FILM - Istituto Italiano per gli Studi Filosofici

in copertina:
Cao Fei. A Mirage (COSPlayers Series), detail, 2004. Digital C-print, 29 1/4 x 39 1/4 inches.
© Cao Fei, courtesy the artist and Lombard-Freid Projects, New York.

in collaborazione con
Istituto Italiano per gli Studi Filosofici
con l’adesione del
Presidente della Repubblica
con il contributo di
Regione Campania
Comune di Napoli
con il patrocinio di
Presidenza del Consiglio dei Ministri
Senato della Repubblica
Ministero per i Beni e le Attività Culturali
Ministero per lo Sviluppo Economico
Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico,
Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Napoli
Soprintendenza Archivistica per la Campania
Consolato Generale degli Stati Uniti d’America
Università degli Studi di Napoli “Federico II”
Accademia di Belle Arti di Napoli
Fondazione per gli Studi Superiori di Architettura
a cura di Laura Trisorio
Coordinamento Lucia Trisorio
Segreteria organizzativa Giulia Licenziati, Helga Sanità, Fabia Lonz, Klara Charlotte Zeitz
Traduzioni catalogo Angela Federico, Goethe-Institut Neapel, Antonio Palomba
Traduzioni simultanee Donatella Baggio, Monica Carbone
Ufficio stampa Novella Mirri e Maria Bonmassar
Progetto grafico Sayrel Silva per Ogham
TRISORIO Associazione Culturale | Riviera di Chiaia 215, Napoli | tel/fax 081 414306 | www.artecinema.com

Quindici anni di Artecinema. Un traguardo importante, un punto fermo.
Grazie agli artisti, che ci fanno vedere il mondo con occhi nuovi e grazie agli
spettatori, senza i quali l’opera d’arte non è completa.
Grazie a tutti voi che condividete quest’avventura e che, come me, credete
che l’arte ci renda più consapevoli di ciò che ci circonda e ci aiuti a rendere
il mondo migliore.
Laura Trisorio
Fifteen years of Artecinema, an important milestone and a mainstay.
Thanks to the artists, who allow us to view the world with new insight, and thanks to the
spectators, without whom no work of art is ever complete.
Thanks to all of you who share in this adventure and who, like me, believe that art makes us
more aware of our surroundings and helps us to make the world a better place.
Laura Trisorio

U
n regista dovrebbe riuscire a trasmettere a un grande artista una
sensazione di profonda fiducia, dovrebbe fargli capire che il suo
interessamento alla sua opera è un’assoluta necessità, che egli, in
quanto regista, vive con l’opera d’arte, che non solo la comprende, ma
che la apprezza e la ama.
Ho potuto girare dei film su Max Ernst, Friedensreich Hundertwasser,
Niki de Saint Phalle e Jean Tinguely. Essi purtroppo non vivono più,
ma quando si accende il proiettore nel buio della sala cinematografica
questo raggio di luce fa rivivere gli artisti e la loro aura, il loro linguaggio,
la loro arte.
Ancora oggi per me è un segreto meraviglioso il fatto che un film sia in
grado di realizzare il sogno ancestrale dell’umanità di rendere l’uomo
immortale. Mi permetto di dire che si sente l’anima dell’artista quando
il regista ha saputo cogliere l’essenza della sua esistenza, della sua
epoca, del suo ambiente sociale, del suo carisma e l’originalità della
sua opera.
Al contrario di tanti reportage televisivi girati in fretta e in cui spesso
commentatori saccenti hanno l’ambizione di voler giudicare e analizzare
gli artisti e le loro opere, ho avuto la fortuna di occuparmi per anni dei
miei amici-artisti e di lasciarli parlare in maniera autentica nei miei film.
Non volevo girare dei documentari stereotipati sull’arte e sugli artisti, al
contrario ho sempre cercato di realizzare – con la materia che mi era
stata affidata - un film singolare con una sua singolare forma artistica
cinematografica. Ogni film è un concentrato, il risultato di tantissime ore
di materiale sonoro e visivo.
Malgrado il fatto che Botero ed io siamo coetanei e amici da 40 anni,
all’inizio delle riprese ha risposto alle mie domande in maniera piuttosto
aggressiva. Ho cercato quindi di fargli capire che non doveva dare
spiegazioni didattiche e che avrebbe dovuto parlare alla cinepresa
come al suo migliore amico, o ancora meglio, come a una cara amica
con la quale si sta molto bene a letto. In questo modo saremmo riusciti
ad ottenere il migliore effetto sullo schermo.
Botero mi rispose che fino a quel momento aveva sempre avuto la
sensazione di doversi giustificare per la sua arte. Capii così che il mio
compito più importante era di liberarlo da questa sensazione. È bello
che non soltanto una pop-star, un cantante, ma che anche un grande
artista figurativo possa raggiungere una fama riconosciuta in tutto il
mondo. Quando oggi qualcuno nel mondo interessato all’arte - sia in
Giappone, in Europa o in America - dice “Look, this gentleman - or
this lady looks like a BOTERO” - tutti capiscono subito cosa si vuol
dire. Botero però non dipinge soltanto dei bei quadri decorativi con le
forme e figure voluminose che conosciamo, “con la sua anarchia delle
proporzioni”.
Ho deciso di fare un film su Botero quando nel 2006 ho visto la sua
serie di disegni e dipinti sulle torture e le atrocità inflitte dai soldati americani
nelle prigioni di Abu Ghraib. Ammiro il fatto che Botero non venda
queste opere in Colombia, il suo paese d’origine, come pure tanti
dei suoi lavori sul terrorismo e sulla sofferenza degli uomini. Preferisce
invece regalarli ai musei o farli girare in mostre internazionali, anche nelle
metropoli degli Stati Uniti. A differenza di tanti artisti contemporanei
Botero non vuole ricavare dei guadagni con le sue opere di impegno
sociale.
Peter Schamoni

A
director should be able to transmit a sense of profound trust to a great artist
and making the artist understand that his or her interest in the work is an
absolute need and that he or she, as a director, lives with this work of art and not
only understands it but admires and loves it.
I had the opportunity of making films about Max Ernst, Friedensreich Hundertwasser,
Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely. Unfortunately, they are no longer with
us, but when the projector is turned on in the darkness of a theatre, this ray of light
brings these artists and their atmosphere, language and art back to life.
Still today, I am amazed by the fact that films have the ability of making mankind’s
ancestral dream of immortality come true. If I may, it’s like to say that the very
soul of an artist emerges when filmmakers know how to capture the essence the
artist’s existence, period, social environment, charisma and the originality of his or
her works.
Unlike many hurriedly filmed television reports in which presumptuous commentators
frequently attempt to judge and analyse artists and their oeuvre, I was fortunate
enough to have spent years with my artist-friends and thus enabling them to speak
in an authentic manner in my films.
I did not want to film stereotyped documentaries on art and artists, to the contrary,
with the material provided I always have tried to create unique films each with its
own unique cinematographic-artistic form. Each film is a concentrate, the result of
countless hours of audio - visual material.
Despite the fact that Botero and I are the same age and have been friends for
40 years, in the beginning of the film, he responded to my questions in a rather
aggressive manner. Therefore, I tried to make him understand that he didn’t have
to give academic explanations; he only needed to speak to the camera as if it were
a friend, or better yet, as a woman with whom he had a good sexual relationship.
This is how we managed to achieve the best effects on the screen.
Botero responded that, until then, he had always had the sensation that he had to
justify himself and his art. That is when I understood that my most important task
was to free him from this sensation. It’s wonderful that international fame can be
gained not only by pop-stars and singers but also by great figurative artists as well.
Today, when someone who is interested in art, anywhere in the world, be it Japan,
Europe or America, says, “Look, this gentleman - or this lady looks like a BOTERO” -
everyone immediately understands exactly what they mean. However, Botero does
not only paint beautiful decorative paintings with the well known voluminous forms
and figures “with his anarchy of proportion”.
I decided to make a film about Botero in 2006 when I saw his series of drawings
and paintings of the torture and atrocities inflicted by American soldiers in the
Abu Ghraib prison. I admire the fact that Botero does not sell these works, as well
as many of his works on terrorism and human suffering in Colombia, his country
of origin. He prefers to give them to museums or place them on exhibit on the
international circuit or even in large US cities. Unlike many contemporary artists,
Botero is not interested in earning a profit from his works which focus on issues
of social concern.
Peter Schamoni

FILMINDEX
artecinema
arte e dintorni
About Jenny Holzer
ART:21 - Fantasy
ART:21 - Systems
Botero Born in Medellín
Chine, empire de l’art
David Hockney: A Bigger Picture
Flooded McDonald’s
How to Kill the Artists
Jan Fabre - L’homme qui mesure les nuages
L’art et la manière - Felice Varini: peintre-plasticien
Les vies possibles de Christian Boltanski
Loris Cecchini
Michal Rovner. Makom I - Makom II
Marlene Dumas: One Hundred Models and Endless Rejects
Next: A Primer on Urban Painting
Picasso and Braque Go to the Movies
Thomas Hirschhorn. Utopia, Utopia - One World, One War, One Army, One Dress
Views on Vermeer - 12 Short Stories
architettura
Garrison. A Postcard from Paradise
Learning from Light: The Vision of I.M. Pei
Ray Kappe: California Modern Master - Forty Years of Modular Evolution
fotografia
Deserto Rosa - Luigi Ghirri
Martin Parr. The Magic Moment
Rineke Dijkstra
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artecinema
PROGRAMMA 2010
VENERDÌ 15 OTTOBRE
GIOVEDì 14 OTTOBRE
Ore 20.00
INAUGURAZIONE
ARTE E DINTORNI
HOW TO KILL THE ARTISTS
Episode 3, Episode 5
di Laurina Paperina, Italia, 2009, 9', inglese
La serie di animazioni How to Kill the Artists
racconta in modo ironico ipotetiche morti di
artisti famosi ormai arrivati all’apice del successo
e osannati dalla critica. Negli episodi 3 e 5
vengono presi di mira tra gli altri: Piero Manzoni,
Gilbert and George, Douglas Gordon, Francis
Bacon, David Hockney, Lucio Fontana.
ARTE E DINTORNI
PICASSO AND BRAQUE GO TO THE MOVIES
di Arne Glimcher, Stati Uniti, 2008, 60’, inglese
Con la narrazione di Martin Scorsese ed interviste
ad artisti come Chuck Close, Julian Schnabel e
Eric Fischl, il film esamina gli effetti e l’influenza
che la rivoluzione tecnologica ed in particolare
l’invenzione del cinema hanno avuto sulla nascita
del Cubismo.
Ore 21.45
FOTOGRAFIA
DESERTO ROSA - LUIGI GHIRRI
di Elisabetta Sgarbi, Italia, 2009, 47’, italiano
L’ultimo progetto di Luigi Ghirri doveva
essere una “casa delle stagioni”: acquistare
un casolare dove allestire mostre legate
ciascuna alla stagione corrente, in modo da
creare una stretta relazione tra tempo naturale
e tempo dell’arte. A questo progetto si ispira
Deserto rosa, in cui la telecamera ‘visita’ una
serie di paesaggi fotografati da Ghirri secondo
l’alternarsi delle stagioni, mentre ascoltiamo
le voci di Tony Servillo e Andrea Renzi che
leggono testi di Aleksander Sokurov.
Ore 17.00
ARTE E DINTORNI
MARLENE DUMAS: ONE HUNDRED MODELS
AND ENDLESS REJECTS
di Branka Bogdanov, Stati Uniti, 2001, 10’, inglese
Circondata da pagine di riviste, fotografie e libri
d’arte da cui trae ispirazione, Marlene Dumas
parla con passione ed ironia delle due serie di
dipinti One Hundred Models e Endless Rejects.
FOTOGRAFIA
RINEKE DIJKSTRA
di Branka Bogdanov, Stati Uniti, 2001, 16’, inglese
La cinepresa segue Rineke Dijkstra nel suo
studio di Amsterdam dove l’artista ci mostra
i suoi ritratti di giovani adolescenti, fornisce
aneddoti su alcune delle sue fotografie più
famose e ci parla del suo modo di intendere la
fotografia.
ARTE E DINTORNI
THOMAS HIRSCHHORN: UTOPIA, UTOPIA -
ONE WORLD, ONE WAR, ONE ARMY, ONE DRESS
di Branka Bogdanov, Stati Uniti, 2005, 15’, inglese
Nella mostra Utopia, Utopia Thomas Hirschhorn
riflette sul concetto di mimetizzazione. L’abbigliamento
mimetico militare rappresenta un
emblema di guerra, ma il “camouflage” è anche
una moda nel vestire che accomuna persone in
tutto il mondo. L’artista crea uno spazio utopico
dove il disegno mimetico militare diventa la
metafora dell’uguaglianza.

15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA |
artecinema
Ore 18.00
ARTE E DINTORNI
CHINE, EMPIRE DE L’ART
di Emma Tassy, Sheng Zhimin, Francia, 2009, 56’,
cinese, s.t. francese
Nell’arco di vent’anni la scena artistica
contemporanea in Cina ha subito una radicale
trasformazione. Gli artisti underground a lungo
ignorati sono diventati oggi tra i più ricercati dal
mercato.
Ore 19.15
ARTE E DINTORNI
LORIS CECCHINI
di Donato Loia, Vincenzo Basso, Italia, 31’, italiano
La ricerca artistica di Loris Cecchini riflette sulla
dialettica tra naturale e artificiale confrontandosi
con materiali eterogenei e problematiche
progettuali sempre diverse.
MICHAL ROVNER
MAKOM I - MAKOM II
di Michal Rovner, Israele, 2007-2008, 8’, ebraico,
s.t. inglese
Michal Rovner ha realizzato le opere Makom I
e Makom II raccogliendo le pietre dalle rovine
di case israeliane e palestinesi in luoghi come
Gerusalemme, Galilea, Haifa e Hebron. Una
squadra di muratori israeliani e palestinesi ha
lavorato con l’artista alla costruzione di queste
strutture, numerando ogni pietra affinché le
opere possano essere smontate e ricostruite in
qualsiasi parte del mondo.
Ore 20.15
ARTE E DINTORNI
ART:21 – FANTASY
di Susan Sollins, Stati Uniti, 2009, 55’, inglese
L’episodio Fantasy della serie Art:21 presenta il
lavoro degli artisti Jeff Koons, Mary Heilmann,
Florian Maier-Aichen e Cao Fei accomunati
dall’intento di creare mondi immaginari e a volte
irriverenti.
Ore 21.20
ARCHITETTURA
GARRISON. A POSTCARD FROM PARADISE
di Anton Giulio Onofri, Siretta Onofri, Italia,
Stati Uniti, 2009, 52’, italiano, inglese, spagnolo,
giapponese, francese
Nello scorcio più spettacolare della Hudson
Valley, poco lontano da New York, l’architetto
spagnolo Alberto Campo Baeza ha progettato
per Nancy Olnick e Giorgio Spanu una casa di
vetro e cemento che accoglie la loro collezione
di artisti italiani.
Ore 22.30
ARTE E DINTORNI
NEXT: A PRIMER ON URBAN PAINTING
di Pablo Aravena, Canada, Francia, 2005, 95’, inglese,
francese, spagnolo, portoghese, giapponese
Il film analizza il fenomeno della Street Art e la sua
diffusione a livello globale attraverso interviste ad
artisti, giornalisti, collezionisti, sociologi, dj, critici
d’arte ed esponenti della cultura underground.

artecinema
SABATO 16 OTTOBRE
Ore 17.00
ARCHITETTURA
LEARNING FROM LIGHT: THE VISION OF I.M. PEI
di Bo Landin, Sterling Van Wagenen, Stati Uniti,
2009, 60’, inglese
Il film ci mostra uno degli ultimi lavori dell’architetto
I.M. Pei inaugurato nel 2008: il museo di Arte
islamica in Qatar, considerato un capolavoro
di architettura e definito il “Louvre del Medio
Oriente”.
Ore 18.15
ARTE E DINTORNI
BOTERO BORN IN MEDELLÍN
di Peter Schamoni, Germania, 2008, 88’ inglese,
spagnolo
Seguiamo Fernando Botero tra Parigi, New
York e Tokyo e lo ascoltiamo mentre commenta
i suoi dipinti, disegni e sculture, rivelandoci le
sue numerose fonti d’ispirazione, da Gauguin
alle statue barocche delle chiese della nativa
Medellín, in Colombia.
Ore 20.15
ARTE E DINTORNI
FLOODED McDONALD’S
di Tuan Andrew Nguyen & Superflex, Danimarca,
2010, 20’
In Flooded McDonald’s, realizzato dal gruppo di
artisti danesi Superflex, vediamo la ricostruzione
in studio a grandezza naturale dell’interno di
un McDonald’s che gradualmente si allaga:
tavolini, sedie, vassoi, bevande si sollevano e
galleggiano in un’atmosfera surreale.
Ore 20.50
ARTE E DINTORNI
HOW TO KILL THE ARTISTS
Episode 3, Episode 5
di Laurina Paperina, Italia, 2009, 9’, inglese
La serie di animazioni How to Kill the Artists
racconta in modo ironico ipotetiche morti di artisti
famosi ormai arrivati all’apice del successo e
osannati dalla critica. Negli episodi 3 e 5 vengono
presi di mira tra gli altri: Piero Manzoni, Gilbert
and George, Douglas Gordon, Francis Bacon,
David Hockney, Lucio Fontana.
DAVID HOCKNEY: A BIGGER PICTURE
di Bruno Wollheim, Gran Bretagna, 2009, 51’, inglese
Dopo aver vissuto venticinque anni in California,
David Hockney ritorna in Inghilterra, dove
decide di reinventare la sua pittura lavorando en
plain air in tutte le stagioni ed in tutte le condizioni
atmosferiche. Il film segue la realizzazione del
Bigger Trees Near Waters, il più grande quadro
mai dipinto all’aperto composto da 54 tele.
Ore 22.15
FOTOGRAFIA
MARTIN PARR. THE MAGIC MOMENT
di Hank Onrust, Olanda, Gran Bretagna, Francia,
2003, 60’, inglese, olandese
Seguiamo Martin Parr nel suo atelier e ad
Ascott durante il Ladies Day mentre realizza
alcuni scatti delle sue serie più famose.
Attraverso uno sguardo acuto ed ironico, Parr
mette in luce l’ideologia paradossale della
società consumistica contemporanea.
Ore 23.30
ARTE E DINTORNI
ABOUT JENNY HOLZER
di Claudia Müller, Germania, 2009, 52’, inglese
Il film ripercorre la carriera dell’artista concettuale
americana Jenny Holzer: da quando attaccava
manifesti sui muri di New York alla fine degli
anni ‘70, all’assegnazione del Leone d’Oro alla
Biennale di Venezia nel 1990, fino alle ultime
installazioni in Led.

