TRAKS INTERVIEW #5

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INTERVIEW
Numero 5 - luglio 2017
Pivirama
il desiderio di raccontare
Paolo Tocco
LeSigarette!!
Soul Mutation
IMustBe Leonardo
Florence Elysée
Ell3

sommario
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Pivirama
Paolo Tocco
Soul Mutation
IMustBe Leonardo
Ell3
Florence Elysée
LeSigarette!!
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TRAKS INTERVIEW
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PIVIRAMA
il desiderio di
raccontare
Raffaella Daino, cantautrice ma anche giornalista per Sky Tg 24 e testimone
di alcuni dei fatti più importanti della nostra epoca parla, attraverso le
canzoni del suo quarto album, di nuvole, pezzi di vetro ma anche di realtà
sconvolgenti
Questo è il tuo quarto disco, ma il primo
tutto in italiano: che cosa ti ha portato
a questa scelta?
Se sei qui a chiedermi di parlare della
mia quarta creaturina vuol dire che
l’hai trovata interessante, e ne sono
felice, anche perché per me è quella che
ha più significato nella storia del progetto
Pivirama. Quello dell’italiano è
stato un processo spontaneo, e naturale,
non è stata proprio una scelta – non
ne faccio mai nella musica, e forse anche
nella vita. Ho sempre pensato che
fosse la musica a “scegliere” la lingua
più adatta e cosi nei precedenti dischi,
decisamente più rock ed elettrici, l’inglese
era quella che musicalmente meglio
si adattava. Con queste sonorità
electro-acustiche e in generale più delicate,
frutto della produzione artistica
di due grandissimi musicisti siciliani,
Nicola Ganci e Patrick Rotolo, l’italiano

ha trovato la sua giusta collocazione.
Poi, il desiderio di raccontare in modo
più diretto, chiaro e comprensibile queste
storie, sia quelle fatte di realtà che
quelle puramente immaginarie, ha fatto
il resto. Devo dire che c’ho davvero
preso gusto, queste dieci canzoni mi
hanno fatto appassionare talmente tanto
all’idea di scrivere
nella mia lingua che
non userò mai più l’inglese.
Benché alcune delle
canzoni del disco parlino
di realtà drammatiche,
le sonorità sono
spesso improntate a
una serenità di fondo.
Vorrei capire se è stata
una scelta meditata
oppure se è stato un
processo spontaneo...
E’ un disco che racconta con schiettezza
e senza giri di parole le mie diverse
anime... Quella naive, sognante e
idealista che si ferma sulla spiaggia
a osservare gli sbiaditi pezzi di vetro
persi “tra i granelli di sabbia, levigati
dal sole e dal vento” immaginando quale
nostalgia possano avere pensando a
quando erano fulgenti bottiglie, (Sassi
di Vetro) o che vedendo le nuvole di
fumo intrappolate in una stanza chiusa
immagina che possano divertirsi ad a
disegnare sulle pareti ombre come sagome
umane (Nuvole). L’anima leggera
che vive a testa in giù in un mondo in
cui l’assenza di gravità non fa paura
e ci fa fluttuare senza paura (Senza
Rete), L’anima introspettiva di chi non
sa scegliere e perde tutto (Asimmetrie)
o di chi per la prima volta fa incontrare
strade fino a quel momento parallele
(Alter Ego) o ancora di chi affronta con
spensieratezza un cambiamento
doloroso da un
passato difficile verso la
felicità (E ora lei) . Poi c’è
invece la parte di me che,
per il lavoro che fa, è costretta
a ricordare che c’è
spazio nella nostra vita
per la fantasia ma poi è la
realtà quella che brutalmente
emerge e ci riporta
con i piedi per terra, come
in “Arida” dove la protagonista
si libera dal giogo di un amore
diventato trappola e odio. E poi ci sono
le drammatiche storie dei migranti e
profughi costretti ad abbandonare un
Sud del mondo fatto di guerra, orrore e
miseria sperando in un Nord che li accolga
e che non li respinga, come invece
di fatto accade…
Ecco, l’attualità spezza il sogno ed
entra di prepotenza nel tuo disco: per
esempio nel singolo e video di “Jungle,
Frontiere chiuse” racconti l’enorme
tragedia dei migranti. Che cosa ti ha
colpito di più della tua esperienza a
Calais o delle altre tue esperienze a
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contatto con questo fenomeno epocale
e inarrestabile?
Nella mia settimana nella Jungle di
Calais, seguita poi da un viaggio nei
campi profughi tra Libano e Siria, la
notte non riuscivo a dormire. Non puoi
incrociare quegli sguardi al tempo stesso
disperati e pieni di speranza senza
portarti dietro quelle sensazioni. Non
puoi incontrare persone al tempo stesso
umili e fiere, e dimenticare quei racconti.
Quelle famiglie di siriani a cui in
una notte era stato tolto tutto, quando
uomini armati avevano fatto irruzione
nella loro casa e nella loro vita intimando
di uscire subito, cosi, in pigiama
e pantofole, costringendoli - pena la
morte - ad un esilio forzato e a dire addio
a tutto quello che finora era stata la
normalità e a intraprendere un cammino
infinito e pieno di insidie. Nella Jungle
di Calais, accampamento dove hanno
vissuto fino a diecimila profughi che
sognavano di ricongiungersi a familiari
e amici nella vicina ma lontanissima
Inghilterra, era stata creata, a margine
della legalità, una vera città fatta di
capanne di legno, dove avevano tirato
su con l’aiuto di volontari e attivisti,
chiese, scuole, parchi giochi, biblioteche,
persino ristoranti, bagni turchi e
musei a cielo aperto. Poi il sindaco ha
deciso lo sgombero forzato, e io ero li’ in
quei giorni, per il mio lavoro da inviata,
e con la mia telecamerina ho girato
quelle drammatiche sequenze assistendo
con l’angoscia nel cuore all’abbandono
di quelle capanne che erano diventate
la loro casa, vedevo i profughi che
raccoglievano i loro pochi averi nelle
coperte, “coperte per dormire, per resistere,
per viaggiare e per non morire” e
si allontanavano vagando verso chissà
dove. Ai muri dei container affidavano
i loro accorati messaggi rivolti ai leader
britannici chiedendo una risposta a
quelle “cartoline” da Calais. Ecco, tutto
questo è diventata “una canzone in forma
di reportage” e un video.
Puoi raccontare la genesi del brano
“Dal Deserto al Mare”?
Quando chiedevo ai tanti migranti
salvati dal mare e appena sbarcati
nei porti del Sud Italia, cosa li avesse
spinti a intraprendere traversate cosi
piene di pericoli, loro mi rispondevano
sempre allo stesso modo. “Nel nostro
Paese eravamo già morti, tanto vale
rischiare e sperare di sopravvivere, e
ricominciare una vita normale da qualche
altra parte”. Govind, il mio editore,
musicista e uomo di grande sensibilità,
mi ha mandato una base musicale molto
suggestiva e intensa, realizzata con
Generoso Pierascenzi. Io ho immaginato
il dialogo tra mamma e figlia, profughe;
la mamma cerca di rassicurare la
figlia ma non le nasconde la verità, le
dice che se sopravvivranno al deserto e
alla lunga ed estenuante marcia poi ci
sarà il mare, che sembrerà altrettanto
infinito e insidioso per chi il mare prima
non lo ha mai visto, non sa nuotare,
e non sa come salvarsi se cadrà in acqua.
