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Editorial
Patrick Trefz
Jim Denevan
in Berlin
7. - 17. Februar 2013
Die kalifornischen Künstler Patrick Trefz
und Jim Denevan kommen nach Berlin
Text: Julika Nehb
Das politische Potenzial sozialer Netzwerke in repressiven
Regimes entfaltete sich in jüngerer Vergangenheit
beispielhaft etwa während des Arabischen Frühlings
oder in Zusammenhang mit den weltweiten,
auch über soziale Netzwerke organisierten Sympathie ­
bekundungen für die russischen Aktivistinnen von
Pussy Riot. Derartige Strategien einer im Verborgenen
ablaufenden Kommunikation über Länder-, Staatsund
ideologische Grenzen hinweg existierten natürlich
auch schon in der analogen Welt – Beispiele gibt es viele.
Eine künstlerische Vereinnahmung dieses Phänomens
erfolgte Mitte des letzten Jahrhunderts durch die Mail
Art. Das Medium lag denkbar nahe: der Brief.
Im Leitartikel erläutert Thomas Wulffen, weshalb
eine Unter scheidung von Mail Art im ehemaligen
Osten und im ehemaligen Westen Europas wichtig
ist: „Mail Art war unter den gegebenen Bedingungen
eine Art Sprachrohr für all das, was im öffentlichen
Raum keine Stimmen fand. Dabei werden von vornherein
die politischen Grenzen auf gehoben, insofern
sie per Postweg überwunden werden. Das Mittel dafür
ist der gewöhnliche Brief, der unter vielen anderen
Briefen gar nicht auffällt.“
Ein aufkeimendes Interesse am „Nischenthema“ Mail
Art zeichnet sich aktuell in verschiedenen größeren
Insti tu tionen ab. In der Weserburg in Bremen kuratierte
Ingo Clauß kürzlich eine Ausstellung über Ray
Johnson, einen der bedeutendsten westlichen Künstler
der Mail Art und Gründer der New York Correspondence
School. „Dieses Material auszustellen, war tatsächlich
eine große Herausforderung, da sich die Mail
Art stets einer Musealisierung zu entziehen versuchte.
Ray Johnson beschrieb das zentrale Vermittlungsproblem
wie folgt: ‘The only way to understand something
of my school is to participate in it for some time.
It is secret, private and without any rule.’“
Neben der Weserburg verfügen auch das Staatliche
Museum Schwerin sowie die Akademie der Künste
Berlin über bedeutende Mail-Art-Archive. Letztere
eröf fnet Ende April eine große Ausstellung zum Thema
(vgl. S. 26). Über alle aktuellen Ausstellungen bis dahin
informiert wie immer das KUNST Magazin, in dieser
Ausgabe ab S. 24.
Ihre KUNST Magazin Redaktion
Translation: Brian Poole
The political potential of social networks in repressive
regimes has just recently been on exemplary display
during the Arab Spring and in the worldwide declarations
of sympathy for the Russian activists Pussy
Riot, which were also organised by social networks. Of
course such strategies for clandestine communication
taking place across the borders of states, countries and
ideologies also existed already in the analogue world,
and there are many examples. An artistic application
of this phenomenon can be seen in the advent of
Mail Art towards the middle of the last century. The
medium was an obvious choice: the letter.
In our lead article Thomas Wulffen explains why the
distinction between Mail Art in the former Eastern
and the former Western sectors of Europe is important:
“Under these conditions Mail Art was a sort of
megaphone for everything that had no voice in public
space. The political borders appear to be eliminated insofar
as they are overcome by the path the mail travels.
The means used here is the common letter, one that
does not attract any attention in the mass of other
letters.”
A germinating interest in the niche-subject of Mail
Art is also cropping up at various larger institutions.
At the Weserburg Museum of Modern Art in Bremen
Ingo Clauß has recently curated an exhibition on Ray
Johnson, one of the most significant Western artists
in Mail Art and the founder of the New York Correspondence
School. “Exhibiting these works was indeed
a great challenge: mail art seems to continually resist
attempts to adapt it to the museum format. Ray Johnson
offered his own description of the central problem
behind communicating his approach: ‘The only way to
understand something of my school is to participate
in it for some time. It is secret, private, and without
any rule.’”
In addition to the Weserburg Museum, the State
Museum in Schwerin and the Academy of Arts in
Berlin also have important archives of Mail Art. The
Academy of Arts will be opening a large exhibition on
this topic at the end of April (see p. 26). You will find
more information on the current exhibitions running
until then on p. 24.
