Anton Kaun | Carl F. Oesterhelt - Strunz! Enterprises

Anna McCarthy | Anton Kaun | Carl F. Oesterhelt | Catriona Shaw | Cobra Killer | Dennis Graef |
Dompteur Mooner | Eva Weinmayr | Frau Kraushaar & Nova Huta | Lee Holden | Max Müller |
Melissa Logan | Michaela Melián | Mosh Mosh | POLLYester | Rhythm King and her friends |
Schwestern Brüll feat. Raumschiff Engelmayr | Stewart Home/Nigel Ayers | Ted Gaier/
Mense Reents | Wolfgang Müller | Yoko Ono

Wir haben Briefe geschrieben, aber keine Antwort erhalten. Jemand von
uns hat in London einen Zettel unter seiner Wohnungstür durchgeschoben.
Er war dann zu sprechen. Doch die Bandmaschine musste ausgeschaltet
bleiben.
Er wurde in Nürnberg geboren. Seine Eltern, orthodoxe Juden, und fast
alle anderen Familienangehörigen wurden während des Zweiten Weltkriegs
von den Nazis ermordet. Als ihn 1939 das Refugee Children
Movement rettete und nach England brachte, war er zwölf. Zwanzig
Jahre später zeigte er in einem Londoner Café seine erste Einzelausstellung
Three Paintings by G. Metzger.
Vor einem halben Jahrhundert veröffentlichte er sein erstes Manifest, in
dem er sein Konzept der Autodestruktiven Kunst definierte: Autodestructive
art is primarily a form of public art for industrial societies.
Bei seiner South Bank Demonstration in London 1961 führte er mit acid
action painting erstmals autodestruktive Kunst im öffentlichen Raum vor.
Wenige Jahre später entwickelte er die Autokreative Kunst. Er war
Gründungsmitglied des Committee of 100, das sich gegen Atomkrieg
und Massenvernichtungswaffen engagierte, er nahm an Demonstrationen
teil und musste eine einmonatige Haft im Gefängnis in Staffordshire
absitzen. Seine Liquid Crystal Projections führte er in den 1960er Jahren
bei Konzerten der Bands The Cream, The Move und The Who in London
vor. Pete Townshend wurde von einem seiner Vorträge zu seinen

Gitarrenzertrümmerungen inspiriert. 1966 initiierte und veranstaltete er in
London das Destruction in Art Symposium (DIAS), an dem sich zahlreiche
Künstler beteiligten, unter ihnen Bob Cobbing, Henri Chopin, Ivor
Davies, Al Hansen, Juan Hidalgo, Kurt Kren, John Latham, Jean-Jacques
Lebel, Otto Mühl, Ralph Ortiz, Yoko Ono, Robin Page, Wolf Vostell und
Peter Weibel.
Years without Art: An seinem Kunststreik, zu dem er in den 1970er Jahren
aufrief und der drei Jahre dauern sollte, wollte sich damals niemand
beteiligen. Die Zusagen für unser Projekt Tribute to Gustav Metzger
dagegen kamen schnell und zahlreich.
Demonstrationen, Manifeste, Konzepte, Ausstellungen – es ist ein verstörendes,
radikales Lebenswerk, das eine subjektive, angemessene
Antwort auf die Vernichtungsmechanismen des zwanzigsten
Jahrhunderts und der Gegenwart gibt und das zum Widerspruch, zum
Kommentar, zur Referenz einlädt. Wir fanden in Justin Hoffmann, der
sich seit langem mit dem Thema Destruktionskunst beschäftigt, den richtigen
Mann, um das Tribute-Projekt zu kuratieren.
Katarina Agathos / Herbert Kapfer

We wrote letters but received no replies. One of us pushed a note under
the door of his flat in London. Then we were able to speak to him. But
the tape recorder had to stay off.
He was born in Nuremberg. His parents, orthodox Jews, and nearly all
his other relatives were murdered by the Nazis during the Second World
War. When the Refugee Children Movement saved him in 1939 and
brought him to England, he was twelve. Twenty years later he gave his
first solo exhibition entitled Three Paintings by G. Metzger in a London
café.
Half a century ago he published his first manifesto, in which he defined
his notion of Auto-Destructive Art:
Auto-destructive art is primarily a form of public art for industrial societies.
At his South Bank Demonstration in London in 1961 he presented Auto-
Destructive Art for the first time in a public space with acid action painting.
A few years later he developed Auto-Creative Art. He was a founder
member of the Committee of 100, which was dedicated to opposing
nuclear war and weapons of mass destruction, he took part in demonstrations
and was sent to prison in Staffordshire for a one month sentence.
He performed his Liquid Crystal Projections in the 1960s at concerts
of the bands The Cream and The Move in London. His lectures
inspired Pete Townshend to smash his guitar on stage. In 1966 he initiated
and organised the Destruction in Art Symposium (DIAS) in London, in

which numerous artists took part, including Bob Cobbing, Henri Chopin,
Ivor Davies, Al Hansen, Juan Hidalgo, Kurt Kren, John Latham, Jean-
Jacques Lebel, Otto Mühl, Ralph Ortiz, Yoko Ono, Robin Page, Wolf
Vostell and Peter Weibel. Years without Art: In the 1970s he called an Art
Strike which was supposed to last for three years, but at that time noone
wanted to take part. In contrast, in response to our invitation to contribute
to the project Tribute to Gustav Metzger the acceptance letters
were soon flooding in.
Demonstrations, manifestos, concepts, exhibitions – it is an unsettling,
radical lifework which gives a subjective, appropriate response to the
destructive mechanisms of the twentieth century and the present, and
which invites people to contradict it, comment on it and refer to it. In
Justin Hoffmann, who has long concerned himself with the subject of
Destruction Art, we found the right man to act as curator of the Tribute
project.
Katarina Agathos / Herbert Kapfer

