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DIE BESTE ZEIT
Das Magazin für Lebensart
Wuppertal und Bergisches Land Ausgabe 9, 2011 - 3,50 Euro
Sisley kommt!
Von der Heydt-Museum
Klaus Armbruster
Die Städte sind für dich gebaut
Von der Heydt-Museum
Zeichnungssammlung Klüser
Unausgesprochene Dinge
Hochschule für Tanz und Musik
Die Dummheit
Schauspiel von Rafael Spregelburd
Zwei Paare - zwei Schwestern
Georg Köhl inszeniert „Arabella“
Schloss Lüntenbeck
Textilmarkt erleben
Nico Ueberholz
Baumeister der Kommunikation
Johanna Hilbrandt
Über die Altersgrenze
Verlag Edition 52
Literatur in graphischer Gestaltung
Andreas Steffens
Höfl ichkeit - Essay
Ulrich Land
Fundsache
1

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Impressum
„Die beste Zeit“ erscheint in Wuppertal und im
Bergischen Land
Erscheinungsweise: 5 – 6 mal pro Jahr
Verlag HP Nacke KG - Die beste Zeit
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Umschlagabbildung: La rade de Cardiff, (Bateaux
dans la Baie de Cardiff),
1897 Reims, Musée des Beaux-Arts de Reims
Copyright Foto: C. Devleeschauwer /Musée des
Beaux-Arts de la Ville de Reims
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Haftung übernommen.

Editorial
Liebe Leserinnen und Leser,
auch Sie werden es bemerkt haben: Mitleid ist in Verruf geraten.
Kranke, Behinderte, Menschen, die einen schweren Schicksalsschlag erlitten
haben, versichern meist vehement: ‚Wir wollen kein Mitleid‘.
Vielleicht, weil dieser Begriff mittelalterliche Bilder von barmherzigen
Spendern heraufdämmern lässt, die dem elenden Bettler vor der
Kirchentür von der Höhe ihres Wohlergehens ihr ‚Mitleid‘ in Gestalt
einer kleinen Münze hinabreichen.
An die Stelle des Mitleids hat man heute die Empathie gestellt,
die Fähigkeit, sich in Situation und Lage eines Anderen hineinzuversetzen.
Das Fremdwort klingt sachlicher, scheint irgendwie cooler als das
sentimentalitätsverdächtige Mitleid. Leider fehlt es in unsrer Gesellschaft
an allen Ecken an Empathie, etwa wenn jugendliche Gewalttäter ihre
wehrlosen Oper immer grausamer zurichten, oder wenn ein Mann
ein Kind umbringt, weil er sich über seinen Chef geärgert hat.
Der Andere, in den hineinzuversetzen Empathie ermöglichen sollte,
bleibt in solchen Fällen ausgeblendet, wird zum bloßen Objekt.
Aber vielleicht ist es gerade auch unsere Weigerung, in diesem Bereich Gefühle
zuzulassen, vielleicht sogar die Ablehnung des Mitleids,
wodurch etwas wie Empathie bei uns immer seltener wird.
Denn eine auf das rein Verstandesmäßige beschränkte Empathie
ist ein Papiertiger. Wo mangelnde Phantasie und Trägheit des Herzens
die gefühlsmäßige Reaktion verhindern, die auf das verstandesmäßige
Erfassen einer Situation erfolgen müsste, kann Empathie keine positiven
Folgen haben. Was unsere Gesellschaft wieder braucht, ist Mitfühlen
mit dem andern und Mitleiden – denn nicht anderes bedeutet Mitleid.
Kein Almosengeben, das die Distanz zum Leidenden, zu all den Armen,
Vertriebenen, Kranken und Verletzten in aller Welt und in unserer Nähe
aufrechterhalten soll. Sondern Mitleiden fremder Schmerzen:
‚Fac me vere tecum fl ere‘, wie es im Stabat mater heißt – ‚Lass mich
wahrhaft mit dir weinen‘. Es ist nicht den Christen vorbehalten.
Wir sollten es wieder zulassen – es würde unsere Welt zu einem weniger
kalten Ort machen. Überall und hier.
Dorothea Renckhoff
3

4
Keine Angst vor Berührung
Barbara Neusel-Munkenbeck und die Urne “moi“
seit 1813
Alles hat seine Zeit.
Berliner Straße 49 + 52-54 · 42275 Wuppertal · www.neusel-bestattungen.de Tag und Nacht 66 36 74

Inhalt
Ausgabe 9, 2. Jahrgang, Mai 2011
Sisley kommt!
Von der Heydt-Museum Wuppertal
von Frank Becker
Geld oder Wahrheit
„Die Dummheit“ – Schauspiel
von Rafael Spregelburd
von Daniel Diekhans
Zettels Traum
Seite 6
Seite 10
Die Zeichnungssammlung Bernd und
Verena Klüser im Von der Heydt-Museum
von Dr. B. Eickhoff und F. Becker Seite 13
Die unausgesprochenen Dinge
Begegnungen in der Hochschule
für Musik und Tanz – Variation IV
von Marlene Baum Seite 16
Zwei Paare, zwei Schwestern
Georg Köhl inszeniert in Wuppertal
„Arabella“ von Richard Strauss
von Martin Hagemeyer Seite 20
Schloss Lüntenbeck stoffl ich erlebt
Textilmarkt Schloss Lüntenbeck
2. – 5. Juni 2011
von Antonia Dinnebier Seite 22
Baumeister der Kommunikation
Nico Ueberholz setzt Meilensteine
in der temporären Architektur
von Andrea Weiß Seite 25
Die Städte sind für Dich gebaut
Tafelbildmontage von
Klaus Armbruster auf Zollverein
von Frank Becker Seite 30
Wo man ankommt,
wenn man die über die Altersgrenze
spaziert
von Johanna Hilbrandt Seite 36
Literatur in hochwertiger graphischer
Gestaltung
Der Wuppertaler Verlag Edition 52
von Frank Becker Seite 40
Höfl ichkeit
Eine historische Abhandlung
von Andreas Steffens Seite 43
Fundsache
von Ulrich Land Seite 46
Neue Kunstbücher
Alte Meister
vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 48
Zwischen den Fronten
Die Kriegstagebücher Gerhard Nebels,
wiederentdeckt von Michael Zeller
von Johannes Vesper Seite 50
Kulturnotizen
vom Frank Becker und
Andreas Rehnolt
Seite 52
5

6
Als hätten Sie einen Sommertag im Arm
Von der Heydt-Museum Wuppertal
Sisley kommt!
Im September öffnet die große Wuppertaler
Sisley-Ausstellung ihr Pforten
Man merkt Dr. Gerhard Finckh neben
der hellen Begeisterung des Kunstfreundes
die große persönliche Freude an,
wenn er von der kommenden Impressionisten-Ausstellung
berichtet, mit der er
die Erfolgslinie Barbizon – Renoir – Monet
– Bonnard fortschreibt. Der Direktor
des Städtischen Wuppertaler Von der
Heydt-Museums holt nämlich für die
erste Einzel-Ausstellung Alfred Sisleys in
Deutschland überhaupt weltweit Werke
des wohl zartesten, feinsten, „impressionistischsten“
Malers des französischen
Impressionismus in sein Haus, das sich
durch sein Engagement längst einen Ruf
als Tempel dieser Epoche gesichert hat.
Als Franzose darf Sisley (1839-1899)
durchaus gelten, wenn er auch aus einem
englischen Elternhaus stammte und
seine erste Erziehung in London bekommen
hat, wo er schon als junger Mann
Interesse für englische Vorläufer der
Kunstrichtung zeigte, als deren Vertreter
er posthum Weltruhm erlangen sollte.
Richard Parkes Bonnington, William
Turner und John Constable waren damit
quasi seine künstlerischen Taufpaten,
denen alsbald in Frankreich sein Lehrer
Charles Gleyere folgte, bei dem er von
1860 bis 1863 studierte. Aus dieser
Zeit rührt auch Sisleys Freundschaft zu
Auguste Renoir und Claude Monet her,
die wie er zu den Begründern der Schule
wurden, die auch Camille Pissarro, Edgar
Degas und Edouard Manet unter dem
1874 durchaus zunächst von der Kunstkritik
nicht positiv gemeinten Dach des
„Impressionismus“ vereinte. Als legitime
Erben der Schule von Barbizon führten
diese Maler ihren wundervoll lebensnahen,
Licht und Leichtigkeit atmenden
Stil zu der Blüte, die dessen Bilder heute
zu den begehrtesten Objekten auf dem
Kunstmarkt macht.
Kanal – Le canal du Loing, 1884
Von der Heydt-Museum Wuppertal

8
Les Champs, 1874 Leeds, City Art Galleries Copyright Foto: Leeds Museums and Galleries (City ArtGallery) U.K./Bridgeman Berlin
Die Leihgaben u.a. aus Paris, New York,
Toronto, Wien, London, München,
Köln, Madrid, Zürich, Hamburg, Lille
und Denver werden in „10-11 Kapiteln“
nach Lebensabschnitten gehängt, vom 13.
September 2011 bis zum 29. Januar 2012
also in Wuppertal Alfred Sisleys Werden
und Wirken zeigen. Die Vorarbeiten
begannen bereits 2009 – erste Bilder der
Leihgeber werden etwa drei Wochen vor
Ausstellungsbeginn erwartet. Immerhin
bisher 80 Bilder des 884 Gemälde umfassenden
Œuvres Sisleys konnte Dr. Finckh
bis heute zusammentragen, wobei unter
diesen zehn Prozent des Gesamtwerks
sicher einige der Kernstücke vertreten sein
werden. Man kann in Wuppertal dabei
auch auf eigene Bestände zurückgreifen,
denn das Bild „Le canal du Loing“ (1884)
gehört der Städtischen Galerie. Die
Bereitschaft der Museen, sich gegenseitig
mit Leihgaben zu unterstützen, macht
eine solche Ausstellung erst möglich.
Gefragt, was denn andere Häuser sich in
Gegenzug aus Wuppertal erbitten, kann
Gerhard Finckh spontan Paus Cézanne
nennen und Edvard Munchs „Sternennacht“.
Was wird in Wuppertal zu sehen sein?
Natürlich die Flußlandschaften, für die
Alfred Sisley so berühmt war, die Kirche
von Moret-sur Loing, die er in vielen Variationen
gemalt hat, ländliche Szenen aus
der Umgebung von Paris und Lille, seine
dokumentarische Serie „Überschwemmung
in Pont-Marly“ aber auch Motive
aus England, die er während späterer
Aufenthalte gemalt hat. Gerhard Finckh
umreißt Sisleys Œuvre mit einer treffen-
den Bemerkung: „Zauberhaft, duftig,
bewegt – als hätten Sie einen Sommertag
im Arm.“
Möglich gemacht wurde auch diese
Ausstellung, wie schon andere zuvor,
von der Jäckstädt Stiftung. Nun wird die
Werbetrommel gerührt – mit guten Ideen
und einer Kompanie von 100 Pappkameraden,
besser gesagt: 100 Sisleys in
Lebensgröße, die überall da Reklame für
die Ausstellung machen sollen, wo Organisationen,
Firmen, Geschäftsleuten das
durch das Aufstellen gerne im Interesse
des Museums tun möchten. 30 von den
Herren sind schon vergeben, Anfragen
können an das Von der Heydt-Museum
gerichtet werden.
Was auch schon jetzt ins Auge gefaßt
werden sollte, sind Anmeldungen zu
Führungen durch die Ausstellung. Die

Unsere Kulturförderung
ist gut für die Sinne.
Sparkassen-Finanzgruppe
Kunst und Kultur prägen die gesellschaftliche Entwicklung. Die Sparkassen-Finanzgruppe ist der größte nicht-staatliche Kulturförderer
Deutschlands. Auch die Stadtsparkasse Wuppertal ist ein wichtiger Partner für Kunst und Kultur in unserer Stadt. Das ist gut für
die Kultur und gut für Wuppertal. www.sparkasse-wuppertal.de
Sparkasse. Gut für Wuppertal.
Erfahrungen der früheren Impressionisten-Ausstellungen
haben gelehrt, daß
man gut daran tut, sich rechtzeitig eine
solche kundige Führung zu sichern. Alle
Informationen über Kosten, Öffnungszeiten
und Anreise bekommen Sie in einem
Faltblatt des Museums und im Internet:
Kontakt:
von-der-heydt-museum@stadt.wuppertal.de
Informationen unter:
www.sisley-ausstellung.de und
www.von-der-heydt-museum.de
Telefon: 0202-563-2626
Frank Becker
La rade de Cardiff, (Bateaux dans la
Baie de Cardiff), 1897 Reims, Musée des
Beaux-Arts de Reims Copyright Foto: C.
Devleeschauwer /Musée des Beaux-Arts de
la Ville de Reims
S
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10
„Die Dummheit.
Teil IV der Heptalogie des
Hieronymus Bosch“.
Schauspiel von
Rafael Spregelburd
Inszenierung: Christian von Treskow
Ausstattung: Kristina Böcher
Musik: Jens-Uwe Beyer
Fotos: Uwe Stratmann
Die Besetzung: Laetitia Hanon,
Emma Toogood, Jane Pockett,
Berta Wilkinson (Sophie Basse)
Veronica Aldgate, Ivy Posgate, Maggie Dorset,
Flo Cohen, Susan Price (Maresa Lühle)
Robert Finnegan, Martin Stacey-Waddy,
Offi cer Zielinsky, Lee Okazu Buckley,
Carlo Bonelli (Lutz Wessel)
Brad Finnegan, Ken Lemon, Offi cer Wilcox,
John Posgate, Mr. Bancroft (Hendrik Vogt)
Richard Troy, Ralph Dorset,
Offi cer Davis, Donnie Crabtree,
Lino Venutti (Holger Kraft)
v. l. n. r. Maresa Lühle, Hendrik Vogt
Geld oder Wahrheit !
Christian von Treskow setzt für „Die
Dummheit“ auf fünf Verwandlungskünstler
und gewinnt.
Maresa Lühle sieht schrecklich aus. Erschöpft
sitzt sie im Rollstuhl, das Gesicht
mit Kunstblut verschmiert, die Perücke
zerzaust. Als Ivy Posgate erleidet sie in der
Wuppertaler Inszenierung der Komödie
„Die Dummheit“ eine Demütigung nach
der anderen. Gelähmt und stumm, ist sie
den Schikanen ihres sadistischen Bruders
John hilfl os ausgeliefert. Von den skrupellosen
Kunsthändlern Troy und Toogood,
die auf der Suche nach ergaunertem Geld
sind, wird sie überfallen und mißhandelt.
Die größte Demütigung steht Ivy freilich
noch bevor. Als einzige könnte sie den
Millionenbetrug der beiden Kunsthändler
ans Licht bringen und dadurch endlich
aus ihrem Schattendasein heraustreten.
Doch die Polizisten, die sie befragen,
können oder wollen ihre Gebärdenspra-
che nicht verstehen. Schlimmer noch,
am Ende machen sie sich lustig über Ivys
verzweifelte Verständigungsversuche.
Was aber macht das Publikum? Es lacht
aus vollem Halse. Erst wenn das Gelächter
verebbt, wird sich mancher Zuschauer
fragen, ob er eher über die dummen
Polizisten oder über das Opfer ihrer
Dummheit lacht. Und vielleicht wird er
sich ertappt fühlen und erkennen, wie
nahe ihm die Figuren des Stücks tatsächlich
stehen.
Im amerikanischen Nirgendwo
Das Geschehen um Ivy Posgate ist nur
einer von mehreren Handlungssträngen,
die in „Die Dummheit“ zunächst parallel
laufen und sich dann – in Anlehnung an
Robert Altmans „Short Cuts“ – virtuos
miteinander verknüpfen. Alle Handlungen
sind in den tristen Vorstädten von
Las Vegas mit ihren anonymen Highway

motels situiert. Dieser Gesichtslosigkeit
entspricht das einheitlich weiße Hotelzimmer
mit kleinem Bad und Minibar,
das Bühnenbildnerin Kristina Böcher auf
die Bühne des Kleinen Schauspielhauses
stellt. Eine ideale Projektionsfl äche im
doppelten Sinn, denn einerseits wechselt
die Handlung tatsächlich nur von einem
Motel zum nächsten und andererseits
lassen sich auf den kleinen weißen Raum
weite Wüstenlandschaften projizieren –
zum Schluß des Stücks sogar ein Abspann
in Schwarz-Weiß als Hommage an den
Hollywoodfi lm.
Der Tanz ums Goldene Kalb
Natürlich ist die räumliche Nähe zum
amerikanischen Mekka der Glücksspieler
vom Autor Spregelburd bewußt gewählt.
Sein Stück illustriert auf ebenso anschauliche
wie komische Weise das Sprichwort
“Money talks, truth only whispers!”.
v. l. n. r. Holger Kraft, Lutz Wessel, Maresa Lühle, Sophie Basse
Mit Ausnahme von Ivy, die durch ihre
zweifache Behinderung außen vor bleibt,
sind alle Figuren eifrig darum bemüht,
entweder an Geld zu kommen oder es
zu behalten. Da sind die drei korrupten
Polizisten, die unterschlagenes Geld
geradezu zwanghaft ausgeben müssen.
Da ist die skurrile Spielergemeinschaft,
die beim Roulette statt dem großen Geld
jeden Abend nur 151 Dollar gewinnt.
Den Kunsthändlern Troy und Toogood
geht es ganz so wie ihren Kunden nicht
um Kunst, sondern um das Kapital,
das man daraus schlagen kann. Ihr fast
vollständig verblichenes Gemälde, das sie
als „neo-modernes“ Meisterwerk ausgeben,
erinnert an das monochrome Bild in
Yasmina Rezas „Kunst“.
Selbst der idealistische Wissenschaftler
Robert Finnegan kann sich dem hektischen
Tanz um das Goldene Kalb nicht
entziehen, obwohl er deutlich vor Augen
hat, wohin die große Gier führt: „Wir
leben in Zeiten enormer Dummheit!“
So will er denn auch ursprünglich seine
Lösung der berühmten Lorenz’schen Gleichung
um keinen Preis veröffentlichen,
weil er die Welt noch nicht reif dafür hält.
Doch die prekäre Lage seines Sohnes, der
ebenso gefährlichen wie falschen Mafi osi
Geld schuldet, zwingt ihn zum Umdenken.
Als er seine Erkenntnisse schließlich
in die Öffentlichkeit bringt, ist diesen ein
ähnliches Schicksal beschieden wie Ivys
Wahrheiten. Denn das Geld hat das große
Wort …
Verwandlungskünstler
Rafael Spregelburd hat seinen Bilderbogen
nach Hieronymus Bosch mit einem
wunderbar bunten Figurenensemble
bevölkert. Christian von Treskow vertraut
die zwei dutzend Rollen zwei Schauspielerinnen
und drei Schauspielern an. Das
Ergebnis ist großartig. Dank der Professi-
11

12
onalität von Maresa Lühle, Sophie Basse,
Lutz Wessel, Holger Kraft, Hendrik Vogt
gelingt noch der schnellste Kostüm- und
Rollenwechsel. Selbst wenn gegen Ende
der fast dreistündigen Inszenierung die
eine oder andere Perücke schief sitzt oder
ein Schnurrbart halb von der Oberlippe
absteht, stört dies kein bißchen die
Illusion, es hier mit weit mehr als fünf
Spielern zu tun zu haben. Neben Maresa
Lühle glänzt besonders Lutz Wessel
Sophie Basse, Holger Kraft, Lutz Wessel
durch seine Darstellung des japanischen
Geschäftmanns Lee Okazu Buckley, die
das Romanklischee des geheimnisvollen
Asiaten auf die groteske Spitze treibt.
Mit „Die Dummheit“ hat Regisseur von
Treskow nach „Eine Billion Dollar“ und
„Der Kirschgarten“ dem großen Thema
„Geld“ eine weitere gelungene Inszenierung
gewidmet. Gelungen auch deshalb,
weil das Stück Wahrheiten ausspricht, die
bei Diskussionen ökonomischer Natur
keinen Platz haben – auch auf das Risiko
hin, daß dem Zuschauer mitunter das
Lachen im Halse stecken bleibt.
Weitere Informationen unter:
www.wuppertaler-buehnen.de
Daniel Diekhans
Fotos: Uwe Stratmann

Die Zeichnungssammlung
Bernd und Verena Klüser
15. März – 19. Juni 2011
„Zeichnung ist Kammermusik und keine
große Oper.“
(Bernd Klüser)
Taddeo Zuccaro (1529-66), Satyr
Feder, laviert, 25,9 x 20,1 cm
Sammlung Bernd und Verena Klüser,
Salvator Rosa (1615-73), Studie eines
jungen Mannes, Feder und Kreide, laviert
14,5 x 9,2 cm, Zeichnungssammlung
Bernd und Verena Klüser, München
Zettels Traum
Das Hauchartige wahrnehmen
Das „Hauchartige wahrzunehmen als
ästhetisches Konzept“ empfahl Joseph
Beuys dem Betrachter von Arbeiten seines
Schülers Blinky Palermo. Unschwer läßt
sich diese Idee auch auf die Kunst der
Zeichnung früherer Jahrhunderte beziehen:
Anrührend feine Federzeichnungen
italienischer Künstler des 16. Jahrhunderts
wie Giovanni Francesco Barbieri,
Stefano della Bella oder Fra Bartollomeo
bilden den chronologischen Auftakt
zu der überaus reichen Sammlung von
Zeichnungen aus fünf Jahrhunderten,
die Bernd und Verena Klüser über vierzig
Jahre hinweg zusammen getragen haben.
Ihre ersten Blätter von Joseph Beuys erwarben
die Klüsers bereits Ende der 60er
Jahre – mittlerweile ist alleine ihr Bestand
an Beuys-Arbeiten auf 130 angewachsen.
Unter dem Titel „Zettels Traum“ stellt
das Von der Heydt-Museum die Sammlung
des aus Wuppertal stammenden
Galeristenpaars Bernd und Verena Klüser
erstmalig der Öffentlichkeit in diesem
Umfang vor. Die Parallele zu Arno
Schmidts hochkomplexem Meisterwerk
„Zettels Traum“ liegt auf der Hand: Wie
dem Schriftsteller, so genügt oft auch
dem bildenden Künstler ein einfacher
Papiergrund und ein Stift oder eine Feder,
um spontan und unmittelbar Ideen und
Notate festzuhalten. Und im Verlaufe der
fünf Jahrhunderte, in der sich die Sammlung
Klüser bewegt, sind die technischen
Mittel erstaunlich gleich geblieben.
Ein Bogen von 500 Jahren
Ein Schädel, von unbekannter italienischer
Hand im 17. Jahrhundert mit Rötel
skizziert, zauberhafte Landschafts- und
Naturdarstellungen und Reminiszenzen
an die Antike eröffnen den Reigen der
ausgestellten Arbeiten. Anthonys van
Dyck und Rembrandt van Rijn gehören
zu den Meistern, die hier vertreten sind,
ebenso wie Jean-Honoré Fragonard, Johann-Heinrich
Füssli, Jean-Auguste-Dominique
Ingres oder Wilhelm Leibl. Zu
den jüngeren zeitgenössischen Künstlern
der genau 220 Werke, die in Wuppertal
bis zum 19. Juni zu sehen und nur ein
Auszug aus der umfangreichen Sammlung
sind, gehören Sean Scully, Jan Fabre und
David Godbold. Die Berliner Künstlerin
Jorinde Voigt, der innerhalb der Ausstellung
ein eigener Raum gewidmet ist und
deren Werk von Julia Klüser betreut wird,
ist mit ihren zarten, federleicht wirkenden
graphischen Großformaten sicherlich eine
der spannendsten Neuentdeckungen.
Hier begegnen sich in fesselnder Phantasie
Musik, Poesie und Zeichenfeder.
Mit umfangreicheren Werkkomplexen
sind neben Beuys und Palermo so unterschiedliche
Künstler wie Andy Warhol
(Lenin) oder Alberto Giacometti in der
Sammlung vertreten. Zur Kunst der
klassischen Moderne zählen des weiteren
Henri Matisse, Francis Picabia, Ernst
Ludwig Kirchner, Julio Gonzales (Junges
Mädchen, lesend) oder Giorgio Morandi,
von denen ebenfalls Blätter von ausgesuchter
Qualität zu sehen sind. Weitere
Höhepunkte der Zeichnungskunst
stammen von den Malern der italienischen
Transavanguardia, Enzo Cucchi
und Mimmo Paladino. Ein Blatt von Max
Beckmann zeigt mit dem „Frauenraub“
eine kraftvolle Studie, Ernst Wilhelm
Nays Aquarell 1964 erinnert zart an Emil
Nolde, während Nay Otto Freundlichs
„Komposition“ (1938) wie einen Impuls
empfunden haben könnte.
Schwerpunkt 20. Jahrhundert
„Munch … war der Auslöser meines
Interesses an der Moderne. Vor 50 Jahren
schrieb ich über ihn die ersten unbeholfenen
Zeilen im Kunstkontext – in
der Schülerzeitung meines Wuppertaler
Gymnasiums“, erzählt Bernd Klüser im
Interview des zweibändigen Katalogs.
Munchs lithographiertes Selbstportrait
aus dem Jahr 1895 (sein erstes) zeigt
in reifer Klarheit den nachdenklichen,
in sich gekehrten Blick des expressionistischen
Künstlers, dessen zwei Jahre
zuvor gemalter „Schrei“ ein Manifest des
Expressionismus ist.
Jannis Kounellis (4 – o.T.), Tony Cragg
oder Olaf Metzel sind nur einige weitere
Künstler, die in den folgenden Jahren
als brillante Zeichner und Grafi ker die
Aufmerksamkeit des Sammlerpaares auf
sich zogen. Aber auch Außenseiter wie der
taubstumme amerikanische Autodidakt
James Castle oder bekannte Größen wie
13