Your KUNST Magazin Team
ein Projekt von:
Eine Foto- und Filmausstellung in den Räumen
der Berliner LANGBRETT Interessengemeinschaft
Kastanienallee 44, 10119 Berlin Mitte
3

Diesen Monat auf www.kunst-magazin.de
Martin Kippenberger:
Paris Bar, 1993, Acryl auf
Leinwand, 259 x 360 cm
François Pinault Foundation
© Estate Martin Kippenberger,
Galerie Gisela Capitain Köln
Edgardo-Antonio
Vigo und Graciela
Gutiérrez Marx:
La Plata/Argentinien
an Guillermo Deisler,
Plovdiv/Bulgarien,
20.10.1978 (verso)
Akademie der Künste,
Kunstsammlung
4. Februar 2013
Künstlerzeitschriften aus der Sammlung Hubert
Kretschmer
Der erste Teil der Ausstellung im Zentralinstitut für
Kunstgeschichte München umfasst rund 60 Künstlerzeitschriften
und Künstlerpublikationen, die in den
Jahren zwischen 1971 und 75 entstanden sind und
einen Einblick in die damals noch sehr kostspielige
Reproduktion von Zines geben.
8. Februar 2013
Martin Kippenberger in Berlin
Der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart
wirft einen Blick auf das Leben des Künstlers Martin
Kippenberger mit besonderem Bezug zu seiner Zeit in
Berlin. In Bildern und Dokumenten wird deutlich, wie
stark das Werk von seiner Persönlichkeit geprägt ist.
15. Februar 2013
Castor & Pollux – Das Schlusswort
Matthias Planitzer, Kunst-Enthusiast und Gründer des
mit dem LEAD-Award ausgezeichneten Blogs „Castor
& Pollux“, wirft jeden Monat einen Blick auf eine aktuelle
Ausstellung in Berlin.
18. Februar 2013
Robert Rehfeldt – Kunst im Kontakt
Robert Rehfeldt galt als „Schaltstelle“ zwischen Ostund
Westdeutschland und war Initiator der ersten
Mail-Art-Ausstellung in der DDR.
Die Publikation würdigt das Leben des 1993 verstorbenen
Künstlers mit zahlreichen Beiträgen.
22. Februar 2013
Re: Surgo! – Siebdruck-Atelier in Berlin
Re: Surgo!, das sind die dänische Künstlerin Anna
Hellsgård und der französische Künstler Christian
Gfeller. In ihrem Laden in der Torstraße in Berlin-
Mitte produzieren sie eine Mischung aus Künstlerbüchern,
Siebdrucken und Zines. Wir trafen das kreative
Duo zu einem Gespräch.
27. Februar 2013
Arte postale
Die Akademie der Künste zeigt mit Arte postale erstmals
eine Ausstellung von Bilderbriefen, Künstlerpostkarten
und Mail Art aus den hauseigenen Archiven
sowie der Sammlung Staeck. Neben Briefen unter
anderem von Else Lasker-Schüler und George Grosz
werden auch Korrespondenzen von Joseph Beuys,
Daniel Spoerri oder Hanne Darboven mit Klaus
Staeck zu sehen sein.
Inhalt
Content
Erinnerungen an die Zukunft. Mail Art gestern und heute
Memories of the Future. Mail Art, Yesterday and Today
Thomas Wulffen ......................................................................................................................................................................................................................................................................................
“It is secret, private and without any rule” (Ray Johnson)
Interview mit Ingo Clauß: Julika Nehb .........................................................................................................................................................................................................
Sammlergespräch mit Ralf Leinemann: „Kunst ist keine Kapitalanlage“
Conversations with Collectors: Ralf Leinemann. “Art is not a capital investment”
Interview: Fares Al-Hassan ...................................................................................................................................................................................................................................................
Buchvorstellungen
Book Reviews ...............................................................................................................................................................................................................................................................................................
Ausstellungshinweise
Gallery Announcements ...........................................................................................................................................................................................................................................................
Ankündigung: Sammlergespräch mit Tobias Gombert und Samuel Leuenberger ........................................................... 42
Impressum
Imprint .....................................................................................................................................................................................................................................................................................................................
Bildnachweise
Titelbild: Ray Johnson: WHERE IS EVERYBODY?, vor 1965, Collage und Tinte auf Karton mit Jugendfoto von Dick Higgins
Sammlung. Maria und Walter Schnepel, © Ray Johnson Estate
VG Bild-Kunst Bonn 2013
Jürgen Drescher, Sven Drühl, Gunda Förster, Klaus Küster, Bettina Lüdicke, Man Ray, Thomas Rentmeister, Arne Schmitt,
Mark Tobey
6
12
16
22
24
42
4 5

Erinnerungen an die Zukunft.
Mail Art gestern und heute
Memories of the Future.
Mail Art, Yesterday and Today
Edgardo-Antonio Vigo und Graciela Gutiérrez Marx: La Plata/Argentinien an Guillermo Deisler,
Plovdiv/Bulgarien, 20.10.1978 (verso), Akademie der Künste, Kunstsammlung
Ab 26. April wird in der Akademie der Künste „Arte postale - Künstlerbriefe und Mail Art“,
eine große Mail-Art-Ausstellung mit Werken aus dem Archiv der Akademie gezeigt. Vgl. S. 26.