Ein Tribute to Gustav Metzger zu konzipieren, ist in jeder Hinsicht eine
Herausforderung. Nicht nur, dass eine prinzipielle Schwierigkeit darin
besteht, die Produktion und das Denken eines bildenden Künstlers ins
Radio und auf CD, also auf eine akustische Ebene zu bringen, sondern
auch das Œuvre von Metzger selbst ist sperrig genug, um in
Komplikationen im Umgang mit ihm zu geraten. Umso mehr danke ich
allen Beitragenden, die sich nicht scheuten, dieses Risiko einzugehen.
Eingeladen wurden zu diesem Projekt bildende Künstler, die zum gegenwärtigen
Freundeskreis Metzgers (Eva Weinmayr, Lee Holden) gehören
oder früher im Austausch mit ihm standen (Yoko Ono). Andere kommen
aus dem Feld der Musik, z.B. Cobra Killer, Ted Gaier/Mense Reents oder
Carl F. Oesterhelt. Die meisten aber sind in beiden Bereichen tätig und
verbinden in ihrer kulturellen Praxis Musik und Kunst auf unterschiedlichste
Weise. Entsprechend different, aber auch abwechslungsreich erweist
sich die Kompilation der Tribute-Tracks, deren Charakter aber nicht
unbedingt durch die jeweilige kulturelle Herkunft erklärt werden kann.
Einige Beiträge setzen mehr auf das Wort, andere produzieren Soundcollagen
ohne Text. Nicht wenige schufen Songs. Einige der Songtexte
zitieren direkt Metzger, andere reflektieren über ihn. Verschiedene Werkgruppen
und Strategien von Gustav Metzger werden auf der CD gewürdigt
– die Referenzen gehen in verschiedene Richtungen. Die Mehrzahl
der Tracks bezieht sich auf seine Idee der Autodestruktiven Kunst, einige
aber auch auf sein Konzept der Autokreativen Kunst mit ihren

Komponenten Zufall und Varianz. Michaela Melián nimmt Bezug auf
Metzgers Aufruf aus den 70er Jahren, mit einem dreijährigen Art Strike das
Kunstsystem zu erschüttern und neu zu formieren. Auf diesem Track ist
auch Gustav Metzgers Stimme zu hören, die hier geloopt den Rhythmus
angibt. Alle Beteiligten verbindet der Wunsch, mit diesem Projekt das einzigartige
Œuvre von Gustav Metzger zu würdigen. Wir hoffen, ihm gefällt
dieses Geschenk
Justin Hoffmann, Wolfsburg, 1.9.2008
Designing a Tribute to Gustav Metzger is a challenge in every respect.
Not only because there is a fundamental difficulty in transferring the production
and thought of a fine artist to radio and CD, i.e. onto an acoustic
level, but also because Metzger’s œuvre itself is bulky enough to cause
complications when handling it. I am therefore all the more grateful to all
involved who were not afraid to take the risk. An invitation to take part in
this project was issued to fine artists who are currently friends of Metzger
(Eva Weinmayr, Lee Holden) or who were previously in communication
with him (Yoko Ono). Others are from the field of music, e.g. Cobra Killer,
Ted Gaier/Mense Reents or Carl F. Oesterhelt. But most work in both
domains and combine music and art in a wide variety of ways in their
cultural practice. The compilation of the tribute tracks is as discriminat-

ing as it is varied. It cannot necessarily be characterised in terms of the
relevant cultural origin. Some contributions are based more on the word
and others produce sound collages without text. A not inconsiderable
number have created songs. Some of the lyrics quote Metzger directly
and others reflect on him. Various work groups and strategies of Gustav
Metzger are appreciated on the CD – the references go in various directions.
The majority of the tracks relate to his notion of Auto-Destructive
Art, but some also to his notion of Auto-Creative Art with its components
of accident and variance. Michaela Melián refers to Metzger’s call in the
70s to rock the art system and transform it with a three-year art strike.
On Melián’s track one can also hear Gustav Metzger’s voice, which is
looped and thereby determines the rhythm. All those involved share the
wish to appreciate with this work the unique œuvre of Gustav Metzger.
We hope he likes this present.
Justin Hoffmann, Wolfsburg, 1.9.2008

Zu den Tracks / On the Tracks
CD 1
1 Rhythm King and her friends: I quote „Destroy she
said“ 2:35
there’s something on my mind
tell me about it – time is right
the dark heat, the cold light
i quote „destroy she said”
there’s something on my mind
tell me about it – time is right
the feedback, the broken glass
i quote „destroy she said”
there’s something on my mind
tell me about it – time is right
the wild sand, cool metal
i quote „destroy she said”
there’s something on my mind
tell me about it – time is right
the stiff ice, the last drop
i quote „destroy she said”

auto-destructive art
is primarily a form of public art
for industrial societies
in the evenings some of the finest
works of art produced now are dumped
on the streets of soho
there’s something on my mind
tell me about it – time is right
white acid, the hot steam
i quote „destroy she said”
there’s something on my mind
tell me about it – time is right
the raw wood, the black paint
i quote „destroy she said”
there’s something on my mind
tell me about it – time is right
the wire, the quick jet
i quote „destroy she said”

there’s something on my mind
tell me about it – time is right
your energy, elasticity
i quote „destroy she said”
auto-destructive art
is an attack on capitalist values
and the drive to nuclear annihilation
2 Carl F. Oesterhelt: Boltzmann Patterns 4:18
Ausgehend von Gustav Metzgers 1964 aufgestellter These „Der Künstler
sucht und erreicht eine bestimmte Form, einen bestimmten Rhythmus,
ein bestimmtes Maß: ein Streben und eine Identifikation mit allen vorhersehbaren
und nicht vorhersehbaren Veränderungen, die dem Werk möglich
sind”, komme ich zu der Vermutung, dass sogenannte notierte Musik,
also Musik, bei der der Komponist sehr vereinfacht gesagt ja nur Tonhöhen,
Dynamik und Dauer der bestimmten Töne in seiner Partitur festlegt,
erst durch die transformierende Handlung der aufführenden Instrumentalisten
zu einem höheren Kunstwerk wird. Insofern war jede konzertante
Aufführung ein transformierendes Kunstwerk.

Bei dem Stück Boltzmann Patterns hört man verschiedene Patterns vorwärts,
rückwärts, zeitlich verschoben immer im Kampf gegen die
Entropie. Frei nach kabbalistischer Lehre spielen die jeweiligen
Instrumente Reihen (z.B. Querflöte 0 2 5 7 12 10 9 5 7 14), die sich dann
der Idee der Auslöschung und Unendlichkeit folgend zu Krebsreihen
(wieder Querflöte 14 7 5 9 10 12 7 5 2 0) verändern.
Michael Oesterhelt, Querflöte; Micha Acher, Trompete; Jürgen Rippe,
Tenorsaxophon; Sachiko Hara, Piano; Getrud Schilde, Violine; Tobias
Weber, Viola; Mathis Mayr, Violoncello; Jost Hecker, Violoncello; Chris
Lachotta, Kontrabass; Carl F. Oesterhelt, Celesta.
Taking Gustav Metzger’s thesis dating from the year 1964 “The artist
looks for and achieves a certain form, a certain rhythm, a certain measure:
a striving and an identification with all foreseeable and unforeseeable
changes which are possible for the work”, I arrive at the assumption
that so-called notated music, in other words music where, to put it very
simply, the composer only lays down the pitch, dynamics and duration of
certain notes in his score, only becomes a higher art work through the
transforming action of the performing instrumentalists. To this extent
every concert performance would be a transforming art work.