14
Sean Scully, Ohne Titel, 4.28.97, Aquarell auf Bütten, 76 x 57,2 cm, © Sean Scully Zeichnungssammlung Bernd und Verena Klüser, München

Victor Hugo, Louise-Adolphe Soutter
oder John Cage, deren grafi sche Arbeiten
noch zu entdecken sind, entgingen dem
Kennerblick nicht.
Der Schwerpunkt der Sammlung liegt auf
der Kunst des 20. Jahrhunderts. Es ist die
selbst gestellte Herausforderung, Neues
kennen zu lernen und zu vertiefen, die
Bernd und Verena Klüser - als Galeristen
ausgewiesene Spezialisten im Bereich der
modernen Kunst – weiter dazu veranlaßten,
für die eigene Sammlung auch alte
Kunst zu erwerben. Ihnen geht es um die
Zeichnung als Medium, nicht um die
historische Einordnung. Der Bezug zu
heutigen modernen Ansätzen leitet den
Blick auf die vorangegangenen Jahrhunderte
und sucht nach Parallelen, wie an
einem prominenten Beispiel deutlich
wird: etwa der nervös suchenden Linie,
die sich bei Palma Il Giovane genauso wie
im graphischen Oeuvre Alberto Giacomettis
nachverfolgen läßt.
Die Zeichnung als autonomes Kunstwerk
Auch die Themen verbinden historische
und aktuelle Kunst, wobei es sich
eher um philosophische und poetische
Sentenzen handelt, als um das repräsentative
Motiv oder die große Erzählung.
Die Sammlungstätigkeit orientiert sich
folglich nicht an Bildmotiven; relevant
ist einzig die individuelle, künstlerische
Umsetzung einer Bildidee in das Medium
der Zeichnung.
Eine grundlegende Eigenschaft der Zeichnung
über die Jahrhunderte hinweg, die
in dieser Sammlungsausstellung deutlich
wird, ist, daß Künstler hier oftmals
experimentelle Gestaltungsansätze wagen,
die der Malerei oder Skulptur den Weg
zu neuen Methoden weisen. Die „intime
Nähe zum Arbeitsprozeß“ wird zwar erst
in der aktuellen Kunst zum Programm,
das Ringen um Idealform und persönlichem
Stil wird jedoch bei Künstlern aller
Jahrhunderte gerade in der Zeichnung
offenbar. Deshalb ist das Faszinierende
so vieler älterer Zeichnungen, daß sie,
wie Bernd Klüser sagt, bereits vor dem
Beginn der eigentlichen Moderne im 19.
Jahrhundert erstaunlich modern sind.
Die Zeichnung wird in dieser Sammlung
als autonomes Kunstwerk begriffen,
nicht als Beiwerk, etwa als Vorstufe zum
elaborierten Gemälde. Sie ist eine intime,
private, eine sehr persönliche Zwiesprache
des Künstlers mit sich selbst, mit
seiner Beobachtungsgabe, mit seinen
künstlerischen Möglichkeiten und seinem
technischen Können, mit seinen Ideen
und Zielen, und mit einem eher zufällig
in diesen Prozeß eintretenden Betrachter.
„Eine Zeichnungsausstellung ist keine
große Oper, sondern eher ein Kammerkonzert“,
folgert Bernd Klüser. Weder
spektakulär noch populistisch, lädt die
Zeichnung zum ästhetischen Kunstgenuß,
zum Nachdenken, zum kritischen
Vergleichen und Erkenntnisgewinn ein.
Opulentes Katalogwerk
Zur Ausstellung erscheint im Verlag des
Museums ein opulenter, zwei Bände
umfassender Katalog, herausgegeben von
Bernd Klüser, mit insgesamt 642 Seiten
und zahlreichen Abbildungen, einem
Interview mit dem Herausgeber, einem
Einführungstext von Michael Semff, Leiter
der Staatlichen Graphischen Sammlung
München und ausführlichen Werktexten
von Christian Quaeitzsch. Provenienzen
und Indexe erschließen die Bände
mustergültig. Der Preis von nur 50,- ist
angesichts der hohen Qualität und des
Umfanges der in Ganzleinen gebundenen
und mit Schutzumschlägen versehenen
beiden Katalogbände gering.
Ein zusätzlicher großformatiger Einzelband
im Softcover zum Werk Jorinde
Voigts gibt hervorragend Einblick in deren
humorvolle Arbeits- und Gedankenwelt,
die spontan an den Federstrich Paul Floras
erinnert. Der Band von 144 Seiten ist im
Verlag Hatje Cantz erschienen und kostet
25,– Euro.
Dr. Beate Eickhoff
und Frank Becker
Weitere Informationen unter:
www.von-der-heydt-museum.de und
www.hatjecantz.de
Anton van Dyck (1599-1641), Diana und Acteon, circa 1618/20, Feder und Kreide, laviert, 9,5 x 22,3 cm, Sammlung Bernd und Verena Klüser
15

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Begegnungen in der Hochschule
für Musik und Tanz Köln /
Standort Wuppertal
„Günter Wand-Haus“
Variation IV:
Musikalische Außenseiter
Es geht um die unausgesprochenen
Manchen Musikinstrumenten gegenüber
haben manche Menschen Vorurteile
– dazu gehörte auch ich. Bei Gitarre,
Mandoline und Akkordeon assoziierte
ich Folklore und war eher skeptisch. Bei
der Gitarre noch am wenigsten, da mir
bekannt war, dass sie eine lange Tradition
als Soloinstrument in der Konzertmusik
besitzt und auch im Flamenco
eine bedeutende Rolle spielt. Unnötig
zu sagen, dass meine Vorurteile durch
den Besuch so mancher Konzerte in der
Musikhochschule verschwunden sind.
Erst recht eines Besseren belehrt wurde
ich durch Gespräche und Hospitationen
im Unterricht.
Professor Gerhard Reichenbach spielt ausschließlich
Konzertgitarre. Ihn faszinieren
der Obertonreichtum und der individuelle
Klang dieses Instrumentes. E-Gitarre
lehrt er nicht. „Bei der klassischen Gitarre
ist der Spieler mit seiner Seele und mit
seinem Körper dem Instrument so nah
wie sonst nur Sänger und Harfi nisten,
denn beide Hände berühren unmittelbar

Dinge, die nie geschrieben stehen
das schwingende Medium. Daher entsteht
ein sehr persönlicher Ton.“
Reichenbachs Vater war Amateurmusiker.
Jeden Abend, wenn er von der Arbeit
kam, hat er seine Gitarre zur Hand genommen
und gesungen und gespielt. Dabei
wirkte er so entspannt, dass der Sohn
es dem Vater nachtat. Schnell erkannten
die Eltern das Talent des Kindes, und bereits
nach vier Jahren Musikschule durfte
der junge Reichenbach sein Studium an
der hiesigen Musikhochschule fortsetzen.
Bei Professor Kreidler wusste er, dass er
„exellent unterrichtet und motiviert wurde,
denn der Dozent hat es verstanden,
die Lust am Instrument zu wecken.“ Alle
bisherigen Hochschulleiter, die Reichenbach
kennen gelernt hat – Ingo Schmidt,
Karlheinz Zarius, Dieter Kreidler und
Lutz-Werner Hesse sind in seinen Augen
Persönlichkeiten mit Visionen, die alle
kraft einer Fülle von kulturellem Wissen
und Erfahrung der Phase ihrer jeweiligen
Tätigkeit ihren persönlichen Stempel
aufzudrücken wussten und vor allem stets
offen waren und sind.
So arbeiten auch alle Dozenten für Gitarre
wie in einer großen Familie miteinander
im gegenseitigen Austausch. Die Studenten
dürfen überall hospitieren, Bewertungskriterien
liegen offen, und man macht
gemeinsam Pläne.
Reichenbach ist seit 16 Jahren Hochschullehrer
und gehört darüber hinaus zu den
international erfolgreichsten Konzertgitarristen
mit zahlreichen Einladungen
zu Gitarrenfestivals an großen Konzerthäusern.
Bei Schnupperkursen und bei Anmeldungen
zur Aufnahmeprüfung ist die
Gitarre das weitaus beliebteste Instrument,
und Studierende aus Wuppertal sind bei
Wettbewerben häufi g unter den Preisträgern
zu fi nden.
Die Gitarre ist äußerst vielseitig, man kann
ebenso melodisch wie akkordisch spielen,
und als Begleitinstrument ist sie recht
einfach zu lernen. Man kann sie schlagen
oder zupfen und homophon und polyphon
spielen. Sie hat ihren Platz ebenso in
der Folklore wie in der Kunstmusik. Die
Melodiegestaltung ist allerdings technisch
äußerst anspruchsvoll und subtil. Das Publikum
muss sich jeweils in den sehr persönlichen
Ausdruck des Interpreten einhören,
„denn jeder gezupfte Ton verzaubert, weil
er seinen eigenen Mikrokosmos hat.“
Deshalb bleiben Konzerte für die akustische
Gitarre den Kennern und Liebhabern
vorbehalten.
Um den optimalen Klang zu erwirken,
braucht der Spieler eine bestimmte Körperhaltung
und eine Körperspannung, die
besonders für ein Kind schwer durchzuhalten
ist und in der Ausbildung zu Krisen
führen kann. Zum Beispiel ändert sich die
Körperhaltung, je nachdem ob die Saite
von Innen oder von Außen gezupft wird.
Bei Flamencospielern kann man beobachten,
dass sie entsprechend den klanglichen
Erfordernissen alle möglichen Körperbewegungen
vollführen, deshalb ist Flamenco
ein guter Ausgleich. Allerdings - „um ihn
richtig zu spielen, muss man ihn mit der
Muttermilch eingesogen haben.“
Wie werden die Absolventen der Hochschule
ihr Hauptfachinstrument berufl ich
nutzen können? Überall gibt es Konzertreihen
für klassische Gitarre, sie ist das meist
gefragte Instrument im Privatunterricht, an
Musikschulen und an Musikhochschulen,
nicht nur an der hiesigen. Auch bei Festivals
und bei Wettbewerben sind Gitarristen
17

18
beliebt. In Wuppertal gibt es sogar einen
Lehrauftrag für Gitarrenkorrepetition:
Rupert Gehrmann begleitet die Mandolinenspieler
auf der Gitarre, je nach Bedarf ist
die Gitarre dann Akkord- oder Melodieinstrument.
Wahrscheinlich ist die Gitarre im 13. Jahrhundert
aus dem Orient über Spanien nach
Europa gelangt. Im 18. Jahrhundert wurde
sie ein beliebtes höfi sches Instrument, bis
sie gegen Ende des 18. Jahrhunderts zunehmend
von der Jugendbewegung vereinnahmt
wurde. Im Jazz verdrängte sie das Banjo,
und in der Rock- und Popmusik wird sie
elektronisch verstärkt, aber das ist eine andere
Welt.
Die Mandoline kommt aus Italien und ist
wie die Gitarre ein Saiten- und Zupfi nstrument.
In der klassischen europäischen
Musik erklingt sie hauptsächlich als
Melodieinstrument; ihre Hochblüte erlebte
sie im 17./18. Jahrhundert in Paris,
als zahlreiche Mandolinisten aus Italien
dorthin ausgewandert sind. Die Literatur
für Mandoline ist weniger zahlreich
als die für Gitarre, aber sie erfreut sich
zunehmender Beliebtheit in der Neuen
Musik. Schon Gustav Mahler hat das
leuchtend hell klingende Instrument in
seiner 8. Sinfonie eingesetzt, aber auch
Respighi, Schönberg, Webern und Henze
und viele andere verwendeten es in ihren
sinfonischen Werken.
Frau Professor Lichtenberg hat mindestens
europaweit die einzige Professur
für Mandoline inne. Sie probt für ein
Konzert ein Stück von Alessandro Rolla,
einem Komponisten der Wiener Klassik,
mit einem Quartett aus Querfl öte, zwei
Mandolinen und Gitarre. Die Studierenden
haben das Stück bereits vorbereitet,
und nun geht es um die musikalische
Gestaltung: „Wir müssen den Reiz herauskitzeln.“
Die Dozentin bittet um „ein
wenig mehr Schmelz, ein bisschen Wiener
Schmäh, schließlich liegt Österreich
zwischen Deutschland und Italien.“ Jeder
Spieler soll die Stimme der anderen so gut
kennen, dass man bewusst miteinander
kommunizieren kann und sich die Leichtigkeit
der Musik im gegenseitigen Zulächeln
spiegelt. „Alles muss genießerisch
vorgetragen werden, mit Charme! Die
Gitarre mit der scheinbar langweiligsten
Stimme hat die größte Herausforderung.
Sie muss sich an entsprechenden Stellen
hervortun, sich wichtig machen und so
zelebriert werden, dass sie die Mitspieler
wie auf einem Tablett tragen kann. Alles
soll galant klingen, nicht preußisch.“ So
anschaulich teilt sich die Dozentin mit.
Immer wieder zieht sie Parallelen zur
Sprache. Dazu gibt es Tricks für die Tongestaltung:
Bereits die Art des Fingeraufsatzes
auf die Saite kann dem Ton eine bestimmte
Farbe geben: „Der Ton muss noch
einen Bauch kriegen nach dem Anschlag.“
Wichtig sind die Phrasierungen. Damit
die einzelnen Teile des Stückes ineinander
übergehen, müssen Übergänge musikalisch
„abgefangen“ werden. Wiederholungen
dürfen niemals gleich gespielt werden,
„sonst klingt es so langweilig wie bei der
Telefonansage.“
Frau Lichtenberg hat bereits mit 6 Jahren
mit dem Mandolinenspiel begonnen und
damals als Kind in Magdeburg in einem
Mandolinenorchester mitgewirkt. Ihr

ist es sehr wichtig, dass ihre Studenten
beizeiten mehrere Standbeine fi nden. Sie
sollen möglichst konzertieren, an Musikschulen
arbeiten, unterrichten und
Lehrgänge abhalten, um frühzeitig ihre
berufl ichen Möglichkeiten zu fi nden.
Ihre Klasse ist international – neben den
deutschen Studenten kommen auch einige
aus Osteuropa, Kolumbien oder Asien,
sie selbst konzertiert in der ganzen Welt.
Inzwischen interessieren sich immer mehr
Komponisten für die Reize dieses kleinen
Instrumentes. Sogar Lutz-Werner Hesse,
Geschäftsführender Direktor der Hochschule,
hat Werke für Mandoline Solo und
für Mandolinenorchester geschrieben.
Auch das Akkordeon ist ein Instrument, das
bei zeitgenössischen Komponisten zunehmend
an Beliebtheit gewinnt.
Beim Akkordeon wird der Ton durch eine
Metallzunge erzeugt, die mittels eines luftgefüllten
Balges in Schwingung versetzt wird.
Akkordeon heißt es, weil die linke Hand
durch Drücken von Knöpfen feststehende
Akkorde spielen kann. Die Anfänge dieses
Instrumentes liegen fast 3000 Jahre zurück
in Ostasien; in China war es als Mundorgel
bekannt. Um 1821 verwendete Friedrich
Buschmann Metallzungen auf Holzbrettchen
zum einfacheren Stimmen von Orgeln.
Von ihm stammt die Idee, mehrere solcher
Zungen auf einem Klangholz so anzuordnen,
dass man sie mit dem Mund anblasen und in
Schwingung versetzen konnte, daraus wurde
dann die Mundharmonika. Bis zur hochkomplizierten
Konstruktion des modernen Akkordeons
sollten noch hundert Jahre vergehen.
Helmut Quakernack, Lehrbeauftragter für
Akkordeon an der Musikhochschule, erzählt
von der Entwicklung des Instrumentes.
Das Schifferklavier galt als Instrument des
kleinen Mannes, es gab weder Literatur noch
Ästhetik, der Spieler war in der Regel Autodidakt.
Das änderte sich nach dem Zweiten
Weltkrieg, als durch technische Neuerungen
polyphones Spiel möglich wurde. Vorher
konnte man lediglich mit der rechten Hand
auf der Tastatur Melodien spielen und mit
der linken Akkorde. „Erst als die technische
Entwicklung es ermöglichte, dass auch die
linke Hand Melodien spielen konnte, weckte
das Instrument allmählich das Interesse
der Komponisten. Inzwischen haben unter
anderen bedeutenden Komponisten der
Neuen Musik wie Luciano Berio, Mauricio
Kagel und Sofi a Gubaidulina eine Reihe von
anspruchsvollen Stücken für das Akkordeon
geschrieben. Auch Werke des Bandoneon-
Interpreten und Komponisten Astor
Piazolla werden gern von Akkordeonisten
in Konzertprogramme aufgenommen.“ Das
„Bajan“ ist eine weitere Form des Akkordeons.
Es hat einen ebenso großen Tonumfang
wie das Klavier und besitzt für beide Hände
ausschließlich Knöpfe. Der Klang ist etwas
wärmer und voller als der des Akkordeons.
Der Spieler muss beide Varianten beherrschen.
In Wuppertal kann man im Haupt- und
Nebenfach Akkordeon studieren.
In der Unterrichtsstunde wird intensiv an
einem schwierigen Stück des Japaners Maki
Ishii von 1987 gearbeitet. Es heißt „Tango.
Prism“ und ist zum einen eine Persifl age
auf den Rhythmus des Tango, zum anderen
auf die verschiedenen Emotionen, die
dieser Tanz evozieren kann. Daher besteht
das Stück aus mehreren Teilen. Helmut
Quakernack sieht die Schwierigkeit darin,
es nicht „patchworkartig“ zu spielen,
sondern den großen Zusammenhang
hörbar zu machen. Peter Lohmer, der im
ersten Semester Akkordeon studiert, rät er,
innerlich mitzuatmen und die Abschnitte
ausschwingen zu lassen, indem unmerklich
Lautstärke und Tempo reduziert werden: „Es
geht um die unausgesprochenen Dinge, die
nie geschrieben stehen. Du musst Dir Dein
inneres Dirigat geben. Als Solist ist man sein
eigener Dirigent.“
Eine besondere Schwierigkeit ist der Registerwechsel,
der durch das Drücken von
Knöpfen mit dem Kinn auf der Oberseite
des Instrumentes erfolgt . Auch das muss
mitgeübt werden. Das Akkordeon kann
theoretisch endlos lange Töne halten, doch
irgendwann muss der ausgezogene Balg wieder
zusammengedrückt werden. Auch dieser
Balgwechsel muss mitgeübt werden, denn
er soll möglichst unhörbar erfolgen. Das ist
besonders diffi zil bei den tiefen Tönen, da
die größeren Zungen schwerer ansprechen.
Hört man in das Instrument hinein, wird
schnell deutlich, welche besonderen klanglichen
Möglichkeiten es bietet. „Tango.Prism“
beginnt z.B. mit einem Tangorhythmus, der
fast tonlos, nur durch ruckartiges Bewegen
des Balges erzeugt wird.
Besondere Prüfsteine sind für Quakernack
polyphone Klangwerke der Barockmusik
und der Klassik. „Durch sehr variables und
differenziertes Artikulieren des Tones durch
jeden einzelnen Finger wird versucht, diese
Musik äußerst transparent zu spielen. Im
Gegensatz zum Klavier, dessen Ton sofort
nach dem Anschlag leiser wird und damit
nachfolgenden Tönen Raum zur Entfaltung
lässt, erklingt beim Akkordeon ein Dauerton.
Dies führt besonders bei vielstimmigen
Fugen häufi g zu einem zu dichten
Klangbild.“ Für Helmut Quakernack ist das
Studium von Bachs polyphonen Stücken
ein unbedingtes „Muss“, um sich in der
Spieltechnik weiter zu entwickeln.
Das Akkordeon hat nicht nur unglaublich
vielfältige Klangmöglichkeiten, sondern es
lässt sich problemlos mit zahlreichen anderen
Musikinstrumenten oder mit Gesang
kombinieren. Das war besonders gut bei den
Konzerten zum Ende des Wintersemesters
zu hören. Im Zusammenspiel wird deutlich,
wie der vergleichsweise warme Ton der
Gitarre die silbrig hell klingende Mandoline
kontrastiert. Gerade die zeitgenössischen
Komponisten entlocken allen drei Instrumenten
ungeahnte Klangmöglichkeiten.
So ist der „Rail Road Song“ von Yasuo
Kuwahra eine witzige musikalische Eisenbahnfahrt
zweier duettierender Mandolinen.
Das Akkordeon erscheint geradezu beseelt,
wenn das Atmen des Balges in die Musik
einbezogen wird. Man darf gespannt sein,
wie sich die einstigen Außenseiter in den
verschiedenen Ensembles moderner Musik
behaupten werden.
Marlene Baum
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Georg Köhl
inszeniert in Wuppertal „Arabella“
von Richard Strauss
Musikalische Leitung: Hilary Griffi ths
Inszenierung: Georg Köhl
Bühnenbild: Peter Werner
Kostüme: Claus Stump
Dramaturgie: Ulrike Olbrich
Fotos: Sonja Rothweiler
Die Besetzung: Arabella: Banu Böke
Mandryka: Kay Stiefermann
Zdenka: Dorothea Brandt
Graf Waldner: Michael Tews
Gräfi n Adelaide: Joslyn Rechter
Matteo: Oliver Ringelhahn
Elemer: Boris Leisenheimer
Dominik: Miljan Milović - Lamoral:
Thomas Schobert - Fiaker-Milli: Elena Fink
Kartenaufschlägerin: Marina Edelhagen
Welko: Philipp Werner
Zimmerkellner: Mario Trelles Diaz
Chor der Wuppertaler Bühnen
Sinfonieorchester Wuppertal
Fink, Böke, Chor - Foto: Sonja Rothweiler
Zwei Paare, zwei Schwestern
Für die Oper „Arabella“ von Richard
Strauss steuerte der Dichter Hugo von
Hofmannsthal zum letzten Mal vor seinem
unerwarteten Tod 1929 das Libretto
bei. Die Wuppertaler Bühnen bringen das
Werk nun in der Regie von Georg Köhl
und unter der musikalischen Leitung von
Hilary Griffi ths heraus.
Die Titelheldin ist Tochter des Grafen
Waldner, der das Familienvermögen beim
Glücksspiel durchgebracht hat und jetzt
nach einer guten Partie für sie sucht. Es
fehlt nicht an passenden Kandidaten; aber
die eigensinnige Arabella (raumgreifend:
Banu Böke) ist für einen unbekannten
Fremden entbrannt. Schon ihr Wechselbad
der Gefühle spiegelt sich deutlich
in der Musik: Ihr Gesangspart vor dem
Faschingsball, von dem sie sich ein
Treffen mit dem Geliebten erhofft, drückt
bald Zuversicht aus, bald Zweifel, und
schließlich mischen sich schon die ersten
Walzerklänge hinein.
Wie es der Zufall des Textes will, hat ihr
Vater (Michael Tews als komische Figur)
Arabellas heimliche Liebe, den Grafen
Mandryka, durch einen Irrtum bereits
auf seine Tochter aufmerksam gemacht;
und der wohlhabende Kroate schwärmt
zu Beginn des Balls auch gleich: „Das ist
ein Engel, der vom Himmel niedersteigt“
(Bariton Kay Stiefermann eröffnet kraftvoll
den zweiten Akt). Kaum einander
vorgestellt, folgt schon Arabellas Versprechen:
„Und du wirst mein Gebieter sein
und ich dir untertan“ – trotz der heute
womöglich befremdlich anmutenden
Unterwerfungsrhetorik eine der bekanntesten
Strauss-Arien.
Doch dann drängt der andere Handlungsstrang
in den Vordergrund, der der
Oper den nötigen Konfl iktstoff verleiht:
Arabellas Schwester Zdenka (zart:
Dorothea Brandt) wurde gezwungen, als
Junge herumzulaufen, und hat sich in den
Kopf gesetzt, ihre privilegierte Schwester

