Kunstverein und Kunsthalle - kunsthalle fridericianum kassel

in und Alle 

tverein und Kunsthalle 

DAS FRIDERICIANUM MAGAZIN NR. 15 

Liebe Leserinnen und Leser, 

die vorerst letzte gemeinsame Ausgabe des Fridericianum 

Magazins erscheint im Stil einer etwas 

gen“ Tageszeitung. Dem Layout (wieder von 

nsthochschule entwickelt) entdie 

ganze Band- 

breite eines spannenden Feuilletons: Interviews, 

Konzert- und Ausstellungskritiken, Essays und 

Künstlerportraits. Und selbst der Sport kommt nicht 

zu kurz! 

Während der Kasseler Kunstverein noch an seine 

ausstellungsreiche Geschichte denkt – mit 170 Jahren 

ist er einer der ältesten in Deutschland – und 

dieses Datum mit einer Tombola feierte, für die 

n und Künstler von Ausstellungen der 

letzten 20 Jahre über 250 Exponate beisteuerten, 

zählt die Kunsthalle bereits die Tage bis zum Ende 

der Kunst! Von Juni bis November 2006 gestaltet 

die Kuratorenwerkstatt unter dem gemeinschaftlichen 

Titel 5 Tage bis zum Ende der Kunst das 

Ausstellungsprogramm der Kunsthalle Fridericianum. 

In einer Serie von zeitlich und thematisch in 

einander greifenden Ausstellungen geben die vie 

Kuratorinnen und Kuratoren sowie der künstle 

sche Leiter mit eigenständigen Projekten Einbl 

in ihre aktuelle Arbeit und thematisieren Fra 

des kuratorischen Handelns. 

03 nimmt die Kuratorenwerkstatt einen 

m Programm von René B

iebe Liebe Leserinnen Leserinnen und Leser, und Leser, 

ie vorerst die vorerst letzte letzte gemeinsame gemeinsame Ausgabe Ausgabe des Fride- des Frideicianumricianum 

Magazins Magazins erscheint erscheint im Stil im einer Stil einer etwas etwas 

schrägen“ „schrägen“ Tageszeitung. Dem Dem Layout Layout (wieder (wieder 

on Studierenden von Studierenden der Kunsthochschule der Kunsthochschule entwientwikelt)ckelt) entsprechend erwartet erwartet Sie im Sie Heft im die Heft gan- die gane 

Bandbreite ze Bandbreite eines eines spannenden spannenden Feuilletons: Feuilletons: InInrviews,terviews, Konzert- Konzert- und Ausstellungskritiken, und Ausstellungskritiken, EsEsys und says Künstlerportraits. und Künstlerportraits. Und selbst Und selbst der Sport der Sport 

ommt kommt nicht nicht zu kurz! zu kurz! 

ährend Während der Kasseler der Kasseler Kunstverein Kunstverein noch noch an seine an seine 

usstellungsreiche ausstellungsreiche Geschichte Geschichte denkt denkt – mit – 170 mit 170 

hren Jahren ist er ist einer er einer der ältesten der ältesten in Deutschland in Deutschland – – 

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Die Die Kunsthalle zählt zählt 

bereits bereits die die Tage Tage bis bis 

zum zum Ende Ende der der Kunst Kunst 

meinschaftlichen gemeinschaftlichen Titel 5 Titel Tage 5 Tage bis zum bis Ende zum Ende der der 

unst Kunst das Ausstellungsprogramm das Ausstellungsprogramm der Kunsthalle der Kunsthalle 

idericianum. Fridericianum. In einer In einer Serie Serie von zeitlich von zeitlich und und 

ematisch thematisch ineinander ineinander greifenden greifenden Ausstellungen 

ben geben die vier die Kuratorinnen vier Kuratorinnen und Kuratoren und Kuratoren sowie sowie 

r künstlerische der künstlerische Leiter Leiter mit eigenständigen mit eigenständigen ProProktenjekten Einblick Einblick in ihre in aktuelle ihre aktuelle Arbeit Arbeit und the- und theatisierenmatisieren 

Fragen Fragen des kuratorischen des kuratorischen Handelns. Handelns. 

it 2003 Seit 2003 nimmt nimmt die Kuratorenwerkstatt die Kuratorenwerkstatt einen einen 

ntralen zentralen Bestandteil Bestandteil im Programm im Programm von René von René 

ock Block ein. Junge ein. Junge internationale Kuratoren Kuratoren und und 

ratorinnen Kuratorinnen haben haben in dieser in dieser Zeit das Zeit Programm das Programm 

r Kunsthalle der Kunsthalle begleitet begleitet und um und eigenständige 

um eigenständige 

sstellungsprojekte Ausstellungsprojekte erweitert. erweitert. Im letzten Im letzten Jahr Jahr 

r Kunsthalle der Kunsthalle Fridericianum, bevor bevor die docu- die docu- 

SEITE SEITE JUNI JUNI 2006 2006 EIN EIN UND UND ALLE ALLE – EDITORIAL – EDITORIAL 

menta menta 12 die 12 Arbeit die Arbeit der Kunsthalle der Kunsthalle für ein für Jahr ein Jahr teiligungen teiligungen dem Kasseler dem Kasseler Publikum Publikum keine keine Unbe- UnbeZ 

unterbricht, unterbricht, geht die geht Kuratorenwerkstatt die Kuratorenwerkstatt mit ihmit 

ihkannte 

kannte mehr mehr ist, wurden ist, wurden die Arbeiten die Arbeiten des libane- des libanes 

rem Projekt rem Projekt nun noch nun noch einen einen Schritt Schritt weiter weiter und und sischen sischen Künstlers Künstlers Jalal Jalal Toufi c Toufi erstmalig c erstmalig in der in de– 

setzt setzt damit damit gleichzeitig gleichzeitig ein Zeichen ein Zeichen für ihr für Fort- ihr Fort- Kunsthalle Kunsthalle gezeigt. gezeigt. Den Abschluss Den Abschluss der Reihe der Reihe bil- bil d 

bestehen.bestehen.dete die dete Ausstellung die Ausstellung Seven Seven Easy Easy Pieces, Pieces, die vom die voms 

Nicht Nicht nur in nur den in Zeitungen den Zeitungen und im und Fernsehen im Fernsehen verver- 6. bis 6. 14. bis Mai 14. die Mai Video-Dokumentationen die Video-Dokumentationen der def 

geht kaum geht kaum ein Tag ein ohne Tag ohne Fußball-Berichte. Es gibt Es gibt Wiederaufführungen von von Performances durch durcw 

kaum kaum einen einen Aspekt Aspekt des Fußballs, des Fußballs, der nicht der nicht im im Marina Marina Abramović Abramović im Guggenheim im Guggenheim Museum Museum prä- präs 

Rahmen Rahmen einer einer Kunstausstellung untersucht untersucht wurwursentierte. sentierte. In diesem In diesem Zusammenhang wurde wurde auch aucw 

ein internationales ein internationales Symposium Symposium veranstaltet, veranstaltet, von von S 

dem in dem diesem in diesem Heft berichtet Heft berichtet wird. wird. 

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Ein solches Ein solches Programm Programm überlastet überlastet für so für manche/n so manche/n w 

Besucher/in Besucher/in nicht nicht nur die nur Augen, die Augen, sondern sondern auch auch 1 

Psyche Psyche und Geist und Geist – was – zu was Augenwischerei, zu Augenwischerei, An- And 

fällen fällen von Orientierungslosigkeit von Orientierungslosigkeit und sogar und sogar zu zu g 

de. Auch de. Auch das ein+alle das ein+alle Magazin Magazin will sich will dem sich dem Ohnmachten führen führen kann. kann. So ungewöhnlich So ungewöhnlich oft of t 

Thema Thema nicht nicht gänzlich gänzlich verweigern. verweigern. Im Interview Im Interview geschehen geschehen am 14 am Mai. 14 Mai. Das THW Das THW Kassel Kassel war pro- war proS 

mit unserer mit unserer Mitarbeiterin Kaisa Kaisa Heinänen Heinänen (mehr (mehr fessionell fessionell zur Stelle zur Stelle und half und Georg half Georg Winter Winter beim beimY 

über sie über können sie können Sie ab Sie Seite ab Seite 82 erfahren) 82 erfahren) spricht spricht 

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der Künstler der Künstler Olaf Olaf Metzel Metzel über über Kunst Kunst und Sport und Sport 

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und den und Fluch den Fluch und Segen und Segen von Fußball-Ausstel- 

von Fußball-Ausstel- 

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lungen.lungen. in 

Aber Aber auch auch der Blick der Blick zurück zurück lohnt. lohnt. Ende Ende Februar Februar 

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ging ging die Ausstellung die Ausstellung Selbstauslöser mit einem mit einem 

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fi nnischen fi nnischen Tangoabend Tangoabend zu Ende. zu Ende. Der gemeinsam Der gemeinsam 

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mit FRAME mit FRAME und der und fi der nnischen fi nnischen Botschaft, Botschaft, BerBer- z 

lin, ausgerichtete lin, ausgerichtete Lange Lange Abend Abend lockte lockte nicht nicht nur nur 

2 

viele viele begeisterte begeisterte Tangotänzer Tangotänzer in die in Räume die Räume der der „cded „cded – cultural – cultural disasters disasters emergency emergency drill“. drill“. Die Die k 

Kunsthalle, Kunsthalle, sondern sondern brachte brachte auch auch ein Stück ein Stück fi n- fi nHelfer 

Helfer mussten mussten allerdings allerdings erst durch erst durch die Raum- die Raum- zu 

nischenische Musikkultur Musikkultur nach nach Kassel. Kassel. 

Zeichnung Zeichnung von Christine von Christine Rusche, Rusche, um zu um den zu imden 

imz 

Im März Im März bildeten bildeten die beiden die beiden Überblicksausstelprovisiertenprovisierten Ruhe- Ruhe- und Behandlungsräumen und Behandlungsräumen zu zu w 

lungenlungen zu Gerhard zu Gerhard Rühm Rühm und Endre und Endre Tót den Tót Auf- den Auf- gelangen. gelangen. 

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takttakt des Frühjahrsprogramms des Frühjahrsprogramms der Kunsthalle, der Kunsthalle, Einen Einen Besucherrekord und ungewöhnlich und ungewöhnlich breite breite A 

welches welches sich aus sich einer aus einer Reihe Reihe von Einzelausstel- 

von Einzelausstel- Presseresonanz erzielte erzielte die Ausstellung die Ausstellung AUTO- AUTO- L 

lungenlungen zusammensetzte, die sukzessive die sukzessive die Aus- die Aus- NOM-MOBILE, die der die Kunstverein der Kunstverein parallel parallel zu zu d 

stellungsflstellungsfl äche äche erweiterten erweiterten und und neue neue VerbinVerbinseinem seinem laufenden laufenden Programm Programm im KulturBahnhof 

im KulturBahnhof bl 

dungendungen zwischen zwischen den Künstlern den Künstlern und ihren und ihren ArbeiArbei- zeigte. zeigte. Sehr Sehr umfangreich und vielfältig und vielfältig wurden wurden ha 

ten herstellten. ten herstellten. Im April Im April kam kam mit den mit Videoar- den Videoar- die von die BMW von BMW stolz stolz präsentierten Art Cars Art Cars komkomW beitenbeiten von Gülsün von Gülsün Karamustafa und Jalal und Jalal Toufi c Toufi mentiert c mentiert und umspielt und umspielt von ironischen von ironischen AnmerAnmer- ge 

ein weiterer ein weiterer Ausstellungsschwerpunkt hinzu. hinzu. kungenkungen gegenwärtiger (auch (auch regionaler) regionaler) Künstler Künstler is 

Während Während die türkische die türkische Künstlerin Künstlerin Gülsün Gülsün KaraKarazum Objekt zum Objekt Auto, Auto, zu Mobilität, zu Mobilität, Technikfetischismustafamustafa 

aufgrund aufgrund verschiedener Ausstellungsbe- Ausstellungsbe- mus oder mus Geschwindigkeitswahn. 

oder Geschwindigkeitswahn. 

Über Über Fluch Fluch und und Segen Segen von von 

Fußball-Ausstellungen 

Jens Carstensen, D | Max Christian Graeff, CH | 

Bernard Heidsiek, F | Yoko Ono, USA | Bernd 

Salfner, D | Joachim Schmid, D | Mark W. Sutherland, 

CAN 

Poetische Positio 

1. SEPT. - 08. OKT. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN 

Augenwischerei, Anfälle Anfälle 

von von Orientierungslosigkeit 

und und sogar sogar 

Ohnmachten 

Eröffnung: Donnerstag, 31. August 2006, 19 U 

„Poetische Positionen II“ ist die Fortsetzung einer 

Ausstellungsreihe des Kasseler Kunstvereins, 

die 2004 damit begonnen hat, Künstler vorzustellen, 

die auf unterschiedliche Art und Weise in 

den Bereichen Bildende Kunst und Sprache arbeiten. 

Nachdem in der Ausstellung „Poetische Positionen 

I“ Arbeiten gezeigt wurden, die die Sprache 

als elementare Darstellungsform der Kunst 

nutzen, wird das Schwerpunktthema der Ausstellung 

„Poetische Positionen II“ Text, Klang und 

Sound sein. Initiiert hat diese Reihe Jürgen O. 

Olbrich, selbst ein Künstler, der seit vielen Jahren 

mit Text und Sprache arbeitet. 

Bernard H 

Der K 

lung 

tion 

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SEITE SEITE 11 

Zur Zur gleichen gleichen Zeit Zeit war war die die Kunsthochschule Kunsthochschule KasKasselsel Thema Thema im im Kunstverein. Kunstverein. NEUER NEUER REICHTUM 

REICHTUM 

– – so so der der Ausstellungstitel Ausstellungstitel – – ist ist dort dort eingetreten eingetreten 

durch durch die die Neubesetzung Neubesetzung eines eines Drittels Drittels der der ProfesProfessorenstellensorenstellen quer quer durch durch alle alle Studiengänge. Studiengänge. ProProfessorenfessoren der der Kunst, Kunst, des des Design Design bis bis hin hin zu zu KunstKunstwissenschaftwissenschaft und und Kunst- Kunst- und und Medienpädagogik 

Medienpädagogik 

stellten stellten sich sich vor vor und und thematisierten thematisierten gleichzeitig, 

gleichzeitig, 

was was sie sie unter unter Lehre Lehre verstehen. verstehen. Ergebnisse Ergebnisse des des 

Studierens Studierens unter unter solchen solchen Bedingungen Bedingungen – – nicht nicht nur nur 

in in Kassel Kassel – – zeigen zeigen die die Stipendiaten Stipendiaten des des CusanusCusanuswerkswerks im im Juli/August. Juli/August. Zwei Zwei von von ihnen ihnen werden werden am am 

12. 12. August August mit mit dem dem Georg-Meistermann-StipenGeorg-Meistermann-Stipendiumdium 

ausgezeichnet ausgezeichnet werden. werden. Ohne Ohne große große Pause Pause 

geht geht es es weiter weiter in in den den Herbst Herbst mit mit Poetischen Poetischen PosiPositionentionen II, II, wo wo es es diesmal diesmal nicht nicht nur nur um um Text Text und und 

Sprache, Sprache, sondern sondern auch auch um um Musik Musik und und Sound Sound geht. geht. 

Yoko Yoko Ono Ono wird wird dabei dabei sein. sein. Und Und bevor bevor die die HandHandwerkerwerker kommen, kommen, um um das das Fridericianum Fridericianum (endlich) (endlich) 

mit mit einer einer Klimaanlage Klimaanlage zu zu versehen versehen und und für für die die 

documenta documenta 12 12 fi fi t t zu zu machen, machen, wird wird Hans Hans Schabus Schabus 

in in vorauseilendem vorauseilendem Eifer Eifer den den Kunstverein Kunstverein schon schon 

mal mal abreißen. abreißen. 

Die Die kommenden kommenden Ausgaben Ausgaben des des ein+alle ein+alle Magazins Magazins 

werden werden als als Sonderausgaben Sonderausgaben der der Kunsthalle Kunsthalle (De(Dezemberzember 2006) 2006) und und des des Kunstvereins Kunstvereins (Frühjahr (Frühjahr 

2007) 2007) erscheinen. erscheinen. Das Das Dezemberheft Dezemberheft wird wird als als DoDokumentationkumentation zu zu der der Ausstellungsreihe Ausstellungsreihe 5 5 Tage Tage bis bis 

zum zum Ende Ende der der Kunst Kunst ausführliche ausführliche Informationen 

Informationen 

zu zu den den Ausstellungskonzepten Ausstellungskonzepten der der Kuratoren Kuratoren sosowiewie deren deren Umsetzung Umsetzung enthalten. enthalten. Zusätzlich Zusätzlich gibt gibt 

das das Heft Heft einen einen Rückblick Rückblick auf auf die die 2x4-jährige 2x4-jährige 

Ausstellungsperiode Ausstellungsperiode der der Kunsthalle Kunsthalle unter unter der der 

Leitung Leitung von von René René Block. Block. Im Im Frühjahr Frühjahr 2007 2007 wird wird 

der der Kunstverein Kunstverein wie wie gewohnt gewohnt Rückblick Rückblick und und AusAusblickblick auf auf seine seine Arbeit Arbeit geben, geben, während während die die KunstKunsthallehalle aufgrund aufgrund der der documenta documenta 12 12 pausiert. pausiert. 

Wir Wir hegen hegen die die große große Hoffnung, Hoffnung, dass dass ab ab 2008 2008 eine eine 

gemeinsame gemeinsame Weiterführung Weiterführung des des Heftes Heftes möglich möglich 

ist. ist.

03. JUNI - 26. NOVEMBER 2006 

Ausstellungsvorschau und 

Service Kunsthalle Friderician 

5 Tage bis zum Ende der Kunst. Ein Projekt der 

Kuratorenwerkstatt 

3. Juni – 16. Juli und 2. – 17. September 2006*, 

undo redo 

28. Juni – 16. Juli und 2. September – 3. Oktober 

2006*, Die andere Seite 

2. September – 29. Oktober 2006, indirect 

speech 

24. September – 26. November 2006, Yael Bartana, 

Amateur Anthropologist 

11. – 26. November 2006, Fremd bin ich eingezogen 

Jour Fixe Termine 

Jeden Mittwoch um 17.00 Uhr. Eintritt 2,50 € 

(Ausstellung inkl. Jour Fixe) 

7. Juni 2006 

Never Odd or Even ein Projekt von Mariana Castillo 

Deball mit Kirsten Fuchs, Jan Wagner und 

Katrin Solhdju 

14. Juni 2006, Fünf Hindernisse einer Ausstellung 

21. Juni 2006, Themenführung En Detail mit 

Gertrude Betz 

28. Juni 2006, Künstlergespräch mit Susanne 

Kutter 

5. Juli 2006, Themenführung En Detail mit Gertrude 

Betz 

12. Juli 2006, Künstlergespräch mit Henry VIIIʻs 

wives 

*Sommerpause 17. Juli bis 1. September 2006 

In Kürze 

Die Ausstellung Selbstauslöser, die sich den Arbeiten 

fünf fi nnischer Künstlerinnen widmete, 

geht auf Tournee. Vom 11. November 2006 – 28. 

Januar 2007 wird sie in Kopenhagen bei Nikolaj, 

Contemporary Art Center, zu sehen sein. Im Anschluss 

geht die Ausstellung für eine weitere Präsentation 

zum National Museum of Contemporary 

Art nach Bukarest. 

Auch die Ausstellung The Day Before Tomorrow 

des Künstlerpaars Igor und Svetlana Kopystiansky 

und im Februar 2007 im neu gegründeten Museum 

von Espoo (Finnland) gezeigt. 

5 Tag 

Kurat 

3. Jun 

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des Künstlerp 

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von Espoo (Fin

Anschrift: 

JUNI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 4 

Eintritt: 

4, – Euro / ermäßigt 2,50 Euro 

Öffnungszeiten: 

Mittwoch bis Sonntag und an Feiertagen 11.00 

bis 18.00 Uhr. Montag und Dienstag geschlossen. 

Kunsthalle Fridericianum, Friedrichsplatz 18, 

34117 Kassel, Telefon: 0049(0)561 70 72 720, 

Fa x: 0 0 49(0)561 77 45 78, E-mail: offi ce@ 

fridericianum-kassel.de, 

Homepage: http://www.fridericianum-kassel.de


Führungen: 

Kostenlose, öffentliche Führungen werden jeden 

Sonn- und Feiertag um 15.00 Uhr angeboten. 

Jeden Donnerstag um 16.00 Uhr bieten wir die 

kostenlose Ausstellungsauskunft Frag mich! an. 

Weitere Gruppenführungen (max. 25 Personen) 

können telefonisch unter 0049(0)561 70 72 720 

gebucht werden. 

Impressum 

Herausgeber: Kasseler Kunstverein und Kunsthalle 

Fridericianum Kassel 

Redaktion: Beate Anspach, Bernhard Balkenhol, 

René Block 

Realisation: Beate Anspach, René Block, Birgit 

Eusterschulte, Barbara Toopeekoff (Kunsthalle 

Fridericianum) 

Bernhard Balkenhol, Elke Bernhart (Kasseler 

Kunstverein) 

Entwurf / Gestaltung / Satz: 

Maria Herzog, Caroline Enders, Katharina Wittmann 

Druck: Thiele und Schwarz, Kassel 

Aufl age: 5000 

© Kunsthalle Fridericianum, Kasseler Kunstverein, 

die Autoren, Fotografen, und Künstler 

Schutzgebühr: 2,50 Euro 

ISSN 1618-3711

Editorial/ Impressum...................................1 - 5 

Igor und Svetlana Kopystiansky 

The Day Before Tomorrow..........................8 - 9 

Selbstauslöser: Finnische 

Fotografi e fasziniert Kassel 

Elina Brotherus, Aino Kannisto, 

Sanna Kannisto, Fanni 

Niemi-Junkola, Salla Tykkä........................10 - 11 

Tule tanssimaan – Komm tanzen 

Langer Abend in der Kunsthalle 

Fridericianum...............................................12 - 13 

Gerhard Rühm: weit weg und ganz nah...14 - 15 

Endre Tót: Semmi sem Semmi..................16 - 17 

Gülsün Karamustafa: 

Memory of a Square.....................................18 - 21 

Jalal Toufi c oder 

das Prinzip der Täuschung 

Filming Death at Work ..............................22 - 27 

JUNI 2006 EIN UND ALLE – KUNSTHALLE SEITE 

Kunsthalle Fridericianum 

Rückblick 

Inhaltsverzeichnis 

Marina Abramović: 

Seven Easy Pieces.......................................28 - 33 

How to perform? Symposium zur 

Dokumentation und Wiederaufführung 

in der Performance - Kunst.........................34 - 37 

3durch3: Langer Abend 

in der Kunsthalle Fridericianum 

mit Johannes Auer, 

Gundi Feyrer und Gerhard Rühm..............38 - 39 

Flyer Action von Endre Tót......................40 - 41 

Vorschau 

5 Tage bis zum Ende der Kunst 

Ein Projekt der 

Kuratorenwerkstatt Kassel..........................42 - 43 

undo redo....................................................44 - 53 

Die andere Seite..........................................54 - 59 

Interview mit Thomas Niemeyer...............60 - 63 

indirect speech........................................... 64 - 65 

Interview mit Alina Șerban........................66 - 71 

Yael Bartana 

Amateur Anthropologist...........................72 - 77 

Vermischtes 

Olaf Metzel über die Kunst 

des Sporttreibens......................................78 - 81 

Interview mit Kaisa Heinänen.............82 - 83 

Das Zeitschriftenprojekt 

der documenta 12 

Interview mit Georg Schöllhammer........... 84 - 87 

Kasseler Atelierinitiative 

Kasseler Atelier – und 

Ausstellungshaus (kaa)................................88 - 89

6 JUNI 2006 EIN UND ALLE – KUNSTVEREIN SEITE 7 

Kasseler Kunstverein 

Rückblick 

Eine lange Geschichte und viel Glück 

Ausstellung mit Tombola 

zur 170-Jahr-Feier des Kasseler 

Kunstvereins.................................................90 - 93 

AUTO-NOM-MOBILE 

Das Automobil in der 

zeitgenössischen Kunst..............................94 - 103 

NEUER REICHTUM 

11 Positionen _ Kunsthochschule 

Kassel........................................................104 - 111 

Wer ist hier noch zu retten? 

2 aus Stuttgart: 

Christine Rusche/Georg Winter..............112 - 117 

Lieber Friedrich, 

Abschlussausstellung der Stipendiatinnen und 

Stipendiaten der Künstlerförderung des 

Cusanuswerks............................................118 - 119 

Vorschau 

Poetische Positionen II...........................120 - 121 

Arnold-Bode-Preis 2006 

Hans Schabus, Preisverleihung 

am 21.10.2006...........................................122 - 123 

Service und Danksagung des 

Kasseler Kunstvereins...........................124 - 125 

Anzeigen....................................................126 - 127

21. DEZ 2005 - 26. FEB 20 

T 

Igor und Svetlana K 

Igor und Svetlana Kopystiansky, 526, 2005, Installation 

Rechts: Igor und Svetlana Kopystiansky, Incidents, 

1996-1997, Installationsansicht, Kunsthalle 

Fridericianum, 2006 

Fotos: Nils Klinger

06 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 8 21. DEZ 2005 - 26. FEB 200 

he Day Before Tomorrow 

Kopystiansky 

sansicht, Kunsthalle Fridericianum 2006

21. DEZ 2005 - 26. FEB 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 10 

Finnische Fotografi e fasziniert Kassel 

Die Künstlerinnen der Ausstellung Selbstauslöser lassen sich 

vor ihren Kameras nieder 

In letzter Zeit wird viel über den internationalen 

Erfolg von fi nnischer Fotografi e diskutiert. Ausstellungen 

eröffnen in rascher Folge und Künstler 

touren durch Länder und Städte wie Ville Valo 

oder Tuomas Holopainen [bekannte fi nnische 

Die letzte Eroberung 

fand nun in Kassel statt 

Musiker, A. d. R.]. Die letzte Eroberung nun fand 

in Kassel, in der Mitte Deutschlands statt, wo fi nnische 

Fotokunst im Moment in den luftigen und 

hellen Räumen der Kunsthalle Fridericianum be- 

wundert werden kann. Die Ausstellung Selbstauslöser, 

eine Kooperation der Kunsthalle Fridericianum 

und FRAME (Finnish Fund for Art Exchange), 

stellt fünf fi nnische Künstlerinnen vor 

und versucht dies so prächtig wie möglich. Die 

Künstlerinnen Elina Brotherus, Aino Kannisto, 

Sanna Kannisto, Fanni Niemi-Junkola und Salla 

Tykkä bekamen majestätisch anmutende Räume 

zur Verfügung gestellt. Jede Künstlerin der Ausstellung 

gibt mit ihren Arbeiten gleichzeitig auch 

einen Überblick über ihr bisheriges Schaffen. 

Aus Sicht der Besucher erscheint die Reichhaltigkeit 

der Arbeiten und ihre zeitliche Spanne als 

besonders lohnend zu sein. Salla Tykkä ist bekannt 

für ihre Kurzfi lm-Trilogie. Ihre frühesten 

Arbeiten in der Ausstellung entstanden Ende der 

1990er Jahre, als sie noch an der Akademie der 

Bildenden Künste studierte. Elina Brotherus Fotografi 

en und Videos, denen sie sich in den letzten 

Jahren verstärkt zuwandte, füllen drei große 

Installationsansichten mit Arbeiten von Aino Kannisto, 

Kunsthalle Fridericianum, 2006 

Räume und eine Reihe kleiner. Der Beitrag von 

Fanni Niemi-Junkola besteht aus fünf Videoarbeiten, 

die alle ihren eigenen Raum in der Ausstellung 

haben. Der gemeinsame Ausgangspunkt 

der Ausstellung ist einfach: alle Künstlerinnen 

sind oder waren zu einen bestimmten Zeitpunkt 

Teil der eigenen Fotografi en. Sie alle nutzten ihren 

eigenen Körper als Figuren in den mehr oder 

weniger biografi sch ausgerichteten Arbeiten, die 

sich den Problemen des alltäglichen Lebens widmen. 

Am deutlichsten wird der Einsatz des 

Selbstauslösers in den inszenierten Fotografi en 

von Aino Kannisto, von denen eine beeindru- 

Elina Brotherus, Baigneurs, 2001/2003, 

Installationsansicht, Kunsthalle Fridericianum, 

2006 

2

1. DEZ 2005 - 26. FEB 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 11 

Salla Tykkä, Lasso, 2000, Installationsansicht, Kunsthalle Fridericianum, 2006 

ckende Auswahl in drei Räumen in Kassel gezeigt 

wird. In den letzten Jahren greifen Salla Tykkä, 

Fanni Niemi-Junkola und teilweise auch Brotherus 

immer mehr auf den Einsatz von Schauspielern 

zurück, in der gleichen Weise wie sich die 

Perspektive ihrer Kunst von innen nach außen 

wandte, vom eigenen Selbst hin zur Betrachtung 

der Anderen. Brotherus wanderte darüber hinaus 

auch in der Kunstgeschichte umher. Obwohl Sanna 

Kannisto nur vereinzelt in ihren Fotografi en 

erscheint, verzichtet sie nicht auf Schauspieler. 

Exotische Pfl anzen und Tiere spielen die Hauptrolle 

in ihren Geschichten, in denen sie der 

Die Voraussetzungen 

für einen großen 

Durchbruch sind 

gegeben 

Wunsch der Naturwissenschaften, die Welt zu defi 

nieren mit dem Wunsch der Kunst zu einem Ge- 

samtbild der Realität, überschneidet. Die Voraussetzungen 

für einen großen Durchbruch sind gegeben. 

Die Kunsthalle Fridericianum im Zentrum 

von Kassel ist ein beeindruckendes Gebäude und 

die Hauptbühne der wichtigsten Ausstellung zeitgenössischer 

Kunst weltweit – der documenta. 

Der Direktor der zwischen den documenta Ausstellungen 

dort ansässigen Kunsthalle und gleichzeitig 

auch der Kurator dieser Ausstellung ist 

René Block, dessen Bewegungen die Kunstwelt 

immer dicht folgt. 

Timo Valjakka, Helsingin Sanomat (Helsinki) 

31. Dezember 2005 

Fotos: Nils Klinger

FREITAG, 24. FEBRUAR 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 12 

Tule tanssimaan – Komm Tanzen 

Langer Abend mit fi nnischem Tango in der Kunsthalle Fridericianum 

Einmal mehr ist eine Ausstellung der Kunsthalle 

Fridericianum mit einem besonderen Ereignis zu 

Ende gegangen, und obgleich der lange Abend 

Markus Allan 

hier längst eine kleine Tradition ist, zumal mit 

musikalischer Begleitung, war diesmal auch 

manches anders als bei früheren Anlässen dieser 

Art. Am 24. Februar 2006 hatte die Kunsthalle 

nämlich zum Tanz mit fi nnischem Tango in das 

Fridericianum eingeladen. Veranstalter war ne- 

ben der Kunsthalle auch die fi nnische Botschaft 

zu Berlin, die den Auftritt der Hauptakteure des 

Abends, Markus Allan und seiner Band Variant 

Vox, arrangiert hatte. Und so kam es, dass der 

fi nnische Botschafter René Nyberg, der den 

Abend mit Ansprache und Tanz eröffnete, nicht 

nur Gastgeber, sondern zugleich auch der prominenteste 

Gast des Tages in Kassel war. Die Reso- 

Tangon Taikaa mit ihrem Sänger Timo Grön Valtonen und 

die Band Variant Vox mit ihrem Sänger Markus Allan 

nanz übertraf alle Erwartungen, denn mit über 

450 Gästen war der zum Ballsaal umfunktionierte 

Ausstellungsraum mehr als gut gefüllt, und 

vor allem gab sich eine in Kassel offenbar gut etablierte 

Szene von Tangobegeisterten ein Stell- 

450 tangobegeisterte 

Gäste 

dichein. Den Anfang auf der Bühne machte das in 

Hamburg ansässige Quartett Tangon Taikaa um 

den Sänger Timo Valtonen dessen wunderbar tragikomische 

Interpretation der fi nnischen Traditionsmusik 

schnell einen Hauch jener Stimmung 

zauberte, den die Fans der Filme von Aki Kaurismäki 

schon seit jeher mit diesem Land verbinden. 

Markus Allan, seit 40 Jahren aktive Tangolegende, 

ist sogar noch direkter mit dem Werk des

FREITAG, 24. FEBRUAR 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 13 

wohl berühmtesten fi nnischen Regisseurs der Gegenwart 

verbunden, denn er hat seine Musik 

schon zum Soundtrack von Filmen wie Die Wolken 

ziehen vorüber und Der Mann ohne Vergangenheit 

beigesteuert. Doch sieht und hört man 

Allan auf der Bühne, ist auf einmal alles anders. 

Dann verschwindet die Ironie und weicht jener 

seltsamen Melancholie, keiner depressiven – es 

geht ja ums Tanzen – sondern einer leichten und 

weichen, wie sie einen manchmal nach einer 

durchgefeierten Nacht in den Morgen verabschiedet. 

So muss man sich wohl auch den Rhythmus 

Tangon Taikaa und Timo Grön Valtonen 

des Lebens in einem Land vorstellen, in dem es 

entweder nur Tag oder nur Nacht ist: Musik gewordene 

Schlafl osigkeit, aber eben doch schöne 

Musik! In dieser Eigenschaft ist der fi nnische 

Tango so ganz anders, als der weitaus berühmtere 

Argentinische Verwandte, bei dem sich alles um 

das Spiel mit verzehrender Leidenschaft dreht 

und zwar allabendlich, wenn sie Sonne untergeht 

– nein, das ist wahrlich die Sache von Nordeuropäern 

nicht. Das war schon in den Fotografi en 

und Videos von Selbstauslöser zu sehen. Und ge- Fotos: Nils Klinger 

nau das ist es auch, was den Tangoabend in Bezug 

auf seinen Ort und seinen Anlass zu etwas besonderem 

gemacht hat: selten wurden die Emotionen, 

die ganz unausgesprochen in einer Ausstellung 

spürbar wurden, so kongenial durch eine Musikveranstaltung 

lebendig gemacht. Insgeheim 

müssten die Kuratoren der großen Berliner Melancholie-Ausstellung 

eigentlich vor Neid erblasst 

sein. 

Thomas Niemeyer

19. MÄRZ - 14. MAI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 

Gerhard Rühm: weit weg und ganz nah

14 19. MÄRZ - 14. MAI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 

Gerhard Rühm, weit weg und ganz nah, Installationsansichten, 


Links: Gerhard Rühm, alles, was du nur willst, 1965 

Fotos: Nils Klinger

19. MÄRZ - 14. MAI 2006 

Endre Tó

KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 16 19. MÄRZ - 14. MAI 2006 

ót: Semmi sem Semmi 

Endre Tót vor seiner Arbeit Fluxus-Triptychon (2002) 

Endre Tót vor seiner Arbeit Two Lonely Zeros (1996) 

Links: Endre Tót vor seiner Arbeit Symmetry makes me 

glad sad mad, 1978 / 84 

Fotos: Nils Klinger

12. APRIL - 14. MAI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 18 

Die Ausstellung Memory of a Square in der 

Kunsthalle Fridericianum präsentierte die Videoarbeiten 

der Künstlerin Gülsün Karamustafa der 

Jahre 2000 – 2005. Neben ihren Objektarbeiten 

und Installationen wandte sich Karamustafa in 

den letzten Jahren verstärkt dem Medium Film 

zu, vor allem aufgrund dessen Fähigkeit, Geschichten 

zu erzählen, poetische Momente festzuhalten 

und historische und soziale Zusammenhänge 

anschaulich zu machen. Sie wählt dafür oft 

Sie gibt Menschen, 

deren Schicksale und 

Geschichten meistens 

im Verborgenen bleiben, 

ein Gesicht 

die Form des Interviews, gibt Menschen – deren 

Schicksale und Geschichten meistens im Verbor- 

Memory of a Square 

Videoarbeiten von Gülsün Karamustafa 

Rechts: Gülsün Karamustafa, Tailor Made, 2005, Stills


genen bleiben – ein Gesicht und eine Stimme. 

Auch wenn die künstlerischen Medien wechseln, 

Themen wie Migration, die Suche nach der eigenen 

Identität zwischen West und Ost, die Rolle 

der Frau in der türkischen Gesellschaft oder die 

politische Entwicklung des Landes bestimmen 

seit vielen Jahren ihr künstlerisches Schaffen. In 

den meisten Fällen gibt die Stadt Istanbul – die 

Stadt in der sie lebt und arbeitet – als 

Mikrokosmos die Themen von globaler Bedeutung 

vor, denen die Künstlerin in ihren Arbeiten 

nachgeht. Stellvertretend für diese Verbindung 

steht ihre Videoarbeit Memory of a Square aus 

dem Jahr 2005. Darin verbindet sie die span- 

Es wird nicht gesprochen 

nungsreiche Geschichte des zentralen Taksim 

Platzes im Herzen der Stadt mit Szenen aus dem 

häuslichen Alltagsleben einer Familie. Die als 

Doppelprojektion konzipierte Arbeit zeigt zum 

einen dokumentarisches Filmmaterial aus der abwechslungsreichen 

Geschichte des Platzes von 

den 1930er bis zu den 1980er Jahren. Gleichzeitig 

scheint es, als stünde diese Geschichte stellvertretend 

für die politische Entwicklung des Landes. 

Demonstrationen, gewalttätige Auseinandersetzungen, 

Festlichkeiten und das Enthüllen von 

Denkmälern spiegeln immer auch die aktuelle 

gesellschaftliche und politische Situation. Die 

Gülsün Karamustafa, Memory of a Square, 2005, Stills 

zweite Projektion zeigt in elf Episoden verschiedene 

Alltagsszenen einer Familie, die aus drei 

Generationen besteht. Das Ambiente der Wohnung 

ist bürgerlich. Es wird nicht gesprochen, 

lediglich aus Mimik und Gestik lässt sich der 

emotionale Zustand der Protagonisten ablesen. 

Über die Musik und einzelne Hinweise wird für 

die Betrachter eine Verbindung deutlich, ergibt 

sich ein Zusammenhang zwischen den beiden 

Projektionen. Karamustafa macht deutlich, wie 

sehr die politische Sphäre mit der privaten verbunden 

ist, wie stark es das Leben des Einzelnen 

beeinfl ussen kann. 

Karamustafas Arbeiten wurden zuletzt in Ausstellungen 

in Mailand, Paris, Ankara oder Rotterdam 

gezeigt. In Kassel war sie bereits 1999 erstmalig 

in der Ausstellung Echolot oder neun Fragen 

an die Peripherie zu sehen. 