In the piece Boltzmann Patterns one hears various patterns forwards,
backwards, displaced in time, always battling with the entropy. Based
freely on cabalistic theory, the respective instruments play series (e.g.
flute 0 2 5 7 12 10 9 5 7 14), which then change into retrograde series
(again flute 14 7 5 9 10 12 7 5 2 0) following the idea of extinction and
infinity.
Michael Oesterhelt, flute; Micha Acher, trumpet; Jürgen Rippe, tenor
saxophone; Sachiko Hara, piano; Getrud Schilde, violin; Tobias Weber,
viola; Mathis Mayr, cello; Jost Hecker, cello; Chris Lachotta, double bass;
Carl F. Oesterhelt, celeste.
3 Eva Weinmayr: Ahhhh! Contagion Mentale! 3:05
London sah in 2006 den Launch zwei neuer Abendzeitungen, der sogenannten
FREESHEETS “London Lite” und “The London Paper”. Die Daily
Mail-Gruppe versus Rupert Murdoch. Es ist ein harter Kampf um die Leser:
Beide Verlage verteilen je ca. 400.000 Exemplare der Zeitungen kostenlos
an Passanten auf der Strasse. Die jeweilige Ausgabe hat eine kurze
Lebensdauer: Transport for London sammelt jeden Tag 9.5 Tonnen Papier
ein, Zeitungen, die in den U-Bahnen und Bussen zurückgelassen wurden.
Die Freesheets verkleiden Werbung als Nachrichten und berichten vor

allem über Celebrities, Ausgehtipps und Gewaltverbrechen. Das Adrenalin
der Verbrechen findet sich auch in der Stimme der Zeitungsjungen wieder,
die versuchen, ihr Kontingent von über 1000 Exemplaren an einem
Nachmittag loszuwerden.
(London, 2008)
In 2006 London saw the launch of two new evening papers, the so-called
FREESHEETS “London Lite” and “The London Paper”. The Daily Mail
group versus Rupert Murdoch. The fight to win readers is a tough one:
both publishing houses distribute about 400,000 copies of the papers free
to passers-by in the street. Each issue has a short life: Transport for
London collects 9.5 tons of paper every day, newspapers left behind in the
underground trains and buses. The freesheets dress up advertising as
news and mainly report on celebrities, tips on where to go and violent
crime. The adrenalin rush of the crimes is reflected in the voice of the
paper boys who try to get rid of their quota of over 1000 copies in an afternoon.
(London, 2008)

4 POLLYester: Wow Waltz 4:27

5 Dennis Graef: Counterpoint for Gustav Metzger
2:17
»Counterpoint for Gustav Metzger« ist eine musikalische Collage, die klangliche
Symbole tiefer Sinuswellen mit einem koreanischen Schlaflied kombiniert.
Das Stück »Island Baby«, gesungen von Marie Jung, handelt von
einem kleinen Kind, das auf seine arbeitende Mutter wartet. Grundlage für
die Sinuswellen ist ein linearer Frequenzverlauf von 200 Hz zu 400 Hz, der
in kleine Einheiten zerschnitten und über die Zufallsfunktion zweier CD-
Player auf 2 Kanälen gleichzeitig reproduziert wurde. So entsteht ein zufälliges
und sich ständig in Bewegung befindendes Klangbild.
»Counterpoint for Gustav Metzger« is a musical collage which combines
the sound symbols of low sinus waves with a Korean lullaby. The piece
»Island Baby«, sung by Marie Jung, is about a small child waiting for his
working mother. The basis of the sinus waves is a linear frequency curve
of 200 Hz to 400 Hz which has been cut into small units and at the same
time reproduced via the random function of two CD players on 2 channels.
There thus develops a random and constantly moving sound pattern.

6 Mosh, Mosh: Metzger 404 4:01
Der Agent von Zufall und Chaos,
eine Mahnung an die Welt,
einer der in der Kunst verschwindet.
Maschinen, die sich selbst zerstörten
mit dem technischen Potential der Autodestruktion der
Autonegation.
Maschinen, die sich selbst zerstörten.
Maschinen, die sich selbst zerstörten.
Fasziniert von Abfallsäcken,
auf der Suche nach
einer neuen Schönheit,
einer, die passt für unsre Zeit.
Der Agent von Zufall und Chaos,
der Agent verschwindet.
The agent of chance and chaos,
a warning to the world,
one which disappears in art.

Machines that destroyed themselves
with the technical potential of autodestruction of
autonegation.
Machines that destroyed themselves..
Machines that destroyed themselves.
Fascinated by waste bags,
looking for a new beauty
a new beauty,
one that fits our time.
The agent of chance and chaos,
the agent disappears.

7 Max Müller: Zugabe zur Wahrnehmung 6:49
Der Titel bezieht sich auf einen Satz von Gustav Metzger, der in einem
Gespräch (Darmstadt 3./4.4.1989) fiel: „Die Wahrnehmung von Prozessen
könnte erhöht werden, wenn der Zuschauer auch etwas hört, quasi als
Zugabe zur Wahrnehmung“.
The quotation by Max Müller relates to a sentence spoken by Gustav
Metzger in a conversation (Darmstadt 3./4.4.1989): “The perception of
processes could be enhanced if the viewer also hears something, so to
speak as an addition to the perception”.
8 Lee Holden: Slippin’ and Sliding 6:31
“To make art for social change… art that can directly impinge on consciousness…”
Gustav Metzger talking in Metzger: Pioneers in Art and Science’, dir: Ken
McMullen: UK 2004, DVD
The title of the audio track is Slippin’ and Slidin’, as it refers to the Little
Richard 1950’s rock’ n’ roll song of the same name, and jokingly refers to
Gustav Metzger talking about the music of Little Richard in the DVD film,

