KUNST IM GRAND HYATT BERLIN - Hyatt Hotels and Resorts

KUNST IM GRAND HYATT BERLIN

Grand Hyatt Berlin und seine Kunst
Der Potsdamer Platz ist ein Sehnsuchtsort der Moderne.
Franz Kafka hat ihn beschrieben, Ernst Ludwig Kirchner ihn
gemalt und Kurt Weill muss ihn im Sinn gehabt haben, als
er in „Berlin im Licht“ schrieb: „Das ist kein lauschiges Plätzchen,
das ist `ne ziemliche Stadt.“ Als Mitte der 1990er Jahre
dieser Ort nach grauen Jahrzehnten tatsächlich wieder ins
Licht der Aufmerksamkeit rückte und das Grand Hyatt Berlin
konzipiert wurde, lag es nahe, dass dieses Haus seine
Zeitgenossenschaft nicht nur durch die Architektur, sondern
auch durch eine Hinwendung zur aktuellen Kunst unterstreichen
sollte.
Die Daimler Kunstsammlung widmet sich seit vielen Jahren
der Kunst des 20. Jahrhunderts und ist inzwischen
eine der wichtigsten Adressen der Berliner Kunstszene in
unsererer unmittelbaren Nachbarschaft. Gemeinsam mit
Hans J. Baumgart von Daimler, Sophie Ott und Klaus Leuschel
wählte der Innenarchitekt Hannes Wettstein etwa
120 Arbeiten von Künstlern aus, deren Namen entweder
für ein herausragendes Lebenswerk standen oder mit großen
Hoffnungen verknüpft waren. Inzwischen sind auch die
New comer von damals Klassiker des Kunstbetriebs. Das
Grand Hyatt Berlin kann sich glücklich schätzen, Werke von
Sylvie Fleury und John Armleder, Günther Förg und Eberhard
Havekost, Dieter Roth und Imi Knoebel präsentieren
zu können. Alle Arbeiten fordern Aufmerksamkeit ein und
lassen sich kaum im Vorübergehen betrachten. „Hotelkunst“
im Sinne einer behaglichen Bebilderung von Wänden gibt es
bei uns nicht. Mit den Leihgaben aus der Daimler Sammlung
war auch die Verpflichtung verbunden, die Kunst nicht nur
aufzuhängen, sondern mit ihr zu leben.
Unser Haus hat das ursprüngliche Kunstkonzept ständig
weiterentwickelt. Wir haben den südkoreanischen Künstler
Jaehyo Lee für uns entdeckt, dessen teilweise raumgreifende
Arbeiten auf die Architektur von José Rafael Moneo eingehen
und dem es um eine respektvolle Haltung zur Natur
geht. Der künstlerische Fotograf Matt Hennek, dessen Waldlandschaften
im Tizian Restaurant und in der Lounge zu sehen
sind, hat uns ebenso überzeugt wie Otto Zitko, dessen
zeichnerischen Linienlabyrinthe auf der Galerie für Spannung
sorgen. All diese Kunstwerke könnten im Museum hängen
oder in einer Kunsthalle. Gerade auch deshalb soll unser Hotel
ein öffentlicher Raum auch für jene sein, die nicht bei uns
übernachten, aber sich für Kunst interessieren. Das gilt auch
für die Zimmer und Suiten, die im Rahmen einer Führung
durchaus besichtigt werden können.
Es ging uns immer darum, Kunst und Architektur aufeinander
wirken zu lassen, daraus eine Spannung zu erzeugen.
Das beginnt im Foyer mit den markanten Werken von John
Armleder und Gerold Miller, setzt sich auf den Fluren mit den
Skulpturen von Ingrid Hartlieb und Jo Schöpfer fort und endet
im Club Olympus mit den Farben von Gert Rappenecker.
Es lohnt sich, durch das Hotel zu gehen, von einer Etage
in die andere zu fahren oder in der Lobby zu sitzen, um die
Kunst auf sich wirken zu lassen. Das vorliegende Heft soll
Sie dazu animieren.
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Grand Hyatt Berlin and its art
Potsdamer Platz is a vibrant hub of modernity. Franz Kafka
described it, Ernst Ludwig Kirchner painted it and Kurt Weill
must have had it in mind as he sang in “Berlin im Licht”: “It
is no snug little place, it is quite a city.” In the mid 1990s,
Potsdamer Platz, after centuries in the shadows, came back
to life and Grand Hyatt Berlin saw the light of day. That the
hotel should highlight the contemporary atmosphere not only
with its architecture, but also with its art as well was a given.
The Daimler Art Collection has for many years focused on
the art of the 20th century and it has become one of the
most prominent addresses on Berlin’s art scene, located
right on our doorstep. Together with Hans J. Baumgart from
Daimler, Sophie Ott and Klaus Leuschel, interior architect
Hannes Wettstein picked out some 120 works by both famous
and up and coming artists. Since then, even those
who were newcomers at the time have become established
on the art scene. Grand Hyatt Berlin is fortunate to be able
to show pieces by artists such as Sylvie Fleury, John Armleder,
Günther Förg, Eberhard Havekost, Dieter Roth and Imi
Knoebel. All works are showpieces demanding attention.
Hotel art that is there to simply decorate the walls and add
to a comfortable atmosphere will not be found in our hotel.
When it comes to the items on loan from the Daimler Collection,
the understanding was that the art should not just
be hung on the walls, but it should really become part of the
lively hotel atmosphere.
Our hotel has continually developed this original art concept.
We are happy to have discovered South-Korean artist
Jaehyo Lee, whose space-consuming works fit perfectly
within José Rafael Moneo’s architecture. Art photographer
Matt Hennek has impressed us with his forest-landscapes
that hang in the Tizian Restaurant and Lounge, as has
Otto Zitko, whose maze of crayon lines in the gallery certainly
keeps things interesting. All of these pieces could just as well
have been hanging in a museum or gallery. It is for this exact
reason that our hotel is a place for anyone with a passion for
art, not only our guests that stay with us. The pieces hanging
in the rooms and suites that can be viewed during a guided
tour are just as interesting as those to be seen in the public
areas of the hotel.
For us it has always been about letting art and architecture
come together in order to create an interesting and vibrant
atmosphere. This begins with the distinct pieces by
John Armleder and Gerold Miller in the lobby, continues
with the sculptures by Ingrid Hartlieb and Jo Schöpfer in
the hallways and ultimately ends with Gert Rappenecker’s
bright colours in Club Olympus. I recommend that you stroll
through the hotel, take the elevator to the different floors or
relax in the lobby and take in the art. I also encourage you
to bring the brochure that you have in your hands with you.
Fred Hürst,
Area Vice President Hyatt
Central Europe

Kunst im Hotel
Hotelkunst hat bei denen, die der Kunst nahe stehen, kein
gutes Image. Warum? Weil die Hoteliers nichts falsch machen
möchten. Sie wollen, dass ihre Gäste sich wohl fühlen,
sie wollen ihre Gäste weder irritieren noch verstören. Nun
verhält es sich mit der Kunst, vor allem der zeitgenössischen,
aber so: Viele Künstler möchten irritieren, einige sogar verstören.
Ganz zu schweigen von denjenigen, die provozieren
wollen.
Man übertreibt also nicht, wenn man sagt, dass die moderne
Kunst und der moderne Hotelier entgegengesetzte Ziele
verfolgen. Die Erfolgsaussichten eines Hoteliers, der seine
Gäste provoziert, müssen skeptisch beurteilt werden. Künstler
dagegen, die ihr Publikum provozieren, bringen es nicht
selten zu Weltruhm.
Was wir in Hotelzimmern sehen, entspricht im Normalfall dem
Durchschnittsgeschmack des durchschnittlich gebildeten
Durchschnittsbürgers. Es sind Drucke von Meisterwerken,
die längst jenseits der Diskussion sind, Landschaften, gern
etwas Regionales aus der Umgebung des Hotels, Tradition
und Folklore. Manchmal sieht man auch etwas Abstraktes,
vor allem, wenn die Farben gut mit dem Teppich harmonieren
und die Gesamtkomposition eher unauffällig bleibt. Man
soll diese Kunst im Grunde gar nicht bemerken, diese Kunst
soll etwas für das Raumklima tun, sie ist dekorativ. Es ist eine
Kunst, bei der ein zu ausgeprägter Kunstwille und eine zu
starke Künstlerpersönlichkeit stören würden.
Das Berliner Hyatt geht einen anderen Weg. Im Hyatt findet
der Gast an vielen Orten neue und neueste Kunst. Es
sind große Namen dabei, aber auch Leute, deren Entwicklung
noch im Gang ist und deren Stellenwert sich erst in
den kommenden Jahren erweisen wird. Das Hotel hat einen
Kunstetat, der etwas hermacht, und sammelt, nicht viel
anders als ein Mäzen oder Kunstfreund es täte. Im Grunde
müsste das Hotel in den Stadtführern stehen. Selbst in Berlin,
wo es nun wirklich gute Museen und Galerien gibt, gehört
es zur Spitzengruppe der Sammlungen. Das ist, wenn
man so will, Luxus. Es ist aber auch ein Kompliment des
Hotels an seine Gäste. Man rechnet mit Gästen, die keinen
Wert auf das Durchschnittliche, Erwartbare und Unauffällige
legen, und die wissen, dass Kunst, die im Kopf etwas
auslöst – einen Gedanken, ein Gefühl, eine Erkenntnis –
nicht ohne Risiko zu haben ist. In der einen Ecke wird man
vielleicht etwas finden, das man nicht so schnell vergessen
wird, an einer anderen Stelle wird es vielleicht etwas geben,
das einem nicht zusagt. Anders geht es nicht, wenn man die
Kunst ernst nimmt, wenn sie mehr sein soll als Zierrat.
Ein gutes Beispiel ist das „Ready Mix“ von Gerold Miller in
der Lobby. Miller, Jahrgang 1961, lebt in Berlin, das Rechteck
aus Aluminium und Lack war eine Auftragsarbeit für genau
diesen Ort. Mancher wird sich fragen: Was soll das? Es
sieht ein bisschen aus wie das Logo einer Bank, oder?
Darum geht es, genau darum. Die Frage „was soll das?“ ist
ja die klassische Ausgangsfrage, für alles. Jeder, der etwas
Neues ausprobiert, in welchem Lebensbereich auch immer,
muss sich diese Frage anhören. Was soll das? Diese Frage
bedeutet: Offenbar soll es etwas. Offenbar gibt es da ein Geheimnis.
Offenbar lohnt es sich, an dieses Werk eine Frage
zu stellen.
Art in the hotel
Why does hotel art have such a bad image among art lovers?
Because hoteliers are afraid to step on anyone’s toes,
they want their guests to feel comfortable and not bother
or upset them. Often with contemporary art, however, many
artists aim to annoy, some even to unsettle, not to mention
the ones who really want to provoke.
It is therefore fair to say that modern art and modern hoteliers
have contradictory interests. A hotelier who provokes
his guests is not likely to be very successful. An artist who
does the same, however, has good chances of reaching
world fame.
The art we see in hotel rooms matches the average taste of
the average citizen. They are often prints of old masterpieces
that no one has reflected upon in many years, or regional
landscapes from the hotel’s surroundings. Sometimes you
might see an abstract piece, especially if the colours go well
with the carpet and the general impression remains clean. All
that matters is that the art does not evoke too much attention
- it should just add to the atmosphere and be decorative.
A distinct artistic mind or an expression of an artist’s complex
personality would just not fit with this kind of art.
Grand Hyatt Berlin takes another direction. Throughout the
hotel, guests will find some very modern pieces of art. The
collection has several famous names in it, but also up and
coming artists who are still developing their style. The hotel
builds its collection like a collector or enthusiast would, the
city guides should really dedicate a page or two to it. Even in
Berlin where there are incredible museums and galleries the
hotel’s art rates among the top collections.
You might call it luxurious, but it is also a way for the hotel
to compliment its guests. Grand Hyatt Berlin’s guests are
expected to want more than the ordinary, plain and unambiguous,
and to realise that art that evokes something inside, a
thought, a feeling or a realisation, is not always comfortable.
In one corner, you might find something that lingers in the
back of your mind, somewhere else you might see a piece
that does not speak to you at all. That is to be expected
when the art is meant to be more than merely decoration.
A good example is Gerold Miller’s “Ready Mix” in the lobby.
The rectangle of aluminum and varnish was a commissioned
work, intended especially for this location. Some will ask
themselves “What is the point of this?” It looks almost like a
bank logo, doesn’t it?
This is exactly what it is all about. The question “What is
the point of this?” is, after all, the standard initial question
in any situation. Anyone who ever tries anything new must
ask themselves this question. What is the point of this? The
question implies that there must be a point; there must be
a hidden meaning behind this. And it must pay off to keep
questioning the art.
Harald Martenstein
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Nader Ahriman *1964 in Shiraz/Iran; lebt und arbeitet in Berlin
Es sind verblasste Mythen und Philosophien, die den iranischen
Künstler, der in Stuttgart studierte und danach in
New York gearbeitet hat, immer wieder angetrieben haben.
Ludwig Wittgenstein ist einer seiner Säulenheiligen. Nader
Ahriman ist inspiriert von Wittgensteins Denken und wahrscheinlich
auch seiner Skepsis darüber, wie Menschen mit
Tieren umgehen. In seiner Serie „Der Hund lügt nicht“ spielt
er mit allerlei Zitaten aus den philosophischen und ästhetischen
Zettelkästen. Künstlerisch bedient er sich dabei nicht
weniger hemmungslos aus dem Reservoir von Surrealismus
bis Symbolismus. Aber er zitiert korrekt. Ästhetik und Inhalt
in eine neue Balance zu bringen und sich dabei an großen
Vorbildern zu orientieren, das ist ganz nach seinem Geschmack.
Auch versucht er, in seiner Kunst, die Ästhetik der
alten und der neuen Welt aufeinander reagieren zu lassen
und im besten Falle Spannung zu erzeugen. Es geht ihm um
Kultur, Religiosität und Mythologie, aber nicht auf multikulturellem
Niveau, sondern als eigenständiger künstlerischer Ansatz.
Und der darf durchaus als eigenwillig gelten. Die Bilder
seiner Serie mit Tusche und Tinte auf Papier in der Maybach-
Suite, in den Grand und Executive Suiten kommen ganz zart
daher und verraten doch große erzählerische Kraft. Man
sollte sich darauf einlassen und vielleicht danach ein gutes,
philosophisches Buch lesen. Oder über Hunde nachdenken.
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Ancient myths and philosophies are what inspire this Iranian
artist who studied in Stuttgart and later went on to work in
New York. One of Ahriman’s most important role models
is Ludwig Wittgenstein. Inspired by Wittgenstein’s criticism
of man’s treatment of animals, Ahriman plays around with
various quotes from the philosophical and the aesthetic in
the series “A Dog Never Lies”. Can it really be that our conception
of morality is derived from the animals’ world? For
Ahriman it is not a question of “if”; he simply explains this
fact visually with aesthetic inspiration from surrealism and
symbolism, while he remains true to his style that skilfully
balances the visual and the purpose. He also attempts to
merge the aesthetic of the old and the new world in his art,
ultimately looking to create tension. Ahriman’s art is about
culture, religion and mythology; not in a multicultural, political
way, but in an artistic one. His series of tusche pictures in
the Maybach Suite, Grand Suites and the Executive Suite
give a delicate impression, revealing an impressive narrative
power. One should study the pieces and then read a good
philosophical book. Or think about dogs.
Der Hund lügt nicht/The Dog Doesn’t Lie, 1996

