TRAKS INTERVIEW #2

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INTERVIEW
Numero 2 - dicembre 2016
Rashomon
tutto tranne che
Giuliano Clerico
lontano dai sogni
di gloria
Tiziano Bianchi
Dulcamara
una band seria
Nevica NOISE
Il mio IO primordiale
Ohio Kid

sommario
4
10
14
20
24
30
34
38
42
Rashomon
Giuliano Clerico
Tiziano Bianchi
Foschia
Nevica NOISE
Ohio Kid
Elisa Rossi
Liede
Dulcamara
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TRAKS INTERVIEW
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RASHOMON
tutto tranne che una
band seria
Di supereroi drogati, Allen Ginsberg, hipster e (possibili) tournée giapponesi:
Kheyre e compagni hanno cambiato formazione, hanno pubblicato un
disco, “Santo Santo Santo” e hanno fatto un sacco di altre cose
“Santo santo santo” è un disco che
avete iniziato a realizzare nel 2012.
Potete spiegare che cosa è successo
durante questi 4 anni?
Abbiamo reclutato un bassista, cambiato
chitarrista, ci siamo fatti crescere i
muscoli, il nostro leader ha aperto altri
progetti musicali, abbiamo scoperto il
rap, ci siamo innamorati, siamo spariti,
abbiamo fatto dei figli, abbiamo cambiato
lavoro, abbiamo superato crisi di
identita’ musicale,

santo santo santo
il nuovo disco dei rashomon
dal 9 novembre
nei migliori negozi di dischi
abbiamo suonato, siamo stati fermi, ci
siamo scoraggiati, abbiamo registrato,
ci siamo messi a dieta, abbiamo fatto le
prove, abbiamo saltato le prove, abbiamo
preso cani e gatti, ci siamo entusiasmati,
abbiamo scritto pezzi su super-eroi
che poi mettevamo nel cassetto,
abbiamo ri-registrato, siamo impazziti
per “Lo chiamavano Jeeg Robot”, siamo
ingrassati, abbiamo mixato e finalmente
abbiamo fatto uscire questo disco.
Il vostro sound è cambiato, visto anche
l’ingresso di nuovi membri nella
band. E’ stato traumatico assorbire
tutti questi cambiamenti?
E’ stato difficile rimanere disciplinati.
E di fatto non ci siamo riusciti. Ogni
cambiamento comportava aggiustamenti,
nuovi stimoli, nuovi modi di lavorare
e di pensare alla nostra musica,
nuovi entusiasmi, nuove prospettive,
nuovi casini, nuove
salette, nuovi impegni.
Kurt Cobain
diceva che una band
seria deve provare
almeno 5 volte
alla settimana. Be’,
noi siamo stato tutto
tranne che una
band seria in questi
anni. Per la maggior
parte dei nostri
fans abbiamo smesso
di esistere, siamo
scomparsi. Mentre
in realtà stavamo facendo i conti con
tutti questi cambiamenti e cercavamo
di trovare una direzione per il nostro
lavoro successivo. Il nostro primo disco
è stato come l’inizio di una storia d’amore:
nessun pensiero, un feeling che
non ha bisogno di nulla se non di se
stesso, grande naturalezza, nessuna razionalizzazione,
nessuna paura. Questo
secondo lavoro è invece l’espressione
di una maturità fatta di compromessi,
crisi, rilanci, separazioni, delusioni,
sconfitte. Non è immediato riconoscerlo,
soprattutto quando ci stai dentro,
ma anche questa roba è preziosa e siamo
convinti che il nostro nuovo suono,
approccio e quant’altro rifletta questa
nuova ricchezza.
Titolo e copertina hanno profili piuttosto
provocatori: perché avete deciso
di offrire questo tipo di messaggi fin
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dalla “scatola chiusa” dell’album?
Diciamo che non ci piacciono gli approcci
tiepidi. La poetica gentile del
simbolismo hipster-vegan-post-contemporaneo
non ci ha mai conquistato
(non ci avranno mai insomma). Siamo
più sanguigni, pulp,
almeno quando si
tratta della nostra
musica (alcuni di noi
poi lo sono anche in
altri comparti della
loro vita). Poi ci piace
il messaggio: non
c’è nulla di più affascinante
della crisi
dell’eroe che mette a
nudo le sue fragilità,
paure, perversioni,
in una parola la sua
umanità. Questa
roba, rigirata in vari
modi, ha sempre
funzionato e funzionerà
sempre, da
Achille che piange
disperato quando gli
ammazzano Patroclo,
al Comico di Watchmen
alcolizzato e
stupratore.
Una delle sottotracce
del disco è il
rapporto con l’America/Amerika,
la visione
del supereroe
“dannato” e la cultura pop che arriva
da lì. Vorrei sapere come vi sentite in
questo momento in cui, nel post elezioni,
probabilmente le previsioni più
cupe sembrano prendere corpo.
Siamo dei grandi fan della cultura pop
americana. Meno cerebrale e più diretta
di tanta roba di casa nostra. Tutt’altra
cosa sono componenti della cultura
americana che il successo di Trump ha
messo a nudo in maniera cosi’ netta.
Queste sono le componenti che critichiamo
in “Amerika”. Queste sono le
componenti di una visione piatta, che
non accetta la crisi, che si sente stupidamente
vincente e prevaricatrice.
Nella seconda guerra civile americana
ci schieriamo, come dice Michele Serra,
con i borghesi salutisti della East Coast
e le checche drogate della West Coast
(anche se non andiamo matti per la
musica che fanno ultimamente).
Ogni pezzo del vostro disco ha una
storia interessante, ma mi sembra che
quella di “Santo” meriti un approfondimento
particolare: la volete raccontare?
Sì. La storia e’ questa. Quando erano
piccoli, Kheyre (il cantante leader dei
Rashomon) e il batterista suonavano
in un altro gruppo, che si chiamava “I
Musicanti di Brema”. In questo gruppo
ci stava pure un fine dicitore, un tizio
che mentre gli altri suonavano andava
in giro a leggere poesie al pubblico. E
visto che i Musicanti di Brema suonavano
per strada era proprio una bella
cosa che ci fosse questo fine dicitore che
andava nei capannelli di gente a leggere
poesie. Poi ogni tanto leggeva questa
poesia di Allen Ginsberg. La poesia
era così potente che tutta la musica poi
veniva catturata dalla poesia e il fine
dicitore si metteva a gridare in mezzo
alla gente “santo il cazzo dei nonni del
Kansas” eccetera eccetera. Un omaggio
dunque a questi momenti meravigliosi
della nostra giovinezza e anche a una
grande poesia felice.
Vorrei qualche particolare in più anche
rispetto a “Non ci avranno mai”,
che mi sembra il pezzo più enigmatico
del disco...
Ci siamo già traditi rispondendo alle
domande precedenti. E’ un pezzo dedicato
ai fighetti hipster. Se si tratta di
combattere la stupidità dell’uomo, di
fare la raccolta differenziata e di non
mangiare carne 21 volte a settimana
siamo con loro (con qualche deroga sulla
carne ogni tanto). Ma per quanto
riguarda la loro garbata sensibilità musicale...
non ci avranno mai.
