Memorias de Nómada # 3

memorias nomada
de
Cultura y Arte Numero 3 - Ano 1

Indice
Pág. 2
Suburbios Mérida
Por Jesús Cámara
Pág. 5
Resena: El evangelio
turbio de virgo
Por Graciela
Montalvo y Hugo Cop
Directora editorial:
Katia Rejon
Pág. 7
Sinestesia:Difusor
de una nueva
realidad
Por Jhonny Euan
Pág. 10
Galería:
Eric Fajardo
Coordinador editorial:
Jesús cámara
Jefe de redaccion:
Yobain Vázquez
Pág. 14
El maestro de la
escuela particular
Por Nahum Chuil
Pág. 20
Extraños en el
paraíso
Por Mario Galván
Pág. 28
Entrevista a josé
antonio íñiguez
Por Josué Tello
Torres
Pág. 17
Las desventajas de
ser invisible
Por Yobain Vázquez
Pág. 25
Hoja de arce:
Saltimbanqui
Por Elias
Hernández
Pág. 33
Recomendaciones
Director creativo:
Luis Cruces
Consejo editorial:
Graciela Montalvo,
Jhonny Euan,
Hugo Cop,
Elias Hernández
Colaboran en esta
edicion:
Nahum Chuil
Mario Galván
Josué Tello
Ale canto
Tony Peraza

1
Editorial
INVENTARIO
Cuatro meses, tres presentaciones, unos cuantos lectores. Con eso estamos felices. En esta edición
colaboran por primera vez ilustradores cuyo trabajo admiramos, como Miss Kanto a quien queremos
adoptar para tenerla siempre en nuestras páginas, a Tony Peraza quien ha sido -gracias a su interés por
el proyecto-una gran motivación, y el artista del mes Eric Fajardo presente en la portada y en la sección
de Galería.
En los artículos, Mario Galván Reyes escribe sobre el cine de Jim Jarmusch, el maestro Nahum Chuil
colabora con un artículo de opinión acerca de la figura del profesor de escuela particular, y Josué Tello
Torres nos envía una entrevista al poeta cancunense José Antonio Íñiguez quien da su opinión acerca
de la producción literaria peninsular.
En las secciones fijas La H no es muda escribe acerca del popular proyecto “Suburbios Mérida” que a
través de las redes sociales ha contado historias de esquinas y mostrado cuadros de la ciudad para
admirarla como los turistas; Bitácora de supervivencia nos habla acerca de “Sinestesia.org”, un proyecto
de difusión cultural y sobre todo musical que ha apoyado a los músicos locales desde hace unos
años; Síndrome de papelera tiene una interesante reflexión acerca de la literatura yucateca que busca
provocar un diálogo en torno al tema. El dúo de Graciela Montalvo y Hugo Coop realiza una reseña del
libro El evangelio turbio de Virgo de Álvaro Baltazar Chanona , en Hoja de arce tenemos la alegría de
publicar el cuento ganador del tercer lugar del Espíritu de la letra 2015 “Saltimbanqui” de Elías
Hernández Escalante. Y las recomendaciones son -como siempre- un sitio donde compartimos nuestras
obsesiones efímeras para tratar de que no sean tan efímeras. Un poco de lo que hacemos en toda la
revista.
Katia Rejón

2
LA H NO ES MUDA
SUBURBIOS
DE MËRIDA
El rescate de la historia de nuestra ciudad
Por Jesús Camara Ríos
Mérida ha demostrado una expansión
demográfica imparable, desde
su fundación en enero del año 1542
cuando los conquistadores pensaban
amurallarla y custodiarla por
medio de grandes arcos en cada
una de sus entradas, pero el incremento
de la población dejó atrás
aquellas barreras haciendo que el
centro de la ciudad aumentara su
tamaño.
Debido a esto y para resolver el
problema de la ubicación en la
ciudad, se implementó un sistema
con el que se nombraron las esquinas
más significativas de Mérida,
más tarde esta acción daría paso a
las famosas placas que muchas
veces podemos encontrar en el
centro y sus alrededores. Mucho
tiempo después se utilizaría el
sistema numérico que identifica
actualmente las direcciones de todo
el estado.
Se dice que para 1930, había tantas
placas como esquinas de la ciudad,
por lo que se calcula que para ese
año existían aproximadamente 200
placas que identificaban las calles.
El deterioro de las fachadas y de
las mismas placas hace una tarea
utópica saber el número exacto de
éstas. Pero si alguna vez se han
preguntado el porqué de sus nombres,
los comunicólogos Larisa
López Barredo, Lolina López
Ceballos, Fernanda Camacho y
Emmanuel Tatto cuentan algunas
de las historias que las caracterizan
con la actividad semanal “Jueves
de Esquina” que realizan cada
semana en su página de Facebook
llamada Suburbios de Mérida,
nombre con el que se le conocía
antiguamente a los barrios de la
ciudad.
Originalmente este proyecto inició
en su etapa de universitarios, en
donde a través de una investigación
se dieron cuenta de que la población
más joven de la ciudad se
resistía a involucrarse con el centro
histórico. Por lo que consideraron
que la manera más accesible para
llegar a ese público era por medio
de redes sociales. Su principal
objetivo es promover el valor
cultural, social e histórico del
centro la ciudad de Mérida por
medio de historias realizadas en
texto, imagen, video e investigaciones
que permiten demostrar su
contenido.

3
Entre otras actividades que realizan
en su página, también se encuentran
los Lunes de frase donde
toman citas de personajes célebres
de la ciudad; Yucatán en la Historia,
en donde hablan de la historia
del estado; y su campaña permanente
llamada Soy Suburbios de
Mérida que presenta videos cortos
en donde la gente platica su experiencia
en el centro de la ciudad.
La labor de Suburbios de Mérida
compartiendo la historia comenzó
desde febrero del año pasado y una
de las cosas que más disfrutan al
crear el contenido de la página es
acercarse a la gente que comparte
el interés y cariño hacia el centro,
recaudando de esta manera las
anécdotas presentadas cada
semana.
La sección de los Jueves de Esquina
se les ocurrió gracias a la curiosidad
que muchos ciudadanos
tienen desde pequeños al ver esas
imágenes en distintos muros. La
idea de retomar la historia de las
esquinas surgió desde inicios del
proyecto, pero no fue concretada
hasta seis meses después de iniciar
con la página en la red social,
cuando comenzaron a leer más
sobre el tema y quedaron sorprendidos
con la cantidad de historias
encontradas sobre las antiguas
direcciones de Mérida.
Actualmente llevan 18 semanas
desde que aparecieron en el contenido
de la página, la primera esquina
presentada fue “La Tucha”,
ubicada en la calle 66 por 57, en
donde según los rumores, la
descortesía de la hija de un acaudalado
meridano ante una anciana
que resultaría ser una poderosa
bruja, la condenaría a perder su
belleza para convertirse en una
horrible “tucha” (como le conocían
a las hembras de los monos) hasta
que aprendiera la lección. Entre
otras publicaciones también han
compartido las historias de “El
Gallito” en la calle 63 por 60, “El
Cuartel” en la 50 por 59, “El
Conde” en el cruce de la 65 por 62,
“El Chévere” en la 54 por 49 y “El
Tivoli” la esquina de la 45 por 62,
una de las más concurridas, en
donde se encuentra una tienda con
el mismo nombre como sucede
muchas veces con distintos establecimientos
que surgen a los alrededores
de estas placas.

