Kienholz: Die Zeichen der Zeit - Artinside

Artinside Ausstellungen
Auguste Renoir, Im Sommer, 1868
in
der Region Basel
Ausgabe Frühling 2012
Renoir. Zwischen Bohème
und Bourgeoisie
Die frühen Jahre
01.04.2012 – 12.08.2012
Kunstmuseum Basel
Kienholz
Die Zeichen der Zeit
22.02.2012 – 13.05.2012
Museum Tinguely
Pierre Bonnard
29.01.2012 – 13.05.2012
Fondation Beyeler, Riehen
Cevdet Erek
«Week»
13.01.2012 – 04.03.2012
Kunsthalle Basel
Ferdinand Gehr
bis 29.04.2012
Kloster Schönthal
Langenbruck/BL
Ronan & Erwan Bouroullec
Album
03.02.2012 – 28.05.2012
Vitra Design Museum Gallery,
Weil am Rhein/D
Chassé-croisé
Dada-Surréaliste, 1916–1969
15.01.2012 – 01.07.2012
Espace Fernet Branca
Saint-Louis/F
Copley
Bilder 1947–1994
18.02.2012 – 10.06.2012
Museum Frieder Burda,
Baden-Baden

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Bernhard Mendes Bürgi
Bernhard
Roland
Mendes
Wetzel
Bürgi
Liebe Kunstfreunde
Pierre-Auguste Renoir zählt zur Gruppe französischer Maler, die den Impressionismus begründet
haben. Mit heller Palette, einer lockeren Pinselführung, Motiven aus dem modernen Stadtleben und des
Freizeitvergnügens in der Natur schrieben er und seine Mitstreiter Kunstgeschichte. In der Folge wurden
von Renoirs Œuvre häufig nur die impressionistische Phase, oder, wie jüngst in den Ausstellungen in
Paris, Los Angeles und Philadelphia, sein Spätwerk wahrgenommen. Als «Maler des Glücks» ist Renoir
gefeiert, aber auch auf ein Klischee reduziert worden.
Das Kunstmuseum Basel lenkt nun in einer grossen Überblicksaustellung zum ersten Mal überhaupt
den Fokus auf das künstlerisch herausragende und in seiner Vielschichtigkeit überraschende Frühwerk
des Künstlers bis hin zu den bedeutenden impressionistischen Gemälden der 1870er-Jahre. Diese frühen
Gemälde spiegeln die Bilderfahrungen wider, die ihm regelmässige Studienaufenthalte im Louvre eröffneten,
vor allem aber die revolutionären Neuerungen seiner Zeit: der Realismus Gustave Courbets, die
Freilichtmalerei der Schule von Barbizon und die Einflüsse, die er durch die Künstlerfreunde Édouard
Manet oder Claude Monet empfing, denen er künstlerisch in diesen Jahren am nächsten stand.
Nicht nur Renoir ist zum Inbegriff der französischen Peinture geworden, sondern auch Pierre
Bonnard, dem die Fondation Beyeler eine Retrospektive widmet. Obwohl ein Maler der Moderne, fussen
die intimen Szenerien von Bonnards Gemälden im 19. Jahrhundert. Er war stark an den Impressionisten
interessiert, griff vor allem ihre Auseinandersetzung mit Farbe und Licht auf und entwickelte seinen Stil
der lichten Weichheit.
Obwohl nicht Franzose, sondern Ostschweizer, hat Ferdinand Gehr in seinen Blumen-Aquarellen
eine ähnliche Leuchtkraft der Farben erreicht. Ich freue mich auf eine Wiederbegegnung im Kloster
Schönthal mit diesem Maler, der in meiner Kindheit sehr präsent war mit Bildern zwischen Spiritualität
und Abstraktion.
Zum Bereich der klassischen Moderne gehört auch das Werk von Rudolf Steiner. Ich bin froh, dass das
Vitra Design Museum der Neuaufarbeitung dieses vielschichtigen Werkes so viel Zeit einräumt und es
mit zahlreichen Veranstaltungen vernetzt. Und gespannt kann man sein, was nach der Surrealisten-
Ausstellung in der Fondation Beyeler der Espace d’Art Contemporain Fernet Branca unter dem Stichwort
der Collage für neue Aspekte des Surrealismus, aber auch des Dadaismus zeigen wird.
Ich freue mich auf eine Wiederentdeckung von Edward Kienholz im Museum Tinguely. Lässt einen die
drastische Realistik seiner zumeist grossen Rauminstallationen noch erschauern wie früher? Ein ganz
anders gelagertes Werk eines anderen amerikanischen Künstlers präsentiert das Museum Frieder Burda,
nämlich von William Copley, von dem ich als Student in der Kunsthalle Bern eine tolle Ausstellung
gesehen habe. Mehr Insidern bekannt als Schöpfer von ironisierten Begegnungen zwischen Mann und
Frau, ist es verdienstvoll, diesen Künstler und Vermittler einem grösseren Publikum bekannt zu machen.
Spannende Ausstellungsbesuche wünscht Ihnen Ihr
Bernhard Mendes Bürgi,
Direktor Kunstmuseum
editorial
Artinside

inhalt 06 Renoir: Zwischen Bohème und Bourgeoisie.
Die frühen Jahre
Auguste Renoir zählt zu den französischen Malern, die in den frühen
1870er-Jahren den Impressionismus begründet haben. Mit heller Palette,
einer lockeren Pinselführung, Motiven aus dem modernen Stadtleben
und des Freizeitvergnügens in der Natur schrieben er und seine
Mitstreiter Kunstgeschichte. Das Kunstmuseum Basel richtet in dieser
grossen Überblicksausstellung erstmals den Fokus auf das überraschend
vielschichtige Frühwerk des Künstlers bis hin zu den ersten bedeutenden
impressionistischen Gemälden. Renoirs wichtigstes Modell der frühen
Jahre war seine Geliebte Lise Tréhot. Diese Werkgruppe bildet einen
Höhepunkt der Ausstellung und zeigt die Spannweite von Renoirs erstem
Schaffensjahrzehnt.
Artinside
Auguste Renoir, Café Concert ou la première sortie, 1876
William N. Copley, Marylin, 1965
Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, The Rhinestone Beaver
Peep Show Triptych, 1980
12 William N. Copley im Museum Frieder Burda
Das Museum Frieder Burda zeigt in seiner Sonderausstellung über 80
Werke, des 1996 verstorbenen amerikansichen Künstlers. Begeistert von
Dadaismus, Surrealismus und amerikanischer Pop Art setzte sich Copley,
– der auch als Galerist, Schriftsteller und Verleger tätig war – in seinen
Bildern auf ironische Weise mit dem erotischen Spiel zwischen Mann und
Frau in all seinen Facetten auseinander.
14 Kienholz: Die Zeichen der Zeit im Museum Tinguely
Der amerikanische Konzept- und Objektkünstler Edward Kienholz
(1927–1994) schuf seit Mitte der 1950er-Jahre ein rebellisches und
polarisierendes Œuvre. Im Zentrum seiner Arbeit, die er ab 1972
gemeinsam mit seiner vierten Frau Nancy Reddin Kienholz realisierte,
stehen Religion, Krieg, Tod, Sex und die abgründigen Seiten der
Gesellschaft. Kienholz und Tinguely verbindet Zeitgenossenschaft,
gegenseitige Freundschaft und Achtung vor der je anderen
Radikalität des künstlerischen Schaffens. Die Ausstellung zeigt neben
eindrücklichen kleineren Skulpturen eine Reihe der spektakulären,
raumgreifenden «moralischen Tableaux» und umfasst Werke,
die zwischen 1960 und 1994 entstanden sind.
20 Die Kunsthalle Basel zeigt Cevdet Erek
Der aus Istanbul stammende Künstler und Musiker Cevdet Erek hat den
Oberlichtsaal der Kunsthalle in eine Sound-Installation verwandelt.
21 Ferdinand Gehr im Kloster Schönthal
Ferdinand Gehr (1896–1996), ein Maler zwischen Spiritualität und
Abstraktion, war der führende Kirchenkünstler der Schweizer
Moderne. Über sechzig Jahre hat Gehr, der sein Todesjahr mit seinem
100. Geburtstag krönte, in grosser Selbstständigkeit und Freiheit ein
strahlendes, farberfülltes Œuvre geschaffen. Die religiösen Themen
vermählen sich mit der romanischen Architektur des Klosters Schönthal,
seine Landschaften mit der Naturschönheit des Basler Jura.
22 Pierre Bonnard in der Fondation Beyeler
Pierre Bonnard (1867–1947) war ein Magier der Farben. Seine bevorzugten
Sujets stammen aus dem persönlichen Umfeld. Sie zeigen das bunte
Treiben auf den Pariser Strassen, prachtvolle Gartenlandschaften
und ungewöhnliche Interieurs seiner Häuser in der Normandie und
an der Côte d’Azur mit den legendären Porträts seiner Frau Marthe.
Die Ausstellung präsentiert über 60 faszinierende Gemälde des
renommierten französischen Malers aus internationalen Museen und
Privatsammlungen.
29 Die Brüder Bouroullec im Vitra Design Museum
Die Ausstellung Ronan & Erwan Bouroullec – Album präsentiert
Zeichnungen und Studienmodelle der Designer erstmalig im
deutschsprachigen Raum. Sie bietet Einblicke in deren Ideenwelt
und Entwurfsprozesse und zeigt, dass die Zeichnung auch im
Computerzeitalter ein unverzichtbares Werkzeug vieler Designer ist.
31 Espace d'Art Contemporain Fernet Branca
In Saint-Louis erwartet das Publikum eine dada-surrealistische Collage
aus rund 200 Werken von insgesamt 98 Surrealisten, Dadaisten und
Gleichgesinnten.
32 Adressen, Öffnungszeiten
Impressum
Artinside – Das Museumsmagazin der Region Basel
Herausgeber: Matthias Geering
Artdirection/Produktion: Sibylle Meier
Lauftext Meier Geering, Oberwilerstrasse 69, CH-4054 Basel
info@artinside.ch | www.artinside.ch
Ausgabe Frühjahr 2012 | Erscheint drei Mal jährlich | Auflage 166 000 Exemplare
Bildbearbeitung/Druck: Vogt-Schild Druck, Derendingen
Ein Teil der Auflage ist der Basler Zeitung vom 25. Januar 2012 beigelegt
Jahresabo Schweiz: CHF 18.–, Jahresabo EU: Euro 18.– | ISSN 1660-7287
Die nächste Ausgabe erscheint am 4. Juni 2012
Ferdinand Gehr, Gebeugte Figur, Entwurf, 1967
Pierre Bonnard, Die Quelle, 1917
Ronan & Erwan Bouroullec, Clouds für Kvadrat, 2008
inhalt 5

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Artinside
Renoir: Zwischen Bohème und Bourgeoisie.
Die frühen Jahre
Renoir. Zwischen Bohème
und Bourgeoisie.
Die frühen Jahre
01.04.2012 – 12.08.2012
Kunstmuseum Basel
www.kunstmuseumbasel.ch
Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) zählt zu der Gruppe französischer
Maler, die den Impressionismus begründet haben.
Mit heller Palette, einer lockeren Pinselführung, Motiven aus
dem modernen Stadtleben und des Freizeitvergnügens in der Natur
schrieben er und seine Mitstreiter Kunstgeschichte. Nimmt man sein
gesamtes Œuvre in den Blick, entspricht Renoirs Engagement als
Mitglied dieser Gruppe einer Phase innerhalb seines langen Lebens.
Eine weitere Phase bildet das Spätwerk, das zuletzt mit einer grossen
Ausstellung in Paris, Los Angeles und Philadelphia gewürdigt wurde.