E la avverte che poi, quando finirà
il mare e toccherà terra e la salvezza
sembrerà vicina, incontrerà i muri,
sempre più alti e le frontiere, sempre
più insormontabili, mentre invece, io
credo, per chi fugge dalle guerre e ha
diritto ad un futuro, dovrebbero esserci
ponti sicuri e corridoi umanitari e
legali. A proposito, Senza Rete non ha
scopo di lucro, la vendita delle copie
fisiche del disco servirà ad un progetto
che aiuta i bambini iracheni e siriani
in trappola laddove c’erano città e ora
ci sono solo macerie. Invito chiunque
voglia dare una mano a scrivermi alla
mail pivirama@hotmail.it o a cercarmi
su facebook.
Al di là degli spunti di attualità, come
si concilia la tua attività di giornalista
con quella di cantautrice, considerando
le difficoltà delle due professioni?
Credo che ci siano molti aspetti in comune.
Si usano penna per scrivere e
microfono per registrare, si comunica
agli altri e si racconta quello che si
vede, per informare e a volte anche per
sensibilizzare. Se nei miei precedenti
dischi i temi erano più introspettivi e
immaginari, per la prima volta in questo
quarto lavoro le mie strade finora
sempre parallele si sono incontrate e
inevitabilmente quello che ho visto e
vissuto si è trasformato in musica. Dal
punto di vista pratico, nessuna difficoltà,
solo una buona dose di spirito di
organizzazione per far conciliare turni
a volte impossibili e partenze improvvise
per trasferte che non si sa quanto
dureranno.
In passato siete andati in tour anche
all’estero. Qualche progetto analogo
anche con il nuovo disco?
Al momento sono in una fase di drastici
cambiamenti, perché torno dopo
20 anni nella mia Sicilia, ed è lì che
suonerò prossimamente, a partire
dall’imminente Dedalo Festival che
ogni anno, ai primi di agosto, dalla
prima edizione a Caltabellotta, riunisce
nell’agrigentino tanti artisti da
tutta Italia. Per il momento, niente
più viaggi all’estero, per musica o per
lavoro. In Sicilia c’è tanto da raccontare,
e c’è tanto da suonare.
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PAOLO TOCCO
la bellezza
di leggere tra le righe
Abruzzese, classe 1979, ingegnere elettronico, appassionato e studioso di
cartomagia, produttore ed editore, scrittore e musicista. Un album in arrivo
e un singolo,“Arrivando alla riva”, dedicato alle tragedie dei migranti, accompagnato
da un video dal forte impatto emotivo
“Dalle mie scarpe nuove sembra tutto
più facile”. Inizio l’intervista citando
una frase del tuo nuovo brano, “Arrivando
alla riva”. Hai scelto di trattare
un tema importante, delicato, e di
farlo deponendo il punto di vista e il
giudizio e lasciando spazio alle sensazioni,
quasi fisiche, che gli eventi hanno
smosso dentro di te. Come è nata
questa canzone?
Nata per caso come d’altronde voglio
che accada per ogni cosa che faccio. Mi
piace molto poco pensare e misurare
con della “matematica” quando si tratta
di esprimere emozioni. Ero banalmente
chinato ad allacciare le scarpe
appena comprate per una altrettanto
banale festa di matrimonio - che tanto
odio - quando in tv andava in scena
l’ennesima tragedia del mare.
I Tg ormai sono pieni di queste storie
che sembrano quasi divenuti i capitoli
di un fotoromanzo. Quel momento ha
sedimentato, si è nascosto ma non è
sparito. Quando poi in seguito ho sentito
il bisogno di scrivere qualcosa di
nuovo, sulle note di una melodia nuova
che mi sembrava potesse funzionare
ho adagiato il testo andando a pescare
proprio questa immagina delle scarpe
che stavo calzando. Da lì poi il resto
del testo a preso forma e direzione fino
a quello che ho deciso di bloccare e di
pubblicare.
Il video che hai deciso di abbinare al
tuo brano è senza dubbio una scelta
semplice, ma forse anche le più azzeccata.
Ormai la potenza delle immagini
forti, dei telegiornali, non ha nemmeno
più presa sulle nostre coscienze,
assuefatte e quasi addormentate. Meglio
lasciar parlare le onde del mare,
e gli oggetti che da queste vengono
trasportate, con le storie spezzate che
portano con loro...
Esattamente. Hai colto in pieno. Siamo
come assuefatti alla violenza, alla
morte…la televisione e questo nuovo
modo di fare comunicazione è a dir poco
violento e degradante. Ci ha tolto la
sacralità su tutti i fronti della vita, non
solo per le cose importanti come una
tragedia. Ormai non ci fa effetto quasi
più nulla. L’idea è nata d’istinto - come
dicevo prima - parallelamente alla stesura
del brano. Che poi, per completare
quello che dici giustamente tu, ho pensato
bene di lasciare che fosse un video
ricco di significati da dedurre più che
da leggere in modo sfacciato. Al pubblico
torno a chiedere, nel mio piccolo, lo
sforzo di decifrare…ed è meraviglioso
poi se ognuno riesce a decifrare con la
sua personale chiave di lettura. Quegli
oggetti che arrivano sulla battigia sono
realmente casuali e possono richiamare
non solo didascalicamente la tragedia
che racconto ma anche una propria
personalissima tragedia, che sia fatta
di macerie, di momenti di vita, di addii
eccetera…insomma, è bello leggere tra
le righe piuttosto che avere la comodità
di non doversi inventare nulla.
Il 2017 sarà un anno ricco di soddisfa-
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zioni: a novembre è prevista l’uscita
del tuo nuovo album “Ho bisogno di
aria”, e un libro, il secondo, dopo la
raccolta di racconti “Il mio modo di
ballare”. Queste due creature hanno
vita propria o sono legate tra loro,
come già è avvenuto con il tuo lavoro
precedente?
Io credo che nessun artista realizzi opere
sconnesse tra loro. Anche a distanza
di anni e di cambiamenti personali. A
guardar bene potremmo
trovare un filo logico che
lega a se ognuna delle
pubblicazioni. Nello specifico
questo nuovo libro, il
mio primo piccolo romanzo,
nasce di getto come
uno sfogo personale attingendo
alla vita quotidiana
e poi stravolgendola di
invenzioni letterarie. Farò
molto riferimento a Bukowski e a una
certa volgarità nella stesura e, di primo
impatto, è qualcosa di assolutamente
diverso, lontano e nuovo per il mio
modo di scrivere. Niente che somigli
al passato e niente che attinga - nella
forma - alla forma testuale delle canzoni.