Beate Anspach

deutlich, wie 

privaten veres 

Einzelnen 

t in Auser 

Rotter- 

99 erstn 

Fra- 

SEITE 19

12. APRIL - 14. MAI 2006 DAS FRIDERICIANUM – 

Gülsün Karamustafa, Unawarded Performances, 2005, Stills


Jalal Toufi c oder das Prinzip der Täuschung 

Toufi c widerspricht dem gängigen Klischee eines Künstlers aus dem Libanon 

Weder macht er den scheinbar unvermeidlichen 

Bürgerkrieg zum Thema noch bringt er in seinen 

Arbeiten die Farben im gleißenden Licht des Ori- 

Er tut dies mit Lust 

und List 

ents zum Glühen oder erstickt sie in dichtem 

Schwarz-Weiß. Ohne jeden existentialistischen 

Schnickschnack, noch einem immer wiederkehrendem 

Aufreißen von Wunden und Vergangen- 

Jalal Toufi c, Minor Art: Conceptual Film and Video Posters, 2000-2005, Installationsansicht, Kunsthalle Fridericianum 

2006 

heiten, die nicht vergehen wollen, untersucht er 

Filme und Literatur des Westens wie des Ostens 

auf ihre Orienttauglichkeit. Er tut dies mit Lust 

und List, seine Essays sind fast immer intellektuelle 

Feuerwerke, deren Zundschnüre in der überbordenden 

Zahl an Fußnoten verborgen sind. 

Toufi cs Vorgehen ist dem eines Wissenschaftlers 

Jalal Toufi c zur Eröffnung der Ausstellung Filming Death 

at Work, am 11. April 2006 

unserer Breiten gemäß, doch seine Referenzen 

liegen in der Kultur und Tradition Arabiens. Geschichte 

und Bilder des Nahen Ostens sind mit 

ihren immanenten Widersprüchen und den sprichwörtlichen 

Schönheiten der Landschaft jederzeit 

präsent. Toufi cs Arbeit gleicht dem intellektuellen 

Ringen um die richtige Metapher, den treffenden 

Bezug oder die konsequente, empirische 

Sequenz. Dem Zufall scheint er keine Rolle zu-


eignen zu wollen. Der Zufall fi ndet in der Kunst 

des Jalal Toufi c nicht statt. Der Zufall gehört in 

Beirut zum Alltag. Zu zufällig gefundenen Relikten 

des Bürgerkrieges, zu zufällig sich entladender 

heftiger psychischer Ausbrüche scheinbarer 

ausgeglichener Menschen, zu zufällig unter 

der Erde oder unter Schuttbergen gefundener 

menschlicher Überreste. „Werden wir in den Szenen 

von Danielle Arbids Alone with War aus dem 

Jahr 2000, in denen sie die palästinensischen 

Flüchtlingslager Sabra und Shatila und die christliche 

Stadt Ad-Damur besuchte, die Schauplätze 

von Massakern 1982 resp. 1976, und spielende 

palästinensische Kinder fragt, ob sie beim Buddeln 

auf ihrem behelfsmäßigen Spielplatz irgend 

etwas Interessantes gefunden haben, zu Zeugen 

einer Archäologie der Bilder?“ ¹ Toufi cs konzep- 

tuelles Vorgehen zwischen Fantasie und Vorstellung 

des Realen ist subjektiv, voller Irritation und 

geballtem Wissen. Aber, aller Schein trügt. Zwischen 

Wirklichkeit und Fiktion in sensiblem Ungleichgewicht 

fährt er mit dem Betrachter Schlitten, 

verunsichert ihn da, wo er vollends von der 

Richtigkeit seines Sehens überzeugt ist und 

täuscht ihn dort, wo er sich in Sicherheit wiegt, in 

Besitz des geraden, ja „rechten“ Blicks zu sein. 

Jalal Toufi c, 1962 in Saida, im Süden des Libanon 

geboren, decodiert seine und unsere Vorstellungen 

des Orients und bringt seine subjektive 

Sicht der Dinge mit ein. Nicht von ungefähr widmet 

er Gilles Deleuze und Felix Guattari seine 

Serie Minor Art: Conceptual Film and Video Posters, 

die zwischen 2000 und 2005 entstanden 

sind. Raffi nierte Schnitte und Gegenschnitte 

Jalal Toufi c, Âshûrâ: This Blood Spilled in My Veins, 

2002, Still 

nützt Jalal Toufi c, um die Irritation zu einem 

schönen Zusammenspiel werden zu lassen. Die 

Täuschung funktioniert. Wir sehen, was wir sehen 

wollen. 

Gilles Deleuze defi niert die Frage nach dem Bild 

hinter dem Bild als eine der Kriegs- und Vorkriegszeit 

immanente. „Dieses erste Zeitalter 

lässt sich zunächst durch die Kunst der Montage 

defi nieren (...) durch eine unterstellte Tiefe des 

Bildes. (...), in dem es ‚hinter’ dem Bild nichts 

mehr zu sehen gab als die Bilder der KZ-Lager. 

(...) Nach dem Krieg ergaben sich neue Fragen. Es 

war nicht mehr wichtig zu wissen, was sich ‚hinter’ 

dem Bild verbarg, sondern was mein Blick 

auszuhalten in der Lage sei, von dem, was ich ohnehin 

sehe, und was sich auf einer einzigen Ebene 

abspielt? (...) Die Tiefe wurde als ‚Täuschung’ gebrandmarkt, 

das Bild schien seine Flächigkeit 

akzeptiert zu haben, seine ‚Oberfl äche ohne Tie- 

Links: Jalal Toufi c, A Special Effect Termed “Time”; 

or, Filming Death at Work, 2005, Installationsansicht, 


Fotos: Nils Klinger


fe’ oder seine ‚Untiefe’, wie es beim Meer heißt.² 

Diese Fragestellungen adaptiert Jalal Toufi c auf 

einen Teil der sich seit den 1990er Jahren entwickelnden 

libanesischen Kunstszene, „was, neben 

fi nanziellen Gründen, erklären könnte, warum 

eine beträchtliche Anzahl der interessantesten libanesischen 

Künstler, die sich mit audiovisuellen 

Medien beschäftigen, mit Video und fl achen Bildern 

arbeiten und nicht mit Film. Sie/Wir glauben 

an die Tiefe der Erde, wo Massaker stattgefunden 

haben und wo so viele ohne ein richtiges 

Begräbnis vergraben wurden und immer noch darauf 

warten, wieder ausgegraben und danach 

richtig bestattet und betrauert zu werden “.³ Aus 

dem Dunkel des Projektionsraumes heraus entfalten 

sich der ganze Reichtum und die Vielschichtigkeit 

des künstlerischen Schaffens von Jalal 

Toufi c. Mit sprödem Charme und großer Detailkenntnis 

stellt er Bezüge zwischen Magrittes surrealem 

Blick durchs Fenster, dem 1984 vom libanesischen 

Fernsehen ausgestrahlten Märtyrertod 

des Kommunisten Jamal Sati sowie Alfred Hitchcocks 

Meisterwerken Fenster zum Hof und Vertigo 

her. Diese beiden Filme konnten nach unklaren 

Erbverfügungen erst 1984 wieder im Kino gezeigt 

werden und waren 25 Jahre lang die „fünf 

für die Öffentlichkeit verlorenen Hitchcocks“. 

Seine Fantasie und Lust an der Allegorie und dem 

Verweben von Geschichte und Gewohnheiten in 

bester kulturkritischer Manier kennt kaum Grenzen. 

Rainer Maria Rilkes Idylle in Sils-Maria fi ndet 

sich in seinen Postern wieder ebenso wie 

Dreyers „Heilige Johanna“ oder fotografi sche 

Porträtstudien von Francis Bacon. Spektakulär 

wird seine Methode aber dann, wenn er sich dem 

Bild des Ostens vom Westen aus gesehen zuwendet. 

Sagen wir. Genau umgekehrt, sagen die Menschen 

aus dem Orient. Seine Analysen und Bilder 

der mit Blut überströmten Teilnehmer einer Prozession 

in religiöser Entrücktheit stellen Fragen, 

dort wo Schweigen angesagt und weit verbreitet 

ist. Ein Ethos, das nicht zu vermitteln sei, sagen 

die einen, eines, das zu Missverständnissen füh- 

Toufi c geht es nicht 

um die Schönheit des 

Fanatismus 

ren müsse, meinen die anderen. Er mache sich 

zum Apologeten einer Kultur gespickt mit blutrünstigen 

Ritualen. Oder trifft Jalal Toufi cs Feststellung 

zu, dass die Rolle der Kunst darin bestehe, 

nach Kriegen mit all ihren Unwahrheiten und 

Verzerrungen die Suche nach der Wahrheit wieder 

aufzunehmen? Oder besteht sie im Gegenteil 

darin, der Wahrheit den Verdacht zu unterstellen 

und den Verdacht auf die Wahrheit auszudehnen? 

In einer Weiterbearbeitung seiner Studie über das 

schiitische Ashura-Fest zeigt Jalal Toufi c in Zeitlupe 

verlangsamt Beziehungen, Sehnsüchte und 

Gefühle der sich Kasteienden untereinander, die 

in dieser Art bisher noch nie zu sehen waren. Wie 

mir scheint, einer der wichtigsten Entdeckungen 

dieser Tage im November in Beirut: Die Thematisierung 

von Liebe unter dem Aspekt des Religiösen. 

Jalal Toufi c, sicher einer der intellektuellsten 

Künstler aus Beirut, geht es nicht um die 

Schönheit des Fanatismus, sondern um das Überprüfen 

des Momentes der Extase in all ihren 

Schattierungen. Wie in den Darstellungen des 

Abendmahls, des Judaskusses oder der Prophezeiung 

Christi des Verrates seines Jüngers Petrus 

steht bei Jalal Toufi c die sublimierte Liebe, die so 

viele Künstler des christlichen Abendlandes inspiriert 

hat, im Zentrum seiner Aufmerksamkeit. 

„Send me to the seas of love, I’m drowning in my 

blood“, heißt es in einer Zeile in einem Sufi -Gedicht 

eines der führenden schiitischen Geist-

um Grena 

fi ne 

Verzerrungen die Suche nach der Wahrheit wieder 

aufzunehmen? Oder besteht sie im Gegenteil 

darin, der Wahrheit den Verdacht zu unterstellen 

und den Verdacht auf die Wahrheit auszudehnen? 

ner Weiterbearbeitung seiner Studie über das 

e Ashura-Fest zeigt Jalal Toufi c in Zeitamt 

Beziehungen, Sehnsüchte und 

Kasteienden untereinander, die 

ch nie zu sehen waren. Wie 

tigsten Entdeckungen 

irut: Die Thematit 

des Religitellektudie 

FRIDERICIANUM SEITE 25


Jala Toufi c, The Lamentation Series: the Night and Day, 

2005 

lichen, Sayyed Mohammad Hussein Fadlallah. 

Damit schließt sich für Toufi c ein Kreis der Kultur 

des Abendlandes, die er für immer mit dem 

Morgenland verwoben sieht. Seine kontinuierlichen 

Verschränkungen sind anstrengend, ohne 

Zweifel, bergen aber auch ungeahnte Lustmomente. 

Derart gekonnt hat in der letzen Zeit kein 

Künstler Kunst- und Filmgeschichte durcheinandergewirbelt 

und wieder neu zusammengesetzt 

und, wenn’s passt, Tradition und Theorie der Philosophie 

gleich dazu gepackt. In seiner Videoarbeit 

A Special Effect Termed Time sehen wir 

nicht nur während langer Minuten einem Kind 

beim Schlafen zu, sondern werden einer Langzeitbeobachtung 

aus dem Leben eines Kindes, 

gesehen durch die Augen seiner Eltern und Verwandten 

ausgesetzt. Filming Death at Work, dieser 

Unterzeile, hier in Kassel der Titel der Ausstellung, 

ist Vanitas-Motiv und Kritik am Unvermeidbaren, 

dem Lauf der Zeit, zugleich. Bei aller 

Intellektualität und geballtem Wissen geht Jalal 

Toufi c die Lust am Fabulieren nie aus. Seine Botschaft 

ist das Bild und alles dreht sich bei ihm um 

die immer wieder neu zu stellende Frage, wie 

Subjektivtät sich erzeugen lässt. Ist das Bild, das 

Ist das Bild, das wir 

sehen, das Bild, das 

wir meinen? 

wir sehen, das Bild, das wir meinen? Antworten 

gibt Jalal Toufi c keine. Er lässt Bilder sprechen. 

Sehen wir was wir sehen, oder was wir sehen 

wollen? 

Anne Maier 

Fotos: Nils Klinger 

¹ Jalal Toufi c in Kat. Radical Closure, 52. Internationale 

Kurzfi lmtage Oberhausen 2006 

² zit. Nach Gilles Deleuze in Unterhandlungen 1972-1990, 

Frankfurt am Main, 1993 

³ ebenda, Anm. 1

06. MAI - 14. MAI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 28 

Marina Abramović: Seven Easy Pieces 

Die Ikone der Performance-Kunst zu Gast in der Kunsthalle 

Marina Abramović führt die Performance Lips of Thomas 

(1975) auf, Solomon R. Guggenheim Museum, 

Foto: Attilio Maranzano Courtesy Sean Kelly Gallery, 

New York 

Durch den radikalen Einsatz ihrer Person als 

Künstlerin und ihres Körpers als Kunst-Objekt 

hat Abramović die Performance-Kunst der letzten 

dreißig Jahre nachdrücklich geprägt. 1946 in 

Belgrad geboren, studierte sie von 1965 bis 1970 

Malerei an der dortigen Akademie der Bildenden 

Künste sowie anschließend in Zagreb. Zunächst 

verlagerte sie ihren künstlerischen Fokus auf 

konzeptuelle Kunst, Klang- und Licht-Installationen. 

Ab 1973 experimentierte sie mit Video und 

Film und begann, ihren Körper als Material einzusetzen. 

Seitdem ist die Performance ihre bevor- 

Das Austesten der 

eigenen physischen und 

psychischen Grenzen 

bis zur totalen körperlichen 

Erschöpfung 

zugte künstlerische Ausdrucksform. Um 

Abramovićs Kunstpraxis, das Austesten der eigenen 

physischen und psychischen Grenzen bis zur 

totalen körperlichen Erschöpfung sowie das 

Überschreiten von Tabus und gesellschaftlichen 

Konventionen zu begreifen, ist es notwendig, sich 

ihre Biografi e zu vergegenwärtigen. Ihre Arbeit 

thematisiert ihr Leben. Beides, Leben und Werk, 

sind seit jeher untrennbar miteinander verknüpft. 

Abramović stellt klar heraus, dass Kunst und Leben 

für sie keinen Gegensatz darstellen, sondern 

Verbündete auf der Suche nach dem Erfahren der 

eigenen Existenz sind. 

In den 1970er Jahren entstand eine Performance- 

Serie, mit der Abramović erstmalig ihren Körper 

bis in Grenzbereiche körperlicher Risiken, 

Qualen und Schmerzen überführte. Zu dieser Zeit 

entwickelte sie neben dem großen Thema Körper 

auch die beiden weiteren Kernpunkte ihrer Performance-Kunst, 

die Einbeziehung des Publikums 

und das Ritual. Vermittlung und Dokumentation 

von Performances waren von Beginn an ihr 

Anliegen. Von den frühen Body-Aktionen existieren 

sowohl Fotos als auch Filmaufzeichnung, 

die für sie eine Möglichkeit der Vermittlung darstellten. 

Zudem bewahrte sie Relikte der Performances 

auf. Die Idee der Dokumentation entstand 

nicht erst für Seven Easy Pieces. Schon in Biography 

(1992) griff sie Elemente und Topoi ihrer 

früheren Performances wieder auf, um sie miteinander 

zu verknüpfen und neu zu kontextuieren. 

Mit dieser Performance, die sie für eine Theaterbühne 

konzipiert hatte, warf sie einen Blick zu-


Marina Abramović führt die Performance Aktionshose: Genitalpanik (1969) von VALIE EXPORT auf, Solomon R. Guggenheim Museum, Foto: Kathryn Carr, © Solomon R. 

Guggenheim Museum, New York 

rück auf ihr Leben als Künstlerin: „Biography 

funktioniert im Grunde nur in einem Bühnenkon- 

text. Weil du eine Art Vergangenheit spielst, deine 

Vergangenheit… Es war eine Mischung aus 

realer und gespielter Wirklichkeit.“ ¹


Biography war somit auch ein lebender catalogue 

raisonné ihrer Performances und als solcher eine 

faszinierende Antwort auf die von vielen Performance-Künstlern 

gestellte Frage nach Wegen der 

Wiederaufführung älteren Materials. 

Und genau dies tat sie selbst als ausführende Akteurin 

von wegweisenden Performances der 

1960er und 1970er Jahre im Solomon R. Guggenheim 

Museum in New York. Der siebentägige 

Performance-Marathon unter dem Titel Seven 

Der siebentägige 

Performance-Marathon 

Easy Pieces fand im November 2005 im Rahmen 

der von RoseLee Goldberg kuratierten Performance 

Art Biennale Performa 05 statt und wurde 

von Abramović als Hommage an die Geschichte 

der Performance-Kunst konzipiert. Es ging ihr 

mit diesem Projekt sowohl um die Interpretation 

von Performances als auch um die gleichzeitige 

Dokumentation ihrer Realisierungen. Sie selbst 

nannte die Gründe für diese Re-enactments: „The 

point to me is to show how you can pay hommage 

to historical works. I have never seen the original 

of any of these pieces; I have no idea how it will 

feel to perform them, and that’s why I want to do 

it.” 2 An sieben aufeinander folgenden Tagen von 

je sieben Stunden täglich ließ sie fünf historische 

Performances von Bruce Nauman, Vito Acconci, 

VALIE EXPORT, Gina Pane und Joseph Beuys 

durch Re-Interpretationen wieder zum Leben er- 

Marina Abramović zur Eröffnung der Ausstellung Seven 

Easy Pieces am 5. Mai 2006 

wecken. Diesen schloss sie ihr eigenes Stück The 

Lips of Thomas an, das sie erstmalig 1975 auf- 

führte. Als Abschlussevent performte Abramović 

ihr neues, speziell für diesen Performance-Zyklus 

konzipiertes Stück Entering the Other Side 

(2005). 

Aufführung und Wiederaufführung 

Im Zentrum des Erdgeschosses des Guggenheim 

Museums war eine große Rotunde errichtet worden, 

die Abramović für die nächsten sieben Tage 

als Bühne diente. Hinter dieser Konstruktion befanden 

sich sieben Monitore, die nachfolgend die 

Aufzeichnungen der Performances parallel zu 

den jeweils stattfi ndenden Aufführungen präsentierten, 

so dass, laut Sandra Umathum, eine interessante 

Form der Gleichzeitigkeit von Vergangenheit, 

Gegenwart und Zukunft erzeugt wurde. 3 

Eröffnet wurden Seven Easy Pieces am 9. November 

2005 mit Bruce Naumans Body Pressure. 

Die ursprüngliche Version von 1974 hatte Nauman 

einmalig selbst aufgeführt und auf Video 

aufgezeichnet. Für eine Ausstellung in der Konrad 

Fischer Galerie in Düsseldorf präparierte 

Nauman den Ausstellungsraum, indem er in der 

Mitte des Raumes eine Wand installierte und an 

den Seitenwänden die Performance-Instruktionen 

in Posterformat anbrachte. Anweisungen, wie 

„press as much of the front surface of your body 

(palms in or out, left or right cheek) against the 

wall as possible“, forderten die Galerie-Besucher 

auf, ihre Körper in unterschiedlichen Positionen 

gegen diese Wand zu drücken und dabei gleich-


Marina Abramović, The Conditioning, erste Aktion der 

Self-Portrait(s) (1973) von Gina Pane, Installationsansicht, 

Kunsthalle Fridricianum, 2006 

zeitig über diesen Vorgang zu refl ektieren. In 

Abramovićs Interpretation war das Publikum als 

agierender Teil der Performance ausgeschlossen. 

Sie selbst folgte über sieben Stunden den Instruktionen, 

die sie zuvor aufgezeichnet hatte und die 

nun als Tonschleife über Lautsprecher zu hören 

waren. Die Anweisungen waren von langen Pausen 

voneinander getrennt, so dass sie Konzentration, 

Ruhe und Bedächtigkeit vermittelte. 

Am Folgetag führte Abramović Vito Acconcis 

Seedbed von 1972 auf. In Acconcis Performance, 

die er fünfmal von je sechs Stunden im Januar 

1972 in der Sonnabend Gallery in New York aufgeführt 

hatte, kauerte der Künstler für das Publikum 

unsichtbar unter einer in die Galerie einge- 

zogen Rampe. An der Wand war der Text „privat 

sexual activity“ zu lesen und die Besucher – es 

wurde nur je ein Besucher im Raum zugelassen 

– konnten über Lautsprecher akustisch wahrnehmen, 

dass Acconci masturbierte. Die Interaktion 

mit dem Publikum war für Acconci von ausschlaggebender 

Bedeutung und die Performance 

wurde von dessen Reaktionen, Bewegungen und 

Äußerungen mitbestimmt: “My aids are the visitors 

to the gallery… my fantasies about them can 

excite me… the seed ‘planted’ on the fl oor, then, 

is a joint result of my performance and theirs.” 4 In 

Samen als Metapher 

der Schöpfung 

Anlehnung an Acconcis Intention, Samen als Metapher 

der Schöpfung zu produzieren, war es 

Abramovićs Idee, Feuchtigkeit und Wärme zu 

spenden. Ebenso wie Acconci blieb sie dem Publikum 

während der Aktion verborgen und nur 

ihre Stimme war über Lautsprecher wahrnehmbar. 

Als drittes Re-enactment interpretierte Abramović 

VALIE EXPORTs Aktionshose: Genitalpanik 

von1968/69. VALIE EXPORT hatte diese Performance 

1968 während einer Filmvorführung im 

Münchener Kino Augusta-Lichtspiele aufgeführt, 

das für seine explizit sexuelle Themenwahl bekannt 

war. Während der Vorführung betrat sie – 

bekleidet mit einer Hose, deren Schritt entfernt 

war – den abgedunkelten Saal und schritt mit ihrem 

entblößten Geschlecht Sitzreihe für Sitzreihe 

ab. Diese Provokation veranlasste die überwiegend 

männlichen Besucher, das Kino empört zu 

verlassen. Abramovićs Umsetzung bezog sich 

nicht direkt auf diese Aktion, sondern auf eine 

Fotoserie mit EXPORT, die ein Jahr nach der 

Münchener Performance aufgenommen wurde. 

Auf einem dieser Fotos sieht man die Künstlerin 

bekleidet in der Hose der Performance, mit wil- 

Marina Abramović, Entering the Other Side (2005) von 

Marina Abramović und Body Pressure (1974) von Bruce 

Nauman, Installationsansicht, Kunsthalle Fridricianum, 

2006

SEITE SEITE SEITE 32 32 32 

der der der Haarmähne Haarmähne Haarmähne und und und einer einer einer Waffe Waffe Waffe in in in der der in der Hand Hand Hand laslaslaszivzivziv auf auf auf einem einem einem Stuhl Stuhl Stuhl sitzen. sitzen. sitzen. Auf Auf Auf einem einem einem nächsten nächsten 

nächsten 

steht steht steht EXPORT EXPORT EXPORT breitbeinig breitbeinig breitbeinig und und und wiederum wiederum wiederum mit mit mit im im im 

Schritt Schritt Schritt ausgeschnittener ausgeschnittener ausgeschnittener Hose Hose Hose sowie sowie sowie einer einer einer KaKaKalaschnikowlaschnikowlaschnikow in in in den den in den Händen Händen Händen vor vor vor einer einer einer Hütte. Hütte. 

Hütte. 

Diese Diese Diese Posen Posen Posen und und und die die die Kleidung Kleidung Kleidung benutzte benutzte benutzte Abramović Abramović 

Abramović 

als als als Partitur Partitur Partitur ihrer ihrer ihrer Re-Interpretation Re-Interpretation Re-Interpretation auf auf auf der der der Bühne Bühne 

Bühne 

des des des Guggenheim Guggenheim Guggenheim Museums. Museums. Museums. Am Am Am vierten vierten vierten Tag Tag Tag der der der 

Performance-Serie Performance-Serie Performance-Serie führte führte führte Abramović Abramović Abramović am am am 12. 12. 12. NoNoNovembervembervember Gina Gina Gina Panes Panes Panes The The The Conditioning, Conditioning, Conditioning, fi fi rst rst fi fi rst of of of of 

Sie Sie Sie schritt schritt schritt mit mit mit ihrem ihrem 

ihrem 

entblößten entblößten entblößten Geschlecht Geschlecht 

Geschlecht 

Sitzreihe Sitzreihe Sitzreihe für für für Sitzreihe Sitzreihe 

Sitzreihe 

ab ab ab 

three phases in Self-Portrait(s) wieder auf. Pane 

performte dieses Stück 1973 in der Galerie 

Stadler in Paris. In Anlehnung an die christliche 

Ikonografi e peinigte sie sich auf einem Eisenbett 

liegend, unter dem fünfzehn brennende Kerzen 

standen. Die Querstangen des Brettes waren so 

weit voneinander entfernt, dass die Hitze des Feuers 

direkt auf den Körper der Künstlerin einwirken 

konnte. Pane gelang es, in dieser Position 

über dreißig Minuten zu verharren. Abramović 

konzipierte ihre Interpretation sehr dicht an der 

ursprünglichen Performance. Wie die vorherigen 

Aufführungen, dehnte sie auch The Conditioning 

auf sieben Stunden aus. Abramović wechselte die 

Kerzen, sobald sie heruntergebrannt waren und 

legte sich anschließend wieder auf das Eisenbett. 

Diese Momente waren die einzigen Phasen der 

Regeneration. 

Am fünften Tag stellte Abramović Joseph Beuys’ 

wegweisende Performance Wie man dem toten 

Hasen die Bilder erklärt 5 three phases in Self-Portrait(s) wieder auf. Pane 

















Regeneration. 



Hasen die Bilder erklärt von 1965 als letzte 

Wiederaufführung eines anderen Künstlers dar. 

Beuys präsentierte das Stück 1965 während einer 

Ausstellung seiner Werke in der Galerie Schmela 

in Düsseldorf. Während der Performance waren 

die Besucher vom Ausstellungsraum ausgeschlos- 

5 three phases in Self-Portrait(s) wieder auf. Pane 

















Regeneration. 









5 three phases in Self-Portrait(s) wieder auf. Pane 

















Regeneration. 









5 von 1965 als letzte 






06. 06. 06. MAI MAI MAI - - 14. 14. - - 14. MAI MAI MAI 2006 2006 2006 KUNSTHALLE KUNSTHALLE KUNSTHALLE FRIDERICIANUM 

FRIDERICIANUM 

FRIDERICIANUM 

sen und konnten die Aktion nur durch Fenster sprochen Kräfte zehrende, sehr vielschichtige 

beobachten. Das Gesicht des Künstlers war mit und stark durch rituelles Handeln geprägte Per- 

Blattgold, Goldstaub und Honig bedeckt. Auf seiformance. In der ursprünglichen Version, die 

nem Arm hielt er einen toten Hasen, mit dem er nach zwei Stunden von den Zuschauern beendet 

von Objekt zu Objekt durch die Ausstellung ging wurde, aß die Künstlerin ein Kilo Honig, trank 

und die Bilder erklärte. Erst nach drei Stunden eine Flasche Wein, peitschte sich den Rücken, 

wurden die Besucher in die Ausstellungsräume ritzte sich mehrmals mit Rasierklingen einen 

gebeten und Beuys saß mit dem Hasen im Arm, fünfzackigen Stern in den Bauch, legte sich auf 

aber den Besuchern seinen Rücken zugewandt, kreuzförmig angeordnete Eisblöcke, ließ das 

im Eingangsbereich. Die Symbolträchtigkeit der 

Performance samt ihrer Attribute – der Hase als 

germanisches Symbol für Fruchtbarkeit und 

christliches Symbol der Auferstehung, Gold als 

altes Symbol der Reinheit und Weisheit und der 

Honig als Fruchtbarkeitssymbol sowie als Mittel 

zur Regeneration und Wiederbelebung – hat 

Abramović in ihre Re-Interpretation übertragen. 

Mit der Aufführung von The Lips of Thomas am 

sechsten Tag war die Serie der Re-Interpretationen 

historischer Performances abgeschlossen. Weinglas in ihrer Hand zerklirren und wippte 

Ursprünglich plante Abramović für diesen Tag manisch auf dem Boden kniend hin und her bis 

die Wiederaufführung ihres berühmten Stückes sie weinte. Der Guggenheim-Aufführung hatte 

Rhythm 0, das sie erstmalig 1974 in der Studio Abramović eine veränderte Dramaturgie zugrun- 

Mona Galerie in Neapel performte. Bei dieser de gelegt. Die einzelnen Sequenzen der dama- 

Performance bestimmte sie sich selbst als Objekt ligen Performance wurden stark verkürzt und ei- 

neben 72 weiteren Gegenständen und forderte die ner neuen Reihenfolge zugeordnet. Zudem er- 

Besucher auf, diese nach eigenem Belieben an ihr gänzte sie Komponenten, wie die militärische 

zu benutzen. 1974 wurde die Performance been- Kappe, einen Holzstab und Wanderschuhe 

det, nachdem jemand Abramović die geladene 

Pistole an den Kopf gehalten hatte. Diese Waffe 

war der Grund, warum die Performance im Guggenheim 

Museum nicht zugelassen wurde. Stattdessen 

entschied sich Abramović für die Wiederaufführung 

von The Lips of Thomas, das sie erstmalig 

1975 in der Galerie Krinzinger in Innsbruck 

gezeigt hatte. The Lips of Thomas rekurriert 

auf Abramovićs Biografi e. Sie ist eine ausge- 

6 sen und konnten die Aktion nur durch Fenster sprochen Kräfte zehrende, sehr vielschichtig 

beobachten. Das Gesicht des Künstlers war mit und stark durch rituelles Handeln geprägte Per 

Blattgold, Goldstaub und Honig bedeckt. Auf seiformance. In der ursprünglichen Version, di 

nem Arm hielt er einen toten Hasen, mit dem er nach zwei Stunden von den Zuschauern beende 

von Objekt zu Objekt durch die Ausstellung ging wurde, aß die Künstlerin ein Kilo Honig, tran 

und die Bilder erklärte. Erst nach drei Stunden eine Flasche Wein, peitschte sich den Rücken 

wurden die Besucher in die Ausstellungsräume ritzte sich mehrmals mit Rasierklingen eine 

gebeten und Beuys saß mit dem Hasen im Arm, fünfzackigen Stern in den Bauch, legte sich au 

aber den Besuchern seinen Rücken zugewandt, kreuzförmig angeordnete Eisblöcke, ließ da 











historischer Performances abgeschlossen. Weinglas in ihrer Hand zerklirren und wippt 

Ursprünglich plante Abramović für diesen Tag manisch auf dem Boden kniend hin und her bi 


Rhythm 0, das sie erstmalig 1974 in der Studio Abramović eine veränderte Dramaturgie zugrun 

Mona Galerie in Neapel performte. Bei dieser de gelegt. Die einzelnen Sequenzen der dama 

Performance bestimmte sie sich selbst als Objekt ligen Performance wurden stark verkürzt und ei 

neben 72 weiteren Gegenständen und forderte die ner neuen Reihenfolge zugeordnet. Zudem er 


zu benutzen. 1974 wurde die Performance been- Kappe, einen Holzstab und Wanderschuhe sodet, 

nachdem jemand Abramović die geladene wie das Lied Slavic Souls. Das Hinzufügen dieser 

Pistole an den Kopf gehalten hatte. Diese Waffe neuen Elemente hat die inhaltliche Vermittlung 

war der Grund, warum die Performance im Gug- gegenüber der ursprünglichen Version verändert 

ohne dabei an Provokativität eingebüßt zu haben. 

Beendet wurde das New Yorker Spektakel mit 

Abramovićs speziell für diesen Performance-Zyklus 

konzipierten Stück Entering the Other Side 

(2005). Nachdem sie mit sechs Arbeiten die Vergangenheit 

in die Gegenwart transferierte, die 

Veränderungen ihrer Person und Kunst im Kongenheim 

Museum nicht zugelassen wurde. Statttext des geschichtlichen Prozesses verortete, 

dessen entschied sich Abramović für die Wieder- blickte sie mit Entering the Other Side in die Zuaufführung 

von The Lips of Thomas, das sie erstkunft; und zwar nicht nur in ihre persönliche Zumalig 

1975 in der Galerie Krinzinger in Innskunft, sondern auch in die Zukunft der Live-Perbruck 

gezeigt hatte. The Lips of Thomas rekurformance. Über sechs Tage hatte sie ihren Körper 

riert auf Abramovićs Biografi e. Sie ist eine ausge- schwersten Anstrengungen und Schmerzen aus- 

6 sen und konnten die Aktion nur durch Fenster sprochen Kräfte zehrende, sehr vielschichtige 



























zu benutzen. 1974 wurde die Performance been- Kappe, einen Holzstab und Wanderschuhe so 

det, nachdem jemand Abramović die geladene wie das Lied Slavic Souls. Das Hinzufügen diese 


war der Grund, warum die Performance im Gug- gegenüber der ursprünglichen Version veränder 

ohne dabei an Provokativität eingebüßt zu haben 

Beendet wurde das New Yorker Spektakel mi 

Abramovićs speziell für diesen Performance-Zy 

klus konzipierten Stück Entering the Other Side 

(2005). Nachdem sie mit sechs Arbeiten die Ver 

gangenheit in die Gegenwart transferierte, die 


Museum nicht zugelassen wurde. Statttext des geschichtlichen Prozesses verortete 






6 sen und konnten die Aktion nur durch Fenster sprochen Kräfte zehrende, sehr vielschichtige 



























zu benutzen. 1974 wurde die Performance been- Kappe, einen Holzstab und Wanderschuhe sodet, 

nachdem jemand Abramović die geladene wie das Lied Slavic Souls. Das Hinzufügen dieser 


war der Grund, warum die Performance im Gug- gegenüber der ursprünglichen Version verändert 








Museum nicht zugelassen wurde. Statttext des geschichtlichen Prozesses verortete, 






6 sowie 

das Lied Slavic Souls. Das Hinzufügen dieser 

neuen Elemente hat die inhaltliche Vermittlung 

gegenüber der ursprünglichen Version verändert 







Veränderungen ihrer Person und Kunst im Kontext 

des geschichtlichen Prozesses verortete, 

blickte sie mit Entering the Other Side in die Zukunft; 

und zwar nicht nur in ihre persönliche Zukunft, 

sondern auch in die Zukunft der Live-Performance. 

Über sechs Tage hatte sie ihren Körper 

schwersten Anstrengungen und Schmerzen aus- 

Sie Sie Sie trank trank trank eine eine eine Flasche Flasche 

Flasche 

Wein Wein Wein und und und peitschte peitschte 

peitschte 

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hatte hatte hatte sie sie sie ihren ihren 

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Körper Körper Körper schwersten schwersten 

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Anstrengungen Anstrengungen Anstrengungen und und 

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Schmerzen Schmerzen Schmerzen ausgesetzt ausgesetzt 

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gesetzt, gesetzt, bevor bevor sie sie sie zu zu zu diesem diesem Abschlussevent Abschlussevent in in in 

einem einem überdimensionierten überdimensionierten Kleid Kleid des des des EdeldesigEdeldesignersnersners AZIZ AZIZ auftrat auftrat und und und mit mit mit glamourösem glamourösem MakeMakeupupup und und und frisiertem frisiertem Haar Haar Haar beeindruckte. beeindruckte. Das Das Das Kleid, Kleid, 

aus aus aus dem dem dem nur nur nur ihr ihr ihr Oberkörper Oberkörper herausreckte, herausreckte, überüberüberdecktedeckte nicht nicht nicht nur nur nur alle alle alle Wunden, Wunden, sondern sondern vor vor vor allem allem 

auch auch auch die die die gesamte gesamte Bühne, Bühne, die die die der der der zentrale zentrale SchauSchauplatzplatzplatz der der der letzten letzten Tage Tage Tage gewesen gewesen war. war. war. Abschluss Abschluss 

und und und Neuanfang Neuanfang vereint vereint in in in einer einer einer Performance Performance – – der der – der 

Zyklus Zyklus wurde wurde geschlossen. 

geschlossen. 

Andrea Andrea Linnenkohl Linnenkohl studierte studierte Kunstgeschichte, 

Kunstgeschichte, 

Soziologie Soziologie und und und Kulturanthropologie Kulturanthropologie / / EuropäEuropä- / Europäischeischeische 

Ethnologie Ethnologie in in in Göttingen. Göttingen. Die Die Die spezielle spezielle BeBeBeschäftigungschäftigung mit mit mit Avantgardismus Avantgardismus und und und AktionsAktionskunstkunst führte führte sie sie sie zur zur zur Thematik Thematik ihrer ihrer ihrer MagisterarMagisterarbeitbeitbeit 

unter unter dem dem dem Titel Titel Titel Fluxus Fluxus und und und Dada Dada – – Aspekte Aspekte – Aspekte 

der der der Dadarezeption Dadarezeption in in in Fluxus. Fluxus. Im Im Im Anschluss Anschluss arararbeitetebeitete sie sie sie in in in der der der Bibliothek Bibliothek des des des kunstgeschichtkunstgeschichtlichenlichen 

Seminars Seminars und und und der der der Kunstsammlung Kunstsammlung der der der 

Universität Universität Göttingen. Göttingen. Seit Seit Seit Februar Februar 2006 2006 2006 ist ist ist AnAnAndreadreadrea Linnenkohl Linnenkohl in in in der der der Kunsthalle Kunsthalle FridericiaFridericianumnumnum beschäftigt. beschäftigt. 

Fotos: Fotos: Nils Nils Nils Klinger Klinger 

SEITE SEITE 33 33 33 

¹ ¹ Marina Marina ¹ Marina Abramović Abramović zitiert zitiert zitiert nach nach nach David David Elliott, Elliott, in: in: in: Birnie Birnie 

Danzker, Danzker, Jo-Anne Jo-Anne (Hg.): (Hg.): (Hg.): Marina Marina Abramović. Abramović. Ausst.-Kat. Ausst.-Kat. 

Museum Museum Villa Villa Villa Stuck, Stuck, München, München, 1996, 1996, 1996, S. S. S. 63. 63. 63. 

² ² Heiser, Heiser, ² Heiser, Jörg: Jörg: Jörg: Do Do Do it it it again. again. Interview Interview mit mit mit Marina Marina 

Abramović Abramović und und und Monica Monica Bonvicini, Bonvicini, in: in: in: frieze, frieze, Oktober Oktober 

2005, 2005, 2005, S. S. S. 179. 179. 179. 

