Klavierduo Grau/Schumacher 27.06.2022, 19.30 Heilbronn Harmonie

KULTURRING
HEILBRONN E.V.
www.kulturring-heilbronn.de
KLAVIERDUO
ANDREAS GRAU &
GÖTZ SCHUMACHER
MONTAG, 27. JUNI 2022
19.30 UHR

Klavierduo
ANDREAS GRAU &
GÖTZ SCHUMACHER
2. nachgeholte Veranstaltung der Kulturring-Konzertreihe
2021/2022, Theodor-Heuss-Saal, 19.30 Uhr
MAURICE RAVEL 1875–1937
Rapsodie espagnole
- Prélude à la nuit
- Malagueña
- Habanera
- Feria
OLIVIER MESSIAEN 1908–1992
Visions de l’Amen
- Nr. 1 Amen de la Création
- Nr. 2 Amen des étoiles,
de la planète à l‘anneau
- Nr. 5 Amen des Anges, des Saints,
du chant des oiseaux
15 Min.
18 Min.
Pause
JOHANNES BRAHMS 1833–1897
Sonate für zwei Klaviere f-Moll op. 34b
- Allegro non troppo
- Andante, un poco adagio
- Scherzo: Allegro
- Finale: Poco sostenuto - Allegro non troppo
39 Min.

Guten Abend,
klug zusammengestellte Programme und künstlerischer
Entdeckergeist sind das Markenzeichen, mit dem sich
Andreas Grau und Götz Schumacher als eines der
international renommiertesten Klavierduos profiliert
haben. Ihr Miteinander am Klavier lässt sie als
musikalische Seelenverwandte erscheinen.
Zu Beginn hören Sie heute Abend Ravels Rapsodie
espagnole und Teile eines fast zweistündigen
Werks von Olivier Messiaen, Visions de l’Amen, die
unter schwierigen Bedingungen entstanden sind und
uraufgeführt wurden. Danach erklingt die als Streichquintett
entstandene, für zwei Klaviere bearbeitete
und später auch auf Anraten Clara Schumanns zum
Klavierquintett umgearbeitete Sonate op. 34 von
Johannes Brahms.
Freuen Sie sich auf erstklassige Klaviermusik mit
Andreas Grau und Götz Schumacher!
Gefördert:

ANDREAS GRAU &
GÖTZ SCHUMACHER
Das muss man erstmal hinkriegen. Das Duo »Grau-
Schumacher« hat das Klavierspiel für vier Hände perfektioniert.
[…] Das Entscheidende ist die Freiheit, die
sie dadurch im Konzert, im Moment des Musizierens
erreichen. Man könnte auch sagen: Perfektion ist für
die beiden lediglich eine Grundlage, wirklich Musik zu
machen. (Süddeutsche Zeitung)
Über ihre Aufführungen bekannter Orchesterkonzerte
von Komponisten wie Bach, Mozart, Mendelssohn,
Bartók oder Poulenc hinaus ist das Grau-Schumacher-
Piano-Duo stets auf der Suche nach neuen Ideen,
um das Repertoire für zwei Klaviere und Orchester zu
erweitern. So initiierte es unter anderem ein Arrangement
von Franz Liszts berühmtem Concerto Pathétique
für zwei Klaviere und Orchester durch Stefan
Heucke. Angeregt durch das virtuose und feinfühlige
Spiel des Duos haben einige der wichtigsten zeitgenössischen
Komponisten neue Konzerte für Andreas
Grau und Götz Schumacher geschrieben, zuletzt
Peter Eötvös, Philippe Manoury, Jan Müller-Wieland
und Luca Francesconi. Auch im Rezitalbereich bringt
das Duo laufend Werke zur Uraufführung, kürzlich u. a.