Però il succo è sempre lo stesso. La
matrice e la morale da cui nasce tutto
è la stessa. In una seconda rilettura ho
inserito sfacciati agganci con le canzoni
del disco come per dare al pubblico
un appiglio più concreto ai propri riferimenti.
Direi quindi che questa volta
più che sviluppare le canzoni del disco
ho esteso e raccontato in altra forma
quella che è la filosofia del disco in se.
L’arte è un’attitudine, e tu sei un artista
a tutto tondo: prima di essere
musicista, prima di pubblicare libri,
la tua passione è stata la magia. In che
modo ha influenzato le altre tue passioni?
Bella domanda… sarei sincero se ti dicessi
che non saprei come rispondere.
Penso che la magia e in generale tutte
le arti siano come
semine invisibili
che porti dentro e
dentro di te fioriscono
e si traducono
in metamorfosi
e cambiamenti e
rivoluzioni. Un
po’ come quando
ti dedichi alla lettura
di alcuni testi che lì sul momento
accarezzano e fanno godere soltanto la
tua fame di lettura ma poi, un bel giorno,
magari anche a distanza di mesi,
ti ritrovi a vivere o a pensare o a sviluppare
reazioni caratteriali che forse
senza quelle letture non ti sarebbero
mai appartenute. Quindi per rispondere
alla tua domanda non penso ci sia
qualcosa di concreto che possa elencare
piuttosto guardo l’insieme e il tutto che
sono diventato oggi e ancora sento in
piena trasformazione. Tutto figlio e coerente
conseguenza della musica, della
magia e anche dell’università che mi
ha voluto Ingegnere. Anche la scienza a
suo modo è un’arte sopraffina.
Entrambi i dischi precedenti sono stati
selezionati tra le migliori opere per
il Premio Tenco. La manifestazione è
stata al centro di numerose polemiche
ultimamente, ma essere riconosciuto
come uno degli artisti più meritevoli
è stata per te una soddisfazione o sei
dalla parte degli scettici?
Mi fai una domanda difficile, maledettamente
importante e insidiosa. Peggio
di quelle della Annunziata. Ok ci provo.
Partiamo dal fatto determinante che
odio il concetto di competizione. Far
gareggiare gli artisti, decretare il migliore
penso sia una depravazione culturale
che ha ben pochi rivali in merito
a gravità. Gli sportivi gareggiano. Gli
artisti dovrebbe incontrarsi invece…
ma andiamo oltre… Io rispetto moltissimo
l’istituzione del Club Tenco a cui
come artista ambisco sinceramente. Al
suo interno ci sono numerosi critici e
saggi della musica da cui attingo crescita
ogni volta che posso incontrarli.
Ma è sotto l’occhio di tutti che il degrado
culturale e questa eterna corsa
all’apparire più che all’essere ha procurato
enormi rivoluzioni e catastrofiche
distruzioni attorno alla musica come
cultura, come bellezza, come serietà
espressiva. E questo in ogni genere
della musica, dal cantautore al rapper.
Stiamo facendo la fine di zimbelli e fantocci
che pensano prima a quale foto
fare per il disco piuttosto che a quali
parole scegliere per chiudere il periodo
e la melodia. E le istituzioni che sono
chiamate a celebrare il bello ormai sono
devote anch’esse alla visibilità, alla
riconoscibilità mediatica e alle santificazioni
dei social. Adesso te la faccio io
una domanda se posso: hai mai visto o
letto sui grandi media, nei grandi circoli
culturali come il Club Tenco di artisti
che arrivano al vertice da perfetti
sconosciuti? No…almeno io mai. Se non
sei nessuno testate nazionali neanche
perdono tempo ad ascoltarti. Ha senso?
Questo discorso non lo faccio per darmi
il contentino o per accudire l’ego
in totale depressione dalla sconfitta.
Tutt’altro. E vorrei anche evitare di
produrmi di nuovo in argomenti che
ormai sono di pubblico dominio - Gabbani
ci ha vinto Sanremo. Cerco invece
una via che sia di difesa per quello che
è e che penso dovrebbe essere il concetto
di cultura e di bellezza VERO e non
MEDIATICO. Trovo che sia una vera
violenza culturale che queste istituzioni
perpetrano quotidianamente nei confronti
di tutti noi. Dai media ai grandi
critici, dai giornali nazionali ai grandi
premi culturali. Trovo che sia una violenza
veder assolutamente ignorati dai
vertici di comunicazione ARTISTI da
cui io per primo ho tanto da imparare,
gli stessi che spesso neanche sono meritevoli
di ascolto da di chi per primo è
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chiamato a criticare e a veicolare cultura.
Ciò che resta è l’affarismo, il lavoro
di palazzinari della comunicazione, resta
la musica che deve andare di moda
e che si deve lanciare per i clic dei social.
In mezzo a questa orgia di circensi
c’è ovviamente del bello, ma la GRAN-
DE MUSICA la stiamo praticamente
ignorando. E se la musica è cultura allora
noi come popolo stiamo evitando di
incontrare cultura. E un popolo senza
cultura è un popolo che non ha futuro.
Quindi alla fine di questa fiera ci chiediamo
tutti quanti: che valore hanno
oggi simili riconoscimenti? A parte farti
il figo con chi oltre i Talent non sa andare,
per me come uomo e come artista,
che significato può avere? In contraddizione
con quanto detto fino a ora vediamo
un eterno Claudio Lolli vincere
il riconoscimento più alto della canzone
d’autore. Ma siamo sicuri che sia una
contraddizione? E non per la musica
del maestro che ho avuto anche l’onore
di incontrare e di intervistare… ma per
le apparenze da vendere al pubblico pagante.
Chissà se ci siamo capiti…
Parliamo un po’ di live. Ho letto che
non ami particolarmente esibirti in
pubblico, nonostante i riconoscimenti
che ricevi costantemente per i tuoi
brani. Sei timido o è solo un po’ di ansia
da prestazione?
Posso invece parlarti dell’Umbria?
Ok rispondo. Nessuna paura e tantissime
ansie che costruiscono il mio concetto
di emozione da restituire a chi mi
fa l’onore di venirmi ad ascoltare. Lo
confesso però: ho un grosso pudore per
la musica, credo di averlo manifestato
nelle risposte precedenti. Anzi io direi
di essere anche esagerato a volte, quasi
mi definirei un bigotto. Suonare per un
pubblico è una cosa importantissima.
La musica è del pubblico. Ed è il pubblico
che merita per primo rispetto e
considerazione. Quindi se devo fare un
concerto, pretendo che debbano esserci
tutti i tasselli al proprio posto. E non
sto parlando di tappeti rossi, denari a
profusione, vecchi Rum del ’58 invecchiati
da trovare in camerino, tantomeno
sto parlando di avere a disposizione
teatri di lusso. Io parlo della serietà
e del significato semplice di “fare un
concerto”. Che sia in un pub o che sia
in una piccola sala, che sia in radio o
in riva attorno al falò. Rispettare la
musica live significa rispettare il pubblico.