In der allgemeinen Wahrnehmung gilt Renoir als «Maler des Glücks».
Als dieser ist er gefeiert, aber auch auf ein Klischee reduziert worden.
Das Kunstmuseum Basel richtet in einer grossen Überblicksausstellung
nun erstmals den Fokus auf das künstlerisch herausragende
und überraschend vielschichtige Frühwerk des Künstlers bis hin zu
bedeutenden impressionistischen Gemälden der 1870er-Jahre. Renoir
ist in der Sammlung des Kunstmuseums Basel mit wichtigen frühen
Werken vertreten. Darunter Die Dame mit dem Möwenhütchen, ein Gemälde,
in dem Renoir sein erstes zentrales Modell, Lise Tréhot, als
modisch gekleidete Pariserin inszeniert.
Renoir wurde in Limoges in eine Handwerkerfamilie geboren. Bereits
im Alter von vier Jahren zog er mit seinen Eltern zur Zeit eines
grossen Zustroms an Handwerkerfamilien nach Paris. Hier absolvierte
er eine Lehre zum Porzellanmaler in der Pariser Manufaktur
Lévy frères et compagnie und arbeitete zunächst erfolgreich in diesem
Metier. Schon damals zeichnete sich ab, dass die Industrialisierung
eine Krise für dieses Handwerk und die damit verbundene
Laufbahn mit sich bringen würde. Renoir erneuerte jährlich seine Erlaubnis,
im Louvre Gemälde studieren und kopieren zu können, und
erreichte eine Aufnahme in die École des Beaux-Arts. Hier durchlief
er zeitweilig eine Ausbildung zum akademischen Maler, dann wechselte
er in das Atelier des Genfer Malers Charles Gleyre. Dort lernte
er gleichaltrige Kollegen wie Claude Monet, Alfred Sisley, Frédéric
Bazille und Jules Le Cœur kennen. Le Cœur hatte sich nach einem
schweren Schicksalsschlag dagegen entschieden, eine Laufbahn als
Architekt weiterzuverfolgen. Das Klima eines Lebens in der Bohème
unter Gleichaltrigen, wo Neigung und Haltung höher gewichtet wurden
als ererbter Status und Repräsentation, sagte ihm zu. Er zog aus
der Stadt aufs Land, wo er in Marlotte ein Haus mietete, und das sich
rasch zu einem Treffpunkt entwickelte. In diesem Umfeld lernte Le
Cœur Clemence Tréhot kennen und Renoir deren Schwester Lise.
Lise stand ab 1865 nicht nur regelmässig für Renoir Modell, sie wurde
auch seine Geliebte und Mutter zweier von Renoir gezeugter Kinder,
die er bis über seinen Tod hinaus verheimlichte.
Mit Lise erprobte sich Renoir im grossen Format: 1868 feierte er
im Pariser Salon sein Debüt mit einem Gemälde, das sie als junge Pariserin
im weissen Musselinkleid zeigt. Bereits im darauffolgenden
Jahr gelang es ihm, mit Im Sommer an diesen Erfolg anzuknüpfen.
*von Stefanie Manthey
Hier erscheint Lise als bohemiennehaftes Landmädchen vor einem
in Grüntönen gehaltenen Hintergrund. In der Pinselführung sind
Formen von Blättern aufgenommen, die zwischen sich Naturlicht
hindurchdringen lassen. Bei näherer Betrachtung fällt auf, dass der
Landschaftshintergrund in seinen prä-impressionistischen Zügen
kein durchgehendes Merkmal dieser Frauendarstellung ist. Ihr Gesicht,
ihre Arme und Hände sind so aus Farbe modelliert, dass sie wie
individualisierende Merkmale wahrgenommen werden, die auf die
reale Person bezogen bleiben. Sie werden nicht geschönt oder perfektioniert.
Zuletzt hatte sich Gustave Courbet mit diesem Einsatz von
Malerei eine Position erarbeitet, die von jungen Künstlern als Herausforderung
begriffen wurde.
Auguste Renoir, Stillleben mit Blumenbouquet, 1871 Auguste Renoir, Frau mit Papagei, um 1870
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Die Frau, die in Renoirs Gemälden bis
1872 mit Zügen der Lise erscheint, deckt ein
denkbar weites Spektrum an Frauenrollen ab.
Darunter auch dasjenige der eleganten Pariser
Dame im Tournürenkleid, die in einem
Interieur damit beschäftigt ist, einen männlichen
Papagei zu füttern. Dezent orchestriert
Renoir die erotischen Anspielungen,
empfiehlt sich als Maler zwischen Bohème
und Bourgeoisie. Das Milieu der Haute Bourgeoisie
lernte Renoir aus unterschiedlichen
Perspektiven kennen. Über Jules Le Cœur
und dessen Familie als Gönner und massgebliche
Förderer. Jules’ Bruder Charles vermittelte
Renoir nicht nur einen Auftrag für
die Innenausstattung des Stadthauses des
Prinzen Bibesco, sondern auch für Porträts.
Das malerische Repertoire des frühen
Renoir umfasst neben Porträts und Figurenbildern
Stillleben und Landschaften. In
den Landschaftsdarstellungen, die eine umfängliche
Gruppe in der Ausstellung bilden,
Artinside Artinside
Auguste Renoir, Frau mit Sonnenschirm im Garten, 1875
zeigt sich exemplarisch die Spannweite von
Renoirs erstem Schaffensjahrzehnt. Zentrale
Orientierungsfigur war für Renoir in den
frühen 1860er-Jahren auch hier der bereits
erwähnte Courbet. Mit seiner Art, Farbmaterie
mit dem Palettmesser aufzutragen, experimentierte
Renoir und fand so in seinen
eigenen Worten zur «vraie peinture», zur
wahren Malerei.
Ende der 1860er-Jahre brach er zusammen
mit seinem Künstlerfreund Claude Monet
nach La Grenoullière auf, einem beliebten
Ausflugsziel der Pariser Gesellschaft. Hier
entdeckte er im zeitgenössischen Freizeitverhalten
in der Natur ein Thema, das ihn bis in
die späten 1870er-Jahre beschäftigen sollte.
Dabei griff er auf traditionelle Bildtypen
wie Genre und Idylle zurück und brachte
zum Ausdruck, in welcher Ausrichtung ihn
die «Vie Moderne» vor dem Hintergrund
von Schrittmachern wie dem wenig älteren
Malerkollegen Edouard Manet in seinen Ge-
mälden interessierte. Er nimmt sie als Beobachtender
in den Blick, der Perspektiven
moderiert und dabei seine Seherfahrungen
und sein im Louvre geschultes Wissen über
Malerei einfliessen lässt.
Die sozialen und politischen Konfliktfelder
einer Gesellschaft im Umbruch vom
Zweiten Kaiserreich über die Revolution der
Pariser Commune bis hin zur Dritten Republik
macht er nicht direkt zum Thema. Stattdessen
rückt er Themen wie Beziehung und
Begehren ins Blickfeld.
Wochenendgäste und der namentlich bekannte
Canotier Laurador sind die Protagonisten
seiner Sicht auf das als Ausflugsziel
beliebte Restaurant La Fournaise in der Nähe
von Chatou. Ihrer entspannten Lässigkeit ist
ein Moment der Melancholie und der «Konstruiertheit
des Glücks» eingeschrieben, das
Michael F. Zimmermann als zentrales Merkmal
der Werke des frühen Renoir insgesamt
benennt. Gemälde wie diese präsentierte Re-
noir im Rahmen der ersten drei, ab 1874 stattfindenden
Impressionistenausstellungen:
einer Initiative der salonkritischen «Société
anonyme des artistes», die von Monet und
ihm mitbegründet worden war.
Die Basler Ausstellung zeigt Renoirs Werk
der ersten anderthalb Jahrzehnte in seinen
Widersprüchen und malerischen Höchstleistungen.
50 Gemälde, Porträts, Landschaften
und Stillleben – Hauptwerke aus grossen Mu-
seumssammlungen wie dem Musée d’Orsay,
Paris, der National Gallery, London, dem Metropolitan
Museum, New York, oder dem Art
Institute of Chicago sowie kaum bekannte
Werke aus Privatbesitz vermitteln einen umfangreichen
Einblick in diese künstlerisch
entscheidenden Jahre Renoirs.
*Stefanie Manthey ist als wissenschaftliche
Mitarbeiterin an der Ausstellung mitbeteiligt.
Renoir. Between Bohemia and Bourgeoisie, The Early Years. Auguste Renoir (1841–1919) was a member of the
group of French painters who laid the foundations of Impressionism. With a bright palette, loose brushstrokes, and motifs
from modern urban life and leisure in natural settings, Renoir and his fellow Impressionists wrote art history. As a result, the
Impressionist period has largely dominated perceptions of Renoir’s œuvre. In a grand survey exhibition, the Kunstmuseum Basel
now focuses for the first time on the artist’s surprisingly multifaceted early work from the period leading up to his first important
Impressionist paintings of the 1870s. Renoir’s early work reflects the tensions between conflicting conceptions of painting.
His own point of departure was decorative porcelain painting. Subsequent influences include the realism of Gustave Courbet,
the Barbizon school’s plein air paintings, and the experience of all the paintings he studied as a frequent visitor to the Louvre.
Renoir’s most important model during these early years was his lover, Lise Tréhot, with whom he had a relationship that lasted
from 1865 to 1872. Lise posed for a series of major early works. This group constitutes a highlight of the exhibition, illustrating the
range of Renoir’s creativity during this first decade. All genres are included in the selection, with a preponderance of portraits and
landscapes over the still lifes. Portraits of his friends and fellow artists such as Claude Monet and Frédéric Bazille form another
distinct group.
Auguste Renoir, Frühstück am Flussufer, 1879
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Karlheinz Weinberger
In der Ausstellung Intimate Stranger präsentiert
das Museum für Gegenwartskunst
die selten gezeigten Fotografien
von Karlheinz Weinberger (1921–2006). Zusammen
mit Magazinen und einer Auswahl
von Vintagekleidung dokumentieren sie eine
Jugendkultur in Zürich, die sich in der Folge
des Zweiten Weltkrieges bildete, um die zeitgenössischen
Vorstellungen von «Schweizer
Korrektheit» zu untergraben.
Die meiste Zeit seines Lebens arbeitete
Weinberger als Lagerist bei Siemens-Albis in
Zürich. In seiner Freizeit widmete er sich als
Autodidakt der Fotografie, und portraitierte
seine Liebhaber und Menschen auf der Strasse.
Ab den späten 1940er-Jahren veröffentlichte
er unter dem Pseudonym «Jim» seine
Fotografien regelmässig in der international
beachteten Homosexuellen-Zeitschrift «Der
Kreis» (erschienen von 1943 bis 1967 in Zürich).
1958 begann er die Arbeit an einem
grösseren Projekt, für das er eine Gruppe
Teen ager, die sogenannten «Halbstarken»,
über einen längeren Zeitraum hinweg fotografierte.
Mit einem immer respektvollen
Blick fing Weinberger den Nonkonformismus
der «Halbstarken» gegenüber den gesellschaftlichen
Konventionen sowie deren
Spiel mit maskulinen und femininen Stereotypen
ein, das sie am augenscheinlichsten
durch ihre Art, sich zu kleiden, veräusserten.
Mit bestickten Jeansjacken und überdimensionierten
Gürtelschnallen mit dem Konterfei
von Idolen wie Elvis oder James Dean
präsentieren sich die Heranwachsenden mal
in Gang-artiger Manier an öffentlichen Plätzen,
mal alleine vor Weinbergers Kamera in
dessen improvisiertem Wohnzimmerstudio.
