Das neuste Heft als PDF-Datei - Artinside - Das Museumsmagazin ...

Artinside
Max Beckmann, Meerlandschaft mit Agaven und altem Schloss, 1939
Ausstellungen in
der Region Basel
Ausgabe Herbst 2011
Max Beckmann
Die Landschaften
04.09.2011 – 22.01.2012
Kunstmuseum Basel
Dalí, Magritte, Miró –
Surrealismus in Paris
02.10.2011 – 29.01.2012
Fondation Beyeler, Riehen
Anselm Kiefer
Ausgewählte Arbeiten aus
der Sammlung Grothe
07.10.2011 – 15.01.2012
Museum Frieder Burda
Baden-Baden/D
Yael Davids
Ending with Glass
11.09.2011 – 13.11.2011
Kunsthalle Basel
Hugo Suter
bis 23.10.2011
Steiner/Lenzlinger
«Eldorado» im Silo
Kloster Schönthal
Langenbruck/BL
Rudolf Steiner –
Die Alchemie des Alltags
15.10.2011 – 01.05.2012
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
Robert Breer
Retrospektive
26.10.2011 – 29.01.2012
Museum Tinguely
Benoît Maire
15.09.2011 – 13.11.2011
La Kunsthalle Mulhouse
Mulhouse/F
Sophie Zenon
In Case We Die
18.09.201 – 11.12.2011
Espace Fernet Branca,
Saint-Louis/F

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Bernhard Mendes Bürgi
Roland Wetzel
Liebe Kunstfreunde
Max Beckmann ist berühmt als Maler der condition humaine. Er hat zugleich wie kaum ein anderer Künstler
des 20. Jahrhunderts das Landschaftsbild auf herausragende und eindringliche Weise erneuert. War das
Landschaftsgenre für Fauvisten wie André Derain und Henri Matisse sowie Expressionisten wie Ernst Ludwig
Kirchner noch eine klare Referenz, interessierte es die Kubisten erst gar nicht mehr und diente auch bei
den Pionieren der abstrakten Kunst – Wassily Kandinsky, Piet Mondrian und Kasimir Malewitsch – zwar als
Grundlage auf ihrem Weg zur Gegenstandslosigkeit, um dann aber obsolet zu werden. Bis zu seinem Tod
in der Mitte des 20. Jahrhunderts beharrte «allein Beckmann starrköpfig auf der Lebensfähigkeit der Tradition,
Naturerlebnis und Welterfahrung auch in der Moderne auf einen gemeinsamen Nenner zu bringen»,
so der Kunsttheoretiker und Max Beckmann-Kenner Hans Belting. Die grosse Sonderausstellung im Kunstmuseum
Basel richtet nun den Blick auf das Landschaftswerk des Künstlers, dies auch in Referenz auf die
Landschaftsausstellung von Vincent van Gogh, die 2009 im Kunstmuseum Basel stattgefunden hat. Zwei
weitere Ausstellungen schaffen eine ideale Ergänzung und die einmalige Gelegenheit, sich umfassend mit
dem Werk von Beckmann zu beschäftigen: Max Beckmann. Von Angesicht zu Angesicht im Museum für
bildende Künste, Leipzig sowie Beckmann & Amerika im Städel Museum, Frankfurt.
Sind es bei Beckmann erinnerte Landschaftseindrücke, die zwar nicht vor Ort gemalt, aber durchaus
wirklichkeitsgetreu zum Bild wurden, verwendeten die Surrealistischen, so Salvador Dali oder Max Ernst,
Naturerfahrungen und Landschaftsallusionen vollends zur Gestaltung von «inneren Welten». Beckmann
hatte zeitweise ein Atelier in Paris, das er wegen des ausbrechenden 2. Weltkrieges aufgeben musste. Bei
allem Einzelgängertum mass er sich mit der in Paris zentrierten Avantgarde, die nun mit dem Fokus auf
die surrealistische Bewegung in der Fondation Beyeler versammelt sein wird. Ergänzend ist dort auch eine
kleinere Einzelpräsentation von Louise Bourgeois zu sehen, die ihre Wurzeln sowohl in Frankreich als auch
im Surrealismus hat, aber nach Amerika auswanderte und dort ein sehr eigenständiges Werk kreiert hat.
Zum Bereich der klassischen Moderne gehört auch das Werk von Rudolf Steiner, mehr als geistiger Inspirator,
einflussreicher Theoretiker und Gründer der Anthroposophie denn als bildender Künstler. Es ist
sehr verdienstvoll, dass das Vitra Design Museum eine Neuaufarbeitung dieses vielschichtigen Werkes
unternimmt, dies mit besonderem Akzent auf die Architektur Steiners mit ihren organischen Formen, die
in der zeitgenössischen Architekturszene erstaunliche Aktualität besitzt.
Zum Thema Steiner findet eine inspirierte Vernetzung in der Kulturszene Basels statt, um über ganz
unterschiedliche Aspekte seines Schaffens zu erfahren, so auch im Kunstmuseum und im Museum für Gegenwartskunst.
Dort setzen wir unsere Auseinandersetzung mit jungen künstlerischen Positionen fort mit
einer Ausstellung des in Los Angeles lebenden Künstlers Edgar Arceneaux. Basel hat einfach eine wunderbare
Tradition, sich frühzeitig mit neuen künstlerischen Tendenzen auseinanderzusetzen. Die Kunsthalle
Basel stellt das performativ geprägte Schaffen der israelischen Künstlerin Yael Davids vor; das Künstlerduo
Gerda Steiner und Jörg Lenzlinger schafft im Umfeld des Klosters Schönthal mittels Rückgewinnung eines
Silos ein neues «Eldorado». Auch nicht verpassen darf man die Retrospektive des amerikanischen Künstlers
Robert Breer im Museum Tinguely. Ich freue mich auf dieses vor allem filmisch geprägte Werk, mir
bisher ziemlich unbekannt, auch auf eine Wiederbegegnung mit den materialintensiven Gemälden von
Anselm Kiefer im Museum Frieder Burda in Baden-Baden.
Spannende Ausstellungsbesuche wünscht Ihnen Ihr
Bernhard Mendes Bürgi,
Direktor Kunstmuseum
editorial
Artinside

inhalt 06 Max Beckmann im Kunstmuseum
Der deutsche Künstler Max Beckmann (1884–1950) lebte entscheidende
Jahre als Exilant in Amsterdam (ab 1937) und kurz in den USA. Obwohl
ein Titan der Moderne, verstand er sich selbst als der letzte Alte Meister.
Berühmt als Maler der condition humaine, hat er wie kaum ein anderer
Künstler des 20. Jahrhunderts das Landschaftsbild auf herausragende
und eindringliche Weise erneuert. Auffällig bleibt Beckmanns
distanzierte Sichtweise auf die Landschaft: Fensterrahmen, Vorhänge,
Brüstungen, stilllebenartig angeordnete Gegenstände und erhöhte
Blickperspektiven vermitteln zwischen Betrachter und der Natur. Die
grosse Ausstellung schafft mit ca. 70 Gemälden aus zahlreichen Privat-
und Museumssammlungen einen Überblick über alle Werkphasen.
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Max Beckmann, Marine (Côte d'Azur), 1930 | Francis Picabia,
Dresseur d'animaux, 1923 | Anselm Kiefer, Essence, 2011
13 Louise Bourgeois. À l'infini
Louise Bourgeois war eine der bedeutendsten und einflussreichsten
Künstlerpersönlichkeiten unserer Zeit. Ihren 100. Geburtstag nimmt die
Fondation Beyeler zum Anlass, Bourgeois mit Werken aus der Sammlung
Beyeler zu konfrontieren, vornehmlich solcher Künstler, zu denen sie
eine besondere Beziehung hatte, wie Paul Cézanne, Francis Bacon und
Alberto Giacometti.
16 Surrealismus in der Fondation Beyeler
Der Surrealismus war eine der einflussreichsten künstlerischen und
literarischen Bewegung des 20. Jahrhunderts. Die Fondation Beyeler
organisiert zu diesem vielschichtigen Thema eine grosse Ausstellung,
deren Ausgangspunkt die Stadt Paris bildet. Der Surrealismus
thematisiert in seinen Werken das Traumhafte und das Unbewusste,
das Gefährliche und das Provokative. Die Ausstellung umfasst über 200
Werke von Künstlern wie Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miró, Max
Ernst, Pablo Picasso, Meret Oppenheim, Alberto Giacometti, Man Ray
und vielen mehr.
22 Mythos und Natur: Anselm Kiefer im Museum
Frieder Burda
Das Museum Frieder Burda zeigt in einer Einzelausstellung ausgewählte
Arbeiten von Anselm Kiefer aus der Sammlung Grothe. Mit Schwerpunkt
auf die Arbeiten der vergangenen zehn Jahre werden zwanzig
grossformatige Bilder zu sehen sein.
24 Kunsthalle Basel
In der Kunsthalle Basel dokumentiert die israelische Künstlerin Yael
Davids über das Medium der Performance – oder vielmehr, das was von
ihr übrig bleibt – ihre Auseinandersetzung mit dem Motiv der Absenz,
der Leere und der Stille.
25 Kloster Schönthal: «Eldorado» im Silo
von Gerda Steiner und Jörg Lenzlinger
Rückgewinnung eines Silos bei Aufstieg zu Richard Longs Cowshed
Ellipse. Im permanent zugänglichen «Eldorado» lachen die Wildschweine
auf goldenen Stockzähnen.
Hugo Suter in der Galerie bis 23.10.2011. Hinter geätztem Glas versammelt
der Künstler in Objektmontagen Fundstücke. Von vorne betrachtet
entsteht der Eindruck malerischer Bildmotive.
26 Rudolf Steiner im Vitra Design Museum
Anlässlich des 150. Geburtstags von Rudolf Steiner präsentiert das Vitra
Design Museum die erste grosse Retrospektive auf das vielfältige und
nachhaltige Wirken dieser grossen Persönlichkeit.
28 Robert Breer im Museum Tinguely
Das Museum Tinguely präsentiert in seiner grossen Retrospektive das
Werk des kürzlich verstorbenen amerikanischen Künstlers Robert Breer.
Auf der Suche nach einer starken Zeichensprache hat sich der Künstler
über die Malerei hin zu einem eigenständigen Umgang mit dem Medium
Film entwickelt. Zu grosser Beachtung kam Robert Breer 1970 an der
Weltausstellung in Osaka, wo er der Skulptur eine neue Dimension
verlieh, in dem er sie als Floats durch den Raum gleiten liess
34 Espace d'Art Contemporain Fernet Branca
In rund sechzig Arbeiten geht die französische Künstlerin und
Fotografin Sophie Zenon in Ihrer aktuellen Ausstellung im Espace d'Art
Contemporain Fernet Branca der Frage nach, wie sich der Tod – das
eigentlich Undarstellbare – darstellen lässt.
35 La Kunsthalle Mulhouse
Die Kunsthalle Mulhouse startet Ihren, von Vincent Honoré kuratierten,
Ausstellungszyklus mit dem Künstler Benoît Maire, der sich mit der
Frage des Wissens und seiner Darstellung in der Kunst auseinandersetzt.
38 Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region
40 Adressen, Öffnungszeiten
Impressum
Artinside – Das Museumsmagazin der Region Basel
Herausgeber: Matthias Geering
Artdirection/Produktion: Sibylle Meier
Lauftext Meier Geering, Oberwilerstrasse 69, CH-4054 Basel
info@artinside.ch | www.artinside.ch
Ausgabe Herbst 2011 | Erscheint drei Mal jährlich | Auflage 166 000 Exemplare
Bildbearbeitung/Druck: Vogt-Schild Druck, Derendingen
Ein Teil der Auflage ist der Basler Zeitung vom 31. August 2011 beigelegt
Jahresabo Schweiz: CHF 18.–, Jahresabo EU: Euro 18.– | ISSN 1660-7287
Die nächste Ausgabe erscheint im Januar 2012
Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, «Eldorado» im Silo (Detail), 2011
Westfassade des zweiten Goetheanums
Robert Breer, From phase IV, 1954
Benoît Maire, Le berger (Filmausschnitt), 2011
inhalt 5

6
Artinside
Max Beckmann, Das Nizza in Frankfurt am Main, 1921
Max Beckmanns Landschaften
Max Beckmann
Die Landschaften
04.09.2011 – 22.01.2012
Kunstmuseum Basel
www.kunstmuseumbasel.ch
Max Beckmann ist einer der Titanen der Moderne,
dabei verstand er sich selbst als der letzte
Alte Meister. Er schloss sich keiner der avantgardistischen
Strömungen des 20. Jahrhunderts an, und
doch haben die Erfahrungen des Impressionismus, des
Expressionismus, der Neuen Sachlichkeit und der ab-
strakten Kunst in seinem Werk Spuren hinterlassen. Lange
Zeit wurde Beckmann als typisch deutscher Künstler
wahrgenommen, erst in den letzten Jahren ist seine
Bedeutung durch Retrospektiven in Paris, London und
New York international angemessen gewürdigt worden.
Entgegen der Tendenz der Moderne zur Auflösung der
traditionellen Gattungen hielt Beckmann ein Leben lang
von Maren Stotz*
fest an den klassischen Genres des Figurenbildes, dies in
Form von Porträts, mythologischen Tableaus und Akten,
des Stilllebens und der Landschaft. Berühmt als Maler
der condition humaine, hat er zugleich wie kaum ein anderer
Künstler des 20. Jahrhunderts das Landschaftsbild
auf herausragende und eindringliche Weise erneuert. Die
grosse Sonderausstellung im Kunstmuseum Basel richtet
nun den Blick auf das weniger bekannte Landschaftswerk
des Künstlers. In chronologischer Folge zeigt die Ausstellung
Beckmanns Landschaftsbilder aus seinen verschiedenen
Lebensphasen: Weimar und Berlin, Frankfurt am
Main, Berlin, Amsterdam und den letzten Jahren in den
USA.
Max Beckmann, Seelandschaft mit Pappeln, 1924
7

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Max Beckmann, Landschaft mit Vesuv, 1926
Weitere Ausstellungen
im Kunstmuseum
Weitere Ausstellungen
im Museum für
Gegenwartskunst
Künstlerfreundschaften
Karl Im Obersteg im Dialog mit
Amiet, Chagall, Jawlensky
bis 16.10.2011
Musikdarstellungen der Renaissance
bis 16.10.2011
Malerei auf Papier
Josef Albers in Amerika
05.11.2011 – 29.01.2012
Henrik Olesen
bis 11.09.2011
Edgar Arceneaux
24.09.2011 – 01.01.2012
Bereits während seiner Ausbildung an der Grossherzoglich-Sächsischen
Kunstschule in Weimar widmete sich Beckmann dem Landschaftsmotiv.