John Armleder *1948 in Genf; lebt und arbeitet in New York und Genf
Es gibt viele Künstler, die in Hotels wohnen, aber wenige,
die in ihnen aufgewachsen sind. John Armleder entstammt
einer Genfer Hotelierfamilie und verbrachte seine Kindheit
an feinster Adresse. Der Gedanke, irgendwann selbst hinter
der Rezeption zu stehen, schien ihm nicht lebbar. Armleder
probierte sich aus, als Hippie, Pazifist, Galerist, Verleger,
und, und, und. Heute gehört er zu den wichtigsten Künstlern
der Schweiz. Er ist vom Fluxus beeinflusst, fühlte sich von
John Cage und Andy Warhol inspiriert, begann aber Ende
der 1970er Jahre damit, flächige, minimalistische Bilder zu
malen. Bekannt wurde er spätestens mit seinen berühmten
„Furniture Sculptures“. Auch die titellose Arbeit von 1998,
die in der Lobby des Grand Hyatt Berlin zu sehen ist, hat
ihren Ursprung in der unbändigen Sammelleidenschaft des
Künstlers. Und in seiner Begabung zur Ironie. In einem Berliner
Designgeschäft entdeckte Armleder zwei Soffittlampen,
die er für diese „Furniture sculpture“ verwendete. Er bringt
Kunst und Technik in eine neue Einheit, spannt die Lampen
mittig über die kräftig rote, monochrome Leinwand und gibt,
wie immer in seinem Werk, Rätsel auf. Sehen wir eine Hommage
an Dan Flavin oder einfach eine ganz normale Designerlampe
jüngerer Prägung? Ist es Kunst oder einfach nur
behagliches Wohnen? Die Lust Armleders, nach der Ästhetisierung
des Alltagslebens zu fragen oder die hohe Kunst
nach Spuren des Banalen oder Pathetischem zu untersuchen,
wird gerade hier besonders deutlich.
Furniture Sculpture, 1998
A lot of artists stay in hotels, but not many have grown up in
one. Coming from a family of hoteliers, John Armleder spent
his childhood surrounded by luxury. Unable to stand the
thought of having to work the front desk, Armleder instead
tried the role of hippie, pacifist, gallery owner, publisher, and,
and, and. Today, he is one of Switzerland’s most influential
artists. Although influenced by Fluxus, and inspired by John
Cage and Andy Warhol, Armleder developed a minimalistic
and plain artistic style at the end of the 1970s. Fame reached
him with his “Furniture Sculptures”, in which he questioned
the ready-made concept by making furniture out of bulk
waste. His eccentric collector’s passion, as well as his ironic
flair, played a big role in the creation of the untitled piece
from 1998 that hangs in the lobby of Grand Hyatt Berlin.
He found the two Soffitt-lamps that were later infused into
this particular furniture sculpture in a design store in Berlin.
Art and technique are skilfully fused together, with the lamps
fastened and stretched out right across the intensely red,
monochrome canvas. As in all his works, Armleder proposes
a mysterious riddle. Is this a tribute to Dan Flavin, or simply a
designer lamp put to innovative use? Is it art or comfortable
living? The location in the lobby could not be better suited
for this piece, as it perfectly emphasises Armleder’s wish to
explore the aestheticisation of everyday life and search the
fine arts for traces of the banal and pathetic.
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Monika Baer *1964 in Freiburg; lebt und arbeitet in Berlin
Das deutsche Malereiwunder war nicht auf Anhieb mit ihrem
Namen verbunden, aber spätestens seit der völlig verkopften
documenta 12 von 2007 kannten sie viele: Monika Baer.
Studiert hatte sie Mitte der achtziger Jahre an der Kunstakademie
Düsseldorf, wohin sie wegen des Malers Dirk Skreber
(hier: Veranstaltungsetage) gegangen war. Aber sie sah sich
dort mit Konzeptkunst, Video und viel Theorie konfrontiert.
Malerei? Wie denn? Sie ging ihren Weg trotzdem. Malerei
war für sie nichts feststehendes, sondern Entwicklung. Ihre
Bilder wollen entdeckt werden, und zwar über mehrere Ebenen.
Das ist schon in den sehr frühen Arbeiten zu sehen, die
in den Suiten hängen. Diese feinen, durchscheinenden und
farblich so prägnanten Arbeiten sind ein einziges Geheimnis.
Was passiert in dem rosa Häuschen im Wald? Was begrenzt
der halb verfallene Zaun? Die Künstlerin provoziert eine
atemberaubende Spannung. Dass sie sich aus dem Instrumentenkasten
des Surrealismus bedient, ist offensichtlich,
aber es wäre auch nur eine Erklärung. In jedem Fall gelingt
es ihr, ihre Arbeiten so sehr zu verdichten, dass daraus eine
Geschichte entsteht. Es ist eine Malerei, die nicht mir großen
Posaunen auftritt und die jenseits des Booms entstanden
ist. Vielleicht, weil diese Bilder etwas wagen und nicht nur
Erwartungen bedienen, weil sie sich konsequent dem Mainstream
verweigern und trotzdem verführen können.
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Although the name was not exactly associated with “genius
German painter” right from the start, the brilliantly insane
documenta 12 from 2007 definitely made the name Monika
Baer known to a wider crowd. In the mid 1980s, Baer attended
the Art Academy in Dusseldorf where she crossed
paths with painter Dirk Skreber (here on the 1st floor). Once
there, she found herself confronted with conceptual art,
video installations and plenty of theoretical education. But
what about painting? How did one learn that? She decided
to go her own way, seeing painting not as something static,
but rather as something in constant development. Even in
her early works which decorate the Grand Executive Suites,
it is clear that these paintings long to be explored on more
than one level. The delicate and colourful pieces are filled
with questions. What is happening in that little pink house
in the forest? What is the broken fence enclosing? The artist
successfully evokes a breathtaking suspense in the viewer. It
is obvious that Baer paints by the rules of surrealism, but that
does not suffice to answer all the questions her art raises.
While her style is surrealistic she is turning away from it nonetheless.
In any case she undoubtedly succeeds in letting her
paintings tell a story. The way she paints is quite modest in
its character, but her art leaves a big impression nonetheless.
Perhaps it is due to the fact that the pictures are daring
and refuse to follow the mainstream, while still being charming
to the viewer.
o. T./Untitled 1992

