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design focus interview

Scottish Parliament, Edinburgh-UK, Benedetta Tagliabue 

design 

focus 

decorative 

essay 

Paolo Giardiello 

Viviana Saitto 

interview 

Karim Rashid 

Patricia Urquiola 

object 

Alcantara ® Interiors, design Giulio Cappellini + Paola Navone/Alcantara ® 

Naturalia recreating nature, design Arpa lab/Arpa Industriale 

Marblelace, design Patricia Urquiola/Budri 

Terraviva, design Massimiliano Adami/DesignTaleStudio by Ceramiche Refin 

Mosaico+, design Giugiaro Design/Mosaico+ 

Phenomenon Mosaics, design Tokujin Yoshioka/Mutina 

Madras ® , design Vitrealspecchi/Vitrealspecchi 

review 

factory 

Zumtobel

design focus essay 

dallo stile allo status architettonico 

from architectural style to status 

Più di dieci anni fa area si interessò e pubblicò alcune riflessioni 

teoriche sulla decorazione 1 frutto di ricerche condotte, in ambito 

scientifico tra Napoli e Milano, a partire dalla metà degli anni 

novanta; in un periodo cioè in cui gli esiti poco felici e le critiche 

al post-modern avevano praticamente escluso dalla prassi progettuale 

qualsiasi riferimento stilistico creando un diffuso consenso verso 

un atteggiamento minimalista ritenuto scevro da linguaggi 2 . 

Erano tempi in cui parlare di stile, di apparati decorativi, 

di ornamento, di matrici ordinatrici, di linguaggio architettonico, 

significava essere indicati come fautori di un ritorno al passato. 

Anni in cui, inoltre, le uniche vere sperimentazioni linguistiche 

erano prodotte dalla ricerca tecnologica – high tech – ovvero 

dall’esperienza di nuove forme espressive autonome. 

Insomma, ora come allora, persiste l’incertezza su cosa si debba 

realmente intendere per decorazione in architettura o nel design, 

confondendo la ricerca di un carattere espressivo e di una 

grammatica comunicativa atta a relazionarsi col mondo circostante, 

con una presunta mancanza di “purezza” della forma essenziale. 

Forma pura che in realtà non esiste in quanto la decorazione, 

in architettura, “è per principio superflua, ma la sua superfluità, lungi 

dal renderla eliminabile, mostra l’esistenza di un necessario che 

travalica lo stesso principio di funzione, […] chiunque cerchi 

di eliminarla si troverà inesorabilmente, e a volte angosciosamente, 

davanti al suo fantasma” 3 . 

In tale contesto storico e critico si manifestano nuove ricerche che 

invece fanno esplicito riferimento alla decorazione e al rapporto tra 

involucro e spazio e, in particolare, tra pelle dell’involucro e struttura 

dei margini. Architetture, come quelle di Herzog e de Meuron – 

solo per fare un esempio – che, già dalla fine degli anni novanta, 

propongono un attento lavoro di analisi e di approfondimento sul 

rapporto tra superficie e spazio, tra “abito” e struttura costruttiva, tra 

text by Paolo Giardiello

narrazione e comunicazione. Tale tipo di ricerca, non relativa solo 

all’architettura, ma applicata anche nel campo del disegno degli 

interni, dei complementi di arredo e del design, permette 

di focalizzare l’attenzione direttamente sui valori e sulle potenzialità 

del portato espressivo della scrittura delle superfici, della 

decorazione. A partire dalla presa di coscienza della sua possibile 

autonomia rispetto al corpo che la supporta, del doppio livello 

di comunicazione dato cioè dalle necessità tecniche costruttive rispetto 

a quelle descrittive e comunicative, si assiste a sperimentazioni che 

sempre più entrano nel merito delle regole e delle ragioni stesse dei 

fenomeni stilistici e decorativi. 

Lo studio di pattern storici, basandosi sulla consuetudine e 

riconoscibilità di forme derivanti dalla tradizione, introduce il concetto 

di fuori scala di dettagli grafici delle decorazioni, l’estrapolazione 

di singoli segni, l’inversione di pieni e vuoti, di positivo e negativo, la 

materializzazione di tracce solo bidimensionali in superfici e oggetti 

che guadagnano lo spazio e conquistano una fisicità del tutto inedita. 

In questi ultimi anni si assiste ad una inversione di tendenza anche del 

mercato edilizio ed dell’arredo che, facendo proprie tali indicazioni, 

propone prodotti e componenti costruttive (reti stirate, lamiere 

microforate, vetri serigrafati), finiture per gli interni (rivestimenti 

personalizzabili con texture e disegni a scelta), oggetti di design 

(oggetti fuori scala, trasformazione di pezzi esistenti, ridisegno 

della tradizione), installazioni multimediali ed artistiche (scenografie 

urbane mutevoli, comunicazione interattiva) che sempre più entrano 

in contatto con i luoghi di vita quotidiana, agendo sulla decorazione 

come strumento per sottolineare i contenuti ed i sensi dell’abitare. 

Tale atteggiamento non persegue l’obiettivo di proporre uno stile della 

contemporaneità, non cerca di suggerire linguaggi e parole capaci 

di essere compresi da tutti, quanto piuttosto consente di identificare 

insiemi di “utenti” che scelgono criticamente e indossano l’“abito” 

che ritengono più opportuno per mettere in scena il loro tempo. 

Si tratta quindi più della definizione di uno status architettonico, del 

rapporto cioè tra il singolo e i suoi simili, declinato attraverso la forma 

dello spazio e degli oggetti; relazione instabile ed effimera, soggetta 

alle variazioni del gusto e delle mode, capace tuttavia di recuperare 

importanti modalità del fare, talvolta trascurate o marginalizzate. 

More than ten years ago area took an interest in, and published, 

a number of theoretical reflections on decoration 1 , the result of 

research carried out within a scientific context in Naples and Milan. 

This was in the mid-Nineties, in other words a period in which 

the rather mediocre results and criticisms of postmodernism had 

practically excluded any stylistic reference from design, creating 

a diffused consent in favour of a minimalistic attitude considered 

immune from languages 2 . 

Those were years in which speaking of style, of decorative 

apparatuses, of ornaments, ordering matrixes and architectural 

languages meant being frowned upon as an advocate of a return 

to the past. And in those years the only true linguistic experiments took 

place in the field of high tech research, or through the experience 

of new autonomous expressive forms. 

In a nutshell, then as today, an uncertainty as to what one should 

really understand with decoration in architecture or design persists; 

research of an expressive character and a communicative grammar 

capable of relating to the surrounding world is confused with 

a presumed lack of “purity” of the essential form. 

Actually, such a pure form does not exist, as decoration, 

in architecture “is by principle superfluous, but its superfluity, far from 

making it eliminable, reveals the existence of a need which goes 

beyond the very principle of function, […] anyone who seeks 

to eliminate it will inexorably, and sometimes distressingly, find himself 

face to face with its ghost” 3 . 

In this historical and critical context new research which on the 

contrary explicitly refers to decoration and to the relationship between 

shell and space and, in particular, between the skin of the shell 

and the structure of the margins, is emerging. Architectures as those 

by Herzog and de Meuron – just to make an example – which, 

already since the late Nineties, feature an attentive analysis and 

in-depth research on the relationship between surface and space, 

between the “clothes” and the structure of the building, between 

narration and communication. 

This kind of research, which not only concerns architecture but 

also the field of interior decoration and the design of furniture and 

objects, makes it possible to focus the attention directly on the values 

and potentials of the expressive significance of the writing on the 

surfaces, of decoration. Since one has become aware of its possible 

autonomy with respect to the body supporting it, or in other words 

of the dual level of communication provided by the requirements of 

construction techniques as compared to those related to descriptive 

and communicative aspects, we are witnessing an experimentation 

which explores, more and more extensively, the merits of the rules and 

the very reasons of stylistic and decorative phenomena. 

The study of historical patterns, based on the familiarity and 

recognisability of forms rooted in tradition, has given rise to the 

concept of oversized graphic decorative details, the extrapolation 

of single signs, the inversion of massive and empty areas, of positive 

and negative, the materialization of only two-dimensional traces on 

the surface and objects that invade space, conquering a completely 

new physical dimension. 

We are, in recent years, also witnessing an inversion of the trend 

in the building and decoration market which, adapting to these 

suggestions, present products and building elements (stretched grids, 

micro-perforated sheet metal, silk-screened glass panes), interior 

decoration elements (facing materials which may be customized with 

textures and patterns as preferred), design objects (oversized objects, 

transformation of existing items, redesigns of traditional pieces), 

multimedia and art installations (changing urban scenic effects, 

interactive communication) which play an increasingly active role 

in the places of everyday life, and which use decoration as a means 

of stressing the contents and meaning of living. 

This approach is not aimed at proposing a contemporary style, 

it does not attempt to suggest languages and words that everyone 

can understand; rather, it makes it possible to identify aggregates 

of “users” who choose critically, and who wear the “clothes” they 

consider best suited to reflect their period. It is therefore, more often 

than not, a matter of the definition of an architectural status, 

or in other words the relationship between the individual and his 

fellows, declined through the form of the space and the objects, 

an unstable and ephemeral relation subject to changes in taste 

and fashion, yet capable of recovering important, and sometimes 

neglected or marginalized, ways to do things. 

1. Cfr.: P. Giardiello, La decorazione negli interni, in “area”, 47, 1999. 

2. Va infatti sottolineato che un linguaggio, per così dire, più essenziale, dalle linee 

rigorose, non è un linguaggio “non decorativo”, non realizza cioè spazi o oggetti 

non decorati, è semplicemente un tipo di decorazione geometrica riferita a materiali 

e colori, trame e texture che nel complesso realizzano un aspetto più severo. 

3. R. Masiero, Elogio della decorazione contro la superficialità, in “Rassegna”, 

41/1, 1990, I sensi del decoro. 

1. See.: P. Giardiello, La decorazione negli interni, “area”, 47, 1999. 

2. It should be noted that a more essential language, characterized by rigorous 

lines, it isn’t a “non-decorative” language, it doesn’t realize not decorated spaces 

or objects, but it is simply a type of geometric decoration related to materials and 

colors, patterns and textures that produce a more severe aspect. 

3. R. Masiero, Praise of decoration against superficiality, in “Rassegna” 41/1, 

1990, I sensi del decoro.


decor-azione, interpretazione 

e sperimentazione di nuovi pattern 

decorative action, interpretation 

and experimentation of new patterns 

“E sempre penso a queste infinite possibilità dell’arte: date ad uno 

un quadrato venti per venti e, benché nei secoli tutti si sian sbizzarriti 

con infiniti disegni, v’è sempre posto ancora per un disegno nuovo, 

per un vostro disegno. Un acutissimo amico mi chiedeva cosa avverrà 

dopo che l’ultimo disegnatore avrà fatto l’ultimo disegno, quando tutti 

i disegni saranno fatti. Non avverrà nulla, perché non ci sarà mai 

l’ultimo disegno, e non ci sarà mai l’ultimo disegnatore”. (Gio Ponti, 

Giochi con i rivestimenti di Salerno in “Domus”, n. 414, 1964). 

text by Viviana Saitto 

“And I always think of these infinite possibilities of art: give someone a 

square, twenty by twenty and, even if everyone have given their fantasy 

free reins with infinite drawings, there is always room for a new design, 

a design by you. A very acute friend of mine asked me what I would do 

when the last designer has made the last design, when all designs have 

been made. Nothing will happen, because the last design will never 

come, and there will never be a last designer”. (Gio Ponti, Plays with 

tiles in Salerno in “Domus”, no. 414, 1964). 

Configurare pattern, nella forma più generale, può caratterizzarsi 

come un’operazione che ordina gli elementi in base all’identità e alla 

differenza, significa dare proporzione allo spazio, esplicitarne gli usi 

in riferimento alla funzione che il manufatto dovrà assolvere. 

La decorazione è secondo Gottfried Semper un’arte in grado 

di “misurare”, rappresentare e rendere riconoscibile lo spazio abitato 

riproponendo, o semplicemente evocando, la conoscenza del mondo 

circostante. Considerata parte integrante della progettazione 

di interni, forma di comunicazione in grado di individuare valori 

e posizioni nel sociale, è stata vista per un lungo periodo come una 

sorta di “demone da addomesticare” 1 , portando i progettisti alla 

realizzazione di texture date dalla semplice successione di elementi, 

svilendo spesso il significato e il valore del singolo decoro. 

Per Ernst H. Gombrich il ruolo del disegnatore è invece molto 

complesso. Deve accettare e superare, nel creare la sua infinita 

gerarchia di forme, una serie di restrizioni che non potremmo mai 

apprezzare se non davanti al prodotto finito. 

“Il disegno si radica nel movimento” 2 , ed è caratterizzato da un 

procedimento ordinato, una “complicazione per gradi” 3 , che 

inquadra e riempie, delimita campi e organizza lo spazio. 

Parliamo di psicologia della percezione, della ricerca di una «quiete» 

decorativa attraverso un processo sistematico e impulsivo: 

un “arricchimento graduale”, per citare Owen Jones 4 , in grado di dar 

vita ad un’ “armonia della forma”. 

Ogni ornamento, quindi, per quanto lontano, può essere ricondotto 

alla sua radice e il segreto della sua buona riuscita è legato alla 

produzione di un vasto effetto generale, ottenibile attraverso la 

ripetizione di una matrice di partenza e pochi semplici elementi.

Pattern ottenuti dall’associazione e la 

permutazione di una matrice tipo; 

deformazione, permutazione e 

alleggerimento graduale del decoro; 

applicazione del metodo ad uno dei 

decori realizzati da Gio Ponti per 

il Parco dei Principi di Sorrento. 

Pattern obtained by association and 

permutation of a standard matrix; 

deformation, permutation and 

gradual lightening of the decoration; 

application of the method to one 

of the decorations realized by Gio 

Ponti for the Princes’ Park of Sorrento.


È dall’attualità di queste teorie che si è scelto di partire per 

l’individuazione di un procedimento base per la configurazione 

di nuovi pattern: una sorta di “progettazione guidata” per la decoraazione 

contemporanea, in grado di interpretare e riproporre decori 

tradizionali attraverso un’azione di deformazione degli stessi 5 . 

Il quadrato è il modulo base scelto. “Enigmatico nella sua semplicità 

[…] genera una serie di interessanti ed infinite figure: tutto un gruppo 

di rettangoli armonici” 6 . Le parole di Bruno Munari chiariscono 

al meglio i “giochi di pannelli” 7 corbusieriani, pubblicati 

a dimostrazione dell’efficacia armonica del Modulor, in questo caso 

utilizzato come base di riferimento per la trasformazione di disegni 

tradizionali. I decori selezionati possono quindi essere sovrapposti 

alle nuove matrici, modificati attraverso un’azione di deformazione 

delle geometrie che li compongono 8 e successivamente trasformati 

per essere assemblati. 

Il “metodo di permutazione” di P. Dominique Douat 9 rappresenta uno 

dei contributi più concreti e di facile applicazione. Attraverso una 

successione di tavole l’autore esplicita l’importanza della matematica 

e delle permutazioni nella composizione di pattern, dimostrando 

l’inesauribile quantità di soluzioni ottenibili associando e ruotando 

un modulo unitario. Raddoppiando e permutando in maniera 

sistematica il decoro, alleggerendolo gradualmente con un processo 

inverso a quello di Jones, è possibile dare vita ad un numero di decori 

codificabili all’infinito e adattabili a qualsiasi tipologia di spazio. 

Un esperimento concreto è stato condotto sulle piastrelle realizzate 

da Gio Ponti, nel 1960, per il Parco dei Principi di Sorrento. 

L’architetto è riuscito con trenta moduli prodotti dalle Ceramiche 

D’Agostino a comporre, attraverso un procedimento molto vicino 

a quello descritto, più di cento pavimentazioni differenti. I disegni 

di Ponti evocano nel colore e nel decoro le antiche “riggiole” 

partenopee dimostrando che la tradizione può essere interpretata 

e può rispondere alla contemporaneità in maniera sempre nuova 

grazie a piccoli accorgimenti. Giocando ironicamente con 

le piastrelle del Parco dei Principi è stato possibile ottenere nuovi 

decori, lontani dalla presunzione di sostituire quelli di Ponti, esempio 

dimostrativo dell’efficacia del procedimento. 

Per quanto apparentemente meccaniche, infatti, queste semplici 

regole non solo permettono di comprendere le caratteristiche 

intrinseche dei singoli elementi, di controllare l’effetto finale del 

disegno, ma rappresentano un metodo per la composizione di pattern 

contemporanei in grado di riproporre, in continuità con il passato, 

il problema della decorazione nella sua globalità. 

To configure patterns may, more generally speaking, take the form 

of an operation where the elements are put in order according 

to their identity and difference; it means to give a space proportion, 

to clarify the uses associated with the purpose the product has 

to serve. Decoration is, according to Gottfried Semper, an art capable 

of measuring, representing and making recognizable the inhabited 

space, presenting a new version of, or simply evoking, knowledge 

of the surrounding world. Considered an essential part of interior 

design, form of communication capable of identifying values and 

Prototipi realizzati per il corso 

di Decorazione tenutosi nell’a.a. 

2006/2007 presso la Facoltà 

di Architettura dell’Università degli 

Studi di Napoli Federico II 

(foto di Giovanni Fabbrocino). 

Prototypes realized for the Decoration 

course held in the academic 

year 2006/2007 at the Faculty 

of Architecture of the Federico II 

University of Naples (photo by 

Giovanni Fabbrocino). 

positions in society, it has for a long time been seen as a kind 

of “demon to tame” 1 , making designers create textures produced 

by a simple sequence of elements, often debasing the meaning and 

value of the single decoration. To Ernst H. Gombrich, the role of 

the designer is on the contrary very complex. He must accept and 

surpass, when creating his infinite hierarchy of forms, a series of 

restrictions which we will never be able to appreciate except when 

placed before the finished product. 

“Drawing is rooted in movement” 2 , it is characterized by an orderly 

procedure, a “complication by degrees” 3 , which frames and fills, 

outlines fields and uses space. 

We are speaking of the psychology of perception, of the pursuit 

of a decorative “tranquillity” through a systematic and impulsive 

process: a “gradual enrichment”, to quote Owen Jones 4 , capable 

of creating a “harmony of the form”. 

Every ornament, therefore, no matter how distant, may be retraced 

to its roots, and the key to its accomplishment is linked to the 

production of a vast general effect, which may be obtained 

by repeating a basic matrix and a few simple elements. 

We have chosen these very topical theories as starting point for 

the identification of a basic procedure for the configuration of new 

patterns: a kind of “guided design” for the contemporary decorative 

action, capable of interpreting and presenting new versions 

of traditional decorations through their deformation 5 . 

The square is the basic module chosen. “Enigmatic in its simplicity […] 

it generates a series of interesting and infinite figures: a whole group 

of harmonious rectangles” 6 . Bruno Munari’s words are ideal 

as explanation for Le Corbusier’s “plays with panels” 7 , published 

to demonstrate the harmonious efficiency of the Modulor, and in this 

case used as basis for the transformation of traditional designs. 