Perché la cover di “Breathe” dei Prodigy?
Perchè è una gran cazzo di pezzo. Semplice,
brutale, efficacissimo. Ci serve
per imparare a suonare.
Avete qualche idea particolare per il
tour che porterà in giro le canzoni di
“SSS”?
Nessuna in particolare. Siamo ancora
nel bel mezzo della crisi. Se tra i vostri
lettori c’è qualche agente di booking o,
ancora meglio, qualche milionario eccentrico
che vuole produrci e farci girare
il Giappone con una tournée esplosiva
noi ci stiamo!
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GIULIANO CLERICO
lontano dai
sogni di gloria
Quarto album per il cantautore pescarese: dentro “L’Uomo Tigre ha fallito”
ci sono alcuni ritratti, per lo più di sconfitti, una certa assenza di illusioni
ma anche buone dosi di ironia
Che cosa ti è successo nei tre anni passati
da “La diva del cinemino”?
Ho fatto una settantina di serate in
giro per l’Italia da nord a sud,compresa
una tappa in un club in Spagna a Barcellona.
Ho ascoltato un pò di dischi in
macchina,ho scritto le canzoni del disco
nuovo che ho cominciato a registrare ad
agosto del 2014.
Per curiosità, perché l’”Uomo Tigre”,
fra i tanti simboli possibili? E perché
ha fallito?
L’UOMO TIGRE è ispirato dai pugili
che ho visto darsi da fare per arrivare
al titolo di campione italiano per poi
perderlo alla prima occasione di difenderlo,per
poi tornare nel buio lontano
dai sogni di gloria. Ha fallito l’eroe rassicurante
senza macchia e senza paura,senza
vizi e debolezze...ma dove sta?
Mi sembra che nel complesso tu abbia
scelto una strada un po’ più diretta,
soprattutto negli arrangiamenti, rispetto
ad alcuni episodi del disco precedente.
Una scelta o un caso?
Faccio dischi perché quelli precedenti
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che ho fatto non mi piacciono. Le canzoni
nascono da un idea che poi in studio
diventa qualcos’altro. Bisogna fare i
conti anche con i mezzi a disposizione.
Mi piacerebbe in futuro avere la possibilità
di acquistare altri strumenti a
corde, un altro amplificatore a valvole,
insomma dotarmi di mezzi
per provare a migliorare
e diversificare i suoni dei
miei dischi.
Come nasce “Le scimmie”,
uno dei pezzi più interessanti
del disco?
Guardando “Monkey Shines”
di Romero, non sembriamo
tanto diversi dalle
scimmiette ammaestrate.
Penso a quanta gente conduce
una vita ripetitiva
ogni giorno,stessi gesti,
abitudini, pigiare sempre
lo stesso bottone fino a che
ogni tanto qualcuno impazzisce
e accade l’irreparabile.
Vorrei anche sapere come
nasce il ritratto (agghiacciante
ma realistico) di
“Soap Opera”
Da un racconto di una barista
delusa che mi ha fatto il
caffè.
Vorrei un tuo parere sulla
generazione di cantautori
tua contemporanea.
Ascolto volentieri cercando
qualcuno che mi faccia dire WOW! Dei
contemporanei italiani mi piacciono parecchio
i Baustelle, Il Teatro degli Orrori,
Marta sui Tubi, Management del
Dolore Post Operatorio, dall’estero mi
piacciono i Beirut, i Beach House.

TIZIANO BIANCHI
arrangiamenti limpidi
Si chiama “Now and Then” il primo disco “in prima persona” del trombettista
reggiano, tra indie, jazz, classica e collaborazioni eccellenti
Puoi raccontare come sei arrivato a
questo tuo debutto da solista?
Ho sempre scritto musica, ma ci e’ voluto
parecchio tempo per arrivare a
trovare un suono che potesse essere
personale. Ho suonato con diverse formazioni
negli ultimi 15 anni, cercando
la formazione che potesse avvicinarsi di
più al sound che avevo in mente. Il jazz
è il genere musicale che ho studiato e
approfondito maggiormente negli ultimi
anni, insieme al rock, all’elettronica
e alla musica classica che ho sempre
suonato. La scelta della formazione del
quartetto, con violoncello, pianoforte e
batteria e’ stata decisiva per portare a
compimento i brani presenti in ‘Now
and then’.
Come hai selezionato i musicisti che ti
hanno accompagnato e che sonorità
avevi in mente per l’album?
Una volta scelti gli strumenti, ho pensato
subito i musicisti con cui volevo
registrare il disco. Il timbro di ogni
strumento era fondamentale per caratterizzare
il lavoro, e i musicisti che
ho scelto sono tra i miei preferiti dei
tanti con cui ho suonato negli
anni. Ognuno di loro
ha una forte personalità
sul proprio strumento.
Ho conosciuto il
pianista Claudio Vignali
in occasione delle finali
del ‘Premio Internazionale
Massimo Urbani 2013’ e
da allora abbiamo suonato
molto insieme. Claudio è stato
fondamentale nella fase di arrangiamento
dei brani e mi aiutato a trovare
il sound del gruppo. Enrico Ferri è un
violoncellista classico con cui ho suonato
in varie occasioni. Ha un bellissimo
suono di violoncello, e sono stato molto
felice che abbia accettato di prendere
parte al progetto. Andres Marquez, il
batterista, e’ stato mio collega di studi
al Berklee College of Music di Boston.
Mi serviva un batterista molto espressivo
e versatile, capace di passare da
un brano all’altro dando coerenza a tutto
il lavoro. Andres è stato fantastico in
questo.
Il disco suona omogeneo benché si salti
spesso da un genere all’altro senza
grandi problemi. E’ stato necessario
un lungo lavoro di “cesello” per rifinire
il tutto oppure avete lavorato in
modo spontaneo?
Una volta defiiniti gli strumenti del
quartetto, avevo molto chiaro in mente
il sound che volevo ottenere. Credo
che l’accostamento degli strumenti del
quartetto (atipico per un quartetto
jazz, specialmente per l’uso
del violoncello) sia quello che ha
dato coesione e uniformità al disco,
pur essendo presenti brani
di generi anche piuttosto
distanti (classica, jazz, elettronica).
Cercavo un suono
minimalista, con arrangiamenti
limpidi che facessero
emergere le caratteristiche dei
musicisti e il timbro del loro strumento,
melodie che potessero rimanere in
testa. In quest’ottica, il lavoro di arrangiamento
è stato molto puntiglioso, di
lima. Nel lavoro di pre-produzione ho
registrato tutti i brani tentando alcune
soluzioni differenti e anche questo lavoro
è stato molto importante. I musicisti
coinvolti nelle registrazioni avevano
sentito i brani registrati in pre-produzione.
Quando poi ci siamo trovati tutti
per la registrazione definitiva, il lavo-
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o si è svolto naturamente, in maniera
quasi magica, lasciandoci sorpresi e
soddisfatti del risultato.
Uno dei brani cardine è sicuramente
“Now and then”. Come ti è venuta
l’idea della voce recitante di Giovanni
Lindo Ferretti e come è nata la
collaborazione?
“Now and then” è la titletrack dell’album.