15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
DOMENICA 17 OTTOBRE
Ore 17.00
ARTE E DINTORNI
VIEWS ON VERMEER - 12 SHORT STORIES
di Hans Pool, Olanda, 2009, 70’, inglese, olandese
Fotografi, artisti, architetti ed esponenti del
mondo della cultura ci parlano di come l’opera
di Vermeer (1632-1675) abbia influenzato il loro
lavoro. Fra questi, Tracy Chevalier, autrice del
romanzo storico La ragazza dall’orecchino di
perla, il fotogiornalista americano Steve McCurry,
autore della famosa istantanea di una giovane
ragazza afghana, l’artista americano Chuck
Close ed il fotografo olandese Erwin Olaf.
Ore 18.20
ARTE E DINTORNI
LES VIES POSSIBLES DE CHRISTIAN BOLTANSKI
di Heinz Peter Schwerfel, Francia, 2009, 52’, francese
Accompagnandoci tra Parigi, Berlino e il
Giappone, Christian Boltanski ci mostra alcuni
suoi lavori poco conosciuti e ci parla delle sue vite,
vere o possibili, di religione e utopia, spiegandoci
il suo più importante progetto, Achives of the
Heart, che metterà insieme la registrazione di
decine di migliaia di battiti del cuore.
Ore 19.40
ARTE E DINTORNI
L’ART ET LA MANIÈRE -
FELICE VARINI: PEINTRE-PLASTICIEN
di David Teboul, Francia, 2009, 26’, francese
I principali supporti della pittura di Felice Varini
sono lo spazio e l’architettura. Prima di dipingere,
l’artista esamina il luogo prescelto in tutti i suoi
dettagli e in seguito stabilisce il punto di vista
attorno al quale prenderà forma il suo intervento.
Nel film l’artista ci mostra i suoi numerosi progetti
in giro per il mondo tra cui quello grandioso
realizzato direttamente sulle case del paese di
Vercorin, in Svizzera, nell’estate del 2009.
Ore 20.20
ARCHITETTURA
RAY KAPPE: CALIFORNIA MODERN MASTER -
FORTY YEARS OF MODULAR EVOLUTION
di Muffie Dunn, Stati Uniti, 2009, 27’, inglese
L’architetto californiano Ray Kappe è noto
soprattutto per i suoi progetti di abitazioni di
pregio assemblate con elementi modulari e per
aver “reinventato” la casa prefabbricata.
Ore 21.15
FOTOGRAFIA
JAN FABRE – L’HOMME QUI MESURE LES NUAGES
di Caroline Haertel, Mirjana Momirovic, Germania,
Francia, 2003, 70’, inglese
Un ritratto del poliedrico artista belga Jan Fabre
ripreso nel suo atelier, durante le prove teatrali
e mentre ci illustra il suo capolavoro realizzato
al Palazzo Reale di Bruxelles: un’installazione sul
soffitto composta da oltre un milione di luccicanti
ali di coleottero.
Ore 22.50
ARTE E DINTORNI
ART:21 – SYSTEMS
di Susan Sollins, Stati Uniti, 2009, 54’, inglese
Gli artisti Julie Mehretu, John Baldessari,
Kimsooja, Allan McCollum hanno in comune
l’attenzione verso la società dei consumi, il
capitalismo, la produzione di massa. Ognuno
di essi indaga questi temi in modo personale e
critico attraverso pitture, video, performance e
installazioni.
HOW TO KILL THE ARTISTS
Episode 3, Episode 5
di Laurina Paperina, Italia, 2009, 9’, inglese
La serie di animazioni How to Kill the Artists
racconta in modo ironico ipotetiche morti di
artisti famosi ormai arrivati all’apice del successo
e osannati dalla critica. Negli episodi 3 e 5
vengono presi di mira tra gli altri: Piero Manzoni,
Gilbert and George, Douglas Gordon, Francis
Bacon, David Hockney, Lucio Fontana.

ARTE E DINTORNI

ARTE E DINTORNI
ABOUT JENNY HOLZER
Germania, 2009, 52’, inglese
REGIA Claudia Müller
FOTOGRAFIA Christophe Lerch
Helen Tschudi, Edward Lachman
MONTAGGIO Peter Boris Hassmann
MUSICA Sebastian Kirchner
PRODUZIONE Phlox Films - Coproduzione: SF, SWR, ARTE France
Claudia Müller ha studiato lingua e letteratura
tedesca, arte e giornalismo tra Colonia e Berlino. È
regista e giornalista televisiva dal 1991. Ha realizzato
numerosissimi film e trasmissioni televisive, film
per bambini e ritratti di vari personaggi del mondo
delle arti. Ricordiamo tra gli altri il ritratto degli attori
Hape Kerkeling e Walter Kreye, delle attrici Susanne
Lothar, Ulrike Kriener e Barbara Schönenberger,
della scrittrice Elke Heidenreich, del fotografo Jim
Rakete, dei cantanti Max Raabe e Christine Schäfer,
dell’artista Cindy Sherman. Nel 2009 ha realizzato il
documentario L’ultimo comunista.
Il film racconta la lunga carriera dell’artista concettuale Jenny Holzer (nata nel 1950),
da quando attaccava manifesti per le strade di New York alla fine degli anni ’70, fino
alle recenti installazioni con scritte luminose come quella spettacolare presentata nel
novembre del 2009 alla Fondazione Beyeler di Basilea. Jenny Holzer lavora con le scritte
luminose sin dai primi anni ’80 attraverso proiezioni o installazioni ai Led con frasi e
messaggi specifici. Queste installazioni sono spesso collocate nello spazio urbano, per
strada o in luoghi inaspettati, in modo da sorprendere, provocare e far riflettere i passanti.
Jenny Holzer ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Leone d’Oro alla
Biennale di Venezia nel 1990 e i suoi lavori si trovano nei maggiori musei del mondo.
The film traces the career of American conceptual artist Jenny Holzer (b. 1950) from the young artist
putting up posters in New York City in the late 1970s to the LED installations of today, like the spectacular
ones presented in November 2009 at the Beyeler Foundation in Basel. The LED signs we know from
advertising are Holzer’s trademark. These text displays, with their rapid blinking and flickering, designed to
captivate and sway passers-by, have been repurposed by the artist since the early 1980s. Programming
them with messages of her own, she surprises, provokes and perplexes her public in a place where no
one is expecting art: on the street. The works and projects of Jenny Holzer, who among other distinctions
received a Lion d’Or in Venice in 1990, can be found in all the world’s major museums.
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15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
ART:21 - FANTASY
Stati Uniti, 2009, 55’, inglese
REGIA Susan Sollins
FOTOGRAFIA Robert Elfstrom, Joel Shapiro, Takahisa
Araki, Martial Barrault, Kurt Branstetter, Mark Falstad,
Miguel Sanchez-Martin, Ian Serfontein
MONTAGGIO Mark Sutton
MUSICA Peter Foley
PRODUZIONE Art21, Inc.
Susan Sollins, fondatrice e direttrice di Art21,
nonché curatrice della serie Art:21 - Arte del XXI
secolo è nota per le sue innovazioni nel campo
della programmazione televisiva e come curatrice e
consulente di numerose istituzioni museali. È stata
co-fondatrice e direttrice dell’Independent Curators
International (ICI), un’organizzazione no-profit che
organizza e promuove mostre itineranti di arte
contemporanea a livello nazionale ed internazionale
che, durante la sua gestione, ha organizzato ben
settantacinque mostre internazionali con oltre 1700
artisti nei più significativi spazi degli Stati Uniti,
d’Europa, Canada e Messico. Nei primi anni della sua
carriera è stata curatrice dello Smithsonian’s American
Art Museum. Inoltre, come moglie del compositore
Earle Brown, ha svolto per molti anni un ruolo attivo
anche nel mondo della musica contemporanea.
Fantasy presenta quattro artisti che conducono gli spettatori in mondi immaginari. Jeff
Koons utilizza icone, simboli e oggetti tratti dalla cultura pop, interrogandosi sui gusti
e i desideri della società moderna. I suoi lavori vengono eseguiti minuziosamente e
perfezionati da un piccolo esercito di assistenti in una versione moderna dell’antica
bottega rinascimentale. Mary Heilmann realizza quadri astratti, ceramiche e mobili con
riferimenti che spaziano dalla musica popolare alle proprie radici cattoliche, ai cartoni
animati. Florian Maier-Aichen è un fotografo di paesaggi di origine tedesca che vive
tra Los Angeles e Colonia. I suoi lavori si ispirano al Romanticismo tedesco e ai miti
dell’America dell’Ovest. Cao Fei è una giovane artista cinese che vive a Pechino. Il suo
lavoro, realizzato attraverso la fotografia e il video, esplora i diversi tipi di realtà in luoghi
contrastanti come le fabbriche cinesi e il mondo virtuale della Second Life.
Fantasy presents four artists whose works transport viewers to imaginary worlds. Jeff Koons utilizes
symbolically charged images and objects from popular culture to frame his questions about taste and
pleasure in modern society. His painstakingly crafted artworks, are perfected by a small army of studio
assistants in a modern version of a Renaissance atelier. Mary Heilmann filters her inner world through
her work, imbuing abstract paintings, ceramics, and furniture with references to memories and aesthetic
influences ranging from popular music to her own Catholic background to cartoons. Florian Maier-Aichen
is a German-born landscape photographer who lives in both Los Angeles and Cologne. His works question
German Romanticism and myths of the American West. The videos, photos, and new media works by the
young, Beijing-based, Chinese artist, Cao Fei explore perception, reality and inner lives in places as diverse
as a Chinese factory and the virtual world of Second Life.
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ARTE E DINTORNI
ART:21 - SYSTEMS
Stati Uniti, 2009, 54’, inglese
REGIA Susan Sollins
FOTOGRAFIA Robert Elfstrom, Ian Serfontein, Joel Shapiro,
Martial Barrault, Richard Kane, Richard Numeroff
MONTAGGIO Lizzie Donahue
MUSICA Peter Foley
PRODUZIONE Art21, Inc.
Susan Sollins, fondatrice e direttrice di Art21,
nonché curatrice della serie Art:21 - Arte del XXI
secolo è nota per le sue innovazioni nel campo
della programmazione televisiva e come curatrice e
consulente di numerose istituzioni museali. È stata
co-fondatrice e direttrice dell’Independent Curators
International (ICI), un’organizzazione no-profit che
organizza e promuove mostre itineranti di arte
contemporanea a livello nazionale ed internazionale
che, durante la sua gestione, ha organizzato ben
settantacinque mostre internazionali con oltre 1700
artisti nei più significativi spazi degli Stati Uniti,
d’Europa, Canada e Messico. Nei primi anni della sua
carriera è stata curatrice dello Smithsonian’s American
Art Museum. Inoltre, come moglie del compositore
Earle Brown, ha svolto per molti anni un ruolo attivo
anche nel mondo della musica contemporanea.
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Il film presenta quattro artisti che realizzano complessi progetti attraverso azioni di
appropriazione o di accumulazione. Julie Mehretu è una pittrice etiope-americana. La
telecamera l’ha ripresa a Berlino, dove ha preso temporaneamente uno studio per realizzare
un enorme dipinto. Carismatico maestro di numerosi artisti, John Baldessari integra nei suoi
lavori elementi di fotografia, pittura e scrittura. L’artista americano crea giustapposizioni visive
per associare immagini e parole e per mettere in discussione il loro significato. Kimsooja è
un’artista coreana che vive e lavora tra gli Stati Uniti e Parigi. Realizza installazioni, performance
e video ambientati in sovraffollate realtà urbane o in isolati contesti rurali, usando spesso il
proprio corpo. Applicando strategie di produzione di massa ad oggetti fatti a mano, Allan
McCollum si interroga sul significato dell’unicità dell’opera d’arte in contrapposizione ai
prodotti di massa in una società fortemente condizionata dal consumo. L’artista è noto per le
sue opere composte da centinaia di oggetti apparentemente identici ma singolarmente unici.
This film features artists who realize complex projects through acts of appropriation or accumulation. Julie
Mehretu is an accomplished Ethiopian-American painter. Art:21 filmed Mehretu in Berlin, where she temporarily
relocated her studio to accommodate an enormous painting. Influential mentor and teacher to several generations
of artists, John Baldessari integrates elements of photomontage, painting, and language in his work. He employs
visual juxtapositions to associate images with words and illuminate, confound, and challenge their meaning.
Kimsooja is a Korean-born artist who now lives in the U.S. She combines the techniques of video, performance
and installation in pieces which feature repetitive actions, practices and forms, often inserting her own body in
dense urban environments, as well as in isolated rural settings. Applying strategies of mass production to handmade
objects, Allan McCollum explores the meaning of the unique work of art versus that of mass-produced
objects for a society in the grips of consumption. He is best known for creating large quantities of nearly identical
- yet still unique - component objects that then constitute a single work of art.

15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
BOTERO BORN IN MEDELLÍN
Germania, 2008, 88’, inglese, spagnolo
REGIA Peter Schamoni
FOTOGRAFIA Ernst e Konrad Hirsch
MONTAGGIO Carston Dillhöfer
MUSICA Baden Powell, Bernd Steidl, Enigma, Peter Finger
PRODUZIONE Peter Schamoni-Film, Rob Houwer
Il regista Peter Schamoni accompagna Fernando Botero nei suoi viaggi in giro per il
mondo, dalla nativa Colombia a Parigi, New York e Tokyo, rimanendo discretamente in
secondo piano e lasciando che l’artista racconti il suo lavoro e la sua vita. Commentando
i suoi dipinti, i disegni e le sculture, Botero rivela le sue numerose fonti d’ispirazione, da
Gauguin alle statue barocche dei santi delle chiese di Medellín, sua città natale, dalle
corride con i toreri in abiti sgargianti al circo con i variopinti costumi di scena. L’artista
ci parla dell’evolversi del suo stile caratterizzato da monumentali figure così come del
suo impegno sociale a favore della pace, come emerge dal ciclo di dipinti ispirato alle
scioccanti foto della prigione di Abu Ghraib a Baghdad.
Peter Schamoni vive e lavora a Monaco. È regista
cinematografico dal 1957 e ha al suo attivo una
trentina di film e documentari. Tra questi ricordiamo:
Bodega Bohemia, 1961; In the Zwinger, 1964;
Closed Season for Foxes, 1966; Maxiliana - The
Illegal Practice of Astronomy, 1966; Hundertwasser’s
Rainy Day, 1972; Dorothea Tanning, 1978; Spring
Symphony, 1983; Camilla Horn 85, 1986; Caspar
David Friedrich - Borders of Time, 1986; Max Ernst -
Mes vagabondages, mes inquiétudes, 1991; Niki de
Saint Phalle - Who is the Monster, You or Me, 1994;
Kaiser Wilhelm II - His Majesty Needs Sunshine, 2000.
Accompanying Fernando Botero (1932) on his travels to various international capitals including Paris,
New York and Tokyo, as well as to his native Colombia, filmmaker Peter Schamoni remains discreetly in the
background, allowing the artist to describe his work and his life. Commenting on his paintings, drawings and
sculptures, Botero reveals the many sources of his inspiration, from Gauguin to the Baroque statues of saints
in the churches of his native Medellín, and from bull-fights, with their dazzlingly dressed toreros to the circus,
with its many colorful costumes. Perhaps his most fascinating stories concern the development of his unique
style, marked above all by radically obese figures of a monumental nature underscored by jarring proportions
and a reduction of details. As to Botero’s social commitment, the artist actively endeavors to make Medellín
known as a city of art, and works intensively towards fostering peace. This emerges, for example, in his moving,
monumental cycle of paintings inspired by the infamous Abu Ghraib photos that shocked the world.
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ARTE E DINTORNI
CHINE, EMPIRE DE L’ART
Francia, 2009, 56’, cinese, s.t. francese
REGIA Emma Tassy, Sheng Zhimin
FOTOGRAFIA Tian Li
MONTAGGIO Ermanno Corrado
MUSICA Dou Wei
SUONO Tao Yiran
PRODUZIONE Artline Films, Centre Pompidou, Arte France
Emma Tassy è nata nel 1974. Dal 1996 al 1998 ha
soggiornato a Pechino per approfondire l’evolversi
della scena artistica contemporanea nella capitale
cinese. Rientrata in Francia ha lavorato nel campo
dell’arte contemporanea con un’attenzione
particolare verso l’arte cinese. È scrittrice e giornalista
indipendente e collabora per Les Cahiers du Cinéma,
Ulysse, Air France Magazine, France Ô, France 5.
Sheng Zhimin è nato a Pechino nel 1969. Ha iniziato
la sua carriera come produttore per Jia Zhangke:
Platform, 2000 e per Fruit Chan: The Longest Summer,
1998, Durian, Durian, 2000, Public Toilet, 2002. In
seguito è passato alla regia dirigendo numerosi film. Tra
questi ricordiamo Two Hearts e Bliss, 1996, premiato
ai Festival di Locarno e di Shangai. Recentemente ha
realizzato Night of an Era che illustra gli ultimi vent’anni
della scena del rock in Cina.
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Nell’arco di vent’anni la scena artistica contemporanea in Cina ha subito una radicale
trasformazione. Gli artisti underground a lungo ignorati sono diventati oggi tra i più
apprezzati dal mercato internazionale. Questo film ci rivela il funzionamento interno di
un sistema dell’arte nell’ambito dei profondi cambiamenti che la Cina ha attraversato
in questi ultimi decenni. Artisti, critici, curatori e galleristi fanno luce su ciò che ha
caratterizzato la scena artistica cinese negli ultimi anni: la pittura pop degli anni ’80 e il
disprezzo per il recente passato politico; le oltraggiose caricature della società cinese da
parte dei fautori del “realismo cinico”, performance ai confini col terrorismo ed infine la
diffusione nell’ultimo decennio della cultura manga, della videoarte e di internet.
In the space of twenty years, the contemporary art scene in China has undergone a radical transformation.
Its long-ignored underground artists have become the darlings of the third largest art market in the world.
This film reveals the inner workings of a system of art in the context of the profound changes that China
has seen over the last few decades. Artists, critics, curators and gallery owners shed light on the various
artistic currents: the political pop canvases of the 1980s and their scorn for the recent political past;
the outrageous caricatures of Chinese society by the proponents of “cynical realism”; performance art
bordering on terrorism; and finally the popularity in the 2000s of manga culture (Japanese cartoons), video
art and the Internet.