The chosen decorations can therefore be superimposed on new 

matrixes, modified through an action of deformation of the geometries 

they are formed of 8 and then transformed in order to be assembled. 

P. Dominique Douat’s “method of permutation” 9 is one of the most 

concrete and easily applied contributions. The author uses a sequence 

of plates to clarify the importance of mathematics and permutation 

in the composition of patterns, demonstrating the endless number 

of solutions that can be obtained by associating and rotating a unitary 

module. By doubling and permuting the decoration in a systematic 

manner, gradually lightening it with a process that is the opposite 

of the one adopted by Jones, it is possible to create a number 

of decorations that may be codified infinitely and adapted to any type 

of space. 

A concrete experiment has been conducted on the tiles created 

by Gio Ponti in 1960 for the Princes’ Park in Sorrento in 1960. 

The architect managed to compose, by using thirty modules produced 

by D’Agostino Ceramiche, adopting a process very similar to the 

one described above, more than a hundred different pavement 

decorations. The colours and decorations of Ponti’s designs remind 

of the ancient “riggiole” used in the area of Naples, as 

demonstration of the fact that tradition may be interpreted and

can meet contemporary requirements in always new ways, with 

small adjustments. By playing ironically with the tiles used in the 

Princes’ Park, it has been possible to create new decorations; far 

from presuming to replace those designed by Ponti, the experiment 

demonstrates the validity of the procedure. In fact, even if they may 

appear mechanical, these simple rules not only make it possible 

to appreciate the intrinsic characteristics of the single elements, 

and to control the final effect of the design; they also represent 

a method for composing contemporary patters capable of once again 

posing the problem of decoration in its global sense, without any 

breaks with the past. 

1. Demoni da addomesticare è il titolo assegnato da Ernst H. Gombrich ad uno dei 

paragrafi del decimo capitolo del libro Il senso dell’ordine. In queste pagine l’autore 

approfondisce il tema della progettazione del caos nella decorazione. Cfr. E. H. 

Gombrich, The Sens of Order. A Study in the Psychology of Decorative Art, Phaidon 

Press Limited, London 1979, trad. it., Il Senso dell’Ordine. Studio sulla Psicologia 

dell’arte decorativa, Elemond Editori Associati, Milano 2000, pp. 271-301. 

2. E. H. Gombrich, op. cit., p. 172. 


4. La teoria dell’“arricchimento graduale” è stata pubblicata nel 1856 da Owen Jones 

nel suo testo più importante la Grammatica dell’Ornamentazione. Cfr. O. Jones, 

The Grammar of Ornament, London 1883. 

5. La presente indagine è stata svolta nel 2006 dal gruppo di ricerca coordinato 

da Agostino Bossi e Paolo Giardiello, a partire da precedenti studi sulla decorazione 

tradizionale delle maioliche partenopee. Il metodo strutturato ha portato alla 

produzione di un cospicuo numero di prototipi realizzati artigianalmente dalla 

Ceramica Stingo di Napoli. 

6. B. Munari, Il Quadrato, Corraini, Mantova 2008, p. 9. 

7. Le combinazioni “gioco di pannelli” proposte da Le Corbusier, basate sulle infinite 

possibilità che un quadrato ha di essere suddiviso secondo i valori espressi dal sistema 

numerico proposto, ci permette di individuare un cospicuo numero matrici armoniche 

da utilizzare come base per la trasformazione dei decori. Cfr. Le Corbusier, Il Modulor, 

2 vol., Marzotta, Milano 1984. 

8. L’associazione della nuova matrice al decoro non è casuale ma strettamente legata 

ad un’analisi delle similitudini che caratterizzano le geometrie delle due unità. 

9. L’opera di Douat si presenta come il primo, e forse più raro, trattato della teoria 

del disegno e reca il titolo Méthode pour fraise una infinité de desseins differént avec 

des carreaux mi-partis de deux coleurs par une ligne diagonal. Le tavole realizzate da 

Douat sono consultabili su: E. H. Gombrich, op. cit., p. 92. 

1. Demons to tame is the title given by Ernst H. Gombrich to one of the paragraphs of 

the tenth chapter of the book The Sense of Order. On these pages the author studies 

in depth the theme of design of chaos in decoration. Cfr. E. H. Gombrich, The Sens of 

Order. A Study in the Psychology of Decorative Art, Phaidon Press Limited, London 1979. 



4. The theory of the “gradual enrichment” was published in 1856 by Owen Jones 

in his most important text The Grammar of Ornament, London 1883. 

5. This research has been conducted in 2006 by the research team coordinated 

by Agostino Bossi and Paolo Giardiello, on the basis of previous studies on the 

traditional decoration of majolica in the Naples area. The structured method has led to 

the production of a large number of prototypes, realized by the craftsmen of the Stingo 

Ceramic manufacturer of Naples. 

6. B. Munari, Il Quadrato, Corraini, Mantua 2008, p. 9. 

7. The “play with panels” combination proposed by Le Corbusier, based on the infinite 

ways in which a square can be subdivided according to the values expressed by the 

numeric system proposed, enables us to identify a large number of harmonious matrixes 

to use as basis for the transformation of the decorations. See Le Corbusier, 

Il Modulor, 2 vol., Marzotta, Milan 1984. 

8. The association of the new matrix to the decoration is not casual, but closely linked 

to an analysis of the similarities which characterize the geometries of the two units. 

9. The work of Douat is presented as the first, and perhaps rarest, treatise on the theory 

of design and carries the title Méthode pour fraise una infinité de desseins differént 

avec des carreaux mi-partis de deux coleurs par une ligne diagonal. The plates 

realized by Douat may be consulted in: E. H. Gombrich, op. cit., p. 92.

design focus interview 

Karim Rashid: il lato spirituale del colore 

Karim Rashid: the spiritual side of color 

interview by area

area: Nell’ambito delle arti figurative esiste una lunga tradizione 

ed una consuetudine secolare a rappresentare realtà e finzione attraverso 

due sole dimensioni; che si tratti di fogli, tavole o tele il pittore e il grafico 

lavorano con facilità all’interno di questo schema. Per un architetto 

o un designer lavorare senza la profondità dell’oggetto è più difficile 

mentre tu sembri perfettamente a tuo agio e lavori con sorprendente 

disinvoltura (una disinvoltura da artista) sulle superfici decorandole 

e disegnandole con sapienza e facilità. Questa tua versatilità è realmente 

semplice come appare? 

Karim Rashid: Nell’era digitale esiste un nuovo linguaggio, un 

vernacolo che io chiamo “infostetica”, ovvero l’estetica dell’informazione. 

Tutto parte dall’idea di utilizzare strumenti moderni per creare progetti 

grafici complessi in 2D che siano tuttavia percepiti come 3D. 

La caratteristica del movimento della grafica, l’applicazione e l’uso 

di tecniche di composizione sono stati resi possibili dall’impiego delle 

nuove tecnologie e di moderni software. Il nuovo movimento tipico della 

tecno grafica crea un paesaggio ipertestuale, ipergrafico, ipertrofico 

e pieno di energia. 

area: Quanto conta la materia e i materiali nei tuoi progetti e quanto 

i colori, il disegno, l’immagine? 

K.R.: Il mondo sta diventando sempre più in grado di comprendere, 

sia le informazioni che riceve che gli input visivi, i consumatori vogliono 

essere stimolati dall’ambiente che li circonda. Se oggi qualcuno decide 

di fare shopping in un negozio piuttosto che online, l’esperienza deve 

essere allettante, seducente, ispirante. Il negozio vende abbigliamento 

e oggettistica pensati per un target che va dai 16 ai 25 anni, ho pertanto 

deciso di utilizzare colori decisi come il lime, l’arancione, il rosa, l’azzurro 

per creare un ambiente pieno di energia. Il colore è uno dei fenomeni più 

belli a cui assistiamo nel corso della nostra esistenza. 

Per me il colore è vita, è un modo per gestire e toccare con mano 

le proprie emozioni, la nostra psiche, il nostro lato spirituale. Alcuni colori 

sono forti, altri sono più tenui, ciò che è veramente importante è trovare 

la giusta sfumatura, la giusta tinta, la giusta saturazione di ogni colore 

e saperli poi abbinare. I colori possono essere utilizzati in modo corretto 

o scorretto, l’importante è non averne paura. Ci danno un senso di euforia 

spirituale e fenomenologica. 

area: Nell’ultimo Cersaie l’azienda Ceramica Cielo ti ha chiesto 

di lavorare sulla decorazione di un piatto doccia di produzione, si trattava 

perciò di un lavoro di grafica, di un progetto bidimensionale, come hai 

affrontato questo tema così particolare? 

K.R.: Voglio che ogni cosa che ci circonda sia progettata con intelligenza, 

sia bella, poetica, utile, sexy, illuminante, ispirante, contemporanea, 

colorata, piena di energia, splendente, potente, ad alte prestazioni 

ed accessibile per chiunque. Credo che qualsiasi cosa al mondo dovrebbe 

essere intelligente, bella e progettata in modo olistico, ovvero in modo 

sperimentale ed ecologico. In ogni cosa che io faccio poi, mi piace 

inserire un po’ dello spirito umano, un po’ di umorismo per alleggerire 

quella cosa altrimenti troppo palesemente “seria” che è la vita. 

area: Il tuo corpo presenta molteplici tatuaggi gli stessi disegni e motivi 

che ritroviamo sulle superfici dei tuoi oggetti. Utilizzi il tuo corpo come 

tela, come superficie mezzo di comunicazione di un linguaggio artistico? 

K.R.: Questi possono essere considerati i miei geroglifici, ho sviluppato 

55 simboli negli ultimi 13 anni. Ognuno di questi ha un significato. 

Io li definisco “Karimagologos”, il significato è spiegato nel mio libro 

Evolution. Non uso mai questi simboli intenzionalmente, diciamo che 

vengono riproposti nelle mie opere in modo subcosciente, con una 

tempistica accidentale. Ho 12 tatuaggi, ognuno dei quali fatto in una città 

diversa, da Tokyo a San Francisco, da New York a Londra, Chicago ecc. 

(sono come timbri sul mio passaporto o come gli adesivi sul mio bagaglio). 

area: Within the context of the figurative arts there is a long tradition 

and century-old custom of representing reality and fiction in only two 

dimensions; whether it is a matter of sheets of paper, plates or canvases, 

the painter and the draughtsman are comfortable when working within 

this scheme. It is harder for an architect or designer to work without the 

with surprising nonchalance (the nonchalance of an artist) on the surfaces, 

decorating them and drawing them with skill and ease. Is this versatility 

of yours really as simple as it seems? 

Karim Rashid: The digital age has a new language, a vernacular I refer 

to as the ‘Infostethic’, the aesthetics of information). The premise is using 

new tools to create complex 2D graphic work that has a perception of 3D. 

A characteristic of the movement of graphic design and application 

and the use of composition techniques only made possible through the use 

of new technologies and software. The new movement of techno graphics 

is creating a landscape that is hypertextual, hypergraphic, hypertrophic, 

and energetic. 

area: How much does the material, and materials, matter in your projects, 

and how much do the colours, the design, the image? 

K.R.: The world is becoming very savvy – both visually and about 

information – and consumers are interested in being stimulated by their 

physical environments. Nowadays, if one decides to shop in stores (rather 

than online), the experience must be seductive, engaging, and inspiring. 

The store sells fashion and lifestyle products for a market between 16-25 

years old, so I selected bold colors such as lime, orange, pink, baby blue 

to create this energetic environment. Color is one of the most beautiful 

phenomena of our existence. For me color is life and a way of dealing 

with and touching our emotions, our psyche, and our spiritual being. 

Some colors are strong, some are soft, but what is important is the specific 

hue or tint or saturation of each color and how they work together. 

Color can be used well or poorly but no one should be afraid of color. 

It is a spiritual phenomelogical euphoria. 

area: During the past Cersaie Ceramica Cielo has asked you to work 

on the decoration of a shower tray that is in production; it was therefore 

a matter of a graphic work, of a two-dimensional project. How have you 

tackled this very particular theme? 

K.R.: I want things that surround us to be smart, beautiful, poetic, useful, 

sexy, enlightening, inspiring, contemporary, colorful, energetic, fulgent, 

powerful, of performance, and accessible to everyone. I think everything 

we make in this world should be smart and beautiful and holistically 

designed, meaning it is experimental and ecological. But in everything 

I inject some human spirit and humor because it lightens up this overtlyserous 

thing we call life. 

area: You have numerous tattoos on your body, with the same designs 

and motifs as we find on the on the surfaces of your objects. Do you use 

your body as canvas, as a surface by means of which to communicate 

an artistic language? 

K.R.: They are my hieroglyphics. I developed 55 symbols over the last 

13 years. Each has meaning. I call them Karimagologos. My book 

Evolution explains the meanings. I never try to intentionally use them but 

they come into the work subconsciously at the most incidental times. 

I have 12 tattoos on me – one from each different city in the world from 

Tokyo to San Francisco to New York to London, to Chicago, etc. 

(like a stamped passport or stickers on luggage!). 

depth of the object; however, you seem to be perfectly at ease and to work Rimmel, Tatoo collection, Ceramica Cielo.


Moroso e Urquiola, dieci anni di sodalizio 

Moroso and Urquiola, ten years of association 

Il 2010 è stato il decimo anno di sodalizio fra la Moroso e la nota 

designer spagnola Patricia Urquiola, celebrato attraverso una mostra 

organizzata con l’Ordine degli Architetti di Roma presso l’Acquario 

Romano. La proficua collaborazione tra la designer e Patrizia Moroso, 

costellata dalla creazione di una ricca serie di oggetti di design di 

qualità e valore, apprezzati dalla critica internazionale, prosegue con 

la nascita di progetti ispirati a culture diverse e tecniche tradizionali 

appartenenti ad epoche lontane come quello per la linea Fergana. 

area: La Moroso è stata la tua prima collaborazione con un’azienda?! 

Patricia Urquiola: Mi sono trasferita dalla Spagna in Italia durante 

il periodo della formazione universitaria e, dopo aver concluso gli 

studi al Politecnico di Milano, ho svolto immediatamente una prima 

esperienza lavorativa importante presso l’ufficio tecnico di una nota 

azienda di elementi di arredo. Questo lavoro è durato sei anni ed 

è stata un’opportunità molto preziosa perché in quel periodo sono 

entrata in contatto con personaggi straordinari, grandi protagonisti 

del design contemporaneo, che mi hanno insegnato molto. È stata una 

vera e propria scuola per me, ed un grande onore stare vicino a Vico 

Magistretti. Successivamente ho lavorato con Piero Lissoni, all’interno del 

suo studio, seguendo i suoi progetti di design e grazie a lui sono entrata 

in contatto con molte aziende. Questa opportunità mi ha consentito 

di ampliare le mie conoscenze e di sperimentare tecniche e realtà 

produttive diverse, cosa di cui avevo molto bisogno. Parallelamente 

al lavoro svolto con Lissoni, ho potuto iniziare a sviluppare la mia attività 

personale e negli ultimi due anni sono entrata in contatto con la Moroso 

e per loro ho disegnato il mio primo divano di successo, il Lowland, 

nel 2000. Insieme abbiamo ritenuto che potessi essere la persona giusta 

per seguire l’azienda e con serenità ho deciso di avviare la mia attività 

autonomamente. La Moroso mi è stata molto di aiuto in quella fase della 

mio percorso professionale, dandomi credibilità e consentendomi 

di mantenere il mio proprio studio. Questo avvenne 10 anni fa. 

area: Come si svolge la tua consulenza, o meglio il tuo rapporto 

di collaborazione con l’azienda Moroso? 

P.U.: Il lavoro con Moroso inizia sempre con un lungo viaggio 

in macchina o in treno, necessario per raggiungere la sede a Udine! 

All’inizio della collaborazione le mie giornate trascorse in azienda 

erano molto frequenti, molto assidue e con il passare degli anni 

e il moltiplicarsi degli impegni abbiamo necessariamente dovuto trovare 

dei ritmi e una modalità diversa di lavorare insieme. Sono state 

e sono tuttora giornate di lavoro molto intense, impegnative per me ma 

soprattutto per i collaboratori in azienda che a volte temono quasi il mio 

arrivo; con loro oramai si è instaurato un rapporto di stima reciproca, 

simpatia e di grande confidenza. In sede ci si confronta, 

si discute, si “cucina” tanto. Per me le idee sono molto chiare ma 

a queste deve seguire il lavoro di un intero ufficio tecnico che deve 

riuscire ad interpretarle, elaborarle e quindi a preparare il materiale per 

la mia prossima visita. Non è semplice per loro; noi designer arriviamo 

in azienda con disinvoltura, carichi di proposte e suggestioni con cui 

l’ufficio tecnico deve poi avere a che fare e talvolta questi progetti 

si scontrano con la mentalità stessa dell’azienda e con i limiti tecnici 

della produzione. Una caratteristica molto bella delle aziende italiane 

è infatti quella di tendere a non rispondere mai alle nostre sollecitazioni 

interview by area 

con un “non si può fare” ma piuttosto quella di dire, in ogni caso, 

“pensiamoci”, “proviamoci”. Quel “ci pensiamo” è molto bello perché 

significa non dire un “no” anche se in quel momento agli occhi 

dell’azienda, il progetto rappresenta un sfida difficilissima da realizzare. 

area: Tra tutti i materiali con cui tu lavori, come la plastica, il legno, 

il metallo, tra i vari settori produttivi che hai affrontato, qual è quello che 

in questo momento, dopo tanti anni di esperienza, ti danno maggiore 

soddisfazione e che tu ricerchi? 

P.U.: Non ho una preferenza ben definita, sono molto aperta 

e posso avere “simpatia” e affetto per esprienze, oggetti, materie molto 

differenti. Ad esempio, nel caso del progetto che ho curato con le donne 

sarde per la creazione di una serie di tappeti e che abbiamo venduto 

con la Moroso, si è creato un rapporto umano e di collaborazione 

straordinario. Posso lavorare ed essere felice lavorando ad un progetto 

come questo ed essere allo stesso tempo una patita degli stampi. Sono 

una vera patita degli stampi, che siano per la creazione di oggetti 

in plastica, ceramica, porcellana, gomma, o metallo… lo stampo 

in fondo è alla base del prodotto industriale ma mi piacciono anche 

moltissimo il legno così come i tessuti in generale. Sono molto versatile 

e tutto dipende dal progetto a cui mi affeziono. 

area: Parliamo della tua modalità di lavoro; tu preferisci lavorare 

a commessa, ovvero che ti venga dato un tema da sviluppare, oppure 

preferisci essere tu a proporre l’idea su cui lavorare. 