Metzger: Pioneers in Art and Science, directed by Ken McMullen. The title
is a playful metaphor of the powerful influence mass media propaganda
has upon the unconscious and the process of slipping in and out of consciousness,
through the control, indoctrination and the engineering of sentiment,
focusing upon how corporate culture and the media enforce an
abysmally narrow spectrum of unashamedly Capitalist ideals.
The audio track is a composite of collaged samples/fragments from an
ongoing personalised archive of found footage, audio excerpts from TV
programmes, adverts, pop music and cinema soundtracks. The audio
track has mixed audio qualities due to the nature of appropriating from
many different sources, both from digital and analogue consumer products.
My method of editing and use of appropriation is outlined below and refers
to William Burroughs technique of scrambling with Gustav Metzger’s 1959
and 1960 Manifesto: Auto-destructive Art, where he states “Amplified
sound of the auto-destructive process can be an element of the total conception”
and that “auto-destructive art is an attack on Capitalist values…”
In the introduction of the catalogue of my recent exhibition, Hoax!, Dr.
Wolfgang Fetz, attempts to explain my editing technique and use of appropriation,
he writes, “As a third attempt, and probably the most instructive

variant in our context, we might look at the technique of scrambling, as
outlined by William S. Burroughs in his book, The Electronic Revolution,
“The control of the mass media depends on laying down lines of association.
When the lines are cut the associational connections are broken.”
This technique of “scrambling” or breaking things up into pieces – originally
imported from the military complex, where it belongs under the subheading
of encoding messages, is developed in Burroughs as an instrument
of subversion. As “the only effective counter to a growing power and
more sophisticated technique used by establishment mass media.” And
Wolfgang Fetz continues by quoting Marshall McLuhan “The media are so
pervasive in their, personal, political, economic, esthetic, psychological,
moral, ethical and social consequences that they leave no part of us
untouched, unaltered.”
9 Ted Gaier / Mense Reents: vom erbe das wir mit
den fäusten ausschlagen wollten 7:02
Was bedeutet Autodestruktive Kunst heute und wie kann das auf einer
CD klingen? Wir haben schnell festgestellt, dass sich vieles von dem,
was Metzger in den 60er Jahren in Abgrenzung zum bürgerlichen
Kunstbegriff formulierte, unterbewusst längst in unsere Praxis als
Musiker oder Politikaktivisten eingeschlichen hat. Zerstörung,

Selbstzerstörung oder auch die Idee, Kunst ohne das authentische
Künstlersubjekt zu machen und den Job an den Zufall und an Maschinen
weiterzugeben, sind ein logischer Teil des Selbstverständnisses von
Leuten wie uns, die sich seit 15 bis 30 Jahren mit den verschiedensten
Formen irgendwie gearteter Undergroundmusik beschäftigen.
Nur: Anders als z.B. bei einer Metallskulptur ist es bei einer digitalen
Aufnahme wenig reizvoll, den Verfall des Materials, in diesem Fall also
der Daten oder des Datenträgers, als Teil des Tracks mitzudenken.
Außerdem ist der heute herrschende Kunstbegriff derart repressiv tolerant
bzw. abgeklärt, dass mit dem Zerhacken seiner Symbole längst kein
Gegenstaat mehr zu machen ist. Beispielhaft dafür ist ja gerade im Fall
von Metzger, dass die Stiftung eines Versicherungsunternehmens sich
um den Erhalt seines Werkes verdient macht.
Also beschlossen wir, die Auseinandersetzung mit Metzger assoziativ zu
nehmen und auch seine Geistesverwandten Paik und Cage mitzudenken.
Zunächst dachten wir also an eine Art Noise-Installation, mit der wir das
ahnungslose Samstagabendpublikum in dem etablierten Hamburger
Szeneladen Pudel Club konfrontieren wollten. Wir dachten daran, mehrere
Verstärker im Raum zu verteilen und die dann gleichzeitig loskreischen
zu lassen, während wir in wild fuchtelnden Gesten eine Ansprache an die
Nachtlebengänger halten.
Als Referenz zu Cage und Metzger wählten wir (Mense Reents, Ted
Gaier) als eine der Soundquellen unser altes zerbrochenes Klavier, deren

Filzhämmer schon vorher mit Reisnägeln präpariert worden waren und
dessen Dämpfer nicht mehr funktionieren. Wir machten eine 1st Take-
Session, in der wir das Klavier auf alle denkbaren Arten, klassisch modern
sozusagen, bearbeiteten. Die Dichte und Stimmigkeit des Resultats ließ
uns dann an einer Liveaufnahme der interaktiven Präsentation zweifeln,
die zwar bestimmt ein gutes Happening abgegeben hätte, aber wahrscheinlich
kein besonders gutes Stück Musik. Wir änderten den Plan.
Ohne das Playback zu hören, nahmen wir über die ganze Länge des
Tracks eine von einem Delaygerät modellierte Rückkopplung auf, eine
Zither, die durch einen Verzerrer und Gitarrenamp geschickt wurde und
eine alte Kofferorgel mit elektrischem Gebläse, deren Tasten wir mit
Schraubenziehern fixiert hatten. Veränderungen im Klangbild ergaben
sich durch das krachende Umschalten der Register. Nachdem wir das
Stück durch einige Schnitte in Berücksichtigung aller improvisierten Parts
auf eine handhabbare Länge gekürzt hatten, erschien Thomas Mahmoud,
der mit seiner Stimme und einem Chaos-Pad spontan auf die Komposition
reagierte.
Die kurze Textpassage: „I´m caught in the crisis, still. - I admit I´m in love
with the crisis“, erschien uns in diesem Zusammenhang als verträgliche
Dosis konkreten Textes und war Inspiration für den Titel „Vom Erbe das
wir mit den Fäusten ausschlagen wollten“, der wiederum auf eine Textzeile
von F. J. Degenhardt anspielt. Humorlos puristisch, auf das Ergebnis
des zufälligen Zusammenspiels von improvisiertem Piano, improvisierter

Stimme und vor sich hin spielenden Maschinen beharrend, legten wir
uns fest, keine weiteren Eingriffe in die Aufnahme zu machen. Keine
nachträglichen Effekte, kein Verschieben der Spuren. Wir machten einen
Endmix, das war’s.
(Ted Gaier)
What does auto-destructive art mean today and how might it sound on a
CD? We soon found out that a lot of what Metzger formulated in the 60s
to draw a line of demarcation to the bourgeois notion of art has already
crept subconsciously into our common practice as musicians or political
activists. Destruction, self-destruction, or even the idea of creating art
without the authentic artist subject and leaving the job up to chance and
machines are a logical part of how people like us see ourselves, people
who have been concerned for between 15 and 30 years with a wide
range of underground music of whatever kind.
But other than with a metal sculpture, for example, with a digital recording
it’s not particularly appealing to consider the decay of the material, in
this case data or the data medium, as part of the track. Furthermore the
dominant notion of art today is so repressively tolerant or limpid that it is
no longer possible to create an anti-state by hacking its symbols to
pieces. An illustration of this in Metzger’s specific case is the fact that an
insurance company foundation has done an admirable job in preserving
his work.

