Max Ernst - Artinside - Das Museumsmagazin der Region Basel

Artinside
Das Museumsmagazin
der Region Basel
Ausgabe Sommer 2013
Max Ernst, L’ange du foyer (Le triomphe du surréalisme), 1937
Max Ernst
Retrospektive
26.05.2013 – 08.09.2013
Fondation Beyeler, Riehen
Die Picassos sind da!
Eine Retrospektive aus
Basler Sammlungen
17.03.2013 – 21.07.2013
Kunstmuseum Basel
Zilvinas Kempinas
Slow Motion
05.06.2013 – 22.09.2013
Museum Tinguely
Steve McQueen
Schaulager
Renée Levi. Italique
Kloster Schönthal, BL
Orr / Grasso / Graf
Kunsthaus Baselland, BL
Was jetzt? Aufstand der
Dinge am Amazonas
Museum der Kulturen Basel
Michel Auder
Paulina Olowska
Kunsthalle Basel
Daniel Gustav Cramer
La Kunsthalle Mulhouse/F
Abstraction Américaine
Fondation Fernet Branca/F
Emil Nolde
Museum Frieder Burda/D

leS aMiS dU
Editorial
Sam Keller
Liebe Kunstfreunde
“
Wenn sich ein
Maler gefunden hat,
ist er verloren„
Max Ernst
Das Titelbild dieser Ausgabe
Max Ernst, L’ange du foyer (Le triomphe du surréalisme), 1937
«Wenn sich ein Maler gefunden hat, ist er verloren», betonte Max Ernst. Und kaum ein
moderner Künstler verkörpert das lebenslange Suchen besser als er, der sich in seinem
künstlerischen Schaffen wie in seinem persönlichen Leben immer wieder verwandelte und
neu erfand. Er war Mitbegründer des Dadaismus in Köln, führender Kopf der Surrealisten in
Paris, einflussreicher Exilant in New York, zweisamer Einsiedler in Arizona und visionärer
Altmeister in Südfrankreich. Er veränderte seinen Malstil ähnlich oft wie ein anderer grosser
Meister der Moderne: Pablo Picasso.
Noch bis zum 21. Juli erinnert das Kunstmuseum an die Basler Picasso-Legende von 1967
und vereinigt dazu Werke des Spaniers aus den lokalen Sammlungen. Die Fondation Beyeler
hat dazu als Ausdruck der freundschaftlichen Beziehungen zwischen beiden Institutionen
erstmals all ihre Picassos ausgeliehen. Im eigenen Haus widmet sie Max Ernst die erste
Retrospektive in der Schweiz seit seinem Tod. Dazu eine Ausstellung von Maurizio Cattelan,
einem der meistdiskutierten Künstler unserer Zeit, der ebenfalls sich selbst und die Welt
gerne immer aufs Neue überrascht. Wie Piet Mondrian, Barnett Newman und Dan Flavin in
verschiedenen Generationen mit asketischen abstrakten Mitteln versuchten, die Dimensionen
der Kunst zu erweitern, ist in der Herbstausstellung des Kunstmuseums zu bestaunen.
Der amerikanische Architekt Louis Kahn war einer der bedeutendsten Baumeister der Moderne.
Seine Retrospektive im Vitra Design Museum veranschaulicht, warum auch Stararchitekten
wie Frank Gehry und Renzo Piano ihn verehren. In der Kunsthalle Basel baut die Polin
Paulina Olowska einen Pavillon, der ein Hybrid von Architektur und Skulptur ist. Immer
in Bewegung sind die Werke des litauischen Künstlers Zilvinas Kempinas, die das Museum
Tinguely ausstellt und damit an die Tradition ihres Hauskünstlers anknüpft. Die bewegten
Bilder des Filmkünstlers Steve McQueen laufen im Schaulager, das jetzt vorübergehend
wieder für das Publikum offen ist. Und wenn Sie die Grenzen überschreiten, warten in der
Fondation Fernet Branca in St.-Louis, La Kunsthalle Mulhouse oder im Museum Frieder
Burda in Baden-Baden noch andere spannende Erlebnisse auf Sie. Welche Ausstellung Sie
sich auch aussuchen, die Auseinandersetzung mit Kunst ermöglicht auch Ihnen, sich auf
die Suche zu begeben. Was Sie finden werden, sind die fantastischen Wege zu unserer Welt,
welche bedeutende Künstler erforscht haben.
Herzlich
Mehr KUNST für die Schweiz.
Die Credit Suisse pflegt langjährige Partnerschaften
mit ausgewählten Kunstinstitutionen.
Ernsts Gemälde ist unter dem Eindruck des Spanischen Bürgerkriegs
entstanden. Max Ernst äusserte sich später zur Entstehung des Werks:
«Ein Bild, das ich nach der Niederlage der Republikaner in Spanien
gemalt habe, ist der Hausengel. Das ist natürlich ein ironischer Titel
für eine Art Trampeltier, das alles, was ihm in den Weg kommt, zerstört
und vernichtet. Das war mein damaliger Eindruck von dem, was in der
Welt wohl vor sich gehen würde, und ich habe damit recht gehabt.»
Sam Keller, Direktor Fondation Beyeler
So mit dem Kunstmuseum Basel, Kunsthaus Zürich, Kunstmuseum Bern, Kunstmuseum Winterthur, Kunsthaus
Zug, Museum Rietberg in Zürich, Museo d’Arte Lugano, der Fondation Pierre Gianadda in Martigny und der
Fondation de l’Hermitage in Lausanne.
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credit-suisse.com/sponsoring