Quindi si deve costruire il giusto
ambiente, si deve scrivere il giusto
spettacolo per quella situazione, si deve
ben comunicare, si deve pretendere
attenzione e restituire emozione. Non
penso di sopportare più questa orgia di
musicisti - spesso anche con tantissimi
contenuti da dare - suonare dove capita,
davanti a chiunque, magari mentre
stanno mangiando la pizza o mentre
bevono birra passando per strada. Ci
sono concerti che per quanto mi riguarda
non si debbano neanche chiamare
così. Sfiorano l’umiliazione. Una volta
ho visto un chitarrista proporre brani
suoi (meraviglioso tra l’altro) in un pub
di ragazzini durante una festa di 18…
suonava accanto alla porta del bagno e
il via vai di incontinenti lo costringeva
a spostarsi per non ostruire il loro passaggio.
Esagero? Bah…io credo che sia
all’ordine del giorno. Ciò significa anche
che pretendere di avere quanti più
dettagli al proprio posto significa oggi
suonare quattro volte all’anno. Sono
conscio di sforzarmi a essere meno
schizzinoso e penso che lo farò… ma un
poco soltanto. Ma sinceramente trovo
umiliante portare la musica dove non
deve stare. E questo non è colpa del
pubblico. Questa è piena responsabilità
dell’artista
che
spesso,
sia per
soldi che
per scrivere
sui
propri
social che
fa tanti
concerti
- in genere
sopra
le cinque
date lo
si definisce
tour
mondiale
- si prostituisce a suonare ovunque e
in qualunque circostanza. Ogni musica
ha il suo habitat e va rispettato. E rispettare
le cose consta sacrificio e limitazione.
E quando lavori bene per far
collimare questi piccoli tasselli - che poi
credimi sono quattro cavolate in croce -
anche lo spettacolo acquista un valore
emotivo che non ha paragoni. Chiudo
dicendo che presenteremo il disco in
un piccolo teatro di Pescara il prossimo
novembre: per farti capire, io sto già
lavorando per scegliere chi far suonare
con me e come arrangiare lo spettacolo
proprio per quel piccolo teatro che mi
ospiterà. Sì, forse sono esagerato…ma
forse però…
Chiara Orsetti
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THE SOUL MUTATION
cambiare davvero le cose
“Times are changing” è il nuovo disco di The Soul Mutation, trio (con amici)
improntato a una miscela che vede il jazz fra gli ingredienti principali.
Abbiamo intervistato Martha J, la cantante
Partiamo da una domanda semplice:
perché questo titolo (un po’ dylaniano?)
per il vostro nuovo disco?
Il riferimento a Bob Dylan non è casuale:
la sua “The Times They Are
A-Changing” è uno dei brani che hanno
accompagnato la mia vita. Ho sempre
pensato che prima o poi avrei fatto una
cover di questa canzone, ma alla fine
non è mai accaduto. Anche perché i
tempi sono davvero cambiati e abbiamo
sentito l’esigenza di portare la sua idea
di ribellione ai nostri giorni.
Ho avuto l’occasione di viaggiare molto,
in particolare in Siria (prima della
guerra) e in altri paesi dell’Africa , e
dovunque, incontrando le persone e
parlando con loro, ho trovato gli stessi
desideri: poter vivere tranquilli e dignitosamente,
avere le opportunità per
realizzare i propri progetti, poter crescere
i propri figli, essere felici e liberi
di esprimersi. Tutti alla fine vogliamo
le stesse cose. Dovremmo trovare il sistema
di far pesare questa nostra umanità
a livello politico. È questo il sogno
di cui parla la canzone: che troviamo
tutti insieme la volontà di cambiare
davvero le cose. La canzone inizia anche
con un riferimento a Martin Luther
King e alla sua famosa frase “I have a
dream...”
Mi incuriosisce anche il concept della
copertina, con questa barca che naviga
a remi su acque perigliose e questa
sorta di manifesti colorati alle spalle...
L’immagine della copertina è stata curata
dalla Badass Yogi Production, che
ci rappresenta in Europa. Hanno saputo
visualizzare molto bene l’ambientazione
urbana, spesso scura e inquieta,
in cui si colloca la nostra musica. I colori
forti, contrastati e contrastanti, e le
immagini che hanno scelto ed elaborato
sono uno sfondo perfetto per la musica
e i testi: frammenti di un mondo che
sta cambiando rapidamente, spesso
non in meglio, e noi che, come molti,
sentiamo che stiamo attraversando tutto
questo, cercando di capire, di adattarci,
di seguire una rotta che ci porta
verso un cambiamento. Anche il lyric
video messo on line da pochi giorni sviluppa
la stessa idea. A nostro parere è
molto bello e si sposa perfettamente
con la musica.
Venendo alle sonorità, mi sembra che
abbiate cercato uno stile molto omogeneo
ma anche la possibilità di deviare
spesso dal tracciato. Puoi raccontare
qualcosa della lavorazione del disco?
Francesco ha composto tutti i brani
dell’album e ha fatto una pre-produzione
al computer, sulla quale io ho lavorato
per scrivere i testi. Abbiamo fatto
alcune prove con Francesco Marzetti
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(il batterista che ci ha accompagnato
in questo lavoro) e quindi siamo andati
a registrare. L’idea era di creare una
varietà di ambienti sonori, sfruttando
al massimo le potenzialità di ognuno di
noi: essendo solo in tre abbiamo dovuto
spremere al massimo la nostra creatività.
In tre brani è intervenuto Giulio
Corini al contrabbasso, per sottolineare
il senso di intimità e leggerezza.
Al contrario che nel vostro esordio,
questa volta niente cover. Una scelta
di “maturità” per il vostro combo o
un’affermazione di personalità?
Io e Francesco abbiamo iniziato a scrivere
brani nostri già nel 2010, brani
che abbiamo registrato con una tradizionale
formazione acustica. Era un
primo esperimento e con i brani scritti
per il progetto The Soul Mutation credo
che stiamo davvero iniziando a esplorare
nuovi ambienti musicali: i ritmi
sono più complessi, le atmosfere cambiano
radicalmente da brano a brano,
anche il mio modo di cantare ha dovuto
adattarsi agli spigoli di queste nuove
composizioni di Francesco e alla ritmica
che a volte è molto incalzante e altre
volte disegna paesaggi più rarefatti.
Scrivere la nostra musica nasce dall’esigenza
di sviluppare a modo nostro il
linguaggio jazzistico che, utilizzando
brani scritti
da altri, abbiamo
praticato
per
anni e che ci
ha portato
a realizzare
alcuni cd
di “cover”.
Alla fine il
materiale di
altri autori
ha iniziato a
starci stretto:
il presente
ha vinto
sul passato
e da qui l’esigenza di scrivere una musica
“nuova”, di trovare nuove vie di
espressione.