4
La nomenclatura de las esquinas
principalmente fue otorgada por
leyendas o rumores que corrían por
los rumbos, o hechos históricos que
ocurrían en el lugar, como en la
esquina del “Monifato”;
Emmanuel Tatto cuenta que el
nombre se debe a que a principios
del siglo XIX el pueblo realizó una
pequeña estatuilla como burla ante
la personalidad monarca del Rey
Fernando VII, que sería colocada
más tarde en el cruce de la calle 65
por 42, o como “La Sombra”,
ubicada en las calles 52 con 45,
donde había una ceiba de gran
tamaño que proporcionaba refugio
del sol y más tarde se convertiría en
una cantina cuya barra estaría
alrededor del tronco del majestuoso
árbol.
A pesar de la eficacia que presenta
el sistema numérico actual que
identifica las calles de la ciudad,
los integrantes de Suburbios de
Mérida creen que las esquinas son
una importante tradición arraigada
del centro histórico, por lo que
verlas al menos restauradas sería
grandioso para su inclusión de
nueva cuenta en la cultura popular
de la gente y con el rápido crecimiento
que la ciudad presenta no
sería mala idea pensar en incluir
más esquinas, sin dejar a un lado la
numeración.
Tatto expresa también que como
equipo se sienten muy felices por la
aceptación, los mensajes y los
comentarios dejados en las redes
por sus seguidores. Por otra parte,
el hecho de conocer cada vez más
nuestra ciudad también los llena de
alegría. Con respecto al centro
histórico de Mérida, están fascinados
por la extensa historia que
resguarda, y también por las distintas
etapas que ha tenido a lo largo
de su existencia. “Nos gusta abordarla
[La historia de Mérida] de
una manera muy directa y a fondo.
Siempre intentamos imprimirle un
lado sensible hacia distintos hechos
de la historia, ya que consideramos
que es precisamente la sensibilidad
algo que se pierde con el paso de
los años” comenta.
Algo que no podía faltar era la
pregunta: Si tuvieras la oportunidad
de nombrar una esquina ¿cuál
sería y por qué? A lo que Tatto
respondió “Quizá lo obvio sería
pensar en algo como "El suburbio"
y poner en la placa algo referente a
los barrios, pero también creo que
valdría la pena hacer placas de personajes
mayas o palabras en maya
de elementos de nuestra cultura
como los Papadzules, el Sabucan o
el Dulce de Nance”.
La labor de rescatar la historia que
esta página realiza es digna de
orgullosos ciudadanos que buscan
la prevalencia de las bellas costumbres
que la ciudad aloja en sus
calles, acerca también a todo el
público de una manera sencilla a
conocer las historias que nuestros
abuelos y padres contaban hace
muchos años acerca de Mérida,
haciéndolas circular ahora por
medio de plataformas digitales.
"El Conde" o "La Lonja" Calle 65 con 62
Esta esquina lleva ambos nombres por haber sido primero una casa
propiedad del Conde de Miraflores, único título nobiliario que concedió la
Corona española a los súbditos de Yucatán durante la colonia y posteriormente
sede de la Lonja meridana, una sociedad literaria fundada el 28 de
septiembre de 1846 por un grupo de jóvenes que gustaban de reunirse
todas las noches para intercambiarse impresiones, debatir temas literarios
y artísticos.
#JuevesDeEsquinas

5
reseña
El evangelio
turbio de Virgo
Por Graciela Montalvo y Hugo Coop

6
Fusionar en una sola obra al Mayab legendario y
personajes bíblicos, e interiorizar el dolor del hombre
es el mar a donde nos invita el autor del Evangelio
turbio de Virgo de Álvaro Baltazar Chanona. El autor
nació en Mérida Yucatán el 28 de agosto de 1968,
cursó el Taller de Literatura Elías Nandino del Departamento
de Bellas Artes de Jalisco y el Taller de
Poesía de la Universidad Autónoma de Baja California.
Sus textos literarios han sido publicados en periódicos,
suplementos culturales, antologías virtuales y
revistas literarias de Argentina, Cuba, España y
México.
Este es un libro publicado en el 2013, de la colección
Ariadne por la editorial Cátedra Miguel Escobar del
Instituto Nacional Descentralizado de Traducción e
Investigación Literarias en México. Un poemario que
consta de 3 partes tituladas de la siguiente forma:
1).-El evangelio turbio de Virgo, 2).-Los sortilegios
maritales del fauno y 3).- Desde los cárcamos inexpugnables
de Uxmal. El primer capítulo expresa la
conmoción de un hombre que no se reconoce como
parte de la fe católica, desesperado por reconciliarse
con sus raíces judías. El segundo capítulo es la
conversación del hombre con su mujer, sin que la
figura de Dios sea testigo y el tercer capítulo es un
homenaje a sus raíces mayas.
El autor describe el dolor ante las injusticias a través
de un lenguaje lleno de alegorías; la aceptación dolorosa
de hechos históricos, el contraste del dolor ante
el amor, la inmunidad del dolor mismo, la indiferencia
del prójimo, dejándonos descubrir las dudas de su
interior y de su entorno. La importancia de sus
poemas radica en la fuerza que le dan las figuras retoricas
y la estructura libre de sus versos, Tal como nos
dicta en la siguiente estrofa del poema “F”.
Resignado a ser pústula negra, incurable
Que supura espesas lágrimas de odio
Por esa infancia borrosa, ya perdida
Por nuestra negación a querernos como somos
Y a nuestra búsqueda constante
Por las cosas muertas…
Una voz desangelada y herida de muerte, que se expresa
con pesimismo y esperanza nula respecto a sus
semejantes y de las múltiples formas de violencia que
se usan para desaparecer la opinión, la cultura, el
pensamiento particular y la sensibilidad del otro. Una
voz desgarradora hecha poesía por el autor.
Álvaro Chanona entrelaza cada poema de cada capítulo
del libro de tal forma que procura hilvanarlos para
interpretarlos como un todo, los presenta sin títulos,
pudiéndose diferenciar uno del otro por medio de
letras y números. El poeta nos invita a meditar un
mensaje universal, la reflexión del dolor humano,
insidioso en este concepto describe la crueldad
humana hacia sus semejantes, el látigo despiadado del
dolor físico y emocional del hombre hacia sus hermanos
ante dios y sobre todo la indiferencia del mismo;
Como a fin de cuentas nos dice el poeta: “dolor, que de
tanto doler ya no duele”. Sus versos son completamente
libres, sin métrica ni rima, solamente ritmo que
conjugado con las figuras literarias construyen
poemas para entusiasmar al espíritu y motivar a la
reflexión de una realidad pasada, presente y futura.
El leer estos poemas, descubre las particularidades del
autor, conocedor de la cultura maya que se atreve a
utilizar personajes, tradiciones e historias que armoniza
perfectamente con su sentir, a su vez que articula
personajes e historias bíblicas con sus emociones,
destaca la estructura narrativa y la fuerza de sus figuras
literarias.

Bitácora de supervivencia
“Sinestesia no se
quiere encasillar en la música”, afirma
Jairo Bicks al empezar una charla sobre la organización que
nació en 2014 y se ha posicionado en la mira del público por su labor como medio
de difusión y promoción de todo tipo de movimiento artístico, sea de grupos musicales
o colectivos sociales. Se trata de Sinestesia. Org. Una organización fundada y
dirigida por Jairo, que pretende generar un apertura para nuevas bandas musicales
en el Estado.
“Sinestesia es un proyecto de proyectos, y más que buscar, se trata de crear y fusionarse
con marcas y promotores para coordinar eventos para nuevos grupos”, afirma.
Aunque, como se dijo antes, Sinestesia no es sólo un difusor de música. Más bien de
toda cultura emergente. Pero por el momento, el apoyo al giro musical es el sello que
distingue a Sinestesia, el grupo detrás de la organización de varios eventos en la
ciudad como: Merida Fest, MID Fest, el reciente Peninsular, sin olvidar las presentaciones
de Siddhartha, Caloncho, Carla Morrison, entre otros.
7

8
Jairo inició sus andanzas en el rollo
musical en 2013, con la organización
del primer festival de música independiente
en el marco del Mérida
Fest, realizado en el Parque de las
Américas y que tuvo a las bandas
nacionales Technicolor Fabrics y
Torre Blanca, más el talento de agrupaciones
de la ciudad. Por aquel año
empezó a intensificarse una ola de
participaciones musicales de grupos
independientes en la ciudad. Ante
este hecho, “Sinestesia surgió de la
necesidad de formalizar un trabajo,
ponerle identidad a un movimiento”.
De acuerdo a su nombre, surgido de
una canción de la banda local
Dasein, Sinestesia ofrece al público
una visión de cómo es la música que
se escucha en los conciertos, cómo
se ve el espectáculo producido por
las cuerdas de una guitarra. “Hay que
hacer que las bandas salgan a la
calle, que se den a conocer, organizar
un show, traer una ícono nacional,
Comisario Pantera, La Vida Bohéme
o Troker, por ejemplo, y fusionarlos”,
comenta Jairo.
En todos sus eventos siempre destaca
una banda o cantante nacional,
generalmente de corte independiente,
pero para seleccionar a los indicados
siempre procuran que se mantenga
el espiritu de innovación y que
pueda gustar al público. En este
proceso las bandas locales tiene un
papel fundamental, por la oportunidad
de demostrar su talento. Todas
las bandas que que estén haciendo
música tienen el apoyo de Sinestesia,
sin importar su género.
Con ese fan de apoyar a los grupos,
Sinestesia pretende apoyar al talento
local, dar una apertura. De esa idea
surge la fusión de Delay Corner, sala
de ensayos, con el Café Momento,
para convertirlo en un foro musical
con capacidad de 120 personas,
aproximadamente. Tras esta unión,
el café por rumbos del Parque de
Santa Anna ya un lugar popular
donde se efectúan eventos organizados
por Bicks y su equipo.
El Foro ha albergado a más de 1,500
personas en poco más de un año, y es
un café ameno y sencillo donde
también se realizan eventos de otro
giro cultural, siempre impulsados y
promovidos por Sinestesia. En un
cuarto, detrás de este foro, se
encuentra Delay Corner, una sala de
ensayos ocupada por al menos 30
bandas locales de Mérida e incluso
del interior del Estado, que pagan
renta por sesiones. Estos grupos
suelen reservar la sala para ensayar,
apartando con anticipación las disputadas
fechas, algo normal siendo uno
de los pocos lugares que ofrece un
servicio de este tipo.
Sobre el tema del foro musical, Jairo
considera que Café Momento no
tiene competencia, es hasta cierto
punto único en su estilo, porque no
es un bar como el Delorean (bar
musical) , con quienes comparte
público pero no todo. Entre las aspiraciones
futuras de Jairo, está Sinestesia
como un editor de contenidos,
que siga su esencia, la de impulsar la
parte independiente de la cultura. Así
como traer más propuestas musicales
interesantes para la ciudad; vislumbra
conciertos con artistas como
Rodrigo y Gabriela, Manu Chao y
Troker. Afirma que todos los
conciertos se disfrutan y son importantes.
“El de Enjambre en Másde30
estuvo chido. En estos eventos hay
variedad de sedes, contextos, pero
uno de los que podría caracterizarse
por tener el sello puro de Sinestesia
fue el MID Fest, evento que se llevó
a cabo en junio pasado y que tuvo un
bazar con pequeños empresarios y
emprendedores y una oferta musical
con 14 bandas de varios géneros”.
La gestión para traer una banda es
muy larga. Se consideran factores