P.U.: Entrambi, direi. Come diceva Castiglioni, il brief dell’azienda per 

me “è come il pane per la marmellata”, è una struttura utile, necessaria 

sulla quale sviluppare il progetto ma al tempo stesso posso anche 

dimenticarmene per reinterpretare a modo mio la commessa. Molte volte 

invece mi vengono richieste le mie idee, le mie proposte ed io ne ho 

molte. In studio abbiamo continuamente dei progetti che sono work in 

progress, delle ricerche che sviluppiamo insieme con i miei collaboratori 

e che noi forniamo quando mi vengono chieste. In questo caso aiutano 

molto quei rapporti di vera amicizia che esistono con alcune aziende 

e che consentono di sviluppare dei processi più lenti, di dedicare 

il tempo giusto a questi progetti di design e a realizzarli in modo 

estremamente accurato. Questo avviene con Patrizia Moroso insieme 

alla quale riusciamo a realizzare fino a cinque, sei pezzi l’anno e al 

tempo stesso, ad esempio, abbiamo fatto uscire recentemente una sedia 

di plastica che era pronta come prototipo da più di un anno. Abbiamo 

dedicato tempo non soltanto allo studio e alla scelta del materiale 

corretto, più adatto da utilizzare, per conferire un significato corretto 

alla creazione di un oggetto nuovo ma soprattutto per far in modo che le 

cose che si presentano con Moroso siano oggetti credibili e reali. Sono 

progetti che seguiamo da tempo e che inseguiamo da tempo, sono il 

frutto di un lungo e attento lavoro di ricerca, di studio e di maturazione. 

area: Come definirebbe il rapporto tra designer e produzione 

industriale oggi, in particolare in Italia? 

P.U.: Il designer è il vero operatore nei confronti dell’industria e siamo 

delle figure al tempo stesso esterne e considerate, rispettate dall’azienda 

che ha voglia di instaurare in un rapporto di interazione positivo 

e costruttivo. Più il rapporto con una azienda è longevo e più si riesce 

a capire quali siano i limiti che si possono spostare, forzare, discutere, 

e a capire come appassionare l’azienda, come incuriosirla.

Fergana: 

un progetto 

complesso e raffinato, 

simbolo dell’approccio 

cross-over che contraddistingue la 

ricerca nel design di Moroso, un’attenta 

ricerca sui tessuti, che combinano antiche 

tecniche di tessitura Uzbeke, 

con realizzazioni industriali europee. 

Fergana: a complex, refined design 

symbolic of Moroso’s characteristic 

cross-over approach and a carefully 

considered choice of fabrics combining 

ancient Uzbek weaving techniques 

with European industrial 

processes.


Le aziende in cui si crea il prodotto industriale di design, made in Italy, 

che siano grosse o a conduzione familiare, sono molto più abituate 

a cercare la linea di confronto con il designer, sono molto più flessibili 

e disposte a lavorare interagendo con il designer e questo per noi 

è estremamente prezioso. Sicuramente nelle grosse industrie è molto più 

difficile ritrovare questo tipo di rapporto ma credo anche anche che tutta 

la produzione di oggetti teconologici abbia bisogno di “usarci” di più, 

anche nella nostra veste di personaggio esterno, non soltanto in quanto 

progettisti interni. Il designer esterno all’azienda ha una maggiore 

capacità critica nei confronti del prodotto e soprattutto un maggiore 

potere di provocazione, di sollecitazione. 

In 2010 the collaboration between Moroso and the renowned Spanish 

designer Patricia Urquiola has lasted for ten years; celebrated with 

an exhibition organized by Ordine degli Architetti di Roma in the 

Acquario Romano. it has given rise to an ample range of design objects, 

whose quality and value are confirmed by international critics. 

The prolific union between the designer and Patrizia Moroso continues 

this year, with the launching of projects inspired by different cultures 

and traditional techniques dating from distant epochs, as those created 

for the Fergana line. 

area: Was Moroso your first collaboration with a company?! 

Patricia Urquiola: I moved from Spain to Italy while studying 

at university; when I graduated from the Milan Polytechnic I immediately 

begun my first and very important professional experience with the 

design department of a well-known manufacturer of furniture accessories. 

I worked for this company for six years; it has been a great opportunity 

because I came into contact with extraordinary personalities, leading 

figures in contemporary design, who have taught me a lot. It has been 

a true school for me, and a great honour to be close Vico Magistretti. 

After that I worked with Piero Lissoni, in his studio, developing his 

design projects, and thanks to him I have established contact with many 

companies. This opportunity has enabled me to amplify my knowledge 

and familiarize with different techniques and production realities, 

something I was in great need of. While working for Lissoni I have been 

able to develop my personal activities, and in the last two years I began 

to cooperate with Moroso, designing my first successful sofa, Lowland, 

in 2000. Together we have decided that I would be the right person 

to collaborate with the company, and I have serenely decided 

to start my own independent activity. Moroso has been very helpful 

to me during this phase of my career, giving me credibility and allowing 

me to operate with my own firm. This happened 10 years ago. 

area: How does your consulting for, or rather your cooperation with, 

Moroso take place? 

P.U.: My work with Moroso always begins with a long journey by car 

or train, necessary to reach their headquarters in Udine! In the early 

stages of my collaboration my visits to the company were very frequent, 

very assiduous; with the passing of the years and the multiplication 

of my commitments we have had to find another rhythm and way 

to work together. These days have been, and are still, very intense 

and demanding for me, but above all for the company employees who 

sometimes fear my arrival; by now a relationship of mutual esteem, 

liking and great trust has been established. At the headquarters we 

meet, discuss and “cook” a lot. My ideas are very clear to me, but they 

must be adapted to the work of a whole design department which must 

manage to interpret them, elaborate them and prepare the material 

for my next visit. It is anything but easy for them; we designers arrive 

at a company nonchalantly, full of proposals and suggestions which the 

design department must then work on, and sometimes these projects 

enter into conflict with the mentality of the company and the technical 

limits of the production. In fact, a very positive characteristic of the Italian 

company consists of the fact that our suggestions almost never meet with 

the reply that “it cannot be done”, but rather, in any case, “we’ll think

Nella pagina a fianco, la linea 

di imbottiti Fergana disegnata da 

Patricia Urquiola per Moroso, è il 

frutto di un‘attenta ricerca sui tessuti 

che combinano antiche tecniche di 

tessitura Uzbeke, con realizzazioni 

industriali europee. 

In questa pagina, la mostra 

organizzata da Moroso, con l‘Ordine 

degli Architetti di Roma, allestita 

da Emiliano Calderini presso 

l‘Acquario Romano in occasione 

dei dieci anno di collaborazione 

con Patricia Urquiola. 

In the following page the line 

of Fergana sofa designed by Patricia 

Urquiola for Moroso, it is the result of 

a carefully considered choice 

of fabrics combining ancient Uzbek 

weaving techniques with European 

industrial processes. 

In this page the exhibition organized 

by Moroso with Ordine degli 

Architetti di Roma at the Acquario 

Romano. The exhibition is set up 

by Emiliano Calderini on the occasion 

of ten year of collaboration between 

Moroso and Patricia Urquiola. 

about it”, “let’s try”. That “we’ll think about it” is very nice, because 

it means avoiding to say “no”, even if that moment the project appears, 

in the eyes of the company, a very difficult challenge. 

area: Of all the materials you work with, as plastic, wood, metal, and 

of the various manufacturing sectors you have dealt with, which is the 

one that you today, after many years of experience, find to be the most 

satisfactory, and which you prefer? 

P.U.: I do not have any clearly defined preference, I am very open 

and appreciate and like very different experiences, objects and 

materials. For instance, in the case of the project I have directed with 

Sardinian women, aimed at the creation of a range of carpets we have 

sold through Moroso, an extraordinary relationship, both on a human 

and professional level, has been formed. While I can work happily 

on this kind of project, I am at the same time an addict of moulds. 

I am a true aficionado of moulds, whether they are for the creation 

of objects in plastic, ceramics, porcelain, rubber, or metal... In the final 

analysis, the mould is at the basis of the industrial project, but I am also 

very fond of wood, as well as fabrics in general. I am very versatile 

and everything depend on the project I get attached to. 

area: Let us speak about how you work; do you prefer to work on the 

basis of requests, or to be given a theme to develop, or would you rather 

be the one to suggest the idea on which to work? 

P.U.: Both, I would say. As Castiglioni said, the company brief is “like 

the bread for the jam” to me; it is a useful, indispensable structure 

on which to develop the project, but at the same time I can also forget 

about it to reinterpret the assignment in my own way. I am often, on the 

contrary, asked to suggest my own ideas and proposals, and I have 

many. In my studio we work on projects all the time, which are works 

in progress, researches which we develop together with my collaborators 

and which we present when I am asked to. In this case it is very helpful 

to be able to count on true friendships with some companies, which 

make it possible to develop slower processes, to dedicate the necessary 

time to these design projects, and to realize them in an extremely 

accurate manner. This is the case of Patrizia Moroso, with whom we 

manage to realize as much as five or six pieces o year, and at the same 

time, for instance, we recently produced a plastic chair which had been 

ready as a prototype for more than a year. We have dedicated time not 

just to the study and choice of the correct material that was best suited 

to the purpose, to give the right meaning to the creation of a new object, 

but above all to assure that the items presented with Moroso are credible 

and real objects. They are projects which we work on, that we pursue 

for a long time, they are the products of a long and careful research, 

study and maturation. 

area: How would you define the relationship between designer 

and industrial production today, in particular in Italy? 

P.U.: The designer is the true operator in relation to industry, and 

we are at the same time external and esteemed figures, respected 

by the company which wants to create a relationship of positive and 

constructive interaction. The more lasting a relationship with a company 

is, the more one manages to understand the nature of the limits which 

may be moved, forced, discussed, and how to enthuse the company, 

how to elicit its curiosity. The companies with which Italian industrial 

design products are created, whether large or family-run, are much more 

accustomed to mediating with the designer, they are much more flexible 

and willing to interact with the designer, and this is extremely precious 

to us. It is certainly much harder to find this kind of relationship 

in the large industries, but I also believe that the entire production 

of technological products needs to “use us” more, also in our capacity 

of external figures, not just as internal designers. 

The designer who is independent with respect to the company is more 

able to see the product with critical detachment, and above all a greater 

ability to provoke, to inspire.

design focus object 

alcantara ® 

interiors 

cappellini 

+ navone 

azienda Alcantara ® 

anno realizzazione prodotto 2010/2011 

materiale Alcantara ® 

decori Roma, Firenze, Elba, Maddalena, Milano, Siena, Verona, 

Venezia, Capri, Portofino, Torino, Taormina 

firm Alcantara ® 

year of realization 2010/2011 

material Alcantara ® 

patterns Roma, Firenze, Elba, Maddalena, Milano, Siena, 

Verona, Venezia, Capri, Portofino, Torino, Taormina 

Alcantara ® INTERIORS porta la tridimensionalità nel rivestimento 

per rendere sempre più contemporaneo e attuale un materiale unico 

nel suo genere. Proprio l’amore per il materiale e per il suo inimitabile 

fascino tattile ha spinto due grandi designer, Giulio Cappellini 

e Paola Navone, a collaborare ad un progetto che ne interpreta 

le infinite declinazioni dando vita ad una collezione che schiude 

molteplici possibilità decorative. 

Non più solo cromie, estetica e sensorialità “flat” abbinata 

a funzionalità. Grazie alle innumerevoli tecnologie di lavorazione 

possibili, Alcantara ® si proietta nel futuro con inediti esercizi stilistici 

e nuove proposte. Stampa, goffratura, ricamo, plissé e resine danno 

vita a dodici decori (dai nomi di altrettante località italiane) per 

una collezione che accosta differenti texture e linguaggi espressivi 

sempre lussuosi e sorprendenti: stampe Principe di Galles e Pied de 

Poule fuori scala, preziosi ricami, goffrature millerighe, plissettature, 

Camouflage e altro ancora. 

Alleato imprescindibile il colore, con mood che alternano bianchi 

e neri a tonalità blu, bordeaux, verde acido e marrone. 

Alcantara ® INTERIORS è una collezione versatile e infinita nelle 

applicazioni. Un invito ad accostare, mescolare, far vivere insieme 

differenti emozioni attraverso incroci e dialoghi tra linee dritte 

e curve. La relazione è tra verticale e orizzontale. 

Tra pareti che delineano spazi e imbottiti squadrati o tondi. Il volume 

in sé richiede un rivestimento in grado di nobilitare le forme senza 

snaturarle, rendendole preziose (anche con la massima discrezione). 

Una proposta dal DNA contemporaneo, adatta a ritmi di vita attuali 

e cosmopoliti, a persone sempre in viaggio tra una meta e l’altra, che 

cambiano spesso lavoro e città, amici e passioni: persone che amano 

richiamare nei propri spazi i concetti di movimento 

e costante contaminazione di umori e tendenze, per renderli il punto 

di riferimento di uno stile davvero personale. 

Alcantara ® INTERIORS brings the third dimension into surface 

coverings, making this unique material even more contemporary and 

relevant. Love of Alcantara ® and its inimitable tactile charm has driven 

two great designers, Giulio Cappellini and Paola Navone, to work 

together on a project interpreting its infinite forms and create 

a collection offering a multitude of decorative possibilities. 

But this time, there is more to it than just colours, aesthetics and “flat” 

sensoriality combined with functionality. Countless possible processing 

technologies take Alcantara ® into the future, with new exercises 

in style and new proposals. Printing, embossing, embroidery, pleats 

and resins create twelve different patterns (named after twelve Italian 

towns) in a collection that combines different textures and expressive 

languages, all luxurious and surprising: oversized Prince of Wales 

check and Houndstooth prints, precious embroidery, embossed 

pinstripes, pleats, camouflage and much more. 

Colour is an essential ally, in a mood alternating black and white with 

shades of blue, burgundy, acid green and brown. 

Alcantara ® INTERIORS is a versatile collection with an infinite variety 

of applications. An invitation to mix and match, to bring together 

different emotions through crossing and dialogue between straight 

and curved lines. 

The relationship is between vertical and horizontal. Between walls 

bounding spaces and square or round upholstery. The volume itself 

demands a covering that will ennoble its forms without betraying their 

nature, making them precious (though most discretely). A proposal 

with a contemporary feel, suited to today’s cosmopolitan lifestyles, 

for people who are always on the go between one place and another, 

who change their jobs and homes, their friends and passions all the 

time: people who want to see the concepts of movement and constant 

contamination of moods and trends reflected in the spaces they 

inhabit, to allow them to reflect a truly personal style.

cromie 

ricche, texture 

originali, nuovi 

linguaggi espressivi 

rich colours, 

original textures, 

new expressive 

idioms


naturalia 

recreating 

nature 

arpa lab 

azienda Arpa Industriale 

anno realizzazione prodotto 2010 

dimensioni 3050x1300mm, spessore 6,4/9,7/12,8mm 

colori Grano, Duna, Lichene, Marna, Castagna, Ossidiana 

finiture Erre, Ghibli, Larix, Naked, Mika 

firm Arpa industriale 

year of realization 2010 

dimensions 3050x1300mm, thicknesses 6.4/9.7/12.8mm 

colors Wheat, Dune, Lichen, Marne, Chestnut, Obsidian 

finishes Erre, Ghibli, Larix, Naked, Mika 

Emozione estetica e alte performance: la vastissima gamma 

di prodotti Arpa (oltre 500 decorativi, 30 finiture e numerosi formati) 

si arricchisce di una nuova collezione, una reale novità per il mondo 

dei materiali: Naturalia è una proposta dedicata a chi desidera 

un materiale naturale come il legno ed esige nel contempo 

performance altamente funzionali. Frutto dell’innovazione e della 

costante ricerca dell’azienda nel mondo dei materiali, nonché della 

sua expertise nella lavorazione dei laminati, Naturalia è un materiale 

dall’anima eco, proveniente da risorse naturali rinnovabili. 

Naturalia è una superficie lignea eco-sostenibile, realizzata con 

elementi provenienti da foreste europee certificate PEFC (Programme 

for the Endorsement of Forest Certification), che si compone di strati 

di fibre di legno impastate con resine termoindurenti pressate 

ad alte temperature. Ne deriva un pannello omogeneo, dotato 

di un decoro ottico e tattile tutto naturale, dato dalla consistenza 

e dalla disposizione casuale delle fibre e connotato da morbide 

cromie derivanti dai pigmenti organici presenti nelle resine. 

Alle qualità estetiche si associano caratteristiche tecniche di livello 

assoluto: omogeneo, compatto, idrorepellente, con elevata densità 

e resistenza al carico, Naturalia offre assoluta libertà 

di progettazione, rivelandosi ideale sia per utilizzi orizzontali come 

banconi, mobili, superfici di appoggio e particolarmente per 

i piani da lavoro in cucina (igienico e antigraffio), che per svariate 

applicazioni verticali come rivestimenti parietali, elementi divisori 

o pannellature. Infinita la libertà progettuale: Naturalia può essere 

lavorato e tagliato in moltissime forme o angolature e sottoposto 

a processi di fresatura e di pantografatura. Le sei tonalità cromatiche 

e le cinque finiture proposte consentono di generare emozioni nuove 

e coinvolgenti in ogni ambiente, di ricreare in raffinati interni calde 

atmosfere naturali, scegliendo un materiale unico sintesi di ricerca, 

tecnologia, progettualità e di una grande attenzione per l’ambiente. 

Aesthetic thrills and high performance: the vast Arpa product range 

(including more than 500 decorative items, 30 finishes and numerous 

different sizes) is now enriched with a new collection, a real novelty 

in the world of materials. Naturalia is specifically intended for people 

who want a natural material like wood but at the same time demand 

highly functional performance. The product of the company’s ongoing 

research and innovation with materials and its expertise working with 

laminates, Naturalia is a material with an ecological soul made from 

renewable natural resources. 

Naturalia is an environmentally sustainable wood surface made 

with materials from PEFC (Programme for the Endorsement of Forest 

Certification) certified European forests, consisting of layers of wood 

fibre mixed with thermosetting resins pressed under high temperatures. 

The result is a homogeneous panel with a perfectly natural optical 

and tactile decoration created by the consistency and random 

arrangement of the fibres and characterised by soft colours produced 

by the organic pigments present in the resins. 

Its aesthetic qualities are combined with top technical properties: 

homogeneous, compact, water-repellent, with high density and 

resistance to loads, Naturalia offers perfect freedom of design, turning 

out to be ideal for horizontal uses such as counters, furniture, surfaces 

such as kitchen work surfaces (it is hygienic and scratchproof), 

as well as for a variety of vertical applications such as wall coverings, 

dividers and panels. 

Finally, it permits great freedom of design: Naturalia may be worked 

and cut in a great variety of shapes and angles, and may be milled 

or pantographed. 

The six colours and five finishes available create thrilling new 

emotions in any room and recreation of warm natural atmospheres 

indoors, choosing a unique material that is a synthesis of research, 

technology, design and focus on the environment.

Elemento decorativo e piano tavolo salotto 

in Naturalia Grano finitura Larix, cucina 

“ecocompatta” in Naturalia Castagna 

finitura Naked; dettagli: Naturalia multicolor 

pantografato, Naturalia Grano pantografato, 

Naturalia Castagna finitura Larix, Naturalia 

Grano finitura Larix. 