Come nasce “Yes I’m Lonely (Yer
Blues reloaded)”?
Quando Francesco mi ha fatto ascoltare
la melodia di questo brano per la prima
volta, mi è venuto subito in mente “Yer
Blues” la canzone che John Lennon
scrisse e cantó con i Beatles (nel grandioso
“White Album”). Non riuscivo a
staccarmi da questa idea e allora l’ho
cavalcata: le citazioni sono evidenti.
Ma anche qui l’attualità ha fatto breccia
(ecco perché “reloaded” come Matrix!):
alla fine il testo ha deciso di raccontare
di qualcuno che è triste perché
è lontano da casa, dorme per strada,
ma spera un giorno di trovare un lavoro
e stare meglio, anche se al momento
è bloccato dietro un muro e la notte sogna
di saper volare...
Perché avete deciso i tre momenti di
sperimentazione “solista” nel disco?
Volevamo creare degli stacchi in alcuni
punti dell’album, qualcosa che non
avesse la struttura di una canzone,
qualcosa di assolutamente libero ed
estemporaneo. Come il vuoto della meditazione
nel delirio quotidiano; come
chiudere gli occhi, guardarsi dentro e
riuscire a capire ed esprimere ciò che
proviamo, ma senza utilizzare razionalità
e linguaggio. Si tratta di tre momenti
di libertà assoluta e realizzati
davvero sull’onda di un istinto o di un’ispirazione
del momento. E non potevano
essere altro che fatti “in solitaria”:
se ti vuoi guardare dentro per davvero,
devi essere solo.
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Puoi raccontare la tua storia fin qui?
Suono la chitarra da quando avevo 14
o 15 anni. Dopo il liceo, ho studiato filosofia.
Ho fatto il web editor, il lavapiatti,
il commesso, l’assicuratore, il correttore
di bozze, il lettore di manoscritti,
il selezionatore di concorrenti per programmi
televisivi, l’informatore turistico,
il bigliettaio nei musei, l’organizzatore
di eventi, l’operatore di call center,
il meccanico di biciclette da corsa (non
in quest’ordine) e forse qualcos’altro
IMUSTBE
LEONARDO
un musicista
primitivo
© Foto di Pierluigi Muscolino
“MOP” è il nuovo album del cantautore italiano trapiantato a Berlino: tra
suoni grezzi di chitarre elettriche e intime atmosfere folk
che non ricordo. Non ho toccato la chitarra
per quasi dieci anni. Ho ripreso a
suonare a Berlino, dove vivo dalla
fine del 2011.
Che differenze ci sono state nella lavorazione
di “MOP” rispetto al precedente
ep? E già che ci siamo: puoi spiegare
il titolo dell’album?
Quando registrai “Wonderful” (il mio ep
del 2016) avevo solo voglia di tornare a
suonare dal vivo e sapevo che un disco
mi avrebbe aiutato a trovare delle date
nei locali. Quelle canzoni rappresentavano
quello che volevo suonare sul palco
e fui molto soddisfatto del risultato.
“MOP”, invece, è nato assecondando la
propensione a creare delle canzoni che
fossero delle istantanee musicali dei
miei stati d’animo. Non è stato premeditato.
Semplicemente, mi sono accorto
che stavo andando in quella direzione.
La cosa giusta da dire è che ho lasciato
che questo disco accadesse, in
alcuni momenti l’ho anche aspettato,
e non ho nascosto nulla. Infatti è pieno
di imperfezioni, di avventatezza,
tanto nelle musiche quanto nei testi.
Alla fine del 2016 avevo registrato
un disco che mi piaceva – e mi piace
ancora – e che non ho mai finito.
A marzo di quest’anno, però, mi era
venuta voglia di fare un disco del
tutto diverso e avevo già la lista dei
brani che l’avrebbero composto. Così,
a metà aprile mi sono chiuso in casa
per registrarlo. Ma mentre lavoravo su
quelle canzoni ne sono venute fuori di
altre. Alla fine, sei delle undici tracce di
“MOP” sono state scritte tra metà aprile
e l’inizio di giugno. Il disco, quindi, è
nato “making other plans”. E ho deciso
di intitolarlo “MOP”. (Naturalmente il
riferimento è al verso di John Lennon,
“Life is what happens to you while you
are busy making other plans”)
Quali sono state le difficoltà maggiori
che hai incontrato?
Più che di difficoltà parlerei di limitazioni
che si sono rivelate occasioni per
servirsi di diversi strumenti espressivi.
La musica che mi piace è diretta, quasi
brutale: non imbroglia nessuno, né chi
la realizza né chi la ascolta. In questo
momento sono un musicista primitivo
che vive e suona da solo, e che passa
il suo tempo a scrivere canzoni in una
stanza con delle grandi finestre. Volevo
che il
disco raccontasse
questo.
E così ho
deciso di
registrarlo
a casa.
Se avessi
lavorato
in uno
studio
avrei dovuto
programmare ogni cosa e avrei
vissuto con il timore di non finire in
tempo. Non avrei mai potuto buttare
giù delle canzoni in maniera così immediata.
Non ci sarebbe stata nemmeno
tanta pioggia nei testi (perché non
l’avrei manco vista, la pioggia). Sarebbe
venuto fuori un disco “in cattività”,
molto meno impressionista. E soprattutto,
sarebbe stato un disco bugiardo
rispetto a quello che sono, che faccio e
che posso permettermi adesso. Magari
per il prossimo avrò voglia di provare
le canzoni per un mese e di registrarle
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in studio in due giorni. Chissà. Per il
momento, sono un autore analogico che
gioca con strumenti digitali.
Come nasce “Modern Lovers”?
“Modern Lovers” è uno dei brani che
ho composto tra aprile e maggio. Stavo
provando un’altra canzone che avevo
quasi deciso di scartare (e che poi, di
fatto, ho scartato) e sono venuti
fuori dei nuovi accordi. Qualche giorno
dopo, mentre aspettavo l’autobus, ho
cominciato a cantare quei lunghi monosillabi
“youuuu” “aaaaare” “myyyyy”.
Sono tornato a casa, ho scritto il testo
e ho registrato la voce principale.
Poi mi sono preparato una spigola.
Nel testo parlo di come credo stiano
cambiando i modi in cui nascono (e
muoiono) le relazioni sentimentali.
Il tempo e lo spazio diventano spesso
due dimensioni opposte, non soltanto
diverse: puoi passare delle giornate
intere in chat con una persona e non
stare mai fisicamente con lei. Naturalmente,
quando vi rivedete è facile
che si inneschi un corto circuito, che
tutto sia meno perfetto. E appena
arriva il momento in cui ti dovresti
scoprire un po’ o dovresti metterci un
po’ di coraggio (o dovresti accettare
qualcosa che non ti piace), “we are
modern lovers: doesn’t work, just say
goodbye, that is the game”. La cosa
che trovo più triste, in tutto questo,
è che si consideri ormai assurdo concedere
alla realtà anche solo una piccola
parte del tempo che si è concesso
all’immaginazione. Giorni davanti a
uno schermo e poi addio dopo un bicchiere
di vino. Però, una volta a casa,
tutti su Facebook e a invocare dei veri
rapporti umani, “come una volta”. Non
credo ci sia molto rispetto per le persone
in questo. E non so se il fenomeno
sia ancora contrastabile.
