Frankfurt in Takt - HfMDK Frankfurt

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1 Frankfurt in Takt 09/1 Neumodischer Kram oder sinnvoller Weg in eine ausgezeichnete Lehre? Team Teaching für Gesangsstudierende Als Enja Riegel 1997 die Helene-Lange-Schule in Wiesbaden als Direktorin übernahm, wurde sie von der Lehrerschaft in Trauerkleidern empfangen. Als sie im vergangenen Jahr in den Ruhestand ging, bereitete man der Direktorin der in der Pisa-Studie als beste deutsche Schule ausgezeichneten Lehranstalt ein fünftägiges Abschiedsfest. Was war geschehen? Enja Riegel hatte neue Formen des Lehrens auf ihre Schule angewandt – Formen, von denen sie und ihre Kollegen sagen, sie unterrichteten nicht die Fächer, sondern die Schüler. Zu diesen neuen Formen gehörte auch das Team Teaching. „Team Teaching ist eine kooperative Lehrmethode, bei der zwei oder auch mehr Personen gemeinsam eine Lerngruppe unterrichten. Die Methode sollte idealtypisch sowohl das Lehrerteam als auch die Lernenden mit einbeziehen. (…) Dabei können die unterschiedlichen didaktischen Erfahrungen den Nährboden für ein vielfältiges und lernzentriertes methodisches Vorgehen bilden. Zugleich wird der einzelne Lehrende durch die Zusammenarbeit entlastet, aber auch stärker in seinen didaktischen Gewohnheiten und Verhaltensweisen kollegial supervidiert. (…) Damit lassen sich die Lernprozesse der Lerner gezielter fördern, es kann größere Unterstützung gewährt werden und der Unterricht kann vielgestaltiger und interessanter werden. Insbesondere fördern sich aber auch die Lehrenden untereinander, wenn sie es zu Teamwork bringen, d.h. wenn beide oder mehrere ihre Kompetenzen in einem Mit- und nicht in einem Gegeneinander einbringen.“ *) Dieses Modell, welches für Schulen entwickelt wurde, ist sicher nicht eins zu eins auf eine Hochschule übertragbar; aber der Gedanke des besseren Vernetzens von Unterrichten stand schon lange im Raum und wurde vor einem Jahr an der HfMDK konkret in Angriff genommen. Gesangsstudierende verbringen – wie Studierende aller Solofächer – einen Großteil ihrer Hauptfach-Ausbildung im Einzel-Unterricht: Einzelstunden mit dem Gesangslehrer, Einzelstunden in der Korrepetition, der Sprech- Erziehung, Einzelstunden im szenischen Unterricht. Die Studierenden sind Einzelunterrichten „ausgesetzt“, in denen Lehrende nicht wissen, was in den anderen Unterrichten geschieht und sich demzufolge auch nicht auf die Unterrichte ihrer Kollegen beziehen (können). Folglich erlangt der Studierende zum Teil sehr unterschiedliche Ansichten zu Tempo und Interpretation, ohne die Möglichkeit zu haben, die unterschiedlichen Ansichten gemeinsam zu diskutieren, gegeneinander abzuwägen und zu einem zusammenfassenden Ergebnis zu kommen. Wir haben im vergangenen Jahr einen ersten Anfang gemacht, indem sich in der ersten links: Team Teaching ist bei der Vorbereitung von szenischen Abenden und Operninszenierungen an der HfMDK üblich: Gesangsprofessoren, Korrepetitoren, Dirigenten und Regisseure arbeiten mit den Studierenden gemeinsam Hand in Hand. rechts: Im Fachbereich 3 (Darstel- lende Kunst) gehören Treffen aller Dozenten mittlerweile fest zum Terminplan eines Semesters. Woche vor Beginn der Arbeit an einer Szene alle Beteiligten, d.h. die Studierenden, der Lehrende für szenischen Unterricht, die Solorepetitoren, die Studierenden der Korrepetitionsklassen, die diese Szenen am Klavier begleiten, die Dirigenten bzw. musikalischen Verantwortlichen und die Gesangslehrer zusammensetzten, um Tempo, dramatische Grundausrichtung, sängerische Probleme etc. miteinander zu besprechen. Danach war es jedem Lehrenden möglich, sich in seinem Einzelunterricht auf das gemeinsame Ziel zu beziehen. Solorepetitoren besuchen ab und zu die Gesangsunterrichte, um der Lösung der angemessenen Tempi, der technischen Probleme und der musikalischen Gestaltung gemeinsam nachzugehen. Die Gesangslehrer nahmen an einer Gruppenstunde im Fach „Atem und Bewegung“ teil, und die Dozentin für dieses Fach besuchte wiederum eine Woche lang die Einzelunterrichte im Fach Gesang, um den Gesangsdozenten eine Hilfestellung bei der Behebung von Verspannungen und Haltungsfehlern zu geben. Auch die Studierenden müssen bereit sein, dieses Modell mitzutragen: Ab und zu eine Gesangsstunde zu „opfern“, damit der Gesangslehrer im szenischen Unterricht beobachten kann, ob das in der Gesangsstunde Erlernte auch in der szenischen Darstellung „funktioniert“, um es dann im Gesangsunterricht weiter zu verbessern, verlangt von Studierenden das Umdenken dahin, dass