Text: Thomas Wulffen
Translation: Brian Poole
Es gab eine Zeit, und sie scheint in der tiefen Vergangenheit
zu liegen, in der die Leser hinter dem Wort
„Netz“ nur an das Netz des Fischers dachten, sei es
das ganz große hinter dem Trawler, der seine Runden
passiert, um Heringe für Fischfreunde zu ergattern.
Oder auch das kleine Netz, mit dem man den Fisch,
der gerade auf den Köder reingefallen ist, aus dem
Wasser holte. Das war aber auch die Zeit, als eingeweihte
„Mitglieder“ von einem Netzwerk sprachen.
Das ist lange her, in den 1970er-Jahren. Im damaligen
Kalender finden sich Einträge unter den Stichworten
„Grundlagenvertrag“ oder „Olympiade in München“.
Im öffentlichen Bewusstsein bleiben das unscharfe
Bild eines Terroristen auf dem Balkon der israelischen
Mannschaft und die Pressekonferenz mit Egon Bahr
nach Abschluss des Grundlagenvertrags.
Im Verborgenen entwickelt sich zur gleichen Zeit ein
sogenanntes Netzwerk aus Personen, die einen spezifischen
Austausch in Gang bringen. Dabei werden von
vornherein die politischen Grenzen aufgehoben, insofern
sie per Postweg überwunden werden. Das Mittel
dafür ist der gewöhnliche Brief, der unter vielen anderen
Briefen gar nicht auffällt. Erst in der Rückschau
wird dieser Aspekt deutlicher hervorstechen, denn
There was a time—now buried deeply in the past—
when readers, upon encountering the word “net,” only
thought of the nets of fishermen, whether it be the
very large nets trailing behind a trawler as it makes its
rounds in search of herring for fish-lovers, or the small
nets that are used to pull the fish that have just taken
the bait out of the water. But that was also an age
when insider “members” also spoke of a network. And
that was a long time ago, in the 70s of the last century.
In the calendars back in those days there were entries
under headwords like “Basic Treaty” and the “Olympics
in Munich”. The blurry image of a terrorist on the
balcony of the building housing the Israeli team, and
the image of Egon Bahr at the press conference following
the signing of the “Basic Contract,” had both managed
to impress themselves upon the consciousness of
the larger public.
At the same time, a so-called network was being
developed behind the scenes—a network that instigated
a specific form of exchange. In it, the political
borders appear to be eliminated insofar as they were
overcome by the path the mail travelled. The means
used here is the common letter, one that does not
attract any attention in the mass of other letters. This
durch diese Strategie wird zum ersten Mal der Eiserne
Vorhang, ein von Winston Churchill 1945 geprägtes
politisches Schlagwort zur Bezeichnung der politischen
und weltanschaulichen Trennungslinie zwischen
Ost und West, löchrig. Der „Erfolg“ ist begründet in
einem einfachen Aspekt: Benutze das, was zur Verfügung
steht. Und kümmere dich um den Inhalt, nicht
um die Regierung und das Geschäft. Erst waren es
wenige, dann wurden es immer mehr, und plötzlich
entsteht ein autonomes Gebilde, das kaum konkrete
Abhängigkeiten kennt und scheinbar außerhalb des
politischen Raumes existiert. Zu den Hochzeiten der
Mail Art konnten die Akteure sogar von einem politischen
Fakt träumen, der die damaligen Grenzen des
Kalten Kriegs hinter sich ließ. Das war keine Utopie,
es war eine Tatsache.
Die treibende Kraft hinter der Mail Art waren vor
allem Künstler aus dem Osten. 1 Die einzige Hürde
war die Grenze zum Westen. Die Mail Art machte aus
einer Behinderung eine ästhetische Erfahrung, sowohl
für den Absender als auch für den Empfänger. Dabei
handelte es sich nicht allein um Kunstwerke, die die
Grenze überschritten, sondern auch den überkommenen
Begriff des Kunstwerks infrage stellten. Damit
aspect is more than apparent in retrospect, for it was
thanks to this strategy that the iron curtain—a political
term Winston Churchill coined in 1945 to refer to the
political and ideological dividing line between East
and West—grew porous. Its “success” was based upon
its simple approach: Use what is available. And don’t
worry about the content, the government, or business.
At first few were involved, but their numbers
increased, and suddenly there arose an autonomous
structure with scarcely any fixed dependency, a structure
that seemed to exist outside political space. In
the golden age of Mail Art its protagonists could even
dream of a political reality that left behind the still
existing barriers of the cold war. It wasn’t a utopia; it
was a fact.