Während eines Aufenthaltes an der Ostsee 1902 entstehen
kleinformatige Seestücke auf Karton, in denen der Maler in einer
reduzierten Farbigkeit die Stimmung einfängt. Im Jahr 1905 gelingt
Beckmann der Durchbruch als Maler mit dem grossformatigen Gemälde
Junge Männer am Meer. Er gewinnt damit den Ehrenpreis des
Deutschen Künstlerbundes, womit ein Stipendium in Florenz verbunden
ist. Im selben Jahr entsteht nach einem Aufenthalt an der dänischen
Nordseeküste seine erste grossformatige Landschaft: Grosse
Buhne. In Grautönen ist in Untersicht ein monumentaler Wellenbrecher
dargestellt, der ins Meer ragt. An der Spitze des Wellenbrechers
steht eine kleine staffageartige Figur, die ins Meer blickt, sich mit
einem Regenschirm vor dem Wetter schützt und dennoch der Naturgewalt
ausgeliefert scheint. Beckmanns Interesse an der Auseinandersetzung
zwischen Mensch und Natur, das ihn ein Leben lang
begleiten wird, ist hier bereits erkennbar.
Zurück von einem Stipendienaufenthalt in Florenz lässt sich
Beckmann mit seiner Frau Minna Tube 1907 in Berlin nieder. Die
Landschaften aus dieser Zeit beziehen sich motivisch auf seine unmittelbare
Umgebung. Naturbeobachtungen des in der Nähe seines
Max Beckmann is one of the titans of modernism, even though he saw himself
as the last Old Master. He never joined any of the avant-gardist schools of
the twentieth century, but the experiences of Impressionism, Expressionism,
New Objectivity, and abstract art left their traces in his oeuvre. Against the
modernist tendency to dissolve the traditional genres, Beckmann throughout
his life held on to the classical genres of portrait, still life, and landscape. The
grand exhibition now directs our attention to the artist’s landscapes rather
than to the painter of the human condition.
Beckmann’s landscapes allow us to trace his development as an artist in its
purest form. The compositions, many of which grow out of a momentary and
very personal experience of nature, bristle with tensions between several
focal points. Private objects from Beckmann’s possessions often appear
as vestigial still lifes in the foregrounds of these landscapes, giving us a
sense of the artist’s presence. The opposite pole is the realistic depiction of
the sceneries Beckmann visited, drawing upon photographs or postcards.
Beckmann’s gaze on the landscape clarifies his own standpoint and defines
his relationship with the world. Seventy landscapes from all periods of his
life illustrate how this relationship changes over time.
Wohnhauses gelegenen Hermsdorfer Waldes sind ebenso erkennbar
in seinen Gemälden wie Beckmanns Auseinandersetzung mit dem
städtischen Industrieland um den Bahnhof Gesundbrunnen. Während
seines Einsatzes als Sanitäter im Ersten Weltkrieg erleidet der
Maler einen psychischen Zusammenbruch.
Nach seinen traumatischen Kriegserfahrungen zieht Beckmann zu
seinem Künstlerfreund Ugi Battenberg nach Frankfurt am Main. Die
Zeit in Frankfurt markiert einen künstlerischen Neubeginn. Der Maler
kann nach den traumatischen Kriegserlebnissen nicht mehr dort
anknüpfen, wo er in Berlin aufgehört hatte. Er verabschiedet sich bewusst
von seiner impressionistisch anmutenden Malweise und findet
eine neue Bildsprache. Für die Landschaften der frühen 1920er-Jahre
kann besonders Henri Rousseau als entscheidende Inspirationsquelle
genannt werden. In der ersten Zeit in Frankfurt widmet sich Beckmann
in seinen Landschaften ausschliesslich Frankfurter Motiven.
Als erste bedeutende Landschaftsgruppe entstehen in dieser Zeit Gemälde
mit Frankfurter Stadtansichten, darunter das Nizza in Frankfurt
am Main aus der Sammlung des Kunstmuseums Basel. Es zeigt einen
Park am Ufer des Mains, der noch heute von den Frankfurtern als
Nizza bezeichnet wird, in Kombination mit der Grossstadtarchitektur.
Auch in Seelandschaft mit Pappeln widmet sich Beckmann einem
Frankfurter Motiv. Es zeigt einen Ausschnitt des Frankfurter Ostparks
in einer eigenartigen Traumstimmung. Zwischen die Pappeln reiht
sich ein Schornstein ein, der die Abfolge der Bäume allerdings nicht
stört, sondern sich in seine Umgebung einpasst. Formen, Farben
und Proportionen harmonieren miteinander. In der zweiten Hälfte
der 1920er-Jahre unternimmt Beckmann wieder Reisen ins Ausland,
nachdem sich seine persönliche und berufliche Situation markant
verändert hatte. Der Maler heiratet, nach der Scheidung von seiner ersten
Frau, 1925 Mathilde von Kaulbach, genannt Quappi, und erfährt
eine finanzielle Verbesserung, unter anderem durch eine Festanstellung
am Städelschen Kunstinstitut als Professor einer Meisterklasse.
Aus einem Ferienaufenthalt in Italien resultiert das bedeutende
Gemälde Landschaft mit Vesuv. Es zeigt einen erhöhten Blick auf einen
rauchenden Vulkan und eine menschenleere Stadt in auffällig
schmalem Hochformat. Das Gefühl der Begrenzung wird zusätzlich
durch die Markise, das Fensterbrett und die beiden ins Bild ragenden
Fensterflügel verstärkt. Bei Landschaft mit Vesuv verwendet Beckmann
erstmals das Motiv des Fensterausblicks sowie stilllebenartig
im Vordergrund platzierte Gegenstände, die er fortan zur Konstruktion
einer subjektiv erlebten Wirklichkeit nutzt. Diese beiden Elemente
sind als Bildformel, die besonders für seine Landschaftsbilder
Max Beckmann, Max Beckmann in Scheveningen, 1928
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charakteristisch wird, bis zuletzt in Beckmanns Arbeiten
präsent.
Zunehmende Anfeindungen der Nationalsozialisten,
die in seiner Entlassung als Professor am Städelschen
Kunstinstitut gipfeln, lassen Beckmann 1933 nach Berlin
ziehen. In seinen Landschaften bezieht sich der Maler auf
seine Rückzugsorte im bayerischen Ohlstadt, wo er im
Haus seiner Schwiegerfamilie die Sommermonate verbringt,
oder Baden-Baden, wohin er sich aufgrund seiner
angeschlagenen Gesundheit immer wieder in Kur begibt.
1937 flüchtet Beckmann mit seiner Frau Quappi nach
Amsterdam. Besonders in der Zeit nach dem Ausbruch
des Zweiten Weltkrieges, in dessen Folge der Maler die
Landesgrenzen nicht mehr verlassen kann, entstehen
viele Landschaften mit südfranzösischen Motiven. Cap
Martin ist eine hochformatige Landschaft, die sich zusammen
mit weiteren Côte-d’Azur-Gemälden zu einer
umfassenden Serie zusammenschliesst. Beckmann malt
teilweise unter der Verwendung von Postkarten oder Fotografien
diese Landschaften aus seiner Erinnerung, die
damit für die Sehnsucht des Malers nach Freiheit und
Mobilität stehen. Nach acht Jahren kann Beckmann nach
Kriegsende zum ersten Mal Holland verlassen. Der Maler
reist mit seiner Frau nach Nizza und notiert in seinem
Tagebuch: «Ich war in der letzten Zeit sehr runter und
ein besonderer Glücksfall verschaffte mir ein Visum nach
Frankreich, so gehe ich denn jetzt (...) nach d(er) Riviera
Nice Hotel Westminster und werde versuchen, dort meine
ramponierten Nerven wieder etwas aufzufrischen.»
Im Amsterdamer Atelier entsteht nach diesem Aufenthalt
1947 das Gemälde Promenade des Anglais in Nizza,
in dem Beckmann den Blick auf die Bucht durch einen
Vorhang teilweise versperrt und über den Rücken einer
weiblichen Figur gleiten lässt, womit er eine Dialektik
zwischen Offenheit und Begrenzung hervorruft. Beckmanns
Landschaften sind weit mehr als blosse Schilderungen
der Natur: Sie geben zugleich Auskunft über sein
Selbstverständnis, seine persönliche Befindlichkeit und
sein Verhältnis zur Welt. Wie sich dieses Verhältnis ändert,
zeigen 70 Landschaftsgemälde aus wichtigen Museen
und Privatsammlungen.
* Maren Stotz ist als wissenschaftliche Mitarbeiterin am
Kunstmuseum Basel wesentlich an der Organisation der
Max-Beckmann-Ausstellung beteiligt.
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Max Beckmann, Cap Martin, 1939 Max Beckmann, Promenade des Anglais in Nizza, 1947
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Das Meisterwerk «Acanthes» von Henri Matisse wird in Kooperation von Fondation Beyeler und dem internationalen
Kunstversicherer Nationale Suisse ab März 2010 restauriert. Für drei Jahre kann der Besucher den Restauratoren im Schauatelier bei
ihrer Arbeit über die Schulter blicken.
FONDATION BEYELER
Henri Matisse, Acanthes,1953, Kohle, ausgeschnittene Papiere, mit Gouache bemalt, auf Papier auf Leinwand, 311x 350,5 cm © 2010 Succession Henri Matisse / ProLitteris, Zürich
«Der schöpferische Impuls
für alle meine Arbeiten der letzten
fünfzig Jahre, für alle meine Themen,
ist in meiner Kindheit zu suchen.»
Louise Bourgeois
Louise Bourgeois
À l'infini
Louise Bourgeois, Porträt
13
Artinside

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Zum 100. Geburtstag von Louise Bourgeois (25. Dezember 1911
bis 31. Mai 2010) widmet die Fondation Beyeler einer der bedeutendsten
und einflussreichsten Künstlerpersönlichkeiten unserer
Zeit eine Hommage.
Louise Bourgeois’ berühmte Spinnenskulptur Maman hat diesen
Sommer Tausende begeistert: Das Werk war auf dem Bundesplatz in
Bern, am Ufer des Zürichsees und vor dem Opernhaus in Genf aufgestellt.
Nun ist sie nach Riehen in den Berower Park der Fondation
Beyeler gekommen. Die Skulptur, die zentral ist für das Verständnis
der Arbeiten von Louise Bourgeois, entfaltet eine eigentümliche Poesie:
Trotz der weit verbreiteten Angst vor Spinnen, der Arachnophobie,
ist das Bild der Spinne, die ihre Eier trägt, zu einem ganz besonderen
Identifikationsobjekt geworden. Vielleicht liegt das daran, dass
die Spinne zugleich bedrohlich wie beschützend wirkt, dass sie Mütterlichkeit
ebenso wie Furcht vermittelt.
Louise Bourgeois vereint in ihrer Person und Biografie mehrere
Epochen: das stolze wie empfindsame französische Bürgertum, das
im Laufe der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zusehends verschwand
und das für sie in der problematischen Figur des Vaters greifbar
war; das Erlebnis der Pariser Moderne als Kunststudentin; die
Verlagerung der tonangebenden Kunstszene von Paris nach Amerika,
woran sie nach ihrem Umzug nach New York 1938 massgeblichen
Anteil hatte – sie war mit fast allen wichtigen Künstlern der zweiten
Hälfte des 20. Jahrhunderts persönlich bekannt; schliesslich die inneren
und äusseren Konflikte der USA, die grosse Welle des gesellschaftlichen
Ringens um Gleichberechtigung, das sie entscheidend
mitgeprägt hat. Nachdem sie lange Jahre nur einem kleinen Kreis von
Spezialisten bekannt war, wurde sie erst 1982, in ihrem 71. Lebensjahr,
durch eine Retrospektive im Museum of Modern Art in New York
weltberühmt.
Die Ausstellung in der Fondation Beyeler, die noch mit Louise
Bourgeois selbst geplant wurde, zeigt wichtige Werke aus fast allen
Lebensepochen der Künstlerin. So werden nicht nur eine Auswahl
der Personages ausgestellt, den Stelenfiguren, meist aus Holz, die
Louise Bourgeois in den 1940er-Jahren schuf und durch die sie den
Kunst-Connaisseurs New Yorks bekannt wurde. Zu sehen sind auch
anthropomorphe Abstraktionen wie Janus fleuri, deren verschlüsselte
Darstellung von Sexualität bis heute den Betrachter herausfordern.
Ausgestellt werden zudem zwei der legendären Cells, durch deren Errichtung
Louise Bourgeois seit den 1990er Jahren ihre innersten Emotionen
darstellen und den Betrachter daran teilhaben lassen konnte,
und eine kleine Auswahl von Stoffbildern, die sie aus ihren Kleidern
genäht hat und die aus ihren letzten Lebensjahren stammen.
Die vielleicht berühmteste Cell heisst Passage dangereux und ist
im Souterrain des Museums ausgestellt. Passage dangereux ist ein Käfig,
ein Raum, der durch eine Wand eingefasst ist, die jedoch nicht
undurchdringlich, sondern ein durchsichtiger Drahtzaun ist. Sie
Artinside Artinside
oben: Louise Bourgeois, In Respite, 1993
unten: Louise Bourgeois, Passage dangereux,1997
Zum 100. Geburtstag
der Grande Dame
der modernen Kunst von Ulf Küster*
Louise Bourgeois
À l'infini
03.09.2011 – 08.01.2012
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
besteht aus einem Gang mit symmetrisch angeordneten kleineren
Abteilen an den Seiten. Der Betrachter blickt in einen privaten, sehr
persönlichen Raum hinein. Wenn man durch die Cell hindurchgeht,
wird man mit den unterschiedlichsten Gegenständen konfrontiert,
die alle etwas mit Kindheit und Pubertät, mit allmählichem sexuellem
Bewusstwerden, zu tun haben, eine in vieler Hinsicht gefährliche
Entwicklungszeit.
Louise Bourgeois ist aber nicht nur durch ihre plastischen Arbeiten
berühmt geworden. Sie war in ihrer Kunst auch so etwas wie eine
Geschichtenerzählerin. Immer wieder, vor allem in den späten Jahren,
schuf sie grafische Zyklen, von denen die vierzehnteilige Folge
A l’infini (2008) durch die Künstlerin für die Ausstellung in der Fondation
Beyeler bestimmt worden ist. Das eindrückliche und berührende
Werk beruht in seiner Grundform auf dem Ursprung jedes Gewebes,
das aus mindestens zwei Fäden besteht und unendlich vervielfältigt
und variiert werden kann. So erscheint auch eine Geschichte als ein
aus Erinnerungsfäden gesponnenes Gewebe, das immer wieder neu
entsteht. In diesem Sinne ist auch die monumentale Folge der ebenfalls
ausgestellten Insomnia Drawings zu verstehen. Louise Bourgeois,
die lange Zeit an Schlaflosigkeit litt, schuf sie 1994: Immer wieder
kreisen die gezeichneten und geschriebenen Notizen und Bilder um
ihre Geschichte, ihre Erinnerungen und ihre inneren Konflikte.
Die grosse Besonderheit an der Ausstellung in der Fondation Beyeler
ist aber, dass die Werke von Louise Bourgeois in einen Dialog mit
Werken der Sammlung Beyeler treten.
Neben Werken und Werkserien aus renommierten internationalen
Museen und Privatsammlungen werden neuere Arbeiten – darunter
der genannte späte Zyklus À l’infini (2008) – präsentiert, die noch
nie öffentlich zu sehen waren. Ihnen werden Werkgruppen aus der
Sammlung Beyeler gegenübergestellt. Darunter Gemälde von Paul
Cézanne und Pablo Picasso sowie Skulpturen von Alberto Giacometti.