Inhalt
10
Jahre
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39
Holzfigur der Ocaina aus Kolumbien, 1960er-Jahre
40
Laurent Grasso, Les Oiseaux, 2008
4
5
42
Daniel Gustav Cramer, Untitled (Three Sheep) Ix, 2013
18
Zilvinas Kempinas, Parallels, 2007
43
Adolph Gottlieb, Blue Ground , 1973
Emil Nolde, Tropensonne, 1914
34
Max Ernst, L’habillement de l’épousée / de la mariée, 1940
6
16
Steve McQueen, Exodus, 1992/1997, Filmstill
Nina Zimmer und Anita Haldemann vor Picassos Vénus et l’Amour, 1967
26
Michel Auder, Untitled, Film Still, 2012
37 38
Renée Levi, Italique, 2012
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6 Max Ernst
Fondation Beyeler
Max Ernst (1891–1976) gehört zu den
vielseitigsten Künstlern der Moderne.
Nach seinen Anfängen als Dadaist in
Köln wurde er bald zu einem der Pioniere
des Surrealismus in Paris.
Die grosse Retrospektive in der Fondation
Beyeler präsentiert eine exemplarische
Auswahl von über 160 Gemälden,
Zeichnungen, Collagen, Skulpturen
und Büchern von Max Ernst, die alle
Aspekte seines Werks umfasst. So erhält
der Besucher die Gelegenheit, das
vielseitige Œuvre dieses Jahrhundertkünstlers
in seinem gesamten Reichtum
zu erleben.
16 Steve McQueen
Schaulager Basel
Die erste umfassende Ausstellung des
Video- und Filmkünstlers Steve McQueen.
39 Was jetzt? Aufstand der Dinge
am Amazonas
Museum der Kulturen Basel
Von der Bedeutung von Dingen im Zuge
der Kolonialisierung Amazoniens.
40 Orr - Grasso - Graf
Kunsthaus Baselland
Die Werke des Londoner Christopher Orr,
des Franzosen Laurent Grasso und des Deutschen
Manuel Graf werden in drei kombinierten
Einzelausstellungen präsentiert.
18 Zilvinas Kempinas.Slow Motion
Museum Tinguely
Die Werke des litauischen Künstlers Zilvinas
Kempinas sind ebenso minimalistisch
wie kinetisch. Er schafft mit einfachsten
Mitteln komplexe und atmosphärische
Raumsituationen von grosser Schönheit,
die Installationen spielen mit Luft und
Leichtigkeit, die Reliefs mit Zeit und
Zufall. Die grosse Einzelausstellung im
Museum Tinguely entfaltet sich sowohl
in eigenen Räumen als auch im Dialog mit
Werken Tinguelys.
26 Die Picassos sind da!
Kunstmuseum Basel
Das Kunstmuseum Basel zeigt eine gross
angelegte Retrospektive zu Pablo Picasso,
die allein aus Basler Sammlungen
zu sammengetragen wurde, mit welcher
die ganze Schaffensperiode von Picasso
abgedeckt werden konnte.
Zum ersten Mal sind die hochkarätigen
Picasso-Bestände des Kunstmuseums
Basel und der Fondation Beyeler unter
einem Dach zu sehen.
Nina Zimmer und Anita Haldeman, die
beiden Co-Kuratorinnen der Ausstellung,
stellen in dieser Ausgabe Trouvaillen aus
Basler Sammlungen und ausgewählte
Werke aus der eigenen Sammlung vor.
34 Emil Nolde. Die Pracht der Farben
Museum Frieder Burda
Die erste grosse Nolde-Ausstellung seit vielen
Jahren präsentiert diesen Sommer das
Museum Frieder Burda in Baden-Baden.
37 Michel Auder
Kunsthalle Basel
Die Kunsthalle Basel eröffnet die erste
grosse Ausstellung des Künstlers
Michel Auder in der Schweiz.
38 Renée Levi. Italique
Kloster Schönthal, BL
Die Schweizer Künstlerin Renée Levi schreibt
und malt mit der Ausstellung italique im
Kloster Schönthal ihr Alphabet weiter.
42 Daniel Gustav Cramer. Ten Works
La Kunsthalle Mulhouse
Werke von Daniel Gustav Cramer in seiner
ersten Einzelausstellung in Frankreich.
43 Abstraction Américaine
Fondation Fernet Branca
Gezeigt wird die Entwicklung der Amerikanischen
Abstraktion im Zeitraum von
1933 bis 1986.
44 Ausstellungen ausserhalb der Region
49 Vorschau, Impressum
50 Service, Artinside Agenda,
Art City Basel, Credits
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Max Ernst.
Der Künstler, der sich nicht finden wollte
von Raphaël Bouvier *
6
7
Max Ernst
Retrospektive
26.05.2013 – 08.09.2013
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
Dorothea Tanning und Max Ernst mit der Zementplastik «Capricorne» (Steinbock) (Detail), Sedona,
Arizona, 1948
Max Ernst, Au premier mot limpide, 1923
Ein Maler ist verloren, wenn er sich findet», bemerkte Max
Ernst (*1891 in Brühl – †1976 in Paris) in einem berühmten
Ausspruch. Tatsächlich gehört der Künstler zu den vielseitigsten
und wechselhaftesten der Moderne. Immer wieder hat sich
Max Ernst im Laufe seines Lebens und Werks neu erfunden und
dabei fortwährend mit neuartigen Techniken wie etwa der Collage,
Frottage oder Dekalkomanie experimentiert. So entstand ein einzigartiges
Gesamtwerk aus (alb-)traumartigen Bildern, mysteriösen
Landschaften und fantastischen Kreaturen, das sich jeder klaren
stilistischen Definition entzieht und dessen Entwicklung vom bewegten
Leben und den wechselnden Aufenthaltsorten des Künstlers
in Europa und Amerika mitgeprägt wurde.
Nachdem Max Ernst zunächst als revoltierender Dadaist in
Köln gehandelt hatte, zog der junge Künstler 1922 nach Paris, wo
er bald zu einem der Pioniere des Surrealismus wurde. Zweimal
wurde er während des Zweiten Weltkriegs als feindlicher Ausländer
interniert und kam wieder frei. 1941 musste er in die USA fliehen
(zunächst nach New York, von wo er danach nach Sedona, Arizona,
weiterzog), wo er neue Anregungen fand und zugleich für die
neue Generation amerikanischer Künstler wichtige Impulse gab.
Ein Jahrzehnt später kehrte er in ein vom Krieg zerstörtes Europa
zurück, wo der einst geschätzte Max Ernst vergessen schien, um
danach als einer der grossen Künstler des 20. Jahrhunderts wiederentdeckt
zu werden.
Um der unerhörten künstlerischen Vielfalt von Max Ernsts Werk
gerecht zu werden, versammelt die grosse Retrospektive in der Fondation
Beyeler über 160 Gemälde, Collagen, Zeichnungen, Skulpturen
und Druckgrafiken, die anhand zahlreicher Hauptwerke alle
Schaffensphasen des Künstlers präsentieren. So erhält der Besucher
in der Fondation Beyeler zum ersten Mal in der Schweiz seit Max
Ernsts Tod die Gelegenheit, das faszinierende Werk dieses Jahrhundertkünstlers
in seinem gesamten Reichtum zu erleben.
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Max Ernsts facettenreiches Schaffen –
ein Einblick in die Ausstellung
Nach seinen Anfängen, in denen Max Ernst Gemälde und Aquarelle
in einem expressionistisch-futuristischen Stil malt, gründet er 1919 zusammen
mit Hans Arp und Johannes Theodor Baargeld die Kölner Dada-
Gruppe. In rebellischer Abkehr von der Tradition entstehen dabei zahlreiche
Werke, welche sich auf ironische Weise mit dem menschlichen
Versagen während des kurz zuvor zu Ende gegangenen Ersten Weltkriegs
auseinandersetzen. Dafür verwendet Max Ernst völlig neuartige künstlerische
Methoden und Techniken wie Übermalung und Collage, deren
Prinzip er auch später ständig weiterführt und auf Malerei und Skulptur
überträgt.
Der Umzug nach Paris 1922 leitet zugleich eine neue, bahnbrechende
Phase im Werk des Künstlers ein und führt zu einer Rückkehr zur Malerei.
In Frankreich schafft der Künstler neuartige wie aus den Tiefen der Seele
auftretende, (alb-)traumhafte Bilder, die sich durch ihre Rätselhaftigkeit
und Vieldeutigkeit auszeichnen und Max Ernsts Beschäftigung mit der
Psychoanalyse bekunden. In dieser frühen surrealistischen Periode entsteht
auch das als Wandbild konzipierte Au premier mot limpide von 1923,
das trotz seiner kompositorischen Nüchternheit durch seine mysteriöse
und magische Ausstrahlung besticht. Wenige Jahre später realisiert Max
Ernst das in seinem antiklerikalen und antibürgerlichen Witz bis heute
provokante Gemälde La Vierge corrigeant l’enfant Jésus devant trois témoins:
André Breton, Paul Eluard et le peintre. In den 20er-Jahren entwickelt Max
Ernst aber auch neuartige Techniken wie Frottage und Grattage, die etwa
in seinen unheimlichen Wäldern Anwendung finden. Zur gleichen Zeit
entstehen auch seine grandiosen Collageromane wie La femme 100 têtes,
die in ihrer technischen Perfektion ihresgleichen suchen.
Surrealistische Leitthemen wie die Naturverwandlung steigern sich
in Max Ernsts Dschungelbildern der 30er-Jahre zu Visionen von Bedrohung
und Endzeit, wie im romantisch-düsteren La nature à l’aurore von
1938. Die Beschäftigung mit den Abgründen der Menschheit und dem
Krieg äussert sich im imposanten L’ange du foyer, in dem das monströse
Wesen den kriegerischen Wahn jener Zeit verkörpert.
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Artinside
Max Ernst, La nature à l’aurore (Chant du soir), 1938
Max Ernst, Napoleon in the Wilderness, 1941
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10
11
Max Ernst, la puberté proche ... (les pléjades), 1921
Max Ernst. Max Ernst (1891–1976) is one of
Modernism’s most versatile artists. Having
started out as a Dadaist in Cologne, he soon
became a pioneer of Surrealism in Paris. A tireless
creator of new figures, forms and techniques, Max
Ernst kept on evolving in new directions even up
to his late years. His remarkable oeuvre, which
defies any clear stylistic definition, was also
shaped by his eventful life and the many different
places in which he lived in Europe and America.
The major retrospective at the Fondation Beyeler
will present an exemplary selection of over 160
paintings, drawings, collages, sculptures and
books by Max Ernst that encompass all aspects
of his work. Visitors will be able to experience the
full richness of Max Ernst’s multifaceted œuvre.
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Schliesslich führen Max Ernsts im Abklatschverfahren entstandene
Dekalkomanien der 40er-Jahre – etwa Napoleon in the Wilderness
mit seiner sinnlich-graziösen, wie aus einem Korallenmantel entwachsenen
Frauengestalt – die Weiterentwicklung des Surrealismus
im amerikanischen Exil vor Augen. In den USA entstehen auch Max
Ernsts sogenannte Oszillations-Bilder wie etwa das bizarre, politisch
brisante La planète affolée von 1942. Deren Linienstrukturen gehen auf
das Hin- und Herschwingen einer durchlöcherten, mit flüssiger Farbe
gefüllten Konservendose zurück und muten wie Vorwegnahmen von
Jackson Pollocks Action Painting an. In Amerika realisiert der Künstler
aber auch einen Grossteil seiner wichtigsten Skulpturen, darunter The
King Playing with the Queen – ein Glanzstück aus der Sammlung Beyeler
– sowie seinen imposanten Capricorne, für den der Künstler auf vorgefundene
Alltagsobjekte wie Milchflaschen und Eierschachteln zurückgreift
und dadurch die Monumentalität der Bronzeplastik durch Verspieltheit
und Witz durchbricht.
Max Ernsts Schaffen erweist sich als ein riesiger Fundus an Ideen
und Experimenten, sein Leben und Werk erscheinen wie eine fortwährende
Erkundung neuer Wege und Möglichkeiten – der Künstler ist ein
Suchender, der mit weit offenen Augen durch die Welt vagabundiert
und in der Natur und im Menschen unentwegt Neues, Fremdartiges,
Erschreckendes und Wundersames gleichermassen entdeckt.
*Raphaël Bouvier
Dr. Raphaël Bouvier (1977) studierte Kunstgeschichte und
Romanische Philologie in Basel und Bochum. Seit Januar
2012 ist er Kurator der Fondation Beyeler, an der er jüngst
die Ausstellungen «Collection Renard» sowie «Max Ernst.
Retrospektive» kuratierte. Raphaël Bouvier hat über
moderne, zeitgenössische und manieristische Kunst sowie
Erinnerungskultur publiziert.
Max Ernst, La Vierge corrigeant l’enfant Jésus devant trois témoins: André Breton, Paul Éluard et le peintre, 1926
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Maurizio Cattelan
von Michiko Kono *
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Bei seiner ersten New Yorker Ausstellung im Jahre 1994 zeigte
Maurizio Cattelan nicht mehr als einen überladenen Kronleuchter
und einen lebenden Esel. Zur Erklärung seiner Geste
behauptete er, ihm sei keine bessere Idee für ein Kunstwerk eingefallen.
Nicht zum ersten Mal entzog er sich auf diese Weise seiner Verantwortung
als Künstler. Seine allererste Einzelausstellung, 1989 in
einer Galerie in Bologna, bestand aus nur einem Schild, das an der
verriegelten Eingangstür hing und auf dem «Torno subito» (Bin
gleich zurück) vermerkt war. Auch hier gab Cattelan als Begründung
seine grosse Unzufriedenheit mit den Werken an, die er ursprünglich
habe zeigen wollen.
Cattelans Arbeiten sind humorvoll und fordern gleichzeitig zur
Reflexion auf, sie verblüffen den Betrachter häufig, provozieren ihn
manchmal und können tiefe Empörung auslösen. Der Künstler bezieht
sich dabei auf Erfahrungen, die uns allen gemeinsam sind und
auf Bilder, die uns im Alltag oder in den Medien begegnen und die
seiner Meinung nach weitaus provokativer sind als seine Kunst, auf
die wir aber aus Gleichgültigkeit nicht mehr reagieren. Seine Intentionen
gibt Cattelan in den seltensten Fällen preis. Die Themen, die er
behandelt, drehen sich um Leben und Tod, Politik, Glauben, Macht
oder Identität. Immer wieder beschäftigt ihn die Auseinandersetzung
des Individuums mit den Widersprüchen der Gesellschaft, die
13
Maurizio Cattelan, Ohne Titel, 2001
Maurizio Cattelan, Ohne Titel, 2007
Maurizio Cattelan
KAPUTT
08.06.2013 – 06.10.2013
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
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zwangsläufig zum Scheitern führen. Dabei werden die
Ideale und Ängste des Menschen oft auf Tiere projiziert,
die einen Charakterzug oder ein Gefühl verkörpern. Seit
dem ersten Auftritt eines lebenden Esels in einer Galerie
sind in Cattelans Werken immer wieder Tiere aufgetaucht,
allerdings ausgestopft. Ein Strauss steckt seinen Kopf tief
in den Boden und wähnt sich dadurch unbeobachtet. Ein
Eichhorn hat sich in einer simpel eingerichteten Küche
mit einer Miniaturpistole das Leben genommen. Besonders
häufig treten Esel und Pferd in Erscheinung. Traditionell
als dumm geltend, wird der Esel von Cattelan mit
Unbeholfenheit in Verbindung gebracht. Er spannt ihn vor
einen Wagen, der dermassen schwer beladen ist, dass das
bedauernswerte Tier hilflos in der Luft schwebt und sich
nicht rühren kann. Dem Pferd widerfährt kein besseres
Schicksal. Ähnlich einer umgekehrten Jagdtrophäe hängt
es kopflos an der Wand, als wäre es bei einem Sprungversuch
gescheitert. Wie der Strauss, der sich den Blicken entzieht,
scheint das Pferd vor etwas geflohen zu sein – vielleicht
vor der Ausstellung selbst.
Sam Keller ist Kurator der Ausstellung,
*Michiko Kono ist Associate Curator der Fondation Beyeler
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Max Ernst: Die Restaurierung des Königs
14
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Alexander Calder beim Montieren von «Nine Discs», 1936
Alexander Calder. Bäume – Abstraktion benennen
Während der Vierzigerjahre wird im Werk von Alexander Calder
zunehmend eine Strategie des Benennens erkennbar. Die an
sich abstrakten Mobiles und Stabiles suggerieren mit ihrem Bewegungsverhalten,
Gleichgewichtsaspekten und formalen Staffelungen
Analogien zur Natur, die nun immer häufiger auch in Betitelungen
reflektiert werden. Ohne das letztlich autonome Wesen seiner Skulpturen
in starrer Begrifflichkeit zu fixieren, gelingt Calder damit die
Andeutung einer nie wirklich fassbaren Dimension von Bewegung,
Raum und Zeit.
1933 tritt mit der Übersiedelung von Paris nach Connecticut, wo
Calder ein altes Bauernhaus erwirbt, der Aussenraum sofort und
als zusehends werkbestimmende Komponente in Erscheinung. Bewegung
wird nicht länger mit ausgeklügelten Kurbeln oder kleinen
Motoren erzeugt, sondern es sind nun Natur, Wind und Wetter, die
den Künstler zu neuen Möglichkeiten inspirieren. Erste kühne und
noch filigrane Versuche erinnern an Turmreiter und veranschaulichen
damit bereits eindrucksvoll Calders Suche nach monumentaler
Grösse. Neben die geometrisch abstrakte Seite tritt eine biomorphe
Alexander Calder
Bäume – Abstraktion benennen
ab 25.05.2013
Fondation Beyeler, Riehen
www.fondationbeyeler.ch
von Oliver Wick*
Formgebung, die jedoch niemals Natur wirklich abbildet, sondern
nur die gestalterischen Möglichkeiten erweitert und jenen Prozess
der Benennung in Gang setzt. Die neue Präsentation der Calder Gallery
zeichnet diesen Prozess und die Entwicklung des monumentalen
Standing Mobiles im Aussenraum, sei es in der Natur oder bei
architektonischen Platzgestaltungen, mit ausgesuchten Beispielen
nach. Eine Gruppe von über zwei Meter hohen Maquetten von 1939
steht für die avantgardistische Umgestaltung des African Habitat
im Bronx Zoo und hätte in vergrösserter Ausführung als eine Art
Baumschmuck den Raubkatzen standhalten sollen. Einzelwerke zeigen
als Blattkaskaden, Baumkronen oder feine Rispen ein nahezu
unbeschränktes Gestaltungsrepertoire, das schliesslich zur Entstehung
von The Tree in der Sammlung der Fondation Beyeler geführt
hat. Dieser Publikumsmagnet wird im Verlaufe des Sommers an seinen
angestammten Platz im Museumspark zurückkehren und in den
Kontext der ursprünglichen Maquetten und diversen Vorstufen sowie
verwandter Werke gestellt, die in der Ausstellung zu sehen sind.
*Oliver Wick ist Kurator der Ausstellung
Anfang 2013 begann die Fondation
Beyeler das von BNP Paribas Suisse
ermöglichte Restaurierungsprojekt
für den Originalgips von Max Ernsts Skulptur
The King Playing With the Queen (Der König
spielt mit seiner Königin) von 1944. Diese
wird anlässlich der kommenden Retrospektive
gezeigt, welche die Fondation Beyeler
Jahrhundertkünstler Max Ernst vom 26. Mai
bis 8. September 2013 widmet.
The King Playing with the Queen ist ein bedeutendes
Werk im Œuvre des Künstlers.
Max Ernst überliess ihn zunächst dem mit
ihm befreundeten US-amerikanischen Maler
Robert Motherwell. Erst in den 50er-Jahren
durch Anfrage von Sammlerin Dominique
de Menil willigte Ernst ein, den Gips in Bronze
giessen zu lassen, so dass dieser zur Vorlage
für insgesamt zehn Bronzegüsse diente,
die in den Jahren 1953, 1955 und 1961 entstanden
und heute zum Bestand berühmter
Sammlungen und Museen zählen, wie z.B
im MoMA. Ernst Beyeler, der früh auf Max
Ernsts Werk aufmerksam wurde, erwarb den
Gips kurz vor der Eröffnung der Fondation
Beyeler.
Die auffällige Farbe des Gipses, eine unregelmässige
blaue Pigmentschicht, warf Rätsel
auf. Die Oberfläche weist verschiedene
historische Schichten auf, welche das Weiss
des Gipses überdecken.
Durch Archivforschung stiess man auf
historische Bildquellen wie z.B. auf fotografische
Belege der Originalgiesserei. Schliesslich
fand das Team eine Schwarz-Weiss-
Aufnahme, die im Rahmen der Ausstellung
Imagery of Chess der Julien Levy Gallery in
New York aus den Jahren 1944/45 entstand.
Das Farbverhältnis der Bildelemente zueinander
lieferte die eindeutige Information,
dass die Skulptur eine einheitliche Farbfassung
hatte, die Max Ernst bewusst statt dem
Weiss des Gipses wählte. Durch Pigmentund
Bindemittelanalysen, ausgeführt am
SIK Zürich und an der HKBE (Hochschule
der Künste Bern), konnte die originale blaue
Farbschicht analysiert werden.
Durch die eigens vor Ort installierte
Röntgenanlage der Empa (Eidgenössische
Materialprüfungs- und Forschungsanstalt)
Zürich wurden Innenleben und Materialaufbau
durchleuchtet und von den Restauratoren
ausgewertet.
Restaurierung ist die Kunst, Kunst zu erhalten.
Die Zeit hinterlässt ihre Spuren an
Kunstwerken. In der Fondation Beyeler arbeitet
im Bereich Restaurierung seit 2001 ein
Team unter der Leitung von Restaurator Markus
Gross. Die Restaurierung von Werken ist
eine wissenschaftliche Disziplin, die neue
Untersuchungsmethoden mit umfassend historischen
Kenntnissen verbindet und zum
Teil nahezu detektivische Arbeit leistet.
Die Fondation BNP Paribas Suisse engagiert
sich seit über 20 Jahren für die Restaurierung
von Kunstwerken in Europa, Asien
und den USA mit dem Anliegen aktiv daran
mitzuwirken, dass Museumsbestände erhalten
bleiben und so an zukünftige Generationen
weitergegeben werden können. In der
Schweiz hat sie bereits über ein Dutzend Projekte
gefördert, die dem Erhalt bedeutender
Werke von Max Ernst, Mattia Preti, Auguste
Rodin, Bram van Velde und Paolo Veronese
galten. Bis 2014 setzt sie das Restaurierungsprojekt
mit der Fondation Beyeler fort,
das Arbeiten an insgesamt drei Werken der
Sammlung umfasst. Die nächste und dritte
Restaurierung wird sich einem der Hauptwerke
der Sammlung Beyeler widmen, dem
Gemälde von Henri Rousseau Le lion, ayant
faim, se jette sur l’antilope (1898/1905).
Ein König wird untersucht: Röntgenaufnahme der Skulptur, The King Playing with the Queen, 1944 (Der König spielt mit seiner Königin)
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17
Steve McQueen, Static, 2009
Installationsansichten in der Ausstellung, 2013
Charlotte, 2004 Bear, 1993, Five Easy Pieces, 1995 Running Thunder, 2007
Steve McQueen
Das Schaulager zeigt die erste umfassende Ausstellung des radikalen britischen Videokünstlers und
Filmemachers Steve McQueen. Erstmals sind im Schaulager mehr als zwanzig Video- und Filminstallationen,
einzelne Fotoarbeiten sowie zwei neu für diese Ausstellung geschaffene Werke zu sehen.
Steve McQueen
16.03.2013 – 01.09.2013
Schaulager Basel
www.schaulager.org
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Zwei Geschosse des Hauses in Münchenstein wurden
für diese Präsentation mit einer aufwendigen
Architektur gleichsam in eine Kinostadt verwandelt,
in der die Filmbilder zueinander in Beziehung gesetzt
werden. In dieser einmaligen Kinostadt schaffen
Innen- und Aussenräume mit Durchblicken und Spiegelungen
und unterschiedlichen Intensitäten von Licht
und Dunkelheit eine fast mystische Atmosphäre, sodass
die Werke von Steve McQueen für den Besucher in besonderer
Weise erlebbar werden.
Steve McQueen, 1969 in London geboren, hat in
zwanzig Schaffensjahren ein äusserst vielseitiges Werk
hervorgebracht. Bisher wurden seine Werke meist in
kleineren Präsentationen oder einzeln gezeigt. Dies ist
unter anderem in der Arbeitsweise von Steve McQueen
begründet, der mit gezieltem Einsatz der filmischen
Mittel und präzisen Vorgaben zur Installation und zum
Projektionsraum vorgeht. Gleichzeitig schlägt er immer
wieder neue Richtungen ein und greift mit erstaunlicher
Unerschrockenheit aktuelle und brisante Themen aus
Politik, Wirtschaft und Gesellschaft auf. Steve McQueens
Filminstallationen weisen einen stupenden skulpturalen
Charakter aus, eine fast greifbare Körperlichkeit ist ihnen
eigen. Auf den Betrachter üben sie eine beeindruckende
physische Wirkung aus. Die Filme gehen buchstäblich
unter die Haut.
Ein das Ausstellungserlebnis begleitendes Vermittlungs-
und Veranstaltungsprogramm mit Führungen,
Werkbetrachtungen, Workshops, Vorträgen und Filmvorführungen
bietet die Möglichkeit, mehr über das Werk
Steve McQueens zu erfahren. Die fast vollständig aus Filmarbeiten
bestehende Übersichtsausstellung fordert in ihrer
Andersartigkeit und Vielseitigkeit einen anderen Besuch.
Denn Kunstwerke mit bewegten Bildern verlangen vom
Besucher mehr Zeit als Gemälde und Skulpturen. Deshalb
berechtigt das Eintrittsticket zum dreimaligen Besuch der
Ausstellung im Schaulager. Im Eintrittspreis sind auch
die Teilnahme an den Führungen, Werkbetrachtungen
sowie der Eintritt zu den Vorträgen und Filmvorführungen
enthalten. Auch hat die Ausstellung besondere
Öffnungszeiten, die einem Kinobesuch am Nachmittag
bis Abend angepasst sind.
Am Donnerstagabend ist jeweils Schaulagernacht
und die Ausstellung ist mit einem besonderen im Eintrittsticket
enthaltenen Veranstaltungsprogramm bis 22
Uhr geöffnet. Abwechselnd stehen auch Steve McQueens
viel beachtete Kinofilme Hunger (2008) und Shame (2011)
auf dem Programm sowie eine vom Künstler persönlich
getroffene Auswahl an Spielfilmen in der Serie Artist’s
Choice.
Die Spielfilme Hunger und Shame sind zudem Thema
des am 24. Mai im Schaulager stattfindenden zweiten
Künstlergesprächs, bei dem sich Adrian Searle, renommierter
Kunstkritiker und freischaffender Kurator in
London, mit Steve McQueen unterhalten wird. Dieses Gespräch
bildet den Auftakt des öffentlichen Symposiums
zum Werk von Steve McQueen, das am darauffolgenden
Tag stattfinden wird. Die international renommierten
Referenten beleuchten Themen und Fragestellungen, die
Fachleuten, aber auch einem breiten Publikum interessante
Einblicke und neue Impulse für die Beschäftigung
mit dem Œuvre von Steve McQueen bieten.
Zur Ausstellung ist eine reich bebilderte Publikation
erschienen, die ein umfassendes Verzeichnis sämtlicher
Werke des britischen Künstlers enthält, die zwischen
1992 und 2012 entstanden sind.
Ein umfangreiches kostenloses Ausstellungsheft mit
einer Einführung und kompletten Werkbeschreibungen
informiert detailliert über das Veranstaltungsprogramm.
Diese Informationen sind auch auf der eigens zur Ausstellung
erstellten Website ersichtlich.
www.schaulager.org/smq.
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Zilvinas Kempinas. Slow Motion
Zilvinas Kempinas, Tube, 2008