The driving force behind Mail Art was above all its
artists from the East. 1 The only hurdle they had to
overcome was the border to the West. Mail Art made
of that hindrance an aesthetic experience both for
the sender as well as for the addressee. And it was not
only a matter of artworks that transcended borders,
but also a way of calling into question the age-old notion
of a work of art. And thus, as an art form, Mail
Art is allied with post-bellum modern art. Yet it still
6 7

eiht sich die Mail Art als Kunstform ein in die Kunst
der Moderne nach dem Krieg. Dennoch blieb sie weitestgehend
ein Randphänomen, das mit dem Jahr 1989
und dem Ende des Kalten Kriegs in den Schubladen
der Künstler landete. Für die Künstler aus dem freien
Westen gab es konkrete Anknüpfungspunkte für ihr
Tun. An erster Stelle steht dabei die Fluxus-Bewegung,
die das materielle Objekt des Kunstwerks zugunsten
der Aktion in den Hintergrund rückte. Zu nennen ist in
diesem Zusammenhang auch die konzeptuelle Kunst,
wie sie von Joseph Kosuth oder Lawrence Weiner
vertreten wurde und wird. Fluxus und Conceptual
Art waren und sind von herausragender Bedeutung für
die Anerkennung der Mail Art als Kunstform. Robert
Fillious „Eternal Network“ war ein Meilenstein für
die Entwicklung einer genuinen Mail Art; gleichzeitig
war der Künstler auch ein herausragender Vertreter
des Fluxus. Das geschah im Umfeld der New York
Correspondence School, entwickelt von Ray Johnson.
Dennoch dürfen die Unterschiede nicht übersehen
werden. Denn die Kunst im Westen war gekennzeichnet
durch den Kalten Krieg, der sein endgültiges Ende
1989 fand.
Die Debatten um die Mail Art konzentrierten sich auf
die Denker der damaligen Zeit wie Marshall McLuhan
oder Richard Buckminster Fuller. McLuhans berühmtes
Zitat „Das Medium ist die Botschaft“ findet in der
Mail Art einen ganz konkreten Ausdruck. Das Netzwerk,
das sich über die Mail Art aufbaute, zeigte auch
nach der Hochphase eine spezifische Haltbarkeit.
Géza Perneczkys These, dass die Mail Art das erste
World Wide Web ist, ist nur bedingt zuzustimmen.
Auch Kornelia Röder sieht es ähnlich in ihrem Beitrag
„Topology and Functionality of the Mail Art Network
and its Specific Significance for Eastern Europe between
1960 and 1989”. Sie unterscheidet dabei zwischen der
grundlegenden Idee und der kreativen Energie dahinter.
Und man kann durchaus der Meinung sein, dass die
kreative Energie abnimmt, in dem Moment, da das
World Wide Web läuft. Tatsächlich treffen an diesem
Punkt zwei ganz unterschiedliche Techniken aufeinander,
wobei schon bei oberflächlicher Betrachtung der
„Sieger“ feststeht. Die eigentliche Mail Art kennt noch
den Unterschied zwischen Inhalt und Weg. Insbesondere
der benutzte „Kanal“, die Post der jeweiligen
Länder, war Träger der Nachricht. Das erlaubte dann
auch die staatliche Kontrolle dieser Post. Der nächste
Schritt in der Entwicklung war tatsächlich ein funktionierendes
World Wide Web, dessen Kontrollmöglichkeiten
nicht mehr abzuschätzen waren. Zusätzlich war
die Message die Botschaft und umgekehrt. Der Inhalt
der Botschaft ist gleichzeitig auch der Weg, der angesprochen
wird in der E-Mail-Adresse. Kornelia Röder
schreibt dazu: „Artistically speaking, it functioned
as an international action and communication space
for all those who turned against the state-imposed‚
socialist realism.“ 2
remained largely a fringe phenomenon that wound up
in the desk drawers of the artists after 1989 and the
end of the cold war. For artists from the “free West”
there were specific practices they could adapt to
their own activities. First among them was the Fluxus
movement, which placed the artwork as a material
object in the background while giving prominence to
the “action”. In this connection one ought also to mention
conceptual art of the kind represented by Joseph
Kosuth and Lawrence Weiner. Fluxus and conceptual
art were and are of seminal importance for the recognition
of Mail Art as an art form. Robert Filliou’s “Eternal
Network” was a milestone in the development of
a genuine Mail Art, and he was also simultaneously
a prominent exponent of the Fluxus movement. The
milieu for this development was the “New York Correspondence
School” created by Ray Johnson. But the
differences here ought not to be overlooked. At the
same time, the art in the West was marked by the cold
war, which found its ultimate end in 1989.