Hai suonato e registrato da solo: puoi
raccontare cosa hai utilizzato?
Ho registrato il disco con Logic. Le chitarre
elettriche sono state riprese quasi
tutte con un microfono dinamico posizionato
davanti all’amplificatore. Per
la voce ho usato un condensatore e un
preamplificatore. 5 canzoni su 11 sono
state registrate interamente dal vivo,
senza alcuna sovraincisione. In “April
Snow” ho anche registrato un loop e
ci ho suonato e cantato sopra, sempre
dal vivo. Infatti si sente il rumore del
piede che preme il tasto del distorsore.
In altri momenti del disco si distingue
il suono degli aerei che atterrano o decollano.
I brani chitarra acustica e voce
sono stati registrati su un’unica traccia,
come si faceva negli anni Cinquanta:
microfono a una ventina di centimetri
e buona la... diciassettesima.
Vivi e lavori a Berlino, dove risiedono
numerosi italiani, anche musicisti: che
percezione c’è della musica indipendente
italiana lì?
Non ho molti rapporti con altri musicisti
italiani che vivono a Berlino (se si
escludono i-Taki Maki, con i quali ho
fatto un concerto), e in questo periodo
non ascolto molta musica italiana.
Non ne faccio una questione di valore.
È solo che sto ascoltando altro. Sono
molto amico di Orson, il cantante dei
Barbados, e seguo l’etichetta More Letters
ma mi interesso perlopiù agli artisti
che incontro nei locali di Berlino. La
mia preferita è una cantautrice tedesca
che canta in inglese: Vera Stausberg.
Non ha ancora inciso nulla, che io sappia.
Però su Soundcloud (come Vera-Line
Music) si trova una registrazione di
un suo concerto di qualche anno fa. Mi
piacerebbe fare un tour in Italia con lei
e con altri musicisti che vivono qui e
che vengono da diversi paesi (Canada,
Australia, Irlanda, Stati Uniti...) Credo
che sarebbe una bella esperienza, per
noi e per il pubblico, perché la scena
indie berlinese ha delle sue peculiarità
specifiche, in questo momento. Tra l’altro,
nessuno di noi ha mai suonato in
Italia.
Ci puoi indicare tre brani che ti hanno
influenzato particolarmente?
“Right Where It Belongs” dei Nine
Inch Nails; “Purple Rain” di Prince;
“Dark Globe” di Syd Barrett. Non credo
che “influenzare” sia il verbo giusto,
perché porterebbe a credere che ci sia
qualcosa di queste canzoni nella mia
musica. Si tratta piuttosto di opere che
considero importanti e la cui bellezza
è strettamente legata a un particolare
coinvolgimento emotivo in quella specifica
esecuzione (nel caso di Barrett e
di Prince), oppure all’idea che la produzione
possa essere essa stessa parte
del processo creativo (nel caso di Trent
Reznor, che in quel brano ha lavorato
sulla voce in una maniera che so definire
solo artistica). Per queste persone
fare musica è una cosa seria. Nutrono
un rispetto estremo per il proprio talento
e per l’arte. Sono innamorato di
ciò che queste canzoni comunicano.
E lo condivido.
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Ell3: la musica è la mia visione
Ell3, livornese, respira musica fin da bambina: i suoi genitori sono entrambi
musicisti e la introducono da subito nel loro mondo. Ha iniziato a comporre
i suoi brani da giovanissima, ispirandosi al mondo del jazz e del soul, e il
suo primo ep “Camouflage” ha appena visto la luce
La musica è sempre stata protagonista
della tua vita, fin da bambina.
I tuoi genitori sono musicisti, tu hai
studiato pianoforte e lirica. Come sei
arrivata al genere che oggi è racchiuso
dentro il tuo primo ep “Camouflage”?
La musica classica è il mio primo grande
amore... poi crescendo mi sono avvicinata
anche ad altri generi: la musica
jazz, soul, l’elettronica. Nel mio ep queste
sonorità si intrecciano, dialogano, si
scontrano...
Parliamo della tua voce: calda, profonda,
riconoscibile, tutte caratteristiche
fondamentali per chi si affaccia nel
mondo della discografia in un momento
così saturo di nuove proposte. La
concorrenza, se così si può definire,
ti fa più paura o serve da stimolo per
migliorarsi e crescere costantemente?
Il processo creativo è sempre affascinante.
Come nascono le tue canzoni?
Quali sono gli artisti che hanno maggiormente
influenzato il tuo percorso
artistico?
Non mi ha mai spaventato la concorrenza.
Cerco di imparare tanto dalle
cantanti che stimo maggiormente.
Ognuno ha la sue caratteristiche.. io
prediligo le voci calde, avvolgenti..
Ogni giorno ascolto Ella Fitzgerald, la
mia musa ispiratrice per eccellenza.
La voglia di migliorarmi nasce tanto da
me, è una lotta continua con me stessa.
Le mie canzoni nascono prevalentemente
nel momento della giornata in
cui la creatività si impadronisce della
mia mente. La notte è indispensabile
per me. Sono tanti e tutti appartenenti
a mondi differenti: Barbra Streisand,
Sinatra, Ella Fitzgerald, Depeche
Mode, Massive Attack, Selah Sue...
Ho trovato strano, ma sicuramente
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Per i live bisognerà aspettare ancora
un pochettino.Prima ho un viaggio musicale
in America che mi aspetta..Tra
New York e Nashville. È una di quelle
occasioni che bisogna cogliere immediatamente
nella vita. A ottobre partiremo
con i live !!
Per concludere, una domanda molto
personale: scorrendo le tue foto non
ho potuto fare a meno di notare i tuoi
tatuaggi. Non ti chiederò il significato
di ognuno, ma se uno di questi fosse
dedicato alla musica e ti andasse di
raccontarci la sua storia…
Ahahah. Sì, per la felicità dei miei genitori,
ma soprattutto di mia sorella.
Uno in particolare è dedicato alla musica.È
una frase di Schopenhauer “La
musica è l’essenza dell’uomo, la sua
visione del mondo”. La musica è sempre
stata la mia visione del mondo. Se
dovessi immaginarmi l’inferno sicuramente
sarebbe senza musica, senza
suoni, vibrazioni.Per me La musica da
un motivo a tutto. Se fai musica , con il
cuore ... non puoi mentire. Le tue maschere
cadono completamente...
https://www.facebook.com/Ell3-
1459835904237813/
Chiara Orsetti
apprezzabile, che una bella ragazza
come te non abbia puntato su se stessa
per il lancio del suo primo singolo. Per
il video di Dream, infatti, hai scelto
un suggestivo bianco e nero dalle atmosfere
cupe. Puoi raccontarci la sua
storia?