Zilvinas Kempinas. Slow Motion
Zilvinas Kempinas
Slow Motion
05.06.2013 – 22.09.2013
Museum Tinguely
www.tinguely.ch
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Zilvinas Kempinas Kunst spielt sich auf der «bright
side of the moon» ab. Die Schwerkraft scheint aufgehoben,
die Palette des Lichts durchdringt und
aktiviert die Materialien seiner Installationen. Die Reise,
auf die uns seine Kunstwerke mitnehmen, führt ins
Hier und Jetzt, hin zu Wahrnehmungsapparaten, Energieaggregaten,
zu Raumskizzen und -interventionen.
Es sind optisch-physikalische und gleichzeitig berauschend
ästhetische Ereignisse, die seine Kunst ausmachen.
Die von ihm verwendeten Mittel sind einfach, alltäglich
und doch ungewöhnlich: Videoband, Ventilatoren,
FL-Röhren, in Symbiose mit Raum, Rhythmus, Luft und
Licht. Die damit erzielte Wirkung ist denkbar komplex,
umfasst alle Sinne, verändert die Orientierung am Ort
und die Wahrnehmung der eigenen Zeit und Bewegung.
Sie ist stets auf den Betrachter hin orientiert, der selbst
zum Akteur in einem theatralen, oft minimalistischen
Environment wird.
Kempinas wurde 1969 in Litauen geboren. Seine Ausbildung
fiel mitten in die Zeit der grossen politischen
Umwälzungen. 1987 begann er ein Studium der Malerei
am Staatlichen Kunstinstitut, das er 1993 in der gleichen
Institution abschloss, die dannzumal neu Kunstakademie
hiess. 1994 konnte er seine erste Einzelausstellung
einrichten, Painting from Nature, im Contemporary Art
Centre in Vilnius. Erfolg hatte er ebenso mit Bühnenbildentwürfen
für Theaterstücke. 1998 erhielt er einen
Preis für das beste «Bühnendesign der Theatersaison» in
Litauen. Seinen Lebensunterhalt verdiente er als freier
Mitarbeiter in einer Büromöbelfirma, für die er Layouts
für Ausstellungsräume entwarf.
Ende 1997 brach er nach New York auf, wo er «Combined
Media» von 1998 bis 2002 am Hunter College studierte. Seine
erste Einzelausstellung in den USA erhielt er 2003 am P.S.1
Contemporary Art Center, gefolgt von weiteren Ausstellungen,
darunter eine Einzelausstellung in der Kunsthalle
Wien 2008. Im selben Jahr verbringt er als Calder-Preisträger
sechs Monate in Calders Atelier in Saché, Frankreich, wo
er seinen Beitrag für die Biennale vorbereitete: Tube – eine
Arbeit, mit der er 2009 Litauen vertrat.
Im Museum Tinguely erhielt Kempinas «Carte Blanche»,
um seine bisher grösste Einzelausstellung zu realisieren.
Sie breitet sich auf rund 1500 Quadratmeter
Fläche über vier Ausstellungsgeschosse aus und besteht
sowohl aus neu konzipierten Arbeiten als auch aus Arbeiten,
die bereits an anderen Orten zu sehen waren, aber
doch raumspezifisch stets neu entstehen.
Empfangen wird der Besucher durch die Arbeit Light
Pillars (2013), zwei grosse, acht Meter hohe, frei stehende
Zylinder. Ihre Form konstituiert sich durch mehrere konzentrische
Lagen von Videoband, das durch Ventilatoren
in oszillierende Bewegung versetzt wird und hell aufscheinendes
Licht im Inneren des Zylinders verdeckt. Es ist eine
extrovertierte, alle Aufmerksamkeit einfordernde Arbeit,
die inmitten von Tinguelys grossen Maschinenskulpturen
in der offenen Halle eine eigene, kraftvolle Dynamik entfaltet.
Kempinas Vokabular kennt aber ebenso die stille
Kontemplation, wie wir sie gleich nebenan auf rund 200
Quadratmeter Fläche mit der Arbeit Parallels (2007) antreffen.
Die den Raum längs durchmessenden, parallel
gespannten Videobänder geben hier den Blick sowohl von
oben, von der Galerie, als auch von unten, im Raum selbst,
auf diese scheinbare «Wasseroberfläche» frei.
Zilvinas Kempinas
Kakashi
ab 05.06.2013
Kloster Schönthal
www.schoenthal.ch
21
Artinside
Zilvinas Kempinas, Flux, 2009
Zilvinas Kempinas, Kakashi (Installationsansicht), 2012
Artinside

Zilvinas Kempinas. The works of the Lithuanian artist Zilvinas Kempinas are not only
kinetic but also minimalistic. Now a resident of New York, Kempinas uses the simplest of
means to create complex and atmospheric room situations of great beauty. His installations
play with air and lightness – the reliefs are based on time and chance. In the large single
exhibition devoted to Kempinas at the Museum Tinguely, his work will in part be shown
in rooms of its own and partly in dialogue with works by Jean Tinguely.
23
Zilvinas Kempinas, 2-Fan Drawing, 20101109-3, 2010
Zilvinas Kempinas, Parallels, 2007
Artinside
Eine der schönsten Raumpassagen des Museums, die
sogenannte «Barca», der mit Fensterband zum Rhein
hin offene Erschliessungsgang vom Erdgeschoss zum
Galeriegeschoss, nutzt Kempinas für die Arbeit Timeline
(2013): vertikal und parallel gespannte Videobänder orientieren
den Blick nach aussen neu. Während das Material
der Bänder bei frontaler Aufsicht verschwindet
und den Blick auf den Rhein freigibt, schliesst sich die
Fensterfront scheinbar, sobald der Blick in die Diagonale
oder nach links oder rechts wandert. Dann erlebt
man ein reiches Spiel von Lichtbrechungen und Reflexionen,
die sich auf der manchmal matten, manchmal
glänzend-dunklen Oberfläche abzeichnen.
Im zweiten Obergeschoss mit vier Oberlichtsälen
von klassischer Proportion sind zwei weitere, den Raum
durchmessende Arbeiten installiert. Slash besteht wie
Parallels aus parallel eng gespannten Videobändern,
ihre Wirkung ist aber doch verblüffend anders. Da sich
die Bänder diagonal durch den Raum erstrecken, wird
die perspektivische Raumwahrnehmung verhindert
und die Raumproportionen verschwimmen. Im letzten
Raum hält sich ein Band auf scheinbar magische Weise
selbst in der Luft und umtanzt die Wände. Es ist eine Poesie
der Leichtigkeit und der Schwerelosigkeit, die unsere
individuellen Träume vom Fliegen beflügeln kann.
Eine die Sinne überfordernde Manifestation von Energie
inszeniert Kempinas in der Installation Ballroom
(2010) im Untergeschoss, wo Ventilatoren, farbige Glühbirnen,
Videotapes und Spiegelfolie zu einem dichten
Tanz der Elemente vereint sind. Es ist eine Art Licht-
Raum-Modulator, in dem die Betrachter sich in ihrer
Orientierung verlieren können.
Zilvinas Kempinas ist ein Magier der Elemente, der
das Natürliche und das Künstliche als Ingenieur und
Orphiker verbindet. Schon in seiner frühen Arbeit Moon
Sketch (2005) ist der Kontrast zwischen Faktur und Wirkung
eindrucksvoll. Aus einfachsten Materialien, einer
im Innern schwarz bemalten Kartonrolle, Klebeband
und einem Kleinbilddia-Rahmen, entsteht ein Instrument
zur Himmelsbeobachtung, das allerdings als Periskop,
als «Wallgucker» funktioniert: nur Millimeter vor
einer Wand angebracht und auf diese gerichtet, zeichnet
sich scheinbar am dunklen Firmament in fahlem
Licht der kraterübersäte Mond ab. Tatsächlich blicken
wir auf ein Stück Wand von knapp zehn Zentimeter
Durchmesser, das mit seiner Textur, der weissen Wandfarbe
und der besonderen Lichtsituation diese Illusion
erst ermöglicht. Nichts ist versteckt, alles ist zu sehen,
und doch führt uns die Wirkung an einen Ort, der unsere
Sehgewohnheiten hinterfragt und herausfordert.
Zilvinas Kempinas, Ballroom, 2010
Artinside

Erkenntnis entsteht aus neuen Perspektiven –
in der Kunst wie in der Finanzwelt.
Neue Ideen und Erkenntnisse entstehen täglich.
Genauso kann uns Kunst überall begegnen,
wir brauchen nur genau hinzusehen.
Seit zwanzig Jahren unterstützen wir die Art Basel
und ermöglichen damit unseren Kunden,
ihre Leidenschaft für moderne
und zeitgenössische Kunst zu pflegen.
Und genauso engagiert, wie wir Kunsterlebnisse
unterstützen, beraten wir sie in Finanzfragen.
Michael Craig-Martin, Hammer (Blue), 2011
Art Basel: Parcours
rund um die Kaserne
Bereits zum vierten Mal belebt der Sektor Parcours der Art Basel
ein Quartier der Stadt. Die Veranstalter haben diesmal das Gebiet
rund um die Kaserne ausgewählt und planen in diesem lebendigen
Basler Stadtteil verschiedene Veranstaltungen und Interventionen
mit 17 Künstlerinnen und Künstlern von Weltrang. Kuratiert wird
der Parcours von Florence Derieux, Direktorin des FRAC (fonds régional
d’art contemporain) Champagne-Adrenne. Am Mittwoch,
12. Juni, startet das Projekt mit der Parcours Night, an der zahlreiche
Performances geboten werden. In der Kaserne Basel wird das L.A.
Dance Project das Werk Winterbranch aufführen, das der US-ChoreografMerce
Cunningham 1964 erstmals auf die Bühne brachte und für
das Robert Rauschenberg Bühnenbild, Kostüme und Licht gestaltet
hat. Als zweites Stück zeigt das L.A. Dance Project Moving Parts (2012),
bei dem der Choreograph und Tänzer Benjamin Millepied mit dem
Künstler Christopher Wool zusammengearbeitet hat. Für einen weiteren
Höhepunkt wird die serbische Künstlerin Marina Abramovic
sorgen. Nachdem sie bereits im vergangenen Jahr während der Art
Basel auf der Bühne des Theater Basel mit The Life and Death of Marina
Abramovic brillierte, kommt es in diesem Jahr am Parcours zur Wiederaufführung
der Performance The Airport, die sie 1972 im Student
Culture Centre in Belgrad erstmals gezeigt hatte.
Als kostenloses Freiluftkino wird auf dem Kasernenplatz der
Animationsfilm The Architect des Schweizer Künstlers Marc Bauer
gezeigt. Bauer hat mehrere hundert Plexiglasplatten mit schwarzer
Ölfarbe bemalt. Diese wurden danach dutzende und hunderte Male
abfotografiert, wobei der Künstler dazwischen immer wieder mit
trockenen Bürsten das Ölbild veränderte. Durch die serielle Montage
dieser Einzelbilder entstand ein düsterer, eindrücklicher Stummfilm,
der am Parcours von der französischen Band «Kafka» akustisch begleitet
wird.
Künstler am Parcours: Marina Abramovic, Marc Bauer, Tom Burr, Michael Craig-Martin,
Lothar Hempel, Joep van Liefland, Jill Magid, Lisa Oppenheim, Evariste Richer,
Sterling Ruby, Michael Smith and Joshua White, Valerie Snobeck, Daniel Steegmann
Mangrané, Danh Vo, Martin Walde, Artur Zmijewski
www.artbasel.com/basel/parcours
Öffnungszeiten/Weitere Angaben zu Art Basel und Parcours:
Beilage «Art City Basel» auf Seite 50 in diesem Magazin.
25
FISCHER
Kunstauktionen 12. bis 14. Juni 2013
Vorbesichtigung 1. bis 9. Juni 2013
www.fischerauktionen.ch
Wir werden nicht ruhen
Galerie Fischer Auktionen AG | Haldenstrasse 19 | CH-6006 Luzern
Tel. +41 (0)41 418 10 10 | info@fischerauktionen.ch
Artinside
www.ubs.com/sponsoring
Alberto Giacometti, Buste de Caroline. Entstanden 1961 Rückseitig signiert «Alberto Giacometti» und nummeriert «3/6». Bronze,
48 x 27 x 18 cm. Schätzung: CHF 3‘000‘000/5‘000‘000 bzw. EUR 2‘500‘000/4‘200‘000. © Succession Alberto Giacometti / 2013, ProLitteris, Zurich
© UBS 2013. Alle Rechte vorbehalten.

Ausgewählte Picasso-Trouvaillen aus Basler
Wohnzimmern und Museumsbeständen
Bei ihren Recherchen für die laufende Ausstellung «Die Picassos sind da!» im Basler Kunstmuseum sind die beiden Co-Kuratorinnen
Anita Haldemann und Nina Zimmer in Basler Sammlungen auf überraschende und teilweise noch nie öffentlich gezeigte Werke
gestossen. Auf den folgenden Seiten stellen sie einige dieser Kostbarkeiten in Kombination mit Werken aus der eigenen Sammlung vor.
Aufgezeichnet von Sibylle Meier
26
Nina Zimmer
ist Kuratorin für das 19. Jahrhundert und
Klassische Moderne am Kunstmuseum Basel
und Co-Kuratorin der Ausstellung
«Die Picassos sind da!».
Tête de Fou, 1905
“
Das war eine Entdeckung in einer Basler Privatsammlung,
mit der wir überhaupt nicht gerechnet
hatten. Wir haben dort verschiedene Bilder angeschaut,
und auf einmal kamen wir in einen Raum, in
dem überraschend diese Skulptur stand. Es handelt
sich um eine sehr seltene Skulptur, die wir in Basel
nicht erwartet hätten und vom Motiv her der rosa
Periode zugerechnet wird. Darum zeigen wir dieses
Werk auch im Kontext mit den Deux frères, die Picasso
1906 gemalt hat. Für uns ist besonders schön, dass
es dieses Harlekin-Motiv in einer Skulptur gibt. In
jener Zeit hat Picasso oft Strassenjungen, Artisten
und Harlekins gezeichnet und gemalt. Dieses Motiv
wird später, in den 1920er-Jahren, in Picassos Werk
eine sehr wichtige Rolle spielen, und aus jener Zeit
können wir in unserer Ausstellung drei Gemälde mit
dem Harlekin-Motiv zeigen.
Wann dieses Werk gegossen wurde, ist nicht geklärt.
Wir gehen aber nicht davon aus, dass der Tête
de Fou bereits 1905 gegossen wurde, weil ein Bronzeguss
für einen jungen Künstler immer eine sehr
grosse Investition war, für die er zuerst jemanden
finden musste, der das Vorhaben finanzierte. Diese
Skulptur wurde von Picassos Galeristen Ambroise
Vollard gegossen.
Nina Zimmer
Pablo Picasso, Le repas frugal, 1904
27
Anita Haldemann
ist Kuratorin des Kupferstichkabinetts im
Kunstmuseum Basel und Co-Kuratorin der
Ausstellung «Die Picassos sind da!».
Le repas frugal, 1904
“
Dieses Blatt wurde vom Kupferstichkabinett des Kunstmuseums
Basel sehr früh, 1926, angekauft. Es handelt sich um die allererste
Druckgrafik, die Picasso angefertigt hat. Eine Radierung in diesem
Format war zu jener Zeit überhaupt nicht üblich. Er hat bei dieser
Arbeit ein sehr feines, differenziertes Schraffursystem angewendet,
und es ist erstaunlich, dass er dies auf Anhieb beherrscht hat. Druckgrafik
ist für viele Künstler eine Herausforderung, weil sie die Technik
wirklich beherrschen müssen. Aber genau das hat ihn gereizt –
dieses Material in den Griff zu bekommen. Damals, 1904, hat ihn ein
Künstlerkollege im Atelier in die Materie eingeführt, ihm eine Platte
gegeben und er hat einfach losgelegt.
Auch dieses Werk zeigt sein Interesse an Randfiguren wie Zirkusakrobaten,
Prostituierten oder, wie auf diesem Bild, armen Leuten,
zu denen Picasso damals auch gehörte. Er scheint sehr viel Zeit in
diese Technik des Radierens investiert zu haben, obwohl er – es war
zu Beginn seiner blauen Periode – kaum Bilder verkaufen konnte. Die
ersten Abzüge verschenkte er an Kollegen, und erst später konnte
sein Galerist Ambroise Vollard eine Auflage drucken, die über den
Kunstmarkt verkauft wurde. Mit dieser Druckgrafik gelang Picasso
ein Meisterwerk, dessen differenzierte Graubabstufungen malerische
Qualitäten aufweisen.
” Anita Haldemann
Artinside
Pablo Picasso, Tête de Fou, 1905
Artinside