9
como la gestión del diseño, que
requiere tiempo. “Todo lo relacionado
con la imagen. Es algo que se
trata de hacer de la mejor manera
para venderlo con calidad desde el
principio”.
Al ser cuestionado sobre la forma de
producir eventos locales por parte de
cadenas de radio y/o promotores,
Jairo cree que uno de los problemas
que suceden en Mérida es que a los
directores artísticos no les gusta la
música, les gusta el dinero. “No usan
su dinero para hacer más música. No
están comprometidos. A mí me dan
más dinero, compro más amplis, yo
no los ocupo, pero sirven para hacer
más música en Delay Corney.
Muchos dicen que no hay escena en
Mérida porque no hay música”.
Por ejemplo, continúa Jairo, “en la
ciudad de México, escuchas canciones
nuevas casi todos los días. Y
aquí, ¿cada cuando se produce una
canción? No hay los medios. Ni
espacios suficientes o accesibles, no
hay eso. En Mérida todavía se está
empezando a crear una apertura
musical”, confiesa y pone como
ejemplo a la ciudad de Querétaro, un
lugar donde hay muchos toquines
pero no hay un seguimiento.“Hay
muchas bandas pero no hay una
agenda inteligente de eventos. No es
que aquí (Mérida) haya una súper
agenda, pues apenas se está formando.
Algunos quieren, pero hay que
llevársela leve”.
Al seguir sobre la situación musical
en Mérida, Bicks rechaza tajantemente
usar el término “escena”,
prefiere “realidad”. Él argumenta
que la realidad musical en Mérida
está llegando el chip de industria,
algunas bandas se están dando
cuenta de cómo funciona la música
en el país, está llegando ese modelo
de cómo se hace y antes no existía,
porque a través de los eventos las
bandas conviven con los artistas de
mayor jerarquía. “Opino que la realidad
local no tiene aspiraciones
concretas. Por ejemplo, si todos
leyeran La nueva era de la industria
musical en Latinoamérica de Ernesto
Piedras Feria, estaríamos hablando
en otro idioma (risas). Si todos los
músicos tuvieran la molestia de
informarse a lo que se están metiendo,
que haya un interés más allá de
hacer música. Que más allá del entusiasmo,
que tengan disciplina, pero
como que les gana la palabra creatividad.
Opino que la realidad local de
ahora se está informando y formando,
apenas.”

10
Galería
Eric Fajardo Herrera
(Yucatán, 1987)
Egresado de la licenciatura en
Artes Visuales de la UADY
Tres exposiciones individuales,
17 colectivas.
Correo: ericfajardoav@hotmail.com
Facebook: /ericfajardoarte
Ser o no ser
40 x 60
2015
Mixta sobre madera.

Vanidades
Acrílico/collage sobre madera
42 x 52 cm
2015
11
Galería

Galería
Nothing to show today
Acrílico/collage sobre madera
42 x 52 cm
2016
12
2015
Mural Fidel Velázquez
2x 3 m.

Galería
Status
100 x 150 cm
Mixta sobre madera
2015
Mater
Collage/ acrilico
2016
60 x 40 cm.
13

El maestro de escuela
(particular)
Al ver a este hombre, se me oprimió el
corazón. Parecía la imagen de la tristeza,
y de la angustia, en medio de una reunión
alegre. Era el maestro un hombre como
de cuarenta años, flaco, moreno, de ojos
hundidos pero inteligentes, miserablemente
vestido y trémulo
(Ignacio Manuel Altamirano)
14
Ilustración por Miss Kanto

Opinión
Hace poco más de ciento cuarenta años, Ignacio
Manuel Altamirano denunciaba insistentemente las
condiciones de vida de los maestros en general, y de
los rurales en particular. La década de los setenta del
siglo XIX era un momento propicio para ello: tras la
caída del segundo imperio con pies de barro, los
liberales tenían el camino abierto para hacer volar su
imaginación acerca del tipo de país que requerían sus
intereses de grupo, siendo Estados Unidos y la
Europa occidental las premisas de un silogismo que,
contra toda lógica, esperaba construir un conocimiento
nuevo.
Altamirano, en este ir y venir de ideas, modelos,
estrategias, valores y prebendas futuras, pugnó
porque el Estado mexicano dirigiera la vista hacia la
educación, esfera sepultada por el fango de tierra y
sangre de la lucha civil, que había durado más de
cincuenta años. En diversos órganos de difusión, el
tixtleco publicó artículos como aquel cuyas palabras
empleo como epígrafe en esta colaboración. Altamirano
pensaba que era obligación del Estado mexicano
solidificar las bases del sistema educativo, y acción
inaplazable era trabajar por la conquista de la dignidad
del profesorado, figura eclipsada por el oscuro
brillo de la educación monacal.
Dignidad. Las novelas del siglo XIX solían presentar
a tres personas como las más reputadas por las comunidades
donde se desarrollaban sus historias: médicos,
abogados y maestros. Desempeñarse en alguna
de estas profesiones era sinónimo de tener un estatus
reconocido y admirado por el resto de los personajes,
incluso por los mismos protagonistas. Sin embargo,
buena parte de la novela decimonónica mexicana era
aspiracional, es decir, creaba mundos posibles deseados
por sus autores, quienes usualmente pertenecían a
una élite política. La realidad era distinta para el
maestro mexicano: sin las bases de un sistema educativo
funcional, aquél se veía condenado a ejercer una
profesión sin mayor retribución que alguna compensación
económica ocasional por parte del Estado. Ser
maestro estaba lejos de ser una profesión deseada.
Triste es reconocerlo, pero a más de un siglo de
distancia, dedicarse a la docencia aún no es reconocido
por la sociedad como una profesión digna de
respeto. Muchos factores han incidido en esta percepción,
pero resulta lamentable que sea la propia escuela,
como institución, la que se encargue de menospreciar
la labor docente. Hablo específicamente de un
buen número de escuelas particulares.
Existentes desde hace mucho tiempo en México, no
fue sino hasta la década de los noventa, con las reformas
en el ámbito de la educación, que se dio un boom
en la creación de escuelas particulares, mismas que
debían encargarse de satisfacer la demanda de estudiantes
que no encontraban sitio en las del Estado.
Este fenómeno, históricamente, se ha enquistado en
los niveles medio superior y superior, pues el sistema
educativo mexicano no ha podido crear alternativas
para dar cabida a las nuevas generaciones de estudiantes
que concluyen sus estudios en los niveles
respectivos.
Desde luego, la creación de escuelas privadas dista
mucho de ser un hecho censurable: éstas son necesarias
para brindar opciones de superación a miles de
jóvenes que por diversas causas no pudieron seguir
sus estudios en escuelas del Estado. Sin embargo,
considero que, en el mejor de los casos, no existe una
regulación efectiva hacia estos centros educativos,
específicamente en las condiciones laborales del
personal docente.
Al margen de la ley o usando vericuetos legaloides,
miles de maestros mexicanos laboran en escuelas
particulares bajo un esquema de contratos fantasma,
es decir de palabra, dejándolos en la más absoluta
incertidumbre al acercarse el final del periodo para el
cual fueron requeridos sus servicios; otros tantos no
han conocido los conceptos de aguinaldo o pago de
vacaciones por su práctica docente y sí los de reducción
de horas por falta de alumnado o el “apoyo”
obligado en los eventos que la escuela lleva a cabo
fuera del horario laboral del docente.
De igual modo, los directivos de estas instituciones
privadas suelen escamotear derechos laborales bási-
15