15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
DAVID HOCKNEY:
A BIGGER PICTURE
Gran Bretagna, 2009, 51’, inglese
REGIA Bruno Wollheim
FOTOGRAFIA Bruno Wollheim
MONTAGGIO Christopher Swayne
MUSICA George Taylor
PRODUZIONE Coluga Pictures per BBC One Imagine
Con riprese effettuate nel corso di tre anni, questo documentario coglie l’artista britannico
David Hockney in un momento di crisi artistica ed esistenziale con l’avvicinarsi dei suoi
settant’anni. Dopo aver vissuto venticinque anni in California, Hockney ritorna in Inghilterra,
nello Yorkshire, dove decide di reinventare la sua pittura, lavorando en plain air in tutte le
stagioni e in qualsiasi condizione atmosferica. Il film ci mostra la realizzazione del più grande
quadro mai dipinto all’aperto, il Bigger Trees Near Waters, composto da cinquantaquattro
tele, poi donato alla Tate Gallery di Londra. Per superare le dificoltà legate al formato
monumentale di questo lavoro, Hockney ha utilizzato la fotografia digitale e le più recenti
tecnologie informatiche. Il film analizza il suo costante ma controverso rapporto con la
fotografia e la ritrovata passione per il paesaggio inglese.
Bruno Wollheim vive e lavora a Londra ed è
produttore e regista indipendente. Ha studiato storia
e storia dell’arte all’University College di Londra e
completato gli studi in storia dell’arte alla Harvard
Graduate School. Tra i suoi film sull’arte ricordiamo
David Hockney: Double Portrait, 2003, Portrait, 2004
e due serie televisive sulla ritrattistica moderna In Your
Face. Ha inoltre realizzato documentari sulle politiche
sociali ed un documentario sulla sordità.
Filmed over three years, this documentary captures British artist David Hockney (b. 1937) at a crisis point
in his art and life as he approaches the age of seventy. After twenty-five years in California he returns
to Yorkshire, where he decides to reinvent his painting from scratch, working throughout the seasons
and in all weather, and ends with his largest picture ever painted outdoors, Bigger Trees Near Water,
composed of fifty-four separate canvases, which he donated to the Tate Gallery in London. To create this
monumental work, and overcome problems that confronted many 19th-century painters, Hockney used
digital photography and the latest computer technology. The film examines Hockney’s enduring but vexed
love affair with photography and his rediscovered passion for rural England. From this story of homecoming
emerges an intimate portrait of the artist as an older man, and what inspires and motivates Britain’s
favourite living artist as times runs out.
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ARTE E DINTORNI
FLOODED McDONALD’S
Danimarca, 2010, 20’
AUTORI Superflex
REGIA Tuan Andrew Nguyen & Superflex
FOTOGRAFIA Ha Thuc Phu Nam
MONTAGGIO The Propeller Group
SUONO Alan Hayslip
PRODUZIONE Propeller Group // Matching Studio
Flooded McDonald’s è un filmato dei Superflex nel quale assistiamo al progressivo allagarsi
dell’interno di un McDonald’s riprodotto in studio a grandezza naturale. Tavolini e sedie,
vassoi e bevande cominciano a galleggiare finché lo spazio non viene completamente
sommerso dall’acqua.
I Superflex considerano le loro azioni come “strumenti” per influenzare ed in parte modificare
il contesto sociale ed economico. Tra i precedenti progetti ricordiamo la creazione
ed il marketing di una nuova bevanda, la Free Beer e la produzione di un’unità portatile
autosufficiente di bio-gas per fornire energia elettrica ad una famiglia in Africa. I loro progetti
sono spesso radicati in particolari contesti locali e richiedono la partecipazione dei visitatori.
I Superflex operano al di fuori del contesto tradizionale dell’arte e collaborano con architetti,
designer, ingegneri e industriali a progetti che abbiano potenziali benefici socio-economici.
Il gruppo Superflex si è formato nel 1993. Ne fanno
parte gli artisti Bjørnstjerne Reuter Christiansen
(1969), Jakob Fenger (1968) e Rasmus Nielsen
(1969) che vivono e lavorano tra Copenhagen e il
Brasile. Hanno studiato alla Royal Art Academy di
Copenhagen. Le loro mostre più recenti includono
Flooded McDonald’s alla South London Gallery,
Blackout (in collaborazione con Simon Starling)
presso Brandts, a Odense e If Value, then Copy
presso Artspace, Auckland. Mostre di gruppo:
Prospect 1, New Orleans, Green Platform,
Fondazione Palazzo Strozzi, Firenze e Convention,
Moca, Miami.
Flooded McDonald’s is a film work by Superflex in which a convincing life-size replica of the interior of
a McDonald’s burger bar, without any customers or staff present, gradually floods with water. Furniture is
lifted up by the water, trays of food and drinks start to float around, electrics short circuit and eventually
the space becomes completely submerged. Superflex describe their practice as the provision of ‘tools’
which affect or influence their social or economic context. Previous projects include the development
and marketing of a new beverage Free Beer and the production of a self-sufficient, portable biogas unit
to provide energy for a family in Africa. Their projects are often rooted in their particular local context
and invite participation from the visitor. Superflex work outside traditional art contexts collaborating with
architects, designers, engineers, businesses and marketers on projects which have the potential for social
or economic change.
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15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
HOW TO KILL THE ARTISTS
Episode 3 - Episode 5
Italia, 2008-2009, 9’, inglese
GENERE Animazione
DISEGNI E AUDIO Laurina Paperina
Laurina Paperina ha studiato all’Istituto d’Arte di
Rovereto e all’Accademia di Belle arti di Verona. Vive
tra Mori (Trento) e Duckland. Disegna, dipinge, crea
installazioni e video-animazioni. I suoi lavori sono
impregnati della realtà a cui si ispira giornalmente:
evocazioni e linguaggi che germinano dal mondo di
internet e della televisione (videoclip, cartoons, serie
tv anni ottanta e novanta) e poi dalla “street culture”
degli skaters, dei writers e dell’hip-hop. Ha all’attivo
numerose esposizioni in gallerie pubbliche e private sia
in Italia che all’estero, da New York a Parigi e poi, tra le
altre, a San Francisco, Cape Town, Madrid, Stoccolma,
Los Angeles, Vienna, Tokyo, Dublino, Shangai.
How to Kill the Artists, creata da Laurina Paperina, è una serie di animazioni che narra
ipotetiche morti di artisti famosi, ormai arrivati all’apice del successo e osannati dalla
critica. Fino al 2010 sono state realizzate cinque serie nelle quali vengono presi di mira
trentotto celebri artisti. Gli episodi 3 e 5 sono dedicati tra gli altri a Piero Manzoni, Lucio
Fontana, Gilbert and George, Douglas Gordon, Francis Bacon e David Hockney.
How to Kill the Artists, created by Laurina Paperina, is a series of animations which narrate the hypothetical
deathes of famous artists who are at the peak of their careers and hailed by the critics. To date, 2010,
five series have been created in which thirty-eight celebrated artists have been targeted, including Piero
Manzoni, Lucio Fontana, Gilbert and George, Douglas Gordon, Francis Bacon and David Hockney.
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ARTE E DINTORNI
JAN FABRE - L’HOMME
QUI MESURE LES NUAGES
Germania, Francia, 2003, 70’, inglese
REGIA Caroline Haertel, Mirjana Momirovic
FOTOGRAFIA Boris Fromageot, Uli Koehler
MONTAGGIO Mike Guergen
SUONO Thomas Hirschmann
PRODUZIONE SFB, ARTE
Caroline Haertel ha studiato letteratura romana alla
Sorbonne di Parigi, a Bologna e ad Amburgo. Ha
lavorato per il Canale televisivo europeo ARTE e ha
seguito vari progetti, tra cui il Wim Wender’s Buena
Vista Social Club.
Mirjana Momirovic ha studiato letteratura tedesca a
Sarajevo e ha lavorato per il Sarajevo Film Festival. Ha
lasciato la Bosnia poco prima dell’inizio della guerra
per studiare comunicazione e cinema a Berlino. Ha
iniziato la sua carriera dirigendo film e reportage sulla
situazione sociale e culturale della ex Yugoslavia per la
televisione pubblica tedesca.
Nel 2004 Mirjana Momirovic e Caroline Haertel
fondano “micafilm” realizzando numerosi film nel
campo dell’arte, della danza, del teatro, della
letteratura, sui problemi connessi al celibato dei preti
cattolici, sui bambini prodigio, sulla medicina, ecc.
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La carriera artistica e teatrale di Jan Fabre ha avuto inizio nei primi anni ’80 con una serie
di scandali. L’opera teatrale The Power of Theatrical Madness fu accolta dagli spettatori a
Tokyo con lanci di pomodori e sedie. A Roma il palco fu preso d’assalto dagli spettatori e
a Londra ci fu una zuffa tra sostenitori e contestatori dell’artista fiammingo. Il documentario
riprende Jan Fabre durante alcune prove teatrali, nel suo atelier e mentre ci mostra il suo
capolavoro nel Palazzo Reale di Bruxelles: un’installazione a soffitto composta da più
di un milione di luccicanti ali di coleottero. In tutto il lavoro di Fabre è ricorrente il motivo
della vulnerabilità dell’essere umano e del suo tentativo di opporvisi. Il film mostra anche
la vulnerabilità e solitudine dell’artista: “Sono di fatto morto da 30 anni. Vivo solo grazie
al mio lavoro”. Nel film incontriamo alcuni personaggi vicini a Fabre invitati ad una cena:
l’artista jugoslava Marina Abramovic, l’attrice belga Els Deceukelier, il regista britannico
Mike Figgis, il ballerino e coreografo italiano Emio Greco e il curatore e precedente direttore
del Museo Smak di Gent, Jan Hoet.
Artist Jan Fabre’s theatre career started in the early ‘80s with a series of scandals. In Tokyo his play The Power of
Theatrical Madness was welcomed by spectators throwing tomatoes and chairs. In Rome the stage was stormed
by people, and in London fans and opponents of the Flemish artist engaged in fierce fights. The portrait depicts the
artist during theatre rehearsals and in his workshop, escorts him through an exhibition of drawings and films and
shows his masterpiece in the Royal Palace of Brussels: a ceiling fresco made of more than a million shimmering
beetle wings. His entire work is characterised by one recurring motif: Man’s vulnerability and his attempt to gain
strength. The film not only draws a portrait of the obsessive and productive artist, it also reveals his vulnerability and
loneliness. ‘I have practically been dead for 30 years. I only live because of my work’. In our film, we meet some
of his friends at a festive meal: Yugoslavian artist Marina Abramovic, Belgian actress Els Deceukelier, British film
director Mike Figgis, Italian dancer and choreographer Emio Greco, who danced in Fabre’s Kompanie for several
years, and Belgian curator and former director of the Museum Smak in Gent, Jan Hoet.