Mademoiselle Léonie, 1910
28
“
Es gibt noch solche kubistischen Gemälde in Basler Privatbesitz!
Ein Gemälde aus dem Jahr 1910, die Mademoiselle Léonie. Hier möchte
Picasso den Porträtkopf, der nicht wirklich ein Porträtkopf ist, in Flächen
auflösen. Auf den ersten Blick denkt man, das Bild nähere sich
der Abstraktion, und es gab auch keine echte Mademoiselle Léonie –
den Namen hatte er aus einem Roman. Doch im Nachlass Picassos
sind zahlreiche Fotos aufgetaucht, und eine dieser Fotografien zeigt
eine Schauspielerin in Barcelona, nach der er dieses Bild gemalt haben
muss.
Wenn man die Fotografie mit dem Bild vergleicht – die runde
Gesichtsform, die Haarlocke – dann hat das Gemälde fast eine Porträtähnlichkeit,
die wirklich verblüffend zutreffend ist. Picasso nutzt
dabei eine Technik, wie sie Karikaturisten verwenden: Intuitiv erfasst
er charakteristische Merkmale einer Person, die er dann gezielt einsetzt.
Dann reduziert er alles Übrige und schaut, wie viel Abstraktion
er zulassen kann. Er hat diese Grenzen bewusst ausgelotet, denn
der ganze Spass fällt natürlich in sich zusammen, wenn man sagt: Ich
mach nur noch vier Ecken. Picasso ist einer der wichtigsten Pioniere
der abstrakten Kunst, aber es gibt quasi kein wirklich abstraktes Werk
von Picasso, weil er immer in diesem Spannungsverhältnis geblieben
ist und die Realität bewusst nie ganz verlassen hat.
” Nina Zimmer
Pablo Picasso, Mademoiselle Léonie, 1910
La tasse (Le bouillon KUB), 1912
“
Diese Trouvaille haben wir besonders gerne. Diese ganz kleine Holztafel als Depositum
aus Privatbesitz. Sie stammt aus dem Jahr 1912, gegen Ende des Kubismus, und weil das Bild so
klein ist, können wir es nur selten hängen. Picasso erlaubt sich hier einen Witz. Der Ausdruck
Kubismus wurde von der Kunstkritik als Schimpfbegriff verwendet. Die Maggi-Suppenwürfel,
in Frankreich «Bouillon CUBE» genannt, hatten damals eine Werbekampagne, in der sich
der Suppenwürfel dreidimensional auflöste. Das war für Picasso ein gefundenes Fressen. Die
Bouillon Kub, das wörtliche Auflösen dieses Würfels, setzte er auf diesem Bild um: Er würfelt
das ganze Stillleben auf, löst das Bild auf und nennt es schlicht «Die Tasse».
Er macht sich nicht nur einen Spass daraus, er tut dies auch mit grosser Unbeirrbarkeit.
Diese Sicherheit ergab sich aus der Konstellation mit Georges Braque, mit dem er ja gemeinsam
den Kubismus entwickelt hatte. Die beiden waren sich gegenseitig Stütze – sie waren
füreinander auch ihr eigenes Publikum. Vielleicht hat er das Bild auch für Braque gemalt, um
diesen Witz für ihn zu formulieren.
” Nina Zimmer
Pablo Picasso, Bouteille sur une table, 1912
Bouteille sur une table, 1912
“
Dies ist ein revolutionäres Werk, auch wenn es bescheiden daherkommt.
Denn in der Phase des Kubismus ist auch im Bereich der
Zeichnung bei Picasso extrem viel passiert. Die Künstler begannen,
ein Stück Zeitungspapier oder Tapete aufs Zeichnungspapier zu kleben
– eine Neuerung, die bis heute die Kunst prägt. Gerade heute ist
die Collage wieder sehr aktuell.
Bis zu jenem Zeitpunkt war das Bild oder die Zeichnung eine Fläche,
auf der der Künstler die Illusion des Raumes, die Dreidimensionalität
erreichen wollte. Durch die Collage wurde mit dieser Illusion
radikal gebrochen. Aus dieser Zeit sind nur ganz wenige Werke erhalten.
Picasso hat auch mit aufgeklebtem Papier relief-artige Werke geschaffen.
Damit kamen die klassischen Kategorien in Bewegung, und
es stellte sich die Frage: Was ist nun Bild, was kommt in den Raum
– wo ist der Übergang vom Bild zur Skulptur? Picasso hat dann aus
einigen dieser Werke auch grosse Collagen gemacht, er hat diese als
Studienmaterial für weitere Werke verwendet.
Anita Haldemann
Pablo Picasso, Étude pour «les Demoiselles d’Avignon», Mai 1907
”
Esquisse pour «les Demoiselles d'Avignon»
Étude pour «les Demoiselles d'Avignon»
“
Diese beiden Zeichnungen sind Geschenke: Die rechte Skizze behielt
Picasso sechzig Jahre lang in seinem Atelier, schenkte sie nach der
Volksabstimmung im Jahre 1967 dem Kunstmuseum Basel. Die linke Skizze,
die etwas später entstanden ist, hat uns Douglas Cooper geschenkt,
ein enger Freund von Picasso, einfach weil er so begeistert war von der
Basler Kubismus-Sammlung. Insgesamt hat Picasso für sein wohl bedeutendstes
Werk Les Demoiselles d'Avignon 19 Vorzeichnungen gefertigt und
diverse kleine «Carnets» mit diesem Motiv gefüllt. Er brauchte einfach
eine gewisse Zeit, um dieses Motiv zu entwickeln und so radikal werden
zu lassen.
Picasso hat hier ein Motiv des 19. Jahrhunderts, eine Bordellszene, genommen
und alle narrativen Elemente weggelassen und verbindet die
schon fast aggressiv wirkende kommerzielle Sexualität dieser Frauen mit
der afrikanischen Skulptur, die fremd, archaisch und wild wirkt. Zusätzlich
zu seiner neuen Formenspache, macht diese Verbindung, auf revolutionäre
Art das Moderne in diesen Werken aus.
Anita Haldemann
Pablo Picasso, Esquisse pour «les Demoiselles d’Avignon», März/April, 1907
”
29
Artinside
Pablo Picasso, La tasse (Le bouillon KUB), 1912
The Picassos Are Here! Pablo Picasso (1881–1973) is a key figure of twentieth-century art. With his
ample and multifaceted oeuvre, he shaped the course of modern art like no other artist. The Kunstmuseum
presents a major retrospective of Picasso’s oeuvre. Taking up the entire second floor, it consists exclusively
of works from collections in Basel. The first-rate Picassos held by the Kunstmuseum Basel and the
Fondation Beyeler will be on display beneath the same roof for the first time ever, complemented by
paintings from numerous private collections in Basel. Bringing together these holdings from numerous
lenders allows us to build a comprehensive retrospective that illustrates all major periods in Picasso’s
oeuvre at the highest level of quality, and to juxtapose the artist’s paintings, sculptures, drawings, and
prints so as to reveal the interplay between the different media. It is not accidental that Basel possesses
such eminent Picasso holdings. Collectors like Raoul La Roche, Rudolf Staechelin, Karl Im Obersteg, and
Maja Sacher-Stehlin built substantial portfolios even before the Second World War. In 1967, enthusiastic
support from the people of Basel made the acquisition of important paintings possible; Picasso personally
expressed his appreciation by donating prominent works to the City.
Artinside

30
Femme au béret orange
et au col de fourrure, 1937
“
Dies ist unser Plakatmotiv, und es handelt sich nun
wirklich um eine Trouvaille. Nachdem Picasso dieses Bild
gemalt hatte, wurde es nur ein einziges Mal ausgestellt,
sehr kurz in der Galerie Beyeler. Ein Basler Sammler hat
es damals gekauft und es wurde nie wieder ausgeliehen,
nie wieder ausgestellt. Niemand kannte dieses Gemälde.
An diesem Bild lässt sich gut erklären, wie man Picassos
Modelle erkennen kann: Klassisch, blond und eine
Nase, die gerade in einer Linie in die Stirn übergeht – das
ist Marie-Thérèse Walter. Braune Haare und das Gesicht
in einzelne Anatomieteile zerstückelt und kompliziert –
das ist die schwierige Dora Maar. Es war die Zeit, in der
Picasso in einer Vierecks-Beziehung lebte, und Dora
Maar, selbst eine Künstlerin, eine Fotografin, die sich
im Surrealisten-Zirkel bewegte, war sicherlich die anspruchvollste
und stärkste Geliebte Picassos.
Nina Zimmer
”
Malerin mit «Pinsel-Speer» und «Farb-Schild»
Suite de 180 dessins, 1953/1954
“
Hier zeigen wir eine ganz spezielle Serie – wir haben hier 26 Blätter aus einer
Privatsammlung, und ein einzelnes der Fondation Beyeler aus einer Serie von 180
Zeichnungen, die Picasso im Dezember 1953 und Januar 1954 entstehen liess. Picasso
war damals in einer Krise. Ein guter Freund war gestorben, und Françoise
Gilot hatte ihn mit den gemeinsamen Kindern Claude und Paloma verlassen. Es
war das einzige Mal in Picassos Leben, dass er von einer Frau verlassen wurde.
Picasso nutzte Krisenzeiten immer wieder, um neu anzusetzen: Diese Serie
mit den 180 Zeichnungen wurde im Frühling 1954 in einer Doppelnummer der
Kunstzeitschrift Verve publiziert. Obwohl er wusste, dass diese Zeichnungen veröffentlicht
werden, haben die Skizzen starken Tagebuchcharakter. So zeichnet er
beispielsweise eine Malerin, die den Pinsel wie einen Speer und die Palette wie
einen Schild hält – da ist der Bezug zu Françoise Gilot, die selbst Ambitionen als
Malerin hatte. Er zeichnet sie aber korpulent und nicht gerade hübsch, dabei war
Françoise Gilot eine wunderschöne Frau!
Picasso stellt sich hier aber nicht nur als Maler vor der Staffelei dar, sondern
auch als Zeichner mit Zeichenblock. Er nimmt sich, den 70-Jährigen, dabei selber
aufs Korn. Er zeichnet sich als alten, kurzsichtigen Mann mit Brille. Es zeigt sich
hier schön, wie er sich mit sich selbst beschäftigt. Er fragt sich wohl als Mann wie
als Künstler: Was will ich noch? Was kann ich noch? Was kommt auf mich zu?
Er war damals extrem produktiv, und anhand der exakten Datierung wissen wir,
welche Zeichnungen er am gleichen Tag gemacht hat.
Anita Haldemann
”
31
Die Ausstellung wird unterstützt durch:
L. + Th. La Roche-Stiftung
Swisslos Basel-Landschaft
Stiftung für das Kunstmuseum Basel
Zeichner und Modell
Pablo Picasso, Femme au béret orange et au col de fourrure, 1937
Le déjeuner sur l’herbe, 1961
“
Dieses Bild ist aus einer Serie, in der Picasso das
Manet-Bild Déjeuner sur l’herbe variiert und Paraphrasen
darauf entwickelt. Im Gegensatz zu früher, wo er sich
Frauen als Modelle nimmt, greift er hier im Spätwerk auf
Meisterwerke der Kunstgeschichte zurück. Wenn man
das Gemälde von Manet kennt – die beiden lagernden
Studenten und die nackte Frau beim Picknick im Grünen
–, dann erkennt man bei Picasso, dass das schon eine
spätere Variante ist. Es fängt mit der Figurenkonstellation
an: den Mann links lässt er weg, die Frau im Hintergrund
entkleidet er – aber ein paar Elemente bleiben: wie
der Baum rechts, gegen den der Student mit dem Spazierstock
gelehnt ist. Und auch der Spazierstock ist sehr
genau umgesetzt. Er malt dieses Bild im Hochformat, obwohl
Manets Vorlage ein Querformat ist. Er geht zunehmend
sehr, sehr frei mit diesen Anregungen um. Aber er
braucht immer dieses «Gegenüber» des anderen Gemäldes,
an dem er sich abarbeitet.
” Nina Zimmer
Pablo Picasso, Le déjeuner sur l’herbe, 1961
Pablo Picasso, Suite de 180 dessins, 1953/1954
Artinside
Artinside

Some End of Things
mit: Michaela Eichwald, David Hammons, Judith Hopf,
Fabian Marti, Ariane Müller, Jewyo Rhii, Nora Schultz
und Anicka Yi
Some End of Things
25.05.2013 – 15.09.2013
Museum für Gegenwartskunst
Basel
www.kunstmuseumbasel.ch
32
Ed Ruscha, Bronson Tropics, 1965
Die Gruppenausstellung im Museum für Gegenwartskunst
richtet den Blick auf die Dynamik zeitgenössischer Kunstproduktion.
Die eingeladenen Künstler verbindet die Frage,
inwieweit sich prozessorientierte Arbeiten, die der Flüchtigkeit,
dem Gestischen und dem Provisorischen verpflichtet sind, zugleich
wichtiger Problemstellungen der Ästhetik annehmen können. Gemeinsam
ist ihnen eine gewisse Verunsicherung der Form, ihre
Loslösung aus festgelegten Bedeutungszusammenhängen, in der
Hyperpräsenz einer Ästhetik des Entzugs auf meist humorvolle Art
begegnet.
Judith Hopf beispielsweise entwickelt in ihrem Werk disharmonische
und slapstickhafte Situationen, die gespickt sind mit Parodien
des Alltags: In ihrer Videoarbeit, die titelgebend für die Ausstellung
ist, Some End of Things: The Conception of Youth, 2011, wandert
ein Ei durch ein Atrium einer modernistischen Architektur, die
Treppen hinauf, läuft Gänge und Verbindungsbrücken ab, bis es
schliesslich an dem Versuch scheitert, sich Einlass in das Gefüge aus
Glas, Stahl und Beton zu verschaffen. Die Komödie nimmt im Verlauf
des Geschehens absurde Formen an, und das Bild wird eindeutig:
Die physische Hürde führt in ihrer Folge auch zu sozialem und
kulturellem Ausschluss. Die Ausstellung zeigt Verbindungen und
Brüche auf, Wiederholungen und Widersprüche. Die Narration verläuft
nicht linear, sondern ständige Perspektivenwechsel sind vorrangig.
Alles ist in Bewegung und eine produktive Destabilisierung
der Beweis dafür, dass alles fliessend und zur Wandlung fähig ist:
die flüchtige Geste in eine bleibende Erinnerung, die kontrollierte
Form in ein Provisorium, der architektonische Raum in ein dynamisches
Geflecht von Geräuschen und persönlichen Assoziationen.
Die eingeladenen Künstler der Ausstellung richten ihren Blick
dezidiert auf gesellschaftliche Prozesse und bedienen sich dabei
der Kunst als eines autonomen Raumes, in dem die Verhältnisse
verschoben werden. Dabei wird Bekanntes mit unterschiedlichen
Methoden fragmentiert und transformiert.
Die vielgestaltigen Praktiken verweigern sich einer schlüssigen
Narration oder einem zusammenhängenden Kontext; stattdessen
reflektieren sie ein Bestreben gegen eine Vereinheitlichung. Viele
der in der Ausstellung gezeigten Werke verweisen direkt auf parallel
stattfindende Projekte ausserhalb der Museumswände. In diesem
Sinne stehen sie vielleicht auch symptomatisch für ein erweitertes
Verständnis einer sich ständig neu zu definierenden künstlerischen
Praxis. Bei dieser zu beobachtenden Heterogenität und einer freefloating
Praxis stellt sich die Frage nach der Gegenwart neu.
33
Ed Ruscha
Los Angeles Apartments
Ed Ruscha
Los Angeles Apartments
08.06.2013 – 29.09.2013
Kunstmuseum Basel, Kupferstichkabinett
www.kunstmuseumbasel.ch
Artinside
Ed Ruscha ist als Maler, Zeichner, Fotograf,
Filmemacher und Grafiker tätig. Er
wurde 1937 in Omaha, Nebraska, geboren.
Von Oklahoma City aus, wo sich die Familie
niedergelassen hatte, zog er 1956 nach Los
Angeles. Hier erhielt er am Chouinard Art Institute
eine Ausbildung auf dem Gebiet der fotografischen
Techniken, der Werbegrafik und
der Kunstgeschichte. Im Herbst 1962 nahm er
an der für die Etablierung der Pop Art in Amerika
legendären Ausstellung New Painting of
Common Objects teil, die Walter Hopps für das
Pasadena Art Museum organisiert hatte. Hier
befand er sich in Gesellschaft von Künstlern,
die an der Ost-, aber auch der Westküste tätig
waren. Sie gehörten zu den Protagonisten der
Pop Art, darunter Jim Dine, Robert Dowd, Joe
Goode, Phillip Hefferton, Roy Lichtenstein,
Wayne Thiebaud und Andy Warhol. Ruschas
erste Einzelausstellung fand 1963 in der Ferus
Gallery in Los Angeles statt.
Von 1963 an bis in die Siebzigerjahre hat
Ruscha unter anderem sechzehn Fotobücher
geschaffen, die von weit reichendem Einfluss
auf Künstler der Pop und der Concept Art waren.
Ein Teil von ihnen befasst sich mit der
Stadt Los Angeles und deren Umgebung. 1965
erschien Some Los Angeles Apartments, und im
selben Jahr schuf er zehn Graphitzeichnungen
zu diesem Thema.
Mit dem Erwerb von neun Vorzeichnungen
für diese bildmässig in Graphit ausgearbeiteten
Zeichnungen und dem Ankauf eines
Sets der 2003 edierten 25 Schwarz-Weiss-Fotografien
zum selben Thema war das Fundament
für die Ausstellung Ed Ruscha. Los Angeles
Apartments gelegt. Naheliegend erschien es,
möglichst viele der heute in amerikanischen
Museen und Privatsammlungen befindlichen
Los Angeles Apartments den vorbereitenden
Studien an die Seite zu stellen.
Ausgangspunkt für die Graphitzeichnungen
waren Schwarz-Weiss-Fotografien,
die Ruscha im Hinblick auf sein Fotobuch angefertigt
hatte. Ruschas Arbeitsweise kann im
unmittelbaren Nebeneinander der verschiedenen
Medien besonders gut veranschaulicht
werden. Ergänzt wird das Thema der Apartments
durch eine Gruppe 1962 im Kontext
seines ersten Fotobuches Twentysix Gasoline
Stations entstandener Fotografien sowie durch
Zeichnungen zu den Gemälden Large Trademark
with Eight Spotlights von 1962 und Standard
Station, Amarillo, Texas von 1963. Mit ihrer
Darbietung der Motive aus extremen Perspektiven
und ihren ausgeprägten Querformaten
greifen diese grossformatigen Gemälde Strategien
der Fotografie und des Filmes auf. Als
realistische und zugleich abstrakte Bilder mit
einer reduzierten Palette in den wiederkehrenden
Grundfarben Gelb, Rot und Blau sind
sie längst zu Ikonen der Pop Art geworden.
Die Ausstellung wird unterstützt durch:
IWB Industrielle Werke Basel
Stiftung für das Kunstmuseum Basel
Anicka Yi, Atelier
Artinside

Ein Fest der Farben in Baden-Baden
Emil Nolde. Werkschau im Museum Frieder Burda
34
35
Emil Nolde, Grosser Mohn, 1942
Artinside
Emil Nolde, Frühling im Zimmer, 1904
Leuchtendes Rot, dunkles Blau und intensives Lila,
in solch ausdrucksstarken Farben malte Emil Nolde
romantische Landschaften und dramatische Meeresbilder.
Alle seine Bilder verbindet die emotionale Kraft
der Farben. Nolde (1867–1956) zählt zu den wichtigsten
Künstlern des Expressionismus. In einer umfangreichen
Werkschau werden im Museum Frieder Burda die zentralen
Themen seines künstlerischen Schaffens vorgestellt.
Neben Landschaften sind Figurenbilder und Bildnisse
zu sehen, ebenso religiöse Motive sowie Impressionen
seiner Südseereise. Emil Nolde. Die Pracht der Farben,
heisst die grosse Sommerausstellung, die vom 15. Juni bis
13. Oktober 2013 im Museum Frieder Burda zu sehen sein
wird. Es ist seit vielen Jahren die erste grosse Nolde-Ausstellung
in Süddeutschland. Gezeigt werden 58 Ölgemälde
und 22 Aquarelle, von den Anfängen bis zum Spätwerk
des Künstlers. Die Ausstellung entstand in Kooperation
mit der Nolde Stiftung Seebüll und wird von Manfred
Reuther, dem ehemaligen Direktor der Nolde Stiftung,
kuratiert.
Die farbintensiven Malereien offenbaren die Vielschichtigkeit
der Lebenswelt von Emil Nolde. Manfred
Reuther: «Noldes künstlerische Entwicklung war von
Anbeginn seines bildnerischen Arbeitens der Weg zur
Farbe als seinem eigentlichen Ausdrucksmittel, das er
zunehmend virtuos zu handhaben verstand.