Decorative element and living room tabletop 

made of Naturalia Wheat with Larix finish, 

“Ecocompatta” kitchen made of Naturalia 

Chestnut with Naked finish; details: multicoloured 

pantographed Naturalia, pantographed Naturalia 

Wheat, Naturalia Chestnut with the Larix finish, 

Naturalia Wheat with the Larix finish.


marblelace 

patricia 

urquiola 

azienda Budri 


materiale marmo 

dimensioni parete Lace 8,50xH2,40m, parete Marblelace 

9xH2,70m, parete modulare Paravent 1,40x1m, tavolo Biscuit 

2,70x0,90x0,74m, panche Fachiro 2,20x0,50/1,80x0,40m 

firm Budri 


material marble 

dimensions Lace wall 8.50xH2.40m, Marblelace wall 

9xH2.70m, Paravent modular wall 1.40x1m, Biscuit table 

2.70x0.90x0.74m, Fachiro benches 2.20x0.50/1.80x0.40m 

Irregolare, eccezionale ed ecosostenibile! Dopo il successo 

di Macrosterias, Patricia Urquiola ci conduce in un mondo nel quale 

la pesantezza del marmo e delle pietre scompare per lasciare spazio 

a tessuti leggeri come pizzi: irregolarità e trasparenze rappresentano 

infatti il focus attrattivo di Marblelace. Forme geometriche 

plasticamente modellate traducono le nuove strategie di reimpiego 

creativo dei residui delle lavorazioni, diventando protagoniste di una 

rinnovata litogenesi artigianale ricca di fantasiosi e ipercromatici 

intarsi. Il progetto è composto da Lace, un’ampia parete a traforo 

in Bianco Carrara di elevata complessità tecnica, realizzata con 

elementi concavi e convessi “intrecciati” l’uno con l’altro che danno 

vita ad una texture con effetto “jalousie”. All’estremità opposta 

Marblelace, un’ampia parete a intarsio, a tre livelli, realizzata 

in Bianco Lasa e marmi policromi. Decine sono i piccoli e grandi 

ricami e pizzi che compongono questo “tessuto”; la sovrapposizione 

e disposizione degli intarsi è apparentemente casuale, in realtà 

nasconde un’attenta e accurata scelta delle forme e dei colori che 

conferiscono alla parete una evidente tridimensionalità. Nel centro, 

l’ampio tavolo Biscuit in Bianco Lasa levigato e intarsiato in marmi 

policromi. Gli intarsi si sovrappongono formando trame di pizzi, 

un colorato drappo che scende fluidamente lungo la costa del piano. 

I pizzi a traforo nel marmo bianco confluiscono negli intarasi colorati. 

Il tavolo è rettangolare con bordi finemente arrotondati, come un 

biscotto appunto, e divertenti i piedi in massello, che si abbinano al 

piano. Le Paravent, pareti modulari e mobili realizzate con i negativi 

di Marblelace in Bianco Carrara si sovrappongono visivamente 

e creano un intreccio traforato sorprendente, che evidenzia il 

piacevole contrasto tra la leggerezza del pizzo e la pesantezza 

materica del marmo. Le due panche Fachiro sono realizzate in Bianco 

Carrara levigato con piede a massello, a biscotto. L’ironica texture 

a effetto “pixel” conferisce alle sedute un aspetto decisamente insolito. 

Irregular, exceptional and environmentally sustainable! In the wake 

of the success of Macrosterias, Patricia Urquiola leads us into 

a world where marble and stone lose their heaviness and become like 

fabrics, as light as lace. Irregularities and transparencies are the key 

to Marblelace’s attraction. Geometric shapes modelled like sculptures 

express the new strategies for creative re-use of process residues 

and become the key to a new form of stone craftsmanship rich in 

imaginative, highly colourful inlays. The project is composed of Lace, 

a large, technically complex openwork wall of Bianco Carrara made 

out of concave and convex elements interwoven to create a “jalousie” 

texture. At the opposite end of the scale is Marblelace, a large inlaid 

wall, on three levels, made of Bianco Lasa and polychrome marble. 

Its “fabric” is made up of dozens of embroideries and laces, large 

and small; the overlapping and arrangement of the inlays appears 

to be random, but in actual fact is the result of careful choice of 

shapes and colours to give the wall a three-dimensional look. 

In the centre is the big Biscuit table made of polished Bianco Lasa 

inlaid with polychrome marble. The inlays overlap to form a weave 

of lace in colourful drapery that falls softly over the edge of the 

surface. The openwork lace in the white marble blends in with the 

coloured inlays. The table is rectangular, with finely rounded edges 

like those of a biscuit, and fun heartwood feet that match the top. 

Paravents are modular mobile walls made with the negatives 

of Marblelace in Bianco Carrara which are visually overlapped 

to create a surprising weave of openwork emphasising the pleasant 

contrast between the lightness of the lace and the material heaviness 

of the marble. The two Fachiro benches are made of polished Bianco 

Carrara with heartwood biscuit-shaped feet. The ironic “pixel” texture 

gives the seats an unusual appearance.

la 

solidità del 

marmo per leggeri 

ricami tridimensionali 

the solidity 

of marble for light, 

three-dimensional 

embroidery


terraviva 

massimiliano 

adami 

azienda DesignTaleStudio by Ceramiche Refin 


materiale grès porcellanato 

colori carbon, silver, sand, diamond 

colori decoro oro, blue, rosso, beige, grigio, bianco, nero 

firm DesignTaleStudio by Ceramiche Refin 


material porcelain stoneware 

colors carbon, silver, sand, diamond 

decoration colors gold, blue, red, beige, grey, white, black 

Un intervento umano, un gesto primordiale che nasce da due 

osservazioni sul tema dell’oggetto e del materiale legate alla 

contemporaneità ma anche alla memoria: la geometria intrinseca nella 

forma della piastrella, un’ortogonalità che diventa regola, e la natura 

organica del materiale, il grès porcellanato, materiale molto resistente 

nel tempo, quasi eterno. Massimiliamo Adami firma il progetto 

Terraviva per DesignTaleStudio, il laboratorio creativo di Ceramiche 

Refin: un nuovo e significativo passaggio, all’interno del continuo 

percorso di sperimentazione e ricerca condotto dall’azienda. Terraviva 

è un ritorno all’elemento base della piastrella, la terra, a cui l’uomo 

è legato da un indissolubile rapporto naturale, che il designer tenta 

in questo modo di ristabilire: il “pavimento domestico” viene avvicinato 

al “pavimento terrestre” e la crepa, spesso considerata difetto, diviene 

segno della Natura e carattere distintivo della collezione. Adami vuole 

realizzare un segno/decoro il più naturale possibile che interferisca 

con la geometria dei formati e che riveli una caratteristica fisica/ 

estetica del materiale stesso, senza limitarsi ad una imitazione di altri 

materiali naturali. La crepa è un segno determinato dalla natura, che 

si manifesta in tracce particolari definite dalle qualità tecniche del 

materiale stesso; ogni materiale si spezza in maniera diversa con crepe 

sempre diverse. In questa collezione viene addirittura rivalutata per 

diventare espressione simbolica: la crepa come segno del tempo 

al quale nessun materiale può sottrarsi. 

La collezione Terraviva è realizzata attraverso un intervento artigianale 

sul grès porcellanato collezione Visual di Ceramiche Refin. 

Ogni lastra viene incisa con tecniche di taglio a idrogetto per creare 

il tracciato della crepa, e l’incisione viene poi colmata con resina 

epossidica caricata con ossidi coloranti, applicata a mano pezzo 

per pezzo. La lavorazione manuale del prodotto rende queste pregiate 

ceramiche più delicate rispetto al grès porcellanato, pertanto se ne 

consiglia l’utilizzo a pavimento solo in ambito residenziale 

e commerciale leggero, non in ambienti a traffico intenso, soggetti 

a rilevanti carichi e sollecitazioni meccaniche. 

A human act, a primordial gesture inspired by two observations about 

contemporary objects and materials and about memory: the intrinsic 

geometry of the tile’s shape, right angles that become a rule, and 

the organic nature of the material, porcelain stoneware: a very longlasting, 

practically eternal material. Massimiliamo Adami designed 

Terraviva for DesignTaleStudio, Ceramiche Refin’s creative laboratory: 

an important milestone in the company’s ongoing experimentation 

and research. Terraviva is a return to the basic element of the tile, the 

earth, to which man is linked by an indissoluble natural relationship, 

which the designer thus attempts to re-establish: the “domestic floor” is 

approached in a way similar to the “floor of the earth”, and the crack, 

normally seen as a defect, becomes a mark of Nature and a distinctive 

feature of the collection. Adami wanted to create a sign or ornament 

that would be as natural as possible to interfere with the geometry of 

different sizes and reveal a physical/aesthetic property of the material 

itself, without stopping at imitation of other natural materials. The crack 

is a mark made by nature which appears in particular traces defined 

by the material’s technical qualities; each material breaks in a different 

way, with different types of cracks. In this collection it is re-assessed 

to become a symbolic expression: the crack as a sign of the passage 

of time, from which no material is immune. The Terraviva collection is 

created through work performed by hand on Ceramiche Refin’s Visual 

porcelain stoneware collection. Each tile is cut with a jet of water under 

high pressure to create the form of the crevice, and then the cut is filled 

in with epoxy resin to which coloured oxides have been added, applied 

by hand to each tile individually. Manual work makes these prestigious 

ceramic tiles more delicate than porcelain stoneware, and so they are 

recommended for use in the home or in light traffic commercial areas, 

not in high traffic areas subject to large loads and mechanical stress.

tracciati 

liberamente 

accostabili in 

infinite combinazioni 

patterns freely 

combined in infinite 

compositions


mosaico+ 

giugiaro 

design 

azienda Mosaico+ 


materiale resina poliuretanica e vetro sinterizzato 

dimensioni tessera Nova 23x23mm, tessera Pulsar 15x30mm 

firm Mosaico+ 


material polyurethane resin and sintered glass 

dimensions tile Nova 23x23mm, tile Pulsar 15x30mm 

Il fascino indiscreto della terza dimensione, la visione evoluta 

dell’essenzialità delle forme geometriche: la ricerca di Mosaico+ 

si è sempre intrecciata indissolubilmente con il progetto e con le sue 

infinite sfumature. L’inedito incontro di Giugiaro Design con il mondo 

del mosaico ha prodotto idee, ispirazioni, prospettive per prodotti 

originali nati dall’unione tra tridimensionalità, tecnologia e disegno 

industriale. In questa collezione Mosaico+, Giugiaro presenta un punto 

di vista completamente puro e libero dall’approccio classico 

al mondo del rivestimento, una prima volta che non poteva che 

produrre risultati davvero sorprendenti: texture agili e al contempo 

sobrie e raffinate esprimono l’energia dell’abitare contemporaneo, 

superfici diverse muovono la luce naturale con l’elemento base 

della tessera del mosaico. Nova e Pulsar sono i nomi dei progetti 

firmati Giugiaro per Mosaico+ e presentati in anteprima allo scorso 

Cersaie: le tessere sono realizzate come oggetti di design, modulari 

e componibili in diversi layout, un progetto aperto che manifesta un 

altissimo potenziale di innovazione e di originalità. Pulsar, con la sua 

linea aerodinamica, trae ispirazione dal tessuto in fibra di carbonio 

utilizzato nelle produzioni industriali ad alta innovazione. 

Le tessere sono realizzate in resina poliuretanica e in vetro sinterizzato 

ottenuto con la macinazione e la compressione di polvere 

di vetro proveniente da scarti e dal riciclo di prodotti vetrosi. 

Questo processo di rigenerazione crea una materia ad altissima 

resistenza pur mantenendo la ricercatezza e la poesia del mosaico 

in vetro e sottolinea l’impegno di Mosaico+ nella ricerca di processi 

produttivi a basso consumo energetico. I colori sono brillanti, lucidi 

e satinati ed è allo studio una finitura metallica. Il mosaico si presenta 

in fogli su rete in fibra di vetro e non necessita di stuccatura per 

permettere la massima resa del pattern e ottimizzare gli effetti della 

riflessione della luce sulle superfici. Un prodotto non stuccato è il frutto 

della perfezione dimensionale e della regolarità della produzione 

di ogni singola tessera e di un assemblaggio realizzato a regola d’arte. 

Tutto il processo di produzione si svolge rigorosamente in Italia. 

The indiscrete charm of the third dimension, an advanced vision of the 

simplicity of geometric shapes: Mosaico+ conducts research indissolubly 

linked with the infinite subtleties of design. Giugiaro Design’s new 

meeting with the world of the mosaic has produced ideas, inspirations 

and prospects for original products created out of a combination 

of three-dimensionality, technology and industrial design. In Mosaico+ 

collection Giugiaro presents a perfectly pure viewpoint, freed from the 

classic approach to tiles, and this new approach has produced truly 

surprising results: agile yet sober, refined textures expressing all 

the energy of contemporary living, different surfaces shifting natural light 

with the basic element of the mosaic tile. Nova and Pulsar are the names 

of Giugiaro’s designs for Mosaico+ presented in a preview at the last 

Cersaie: the tiles are made as design objects, modular so that they can 

be put together in different layouts, in an open design revealing a very 

high potential for innovation and originality. The aerodynamic lines of 

Pulsar are inspired by the carbon fibre fabric used in innovative industrial 

processes.The tiles are made of polyurethane resin and sintered glass 

created by grinding and compressing powdered glass from industrial 

wastes and recycling of glass products. This regeneration process creates 

a very strong material which nonetheless maintains all the elegance 

and poetry of the glass mosaic and underlines Mosaico+’s commitment 

to research in the area of energy-saving productive processes. Colours 

are shiny, glossy and matt, and a new metallic finish is currently being 

developed. The mosaic is available in sheets mounted on fibreglass mesh 

and does not require stuccoing to permit maximum pattern yield 

and optimise the effect of reflections of light on surfaces. A product 

requiring no stucco is clearly the result of perfect dimensions, regular 

production of every single tile and assembly according to the rules of 

skilled craftsmanship. The entire productive process takes place in Italy.

Giugiaro 

esplora la terza 

dimensione nel 

mondo del mosaico 

Giugiaro explores 

the third dimension 

in mosaics’ 

world


phenomenon 

mosaics 

tokujin 

yoshioka 

azienda Mutina 


materiale grès porcellanato 

texture/dimensioni Rain A-B-C 0,5x25cm – su rete 25x30cm, 

Rock 0,5x1,8cm – su rete 30x30cm, Honeycomb A-B 1,1x1,1cm 

– su rete 30x30cm 

colori bianco, grigio, moka 

firm Mutina 


material porcelain stoneware 

textures/dimensions Rain A-B-C 0.5x25cm – 

25x30cm, Rock 0.5x1.8cm – 30x30cm, Honeycomb A-B 

1.1x1.1cm – 30x30cm 

colors white, grey, moka 

Una collezione frutto della ricerca di Tokujin Yoshioka, sull’interazione 

dei fenomeni e delle leggi naturali con la creatività propria del 

designer giapponese: in collaborazione con Mutina, Yoshioka ha 

ideato Phenomenon, un progetto ceramico capace di esprimere con 

originalità le texture derivate dalla natura e da immagini che a essa 

si riferiscono, non per imitarne semplicemente l’aspetto, ma per 

evocarne l’emozione. “Non è mia intenzione manipolare l’aspetto 

della natura, ma creare un design che commuova il cuore e rimanga 

impresso nella memoria” così Yoshioka descrive la sua collezione. 

Phenomenon integra nella materia ceramica sostanze quasi 

microscopiche e produce un effetto visivo di profondità e ampiezza 

sulla superficie. Ricorda diverse espressioni di pattern naturali come 

il favo delle api, i cristalli di neve, i candelotti di ghiaccio, le cellule 

delle piante ed evoca memorie di scenari naturali e di esperienze 

individuali del mondo della natura. Phenomenon esplora la duplice 

anima di Mutina, quella industriale, che si avvale delle ultime 

tecnologie disponibili, con Phenomenon Floors e quella artigianale 

“su misura” con Phenomenon Mosaics, e si completa con nuovi 

elementi d’arredo con Phenomenon Interior design. 

Phenomen Mosaics è disponibile nelle texture Rain A-B-C, Honeycomb 

A-B e Rock e costituisce la massima espressione dell’abilità dei maestri 

artigiani nella lavorazione del grès porcellanato. In questa collezione, 

ideale sia per il rivestimento di interni che di esterni, ogni elemento 

viene pressato singolarmente per ottenere l’inedito formato molto 

piccolo e l’assoluta leggerezza di ogni singola tessera. 

Prerogativa della nuova collezione il rispetto per l’ambiente. 

Phenomenon viene infatti realizzata reintroducendo nel ciclo produttivo 

gli impasti in esubero, in assenza di smalti, senza l’emissione 

di elementi nocivi nell’ambiente e, infine, in assenza di V.O.C. (Volatile 

Organic Compounds) ossia tutte quelle sostanze chimiche volatili 

in grado di evaporare facilmente a temperatura ambiente. 

A collection created by Tokujin Yoshioka’s research into the interaction 

of natural laws and phenomena with the Japanese designer’s 

creativity: in collaboration with Mutina, Yoshioka has created 

Phenomenon, a ceramic design which is an original expression 

of textures found in nature and images of nature, not simply 

reproducing their appearance but calling up the same sensations. 

“My intention is not to manipulate the appearance of nature, but to 

create a design which stirs ones heart and imagination and remains 

deep inside ones memory” is how Yoshioka describes his collection. 

Phenomenon integrates almost microscopic substances into ceramic 

materials and produces a visual effect of great depth and breadth 

on the surface. It recalls different expressions of natural patterns 

such as the beehive, snowflakes, icicles and plant cells and evokes 

memories of natural scenes and individual experiences of nature. 

Phenomenon explores Mutina’s dual soul: industrial, based on the 

most advanced technologies, in Phenomenon Floors and “customdesigned” 

craftsmanship with Phenomenon Mosaics, completing 

its range with new items in the Phenomenon Interior Design line. 

Phenomenon Mosaics are available in the Rain A-B-C, Honeycomb 

A-B and Rock textures and are the utmost expression of master 

craftsmen’s ability to work with porcelain stoneware. In the collection, 

ideal for both interiors and exteriors, each element is pressed 

individually to obtain the unusual small size and light weight of each 

individual tile. 

The new collection’s particular prerogative is respect for the 

environment. Phenomenon is made by returning excess material to the 

production cycle, without any enamel, without harmful emissions and 

without V.O.C.’s (Volatile Organic Compounds), which are volatile 

chemical substances that evaporate easily at room temperature.

1. 

4. 

1. Rain A / 2. Rain B / 3. Rain C / 

4. Rock / 5. Honeycomb A / 

6. Honeycomb B. 

2. 

5. 

3. 