mit deren verzweifeltem Verehrer Matteo
(Tenor Oliver Ringelhahn) zusammenzubringen,
den eigentlich Zdenka selbst
liebt. Wenn sie diesem dann den Schlüssel
zu Arabellas Zimmer übergibt, um ihn
dort selbst zu empfangen, übernimmt
ihre ehrliche Sorge für Matteo die Funktion,
für die es sonst in vielen Stücken eine
Intrige gibt: Irritation und (hier vorübergehende)
Trübung des Liebesglücks. Ihr
doppeltes Spiel aus besten Motiven weckt
Mandrykas Eifersucht, der den Schlüssel
mißversteht und Untreue Arabellas vermutet;
es verwirrt aber auch den unglücklichen
Matteo, der nicht verstehen kann,
wieso die Angebetete ihm nur mit Kühle
begegnet – trotz mehrerer verliebter Briefe
(die in Wahrheit von Zdenka stammen).
„Mir graut vor so viel Virtuosität“, läßt
das Libretto ihn ironisch klagen, und die
Partitur macht die Konfusion mit gehetztem
Tempo hörbar. Zwischendurch sorgt
die frivole Fiaker-Milli (Elena Fink) mit
schrillen Intervallen für Bewegung.
Böke, Ringelhahn - Foto: Sonja Rothweiler
Am Ende löst sich alles in (auch musikalische)
Harmonie auf, und Arabella bekennt
durchaus selbstkritisch: „Zdenkerl,
du bist die Bessre von uns zweien: Du
hast das liebevollere Herz.“ Übrigens ist
die Kontrastierung der beiden ungleichen
Schwestern vielleicht sogar interessanter
als die Haupthandlung, und das Duett
Zdenkas und Arabellas im ersten Akt
gehört zu den rührendsten Momenten
des Abends.
Fazit: Starke Charaktere, sichere Stimmen,
sinnfällige Musik – und eine Regie,
die eine eher handlungsarme Geschichte
mit einem Augenzwinkern zum Vergnügen
macht.
Weitere Informationen unter:
www.wuppertaler-buehnen.de
Martin Hagemeyer
Brandt, Ringelhahn -
Foto: Sonja Rothweiler
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Schloss Lüntenbeck stoffl ich erlebt
Textilmarkt Schloss Lüntenbeck
Fotos Jörg Lange
Textil in Wuppertal steht für eine erfolgreiche
Vergangenheit, von der in der Stadt nur
wenige Spuren geblieben sind. Im Verborgenen
aber ist das Thema ganz gegenwärtig.
Zu den herausragenden Traditionsbetrieben
zählt die Bandweberei Kafka, in der Frauke
Kafka der Spagat gelungen ist, historische
Technik und modernes Design zu verbinden.
Die dort entstehenden Bänder sind
schon lange kein Geheimtipp mehr. Vor
einigen Jahren hatte Frau Kafka die schöne
Idee, die Gegenwart textiler Produkte und
Techniken auf einem Markt in Schloss
Lüntenbeck zu zeigen und damit ein sehr lebendiges
Lebenszeichen der nur anscheinend
ausgestorbenen Branche im Tal zu setzen.
Immer wieder Himmelfahrt - nun öffnet
der Textilmarkt Schloss Lüntenbeck schon
zum sechsten Mal seine Pforten. In der
stimmungsvollen Schlossatmosphäre von
Hof und Garten bieten 50 Aussteller ein
vielseitiges Angebot. Die unterschiedlichen
Gestaltungsweisen und stilistischen
Aussagen der angebotenen Kollektionen
zeigen eine Varietät, wie sie selten in einem
solchen Rahmen zu fi nden ist. Die breite
Palette der Anbieter überzeugt durchweg
mit anspruchsvollem Design in qualitativ
hochwertiger und modisch aktueller
Ausführung.
In und um Wuppertal sind auch heute
noch mehr im besten Wortsinne eigenwillige
Kreative tätig, als man vermuten
würde. Frau Niehage, die neue Besitzerin
der Bandweberei Kafka, wirft ihre alten
Jacquard-Webstühle an, um die Eintrittskarten
für den Textilmarkt zu weben. Mit
der Karte hält man ein handwerkliches
Andenken und schon die erste Aufforderung
zu nähen in Händen. Natürlich wird
Kafka auch an ihrem Stand viele „Wuppertaler
Originale“ aus ihrer großen Bänderkollektion
präsentieren. In den Wuppertaler
Westen kommen Aussteller aber auch
aus der ganzen Republik, und die Besucher
halten es ebenso. Kenner wissen schließlich
die qualifi zierte Mischung von Mode und
Material zu schätzen, die einmal im Jahr in
Schloss Lüntenbeck zu sehen ist.
Den an Mode interessierten Damen ist die
Arbeit unseres lokalen Aushängeschilds

Ölberger Taschenmanufaktur (oben) – Biergarten (unten)
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Nicola Tigges sicher schon ein Begriff. Ihre
eleganten Kleider, Oberteile und Mäntel
begeistern durch eine ganz eigene Formensprache.
Echte Gegenstücke sind die
zarten Feenkleider von Isabella’s Art oder die
robusteren, aber dennoch sehr weiblichen
Strickstücke von Sabine Hofi us. Vilma zeigt
legere, naturnahe Mode aus unbehandeltem
Flachsfaden. Junge Schneiderkunst von Monika
Eisele, ragaga couture, COMO YOKi
oder Sisie kommt bunt und frech daher.
Dagegen beeindruckt die eigenwillige Mode
von Bao Bao durch raffi nierte Schlichtheit.
Die Herren geben eher der kernigen,
irischen Country Ware von Out of Ireland
den Vorzug. Oder werden sie doch eher bei
dem afrikanisch inspirierten Label Djahstone
fündig? Die süßen Kleinen bekommen
bei den „liebhabsachen“ von Kalajoki oder
den originellen Shirts und Kleidchen von
Merle Design leuchtende Augen. Für die
ganz kleinen, aber auch die großen Füße
bietet Lederstrumpf eine Auswahl handgefertigter
Hausschuhe aus hochwertigem
handverlesenem Rindsleder.
Ein nach wie vor großes Thema ist das Material
Filz. Beim Textilmarkt Schloss Lüntenbeck
verblüfft die Vielfalt der vorgestellten
professionellen Verarbeitungsmethoden.
Feste Industriefi lze, zarte Gespinste, ganze
Outfi ts aus einem Stück, Perlen, Knöpfe
und Hüte belegen, welche Kreativität die
Technik freisetzt. Filzfrieda, Filzwerk, Filz-
Woll-Lust, Filzware Handfi lz oder Linner
FilzArt etwa zeigen unterschiedliche Versionen
des kunstvollen Umgangs mit dem
wolligen Material. Margret Riedel wendet
sich vollends ins Künstlerische und fertigt
beeindruckende Wandobjekte aus Filz.
Das Kleid allein macht nicht die Mode.
Interessierte wissen, dass der individuelle
Stil auch die passenden Accessoires braucht.
Hüte, Tücher und Taschen werden in unterschiedlichen
Ausführungen und Stilrichtungen
angeboten. Die Bandbreite geht von
den eher klassischen Arbeiten des Hutsalons
bis zu den trendigen Taschen der Ölberger
Taschenmanufaktur. Einen Höhepunkt
ganz eigener Art bieten die Schmuckstücke
der Wuppertaler Designerin Fiona Fischer.
Sie weiß biegsame Drähte, textil zu verarbeiten.
Edle Ringe und Ketten gestrickt
oder gehäkelt - wirklich ausgefallen. Einen
ganz anderen Schwerpunkt setzt Rocailles
Schmuck und zeigt bunten Schmuck aus
böhmischen Glasperlen.
Der Textilmarkt bietet auch ausgefallenes
Material und Zubehör für die Gestaltung
der eigenen Entwürfe. Schöne französische
Stoffe in warmen Farben etwa bietet Marie
Lind. In der breiten Auswahl an verführerischen
Spitzen bei Fine French Laces
oder Roosenrausch lohnt es sich, genauer
hinzusehen. Am K(n)opfstand der Schwestern
Burrow gehen begeisterte Sachensucher
in geheimnisvollen Kisten auf die Jagd. Sehr
ausgefallen sind auch die mit Gold oder
Platin bemalten Kristallglasknöpfe sowie
der daraus gefertigte Schmuck. Bei My Königskind
fi nden sich eher verspielte Stoffe,
Knöpfe und alle Zutaten, die es braucht,
um selber zu nähen. Wer lieber stickt, fi ndet
bei Der feine Faden, Kreatives und Sticken
und der MWI Stickgalerie eine breite Auswahl
an Material und Vorlagen. Deutlich
voluminösere Fäden für die strickende
Zunft bietet das Sortiment von Wolle im
Atelier oder die handgefärbte Multicolorwolle
von Kaschka.
Auf der Suche nach Nützlichem und Schönem
für Haus und Garten stößt man auf
dem Lüntenbecker Textilmarkt auf einige
Besonderheiten. Pottlappen fertigt kultige
Produkte aus Grubenhandtüchern nicht nur
für Ruhrpott-Fans. Die Tuchmacherin bietet
handgewebte Tischwäsche und Handtücher
aus eigener Produktion. Shalimar Garden
entführt uns in die verzauberte Welt von
Kashmir und Rajasthan, bestehend aus Uni-
katen und Lieblingsstücken, die nach traditioneller
Handwerkskunst aus hochwertigen
natürlichen Materialien gefertigt wurden.
Wem vom Gucken, Fühlen und Probieren
der Kopf schwirrt, der gönnt sich zwischendurch
mal eine Pause. Die entspannte
Atmosphäre rund um die Hofwiese oder ein
stiller Platz im Garten lädt zu besinnlichen
Momenten ein. Das im Schloss ansässige
Restaurant Küchenmeisterei bietet mit seiner
Innen- und Außengastronomie einen kultivierten
Rahmen, um sich kulinarisch verwöhnen
zu lassen. Hier kann man in aller Ruhe
genießen, plaudern und Pläne schmieden.
In Sichtweite des Restaurants warten
auf den Nachwuchs täglich wechselnde
Angebote zum textilen Gestalten. Hier
dürfen die Kleinen selbst Hand anlegen. Als
Höhepunkt für die Großen bietet Schloss
Lüntenbeck in diesem Jahr eine Modenschau.
Wenn Donnerstag und Samstag der
rote Teppich entrollt wird, schlüpfen die
ausgestellten Kleider vom Bügel und stellen
in lebhafter Bewegung ihre Tragbarkeit an
echten Menschen unter Beweis. Derart
inspiriert geht es dann wieder an den Ständen
mit der auf dem Laufsteg präsentierten
Mode auf Tuchfühlung.
Antonia Dinnebier
Textilmarkt Schloss Lüntenbeck
2. – 5. Juni 2011, 11 – 18 Uhr
Eintritt 3 Euro, Dauerkarte 5 Euro
Kinder bis 12 Jahre frei
Modenschau Do + Sa 14 Uhr

Nico Ueberholz
setzt Meilensteine in der
temporären Architektur
In Wuppertal zu Hause, international als
temporärer Architekt erfolgreich:
Nico Ueberholz
Baumeister der Kommunikation
Andere bauen für die Ewigkeit, Nico
Ueberholz für den Moment. Denn was
der 52-Jährige gestaltet, ist per Defi nition
meist vergänglich - egal, ob es um Messe-,
Museums-, Veranstaltungsarchitektur
oder den Ladenbau geht. Zusammengefasst
nennt sich das „temporäre Architektur“,
ein weites Feld, über das Nico Ueberholz
in einem Büro nachdenkt, das in
Wuppertal kaum schöner liegen könnte:
Die Schwebebahn scheint fast durch das
Dachgeschoss der Cleffschen Kornmühle
zu gleiten, in dem sein Schreibtisch steht.
Der ideale Platz für einen echten „Jungen
aus dem Tal“, der als Kreativer längst internationalen
Ruf hat. Davon erzählt eine
stattliche Trophäensammlung, für die der
Glastisch im Entrée der außergewöhnli-
chen Arbeitsstätte inzwischen zu klein geworden
ist: Ein „Who is Who“ sämtlicher
deutscher Design-Auszeichnungen, dazu
die wichtigsten Awards aus den USA.
Allesamt verliehen für herausragende Leistungen
auf dem Gebiet der temporären
Architektur. Und erwachsen aus der Philosophie,
die fast alle Ueberholz-Projekte
verbindet: „Ich will Orte der Begegnung
schaffen, die eine Bühne für die Kommunikation
zwischen Menschen bieten.“
Beim „Bühnenbildner“ Ueberholz nehmen
diese Orte anfangs ganz klassisch mit
Hilfe von Papier und Bleistift Kontur an.
Ein kreativer Prozess, der auf seine Vita
verweist: Nico Ueberholz schloss parallel
zum Architektur-Studium Anfang der
25

26
80er Jahre auch als einer der ersten Absolventen
den damals neuen Studiengang
Diplom-Kommunikationsdesign an der
Bergischen Universität ab. Nach der Mitarbeit
im Architekturbüro seines Vaters
wagte er früh den Sprung in die Selbständigkeit:
unter anderem mit der Gründung
der Firma „artlight“, die individuelle
Leucht- und Lichtobjekte entwarf. Licht
war und ist für Nico Ueberholz immer
ein ganz besonderer Stoff. Und es spielte
eine wichtige Rolle bei der Umsetzung
seiner Ideen für den weiten Bereich des
Designs im Raum, den er 1987 mit der
Gründung seines „Büros für temporäre
Architektur“ erschloss. Seitdem liegt er
international auf Erfolgskurs - natürlich
auch Ausdruck für die Qualität der in
Wuppertal ausgebildeten Kommunikationsdesigner.
Dass dieser Studiengang jetzt
zerschlagen wurde, hält (nicht nur) Nico
Ueberholz für eine Katastrophe...
Aber zurück zur temporären Architektur
- und dem scheinbaren Widerspruch, der
Nico Ueberholz so sehr daran reizt: „Ob-
wohl temporäre Architektur dem Betrachter
nur für einen gewissen Zeitraum zur
Verfügung steht, soll sie sich in seinen Kopf
brennen und für lange Zeit in Erinnerung
bleiben.“ Und die Mittel dazu? „Eine interessante
Architektur zeichnet sich aus durch
die spannungsvolle Auseinandersetzung
mit Material, Form, Farbe, Größe, Proportionen
und der Lichtgestaltung.“ In der
richtigen Kombination ist das alles dann
nicht Selbstzweck, sondern die Plattform
um Kommunikation in Gang zu setzen.
Wie so etwas ideal funktioniert, führte
Ueberholz mit einem auch für Insider
verblüffenden Messeauftritt in eigener
Sache auf dem Branchen-Marktplatz
„EuroShop“ in Düsseldorf vor: Riesige
„Klangsteine“ luden Besucher dazu ein, die
Macht der Musik als Urform der non-verbalen
Kommunikation zu entdecken. Die
mystischen Töne, die Gäste auf dem Stand
selbst mit Hämmern unter anderem einem
symbolhaft in Form einer Stimmgabel der
Länge nach gespaltenen, fünf Meter hohen
Monolithen entlockten, wurden an einer
36 Quadratmeter großen LED-Wand vor
Kopf in Bildwellen umgesetzt. Angeleitet
vom eng mit der „documenta“ verbundenen
Klang-Künstler Olaf Pyras und von
Zeit zu Zeit durch Spontan-Auftritte der
Tänzerin Nusara Mai-ngarm begleitet
wurde das Publikum zum Bestandteil
einer Inszenierung, die jedem Besucher
tatsächlich weit über den Moment hinaus
in Erinnerung blieb. Für Ueberholz eine
Art Grundlagenexperiment: „Wir haben
einen Raum für die Demonstration erinnerbarer
Kommunikation geschaffen, der
beispielhaft zeigt, wie man sich durch den
kreativen Umgang mit den Teildisziplinen
temporärer Architektur völlig jenseits des
Messe-Mainstreams positionieren kann.“
Aus dieser Philosophie heraus sind im Lauf
der Jahre ganz unterschiedliche „Bühnen“
entstanden: Sehr große und ganz kleine
Messestände, verblüffende Ausstellungskonzepte
und neuerdings sogar Unternehmensauftritte
„out of the box“ - mobile
Container, die ein einziger Mensch in
nur 25 Minuten zu einem vollwertigen

Mit diesem Stand rund um einen 250
Jahre alten Olivenbaum machte Ueberholz
auf der Euroshop 2005 Eigenwerbung.
Der Wuppertal wurde dafür als erster
Deutscher überhaupt mit dem amerikanischen
„Edge Award“ für herausragende
Leistungen im Bereich des internationalen
Messe-Designs ausgezeichnet.
Die leuchtenden Lichtwände waren über
Jahre hinweg das von Ueberholz geprägte
Markenzeichen der Messeauftritte des
Haustechnik-Spezialisten GIRA.
Tonnenschwere Steine, auf denen Besuchern
mit Hämmern Urklänge erzeugen,
die im Hintergrund in Bilder umgesetzt
werden: Mit diesem Kommunikations-
Experiment überraschte Ueberholz auf der
Euroshop 2008. Der vielfach prämierte
Stand gilt als Musterbeispiel dafür, wie sich
temporäre Architektur in die Erinnerung
brennt...
Realisiert mit kleinem Budget und doch
prämiert im Wettbewerb „Gute Gestaltung“
des Deutschen Designer-Clubs: Der
Ueberholz-Stand für den Lichttechnik-
Hersteller BOCOM auf der Light &
Building 2010.
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Präsentationsraum entfalten kann. Was sie
alle verbindet, ist der besondere Anspruch
an ihre Gestaltung. Und zwar ganz egal,
ob es um einen zweistöckigen Messestand
mit über 1.000 Quadratmetern
Fläche oder den winzigen Auftritt eines
Nischenunternehmens geht. „Design“,
fi ndet Ueberholz, „ist keine Frage des
Budgets. Ein guter Designer kann für
jeden Etat kreative Lösungen fi nden!“ Wie
ein Uebeholz-Beitrag zum renommierten
Wettbewerb „Gute Gestaltung“ des
Deutschen Designer-Clubs eindrucksvoll
bewies: Dessen Jury hatte den von Ueberholz
entworfenen Auftritt eines Fachunternehmens
für Farblichtsteuerungen auf der
Messe „Light & Buidling“ prämiert - und
den ganze 60 Quadratmeter großen Stand
in der Kategorie „Raum/Architektur“
damit eine Stufe mit einem Mega-Prestigeobjekt
wie dem Deutschen Pavillon auf
der Weltausstellung in Shanghai gestellt! In
Asien wurde dafür ein Millionetat verbaut,
hier dagegen mit einem Gesamtbudget
von gerade einmal 14.000 Euro große
Wirkung entfaltet.
Apropos Etats: Dass viele Unternehmen in
Zeiten der Wirtschaftskrise gerne an der
Außendarstellung sparen, hält Nico Ueberholz
für einen gefährlichen Irrweg. Nicht
aus Eigennutz, sondern aus der Überzeugung
heraus, dass Konjunktur ebenso wie
Kreativität im Kopf entsteht. In einem
Editorial für die Fachzeitschrift „wörkshop“
brachte der Wuppertaler das 2009 mit
Blick auf die Hannover-Messe zu Papier,
bei der zahlreiche Unternehmen bis zuletzt
über einen Teilnahmeverzicht nachdachten.
„Ein fatales Signal im Hinblick auf
die wirtschaftliche Gemütslage, die durch
die Unsicherheit weiter negativ befeuert
wurde“, so seine Überzeugung. Gegen die
Depression setzte er die Aufforderung,
die Krise als Chance zu begreifen - auch
für die eigene Branche: „Wer es schafft,
innerhalb eines für die Aussteller machbaren
wirtschaftlichen Rahmens kreative Sonderlösungen
zu fi nden und dabei aufregend
anders zu sein, wird sich durchsetzen.“
Für den Marktführer KME setzte Ueberholz auf der Bau 2007 Kupfer als Werkkunststück in Szene.
Wenn Nico Ueberholz von solchen
aufregend anderen Ideen erzählt, hört
man gerne zu und staunt. Zum Beispiel
darüber, wie ein profanes Rohr vom Weltmarktführer
für Kupfererzeugnisse wirkt,
wenn man es als „Werkkunststück“ begreift
und im Stile eines Juwels auf tiefschwarzem
Grund präsentiert. Oder über die Herausforderung,
in der temporären Architektur
absolut plane Wand- und Deckenfl ächen
herzustellen, bei denen kein unerwünschter
Schattenwurf die Lichtkomposition stört.
Und natürlich über ein Vorzeige-Objekt
wie den soeben eröffneten Info-Pavillon
für die Großbaustelle am Düsseldorfer
Kö-Bogen, den der Wuppertaler in Zusammenarbeit
mit dem Designer-Kollegen
Lutz Menze realisierte.
Dass ein international beachteter Designer
wie Nico Ueberholz ausgerechnet in seiner
Heimatstadt bisher kaum Spuren hinterlassen
hat, erinnert an den alten Spruch
vom Propheten, der im eigenen Land
nichts gilt. Den Satz „Wir haben eigentlich
nur Auftraggeber von außerhalb“ streut er