Il testo esmprime il messaggio positivo
che sta dietro al lavoro, derivato
da ciò che provavo in quel periodo. La
sensazione che le cose avessero iniziato
a prendere il proprio posto e che tutto
quello che avevo vissuto in passato convergeva
su quello che stavamo facendo.
E’ un messaggio positivo, rivolto a tutti,
di avere fiducia nel presente e nel futuro
nonostante le difficoltà, coscienti che
tutte le persone incontrate nel nostro
vissuto e che hanno lasciato un segno
ci aiutano verso i nostri obiettivi. La
sensazione prima e la realizzazione poi
di non essere soli nel nostro percorso
mi ha dato grande fiducia e serenita’.
E’ stato molto significativo per me fare
registrare il testo a Giovanni Lindo
Ferretti. E’ un’artista ache ho sempre
stimato molto, i cui testi mi hanno sempre
toccato in modo profondo. Giovanni
vive a pochi chilometri dal mio paese
natale, Castelnovo ne’ Monti (RE). Negli
anni sono riuscito ad avvicinarlo
e per piccoli passi, un poco alla volta,
sono riuscito a fargli ascoltare i miei
vari progetti musicali. Quando ho scritto
il testo di ‘Now and then’ avevo la
sensazione di avere qualcosa di forte in
mano e ho subito pensato a lui. Il fatto
che avrebbe accettato pero’ era tutt’altro
che scontato, essendo molto restio a
ogni collaborazione. Ricordo l’emozione
e la paura mentre leggeva il testo per
la prima volta. Il fatto che abbia accettato
di registrare mi ha dato grande
soddisfazione e ha dato grande forza al
testo e al brano. Dal punto di vista musicale
è un brano significativo dell’album,
del mio tentativo di superare la
divisione tra i generi (classica, jazz,
indie) con un suono che fosse credibile e
personale.
Come nasce la scelta delle due riletture
piuttosto distanti fra loro come
Radiohead ed Erik Satie?
Questo progetto è nato inizialmente
come trio. Ebbi una piccola epifania
ascoltando un concerto di musica classica
per clavicembalo, flauto e violoncello.
Il violoncello e’ sempre stato uno
dei miei strumenti preferiti, ma non
ero sicuro che potesse essere usato efficacemente
in una formazione jazz.
Decisi di preparare alcuni arrangiamenti
per trio con tromba, pianoforte
e violoncello. In quel periodo suonavo
spesso al pianoforte la ‘Gymnopedie #1’
di Satie, un brano meraviglioso che riusciva
a mettermi sempre in pace con
me stesso. Preparai l’arrangiamento
senza toccare la melodia ma aprendo
la struttura per il solo di tromba nella
parte centrale. Per il brano successivo
la scelta cadde sui Radiohead essendo
un gruppo che ho sempre ascoltato e
apprezzato. ‘Knives out’ aveva una melodia
e una struttura armonica semplice,
‘minimale’, che mi sembrava potesse
funzionare come ‘ballad’ per il trio con
il violoncello. Anche se le due composizioni
provengono da due periodi e mondi
molto distanti, l’arrangiamento e la
formazione strumentale li ha resi due
brani vicini per atmosfera ed emotivita’.
Le versioni presenti nel disco sono
le stesse del primo arrangiamento, e si
puo’ dire che abbiano aperto la strada a
tutto il progetto ‘Now and then’.
Anche “The Sleep Of Sorrow Through
The Ages” ha una genesi particolare:
ce ne vuoi parlare?
Nel 2010 suonai e registrai a Boston
il brano “The sleep of sorrow” del compositore
giapponese Tetsuro Hoshii, ai
tempi mio collega di studi al Berklee
College of Music. Il brano mi piacque
molto da subito e tenni la registrazione
nel mio computer. Quando stavo lavorando
ai brani del mio disco mi ricapitò
di ascoltarla. Volevo farne una versione
personale, in linea con il resto del
lavoro. Usando un software rallentai
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TIZIANO BIANCHI
NOW AND THEN
S U T U T T E
L E P I A T T A F O R M E D I G I T A L I
ITALY
JAPAN
la registrazione di circa sei volte, ottenendo
un suono totalmente diverso del
piano e del flicorno. La melodia era comunque
fortemente riconoscibile e da
li’ iniziai il lungo lavoro di produzione
che ha portato a “The sleep of sorrow,
through the ages”. Scelsi questo titolo
per le immagini che l’ascolto mi suggeriva.
Mi trasportava nell’immensità
del cosmo, al di fuori del tempo e dello
spazio. O mi faceva immaginare cosa
poteva sentire un feto durante il periodo
di gestazione nella pancia materna,
immerso nel liquido amniotico. Ho lavorato
per circa due mesi alla produzione
del brano, con l’aiuto di Alessandro
Magnanini (Mario Biondi, Cesare
Cremonini) e Daniele Bagnoli (Bagnoli
Bros Recoding Studio). Nel brano sono
presenti anche le voci di Elisa Aramonte
e mio padre Angelo Bianchi a dare
calore umano
al suono generale.
La genesi
del brano richiamava
bene
il ‘Now and
then’ del titolo;
un brano
di diversi anni
addietro, scritto
da un amico
durante i miei
fondamentali
anni di formazione,
aveva
trovato finalmente ‘compimento’. Aveva
incorporato dentro di sé il mio presente
e persone importanti per il mio percorso,
come mio padre Angelo.
Dovessi scegliere un musicista con il
quale ti piacerebbe lavorare nel prossimo
disco, chi indicheresti e perché?
Per il mio prossimo disco vorrei aggiungere
un po’ di potenza al suono. Sto
pensando di inserire una chitarra. Non
un chitarrista jazz, ma un musicista
elettrico. E’ sempre stimolante inserire
un’elemento al di fuori del suo contesto
naturale. Mi piacerebbe continuare la
collaborazione con Giovanni Lindo Ferretti.
Ma se dovessi nominare uno dei
tanti musicisti con cui mi piacerebbe
collaborare direi Franco Battiato.
Come Giovanni, è una di quelle voci
inconfondibili e capaci di evocare un
mondo intero.
www.tizianobianchi.com
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FOSCHIA: senza grandi
ansie da prestazione
Non un lp, non un ep, non una formazione stabile. Ma un progetto molto interessante
e molte buone canzoni concentrate in una pagina Facebook, tra
pop, hip hop e molto altri. Abbiamo intervistato Matt Revol
Puoi raccontare la tua storia fin qui?
Sono sempre stato appassionato di musica,
soprattutto ascolto. Poi verso i
14/15 anni ho scoperto la chitarra, successivamente
il pianoforte. Ho studiato
entrambi ma mollati presto perché a
me è sempre e solo interessato scrivere
musica mia.Cosi mi sono dedicato un
po alla teoria dell armonia anch’essa
non portata a termine. Oggi da molti
anni scrivo i miei pezzi.
Non hai ancora realizzato un ep o un lp
ma tante canzoni “slegate”: puoi spiegare
il motivo?