cos como el apoyo para la vivienda (INFONAVIT) y
el acceso a la seguridad social (IMSS), arguyendo,
entre otras razones, la falta de solidez en los ingresos
del plantel o, en definitiva, condicionan el acceso a
estos derechos planteándole al profesor que debe
demostrar durante cierto tiempo (un semestre, un
año…) su lealtad y compromiso hacia la escuela para
ganar las prestaciones que por ley le deberían ser
otorgadas.
En contraparte, suele presentarse una situación diferente
con el personal administrativo, el cual sí goza
de estos derechos desde el primer día laborado. En los
hechos, esto representa pisotear la dignidad del profesor,
pues tal gesto significa que el trabajo docente no
merece mayor reconocimiento que el pago de un
sueldo, en la mayoría de los casos ínfimo, por hora
dada de clase, a pesar de que impartir una asignatura
implica planeación y evaluación de aprendizajes,
momentos del proceso educativo que el profesor está
obligado a hacer fuera de su horario laboral sin retribución
alguna.
Las consecuencias del panorama descrito son claras:
en pleno siglo XXI, cuando organismos internacionales
como la UNESCO urgen a los países miembros a
mejorar la formación educativa de las siguientes
generaciones para abatir rezagos, pobreza, fomentar
la participación ciudadana y construir sociedades
realmente democráticas y equitativas, en México
asistimos a una nueva faceta de la precarización del
quehacer docente: las fuerzas del mercado a las que
obedece la lógica de las instituciones educativas
privadas aparenta decantarse por el sacrificio de la
calidad educativa que se imparte en sus aulas en aras
de obtener el mayor volumen de réditos posible.
algún negocio propio con la esperanza de que todo irá
mejor, de que su rol como maestro será reconocido en
alguna oportunidad.
Si se considera que el principal servicio ofertado por
una escuela particular es la adquisición de habilidades
y conocimientos que el estudiante debe realizar
para desenvolverse con suficiencia en su vida cotidiana,
entonces resulta evidente que estos centros de
trabajo deben dignificar la condición laboral de sus
maestros para ensanchar los márgenes de posibilidad
de que ese objetivo se cumpla: un docente que goce
de un salario competitivo y de las prestaciones laborales
que por ley le corresponden tiene más posibilidades
de brindar lo mejor de sí que otro cuya situación
de inestabilidad laboral puede originar distracciones
o errores en el proceso de enseñanza-aprendizaje.
Si la conquista de la dignificación del maestro de
escuela particular no desea ser analizada desde una
perspectiva humanizante por esta sociedad seducida
por los números y las estadísticas, quizá sea adecuado
aproximarse al debate esgrimiendo argumentos construidos
con base en el paradigma del pensamiento
empresarial de la relación costo-beneficio. En cualquiera
de ambos casos, urge llevar a cabo medidas
que coadyuven al mejoramiento de la calidad de vida
del profesor, pues ello repercutirá, invariablemente,
en el incremento de la calidad educativa que tanto se
ha deseado en México.
Por Nahum Chuil
16
Hoy, quizá como Ignacio Manuel Altamirano palpó la
desesperanza de los maestros mexicanos del siglo
XIX, podemos percibir la opresión en el pecho que
sienten los profesores de escuelas privadas que deben
trasladarse de un trabajo a otro para alcanzar un
sueldo que cubra con sus necesidades personales y/o
las del hogar; a otro empleo en el cual sí se le proporcione
las prestaciones que marca la ley o a emprender

Las
desventajas
de ser
invisible
Por Yobain Vazquez
Bailon
,
,
Nadie puede negar que Yucatán es tierra fértil de
escritores. Tan solo hay que tomar en cuenta que
existe infraestructura para que pueda darse este
hecho: dos carreras universitarias de literatura, dos
escuelas de escritores, múltiples talleres de aspecto
público o privado, diversos concursos de corte
nacional, estatal y municipal y becas de fondos federales
y estatales. Cualquiera diría que con tales
estímulos Yucatán no sólo es tierra fértil, sino semillero
de grandes y afamados literatos. La realidad
nos dice que no: hay escritores, pero nadie los
conoce o solo se codean entre sí y no figuran o
apenas lo hacen tímidamente fuera de nuestras fronteras
territoriales.
Quiero creer que si los escritores se quedan en la
medianía del reconocimiento no es por un asunto de
Ilustraciones por
Tony Peraza
17

18
Síndrome de papelera
talento. No considero que sean tan malos escribiendo
o que nada de la autoría de un yucateco diga algo
de eso que los críticos llaman “condición humana” o
“universalidad”. Lo digo en serio, haciendo changuitos
para que nadie vaya a revelar que en efecto, la
literatura yucateca es irrelevante. ¿En qué consiste,
entonces, que escritores provenientes del desierto y
de formación casi autodidacta obtengan notoriedad
nacional e incluso internacional? ¿Será que la
mucha capacitación de escritores, la mucha competencia
por saber quién es el mejor cuentista o poeta y
la mucha ansiedad de probar que somos dignos de
recibir un apoyo mensual, acaba por ser más perjudicial
que benéfico? Si es así, es entendible por qué
después de Ermilo Abreu no existe otro escritor
yucateco que sea memorable y constantemente
editado por lo menos en Colofón.
Antes de que alguien pueda sentirse ofendido o
preguntarse por qué alguien que no ha publicado
nada en su vida se muestre quisquilloso y hasta
cierto punto insolente con la producción literaria
yucateca, debo decir que no es mi intención denostar
a los escritores consolidados o emergentes. Reitero,
hay escritores haciendo su trabajo con dignidad y
hasta con notoriedad, pero a grandes rasgos, ninguna
editorial grande o siquiera de las independientes o
incluso de las cartoneras, da un peso por algún novelista,
cuentista y ya ni se diga poeta yucatecos. No
está mal publicar en Ficticia, claro que no, y mucho
menos es poca cosa formar parte de las ediciones de
Tierra Adentro. Pero esto, que es algo muy bueno
como logro personal, no es suficiente, ¿por qué?
Porque ejemplos de escritores publicados fuera de la
península son esporádicos y comúnmente acaban
devorados por una oleada de publicaciones que
reciben mayor favorecimiento de lectores especializados,
mayor atención de la prensa y mayor entusiasmo
por los lectores no especializados.
Ahora es cuando sale el peine: no es un asunto de ser
buenos o malos difusores de las obras literarias. O a
lo mejor sí, pero sólo más o menos. Se trata, sobre
todo, de visibilidad y con ello me refiero a una
visibilidad independiente de cuánto se puede promocionar
un libro o un autor. La escritura debe verse
por sí misma, o como otros mencionan, debe decirle
algo a los lectores. La otra vez llevé a vender libros
a un tianguis. Una señora desdeñó una novela de
Eligio Ancona que le vendía a treinta pesos y prefirió
llevarse una de Mo Yan a setenta pesos. Las dos
eran novelas históricas, pero por alguna razón esa
señora creyó que un escritor chino iba a complacer
su necesidad lectora. Vendí la mayoría de los libros,
menos el de Eligio Ancona que tuvo que volver,
tristemente, a mi librero. En literatura es importantísimo
ser visibles, cosa que es difícil de conseguir y
que no compra el dinero. Es por eso que aunque un
escritor sea un genio o un grupo de académicos
eleven una obra centenaria a canon, si no es visible
para el público lector no existe.
Quiero remitirme al Boom para clarificar la idea.
Eso que muchos llaman fenómeno editorial tuvo un
50% de talento: escritores de todas latitudes de Latinoamérica
que escribían bien y fuera de parámetros
convencionales; y tuvo un 50% de condiciones
externas a la escritura: el morbo, la simpatía o el
interés genuino por conocer la convulsa historia
latinoamericana y la condición también convulsa de
su realidad. Los escritores del Boom fueron y son
visibles porque los problemas que detectaron, criticaron
o señalaron eran los que a la gente le preocupaba.
El libro de cualquier joven yucateco no causa