Weinberger nimmt dabei die Rolle eines Intimate
Stranger ein, eines vertrauten Fremden,
der die Haltung einer Generation und
deren periphere gesellschaftliche Positionierung
unvermittelt einfängt. Während seines
langjährigen Schaffens bildete Weinberger
Karlheinz Weinberger
Intimate Stranger
21.01.2012 – 15.04.2012
Museum für Gegenwartskunst
www.kunstmuseumbasel.ch
von Nikola Dietrich*
ab, was hinter den Kulissen der bürgerlichen
Schweiz der 1960er-Jahre verborgen lag, und
verstand es, das Konzept der Andersartigkeit
zu dokumentieren, ohne die Protagonisten
zur Schau zu stellen.
Intimate Stranger wurde vom Swiss Institute
/ Contemporary Art in New York organisiert
in Zusammenarbeit mit dem Nachlass
von Karlheinz Weinberger, Patrik Schedler
und Artist Resources Management, New
York. Begleitet wird die Ausstellung von der
Publikation «Jeans» – ein Faksimile eines von
Weinberger in den 50er Jahren selbst entworfenen
Portfolios –, die vom MGK, dem Swiss
Institute, der Presentation House Gallery,
Vancouver und Bywater Bros. Editions herausgegeben
wurde.
* Nikola Dietrich ist Kuratorin für
Moderne und Zeitgenössische Kunst am
Museum für Gegenwartskunst Basel
Tim Rollins and the K.O.S.
On Transfiguration von Nikola Dietrich*
Tim Rollins and the K.O.S.
On Transfiguration
21.01.2012 – 15.04.2012
Museum für Gegenwartskunst
www.kunstmuseumbasel.ch
Nachdem das Museum für Gegenwartskunst vor mehr als 20
Jahren eine Ausstellung mit Tim Rollins + K.O.S. (Kids of
Survival) präsentierte, zeigt das Kollektiv in der Ausstellung
On Transfiguration ein weiteres Mal eine Werkauswahl. Sie basiert auf
Tim Rollins’ Untersuchungen von Kunst als einer Form von Kollaboration
und individueller Kreativität als Vermittler von sozialem Wandel
und ist eine poetische Hommage an die Gemeinschaft, aber auch
ein politischer Verweis auf das Potenzial jedes Einzelnen.
Als Rollins 1982 begann, in einer Schule in der South Bronx in New
York zu unterrichten, entwickelte er eine sozial-engagierte Lehrmethode,
die auf die Herausstellung individueller Fähigkeiten zielte. Im
Rahmen des Workshops «Art and Knowledge», angesiedelt an einem
der extremen sozialen Brennpunkte der USA, waren fortan klassische
und moderne Literatur, Philosophie und politische Theorie
das Rohmaterial für Rollins und seine Arbeitsgruppe. Die Texte von
Martin Luther King Jr., Lewis Carroll, Gustave Flaubert, Franz Kafka,
Homer und William Shakespeare – um nur einige zu nennen – sind
Ausgangspunkt einer reichen Bildsprache. Dabei werden bearbeitete
Buchseiten direkt auf Leinwand aufgeklebt, worauf die Interpretationsansätze
künstlerisch ausgearbeitet werden.
Das Konzept dieser Art von Transformation ist ein Leitmotiv, das
das gesamte Werk des Kollektivs prägt, das seit mehr als zwanzig Jahren
in wechselnder Besetzung arbeitet. Es ist nicht nur un trennbarer
Bestandteil des kreativen Schaffensprozesses an sich, sondern auch
verbindendes Motiv, das sich hinter der Auswahl der Textgrundlage
verbirgt. Die Verbindung, die zwischen Werken wie Shakespeares
Macbeth, Kafkas Die Verwandlung und Collodis Pinocchio zu Tage tritt,
Weitere Ausstellungen
im Kunstmuseum Basel
Roza El-Hassan
In Between
Zeichnungen und Objekte
11.02.2012 – 20.05.2012
Fokus: Max Kämpf
Malerei und Arbeiten
auf Papier
11.02.2012 – 29.04.2012
ist, so Rollins, die Thematik der Aufopferung, die zu neuem Leben,
neuen Vorstellungen, neuer Hoffnung führt. Durch die Aufnahme
der Erzählungen in den Kanon klassischer Literatur und dadurch,
dass sich Tim Rollins + K.O.S. deren annehmen, werden die Figuren
und ihre Geschichten letztlich wiederbelebt. So ist Transfiguration
nicht als blosse Veränderung zu verstehen, wie die Übersetzung einer
literarischen Grundlage in Bildende Kunst, sondern als wundersame
Auferstehung in einem metaphorischen Sinne.
Das Werk von Tim Rollins + K.O.S. vereint klassische Bildung und
Street-Culture, Gelehrsamkeit und Spontaneität, und verbindet Elemente
künstlerischer Bewegungen, wie die Funktion der Sprache als
künstlerische Ausdrucks form in der Conceptual Art, mit dem Verweis
auf die politische Bedeutung alltäglicher Objekte in der italienischen
Arte Povera.
* Nikola Dietrich ist Kuratorin
für Moderne und Zeitgenössische Kunst
am Museum für Gegenwartskunst Basel
Im Vorfeld zur Ausstellung wird eine neue Arbeit vor Ort entstehen,
die aus einem von Tim Rollins + K.O.S. durchgeführten Workshop
mit einer Basler Schulklasse hervorgeht.
Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit der Galleria d’Arte Moderna
e Contemporanea (GAMeC) in Bergamo. Ein begleitender Katalog erscheint bei
JRP I Ringier, herausgegeben von GAMeC, MGK und der Fondazione Galleria
Civica in Trient.
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Karlheinz Weinberger, Basel, 1962 Tim Rollins + K.O.S., Amerika – Everyone is Welcome! (After Franz Kafka), 2002
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Von der Anziehungskraft zwischen Männern und Frauen
Grosse Copley-Retrospektive im Museum Frieder Burda
Hintersinnig und durchaus frech setzt Copley seine Figuren
vor ein opulentes Dekor. Ob Streifen, Rauten,
Karos oder Herzen, bei William N. Copley treibt der
Geschlechterkampf vor bunten Mustern humorvolle Blüten. In
einer umfassenden Retrospektive des 1919 geborenen und 1996
verstorbenen Amerikaners präsentiert das Museum Frieder
Burda unter dem Titel Copley. Bilder 1947–1994 über 80 Werke
des Künstlers. Copley war als Galerist, Künstler, Schriftsteller
und Verleger seit Mitte der 1940er-Jahre ein wichtiger Vermittler
zwischen den Surrealisten und der Pop-Art-Bewegung und
gehörte zu den eigenwilligsten Persönlichkeiten der Kunstszene.
Wie auch die grossen Einzelausstellungen Polke, Richter
und Baselitz, die im Museum Frieder Burda zu sehen waren, basiert
diese Sonderausstellung auf dem Bestand der Sammlung
Frieder Burda. Schon früh sammelte Frieder Burda Arbeiten
von Copley und besitzt inzwischen einen grossen Werkkomplex,
der erstmals in seiner Gesamtheit gezeigt wird. Ergänzt
wird dieser Bestand um internationale Leihgaben und Arbeiten
aus dem Nachlass des Künstlers, von denen viele erstmals
öffentlich zu sehen sein werden. In der Tradition von Dada,
Surrealismus und amerikanischer Pop Art setzt sich Copley in
seinen Bildern auf ironische Weise mit dem erotischen Spiel
zwischen Mann und Frau in all seinen Facetten auseinander.
Copleys Leben verlief alles andere als geradlinig: Er wurde
1919 auf der Schwelle eines New Yorker Hospizes gefunden.
Zwei Jahre später wurde er von Ira und Edith Copley, wohlhabenden
Zeitungsverlegern aus Illinois, adoptiert. 1940 trat er in
die US-Armee ein, zog als Soldat in die Welt, kehrte als Reporter
in die Heimat zurück und begeisterte sich für den Surrealismus.
1947 begann der Autodidakt zu malen, zuerst lediglich,
um seine schriftlichen Fähigkeiten zu verbessern. Ein Dichter,
so Copley, müsse visuell arbeiten und ein Maler poetisch. In Los
Angeles gründete er eine Galerie, um die Surrealisten bekannt
zu machen, doch ohne finanziellen Erfolg. Copley kaufte selbst
Werke und legte damit den Grundstein zu seiner bedeutenden
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William N. Copley, St. Valentine’s Day, 1965
Copley.
Bilder 1947 – 1994
18.02.2012 – 10.06.2012
Museum Frieder Burda, Baden-Baden
www.museum-frieder-burda.ch
Sammlung surrealistischer Kunst. Der ungestüme Freigeist reiste
viel: war in Paris mit Man Ray, Marcel Duchamps Max Ernst und René
Magritte befreundet, bevor er zehn Jahre später nach Amerika zurückkehrte,
um in die New Yorker Kunstszene einzutauchen.
Götz Adriani kuratiert diese Retrospektive, die vor allem auch
durch eine Serie von Aquarellen, die bisher noch nie öffentlich gezeigt
wurde, ein neues Licht auf die vielen Facetten des Künstlers
wirft. Adriani beschreibt Copley folgendermassen: «Der Minimalist
mit barocken Zügen hat ein Künstlerleben lang nicht nur seinen kuriosen
Sujets, sondern auch einer raffiniert gesteuerten Kunstlosigkeit
die Treue gehalten. Meist beliess er es bei schlagkräftigen Bildpointen
und einer eher grafischen Vorgehensweise. Aus der Kombination
der inhaltlichen Standards mit stark abstrahierenden Kürzeln
gelang ihm eine bemerkenswerte kompositionelle und koloristische
Vielfalt.»
oben: William N. Copley, Untitled (Car), 1970
unten: William N. Copley, West, 1974
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Kienholz: Die Zeichen der Zeit
Mit Kienholz: Die Zeichen der Zeit zeigt das Museum Tinguely
das Werk von Edward Kienholz und Nancy Reddin
Kienholz, zwei amerikanischen Künstlern, die zu
den grossen Moralisten unserer Zeit gehören, wie – unter vielen
anderen – Sebastian Brant, dessen Narrenschiff 1494 in moralsatirisch-didaktischer
Weise die Welt beschrieb und einen
neuen Typus der Weltsicht begründete. Oder wie Francisco de
Goya, der im frühen 19. Jahrhundert mit seinen Pinturas Negras
oder seinen Desastres de la Guerra für das Grauen von Krieg und
Verzweiflung ganz neue Bildformen gefunden hat. Was diese
Künstler in didaktischer Hinsicht auszeichnete, ist auch dem
von Andres Pardey*
Kienholz'schen Werk eigen: Die schliessliche, andauernde Hinwendung
zum Guten und zum Menschen hin. Was Kienholz
von einem Werk wie dem Narrenschiff unterscheidet, ist die
umfassende Kritik, die der Amerikaner an der Gesellschaft und
an ihren Institutionen wie der Politik oder der Kirche übte. Und
doch: es ist der Mensch, dem die uneingeschränkte Zuneigung
Kienholz' galt und der nie als grundsätzlich böse, sondern als
fehlgeleitet, irre gegangen, in Zwängen gefangen erscheint.
Der Kunst von Ed Kienholz und ab den Siebzigerjahren von
Ed und Nancy Reddin Kienholz fehlt jeglicher Zynismus. In einer
Zeit, in der Szenen wie in den Kienholz'schen Tableaus im
Kienholz
Die Zeichen der Zeit
22.02.2012 – 13.05.2012
Museum Tinguely
www.tinguely.ch
Vorabendprogramm staatlicher Fernsehstationen anzutreffen
sind, ist eine Haltung, die mit dem Zeigen abgründiger und
schrecklicher Szenen einen Glauben an das Gute im Menschen
verbindet, eigentlich völlig überholt. Die Künstler wurden als
Gesellschaftskritiker etikettiert, der moralische Tonfall spricht
aber neutral über die Zeit. «Man kann kein Hurenhaus ohne
zahlende Kunden haben», sagte Kienholz über sein Tableau Roxys,
das eben dies – ein Bordell – zum Thema hatte.