Im Ausstellungsprogramm der Fondation Beyeler sitzt Louise
Bourgeois selbst wie eine Spinne im Zentrum eines Beziehungsnetzes:
Vor der ihr gewidmeten Ausstellung wurden Werke der Bildhauer
Constantin Brancusi und Richard Serra gezeigt, parallel zur
Bourgeois-Schau läuft ein grosser, dem Surrealismus in Paris gewidmeter
Überblick, und auf das Bourgeois-Projekt folgt eine Pierre-Bonnard-Retrospektive.
Louise Bourgeois hatte Brancusi in den
1930er-Jahren in dessen Atelier besucht. Mit Richard Serra war sie befreundet;
er sprach auf ihrer Trauerfeier. Alle wichtigen Surrealisten
kannte sie noch aus ihrer Pariser Zeit und traf sie später in New York
wieder, und als Kind hatte sie Pierre Bonnard beim Malen zugeschaut.
Dadurch wird deutlich, dass Louise Bourgeois eine der wichtigsten
Vermittlerinnen zwischen der Moderne und der zeitgenössischen
Kunst gewesen ist.
*Ulf Küster ist Kurator der Fondation Beyeler
oben: Louise Bourgeois, The Insomnia Drawings (detail), 1994-95
mitte: Louise Bourgeois, À l'infini (detail), 2008
unten: Louise Bourgeois, The Waiting Hours (detail), 2007
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Max Ernst, L'Antipape, 1941/42
Dalí, Magritte, Miró –
Surrealismus in Paris
02.10.2011 – 29.01.2012
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
Surrealismus in Paris
Im Rahmen der Entwicklung der modernen Kunst
nimmt der 1924 in Paris ins Leben gerufene Surrealismus
eine Sonderstellung ein. Beim Impressionismus,
Fauvismus oder Kubismus hatte es sich jeweils um
Gruppen von Künstlern gehandelt, die sich zusammentaten,
weil sie ähnliche künstlerische Ziele verfolgten.
Anders die Surrealisten: Was sie wollten, war eine Revolution,
die weit über die Kunst und Literatur hinausreichen
und die ganze Gesellschaft verändern sollte. Allerdings
nicht mit bewaffneter Hand – sondern mithilfe
vollkommen neuer, noch nie gesehener Bilder und Texte.
Dieser Wunsch nach einer umwälzenden Wirkung auf
die Gesellschaft unterschied die Surrealisten auch von
den ihnen ansonsten verwandten Dadaisten. Diese holten
die hehre Kunst zwar mit genialem Klamauk vom Sockel;
sie hatten aber keine vergleichbare Botschaft, die auf tiefgreifende
gesellschaftliche Veränderungen zielte.
Der Surrealismus war also kein Kunststil, sondern eine
Bewegung, zuerst eine literarische und dann auch eine
künstlerische. Den Begriff Surrealismus fand der Chefdenker
der Gruppe, André Breton, beim Dichter Guillaume
Apollinaire vorgeprägt, der vor allem in der Zeit vor
dem Ersten Weltkrieg ein aufmerksamer Beobachter und
Chronist der Avantgarde gewesen war. Viele der jungen
Dichter und Künstler des Surrealismus hatten selber in
den Schützengräben das Grauen des Ersten Weltkrieges
erlebt. Zutiefst von deren Sinnlosigkeit geprägt, erarbeiteten
sie unter der Leitung Bretons innovative künstlerische
Konzepte. Ihr Ziel war es, einer neuen Kunst und
Dichtung Gestalt zu verleihen, die aus der poetischen
Imagination, dem Traumhaften und dem Unbewussten
schöpfen sollte.
Dabei reklamierten sie Vorbilder für sich: in erster
Linie Sigmund Freud, dessen Psychoanalyse sie als eine
rationale Methode bewunderten, die bisher verdrängten
von Philippe Büttner*
Teile des Seelischen ans Tageslicht zu befördern. Ein anderes
Vorbild war der Maler Giorgio de Chirico, der zwischen
1912 und 1918 geheimnisvolle Bilder träumerisch
leerer Plätze und geheimnisvoller Dachböden schuf. Er
wurde zum Bühnenbildner der Traumwelten der Surrealisten.
Aber auch viele Schriftsteller gehörten wesentlich
zu ihrem Stammbaum, etwa der Skandalautor Marquis
de Sade, die Dichter Charles Baudelaire, Comte de Lautréamont
und Arthur Rimbaud, Edgar Alan Poe, aber
auch die deutschen Romantiker.
1924 veröffentlichte Breton ein eigentliches surrealistisches
Manifest, in dem er seine Auffassungen darlegte.
Ein weiteres Manifest, in dem Breton noch drängender
von einer
auch gesellschaftlichen
Revolution
sprach, folgte 1930.
Inzwischen war die
Bewegung gewachsen,
es gab eine ganze
Reihe von Mitgliedern,
Diskussionen,
mediale «Séancen»,
Ausschlüsse unliebsamer
Mitstreiter,
handfeste Auseinan-
«Ich glaube an die künftige
Auflösung dieser scheinbar
so gegensätzlichen Zustände
von Traum und Wirklichkeit in
einer Art absoluter Realität,
wenn man so sagen kann:
Surrealität.»
André Breton, 1. Manifest des Surrealismus
dersetzungen – vor allem aber entwickelte sich der
Surrealismus zu einer formidablen neuen Bilder- und
Textmaschine. Einige der grössten Künstler der ersten
Jahrhunderthälfte gehörten ihm an oder liessen sich
von ihm inspirieren. Es entstanden völlig neue Werke,
neue Bilder. Aber auch ganz neuartige Techniken und
Formen der Kunst wurden ausprobiert und entwickelt.
Man schrieb Gedichte, schuf Collagen, malte mittels der
Frottage-Technik, schuf Objekte, fotografierte, widme-
17

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Artinside Artinside
Joan Miró, Peinture, «escargot, femme, fleur, étoile» 1934 René Magritte, La grande guerre, 1964
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20
Artinside
te sich dem Film – kurzum, alles, was geeignet schien,
dem Inneren, Zufälligen, Traumartigen neue Bilder und
Gesichter zu entlocken, kam gerade recht und fand auf
höchst kreative Weise Verwendung. Dies gilt auch für
das Feld der Kunstausstellung selber, auf dem die Surrealisten
auf den Spuren der Dadaisten radikal neue Möglichkeiten
entwickelten und umsetzten.
Der Zweite Weltkrieg war auch für die Surrealisten eine
einschneidende Zäsur. Die meisten von ihnen gingen ins
Exil in die USA und versuchten sich dort über Wasser zu
halten und ihre Kunst weiterzuentwickeln. Dabei kamen
sie auch in Kontakt mit der jungen Generation der amerikanischen
Künstler. Diese – darunter namentlich Jackson
Pollock – empfingen von der surrealistischen Kunst
wichtige Impulse, die dann mit in ihre neue Kunst, den
abstrakten Expressionismus, einflossen.
In ihrer grossen Ausstellung – der ersten umfassenden
in der Schweiz zum Surrealismus in Paris – präsentiert
die Fondation Beyeler einen atemberaubenden Einblick
in diese eigenwillige, provokative und zutiefst berührende
Kunst. Hauptwerke von Salvador Dalí, Joan Miró,
René Magritte, aber auch Max Ernst, Pablo Picasso, Alberto
Giacometti, Man Ray, Hans Bellmer, Victor Brauner,
Yves Tanguy, Meret Oppenheim und vielen anderen
sind zu einem dichten visuellen Ganzen verbunden, wie
es so noch nicht zu sehen war. Gezeigt werden über 200
Werke, darunter bedeutende Gemälde, Skulpturen, Objekte,
Zeichnungen, Schmuck, Filme und Fotografien
sowie Schriftstücke von rund vierzig Künstlern und
Autoren. Ebenfalls präsentiert werden zwei legendäre
Privatsammlungen: die der amerikanischen Sammlerin
Peggy Guggenheim sowie als Premiere die, welche in Paris
Simone Collinet mit ihrem ersten Mann André Breton
aufbaute.
Auf diese Weise wird die Fondation Beyeler von Oktober
bis Ende Januar zu einer umfassenden Schau von
surrealistischen Werken. «Das Auge lebt im Urzustand»,
schrieb André Breton 1928. Es klingt wie das Motto der
Surrealisten, deren grossartige, wilde Schaffenskraft bis
heute begeistert.
*Philippe Büttner ist Kurator der Fondation Beyeler
Surrealism in Paris. The Fondation Beyeler is devoting the first-ever comprehensive exhibition in Switzerland to Surrealism in
Paris. Surrealism was one of the most crucial artistic (and literary) movements of the modern era and had a lasting influence on
it. After emerging in Paris in 1924, the movement unfolded a worldwide impact. Influenced by the writings of Sigmund Freud and
under the leadership of its chief theoretician, André Breton, the Surrealists set out to change life and society by means of a new
brand of art and poetry. Tapping the unconscious mind and world of dreams was to trigger an entirely unprecedented kind of
creativity. The show comprises more than 200 masterworks by Salvador Dalí, Joan Miró, René Magritte, and other Surrrealist
artists. The highlights will include a presentation of the legendary Surrealist private collections amassed by Peggy Guggenheim
and by Breton and his first wife, Simone Collinet. In addition to famous paintings and sculptures, objects, photographs, drawings,
manuscripts, jewelry and films await discovery.
Man Ray, Les larmes, 1933/59
«Damit ein Kunstwerk
wahrhaft unsterblich ist,
muss es ganz die Grenzen des
Menschlichen verlassen:
der gesunde Menschenverstand
und das logische Denken sind
fehl am Platze.»
Giorgio de Chirico
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Wir geben Hoffnung.
Innovation für die Gesundheit

22
Mythos und Natur
im Museum Frieder Burda
Anselm Kiefer im Museum Frieder Burda
Ich setze meine Arbeiten zum Beispiel dem Wetter,
Hitze oder Hagel aus. Die Natur verändert die Materialien.
Über das Ergebnis bin ich oft selbst erstaunt»,
bekannte Anselm Kiefer in einem Interview. Der
1945 in Donaueschingen geborene Maler und Bildhauer
zählt zu den erfolgreichsten deutschen Nachkriegskünstlern.
Das Museum Frieder Burda eröffnet am 7. Oktober
eine Einzelausstellung mit ausgewählten Arbeiten von
Anselm Kiefer aus der Sammlung Grothe. Kurator Walter
Smerling hat 20 grossformatige Bilder ausgesucht, mit
einem Schwerpunkt auf Arbeiten der vergangenen zehn
Jahre. Darunter auch das Werk Essence aus der aktuellen
Serie der Alpenlandschaften, das bisher noch nie öffentlich
zu sehen war.
Seine Materialbilder machten ihn bekannt. Dick aufgetragene
Farbschichten bearbeitet Anselm Kiefer mit
Axt, Feuer und kombiniert die Malerei mit Glas oder Erde.
von Ute Bauermeister
Neben Gemälden schuf er Aquarelle, Skulpturen aus Blei,
Holzschnitte, übermalte Fotos und Bücher. Kiefer hat
in seinen Werken die Naziherrschaft sowie die deutsche
Identität nach dem Zweiten Weltkrieg reflektiert. Sein
Bild Margarethe, das Ölfarben und Stroh auf Leinwand
kombiniert, geht auf Paul Celans berühmtes Gedicht Todesfuge
zurück. Inspirieren lässt er sich von Dichtern wie
Ingeborg Bachmann, Paul Celan, Rainer Maria Rilke oder
Paul Valéry, aber auch von der Kabbala und der Mythologie
des alten Ägyptens. Zudem beschäftigen ihn immer
wieder Natur und Kosmos.
Kiefer studierte zunächst Jura, Literatur und Linguistik
und lebte in Rastatt, bevor er sein Studium der Bildenden
Kunst begann, das ihn zu Peter Dreher nach Freiburg
führte, dann an die Karlsruhe Kunstakademie zu Horst
Antes und schliesslich zu Joseph Beuys nach Düsseldorf.
1969 präsentierte er seine erste Einzelausstellung mit der
Bilderserie Besetzungen in Karlsruhe. 1980 stellte Kiefer
Artinside Artinside
Anselm Kiefer, Böhmen liegt am Meer, 1995
im deutschen Pavillon der Biennale von Venedig
aus. Ein Jahr später waren seine Arbeiten bei Marian
Goodmann in New York zu sehen. Seit 1993 lebt
Kiefer in Frankreich, zuerst in Südfrankreich, seit
1997 in Paris.
1999 wurde ihm in Tokio der renommierte Praemium
Imperiale verliehen. 2008 erhielt er den Friedenspreis
des deutschen Buchhandels. 2010 wurde
Anselm Kiefer als Professor an das Collège de
France in Paris berufen.
Im Fokus der Ausstellung im Museum Frieder
Burda steht das monumentale Bild Der fruchtbare
Halbmond (460 x 760 cm), eine Arbeit aus dem Jahr
2010. Sie verweist auf die Zusammenführung von
Abendland und Morgenland und wird erstmals in
Deutschland gezeigt. Kiefer thematisiert hier den
Turmbau zu Babel und die Wiege unserer Kultur
im fruchtbaren Zweistromland. Der Turmbau hat
die Religionen und Sprachen entzweit, aber Kiefer
glaubt an das ursprünglich Einigende: Die Grundmauern
sind auch im Aufbau begriffen, der Zusammenhalt
unterschiedlicher Kulturen ist möglich.
In der Sammlung Frieder Burda befindet sich
das grossformatige Gemälde Böhmen liegt am Meer
(1995), das ebenfalls ausgestellt wird. Alle weiteren
Arbeiten dieser in Kooperation mit der Stiftung
für Kunst und Kultur e.V. Bonn entstandenen Ausstellung
sind Leihgaben aus der Sammlung Hans
Grothe.
In dieser Schau dominieren christlich-jüdische,
mythologische Themen, das oftmals beschriebene
Pathos in Kiefers Werken erscheint hier zurückgenommen
und neutralisiert.
Anselm Kiefer
Ausgewählte Arbeiten aus
der Sammlung Grothe
07.10.2011 – 15.01.2012
Museum Frieder Burda
www.museum-frieder-burda.de
Anselm Kiefer und Frieder Burda im
Museum Frieder Burda in Baden-Baden
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24
Der Leere auf der Spur
«Die Arbeit existiert für einen
Moment. Was anschliessend bleibt,
ist eine Leere, eine Abwesenheit, ein
Objekt, das einmal gewesen ist.»
Dies sagt Davids über die Installation End on Mouth in Absentia
(2007), eine Installation, die sich auf ihre Performance End on Mouth
aus dem Jahr 2004 bezieht. Sie bestand aus zwei grossen hölzernen,
bühnenartigen Kisten, in denen sich jeweils drei Schauspieler und
drei Musiker befanden und die im Verlauf der Performance von insgesamt
zwanzig TrägerInnen immer wieder gedreht und aufgehoben
wurden. Die von dieser Performance übriggebliebenen Objekte werden
auch in der Kunsthalle Basel zu sehen sein.