Sylvie Fleury *1961 in Genf; lebt und arbeitet in der Nähe ihres Geburtsortes
Es ist eine Arbeit, die wie geschaffen scheint für den Grand
Club. Und er gibt dem Raum, der wichtige und entscheidende
Gespräche erwarten lässt, wo es vielleicht auch um
Marken und Geschäfte geht, eine erfrischend selbstironische
Note. Wie eine Werbebotschaft für eine Fluglinie wirken die
schreiend roten, nach rechts driftenden Buchstaben auf der
bräunlich-goldenen Wand. Geht es vielleicht um Gier? Wie
in dieser Arbeit aus dem Jahr 1998 geht es der Schweizer
Performancekünstlerin immer wieder um die Warenwelt und
deren Inszenierungen. Was hat heute Kultstatus, was muss
man besitzen? Ob Mode, Luxusartikel oder Glamouranlässe,
Sylvie Fleury versucht den Konsumrausch durch die Kunst
auf die Spitze zu treiben. Sie sucht nach dem wahren Kern
in den Verheißungen und dem falschen Fetisch. Designer-
Taschen sind für sie zeitgenössische Ready-Mades und der
Kunstmarkt nichts anderes als ein Spiel mit Begehrlichkeiten
und dem Preis davon. Sie hat den Markt mit allerlei Glitzerzeug,
Trash und goldenen Einkaufswagen beliefert, allerdings
nie mit banaler Geste, sondern immer mit aufklärerischem
Impetus. Und auch mit Fragen, die sich um Weiblichkeit und
dem Verständnis davon rankten. Sylvie Fleury hat sich immer
als Teil des Ganzen gesehen und stand zu ihrer Shoppingneurose,
gleichzeitig weiß sie aber um die Strategien der
Vermarktung und stellt damit indirekt und heiter die Frage:
Wie wollen wir leben? Insofern sollte man Meetings mit dem
Gesicht zur Arbeit von Sylvie Fleury führen.
Be Amazing, 1998
The wall painting in the Grand Club meeting room fits in so
perfectly that it seems as if it was created solely for that space.
It gives the room, in which important meetings are held and
businesses and brands are what is on the agenda, a refreshingly
self-mocking atmosphere. The gaudy red letters that
whoosh across the golden brown wall look as if they have
been taken from an airline advertisement. Is it about greed
perhaps? Just like in this 1998 piece by Swiss performance
artist Sylvie Fleury, the main question regards the commercial
sphere and how it is depicted. What are today’s musthaves?
Sylvie Fleury uses art to take the consumption craze
to its extreme, whether it is fashion or luxury goods that she
has in mind. She is searching for the true core of this artificial
society. For Fleury, designer hand bags are nothing more
than a representation of greediness and the price tag that
it carries. She has produced all kinds of glittery nonsense,
trash and golden trolleys. Fleury does this not with trivial gestures
though, but rather a progressive impetus, with questions
of femininity and the understanding of it permeating it.
Sylvie Fleury has always seen herself as being a participant
of the consumerist society and has admitted to her shopping
neurosis. At the same time she is familiar with marketing
strategies and questions them discretely with humour: how
should we live? It is with such a question and the work of
Sylvie Fleury in the back of one’s mind that meetings should
be held.
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Günther Förg *1952 in Füssen; lebt und arbeitet in Areuse (Schweiz)
Der amerikanischen Farbfeldmalerei fühlte sich Günther Förg
immer verbunden. Und so sind auch im Grand Hyatt Berlin
Arbeiten zu sehen, die die Sprache eines strengen, abstrakten
Expressionismus atmen. Doch der Maler und Bildhauer
ist auch mit Aquarellen, Tuschezeichnungen und Pastellen
hervorgetreten, von denen einige in der Daimler-Suite zu
sehen sind. Förg bleibt auch hier ganz der alte Abstrakte,
aber er gibt seinen Arbeiten einen leichteren Ton, fast eine
gewisse Heiterkeit und auch Übermut. Helle Farben bestimmen
die Bilder, eine spielerische Komposition ist abzulesen
und auch ein lässiger Gestus in der Ausführung. Bei allem
steht die Natur Pate, florale und landschaftliche Bezüge sind
unverkennbar. Der Künstler hat sich inzwischen auch als
künstlerischer Fotograf einen Namen gemacht, besonders
seine Schwarz-Weiß-Aufnahmen von Architektur der Moderne
sind wegweisend. Niemand sonst hat sich den weißen,
weltberühmten Bauten von Tel Aviv mit solcher Eleganz genähert.
Überhaupt hat ihn Architektur immer interessiert, was
sich in seinem Werk deutlich ablesen lässt. Der Hyatt-Gast
ist nunmehr in der schönen Lage, die verschiedenen Seiten
des Günther Förg zu studieren und damit einen der wichtigsten
deutschen Künstler der Nachkriegszeit mit internationaler
Reputation kennenzulernen.
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Günther Förg always felt a deep connection to American
colour-field painting. Accordingly, the pieces hanging in
Grand Hyatt Berlin have an air of abstract expressionism
and a strict form language. It is not only these works, but
also his aquarelles, pastels and pen and ink drawings that
make the painter and sculptor so special. Some of these
can be seen in the Daimler suite. In these pieces, Förg has
kept his loyalty to traditional abstractionism, while at the
same time giving them a lighter tone, joviality and a certain
cheekiness. Bright colours, playful compositions and a nonchalant
attitude in the execution is what make the pictures
so unique. The idea of nature permeates these paintings,
references to flowers and landscapes are unmistakable. The
artist is also a renowned photographer, known mainly for his
pictures of modern architecture in black and white. None
other has managed to give Tel Aviv’s famous white buildings
such elegance. That architecture has always been an
important source of inspiration for him can be easily noticed
in his work. Guests at Grand Hyatt Berlin find themselves in
the advantageous position of being able to study the various
sides to Günther Förg’s art, and thereby getting to know
one of the most influential internationally renowned German
post-war artists.
o. T./Untitled, 1997

Corsin Fontana *1944 in Domat (Schweiz); lebt und arbeitet in Basel
Es könnten wirklich Klangfolgen sein, die sich da auf gerastertem
Papier wiederfinden. Die sechs Arbeiten, die im
Boardroom hängen, könnten Baureihen sein, eine fleißige
Auftragsarbeit eines Besessenen, wenn sie nicht einer
durchdachten Dramaturgie folgen würden. Fontanas Geistesverwandte
Hanne Darboven hätte das vielleicht „mathematische
Musik“ genannt. Der Schweizer Altmeister der
Minimal Art nutzt für seine Arbeiten industriell hergestellte
Wachskreide, die er in ähnlich lange Stücke schneidet
und dann damit horizontale oder vertikale Farbstreifen aufs
Papier zeichnet. Die Streifen setzt er dicht nebeneinander
und sucht nach einem Rhythmus, den er ständig variiert.
Die Breite der Streifen ist von der Kreide vorgegeben. Die
schwarzen Streifen verschieben sich zur Seite, werden kürzer
und länger, verschränken sich. Es ist eine Kunst, die wie
programmiert wirkt und die danach drängt, abgespielt zu
werden. Und obwohl diese minimalistischen, konstruktiven
Streifenarbeiten geordnet, ja diszipliniert wirken und einem
gewissen Schema folgen, sind es noch die Nuancen, die
die Werke interessant machen. Der Blick folgt den Linien
und den Zwischenräumen, bleibt aber immer wieder an den
Unregelmäßigkeiten hängen, für die das Papier sorgt oder
die feine Ölspur der Kreide. Fontanas Arbeiten liegen an der
Grenze zwischen Zeichnung und Malerei, nimmt man sein
Interesse für einfache Materialität noch dazu, dann schlägt er
auch eine Brücke zu Arte Povera. „Klänge“ von 1998 gehört
sicher zu Fontanas eindrücklichsten Arbeiten.
Klänge/Sounds, 1997
It might just as well be musical chords that are painted on
the screen paper. Had it not been for the deliberate dramaturgy
they follow, the six pieces hanging in the boardroom
could easily have been a production series or the work of an
obsessed artist. Hanne Darboven, Fontana’s kindred spirit
might have called it “mathematical music”. The Swiss master
of minimalism uses wax crayons in his work, cutting them
into identical shapes and then uses them to draw horizontal
or vertical stripes on the paper. The stripes are then put close
together according to a specific, but constantly varying,
rhythm. How wide the stripes are is decided by the shape
of the crayon. The black lines shift to the sides, get shorter
and longer and arrange themselves in clusters. It seems as
if the art was pre-programmed, simply moving according to
a determined pattern. Despite the fact that these minimalistic
shapes seem structured and even disciplined, the slight
nuances keep the drawings intriguing. The eyes follow the
lines and the spaces in between them, constantly remaining
aware of the small irregularities caused by the paper’s imperfections
and the traces of the crayon. Fontana’s art exists
right on the verge between drawing and painting. If one were
to mention his inclination for bare materiality then one might
even say he strikes a note of Arte Povera. “Sounds” from
1998 is without a doubt one of Fontana’s most impressive
works.
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Ingrid Hartlieb *1944 in Reichenberg (heute Liberec, Tschechische Republik);
lebt und arbeitet in Stuttgart
Was macht die Boje auf dem Flur? Aus welchem Jahrhundert
stammt denn diese Spindel? Wie Zeugnisse einer vergangenen
Zeit, wie archäologische Entdeckungen behaupten
sie sich in den Hotelfluren und in der Lobby. Man geht
an ihnen vorüber und kommt doch nicht an ihnen vorbei. Es
sind Sedimente der Zeit und niemand kann sagen, ob der
Mensch hier wirklich im Spiel war. Die Spuren auf der Oberfläche
können auch von der Natur stammen. Die Objekte
wirken schwerer als sie tatsächlich sind und auch älter, was
an diesem intensiven Bearbeiten des Holzes oder des Eisens
liegt. Ingrid Hartlieb arbeitet mit ganz unterschiedlichen Holzarten,
mit Bohlen, Balken und Brettern, die sie Schicht für
Schicht verleimt und mit der Kettensäge modelliert. Pigment
und Wachs erzeugen diese trügerische Patina, mit der sie in
ihrer Kunst so oft spielt. Aber die Artefakte scheinen nicht
nur aus der Zeit gefallen zu sein, sondern wirken auch so,
als seien sie ihrer Funktion beraubt. Die Bildhauerin, die zu
den wichtigsten Künstlern im süddeutschen Raum gerechnet
werden kann, spielt mit Schein und Sein und versetzt ihre
Objekte in eine Art Schockstarre.
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What is that buoy doing on the floor? Which century is this
spindle really from? Like artifacts from another time or archeological
discoveries, Hartlieb’s pieces reside in the hallways
and lobby of the hotel. You notice them in passing but
can still not wrap your head around them. Whether or not
man has really tampered with them, no one can say for sure.
The marks on their surface could just as well have been created
by nature. That the objects seem to be both heavier and
older than they truly are is due to the thorough treatment
of the wood and iron. Ingrid Hartlieb uses many types of
wood in her work, gluing together planks, beams and sidings
in layers and then shaping them with a chainsaw. Pigment
and wax create the deceptive patina that she so often plays
around with in her art. But the objects do not only seem to be
from another time, they also seem to have somehow been
deprived of their intended purpose. The sculptress who can
be counted amongst the most influential artists in southern
Germany, plays with the concepts of imagination and reality
and puts the objects she creates almost in a state of confusion.
Bleiboje/Plumb Bouy, 1991, Holzboje/Wood Bouy, 1992; Spindeln/Spindles, 1995