PRIVATBANQUIERS SEIT 1886
37
Endless Column, Filmstill, 2011
Michel Auder
«Stories, Myths, Ironies, and Other Songs: Conceived, Directed, Edited, and Produced by M. Auder»
Michel Auder
09.06.2013 – 25.08.2013
Kunsthalle Basel
www.kunsthallebasel.ch
KAUFHAUSGASSE 7, BASEL
egwu
MITGLIED DER VEREINIGUNG SCHWEIZERISCHER PRIVATBANQUIERS
BASEL – GENF – ZÜRICH
WWW.GUTZWILLER.CH +41 61 205 21 00
Im Sommer eröffnet die Kunsthalle Basel
die erste grosse Ausstellung Michel Auders
in der Schweiz, die eine Auswahl
seiner Video-Arbeiten zeigt, welche zwischen
1969 und 2013 entstanden sind. Der 1945 in
Soissons (FR) geborene Künstler lebt seit 1970
in New York (USA). Die Ausstellung präsentiert
die gesamte Bandbreite des reichen Œuvres
Auders, eine Neubetrachtung der Vielfalt
der Genres und Formate, die er erforscht und
gibt eine Einführung in Michel Auders verschiedene
Rollen, die er weiterhin als Kameramann,
Regisseur, Cutter und Produzent seiner
eigenen Film- und Videoarbeiten spielt.
Mit 18 Jahren, belesen in zeitgenössischer
Literatur und stark beeinflusst durch die innovativen
Filmbearbeitungstechniken und
nicht-linearen narrativen Strukturen der französischen
Nouvelle Vague sowie den experimentellen
Cut-up-Techniken, mit welchen
sich William S. Burroughs und Brion Gysin in
ihrer Poesie in den 50er-Jahren beschäftigten,
begann Auder in Frankreich zu fotografieren
und zu filmen.
1969 liess er sich mit seiner Frau Viva, eine
von Andy Warhols Superstars, in New York
nieder und begann das Sony Portapak Video
Equipment zu verwenden. In Auders Arbeiten
aus dieser Zeit, einschliesslich der Produktion
Cleopatra in Spielfilmlänge, beteiligten sich
oft Stammgäste aus Andy Warhols Factory,
welche vor Auders Kamera improvisierten.
Auder, der selbst als Dokumentarfilmer
oder Anthropologe arbeitet, entwickelte eine
Form des traumartigen Videotagebuchs, indem
er sich selbst, oft in verschiedenen häuslichen
Umfeldern oder während seiner Reisen,
darstellt. Ebenfalls produzierte er intime Portäts
befreundeter Künstler wie Hannah Wilke,
Alice Neel, Annie Sprinkle, Louis Waldonoder
Cindy Sherman (Auders zweiter Frau).
Auders Arbeit, welche als eine Art Schreiben
mit Bildern, Musik, Worten und Ton
beschrieben werden kann, macht Gebrauch
von diesem umfassenden Archiv von Video
und Ton, welches er die letzen 40 Jahre angesammelt
hat. In seinen Videos mischt er
vergangene mit neuen Aufnahmen, sodass
die Datierung des Werks mit dem Jahr der
Filmbearbeitung übereinstimmt – manchmal
Jahrzehnte nachdem die ursprünglichen Aufnahmen
entstanden sind.
Für Jonas Mekas, selbst Filmemacher,
Freund Auders und Begründer der legendären
Anthology Film Archives in New York, ist
Michel Auder ein Poet: «Ein Poet der Stimmungen,
Gesichter, Situationen, kurzen Begegnungen,
tragischen Momente aus unserer
miserablen Zivilisation, des Leidens. Und ja,
auch menschlicher Eitelkeit, Lächerlichkeit.
Städte, Menschen, Tiere, Kultur, Natur – alles
wird in Auders kontinuierlichen Video-Tagebüchern
reflektiert, welche er seit 20 Jahren
dokumentiert. […][Die] Kamera war immer
da, läuft immer, ist ein Teil des Hauses, ein
Teil seines Lebens, seiner Augen, seiner Hände.
Sie ist es immer noch. Eine der schönsten
Liebesaffären – nein, keine Affäre: eine Besessenheit.»
Jonas Mekas, A Personal Note on the Work of Michel
Auder, May, 1991, in: Michel Auder,
Selected Video Works 1970–1991, Anthology Film
Archives, New York.
Die Ausstellung ist Teil der Kollaboration mit Culturgest
in Lissabon, in dem die Ausstellung Retrato
Michel Auder (Porträt von Michel Auder) von Februar
bis Mai dieses Jahres gezeigt wurde. Eine umfassende
Publikation ist in Vorbereitung, welche die beiden
Ausstellungen sowie die dritte Ausstellung im Portikus
Frankfurt im Herbst dieses Jahres dokumentiert.
Artinside

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Was jetzt? Aufstand der
Dinge am Amazonas
Was jetzt? Aufstand der
Dinge am Amazonas
bis 29.09.2013
Museum der Kulturen
www.mkb.ch
Holzfigur der Ocaina aus Kolumbien, 1960er-Jahre
Das Leben von Dingen endet nicht, wenn sie in eine ethnografische
Museumssammlung kommen. Vielmehr erzählen
sie uns Geschichten einer gemeinsamen Vergangenheit
und Gegenwart zwischen dem Museum und den Herkunftsorten.
Und sie stellen Fragen nach der Verantwortung, die wir aus diesen Beziehungen
für die Zukunft tragen.
Mit der Ausstellung Was jetzt? Aufstand der Dinge am Amazonas stellt
sich das Museum der Kulturen Basel diesen Fragen und lädt ein zu einer
inspirierenden Reise durch die historischen und aktuellen Verflechtungen
zwischen dem Amazonastiefland und den ethnografischen
Sammlungen am Rheinknie. An ausgewählten Sammlungsstücken
aus den Jahren 1950 bis 2010 untersucht die Ausstellung die Interessen
und Weltsichten verschiedenster Akteure; ein besonderes Augenmerk
richtet sich auf diejenigen indigener Gemeinschaften. In diesen spielen
Objekte eine zentrale, aktive Rolle bei der Menschwerdung, Ausgestaltung
sozialer Beziehungen und der Visualisierung von Identitäten.
Mythen erzählen, wie Objekte geschaffen werden und ihre Lebensrolle
einnehmen, aber auch gegen Menschen rebellieren, wenn sie nicht
die gebotene Behandlung erfahren. Die Ausstellung verbindet zeitgenössische
Ansätze der Ethnologie, die nach der Wirkungsmächtigkeit
von Dingen forschen, mit der Frage nach Handlungsspielräumen von
indigenen Akteuren im globalen Kontext. Gigantische Infrastrukturmassnahmen
zur Erschliessung natürlicher Ressourcen werden Amazonien,
und wohl auch den Rest des Planeten, einschneidend und unwiderruflich
verändern. Das Museum der Kulturen nimmt die aktuelle
Problematik auf, um Bezügen zwischen Museumssammlungen und
historischen Ereignissen in Amazonien nachzugehen. Die Frage «Was
jetzt?» wird nicht beantwortet, denn die Ausstellung versteht sich als
Reflexionsplattform, die es den Besucherinnen und Besuchern offen
lässt, ob und wie sie die Frage nach der globalen Verantwortung – die
je nach Standpunkt zwischen Engagement und neokolonialer Einmischung
verortet wird – angehen wollen.
Kultur erzählt | Museumsfest | 24.05.2013 – 26.05.2013
POPCAP ’13 – piclet.org
Artinside
Renée Levi, Ausstellungsansicht, Kloster Schönthal,2013
Renée Levi. Italique.
Im Kloster Schönthal
Wenn die Künstlerin nach cursif für ihre neue Ausstellung den
Titel italique wählt, dann schreibt oder malt sie ihr Alphabet
weiter. Typografie wird Malerei. Italique ist auch Kursivschrift, und
die Malerei demzufolge schräg. So liegen jedenfalls grosszügig gemalte
Farbformen auf rohen Leinwänden und messen deren Flächen aus,
eilen über sie hin und deren Grenzen entlang. Ein Bild ist ein Bild ist
ein Bild. Schräg im doppelten Wortsinn sind diese Bildtafeln indessen
nicht – im Gegenteil. Sie wirken luzid, transparent, cartesianisch
klar. Diese Bilder wollen nicht mehr, als dass sie da sind: Leinwände
Renée Levi
Italique
04.05.2013–29.09.2013
Kloster Schönthal, BL
www.schoenthal.ch
auf Keilrahmen, rohes Leinen oder maschinell weiss grundierte Stoffbahnen
auf Holzträgern, welche als Hintergrundstruktur durchscheinen
können. Ein gestischer Farbauftrag, der aus dem Farbkessel kommen
kann oder aus der Spraydose. Fertig ist das Bild. Radikal wie die
romanische Architektur der Schönthaler Klosterkirche. Renée Levi,
1960 in Istanbul geboren, in Basel arbeitend und der französischen
clarté verpflichtet, war Architektin. Konträr zu vielen Laufbahnen,
ist sie vom Raum zur reinen Fläche gelangt. Ihre Ausstellung Italique
schreibt im Kloster Schönthal Einrichtungsgeschichte.
Das Museum der Kulturen nimmt dieses Jahr
die Tradition des Museumsfestes wieder auf.
Das diesjährige Motto lautet «Kultur erzählt»
und widmet sich den Geschichten von heute,
gestern und morgen. Der Gast kann sich im
Märchenwald verzaubern lassen, an Workshops
teilnehmen, Konzerten lauschen, sich
von Führungen inspirieren lassen, über den
Designmarkt schweifen und so ganz in die
Welt des «Geschichten-Erzählens» eintauchen.
Das Fest findet auf dem Münsterplatz,
im Museum der Kulturen Basel und
den angrenzenden Höfen statt.
Alle Veranstaltungen wie auch der Museumsbesuch
sind während des Museumsfestes
für die Besucher kostenlos.
Detailprogramm: www.mkb.ch/kulturerzaehlt
Freitag–Sonntag 24.05.–26.05
auf dem Münsterplatz, Basel
Fr 24.05. | 18.00–24.00
Sa 25.05 | 10.00–24.00
So 26.05 | 10.00–17.00
Preis für Zeitgenössische
Afrikanische Fotografie
06.06.2013 – 23.06.2013
Vernissage: Do, 6. Juni, ab 17.00 Uhr
Auf dem Münsterplatz präsentiert
POPCAP ’13 Werke von fünf zeitgenössischen
FotografInnen. Sie beschäftigen sich
auf unterschiedliche Weise mit dem Kontinent
Afrika und seiner Diaspora.
Das Museum der Kulturen Basel zeigt im
Rahmen von POPCAP ’13 eine zweite Ausstellung
in Zusammenarbet mit K-Werk und
bblackboxx: Vorgestellt werden Fotografien,
die aktuell in Basel entstanden sind und
Vorstellungen über Afrika reflektieren.
Artinside

Light Shining Darkly
Christopher Orr im Kunsthaus Baselland
von Sabine Schaschl*
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Der britische Künstler Christopher Orr,
der zu den eindrucksvollsten Malern
der Gegenwart zählt, zeigt im Kunsthaus
Baselland nebst Arbeiten der letzten Jahre
auch speziell für die Ausstellung entstandene
Werke. In seinen Malereien verbinden
sich Landschaftsausschnitte, die an die Old
Masters der Kunstgeschichte erinnern, mit
Figuren, die dem 20. Jahrhundert zu entspringen
scheinen. Abgetrennte zeitliche Momente
verschmelzen, Unvereinbares kann zusammen
gelesen werden, Altes und Neues verbindet
sich und bildet zusammen mit dem Betrachter
eine Verbindung mit der Gegenwart.
Christopher Orr malt meist an mehreren
Bildern gleichzeitig. Als wichtiger Fundus
für seinen Schaffensprozess erweist sich
dabei sein Bildarchiv, bestehend aus alten
Magazinen (allen voran «National Geographic»)
aus den 30er- bis 70er-Jahren und Büchern.
Werke von Tiepolo, Vermeer, Bosch,
Hals, van Eyck, Caravaggio und anderen sind
konzeptuelle Vorbilder, auf die der Künstler
immer wieder, v.a. in Details, zurückgreift.
Zu seinem Archiv zählen auch thematische
Bildsammlungen, die beispielsweise Wissenschaftliches,
Mystisches oder Sphärisches
gruppieren. Viele der Figuren, Objekte,
Landschaften und die Tätigkeiten der Figuren
entstammen dem Archiv. Der Künstler fügt
sie collageartig aus verschiedenen Quellen
zusammen, indem er sie zunächst in seinem
Skizzenbuch konzipiert und zeichnet. Die daraus
hervorgehenden, meist kleinformatigen
und mit hoher Handfertigkeit produzierten
Ölmalereien verlocken zum detaillierteren Betrachten,
wobei nicht nur die Pinselführung,
die sowohl auf- als auch abträgt, auffällt, sondern
auch die Brüche in der Schilderung von
Zeitlichkeit.
41
Artinside
Christopher Orr, The Gloaming, 2007,
Der Titel der Ausstellung – Light Shining
Darkly – spielt mit dem Spannungsgefüge,
das zwischen den Bedeutungen von hell, dunkel,
mystisch, übernatürlich oder unheimlich laviert.
Die Landschaftsausschnitte, in denen
die einzelnen Protagonisten wirken, sind
meist durch besondere Lichtstimmungen
charakterisiert. Mal gibt eine Nachtlandschaft
mit einfallendem, diffusem Lichtkegel
den Blick auf Spaziergänger frei, mal
stehen Menschen vor einem Felsabhang
oder es spielen sich unerklärliche Szenen
im tiefsten Nachtwald ab. Immer wieder ist
es der spezifische Einsatz der Lichtinszenierung,
welcher den Bildmotiven bereits auf
den ersten Blick einen Twist hin zum Unheimlichen
gibt. Die Art und Weise, wie der
Mensch in der Landschaft verortet ist, gibt
Anknüpfungspunkte für die Philosophie des
Erhabenen, in welcher sich der Mensch angesichts
der Unerreichbarkeit und Grösse der
Natur klein und überwältigt fühlt.
Die motivischen Diskrepanzen, die Hell-
Dunkel-Dramaturgie der Bilder und das
Auseinanderfallen von Zeitlichkeiten lassen
Spielraum für eine eigene individuelle Erzählung.
Christopher Orr ist sozusagen der
Regisseur für unsere Filme im Kopf.
*Sabine Schaschl war bis April 2013 Direktorin
des Kunsthaus Baselland und Kuratorin der Ausstellung.
Ab Mai übernimmt sie die Direktion des
Museums Haus Konstruktiv in Zürich.
Christopher Orr
Light Shining Darkly
20.04.2013 – 30.06.2013
Kunsthaus Baselland
www.kunsthausbaselland.ch
Disasters and Miracles
Laurent Grasso im Kunsthaus Baselland
Der französische Künstler Laurent
Grasso hat für die Ausstellung im
Kunsthaus Baselland eine Reihe von
neuen Arbeiten entwickelt und zusammen
mit einigen bestehenden eine Gesamtkonzeption
erstellt, die u.a. auf historische Ereignisse
in der Schweiz und Basel zurückgreift.
Der Künstler ist in den letzten Jahren kontinuierlich
zu einem der erfolgreichsten Gegenwartskünstler
avanciert. Grassos Werk,
das verschiedene mediale Formen annehmen
kann und Videos, Malerei, Fotografie, Neonarbeiten
ebenso wie Skulptur und Architektur
beinhaltet, ist von einer stark narrativen
Komponente geprägt. Die aufgegriffenen
Themen basieren auf wissenschaftlichen Beobachtungen,
Astronomie, menschlichen
Urängsten, Aberglauben, Science-Fiction
und Mythologien. Grassos neuester Film
Uraniborg (2012) beispielsweise handelt vom
gleichnamigen Palast auf der schwedischen
Insel Ven, in welchem der Astronom Tycho
Brahe zwanzig Jahre lang die Sterne und
Planetenbewegungen studierte. Der Palast
von Sabine Schaschl*
Laurent Grasso, Installationsansicht, Disasters and Miracles, 2013,
Laurent Grasso
Disasters and Miracles
20.04.2013 – 30.06.2013
Kunsthaus Baselland
www.kunsthausbaselland.ch
mit zahlreichen Öffnungen zur Himmelsbeobachtung
war damals das grösste Observatorium
in Europa. Der Film nimmt eine dokumentarische
Haltung ein und versucht,
dem nachzuspüren, was von Brahes Wirken
übrig blieb, wobei ein Voice-Off die nicht
mehr existierende Architektur in das Bild zurück
bringt.
In einer Reihe von neuen Werken fokussiert
der Künstler auf Katastrophen und Wunder.
In Bildern mit einem breiten Messingrahmen
erzählen jeweils eine Jahreszahl und eine
Malerei von verschiedenen Vorkommnissen:
Das Basler Erdbeben von 1356 galt als eines
der stärksten in der Schweiz, das zahlreiche
Todesopfer forderte und auch Teile des Basler
Münsters zum Einsturz brachte. Der darauf
folgende Brand steigerte die Zahl der Toten
und den Schaden noch weiter. Ein weiteres
Bild greift das Erdbeben von 1456 in Neapel
auf. Ein Tsunami am Vierwaldstättersee in
Luzern wurde 1601 ausgelöst, als zahlreiche
Erdbeben die unteren geologischen Schichten
des Sees in Bewegung versetzten. Die Flutwellen
waren bis zu vier Meter hoch, warfen
Schiffe an Land und überfluteten die umgebende
Region. Den Katastrophen gegenüber
steht ein Werk, das sich auf das Wunder von
Fatima bezieht. Im Jahre 1917 wollen drei Hirten
eine Erscheinung der Muttergottes gesehen
haben. Für Grasso steht dieses Wunder,
für das es keine wissenschaftlichen Beweise
gibt, in einer Reihe mit Ereignissen, die in
der Geschichte immer wieder kreiert wurden,
um einen Apparatus der Kontrolle und Macht
am Leben zu erhalten.
Die Ausstellung im Kunsthaus Baselland
greift auch architektonisch die Idee einer Reise
durch verschiedene Zeiten, Themen und
geschichtliche bzw. pseudo-geschichtliche
Momente auf. Wie in einer Zeitreise erleben
wir die Wirkung von Wunder und Desaster,
von mystischen Überlieferungen und die
Wirkungen von Aber- und Irrglauben. Grasso
führt uns an die Grenzen von Realität und
Fiktion, Glauben und Wissen. Wir tauchen in
ein Labyrinth ein und verlassen es sicherlich
anders, als wir es betreten haben.
Artinside