15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
L’ART ET LA MANIÈRE -
FELICE VARINI:
PEINTRE - PLASTICIEN
Francia, 2009, 26’, francese
REGIA David Teboul
FOTOGRAFIA Antoine Parouty
MONTAGGIO Stéphanie Mahet
MUSICA François-Eudes Chanfrault
PRODUZIONE ARTE France
David Teboul è nato nel 1967 ed è fotografo e
cineasta. Dopo uno stage all’agenzia Magnum, esegue
una serie di servizi fotografici in Europa centrale, nei
Balcani e in Russia. Nel 1997 realizza il suo primo film
Le Bund, una memoria sui canti del movimento operaio
ebraico internazionale. Nel 2001 passa diversi mesi
nell’atelier di Yves Saint Laurent e realizza Yves Saint
Laurent 5, avenue Marceau, uno sguardo intimo sulla
famosa “Maison”, ma anche una riflessione sull’uomo
di genio e sulle sue malinconie. Ne segue il libro
fotografico Yves Saint Laurent 5, avenue Marceau,
75116 Paris France. Nel 2003 realizza Simone Veil, une
histoire française; nel 2004 Bania, una testimonianza
sul rituale dei bagni pubblici in Russia. La vie ailleurs,
del 2007, è una riflessione sulle condizioni di vita
nelle periferie francesi. Dallo stretto rapporto con gli
artisti nascono nel 2009 i due film Felice Varini e Boris
Mikhailov e la trasmissione radiofonica per France
Culture (ACR) A la recherche du grand séparateur
sull’artista-fotografo Jean-Michel Fauquet.
Felice Varini è nato nel 1952 a Locarno e vive a Parigi. Varini è un pittore “sui generis”
perché i principali supporti della sua pittura sono lo spazio e l’architettura. Le sue sono
pitture “da attraversare”. Prima di dipingere, Varini esamina il luogo prescelto in tutti
i suoi dettagli, studiandone l’architettura, i materiali, la storia, la funzione e in seguito
stabilisce il punto di vista attorno al quale prenderà forma la sua opera. Nel film l’artista
ci illustra i suoi numerosi lavori tra cui il grandioso intervento realizzato direttamente sulle
case del paese di Vercorin, in Svizzera, nell’estate 2009.
Felice Varini was born in Locarno in 1952 and currently lives in Paris. He defines himself, above all, as a
painter: but unlike other painters as he utilises space and architecture as the basis for his creations. Before
painting, Varini examines the selected site in all of its nuances and observes the architecture, materials,
history and function and only afterwards establishes the viewpoint from which his work will take form. In
the film the artist shows as many of his numerous oeuvres including his imposing work which was realised
directly on the homes of the village of Vercorin in Switzerland in the summer of 2009.
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ARTE E DINTORNI
LES VIES POSSIBLES
DE CHRISTIAN BOLTANSKI
Francia, 2009, 52’, francese
REGIA Heinz Peter Schwerfel
FOTOGRAFIA Marcel Neumann
MONTAGGIO Philippe La Bruyère
SUONO Gérard Chiron, Ulrich Lask
PRODUZIONE Schuch Conseils & Productions /
ARTE France
Heinz Peter Schwerfel è nato a Colonia nel 1954. Nel
1985 ha fondato la società Artcore Film. È giornalista e
regista cinematografico nonché direttore del festival di
arte e cinema KunstFilmBiennale. Retrospettive dei suoi
film sono state presentate tra l’altro al Centre Pompidou
di Parigi, al MoMa di New York, alla Cineteca di Città del
Messico, all’Ateneum di Helsinki e al Malba di Buenos
Aires. Tra i suoi film ricordiamo: Le grandi manovre,
1985; The Third Dimension, 1987; An American Destiny
- The Artist Jeff Koons, 1989; La finitude de la liberté,
1991; L’écriture du Dieu, 1992; Rebecca Horn. Un
concert érotique, 1993; Frammenti di un diario. Jannis
Kounellis, 1995; Make Me Think: Bruce Nauman,
1997; Contestation, Rébellion, Subversion. L’art critique
depuis Fluxus, 1997; Bertrand Lavier. Cinq pièces
faciles, 1998; Jochen Gerz. Your Art, 1998; Plaisirs/
Déplaisirs: Le Bestiaire amoureux d’Annette Messager,
2001; Alex Katz. Une question de style, 2002; Georg
Baselitz, 2004; Huit tableaux pour réfléchir si on peut
continuer comme ça - La Collection Friedrich Christian
Flick, 2005; Barocco, 2007; Berlin - Pauvre et sexy,
2008; Annette Messager. Tendresse et cruauté, 2010.
Accompagnandoci in giro per il mondo tra Parigi, Berlino e il Giappone, Christian
Boltanski parla delle sue vite, vere o possibili, di religione e di utopia e ci spiega il suo
progetto più importante, Archives of the Heart, che metterà insieme la registrazione di
decine di migliaia di battiti del cuore in un luogo remoto, da qualche parte tra l’isola di
Utopia e l’aldilà. Vediamo anche alcuni suoi lavori monumentali nascosti in seminterrati o
in luoghi lontani e filmati d’archivio inediti. Christian Boltanski ha cominciato ad esporre
in Germania nei primi anni ’70 ed ha ricevuto riconoscimenti come il Goslar Kaiserring e
il giapponese Praemium Imperiale.
The film plunges us into a sombre yet humorous universe, around the world in Paris, Berlin and Japan. The
film also contains previously unaired archive footage, confronting the artist with his own past and future.
Christian Boltanski talks of his true and possible lives, of religion and utopia, and explains his major
project Archives of the Heart that will bring together tens of thousands of heartbeats in a remote place,
somewhere between the island of Utopia and the beyond. Christian Boltanski started exhibiting in Germany
in the early 1970s and has now gained worldwide recognition for his art. He has been awarded the Goslar
Kaiserring and the Japanese Praemium Imperiale.
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15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
LORIS CECCHINI
Italia, 2010, 31’, italiano
REGIA Vincenzo Basso
FOTOGRAFIA Vincenzo Basso
MONTAGGIO Vincenzo Basso
MUSICA Oren Ambarchi
PRODUZIONE Donato Loia
Vincenzo Basso è nato nel 1988, si è diplomato
in regia alla NUCT di Cinecittà e studia cinema
all’Università Tor Vergata di Roma.
Donato Loia è nato nel 1986, si è laureato in
storia dell’arte all’Università La Sapienza di Roma e
attualmente sta per completare gli studi specialistici in
Storia dell’Arte Contemporanea.
Uniti da una comune passione per il cinema, la musica
e l’arte, hanno già collaborato per la realizzazione di
video musicali e making-of. Il loro attuale progetto è
raccontare, attraverso la voce di artisti italiani del XXI
secolo, gli ultimi sviluppi dell’arte italiana con particolare
attenzione ai giovani affermatisi a livello internazionale
in quest’ultimo decennio.
L’arte di Loris Cecchini è un “progettare poesia”: la sua ricerca artistica, dagli esordi
fino alle ultime opere, ha sempre messo in discussione il reale attraverso una dialettica
tra naturale e artificiale, confrontandosi continuamente con materiali eterogenei e
problematiche progettuali sempre nuove e diverse. Seguendo un cammino che
ripercorre le sue due esposizioni, Dotsandloops al Museo di arte moderna di Saint-
Etienne e Solidsky alla Galleria Continua di San Gimignano, questo documentario fa
luce sulle tematiche fondamentali del lavoro di Loris Cecchini attraverso il suo stesso
racconto.
The art of Loris Cecchini is a “design of poetry”: from the start of his career to his latest works, his artistic
quest has always questioned reality by using dialectic between natural and artificial forms and he has
continuously measured himself with heterogeneous materials and new, diverse projectual problems. In
following a course which examines his last two large exhibits, Dotsandloops at the Saint-Etienne Museum
of Modern Art and Solidsky at the Galleria Continua in San Gimignano, this documentary delves into the
fundamental themes of the work of Loris Cecchini.
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ARTE E DINTORNI
MICHAL ROVNER
MAKOM I - MAKOM II
Israele, 2007-2008, 8’, ebraico, s.t. inglese
REGIA Michal Rovner
FOTOGRAFIA Ardon Bar Hama, Michal Rovner,
Shahar Reznik, Yaron Eini
MONTAGGIO Yael Bedarshi, Michal Rovner
MUSICA Anouar Brahem
PRODUZIONE PaceWildenstein Gallery, Michal Rovner
Michal Rovner è nata nel 1957 e vive tra New York
e Israele. Ha al suo attivo oltre cinquanta mostre
personali tra cui Fields of Fire (2006) al Jeu de
Paume di Parigi; Against Order Against Disorder
presentato nel 2003 al Padiglione di Israele della
Biennale di Venezia; Michal Rovner: The Space
Between, 2002, una retrospettiva al Whitney Museum
of Art di New York. Nel 2005 ha realizzato una
video installazione permanente alta oltre 12 metri in
occasione dell’inaugurazione del nuovo Museo Storico
dell’Olocausto a Yad Vashem, Gerusalemme. Nel 2011
presenterà una mostra personale al Louvre di Parigi.
Michal Rovner è rappresentata dalla Pace Gallery
di New York. In Italia lavora con lo Studio Stefania
Miscetti di Roma.
Michal Rovner ha realizzato le opere Makom I e Makom II raccogliendo le pietre dalle
rovine di case israeliane e palestinesi in luoghi come Gerusalemme, Haifa, Galilea,
Hebron, Nablus. Pur essendo di dimensioni diverse, l’artista ha deciso di non tagliare
le pietre originali ma di trovare il modo per farle combaciare tra di loro. Una squadra di
muratori israeliani e palestinesi ha lavorato con Michal Rovner alla formazione di questo
puzzle complesso, un collage di luoghi e tempi diversi del peso di sessanta tonnellate.
Seguendo una classica tecnica archeologica, ogni singola pietra è stata numerata,
affinché le opere possano essere smontate e ricostruite in qualsiasi parte del mondo.
Makom began with collecting stones of dismantled Israeli and Palestinian houses throughout Israel and
the West Bank from places like Jerusalem, Haifa, Galilee, Hebron, Nablus, etc. Despite the different sizes
of the original stones, Michal Rovner decided not to cut the stones to the same size, but to find a way to fit
them together. A team of Israeli and Palestinian stone masons worked with Rovner on the complex puzzle.
The result, a 60-ton collage of places and times. Aware that, in the future, the construction would be moved
to other geographical locations, Rovner used the classical archaeological technique of numbering each
stone thus allowing the work to be deconstructed and re-constructed anywhere in the world.
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15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
MARLENE DUMAS: ONE HUNDRED
MODELS AND ENDLESS REJECTS
Stati Uniti, 2001, 10’, inglese
REGIA Branka Bogdanov
FOTOGRAFIA Aleksandar Jovanovic
MONTAGGIO Robert Kirwan
PRODUZIONE The Institute of Contemporary Art
Branka Bogdanov è regista e sceneggiatrice di
film, documentari e programmi culturali ed è stata
insignita di numerosi premi e riconoscimenti. Ha
iniziato la sua attività a Belgrado, facendosi conoscere
a livello internazionale. Nel 1989 il suo interesse
per l’arte contemporanea l’ha portata all’Institute of
Contemporary Art (ICA) di Boston. Da allora ha scritto,
prodotto e diretto oltre cinquanta film sull’arte e sugli
artisti, fra cui: An Afternoon with William Wegman,
1991; Annie Leibovitz: Words and Images, 1992; The
Bleeding Heart, 1995; Carol Rama: A Portrait, 1998;
Studio: Olafur Eliasson, 2000; Chen Zhen: Inner Body
Landscapes, 2002; The Making of the New ICA, 2008;
Anish Kapoor’s Poetic Laboratory; Damian Ortega:
Do It Yourself, 2009.
Questo documentario è il resoconto di una giornata trascorsa con Marlene Dumas nel
suo studio di Amsterdam. Circondata da pagine di riviste, foto e libri d’arte da cui trae
ispirazione, l’artista ci parla delle ansie e dei piaceri del processo creativo e ci illustra le
due serie di dipinti One Hundred Models e Rejects.
The ICA documentary on Marlene Dumas is a visual record of one day spent with the artist in her studio
in Amsterdam. Dumas reflects humorously and candidly on the pleasures and anxieties of the creative
process. Surrounded by the magazine clips, photos and art books that inspire her, Dumas discusses her
two drawings series One Hundred Models and Rejects with passion and wit.
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ARTE E DINTORNI
NEXT: A PRIMER
ON URBAN PAINTING
Canada, Francia, 2005, 95’, inglese, francese,
spagnolo, portoghese, giapponese
REGIA Pablo Aravena
FOTOGRAFIA John Barrett Ashmore, Duraid Munajim,
Alain Julfayan and Peter Krieger
MONTAGGIO Christopher Hills-Wright
MUSICA Sixtoo, Moonstarr, Scott C, Quantic, DJ Nuts
SUONO Marco Fania
PRODUZIONE Nadja Romain, Love Streams Production agnès b.
La Street Art è un fenomeno underground entrato gradualmente nel circuito dell’arte
convenzionale. Si è sviluppato come movimento culturale e sociale di massa alla fine degli
anni Novanta, diffondendosi nei centri delle grandi metropoli nord-americane, in Europa e
negli altri continenti. Incorporando e creando una varietà di nuove forme di espressione e
linguaggi nati dalla contaminazione di culture diverse, la Street Art ha fortemente influenzato
l’arte, la musica, la moda, il design, il cinema e la letteratura. I lavori di giovani artisti di
strada hanno ottenuto riconoscimenti da riviste, gallerie d’arte e importanti collezionisti.
Combinando immagini dal vero con interviste a esponenti del mondo dell’arte, giornalisti,
sociologi e DJ, il film trasmette il dinamismo e la brillante creatività di questo movimento
artistico emergente.
Pablo Aravena vive e lavora a Montreal ed è regista,
ricercatore e produttore. Ha studiato produzione
cinematografica alla Concordia University, laureandosi
nel 1997. Lavora come freelance nel campo del
cinema e della televisione e ha diretto documentari,
video e video-reportage nel campo musicale.
Attualmente il suo interesse è volto verso i vari aspetti
della cultura urbana. NEXT: A Primer on Urban
Painting, la cui lavorazione è durata quattro anni, è il
suo primo lungometraggio.
Urban Culture is an underground phenomenon, which is steadily and subtly seeping into the mainstream.
This hybrid culture, originating as a mix of music and new forms of visual expression, was born in the large
metropolitan centers of North America and Western Europe. A dynamic blend of minority and immigrant
cultures, it exploded out of the inner cities in the late 20th century, carrying the underground torch into the 21st
century. Incorporating, appropriating, and creating a variety of forms of expression, it has greatly influenced
new music, fashion, art, design, film, and literature. Painting has been taken in a new direction by a global
group of young artists arising out of Urban Culture. Their work has gained recognition among their peers as
well as by magazines, art galleries, and important collectors. Combining vérité visual moments and interviews
with painters, journalists, collectors, sociologists, DJ’s, art critics and other participants within the subculture,
the film conveys the dynamism and creative brilliance of this important emerging artistic movement.
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15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
PICASSO AND BRAQUE
GO TO THE MOVIES
Stati Uniti, 2008, 60’, inglese
REGIA Arne Glimcher
FOTOGRAFIA Petr Hlinomaz
MONTAGGIO Sabine Krayenbuehl
PRODUZIONE Cubists LLC
Martin Scorsese, Robert Greenhut, Bonnie Hlinomaz
Arne Glimcher ha fondato nel 1960 a Boston la Pace
Gallery che ha ospitato i maggiori esponenti dell’arte
moderna e contemporanea e che ora conta tre sedi
a New York e una a Pechino. È anche produttore e
regista cinematografico. Ricordiamo i film: Just Cause,
1995; The Mambo Kings, 1992; The Good Mother,
1988; Gorillas in the Mist e Legal Eagles, 1986. Nel
2003 ha ricevuto la Legion d’Onore dal Presidente
della Repubblica francese. E’ nel consiglio direttivo
dell’African Environmental Film Foundation e del
Mount Sinai Medical Center di New York. È autore di
numerose pubblicazioni tra cui Agnes Martin, 2000;
Je Suis le Cahier: The Sketchbooks of Picasso, 1986;
Modern Art and Modern Science: The Parallel Analysis
of Vision, 1984; Louise Nevelson, 1972. Insieme con
Milly Glimcher, ha pubblicato nel 2001 Adventures in
Art: 40 Years at Pace.
Questo film ci mostra gli effetti e l’influenza della rivoluzione tecnologica ed in particolare
dell’aviazione e del cinema su artisti come Pablo Picasso e Georges Braque. Con la
narrazione di Martin Scorsese e interviste a studiosi d’arte e artisti, tra cui Chuck Close,
Julian Schnabel e Eric Fischl, il film esamina l’incontro tra cinema e arte all’inizio del XX secolo
e ci aiuta a comprendere la continua influenza del cinema sull’arte del nostro tempo.
This film is a cinematic tour through the effects of the technological revolution, specifically the invention of
aviation, the creation of cinema and their interdependent influence on artists Pablo Picasso and Georges
Braque. With narration by Scorsese, and interviews with art scholars and artists including Chuck Close, Julian
Schnabel and Eric Fischl, the film examines the collision course between film and art at the turn of the 20th
Century and helps us to comprehend cinema’s continuing influence on the art of our time.
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ARTE E DINTORNI
THOMAS HIRSCHHORN:
UTOPIA, UTOPIA - ONE WORLD,
ONE WAR, ONE ARMY, ONE DRESS
Stati Uniti, 2005, 15’, inglese
REGIA Branka Bogdanov
FOTOGRAFIA Aleksandar Jovanovic, Dusan Solomun,
Guy DeFeis
MONTAGGIO Randall Martens
PRODUZIONE ICA
Branka Bogdanov è regista e sceneggiatrice di
film, documentari e programmi culturali ed è stata
insignita di numerosi premi e riconoscimenti. Ha
iniziato la sua attività a Belgrado, facendosi conoscere
a livello internazionale. Nel 1989 il suo interesse
per l’arte contemporanea l’ha portata all’Institute of
Contemporary Art (ICA) di Boston. Da allora ha scritto,
prodotto e diretto oltre cinquanta film sull’arte e sugli
artisti, fra cui: An Afternoon with William Wegman,
1991; Annie Leibovitz: Words and Images, 1992; The
Bleeding Heart, 1995; Carol Rama: A Portrait, 1998;
Studio: Olafur Eliasson, 2000; Chen Zhen: Inner Body
Landscapes, 2002; The Making of the New ICA, 2008;
Anish Kapoor’s Poetic Laboratory; Damian Ortega:
Do It Yourself, 2009.
Nella mostra Utopia, Utopia Thomas Hirschhorn riflette sul concetto di mimetizzazione
ricorrente nella cultura contemporanea. L’abbigliamento mimetico militare è un immediato
riferimento simbolico alla guerra: i soldati lo usano per mimetizzarsi con l’ambiente, ma
il ‘camouflage’ è anche una moda nel vestire diffusa in tutto il mondo. L’artista porta
questa tendenza alle estreme conseguenze, creando uno spazio utopico nel quale il
disegno mimetico militare diventa una metafora dell’uguaglianza. Nella mostra realizzata
al Wattis Institute for Contemporary Arts di San Francisco, Hirschhorn va oltre i criteri
espositivi tradizionali, creando strutture complesse nelle quali combina illustrazioni,
manichini, vetrine usando materiali eterogenei, come il foglio di alluminio, il cartone, la
plastica, il compensato e fogli di giornali.
In the exhibit entitled Utopia, Utopia, Thomas Hirschhorn delves into the theme of camouflage which
is so recurrent in contemporary culture. Military camouflage clothing emblemises the conflicts currently
underway in Afghanistan and Iraq and is used by soldiers to blend in with the surrounding area. However,
it is also a fashion style used to draw attention to oneself. The artist takes this tendency to an extreme,
creating a utopian world in which camouflage dress becomes a metaphor for equality in the world. In the
exhibit, realised at the Wattis Institute for Contemporary Arts in San Francisco, Hirschhorn goes beyond his
customary exhibit criteria and creates complex structures which combine signs, illustrations, mannequins
and vitrines using miscellaneous materials such as sheets of aluminium, cardboard, plastic, plywood or
pages torn from magazines.
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15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
VIEWS ON VERMEER -
12 SHORT STORIES
Olanda, 2009, 70’, inglese, olandese
REGIA Hans Pool
AUTORE Koos de Wilt
FOTOGRAFIA Hans Pool
MONTAGGIO Maaik Krijgsman
SUONO Jan Wouter Stam
PRODUZIONE Lagestee Film BV, AVRO
Hans Pool è nato nel 1962. Ha studiato lingua e
letteratura olandese all’Università di Amsterdam
e regia, fotografia e design audiovisivo alla Royal
Academy dell’Aia. È regista e operatore. Ha realizzato
numerosi film, documentari e serie televisive.
Ricordiamo: Polderweg 106, 1992; A New Horizon,
1994; The Wedding, 1994; Single Luck, 1998;
Three Weeks Party, 2000; A Principle Choice, 2001;
Tomorrow I Will Be the Bride, 2001; Boundless Desire,
2003; All About Theatre, 2004; De Genco’s, 2004;
Looking for an Icon, 2005; The Official Tribute to
Senna, 2005; Pain, 2006; Rembrandt Inc., 2006; Van
Dis in Afrika, 2007; From Moscow to Magadan, 2009.
Johannes Vermeer (1632-1675) ci ha lasciato solo trentasei dipinti, ma la sua influenza
è oggi più grande che mai. Mostre di successo, il romanzo La ragazza dall’orecchino di
perla e il film che ne è stato tratto, hanno attirato l’attenzione del grande pubblico. Cosa
rende Veermer così attuale Influenti artisti contemporanei, fotografi e opinionisti ci svelano
il misterioso e straordinario impatto di questo maestro del XVII secolo sulla nostra epoca.
Tra questi: Tracy Chevalier, autrice del romanzo storico La ragazza dall’orecchino di perla; il
fotoreporter e giornalista Steve Mc Curry che scattò il famoso ritratto della ragazza afghana;
l’artista americano Chuck Close e il fotografo olandese Erwin Olaf. Ognuno di loro focalizza
l’attenzione su una particolare qualità artistica dell’opera di Vermeer, aiutando lo spettatore a
considerarla con occhi diversi: dal modo di dipingere i mattoni alle celate questioni politiche.
Vermeer si configura come un diretto precursore della fotografia e del cinema e come fonte
di ispirazione per i pittori contemporanei.
Johannes Vermeer (1632-1675) left us a small oeuvre of only 36 paintings. Internationally, the power of
his work is now more profound than ever. Blockbuster exhibitions, the novel and movie Girl with a Pearl
Earring caught a broad audience. What do we see in Vermeer that makes him so contemporary Influential
contemporary artists, photographers and opinion leaders unravel the extraordinary and mysterious impact
of this 17th century master in our day and age. Among them: Tracy Chevalier, author of the historical
novel Girl with a Pearl Earring; American photojournalist Steve McCurry, who shot the famous Afghan
Girl portrait; American artist Chuck Close and Dutch photographer Erwin Olaf. Each section focuses on
a particular quality of Vermeer’s work, helping the audience to look upon it with new eyes: from the
way he painted bricks to the hidden political subject matter. The artist emerges as a direct precursor of
photography and cinema, and a model of inspiration for today’s painters.
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ARTE E DINTORNI
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ARCHITETTURA
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ARCHITETTURA
GARRISON. A POSTCARD
FROM PARADISE
Italia, Stati Uniti, 2009, 52’, italiano, inglese, spagnolo,
giapponese, francese
AUTORI Anton Giulio Onofri, Siretta Onofri
MUSICA Ludovico Einaudi
PRODUZIONE Actamovie
Anton Giulio Onofri è nato a Roma nel 1959, è regista
e autore di trasmissioni televisive e video dedicati
alla cultura e all’arte. Nel 2001 dirige il suo primo
mediometraggio, Ah già, che tu non c’eri, dedicato
all’attività del gruppo artistico piemontese degli ‘Eredi
Brancusi’. Sempre nel 2001, il suo corto Mele viene
selezionato da Nanni Moretti per quella che a tutt’oggi
è l’ultima edizione del Sacher Festival. Nel 2004 realizza
Visioni di Palio, documentario sul Palio di Siena con 17
scrittori italiani contemporanei, da Andrea Camilleri a
Barbara Alberti, da Melania Mazzucco a Tiziano Scarpa,
da Carlo Lucarelli a Erri De Luca. E’ del 2007 The
Sound of Rome, il film con Antonio Pappano che dal
podio dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa
Cecilia illustra i Poemi Sinfonici della Trilogia Romana di
Ottorino Respighi, pubblicato in DVD dalla EMI.
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Nello scorcio più spettacolare della Hudson Valley, dove nacque la prima scuola di pittura
nordamericana, l’architetto spagnolo Alberto Campo Baeza ha costruito per Nancy
Olnick e Giorgio Spanu una casa di vetro e cemento dalla quale godere la splendida
vista sull’ansa del fiume e dove custodire la loro collezione di artisti rigorosamente
italiani: Michelangelo Pistoletto, Lucio Fontana, Mario Merz, Enrico Castellani, Alighiero
Boetti, Carla Accardi, Gilberto Zorio, Fausto Melotti, Giulio Paolini, Mario Airò, Domenico
Bianchi, Massimo Bartolini e tanti altri.
In the spectacular scenario of the Hudson Valley, where the first school of North American painting
emerged, the Spanish architect Alberto Campo Baeza built a glass and cement home for Nancy Olnick
and Giorgio Spanu from which they could enjoy the splendid view of the river and where they could house
their collection of exclusively Italian art works including those of Michelangelo Pistoletto, Lucio Fontana,
Mario Merz, Enrico Castellani, Alighiero Boetti, Carla Accardi, Gilberto Zorio, Fausto Melotti, Giulio Paolini,
Mario Airò, Domenico Bianchi, Massimo Bartolini and many others.