³ ³ Sandra Sandra ³ Sandra Umathum Umathum hat hat hat die die die New New New Yorker Yorker Performances 

Performances 

besucht besucht und und und ihre ihre ihre persönlichen persönlichen Eindrücke Eindrücke als als als 

„Tagebuchaufzeichnungen“ „Tagebuchaufzeichnungen“ mit mit mit dem dem dem Titel Titel Titel Seven Seven Seven Easy Easy Easy 

Pieces Pieces von von von Marina Marina Abramovic Abramovic – – Sieben Sieben – Sieben kurze kurze kurze Notizen Notizen von von von 

Sandra Sandra Umathum Umathum notiert. notiert. 

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2006, 2006, 2006, New New New York, York, York, S. S. S. 91. 91. 91. 

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Videodokumentation Videodokumentation von von von Wie Wie Wie man man man dem dem dem toten toten toten Hasen Hasen die die die 

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6 6 6 Abramovic Abramovic erläuterte, erläuterte, dass dass dass der der der Stab Stab Stab und und und die die die Schuhe Schuhe 

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sind.

SAMSTAG, 6. MAI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 34 

Marina Abramović: How to perform? 

Symposium zur Dokumentation und Wiederaufführung 

in der Performance-Kunst 

Begleitend zur Ausstellung Seven Easy Pieces 

von Marina Abramović veranstaltete die Kunsthalle 

Fridericianum am Samstag, den 6. Mai 2006 

im Hessischen Landesmuseum ein internationales 

Symposium. Unter dem Titel How to perform? 

Dokumentation und Wiederaufführung in der 

Performance-Kunst diskutierten die eingeladenen 

Referentinnen und Referenten Fragen der 

Autorschaft und Authentizität sowie Möglichkeiten 

der Dokumentation von Performances 

Kann man noch von 

einer „originalen“ 

Performance sprechen? 

durch Wiederaufführung und beleuchteten aktuelle 

Entwicklungen innerhalb der Performance- 

Kunst. Woher stammt der Wunsch, historische 

Performances erneut aufzuführen? Wie werden 

Bedeutung und Erfahrung durch die Wiederholung 

einer Performance neu vermittelt? Kann 

man dann noch von einer „originalen“ Performance 

sprechen? 

Zum Auftakt des Symposiums schilderte Sandra 

Umathum (Theaterwissenschaftlerin an der Freien 

Universität Berlin und seit 2003 Mitglied im 

Sonderforschungsbereich “Ästhetische Erfahrung 

im Zeichen der Entgrenzung der Künste”) in 

einem Erfahrungsbericht ihre persönlichen Eindrücke 

der Performance-Reihe Seven Easy Pieces 

von Marina Abramović. 

Im November 2005 besuchte Umathum die Aufführung 

der Performance-Reihe im Solomon R. 

Guggenheim Museum in New York. Neben Schilderungen 

zur Situation im Museum (der Aufbau 

für die einzelnen Performances, die strengen Sicherheitsvorschriften) 

und zum Verhalten des Publikums 

(die vereinzelten Versuche mit Abramović 

in Interaktion zu treten) konzentrierte Umathum 

sich sehr stark auf ihre eigene Wahrnehmung und 

beobachtete, wie eigene Vorstellungen von und 

Erwartungen an die Wiederaufführung mit den 

Eindrücken der aktuellen Ereignisse im Widerspruch 

standen. Das Wissen um die Original-Performances 

bestimmte zu weiten Teilen ihre Rezeption, 

so dass sie bei der Gegenüberstellung 

von Geschichte und Gegenwart („Original“ und 

Wiederaufführung) an vielen Stellen Abweichungen 

registrierte. So zum Beispiel bei der Performance 

Aktionshose: Genitalpanik von VALIE 

EXPORT, die sich hauptsächlich auf Fotografi en 

von EXPORT bezog, nicht aber auf die Performance 

selbst. In diesem Zusammenhang warf sie 

die Frage auf, ob Abramović nicht eher die Dokumentation 

als die eigentliche Performance zum 

Leben erwecke. Auch Abramović müsse der Einfl 

uss, den Fotografi en und Videoaufzeichnungen 

in der Erinnerung an Performances der 1960er 

und 1970er Jahre einnehmen, bewusst gewesen 

sein, als sie den Ablauf der Wiederaufführungen 

plante. Dem fi lmischen Prinzip des Loops folgend 

wiederholt sie bestimmte Bestandteile in 

stündlich wechselnden Abläufen innerhalb einer 

siebenstündigen Aufführung und schafft dadurch 

eine auf den Betrachter ausgerichtete Präsentation. 

Das Publikum hat immer wieder die Möglichkeit, 

auch weit nach dem eigentlichen Beginn der 

Performance, einzusteigen. Das eigentliche Anliegen 

der siebenstündigen Dauer, nämlich das 

Es handelt sich 

dabei aber um eine 

produktive Form der 

Enttäuschung 

Gefühl für die Zeit zu verlieren, wird nur teilweise 

eingelöst. Die gleichzeitige Dokumentation 

und Präsentation der vergangenen Wiederaufführungen 

auf Monitoren im Guggenheim Museum 

verstärkten diesen Eindruck zusätzlich. Am Ende 

konstatiert Umathum, dass ihre Erwartungen im 

Vorfeld zwar enttäuscht wurden, es sich dabei 

aber um eine produktive Form der Enttäuschung 

handelte, aus der wieder viel Neues entstanden 

sei. 

Zu Beginn des Gesprächs mit Marina Abramović 

griff Steven Henry Madoff (Kunstkritiker und


Autor, New York) noch einmal die zentralen Diskussionspunkte 

– die Frage nach dem Copyright 

und dem Verständniswandel des Begriffes „Original“ 

– auf. Zur Verdeutlichung der rechtlichen 

Aspekte, die mit dem Begriff des Copyrights verbunden 

sind, führte er die Berner Übereinkunft 

zum internationalen Schutz von Werken der Literatur 

und Kunst aus dem Jahr 1986 heran, die dem 

„Urheber das Recht gibt, die Urheberschaft am 

Werk für sich in Anspruch zu nehmen und sich 

jeder Entstellung, Verstümmelung, sonstigen Änderung 

oder Beeinträchtigung des Werkes zu widersetzen, 

die seiner Ehre oder seinem Ruf nachteilig 

sein könnten“. Er betrachtet den Autor als 

ein stabiles Konstrukt, das sich durch seine Werte 

und einen individuellen Stil auszeichnet. Wiederaufführung 

defi niert Madoff als die Reproduktion 

des geistigen Eigentums eines Autors. Mit Seven 

Easy Pieces ist Abramović selber zum Autor 

der Performances geworden. Die Zeit, die zwischen 

der Original-Performance und ihrer Wiederaufführung 

liegt, macht eine identische Wiederholung 

unmöglich. Als literarische Illustration 

führt er die Geschichte Pierre Menard. Autor des 

Quijote von Jorge Luis Borges an. Borges schreibt 

Menard ging viel 

weiter als Don Quijote 

nur zu übersetzen oder 

zu kopieren 

darin eine Kritik über das Werk des fi ktiven Autors, 

Pierre Menard, dessen Meisterwerk vor 

allem darin bestand, das bekannte Werk Don 

Quijote von Miguel de Cervantes aus dem 16. 

Jahrhundert wieder erschaffen zu haben. In den 

Augen von Borges allerdings ging Menard viel 

weiter als es nur zu übersetzen oder zu kopieren: 

Er hat es Zeile für Zeile neu erschaffen. Menards 

Zeilen, die eins zu eins von Cervantes übernommen 

wurden, sind für Borges viel reichhaltiger 

und intensiver, denn immerhin fehlten Menard im 

20. Jahrhundert die gleichen Erfahrungen und historischen 

Hintergründe, die Cervantes Roman 

prägten. Vor diesem Hintergrund sieht Madoff 

das Werk von Abramović: Es ist die Neuerschaffung 

eines Originals, beeinfl usst durch die Veränderungen 

der Zeit. Der zeitliche Faktor ist es 

auch, der den Wunsch nach einer Dokumentation 

hervorruft. Was in einer musikalischen Partitur 

die Noten darstellen, sind für die Performances 

Fotos und Videos. Aus diesem Grunde macht es 

für Madoff also durchaus Sinn, sich bei der Wiederaufführung 

von Aktionshose: Genitalpanik 

auf Fotografi en VALIE EXPORTs zu beziehen. 

Auch Marina Abramović hob im Gespräch diesen 

Aspekt noch einmal besonders hervor. Sie verwies 

auf die Einprägsamkeit dieser Fotografi en 

und beschrieb, wie sie ihre Wahrnehmung beeinfl 

usst hätten. In einer ausführlichen Schilderung 

der einzelnen Performances von Seven Easy 

Pieces berichtete sie von den Schwierigkeiten bei 

der Vorbereitung aufgrund fehlender Dokumentationsmaterialien, 

von der praktischen Umsetzung 

und von den Variationen, die sie an den Performances 

vornahm. Als Ort für dieses Projekt 

entschied sie sich ganz bewusst für das Guggenheim 

Museum, dessen Sammlung den Teil des 

kunstgeschichtlichen Kanons repräsentiert, in 

dem nach Meinung von Abramović Performances 

noch immer eine untergeordnete Rolle spielen. 

Zum Abschluss gab sie einen kurzen Einblick in 

die 90-minütige Videodokumentation von Babette 

Mangolte, die während der Performance- 

Reihe entstand. 

Den Auftakt des zweiten Teils des Symposiums 

bildete der Vortrag von Erika Fischer-Lichte 

(Theaterwissenschaftlerin, seit 1996 Professorin 

und Geschäftsführende Direktorin des Instituts 

für Theaterwissenschaft der Freien Universität 

Berlin und Leiterin des Sonderforschungsbereiches 

„Kulturen des Performativen“). 

Ihr Anliegen war es, Seven Easy Pieces als kontinuierliche 

Fortführung des eigenständigen Werks 

von Abramović zu betrachten. Um diese Entwicklung 

zu verdeutlichen, verglich sie in ihrem Vor- 

trag frühere Performances der 1960er und 

1970er Jahre mit den Wiederaufführungen und 

hob Gemeinsamkeiten zwischen ihnen hervor. 

Neben Abramovićs starker Fokussierung auf 

den eigenen Körper gehört dazu auch die Erfahrung 

des Publikums. Sie schilderte dies anhand 

der frühen Performances Lips of Thomas 

(1974) und Rhythm 0 (1974). In beiden Fällen 

macht Abramović ihren eigenen Körper zum 

Gegenstand der Performance, indem sie sich 

großen physischen und psychischen Belastungen 

aussetzt. 

Gleichzeitig versetzt sie das Publikum in eine 

ungewohnte und schwierige Situation. Erwartet 

der Besucher einer Galerie oder eines Museums 

in der Regel, dass er lediglich Zuschau- 

Künstlerin fügt sich 

selbst Verletzungen 

und Schmerzen zu 

er ist, sieht er in der Performance, wie sich die 

Künstlerin selbst Verletzungen und Schmerzen 

zufügt. Die soziale Norm erwartet ein Eingreifen 

und eine Beendigung. Aber gilt das auch 

für die Galerieräume? Will die Künstlerin 

überhaupt, dass eingegriffen wird? Wie soll 

sich der Besucher verhalten? Er befi ndet sich 

einer Situation, in der den Konventionen entsprechende 

Reaktionen nicht unbedingt oder 

uneingeschränkt akzeptiert sind, andere aber 

nicht formuliert wurden. In Anlehnung an die 

Ritualforschung bezeichnet Fischer-Lichte 

diesen nicht defi nierten Raum oder Zustand als 

Schwellenzustand oder Phase der Liminalität. 

Auch während der Performances im Guggenheim 

Museum befand sich das Publikum in 

einer solchen Situation. Obwohl ein direktes 

Eingreifen in diesem Fall auf Grund der besonderen 

Sicherheitsvorschriften von vornherein 

ausgeschlossen war, war das Publikum in 

einem moralischen Zwiespalt ausgesetzt. 

Aus einem anderen Grund hält Fischer-Lichte 

die Copyright-Diskussion für unangebracht. 

Für sie ist das Phänomen der Wiederholung


Performances inhärent. Die Suche nach Abweichungen 

zwischen der „Original-Performance“ 

und ihrer Wiederaufführung hält sie für falsch. 

Denn, wie sie nach Kierkegaards Überlegungen 

ausführte, impliziert Wiederholung immer auch 

eine Abweichung vom Original. Die „perfekte“ 

Wiederholung ist unmöglich, da sie den Faktor 

Zeit außer Acht lässt. Für Fischer-Lichte greift 

Abramović auf kulturelle Bestände zurück, aus 

denen ein neues, originäres Werk entsteht. Und 

letztlich seien diese performativen Akte eigene, 

die die Erinnerung an einen anderen Künstler und 

gleichzeitig auch an die Künstlerin Abramović 

vor 30 Jahren heraufbeschwören. 

Das Symposium endete mit einer Diskussionsrunde 

zwischen den Künstlerinnen und Künstlern 

Maja Bajević, Jaroslaw Kozlowski, Stefanie Tro- 

jan und Marina Abramović. Moderation: Dorothea 

von Hantelmann. 

In ihrer Einleitung riss die Theaterwissenschaftlerin 

und Kuratorin Dorothea von Hantelmann – 

ausgehend von eigenen Erfahrungen mit Bildender 

Kunst – die zentralen Fragen und Gesprächspunkte 

an: Welche Rolle nimmt Performance 

heute ein? Was bedeutet es, die Performances, die 

ursprünglich außerhalb der Museen initiiert wurden, 

in die hegemoniale Situation eines Guggenheim 

Museums zu holen? Welche Rolle spielt die 

Dokumentation? Wie bewerten die anwesenden 

Künstler das Wiederaufführen von Performances? 

Für Jaroslaw Kozlowski (Künstler, Professor an 

der Akademie für Bildende Künste, Poznan und 

an der Rijksakademie van Beeldende Kunsten in 

Amsterdam) ist das Wiederaufführen von Perfor- 

mances nicht ungewöhnlich. Seit vielen Jahren 

wiederholt er eine einzige Performance in unterschiedlichen 

Zusammenhängen, an verschiedenen 

Orten und unter wechselndem Publikum. 

Er beschreibt mit Kreide eine Tafel in vielen Lagen, 

wobei die Begriffe und Inhalte in Abhängigkeit 

der Situation verschieden sind. Nach einer 

Er beendet die 

Performance, indem er 

einen Wecker auf die 

Tafel schmettert 

bestimmten Zeit wischt er die Kreide mit einem 

Schwamm von der Tafel und beendet die Performance, 

indem er einen Wecker auf die Tafel 

schmettert. Die Dauer einer Performance wird


jeweils von den äußeren Faktoren bestimmt und 

ist auf eine konkrete Situation ausgerichtet. 

Maja Bajevićs (Künstlerin, Paris und Sarajevo) 

Arbeitsweise schließt eine Wiederholbarkeit aus, 

da ihre Interventionen immer ortspezifi sch angelegt 

sind und sich auf eine ganz konkrete Situation 

beziehen. Sie leben von der Einmaligkeit ihrer 

Durchführung. Die Videofi lme, die von ihren 

Performances aufgenommen werden, funktionieren 

als eigenständige künstlerische Arbeiten, die 

über das Ereignis als solches hinaus bestehen 

bleiben. Als Beispiel, wie unterschiedlich Künstler 

heute mit der Frage nach der Dokumentation 

umgehen, führt sie in der Diskussion die Arbeitsweise 

des Künstlers Tino Sehgal an. Das Grundprinzip 

seiner Arbeit ist es, keine materiellen 

Dinge herzustellen – also auch keine Filmaufnahmen, 

Fotografi en oder Kataloge zu produzieren – 

um damit die Anforderungen des Marktes zu unterlaufen. 

Für Marina Abramović nimmt die Dokumentati- 

on ihrer Performances dagegen einen sehr wichtigen 

Stellenwert ein, denn nur so lässt sich die 

Erinnerung daran aufrechterhalten. Sie bedauerte 

es sehr, dass die Performance-Künstler in den 

1960er und 1970er Jahren so wenig Wert auf die 

Performances leben 

von der Einmaligkeit 

ihrer Durchführung 

Dokumentation ihrer Arbeiten legten. Die Erinnerungen 

an viele Performances diese Zeit gingen 

dadurch verloren. Die Wiederaufführung ist 

für sie eine Möglichkeit, die Erinnerung wach zu 

halten. Die Rolle des Künstlers in einer Performance 

ist für sie nicht unbedingt an die Person 

gebunden. Als Beispiel führte sie ihr Projekt Biography 

an, welches sie seit 1989 entwickelt. Sie 

bringt darin Teile ihres eigenen Lebens auf die 

Bühne und lässt die unterschiedlichen Rollen 

(auch ihre eigene) von Studenten und Schauspielern 

ausfüllen. Für sie spiele es keine Rolle, wer 

„performt“, es gilt nur, die spezifi sche Sprache 

der Performance zu erlernen. 

Die Performances von Stefanie Trojan (Künstlerin, 

Frankfurt/M. und München) lassen sich auch 

als soziale Interventionen begreifen die bestehende 

Normen und Regeln hinterfragen und das Publikum 

bzw. die Teilnehmer mit ihren eigenen 

Gewohnheiten konfrontieren. Für ihre oftmals im 

öffentlichen Raum stattfi ndenden Performances 

ist es ihr wichtig, nicht an die Dokumentation zu 

denken, da es den weiteren Verlauf beeinfl ussen 

könnte. Sie befürchtet, sie und die Teilnehmer 

könnten sich durch die Anwesenheit einer Kamera 

anders verhalten. 

Zum Abschluss des Symposiums-Tages gab es 

noch einmal die Möglichkeit, in der Kunsthalle 

Fridericianum die Videodokumentationen der 

Performance-Reihe Seven Easy Pieces zu sehen 

und in informeller Runde Diskussionen fortzuführen. 

Beate Anspach

FREITAG, 12. MAI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM 

Langer Abend in der Kunsthalle Fride 

3durch3. Reihe Sprachkunst mit Johannes Auer, Gundi Feyrer und 

Anlässlich der Finissage der Ausstellung weit 

weg und ganz nah von Gerhard Rühm fand am 

12. Mai 2006 in Kooperation mit dem Kunsttempel 

und der Stiftung Brückner – Kühner in der 

Kunsthalle Fridericianum eine Sonderveranstaltung 

der Reihe 3durch3 statt. Während sich die 

Ausstellung vor allem auf das bildkünstlerische 

Werk Rühms konzentrierte, stellte 3durch3 nun 

Wort, Bild und Klang 

seine literarischen Arbeiten in den Vordergrund. 

Zusammen mit Monika Lichtenfeld trug er neben 

älteren Texten der Sprech- und Lautpoesie auch 

neue Arbeiten vor und gab einen Einblick in die 

Entwicklungen seines Werkes. Gundi Feyrers Po- 

Links: Gundi Feyrer 

Rechts: Free Lutz! Internetperformance von 

Johannes Auer

icianum 

Gerhard Rühm 

SEITE 38 FREITAG, 12. MAI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM 

esie-Aufführung zeigte, auf welch ungewöhnliche, 

sinnliche und zugleich präzise Weise ihre 

Texte Wort, Bild und Klang ineinander verschränken, 

das heißt wie hier Beobachten, Sehen, 

Verstehen und Denken in ihrer Sprachlichkeit zusammenkommen. 

Johannes Auer veranstaltete 

Die Schauspielerin Christiane Maschajechi im Rahmen 

der Free Lutz! Internetperformance 

gemeinsam mit der Schauspielerin Christiane 

Maschajechi die Netzliteratur-Performance Free 

Lutz! unter Einbeziehung des Publikums, die den 

ersten computergenerierten Text aus den 1950er 

Gerhard Rühm 

Jahren neu inszeniert und so die veränderten 

Möglichkeiten für die Sprachkunst durch die 

Auseinandersetzung mit Digitalmedien vorführt. 

Fotos: Nils Klinger


Eine Flyer-Action von Endre Tót 

„Ich freue mich, dass wir Flyer verteilen können“


Zum Ende der Überblicksausstellung Semmi sem 

Semmi in der Kunsthalle Fridericianum führte 

Endre Tót am Samstag, den 13. Mai eine Flyer- 

Action in der Kasseler Innenstadt durch. Vor der 

Königsgalerie in der Königsstraße verteilte er – 

mit einer schwarzen Strumpfmaske über seinem 

Gesicht – zusammen mit Katrin Leitner verschiedene 

Flyer, die nur auf die Aktion als solche hinwiesen. 

Versehen mit dem Hinweis „Ich freue 

mich, dass wir Flyer verteilen können“ enthielten 

sie keine weiteren nützlichen Informationen. Sie 

verwiesen weder auf ein bestimmtes Angebot 

oder eine Veranstaltung, wie man das normalerweise 

von Flyern erwartet. Auf diese Weise ge- 

Die Polizei stellte sich 

der Aktion in den Weg 

lang es Tót, Irritationen bei den Passanten hervorzurufen 

und die Nützlichkeit der Vielzahl an 

täglichen Informationen, der wir ausgesetzt sind, 

zu hinterfragen. Aber nicht nur die Passanten 

wurden auf ihn aufmerksam. Die vom Sicherheitsservice 

der Königsgalerie gerufene Polizei 

wies ihn darauf hin, dass er sich einerseits auf 

Privatgrundstück befände und dort ohne Genehmigung 

keine Flyer verteilen dürfe und außerdem 

gegen das Vermummungsgesetz verstoße. 

Beate Anspach 

Fotos: Nils Klinger

3. JUNI - 26. NOVEMBER 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 42 

Fünf Tage bis zum Ende der Kunst 

Ein Projekt der Kuratorenwerkstatt Kunsthalle Fridericianum 

Unter das frei nach Joseph Beuys zitierte Motto 

5 Tage bis zum Ende der Kunst stellt die Kunsthalle 

Fridericianum ab Anfang Juni 2006 fünf 

Ausstellungen. In dieser Reihe, die thematisch 

und zeitlich ineinander greift, geben vier Mitglieder 

der Kuratorenwerkstatt und der künstlerische 

Leiter René Block in je eigenständigen Aus- 

Wie kann eine Kuratorenausbildung 

heute 

aussehen? 

stellungen Einblick in ihre aktuelle Arbeit. Der 

apodiktische Titel 5 Tage bis zum Ende der Kunst 

möchte hier keineswegs das schon so häufi g beschworene 

„Ende der Kunst“ proklamieren, sondern 

sucht nach den Bedingungen einer zeitgemäßen 

künstlerischen und kuratorischen Praxis. 

Welche gesellschaftliche und politische Relevanz 

hat zeitgenössische Kunst? Worin liegt die Zukunft 

des Ausstellens und Kuratierens? Wie kann 

eine Kuratorenausbildung heute aussehen? 

In Kassel 

Die Diskussion praktischer und theoretischer 

Fragen des Kuratierens und Ausstellens sowie die 

Umsetzung einer umfassenden Ausstellungskonzeption 

sind seit der documenta 5 von Harald 

Szeemann 1972 fester Bestandteil der internationalen 

Großausstellung und haben sich von hier 

aus schnell in alle Welt weiter getragen. Die Posi- 

Der künstlerische Leiter René Block mit den Mitgliedern der Kuratorenwerkstatt Thomas Niemeyer, Alina Şerban, 

Birgit Eusterschulte und Solvej Helweg Ovesen sowie der fi nnischen Mitarbeiterin Kaisa Heinänen (v.l.o.n.r.u) 

Foto: Nils Klinger 

tion des Kurators ist aus zeitgenössischen Ausstellungsprojekten 

heute nicht mehr wegzudenken. 

Das lässt sich nicht nur auf den starken 

Wunsch nach weiterer Professionalität zurückführen, 

sondern ist als Reaktion auf neue Anforderungen 

im Zusammenhang mit den Entwicklungen 

der zeitgenössischen Kunst zu sehen. 

Noch immer schwankt das gängige Kuratorenbild 

zwischen zwei gegensätzlichen Polen. Auf der einen 

Seite der Kurator als Künstler, der Ausstellungen 

im Sinne eines Gesamtkunstwerkes inszeniert 

– zu Lasten der Autonomie der Künstler – 

und auf der anderen Seite die Vorstellung des nur

3. JUNI - 26. NOVEMBER 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 43 

wenig eingreifenden und lenkenden Kurators, der 

den Künstlern das Feld überlässt. Diese Dichotomie 

aufzubrechen ist ein zentrales Interesse der 

Kuratorenausbildung bzw. deren Vermittlung 

nach außen sein. Kassel als Ort der documenta ist 

Ein Ort für neue Perspektiven 

und Ansätze 

in der Vermittlung der 

Kunstproduktion und 

des Kuratierens 

somit nicht nur ein wichtiger Ort für neueste Entwicklungen 

und Tendenzen der zeitgenössischen 

Kunst, sondern auch ein Ort für neue Perspektiven 

und Ansätze in der Vermittlung der Kunstproduktion 

und des Kuratierens. 

Die Kuratorenwerkstatt 

In diesem Sinne ist die Kuratorenwerkstatt die 

praktische Umsetzung der Idee René Blocks, an 

der Kunsthalle Fridericianum – als einer der 

großen internationalen Institutionen für zeitgenössische 

Kunst – einer jungen Kuratorengeneration, 

Wissen zu vermitteln und ihr die Möglichkeit 

zu geben, Erfahrungen zu sammeln und erste 

eigene Projekte zu realisieren. 

Seit 2003 nimmt die Kuratorenwerkstatt einen 

zentralen Bestandteil der Kunsthalle Fridericianum 

ein. Junge internationale Kuratoren und Kuratorinnen 

haben in dieser Zeit das Programm der 

Kunsthalle begleitet und um eigenständige Ausstellungsprojekte 

erweitert. Der Ansatz der Kas- 

seler Kuratorenwerkstatt ist die praxisnahe Einbindung 

junger Kuratoren in den kuratorischen 

Alltag der Institution Kunsthalle Fridericianum. 

Über den theoretischen Diskurs universitärer Kuratorenprogramme 

hinaus ermöglicht sie die Erprobung 

des eigenen kuratorischen Handelns und 

Experimentierens im Bereich der Ausstellung 

von der ersten Skizzierung einer Idee bis hin zur 

Realisierung der Ausstellung und unterscheidet 

sich hierin deutlich von anderen Programmen. 

Das Projekt 

Im letzten Jahr unter der künstlerischen Leitung 

von René Block und bevor die documenta 12 die 

Arbeit der Kunsthalle für ein Jahr unterbricht, 

geht die Kuratorenwerkstatt noch einen Schritt 

weiter und gestaltet mit einem gemeinsamen Projekt 

das gesamte Ausstellungsprogramm von Juni 

bis Dezember 2006. 

Die offene Struktur der Kuratorenwerkstatt ermöglicht 

es jedem Mitglied für die Reihe 5 Tage 

bis zum Ende der Kunst, eine eigene Ausstellungsidee 

zu entwickeln und umzusetzen. Der ge- 

Alle fünf Ausstellungen 

werden zeitlich 

ineinander greifen 

meinsame Dialog im Entstehungsprozess der individuellen 

Projekte schafft den Rahmen, der 

sich in der Struktur der Ausstellungsreihe niederschlägt. 

Alle fünf Ausstellungen werden zeitlich 

ineinander greifen und so auch die inhaltlichen 

Bezüge und Querverweise, die sich aus dem prozessualen 

und gemeinschaftlichen Arbeiten der 

Werkstatt entwickeln, sichtbar werden lassen. 

Gleichzeitig wird die Unterschiedlichkeit der individuellen 

Ansätze die verschiedenen Perspektiven, 

Interessen und Vorgehensweisen einer jungen 

Kuratorengeneration spiegeln. 

Auf den nächsten Seiten stellen wir Ihnen die einzelnen 

Ausstellungsprojekte und die neuen Mitglieder 

der Kuratorenwerkstatt ausführlich vor. 

Termine: 


03.Juni-16.Juli und 02.–17.September 

Die andere Seite 

28.Juni–16.Juli und 02.September- 03.Oktober 

indirect speech 

02.September–29.Oktober 

Yael Bartana. Amateur Anthropologist 

24.September–26.November 

Fremd bin ich eingezogen 

11.–26. November 

Die Austellung von René Block bleibt eine 

Überraschung

03. JUNI - 16. JULI + 02. - 17. SEPT 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 44 

Die Ausstellung undo redo ist dem Präfi x „re“ gewidmet: 

record, recode, reconstruct, repair, redo, 

repeat, reply, re-sample, re-create, represent, recover, 

revolve…Worum geht es bei der „Re-Kultur“, 

und warum ist es wichtig? 

Um gleich zum Schluss zu kommen, endet die 

Ausstellung mit einer neuen Fassung des Liedes 

Into the Void der britischen Heavy-Metal-Band 

Black Sabbath, die von einem Orchester in Los 

Angeles im Jahr 2006 aufgenommen und rückwärts 

gespielt und gesungen wurde. Deshalb ist 

das Werk keine bloße Wiederholung des Ozzy- 

Ozbourne-Liedes, sondern eine Zurückspulung 

und Rekontextualisierung der Geschichte des 

Lieds und seines Textes: 

“Rocket engines burning fuel so fast 

Up into the night sky they blast 

Through the universe the engines whine 

Could it be the end of man and time 

Back on earth the fl ame of life burns low 

Everywhere is misery and woe 

Pollution kills the air, the land and sea 

Man prepares to meet his destiny” 

(Black Sabbath, Into the Void, Master of Reality, 

1971) 


record, recode, reconstruct, repair, redo, repeat, reply, re-sample, re-create... 

Britische Heavy-Metal- 

Band Black Sabbath 

Mads Lynnerup, Untying a Shoe with an Erection, 2003, 

Still 

Der Titel der Ausstellung undo redo bezieht sich 

auf den kreativen Akt der gekoppelten De- und 

Rekonstruktion von einer schriftlichen Erzählung, 

von bestehenden Bildern oder von einem 

Musikstück. Dem rekontextualisierten Werk fügt 

Der kreative Akt der 

gekoppelten De- und 

Rekonstruktion 

der Künstler mit einer und derselben Bewegung 

eine refl exive Dimension zu. 

Also lädt undo redo das Publikum dazu ein, über 

diese als Komponenten einer sich ständig erweitenden 

Re-Kultur vorgeführten Prozesse und 

Praktiken nachzudenken und darauf zu reagieren. 

Entsprechend der Konzeption des Projektes gehören 

nicht nur Künstler, Kurator und Kritiker, son- 

Ein Angebot an das 

Publikum 

dern auch die Besucher der Ausstellung zu den 

Mitautoren. Nach dieser Vorstellung wird jede 

Ausstellung grundsätzlich bei jedem Besuch de- 

und rekonstruiert. In diesem Sinne ist undo redo 

ein Angebot an das Publikum, an der endlosen 

Recodierung und Bearbeitung der ausgestellten 

Werke teilzunehmen. 

Das Präfi x „re“ bedeutet „zurück, wieder oder 

weiter“. Die Ausstellung undo redo präsentiert 10 

Künstler, die sich alle mit der Tatsache auseinandersetzen, 

dass wir in der Informationsgesellschaft 

in einer „vorgemischten“ Welt leben – in 

der online Bilder, Texte und Musik überall, zu jeder 

Tageszeit zum Herunterladen, Ändern und 

Recodieren zur Verfügung stehen. Dies beeinfl 

usst die Produktion von Kunst und unsere Wahrnehmung 

davon – das bloße Wissen um die Möglichkeit, 

dass fast alle Informationen oder aufgenommenen 

Erlebnisse wiederholt und nachgeladen 

werden können, beeinfl usst unsere Erinne


rungen an die Welt und ihre Deutung und erzeugt 

eine Re-Kultur. Vor diesem Hintergrund ist undo 

redo zu verstehen. Wenn der Modernismus ‚das 

Neue‘, ‚das Originale‘ in der Kunst betonte, ist 

heute das Sampeln von bestehenden Materialien 

mit seinem Wiederholungsmoment (Recodieren, 

Montage, Zitieren) als genauso innovativ anerkannt. 

Re-Kultur 

Also bezieht sich Re-Kultur auf die vielen Arten 

und Weisen, wie die Menschen auf Informationen 

über das Gemachte, auf die benutzen Formen antworten, 

reagieren, wie sie zitieren. So werden 

verschiedene Wiederholungsmuster und -formen 

erfunden, z.B. das Recyceln von Materialien, die 

Re-Interpretation von vorhandenen Darstellungen 

und Liedern und das Neu-Zusammenschneiden 

von bestehendem Material. Was wie eine Wiederholung 

aussieht, ist es oft nicht, denn der kreative 

Akt besteht in der Auswahl von dem, was dargestellt 

werden soll (worauf Duchamp Anfang des 

20. Jahrhunderts hingewiesen hat) sowie in der 

Postproduktion (wie Bourriaud Anfang des 21. 

Jahrhunderts erläutert hat). 

Die Entwicklung von neuen, ethisch verantwortlichen 

Ansätzen im Umgang mit vorhandenem 

Material und im Gebrauch von Objekten ist selbst 

ein schöpferischer Akt. Von ihren „Bewohnern“ 

verlangt die Informationsgesellschaft zunehmende 

Bearbeitung – was einen aktiven, permanenten 

Auswahlprozess voraussetzt. undo redo 

beschäftigt sich mit der Wahrnehmung des Betrachters 

in Recodierungs- und Re-Interpretationsprozessen 

je nach Darstellungsart, je nach der 

„Logik der Mischung“, wie der Kurator Raimundas 

Malasauskas die Architektur eines Samplings 

nennt. Die Gefahr von postmodernistischem 

Eklektizismus besteht bekanntlich im 

Mangel an Ethik und dem dekontextualisierten 

und erinnerungslosen Vergleich von allem mit 

allem. Mit einfachen Technologien können Filme, 

Bilder und Lieder neu gemischt werden. Die 

Möglichkeit, eine eigene Fassung eines Lieds zu 

schaffen oder ein Lied mit einem anderen zu vermischen, 

wird zunehmend in Anspruch genommen. 

Diese Möglichkeit beeinfl usst, wie wir mit 

der Informationsrecherche, der Kreativität und 

der Geschichte zurechtkommen: Wie oft klicken 

wir jeden Tag auf „Rückgängig“, auf „Wiederherstellen“ 

oder auf „Kopieren“ und „Einfügen“? 

Wiederholung bedeutet Veränderung! 

Für die Ausstellung undo redo ist es aber wichtig, 

das Verwandlungspotenzial von Wiederholung 

und Zitieren herauszustellen als eine Art und 

Weise, nicht nur ein „Drehbuch“ oder eine bestehende 

Form zu kopieren oder nachzuahmen, sondern 

auch zu recodieren – um so neuen Sinn herzustellen. 

Hier sind der Stil und die Ethik von 

Wiederholung und Zitieren oder, wie man in der 

Sprachwissenschaft sagt, die „Iteration“ ein für 

eine „Typologie der Formen-Iteration“ relevantes 

Thema, wie es Derrida in sprachlicher Hinsicht 

in Signatur Ereignis Kontext (1971) vorschlägt: 

„… man hätte dann mit verschiedenen Arten von 

Zeichen oder Ketten von iterierbaren Zeichen zu 

tun und nicht mit einem Gegensatz von zitierten 

Von ihren „Bewohnern“ 

verlangt die Informationsgesellschaft 

zunehmende Bearbeitung 

Aussagen auf der einen Seite und singulären und 

originalen Aussagen-Ereignissen auf der anderen 

Seite.“ 

Vor diesem Hintergrund untersucht undo redo 

ausgewählte Formate von und Refl ektionen über 

„iterierbare Zeichen“ als Komponenten einer 

wachsenden Re-Kultur: Navigation in einer Welt 

von vorgemischten Informationen, die in den bildenden 

Künsten wie in der Musik und im Film 

ständig und oft sehr differenziert neu vermischt 

werden. 

Das „undo-redo“-Prinzip in Bezug auf bestehendes 

Bild- und Tonmaterial oder Text hat eine lange 

Tradition in der bildenden Kunst in der Form 

von Fotocollage, Filmmontage und Appropriati-


on in der Avantgarde-, Pop- und Konzeptkunst. 

undo redo ist ein zeitgenössisches Nachsinnen 

durch Wiederverwendung über Ideen, die die 

Erde – dank des Internets, heute schneller denn je 

– umkreisen und über die vielfältigen, tagtäglichen 

Möglichkeiten, geringfügige Veränderungen 

in der Welt zu erwirken. 

5 Hindernisse 

Inspiriert wird undo redo schließlich von dem 

Wie oft klicken wir 

jeden Tag auf „Rückgängig“? 

Film The Five Obstructions (2003) (5 Hindernisse) 

des dänischen Filmemachers Lars von Trier. 

In diesem Film (fünf Hindernisse) beauftragt 

er seinen Kollegen und Idol Jørgen Leth, sein 

Meisterwerk aus dem Jahr 1967 The Perfect Human 

unter Beachtung einschränkender Regeln 

fünf Male neu zu drehen. Der halb-dokumentarische 

Film zeigt Jørgen Leths neue Fassungen 

von The Perfect Human („Det perfekte 

menneske“) unter dem Einfl uss von fünf verschiedenen, 

auch für Leths’ Praxis als Filmema- 

Martha Colburn, Cosmetic Emergency, 2005 

Stills, Courtesy Galerie Diana Stigter 

cher hinderlichen Regeln. Diese Regeln sollen 

dazu dienen, Leths Meisterwerk auf vielen Ebenen 

zu dekonstruieren und zu rekonstruieren – 

beispielsweise bezüglich der Perfektionierung 

der Filmsprache eines Autors (Leth) und des 

Drehbuchs. Diese Hindernisse erweisen sich aber 

als hoch produktiv und anregend für den Arbeitsprozess 

von Leth. Was die umgesetzte künstlerische 

Strategie angeht, so zielt undo redo im Allgemeinen 

darauf, die für die Re-Kultur relevanten 

Herausforderungen von fünf zeitgenössischen 

Belangen aufzugreifen. Dies sind der postmoderne 

Eklektizismus der Sampling-Kultur, die Verteilung 

von Urheberschaft, die Schaffung von 

räumlichen und phänomenalen Erlebnissen, die 

die Recodierung verlangsamen und den körperlichen 

Aspekt der Wahrnehmung in Deutungsprozessen 

miteinbeziehen (sich selbst berechnen!). 

Eine weitere Herausforderung ist die Hinterfragung 

der mangelnden Ethik von Zitieren 

und Widerholen und die Suche nach immer neuen 

Wegen, Konventionen „rückgängig zu machen“, 

zu dekonstruieren. Ob die Kunstwerke diesen 

Herausforderungen gerecht werden, wird dem 

Betrachter überlassen. Im Folgenden werden die 

ausgestellten Werke in der Reihenfolge der Präsentation 

vorgestellt. 