Eberhard Havekost *1967 in Dresden; lebt und arbeitet in Berlin
Wer die Maybach-Suite bewohnt, wird dabei nicht unbedingt
an die Atmosphäre in einem Wohnwagen denken. Aber er
wird ein solches Gefährt auch noch nie so cool und zukunftsverheißend
gesehen haben wie auf den Bildern des Malers
Eberhard Havekost. In seinen Arbeiten interessiert er sich immer
wieder für Szenarien der Langweiligkeit, die er aber mit
zeitgeistiger, flächiger Malerei auflädt. Havekost, der zu den
wichtigsten deutschen Künstlern der Gegenwart zählt, sucht
sein Material in Fotografien – entweder eigenen oder gefundenen.
Es sind meist Bilder vom Rand, von Nebenschauplätzen
oder von Dingen, die aus dem Blick geraten sind.
Meist findet man bei ihm Regionalzüge, verkrachte Häuser,
Schrottautos, Fassaden voller Tristesse oder eben Wohnwagen.
Was passiert darin? Wir wissen es nicht, sind aber
mit Havekost auf Spurensuche. In seinen Bildern baut sich
Spannung auf, die Reihung in den meist mehrteiligen Bildern
gibt den Takt vor und scheint eine Geschichte zu erzählen.
Aber die Fragen nach dem Wie und dem Warum muss der
Betrachter selbst beantworten. Havekost geht es um Wahrnehmung,
um Normen und Dinge des Alltags, die jede Individualität
verloren haben. Und es geht natürlich um Medienerfahrung.
Der Maler traf damit vor Jahren schon den Nerv der
Zeit und gilt heute als Chronist eines Lebensgefühls am Ende
des vergangenen Jahrhunderts. Eberhard Havekost hat mit
seinen prägnanten Arbeiten immer wieder bewiesen, dass
die Malerei eine Chance hat, wenn sie raffiniert daherkommt
und etwas zum Hier und Jetzt zu sagen hat.
Kabine Zoom 1+2/Cabin Zoom 1+2, 1998
When staying in the Maybach Suite, caravans might not be
the first thing you think about; however, Eberhard Havekost
manages to give them a chic and modern flair in his paintings.
Scenarios of boredom are a recurring theme in his
work, made interesting by the modern and two-dimensional
painting style. Havekost, one of the most influential artists
in contemporary Germany finds the material for his art in
photographs that he has either found or taken himself. He
mostly paints insignificant situations or things taken out of
its normal context with subjects such as trains, houses, junk
cars, boring facades and yes, even caravans. He creates
suspense in his pictures, while the sequence of the different
works of art sets the pace and seems to be telling a story.
But the questions of “how” and “why” are up to the viewer to
answer. For Havekost it is about perception, everyday norms
and subjects that have lost all originality. He is considered
among many to be an important chronicler of the attitude
towards life that could be experienced in the late 20th century
and it is therefore no coincidence that his pieces are now
exhibited in famous museums across the world. Eberhard
Havekost has proved time and time again that if a subject
is refined and has something to say about the present, then
there is a chance for the art of painting.
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Matt Hennek *1969 in Freiburg; lebt und arbeitet in der Schweiz
Wer im Restaurant „Tizian“ oder in der dazugehörigen
Lounge einkehrt, der sieht sich mit glücklichen wie bedrohlichen
Waldstimmungen in den unterschiedlichsten Farbtönen
konfrontiert. Leuchtendes Grün und Rot, aber auch
eiskaltes Weiß und diffuses Braun bestimmen die großformatigen
Arbeiten von Matt Hennek. Der Wald im Wandel der
Jahreszeiten erscheint bei ihm so klar und geometrisch so
genau geordnet, als hätte sich die Natur zurechtgemacht.
Gleichzeitig täuscht sich, wer in den digitalen Pigmentprints
auf Kupferdruckpapier nur eine ästhetisch reine und allzu
harmlose Schilderung des Daseins von Laub- und Nadelwäldern
sehen will. In den menschenleeren Aufnahmen steckt
Abgründiges, Verwunschenes und auch Überraschendes.
Es geht in diesen Bildern auch um Rhythmus. Hennek, der
einst Popstars und Helden der klassischen Musik wie David
Byrne oder Sting fotografierte, der sich diverser Werbekunden
annahm und für verschiedene Magazine arbeitete, ist
seit nunmehr fünf Jahren in der Kunstfotografie zu Hause.
Hier hat er inzwischen seinen Schwerpunkt gefunden. Wie
in seinen Musikbildern geht es ihm immer wieder darum,
neue ästhetische Möglichkeiten zu entdecken und damit zu
spielen. Nur Hochglanzfotos zu produzieren, war ihm immer
zu wenig. Doch mit Star oder ohne, die Ewigkeit der Natur,
die sich ständig verändert, ist in seinen Bildern ein Thema
geblieben. Wo andere in aseptischen Studios arbeiten, geht
er hinaus, weil ihm die Natur doch die beste Bühne für seine
Arbeiten zu bieten scheint.
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Whoever pays a visit to the “Tizian” restaurant or lounge is
confronted by serene but deceptive depictions of forest atmospheres
in all different shades of colour. Bright green and
red, but also cold tones of white and brown taint the large
works by Matt Hennek. It is as if nature had corrected itself,
so crystal clear and geometrically precise is the forest depicted
during the different seasons in his pictures. But do not
be fooled into thinking that the prints on copperplate paper
are simply aesthetically beautiful and harmless depictions
of a changing forest. The absence of people in the pictures
leaves room for the cryptic, enchanted and unexpected.
One can also feel a certain rhythm in Hennek’s pieces that
can be traced back to his earlier work. Before he resorted to
art photography five years ago, Hennek photographed such
musical legends as David Byrne and Sting. Regardless whether
it is musicians or forests he wants to depict, he always
strives to find new aesthetic opportunities and then plays
around with them. Simply taking glossy photographs was
never enough for Hennek, but he wanted his art to do more,
such as commenting on the constantly varying but nonetheless
eternal quality of nature. He prefers a forest clearing to a
studio when it comes to painting, as this is where he comes
closest to the motifs that lie so close to his heart.
Woodlands, 2009

Kurth Hoffmann *1954 in Stuttgart; lebt und arbeitet in Frankfurt am Main
Sind diese Bilder von einem Raumschiff aus gemacht worden?
Ereignet sich eine Supernova? Die Bilder des Frankfurter
Malers Kurt Hoffmann, fast vitrinenartig in der Hotelbibliothek
auf dunklem Holz platziert und diffus beleuchtet,
wirken, als seien sie einem naturwissenschaftlichen Museum
entnommen. Auf den ersten Blick wirkt sein Sternentanz im
Weltall romantisch, doch Hoffmann geht es um mehr. In all
seinen mondbeschienenen Landschaften, Naturschilderungen
und Sommernachtserzählungen, die man von ihm sonst
kennt, strebt er immer danach, die Möglichkeiten der Malerei
auszureizen und auch neu zu erfinden. Es gab eine Zeit,
da hatte er sich sehr der barocken Malsprache verschrieben
und deklinierte diesen Stil für sich noch einmal durch.
Stillleben entstanden, Waldszenen und Wolkenstimmungen.
Hoffmann weiß, wie er Licht und Schatten, Hell und Dunkel
einzusetzen hat, wo er reduziert sein muss und wo opulent.
Später trug das Werk zwar immer noch gegenständliche
Züge, war aber eigentlich längst abstrakt geworden. Wie er
mit Farben agiert, die er auch schon mal auf vorbereitete
Platten kippt, um sie dann zu akzentuieren, das passiert keineswegs
in erwartbarer Manier. Im vorliegenden Fall arbeitet
er mit Acryllack auf MDF. Kurt Hoffmann überrascht und
versucht, Sehgewohnheiten immer wieder neu herauszufordern.
Das gelingt ihm auch in den Bildern in der Bibliothek,
an denen man nicht achtlos vorbeigehen sollte.
o. T./Untitled, 1997/98
Were these painted in a spaceship? Is it a supernova that
we see? The hotel library, where Kurt Hoffmann’s paintings
hang seems more like a museum dedicated to the solar system
when we notice the dim views of space, fitted on the
wall of dark wood. The starry, vast skies look enchanting at
first, but there is more depth to this romantic scenery. In his
moonlit landscapes and natural sceneries, Hoffmann strives
to explore the potential and possibilities of painting and also
find ways of reinventing it. There was a time when he painted
in a baroque style, and adapted this style to his artistic personality.
He painted still lifes, forest landscapes and cloudy
skies. Hoffmann knows exactly how to use light and shadow,
use bright and dark, where he should hold back and where
he should make it grand. The way he uses colour is unexpected
and unusual, such as the use of acrylic varnish on
“fibreboard” in the painting below. Kurt Hoffmann surprises
you and constantly tries to challenge the way we are used
to looking at things. The same applies to the pieces in the
library, works of art that should not be passed without notice.
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Hubert Kiecol *1950 in Bremen; lebt und arbeitet in Köln
Der Wolkenhimmel, das Abheben in alle nur denkbaren Himmelsrichtungen
und die Offenheit, die damit verbunden ist,
das hat den Künstler Hubert Kiecol schon immer interessiert.
Einfachheit, Klarheit und Strenge kennzeichnen seine
Kunst. Sie korrespondiert nicht selten mit Architektur, weil
sie meist auf ihre Werkstoffe zurückgreift. In der Reduktion
auf die Zeichen und Symbole des Alltags entsteht bei Kiecol
Poesie. Das gilt für seine Bildhauerei ebenso sehr wie für seine
Zeichnungen, Siebdrucke und Radierungen. Und so sind
auch seine typographisch geprägten Arbeiten in den Grand
Suiten von einer berührenden wie heiteren Konkretheit und
einer virtuosen, präzisen Formensprache. Ganz abgesehen
von diesem tiefen, überirdischen Blau, das wirkt, als sei es
aus Kubricks Film „2001“ entnommen. „Astronomieblau“ ist
ein assoziationsreiches Spiel mit minimalistischen Zeichen
und Formen. Eine stille Arbeit mit großer Kraft. Es sind meist
Chiffren der Gegenwart, die ihn interessieren: Zahnräder zum
Beispiel, aber auch Eingangstore und immer wieder Sterne.
Wie er sich seiner Mittel bedient, die er auch in seiner Zeit
als Schriftsetzer gelernt hat, das ist frappierend. Es geht ihm
wirklich darum, den Blick zu weiten, den Horizont zu erhellen
und letztlich auch darum, den Wolken ein Stück näher zu
sein. Und in den Grand Suiten ist man das ja.
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The cloudy skies, the ease with which they change in all directions
and the air of openness that it brings. These things
have always been of keen interest for the artist Hubert Kiecol.
Simplicity, clarity and austerity signify his art. By eliminating
the symbols and signs of everyday life, Kiecol creates
poetry. He does this in his sculpting as well as in his
drawings, screen prints and etchings. Even his typographic
works in the Grand Suites are characterised by a serene authenticity
and an extremely distinct eye for detail. In stark
contrast stands the deep, supernatural blue that seems as
if it is taken straight from Stanley Kubrick’s “2001“. “Astronomieblau“
is an associative play, filled with minimalist signs
and shapes. A quiet piece with fierce power. What interests
Kiecol the most are ciphers that can decode the presence,
such as cogs or front doors, or those stars that keep recurring.
It is astonishing the way he uses the method he learned
during his time as a typesetter. What he really wants to do
with his art is to open up the mind, expand the horizons and
get a little closer to the skies. Which is exactly what you are
in the Grand Suites.
Astronomieblau/Astronomy Blue, 1994

Karin Kneffel *1957 in Marl; lebt und arbeitet in Düsseldorf
Das Arrangement auf dem Obstteller in der Executive Suite
dürfte unbedenklicher sein als die Früchte auf den Bildern
von Karin Kneffel. Ihre Beeren und Pfirsiche sind nicht süß
und schmackhaft, sondern verwunschen, vielleicht sogar
vergiftet. Hyperrealistisch malt die einstige Meisterschülerin
von Gerhard Richter an der Düsseldorfer Kunstakademie
schöne, banale Dinge wie Obst. Sie überhöht aber die Wirkung
der leuchtend knackigen Trauben und kippt das Ganze
fast fabelhaft ins Gespenstische. Das klassische Sprichwort
„Zu schön, um wahr zu sein“, nimmt Karin Kneffel sehr ernst.
Es gehe ihr, so sagt sie, um „das Erzeugen eines Zweifels“.
Ihr Malstil mag altmeisterlich anmuten, die Perspektive aber
ist eine völlig heutige.
Ihre Arbeiten handeln von vermeintlichen Objekten unserer
Sehnsucht, von zweifelhaften Verheißungen, letztlich von einem
gefälschten Paradies. Nachdenken über unser Leben
will sie evozieren und benutzt dafür schockgefrorene Alltäglichkeiten.
Nicht nur Früchte nimmt sie sich in ihren Arbeiten
vor, auch andere Alltagsmotive wie Teppiche, Sessel oder
Hunde geraten in ihren Blick. Es ist ein neuer Realismus,
dem die Künstlerin huldigt, wohl wissend, welche Botschaft
sie vermitteln möchte. Wer in der Suite in einen Pfirsich beißt,
sollte sich die Frucht vorher recht genau besehen.
Johannisbeeren/Red Currants, 1996 & Pfirsiche/Peaches, 1996
The fruit bowl in the Executive Suite is definitely likely to be
more harmless than the fruit arrangements in Karin Kneffel’s
pictures. Her berries and peaches are not what they appear
to be. They are not sweet and juicy, but enchanted or
perhaps even poisoned. Hyper-realistically depicting trivial
things like fruit is Kneffel’s, a former pupil of Gerhard Richter
at the Dusseldorf Art Academy, specialty. “Too good to be
true“ is a saying that Karin Kneffel takes quite seriously. For
her it is all about “inducing doubt“ she explains. Her brush
strokes may remind one of the old masters, but the subjects
are definitely modern. They tell stories about our hidden objects
of desire, broken promises, and ultimately a false paradise.
She wants us to reflect upon our existence, and uses
frozen images from our everyday life to evoke such contemplation.
Fruit is not her only object of choice, but other ordinary
things such as carpets, arm chairs and dogs also turn
up in her canvases. Fully aware of the message she wants to
convey, the artist renders homage to a new form of realism.
So if you want to take a bite out of a peach in the suite, make
sure to take a good look at it before you do.
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Imi Knoebel *1940 in Dessau; lebt und arbeitet in Düsseldorf
Als seine Arbeiten vor einiger Zeit wieder einmal in Berlin zu
sehen waren, feierte die Presse Imi Knoebel als „mythische
Ikone der westdeutschen Kunstgeschichte“. Das Grand Hyatt
Berlin hat dazu Teile aus einer geradezu ikonenhaft zu
nennenden Serie zu bieten. Es geht um Grace Kelly, aber
eigentlich geht es um die Abwesenheit dieser atemberaubend
schönen Hollywoodschauspielerin. Jeder kennt dieses
millionenhaft fotografierte Gesicht, aber keiner so gut wie
der Künstler, könnte man meinen. Knoebel geht es in seinen
ursprünglich 38 Einzelbildern zwar um Anmut, Energie und
Schönheit, aber er erzeugt diesen Ausdruck mit monochromen
Farbfeldern. In jedem Bild setzt er einen flachen Kasten
mit vier Balken zusammen. Wie er mit Rot, Gelb, Blau oder
Rosa spielt, wie er sich mit den Instrumenten des Abstrakten
einer faszinierenden Frau nähert, das darf durchaus
Meisterwerk genannt werden. Knoebel orientiert sich an der
künstlerischen Sprache des Bauhauses, auch Malewitsch
und Mondrian lassen grüßen. Aber dort, wo ihm die Vorbilder
zu streng werden, biegt er ab und sucht sein eigenes,
entspannteres Spiel mit Farben und Formen. Imi Knoebel,
der einst Schüler von Joseph Beuys war, aber immer einen
eigenen Weg beschritt und die abstrakte Kunst mit wahren
Farbexplosionen befeuerte, gehört sicherlich zu den radikalsten
Künstlern seiner Generation. Dazu gehört, dass er
sich in all den Jahren immer wieder neu erfunden hat und
doch unverkennbar blieb.
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When his pieces were exhibited in Berlin some time ago, the
press raved, calling Imi Knoebel a “mythical icon of West-
German art history“. Parts of the acclaimed series that were
exhibited now reside in Grand Hyatt Berlin. They tell the story
of Grace Kelly, but the absence of this breathtakingly beautiful
Hollywood actress, is what is emphasised. Everybody
is familiar with this endlessly photographed face, but none
better than the artist, one could argue. Using monochrome
segments of colour, Knoebel’s original 38 frames express
grace, energy and beauty. In each picture, the side of a wooden
case is put together with four baulks. It can be described
as nothing less than a masterpiece, the way he uses
red, yellow, blue or pink and utilises the toolbox of abstract
art to get under the skin of this fascinating woman. Knoebel
is an artist who is sworn to the Bauhaus style, and traces
of Malewitsch and Mondrian are clearly noticeable too. But
rather than creating replicas of his inspirational sources, he
turns away from them in favor of his own, more relaxed play
on shape and colour. Imi Knoebel, once a pupil of Joseph
Beuys but consistently an independent artist, can with his
abstract form language and cascades of colour without a
doubt be counted as one of the most radical artists of his
generation.
Grace Kelly, 1989