von Bernd Richard Deutsch, Philippe Manoury und
Johannes Maria Staud. Zuletzt begeisterte das Duo
insbesondere mit der Uraufführung einer groß angelegten
Trilogie von Brigitta Muntendorf.
Mit ihrem weitreichenden Spektrum an Ausdrucksmöglichkeiten
sind die Pianisten regelmäßig zu Gast
bei den internationalen Festivals und Konzerthäusern
und arbeiteten mit Dirigenten wie Michael Gielen,
Markus Stenz, Emanuel Krivine, Kent Nagano, Andrej
Boreyko, Georges Prêtre und Zubin Mehta zusammen.
Als Solisten konzertierten sie mit den deutschen
Rundfunkorchestern des BR, WDR, SWR, HR, NDR
und des MDR, dem Radiosymphonieorchester Wien
und dem Orchestre Philharmonique de Radio France
sowie beim Enescu Festival Bukarest, dem Musikfest
Berlin, dem Klavierfestival Ruhr, den Schwetzinger
Festspielen, dem Rheingau-Musik-Festival, an der
Wigmore Hall London, der Kölner Philharmonie, im
Gewandhaus Leipzig, am Wiener Konzerthaus, an der
Tonhalle Zürich, an der Franz-Liszt-Akademie Budapest,
der Suntory Hall Tokio, am De Doelen Rotterdam
und im Concertgebouw Brügge.
Im September 2020 brachte das Grau-Schumacher-
Piano-Duo im Rahmen des Musikfests Berlin in der
Philharmonie mit dem Deutschen Symphonie-Orchester
Berlin unter Robin Ticciati Bartóks Konzert für
zwei Klaviere und Schlagzeug zur Aufführung. Weitere
Einladungen führen in der laufenden Spielzeit unter
anderem zum SWR-Sinfonieorchester, zum Lucerne
Festival, den Schwetzinger Festspielen oder den
Kunstfestspielen Herrenhausen. Neben ihren Rezital-
und Orchesterauftritten verwirklichen Andreas
Grau und Götz Schumacher regelmäßig interdisziplinäre
Kunst- und Musikprojekte. So setzen sie in dieser
Saison die Zusammenarbeit mit dem Schauspieler
Ulrich Noethen fort – mit der Uraufführung eines
Monodramas nach Jean Pauls Flegeljahren für einen
Schauspieler und zwei Pianisten, komponiert von Stefan
Litwin, bei den Musikfestspielen Saar. Anlässlich
des 75. Jubiläums der Württembergischen Philharmonie
Reutlingen brachte das Duo zudem die audio-

visuelle Fantasie Aries des Komponisten und Filmemachers
Stephan Boehme zur Premiere.
Den Hang zu ausgefeilten Programmkonzepten dokumentieren
auch die zahlreichen CD-Einspielungen
des Duos, unter anderem in einer eigenen Reihe
beim Label Neos. Zuletzt erschienen die Aufnahme
Fantasias mit Werken von Schubert, Purcell/Kurtág,
Mozart/Busoni, Skrjabin und Rachmaninow (»Eine
Referenzeinspielung!«, Fono Forum) sowie die mit
dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin aufgenommene
Serie Concerti I-III mit Werken von Bach
und Mozart bis Adams. Die Einspielung von Philippe
Manourys groß angelegtem Le temps, mode
d’emploi für zwei Klaviere und Elektronik wurde 2019
mit dem Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik
ausgezeichnet: »Mit ihrer unnachahmlichen Lust
am Spiel treiben Andreas Grau und Götz Schumacher
durch ein Labyrinth […]. Hören wird lustvoll, zeitlos,
ganz im Moment«, urteilte die Jury.
RAVEL RAPSODIE
Das Vorspiel (à la nuit, très modéré, 3/4, A-Dur) ist ruhig
und geht über mezzoforte nicht hinaus. Maurice Ravel
(1875-1937) platziert hier Themen, die in den folgenden
Sätzen wiederholt werden, insbesondere das beharrliche
Eröffnungsthema F – E – D – Cis.
Die Malagueña (assez vif, 3/4, A-Dur/a-Moll) ist der kürzeste
Satz und bezieht sich auf den Flamencotanz aus
der Provinz Malaga. Der Satz endet leise mit einer Wiederholung
der Vier-Noten-Phrase aus dem ersten Satz.
Die Habanera (assez lent et d’un rythme las, 2/4, Fis-
Dur/fis-Moll) wird als »betörend und subtil in seinem
Ausdruck eines durch und durch spanischen Charakters
und Geistes« beschrieben.