deshalb in Gesprächen gerne ein. Nicht
um der Aufträge willen, sondern weil Wuppertal
dem bodenständigen Barmer sehr
am Herzen liegt. Und weil kaum etwas
kann seine Diskussionsfreude so befeuern
kann wie manches Beispiel für gelinde
gesagt merkwürdige lokale Stadtplanung.
Umso größer ist seine Freude, wenn
er sich einmischen darf. So wie bei der
Planung für die Nordbahntrasse, wo Nico
Ueberholz kräftig zu dem ausgeklügelten
Beleuchtungskonzept beitrug, mit dem im
großen Stil Fördermittel für das wegweisende
Projekt gewonnen wurden. Wieder
ein Fall von „aufregend anders“. Genau wie
die drei neuen Kundencenter der Wuppertaler
Stadtwerke, deren Innenausstattungen
die Ueberholz-Handschrift tragen. Sie
wurden dadurch zu einladenden Service-
Landschaften, in denen sich Besucher und
Mitarbeiter von intelligenten Lichtsystemen
gelenkt vor vertikal mit Pfl anzen
begrünten Wänden treffen. Hightech
und Natur prägen hier Hand in Hand die
einladende Atmosphäre. Die Sache mit
dem Propheten scheint sich also langsam
zu verbessern.
Ob man sich im WSW-Kundencenter
am Wall, auf einem Messestand des
Haustechnik-Spezialisten „GIRA“ oder auf
der viel beachteten Wanderausstellung des
NRW-Fachverbandes der Tischler umsieht
- überall wird man die unverkennbare
Ueberholz-Handschrift wiederentdecken:
klare Linien, das geschickte Spiel mit Gegensätzen
und Licht als prägendes Element
einer überraschenden Inszenierung. Ein Stil,
mit dem Ueberholz speziell den Messeauftritten
vieler Unternehmen über Jahrzehnte
hinweg bei aller Wandlung der Stände ein
unverwechselbares Gesicht gegeben hat.
Das amerikanische Fachblatt „Exhibitor“
vergibt genau dafür bei seinen jährlichen
„Exibition Design Awards“ sogar Preise in
einer eigenen Wettbewerbskategorie: Die
heißt „Design Consistency“ und hebt auf
das Problem ab, bei immer neuen Präsentationsideen
doch die Markenidentität erkennbar
zu wahren - Ueberholz durfte sich
jenseits des Atlantik bereits über mehrere
dieser Awards freuen. Und mehr noch: Erstmals
in der mehr als zwei Jahrzehnte langen
Geschichte der „Exhibition Design“-Prämierungen
holte der Wuppertaler 2006 den
„Edgde Award“ nach Deutschland! Mit die-
Nico Ueberholz und Mitarbeiter André Füsser mit zwei von vielen Awards aus dem In- und
Ausland, die sich mittlerweile im Büro in der Cleff‘schen Kornmühle angesammelt haben.
Dem WSW-Anspruch auf Nachhaltigkeit und perfekten Service hat Nico Ueberholz in den
neuen WSW-Kundencentern ein eigenes Gesicht gegeben.
ser Auszeichnung würdigt eine hochkarätig
besetzte Jury herausragende Leistungen im
Bereich des internationalen Messe-Designs.
Prämiert wurde ein Aufsehen erregender
Messestand, den Ueberholz zur Euroshop
2005 in Düsseldorf als Werbung in eigener
Sache entworfen hatte: Er zeigt exemplarisch
die Umsetzung des Unternehmens-
Leitsatzes „Wir bauen Atmosphäre“ – unter
anderem durch die spektakuläre Integration
eines 250 Jahre alten Olivenbaums in ein
High-Tech-Umfeld. Bei der Preisverleihung
im deYoung-Museum von San Francisco
schwärmte Design-Nestorin Deborah
Sussman – unter anderem verantwortlich
für das Erscheinungsbild der Olympischen
Spiele in Los Angeles – dazu: „Es ist so weit
entfernt von allem, was wir sonst gesehen
haben. Ich wünschte mir, ich hätte es
gemacht!“
Nach dem Edge-Award holte Ueberholz
dieses Jahr übrigens erneut einen Sonderpreis:
Mit dem schon beschriebenen
„Einklang“-Stand gewann Ueberholz Gold
in der zum Jubiläum der US-Awards ausgeschriebenen
Wettbewerbs-Kategorie „Best
of 25 Years“. Die beiden „Amerikaner“
stehen demnächst einträchtig nebeneinander
auf dem Glastisch in der Kornmühle.
Die Erinnerung ist also nicht das Einzige,
was den Moment überdauert...
Andrea Weiß
29

30
Tafelbildmontage von Klaus
Armbruster auf Zollverein: Eine
Hommage an das Ruhrgebiet
Die Städte sind für Dich gebaut
Große Bilder einer großen Geschichte
präsentiert die Stiftung Zollverein vom
14. April bis 27. Mai 2011 mit der Tafelbildmontage
DIE STÄDTE SIND FÜR
DICH GEBAUT von Klaus Armbruster.
Damit setzt sie das Programm des vergangenen
Kulturhauptstadtjahres fort und
zeigt die Werkschau eines Künstlers, der
das Ruhrgebiet und seine Menschen zum
Thema seines Schaffens machte.
25 Jahre lang hat sich Armbruster als
Film- und Medienkünstler immer wieder
mit der Region auseinandergesetzt. Inzwischen
zu seiner ursprünglichen Profession
als Maler zurückgekehrt, bringt er ihre
Geschichte und Gegenwart seit nunmehr
vier Jahren mit dem Pinsel auf die Lein-
wand. Bevor er das Ruhrgebiet zum Ende
des Jahres wieder verläßt, widmet er ihm
jetzt ein monumentales Werk.
Hinter dem Ausstellungstitel DIE STÄD-
TE SIND FÜR DICH GEBAUT aus
Bertolt Brechts „Lesebuch für Städtebewohner“
steckt ein vielschichtiges künstlerisches
Gesamtwerk, das die Grundthemen
des Ruhrgebiets als Brennpunkt
existenzieller Menschheitsfragen aufgreift
und sich den hier lebenden Menschen
widmet. DIE STÄDTE SIND FÜR
DICH GEBAUT refl ektiert die Entwicklung
vom Industriezeitalter bis zum
gegenwärtigen Strukturwandel, die ihren
Ausdruck in alltäglichen Szenen, in dra-

matischen Ereignissen und in den Gesichtern
der Menschen fi ndet. 81 Tafelbilder
sind in 27 Triptychen unterschiedlicher
Formate miteinander verbunden und in
fünf Sequenzen übereinander zu einem
groß dimensionierten Gesamt-Triptychon
zusammengefaßt. Es wird auf einem 18
Meter breiten und 6 Meter hohen Tableau
in der ehemaligen Zentralwerkstatt,
Halle 5, auf Zollverein gezeigt.
Klaus Armbruster hat zentrale Video-
Einzelbilder aus seinem letzten großen
Multimedia-Projekt, dem 1998 in der
Bochumer Jahrhunderthalle uraufgeführten
RUHRWERK, ausgewählt
und ihr fl üchtiges Aufscheinen in die
dauerhafte Materialität des Tafelbildes
transformiert. Durch die von ihm aus
seiner Medienarbeit entwickelte, in dieser
Form einzigartige Montage der Tafelbilder
entstehen vielfältige Beziehungen
zwischen den einzelnen Motiven, vom
Maler thematisch und kompositorisch
strukturiert und zugleich offen gelassen
für die individuelle Rezeption des
Publikums.
Das bildmächtige Triptychon wird als
Raum-Installation in die Architektur
der Halle eingefügt. Auch das mit dem
Komponisten Wolfgang Hufschmidt
erarbeitete RUHRWERK wird in einem
Projektionsraum zu sehen und in der Ausstellung
zu hören sein.
Für die Besucher bietet sich so die Möglichkeit,
die Herkunft der Bildmotive in ihrem
szenischen Zusammenhang aufzuspüren
und den von Hufschmidt geschaffenen
Klangraum auch beim Betrachten der Tafelbildmontage
als Kommentar und emotionale
Basis in das eigene Sehen, Erinnern und
Assoziieren hineinzunehmen.
In Armbrusters Tafelbildmontage werden die
von ihm selbst in die Welt gebrachten, viel-
schichtig gestalteten, immateriellen Film-/
Video-Einzelbilder Pinselstrich um Pinselstrich
in eine reale Tafelbild-Existenz überführt
und inhaltlich wie formal noch weiter
verdichtet. Gleichzeitig werden sie in der
Montage aus dem linearen Fluss der Film-
Zeit und der ausformulierten Film-Erzäh-
31

34
lung herausgelöst und in eine zeitunabhängige,
fortwährende Gegenwart still gestellt.
Die einzelnen Bildmotive folgen, ihrem Ursprung
als Filmkameraeinstellungen entsprechend,
der Bewegung der Handlung und
drängen dabei im Unterschied zu fotografi -
schen Abbildungen über den Bildausschnitt
hinaus.
In der Tafelbildmontage nehmen sie mit den
danebenstehenden, aber auch mit darüber-,
darunter- oder weiter entfernt montierten
Bildern Kontakt auf.
So entstehen formale und inhaltliche Bezüge
und Verbindungen, die jeder Betrachter,
seiner persönlichen Resonanz und Assoziation
folgend, entdecken und darin eigene
Erlebnisse und Erzählungen einweben kann.
Mehrteilige Bildmontagen spielten auch in
Armbrusters multimedialen Bühnen-
Installationen eine wesentliche Rolle, bei
denen er mit Choreographen wie Pina
Bausch, Bühnenregisseuren wie Ruth
Berghaus und Hansgünther Heyme und
Komponisten wie Wolfgang Hufschmidt,
Nikolaus A. Huber und Gerhard Stäbler
zusammenarbeitete.
Trotz eines komplexen theoretischen und
konzeptionellen Hintergrundes kommt
Armbrusters erstes Tafelbildmontage-Projekt
sehr einfach und bescheiden aus dem
Atelier. Dem Leben, Arbeiten, existenziellen
und oft vergeblichen Kämpfen der
Menschen im Ruhrgebiet gewidmet, in
Anteil nehmender, fast demütiger Haltung
Schicht um Schicht sehr sorgfältig gemalt
und jedem, auch dem Laien, in seinem
malerischen und erzählerischen Reichtum
unmittelbar zugänglich.
Drei Konzerte in der Ausstellung (am 14.
April, 19. und 27. Mai 2011, jeweils um
20.00 Uhr), darunter eine Uraufführung aus
Wolfgang Hufschmidts Zyklus „Engel der
Geschichte“, machen diese für das Welterbe
wie geschaffene Malerei-Inszenierung zum
Erlebnis eines Gesamtkunstwerkes.
DIE STÄDTE SIND FÜR DICH
GEBAUT
Tafelbildmontage von Klaus Armbruster
14. April bis 27. Mai 2011
Welterbe Zollverein, Halle 5, Schacht XII
[A5]
Gelsenkirchener Str. 181 – 45309 Essen
Öffnungszeiten: Di bis Do 12.00 Uhr bis
18.00 Uhr, Fr bis So 11.00 Uhr bis 20.00
Uhr
Weitere Informationen unter Tel.
0201-246810 und im Internet unter
www.zollverein.de
Redaktion Frank Becker

36
wenn man über
die Altersgrenze spaziert
Johanna Hilbrandt
geboren 19. Dezember 1950 in Lahr,
verheiratet, zwei Kinder
1973 – 1984 Lehrtätigkeit an einer
Förderschule in Baden-Württemberg
Tätigkeit im parlamentarischen
Beratungsdienst im Landtag
von Baden-Württemberg
1986 – 1989 Lehrtätigkeit an
verschiedenen Schulen in Niedersachsen
10/2010 Studium im Masterstudiengang
Literarisches Schreiben
an der IB Hochschule Berlin-Stuttgart
Wo man ankommt
Charlottenburg ist ein bürgerlicher Bezirk
im Westen der Hauptstadt. Ehemals
königliche Residenz, war der Ort zu dieser
Zeit bekannt für das Vergnügungslokal
FLORA, wo, zur Belustigung des Berliner
Publikums, anthropologische Ausstellungen
stattfanden. In der FLORA wurden
Angehörige fremder Völker in möglichst
naturgetreuer Kulisse präsentiert. So ist
in der Ortschronik eine Kalmücken- und
Irokesen – Schau unter dem Titel „Wild-
Afrika“ dokumentiert. Obwohl in den
Medien enthemmender Unterhaltung alle
möglichen freak shows gezeigt werden,
verbietet sich doch heute die Reproduktion
kolonialer Blickverhältnisse. Dass es aber in
Charlottenburg noch immer Schauplätze
der besonderen Art gibt, erfahre ich auf
dem Weg durch eine Grünanlage.
Es ist einer der ersten, schon an den
Sommer erinnernden Frühlingstage, als ich
auf der Suche nach Ruhe und Ordnung
zum Lietzensee spaziere, einem Gewässer
mit Park nicht weit vom Schloss. Keine
Bolz-, keine Bier-, keine Kindergärten und
wenn ich Glück habe, entdecke ich hier
einen Fleck ohne Hunde. Es gibt Dinge im
Alltag, die verhindern, dass Städte auseinander
fallen. Dazu gehören Parks. Es sind
stabile verlässliche Flächen. In einem Park
zu spazieren scheint mir ein wirksames
Mittel gegen die Reizüberfl utung in der
Hauptstadt, deren schiere Größe mich als
Neubewohnerin überfordert. Die Ein-

heimischen gewinnen Abstand mit dem
Rückzug in die Datsche; ich folge dem Rat
Robert Walsers, der in das „obrigkeitliche
Ohr“ seines Steuerbeamten spricht, um das
fortlaufende Spazierengehen zu erklären:
„Ohne Spazieren wäre ich tot. Auf weitschweifi
gem Spaziergang fallen mir tausend
brauchbare Gedanken ein. Ein Spaziergang
tröstet, freut, erquickt mich, ist mir ein Genuss,
hat aber zugleich die Eigenschaft, dass
er mich spornt und zu fernerem Schaffen
reizt, indem er mir zahlreiche mehr oder
minder bedeutende Gegenständlichkeiten
darbietet. Jeder Spaziergang ist voll von
sehenswerten, fühlenswerten Erscheinungen.
Von Gebilden, lebendigen Gedichten,
anziehenden Dingen, die sich reiz- und
anmutvoll vor den Sinnen und Augen des
aufmerksamen Spaziergängers öffnen.“ Mit
diesem „edlen Gedanken des Spazierganges“
im Kopf setze ich mich auf eine Bank vor
dem Teich mit der Aufschrift: Voll daneben
das Leben und lasse mich von nutzlosen
Gefühlen überfallen, als mein Blick auf
ein Hinweisschild knallt und - von dessen
Inschrift benommen - irritiert zurückweicht.
Was ihn verstört ist das Paradoxon
auf einer Tafel, aufgestellt von einem Verein
‚Lebenskunst` mit folgender Beschriftung:
Senioren- Spielplatz Litzenseepark, Vital in
Deutschland (vid), Deutscher Spielraum –
Preis 2009. Darunter, als Gebot adressiert
an die herkömmlichen Benutzer eines Spielplatzes:
Aktionsspielplatz ab 60 Jahre. Nun
weiß ich, seit der Philosoph Sloterdijk seine
Regeln für den Menschenpark aufgestellt
hat, dass Menschen „sich selbst hegende,
selbst hütende Wesen sind, die – wo auch
immer sie leben – einen Parkraum um sich
erzeugen. In Stadtparks, Nationalparks,
Kantonalparks, Ökoparks – überall müssen
Menschen sich eine Meinung darüber bilden,
wie ihre Selbsterhaltung zu regeln sei.“
Hier im Lietzenseepark geschieht sie zum
Nulltarif, wie das amtliche Schild, das sich
am Eingang der Anlage für die politischen
Fördermittel bedankt, vermerkt. Es prahlt
mit der Aufschrift:
Fit zum Nulltarif !
SENIOREN – SPIELPLATZ ?
Wo bin ich? Alogische Räume, fi ktionale
Gespinste, fremde Welten?!
Paradox sind Phänomene, die einen Widerspruch
in sich enthalten, dem menschlichen
Verstand widersprechen. Auf diesem Platz
sollen also alle, die sechzig und drüber sind
spielen dürfen. Ich überlege, noch sieben
Monate, bis ich mitspielen darf und in den
Gedanken drängen sich die Bilder von Eimer,
Schaufel, Sand und Förmchen. Gereizt
von dieser Vorstellung dämpfe ich jedoch
meinen Ingrimm mit Robert Walser, der
mich ermahnt „höchst aufmerksam und
liebevoll jedes kleinste Ding...ob hoch oder
niedrig, ernst oder lustig zu studieren und
zu betrachten.“ Ich soll, so trägt er mir
auf, meinen „Blick überallhin schweifen,
herumstreifen“ lassen und meine eigenen
Klagen gering achten oder völlig vergessen.
Geht aber nicht! Ich stehe vor dem Schild
und ärgere mich. Was empört mich? Das
Schild, das Wort, die Anlage? Der Blick auf
eine Spielwiese ist mir unter gewöhnlichen
Umständen sehr angenehm. Hier aber sind
es die Umstände, die vor der Wiese stehende
Tafel mit den hüpfenden Buchstaben
und die auf der Wiese platzierten Gerätschaften
mit ihrem Bedienungspersonal,
um die sich meine Empfi ndungen erregt
bewegen. Sie müssen sich bewegen, denn
so fordert es die Aufschrift: AKTIONS-
SPIELPLATZ!
Der Zorn beim Anblick des Spielplatzes
fährt in meine Muskeln und mein Fuß wird
zu einem Produkt aus Kraft und Dauer.
Ich trete zu. Es geschieht mir und hätte ich
den Mut der alten Berliner Stadtindianer
und die Fitness, die der Platz vorzugeben
verspricht, würde ich das Licht der Öffentlichkeit
nicht scheuen und das Schild jetzt
sofort umhauen.
Spielplätze sind Freiräume zum Spielen.
Kinder lernen dort geschützt das Hineinwachsen
in die Welt. Sie erleben ihren Körper
und erwerben motorische Fähigkeiten.
Auf dem Spielplatz machen sie die ersten
Erfahrungen mit elementaren Naturgesetzen
und entwickeln sich im Spiel mit anderen
Kindern zu sozialen Wesen. Sie verrichten
dort wichtige Tätigkeiten wie Klettern,
Krabbeln, Buddeln, Rutschen und Bauen.
Und nicht zuletzt ermöglichen Spielplätze
den Eltern eine kurze Pause, in dem sie ihre
Kinder für eine gewisse Zeit in dieses geschlossene
Terrarium stecken und sicher sein
können, es dort meist unbeschädigt, wenn
auch nicht sauber wieder raus zu holen
War es der Notschrei einer fi tnesssüchtigen
Gesellschaft? oder was hat die Berliner
Kommunalverwaltung dazu angeregt für ihre
beschäftigungslosen und bewegungsscheu-
en Mitbürger über sechzig diese Spielwiese
anzulegen? Auf dem eingezäunten Gelände
stehen überall abstrakte, rätselhafte Objekte.
Zur Interaktion mit diesen sehen sich ältere
Mitbürger veranlasst, gekleidet in Funktionslaufhose,
Fleece Weste und BaseCap. Obwohl
die Bewegungs – und Wahrnehmungsentwicklung
in diesem Alter längst abgeschlossen
ist, drücken sie ihre Füße gegen Federwiderstände,
bewegen Stangen, kreisen auf dem
Stehkarrussell, balancieren auf der Pendelscheibe
und bemühen sich so, den Kindern
die Illusion zu nehmen, es sei ihr Spielplatz.
Diese verstehen zwar nicht, warum das
Happy Big Wheel nur für den Opa sein soll,
überlassen es ihm aber großzügig und erobern
die Seniorenschaukel. Um die Bewegungen
richtig ausführen zu können, beschreiben die
Infoschilder altersgerechte Übungen und sind
mit dem Hinweis versehen: „ Führen Sie ein
Vorgespräch mit ihrem Hausarzt, bevor sie sich
an die Geräte trauen.“
Hallo? Habe ich was verpasst? Gibt es ergänzend
zum Kinderfördergesetz ein Altenfördergesetz
mit dem Inhalt Ausbau von Fitnessangeboten
für Übersechzigjährige? Sind hier
Baumaßnahmen beschlossen, die den Körper,
dessen Markenzeichen der Verfall ist, durch
permanente Vollbeschäftigung in einem
Menschenpark am Altern hindern sollen?
Das Konzept GIRO VITALE, das der Gerätehersteller
play fi t gemeinsam mit Ingenieuren
entwickelt hat, entstand nach einer
China Reise der Firmeninhaberin. Dort sah
sie viele Menschen, die sich morgens in
den Parks der Städte trafen, um gemeinsam
rituelle Bewegungen auszuführen, die auch
als „Schattenboxen“ bekannt sind. Nach
dem chinesischen Glauben verspricht Tai
Chi dem Übenden die Geschmeidigkeit
eines Kindes.
Unter dem Motto: 50 + Eine Generation
fordert einen neuen Ansatz - möbliert play
fi t öffentliche Anlagen mit Balancebalken,
Pendelbrettern, Schaukeln, Wippen u.v.m.
für einen Preis in der Spanne von 25000 bis
430000 Euro. „Wir bieten Ihnen an frischer
Luft in Park-Atmosphäre die Möglichkeit
einer kleinen Radtour, aber in bequemer Sitzhaltung,
ohne auf das entspannte Gespräch zu
verzichten. Ohne großen Aufwand trainieren
Sie an den Geräten Bewegungsabläufe,
Muskulatur, Kondition, Gleichgewicht. Im
‚Twister’ lassen Sie schwungvoll Ihre Hüfte
Kreisen“.
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38
An dieser Stelle müsste die ‚Machtfrage’
gestellt werden: Welche Mächte prägen den
öffentlichen Raum und welche Bedeutung
hat er für die eigene Identität? Diese Fragen
aber bringen mich von den Dingen ab, die
ich vor mir sehe, und so lasse ich sie fallen.
„Je kürzer die Zeit, die mir zu leben verbleibt,
desto tiefer und reicher muss ich sie
gestalten“ trägt uns Montaigne auf. Meint er
Spielzeit im Aktiv-Park, um dort die Reste
von Agilität zu demonstrieren?
Ich behaupte, dass jedes Alter die ihm gemäße
Bewegungsgestalt hat, ein Bewegungsverhalten,
das sich in seine Erscheinungsweise
fügt: Ein Baby strampelt, Kinder hüpfen,
springen, Jugendliche schleppen ihren Körper
mit sich herum wie eine voll gestopfte
Alditüte und idealtypisch geht ein Erwachsener
möglichst aufrecht und gerade bei
gleichzeitiger Gelöstheit.
Da der Körper eine vom Leben bearbeitete
Masse ist, weist er im Laufe der Jahre
Beschädigungen auf oder wie Montaigne
in seinem letzten Essai sinniert: „An einer
schadhaften Stelle zu kranken ist normal für
Gebäude dieses Alters.“
Die Beeinträchtigungen am Körper – Bau
verändern auch die Haltungs- und Bewegungsgewohnheiten
eines Menschen. Sein
Gang ist weniger dynamisch, die Schultern
hängen, der Rücken ist gebeugt, die Bewegungen
langsamer.
Jetzt soll also so ein gut abgehangener
Schöngeist auf den Spielplatz, um sich
dort zu rühren. Er soll wippen, schaukeln,
balancieren, hüpfen, schwingen und mit
kindischem Gebaren aus sich eine lächerliche
Erscheinung machen. Die peinliche
Zurschaustellung eines alternden Körpers
in grotesken Positionen macht aus seinem
Inhaber eine komische Figur. Der Anblick
eines zappelnden Seniors lässt ihn würdelos
erscheinen. Ist dieses Bild beabsichtigt?
Oder steckt hinter der ganzen Aktion das
schwungvolle Bemühen unserer Gesundheitspolitiker
den Verfall der Kosten verursachenden
Körpers aufzuhalten?
Ich beginne mich in den wirren Gedanken
anderer zu verfangen.
Alte, eine Population, die für ein Bündel
schwerwiegender, ökonomischer, sozialer
und ethischer Probleme steht, Bewohner
einer kauzigen Welt, die Schrecken und
Abwehrrefl exe auslöst, werden mit GIRO
VITALE in die Pfl icht genommen. Damit
sie sich nicht störrisch verweigern, lockt
man sie mit Schmeicheleien und bastelt an
der Kreation einer neuen Sozialfi gur den
„jungen Alten“. Eine vitale, dynamische,
aktive, je nach Einkommen konsumfreudige
und daher wirtschaftlich interessante Gruppe,
die wegen ihrer zunehmenden Größe
für Politiker und Gesundheitsökonomen
immer mehr an Bedeutung gewinnt. Diese
„jungen Alten“ sind die primäre Zielgruppe
von gesundheitspolitischen Präventionsprogrammen,
die einen wichtigen Baustein für
„kompetentes Altern“ bilden. Das Krisenszenario
einer drohenden Überalterung,
das die Alten zu einer, das soziale System
strapazierenden, Problemgruppe macht und
die regelmäßige Konfrontation mit entsprechenden
Bildern und Debatten bleiben
nicht ohne Folgen. Es drängt die ‚jungen
Alten’ zu vielfältigen Praktiken der Arbeit
am Körper: Sport, Diät, Kosmetik, physiologische
Eingriffe, Gehirnjogging. Alter ist
ein Virus, dem nur mit rigider Körper- und
Bedürfniskontrolle beizukommen ist.
Hinfälligkeit, Gebrechlichkeit, Siechtum
fungieren als Negativvision vom Leben im
Alter, die eine biotechnologische Abhilfe
nachgerade zur moralischen Pfl icht erhebt.
Der alternde Körper wird als Baustelle gesehen
für deren Zustand man selbst Verantwortung
zu tragen hat. Trainieren Sie! Unterstützende
Bausteine liefert eine gesamtgesellschaftliche
anti-ageing-Strategie. In Turnhallen,
Fitness-Studios, Sportparks und auf
„Aktionsspielplätzen“ sollen die Individuen
für den kollektiven Kampf gegen die alternde
Gesellschaft mobilisiert werden. Dort wird
das korporale Kapital bearbeitet, um erfolgreich
– nämlich gar nicht – zu altern. Dieser
inszenierte Diskurs behauptet, dass es kein
Alter gibt, sondern nur ein den Ideen des
einzelnen überlassenes Gestaltungsprojekt.
Der Provokation des Menschen durch das
Unumgängliche – das Altern – das zugleich
das Nichtbewältigbare scheint, stellt sich seit
Jahren die Sport – bzw. Biomedizin. Ausgehend
von einem Verständnis des Alterns
als „behandelbare, molekularbiologische
Metakrankheit“ entwirft sie ein medizinisches
Programm zur ‚Maximierung der Physiologie’
alternder Körper. Schauen wir uns
um! Alte werden als erstes durch ihre Körper
bzw. bestimmte, sinnlich wahrnehmbare
körperliche Zeichen identifi ziert: Welke
Haut, verknitterte Züge, blasse Augen,
müder Blick, brüchige Stimme, eingesunkener
Brustkorb, unsicherer Gang. Friederike
Mayröcker schaut an einem Geburtstag erbarmungslos
auf ihren Körper und beklagt:
„nämlich dass hineingegriffen worden war
in dieses Gesicht, in dieses mein Altersgesicht,
ich glaube die Zeit habe hineingegriffen
und ihre Spuren in ihm zurückgelassen,
die düsteren Nischen der eingesunkenen
Augen, die schlaffen Wangen: senile Bäckchen:
Beutelchen eines Kleinkindes, aber
heruntergerutscht in die untere Hälfte des
Gesichtes, greisenhaft, hässlich, clownesk,
die vertrackten Nervenbahnen, die gemergelten
Füße, der faltenverschnürte Leib.“
Schauen wir uns um! Wo sehen wir das so
gezeichnete Alter? Der junge Körper, der
zugleich als Idealbild des Körpers kodiert
ist, wird zur Norm erhoben und ist überall,
wo es etwas zu verkaufen gibt präsent.
Der alternde Körper dagegen wird als
problematisch wahrgenommen, er ist ein
außer - ordentlicher Körper, der aus dem
Rahmen fällt und als solcher eine ästhetische
Zumutung. Bei Medizinern weckt er
das Reparaturbedürfnis, bei Angehörigen
Überforderungs – oder Abschiebungsgedanken
und bei Gesundheitspolitikern
Vernichtungsimpulse. Der alte, hinfällige
Körper ist nahezu unsichtbar faktisch und
medial. Man sehe sich dazu die in der
kommerziellen Werbung genutzte Darstellung
von Alter an, z.B. die Werbeanzeige des
Schweizer Uhrenfabrikanten Patek Philippe,
2009, aus der Serie „Timeless Portraits“,
wo ein smarter Eidgenosse um die 50+ mit
vollem Haupthaar und faltenlos dem Sohn
seinen Chronometer und demnächst die
Firma vererbt. Hat also die Biomedizin ihr
Programm erfolgreich umgesetzt? Oder hat
der auf sich selbst gerichtete Blick die Alten
so verstört, dass sie sich vor der Welt verbergen?
In einem seiner fotografi sch inspirierten
„snapshots“ Selbstbildnis im Supermarkt
beschreibt Rolf Dieter Brinkmann wie eine
solche Begegnung verlaufen sein könnte:
In einer großen Fensterscheibe des Supermarkts
komme ich mir selbst entgegen, wie ich bin.
Der Schlag, der trifft, ist nicht der erwartete
Schlag aber der Schlag trifft mich trotzdem.
Und ich geh weiter bis ich vor einer kahlen
Wand steh und nicht weiter weiß.
Gerade der Blick auf sich selbst ist der
grausame, weil es der Blick der anderen ist.
Wir sehen uns mit den Augen der anderen.
Wenn also das Alter nahezu unsichtbar ist,
wenn das Bekannte in etwas absichtlich Verborgenes
verwandelt wird, etwas Öffentli-