Jaehyo Lee *1965 in Hapchen (Südkorea); lebt und arbeitet in Jipyeong-Myeon, Gyeoggido (Korea)
Er ist wohl so etwas, was man eine Entdeckung nennt. Auf
allen Fluren und auf der Veranstaltungsetage, selbst in der
Lobby sind die markanten Arbeiten des südkoreanischen
Künstlers Jaehyo Lee zu sehen. Das Grand Hyatt Berlin
ist so etwas wie seine wichtigste Ausstellungshalle und ein
Markenzeichen des Hauses. Nirgendwo sonst dürfte seine
Kunst mehr Publikum haben als hier. Und das ist auch gut
so, denn es geht ihm in seinen gewaltigen Holz-, Metall- und
Steinarbeiten um eine „respektvolle Haltung zur Natur“. Eine
starke Botschaft. Wie er Kastanienholz bändigt und daraus
Kugeln, Pokale (4. Etage) oder einen gewaltigen Ring formt,
der einem Erntekranz nicht unähnlich sieht (6. Etage), das
hat viel mit der Schönheit der Natur zu tun. Wie er diese
Formen erreicht, das bleibt sein Geheimnis, verrät aber
handwerkliche Meisterschaft. Ähnliches lässt sich auch für
die Arbeiten sagen, bei denen er schwarzes Holz und Edelstahlnägel
verwendet. Hier entsteht ein Spiel mit Formen und
Textur, das sich wie ein Bekenntnis liest. Ist es eine Arche,
ein Boot, eine Scholle? Assoziiert die ovale Form, die wellenhafte
Vertiefung nicht eine Verbindung zu den Weltmeeren?
Scheinen die Nägel nicht fast schwarmhaft zu schweben?
Nie überformt der Künstler seine Materialien, sie bleiben erkennbar,
sprechen für sich und für die Umgebung, aus der
sie stammen.
0121 - 1110 = 107129, 2007 & 0121 - 1110 = 1081133, 2008
Walking through the lobby and different floors of Grand Hyatt
Berlin where extraordinary pieces by South Korean artist
Jaehyo Lee are waiting to be discovered is like going on an
expedition. The pieces made from wood, metal and stone
have come to be a trademark of Grand Hyatt Berlin, and
the hotel is one of the most important exhibition locations
for Lee. Nowhere else is his art seen by so many. It is lucky
that his audience is large, because the message he wants to
convey is important. He bares the beauty of nature through
his globes (4th floor) and rings (6th floor) made out of bended
chestnut wood, and calls for a “respectful attitude towards
nature”. How he creates the magnificent shapes remains a
secret; that only a master can manage them is, however,
quite clear. The same skill radiates from his pieces made
from black wood and premium steel nails. A play on shape
and texture is set in motion. Is the oval shape meant to remind
you of a boat on a vast sea? The artist makes sure not
to overdo his distortion of the material, he wants it to remain
recognisable so it can speak for itself and remind you of the
sacred environment it comes from.
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Rupprecht Matthies *1959 in Hamburg; lebt und arbeitet dort
Farbflecke. Spuren. Zeichen. Rupprecht Matthies nennt diese
Chiffren des Malerischen „Blup“. Er entsteht, wenn man
ein Gitter zu übermalen beginnt. Matthies ist ein konzeptueller
Maler, der seine Freude an sprachlichen und philosophischen
Diskursen hat, dem es letztlich um Erkenntnis in der
Kommunikation geht. Dabei kann das Material aus Farbe,
wie hier in der Suite, aber auch aus Buchstaben oder ganzen
Worten bestehen. Matthies fordert mit seiner Kunst ein
Bekenntnis heraus, sich zu Form und Farbe zu verhalten,
im Amorphen die Kraft und die Energie zu sehen, die sich
darin bündelt. Seine Kompositionen sind immer auch Fragen
nach der wahren Bedeutung eines x-mal verwendeten Wortes.
Er ist damit bekanntgeworden, aus Wörtern Skulpturen
zu machen, sie aus dem Kontext zu nehmen und an Orten
aufzustellen, wo sie unerwartete Vokabeln sind. Man hat an
seinen Modulen erst dann Freude, wenn man an ihnen weiterarbeitet,
sie zusammensetzt und das Formenreservoir in
Sprache übersetzt. Kein Wunder, denn Matthies hat Soziologie
studiert und gilt auch sonst als ein Künstler, der sich
nicht nur zwischen Atelier und Galerie bewegt, sondern hinausgeht,
um beispielsweise mit Jugendlichen oder Obdachlosen
zu arbeiten. Das versteht er unter sozialer Kompetenz,
die für seine Arbeit sehr wichtig ist. Doch ob Neubaugebiet
oder Hotelzimmer, wichtig ist, dass sich ein Spannungsfeld
aufbaut und im Betrachter eine Stimmung erzeugt.
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Colour spots. Traces. Signs. Rupprecht Matthies refers to
them as codes of the pictorial “blup”. It occurs when starting
to repaint a grid. Matthies is a conceptual painter who
wants to gain knowledge while communicating, rejoicing in
linguistic and philosophical discourses. The material can be
of paint, as in the suite, and also of letters or whole words.
With his art, Matthies provokes a commitment to form and
colour and to see the power and energy in the unformed. His
compositions always question the true meaning of a word
used hundreds of times. He emerged by forming sculptures
of words, by pulling them out of their context and arranging
them as new and unexpected vocabulary. One only sees
pleasure in his modules when working with them, putting
them together and translating his reservoir of forms into language.
It is no wonder that Matthies studied sociology! He
is to be considered as an artist that not only moves between
studio and gallery but one who also steps out to work with
young and homeless people. He understands this approach
as social competency, which is essential to his work. But
whether it is housing estate or hotel room, it is important that
an area of conflict is arranged evoking a certain atmosphere.
The Best of the Blup, 1994

Gerold Miller *1961 in Altshausen; lebt und arbeitet in Berlin
Über den Köpfen der Hotelgäste in der Lobby hängt auf
rötlich-braunem Holz ein mächtiger Rahmen aus markant
dunkelblauem Metall mit abgerundeten Ecken. Ein Ort mit
Ausrufezeichen. Herrscherporträts hängen in dieser Höhe,
Diktatoren zuweilen, manchmal auch Werbetafeln. Fehlt in
diesem Rahmen etwas, um es zu einem Signet einer Bank
werden zu lassen? Ist der Rahmen bedeutungslos geworden?
Gerold Miller steht in gedanklicher Verwandtschaft zu
John Armleder. Er ist mit postminimalistischen Wandobjekten,
aber auch Skulpturen oder raumgreifenden Bildern bekannt
geworden. Metall ist sein bevorzugtes Material, weil er
nur damit seine eigene Präzision erreicht. Die Arbeiten werden
meist einer aufwändigen Lackierprozedur unterzogen
und bestehen oft aus zehn Lackschichten. In seinen Arbeiten
geht es immer wieder um eine Bildfindung zwischen Skulptur,
Wandfläche und Raum. Auch in „Ready Mix (A) 1“ von
1998 grenzt er eine Wandfläche ein und schließt sie doch
gleichzeitig aus. Sein gewaltiger Aluminiumrahmen zeugt davon,
wie Miller die Idee des Ready-Made in eine Beziehung
zu Minimal Art und konkreter Kunst setzt. Der blaue Rahmen
in der Hotellobby lässt sich in seiner Präsenz kaum übertreffen,
aber welchem Inhalt gibt er eine Fassung? Miller geht
es um ein gedachtes Bild, das nicht beim Sehen entsteht,
sondern nur dann, wenn man kein repräsentatives Werk erwartet.
Insofern liegt es ganz an den Hotelgästen, was sie in
dem Rahmen sehen.
Ready Mix (a) 1, 1998
In the lobby, high above the heads of the hotel guests, an impressive
frame made from a distinct dark blue metal with softened
edges hangs on an auburn wood panel. Already the
location itself makes you wonder. We usually see billboards
and portraits of royalty and dictators hanging on this level. Is
it the logo of a bank, with something missing? Has the frame
lost its meaning? Gerold Miller became famous with his post
minimalist wall pieces, sculptures and space-consuming pictures.
Metal is his material of choice since it allows him to
achieve such a high level of precision in the finished pieces.
Most of his pieces are given a varnish, ten layers of lacquer
is not unusual. Miller’s work consistently returns to a pictorial
invention fusing sculpture, wall surface and space. In “Ready
Mix (A) 1” from 1998, for instance, he encloses a space on
the wall and shuts it out at the same time. The blue frame in
the hotel lobby is impressive, but what needs to be placed
inside to give it meaning? It is about an image in our minds,
Miller claims, that can only be accessed when we do not expect
to see a representative piece. It seems it is completely
up to the hotel guests to give it meaning.
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Erik-Jan Ouwerkerk *1959 in Leiderdorp (Niederlande); lebt und arbeitet in Berlin
Pflastersteine, Fassadenteile, von der Quadriga nur ein
Stück. Die Stadt in Ausschnitten. Wie ein Mosaik setzt sich
Berlin zusammen, wenn man über die Gästeflure läuft und
vor den schmalen Schwarz-Weiß-Streifen des Fotografen
Erik-Jan Ouwerkerk stehenbleibt. Im Kopf komplettiert sich,
was der gebürtige Niederländer nur andeutet. 84 Berliner
Motive hat er ausgewählt – vom Gendarmenmarkt bis zur
Gedächtniskirche. 84 mal gelingt es ihm, das Besondere
des Ortes einzufangen, eine Geschichte über den Berliner
Alltag zu erzählen. Alle vier Meter begegnet dem Hotelgast
ein Stück Berlin: Ouwerkerk hat seine Schwarz-Weiß-Aufnahmen
im Siebdruckverfahren auf Opalika-Glas übertragen
und diese „Fenster“ in die Stadt direkt in die Wand einsetzen
lassen. So entspannt sich eine kleine Berliner Schnipseljagd
über mehrere Etagen, die so anregend wirkt, dass man hinausgehen
möchte, um sie zu suchen, diese Sehnsuchtsorte.
Ouwerkerk, der eigentlich Biologe ist und ein Jahr vor
dem Fall der Mauer nach Berlin zog, ist ein leidenschaftlicher
Fotojournalist, dem es um das Hier und Jetzt geht. Gleichzeitig
wirken seine Arbeiten aber so zeitlos und klassisch,
dass man denken könnte, es handele sich um Augenblicke
der Wiederkehr. Aber diese Art, die Berliner Szenen in den
Zoom zu nehmen, Details für sich sprechen zu lassen, das
ist eigentlich ein fotografischer Großstadtroman. Und ein guter
dazu.
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Paving stones, bricks and a piece of the famous quadriga
- the city in small cuttings. Like a mosaic, the city of Berlin
takes shape as guests linger in front of the black and white
photographs for a minute as they walk through the hallway.
In the mind, something that the Dutchman has only nodded
towards takes shape. Ouwerkerk has selected 84 snapshots
from Berlin – from Gendarmenmarkt to Gedächtniskirche,
and 84 times he manages to capture the uniqueness of
the specific place, illustrating Berlin’s everyday life. Every
four meters the guest is met by a slice of Berlin: Ouwerkerk
transferred his black and white photographs to Opalika glass
through screen printing, and simply let these “windows” be
inserted straight into the wall. A kind of treasure hunt is
kicked off on the different floors of the hotel, challenging you
to find your favorite spots. To Ouwerkerk, the passionate
photographic journalist who moved to Berlin one year before
the wall fell, but who really is a biologist, the present is all that
matters. His work has such a classic and timeless touch,
though, that you might be fooled into thinking the pictures
are depictions of the past. Zooming in on scenes from Berlin
in this manner and letting the details speak for themselves
creates something like a photographic novel about the metropolis.
And a good one, at that.
Was oder wo/What or Where, 1994 - 2008