Il mio lp è la pagina, un lp in continua
evoluzione, infatti non riposto mai due
volte lo stesso pezzo, come se fosse un
album a cui si aggiungono pezzi nuovi
man mano, una specie di diario. Il tutto
molto istintivo, segue le mie “voglie”
e ispirazioni, non ho paletti.Un pezzo
puo essere più una demo, uno più curato,
uno rap, uno pop eccetera eccetera
La tua musica lega songwriting più o
meno “classico” con alcuni frequenti
interventi a carattere hip hop: come e
perché hai deciso di far dialogare queste
due forme musicali?
Diciamo che quando dialogano per me è
comunque più pop. Non mi sento legato
al rap anche se mi piace tantissimo
quando viene usato e mescolato con altri
genere, tipo Gorillaz o anche Kanye
West negli ultimi lavori, perché no.
Non ho preso grandi decisioni in merito,
anzi ultimamente
sono molte di più le
demo senza rap... Vado
a istinto, quello che viene
viene, senza grandi
ansie di prestazione o
grandi pensate.Il tutto
è veramente molto naturale.
Puoi raccontare qualcosa
dei collaboratori
che appaiono nei “featuring”
delle tue canzoni?
Come li hai conosciuti
e coinvolti nelle
tue tracce?
Il mio collaboratore
principale è Serra, MC di Modena, che
è anche la mia città, l’ho conosciuto
molti anni fa dopo aver sentito alcuni
suoi pezzi e piano piano l’ho coinvolto,
lui si è messo in gioco e si è adattato a
una forma meno rap ma molto più pop.
Il progetto è nato con lui.C’è Graziano
Ranieri, tecnico del suono e amico. Poi
ci sono Anna e Ludovica, due cantanti
con cui ho registrato qualche pezzo e
collaborato a melodie e testi vari e infine
Antonio, chitarrista molto bravo con
cui ho registrato le chitarre per diversi
pezzi.Questi sono i collaboratori principali
e con i quali più spesso lavoro. Poi
ce ne sono altri più “occasionali”.
Chi è o chi sono gli artisti indipendenti
italiani che stimi di più in questo momento
e perché?
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Non so se siano indipendenti ma mi
piace tantissimo La rappresentante di
lista.
Hai già iniziato qualche sorta di attività
dal vivo?
In realtà no.Per ora questo è uno sfogo
da studio. Abbiamo provato molte volte
ma è difficile far combaciare orari di
tante persone.Per ora nessuna volta è
andata bene ma mai dire mai.
Il tuo progetto è caratterizzato da immagini
di
fumetti in
stile dysneiano
degli esordi:
chi le
realizza?
Puoi raccontare
qualcosa
di più in
merito?
Le immagini
sono
tutte di
Jack Venturelli.
Un
amico che
ho conosciuto
alle
superiori.
Gli piace
la mia
musica e
si è offerto
di farmi qualche tavola. Di lavoro fa il
grafico.
Stai lavorando a nuove canzoni? Puoi
anticipare qualcosa in merito?
Sto lavorando a molte nuove demo.
Ho provato ad alzare un po’ il ritmo in
qualche nuovo lavoro, bpm più alti.
Ho imparato con il tempo che l’ispirazione
va e viene ma torna sempre.
Almeno spero haha!
Puoi indicare tre brani, italiani o stranieri,
che hanno influenzato particolarmente
i tuoi lavori?
Se può andare bene direi album: “Vivadixiesubmarinetransmissionplot”
di
Sparklehorse, “Think tank” dei Blur
e “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club
Band” dei Beatles.
Se dovessi scegliere un artista con cui
ti piacerebbe collaborare (italiano o
straniero, possibile o impossibile) quale
nome faresti?
Sparo in alto, nel range dell’impossibile...
Con Damon Albarn! Ahah! In Italia
invece collaborerei con i Verdena, anche
se sono lontani dal mio stile sono
pazzeschi.
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Nevica NOISE
Il mio IO primario
Gianluca Lo presti AKA Nevica su Quattropuntozero, dopo svariate scorribande
in dischi altrui, mette a fuoco il proprio DNA primordiale con un moniker
differente e con un disco (quasi) del tutto strumentale, “Sputnik”
Perché hai deciso di “aprire” un side
project autonomo anziché pubblicare
i brani come Nevica Su Quattropuntozero?
Nevica su Quattropuntozero e Nevica
NOISE sono in realtà due facce della
stessa medaglia, il primo è un progetto
di canzoni, sicuramente “sui generis”
ma sempre di canzoni si tratta, il secondo
invece, essendo strumentale, mi
permette di spaziare più liberamente
nei meandri della mia anima musicale
laddove posso sperimentare soluzioni
sonore nuove da portare poi nel progetto
principale di Nevica su Quattropuntozero.
Mi piace pensare a Nevica NOI-
SE come al DNA musicale di Nevica su
Quattropuntozero dove tutto è primordiale.
Come e con quale spirito nasce “Sputnik”?
Dopo tanto tempo trascorso su progetti
musicali a lungo termine dove spesso
si deve usare molto il cervello e meno
il cuore soprattutto per curare aspetti
tecnici della produzione di un disco
nei quali non mi sto a dilungare,sentivo
fortemente la necessità di partorire
qualcosa di immediato di più spontaneo
e meno pensato,avvicinarmi cioè al mio
IO primario alla mia anima musicale
in modo più diretto.La psichedelia
elettronica è ricca di suggestioni,sono
viaggi che inizi e non sai mai dove vai
a finire…ecco la nascita di questo disco
rappresenta una sorta di catarsi liberatoria
dove posso lasciarmi andare senza
limiti.Anche se in realtà non me li
pongo mai comunque!
Il tuo disco è descritto come un’esigenza
“di pancia”, un approccio istintivo
e uno stacco liberatorio. Non è curioso
che per un discorso così “naturale” tu
abbia scelto in prevalenza strumenti
“sintetici”? Oppure ormai non è più
corretto fare distinzione tra analogico,
sintetico, elettrico, elettronico...
Non esistono a mio parere distinzioni
o categorie sonore, o meglio non credo
alle gerarchie.Io uso l’elettronica
perché sono “naturalmente” cresciuto
con questa. Diciamo è un mondo sonoro
che si adatta perfettamente al mio
essere musicista. In realtà nel disco
sotto l’elettronica c’è una batteria acustica
suonata da Alessandro Gomma
Antolini, quindi in parte si cercano di
fondere questi due mondi sonori acustico/sintetico.
Sono consapevole che la
maggioranza dei musicisti oggi utilizzi
ancora il suono naturale degli strumenti
acustici o elettrici ma anche un
sintetizzatore ha la stessa importanza
di una chitarra o un basso. Diciamo che
non credo neppure il contrario che la
forma espressiva elettronica sia la migliore.
Ogni musicista deve capire chi è,
cosa vuole, da che parte sta. Alla fine la
propensione e la scelta di avvicinarsi a
uno strumento o a un altro deve essere
del tutto spontanea. Io non mi sono mai
posto limiti né fatto domande, mi sono
solo concentrato a fare meglio che potevo
quello che sentivo. Penso basti cosi!
“Sputnik” rappresenta il primo passo
di una trilogia dedicata a Murakami.
Che cosa ti colpisce di più dello scrittore
giapponese come interprete della
realtà contemporanea?
