Zvi Goldstein – Haunted by Objects - Druckservice HP Nacke KG

DIE BESTE ZEIT 

Das Magazin für Lebensart 

Wuppertal und Bergisches Land Ausgabe 13, 2012 - 3,50 Euro 

Von der Heydt-Museum 

Der Sturm - Zentrum der Avantgarde 

Neues Stück – letztes Stück 

Das letzte Stück von Pina Bausch 

Haunted by Objects 

Zvi Goldstein-Ausstellung K20 

Wo bleibt die Schildkröte ? 

Koreanische Oper in Wuppertal 

Vor dem Gesetz 

Skulpturen der Nachkriegszeit 

Mein Leben ist ein Tango 

Das CaféADA – Ort der Begegnung 

Magischer Heiler und Erzähler 

Axel Munthes Villa San Michele 

Im Andenken an Irene Ludwig 

Exponate aus der Privatsammlung 

Begegnung von Kunst und Natur 

Die Musikreihe Klangart 

Mäzen, Unternehmer, Politiker 

Portrait von Eberhard Robke 

Tanzträume 

Das Buch zum Film 

Kulturnotizen 

Kulturveranstaltungen der Region 

1

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„Die beste Zeit“ erscheint in Wuppertal und 

im Bergischen Land 

Erscheinungsweise: 5 – 6 mal pro Jahr 

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E-Mail: verlag@hpnackekg.de 

V. i. S. d. P.: HansPeter Nacke 

Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal 

Bildnachweise/Textquellen sind unter den Beiträgen 

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Umschlagbild: Szenenfoto aus dem Stück „Wie das Moos 

auf dem Stein“ des Wuppertaler Tanztheater Pina Bausch 

Foto: Karl-Heinz Krauskopf 

Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht immer die Meinung 

des Verlages und der Herausgeber wider. Für den Inhalt dieser 

Beiträge zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich. 

Kürzungen bzw Textänderungen, sofern nicht sinnentstellend, 

liegen im Ermessen der Redaktion. Für unverlangt eingesandte 

Beiträge kann keine Gewähr übernommen werden. 

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gesetzlichen Schutzfrist nur mit der ausdrücklichen Genehmigung 

des Verlages. 

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oder Unterlassungen keine Haftung übernommen. 

epikurepikur

Editorial 

Von dünnem Eis und hohen Rössern 

Es ist, liebe Leser, schon ein Kreuz mit Leuten, die im Rausch ihrer Aufgaben 

vergessen, wer sie eigentlich sind, was sie in der Öffentlichkeit vertreten und 

wie sie in der Medienlandschaft auftreten. Wohin solche Fehleinschätzungen in 

Verbindung mit Überheblichkeit führen können, zeigt derzeit die Affäre um 

unseren Bundespräsidenten Christian Wulff. Dort geht es um den Verdacht der 

Vorteilsnahmen und evtl. der Gewährung solcher, um den Verdacht, diesen 

oder jene aus welchen Gründen auch immer vorzuziehen und andere um 

deren Vorteil willen vielleicht zu benachteiligen. Die Öffentlichkeit nimmt, 

und besonders die Medien, wenn sie betroffen sind, ein solches Verhalten übel, 

denn reglementieren und bevormunden läßt sich kein Presseorgan. 

Ähnliche Auswüchse gibt es auch im ganz Kleinen, nicht so beleuchtet wie ein 

Skandal um einen Spitzenpolitiker, tagtäglich im Bereich der mittelständischen 

Wirtschaft und – jetzt komme ich zum Punkt - leider auch in der Kultur. 

Einen solchen Fall will ich hier beleuchten, denn es ist schon ärgerlich, 

wenn dabei eine in öffentlicher Hand befi ndliche Kultureinrichtung der Stein 

des Anstoßes ist, deren bestellte Geschäftsführung glaubt, nach Gutsherrenart 

unter dem vermeintlich unantastbaren Namen und Mythos einer verstorbenen 

Choreographin selbstherrlich Privilege an einige vergeben zu dürfen, dafür 

andere mit Geringschätzung und Ausgrenzung zu behandeln. Wer jetzt noch 

nicht ahnt, um wen/was es sich handelt, sei aufgeklärt: es geht um das selektive 

Behandeln von Pressevertretern (hier unserer Fotografen) durch die Damen/ 

Herren, die das Wuppertaler Tanztheater leiten, welches sich mit dem Namen 

„Pina Bausch“ schmückt. 

Da haben anscheinend, durch welche Leistung auch immer, einige 

Fotografi nnen, Fotografen und Medien ein Exklusivrecht auf Fotografi e und 

Berichterstattung, während andere nach Gutdünken gnädig herangewinkt oder 

abgewiesen werden. So hat man mit geradezu beleidigender Wertung seiner 

künstlerischen Arbeit dem Fotografen des Magazins „Die Beste Zeit“ für die 

Probenarbeit zur nächsten Neuproduktion des Tanztheaters Wuppertal sozusagen 

„die Linse verboten“ – es sei kein Platz mehr für ihn frei. Plätze für andere 

scheinen hingegen dauerhaft frei zu sein. Zweierlei Recht? 

Das riecht nach Vetternwirtschaft und Monopolvergabe und kann keinesfalls 

hingenommen werden. Die Verantwortlichen haben sich auf ein hohes Roß 

geschwungen und scheinen zu vergessen, daß das Eis, über das sie in stolzer 

Haltung reiten, sehr dünn ist. Hier ist die Aufsicht über das Tanztheater Wuppertal 

gefordert, nämlich die Politik und die Verwaltung dieses mit öffentlichen 

Geldern betriebenen Vorzeigeprojektes der Stadt Wuppertal. 

Lesen Sie heute noch einmal in „Die Beste Zeit“ einen Bericht über das Tanztheater 

Wuppertal mit Bildern unseres Fotografen Karl-Heinz Krauskopf 

(DGPh). Wer weiß, ob wir dazu noch einmal Lust haben werden. 

Ihr 

Frank Becker 

3

4 

Keine Angst vor Berührung 

Barbara Neusel-Munkenbeck und die Urne “moi“ 

seit 1813 

Alles hat seine Zeit. 

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Inhalt 

Ausgabe 13, 4. Jahrgang, Januar 2012 

Von der Heydt-Museum 

Ausstellung „Der Sturm – 

Zentrum der Avantgarde“ 

von Antje Birthälmer Seite 6 

Neues Stück - letztes Stück 

Zur Aufführung des letzten Stücks 

von Pina Bausch „Wie das Moos auf 

dem Stein“ von Heiner Bontrup Seite 10 

Zvi Goldstein - Haunted by Objects 

Ausstellung K20 Grabbeplatz 

Kunstsammlung NRW Düsseldorf Seite 16 

Wo bleibt die Schildkröte? 

Mr. Rabbit and the Dragon King 

Koreanische Oper im Wuppertaler 

Schauspielhaus - von Fritz Gerwinn Seite 18 


Skulpturen der Nachkriegszeit 

und Räume der Gegenwartskunst 

Museum Ludwig Seite 23 


Das CaféADA als Ort der Begegnung 

von Marlene Baum 


Seite 26 

Axel Munthe und der Traum von 

San Michele 

von Heiner Bontrup Seite 31 

Museum Ludwig Köln 

Exponate aus dem Wohnhaus 

von Irene und Peter Ludwig Seite 33 

TANZTRÄUME 

Begegnung von Kunst- und Naturschönem 

Die Musikreihe Klangart ging erfolgreich in 

die dritte Runde 

von Heiner Bontrup 

Seite 36 

Eine verlockende Lektüre 

Das Tor zur Welt – Die Fluxus-Bewegung 

aus dem Buch von Stella Baum Seite 40 


Annäherungen an ein Portrait von 

Eberhard Robke 

von Matthias Dohmen Seite 43 

Neue Kunstbücher 

Ein Thema knapp gefasst 

vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 45 

Geschichtsbücher, Buchgeschichten 

Geschichtsbücher – Buchgeschichten 

vorgestellt von Matthias Dohmen Seite 47 

TANZ ANZ TRÄUME TRÄUM 

Tanzträume 

Jugendliche tanzen Kontakthof von 

Pina Bausch – Das Buch zum Film Seite 48 

Kulturnotizen 

Kulturveranstaltungen in der Region Seite 51 

Zwischen den Fronten 

Die Kriegstagebücher Gerhard Nebels, 

wiederentdeckt von Michael Zeller 

von Johannes Vesper Seite 50 

5

6 

Von der Heydt-Museum Wuppertal 

13. März bis 11. Juni 2012 

Ein Überblick 

über die kommende Ausstellung 

Franz Marc, Die Blauen Fohlen, 1913 

Kunsthalle Emden – Stiftung Henri und 

Eske Nannen und Schenkung 

Otto van de Loo 

Der Sturm – Zentrum der Avantgarde 

Vor einhundert Jahren, am 12. März 

1912, eröffnete Herwarth Walden seine 

Galerie „Der Sturm“ in Berlin. Hiermit 

begann ein faszinierendes Kapitel in 

der Geschichte der modernen Kunst. 

Schon im ersten Jahr entwickelte 

sich die Galerie zu einem führenden 

Forum der Moderne in Deutschland 

und mit dem „Ersten Deutschen 

Herbstsalon“ 1913 stieg „Der Sturm“ 

dann zur Drehscheibe der Avantgarde 

Europas auf. Hier waren die großen 

Bewegungen der Kunst vertreten: vom 

expressionistischen Aufbruch bis zu 

den unterschiedlichen Tendenzen der 

20er Jahre spannte sich der Bogen. Die 

Künstler des „Blauen Reiter“, die Futuristen, 

die Kubisten und die Vertreter 

der neuen konstruktiven Bestrebungen 

stellten im „Sturm“ aus. Damals heftig 

umstritten, gelten sie inzwischen als 

Klassiker der Moderne, und viele der 

damals gezeigten Werke befi nden sich 

heute in den großen Museumssammlungen 

der Welt. 

Den Ausgangspunkt unserer Beschäftigung 

mit dem Thema bildeten 

die Wuppertaler Beziehungen zum 

„Sturm“, die vielfältig sind. So war

Oskar Kokoschka, Bildnis Herwarth Walden, 1910 

Staatsgalerie Stuttgart 

© Fondation Oskar Kokoschka / VG Bild-Kunst, Bonn, 2011 

Herwarth Walden in erster Ehe mit 

der aus Elberfeld gebürtigen Else 

Lasker-Schüler verheiratet. Sie hat 

wohl auch den Namen der Zeitschrift 

„Der Sturm“ geprägt, der dann für die 

Galerie übernommen wurde. 

Unsere Ausstellung folgt sodann den 

großen Entwicklungen: Diese beginnen 

schon 1909 mit der Zusammenarbeit 

zwischen Herwarth Walden und dem 

Wiener Publizisten Karl Kraus. Kurz 

nach der Gründung der „Sturm“- 

Zeitschrift im März 1910 wurde der in 

Wien als „Oberwildling“ berüchtigte 

Kokoschka Mitarbeiter der Redaktion. 

1910 organisierte Walden auch die 

erste Einzelausstellung Kokoschkas, die 

in der Berliner Galerie Paul Cassirer 

stattfand. Ein zentrales Werk dieser 

Schau war Kokoschkas Walden-Porträt; 

dessen Charakterisierung brachte Kurt 

Hiller in seiner „Sturm“-Besprechung 

knapp und treffend auf den Punkt: 

„Herwarth Walden, dahineilend, als 

Kulturkämpfer auf dem Posten.“ Zu 

den weiteren von Kokoschka in Berlin 

Henri Rousseau, Die fröhlichen Spaßmacher (The Merry Jesters), 

1906, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg 

Collection, 1950 

porträtierten Persönlichkeiten gehörte 

der Dichter Peter Baum. Er stammte 

aus einer Wuppertaler Fabrikantenfamilie 

und war mit Else Lasker-Schüler 

schon seit ihrer Kindheit bekannt. 

In Berlin sind sie einander wiederbegegnet, 

und Peter Baum gehörte von 

Anfang an zum engeren „Sturm“-Kreis. 

Die Künstler des „Blauen Reiter“ 

standen im Mittelpunkt der ersten 

Ausstellung des „Sturm“ im März 

1912. Auf Kandinsky, Marc, Macke 

und ihre Künstlerfreunde hatte allerdings 

vorher schon Richart Reiche mit 

Ausstellungen im Barmer Kunstverein 

aufmerksam gemacht. Waldens Urteil 

über Kandinskys Kunst „Das stärkste, 

was Morgen heute bietet“ ließe sich 

als Motto über das gesamte Ausstellungsprogramm 

des „Sturm“ stellen. 

Hauptwerke von Kandinsky, Marc, 

Macke, Münter, Jawlensky, Werefkin 

und des amerikanischen Malers Albert 

Bloch aus den Ausstellungen des 

„Sturm“ bilden auch Schwerpunkte der 

Wuppertaler Retrospektive, darunter 

z. B. sieben Bilder Kandinskys, davon 

allein vier aus seiner ersten „Sturm“- 

Kollektiv-Ausstellung von 1912. 

Auch die zweite, den italienischen Futuristen 

Boccioni, Carrà, Russolo u. a. 

gewidmete Ausstellung im „Sturm“ im 

April/Mai 1912 setzte ein Signal für das 

Neue: Die rhythmisch-dynamischen 

Kompositionen der Futuristen revolutionierten 

die Kunst durch ein neues 

ästhetisches Konzept, die „Schönheit 

der Schnelligkeit“. 

Der „Erste Deutsche Herbstsalon“, den 

Walden gemeinsam mit Kandinsky, 

Marc und Macke organisierte, erweiterte 

das Blickfeld auf die internationale 

Kunstszene. Dem naiven „Zöllner“ 

Rousseau, in dem Kandinsky einen Gegenpol 

zu seiner Abstraktion erkannte, 

war sogar eine besondere Gedächtnisausstellung 

innerhalb des Herbstsalons 

gewidmet. Neue Namen begegneten 

hier mit Feininger und Mense. Delaunay, 

der bereits 1912 eine Einzelausstellung 

im „Sturm“ erhalten hatte, war 

einer der am stärksten repräsentierten 

7

8 

Künstler. Unsere Werkauswahl umfasst 

fünf Beispiele von seinen orphistisch 

aufgefassten Großstadtbildern, die 

großen Einfl uss auf Marc, Macke, 

Feininger u. a. ausübten, bis zu den 

abstrakten Kreisformen, die er erstmals 

im Herbstsalon vorstellte. 

Ebenfalls im Herbstsalon ausgestellt 

waren repräsentative Großformate der 

Pariser Kubisten Metzinger und Gleizes; 

parallel hierzu war die Variante des 

Prager Kubismus mit Beispielen u. a. 

von Otakar Kubin, Emil Filla und Otto 

Gutfreund zu sehen. 

Chagall, bereits im Herbstsalon vertreten, 

erhielt 1914 seine erste große 

Einzelausstellung im „Sturm“. Fortan 

waren Werke von ihm ständig in der 

Galerie zu sehen und Walden erwarb 

u. a. „Die fl iegende Kutsche“ für seine 

Privatsammlung. Weitere russische 

Künstler im Herbstsalon waren Alexander 

Archipenko, Georges Yakoulov, 

Michail Larionow, Natalija Gontscharowa 

und Sonia Delaunay-Terk. 

Auch als Forum für Künstlerinnen 

spielte der „Sturm“ eine wichtige Rolle: 

Neben den bekannten Malerinnen 

Münter, Werefkin, Gontscharowa und 

Delaunay-Terk stellten weitere interessante 

Frauen im „Sturm“ aus, darunter 

die niederländische Malerin Jacoba van 

Heemskerck. Erstmals wieder vereinigt 

in unserer Retrospektive sind Werke 

der Belgierin Marthe Donas, die 1920 

von ihrem Freund Archipenko in den 

„Sturm“ eingeführt wurde. 

In der Zeit des Ersten Weltkriegs setzte 

Walden sein Programm fort. Weiterhin 

wurden die „feindlichen Ausländer“ 

Kandinsky und Chagall ausgestellt. An 

der neu gegründeten „Sturm“-Bühne 

verwirklichte Lothar Schreyer seine 

Vorstellung einer expressionistischen 

Bühnenkunst, deren Darsteller, Marionetten 

gleich, als kosmische Wesen 

erscheinen sollten. Eines der prägnantesten 

Bildnisse Waldens, die Büste 

von William Wauer, ist 1917, mitten 

im Krieg, entstanden. Johannes Itten, 

Wassily Kandinsky, Herbst II (Autumn II), 

1912, The Phillips Collection, Washington, 

© VG Bild-Kunst, Bonn, 2011 

Albert Gleizes, Fußballspieler (Football Players), 1912/13, National Gallery of Art, 

Washington, Alisa Mellon Bruce Fund, 1970.11.1, © VG Bild-Kunst, Bonn

Georg Muche, Rudolf Bauer, Thomas 

Ring, Johannes Molzahn u. a. brachten 

neuartige esoterische Impulse in 

den „Sturm“ ein. 

Umbrüche zeichneten sich nach dem 

Krieg auch hier ab. Auf die Aufhebung 

alter Ordnungen zielte Schwitters mit 

seiner 1919 im „Sturm“ präsentierten 

dadaistischen Merz-Kunst ebenso wie 

Puni mit der spektakulären „Flucht 

der Formen“ in seiner Schau 1921. 

Deutsche Konstruktivisten wurden im 

Januar 1920 mit einer Ausstellung von 

Schlemmer, Baumeister und Dexel 

präsentiert. Ab Anfang der 20er Jahre 

war der „Sturm“ eine wichtige Anlaufstelle 

für die aus osteuropäischen 

Ländern emigrierten Künstler. Die 

ungarischen Konstruktivisten stellten 

ihre Konzepte vor: László Moholy- 

Nagy stellte seine Idee eines dynamisch-konstruktiven 

Kraftsystems vor, 

Lajos Kassák, László Péri und Sándor 

Bortnyik präsentierten Arbeiten mit 

einer neuartigen Bildarchitektur. Der 

polnische Künstler Henryk Berlewi 

zeigte „Mechano-Faktur“-Arbeiten, 

die durch Schablonen erzeugte Strukturen 

aufweisen. Mit Max Hermann 

Maxy war außerdem ein interessanter 

rumänischer Künstler vertreten. Einen 

letzten Akzent setzten die Vertreter der 

belgischen Avantgarde, Pierre-Louis 

Flouquet und Victor Servranckx, mit 

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Ausstellungen im „Sturm“ 1925 und 

1928. 

Um diese Zeit war der „Sturm“ in 

fi nanzielle Schwierigkeiten geraten. 

Nach mehreren Reisen in die Sowjetunion 

emigrierte Walden, der 

inzwischen ein Anhänger des Kommunismus 

geworden war, 1932 nach 

Moskau, womit die Geschichte dieses 

epochalen Gesamtkunstwerks, das auf 

ganz Europa ausstrahlte, endete. 1941 

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Robert Delaunay, Die drei Fenster, der Turm und das Rad (The Three Windows, the Tower 

and the Wheel), 1912, The Museum of Modern Art, New York 

© L & M Services B.V. The Hague 20110403 

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wurde Walden verhaftet und ein Opfer 

des stalinistischen Terrors; er starb am 

31. Oktober 1941 im Lager Saratow/ 

Wolga. 

(Die Ausstellung ist ein Gemeinschaftsprojekt 

des Von der Heydt- 

Museums Wuppertal und des Instituts 

für Kunstgeschichte an der Heinrich- 

Heine-Universität Düsseldorf.) 

Antje Birthälmer 

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9

10 

Neues Stück - letztes Stück 

Wenn ein neues Stück von Pina Bausch 

auf die Bühne kam, hieß es Neues 

Stück. Ein Name würde sich später 

schon fi nden. Denn das Werk war immer 

ein Work in Progress. Wie das Leben 

selbst, das wir leben, sich immerzu 

neu erfi nden muss, um wahres Leben zu 

sein. Da Pina Bausch bei allem Wandel, 

der notwendig ist, sich selbst treu geblieben 

ist, war das auch 2009 so. Kaum 

jemand ahnte, dass ihr Neues Stück ihr 

letztes Stück sein würde. Ihr Tod überraschte 

viele, auch Filmemacher Wim 

Wenders, der an einem Portrait des 

Tanztheaters Pina Bausch arbeitete. Als 

er von ihrem Tod erfuhr, konnte er sich 

nicht vorstellen, den Film zu vollenden. 

