studio in der Nähe des schönen Ammersees, geht es auch 

viel um die Natur. „Wia a Fisch im Wasser“ greift genau die 

Atmosphäre am See auf und wie sich Natur und verschiedene 

Tageszeiten im Wasser spiegeln. „Sommer“ ist voller 

melancholischer Gedanken an die warme Jahreszeit und man 

freut sich schon auf den kommenden. Neben der Natur finden 

sich aber auch andere Themen wie Liebe, das Nacht leben 

oder die verschiedenen Rollen, die man im Alltag spielen 

muss („Spieglein, Spieglein“), auf dem Album. Die Lieder aus 

dem Leben und über das Leben sind unterhaltsam, stimmen 

manchmal nachdenklich und doch wohnt ihnen allen 

ein gewisser Optimismus inne. Gerade für Zuhörer*innen, 

die Musik mit einer persönlichen Note oder charmantem 

Dialekt zu schätzen wissen, sei dieses Album wärmstens 

empfohlen. 

unseremusikwerkstatt.de 

R.F. 

FREE WAVE JAZZ BAND 

»Life Keeps Moving On« 

Die FREE WAVE JAZZ BAND versammelt auf ihrem neuesten 

Album eine ganze Reihe verschiedene Sub-Genres. Von Swing 

über Latin und sogar Blues zu Jazz-Funk und Modern Jazz hält 

die Band eine bunte Mischung an Songs bereit. Pu risten finden 

immerhin Interpretationen dreier bekannter Jazz- 

Standards, unter anderem „How Sensitive“ von Carlos Jobim. 

Der Rest setzt sich aus den einfühlsamen Kom po sitionen von 

Gitarrist Marcus Schmitt zusammen. So auch der Titeltrack 

des Albums. Während „Fishin“ eher im Modern Jazz zu verorten 

ist, bringen die fünf mit „Natural Indigo“ eine tolle Jazz- 

Fusion auf Platte. Komplettiert wird die Band um Marcus 

Schmitt durch Charly Thomass (Keyboard), der mit einigen 

Jazz-Größen wie Klaus Doldinger zusammengearbeitet hat, 

Gudrun Zajicek (Vocals), die schon beim „Munich Swing Or - 

ches tra“ sang, Christoph Naleppa (Tenor- und Sopransaxofon), 

Andreas Urich (Kontrabass) und Andi Gleixner (Schlag zeug). 

Ein abwechslungsreiches Album für einen stilvollen Abend. 

www.free-wave-jazz-band.de 

R.F. 

ACHIM SCHULTZ 

»The Little Clown« 

Ein schelmischer Clown blickt träumend vom CD-Booklet in 

die Welt. „The Little Clown“ ist der Schelmenstreich des 

Studio-Masters und Multi-Instrumentalisten Achim Schultz. 

Der Hang zu den Fab Four ist auf seinem neuen Studiowerk 

nicht zu überhören. Die sanfte Stimme schmeichelt zur vielfältigen 

Instrumentalisierung, die zur Gitarren-Bass-Schlag - 

zeug-Besetzung für Farbpunkte sorgt. Er transportiert seine 

melodiösen Home-Recording-Ergüsse in einer wohlgefälligen 

Verve ans geneigte Gehör. Ambitioniert und überzeugt 

rockt er in „Feelings“. Die Chorus- und Begleitstimme von 

Sandrina Sedona weiß hier sowie in weiteren Songs des 

Albums zu überzeugen. In „Swinging 60‘s“ erzählt uns 

Achim Schultz von wilden Zeiten in London als „hardest city“. 

Heiße Scheibe für laue Frühlingsabende! 

www.achim-schultz.de 

C.S. 

REZENSENTEN: R.F. – RONJA FRICK 

L.K. – LINDA KNAUER 

C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING 


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Musiker Magazin 1/2022

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