Sì, in realtà nella mia concezione cè
una trilogia che prende spunto dalle
letture di Murakami parte da li ma
arriva ad altro.Preferisco pensare che
Sputnik sia la prima opera di una cosidetta
“Trilogia dell’anima” dove dentro
la musica cè una fortissima tensione
verso la ricerca di se stessi e del nostro
equilibrio sano nel mondo. In questi
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ultimi anni per motivi personali ho affrontato
moltissimo il tema della sofferenza
interiore o se vuoi dirla in modo
più diretto della ricerca della felicità.
Quando capisci che non dipende da
nessun altro all’infuori di te hai vinto.
Questo interesse dovuto
a specifiche necessità di
risolvere certe cose mi ha
portato a conoscere altri
personaggi straordinari
come il filosofo e musicoterapeuta
genovese Mauro
Scardovelli. Ecco che
da qui si evince che Murakami
è stato un punto di
partenza formidabile.
Da che tipo di ispirazione
nasce “Sarin”?
Nasce da un romanzo
di Murakami “Underground”,
che non ho ancora
letto, tra l’altro in cui
si narra del famoso attentato
alla metropolitana
di Tokio dove fu usato il
Sarin per intossicare la
gente o più comunemente
conosciuto come gas nervino.
Nel mio pezzo ci sono
dei synth che riecheggiano
incessantemente dei
suoni simili a dei lamenti
o delle sirene tanto per
sottolineare l’atmosfera
drammatica dell’evento.
Post scriptum. Mi sto rendendo conto
adesso che è un pezzo che viene notato
più di quello che pensavo. E’ il bello
della vita… fai una cosa, gli dai una
certa importanza che è sempre diversa
da quella degli altri... Sono contento
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comunque.
Mi incuriosisce, per motivi che immagino
ovvi, anche la scelta delle voci di
“Do Nascimento”... Puoi raccontare
qualcosa in merito?
“Do Nascimento” è il pezzo più provocatorio
dell’album. Volevo dare uno
spaccato della miseria del mondo in cui
viviamo, non è stato molto impegnativo
mi è bastato sintonizzarmi un pomeriggio
alla radio e sul web per scoprire che
è più facile trovare queste cose piuttosto
che la bellezza del discorso finale
di Scardovelli sulla natura umana. Mi
piaceva partire da una situazione negativa
e senza speranza per dire che in
realtà la speranza esiste e dipende soltanto
da noi trovarla per rinascere.
Se la vogliamo mettere cosi “Do Nascimento”
è un brano di protesta come si
scrivevano negli anni 70 ed è interessante
la reazione del pubblico quando
scopre che i miei concerti partono
sempre con questo pezzo e io salgo alla
fine quando inizia a parlare Scardovelli
come a volere significare: ”Ehi ragazzi
possiamo farcela, possiamo rinascere,ci
stanno fottendo, svegliamoci!!” È un
brano che, nonostante non sembri, ha
un grande ottimismo.
Visto il numero e la qualità sempre
più rilevante delle tue collaborazioni e
dei tuoi interventi sui dischi altrui, sei
uno dei personaggi più influenti sulla
scena indipendente (o come la vogliamo
chiamare) contemporanea italiana.
Come fotografi questo momento
per la musica italiana?
Innanzitutto ti ringrazio per queste
parole perché a uno schivo come me
fanno tremare le gambe quanto battere
il cuore per la gratitudine e l’emozione.
Sono molto onorato che da qualche
tempo gli addetti ai lavori pensino queste
cose anche se forse non è veramente
cosi ah ah. Comunque mi impegno da
tempo in tanti progetti e tante collaborazioni
perché ci credo e penso che la
musica sia la mia strada per rendere
questo un mondo migliore e per il mio
sviluppo come essere umano. Detto ciò
provo a rispondere alla tua domanda:
sento in giro tanta bella roba, tante
belle cose ma alla fine la visibilità ce
l’hanno sempre le peggiori, le meno interessanti
e le mediocri. Forse allo star
system conviene così, per cui da tempo
la mia unica forma di insurrezione e di
ribellione consiste nel continuare a impegnarmi
per far sì che le cose belle e i
gruppi bravi possano emergere. Manca
forse un po’ più di coraggio in Italia, potremmo
osare di più senza avere paura
che il pubblico ci volti le spalle. A volte
il pubblico ti premia a una condizione:
che tu sia sincero. E la gente questo sa
ricononoscerlo.
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OHIO KID
la realtà fuori è confusa
“Everyone was sleeping as if the Universe were a mistake” è il ritorno del
songwriter folk bolognese di stanza in Lussemburgo
Sono passati quattro anni dal tuo (lodevole)
esordio con “The day when we
discovered the light”. Che cosa è successo
in questo periodo di tempo a te e
alle tue canzoni?
(Grazie mille per il “lodevole”!) Gli ultimi
quattro anni, quelli tra le due uscite,
sono stati abbastanza intensi, soprattutto
dal punto di vista personale.
Ho vissuto, e sto ancora vivendo, all’estero,
in paesi diversi, muovendomi un
po’ per necessità, un po’ per curiosità.
Sono stato inglobato in un succedersi di
esperienze,
conoscenze,
gioie e
malumori.
Ho
provato
l’emozione
e lo smarrimento di non avere
un luogo che potessi chiamare casa.
Le canzoni di “The Day when… dopo
che sono state pubblicate si sono un po’
perse. Numero di live ridotti all’osso,
io che magari non prendevo in mano la
chitarra per mesi. Non è stato un periodo
molto adatto per dare un seguito al
disco. E mi dispiace. Quella manciata
di volte sono riuscito a suonare quei
pezzi davanti a un pubblico il responso
è stato molto positivo e avrei voluto
ripetere l’esperienza all’infinito.
Puoi spiegare il titolo del nuovo disco?
Ero a una mostra di fotografia a Barcellona,
che non mi è rimasta molto in
testa. Ma il titolo dell’esibizione era
fantastico. L’ho preso da lì. Descrive
perfettamente una sensazione che ho
provato spesso. La realtà fuori talvolta
è talmente confusa che l’unica cosa
che vorresti fare è rimanere a letto con
la testa sotto le lenzuola. Un modo per
nascondersi, o nascondere le cose che
stanno al di fuori delle mura protettive
di una camera da letto. Mi piace il
contrasto spaziale tra l’infinito dell’universo
e la piccolezza dei nostri problemi
personali. E mi piace che sia un titolo
chiaramente esagerato, megalomane.
Le cronache narrano di canzoni nate e
poi gettate nel cestino. E’ stato molto
difficile arrivare a “Everyone was sleeping
as if the Universe were a mistake”?
No e sì. No perché le melodie si creano
da sole nella mia testa o mentre sto
suonando e magari pensando ad altro.
Non c’è un pattern predefinito, non decido
io come iniziarle, come finirle, è
sentirlo, percepirlo. Allo stesso modo le
liriche. Sono frasi che mi fluttuano in
testa, e quasi naturalmente diventano
parte della musica. Scrivo e riscrivo fino
a che non mi sento di aver raggiunto il
risultato voluto. Sì, perché per i primi
due anni queste cose non le sapevo. Ho
forzato la mano, ho provato a fare qualcosa
di diverso dal disco precedente, ma
senza un progetto chiaro. È venuto fuori
un miscuglio di idee e melodie e testi
che non sentivo assolutamente mie.