Davids analysiert so die Möglichkeiten, die bereits mehrmals stattgefundene
Performance End on Mouth zu dokumentieren. Sie ist der
Meinung, dass Performances von Natur aus Elemente des Verlustes
in sich tragen: Immer auf einen bestimmten Zeitraum beschränkt,
schreiten sie unvermeidlich einem Ende entgegen. Das Thema des
Verlustes greift sie in der neuen Performance Learning to Imitate in Absentia
II auf, die den zweiten Teil von Learning to Imitate (2007–2010)
bildet und die Frage aufwirft, wie Trauer in der Kunst zum Ausdruck
kommen kann.
Artinside Artinside
Yael Davids, Learning to Imitate in Absentia I, 2011
Weitere Ausstellung
in der Kunsthalle
Yael Davids
Ending with Glass
11.09.2011 – 13.11.2011
Kunsthalle Basel
www.kunsthallebasel.ch
Neben verwendeten Objekten aus A line, a word, a sentence, einer Choreografie
für Performer und Objekte aus dem Jahr 2009, wird gegen
Ende der Ausstellung die Videoproduktion The Hand is Quicker Than
The Eye (2009) präsentiert, die Davids zusammen mit Insassen des
Stadtgefängnisses von Mechelen (B) gedreht hat, denen sie unterschiedliche
Zaubertricks beibrachte und ihnen dadurch die Möglichkeit
gab, sich auf eine neue Weise auszudrücken.
Eröffnung: Samstag, 10.09.2011, 19–21h
Die Performance Learning to Imitate in Absentia II wird in der Kunsthalle Basel
anlässlich der Ausstellungseröffnung am Samstag, 10. September 2011 um 18 h,
im Rahmen von Culturescapes am Samstag, 17. September 2011 um 19h, sowie
zur Finissage am Samstag, 5. November 2011 um 19h, aufgeführt. (Beschränkte
Besucherzahl, Anmeldung erforderlich unter info@kunsthallebasel.ch)
Yael Davids, 1968 in Jerusalem geboren, lebt und arbeitet in Amsterdam.
Die Künstlerin beschäftigt sich vorwiegend mit dem Medium der
Performance und befragt dessen Dokumentationsmöglichkeiten. Das
Motiv der Absenz, Leere und Stille ist dabei von zentralem Interesse
und wird als mögliche Form einer Weiterführung der Performance
untersucht.
Danai Anesiadou
DAMNESIA VU.
Zum Besten der Griechen
25.09.2011 – 13.11.2011
Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger im Kloster Schönthal
Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, «Eldorado» im Silo, 2011
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Artinside des Vitra Design Museums
Artinside
Die Baustelle des ersten Goetheanums, 1914
Rudolf Steiner –
Die Alchemie des Alltags
15.10.2011 – 01.05.2012
Vitra Design Museum, Weil am Rhein/D
www.design-museum.de
Weitere Ausstellung im
Vitra Design Museum
Rudolf Steiner – Die Alchemie des Alltags
Rudolf Steiner (1861–1925) war einer der einflussreichsten
und zugleich umstrittensten Reformer
des 20. Jahrhunderts. Er gründete die Steiner- und
Waldorfschulen, inspirierte Künstler wie Piet Mondrian,
Wassily Kandinsky oder Joseph Beuys und gilt als einer
der wichtigsten Ideengeber der organischen Architektur.
Nur 15 Kilometer vom Vitra Design Museum entfernt realisierte
Steiner sein architektonisches Hauptwerk: das
Goetheanum im schweizerischen Dornach. Bis heute ist
dieser Bau eine Pilgerstätte für Architekten, Touristen
und Sinnsucher aus der ganzen Welt. Zu Steiners 150. Geburtstag
präsentiert das Vitra Design Museum die erste
grosse Retrospektive auf Steiners Werk.
Als ausgebildeter Geisteswissenschaftler trat Rudolf
Steiner für ein ganzheitliches Menschenbild ein und ent-
wickelte die Weltanschauung der Anthroposophie, nach
deren Prinzipien heute weltweit Hunderte von Kliniken,
Bankinstituten, Bauernhöfen und Steiner- und Waldorfschulen
arbeiten. Zugleich sind viele von Steiners Ideen
heute in der Mitte unserer Gesellschaft angekommen, ob
in Biokosmetik oder in Produkten aus biologisch-dynamischer
Landwirtschaft. Um die Vielfalt und Wirkung
von Steiners Schaffen zu dokumentieren, hat das Vitra
Design Museum eine einzigartige Fülle an Exponaten zusammengetragen,
darunter Möbel, Architekturmodelle,
Rudolf Steiner, Wandtafelzeichnung, 1923
Zoom.
Italienisches Design
und die Fotografie von
Aldo und Marirosa Ballo
bis 03.10.2011
www.design-museum.de
von Mateo Kries*
Skulpturen, über 100 Originalzeichnungen und -pläne,
Plakate, aber auch Briefe von Zeitgenossen an Steiner,
etwa von Franz Kafka, Piet Mondrian oder Else Lasker-
Schüler. Auch die Verbindungen von Steiner zu anderen
Gestaltern werden dokumentiert, etwa mit Werken von
Wassily Kandinsky, Lyonel Feininger, Alexej Jawlensky,
Frank Lloyd Wright, Olafur Eliasson, Konstantin Grcic
oder Ronan & Erwan Bouroullec.
Begleitet wird die Ausstellung von einem Rahmenprogramm,
das sich Steiners Einfluss in Design, Kunst
und Gesellschaft widmet und seinen vielen Spuren in
der Region um Basel nachgeht. Die Veranstaltungen umfassen
Vorträge, Workshops, Tanzperformances, Filmvorführungen,
Themenabende und Exkursionen. Unter
den Teilnehmern sind die Designer Jerszy Seymour und
Werner Aisslinger, der Architekt Jürgen Mayer H. und
Graft Architekten, der Schauspieler Urs Bihler sowie weitere
Künstler, Wissenschaftler und Unternehmer. Auch
andere Institutionen der Region beteiligen sich mit eigenen
Veranstaltungen, darunter die Fondation Beyeler, das
Kunstmuseum Basel, das Museum für Gegenwartskunst,
das Schweizerische Architekturmuseum, das Staatsarchiv
Basel-Stadt, das Rudolf Steiner Archiv sowie das Unternehmen
Mitte in Basel.
In ihrer Gesamtheit zeichnen Ausstellung, Rahmenprogramm
und der begleitende Katalog das Bild einer
Person, deren Weltanschauung und Ästhetik polarisieren
mag, deren historische Bedeutung jedoch unbestritten
ist. Angesichts religiöser Konflikte, wirtschaftlicher Krisen
und ökologischer Neuorientierungen erlebt Steiners
ganzheitliches Denken heute eine Renaissance. Nachdem
Steiner bislang vor allem als Gründer der Steiner- und
Waldorfschulen und alternativer Denker bekannt war,
verdeutlicht die Ausstellung Rudolf Steiner – Die Alchemie
des Alltags, dass Steiner auch zu den ungewöhnlichsten
Gestaltern des 20. Jahrhunderts gezählt werden
muss.
*Mateo Kries ist Direktor/Programm
oben:Westfassade des zweiten Goetheanum
Mitte: Konstantin Gric, Chair One, Stapelstuhl
unten: Armlehnstuhl, Oswald Dubach zugeschrieben, ca. 1935
27

28
Artinside Artinside
Robert Breer, (Almost) Everything goes, ohne Datum
Robert Breer – Paintings, Films
and Floats
Robert Breer wurde im Jahre 1926 in der amerikanischen
Autostadt Detroit als Sohn eines 3-D-
Amateurfilmers und Chefingenieurs bei der
Chrysler Corporation geboren. Er studierte zunächst
Maschinenbau und anschliessend Kunst an der Stanford
University in Kalifornien. 1949 kam Breer nach Paris, wo
er die abstrakte Malerei fortsetzte, die ihn bereits während
seines Studiums interessiert hatte. In den ersten
der insgesamt zehn Jahre, die Breer in der französischen
Hauptstadt verbrachte, widmete er sich einer Kunst, die
in Europa mit den Etiketten abstrait construit oder Neo-
Plastizismus versehen und in den USA unter dem Namen
hard-edge-abstraction bekannt wurde.
Das Streben nach einer klaren, reinen Malerei zeichnete
den Neo-Plastizismus aus. Breer gehörte zur Künst-
Robert Breer, Filmstill aus dem Film Form Phases IV, 1954
von Andres Pardey*
lergruppe um die Galerie Denise René. In den teilweise
hitzigen Debatten um die abstrakte Kunst spielten die
1944 gegründete Galerie sowie deren Gründerin eine
wichtige Rolle. Sie zeigte Vasarely oder Herbin, Künstler
der abstraction froide, denen sich Robert Breer in ihrer
Suche nach einer absoluten, quasi objektiven abstrakten
Kunst nahe fühlte. Er fühlte sich angezogen von der Idee,
«dass es möglich war, den Ausdruck zu einer starken Zeichensprache
zu vereinfachen und zu reduzieren». Breer
war an verschiedenen Gruppenausstellungen der Galerie
beteiligt und traf dort den jungen schwedischen Kunsthistoriker
Pontus Hulten, der bei Denise René 1955 die Ausstellung
Le Mouvement mitorganisierte. Breers Beitrag für
diese Ausstellung – ein Flip Book – sollte in gewisser Weise
einen Endpunkt seiner Karriere als Maler markieren.
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30
«Ich realisierte, dass ich mit Farbe auf Leinwand eine Menge
absoluter Statements machte, ungefähr eines jede Woche. Ich begann
zu überlegen, wie viele Absolutheiten es denn geben könne,
und fragte mich, ob der Weg zu den absoluten Gedanken nicht vielleicht
spannender sei als die fertiggestellte Komposition. So setzte
ich aus verschiedenen Stadien einer Komposition ein Daumenkino
zusammen – auf eine Form/Farbe folgte die nächste auf der Suche
nach einer perfekten, nie aber finalen Komposition. Ich wollte herausfinden,
ob mir das behilflich sein konnte, meine Suche nach
dem ‹letzten› Bild analytisch zu zeigen. In dieser Zeit lernte ich den
Experimentalfilm kennen.» 1952 entstand sein erster Experimentalfilm:
Form Phases. Der Maler versetzte nun die Formen seiner
abstrakten Gemälde in Bewegung, indem er verschiedene «ausgeschnittene»
Formen und schwere weisse, manchmal auch farbige
Linien, in einem Kasten bewegte, Farbflächen und -schwünge
den Filmformatkasten füllen und ausdehnen, und gleich wieder
sprengen liess. «Als ich anfing, Filme zu machen, habe ich gemerkt,
dass ich nicht mit statischen Beziehungen wie in meinen
Bildern arbeiten kann. Ich musste eine ganz neue Herangehensweise
entwickeln. Dadurch habe ich mich für eine grossflächige,
«Als ich anfing, Filme zu machen,
habe ich gemerkt, dass ich nicht
mit statischen Beziehungen wie in
meinen Bildern arbeiten kann.»
aktive Leinwand entschieden und für wirklich hektische Filme.»
Der 1954 entstandene Film Form Phases IV ist der erste ganz vollendete
Film Breers. Bewegung, Instabilität prägen ihn, Formen,
Farben, Linien und Handlungen zerbersten, ergänzen und widersprechen
sich auf der gesamten Leinwand. Alles arbeitet zusammen
und gegeneinander, der ganze Film ist Bewegung und Hektik,
an Monotonie oder Ruhe kann hier nicht einmal gedacht werden.
Breers Filme zeichnen sich bis heute dadurch aus, dass jedes einzelne
Bild (und es sind doch immerhin 24, die pro Sekunde auf
die Leinwand projiziert werden) sich vom vorherigen vollständig
unterscheidet. Eine ungeheure Bilderflut aus Zeichnungen und
Aquarellen, gefundenen Bildern und Filmschnipseln geht auf den
Betrachter nieder, überfordert zwangsläufig sein Sehen und weckt
doch die Lust, Filme immer wieder von Neuem zu sehen und bei
jeder Begegnung wieder neue Bilder und Sequenzen zu entdecken.
Recreation I (1956–1957) stellte den Höhepunkt dieser Entwicklung
dar.
Spätere Filme wie Blazes (1961) oder Fuji (1974) zeigten dagegen
in einer hektischen Bilderkomposition Erzählstränge unterschiedlicher
Art, die miteinander kollidieren und sich immer wieder neu
Artinside Artinside
Robert Breer, Filmzeichnungen für den Film Fuji, 1974
formieren. Als «Bilder-Fluss» kann dies bezeichnet werden und beschreibt
die Erfahrung, dass Erzählungen wie Flüsse mäandrieren,
sich immer wieder neu formieren und Breer-Filme immer neue Seherfahrungen
ermöglichen.
Mitte der 1960er-Jahre entstanden die ersten Floats, langsam sich
durch den Raum bewegende Skulpturen, die der Idee der Skulptur
eine neue Dimension verliehen. Breer hat seine Floats stets als Gruppe
von Skulpturen inszeniert, die in immer neue Beziehungen zueinander
treten. «Ich stelle mir die ganze Armada als ein einziges Feld vor
– eine Komposition, die sich ständig neu ordnet. Die Überraschung,
die sie hervorrufen, interessiert mich nicht, sondern das langsame
Wahrnehmen ihrer Bewegung und ihrer sich verändernden Bezie-
Robert Breer mit Self Propelled Aluminium Tanks, 1967
Robert Breer. With a rare independency of the art scene, Robert Breer
developed a diversified and highly original oeuvre from the 1950s on. His
High-Speed-films and Super-SloMo sculptures go against the grain of the
artistic landscape at the time of their creation. It is through our present-day
viewing habits that they develop their full explosive potential. The exhibition
will contribute to the re-discovery of this important «Artists’ artist». Robert
Breer passed away in August 2011 in his hometown Tucson, Arizona during
the preparations of the exhibtion at Museum Tinguely.
hungen.» Die Gestaltungen der Floats sind ganz unterschiedlich. Es
sind aus Styropor ausgeschnittene abstrakte Formen, die in gewisser
Weise den Binnenformen von Breers frühen Gemälden entsprungen
sein könnten. Nur selten sind es geometrisch regelmässige Konstruktionen
wie bei Tank von 1966 oder den zylinderförmigen Floats, die
1972 für die Hammarskjöld Plaza in New York entstanden. Viel häufiger
sind die Formen der Floats unregelmässig, wie beim langrecht-
eckigen Switz (1965), das mit seinen eingeschnittenen Löchern an einen
Schweizer Käse erinnert, oder wie bei Porcupine (1967), das mit seinen
Stacheln in der Tat an ein Stachelschwein denken lässt oder beim
späten Float mit dem Titel Loaf (2007), das in Form und Farbgebung
Assoziationen mit einem Brotlaib hervorruft.
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Robert Breer
Retrospektive
26.10.2011 – 29.01.2012
Museum Tinguely
www.tinguely.ch
Breer gehörte 1970 zu den vier Künstlern, die zusammen
mit Billy Klüver im Zentrum der Organisation des
Pepsi-Pavillons für die Weltausstellung in Osaka standen.