Susanne Paesler *1963 in Darmstadt; gestorben 2006 in Berlin
Das große Karo hat sie sich immer wieder vorgenommen.
In vielen frühen Arbeiten spielt es eine entscheidende Rolle.
Es heißt, sogar der Sitzbezug eines Opel Manta soll sie
inspiriert haben. Susanne Paesler, die leider viel zu früh
gestorbene Berliner Künstlerin, war eine Intellektuelle ihrer
Zunft, die sich Gedanken über die Aussagekraft zeitgenössischer
Malerei machte. Was sie tat, das musste analytisch
sein, und nicht selten half ihr ein Gitterraster dabei. Darin
entwickelte sie ihre Malerei. Um in ihrer Kunst wirklich frei
zu sein, Neigungen ignorieren zu können und auch farbliche
Vorlieben nicht hervortreten zu lassen, widmete sie sich
anfangs geometrischen Stoffmustern. Interessant ist auch,
wie sie dabei Oberflächen bearbeitet. In den beiden Arbeiten,
die in der Daimler-Suite hängen, benutzt sie Lack auf
Aluminium. Nur auf den ersten Blick erinnert das hellblaue
Gitter an ein Haushaltsutensil, wer näher hinschaut, entdeckt
in den Linienmustern Bewegung, Illusionsmöglichkeiten und
konzeptionelle Meisterschaft. Und wer wirklich die Muße
hat, sich darauf einzulassen, dürfte durchaus eine gewisse
Sinnlichkeit verspüren. Methode muss nicht langweilig sein.
Susanne Paesler hat der abstrakten Malerei einen ganz eigenen,
messerscharf akzentuierten und durchaus auch heiteren
Beitrag hinzugefügt. Viele Galerien und Museen haben
Susanne Paeslers Rang erkannt und sie in den vergangenen
Jahren mit Ausstellungen gewürdigt. Dass eine Arbeit von
ihr auch an diesem prominenten Platz hängt, ist ein Glück.
o. T./Untitled, 1992
Squares and checks. Time and time again Susanne Paesler
has returned to these shapes and, for several of her early
pieces, they were of crucial significance to her art. Apparently,
even the seat cover of an Opel Manta has inspired
her. Sadly taken way too early, the artist from Berlin had an
intellectual style and reflected upon the expressive power of
contemporary art. Everything she did had to be analytical. In
order to achieve complete freedom in her artistic process,
she resorted to geometric patterns, and, on more than one
occasion, a cross-hatch pattern aided her in her work, which
was how she developed her painting style and developed
the ability to ignore biases and preferences in colour. She
treats the surfaces in an interesting way, such as when she
uses varnish on aluminum in the two pieces that can be
found in the Daimler Suite. The pieces might remind you of
a kitchen cloth at first, but if you look closer you will notice
the direction of the pattern and a conceptual masterpiece.
Those really inclined to might even sense a certain sensuality
therein. Paesler’s contribution to abstract painting is an
individual, razor-sharp and completely joyful one, as was
already clear from her first pieces. Paesler’s work has been
exhibited in many galleries and museums over the past
years, and the Daimler Suite at Grand Hyatt Berlin is lucky
to have one of her pieces on its wall.
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Gert Rappenecker *1955 in Freiburg; lebt und arbeitet in Zürich
Maybach-Suite und Gert Rappenecker, das passt. Autos
als „Ikonen der Jetztzeit“ haben den Künstler immer wieder
fasziniert und er hat sie in seinen Werken regelrecht verarbeitet.
Mit „Sublime Paintings“ ist eine Werkgruppe entstanden,
bei der er seine Ölarbeiten mit Autolack besprüht. Auch
beim Rot-Blau-Gelbem Triptychon im Ruheraum des Club
Olympus wendet er dieses Verfahren an. Seine abstrakten
Farbflächen suggerieren eine vermeintliche Harmonie, doch
es geht Rappenecker in all seinen Arbeiten immer um Illusionen,
um Unsicherheiten, Täuschung und letztlich gültige
Wahrheiten. Und dazu bedient sich Gert Rappenecker aller
nur denkbaren künstlerischen Mittel – von der Malerei bis
zur Skulptur. Immer wieder ist er auch als Künstler bekannt
geworden, der Grenzen nicht gelten lässt und nach neuen
Formen sucht. Ganz zu schweigen von seiner Produktivität.
Besonders deutlich wird sein Ansatz in seinen Landschaftsbildern,
die in den 1990er Jahren entstanden waren und die
er technisch so aufwändig produziert hat, dass schon daraus
Schlussfolgerungen auf die Aussage gezogen werden
können. Denn Rappenecker geht nicht in die Natur, um eine
Staffelei aufzustellen, er holt sein Material aus Reiseprospekten
und -führern, vergrößert die Vorlagen, um sie dann auf
die Leinwand aufzuziehen und mit Öl zu übermalen. Seine
Landschaft ist nicht mehr romantisch, er sieht in ihr vor allem
ein „abstraktes Phänomen“. Die Natur sei ohne ihre mediale
Darstellung nicht mehr denkbar. Am besten zu überprüfen ist
das im „Seestück“ von 1998 in der Daimler-Suite.
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Maybach Suite and Gert Rappenecker – a fitting combination.
Cars as the “icons of our time” have since long fascinated
Rappenecker and are a recurring theme in his art. In
the group of works called “Sublime paintings” for instance,
Rappenecker uses car paint to spray his oil paintings, the
same technique which was also used for the red-blue-yellow
triptych in the relaxation area of Club Olympus Spa. The artist
has become famous for the manner in which he pushes
the limits, constantly searching for new shapes and always
with an impressive pace of productivity. His abstract colour
fields reflect a perceived harmony, because it is always about
illusions, insecurities, deception and ultimately, true facts, in
Rappenecker’s art. To achieve such connotations, Gert Reppenecker
creates everything from paintings to sculptures.
In his technically incredibly sophisticated landscape pictures
from the 1990s, his aim to deceive the mind becomes
especially clear. Because Rappenecker does not bring his
brush and easel out directly in nature, he collects his material
from travel brochures and guides, magnifies the pattern,
hoists it up on the canvas and finally covers it in oil paint. His
landscapes are not meant to be romantic but rather seen as
an “abstract phenomenon“. Without its depiction in media,
you can not picture nature anymore. For reference, a viewing
of “Seestück” from 1998 in the Daimler Suite is strongly
recommended.
Seestück/Seascape, 1998

Julio Rondo *1952 in Sotrondo (Spanien); lebt und arbeitet in Stuttgart
Das Spiel mit Quadraten und geometrischen Formen hat
den spanischen Maler bekannt gemacht. Formen könnten
einen ewigen Grübler und Kompositionsfetischisten vermuten
lassen. Doch in der Abstraktion steckt für Julio Rondo
immer auch eine Geschichte, immer ein Anlass, und sei es
seine erste Stuttgarter WG. Dort seien einst wilde Partys gefeiert
worden, die er dann in seinen mosaikartigen Bildern
verarbeitete. Vergangenheit und Erinnerung seien seine Themen,
bekannte der Maler einst in einem Zeitungsinterview:
„Ich erfinde die Malerei nicht neu, sondern bediene mich der
Formen, die sie über Jahrhunderte entwickelt hat.“ Es geht
in seinen Bildern um konkrete Personen, um Orte und auch
um Anlässe. Er suche sich Farbfelder und Punkte aus, die in
dem Erinnerungsstück vorhanden seien und fange an, sagt
er. Dazu bedient sich dieser wirklich außergewöhnliche Maler
komplizierter Techniken, malt im vorliegenden Fall Ölkreide
auf Stoff und Lack hinter Glas. Das setzt Präzision und klares
Denken voraus, denn Korrekturen sind in einem solchen Verfahren
eigentlich unmöglich. Ein wenig geht es dabei auch
um einen Blick auf seine eigene Zunft. Wir wissen nicht, wer
M.D. ist, dem oder der hier vier Werke gewidmet sind, die
mit allerlei himmlischen Andeutungen spielen. Wir wissen
nur, dass sich eine Geschichte ereignet hat. Die Besucher
des Boardrooms werden darüber rätseln können, wenn sie
sich auf Rondos Erzählung in Quadraten einlassen.
Around M.D., 1998
The way he plays around with squares and other geometrical
shapes is what has made this Spanish painter famous.
On seeing his art, you might be fooled into thinking that the
painter, who has lived in Stuttgart since the 1960s, is pathologically
indecisive or obsessed with compositional perfection.
But in his abstract pieces, it is rather about the telling
of a story and there is always an origin to be traced. Such
as his first shared flat in Stuttgart, where he created mosaiclike
compositions from photographs he had taken at parties.
Memories and the past are still his main themes. “I am not reconceptualising
art, I am using the shapes that have evolved
over the centuries” Rondo explains. He uses these shapes to
comment on the present, bringing up actual people, places
and events. This extraordi nary painter uses sophisticated
techniques in his work, painting woven cloth with oil crayons
for instance, a task for which you need focus and precision
as there is no room for corrections. His art is also about his
personal associations with it; for example we are not let into
the secret of who M.D. is, to whom Rondo dedicated the
four paintings in the meeting room. All we know is that there
is a story behind them and those who visit the boardroom
are free to guess and form their own theories.
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Dieter Roth *1930 in Basel; gestorben 1998 in Basel
Eine Vulkaninsel, die durch einen untermeerischen Ausbruch
1963 plötzlich im Atlantischen Ozean vor der Südküste Islands
entstand und heute zum UNSECO-Welterbe gehört,
gab dieser Reihe ihren Namen. Durch Zeitungsberichte wurde
die Insel schnell bekannt und ein Foto des Naturschauspiels
gelangte auch in die Hände des Ausnahmekünstlers
Dieter Roth, der inzwischen auf Island zu Hause war. Er
macht daraus ein Stillleben, in dem er Surtsey einfach in
eine Tasse setzt und wie eine gerade zubereitete Mahlzeit
vor sich hindampfen lässt. In allen nur denkbaren Farben bearbeitet
er die Insel mit Sieb- und Lichtdruck, überformt die
Szenerie, reichert sie an mit Schatten und Formen, letztlich
bleibt das Eiland aber unter der Wildheit des künstlerischen
Ausdrucks erkennbar. Die Serie gehört sicherlich zu den ungewöhnlichsten
Kunstwerken aus der Sammlung des Grand
Hyatt Berlin. Dieter Roth produzierte wie ein Besessener und
galt vielen als wildes Genie. Vom Fluxus beeinflusst, wurde er
mit Fettgrafiken bekannt, ließ Objekte aus Schokolade verschimmeln,
um immer wieder den Prozess von Zerfall und
Vergänglichkeit zu thematisieren. Es ging ihm immer darum,
ein Verständnis von Zeit zu erzeugen, die für ihn Zufall, Wandel
und Vergehen bedeutete. Letztlich, und das zeigen auch
seine Surtsey-Bilder, war es bei Roth auch eine Lust an der
Wahrnehmung.
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Surtsey, a volcanic island off the south coast of Iceland, is a
UNESCO World Heritage site and was created by an eruption
in the ocean in 1963. Frequent coverage in the press
quickly made the newborn island famous and a photograph
of the island soon found its way to Dieter Roth’s hands,
whose home for many years was Iceland. Out of the scenic
photo, Roth created a still life, placing the steaming Surtsey
in a teacup. He gives the island all colours imaginable using
screen printing and heliography, exaggerates the spectacle
and enriches it with shadows and shapes. Though disguised
in the painting, the isle still remains recognisable and the series
is one of the most unusual works of art in the collection
of Grand Hyatt Berlin. The Piano and Moneo meeting rooms
are the perfect locations for Roth’s paintings. Dieter Roth is
one of the few all-round artists to emerge from Germany during
the last century, and he could be called a new type of
Dadaist. He created as if he was obsessed and found fame
through his bold graphics. Influenced by Fluxus, he strove
to achieve an understanding of perception, time and coincidence
through his art.
Surtsey, 1973 - 1993/2003