15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
LEARNING FROM LIGHT:
THE VISION OF I.M. PEI
Stati Uniti, 2009, 60’, inglese
REGIA Bo Landin, Sterling Van Wagenen
FOTOGRAFIA Jens Jansson
MONTAGGIO Michael Fox
MUSICA Yo-Yo Ma e The Silk Road Project
PRODUZIONE LVL Slickrock Films
in collaborazione con Qatar Museums Authority
Bo Landin è fondatore e produttore esecutivo della Scandinature
Film e presidente della Swedish Company Assorted Nuts
Animation Studios. E’ laureato in Scienze biologiche all’Università
di Gothenburg e da oltre quarant’anni scrive libri e articoli di
scienze, storia naturale ed ecologia. Nel campo ambientale
ha realizzato numerosi documentari e programmi radiofonici e
televisivi di grande successo. Tra questi ricordiamo: The Baltic
Sea, 1986; Cubatao - The Valley of Death, 1987; Arctic Tragedy,
1993; Secrets of the Pharaohs, 1995; The Dead Sea Scrolls
-Voices from the Desert, 1998; Parting Lands, 2005; Ultimate
Cruise Ship, 2006.
Sterling Van Wagenen è professore universitario, produttore
e regista. E’ stato co-fondatore del ‘Sundance Film Festival’
nell’Utah e del ‘Sundance Institute’. Ha realizzato numerosi
film, documentari e serie televisive ottenendo numerosi premi.
Ricordiamo: The Trip to Bountiful; The Witching of Ben Wagner;
la serie shakespeariana Hamlet, Othello, King Lear e Richard II;
Christmas Snows, Christmas Winds; Alan and Naomi; Yosemite:
The Fate of Heaven; Letting God Have His Way; Small Fortunes:
Microcredit and the Future of Poverty che nel 2005 ha inaugurato
l’Anno Internazionale del Microcredito alle Nazioni Unite.
Cultura, natura e luce sono gli elementi fondamentali per uno dei maestri dell’architettura
mondiale, il cino-americano I.M. Pei (nato nel 1917). Il film pone l’attenzione su uno dei
suoi ultimi lavori: il Museo di Arte Islamica di Doha, in Qatar, inaugurato nel 2008. I.M.Pei
era quasi novantenne quando accettò questo incarico, forse il più impegnativo mai
ricevuto: “Molto francamente, non mi sentivo all’altezza… prima di dare il mio consenso
ad accettare il lavoro dovevo apprendere qualcosa di più sulla storia dell’Islam”. Per
mesi I.M.Pei si è immerso nell’architettura islamica, cercando di catturarne l’essenza;
si è recato in Spagna, a Cordova e all’Alhambra di Granada e in Egitto dove ha trovato
particolare ispirazione nella moschea Ahmed Ibn Tulun del Cairo. Il nuovo Museo di
Arte Islamica è stato definito il “Louvre del Medio Oriente” ed è stato accolto come una
meraviglia mondiale dell’architettura, una splendida vetrina per una delle più raffinate
collezioni di arte islamica del mondo.
Culture, nature and light: these three elements provide the structure for this exploration of the mind and
heart of one of the world’s master architects, Chinese-American I. M. Pei (b. 1917). The film focuses on his
latest work: the Museum of Islamic Art in Doha, Qatar. He was nearly 90 years old when he accepted the
commission, perhaps his toughest yet. “Very frankly, I didn’t feel qualified... my acceptance was conditional,
based on my learning something about the history of Islam”. The film takes us to Cordoba and the Alhambra
in Grenada and then to Cairo, in search of reference points to fully understand Pei’s architecture. For months,
Pei steeped himself in Islamic architecture, hoping to capture its essence, deriving inspiration in particular
from the Ahmed Ibn Tulun Mosque in Cairo. Already, the new Museum of Islamic Art has been dubbed the
“Louvre of the Middle East” and after opening its doors to the public in November 2008, it has been hailed as
an architectural world wonder, a fitting showcase for one of the world’s finest collections of Islamic art.
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ARCHITETTURA
RAY KAPPE: CALIFORNIA MODERN
MASTER - FORTY YEARS OF
MODULAR EVOLUTION
Stati Uniti, 2009, 27’, inglese
REGIA Muffie Dunn
FOTOGRAFIA Tom Piper
MONTAGGIO Chris White
MUSICA Fernwood / Kirsty Hawkshaw
PRODUTTORE Edgar B. Howard
PRODUZIONE Checkerboard Film Foundation
Muffie Dunn è direttore esecutivo della Checkerboard
Film Foundation, un’organizzazione non-profit di
New York volta a documentare attraverso il film e il
video il lavoro di artisti e personaggi che hanno dato
un importante contributo alla società americana. Ha
realizzato i film di architettura: Daniel Libeskind: Denver Art
Museum, Hamilton Building, 2008; Jean Nouvel: Guthrie
Theater, 2008; Yoshio Taniguchi: The New Museum of
Modern Art, 2008; Rick Joy: Interludes, 2009.
Ray Kappe è una figura rappresentativa della scena dell’architettura di Los Angeles.
Nel 1972 ha fondato il Southern California Institute of Architecture (SCI- ARC), dove
gran parte degli architetti della giovane generazione hanno studiato o insegnato. Le
sue case in vetro e legno dolcemente rettilinee, basate su principi modulari, e realizzate
con tecnologie moderne con una particolare attenzione al clima locale, continuano ad
esplorare i principi del Modernismo di Los Angeles avanzati dal lavoro di Richard Neutra,
Rudolph Schindler ed altri nei primi anni del XX secolo. Ray Kappe, nato nel 1927, è
oggi in prima linea nella progettazione di prefabbricati secondo i criteri di un’architettura
sostenibile. Il film riprende Kappe tra le mura domestiche, cominciando con una visita
nella casa che costruì per la sua famiglia nel 1967 a Pacific Palisades e segue le fasi
della sua carriera.
Ray Kappe has long been a cult figure in the Los Angeles architectural scene. In 1972 he founded
the influential, avant-garde Southern California Institute of Architecture (SCI- ARC), where many of the
younger-generation architects have studied or taught. In addition, his smoothly rectilinear wood-and-glass
houses, based on modular principles, modern technology, and a sensitive response to the regional climate,
continue to explore the principles of Los Angeles Modernism put forth in the works of Richard Neutra,
Rudolph Schindler and others in the early 20th Century. Significantly, the architect, born in 1927, is at the
forefront of prefabricated, sustainable design today. The film explores Kappe’s thinking behind his domestic
work, beginning with a tour of the iconic hillside house he built for his family in Pacific Palisades in 1967,
and traces the trajectory of his career that led to his two heralded, sustainable, prefabricated houses
designed for LivingHomes in 2006-2007.
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15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
FOTOGRAFIA
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FOTOGRAFIA
DESERTO ROSA - LUIGI GHIRRI
Italia, 2009, 47’, italiano
REGIA Elisabetta Sgarbi
FOTOGRAFIA Daniele Baldacci
MUSICA Franco Battiato
ATTORI Sabrina Colle, Andrea Renzi
VOCI Toni Servillo, Andrea Renzi
PRODUZIONE Betty Wrong
Elisabetta Sgarbi è regista e direttore editoriale della
casa editrice Bompiani. Ha diretto, tra gli altri: This is
my Chocky Message, 2000; La notte che si sposta -
Gianfranco Ferroni, 2002; Fantasmi di voce - Antonio
Stagnoli, 2003. Notte senza fine. Amore, tradimento,
incesto, è il suo primo lungometraggio; seguono
Palladio, la luce della ragione, 2005; Apparizioni -
Mathias Grünewald, 2006; Tresigallo, dove il marmo
è zucchero, 2006; La bicicletta incantata, 2006; Le
Nozze nascoste o la Primavera di Sandro Botticelli,
2007; Il pianto della statua, 2007; Non chiederci la
parola - Il Gran teatro montano del Sacro Monte di
Varallo, 2008. Nel 2009 dirige L’ultima salita. La Via
Crucis di Beniamino Simoni; Deserto Rosa - Luigi
Ghirri e Raffaello. La stanza della segnatura. Collabora
con il “Il Sole 24 Ore”. Ha ideato, e da undici anni
ne è il Direttore artistico, il festival ‘La Milanesiana
Letteratura Musica Cinema Scienza’.
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Accostarsi alle fonti dell’emozione, questo è il criterio-guida di tutta l’opera di Luigi
Ghirri ed è anche l’obiettivo del film. L’ultimo progetto di Luigi Ghirri, doveva essere
una ‘casa delle stagioni’: acquistare un casolare, che compare nelle ultime opere del
fotografo, nei pressi della sua casa di Roncocesi, in Emilia Romagna, e allestirvi mostre
legate ciascuna alla stagione corrente, in modo da creare una stretta relazione tra
tempo naturale e tempo dell’arte. A questo progetto interrotto si ispira Deserto Rosa,
in cui la telecamera ‘visita’ una serie di paesaggi fotografati da Ghirri appunto secondo
l’alternarsi delle stagioni: Primavera, Estate, Autunno, Inverno e Primavera notturna.
Aleksandr Sokurov racconta ciascuna stagione rappresentata nel film, focalizzando in
forma narrativa il sentimento della ciclicità del tempo di Luigi Ghirri.
The purpose of this film is to approach the sources of emotion, which are the essential guidelines of the
great photographer Luigi Ghirri’s entire body of work. His ultimate project, was a “house of seasons”: he
planned to buy a cottage - appearing in his last works - near his house in Roncocesi, with the aim of using it
as a venue for staging of a series of exhibitions, each related to a season, in order to establish a relationship
between the time of nature and the time of Art. Deserto Rosa is inspired by this interrupted project: the
camera “pays a visit” to a sequence of landscapes photographed by Ghirri during the seasons of Spring,
Summer, Autumn, Winter and “Nocturnal Spring”. Aleksandr Sokurov describes each season represented in
the movie, and in a narrative form, focuses on Luigi Ghirri’s concept of the cyclic nature of time.

15° FESTIVAL INTERNAZIONALE DI FILM SULL’ARTE CONTEMPORANEA | artecinema
MARTIN PARR.
THE MAGIC MOMENT
Olanda, Gran Bretagna, Francia, 2003, 60’, inglese, olandese
REGIA Hank Onrust
FOTOGRAFIA Sander Snnoep (Peter Mariouw Smith, Hank Onrust)
MONTAGGIO Brian Ent (Govert Janse)
SUONO Pieter Guyt
(Frenk van der Sterre, Mark Wessner, Menno Euwe)
PRODUZIONE Pascale de Ruiter
Hank Onrust è nato nel 1941. Ha studiato alla Royal
Academy of Art dell’Aia e al Royal College of Art di
Londra. E’ produttore e regista televisivo. Ha realizzato
vari programmi culturali e di arte per la Televisione di
Stato olandese, VPRO, tra cui la serie RAM (Round
About Midnight); inoltre i film The Ivory Tower, Men
Suffering, The Sacred Fire, Atlantis e Northern Lights.
E’ stato membro del comitato Netherlands Architecture
ed ha realizzato documentari su una serie di architetti.
La sua filmografia comprende tra l’altro: The Flying
Man, 2001; Nelly van Doesburg. Get up and Change
the Mess, 2000; Mart Stam - The Architect’s Life and
Work, 1996; Diary of Anne Frank, 1985.
Martin Parr (Surrey, Inghilterra, 1952) è uno dei fotografi più innovativi del nostro tempo.
Inizia la sua carriera negli anni Settanta, dopo aver studiato fotografia al Manchester
Polytechnic College. Nel 1994 entra a far parte dell’agenzia fotografica Magnum. Fin dagli
esordi Martin Parr si è interessato ai comportamenti sociali, al modo in cui le persone
arredano le proprie case, ai cibi che scelgono di mangiare, agli abiti che indossano, alle mete
turistiche che prediligono ed ha cominciato a fotografare queste abitudini ordinarie con uno
sguardo acuto ed ironico. Il filo rosso che percorre tutti i suoi lavori è un’attenta riflessione
sul consumismo, inteso non solo come stile di vita, ma come ideologia paradossale della
società contemporanea.
La sua è soprattutto una riflessione sulla fotografia come mezzo
di rappresentazione del reale in un mondo in cui il reale e la sua immagine si confondono
sempre di più fra loro. In questo documentario vediamo una carrellata delle sue fotografie
più note, lo ascoltiamo mentre ci parla del suo lavoro e lo seguiamo ad Ascott durante il
Ladies Day mentre realizza alcuni scatti della famosa serie Luxury.
Martin Parr (Surrey, England, 1952) is one of the most innovative photographers of our time. He began his
career in the Sixties, after having obtained his degree in photography at Manchester Polytechnic College. In
1994, he joined Magnum Photos. Since the start of his career, Martin Parr has always been interested in social
behaviour, the manner in which people decorate their own homes, the food they choose to eat, the clothes they
wear and their favourite holiday sites. He began to catalogue these ordinary habits with a keen, cutting sense
of irony. The continuous thread which runs through all of his work is his attentive reflection upon consumerism,
intended not only as a life style but also as a paradoxical ideology of contemporary society. Above all, his work
reflects upon photography as a means expressing reality in a world in which reality and the image of reality have
become increasingly intertwined. In this documentary, produced by the Dutch State Television, the audience is
able to view a conspectus of Parr’s most interesting photos, listen to him speak about his work and follow him
on Ladies Day at Ascott as he takes photographs for his famous Luxury series.
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FOTOGRAFIA
Rineke Dijkstra
Stati Uniti, 2001, 16’, inglese
REGIA Branka Bogdanov
FOTOGRAFIA Aleksandar Jovanovic
MONTAGGIO Robert Kirwan
PRODUZIONE The Institute of Contemporary Art
Branka Bogdanov è regista e sceneggiatrice di
film, documentari e programmi culturali ed è stata
insignita di numerosi premi e riconoscimenti. Ha
iniziato la sua attività a Belgrado, facendosi conoscere
a livello internazionale. Nel 1989 il suo interesse
per l’arte contemporanea l’ha portata all’Institute of
Contemporary Art (ICA) di Boston. Da allora ha scritto,
prodotto e diretto oltre cinquanta film sull’arte e sugli
artisti, fra cui: An Afternoon with William Wegman,
1991; Annie Leibovitz: Words and Images, 1992; The
Bleeding Heart, 1995; Carol Rama: A Portrait, 1998;
Studio: Olafur Eliasson, 2000; Chen Zhen: Inner Body
Landscapes, 2002; The Making of the New ICA, 2008;
Anish Kapoor’s Poetic Laboratory; Damian Ortega:
Do It Yourself, 2009.
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La cinepresa segue Rineke Dijkstra nel suo studio di Amsterdam mentre l’artista riflette
sull’idea della transitorietà del tempo nei suoi ritratti di adolescenti e fornisce aneddoti
su alcune delle sue fotografie più famose e sul suo approccio al mezzo fotografico. La
seguiamo durante una visita a un rifugiato bosniaco mentre ci affascina con storie sui
personaggi che catturano il suo sguardo.
The camera follows Rineke Dijkstra through her studio in Amestrdam, as the artist contemplates the idea
of transition in her portraits of adolescents, provides “behind the scene” stories about some of her most
renowned photographs, and discusses her approach to the medium of photography. Also, the ICA’s film
crew follows Dijkstra on a visit with a young Bosnian refugee, captivating the viewer with stories about the
characters that occupy her visual world.