19
ningún revuelo porque si bien puede tener resuelta
una técnica literaria no logra hacer que su escritura
importe o que por lo menos la gente crea que
importa.
Veamos ahora lo que otros denominan como “literatura
del norte”. Poco tiene que ver con un estilo
narrativo, sino con un estilo editorial. Alguien echó
a andar el rumor de que todo escritor nacido en
Nuevo León, Coahuila, Sinaloa, Sonora o cualquier
otro estado donde usen botas y tejanas, hablaba
exclusivamente del narco y la droga. La gente
lectora, inmersa en un contexto de violencia por
asuntos de combate a los narcóticos, compró la idea
de que en la “literatura del norte” se encontraban
respuestas certeras al problema y explicaciones
eficaces para comprender la situación del país. Lo
cierto es que la bien o mal llamada “literatura
norteña” no se agota en un par de temas, tiene que
ver más con un 50% de talento de una variedad de
escritores lúcidos que saben hacer su trabajo con
disciplina; y un 50% de condiciones externas al
proceso de su escritura. El norte es, como no se han
cansado de decirlo, un laboratorio de la postmodernidad:
fronteras desdibujadas (aunque siempre
presentes), migración, mezcla, mixtura o sample de
lo nacional y lo no nacional, lejanía del centro y sus
mafias culturales. En definitiva, el escritor del
norte habla, escribe y comunica lo que al espíritu
humano le mortifica o conmueve. Es visible porque
a pesar de llevar en el nombre una aparente
segmentación territorial y cultural, nada de la “literatura
del norte” no es ajeno.
¿Y Yucatán? Sólo somos un estado más del sureste
mexicano. Tenemos sólo el 50% de talento, escritores
de oficio y mayormente de beneficio. Falta ese
50% de condición externa que inquiete al lector y
le revele parte de su humanidad. Pero, ay, somos
mitad caribe y mitad sur: aquí se vino a congelar la
historia, se aconchó la tradición para que nadie
hiciera de esta, su tierra, un laboratorio. Yucatán es
la alacena del conservadurismo y bastión del
preciosismo estético. ¿Cómo hacer visible una
narrativa en estas condiciones tan anticuadas?
¿Cómo no volver invisible la poesía que intenta
dinamitar los sonetos que todavía son premiados?
El que tenga una respuesta o proyecto de respuesta,
dígala y proclámela. Que corra la voz y, mejor aún,
que corra la tinta de una literatura que no se diga
“del sur”, pero que sí cause conmoción y que sí den
ganas de leerla y presumirla al mundo. Si Yucatán
es tierra fértil de escritores, como nos han dicho
hasta el cansancio, pues ya es hora de levantar una
buena y visible cosecha.

CINE
Extraños en el
paraíso
Por: Mario Galván Reyes
uso del intertexto literario
en el cine de Jim Jarmusch
20
James R. Jarmusch, mejor conoci
do como “Jim” Jarmusch, es un
cineasta de Ohio, Estados Unidos,
considerado desde hace una
década como uno de los mayores
exponentes del cine independiente
en su país.
Su cine goza de un estilo particular
inconfundible donde convergen
distintos temas, como la migración,
la interculturalidad, la
muerte, el ocultismo, la ciencia,
así como cierta fascinación por la
música. Sus personajes son descritos
como sujetos lacónicos y
retraídos que aparecen en escenarios
violentos, surrealistas e irónicos.
Jarmusch siempre ha manifestado
un gusto por la literatura, desde su
adolescencia cuando fue un ávido
lector. Más tarde esa afición le
llevaría a estudiar periodismo y
literatura inglesa en la Universidad
de Columbia. Actualmente señala
a la literatura como la causante de
sus creencias metafísicas cuando
desarrolló un gusto por la contracultura
gracias a sus amigos, con
quienes compartía a William
Burroughs, Jack Kerouac y
Mothers of Invention.
En la obra de Jarmusch, las referencias
a distintos textos de la
literatura universal no se emplean
de manera arbitraria o circunstancial,
sino están inscritas como un
recurso que expande y posibilita
nuevas lecturas, renovando los
mitos literarios y enriqueciendo la
experiencia estética.
La siguiente frase resume el espíritu
del uso del intertexto en su obra:
“Nada es original. Roba de cualquier
lado que resuene con inspiración
o que impulse tu imaginación.
Devora películas viejas, películas
nuevas, música, libros, pinturas,
fotografías, poemas, sueños,
conversaciones aleatorias, arquitectura,
puentes, señales de tránsi
to, árboles, nubes, masas de agua,
luces y sombras. Selecciona sólo
cosas para robar que hablen directamente
a tu alma. Si haces esto, tu
trabajo será auténtico. La autenticidad
es incalculable; la originalidad
es inexistente. Y no te molestes
en ocultar tu robo, celébralo si
tienes ganas. – Jim Jarmusch (Wikipedia,
en red)”.
Esta declaración motiva la discusión
de lo que es un intertexto.
Como plantea el doctor Lauro
Zavala (en red), el término intertexto
usualmente se conceptualiza
como la referencia de otras obras
en el texto. Sin embargo, este
concepto, como recurso estético,
conlleva asociaciones más profundas
que “hacer mención” o
alusión a otros textos. Hay diferencias
entre contextualizar, como
alusión, y crear intertexto. Esta
diferencia es evidente en el proceso
de construcción creativa, de

manera que actúa como mecanismo de apoyo a
la representación de las voces múltiples de los
narradores y personajes (polifonía).
Por lo tanto he de plantear que el filme en todo
momento es un texto y el espectador de cine es
un lector, ya que el texto no es necesariamente
un referente literario escrito; puede ser otro
tipo de representación significativa que logre
ese cometido: una imagen, un símbolo, un
texto artístico, una historia extraída de la realidad,
entre otros.
Los universos cinematográficos de Jarmusch
están plagados de estas referencias, de libros y
personajes literarios, que funcionan de manera
activa en la construcción de sentidos y en la
narración.
Ghost Dog es una película de cine negro, que
bajo el argumento de una película de acción,
narra la tragedia de un mercenario de raza
negra (y su correspondiente contexto
socio-cultural) que rige su vida con una filosofía
samurái para luchar con una banda de
mafiosos italianos.
El Hagakure, libro del samurái Yamamoto
Tsunetomo aparece a lo largo de la película
físicamente y a manera de epígrafes que
conducen la historia mediante preceptos que
aparecen como capítulos. Se trata de un libro
antiguo, inspirado en el viejo código del
guerrero del Japón imperial, el Bushido, que
imponía la filosofía de vida del samurái basado
en la pérdida del miedo a la muerte (Transit,
2009, en red).
En otro momento de la película aparece de
manera física el libro Rashomon, de Ryunosuke
Akutagawa, como un objeto que pasa de
mano en mano por varios protagonistas, tocándolos
de manera directa o indirecta.
Cuando Ghost dog asesina a Frank, recibe este
21

22
libro prestado. Es el primer elemento que pasa de
unas manos a otras de manera desinteresada y su
saber volverá a propagarse cuando Ghost Dog lo
comparta con Pearline: “Me prometes que tras
leerlo, me dirás qué piensas de él”. Es este libro
uno de los primeros mensajes de circulación al
que le sucederán unos cuantos más a través de
diferentes vías y será el que cierre el círculo tras
regresar a Louise, su dueña en el trágico, pero
consecuente desenlace del film.
Aquí cobra sentido la tesis de Rashomon: un
relato es contado desde varios puntos de vista, en
el cual cada personaje juzga una situación de
acuerdo a su propia condición, y al final, nadie ve
lo mismo. “No hay verdad ni mentira, todo es
según el color del cristal con que se mira”.
La película apunta entonces en múltiples direcciones.
En ese sentido, Deleuze afirma lo que
Hitchock diría: “… ya no se concibe la constitución
del film en función de dos términos, el realizador
y la película que se ha de hacer, sino tres:
el realizador, la película y el público que debe
entrar en ella, o cuyas relaciones deben hacerse
parte integrante del film.” El espectador es aquí
interpelado, es llamado a recomponer la escena
que falta (Figueroa, 2009, en red).
Los horizontes de experiencias y expectativas del
receptor también son parte de los elementos que
determinan la construcción intertextual del sentido,
y determinan los compromisos éticos, estéticos
y sociales que serán puestos en evidencia
durante la interpretación (Zavala, en red).
La película está compuesta como un libro, lleno
de citas, epígrafes, notas, o metáforas, pero la
relación con la literatura que se hace más evidente
en la temática no es otra sino la lectura. Todos
los personajes aparecen como lectores, desde el
protagonista hasta su discípula Pearline.
La amistad de maestro a discípulo entre estos dos
personajes está basada en la lectura y habrá un
legado a través del Hagakure.
Dicho tal se puede deducir que la enseñanza del
film es que los libros y la lectura constituyen la
mejor de las armas, pues nos dotan de capacidades
para entender el mundo. Como las armas, los
libros pueden protegernos y al mismo tiempo
volverse peligrosos; para ambos casos se requiere
una educación, una enseñanza.
Dead man, un western metafísico que narra el
viaje iniciático del contador público William
Blake, un personaje homónimo del poeta y pintor
inglés.En esta película Jarmusch expone el exilio
de un hombre extranjero que es condenado a
muerte tras infringir las leyes de una sociedad
conservadora en el lejano oeste. Su única salvación
será la reclusión en el desierto, donde su
sobrevivencia dependerá de la relación que establece
con Nobody, un indio nativo que le enseña
a asumir la muerte ante su fatal destino.
Se trata pues de una adaptación poco común y
ciertamente compleja: a diferencia de la gran
mayoría de las adaptaciones cinematográficas
que parten de una obra literaria, ésta no surge de
una novela o cuento; parte de una amplia obra
poética y gráfica, además de incluir de manera
simbólica y alegórica la filosofía, teología y
posturas políticas de Blake (González, 2013, en
red).
Una de las alusiones más claras en el guion es al
poemario The Marriage of Heaven and Hell.
Algunas estrofas son dichas por Nobody al contador
Blake a manera de advertencia o como consejos
para su supervivencia. (The Eagle never lost
so much time as when he submitted to learn of
the crow). En otra alusión, uno de los matones de
Blake dice expect poison from standing water,
una cita extraída del poema Proverbs of Hell,
parte del mismo poemario (Gonzáles, 2013, en
red).
Este descenso hacia las salvajes tierras sin ley del
salvaje oeste aparece entonces como una referencia
directa a La Divina Comedia, de Dante
Alighieri, donde el personaje del indio Nobody
aparece como un guía similar al Virgilio del libro,
predicando de manera poética una filosofía sobre
el poder la imaginación y las restricciones menta-