Jo Schöpfer *1951 in Coburg; lebt und arbeitet in Berlin
Auf vier Etagen sind Skulpturen von Jo Schöpfer zu sehen,
und es empfiehlt sich, wirklich nacheinander mit dem Fahrstuhl
zwischen der vierten und der siebten Etage zu pendeln, um
zu erkennen, was den Reiz dieser Arbeiten in ihrer Gesamtheit
ausmacht und warum sie in den etwas ruhigeren Fluren
gut platziert sind. Diese schönen Bronzearbeiten verlangen ein
wenig nach Kontemplation. Schöpfer verhehlt nicht, dass er
ein Grenzgänger zwischen Architektur und Kunst ist und einst
alles mit einem Praktikum im Büro von Günther Behnisch in
Stuttgart begann. Ganz im Gegenteil, beides bedingt einander.
Er sorgt sich darum, dass Kunst am Bau nicht nur eine
gutgemeinte Floskel aus den 1970er Jahren ist, sondern der
Stadtraum immer noch nach Qualität verlangt. Jo Schöpfers
künstlerische Arbeiten sind nicht minder wirkungsvoll. Seine
Bronzeskulpturen, die auf den erwähnten Fluren zu sehen sind,
leben von der Auseinandersetzung mit Volumen, Raum und
Masse. Es geht ihm oft um Phänomene wie Leichtigkeit und
Transparenz, um Wahrnehmungsmuster zwischen Form und
Fluss. Die ovale Bronzeskulptur, die zum Beispiel in der vierten
Etage zu sehen ist, wirkt wie ein organisches Produkt, während
der strenge Gitterquader im siebten Geschoss von geometrischer
Präzision ist. Und doch ist allen Arbeiten die ewige
Suche zwischen Schein und Sein eigen. Jo Schöpfers verblüffendes
Spiel mit Oberflächen, Konturen, Formen und Schatten
offenbart, dass ihn eine Grenze besonders interessiert. Dort
nämlich, wo Trennendes auf Durchlässiges trifft. Insofern passt
Jo Schöpfer ganz besonders gut an den Potsdamer Platz.
o. T./Untitled, 1998 & o. T./Untitled, 1994
Placed in the hallways across four different floors in Grand
Hyatt Berlin are the sculptures by Jo Schöpfer. A vertical expedition
is strongly recommended as it is when the pieces
come together and form a whole that enables one to really
grasp their grandeur. Schöpfer started off his career interning
at the architect’s office of Günther Behnisch in Stuttgart. His
balancing act between the architectural and artistic fields is
nothing negative, according to Schöpfer. On the contrary,
the two are dependent on and complete each other. He
wants to strike a blow for art installations, making sure his
are of high quality and relevance so they are not perceived
as meaningless, hollow pieces, which had earlier so often
been the case. Schöpfer brings his bronze sculptures to life
through the combination of volume, space and mass, and
ease and transparency signify his art. The oval sculpture on
the 4th floor has an organic feel, while the stern grid-rectangle
on the 7th floor follows an exact geometrical precision.
Common among all the pieces is only the constant balancing
act between truth and deception. The way Schöpfer plays
with surfaces, contours, shapes and shadows in his artistic
process shows that he is interested in one special frontier
– namely ‘there’, where disruptiveness meets permeability.
This is why Jo Schöpfer fits perfectly with Potsdamer Platz.
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Dirk Skreber *1961 in Lübeck; lebt und arbeitet in New York
Er ist inzwischen ein Star in den Vereinigten Staaten und
wird am dortigen Kunstmarkt über die Maßen gut gehandelt.
Das ist auch nicht verwunderlich, denn viele seiner Arbeiten
handeln von der amerikanischen Wirklichkeit, zerplatzten
Träumen, falschen Helden und scheiternden Verheißungen.
Der deutsche Maler Dirk Skreber ist bekannt geworden für
seine hyperrealistischen Bilder, die eine Welt am Rande des
Nervenzusammenbruchs zeigt: zerschrottete Autos am
Straßenrand, zerplatzte Reifen, durch Wirbelstürme verwüstete
Hochhäuser und von Unwettern überschwemmte
Landschaften. Er malt heute sehr wirklichkeitsgetreu, nicht
selten auch nach fotografischen Vorlagen, und das mit einer
ungeheuren dynamischen Wucht. Das Streifenbild, das in
der Bibliothek hängt, ist Teil einer Serie, an der er zwischen
1999 und 2007 gearbeitet hat. Bis vor einigen Jahren war es
dem Künstler nur um die Malerei selbst, um Farben, weniger
um Motive gegangen. Trotzdem sieht man auch in dem Bild
aus der Bibliothek schon, wie furios er mit Form und Farbe
umgeht. „Man muss offen sein, schonungslos, nur dann
fließt Energie in die Malerei, die das Malen so wunderbar
macht“, sagte Skreber in einem Zeitungsinterview. Das ist
in allen seinen Arbeiten deutlich zu spüren, mögen auch die
Motive und die Zugriffe wechseln. Heute gehört er zu den
wichtigsten Vertretern der jüngeren deutschen Malerei und
wird in einem Atemzug mit Daniel Richter, Neo Rauch oder
Eberhard Havekost genannt.
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German painter Dirk Skreber became famous for his hyperrealistic
pictures that depict a world on the verge of collapse:
wrecked cars on the curb, flattened tires, houses destroyed
by hurricanes and flooded landscapes. His works are ambiguous,
politically charged and challenge the norm. In the
United States he is already famous, celebrated on the local
art scene. Much of his collection deals with American reality,
shattered dreams, disappointing heroes and broken promises.
His paintings remain close to reality, often using photographs
as patterns, interpreting them with his own unique
style. The striped painting hanging in the library is part of a
series that he worked on from 1999 until 2007. Until just a
few years ago, Skreber focused more on brushstrokes and
colours than on motifs. This is evident in this painting. He
once said “You need to be open and relentless, only then
can the energy that makes painting so wonderful flow.” This
philosophy permeates all his works, even when the subject
and perspective changes. Today he is one of the most important
representatives of modern German art and is often
associated with artists such as Daniel Richter, Neo Rauch
and Eberhard Havekost.
o. T./Untitled, 1999-2007

Sybille Ungers *1960 in Köln; lebt und arbeitet in Dublin (Irland)
Sie hat sich rar gemacht in Deutschland. Sybille Ungers, die
Ende der 1980er Jahren zu den vielleicht wichtigsten Künstlern
der Kölner Galerie Max Hetzler gehörte, fuhr irgendwann
für ein paar Monate nach Irland und kehrte nicht mehr zurück.
Die Spur verliert sich. Auch eifrigste Recherchen ergeben
wenig. Einen kleinen Katalog aus dem Jahr 1987 hat
die frühere Galerie noch im Archiv. Ein Zitat Hans Hoffmanns
ist ihren Arbeiten vorangestellt: „never be stingy with color“.
Tatsächlich ist in diesen abstrakten Werken immer wieder
die Farbe ein beherrschendes Thema. Meist als Grundierung
für eine geometrische Szenerie. Man sieht ein tiefes Blau,
feuriges Rot und magisches Grün. Sibylle Ungers spielt mit
Rechtecken und Quadraten, mit den Urformen des Bildnerischen,
wie es das Bauhaus nennt. Ungers schafft in ihren
Arbeiten Beziehungen, man sieht Abstoßendes und Anziehendes,
ist mit den Möglichkeiten und Unmöglichkeiten
der Wahrnehmung konfrontiert. Sie lässt den „ehrenwerten
und beliebten“ Werner Büttner über Schönheit sinnieren:
„Schönheit verzieh Dich, gib mir nicht die Hand, denn zwischen
Augen und Hirn ist ein geheimes Band, und mein Hirn
ist mein Angestellter und zieht mir den Wecker auf.“ Vielleicht
ist es das, was sich in ihren Ölbildern immer wieder findet,
ein Misstrauen gegen das vermeintlich Perfekte und eine Suche
nach dem Sinn. Ihre Bilder wirken auf den ersten Blick
harmonisch, sind aber eigentlich voller innerer Spannung.
Eine Künstlerin, die in Deutschland wieder zu entdecken ist.
Schablone/Pattern, 1998 & o. T./Untitled, 1991
She has become a rarity in Germany. In the late 1980s, Sybille
Ungers was perhaps the most prominent artist on show
in the May Hetzler Gallery in Cologne. Then, she suddenly
left for Ireland for a couple of months and never returned. It
was as if she had left the surface of the earth. A catalogue
dated 1987 was all that the gallery in Cologne could dig
up from its archive. A quote by Hans Hofmann defines her
work: “never be stingy with colour”, and, undeniably, colour
is what dominates her abstract pieces, and what decides the
geometric shapes. It is the very foundation of creativity that
Ungers touches at when she plays around with rectangles
and squares in the same way as the Bauhaus artists did.
What one is then confronted with is repulsion and attraction,
the possible and the impossible. She lets the “honourable
and beloved” Werner Büttner muse about beauty: “Forgive
me, beauty, and give me your hand, for between eyes and
brain run a secret ribbon, and my brain is my assistant that
sets my alarm clock.” Maybe it is just this disbelief of alleged
perfection and a search for a meaning that one finds in her
oil paintings, which seem to be peaceful at first but are actually
fraught with tension. Germany has yet to discover this
exceptional artist.
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Peter Zimmermann *1956 in Freiburg; lebt und arbeitet in Köln
Am Anfang ist meist das Epoxidharz, in dem Farbpigmente
gelöst sind. „Ab einem bestimmten Zeitpunkt malt sich das
Bild selbst. Du hast es dann nicht mehr in der Hand. Du
kannst es auch nicht mehr stoppen oder zurücknehmen.
Das Epoxidharz hat eine so lange Fließzeit, bevor es abbindet,
dass die Bilder häufig am anderen Morgen ganz anders
aussehen, als ich sie am Abend verlassen habe“, erklärte
Peter Zimmermann seine Materialwahl. Kein schlechtes Mittel,
um sich mit Bildpotenzial, letztlich mit Kunst und Technik
auseinanderzusetzen. Dieser Mann ist ein Aufklärer, ein Formenhinterfrager.
In der Executive Suite geht es um eine Annäherung
an den abstrakten Expressionismus eines Jackson
Pollock. Was aussieht wie ein nachgelassenes Plakat, das
für eine abgespielte Ausstellung Pollocks wirbt, entpuppt
sich als tiefschürfendes Nachdenken über Singularität und
Reproduktion. Zimmermann geht es um die Malerei und die
Frage, in welcher Weise die Medien des Vorgefundenen, also
Computer, Internet oder Filme, die Intuition beherrschen.
Zimmermanns Bilder sind meist Auseinandersetzungen mit
dem, was die universelle Maschine hergibt – wo hört Kunst
auf, wo fängt Digitalisierung an, wie verschieben sich die Bilder?
Man könnte das alles auch Medienkunst nennen, auf
jeden Fall aber einen Versuch, dem Effekt auf die Schliche
zu kommen.
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In the beginning, there is only the polyepoxide in which the
colour pigments are mixed. “At a certain point, the picture
will paint itself and you will no longer have any control over
the outcome. It is no longer possible to stop it or take it back.
The polyepoxide takes so long to settle that the pictures often
look completely different in the morning compared to
how I left them the evening before”, says Peter Zimmermann
about his choice of material. A suitable choice, it seems, if
you want to explore the potential of an image and explore
the combination of art and technique. Zimmermann explores
and questions art in his piece in the Executive Suite as he
attempts to grasp the abstract expressionism of a Jackson
Pollock. What looks like a discarded poster for an outdated
Pollock exhibition develops somehow into a contemplative
piece about uniqueness and reproduction. Painting is everything
to Zimmermann, and he wants to explore how computers,
the Internet and movies that we encounter every day
control our intuition. Where does art cease to be and where
does digitalisation start? You could call it media art or, in any
case, an attempt to grasp its effect.
Jackson Pollock rot/Jackson Pollock Red, 1998