Gemeinsam gestalteten sie den Pavillon, der als
Gesamtkunstwerk Skulptur, Environment sowie Licht-
und Toninstallationen vereinte. Das Projekt, an dem sich
schlussendlich etwa 75 Künstler und Ingenieure beteiligten,
trat als interdisziplinäres Kunstwerk und als Musterbeispiel
für die Zusammenarbeit von Künstlern und
Technikern hervor. Die ganze Organisation oblag E.A.T.
(Experiments in Art and Technology), einem Projekt, das
der schwedisch-amerikanische Ingenieur Billy Klüver
Mitte der 1960er-Jahre gemeinsam mit Robert Rauschenberg,
Fred Waldhauer und Robert Whitman ins Leben
gerufen hatte und das sich den Schnittstellen von Kunst
und Technologie widmete, indem es Künstler bei der
Umsetzung von Werken unterstützte.
Breers Beitrag zum Pavillon waren – nebst seiner Beteiligung
an der Gesamtkonzeption – sieben grosse Floats,
fast zwei Meter hohe weisse Skulpturen, die sich auf der
Aussenterrasse selbstständig in sehr kleiner, fast nicht
wahrnehmbarer Geschwindigkeit fortbewegten. Sie gehörten
zu den meistbeachteten Elementen des Pavillons.
Mit ihrer langsamen Bewegung, ihrer minimalistischen
Gestaltung, die durch die fast anthropomorph langsame
und zufällige Bewegung auf der Fläche konterkariert
wurde, und die verschiedenen Geräusche, die aus ihnen
tönten, traten sie in Interaktion mit den Besuchern.
Wall ist eines der spätesten Werke der Ausstellung
(2009) und besteht aus einer Wandecke von etwa 3 x 4 m.
Die ganze Wand bewegt sich ebenso langsam, fast nicht
wahrnehmbar im Raum und verändert so kontinuierlich
den sie umgebenden Raum. Und dies ist auch einer
der wichtigen Aspekte der Floats: ihre Wirkung auf den
Raum, die nicht nur visuell, sondern direkt körperlich
ausgeführt wird.
*Andres Pardey ist Kurator des Museum Tinguely
In der Ausstellung im Museum Tinguely werden die Gemälde,
Filme und Floats im Zusammenhang präsentiert. Somit wird ihre
parallele Entwicklung besonders deutlich. Robert Breer verstarb im
August 2011 während der Ausstellungsvorbereitungen in seinem
Heim in Tucson, Arizona.
Artinside Artinside
Robert Breer, Ohne Titel, ohne Datum Floats beim Pepsi-Cola-Pavillon auf der Weltausstellung, Osaka, Japan, 1970
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Sophie Zenon – inspirierende Fotografie
Sophie Zenon
In Case We Die
18.09.2011 – 11.12.2011
Espace Fernet Branca, Saint Louis/F
www.museefernetbranca.org
Sophie Zenon ist Fotografin, doch die Fotografie ist nicht ihr
einziger Wirkungskreis – sie ist nur der Ausgangspunkt einer
künstlerischen Schöpfung, die sie mit seltener Vollendung beherrscht.
1965 in der Normandie als Tochter einer ursprünglich aus
Italien zugewanderten Familie geboren, wurden ihre Fotografien bei
zahlreichen Festivals, in Fotokunst-Zentren und namhaften Institutionen
ausgestellt. Jüngst wurde sie für den begehrten Prix Niépce
nominiert, und ihre Werke wurden in die ständigen Sammlungen der
Maison Européenne de la Photographie in Paris aufgenommen.
In Case We Die, ihre jüngste Fotoserie, spielt mit der Darstellung
des menschlichen Körpers nach dem Tode. In einer Gesellschaft, die
von Gerard Cahn*
keinen direkten Kontakt mit Toten zulässt, stellt sie sich die Frage:
Wie lässt sich im heutigen Kontext der Verdrängung des Todes das
Undarstellbare darstellen? In den rund sechzig präsentierten Werken
wird die Fragestellung unter mehreren Blickwinkeln angegangen. In
Palermo, in Sizilien, tauchte die Künstlerin in einen ganz besonderen
Ort ein: die Katakomben eines Kapuzinerklosters. In dieser Krypta befinden
sich rund 8000 Mumien. Es sind die Leichname von Männern,
Frauen und Kindern, säuberlich getrennt nach Abteilungen: Priester,
Freiberufler und Adlige. Von 1590 bis 1920 – dem Zeitpunkt des Verbots
dieser Gepflogenheit – durften die Angehörigen die Katakomben
betreten und mit ihren Verstorbenen Zwiesprache halten.
Den Tod zu fotografieren ist eine schwierige Übung. Sophie Zenon
schafft es, die Posen und Blicke der Mumien und die erlesenen
Kleiderstoffe zur Geltung zu bringen. Eine Besonderheit dieser Fotografien
ist die Fähigkeit, durch einen Schwingungsimpuls eine «Bewegung»
in die Pose des Toten zu bringen, wobei einige Bildbereiche
scharf, andere dagegen verschwommen sind. Diese Toten ruhen
nicht. Die Mumie erwacht zum Leben. Und so schrieb Yves Badetz,
Kurator des Musée d’Orsay, im Jahre 2009 über die Künstlerin, dass
sie «mit Totem Lebendiges geschaffen hat, in Anlehnung an die lyrischen
Akzente von Francis Bacon, auf der Suche nach dem Wesentlichen,
das unsere gesammelte Aufmerksamkeit verdient».
In Wirklichkeit aber leugnete Sophie Zenon die Existenz der Mumie,
indem sie sich auf die Zeit in ihrer rein menschlichen Form bezieht.
Indem sie ihre Bilder auf Hochglanzpapier abzieht, entscheidet
sie sich für die Moderne und stellt den sozialen Status des Verstorbenen
wieder in den Vordergrund. Indem sie Farbe und Schwingung
durch einen federleichten Impuls in das Bild bringt, der «die
Bildschärfe nicht beeinträchtigt, während andere Bereiche wie von
Emotion bewegt zittern», wird der Gegenstand der Bilder von Sophie
Zenon mit einer ganzen Reihe von versteckten Sinnelementen bereichert.
Sie erweckt auf ihre Weise die Mumien der Katakomben des
Kapuzinerklosters von Palermo zum Leben, genau wie die Toten des
Friedhofs Cimetière des Fontanelles und die der Katakomben von San
Gaudioso in Neapel.
Das gilt ebenso für den letzten Abschnitt der Ausstellung, der den
Namen Derniers Portraits (Letzte Portraits) trägt. Es sind Portraitaufnahmen
von Verstorbenen, aufgenommen in Bestattungsinstituten,
in Anlehnung an die frühere Gepflogenheit, den Verstorbenen auf
seinem Totenbett oder im Sarg zu portraitieren. Ihr Altarbild mit drei
Ebenen ist eine Hommage an das im Kunstmuseum Basel ausgestellte
berühmte Gemälde Holbeins d.J. Der tote Christus im Grabe. Die Übereinanderstapelung
der Leichname wirkt wie die vertikale Anordnung
der Gräber in einem modernen Kolumbarium, aber auch in einigen
Friedhöfen wie beispielsweise dem Jüdischen Friedhof von Prag.
*Gérard Cahn ist Vorsitzender des Künstlerischen Komitees
Bientôt le métal entre nous sera changé en or
Bald wird das Metall zwischen uns in Gold verwandelt – Benoît Maire
Benoît Maire
15.09.2011 – 13.11.2011
La Kunsthalle Mulhouse, Mulhouse/F
www.kunsthallemulhouse.com
Der in la Kunsthalle Mulhouse mit dem Künstler Benoît Maire
gestartete Ausstellungszyklus konzentriert sich auf die Frage
des Wissens – des Wissens als zu entstellende Form und
Struktur, oft ein fremdes Wissen (ohne Zusammenhang mit der
Kunst), vielschichtig und theoretisch (Wissenschaft, Philosophie,
Architektur usw.), das man sich aneignen muss. Ein entblösstes,
ausgeplündertes Wissen: An sich ist dessen Quelle nicht mehr von
Bedeutung – es ist allein in Bezug auf Verwandlungen und auf Metabolismen
von Wert, in dem, was man aus ihm macht, in einem Verhältnis
von Wechselbeziehung, Transaktion und Übersetzung.
Das Wissen hat sich unbestreitbar verwandelt, von seiner Bildung
bis zu seiner Übertragung und seiner Bewahrung; es ist – durch das
Internet – unrein geworden, da offen. Falsch erlernt, falsch verstanden,
regeneriert es sich in Lücken annähernder Schätzungen und
Fehlern: Wie hinterfragen Künstler das Koproduzieren und die Übertragung
des Wissens, wenn sie die Strukturen verderben und dabei
auf neuartige Weise Formen und Raum gestalten ?
Benoît Maire stellt mit Beständigkeit eine einfache Frage: Kann die
Theorie eine Form sein? Seine Ausstellung soll weder als Momentaufnahme
noch wie eine Vorstellung (Rückschau) aufgefasst werden,
sie setzt sich in einer Bahn (die des Künstlers) und in einer Betrachtung
(die des Kurators) fest. Die Ausstellung wird als eine Struktur
zum Spielen verstanden, die in räumlicher und zeitlicher Dimension
wahrnehmbar ist.
Die Ausstellung ist ein Werkzeug, mit dem der Zuschauer etwas
anstellen kann. Was wirklich geschieht, ist anderswo, genauso wie
die Gegenstände in der Ausstellung Zeichen von etwas anderem sind.
Motive erscheinen immer wieder in den unterschiedlichen Räumen,
von Vincent Honoré*
Formen ändern ihren Status vom Metaphorischen zum Funktionellen;
vom Gegenstand zum Werk usw. Die Installationen zeugen von einem
weiten und präzisen Wissensspektrum, von der Kinogeschichte zur
Philosophie, über die Mythologie hin zur modernen Kunst. Aber die
(in der Ausstellung nicht präsenten) Quellen sind nicht das Wesentliche.
Es ist das Spiel, die Beziehung des Zuschauers zum Projekt und
der wirkende Metabolismus: Wie kann man diese Gegenstände anders
erfassen? Wie kann man die Gegenstände frei verstehen, wenn
man – wahlweise – einen philosophischen, handwerklichen oder mythologischen
Wortschatz benutzt. Wie kann man erreichen, dass die
von Maire gewebte metonymische Kette eine Bedeutung annimmt?
Diese Ausstellung ist das erste Kapitel einer Reflexion, die den
Autor dieses Textes in seiner Funktion als Kurator an der Kunsthalle
Mulhouse begleiten wird. Aus dieser Reflexion heraus wird sich ein
Programm entwickeln, das über ein Jahr verteilt mit drei Ausstellungen
und einem Buch realisiert wird.
Jenseits der allgemeinen Thematik zielt diese Reflexion darauf
ab, eine neue und globale Dynamik der zeitgenössischen Kultur
und des künstlerischen Schaffens zu erforschen, abzugrenzen
und geschichtlich einzuordnen: ihre förmliche Beziehung,
«Wechselbeziehung» – respektlos gegenüber den bisherigen Kenntnissen
– und ihr Vehältnis zur Gemeinschaftsproduktion. Diese drei
Ausstellungen sowie das Buch werden keine Schlussfolgerungen liefern.
Sie werden sich vielmehr den Bewegungen anpassen. Zur Kenntnis
nehmen bedeutet: Position annehmen.
*Vincent Honoré ist Kurator der Ausstellung
Artinside und Kurator der Ausstellung
Artinside
Sophie Zenon, Diego Longobardo, magistrat, San Gaudioso, Naples, 2010
Weitere Ausstellung
im Espace Fernet Branca
Jean-Paul Phillipe
Innere Archäologien
bis 11. 12.2011
Benoît Maire, Le menteur, 2011
35

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Galerien in der Region Basel
Von Bartha Collection
Terry Haggerty, infinite mask, 2011,
acrylic on canvas, 200 x 170 cm
Courtesy von Bartha
Mark Tobey, Ohne Titel, 1968
Gouache auf schwarzem Papier
28,5 x 23,8 cm
VON BARTHA COLLECTION
Schertlingasse 16, Basel
+41.61.271 63 84
www.vonbartha.com
VON BARTHA GARAGE
Kannenfeldplatz 6, Basel
+41.61.322 10 00
www.vonbartha.com
TERRY HAGGERTY
protrusions and areas of concern
06.09.2011 – 05.11.2011
CARZANIGA
Gemsberg 8, Basel
+41.61.264 30 30
www.carzaniga.ch
CHRISTOPHER LEHMPFUHL
MARK TOBEY
20.08.2011 – 15.10.2011
03.09.2011: Spezialapéro 17–20h
Claudia Desgranges, Chroma.
Acryl auf Aluminium, 140 x 140 cm
Foto Jürgen Findeisen, 2011
Ursula Pfister, Säulen im Raum, 2011,
Acryl auf Folien, max 145 x 21 cm
Foto Thomas Gerber
GRAF & SCHELBLE
Spalenvorstadt 14, Basel
+41.61.261 09 11
www.grafschelble.ch
CLAUDIA DESGRANGES
Frozen Times
03.09.2011 – 05.11.2011
HEINRICH GOHL
Waldfarben. Fotografie
25.11.2011 – 18.02.2012
Vernissage: 25.11.2011, 18–21h
15.10.2011 – 29.10.2011:
Galerie geschlossen
HENZE & KETTERER
& TRIEBOLD
Wettsteinstr. 4, 4125 Riehen
+41.61.641 77 77
www.henze-ketterer-triebold.ch
ROBERT KLÜMPEN
Alles wird gut.
03.09.2011 – 10.12.2011
Vernissage: 03.09.2011
12–20h
URSULA HUBER
Hardstrasse 102, Basel
+41.79.235 89 59
www.galerieuhuber.ch
URSULA PFISTER
zeichen setzen
27.08.2011 – 01.10.2011
GIDO WIEDERKEHR
noch nie gezeigte werke
13.11.2011 – 10.12.2011
Günther Holder, F 007», 2011,
Leimholz, Öl- und Lackfarbe, 26×28×13 cm
Werner von Mutzenbecher, Venus, gespiegelt (nach Cranach),2010/2011
200 cm x 130 cm, Acryl auf Baumwolle
Michael Voss, Ana Garcia, 2004
Oil on Canvas 36 x 30 cm
KATHARINA KROHN
Grenzacherstr. 5, Basel
+41.61.693 44 05
www.galerie-katharina-krohn.ch
GÜNTHER HOLDER
Neue Freunde
03.09.2011 – 08.11.2011
Vernissage: 03.09.2011
GISÈLE LINDER
Elisabethenstrasse 54, Basel
+41.61.272 83 77
www.galerielinder.ch
WERNER VON MUTZENBECHER
ZeitRäume
03.09.2011 – 22.10.2011
MARIA ELENA GONZáLEZ
02.11.2011 – 17.12.2011
MITART
Reichensteinerstrasse 29, Basel
+41.61.692 90 20
www.mitart-gallery.com
LAEL MARSHALL . NYC
MICHAEL VOSS . NYC
this quiet commotion
04.09.2011 – 01.10.2011
Vernissage 03.09.2011, 17–20h
GIDO WIEDERKEHR
die zeit im raum
26.10.2011 – 26.11.2011
malerei aus neuer periode
Vernissage: 26.10.2011 18–20h
seasonopening
SamStag, 3. September, 17 – 20 H
Roman Signer, Stiefel mit Kanone, 2011
Courtesy STAMPA Basel, © Roman Signer. Foto: Tomasz Rogowiec
Luciano Castelli, Atlantic Bar, Montmartre, Paris, 1994
Kunstharz auf Leinwand, 100 x 60 cm
Leiko Ikemura, Stehende 1997
Bronze patiniert, 70 x 31 x 31 cm
STAMPA
Spalenberg 2, Basel
+41.61.261 79 10
www.stampa-galerie.ch
ROMAN SIGNER
Skulptur
03.09.2011 – 05.11.2011
Vernissage: 03.09.2011
17–20h
DANIEL BLAISE THORENS
Aeschenvorstadt 15, Basel
+41. 61. 271 72 11
www.thorens-gallery.com
LUCIANO CASTELLI
30.09.2011 – 22.10.2011
TONY WUETHRICH
Vogesenstrasse 29, Basel
+41.61.321 91 92
www.tony-wuethrich.com
LEIKO IKEMURA
Zeichnungen und Skulpturen
1981–2011
03.09.2011 – 22.10.2011
MARKUS GADIENT
Neue Werke
November 2011 – Januar 2012
In 16 basler galerien: Vernissagen, Apéros, Events,
Künstlergespräche, Lesungen etc.