Der vierte Satz, Feria (assez animé, 6/8, C-Dur), ist der
längste bricht in ausgelassene Karnevalsstimmung aus,
es gibt Untertöne der Nostalgie, aber der Überschwang
triumphiert.
MESSIAEN VISIONS
Die sieben »Visions de l’Amen« (Amen der Schöpfung,
Amen der Sterne und des Planetenrings, Amen des
Todeskampfes Jesu, Amen des Wunsches, Amen der
Engel, der Heiligen, des Gesangs der Vögel, Amen
des Urteilsspruchs und Amen der Vollendung von Olivier
Messiaen (1908-1992) sind keineswegs spontane
Ergüsse eines romantischen Schwärmers, sondern
von einem starken konstruktiven Geist durchdrungen.
Die beiden Klavierparts sind von ihrer Struktur her klar
unterschieden. Dem ersten Klavier sind die komplizierten
Rhythmen und Tontrauben, die virtuosen Passagen
und, wie Messiaen anmerkt, »die ganze Klangzauberei«
anvertraut. Das zweite Klavier ist für die
melodischen Linien, die Hauptthemen und alles, was
Kraft und Emotion erfordert, zuständig. Die Arbeitsteilung
war ganz auf die beiden Uraufführungsinterpreten
zugeschnitten: Die technisch schwierige Partie spielte
die junge, brillante Yvonne Loriod, die hier zum ersten
Mal mit Messiaen auftrat, die kräftige Messiaen selbst.
Es gibt mehrere Themen, die den Gesamtzyklus durchziehen.
Das dominanteste ist das »Schöpfungsthema«,
das dem ersten Stück, dem »Amen de la Création«, den
Stempel aufdrückt; es taucht später unter anderem im
dritten Teil mit dem Kreuzestod Jesu und im fünften Teil
mit den Engeln, Heiligen und Vögeln, vor allem aber am
Schluss, im »Amen der Vollendung«, wieder auf.
Das Eröffnungsstück ist auch in rhythmischer Hinsicht
bemerkenswert. Während das zweite Klavier viermal
– und jedes Mal eine Oktave höher – das in breiten
Notenwerten angelegte, geradtaktige Schöpfungsthema
intoniert, entfaltet sich im ersten Klavier ein
komplexes kanonisches »Geläut« aus zumeist »unumkehrbaren«,
das heißt vorwärts und rückwärts gleichlautenden
Rhythmen. Der Satz beginnt in den leisesten

Registern und steigert sich in einem mächtigen Crescendo
zum dreifachen Forte.
Der zweite Satz, das »Amen der Sterne und des Ringplaneten«
(Saturn), ist nach Messiaens Worten ein
»brutaler und wilder Tanz«. Das zweite Klavier tritt mit
der Verarbeitung des kurzen, gehämmerten Unisono-
Themas auch solistisch hervor. Messiaen bezieht sich
hier auf die Beschreibung der Himmelkörper in der
Griechischen Apokalypse von Baruch, dem Schreiber
des Propheten Jeremia.
Im fünften Satz erklingt zuerst der Engelsgesang,
inspiriert vom Lobpreis der Engel im siebten Kapitel
der Offenbarung, und dann kommen Messiaens Vögel
in bunter Vielstimmigkeit zum Zug: Nachtigall, Amsel,
Buchfink und Grasmücke.
Die »Visions de l’Amen« entstanden 1943 während des
Kriegs. Die vorbehaltlose Lebensbejahung, die aus
dem Werk spricht, mag darum erstaunen, doch erklärt
sie sich aus Messiaens Glaubensfestigkeit und vermutlich
auch aus der Tatsache, dass sich für ihn neue
künstlerische Perspektiven abzeichneten. Im Frühjahr
1941 war er aus dem deutschen Kriegsgefangenenlager
in Görlitz zurückgekehrt, wo sein »Quatuor pour
la fin du temps« entstanden war. Im besetzten Paris
konnte er seine Tätigkeit als Organist wieder aufnehmen
und dank der Unterstützung seines ehemaligen
Lehrers Marcel Dupré eine Stelle als Klavierlehrer am
Conservatoire antreten. Zu seinen ersten Schülern
gehörte Yvonne Loriod, die zur wichtigsten Interpretin
seiner Werke und zwanzig Jahre später auch zu seiner
zweiten Ehefrau wurde.
»Visions de l’Amen« war das erste Auftragswerk, das
Messiaen nach seiner Rückkehr komponierte. Der Auftrag
kam von Denise Tual, der Veranstalterin der »Concerts
de la Pléiade«. Die Konzerte fanden in privatem
Rahmen und unter strengen Sicherheitsmaßnahmen
in einer großen Kunstgalerie statt – Paris stand unter
deutscher Besetzung und man wollte keine Spitzel im
Raum haben.