ches in etwas Nicht-Öffentliches, ist es dann
ein Geheimnis? Eine Heimlichkeit aufs
beste ge- und behütet in Seniorenanlagen,
Seniorenresidenzen, oder Domizilen für
Senioren, wie KURSANA, einer Tochter
der DUSSMANN-GRUPPE ihre Einrichtung
nennt. Natürlich heißt heute kein
Haus für die Alten mehr Altenheim. Dieser
Begriff klingt nach Abschiebehaft und ist
Angst besetzt. Er erregt Schauder und sofort
fallen jedem Gruselgeschichten ein, die man
gelesen hat. Ich würde – bei Seite gesprochen
- mein Alter von der DUSSMANN
- Gruppe managen lassen, denn die sind
Management-Profi s, die neben Energie,
Sicherheit, Gebäude, Büros, Catering auch
noch Kultur managen und demnächst vielleicht
Seniorensiedlungen mit integrierten
Entsorgungsparks, wo die Jungalten vom
Seniorenspielplatz - inzwischen zu Altalten
geworden – als endzeitliche Pfl egeobjekte
auf dem Rasen – über kurz oder lang – unterm
Rasen Platz nehmen.
Die Anti-Aging-Religion hat das Alter
zu einem Mysterium gemacht. Sie, die
lautstark das gesunde, positive, fröhliche,
im Erscheinungsbild schöne Dasein propagiert,
lässt die Körpervielfalt nicht mehr
zu. Die ungebrochene Idealisierung von
Jugendlichkeit und Schönheit bewirkt die
Ausgrenzung des alternden und sterblichen
Körpers. Während der asketische oder
technisch (auf)gerüstete Körper so seine
ästhetisch-erotisch Attraktivität maximiert
und an das tradierte Ideal der klassischen
Skulptur erinnert, erscheint der ‚gebrechliche
Mensch’ aufgrund seines Alters, seiner
Behinderung, seiner chronischen Erkrankung
„als verkörperte Negation der Normen
physischer und psychischer Fitness,
Jugendlichkeit und Schönheit“ so problematisiert
der Rehabilitationswissenschaftler
Markus Dederich diese Sicht auf das
Alter. Altern wird nach dem Verständnis
dieser Religion nicht mehr als natürlicher
Prozess betrachtet sondern als ein nichtwünschenswerter
Zustand des menschlichen
Lebens, den es zu vermeiden gilt. Die
Anti-Aging-Religion stellt mich vor ihr
höchstes Gericht und meine Körperteile
sagen gegen mich aus. Ein Albtraum gegen
den nur die Nervenkekse der Hildegard
von Bingen helfen. Ich trage sie immer bei
mir, wenn ich spazieren gehe. Sie enthalten
50 Gramm Muskat, das in dieser Menge
halluzinogen wirkt.
Auf Spaziergängen beschäftigen mich immer
allerlei Gedanken und weil es heute kaum
noch eine Debattenkultur gibt, spreche ich
beim Spazierengehen mit mir selbst – auch
eine Marotte des Alters. Früher konnte man
jederzeit einen diskutierfreudigen Kreis
zusammen trommeln, der ein hingeworfenes
Thema mit Gedanken bombardierte, heute….das
ist ein weites Feld, über das ich jetzt
nicht mit Fontane spaziere. Beim Spazierengehen
halte ich mich an Robert Walser. Der
geht spazieren, währenddessen ihn „allerlei
Gedanken stark beschäftigen, weil sich beim
Spazieren Einfälle, Lichtblitze und Blitzlich-
ter ganz von selbst einmengen und einfi nden
um sorgsam verarbeitet zu werden“. Man
muss dem Blitzlichtgewitter standhalten, das
sich im Kopf entlädt, während man über die
Altersgrenze geht. Der Gang über Grenzen
kann riskant sein. Man weiß nicht, was
einen jenseits der Grenze erwartet und die
Quälgeister, die man diesseits der Grenze
zurückgelassen hat, können einem auch
jenseits davon wieder aufl auern. Eine Grenze
bedeutet Trennung, Ausschluss, Ende.
Über die Altersgrenze zu gehen, ist kein
Spaziergang, auch wenn das Flanieren im
Park den Anschein hat. Zur Vorbereitung
empfehle ich: Warm anziehen! Nervenkekse!
Und gutes Schuhwerk mit Stahlkappen,
wegen der Schilder!
Literatur
Aristoteles: De anima (II 3, 414b4-6), S.29)
Bovenschen Silvia: Älter werden, 2006
Dederich Markus, Zur medialen repräsentation
alter behinderter Körper in der
Gegenwart, in : Mehlmann Sabine, Ruby
Sigrid « Für Dein Alter siehst Du gut
aus ! », 20010
De Montaigne, Michel: Essais
De Montaigne, Michel: Letzter Essai,
Von der Erfahrung
Kursbuch 151, Das Alter, 2003
Mayröcker, Friederike: Und ich schüttelte
einen Liebling, 2005
Walser, Robert: Der Spaziergang, 1978
39

40
Literatur in hochwertiger graphischer Gestaltung
Der Wuppertaler Verlag
Edition 52 hat das Genre der
Graphic Novel zur Hochblüte
gebracht
Ully Arndt, Cartoons aus
dem Playboy-Magazin
Schon lange bevor große Buchverlage
auf den mittlerweile unaufhaltsam rollenden
Zug aufgesprungen sind, nämlich
vor bereits 15 Jahren, haben der Sozialwissenschaftler
Uwe Garske und der
Buchhändler Thomas Schützinger mit
der Gründung ihres Verlages „Edition
52“ die Bedeutung des Genres der Graphic
Novel erkannt, einen entscheidenden
Schritt in einen neues Kapitel der
Literatur gemacht und damit anderen
die später kamen, den Weg geebnet.
Zitieren wir aus einem Faltblatt, das von
einer Interessengemeinschaft der Verlage
Edition 52, Avant-Verlag, Reprodukt,
Carlsen und Fischer herausgegeben wurde,
um dem Publikum das neue Medi-
um näherzubringen: „Graphic Novels sind
Comics mit Themen, die sich nicht mehr
nur an Kinder und Jugendliche, sondern
an erwachsene Leser richten. (…) Erzählt
wird eine Geschichte mit Bildern, die zu
Sequenzen angeordnet sind. Den Themen
sind wie im Film, der Literatur und dem
Theater keine Grenzen gesetzt. (…)“
Und es ist in der Tat so, daß die Themenpalette
unerschöpfl ich ist, da der
Zeichner der Graphic Novel nicht der
Beschränkung auf einzig effektvoll lustige
Plots unterliegt, sondern graphisch
und technisch höchst anspruchsvoll Literatur
umsetzt, die durchaus ernste und
literarisch seriöse Stoffe aus Geschichte
und Alltag, Poesie und Musik aufgreift.
Mit beachtlichen 70 Titeln unterschied-

Rich Koslowski „The King“
lichster Inhalte in höchster Qualität und
von namhaften Zeichnern hat die Edition
52 mittlerweile ein Programm aufgelegt,
das den Verlag in die Spitzengruppe
des Genres stellt. Uwe Garske: „Wir
veröffentlichen ambitionierte Comic-
Romane von anerkannten Autoren wie
z.B. Seth, Jeff Lemire (Geschichten vom
Land) oder Jamiri (Arsenic Album, Kamikaze
d´Amour) und möchten daneben
begabte Autoren/Zeichner fördern.“
Die Edition 52 publiziert gleichermaßen
deutsche wie internationale Zeichner
und Autoren, die mit besonderem künstlerischem
Anspruch an ihre graphische
und literarische Arbeit herangehen. „Mo-
derne Autoren-Comics, Graphic Novels
mit internationalem Renommee und
verschiedenster Herkunft fi nden bei uns
eine publizistische Heimat“. Hierzu zählen
u.a. die Künstler der „Nouvelle Ligne
Claire“ - ein Schwerpunkt der Edition
52, „deren Autoren wir auch zukünftig
bevorzugt mitpublizieren werden.“ Daniel
Torres (Der dunkle Wald), der Poet
unter den Zeichnern und Geschichten-
Erzählern Ulf K., Joost Swarte oder
beispielsweise auch Jean Claude Floc´h
sind neben den bereits oben Genannten
Künstler, die international eine hohe
Reputation haben und als Vertreter einer
„modernen“ Ligne Claire international
sehr bewundert werden.
„Wut im Bauch“ und „Elende Helden“,
von Baru, sozialkritisch graphische Erzählungen,
die in Frankreich mehrfach
prämiert wurden, gehören ebenso zum
Verlagsprogramm wie „Ausgetrickst“
von Alex Robinson, der bei den Harvey
Awards 2006 den Preis als bestes
Album / „Best Graphic Novel“ erhielt,
Rich Koslowskis mysteriöse Story „The
King“ und das grandiose Highlight
„Wimbledon Green“ von Seth. Auch
die Werke von Joe Matt (Peepshow)
und Michel Rabagliati (Pauls Ferienjob)
werden in der Edition 52 verlegt, eine
Auswahl also, die sich durchaus mit
internationalen Konkurrenten messen
kann. Comics, Graphic Novels und
Portfolios deutscher Künstler wie Ulf
K. (Silence, Floralia, Sternennächte, Hieronymus
B.), Reinhard Kleist (Johnny
Cash, Luxus-Edition), Boris Kiselicki,
Uli Oesterle (Der halbautomatische
Wahnsinn, Frass), Calle Claus (Findrella),
Tim Dinter, Frank Schmolke (Die
Schuld von Moby Dick), Ully Arndt
(Playboy-Cartoons), Jule K. (Cherry
Blossom Girl, Love Rehab) - um nur
einige zu nennen – haben ebenfalls eine
Heimat bei der Edition 52 gefunden.
Wer bislang vielleicht etwas geringschätzig
die Stirn gerunzelt hat, wenn
das Gespräch auf den Begriff „Comics“
kam, wird umdenken müssen. Hier
ist ein anspruchsvolles neuen Medium
entstanden, das vielleicht sogar in der
Lage sein wird, die leseunlustig gewordene
junge Generation mit den Mitteln
des brillant gezeichneten Comics,
besser und richtiger: der Graphic Novel
wieder an die Literatur heranzuführen.
Denken wir nur daran, daß es etwas
verwandtes auch schon vor über 50
Jahren gegeben hat, die „Illustrierten
Klassiker“ die von 1956–1972 vor
allem der Jugend literarische, historische
und populäre Stoffe vermittelten.
So wie sie sich bewährt haben, wird
auch die Graphic Novel ihren festen
Platz erobern – und dank der besseren
beteiligten Künstler ihn auch über die
Zeitläufe behaupten.
41

42
Silence 1, 2 und 10 (von oben nach unten)
Silence -
Ulf K. macht die Stille sichtbar
Ulf K.’s „Silence“ gehört zum Berührendsten,
was mir je in die Finger
gekommen und mir intensiv unter die
Haut gegangen ist.
Selten bekommt man die Gelegenheit, so
zarte und aussagekräftige Sujets der Stille zu
sehen, wie sie der in Oberhausen geborene
und jetzt in Düsseldorf lebende Zeichner
und Cartoonist Ulf K. für sein Portfolio „Silence“
geschaffen hat. Aus dem Jahr 2001,
also seiner Pariser Zeit stammend, sind die
10+1 auf feinem 240 Gramm Papier Rivoli
exzellent gedruckten Blätter im Format
12,4 x 16,4 cm eine Delikatesse, zeichnerisch
wie drucktechnisch. 444 Exemplare,
begleitet von einem Büchlein gleichen
Formats und Inhalts und in eine gediegene
Schachtel gelegt, brachte der spezialisierte
Pariser Verlag Éditions Le 9ème Monde
damals in den Verkauf. Die Schachtel trägt
auf dem Deckel eine Vignette von Ulf K.,
die als Deckblatt des Portfolio wiederkehrt.
Die zehn verzauberten und bezaubernden
Szenen zeigen berührende Momente der
Stille, die Sprachlosigkeit eines zerstrittenen
Paares, die Zufriedenheit im Einklang
mit sich selbst, die leise, tiefe Trauer, zarte
Mutterliebe, den Kummer des Unverstandenen,
die Behaglichkeit des Heims mit
Buch und Katze oder einem Goldfi schglas
und die Erfüllung in körperlicher Liebe. Ulf
K. versteht die in grau-oliv weich abgetönten
Schwarz-Weiß-Kontrasten gezeichneten
Situationen mit einer Form von Stille
auszustatten, die man glaubt mit den Fingerspitzen
fühlen, beim Atmen einsaugen,
ja sogar hören zu können. Die Faszination,
die den Betrachter einfängt, wiederholt sich
Mal um Mal. Die Stimmungen der Bilder
stecken an. Mit sensiblem Gefühl für den
Moment, den leisen Augenblick läßt Ulf K.
uns an intimsten Situationen teilnehmen.
Edition 52
Hofaue 55, 42103 Wuppertal
Kontakt: Tel. 0202-735772 und
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Web-Seite: www.Edition52.de
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Höfl ichkeit
Andreas Steffens,
Schriftsteller und Philosoph; lebt in
Wuppertal; 2009 Träger des Springmann-
Preises; 2010 erschienen von ihm im
NordPark Verlag „Gerade genug. Essays
und Miniaturen“ und „Vorübergehend.
Miniaturen zur Weltaufmerksamkeit“.
Soeben erschien dort: „Ontoanthropologie.
Vom Unverfügbaren und seinen Spuren“,
sowie im Athena-Verlag die kunstphilosophische
Studie „Selbst-Bildung. Die
Perspektive der Anthropoästhetik“
Ich bin der höfl ichste Mensch von der Welt. Ich tue mir was darauf zu Gute, niemals grob
gewesen zu sein auf dieser Erde (1) .
Wer könnte dies heute noch uneingeschränkt von sich behaupten wie Heinrich
Heine zu Beginn seiner Schilderung einer Italienreise im Jahr 1828? Ja, wer empfände es
noch als erstrebenswert, gar als ein Ideal, dies von sich sagen zu können?
Das liegt nicht nur am historischen Abstand. Die Gesellschaft, in der Höfl ichkeit ein
Wert selbstverständlicher Verbindlichkeit war, gibt es nicht mehr. Daraus zu schließen,
Höfl ichkeit sei gesellschaftlich bedeutungslos geworden, hieße, die Grundbedingungen
jedes gesellschaftlichen Lebens verkennen. Ihre Beziehung zur Höfl ichkeit und deren
Geltung in ihr, sind vielmehr ein Zeichen dafür, wie gut oder schlecht eine gegebene
Gesellschaft ihre elementaren menschlichen Pfl ichten erfüllt. Eine Gesellschaft, die Höflichkeit
nicht mehr kennen wollte, wäre eine, die es aufgegeben hätte, eine menschliche
sein zu wollen.
Bei Hofe ging es grob zu, aber nach feinen Regeln. Sie hatten die tatsächlichen Feindschaften
hinter der Maske des Höfl ings zu verstecken. Die offenen zu verbergen, und
die verborgenen verborgen zu halten. Das gesprochene freundliche Wort war Tarnung
so sehr wie Puder, Parfum und Perücke. Es verbarg den feindlichen Gedanken. Da der
Höfl ing nicht weiß, wer tatsächlich Freund, wer Feind ist, muß er jeden behandeln, als
wäre er Freund, und vor jedem als möglichem Feind auf der Hut sein (2) .
43