In Artforum schrieb Edward Kienholz 1968 als Antwort auf
einen Kritiker seines Tableau Portable War Memorial, das den
Krieg – in diesem Falle den Vietnam-Krieg, den die USA in den
Sechzigerjahren mit unwahrscheinlicher Härte und unter dem
Einsatz von Hunderttausenden ihrer jungen Männer führte –
kritisierte und ad absurdum führte: «Erstens würde ich niemals
dieses Land (Amerika) beleidigen, da ich es vielleicht ebenso
liebe wie Sie. Ich würde mir jedoch auf meine Weise gestatten,
es zu verändern. Meine Methode ist wie die der meisten Künstler
ein System von Brennpunkt und Gesichtspunkt.» Und das
war und ist es, was die Werke von Ed und Nancy Reddin Kienholz
auszeichnet: ein klarer Standpunkt, eine Meinung, eine
Haltung, und dies alles unter unbedingter Wahrung der Würde
eines womöglich andersdenkenden Betrachters ihres Werks.
Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, 76 J.C.s Led the Big Charade, 1993/1994
Artinside Artinside
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Das Tableau Eleventh Hour Final beschäftigt sich wie
Portable Art Memorial mit dem Vietnam-Krieg und ist
ebenso im Jahre 1968 entstanden. Waren dort noch Soldaten
in vollem Einsatz zu sehen, und war dort noch eine
Öffentlichkeit erahnbar, die auf das Geschehen reagieren
konnte, so hat sich in Eleventh Hour Final das Grauen
in die Stuben der Amerikaner geschlichen. Zur Zeit der
Spätnachrichten wird auf einem Bildschirm, hinter dem
ein abgeschnittener plastischer Kopf liegt, die wöchentliche
Verlustliste von Freund und Feind – der sogenannte
«Body Count» – wiedergegeben. Amerikaner tot: 217.
Amerikaner verwundet: 563. Feinde tot: 435. Feinde ver-
wundet: 1291. Hinter diesen vermeintlich so objektiven
Zahlen steckt ein wesentlich objektiveres Grauen, stecken
Individuen, denen erkennbar die Sorge des Künstlers
gilt. Das Fernsehgerät hat die Form eines Grabsteins,
die einzige Abweichung, die in dieser von Bürgerlichkeit
getränkten Atmosphäre zugelassen ist. Pontus Hulten
und Ed Kienholz stellen 1969 in einem Gespräch fest:
«Die Arbeit verurteilt mit scharfer Kritik den Hang der
Menschheit zur Gewalttätigkeit, und Krieg kommt von
unserer Unfähigkeit, uns zehn oder zehntausend Ausfälle
an Toten und Verwundeten vorzustellen, wie sie täglich
in den Medien berichtet werden. [...] Was kann eines
Mannes Tod, so entrückt und weit weg, den meisten Leuten
in der vertrauten Sicherheit ihres mittelständischen
Zuhause bedeuten?» Kienholz gibt in seinem Tableau mit
der Beklemmtheit, die den Betrachter angesichts des Fernsehers
erfasst, eine klare Antwort auf seine Frage.
Claude Nigger Claude (1988) zeigt zwei Abgüsse von Claude
Royster, einem der wenigen Afroamerikaner, die in
Hope, Idaho, lebten. Einmal ist der Mann in einer dieser
typischen Schwarzen-Rollen zu sehen – als Liftboy – und
das andere Mal als Geschäftsmann, der sich von eben diesem
Liftboy nach oben befördern lässt. Kommt der eine
allerdings mit Jeans und T-Shirt einfach gekleidet, aber
glaubwürdig daher, so richtet der andere vor dem Spiegel
seine Krawatte und blickt in ein dürftig weiss geschminktes
Gesicht. Der Schwarze als schlechte Kopie des Weissen,
der mit dieser Demutsgeste seinen Eintritt in die
Geschäftswelt erkaufen möchte. Kann man sich eine präzisere
Beschreibung eines alltäglichen, unausgesprochenen
Rassismus vorstellen?
The Jesus Corner (1982/1983) wiederum beschäftigt sich
mit der Religion und der Kirche – und ist gleichzeitig
ein Relikt, das die Künstler in einem Schaufenster in
einem Abbruchhaus in Spokane vorgefunden haben. Der
dort ansässige Roland Thurman hatte ein Schaufenster
mit christlichen Devotionalien gestaltet – seinen «Jesus
Corner». Ed und Nancy bewahrten das Fenster vor der Zerstörung
und bauten es liebevoll und detailgetreu nach, um
es dann dem Spokane Museum zu schenken. Ein fast heimatschützerischer
Akt verbindet sich hier mit einem für
Kienholz'sche Verhältnisse sanften Umgang mit religiösen
Symbolen. Damit erwiesen Ed und Nancy Reddin Kienholz
den Bewohnern dieser heruntergekommenen Gegend in
der Stadt Spokane (der Heimat von Ed) ihre Reverenz und
stellten ihre Zuneigung zu den Menschen weit über die
Abneigung, die sie gegenüber der Kirche und allem Religiösen
verband.
Das Harte, Abschreckende, Berserkermässige, das aus
den Arbeiten von Ed Kienholz und Nancy Reddin Kienholz
zunächst spricht, weicht bei näherer Betrachtung
einer Haltung, die von grossem Respekt gegenüber den
Menschen, von Zuneigung, Verständnis und einem tief
empfundenen Mit-Leiden mit der menschlichen Kreatur
zeugt. Die zwei Künstler waren auf der Suche nach einem
besseren Weg für die Menschen, nach Frieden, nach einem
Ausgleich zwischen den Geschlechtern und den Rassen, in
einem Kampf gegen Heuchelei, Falschheit und Zynismus.
Das macht diese Kunst so schmerzlich zeitgemäss und
zeitgenössisch.
*Andres Pardey ist Vize-Direktor des Museum Tinguely
Artinside
Kienholz: Die Zeichen der Zeit ist eine Ausstellung der Schirn Kunsthalle
Frankfurt in Kooperation mit dem Museum Tinguely Basel.
Artinside
Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, Claude Nigger Claude, 1988
Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz,
The Ozymandias Parade (Detail), 1985
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Kienholz: The Signs of the Times. Rebellious, provocative, and polarizing, the œuvre associated with the name Kienholz
has always caused quite a stir since its beginnings in the mid-1950s. Central to his work, which from 1972 was executed in
collaboration with his wife Nancy Reddin Kienholz, are religion, war, death, sex and the degenerate sides of society. Dealing
with such subjects as the sexual exploitation of women in prostitution, the role of the media, and the effects of ethnic conflicts,
the works pinpoint fractures of Western societies which have hardly been remedied to this day and thus lend the œuvre its
unmitigated topicality. But this contemporaneity is not due solely to the themes dealt with; today we view the works as
anticipating central trends in contemporary art like those we find ourselves confronted with in Paul McCarthy’s and Mike
Kelley’s pieces, for example, but also in the production of Jonathan Meese, Thomas Hirschhorn, or John Bock. The exhibition
in the Museum Tinguely, spanning from the first three-dimensional smaller works to the conceptual pieces and room-filling
tableaux, offers a complex survey highlighting the essence of Edward Kienholz and Nancy Reddin Kienholz’s achievements.
Kienholz: The Signs of the Times is mounted by the Schirn Kunsthalle Frankfurt in co-operation with the Museum Tinguely Basel.
Artinside Artinside
Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, The Potlatch, 1988 Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, My Country ‘Tis of Thee (Detail), 1991
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Cevdet Erek in der Kunsthalle Basel
Die Kunsthalle Basel stimmt das neue Jahr mit einer
unkonventionellen Ausstellung ein. Der aus Istanbul
stammende Künstler und Musiker Cevdet Erek (*1974)
hat den Oberlichtsaal in eine Sound-Installationen verwandelt,
die Raum und Zeit auf neue Art und Weise definiert und den
Besucherinnen und Besuchern ermöglicht, die Ausstellungsräume
anders wahrzunehmen.
Ereks Arbeiten entstehen nicht im Atelier und sind an
kein bestimmtes Medium gebunden, vielmehr formuliert der
Künstler mit jeder von ihnen ein Statement in einem spezifischen
Kontext, indem er sich der Medien und Formate bedient,
die jeweils am besten geeignet sind, die Idee sichtbar zu
machen. Daher arbeitet Erek häufig mit temporären Formen
wie Live-Sound und Performance. Das Interesse des Künstlers
an Sound und Rhythmus begründet sich aus seinem Lebenslauf.
Erek, der ausgebildeter Architekt ist, bewegte sich bereits
früh auch in der dynamischen Musikszene von Istanbul. Später
promovierte er am Zentrum für Musikwissenschaft an der
Technischen Universität Istanbul und spielt heute Schlagzeug
in der von ihm mitbegründeten Istanbuler experimentellen
Rockband Nekropsi.
Die Hauptinspirationsquelle für Ereks Sound-Installation
Week (2012) in der Kunsthalle Basel ist der typische Raum
eines Clubs, der sich vor allem durch den Beat der Musik und
die Lichter auszeichnet. Im Zentrum des Oberlichtsaals steht
eine Lautsprecheranlage, die auch in Clubs und an Freiluft-
Rockkonzerten als Ausstattung dient. Klanglich ist die Arbeit
als «Hör-Raster» aus sieben Beats komponiert, die auf der nicht
Ferdinand Gehr im Kloster Schönthal
Ferdinand Gehr (1896–1996) war der führende Kirchenkünstler der
Schweizer Moderne. Aber er war mehr: ein Maler zwischen Spiritualität
und Abstraktion. Sein in der Ostschweiz bekanntes und gefeiertes
Werkt passt in idealer Weise ins Kloster Schönthal. Die religiösen
Themen vermählen sich mit seiner romanischen Architektur, die
Blumen-Aquarelle mit dem Klostergarten, seine Rheintaler Landschaften
mit der Naturschönheit des Basler Jura.
Über sechzig Jahre hat Gehr, der sein Todesjahr mit seinem 100
Geburtstag krönte, in grosser Selbstständigkeit und Freiheit ein
strahlendes, farberfülltes Œuvre geschaffen, das in der Schweizer
Kunstlandschaft einzigartig dasteht. Als Textilzeichner ausgebildet
und früh bei André Lothe in Paris mit der Avantgarde konfrontiert,
hat er insbesondere die Botschaften von Matisse und Cézanne auch in
seine Kirchenausstattungen, in Fresken und Glasfenster, integriert.
Nach ersten Aufträgen in St. Gallen (um 1935) arbeitete er mit massgeblichen
Architekten der modernen Schweizer Architektur zusammen.
Das Kloster Schönthal erwartet Sie zu einer besinnlichen wie
fröhlichen Einkehr.
Artinside Artinside
Cevdet Erek, Circular Week Ruler, 2011
Cevdet Erek
«Week»
13.01.2012 – 04.03.2012
Kunsthalle Basel
www.kunsthallebasel.ch
naturgegebenen, sondern vom Menschen festgelegten Einteilung
der Woche und deren Einheiten beruhen – den sieben
Tagen. Diese sieben Tage werden in mehreren verschiedenen
Versionen gespielt, die sich in einem Loop verbinden: in Ereks
Week.