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Daniel Gustav Cramer, Untitled (Three Sheep) Ix, 2013
Artinside
Ten Works
Von Sandrine Wymann*
Mit Ten Works – Zehn Kunstwerke – bezieht Daniel Gustav Cramer
in La Kunsthalle Mulhouse Quartier und eröffnet damit seine
erste Einzelausstellung in Frankreich. Die mehrheitlich
unveröffentlichten Fotografien, Texten und Skulpturen führen den
Zuschauer in eine poetische Welt; in eine vom Künstler neu dargelegte
Zeit-Raum-Dimension.
So wie der Dichter seine Worte und Rhythmen, aber auch seine
Pausen und seine Zäsuren wählt, gestaltet Daniel Gustav Cramer
Serien und Texte. Er konzipiert Ausstellungen, in die sich jeder hineinprojizieren
und dabei seine Phantasie wachrufen kann. Was er
zwischen den Zeilen verschweigt, hat genauso viel Bedeutung wie
das, worauf er in seinen Austellungen hinweist. Es ist wohl leichter,
aus Elementen von Daniel Gustav Cramers Arbeit eine Geschichte zu
erfinden, als eine Beschreibung davon zu wagen.
Daniel Gustav Cramer wurde 1975 geboren, er lebt und arbeitet
in Berlin. Der Begriff der Erzählung ist zentral in seinem Werk. Eine
Fiktion, eine Beschreibung, eine Anekdote, eine Information, eine
Beobachtung – dies alles sind mögliche Ausgangspunkte. In seinen
Geschichten gibt es Menschen, Landschaften, Gefühle. Die Emotionen
sind einfach und tief. Er fasst sie in Worte, bringt sie in Bildern
zum Ausdruck. Und durch diese Reduktion, gepaart mit einem sehr
alltäglichen Wortschatz, hütet er sich, die Einbildungskraft des Betrachters
zu sättigen und alle gedanklichen Räume zu besetzen. Keine
Daniel Gustav Cramer
Ten Works
31.05.2013 – 25.08.2013
La Kunsthalle Mulhouse/F
www.kunsthallemulhouse.fr
Sondereffekte, keine sensationelle Szenen – die Einfachheit hat bei
Daniel Gustav Cramer einen universellen Wert, den er dem Zuschauer
weitergibt.
Daniel Gustav Cramer greift gerne auf die Form der Serie, der
Fragmentierung und der Ellipse zurück. Von einer Sequenz zur anderen
schafft er zeitliche Zwischenräume. Er lädt den Zuschauer ein,
in diese schmalen Öffnungen vorzudringen und seine eigenen Wege
zu gehen. Er fürchtet sich auch nicht, ein geschlossenes Buch oder
ein verblasstes Bild auszustellen. Daniel Gustav Cramers Kunstwerke
geben keine Richtung vor, sie verschwimmen in nebligen Szenen und
zeichnen ein Labyrinth zeitloser Momente, ohne Angang und ohne
Ende.
Mit seinem Prinzip der schriftlichen oder bildlichen Erzählung erforscht
Daniel Gustav Cramer in Mulhouse das Empfindsame weiter.
In seinen letzten Kunstwerken verblasst der Mensch allmählich oder
verschwindet gar, und lässt so einzig Raum für eine ausgelöschte Gegenwärtigkeit.
Die Ausstellung wird als eine Art Traum vorgestellt,
der von kleinen Nichtigkeiten bewohnt ist: Von Augenblicken oder
vergessenen Gefühlen, die zwischen zwei Bildern die Kraft einer Erinnerung
wieder finden.
*Sandrine Wymann ist Kuratorin der Ausstellung
Adolph Gottlieb, Blue Ground, 1973
Abstraction Américaine
Die Anfänge der amerikanischen Abstraktion
begannen in den 1930er
Jahren als Gegenreaktion zur gegenständlichen
regionalistischen Malerei.
Während des 2. Weltkrieges kam es zu
einem wegweisenden Austausch zwischen
europäischen Künstlern im Exil und amerikanischen
jungen Künstlern, massgeblich
in der Kulturmetropole New York. Das für
die Kunstgeschichte revolutionäre Resultat
war eine von bisherigen Traditionen befreite
abstrakte Malerei, die mit dem Abstrakten
Expressionismus der 1940er und
1950er-Jahre seinen Höhepunkt fand, mit
Künstlern wie Jackson Pollock und Mark
Rothko oder Robert Rauschenberg. Diese
bewegte Zeit nimmt Kurator Otto Hübner
Abstraction Américaine
01.06.2013 – 22.09.2013
Fondation Fernet Branca
www.fondationfernet-branca.org
zum Anlass, der amerikanischen Abstraktion
und seinem abstrakten Expressionismus
in der Fondation Fernet Branca in
Saint-Louis eine Ausstellung zu widmen.
Gezeigt wird diese Epoche in einem Zeitraum
von 1933 bis 1986 anhand der Künstler
Hans Hofmann, Jack Tworkov, Charles
Pollock, Adolph Gottlieb, David Smith,
Richard Pousette-Dart, Sam Francis und
Robert Rauschenberg. Jeder Künstler erhält
seinen eigenen Raum. Für Kurator Otto
Hübner war es ein besonderes Anliegen,
nicht nur die künstlerische Seite der einzelnen
Künstler zu zeigen, sondern auch ihre
menschliche Seite zu betonen.
Die Ausstellung Abstraction Américaine
kann mit besonderen Trouvaillen aufwarten,
denn die Nachlassverwalter der ausgestellten
Künstler haben zuvor noch nie
gezeigtes privates Informationsmaterial
zur Verfügung gestellt, darunter private
Briefe, Familienphotos und andere Dokumente.
Diese Ausstellung hat damit eine
zusätzliche Dimension erhalten, indem sie
herausragende Gemälde und Zeichnungen
im Dialog mit privaten Gegenständen der
Künstler präsentiert und damit dem Besucher
ermöglicht, das Werk im Kontext
mit sehr persönlichen Gegenständen des
Künstlers zu erleben. Der Art Car von Robert
Rauschenberg bildet den Abschluss
dieser Ausstellung, da dieses Kunstwerk
den Übergang des Abstrakten Expressionismus
zur Pop Art darstellt.
Artinside

Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region Basel
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Artinside
Aarau | Kunsthaus
Rhythm in it – Vom Rhythmus in
der Gegenwartskunst
Das Aargauer Kunsthaus präsentiert
mit Rhyhtm in it. Vom Rhythmus in
der Gegenwartskunst eine umfangreiche
internationale Gruppenausstellung
zu einem zentralen Thema
in der Kunst. Die Schau bietet einen
anregenden und überraschenden
Einblick in die faszinierenden Facetten
des Rhythmus und zeigt Werke von 37
Kunstschaffenden aus den Bereichen
Malerei, Fotografie, Zeichnung, Video,
Skulptur und Installation.
bis 11.08.2013
www.aargauerkunsthaus.ch
Bern | Kunstmuseum
Mythos und Geheimnis – Der
Symbolismus und die Schweizer
Künstler
Die Ausstellung Mythos und Geheimnis
zeigt erstmals mit essentiellen
Vergleichen auf, welch zentrale
Position die Schweiz im Kontext des
Symbolismus einnimmt. Die wichtigen
Schweizer Maler, Plastiker, Graphiker
und Fotografen werden in Verbindung
gesetzt zu den Künstlern der Nachbarländer
Frankreich, Deutschland,
Österreich, Italien sowie zu denjenigen
Belgiens, der Wiege des Symbolismus.
bis 18.08.2013
www.kunstmuseumbern.ch
St. Gallen | Kunstmuseum
Dan Flavin – Lights
Der US -amerikanische Künstler Dan
Flavin (1933–1996) hat seit den frühen
1960er Jahren mit handelsüblichen
Leuchtstoffröhren in genormten
Dimensionen und Farben ein unverwechselbares
Œuvre geschaffen. Die
radikale Entscheidung für ein alltägliches
Industrieprodukt verbindet sich
mit einem präzise kalkulierten Einsatz
der Mittel und einer starken sinnlichen
Ausstrahlung.
Die Ausstellung Dan Flavin – Lights
zeigt erstmals in der Schweiz Flavins
Lichtarbeiten in einem repräsentativen
Überblick. Mit der Wahl der Röhren als
Werkmotiv und -material signalisiert
Flavin die Annäherung der Kunst an
die Alltags- und Konsumwelt.
bis 18.08.2013
www.kunstmuseumsg.ch
Solothurn | Kunstmuseum
Das doppelte Bild – Aspekte
zeitgenössischer Malerei
Mit Werken von Ian Anüll, Philip Akkerman,
Francis Baudevin, Svenja Deininger,
Klodin Erb, Pia Fries, Markus
Gadient, Michael van Ofen, Giacomo
Santiago Rogado, Thomas Scheibitz,
Uwe Wittwer und Robert Zandvliet.
Die Ausstellung Das doppelte Bild
vereint Beispiele zeitgenössischer
Malerei.
Neben Malerinnen und Malern der
Schweiz, denen das Kunstmuseum
Solothurn besondere Aufmerksamkeit
schenkt, werden auch internationale
Positionen gezeigt. Die Auswahl
beschränkt sich auf Kunstschaffende,
die die herkömmlichen Techniken der
Malerei bewusst verwenden, um mit
dem klassischen Medium zeitgemässe
Beiträge zur aktuellen Kunst zu
leisten.
01.06. bis 11.08.2013
www.kunstmuseum-so.ch
Thun | Kunstmuseum
"Es ist fast zu schön hier"... am
Thunersee – August Macke und
die Schweiz
Die Ausstellung veranschaulicht die
Bedeutung der verschiedenen Reisen
von August Macke (1887–1914) in die
Schweiz. Dabei steht der Aufenthalt
im Haus Rosengarten in Hilterfingen-
Oberhofen vom Oktober 1913 bis im
Juni 1914 mit zahlreichen Exponaten
im Mittelpunkt.
Es wird gezeigt, wie der Künstler am
See den Weg zu seiner persönlichen
Kunstauffassung und Malweise fand.
Grösste Konsequenz in der Ausführung,
verbunden mit einem bis dahin
nicht gekannten Formenreichtum,
manifestieren sich in den Bildschöpfungen
dieser Werkperiode.
bis 25.05.2013 bis 01.09.2013
www.kunstmuseumthun.ch
Winterthur | Kunstmuseum
Giuseppe Penone
Giuseppe Penone, 1947 im südlichen
Piemont geboren und heute in Turin
tätig, ist in den letzten Jahren zu einer
der zentralen Figuren der europäischen
Kunst geworden; er hat zahlreiche
Museumsausstellungen erlebt, und
seine Werke sind weltweit in grossen
Sammlungen zu finden. Jüngst zog an
der Documenta XIII seine grosse Baumskulptur
die Aufmerksamkeit auf sich.
Für die Ausstellung wurde gemeinsam
mit dem Künstler eine Auswahl von
Werken aus verschiedenen Schaffensperioden
getroffen, an denen sich seine
Themen ablesen lassen – der sinnliche
Zugang zur Welt, das Erleben der Zeit,
die sich etwa im Wachstum der Bäume
manifestiert, die Durchdringung von
Natur und Kultur, von gegebener und
geschaffener Wirklichkeit.
26.01.2013 bis 14.04.2013
www.kmw.ch
Zürich | Museum Rietberg
Von Buddha bis Picasso – der
Sammler Eduard von der Heydt
Für Eduard von der Heydt (1882–1964),
den Gründungssammler des Museums
Rietberg, gab es nur eine Art von
Kunst: die Weltkunst («ars una»). So
visionär er als Kunstsammler war,
so umstritten war seine Betätigung
als Bankier während des Zweiten
Weltkriegs. Die Ausstellung greift
dieses Spannungsfeld auf und stellt
Fragen zu von der Heydts Sammlungsstrategie,
zu seiner Ästhetik sowie zu
seinem persönlichen und beruflichen
Umfeld. Spannende Objekte und deren
Herkunftsgeschichten werfen zudem
ein neues und umfassendes Licht auf
den bedeutenden Sammler.
bis 18.08.2013
www.rietberg.ch
Zürich | Kunsthaus
Kelly Nipper – Black Forest.
Im Dialog mit Zeichnungen von
Rudolf von Laban
Die amerikanische Künstlerin Kelly
Nipper (*1971 in Edina, Minnesota)
untersucht in ihren Videos, Installationen
und Performances die Beziehung
von menschlichem Körper, Bewegung,
Raum und Zeit. Sie interessiert sich
für rituelle Gesten und Abläufe und
bezieht sich in ihren Choreografien
immer wieder auf die Anfänge des experimentellen
Tanzes. Eine besondere
Rolle spielt dabei Rudolf von Laban
(1879 – 1958), der gemeinsam mit
Émile Jaques-Dalcroze (1865 – 1950)
als Begründer des modernen Ausdruckstanzes
gilt. In der Sammlung
des Kunsthaus Zürich befindet sich
eine wichtige Gruppe von Zeichnungen
und Aquarellen von Rudolf von
Laban. Diese nimmt Kelly Nipper als
Ausgangspunkt für neue Werke, die
speziell für die Ausstellung entstehen
und in einem Dialog mit Labans Werken
gezeigt werden.
08.02.2013 bis 12.05.2013
www.kunsthaus.ch
Amsterdam | Rijksmuseum
Wiedereröffnung
Nach zehn Jahren Umbauzeit ist das
Amsterdamer Reichsmuseum wieder
eröffnet worden. Kunstwerke aus 800
Jahren niederländischer Geschichte
werden in den 80 Sälen präsentiert. Die
zwei Innenhöfe wurden verglast und
zu einem modernen Eingangsbereich
umgebaut. Rembrandts "Nachtwache"
ist nun wieder an ihren alten Platz
zurückgekehrt.
www.rijksmuseum.nl
Amsterdam | Hermitage
Peter der Grosse – Modernisierer
und Revolutionär
Im Rahmen einer Ausstellung über den
russischen Zar Peter den Grossen (1672-
1725) legt die Hermitage Amsterdam
ein besonderes Augenmerk auf die
Beziehungen zwischen den Niederlanden
und Russland. Mit historischen
Artefakten und Gemälden, Goldjuwelen
aus vergangen Zeiten, Waffen und
einzigartigen Urkunden skizziert die
Ausstellung das Leben des Fürsten.
bis 13.09.2013
www.hermitage.nl
Rembrandt van Rijn, Nachtwache, 1642
Berlin | KunstHalle
Imran Qureshi: Artist of the
Year 2013
Imran Qureshi ist der „Künstler des
Jahres“ 2013 der Deutschen Bank. 1972
in Pakistan geboren, studierte er in
Lahore am National College of Arts im
Hauptfach Miniaturmalerei – eine traditionelle
Disziplin, die er heute selbst
dort lehrt. Qureshi gilt als einer der
wichtigsten zeitgenössischen Künstler
des Subkontinents.
bis 04.08.2013
www.deutsche-bank-kunsthalle.de
Berlin | Martin-Gropius-Bau
Von Beckmann bis Warhol
Die Firmensammlung Bayer umfasst
2000 Werke. Obgleich die Werkliste
keinen systematisch enzyklopädischen
Charakter hat, liest sie sich wie das
"Who is Who" des 20. Jahrhunderts.
Arbeiten der grossen Expressionisten
wie Beckmann, Kirchner, Pechstein befinden
sich ebenso darunter wie Werke
von Pablo Picasso, Sam Francis, Joan
Miró, Gerhard Richter, Andy Warhol,
Andreas Gursky oder Imi Knoebel.
bis 09.06.2013
www.berlinerfestspiele.de
Max Beckmann: Orchideenstillleben mit grüner
Schale, 1943
Berlin | Kunst-Werke
494 – Relaunch
In ihrem ersten Projekt als Chefkuratorin
der KW Institute for Contemporary
Art richtet Ellen Blumenstein den Blick
auf die Institution selbst und zeigt die
KW, wie sie sein wollen, sein könnten,
und – möglicherweise – sein werden.
Mit Relaunch stellt sie die Pläne für
das kommende Programm vor, lässt
sich dabei in die Karten schauen und
erprobt die Umsetzbarkeit aller Ideen
in situ. Was funktioniert, was interessiert
das Publikum? Was macht Spaß,
berührt und inspiriert? Was ist möglicherweise
(noch) nicht umsetzbar
– sei es aus finanziellen Gründen oder
aufgrund interner, externer, politischer
oder sonstiger Widerstände?
bis 25.08.2013
www.kw-berlin.de
Berlin | Hamburger Bahnhof
Martin Kippenberger:
Sehr Gut | Very Good
2013 hätte Martin Kippenberger seinen
60. Geburtstag gefeiert, wäre er nicht,
nach einem exzessiven Leben, 1997
verstorben. Nun wird ein Künstler ausgestellt,
dessen Werk und Leben nicht
voneinander zu trennen sind – ein
Maler, Schauspieler, Schriftsteller, Musiker,
Trinker, Tänzer, Reisender, Charmeur,
Enfant terrible und Selbstinszenierer,
kurz: ein "Exhibitionist", wie er
selbst sagte und ein Künstler, der heute
als einer der bedeutendsten Künstler
seiner Generation gilt.
bis 18.08.2013
www.hamburgerbahnhof.de
Bilbao | Guggenheim
Von Picasso zu Dubuffet:
L'Art en Guerre, 1937–1947
Das Guggenheim Museum Bilbao
zeigt, wie Künstler auf die Besetzung
Frankreichs durch die Nazi und die
Niederlage Frankreichs im Zweiten
Weltkrieg reagiert haben. Mehr als 500
Werke werden präsentiert, darunter
Georges Braque, Jean Dubuffet, Marcel
Duchamp, Alberto Giacometti, Wassily
Kandinsky und Pablo Picasso.
bis 08.09.2013
www.guggenheim-bilbao.es
Bregenz | Kunsthaus
Gabriel O rozco
Mit Gabriel Orozco präsentiert das
Kunsthaus Bregenz einen der einflussreichsten
internationalen Künstler seiner
Generation. Nach einer Retrospektive
im New Yorker Moma, dem Centre
Pompidou, der Tate Modern und dem
Kunstmuseum Basel zeigt Orozco in
Bregenz grösstenteils neue, eigens für
diese Ausstellung konzipierte Werke.
13.07. bis 06.10.2013
www.kunsthaus-bregenz.at
Pablo Picasso, Femme assise dans un fauteuil,
1941
45
Stéphane Dafflon, AST151, 2009
Carlos Schwabe, La vague, 1907
Installationsansicht Kunstmuseum St. Gallen,
Untitled
August Macke, Modegeschäft im
Laubengang, 1913
Ausstellungsansicht Kunsthaus Zürich,
Kelly Nipper, Black Forest, 2013