The debates over Mail Art also focussed on the
intellec tuals of the period such as Marshall McLuhan
and Richard Buckminster Fuller. McLuhan’s famous
statement, “the medium is the message,” has found
concrete expression in Mail Art. The network developed
through Mail Art exhibited a specific half-life
even after it had reached its zenith. We can only partially
agree with Géza Perneczky’s theory that Mail
Art was the first World Wide Web. Kornelia Röder
holds similar views in her work on “The Topology and
Functionality of the Mail Art Network and its Specific
Significance for Eastern Europe between 1960 and
1989”. She distinguishes between the fundamental
idea and the creative energy behind it. And one can
certainly be of the opinion that the creative energy
waned the moment the World Wide Web was up and
running. Indeed, at this juncture two entirely distinct
technologies intersected, and already here the victor
was obvious even to the most cursory glance. Genuine
Mail Art still recognises the difference between content
and route. Particularly the “channel” used—the
postal service of the corresponding countries—was the
carrier of the message. This was what made the state
control of such post possible. The next step in this
development was in fact the functioning World Wide
Web, whose potential to be controlled was impossible
to gauge. Moreover, the message was the meaning, and
vice-versa. The content of the message is simultaneously
the route that is referred to in the email address.
In this regard Kornelia Röder writes: “Artistically
speaking, it functioned as an international action and
communication space for all those who turned against
the state-imposed socialist realism.” 2
But this also means that, here, art at this particular historical
moment acquired an eminently political function
that was reflected back to the democratic West. And
that in turn strengthened the political powers in the
Edgardo-Antonio Vigo und Graciela Gutiérrez Marx: La Plata/Argentinien an Guillermo Deisler,
Plovdiv/Bulgarien, 20.10.1978 (recto), Akademie der Künste, Kunstsammlung
Das aber bedeutet, dass Kunst zu diesem Zeitpunkt
innerhalb der Geschichte eine eminent poli tische
Funktion bekam, die zurückstrahlte in den demokra ­
tischen Westen. Das wiederum stärkte die politischen
Kräfte im Osten, die für eine Demokratisierung
kämpften. Mail Art war dafür in dem gegebenen histo ­
rischen Moment von nicht zu unterschätzender Bedeutung.
Man könnte vermuten, dass die Personen hinter der
Mail Art nur eine Minderheit vertreten. Das mag am
Beginn der Bewegung so gewesen sein, aber danach
eroberte sie den öffentlichen Raum, wenn man diesen
unter einem kommunistischen Regime als einen solchen
East that were struggling for democratisation. In this
respect Mail Art obtained a significance at this particular
historical moment that can scarcely be overestimated.
One is tempted to suppose that the people behind
Mail Art represented only a minority. Perhaps that was
so at the beginning of the movement, but thereafter
the movement managed to conquer public space, insofar
as one can speak of public space in a communist
regime. Under these conditions Mail Art was a sort of
megaphone for everything that had no voice in public
space. This function and its significance cannot be
compared with the Mail Art in the West. For here one
8 9

überhaupt erkennen will. Mail Art war unter den
gegebenen Bedingungen eine Art Sprachrohr für all
das, was im öffentlichen Raum keine Stimmen fand.
Diese Funktion und deren Bedeutung lassen sich nicht
mit der Mail Art des Westens vergleichen. Denn hier
gab es das Recht zur Opposition. In den Parlamenten
fand die Opposition eine Bühne, um gegen die jeweilige
Regierung und deren Vorhaben zu rebellieren.
In dem Moment, wo die alten Eliten im Ostblock keine
„Nachfolger“ mehr fanden, war die Mail Art der letzte
Tropfen, der das Fass zum Überlaufen brachte. War
es so? Zumindest hat die Mail Art einen Beitrag dazu
geleistet. Und nach dem Jahre 1989 mussten die Uhren
neu gestellt werden, auch im Westen, was gern übersehen
wird. Denn auf beiden Seiten des Eisernen
Vorhangs waren Defizite festzustellen. Für einen
historischen Augenblick standen sich zwei Gesellschaftsformen
gegenüber, die erst noch eine gemeinsame
Sprache entwickeln mussten. Und die Mail Art
wurde als „Fenster zur Welt“ angesehen. Die besondere
Bedeutung der Mail Art im Osten lässt sich auch daran
ermessen, dass die Weiterentwicklung dieser Kunstform
vor allem vom Osten her in Gang gesetzt wurde.
Auf dieser Seite konnte man tatsächlich von einem
„Fenster zur Welt“ sprechen. Die damalige Mail Art bot
Gelegenheit, das bestehende System durch freiheitliche
Formen der Gruppenbildung in frage zu stellen.
Die Aufmerksamkeit, die über die Mail Art hergestellt
wurde, fand einen fruchtbaren Boden in den freien
Medien im freien Westen. Das führte zu einem geänderten
Selbstverständnis und war sicherlich ein Element
für den Umbruch im Jahr 1989. Waren es die
Worte von Ronald Reagan vor dem Brandenburger Tor
oder die Mail Art im Osten Europas, die den Kalten
Krieg beendete? Oder ging es doch nur darum, neue
Märkte zu erobern, die bis zur Zeitenwende nicht zur
Verfügung standen?
Mittlerweile ist deutlich geworden, dass die Mail Art
einer anderen Epoche angehört. In der zunehmenden
Entmaterialisierung, die ihren Ausdruck in der E-Mail
findet, ist die Mail Art heute ein Fall für das Museum.