Eine grosse, im Fenster über dem Haupteingang der Kunsthalle
angebrachte blinkende LED-Anzeigetafel, verwandelt das
Erscheinungsbild der nüchternen, klassizistischen Fassade des
Gebäudes in das einer Partylocation und stellt eine Verbindung
zu dem Nachtleben her, das sich rund um den nahe gelegenen
Barfüsserplatz abspielt, einem der beliebtesten Treffpunkte für
die Jugend aus Basel und der Agglomeration. Die Ausstellungsarchitektur
im Saal wurde um das Rechteck des imposanten
Oberlichts herum konstruiert und betont somit die Tatsache,
dass die Ausstellung, im Gegensatz zum Club, nur bei Tageslicht
zu betrachten ist.
Die Arbeit Week spricht das zentrale Thema in Cevdet Ereks
vielfältiger Praxis an: die wechselseitige Übersetzung und
Durchlässigkeit zwischen den scheinbar verschiedenartigen
Repräsentationssystemen, mit denen wir die uns umgebende
Welt begreifen und die unser Leben strukturieren – die Vermessung
des Raums (im metrischen System), der Zeit (mittels
Kalender und Uhr) und des musikalischen Tempos, gemessen
als konstante Zahl von Beats pro Minute. Der Künstler verbindet
diese scheinbar objektiven Messsysteme mit anderen, offenbar
zufälligen, wie etwa der Zeitleiste von historischen Ereignissen
oder dem variablen Rhythmus einer musikalischen
Improvisation.
Ferdinand Gehr, Gott kommt zum Menschen, 1982
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Pierre
Bonnard
Artinside Artinside
Pierre Bonnard, Die grosse Badewanne (Akt), 1937–1939
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Das unkonventionelle Leben
des Pierre Bonnard
Pierre Bonnard
29.01.2012 – 13.05.2012
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
Pierre Bonnard, der grosse Magier der Farbe, ist
einer der berühmten Unbekannten der Kunstgeschichte.
Seine Werke wollen lange und eindringlich
betrachtet werden: Immer wieder sind auf seinen Bildern
neue Farbkombinationen zu entdecken. Wie er oft
bemerkt hat, ging es ihm in seiner Kunst um die Schönheit
und die Harmonie der Farben. Seine Farbkontraste
und -korrespondenzen, auch die Art, wie er seine Bilder
komponiert hat, legen die Vermutung nahe, dass sich
hinter dem Streben nach Schönheit ein sehr aufregendes
und unkonventionelles Leben verbirgt.
von Ulf Küster*
Bonnard schrieb einmal, das Kunstwerk sei ein Stillstand
der Zeit. Offensichtlich wusste er genau, von was
er sprach, denn er liebte nicht nur das Malen und das
Erschaffen dieser Stillstände in seinen Werken, sondern
er mochte auch das Gegenteil von Stillstand, nämlich
Bewegung und Geschwindigkeit: Nur wenig bekannt ist,
dass Pierre Bonnard ein früher Automobilist gewesen
ist. Schon vor dem Ersten Weltkrieg besass er einen Renault,
der es ihm ermöglichte, ein relativ unstetes Leben
zu führen. Unbürgerlich zu sein, war wohl die Maxime
Pierre Bonnards bis ins Alter. Das hiess aber grundsätz-
lich, alles dem Wunsch unterzuordnen, Künstler zu sein und Gemälde
zu schaffen. Dabei stammte Pierre Bonnard, der am 3. Oktober
1867 in Fontenay-aux-Roses südlich von Paris geboren wurde, aus
einer sehr bürgerlichen Familie. Sein Vater war Jurist, und der Sohn
sollte in dessen Fussstapfen treten. Bonnard studierte Jura, ähnlich
wie Henri Matisse, mit dem er später befreundet sein sollte und bis
zu seinem Lebensende Briefe wechselte. Während seines Studiums
begann er mehr und mehr seiner Leidenschaft für das Malen nachzugeben.
Eine Stelle in der Pariser Verwaltung liess ihm Freiraum, sich
künstlerisch ausbilden zu lassen. Drei wichtige Begegnungen waren
für Bonnards Entwicklung zum Künstler entscheidend: Japanische
Artinside Artinside
Pierre Bonnard, Place Clichy, 1906/07 Pierre Bonnard, Dekor in Vernon (Die Terrasse in Vernon), um 1920/1939
Farbholzschnitte, die ihm zeigten, wie Bilder aus ineinander verzahnten
Flächen entwickelt werden können, dann die radikale Kunst
Paul Gauguins und die Aufnahme in die Künstlergruppe Nabis (zu
Deutsch «Propheten»), die sich um Paul Sérusier und Maurice Denis
gebildet hatte. Dort wurden die Erfahrungen des Impressionismus,
der japanischen Kunst und der Kunst Gauguins in eine aus Fläche und
Farbe entwickelte Bildsprache umgesetzt.
Der erste Erfolg, der sogar den Vater dazu brachte, die künstlerische
Laufbahn des Sohnes zu akzeptieren, kam 1891 mit dem Plakat
für «France Champagne», das überall in Paris zu sehen war und fast
wie ein Synonym für die Belle Epoque wirkt. Schicksalhaft war 1893
25

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seine Begegnung mit Maria Boursin (1869–1942), die als Schneiderin
am Montmartre arbeitete. Sie wurde nicht nur sein bevorzugtes
Modell, sondern auch seine Geliebte. Fast alle seine berühmten Aktgemälde
lassen sich auf ihre Gestalt zurückführen. Maria stellte sich
ihm als verarmte Adlige unter dem Namen Marthe de Meligny vor
und verstand es, ihren Lebensgefährten über lange Jahre im Unklaren
über ihr Herkommen zu lassen. Offensichtlich war das Bonnard egal;
in Marthe hatte er eine Partnerin gefunden, die ähnlich wie er unkonventionell
lebte, wovon beispielsweise auch die für die Zeit sehr ungewöhnlichen
Fotografien zeugen, die Bonnard von seiner Frau und
sich nackt im Garten machte.
Marthe litt an einer Tuberkulose, deswegen waren häufige Kuren
in Seebädern notwendig. Bonnard, der sehr lange an seinen Bildern
malte und die Leinwände mit Reissnägeln direkt an die Wand heftete,
rollte dann seine Bilder ein, verstaute sie auf seinem Dachgepäckträger,
und los gings. Marthe galt ausserdem als chronisch eifersüchtig,
was sie allerdings nicht daran hinderte, zumindest eine Zeit lang eine
Art «ménage à trois» zu dulden, denn Bonnard war nicht unbedingt
treu. Dennoch heiratete er 1925 Marthe, worauf sich offenbar Renée
Monchaty, die (damals) andere Frau in Bonnards Leben, umbrachte.
Aber diese Zusammenhänge sind nie ganz geklärt worden. Sicher
ist, dass der alte Bonnard zurückgezogen in seinem Häuschen in Le
Cannet bei Cannes lebte, wo er am 23. Januar 1947 starb. Das Haus hatte
er zu einer «Malmaschine» umgebaut: Das Badezimmer beispielsweise
liegt an der sonnigsten Ecke des Gebäudes, sodass er seine Frau,
von Licht umflossen, beim Baden und Waschen beobachten konnte,
um seine Eindrücke dann im Atelier auf die Leinwand zu bringen.
Eines tat Bonnard nämlich aus Prinzip nicht: nach der Natur malen.
Alle seine Bilder, auch wenn sie konkrete Situationen zeigen, sind
Resultate seiner Imagination.
*Ulf Küster ist Kurator der Fondaton Beyeler
Artinside Artinside
Pierre Bonnard, Grosses Esszimmer zum Garten, 1934/1935
Pierre Bonnard. With the exhibition «Pierre Bonnard», the
Fondation Beyeler celebrates the great French colorist and one of
the most fascinating of modern artists. More than 60 paintings
from renowned museums and private collections provide insight
into all phases of his career. Pierre Bonnard (1867-1947) was a cofounder
of an artists' group known as the Nabis, who admired the
style of Paul Gauguin and Japanese woodblock prints. In Paris,
Bonnard depicted the bustling life on the streets and in the cafés,
before retiring first to Normandy, very close to Monets' waterlily
garden, then to the sunny Côte d'Azur, where he was inspired
by the light and colors of the Mediterranean environment.
Continually experimenting, he produced variants in evernew
color combinations and from surprising points of view on
subjects from everyday life, in which time only apparently seems
to stand still. The artists' favorite model was the mysterious
Marthe, his muse and wife. Bonnard created harmonious still
lifes, enigmatic interiors, intimate female nudes, moving selfportraits,
and decorative landscapes whose magnificent palette
is unique in modern art.
One of the principal lenders is the Musée d’Orsay, Paris. Further
outstanding loans come from the Tate London; the Musée
national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; the
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris; the Museum of Modern
Art, New York; the Solomon R. Guggenheim Museum, New York;
the Metropolitan Museum, New York; the Phillips Collection,
Washington, D.C.; the Kunstmuseum Basel; the Kunsthaus
Zürich; and from distinguished private collections, not least
from the Hahnloser successors. The exhibition was curated by Ulf
Küster, Fondation Beyeler Curator.
Pierre Bonnard, Das Toilettenzimmer mit rosafarbenem Kanapee (Weiblicher Akt im Gegenlicht), 1908
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Galerien in der
Region Basel
Max Kämpf, Mutter mit Kind, 1968 ,
Oel auf Leinwand, 44,5 x 48 cm,
signiert, datiert oben rechts: Kämpf 68
Herinrich Gohl: Point Lobos CA.
Fotografie 1997. © Heinrich Gohl
Bernard Schultze, Prothesen-Jemand,
Öl auf Leinwand 1987,
unten rechts signiert und datiert. 200 x 140 cm
CARZANIGA
Gemsberg 8, Basel
+41.61.264 30 30
www.carzaniga.ch
MAx KäMPF
Hommage zum 100. Geburtstag
bis 10.03.2012
JEAN VILLARD
ERNESTO SCHIESS
bis 10.03.2012
GRAF & SCHELBLE
Spalenvorstadt 14, Basel
+41.61.261 09 11
www.grafschelble.ch
HEINRICH GOHL
Wald. Fotografie
bis 18.02.2012
MARGARIT LEHMANN
Objekte, Zeichnung, Video
09.03.2012 – 14.04.2012
OLIVER KRäHENBÜHL
Malerei und Zeichnung
20.04.2012 – 25.05.2012
HENZE & KETTERER & TRIEBOLD
Wettsteinstr. 4, 4125 Riehen
+41.61.641 77 77
www.henze-ketterer-triebold.ch
BERNARD SCHULTZE
Werke aus den Jahren 1955 bis 2000
bis 24.03.2012
Regula Mathys-Hänggi
Laternenträger, 2010, Mischtechnik auf Leinwand, 140 x 110 cm
Wonkun Yun, Acryl auf Leinwand, 2005
TAREK ABU HAGEB, "Wolf Smith" 2011, Teppich, 110 x 140 cm
Till Velten – Über allem schwebt Tuffi,
Courtesy STAMPA, Basel, Foto: Aufdi Aufdermauer
HILT
Freie Strasse 88, Basel
+41.61.272 09 22
www.galeriehilt.ch
REGULA MATHYS-HäNGGI
Krabbeltiere & Co.
bis 17.03.2012
HANSPETER KAMM
Drahtobjekte
24.03.2012 – 26.05.2012
AFRICAN TRIBAL ART
Permanente Ausstellung
KATHARINA KROHN
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+41.61.693 44 05
www.galerie-katharina-krohn.ch
ANDREA SCHOMBURG
Vernissage: 16.03.2012
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Reichensteinerstrasse 29, Basel
+41.61.692 90 20
www.mitart-gallery.com
PEEKABOO – TAREK ABU HAGEB .