Antoine Zgraggen, Der grosse Hammer, Museum Tinguely
Claude Monet, Le Palais Contarini, 1908
Ausstellungen in
der Region Basel
Ausgabe Herbst 2008
VENEDIG
Von Canaletto und Turner
bis Monet
28.09.2008 – 25.01.2009
Fondation Beyeler
Die Magie der Dinge
Stilllebenmalerei 1500–1800
07.09.2008 – 04.01.2009
Kunstmuseum Basel
Eva Aeppli
Die Schenkung
Christoph Aeppli
19.09.2008 – 01.02.2009
Museum Tinguely Basel
Sculpture at Schoenthal
im Kloster Schoenthal
Richard Long
Cowshed Ellipse
CH-4438 Langenbruck
Die Skulpturen der Maler
Malerei und Plastik
im Dialog
05.07.2008 – 26.10.2008
Museum Frieder Burda
Baden-Baden/D
George Nelson
Architekt, Autor,
Designer, Lehrer
13.09.2008 – 01.03.2009
Vitra Design Museum
Weil am Rhein/D
Ausstellungen in der
Region Basel
Ausgabe Herbst 2006
Kandinsky
Malerei 1908 – 1921
21.10.2006 – 04.02.2007
Kunstmuseum Basel
EROS I
Rodin und Picasso
06.08.2006 – 15.10.2006
Fondation Beyeler, Riehen
EROS II
in der Kunst der Moderne
08.10.2006 – 18.02.2007
Fondation Beyeler, Riehen
Niki & Jean
l’Art et l’Amour
29.08.2006 – 21.01.2007
Museum Tinguely Basel
Bibelbilder
Arnulf Rainer – Gustave Doré
11.11.2006 – 21.01.2007
Museum Frieder Burda
Jean Prouvé
Die Poetik des technischen Objekts
23.09.2006 – 28.01.2007
Vitra Design Museum, Weil am Rhein
Ausstellungen in
der Region Basel
Ausgabe Frühjahr 2007
Edvard Munch
Brice Marden
Die Situationistische Museum Frieder Burda, Baden-Baden/D
Zeichen der Moderne Werke auf Papier
Internationale (1957-1972) Kloster Schönthal, Langenbruck/CH
18.03.2007 – 15.07.2007 24.03.2007 – 29.07.2007 04.04.2007 – 05.08.2007 Vitra Design Museum, Weil am Rhein/D
Fondation Beyeler, Riehen Kunstmuseum Basel Museum Tinguely Basel Espace Fernet Branca, Saint-Louis/F
Max Ernst
Retrospektive
26.05.2013 – 08.09.2013
Fondation Beyeler, Riehen
Die Picassos sind da!
Eine Retrospektive aus
Basler Sammlungen
17.03.2013 – 21.07.2013
Kunstmuseum Basel
Zilvinas Kempinas
Slow Motion
05.06.2013 – 22.09.2013
Museum Tinguely
Das Museumsmagazin
der Region Basel
Ausgabe Sommer 2013
Max Ernst, L’ange du foyer (Le triomphe du surréalisme), 1937
Steve McQueen
Michel Auder
Schaulager
Paulina Olowska
Kunsthalle Basel
Renée Levi. Italique
Kloster Schönthal, BL
Daniel Gustav Cramer
La Kunsthalle Mulhouse/F
Orr / Grasso / Graf
Kunsthaus Baselland, BL
Abstraction Américain
Fondation Fernet Branca/F
Was jetzt? Aufstand der
Dinge am Amazonas
Emil Nolde.
Museum der Kulturen Basel Museum Frieder Burda/D
Neu: Artinside goes Facebook
Artinside berichtet neu auch auf Facebook über die aktuellen Ausstellungen in der Region Basel
und wirft ab und zu einen Blick auf das Kunstgeschehen in der ganzen Welt.
Folgen Sie uns auf Facebook. Quicklink: http://goo.gl/CyAxL
Bedeutende Ausstellungen ausserhalb der Region Basel
"
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Artinside
Das Magazin zu den Ausstellungen in der Region Basel.
Drei Mal im Jahr in Ihrem Briefkasten.
Die drei Ausgaben kosten CHF 20.– in der Schweiz
und Euro 20.– im EU-Raum.
Die Anmeldung ausfüllen auf www.artinside.ch
oder untenstehenden Talon einsenden an:
Lauftext
Museumsmagazin Artinside
Oberwilerstr. 69, CH–4054 Basel
Hinweis für Abonnenten der Basler Zeitung und der Badischen Zeitung, Ausgabe Freiburg Stadt: Das Magazin wird den beiden Zeitungen kostenlos beigelegt.
Rechnungsadresse (nur bei Geschenkabos):
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PLZ | Ort
Düsseldorf | K21
Wolfgang Tillmans
Einen umfangreichen Überblick über
das gesamte Werk des Fotografen
Wolfgang Tillmans präsentiert die
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen.
Zu sehen ist vom 2. März bis zum 7. Juli
2013 eine Auswahl von Arbeiten dieses
außergewöhnlichen Grenzgängers der
Fotografie aus den vergangenen 25 Jahren.
Der Künstler hat die Ausstellung
präzise für die Ausstellungsräume
im kompletten weitläufigen Untergeschoss
des K21 als Gesamtinstallation
eingerichtet. Erstmals zeigt Tillmans
dabei auch bisher nie zu sehende frühe
zeichnerische und andere Arbeiten aus
den späten 1980er Jahren.
bis 07.07.2013
www.kunstsammlung.de
Frankfurt | Schirn-Kunsthalle
Glam! The Performance of Style
Glam bezeichnet den extravaganten
Stil, den Musiker wie David Bowie und
Marc Bolan in England in den frühen
1970er-Jahren populär machten und
der mit seiner respektlosen Verbindung
von Hoch- und Subkultur zum
weltweiten Phänomen wurde. Die Ausstellung
zeigt erstmals den vielfältigen
Einfluss, den die Glam-Ära auf Film,
Fotografie, Mode, Grafikdesign, Performance-
und Installationskunst, Malerei
und Bildhauerei hatte. Neben rund 150
Werken von u. a. Guy Bourdin, Gilbert
& George, Peter Hujar, Derek Jarman,
Ray Johnson, Allen Jones, Jürgen Klauke,
Ed Paschke, Sigmar Polke, Cindy
Sherman und Andy Warhol runden
Fotografien insbesondere von Mick
Rock die Ausstellung ab.
14.06. bis 22.09.2013
www.schirn-kunsthalle.de
Frankfurt | Städel
Piero Manzoni – Als Körper
Kunst wurden
Der im Alter von 29 Jahren verstorbene
Piero Manzoni (1933–1963) gilt, trotz
seines kurzen Lebens, als folgenreichster
Künstler der italienischen Nachkriegskunst.
Am 13. Juli 2013 wäre Manzoni
80 Jahre alt geworden. Aus diesem
Anlass ehrt das Frankfurter Städel
Museum diesen zentralen Künstler der
europäischen Nachkriegsavantgarde.
Die gross angelegte Präsentation ist
überhaupt die erste Manzoni Retrospektive
im deutschsprachigen Raum
und erste umfassende museale Präsentation
außerhalb Italiens seit über zwei
Jahrzehnten.
26.06. bis 22.09.2013
www.staedelmuseum.de
London | Tate Modern
Saloua Raouda Choucair
Im Libanon hat sich seit Ende des Bürgerkriegs
eine der spannendsten Szenen
zeitgenössischer Kunst entwickelt,
die auch durch den internationalen
Kunstdiskurs hohe Beachtung erfährt.
Nun widmet die Tate Modern der Libanesischen
Künstlerin Saloua Raouda
Choucair eine umfangreiche Ausstellung.
Die in Beirut geborene Künstlerin
studierte im École nationale supérieure
des Beaux-Arts in Paris und besuchte
dort auch Fernand Légers Studio.
bis 20.10.2013
www.tate.org.uk/modern
Los Angeles |
J. Paul Getty Museum
Ed Ruscha
Nicht nur das Kunstmuseum Basel,
sondern auch das J. Paul Getty Museum
in Los Angeles widmet dem fotografischen
Werk des amerikanischen Künstlers
Ed Ruscha eine Ausstellung. Dieser
hat ab 1956 am Chouinard Art Institute
Los Angeles Design studiert und daneben
die Strassen der Stadt fotografisch
dokumentiert. Das Getty-Museum hat
neulich zahlreiche Originalabzüge
erworben, die nun gezeigt werden.
bis 29.09.2013
www.getty.edu
New York | Guggenheim
James Turrell
Das Guggenheim Museum in New York
lässt sich mit dem 70jährigen amerikanischen
Künstler James Turrell auf
ein besonderes Experiment ein: Turrell
wird bei seinem Projekt Aten Reign den
Innenraum des von Frank Lloyd Wright
entworfenen Museums mit natürlichem
und künstlichem Licht bespielen
und damit eine gänzlich neue Sichtweise
auf dieses einmalige Gebäude
ermöglichen. Auf den Galerien wird
das übrige Werk des Künstlers gezeigt.
21.06. bis 25.09.2013
www.guggenheim.org
New York |
Museum of Modern Art
Le Corbusier: An Atlas of Modern
Landscapes
Das Moma in präsentiert die erste
grosse Ausstellung über das Werk
des Schweizer Architekten Charles-
Édouard Jeanneret, besser bekannt als
Le Corbusier. Gezeigt wird nicht nur
sein architektonisches Werk, sondern
auch sein Schaffen im Bereich der
Innenarchitektur, der Städteplanung,
der Malerei und der Fotografie. Gezeigt
werden Modelle und Pläne, aber auch
Aquarelle, die auf seinen reisen durch
Italien, Griechenland, Türkei und
Indien entstanden sind.
15.06. bis 23.09.2013
www.moma.org
San Francisco |
De Young Museum
Richard Diebenkorn:
The Berkeley Years, 1953–1966
Der Maler Richard Diebenkorn hat die
meiste Zeit seines Lebens in der Bay
Area von San Francisco verbracht. In
der sehr fruchtbaren Berkeley-Periode
entstanden zahlreiche Schlüsselpositionen
seines Schaffens – abstrakte
wie figurative Werke. Diebenkorn gilt
als einer der wichtigsten Vertreter der
amerikanischen Nachkriegs-Malerei.
22.06. bis 29.09.2013
deyoung.famsf.org
47
Einsenden an: Lauftext | Museumsmagazin Artinside | Oberwilerstrasse 69 | CH–4054 Basel
Installationsansicht, K21 Ständehaus
Cary Loren, Niagara as the Great Sphinx,
Queen of Egypt Serie, 1975/2012,
Piero Manzoni (1933-1963), Merda d' artista
Saloua Raouda Choucair, Self Portrait, 1943
Visualisierung der geplanten Lichtinstallation
Ed Ruscha, 1018 S. Atlantic Blvd., 1965
Le Corbusier, Villa Savoye Poissy-sur-Seine,
France. 1929–31
Richard Diebenkorn, Seawall, 1957

Vorschau
Das nächste Artinside erscheint am 4. September 2013 mit diesen Themen
49
Thomas Schütte, Vier Grosse Geister, 2003
Piet Mondrian, Komposition mit Gelb,
Blau und Doppellinie, 1933
Thomas Hirschhorn, Diachronik Pool, Work in Progress, 2012, Paris
Ein Stück Lebensqualität
Fondation Beyeler
Kunst im öffentlichen Raum
Zürich, Genf, Bern, Basel
06.2013 – 12.2013
Thomas Schütte.
Vier Grosse Geister
Kunstmuseum Basel
08.09.2013 – 19.01.2014
Piet Mondrian – Barnett Newman –
Dan Flavin
Museum Tinguely
23.10.2013 – 26.01.2014
Metamatic Reloaded.
Neue Kunstprojekte im Dialog
mit Tinguelys Zeichenmaschinen
Mehr Wirkung,
weniger Nebenwirkung:
der Schlüssel zur besseren
Behandlung vieler Krankheiten
steckt in diesem Molekül.
Unsere Innovationen
helfen Millionen Menschen,
indem sie Leid lindern und
Lebensqualität verbessern.
Wir geben Hoffnung.
Mit dem Aussenprojekt Vier Grosse Geister
des international bekannten Künstlers Thomas
Schütte bespielt die Fondation Beyeler
ab Juni in Zürich den öffentlichen Raum.
Die einzigartige und geheimnisvolle Gruppe
aus vier Skulpturen, die in ähnlicher
Form auch in Chicago, Wien und Potsdam
ausgestellt wurde, präsentiert das Museum
anschliessend über den ganzen Sommer
bis zum Herbst in drei weiteren Schweizer
Städten. Die Inszenierung lädt Passanten
und Besucher zu einer Interaktion mit den
eigenwilligen, monumentalen Figuren ein.
Zugleich weist Vier Grosse Geister auf die
umfassende Einzelausstellung hin, die das
Museum aus Riehen dem Bildhauer und
Zeichner Thomas Schütte ab 6. Oktober
2013 widmet. Das Skulpturenprojekt Vier
Grosse Geister im öffentlichen Raum wird
von JTI ermöglicht.
Die grosse Sonderausstellung konzentriert
sich auf das Werk von drei eminent
wichtigen Künstlern der Moderne,
Piet Mondrian (Amersford/Niederlande
1872–1944 New York), Barnett Newman
(New York 1905–1970 New York) und
Dan Flavin (New York 1933–1996 Riverhead,
NY), die je einer anderen Generation angehören.
Alle drei Künstler haben sich der
abstrakten Kunst verpflichtet, dies jedoch
unter jeweils ganz anderen geistigen und
gesellschaftlichen Vorzeichen. Dennoch
vertrauen sie alle der Askese der bildnerischen
Mittel, von Farbe und Form, um
die Dimension der Kunst ins Universale zu
weiten.
Die Zeichenmaschinen von Tinguely, die
sogenannten «Metamatics», sind eine
seiner wichtigsten Werkgruppen und Erfindungen.
Metamatic Reloaded stellt 10 neue
Werke vor, die als Aufftragsarbeiten der
«Metamatic Research Initiative», Amsterdam
entstanden sind, darunter Werke von
M. Abramovic, T. Hirschhorn und J. Kessler.
Impressum. Artinside – Das Museumsmagazin der Region Basel
Das Magazin Artinside wurde vor zehn Jahren nach einer Idee von
Matthias Geering und Fausto De Lorenzo gegründet.
Herausgeber: Matthias Geering
Chefredaktion | Artdirection | Produktion: Sibylle Meier
Lauftext Meier Geering, Oberwilerstrasse 69, CH-4054 Basel
Korrektorat: Lesley Paganetti, Basel
info@artinside.ch | www.artinside.ch
Ausgabe Sommer 2013 | Erscheint drei Mal jährlich | Auflage 186 000 Exemplare
Bildbearbeitung/Druck: Vogt-Schild Druck, Derendingen
Ein Teil der Auflage ist der Basler Zeitung und der Badischen Zeitung
(Ausgabe Stadt Freiburg) vom 22. Mai 2013 beigelegt
Jahresabo Schweiz: CHF 20.–, Jahresabo EU: Euro 20.– | ISSN 1660-7287
Die nächste Ausgabe erscheint am 4. September 2013
Artinside