Tino Sehgal, Großbritannien (*1976). In seinen 

performativen Werken, die weltweit in Museen 

gezeigt worden sind, refl ektiert Sehgal „Ideologien 

des Handelns“. Ausgehend von seinen Wur- 

undo redo ist ein zeitgenössischesNachsinnen 

durch Wiederverwendung 

zeln in den Performance-Künsten ist er dazu 

übergegangen, andere in die Aufführung seiner 

Werke einzuweisen – Schauspieler, Tänzer, 

Opernsänger, Kinder und Museumswärter. Dabei 

hat er sich noch weiter von den überkommenen


institutionalisierten Kategorien der Kunst entfernt, 

indem er keine Objekte, Dokumentationen, 

schriftlichen Anweisungen produziert oder Verträge 

mit zum Beispiel Schauspielern, Sammlern 

oder Museen abschließt. Zudem signiert er seine 

Werke (gedruckt, auf Papier) nicht; und indem er 

die Werke nicht selbst aufführt, lehnt er die Ge- 

Inspiriert wird undo 

redo schließlich von 

dem Film The Five 

Obstructions 

bundenheit des (Performance-)Kunstwerks an 

das ‚verkörperte Selbst’ des Künstlers ab. Die 

Anweisungen zu seinen Werken werden ausschließlich 

„von Körper zu Körper“ gegeben. 

This is New ist kein neues Werk von Tino Sehgal, 

es stammt aus dem Jahr 2003. Es wird durch das 

Museumspersonal an der Kasse aufgeführt. Gibt 

der Kassierer dem Besucher seine Eintrittkarte, 

sagt er gleichzeitig die Nachrichtenschlagzeile 

des Tages auf. Die sprachliche und inhaltliche 

Dichte der Schlagzeilen fallen in ihrer Absurdität 

auf – ist dies neu? 

Mads Lynnerup, Dänemark (*1976). In der Arbeit 

an sich selbst und der Anpassung an seine 

Umwelt fängt Mads Lynnerup die Absurdität des 

alltäglichen Lebens dadurch ein, dass er über alltägliche 

Gesten und über unsere diesbezüglichen 

Lucas Ajemian, Out of Nowhere / From Beyond, 2006, Courtesy Gallery Kirkhoff 

Annahmen refl ektiert. In undo redo präsentiert er 

eine Schleife von 4 kurzen Videos aus seinen Performance-Werken. 

In Running (Laufen) durchkreuzt 

er von Anfang an seine eigene Handlung, 

indem er das eine Bein an einen Baum mit einer 

Leine anbindet und losläuft bis die Leine ihn an 

den Stamm zurückzerrt. In Hat (Hut), das in Havana 

gedreht wurde, spult er die Herstellung eines 

Palmenblatthutes zurück - so als ob er die Ursprünge 

der Materialien zum direkt hinter ihm 

stehenden Baum zurückverfolgen würde, wodurch 

er eine schnelle, parodistische und fi ktive 

Verbindung mit seiner unmittelbaren Umgebung 

herstellt. In Tank (Panzer) hat Lynnerup eine 

Panzerattrappe aus Karton gebastelt und an ein 

Auto, mit dem er durch die Straßen San Franciscos 

fährt, befestigt – der Kopf ist dabei mit einem 

Topf als Helm durch das Dach gesteckt! Schließlich 

vertritt das Video Untying a Shoe with an 

Erection (Einen Schuh mit einer Erektion losbinden) 

…die Kategorie der Spannungskomödie. Die 

Kamera fi xiert den lose gebundenen rechten 

Turnschuh des Künstlers. Die erotische Handlung 

sehen wir nicht direkt. Der offensichtliche historische 

Bezugspunkt: Andy Warhols ereignisstrukturierter 

Film Blow Job aus dem Jahr 1963,


Melik Ohanian, Slowmotion, 2003, Courtesy the artist, Galerie Chantal Crousel und Yvon Lambert, New York, Foto: André Morin


wo „die vermeintliche Handlung im Off ausschließlich 

durch die Mimik des Empfängers erzählt 

wird“ (Kenneth Baker). 

Mariana Castillo Deball, Mexico (*1976). Never 

Odd or Even ist eine sich ständig ändernde 

Lesung von imaginären, noch nicht geschrie- 

Die Anweisungen zu 

seinen Werken werden 

ausschließlich „von 

Körper zu Körper“ 

gegeben 

benen Büchern, die in Zusammenarbeit mit Autoren, 

Kritikern und Dichtern entstehen. Diesmal 

hat Deball deutsche Schriftsteller dazu eingeladen, 

am Projekt teilzunehmen, das auf einem 

Multiple von 24 Buchdeckeln nichtexistierender 

Bücher basiert. Die 24 von verschiedenen Künstlern, 

Designern und Theoretikern entworfenen 

Buchdeckel werden als eine Publikation (Buch im 

Buch) präsentiert und weisen auf Themen wie Archäologie, 

zeitgenössische Gartenkunst, Magie, 

Geschichte der Technologie, Mystizismus, Reiseführer, 

Autobiographie, Archivierungstechniken 

oder Monumente in Bewegung hin. Never Odd or 

Even ist, z.B. in den Niederlanden, schon präsen- 

tiert worden. Jedes Mal werden neue Autoren eingeladen, 

3 oder 4 Buckdeckel auszuwählen und 

den Inhalt dazu zu entwerfen, den sie dann an 

einem besonderen Lesungsabend vortragen. Mit 

der Realisation von Never Odd or Even in Kassel 

sind die Autorin, Komikerin und TAZ-Kolumnistin 

Kirsten Fuchs, die Kulturtheoretikerin Katrin 

Soldjhu, die sich mit Selbst-Experimentierung 

und religiösen Praktiken beschäftigt, sowie 

der Dichter Jan Wagner betraut worden. Never 

Odd or Even fand an einem besonderen Jour Fixe 

im Foyer der Kunsthalle Fridericianum am 7. Juni 

um 17.00 Uhr statt. Das Projekt wurde auf einem 

eigens entworfenen Plakat im Foyer der Kunsthalle, 

wo zusätzliche Informationen zum Projekt 

vor und nach der Lesung zur Verfügung stehen 

werden, entfaltet. 

Martha Colburn, USA (*1971). Martha Colburn 

ist eine unabhängige Filmemacherin, die eine eigene 

Art von Filmcollage erfunden hat: Sie übermalt 

gefundenes Material (alles von Filmaus- 

Einen Schuh mit einer 

Erektion losbinden 

schnitten bis zu bekannten Gemälden), und auf 

diese Weise fügt sie dem vorhandenen Material 

eine Animationsschicht hinzu. Kein Bild ist ruhig 

oder heilig, wenn es zu einem ihrer Themen passt: 

in diesem Fall handelt es sich um die Anprangerung 

der zwanghaften und hedonistischen Selbstästhetisierungs-Manie 

unserer Tage. Cosmetic 

Emergency setzt sich in einer Collage von Live- 

Handlung und lyrischen Animationen mit der 

Idee der Schönheit auseinander. In freier Form 

werden die aktuelle Tendenz zur Obsession mit 

der Kosmetik sowie die unsterbliche Beschaffenheit 

der Malerei untersucht: Der Film ist auf der 

Suche nach dem, „was innen drin ist“. Malereiauf-Glas, 

gefundenes Material und dokumentarische 

Techniken werden benutzt, um aktuelle 

Nachrichten (dass zum Beispiel das US-Militär 

Lesung von imaginären, 

noch nicht 

geschriebenen Büchern 

Schönheitschirurgie gratis anbietet) und musikalische 

Filmsequenzen darzustellen.“ (Marijke 

Helwegen) 

Melik Ohanian, Frankreich (*1969). Das Werk 

SLOWMOTION (ZEITLUPE) besteht aus einem 

im Ausstellungsraum aufgestellten prähistorischen 

Rechner in der Form von fünf Lichtbret-


tern und einem einfachen Steuergerät, wo jedes 

Pixel von einer Glühbirne dargestellt wird. Der 

Besucher wird dazu aufgefordert, die Lichtbretter 

mit Buchstaben, Zeichen oder Wörtern zu codieren. 

Am Eröffnungstag erscheint das Wort „SLA- 

VE“ auf den Brettern und bei der Finnisage das 

Wort „VALSE“ als hypothetischer Fluchtpunkt, 

bevor das Werk erneut ausgestellt wird und der 

Verwobenheit von Zeit 

und Raum 

Prozess wieder anfängt. In der Zwischenzeit sind 

Besucher dazu eingeladen, an der Codierung des 

Lichtbretts mitzumachen und ihre Aussagen in 

fünf Wörtern oder Zeichen einzugeben. Im Allgemeinen 

setzten sich die Werke Melik Ohanians 

mit der Verwobenheit von Zeit und Raum, der 

Herstellung von Zeiträumen, den Abständen, die 

Kontinuitäten und Diskontinuitäten schaffen, 

auseinander. 

Susan Philipsz, Großbritannien (*1965). In ihrer 

viel länger als im Genre üblichen Interpretation 

des Punk-Schlagers aus den siebziger Jahren Something 

Better Change von The Stranglers wiederholt 

die schottische Künstlerin Susan Philipsz 

auf hypnotische Art und Weise den Refrain „I 

said something better change“. Nur von einem 

Gitarristen (Egill Sæbjörnsson) begleitet, isoliert 

Philipsz die Aussage Something better change als 

Mantra, wobei ihre steigende Intonation die Frage 

„Wird sich je etwas ändern?“ suggeriert. „Meine 

Arbeit befasst sich mit den räumlichen Eigenschaften 

von Klang und mit den Beziehungen 

zwischen Klang und Architektur. Was mich interessiert 

sind die emotionalen und psychischen 

Eigenschaften von Klang und wie er als Instrument 

zur individuellen Bewusstseinsveränderung 

eingesetzt werden kann. … Durch meine eigene 

Stimme versuche ich ein Bewusstsein im Hörer 

zu erwecken, seine Selbstwahrnehmung an einem 

Something better 

change 

gewissen Ort und zu einem gewissen Zeitpunkt 

vorübergehend zu verändern.“ (Susan Philipsz). 

Gabriel Lester, Niederlande (*1972). Gabriel 

Lester ist ein sehr geschickter Konzept-Sampler, 

der oft Kunstwerke, Filme oder Vorstellungen 

von anderen in seiner Arbeit sampelt und parallelisiert 

– nicht wie Sherry Levine, sondern eher 

wie Tarentino ohne Kamera! Im völlig post-produzierten 

Film All Wrong (Alles falsch) hat Lester 

zusammen mit dem Künstler und Kunstkritiker 

Aaron Schuster ein seltsames Drehbuch (allerdings 

mit einem klassischen narrativen Anfang 

und Ende) für einen Film mit Bildern und Filmsequenzen 

aus dem Internet geschrieben. Zudem


scheint es für die seltsamen Funde, die man im 

Internet machen kann, geschrieben zu sein. Allerdings 

basiert der Film auf einer sehr genauen 

Auswahl von gefundenem Material, sporadischen 

Floating-Images und Amateur-Film-Clips, die, 

zum Film zusammengefügt, alle Dreharbeiten erübrigen. 

Die Frage ist, ob die Geschichte oder der 

Film „ganz falsch“ ist, wenn die Bilder aus dem 

immensen Datenfundus des Internets heruntergeladen 

werden. 

Ján Mancuška, Slowakei (*1972). Jana’s Story 

ist eine sehr persönliche Geschichte, die in konzeptueller 

Form erzählt wird. Beim Lesen des in 

Augenhöhe waagerecht auf Drähten aufgehängten 

Wie Tarentino ohne 

Kamera! 

metallenen Textes durchquert der Betrachter den 

Ausstellungsraum. In seiner Arbeit richtet sich 

die Aufmerksamkeit Jan Mancuškas auf Sprache, 

Interpretation und Architektur. Das Werk Jana’s 

Story besteht aus neun Sätzen, die einen trauma- 

Waagerecht auf 

Drähten aufgehängter 

metallener Text 

tischen, von einer Frau erlebten Vorfall aus verschiedenen 

Perspektiven erzählen. 

/ sie blieb länger als sie eigentlich wollte und 

musste also den Nachtzug nehmen sie war etwas 

nervös also haben sie sie zum Zug begleitet / 

/ sie setzt sich neben ein Mädchen sitzt allein im 

Abteil und nach einer Weile erzählt sie ihr / 

/ dass jemand sie vergewaltigt hat aber es hört 

sich seltsam an als ob sie eigentlich nicht darüber 

hat reden wollen also zieht sie es vor von ihr keine 

Notiz zu nehmen und schweigt die verbleibende 

Zeit / 

Mancuškas Werk beschäftigt sich mit den vielen 

verschiedenen Möglichkeiten, die Welt zu beschreiben 

und diese Beschreibung in die Echtzeit 

und in den Echtraum des Betrachters zu übermitteln. 

Indem der Betrachter die Geschichte als Installation 

im Gehen liest, wird er zum Koproduzenten 

einer persönlichen Fassung von den 

Geschehnissen. Während sich „Janas Geschichte“ 

zu einem anderen Zeitpunkt und an einem anderen 

Ort als die Installation ereignet, lässt die 

Tatsache, dass der Betrachter in seiner eigenen 

Zeitdimension in der räumlich ausgebreiteten Geschichte 

körperlich herumwandert, die mehrfachen 

Temporalitäten und die komplizierte Erzählung 

auf faszinierende Art und Weise in einem 

und demselben Ausstellungsraum aufscheinen. 

Kristine Roepstorff, Dänemark (*1972). When 

You Light a Lantern in Summernight Strange 

Things Come Flying! (Wenn Du eine Laterne anzündest 

in einer Sommernacht, kommen seltsame 

Dinge angefl ogen!) So heißt eine explosive Collagen-Installation, 

die Kristine Roepstorff für die 

Kunsthalle Fridericianum entwickelt hat. Aus einer 

Ecke des Ausstellungsraumes strahlt eine hel-

le Sonne (als Wandbild) – von einer Collagenkonstellation 

überragt, die populistische Eye- 

Flies, verlorene Wahrheiten, Politiker und gekippte 

Machtspiele in den Museumsraum schleudert. 

Jede Collage erzeugt eine eigene, vorübergehende 

Erzählung aus Zeitungs-, Pappe- und Illustriertenausschnitten, 

die im ureigenen „Appropriarranging“-Stil 

der Künstlerin gestaltet 

sind. „Appropriarranging“ – eine Zusammensetzung 

aus „Appropriation“ (Aneignung) und „Arranging“ 

(Anordnen) – ist eine Art handwerkliche 

Sinnproduktion, die als „Aneignung der Welt, so 

wie ich sie anordnen kann“, defi niert werden 

könnte. Die ausgestellten Collagen stammen aus 

verschiedenen Werkserien der Künstlerin. Parliament 

contra Ships (Parlament gegen Schiffe), 

zum Beispiel, stammt aus einer Reihe, in welcher 

die Schifffahrt den neoliberalen Wirtschafts- 

wind, der um die Welt weht, symbolisiert. Eel of 

Unfortune (Aal des Unglücks) und Dawn upon 

Europe (Morgendämmerung über Europa) befassen 

sich zusammen mit der Collage, die der Installation 

ihren Titel gibt When You Light a Lantern 

in Summernight Strange Things Come Flying 

unmittelbar mit der populistischen Welle, auf 

der sich europäische Parlamente gegenwärtig 

wiegen. Parliament (Stop Woman) (Parlament 

(Halt Frau)) könnte als Sinnbild für Roepstorffs 

feministisches Anliegen verstanden werden. 

Lucas Ajemian, USA (*1975). Um zum Ausgangspunkt 

dieses Artikels zurückzukommen, 

kommentiert der Künstler Lucas Ajemian sein 

Musikstück Out of Nowhere/From Beyond (Von 

nirgendwo/von jenseits), welches das Black-Sabbath-Lied 

Into the Void rückwärts spielt: „Einige 

Dinge, die ich in den letzten Jahren gemacht habe, 

03. JUNI - 16. JULI + 02. - 17. SEPT 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEIT 

Aal des Unglücks 

Ján Mancuška, A Fragment of asynchronised History: Jana’s Story 1/2, 2004, Courtesy Andrew Krebs Gallery 

sind appropriativ und haben mit „De-Artikulationen“, 

wie ich sie nenne, zu tun. Im Grunde ist 

das Projekt Out of Nowhere/From Beyond der 

Versuch, ein neues Musikstück zu schaffen, das 

sich allerdings von einem bestehenden ableitet; 

aber in dieser Hinsicht empfand ich es als witzig, 

das Vorhaben im Sinne einer globalisierten Folk- 

Tradition anzugehen. Die Idee stammt eigentlich 

vom Lied selbst. Es ist wohl eines der coolsten 

Black Sabbath Lieder, die es gibt, und sein Thema 

ist riesig und mahnend und letzten Endes vollkommen 

utopisch. Und dann gibt es den Titel 

INTO the Void – „INS Nichts“ – eine Art Drang 

ins Unwahrnehmbare und zu einem unbekannten 

Ort/Nichtort, den man nicht erleben kann – dann 

habe ich mir vorgestellt, wenn man die Richtung 

des Lieds umdreht, hätten wir eine orphische 

Rückkehr. Ich habe mir auch die Arbeit von Yves 

Klein angeschaut und sein Werk Theatre of the 

Void – in welchem er einen Tag im Jahre 1960 zu 

einer diffusen, in einer „Sunday“ genannten Zeitung 

diesen Datums dokumentierten Darbietung 

des Alltags erklärte. Irgendwie sind Aufnahmen 

von Black Sabbath, Judas Priest oder Led Zeppelin 

dazu bestimmt, rückwärts gespielt zu werden 

– das war so eine Sache mit den Hard-Rock- 

Gruppen jener Zeit und dem Reiz, den das Okkulte 

auf die Popkultur ausübt und auch der Verfolgungswahn 

einer korrupten Jugend, der unterschwelligen 

Botschaften – es ist als ob es einen 

inhärenten Glauben an eine wie auch immer gestalteten 

geheimen, fragwürdigen Kodex gäbe.“ 

Kuratiert von Solvej Helweg Ovesen

Die Kunst gibt zuweilen den Blick darauf frei, 

dass die Welt der Menschen eine genau so disparate, 

wunderliche und absurde ist, wie wir uns das 

vielleicht schon immer gedacht haben. Das ist insofern 

eine unbequeme Erkenntnis, als wir normalerweise 

darauf bedacht sind, stets die Dinge 

mit Hilfe unseres Wissens und unseres Urteilsvermögens 

sinnvoll zu ordnen. Nur die Klarheit 

gibt Sicherheit und macht handlungsfähig – jedenfalls 

glauben wir daran und wollen deshalb 

immer gerne wissen woran wir sind. Für die 

Kunst geht es jedoch gar nicht darum, dass wir 

endlich die Wahrheit erfahren sollten, und genau 

genommen wäre das sogar ein historisches Miss- 

verständnis mit der Aufklärung. Zwar teilen 

Künstler natürlich eine generelle Neugier der 

Menschen an der Welt und am Dasein, doch es 

fällt auf, dass gerade die Kunst die Wirklichkeit 

nicht erklärt, sondern häufi g genug ein Ausdruck 

des Staunens über deren Rätselhaftigkeit ist. Dagegen 

ist die alltägliche, von den Medien bestimmte 

und alles durchdringende Bildkultur 

schon seit langem wesentliche Trägerin unseres 

Zeitwissens und das, obwohl die meisten Menschen 

noch immer wenig Ahnung vom Wesen jener 

Bilder haben, mit denen sie leben müssen. 

Die andere Sei 

28. JUNI - 16. JULI + 02. SEPT. - 03. OKT. 06 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM 

Henry VIII‘s Wives | Jens Kloppmann | Susanne Kutter 

Woran wir sind

te 

SEITE 54 

| Julien Maire | Pia Maria Martin 

Henry VIII‘s Wives, aus der Serie Ironic Moments, 1999, 

Courtesy Galerie Iris Kadel, Karlsruhe 

28. JUNI - 16. JULI + 02. SEPT. - 03. OKT. 06 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM 

Siegfried Kracauer attestierte dem heraufziehenden 

visuellen Zeitalter bereits in den 1920er 

Jahren, als das Fernsehen noch nicht einmal in 

Sicht war, dass noch niemals eine Zeit so viel und 

zugleich so wenig über sich gewusst habe. Man 

Wenig Ahnung vom 

Wesen jener Bilder 

muss nicht Medienwissenschaftler sein um zu erkennen, 

dass sich dieser paradox wirkende Befund 

seitdem noch verschärft hat. Die Künstlerinnen 

und Künstler dieser Ausstellung sezieren 

nicht die Wahrheit, sondern sie transformieren 

Bilder oder Bildvorstellungen, wie sie längst Teil 

des gesellschaftlichen Prozesses der Entstehung 

und Vermittlung von Wissen und Meinung sind. 

Das können entweder Bilder aus Journalismus, 

Kunst oder Werbung sein, aber auch solche aus 

den so genannten bildgebenden Verfahren der 

Wissenschaft. Sie kehren dabei den Herstellungsvorgang 

um, oder sie nehmen diesen allzu wörtlich, 

oder sie bringen Bildwelten zusammen, die 

scheinbar nichts miteinander zu tun haben. Vor 

allem aber verändern sie bildnerische Funktionsweisen 

mal spielerisch, mal mit Ironie und mal 

mit Sinn für das Absurde. Mit jeder Transformation 

entstehen neue Wirklichkeiten, aber auch 

Widersprüche. Allerdings werden uns diese nicht 

demonstrativ und entlarvend serviert und schon 

gar nicht mit der Absicht, sie für uns aufzulösen. 

Das geschieht offensichtlich vielmehr produktiv, 

lustvoll und mit der ganzen souveränen Freiheit 

der Kunst, die Komplexität des Bilderkosmos immer 

noch erweitern zu können. Und wenn man als 

Betrachter das Staunen teilen möchte, dann kann 

man entdecken, dass auch die vermeintlich selbstverständlichsten 

und klarsten Dinge stets noch 

eine andere Seite haben und natürlich, dass Bilder 

auch Realitäten schaffen. Der Wissenschaftsphilosoph 

Paul Feyerabend, ein Bewunderer von 

Marcel Duchamp übrigens, sagte es so: „Gegen 

die Vernunft habe ich nichts, ebenso wenig, wie 

gegen Schweinebraten. Aber ich möchte nicht ein 

Leben leben, in dem es tagaus tagein nichts anderes 

gibt als Schweinebraten.“ 

Jens Kloppmann, Fries, 2006, 

Sperrholz (Detail)

28. JUNI - 16. JULI + 02. SEPT. - 03. OKT. 06 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 56 

Die Künstlergruppe Henry VIII‘s Wives wurde 

1997 in Glasgow von Rachel Dagnall, Robert 

Grieve, Sirko Knüpfer, Simon Polli, Per Sander 

und Lucy Skaer gegründet. Die Ideen zu ihren 

Momente absurden 

Humors 

zahlreichen gemeinsamen Projekten entzünden 

sich meist an vorgefundenen Geschichten, Bildern, 

historischen und aktuellen Ereignissen oder 

auch an räumlichen Situationen. In ihren einzel- 

Henry VIII‘ Wives, aus der Serie: Ironic Moments, 1999, 

Courtesy Galerie Iris Kadel, Karlsruhe 

Jens Kloppmann, Luftkampf, 2004 

Jens Kloppmann, aus der Serie: Im fotografi schen Exil 

(Rache für Trotzki), 2002 

nen Arbeiten treffen häufi g Motive oder Erzählweisen 

aufeinander, die auf den ersten Blick 

überhaupt nichts miteinander zu tun haben, woraus 

dann nicht nur überraschend Neues entsteht, 

sondern mitunter auch Momente absurden Humors. 

Jens Kloppmann misstraut seit jeher den vordergründigen 

Bedeutungen von Begriffen und Bildern 

und hat daraus zwei ganz unterschiedliche 

künstlerische Konsequenzen gezogen. Auf der einen 

Seite arbeitet er mit den auf das Wesentliche 

reduzierten Methoden der Konkreten Kunst. Dem 

steht bei ihm eine lange Reihe künstlerischer Ca-


Susanne Kutter, Flooded Home, 2003, stills, Courtesy Galerie Stefan Rasche, Münster

ne Bildmaschinen refl ektieren die bildnerische 

Krise der Moderne, die sich aus der analytischen, 

wissenschaftlichen und vermeintlich objektiven 

Verwendung neuer Bildtechniken wie der Fotografi 

e und dem Computer ergeben hat. Indem er 

das Unsichtbare sichtbar macht, gibt er der Technologie 

und damit aber auch dem Bild einen poetischen 

Sinn zurück. Dabei schlüpft er für das 

staunende Publikum in eine ähnliche Rolle, wie 

sie früher ein Magier oder ein Gaukler innehatte. 


Susanne Kutter, Le Jardin de Fanny, 2000 

Courtesy Galerie Gianluca Ranzi, Antwerpen 

priccios gegenüber, die den Dingen zu Leibe rücken, 

indem sie zum Beispiel die Form oder den 

Inhalt bis auf einen tautologischen Kern reduzieren, 

oder aber, indem sie den bildnerischen Spieß 

herumdrehen. 

Susanne Kutter ist in einer geradezu destruktiven 

Liebe jenen Idyllen verbunden, in denen die 

Menschen sich gerne irgendwann einrichten oder 

Die totale Katastrophe 

die zum Repertoire der unterschiedlichsten Träume 

und Klischeevorstellungen gehören. Ihre Installationen 

und Videos zeigen subversive Eingriffe 

in heile Welten, und das nicht nur in solche 

von Spießern, sondern eben auch von jenen, die 

vielleicht von sich meinen, sie stünden darüber. 

Hin und wieder münden die Szenarien ihrer 

Werke dabei sogar in die totale Katastrophe. 

Julien Maire ist ein Materialforscher und Erfi nder. 

Seine Fotografi en, Objekte und vor allem sei- 

Pia Maria Martin dreht Trickfi lme in klassischer 

Pia Maria Martin, marche au supplice, 2004, still 

Courtesy Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart


Stop-Motion-Technik und mit analogem Filmmaterial. 

Ihre Motive stammen ursprünglich aus der 

sehr realen Welt der Alltagsdinge, entweder aus 

der Gegenwart oder auch aus der Kunstgeschichte, 

dem Genre des Stilllebens etwa. Doch die stets 

fi ktiven und oft mit schwarzem Humor gewürzten 

Geschichten enthalten dabei noch einen ab- 

Sie spielen mit der Zeit 

strakten Aspekt der vor allem auch in der Form 

sehr spezifi sch auf das Medium Film bezogen ist: 

sie spielen mit der Zeit, zeigen sie als Prozess der 

Veränderung oder aber machen ihren Ablauf sogar 

rückgängig. 

Kuratiert von Thomas Niemeyer 

Pia Maria Martin, Kalakeittos, 2003, still 

Courtesy Galerie Reinhard Hauff, Stuttgart 

Julien Maire, Les Instantanés, 1998, still


Interview mit Thomas Niemeyer 

Thomas Niemeyer 

Geb. 1967, lebt und arbeitet in Kassel und Hanau 

Studium: 

1988 – 1996 Studium der Kunstwissenschaft, Erziehungswissenschaft 

und Medienwissenschaft 

an der Universität Kassel und der Université de 

Bourgogne, Dijon 

2004 Promotion an der Universität Kassel 

Tätigkeiten: 

1997 – 1999 Assistent in der Galerie Françoise 

Knabe in Frankfurt/Main 

1998 – 2003 Wissenschaftlicher Mitarbeiter an 

der Kunsthochschule Kassel 

seit 2004 Kuratorenwerkstatt Kunsthalle Fridericianum, 

Mitarbeit unter anderem an der 5. Cetinje 

Biennale (2004) und der Ausstellung behind 

the facts. interfunktionen 1968 – 1975 (2005) 

Du warst von 1998 bis 2003 wissenschaftlicher 

Mitarbeiter im Studiengang Kunstwissenschaft 

an der Kunsthochschule Kassel. Ob an der 

Hochschule oder an der Kunsthalle, in beiden 

Fällen nimmt die Vermittlung von zeitgenössischer 

Kunst einen wichtigen Stellenwert ein. 

Aus deinen Erfahrungen an beiden Institutionen: 

welche Tendenzen in der Vermittlung 

zeitgenössischer Kunst lassen sich feststellen 


und sind sie anwendbar auf beide Bereiche? 

Vermittlung wird in unserem Zusammenhang ja 

gerne als didaktische Zulieferung von Informationen 

verstanden. Dabei ist das Vermitteln eigentlich 

ein sensibler Vorgang im Sinne einer Herstellung 

von Verbindungen. Man denke da nur an die 

Diplomatie. Meine Erfahrung mit Kunstvermittlung 

hat mich jedenfalls gelehrt, dass diese immer 

ganz wesentlich darin besteht, Dialoge zu 

ermöglichen und zu pfl egen, denn das Studium an 

einer Kunsthochschule ist letztlich genauso eine 

Erfahrungen und 

Wissen bedingen sich 

immer gegenseitig 

soziale Erscheinung wie eine Kunstausstellung, 

und Wissen muss man sich ohnehin selbständig 

aneignen. Wichtig ist deshalb vor allem die Frage, 

warum man sich überhaupt mit zeitgenössischer 

Kunst auseinandersetzen soll. Wenn man 

zum Beispiel bedenkt, dass heute ein großer Teil 

unseres Wissens und unserer Kultur sich unhinterfragt 

über Bilder aller Art konstituiert, dann 

kann man zeitgenössische Kunst als wertvollen 

Freiraum nutzen, um Erfahrungen und Gedanken 

darüber auszutauschen, was das Wesen von Bildern 

ist, wie wir mit ihnen leben und welche Rolle 

sie dabei spielen können, ganz reale Aspekte 

der Welt der Menschen zu verstehen. Während es 

nun in der Kunstwissenschaft darauf ankommt, 

anhand des Gesehenen sprachliche Qualität zu 

entwickeln, ist die Ausstellung der Ort beziehungsweise 

das Ereignis, wo etwas sichtbar wird.


Beide Formen sind aber viel enger miteinander 

verknüpft, als der oft bemühte Gegensatz von 

Theorie und Praxis suggeriert. Erfahrungen und 

Wissen bedingen dabei immer einander gegenseitig, 

und beides bietet gleichermaßen die Chance 

zu erkennen, was andere Menschen mit Bildern 

bewegt. Und beides ist natürlich auch ein Weg, 

für diejenigen eine Brücke zur zeitgenössischen 

Kunst zu bauen, die mit ihren Formen nicht so 

vertraut sind. Nur ist gerade das ein ungeheuer 

schwieriges Unterfangen, für das es wahrscheinlich 

kein sicheres Rezept gibt, das aber, soviel 

steht fest, immer sowohl mit Sehen zu tun hat als 

auch mit Zuhören, Nachdenken und Sprechen. 

Du hast bereits 2004/2005 im Team der Kunsthalle 

Fridericianum gearbeitet und unter anderem 

die Ausstellung behind the facts. interfunktionen 

1968 – 1975 mit betreut. Im Juni 

2006 wirst du im Rahmen der Ausstellungsreihe 

5 Tage bis zum Ende der Kunst ein eigenes 

Ausstellungsprojekt realisieren. Welche Erwartungen 

hast du an die Mitarbeit in der Kuratorenwerkstatt 

in der Kunsthalle Fridericianum? 

Was reizt dich an der Arbeit? 

Die Arbeit an meinem aktuellen Projekt unterscheidet 

sich in den Abläufen eigentlich nicht wesentlich 

von dem, was ich vorher für die Kunsthalle 

gemacht habe. Zwei Aspekte sind jedoch 

anders. Zum einen ist es sehr spannend, in einem 

bedeutenden Haus, wo es große Erfahrung und 

professionelle Bedingungen gibt, für eine Ausstellung 

konzeptionelle und organisatorische 

Verantwortung zu übernehmen, und zugleich ist 

es ein wunderbares Privileg, auch die Kunst dafür 

aussuchen zu dürfen. Die andere Sache ist ein wenig 

subtiler, aber nicht weniger wichtig: Bei der 

sehr prominent besetzten Ausstellung zu „interfunktionen“ 

nahmen vor meinen Augen Dinge 

aus den 1960er und 70er Jahren Gestalt an, mit 

denen ich mich bisher nur aus der Ferne, mit Hilfe 

von Texten und Reproduktionen befasst hatte, 

die gleichwohl für meine Arbeit als Kunstwissenschaftler 

in den letzten Jahren ganz zentral waren. 

Ich stand also plötzlich einer ganzen Reihe 

meiner künstlerischen Helden und ihren Werken 

leibhaftig gegenüber. 

Jetzt sind dagegen die von mir eingeladenen 

So einfach kann es 

gehen 

Künstlerinnen und Künstler in meinem Alter und 

jünger, das heißt, sie schauen aus der gleichen 

aktuellen Situation wie ich auf die vergangene 

Kunstentwicklung, und ich kann sagen, ich genieße 

diese Zusammenarbeit. Und dann ist da ja 

nicht zuletzt dieses besondere Projekt der Kuratorenwerkstatt, 

ein junges Team mit sehr verschiedenen 

Ausbildungen und Berufswegen, das 

dennoch ohne Probleme eine ganze Ausstellungsreihe 

auf die Beine stellt, in welcher auch der Zusammenhang 

nicht verloren geht. Man möchte 

mit Blick auf eine international wachsende Diskussion 

um relevante Inhalte von Kuratorenausbildung 

sagen: So einfach kann es gehen. 

In deiner wissenschaftlichen Arbeit beschäftigst 

du dich schwerpunktmäßig mit Fotografi e, 

den historischen als auch den aktuellen Entwicklungen 

und Tendenzen. Welchen Einfl uss 

hat dieses primär theoretische Interesse auf 

dein kuratorisches Arbeiten? 

Texte und Ausstellungen haben dasselbe Objekt 

der Begierde. Ich weiß, ehrlich gesagt, gar nicht 

genau, was für mich zuerst da war. Ich glaube 

nur, dass es ein Fehler wäre, ausschließlich aufgrund 

sprachlichen Mitteilungsbedürfnisses eine 

Ausstellung zu konzipieren. Wenn ich über ein 

Thema genauso gut einen Essay schreiben könnte, 

dann sollte ich keine Kunstausstellung dazu machen. 

Ansonsten bestünde die Gefahr, dass 

Kunstwerke nur als Illustrationen vorgeführt werden, 

und nebenbei würde damit der Irrglaube genährt, 

Kunst müsse unbedingt eine Botschaft enthalten. 

Wenn ich wissen will, wie die politische 

oder gesellschaftliche Situation irgendwo in der 

Welt sich entwickelt, dann greife ich lieber zur 

Zeitung oder lese ein Buch darüber. Das mit der 

Fotografi e ist auf jeden Fall eine persönliche Vorliebe, 

es hat jedoch sicher auch damit zu tun, dass 

man beizeiten das Gefühl bekommt, man müsse 

sich auf irgendeinem Gebiet mal als Spezialist 

profi lieren. Aber unabhängig davon, ob man zu


einem Thema immer wieder zurückkehrt, ist es 

schon interessant, wie sich die Dinge entwickeln, 

wenn man sie nur lässt. Zum Beispiel habe ich als 

Abschluss meines Studiums einen langen Essay 

zu Man Rays Malerei geschrieben und erst da- 

Das Objekt der 

Begierde 

durch wirklich Zugang zu seinem fotografi schen 

Werk gefunden (bei ihm selbst war die Reihenfolge 

übrigens die gleiche). Bei der Arbeit an meiner 

Dissertation bin ich dann über die Fotografi e zu 

einer intensiven Auseinandersetzung mit konzeptueller 

Kunst gelangt. Inzwischen brüte ich über 

einem neuen Buch, das sich um den Begriff 

„Sampling“ dreht. Ich kann aber nicht genau sagen, 

ob das etwas mit meiner Ausstellung im Fridericianum 

zu tun hat. 

Von dir ist 2004 das Buch You Press the Button. 

Fotografi e und Konzeptkunst erschienen. 

Welche Entwicklungen zeigst du darin auf? Zu 

welchen zentralen Aussagen führen deine Untersuchungen? 

„You Press the Button, We Do the Rest“ – Dieser 

Satz von George Eastman war 1888 in doppelter 

Hinsicht der Ausdruck einer Revolution, weil er 

erstens nicht der Feder eines Kunsthistorikers 

entstammte, sondern der Werbeslogan eines Unternehmens 

war. Zweitens sprach er von nichts 

Keine Werke der 

bildenden Kunst 

geringerem, als dass die Kunst offenbar gerade 

ihr jahrhundertealtes Monopol der Bildherstellung 

an alle Menschen verloren hatte, die den 

Knopf eines Fotoapparates drücken konnten. Tatsächlich 

sind heute ungeachtet der Forderung “Jeder 

Mensch ein Künstler” 99 Prozent der weltweiten 

Bildproduktion defi nitiv keine Werke der bildenden 

Kunst. Mich hatte schon lange irritiert, 

dass es mittlerweile zwar Berge an kunstge-


schichtlicher Literatur darüber gibt, wie die Fotografi 

e sich zur Kunst entwickelt hat – als wäre das 

eine Aufholjagd gewesen, um mit der Malerei 

gleichzuziehen – kaum aber fundierte Untersuchungen, 

wann und wie eigentlich die Kunst auf 

den oben beschriebenen Zustand eine passende 

Antwort gefunden hat. Der Schlüssel zum Verständnis 

dieses Prozesses sind die 1960er Jahre 

und die damals sichtbar gewordene, sehr weit reichende 

Befreiung der künstlerischen Formen. 

Damals rückten die Massenmedien praktisch zur 

gleichen Zeit in den Blick von Gesellschaft, Wissenschaft 

und Kunst. Die Konzeptkunst war es 

dann, die sich der seit längerem schon gängigen 

Praxis der Bildmedien entsprechend die Frage 

nach dem Verhältnis von Original und Reproduktion 

zu Eigen machte. 

Ein einfaches Beispiel: Die in einem Buch abgedruckte 

Fotografi e eines Gemäldes von Rubens 

Eine Idee existiert ja 

wohl nur im Kopf 

lässt ein eindeutiges Urteil darüber zu, was das 

Original ist. Das Museum hat es, ich aber nicht. 

Dieses Original existiert auch dann, wenn es im 

Depot steht und niemand es anschauen kann. 

Doch was oder wo ist das Original des gedruckten 

Pressefotos von einer Ausstellungseröffnung, 

oder gar der Übertragung eines Fußballspiels im 

Fernsehen? Oder was ist, wenn nur die Beschreibung 

einer künstlerischen Idee publiziert wird? 