We also decided to handle the Metzger project in an associative form
and to include his kindred spirits Paik and Cage. We therefore thought
first about an art noise installation with which we intended to confront
the unsuspecting Saturday evening audience at the well established,
fashionable Hamburg Pudel Club. Our idea was to position a number of
amplifiers throughout the room and to have them all screech simultaneously
while we addressed the night ravers with wildly flailing gestures.
As the reference to Cage and Metzger we (Mense Reents, Ted Gaier)
chose as one of the sound sources our old, broken down piano whose
felt hammers had already been prepared in advance with thumb tacks
and whose dampers no longer worked. We did a 1st take in which we
worked the piano in every imaginable way, classical and modern so to
speak. The density and coherence of the result then caused us to doubt
the wisdom of a live recording of the interactive presentation; this would
certainly have come over as a good happening, but probably not as a
particularly good piece of music. We changed the plan. Without listening
to the playback, we recorded over the whole length of the track feedback
modelled by a delay device, a cittern which had been put through
a distorter and guitar amp and an old box organ with electric bellows
whose keys we had fixed with screwdrivers. The sound was changed by
noisily switching the register. When we had made a few cuts in the piece
to shorten it to a manageable length, taking account of all improvised
parts, Thomas Mahmoud appeared and directed the composition with

his voice and a chaos pad.
The short test passage: “I’m caught in the crisis, still. - I admit I’m in love
with the crisis” seemed to us in this context to be an acceptable dose of
concrete text and was the inspiration for the title “Of the legacy we wanted
to renounce with our bare fists”, which in turn was a play on a line by
F. J. Degenhardt. Humourless, purist, sticking to the result of the accidental
interplay of improvised piano, improvised voice and machines
playing to themselves, we refused to make any further intervention in the
recording. No supplementary effects, no shifting of the tracks. We made
a final mix, and that was it.
(Ted Gaier)

10 Frau Kraushaar & Nova Huta: Reggae Healing
3:44
Lieber Gustl,
zum Einen schön, dass es dich gibt und...
Möge doch der Mensch eines Tages erkennen... ein bisschen Frieden
wird jeden Tag mehr Frieden,
den Krieg lassen wir einfach mal komplett in der alten Kiste unterm Sofa
verschwinden und dann fehlt noch - seid gut zum lieben Vieh und schütze
die Natur. Natur Natur Natur!!!!
Mensch und Tier wir lieben dir. Gustl ich träufle deinen Namen und gieße
damit die Blumen.
Ach ja Geld! Ist nicht alles was zählt! Faire Arbeitsbedingungen,
Menschenrechte. Puh, ja so was bester Gustl! Wenn man mal das
Aufzählen anfängt wird das immer mehr. So we need Heilung und
Vertreibung des Bösen!
Tune in – Turn on!
Reggae Healing!!!!Reggae Healing!!!!Reggae Healing!!!!Reggae
Healing!!!!Reggae Healing!!!!
deine
Frau Kraushaar

Dear Gustl,
First of all, nice to have you around and...
may people one day recognise... a little peace becomes daily a little
more peace,
Let’s just put war away in an old box under the couch and then another
thing – be kind to dumb animals and protect nature. Nature Nature
Nature!!!!
Man and beast we love you. Gustl I dribble your name and water the
flowers with it.
Ah yes, money! Isn’t all that counts! Fair working conditions, human
rights. Phew, yes that’s it dear Gustl! When you start to count things they
get more and more. So we need to heal and to drive out evil!
Tune in – Turn on!
Reggae Healing!!!!Reggae Healing!!!!Reggae Healing!!!!Reggae
Healing!!!!Reggae Healing!!!!
Yours
Frau Kraushaar

CD 2
1 Yoko Ono: A Night in Warsaw 3:29
A Night in Warsaw
For Gustav with love
yoko
Artist: Yoko Ono. Produced by Yoko Ono.
2 Catriona Shaw: Tee-rocket 4:16
“Rockets [are]... auto-destructive.... Not interested in ruins”
Gustav Metzger, second Manifesto for Auto-destructive art
Will technology self-destruct to save humankind? I don’t mind...
My new T-shirt, bought in dublin, started to disintegrate on my person at
a party around 1996.
1986, ten years before, saw the Challenger shuttle disaster when a serious
malfunction triggered the range safety system, a security feature
designed to destroy a rocket in case of danger to people on the ground
caused by crashing pieces, explosions etc., ultimately setting the rocket
into self-destruct mode.

My t-shirt and the space rocket
have absolutely nothing in common
except their disintegration.
I wanted to create a song in which
both the structure and lyrics reflect
the auto-destructive process, a
song that wanders through different
phases and narratives, disintegrating
or exploding into pieces its
the way to the finale where everything
is suddenly quiet, no traces
and no ruins.

3 Anton Kaun: Zerstörgerät 2:34
Zerstörgerät
Auf einem Tisch sind mehrere Schnüre kreuz und quer verlegt. Ein Ende
jeder Schnur geht über die linke Kante der Tischstirn bis zum Boden.
Dort ist es an einer Motorwinde angebracht. Jede Schnur hat eine
Motorwinde mit unterschiedlicher Drehzahl. Über einen Schalter können
die Motoren gleichzeitig gestartet werden. Der Tisch ist mit verschiedensten
Materialien (Gläser, Teller, Stifte, Schrauben, Papier, Schlüssel,
Radio, Vasen...) bedeckt. Am jeweils anderen Ende der Schnüre ist eines
der Materialien befestigt. Kontaktmikrofone, die an der Tischplatte angebracht
sind, ein als Mikrofon zweckentfremdeter Lautsprecher, der am
Boden neben den Motoren platziert ist sowie ein weiteres Mikrofon nehmen
den Ton auf. Die Motoren werden angeschaltet. Von diesem
Zeitpunkt an wird nicht mehr eingegriffen. Hier beginnt die
Selbstdestruktion. Die Schnüre an den Motorwinden beginnen die
Materialien vom Tisch zu ziehen. Diese gehen zu Bruch, Flüssigkeiten
werden verschüttet und alles fällt unkontrolliert in die Tiefe - auf die
Motoren und das Lautsprechermikrofon.
Nichts ist vorhergesehen, alles wird dem Zufall überlassen und endet im
Chaos! Die Selbstdestruktion wird, durch eine gezielte maschinelle
Konstruktion provoziert, sich selbst überlassen. Die Maschine wehrt sich
nicht. Ein Knopfdruck führt zur kompletten Zerstörung.
Konzept + Realisation: Anton Kaun/Rumpeln (04. Juni 2008)

Destruction Device
A number of cords are laid in a criss-cross pattern across a table. One
end of each cord goes over the left-hand edge of the end of the table
down to the floor. There is attached to a motor winch. Each cord has a
motor winch with a different speed. The motors can be started simultaneously
using a single switch. The table is covered by a wide range of
materials (glasses, plates, pens, screws, paper, keys, radio, vases...). At
the other end of each cord one of the materials is fastened. Contact
microphones mounted on the tabletop, a loudspeaker converted for use
as a microphone which is placed on the floor next to motors, and a further
microphone record the sound. The motors are switched on. From
this point on there is no further intervention. This is where the selfdestruction
begins. The cords on the motor winches begin to pull the
materials off the table. These get smashed, liquids are spilt and everything
falls down in an uncontrolled fashion – onto the motors and the
loudspeaker-microphone.
Nothing is planned, everything is left to chance and ends in chaos! The
self-destruction is provoked by a deliberate mechanical destruction, left
to its own devices. The machine does not resist. A push of a button
results in complete destruction.
Concept + Realisation: Anton Kaun / Rumpeln (04 June 2008)