Ho imparato che non si inizia un pezzo
pensando di sperimentare. Puoi farlo
dopo, ma la base deve essere semplice.
I soliti quattro accordi.
Hai scelto atmosfere più intime e, si
direbbe, dolorose per le sei nuove canzoni
rispetto al tuo esordio. E’ stato
difficile mettersi così a nudo oppure è
prevalso l’aspetto liberatorio?
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Non c’è una volontà reale dietro. Sicuramente
durante il primo disco vivevo
un periodo più spensierato. Con
“Everyone was sleeping” ho processato
tutto ciò che è successo in quattro anni,
tra i ventiquattro e i ventinove, che
sono un periodo esagerato in termini
di crescita umana. In un certo senso
mettersi a nudo è una cosa che metti
in conto quando decidi di fare musica.
Ogni cosa che ho scritto, da quando ho
la possibilità di scrivere, è personale.
Il modo di presentarla è più o meno
velato. Forse con “The Universe” ho
osato un po’ di più e le cose dette sono
più dirette. Però sono convinto che una
buona metà del disco sia comunque difficile
da interpretare.
Come nasce “Your Drugs”?
Nasce da un verso, quello finale. E da
un momento di frustrazione. Volevo
renderla cantilenante, e scanzonata.
È diventata grottesca e malinconica,
che è esattamente l’obiettivo.
Mi racconti qualcosa anche della genesi
di “Wires”?
Oh. Keaton Henson? Continuavo a suonarla
e a suonarla. Veniva bene nella
mia testa e ho provato a registrarla.
Le liriche sono quasi improvvisate.
Avevo un canovaccio di testo, parole
buttate a caso, prima di tutto “Don’t
look down, I’ve put wires all around”.
E mi sono immaginato un innamorato
pazzo che distende fili e cavi per tutta
la casa per intrappolare la persona
che ama. È un pezzo triste. Ho creato
rumori di sottofondo, per confondere la
melodia. Volevo riprodurre il suono di
un generatore o un flusso di corrente,
qualcosa di poco piacevole. Non ho idea
se ci sono riuscito.
Quali sono i dischi che ti hanno maggiormente
influenzato nell’ultimo periodo?
Non ne ho idea. Ascolto musica in continuazione.
Siamo un gruppo di amici
che si consiglia dischi da ascoltare,
prevalentemente nuove uscite. Ci piace
stare al passo. Penso di aver processato
un po’ di tutto. Facendo musica da solo
c’è il rischio di scrivere musica sulla
falsa riga di un gruppo che ti piace.
Per farti un esempio. Due anni fa ero
innamorato di una band di Maiorca,
Oso Leone. Li ho sentiti live un paio
di volte, atmosfere sognanti, un po’ di
elettronica. Ho fatto un disco così, con
le stesse atmosfere, con le stesse sonorità.
Ho usato anche un pianoforte
vero, chitarre ultra effettate, e sintetizzatori.
Non era male. Ma non era
mio. L’ho buttato via. Tutto. Non è rimasto
quasi nulla di quelle registrazioni.
Quindi di solito cerco di mantenere
una linea, avere consistenza nei suoni
e nei messaggi. Se devo fare dei nomi
di dischi che ho ascoltato e riascoltato
ultimamente (ultimo anno), “Cavalho”
di Rodrigo Amarante, “Vicious” di His
Clancyness e “It’s a wonderful life” di
Sparklehorse.
32

ELISA ROSSI
smussare le rigidità
Con un ep che si intitola “Eco” la cantautrice riminese cambia sound e pelle,
trova nuovo slancio e una serie di nuove consapevolezze
Che cosa è successo nei tre anni trascorsi
da “Il dubbio”?
Dopo l’album “IL DUBBIO” seguì un
anno di pausa, un allontanamento dalla
musica, non sentivo più motivazioni
per cantare e non ne volevo più sapere.
Incontrai poi una persona speciale, che
purtroppo oggi non c’è più e a cui è dedicato
il disco, Ivan Puleo che divenne
il manager. Nel breve periodo in cui lavorammo
insieme riuscì a smussare un
po’ di mie rigidità. Mi consigliò di iscrivermi
al Premio Bianca D’Aponte.
Foto di Matteo Casilli
Io un po’ controvoglia e disillusa gli
diedi fortunatamente retta e lo vinsi.
Quello costituì un nuovo punto di partenza,
un nuovo slancio. In quell’occasione
conobbi anche la mia etichetta
discografica “IndieSoundsBetter” e così
iniziai piano piano a lavorare alle nuove
canzoni.
Con quali premesse nasce il nuovo ep?
C’è alla base una consapevolezza di
me e delle mie possibilità di espressione
sia a livello di scrittura, molto più
diretta, e dell’uso della voce in cui ho
cercato di essere molto più viscerale.
C’è la voglia di comunicare il percorso
e la crescita interiore degli ultimi anni,
la ricerca spirituale e l’apertura a un
futuro che immagino positivo e gratificante.
C’è una certa svolta sonora alla base di
“Eco”: come e quando ti sei avvicinata
al dream pop e hai scelto di fartene
influenzare?
Ho lavorato in prima persona alla stesura
dei primi provini di “ECO” cercando
da subito di indirizzare le sonorità
verso il pop, ma mantenendo sempre la
mia caratteristica di scrittura onirica
e di ricerca di immagini. Il connubio
Foto di Alessio Albi
delle mie melodie con le atmosfere tipiche
del dream pop si sposano perfettamente
e anche i testi introspettivi così
come l’uso di echi e riverberi sulla voce
donano più leggerezza e sospensione.
Naturalmente poi, la mia passione per
gruppi come i The Verve negli anni
‘90 o la musica che preferisco ascoltare
come per esempio Sigur Ros, Bjork,
Cocorosie, Lykke Li, Woodkid ecc..mi
hanno portato a fare determinate scelte
stilistiche.
Terzo album e terzo cambio di produzione:
che cosa hai cercato (e trovato)
nei produttori Longo e Ruffino?
Cercavo qualcuno che potesse seguire e
ampliare le caratteristiche sonore che
già avevo impostato nei provini, quindi
con l’uso di più elettronica. Loro hanno
lavorato in perfetta sintonia facendo
convergere le attitudini di entrambi in
risultati misurati, ma decisi. Quando
ho iniziato a lavorare al disco avevo
due riferimenti ben precisi ed erano
Woodkid per la parte orchestrale, l’u-
34
35

so dell’armonia, l’ apertura visionaria
e sospesa e Sia per la sferzata pop.
Quello che mi interessava fare e che
caratterizza il mio modo di scrivere era
raggiungere il giusto equilibrio tra le
melodie ariose e sonorità moderne.
Come nasce “I giganti” e perché l’hai
scelta come singolo?
“I giganti” è un brano autobiografico in
cui parlo del mio desiderio, fin da piccola,
di realizzare qualcosa di grande. La
voglia di scappare dalla solitudine della
provincia di evolvermi e migliorare.