Die Uraufführung am 10. Mai 1943 wurde zu einem
kulturellen und gesellschaftlichen Ereignis. Unter den
Gästen befanden sich der Musikkritiker Roland-Manuel,
die Schriftsteller Paul Valéry, François Mauriac und
Jean Cocteau, der Modeschöpfer Christian Dior sowie
die Komponisten Francis Poulenc und Artur Honegger.
Die prominente Schriftstellerin Colette, Librettistin
von Ravels Oper »L’enfant et les sortilèges« war dabei
und Honegger schrieb für die Kulturzeitschrift Comœdia
eine Kritik, in der er sich tief beeindruckt zeigte. Die
Reduktion auf die Farben des Klaviers fand er keineswegs
nachteilig:
»Was macht das schon angesichts der poetischen
Kraft, des anhaltend hohen Niveaus des musikalischen
Diskurses und der Qualität der musikalischen
Fantasie, die so eindrucksvoll unter Beweis gestellt
werden? Die Regeln, die der Komponist erfunden und
sich selbst mit größter Disziplin auferlegt hat, verleihen
dem gesamten Werk einen erhabenen Stil, der in keiner
Weise trocken wirkt.«
BRAHMS SONATE F-MOLL OP. 34B
In Johannes Brahms‘ (1833-1897) Klavierquintett f-Moll
ist, so schreibt Clara Schumann, Pianistin, Komponistin,
Freundin und enge Vertraute von Brahms im September
1862, »alles ineinander gewoben«: Alle musikalischen
Themen sind miteinander verwandt, sie
entspringen einem gemeinsamen Kern. Und selbst
unscheinbare Begleitfiguren oder Überleitungs-Gedanken
sind abgeleitet aus dieser Grundidee.
Die Exposition in der Sonatensatzform (Allegro non
troppo) setzt sich zusammen aus einem Hauptsatz
mit einem Hauptthema und einem Seitensatz – Brahms
erfindet für den Seitensatz zwei Themen (manche

meinen auch drei zu sehen). Traditionell stehen Hauptund
Seitensatz zueinander im Kontrast – zum Beispiel
erst ein kraftvoll-heldenhaftes Thema, dann ein weiches-lyrisches.
Und klassischer Weise ändert sich im
Seitensatz auch die Tonart. Brahms hält sich hier nicht
an die Konventionen: Statt nach As-Dur zu wechseln
(in die Paralleltonart von f-Moll) bleibt er im Moll-
Bereich. Und er verzichtet auf die großen Kontraste:
All seine Themen haben einen leidenschaftlich-vorwärtsdrängenden
Charakter.
Die Durchführung gleicht einer geschlossenen wellenartigen
Steigerung, auf deren Höhepunkt nahtlos die
Reprise einsetzt. Die Reprise steht wieder in der Ausgangstonart
f-Moll. Gleich erscheint das Hauptthema
wieder, diesmal unbestimmt changierend zwischen Dur
und Moll, dann der Seitensatz – diesmal beginnt er in
fis-Moll – und auch hier ist die Harmonik zwischendurch
extrem instabil und spannungsgeladen.
Die enge Vernetzung der musikalischen Themen und
Gedanken untereinander, die Herleitung der Ideen aus
einer gemeinsamen Substanz, sodass alles miteinander
in Beziehung steht: Das ist typisch für Brahms’
Schaffensweise. Im 20. Jahrhundert nennt der Komponist
Arnold Schönberg dieses ausgeklügelte Kompositionsverfahren
»entwickelnde Variation« – und sieht
darin ein Zeichen des musikalischen Fortschritts, weil
es inspirierend wirkt auf viele Komponisten der Moderne.
»Brahms der Fortschrittliche« heißt denn auch ein
berühmter Aufsatz von Schönberg, der diese Arbeitsweise
würdigt: strenge Ökonomie und gleichzeitig
größter musikalischer Reichtum.
Der innige Ton des zweiten Satzes (Andante, un poco
adagio) erscheint durch kontrapunktische Stimmengestaltung
leicht verschleiert, ein Eindruck, den komplizierte
rhythmische Bildungen noch verstärken.
Der dritte Satz (Allegro) ist ein impetuoses Scherzo
mit bohrenden rhythmischen Ketten und auffahrender
Thematik, die durch Akkordpassagen komprimiert und
überhöht wird. Eine lyrisch-schwärmerische Melodik