44
Als Erbe des Höfl ings, der ein Heuchler
sein musste, um zu überleben, blieb
Höfl ichkeit lange ein Synonym für Verstellung.
Es dauerte einige Generationen,
bis auch die bürgerliche Gesellschaft, die
die aristokratische verdrängt hatte, sie als
einen eigenen Wert entdeckte, und übernahm.
Denn in ihr trat an die Stelle des
Kampfes der Höfl inge um die Gunst des
Fürsten, von der ihre Stellung abhing, die
Konkurrenz der Wirtschaftsbürger, deren
ökonomischer Erfolg am Markt über ihr
gesellschaftliches Sein entschied.
Gegenwärtig also bezeichnet das Wort
Höfl ichkeit nicht mehr die courtoisie, oder
streng höfi sche Sitte, sondern die Gewohnheit
und Kunst in jeglicher Beziehung von
Menschen zu Menschen, im Reden, wie
im Handeln, stets den zu treffenden Ton
zu fi nden und anzuschlagen. Ihr sind die
Begriffe Behaglichkeit, Unbefangenheit,
Behendigkeit, Anstand, Freundlichkeit, Bereitwilligkeit,
Dienstwilligkeit, Ehrerbietung
und jener allgemeine Ton untergeordnet,
welcher alle vorangenannten Eigenschaften,
gleich einem musikalischen Grundtone, mit
einander verknüpft und harmonisirt.
Ihr Prinzip ist stets dasselbe: der
gütige, der positive Wille (3) . Als der Baron
von Rumohr diese Bestimmung 1834
formulierte, gab es noch Höfe, und die
sich gerade ausbildende bürgerliche Gesellschaft
hatte noch nicht ihre endgültige
Form gefunden, die erst mit der Industrialisierung
der Ökonomie ausgeprägt
werden sollte.
Ein spätes Echo jener Fragwürdigkeit
des ‚Höfi schen’ als Ursprung der Höflichkeit
ist das Unbehagen, mit dem man
noch heute einen Zeitgenossen als „ausgesucht
höfl ich“ gekennzeichnet fi ndet: als
verstecke sich im Lob eine Warnung vor
Arroganz und Verstellung, die Unehrlichkeit
und Bosheit verhüllen.
Der Kleinbürger, zu dem die Nutznießer
der Weltwirtschaftsgesellschaft
wurden, seitdem der liberale Kapitalismus
verschwand, dessen gesellschaftliche
Stellung das ökonomische System für ihn
festlegt, ohne seinen individuellen Einsatz
dabei mehr zu berücksichtigen, darf in ihr
nur noch eine unverbindliche Altertümlichkeit
sehen: Rentnernostalgie.
Niemand wirft einem mehr einen
Handschuh vor die Füße, niemand
schickt mehr einen Fehdebrief. Die Codes
der Auseinandersetzung haben sich nicht
nur geändert, sie sind bei gleichzeitiger
Abnahme von Subtilität und symbolischer
Präzision verborgener geworden, als sie
es in den Zeiten einer streng geordneten
Gesellschaft waren und sein mußten, da
jeder seine klar bestimmte Position, seinen
Rang und seine Funktion besaß. Im Zeitalter
des universalen Kleinbürgertums, in
dem Rang als symbolischer Wert ebenso
verloren gegangen ist wie Ehre, gibt es nur
noch den einen, auf alles angewandten
Wert der ökonomischen Potenz, über die
von der eigenen Stellung im Verwertungssystem
der monetarisierten Ökonomie
entschieden wird: Besitz an, oder Verfügungsgewalt
über, Geld weist nun jedem
seinen Ort in der Gesellschaft an.
Nun wird auch der ‚Wert’ des
einzelnen Menschen zum Posten betriebswirtschaftlicher
Kosten-Nutzen-
Kalkulationen. Nur der, der in einer
solchen Kalkulation einen Platz auf der
Nutzen-Seite einnimmt, verfügt über
gesellschaftlichen Wert. Der ‚menschliche
Faktor’ ersetzt den Menschen (4) .
In der Folge verschwinden die konkreten
Menschen. Wer nicht nachweislich
Teil einer Bilanzoptimierung ist, dessen
Existenz hat keinen gesellschaftlichen Ort
mehr: er wird zur Last des Überfl üssigen.
Der Mensch ist zum Störfaktor der Bereicherungsökonomie
geworden. Sie kennt
nur noch eine Regel, deren erfolgreiche
Befolgung das Recht auf gesellschaftliches
Dasein garantiert: setz dich durch, mit allen
Mitteln, und erhöhe den Profi t dessen,
für den du deine Arbeitskraft einsetzen
darfst, und verzichte auf deinen Anteil an
deren Ertrag.
Nichts könnte dazu in größerem Gegensatz
stehen als die Grundlage der Höflichkeit:
die bedingungslose Anerkennung
des Seinsrechts des Anderen. Wer sich
höfl ich verhält, übt Toleranz in der direkten
Begegnung mit einem Andersartigen.
Höfl ichkeit als Daseinsanerkennung wird
zur Grundlage gesellschaftlichen Miteinanderlebens,
wenn sie in allgemeiner
Gegenseitigkeit praktiziert wird.
Ihr Gegenteil, hat die Gleichgültigkeit
zum Wesenskern, deren äußerste Konsequenz
das Einverständnis mit dem Nichtsein
des Anderen ist: mit seinem Tod.
Die Unhöfl ichkeit ist dem Faustrecht im
Bürgerkrieg aller gegen alle so nah, wie die
Höfl ichkeit dem Recht der zivilisierten
Gesellschaft, die jedem ihrer Mitglieder
das Recht auf Leben gewährleistet.
Da alle füreinander ausschließlich
Konkurrenten sind, begegnen sie einander
unablässig mit heimlichen Schlichen
einer informellen Gegnerschaft, die nicht
offengelegt werden darf. Das letzte Tabu
nach der Enterotisierung der Sexualität
in einem allgegenwärtigen Körperkult ist
die tatsächliche Unverträglichkeit aller
füreinander, deren Beziehungen vom ökonomischen
Grundsatz der ausnahmslosen
Konkurrenz bestimmt werden.
Niemand muß der verborgenen
Feindschaft auf Schritt und Tritt so gewärtig
sein wie der ‚Parteifreund’, nach dessen
Funktionärsposten unablässig mehr
Konkurrenten gieren, als er kennen kann,
vor deren heimlicher Illoyalität keine gemeinsamen
‚Grundüberzeugungen’, kein
Einstehen für eine ‚gemeinsame Sache’
mehr schützen, seit das ‚Gemeinwohl’
zum Spielball des Postenkungelns einer
Gemeinheit aller gegen alle zum Zweck
der Optimierung des Wohles einiger
gegen das der vielen verkam.
Die Verweigerung der Höfl ichkeit,
die kalkulierte Geste der Unhöfl ichkeit
ist gleichbedeutend der Erfi ndung eines
Feindes. Der herausfordernde Blick, der
Blick, der übersieht, wo gesehen werden
sollte, die ironische oder höhnische
Bemerkung, das Schweigen, das die
schuldige Antwort versagt, die gezielte
Ignoranz gegenüber der Leistung aller, die
keiner ‚pressuregroup’ angehören, entwerten
nicht nur, sondern entwirklichen den,
dem sie gelten.
Jede Feindschaft ist in ihrem Kern
Todfeindschaft: ihr Gegenstand soll nicht
sein. Der Feind ist der Andere, der nicht
sein soll, weil er das eigene Sein in Frage
stellt. Wie sehr die Stimmung in der
Gesellschaft der Bereicherungsökonomie
unterschwellig von der Sehnsucht nach
Feindschaft beherrscht ist, verrät der nicht
mehr nur unter Teilnehmern wochenendlicher
Management-Seminare beliebte
‚killer’-Instinkt, der zu ‚Führungspositionen’
angeblich besonders geeignet macht.
Unhöfl ichkeit ist die latente Aggression,
die auf den Anlaß lauert, hervorzutreten.
Sie signalisiert die Bereitschaft
zur Feindseligkeit. Sie warnt: sieh dich
vor, ich beobachte dich, und warte auf

deinen Fehler, der mir ermöglichen wird,
dich offen als den Feind zu behandeln,
als den ich dich sehen will. Unhöfl ichkeit
ist Herausforderung zum Konfl ikt durch
den, der davon überzeugt ist, aus ihm als
Sieger hervorzugehen.
Höfl ichkeit dagegen ist Freundschaft
auf Distanz zwischen Fremden. Auf
Gegenseitigkeit geübt, macht sie die
gemeinsame Welt für ihre Angehörigen
freundlich. Ihre Gesten signalisieren den
Verzicht auf Feindseligkeit.
Höfl ichkeit kann nur üben und
erfahren, wer den anderen als Person
wahrnimmt, und von ihm als Person
wahrgenommen wird. In der Gesellschaft
des totalen ‚homo oeconomicus’ jedoch
darf jeder alle nur noch in ihrer System-
Funktion wahrnehmen.
In ihrer Ausdehnung auf alle Lebensbereiche
hat die Totalisierung der
ökonomischen ‚Werte’ die alte humane
Trennung von gesellschaftlichem und
privatem Leben aufgehoben. Privatleben
wurde tendenziell aozial. Wer auf seiner
Privatsphäre besteht, gibt zu erkennen,
dass er sich dem Anspruch der totalen
Verwertung seiner Person widersetzt.
Der medial existierende Mensch ist
der öffentliche Mensch, sein Modell
der ‚Prominente’, dessen Intimsphäre
unablässig veröffentlicht wird. Höfl ichkeit
dagegen ist Achtung für die Sphäre des
Privaten, in der einer unabhängig von
seiner gesellschaftlichen Funktion sein
kann, was er als Person ist.
Der höfl iche Mensch, der sich nicht
nur höfl ich verhält, sondern höfl ich
ist, nimmt den anderen, mit dem er in
Beziehung steht, vor der Blöße seiner
Wahrheit in Schutz. Gegenseitig geübt,
ist die Höfl ichkeit eine Rückversicherung
gegen Enttarnung unverzichtbarer
‚Lebenslügen’. Die Wahrheit zu verbergen,
sie hinter Vorhängen zu halten (5) , ist
eine Geste der Humanität als gegenseitige
Schonung. Der Höfl iche übersieht, was
sein Gegenüber in Verlegenheit setzen
müsste, würde es bemerkt; der tüchtige
Funktionär der totalen Ökonomie nutzt
es im allumfassenden, nie ausgesetzten
und keine Lebenssituation auslassenden
Konkurrenzkampf gezielt für seine
Zwecke aus.
So verkehrt der Unhöfl iche die
Aufmerksamkeit, mit der Höfl ichkeit
verwirklicht wird, in ihr Gegenteil.
Die Aufmerksamkeit ist keine Regel, die
man kennt und einhält oder verletzt; sie gehört
zum Fundament der Person. Aufmerksamkeit
ist eine Grundhaltung des Menschen
der Welt gegenüber. Der Aufmerksame
hat sich entschlossen, nicht sich selber,
sondern die ihn umgebenden Phänomene
zu betrachten, man könnte auch sagen, sich
selbst ausschließlich im Spiegel der anderen
wahrzunehmen. Er blickt die Menschen,
die ihm begegnen, an. Diese Menschen sind
ihm wichtig. (…). Nur, dass der Aufmerksame
von ihnen nicht profi tieren möchte.
Seine Aufmerksamkeit ist seine Natur. Es ist
wichtig, Menschen zu erkennen, sie haben
ein Recht darauf. (…). Der Aufmerksame
hat nicht vergessen, wer eine Fischallergie
hatte; er wird dem Elternpaar, das Kummer
mit seinen Kindern hat, nicht von den
Erfolgen der eigenen berichten; er kennt die
Stellen im Zimmer, an denen am wenigsten
Zug herrscht, und weiß, wen er dorthin
platzieren wird (6) .
Nur dort, wo die Aufmerksamkeit am
wichtigsten ist, in der exklusiven Liebesbeziehung,
die die Welt ausschließt, gibt
es keine Höfl ichkeit, weil sie verhinderte,
ihr größtes Bedürfnis nach größtmöglicher
körperlicher Nähe zu befriedigen.
Hier kann das grobe Wort die letzte
Distanz zum Verschwinden bringen, das
im gesellschaftlichen Umgang die Distanz
herstellt, die der, dem es gilt, nicht einzuhalten
bereit ist.
In einer Welt, die durch unablässige
Zunahme der Bevölkerung für jeden
Einzelnen immer enger wird, muß die
Fähigkeit, sich die anderen im Umgang
mit ihnen vom Leib zu halten, wie sie sich
in der Frühzeit der bürgerlichen Gesellschaft
als Selbstbildung des Individuums
ausprägte und einen neuen gesellschaftlichen
Kodex akzeptierter Umgangsformen
entstehen ließ, aufs neue zu einer
Grundfähigkeit all derer werden, die sich
die Lebensform des Individuums bewahren
wollen. Abstand zu halten, wird zum
Handgriff einer neuen Kunst gesellschaftlicher
Virtuosität, Nähe so zu dosieren,
dass sie einen nicht von sich selbst fern
rückt, ohne dabei ins Hintertreffen im
totalen Konkurrenzspiel zu geraten,
dessen Erfolg oder Mißerfolg darüber
entscheidet, welche Lebensform man sich
leisten kann.
Das Verschwinden der Höfl ichkeit als
selbstverständliche Umgangsform signalisiert
ein Verblassen des Gemeinsinns, dessen
Schwäche nichts anderes ist als eine
Erscheinungsform der Lebensschwäche.
Aber auch die Lebensklugheit gebietet
uns höfl ich zu sein, und nicht verdrießlich
zu schweigen, oder gar Verdrießliches zu
erwidern, wenn irgend ein schwammiger
Kommerzienrat oder dürrer Käsekrämer
sich zu uns setzt, und ein allgemein europäisches
Gespräch anfängt mit den Worten:
„Es ist heute eine schöne Witterung.“ Man
kann nicht wissen, wie man mit einem
solchen Philister wieder zusammentrifft,
und er kann es uns dann bitter eintränken,
dass wir nicht höfl ich geantwortet: „Die
Witterung ist sehr schön.“ (7) .
Der grenzenlose Egoismus muß diese
‚Lebensklugheit’ verlieren, die auf dem
einfachen Bewußtsein der Unmöglichkeit
beruht, alleine zu leben. Wer die anderen
aus seiner Gesellschaft ausschließt,
schließt sich selbst aus der Gesellschaftlichkeit
aus, die darauf beruht, dass der
Mensch ein Lebewesen der Selbstbehauptung
auf Gegenseitigkeit ist.
(1) Heinrich Heine, Italien (1828), in: ders., Sämtliche Schriften, hg. von Klaus Briegleb, Bd. 3, Ffm-Berlin-Wien 1981, 311-389; 315
(2) Gracian, Balthasar, Handorakel und Kunst der Weltklugheit (1647), dt. von Arthur Schopenhauer, Stuttgart 1978
(3) Carl Friedrich von Rumohr, Schule der Höfl ichkeit für Alt und Jung, 2 Bde., Stuttgart-Tübingen 1834/35; 51 f.; 53
(4) François Emmanuel, Der Wert des Menschen. Roman, München-Zürich 2002
(5) Andreas Steffens, Hinter Vorhängen oder Von der Wahrheit, in: ders., Gerade genug. Essays und Miniaturen, Wuppertal 2010, 13-18
(6) Asfa-Wossen Asserate, Manieren, Ffm 2003, 39 f.
(7) Heine, Italien, 315
45

46
Fundsache
Ulrich Land
Geboren 1956 in Köln. Freier Autor seit
1987. Romandebüt: „Der Letzte macht
das Licht aus“, Münster 2008.
Jüngste Romanveröffentlichung: „Einstürzende
Gedankengänge“, Münster 2010.
Im Übrigen Lyrik, Prosa, Essays und fast
hundert Hörspiele und Radiofeatures.
Herausgeber von Anthologien und mehrfach
von Literaturzeitschriften.
Dozent für „creative writing“ an der Uni
Witten/Herdecke.
Mehrere Auszeichnungen, u. a. Kölner
Medienpreis; Hörspiel-Stipendien der
Filmstiftung NRW und des nordrheinwestfälischen
Kulturministeriums.
Ulrich Land
Höhenweg 60
45529 Hattingen
Tel.: 02052 / 807 22
Email: ulrichland@gmx.de
Web: www.ulrichland.de
Na ja, ich bitte Sie! Fahren Sie mal jeden Tag – Wochen, Monate, Jahre, ein halbes Leben,
jeden Tag – immer die gleiche Strecke. Gut, da gibt‘s jetzt bei der Schwebebahn nicht
viel Auswahl. Wupper rauf Wupper runter. Jedenfalls wär Ihnen auch anders geworden.
Ganz anders.
Es war: Wupper runter. Wie jeden Tag um die Zeit – und plötzlich – plötzlich ist
alles anders! Dieser Handschuh. Der musste einem einfach ins Auge springen. Leuchtend
weiß, wie er war. Aber keiner außer mir schien diese Kirschblüte im Ständerwerk bemerkt
zu haben. Hoch droben – ich meine, von der Schwebebahn aus natürlich: unten – hoch
im Gestängegestakse. Irgendwie anrührend. Hätte Sie auch mitgenommen, der einsame
Handschuh. Wie er sich da mit fl achen Fingern festklammerte. Mit dreien seiner Finger.
Daumen und Zeigefi nger hingen schlaff faltig herab und beteiligten sich nicht an der
Mühe, diese halsbrecherische Position zu wahren. Wenn‘s nach ihnen gegangen wär, wäre
die Reise abwärts in die Wupper einfach fortgesetzt worden. Wurde sie aber nicht. Die
drei andern Kollegen Handschuhfi nger hatten das Gestänge gut im Griff. Diese irrsinnige,
tagelang, wochenlang anhaltende Anstrengung dieser drei verlorenen Handschuhfi nger,
das war‘s, was mich so schwermütig stimmte.
Von nun an wurde ich jeden Tag, an dem ich da vorbeiruckelte, magisch angezogen
von diesem fl ügellahmen weißen Schmetterling da oben und seinem Geheimnis. Stand
für mich außer Frage, dass das jungfräuliche Stück einer jungen Dame gehörte. Nein,
ich kenne sie nicht. Sie kämmt ihr goldenes Haar, sie kämmt es mit goldenem Kamme
und singt ein Lied dabei, das hat eine wundersame, gewaltige Melodei. Ausgeschlossen,
dass die bildschöne Besitzerin ihren Handschuh so hoch hätte hinauf werfen können. Bei
diesen schmalen Fingern, dieser zierlichen Statur, diesem eleganten Mantel. Und wozu
auch? Wozu hätte sie das Ding da rauf katapultieren, das Frieren der einen Hand in Kauf
nehmen sollen!
Und es war hier auch weit und breit kein Haus, aus dessen Fenster jemand dieses
fl atterhafte Corpus Delicti hätte pfeffern können. Irgendwann nach Tagen und Tagen des
Vorbeifahrens einigte ich mich mit mir – nein nein, nicht weil ich davon total überzeugt