4 Michaela Melián: Art Strike 5.56
Musik: Michaela Melián
Produktion: Michaela Melián und Carl F. Oesterhelt, 2008
“Auslöser für die Idee des Art Strike war die Einladung zur Ausstellung
Art Into Society – Society Into Art im ICA London. Meine Einstellung
dazu war sehr negativ, aus einer Reihe von Gründen. Erstens sollte der
Ausstellungstitel 7 German Artists heißen, ich bin ja kein German Artist,
ich komme aus Germany, aber meine Eltern waren polnische Juden und
wie jeder weiß, waren wir verfolgt in Germany, rausgeschmissen. Ich
wollte also nicht mitmachen. Dann gab es Gespräche im Sommer 1974,
worauf ich gesagt habe, gut, ich werde mitmachen, aber ohne auszustellen,
ich nehme nur die 8 Seiten im Katalog... Zweitens war es eine
Distanz zur ganzen Ausstellungsmacherei... Ich hatte so eine Aufballung
von Wut gegen den ganzen Betrieb... und das ist die Erklärung für meinen
Katalogbeitrag, der anfängt mit dem Aufruf zu Years without Art von
1977 bis 1980... Dieser Text ist der Urtext, der wiederholt und wiederholt
zitiert wird zum Art Strike... Das Ziel war darauf begrenzt, dass man drei
Jahre nicht ausstellt, denn wenn nichts reinkommt, dann geht ja der
Kunstbetrieb von selbst zu Grunde. Das Hauptthema war nicht, die
Künstler zu ändern, sondern den Kunstbetrieb zu zerstören. Mein
Versuch war aber total misslungen, es gab keinen Art Strike. Kein einzi-

ger war mit dem Art Strike beschäftigt, ich war nie aktiv im Art Strike.
Der Katalog zur Ausstellung war ein großer Katalog mit einer hohen
Auflage, aber kein einziger Künstler, auch nicht einer der teilnehmenden
Künstler (Albrecht D., K. P. Brehmer, Joseph Beuys, Hans Haacke, Dieter
Hacker, Michael Ruetz, Klaus Staeck) ist auf mich zugekommen, kein
einziger. Auch die, die eine Trade Union für Künstler aufbauen wollten,
wollten nichts mit mir zu tun haben, denn sie wollten ja im Gegenteil die
Künstler aufbauen als ökonomische Macht. Meine Idee war ja sogar für
sie sehr gefährlich... Sie wollten die Ökonomie des Künstlers Stunde um
Stunde aufbauen und ich wollte sie zerstören in ihrem Sinne.
Nach dieser Zeit war ich total isoliert, und zwar jahrelang, bis ich wieder
gefragt wurde, irgendetwas zu tun. Weil ich mich offen gegen Galerien
und Kunstinstitutionen ausgesprochen hatte. Und weil viele Leute dachten,
das ist ein hässlicher Text, die wollten nichts mit mir zu tun haben...
Damals war ich in der Mitte einer englischen Kunstrichtung und die war
plötzlich innerhalb von einem Monat zerhackt und jahrelang war ich
isoliert.”
(Gustav Metzger befragt zum ART STRIKE von Justin Hoffmann, 24.
November 1996)
“The idea for the Art Strike was prompted by an invitation to the Art Into
Society – Society Into Art Exhibition at the ICA in London. My attitude to
it was very negative for a number of reasons. Firstly, the intended title for

the exhibition was 7 German Artists, and I’m not a German artist: I come
from Germany, but my parents were Polish Jews and, as everyone
knows, we were persecuted in Germany, expelled. So I didn’t want to go
along with it. Then there were discussions in the summer of 1974 where I
said I would take part, but not show any works, I would only take 8
pages in the catalogue... Secondly, I felt this distance to all this exhibition
stuff... I felt this rage building up in me against the whole business...
and that explains my catalogue entry, which starts with the call for Years
without Art from 1977 to 1980... This text is the original one which gets
quoted again and again in relation to the art strike... The aim was restricted
to not exhibiting for three years, because if nothing comes in the art
business will disappear of its own accord. The main theme was not to
change the artists, but to destroy the art business. But my attempt failed
miserably and there was no Art Strike. Not a single soul concerned
themselves with the strike and I was never actively on Art Strike.
The exhibition catalogue was a big one with a large circulation, but not a
single artist, not even one of those taking part (Albrecht D., K. P.
Brehmer, Joseph Beuys, Hans Haacke, Dieter Hacker, Michael Ruetz,
Klaus Staeck) approached me, not one. Even those who wanted to set
up an artists’ trade union wanted nothing to do with me; on the contrary,
they wanted to build up artists as an economic force. My idea was even
highly dangerous to them... They wanted to build up the economy of the
artist hour by hour and I wanted to destroy it in their terms.

After this time I was totally isolated, for years, until I was again asked to
do something. Because I had spoken out openly against the galleries
and art institutions. And because many people thought it was an ugly
text they didn’t want anything to do with me... At that time I was in the
centre of an English art movement and this was smashed to pieces within
a month and I was isolated for years.”
(Gustav Metzger asked on the ART STRIKE by Justin Hoffmann, 24
November 1996)
5 Anna McCarthy: My Generation 3:13
Der Titel des Tracks bezieht sich auf Metzgers Einfluss auf Pete
Townshend. Das Lied “My Generation” von The Who war ein Ausdruck
der Rebellion damals, bei der Townshend regelmäßig seine Gitarre zertrümmerte.
Dies tat er erst nachdem er 1962 einen Vortrag von Gustav
Metzger über Auto-Destruktive Kunst gehört hatte. Eine MIDI - (computerhergestellte
Datei) Version von „My Generation“ wurde kostenlos von
einer der vielen MIDI-Datenbanken aus dem Internet heruntergeladen. Es
wurde dann in das Musikschnittprogramm von Apple,„Garageband“,
importiert. Die MIDI-Datei wird automatisch in mehrere Spuren aufgeteilt,
in diesem Fall sechs - mehrere Gitarren, Schlagzeug, Bass etc. Diese
Spuren kann man manipulieren, indem man verschiedene Effekte und