Kostenloser Shuttlebus-Service zwischen den galerien.
anschliessend galeristenfest im DON CamILLO (essen) und im SUD (barbetrieb / DJ), burgweg 7
(ehemals brauerei Warteck).
VereIN gaLerIeN IN baSeL – WWW.KUNStINbaSeL.CH

38
Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region Basel
Aarau | Kunsthaus
Dieter Roth – Selbste
In mannigfacher Weise und in allen
Medien kreist das Schaffen des grossen
Künstlers Dieter Roth immer wieder
um das Selbst. Eine Sonderausstellung
im Aargauer Kunsthaus versammelt
nun seine Selbstbildnisse aus allen
Schaffenszeiten.
bis 06.11.2011
www.aargauerkunsthaus.ch
Bern | Kunstmuseum
Amiet. Freude meines Lebens –
Sammlung Eduard Gerber
bis 15.01.2012
www.kunstmuseumbern.ch
Solothurn | Kunstmuseum
Science & Fiction – Künstlerische
Praxis im Dialog mit den
Wissenschaften
Erstmals wird diesem Thema in einem
Schweizer Museum eine Ausstellung
gewidmet. Science & Fiction möchte
zeigen, wie Künstlerinnen und Künstler
die Wissenschaft als eine Möglichkeit
der Welterklärung von ihrem
eigenen Standpunkt aus befragen und
reflektieren und ihr die künstlerische
Praxis als Modell und Möglichkeit der
Wissensproduktion an die Seite stellen.
bis 06.11.2011
www.kunstmuseum-so.ch
St. Gallen | Kunstmuseum
Back to the Future
Zurück in die Zukunft, so der Titel der
erfolgreichen Hollywood-Filmtrilogie,
steht programmatisch für die Tätigkeit
des Kunstmuseums St.Gallen: Die
Ausstellungen fühlen künstlerisch den
Puls der Zeit. Das findet in der Sammlung
seinen Niederschlag, ist es doch
eine Kernaufgabe des Museums, signifikante
Kunstwerke für die Nachwelt
zu sichern. Die Ausstellung präsentiert
ausgewählte Neuerwerbungen der
jüngeren Vergangenheit.
bis 30.10.2011
www.kunstmuseumsg.ch
Thun | Kunstmuseum
Davide Cascio und Peter
Stämpfli – James Bond & Pin-Ups
Die Ausstellung verbindet zwei Künstlergenerationen,
die beide der Pop-Art
auf eigene Art und Weise verpflichtet
sind. Peter Stämpfli hat als Schweizer
Pop-Art-Künstler international Karriere
gemacht. Davide Cascio (geb. 1976
in Lugano) schöpft aus der Ästhetik
der Pop-Art der 1960er- und 1970er-
Jahre und sondiert Vergangenheit und
Gegenwart nach Architektur-, Design-,
Literatur- und Gesellschaftsentwürfen
mit utopischem Potenzial.
24.09.2011 bis 20.11.2011
www.kunstmuseumthun.ch
Winterthur | Fotomuseum
Shirana Shahbazi –
Much like Zero
03.09.2011 bis 13.11.2011
www.fotomuseum.ch
Winterthur | Kunstmuseum
Die ersten Jahre –
Kunst der Nachkriegszeit
bis 20.11.2011
www.kmw.ch
Zürich | Kunsthaus
The Nahmad Collection
In der zweiten Generation sammelt
die in Monaco ansässige und weit verzweigte
Familie Nahmad grosse Kunst,
und nicht selten tauchte ihr Name bei
den spektakulären Kunstauktionen der
letzten Jahre auf. Exklusiv und zum
ersten Mal überhaupt werden hundert
Meisterwerke dieser wohl einzigartigen
Privatsammlung im Kunsthaus Zürich
gemeinsam zu sehen sein.
21.10.2011 bis 15.01.2012
www.kunsthaus.ch
Amsterdam | Hermitage
Rubens, Van Dyck & Jordaens
– Flemish paintings from the
Hermitage
17.09.2011 bis 16.03.2012
www.hermitage.nl
Amsterdam | Rijksmuseum
Rembrandt und Degas
Obwohl der Einfluss Rembrandts auf
den französischen Impressionisten
Edgar Degas (1834–1917) bekanntermassen
gross war, wurde diese Beziehung
bisher noch nie in einer Ausstellung
thematisiert. Das Rijksmuseum
präsentiert unter anderem eine Serie
von Selbstporträts von Rembrandt
(Bild links) und Degas (rechts) aus ihrer
frühesten Schaffensphase.
bis 23.10.2011
www.rijksmuseum.nl
Amsterdam | Van Gogh Museum
Schlafzimmer-Geheimnisse
Das Schlafzimmer von van Gogh ist eines
der berühmtesten Bilder des niederländischen
Malers. Das Van-Gogh-
Museum hat das bedeutende Werk
restauriert und zeigt den Vorgang in
einer eigenen Ausstellung. Auf der
Internetseite des Museums können
die Veränderungen der Restauration in
einem halbminütigen Film nachvollzogen
werden.
bis 15.01.2012
www.vangoghmuseum.nl
Berlin | Deutsche Guggenheim
Once Upon a Time
Mit der Frage, wie man heute mittels
Videokunst fantastische Geschichten
und moderne Märchen erzählen
kann, beschäftigt sich Once Upon a
Time. Anhand von Arbeiten aus der
Sammlung des Museums untersucht
die Ausstellung, wie zeitgenössische
Video-Künstler Motive und Erzähltechniken
aus Mythen, Fabeln und Märchen
adaptieren, um aktuelle gesellschaftliche
Phänomene oder Ereignisse der
jüngeren Geschichte zu reflektieren.
bis 09.10.2011
www.deutsche-guggenheim.de
Berlin | Martin-Gropius-Bau
Ai Weiwei in New York –
Fotografien 1983–1993
Der Martin-Gropius-Bau zeigt erstmals
in Deutschland über 220 Fotografien
aus der Zeit, die der chinesische
Künstler Ai Weiwei von 1983 bis 1993
in New York verbrachte. Über 10 000
Aufnahmen machte Ai während seiner
New Yorker Zeit. Für den jungen Ai, geboren
1957, war der lange Aufenthalt in
den USA stilprägend für seine gesamte
künstlerische Laufbahn.
15.10.2011 bis 18.03.2012
www.berlinerfestspiele.de
Dieter Roth/Richard Hamilton, Interfaces 15−16, 1977−1978 | Pascal Schwaighofer, Atlas (Theatrum Orbis Terrarum), 2009–2010 | Henri Matisse, Portrait au manteau
bleu, 1935 | Rembrandt, Selbstporträt als junger Mann, ca. 1628–29 |Edgar Degas, Selbstporträt, 1857–58 | Vincent van Gogh, Das Schlafzimmer, 1888
Berlin | Hamburger Bahnhof
Tomás Saraceno – Cloud Cities
Tomás Saraceno sprengt mit seinen
Installationen die traditionellen Auffassungen
von Ort, Zeit, Erdanziehung
und traditionelle Vorstellungen von
Architektur. Seine Werke sind utopisch
und laden zum Mitwirken ein, sie
nähern den Himmel und die Erde an,
Gärten sind in der Luft angesiedelt und
Besucher können ihren Traum vom
Fliegen verwirklichen. Er orientiert
sich an Seifenblasen und der ungeheuren
Stärke und Flexibilität von
Spinnweben.
15.09.2011 bis 15.01.2012
www.hamburgerbahnhof.de
Bregenz | Kunsthaus
Ai Weiwei – Art / Architecture
Die Ausstellung konzentriert sich auf
die exemplarischen Architekturkooperationen
Ai Weiweis, die mit anderen
Architekturbüros entwickelt wurden.
Dramaturgisch ist die Präsentation
so aufgebaut, dass sie mit Architekturmodellen,
Plänen, Fotografien und
Videodokumentationen zu konkreten
Bauvorhaben beginnt und dann zunehmend
abstrakter wird.
bis 16.10.2011
www.kunsthaus-bregenz.at
Düsseldorf | K21
Big Picture – Orte / Projektionen
Big Picture ist der Titel einer Arbeit
des jung verstorbenen kalifornischen
Künstlers Jason Rhoades (1965–2006),
«big picture» meint aber auch «die
grosse Übersicht». Wenn Rhoades in
ironischer Verkehrung einen grossen
Garten auf einem kleinen Flatscreen
zeigt, gibt das den Takt vor für eine
Ausstellung von Film- und Video-Installationen,
die die unterschiedlichen
Wirkungsweisen kinematografischer
Installationen vor Augen führen.
bis 20.11.2011
www.kunstsammlung.de
Frankfurt | Schirn-Kunsthalle
Erró. Porträt und Landschaft
Der isländische Künstler Erró zählt
zu den grossen Einzelgängern in der
Kunst des 20. Jahrhunderts. In seinen
Collagen kombiniert er malerisch
reproduzierte Bildvorlagen aus unterschiedlichen
populären Quellen zu
vielsagenden, häufig verstörenden Tableaus.
Die Ausstellung zeigt Errós Serie
Scapes sowie erstmals den gesamten,
1968 entstandenen Zyklus der Monster.
In dieser Serie stellt der Künstler den
offiziellen Konterfeis Prominenter ein
zweites, monströs verzerrtes Gesicht
gegenüber.
06.10.2011 bis 08.01.2012
www.schirn-kunsthalle.de
Frankfurt | Städel
Beckmann und Amerika
Mit Beckmann & Amerika wird dem
Spätwerk des europäischen Malers eine
grosse Ausstellung gewidmet. Leihgaben
aus internationalen privaten- und
öffentlichen Sammlungen – seine für
Amerika geschaffene Lithografienfolge
Day and Dream, meisterhafte Zeichnungen,
ausdrucksstarke Gemälde,
darunter allein drei seiner bedeutenden
Triptychen aus Washington und
New York, zeigen das weite Spektrum
seiner Bildwelten.
07.10.2011 bis 08.01.2012
www.staedelmuseum.de
Leipzig | Museum der
bildenden Künste
Max Beckmann – von Angesicht
zu Angesicht
Die Ausstellung zeigt zum einen eine
klassische Porträtgalerie, ein Who is
who in Beckmanns Leben, zum anderen
ebenso Bilder, in die der Künstler Porträts
integriert hat, wobei er Familie
und Freunde mit Rollen in seinem
allegorischen Welttheater ausstattet.
bis 22.01.2012
www.mdbk.de
London | Tate Modern
Gerhard Richter: Panorama
06.10.2011 bis 08.01.2012
www.tate.org.uk/modern
München | Haus der Kunst
Carlo Mollino –
maniera moderna
Maniera moderna widmet sich dem
facettenreichen Werk des italienischen
Architekten, Designers und Fotografen
Carlo Mollino. In Mollinos Fotografien
und Interieurs der 1930er-Jahre sind
surrealistische Wurzeln spürbar, die
sich bis in sein Spätwerk im eleganten
Teatro Regio und den inszenierten
erotischen Polaroids fortsetzen.
16.09.2011 bis 08.01.2012
www.hausderkunst.de
München | Pinakothek der
Moderne
Donald Judd – A good Chair is a
good Chair
Die Ausstellung zeigt eine konzentrierte
Auswahl der von Judd konzipierten
Möbel, darunter auch Prototypen und
frühe, vom Künstler selbst gebaute
Stücke für den eigenen Gebrauch, die
bisher nur selten ausserhalb von Judds
Wohnorten in New York und Marfa/
Texas zu sehen waren.
bis 09.10.2011
www.pinakothek-der-moderne.de
Tomás Saraceno, Observatory/Air-Port-City, Hayward Gallery, London, 2008 | Erró, Monster, 1968 | Max Beckmann, Argonauten, 1949–50 | Donald Judd, Hocker, 1992
Artinside im Abonnement Das Magazin zu den Ausstellungen in der Region Basel – drei Mal im
Jahr in Ihrem Briefkasten.
Artinside Ausstellungen
Chaïm Soutine, Le canard sur fond bleu, 1925
Morris Louis, Omega IV, 1959/60
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in
der Region Basel
Ausgabe Frühling 2008
Soutine und die Moderne
16.03.2008 – 06.07.2008
Soutine und die Moderne
Kunstmuseum Basel
16.03.2008 – 06.07.2008
Kunstmuseum Basel
Action Painting
27.01.2008 – 12.05.2008
Action Painting
Fondation Beyeler, Riehen
27.01.2008 – 12.05.2008
Fondation Beyeler, Riehen
Hannah Höch
Aller Anfang ist DADA!
Hannah Höch
16.01.2008 – 04.05.2008
Aller Anfang ist DADA!
Museum Tinguely Basel
16.01.2008 – 04.05.2008
Museum Tinguely Basel
Miriam Cahn
Malerei, Zeichnungen
Miriam Cahn
03.05.2008 – 26.10.2008
Malerei, Zeichnungen
Kloster Schönthal
03.05.2008 – 26.10.2008
Kloster Schönthal
Gerhard Richter
Bilder aus privaten
Gerhard Richter
Sammlungen
Bilder aus privaten
19.01.2008 – 27.04.2008
Sammlungen
Museum Frieder Burda
19.01.2008 – 27.04.2008
Museum Frieder Burda
Leben unter dem Halbmond
Die Wohnkulturen der
Leben unter dem Halbmond
arabischen Welt
Die Wohnkulturen der
23.02.2008 – 31.08.2008
arabischen Welt
Vitra Design Museum,
23.02.2008 – 31.08.2008
Weil am Rhein/D
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
Artinside Ausstellungen
Antoine Zgraggen, Der grosse Hammer, Museum Tinguely
in
der Region Basel
Ausgabe Sommer 2008
Kunstmaschinen –
Maschinenkunst
Das Museum als
Produktionshalle
05.03.2008 – 29.06.2008
Museum Tinguely Basel
Fernand Léger
Paris – New York
01.06.2008 – 07.09.2008
Fondation Beyeler
Soutine und die Moderne
16.03.2008 – 06.07.2008
Kunstmuseum Basel
Sculpture at Schoenthal
im Kloster Schoenthal
Miriam Cahn
04.05.2008 – 26.10.2008
CH-4438 Langenbruck
Die Skulptur der Maler –
Malerei und Plastik
im Dialog
05.07.2008 – 26.10.2008
Museum Frieder Burda
Baden-Baden/D
Günther Grass
Aquarelle, Zeichnungen
und Skulpturen
10.04.2008 – 21.09.2008
Forum Würth Arlesheim
DUBAI NEXT
05.06.2008 – 14.09.2008
Vitra Design Museum
Weil am Rhein/D
Artinside
Ausstellungen in der
Region Basel
Ausgabe Frühling 2006
Hans Holbein d. J.