Proprio per questo il titolo dell’ep è
“Camouflage”. Non mi piace mostrarmi
subito, trovo molto più affascinante,
intrigante far sì che le cose si conoscano
lentamente. Nel mondo in cui viviamo
quasi sembra un obbligo ostentare!
Vorrei riuscire a farmi conoscere evitando
di usare quello che c’è “ in vetrina”
come chiave d’interesse. Il video di
Dream mi rappresenta completamente.
Ha un atmosfera evocativa, è pieno di
piccoli particolari dei quali ti accorgi
se non ti fermi ad una visione distratta.
Così anche per la mia musica. Sono
cosciente che non sia un genere immediato,
prettamente commerciale. A
ogni ascolto scopri qualcosa di nuovo e
cominci a conoscere cosa c’è dietro alla
mia voce, al mio mondo musicale.
Estate, tempo di live. Hai in programma
qualche concerto per presentare il
tuo ep, approfittando degli eventi che
in questa stagione si moltiplicano?
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FLORENCE ELYSEE
ricerca sfrenata di casa
Tre polistrumentisti che si sono incontrati in gelateria: la band spiega il
nuovo disco “Home”, tra indie pop, alternative, emo rock e parecchio altro.
E racconta di concerti professionali, band che cantano parlando e biglietti
dei Radiohead
Qual è la storia della band fin qui?
E qual è il motivo della scelta di un
nome così particolare?
Samuele e Giovanni (voce/chitarra e
batteria) suonavano già insieme in una
band che si chiama “Sammy wants to
fly”. Nel 2013 incontrano Elisabetta
proprio nella gelateria sopra la sala
prove; e l’idea fu quella di formare una
nuova band a tre con Samuele alla
voce, nacque così Florence Elysée. Firenze
fu il primo concerto e l’Eliseo è
messo lì come una sorta di fine al principio.
Il disco è ispirato al concetto di
“Home” ma nel senso di “ritorno a
casa”. Come nasce l’idea?
Ritorno a casa o piuttosto ricerca sfrenata
di un qualcosa da definire tale.
Crediamo che “Home”sia nato nel migliore
dei modi, con estrema sincerità;
nel senso che tutti noi viviamo, seppur
in modo diverso, la ricerca della serenità,
impazienti di lasciarsi ad un respiro
di sollievo. I testi anche se scritti da
diverse mani (Samuele Ballerini, Giovanni
Farina, Anita Montagna e Laura
Loritz) sono rivolti con onestà a quel
concetto riassunto nella parola Home.
Siete tre polistrumentisti e, a quanto
ho capito, Elisabetta è quella che “svaria”
di più: come scegliete quali strumenti
usare per le vostre canzoni?
L’idea di fondo è il classico trio: batteria,
basso, chitarra che accompagnano
l’incastro delle voci maschili e femminili
che ci piace tanto. Abbiamo cercato di
caratterizzare il nostro sound attorno
al classico suono Stratocaster con abbondante
Shimmer, poi Elisabetta ha
inserito in alcune canzoni numerose armonizzazioni
con la sua viola da gamba,
arrangiamenti che meriterebbero di
essere ascoltati in “solo”.
Potete descrivere i vostri concerti?
Quali saranno le prossime date che vi
vedranno coinvolti?
Dicono che nei nostri live sembriamo
molto “professionali”. Effettivamente
tutto lo spettacolo è studiato per non
essere troppo lungo e noioso creando i
famosi “alti e bassi”. Iniziamo“forte”,
nel mezzo inseriamo sempre un paio di
canzoni in versione acustica con la vio-
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Avete dichiarato di aver rinunciato a comprare biglietti
dei Radiohead a metà prezzo per comprare la
discografia dei Cosmetic. Ho capito male io, vero?
E’ così, i Radiohead rimangono tra le nostre maggiori
fonti di ispirazione, sono lì come una sorta di leggenda
e ci piace ricordarli sempre così. Ma d’altronde preferiamo
dare il nostro piccolo contributo alla piccola
scena italiana.
la da gamba e senza batteria, poi finiamo
ancora più “forte”.
Dalle vostre dichiarazioni emerge una
certa esterofilia. Ma chi sono gli artisti
italiani che apprezzate di più?
Effettivamente è vero, ascoltiamo per
lo più musica in lingua inglese.
Gli artisti italiani che ascoltiamo sono:
Baustelle (secondo Samuele i migliori
di tutti), Nadar Solo, Plan de
Fuga, Dardust, Levante, Cosmetic,
Amor Fou, Jumping
the shark, Urali, The sleeping
tree, ma già siamo ritornati
all’inglese... Scusateci, ma
sopportiamo a malapena tutte
quelle altre band che cantano
parlando.
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LESIGARETTE!!
non si deve perdere la lucidità
“La musica non serve a niente” è il nuovo disco del duo, caratterizzato da un
approccio meno nonsense rispetto all’esordio. Per capire meglio la differenza
tra politici e musicisti, abbiamo rivolto qualche domanda ai due
Che cos’è cambiato, a livello di approccio
e di lavorazione, dal vostro esordio?
L’approccio è sempre lo stesso: vogliamo
fare buona musica e vogliamo divertirci.
Abbiamo sempre saputo che se
scrivi canzoni si può volare se si lavora
bene, bisogna giudicare con intelligenza
e scrivere nel rispetto delle proprie
emozioni. Ci vuole molta concentrazione:
c’è sempre il rischio di perdersi
troppo dietro ai dettagli, ma anche
i dettagli sono fondamentali e allora
non si deve perdere la lucidità. Fare
un disco è un bellissimo viaggio, bisogna
orientarsi durante la traversata,
ma anche lasciarsi trasportare. La lavorazione
è cambiata rispetto al primo
album. Abbiamo composto alcune parti
di batteria e chitarra, poi le strutture
dei brani, poi le linee vocali e in ultimo
le Parole. I brani sono rimasti senza
parole anche per un anno in alcuni
casi. Le parole sono venute all’ultimo,
scritte appositamente su una melodia
e dentro a una metrica già composta.
Quindi siamo partiti dalla spontaneità
e dallo sfogo creativo più diretto, quello
dei nostri strumenti, per poi passare
a una fase di montaggio musicale per
costruire le strutture dei brani e poi
cantarci su delle melodie canore che
però non erano provviste di parole. Volevamo
creare dei brani che avessero
emozioni e senso anche senza testi. Prima
di avere un senso verbale, abbiamo
ricercato il senso musicale e emozionale.
Scrivere i testi in fondo a questo imbuto
creativo è stato difficile, un duro
lavoro. Arrivati alla fine avevamo molti
limiti, la linea vocale già decisa prima
di scrivere le parole per noi è una novità,
il disco precedente è stato composto
a partire dal testo e le linee vocali sono
nate dai testi e non dalla musica.