les del mundo físico en el que habita.
Otro intertexto aparece en el personaje de la
chica que alberga a Blake cuando éste es despedido
de la fábrica donde supuestamente recibiría
un puesto de contador. Thel es la ex novia del
dueño de la fábrica y vendedora de rosas hechas
de papel. Este nombre hace referencia al poema
escrito por Blake The Book of Thel, un poema
alegórico que expone el abierto rechazo de Blake
a la iglesia de Inglaterra y que algunos han interpretado
como una alegoría del amor entre
hombre y mujer y su dualidad física/espiritual
(González, 2013, en red).
Así vemos que las alusiones al trabajo y la ideología
de William Blake son numerosas e impregnan
toda esta película: su historia, sus personajes,
diálogos, música y, finalmente, sus símbolos y
temas más esenciales. Se trata de una adaptación
de poesía a cine, de metáfora a imagen, hecha de
una manera magistral por el director norteamericano
(González, 2013, en red).
Estos recursos estilísticos en la obra de Jarmusch
han renovado las formas de narración en el nuevo
cine norteamericano, muy propios de la literatura,
donde la descripción a partir de la palabra se
vuelve fundamental para moldear el tiempo en el
plano cinematográfico.
Cuando decimos que algo literario hay en el
modo de narrar jarmuschiano, nos referimos a su
concepción del relato menos interesado en un fin
o una meta, es decir en el desenlace de una historia,
que en una clara vocación por el relato
mismo, por el tiempo narrativo, por la descripción,
como si fuera éste un tiempo en suspenso.
Pero ese tiempo en suspenso, siempre será el
tiempo de un relato, de una narración. El tiempo
tomado en la descripción (Figueroa, 2009, en
red).
La última parte del análisis intertextual la conforma
su última película, Only lovers left alive, una
inusual cinta de género que reinventa el mito de
los vampiros desde una perspectiva de lujuria
estética, en forma y fondo: el amor al arte y el
arte del amor.
Los vampiros aparecen en la escena de rock
underground de Detroit como los inmortales
productores de la alta cultura a lo largo de la
historia, una especie de guía para la humanidad,
23

24
a quien condenan irónicamente con el apodo de
“zombies”. Así, su enseñanza espiritual es el
placer estético, la comunión del arte y del amor.
La película está repleta de referencias a la historia
del arte, pero el intertexto literario más importante
en esta trama es el que presenta al dramaturgo
inglés Christopher Marlowe como un vampiro
que ha escrito las grandes obras literarias de
la humanidad bajo distintos nombres o pseudónimos,
poniendo en evidencia la verdadera autoría
de la obra de William Shakespeare.
Este personaje se relaciona con los protagonistas
de la historia, dos personajes bíblicos que por
igual conforman otro intertexto literario: Adán y
Eva, los amantes vampiros.
Curiosamente hablando del mito de Marlowe, la
dinámica entre estos dos personajes refiere un
poco a Romeo y Julieta, de William Shakespeare,
donde los roles se invierten para presentar a Adán
como el amado, y Eva jugando el rol de amante,
en medio de una tensión dramática por el anunciado
suicidio de uno de los dos.
Otro títulos literarios que aparecen en un
momento de particular tensión en la película son:
Don Quijote, de Cervantes, Infinite jest, de
David Foster Wallace, El templo del pabellón de
oro, de Yukio Mishima, El Bastardo de Estambul,
de Elik Shafak, Basquiat, El inglés en el Polo
Norte, de Julio Verne, L’Orlando Furioso, de
Ludovico Ariosto, entre otros (FilmFlare, en
red).
Si se analizan estas referencias desde la óptica de
la estética de la recepción, el lector puede determinar
claramente esos intertextos según su horizonte
de experiencias; y aquí la maestría narrativa
consiste en ese punto donde el lector de pronto
pierde la perspectiva de cuál es el límite de la
historia real y dónde inicia la ficción, pues su
unificación es tan fina que hay que examinar con
mucha atención, e incluso, investigar para determinar
esos límites (Palabra de la libélula, en red).
En estas tres películas hay una clara intención
por incluir el intertexto no sólo como un recurso
estético, sino como acto consciente para la construcción
narrativa del filme, cargado de asociaciones
deliberadas y con funciones claras para la
definición de la unidad cinematográfica.
Sin embargo, esa decisión siempre será del
lector, porque lo que el público entiende no es
necesariamente idéntico a lo que se crea. La
significación acontece en la lectura de la audiencia.
Jarmusch es consciente de esta condición,
por eso trabaja sobre estructuras que corresponden
a modelos arquetípicos narrativos, como el
camino autodestructivo del samurái, el descenso
a los infiernos de la redención y el romance de
los amantes. Macro-estructuras donde se filtran
los intertextos por rendijas que iluminan y ofrecen
nuevos sentidos y significados, configurando
una nueva concepción del lenguaje cinematográfico.
Como diría un epígrafe del Hagakure, “Dicen
que lo que se conoce como el espíritu de una era
es algo que no puede regresar…Por lo tanto es
importante que extraigamos lo mejor de cada
generación”. Así, con la sugerencia de los intertextos
literarios, Jim Jarmusch propone un llamado
a la colaboración del espectador para lograr la
plenitud de su obra. Un gesto, que por mucho,
habla de un tremendo respeto por el lector-espectador
agudo que está atento a encontrar nuevos
sentidos en un juego intelectual que se encuentra
oculto en las obras literarias que trascienden el
tiempo.

Hoja de arce
25

26
Los vecinos habían cooperado para comprar una cuerda gruesa que simularía el tope que el departamento
de obras públicas olvidó construir, debido a turbulencias burocráticas. La amarraron a un poste de luz y
fallaron el cálculo de la distancia entre ambas banquetas y la calle. Contorsionaba con los cauchos que le
pasaban por encima a exceso de velocidad. La grasa se le fue incrustando hasta hacer imposible que luciera
limpia otra vez, aun si alguien intentara lavarla y colgarla por todo el tendedero de su casa.
David se volvió un experto jugando al equilibrista. Con los días, y la práctica, perdió el miedo de caerse
hasta estallar contra el asfalto. Rechazó el palo de escoba que sus padres le ofrecieron para mejorar la estabilidad,
argumentando desconcentración y resistencia al viento. Cualquier mal paso podría ocasionar
costuras que lo convertirían en un feo monstruo.
El acto comenzó a seducir miradas tímidas desde las ventanas. Poco a poco comenzaron a salir.
El equilibrista hizo espectáculo rápidamente: una vez a la semana el ritual de la respiración antes de poner
los pies en el primer peldaño de la banqueta enmudecía a los niños y los adultos. El precio: un peso. Sólo
efectivo. Hacía pasar a su hermanito con una caja de zapatos y todos se apresuraban a pagar. Una vez que
el dinero estaba completo, David daba el primer paso y los vecinos cerraban la circulación de los automotores…
Llegaron de las colonias cercanas para mirar y quedarse. El precio se elevó a dos pesos. David ideó disfrazarse:
un paliacate en la frente, pantalón de misa (el de color rojo), camisa sin mangas. Los brazos en
forma de avión y el paso decidido por las alturas enchinaban la adrenalina del público, la mirada angustiada
de su mamá se perdía entre los aplausos y el brinco victorioso hacia la otra banqueta fecundaba alegría
en los espectadores. Decía adiós con una reverencia. Pagaba la comisión correspondiente a su cobrador y
se sentaba en su cama a contar el dinero y prepararse para la regadera.
“Niños adelante, adultos atrás”, fue nueva regla para acomodar a la multitud ansiosa que comenzaba a
hacer fila desde horas antes. Los adultos ocupaban lugar mandando a sus hijos a apartarlo, para ganar
tiempo, mientras arrojaban los portafolios a la cama, pateaban los zapatos negros dentro del clóset, se
desnudaban de las ropas calurosas, echaban agua por el cuerpo, terminaban la comida y se calzaban las
chancletas. Estaban ahí puntuales.
David pisaba la cuerda y no iba solo, llevaba a todos los que observaban. Sentían envidia de verlo tan
lejos de ellos, tan ligero que en veinte segundos todo había acabado y los portafolios volvían a las manos
y las tareas al cerebro. Aparecían en sus cuartos con la garganta atravesada de palomitas y tristeza, deglutían
una masa espesa que los hacía vomitar en las noches, se turnaban para usar el lavabo y creían distinguir
los augurios de la fuerza gravitatoria que nunca dejó de jalarlos hacia el suelo. A veces, mostraban
intención de dirigirse hacia la cuerda pero olvidaban el camino.