Ein Ereignis als solches kann man nicht aufheben 

und eine Idee existiert ja wohl nur im Kopf. Die 

wirklich bahnbrechende Antwort der Konzeptkunst 

lautete: Dem traditionellen Original, das 

man im Museum aufsuchen muss, entspricht stets 

aufs Neue jene Situation, in der ein Betrachter 

mittels Bildmedium eine aktuelle Verbindung mit 

einer künstlerischen Idee beziehungsweise einem 

Ereignis herstellen kann. Mein Buch erläutert 

diesen Gedanken ausführlich in zwei Teilen, von 

denen wie gesagt der eine beschreibt, wie die bildende 

Kunst im 20. Jahrhundert allmählich auf 

die Bildwelt der Massenmedien zuging. Der andere 

Teil zeigt an einer Reihe von Beispielen, 

welche spezifi schen Eigenschaften des fotografi 

schen Bildes es waren, die diese Entwicklung 

erst ermöglicht haben.

02 SEPT. - 29. OKT. 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 64 

Der Wert von Denkbruchstücken ist umso entscheidender, 

je weniger sie unmittelbar an der 

Grundkonzeption sich zu messen vermögen. 

Walter Benjamin (1925) 

Die Ausstellung indirect speech (Indirekte Rede) 

basiert auf sieben individuellen Geschichten, die 

sich mit der Übersetzung in der Produktion von 

kulturellen Formen beschäftigen. In diesen Formen 

codifi ziert sind Inhalte aus verschiedenen 

offenen Quellen (Disziplinen), die verschiedene 

Themen oder Charaktere analysieren oder erörtern. 

Der Schwerpunkt liegt weder auf einer Typologie 

der Quellen noch auf der konkreten, vom 

Künstler bestimmten Handlung zur Umfunktionalisierung 

des Quellenmaterials, sondern auf 

ihrer Deutung, Handhabung oder Übertragung; 

hingewiesen wird auf das, was im Übersetzungsprozess 

verloren geht, auf das, was ein Kunstwerk 

nicht völlig einfangen kann oder was ein Künstler 

hinzufügt um den Prozess zu vervollständigen. 

indirect speech befasst sich mit dem Verständnis 

indirect speech 

Nevin Aladag | Victor Alimpiev | Ştefan Constantinescu | Ciprian Mureşan | 

Ioana Nemeş | Ovekk_Finn | Pablo Pijnappel 

eines Kunstwerks als eines indirekten Sprechakts 

– Ergebnis eines Übersetzungsprozesses von einer 

Sprechakt-Form in eine andere. Die Aufmerksamkeit 

soll auf das, was während der Codi- 

Ergebnis eines Übersetzungsprozesses 

von 

einer Sprechakt-Form 

in eine andere 

fi kation der Quelle in der gegebenen Kunstform 

passiert, gerichtet werden. Das Projekt durchleuchtet 

das Problem von Verstehen/Missverstehen 

in der Kunst, wie wir den unmöglichen Bruch 

zwischen dem, „was gesagt wird“, und dem, „was 

präsentiert wird“, artikulieren. 

In der Ausstellung werden künstlerische Positionen, 

die sich nicht mit einer überkommenen Interpretation 

oder einem etablierten Kontext be- 

schäftigen, sondern Formen von Aushandlung 

oder Verlagerung zwischen Visualität, Textualität 

und Klang darstellen, zusammengebracht. Die 

Werke machen es sich nicht in einer festen Lage 

bequem. Die Ausstellung setzt sich kritisch mit 

der Steuerung und Einschätzung von Textualität 

und Klang in visuellen Mechanismen auseinander. 

Die Untersuchungen der Künstler sind keine 

einheitliche Formulierungen, sondern persönliche 

Strategien die als Ausgangspunkt ein Verständnis 

von der Kunst als sprachliche Realität 

haben. Wenn das Kunstwerk nicht auf der ersten 

Kommunikationsebene betrachtet wird, wird es 

zu einem indirekten Akt, zu einer Sprache, die es 

dem Künstler ermöglicht, das, was der ursprüngliche 

Sprechakt artikuliert, zu übersetzen, zusammenzufassen. 

In der Ausstellung indirect 

speech soll die Fähigkeit der Künstler, den Mechanismus 

zur Übersetzung durch Selbst-Refl ektion 

neu zu strukturieren, betont werden. Die

02 SEPT. - 29. OKT. 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 65 

Ausstellung untersucht auch Fragen wie Unsicherheit 

in der Kunst, Sinndissonanzen als Refl ex 

eines kommunikativen Akts. 

Sinndissonanzen als 

Refl ex eines kommunikativen 

Akts 

Nevin Aladag 

Geboren 1972 in der Türkei. Lebt und arbeitet in 

Berlin, ausgewählte Einzelausstellungen: Gemeinschaft 

des Augenblicks, Hebbel am Ufer, 

Berlin, 2006; ausgewählte Gruppenausstellungen: 

Check in-Europe, EPO, München, 2006; 

Coolhunters, ZKM, Karlsruhe, 2005; Love it or 

leave it, 5. Cetinje Biennale, Montenegro, 2004. 

Victor Aliempiev 

Geboren 1973 in Russland. Lebt und arbeitet in 

Moskau. Ausgewählte Einzelausstellungen: Badischer 

Kunstverein Karlsruhe, 2006; OK Centrum 

für Gegenwartskunst, Linz, 2006, ausgewählte 

Gruppenausstellungen: 5. Berlin Biennale, 

2006; Venedig Biennale (zusammen mit Marian 

Zhunin) 2005; Manifesta 5, Donostia-San Sebastian, 

2005. 

Ştefan Constantinescu 

Geboren 1968 in Rumänien. Lebt und arbeitet in 

Stockholm. Ausgewählte Einzelausstellungen: 

Malmö Konstmuseum, 2004; ausgewählte Gruppenausstellungen: 

Bukarest Biennale, 2006; Minnesbilder, 

Skulpturens Hus, Stockholm, 2005; 

Blick 2004, Moderna Museet, Stockholm, 2004. 

Ciprian Mureşan 


Cluj. Ausgewählte Einzelausstellungen: Choose, 

plan b gallery, Cluj (RO), 2006; ausgewählte 

Gruppenausstellungen: Periferic Biennale, Iasi 

(RO), 2006; Motion Parade, Fotogalerie Wien, 

2005; Formate/Moving Patterns, Kunsthalle 

Wien, 2004. 

Ioana Nemeş 


Bukarest. Ausgewählte Einzelausstellungen: Title 

in work, Ellen de Buijne Projects, Amsterdam, 

2006; ausgewählte Gruppenausstellungen: Periferic 

Biennale, Iasi (RO), 2006; Fama Fluxus My- 

thos Beuys, Kunst+Projekte, Sindelfi ngen, 2006; 

On Difference 1, Württembergischer Kunstverein 

Stuttgart, 2005. 

Ovekk_Finn 

Peter Szabo & Csaba Csiki, geboren 1978 / 1977 

in Ungarn und Rumänien. Leben und arbeiten in 

Budapest. Ausgewählte Klang-Projekte: Alapfok, 

Artpool, Budapest, 2006; BildMusic, M12, Berlin, 

2006; Gigazone, Millenáris, Budapest, 2005; 

AV 02 Motional, Cluj (RO), 2005; Soundworks 

(zusammen mit Susan Taylor, UK) Barcsay Room, 

Budapest, 2004. 

Pablo Pijnappel 

Geboren 1979 in Frankreich . Lebt und arbeitet in 

Amsterdam und Berlin. Ausgewählte Einzelausstellungen: 

Felicitas, SMBA, Amsterdam, 2005; 

ausgewählte Gruppenausstellungen: Mon image 

et moi, MAC/VAL, Paris, 2005; Present Tense, 

Fons Welters Gallery, Amsterdam, 2004. 

Kuratiert von Alina Şerban 

Übersetzung: Rhodes Barett


Interview mit Alina Şerban 

Alina Şerban (geboren 1978 in Rumänien) arbeitet 

als Kunsthistorikerin und freischaffende Kuratorin 

in Bukarest und ist seit März 2006 Mitglied 

der Kuratorenwerkstatt der Kunsthalle Fridericianum. 

Studium: 1998-2002 Studium der Kunstgeschichte 

und -theorie an der Nationalen Universität 

der Künste, Bukarest; 2002 -2005 Masterstudiengang 

Visuelle Studien an der Nationalen Universität 

der Künste, Bukarest 

Stipendien: 

IFA Rave Stipendium 2006; Felix Meritis Foundation 

- Gulliver Connect Grant an der Moderna 

Galerjia, Ljubljana 2005; Curator in Residence, 

Künstlerhaus Buchsenhausen, Innsbruck 2005; 

SICA-Stipendium für KuratorInnen und KunstjournalistInnen, 

Amsterdam 2004; Curator in 

Residence, KulturKontakt Wien 2004. 

Tätigkeiten: 

Herausgeberin von Arhitext. Architektur, Design 

und Kunst in Bukarest 

2002-2003 Kuratorin der Galerie Gallery, Bukarest 


2002-2003 Kuratorin des Studio 35, Bukarest 

Schreibt für inländische und internationale 

Kunstzeitschriften 

Ausstellungen: Minimal Diversions, Vector-Galerie, 

Iasi (Rumänien) 2006; Motion Parade, Fotogalerie 

Wien, 2005; In Between, Sibiu (Rumänien) 

2005; Longtime, Trafo, Budapest 2005. 

Kommende Projekte: 

15-22. Oktober 2006: AICA Kongress Paris, 

Critical Evaluation Reloaded 

17. November 2006: Henry Moore Institute 

Leeds, Assemblage, Bricolage and the Obsolete: 

A Symposium 

Seit März 2006 bist du Mitglied der Kuratorenwerkstatt 

der Kunsthalle Fridericianum. Im 

September wirst du dein eigenes Ausstellungsprojekt 

in der Ausstellungsreihe 5 Tage bis zum 

Ende der Kunst präsentieren. Was versprichst 

du dir von der Beteiligung an der Kuratorenwerkstatt? 

Was interessiert dich am meisten an 

dieser Arbeit? 

Auf Grund meines kunstgeschichtlichen und – 

theoretischen Hintergrunds bezieht sich mein 

Hauptinteresse in der Arbeit als Kurator auf die 

Performativität des kuratorischen Gestus, auf die 

Grenzlage zwischen Kunstpraktiken, Theorie 

Eine „Polyphonie von 

Stimmen“ 

und gesellschaftlichem Eingriff. Ich betrachte sie 

als ein Mittel, um sich mit verschiedenen gesellschaftlichen 

Gruppen auseinanderzusetzen, um 

die Öffentlichkeit zu einer Reaktion zu bewegen 

oder um gewisse Fragen, die sich in einem ästhetischen 

oder gesellschaftlichen Zusammenhang 

stellen, zu beantworten. Gleichzeitig betrachte 

ich die kuratorische Arbeit als eine andere Art 

und Weise, eine Aussage zu treffen. Ich fi nde es 

J

UNI 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 67 

Ştefan Constantinescu, Dacia - My Generation (2004), Still


eine wirklich gute Idee, eine Ausstellung als ein 

„offenes Werk“ zu verstehen, das nicht auf einem 

monologischen Diskurs, sondern auf einer „Polyphonie 

von Stimmen“ (nach Bakhtin), auf der Beteiligung 

von Künstlern und Kuratoren in der 

gleichen Art von Produktivität basiert. Bei mei- 

Ein Prozess der Einschläferung 

ner kuratorischen Arbeit geht es mir um die 

Schaffung einer Verbindung zwischen Einzelpersonen, 

zwischen eigenständigen Strukturen; es 

geht um eine unabhängige Einstellung zur Kultur. 

Für mich müssen sich Kuratorinnen und Kuratoren 

auf Grund ihres geschichtlichen Verstandes 

bewusst sein, dass gewisse Fragen nicht durch einen 

Prozess der Einschläferung, sondern nur 

durch Engagement, durch Verpfl ichtung zum kul- 

Nevin Aladag, Voice Over, 2006


turellen Experiment angegangen werden können. 

Ich verstehe die Einladung zur Teilnahme an der 

Kuratorenwerkstatt als eine große Herausforderung. 

Sie bietet mir nicht nur eine Gelegenheit in 

einem professionellen Zusammenhang zu arbei- 

ten, sondern auch durch die praktische Arbeit in 

der Kuratorenwerkstatt nach gewissen Antworten 

in Bezug auf die aktuelle Lage des Kuratorenberufs 

zu suchen. 

Du lebst als freischaffende Kuratorin in Bu- 

Ciprian Mureşan, Rhinoceros (2006), Still, Foto: Dan Acostioaei 

karest. An welchen Projekten hast du in letzter 

Zeit gearbeitet? Welche Ausstellungen hast du 

in der Vergangenheit kuratiert? 

Im Januar 2006 organisierte ich in der vom Vector-Verein 

in Iasi (Rumänien) betriebenen Vector- 

Galerie die Ausstellung Minimal Diversions. Bei 

diesem Projekt ging es um die verschiedenen Aspekte 

von spontanen Ablenkungen, die sich im 

Rahmen der künstlerischen Praxis als Reaktion 

Die verschiedenen 

Aspekte von spontanen 

Ablenkungen 

gegen Formen der Autorität entwickeln können. 

Die Ausstellung Motion Parade in der Fotogalerie 

Wien wurde als Einblick in die aktuellen 

Praktiken der zeitgenössischen Kunst in Rumänien 

konzipiert. Das Projekt beschäftigte sich mit 

der Identitätsumgestaltung bei der jüngeren Generation 

von Künstlern, die sich nicht mehr mit 

der nachkommunistischen Situation beschäftigen, 

sondern danach streben, sich die aktuelle 

Lage Rumäniens persönlich anzueignen. Das 

Projekt versuchte, den gegenwärtigen ästhetischen 

Hintergrund und den neuen Bezugsrahmen 

durch Aussagen von Künstlern darzustellen. 

Wie sehen die aktuellen Richtungen in der Bukarester 

Kunstszene aus? Welche Themen oder 

Fragen sind für die zeitgenössischen Künstler 

wichtig?


Ioana Nemeş, Diorama of 20march_05_72 (2005) 

Mixed Media 

Ioana Nemeş, The Wall project (2004), Mixed Media 

Das ist eine problematische Frage, denn die 

Kunstszene ist gegenwärtig sehr anspruchsvoll, 

aber gleichzeitig sehr fragmentiert. Angesichts 

der Veränderungen, die stattfi nden, befi ndet sich 

die rumänische Kunstszene immer noch in einer 

Phase der Verunsicherung; sie ist auf der Suche 

Die Kunstszene Bukarests 

ist auf der Suche 

nach ihrer Position 

nach ihrer Position und fängt damit an, ihren geschichtlichen 

Weg zu überdenken. Ich glaube, 

dass die Künstler sich ihrer Rolle jetzt besser bewusst 

werden. Aus einer zwischenmenschlichen 

Perspektive beschäftigen sie sich mit öffentlichen 

Belangen; ihre Interventionen stören die in der 

Gesellschaft immer noch gehegten Gewohnheiten 

und Klischees. Die formale und konzeptionelle 

Sprache, die sie verwenden, ist durch einen alternativen 

Umgang mit dem gesellschaftlichen und 

städtischen Raum charakterisiert, der mit dem 

vorherrschenden Verständnis von der Art und 

Weise, wie die Kultur Teil des öffentlichen Raums 

sein kein, bricht. 

Während der diesjährigen Berliner Biennale 

hast du an einer internationalen Kuratorworkshop 

teilgenommen. Worum ging es? Welche 

Themen wurden diskutiert? 

Das Fast-Forward-Programm bestand aus einer 

Reihe von internen Workshops und Treffen mit 

Gastreferenten. Im Grunde bestand die Werkstatt 

aus Präsentationen von Referenten und freien 

Diskussionen über Themen wie etwa: Wie defi - 

Was die Welt jetzt 

braucht, sind mehr 

Biennalen 

nieren Kuratoren ihre Rolle und Zuständigkeiten? 

Wo trifft sich die Ausstellungsarbeit von Künst-


Ştefan Constantinescu, El Pasaje (2005), Still Pablo Pijnappel, Felicitas (2005), Courtesy carlier| 

gebauer 

lern und Kuratoren? Wie unzureichend sind die 

tradierten Ausbildungsmodelle von Kunstakademien, 

und wie haben sich kuratorische Schulen 

entwickelt? Was die Welt jetzt braucht, sind mehr 

Biennalen. Eine Besonderheit des Workshops wa- 

ren die „Künstlerpräsentationen“, wo wir dem 

Publikum einige der Positionen von Künstlern 

und Künstlerinnen, die bei der Biennale dabei 

waren, vorstellten. Meines Erachtens kündigt der 

Erfolg dieses Berliner Workshops einen neuen 

Generationsgeist an mit gemeinsamen Sorgen, 

Wünschen und Kritik. 

Übersetzung: Rhodes Barrett

24.SEPT. - 26.NOV. 2006 KUNSTHALLE FRIDERICIANUM SEITE 72 

Amateur Anthropologist 

Die Kamera zeigt den Blick auf eine vierspurige 

Straße bei Dunkelheit, aufgenommen von der 

erhöhten Position einer Brücke. In einem endlosen 

Strom zieht der Verkehr, von dem nicht viel mehr 

wahrzunehmen ist als die Lichter der Scheinwerfer 

und das lärmende Rauschen der Autos, unter der 

Brücke hinweg. Filmische Überblendungen der 

Bilder vermehren die Anzahl der Autos und 

Lichtkegel, der immer gleiche Strom vervielfältigt 

sich. Was zunächst aussieht wie der einfache 

Blick von einer Brücke, wird in der Wiederholung 

Starr neben ihren 

Wagen 

zu einem geisterhaft andauernden Moment 

gedehnt, bis der Verkehr ohne einen von Außen 

erkennbaren Grund zum Erliegen kommt, 

Autotüren sich öffnen und die Insassen starr 

neben ihren Wagen stehen. Mysteriös erscheint 

die Handlung, die an eine Szene aus 

einem Science-Fiction-Film erinnert, in der 

die Menschen einer unbekannten Macht 

gegenüberstehen. Schließlich setzt sich der 

Verkehr wieder in Bewegung und mit ihm das 

Bild. Wie suchend schweift die Kamera über die 

Autos hinweg, als wolle man nach der Ursache 

des zuvor Geschehenen forschen oder eine 

Veränderung feststellen. Am Gedenktag der 

Gefallenen Soldaten (Soldier’s Memorial Day) 

rufen in Israel im ganzen Land aber Tausende von 

Sirenen dazu auf, die Arbeit für einen Moment 

lang niederzulegen und in einer Schweigeminute 

innezuhalten, um den gefallenen Soldaten Israels 

zu gedenken. Dieser Tag ist wie viele 

andere staatliche Gedenkveranstaltungen und 

militärische Feiern identitätstiftendes Element 

und Teil nationaler Tradition, ein Akt, der 

innerstaatliche Einmütigkeit demonstriert und 

Yael Bartana 

Yael Bartana, Trembling Time, 2001, Einkanal-Video- und Sound-Installation, Videoprojektion, Farbe, 6.20 min., 

Soundtrack von Tao G. Vrhovec, Sambolec 

der staatlichen Selbstversicherung dient. 

Die israelische Künstlerin Yael Bartana nimmt 

diesen Moment des Innehaltens als Ausgangspunkt 

für ihre Videoarbeit Trembling Time. Es ist 

der Moment, in dem das gesamte Land nach 

staatlichen Vorgaben für eine Minute zum Stillstand 

kommt. Es scheint als komme in Trembling 

Time die Zeit zum Stillstand. Doch welchem 

Zweck folgt eine staatlich verordnete Gedenkminute 

tatsächlich? Welche Bedeutung hat diese 

Form des Gedenkens, diese öffentliche Bekundung 

von Anteilnahme? Wenige Aufnahmen genügen 

Yael Bartana, um in Überblendungen und 

Wiederholungen der Bilder der kollektiven Handlung 

des Gedenkens neue Lesarten hinzuzufügen 

(oder aufzudecken) und die Bedeutung eines solchen 

oktroyierten Staatsaktes grundlegend zu 

hinterfragen. 

Geboren 1970 in Afula studierte Yael Bartana zu-


nächst in Jerusalem, bevor sie ihr Studium in 

New York fortsetzte. Heute lebt und arbeitet die 

Künstlerin in Amsterdam und Israel. Wie in 

Trembling Time, ihrer ersten Videoarbeit aus dem 

Jahr 2001, nimmt Bartana in vielen ihrer Videoarbeiten 

und –installationen die Position einer 

Die künstlerische Verfremdung 

des dokumentarischenMaterials 

Beobachterin ein, eine Perspektive, die Distanz 

einnimmt oder einen Abstand gewonnen hat zu 

etwas, was ehedem vertraut und alltäglich war. 

Oftmals richtet sich der Blick auf die Heimat, auf 

das alltägliche Leben in Israel und die Rituale 

und Repräsentationen eines Staates und seiner 

Bürger und fragt, was es mit solchen gemeinschaftlich 

vollzogenen Ritualen auf sich hat und 

was sie über das Verhältnis von Staat und Individuum 

zum Ausdruck bringen: 

„Insbesondere im heutigen politischen Klima ist 

es wichtig, die Frage zu stellen, ob diese Rituale 

uns als Nation stärken, oder ob sie lediglich unsere 

Loyalität gegenüber dem Staat erhöhen, während 

sie unsere Fähigkeit, uns ein individuelles 

Urteil über die Situation zu bilden, aushöhlen.¹“ 

Viele ihrer Arbeiten befragen die Konstitution 

der nationalen und kulturellen Identität des 

Staates Israel. Anhand von kleinsten Momentaufnahmen 

von Menschen, Handlungen und Ereignissen 

gelingt es ihr Fragen zu stellen, ohne sich 

einer einseitigen Kritik zu bedienen. Ihre Arbeiten 

geben keine unmittelbaren Antworten, vielmehr 

stellt sie ihre Beobachtungen dem Betrachter 

zur Verfügung. Ihre Methode ist die Beobachtung 

eines Ausschnitts oder eines Momentes, 

dessen Vieldeutigkeit oder Tiefgründigkeit Bartana 

entfaltet und lesbar macht. Die künstlerische 

Verfremdung des dokumentarischen Materials – 

die Überblendung, Verlangsamung und Wiederholung 

der Bilder, die Bearbeitung des Sounds – 

lenkt den Blick auf dasjenige, das dem Gesehenen 

zugrunde liegt. Eine Suche nach dem Ursächlichen, 

nach dem durchscheinenden Abwesenden, 

nach dem, was nicht direkt ausgesprochen 

wird. 

Yael Bartana spricht in diesem Zusammenhang 

von „amateurhafter Anthropologie“, ein Ausdruck, 

entlehnt bei der kanadischen Schriftstellerin 

Eva Hoffman, die so das besondere Verhältnis 

von Immigranten zu alter und neuer Heimat 

umschreibt:„Eva Hoffman sagt, dass jeder Im- 

migrant zu einer Art von Amateur-Anthropologe 

wird. Amateur stammt von ‚amor’ ab, worin die 

Liebe als Motivation für Handlung und Praxis 

zum Ausdruck kommt. Ich habe in Bezug auf 

meine Arbeiten darüber nachgedacht. […] Die Intensität 

des täglichen Lebens macht es unmöglich, 

einen distanzierten oder kritischen Blick 

einzunehmen.“² 

Nach Jahren im Ausland erlaubt es Yael Bartana 

umgekehrt die Rückkehr nach Israel eine solche 

kritische Distanz zur Heimat einzunehmen. Etwa, 

wenn sie in der Videoinstallation Profi le (2000) 

junge Frauen beim Schießtraining im Rahmen ihres 

Wehrdienstes der IDF (Israel Defence Forces) 

in den Mittelpunkt ihrer Beobachtung stellt, einen 

Militärdienst, den sie selbst als junges Mäd- 

Yael Bartana, Profi le, 2000, Einkanal-Video- und Sound-Installation, Monitor, Kopfhörer, Farbe, 3 min., geloopt 

Amateur stammt von 

‚amor’ ab 

chen absolvierte. Profi le zeigt junge Frauen bei 

Schießübungen. In Nahaufnahme sehen wir eine 

Frau im Profi l, die in konzentrierter Vertiefung 

einstudierte Handlungsabläufe mit der Waffe ausführt: 

das Bereitmachen des Gewehrs, das Zielen, 

Warten, Schießen, um schließlich erneut die Waffe 

für den nächsten Schuss bereit zu machen, unterbrochen 

nur von Bildern der Pappfi guren mit 

Zielfeldern, auf die geschossen wird. Es entsteht 

eine unmittelbare Nähe zu der Frau auf dem Monitor, 

der wir quasi zur Seite stehen, und nicht 

zuletzt durch die Ähnlichkeit der Kopfhörer fühlen 

wir uns in die Reihe der Schießenden aufgenommen. 

Charles Esche kommentiert: „ So fühlen 

wir die simulierte Konfrontation mit dem 

Feind nach, erfahren die Begegnung und besetzen 

die fremdartige Rolle des Soldaten, des Gesetzesvollstreckers 

und des potentiellen Mörders.“³ In 

der unmittelbaren und einfachen Beobachtung ei-


ner Soldatin offenbart sich Bartanas Kritik an der 

als Normalität angenommenen allgegenwärtigen 

Militarisierung Israels und der mythischen Überhöhung 

von Militär und Feindbild. 

Wie sich in Bartanas Verweis auf die Anthropologie 

als Referenz ihres Interesses und ihrer 

Arbeitsweise bereits andeutete, untersucht die 

Künstlerin das weite Feld der kulturellen Traditionen 

und Institutionen, deren Konventionen und 

Verhaltensweisen Einfl uss auf das Handeln und 

Denken des Einzelnen nehmen und unmittelbar 

einengen und festlegen. Und so lässt sich im Blick 

auf die Arbeiten Trembling Time und Profi le darüber 

hinaus die Frage stellen, welche Bedeutung 

kollektive Erfahrungen in Bezug auf die natio- 

nale, aber auch die individuelle Identität haben. 

Die traditionellen Wurzeln können wie in der Videoarbeit 

When Adar enters auch viel weiter zurückliegen. 

When Adar enters verfolgt das bunte 

When Adar enters verfolgt 

das bunte Treiben 

an Purim 

Treiben an Purim. Das Purimfest wird nach dem 

jüdischen Kalender im Monat Adar (Februar/ 

März) gefeiert und erinnert an die „Errettung des 

jüdischen Volkes aus der drohenden Gefahr in der 

persischen Diaspora“. Nach der Überlieferung 

des Buches Esther wird die drohende Vernich- 

tung der Juden im Perserreich auf Befehl Hamans 

mit Hilfe der Königin Esther abgewendet. Am 

Purimfest nehmen die Verkleidungen Bezug auf 

die biblische Geschichte: Esther und der König 

Ahasveros sind ebenso vertreten wie der persische 

Befehlshaber Haman und die einfache jüdische 

Bevölkerung – man feiert ausgelassene 

Feste, zu denen man sich mit Speisen und Getränken 

beschenkt, und zieht durch die Straßen. 

Beobachtungen dieses Festes in Jerusalem und 

Bney Brak, in Vierteln die mehrheitlich von 

Chassidim 4 bewohnt sind, sind die Grundlage für 

Bartanas Film When Adar enters. Szenen des alltäglichen 

Lebens auf der Straße vermischen sich 

mit denen des Festes und lassen eine seltsam 

fremdartiges Bild entstehen, in dem verschiedene 

Welten aufeinander treffen (der moderne, westlich 

orientierte Staat, der Bezug auf die biblische 

Geschichte und die verschiedenen Ausprägungen


des Judentums sind hierbei wohl die augenfälligsten). 

Ohne Narration oder eine unmittelbar 

auf einen Höhepunkt zulaufende Dramaturgie 

vermittelt der Film das Gefühl, dass etwas Un- 

man feiert ausgelassene 

Feste, zu denen 

man sich mit Speisen 

und Getränken beschenk 

heilvolles oder Bedrohliches bevorsteht. Überblendungen 

und das wiederholte Aufscheinen 

einzelner Personen, die Verlangsamung des Materials 

sowie die Bewegungen der Handkamera 

unterstreichen die latente Unruhe und die vorherrschende 

hektische Atmosphäre. Insbesondere 

durch die Unmittelbarkeit des Sounds, in dem 

sich Polizeisirenen, Straßenlärm und Autohupen 

mit Oboenmusik vermischen, wird man in die 

Geschehnisse vor Ort aufgesogen, und schaut 

Yael Bartana, Kings of the Hill, 2003, Einkanal-Videoinstallation, Videoprojektion, Farbe, 7.30 min.


Yael Bartana, When Adar Enters, 2003, Einkanal-Video- 

und Sound-Installation, Videoprojektion, Farbe, 

7 min. 

doch von Außen. Mehr und mehr drängt sich das 

Gefühl des Verhängnisvollen auf und der Eindruck 

der Ausgelassenheit des Festes wird zunehmend 

von einer unterschwelligen Unsicherheit 

Man wird in die Geschehnisse 

vor Ort 

aufgesogen 

getrübt. Zeichnen sich hier die inneren Risse, die 

gesellschaftlichen und kulturellen Widersprüche 

der komplexen und konfl iktgeladenen Konstruktion 

von Land, Volk und Staat Israel ab? 

Das Verhältnis zum „Land“ ist auch in der Videoarbeit 

Kings of the Hill (2003) vielschichtig lesbar. 

Kings of the Hill zeigt die (all-)abendliche 

Freizeitbeschäftigung israelischer Männer der 

oberen Mittelschicht. An einem hügeligen Kü- 

stenstreifen in der Nähe Tel-Avivs demonstrieren 

sie Geschicklichkeit und Kraft, wenn sie Steilhänge 

und unwegbares Gelände mit ihren Jeeps 

bewältigen. Die symbolischen und politischen 

Implikationen dieser Form der modernen Land- 

Die (all-)abendliche 

Freizeitbeschäftigung 

israelischer Männer 

nahme und Eroberung, in der das allradgetriebene 

Geländefahrzeug Zeichen ökonomischer 

Kraft, des sozialen Status und vor allem aber der 

männlichen Potenz ist, bleibt den wetteifernden 

Männern sicher verborgen. Das als besonders angenommene 

Verhältnis der jüdischen Kultur zum 

Land – des Volkes, das nach biblischer Geschichte 

von Gott in das ‚gelobte Land’ geführt wurde 

– fi ndet seinen Ausdruck unter anderem in der 

Figur des Siedlers, der sein Land kultiviert. Ein 

Bild, das auf groteske Weise verkehrt wird, wenn 

um seiner selbst willen das Land mit Maschinenkraft 

bezwungen wird und nichts als Verwüstung 

zurückbleibt. Die israelische Autorin Galit Eilat 

erkennt in diesem ritualisierten und motorisierten 

Bezwingen der Hügel Ideale, die im Zusammenhang 

mit der modernen israelischen Gesellschaft 

konstruiert wurden:„Eines dieser Ideale ist das 

des ‚neuen Juden’ als ‚Pionier’ und ‚Farmer und 

Soldat’. Dieses Ideal, das von der zionistischen 

Arbeiterbewegung in den 1920er Jahren geformt 

wurde, sah den ‚neuen Juden’ gleichzeitig als 

Kämpfer gegen die Erde, die Araber und die 

Bourgeoisie der Mittelstands, der die Wüste erobert 

und die Wildnis kultiviert. Diese Repräsentation 

verbindet sich mit dem revisionistischen 

Ideal, welches großen Wert auf Evolution und Reform 

legte, um das Bild des ‚kämpfenden Gentleman’, 

des ‚großmütigen und zugleich schonungslosen 

Helden’ zu formen, der sich nach dem Prinzip 

‚herrsche oder stirb’ leiten lässt.“ 5 

Wie in diesen kurz vorgestellten Arbeiten von 

Yael Bartana ist auch in vielen anderen ihrer 

Filme und Videoinstallationen die israelische 

Heimat Ausgangspunkt der Frage, wie sich individuelle, 

kulturelle und nationale Identität formen, 

welchen Einfl uss kollektive Erfahrungen 

nehmen, wie sie sich scheinbar unbemerkt ab- 

‚Herrsche oder stirb’ 

zeichnen. Bartanas Arbeiten gelingt es, einen 

Einblick in die israelische Gesellschaft, in jüdische 

Kultur und das alltägliche Leben zu geben, 

der uns in der Regel in dieser Form nicht 

bekannt ist. Israel ist in den Medien nur durch 

den andauernden Konfl ikt mit Palästina präsent, 

etwa über erneute oder gescheiterte Friedensverhandlungen, 

die Auseinandersetzungen jüdischer 

Siedler mit dem israelischen Militär in den besetzten 

Gebieten oder durch Selbstmordattentate 

in Israels urbanen Zentren. Auch Bartanas Arbeiten 

verschweigen diesen Konfl ikt nicht, sondern 

spüren den Auswirkungen, der Schwere, der Intensität, 

aber auch den Eigenartigkeiten, die diese


Situation nach sich ziehen kann, nach. Mit der 

Kamera isoliert sie stereotypisierte Handlungen, 

Rituale oder Elemente des Alltags und seziert diese 

in der Verfremdung des dokumentarischen Materials 

weiter. Was zum Vorschein kommt, sind die 

Dinge, die unter der Oberfl äche schwelen. Und so 

sind ihre Beobachtungen zwar in Israel gemacht, 

lassen sich aber in ihrer Durchdringung gesellschaftlicher 

Strukturen und deren Erscheinungsformen 

auch auf andere Kontexte übertragen. 

Kuratiert von Birgit Eusterschulte 

Alle Abbildungen: Courtesy Annet Gelink 

Gallery, Amsterdam 

1 Manifesta 4, Frankfurt / M., Ausst.-Kat., Ostfi ldern- 

Ruit 2002, S. 170 

2 „A Conversation with Yael Bartana. Galit Eilat“, in: 

Yael Bartana, Ausst.-Kat. Van Abbemuseum, Eindhoven 

2005 [Übersetzung B.E.] 

3 Charles Esche, “Yael Bartana”, in: Cream 3, New 

York, S. 59 [Übersetzung B.E.] 

4 Anhänger des Chassidismus, einer im 18. Jahrhundert 

entstandenen religiösen Bewegung des osteuropäischen 

Judentums, die der starren Gesetzeslehre eine lebendige 

Frömmigkeit entgegensetzt. 

5 Galit Eilat, „Yael Bartana“, in: Wherever I am, 

Ausst.-Kat., Modern Art Oxford, Oxford 2004, S. 17 

[Übersetzung B.E.]


Olaf Metzel über die Kunst des Sporttreibens 

Es gibt Leute, die gehen ins Stadion, und es gibt Leute, die gehen ins Museum. 

Manche tun beides 

Olaf Metzel, 1998, Foto: Roman Mensing/ artdoc.de 

Im Sommer 2006 werden die kulturellen Institutionen 

in Deutschland noch härter als sonst 

darum kämpfen müssen, Publikum oder Touristen 

in ihre Häuser zu ziehen. Hauptkonkurrent 

ist die vom 9. Juni bis 9. Juli stattfi 

ndende Fußballweltmeisterschaft. Hervorragendes 

Sommerwetter wird sein übriges dazu 

beitragen, das Interesse der gewohnten Besucher 

zu verlagern. Auch die Medien werden 

sich ausschließlich den Spielen widmen. Wird 

es also überhaupt ein anderes Gesprächsthema 

geben in diesem Sommer? Auch unser Frideri- 

Wird es also überhaupt 

ein anderes 

Gesprächsthema geben 

in diesem Sommer? 

cianum Magazin ein+alle will sich nicht länger 

diesem außerordentlich wichtigen Thema entziehen 

und sprach mit dem Künstler Olaf Metzel, 

der sich immer wieder mit dem Thema Sport 

beschäftigt hat. 

Es gibt Menschen, die niemals ein Stadion be- 

Olaf Metzel, Velodromo, 1998, Arte all’Arte,, Montalcino 

treten würden, genauso gibt es Menschen, die 

niemals ihren Fuß in ein Museum setzen, geschweige 

denn eine kulturelle Veranstaltung 

aufsuchen würden. Gibt es etwas, oder könnte 

man etwas tun, um die Menschen in der kommenden 

Zeit vor einem Dasein vor dem Fernseher 

zu bewahren? Meinen Sie, dass die „Fußballklientel“ 

normalerweise auch ständiger 

Gast bei Kulturveranstaltungen ist? 

Bevor die WM überhaupt angefangen hat, kann 

kaum noch jemand das Wort Fußball hören. Mir 

geht es genauso. Spannend wird es aber trotzdem. 

Ich denke dabei u. a. an die Reisewarnungen für 

Farbige, sich in bestimmten Teilen Deutschlands 

aufzuhalten. Mit anderen Worten: die begleitenden 

Ereignisse könnten das Motto „zu Gast bei 

Freunden“ erheblich überlagern. Sport als gesellschaftliches 

Phänomen, als Ventil für die Gewaltbereitschaft. 

Die Hooligans interessieren sich 

doch gar nicht mehr fürs Fußballspiel, kommen 

auch gar nicht mehr in die Stadien rein. Sie sind


die Freunde der dritten Halbzeit. 

Andererseits dürfen wir die Massen an Touristen, 

die bald deutsche Städte überfl uten werden 

auch nicht außer Acht lassen. Diese Tatsache 

haben sich ja schon einige kulturelle Institutionen 

zunutze gemacht. In den Opelvillen, 

Bevor die WM überhaupt 

angefangen hat, 

kann kaum noch jemand 

das Wort Fußball 

hören 

im Rüsselsheimer Zentrum, widmet sich zum 

Beispiel eine ganze Ausstellung zeitgenössischer 

Kunst dem Phänomen Fußball. Unter 

dem Titel Geld schießt keine Tore! stellen 20 

deutsche und internationale Künstler sowie 

Künstlergruppen ihre themenbezogenen Werke 

aus und in Berlin zeigt das Museum für Fotografi 

e Bilder der Fotografi n Regina Schmeken 

mit dem Titel Unter Spielern. In Nürnberg 

sorgte die Ausstellung Das große Rasenstück 

im öffentlichen Raum bereits für erheblichen 

Wirbel. Speziell Ihre Installation Auf Wiedersehen 

löste unter den Nürnbergern hitzige Debatten 

aus. Die auf dem Schönen Brunnen am 

Hauptmarkt angebrachten 780 Stadionsitze aus 

dem Berliner Olympiastadion sind eher ein 

Schock für die Bevölkerung, ist der Brunnen 

doch ihr Wahrzeichen und damit tief in ihre 

Emotionen eingebettet. Was war Ihr ursprünglicher 

Beweggrund für diese Skulptur? Wie war 

ihre Reaktion auf die zum Teil sehr schroffen 

Beschimpfungen? 