Istituto
Italiano
per gli Studi
Filosofici
Diploma d’onore
del Parlamento Europeo
Via Monte di Dio, 14
Palazzo Serra di Cassano
80132 Napoli
Tel. 081 7642652
Fax 081 764 2654
www.iisf.it
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JACQUES DERRIDA
École des Hautes Études en Sciences Sociales
Per Gerardo Marotta: dare e ricevere ragione
In occasione del conferimento della laurea honoris causa
in Filosofia dell’Università di Paris III Sorbonne-Nouvelle
Un giorno gli si darà ragione e più che mai si capirà che, molto prima
degli altri, ha visto lontano, in anticipo sui tempi. Anche noi, perciò, non
dobbiamo frapporre indugi.
L’homme des Lumières: così s’intitolava un congresso internazionale, tenuto a
San Pietroburgo e a Parigi. Gerardo Marotta ne raccolse gli atti in un libro
pubblicato a Napoli nel 1992. Ma questo titolo merita un’attribuzione:
a mio avviso “l’homme des Lumières”, oggi come domani, è lui, Gerardo
Marotta. Se mi si domandasse a bruciapelo di rispondere alla domanda
«qual è il modello per l’homme des Lumières nel 1996», non troverei
identificazione migliore.
Mi piace pensare all’avvocato e mi accorgo che la mia ammirazione per
quest’uomo fuori del comune non ha misura: è sorridente, affettuosa, ma
soprattutto grande e singolare. Sì, è dentro di me, ma più grande di me.
Grande come il mondo eppure stretta, penetrante e in salita, come un
vicolo soleggiato di Napoli.
L’ammirazione non è disgiunta dalla gratitudine per ciò che ho ricevuto da
quest’ospite incomparabile, io come tanti altri, quando son stato a casa sua,
nel sud dell’Italia. Ma l’ammirazione riguarda soprattutto quel che, prima di
essere un dono di ospitalità, è degno di essere ammirato. Un’ammirazione
che è più grande di me, come ho detto, perché comprende il mondo che
l’avvocato ha fatto suo: la causa dell’universalità, la causa della ragione difesa
appassionatamente, in Europa e nel mondo, nelle aule di quei giganteschi
tribunali che sono le istituzioni internazionali, da Strasburgo a New
York, dal Parlamento europeo alle Nazioni unite. Una causa proclamata
dalle tribune dell’umanità dove Gerardo Marotta ebbe l’inaudita audacia
di chiamarci perché unissimo la nostra voce al suo Appello per la filosofia.
Cittadino del mondo e amante della res publica, quest’illuminista ha osato
lanciare al mondo un appello per la salvezza, il passato e l’avvenire della
filosofia, per il rispetto incondizionato del pensiero, a favore del sapere e dei
libri, per la pedagogia e per la ricerca, per l’umanesimo e per la scienza.
La mia ammirazione è singolare perché questa figura esemplare di fede
nell’illuminismo del nostro tempo e di domani è contornata da un’aura di
seduzione irresistibile: è il carisma di un uomo gracile, modesto, sorridente
ed arguto, riservato, anche se sempre presente a tutti, sensibile di volta in
volta ai casi individuali dei suoi amici, dei suoi colleghi e dei suoi studenti. Sì,
sono tutti suoi ospiti, e se nel ricevere le persone egli intende raccoglierne
il pensiero, la filosofia, il sapere, l’umanità, gli scritti, non dimentichiamo
che, mentre riceve, egli dona: dà la parola all’ospite e gli fa dono della sua.
Sempre egli rende visita ai suoi ospiti, anche quando essi sono a casa sua. È
pronto ad ascoltare, suprema cortesia, come se fosse lui l’invitato. È questa
la grande arte, un’arte rispettosa delle leggi dell’ospitalità.
Dirò ancora che la mia ammirazione è singolare, perché vivificata nella
memoria da un insieme di sensazioni: sono sussurri, immagini e profumi.
Per ritrovare Marotta a volte mi basta rievocare un’intonazione: faccio
risuonare il suo nome all’italiana, come i conducenti dei taxi quando si
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è a Napoli, e si è in ritardo per l’Istituto. Appena sentono quel nome, loro
sanno dove andare: ma non dove, sanno da chi si deve andare. Perché
l’Istituto, quest’asilo o santuario della filosofia universale, è innanzi tutto
una casa, è casa sua. Nel tornare indietro col pensiero si procede come
al rallentatore, perciò spesso mi compiaccio di salire lentamente - questa
volta senza taxi - un viale di ricordi. Mi soffermo, mi abbandono al piacere
di analizzare nel dettaglio un singolo episodio, depositato in fondo alla
mia immaginazione; oppure analizzo le tappe del mio viaggio per Napoli,
quando recarsi in questa città è come andare nel centro del mondo. Allora
scopro il cosmopolitismo, quello di cui parla Kant nell’orizzonte della
“pace universale”, il “diritto cosmopolita”: lo scopro in fondo a un vicolo
inondato da profumi, colorato dalla frutta, gremito di grida, ombre e luci;
e il ricordo va a una strada di Algeri, nella mia infanzia.
Ovunque mi trovi, posso sempre fantasticare di risalire la via Monte di Dio,
mentre mi reco all’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici. Vi sono stato
spesso, ma ricordo bene la prima volta, parecchi anni fa. Non conoscevo
ancora il fascino di Gerardo Marotta, efficacemente protetto dalla virtù
della sua discrezione. Il suo è un nome di risonanza mondiale, lui è un
grande navigatore della cultura: questo è l’audace Gerardo Marotta, ma
nel fondo è un uomo timido, riservato, prudente (il contrario dell’uomo
mondano). Ho scoperto il suo fascino poco per volta, tutte le volte
che tornavo in cima a quella collina, in quei luoghi di meditazione e
discussione che meriterebbero d’esser rappresentati in un affresco o in
un romanzo d’altri tempi. Ho detto “quei luoghi”, al plurale, perché non
saprei contarli. L’Istituto per me rappresenta un insieme di cause e di cose:
una dimora abitata da sussurri e cigolii, ma anche un castello dove i lavori
di costruzione e restauro sono sempre in corso, un monumento storico
rivestito da un’impalcatura perenne (l’ “impalcatura” rende bene l’idea
dell’attività di quest’intraprendente architetto), un monastero al riparo dal
mondo, un’università superstite del Medioevo e un Collegio internazionale
del XXI secolo «mondializzato», provvidamente già nato. Ecco i navigatori
multimediali, qui sono i fax e la e-mail, lì le telecamere e i sistemi video, si
organizzano conferenze simultanee e poliglotte, i sistemi di archiviazione
sono rigorosamente high-tech.
Il disordine magistralmente organizzato dell’Istituto può essere paragonato
a quello di un mercato meridionale dove le merci si trovano tutte però
al loro posto, e così il mangiare e il bere: l’Istituto è insieme una fiera
del libro, un forum, un’agorà, un parlamento di filosofi, dov’è possibile
incontrare in gran numero ascoltatori assorti, studenti d’ogni età, professori
venuti da Napoli, Roma e Milano, ma anche da tutto il mondo, fotografi
con flash impietosi, giornalisti che vi carpiscono un’intervista all’ingresso
di un salone, uomini e donne di cultura che negl’intervalli fra le relazioni
si aggregano in capannelli e continuano a dibattere i temi del seminario,
della presentazione di un libro o di una tavola rotonda.
Gerardo Marotta sta nell’ombra, con una raffinatezza pari alla sua generosità, ma
è lui la sorgente della luce che si diffonde ovunque la filosofia lo reclami. Prima
di tutto e senza dubbio a Napoli, poiché Napoli rende attuale, attraverso lui,
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il ricordo del suo passato di grande capitale della filosofia: l’Istituto conserva
l’eredità di questo passato senza però arroccarsi, aprendosi, al contrario, a tutti i
venti della modernità. Ma l’Istituto non è presente soltanto a Napoli. (Ricordo
una bella giornata all’isola di Capri, insieme con Ferraris, Gadamer, Gargano,
Trias, Vattimo, Vitiello, gli editori Laterza e Marchaisse: ero stato invitato
a parlare della religione, argomento di non poco respiro, tra i Faraglioni e
il Vesuvio). L’Istituto è presente in tutta Italia, e poi in Francia e ovunque
in Europa, nell’insegnamento e nella ricerca, in progetti editoriali audaci e
necessari. È presente nei rapporti con le istituzioni pubbliche e private, quando
apre la strada a nuove forme contrattuali fra lo Stato e la società civile, definendo
i ruoli dell’intervento pubblico e delle fondazioni private, prendendo iniziative
locali, nazionali, europee e internazionali.
Non conosco al mondo, oggi, un progetto analogo, e altrettanto esemplare,
attuato con tanta dolce ostinazione, con un tal genio dell’ospitalità. In
nessun altro posto, in nessun’altra istituzione, ho trovato maggiore apertura
e maggiore tolleranza, una così vigile attenzione nel tener presente
contemporaneamente la tradizione culturale e le occasioni dell’avvenire.
Gerardo Marotta si propone, da un lato, di far rivivere le tradizioni
culturali minacciate e i loro tesori, spesso inaccessibili, come testimoniano
le rigorose, sobrie, ma splendide edizioni internazionali di libri realizzati
nel rispetto delle regole dell’arte e con rigore scientifico: sono centinaia di
edizioni, in più lingue, che è possibile ammirare nella mostra organizzata
nella Cappella della Sorbona. Basti per tutti l’esempio dell’edizione delle
opere di Giordano Bruno.
D’altro canto però un eguale interesse per la storia, e un uguale coraggio
di scopritore, lo spingono verso altri continenti, altri modi di esprimersi o
comunicare, verso nuovi “supporti” d’informazione, anche molto popolari.
Il fine è quello di mettere alla portata di tutti il pensiero, ma senza inutili
o pericolose concessioni. Penso in particolare a quella grande biblioteca
multimediale in via di realizzazione. Essa sarà, secondo il desiderio del
suo propugnatore, universale e televisuale. Io stesso ho avuto l’onore di
esser chiamato a far parte del progetto. Mi è stato chiesto - una terribile
responsabilità, come sempre, quando si tratta di definire delle priorità
-d’indicare le prime dieci opere del pensiero: sarebbero state incluse nella
biblioteca multimediale e poi sarebbero state diffuse. Quindi mi è stato
chiesto di giustificare la mia scelta: questo avveniva nel corso di un’intervista
da registrare in video! Ho provato a fuggire, poi ho accettato di correre
questo rischio. Mi sono rassicurato dicendomi: se lo fa lui…
Mentre mi sforzavo di spiegare davanti ad una telecamera perché, per
esempio, il Timeo di Platone dovesse figurare accanto a una certa opera di
Marx o di Blanchot, pur soffrendo l’inferno, andavo dicendomi, a mano a
mano, sempre più convinto: questo è tuttavia quel che Marotta, a conti fatti,
ha ragione di fare. Lui corre dei rischi e presta il fianco alle critiche, dal
momento che i nemici, come Dio vuole, non gli mancano. Se ha ragione
di far così, ha ragione di chiederci di fare altrettanto e noi dobbiamo
essergliene grati. Marotta vede chiaro e lontano, precorre i tempi. Si
presenta all’appuntamento in anticipo. Ha ragione. Bisogna dargliene atto.
Bisogna dargli ragione. Avrà avuto ragione prima di tutti gli altri.
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MARC FUMAROLI
dell’Académie Française
Un punto di vista elevato
per fare l’Europa
Nella storia degli alti studi in Europa, l’Università, una delle creazioni più
originali del Medio Evo, costituisce il capitolo centrale e maggiore. Oggi più
che mai, a dispetto delle evoluzioni e rivoluzioni, l’Università resta l’istituzione
madre e la forza portante della ricerca e della trasmissione del sapere.
Forte delle sue tradizioni secolari, del suo immenso prestigio spirituale,
l’Università di Parigi, decidendo di conferire all’avvocato Gerardo Marotta,
presidente e fondatore dell’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici, la laurea
honoris causa, fa un gesto di consacrazione il cui significato simbolico merita
di essere meditato.
Questo gesto è tanto più carico di significato, in quanto non è un gesto
scontato. L’Istituto, che l’Università di Parigi onora, è un’iniziativa privata e il
suo presidente-fondatore, al quale essa conferisce gli allori, esercita una libera
professione.
L’Università francese ha spesso mostrato diffidenza - bisogna riconoscere,
con ragione - verso qualsiasi confusione tra la sua vocazione disinteressata
all’insegnamento e alla ricerca e il “mondo” degl’interessi privati. Ma questa
sana prudenza, tanto più giustificata oggi che la moderna economia di
mercato tende a sottomettere la scuola stessa al suo modello pubblicitario e
consumistico, non impedisce di far le necessarie distinzioni. La “società civile”,
fortunatamente, non si riduce, nemmeno oggi, agli affaristi e ai pubblicitari.
Gli onori che l’Università di Parigi ha deciso di tributare all’avvocato Marotta
riconoscono e fanno sapere che, anche nella sfera delle attività private, il
desiderio disinteressato di sapere e la passione messa al suo servizio possono
manifestarsi più generosamente all’esterno dell’Università che intra muros. È
quindi nel miglior interesse dell’Università il distinguere tali alleati extra muros
e celebrarli tanto più degnamente, in quanto essi propongono un raro esempio,
pongono criteri rigorosi e fanno da contrappeso alla folla dei falsi amici.
In altre epoche della storia degli alti studi, quando le pressioni del “mondo”
pubblicitario e commerciale erano sconosciute, è accaduto che l’Università,
per un geloso eccesso di “spirito di corpo”, abbia combattuto i suoi migliori
alleati extra muros. Ciò non avveniva per una sana diffidenza contro i corruttori,
ma come riflesso dell’egoismo e della pigrizia spirituale contro gl’innovatori
geniali che potessero turbare la routine e i privilegi del mondo accademico.
L’Alma Mater parigina, nel corso della sua lunga storia, non è stata esente da
queste chiusure di casta. Spesso nel passato ha guardato con occhio severo ed
anche geloso gli “avventurieri” - potevano anche chia marsi Guillaume Budé
o Ignazio di Loyola - responsabili di creare i Collèges, l’esistenza dei quali
rappresentava per essa un attentato ai suoi privilegi e una pericolosa concorrenza.
Fu necessaria l’autorità del Re di Francia per imporre e poi proteggere nel XVI
secolo il Collegio dei Lettori reali e per moltiplicare nel XVII secolo i segni in
favore del Collegio di Clermont, al quale Luigi XIV permise di portare il suo
nome, affinché queste due “accademie” di alti studi potessero sopravvivere ai
processi intentati contro di loro dall’Università di Parigi.
Il tempo ha mostrato che quei sospetti erano i sintomi di una sclerosi, piuttosto
che indizi di prudenza. Gli alti studi, francesi ed europei, hanno largamente
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eneficiato della moltiplicazione, attorno o ai margini dell’Università, dei
centri di sapere. Pierre Ramus, Jean Dorat, Pierre Gassendi hanno ricevuto
dal Collegio reale un’autorità e una rinomanza che servirono il progresso
dello spirito. Descartes, Voltaire e Diderot appresero nei Collegi dei Gesuiti
francesi una disciplina enciclopedica che diede il primo impulso al loro genio.
Descartes sognò persino e a lungo, per porre riparo all’esaurirsi della filosofia
universitaria, di “convertire” al suo metodo l’insegnamento dei Collegi gesuiti,
che gli apparivano più aperti e più vivi.
Fu comunque attraverso vie più indirette, ma ugualmente private, che la
filosofia cartesiana s’impose. La scienza e l’insegnamento universitario stessi,
in Francia e altrove in Europa, finirono per considerare Descartes, Voltaire e
Diderot come dei “classici”, e la loro opera, dopo aver a lungo vagato per vie
impervie, è entrata a far parte del patrimonio universale delle scuole.
Lo spirito europeo non può chiudersi in alcuna istituzione, nemmeno in quelle
più stabili e gloriose: questo spirito soffia dove vuole. L’Università, l’istituzione
dello spirito per eccellenza, ha, oggi come un tempo, tutto da guadagnare, nel
lungo termine, dal fiorire delle scuole, degl’istituti, dei collegi, dei centri privati
di ricerca e di incontri “liberi” che non possono né pretendono di sostituirla,
ma che lavorano nella stessa direzione e servono la sua finalità ultima: la crescita
dello spirito.
Questo rigoglio d’istituzioni è in realtà una barriera alle due minacce mortali
che pesano sulla libertà e creatività dell’Università moderna: l’efficientismo al
servizio di interessi economici e sociologici miopi e la burocratizzazione, che,
in fondo, lavora anch’essa per soffocare. È costato caro all’Università dell’Ancien
Régime il non saper riconoscere i suoi veri alleati extra muros. Costerebbe ancor
più all’Università moderna, molto più esposta della sua vecchia antenata, il
non rendere giustizia alle iniziative private, quando esse sono, come l’Istituto
Italiano per gli Studi Filosofici, di generosa ispirazione. Contro corrente
rispetto al torrente dell’epoca, questi alleati “esterni” sono i soli capaci di creare
attorno all’Università un ambiente contemporaneamente favorevole, protetto
e fertile. Bisogna dunque rallegrarsi senza riserve per il fatto che l’Università
di Parigi mette al rango dei suoi pari l’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici
conferendo il titolo di dottore honoris causa al suo presidente-fondatore.
L’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici è stato fondato nel 1975 sotto gli
auspici dell’Accademia dei Lincei, secondo un’ispirazione che risale al XVII
secolo. A Roma, nel 1603, il giovane principe Federico Cesi creò, di sua
iniziativa, un’Accademia enciclopedica di cui Galileo, Cassiano dal Pozzo, il
mecenate di Nicolas Poussin, furono membri. La maggioranza dei professori
dello Studio di quella Roma di un tempo sono stati dimenticati. Ma la breve
e folgorante avventura dei “Lynx” (che terminò nel 1631 con la morte del
principe Cesi) ha lasciato un solco profondo e fertile nella storia dello spirito
europeo.
A quest’ispirazione venuta dal XVII secolo italiano ed europeo, l’avvocato
Gerardo Marotta ha aggiunto un impegno personale, meditato durante i
trent’anni in cui aveva costituito la sua magnifica biblioteca filo sofica, donata
poi all’Istituto: era animato da un sacro fuoco affinché Napoli, la sua città,
si potesse riappropriare del suo passato di capitale dello spirito, affinché
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scaturissero di nuovo i Lumi. La città di Vico e di Galiani, dei fratelli Spaventa
e di Croce - così decise - avrebbe avuto un organismo libero d’insegnamento
e ricerca, capace di cooperare da pari a pari con gl’istituti europei e americani
più rinomati e prestigiosi: il Warburg Institute, il Collège de France, l’Istituto
Max Planck, l’Institute for Advanced Study di Princeton, la Fondazione Cini.
Luogo d’incontro per gli studiosi, scuola di perfezionamento, centro di ricerca
ed officina editoriale: l’Istituto concepì fin dall’inizio progetti molto ambiziosi.
Ma proprio quest’ambizione mobilitò le buone volontà a Napoli, sedusse e
convinse i migliori spiriti in Italia e all’estero. L’intellighenzia moderna, volentieri
melanconica, ha nostalgia dell’energia: essa comprese immediatamente che
un’ardente energia l’attendeva a Napoli.
La figlia di Benedetto Croce, Elena, essa stessa brillante scrittrice, una delle
figure più luminose fra gl’intellettuali italiani del dopoguerra, sostenne
immediatamente l’iniziativa dell’avvocato Marotta. Non vide nessuna
concorrenza con l’Istituto Croce, che aveva sede a Napoli nella casa del
padre, dove borsisti e cittadini frequentano la biblioteca del grande filosofo
scomparso.
Dotato di un comitato scientifico di cui fanno parte personalità universitarie
di grande prestigio internazionale, il nuovo Istituto, così come il Collège de
France o l’Institute for Social Thought di Chicago, non conferisce diplomi.
I borsisti che seguono le numerose conferenze e i seminari organizzati
dall’Istituto, nello splendido Palazzo Serra di Cassano, ancora carico dei ricordi
della Rivoluzione napoletana del 1799 e della sua sanguinosa repressione,
sono quasi tutti ricercatori e dottorandi delle università italiane o europee.
La maggior parte dei professori e dei ricercatori delle varie discipline,
scientifiche o umanistiche, che l’Istituto invita a insegnare e a pubblicare
proviene proprio dall’Università. Nei libri, nelle collane editoriali e nelle
riviste pubblicate con il sostegno dell’Istituto essi trovano l’occasione per far
conoscere il loro lavoro nelle Università italiane ed europee.
Significa questo forse che un Istituto come quello di Napoli sia il doppione
di qualcosa che già esiste A che può servire, quando Napoli conta più
di un’Università e quando nell’Europa d’oggi gli scambi dei professori e
studenti, gl’inviti e le borse di studio formano una rete di comunicazione
pedagogica e scientifica pressoché capillare Questa domanda - non importa
se ingenua o malevola - ha il merito di porre un problema più generale, che
suscita vivo interesse nello storico e nel sociologo attenti alle questioni dello
spirito. C’è una ragione per cui l’Università, da sola, e nonostante il carattere
portante che nessuno nega, non è in grado di comprendere tutta la vita dello
spirito Qual è il motivo per cui l’Università ha avuto un tempo ed oggi più
che mai ha bisogno di coadiutori più agili, di pensiero e stile anche molto
diversi Il fatto è che questi elementi aggiunti possono essere insieme un
vivaio, un terreno di coltura e una zona di scambio.
Bisognerebbe fare un inventario delle varie associazioni che promuovono la
cooperazione culturale: pur esercitando esse stesse una funzione pedagogica,
sono soprattutto, per i loro promotori e i loro beneficiari, ambienti di lavoro
comune tra maestri e studenti già competenti nelle loro discipline, occasioni
d’incontro tra i maestri stessi e nodi d’interscambio tra il mondo del sapere
e il grande pubblico.
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Ho ricordato il Collège Royal e il Collège de Clermont in quella Parigi
del XVII secolo che non avrebbe mai esercitato un magistero dello spirito
così universalmente riconosciuto se avesse potuto contare sul solo Quartiere
Latino. Bisognerebbe anche ricordare i cercles savants che si sono in quell’epoca
moltiplicati nelle biblioteche e nelle case private, e che hanno creato a Parigi
un campo magnetico di eccezionale intensità. Ciò che si osserva allora a Parigi
è la costituzione di una République des Lettres che ha bisogno, per dar corpo ad
una società degli spiriti, non solo del ceppo dell’Università ma dell’apporto
differenziato di organismi minori, più mobili e più vivaci, come l’Euforione
del secondo Faust.
Il Rinascimento italiano è stato vivificato da cenacoli privati dove, al margine
degli Studia pubblici, alcuni studiosi, riuniti dalle loro affinità e secondo lo stile
delle loro ricerche, esploravano insieme le nuove strade degli studia humanitatis,
creando da sé gli strumenti di lavoro, le bibliote che e le raccolte tematiche, e
dotandosi di una notevole rete di comunicazione tra città e città, attraverso
lo scambio epistolare, o i viaggi. Il circolo di Coluccio Salutati, l’Accademia
platonica di Marsilio Ficino, l’Accademia filellena di Aldo Manuzio nel XV
secolo, l’Accademia di Vitruvio a Roma, il circolo di Gian Vincenzo Pinelli
a Padova nel XVI secolo, l’Accademia di Federico Cesi a Roma nel XVII
secolo, sono stati i centri nervosi dell’intellighenzia italiana: la loro forza vitale ha
animato tutto il corpo della società europea dell’ingegno.
Questi circoli di dotti non avrebbero potuto formarsi, né operare con tanta
creatività, se non avessero potuto, direttamente o indirettamente, appoggiarsi
alle Università: lo Studio di Firenze e quello di Padova, soprattutto - con i loro
professori, il loro insegnamento e tutto ciò che se n’irradiava - erano il tronco
comune sul quale questi centri di intelligenza e di sapere s’innestavano. Ma,
inversamente, senza l’apporto di questi organismi sensibili e curiosi, i corpi
universitari, più lenti e inerti, non avrebbero potuto manifestare quell’ardita
inventiva e quella loro vitalità. La Repubblica delle Lettere, allora e più ancora
oggi, ha bisogno di numerosi quartieri generali, di dimensione, ispirazione
e orientamento diversi, ma che tutti concorrano, come voleva Francesco
Bacone, ad augmentandas et promovendas scientias.
L’Istituto Italiano per gli Studi Filosofici dimostra, attraverso i suoi frutti, di
non aver deluso la promessa delle sue origini. Il ritmo, il numero, l’estensione
geografica delle sue attività e delle sue pubblicazioni lo hanno fatto conoscere
nel mondo intero. Questa cornucopia ha fortemente contribuito, nella
stessa Napoli, al risveglio della coscienza civile collettiva, comportando una
metamorfosi, sotto i nostri occhi e in pochi anni, della grande capitale del
Sud italiano.
Nel cuore di quest’attività, che alcuni definiscono pantagruelica, il sacro
fuoco e la preveggenza dell’avvocato Marotta, contagiosi per le giovani
generazioni, sono un principio veramente vulcanico. Raramente l’unione
della contemplazione e dell’azione, della generosità eroica e dell’ingegnosità
pratica, della fede umana e dell’impegno civile, si sarà incarnata con tanto
vigore e prospera fortuna. Bisogna aver subìto, ed io posso esserne sincero
testimone, l’incantesimo di quest’uomo fragile, dallo sguardo di fanciullo, e
della sua parola fervente, per comprendere quale contrafforte, nella persona
di Gerardo Marotta e della sua opera, Napoli ha saputo far sorgere dalle sue
viscere per contrastare il nichilismo moderno.
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serie di seminari
2010/2011
13 - 15 settembre 2010
Pietro Di Vona (Università di Napoli «Federico II»):
LA SCOLASTICA NELL’ETÀ MODERNA
Lunedì 13: Francisco Suarez.
Martedì 14: L’ontologia dell’età moderna.
Mercoledì 15: Dall’ontologia a Kant.
27 - 30 settembre 2010
Bruno Moroncini (Università di Salerno):
«TUTTO FUORCHÉ LE NUVOLE»: BAUDELAIRE E
LA QUESTIONE DEL DESIDERIO
Lunedì 27: Le immagini come simboli del desiderio:
W. Benjamin e il Passagen Werk.
Martedì 28: La teoria delle nuvole: da John Ruskin a
Hubert Damisch.
Mercoledì 29: Le nuvole come immagini del desiderio:
dall’azzurro di Mallarmé al cielo nuvoloso di Baudelaire.
Giovedì 30: Baudelaire e Benjamin: dandismo e
rivoluzione.
4 - 7 ottobre 2010
Dietrich von Engelhardt (Università di Lubecca):
SALUTE - MALATTIA – TERAPIA NEL PENSIERO
FILOSOFICO E MEDICO
Lunedì 4: Paracelso - il concetto della malattia e la
virtù del medico.
Martedì 5: G. F. W. Hegel - la metafisica di salute,
malattia e morte. Mercoledì 6: Claude Bernard -
teoria e metodologia della medicina.
Giovedì 7: Karl Jaspers - spiegare e comprendere in
medicina e psichiatria.
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8 ottobre 2010
GIORNATA IN MEMORIA DI JACQUES DERRIDA.
Interverranno: Carola Barbero, Giovanna
Borradori, Peter Bojanic, Gaetano Chiurazzi,
Vincenzo Costa, Maurizio Ferraris, Bruno
Moroncini, Francesco Vitale.
11 - 15 ottobre 2010
Ernst Nolte (Università di Berlino):
STORIOGRAFIA E ANTROPOLOGIA
Lunedì 11: Introduzione. Erodoto e Tucidide.
Martedì 12: Aurelio Agostino, Bossuet, Voltaire.
Mercoledì 13: Edward Gibbon.
Giovedì 14: Jacob Burkhardt, Heinrich von
Treitschke.
Venerdì 15: Benedetto Croce e François Furet.
Conclusioni.
18 - 22 ottobre 2010
Yves Charles Zarka (Università di Parigi V):
POLITICA E ANTIPOLITICA
Lunedì 18: Le verità nascoste del politico.
Martedì 19: Hobbes: la guerra e la pace.
Mercoledì 20: Tocqueville: libertà e democrazia.
Giovedì 21: Kant: la pace perpetua.
Venerdì 22: L’antipolitica.
25 - 28 ottobre 2010
Girolamo Cotroneo (Università di Messina):
LE RAGIONI DELL’AUTORITÀ
Lunedì 25: Che cos’è l’autorità.
Martedì 26: Autorità e libertà.
Mercoledì 27: La politica e l’autorità.
Giovedì 28: L’autorità «riconosciuta».
25 - 28 ottobre 2010
Sergej Androsov (Museo dell’Ermitage, San
Pietroburgo):
ITALIA E RUSSIA NELLA
STORIA DELL’ARTE MODERNA: MANUFATTI,
COLLEZIONISTI, VIAGGIATORI
Lunedì 25: La scultura del Rinascimento italiano nella
collezione dell’Ermitage.
Martedì 26: I modelli e i bozzetti del barocco romano
della collezione Farsetti nell’Ermitage.
Mercoledì 27: Pietro il Grande come collezionista
dell’arte italiana.
Giovedì 28: Viaggiatori russi e artisti romani nella
seconda metà del Settecento.
3 - 5 novembre 2010
Giacomo Marramao (Università di Roma Tre):
METAMORFOSI E CATASTROFI
DELLA TEOLOGIA POLITICA
Mercoledì 3: Sguardo genealogico: theologia
mythica, theologia naturalis, theologia civilis.
Giovedì 4: Auctoritas e potestas: tra Impero e Stato.
Venerdì 5: Dalla modernità-nazione alla modernitàmondo;
declino del teologico-politico e ascesa del
teologico-economico
8 - 11 novembre 2010
Giuseppe Tortora (Università di Napoli «Federico II»):
L’IMPATTO ANTROPOLOGICO DELLE
TECNOLOGIE DIGITALI
Lunedì 8: Tecnologie digitali: una rivoluzione
copernicana:
1. Novità nella gestione dell’informazione e della
comunicazione;
2. Informazione e conoscenza;
3. Riformulazione del rapporto scrittura - oralità -
iconicità; 4. Testo, contesto e ipertesto;
5. Intelligenza collettiva e intelligenza connettiva;
6. Necessità di una metanoia.