MATTHIAS AEBERLI . KASSANDRA
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ROLAND FAESSER . ELISABETH
HELLER . VANESSA PÜNTENER
bis 04.02.2012
STEPHAN JON TRAMÈR
Malerei und Zeichnung
21.03.2012 – 28.04.2012
STAMPA
Spalenberg 2, Basel
+41.61.261 79 10
www.stampa-galerie.ch
MARCEL ODENBACH
07.02.2012 – 07.04.2012
TILL VELTEN
07.02.2012 – 07.04.2012
Ronan & Erwan Bouroullec – Album
Parallel zu «Rudolf Steiner – Die Alchemie des Alltags» präsentiert das Vitra Design Museum
ab dem 3. Februar die Ausstellung «Ronan & Erwan Bouroullec – Album»
Ronan und Erwan Bouroullec zählen zu den wichtigsten
Designern der Gegenwart. Im Mittelpunkt der Ausstellung
stehen ihre Zeichnungen. Darüber hinaus zeigt sie
Archivfotografien von Modellen und Projekten, die zusammengenommen
faszinierende Einblicke in die Arbeit der Designer
bieten – von alltäglichen Details bis zu umfassenden Gestaltungskonzepten.
Einerseits sind die Zeichnungen der
Bouroullecs künstlerische Arbeiten
von eigenem Wert, deren zarte, oft
schraffierte und teilweise fast naiv
wirkende Bildmotive eine völlig eigene
Formenwelt bilden. Andererseits stellen
sie wichtige Schritte innerhalb des
Designprozesses dar, die sich langsam
der endgültigen Form eines Objekts nähern. Dabei gehen die
Designer wie Naturforscher vor, die die Formen ihres eigenen
Ideenkosmos neugierig studieren und immer wieder überprüfen.
Inspiriert von dieser Vorgehensweise, präsentiert die Ausstellung
die Exponate in einer Inszenierung, die an ein naturkundliches
Museum oder ein Labor erinnert.
Die Ausstellung Album zeigt, dass die Arbeit eines Designers
heute ein komplexer Prozess ist, in dem zahlreiche konstruktive
und technische Probleme gelöst werden müssen. Dennoch
bleibt die Zeichnung auch im Computerzeitalter ein un-
oben: Ronan & Erwan Bouroullec, Album Exhibition
unten: Ronan & Erwan Bouroullec, Zeichnung
Ronan & Erwan Bouroullec
Album
03.02.2012 – 28.05.2012
Vitra Design Museum Gallery
Weil am Rhein/D
www.design-museum.de
verzichtbares Werkzeug vieler Designer, da sie es ermöglicht,
spontane, teilweise auch unerwartete Entwurfsideen auf Papier
zu bannen und eine individuelle Formensprache zu entwickeln.
Damit ruft die Ausstellung nicht zuletzt in Erinnerung, welche
Bedeutung die Zeichnung für den Entwurf von Objekten schon
immer gehabt hat – von da Vinci bis Le Corbusier. Selbst das
Wort «Design» ist auf das italienische Wort «disegno» zurückzuführen,
mit dem schon in der Renaissance der Gesamtentwurf
eines Bildmotivs bezeichnet wurde.
Die Ausstellung Ronan & Erwan Bouroullec – Album präsentiert
die Arbeiten der Designer erstmalig im deutschsprachigen
Raum in einem musealen Kontext. Eine
umfangreiche Ausstellung des Gesamtwerks
von Ronan und Erwan Bouroullec
ist zeitgleich noch bis zum 30. Juli im
Centre Pompidou – Metz zu sehen. Zur
Ausstellung gehört Cercles, eine iPad-
Applikation, die als digitaler Katalog
eine interaktive Erweiterung der Ausstellungsinhalte
darstellt.
«Ronan & Erwan Bouroullec – Album»
ist eine Kooperation des Vitra Design Museums
und des arc en rêve centre d’architecture,
Bordeaux.
Weitere Ausstellung
im Vitra Design Museum
Rudolf Steiner
Die Alchemie des Alltags
bis 01.05.2012
Ronan & Erwan Bouroullec, Modell
29
Artinside

30
Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region Basel
Aarau | Kunsthaus
Roman Signer – Strassenbilder
und Super-8-Filme
Der erste Teil der Ausstellung zeigt
die Fotoserie Strassenbilder, die Roman
Signer auf ausgedehnten Reisen
durch die Karpaten, die Ukraine und
Rumänien gemacht hat. Das Aargauer
Kunsthaus hat diese wichtige Arbeit
2011 erworben. 24 Fotografien zeigen
liebevoll geschmückte Gedenkstätten
am Strassenrand, die für Verkehrsopfer
errichtet wurden. Weitere 24 Aufnahmen
zeigen kleine Verkaufsstände,
an denen allerlei Esswaren angeboten
werden. Im zweiten Teil der Ausstellung
werden 36 Super-8- Filme aus der
Zeit von 1975 bis 1989 grossformatig
präsentiert. Die Filmprojektionen
werden zu Aussagen in eigener Sache
und kontrastieren in Form und Inhalt
mit der Serie der Strassenbilder.
28.01.2012 – 22.04.2012
www.aargauerkunsthaus.ch
Solothurn | Kunstmuseum
Anselm Stalder –
Glimmende Peripherie
Anselm Stalder hat im Umkreis der
neuen Figuration der Achtziger-Jahre
früh internationale Anerkennung
erlangt. Im Unterschied zu den damaligen
expressiven Tendenzen überwog
bei Stalder jedoch stets das Moment
der Reflexion. Sein formal schlichtes,
doch inhaltlich dichtes Werk kreist um
Körper und Raum, Wahrnehmung und
Sprache. 2003 war ihm eine Einzelausstellung
in der Kunsthalle Basel
gewidmet; 2007 erhielt er den Prix
Meret Oppenheim.
10.03.2012 bis 03.06.2012
www.kunstmuseum-so.ch
Thun | Kunstmuseum
Golden Days – Francis Baudevin
and Dominik Stauch featuring
Daan Van Golden
Golden Days zeigt Werke der beiden
Künstler Francis Baudevin (geb. 1964
in Bulle, lebt und arbeitet in Lausanne)
und Dominik Stauch (geboren 1962 in
London, lebt und arbeitet in Thun). Als
Scharnier zwischen den Ideenwelten
der beiden steht die 70-teilige fotografische
Arbeit Golden Years von
Daan van Golden. Der holländische
Künstler hat für jedes Jahr von seinem
Geburtsjahr 1936 an bis zum seinem
70. Geburtstag (2006) je ein schwarzweisses
Zeitungsbild ausgewählt.
12.02.2012 – 09.04.2012
www.kunstmuseumthun.ch
Winterthur | Fotomuseum
Von Horizonten – Set 8 aus der
Sammlung des Fotomuseum
Winterthur
Die Ausstellung aus den Sammlungsbeständen
des Museums zeigt, wie
Fotografinnen und Fotografen seit
Mitte der 1960er Jahre mit analytischen
und emotionalen Zugängen zu ihren
Bildern gefunden haben. In Folge der
Ausstellung New Topographics: Photographs
of a Man-Altered Landscape von
1975 schien lange Zeit klar, dass das
Bild der Landschaft seine natürliche
Unschuld verloren hatte und dass die
Zivilisation unsere Vorstellungen von
Naturraum auch zukünftig prägen
würde. Dennoch – oder vielleicht
gerade deshalb – haben Künstler und
Fotografen mit immer wieder neuen
Interpretationen auf diese ideologische
Intervention reagiert und damit die
Geschichte des Genres weitergebracht.
bis 20.05.2012
www.fotomuseum.ch
Zürich | Kunsthaus
Wintermärchen
Kostbare Bilder des 16. und 17. Jahrhunderts,
raumhohe Tapisserien, die
einst für Paläste bestimmt waren,
Kabinettstücke aus Gold und Elfenbein
– ein unterhaltsamer und informativer
Parcours führt durch vier Jahrhunderte
Kunst und Kunsthandwerk über den
Winter – von den holländischen Meistern
rund um Breughel bis zu anrührenden
Seltsamkeiten der Salonmalerei
und lichtdurchfluteten Meisterwerken
des Impressionismus aus dem Pariser
Musee d’Orsay.
10.02.2012 – 29.04.2012
www.kunsthaus.ch
Berlin | Deutsche Guggenheim
Found in Translation
Der Begriff der «Übersetzung» als
Modell und als Metapher ist der Ausgangspunkt
für die Ausstellung Found
in Translation. Präsentiert werden
zeitgenössische Arbeiten, die sich mit
geschriebenen oder gesprochenen Texten
beschäftigen, in denen kulturelle
Unterschiede aufscheinen. Mit ihren
Videos, Installationen, Fotografien und
anderen Medien zielen die Künstler
dieser Ausstellung auf die Schnittstellen
von Sprache, Politik, Geschichte
und Imagination. Mit ihren Beiträgen
liefern sie einen kritischen Kommentar
zur Vergangenheit und eröffnen
zugleich eine reiche Ideenwelt für die
Gegenwart.
28.01.2012 – 09.04.2012
www.deutsche-guggenheim.de
Frankfurt | Schirn-Kunsthalle
Edvard Munch – der moderne
Blick
In dieser Ausstellung geht es nicht
um den Einzelgänger, als der Edvard
Munch gerne dargestellt wird. Während
der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts
reist Munch durch Europas
Metropolen, ist gern gesehener Gast
in den Künstlerzirkeln. Er beschäftigt
sich intensiv mit den neuen Medien
seiner Zeit, fotografiert und filmt
selbst. Erstmals wird diese Auseinandersetzung
Munchs mit modernen
Aufnahmetechniken oder zeitgenössischen
Bühnenbildern in den Fokus
der Aufmerksamkeit gestellt. Seine
Werke lassen erkennen, in welchem
Mass er spezifisch fotografische oder
filmische Bau- und Erzählformen, Posen
und selbst Effekte in seine Malerei
übernimmt.
09.02.2012 – 13.05.2012
www.schirn-kunsthalle.de
Frankfurt | Städel
Claude Lorrain – die verzauberte
Landschaft.
«Im Claude Lorrain erklärt sich die
Natur für ewig», so begeisterte sich
Johann Wolfgang von Goethe 1818 für
die Landschaftsbilder des französischen
Barockmalers Claude Lorrain.
Die in Kooperation mit dem Ashmolean
Museum in Oxford entstandene
Ausstellung stellt das Werk des
bedeutendsten Landschaftsmalers des
17. Jahrhunderts erstmals seit fast 30
Jahren in Deutschland in einer monografischen
Ausstellung vor.
03.02.2012 – 06.05.2012
www.staedelmuseum.de
Roman Signer, Strassenbilder, 2005 Francis Baudevin, Knecht, 2009 Gysbrecht Lytens, Winterlandschaft mit Edvard Munch, Neuschnee in
lagernden Zigeunern, 1. Hälfte 17. Jhdt.
der Allee, 1906
INUIT-INS.pdf 1 10.01.12 16:54
Billy Kuksuk
Arviat 50 x 47 x 24 cm
INUIT ART
„Faces of Kivalliq” vom 26.1. bis 10.3.2012
Vernissage:
26.1.2012: 18.30 - 21.00 Uhr
Einführende Worte:
Regierungspräsident Dr. Guy Morin
CANADIAN ARCTIC GALLERY
Spalenvorstadt 5 – 4051 Basel – Tel. 061 263 21 21 – www.inuit.ch
Künstler anwesend 26.1. bis 28.1.2012
Martha Tickie
Baker Lake 34 x 32 x 25 cm
Chassé-croisé, Dada-Surréaliste, 1916-1969
Kaum ein Jahr nach der beeindruckenden
Präsentation der Planque-
Sammlung zeigt das Musée d'art
contemporain Fernet Branca in Saint-Louis
eine dada-surrealistische Collage aus rund
200 Werken von insgesamt 98 Surrealisten,
Dadaisten und Gleichgesinnten. Die Ausstellung
zeigt Werke von Hans Arp, Hannah
Höch, Hans Richter, Tristan Tzara, Serge
Charchoune und vielen mehr.