Der Hauptmarkt, also der Platz, auf dem sich die 

Skulptur befi ndet, sieht nicht anders aus als andere 

Innenstadtbereiche deutscher Städte: zugemüllt 

mit der Einheitsarchitektur der großen Warenhausketten 

sowie der üblichen Sekundärarchitektur, 

eben dem Warenkorb der Alltagsästhetik. 

Olaf Metzel, Auf Wiedersehen, 2006 

Foto: Wolfgang Günzel 

Das einzige Juwel ist der schöne Brunnen und das 

ist auch nur eine Replik. Während des Krieges 

wurde er zum Schutz ummantelt, als ringsherum 

die Stadt in Schutt und Asche fi el. Während der 

WM werden Großbildleinwände, Biertische und 

Zelte auf dem Hauptmarkt – so etwas wie die gute 

Stube Nürnbergs – aufgestellt. Das Projekt besteht 

aber nicht nur aus einer Skulptur im herkömmlichen 

Sinne, sondern war und ist eher als 

mediale Arbeit angelegt, eine wirkliche Reality 

Soap, nicht im Container, sondern auf dem Hauptmarkt 

und beendet ist die Arbeit erst dann, wenn 

sie wieder abgebaut wird. 

Sport hat immer etwas mit Nationalität und Patriotismus 

zu tun. Wenn es um Sport geht, erfährt 

nationale und lokale Identität ein erhebliches 

Wachstum, nicht selten ohne Gewalt. 

Lieder, Parolen, in den Landesfarben bemalte 

Gesichter und entsprechenden Outfi ts lassen zu 

Zeiten sportiver Events Rückschlüsse auf die 

Haltung und Positionierung einer jeweiligen 

Person ziehen. Hunderte, gar tausende Menschen 

hocken vor dem Fernseher oder versammeln 

sich auf öffentlichen Plätzen. Also haben 

die Spiele auch eine starke soziale Komponente. 

Sie vereinigen Kulturen und Nationen und 

zersplittern sie im gleichen Atemzug. Inwieweit 

haben Sie mit ihrer Skulptur die Nürnberger 

Identität berührt? 

Es geht weniger um Nürnberger Identität, sondern 

um gesamtdeutsche gesellschaftliche Phänomene, 

so etwas könnte genauso gut in Kassel 

oder anderswo stattfi nden. Diejenigen, die mit 

Bierfl aschen und Eistüten geworfen haben, die 

„Drecksack“ oder „Saujude“ gerufen haben, sind 

nicht irgendwelche durchgeknallten Rentner. Das 

„Publikum“ zieht sich durch alle Generationen. 

Kunst – und das war das eigentlich überraschende 

– dient immer noch als Ventil. Damit möchte ich 

natürlich nicht den Beitrag der Boulevardpresse 

schmälern, die ja auch zum „öffentlichen Raum“ 

gehört. Wenn man in der Bild auf der ersten Seite 

abge“Bild“et ist und liest, „noch lacht der Künstler“, 

oder die Abendzeitung mit der Titelseite, 

Kunst dient immer 

noch als Ventil 

„Hackt dem Künstler die Hände ab“, dann bekommt 

man einen präziseren Eindruck von der 

Formulierung, die die Printmedien als 4. Gewalt 

bezeichnet. 

Für die 4. Istanbul Biennale 1995 bauten Sie 

den Kiosk Besiktas Jimnastik Külübü, in dem 

Fanzubehör, Zeichnungen des Trainers, T- 

Shirts, usw. des türkischen Fußballvereins Besiktas 

und seines deutschen Trainers Christoph 

Daum gezeigt wurden. Die Pressekonferenz und 

Eröffnung der Biennale wurde zum absoluten


Olaf Metzel, Besiktas Jimnastik Kulübü, 1995 , (in Zusammenarbeit mit Christoph Daum), 4th International Istanbul 

Biennial 

Medienspektakel, weil das ganze Team, der 

Trainer und mehrere Sportjournalisten anwesend 

waren. Könnten Sie uns noch etwas über 

Ihre damaligen Beweggründe sagen und welchen 

Einfl uss die damalige Medienpräsenz auf 

Sie persönlich hatte? 

Der Einfl uss der Sportberichterstattung auf den 

Sport selber ist von enormer Bedeutung. Auf diese 

Auseinandersetzung und den damit verbundenen 

medialen Druck zielte die Arbeit mit Christoph 

Daum ebenso ab wie Auf Wiedersehen. Besiktas 

Jimnastik Külübü wird übrigens in Florenz 

in der Ausstellung The Human Game Winners 

and Loosers, kuratiert von Francesco Bonami zu 

sehen sein. Ein weiteres Projekt Best, eine Hommage 

an George Best, der im letzten Jahr verstorben 

ist, wird im Museum für Bildende Künste in 

Leipzig zu sehen sein. Im Mittelpunkt steht hier 

der Film, in dem die Kamera 90 min. nur auf 

George Best gerichtet ist. 

Wie würden Sie Ihre Beziehung zum Sport im 

Allgemeinen und Fußball im Besonderen be- 

„Hackt dem Künstler 

die Hände ab“ 

zeichnen? Haben Sie nicht sogar selbst einmal 

gespielt? 

Stimmt. Ich habe früher selbst gespielt, als Linksaußen. 

Wenn ich sagte, ‚Trainer, nimm mich raus, 

ich kann nicht mehr‘, sagte der: ‚Du bleibst so 

lange drin, bis eine Ecke von rechts kommt.‘ Die 

Ecken habe ich immer angetäuscht, dann in den 

Rücken der Abwehr gespielt, und der Ball war 

drin. Danach durfte ich runter. 

In Ihren Arbeiten trifft man immer wieder auf 

Elemente des Sports. Die Kunst wird oft als das 

Gegenstück des Sports bezeichnet, besonders 

auffällig wird dies, wenn es um das so genannte 

Sponsoring geht. Immer mehr Sponsoren 

„schießen“ im wahrsten Sinne des Wortes ihre 

Gelder in Sportevents. Liegt dies Ihrer Ansicht 

nach allein daran, dass der Sport eine andere 

und breitere Präsenz darstellt? Lassen sich Ihrer 

Meinung nach Kunst und Sport vereinigen?

Wie könnte dies aussehen? 

„Es gibt Leute, die gehen ins Stadion, und es gibt 

Leute, die gehen ins Museum. Manche tun 

beides.“ So hatte ich ja 1995 Christoph Daum zur 

gemeinsamen Arbeit eingeladen. Es gibt aber 

noch andere Sportarten als Fußball. Zum Beispiel 

Fahrradfahren. Als ich 1998 in Montalcino zum 

Projekt Arte all‘arte eine Fahrradrennbahn gebaut 

hatte, war alles optimal miteinander verbunden, 

die Sponsoren hatten ihre Logos auf dem 


‚Du bleibst so lange 

drin, bis eine Ecke von 

rechts kommt.‘ 

Objekt, die Bevölkerung Brot und Spiele – statt 

Brot war es natürlich Pasta. Angekündigt als „Il 

Granfondo dell Brunello“ in der Gazetta dello 

Sport verfolgte die RAI (ital. Fernsehen) das 

Rennen vom Hubschrauber aus. Natürlich hatte 

es Eventcharakter, aber so war es auch gemeint. 

Wenn man sich im öffentlichen Raum bewegt, 

sollte man keine Berührungsängste haben. 

Interview Kaisa Heinänen


Kaisa Heinänen, geb. 1979 lebt und arbeitet in 

Helsinki. 

Nach der Schule studierte sie ein Jahr Holländisch 

und später Kunstgeschichte an der Universität 

von Leiden. Im Jahr 2004 beendete sie dort 

ihr Studium mit einer Examensarbeit, die sich mit 

der Identitätskonstruktion in den Videoarbeiten 

der fi nnischen Künstlerin Eija-Liisa Ahtilla auseinandersetzte. 

Im Jahr 2005 besuchte sie als 

Kunstkritikerin mit einem Stipendium der Edvard 

Richter Gesellschaft für Bildende Künste 

die Venedig Biennale. Seit April ist sie mit einem 

Stipendium von FRAME (Finnisch Fund for Art 

Exchange) im Team der Kunsthalle Fridericianum 

und unterstützt uns bei den anstehenden 

Ausstellungsprojekten. 

Tätigkeiten: 

Mitarbeit bei Kiasma und Kehys sowie in der 

Sammlung des Wäinö Aaltonen Kunst Museums 

in Turku, Finnland, welches auf Skulpturen spezialisiert 

ist. Sie arbeitete kuratorisch an einer 

Fotokunst-Ausstellung der Universität Leiden mit 

und bei FRAME für das Magazin Framework. 

Die Ausstellung Selbstauslöser, die sich den 

Arbeiten von fünf fi nnischen Künstlerinnen 

widmete, wurde im Dezember 2005 gemeinsam 

mit FRAME (Finnish Fund for Art Exchange) 

realisiert. Du hast in Helsinki einige Zeit bei 

Interview mit Kaisa Heinänen 

FRAME funktioniert 

als Bindeglied zwischen 

internationalen 

Institutionen 

FRAME gearbeitet. Welche Aufgabe hat FRA- 

ME und wie sieht die konkrete Arbeit dort aus? 

Ich habe bereits zweimal für FRAME gearbeitet 

und war zuständig für das Magazin Framework. 

Ich war als Assistentin der Herausgeberin mit redaktionellen 

Tätigkeiten betraut. FRAME vergibt 

Stipendien an fi nnische Künstler, um an Ausstel- 

lungen im Ausland teilnehmen zu können und eigene 

Projekte zu realisieren. FRAME funktioniert 

als Bindeglied zwischen internationalen Institutionen, 

die gerne fi nnische Kunst ausstellen 

wollen und fi nnischen Künstlern, die Ausstellungen 

im Ausland realisieren wollen. Die Arbeit 

von FRAME ist somit nicht nur aus fi nanziellen 

Gründen sehr wichtig, sondern auch in Bezug auf 

die Vermittlung fi nnischer Kunst. Zusätzlich lädt 

FRAME auch Kuratoren für Residence-Programme 

nach Helsinki ein. 

In letzter Zeit fi nden gerade in Deutschland (in 

Berlin und Bonn) mehrere Ausstellungen statt, 

die sich der fi nnischen Kunst widmen. Woher 

glaubst du kommt diese aktuelle Interesse? Gibt 

es überhaupt so etwas wie die fi nnische Kunst? 

Das ist sicherlich vor allem eine Defi nitionsfrage. 

Natürlich kann man die Kunst nach der Herkunft 

der Künstler verorten. Aber ob es etwas absolut 

Finnisches in diesen Arbeiten gibt, ob es eine 

Verbindung zwischen ihnen gibt, die auch für 

Außenstehende sichtbar ist, würde ich bezweifeln. 

Zum anderen teilen fi nnische Künstler die 

Erfahrungen ihrer internationalen Kollegen: Sie 

reisen um die halbe Welt für ihre Ausstellungsprojekt, 

arbeiten oftmals im Ausland und sammeln 

ähnliche Eindrücke. Ich kenne die deutsche


Kunstszene zu wenig, um sagen zu können, woher 

dieses Interesse an der fi nnischen Kunst rührt. Es 

fi ng alles mit der Bekanntheit des fi nnischen Designs 

an. Und vielleicht hat dies die Aufmerksam- 

Ob es eine speziell 

fi nnische Kunst gibt, 

würde ich bezweifeln 

keit auch auf den Bereich der Bildenden Kunst 

gelenkt. 

FRAME gibt unter anderem auch das Magazin 

Framework heraus, an dem du redaktionell 

mitgearbeitet hast. Von der Idee ähnelt es sehr 

dem Fridericianum Magazin ein+alle. Worin 

siehst du Gemeinsamkeiten oder Unterschiede? 

Das ein+alle-Magazin ist sehr stark mit der Institution 

Kunsthalle Fridericianum verbunden. Ausstellungsvorschauen 

und Rückblicke nehmen einen 

Großteil der Berichterstattung ein. Framework 

hat es sich vor allem zur Aufgabe gemacht, 

die zeitgenössische fi nnische Kunst in der internationalen 

Kunstszene zu begleiten. Es lädt Autoren 

der unterschiedlichsten Disziplinen für Gastbeiträge 

ein und widmet sich schwerpunktmäßig 

der Bildenden Kunst. Aber auch allgemeine Themen 

der zeitgenössischen Kultur und Kritik wer- 

den im Magazin angesprochen. 

Im Sommer wirst du in Helsinki für eine große 

fi nnische Tageszeitung, Helsingin Sanomat, 

über die Kulturszene der Stadt berichten. Welche 

aktuellen Tendenzen lassen sich dort beobachten? 

Für eine Tageszeitung über Kunst und Kultur zu 

schreiben unterscheidet sich sehr stark von den 

Beiträgen, die ich für Museen und Institutionen 

verfasst habe. Natürlich gilt es auch hier, mit Artikeln 

über Ausstellungen oder Veranstaltungen 

ein größtmögliches Publikum anzusprechen, aber 

ich muss auch versuchen, aktuelle Themen, Entwicklungen 

und Diskussionen in ganz unterschiedlichen 

kulturellen Bereichen zu refl ektieren. 

Der Umfang, den man für einen Beitrag zur 

Verfügung hat, ist immer sehr begrenzt und der 

Redaktionsschluss bestimmt zu einem Großteil 

den Rhythmus der Arbeit. In vielen Fällen ist intensive 

Recherche deshalb gar nicht möglich. 

In letzte Zeit gab es in Helsinki einige Diskussionen 

über die Rolle von Bildender Kunst im öffentlichen 

Raum. Zum Beispiel die Frage wie viel 

Platz nicht-kommerzielle Kunst und Graffi ti haben 

sollten. Die Stadt Helsinki verfolgt eine sehr 

harte Politik gegenüber illegalen Plakaten oder 

Sticker-Art. Taide – ein einfl ussreiches fi nnisches 

Kunstmagazin – hat in einer seiner letzten Ausgaben 

eine Kampagne gestartet, die einen eindeu- 

Die Stadt Helsinki 

verfolgt eine sehr harte 

Politik gegenüber 

illegalen Plakaten oder 

Sticker-Art 

tigen Kommentar gesetzt hat: Sie haben mit dem 

Heft auch Aufkleber verteilt, die von drei Künstlern 

gestaltet worden und forderten die Leser auf, 

sie an interessanten Plätzen aufzukleben und 

dann ein Foto an die Redaktion zu schicken. Wir 

werden sehen, zu welchen Ergebnissen diese Bewegung 

führen wird….


Ein Jahr vor ihrer Eröffnung nimmt das öffentliche 

Interesse an der documenta 12 merklich zu. 

Fragen nach der Ausstellungskonzeption, den beteiligten 

Künstlern oder den Standorten werden 

laut. Die Zahl der Mitarbeiter wächst und eine 

wöchentliche Kolumne in der lokalen Tageszeitung 

ermöglicht dem neugierigen Kasseler Publikum 

einen ersten Blick hinter die Kulissen. Auch 

in einem anderen Bereich der Ausstellung nimmt 

die documenta konkrete Formen an. Das im letzten 

Jahr vorgestellte Zeitschriftenprojekt der documenta 

12 hat bereits die Arbeit aufgenommen 

und bereitet die erste der drei Ausgaben vor, die 

im Winter 2006 bei Taschen erscheint. Die Zeitschrift 

der documenta 12 hat es sich zur Aufgabe 

gemacht, nicht nur begleitendes Medium der Vermittlung 

zu sein, sondern bereits im Vorfeld der 

documenta 12 magazines 

geführten Gespräch stellt der Leiter der documenta 

12 magazines, Georg Schöllhammer, das 

Projekt vor. 

Nach welchen Kriterien erfolgt die Auswahl der 

Zeitschriften? 

Redaktionen sind kleine Akademien. Sie sind die 

Transmissionsstellen zwischen denen die Kunst 

machen und denen die über sie nachdenken, zwischen 

kleinen, ganz spezifi schen Publika und anderen 

Öffentlichkeiten. Zeitschriften sind Räume, 

in denen eine Arbeit der Setzung, stattfi ndet, 

in denen auch Form vermittelt wird. Wir interessieren 

uns nicht für Magazine, die parallel zu den 

ohnehin starken Kräften des Markts oder der 

Lifestyleindustrien arbeiten, sondern für Projekte, 

in denen etwas formatiert wird, Projekte 

die für ihr Umfeld etwas aktivieren, Material zur 

Verfügung stellen. Das ist ein wichtiges Kriterium. 

Das können dann ganz kleine Künstlerprojekte 

ebenso sein wie die Beilagen von Tages- 

oder Wochenzeitungen, methodenkritische Uni- 

Ein Gespräch mit Georg Schöllhammer über das Zeitschriftenprojekt der documenta 12 

Ausstellungskonzeption zentrale Fragestellungen 

sichtbar zu machen. Mehr als 80 internationale 

Zeitschriften, Magazine und Online-Medien sind 

aufgerufen, Themen der documenta 12 zu diskutieren 

und zu refl ektieren. In einem per E-Mail


versitätsjournale genau so wie ein Pop-Fanzine. 

Die Nachbarschaften, in denen Kunst entsteht, 

sind nicht homogen und ebenso heterogen ist unsere 

Auswahl. 

Im Vordergrund der Diskussionen sollen die 

Themen und Thesen der documenta 12 (Ist die 

Moderne unsere Antike?, Was ist das bloße Leben?, 

Was tun?) stehen. Sind das auch für die 

Zeitschriften relevante Diskurse? Gibt es auch 

Fragestellungen, die über die spezifi sche Situation 

der documenta hinaus relevant für das 

Zeitschriftenprojekt sind und Beachtung fi nden? 

Nun, die Frage nach der Figur des Lebens, jene 

danach, wie wir unsere Zusammenarbeit organisieren 

wollen und die Neugierde darüber mehr zu 

Das müssen Sie in 

einen chinesischen 

Kontext übersetzen 

erfahren, auf welche Weise Modernisierungsprozesse 

lokale Transformation durchgangen haben 

sind für sehr sehr viele der RedakteurInnen, 

KünstlerInnen, AutorInnen und Intellektuelle 

zentrale. Natürlich reiben sich da dann auch Antworten 

an unseren Formulierungen der Thesen, 

gibt es Widerspruch oder andere Schwerpunktsetzungen 

und wichtige Perspektivenwechsel. 

Eine Denkfi gur wie die der Antike, das müssen 

Sie in einen chinesischen Kontext übersetzen, die 

Frage nach der Bildung und dem „Was tun?“ stellt 

sich im Maghreb natürlich anders als in Nordeuropa. 

„Aus dem Dialog der Redaktionen mit der 

documenta 12 wächst ein Teil der Ausstellung 

in Kassel“ – Wie kann das konkret aussehen? 

Was können wir uns darunter vorstellen? 

Sicher nicht jene tristen Abteilungen von Großausstellungen, 

wo in Ketten gelegte, abgegriffene 

Bücher und Zeitschriften in Isolationshaft auf 

müde Ausstellungsbesucher warten. Nein, das 

wird ein Ort der Vermittlung und Bewegung, wie 

ein Redaktionshaus, in dem geschrieben und gedacht, 

aber auch erzählt und gezeigt wird; ein Ort 

an dem die BesucherInnen der documenta etwas 

vom Reden über und vom Zeigen der Kunst erfahren 

werden können und selbst etwas über ihre Erfahrung 

von Kunst vermitteln. 

Neben dieser Funktion der „Mitgestaltung“ der 

Ausstellung, soll die gemeinsame Zeitschrift 

gleichzeitig der Vermittlung dienen und „dem 

Publikum das Wissen an die Hand geben, dass 

dieses braucht, um sich im Raum der Ausstellung 

kompetent und entspannt bewegen zu können“. 

Ersetzen die insgesamt drei Zeitschriften 

der documenta damit den Ausstellungskatalog? 

Man muss sich ja fragen: was ist das, der Ausstellungskatalog? 

Gerade dieses Buchformat hat ja in 

den letzten Jahrzehnten sehr viele verschiedene 

Ausformulierungen gesehen und man konnte ja 

oft nicht zwischen Gewicht und gewichtig unterscheiden. 

Kaum ein Katalog ist das geblieben, 

was er ursprünglich war: eine wissenschaftliche 

Beschreibung und didaktische Erklärung der ausgestellten 

Werke. Diese Funktion hat längst der 

Guide übernommen. Der Katalog ist oft zum Hy- 

Das wird ein Ort der 

Vermittlung und Bewegung 

brid geworden. Die Magazine sind die Begleitpublikationen 

zur Ausstellung. Ihre Texte werden 

unter anderem an den Orten und aus den Zusammenhängen 

heraus geschrieben, in denen auch 

die KünstlerInnen der Ausstellung arbeiten. Aber 

sie beziehen sich nicht immer und ausschließlich 

auf die ausgestellten Arbeiten, sondern beschreiben 

auch einen Weg dorthin und einen Raum um 

diesen Weg. Das kann auch einmal die Arbeit 

eines Künstlers sein, der nicht in der Ausstellung, 

sondern eben im Magazin seinen documenta-Ort 

fi ndet. 

Wie reagieren Sie auf den Einwand, die documenta 

würde durch die Beteiligung einer Vielzahl 

von Zeitschriften, kritische Berichte und


Stimmen über die Ausstellung bereits im Vorfeld 

ausschließen. 

Erstaunt, weil diese Frage doch zeigt, wie tief – 

und oft zu Recht tief – das Misstrauen in die Unabhängigkeit 

von Medien heute ist. Was für manche 

der Hochglanzpostillen gelten mag, dass es 

da einen ganz intimen Zusammenhang zwischen 

den Marktkräften, die sie fi nanzieren und dem 

Inhalt, den sie spiegeln gibt, gilt für die am Zeitschriftenprojekt 

beteiligten Medien nicht. Ein 

ganz wichtiges Auswahlkriterium war eben diese 

Unabhängigkeit. Die hätten die zu verlieren. Über 

die Themen der Ausstellung lokal nachdenken 

und über die Realisierung und die Vorbereitung 

der Ausstellung zu schreiben sind zwei verschiedene 

Dinge. Mich erstaunt diese Corporate oder 

Corps-Geist-Annahme von automatischer innerer 

Zensur, die kurzschließt, dass man das nicht kritisieren 

kann, woran man teilnimmt. 

Ist über die Ausstellungsdauer der documenta 

12 hinaus geplant, dieses Zeitschriftenprojekt 

in irgendeiner Form fortzusetzen? Wenn ja, wie 

kann diese Zusammenarbeit im Anschluss aussehen? 

Das liegt in den Händen der beteiligten Zeitschriften. 

Wir werden die Werkzeuge, die wir für 

Das liegt dann in den 

Händen der beteiligten 

Zeitschriften 

die Redaktionsarbeit entwickelt haben, unter anderem 

ein vielsprachiges Online-Redaktionssystem 

in die Hände der Redaktionen geben, die 

dann darüber entscheiden können, wie sie diese 

benutzen. Wenn sich darüber hinaus bestehende 

Verbindungen stärken und neue Kontexte überschreitende 

Beziehungen zwischen den Beteiligten 

entstehen, dann hat das Projekt auch nachhaltig 

Sinn gemacht. 

Georg Schöllhammer (*1958) 

Redakteur, Autor und freier Kurator, lebt und 

arbeitet in Wien. 

Chefredakteur der von ihm 1995 mitbegründeten 

Zeitschrift springerin - Hefte für Gegenwartskunst. 

Schöllhammer war 1988 bis 1994 Redakteur 

für bildende Kunst der Tageszeitung Der 

Standard und ab 1992 Gastprofessor für Theorie 

der Gegenwartskunst an der Universität für 

künstlerische und industrielle Gestaltung, Linz. 

Er veröffentlichte zahlreiche Publikationen zu 

Gegenwartskunst, Architektur und Kunsttheorie.


Kasseler Atelier- und Ausstellunghaus [kaa] 

Vorbereitung Atelierrundgang 2004 

Die Initiative Kasseler Atelier-und Ausstellugshaus 

[kaa] ist ein ehrenamtlich arbeitendes Team 

von bildenden KünstlerInnen und Kunstvermitt- 

Das Projekt kaa ist 

mehrdimensional und 

transparent 

lerInnen, die sich 2003 zusammengeschlossen 

haben. Ein langfristiges Ziel unserer Initiative ist 

die Einrichtung eines Atelier- und Ausstellungshauses 

in Kassel, das sich als Zentrum der Kunstproduktion 

und Vermittlung, der Kunstförderung 

und Vernetzung lokal verankern und überregional 

etablieren soll. Unsere Arbeit ist Impuls gebend 

darauf ausgerichtet, die Infrastruktur und 

Produktionsbedingungen für bildende KünstlerInnen 

zu verbessern und einer interessierten Öf- 

fentlichkeit ein Forum der Teilnahme am aktuellen 

Kunstgeschehen anzubieten. 

Das Projekt kaa ist mehrdimensional und transparent 

angelegt. Neben dem langfristigen Ziel, 

ein festes Gebäude zu beziehen, möchten wir, 

dass Kunstschaffende und Kunstinteressierte 

schon während des Entwicklungsprozesses von 

der Arbeit des Kasseler Atelier- und Ausstellungshauses 

profi tieren. Mit kuratierten Veranstaltungen 

wie dem Atelierrundgang 2004, dem 

Künstlerfest 2005 unter dem Titel Wir haben 

Ausstellung, aber auch unterschiedlichen Diskussionsforen 

zum Thema Künstlerförderung ist die 

öffentliche Diskussion und Wahrnehmung neuer 

Strategien der Selbstorganisation im künstlerischen 

Bereich initiiert worden. 

Damit möchte die Initiative Kasseler Atelier- und 

Ausstellungshaus auf zukünftige Arbeitsbereiche 

Kunst für die Rose, Wiesbaden 2004 

und Handlungsräume konzeptuell und visionär 

verweisen. Für die Profi lbildung von kaa benötigen 

wir, um mehr als punktuell agieren und reagieren 

zu können, Projekträume, die uns erlauben, 

unsere Arbeit öffentlich und kontinuierlich 

zu betreiben. Vor allem braucht kaa ein Büro, damit 

für die vielfältige Vernetzung von Ideen und 

Zielen ein Knotenpunkt geschaffen werden kann. 

Konkret steht u.a. die Durchführung des Künstlerfestes 

in diesem Jahr durch kaa an, mit dem 

wir nach dem großen Erfolg von Wir haben Ausstellung 

erneut vom KulturBahnhof e.V. beauftragt 

wurden. 

Die Selbstorganisation von KünstlerInnen und 

KunstvermittlerInnen hat mit kaa eine fl exible 

Vor allem braucht kaa 

ein Büro 

Struktur bekommen, die unterschiedliche Arbeitsformen 

und Kooperationen zulässt und zugleich 

von ihrer Kontinuität profi tiert. Das Netzwerk 

kaa macht vieles möglich und sucht zugleich 

das Unmögliche. 

Das kaa-Team


Atelierrundgang 2004 

Künstlerfest 2005 

[kaa] Kasseler Atelier- und Ausstellungshaus 

Große Rosenstraße 17 

34117 Kassel 

www.kaahaus.de 

email: info@kaahaus.de 

fon. 0561-5790547 

MIETGESUCH 

Gesucht wird ein Raum, damit kaa einen Ort 

bekommt. 

Mietfrei, weil Fördergeld in Projekten besser 

angelegt ist. 

Temporär, aber nicht fl üchtig. 

kaa ist nicht solvent, zahlt die Nebenkosten 

aber pünktlich. 

Gewünschte Ausstattung: 

Ein Fundament für den sicheren Stand. 

Ein Fenster, für Perspektiven. 

Wände, die einen Nagel vertragen. 

Groß genug für Schreibtisch und Kunst. 

Ab sofort oder spätestens bald. 

Fon: 0561-5790547 email: info@kaahaus.de 

Fotos: Valentin Piel

14. - 23. DEZ. 2005 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 90 

Eine lange Geschichte und viel Glück 

Ausstellung mit Tombola zur 170-Jahr-Feier des Kasseler Kunstvereins 

2005 hatte der Kasseler Kunstverein seinen 

170sten Geburtstag! Die Feierlichkeiten begannen 

im Februar mit der Ausstellung „VOR- 

STANDsWAHL“ und klingen noch lange nach in 

der unter diesem Titel erschienenen Chronik des 

Kunstvereins, die die bisherige Geschichtsschrei- 

Bilderschwemme im 

Kunstverein 

bung um zwanzig Jahre erweitert. Sie lässt sich 

durchblättern wie ein Familienalbum, in dem 

man nicht nur Höhepunkte und auch fast vergessene 

Ausstellungen und Veranstaltungen seit 

1985 wiederfi ndet, sondern auch so manchen seiner 

alten Freundinnen und Freunde unter dem 

Publikum entdeckt. Eine „Bilderschwemme im 

Kunstverein“ (HNA) beendete das Jubeljahr, eine 

besondere Ausstellung und Tombola, die einen 

Modus aufnimmt, der mitverantwortlich ist dafür, 

dass der Kunstverein bereits im ersten Jahr 

740 Mitglieder zählte. 

1835 hatten „12 Apostel“, alle Angehörige der 

Akademie, und der Maler Friedrich Müller, der 

als Gründervater gilt, mit breiter Unterstützung 

der einfachen und gehobenen Bürgerschaft und 

unter eifersüchtiger Anteilnahme des Adels die 

Initiative zur Gründung eines Kunstvereins ergriffen. 

Er hatte sich einerseits der Förderung 

aktueller Kunst verschrieben, aber sich auch zum 

Ziel gesetzt, die Kunst unters Volk zu bringen – 

nicht nur im Sinne kultureller Bildung, sondern 

auch ganz materiell in Form von Bildern und 

Skulpturen in privaten Haushalten. Die Methode, 

das zu erreichen, war sehr „modern“ – aber auch 

nicht ohne Sprengkraft. 

Man konnte Mitglied dieses Kunstvereins werden 

und damit alle Vorteile und Rechte erhalten, indem 

man sich Aktien erwarb (912 wurden bereits 

im ersten Jahr gekauft). Die damit verkündete 

Gleichheit Aller in der Mitgliederversammlung 

macht deutlich, dass der Kasseler Kunstverein 

1835 im Umfeld bürgerlich revolutionärer Bewegungen 

gegründet wurde, als eine Bürgerinitiati- 

Familie Behrendt, Textilien, Stickerei auf gefundenen 

Materialien, 2005 

ve für eine öffentliche Kultur im Dienst einer demokratisch 

verfassten Gesellschaft. Gleichzeitig 

hat man dem Kurprinz und Mitregenten das Protektorat 

angetragen, was zur ersten Zerreißprobe


Ansicht der Ausgabe der Tombolagewinne im Kasseler Kunstverein, 2005 

führte, die der Verein zu überstehen hatte, denn 

Friedrich Wilhelm wollte diese demokratische 

Verfassung nicht akzeptieren (er bestand auf ein 

Verhältnis der Aktien von 60 zu 1). So heftig und 

grundsätzlich der Streit auch war, zu einer „richtigen“ 

Revolution reichte es bei den Kasseler Bürgern 

nicht, man fand Kompromisse und oft half 

auch das (heimlich geförderte) Glück. 

Der Anteil der Aktien ermöglichte außerdem, an 

einer Verlosung teilzunehmen und so – mit viel 

Glück – in den Besitz originaler Kunstwerke zu 

kommen. Wer Pech hatte, bekam zum Trost ein 

„Nietenblatt“, eine Einrichtung, die später „Jahresgabe“ 

hieß und sich heute fortsetzt in Form 

von speziell in Kunstvereinen herausgegebenen 

Editionen zu günstigen Preisen. Das erste Nietenblatt 

war eine Lithografi e nach Rembrandts „Jakob 

segnet seine Enkel“ (Jakobssegen), gezeichnet 

von Ludwig Emil Grimm.


Der Kasseler Kunstverein hat diese alle ständischen 

Grenzen sprengende Idee für seine Geburtstagsfeier 

aufgenommen und alle Künstlerinnen 

und Künstler (über 400), die in den letzten 

zwanzig Jahren im Kunstverein ausgestellt haben, 

gebeten, dem Verein und seinen Mitgliedern 

Familie Behrendt, Textilien, Stickerei auf gefundenen Materialien, 2005 

für eine Ausstellung und Tombola ein Geschenk 

zu machen. Die Resonanz war überwältigend. 

„Die Namensliste, auf der Kasseler Künstler 

ebenso zu fi nden sind wie documenta-Teilnehmer, 

spiegelt die Breite und Vielfalt der Ausstellungen.“ 

schrieb Dirk Schwarze, HNA, dazu. Über 

250 Unikate, Grafi ken, Aufl agenobjekte, Editionen 

und signierte Bücher gingen ein. Und auch 

ein „Nietenblatt“ wurde aufgelegt: Daniel Behrendt 

zeichnete eine karikaturhafte Replik des 

Grimmschen Blattes vom Rembrandtschen „Jakobssegen“.


Am 14. Dezember, eine Woche vor der Tombola, 

wurde „der Jahrmarkt der Exponate“ eröffnet und 

der Losverkauf gestartet (jedes Los 10 Eur, jedes 

zweite Los ist ein Gewinn). Am 20. Dezember, 

dem Tag der Tombola, erreichte die Spannung ih- 

jedes zweite Los ist 

ein Gewinn 

ren Höhepunkt, denn da wurde verkündet, ob die 

geraden oder die ungeraden Zahlen gewonnen haben. 

Während viele in unverhohlener Freude und 

mit Stolz ihre Gewinne vorzeigten, stand dem einen 

oder anderen doch auch Ratlosigkeit ins Gesicht 

über das, was jetzt „mein Original“ ist. Das 

blieb meist nicht unentdeckt, so dass sich dezente 

Begleiter um den Ratlosen scharten, die ihn zur 

„Umtauschbörse“ begleiteten. So gab es schließlich 

nicht nur schnell wechselnde Besitzer, es entstand 

sogar ein Handel, der manchem Pechvogel 

doch noch zu einem „Schnäppchen“ verhalf. 

Bernhard Balkenhol 

ALBRECHT D. | Pablo Alonso | Peter Angermann 

| Birgit Antoni | Arno Arts | AY-O | Silvia 

Bächli | Bernhard Balkenhol | Stephan Balkenhol 

| Alfred Banze | Rosa Barba | Rüdiger Barharn | 

Hanna Bayer | Rolf Behme | Familie Behrendt | 

Julien Blaine | Karl Oskar Blase | Hartmut Böhm 

| Conny Bosch | Tobias Brembeck | Birgit Brenner 

| Erika Breuer | Horst Brunsiek | Adolf Buchleiter 

| Barbara Bux | cARTed | Walter Dahn | Martin 

Dege | Stefan Demary | DOC(K)S | Felix Droese | 

Maria Eichhorn | Nezaket Ekici | Rolf Escher | 

Peter Freitag | Adib Fricke | Mechtild Frisch | Peter 

Frisch | Roland Geissel | Rolf Gerner | Siegfried 

Gerstgrasser | Jochen Gerz | Silvia Götz | 

Alfred Gong | Wiebke Grösch, Frank Metzger | 

Ute Gruenwald | Olaf Hackl | Wolfgang Hahn | 

Wolfgang Hainke | Herbert Hamák | Barbara 

Hammann | Eric Hattan | Peter Hauenschild, Georg 

Ritter | Bernard Heidsieck | Anton Henning | 

Reimer Hennings | Hans Hillmann | Ika Huber | 

Patrick Huber | Florian Hüttner | Markus Hutter | 

Udo Idelberger | Christoph Irrgang | Vera Isler- 

Leiner | Wolfgang Kaiser | Frank Kästner | Roman 

Krasnitsky | Kazuo Katase | Norbert Klassen 

| Ellen Kohlhaase | Till Krause | Mirjam Kuitenbrouwer 

| Vollrad Kutscher | László Lackner | 

Gerhard Lang | Rolf Lederbogen | Katrin Leitner 

| Gerhard Lienemeyer | Ute Lindner | Hilmar Liptow 

| Simone Mangos | Rémy Markowitsch | martinafi 

scher13 | Jonathan Meese | Ingo Meller | 

Agnes Meyer-Brandis | Ralf Michna | Yana Milev 

| Ulrike Möschel | Niall Monro | Isolde Monson- 

Baumgart | Klaus Müller-Domnick | Jens Nagels | 

Jens Nedowlatschil | E. R. Nele | Reinhard Nißle | 

Wulf Nolte | Eva Ohlow | Jürgen O. Olbrich | Walter 

Peter | Gilbert Pink | Kathrin Rabenort | Norbert 

Radermacher | Markus Raetz | Brigitte Rathmann 

| Ute Reeh | Christine Reinckens | Reinigungsgesellschaft 

| Achim Riechers | Matthias 

Roth | Ulf Rungenhagen | Oliver Scharfbier | 

Klaus Schinkmann | Hansjörg Schneider | Achim 

Schnyder | Peer Schröder | Dieter Schwerdtle | 

Antje Siebrecht | Annegret Soltau | Wolfgang 

Spanier | Daniel Spoerri | Klaus Staeck | Hermann 

Stamm | Birgit Szepanski | Gisbert Tönnis | Dieter 

Tonn | Dirk Tonn | Endre Tót | Andreas 

Tschernoch | Timm Ulrichs | Veronika Veit | Verena 

Vernunft | Andreas Vogt | Arno Waldschmidt 

| Rolf Walz | Uwe Warnke | Mathias Weis | Michael 

Wiedemann | Moritz Wiedemann | Renate 

Wiedemann | Emmett Williams | Dorothee von 

Windheim | Bernhard Wollborn | Jindřich Zeithammel

14. JAN. - 26. FEBR. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 94 

„Neugierige Menschen, Autofahrer und Fußgänger, 

aufgeweckte Kinder und skeptische Theoretiker, 

Kunststudenten und Profi -Tuner kamen, um 

zu sehen und zu staunen. 

Gelegenheit dazu boten ein leerer Carcoon (Hainke) 

und ein noch ungeborenes Auto im Kokon 

(Kästner). Vorbei an bellenden Hunden (Huber/ 

Beck) und anderen Missverständnissen (Henning), 

ging es zu Unfällen auf Papier (Schäfer) 

und in Metall (Fleury) weiter zum echten „pimp 

my ride“ (Torrez). Der Spaßfaktor wurde durch 

selbstständige Kochtöpfe (Möbus) und ein sprechendes 

fat car (Wurm) erhöht, führte zu rätselhaften 

Berlinern Gedichten an der Mauer (Olbrich) 

und einem fl iegenden Taxi (Sous). Dagegen 

konnte der Stau in Kairo (Gursky) und Mexico 

City (Serra), genauso wie der bunte Schrotthaufen 

(Chamberlain) und der griechische Schlangenhaufen 

(Koch) geradezu nachdenklich stimmen. 