27
Pronto el peregrinaje colgante de David se les diluyó al cambiar de canal la televisión, en el cambio del
mercado, en las pocas veces que tenían la energía para el amor al final del día, se diluía como el ocio dominical.
El tedio se les enredó en la adrenalina y como clientes insatisfechos apelaron a su derecho de escaparse
de la geometría; se sintieron estafados cuando el acto dejó de ser equivalente a ocho horas de trabajo
y salario mínimo, a la metáfora podrida de un tope.
David salió la siguiente semana. Los abucheos estaban esperando. Retaron a que se sostenga de un dedo,
a hacer piruetas, saltar con un único pie, ojos cerrados, malabares, a morirse. David hizo el recorrido
normal por la cuerda, dio la espalda y se metió en su casa. El vacío comenzó a llenarlos. Su papá fue a
sacarlo del baño forzando la elasticidad de su oreja izquierda. Hizo el recorrido por cien segundos. Entristeció
a todos, tropezó y logró agarrarse de la banqueta por casualidad. Apenas y lo miraron cuando se
fueron a dormir. David colgó sin que una mano lo acogiera de nuevo.
Para el siguiente show pusieron a otro niño: vendaron sus ojos, lo amarraron de las manos, hicieron que
camine por la cuerda, cayó y la lengua se le llenó de herrumbre. Después de ese niño siguió otro y otro.
Había algo de ternura en este juego donde la altura no existía, donde todo era el espejismo y el sinsabor
de no entender por qué necesitaban que el cruce continuara para siempre, más de veinte segundos, cada
vez más emocionante, más peligroso, empujados hasta el límite de poder ver en los ojitos, el temor al
agujero que ellos no veían. El calor de siempre volvió a ser la carpa y se frustraron en la calle donde los
automóviles pasaron al mismo exceso de velocidad, aplastando a la agonizante cuerda que nunca pudo
detener al tiempo.
Al siguiente día, por la tarde, un tope real por fin fue construido. Los niños, sin preguntar por la cuerda,
pasaron por la elevación de concreto sin caerse, sin los brazos en forma de avión, sin la angustia maternal,
sin cicatrices en la ceja.
Contemplaron largamente el tope sintiéndose extranjeros.
Cuento ganador del tercer lugar del premio “Espiritu de la letra 2015”.

28

Entrevista
“En Cancún no se tiene que escribir a
fuerza sobre el mar”.
La lámpara del alumbrado público en la esquina de la
taquería está fundida. Son casi las once de la noche y
espero en penumbras la llegada de José Antonio Íñiguez
(Cancún, 1991), quien forma parte de una segunda generación
de escritores en esta ciudad, tiene 46 años de edad,
y es de los pocos poetas de la zona norte de Quintana Roo
que se está abriendo terreno a nivel peninsular.
Para la entrevista quedamos de vernos a esta hora, durante
la noche y en la región 103 porque es el único momento
del día en que estamos libres de actividades. Pese a la
poca iluminación, el lugar ya no genera la sensación de
peligro como la que se tenía hace unos años y que dio pie
a que la gente le denominara la ciento-miedo.
Mientras llega leo su semblanza: ha publicado sus
poemas en revistas como Río Grande Review y Tropo a
la uña. En 2011, a la edad de 20 años, fundó la revista
digital Salvo el crepúsculo (2011-2013), para después, en
el 2014, emprender otro proyecto digital junto al escritor
Alejandro Baca y otros: Órfico. Recientemente fue
incluido en las antologías Los caminos de la lluvia:
muestra poética de Cancún (Ediciones Del lirio, 2013),
Los volátiles: poetas de los ochentas y noventas (J.C.,
2014) y Por la señal del alba (Poemínima editorial,
2015). Actualmente es editor de contenido de la revista
El humo y es miembro del consejo editorial de La rabia
del axolotl.
Cuando llegó entramos al lugar. “Tres de res”, pidió
Antonio. Mientras cenamos, a manera de introducción
me platica sobre los escritores locales, las editoriales en
Cancún y sobre las pocas revistas literarias que existen y
de la que está mejor posicionada: Tropo a la uña. “No es
culpa de ellos [los escritores locales] simplemente la
revista es condescendiente porque no hay mucho material
literario para escoger, lo que da paso a que se publiquen
cosas que no valen la pena.” La sentencia sirvió
para iniciar la entrevista.
Entonces, ¿cuál es el panorama literario de Cancún en
la actualidad?
-El panorama literario de Cancún es un ámbito en el que
apenas comienzan a surgir ciertas voces muy talentosas
que en un futuro –a veces pienso que cercano- pueden
dar obras de muy buena factura. Hay, es cierto, dos o tres
escritores que valen la pena. Pienso por ejemplo en
Miguel Meza o en escritores jóvenes prometedores como
Mauro Barea (en narrativa) y David Anuar (en la poesía).
Sin embargo, si bien es cierto que desde el 2010 o 2011
hasta la fecha ha habido una considerable agitación
literaria en la ciudad y a lo largo del estado, lo que se lee
aún está en pañales.
En el 2012, Tropo a la uña inició una segunda época y
buscó estas voces nacidas después de los ochentas; con
esta nueva generación,a la que perteneces, ¿qué se ha
logrado?
-Lo que ha hecho Tropo a la uña (primera y segunda
época) es administrar de la mejor forma posible la escasez
literaria de la ciudad, y eso me parece más que loable.
El propósito de Tropo… es difundir lo que se está haciendo
en materia cultural en la ciudad, sea esto de buena o
de mala calidad. Habría que aplaudir esa generosidad
(risas).
¿Qué le falta al escritor cancunense?
-Leer más, ser más curioso y menos obvio con su realidad
inmediata. Que vivas en Cancún no quiere decir que
a fuerzas tienes que escribir sobre palmeras, arena, olas
que retornan a la playa, arrecifes, o ese tipo de cosas. La
verdadera cara de una ciudad se encuentra en todos
lados, más en las regiones, que es donde estamos cenando,
incluso en algunas ocasiones los gestos más misteriosos
se encuentran en uno mismo.
29