andere Instrumente darüber legt. Der Effekt „Nature Sounds“ wurde ausgewählt
und auf jede Spur darunter gelegt. Der Effekt nimmt willkürlich
“Natur Gerauesche” (Hundegebell, Vogelgezwitscher, Wasserrauschen
etc.) her und ersetzt die musikalischen Töne mit diesen Geräuschen. Die
Konvertierung des Songs in maschinell produzierte Naturgeräusche, mit
einem Programm, welches weltweit für unabhängige Kunstproduktion
verwendet wird, funktioniert als Metapher für Grundthesen Metzgers
Arbeit - die Umwelt und dessen Zerstörung durch Technik sowie auch für
den Aufruf zur maschinell produzierten Kunst.
The title of the track relates to Metzger’s influence on Pete Townshend.
The song “My Generation” by The Who was an expression of the rebellion
at that time which led Townshend to regularly smash his guitar. He
did this for the first time in 1962 after he had listened to a lecture by
Gustav Metzger on Auto-destructive Art. A MIDI (computer-generated
file) version of “My Generation” was downloaded from one of the many
MIDI databases on the Internet. It was then imported into the Apple
music editing program “Garageband”. The MIDI file is automatically broken
down into a number of tracks, in this case six – a number of guitars,
drums, bass etc. These tracks can then be manipulated by superimposing
various effects and other instruments. The “natural sounds” effect
was chosen as the background to every track. The effect takes natural
sounds (a dog barking, birds twittering, water rushing etc.) on a random

asis and replaces the musical notes with these noises. The conversion
of the song into machine-generated natural sounds, using a program
which is used throughout the world for independent art production,
functions as a metaphor for the basic theses of Metzger’s work – the
environment and its destruction by technology, and for the call for
machine-generated art.

6 Schwestern Brüll feat. Raumschiff Engelmayr:
Fade out 3:27
Das Soundexperiment der Schwestern Brüll feat. Raumschiff Engelmayr
mit dem Titel FADE OUT! improvisiert zu den Gedanken eines Endes
oder genauer: eines Ausfadens der Menschheit, wie sie zum einen
Valerie Solanas (ja, sie schoss auf Andy Warhol) 1967 in ihrem SCUM
Manifesto sowie zum anderen die Philosophin Helene Druskowitz (ja, sie
war kurz mit Nietzsche befreundet und hasste ihn danach) in den
Pessimistischen Kardinalsätzen (1905), formulierte, die darin ein
Endesende der Menschheit fordert. Es werden Soundquellen verwendet,
die von selbst ihr eigenes Fade-out erzeugen: ein Aufziehfisch, eine
Stimmgabel, eine Espressomaschine, der Atem der Lesenden, ihr
Urinstrahl u. a. Gustav Metzger bildet mit seinen Überlegungen und
Manifesten zur Autodestruktiven/Autokonstruktiven Kunst und zur
Zerstörung das Verbindungselement. FADE OUT! ist das Ergebnis einer
künstlerisch-musikalischen Auseinandersetzung mit Helene Druskowitz,
Gustav Metzger und Valerie Solanas und ihren Begriffen des Endes –
FADE OUT!
Der Textausschnitt aus dem SCUM Manifesto wird mit freundlicher
Genehmigung des MARO Verlags verwendet.
The sound experiment of Schwestern Brüll feat. Raumschiff Engelmayr

entitled FADE OUT! is an improvisation on the notion of an end or, more
precisely, a fading out of humanity, as formulated on the one hand by
Valerie Solanas (yes, she’s the one who shot Andy Warhol) in her 1967
SCUM Manifesto and on the other by the philosopher Helene Druskowitz
(yes, she was briefly a friend of Nietzsche and then came to hate him) in
her Pessimistische Kardinalsätze (1905), in which she demands the ultimate
end of humanity. Sound sources are used which generate their own
fade-out: a wind-up fish, a tuning fork, and espresso machine, the readers’
breathing, their urine stream etc. With his ideas and manifestos on
auto-destructive/auto-constructive art and destruction Gustav Metzger
provides the connecting element. FADE OUT! is the result of an artisticmusical
examination of Helene Druskowitz, Gustav Metzger and Valerie
Solanas and the notions of the end – FADE OUT!
The extract from the SCUM Manifesto is used with the kind permission
of the publishers MARO Verlag.
7 Cobra Killer: Lullaby for the destructed braincell
3:38
Recorded at andereBaustelle Tonstudio Berlin Produced by Cobra Killer
& Boris Wilsdorf Mixed and mastered by Boris Wilsdorf Lyrics: Party,
kinatically you part me from everything I should be no harmony.

Decompose a ceremony to compose a trophy. Decompose to compose
decompose to compose.
8 Stewart Home / Nigel Ayers: Genetically Modified
Metzger Manifestos 4:36
Genetically Modified Metzger Manifestos.
The damaged nature of industrial societies leads to auto-destructive art.
The sound of amplified jet engines cruising a mile above the earth.
The bombers circle and circle and circle around acid on nylon.
Machine produced and factory assembled art works by Gustav Metzger.
Combustion, compression, concrete, corrosion.
Convulsion, subversion, defection.
Random activity and the tangential slogan “no more beautiful ruins”!
Smash the picturesque, smash capitalism, smash realism and smash
abstraction.
Suited beings in Regent Street are monsters of self-regulation.
Everything, everything, everything else is an echo of Russian futurism
Combustion, compression, concrete, corrosion.
Convulsion, subversion, defection.

The greatest art of the sixties was dumped nightly on the streets of Soho.
The greatest art of today is the spam filling your email inbox.
Far better than those poetry sites where people cut and paste words and
phrases,
Is junk email which uses exactly the same technique to avoid spam filters.
Combustion, compression, concrete, corrosion.
Convulsion, subversion, defection.
Thank you for purchasing my instructional video “Make Money While You
Shower”. I think you’ll agree it is the best $200 you’ll have ever spent
because let me assure you that there are a lot of men out there who will
pay handsomely to film young women taking a shower, and they range
from glamour film makers to rank amateurs. Of course you can make
extra money from professionals by charging an additional fee for signing
a release form... So how do you reach these desperate men? Just send
me $200 and I’ll tell you how in my instructional video “Make Money
From Your Website!”
Scientist must collaborate with artists, engineers, grifters and con-merchants.
People’s power will accelerate the disintegration of the institution of art.
A total unity of idea, site, form, colour, method and timing of the work.

Words in freedom machine produced and factory assembled.
Combustion, compression, concrete, corrosion.
Convulsion, subversion, defection.
Auto-destructive art is an attack upon capitalism and the drive to annihilation.
Glass, heat, human energy, electricity, feedback, explosives.
Duchamp said art works die and end up in the graveyard of museums.
Metzger proposed they should have a life varying from a few moments to
20 years.
Combustion, compression, concrete, corrosion.
Convulsion, subversion, defection.