Einen Übergang von der materiellen Mail Art zur
E-Mail ist nicht möglich. Schon allein die Masse der
E-Mails ermöglicht kaum einen künstlerischen Zugang
zu diesem Medium. Eine große Sammlung dazu findet
sich nicht im Westen, sondern im Osten, im Staatlichen
Museum Schwerin. „Mail Art als demokratische,
spontan und aktuell auf Zeitgeschehen reagierende
Kunstform entwickelte sich in den 1960er-Jahren
zuerst in den USA und wurde wenig später auch in
Europa praktiziert. Unter Mail Art wird nicht die
persönliche Korrespondenz zwischen zwei Personen
verstanden, sondern die Kommunikation mit Kunst
zu konkret ausgeschriebenen Projekten. Die Themen
stellen sich allgemeinen Lebensfragen, artikulieren kritisches
Bewusstsein im Umgang mit der Natur ebenso,
wie sie menschliche Grundrechte wie Freiheit und
had the right to stand in opposition. In the various parliaments
the opposition had a stage upon which they
could rebel against the government and their plans.
At the moment when the old elites in the Eastern
Block no longer found successors, Mail Art served as
the last straw that broke the camel’s back. Was that
really how it was? Mail Art had at least contributed
to the process. And after 1989 the clocks had to be
set again—also in the West, although some prefer to
overlook the fact. There were deficiencies on both
sides of the Iron Curtain. For a brief historical moment
the two societal structures stood opposed to
one another, and they had yet to develop a common
language. And Mail Art was seen as a “window on the
world”. The particular significance of Mail Art in the
East can be measured by the fact that the further
development of this art form was set in motion
especially in the East. On that side one could indeed
speak of a “window on the world”. The Mail Art at that
time offered the opportunity to call into question the
existing system using free forms for building groups.
The attention generated by Mail Art fell on fertile
ground in the free media in the free West. That led to
an altered self-comprehension, and it was certainly an
element in the upheaval in the year 1989. Was it the
words of Ronald Reagan in front of the Brandenburg
Gates, or was it the Mail Art in Eastern Europe that
ended the cold war? Or was it all merely a matter of
conquering new markets that had not been available
before this turning point in history?
It has since become clear that Mail Art belongs to
another epoch. With the increasing dematerialisation
that has found unambiguous expression in email,
Mail Art has today become a case for museums. The
very mass of emails alone hardly allows for an artistic
approach to the medium. And thus Mail Art is today a
matter for museums to deal with. A large collection of
pertinent materials is not to be found in the West, but
rather in the East, at the State Museum in Schwerin.
Mail Art was first developed in the United States of
America during the 1960s as a democratic, spontaneous
and contemporary art form in reaction to the
events of the period, and it was practiced soon thereafter
also in Europe. Mail Art refers not to the personal
correspondence between two people, but to the
communication with art in regard to concrete written
projects. Among its themes are general questions of
life and the articulation of a critical consciousness in
dealing with nature; other themes include the demand
for basic human rights such as freedom and democracy
and the call to adopt positions and practices characteristic
of the artist modern period. Its motto—no fee,
no jury, no return—suggests no limitations for content
and forms of expression. In the Mail Art network,
both artists and amateurs were active. Based upon
the existing postal system, Mail Art developed one
Demokratie einklagen und Positionen der künstlerischen
Moderne aufgreifen. Das Motto no fee, no jury,
no return lässt keine Einschränkungen in Inhalt und
Ausdrucksformen zu. Im Netzwerk der Mail Art agierten
sowohl Künstler als auch Laien. Mit der Mail Art
entwickelte sich auf der Basis des Postsystems eines
der ersten internationalen Netzwerke vor dem Internet,
das weltweiten Gedanken- und Kunstaustausch
ermöglichte. Es fungierte bis 1989 auch als subversives
Underground-Kommunikations- und Informationssystem.
Vor allem für osteuropäische Künstler war es
von besonderer Bedeutung, da es ermöglichte, aus der
Isolation herauszutreten und Kontakte zum internationalen
Kunstgeschehen aufzunehmen“. 3
1
Siehe Klaus Groh: „Mail Art - Correspondence Art, eine künstle ­
rische Randaktivität oder ein ernstzunehmendes Betätigungsfeld für
freie Kommunikation zwischen den Völkern“. In: Bildende Kunst in
Osteuropa im 20. Jahrhundert, Berlin 1991.
2
Kornelia Röder: Topology and Functionality of the Mail Art Network
and its specific significance for Eastern Europe between 1960 and
1989. Schriftenreihe für Künstlerpublikationen, Volume 5.
3
www.museum-schwerin.de/headnavi/forschung-wissenschaft/mailart-archiv-3
Thomas Wulffen (*1954) ist ein deutscher Kunstkritiker,
Journalist und Kurator.
of the first international networks that made it possible
to exchange thoughts and art world wide prior to
the internet. It functioned until 1989 as a subversive
underground system for communication and information.