6.


madras ® 

vitrealspecchi 

azienda Vitrealspecchi 

materiale vetro float monolitico 

dimensioni lastre 2250x3210mm, spessori fino a 10mm 

colori chiaro, extrachiaro 

firm Vitrealspecchi 

material monolithic float glass 

dimensions plate 2250x3210mm, thickness up to 10mm 

colors light, extra-light 

Oltre cinquanta proposte in grado di esaltare attraverso una 

molteplice varietà di effetti le migliori qualità del vetro: la finezza 

della lavorazione (appena incisa o preziosa come un intaglio e ricca 

di riflessi, oppure ancora liscia ma sensibile e precisa nel contrasto 

tra satinature e trasparenze) arricchisce di valore le texture che 

si apprezzano al tatto e vengono valorizzate dalla luce. 

Madras ® è il vetro tecnologico/creativo per architettura e design 

prodotto da Vitrealspecchi, frutto di oltre cinquant’anni di esperienza 

dell’azienda nell’incisione chimica del vetro piano. 

Texture e decori Madras ® sono realizzati sempre e soltanto con 

le tecniche della satinatura e dell’incisione chimica, che, molto meglio 

della tradizionale sabbiatura, esaltano le qualità del vetro, 

gli conferiscono una particolare setosità al tatto, e quindi refrattarietà 

alle impronte e facilità di pulizia. Temperabili e stratificabili, tutti i vetri 

Madras ® permettono di realizzare porte a tutto-vetro nel pieno rispetto 

delle normative internazionali in materia di sicurezza. 

Le ultime proposte Madras ® indagano il tema della trasparenza, 

attraverso il contrasto tra opacità e lucentezza, il gioco di 

sovrapposizioni suggestivo e intrigante delle lavorazioni double face. 

Pattern minimali come Kyoto e Uadi si accompagnano a motivi di 

forte impatto e personalità come, Fili Maté e Wenge Maté entrambi 

double face, Petali Velo, per offrire a ogni spazio, il vetro più adatto, 

la soluzione migliore nel tempo. 

Al di là delle tendenze legate al design e allo stile più attuale, 

sono indubbi i pregi del vetro in queste applicazioni. Luminosità, 

leggerezza visiva, brillantezza, possibilità di generare differenti 

visuali dello spazio grazie ai continui giochi di riflessi e rimandi 

consentono alle porte in vetro di inserirsi in ogni contesto dal più 

classico al contemporaneo. 

Per la semplicità d’installazione e l’immediatezza con cui arredano 

i diversi ambienti pubblici e privati sono sempre più apprezzate. 

More than fifty different proposals for enhancing the best qualities 

of glass through a multitude of different effects: fine workmanship 

(lightly etched, preciously notched with a wealth of reflections, 

or smooth but sensitive and precise, contrasting matt and transparent 

surfaces) to add value to textures which are appreciated to the touch 

and enhanced by light. 

Madras ® is the technological/creative glass for architecture and 

design produced by Vitrealspecchi, the product of over fifty years’ 

experience in chemical etching of flat glass. 

Madras ® textures and decorations are always made solely using 

the matt finish and chemical etching techniques, which enhance the 

quality of the glass much better than the traditional sanding process, 

giving it a particular silky feel and ensuring that it does not show 

fingerprints and is easy to clean. All Madras ® glass varieties can be 

tempered and stratified, and can be used to make full glass doors that 

meet international safety standards. 

The latest new proposals from Madras ® investigate the theme 

of transparency through the contrast of matt and glossy, the 

suggestive, intriguing play of overlapping on reversible surfaces. 

Minimal patterns like Kyoto and Uadi are accompanied by high 

impact motifs with a strong personality, like Fili Maté and Wenge 

Maté double face, Petali Velo, to offer the best long-lasting solution. 

Going beyond design trends and the latest styles, the benefits 

of glass in these applications are clear: luminosity, visual lightness, 

brilliance, the possibility of generating different views of space thanks 

to the continuous alternation of reflections and references allow doors 

to fit into any context, from the most classic to the contemporary. 

For their easy installation and immediate impact on spaces both public 

and private, the doors are increasingly popular.

satinatura 

e incisione 

chimica del vetro 

per texture e decori 

matt finish and chemical 

etching of the glass 

for textures and 

decorations

design focus review 

Natura Collection Antolini 

Antolini presenta Natura Collection, 

una linea raffinata ed elegante 

di pietre naturali, finemente intarsiate 

con disegni floreali e in perfetto stile 

animalier. Questi nuovi materiali 

simboleggiano il forte legame con 

le creazioni artistiche della natura. 

Morbidi arabeschi, chiaroscuri 

geometrici, rilievi floreali e disegni 

minimal sono delicatamente incisi 

su superfici lapidee ammorbidite 

da esclusive finiture. 

Antolini Luigi & C. spa 

via Marconi, 101 – 37010 Sega di Cavaion (VR) 

tel 045 6836611 – fax 045 6836666 

www.antolini.it – al.spa@antolini.it 

Tuli Art Ceramica Bardelli 

design Ronald Van der Hilst 

A coppie o a piccoli gruppi, grandi 

esemplari dai petali ben disegnati 

si allungano verso il soffitto, quasi 

a cercare un angolo di cielo sopra di 

loro o piegano il capo in un elegante 

inchino verso un immaginario 

prato d’aprile. Tuli Art è il pannello 

ceramico decorativo di grandi 

dimesioni, interamente eseguito 

a mano in tre varianti di colore su 

fondo bianco lucido e pennellato 

effetto seta, nel formato 20x20cm. 

Ceramica Bardelli – Altaeco spa 

via Giovanni Pascoli, 4/6 – 20010 Vittuone (MI) 

tel 02 9025181 – fax 02 90260766 

www.bardelli.it – info@bardelli.it 

Antolini presents the Natura 

Collection, a refined, elegant line 

of natural stones finely inlaid with 

floral designs and perfect animalier 

patterns. These new materials are 

symbolic of the company's strong link 

with nature’s own artistic creations. 

Delicate arabesques, geometric 

chiaroscuro, floral patterns in relief 

and minimal designs are delicately 

engraved on stone surfaces softened 

by exclusive finishes. 

In pairs or in little groups, big 

specimens with well-designed petals 

reach for the ceiling as if trying to 

reach a corner of the sky above them, 

or bend their heads in an elegant 

bow towards an imaginary spring 

meadow. Tuli Art is a big decorative 

ceramic tile made entirely by hand 

in three colours against a glossy white 

background with silk-like brushstrokes, 

measuring 20x20cm. 

Natura Bertolotto Porte 

Ispirazioni floreali per un decoro Floral inspiration for timeless 

senza tempo: porte laccate, incise decoration: lacquered, engraved and 

o pantografate, che prendono spunto pantographed doors drawing their 

da fiori, alberi, foglie, elementi inspiration from flowers, trees, leaves 

naturali, compongono la nuova and other natural elements make 

collezione Natura. Una linea continua up the new Natura collection. 

e lieve descrive il leggero decoro Soffi A continuous gentle line creates 

(riprodotti, incisi o pantografati, the light Soffi motif (reproduced 

su uno spesso strato di MDF), on a thick layer of MDF by engraving 

che si ispira ai fiori di campo, dallo or pantograph drawing), inspired 

stelo esile che ondeggia a ogni soffio by wildflowers, by slender stems 

di vento. 

blowing in the wind. 

Bertolotto Porte spa 

circonvallazione G. Giolitti, 43/45 – 12030 Torre San Giorgio (CN) 

tel 0172 912811 – fax 0172 912800 

www.bertolotto.com 

Animalier Citco 

Black Imperial e Desert Honey, 

essenze diverse che si armonizzano 

tra loro vestendo di contemporaneità 

la più classica bellezza del marmo. 

Eclettica e audace, una soluzione 

dai toni accesi e dai contrasti forti 

che disegna textures e geometrie 

dal sapore selvaggio, animalesco 

appunto, pensata per coloro 

che amano osare e dare un tocco 

di insolita originalità ai propri spazi 

d’arredo. 

Black Imperial and Desert Honey: 

different essences that blend together 

to dress up the classic beauty 

of marble in a contemporary style. 

Bold and eclectic, a solution 

abounding in bright colours and bold 

contrasts that designs textures and 

geometries with a wild, animal-like 

flavour for a bold, original interior. 

Citco srl 

via del Lavoro 3, loc. Camporengo – 37010 Cavaion V.se (VR) 

tel 045 6269118 

www.citco.it – info@citco.it

Strop’ Brem 

design Steven Cavagna 

Brem’Art arricchisce la collezione 

con i nuovi modelli pensati per 

arredare e riscaldare le superfici 

attraverso l’arte. Nel radiatore 

Strop’ la luce gioca e rimbalza sulla 

superficie irregolare creando effetti 

inattesi e sempre variabili. 

L’idea di Steven Cavagna porta 

ad un risultato artistico decisamente 

sorprendente nel quale la lamiera 

è trattata come una stoffa e il colore 

diventa parte integrante dell’opera. 

Brem srl 

via dell’Artigianato, 8 – 24046 Osio Sotto (BG) 

tel 035 4823636 – fax 035 4824173 

www.brem.it – brem@brem.it 

Brem’Art adds new styles to its 

collection to decorate and warm 

up surfaces with art. On the Strop’ 

radiator, light plays with and bounces 

off the irregular surface to create 

unexpected ever-changing effects. 

Steven Cavagna’s idea leads 

to surprising artistic results in which 

the sheet of metal is treated like fabric 

and colour becomes an integral part 

of the design. 

Leggeri decori dal gusto 

Delicate decorations with 

mediterraneo: il progetto Capri a Mediterranean flavour: 

di ImolaCeramica è il racconto ImolaCeramica’s Capri project tells 

di una terra attraverso i colori e una the story of a land through colours 

texture lievemente rigata. La gamma and a slightly rigid texture. The colour 

cromatica si arricchisce di decori, che range is enriched with decorations 

donano incanto ad ogni parete, ideali which add enchantment to any wall, 

per un ambiente bagno dal gusto perfect for a Mediterranean style 

mediterraneo. Capri è disponibile bathroom. Capri comes in ten colours: 

in dieci colori arancio, sabbia, beige, orange, sand, beige, brown, light 

marrone, azzurro, blu scuro, lavanda, blue, dark blue, lavender, purple, 

viola, verde acqua, verde scuro. sea green, dark green. 

Shine Caleido 

design James di Marco 

Shine è contraddistinto dalla piastra Shine stands out for its steel plate 

in acciaio (modello ICE), nella variante (ICE model), in white or black, 

bianco o nero, arricchita da una enriched by a special clear 

particolare copertura in policarbonato polycarbonate cover incorporating 

trasparente all’interno della quale sono luminous white light electrical LEDs. 

stati inseriti dei LED luminosi a luce In the bathroom, the cover also 

bianca azionati dall’elettricità. Negli becomes a practical surface on which 

ambienti bagno la copertura diventa to rest towels or dressing gowns, 

anche funzionale poiché offre basi di a policy dictated by the need to create 

appoggio per salviette o accappatoi, versatile products. 

scelta dettata dalla necessità di creare 

prodotti versatili. 

Caleido – CO.GE.FIN srl 

via Maddalena, 83 – 25075 Nave (BS) 

tel 030 2530054 – fax 030 2530533 

www.caleido.bs.it – cogefin@cogefinsrl.it 

Capri Cooperativa Ceramica d’Imola Sensunels Di.Bi. Porte Blindate 

Cooperativa Ceramica d’Imola 

via V. Veneto 13 – 40026 Imola (BO) 

tel 0542 601601 – fax 0542 31749 

www.beeitalian.it – info@imolaceramica.it 

design Karim Rashid 

Sensunels è la nuova collezione 

di porte da interni complanari 

e rivestimenti per porte blindate 

ideate da Karim Rashid: una nuova 

collezione dall’immagine fresca, 

attuale e di raffinato design. 

La porta interna e ancor di più 

la porta blindata diventano elemento 

di arredo. Il nome deriva da due 

concetti guida del progetto: Sensual 

e Sentinel, la seduzione applicata 

ad un prodotto tecnico di sicurezza. 

Di.Bi. Porte Blindate srl 

via Toniolo, 13/A zona ind.le – 61032 Fano (PU) 

tel 0721 8191 – fax 0721 855460 

www.dibigroup.com – info@dibigroup.com 

Sensunels is a new collection of interior 

doors for installation flush with the 

wall and reinforced door coverings 

designed by Karim Rashid: a new 

collection with a fresh, contemporary, 

refined look. The interior door and 

the reinforced apartment door are 

increasingly becoming key elements 

of the décor. The name comes from 

the two concepts inspiring the project: 

Sensual and Sentinel, that is, seduction 

applied to a high-tech security product.

zumtobel 

Offrire all’uomo luce della miglior qualità per ogni specifica esigenza 

visiva: è l’obiettivo che Zumtobel persegue da oltre cinquant’anni attraverso 

la ricerca e lo sviluppo di tecnologie innovative che si traducono in sistemi 

di illuminazione performanti, efficienti, emozionanti. In questo percorso, 

Zumtobel ha sviluppato tecnologie come la struttura waveguide, 

le micropiramidi o i LED, trasformandole rapidamente in prodotti concreti 

per un mercato d’alta qualità. Grande attenzione è stata da sempre 

dedicata al tema dell’efficienza energetica attraverso sistemi di regolazione 

che tengono conto dell’andamento della luce diurna e apparecchi luminosi 

dotati di rendimenti elevati in grado di assicurare una maggiore quantità 

di luce e una luminosità molto migliore rispetto a sistemi convenzionali. 

Offering top quality light for all specific visual requirements is the goal 

Zumtobel has been pursuing throughout more than fifty years of research 

and development of innovative technologies translating into high 

performance, efficient, inspiring lighting. Along the way Zumtobel has come 

up with technologies such as waveguide structure, micropyramids or LEDs 

and rapidly transformed them into concrete products for the top end of the 

market. The company has always focused on the issue of energy efficiency, 

with control systems that take into account the amount of daylight available 

and high performance light fixtures guaranteeing more light and brightness 

than conventional systems.

design focus factory 

zumtobel 

emozioni di luce 

light emotions 

Non solo prodotti o apparecchi di illuminazione, ma emozionanti 

progetti luminosi, atmosfere coinvolgenti, ambienti magici. 

Abbiamo avuto la fortuna di visitare un “mondo di luce”, il Light Forum 

di Zumtobel Lighting a Dornbirn, una struttura unica, una scatola 

magica nel quale farsi sorprendere da continui giochi luminosi, 

da intensità cromatiche avvolgenti, da sensazioni sempre nuove. 

Le soluzioni illuminotecniche Zumtobel sono studiate per creare 

ambienti capaci di rendere evidenti i legami fra la luce e l’architettura, 

fra lo spazio e la sua effettiva percezione. Ciò che ne determina 

la capacità espressiva e il valore assoluto è la perfetta combinazione 

di luce della miglior qualità, tecnologia innovativa e design, un giusto 

mix che si può riscontrare frequentemente percorrendo la sequenza 

di stanze del Light Forum, ospitato nella sede principale dell’azienda, 

che va a completare le strutture del complesso del quale fanno parte 

gli stabilimenti produttivi, il laboratorio di ricerca e test delle sorgenti 

(merita da solo una visita, davvero fantastico!) e gli uffici amministrativi 

e direzionali. Accedere al Light Forum vuol dire entrare nel cuore 

di Zumtobel, dove tutti i progetti prendono forma e vengono mostrati 

al pubblico, dove le soluzioni proposte, le nuove tecnologie adottate, 

gli studi sui materiali e sulle sorgenti diventano apparecchi e 

installazioni luminose dedicate a ogni tipologia di spazio e di funzione, 

dal settore residenziale al commerciale, dagli uffici agli ospedali, 

dalle luci per gli impianti produttivi a quelle di sicurezza per i luoghi 

pubblici. Un tunnel luminoso che cambia continuamente colore e codice 

interpretativo e che proprio la luce ci fa apparire più esteso di quanto 

in realtà sia, ci introduce in questo mondo. Superfici neutre rese vive 

unicamente dalla luce si trasformano e si muovono in continuazione 

generando alternativamente equilibri delicati o contrasti volutamente 

stridenti, situazioni che spiazzano, generano sensazioni diverse, 

fanno pensare. È una sorpresa continua, una tappa indispensabile per 

toccare con mano ciò che in realtà non si può fare: la luce. 

Dietro a questo modo poetico ed emozionale di esprimere i risultati 

del proprio lavoro sta l’essenza di Zumtobel, con la professionalità 

di tecnici e progettisti, la capacità di gestione dei processi produttivi, 

l’attenzione ai nuovi input della società multimediale, lo sguardo attento 

e responsabile verso il futuro… 

È una sequenza di stanze quella che accoglie il visitatore al livello 

più basso del centro, una successione di ambienti dalla caratteristiche 

tecniche definite, una sequenza di molteplici situazioni e potenziali 

campi d’impiego. Per ognuna di esse sono installati gli apparecchi 

più opportuni configurati per una migliore resa luminosa e cromatica. 

Scorrono davanti a noi le infinite possibilità di applicazione, 

le tipologie di apparecchio (faretti, piantane, sospensione tavolo…). 

Agli apparecchi si affiancano i sistemi di controllo, i sistemi per la 

comunicazione di messaggi multimediali sulle facciate degli edifici. 

Per garantire un’illuminazione della miglior qualità possibile, Zumtobel 

si dedica intensamente allo studio degli effetti salutari della luce 

cercando di sfruttarli in modo sempre più mirato, senza mai trascurare 

l’aspetto del consumo energetico. Trovare il giusto equilibrio fra una 

luce a misura d‘uomo e l’efficienza energetica significa mettere 

in sintonia entrambi gli aspetti dell’illuminazione: Human Light + Energy 

text by Davide Cattaneo 

photo by Ferdinando Sacco 

Efficiency = Humanergy Balance, vero obiettivo dell’azienda. 

La ricerca sulle sorgenti luminose più innovative pone Zumtobel di fronte 

a nuove sfide. Allo scorso Light+Building, ha presentato interessanti 

studi concettuali sugli apparecchi d’illuminazione con LED organici 

(OLED), finalizzati come sempre alla messa a punto di soluzioni 

concretamente realizzabili. 

Da più di dieci anni Zumtobel Group si occupa intensamente alla 

tecnologia LED, e da qualche anno ha avviato attività di ricerca anche 

sugli OLED, destinati a diventare senza dubbio la sorgente 

del futuro. La tecnologia dei diodi luminosi organici (OLED) rappresenta 

la prima autentica sorgente estensiva della storia. Un diodo organico 

è infatti composto da sottilissime stratificazioni organiche (ca. 100-200 

nanometri) inserite fra due elettrodi (anodo e catodo). 

Fissata sopra un substrato di vetro, questa sorgente estensiva 

ha uno spessore totale inferiore a due millimetri. Inserendo la corrente, 

all’interno della stratificazione si viene a formare luce che fuoriesce 

da uno degli elettrodi. A differenza delle sorgenti convenzionali, 

i moduli luminosi OLED diffondono una luce estesa con un’alta qualità 

di colore estremamente gradevole all’occhio umano, escludendo 

qualsiasi fenomeno di abbagliamento. 