Die Jahre in Basel
1515 bis 1532
01.04. – 02.07.2006
Kunstmuseum Basel
Henri Matisse
Figur Farbe Raum
19.03. – 09.07.2006
Fondation Beyeler
Eva Aeppli
«Livres de vie»
25.01. – 30.04.2006
Museum Tinguely Basel
Joe Colombo
Die Erfindung der Zukunft
21.01. – 10.09.2006
Vitra Design Museum
Neue Malerei
Erwerbungen 2002-2006
25.02. – 25.06.2006
Museum Frieder Burda
Atmosphäre
und Ausdruck
12.11.2005 – 23.04.2006
Forum Würth Arlesheim
Die drei Ausgaben kosten:
CHF 18.– in der Schweiz und Euro 18.– im EU-Raum
Hinweis für Abonnenten der Basler Zeitung: Das Magazin wird der
BaZ kostenlos beigelegt.
per Internet: www.artinside.ch
oder Talon einsenden an: Lauftext | Museumsmagazin Artinside
Oberwilerstr. 69 | CH–4054 Basel
Name
Vorname
Strasse | Nr.
PLZ | Ort
39

40
Fondation Beyeler
Baselstrasse 101, CH-4125 Riehen
Tel +41 61 645 97 00
Fax +41 61 645 97 19
fondation@fondationbeyeler.ch
www.fondationbeyeler.ch
Öffnungszeiten. Mo–So 10–18 Uhr,
Mi 10–20 Uhr.
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 25.–
IV/Gruppen ab 20 Pers. CHF 20.–
Studenten bis 30 Jahre CHF 12.–
Jugendliche 11–19 Jahre CHF 6.–
Familienpass CHF 50.–
Jeden Montag von 10 bis 18 Uhr
und mittwochs von 17 bis 20 Uhr
vergüns tigte Eintrittspreise.
Führungen. Von Dienstag bis
Sonntag öffentliche Überblicksführungen
in deutscher Sprache.
Sporadisch sonntags in französischer
und englischer Sprache.
Private Führungen
Tel. +41 61 645 97 20.
Art Club / Freunde. Für Mitglieder
des «Art Clubs» und «Freunde»
gelten Vorzugsbedingungen.
Restaurant Berower Park.
Täglich geöffnet 10–18 Uhr,
Mittwoch abends geöffnet
Tel +41 61 645 97 70
restaurant@fondationbeyeler.ch
Artshop. Tel. +41 61 645 97 56
artshop@fondationbeyeler.ch
Anreise. Mit Tram Nr. 6 (ab Innenstadt
und Badischem Bahnhof ),
Tram Nr. 2 (ab Bahnhof SBB) mit
Umsteigen bei der Haltestelle
«Messeplatz» auf Tram Nr. 6.
Mit Bahn ab Basel SBB und Badischem
Bahnhof nach Riehen
Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 16, CH-4010 Basel
Tel +41 61 206 62 62
Fax +41 61 206 62 52
www.kunstmuseumbasel.ch
Öffnungszeiten. Di–So 10–18 Uhr,
Mo geschlossen.
Eintrittspreise.
Ständige Sammlung KM CHF 15.–
Max Beckmann CHF 21.–
(inkl. ständige Sammlung)
MGK CHF 12.–
Kombiticket KM&MGK CHF 25.–
Führungen. Tel. +41 61 206 63 00
www.kunstmuseumbasel.ch
Sonderveranstaltungen.
Tel +41 61 206 62 56
Kupferstichkabinett.
St.Alban-Graben 16, Basel
Tel +41 61 206 62 72
Bibliothek.
St. Alban-Graben 10, Basel
Tel +41 61 206 62 70
Shop. Postkarten, Posters, T-Shirts,
Gadgets etc.
Buchhandlung.
St. Alban-Graben 16, Basel
Tel +41 61 206 62 82
www.shop.kunstmuseumbasel.ch
Bistro Kunstmuseum.
St. Alban-Graben 14, Basel
Tel +41 61 2071 55 22
Museum für
Gegenwartskunst
St. Alban-Rheinweg 60, Basel
Tel +41 61 206 62 62
Di–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen.
www.kunstmuseumbasel.ch
www.elaine-mgk.ch
Museum Tinguely
Paul Sacher-Anlage 1, CH-4002 Basel
Tel +41 61 681 93 20
Fax +41 61 681 93 21
infos@tinguely.ch
www.tinguely.ch
Öffnungszeiten. Di–So 11–18 Uhr,
Mo geschlossen.
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 15.–
Schüler, Studenten,
Lehrlinge, AHV, IV CHF 10.–
Gruppen ab 20 Personen CHF 10.–
Kinder /Jugendliche bis
16 Jahre in Begleitung
eines Erwachsenen gratis
Audioguide zur
Sammlung D/F/E CHF 3.–
Schulklassen. Schulklassen inkl.
2 Begleitpersonen haben nach
telefonischer Voranmeldung freien
Eintritt: Tel +41 61 681 93 20
Führungen/Kunstvermittlung.
Öffentliche Führungen in deutscher
Sprache So, 11.30 Uhr. Private
Führungen: Tel +41 61 681 93 20.
Workshops und Kinderclub:
Tel +41 61 688 92 70
Museumsbistro. Das Restaurant
«Chez Jeannot» liegt direkt an der
Rheinpromenade.
Öffnungszeiten: Di–So 10.30–19 Uhr
Reservationen: Tel +41 61 688 94 58
Museumsshop. Der Museumsshop
bietet Kataloge, Plakate und Geschenkartikel
an.
Anreise. Vom Bahnhof: Tram Nr. 2
bis Wettsteinplatz; Bus Nr. 31 oder
38 Richtung Habermatten. Vom
Badischen Bahnhof: Bus Nr. 36.
Autobahn: Ausfahrt Basel
Wettstein
Kunsthalle Basel
Steinenberg 7
CH-4051 Basel
Tel. +41 61 206 99 00
info@kunsthallebasel.ch
www.kunsthallebasel.ch
Öffnungszeiten.
Di/Mi/Fr 11–18 Uhr
Do 11–20.30 Uhr
Sa/So 11–17 Uhr
Eintrittspreis. CHF 10.–/6.–
inkl. SAM Schweizerisches
Architekturmuseum
Führungen. Jeden Sonntag 12 Uhr
und jeden zweiten Donnerstag
18.30 Uhr
Espace d'Art
Contemporain,
Fernet Branca,
Saint-Louis/F
2, rue du Ballon
F-68300 Saint-Louis
Tel. +33 38 969 10 77
musee-fernet-branca@wanadoo.fr
www.museefernetbranca.org
Öffnungszeiten.
Mi–So 14–19 Uhr.
Mo–Di geschlossen.
Eintrittspreis. Euro 6.–/5.–,
Kinder unter 12 Jahren gratis
Führungen. Französisch und
Deutsch auf Anfrage
Kunsthaus Baselland
St. Jakobs-Strasse 170
CH-4132 Muttenz/Basel
beim Fussballstadion St. Jakob
Tel. +41 61 312 83 88
Fax +41 61 312 83 89
office@kunsthausbaselland.ch
www.kunsthausbaselland.ch
Öffnungszeiten.
Di/Do–So 11–17 Uhr | Mi 14–20 Uhr
Mo geschlossen
Eintrittspreis. CHF 7.–/5.–
Führungen. Auf Anfrage
La Kunsthalle Mulhouse
La Fonderie/F
16, rue de la Fonderie,
F-68100 Mulhouse
Tel +33 03 69 77 66 47
kunsthalle@mulhouse.fr
www.kunsthallemulhouse.com
Öffnungszeiten.
Mi–So 12–18 Uhr
Do bis 20 Uhr
Eintrittspreis. Freier Eintritt
Führungen. Kostenlose Führungen
Sa und So 15 Uhr, Gruppen
reservieren unter +33 3 69 77 66 47
Kloster Schönthal,
Langenbruck/CH
CH-4438 Langenbruck
Tel +41 61 706 76 76
mail@schoenthal.ch
www.schoenthal.ch
Öffnungszeiten. Fr 14–17 Uhr,
Sa/So 11–18 Uhr
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 10.–
Studenten/Künstler CHF 8.–
Familien CHF 20.–
Gruppen ab 6 CHF 8.–
Die private Stiftung unterhält das
Baudenkmal und die Landschaft
ohne Subventionen
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
Charles-Eames-Str. 1,
D-79576 Weil am Rhein
Tel +49 76 21 702 32 00
info@design-museum.de
www.design-museum.de
Öffnungszeiten. täglich 10–18 Uhr,
Eintrittspreis. Euro 8.–/6.50
Führungen. Führungen durch die
Ausstellung: Sa/So um 11 Uhr.
Architekturführungen täglich
Deutsch: 11, 13 und 15 Uhr
Englisch: 12 und 14 Uhr
Anreise. Mit dem Bus Nr. 55 ab Basel
Claraplatz oder Bad. Bahnhof bis
Haltestelle Vitra
Forum Würth
Arlesheim
Dornwydenweg 11
CH-4144 Arlesheim
Tel +41 61 705 95 95
Fax +41 61 705 95 96
forum@wuerth-ag.ch
www.forum-wuerth.ch
Öffnungszeiten. Mo bis So 11–17 Uhr
Eintritt. frei
Führungen. Kunsthistorische
Führung jeden Sonntag um 11.30
Uhr
Begleitprogramm. siehe
www.forum-wuerth.ch
Museum Frieder Burda,
Baden-Baden/D
Lichtentaler Allee 8b
D-76530 Baden-Baden
Tel +49 07221/39898-0
office@museum-frieder-burda.de
www.museum-frieder-burda.de
Öffnungszeiten. Di bis So
10–18 Uhr,
Montag geschlossen.
Eintrittspreis. Euro 10.–
Führungen. Mi 16 Uhr | Sa, So und
Feiertage 11 und 15 Uhr
Bildnachweis | Titelseite: Max Beckmann, Meerlandschaft mit Agaven und altem Schloss, 1939, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie © Pro Litteris, Zürich | Bei einem Teil der Auflage Fondation Beyeler: Salvador Dalí, Traum, verursacht
durch den Flug einer Biene um einen Granatapfel, eine Sekunde vor dem Erwachen, 1944, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, © Salvador Dalí, Gala-Salvador Dalí Foundation / 2011, ProLitteris, Zürich | S.3 Bernhard Mendes Bürgi, Foto: Martin P.
Bühler |S.4 Max Beckmann, Marine (Côte d'Azur), 1930, Privatsammlung Österreich, Courtesy Galerie Kornfeld, Bern, Foto: Privatsammlung Österreich © ProLitteris, Zürich | Francis Picabia, Dresseur d'animaux, 1923, Centre Georges Pompidou,
Musée national d’art moderne, Paris, Foto: © Collection Centre Pompidou, Dist. RMN / Georges Meguerditchian / 2011 ProLitteris, Zürich | Anselm Kiefer, Essence, 2011, © Anselm Kiefer, 2011, Courtesy Stiftung für Kunst und Kultur e.V. Abdruck
honorarfrei im Rahmen der Ausstellung, im Museum Frieder Burda in Baden-Baden | S.5 Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, «Eldorado» im Silo (Detail), 2011 | Westfassade des zweiten Goetheanums © Vitra Design Museum, Photo: Thomas Dix, 2010
| Robert Breer, Form phase IV, 1954 | Benoît Maire, Le berger, 2011, Courtesy Galerie Cortex AthleticoCourtesy | S.6 Max Beckmann, Das Nizza in Frankfurt am Main, 1921, Kunstmuseum Basel, mit einem Sonderkredit der Basler Regierung erworben,
1939, Foto: Kunstmuseum Basel, Martin P. Bühler © ProLitteris, Zürich | S.7 Max Beckmann, Seelandschaft mit Pappeln, 1924, Kunsthalle Bielefeld, © ProLitteris, Zürich | S.8 Max Beckmann, Landschaft mit Vesuv, 1926, Bayerische Staatsgemäldesammlungen,
Pinatkothek der Moderne, München, | S.9 Max Beckmann in Scheveningen, 1928 | S.10 Max Beckmann, Cap Martin, 1939, Leihgabe aus Privatbesitz © ProLitteris, Zürich | S.11 Max Beckmann, Promenade des Anglais in Nizza, 1947,
Museum Folkwang, Essen © ProLitteris, Zürich | S.13 Louise Bourgeois © Foto: 2000 Michele Mattei | S.14 oben: Louise Bourgeois, In Respite, 1993, Galerie Karsten Greve AG, St. Moritz, Foto: Frédéric Delpech © 2011 Louise Bourgeois Trust / Pro-
Litteris, Zürich | unten: Louise Bourgeois, Passage dangereux, 1997, Privatsammlung Schweiz, Foto: Peter Bellamy, © 2011, Louise Bourgeois Trust / ProLitteris, Zürich | S.15 oben: Louise Bourgeois, The Insomnia Drawings (detail), 1994-1995, Daros
Collection, Foto: Christopher Burke © 2011, Louise Bourgeois Trust / ProLitteris, Zürich | mitte: Louise Bourgeois, À l'infini (detail), 2008, The Museum of Modern Art, New York, Foto: Ben Shiff © 2011, Louise Bourgeois Trust /pro Litteris, Zürich |
unten: Louise Bourgeois, The Waiting Hours (detail), 2007, Collection Louise Bourgeois, Courtesy Cheim & Read and Hauser & Wirth, Foto: Christopher Burke © 2011 Louise Bourgeois Trust / Pro Litteris, Zürich | S.16 Max Ernst, L'antipape, 1941–42,
The Solomon R. Guggenheim Foundation, New York, Peggy Guggenheim Collection, Venice, Foto: David Heald © The Solomon R. Guggenheim Foundation 2011, ProLitteris, Zürich | S.18 Joan Miró, Peinture (« escargot, femme, fleur, étoile »), 1934,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Foto: Archivio fotográfico Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, © 2011, Succession Miró / ProLitteris, Zürich | S.19 René Magritte, La grande guerre, 1964, Privatsammlung, Schweiz,
Foto: Robert Bayer, Bildpunkt AG Münchenstein ©2011, ProLitteris, Zürich | S.20 Man Ray, Les larmes, Tränen, 1933/59, Städtisches Museum Abteiberg, Mönchengladbach, ©2011,ProLitteris, Zürich | S.22/23 Anselm Kiefer, Böhmen liegt am Meer,
1995 © Anselm Kiefer, 2011, Courtesy Stiftung für Kunst und Kultur e.V., Abdruck honorarfrei im Rahmen der Ausstellung, im Museum Frieder Burda in Baden-Baden | S.24 Yael Davids, Learning to Imitate in Absentia I, 2011, © Kunsthalle Basel |
Artinside S.25 Gerda Steiner & Jörg Lenzlinger, «Eldorado» im Silo, 2011, Foto: Heiner Grieder | Fortsetzung: S.42
Artinside
41

42
Artinside
Pierre Bonnard, Le Cabinet de toilette, 1932
Auguste Renoir, En été, 1868
Vera Isler, Sylvie Fleury, 1994
Das nächste Artinside erscheint im Januar 2012 mit diesen Themen
Fondation Beyeler, 29.01.2012 – 13.05.2012
Bonnard Die Fondation Beyeler widmet einem der faszinierendsten Maler der Moderne, Pierre
Bonnard (03.10.1867–23.01.1947), eine Retrospektive. Als hervorragender Kolorist
verfolgte er das Ziel, sämtliche Sinneseindrücke durch Farbe auszudrücken. Seine
bevorzugten Sujets betrafen meist sein persönliches Umfeld. Die Ausstellung
Pierre Bonnard präsentiert mit rund 60 Gemälden, aus internationalen Museen und
Privatsammlungen, die berühmten Szenen von Badenden, Ansichten aus seinem Garten,
Alltagsdarstellungen sowie das bunte Treiben auf den Pariser Strassen.