Fondation Beyeler
Baselstrasse 101, CH-4125 Riehen
Tel +41 61 645 97 00
Fax +41 61 645 97 19
info@fondationbeyeler.ch
www.fondationbeyeler.ch
Öffnungszeiten. Mo–So 10–18 Uhr,
Mi 10–20 Uhr
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 25.–
IV/Gruppen ab 20 Pers. CHF 20.–
Studenten bis 30 Jahre CHF 12.–
Jugendliche 11–19 Jahre CHF 6.–
Familienpass CHF 50.–
Jeden Montag von 10 bis 18 Uhr
und mittwochs von 17 bis 20 Uhr
vergüns tigte Eintrittspreise
Kunstmuseum Basel
St. Alban-Graben 16, CH-4010 Basel
Tel +41 61 206 62 62
Fax +41 61 206 62 52
www.kunstmuseumbasel.ch
Öffnungszeiten. Di–So 10–18 Uhr,
Mo geschlossen
Eintrittspreise.
Pablo Picasso CHF 21.–
(inkl. ständige Sammlung)
Erwachsene CHF 15.–
IV-Bezüger CHF 8.–
Studenten bis 30 Jahre CHF 8.–
Jugendliche 13–19 Jahre CHF 8.–
Gruppen (ab 20 Pers.) CHF 10.–
Museum Tinguely
Paul Sacher-Anlage 1, CH-4002 Basel
Tel +41 61 681 93 20
Fax +41 61 681 93 21
infos@tinguely.ch
www.tinguely.ch
Öffnungszeiten. Di–So 11–18 Uhr,
Mo geschlossen
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 15.–
Schüler, Studenten,
Lehrlinge, AHV, IV CHF 10.–
Gruppen ab 20 Personen CHF 10.–
Kinder/Jugendliche bis
16 Jahre in Begleitung
eines Erwachsenen
gratis
Schaulager
Ruchfeldstrasse 19,
CH-4142 Münchenstein
Tel +41 61 335 32 32
info@schaulager.org
www.schaulager.org
Öffnungszeiten.
Während der Ausstellung:
Di, Mi, Fr 14–20 Uhr,
Do 14–22 Uhr
Sa, So 12–18 Uhr
Eintrittspreise.
Ticket für drei Eintritte
regulär CHF 18.–
reduziert CHF 12.–
bnpparibas.ch
50
Museum für
Gegenwartskunst
St. Alban-Rheinweg 60, Basel
Tel +41 61 206 62 62
Di–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen.
www.kunstmuseumbasel.ch
www.elaine-mgk.ch
Öffnungszeiten. Di–So 11–18 Uhr,
Mo geschlossen
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 12.–
Jugendliche CHF 5.–
IV-Bezüger CHF 5.–
Studierende bis 30 J. CHF 5.–
Kunsthalle Basel
Steinenberg 7
CH-4051 Basel
Tel. +41 61 206 99 00
info@kunsthallebasel.ch
www.kunsthallebasel.ch
Öffnungszeiten.
Di/Mi/Fr 11–18 Uhr
Do 11–20.30 Uhr
Sa/So 11–17 Uhr
Eintrittspreis. CHF 10.–/6.–
inkl. SAM Schweizerisches
Architekturmuseum
Museum der Kulturen Basel
Münsterplatz 20, CH-4051 Basel
Tel + 41 61 266 56 00
info@mkb.ch
www.mkb.ch
Öffnungszeiten. Di–So: 10.00–17.00 h
Jeden ersten Mittwoch im
Monat: 10.00–20.00 Uhr
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 16.–
Jugendliche 13–19 J. CHF 5.–
Personen in Ausbildung CHF 5.–
IV und Gruppen
(ab 10 Pers.) CHF 11.–
Kunsthaus Baselland
St. Jakobs-Str. 170, CH-4132 Muttenz
Tel +41 61 312 83 88
office@kunsthausbaselland.ch
www.kunsthausbaselland.ch
Öffnungszeiten.
Di/Do–So 11–17 Uhr | Mi 14–20 Uhr
Mo geschlossen
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 7.–
Ermässigt CHF 5.–
Kloster Schönthal,
Langenbruck/CH
CH-4438 Langenbruck
Tel +41 61 706 76 76
mail@schoenthal.ch
www.schoenthal.ch
Öffnungszeiten.
Fr 14–17 h, Sa/So 11–18 Uhr
Eintrittspreise.
Erwachsene CHF 10.–
Studenten/Künstler CHF 8.–
Familien CHF 20.–
Gruppen ab 6 CHF 8.–
Vitra Design Museum,
Weil am Rhein/D
Charles-Eames-Str. 2
D-79576 Weil am Rhein
Tel +49 76 21 702 32 00
info@design-museum.de
www.design-museum.de
Öffnungszeiten. täglich 10–18 Uhr
Eintrittspreise.
regulär/ermässigt
Eintritt Museum € 9.– / 7.–
Eintritt Museum +
Ausstellungsführung: Eintritt + € 6.–
Architekturführung: € 12.–/10.–
Kombiticket (Museum
+ Architekturführung) € 16.–/14.–
Kinder unter 12 Jahren gratis
Museum Frieder Burda,
Baden-Baden/D
Lichtentaler Allee 8b
D-76530 Baden-Baden
Tel +49 07221/39898-0
office@museum-frieder-burda.de
www.museum-frieder-burda.de
Öffnungszeiten. Di bis So
10–18 Uhr,
Montag geschlossen
Eintrittspreis. Euro 10.–
Fondation Fernet Branca,
Saint-Louis/F
2, rue du Ballon
F-68300 Saint-Louis
Tel. +33 38 969 10 77
musee-fernet-branca@wanadoo.fr
www.fondationfernet-branca.org
Öffnungszeiten.
Mi–Fr 14–19 Uhr.
Mo–Di geschlossen
Eintrittspreis. Euro 7.–/6.–,
Kinder unter 12 Jahren gratis
Öffnungszeiten während der Art Basel siehe Artinside Agenda
Artinside
Bildnachweis | Titelseite: Max Ernst, Der Hausengel oder der Triumph des Surrealismus, 1937, Privatsammlung © ProLitteris,
Zürich | S.4 Fondation Beyeler: Max Ernst, Die Einkleidung der Braut, Peggy Guggenheim Collection, Venedig (Solomon
R. Guggenheim Foundation, New York) © 2013 ProLitteris, Zürich, Foto: Peggy Guggenheim Collection, Venedig
(Solomon R. Guggenheim Foundation, New York) | Museum Tinguely: Zilvinas Kempinas, Parallels, 2007, Installationsansicht,
Contemporary Art Centre, Vilnius © Contemporary Art Centre, Vilnius, Foto: Paulius Mazuras | Schaulager: Steve
McQueen, Exodus, 1992/97, Videostill, Courtesy the Artist / Marian Goodman Gallery, New York / Paris, and Thomas Dane
Gallery, London © Steve McQueen | Museum der Kulturen Basel: Holzfigur der Ocaina aus Kolumbien, 1960er Jahre © Daniel
Beltrá for Greenpeace und MKB, Fotograf: Derek Li Wan Po | Kunsthaus Baselland: Laurent Grasso, Les Oiseaux, 2008,
Video, Courtesy the artist; Foto: Laurent Grasso | S.5 Kunstmuseum Basel: Nina Zimmer und Anita Haldemann vor Pablo
Picasso Vénus et l'Amour, 1967 | La Kunsthalle Mulhouse: Daniel Gustav Cramer, Untitled (Three Sheep)Ix, 2013, Serie of 10
photographies, Courtesy Daniel Gustav Cramer | Museum Frieder Burda: Emil Nolde, Tropensonne, 1914, Nolde Stiftung
Seebüll, © Nolde Stiftung Seebüll, 2013, | Kunsthalle Basel: Michel Auder, Film Still, Untitled (I was Looking Back to See If
You were looking back at Me To See Me Looking Back at You), 2012, Courtesy der Künstler und Office Baroque Gallery,
Antwerpen / the artist and Office Baroque Gallery, Antwerp | Fondation Fernet Branca: Abstraction Américain | Kloster
Schönthal: Renée Levi, Italique, 2012 © John Schmid 2013 | S.6 Max Ernst, Beim ersten klaren Wort, 1923, Kunstsammlung
Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf © 2013 proLitteris, Zürich, Foto: Walter Klein, Düsseldorf | S.7 Dorothea Tanning und
Max Ernst mit der Zementplastik «Capricorne» (Steinbock), Sedona, Arizona, 1948,© 2013, ProLitteris, Zürich, Foto: Dokumentation
Max Ernst, Deutsches Forum für Kunstgeschichte, Paris / John Kasnetzis | S.8 Max Ernst, Die Natur im Morgenlicht
(Abendlied), 1938, Privatsammlung © 2013 ProLitteris, Zürich | S.9 Max Ernst, Napoleon in der Wildnis, 1941, The
Museum of Modern Art, New York © 2013 ProLitteris, Zürich Foto: © 2013 Digital Image, The Museum of Modern Art, New
York/Scala, Florence | S.10 Max Ernst, Die nahe Pubertät ... (Die Plejaden), 1921, Privatsammlung © 2013 ProLitteris, Zürich
| S.11 Max Ernst, Die Jungfrau züchtigt das Jesuskind vor drei Zeugen: André Breton, Paul Éluard und dem Maler, 1926,
Museum Ludwig Köln © 2013 ProLitteris, Zürich, Foto: Peter Willi /ARTHOTHEK | S.12 Maurizio Cattelan, Ohne Titel, 2001,
Installationsansicht Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Niederlande, Foto: Attilio Maranzano, Courtesy Maurizio
Cattelan's Archive | S.13. Maurizio Cattelan, Ohne Titel, 2007 Installationsansicht Museum für Moderne Kunst, Frankfurt
am Main, Deutschland Foto: Axel Schneider, Courtesy Maurizio Cattelan's Archive | S.14 Alexander Calder beim Montieren
von «Nine Discs», (1936) in Roxbury, CT, 1938, Calder Foundation New York, © 2013, Calder Foundation, New York/
ProLitteris, Zürich, Foto: Herbert Matter | S.15 Ein König wird untersucht: Röntgenaufnahme der Skulptur, The King
Playing with the Queen, 1944 (Der König spielt mit seiner Königin) © 2013, ProLitteris, Zurich | S.16 Alle Bilder: Installationsansichten
in der Ausstellung «Steve McQueen» im Schaulager, Alle Fotos: © Tom Bisig, Basel, v.l.n.r.: Steve McQueen,
Static, 2009, Courtesy the Artist © Steve McQueen | Steve McQueen, Bear, 1993, Courtesy the Artist / Marian Goodman
Gallery, New York / Paris and Thomas Dane Gallery, London © Steve McQueen | Steve McQueen, Charlotte, 2004, Courtesy
the Artist © Steve McQueen, | Steve McQueen, Running Thunder, 2007, Courtesy the Artist / Marian Goodman Gallery, New
York / Paris and Thomas Dane Gallery, London © Steve McQueen | S.18-19 Zilvinas Kempinas, Tube, 2008, Installationsansicht,
Galeria Leme, Sao Paulo, 2010, © Foto: Zilvinas Kempinas S.20 Zilvinas Kempinas, Kakashi, 2012 Installationsansicht,
Echigo Tsumari Art Field, Japan, Foto: Zilvinas Kempinas | S.21 Zilvinas Kempinas, Flux, 2009 Installation im Centre Pompidou,
Paris, Musée national d'art modern / Centre de créeation industrielle, Foto: Zilvinas Kempinas |S.22 Zilvinas Kempinas,
Parallels, 2007, Installationsansicht, Contemporary Art Centre, Vilnius © Contemporary Art Centre, Vilnius, Foto:
Paulius Mazuras | S.23 oben: 2 Zilvinas Kempinas, Fan Drawing, 20101109-3, 2010, Courtesy of the artist and Galerie Yvon,
Lambert, Paris | S.23 unten: Zilvinas Kempinas, Ballroom, 2010, Installationsansicht, Galerie Yvon Lambert, New York, ©
Foto: Zilvinas Kempinas | S.25 Michael Craig-Martin,'Hammer (Blue)', 2011, Courtesy the artist and New Art Centre; Gagosian
Gallery | S.26 Ausstellungsansichten, Kunstmuseum Basel, Pablo Picasso: S.26 Tête de Fou, 1905 Privatsammlung |
S.27 Pablo Picasso, Le repas frugal, 1904, Blatt 1 Suite des saltimbanques, Edition Vollard, Paris 1913, Kunstmuseum Basel,
Kupferstichkabinett, erworben 1926 | S.28 oben: Mademoiselle Léonie, 1910, Privatsammlung, unten: La tasse (Le bouillon
KUB), 1912, Kunstmuseum Basel, Dauerleihgabe aus Privatbesitz | S.29 oben: Bouteille sur une table, 1912, Fondation Beyeler,
Riehen/Basel unten: Ésquisse pour «Les Demoiselles d'Avignon», 1907, Kunstmuseum Basel, Kupferstichkabinett, Geschenk
des Künstlers an die Stadt Basel, Depositum der Einwohnergemeinde der Stadt Basel / Étude pour «Les Demoiselles
d'Avignon», 1907, Kunstmuseum Basel, Kupferstichkabinett, Geschenk Douglas Cooper, Paris | S.30 oben: Femme au béret
orange et au col de fourrure, 1937, Privatbesitz | unten: Le déjeuner sur l'herbe, 1961, Privatsammlung | S.31 L'Atelier de la
femme peintre, 1954, Privatsammlung / Dessinateur et modèle, 1954, Privatsammlung | S.32 Ed Ruscha, Los Angeles, © Ed
Ruscha, 2013 | S.33 Some End of Things, Anicka Yi | S.34 Emil Nolde, Frühling im Zimmer, 1904, Nolde Stiftung Seebüll, ©
Nolde Stiftung Seebüll, 2013 | S.35 Emil Nolde, Großer Mohn (rot, rot, rot), 1942, Nolde Stiftung Seebüll, © Nolde Stiftung
Seebüll, 2013 | S.37 Kunsthalle Basel: ENDLESS COLUMN 9, Endless Column, Film Still, 2011, Courtesy der Künstler und
Office Baroque Gallery, Antwerpen / Courtesy the artist and Office Baroque Gallery, Antwerp | S.38 Renée Levi, Italique, 2012
© 2013 Kloster Schönthal | S.39 Holzfigur der Ocaina aus Kolumbien, 1960er Jahre © Daniel Beltrá for Greenpeace und MKB,
Fotograf: Derek Li Wan Po | S.40 Christopher Orr, The Gloaming, 2007, Private Collection, Courtesy Hauser & Wirth; Foto:
Barbora Gerny, Zürich | S.41 Laurent Grasso, installation view: Disasters and Miracles, Kunsthaus Baselland, Muttenz, 2013
Courtesy of Sean Kelly Gallery, NY / Galerie Valentin, Paris / Edouard Malingue Gallery, HK | S.42 Daniel Gustav Cramer,
Untitled (Three Sheep)Ix, 2013, Courtesy Daniel Gustav Cramer | S.43 Adolph Gottlieb, Blue Ground, 1973 | S.44 Stéphane
Dafflon, AST151, 2009, Aargauer Kunsthaus, Aarau | Carlos Schwabe, La vague, 1907, © Musée d’art et d’histoire, Ville de
Genève | David Zwirner, Untitled (to Donald Judd, colorist)1,7,8,9,10 und 4, 1987, The Estate Collection David Zwirner, © Pro
Litteris, Zürich | August Macke, Modegeschäft im Laubengang, 1913 | Kelly Nipper, Black Forest, 2013 | Ausstellungsansicht
Kunsthaus Zürich, 2013, Foto Kunsthaus Zürich, © Kelly Nipper | S.45 Rembrandt van Rijn, Die Nachtwache, 1642, Rijksmuseum
Amsterdam | Max Beckmann: Orchideenstillleben mit grüner Schale, 1943, © Pro Litteris, Zürich | Pablo Picasso,
Femme assise dans un fauteuil, 1941, © Pro Litteris, Zürich | S.47 Installationsansicht, K21 Ständehaus © Wolfgang Tillmans,
Courtesy Galerie Buchholz, Köln/Berlin | Cary Loren, Niagara as the Great Sphinx, Queen of Egypt Serie, 1975/2012,
Courtesy of the artist, © Cary Loren | Piero Manzoni, Merda d' artista, © Pro Litteris, Zürich | Saloua Raouda Choucair, Self
Portrait, 1943. © Saloua Raouda Choucair Foundation | Rendering of installation for the Solomon R. Guggenheim Museum,
New York, 2012 | Ed Ruscha, 1018 S. Atlantic Blvd., 1965, The J. Paul Getty Museum, © Ed Ruscha | Le Corbusier with Pierre
Jeanneret. Villa Savoye Poissy-sur-Seine, France. 1929–31. The Museum of Modern Art, New York. © 2012 Artists Rights
Society (ARS) | Richard Diebenkorn, Seawall, 1957. Fine Arts Museums of San Francisco © 2013 The Richard Diebenkorn
Foundation | S.49 v.l.n.r: Thomas Schütte, Vier Grosse Geister, 2003, Sammlung Thomas Schütte, Düsseldorf © 2012, Pro-
Litteris, Zürich | Piet Mondrian (1872–1944), Komposition mit Gelb, Blau und Doppellinie, 1933, Privatsammlung | Thomas
Hirschhorn, Diachronik Pool, Work in Progress, 2012.
La Fondation BNP Paribas encourage la création et
la médiation culturelle. Elle finance la restauration
d’œuvres d’art dans de nombreux musées, dont la
Fondation Beyeler, le Musée d’Art et d’Histoire de
Genève, le Mamco, le Musée de l’Elysée de Lausanne
ou le Kunsthaus Zurich.
Elle s’engage aussi pour la recherche dans des
secteurs de la santé et de multiples projets en
faveur de l’éducation et de la solidarité.
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