Martedì 9: Tecnologie dell’informazione e della
comunicazione: prospettive e problemi per la
comunicazione:
1. Ipertestualità: personalizzazione dei percorsi
cognitivi; 2. Valore cognitivo della multimedialità;
3. Comunicazione “uno - uno” e comunicazione
“uno - molti” - Diversità di obiettivi e di modalità;
4. Comunicazione verbale e comunicazione
non verbale; 5. Comunicazione non - mediata
e comunicazione mediata; 6. Comunicazione,
significazione e persuasione; 7. Comunicazione
e formazione; 8. Comunicazione e globalizzazione;
9. Nuovi dispositivi digitali e creatività artistico -
letteraria; 10. Tecnologie digitali e accesso alle
risorse culturali.
Mercoledì 10: Tecnologie digitali: virtuale e reale:
1. Impatto delle tecnologie informatiche sui rapporti
dell’individuo con gli altri e con se stesso;
2. Ruolo e limiti dei media digitali sulla formazione del
sé; 3. Nuove prospettive nella rappresentazione del
rapporto uomo - realtà; 4. Realtà virtuale;
5. Comunità virtuali; 6. Tecnologia digitale e
globalizzazione; 7. Mondializzazione della
cittadinanza: nuovi problemi e nuove soluzioni;
8. Corresponsabilità planetaria: nuovi diritti e nuovi
doveri.
Giovedì 11: Tecnologie digitali e biotecnologie nel
futuro dell’uomo:
1. Impianti di dispositivi tecnologici nell’organismo
umano: integrazione, riparazione, sostituzione,
potenziamento di organi e funzioni. Il simbionte;
2. Trasformazione della condizione umana. Novità
nella percezione del corpo organico; 3. Il cyborg: tra
letteratura, cinema e filosofia; 4. Prospettive “postumane”;
5. Tecno - profeti e bio - catastrofisti;
6. Argomenti teoretici contro la “cyberculture”;
7. Il nuovo “uomo nuovo” e l’ultra - uomo;
8. Prospettive e problematiche etiche, giuridiche,
politiche e teoretiche del “tecnofuturo”.
11-12 novembre 2010
IL NIHILISMO NELL’IDEALISMO TEDESCO
Giovedì 11: Marco Ivaldo (Università di Napoli
«Federico II»): Lettera a Fichte, Destinazione
dell’uomo, Fede e sapere. Nihilismo e filosofia agli
inizi del cosiddetto “idealismo tedesco”.
Fiorinda Li Vigni (Istituto Italiano per gli Studi
Filosofici): Hegel: la libertà assoluta e il Terrore.
Venerdì 12: Massimiliano Biscuso (Istituto Italiano
per gli Studi Filosofici): Hegel e le filosofie orientali
del nulla. Paolo Vinci (Università di Roma «La
Sapienza»): Dal nulla al nulla: considerazioni sul
negativo nella logica di Hegel. Giovanni Stelli (Istituto
Italiano per gli Studi Filosofici): Può Hegel essere
considerato nihilista
15 - 17 novembre 2010
Vera Dazhina (Università Lomonosov, Mosca):
TEMI DI STORIA DELL’ARTE RUSSA
Lunedì 15: Tracce di Leonardo in Russia: progetti e
obiettivi di Alessandro Ponomarev.
Martedì 16: Tatyana Badanina: «Io faccio il cielo»:
il concetto di «arte sacra» nell’arte contemporanea
russa.
Mercoledì 17: Il dialogo con il classico: art-gruppo
AES.
15 - 18 novembre 2010
Aldo Trione (Università di Napoli «Federico II»): UNA
POETICA DELLE COSE
Lunedì 15: Poiesis: fondamento e destino.
Martedì 16: Percezione e mondo sensibile.
Mercoledì 17: Perdita senza morte.
Giovedì 18: Il silenzio delle cose.
22 - 25 novembre 2010
Giuseppe Riconda (Università di Torino):
SCHOPENHAUER E PLATONE
Lunedì 22: La statua di Memnone: Platone, Kant e
Upanishad.
Martedì 23: Cosmologia e limiti del mondo.
Mercoledì 24: Il «criticismo compiuto».
Giovedì 25: Il platonismo di Schopenhauer e il
problema religioso.
22 - 25 novembre 2010
Francesco Solinas (Collège de France):
IL RITRATTO DI CORTE TRA
CONTRORIFORMA E BAROCCO
Lunedì 22: La genesi del ritratto di corte, modelli
italiani ed esigenze europee.
Martedì 23: L’eleganza del Principe: il ritratto come
specchio dello stile di corte.
Mercoledì 24: Idealizzazione e naturalismo nel
ritratto romano.
Giovedì 25: Le serie delle «Belle donne»,
dall’affermazione dinastica alla celebrazione
dell’eleganza.
29 novembre - 2 dicembre 2010
Remo Bodei (Università della California, Los
Angeles), Geminello Preterossi (Università
di Salerno), Davide Tarizzo (Università di Salerno):
UN VIAGGIO DI SCOPERTA: LA
FENOMENOLOGIA DELLO SPIRITO
Lunedì 29: Remo Bodei: Servitù e libertà.
Martedì 30: Remo Bodei: Il Monte degli ulivi e il
Golgota: la nascita del soggetto moderno.
Mercoledì 1: Geminello Preterossi: La lotta per il
riconoscimento: antropogenesi e politica.
Giovedì 2: Davide Tarizzo: Vita e lavoro.
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6 - 10 dicembre 2010
Nadia Barrella (Museo Filangieri, Napoli): LA
FORMA DELLE IDEE. STORIA, ARTE E MEMORIA
FAMILIARE NEL PROGETTO ESPOSITIVO DEL
MUSEO FILANGIERI DI NAPOLI
Lunedì 6: Gaetano Filangieri collezionista, amatore,
conoscitore.
Martedì 7: Il Museo Filangieri: la costruzione del sogno.
Mercoledì 9: Modelli francesi e riflessioni napoletane:
Le Duc e Filangieri.
Giovedì 10: L’allestimento del Museo. La forma
giuridica, l’attività negli anni, l’attualità dell’istituto.
13 - 15 dicembre 2010
Andrea Amatucci (Università di Napoli «Federico
II»): EVOLUZIONE DEL PENSIERO GIURIDICO
FINANZIARIO NELL’ITALIA MERIDIONALE
Lunedì 13: Da Antonio Genovesi agli studiosi del
sec. XX.
Martedì 14: Raffronto con il realismo e con il
movimento dell’analisi economica del diritto.
Mercoledì 15: L’interpretazione teleologicoeconomica
della Scuola napoletana e la metodologia
in Germania e in Spagna: elementi comuni.
13 - 17 dicembre 2010
Carola Barbero (LabOnt, Università di Torino):
FILOSOFIA DELLA LETTERATURA
Lunedì 13: Per una definizione di «letteratura».
Martedì 14: Filosofia, letteratura e critica letteraria.
Mercoledì 15: Metafisica e ontologia delle opere
letterarie.
Giovedì 16: I paradossi della letteratura.
Venerdì 17: Il valore cognitivo e morale della
letteratura.
10 - 13 gennaio 2011
Peter Carravetta (Stony Brook University):
METODO CRITICO E RETORICA
DELL’INTERPRETAZIONE IPOTESI DI UNA NUOVA
ERMENEUTICA DA PROTAGORA A FEYERABEND
E FOUCAULT
Lunedì 10: Platone e Aristotele.
Martedì 11: Il passaggio nel Rinascimento dalla
retorica al metodo.
Mercoledì 12: La dissoluzione delle ontologie forti.
Giovedì 13: La riapparizione della possibilità della
retorica come metodo delle scienze dell’interpretare.
10 - 14 gennaio 2011
Patrizia Castelli (Università di Ferrara):
MISURA E MOVIMENTO NEL RINASCIMENTO:
TESTI ED IMMAGINI
Lunedì 10: L’ombra di Euclide: l’educazione
scientifica nel Quattrocento.
Martedì 11: Leon Battista Alberti ed il concetto di
moto nella trattatistica d’arte.
Mercoledì 12: Guglielmo Ebreo e la trattatistica della
danza.
Giovedì 13: Le Grazie e le Veneri di Botticelli:
l’armonia universale.
Venerdì 14: Warburg e la Duncan: il movimento e le
riprese dell’antico tra ’800 e ’900.
17 - 20 gennaio 2011
Dante Della Terza (Università di Harvard):
MANZONI DAL TEATRO AL ROMANZO
Lunedì 17: Manzoni e il mondo degli affetti: la madre
Giulia Beccaria, le donne della sua vita: Enrichetta
Blondel e Teresa Borri.
Martedì 18: Il Manzoni poeta e scrittore. Le
opzioni tragico idilliche: Adelchi ed Ermengarda.
Mercoledì 19: La svolta mediatica verso il romanzo:
la Storia della colonna infame.
Giovedì 20: Istanze religiose e libero impatto
creativo: come nascono i Promessi Sposi.
24 - 27 gennaio 2011
Massimiliano Rossi (Università del Salento):
LA LETTERATURA DEGLI ARTISTI A FIRENZE DAL
BRONZINO A LORENZO LIPPI
Lunedì 24: Bronzino «umile» e «grave»: un atto di
fondazione.
Martedì 25: Giovanni da San Giovanni, Francesco
Furini, Lorenzo Lippi e l’eroicomico.
Mercoledì 26: Sebastiano Mazzoni e la pittura «au
second degré».
Giovedì 27: Gli artisti poeti nelle Notizie di Filippo
Baldinucci.
24 - 28 gennaio 2011
Vincenzo Vitiello (Università S. Raffaele, Milano):
HEIDEGGER E LA TRADIZIONE NEOPLATONICA
RELIGIONE E FILOSOFIA
Lunedì 24: «L’esperienza effettiva della vita»:
interpretazione di Paolo.
Martedì 25: «Aristotele pensa più grecamente
(griechischer) di Platone».
Mercoledì 26: Nietzsche e il «rovesciamento del
platonismo».
Giovedì 27: Abgeschiedenheit e Gelassenheit:
Eckhart e Heidegger.
Venerdì 28: «Cosa resta da dire Solo questo:
Das Ereignis ereignet».
31 gennaio - 3 febbraio 2011
Maurizio Viroli (Università di Princeton):
EMANCIPAZIONE RELIGIOSA ED MANCIPAZIONE
POLITICA NEL RISORGIMENTO ITALIANO
Lunedì 31: Da una religione ad un’altra.
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Martedì 1: L’idea di un nuovo cristianesimo
nell’Ottocento europeo.
Mercoledì 2: Giuseppe Mazzini.
Giovedì 3: Risorgimento e socialismo.
7 - 11 febbraio 2011
Maurizio Ferraris (LabOnt, Università di Torino):
DOCUMENTALITÀ VS INTENZIONALITÀ. UN
CONFRONTO CON SEARLE
Lunedì 7: X conta come Y in C
Martedì 8: Dov’è l’intenzionalità collettiva.
Mercoledì 9: Intenzionalità: un rimedio peggiore
del male.
Giovedì 10: Oggetto = Atto iscritto.
Venerdì 11: Dalla intenzionalità alla documentalità.
7 - 11 febbraio 2011
Giuseppe Girgenti (Università S. Raffaele, Milano):
IL NEOPLATONISMO Di LINGUA LATINA
Lunedì 7: Falcidio.
Martedì 8: Mario Vittorino.
Mercoledì 9: Microbio.
Giovedì 10: Agostino.
Venerdì 11: Marziano Capella.
14 - 17 febbraio 2011
Nicola Russo (Università di Napoli «Federico II»):
L’IPOTESI ONTOLOGICA: ONTOLOGIA E
NICHILISMO
Lunedì 14: Le radici antiche: essenza e
generazione in Platone.
Martedì 15: Entità e identità: da Platone a Hegel.
Mercoledì 16: La differenza cosa/ente: verità e
manifestazione.
Giovedì 17: La deduzione logico-antropologica dei
categoriali.
21 - 24 febbraio 2011
Gianni Carlo Sciolla (Università di Torino):
LE RIVISTE D’ARTE IN ITALIA TRA FINE
OTTOCENTO E INIZI DEL NOVECENTO
Lunedì 21: L’«Archivio storico dell’arte» e l’«Arte» di
Adolfo Venturi.
Martedì 22: «Emporium».
Mercoledì 23: «Vita artistica» e «Pinacoteca», 1926-
1929.
Giovedì 24: «La critica d’arte» di Ranuccio Bianchi
Bandinelli e Carlo Ludovico Ragghianti, 1935- 1939.
21 - 25 febbraio 2011
Giovanna Borradori (Vassar College, Poughkeepsie,
New York):
L’ARCHITETTURA IN RETE . OLTRE LA PIRAMIDE,
IL MONUMENTO E LA PRIGIONE
Lunedì 21: Il ruolo-chiave della tradizione hegeliana
nella formazione del «progetto totale».
Martedì 22: La storia come soggetto architettonico.
Mercoledì 23: Gli spazi del terrore.
Giovedì 24: Il muro e la memoria.
Venerdì 25: Architettura e cyberdemocrazia.
28 febbraio - 3 marzo 2011
Bianca Maria d’Ippolito (Università di Salerno):
IL CORPO TRA STORIA E NATURA
Lunedì 28: Corpo e fenomenicità. La mano tra
Aristotele e Heidegger.
Martedì 1: L’enigma di Cartesio.
Mercoledì 2: L’eloquenza del corpo: Freud.
Giovedì 3: ‘Costituzione’ e storicità del corpo.
28 febbraio - 4 marzo 2011
Jean-Pierre Jessenne (Université de Lille 3) :
LES RURALITÉ EUROPÉENNE DANS LES
RÉVOLUTIONS ET LES ÉMERGENCES
DES ÉTATS-NATIONS (18E-19ES)
Lunedì 28: Servitude, subsistances, accès à la terre:
des enjeux sociaux en Europe au 18e siècle et au
temps de la Révolution française.
Martedì 1: Les voies du développement rural en
Europe aux 18e et 19e siècles: convergences et
originalités nationales.
Mercoledì 2 :Terre, hégémonies et dépendances en
Angleterre, France et Italie.
Giovedì 3: Mouvements villageois, états-Nations et
politisation de la Guerre des Farines au Printemps des
peuples.
Venerdì 4: La ruralité de la France: des caractères
originaux d’une histoire aux mythologies sociopolitiques.
7 - 11 marzo 2011
Eleonora De Conciliis (Istituto Italiano per gli
Studi Filosofici): JEAN BAUDRILLARD FILOSOFO
DELL’OCCIDENTE
Lunedì 7: Lo scambio simbolico e la morte.
Mercoledì 9: «America»: l’obesità dell’Occidente.
Giovedì 10: L’intelligenza del male e lo spirito del
terrorismo.
Venerdì 11: L’eredità di Baudrillard.
14 - 17 marzo 2011
Aldo Masullo (Università di Napoli «Federico II»):
LA LIBERTÀ E LE OCCASIONI
Lunedì 14: G. B. Vico: la libertà rivelata dall’occasione.
Martedì 15: M. Heidegger: l’inganno battuto dalla
libertà.
Mercoledì 16: La “società stretta” di Leopardi e il
“sistema tecnico” di Ellul.
Giovedì 17: La tecnicizzazione della libertà. La volta
che perdere l’occasione è perdersi.
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14 - 17 marzo 2011
Nicolao Merker (Università di Roma «La Sapienza»):
MARX, IL SUO PENSIERO E L’EREDITÀ
Lunedì 14: Marx, il filosofo.
Martedì 15: Marx, l’economista.
Mercoledì 16: Marx, il politico.
Giovedì 17: I tempi della storia.
15 - 17 marzo 2011
Romeo De Maio (Università di Napoli «Federico II»):
INDECENZA E CANDORE NELLA ESPERIENZA
EUROPEA
Martedì 15: Indecenza umanistica e candore
cristiano. Lessico dommatico e lessico etico.
S. Francesco si denuda. Angelo Azzurro e altri testi
nella storia del cinema.
Mercoledì 16: Bellezza come tentazione e candore
come luce etica dell’essere. Bellezza come vocazione
e candore come esigenza di libertà. Bellezza come
parresia e candore come profondità dell’essere.
Giovedì 17: Crociata promossa dall’Aretino contro
“l’eretico e immorale”
Michelangelo (1534-1564). S. Caterina di Alessandria.
Colloqui fra l’Artista, i papi e i curiali.
21 - 24 marzo
Pasquale Pasquino (New York University e CNRS,
Parigi):
TEORIA POLITICA DELLA DEMOCRAZIA
COSTITUZIONALE
Lunedì 21: Democrazia: antica e moderna, valori e
limiti.
Martedì 22: Il potere giudiziario nella struttura
costituzionale della separazione dei poteri.
Mercoledì 23: Genealogia, morfologia e legittimità del
controllo di costituzionalità in Europa.
Giovedì 24: Come decidono le corti costituzionali.
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21 - 24 marzo
Alberto Postigliola (Università di Napoli «L’Orientale»):
FILOSOFIA MODERNA E COMPARATISMO
Lunedì 21: Dall’universitas studiorum alla république
des lettres.
Martedì 22: Forme e livelli della produzione e della
circolazione filosofica in età moderna.
Mercoledì 23: La lunga coesistenza del latino e del
volgare.
Giovedì 24: Si può parlare di filosofie moderne
comparate
28 - 31 marzo
André Jacob (Université de Paris - Nanterre):
RACISME ET ANTI-RACISME
Lunedì 28: Ambiguité historiques et théoriques.
Martedì 29: Situation de l’antisémitisme.
Mercoledì 30: Des croyances dogmatiques à un
éclairage critique.
Giovedì 31: Les vicissitudes du rapport à l’Autre.
28 marzo - 1 aprile 2011
Francisco Jarauta (Università di Murcia):
DALLA CITTÀ IDEALE ALLA COSMOPOLIS
Lunedì 28: Il mito della Città ideale.
Martedì 29: L’ombra della Torre de Babele.
Mercoledì 30: L’emergere della metropoli: Parigi e le
forme del moderno.
Giovedì 31: Berlino come Weltstadt.
Venerdì 1: Scenari meta-metropolitani.
4 - 7 aprile 2011
Alessandro Rovetta (Università Cattolica, Milano):
LA PINACOTECA AMBROSIANA DALLA
FONDAZIONE AI NOSTRI GIORNI
Lunedì 4: La fondazione: Federico Borromeo
collezionista e teorico d’arte tra Roma e Milano
al passaggio dal XVI al XVII secolo.
Martedì 5: Il Seicento all’Ambrosiana: l’accademia,
gli inventari, i rapporti con il collezionismo cittadino.
Mercoledì 6: L’Ambrosiana in età napoleonica: gli
studi su Leonardo, gli scambi tra eruditi, le vicende
delle requisizioni.
Giovedì 7: L’Ottocento e il primo Novecento:
l’Ambrosiana tra connoisseurship e Kulturgeschichte.
4 - 8 aprile 2011
Giuseppe Limone (Seconda Università di Napoli),
Armando Savignano (Università di Trieste):
I RAPPORTI TRA BIOETICA E DIRITTO
Lunedì 4: Le questioni di inizio vita: aspetti bioetici e
biogiuridici.
Martedì 5: Le questioni di fine vita: aspetti etici e
giuridici.
Mercoledì 6: Ambiente e generazioni future: tra etica
e diritto.
Giovedì 7: Quale politica e legislazione per la bioetica.
Venerdì 8: Etica e diritto in bioetica: la persona.
11 - 13 aprile 2011
Marino Niola (Università Suor Orsola Benincasa, Napoli):
QUEL CHE RESTA DEL RITO
Lunedì 11: Riti di passaggio.
Martedì 12: Liturgie del corpo.
Mercoledì 13: Figli dei propri figli.
11 - 14 aprile 2011
Eugenio Canone (Istituto del Lessico Intellettuale
Europeo e Storia delle Idee, CNR):
HEGEL, DILTHEY E GENTILE INTERPRETI DELLA
FILOSOFIA DEL RINASCIMENTO
Lunedì 11: Il Rinascimento nelle lezioni di Hegel sulla
storia della filosofia. Il testo pubblicato da Karl Ludwig
Michelet e l’edizione critica delle lezioni.