Otto Zitko *1959 in Linz; lebt und arbeitet in Wien
Es sind die großen, entfesselten Farbexplosionen, die sich
auf den Wänden hoch über der Veranstaltungsetage ereignen.
Die roten oder grünen Striche wirken nervös, hektisch,
unbeherrscht, fast infantil. Otto Zitkos Wandgemälde, die
er mit Ölstiften besorgt, entstehen oft in einem architektonischen
Umfeld wie hier auf der Galerie. Die Linie wird in
diesem Kontext ganz autonom. Sie denkt sich aus, nimmt
eine räumliche Struktur an und wird zu einem Triumph des
Menschen über die Technik. Sein Lehrer Peter Weibel, bei
dem er an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien
studierte, sagt über ihn: „Seine graphischen Gesten berichten
von Verzweiflung und Wut, seine Linien sind Nachrichten
aus körperlichen Reisen durch Gelenke, Sehnen, Muskeln
und Nerven. Er verliert sich tatsächlich im Strich- und Farbenwald.“
Otto Zitko gilt unter den Malern als Verweigerer,
als ein Avantgardist zwischen Realismus und Abstraktion. Er
argumentiert in der Zeichnung von der Kommandohöhe der
Malerei aus. Seit den 1980er Jahren setzt er sich damit auseinander
und belegt immer wieder, dass die Zeichnung keine
Vorstudie zur Malerei ist. Zitkos Graphismus ist Extase und
unbedingte Freiheit. Seine Ursprünglichkeit in der Kunst führt
ihn auf den Weg der Wahrheit und der Erkenntnis. Insofern
gehört Otto Zitko sicherlich zu den ungewöhnlichsten Künstlern,
die im Grand Hyatt Berlin zu sehen sind und für den es
lohnt, den Blick zu heben.
Wandzeichnung/Wall Drawing, 2001
The vast explosions of colour that own the space on the
walls high above the 1st floor along with the red and green
lines turning themselves in spirals and whirls seem nervous,
uncontrolled and childish somehow. Just as here in the gallery
of Grand Hyatt Berlin, Otto Zitko’s wall paintings are created
using thick oil crayons, often in an architecturally impressive
setting where the lines come to life. They contemplate
their own purpose, take on a physical form and turn into a
triumph of man over technology. Zitko’s teacher Peter Weibel
at the University of Applied Arts in Vienna once said about
Zitko: “His graphical gestures express despair and rage; his
lines are stories of an expedition through the body’s joints,
tendons, muscles and nerves. He very much loses himself in
the universe of lines and colours.” Otto Zitko is no ordinary
artist but takes an avant-garde position between realism and
abstractionism. Wanting to strike a blow for drawing, Zitko
has tried since the 1980s to prove that the medium is not just
useful for doing preliminary sketches for paintings. Zitko’s
artistic language represents unconditional freedom and the
originality of his art leads him towards truth and insight. Otto
Zitko is one of the most unusual artists that we showcase at
Grand Hyatt Berlin and undoubtedly one whose works are
worth a glance, or three.
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Ort der Kunstwerke im Hotel/Location of works in the hotel
Lobby
John Armleder (Wandobjekt/Furniture Sculpture)
Ingrid Hartlieb (Skulpturen/Sculptures)
Gerold Miller (Wandbild/Wall picture)
Tizian Restaurant & Lounge
Mat Hennek (Fotografien/Photos)
Galerie/Veranstaltungsetage; Gallery/Event Floor
Corsin Fontana (Boardroom/Bibliothek/Library; Zeichnungen/Drawings)
Kurth Hoffmann (Boardroom/Bibliothek/Library; Zeichnungen/Drawings)
Jaehyo Lee (Foyer/Hallways; Skulpturen aus Pinienholz/Pine sculptures)
Claudia Meythaler (Globe Bar; handgezeichnete Weltkarte/Hand-made world map)
Julio Rondo (Boardroom/Bibliothek/Library; Zeichnungen/Drawings)
Dieter Roth (Veranstaltungsräume/Meeting Rooms; Aquarelle/Water colours)
Dirk Skreber (Bibliothek; Wandbild/Wall Picture)
Otto Zitko (Galerie/Gallery; Wandzeichnung/Wall drawing)
Flure/Hallways
Ingrid Hartlieb (Skulpturen/Sculptures)
Jaehyo Lee (Skulpturen/Sculptures)
Erik-Jan Ouwerkerk (Fotos auf Glas/Photos on glass)
Jo Schöpfer (Skulpturen/Sculptures)
Club Olympus Spa & Fitness
Gert Rappenecker (Relief)
Grand Club
Sylvie Fleury (Wandbild/Wall picture)
Suiten/Suites
Nader Ahriman (Zeichnungen/Drawings)
Monika Baer (Ölbilder/Oil paintings)
Sylvie Fleury (Skulpturen/Sculptures)
Günther Förg (Aquarelle/Water colours)
Eberhard Havekost (Wandbilder/Wall pictures)
Hubert Kiecol (Aquatinta-Radierungen/Etchings)
Karin Kneffel (Aquarelle/Water colours)
Imi Knoebel (Lithographien/Colour printings)
Hubert Kiecol (Ölbilder/Oil paintings)
Rupprecht Matthies (Ölbilder/Oil paintings)
Susanne Paesler (Ölbilder/Oil paintings)
Gert Rappenecker (Ölbilder/Oil paintings)
Sybille Ungers (Ölbilder/Oil paintings)
Peter Zimmermann (Acrylbilder/Acrylic pictures)
mesa
Wandfüllende Kunstobjekte aus der Rogue Buddha Gallery/USA. Die Fenster sind mit Glaskunst der amerikanischen
Künstlerin Amanda Weil und einem feinen Kettenvorhang verkleidet.
Objects of art from the Rogue Buddha Gallery in the U.S.A.. An iron chain curtain covers the windows alongside glass art by
U.S. artist Amanda Weil.
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Bauhaus
Für viele Bauhäusler war Berlin eine Stadt, die sie nicht nur
magisch anzog, sondern auch zu künstlerischen Experimenten
herausforderte. Zum Beispiel mit dem damals relativ neuen
Medium der Fotografie. Das Berliner Bauhaus-Archiv hat
seit seiner Gründung Fotografien aus dem Bauhaus gesammelt
und dem Grand Hyatt Berlin 34 Aufnahmen als Reproduktionen
zur Verfügung gestellt. In den Gästezimmern sind
u.a. Aufnahmen des Dessauer Bauhausgebäudes von Lucia
Moholy, die „Beine“ von Herbert Bayer, eines der berühmten
Funkturmfotos von Lászlo Moholy-Nagy oder eine Fotokomposition
von Georg Muche zu sehen. Allesamt Klassiker der
Fotografiegeschichte des Bauhauses und heute noch von
erstaunlicher Frische.
Fotografien aus dem Bauhaus-Archiv Berlin/Photos from the Bauhaus Archive Berlin:
Beine/Legs, 1928 (Herbert Bayer) & Bauhaus Neubau Detailansicht: Balkon
Prellerhaus/Bauhaus New Building Detailed View: Balkony Prellerhaus, 1926 (Lucia Moholy)
For many of the Bauhaus artists, Berlin was a city that not
only had a magic attraction, but also a city that called out for
artistic experimentation by using photography, for instance,
a medium that at the time was relatively unexplored. The
Bauhaus archive in Berlin holds a rich collection of Bauhaus
photographs, out of which Grand Hyatt Berlin has been given
34 copies to exhibit. In the hotel rooms, guests can look
at snapshots of the Bauhaus building in Dessau by Lucia
Moholy, the “Beine“ (legs) by Herbert Bayer, one of the most
famous pictures of the “Funkturm” (radio tower) in Berlin
by Lászlo Moholy-Nagy and a photocomposition by Georg
Muche. Surprisingly fresh and interesting even today, these
pieces are true gems of the Bauhaus’ historic photographic
collection.
Impressum/Imprint
Büro 9D, Hannes Wettstein (Beratung: Sophie Ott) wählte 1998 zusammen mit Hans J. Baumgart (Daimler Benz Kunst besitz, 1998) und Klaus
Leuschel Arbeiten junger Künstler aus, mit deren Namen im Kunstmarkt seinerzeit große Hoffnungen verbunden waren.
In 1998, Hannes Wettstein (Consulting: Sophie Ott) chose, in co-operation with Hans J. Baumgart (Daimler Benz Art, 1998), and Klaus Leuschel
the works of young artists who were considered to have a lot of potential for a future in the art market.
Konzept und Koordination der Broschüre/Concept and Coordination of the brochure: Kerstin Riedel, 2011
Wir danken/We thank
Ingolf Kern, Kunsttexte/art texts; Harald Martenstein, Kunst im Hotel/art in the hotel; Stefan Schiske, Fotos/photos.
Sämtliche Abbildungen unterliegen dem Urheberrecht, bzw. dem Copyright./All illustrations are subject to copyright.
Giro-Druck + Verlag GmbH, Druck der Broschüre/printing of the brochure; Alexandra von Uexküll, Übersetzung/translation
Herausgeber und Autoren haben selbstverständlich alle Anstrengungen unternommen, um sämtliche in dieser Broschüre aufgenommenen
Arbeiten ihren rechtmäßigen Urhebern zuzuschreiben. Sollten sie auf Versäumnisse aufmerksam gemacht werden, würden diese in zukünftigen
Ausgaben korrigiert.
Of course, the editor and the authors have endeavoured to attribute and credit all work contained in this brochure. Any omissions brought to their
attention shall be corrected in future editions.

GRAND HYATT BERLIN
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