Mit dem Tod Pina Bauschs schien alles 

vorbei. Bekanntermaßen vollendete 

Wenders den Film dann doch; er wurde 

zum cinematographischen Vermächtnis 

ihres Lebenswerks. Der Titel des Films 

lautet: „Pina. Tanzt. Tanzt, sonst sind 

wir verloren.“ Kein zufällig gewählter 

Titel. Denn darin schwingt ein Dennoch, 

ein Trotz, ein Widerstand gegen 

alle Kräfte des Verfalls, gegen die Macht 

der Verhältnisse, gegen jede Form der 

Resignation, vielleicht sogar gegen das 

Sein zum Tode. Eine Haltung zum 

Leben wurde deutlich, vergleichbar der 

Alexis Sorbas’ in Nikos Kazantzakis’ 

gleichnamigen Roman, der im Augenblick 

seiner größten Niederlagen tanzt. 

Und diese Kraft zum Widerstand, die 

in Pina Bausch selbst lag und die sie 

mit aller Energie in ihre Stücke legte, 

übertrug sich nun auch auf Wenders 

und seinen Film. 

Alle Fotos aus dem Stück 

„Wie das Moos auf dem Stein“ (2009) 

von Karl-Heinz Krauskopf

Pina Bausch hat den Tanz für uns neu 

erfunden. Sie hat ihn aus den überkommenen 

Traditionen des Klassischen 

Balletts befreit und uns gezeigt, wie wir 

mit Körpern – ohne auch nur einen Satz 

zu sagen – Geschichten erzählen können. 

Und dass in der Sprache des Tanzes das 

Eigentliche unserer Existenz sichtbar 

werden kann. Ihre Stücke sind getanzter 

Existentialismus. Sie hat uns gezeigt: Die 

Hölle, das sind die anderen, aber auch 

wir selbst. Aber ebenso sehr können wir 

einander Segen sein und Erlösung. Pina 

Bausch hat uns in ihren Stücken vom 

ewigen Kampf der Geschlechter erzählt, 

von unseren Sehnsüchten, Wünschen, 

Hoffnungen, aber ebenso auch von 

unseren Enttäuschungen, Niederlagen, 

Verletzungen. Ihre Tanz-Geschichten 

waren komisch und tragisch, brutal und 

ironisch. Und zugleich auf eine sehr subtile 

Art auch politisch. Immer aber hat sie 

uns Mut gemacht, weiter zu gehen. Dass 

sich die Welt und auch das Verhältnis 

der Geschlechter verändert hat, hat Pina 

sehr genau registriert. In ihrem letzten 

Neuen Stück erzählt sie auch von diesem 

Wandel. 

Doch zugleich wurde ihr das Mittel, 

mit dem sie erzählt, immer mehr zum 

Thema: der Tanz selbst. Selten ist das 

deutlicher geworden als in ihrem letzten 

Neuen Stück. Dort feiert sie den Tanz, die 

Anmut der Körper und der Bewegungen, 

die Leichtigkeit des Scheins. Die Überwindung 

der realen und sozialen Gravitationskräfte. 

Sie kehrt damit vielleicht 

zurück zu dem, was der Tanz von Anbeginn 

war: die Erfi ndung der Schönheit 

aus dem Geiste der Musik. 

Und jetzt, da Pina Bausch tot ist? Jetzt 

müssen wir tanzen. Sonst sind wir verloren. 

Heiner Bontrup 

Fotos: Karl-Heinz Krauskopf 

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Zvi Goldstein – Haunted by Objects 

K20 GRABBEPLATZ 

Kunstsammlung NRW, Düsseldorf 

bis 26. Februar 2012 

Alle Fotos: 

Zvi Goldstein - Haunted by Objects 

Installationsansicht K20 Grabbeplatz 

Foto: Achim Kukulies 

© Kunstsammlung NRW 

Die Ausstellung Haunted by Objects ist das 

bisher größte Projekt des 1947 geborenen 

konzeptuellen Bildhauers und Autors Zvi 

Goldstein. Als einer der ersten Künstler hat 

der in Jerusalem lebende Goldstein seit den 

späten 1970er Jahren eine künstlerische Position 

außerhalb, aber in Beziehung zu westlichen 

Kulturzusammenhängen entwickelt 

und die Herausforderung der globalisierten 

Welt mit seinem Werk angenommen. 

Weit über 850 höchst unterschiedliche 

Objekte von der Antike bis zur Gegenwart 

aus verschiedensten Kulturen, von der 

byzantinischen Münze bis zur afrikanischen 

Maske, sowie Bilder bilden in Haunted 

by Objects einen dichten, komplexen und 

hybriden Kosmos. Ausgangspunkte der 

„Weltreisen im Innern meines Kopfes“ sind 

62 Textpassagen aus Room 205, dem neuen 

Buch des Künstlers. Es schildert in einer mit 

unterschiedlichen Elementen durchsetzten 

poetischen Sprache einen einminütigen 

Flashback in einem Hotelzimmer kurz nach 

dem Erwachen. Der Text ist Ausdruck eines 

Bewusstseinszustandes zwischen Tagtraum, 

Fantasie und Halluzination, in dem Fragmente 

des eigenen Lebens mit künstlerischen, 

kulturellen und philosophischen 

Überlegungen zu einem „Kaleidoskop“ 

vereint sind. In einem großen Raum und 

bei abgedunkelter Beleuchtung erscheint 

jedes der Textfragmente in einem Cluster 

von Objekten, die sich in jeweils unterschiedlicher 

Weise auf diese Texte beziehen 

und so alle Wände überziehen. Die große 

Fülle der Gegenstände und die assoziationsreiche 

Sprache der Texte erlauben unendlich 

viele Einzelbeobachtungen und Verknüpfungen, 

ohne dass ein vorgegebenes System 

festen Halt und eindeutige Bezüge liefert. 

Manches bietet sich in höchster Klarheit 

dar, anderes entgleitet an den Rändern 

dem Zugriff. Gemäß Goldsteins künstlerischer 

Leitlinie gehen „Phantasie und 

Theorie, Konzept und Ästhetik, Kontext 

und Ontologie, Biografi e und Ideologie“ 

eine gleichberechtigte Einheit „zwischen 

kulturell zentralen und peripheren Existenzen“ 

ein. Als Ganzes ist Haunted by Objects 

der großartige Versuch eines Künstlers,

der eigenen Faszination durch kulturelle 

Objekte und den in ihnen aufgehobenen 

Geschichten und Weltsichten Ausdruck 

zu geben. Gleichzeitig stellt die Arbeit die 

geläufi gen museologischen Ordnungen 

in Frage und es gelingt ihr, das Bild einer 

multidimensionalen Welt in der Epoche der 

Globalisierung zu zeichnen. 

Zvi Goldstein wurde 1947 in Transylvanien 

(Rumänien) geboren, emigrierte in 

den späten 1950er Jahren nach Israel und 

studierte dort Kunst, bevor er für zehn Jahre 

nach Mailand ging. Hier entwickelte er sein 

politisches, ästhetisches und anthropologisches 

Denken und schuf erste, mit Sprache, 

Fotografi e und Film operierende konzeptuelle 

Arbeiten, die in Italien und Deutschland 

ausgestellt wurden. Unzufrieden mit 

dem westlichen Diskurs der Postmoderne 

machte er jedoch 1978 Jerusalem als Ort 

auf der Grenze zwischen Okzident und 

Orient zur geografi schen und konzeptuellen 

Basis seiner Kunst. Er gehört damit 

zu den ersten Künstlern, die sich Ende der 

1970er Jahre mit den Konsequenzen der 

sich abzeichnenden Globalisierung für die 

zeitgenössische Kunst auseinander zu setzen 

begannen. 

Seit den 1980er Jahren hat Goldstein in 

den wichtigsten Museen Israels und in bedeutenden 

Ausstellungshäusern und Galerien 

Europas und Nordamerikas ausgestellt. 

Er nahm an den Biennalen von Venedig, 

Sydney, Istanbul, São Paulo, Shanghai und 

Herzliya sowie an der documenta in Kassel 

teil. Der Künstler lehrt als Professor an der 

Bezalel Academy for Art and Design in 

Jerusalem und Tel Aviv. 

Besonders in den 1990er Jahren führten 

ihn ausgedehnte Reisen zu hermetischen 

Gemeinschaften und vom Westen wenig 

beeinfl ussten Kulturen in Afrika und 

Asien. Mit seinem ersten Buch On Paper 

(Köln 2004) hat Goldstein seinem Werk 

eine neue, zusätzliche Dimension gegeben. 

Sein zweites Buch Room 205 (Köln 2010) 

ist ein Langgedicht, das in unterschiedlichen 

Schreibstilen und auf wechselnden 

Bewusstseinsebenen einen einminütigen 

Flashback beschreibt, in dem sich Erlebnisse, 

Spekulationen und Halluzinationen mit 

konkreten Beobachtungen und Objekten 

verschränken. 

Mehr Information unter 

www.kunstsammlung.de 

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Mr. Rabbit and the Dragon King 

im Wuppertaler Opernhaus 

Der Drachenkönig des Südmeeres ist krank 

und kann nur durch die Leber eines Hasen 

geheilt werden. Also macht sich der treueste 

aller Untertanen, Buchhalter Sumpfschildkröte 

auf, an Land einen Hasen zu 

fangen... 

Eine turbulente und tiefsinnige Satire 

auf Beamtenhochmut, Karrieresucht und 

Gesundheitswahn. 

Dies ist die Geschichte einer P’ansori, einer 

koreanischen Oper. P’ansori, ist eine jahrhundertealte 

Form vokaler Musik und von 

der UNESCO als einer der ‚Kulturschätze 

der Welt‘ offi ziell anerkannt. Es ist eine Art 

„Erzähltheater“: ein einzelner Sänger (oder 

Sängerin) trägt einen längeren epischdramatischen 

Text vor und wird dabei 

von einem Musiker auf einer Faßtrommel 

begleitet. Er singt und spielt also die Geschichte 

gleichzeitig. Achim Freyer, gerade 

von der Fachzeitschrift Opernwelt zum 

„Regisseur des Jahres“ gewählt, hat aus 

dieser traditionellen Form etwas aufregend 

Neues gemacht, ohne deren besondere Aura 

zu verfälschen. Er gestaltete unter Verwendung 

koreanischer Bildwelten und eigener 

Bildphantasien eine neue Bühnenästhetik, 

in der beide Formen sich gegenseitig erhellen 

und eine faszinierende gemeinsame 

Sprache als Brücke zwischen Ost und West 

sprechen. 

Inszenierung, Bühne, Kostüme und Licht: 

Achim Freyer (Foto) 

Textfassung: 

National Theatre of Korea 

Übersetzung: 

Esther Lee und Matthias R. Entreß 

Alle Fotos und obenstehender 

Einführungstext: 

Pressematerial der Wuppertaler Bühnen 

Wo bleibt die Schildkröte? 

Ja, wo bleibt die Schildkröte? Wieso 

erscheint sie nicht im Titel? Sie spielt nämlich 

auch eine ganz wichtige Rolle, als treueste 

Untertanin ihres Drachenkönigs und 

als Tigerbändigerin – durch die einfache 

Drohung, ihm in den Schwanz zu beißen 

(in welchen wohl?). Schließlich zeigt sie am 

Schluss ungewöhnliche Hartnäckigkeit, 

weil sie nicht glauben will, kräftig getäuscht 

worden zu sein. 

Doch der Reihe nach: Dreimal spielte 

das Koreanische Nationaltheater das Stück 

mit dem seltsamen und unvollständigen 

Titel, das als Pansori-Oper bezeichnet 

wird. Auf die Bühne gebracht hatte es der 

bekannte Regisseur Achim Freyer, bekannt 

für seine hintersinnigen und lebendigen 

Inszenierungen, der auch im Opernhaus 

anwesend war und fröhlich Sekt trank. 

Und man wurde nicht enttäuscht. 

Das Opernhaus war fest in koreanischer 

Hand. Die Autokennzeichen 

verraten, dass die Besucher von weit her 

gekommen waren. 

Wer sich schon eine halbe Stunde vorher 

zur Einführung (ausgezeichnet und informativ 

durch Matthias R. Entreß) eingefunden 

hatte, bekam mit, wie Pansori-Gesang 

in Korea im Original funktionierte. Ein 

einzelner Sänger, nur von einem Trommler 

begleitet, erzählt die Geschichte sprechend, 

auf alle möglichen Arten singend und vor 

allem mit vielen gestischen und mimischen 

Mitteln. Einzelnes Requisit ist ein großer Fächer. 

Koreaner müssen Meister der Konzentration 

sein, denn so ein Stück mit nur einem 

Darsteller-Erzähler dauert im Original um 

die sechs Stunden. Auch in Korea wurde 

seit Beginn des 20. Jahrhunderts begonnen, 

den Text auf mehrere Personen zu verteilen, 

auf die Bühne zu bringen, daraus eine Art 

Oper zu machen, die Changgeuk genannt 

wird, alles verbunden mit einer Musik, die 

für europäische Ohren sehr ungewöhnlich 

klingt. 

Achim Freyer hatte seine Pansori-Oper 

schon auf drei Stunden gekürzt, trotzdem 

wirkte der erste Teil, wegen vieler philosophisch-weltanschaulicher 

Passagen gelegentlich 

etwas lang (einige Zuschauer, vor allem 

mit jüngeren Kindern, waren nach der Pause 

nicht mehr anwesend). Der zweite Teil war 

dagegen äußerst kurzweilig. 

Im Stück ist der Pansori-Sänger eine 

überdimensionale Dame in einem blauen 

Kleid, die das Stück beginnt und immer 

wieder eingreift, und aus deren Kleid immer 

wieder handelnde Personen hervorkommen. 

Alle Personen hantieren auch mit Fächern, 

die Gesichter sieht man allerdings nicht, weil 

alle Personen Masken tragen. Einige davon 

erinnern an Picasso und machen darauf 

aufmerksam, dass immer wieder Elemente 

der Moderne in das Stück eingebaut sind, 

ebenso wie Verfremdungen, Aktualisierungen, 

ironische Brechungen. 

Das Stück: Der Drachenkönig des 

Südmeeres, Urquelle alles Meereslebens, 

ist krank, offensichtlich durch Umweltverschmutzung, 

denn überall liegen und 

hängen leere Plastikfl aschen. Sein Kostüm, 

sehr fantasievoll wie alle anderen Kostüme, 

19

20 

erscheint so, als ob zwei Personen darin 

steckten: die Füße sind ganz weit vom Kopf 

entfernt. Die Hofschranzen bemühen sich 

um den kranken König; offensichtlich sind 

Yin und Yang nicht im Gleichgewicht. 

Etliche Ärzte erscheinen, der Zuschauer 

erhält einen Kurzkurs in traditioneller chinesischer 

Medizin, leicht ironisiert, weil man 

die unendlich vielen kleinen Anteile nicht 

etwa in einem großen Topf mit genügend 

Wasser, sondern mit genau 1,8 Liter Wasser 

abkochen muss und dann 20, 30 oder 40 

mal nehmen muss. Das hilft dem König 

aber nicht, obwohl ein gläsernes Tablett mit 

vielen Medizinfl achen plötzlich frei in der 

Luft schwebt und man beiläufi g erfährt, dass 

es in diesen Breiten nicht etwa vier, sondern 

fünf Himmelrichtungen gibt. 

Die Einnahme der Leber eines Hasen 

soll das Mittel sein, das den Drachenkönig 

heilen kann. So einer lebt aber dummerweise 

auf der Erde. Jemand muss also hin und 

ihn bewegen, zum König zu kommen und 

seine Leber zu opfern. Keiner der höheren 

Hofschranzen will das tun. Also kommt 

hier die dritte Hauptperson ins Spiel: 

Buchhalter Schildkröte wird bemüht und 

erklärt sich auch bereit. Da erscheint aber 

seine warnende Mutter, die ihn tränenreich 

abhalten will, sich auf die gefährliche Reise 

zu begeben, er sei schließlich Einzelkind in 

der dritten Generation (kleiner Seitenhieb 

auf die chinesische Bevölkerungspolitik). Als 

die Schildkröte sich aber weiter entschlossen 

zeigt und auf den Ruhm verweist, den 

sie erringen wird, erscheint auf einmal die 

komplette Familie Sumpfschildkröte und 

schickt ihn begeistert auf die weite Reise. 

Da im Südmeer aber keiner weiß, wie ein 

Hase aussieht, werden in einer ironischen 

Aktualisierung alle mögliche Maler bemüht, 

neben zwei Hofmalern Ai Weiwei, Andy 

Warhol, Dürer und Picasso. Alle versagen, 

Weiwei bringt nur ein großes X zustande, 

erst Picasso gelingt es, einen erkennbaren 

Hasen auf die Leinwand zu bringen, den die 

Schildkröte dann auch mitnimmt, um oben 

auf der Erde das richtige Tier erkennen zu 

können. 

Oben, in der Oberwelt, (wir sind 

immer noch im ersten Teil!) stellen sich die 

Tiere vor und suchen einen König, werden 

aber vom Tiger gestört. Der ist besonders 

fantasievoll dargestellt, nämlich durch zwei 

Personen, eine bildet Kopf und Vorderleib, 

die zweite das Hinterteil, vorne ist der herausragende 

Penis, hinten der Schwanz mit 

einer Art Morgenstern wie bei einem Dinosaurier. 

Die Schildkröte muss, bis sie beim 

Hasen angelangt ist, allerlei lebensgefährliche 

Abenteuer bestehen. Auch der Tiger würde 

sie zu gern (als Sumpfschildkrötensuppe!) 

fressen. Und wie gewinnt die Schildkröte? 

Indem sie dem Tiger androht, ihn kräftig in 

sein edelstes Teil zu beißen. 

Der Hase lässt sich dann von der 

Sumpfschildkröte bereden, mit in die Unterwasserwelt 

zu kommen. Dass seine Leber

gebraucht wird, wird ihm natürlich nicht 

gesagt. Gelockt wird er mit der Aussicht, unten 

ausgerechnet militärischer Ausbildungsleiter 

zu werden, in einer Welt, in der es 

keine Waffen oder Gewalt geben soll, anders 

als in der Oberwelt. Der Hase rudert bei der 

Fahrt nach unten zu schnell und muss von 

der Schildkröte korrigiert werden, damit die 

beiden überhaupt voran kommen. 

Inzwischen geht es dem Drachenkönig 

immer schlechter und er verlangt die Hasenleber. 

(Übrigens unterbricht erst an dieser 

Stelle eine Pause das Stück.) Und als der 

Hase angekommen ist, ist er sehr erstaunt, 

dass er nicht militärischer Ausbildungsleiter 

wird, sondern in einer Welt, die keineswegs 

so friedlich ist wie versprochen, sein Leben 

für eine Medizin hergeben soll. 

Der Hase, überall wenig geachtet und 

immer auf der Flucht, beweist jetzt seine 

Schlauheit und seinen Einfallsreichtum. 

Zuerst behauptet er, kein Hase, sondern 

ein Hund zu sein, das fi nden König und 

Untertanen aber viel besser (noch ein kleiner 

Seitenhieb: es wird ja immer wieder behauptet, 

dass Chinesen alles essen, was vier Beine 

hat.). Es verfängt auch nicht, als er vorgibt, 

ein Kalb oder ein Fohlen zu sein. Dann legt 

sich der Hase auf den Tisch und bittet den 

Henker, ihn aufzuschneiden; der könne 

dann lange suchen, denn er habe gar keine 

Leber. Der Henker und die mit überdimensionalen 

Esswerkzeugen am Tisch sitzenden 

Hofschranzen stimmen dem begeistert zu, 

doch der König, dem es ständig besser zu gehen 

scheint, lehnt das ab, auch weil ihm der 

Hase immer sympathischer wird. Er bietet 

ihm sogar das Du an, so dass es weitergeht 

mit „Drägi“ und „Hasi“. Dieser wird immer 

kühner und behauptet, seine Leber in der 

Oberwelt gelassen zu haben, eingewickelt 

in ein Blatt und an einem Baum hängend, 

um dort in der Sonne zu trocknen. Den 

Einwand, das gäbe es nicht, kontert er mit 

dem Hinweis: Ich habe drei Löcher, eins fürs 

große Geschäft, eins fürs kleine Geschäft 

und eins, um die Leber rein- und raus zu 

nehmen. Auch der mehrfach wiederkehrende 

Henker und die hungrig ihre Messer 

und Gabeln schwingenden Hofschranzen 

können nicht verhindern, dass der Drachenkönig 

den Hasen und die Schildkröte wieder 

nach oben schickt, im die am Baum hängende 

Leber zu holen. Oben angekommen, 

triumphiert Hasi und verhöhnt die brave 

Schildkröte. Als diese nicht glauben kann, 

getäuscht worden zu sein und den Hasen 

mehrfach bittet, ihm doch seine Leber zu 

geben, wird sie von diesem, der vorher so 

schöne hehre Geschichten erzählen konnte, 

als „inzestuöser Hurensohn“ beschimpft. 