gewesen wäre, sondern damit ich diese
bohrende Frage loswurde, mich freischwimmen
konnte aus dem Strudel dieser
klaffenden Erklärungslücke – einigte ich
mich mit mir darauf, dass diese weiße
Fünffi ngermöwe direkt aus der Schwebebahn
zum Sinkfl ug angesetzt haben
musste. Der Schönen in der Schwebe aus
der Handtasche gefallen. Oder aus der
Manteltasche. Auf dem Boden von unachtsamen
Füßen hin- und hergeschoben und
schließlich durch die Gummilippen der
Wagentür gequetscht – aus den Augen aus
dem Sinn.
Stimmt, Sie haben recht. Dann hätte
der Handschuh nicht in diesem Gestänge
landen können, bei dem Winkel, mit dem
sich die Ständer schräg unter der Schwebebahn
zum Flussufer spreizen, da hätte er
nur schnurstracks bei den Fischen landen
können. Also muss ihn irgendein jugendlicher
Übeltäter der Goldblonden stibitzt
und mit kraftvollem Schwung aus dem
Handgelenk durch einen der Klappfensterschlitze
der Schwebebahn geworfen haben.
Ja. So war‘s.
Die Frage nach dem Wer, nach dem
Namen des armen Opfers interessierte
mich nicht im Entferntesten. Mitnichten.
Ich hatte sie ohnedies genau vor Augen.
Nein, die Frage, die mir jetzt nach der
Klärung des Entwendungsdeliktes das
Hirn zermarterte, war die, wie sich das
Drama weiter gestalten würde. Der traurige
Anblick würde sich ja nicht einfach so
aufheitern. Im Gegenteil. Jeden Tag, den
das schneeweiße Geschöpf in seinem kalten
Gestänge Wind und Wetter ausgesetzt
war, bedeutete beträchtliche Einbußen an
jungfräulicher Reinheit. Wurde Tag für
Tag unansehnlicher. Schon nach kurzer
Zeit hatte es den Charakter schmuddliger
Novembermontagnachmittage angenommen.
Fahlgelb, dreckig. Tat einem in der
Seele weh.
Es musste gehandelt werden. Das werden
Sie als Hüter von Recht und Ordnung
verstehn!
Ich gab der unglücklichen Schönen
noch fünf Tage, den verlustig gegangenen
Handschuh aus seiner misslichen Lage zu
befreien. Als sie auch diese Frist trauernd
womöglich, doch tatenlos verstreichen
ließ, war meine Stunde gekommen. Nachts
um zwei. Ja, sicher. Und zwar nicht weil
ich wie ein Strauchdieb die Dunkelheit
gesucht hätte, sondern um Störungen
des Schwebebahnbetriebsablaufes einerseits
und meines höchste Konzentration
erfordernden Unterfangens andererseits
vorzubauen. Ich meine, immerhin galt es,
die staksigen Ständer in stockfi nstrer Nacht
aufzuentern.
Stirnlampe und Klettersteigausrüstung
hatte ich mir beim Alpenverein Sektion
Unterbarmen Nordwest ausgeliehen. Aber
womit ich nicht gerechnet hatte, dass die
Füße sich bei jedem Schritt in den gekreuzten
Streben verkanteten. Stechender
Schmerz. Können Sie mir glauben, und ich
bin nicht grade zimperlich. Aber immerhin,
auf meine Hände konnte ich mich
verlassen. Klammerten sich so fest um die
schräggestellten Streben wie die Finger
dieses ehedem so hübschen, gottverlassenen
Handschuhs, den ich jetzt – fehlten noch
zwölf, sieben, drei Zentimeter – den ich
jetzt in Händen hielt! Endlich in Händen
hielt.
Und jetzt runter damit und rein damit
in die Jackeninnentasche, dass das arm
weiß Vögelein mit dem einen, dem gefi ngerten
Flügel sofort ins Trockene kommt!
Raus aus dem Schmuddel.
Ja nein, wusste ich natürlich nicht,
nicht zu dem Zeitpunkt, wohin mit dem
geborgenen Schatz, wenn ich erst mal
zu Hause angelangt sein würde. Jetzt,
verdammt, hatte ich erst mal hier runter zu
kommen. Ohne mir Nacken und Knochen
zu brechen. Bei dem Herzrasen! Das
weniger der Angst vorm Abstieg geschuldet
war als vielmehr dem Schatz, den ich am
Herzen trug und der mir einen Kreislauftaumel
nach dem andern durch die Gefäße
jagte.
Ich kam jedenfalls heil zu Hause an
und auch das Objekt, das jetzt unter
meinem Schutz, unter meinem persönlichen
Schutz stand. Wie weggeblasen das
Problem: wohin damit. Ich räumte ein
Regalbrett hinter den Glastüren des von
alten Küchenschrank meiner Großtante
frei und gewährte dem Kleinod auf diese
Weise einen staub- und feuchtigkeitssicheren,
wiewohl stets einsehbaren Ehrenplatz.
Ich war glücklich. Überglücklich.
Zusätzlich beseelt von dem Gedanken
– das ist auch der Grund, weshalb ich von
da an nicht mehr nur zur Arbeit und wieder
nach Haus fuhr, sondern auch etliche
Stunden meiner durchaus knapp bemesse-
nen Freizeit im ratternden Schwebezustand
verbrachte, weshalb ich nicht selten bis
Fahrplanende zwischen Oberbarmen und
Vohwinkel hin- und herpendelte – zusätzlich
beseelt also von der Hoffnung, eines
Tages die traumschöne Goldblonde mit der
zierlichen Figur unter elegantem Mantel zu
treffen! Würde ich sie doch ohne jede Frage
sofort an ihrem unruhigen Blick erkennen,
mit dem sie die Bänke und den Boden des
Schwebebahnwagens abtasten mochte auf
der Suchen nach der verlorenen Preziose.
Aber sie kommt nicht, sucht nicht,
fährt nicht Schwebebahn. Vermutlich will
sie den zweiten Handschuh nicht auch
noch verlieren.
Auch mein Gang zum Fundbüro trug
keine Früchte. Erstens hat keine Dame einen
weißen Handschuh vermisst gemeldet,
und wenn, dann würde man mir zweitens
aus Datenschutzgründen keinesfalls die
Personalien zur Kenntnis geben.
Ja nun, ich meine, ist ja doch sonnenklar,
dass mir irgendwann etwas fehlen
musste. Setzen Sie sich mal in die Schwebebahn
und fahren 15 mal pro Tag rauf
und runter, hin und her, kreuz und quer
und nirgends, absolut nirgends hängt ein
weißer Frauenhandschuh im Gestänge! Da
wird man schier verrückt! Kriegt‘s mit der
Angst zu tun. Der Horror ausgekochter
Inhaltsleere. Das ist wie ein Nichts im
Nichts. Ein schwarzes Loch in der Leere
der Überfülle. Das ist, als würde man die
ganze Zeit bloß nach der Bestätigung dafür
suchen, dass einfach nichts da ist, dass in
dem ganzen vorbeischwebenden Spektakel
nichts ist, was einen aufmerken lässt.
Logisch, dass ich da noch mal rauf
bin. Wieder zu nachtschlafender Zeit.
Den trostlosen Handschuh wieder dahin
hängen wollte. Musste. Exakt gleiche
Stütze, exakt gleiche Höhe, exakt gleiches
Strebenkreuz. Aber, versteht sich, frisch
gereinigt, jungfräulich weiß.
So. Und jetzt kommen Sie mir nicht
und sagen, ich sei vermutlich schon bei den
Vorbereitungen der Expedition weniger
umsichtig gewesen als bei der Erstbesteigung.
Sie und kein anderer trägt die volle
Verantwortung dafür, dass mich der Ihrerseits
ausgelöste Martinshornschock auf
Sturzfl ug in die fl achen Fluten der Wupper
schickte und der Handschuh nicht wieder
dort oben sitzt und tiriliert. Seine gewaltige
Melodei.
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Neue Kunstbücher
Alte Meister
Vorgestellt von Thomas Hirsch
Giorgio Vasari, Das Leben des Sandro
Botticelli, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli
und Alesso Baldovinetti, 205 S. mit 25
farb. und 16 s/w-Marginalabb., Broschur,
19 x 12 cm, Wagenbach, 14,90 Euro
Ein alter Meister berichtet von den
alten Meistern, denjenigen in Italien: Sukzessive
bis 2014 veröffentlicht der Wagenbach
Verlag die Schilderungen der Renaissancekünstler
aus der Feder des italienischen
Malers und Kunstschriftstellers Giorgio Vasari.
Vasari ist aus der Kunstgeschichtsschreibung
nicht wegzudenken, verdanken wir
ihm doch erhebliche Einsichten zur Kunst
des 14. bis 16. Jahrhunderts in Italien.
Giorgio Vasari war selbst respektabler Maler
des Cinquecento in Florenz, angesehen vor
allem für seine Porträtmalerei, infolgedessen
besaß er einen profunden und weitreichenden
Einblick in das Metier. Als erste Sammlung
von Künstlerviten in Verbindung
mit einer Autobiographie gelten zwar die
„Commentarii“ (um 1448) von Ghiberti.
In der nordischen Renaissance gibt es
dazu ein (auch die Antike bedenkendes)
Pendant von Carel van Mander (1604) –
bedeutender aber sind eben Giorgio Vasaris
„Lebensbeschreibungen der berühmtesten
Maler und Bildhauer“, die erstmals 1550
im Druck vorlagen. Seine Künstlerportraits
widmen sich Meistern aller künstlerischen
Gattungen, sie sind überwiegend knapp
gefasst, partiell legendenhaft und mitunter
von Unkenntnis geprägt, stellen dann wieder
Genealogien und Werkstätten klar und
gehen auf wichtige Werke ein. Ausgehend
von den antiken Tugenden der Mühsal und
der Liebe zur Kunst entwirft Vasari hier
eine zeitgenössische Vorstellung vom Künstler,
der in Askese und Hinwendung den
Gipfel der Kunst erklimmt. Mithin haben
seine Biographien, so wahr oder unwahr
sie waren, bereits in ihrem sprachlichen
Duktus die Wahrnehmung der Künstler
– und des Mythos vom Künstler – in der
Nachwelt geprägt.
Zunächst vom Kunsthistorischen Institut
der Goethe-Universität Frankfurt/M.
und heute vom Kunsthistorischen Institut
Florenz erarbeitet, geht der Wagenbach
Verlag die Edierung der Schriften von
Vasari neu an: ausgehend vom Urtext mit
einer ungekürzten Übersetzung, mit (leider
etwas marginalen) Abbildungen, kritischen
Einleitungen und einem ausgiebigen,
noch kommentierenden Anmerkungsapparat.
Die handlichen Bände ermöglichen
die schnelle Lektüre wie auch die wissenschaftliche
Beschäftigung auf einem
sehr konkreten, anschaulichen Niveau. Zu
den Veröffentlichungen der letzten Zeit
gehören „Die Leben von Botticelli, Lippi,
Cosimo Rosselli und Alesso Baldovinetti“,
die in einem (wie gehabt) Taschenbuch
zusammengeführt sind. Respekt!
Michelangelo – Zeichnungen eines Genies,
414 S. mit 223 Farbabb., geb. mit Schutzumschlag,
31 x 24,5 cm, Hatje Cantz,
49,80 Euro
Einer der Künstler, denen Vasari ein
Kapitel widmet, ist Michelangelo (1476-
1564). Obwohl schon so viele Bücher zu
Michelangelo und seinem genialen Werk
erschienen sind, ist die nun vorliegende,
bei Hatje Cantz verlegte Monographie
„Michelangelo – Zeichnungen eines
Genies“ eine wichtige Erweiterung unseres
Blickes auf ihn. Sie wendet sich ganz den
Zeichnungen zu. Begleitend zur Ausstellung
in der Albertina in Wien, bildet sie
über 100 Blätter aus seiner gesamten,
fast sieben Jahrzehnte umspannenden
Schaffenszeit ab, also einen beträchtlichen
Teil der 600 erhaltenen Werke, die
vereinzelt noch auf der Rückseite Zeichnungen
besitzen und in verschiedenen
Techniken zwischen Skizze und malerischer
Bildhaftigkeit ausgeführt sind. Im Buch
werden Michelangelos Zeichnungen
ergänzt um Blätter von Zeitgenossen und
begleitet von Abbildungen der Malereien
und Skulpturen Michelangelos. Gerade
die vielen anatomischen Studien sind in
ihren Kontext zur Skulptur gerückt und in
ihrer wissenschaftlichen Relevanz wie auch
der Genauigkeit des Blickes vermittelt.
Deutlich wird (und das ist die Leistung
dieses opulenten Bandes), jede Zeichnung
ist ein Kunstwerk für sich. Das brachte die
Bearbeiter dieses Buches in die Schwierigkeit
des Angemessenen – ein grafi sches,
strukturelles Problem, welches indes nicht
zu lösen war. Aber, bei allen Wechseln
im Lay-Out, bei der fast überbordenden
Textmenge, dominiert doch die Klarheit,
zusammengehalten durch die Werke selbst,
die Großzügigkeit, mit der diese reproduziert
sind. Dass der einführende Text des
Wiener Kurators Achim Gnann ebenso
grundsätzlich wie verständlich ist, macht
dieses Buch weiter empfehlenswert.
Ebenfalls aus Anlass einer Ausstellung
und ebenfalls verlegt bei Hatje Cantz, ist
ein weiterer gewichtiger Band zu einem der
frühen Meister erschienen, nun aus dem
Norden: Zu Hans Holbein d. Ä., der um
1465 geboren wurde, mit seiner Werkstatt
in Augsburg ansässig war und um 1523/24
gestorben ist. Zwar ist heute sein Sohn
Hans Holbein d. J. bekannter, aber auch
der Vater war über seine Lebenszeit hinaus
hoch angesehen. Im Mittelpunkt der Stuttgarter
Monographie steht sein Hauptwerk
„Die Graue Passion“, die, im Besitz der

Hans Holbein d. Ä. – Die Graue Passion in
ihrer Zeit, 448 S. mit 411 Farbabb., geb.
mit Schutzumschlag, 31,2 x 25 cm, Hatje
Cantz, 58,- Euro
Staatsgalerie Stuttgart, nach der Restaurierung
dort erstmals wieder gezeigt wird. „Die
Graue Passion“ zählt zu den herausragenden
Passionsfolgen der altdeutschen Kunst.
Sie besteht aus zwölf Tafeln, die wahrscheinlich
die Seiten eines Flügelaltares
bildeten; ihr besonderes, durchgehendes
Kolorit hat dieser Folge an Malereien auf
Holz den Namen gegeben. Es ist die Leistung
des Buches, dieses wichtige Kunstwerk
erstmals ausgiebig im Detail und im
Überblick vorzustellen, wissenschaftlich
zu verorten und seinen sinnlichen Reiz
Cranach und die Kunst der Renaissance
unter den Hohenzollern, 364 S. mit 320
Farbabb., Hardcover, 27,5 x 22,5 cm,
Deutscher Kunstverlag, 39,90 Euro
zu vermitteln. Es liefert einen konzisen
Überblick über das Schaffen des Augsburger
Künstlers und einen Vergleich zum
zeitgleichen und vorausgehenden Schaffen,
etwa mit Martin Schongauer und Albrecht
Dürer und der frühen niederländischen
Malerei. Anders als das Michelangelo-
Buch ist die bildliche Darstellung durch
Spezialkapitel immer wieder unterbrochen,
dafür aber im Lay-Out gut leserlich: Also,
jedes Buch ist anders, auch bei den frühen
Meistern.
Nach all der Euphorie über diese
Neuerscheinungen, nun ein etwas komplizierter
Fall. Zeitlich schließt das Buch
„Cranach und die Kunst der Renaissance
unter den Hohenzollern“, erschienen im
renommierten Deutschen Kunstverlag, an
die Monographie zu Hans Holbein d. Ä.
an. Aber es verfolgt eine andere Akzentuierung,
bindet die Bildende Kunst in den
gesellschaftspolitischen und kulturellen
Kontext der Hohenzollern ein und ist
darin wesentlich Katalog mit Architektur,
Kunst, Kunstgewerbe, Buchkunst
und Urkunden, obzwar die Sammlung
deutscher Malerei des 15./16. Jahrhunderts
im Besitz der Stiftung Preußische
Gärten und Schlösser Berlin-Brandenburg
und der Abschluss des Bestandskataloges
dazu Ausgangspunkt waren. Mit
Beiträgen so renommierter Autoren bei
Bredekamp, Koepplin, Warnke ergibt
sich ein tieferer Einblick in die Kunst und
deren gesellschaftliche Stellung zur Zeit
der Renaissance in Berlin-Brandenburg
und am Hof der Kurfürsten Joachim I.
und Joachim II.; eigene Themen sind die
Stadtkultur und die Rolle der Kirche in
Bezug auf die Kultur. Aber das ist wenig
koordiniert, insgesamt scheint das Buch,
das zu einer Ausstellung erschienen ist, mit
heißer Nadel gestrickt. So sind mögliche
Gegenüberstellungen vergleichbarer Epitaphgemälde
gerade nicht eingelöst. Teils
fehlen die Maße der Werke. Und doch,
reich bebildert und von einem ausführlichen
Literaturverzeichnis begleitet, ist es
ein Gewinn und eine gute Klärung der
Bedingungen altdeutscher Kunst.
Den alten Meistern ist Antonio Canal,
genannt Canaletto (1697-1768) nicht
mehr zuzurechnen – aber er zitiert die
Antike und die Renaissance, indem er
Canaletto in Venedig – Der Meister und seine
Rivalen, 192 S. mit 64 Farbtafeln, geb.
mit Schutzumschlag, 29 x 25 cm, Belser,
39,95 Euro
ihre architektonischen Zeugnisse malt, auf
dem Fundament realistischer Erfassung.
Im Anschluss an Capricci – erfundene
Architekturen – wendet sich Canaletto der
Vedutenmalerei zu, als deren Hauptvertreter
er sich in seiner Heimatstadt Venedig
etabliert. Er gibt die Atmosphäre und
Abfolge des architektonischen Außenraums
in seinen Ansichten wieder und
greift doch künstlerisch ein. Er nimmt
Perspektivwechsel innerhalb der Darstellung
vor und setzt Licht und Schatten mit
zunehmend lockerer Pinselführung. Das
erfreulich unprätentiöse, geradlinige Buch
Canalettto in Venedig. Der Meister und
seine Rivalen, das nun im Belser Verlag
erschienen ist und von Charles Beddington
bearbeitet wurde, untersucht noch das
Eigene in Canalettos Malerei, indem es ihn
in den Zusammenhang der venezianischen
Vedutenmalerei stellt und noch mit Bilddetails
arbeitet. Zu den Künstlern, die
vorgestellt werden, gehören seine Schüler
Francesco Guardi und Bernardo Bellotto,
wobei letzterer auch sein Neffe war und als
Hofmaler in Dresden Erfolge feierte: Ein
Bild von Bellotto, der ebenfalls den Namen
Canaletto trug, hängt seit kurzem, als
Leihgabe der Staatlichen Kunstsammlungen
Dresden, im Büro des Bundespräsidenten
in Berlin. Aber das ist eine andere
Geschichte.
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Gerhard Nebel
„Zwischen den Fronten –
Kriegstagebücher 1942-1945“
Wiederentdeckt, ausgewählt und mit
einem Nachwort von Michael Zeller
© 2010 Wolf Jobst Siedler Verlag jr. Berlin,
1. Aufl age
282 Seiten, ISBN 978-3-937989-69-3
Weitere Informationen unter:
www.wjs-verlag.de
Die Kriegstagebücher Gerhard
Die spezifi sch deutsche literarische Aufarbeitung
des grauenhaften 1. Weltkriegs
(schätzungsweise 17 Millionen Tote)
stammt von Ernst Jünger. „In Stahlgewittern“
ist das Tagebuch seiner Erlebnisse in
Frankreich. Der pathetische Titel kündigt
bereits vom heldenhaften Kampf der
Soldaten, von der trunkenen Stimmung
der Jugend 1914, die, angefeuert von der
großen nationalen Bewegung, sehnsüchtig
mitmachen wollte bei dem Wahnsinn
1914-1918 und die Kriegsgefahr begeistert
suchte (Stichwort: Langemarck).
Nach dem 2. Weltkrieg (schätzungsweise
55 Millionen Tote) erscheint 1948-1950
von Gerhard Nebel (1903-1974) sein
dreibändiges Tagebuch der Kriegszeit.
Von Pathos und Heldentum ist da überhaupt
nicht die Rede. Mit Haß auf den
Despoten und innerlich unbeteiligt am
Krieg wollte er diesen nur überleben. Aktiv
war er nicht am Widerstand beteiligt.
Wie er dachten Hunderttausende.
Gerhard Nebel wird im Februar 1942
infolge eines lockeren Artikels über den
Kommiß-Ton bei der Luftwaffe und die
in der Wehrmacht herrschenden soldatischen
(Un-)Sitten vom Gefreiten und
Dolmetscher zum Bausoldaten degradiert,
muß Paris verlassen, verliert damit seine
Freundschaften und gesegneten Mußestunden,
die er in Paris mit einzelnen
intellektuellen Fliegern und Offi zieren
(u.a. Ernst Jünger) erlebt und geschätzt
hatte, und spricht von seiner hirnverbrannten
Torheit, die Despotie mit einem
unbedachten Artikel herausgefordert zu
haben.
„Die Lage, der ich entgegengehe, erscheint
mir unangenehm“. So beginnen
diese Tagebücher. Als Bausoldat wird er
auf eine Insel des Kanal-Archipels westlich
von Cherbourg versetzt. Dort muß
er körperlich arbeiten, wird aber auch immer
wieder als Dolmetscher in Anspruch
genommen. In seiner Freizeit liest er
Mommsen und Victor Hugo, beschreibt
die stimmungsvolle Insellandschaft mit
Kirchen, Kirchhöfen und ihren Menhiren
und spricht dem französischen Wein gerne
und ausgiebig zu. Was im Osten angerichtet
wurde, ist bei den Soldaten an der
Kanalküste bekannt. Seine Überlegungen
zum preußischen Drill, der den Soldaten
entwürdigt, ihm Qual verursacht und
verursachen soll, was dem Kommiß zur
Wache eingefallen ist, wie wichtig dieser
hohle Stumpfsinn von Offi zieren bis
hinauf zum General genommen wird, das
hält G. Nebel für Wahnsinn. Über die
bei der Wehrmacht verbreitete und mit
Vorschriften manifestierte Kombination
aus subalterner Dummheit und Grausamkeit
erregt er sich, glaubt aber nicht an
die Identität von Volk und Regime und
ist sich der Gefahr, die aus der Identität
von Politik und Verbrechertum resultiert,
bewußt. Solange man noch Wein trinken
kann, ist die Lage jedoch nicht völlig
hoffungslos: Jenseits des Krieges erwartet
Gerhard Nebel eine Welt der Freiheit, der
Bildung und der Humanität.
1943 wird er nach Italien versetzt, wo
er als Dolmetscher für den Stab der
Luftwaffe mit der aufgeräumten Anarchie
der Italiener gut zurecht kommt. „Auf
ausonischer Erde“ organisiert er Wein,
Früchte, Brot und Eier für soldatische
Feste, besorgt italienische Frauen für Bordelle
der Luftwaffe, übersetzt Liebesbriefe
der Landser und Flieger ins Italienische,
hat selbst verschiedene Affären, kommentiert
natürlich Affären der Offi ziere,
wird beschossen, auch bombardiert, und
versucht zu überleben, auch wenn ihn
die „kochende Angst, die allen Inhalt der
Seele verdampft und in deren Dunkel
alle Farbe verlosch“ überfällt, sobald ihm
Steine, Äste, Felssplitter um den Kopf
fl iegen und die feindlichen Jabos (Jagdbomber)
dicht über den Köpfen dröhnen.
Dem Kradmelder bietet der Stahlhelm,
der wie Butter von den kleinen Fetzen
der Splitterbomben durchschnitten wird,
keinen Schutz. Das Hirn spritzt aus dem
Schädel. Nebel sieht und beschreibt es.
Andererseits bleiben Gerhard Nebel aber
schöne Frühlingstage mit weiten Blicken
über die italienische Abruzzenlandschaften
auf türmereiche Städte ebenso unvergeßlich
wie noch schönere Nächte, in
denen unzählige glühende Johanniskäfer
durch samtenes Dunkel tanzen, nachdem
die Nachtigallen verstummen und die
Grillen das Nachtkonzert eröffnen. Jugendliche
Partisanen muß er in Notwehr
mit dem Maschinengewehr abwehren.
Auf der Lagunenbrücke Venedigs wird er
als Fußgänger von Jagdbombern überfl ogen,
die den zwischen den Buhnensteinen