Ein kleines rotes Holzauto auf hohem Sockel 

(Balkenhol) und nostalgische Seifenkisten- 

Flitzer (Fischer) bereiteten den Auftritt der 

„Großen“ vor. Auf das erste Art Car (Calder) 

folgte ein geometrisches von Stella. Liechtenstein 

ging die Sache psychologisch an und verhalf seinem 

Art Car zum Sieg, indem er ihm vorher ver- 

AUTO-NOM-MOBILE 

Das Automobil in der zeitgenössischen Kunst 

„Wo gehtʼs denn hier 

zur Autoausstellung?“ 

riet, wie es auf der Straße aussieht. Warhol legte 

Hand an und ließ den Fahrtwind sichtbar werden. 

Rauschenberg erfüllte sich den Traum eines mobilen 

Museums und Chias Car starrte den Besucher 

mit großen Augen an. Penck hielt es archaisch 

und Hockney ließ ins Innere blicken. Zu 

guter Letzt wartete ein weißer Rennwagen mit 

weisen Worten (Holzer).“ So fasst Christine Messerschmidt, 

Studentin an der Kunsthochschule 

Kassel und „Führungskraft“, die Ausstellung und 

ihre Erfahrung zusammen. 

Von vornherein im Verhandlungspaket um die 

Ausstellung mit dem Sponsor BMW Group München 

war die Einrichtung eines ausstellungspädagogischen 

Dienstes. Und weil Vermittlung von 

Gegenwartskunst eines der wichtigsten Ziele im 

Selbstverständnis des Kunstvereins ist, sollte hier 

einmal nicht gespart werden. 

Die Verhandlungen waren erfolgreich. Allerdings: 

Nur vier Wochen war Zeit, diesen Dienst 

einzurichten, d. h. ein Team zu akquirieren, einen 

„Reader“ zu erstellen, der die Künstler und das 

Ausstellungskonzept vorstellt, die Buchungsformalitäten, 

Werbung und Logistik vorzubereiten 

und Rundgänge durch die Ausstellung zu entwerfen, 

die Öffentlichkeit zu informieren, das Staat- 

liche Schulamt über das besondere Angebot der 

kostenlosen Eintritte und Führungen für Schulklassen 

zu informieren und einen Workshop für 

Lehrerinnen und Lehrer vorzubereiten. Wie die 

„documenta-Guides“ 2002 konnte der „Führungsdienst“ 

die Aufbauarbeiten begleiten und 

Gespräche mit Künstlern führen. Es galt, sich so 

allumfassend wie möglich „Input“ zu holen bezüglich 

kunstwissenschaftlicher Aktualität, philosophischem 

und gesellschaftlichem „Background“ 

und kunstpädagogischer Vermittlungsstrategien. 

Aber letztlich entwickelte jeder selbst 

seine individuelle Choreografi e durch die Ausstellung, 

hatte jeder Kunstvermittler selbst die 

volle Verantwortung – und das Vertrauen, seine 

individuelle Gruppe zu „erspüren“ und das „Richtige 

zu sagen und zu tun“. 

Trotz hunderter Mails und Briefe an nahezu allen 

Schulen in und um Kassel ließen die Schüler zunächst 

auf sich warten, sodass zusätzliche Plakataktionen 

in Lehrerzimmern, in den Eingangsbereichen 

von Schulzentren, Sekretariaten etc., Gespräche 

mit Schulleitern und Kunstlehrern, Verteilung 

von Foldern und Plakaten überall – auch 

Bild rechts: Stefan Sous, Taxi, Installation, 2001

14. JAN. - 26. FEBR. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 95

14. JAN. - 26. FEBR. 2006 KAS 

Tankstellen sind Anlaufstellen – nötig waren. 

Das enthusiastische Engagement aller und der 

Lehrerworkshop in der Ausstellung trugen 

schließlich Früchte. In den letzten beiden Ausstellungswochen 

mussten vormittags Doppel- und 

Dreifachschichten für Schulklassen jeder Altersstufe 

und Schulform gefahren werden. Schließlich 

waren es über 1000 Schülerinnen und Schüler, 

die AUTO-NOM-MOBILE gesehen haben. 

Ganz klar, die Ausstellung polarisierte: entweder 

„Autofreak“ oder „Kunstfan“, aufgeschlossenneugierige 

„Allrounder“ waren eher selten. Das 

zu ermitteln, dem entgegenzuwirken, es aber 

auch anzuerkennen, zu überzeugen oder wenigstens 

„aufzuschließen“ war der „Job“. Wie stoppt 

man den Besucher, der schnurstracks zu den Art 

Cars durchstartet, in der Museums-Autowerkstatt 

von Wolfgang Hainke, interessiert sie auch für 

die CrashCar-Series von Sylvie Fleury oder die 

Autoschrott-Skulptur von John Chamberlain? 

martinafi scher13, Promenade, Installation, 2006

SELER KUNSTVEREIN SEITE 96 

Wilhelm Koch, Pneuwagen, Aluminium, Gummi, 2006 

Wilhelm Koch, Laokoon, Pneuhaufen, 2006 

14. JAN. - 26. FEBR. 2006 KASS 

Auch den Zweifl ern entlockt so viel Witz und Ironie 

der Künstlerinnen und Künstler überproportional 

häufi g ein Lächeln, eine Anerkennung, ein 

Kommentar. Überhaupt: die Ausstellung generiert 

Kommunikation, und in den Führungen wird 

jede Form der Kritik als Einladung zum Kunstgespräch 

angenommen. Es gab intensive und spannende 

Gespräche über das Auto als Produkt der 

Selbstdarstellung, als industrielle Skulptur, als 

Symbol für Fortschritt oder Zerstörung der Umwelt, 

auch über die Thesen Roland Barthes oder 

Paul Virilios im Katalog – und nicht zuletzt auch 

darüber, was Kunst hier ist und leisten kann. 

Warum ist denn 

das Kunst? 

„Die Frage: ‚Warum ist denn das Kunst?ʼ wurde 

zwar auch von Kindern gestellt, aber genauso oft 

oder sogar öfter von Erwachsenen“, stellt Friederike 

Siebert resümierend fest. Die Fähigkeit, die 

hier gezeigten Arbeiten als Medium zu nutzen für 

ein Nachdenken oder ein Gespräch über das, was 

sie thematisieren, fi el vielen Erwachsenen 

schwerer als den Jugendlichen. Sie hatten auch 

kaum Schwellen- oder Berührungsängste. 

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KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 97 

Jenny Holzer, Protect Me From What I Want, Art Car, 1999

14. JAN. - 26. FEBR. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 99 

8-jährige Schüler rennen los, wollen alles anfassen 

(um es zu begreifen!) – Sehen heißt für sie 

auto-matisch Erleben … sie spielen Auto-Quartett 

(„Whow, der hier hat 480 PS“), sie beantworten 

Fragen, die man nicht zu stellen brauchte, und 

kommentieren lustvoll („also Autoreifen haben 

heutzutage keine Schläuche mehr, die sind bestimmt 

vonʼnem Bagger … so ein Schlauchhaufen 

wärʼ toll auf unserem Schulhof …“ (zur Laokoon- 

Gruppe von W. Koch). 

16-Jährige muss man begeistern, in den Bann ziehen, 

überraschen, provozieren … man muss sie 

beobachten, ihnen folgen und dort, wo sie stehen 

Jürgen O. Olbrich, Autopoem (cars passing me in Weimar in 30 minutes), 2006 martinafi scher13 neben ihrer Arbeit Promenade, 

Installation, 2006

27. MÄRZ - 02. MAI 2005 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 100 

bleiben, packen! Meist starten wir doch im „Autohaus 

der Superlative“ bei den BMW-ArtCars, 

rasseln Daten runter und brillieren mit Spezialwissen 

rund um den Rennsport – das beeindruckt! 

Wie bei einem Wolfsrudel kann man fortan getrost 

den Leitwolf spielen, plaudern und unbemerkt 

Kunst- und Kulturgeschichte einfl echten. 

So konnte die Frage: „Wo gehtʼs denn hier zur 

Autoausstellung?“ bald nicht mehr irritieren. Die 

Attraktion, durch eine Karosserie hindurchgehen 

zu können, bremste die vordergründige Neugier. 

jede Reaktion wurde aufgenommen und gegebenenfalls 

umgewandelt in eine „Aktion“. Schüler 

Ältere Menschen 

mussten zurückgehalten 

werden 

„performten“ und interpretierten die „Autopoems“ 

selbst à la Hip-Hop, gestalteten vorbereitete 

Postkarten, „verpuppten“ Spielzeugautos in Folie, 

diskutierten Jenny Holzers Schriftzug „Protect 

Me From What I Want“. Ältere Menschen 

mussten zurückgehalten werden, nicht in das 

Gogo-Mobil zu steigen. Erstaunliche und lustige 

Wolfgang Tillmans, Red, 1998

14. JAN. - 26. FEBR. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN 

Art Cars, Ausstellungsansicht, Kasseler Kunstverein, 2005 

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ER KUNSTVEREIN SEITE 102 

bleiben, packen! Meist starten wir doch im „Autohaus 

der Superlative“ bei den BMW-ArtCars, 

rasseln Daten runter und brillieren mit Spezialwissen 

rund um den Rennsport – das beeindruckt! 

Wie bei einem Wolfsrudel kann man fortan getrost 

den Leitwolf spielen, plaudern und unbemerkt 

Kunst- und Kulturgeschichte einfl echten. 

So konnte die Frage: „Wo gehtʼs denn hier zur 

Autoausstellung?“ bald nicht mehr irritieren. Die 

Attraktion, durch eine Karosserie hindurchgehen 

zu können, bremste die vordergründige Neugier. 

jede Reaktion wurde aufgenommen und gegebenenfalls 

umgewandelt in eine „Aktion“. Schüler 

„performten“ und interpretierten die „Autopoems“ 

selbst à la Hip-Hop, gestalteten vorbereitete 

Postkarten, „verpuppten“ Spielzeugautos in Folie, 

diskutierten Jenny Holzers Schriftzug „Protect 

Me From What I Want“. Ältere Menschen 

mussten zurückgehalten werden, nicht in das 

Gogo-Mobil zu steigen. Erstaunliche und lustige 

Fragen gab es, z. B. zu Erwin Wurms „Fat Car 

Talking“: „Wieso ist das Auto eigentlich weiß – 

viele Amerikaner sind doch schwarz? Antwort: 

„Weil Fett weiß und wabbelig ist, auch bei Farbigen!“ 

„Kunst ist nicht selbstverständlich, aber die einfachsten, 

manchmal von der Wissenschaft weit 

14. JAN. - 26. FEBR. 2006 KASSELER 

Christiane Möbus, Fridericus Rex, Installation, 1994-97 

Anton Henning, Blumenstillleben No. 209, 

Leinwand/C-Print, 1992

KUNSTVEREIN SEITE 103 

Frank Kästner, Auto mit Zuckerwatte, 2003 

Das Führungsteam der Ausstellung 

„AUTO-NOM-MOBILE“ von links nach rechts: 

Irmhild Hartinger, Alexandra Nunez, Juliane Gallo, 

Sarah Walters, Dirk Müller, Friederike Siebert, Britta 

Jeserich, Christine Messerschmidt

05. FEBR. - 23. APRIL 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 104 

Joel Baumann, Neue Medien | Hendrik Dorgathen, 

Illustration | Else Gabriel, Basisstudium 

Kunst | Jakob Gebert, Möbeldesign und Ausstellungsarchitektur 

| Kai-Uwe Hemken, Kunstwissenschaft 

| Andreas Hykade, Trick- und Animationsfi 

lm | Wolfgang Jonas, Systemdesign | Bjørn 

Melhus, Bildende Kunst/Virtuelle Realitäten | 

Jürgen Meyer, Malerei | Bernhard Prinz, Fotografi 

e | Tanja Wetzel, Kunst- und Medienpädagogik 

NEUER REICHTUM: Der mächtige Schriftzug 

auf schwarzem Grund empfi ng die Besucher im 

Foyer des Kunstvereins. Die in einer Blattgold 

imitierenden Farbe und Type gesetzte Schrift 

„NEUER REICHTUM“ 

11 Positionen _ Kunsthochschule Kassel 

wirkt aber auch ein 

wenig protzig 

vermittelt Wertigkeit und Optimismus, wirkt aber 

auch ein wenig protzig. Neuer Reichtum in Kassel? 

Neuer Reichtum an der Kunsthochschule? 

Neuer Reichtum im Jahr 2006? In Zeiten von 

Hartz IV, anstehender Mehrwertsteuererhöhung 

und allgemeiner gesellschaftlicher Depression im 

ehemaligen Wirtschaftswunderland? 

Der plakativ gewählte Ausstellungstitel sollte potenzielle 

Besucher aufmerksam machen und anregen, 

über die möglichen Bedeutungen von 

Reichtum zu refl ektieren. Kann es sich hier wirklich 

ausschließlich um ökonomischen Reichtum 

handeln? Wohl kaum. Die Kunsthochschule Kassel 

kämpft wie alle deutschen Hochschulen um 

die Aufrechterhaltung von Qualität und Quantität 

ihres Lehrangebots, und diesem Ziel ist sie in der 

Durchsetzung von zahlreichen Neuberufungen 

innerhalb der letzten drei Jahre ein gutes Stück 

näher gekommen. Trotz der allgemein schwierigen 

wirtschaftlichen Situation im Bildungsbereich 

hat man es geschafft, engagierte Künstler, 

Designer, Wissenschaftler und Pädagogen für 

Kassel zu gewinnen, die einen Generationswechsel 

eingeläutet und schon nach kurzer Zeit das 

Bild einer modernen Kunsthochschule geprägt 

haben. Darauf kann diese Institution stolz sein, 

wobei nicht nur sie, sondern eine ganze Stadt und 

Region von diesem ideellen Reichtum profi tiert, 

den die Neuberufenen in ihren eigenständigen 

Positionen mitbringen. 

Die elf Positionen zeigen fast das ganze Spektrum, 

das an der Kunsthochschule gelehrt wird. 

Ihre Arbeiten sind extrem verschieden und thematisch 

nur schwer zu verknüpfen, was für die 

Konzeption der Ausstellung ein nicht unerhebliches 

Problem darstellte. Eine mögliche Lösung, 

nämlich die Bildung von Ausstellungskojen und 

Bernhard Prinz, Epidemien, Ilfochrome, 1994/2000 und 

Kleidermix aus der Privatsammlung des Künstlers 

Bjørn Melhus, Heaven (Ausschnitt), Installation, 

1991-2006 

Links: Joel Baumann, I Spy, Medieninstallation, 2006 

Rechts: Bjørn Melhus, Heaven, Installation, 1991-2006 

05

somit die ausschließliche Präsentation von Einzelpositionen, 

war von Anfang an inhaltlich nicht 

tragfähig, denn die Ausstellung hatte im Grunde 

zwei Aufgaben zu bewältigen: zum einen mussten 

die einzelnen Arbeiten und die sich darin vermittelnden 

Ideen, Denkweisen und Thesen der Neuberufenen 

präsentiert werden, zum anderen sollten 

aber auch mögliche Synergien aufgezeigt sowie 

das allgemeine Selbstverständnis der Lehrenden 

vorgestellt werden, das sich in ihrer täglichen 

Zusammenarbeit an der Kunsthochschule 

entwickelt hat und in der Arbeit mit den Studierenden 

niederschlägt. Um diesen letzten Aspekt 

noch stärker zu thematisieren, wurden alle Professoren 

für den Katalog ausführlich interviewt. 

Als theoretischer Gegenpol zur Ausstellung, in 

der die Beteiligten in ihrer praktischen Tätigkeit 

als Künstler, Designer, Pädagoge oder Wissen- 

schaftler auftraten, soll der Katalog im Besonderen 

ihr Selbstverständnis als Lehrende an einer 

Kunsthochschule verdeutlichen. Bjørn Melhus 

zur Situation in Kassel: „Die Lehre hier in ihrer 

Offenheit schätze ich sehr, und ich hoffe, dass wir 

diese Offenheit auch behalten können.“ 

Die bereits erwähnte Heterogenität der elf Positionen 

brachte nicht nur die Schwierigkeit mit sich, 

den Besuchern einen sinnvollen „Weg“ durch die 

Ausstellung vorzuschlagen, sie bot allein durch 

die Vielfalt der präsentierten Medien auch die 

Chance, eine interessante und abwechslungsreiche 

Ausstellung zu gestalten. Während der 

Ausstellungsvorbereitung und besonders während 

des Aufbaus entwickelten sich Arbeiten zu „Gelenkstellen“, 

die es den Besuchern ermöglichen 

sollten, Zusammenhänge zwischen den verschiedenen 

Positionen zu entdecken, ohne diese in einer 

allzu didaktischen Weise aufzuzeigen. In besonderer 

Weise avancierte die Medieninstallation 

„I Spy“ von Joel Baumann zu solch einer Gelenkstelle. 

Im Folgenden soll anhand der Verweis- 

und Assoziationsmöglichkeiten, die diese für den 

„NEUEN REICHTUM“ konzipierte Arbeit bot, 

ein nachträglicher virtueller Rundgang durch die 

Ausstellung gewagt werden. 


Bjørn Melhus, Heaven, Installation, 1991-2006 

Gleich im Eingangsbereich erwartete die Besucher 

der erste Teil von „I Spy“. Eine aus neun Monitoren 

formierte Wand war quer in den Raum 

gestellt und präsentierte ohne Unterlass geloopte 

Kurzvideos von häufi g albern agierenden Besucherköpfen. 

Neben der Monitorwand befand sich 

in Kopfhöhe ein Kasten, der mit einer kleinen 

Kamera ausgestattet war. Hier konnte man sich 

selbst aufnehmen und feststellen, dass die gerade 

gefi lmte Kurzaktion sofort auf einem der neun 

Monitore erschien, was wiederum dazu animierte, 

weitere Versuche zu unternehmen. Die geloopte 

Präsentationsform ließ seltsam interessante 

Bilder der Besucher entstehen, die sich, durch den 

Spaßfaktor angetrieben, freiwillig und scheinbar 

ohne Bedenken von einer Datenbank speichern 

ließen, die die Kurzvideos in zufälliger Reihenfolge 

immer wieder aufs Neue abspielte. Die Lust 

der Besucher an einer Selbstinszenierung und die 

Möglichkeit der Interaktion ließ die Datenbank 

im Laufe der fast dreimonatigen Ausstellungsdauer 

an die Grenzen ihrer Kapazität stoßen. 

Hatte man genug von bewegten Köpfen und 

drehte sich um die eigene Achse, war man mit der 

37-teiligen Installation „Heads“ von Hendrik 

Dorgathen konfrontiert. An einer Wand hingen, 

ganz still und unbewegt, aus unterschiedlichsten 

Materialien gearbeitete Bilder von Köpfen, die 

der für seine Illustrationen und Comics bekannte 

Dorgathen über Jahre hinweg geschaffen hat: 

Köpfe aus Zigarettenschachteln oder Postversandtaschen, 

Köpfe aus Köpfen oder Köpfe, die 

wirkten, als entstammten sie der Art-Brut-Sammlung 

eines Hans Prinzhorn oder Jean Dubuffet. 

Köpfe sind für den Menschen wahrnehmungspsychologisch 

immer von großem Interesse. Wer 

kennt nicht den Effekt, dass man in vielen Formen 

Gesichter und somit Köpfe entdecken kann?


Jakob Gebert, Ausstellungsarchitektur, 2006 

Drehte man sich ein Stück weiter und wendete 

den Blick zu den großen Fenstern des Fridericianums, 

war auch dort ein Kopf zu erblicken. Allerdings 

nicht in der gewohnten Gestalt, sondern in 

Form der Denkweise des Systemdesigners Wolfgang 

Jonas, der auf vier bedruckten Satin-Bannern 

die Arbeit „Erinnerung an die Zukunft“ präsentierte. 

Jonas, der die Entwicklung von Szenarien 

als methodisches Hilfsmittel für die Bildung 

eines Systemdesigns schätzt, hatte 1996 für den 

ostdeutschen Radiosender DT64 vier Zukunftsszenarien 

über die deutsche Gesellschaft 

des Jahres 2005 entwickelt, um die Anforderungen 

an eine neue Website des Senders zu klä- 

ren. Im Interview für den Katalog erklärte er die 

Notwendigkeit dieses methodischen Ansatzes: 

„Die Szenarioforschung wird in Kassel auch mein 

Schwerpunkt werden, zusammen mit anderen 

methodischen Ansätzen. Weil ich glaube, dass 

Gestaltung tatsächlich mit eher spekulativen, ungewissen 

Entwicklungen, Sinnbildern, Situationen 

rechnen muss. Die gesellschaftlichen, ökologischen, 

kulturellen Entwicklungen müssen ein 

Stück vorausgedacht werden, damit man in diesem 

Kontext Gestaltung machen kann. Das ist 

zentral im Systemdesign: Die Grenze des Ent- 

wurfsfeldes auszudehnen, d. h. vom Produkt wegzukommen 

zu den soziokulturellen Netzen, in 

denen Design stattfi ndet.“ 

Direkt davor hatte ein weiterer Produktdesigner 

seine Position aufgebaut. Jakob Gebert, Professor 

für Möbeldesign und Ausstellungsarchitektur, 

war es sehr wichtig, eine Präsentationsform zu 

fi nden, die seiner Arbeit und Lehre an der Kunsthochschule 

gerecht wurde. Er bestand darauf, 

auch Arbeiten seiner Studenten zu zeigen, und die 

Ausstellungsarchitektur, die er mit Carmen Luippold 

entwarf, spiegelte sein Selbstverständnis als 

Professor sehr deutlich wider. Er selbst zeigte seine 

Arbeiten nur fotografi sch innerhalb eines gebauten 

Oktogons mit abgeschrägten, thekenar- 

Er bestand darauf, 

auch Arbeiten seiner 

Studenten zu zeigen 

tigen Wänden, das ihm die Möglichkeit gab, die 

Entwürfe und Pläne der Arbeiten seiner Studenten 

außen anzulagern. In diesem Innen und 

Außen kann man nachvollziehen, dass er seine 

Position als Nukleus für die Positionen der Studenten 

sieht und seine Vorstellungen gerade in 

deren Arbeiten wiederfi ndet. Ein nur im Inneren 

des „Denk-Gebäudes“ hörbares Interview bot den 

Besuchern eine weitere Möglichkeit der Auseinandersetzung 

mit Jakob Gebert.


Bernhard Prinz, ohne Titel (God/Dog), Ilfochrom, 2002

FEBR. - 23. APRIL 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 108 

Prototypen von Möbelstücken seiner Studenten 

fanden sich in der ganzen Ausstellung verteilt, so 

etwa die im Eingangsbereich als Theke genutzte 

Arbeit „Büro 330“ von Arne Amtsfeld, das 

„Holzhemd“ von Christian Poppel, das Regalsystem 

„Kombinator“ von Christof Schmidt und der 

Konsolentisch „Sissy, der Kaiserin neue Möbel“ 

von Timm Herok. 

Doch zurück zur Medieninstallation „I Spy“, die 

nicht nur einen direkten Link zu Dorgathens 

Köpfen erlaubte, sondern auch zum „Projekt b“ 

Alles bleibt vage, 

alles bleibt im 

Prozess, alles bleibt 

in Bewegung 

der Kunst- und Medienpädagogin Tanja Wetzel, 

die zum Thema „Berührung“ selbst gearbeitet 

hatte und arbeiten ließ. Das „Projekt b“ stellt eine 

weitere interessante Verbindung von Lehrenden 

und Studierenden dar, denn Tanja Wetzel hatte 

die Grafi kdesignerin Isabelle Winter beauftragt, 

zusammen mit einer Studentengruppe (Tanja Jürgensen, 

Judith Kappenstein, Arne Stegmann und 

Katrin Rost) ein Konzept zu entwickeln und umzusetzen, 

das sich aus der physikalischen Tatsache 

nährte, dass es Berührung nicht geben kann, 

weil auf molekularer Ebene immer nur eine Annäherung 

möglich ist. So wie – und hier zeigt sich 

deutlich die kunstpädagogische Position von Wetzel 

– man sich Kunstwerke und ihre Bedeutung 

nicht umfassend aneignen kann. Im besten Fall 

nähert man sich ihnen an, und gerade im Bereich 

der Kunstvermittlung nähert man sich besser auf 

einem indirekten Weg an, was Wetzel mit ihrer 

Arbeit „Berührungen“, einem eigens für die Ausstellung 

gebauten Karambolagetisch mit drei Kugeln, 

sinnbildhaft dargestellt und für jeden Besucher 

sinnlich erfahrbar gemacht hat: nur der Weg 

über die Bande führt zum Ziel. Das „Projekt b“ 

befasste sich zudem mit Blicken, Blickrichtungen, 

Tanja Wetzel, Berührungen, Objekt, 2006 Hendrik Dorgathen, aus: Head, Installation, 2006 Tanja Jürgensen, Judith Kappenstein, Arne Stegmann, 

Katrin Rost, Isabelle Winter, 

Projekt b, Fotokarton auf Metallplatten, 2006 

05. FE

ungerichteten Blicken, sich berührenden Blicken, 

ohne jedoch eine Direktheit des Blicks, wie sie 

bei den porträtartigen Kurzvideos von Joel Baumann 

vorherrscht, anzustreben. Alles bleibt vage, 

alles bleibt im Prozess, alles bleibt in Bewegung. 

Auf einer Metallwand konnten Foto-Scheiben, 

die „blickende Menschen“ zeigten, mit Text- 

Scheiben kombiniert werden, auf die physikalische 

Sätze gedruckt waren, wie etwa das „Gesetz 

der unmöglichen Berührung“. Eine zweite 

Metallwand trug Scheiben, die mit Begriffen aus 

der Sexualwissenschaft oder mit Vornamen beschriftet 

waren und die grafi sche Elemente trugen, 

durch die eine direkte assoziative Verbindung 

der Scheiben möglich wurde. Wie kann die 

von Berührungen getragene, menschliche Sexualität 

in eine sehr schnell moralisierende Wissenschaftssprache 

übersetzt werden? Mit dieser Frage 

und zugleich der sich darin andeutenden Kritik 

könnte diese Arbeit überschrieben werden. 

BR. - 23. APRIL 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 109 

Bernhard Prinz, Porzellanfi guren aus dem Privatbesitz des Künstlers 

Else Gabriel (Twin Gabriel), Jogging Musslima (e.), 

Farbfotografi e, 1996 

Else Gabriel (Twin Gabriel), Jogging Musslima (e.), 

Farbfotografi e, 1996 

Nach diesen vielfältigen interaktiven Möglichkeiten 

und gedanklichen Anregungen konnten 

sich die Besucher in den Raum des Trick- und 

Animationsfi lmers Andreas Hykade begeben, um 

sich dort den 15minütigen Animationsfi lm „Ring 

of Fire“ anzusehen, der von menschlichen Grunderfahrungen 

wie Sexualität, Triebhaftigkeit, Gewalt, 

Freundschaft, Liebe und Vergebung handelt. 

Ein wunderbarer Film, der in Westernmanier die 

Beziehungen dreier Figuren thematisiert und 

trotz der Gewaltszenen einen anrührenden Zauber 

entwickeln kann. Hykades Animationsfi lm 

für Erwachsene war seiner Arbeit „Tom und das 

Erdbeermarmeladebrot mit Honig“ gegenübergestellt, 

einem interaktiven Trickfi lm für Kinder, 

der für die Website der WDR-Produktion „Die 

Sendung mit der Maus“ entstand. 

Neben Andreas Hykade ist es Bjørn Melhus, der 

in seinen Arbeiten das Medium Film nutzt. Melhus, 

Professor für Bildende Kunst/Virtuelle Realitäten 

und international renommierter Videokünstler, 

entschied sich allerdings gegen eine 

Präsentation seiner Videoarbeiten. Er hat für die 

Ausstellung eine mit „Heaven“ betitelte Installation 

geschaffen, die sich aus Kostümen und Kulissen 

aus insgesamt vierzehn seiner Filme zusammensetzte 

und mit verschiedenen auf Monitoren 

präsentierten Videosequenzen kombiniert 

war: geloopte Ausschnitte aus einer us-amerikanischen 

Nachrichtensendung, aus einer leidenschaftlichen 

Fernsehpredigt sowie aus „The Wizard 

of Oz“ mit Judy Garland in der Rolle der 

Dorothy aus dem Jahr 1939. All dies ermöglichte


den Besuchern einen kaleidoskopartigen Blick in 

die Arbeitsweise und die Inspirationsquellen 

eines Künstlers – ein Schaufenster in die Welt 

von Bjørn Melhus, die ein kleines Utensil enthielt, 

das uns wieder zu Joel Baumann und seiner Arbeit 

„I Spy“ führt: eine kleine in eine Brille inte- 

All dies ermöglichte 

den Besuchern einen 

kaleidoskopartigen 

Blick 

grierte Kamera, deren Bild permanent auf einen 

Monitor im Nebenraum übertragen wurde. Dort, 

in direkter Beziehung zu den Arbeiten von Bernhard 

Prinz und Kai-Uwe Hemken, bestand die 

Möglichkeit, andere Besucher bei der Betrachtung 

der Installation von Melhus zu beobachten 

und über einen in die Wand eingelassenen Auslöserknopf 

aufzunehmen. Die dabei entstandenen 

Bilder wurden auf zwei Monitore geschickt, die 

sich im Rücken der überwachten Besucher befanden. 

Der Vorgang der Aufnahme kündigte sich 

übrigens über einige leuchtende Dioden auf der 

Brille an, um beim aufgenommenen Besucher 

Aufmerksamkeit für das Objekt und somit auch 

für die versteckte Kamera zu erzeugen. Ein ganz 

ähnliches Verfahren, jedoch mit anderen Mitteln, 

hatte Dan Graham schon 1974 bei seinem Environment 

„Present Continuous Past(s)“ genutzt, 

allerdings eher mit der Intention, das Thema Zeit 

zu beleuchten, ohne jedoch auf Anspielungen auf 

das schon damals aktuelle Thema einer allgegenwärtigen 

Überwachung zu verzichten. 

Baumanns Überwachungsmonitor wurde ganz 

bewusst in direkter Nähe zur Installation (bestehend 

aus Fotografi en, Wort-, Porzellanfi guren- 

und Seidentüchersammlungen) des experimentierfreudigen 

Fotografen Bernhard Prinz sowie 

Jürgen Meyer, ohne Titel, Öl auf Leinwand, 2004-06 

der Arbeit „No Comment“ des Kunstwissenschaftlers 

Kai-Uwe Hemken aufgehängt, entstand 

hierdurch doch ein riesiges Assoziationsfeld zum 

Thema „visuelle Kultur“. Hemken, der sich als 

Theoretiker damit an einer Ausstellung von Praktikern 

beteiligte, zeigte auf einem einfachen 

Fernseher den Film „Media Magica II – Durchsehekunst“ 

(1995-97) von Werner Nekes, einen 

Film, der die vielfältigen Instrumente und Medien 

dokumentiert, die das menschliche Sehen 

schärfen, die Wahrnehmung verbessern oder einfach 

nur unterhalten. Von der Camera Obscura 

über Vexierbilder bis hin zu Daumenkinos hat 

Nekes mit ungefähr 25.000 Objekten die weltweit 

größte Sammlung zur Geschichte der optischen 

Medien zusammengetragen. Hemken, der sich 

wissenschaftlich immer wieder intensiv mit dem 

Sehen auseinandergesetzt hat, fasst die Beziehungen 

zu den Arbeiten von Prinz und Baumann 

in seinem Interview wie folgt zusammen: „Einer 

der konzeptionellen Aspekte, die ich mit meiner 

‚Nekes-Installationʻ anspreche, ist der Verweis 

auf eine kollektive visuelle Kultur. Vor diesem 

Problemhorizont trete ich in der Ausstellung in 

einen Trialog mit Bernhard Prinz und Joel Baumann, 

die als Künstler mit ‚technischen Bildernʻ 

operieren: In einer Achse stehen sich die Nekes- 

Installation und eine Fotografi e von Prinz gegen-


über und thematisieren die lange Geschichte der 

Wechselwirkung von bildender Kunst (Malerei) 

und optischen Medien (Camera obscura, Fotografi 

e, Neue Medien).“ 

Im Nachbarraum präsentierte Else Gabriel die 

Arbeit „Jogging Muslima“. Gabriel, die seit 1991 

zusammen mit Ullf Wrede unter dem Pseudonym 

„(e.) Twin Gabriel“ arbeitet, ist Professorin für 

die Basisklasse Kunst. Sie zeigte unterschiedlich 

große Farbfotografi en, die eine Performance dokumentieren 

und zugleich stark ästhetisieren. 

Gabriel zeigt sich zusammen mit Ulf Wrede und 

ihren beiden Kindern in selbst genähten, muslimisch 

wirkenden Kleidern und Kopftüchern in 

einem Park in Berlin-Neukölln. Dass es sich um 

joggende muslimische Mitbürger handelt, ist eine 

sehr direkte, erste Assoziation. Doch schnell wird 

klar, dass die Fotografi en und auch das präsentierte 

Video eine Vielfalt an Assoziationen ermöglichen. 

Abhängig vom persönlichen Bildgedächtnis 

des Betrachters, das nur einen Bruchteil 

der kollektiven Bilder und Bildbedeutungen enthalten 

kann, entstehen interessante Zusammenhänge, 

deren Refl exion immer neue Deutungen 

der Fotos ermöglichen. Es sei nur eine Assoziation 

genannt, die den kunstinteressierten Besuchern 

sicher nicht entgangen ist: Die Heilige Familie 

auf der Flucht nach Ägypten. Besonders 

eine Aufnahme im Mondlicht lässt diesen möglichen 

Verweis entstehen, denkt man doch sofort 

an Adam Elsheimer und sein gleichnamiges Öl- 

gemälde aus dem Jahr 1609. Womit wir im Rahmen 

dieses virtuellen Rundgangs nun beim vielleicht 

akademischsten aller Medien angelangt 

sind: der Malerei. 

Jürgen Meyer, seit 2003 Professor für Malerei an 

der Kunsthochschule Kassel, stellte seine neuesten 

Arbeiten aus, die an drei Orten innerhalb der 

Ausstellung hingen: im Eingangsbereich, an der 

Es geht um Freiheit, 

die Freiheit der 

Formulierung. 

zentralen Wand im ersten Raum, sowie einige 

kleinere Arbeiten als Fries gehängt im Dialog mit 

„Heaven“ von Bjørn Melhus. Meyers abstrakte 

Gemälde haben eine unmittelbare haptische Qualität. 

Durch die Verwendung von auf die Leinwand 

gegossenen dickfl üssigen Metallfarben in 

Kupfer und Gold entwickeln sie eine reliefartige 

Struktur, die Bewegung und Ruhe zugleich ausstrahlt 

und dazu verführt, die Farbe berühren zu 

wollen. Die Arbeiten scheinen beeinfl usst von der 

informellen Kunst der 1950er Jahre, etwa der Malerei 

eines Karl Otto Götz. Sie spiegeln das künstlerische 

Grundprinzip der Suche nach Formen 

wider: Auge und Hand steuern Aktion, Innehal- 

ten und Reaktion und lassen dabei Bilder entstehen, 

die diesen komplexen Vorgang scheinbar erfahrbar 

machen. Jürgen Meyer im Interview: „Es 

geht um Freiheit, die Freiheit der Formulierung. 

Gleichzeitig fordern meine Bilder von mir eine 

gewisse Absichtslosigkeit.“ 

Möglichst viel Freiheit wünschen sich alle neuberufenen 

Professoren. Freiheiten in der Lehre, 

Freiräume für die eigene Arbeit, Befreiung von 

der immer größeren Last der Bürokratisierung 

des Alltags an einer Kunsthochschule. NEUER 

REICHTUM muss gepfl egt werden, damit er für 

die Studierenden einen Ertrag bringen kann. Wie 

die Neuberufenen mit einer sich abzeichnenden, 

stärker werdenden Reglementierung und Einengung 

ihrer Arbeit umgehen werden, bleibt abzuwarten. 

Den Schlüssel zur erfolgreichen Bewältigung 

besitzen sie bereits: die Kreativität. 

Dirk Pörschmann

14. MAI - 25. JUNI 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 112 

Vor dem Fridericianum haben blaue Lastwagen 

des THW Kassel Aufstellung genommen. Eine 

Lichtgiraffe ist direkt vor dem Portikus postiert 

und bestrahlt den Eingang zum Kasseler Kunstverein. 

Uniformierte Helfer gehen ein und aus. 

Wer am Sonntag, den 14. Mai zur Eröffnung von 

„2 aus … Stuttgart: Christine Rusche/Georg Winter“ 

gekommen war, musste sich fragen: Was ist 

hier los? 

Drinnen ist das Foyer des Kunstvereins in eine 

zentrale Leitstelle der Katastrophenhelfer verwandelt. 

Hier werden die Ankommenenden oder 

Hereingetragenen aufgenommen und in die verschiedenen 

Behandlungsräume weitergeleitet, wo 

professionelles Personal und Gerät für sie bereit 

stehen. 

Wer ist hier noch zu retten? 

2 aus … Stuttgart: Christine Rusche/Georg Winter 

Georg Winter, der dieses cded (cultural disasters 

emergency drill) konzipiert hat, eine Katastrophenschutzübung 

für kulturelle Massenveranstaltungen, 

für die er die Räume des Kasseler Kunstvereins 

besetzt hat, bewegt sich völlig unaufgeregt 

zwischen den „Neugierigen“ und „Opfern“ 

Apotheker Manfred Ballmann bei der Behandlung einer 

Patientin mit UCS-Augentrost 

herum, organisiert und hilft, wo es nötig ist. Nicht 

jeder ist sich seiner Rolle hier sicher, zumal nicht 

ganz klar ist, welche Katastrophe eigentlich eingetreten 

ist. Gleichwohl werden die Angebote 

schnell angenommen – auch wenn kein tatsächlicher 

Schwächeanfall vorliegt, keine Hysterie 

oder Ohnmacht eingetreten ist. 

„Meine Damen und Herren! Mein Name ist 

Werner Demme. Ich bin Mitglied im Vorstand 

des Kasseler Kunstvereins. Wie geht es Ihnen? 

Wie fühlen Sie sich gerade? Ich habe die ‚2 aus 

Stuttgart: Christine Rusche/Georg Winterʻ gebeten, 

für die Räume des Kasseler Kunstvereins 

eine Arbeit zu realisieren. Ich bin also ganz allein 

verantwortlich! Falls Sie jetzt aggressive oder 

aber auch euphorische Regungen gegen mich, den 

Kunstverein, gegen die Werke oder die Künstler 

verspüren sollten, bitte ich Sie dringend, die Angebote 

Georg Winters anzunehmen, um Ihre Situation 

zu bewältigen“, so erklärt der Kurator zur 

Einführung. 