Schließlich entleert sich der Hase geräuschvoll 

aus allen drei Löchern (die Leber bleibt 

aber im Hasen!), packt alles in einen Sack 

und wirft es der Schildkröte zu. „Damit 

kannst du deinen König heilen!“ Ob es 

damit gelungen ist? 

Damit ist das Stück zu Ende. Unterschiedliche 

Sprachebenen werden 

21

22 

gemischt. Vor allem im zweiten Teil dominieren 

Witz und Derbheit, das Tempo 

steigert sich und auch das Vergnügen des 

(leicht gelichteten) Publikums. 

Über die Musik, z.T. übernommen, 

z. T. von Freyer in Auftrag gegeben, lässt 

sich wenig sagen, weil sie unbekannt und 

ungewohnt ist. Für meine Ohren verband 

sie sich aber zunehmend mit der Sprache 

und den Aktionen auf der Bühne. Zudem 

war die Handlung durch die punktgenaue 

Übertitelung (auf deutsch und koreanisch) 

hervorragend nachzuvollziehen, so dass 

man sich voll auf das koreanische „Gesamtkunstwerk“ 

konzentrieren konnte. 

Wer nicht da war, hat ein wundervolles 

und anregendes Theaterereignis verpasst. 

Der Wuppertaler Musikintendanz 

ist sehr zu danken, dass sie dieses Stück 

nach Wuppertal geholt hat. 

Fritz Gerwinn 

Unsere Kulturförderung 

ist gut für die Sinne. 

Sparkassen-Finanzgruppe 

Kunst und Kultur prägen die gesellschaftliche Entwicklung. Die Sparkassen-Finanzgruppe ist der größte nicht-staatliche Kulturförderer 

Deutschlands. Auch die Stadtsparkasse Wuppertal ist ein wichtiger Partner für Kunst und Kultur in unserer Stadt. Das ist gut für 

die Kultur und gut für Wuppertal. www.sparkasse-wuppertal.de 

Sparkasse. Gut für Wuppertal. 

S

Skulpturen der Nachkriegszeit und 

Räume der Gegenwartskunst 


bis zum 22. April 2012 

Andreas Siekmann 

Dante und Vergil gehen durch die Welt, 

2011 

Ausdrucke auf Papier und Multiplex, 

Modell, Mechanik 

Maße variabel 

Im Besitz des Künstlers 


© VG Bild-Kunst, Bonn 2011 


Die Frage nach den grundlegenden Bedingungen 

des Menschseins ist von zeitloser 

und gleichsam dringlicher Bedeutung. 

Tagtäglich sind Menschenrechtsverletzungen 

und Angriffe auf die menschliche Würde zu 

beobachten - die medialen Bedingungen erlauben 

dabei einen scheinbar immer gründlicheren 

Blick. Die Ausstellung Vor dem 

Gesetz widmet sich in ebenso konzentrierter 

wie umfassender Weise dem zentralen 

Thema der menschlichen Existenz und ihrer 

Verletzlichkeit. Mit großer Unmittelbarkeit 

verbildlichen die Skulpturen der Nachkriegszeit 

und Räume der Gegenwartskunst die 

Auseinandersetzungen mit der Conditio 

Humana. 

Die gemeinsam mit der Siemens 

Stiftung organisierte Schau ist die letzte programmatische 

Ausstellung von Kasper König 

am Museum Ludwig. 

Titelgebende Parabel und Metapher für 

das Thema der Ausstellung ist Kafkas gleichnamige 

Kurzgeschichte. Sie erzählt, wie ein 

Mann vom Lande um Einlass in das Gesetz 

bittet. Ein Türhüter verwehrt ihm den 

Zugang und vertröstet ihn immer wieder auf 

einen möglichen späteren Zeitpunkt. Der 

Mann vom Lande bleibt sein ganzes Leben 

lang in wartender Position vom Gesetz 

ausgeschlossen. Der sich über die Jahre nicht 

verändernde Türhüter ist dabei die überzeitliche 

statuenhafte Gegenfi gur zum alternden 

Individuum, das der Mann vom Lande 

verkörpert. 

Bemerkenswert ist im Vergleich zu 

anderen Defi nitionen Kafkas Entwurf des 

Gesetzes als Raum, der betretbar und endlich 

ist, zu dem es einen Zugang oder von dem es 

einen Ausschluss gibt. Die Ausstellung greift 

dieses Gedankenbild auf und entwickelt 

eine die gesamte zweite Etage umspannende 

Raumsituation, in der die 28 künstlerischen 

Positionen sehr dezidiert ihren eigenen Ort 

defi nieren. 

Vor dem Gesetz vereint fi gurative 

Skulpturen der Nachkriegszeit mit aktuellen 

Positionen und spannt damit einen Bogen 

über die vergangenen sechzig Jahre. Die 

Katastrophe des Zweiten Weltkriegs stellt 

eine zentrale Zäsur im Hinblick auf Menschenrechte 

und Menschenwürde dar, die 

ausschlaggebend für das heutige Verständnis 

wurde und Niederschlag im ersten Artikel 

des Deutschen Grundgesetzes fand. Vor 

23

diesem Hintergrund bilden die Werke der 

Nachkriegszeit, die den geschundenen, 

verletzten und gefährdeten Menschen in 

großer Direktheit zeigen, den argumentativen 

Kern der Ausstellung. Statuen von 

Germaine Richier, Gerhard Marcks oder 

Alberto Giacometti geben dem traumatisierten 

Menschen Gesicht und Körper und 

fi nden eine künstlerische Ausdrucksform für 

die Sprachlosigkeit der Zeit. Sie bilden den 

Ausgangspunkt für die Betrachtung der zeitgenössischen 

Installationen von Künstlern 

wie Phyllida Barlow, Paul Chan oder Zoe 

Leonard. Im Gegensatz zu ihren historischen 

‚Vor-Bildern' haben diese Werke die 

fi gürliche Darstellung des Menschlichen 

weitgehend aufgegeben. In häufi g räumlicher 

Dimension und unter Verwendung der 

unterschiedlichsten Materialien nähern sich 

Bruce Nauman 

Carousel, 1988 

Stahl und Aluminium 

Höhe: 213,4 cm, Durchmesser: 550,5 cm 

Gemeentemuseum Den Haag 



Pawel Althamer 

Bródno People, 2010, Verschiedene 

Materialien, 252 x 600 x 165 cm 

Sammlung Goetz, Foto: Achim Kukulies 

© Pawel Althamer, Courtesy Samml. Goetz 

linke Seite: 

Marko Lehanka 

Ohne Titel (Bauerndenkmal), 1999 

Verschiedene Materialien (Holz bemalt, 

Elektrik, Glühlampen, Möbelhund, 

Kugelschreiber, Bootslack, Bergwiesenheu, 

Sense, Kompostgabel, Ton, Draht, Hirse, 

Stoffzigaretten, Montierlampe, Stoff, 

Kunsthaare, Kunstleder, Einmachglas, 

KG-Rohr), 453 x 80 x 88 cm 

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin 

Foto: Achim Kukulies, © Marko Lehanka 

die Künstler den immer weiter aufgesplitterten 

und komplexen Bedingungen der 

menschlichen Gegenwart. 

Die Ausstellung Vor dem Gesetz zeigt 

nicht nur die anhaltende Aktualität und 

Aussagekraft fi gurativer Nachkriegsskulptur, 

sondern schärft durch den historischen 

Kontext vor allem den Blick für das humanistische 

Potential für Gegenwartskunst. In 

einer Zeit zunehmender Verunsicherung 

und Schnelllebigkeit scheint die Auseinandersetzung 

mit einer Kunst notwendig, die 

mit Ernsthaftigkeit auf der Kategorie des 

Menschlichen insistiert. 

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher 

Katalog im Verlag der Buchhandlung 

Walther König mit Beiträgen von Penelope 

Curtis, Friedrich Wilhelm Graf, Kasper König, 

Thomas Macho und Thomas D. Trummer. 

KünstlerInnen: Pawel Althamer, Carl 

Andre, Phyllida Barlow, Joseph Beuys, Karla 

Black, Monica Bonvicini, Reg Butler, Paul 

Chan, Fritz Cremer, Jimmie Durham, Katharina 

Fritsch, Alberto Gia-cometti, Candida 

Höfer, William Kentridge, Marko Lehanka, 

Wilhelm Lehmbruck, Zoe Leonard, 

Giacomo Manzù, Gerhard Marcks, Marino 

Marini, Henry Moore, Bruce Nauman, Germaine 

Richier, Ulrich Rückriem, Thomas 

Schütte, George Segal, Andreas Siekmann, 

Andreas Slominski, Ossip Zadkine 

Eine gemeinsame Ausstellung des 

Museum Ludwig Köln und der 

Siemens Stiftung bis 22. April 2012 

Weitere Informationen unter 

www.museum-ludwig.de 

25

26 

Das CaféADA als Ort 

der Begegnung 

Mitten in Wuppertal, in einer der 

„ungeschminkten“ Gegenden am Fuße der 

Nordstadt, hat sich seit zwanzig Jahren ein 

Ort der besonderen Art etabliert, 

das CaféADA. 


Kaum habe ich die unscheinbare Türe des 

Windfangs geöffnet, fühle ich mich aufgenommen 

in eine andere Welt: Eine Bar, 

schlichte dunkle Holztische mit Teelichtern, 

Caféhausstühlen und einer Tanzfl äche, 

an deren Rückwand auf einer kleinen 

Empore, wie aus einem Stück von Pina 

Bausch vergessen, ein Klavier lehnt. Nur 

wenige Gäste sind zu sehen – noch ist die 

Tanzfl äche leer. Mehmet Dok probiert 

am Mischpult den Sound, die wehmütige 

Stimme eines Tangosängers klagt durch 

den Raum. Jetzt habe ich Gelegenheit, 

Menschen zu sprechen, denen es tatsächlich 

gelungen ist, sich ihren Traum zu 

verwirklichen: Mehmet Dok, der sich für 

einen Augenblick zu uns gesellt, aus der 

Türkei, Inhaber des CaféADA, Jean Lau- 

rent Sasportes aus Frankreich, Mitglied 

des Tanztheaters Pina Bausch, der einen 

Teil des Kulturprogramms gestaltet, der 

Mitinitiator Yener Sözen, aus der Türkei, 

Jurist, Carmen aus Andalusien und César 

aus Argentinien, beide seit fast zwei Jahren 

als professionelles Tanzlehrerpaar für 

Tango Argentino engagiert. 

Farbige Scheinwerfer rücken dezent ins 

Licht worum sich hier alles dreht – den 

Tanz, sei es argentinischer Tango, Salsa, 

oder Rembetika. Heute ist Tangosalon, 

allmählich füllt sich die Tanzfl äche mit 

Paaren, die sich dem Argentinischen Tango 

hingeben, und das auf hohem Niveau. 

Man spürt sofort, hier geht es weniger 

ums Essen oder Reden, sondern um den 

Tanz.

Mehrmals in der Woche kommen sie 

hierher aus dem gesamten Ruhrgebiet, ja, 

aus Holland – Verkäufer, Intellektuelle, 

Vertreter, Lehrer, sogar Pfarrer, Menschen 

aller Altersstufen, Anfänger und Fortgeschrittene. 

Wuppertal ist zur Hochburg des Tango 

geworden, seit Mehmet Dok, Jean Laurent 

Sasportes und Yener Sözen 1992 das 

CaféADA eröffnet haben. 

Jean Laurent Sasportes und Mehmet Dok 

hatten sich bereits im Vorgängercafé des 

ADA kennengelernt. Schon damals kamen 

sie gern hierher, „wir haben uns wie 

auf einer Insel gefühlt, man dachte, man 

sei geographisch weit weg.“ Jean Laurent 

Sasportes hat die obere Etage als Probenraum 

genutzt und ihm war klar, dass 

dies der ideale Raum für Aufführungen, 

Konzerte und Ausstellungen sei. Als Mehmet 

Dok das Lokal übernahm, sahen sie 

die Zeit gekommen, ihre Vorstellungen 

von einem Ort der Begegnung in die Tat 

umzusetzen: Die Idee war ein Tangosalon. 

Die Initiatoren waren sicher, dass 

Wuppertal gerade wegen seiner Offenheit 

der geeignete Ort sei, ihre Träume 

Wirklichkeit werden zu lassen, und so 

war es – „Diese Stadt hat uns das möglich 

gemacht“, meint Mehmet Dok. ADA 

ist türkisch und bedeutet „Insel“, das 

Inselgefühl, die Vorstellung, an einem 

ganz und gar außergewöhnlichen Ort zu 

sein, hat man noch immer, obgleich oder 

gerade weil der Raum so schlicht ist. Es 

liegt an der besonderen Atmosphäre des 

CaféADA und an den Menschen, die man 

dort treffen kann. 

Ursprünglich befand sich hier in der 

Wiesenstraße ein Möbellager mit einer 

Diskothek und einem darüber liegenden 

Veranstaltungssaal. Man tanzte auf unebenem 

Betonboden mit herausstehenden 

Eisenträgern, während das Regenwasser 

vom Dach in bereitgestellte Wassereimer 

tropfte. Das alles konnte der Begeisterung 

für den Tango wenig anhaben, doch als 

das CaféADA einem Supermarkt weichen 

sollte, wussten dies namhafte Persönlichkeiten 

der Stadt Wuppertal zu verhindern. 

Mit Landesmitteln konnte das ADA bis 

2007 seine Räumlichkeiten erweitern und 

professionalisieren, ohne sein besonderes 

Flair zu verlieren. Ein öffentlicher Platz 

27

28 

mit Parkfl ächen, Boulebahn und Außengastronomie 

entstand, und wenn es das 

wuppertaler Wetter zulässt, kann man 

sogar draußen tanzen. 

So hat der Tango seinen Platz im CaféA- 

DA gefunden: Die ersten Tangokurse 

waren schnell ausgebucht. Pina Bausch 

kam oft mit ihren Tänzern, „hier war sie 

immer entspannt, hier konnte sie ganz 

privat sein“, sagt Yener Süzen. In ihrem 

Stück „Bandoneon“ 1980 wurde zwar 

Tango musiziert, aber nicht getanzt. Als 

sie für „Nur Du“ 1996 den berühmten 

argentinischen Tangotänzer Tete Rusconi 

engagierte, gab es im CaféADA die ersten 

Tangoworkshops. Carsten Heveling erinnert 

sich an den Humor und an den Stolz 

von Tete Rusconi, der seine Herkunft als 

echter „Porteno“ nie verleugnete und nicht 

mehr zu bremsen war, wenn er sich eine 

Tanguera geschnappt hatte und zu tanzen 

begann, und alle hingerissen waren. 


Tango tanzen ist Ausdruck eines Lebensgefühls, 

einer Überzeugung, einer 

Philosophie. „Mein Leben ist ein Tango“, 

zitiert Carmen eine argentinische Redensart. 

Tatsächlich spiegelt der Tango 

das Leben – das eines Einzelnen, eines 

Paares oder der Gesellschaft. Parallel zum 

Blues und zum Jazz in New Orleans hat 

sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts in 

den fi nstersten Hafenvierteln von Buenos 

Aires und Montevideo entlang der Mündung 

des Rio Plata aus dem Elend und 

der Einsamkeit der Einwanderer aus aller 

Welt der Tango Argentino entwickelt. 

Und deshalb kann man weder beim Blues 

noch beim Tango fragen, welcher denn 

nun der ursprüngliche sei. 

Die Einwanderer brachten ihre eigenen 

Tänze und ihre Instrumente mit, und so 

haben zum Beispiel Einfl üsse afrikanischer 

Musik, die kubanische Habanera 

oder der deutsche Walzer Eingang gefunden 

in den Tango. Die ursprünglichen 

Instrumente waren Geige, Flöte und 

Gitarre, bis aus Deutschland das Bandoneon 

hinzu kam. 

Weil unter den Einwanderern erheblicher 

Frauenmangel herrschte, wurde der Tango 

häufi g von Männern getanzt. César 

erzählt, dass daher einer der Männer die 

Rolle der Frau übernehmen musste – und 

erst, wenn dieser sich bedingungslos führen 

ließ, konnte er zum wahren Tanguero 

aufsteigen. Es war wohl auch so, dass 

Männer vorsichtshalber untereinander 

übten, um sich vor den Frauen nicht 

bloßzustellen. Argentinischer Tango ist 

eine wehmütige, melancholische Musik 

und wie der Blues Ausdruck von Gefühlen 

wie Verlassenheit, Liebesschmerz oder 

Heimweh. Doch wie im Blues ist die 

Melancholie nie hoffnungslos oder Selbstzweck, 

sondern immer zugleich Ausdruck 

ungebrochener Hoffnung und Lebenslust 

– irgendwie muss es weitergehen. 

Während der Militärdiktatur war in

Argentinien das Tangotanzen verboten, 

da den Machthabern das enge Miteinander 

von Menschen aller Schichten 

auf der Tanzfl äche bedrohlich erschien, 

doch seit etwa fünfzig Jahren erlebt der 

Argentinische Tango weltweit ungeahnten 

Aufschwung. Er unterscheidet sich vom 

Tango als Standardtanz durch den weichen 

Fluss der Bewegungen, die choreographische 

Freiheit und die Tanzhaltung. 

Wie der Jazz entwickelt er sich ständig 

weiter und spiegelt durch immer neue 

Stilarten gesellschaftliche Veränderungen. 

Auch wenn „Tango“ sich nicht aus dem 

lateinischen tangere = berühren ableitet, 

was umstritten ist, bedeutet dieser Tanz 

ebenso die reale körperliche Berührung 

wie deren strengste Stilisierung. César 

ist sich sicher, dass allein schon die enge 

Umarmung, in der Tango Argentino 

getanzt wird, für viele Menschen „ein 

Schritt ins Ungewisse ist. Wir alle sehnen 

uns nach körperlicher Nähe, doch fällt es 

uns zugleich schwer, die sichere Distanz 

aufzugeben. Wer umarmen kann, kann 

auch Tango tanzen.“ 

Die Umarmung zweier Menschen birgt 

Möglichkeit und Herausforderung zugleich. 

Sie ist elementarer Ausdruck nach 

emotionalen Bedürfnissen wie Ruhe, 

Wärme, Nähe, Trost, Freude, Lust, Liebe, 

sie kann am Beginn einer Beziehung 

stehen aber auch an deren Ende. Sie kann 

sogar Ausdruck von In-Besitznahme, 

Feindschaft, Kampf, ja, Tod sein. Der 

Reiz des Tango Argentino liegt in den 

Gegensätzen wie intensiver körperlicher 

Nähe und zugleich disziplinierter Körperhaltung, 

Selbstbewusstsein bei gleichzeitiger 

Selbstvergessenheit, geladener 

Spannung bei gleichzeitiger Leichtigkeit, 

oder dem Fluss der großen Bewegung 

und deren Verzögerung bis zum abrupten 

Innehalten, von Virtuosität und Intimität. 

Diese Gegensätze in Harmonie zu überführen, 

bewirken die herbe Eleganz und 

den erotischen Zauber des Tango Argentino. 

Carmen und César möchten nichts 

von der viel zitierten Leidenschaft wissen, 

die sich angeblich im Tango ausdrückt, 

schon gar nicht im Tango Argentino; 

hoch geschlitzte Kleider und eitle Effekte 

sind dessen Sache nicht, zumal dieser nur 

ein kleiner Teil der umfassenden Kultur 

des Tango in Argentinien ist. Mit Sexualität 

hat der Tango Argentino nichts zu tun. 