Oggi il flusso luminoso degli OLED (ca. 20lm/W a 1500cd/m²) 

è ancora insufficiente per illuminare da solo un posto di lavoro. 

Zumtobel è stata la prima azienda illuminotecnica a sviluppare un 

programma di apparecchi ibridi LED/OLED, cercando di coniugare 

i vantaggi e le migliori caratteristiche di due tecnologie diverse. I LED 

servono a dare un illuminamento efficiente sul piano utile, mentre gli 

OLED emettono piacevoli luminanze nel campo visivo. 

Grande attenzione è dedicata oggi da Zumtobel Group al tema del 

fotovoltaico sviluppato, grazie alla società Sunways AG per il progetto 

del Future Cube nel quale riveste un ruolo fondamentale grazie 

alla totale integrazione con gli altri sistemi di controllo della luce. 

Collaborando con Zumtobel, lo studio milanese di design Continuum 

ha ideato un programma completo di apparecchi su base OLED e LED, 

ma vi sono importanti sviluppi anche sulle visioni futuristiche di Behnisch 

e dello Studio SANAA. 

I moduli fotovoltaici con celle solari sviluppati da Sunways vengono 

inseriti all’interno del vetro strutturale. In aggiunta ad essi, per sfruttare 

al meglio la luce diurna in base alla posizione del sole 

è stato realizzato un sistema di alette con celle solari che schermano 

e direzionano la luce. 

Quest’innovativa tecnologia non pone limiti alla realizzazione ottica 

della facciata fotovoltaica. Sunways offre infatti celle solari trasparenti 

tecnicamente rivoluzionarie ma anche attraenti versioni colorate 

concepite appositamente per l’integrazione negli edifici. 

Un design sofisticato che permette di dare al progetto una nota 

personale ed esclusiva. La concezione della facciata fotovoltaica 

contribuisce in modo sostanziale a ridurre il consumo energetico 

dell’intero edificio. L’energia solare viene infatti sfruttata non solo per 

gli apparecchi d’illuminazione negli interni ma anche per aumentare 

il comfort generale dell’ambiente. Le strategie che legano le differenti 

linee di sviluppo dell’azienda trovano la massima espressione in Future

Con la luce Zumtobel vuole 

creare sensazioni, semplificare 

il lavoro, favorire la 

comunicazione e la sicurezza, 

consapevole della responsabilità 

nei confronti dell’ambiente in 

cui viviamo. Zumtobel, società 

appartenente a Zumtobel 

Group, segue con coerenza 

questa filosofia sviluppando 

soluzioni illuminotecniche 

innovative e personalizzate, 

studiate con criteri ergonomici, 

ecologici ed economici 

e con un contenuto di valore 

estetico. Zumtobel è presente 

a livello internazionale con 

organizzazioni distributive 

e filiali che assistono i clienti 

sul posto in ben 70 Paesi del 

mondo. L’azienda austriaca, 

radicata nella regione del 

Vorarlberg, ripone la massima 

importanza nei contatti 

internazionali con specialisti 

e progettisti del settore 

illuminotecnico. 

Zumtobel uses light to create 

sensations, simplify work 

and promote communication 

and safety, without forgetting 

its responsibility to the 

environment. Zumtobel, 

a member of the Zumtobel 

Group, consistently applies 

this philosophy in innovative 

customised lighting technologies 

designed to be ergonomic, 

ecological and economical while 

offering high quality aesthetic 

performance. Zumtobel operates 

on an international scale, with 

distributors and branches 

serving customers in 70 different 

countries. Based in Austria’s 

Vorarlberg region, Zumbotel 

has established international 

partnerships with top lighting 

designers and lighting 

specialists. 

Zumtobel Illuminazione srl 

via Isarco, 1 

39040 Varna (BZ) 

tel 0472 273300 

fax 0472 837551 

www.zumtobel.it – infovarna@zumtobel.it


Cube un progetto di Behnisch Architekten realizzato in collaborazione 

con Zumtobel Lighting, Transsolar Energietechnik, Sunways 

e Bartenbach Lichtlabor, con il quale si prospettano nuovi scenari 

di sviluppo per la realizzazione di edifici sostenibili nei quali 

illuminazione, energia elettrica e climatizzazione lavorino in sinergia. 

Alla base di questo nuovo concept progettuale, che deriva da 

una lunga esperienza di lavoro nel campo della sostenibilità e da 

considerazioni approfondite sull’evoluzione degli spazi e delle loro 

destinazioni d’uso, c’è lo sfruttamento della facciata quale elemento 

capace di racchiudere in sé molteplici funzioni, andando a semplificare 

la dotazione impiantistica delle altre parti dell’edificio. 

La facciata è destinata a diventare un sistema ideale che integra non 

solo schermature e pannelli solari, elementi direzionanti per ottimizzare 

la diffusione della luce naturale ed elementi di aerazione, ma anche 

elementi per l’illuminazione artificiale, invertitori termici, elementi 

meccanici per la ventilazione. Nel sistema-edificio ipotizzato, la parte 

più alta della facciata vetrata è dotata di lamelle che direzionano 

la luce naturale allo zenit convogliandola sul soffitto, che a sua volta 

la riflette all’interno. Apparecchi LED alimentati direttamente dai moduli 

fotovoltaici di facciata e posti nelle parti più interne dei locali integrano 

questo tipo di diffusione e, nel caso ideale, si adattano all’intensità 

di luce esterna, al fine di mantenere costante il rapporto fra luce esterna 

e interna. Anche la luce artificiale notturna dovrebbe continuare 

a provenire dalla facciata, per avere sia di giorno sia di notte 

analoghe condizioni di luce, miscelando lentamente la luce artificiale 

di pari passo con l’avanzare del crepuscolo. A tale scopo si possono 

inserire minuscoli LED in corrispondenza delle lamelle che direzionano 

la luce diurna, e si può arrivare a pensare di ridurre gli apparecchi 

d’illuminazione al punto tale da inserirli direttamente nei vetri delle 

finestre. Accorpare il maggior numero possibile di funzioni in 

facciata, libera altre parti dell’edificio dalla presenza di impianti, 

elimina la necessità di realizzare controsoffitti o doppi pavimenti per 

le canalizzazioni, aumentando lo spazio negli ambienti, e rende 

possibile un’estrema flessibilità nell’allestimento interno. Servendosi del 

fotovoltaico gli elementi di climatizzazione possono essere azionati con 

la corrente da esso erogata, e si può immettere nella rete la corrente 

eventualmente in eccesso. La facciata si avvia a divenire un sistema 

a circuito chiuso, consentendo di risparmiare in termini di volume 

di costruzione e riducendo notevolmente i costi energetici. 

La collaborazione continua dell’azienda con designer di fama 

internazionale si traduce in prodotti che mettono al primo posto 

la qualità della luce attraverso un continuo controllo dei processi, 

un costante miglioramento delle prestazioni luminose e perché no, 

una ricerca costante sul design e sull’aspetto estetico degli apparecchi. 

Ne è un prestigioso esempio ML5 LED Stable White, l’apparecchio 

da incasso disegnato da James Irvine, che sviluppa con coerenza 

la concezione del noto programma Luce Morbida attraverso notevoli 

passi avanti in termini di efficienza. Con un risultato di oltre 60lm/W, 

vanta infatti un’efficienza superiore del 40% rispetto al vecchio modello 

tradizionale. Considerando il lungo ciclo di vita delle sorgenti luminose, 

50.000 ore, questo sistema diventa ideale per l’illuminazione degli 

uffici. Luce Morbida V in versione LED si presenta oggi con un look 

ancora più raffinato e con un’illuminotecnica all’avanguardia grazie 

ad un sistema ottico di nuova concezione che assicura brillanze 

equilibrate e illuminamenti visibili sia sulle pareti che sul soffitto. 

Per ottenere una perfetta omogeneità sul piano di lavoro, i punti luce 

LED sono mascherati da un’ottica primaria. 

La tonalità bianca di 3000K o 4000K rimane sempre stabile con una 

resa cromatica Ra > 80. L’alta qualità è garantita inoltre dal compatto 

e affidabile sistema di dissipazione passiva che, oltre a prolungare 

la durata delle lampade, riduce al minimo la necessità 

di manutenzione. I downlight LED Panos Infinity Tunable White,

Luce e colore al Light Forum 

di Zumtobel Lighting di Dornbirn. 

Light and colour at the Zumtobel 

Lighting Light Forum in Dornbirn. 

disegnati da Christopher Redfern di Sottsass Associati sono in grado 

di riprodurre l’andamento della luce naturale grazie ad un esclusivo 

dinamismo della temperatura di colore. In base alle differenti esigenze 

e alla tipologia di spazio che si andrà a illuminare, l’utente può 

modificare a piacere la tonalità senza bisogno di sostituire lampade 

o apparecchi. La perfetta regolazione, da 2700 a 6500 Kelvin, non 

solo migliora la qualità percettiva ma permette di generare accenti 

particolari ed esaltare i colori, favorendo il bioritmo umano. 

Panos Infinity Tunable White vanta un’alta qualità di resa cromatica 

(Ra 90) che non altera i colori. Per impostare le diverse tonalità 

di bianco si utilizza l’elemento di comando Circle Tune oppure il 

pannello Emotion touch. Con una temperatura di colore di 2700 Kelvin, 

questo efficiente downlight LED emette un flusso superiore a 1600 

lumen consumando solamente 27Watt. Il linguaggio formale ridotto 

e l’efficienza fino a 68 Lumen/Watt dimostrano che la tecnologia 

LED d’alto livello ha ormai superato le classiche lampade fluorescenti 

compatte sia per efficienza che per qualità della luce. 

More than just light fixtures and lighting products: exciting light projects, 

enthralling atmospheres, magical settings. We were lucky enough 

to visit a “world of light”, the Zumtobel Light Forum in Dornbirn: 

a unique place like a magic treasure chest where we were continually 

amazed by the effects created by light, by enthralling colours 

and ever-new sensations. Zumtobel’s lighting solutions are designed 

to create settings clearly revealing the links between light and 

architecture, between space and how it is actually perceived. 

Expressive capacity and absolute value are determined by the perfect 

combination of top quality light, innovative technology and design, 

and we can see several examples of just the right mix in the series 

of rooms in the Light Forum located in the complex that is the company’s 

headquarters, including production plants, a laboratory for research 

and testing of light sources (well worth a visit, very impressive!) and the 

company’s administrative and management offices. 

Accessing the Light Forum means getting into the heart of Zumtobel, 

where all its projects take form and are shown to the public, and where 

proposed solutions, new technologies, studies of materials and light 

sources become lighting apparatuses and installations for all kinds 

of spaces and functions, from homes to commercial spaces, from offices 

to hospitals, from factory lights to lighting for ensuring security in public 

places. A tunnel of light that continually changes its colour and code 

of interpretation, made to look bigger than life by light itself, introduces 

us to this world. Neutral surfaces brought to life by light alone are 

transformed and move continually, alternatively generating delicate 

balances or intentionally strident contrasts, situations that disorient us, 

create a variety of sensations and force us to rethink things. 

It is a continuous surprise, an essential step toward experiencing for 

ourselves what cannot in actual fact be made: light. 

The essence of Zumtobel appears in this poetic and emotional 

expression of the results of its work, with all the professionalism 

of its technicians and designers, the management skills evident 

in its productive processes, its awareness of the latest new input from 

multimedia society, and its attitude of consciousness and responsibility 

towards the future. 

A series of rooms welcomes visitors to the lowest level of the centre: 

a succession of environments with definite technical features, 

a sequence of different situations and potential applications. 

The most appropriate light fixtures are installed in each of them, 

configured to ensure optimal light and colour performance. Infinite 

possible applications and a great variety of light fixtures scroll past us 

(spotlights, floor lights, tabletop suspension lights…). Alongside 

the light fixtures are lighting control systems and communication systems 

for displaying multimedia messages on the façades of buildings. 

To guarantee the best possible lighting for all situations, Zumtobel


focuses intensely on the study of the health-giving effects of light, 

seeking to make more informed use of them without neglecting the need 

to save energy. Finding the right balance between lighting on a human 

scale and energy efficiency means harmonising both aspects of lighting: 

Human Light + Energy Efficiency = Humanergy Balance, the company’s 

true goal. 

Research into the most innovative light sources poses new challenges 

for Zumtobel. At the last Light+Building fair the company presented 

interesting conceptual studies of organic LED (OLED) light fixtures, as 

always with the aim of coming up with concrete, feasible solutions. 

For more than ten years now the Zumtobel Group has been working 

intensely on LED technology, and a few years ago the company began 

researching OLED: definitely the light source of the future. 

Organic luminous diode (OLED) technology is the first truly extensive 

light source in history. An organic diode is made up of very thin organic 

layers (about 100-200 nanometres thick) sandwiched between two 

electrodes (an anode and a cathode). Anchored onto a glass substrate, 

this light source has a total thickness of less than two millimetres. 

When the power is turned in, light is formed within the layer and comes 

out through one of the electrodes. Unlike conventional light sources, 

OLED units give off high quality diffuse light in a colour which is 

extremely pleasant for the human eye, eliminating all forms of glare. 

The light flow that can be obtained from OLEDs today (about 20lm/W 

at 1500cd/m 2 ) is not yet sufficient to illuminate a workstation on its 

own. Zumtobel is the first lighting company to develop a series 

of hybrid LED/OLED light fixtures combining the benefits and the best 

features of two different technologies. The LEDs ensure efficient lighting 

for practical use, while the OLEDs give off pleasant light within 

the visible range. 

The Zumtobel Group is focusing a lot of attention on photovoltaic 

technology at the moment, developed with Sunways AG for the Future 

Cube project, in which the technology plays an essential role fully 

integrated with other light control systems. The design studio Continuum 

of Milan came up with a complete series of OLED and LED light fixtures 

in collaboration with Zumtobel, and there have also been important 

developments incorporating the futuristic visions of Behnisch and Studio 

SANAA. Sunways’ photovoltaic modules with solar cells are inserted 

in structural glass. In addition to these, to take advantage of daylight 

according to the position of the sun, a system of wings constructed with 

solar cells screens and directs the light. 

This innovative technology sets no limits on the optical construction 

of photovoltaic walls. Sunways offers technically revolutionary 

transparent solar cells as well as attractive coloured versions designed 

to fit into the buildings they are assembled on. Their sophisticated 

design gives the project an exclusive, personal look. The concept of the 

photovoltaic wall makes an essential contribution to reducing energy 

consumption in the building as a whole. Solar energy is used not only 

for indoor light fixtures but to improve overall comfort in the interior. 

The utmost expression of the common strategies behind the company’s 

different lines of development is the Future Cube: a Behnisch Architekten 

project implemented in partnership with Zumtobel Lighting, Transsolar 

Energietechnik, Sunways and Bartenbach Lichtlabor proposing new 

development scenarios for the construction of sustainable buildings 

in which lighting, electricity and climate control work together. 

The concept underlying this new design, the result of years 

of experience in the field of sustainability and in-depth consideration 

of the evolution of spaces and their uses, is use of the façade as an 

element capable of performing numerous functions, simplifying the 

installations required in other parts of the building. 

The façade becomes an ideal system incorporating not only solar 

panels and sunscreens, directional elements for optimising the diffusion 

of natural light and ventilation elements but also artificial lighting

elements, thermal invertors and mechanical ventilation elements. 

In the proposed building-system, the top part of the glass façade has 

blades which direct natural light to the zenith and convey it onto the 

ceiling, which in turn reflects it inside. LED apparatuses supplied directly 

by photovoltaic modules on the façade and installed in the innermost 

parts of the building ensure this type of diffusion and, under ideal 

circumstances, adapt to the intensity of outdoor light in order 

to maintain a constant relationship between inside and outside. 

Artificial light at night should also continue to come from the façade, 

so that light conditions will be similar by day and by night, slowly 

blending in artificial light as the daylight fades. For this purpose tiny 

LEDs may be installed on the blades which are used to direct sunlight 

by day, and we may even reduce the number of light fixtures inside by 

incorporating them right in the glass of the windows. Having the façade 

perform as many functions as possible frees up the rest of the building 

from installations and does away with the need to construct false 

ceilings or double floors to conceal utility ducts, increasing the amount 

of space available in the room and permitting great flexibility in internal 

organisation. Climate control units use photovoltaic energy and can be 

driven by the current it produces, contributing any extra current to the 

electrical grid. The façade thus becomes a closed circuit system, saving 

on construction volumes as well as energy costs. 

The company’s ongoing partnership with world-renowned designers 

translates into products that put the quality of light first, with continuous 

control of processes, constant improvement of lighting performance and 

ongoing research into the design and aesthetics of light fixtures. 

One prestigious example is the ML5 LED Stable White, a built-in light 

fixture designed by James Irvine, a consistent evolution of the concept 

behind the well-known Soft Light programme which makes significant 

steps forward in terms of efficiency. At more than 60lm/W, it is more 

than 40% more efficient than the old traditional model. 

Considering the long life cycle of light sources, 50,000 hours, this 

could be the ideal system for lighting up buildings. The LED version 

of Soft Light V now has an even more refined look and employs more 

advanced lighting technology thanks to a new optical system concept 

guaranteeing balanced brightness and illumination which is visible 

on both walls and ceiling. To ensure perfectly even light on the work 

surface, LED light spots are concealed by primary optics. 3000K 

or 4000K white remains stable at all times with a colour yield 

of Ra > 80. High quality is also guaranteed by a compact, reliable 

passive dissipation system which not only prolongs the light fixtures’ 

lifespan but reduces maintenance to a minimum. 

Panos Infinity Tunable White LED downlights, designed by Christopher 

Redfern of Sottsass Associati, can reproduce natural light trends thanks 

to an exclusive colour temperature dynamic. Users can change the hue 

of light on the basis of different requirements and different types 

of space to be lit up, with no need to replace light bulbs or light 

fixtures. Perfect control from 2700 to 6500 Kelvin not only improves 

the quality of perception but makes it possible to create special accents 

and enhance colours to favour human biorhythms. Panos Infinity 

Tunable White offers high quality colour yield (Ra 90) which will not 

alter colours. Different shades of white may be set with the Circle Tune 

control unit or the Emotion Touch panel. With a colour temperature 

of 2700 Kelvin, this efficient LED downlight gives off a light flow 

of more than 1600 lumen while consuming only 27 Watts. Its minimal 

formal idiom and efficiency of up to 68 Lumen/Watt demonstrate that 

top quality LED technology now goes far beyond the classic compact 

fluorescent lights in terms of both efficiency and light quality.