Questo percorso è stato tortuoso e pieno
di insidie che non provengono solo
dall’esterno ma spesso invece nascono
dentro di noi e ci frenano. Siamo noi
stessi a volte i nostri peggiori nemici, e
smussare i nostri angoli è un lavoro che
richiede maturità, senso di analisi e
tanto coraggio. Sono sempre stata affascinata
dalla ricerca della spiritualità
e questo disco ruota anche intorno a
questo concetto: evolversi per trovare la
libertà di essere. “I Giganti”, simbolicamente
rappresentano i miei limiti e insicurezze
e Roma lo scenario, il campo
di battaglia in cui si svolge la lotta per
affermare me stessa perché è questa la
città a cui ho affidato i miei sogni quando
mi sono trasferita a 18 anni. Il video
cerca, con la sovrapposizione di momenti
che vanno a scandire la mia vita
e l’indole più bucolica e sognante con
frammenti di vita famigliare e immagini
caotiche della città, di rappresentare
il moto frenetico dell’ interiorità.
Come saranno le tue esibizioni dal
vivo dopo l’ep?
Avrò un set composto da
batteria, synth e chitarra
elettrica
Quali sono i cantautori
indipendenti italiani
che stimi di più?
Amo da sempre la penna
e la voce di Diego
Mancino e trovo molto
interessanti Dardust,
Diodato, Giovanni Truppi,
Dente, Maria Antonietta,
Niccolò Fabi, e
Cristina Donà che è una
delle mie artiste di riferimento…
Foto di Alessio Albi
Foto di Massimo di Soccio

LIEDE
l’unica cosa che potessi fare
Bambini che piangono sulla neve, ansia, quaderni ritrovati: la formula per
arrivare a fare il solista di Francesco Roccati è tortuosa, ma le canzoni del
suo “Stare bravi” sono spesso semplici e molto efficaci
Vuoi raccontare
la
tua
storia?
La storia
di me che
imbraccio
chitarre
-all’inizio
anche bassi-
e canto è
molto breve.
Inizia tutto
nel 2008 con
l’indie-rock
da cantina
torinese e
nel 2016
esce “Stare
Bravi”, come
Liede, che è
tutta un’altra
cosa (mi
rendo conto
ora che in
realtà son
passati 8
anni, mostruoso, ma facciamo finta di
niente).
Ho sempre pensato, comunque, che
non avrei mai mollato il colpo, e che
anche non sapendo bene cosa -e come-,
l’avrei fatto. Gli ultimi due anni sono
stati dedicati al voler incidere un disco
per iniziare un percorso, e si è capito
che ci sarei riuscito solo a giugno 2016
(questo in parte motiva la risposta
alla domanda n.3). Trasformare le mia
idea-sogno di disco in realtà tangibile,
fatta di cartone colorato nelle mie mani
e immagini e player digitali è stata sicuramente
la cosa più snervante e bella
che ho fatto in vita mia. Diventare
Liede di sicuro mi ha cambiato come
persona, molto, e quasi certamente in
peggio. Togli il quasi.
Pare che tu abbia scoperto la tua “vocazione”
da cantautore ritrovando
testi scritti di cui avevi dimenticato
l’esistenza. Avevi sospettato di poter
fare il solista anche quando suonavi in
gruppo?
Verso il 2012, la tiro un po’ a caso ma
dovremmo essere proprio in zona, fine
2011 inizio 2012, ho iniziato a scrivere
testi in italiano. È stato strano. Il primo
pomeriggio con il primo testo scritto
chitarra e voce lo ricordo bene, cercavo
di rigirare quattro accordi su dei versi
un po’ baustellosi, e nel mentre che
suonavo e canticchiavo sentivo che il
tutto era un qualcosa di molto diverso
da governare rispetto ai tentativi, innaturali,
di scrittura british fatti fino
a quel momento. Ero felice, quel foglio
di carta con titolo versi e accordi mi era
parso da subito importante, lo sentivo
più mio rispetto agli altri, me ne ero affezionato.
Infatti ricordo ancora a memoria
quella canzone. Per farla breve si
parlava del funerale di un capitano, un
lupo di mare. Protagonista una donna
38 39

seduta in prima fila, sua amante e assassina.
Chiaramente non era un pezzo
adatto a “Stare Bravi”, ma spero un
giorno di avere l’occasione di buttare
in un disco questa canzone. O, meglio,
farne la colonna sonora di un film. Non
ho mai pensato di poter fare il solista
mentre suonavo in gruppo, ma quel
giorno ho capito che era l’unica cosa
che potessi fare per andare avanti.
Se dovessi scegliere il sentimento prevalente
che ha guidato le lavorazioni
di questo disco, quale sceglieresti?
Nostalgia, amore. Ansia. Prevalentemente
ansia, quindi scelgo lei. Che mi
sveglia, mi organizza la giornata e mi
mette a dormire, a volte al buio e a volte
un po’ più tardi.
Mi sembra che la ricerca di suoni per il
disco, oltre che una certa nostalgia del
synth pop, siano tesi a non mettere in
ombra la voce e il cantato. Una scelta
precisa o un percorso spontaneo?
Sulla voce la scelta è stata precisissima.
Vladi (Vladimiro Orengo, produttore
del disco) è stato particolarmente
attento a questo aspetto. Avremmo potuto
fare due scelte, riverberarla molto,
snaturarla e buttarla dentro il mix,
come uno strumento, o tenerla fuori,
bella forte e intellegibile. Abbiamo scelto
la seconda, giocandoci tutto. E sono
contento. Sono canzoni italiane, sulla
voce si regge o crolla tutto. Partiti con
quest’idea, la scelta dei suoni è venuta
di conseguenza.
Come nasce “Sorridendo” e il concept
del relativo video?
Sorridendo nasce per ultima. È stata
un lampo, dai primi due versi della
strofa al provino finito non sono passate
24 ore. Avevo un’idea sul testo, che
è poi l’inizio della prima strofa. Per la
melodia ho avuto cinque minuti fortunati
di chitarra (sulle scale dello studio
in campagna dove quest’estate abbiamo
lavorato il disco), proprio poco prima
che scolassimo la pasta. Poi ci siamo divertiti.
È il pezzo in cui Vladi ha messo
di più lo zampino sul testo, l’abbiamo
scritta praticamente a quattro mani e
due calici. Abbiamo deciso di insistere
sul tema del “passi” in modo ossessivo,
fare una canzone diversa dalle altre,
era l’ultima, briglia sciolta. La quadra
finale è stato il ritornello sorridente, in
antitesi con tutte le brutture descritte
nelle strofe. Ne avremo scritte dieci di
“Sorridendo” quella notte, poi abbiamo
preso i pezzi migliori. Il video è stato
realizzato da Andrea Dutto. Dopo qualche
sera di chiacchere e un paio di altri
tentativi, ci siamo resi conto della forza
comunicativa del bambino che piange
sulle piste da sci. Posso assicurare
io, per esperienza personale, il bimbo
piangente sulle piste non è consolabile.
È nel pieno della tragedia, è disperazione
pura. E quel particolare tipo di
sofferenza, unito ai timidi sorrisi che
i bimbi nel video si lasciano scappare,
ci è sembrato potesse ben interpretare
il mood della canzone. Qualcuno ci ha
letto speranza, ma non sarei onesto nel
confermare.
Altro pezzo che mi ha incuriosito è “Le
finte intellettuali”: come nasce?