„Tango Argentino bedeutet eine ständige 

Suche nach der Vervollkommnung von 

Bewegungen, das wird nie langweilig und 

dauert ein ganzes Leben“, ergänzt César. 

Tango tanzen vollzieht sich in bestimmten 

Ritualen: Carmen sagt, dass früher 

selbstverständlich immer der Mann 

geführt hat, die Frau folgte seinen Vorgaben. 

Heute, im Zeitalter der Emanzipation 

ist das anders, auch im Tanz 

gibt die Frau nicht unbedingt nach, sie 

darf sogar eigene Vorschläge einbringen. 

Umgekehrt muss der moderne Mann 

Carmen und César 

29

30 

unter Umständen erst wieder lernen, seine 

Dame zu führen. César meint, als Lehrer 

entdecke man schnell die Persönlichkeit 

des Tänzers und könne ihm helfen, sich 

zu befreien und Selbstvertrauen zurückzugewinnen, 

selbst wenn das zuweilen viel 

Zeit und Geduld erfordert. 

Ein Tangotänzer, der das CaféADA von 

Anbeginn begleitet hat, erzählt, dass 

natürlich der Mann die Frau auffordert, 

doch „besonders in argentinischen Tangosalons 

steht das auch der Frau zu, allerdings 

gilt es für den Mann, blitzschnell 

auf einen Wimpernschlag zu reagieren. 

Wer in ein Tangolokal kommt, signalisiert 

Tanzbereitschaft. Früher, als hier noch 

alle an einem langen Tisch saßen, war das 

einfacher, man tanzte mit verschiedenen 

Partnern. Allerdings muss man erst die 

Tänze mit dem Kavalier der Dame abwarten 

und dann herausfühlen, ob man mit 

ihr tanzen darf. Sie schon nach ein oder 

zwei Tänzen an den Tisch zurückzuführen 

wäre sehr unhöfl ich. Wie eine Frau sich 

anfühlt weiß man vorher nie, sie kann 

gut trainiert aber ganz hart sein oder sehr 

wohlbeleibt und trotzdem tanzen wie eine 

Feder.“ 

Tango Argentino ist eine Kommunikation 

besonderer Art, es gibt weder Smalltalk 

noch Keep Smiling. Die Tänzer geben sich 

der Musik und dem Fluss der Bewegung 

schweigend hin. „Wenn man Glück hat, 

so erlebt man für ganz kurze Augenblicke 

das Gefühl der vollkommenen Übereinstimmung, 

dann kann man eigentlich 

nach Hause gehen,“ sagt der Tangotänzer. 

Aber diesen Moment der Seligkeit möchte 

man immer wiederfi nden, auch dann, 

wenn es viel Mühe und Enttäuschungen 

kostet. Doch dafür gibt es ja die Kurse 

und die professionellen Lehrer! 

Der Tango verbindet zwar die Menschen, 

aber gerade deshalb kann er manchmal 

auch zum Prüfstein für Beziehungen werden. 

Carmen und César beobachten, dass 

die Paare schnell merken, ob es stimmig 

ist oder nicht. Der Tangotänzer sagt dazu: 

„Ich kann mit einer Frau frühstücken und 

Kinder großziehen, aber es kann sein, dass 

ich mit ihr keinen Tango tanzen kann.“ So 

kann es passieren, dass Beziehungen zerbrechen 

oder entstehen. Auf dem Parkett 

zählen weder Alter, Geschlecht, Herkunft 

oder Einkommen, sondern allein die 

Qualität des Tanzens. 

Im Laufe der letzten 15 Jahre haben 

immer wieder namhafte Lehrer unterrichtet, 

und jeder von ihnen hat den Tango 

weitergebracht, so dass sich das CaféADA 

den Ruf als Kulturstätte für die Entwicklung 

des Tango erworben hat. Dazu 

trägt auch das inzwischen zur Tradition 

gewordene Tangofestival in der Historischen 

Stadthalle bei, dessen Veranstalter 

Carsten Heveling ist. Mit dem CaféADA 

und neuerdings dem Barmer Bahnhof 

als weitere Austragungsorte ist es eins der 

größten Festivals der Welt. Immerhin 

kommen fast 90% der Besucher von 

weit her, und darauf darf Wuppertal stolz 

sein. Heveling ist übrigens einer der ganz 

wenigen Fachleute für die Restaurierung 

des klassischen Tango-Bandoneons und 

war im ADA einer der Organisatoren der 

ersten Stunde. 

1998 wurde der Verein „Mare“ e.V. 

gegründet. Vorsitzender ist Yener Sözen; 

der verstorbene Musiker Peter Kowald war 

einer der Gründungsmitglieder. „ADA“ 

ist also die „Insel“, gleichsam umgeben 

vom „MARE“ der kulturellen Vielfalt. Es 

war die Idee von Mehmet Dok und Jean 

Laurent Sasportes, über die Tanzkurse 

hinaus ein breites kulturelles Programm 

anzubieten. Sasportes hat die künstlerische 

Leitung für Theater- und Tanzveranstaltungen 

inne. Sein Vorrat an Ideen ist 

unerschöpfl ich! Neben den etablierten 

Häusern wünschte er sich eine kleinere 

Bühne, auf der man experimentieren 

kann, etwa wie im Tanzhaus in Düsseldorf. 

So bietet das CaféADA jungen 

Tänzern und Choreographen ein Forum 

für interdisziplinäres Arbeiten. Die Reihe 

„Ikonoclaste“ (Bildersturm) meint das 

Ausbrechen aus künstlerischen Normen. 

Der Höhepunkt des vierten „Ikonoclaste“ 

2011 war die Aufführung „carte blanche“ 

mit Choreographien von und mit Tänzern 

des Tanztheaters Pina Bausch. 

Neben Aufführungen gibt es Jazzkonzerte, 

Ausstellungen, und vieles mehr. Unlängst 

hat die WDR-Bigband unmittelbar 

nach ihrem ersten Konzert den Wunsch 

geäußert, einen neuen Termin zu erhalten; 

Peter Brötzmann tritt hier auf, und man 

arbeitet mit der Musikschule zusammen. 

Leider fehlt es immer an Geld, und immer 

gibt es zu viel Bürokratie. So ist der Verein 

dankbar, dass ehrenamtlichen Mitarbeiter 

helfen, das Programm zu bewältigen und 

die technische Abteilung des Wuppertaler 

Tanztheaters Unterstützung leistet, - und 

zuweilen fi nden sich Sponsoren. 

Mehmet Doks Haus ist multikulturell, 

man spricht Deutsch, Englisch, Spanisch 

und natürlich Türkisch, denn die 

Mitarbeiter kommen aus verschiedenen 

Ländern. Auf meine Frage, wie sich Tango 

und muslimischer Glaube vereinbaren 

lassen, schaut er mich überrascht an: 

“Eigentlich sind alle Religionen mehr oder 

weniger körperfeindlich, Religionen spielen 

im CaféADA überhaupt keine Rolle.“ 

Immerhin ist der Tango 2009 zum Weltkulturerbe 

ernannt worden. Kulturarbeit 

ist im ADA die Begegnung mit sich selbst 

und mit anderen, die durch den Tango 

vermittelt wird. „Die Symbiose war von 

Anfang an da, der Geist des Hauses und 

der Tango gehören zusammen“, sagt Yener 

Sözen. So erzählt Mehmet Dok stolz, das 

CaféADA sei gleichsam Pinas Bauschs 

Wohnzimmer gewesen, und man habe 

sich wie eine kleine Familie gefühlt. 

Tatsächlich ist die Tangogemeinde wie 

eine Familie, jeder ist willkommen, jeder 

hilft jedem, jeder kann hier tun was er 

möchte, schweigen, reden, lesen, spielen, 

arbeiten, essen oder eben tanzen. Für 

einen Stammgast der ersten Stunde, der 

nicht zum Tanzen sondern als passionierter 

Zuschauer kommt, ist dieses Haus „ein 

Ort hoher künstlerischer Qualität und 

Authentizität, der jenseits ausgetretener 

Kulturpfade künstlerische Besonderheiten 

bietet, die sonst nirgends zu haben 

sind. Man wird sofort von der einmaligen 

Atmosphäre des Hauses umfangen und 

verlässt es nie ohne bereichert worden zu 

sein. Hier treffen die verschiedenartigsten 

Menschen zusammen, man muss sich nur 

einlassen, dann passiert immer etwas.“ 

Das alles macht der Tango möglich. Von 

diesem Tanz hat Tete Rusconi gesagt: „Wir 

verlieren den Tango, wenn wir ihn nicht 

respektieren.“ Darum braucht man im 

CaféADA keine Sorgen zu haben, man 

braucht nur hinzugehen. 

Informationen unter www.cafeada.de 

Marlene Baum 

Fotos CaféADA


Axel Munthe und der Traum von 

San Michele 

Etruskische Sphinx / Loggia der Villa 

Axel Munthe 

Er verfügte über einen inneren Kompass, 

der ihn mit untrüglicher Sicherheit 

durch seinen Lebensweg leitete. 

Wie nur wenige Menschen hörte er 

auf seine innere Stimme, der er mit 

unbedingter Konsequenz folgte. Nur so 

konnte er den unglaublich erscheinenden 

Lebenstraum verwirklichen, „seine“ 

Villa San Michele in Anacapri wider 

alle praktische Vernunft zu errichten. 

Die Verwirklichung seines Lebenstraumes 

glaubte er durch den frühen 

Verlust seines Augenlichtes bezahlen zu 

müssen. Tragischerweise konnte er aufgrund 

dieser Erkrankung nicht soviel 

Lebenszeit auf seiner Traum-Insel Capri 

verbringen, wie er es sich erhofft hatte. 

Als Axel Munthe 1949 in Stockholm 

im Alter von 92 Jahren starb, fand 

man in seiner Tasche ein Ticket nach 

Capri, so als habe er geahnt, dass der 

Tod, gegen den er als Arzt gekämpft 

und mit dem als Autor gerungen hatte, 

ihn bald ereilen würde. Er wollte wohl 

dort sterben, wo er das größte Glück 

seines Lebens gefunden hatte: 1875 

hatte er im Alter von nur 18 Jahren die 

Insel besucht und war ihrem Charme 

erlegen. Er hatte die Vision, auf der 

Insel eine Villa zu errichten und dort zu 

leben. Zwölf Jahre und eine erfolgreiche 

Karriere als „Modearzt“ später hatte 

er sich diesen Traum verwirklicht: ein 

lichtdurchfl utetes Haus in schwindelerregender 

Lage, hart am Abgrund und 

mit Blick auf Neapel, Sorrent und den 

Vesuv. 

Eng verwandt mit der Gabe, auf die 

eigene innere Stimme hören und ihr 

folgen zu können, ist die Fähigkeit, 

die Triebfedern und Lebensmotive 

anderer Menschen zu erkennen. Sein 

Erfolg als Arzt beruhte zu großen 

Teilen auf diesem „tiefen Blick“, mit 

dem er in die Seelen der Menschen 

schaute und das komplexe Zusammenspiel 

von Körper und Psyche 

intuitiv ergründete. Er konnte sich 

ebenso in seine Patienten aus der 

Hautevolee – darunter gekrönte 

31

32 

Häupter – versetzen wie in diejenigen, 

die aus den untersten und ärmsten 

Schichten kamen und die er ohne Bezahlung 

behandelte. So gelangen ihm 

auf geradezu magische Weise unerwartete 

Heilerfolge, die seinen Namen 

als „Modearzt“ begründeten. Gerade 

aus Perspektive der Faszination für 

ein einfaches und bäuerliches Leben 

konnte er die Überspanntheiten und 

Neurosen seiner Patienten aus der 

High Society verstehen und heilen. 

Nicht nur wissenschaftliche Methode, 

sondern vor allem die magische 

Fähigkeit zur Einfühlung machten ihn 

zu einem überaus erfolgreichen Arzt. 

Magisch war auch sein Verhältnis 

zur Natur und insbesondere zu den 

Tieren, die er über alles liebte. Die 

Hunde und Affen, mit denen er lebte, 

waren ihm Freunde und Wegbegleiter, 

zu denen er eine größere Nähe 

empfand als wohl zu irgendeinem 

Menschen. Und unter den Menschen 

waren ihm die vermeintlich einfachsten 

die liebsten. Diese hatte er auf 

Capri gefunden. 

Dieser tiefe Blick und das Gefühl für 

die Beseeltheit der Natur, die er sich 

als Mensch und Arzt in einer Zeit 

zunehmender Wissenschaftsgläubigkeit 

bewahren konnte, machten ihn 

zugleich zu einem Schriftsteller, der 

hinter die Fassaden der „objektiven“ 

Wirklichkeit schauen konnte. Er 

war ein großer Fabulierer und noch 

hinter seinen unwahrscheinlichsten 

Geschichten, die er erzählte, steckte 

ein großes Körnchen Wahrheit. Wohl 

deshalb konnte „Das Lied von San 

Michele“ mit weltweit etwa 30 Millionen 

verkauften Exemplaren eines 

der erfolgreichsten Bücher der ersten 

Hälfte des 20. Jahrhunderts werden. 

So wie „seine“ Villa San Michele 

zwischen Himmel und Erde schwebt, 

so schwebt auch dieses Buch zwischen 

Dichtung und Wahrheit. Doch gerade 

in diesem Schwebezustand enthält die 

Autobiographie Axel Munthes einen 

reichen Schatz an Weisheit und Poesie. 

Er war weder der größte Arzt noch 

der größte Schriftsteller, den die Welt 

je gesehen hat; aber er war einer der 

Menschen, die wie nur wenige andere 

– durch alle Wechselfälle des Lebens – 

sich selbst treu geblieben sind. Leben, 

Beruf und schriftstellerisches Werk 

sind bei ihm eins, verschmelzen zu 

einem Gesamtkunstwerk. Gerade in 

unseren postmodernen Zeiten, in der 

wir uns selbst in der Beliebigkeit des 

„Anything goes“ zu verlieren drohen, 

kann daher das „Das Buch von 

San Michele“ für den heutigen Leser 

Kompass und Orientierung sein, den 

Mut und die Konsequenz zu haben, 

den ganz eigenen Weg zu gehen. 


Text und Fotos 

Hermes / Loggia der Villa Axel Munthe


Exponate aus dem Wohnhaus 

von Irene und Peter Ludwig 

bis zum 24. Juni 2012 

Candida Höfer 

Eupener Strasse Aachen IV 2011 

2011, C-Print, 152 x 189,6 cm 

© Candida Höfer, VG Bild-Kunst, 

Bonn 2011 

Im Andenken an Irene Ludwig 

Vor einem Jahr, am 28. November 2010, 

starb unerwartet Frau Prof. Dr. h.c. mult. 

Irene Ludwig. In ihrem Testament verfügte 

sie aus ihrem Nachlass spektakuläre Schenkungen 

und Dauerleihgaben für das Museum 

Ludwig und das Museum Schnütgen. 

Insgesamt 528 Werke aus dem Besitz von 

Prof. Ludwig bereichern nun auf Dauer 

die Kölner Sammlungen. 

Neben dem herausragenden Konvolut 

von Werken der Russischen Avantgarde 

verfügte Irene Ludwig auch, neun Werke 

aus ihrem privaten Haus als Dauerleihgabe 

an das Museum Ludwig zu geben. 

Darunter befi ndet sich der erste Ankauf 

des Ehepaars Ludwig im Bereich der 

Klassischen Moderne: ein Frühwerk von 

Karl Hofer, „Nach dem Bade“, aus dem 

Jahr 1912. Außerdem Werke von August 

Macke, Fernand Léger, Henri Matisse, 

Lyonel Feininger, Alexej von Jawlensky, 

Roy Lichtenstein, Jasper Johns und Jackson 

Pollock. 

Anlässlich ihres ersten Todestages hat 

das Museum Ludwig einen Raum mit 

jenen Werken eingerichtet, die aus 

dem Privathaus von Peter und Irene 

Ludwig stammen und nun erstmals 

der Öffentlichkeit präsentiert werden. 

Ergänzt wird diese Präsentation durch 

drei Werke von Candida Höfer, die die 

privaten Räume des Ehepaars Ludwig 

dokumentieren. 

„Von 1957 an hat es uns angespornt, 

in Museen durch unsere Erwerbungen Akzente 

zu setzen, und vollends nach 1968 

wurde uns bewusst, was uns vorantrieb: 

Mit unseren Taten wollten wir Informationslücken 

schließen. Wir wollten in die 

Öffentlichkeit bringen, was Bewegung 

auslöste und den Blick erweiterte“, so 

beschrieb Peter Ludwig die Motivation 

des Ehepaars. Diese Sammelleidenschaft 

prägte aber auch ihr direktes privates 

Umfeld. Im 1953 gebauten Wohnhaus 

waren die sich heute im Museum Ludwig 

33

efi ndlichen Kunstwerke Teil eines 

beeindruckenden Gesamtensembles von 

Kunstschätzen aus allen Kontinenten 

und aus den unterschiedlichsten Zeiten. 

Darüber hinaus ließen Peter und Irene 

Ludwig beim Bau alte Türen, Glasscheiben, 

Gitter und Keramikkacheln als 

Spolien in die Architektur einsetzen. 

Bevor die Kunstwerke in ihren neuen 

Aufenthaltsort im Museum Ludwig 

gebracht wurden, beauftragte die Peter 

und Irene Ludwig Stiftung die Kölner 

Künstlerin und Fotografi n Candida Höfer, 

die Innenräume des Hauses in ihrem 

Originalzustand zu dokumentieren. Drei 

dieser Aufnahmen hat Candida Höfer in 

einem repräsentativen Format vergrößert. 

Diese Werke wurden von der Peter und 

Irene Ludwig Stiftung für das Museum 

Ludwig erworben und sind ebenfalls erstmals 

zu sehen. 

Seit den frühen 1980er Jahren 

fotografi ert Candida Höfer (geb. 1944) 

öffentliche Räume wie Museen, Bibliotheken, 

Wartesäle, Zoos und Kurhäuser. 

Die Aufgabe solcher Räume ist es 

normalerweise, mit ihrer Einrichtung, 

Architektur und Beleuchtung zu repräsentieren. 

Zwar ändert Höfer keines der 

drei Elemente bei ihrer Arbeit, aber sie 

wechselt die Perspektive auf die in der 

Regel menschenleeren Räume. Auf diese 

Weise vermeidet sie, die Repräsentationsfunktion 

fotografi sch zu wiederholen, 

sondern deckt stattdessen die Geschichte 

und die heutige Wertschätzung der Orte 

auf. In ihrer Reihe „Sammlerräume im 

Rheinland“, die sie seit mehr als zehn 

Jahren verfolgt, zeigt Höfer darüber 

hinaus, wie Privatleute mit ihren Kunstwerken 

leben. Der unverwechselbare 

Stil von Candida Höfer macht auch den 

besonderen und außergewöhnlichen 

Umgang der Eheleute Peter und Irene 

Ludwig mit ihrer Kunst sichtbar, wählten 

sie doch immer bewusst Konstellationen, 

in denen die Werke in den Dialog 

mit anderen Kunstobjekten geraten: 

Die kristalline Struktur eines Feininger- 

Gemäldes korrespondiert mit perspektivischen 

Konstruktionen auf niederländischen 

Kacheln des 17. Jahrhunderts, 

oder Mackes „Elisabeth und Walterchen 

mit Wolf“ hängt in unmittelbarer Nähe 

einer Madonna mit Kind aus dem 12. 

Jahrhundert. 

Roy Lichtenstein 

Still Life with Pitcher and Apple 

1972 

Öl und Magna auf Leinwand 

152 x 114 cm 


Alexej von Jawlensky 

Stilleben mit braunem Krug 

1909 

Öl auf Pappe 

71 x 58 cm 


Karl Hofer 

Interieur (Nach dem Bade), 1912 

Öl auf Leinwand, 146,5 x 114 cm 


linke Seite: 

Candida Höfer 

Eupener Strasse Aachen II 2011 

2011, C-Print, 152 x 123 cm 

© Candida Höfer, VG Bild-Kunst, 

Bonn 2011 

bis 24. Juni 2012 

Öffnungszeiten: 

Dienstag bis Sonntag: 10 – 18 Uhr 

jeden 1. Donnerstag im Monat: 10 - 22 Uhr 

http://www.museum-ludwig.de/ 

35

Begegnung von Kunst- und Naturschönem 

Die Musikreihe Klangart ging 

erfolgreich in die dritte Runde 

Linke Seite: 

Mola Sylla und Childo Thomas 

unten: 

Omar Sosa 'Afreecanos' 

Mitten im Herzen Wuppertals, in den 70er und 80er Jahren eines der Zentren des 

europäischen Free Jazz, hat sich nun schon im dritten Jahr mit „Klangart“ eine außergewöhnliche 

Musikreihe etabliert, die auf magische Weise das Publikum anzieht. 