9 Dompteur Mooner: Voices on the lost track 3:01

10 Melissa Logan: the art strikes back 3:18

11 Wolfgang Müller: Die Nachtigall vom Prinz-
Albrecht-Gelände 7:01
Unser erstes Konzert 1 findet 1981 im Westberliner Kuckuck statt, ein
Konzertort in einem besetzten Haus in der Nähe der Kriegsruine des
Anhalter Bahnhofs. Direkt gegenüber dem Kuckuck liegt ein eingezäuntes
Gelände, auf dem sich seit Kriegsende 1945 zwischen
Trümmerresten ein Biotop aus Sekundärvegetation gebildet hat:
Schlingpflanzen, Akazien, Birken, Goldrauten, Brennnesseln und hohe
Gräser. Durch diesen Urwald führen ein paar dilettantisch planierte Wege,
auf denen ohne Führerschein Auto gefahren werden kann. Pächter des
Geländes und Eigentümer des Autodroms ist Harry Toste, alias Straps-
Harry, ein Transvestit mit langen, blond gefärbten Haaren, grellgrünen
knielangen Strümpfen, die von roten Strapsen gehalten werden. In den
90er Jahren ist er oft im Café Anal zu sehen, einer lesbisch-schwulen
Punkkneipe in Kreuzberg. Im Jahr 2004 stirbt Straps-Harry im Alter von
97 Jahren.
Einige Tage nach dem Konzert im Kuckuck steige ich über den Zaun und
erkunde das Gelände. Es wird im Norden durch die Berliner Mauer und
im Westen vom Gropiusbau begrenzt. Plötzlich erklingt der variationsreiche
Gesang einer Nachtigall. Sie singt ohrenbetäubend, beinahe
schmerzhaft, intensiv und eindringlich. Sie singt, um einen Partner anzu-

locken, ihr Revier zu markieren oder um die vorbeifahrenden Autos zu
übertönen.
Durch eine Ausstellung mit dem Titel „Topographie des Terrors“ gerät die
Geschichte des verwilderten Areals 1987 in ein breiteres Blickfeld. Nach
mehreren gescheiterten Anläufen, wird im Herbst 2007 mit dem Bau eines
Museums begonnen. Hier, auf diesem Gelände an der Prinz-Albrecht-
Straße, im Revier der Nachtigall, befanden sich einst die Schreibtische
Himmlers, Heydrichs und Kaltenbrunners und damit die Zentralen nationalsozialistischer
Verbrechens- und Repressionspolitik: Das Geheime

Staatspolizeiamt, die SS-Führung und das Reichssicherheitshauptamt.
Our first concert 1 took place in 1981 in the Kuckuck in West Berlin, a
concert venue in a squat near the war ruin of the Anhalter Station.
Directly opposite the Kuckuck there was a fenced-in site on which a
biotope of secondary vegetation had formed among the residual rubble
since the end of the war in 1945: climbing plants, acacia, birches, goldenrods,
stinging nettles and high grass. A few amateurishly levelled
tracks had been laid through this jungle to provide an opportunity for

people without a licence to drive. The leaseholder and owner of the
Autodrome was Harry Toste, alias Straps-Harry, a transvestite with long,
dyed-blonde hair, garishly green knee stockings held up by red suspenders.
In the 90s he could often be seen in the Café Anal, a gay and
lesbian punk pub in Kreuzberg. In 2004 Straps-Harry died at the age of
97.
A few days after the concert in the Kuckuck I climbed over the fence and
explored the site. It was bounded in the north by the Berlin Wall and in
the west by the Gropius Building. Suddenly the richly varied song of the
nightingale rang out. The song was deafening, almost painful, intense
and penetrating. The nightingale was singing to lure a mate, to mark its
territory or to drown out the sound of the passing cars.
With an exhibition entitled “The Topography of Terror” in 1987 the history
of this overgrown area was placed in a broader context. After a number
of unsuccessful attempts, work was begun in the autumn of 2007 on
building a museum. Here, on the site on the Prinz-Albrecht-Straße in the
nightingale’s territory, was where Himmler, Heydrichs and Kaltenbrunner
once worked at their desks, in the headquarters of national socialist
crime and repression: the office of the Gestapo, the SS leadership and
the Reich Security Central Office.
1 Die Tödliche Doris, 1980–1987

Kuratiert von / curated by Justin Hoffmann
Producer: Katarina Agathos / Herbert Kapfer
Mastering: Michael Heilrath
Design: Daniel Kluge
Cover: Bearded man trips over a box and finds a new form of art.
Daily Express, 12 Nov 1959
Übersetzungen / Translations: Alan Miles
Dank an / thanks to: Chris Dercon, Hans-Ulrich Obrist, Eva Weinmayr,
Peter Weibel
Produced by: BR Hörspiel und Medienkunst 2008
Sendedatum / Date of Broadcast: 12 Dec 2008, Bayern 2
© 2008: intermedium records
Edited by Herbert Kapfer / Katarina Agathos
Bayerischer Rundfunk / Hörspiel und Medienkunst
D-80300 Munich, Germany
STRUNZ! enterprises +49-8122/89202-0
info@intermedium-rec.com
www.intermedium.de
www.intermedium-rec.com

CD 1
1 Rhythm King and her friends I quote „Destroy she said“ 2:35
2 Carl F. Oesterhelt Boltzmann Patterns 4:18
3 Eva Weinmayr Ahhhh! Contagion Mentale! 3:05
4 POLLYester Wow Waltz 4:27
5 Dennis Graef Counterpoint for Gustav Metzger 2:17
6 Mosh, Mosh Metzger 404 4:01
7 Max Müller Zugabe zur Wahrnehmung 6:49
8 Lee Holden Slippin’ and Sliding 6:31
9 Ted Gaier / Mense Reents vom erbe das wir mit den fäusten
ausschlagen wollten 7:02
10 Frau Kraushaar & Nova Huta Reggae Healing 3:44
CD 2
1 Yoko Ono A Night in Warsaw 3:29
2 Catriona Shaw Tee-rocket 4:16
3 Anton Kaun Zerstörgerät 2:34
4 Michaela Melián Art Strike 5.56
5 Anna McCarthy My Generation 3:13
6 Schwestern Brüll feat. Raumschiff Engelmayr Fade out 3:27
7 Cobra Killer Lullaby for the destructed braincell 3:38
8 Stewart Home / Nigel Ayers Genetically Modified Metzger Manifestos 4:36
9 Dompteur Mooner Voices on the lost track 3:01
10 Melissa Logan the art strikes back 3:18
11 Wolfgang Müller Die Nachtigall vom Prinz-Albrecht-Gelände 7:01