Particularly for Eastern European artists it was
especially significant since it allowed them to break
out of their isolation and to get in touch with what is
happening in the arts internationally. 3
1
See Klaus Groh, “Mail Art - Correspondence Art, eine künstlerische
Randaktivität oder ein ernstzunehmendes Betätigungsfeld für freie
Kommunikation zwischen den Völkern,” in: Bildende Kunst in Osteuropa
im 20. Jahrhundert, Berlin 1991.
2
For the German text see: Kornelia Röder, Topologie und Funktionsweise
des Netzwerks der Mail Art: Seine spezifische Bedeutung für
Osteuropa von 1960 bis 1989 (Cologne: Salon), 2008.
3
See: http://www.museum-schwerin.de/headnavi/forschung-wissenschaft/mail-art-archiv-3/
Thomas Wulffen (*1954) is a German art critic, journalist
and curator.
© Nelli Palomäki
At the End of the Rainbow
Fotografien der
Helsinki School
im Felleshus
17.1. – 3.3.2013
Mo – Fr 10 – 19 Uhr
Sa – So 11 – 16 Uhr
Botschaft von Finnland
Rauchstr. 1 · 10787 Berlin
Eintritt frei
www.finnland.de
www.helsinkischool.fi
10

“It is secret, private and without any rule” (Ray Johnson)
Bis September 2012 zeigte die Weserburg | Museum
für moderne Kunst, Bremen, die Ausstellung „I like
funny stories“ des Mail-Art-Künstlers Ray Johnson. Im
Interview erklärte uns der Kurator der Ausstellung Ingo
Clauß, 35, welchen Einfluss die fast vergessene Kunstrichtung
auf die zeitgenössische Kunstproduktion
hat und ob eine E-Mail Kunst sein kann.
Until it closed in September 2012, the Weserburg Museum
of Modern Art in Bremen hosted the exhi bition
“I like funny stories” by the “mail art” artist Ray Johnson.
In our interview the curator of the exhibition,
35-year-old Ingo Clauß, describes the influence this
almost forgotten branch of art had on contemporary
art production and whether an email could be art.
Ray Johnson: MAIL A NAIL, 1989, Materialcollage, Sammlung Maria und Walter Schnepel,
© Ray Johnson Estate, Courtesy Richard L. Feigen & Co.
Interview: Julika Nehb
Translation: Brian Poole
Herr Clauß, wenn sich zwei Künstler heute per
E-Mail oder über soziale Netzwerke austauschen – ist
das dann Mail Art? Für Menschen, die dieser Kunstrichtung
bisher nicht begegnet sind: Wie lässt sich der
Begriff „Mail Art“ fassen?
Mail Art bezeichnet eine besondere Form der Kommunikation,
die den Postversand zum integralen Bestandteil
der Kunstproduktion macht. Anfang der 1960er-
Jahre entstanden erste Mail-Art-Netzwerke, an denen
Hunderte von Künstlerinnen und Künstlern beteiligt
waren. Seitdem zirkulieren in einem permanenten Austausch
Briefe, Postkarten und allerlei ungewöhnliche
Gegenstände; letztlich all das, was in einen Briefumschlag
passt und von der Post befördert wird. Das
Erproben neuer Distributionsformen, die Demokratisierung
der Kunst und die Idee einer kollektiven, prozessorientierten
Kreativität sind wesentliche Aspekte
dieser künstlerischen Praxis. Seit den 1990er-Jahren
hat die Bedeutung der Mail Art entschieden abgenommen.
Sie wird heute durch zeitgemäße Kommunikationsmöglichkeiten
der Social Media ergänzt, überlagert
und ersetzt. Das macht eine E-Mail noch nicht
automatisch zur Kunst. Und in meinen Augen wäre es
auch nicht sinnvoll, den historisch bedingten Begriff
der Mail Art kurzschlussartig auf webbasierte Kunstprojekte
und elektronische Mailings anzuwenden.
Mr Clauß, when two artists now correspond with
each other by email or through social networks, is that
mail art? For people who have not yet encountered
this type of art, how would you explain the term “mail
art”?
Mail art describes a particular form of communication
that makes sending things by post an integral component
of the production of art. The first mail art networks
were developed in the beginning of the 1960s,
and hundreds of artists participated in them. Since
then letters, postcards and all sorts of other unusual
objects have been circulating in a permanent interchange—virtually
everything that can be put into an
envelope and sent by post. Testing out new forms of
distribution, the democratisation of art, and the idea
of collective and process-oriented creativity are the
essential aspects of this artistic practice. Since the
beginning of the 1990s the significance of mail art
has declined substantially. Today mail art has been
supplemented, combined with, or displaced by the
contemporary options for communication offered by
social media. That does not automatically make email
an art. And in my view it would not make much sense
to apply the historically defined category of mail art to
web-based art projects and electronic mailing.