Es ist die wohl einmalige Melange aus Kunst, Musik und Natur, die die Besucher von 

Klangart so in ihren Bann zieht. 

Hoch über dem Tal mit einem wunderbaren 

Blick bis hin zu den gegenüberliegenden 

Höhenzügen liegt inmitten eines 

großen Parks die im anthroposophischen 

Stil erbaute Villa des Industriellen Kurt 

Herberts. Nach dem Tode des Großunternehmers 

lagen Villa und Park lange 

in einem Dornröschenschlaf – bis der in 

Wuppertal lebende britische Bildhauer 

Tony Cragg diesen Ort für sich entdeckte. 

Zwischen altem Baumbestand und 

exotischen Pfl anzen begegnen Besucher 

heute Skulpturen Craggs und anderer 

international renommierter Künstler. Besonders 

intim und fein sind die Konzerte 

im gläsernen Pavillon, in dem Musik auf 

Bildende Kunst trifft. Die gläserne Haut 

des Kubus wirkt wie eine Membran, die 

den Austausch von Kunst- und Naturschönem 

ermöglicht. 

Vom Frühjahr bis zum Spätsommer 

spannte die von Dieter E. Fränzel kuratierte 

Musikreihe mit insgesamt neun 

Konzerten einen musikalisch weiten 

Bogen von Jazz über Improvisierte bis 

hin zur Weltmusik. Den Auftakt bildete 

das Konzert des New Yorker Avantgarde 

Saxofonisten Rob Brown. Ekstatisch 

und kompromisslos energetisch lotete er 

im Zusammenspiel mit dem Cellisten 

Daniel Levin die klanglichen Spektren 

ihrer Instrumente bis an den jeweils 

äußersten Rand aus. Mit Saadet Türköz, 

Conny Bauer und Martin Schütz begegneten 

einander drei herausragende artistische 

Musiker – und dennoch bot ihr 

Konzert mit dem treffenden Titel „Song 

Dreaming“ weit mehr als Instrumentalakrobatik, 

sondern war getragen von 

der Magie des Gesangs Saadet Öztürks, 

die Weisen aus ihrer Heimat Kasach- 

37

38 

Marilyn Mazur 

stan sowie traditionelle Gesänge aus 

Armenien und der Türkei in freie Improvisation 

transponierte und zugleich 

in musikalische Poesie verwandelte. 

Artistisch und – im Wortsinne – atemberaubend 

waren die Soli des Posaunisten 

Conny Bauer, die sicherlich in den 

Grenzbereich des technisch Machbaren 

führten. So wie Saadet Türköz waren 

auch die Pianistin Irène Schweizer 

und der Perkussionist Pierre Favre 

musikalische Wegbegleiter des viel zu 

früh verstorbenen Wuppertaler Wegbereiters 

des Free Jazz Peter Kowald. 

1968 gründeten Favre und Schweizer 

gemeinsam mit Peter Kowald und dem 

englischen Saxophonisten Evan Parker 

ein Quartett. Ihrem gemeinsamen 

Freund Kowald widmeten die beiden 

Protagonisten der Freien Improvisierten 

Musik ihr Konzert. „Man muss nur 

lang genug das Gleiche machen“, sagte 

Pierre Favre schmunzelnd angesichts 

des lang anhaltenden und begeisterten 

Applaus’. In den späten 60er Jahren 

war diese Musik noch auf Unverständnis 

und zum Teil auf offene Ablehnung 

gestoßen. Doch es war sicherlich nicht 

nur der lange Atem, sondern auch die 

herausragende musikalische Qualität 

der beiden Musiker, die sie und ihre 

Art der Musik erfolgreich machten; 

im Skulpturenpark beeindruckte 

insbesondere, wie sich der Dialog der 

beiden zu einer rhythmischen Strömung 

von hoher Dichter und Energie 

vereinigte. 

Auf den Spuren John McLaughins und 

Joe Zawinuls, die Anfang der 1970er 

Jahre die Fusion von Jazz und Rock 

vorantrieben und damit unzählige 

Crossover-Projekte initiierten, wandelte 

das „Radio.String.Quartett.Vienna“. 

Das Streichquartett – allesamt klassisch 

ausgebildete Musiker – arrangiert Kompositionen 

der Jazzrock-Veteranen so, 

dass sie wie kammermusikalische Ausfl 

üge in die Neue Musik klingen: eine 

zum Teil frappierende Balance zwischen 

klassisch stringenter Klangarchitektur 

und improvisatorischer Fantasie, in der 

Geist und Swing des Originals zuweilen 

noch nachschwingt. Äußerst fein gewoben 

waren auch die Arrangements einer 

der zurzeit wohl interessantesten und 

innovativsten deutschen Jazzformationen. 

Das Nils Wogram Septet schaffte 

einen gewaltigen Spagat zwischen zum 

Teil mit feiner Ironie formulierten musikalischen 

Kopfgeburten und wilden 

Bebop-Explosionen. 

Ein Hauch des großen alten Jazz 

durchwehte den Skulpturenpark beim 

Auftritt des Open Air-Konzerts der 

großen Perkussionistin Marylin Mazur, 

bekannt durch ihre Zusammenarbeit 

mit Giganten des Jazz wie Miles Davis, 

Gil Evans, Wayne Shorter und Jan 

Gabarek. In ihrem Konzert mit ihrer 

derzeitigen Formation „Marylin Mazur’s 

Group“ entführte sie die Zuhörer in ihren 

„Celestial Circle“ und übersetzte die 

Rhythmen der Natur – Schmetterlings-

schlag und Vogelfl ug – in Perkussion 

und Jazz. Rhythmisch komplex, fi ligran 

und energiegeladen zugleich, setzte 

Mazur Drumset und Schlagwerk nicht 

nur perkussiv, sondern auch melodiös 

ein, ein wunderschöner Herzschlag, der 

die Gruppe zu einem im besten Sinne 

einfachen und zu Herzen gehenden 

musikalischen Ausdruck trieb. Marylin 

Mazurs Spiel wirkte zugleich hoch 

artistisch und tief inspiriert. 

Ein absoluter Höhepunkt war der zu 

Recht sowohl von Publikum und Kritik 

gefeierte Auftritt des kubanischen 

Tastenmagiers Omar Sosa, der tags 

zuvor in Dresden mit dem „Echo Jazz“ 

für seine gemeinsam mit der NDR 

Bigband eingespielte CD „Ceremony“ 

ausgezeichnet worden war. Im Skulpturenpark 

präsentierte er mit seinem 

Quintett „Afreecanos“ eine magische 

musikalische Mixtur, zusammengebraut 

aus afrokubanischer Musik und World 

Musik. Ein das Publikum immer wieder 

in Erstaunen versetzendes, mitreißendes 

instrumentales und vokales Gefl echt, 

in denen die Klangwelten Kubas, New 

Yorks, des Senegals und Mozambiks 

aufstrahlten. Selten hat der Rezensent 

„Round Midnight“ schöner und „jetziger“ 

gehört. Der senegalesische Sänger 

Mola Sylla intonierte im Falsett die Melodielinie 

des Standards im Duett mit 

dem Saxofonisten Leando Saint-Hill 

sanft und zu Herzen gehend, getragen 

von wenigen und sparsam gesetzten Akkorden 

Omar Sosas, der das Entscheidende 

aussparte und gerade so innerlich 

hörbar machte. Große Kunst. 

Nach einem Ausfl ug mit dem englischen 

Portico Quartett in einen ebenso 

poppigen wie exotisch angehauchten 

„Post Jazz“ fand Klangart einen überaus 

würdigen Abschluss mit dem Auftritt 

der Fado-Sängerin Cristina Branco. Von 

allen Sängerinnen, die auf den Spuren 

des portugiesischen Blues wandeln, 

erinnert ihre Stimme am stärksten an 

die der 1999 verstorbenen ungekrönten 

Königin des Fado, an Amália Rodriguez, 

die Melancholie und durchbrechende 

Lebensfreude so unnachahmlich miteinander 

verbinden konnte. Branco knüpft 

an diese Fado-Tradition an, entwickelt 

aber das musikalische Erbe ihres Heimatlandes 

behutsam weiter, indem sie 

ihn mit Elementen des Bossa Nova und 

des Tangos kombiniert. Die Sängerin beeindruckte 

das Publikum nicht nur mit 

ihrem Gesang, sondern auch durch ihren 

ganz eigenen Charme, mit dem sie die 

Zuhörer (und hier darf man wohl auch 

sagen: Zuschauer) in den Bann zog. 


Fotos: Karl-Heinz Krauskopf 

Omar Sosa 

Cristina Branco 

39

40 

Das Tor zur Welt 

Die Fluxus-Bewegung in der 

Rückschau 

Eine verlockende Lektüre 

»Ich denke, hier ist Happening, da kann 

man machen, was man will«, meinte ein 

Gast, den man höfl ich aus der Galerie 

führte. Er hatte Happening verwechselt mit 

einer willkommenen Gelegen heit, bei der 

man alles kurz und klein schlagen kann. 

Die Happeningbewegung entwickelte sich 

in New York in Opposition zur akademisch 

erstarrten Attitüde des »Informel«. Die jungen 

Künstler hassten »malerische Qualität« 

und »edle Lichtführung«. Sie entdeckten 

stattdessen die Ästhetik der Au tofriedhöfe, 

der Schrotthalden und der Slums. Sie 

stellten das hergebrachte Schöne in Frage 

und die gewohnten Normen auf den Kopf. 

Ihre Kunst war nicht mehr das, was sie sein 

sollte, näm lich »schön«, sondern schockierend, 

obszön, grausam, politisch, langweilig, 

aggressiv und immer interessant. Die 

Happeningkunst erweiterte das Bewusstsein 

eines jeden, der sich auf sie einließ. Auch in 

der unerwarteten Entwicklung der Musik 

war sie ein eye-opener. Dazu ein Beispiel: 

Der Ungar György Ligeti sagte ein Konzert 

von acht Minuten Dauer an. Das geladene 

Publikum saß gespannt, als er sich an den 

Flügel setzte. Doch statt zu spielen, blieb er 

unbeweglich sitzen. Die Leute fi ngen an zu 

tuscheln, zu kichern, zu krähen, zu scharren 

und zu pfeifen. Schließlich wurde wütend 

geschimpft, und die Türen knallten. Pünktlich 

nach acht Minuten war das Konzert 

beendet. Die Musik hatte nicht Ligeti 

gemacht – sondern das Publikum. 

Bazon Brock forderte 1962 den berühmten 

Zoodirektor Grzi mek auf, ihn gleich den 

anderen Primaten auszustellen (Säugetier, 

aufrecht …). Bedingung war: Gute 

Behandlung, dreimal täglich Futter, Unrat 

’raus, Schreibmaschine/Papier und zehn 

Zigaret ten. Der Professor, dem der Sinn 

dieser Aktion verborgen blieb, lehnte ab. 

Wuppertal wurde durch Rolf Jährling ein 

wichtiger Platz für Happenings. Angetan 

mit einer elenden Jacke, auf deren Rücken 

in fetten Lettern »PRISONER OF WAR« 

gedruckt stand, stran dete er 1945 in Wuppertal. 

Er war Architekt und fand zunächst 

bei seinem großen Kollegen Heinz Rasch 

Arbeit und in den Trümmern von Elberfeld 

ein armseliges Zimmer. Schnell lernte er 

Freunde, Autoren, Tänzer und Schauspieler 

kennen, und sein Zimmer wurde zum Ort 

heißer Diskussionen, Lesungen und bald 

auch Ausstellungen. Aus dieser ungezwungenen 

Situation heraus ergab sich nach und 

nach eine nebenberufl iche Galerietätigkeit, 

und Jährlings unsterbliches Verdienst war 

es, dass er als erster Galerist in Deutschand 

junge ausländische Künstler einlud, um hier 

ihre Werke vorzustellen – in der Galerie 

Parnass. Man kann sich heute unseren 

Hunger nach internationaler Kunst gar 

nicht mehr vorstellen. 

Der erste Künstler war 1950 der Amerikaner 

Todd Webb, Shin kichi Tajiri 1951 der 

nächste, 1952 folgte mit Alexander Calder 

ein Höhepunkt. Die Galerie Parnass war 

das Tor zur Welt für uns, al lerdings für die 

Mehrzahl der Kritiker ein Ort des Schreckens. 

Jährling kam mit der Happening-Bewegung 

1957 in Köln mit Karlheinz Stockhausen in 

Berührung. Er lernte den jungen Koreaner 

Nam June Paik kennen, der gerade bei 

Wolfgang Fort ner sein Musikstudium beendet 

hatte. Die Examensarbeit hatte er in ein 

Happening umfunktioniert: Vier Stunden 

saß er medi tierend vor seinen Heften, dann 

stand er auf, klatschte ein rohes Ei an die 

Wand, gab die leeren Blätter ab und war 

durchgefallen. Der deutsch/französische 

homme de lettre, Jean-Pierre Wilhelm, 

schrieb über Paik: » … er befreit die Musik 

von jeder Systematik, er gibt uns den reinen 

Klang; dazu gehört auch das Scheppern 

von leeren Blechdosen auf Asphalt.« Paik 

sagte in den frühen 60er Jahren voraus, dass 

Künstler sehr bald »mit Transistoren, Kondensatoren 

und mit Laser arbeiten werden, 

wie heute mit Pinsel und Violine.« 

Jährling erkannte Paiks Qualität und lud ihn 

zu einer Schau, die 1963 stattfand und für 

die er ein Jahr Vorbereitung brauchte. Die 

Firma Ibach spendierte ihm damals zwei alte 

Klaviere, die er total umbaute. Eines dieser 

Instrumente heißt »Klavier Inté gral«, es steht 

heute im Museum für Moderne Kunst in 

Wien. Auf das andere Klavier musste Joseph 

Beuys während der Eröff nung der Schau mit 

einem Hammer einschlagen. Das Publikum 

war entsetzt und wollte ihn daran hindern, 

bis man merkte, dass diese Zerstörung Teil 

des Konzeptes war. Die Ausstellung hieß 

»Exposition of Music-Electronic Television«. 

Paik hatte Jährlings großes Haus mit 

Objekten vollgestopft, in der Badewanne 

von Jährlings Mutter lag zum Beispiel eine 

grausig zugerichtete Schau fensterpuppe 

unter Wasser, die Beine mit hochhackigen 

Schuhen ragten heraus. Vor der Haustür 

hing ein blutiger Kuhkopf, und ein Journa-

list schrieb: »Gründlich schockiert der Koreaner 

N. J. Paik die Gäste der exzentrischen 

›Galerie Parnass‹ schon am Eingang mit 

einem bluttriefenden Stierschädel, an dem 

vorbei man sich ins Innere der Gruselhöhle 

winden muss. Kommt man später heraus, 

wirkt er schon vertraut.« Auch war von 

»Kunst terrorismus« die Rede, sogar die Polizei 

wurde bemüht. Für Paik jedoch wurde 

die Schau zum internationalen Durchbruch. 

Seine Arbeiten fi nden sich in allen 

bedeutenden Museen der Welt. Die Schau 

stand – wie üblich – vier Wochen. In dem 

Durcheinander empfi ng Jährling ungerührt 

seine Bauherren, und die Angestellten saßen 

wie immer an ihren Tischen. 

Im selben Jahr folgte Wolf Vostells 

berühmtestes Happening. Er hatte diese 

Kunstrichtung in New York kennen gelernt 

und wurde zu einem ihrer einfallsreichsten 

Vertreter. Die geplanten Aktionen für 

»9 Nein-Décoll/agen« waren sehr schwer 

zu reali sieren, denn sie fanden an sieben 

verschiedenen Orten statt und mussten mit 

diversen Behörden abgestimmt werden. Der 

große Konvoi (Akteure und Gäste) wurde 

von der Polizei durch die Stadt begleitet. 

Der Präsident der Bundesbahndirektion 

erteilte die Erlaubnis, dass zwei Lokomotiven 

auf dem Rangierbahnhof in Vohwinkel 

einen quer zum Gleis stehenden Mercedes 

zerquet schen durften. Und in der Abenddämmerung 

kletterten wir in Küllenhahn 

einen Steinbruch herunter und erschraken 

tief, als mit ohrenbetäubendem Knall ein 

im Fels postierter Fernseher zerschossen 

wurde. Später wurden wir in einer düsteren 

Fabrik hinter Gitter gesperrt, während 

Wachhunde aufgeregt durch die Gänge 

hechelten. Ungewohnte und makabre 

Erlebnisse schüt telten unsere Gemüter 

durcheinander. Einige waren auch sehr 

komisch: In einem Gartenhäuschen wurde 

die (vielgehasste) bild-Zeitung mit Pfeffer 

und Parfüm gewürzt, im Starmixer gerührt, 

und der Akteur versuchte den grauen Brei 

zu essen. 

Vor genau 30 Jahren fand dann das wohl 

berühmteste europä ische Happening statt: 

»24 Stunden«. In die Galerie Parnass hatte 

Jährling geladen: Joseph Beuys, Bazon Brock, 

Eckart Rahn, Nam June Paik mit Charlotte 

Moorman, Tomas Schmit und Wolf Vostell 

als Akteure. »24 Stunden« ging in die Kunstgeschichte 

ein und ist nach wie vor Gegenstand 

von Studien und Publikationen. 

Man muss sich hüten, Happening mit 

Chaos und spontaner Zerstörungswut zu 

assoziieren. Wenn etwas zerstört wird, so ist 

es geplant. So gaben wir für »24 Stunden« 

einen alten Staubsau ger her. Unerwartet 

kam er später nicht nur zurück, er war sogar 

repariert! 

Jeder der sechs Akteure hatte einen eigenen 

Raum, das Pub likum wanderte hin und her 

oder setzte sich auf den Boden und sah zu. 

Vostell hatte im Gartensaal hohe Gestelle 

bis unter die Decke gebaut, in denen junge 

Leute eingepfercht lagen. Er selbst hantierte 

auf dem Boden liegend mit ekelhaften 

Fleischbrocken – zusammen ergab dies die 

Simulation einer KZ-Situation. 

Bazon Brocks Aktion hieß »Spuren des 

Lebens«. Aus Alltags gegenständen der 

Familie Jährling schuf er ein Environment, 

an der Wand schrieb ein unsichtbares Gerät 

während der 24 Stun den einen Satz. Brock 

selbst saß auf Jährlings Schreibtisch und 

plauderte angeregt mit den Besuchern, falls 

er nicht zufällig auf dem Kopf stand. 

Beuys hockte auf einem unbequemen 

Kasten, umgeben von Knochen, Drähten, 

einem Notenständer, einer Brottrommel 

voll Fett – lauter Dingen, mit denen er 

arbeitete. Auffallend war ein giftgrüner Hase 

aus Puddingpulver. Tags zuvor musste seine 

Eva den Pudding kochen. Beuys wurde 

kribbelig, weil er nicht fest werden wollte. 

Schließlich rief er wütend, was damals ganz 

unge hörig war: »Oetker ist Scheiße!« Seine 

Aktion hieß: » … und in uns … unter uns 

… landunter, 24 Stunden.« Das Publikum 

drängte sich um ihn und verfolgte seine 

Handlungen – auch eine unserer Töchter, 

die sich »wegen Grippe« in der Schule abgemeldet 

hatte. Leider entdeckte ihr Lehrer sie 

im Regionalfernsehen … 

Paik hatte sich in der Diele der Villa eingerichtet. 

Er arbeitete zusammen mit der 

amerikanischen Cellistin Charlotte Moorman, 

die zwei Jahre vorher in New York das 

Annual Festival der Avantgarde gegründet 

hatte. 

Die Instrumente, die Paik zum Musizieren 

benötigte, lagen um das Klavier verstreut: 

Stacheldraht, Löffel, Sirenen, Papiere, ein 

altes Kofferradio, ein Küchensieb, Dosen, 

enorme Büstenhalter, ein gerupftes Huhn 

und andere Gegenstände. 