Nebels – wiederentdeckt
Liegenden aber für eine Leiche halten
und Munition sparen. Im Juni 1944 -
liest man- werden deutsche Geschütze
unter der Aufsicht von schwankenden
Landsern, die Wein- und Schnapsfl aschen
schwenken, von Ochsenkarren durch die
Po-Ebene gezogen. Mal wieder verliebt,
verliert er sich zuletzt an Antonia, wollte
sich aber in den unsicheren Zeiten nicht
an die Studentin binden und entweicht
ohne Abschied, womit er wohl nicht nur
sie, sondern vor allem auch sich selbst
verraten hat. Endlich gerät er in amerikanische
Kriegsgefangenschaft, erkrankt
schwer und empfi ndet das Grauen in den
Lazaretten Norditaliens entsetzlicher als
die ausonischen Tage hinter der Front.
Von Hitlers Tod erfährt er in Cortina
d´Ampezzo und feiert das Ende der Bestie
mit Sekt.
Gerhard Nebel, 1903 geboren, hatte
Philosophie und Altphilologie studiert,
u.a. bei Heidegger und Jaspers. Politisch
treibt es ihn als Berufsanfänger Ende der
Zwanziger Jahre zur Sozialistischen Arbeiterpartei
(SAP) und er setzt sich auch
handgreifl ich mit den Nationalisten auseinander
(Narbe neben dem linken Auge).
Mit seinem dreibändigen Kriegstagebuch
schreibt sich Nebel in die literarische
Öffentlichkeit Nachkriegsdeutschlands.
Er hält Vorträge über Ernst Jünger, der
nach dem Krieg zunächst wegen eines
Verbots der Alliierten selbst nicht publizieren
durfte und schreibt ein Buch über
ihn. Bald aber streiten sich die beiden, die
zunächst in gleicher Weise vom Publikum
wie auch der Kritik geschätzt wurden,
kämpfen gegeneinander und beleidigen
sich. Skandalös, wie Ernst Jünger die
Übersetzung von Nebels „Hesperiden“
ins Französische gezielt verhindert hat.
1950 erhält Nebel den Eduard von der
Heydt-Preis der Stadt Wuppertal. Hier
hat er von 1950 bis 1955 als Studienrat
am Gymnasium in der Bayreuther Straße
gearbeitet. In Wuppertal gründet er, der
promovierte Philosoph, die Gesellschaft
„Der Bund“, in der zusammen mit der
Elite der Zeit - Ernst Jünger, Gottfried
Benn, Theodor W. Adorno, Ernst Bloch,
Jürgen Habermas, Arnold Gehlen, Carl
Schmitt u.a. waren Gäste - die geistige
Erneuerung und Orientierung nach dem
Nationalsozialismus diskutiert wird.
Durch Aufklärung wollte man nachhaltig
gegen „Gastfeindschaft, Barbarei
und Dehumanisierung“ wirken (Zitat
Michael Okroy s.u.). Gerhard Nebel
schreibt im Laufe seines Lebens etliche
Bücher und regelmäßig in der FAZ. Mit
seinen Beiträgen macht er sich nicht
nur Freunde. Thomas Mann konnte er
nicht leiden. Zu dessen 75. Geburtstag
erscheint am 6. Juni 1950 von G. Nebel
ein bösartiger Artikel in der FAZ. Über
Wuppertal schreibt er ein wenig freundlicher:
„Wuppertal ist rauh und knochig,
aber treu. Gewebe sind hier nicht wie
anderswo Lügengewebe, Garne sind
keine Betrugsschlingen. Die Solidität ist
nicht Schwerfälligkeit, sondern Stärke
- man hat sich nicht für den Oberfl ächenschmelz,
sondern die Tiefenstruktur
entschieden, nicht für die geschwinde,
huschende Intelligenz, sondern für zähes
Festhalten und bohrende Berechnung.
Den Verlust an Charme und Lieblichkeit
nimmt man, wenn man sieht, was in der
Nachbarschaft mit diesen Kategorien
getrieben wird, gern in Kauf.“ (zitiert
nach Christine Hummel, 2004, s.u.).
Georg Nebel starb 1974. Er wurde in
Braunsbach-Steinkirchen (Landkreis
Schwäbisch-Hall) beerdigt.
Die Kriegstagebücher Gerhard Nebels
(ursprünglich dreibändig) wurden von
Michael Zeller, Von der Heydt-Preisträger
2008, wiederentdeckt. Der heutige Leser
des Werkes ist fasziniert von der Authentizität
und Frische der Sprache, hinter der
die gesamte Kultur des alten Europa immer
wieder aufblitzt, von Nebels Humor,
seinem Zynismus und der Souveränität
des Gebildeten. Der Schriftsteller Michael
Zeller hat das vergessene Werk von
historischen Schlacken befreit, gekürzt,
mit einem sehr informativen Nachwort
zu Biographie, Werk und Rezeptionsgeschichte
versehen und neu herausgegeben.
Das Buch wurde von der Süddeutschen
Zeitung im Januar 2011 auf Platz 3 (von
10) der Liste der Sachbücher des Monats
gesetzt.
Literatur:
1. Dr. Christine Hummel: Ungeschminktes
Wuppertal, 2004 Bergische Universität
(http://www.presse-archiv.uni-wuppertal.
de/html/module/medieninfos/archiv/2004/1907_stadtjubilaeum_collage.
htm)
2. Michael Okroy: „Lebendig. ungeschminkt
und voller Geist. Ein kulturgeschichtlicher
Spaziergang durch das
Wuppertal, der 1950er Jahre.“ Vortrag am
24.11.2010 in der Citykirche Elberfeld)
3. www.michael-zeller.de/
Nachbemerkung
mit Notizen zu Michael Zeller:
Michael Zeller wurde 1944 in Breslau
geboren und lebt seit 1998 in Wuppertal.
1978 veröffentlichte er seinen ersten Roman
(„Fehlstart-Training“). Nach seiner
Promotion 1974 habilitierte er sich 1981
in Erlangen. Michael Zeller erhielt zahlreiche
Auszeichnungen, so z.B. 1984/85
das Atelierhaus Stipendium Worpswede,
als dessen literarisches Ergebnis sein
Roman über Paula Moderson-Becker
entstand („Die Sonne! Früchte. Ein
Tod“, 4. Aufl age 2007). 1997 erhielt er
das Schriftstellerstipendium der Robert-
Bosch-Stiftung und lebte ein Jahr in
Krakau. In „Café Europa“ und „Die Reise
nach Samosch“ hat er diesen Aufenthalt
literarisch verarbeitet. 2006 bereiste er das
kriegszerstörte Bosnien und hielt seine
Impressionen in „Granaten und Balladen“
fest. 2008 erhielt er den Von der
Heydt-Preis der Stadt Wuppertal, und es
erschien sein achter Roman („Falschspieler“).
Seit 2007 arbeitet Michael Zeller
literarisch mit Schülern. Inzwischen sind
vier „Schulhausromane“ entstanden. Der
jüngste Roman „Ein Schuss Jugendliebe“
wird im Mai 2011 erscheinen. Michael
Zeller publiziert auch in den Musenblättern
und im Wuppertaler NordPark
Verlag.
Weitere Informationen unter: www.
michael-zeller.de
Johannes Vesper
51

52
Kulturnotizen
Ausstellung „Schloßgeschichten“
über den Adel in Schlesien
Ratingen - „Schloßgeschichten“ lautet
der Titel einer Ausstellung, die ab dem 8.
Mai im Oberschlesischen Landesmuseum
in Ratingen zu sehen ist. Die Schau über
den Adel in Schlesien zeigt Gemälde,
Epitaphien, Waffen, Jagdtrophäen und
einen zwei Meter großen präparierten
Wisent. Unter den Ausstellungsstücken
sind viele erstmals in Deutschland präsentierte
Exponate. Die Schau läuft bis zum
8. Januar kommenden Jahres.
Über 3000 adelige Güter gab es in Schlesien,
einige der bedeutendsten lagen in
Oberschlesien. Die Ausstellung will den
Besucher in die Lebenswelt der Schlösser
und ihrer Bewohner führen. Der zeitliche
Bezugsrahmen reicht vom Mittelalter
bis in die Gegenwart. Der Reichtum der
Besitzer stand im krassen Gegensatz zu
den Lebensbedingungen vieler Arbeiter
und Bauern.
Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags
von 11 bis 17 Uhr geöffnet.
Internet: www.oslm.de
Museum Kurhaus Kleve
präsentiert das Werk von Carl Andre
Kleve - Das Museum würdigt ab dem
17. April in einer Einzelausstellung Carl
Andre, den Mitbegründer der Minimal
Art in Amerika. Gezeigt werden über 20
teils großformatige Skulpturen. Besonderes
Augenmerk gilt den für das Werk
fundamentalen, aber noch immer wenig
bekannten Textarbeiten, heißt es.
Es handelt sich um Andres erste Ausstellung
in einem deutschen Museum seit
15 Jahren. Nur wenige Tage nach ihrer
Eröffnung wird der Künstler am 5. Mai
in Zürich mit einem der renommiertesten
europäischen Kunstpreise ausgezeichnet,
dem Roswitha Haftmann-Preis. Der 1935
geborene Andre lebt und arbeitet in New
York und hat entscheidenden Einfl uß
auf die Entwicklung der Kunst im 20.
Jahrhundert ausgeübt.
Seit den frühen 1960er Jahren hat er
den Begriff von Skulptur revolutioniert,
indem er sie nicht länger in den Kategorien
von Form und Struktur, sondern von
Material und Ort defi nierte. Seine Werke
sind im strengen Sinn des Wortes elementar,
denn sie repräsentieren den äußersten
Grad an Einfachheit und Klarheit.
Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags
von 11 bis 17 Uhr geöffnet.
Internet: www.museumkurhaus.de
Ausstellung über Armut als Motiv
in der Kunst
Künstlerische Sichtweisen auf Armut
und Arme in Europa
Trier - Eine Ausstellung in Trier zeigt
erstmals eine Geschichte der Armut von
der Antike bis zur Gegenwart im Spiegel
der Kunst. „Armut - Perspektiven in
Kunst und Gesellschaft“ lautet der Titel
der Schau, die im Stadtmuseum Simeonsstift
sowie im Rheinischen Landesmuseum
in Trier zu sehen ist. Insgesamt zeigt
die bis 16. Juli laufende Ausstellung
250 Kunstwerke. Pieter Breughel d.J.,
Rembrandt und Picasso, Käthe Kollwitz,
Liebermann und Immendorff sind nur
einige der berühmten Künstler, die sich
mit dem Thema Armut auseinandergesetzt
haben.
Breughel etwa hält mit seinem berühmten
Gemälde „Die sieben Werke der
Barmherzigkeit“ dem Betrachter die
Mildtätigkeit und Anteilnahme an armen
Gesellschaftsschichten als moralische
Pfl icht vor Augen. Rembrandts „Bettelmusikanten“
stehen als Beispiel für die
Idealisierung des Lebens in Armut. Später
wurden grafi sche Arbeiten zu einem
zentralen Medium in der Auseinandersetzung
mit der Sozialen Frage. Kollwitz,
Ernst Barlach oder Heinrich Zille wurden
durch das Leid und Elend der Menschen
zu einer neuen, expressiven Formensprache
inspiriert.
Die Ausstellung im Stadtmuseum ist
dienstags bis sonntags von 10 bis 18 Uhr
geöffnet. Die Ausstellung im Rheinischen
Landesmuseum ist dienstags bis sonntags
von 10 bis 17 Uhr zu sehen.
Galerie Villa Zanders
Bergisch Gladbach:
„Knüller, Falter, Reißer“ lautet der Titel
einer Ausstellung, die in der Städtischen
Galerie Villa Zanders in Bergisch
Gladbach zu sehen ist. Die bis zum 26.

Juni laufende Schau zeigt Exponate aus
der Sammlung Kunst aus Papier, die in
diesem Jahr ihr 25-jähriges Bestehen
feiert. Die Sammlung umfaßt heute fast
300 Arbeiten von Künstlern aus aller
Welt, hierunter Künstlerbücher ebenso
wie raumgreifende Installationen und
Skulpturen.
International renommierte Künstler
wie Wolf Vostell, Christo, Felix Droese,
Günther Uecker, Kenneth Noland oder
Jiri Kolar markieren die Bandbreite der
Sammlung und ihren Rang. Aber auch
viele junge, weniger bekannte Künstler
wurden ermutigt, sich mit diesem
unerschöpfl ich vielseitigen Material
auseinander zu setzen, sodaß die Sammlung
nie bei etablierten Positionen stehen
geblieben ist, sondern sich immer wieder
auch in unbekanntes Land vorgewagt hat.
Die Ausstellung ist dienstags, mittwochs,
freitags und samstags von 14 bis 18 Uhr,
donnerstags von 14 bis 20 Uhr und sonntags
von 11 bis 18 Uhr geöffnet.
Internet: www.villa-zanders.de
Museum Kunstpalast feiert
Wiedereröffnung seines
Sammlungsfl ügels
Düsseldorf - Unter dem Motto „Kunst
befreit“ feiert das Museum Kunstpalast
in Düsseldorf am 6. Mai die Wiedereröffnung
des Sammlungsfl ügels und die
Neupräsentation der eigenen Bestände. Bis
zum 22. Mai können Besucher bei freiem
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Eintritt die Neupräsentation von 450 ausgewählten
Kunstwerken bewundern.
Das Museum vereint fünf verschiedene
Sammlungsbereiche unter einem Dach.
Die Graphische Sammlung mit einem
Schwerpunkt auf Zeichnungen des Barock,
die Gemäldegalerie mit italienischer,
fl ämischer, niederländischer und deutscher
Malerei der Jahre 1490 bis 1920, den
Sammlungsbereicch Moderne sowie den
Bereich Skulptur und Angewandte Kunst.
Schließlich zählt auch das integrierte
Glasmuseum Henrich mit Objekten von
1500 vor Christus bis hin zu aktuellem
Studioglas zum Kunstpalast. Hier befi ndet
sich die umfassendste Glaskollektion auf
dem europäischen Kontinent.
Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags
von 11 bis 18 Uhr sowie donnerstags von
11 bis 21 Uhr geöffnet.
Internet: www.museum-kunst-palast.de
Buddhismus im Mittelpunkt der
diesjährigen Ruhrtriennale
Gelsenkirchen - Nach der Erforschung
der Kultur des Judentums
und des Islams in den vergangenen
beiden Spielzeiten steht in diesem Jahr
der Buddhismus im Mittelpunkt des
Kulturfestivals Ruhrtriennale. Bei der
nicht-theistischen religiösen Tradition
stünde die Überwindung des Ichs als
Voraussetzung für bedingungslose Mitmenschlichkeit
und absolute Gewaltlosigkeit
im Zentrum, hieß es in einer
Mitteilung der Kultur-Ruhr GmbH in
Gelsenkirchen.
Schwerpunkt der Triennale sei das Entdecken
buddhistischer Wahrheiten in den
theatralen, musikalischen und literarischen
Werken unseres Abendlandes, so
die Veranstalter weiter. Vom 26. August
bis zum 9. Oktober fi ndet das Festival
mit über 130 Vorstellungen in Bochum,
Essen, Duisburg, Gladbeck und Oberhausen
statt. Am 5. Mai soll das konkrete
Programm der dritten und letzten Spielzeit
des Ruhrtriennale-Intendanten Willy
Decker in Bochum vorgestellt werden.
Verstorbene Irene Ludwig
schenkte der Stadt Aachen
zahlreiche Kunstwerke
Aachen - Die am 28. November
vergangenen Jahres verstorbene Kunstmäzenin
Irene Ludwig hat der Stadt
Aachen testamentarisch Kunstwerke im
Gesamtwert von 15 bis 20 Millionen
Euro hinterlassen. In ihrem Testament
hatte Irene Ludwig unter anderem festgelegt,
daß der Stadt insgesamt 47 Werke
hinterlassen werden. 37 davon gehen an
das Suermondt-Ludwig- Museum und
10 an das Couven-Museum, das ihr stets
besonders am Herzen lag, so Philipp.
Villa Hügel zeigt Krupp-Fotografi en
Essen - „Krupp - Fotografi en aus
zwei Jahrhunderten“ lautet der Titel
einer Ausstellung, die vom 18. Juni bis
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zum 11. Dezember in der Villa Hügel in
Essen präsentiert wird. Die Ausstellung
zeigt erstmals umfassend Fotografi en der
Krupp-Geschichte.
In insgesamt 15 Räumen der Villa Hügel
werden rund 400 Aufnahmen in aufwendig
inszenierten Themenbereichen zu
sehen sein. Die Ausstellung schlägt einen
Bogen von den Anfängen der Fotografi e
bis zur zeitgenössischen Fotokunst. Zu
sehen sind Familienfotos ebenso wie Bilddokumente
der Industriegeschichte, Produkte,
Bilder von Arbeitern und Direktoren,
Sozialeinrichtungen, Reisealben,
Schnappschüsse sowie Inszenierungen.
Die meisten Bilder sind bislang noch nie
öffentlich vorgestellt worden.
Internet: www.villahuegel.de
Bilderbuchmuseum zeigt Künstlerbücher
von Leiko Ikemura
Troisdorf - Unter dem Titel „Wußtest
du, ich habe zwei versteckte Flügel“ ist
im Bilderbuchmuseum Burg Wissem der
Stadt Troisdorf bei Bonn eine Ausstellung
mit Künstlerbüchern und Zeichnungen
der Japanerin Leiko Ikemura
zu sehen. Zugunsten der Opfer der
Erdbeben-, Tsunami- und Atomkraft-
Katastrophen erscheint zu der bis zum
19. Juni laufenden Schau eine Edition
der Künstlerin in einer Aufl age von 25
Exemplaren. Der Erlös aus dem Verkauf
der Edition werde für die Opfer in Japan
gespendet, erklärte Museumsleiterin
Maria Linsmann zum Auftakt.
Mit ihrem Engagement will die
Künstlerin nach Angaben von Linsmann
nicht nur ihre Landsleute unterstützen,
sondern auch zur Diskussion über die
Frage der Bedeutung von Kunst in
Mom enten der Katastrophe anregen.
Die Ausstellung ist dienstags bis sonntags
von 11 bis 17 Uhr geöffnet.
Internet: www.Troisdorf.de
Museum Morsbroich zeigt Zeichnungen
von Gotthard Graubner
Leverkusen - Mit der Ausstellung
„Gotthard Graubner. Das zeichnerische
Werk“ gibt es ab dem 10. April
im Museum Morsbroich in Leverkusen
erstmals seit 25 Jahren wieder einen
Überblick über die Zeichnungen des
inzwischen 80 Jahre alten Künstlers.
Wie das Museum mitteilte, verkörpern
die Zeichnungen in elementarer Form,
was Graubners gesamte Kunst ausmacht,
nämlich das Verständnis der Form als
Prozess und das Bildkonzept der Entfaltung
von Bewegung und Räumlichkeit.
Die bis zum 6. November laufende
Schau präsentiert frühe, großformatige
Aktzeichnungen der Düsseldorfer Akademiezeit
ebenso wie seine abstrakten,
abgerundeten Rechteck-“Körper“, seine
transparent-schimmernden „Frottagen“
der 1970er Jahre sowie seine meist
farbigen Raumstrukturen der letzten
Jahrzehnte.
Die Ausstellung ist donnerstags von 11
bis 21 Uhr, dienstags bis sonntags von
11 bis 17 Uhr geöffnet.
Internet: www.museum-morsbroich.de

Ausstellung „Reiselust“ zum Werk
von Emil Nolde in Hamm
Hamm - „Emil Nolde - Reiselust“ lautet
der Titel einer Ausstellung, die vom
kommenden Sonntag an bis zum 19. Juni
im Gustav-Lübcke-Museum in Hamm zu
sehen ist. Damit würdige man den Maler
umfassend in seiner Rolle als Reisender in
Deutschland, Spanien und der Schweiz.
Neben seiner wohl bekanntesten einjährigen
Reise in die Südsee in den Jahren
1913/14 unternahm er zahlreiche mehrwöchige
Urlaubsreisen, die auf markante
Weise in seinem Schaffen Niederschlag
gefunden haben. Von den ersten Aquarellarbeiten
1907 in Thüringen über Bilder
der Zigeuner und Flamencotänzer in
Spanien, von der Bergwelt der Schweiz
und Porträts von Freunden auf der Nordseeinsel
Sylt spannt sich der Bilder-Bogen
in der Ausstellung bis zum Jahr 1946.
Viele der rund 100 Werke sind erstmals
öffentlich zu sehen. Die Präsentation wird
ergänzt um die Abteilung „Emil Nolde
und der westfälische Expressionismus“.
In dieser Abteilung werden Werke aus
dem Eigenbestand zum Expressionismus
in Westfalen gezeigt sowie Werke von
Nolde, die während seines Aufenthaltes in
Soest 1905/06 entstanden sind.
Die Ausstellung ist dienstags bis samstags
von 10 bis 17 Uhr sowie sonntags von 10
bis 18 Uhr geöffnet.
Internet:
www.hamm.de/gustav-luebcke-museum
Ausstellung zeigt Highlights des
amerikanischen Fotorealismus
Aachen - Unter dem Titel „Hyper Real
– Kunst und Amerika um 1970“ zeigt das
Aachener Ludwig-Forum Highlights des
US-amerikanischen Fotorealismus. Die
bis zum 19. Juni laufende Schau präsentiert
die Aufnahmen im Kontext ihrer
gesellschaftspolitischen Entwicklungen
wie etwa der Nixon-Ära, dem Vietnam-
Krieg oder der ersten Öl-Krise. Die rund
250 Werke von 100 Fotografen waren in
dieser Zusammenstellung in Deutschland
noch nie zu sehen.
Die Ausstellung wird aus Anlaß des
20jährigen Bestehens des Ludwig-Forums
gezeigt. Stilprägend wirkten in den
1970er Jahren vor allem die großformatigen
Arbeiten der Fotorealisten, die dem
„American Way of Life“ ein visuelles
Denkmal setzten. Unter den zahlreichen
Bildern sind auch großformatige Aufnahmen
wie etwa „Man with a Rifl e“ von
Jeff Wall aus dem Jahr 2000, „das Bild
„Orange Car Crash“ von Andy Warhol
aus dem Jahr 1963 oder „Das Parkstück“
von Gerhard Richter von 1971.
Die Ausstellung ist dienstags, mittwochs
und freitags von 12 bis 18 Uhr,
donnerstags von 12 bis 20 Uhr sowie
samstags und sonntags von 11 bis 18 Uhr
geöffnet.
Internet: www.ludwigforum.de
Akademie-Galerie Düsseldorf zeigt
„Rendezvous der Maler“
Düsseldorf - „Rendezvous der Maler“
lautet der Titel einer Ausstellung in der
Akademie-Galerie Düsseldorf, die ab dem
6. Mai die Malerei an der renommierten
Kunstakademie in den Jahren 1946 bis
1986 präsentiert. Die bis zum 17. Juli
laufende Schau wird die Malergenerationen
der Düsseldorfer Kunstakademie
anhand von ausgewählten Werken aus der
Zeit ihrer Professuren dokumentieren.
Es werden rund 50 Werke von Künstlern
wie Heinrich Kamps, Werner Heuser,
Theo Champion, Bruno Goller, Ferdinand
Macketanz, Georg Meistermann,
Robert Pudlich, Joseph Fassbender, K.O.
Götz, Gerhard Hoehme, Peter Brüning,
Rupprecht Geiger, Gerhard Richter, Gotthard
Graubner, Dieter Krieg, Konrad Klapheck
und Markus Lüpertz gezeigt. Als
im Januar 1946 die Kunstakademie Düsseldorf
nach dem Krieg wieder eröffnet
wurde, befand sie sich laut Mitteilung am
Anfang eines Neubeginns.
Die Ausstellung ist mittwochs bis
sonntags von 12 bis 18 Uhr geöffnet.
Schweben
Mit dem Kaiserwagen zwischen
den Zeilen
Neun Wuppertaler AutorInnen aus drei
Generationen und ein Musikus gratulieren
der ältesten Dame des Tals zum
hundertzehnten Geburtstag:
der Schwebebahn!
Aus gegebenem Anlass fährt kein geringerer
als der Kaiserwagen selbst die
Geburtstagsgäste zur Schwebebahnwerkstatt
in Vohwinkel, wo neun AutorInnen
zwischen 19 und 88 – David Grashoff,
Michael Heinrich, Dieter Jandt, Ulrich
Land, Rebekka Möller, Karl Otto Mühl,
Hermann Schulz, Wolf von Wedel, André
Wiesler – ein literarisches Geburtstagsständchen
darbringen. Und Michael
Burger stimmt mit seiner akustischen Gitarre
den Soundtrack des Stahlengels mit
nassen Füßen an. Seit 110 Jahren windet
sich der eiserne Tausendfüßler durchs Tal
und lässt die merkwürdige Straßenbahn
kopfüber am Himmel über der Wupper
baumeln, die – sehr zu ihrem Leidwesen
– bekanntlich nicht schiffbar ist. Also
hängt man ein Luftschiff darüber. Voller
Geschwätz, Gezänk, Gedankenfl uten,
die versuchen, das Rappeln der Räder
hoch droben zu übertönen, neugierige
Blicke in die Wohnzimmer am Talesrand
werfen und jede Menge Lovestorys in der
Schwebe halten.
Freitag, den 6. Mai 2011, um 19.3o Uhr
Abfahrt des Kaiserwagens in Oberbarmen
zur Lesung in der Schwebebahnwerkstatt,
Vohwinkel
Eintritt inklusive Fahrkarte und einem
Freigetränk: 10 Euro
Reservierung wegen des begrenzten
Platzangebots unbedingt erforderlich:
dieterjandt@aol.com
Frank Becker und
Andreas Rehnolt
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Der Tipp für alle
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Weitere Infos im MobiCenter
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