Mercoledì 12: Bruno, Spinoza e il panteismo
nell’interpretazione di Wilhelm Dilthey.
Giovedì 13: Giovanni Gentile e la filosofia del
Rinascimento: da Hegel a Spaventa e Fiorentino.
Venerdì 14: La discussa identità della filosofia del
Rinascimento. Natura e storia. Il tema delle “grandi
individualità”.
18 - 21 aprile 2011
Vittorio De Cesare (Istituto Italiano per gli Studi
Filosofici):
MAX WEBER: SCIENZA E VALORI
Lunedì 18: Il problema dell’oggettività delle scienze
storico-sociali.
Martedì 19: Metodo e struttura delle scienze
storico-sociali.
Mercoledì 20: Avalutatività della scienza e decisione
pratica.
Giovedì 21: Senso della scienza e ituazione umana:
il destino dell’epoca.
18 - 21 aprile 2011
Sebastian Schütze (Università di
Vienna): SCULTURA E FOTOGRAFIA:
DIALOGHI,CONFRONTI, SINERGIE
Lunedì 18: Scultura antica.
Martedì 19: Michelangelo.
Mercoledì 20: Rodin.
Giovedì 21: Brancusi.
27 - 29 aprile 2011
Ernesto Paolozzi (Università Suor Orsola Benincasa,
Napoli): ETICA E POLITICA
Mercoledì 27: Realismo politico e utopia.
Giovedì 28: Benedetto Croce fra Machiavelli e
Marx. Venerdì 29: Puri come le colombe, prudenti
come i serpenti.
27 - 29 aprile 2011
Tiziana Provvidera (University College, Londra):
GIUSTO LIPSIO: PAGANESIMO, CRISTIANESIMO,
ANTIUMANESIMO
Mercoledì 27: Lipsio e Aristotele: le cautelae tyrannicae.
Giovedì 28: Lipsio ed Erasmo da Rotterdam.
Venerdì 29: Lipsio e Machiavelli.
2 - 5 maggio 2011
Aldo A. Mola (Libera Università di Bruxelles):
LA CRISI DELL’ITALIA LIBERALE (1921-1924)
Lunedì 2: L’azione dei governi Facta.
Martedì 3: Le Forze Armate di fronte all’ascesa del
Fascismo.
Mercoledì 4: L’intervento del Re e della Corona.
Giovedì 5: La legge elettorale Acerbo - Giolitti e le
sue ripercussioni (1923-24).
2 - 6 maggio 2011
Gaetano Chiurazzi (Università di Torino)
DISECONOMIA POLITICA: A PARTIRE DA
JACQUES DERRIDA
Lunedì 2: Ontologia vs economia.
Martedì 3: Sociale vs politico.
Mercoledì 4: L’eccedenza del dono.
Giovedì 5: L’ossessione del reddito.
Venerdì 6: L’asimmetria della giustizia.
9 - 12 maggio 2011
Salvatore Natoli (Università di Milano «Bicocca»):
BIOPOTERE E COMPLESSITÀ SOCIALE
FOUCAULT-LUHMANN
Lunedì 9: Governare la società: disciplina dei corpi e
corpi disciplinari.
Martedì 10: Il potere, i poteri: differenziazione
funzionale e complessità sociale.
Mercoledì 11: L’io multiplo: relazioni sociali e sorti
personali.
Giovedì 12: Autarchia e philia: il potere su di sé e le
relazioni con gli altri.
16 - 18 maggio 2011
Francesco Tomatis (Università di Salerno):
SCHELLING E I PRINCIPI PRIMI
Lunedì 16: Dialettica o stupore.
Martedì 17: L’Uno, il che.
Mercoledì 18: Principi e potenze.
16 - 20 maggio 2011
Petar Bojanic (University of Aberdeen e Institute of
Philosophy and Social Theory, Belgrado):
THE NEGATIVE AND NON SOCIAL ACTS HOW TO
DELETE/ERASE TRACES
Lunedì 16: What are, if there are any, non social - acts
Martedì 17: What is the trace
Mercoledì 18: What is considered as a negative
Giovedì 19: What forms of deleting/erasing exist
Venerdì 20: Is it possible to «inscribe» the negative and
how to preserve and classify it
17 - 26 maggio 2011
Iain Chambers (Università di Napoli «L’Orientale»):
IL MEDITERRANEO POSTCOLONIALE
Martedì 17: La questione ‘meridionale’: dal
Mezzogiorno al sud del pianeta.
Giovedì 19: La migrazione e la modernità.
Martedì 24: I suoni del Sud.
Giovedì 26: La città postcoloniale.
23 - 27 maggio 2011
Franco Ferrari (Università di Salerno):
PLOTINO E IL NEOPLATONISMO:
PROBLEMI STORIOGRAFICI E FILOSOFICI
Lunedì 23: Die Vorbereitung des Neuplatonismus:
59

questioni storiografiche.
Martedì 24 : Plotino: tradizione - esegesi - innovazione.
Mercoledì 25: Plotino: perché l’essere anziché il nulla
Giovedì 26: Plotino: l’intelletto, paradosso e delirio
della ragione.
Venerdì 27: Plotino: al di là del pensiero: un altro
modo di vedere.
25 - 27 maggio 2011
Luisella Battaglia (Università di Genova):
BIOETICA SENZA DOGMI
Mercoledì 25: La grammatica di una bioetica
liberale. Il contributo di John Stuart Mill.
Giovedì 26: Per una bioetica di genere. ‘Voci di donne’.
Venerdì 27: Oltre la dicotomia sacralità/qualità della
vita. L’idea di ‘vita buona’ in bioetica.
30 maggio - 3 giugno 2011
John Davis (Università del Connecticut):
LA QUESTIONE MERIDIONALE A 150 ANNI
DALL’UNITÀ ITALIANA
Lunedì 30: L’Italia Unita e la Questione Meridionale:
un caso unico nell’Europa occidentale
Martedì 31: La Questione Meridionale come
questione economica.
Mercoledì 1: La Questione Meridionale come
questione culturale.
Venerdì 3: La Questione Meridionale come questione
politica.
6 - 8 giugno 2011
Salvatore Veca (Istituto Universitario di Studi
Superiori, Pavia):
PARADIGMI FILOSOFICI ALLA PROVA
Lunedì 6: Il paradigma dell’incertezza.
Martedì 7: Il paradigma dell’incompletezza.
Mercoledì 8: Una lettura del Simposio di Platone.
6 - 9 giugno 2011
Nelson Moe (Barnard College, Columbia University):
TRA NORD E SUD. VIAGGI NEL CINEMA ITALIANO
Lunedì 6: Il viaggio patriottico in «1860» di
Alessandro Blasetti (1934). I viaggi in Italia di Roberto
Rossellini: «Paisà» (1946), «Stromboli» (1950),
«Viaggio in Italia» (1954).
Martedì 7: I viaggi di Totò: «Totò a colori» (1952),
«Siamo uomini o caporali» (1955), «Totò, Peppino e
la malafemmina» (1956). Luchino Visconti: «La terra
trema» (1948), «Rocco e i suoi fratelli» (1960), «Il
Gattopardo» (1963).
Mercoledì 8: «L’Avventura» (1960) di Michelangelo
Antonioni; «Il Mafioso» (1962) di Alberto Lattuada;
«Pane e cioccolata» (1974) di Franco Brusati; «Cristo
si è fermato a Eboli» (1979) e «Tre fratelli» (1981) di
Francesco Rosi.
Giovedì 9: La trilogia meridionale di Gianni Amelio:
«Il ladro di bambini» (1992), «Lamerica» (1994), «Così
ridevano» (1998).
13 - 16 giugno 2011
Marcelo Sánchez Sorondo (Pontificia Academia
Scientiarum): LA VERITÀ DELLA SCIENZA PER LA
GIUSTIZIA E LA PACE
Lunedì 13: La verità della scienza.
Martedì 14: Dalla verità alla giustizia.
Mercoledì 15: Dalla giustizia alla verità.
Giovedì 16: Conclusioni.
20 - 22 giugno 2011
Umberto Curi (Università di Padova):
IMPARARE A MORIRE
Lunedì 20: Due modelli di catabasi: Alcesti e Orfeo.
Martedì 21: Dimenticare la morte. Prometeo e la
techne alypias.
Mercoledì 22: Esercitarsi a morire.
20 - 24 giugno 2011
Remo Bodei (Università della California, Los Angeles):
VITE PARALLELE, MODELLI PER LA FORMAZIONE
DELLE IDENTITÀ INDIVIDUALI E COLLETTIVE
Lunedì 20: Il ruolo dell’immaginazione e delle istituzioni.
Martedì 21: L’eroe.
Mercoledì 22: Il saggio.
Giovedì 23: Il cittadino, il compagno, il camerata.
Venerdì 24: Eroi moderni: di carta (romanzi), di
celluloide (cinema), degli schermi (televisione, internet).
20 - 24 giugno 2011
Irving Lavin (Institute for Advanced Study, Princeton):
CARAVAGGIO’S ROMAN MADONNAS
Lunedì 20: Riposo.
Martedì 2: Pellegrinaggio.
Mercoledì 22: Serpe.
Giovedì 23: Morte – I.
Venerdì 24: Morte – II.
27 giugno - 1 luglio 2011
Markus Gabriel (Università di Bonn):
FONDAMENTI DELLA ONTOLOGIA DEI DOMINI
Lunedì 27: Il ritorno della ontologia I: ontologia e
teoria degli insiemi (Badiou).
Martedì 28: Il ritorno della ontologia II: la necessità
della contingenza (Meillassoux).
Mercoledì 29: Domini e insiemi: il nuovo trasfinito
(contro Badiou e Meillassoux).
Giovedì 30: La contingenza della necessità.
Venerdì 1: Il fallimento della filosofia analitica.
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27 giugno - 1 luglio 2011
Domenico Losurdo (Università di Urbino):
IL MARXISMO E LE SFIDE DEL XXI SECOLO
Lunedì 27: Sviluppo delle forze produttive o
decrescita
Martedì 28: La globalizzazione come fine dello Stato
nazionale
Mercoledì 29: L’analisi della storia e della società
cinese: una sfida per il materialismo storico.
Giovedì 30: Ritorno a Marx o sviluppo del marxismo
Venerdì 1: Per una ricostruzione hegeliana del
materialismo storico.
4 - 7 luglio 2011
Alberto Burgio (Università di Bologna):
NONOSTANTE AUSCHWITZ. PER LA STORIA
DEL RAZZISMO EUROPEO
Lunedì 4: Un’invenzione moderna.
Martedì 5: Strategie di rimozione del razzismo italiano.
Mercoledì 6: Le lingue del nazismo.
Giovedì 7: Stigma, devianza e immigrazione.
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Finito di stampare nell’ottobre 2010 presso Grafica Metelliana S.p.a., Cava de’ Tirreni, Salerno
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