Das Happening dauerte von 0 Uhr bis 24 

Uhr; die ganze Zeit durchwacht hat vermutlich 

nur Beuys. Eventuell noch die junge 

Wuppertaler Fotografi n Ute Klophaus, für 

die das Ereignis zum Beginn einer einzigartigen 

Karriere wurde: Sie heftete sich an die 

Fersen von Beuys und dokumentierte fortan 

jede seiner europä ischen Ausstellungen, 

Installationen und Aktionen. 

Für die Galerie Parnass bedeutete das 

aufregende Ereignis zu gleich das Ende. 

Büro, Galerie und Wohnung wurden aufgelöst 

und das Haus verschlossen. Jährling 

ging nach Afrika, Wuppertal hatte einen 

Glanzpunkt verloren! Die einst brisante, 

geschmäh te und verhöhnte Kunstform 

interpretiert man heute gelassen und 

erkennt die fruchtbaren Spuren, die sie 

in Musik, Literatur, in Theater, Kino und 

Tanz hinterlassen hat. Wir in Wuppertal 

brauchen nur an Pina Bausch zu denken. 

Vor 30 Jahren war jedes Happening noch 

Anstoß zu wütenden Diskussionen. Ein 

Journa list brachte die Stimmung auf den 

Punkt mit dem Ausruf: »Den Unfug sollte 

man verbieten!« 

Textauszug 

mit freundlicher Genehmigung TOP Magazin 

Stella Baum 

Kunst ist unwiderstehlich 

Feuilletons 

NordPark 

Stella Baum 

Kunst ist unwiderstehlich 

Feuilletons 

Herausgegeben von Marlene Baum und 

Donat de Chapeaurouge 

November 2011, Euro 15,00 [D] 

Englische Broschur, 188 S. 

Nordpark Verlag 

ISBN: 978-3-935421-76-8 

41

42 

Stella Baum, 1921 in Porz bei Köln 

geboren, ist in Köln und Wuppertal 

aufgewachsen. Nach dem Abitur arbeitete 

sie im Forschungslabor von Gerhard 

Domagk bei I. G. Farben. 1944 heiratete 

sie Gustav Adolf Baum, das Ehepaar hatte 

vier Kinder. In den 50er Jahren begannen 

TANZ ANZ TRÄUM TRÄUME 

Jugendliche tanzen „Kontakthof“ von Pina Bausch. 

Das Buch zum Film von Anne Linsel und Ulli Weiss 

Verlag HP Nacke Wuppertal, 2011 

120 Seiten, 23 x 17 cm, Softcover 

ISBN 978-3942043-81-6, 19,80 Euro 

Verlag HP Nacke KG - Friedrich-Engels-Allee 122 

42285 Wuppertal - Telefon 0202 - 28 10 40 

verlag@hpnackekg.de 

die Baums eine avantgardistische Kunstsammlung 

aufzubauen, wozu selbstverständlich 

Kontakte zu Künstlern, Galeristen, 

Museen und Sammlern gehörten. 

Von 1970 bis 1979 war Stella Baum im 

Vorstand des Kunst und Museumsvereins 

Wuppertal. 1976 und 1980 publizierte 

sie die Bücher »Der verborgene Tod. 

Auskünfte über ein Tabu« und »Plötzlich 

und unerwartet. Todesanzeigen«. In der 

Folgezeit schrieb sie regelmäßig für das 

Frankfurter Allgemeine Magazin und 

andere Zeitschriften. 1976 wurden Stella 

und Gustav Adolf Baum zu den ersten 

Ehrenbürgern der neu gegründeten Bergischen 

Universität in Wuppertal ernannt. 

Stella Baum starb 2006. 

Stella Baum – eine Frau voll Witz und 

Ironie und einem beneidenswerten Schreibtalent, 

das sie erst in fortgeschrittenem Alter 

nutzte. Dann aber gleich für die FRANK- 

FURTER ALLGEMEINE ZEITUNG, den 

SPIEGEL, EMMA und den Fischer Verlag. 

Mit Neugierde schaute sie in die Nischen 

der Gesellschaft, hinterfragte Tabuisiertes 

und Ungewöhnliches, schrieb über Tod 

und Prostitution. 

Entscheidend waren die Begegnungen 

mit der zeitgenössischen Kunst, die 

Freundschaft mit Künstlern der Avantgarde, 

ihren Galeristen und Museumsleitern. 

Stella und Gustav Adolf Baum 

förderten Künstler wie Joseph Beuys und 

Klaus Rinke – nicht nur durch Ankäufe 

–, als deren Werke noch weitgehend 

unbekannt waren. 

Der Kauf von Kunst war Stella Baum 

wichtiger als der Erwerb einer ersten 

Waschmaschine. Die Erlebnisse mit 

Künstlern und Galeristen sind höchst 

amüsant zu lesen. Sie vermitteln einen 

lebendigen Blick auf die Zeit der sechziger 

und siebziger Jahre, als die deutsche 

Kunstavantgarde, sowohl die heutigen 

»Großmeister« als auch ihre Galeristen, 

laufen lernte.

Annäherungen an ein Porträt von 

Eberhard Robke 


An Fabrikanten, die sich für Kunst interessieren, 

an Politiker, die in die Wirtschaft 

gehen, oder an Kultur-Politiker ist 

man gewöhnt. Warum soll ein Mensch 

nur eindimensional gestrickt sein? Aber 

jemanden zu fi nden, der sein Leben 

lang, wenn auch mit unterschiedlichen 

Gewichtungen, ein erfolgreicher Unternehmer, 

ein geachteter Kunstmäzen und 

ein homo politicus war und ist, geschieht 

nicht alle Tage. 

Ein Wuppertaler, der sich in der Welt 

auskennt und immer wieder in die 

Heimatstadt zurückgekehrt ist: Eberhard 

Robke wurde am 25. November 1936 

in Wichlinghausen geboren und lebt 

heute am Katernberg. Sein Vater, der als 

Kriegsgefangener 1945 auf einem Transport 

in die UdSSR verhungerte, besaß 

ein Malergeschäft. 1957 starb die Mutter. 

Eberhard Robke geht, familiär bedingt, 

mit der Mittleren Reife vom Gymnasium 

ab, studiert aber berufsbegleitend Volks- 

und Betriebswirtschaft an einer Wuppertaler 

Akademie. „Berufsbegleitend“ heißt 

in diesem Fall, dass er 1958 bis 1960 als 

rechte Hand und Prokurist von Johannes 

Rau tätig war, dem damaligen Geschäftsführer 

des Jugenddienst- (und heutigen 

Peter-Hammer-) Verlages. Mit dem 

befreundeten „Bruder Johannes“ kreuzen 

sich noch oft die Wege: Robke ist Raus 

Nachfolger als Jungsozialistenchef, beide 

gingen in die damalige Gesamtdeutsche 

Volkspartei und erhielten am selben Tag, 

dem 1. Juni 1957, vom SPD-Ortsverein 

Wichlinghausen ihr Parteibuch überreicht, 

Rau war sein Trauzeuge, der Altbundespräsident 

besucht 2002 das von 

Robke nach der Wende übernommene 

und konsolidierte Glaswerk Ernstthal. 

Aber wir greifen vor. 

Gemeinsam mit Dr. Willfried Penner 

kommt Robke 1969 in den Rat der 

Stadt, dem er 15 Jahre angehören wird, 

davon 1982 bis 1984 in herausgehobener 

43

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Funktion als Vorsitzender der SPD- 

Fraktion. Drei Jahrzehnte, von 1964 

an, besitzt er im Kulturausschuss des 

Rates Sitz und Stimme. Beim Amtsverzicht 

von Oberbürgermeister Gottfried 

Gurland 1984 trägt ihm die SPD dessen 

Nachfolge an, doch Robke, zu sehr 

eingespannt in den Verpackungsbetrieb 

Pohli, sagt ab. 

Irgendwann Mitte der 1960er Jahre 

– Rau strebte ja ebenfalls nach Höherem 

– war Robke der Verlag, bei dem er 

Persönlichkeiten wie Helmut Thielecke, 

Hermann Ehlers, Gustav Heinemann 

und Adolf Scheu kennenlernte, „zu klein“ 

geworden. Erfolgreich und ausgewählt 

unter 40 Bewerbern, trat er 1963 bei 

dem Verpackungsgroßhändler Pohli ein. 

„Seniorpartner sucht Nachfolger“ stand 

über der in der FAZ, der „Welt“ und dem 

„Generalanzeiger“ geschalteten Anzeige. 

Der neue Mitgesellschafter bewies eine 

glückliche Hand: Betrug der Umsatz 

1966 rund 2,7 Millionen DM, beläuft er 

sich heute auf 136 Millionen Euro. 

1981 lässt sich Robke bei Pohli als 

alleiniger Geschäftsführer in die Pfl icht 

nehmen, als der Seniorpartner verstirbt. 

Das Unternehmen wächst und wächst. 

Dann die Wende. Hat er bisher nur mit 

Glasfl aschen gehandelt, steigt er nun in 

deren Produktion ein und übernimmt 

1993 den in die roten Zahlen gewirtschafteten 

Volkseigenen Betrieb (VEB) 

Glaswerk Ernstthal in der gleichnamigen 

thüringischen Gemeinde. Es wird eine 

Erfolgsstory für Robke, seine Tochter 

Bettina, die am Aufbau des Unternehmens 

von Anfang an beteiligt ist, die 

Belegschaft und die ganze Region. 

Als glücklich erweist sich auch Robkes 

Engagement für den Kunst- und Museumsverein, 

den er 21 Jahre geleitet hat. 

Zu seiner Verabschiedung am 22. August 

2009 fanden Oberbürgermeister Peter 

Jung, der Direktor des Von-der-Heydt- 

Museums, Dr. Gerhard Finckh, und der 

Nachfolger im Amt des KMV-Vorsitzenden, 

Dr. Joachim Schmidt-Hermesdorf, 

lobende Worte für den Kunstkenner. 

Auf dem Cover der Einladungskarte sieht 

man Eberhard Robke vor dem Gemälde 

„Harlekin“ von Alfred Leithäuser, einem 

Künstler, der, 1898 in Barmen geboren, 

in München lebte und arbeitete, 1978 

den Von-der-Heydt-Preis der Stadt 

Wuppertal erhielt, bevor er ein Jahr 

später starb. Bereits Robkes Eltern – die 

Mutter war weitläufi g mit dem Maler 

verwandt – besaßen einen Leithäuser. 

Mittlerweile hat die Renate und Eberhard 

Robke Stiftung eine ganze Reihe von 

Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen 

dem Museum oder dem Kunstverein 

übereignet, zuletzt noch, in der (Kunst-) 

Öffentlichkeit stark beachtet, Arbeiten er 

Georgierin Tamara K. E. und des Dänen 

Per Kirkeby. 

Der Geschichten sind viele. Wie diejenige, 

in der die hochbetagte Inge Erbslöh, 

Tochter von Adolf Erbslöh, dem Vonder-Heydt-Museum 

rund 200 Grafi ken 

des Meisters schenken wollte. Also 

machen sich die damalige Direktorin 

Sabine Fehlemann und der seinerzeitige 

KMV-Vorsitzende Robke aus Wuppertal 

beziehungsweise aus Italien auf den Weg 

nach München. Wir schreiben das Jahr 

1997. Eberhard Robke kann lebhaft 

schildern, wie nervös die Museumschefi n 

wurde und darauf bestand, „dass wir 

die Mappen gleich mitnehmen“. In der 

bayerischen Landeshauptstadt wurden 

dann zwei Koffer erstanden, die groß 

genug waren, die wertvollen Grafi ken 

aufzunehmen, und ab ging es im Flieger 

nach Düsseldorf. 

Sicherlich ist Eberhard Robkes Leben in 

den letzten Jahren ruhiger und beschaulicher 

geworden. Manchen Abend sitzen 

Waltraud und Eberhard Robke im 

Wohnzimmer und lesen sich abwechselnd 

Romane und Abhandlungen vor 

– zur Zeit von Giuseppe Tomasi di Lampedusa 

bis Heinrich Heine. Seit 2007 ist 

er zum zweiten Mal verheiratet, nachdem 

zwei Jahre zuvor seine erste Frau 

verstorben war. Aber noch heute lässt er 

sich werktäglich die Umsatz- und weitere 

Zahlen von Pohli und der Glashütte auf 

seien iPad spielen, verfolgt die Politik 

in Wuppertal und darüber hinaus über 

die Lektüre von Zeitungen und Zeitschriften, 

lässt sich, so er sich zu Hause 

aufhält, keine größere Vernissage in 

seiner Heimatstadt entgehen. Man kennt 

ihn: im Rathaus, im SPD-Ortsverein, als 

Unternehmer und als Mäzen. Bleib uns 

noch lange erhalten, Eberhard. 

Matthias Dohmen

Neue Kunstbücher 

Ein Thema, knapp gefasst 

Vorgestellt von Thomas Hirsch 

Manche Kunstbücher haben etwas ausgesprochen 

Pragmatisches, das sich fast konträr 

zur Erwartung des Bilderreichen, fein 

Gestalteten gerade in diesem publizistischen 

Genre verhält. Die Bilder sind dann eher als 

Teil des Ganzen reproduziert und die Grenze 

zwischen Feuilleton und Wissenschaft ist 

mitunter schwer zu ziehen. Dem Metier des 

Kunstbuches hat nur bedingt gut getan, dass 

die Grafi ker eine solche Macht über ihren 

Look gewonnen haben und die Museumsleute 

und Kunsthistoriker wohl bereitwillig 

ihre Begeisterung für das Einzelbild aus der 

Hand gegeben haben. 

Das scheint auch dem Katalogbuch 

„Gesamtkunstwerk Expressionismus“, 

erschienen bei Hatje Cantz anlässlich 

einer Ausstellung auf der Mathildenhöhe 

Darmstadt, zugrunde zu liegen. Aber hier 

basiert die Integration der Bildenden Kunst 

in den Text- und den grafi schen Korpus auf 

einer profunden inhaltlichen Idee. Vorgestellt 

wird die Epoche des Expressionismus 

in Deutschland mit allen ihren Gattungen, 

neben der Bildenden Kunst mit der Literatur, 

dem Theater, dem Film, dem Tanz und 

der Architektur, auch der Musik und dem 

Design. Eine Intention ist, die Wechselwirkungen 

und Parallelentwicklungen der 

Gattungen herauszuarbeiten. Als Maß dient 

die Zeitspanne von 1905 bis 1925, also die 

Zeit vor und zwischen den Kriegen, der 

wirtschaftlichen Zusammenbrüche und 

der glanzvollen Feste des großstädtischen 

Bürgertums zwischen Neuerfi ndung des 

Gesamtkunstwerk Expressionismus, 512 S. 

mit 467 Abb., geb. mit Schutzumschlag, 

31 x 25,6 cm, Hatje Cantz, 58,– Euro 

Individuums und rauschhafter Erfahrung. 

Strukturiert wird das Buch durch 16 

Textbeiträge, die sich auf einzelne Aspekte 

konzentrieren. Die Abbildungen aus den 

unterschiedlichen Genres verhalten sich als 

atmosphärischer Bilderbogen, integriert sind 

auch Beispiele der Literatur. Auch wenn die 

Artikel, die meisten von echten Spezialisten, 

gelungen sind und die Auswahl der 

Abbildungen hilfreich ist, so wirkt das Buch 

im ganzen doch leicht chaotisch. Bei aller 

Stringenz im komparativistischen Ansatz 

und der Hinwendung zum Lese-Buch: Vielleicht 

hätte man den Bildern mehr Raum 

lassen sollen: als Struktur, zur Beruhigung, 

zur visuellen Verdeutlichung, als Werke für 

sich... 

Demgegenüber zeichnet sich das Katalogbuch 

„Die Entdeckung des Menschen“ 

im Hirmer Verlag durch Gelassenheit und 

Großzügigkeit aus – auch wenn es selbst 

ebenfalls nur bedingt den Kunstwerken 

den hinreichenden Platz einräumt, diese 

vielmehr in den Text eingliedert. Als Abschiedsausstellung 

von Karl Schütz, dem 

bisherigen Direktors des Kunsthistorischen 

Museums Wien, konzipiert, widmet sie 

sich dem Porträt in der deutschen Kunst 

um 1500 mit den Meistern Lucas Cranach, 

Albrecht Dürer und Hans Holbein im 

Gravitationszentrum, um das herum weitere 

Künstler mit exzellenten Werken vorgestellt 

sind. Auch hier folgt der Ablauf einzelnen 

Texten; zu den Autoren gehören Stephan 

Kemperdick und Johannes Sander – also auf 

das Hochkarätige der Kunstwerke wird mit 

der Liste maßgeblicher Experten reagiert. 

Tatsächlich setzt das Buch an einem zentralen 

Thema der Kunstgeschichte an: an der 

Emanzipation der Kunst an der Schwelle 

von der Gotik zur Renaissance. Das Porträt 

erweist sich nun als wichtiges Genre; 

dargestellt sind nicht mehr ausschließlich 

biblische Szenen und kirchliche Persönlichkeiten, 

sondern auch die weltlichen Fürsten 

und reichen Patrizier als Auftraggeber sowie 

wissenschaftliche, gesellschaftliche Größen 

und (vor allem bei den Zeichnungen) das 

Bürgertum. Zum Ausdruck kommt das 

erstarkte Selbstbewusstsein des Bürgertums 

und die weitere Etablierung des Künstlers 

als autonomer Berufsstand. In diesen 

Kunstwerken nun ist der Mensch Individuum; 

festgehalten werden Wahrheit und 

Idealisierung, im Hinblick auf die spätere 

Erinnerung. Oder gesellschaftlicher Stand 

Dürer – Cranach – Holbein, Das deutsche 

Porträt um 1500, 350 S. mit ca. 340 

Farbabb., geb., Hardcover, 28,5 x 24,5 cm, 

Hirmer, 39,90 Euro 

wird vor Augen geführt; dann wieder zeigen 

die Künstler Schönheit und die Schönheit 

und Weisheit des Alters. Zwischen idealtypischer 

Stilisierung vor neutralem Grund 

und präzisem Realismus entfaltet sich um 

1500 ein Spektrum an Ausdrucksmöglichkeiten. 

Das Buch zur Ausstellung trägt 

Züge einer Enzyklopädie, auch weil es 

sich nicht auf Malerei beschränkt, sondern 

Skulptur, Zeichnung, den Kupferstich und 

die Glyptik einbezieht – und mit einem 

Mal wird deutlich, was für einen Schatz an 

Kunst man hier, zusammengefasst zwischen 

zwei Buchdeckeln, vor sich hat. Ausgestellt 

waren die Meisterwerke – mit etwas unterschiedlicher 

Gewichtung – außer in Wien 

in der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung 

in München 2011/12. Der Spagat zwischen 

ästhetischer Anschaulichkeit und Präzision 

der wissenschaftlichen, aber verständlichen 

Vermittlung gelingt nun im Buch. 

Aber sind es nicht vielleicht doch die 

Themenausstellungen heutiger Kunst, die 

sich ganz den schönen Dingen widmen 

können, bei denen Opulenz und grafi sche 

Finesse einen weiteren – inhaltlichen – Sinn 

machen könnten? Freilich sind die Ausstellungen 

selbst oft eine zweischneidige Sache. 

Auch Künstler, die eigentlich zu einem 

Thema wenig bis nichts zu sagen haben 

und dieses vielleicht nur mit einer Arbeit 

aufgreifen, werden zu einer derartigen Schau 

eingeladen. Und dies führt in der Folge 

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46 

dazu, dass wir bestimmte Künstler lediglich 

von Themenausstellungen zu sehr unterschiedlichen, 

manchmal auch schwammig 

formulierten Themen bzw. Fragestellungen 

kennen. Die Gefahr der Beliebigkeit ist also 

groß. 

Dem ist auch die Ausstellung „Weltraum. 