113 

area n°113 anno XXI 

2010 novembre/dicembre 

rivista bimestrale 

bimonthly magazine 

registrazione 

Tribunale di Milano 

n. 306 del 1981 08 08 

R.O.C. n° 6553 

del 10 dicembre 2001 

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in abbonamento postale 

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(conv. 27/02/2004 n°46) 

art.1 comma 1, DCB Bologna 

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editorial commitee 

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Augusto Romano Burelli 

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Claudio D’Amato 

Giangiacomo D’Ardia 

Nicola Pagliara 

Franz Prati 

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editorial committee 

Maria Argenti 

Laura P. Bertolaccini 

Davide Cattaneo 

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Antonio D’Auria 

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Sergio Polano 

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corrispondents 

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Cristiana Mazzoni, Parigi 

Thomas Mc Kay, New York 

Philippe Meier, Ginevra 

Antonio Pizza, Barcellona 

Yoshio Sakurai, Tokio 

Jamal Shafiq A. Ilayan, 

Amman Zhi Wenjun, Shanghai 

Marco Zuttioni, Pechino 

hanno collaborato 

contributions 

Maria Amarante 

Federica Arman 

Cecilia Bianchi 

Roberta Borghi 

Monica Bruzzone 

Alessandro Gattara 

Alessandro Massera 

Carmine Piscopo 

traduzioni 

translations 

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Jorunn Monrad 

Selig 

Silvia Rodeschini 

fotolito 

photolito 

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198 

benedetta tagliabue 

embt 

presentazione/introduction 

la danza impetuosa di Benedetta 

testo Marco Casamonti 

editoriale/editorial 

Miralles - Tagliabue 

il valore della continuità 

testo Luca Molinari 

scenari di architettura/architectural scenario 

Scottish Parliament 

Edinburgh, UK 

48 Apartment Building 

Figueres, Spain 

Hafencity Public Spaces 

Hamburg, Germany 

Metro Station 

Napoli, Italy 

Primary School 

Kathmandu, Nepal 

Arcelor Pavilion 

Eash-Sur-Azlette, Luxemburg 

Casa de Les Llengües Museum 

Barcelona, Spain 

Plaza Ricard Viñes 

Lleida, Spain 

Spanish Pavilion 

Expo Shanghai 

Scenery for Merce Cunningham 

Dance Company 

New York, USA 

Camper Store 

Sevilla, Spain 

Extension of Youth Music School 


Music School 

Gandia, Spain 

International Horticulture Exhibition 

Xian, China 

Zhang Da Qian Museum 

Neijiang, Sichuan, China 

scenari tecnologici/technologic scenario 

I dettagli complessi nelle opere di EMBT 

testo Matteo Ruta 

EMBT Works and Bibliography 

scenari di attualità/actuality scenario 

Timeless time 

Form and Spirit in Italian Design 

attualità italiana/italian actuality 

AILATI - Riflessi dal futuro 

testo Franco Purini 

itinerario contemporaneo: ailati 

esiti concorsi/competitions 

recensioni mostre e libri/ 

exhibition and book reviews 

new media

Miralles - Tagliabue 

il valore della continuità 

Luca Molinari 

Scoprire e vivere il “nuovo” mercato di Santa 

Caterina nel cuore della Ciutat Vella di Barcellona 

è come ascoltare uno di quei pensieri vivi e curiosi 

che a volte si fanno ad alta voce per spostare il 

centro stanco di una discussione, per provocare 

visioni differenti chiedendo contemporaneamente 

l’aiuto di chi ti sta intorno. 

Il mercato disegnato e costruito da EMBT, ovvero 

Enric Miralles + Benedetta Tagliabue, tra il 1999 

e il 2005, è molto più di una semplice, bella 

architettura, quanto piuttosto è un punto di domanda 

sorridente, un pensiero generoso per la città e i suoi 

abitanti, una di quelle opere che hanno cercato 

silenziosamente di traghettare la nostra architettura 

da un tempo ad un altro. 

Il mercato e i suoi spazi urbani contigui ti 

raccontano di una Barcellona tradizionale, di storie, 

materie e colori conosciuti, ma, insieme, di un modo 

assolutamente contemporaneo e inedito di pensare 

e costruire luoghi collettivi. La storia, le storie, 

qualsiasi esse siano, dalle più alte 

e riconosciute a quei frammenti di memoria oscura 

che ti si incastrano dentro, sono impastate e digerite 

nel corpo denso di quel sistema di archi, coperture, 

volte metalliche, legni e ceramiche, cemento che 

avvolge il mercato e la vita che incessantemente 

lo attraversa. 

Questo progetto, come tutte le storie, nasconde nei 

suoi meandri altri racconti, eroici e drammatici, 

che ci possono dire qualcosa in più della vita 

e dell’attività recente di Benedetta Tagliabue, socia 

e moglie di Enric, che dall’aprile del 2000, rimase 

sola a sorreggere e gestire tutta la grande mole 

di lavori e progetti prodotti da EMBT, a causa 

dell’improvvisa scomparsa del suo compagno 

di vita e lavoro. 

Il nuovo mercato è innanzitutto una conquista 

sociale e civile a cui i due progettisti hanno dato 

un contributo polemico e progettuale decisivo; 

la vecchia costruzione era destinata alla 

demolizione senza che si fosse portata avanti una 

riflessione pubblica adeguata sul suo futuro, 

e nella risposta ferma e indignata della città la voce 

di Miralles fu una delle più ascoltate e importanti 

perché si scegliesse una strada diversa. 

To discover and live the “new” 

market of Santa Caterina in 

the heart of the old town or 

Ciutat Vella of Barcelona is 

like listening to one of those 

vivacious and curious thoughts 

that one sometimes speaks 

out loud in order to animate 

a stalling debate, to elicit 

other visions, at the same 

time asking the help of those 

around one. 

The market designed and built 

by EMBT, i.e. Enric Miralles 

+ Benedetta Tagliabue, 

between 1999 and 2005, 

is much more than a simple, 

pretty architecture; rather, 

it is a smiling question mark, 

a generous thought for the 

city and its inhabitants, one 

of those works that have 

sought, silently, to ferry our 

architecture from one period 

to another. 

The market and its adjacent 

urban spaces tell you the story 

of a traditional Barcelona, 

about familiar stories, 

materials and colours, but 

at the same time about an 

absolutely contemporary and 

new way to conceive and 

build collective places. 

The story, the stories, 

regardless of what they are, 

from the highest and most 

recognized to those fragments 

of obscure memory that get 

stuck inside you, are mixed 

and digested in the dense 

body of that system of arches, 

roofs, metal vaults, wood, 

ceramic and concrete that 

embrace the market and the 

life which incessantly passes 

through it. 

This project, like all stories, 

conceals within it other 

heroic and dramatic stories 

which can tell us something 

more about the recent life 

and activity of Benedetta 

Tagliabue, partner and wife 

of Enric, who remained alone 

in April 2000, to sustain and 

manage the great quantity of 

work and projects produced 

by EMBT, due to the sudden 

death of her companion in life 

and work. 

5 editoriale editorial

6 

Dopo la demolizione vennero alla luce le tracce 

del vecchio insediamento monastico che occupava 

questo grande isolato, mentre, nel frattempo EMBT, 

vincitore del concorso di architettura, sviluppava 

il progetto urbano di ricomposizione paziente e 

sensibile di questo delicato frammento di città antica. 

In questi stessi anni Enric e Benedetta costruiscono 

la loro casa, a poche centinaia di metri da Santa 

Caterina, nel cuore della città gotica e popolare, 

e sembra molto difficile separare questi due versanti, 

progetto pubblico e privato, tanto la dimensione 

sperimentale e curiosa prende il sopravvento in ogni 

carattere, dettaglio e spazio che viene sviluppato 

e realizzato. 

Le opere sono racconti aperti, in attesa di dialogo 

e di essere vissute continuamente. Si fa ogni volta 

molta fatica a individuare un punto e a capo nelle 

opere di EMBT, ma non si tratta di incertezza 

o di incapacità di portare a compimento un’opera, 

quanto piuttosto della strenua volontà di considerare 

il lavoro di architettura come uno spartito che deve 

essere interpretato e vissuto attivamente, senza che 

l’architetto debba avere necessariamente l’ultima 

parola. 

The new market is above all 

a social and civil conquest, to 

which the two architects have 

given a crucial contribution in 

terms of debate and design; 

the old building was marked 

for demolition without an 

adequate public reflection 

on its future having been 

developed, and in the firm and 

indignant reaction of the city, 

Miralles’ voice was one of the 

most respected and important 

ones to recommend a different 

solution. 

After the demolition the traces 

of the old monastic structure 

which had occupied this large 

block came to light; in the 

meanwhile EMBT, winner of 

the architecture competition, 

developed the town plan 

for the patient and sensible 

reconstruction of this delicate 

fragment of the old town. 

Santa Caterina Market 

in Barcelona, 1997- 

2005. Photo by Duccio 

Malagamba (in these 

pages) and Domi Mora 

(in the previous page).

Miralles Tagliabue House 

in Barcelona, 1995, 

photo by Dexter Hodges. 

In questo atteggiamento ritroviamo la lezione 

irrequieta degli Smithson, di Giancarlo De Carlo 

e del Team X, che il giovane Miralles respirò nei suoi 

seminari estivi e, soprattutto, nel dialogo continuo 

nel tempo, con la coppia (un’altra!) dei Maestri 

inglesi. 

Ma insieme credo si debba riconoscere alla poetica 

dell’opera aperta l’intuizione irrisolta e spavalda 

di un autore che non sembra più accontentarsi 

delle continuità con le tradizioni locali (da Gaudì 

passando per il modernismo catalano fino alla 

soglia contemporanea dei suoi Maestri locali Pinon 

e Viaplana), o delle lezioni inquiete dei Maestri del 

Moderno (le lezioni universitarie di Miralles su 

Le Corbusier erano impareggiabili e acute), ma che 

stava cercando una possibile via d’uscita dal secolo 

che stava andandosene aprendo nuovi fronti 

di ricerca e confronto. 

Il cantiere della casa, il progetto di Santa Caterina 

si muovono pari passo in questo periodo, così come 

i primi sviluppi per il nuovo Parlamento Scozzese 

a Edimburgo, il campus universitario di Vigo, 

la nuova sede per Gas Natural a Barcellona, 

l’ampliamento dello IUAV a Venezia (una delle tante 

magre figure e occasioni perse accumulate negli 

anni dal nostro Paese), oltre che la chiusura dei 

cantieri per una scuola di Musica ad Amburgo 

e per il municipio di Utrecht. 

Questo biennio a cavallo della fine del secolo 

è decisivo e drammaticamente strategico per EMBT, 

perché lo studio stava lentamente assimilando il 

passaggio da un piccolo, prezioso laboratorio 

semi-artigianale alla dimensione di un importante 

studio riconosciuto internazionalmente con incarichi 

sempre più impegnativi e significativi. 

E nel cuore di questa transizione delicata viene 

meno la sua anima fondativa, l’autore riconosciuto, 

forse uno dei talenti più cristallini e audaci che la 

nuova cultura architettonica europea poteva vantare 

in quel momento. 

In the same years Enric and 

Benedetta built their home, 

a few hundred meters from 

Santa Caterina, in the heart of 

the Gothic and working-class 

city, and it appears difficult to 

separate these two aspects, 

public and private project, so 

much does the experimental 

and curious dimension prevail 

in every character, detail and 

space which is developed 

and realized. The works are 

open tales that are waiting 

for continuous dialogue and 

use. It is very hard, in every 

work by EMBT, to identify a 

conclusive point, but this is 

not a symptom of uncertainty 

or inability to complete a 

work, but rather a strenuous 

desire to consider the work 

of architecture as a score that 

must be interpreted and lived 

actively, without the architect 

having necessarily to have the 

last word. 

In this attitude we recognize 

the inquisitive lesson of the 

Smithsons, Giancarlo De Carlo 

and the Team X, which the 

young Miralles assimilated 

during his summer seminaries 

and, above all, in the 

continuous dialogue over time 

with the couple (another!) of 

English masters. 

But at the same time I believe 

we must recognize, in the 

poetic of the open work, the 

perceptiveness, unresolved 

and defiant, of an author 

who no longer seems satisfied 

with a continuity with local 

traditions (from Gaudì via 

Catalan modernism to the 

contemporary threshold of 

his local Masters Pinon and 

Viaplana), or the inquisitive 

lesson of the Masters of 

Modernism (Miralles’ university 

lectures on Le Corbusier were 

incomparable and acute), 

but who is seeking a feasible 

path out from the century 

which was coming to an end, 

opening new fronts of research 

and comparison. 

The building site of their home, 

and the project of Santa 

Caterina proceeded apace 

in this period, as well as the 

first developments for the 

new Parliament of Scotland 

in Edinburgh, the university 

campus of Vigo, the new 

headquarters for Gas Natural 

in Barcelona, the expansion 

of the IUAV in Venice (one of 

the many poor figures cut and 

lost opportunities accumulated 

over the years by our country) 

in addition to the completion 

of the building site for a Music 

School in Hamburg and the 

Municipality of Utrecht. 


10 

E Benedetta fa immediatamente una scelta chiara, 

non scontata, coerente con la sua storia e con la 

filosofia di vita che aveva animato il lavoro con 

Enric: portare avanti i progetti, naturalmente, ma 

non cadere nel pericoloso rischio di chi cristallizza 

un momento, uno stile per prolungare ancora la 

fragile sensazione di eternità assicurata dall’opera 

costruita. I lavori sui tavoli in quei giorni, e quelli 

che sono continuati ad arrivare negli anni a seguire, 

sono stati sviluppati rafforzando l’intuizione che 

il lavoro di architettura è frutto di regia sapiente, 

forte e silenziosa, insieme a un dialogo attivato 

continuamente con i progettisti dello studio oltre che 

insieme ai tanti, e diversi, compagni di viaggio che 

si individuano a seconda dei caratteri diversi 

e dei temi che devi affrontare. 

La scelta portata avanti da Benedetta Tagliabue 

è stata quella di una consapevole regia di una 

metamorfosi senza un obiettivo predicato, di un 

percorso in cui i caratteri consolidati della ricerca 

progettuale insieme a Miralles venissero arricchiti 

e messi progressivamente in discussione dalle 

occasioni che si sarebbero incontrate e dalle 

sensibilità che sarebbero inevitabilmente emerse. 

E quello che ritroviamo dopo dieci anni è il felice 

e problematico risultato di questa metamorfosi 

che ancora sta progredendo, indicando, insieme, 

strade nuove e ricerche che hanno trovato risposte 

interessanti. 

Oltre a tutto questo, Benedetta Tagliabue è anche 

una figura che anticipa con la sua storia personale, 

un fenomeno che la cultura architettonica italiana 

sta sperimentando in questo periodo per ben altre 

motivazioni. 

Lombarda di nascita, veneziana di formazione 

universitaria, dopo il fulminante incontro con Miralles 

si sposta definitivamente a Barcellona venendo ad 

essere ormai considerata un’autrice catalana per 

adozione a tutti gli effetti, anche se, personalmente, 

a me piace guardare a Benedetta come a una 

progettista europea di nuova generazione, in cui 

le “servitù” linguistiche e identitarie si mescolano 

sfumandosi, dando vita a caratteri ancora in attesa 

di definizione. 

È oggi il destino di molti giovani progettisti di talento 

che hanno “dovuto” lasciare il nostro Paese, povero 

di occasioni e di soddisfazioni, per stabilire il 

proprio studio in realtà urbane più evolute e attente 

alla qualità dell’architettura contemporanea. 

E quando capita di confrontarsi con loro senti 

che il l’orizzonte culturale e simbolico con cui si 

confrontano è l’Europa e quello che rappresenta 

in termini di occasioni e di caratteri. 

This two-year period at the 

turn of the century has been 

decisive and dramatically 

strategic for EMBT, because 

the firm was slowly making 

the transition from a small, 

precious semi-crafts workshop 

to the dimension of an 

important internationally 

recognized firm with more 

and more demanding and 

important assignments. And 

in the heart of this delicate 

transition it has been deprived 

of its founding spirit, the 

acclaimed author, perhaps 

one of the most limpid and 

audacious talents the new 

European architectural culture 

could boast at that moment. 

And Benedetta immediately 

made a clear and anything but 

foregone decision, coherent 

with her background and 

the philosophy of life that 

had animated her work with 

Enric: to continue the projects, 

naturally, but to avoid the 

dangerous risk of those who 

freeze a moment, a style in 

order to keep alive the fragile 

sensation of eternity assured 

by the built work. The works 

on the tables in those days, 

and those which have kept 

arriving in the following years, 

have been developed by 

reinforcing the intuition that 

a work of architecture is the 

result of a sagacious, strong 

and silent direction, along with 

a continuous dialogue with the 

architects of the firm as well as 

with the many, and different, 

fellow travellers who are 

identified depending on the 

type of themes that have 

to be tackled. 

The choices made by 

Benedetta Tagliabue have 

consisted of a conscious 

direction of a metamorphosis 

without a predicate objective, 

an itinerary where the 

consolidated characters of 

the architectural research 

conducted with Miralles 

have been enriched and 

gradually challenged by the 

opportunities encountered and 

the sensibilities which would 

inevitably have surfaced. 

And what we find ten years 

later is the felicitous and 

problematic result of this 

metamorphosis which is still 

ongoing, indicating both new 

paths and researches which 

have produced interesting 

results. 

Youth Music School in 

Hamburg, Germany, 

1997-2010, photo by 

Duccio Malagamba.


New Headquarter of Gas 

Natural, Barcelona, 

1999-2007, photo by 

Duccio Malagamba. 

Non credo che andremo incontro a uno “stile” 

esperanto europeo, quanto piuttosto alla 

rielaborazione di quei caratteri urbani, insediativi, 

collettivi che hanno fatto del sistema urbano 

continentale un modello insediativo in cui ancora 

individuare modelli e strumenti di riflessione 

progettuale per il futuro. 

E su questa linea continua generosamente a lavorare 

EMBT sotto la regia sorridente e aperta di Benedetta 

Tagliabue. 

I lavori di questi anni dimostrano una capacità 

di ascolto poetico e materico dei luoghi, potente, 

capace di interpretare, soprattutto attraverso il 

lavoro ossessivo sugli spazi pubblici, la dimensione 

mutevole ed irrequieta della società contemporanea 

e dei suoi desideri emergenti. 

I piani terra delle opere di EMBT si fanno 

incessantemente playground e luoghi informali, 

domestici, d’incontro tra cittadini che cercano 

di ricostruire legami, tessiture libere all’uso che 

ripensano discretamente i caratteri della metropoli 

d’oggi. 

In addition to all this, 

Benedetta Tagliabue is also 

a figure who has anticipated, 

with her personal history, 

a phenomenon that the 

Italian architectural culture is 

experiencing in this period, for 

very different reasons. 

Lombard by birth, Venetian 

by university education, when 

she met and fell in love with 

Miralles she moved definitively 

to Barcelona, where she is by 

now considered a Catalan 

author by adoption for all 

effects and purposes, even if 

I personally like to consider 

Benedetta as a European 

architect of a new generation, 

where linguistic influences 

and identities are mixed and 

blurred, resulting in characters 

that are still awaiting 

definition. 

In is today the fate of many 

young architects of talent 

who have “had to” leave 

our country, lacking in 

opportunities and satisfactions, 

to open a firm in more 

advanced urban realities 

that are more attentive to 

the quality of contemporary 

architecture. 