Frankfurt in Takt 09/1 „Den Drachen nicht töten, sondern reiten!“ – Aggressionstraining trägt auf der Bühne eindrucksvolle Früchte. dies kein Opfer ist, sondern der künstleri- schen Entwicklung dient, weil Dozenten auf- einander bezogen und nicht konkurrierend arbeiten. Seit dem Wintersemester 2008/2009 bieten die Gesangsdozenten „offene Klassenstunden“ an: Ungefähr einmal pro Monat unterrichtet eine/r der Gesangsdozenten Studierende ihrer/seiner Klasse vor allen interessierten Studierenden und Dozenten der Abteilung. Anschließend findet ein Meinungsaustausch der Dozenten untereinander statt. Hier werden Unterrichtsmethoden kommentiert, Verbesserungsvorschläge gemacht, Ergebnisse diskutiert. Wir sind überzeugt davon, dass dieses Modell, das neben viel Fingerspitzengefühl, einem respektvollen Umgang und großer Offenheit miteinander auch die Bereitschaft verlangt, sich selbst immer wieder in Frage zu stellen, uns zu besseren Lehrenden macht und der Frankfurter Gesangsausbildung eine ganz besondere Qualität verleiht, weil im Unterricht die Studierenden im Mittelpunkt stehen und nicht die Fächer. Hedwig Faßbender, Professorin für Gesang, Direktorin des Ausbildungsbereichs Gesang/ Musiktheater, Dekanin für Darstellende Kunst *) www.methodenpool.uni-koeln.de/ teamteaching Lernen unter Produktionsbedingungen Angehende Opernsänger kommen an der HfMDK mit einer Fülle von Kompetenzen rund um den Bühnenauftritt in Kontakt Der Ausbildungsbereich Operngesang vereint mannigfaltige Ansätze, seine Studierenden auf die Bühnenwelt vorzubereiten. Stefan Bastians, Professor für Szenischen Unterricht an der HfMDK, stellt dar, welche Anforderungen ein Gesangsstudium seiner Ansicht nach erfüllen muss. Des weiteren erläutert er das von ihm angebotene Aggressionstraining als innovative Möglichkeit, den jungen Darstellern einen optimalen Zugang zu ihren Ausdrucksmöglichkeiten zu verschaffen. Künstlerische Arbeit ist gesellschaftliche Arbeit, und wenn Gesang öffentliche Kunst ist, trägt Aufführungserfahrung entscheidend zur Wirksamkeit bei. Der Umgang mit Publikum ist daher Teil des Unterrichts. Produktionen und Prüfungsarbeiten werden nicht nur intern, sondern auch vor Publikum gezeigt. Der Vorbereitung auf die Praxis dienen auch Kenntnisse in Dramaturgie, Ausstattung, Bühnentechnik und Theaterorganisation, z.B. im Erstellen und Realisieren von konzeptionell interessanten, kleineren Projekten. Kompetenz in diesen Bereichen fördert die Selbständigkeit und Handlungsfähigkeit und bildet eine wichtige Voraussetzung für die Lebensfähigkeit des Künstlers. Die wesentliche Vorbereitung auf die praktische Arbeit aber findet im Unterricht selbst statt. Der Sänger soll sich nicht nur als Rezipient, sondern auch als kreierender, konzipierender Künstler verstehen; eine Möglichkeit dazu bietet schon jetzt ein interdisziplinäres Arbeiten mit Tanz, Schauspiel und fächerübergreifenden Projekten. Neue Medien und vor allem Neue Musik könnten in einem Studio für experimentelles Musiktheater zum Einsatz kommen. 1 Aggressionstraining Aggressionstraining definiert Aggression als eine konstruktive Triebfeder künstlerischen Ausdrucks. Mit Aggression ist jedes Verhalten gemeint, das das Gegenteil von Passivität und Zurückhaltung darstellt. Sie ist eine Kraft, die ohne moralische Wertung kennenzulernen ist, eine uns innewohnende Kraft, die zielgerichtet etwas wählt, was man wirklich selbst tun will nach dem Motto: „Den Drachen nicht töten, sondern reiten!“ In diesem Training sollen die Studierenden das Bewusstsein für die eigene Mitte schulen und eine sichere Unterscheidungsfähigkeit dieses Zustandes von der vertrauten Kopflastigkeit unserer Zeit erlernen. Außerdem muss der Sänger unterscheiden und sich positionieren können zwischen einem Willen, der als Kraft aus der Mitte nach draußen stürmt, und dem versammelten Willen, der als eine Art aktiver Hingabe gegenüber den Tönen wirkt. Dann erlebt der Sänger seinen Körper mehr und mehr als Instrument und seine Stimme wie ein dazugehöriges Wesen. Bemerkenswert, dass Sänger meist unpersönlich von ihrer Stimme sprechen. Sie sagen nicht: „Ich bin heute schlecht drauf“, sondern: „Die Stimme ist indisponiert“. Im Aggressionstraining setzt die Initiative den Inhalt: Der Sänger entdeckt eine gewisse Wildheit in sich, um archetypische Muster und Konturen des persönlichen künstlerischen Ausdrucks aufzuspüren. Stefan Bastians, Professor für szenischen Unterricht
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