Stavolta avete deciso di fare quasi tutto
in maniera autonoma. Che cosa vi
ha spinto a questo tipo di scelta?
Siamo andati in studio da soli. Abbiamo
preparato i suoni e registrato chitarra
e batteria insieme. Avevamo ancora
alcune cose da definire sui brani
quando siamo entrati in studio, stare
da soli ci ha permesso di poterci prendere
anche dei momenti di prova, per
definire dei dettagli. Tra batteria e
chitarra c’è un intreccio ritmico continuo
e la cura di alcuni dettagli è stata
possibile soltanto una volta arrivati
in un luogo protetto come lo studio di
Fattoria Sonora, in cui siamo rimasti
molto tempo soli potendoci dedicare
quanto volevamo su ogni aspetto. Decidere
tutto prima di registrare è stato
necessario, ma non abbiamo voluto ingessare
tutta la musica, abbiamo scelto
di lasciare alcune parti al caso, all’improvvisazione
del momento, come per
esempio nel piccolo bridge del brano “la
musica non serve a niente”. Essendo
in due, possiamo facilmente inventarci
soluzioni al momento improvvisando,
giocando tra batteria e chitarra, anche
nel primo disco avevamo un po’ scoperto
questa nostra qualità e questa volta
abbiamo volutamente destinato alcune
parti musicali al gioco, allo scherzo musicale,
per mantenere una freschezza
live che non vogliamo perdere nel disco.
Questo è solo un particolare, ma ce ne
32 33

sono molti altri, tutti dettagli che abbiamo
scelto di curare in una situazione
di studio molto intima e rassicurante.
A differenza del primo lavoro, che è
stato interamente autoprodotto, questa
volta il disco è stato prodotto grazie a ’n
etichetta, casa discografica aperta dal
liveclub ‘na cosetta di Roma in collaborazione
con Lucio Leoni di Lapidarie
Incisioni.
Mi sembra che sui testi
abbiate focalizzato di più
alcuni obiettivi polemici,
limitando un po’ il nonsense
rispetto all’esordio.
Scelta o caso?
I testi sono molto importanti
per noi, la scelta è
stata come sempre quella
di parlare di ciò che ci
circonda, ma sì, il taglio è volutamente
meno pazzoide e stralunato. Nel primo
lavoro c’era una componente “clownesca”
che forse abbiamo un po’ messo
da parte. Abbiamo scelto di essere più
diretti, in alcuni casi più duri, in altri
più onesti, in generale di non essere
troppo astratti, ma “non sense” non ci
siamo mai sentiti neanche nel primo
disco. La polemica fa parte del nostro
modo di scrivere, spesso si parte da un
problema e passando per un conflitto,
si risolve in rabbia o ironia o fantasia
o nervosismo. “La musica non serve a
niente” è un titolo ironico, polemico, ma
anche leggero. Forse la novità per noi
è quello di aver aperto la scrittura anche
a un aspetto emotivo più personale
e delicato. Ci sono brani molto intimi
come capovolto e appena svegliato che
parlano esplicitamente dei nostri sentimenti.
Di “La musica non serve a niente” (la
canzone) non ho capito una cosa: meglio
essere governati dai musicisti oppure
no?
Ahahah… sembra una
domanda leggera, ma qui
siamo al nocciolo di una
questione fondamentale.
NO! Categoricamente
NO! I musicisti sono quelli
che fanno la musica e
la musica non ha potere
di governo. Ovviamente
un brano musicale può
essere influente politicamente e ci sono
musicisti impegnati e schierati che
hanno una grande importanza politica,
ma la musica non ha potere è ovvio.
Per noi è importante fare chiarezza,
fare critica; non si può pensare che la
musica cambierà l’organizzazione della
nostra società, magari la può condizionare
o certamente può trasmettere
un’idea, ma di certo c’è bisogno di altro
per governare. Insomma non possiamo
fermare una guerra con un rullante o
finire in parlamento a cantare, li c’è da
scrivere leggi e fare battaglie politiche
è tutto un altro linguaggio. “la musica
non ha potere… e meno male. Non
scrive leggi, non governa e non ti può
arrestare”. Può sembrare riduttivo, ma
in verità questo ci permette di liberare
la musica da alcune responsabilità. A
questo punto io posso cantare “Imagine”
e vivermi completamente la visione
politica di un mondo senza confini e pacifico
di quel brano senza che il giorno
dopo mi arrestino e posso farlo proprio
perché quella è “solo” una canzone non
è mica un manifesto politico; non solo,
posso anche dire che preferisco di gran
lunga Lennon o Bono a Putin e Trump
senza confondere musica e politica,
semplicemente mi piace molto di più
seguire una canzone o una band che un
Premier. Poi anche se si scrive musica,
non è affatto detto che non si possa essere
un politico, un amministratore, un
sindaco, ma certo è che non sono cose
che si possono fare contemporaneamente.
Chi governa pensi a governare e chi
suona pensi a suonare, sono due cose
molto importanti, importantissime, ma
a ciascuno il suo.
Visto la vostra notevole esperienza
“tecnica” e il vostro sguardo lucido,
che cosa vi piace e che cosa no della
musica italiana (indie e no) 2017?
Questo è un discorsone. Ci sono tantissime
novità e tanto fermento, non si
finisce mai di stupirsi. Quello che è evidente
è che è cambiato il mercato e il
modo di fare successo. Moltissimo passa
dal web e ormai si da per scontato,
ma solo 10 anni fa non era affatto così.
La comunicazione è cambiata, i video
contano almeno quanto i brani musicali,
chi canta conta più di cosa canta,
c’è tutto un nuovo doityourself che
ha poco a che fare con il primo indie,
ma in fondo ne è una conseguenza. Il
modo di scrivere i testi è chiaramente
stato influenzato dalle novità degli
ultimi decenni, dal rap fino al meme,
ci sono tanti giochi in più da fare con
le parole che venti anni fa non esistevano.
Dal punto di vista musicale c’è
tanta novità, ma c’è anche un ultra
pop che pesca negli anni 80 e 90 e c’è
pure una grande diffusione di strumenti
musicali giocattolo, di vocoder,
harmonizer, ma poi ti ritrovi a sentire
il nuovo cantautore dei vent’anni
che ti canta la sua canzone in acustico
chitarra e voce. Insomma c’è un
mare di roba e sembra che le nuove
generazioni siano molto più aperte a
mischiare suoni elettronici e digitali,
effettistica, basi musicali e cantautorato
semplice. Una volta non era
possibile pensare che uno stesso pubblico
potesse apprezzare tutto questo.
Comunque noi suoniamo e capire ora
cosa stia succedendo per noi è molto
difficile, forse è più un compito di chi
scrive di musica piuttosto che di chi la
fa. Un musicista in un periodo come
questo in cui c’è una così grande varietà
di proposte è davvero una goccia
in un oceano e sta a voi tentare di
sbrogliare la matassa.
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