30
¿Crees que ése sea uno de los factores que influyen en los
autores locales para que no vean lo que se está produciendo
en el resto del país?
-No, eso se debe a que muchos de ellos no leen y, como
consecuencia, no tienen un panorama de lecturas definido
y amplio. Además, hay que agregarle, que uno de los
defectos en esta parte del país es que los escritores se
voltean a ver a sí mismos y se contraen, se cierran. Esto
y, claro, el poco interés que hay del norte y del centro por
lo que se hace de este lado del terreno.
¿Qué escritores de Cancún de tu generación llevan la
batuta o tienen mejor proyección?
-En Quintana Roo –ya no digamos en Cancún- pienso,
por ejemplo, en Aldo Refaulknest, poeta puramente
irreverente y de gran bagaje retórico, al que habrá que
leer con mucha atención; pienso también en Sinae
Dasein, poeta de verso críptico y metáforas, en ocasiones,
deslumbrantes; en Cristian Poot y David Anuar,
poetas incluso muy afines y talentosos; del mismo modo
pienso en Mauro Barea y Miguel Manjarrez.
Menciona los libros que representan de manera digna a
Cancún:
-Yo sólo nombraría dos libros: por el lado de la narrativa
Cancún todo incluido de Carlos Hurtado, por su gran
retrato de la realidad corroída de Cancún; y por el de
poesía, El rostro que habitamos de Miguel Meza, por
haber hecho en sus mejores poemas un buen fresco de la
realidad íntima de una ciudad que se aprecia a primera
vista banal y mezquina.
Has mencionado a varios poetas. ¿Es el género por excelencia
en la ciudad?
-Todo parece pensar que sí. Aunque este fenómeno, me
atrevo a decir, es global. Siempre hay más poetas que
narradores, aunque la poesía a fin de cuentas se lea muy
poco. Qué ironía tan macabra.
Hace tiempo hubo un movimiento poético en la ciudad:
Colectivo-Colectivo. ¿Ayudó a impulsar las letras locales
y a las nuevas voces o sólo fue un grupo que se cerró
para las nuevas propuestas literarias?
-Ayudó a impulsar las letras locales, quiero decir, a
impulsar las suyas nomás. Por otro lado, no tuvo ninguna
repercusión literaria, aunque con el tiempo quiero pensar
que los escritores de ese grupo probablemente sí lo
hagan.
Después de Las crónicas urbanas y Cancún todo incluido
escritas en los noventas, la última publicada en el
2001 y con críticas positivas de Lydia Cacho y Juan
Villoro, ¿crees que se quedó estancada la narrativa?
-En una ciudad como Cancún no me atrevería a decir eso.
La ciudad está por cumplir 50 años, y apenas recientemente
se han publicado los primeros libros inaugurales
(aunque muy a propósito y muy tramposamente a veces)
de esta ciudad. ¿Qué quiero decir con esto? Que la
conformación de una literatura local es un proceso muy
lento. La literatura que se hace en esta ciudad aún no
tiene ni tendrá todavía un corpus definido, ni sus escritores
-la mayoría, insisto- tienen conciencia de esto. La
narrativa local -ahora sí, respondiendo a tu pregunta- no
está estancada, simplemente porque apenas está empezando
a correr.
La biblia y la música: el acercamiento a la literatura
¿Cómo fue tu primer contacto con la literatura?
-En realidad, ahora que lo pienso, no lo sé. Yo crecí en
una familia muy religiosa, y a veces pienso que mi
primer contacto con la literatura fue en realidad la Biblia.
Sin embargo, sí que recuerdo cuáles fueron los primeros
libros que leí y que rompieron con toda esa maraña
religiosa de una forma brutal. Uno: El retrato de Dorian
Grey de Oscar Wilde y El ocaso de los ídolos de Friedrich
Nietzsche. La lectura de éste último, cabe decir, me
significó, en su momento, una ruptura brutal e incluso
dolorosa con mi concepción que tenía entonces respecto
a Dios.

31
¿Qué otras obras fueron las que influyeron en tu adolescencia?
-Como a muchos que conozco, yo no vengo de una familia
lectora. Así que mi primer acercamiento fue un poco,
por así decirlo, indirecto y sui generis. Si en la Biblia
tuve mi primer contacto con el mundo de la fábula, en la
música (o para ser más preciso, en el rock) encontré el
camino para que de alguna manera u otra me acercara
como lector de la poesía. Cuando llegó el momento, la
poesía de Paz, que me presentó el múltiple valor que
puede tener el lenguaje, fue muy importante para mí, así
como los cuentos de Quiroga.
Ahora que hablas de que en muchas ocasiones, cuando
una persona no crece en una familia lectora, la música
se puede convertir en el vehículo que te puede llevar a la
poesía ¿qué artistas fueron los que te llevaron a dar
cuenta de eso?
-Las letras de las rolas de Caifanes, por ejemplo (risas).
Cuando las escuchaba (casi iba a decir, cuando las leía),
me quedaba como en un estado de extrañeza. No entendía
muy bien lo que trataba de decir Saúl Hernández
cuando canta: “el campo sigue minado/ y nadie dice nada
por salvar a los ciegos” (risas), pero estaba completamente
seguro que era muy bello o “poético” el modo en
que lo decía.
En otras charlas has mencionado que eres más afín a la
poesía ¿A qué se debe que te desarrolles mejor en la
poesía que en la narrativa?
-No sé si me desarrollo mejor en una o en otra, e incluso
a veces dudo si en realidad me desarrollo. Lo cierto es
que he elegido la poesía (los cursis dirían que la poesía
me ha elegido a mí) como mi dolor de cabeza y como mi
dolor de estómago porque en el fondo -muy en el fondo,
insisto- me gusta la autoflagelación.
Ya con 25 años y apunto de publicar tu libro de poemas
Cuaderno de Puerto Sun, ¿qué escritores son fundamentales
para tu proceso de escritura?
-Muchos, pero siempre –no sé por qué- vuelvo a leer a
dos poetas que de alguna forma u otra me revitalizan, es
decir, me llenan de fuerza para escribir. Esos poetas son
Jorge Eduardo Eielson, un extraordinario poeta peruano,
y Pedro Casariego, poeta de “amarga raíz”, que te electrocuta
o te quema al leerlo. Poetas como ellos dos hacen
que le dé la razón a Paul Valery cuando dice que el verdadero
poeta es el que inspira.
¿Qué libros relees y por qué?
-Diré dos: Pedro Paramo, de Juan Rulfo, porque en esa
novela encuentro uno de los poemas más poderosos que
se han escrito y porque al releerla entro siempre a esa
escenografía árida y fantasmal con un renovado asombro.
El otro libro es Una temporada en el infierno de
Rimbaud, porque a ese libro siempre se llega por primera
vez.
"Uno de los defectos
en esta parte del
país es que los escritores se
voltean a ver a sí mismos y se
contraen, se cierran. Esto y,
claro, el poco interés que hay
del norte y del centro por lo
que se hace de este lado
del terreno"
Los del norte y los del sureste
¿Cuál es tu opinión acerca de lo que se está publicando
en México hoy en día?
-En poesía creo que vivimos un momento riquísimo. Para
nada creo que vivimos un lapsus oscuro. Al contrario, la
poesía mexicana vive un momento de apertura y de
reciclaje que me emociona muchísimo. Obras como las
de Julián Herbert, Tedi López Mills, Ángel Ortuño,
Christian Peña, por decir algunos.

32
Por otra parte, de narrativa actual he leído muy poco
pero lo que he leído (Solares, Juan Pablo Villalobos,
la Nettel, Antonio Ortuño, etc). me gusta mucho. ¿Por
qué? Por su crudeza y su valentía para retratar soberanamente
su conciencia de la realidad mexicana.
Algunos críticos literarios aseguran que los escritores
norteños y sus obras son el nuevo epicentro de la
literatura actual. ¿A qué crees que se deba este señalamiento?
No lo sé. Quizá -y esta afirmación es casi a ciegas- es
porque la violencia que estamos viviendo a lo largo
del país se ha expresado con mayor crudeza en el
norte que, por ejemplo, la península[de Yucatán]. Es
harto sabido que muchas obras memorables de la
literatura se han escrito en épocas de guerra, de hostilidad.
Digamos, pese a mi soberana ignorancia, que a
eso debe tal efervescencia.
¿Es necesario que el escritor se vaya de la región para
que se logren hacer algo importante en la literatura del
sureste?
-No. Para lograr algo importante -que para mí debe de ser
escribir bien y no ganar becas o premios- hay que tener
solamente disciplina y algo de ingenio. Lo demás es un
ribete de buen gusto.
¿Has pensado en irte de la ciudad?
-Siempre.
Por: Josué Tello Torres
Entre los temas a los que más se recurre en la narrativa
en el país se encuentran el de la migración, violencia
y narcotráfico, ¿se puede prescindir de estos
temas en la península de Yucatán?
-Por supuesto que no. Prescindir de éstas sería prescindir
de la realidad. Y la literatura no puede ni debe
darse esos lujos. La literatura -como dijo Stendhalese
espejo al lado del camino.
Durante la presentación del libro Norte, una antología
en la Feria Internacional del Libro en Guadalajara,
Luis Felipe Lomelí dijo que su “mundo [el de los
escritores nacidos en esa parte del país]está más
cerca de Cormac McCarthy que de Carlos Fuentes”.
¿Con quién se está más familiarizado en el sureste?
-Qué más quisiera que decirle con toda firmeza si el
mundo de los escritores del sureste de México está
más familiarizando con Dereck Walcott o con Miguel
Ángel Asturias. Pero no sé. Los escritores de esta
región parecen no estar familiarizados con nadie, sino
consigo mismos.

33
RECOMENDACIONES
Magick,
Myths of the Near Future,
Klaxons,
(Reino Unido, 2007)
Evangelia,
David Toscana
(México-Polonia, 2016)
Las alas del deseo
WIM WENDERS
(Alemania,1987)