Kunstmuseum Basel, 01.04.2012 – 12.08.2012
Renoir: Zwischen Bohème und Bourgeoisie. Die frühen Jahre
Auguste Renoir zählt zu den französischen Malern, die in den frühen 1870er-
Jahren den Impressionismus begründet haben. Mit heller Palette, einer lockeren
Pinselführung, Motiven aus dem modernen Stadtleben und des Freizeitvergnügens
in der Natur schrieben er und seine Mitstreiter Kunstgeschichte. Das Kunstmuseum
Basel richtet in dieser grossen Überblicksaustellung erstmals den Fokus auf das
überraschend vielschichtige Frühwerk des Künstlers bis hin zu den ersten bedeutenden
impressionistischen Gemälden. Renoirs wichtigstes Modell der frühen Jahre war seine
Geliebte Lise Tréhot. Diese Werkgruppe bildet einen Höhepunkt der Ausstellung und
zeigt die Spannweite von Renoirs erstem Schaffensjahrzehnt.
Museum Tinguely, 01.02.2012 – 06.05.2012
Vera Isler: Face to Face II
Vera Islers Porträts der Face to Face-Serie zeichnen sich durch Intensität und
Natürlichkeit aus. Es sind, wie die Künstlerin betont, «Porträts für mich allein», die
ohne Assistent, ohne Kunstlicht und entsprechend ohne Ablenkung entstanden sind,
und «den Menschen als Idee» fassen wollen. Sie dokumentieren ihre Begegnungen
mit Künstlern und Künstlerinnen, die in «herzlicher Schweigsamkeit» stets sehr
persönliche Befindlichkeiten festhalten. Sie zwingen die Porträtierten, aber auch
den Betrachter zu Ruhe, Aufmerksamkeit und Aufrichtigkeit. Im Museum Tinguely
sind die grossformatigen F otographien der zweiten Face to Face-Serie zu sehen, die in
Zusammenarbeit mit dem Museum der Moderne Salzburg produziert wurden.
Bildnachweis | S.26 Die Baustelle des ersten Goetheanums, 1914 © Dokumentation am Goetheanum, Dornach, Photo: Otto Rietmann | S.27 oben: Westfassade des zweiten Goetheanums © Vitra Design Museum, Photo: Thomas Dix, 2010 | S.27 links:
Rudolf Steiner, Wandtafelzeichnung, «Je weiter sich der Mensch von der Erde entfernt», 1923, © Rudolf Steiner Archiv, Dornach | S.27 Stuhl oben: Konstantin Gric, Chair One, 2001 © Sammlung Vitra Design Museum, Foto: Andreas Sütterlin | Stuhl
unten: Armlehnstuhl, Oswald Dubach zugeschrieben, ca. 1935, © Private Collection, Foto: Andreas Sütterlin | S.28 Robert Breer, (Almost) Everything goes, ohne Datum © gb Agency, Paris/ Robert Breer | S.29 Robert Breer, Filmstills aus dem Film
Form Phases IV, 1954, © GP Agency, Paris, Robert Breer | S.30 Robert Breer, Filmzeichnungen für den Film Fuji, 1974, © GP Agency, Paris, Robert Breer | S.31 Robert Breer mit Self Propelled Aluminium Tanks, 1967, © GP Agency, Paris, Robert Breer |
S.32 Robert Breer, Ohne Titel, ohne Datum, Technische Zeichnung, Buntstift auf Papier © GP Agency, Paris, Robert Breer | S.33 Floats beim Pepsi-Cola Pavillon auf der Weltausstellung, Osaka, Japan, 1970 © Roy Lichtenstein Foundation; Foto: Shunk-
Kender | S.34 Sophie Zenon, Diego Longobardo, magistrat, San Gaudioso , Naples, 2010, Série In Case We Die | S.35 Benoît Maire, Le menteur, 2011, Courtesy Galerie Cortex Athletico | S.38 Dieter Roth / Richard Hamilton, Ausschnitt aus: Interfaces
15−16, 1977−1978, Sammlung Tanner Teufen, © 2011 Dieter Roth Estate | Pascal Schwaighofer, Atlas (Theatrum Orbis Terrarum), 2009–2010, Henri Matisse, Portrait au manteau bleu, 1935, Nahmad Collection, Switzerland, © 2010 ProLitteris, Zürich
| Rembrandt, Self-Portrait as a Young Man, ca. 1628-29. Alte Pinakatothek, München, Foto © bpk/Bayerische Staatsgemäldesammlungen | Edgar Degas, Self-Portrait, 1857-58, Williamstown, The Sterling and Francine Clark Art Institute, 1955.544.
Foto: Michael Agee | Vincent van Gogh, Das Schlafzimmer, 1888, Van Gogh Museum, Amsterdam Observatory/Air-Port-City, Hayward Gallery, London, 2008, © Courtesy: The artist and Andersen's Contemporary, Tanya Bonakdar Gallery, pinksummer
contemporary art, Foto: Courtesy Tomás Saraceno | Max Beckmann, Argonauten, 1949–50, © Pro Litteris, Zürich | Donald Judd, Hocker, 1992, Foto: Die Neue Sammlung – The International Design Museum Munich (A. Laurenzo), Donald Judd
Furniture © Judd Foundation | S.42 Pierre Bonnard, Le cabinet de toilette, 1932, The Museum of Modern Art, New York. Florene May Schoenborn Bequest 1996 © 2011, ProLitteris, Zürich | Auguste Renoir, En été, 1868, Nationalgalerie, Staatliche
Museen zu Berlin bpk / Jörg. P. Anders | Vera Isler, Sylvie Fleury, 1994, © Vera Isler, Pro Helvetia, Zürich 2011-12
STEPHAN EICHER AND THE LOST & FOUND ORCHESTRA |
KT TUNSTALL SOLO
Freitag, 21. Oktober, 20 Uhr CHF 140.–/120.–/90.–
OPENING NIGHT
Über die musikalischen Flohmärkte dieser Welt zu
streifen und Preziosen zu entdecken, ist eine Leidenschaft
von Stephan Eicher. Er fand einige Musiker, mit
denen er zufällig gefundene Musikstücke interpretiert.
Eröffnet wird der klangvolle Abend von der mysteriösen
schottischen Sängerin KT Tunstall.
LIZA MINNELLI | ANNA ROSSINELLI
Dienstag, 25. Oktober, 20 Uhr CHF 160.–/140.–/110.–
BROADWAY
Was für eine fantastische Chance für Anna Rossinelli,
Broadwayluft zu schnuppern! Die Schweizer Eurovision-
Finalistin trifft auf die Königin des amerikanischen
Entertainments, Liza Minnelli. Ein Abend im Zeichen der
Jugendlichkeit, die auch Liza in ihrem
bewegten Leben beibehalten hat.
KEB’ MO’ | AARON NEVILLE
Sonntag, 6. November, 20 Uhr CHF 130.–/110.–/90.–
THE BIG EASY
Keb’ Mo’, der Blueser, und Aaron Neville, der eine spirituelle
Botschaft hat, erzählen die Geschichten ihrer Leute.
Geschichten aus New Orleans nach Katrina, von Freuden
und Nöten. Keb’ Mo’ tut es rau und ursprünglich, Neville
mit hoher Falsettstimme, beide authentisch und ehrlich.
EARTH, WIND & FIRE EXPERIENCE FEAT. AL MCKAY |
CHIC FEAT. NILE RODGERS
Mittwoch, 9. November, 20 Uhr CHF 130.–/110.–/80.–
GET FUNKY NOW
Bei dieser Party kann nichts mehr schiefgehen: Zwei der
stärksten amerikanischen Funk- und Discoformationen
treffen aufeinander. Was fetzt mehr? «September» oder
«Le Freak»? Völlig egal! An diesem legendären Dance-
Abend gilt nur das Motto: Abshaken, was das Zeug hält!
TOBY KEITH | STEVE EARLE & THE DUKES
Samstag, 12. November, 20 Uhr CHF 130.–/110.–/80.–
AVO CIGARS
AMERICAN WAY OF LIFE
Toby Keith und Steve Earle besingen Amerika und dessen
Way of Life: Keith als vorbehaltloser Patriot und Anhänger
des modernen Nashville-Stils, Steve als bärbeissiger
Kritiker mit einem Hang zu Irish Folk. Das Schöne daran:
Beide bezeichnen sich als treue Patrioten.
WWW.AVO.CH
LIZA MINNELLI
STEVE EARLE
PINK MARTINI | SOPHIE HUNGER
Samstag, 22. Oktober, 20 Uhr CHF 120.–/100.–/80.–
HURTS | NINA HAGEN
TICKETS ÜBER WWW.AVO.CH ODER WWW.TICKETCORNER.CH
TEL. 0900 800 800 (CHF 1.19/MIN., FESTNETZTARIF)
CULT.
Die Welt erklären zu wollen, würde zu weit führen. Aber
man kann sie übersetzen: zum Beispiel in die heiteren
Songs von Pink Martini. Oder in die berührende Lyrik von
Sophie Hunger. Das Schönste daran: Beide Möglichkeiten
funktionieren grossartig. Und die zwei Kultformationen
harmonieren auf der Bühne.
Samstag, 29. Oktober, 20 Uhr CHF 120.–/100.–/70.–
AVANTGARDE
Ultraschrill trifft superschick, Rebellin attackiert
Anzugträger: Alien-Punkerin Nina Hagen mit neuem
Rockprogramm und Synthie-Popper Hurts spielen am
selben Abend auf derselben Bühne und werden zeigen,
warum sich Gegensätze eben doch anziehen.
LIZZ WRIGHT | RICHARD BONA & RAUL MIDÓN
Montag, 7. November, 20 Uhr CHF 110.–/90.–/70.–
IT’S ALL ABOUT JAZZ
Lizz Wright singt keinen Jazz und auch Richard Bona und
Raul Midón sind keine wirklichen Jazzer. Aber ohne Jazz
ist ihre Musik nicht möglich, und sie nimmt zusätzlich
alles Klingende auf, aus Afrika, Amerika, Europa und
sogar Asien: aktuelle Weltmusik für Kopf und Bauch!
DANIELA MERCURY | CARLINHOS BROWN
Donnerstag, 10. November, 20 Uhr CHF 110.–/90.–/70.–
SAMBA DO BRASIL
Daniela Mercury und Carlinhos Brown stammen aus
Salvador de Bahia, wo das Klima und die Musik heisser
sind als anderswo in Brasilien. Sie sind Stars der Música
Popular Brasileira, sie mischen Rock und Latinosounds
dazu, und ihre explosive Mischung bringt jeden Saal
zum Kochen!
GORAN BREGOVIC WEDDING AND FUNERAL BAND |
GEORGE DALARAS
Sonntag, 13. November, 20 Uhr CHF 100.–/80.–/60.–
BALKAN BEATS
Der Gitarrist Goran Bregovic mit seiner Wedding and Funeral
Band und der Barde George Dalaras kommen aus einem
Teil Europas, der uns zuweilen fremd ist. Aber ihre Musik
wird überall verstanden, die wilden Tänze Serbiens und
die wehmütigen Lieder Griechenlands gehen direkt in Herz
und Beine!
21. Okt. bis 13. Nov. 2011
JAN DELAY | BEVERLEY KNIGHT
Montag, 24. Oktober, 20 Uhr CHF 120.–/100.–/80.–
PAUL ANKA | SHARON CORR
SOUL ON FIRE
Black Music mit unterschiedlichen Roots. Einmal aus
dem Norden Deutschlands, einmal aus dem englischen
Midwest-Städtchen Wolverhampton. Mit Jan Delay und
Beverley Knight treffen zwei Musiker aufeinander, die
mit souligen Melodien und R&B Sound Gute-Laune-
Musik verbreiten.
Samstag, 5. November, 20 Uhr CHF 160.–/140.–/110.–
HALL OF FAME
Wohlgefühl in Reinform: Paul Anka ist der letzte echte
Crooner, ein Entertainer mit 100 Millionen verkauften
Alben und unzähligen Welthits wie «My Way». Sharon
Corr trat mit ihrem Debüt letztes Jahr endlich aus dem
Schatten der Irland-Pop-Band The Corrs und spielt nun
selber die erste Geige.
MIKE & THE MECHANICS | TANITA TIKARAM
Dienstag, 8. November, 20 Uhr CHF 130.–/110.–/80.–
LAURA PAUSINI | BLUSH
GOLDEN EIGHTIES
Am Anfang war Genesis. Dann kamen die Mechaniker.
Bei beiden erwies sich Mike Rutherford als genialer
Songschreiber und Gitarrist. Ende der 80er-Jahre begegnete
er in den Charts auf eine dunkle Stimme: die von
Tanita Tikaram. Höchste Zeit für ein Wiedersehen der
Hitparaden-Grössen.
Freitag, 11. November, 20 Uhr CHF 160.–/140.–/110.–
BRAND NEW
Just am Tag ihres Auftritts an der AVO SESSION Basel,
am 11.11.2011, erscheint das 11. Album von Laura
Pausini. Das ist mediterranes Popgefühl als Welt-premiere.
Als erste Gratulanten machen die Basler Jungs
von Blush ihre Aufwartung mit geschmeidigen,
intelligenten Popsongs.
LAURA PAUSINI

Hermès,
zeitgenössisches Kunsthandwerk
seit 1837.
Hermès in Basel, Bern,
Crans-sur-Sierre, Genf,
Gstaad, Lausanne, Luzern,
Lugano, St.Moritz, Zürich.
Hermes.com