Das Publikum erwartet eine künstlerische
Reise von den Anfängen des Dadaismus in
Zürich im Jahre 1916 bis zum rechten Seine-
Ufer in Paris zu Beginn der 20er-Jahre des
vergangenen Jahrhunderts und zu den Anfängen
des Surrealismus.
Die Dada-Bewegung mit ihren Verfechtern
Hugo Ball, Tristan Tzara und dem Elsässer
Hans Arp, erblickte das Licht der Welt in
der Schweiz, im Cabaret Voltaire in der Züricher
«Spiegelgasse». Wie kaum eine andere
Kunstbewegung davor sollte diese Kunstrichtung
das damalige Europa prägen. Diese
intellektuelle, literarische und künstlerische
Bewegung der Kriegsjahre 1914 bis 1924 zeichnete
sich aus durch das Hinterfragen aller
Konventionen und Zwänge, seien diese ideologischer,
künstlerischer oder politischer
Natur. Ihre Künstler brachten Respektlosigkeit,
Extravaganz und Verachtung für alles
«Überkommene» der Vergangenheit und der
damaligen Zeit zum Ausdruck. Dieser Haltung
ermöglichte eine grosse Freiheit in der
künstlerischen Praxis und das Ausschöpfen
aller verfügbaren Werkstoffe und Formen.
Die Bezeichnung «Surrealismus» tauchte
erstmals in einem Brief von Guillaume Apollinaire
von März 1917 auf. Die Bewegung
überdauerte das Jahrhundert, und es gelang
ihr, Ideen und Schöpfungsprozesse in Literatur,
Malerei, Politik, Fotografie, Film und
Lyrik nachhaltig zu erschüttern. Die Künstler
hiessen André Breton, Louis Aragon,
Paul Eluard – sie alle waren nach dem Ersten
Weltkrieg etwa zwanzig Jahre alt und wollten
«das Leben ändern».
Der Parcours der Ausstellung in Saint-
Louis zeigt auf eindrückliche Weise, dass die
Verknüpfung von Dadaismus und Surrealismus
eine atemberaubende Collage überraschender
Werke ergibt, ein «Patchwork»
der Emotionen, welches dem Publikum eine
ganze Reihe weithin unbekannter Künstler
erschliesst. Diese Reise führt von Hans Arp
bis Chirico über Klee, Delvaux, Matta, Lam,
Michaux oder auch Breton und Soupault.
Diese Künstler vertraten die Aufassung, dass
die Kunst sich nicht damit begnügen dürfe,
die Realität wiederzugeben. Vielmehr habe
die Kunst die Aufgabe, Traum, Zauber und
Unerwartetes hervorzubringen, um zu der
von Künstlern als «Surrealität» genannten
Stufe vorzudringen.
Alberto Savinio, Paradis terrestre, 1928
Mit welchen Waffen gelingt ihnen dies?
Traum, Zufall, Spiel, automatische Schrift,
die Cadavre exquis, lyrischer Schock aus dem
Zusammenprall diametral gegensätzlicher
Realitäten. Mit Künstlern wie Magritte, Dalí,
Miró, Tanguy oder Man Ray bahnen sich
Kunst und Lyrik den Weg in das tägliche Leben,
um eine andere Form der Realität zu erschliessen,
die weder real noch irreal ist.
Chassé-croisé
Dada-Surréaliste, 1916–1969
15.01.2012 – 01.07.2012
Espace Fernet Branca
Saint-Louis/F
www.museefernetbranca.org
31
Artinside

32
Fondation Beyeler
Baselstrasse 101, CH-4125 Riehen
Tel +41 61 645 97 00
Fax +41 61 645 97 19
fondation@fondationbeyeler.ch
www.fondationbeyeler.ch
Öffnungszeiten. Mo–So 10–18 Uhr,
Mi 10–20 Uhr.
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 25.–
IV/Gruppen ab 20 Pers. CHF 20.–
Studenten bis 30 Jahre CHF 12.–
Jugendliche 11–19 Jahre CHF 6.–
Familienpass CHF 50.–
Jeden Montag von 10 bis 18 Uhr
und mittwochs von 17 bis 20 Uhr
vergüns tigte Eintrittspreise.
Führungen. Von Montag bis
Sonntag öffentliche Überblicksführungen
in deutscher Sprache.
Sporadisch sonntags in französischer
und englischer Sprache.
Private Führungen
Tel. +41 61 645 97 20.
Art Club / Freunde. Für Mitglieder
des «Art Clubs» und «Freunde»
gelten Vorzugsbedingungen.
Restaurant Berower Park.
Täglich geöffnet 10–18 Uhr,
Mittwoch abends geöffnet
Tel +41 61 645 97 70
restaurant@fondationbeyeler.ch
Artshop. Tel. +41 61 645 97 56
artshop@fondationbeyeler.ch
Anreise. Mit Tram Nr. 6 (ab Innenstadt
und Badischem Bahnhof ),
Tram Nr. 2 (ab Bahnhof SBB) mit
Umsteigen bei der Haltestelle
«Messeplatz» auf Tram Nr. 6.
Mit Bahn ab Basel SBB und Badischem
Bahnhof nach Riehen
Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 16, CH-4010 Basel
Tel +41 61 206 62 62
Fax +41 61 206 62 52
www.kunstmuseumbasel.ch
Öffnungszeiten. Di–So 10–18 Uhr,
Mo geschlossen.
Eintrittspreise.
Ständige Sammlung KM CHF 15.–
Renoir CHF 21.–
(inkl. ständige Sammlung)
MGK CHF 12.–
Kombiticket KM&MGK CHF 25.–
Führungen. Tel. +41 61 206 63 00
tours@kunstmuseumbasel.ch
Sonderveranstaltungen.
Tel +41 61 206 62 56
Kupferstichkabinett.
St.Alban-Graben 16, Basel
Tel +41 61 206 62 72
Bibliothek.
St. Alban-Graben 10, Basel
Tel +41 61 206 62 70
Shop. Postkarten, Posters, T-Shirts,
Gadgets etc.
Buchhandlung.
St. Alban-Graben 16, Basel
Tel +41 61 206 62 82
www.shop.kunstmuseumbasel.ch
Bistro Kunstmuseum.
St. Alban-Graben 14, Basel
Tel +41 61 2071 55 22
Museum für
Gegenwartskunst
St. Alban-Rheinweg 60, Basel
Tel +41 61 206 62 62
Di–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen.
www.kunstmuseumbasel.ch
www.elaine-mgk.ch
Museum Tinguely
Paul Sacher-Anlage 1, CH-4002 Basel
Tel +41 61 681 93 20
Fax +41 61 681 93 21
infos@tinguely.ch
www.tinguely.ch
Öffnungszeiten. Di–So 11–18 Uhr,
Mo geschlossen.
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 15.–
Schüler, Studenten,
Lehrlinge, AHV, IV CHF 10.–
Gruppen ab 20 Personen CHF 10.–
Kinder/Jugendliche bis
16 Jahre in Begleitung
eines Erwachsenen gratis
Audioguide zur
Sammlung D/F/E CHF 3.–
Schulklassen. Schulklassen inkl.
Begleitpersonen haben nach
telefonischer Voranmeldung freien
Eintritt: Tel +41 61 681 93 20
Führungen/Kunstvermittlung.
Öffentliche Führungen in deutscher
Sprache So, 11.30 Uhr. Private
Führungen: Tel +41 61 681 93 20.
Workshops und Kinderclub:
Tel +41 61 688 92 70
Museumsbistro. Das Restaurant
«Chez Jeannot» liegt direkt an der
Rheinpromenade.
Öffnungszeiten: Di–So 10,–18 Uhr
Reservationen: Tel +41 61 688 94 58
Museumsshop. Der Museumsshop
bietet Kataloge, Plakate und Geschenkartikel
an.
Anreise. Vom Bahnhof: Tram Nr. 2
bis Wettsteinplatz; Bus Nr. 31 oder
38 Richtung Habermatten. Vom
Badischen Bahnhof: Bus Nr. 36.
Autobahn: Ausfahrt Basel
Wettstein
Kunsthalle Basel
Steinenberg 7
CH-4051 Basel
Tel. +41 61 206 99 00
info@kunsthallebasel.ch
www.kunsthallebasel.ch
Öffnungszeiten.
Di/Mi/Fr 11–18 Uhr
Do 11–20.30 Uhr
Sa/So 11–17 Uhr
Eintrittspreis. CHF 10.–/6.–
inkl. SAM Schweizerisches
Architekturmuseum
Führungen. Jeden Sonntag 12 Uhr
und jeden zweiten Donnerstag
18.30 Uhr
Espace d'Art
Contemporain,
Fernet Branca,
Saint-Louis/F
2, rue du Ballon
F-68300 Saint-Louis
Tel. +33 38 969 10 77
musee-fernet-branca@wanadoo.fr
www.museefernetbranca.org
Öffnungszeiten.
Mi–So 14–19 Uhr.
Mo–Di geschlossen.
Eintrittspreis. Euro 7.–/6.–,
Kinder unter 12 Jahren gratis
Führungen. Französisch und
Deutsch auf Anfrage
Kunsthaus Baselland
St. Jakobs-Strasse 170
CH-4132 Muttenz/Basel
beim Fussballstadion St. Jakob
Tel. +41 61 312 83 88
Fax +41 61 312 83 89
office@kunsthausbaselland.ch
www.kunsthausbaselland.ch
Öffnungszeiten.
Di/Do–So 11–17 Uhr | Mi 14–20 Uhr
Mo geschlossen
Eintrittspreis. CHF 7.–/5.–
Führungen. Auf Anfrage
La Kunsthalle Mulhouse
La Fonderie/F
16, rue de la Fonderie,
F-68100 Mulhouse
Tel +33 03 69 77 66 47
kunsthalle@mulhouse.fr
www.kunsthallemulhouse.com
Öffnungszeiten.
16.02.2012 – 29.04.2012
24.05.2012 – 26.08.2012
Mi–So 12–18 Uhr
Do bis 20 Uhr
Eintrittspreis. Freier Eintritt
Führungen. Kostenlose Führungen
Sa und So 15 Uhr, Gruppen
reservieren unter +33 3 69 77 66 47
Kloster Schönthal,
Langenbruck/CH
CH-4438 Langenbruck
Tel +41 61 706 76 76
mail@schoenthal.ch
www.schoenthal.ch
Öffnungszeiten. Fr 14–17 Uhr,
Sa/So 11–18 Uhr
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 10.–
Studenten/Künstler CHF 8.–
Familien CHF 20.–
Gruppen ab 6 CHF 8.–
Die private Stiftung unterhält das
Baudenkmal und die Landschaft
ohne Subventionen
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
Charles-Eames-Str. 2,
D-79576 Weil am Rhein
Tel +49 76 21 702 32 00
info@design-museum.de
www.design-museum.de
Öffnungszeiten. täglich 10–18 Uhr,
Eintrittspreis. Euro 8.–/6.50
Führungen. Führungen durch die
Ausstellung: Sa/So um 11 Uhr.