Detaillierte Anweisungen liefert ein von Georg 

Winter entwickeltes kleines Handbuch (mit einem 

Text von Ute Heddergott, Supervisorin und Therapeutin), 

das am Empfang und an allen Behand-


Das THW Kassel bei der Behandlung eines Schwächeanfalls 

lungsstationen ausliegt. Darin heißt es: „Kulturelle 

Massenveranstaltungen ob spielerischer, 

sportlicher, musikalischer oder künstlerischer 

Art, charakterisieren sich durch die räumliche 

und zeitliche Verdichtung einer größeren Menge 

von Menschen mit zielgerichteter Motivation. 

Unterhaltung, Zerstreuung, Zusammengehörigkeitsgefühl, 

Erkenntnis etc. sind mit dem Ereignis 

verbundene Erwartungen. Eine Beteiligung 

ändert den Zustand und die Befi ndlichkeit des 

Einzelnen, wie den der Masse. Nach Gustave Le 

Bon, dem Vater der Massenpsychologie, sind als 

Eigenschaften der Masse, Triebhaftigkeit (impulsivité), 

Reizbarkeit (irritabilité), Unfähigkeit zum 

logischen Denken, Mangel an Urteil und kritischem 

Geist, Überschwang der Gefühle (exagération 

des sentiments) zu beobachten. Ferner verändern 

sich Eigenschaften des Einzelnen in dem 

Augenblick, da sie zu einer Masse gehören.“ 

Georg Winter, Bereitstellungsraum, Installation 2006 

In den „Anleitungen zur Krisenintervention“ ist 

der „Idealtypische Ablauf im Interventionsraum“ 

beschrieben und mit Zeichnungen erläutert. Dort 

Sind ein oder mehrere 

Krisenauslöser zu 

erkennen? 

heißt es z. B. unter der Überschrift „Problemanalyse“: 

„In der Problemanalyse geht es dem Helfer 

darum zu erfahren, was eigentlich los ist. Sind 

ein oder mehrere Krisenauslöser zu erkennen? 

Welche spezifi schen Stressoren können eruiert 

werden? (Soziale Beziehungen: z. B. Beziehungskonfl 

ikte durch aufgeheizte Stimmung, Verlust 

durch Trennung der Partner oder Familie im Gemenge; 

Materieller Bereich: hohe Eintrittspreise; 

Werte und Normen: Glaubenszweifel, kultureller 

Wertewandel …) Im nächsten Schritt sollte der 

Helfer versuchen, sich ein umfassendes Bild von 

der aktuellen Lebenssituation des Besuchers zu


machen, denn er kann hier mögliche Hinweise 

darauf fi nden, weshalb der Besucher auf bestimmte 

Reize besonders empfi ndlich reagiert. Es 

kann dann also verständlich werden, weshalb ihn 

bestimmte Exponate in eine so tiefe Krise führen: 

Sie treffen einfach auf einen vulnerablen Bereich 

seiner Persönlichkeit.“ 

„Zeige deine Wunde!“ 

„Zeige deine Wunde!“ steht auf einem Flugblatt, 

das Beuys-Freunde zu einer Demonstration in 

München aufruft, und „Nicht schon wieder!“ auf 

einem zweiten, mit dem Beuys-Gegner darauf 

geantwortet haben. Wie diese beiden Gruppen 

sich auf der Straße begegnen, die Situation eskaliert, 

beide Seiten ihr „Fett weg“ kriegen (so ein 

Transparent) und schließlich die Polizei eingreift 

und die Schlägerei beendet, zeigt ein Videofi lm, 

der als „Schulungsfi lm zur Deeskalation“ gekennzeichnet 

ist. Er bildet die Geräuschkulisse, 

THW Kassel vor dem Kasseler Kunstverein


Georg Winter, UCS-Augentrost-Behandlungsraum, 2006 

eine kulturelle Katastrophe aus der Ferne, wenn 

man schließlich auf einem der zwanzig Feldbetten 

liegt, um die eigene Katastrophe abklingen zu 

lassen. Mit einer Reizabsorberdecke kann man 

sich vor Blickkontakt schützen, man kann sich 

mit einer silbern-goldenen Rettungsdecke abdecken 

und sich eine kleine Bärenglocke am Daumen 

befestigen, um sich mehr und mehr zu wecken 

oder doch noch einmal heftig einen Helfer 

zu rufen. 

Alles ist real hier 

Alles ist real hier, vom Megaphon über die Kräuter, 

die man inhalieren kann, bis zu den Feldbetten 

(die man als Edition mit den entsprechenden 

Utensilien und dem Gebrauchsanweisungskatalog 

für 300 Eur als limitierte Edition 

kaufen kann). Aber der „Ernstfall“ gewinnt an 

Humor, wenn man bemerkt, wie Georg Winter 

die Begriffe an ihre doppelte Bedeutung führt. – 

Augenwischerei? 

„SNATCH“ nennt Christine Rusche ihre Raum- 

Zeichnung, die sie vor Ort in zweiwöchiger Arbeit 

realisiert hat. Im englischen Wörterbuch 

steht unter „snatch“: „schneller Griff, Ruck, 

Stückchen, Augenblick, ruckweise an sich reißen, 

greifen nach, entreißen, aufraffen“. Eine Vielzahl 

von handlungsorientierten Appellen, sowohl körperlicher 

als auch geistiger Art. Das passt. Um 

ihren Eingriff in den architektonischen Raum zu 

beschreiben, müsste man die Sprache ebenfalls 

dekonstruieren. 

Der Besucher ist in Christine Rusches Raum auf 

der ständigen Suche nach einer Verortung seines 

eigenen Betrachterstandpunktes im Raum und 

setzt sich – zumal wenn er sich im Raum bewegt 

– über Indizien raumdefi nierender Formen ständig 

in ein neues Verhältnis zur Zeichnung. Mehrmals 

setzt ein Konvolut von Zeichen neu an und 

montiert so bruchstückhafte und unmögliche 

Räume. Darüber hinaus löst sich die Zeichnung 

von der Wand und wird zu tatsächlich gebauten 

Flächen im Raum. Die schwarzen Streifen und 

Dreiecke verwandeln sich in Schatten und geben 

so einen neuen Raum. So kann man alles zusammen 

im Hinein- und Hindurch- und Vorbeigehen 

im Auge – und von dort aus über den Gleichgewichtssinn: 

im Körper – zu einem riesigen Mobile 

machen, das offenbar frei schwebt und sich 

bewegt. 

Ihre mit Tusche auf Backlit-Film entwickelten 

Zeichnungen, die Christine Rusche in einem ge-


Christine Rusche, SNATCH (Raum-Zeichnung), 

Dispersion auf Wand, 2006 

fangenen Raum zeigt, geben Aufschluss, woher 

diese Konstruktionen kommen, und zeigen 

gleichzeitig die ungeheuren künstlerischen Möglichkeiten 

auf, die sich durch ihr Prinzip der Dekonstruktion 

und Montage ergeben. Der Blick in 

einen U-Bahn-Schacht z. B. gibt gegenständlichen 

Halt, wird aber irritiert, wenn man merkt, 

dass das „große schwarze Loch“ am Ende der 

Treppe eine aufgesetzte Form ist, die nur scheinbar 

etwas mit der umliegenden Zeichnung zu tun 

hat. Die scharfe grafi sche Aufl ösung einer „Landschaft“ 

generiert Facetten von Architekturen, die 

keinen gemeinsamen Boden unter sich haben. 

Und schließlich entwickelt sich aus geometrischen 

Formen ein Raumgefühl, das die Frage 

nach der Konstruierbarkeit von (Raum-)Illusion 

– und dem Sinn einheitlicher Räume – ganz 

grundsätzlich stellt. 

Die „2 aus … Stuttgart“ kannten sich vorher 

nicht. Dass sie es trotzdem gewagt haben, bei so 

unterschiedlichen künstlerischen Ansätzen gemeinsam 

aufzutreten, ist mutig. Die Ausstellung 

– als insgesamte Installation – zeigt, dass nicht 

nur das gemeinsame Schwarz-Weiß sie verbindet, 

sondern auch die Frage nach der Konstruktion 

von Wirklichkeiten und den Strategien der Illusion. 

Bernhard Balkenhol/Werner Demme 

Christine Rusche, SNATCH (Raum-Zeichnung), 

Dispersion auf Wand, 2006 

14. MAI - 25. JUNI 2006


Bild rechts: Christine Rusche, SNATCH (Raum-Zeichnung) 

(Ausschnitt), Dispersion auf Wand, 2006

09. JULI - 11. AUGUST 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 118 

Robert Barta | Ellen Berendes | Christine Budde | 

Mariechen Danz | Robert Elfgen | Luka Fineisen | 

Antonia Low | Rana Matloub | Nadine Nordmann 

| Edith Plattner | Kathrin Schlegel | Peter Schmitt 

| Marina Schulze | Stefan Silies 


danke für die Einladung, werde sehen, was sich 

machen lässt, und … 

Grüße 

Mariechen 

Nein, so könnte der Brief einer Künstlerin Mitte 

des 18. Jahrhunderts nicht geschrieben sein – zumal 

„weibliche Künstler“ sehr selten waren. Untertänigst 

hätte man/frau sich an Friedrich II. gewandt, 

der als Landgraf in Kassel residierte, und 

ihm seine Dienste angeboten, auch wenn er der 

erste Fürst der Aufklärung war – so sagt man 

heute. Jetzt steht er steinern und erhaben auf dem 

Friedrichsplatz, hilfl os den Graffi tis ausgesetzt, 

stolz und erhaben seinem Fridericianum zugewandt, 

das er 1769 bis 1779 von Simon Louis du 

Ry (nach Vorgaben des berühmten Revolutionsarchitekten 

Claude-Nicolas Ledoux) hat errichten 

lassen, als erstes Gebäude (der Welt), das als Museum 

konzipiert wurde. Nach dem Britischen 

Museum in London war es dann auch das zweite 

Museum, das seine Sammlungen der Öffentlichkeit 

zugänglich machte – auch wenn das nicht 

heißt, dass es gleich für jedermann/frau geöffnet 

war wie die weitgehend erhaltenen Sammlungen 

heute in der Orangerie, der Neuen Galerie oder 

dem Museum Schloss Wilhelmshöhe. 


Abschlussausstellung der Stipendiatinnen und Stipendiaten 

der Künstlerförderung des Cusanuswerks 

Eröffnung am 

Samstag, den 8. Juli 

um 18 Uhr 

Stefan Silies, Der verzauberte Leutnant 

(Ausschnitt), Collage, 2006 

„Lieber Friedrich“ könnte also die forsche Anrede 

sein, die den frischen Wind und Geist zu nutzen 

versucht, die Verhältnisse umzukehren – etwa 

wie Robert Barta das vorschlägt mit „Time to 

Change the World“, eine Arbeit bei der er ein Siegerpodest 

umgekehrt in eine Kiste baute. Aber 

das hätte Friedrich nicht zugelassen. Das hätte 

selbst Napoleons Bruder Jérôme Bonaparte nicht 

zugelassen, der in seiner Regentschaft in Kassel 

1810 das Fridericianum umbauen und erweitern 

ließ, um daraus den „Palast der Stände“ zu machen, 

das erste deutsche Parlamentsgebäude. 

„Lieber Friedrich,“ ist aber doch vielleicht eher 

eine Anrede an eine vertraute Person, geschrieben 

von einem, der noch Briefe schreibt und darin 

zum Beispiel Abschied nimmt – wie die romantisch 

anmutenden Wanderer von Robert Elfgen, 

die er für ein Fenster im Fridericianum vorgesehen 

hat und denen er (vielleicht mit Blick auf das 

Ende seines Stipendiums) das Lied „Nehmt Abschied 

Brüder, …“ von Robert Burns in den Mund 

legt. 

Wenn die Stipendiatinnen und Stipendiaten des 

Cusanuswerks ihre Abschlussausstellung also 

nicht programmatisch etwa „ever change places“ 

nennen – in Abwandlung von „changing places“, 

der Abschlussausstellung 2001 in den gleichen 

Räumen –, sondern „Lieber Friedrich,“ dann geben 

sie sich eher privat – in einem so öffentlichen 

Raum wie dem Kasseler Kunstverein. Sie wenden 

sich an Friedrich wie an ihren Freund und Vertrauten, 

den sie sich vielleicht nicht als Stellvertreter 

der Obrigkeit, sondern als den einer interessierten 

Öffentlichkeit vorstellen, im Vertrauen 

ihrerseits, persönlich und mit ihrer Arbeit geschätzt 

zu werden. 

Ein solcher „Friedrich“ fi ele in der Straßenbahn 

vielleicht erst auf den zweiten Blick auf als ein 

Landesfürst, der ausländische Handwerker und 

Wissenschaftler ins Land holte, um die großen 

Vorhaben zu meistern, die er (inter regio) im Kopf 

hatte – und der in seinem Rucksack kleine Geschichten 

mitführt und für seine Sitznachbarn 

vorspielt, die Rana Matloub, aufgewachsen in 

Bagdad, als akustische Zeichnungen ihm anvertraut 

hat. Sie werden von freiwilligen „Paten“ 

vom Friedrichsplatz aus in vier Linien in die Peripherie 

Kassels und wieder zurück gefahren/erzählt.

09. JULI - 11. AUGUST 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 119 

Robert Elfgen, brüderungewiss, Installation, 2006 

Für die ausstellenden Künstlerinnen und Künstler 

war es vor Jahren das Cusanuswerk, das sie mit 

„Lieber Friedrich,“ angeschrieben haben, um sich 

für ein Stipendium zu bewerben. Neben der fi nanziellen 

Unterstützung wurde den Stipendiatinnen 

und Stipendiaten ein umfangreiches Bildungsprogramm 

zuteil. Diese Bildungsveranstaltungen 

forderten dazu auf, Position zu beziehen und die 

eigene Überzeugung und Leidenschaft nicht zu 

verstecken. Die Herausforderung des interdisziplinären 

Gesprächs aller Studierenden bestand 

darin, die leisen Töne ebenso zur Geltung zu 

bringen wie die raumgreifende Geste. Jetzt sind 

sie in der sechsten Abschlussausstellung im fünfzehnten 

Jahr der Künstlerförderung mit dabei. 

Sie haben die Ausstellung selbstständig kuratiert 

und gemeinsam den Katalog gestaltet. Wie das 

Komma gleichwertige Hauptsätze voneinander 

trennt, stehen die einzelnen künstlerischen Positionen 

eigenständig nebeneinander, ohne ihre Bezüge 

verleugnen zu wollen. 

Und alle dürfen hoffen, dass die Förderung vielleicht 

doch noch nicht zu Ende geht. Denn zugleich 

wird im Rahmen dieser Ausstellung das 

weiterführende Georg-Meistermann-Stipendium 

Stefan Silies, Der verzauberte Leutnant 

(Ausschnitt), Collage, 2006 

verliehen. Es ermöglicht ihnen, unmittelbar nach 

Abschluss ihres Studiums zwei Jahre lang intensiv 

weiter zu arbeiten und den Einstieg in die 

Selbstständigkeit vorzubereiten. Das Stipendium 

umfasst zudem die Finanzierung einer Einzelausstellung. 

Wer das weiß, mag ins Träumen geraten – so wie 

manch einer der hessischen Soldaten damals naiv 

von den Sternen geträumt hat, wie sie die Amerikanische 

Flagge dann zierten. Nach diesen Sternen 

greifen noch heute so viele Flüchtlinge an 

den gut bewachten amerikanischen Grenzen. Und 

mit ihnen „Der verzauberte Leutnant“ von Stefan 

Silies, der seine „Sockenpuppen“, die „Live- 

Socks“, von ihrer selbst gebastelten Sternwarte 

aus die Himmelskörper beobachten lässt. Sie stellen 

sich vor, was sie dort erwarten könnte und 

schicken ihren Besten los, nachzuschauen. Zwischen 

Himmel und Erde bleiben sie hängen, funken 

zur Erde, dass sie nicht näher herankämen. 

Dann sind sie nicht mehr zu verstehen … „Hallo, 

lieber Friedrich, ...“ Leider gehört der Zwehrener 

Turm, der als Wehrturm und einstiges Stadttor 

den Schliff der mittelalterlichen Stadtfestung 

überdauerte und in das Fridericianum integriert 

wurde, nicht zu den Räumen des Kunstvereins. 

Ich hätte ihn gern Stefan Silies zur Verfügung gestellt, 

denn er war lange Zeit fürstliche Sternwarte, 

deren Gerätschaften noch heute im Technikmuseum 

zu besichtigen sind. 

Interessant, auch Luka Fineisen arbeitet an diesem 

Thema. „Ich würde gerne eine Sternschnuppe 

aus Wasser zeigen, die in längeren Abständen 

von einem Metallbehälter (mit Alustangengestellen 

erhöht) in einen anderen (noch höher erhöht) 

springt.“ Per weitergeleiteten Mails hat der 

Kunstverein die Planung der Ausstellung verfolgen 

können. Die Präsentation der vorbereiteten 

Ellen Berendes, Waiter 2, Installation, 2006 

Arbeiten am ersten Tag des Aufbaus wird für sie 

– wie für alle anderen auch – eine große Überraschung, 

ein Geschenk. Mitmischen wollten sie 

noch nicht, sondern nur erwartungsvoll zurückschreiben: 

Kassel, den 6. Juni 2006 

Liebes Mariechen und all Ihr anderen 

Stipendiatinnen und Stipendiaten, 

herzlich willkommen im Fridericianum 

und dem Kasseler Kunstverein. 

Bernhard Balkenhol

1. SEPT. - 08. OKT. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 120 

Jens Carstensen, D | Max Christian Graeff, CH | 

Bernard Heidsiek, F | Yoko Ono, USA | Bernd 

Salfner, D | Joachim Schmid, D | Mark W. Sutherland, 

CAN 

„Poetische Positionen II“ ist die Fortsetzung einer 

Ausstellungsreihe des Kasseler Kunstvereins, 

die 2004 damit begonnen hat, Künstler vorzustellen, 

die auf unterschiedliche Art und Weise in 

den Bereichen Bildende Kunst und Sprache arbeiten. 

Nachdem in der Ausstellung „Poetische Positionen 

I“ Arbeiten gezeigt wurden, die die Sprache 

als elementare Darstellungsform der Kunst 

nutzen, wird das Schwerpunktthema der Ausstellung 

„Poetische Positionen II“ Text, Klang und 

Sound sein. Initiiert hat diese Reihe Jürgen O. 

Olbrich, selbst ein Künstler, der seit vielen Jahren 

mit Text und Sprache arbeitet. 

Portrait W. Mark Sutherland 

W. Mark Sutherland, Scratch, Vinyl- 

Schallplatten, tragbarer Kofferplattenspieler 

aus den 60er Jahren, 1998 

(Foto: Isaac Applebaum) 

Poetische Positionen II 

Eröffnung: Donnerstag, 31. August 2006, 19 Uhr 

Bernard Heisieck, aus: Alphabet, Collage, 2004 

Der Kasseler Kunstverein zeigt in der Ausstellung 

sieben sehr verschiedene künstlerische Positionen. 

Den Künstlern geht es nicht darum, die 

Grenzen der Bereiche Bildende Kunst, Literatur 

und Musik aufzuheben, sondern im Gegenteil, 

Überschneidungen und synergetische Effekte 

herzustellen. Das Spektrum von „Poetische Positionen 

II“ ist breit gefächert: Künstler mit unterschiedlichstem 

Background (Performance, Fotografi 

e, Komposition, Klang-Aktion) aus unterschiedlichen 

Generationen mit unterschiedlichen 

Herangehensweisen und Positionen treffen hier 

aufeinander. Das reicht von der bildlichen wie 

sprachlichen Dokumentation einer Schiffsreise 

von Bremerhaven nach Kassel des Komponisten 

und Klang-Aktionisten Jens Carstensen, über 

Collagen aus Tonspurresten des in Paris lebenden 

Sprachpoeten Bernard Heidsieck bis hin zu 

Schallplatten-Installationen des Kanadischen 

Künstlers Mark W. Sutherland. Für diese Ausstellung 

konnte auch die New Yorker Künstlerin 

Yoko Ono gewonnen werden, deren poetische Arbeiten 

nicht nur auf den Wänden und Decken im 

Kasseler Kunstverein ausgestellt werden, sondern 

die auch im gesamten Stadtgebiet Kassels, für jedermann 

les- und sichtbar, eine neue Arbeit realisieren 

wird. 

Ergänzt wird die Ausstellung durch ein umfangreiches 

Rahmenprogramm. So sind unter anderem 

Sound-Performances der Künstler Bernard 

Heidsieck und Mark W. Sutherland für die Ausstellungseröffnung 

und zur Kasseler Museumsnacht 

am 2. September geplant. 

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

1. SEPT. - 08. OKT. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 121 

Bernard Heisieck, aus: Alphabet, Collage, 2004 

Yoko Ono, Träume, Plakat, 2006

22. OKT. - 26. NOV. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 122 

Arnold-Bode-Preis 2006 

Der Arnold-Bode-Preisträger 2006 heißt Hans 

Schabus. Der 1970 in Watschig, Österreich, geborene 

Bildhauer und Filmemacher lebt und arbeitet 

in Wien, wo er von 1991 bis 1996 die Kunstakademie 

besuchte. Der bedeutendste Künstlerpreis 

der documenta-Stadt Kassel, dotiert mit 10.000 

Euro, wird am 21. Oktober, 17 Uhr im Kunstverein 

verliehen. Max Hollein, Direktor der Schirn 

Kunsthalle und des Städelschen Kunstinstituts in 

Frankfurt, wird die Laudatio halten. 

International bekannt wurde Hans Schabus durch 

die Aufsehen erregende Überbauung des Österreichischen 

Pavillons auf der Biennale in Venedig 

2005 („Das letzte Land“; Kommissar: Max Hol- 

lein). Ein monumentales, mit Teerpappe bedecktes 

Bergmassiv, das nur im Inneren begehbar war. 

Dort ermöglichte eine labyrinthische Balkenkonstruktion, 

die an die Carceri von Piranesi erinnerte, 

den Aufstieg mit überraschenden Ausblicken 

auf die Lagunenstadt. 

Wie hier die dialektische Spannung von Innen- 

und Außenwelt einen Prozess unterschiedlichster 

Assoziationen und Empfi ndungen in Gang setzte, 

so versteht es Hans Schabus immer wieder, komplexe 

und vielschichtige Zusammenhänge in so 

Preis geht an Hans Schabus, Preisverleihung am 21.10.2006 um 17 Uhr 

Hans Schabus 

Preisträgerausstellung 

21.10. – 26.11.2006 

Eröffnung am 21.10.2006 um 17 Uhr 

Ein monumentales, 

mit Teerpappe bedecktes 

Bergmassiv 

die Unterwelt der 

Wiener Kanalisation 

anschauliche wie auch symbolträchtige und sinnfällige 

Bilder zu fassen, ohne sie jedoch dadurch 

zu enträtseln oder zu banalisieren. 

Aufgefallen war Schabus schon auf der Manifesta 

4 in Frankfurt (2002) mit einem Segeltörn, der 

ihn durch die Unterwelt der Wiener Kanalisation 

führte. Ein durch den Dritten Mann berühmt gewordener 

Drehort. In dieser Videoinstallation mit 

dem Titel „Wienfl uß“ prallten archaische Motive 

(Odyssee, Orpheus) und der Thrill eines Hollywood-Krimis 

in assoziationsgeladenem Crossover 

aufeinander. 

Überblickt man die Vielzahl der Installationen, 

die der Künstler bisher an wichtigen internationalen 

Instituten realisiert hat, wird deutlich, dass es 

ihm um die physische und psychische Erschließung 

wirklicher und imaginierter Räume geht – 

und um die damit verbundenen Schwierigkeiten. 

So sind Boot, Berg, Tunnel, Passage einerseits 

konkrete gestalterische Herausforderungen, die 

er mit technischer Akribie plant und realisiert, sie 

funktionieren aber zugleich als poetische Metaphern. 

Dabei interessiert Hans Schabus vor allem 

22

. OKT. - 26. NOV. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN SEITE 123 

Hans Schabus, Das letzte Land, Österreichische Pavillion, 51. Biennale die Venezia, 2005 

das im doppelten Sinn „Untergründige“. Er nimmt 

uns mit auf Raumreisen, die uns in die Tiefen des 

Weltraums („Astronaut – kommt gleich“) und in 

die Tiefenpsychologie der Träume führen können. 

So vermittelt eine seiner jüngsten Arbeiten, 

„Shock Corridor“, ein unendlicher Tunnel als 

Beitrag zur Ausstellung „Night Sites“ im Kunstverein 

Hannover, auf äußerst eindringliche Weise 

das Urerlebnis der Dunkelheit. 

Mit der Preisverleihung wird gleichzeitig eine 

Ausstellung eröffnet, die Hans Schabus für den 

Kunstverein einrichten wird und die bis zum 26. 

November zu sehen sein wird. Hans Schabus hat 

sich sehr gefreut, dass er der letzte Künstler vor 

der documenta 12 im Kasseler Kunstverein sein 

wird und sich die Tatsache zunutze machen kann, 

dass die Räume dann „roh“ übergeben werden 

können. Man darf gespannt sein, zu welch radikalen 

Lösungen ihn das anregt. 

Heiner Georgsdorf 

Arnold-Bode-Preis der documenta-Stadt Kassel 

Bisherige Preisträger/Innen: 

1980 Hannsjörg Voth, 1981 Mario Merz, 1982 

Gerhard Richter, 1983 Gerhard Merz, 1984 Walter 

Pichler, 1985 Ulrich Rückriem, 1986 Rebecca 

Horn, 1987 Wolfgang Laib, 1988 Edward Kienholz, 

1990 Thomas Schütte, 1992 Reiner Ruthenbeck, 

1994 Olaf Metzel, 1996 Tony Oursler, 1997 

Richard Hamilton, 1999 Penny Yassour, 2001 

Stan Douglas, 2002 Maria Eichhorn, 2004 Maurizio 

Cattelan 

Hans Schabus, Das letzte Land (Ausschnitt), Österreichische 

Pavillion, 51. Biennale die Venezia, 2005 

Hans Schabus, Das letzte Land (Ausschnitt), Österreichische 

Pavillion, 51. Biennale die Venezia, 2005 

Dem Kuratorium gehörten an: 

Prof. Karl Oskar Blase (Ehrenvorsitzender), 

Roger M. Buergel (als Leiter der documenta 12), 

Prof. Heiner Georgsdorf (als Vertreter der Kunsthochschule 

Kassel, Vorsitzender), Dr. Klaus 

Lukas (Kasseler Sparkasse, als Verwalter des 

Stiftungsvermögens), E. R. Nele (als Vertreterin 

der Familie Bode), Alfred Nemeczek (ehem. 

stellvertretender Chefredakteur des Kunstmagazins 

art)


Service und Danksagung des Kunstvereins 

Der Kasseler Kunstverein ist eine gemeinnützige 

Einrichtung. Spenden sind steuerlich absetzbar. 

Der jährliche Mitgliedsbeitrag beträgt für Einzel- 

552 Mitglieder 

personen 50 Eur, für Paare und Familien 70 Eur, 

für Künstler/innen, Student/innen und Rentner/ 

innen 20 Eur. 

Am 31.5.2006 hatte der Kasseler Kunstverein 552 

Mitglieder. 

Die letzte Mitgliederversammlung fand am 10. 

Mai 2006 statt. Darin wurde nach dem Rechenschafts- 

und Kassenbericht des Vorsitzenden und 

dem Bericht des Kassenprüfers der Vorstand entlastet 

und für die kommenden zwei Jahre der neue 

Vorstand gewählt: 

Bernhard Balkenhol (Vorsitzender) / Werner 

Demme / Juliane Gallo / Kai-Uwe Hemken / Susanne 

Jakubczyk (Schriftführerin) / Meinrad Ladleif 

/ Ilka Müller-Jastrzembowski (Schatzmeisterin) 

/ Jürgen O. Olbrich (stellvertretender Vorsitzender) 

/ Heide Rattemeyer 

Adresse: 

Fridericianum, Friedrichsplatz 18, 34117 Kassel, 

Telefon 0561-77 11 69, Fax 0561 77 94 21, 

E-Mail: info@kasselerkunstverein.de, 

www.kasselerkunstverein.de 

Öffnungszeiten: 

Mittwoch bis Sonntag 11–18 Uhr 

Eintritt: 

3,00 Eur / 1,50 Eur ermäßigt, 

mittwochs freier Eintritt 

Konto: 

Kasseler Sparkasse BLZ 520 503 53, 

Kontonummer 59381 

Leitung der Geschäftsstelle: 

Elke Bernhart M. A. 

Fotografen: 

Stefan Daub, Diana Kühn, Dieter Schwerdtle

Führungen: 

Romina Abate, Elke Bernhart M.A., Leonie 

Böhm, Tanja Fohr, Juliane Gallo M.A., Irmhild 

Hartinger, Britta Jeserich, Christine Messerschmidt, 

Dirk Müller, Alexandra Nunez, Andrea 

Obijou, Jörn Peters, Janna Rakowski, Andrea 

Schüll, Friederike Siebert, Sarah Walters, Gerd 

Zarbock und Studierende des Seminars „Die 

Neuen (Arbeitstitel) Ausstellungsprojekt der 

Kunsthochschule im Kasseler Kunstverein“ des 

Studiengangs Kunstwissenschaft unter der Leitung 

von Prof. Dr. Kai-Uwe Hemken 

Auf-/Abbau: 

Christian Fleiter, Sebastian Fleiter, Martina Fischer, 

Michael Göbel, Paul Kirschner, Kristiane 

Krüger, Ralf Mahr, Milen Miltchev, Patrick Muise, 

Jörn Peters, Annegret Philipsen, Heinrich 

Schröder, Catrine Val, Olaf Val, Vesselin Vassilev, 

Martin Zeihe 

Büroteam/Aufsicht: 

Shida Ardehali, Yvonne Bialek, Kathrin Funke, 

Oliver Funke, Johannes Hartmann, 

Kathrin Hubenthal, Nicole Jana, Britta Jeserich, 

Lutz Könecke, Annegret Luck, Charlotte Mumm, 

Julia Richter, Anne Katrin Schier, Anna Schopf, 

Andrea Schüll, Katrin Sickinger, Aylin Uçar, 

Mark Warnecke, Kim A. Welling, Anja Wöhlke, 

Fan Yang 

Ehrenamtliche Mitarbeiter/innen: 

Hanna Bayer, Heike Pönitz 

Dank an: 

Art & Public Galerie, Genf, Manfred Ballmann, 

Stephan Balkenhol, Hanna Bayer, Angelika Beck, 

Nora Bendl, BMW AG, München, Dr. Roman 

Buxbaum, Deutsche Amphibolin-Werke von Robert 

Murjahn Stiftung & Co KG, Geschäftsbereich 

CAPAROL Farben Lacke Bautenschutz, 

Ober-Ramstadt, documenta und Museum Fridericianum 

Veranstaltungs-GmbH, Engholm Engelhorn 

Galerie, Wien, Freundeskreis der Kunsthochschule 

Kassel, Galerie Monika Sprüth/Philomene 

Magers, Köln, Galerie Terminus, München, 

Andreas Gebhardt, Hilke Gerke, Michael 

Göbel, Ute Heddergott, Hessisches Ministerium 

für Wissenschaft und Kunst, Wiesbaden, Adalbert 

Hösle, Institut für Urban Ethology, Nürn- 

berg, Kulturamt der Stadt Kassel, Kunsthochschule 

Kassel, Christof Lutz, Museum der bildenden 

Künste, Leipzig, Jörn Peters, Heike Pönitz, 

Dirk Pörschmann, Firma Rennert Bauunternehmung 

GmbH, Kassel, Lisa Röper, Gottfried 

Schultz GmbH, Düsseldorf, Karin Stempel, Schülerinnen 

der Theodor-Heuss-Schule, Homberg, 

Studierende der Kunsthochschule Kassel, THW 

Kassel, Jürgen Volke, Isabelle Winter, Katharina 

Wittmann 


Dank für großzügige Spenden an: 

Bernhard Balkenhol, Bernadine Bautsch, Dr. Erhard 

Biermer. Hannelore Brunsiek-Lahner, Annegret 

Engelbrecht, Hans-Joachim Hiob, Anton 

Henning, Annemarie Jungmann, Otto Klein, 

Walter Klonk, Dr. Friederike Kollmar, Christian 

Kopetzki, Donna Ingrid Kopp, Milana Landmesser, 

Ernst Dieter Lantermann, Hans-Dieter Müller, 

Wolfgang Mütze, Alexandra de Neufville, 

Georg Ritter, Helga Christine Rix-Bode, Gerhard 

Roettger, Dietrich Schmitz-Hertzberg, Helmut 

Slenczka, Sozietät Schween Montel Albus, Claudia 

Velke, Hildegard Wagner, ZVK Kassel und 

herzlichen Dank an alle Künstler, die durch ihre 

Spende die Tombola möglich gemacht haben.

SEITE SEITE 1 1 

-ur 

gleichen Zur gleichen Zeit war Zeit die war Kunsthochschule die Kunsthochschule KasKas- -el 

Thema sel Thema im Kunstverein. im Kunstverein. NEUER NEUER REICHTUM 

r so – der so Ausstellungstitel der Ausstellungstitel – ist – dort ist eingetreten dort eingetreten 

-urch 

durch die Neubesetzung die Neubesetzung eines eines Drittels Drittels der Profes- der Profesorenstellensorenstellen 

quer quer durch durch alle Studiengänge. alle Studiengänge. ProProssorenfessoren der Kunst, der Kunst, des Design des Design bis hin bis zu hin Kunst- zu Kunstissenschaftwissenschaft 

und Kunst- und Kunst- und Medienpädagogik 

und Medienpädagogik 

ellten stellten sich vor sich und vor thematisierten und thematisierten gleichzeitig, gleichzeitig, 

as sie was unter sie unter Lehre Lehre verstehen. verstehen. Ergebnisse Ergebnisse des des 

tudierens Studierens unter unter solchen solchen Bedingungen – nicht – nicht nur nur 

Kassel in Kassel – zeigen – zeigen die Stipendiaten die Stipendiaten des Cusanus- des Cusanuserkswerks 

im Juli/August. im Juli/August. Zwei Zwei von ihnen von ihnen werden werden am am 

2. August 12. August mit dem mit Georg-Meistermann-Stipen- 

dem Georg-Meistermann-Stipeniumdium 

ausgezeichnet werden. werden. Ohne Ohne große große Pause Pause 

eht es geht weiter es weiter in den in Herbst den Herbst mit Poetischen mit Poetischen PosiPosionentionen II, wo II, es wo diesmal es diesmal nicht nicht nur um nur Text um und Text und 

prache, Sprache, sondern sondern auch um auch Musik um Musik und Sound und Sound geht. geht. 

oko Yoko Ono wird Ono wird dabei dabei sein. sein. Und bevor Und bevor die Hand- die Handerkerwerker 

kommen, kommen, um das um Fridericianum das Fridericianum (endlich) (endlich) 

it einer mit einer Klimaanlage zu versehen zu versehen und für und die für die 

cumenta documenta 12 fi t 12 zu fi machen, t zu machen, wird wird Hans Hans Schabus Schabus 

vorauseilendem in vorauseilendem Eifer Eifer den Kunstverein den Kunstverein schon schon 

al abreißen. mal abreißen. 

ie kommenden Die kommenden Ausgaben Ausgaben des ein+alle des ein+alle Magazins Magazins 

erden werden als Sonderausgaben als Sonderausgaben der Kunsthalle der Kunsthalle (De(Demberzember 2006) 2006) und des und Kunstvereins des Kunstvereins (Frühjahr (Frühjahr 

07) 2007) erscheinen. erscheinen. Das Dezemberheft Das Dezemberheft wird als wird Doals 

Domentationkumentation 

zu der zu Ausstellungsreihe der Ausstellungsreihe 5 Tage 5 Tage bis bis 

m Ende zum Ende der Kunst der Kunst ausführliche ausführliche Informationen 

den zu Ausstellungskonzepten den Ausstellungskonzepten der Kuratoren der Kuratoren sosoie deren wie deren Umsetzung Umsetzung enthalten. enthalten. Zusätzlich Zusätzlich gibt gibt 

s Heft das Heft einen einen Rückblick Rückblick auf die auf 2x4-jährige die 2x4-jährige 

usstellungsperiode Ausstellungsperiode der Kunsthalle der Kunsthalle unter unter der der 

itung Leitung von René von René Block. Block. Im Frühjahr Im Frühjahr 2007 2007 wird wird 

r Kunstverein der Kunstverein wie gewohnt wie gewohnt Rückblick Rückblick und Aus- und Ausickblick 

auf seine auf seine Arbeit Arbeit geben, geben, während während die Kunst- die Kunstllehalle 

aufgrund aufgrund der documenta der documenta 12 pausiert. 12 pausiert. 

ir hegen Wir hegen die große die große Hoffnung, Hoffnung, dass ab dass 2008 ab 2008 eine eine 

meinsame gemeinsame Weiterführung des Heftes des Heftes möglich möglich 

. ist. 

nen II 

hr 

eisieck, aus: Alphabet, Collage, 2004 

SEITE 120 

asseler Kunstverein zeigt in der Ausstelsieben 

sehr verschiedene künstlerische Posien. 

Den Künstlern geht es nicht darum, die 

nzen der Bereiche Bildende Kunst, Literatur 

Musik aufzuheben, sondern im Gegenteil, 

ngen und synergetische Effekte 

trum von „Poetische Posiünstler 

mit unterce,Fotor- 

1. SEPT. - 08. OKT. 2006 KASSELER KUNSTVEREIN 

Künstlers Mark W. Sutherland. Für diese Ausstellung 

konnte auch die New Yorker Künstlerin 

Yoko Ono gewonnen werden, deren poetische Arbeiten 

nicht nur auf den Wänden und Decken im 

Kasseler Kunstverein ausgestellt werden, sondern 

die auch im gesamten Stadtgebiet Kassels, für jedermann 

les- und sichtbar, eine neue Arbeit realisieren 

wird. 

Ergänzt wird die Ausstellung durch ein umfanghes 

Rahmenprogramm. So sind unter ande- 

Performances der Künstler Bernard 

W. Sutherland für die Aus- 

Kasseler Museums- 

Bernard Heisieck, aus: Alphabet, Collage, 2004

SOMMER 2006 

Kun 

Kuratoren und Kuratogramm 

der

Kunstverein und Kunsthalle - kunsthalle fridericianum kassel

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