Questo pezzo invece è uno dei primi.
Ho strofe pressoché identiche in quaderni
del 2012, è un’idea che mi girava
in testa da un po’. Era rivolta a un’amica
di infanzia (non lo sa, e comunque
sarebbe più onesto dire conoscente),
che dopo anni avevo ritrovato su Facebook
con mezza testa rasata, tatuaggi,
modelling attitude, sguardi intriganti,
foto assurde etc etc. Ora è la norma,
ma all’epoca mi aveva colpito. Sia chiaro,
il mio non è assolutamente un giudizio
morale. Ricordo solo che ho pensato:
“Cazzo!”. E poi ho iniziato a tirare
giù dei versi. Poi la cosa si è evoluta,
dalla sua immagine è nata l’idea della
finta intellettuale, Torino ne è piena,
e fine. Un ragazzo
su Instagram mi ha
scritto che si è innamorato
di “Finte Intellettuali”
“perché
parla esattamente
della mia ex, stronza
maledetta, la
odio!”. Poi ha firmato
con un cuore. Non
era quello il mio intento.
Condannare
una categoria intendo.
Non è un testo
misogino. Io stesso sono una finta intellettuale,
purtroppo. Mi guardo spesso
allo specchio e oggi non so fare il punto
della mia vita.
Chi stimi tra i musicisti indipendenti?
Li chiamo indipendenti per augurargli
il mainstream. Alcuni già ci sono.
Motta mi è piaciuto da morire, ce l’ho
in playlist. Sto apprezzando molto Thegiornalisti
e Ex-Otago. Rivolgendoci
a Torino, non ho mai nascosto il mio
amore per i Nadàr Solo, in particolare
per i testi di Matteo. Ah, Leo Pari! (lo
stomaco mi avverte (cambio di stagione
/ tutti hanno una donna cosa c’è di strano
/ c’è solo una coperta sopra il mio
divano), mi sono incazzato parecchio
per non averla scritta io. Grande. The
Zen Circus, non sono della mia generazione
ma lo saranno sempre, in realtà,
e li amo per questo. L’ultimo disco mi
ha spezzato in due. Li canto sotto la
doccia, forte. Verano.
È passata da artista
stimata ad amica,
stiamo lavorando
insieme a delle cose.
È un angelo e dentro
le brucia qualcosa,
è brava, fa venir voglia
di piangere e
scrivere. E Niccolò
Contessa, che ha
scritto forse l’album
più bello, semplice e
complesso del 2016.
40 41

DULCAMARA
l’idea dei grandi spazi
Mattia Dulcani, con amici e compagni di ventura, pubblica “Indiana”, disco
che racconta di un’America più inventata che immaginata, con ossessioni,
perfezionismo, testi che scompaiono nella musica
Come e da quali ispirazioni nasce “Indiana”?
Non saprei più rispondere a questa domanda,
ci siamo dentro fino al collo.
E se Indiana per me rappresenta un
fiume, siamo in corrente. A essere seri,
forse l’idea dei grandi spazi, dei fiumi
d’Argentina, di giovanili ascolti di “Anima
latina”. Da un volere uscire da un
suono di provincia.
Vorrei sapere come sono andate le
lavorazioni del disco, perché mi sembra
che il disco dimostri una notevole
cura del dettaglio nella scrittura,
nell’esecuzione e negli arrangiamenti.
Ti ringrazio, sì forse troppa. A un certo
punto è diventata ossessione. Alcune
tracce sono state incise in degli appartamenti
di
passaggio
perché non
ci sarebbe
stato altro
modo, questo
fattore
ovviamente
ha aumentato
la difficoltà
di avere
un suono
plasmabile
come potrebbe
essere
quello
realizzato in un buono studio e non ti
dico nemmeno quante tracce abbiamo
abbandonato per il semplice fatto che
non suonavano per noi. Una volta
adottata la modalità “one take” se il
brano non respira non c’è nulla da
fare e si va avanti. In più la grande
difficoltà è stata scrivere testi che riuscissero
a scomparire nella musica,
togliendo ego personale e narrazione
da cronaca per spostarle in un “luogo”
ideale dove le parole stesse avessero
la stessa valenza dei suoni. Dell’America
nell’estetica e nel riconoscimento
culturale c’è ben poco, però non possiamo
nascondere che molti artisti
della scena folk americana ci abbiamo
influenzato il pensiero rispetto al
modo di registrare e di mixare i dischi.
Mi sembra che questo disco porti a
compimento una trasformazione che
ha portato dall’amore iniziale e dichiarato
per l’hip hop a lidi del tutto diversi.
Quanto c’è stato di consapevole e
quanto di spontaneo in questo processo?
42 43

Forse dalla semplice idea che la casa
degli altri sembri sempre la casa ideale,
mentre qui succedono i disastri. Si
rimette sempre tutto in discussione,
si resta soli, si riparte, si torna soli. E’
un’immagine. Di fronte a una casa dove
vivevo da piccolo guardavo sempre una
famiglia che entrava e usciva impeccabile
da casa. Forse nell’inconscio ho
un’idea fallimentare della perfezione.
“Non un rumore di spari nei sogni che
li fa svegliare di notte come pazzi per
controllare di esser ancora vivi” credo
sia l’unica frase di cui sono contento nel
disco.
Vorrei conoscere anche qualche particolare
sulla genesi della traccia di
apertura, “Rituale”.
“Rituale” si distingue dagli altri brani
nato per ultimo e scritto e inciso
in due giorni, mixato in qualche ora e
forse si sente…;) “Rituale” chiude un
cerchio per me. “Rituale” è un presente,
non viaggia nel tempo, resta dov’è e
cerca nel numero “due” la possibilità di
essere una cosa sola. Un uno, un tutto.
Quali sono i colleghi che ascolti con
maggiore piacere al momento?
Kurt Vile, Conor Oberst, Phosphorescent,
M ward, Other Lives.
Direi che la scelta è stata consapevole e
senza rammarichi. Dell’Hip Hop di oggi
non mi importa più molto, ma cerco di
tenere a mente una lezione che soltanto
questo genere sa dare, ovvero l’improvvisazione.
Fare freestyle per esempio
mi aiuta moltissimo a scrivere sui primi
stralci di accordi o sulle melodie appena
nascono. La sincope e la metrica
usata nel rap cerco spesso di prenderle
in prestito e inserirle in un cantato folk
più dilatato e una cosa che mi diverte
molto perché non si possono imparare
se non si ha un background da rapper.
Tra le tendenze dell’indie italiano
attuale, l’impronta del cantautorato
folk “all’americana”, coniugato secondo
gusti e inclinazioni personali, è in
forte ascesa. Quali sono, secondo te/
voi, le cause e perché si verifica proprio
ora?
Non saprei, credo che tutti si stiano
svegliando. Negli anni ’90 si è cannibalizzato
tutto il suono del ventennio precedente.
Ancora oggi molti brani di cantanti
big sembra suonino con un preset
midi di una Bontempi. A un certo punto
è stato necessario tornare indietro, suonare
davvero la musica, magari tutti
assieme in presa diretta,
come gli ammerigani.
Come nasce “La casa di fronte”?
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