Die Kunst und ein Traum“ – gleichfalls zu 

einer Ausstellung in Wien, und zwar in der 

dortigen Kunsthalle – ausgesetzt. Aber im 

Katalog nimmt die zeitgenössische Kunst 

nur einen Teil der Darstellung ein. In der 

multimedial angelegten Ausstellung müssen 

sich die Arbeiten der Künstler von Michael 

Snow bis Mariko Mori und Björn Dahlem 

gut gemacht haben und die verschiedenen 

Aspekte zum Kontext zwischen Recherche 

und Einfühlung, Ironie und Utopie verdichtet 

haben. Zwar sind Charles & Ray Eames 

hier vertreten, aber die ZERO-Künstler 

oder, für die jüngere Kunst, Björn Melhus 

sind ausgelassen, vielleicht auch vergessen 

worden... Wichtig ist die Kontextualisierung 

im Katalog, der noch der Mythisierung 

der Astro- und Kosmonauten oder den 

Aspekten der Aufhebung der Schwerkraft 

nachgeht und eine Anthologie literarischer 

Texte bereithält. Der Clou aber ist die 

Gestaltung. Attraktiv im Goldumschlag mit 

dunkelblauer Schrift, entspricht das Buch 

instinktiv dem Themenbereich Weltraum 

und Raumfahrt. Und es gehört mit zu den 

schönsten Kunstbüchern des vergangenen 

Jahres. 

Weltraum. Die Kunst und ein Traum, 320 

S., üwg. farb. Abb., geb., Broschur mit 

Siebdruck, 25 x 20 cm, Verlag für Moderne 

Kunst, 40,- Euro 

Oceanomania: 

Souvenirs of Mysterious Seas. A Mark 

Dion Project, 192 S. mit farbigen Papieren 

und durchgehend Farb- und s/w-Abbildungen, 

geb., Hardcover mit Prägung, 

30,4 x 22 cm, Mack, 50,- Euro 

Schöner ist (nur) „Oceanomania“ – 

schon im Titel dieses Buches steckt das ganze 

Programm zwischen Akkuratheit und der 

Besessenheit, die zur Durchsetzung nötig ist. 

Die Ausstellung, die im ozeanographischen 

Museum und dem Nationalmuseum in 

der Villa Paloma in Monte Carlo zu sehen 

war, und das Buch sind ein Kunstprojekt 

des Amerikaners Mark Dion, das nicht mit 

Reizen und Attraktionen geizt. Es verwebt 

Kulturgeschichte mit zeitgenössischer 

bildender Kunst, es stammt aus der Welt 

der Wunderkammern und Schatzkisten und 

ist doch eine Sache der Forschungslabore 

unserer Tage. Gewiss ist es fast eine Umkehrung 

von „Der Weltraum“ – nun geht es in 

die Tiefe und hier wird die Idee der Ästhetik 

weiter getrieben, auch hier wird Gold 

eingesetzt, als geprägte Schriftfarbe und als 

Goldschnitt. Mark Dion, der selbst zu den 

wichtigen Künstlern an der Schnittstelle von 

Naturwissenschaft und Transformation der 

Natur gehört, hat ein ernstes Anliegen thematisiert, 

die Ausbeutung der Meere und das 

Aussterben der Tierrassen. Schönheit und 

Zerstörung sind das zentrale Begriffspaar, 

vorgetragen von Künstlern wie Bernard Buffet, 

Matthew Barney und Katharina Fritsch 

und auch mit reichlich Referenztexten, leider 

alles nur auf englisch. Aber „Oceanomania“ 

ist fabelhaft. Es ist wahrscheinlich das 

schönste Buch des vergangenen Jahres.

Geschichtsbücher, Buchgeschichten 

Vorgestellt von Matthias Dohmen 

1.300 Stichwörter auf rund 350 Seiten: 

„Das Politiklexikon“ von Klaus Schubert, 

Professor für Politikwissenschaft in 

Münster, und Martina Klein, Historikerin 

aus Datteln, informiert den politisch 

interessierten Bundesbürger kurz, knapp 

und präzise. Das Werk enthält Begriffe 

aus der aktuellen Politik, der jüngeren 

Geschichte und der Ideengeschichte. 

Leider fehlt ein Register, so dass man 

etwa den „kalten Krieg“ oder die Friedensbewegung 

vergeblich sucht und bei 

„verwandten“ Begriffen fündig werden 

muss. Eine gedrängte, nützliche Übersicht 

verschaffen die „Zeitleisten“ zur 

Geschichte Deutschlands „ab 1945“ 

beziehungsweise „ab 1949“ sowie zur europäischen 

Integration. Das arge Problem 

der Proportionen: Der FDP widmen die 

Autoren zwei Drittel des Raums, den die 

SPD einnimmt. 

Klaus Schubert/Martina Klein, Das Politiklexikon. 

Begriffe, Fakten, Zusammenhänge, 

Bonn: J. H. W. Dietz 5. erw. Aufl . 2011. 

349 S., 19,90 Euro 

Grandios: Ein Rahmenthema sowie 

Forschungsberichte und Sammelrezensionen 

vereinigt auch der 51. Band (2011) 

des „Archivs für Sozialgeschichte“ 

der Friedrich-Ebert-Stiftung in Bonn. 

21 Autoren beschäftigen sich mit dem 

Schwerpunkt „Säkularisierung und Neuformierung 

des Religiösen“. Der Bogen 

wird weit gespannt, sowohl thematisch 

als auch regional und oft vergleichend. 

So stehen Beiträge über die „katholische 

Welle der ‚Stunde Null‘“ im Nachkriegs- 

Deutschland, -Italien und -Frankreich 

und dem „Wandel des katholischen 

Friedensengagements in den USA und 

der Bundesrepublik“ neben Aufsätzen 

über „Kirchliche Präsenz in der Fabrik: 

Das Experiment der französischen 

Arbeiterpriester“ und der „kirchlichen 

Wahrnehmung ‚des Islam‘ seit den 

1960er Jahren“. 

Bemerkenswert: die Sammelrezension zur 

deutschen Vereinigung aus den „Jubiläumsjahren“ 

2009 und 2010 sowie der 

Forschungsbericht „Zur Geschichte des 

Hörens“. 

Archiv für Sozialgeschichte. Bd. 51 (2011), 

Bonn: J. H. W. Dietz 2011. 782 S., 68,00 

Euro 

Mitunter etwas umständlich und 

langatmig, aber dennoch verdienstvoll 

ist die feministisch inspirierte Arbeit 

der fi nnischen Autorin Katriina Lehto- 

Bleckert über Ulrike Meinhofs „Weg 

zur Terroristin“. Der Historikerin ging 

es darum zu zeigen, dass Meinhofs 

„Leben noch aus etwas anderem bestand 

als ‚nur‘ der Mitgliedschaft in der 

berühmt-berüchtigten RAF“ (S. 13). 

Die bisherige Wahrnehmung „einer intellektuellen 

Frau“ sei nicht zuletzt im 

Gefolge der immer wieder nachgebeteten 

Darstellung ihres Ex-Ehemannes 

Klaus Rainer Röhl zu sehr männlich 

geprägt. 

Über zehn Jahre hat sich Lehto-Bleckert 

mit Meinhof beschäftigt. Ihrem 

Anspruch, deren Leben nach entscheidenden 

Momenten wie dem Sprung 

aus dem Fenster (und in die Illegalität) 

1970 aufzuarbeiten, wird sie nur eingeschränkt 

gerecht. Gleichwohl: So viel 

Ulrike Meinhof war noch nie. 

Katriina Lehto-Bleckert, Ulrike Meinhof 

1934-1976. Ihr Weg zur Terroristin, Marburg: 

Tectum 2011 (= Wissenschaftliche 

Beiträge, Reihe Geschichtswissenschaft, Bd. 

12). 714 S., 29,90 Euro 

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TANZTRÄUME 

Jugendliche tanzen „Kontakthof“ 

von Pina Bausch. 

Das Buch zum Film von Anne 

Linsel und Ulli Weiss. 

TANZ ANZ TRÄUM TRÄUME 

JUGENDLICHE TANZEN 

KONTAKTHOF 

VON 

PINA BAUSCH 

DAS BUCH ZUM FILM 

VON ANNE LINSEL UND ULLI WEISS 

VERLAG HP NACKE WUPPERTAL 

Tanzträume 

Jugendliche tanzen „Kontakthof“ 

von Pina Bausch. 

Das Buch zum Film von Anne Linsel 

und Ulli Weiss 

Verlag HP Nacke Wuppertal, 2011 

120 Seiten, 23 x 17 cm, Softcover 

ISBN 978-3942043-81-6, 19,80 Euro 

Tanzträume 

Ein Jahr nach seiner Premiere legt die 

Wuppertaler Kulturjournalistin Anne Linsel 

nun das Buch zu ihrem Film „Tanzträume. 

Jugendliche tanzen ‚Kontakthof’ von Pina 

Bausch“ mit Fotografi en von Ulli Weiss vor. 

Zahlreichen Aufnahmen, die während der 

Proben entstanden, sind Originalzitate aller 

Beteiligten zur Seite gestellt. Zusammen 

mit Szenefotografi en des von Jo Ann Endicott 

und Bénédicte Billiet einstudierten 

Stücks geben sie ein berührendes Zeugnis 

eines der letzten großen Projekte der 2009 

verstorbenen Choreographin wieder. Im 

Zentrum der aufwendig gestalteten Dokumentation 

steht der Abdruck des letzten 

Interviews von Pina Bausch vor ihrem 

Tod. Ein Überblick über die wichtigsten 

Presse-Stimmen zur Filmpremiere während 

der Biennale im Jahr 2010 vermittelt die 

deutschlandweite Begeisterung von „Tanzträume“, 

die Festivalliste dokumentiert den 

großen weltweiten Erfolg des Films. 

„Etwas von sich selber zeigen, sich überwinden...“ 

Dieses Grundprinzip ihrer choreographischen 

Arbeit forderte Pina Bausch 

mit Gewinn auch von ihren jugendlichen 

Tänzern. Das 1978 uraufgeführte Stück 

über das stets prekäre Verhältnis zwischen 

Männern M und Frauen wurde im Jahr 2000 

mit m Laien, mit Damen und Herren ab 65 

Jahren J einstudiert, bevor 2007 die Arbeit 

mit m Schülerinnen und Schülern verschiedener 

n Wuppertaler Schulen und Schulformen 

begann. b „Ihr müsst Ihr selbst bleiben, mit 

all a den Qualitäten und Raffi nessen, die ein 

Mensch M hat,“ ermutigte die Choreographin 

die d über 40 Jugendlichen aus Wuppertal, 

ihre i Ängste zu überwinden, etwas auszuprobieren 

b und das Stück zu ihrem eigenen zu 

machen. m Am Ende der Proben war aus den 

Jugendlichen J - teilweise mit Migrationshintergrund 

t -, die sich vorher kaum kannten, 

– eine feste freundschaftlich verbundene 

Gemeinschaft G geworden. 

Pina Bausch kam 1973 auf Bitten 

des d damaligen Generallintendanten der 

Wuppertaler W Bühnen nach Wuppertal. Von 

Beginn B an begleitete Anne Linsel die Arbeit 

Pina Bauschs journalistisch; „Kontakthof“ 

war immer eines ihrer Lieblingsstücke. 

Das Vertrauen, das in der langjährigen 

Zusammenarbeit gewachsen war, bildete 

die Basis für die äußerst sensible fi lmische 

Begleitung der Proben zu „Kontakthof“. 

Zusammen mit Kameramann Rainer 

Hoffmann hatte Anne Linsel ein Jahr lang

50 

Flutra Ajvazi, Kira Clemens, Philipp 

Danisch, Timo Dieckmann, David Erler, 

Maria Färber, Margarita Fast, Anastasia 

Friesen, Marvin George, Soeren Keup, Jonas 

Kieran Kosmoll, Lydia Kumi, Jan Lade, 

Kim Christin Lörken, Katja Manke, Safet 

Mistele, Jaqueline Palilla, Lennard Pfennig, 

Jonas Quatuor, Mona Remfort, Ramona 

Rexfort, Alexandros Sarakasidis, Katharina 

Schüller, Andy Sichui, Björn Tappert, Joy 

Wonnenberg 

exklusiv die Arbeit der Jugendlichen begleitet. 

Den großen Erfolg der Premiere von 

„Tanzträume“ erlebte Pina Bausch indes 

nicht mehr. 

Die überwiegend farbigen Fotografi - 

en von Ulli Weiss spiegeln nicht minder 

eindrucksvoll die Intensität der Arbeit mit 

den Jugendlichen wider. Nahaufnahmen 

der Tanzfi guren sprechen von aufbrechenden 

Gefühlen; Porträtstudien der konzentrierten 

Gesichter wechseln mit Ansichten 

des Ensembles. In ihnen entfaltet sich der 

große Spielraum zwischen zarter Erotik 

und kindlicher Verspieltheit, Anmut und 

Gewalt, Angst und Vitalität, den die jungen 

Protagonisten überzeugend auszuloten 

wissen. Nicht zuletzt zeigt die Dokumentation 

der Inszenierung, wie „Nähe und sogar 

körperliche Berührungen unter Schülern 

und zwischen Schülern und Lehrern“, die 

„fühlbare, einfühlsame Zuneigung [...] 

ohne jede Zudringlichkeit, Überwältigung 

oder gar Machtmissbrauch“ (Peter von 

Becker) möglich sind und trägt damit nicht 

unerheblich zu einer aktuellen Debatte bei. 

Anne Linsel lebt in ihrer Geburtstadt 

Wuppertal. Nach dem Studium der Kunst 

und Kunstgeschichte arbeitet sie bis heute 

regelmäßig für den Hörfunk. Sie war für 

„Die Zeit“ und die „Süddeutsche Zeitung“ 

tätig und moderierte von 1984-1989 das 

Magazin „aspekte“ im ZDF. Sie drehte über 

20 Dokumentarfi lme für WDR, ARD, 

ZDF und ARTE. Anne Linsel ist Mitglied 

des P.E.N.-Zentrums der Bundesrepublik 

Deutschland und Gründungsmitglied der 

Kulturpolitischen Gesellschaft. Sie war 

Mitglied in diversen Literaturjurys u. a. des 

Kultusministeriums NRW – Förderpreis 

NRW Literatur, Künstlerdorf Schöppingen, 

Ernst-Meister-Lyrikpreis Hagen, Nelly- 

Sachs- Preis Dortmund. 2007 erhielt sie 

den Preis der Enno-und-Christa-Springmann-Stiftung. 

Ulli Weiss ist in Bonn geboren und im 

Rheinland aufgewachsen. Von 1961-1969 

hat sie als Angestellte der Deutschen Lufthansa 

in Bonn und München gearbeitet. 

1970 wurde sie Assistentin von Otto 

Steinert, bei dem sie von 1971-1976 an 

der Folkwangschule für Gestaltung Essen- 

Werden Fotografi e studierte. Ihr Examen 

machte Weiss über Freie Theater-Ensemble 

in Europa. Sie zog nach Berlin, wo sie als 

freiberufl iche Fotografi n und Bildjournalistin 

arbeitete. Im Herbst 1976 holte Pina 

Bausch sie erstmals für Aufnahmen ihres 

Tanzabends „Die sieben Todsünden“ zum 

Tanztheater Wuppertal. Seitdem vielfältige 

kontinuierliche Zusammenarbeit im 

Bereich Fotografi e und Publikationen. 

2010 erhielt sie den Enno-und-Christa- 

Springmann-Preis. 

Fotos: Ulli Weiss

Kulturnotizen 

Wuppertaler Autoren bilden auch im 

Frühjahr/Sommersemester 2012 einen 

Schwerpunkt im Programmangebot 

der Friedrich-Spee-Akademie (FSA) 

Wuppertal. Das Gesamtprogramm wird 

wiederum im Arcadia-Hotel neben der 

Historischen Stadthalle und zwar am 11. 

März, 16 Uhr, vorgestellt. 

Den Anfang macht am Dienstag, 20. 

März, 16 Uhr, Hans Werner Otto. Seine 

Lesung fi ndet, wie auch alle weiteren, im 

Kaminzimmer der Mundus- Seniorenresidenz 

am Laurentius- Platz statt. Es folgt 

am 10. April, ebenfalls ein Dienstag, am 

gleichen Ort zur gleichen Zeit Christiane 

Gibiec, die mit ihrem Krimi „Türkischrot“, 

der im 19. Jahrhundert in Barmen 

spielt, seit Anfang 2008 Furore macht. 

Dritter im Bunde der heimischen Autoren, 

die im Rahmen der FSA-Reihe zur 

Lesung eingeladen wurden, ist am 8. Mai 

der 1956 in Köln geborene Ulrich Land, 

der in Hattingen lebt. Schließlich kommt 

am 12. Juni Falk Andreas Funke in der 

Mundus- Seniorenresidenz zu Wort. 

Die Lesenachmittage, deren Besuch 

wie alle FSA-Veranstaltungen kostenlos 

ist, sind im laufenden Frühjahr-/Sommersemester 

am zweiten Dienstag in den 

Monaten März bis Juni 2012, jeweils um 

16 Uhr. Im abgelaufenen zweiten Halbjahr 

2011 lasen auf Einladung der FSA 

und auf Anregung des Verbands Wuppertaler 

Schriftsteller bereits Karl-Otto 

Mühl, Safeta Obhodjas, Michael Zeller 

und Hermann Schulz. 

Ein weiterer literarischer Höhepunkt 

im FSA- Frühjahrsprogramm 2012 ist am 

Donnerstag, 10. Mai, 16 Uhr, ebenfalls 

in der Mundus- Seniorenresidenz, ein 

Kamingespräch zwischen dem Vorsitzenden 

der FSA, Jochen Zoerner-Erb und 

Marlene Baum. Dabei geht es um das 

von Marlene Baum mitherausgegebene 

Buch „Kunst ist unwiderstehlich“ ihrer 

Mutter Stella Baum. Texte aus diesem 

Buch, das bereits in der „ausverkauften“ 

City-Kirche vorgestellt wurde, werden 

von dem Schauspieler Peter Hoffmann 

gelesen. (Joachim Krug). 

Brecht-Bearbeitung der Wuppertaler 

Autorin Dorothea Müller 

„So nett“ 

Unter diesem Titel hat die Wuppertaler 

Autorin Dorothea Müller, Mitglied des 

Verbands deutscher Schriftsteller, das siebte 

Sonett von Bertholt Brecht bearbeitet. 

Heraus kam ein nicht ganz so netter, eher 

sarkastischer Text, den „Die Zeit“ kürzlich 

unter der Rubrik „Klassische Lyrik, neu 

verfasst“ veröffentlichte, in der Ausgabe 

43 vom 20. Okt. 2011. Ganz anderer 

Natur ist der Prosatext „Begegnung“, 

den die Autorin zur Anthologie „Alles ist 

möglich - auch das Unmögliche“ beisteuerte. 

Er schildert einen Aufenthalt in der 

Rehaklinik für Krebskranke. Das Buch ist 

vor kurzem im St. Benno Verlag, Leipzig 

erschienen. 

Verband Deutscher Schriftsteller in 

ver.di, Bezirksgruppe Wuppertal - Bergisches 

Land 


Ichundichundich. 

Picasso im Fotoporträt 

24.09.2011 bis 22.01.2012 

An der Legende von Picassos schillernder 

Persönlichkeit haben Fotografi en einen 

großen Anteil. Das Antlitz des Jahrhundertkünstlers 

ist fast bekannter als sein 

OEuvre. Trotz der Fülle der existierenden 

Porträts wurde bislang nicht die Frage 

nach der Spannung zwischen Picassos 

Wunsch nach kontrollierter Selbstdarstel- 

Brassai, Picasso vor Henri Rousseaus Portrait 

„Jadwiga“, 1932 © bpk-Bildagentur 

für Kunst, Kultur und Geschichte 

lung und den Ansprüchen und Vorstellungen 

der Fotografen gestellt. Erstmals 

untersucht diese Ausstellung den konzeptionellen 

Anteil Picassos an den Aufnahmen 

seiner Person: Wie wirkungsvoll waren 

die Strategien eines Künstlers, der seine 

Frauen und seine Arbeit, seine Scharaden 

und seine politische Haltung öffentlich 

machte und sein Privatleben in von ihm 

bestimmten Ausschnitten zur Konsolidierung 

eines Personenkults benutzte? Ob 

und in welchem Maß vermochten sich die 

Fotografen mit ihrer je eigenen fotografi - 

schen Bildsprache gegen die dominierende 

Präsenz des Porträtierten durchzusetzen? 