Architekturführungen täglich
Deutsch: 11, 13 und 15 Uhr
Englisch: 12 und 14 Uhr
Anreise. Mit dem Bus Nr. 55 ab Basel
Claraplatz oder Bad. Bahnhof bis
Haltestelle Vitra
Forum Würth
Arlesheim
Dornwydenweg 11
CH-4144 Arlesheim
Tel +41 61 705 95 95
Fax +41 61 705 95 96
forum@wuerth-ag.ch
www.forum-wuerth.ch
Öffnungszeiten. Mo bis So 11–17 Uhr
Eintritt. frei
Führungen. jeden Sonntag
um 11.30 Uhr
Begleitprogramm. siehe
www.forum-wuerth.ch
Museum Frieder Burda,
Baden-Baden/D
Lichtentaler Allee 8b
D-76530 Baden-Baden
Tel +49 07221/39898-0
office@museum-frieder-burda.de
www.museum-frieder-burda.de
Öffnungszeiten. Di bis So
10–18 Uhr,
Montag geschlossen.
Eintrittspreis. Euro 10.–
Führungen. Mi 16 Uhr | Sa, So und
Feiertage 11 und 15 Uhr
Bildnachweis | Titelseite: Auguste Renoir, En été, 1868, Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin bpk, Foto: Jörg P. Anders | bei einem Teil der Auflage: Pierre Bonnard: Der Kaffee (Detail), 1915, Tate, Schenkung Sir Michael Sadler durch den
Art Fund 1941, Foto: © 2012, Tate London, ProLitteris, Zürich | S.3 v.o.n.u: Auguste Renoir, Le Café concert ou La première sortie, 1876, © The National Gallery, London. Bought 1923 |William N. Copley, Marylin, 1965, Privatsammlung © Estate of
William N. Copley / Copley LLC., New York 2012 | Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, The Rhinestone Beaver Peep Show Triptych, 1980, Collection of the artist; Courtesy of L.A. Louver, Venice, CA, © Kienholz; Foto: Schirn Kunsthalle
Frankfurt, Norbert Miguletz | S.4 v.o.n.u. Ferdinand Gehr, Gebeugte Figur 1967, Entwurf für Keramik im Altersheim Aesch, Fresko © Kloster Schönthal | Pierre Bonnard, Die Quelle (Akt in der Wanne), 1917, Privatsammlung, Schweiz © 2012,
ProLitteris, Zürich | Clouds für Kvadrat, 2008, Fotografie © Paul Tahon and R & E Bouroullec | S.6 Auguste Renoir: Stillleben mit Blumenbouquet, 1871, Museum of Fine Arts, Houston | S.7 Femme à la perruche, um 1870 Solomon R. Guggenheim
Museum, New York, Thannhauser Collection. Gift Justin K. Thannhauser | S.8 Frau mit Sonnenschirm in einem Garten, 1875, Museo Thyssen Bornemisza, Madrid | S.9 Frühstück am Flussufer, 1879, Art Institute of Chicago | S.10 Karlheinz Weinberger,
Basel 1962,©The Estate of Karlheinz Weinberger in care of Patrik Schedler, Zürich. Image Courtesy of Artist Resources Management and Anna Kustera Gallery, New York | S. 11 Tim Rollins + K.O.S., Amerika - Everyone is Welcome! (after
Franz Kafka), 2002©the artists, Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zürich; Galleria Raucci/Santamaria, Napoli, Lehmann Maupin Gallery, New York Vanmoerkerke Collection, Oostende | S.12 William N. Copley, St. Valentine’s Day, 1965, Billy Copley,
© Estate of William N. Copley / Copley LLC., New York 2012 | S.13 William N. Copley, Untitled (Car), 1970,Museum Frieder Burda, Baden-Baden, © Estate of William N. Copley / Copley LLC., New York | William N. Copley, West, 1974, Museum Frieder
Burda, Baden-Baden, © Estate of William N. Copley / Copley LLC., New York 2012 | S.14/15 Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, 76 J.C.s Led the Big Charade, 1993/94, Collection of the artist; Courtesy of L.A. Louver, Venice, CA © Schirn
Kunsthalle Frankfurt; Foto: Norbert Miguletz | S.16 Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz Claude Nigger Claude, 1988, Collection Magasin 3 Stockholm Konsthall | S.17 Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, The Ozymandias Parade
(Detail), 1985, Collection of the artist; Courtesy of L.A. Louver, Venice, CA, © Kienholz; Foto: Schirn Kunsthalle Frankfurt; Norbert Miguletz | S.18 Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, The Potlatch, 1988, Collection of the artist; Courtesy
of L.A. Louver, Venice, CA, © Kienholz; Courtesy of L.A. Louver, Venice, CA | S.19 Edward Kienholz & Nancy Reddin Kienholz, My Country ‘Tis of Thee (Detail), 1991, Collection of the artist; Courtesy of L.A. Louver, Venice, CA, © Kienholz; Foto:
Schirn Kunsthalle Frankfurt; Norbert Miguletz | S.20 Cevdet Erek, Circular Week Ruler, 2011, Courtesy by the artist | S.21 Ferdinand Gehr, Gott kommt zum Menschen, 1982 © Kloster Schönthal | S.22/23 Pierre Bonnard, Die grosse Badewanne (Akt),
1937-39, Privatsammlung, Foto:©Volker Naumann © 2012 ProLitteris, Zürich | S.24 Pierre Bonnard, Place Clichy, 1906/07, Privatsammlung © 2012 ProLitteris, Zürich | S.25 Pierre Bonnard, Dekor in Vernon, um 1920/1939, The Metropolitan Museum
of Art, New York, Schenkung Florence J. Gould 1968, Foto: bpk/The Metropolitan Museum of Art, New York © 2012, ProLitteris, Zürich | S.25 Pierre Bonnard, Grosses Esszimmer zum Garten, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon
R. Guggenheim Founding Collection, durch Schenkung Foto: Solomon R. Guggenheim Museum, New York ©2012, ProLitteris, Zürich | S.27 Pierre Bonnard, Das Toilettenzimmer mit rosafarbenem Kanapee (Weiblicher Akt im Gegenlicht), Musée
royaux des Beaux Arts de Belgique, Brüssel, Foto © Musées royaux des Beaux Arts de Belgique, Brüssel | S.29 oben: Ronan & Erwan Bouroullec, Album Exhibition © Studio Bouroullec | unten: Ronan & Erwan Bouroullec, Zeichnung, rechts: Ronan
& Erwan Bouroullec, Modell © Studio Bouroullec | S.30 Roman Signer, Strassenbilder: Karpaten, Ukraine, Rumänien, 2005, Aargauer Kunsthaus Aarau, © Roman Signer | Francis Baudevin, Knecht, 2009 | Gysbrecht Lytens, Winterlandschaft mit lagernden
Zigeunern, 1. Hälfte 17. Jh., Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie | Edvard Munch, Neuschnee in der Allee, 1906, © Munch-museum / Munch-Ellingsen-Group / VG Bild-Kunst, Bonn 2011 | S.31 Alberto Savinio, Paradis terrestre,
Artinside 1928, Foto: Alberto Ricci © ADAGP, Paris, 2011 | S.34 Jeff Koons, Bear and Policeman, 1988 | Hilary Lloyd, Trousers, 2010 | Tatlins Modell des «Denkmals der III. Internationale», Petrograd, 1920
Artinside
33

34
Artinside
Jeff Koons, Bear and Policeman, 1988
Hilary Lloyd, Trousers, 2010
Tatlins Modell des «Denkmals der
III. Internationale», Petrograd, 1920
Das nächste Artinside erscheint am 4. Juni 2012 mit diesen Themen
Fondation Beyeler, 13.05.2012 – 02.09.2012
Jeff Koons.
Die Fondation Beyeler präsentiert die erste Ausstellung von Jeff Koons (*1955) in
einem Schweizer Museum. Der wohl berühmteste lebende Künstler sorgt mit seinen
unverkennbaren Kunstwerken seit Jahrzehnten für grosses Aufsehen. Zu sehen sind
drei zentrale Werkgruppen, welche entscheidende Etappen von Koons’ künstlerischer
Entwicklung aufzeigen. Sie umfassen die Readymade-artigen Haushaltsgeräte aus der
frühen Zeit, jene zu postmodernen Ikonen gewordenen Skulpturen aus Porzellan und
Holz sowie die später entstandenen monumentalen Gemälde und hochglänzenden
Stahlplastiken, in denen der Künstler die Kindheit feiert. In seinen ebenso spektakulären
wie subtilen Kunstwerken setzt sich Koons immer wieder mit Themen wie Unschuld,
Schönheit, Sexualität und Glück auseinander.
Kunstmuseum Basel, 12.05.2012 – 16.09.2012
Hilary Lloyd im Museum für Gegenwartskunst
Das Museum für Gegenwartskunst freut sich, die erste Überblicksausstellung der
britischen Künstlerin Hilary Lloyd (*1964) in der Schweiz präsentieren zu können. Bereits
2001 verbrachte sie ein Jahr in Basel, so dass die ihr vertraute Stadt und Umgebung ein
Aspekt ihrer neu entstehenden Videoarbeiten werden.
Hauptsächlich mit der Videokamera nimmt sie Bilder der modernen Stadt und ihrem
innewohnenden Potenzial als Ort des Voyeurismus und Fetischismus auf. In teilweise
langzeitlichen Studien entstehen eindrückliche und sexuell ambivalente Filme von
Menschen in ihren spezifischen Ritualen des alltäglichen Lebens: Handwerker, Kellner,
Skater und Clubbesucher werden zu Subjekten ihrer Untersuchung.
Hilary Lloyd wurde 2011 für den renommierten Turner Prize nominiert.
Museum Tinguely, 06.06.2012 – 14.10.2012
Tatlin. neue Kunst für eine neue Welt.
Konterreliefs – Turm – Letatlin, dies sind die drei bedeutendsten Errungenschaften in der
Laufbahn des russischen Künstlers Vladimir Tatlin (1885 – 1953): Sie stehen im Zentrum
der grossen Ausstellung, die erstmals seit 20 Jahren einen umfassenden Überblick über
das Werk eines der wichtigsten Avantgardisten am Anfang des 20. Jahrhunderts liefert
und die wichtigsten Leihgaben auch aus den grossen russischen Museen versammelt.
Mit den Konterreliefs hob Tatlin die Gesetze der Malerei aus den Angeln und schuf
gleichsam eine neue Kunstgattung und ein neues Verständnis für das ins Werk gesetzte
Material; mit dem visionären, nie realisierten Projekt für einen monumentalen
Turmbau zur Propagierung der Ideale und Ziele der Russischen Revolution hat er sich
in die Träume von Generationen von Architekten, bildenden Künstlern, Schriftstellern
eingeprägt, die Grenzen der einzelnen Kunstbetätigungsfelder gesprengt und
Eigenschaften wie Rhythmus und Bewegung in die Skulptur eingeführt; mit dem Letatlin,
einem utopischen, nie in die Lüfte gestiegenen Flugapparat, wollte er dem Menschen das
Gefühl des individuellen Fliegens geben.
Henri Matisse, «Acanthes»,1953, Kohle, ausgeschnittene Papiere, mit Gouache bemalt, auf Papier auf Leinwand, 311x 350,5 cm © 2010 Succession Henri Matisse / ProLitteris, Zürich
Während drei Jahren wurde das Werk «Acanthes» wissenschaftlich aufbereitet, konserviert und restauriert.
Nationale Suisse setzt sich mit Leidenschaft für die bildende Kunst und ihre geistigen Werte ein. Dazu gehört
auch die Unterstützung für das bedeutende Restaurierungsprojekt der Fondation Beyeler.
Mehr Infos finden Sie unter www.nationalesuisse.ch/acanthes

ZEIT IST EIN GESCHENK
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Hermès in Basel, Bern,
Crans-sur-Sierre, Genf,
Gstaad, Lausanne, Luzern,
Lugano, St.Moritz, Zürich.
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