And when one happens to 

encounter them one feels that 

the cultural and symbolic 

horizon with which they 

measure swords is Europe, 

and what it represents in 

terms of opportunities and 

characters. 

I do not believe the future will 

bring a European Esperanto 

“style”, but rather 

a re-elaboration of those 

urban, semi-urban and 

collective characters which 

have made the continental 

urban system a settlement 

model in one may still identify 

models and design reflections 

for the future. 

And EMBT continues to 

work generously along these 

lines under the smiling and 

cooperative leadership 

of Benedetta Tagliabue. 

The works of these years 

demonstrate an ability to listen, 

in poetic and material terms, 

to the places that is powerful, 

able to interpret, especially 

through an obsessive work on 

public spaces, the changing 

and restless dimension of the 

contemporary society and its 

emerging desires. 


In these pages: 

Diagonal Mar Park, 

Barcelona, 1997 

- 2002, photo by 

Veronicae©fotografía. 

Il lungo porto di Amburgo, come la sequenza 

magistrale di spazi pubblici e privati per il 

parlamento scozzese, ma, insieme, la fragile 

e poetica macchina scenografica per Merce 

Cunningham, ci raccontano tutti insieme della stessa 

volontà e visione, capace di prendere forme 

e materie diverse a seconda dei luoghi che incontra 

ed interpreta. 

Le tessiture murarie, quella capacità arcaica 

e, insieme, modernista di fondere struttura 

a paramento trasformando la parete in un 

laboratorio a cielo aperto non sembra conoscere 

differenza, ma solo un diversificarsi d’intensità 

tra le pareti cimiteriali di Igualada e le verticali in 

mattoni di Amburgo, quelle in legno e cemento di 

Edimburgo, o le tessiture transitorie e fragilissime 

del padiglione spagnolo di Shanghai. 

È una strada complessa, che non ha paura 

dell’autorialità come dichiarazione di ricerca poetica 

non fine a se stessa, e della carica espressiva degli 

spazi come possibile risposta al progetto di uno 

spazio per nuove comunità. 

La sensazione struggente che si prova nel vedere 

i lavori degli ultimi anni, soprattutto man mano 

che ci si allontana dal “maledetto” 2000, è la 

caparbietà con cui Benedetta Tagliabue ha cercato 

di progettare senza fermarsi, senza congelare il 

dolore nelle forme e nei linguaggi di riferimento. 

Questo, credo, è stato il modo più alto e amoroso 

di rispettare la storia intellettuale e creativa di Enric 

Miralles e, insieme, di trasformarla in un motore 

libero, potente per continuare le ricerche e le strade 

che, anche lui, aveva contribuito ad aprire in questi 

anni di profonda e irrequieta metamorfosi. 

The ground floor of the 

buildings designed by EMBT 

continue to offer themselves 

as playgrounds and informal, 

domestic meeting places 

between citizens who seek to 

rebuild free connections and 

tissues which discreetly rethink 

the characters of the presentday 

metropolis. 

The long port of Hamburg, 

like the masterly sequence of 

public and private spaces for 

the Parliament of Scotland, 

but also the fragile and poetic 

stage machine created for 

Merce Cunningham, all tell 

us the story about the same 

desire and vision, capable 

of taking different forms and 

using different materials 

to adapt to the places it 

encounters and interprets. 

The masonry tissue, that 

archaic and at the same 

time modern ability to merge 

structure and non-structural 

elements, transforming 

the wall into an open-air 

workshop, does not seem 

to know difference, but only 

a diversification of intensity 

between the cemetery wall 

of Igualada and the brick 

uprights in Hamburg, those 

in wood and concrete in 

Edinburgh, or the transitory 

and fragile weavings of the 

Spanish pavilion in Shanghai. 

It is a complex path which 

fears no authoritativeness as 

declaration of poetic research, 

not as an end in itself, and 

the expressive charge of the 

spaces as possible solution for 

the design of a space for new 

communities. 

The tormenting sensation one 

experiences when seeing the 

works of the last years, and 

especially as the “cursed” 

year of 2000 fades in the 

distance, is the obstinacy with 

which Benedetta Tagliabue 

has sought to design without 

stopping, without freezing 

the pain in the forms and in 

the languages of reference. 

This, I believe, has been the 

highest and most loving way 

to respect the intellectual 

and creative history of Enric 

Miralles and, at the same 

time, to transform it into a 

free, powerful engine to 

continue the researches and 

the paths which also he had 

contributed to open, in these 

years of profound and restless 

metamorphosis. 


Plaza Ricard Viñes 

Lleida, Spain 

2007 - 2010 

architects: Benedetta Tagliabue 

Miralles Tagliabue EMBT 

chief architect: Elena Rocchi 

competition: November 2007 

collaborators: Alessia Bettazzi, 

Alice Failla 

3D: Giuseppe Maria Fanara 

preliminary project: 2007 

chief architect: Josep Ustrell 

collaborators: Alessia Bettazzi, 

Ivan Grippaldi, Jose Manuel López 

Ujaque 

urban furniture: Mireia Soriano 

Alfara 

3D: Armando Arteaga, Aylin Alfaro 

Montoya 

model: Gabriele Rotelli, Vanessa 

Tanguy, Barbara Asnaghi Gordillo 

executive project: 2008-2010 

chief architect: Daniel Rossello 

collaborators: Ivan Grippaldi, 

Jose Manuel López Ujaque, 

Susana Osés Lana, Silvia Cama, 

Georgina Monica Lalli, Nataly Raab 

model: Gabriele Rotelli, 

Giulio Pellizon, 

Ginette Gotti Carvajal 

works: 2009-2010 

chief architect: Daniel Rossello, 

Josep Ustrell 

collaborators: Susana Oses Lana, 

Francesca Origa, 

Francesc Mercadal, Ana Isabel 

Ferreira, Jack O’Kelly, Belén Callejas 

firm: UTE Dragados-Arno 

client: Ayuntamiento de Lleida 

85 scenari di architettura architectural scenario

Alex Gaultier

Extension of Youth Music School 


2009 - 2010 

architect: Benedetta Tagliabue 

Miralles Tagliabue EMBT 

project team: Karl Unglaub 

collaborators: Stefan Geenen, 

Verena Vogler, Max Gunst, 

Carmen Fisher, Davide Argenteri, 

model: Gabriele Rotelli, 

Shavleg Chichishvili 

photo by Alex Gaultier, 

Duccio Malagamba 

123 scenari di architettura architectural scenario


124 

Il nuovo auditorium, con il suo foyer all’entrata, 

completa il progetto per la scuola di musica, 

terminata nel 1999. 

Questo ampliamento dell’edificio, già esistente nel 

progetto originale di 10 anni fa, si colloca nello 

spazio ristretto venutosi a creare tra la vecchia sede 

della scuola e il nuovo istituto e va a costituire un 

passaggio tra i due edifici. 

L’atrio d’entrata è coperto da un tetto piegato che si 

collega alla rampa che, a sua volta, conduce alla 

scuola di musica già esistente, al piano superiore. 

L’auditorium si colloca al primo piano, al piano terra 

va quindi ad aprirsi un open space con il foyer 

e un grande spazio multilifunzionale. 

L’auditorium appare come uno spazio dalla forma 

irregolare e rotondeggiante con annessa galleria. 

La facciata è coperta in mattoncini, simili per forma 

e materiale a quelli utilizzati negli edifici pre-esistenti, 

costruiti dieci anni fa. La decorazione che si nota sui 

mattoni riprende l’idea delle onde sonore, portando 

quindi all’esterno un riferimento al contenuto interno 

dell’edificio. 

The new auditorium with the 

main entrance foyer completes 

the program of the youth music 

school, finished in 1999. 

The extension, which was 

designed 10 years after the 

original project, is located in 

the narrow space between the 

old school and the new youth 

music school and creates a 

new passage between them. 

A folded entrance roof covers 

the foyer and connects with 

the ramp of the existing music 

school in the upper floor 

The auditorium is elevated 

to the first floor, giving the 

opportunity of an open space 

in the ground floor which 

contains the main foyer 

and a big multipurpose space. 

The auditorium is visible as 

an unregular round shape with 

a gallery level. 

The façade is covered by 

bricks, referring in material 

and shape to the existing 

buildings build 10 years ago. 

A visible ornamentation in the 

bricks refers to sound waves 

and indicates the content of 

the building in the exterior.


In the previews pages: 

fi rst phase, the Youth 

Music School building 

completed in 1999. In this 

page: second phase, 

the new auditorium 

2009-2010.

contemporary itinerary: AILATI 

A 

01 

B 

02 

03 

06 07 

05 

04 

12 

08 

10 

11 

09 

13 

14 

01. ELASTICOSPA – Stefano Pujatti 

Architetti, Atelier Fleuriste and Private 

House 02. DAP studio, Elsa Morante 

Public Library 03. scandurrastudio, Zurich 

Insurance Company Italian Headquarters 

04. Studio Valle Architetti Associati, Cino 

Zucchi Architetti with Zucchi & Partners, 

Canali Associati, Charles Jencks with 

Andreas Kipar – LAND, Arup Italia, 

Topotek1, offi ce building in the Alfa 

Romeo canteen, Portello Quartier 05. 

Cino Zucchi Architetti, Portello Quartier 

06. MAB Arquitectura, Abitare a Milano 

07. Italo Rota with Fabio Fornasari, 

Arengario Museo del Novecento 

08. Studio elementare, Kconsult, 

Sauerbruch+Hutton, scandurrastudio, 

Studio Italo Rota & partners, Maciachini 

Quarter 09. Studio elementare, 

Food Park 10. Piuarch Partners, D&G 

Headquarters 11. Guidarini & Salvadeo, 

Sociomedical Centre 12. ifdesign, 

piazza Nera, piazza Bianca 13. 

Archea Associati, Nembro Public Library 

14. Greppi&Bianchetti Studio, Social 

Housing 15. Renato Rizzi with Barbara 

Borgini, Casa d’Arte Futurista Fortunato 

Depero 16. Studio Terragni Architetti, 

Gruppe Gut, Jeffrey T. Schnapp, Stanford 

Humanities Lab, FilmWork, Le Gallerie 

17. Christoph Mayr Fingerle, CasaNova 

18. Cino Zucchi Architetti, Park Associati, 

Salewa Headquarters 19. MODUS 

architects, Skate Park 20. Markus 

Scherer with Walter Dietl, Restauration 

of Fortezza’s Fort 21. C+S Associati, 

primary School 

22. Cino Zucchi Architetti with Gueltrini 

and Stignani Associati, Public Park 

23. aMDL Michele De Lucchi, 

Giorgio Cini Foundation 

C 

29 

17 

16 

15 

19 

27 

18 

26 

E 

20 

28 

21 

D 

23 

22 

24 25 

24. Renzo Piano with Alessandro 

Traldi and Maurizio Milan, Emilio and 

Annabianca Vedova Foundation 

25. La Fabbrica del Sole, Modourbano 

Architettura, Exergy with Vento 

di Venezia, Tobia Scarpa, Thetis, 

La rivoluzione off-grid in Isola della 

Certosa park 26. diverserighestudio, 

Casalogica 27. Labics, Museum and 

Multifunctional Centre 28. Cristofani & 

Lelli architetti, “Fornace del Bersaglio” 

Residential Complex 29. Pietro Carlo 

Pellegrini, Lucchese Technological Hub 

30. Cherubino Gambardella, I.A.C.P. 

Building 31. Davide Vargas, New 

City Hall 32. Cherubino Gambardella 

and Simona Ottieri, Torre dello Ziro 

Restauration 33. ma0/emmeazero 

studio d’architettura, Lombardi School 

Enlargement 34. ma0/emmeazero studio 

d’architettura, Risorgimento Square 

35. Marco Navarra, Program 

of Self-generation for Tired Urban 

Landscapes 36. Emanuele Fidone, 

San Pietro Basilica Restauration 

37. Vincenzo Latina, Artemide Pavilion 

38. Santo Giunta, Orazio La Monaca, 

Leonardo Tilotta, Simone Titone, Council 

Offices New Seat 39. Riccardo Vannucci, 

FAREstudio, G. Kambou Centre 

40. Studio tamassociati with Pietro 

Parrino and Gino Strada, 

Salam Hearth Surgery Centre 

38 

39 40 

30 

H 

photo by Gabriele Basilico, Alessandra Bello, Giuseppe Bertolucci, 

Gaia Cambiaggi, Alessandra Chemollo, Giovanni Chiaramonte, 

Giuseppe dell’Arche, Roberto Dell’Orco, Pierluigi Faggion, 

Beppe Giardino, Marco Introini, Peppe Maisto, Attilio Maranzano, 

Sheila McKinnon, Davide Menis, Alberto Novelli, Fulvio Orsenigo, 

Raul Pantaleo, Alberto Piovano, Sebastiano Raimondi, Rene Riller, 

Paolo Riolzi, Filippo Romano, Lamberto Rubino, Pietro Savorelli, 

Giovanna Silva, Luigi Spina, Studio Mayr Fingerle, 

Franco Tagliabue Volontà, Cino Zucchi 

31 

32 

G 

36 

37 

35 

F 

33 

34

01 

A 

project Atelier Fleuriste 

and Private House 

typology dwelling 

architect ELASTICOSPA 

Stefano Pujatti Architetti 

realization 2002-2008 

address Chieri, Torino 

05 

B 

project Office Building in Alfa 

Romeo canteen, 

Portello Quarter 

typology residential, offices 

architect Cino Zucchi Architetti 

realization 2001address 

Milano 

02 

B B 

project “Elsa Morante” 

Public Library 

typology library 

architect DAP studio 

Elena Sacco – 

Paolo Danelli 


address Lonate Ceppin, Varese 

06 

03 

project Zurich Insurance 

Company Italian 

Headquarters 

typology office 

architect Alessandro Scandurra, 

scandurrastudio 


address Milano 

B B 

B 

project Abitare a Milano - 

Via Gallarate 

typology residential 

architect MAB Arquitectura - 

Massimo Basile, 

Floriana Marotta 



07 

project Arengario Museo 

del Novecento 

typology museum 

architect Italo Rota with 

Fabio Fornasari 



04 

B 

project Portello Quarter 

typology mixed use 

architect Studio Valle, Cino Zucchi 

Architetti with Zucchi & 

Partners, Canali Associati srl, 

Charles Jencks with Andreas 

Kipar - LAND srl, Arup Italia, 

Topotek1 


Milano 

08 

project Maciachini Quarter 

typology mixed use 

architect Studio elementare, 

Kconsult, 

Sauerbruch+Hutton, 

scandurrastudio, 

Studio Italo Rota 

& partners 


address Milano

09 

B 

project Food Park 

typology public 

architect Studio elementare 

Paolo Pasquini 

architetti 



13 

B 

project Public Library 

typology library 

architect Archea Associati 


address Nembro, Bergamo 

6 

1 2 

7 

3 

7 7 

9 

4 

5 

8 

10 11 

CB B 

project D&G Headquarters 

typology offices 

architect Piuarch Partners 



14 

project Socio-medical centre 

typology hospital 

architect Guidarini & Salvadeo 


address Lesmo, Monza 

e Brianza 

B C C 

project Social Housing 


architect Greppi&Bianchetti 

Studio 


address Chiari, Brescia 

15 

project Casa d’Arte Futurista 

Fortunato Depero 


architect Renato Rizzi 

(Rizzi-Proteco) 

with Barbara Borgini 

realization 2009 

address Rovereto, Trento 

12 

B 

project Piazza Nera, 

Piazza Bianca 

typology public space 

architect ifdesign 


address Giussano,Monza 

e Brianza 

16 

project Le Gallerie 


architect Studio Terragni 

Architetti, 

Gruppe Gut snc, 

Jeffrey T. Schnapp 

Stanford Humanities 

Lab, FilmWork srl 


address Piedicastello, Trento

17 

C C 

C C 

project CasaNova 


architect Christoph Mayr Fingerle 


address Bolzano 

21 

22 

D D 

D 

D 

project Primary School 

typology education 

architect C+S Associati 


address Ponzano Veneto, 

Treviso 

18 

project Salewa Headquarters 



Park Associati 


address Bolzano 

project Public Park 



with Gueltrini and 

Stignani Associati 


address San Donà Piave, 

Venezia 

19 

project Skate Park 


architect MODUS architects 


address Bressanone, Bolzano 

23 

project Giorgio Cini Foundation 


architect aMDL Michele De Lucchi 


address Venezia 

20 

project Restauration of 

Fortezza’s Fort 


architect Markus Scherer 

with Walter Dietl 


address Fortezza, Bolzano 

24 

project Emilio and Annabianca 

Vedova Foundation 

typology musuem 

architect Renzo Piano, 

Alessandro Traldi, 

Maurizio Milan 


address Venezia

25 

D E E 

E 

project La rivoluzione off-grid 

in Isola della Certosa 

park 

typology prototype 

architect La Fabbrica del Sole, 

Modourbano 

Architettura, Exergy with 

Vento di Venezia, 

Tobia Scarpa, Thetis 

address Venezia 

29 

E E F F 

project Lucchese 

Technological Hub 

typology research centre 

architect Pietro Carlo Pellegrini 


address Lucca 

26 

project Casalogica 


architect diverserighestudio 


address Altedo di Malalbergo 

(BO) 

30 

project I.A.C.P. Building 


architect Cherubino 

Gambardella 


address Ancona 

27 

project Museum and 

Multifunctional Centre 

G.D 


architect Labics 


address Bologna 

28 

31 32 

project New City Hall 


architect Davide Vargas 


address San Prisco, Caserta 

project “Fornace del Bersaglio” 

Residential Complex 


architect Cristofani & Lelli 

architetti/Lelli & 

Associati architettura 


address Faenza (RA) 

project Torre dello Ziro 

Restauration 


architect Cherubino Gambardella 

and Simona Ottieri 


address Pontone d’Amalfi , 

Salerno

33 

project Lombardi School 

Enlargement 


architect ma0 / emmeazero 

studio d’architettura 


address Bari 

34 

F F G 

G 

37 

project Artemide Pavilion 


architect Vincenzo Latina 


Ortigia, Siracusa 

project Risorgimento Square 


architect ma0 / emmeazero 

studio d’architettura 


address Bari 

38 

project Council Offices 

New Seat 


architect Santo Giunta, 

Orazio La Monaca, 

Leonardo Tilotta, 

Simone Titone 


address Castelvetrano, Trapani 

project Program of 

self-generation for tired 

urban landscapes 


architect Marco Navarra 


address Giampilieri, Messina 

36 

39 40 

G G H H 

35 

project G. Kambou Centre 


architect Riccardo Vannucci_ 

FAREstudio 


address Ouagadougou, 

Burkina Faso 

project San Pietro Basilica 

Restoration 


architect Emanuele Fidone 


address Ortigia, Siracusa 

project Salam Heart 

Surgery Centre 


architect Studio tamassociati 

with Pietro Parrino 

and Gino Strada 


address Soba (Khartoum), 

Sudan 

185 itinerario contemporaneo: ailati contemporary itinerary: ailati

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