entfaltet sich im C-Dur-Trio, gestützt auf klangvolle
Harmonien.
Das Finale (Poco sostenuto - Allegro non troppo)
beginnt mit einer langsamen Einleitung, die sich
im Schmerz windet: und hier greift Brahms zu dem
Topos für musikalisches Leiden: Seufzerfiguren aus
kleinen Sekunden und chromatische Bewegungen
tasten sich mühsam suchend voran – jede Phrase ist
eröffnet von einem pathetischen Oktavsprung. Aus
dem Rahmen fällt dieses Sonatenrondo wegen seiner
langsamen Einleitung – das schreibt Brahms in keinem
anderen kammermusikalischen Werk, man findet
allenfalls eine Parallele in der ersten Sinfonie, die
ebenfalls mit einer spannungsgeladenen langsamen
Einleitung beginnt.
Merkwürdig ist auch das Ende des Satzes: eine riesiger
Endspurt, wie eine Stretta, ein turbulentes Finale.
Clara Schumann ist eine der wichtigsten Kritikerinnen
und Beraterinnen von Brahms. Und sie hat wesentlichen
Anteil daran, dass op. 34 ein Klavierquintett
wird. Brahms schreibt diese Musik nämlich zunächst
für Streichquintett – zwei Geigen, eine Bratsche und
zwei Celli. So hört es Clara Schumann im Januar
1863, ist angetan von der musikalischen Qualität, findet
aber die Besetzung unpassend:
»Es wird oft so orchestral, dass die paar Instrumente
bei weitem nicht ausreichen«, schreibt sie an Brahms
und überredet ihn, das Stück umzuarbeiten. Was
Brahms auch tut – er macht daraus eine Sonate
für zwei Klaviere. Ein Jahr später schickt ihm Clara
Schumann erneut ihre Beobachtungen per Post: »Das
Werk ist so wundervoll großartig, durchweg interessant
in seinen geistvollsten Kombinationen, meisterhaft
in jeder Hinsicht, aber – es ist keine Sonate, sondern
ein Werk, dessen Gedanken Du wie aus einem
Füllhorn über das ganze Orchester austreuen konntest
– musstest! Eine Menge der schönsten Gedanken
gehen auf dem Klavier verloren, nur erkennbar für den
Musiker, für das Publikum ungenießbar. ... bitte, lieber
Johannes, folge nur diesmal, arbeite das Werk nochmal
um«.

Und Brahms schreibt eine dritte Version – quasi eine
Kombination aus den beiden vorherigen: für Streichquartett
und Klavier. Die Fassung für Streichquintett
(ohne Klavier) hat er leider verbrannt, wir kennen nur
noch die ersten paar Takte. Aber die Version für zwei
Klaviere hat Brahms in etwas überarbeiteter Form im
Druck veröffentlicht.

Andreas Grau
Götz Schumacher

Vorschau auf die Konzerte der Abonnementreihe
2022 / 2023
Dienstag,
25. Oktober 2022
Duo
BERND GLEMSER, Klavier
MIRIJAM CONTZEN, Violine
Mittwoch, Klarinettentrio
16. November 2022 SABINE MEYER, Klarinette
NILS MÖNKEMEYER, Bratsche
WILLIAM YOUN, Klavier
Mittwoch,
25. Januar 2023
Dienstag,
07. März 2023
Montag,
03. April 2023
Mittwoch,
26. April 2023
Dienstag,
09. Mai 2023
Klaviertrio
DANIEL MÜLLER-SCHOTT, Violoncello
ELDBJØRG HEMSING, Violine
MARTIN STADTFELD, Klavier
Streichquartett
KUSS QUARTETT
Orchesterkonzert I
OXFORD PHILHARMONIC
ORCHESTRA
Solistin: MARTHA ARGERICH, Klavier
Klavierduo
LUCAS & ARTHUR JUSSEN
Orchesterkonzert II
ACADEMY OF ST MARTIN
IN THE FIELDS
Solist: SEONG-JIN CHO, Klavier
Herausgeber: Kulturring Heilbronn e.V.
Abonnementbüro: Heilbronner Reisebüro Böhm
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Text: Ulrich Heffter / Gestaltung: www.wsk-werbung.de