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag: 

10 – 18 Uhr 

jeden ersten Donnerstag im Monat: 

10 – 22 Uhr 

http://www.museum-ludwig.de/ 

Museum für Kunst 

und Kulturgeschichte Dortmund 

1 m³ – Fotografi en von 

Christian Diehl 

28.01.2012 - 15.04.2012 

© Christian Diehl: Fotografi e aus dem 

Projekt 1m³ Halde 

Wie ein Maulwurf gräbt sich Christian 

Diehl durch Erde. Nicht irgendwelche 

Erde, sondern einen Kubikmeter Acker, 

Wald, Halde und Watt. Er hat jeweils genau 

einen Kubikmeter Erdreich ausgehoben 

und durchforstet nun den gesamten 

Bereich nach Fotoobjekten. Nach und 

nach entsteht so aus einer „repräsentativen 

Stichprobe“ ein Überblick zu den 

Wesensmerkmalen des Bodens. 

Welche Pfl anzen und -teile, welche 

Lebewesen, welche Gesteinsbrocken 

und welche anderen Details sind dort 

51

52 

verborgen? Diehl inszeniert mit seiner 

Kamera eine komplette Durchleuchtung 

des Fotogegenstandes. Nach den Prinzipien 

einer sachlichen Fotografi e fi ndet eine 

Art wissenschaftliche Dokumentation 

mit künstlerischen Obertönen statt. Sie 

beleuchtet und streift dabei viele Nachbargebiete 

wie Geologie, Botanik und 

Zoologie. 

Die einzelnen Bilder sind Versatzstücke 

aus einem Ganzen, die wie ein Gefüge 

direkt und assoziativ aufeinander zugeordnet 

sind, da als verbindende Klammer 

immer der Ausgangs- und Sammelpunkt 

in dem einen, präzisen und nach Lage 

und Herkommen genau identifi zierbaren 

Erdblock gegenwärtig ist. Jede der Fotografi 

en ist jedoch nicht nur Fragmentbild, 

sondern gleichzeitig ein herausgehobenes 

Einzelstück mit allen ästhetischen Aspekten, 

wie sie zu einem Kunstwerk gehören. 

28.01.2012 - 15.04.2012 

http://www.dortmund.de 

Museum Ostwall 

Das Drama der Farben und Formen 

Zum 100. Geburtstag Harry Fränkels im 

Rahmen der Sammlungspräsentation 

„Der zweite Blick 

27.11.2011 - 10.06.2012 

Harry Fränkel, Siebdruck VI/68, 1968 

Zum 100. Geburtstag Harry Fränkels 

präsentiert das Museum Ostwall ein 

Kabinett mit ausgewählten Werken des 

Dortmunder Künstlers. In zwei aufeinander 

folgenden Ausstellungen werden vom 

27. November 2011 bis 26. Februar 2012 

vor allem Holz- und Linolschnitte aus der 

Nachkriegszeit bis zum Beginn der 1960er 

Jahre gezeigt. Vom 28. Februar bis 10. 

Juni 2012 sind Siebdrucke aus den Jahren 

1968/69 zu sehen. 

In seinen frühen, expressiven Holzschnitten 

verarbeitet Fränkel die Gräuel des 

Krieges. Nach und nach werden seine Arbeiten 

jedoch abstrakter; seine Bildsprache ent- 

wickelt einen eigenen Rhythmus. Mitte der 

1950er Jahre vollzieht Fränkel den Wechsel 

von der abstrakten zur absoluten Malerei 

und setzt Farben und Formen zu spannungsreichen 

oder harmonischen Kompositionen 

zusammen. In den Jahren vor seinem 

Tod entstehen farbintensive Siebdrucke, in 

denen er u. a. mit optischen Phänomenen 

und Variationen experimentiert. 

Weitere Informationen: 

www.dortmund.de 

Stilblüte Schloss Lüntenbeck. 

Knospe, Spaten und Feines 

Erstmalig wird am 24./25. März 2012 

in Wuppertal der Markt für Gartenkultur, 

Lebensart & Feines stattfi nden. Aus 

dem Winterschlaf erwachend richten sich 

die Sinne in den Freiraum. Der Schnee 

schmilzt, die Pfl anzzeit beginnt und die 

ersten Knospen strecken sich der Sonne 

entgegen. Die Stilblüte bietet alles, um 

sich in Haus und Garten auf die kommende 

Saison einzurichten. Das Angebot 

des Marktes reicht von Blühendem, 

Grünem und Dekorativem bis hin zu 

Möbeln, Werkzeug und Kulinarischem. 

Die Originalität der Ware ist, neben 

der Qualität, übrigens das wesentliche 

Kriterium zur Auswahl der Händler. Die 

Stilblüte Schloss Lüntenbeck präsentiert 

hochwertige Produkte zum Thema 

Gartenkultur aus den Bereichen Pfl anzen, 

Gartengerät, -möbel und -accessoires. 

Öffnungszeiten: 24./25. März 2012, 

Samstag und Sonntag von 11 bis 18 Uhr. 

Eintritt: 4.– Euro. 

www.schloss-luentenbeck.de 

Käthe Kollwitz Museum Köln 

„WO IST DIE NEUE FORM FÜR DEN 

NEUEN INHALT?" 

12. Januar bis 25. März 2012 

Der Zusammenhang von Technik 

und Motiv im Werk von Käthe 

Kollwitz 

Das Käthe Kollwitz Museum Köln öffnet 

seine Graphik-Schubladen für eine rund 50 

Arbeiten umfassende Schau, die auf spannende 

Weise den für Kollwitz elementaren 

Zusammenhang von Medium und Motiv 

nachvollziehbar macht. Präsentiert werden 

vor allem äußerst seltene Zustandsdrucke in 

allen von ihr verwandten Techniken – von 

der Radierung über die Lithographie bis 

zum Holzschnitt. Die Aufl agen der Druckgraphikerin 

Käthe Kollwitz sind weltweit 

einem großen Publikum bekannt. Doch 

darüber hinaus existieren zahlreiche Probedrucke 

– viele davon Einzelexemplare – mit 

denen sie die schrittweise Entwicklung eines 

Motivs über verschiedene Stadien hinweg 

dokumentierte. 

Die Frage nach einer dem Inhalt angemessenen 

Form stellte sich die Künstlerin 

vor allem gegen Ende des Ersten Weltkrieges. 

Fast keine Druckgraphik entstand 

während der erschütternden Kriegserlebnisse, 

was ihre Ratlosigkeit in diesem 

Punkt belegt. Erst nach Kriegsende macht 

sie sich wieder auf die Suche nach der 

„richtigen“ Technik. So arbeitete sie sich 

bei dem Gedenkblatt für Karl Liebknecht, 

dessen Ermordung sich am 19. Januar 

jährt, oder den Blättern der Folge Krieg 

über zum Teil mehrere Jahre förmlich an 

allen Techniken ab, dem Tief-, Flach- und 

Hochdruck, ehe sie zu einer endgültigen 

Fassung fand. 

Die in diesem Prozess entstandenen 

Zustandsdrucke bilden einen Sammlungsschwerpunkt 

des Kölner Kollwitz 

Museums. Die Arbeitsweise der Künstlerin 

zu erforschen und für Besucher nicht nur 

nachvollziehbar, sondern wirklich erfahrbar 

zu machen, betrachtet das Museum als eine 

seiner wichtigsten Aufgaben. Zu diesem 

Zweck sind über Jahre hinweg aus aller 

Welt Zustandsreihen in allen Techniken 

zusammengeführt worden, die nun erstmals 

in dieser Gänze zu sehen sein werden. 

Zwei Tote, 1920, Holzschnitt Kn 158 IV

Kulturnotizen 

Mütter. Blatt 6 der Folge „Krieg“, 1921 – 

Anfang 1922, Holzschnitt Kn 176 III 

Die Witwe I, Blatt 4 der Folge „Krieg“ 

1921 – Anf. 1922, Holzschnitt Kn 175 Vb 

für alle Werke der Künstlerin: © VG Bild- 

Kunst, Bonn 2012 

The art of tool making 

Durch die spannende Nebeneinanderreihung 

der Zustände, die dadurch ersichtlichen 

Verwerfungen und Hinzufügungen, 

die Veränderungen im Ausdruck, die sich 

durch unterschiedliche Techniken ergeben – 

durch all dies erschließt sich dem Besucher 

das endgültige Werk der Künstlerin in 

seiner ganzen Tiefe. 

Weitere Informationen unter: 

http://www.kollwitz.de/ 

Museum für Kunst- 

und Kulturgeschichte Dortmund 

500 Jahre Gerhard Mercator 

Vom Weltbild der Renaissance zum 

Kartenbild der Moderne 

Der Universalgelehrte Mercator 

(1512–1594) war der erste Kartograph, 

der die Welt in ihrer Gesamtheit betrachtete 

und Karten für große Räume 

wie z.B. Staaten oder Erdteile hochgenau 

selbst erstellte. Seine bemerkenswerten 

Fähigkeiten im Kupferstich schufen Globen, 

Welt- und Detailkarten in bis dahin 

nie gekannter Qualität. Sein Atlas prägte 

unser heutiges Kartenverständnis maßgeblich. 

Die Sonderausstellung ist einzelnen 

Aspekten Mercators Schaffens und seinen 

Auswirkungen auf die Kartographie und 

Navigation bis heute gewidmet.Neben 

originalen Globen wird an weiteren 

Exponaten die Entwicklung zum heutigen 

Globusbild aufgezeigt. Der Mercatoratlas 

aus dem Jahre 1595 bildet ein zentrales 

Ausstellungsstück und erschließt sich dem 

Gerhard Mercator 

Besucher als virtueller Atlas. Spätere Karten 

dokumentieren die Veränderung der Landschaft, 

die Verstädterung, die Ausbreitung 

der Großindustrie sowie den Rückbau 

und das gegenwärtige Flächenrecycling. 

Auf der Zeitachse von 1835 bis heute soll 

dem Betrachter die Karte als Zeitdokument 

nahe gebracht werden. Stadtpläne 

spielen spätestens seit der Verbreitung des 

„Navis“ eine wichtige Rolle im Alltag. Der 

Wandel der Stadt vom Mittelalter über die 

Industrialisierung bis zum gegenwärtigen 

Strukturwandel wird mit Kartenbeispielen 

nachvollziehbar gemacht. 

Im alltäglichen Leben kommen 

Menschen immer wieder mit Karten als 

Informationsmedium in Kontakt. Dabei 

53

54 

dient die Karte als Orientierungsmedium, 

als Zeitdokument, als Kunstobjekt und natürlich 

die elektronische Karte als aktuelles, 

technisches Hilfsmittel. Die Entstehung 

und Entwicklung dieses Mediums wird in 

der Sonderausstellung anhand originaler 

Exponate und vielen Mitmachstationen 

verdeutlicht und widmet sich auch neuesten 

Trends wie dem GEO-Caching. 

Die Ausstellung ist dienstags, mittwochs, 

freitags und sonntags von 10.00- 

17.00 Uhr, donnerstags von 10-20 Uhr 

sowie samstags von 12-17 Uhr geöffnet. 

Internet: www.museendortmund.de/mkk 

Max Ernst Museum 

Niki de Saint Phalle - Spiel mit mir 

15.1. – 3.6.2012 

Niki de Saint Phalle (1930-2002) zählt 

mit ihrem umfangreichen Schaffenswerk 

wohl zu den bedeutendsten Künstlerinnen 

des 20. Jahrhunderts. Sie hat ein faszinierendes 

Werk hinterlassen, dessen Einfalls- 

und Abwechslungsreichtum seinesgleichen 

sucht. Bereits die frühen Gemälde der 

1950er Jahre, die sich u.a. an naiver Malerei 

orientieren, sowie die Assemblagen, 

in denen die Künstlerin Anfang der 60er 

Jahre alltägliche Gegenstände zu bunten 

Klebebildern kombiniert, sind Ausdruck 

dafür. Ausgehend davon entwickelt sie die 

sogenannten Schießbilder, in denen sie 

ihre bewegte Biografi e verarbeitet. Die mit 

Farbbeuteln präparierten und mit einem 

Gewehr beschossenen Reliefs sind jedoch 

nicht nur ein aggressiver Akt der Zerstö- 

Niki de Saint Phalle, Nathalie,1965, Privatsammlung, 

© 2012 Niki Charitable 

Art Foundation, Foto: © André Morain 

rung, sondern bilden zugleich Möglichkeiten 

neuer Bildfi ndungen. 

Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags 

von 11 - 18 Uhr geöffnet. 

Internet: www.maxernstmuseum.lvr.de 

Museum Abteiberg Mönchengladbach 

— MONICA BONVICINI 

DESIRE DESIESE DEVISE – 

Zeichnungen 1986 – 2012 

4. März - 20. Mai 2012 

Monica Bonvicini (*1965 in Venedig, 

lebt in Berlin) hat im Laufe von 

rund 25 Jahren ein gewaltiges Konvolut 

an Zeichnungen produziert. Es sind 

Skizzen, Entwürfe, Konzepte, aus denen 

ihre weltweit bekannten skulpturalen, 

installativen oder medialen Werke hervor 

gingen, sowie viele freie Arbeiten, die einen 

völlig eigenen Part in ihrem Oeuvre 

ausmachen.Bonvicinis Werk zeichnet 

generell eine große Varianz zwischen 

kraftvollen, aggressiven Ausdrucksformen 

und intimen psychologischen Inhalten 

wie Verletzbarkeit, Nacktheit, Isolation 

oder unterdrückter Gewalt aus. Zu diesen 

Themen tritt eine grundlegende Auseinandersetzung 

mit der menschlichen 

Beziehung zu Raum und Architektur. Ihre 

zeichnerischen Arbeiten intensiveren diese 

Zusammenhänge zwischen Sexualität, 

Macht und psychologischem Erleben, indem 

sie den Körper und den Menschen in 

die Darstellung einbeziehen, der in ihren 

großen räumlichen Installationen fehlt. 

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl 

aus mehr als 1000 Blättern. Die Größe 

variiert von kleinen Din A6 Zetteln bis 

zu großformatigen Bögen. Die Zeichenmaterialien 

sind Bleistift, Tusche, 

Deckweiß, wenige Farben und häufi g 

Schablonen. Hinzu treten Collagematerialien, 

Fotografi en und gefundene 

Drucksachen, die in die Zeichnungen in 

der für Bonvicini typischen, expressiven 

Poetik einmontiert sind. 

Die Ausstellung wird gemeinsam vom 

Museum Abteiberg in Mönchengladbach 

und den Deichtorhallen Hamburg / 

Sammlung Falckenberg vorbereitet. 

Weite Informationen: www.museumabteiberg.de 

KLANG_ART im Skulpturenpark – 

Programm-Vorschau 2012 

Im vierten Jahr bietet die Konzertreihe 

> KlangArt im Skulpturenpark < erneut 

ein Klangspektrum von zeitgenössischem 

Jazz und Weltmusik, aktuell mit dem 

Programmschwerpunkt „Klanglandschaften 

Afrikas“ *: 

Fr. 11. Mai: Ablaye Cissoko (Senegal) 

& Volker Goetze (New York) * 

Sa. 2. Juni: CHIWONISO Trio 

(Zimbabwe) * 

So. 3. Juni: HAZMAT MODINE 

(New York) 

Sa. 14. Juli: ANA MOURA (Portugal) 

So. 15. Juli: FATOUMATA DIAWARA 

& Band (Mali, Elfenbeinküste) * 

Sa. 18. August: SQUEEZEBAND 

Chico Freeman sax. (USA) – Dany Martinez 

git. (Cuba) – Michel Alibo bass 

(Martinique) - Nino G. vocal (Italien) – 

Reto Weber percussion (Schweiz) 

So. 19. August: JASPER VAN’T HOF 

PILI PILI * 

Fatoumata Diawara 

© Foto Engelhardt Promotion

(Südafrika, Mali, Niederlande, Rußland, 

Rumänien) 

Jasper van‘t Hof - keyboards, Smagele 

Khumalo - vocal, Dra Diarra - percussion, 

Vasile Darnea - violin, Anton 

Peisakhov - cello, Eric van der Westen - 

bass, Tineke Postma - sax 

Information: 

www.skulpturenpark-waldfrieden.de 

Lothar Baumgarten 

Abend der Zeit – 

Señores Naturales Yanomami 

Museum Folkwang 26. November 2011 

– 27. Mai 2012 

Am Ende der 1970er Jahre lebte Lothar 

Baumgarten unter den Yãnomãmi des Oberen 

Orinoco, in den Wäldern der Wasserscheide 

zwischen Venezuela und Brasilien. 

Während 18 Monaten teilte er das Leben 

der Indianer von Kashorawë- und Yapitawëtheri, 

zwei Yãnomãmi Gemeinschaften die 

zu klein geworden waren um sich noch gegen 

ihre zunehmend feindlichen Nachbarn 

verteidigen zu können. Dieser Umstand 

machte sie sehr beweglich. Baumgarten 

kam in Kontakt mit diesen halbsesshaft 

lebenden Gruppen, als sie gerade näher 

an den Orinoco gezogen waren um dort 

gemeinsam ihren neuen, großen Shapono 

zu bauen und umfangreiche Pfl anzungen 

anzulegen. Er begleitete die jagend und 

sammelnd durch die Wälder ziehende Gemeinschaft 

der 84 Yãnomãmi bei ihren täglichen 

Unternehmungen: Besuchen anderer 

Shapono zu festlichen Ritualen, der aufwendigen 

Pfl ege ihrer politischen Allianzen, 

dem ihnen bis dahin fremden Bootsbau, 

Urihiwë,Yanomami, © Foto L. Baumgarten 

Links: Pfeilspitzen (rahaka), rechts: Zeichnung 

in einem Skizzenbuch von Lothar 

Baumgarten, 1979, Wasserfarbe auf Papier 

© Foto Lothar Baumgarten, Museum 

Folkwang 

der täglichen Praxis der Schamanen und 

kriegerischen Rachezügen gegen ihre neuen 

und alten Nachbarn. Durch den latent praktizierten 

Tauschhandel unter den Yãnomãmi 

entstanden schon bald Notwendigkeiten 

des Gebens und Nehmens, die Baumgarten 

von ersten Objekten, zum umfangreichen 

Konvolut, der hier in Teilen erstmalig 

gezeigten Sammlung führten. Die während 

jener Zeit vor Ort gegen Naturalien 

getauschten ethnographischen Gegenstände 

und die ganz unerwartete Fülle entstandener 

24. und 25. März 2012 

Stilblüte 

Schloss Lüntenbeck Knospe, Spaten und Feines 

Zeichnungen der Yãnomãmi auf Papier, wie 

auch die umfangreichen Ton- und Filmdokumente 

werden in der Präsentation von 

fotografi schen Sequenzen begleitet, die die 

erlittene Nähe des erlebten Unbekannten 

sichtbar werden lassen. Wir sehen keine 

gekauften oder modellierten Bilder, sondern 

die Unmittelbarkeit des Vertrauten, denn 

neben aller Fremdheit ist ihnen menschliche 

Nähe offensichtlich eigen. 

Diese Ausstellung erzählt von einer 

Einlassung, der Begegnung und dem 

Austausch in einem gerade erst dreißig Jahre 

zurückliegenden Zeitraum. Sie versucht ein 

Bild einer Gesellschaft zu zeichnen, deren 

Befi ndlichkeit und Existenz von unserer 

Einsicht in ihre Notwendigkeiten abhängt. 

Auf anschauliche Weise eröffnet und 

führt diese außergewöhnliche Schenkung 

der Sammlung Baumgarten / Sugai, an 

die Stiftung für das Museum Folkwang im 

Jahre 2010, einen vormals durch Karl Ernst 

Osthaus, dem Begründer des Museums, 

aufgenommenen Dialog zwischen alter und 

außereuropäischer Kunst, durch Kohärenz 

und Umfang, wie auch in ihrer künstlerischen 

und kunsthistorischen Würdigung 

fort. 

http://www.museum-folkwang.de 

Öffnungszeiten: 11 bis 18 Uhr | Tageskarte: 4 € | Schloss Lüntenbeck | 42327 Wuppertal | www.schloss-luentenbeck.de 

Foto: iStock, Josef Muellek 

55

Der Tipp für alle 

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VRR-Gebiet unterwegs, rund um die Uhr und 

in der 1. Klasse. 

Weitere Infos im MobiCenter 

Tel.: 0202 569-5200 

www.wsw-online.de 

56

Zvi Goldstein – Haunted by Objects - Druckservice HP Nacke KG

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