Gibt es einen Grund, dass die Mail Art im Vergleich
zu vielen anderen Kunstrichtungen, die sich in den
1950er- und 60er-Jahren entwickelt haben, sehr viel
weniger Öffentlichkeit fand?
Mit der Mail Art eröffnete sich den Künstlerinnen und
Künstlern eine reizvolle Möglichkeit, ihr Aktionsfeld
zu erweitern. Um ihre Ideen zu verbreiten, waren sie
nicht mehr auf Galerien und etablierte Institutionen
angewiesen. So konnten sie schnell, kostengünstig und
frei von äußeren Zwängen arbeiten. Das Umgehen
des offiziellen Kunstbetriebs hatte natürlich zur Folge,
dass die meisten Prozesse abseits und damit unbemerkt
von der breiten Öffentlichkeit stattfanden. Das ändert
jedoch nichts an der Wirkmächtigkeit und dem Einfluss
der international agierenden Netzwerke. Insbesondere
in den Ländern Südamerikas und Osteuropas
war die Mail Art für viele eine Möglichkeit, trotz größter
politischer Beschränkungen bisweilen subversiv
künstlerisch zu arbeiten und mit der internationalen
Szene in Kontakt zu treten.
Is there any reason for the fact that, by comparison
with many other art trends developed since the 1950s
and 1960s, mail art has only managed to reach a much
smaller audience?
In mail art, artists found a stimulating opportunity to
expand their field of activities. They were no longer
dependant upon galleries and established institutions
to spread their ideas. Here they could work quickly
and inexpensively, and they were free from external
pressures. But, by circumventing the official art industry,
most of the processes took place on the sidelines,
where they went unnoticed by the larger public.
Of course that did not change the powerful effect
and influence of the internationally active networks.
Particularly in South American countries and in Eastern
Europe, mail art provided for many an opportunity
to work as artists, even at times subversively,
despite immense political limitations, and it was also an
opportunity to get in touch with the international art
scene.
12 13

Worin liegt für Sie der Reiz an Mail Art? Mit welchen
kuratorischen Herausforderungen sahen Sie sich konfrontiert,
während Sie „I like funny stories“ umsetzten?
Vieles von dem, was heute in der Kunstproduktion
selbstverständlich erscheint, wurde in der Mail Art, vor
nunmehr 50 Jahren, erprobt. Die Ideen, Konzepte und
Strukturen wirken daher noch heute überraschend
aktuell, auch wenn sich die Nutzung der Medien radikal
verändert hat. Das ist faszinierend und ein wichtiger
Grund für eine wissenschaftliche Aufarbeitung, die
von den Institutionen lange Zeit nicht in genügendem
Maße vorangetrieben wurde. Die Weserburg verfügt
mit dem Studienzentrum für Künstlerpublikationen
über große Sammlungsbestände auch im Bereich
der Mail Art, die im Kontext einzelner Ausstellungen
und im Rahmen von Forschungsarbeiten aufgearbeitet
und präsentiert werden. Die Mail Art ist also seit
Gründung des Hauses immer wieder in Auszügen präsent.
Darüber hinaus ist die international bedeutende
Privatsammlung von Walter und Maria Schnepel in der
Weserburg beheimatet. Sie besitzt ein beeindruckendes
Konvolut an frühen Arbeiten von Ray Johnson,
darunter faszinierende Collagen, Mailings und viele
andere Werke und Dokumente. Dieses Material auszustellen,
war tatsächlich eine große Herausforderung,
da sich die Mail Art stets einer Musealisierung zu entziehen
versuchte. Ray Johnson beschreibt das zentrale
Vermittlungsproblem wie folgt: „The only way to
understand something of my school is to participate
in it for some time. It is secret, private and without
any rule.“ Oftmals wird die Mail Art eingezwängt in
Archivsituationen, die den intellektuellen Witz und
die subversive Kraft nicht zur Geltung bringen. Es ist
jedoch nicht nur wissenschaftliche Präzision gefordert,
sondern die Entwicklung von lebendigen Ausstellungsformaten,
die die Besucher für die Kunst begeistern.
Wer war Ray Johnson? Er wird als einer der Begründer
der Mail Art bezeichnet. Stimmen Sie zu?
Ray Johnson war schon in den 1960er-Jahren ein
Mythos. Er trat öffentlich kaum in Erscheinung und
stellte nur sehr selten aus. Und dennoch war er mit fast
allen wichtigen Akteuren von der Pop Art über Fluxus
bis hin zur Conceptual Art eng verbunden. Er war
gewissermaßen ein „Künstler-Künstler“ mit einem
ausgewählten Kreis an Bewunderern, der stetig wuchs.
Mit seinen Mailings war Johnson sicherlich ein wichtiger
Wegbereiter der internationalen Mail-Art-Bewegung
und zugleich einer ihrer einflussreichsten Repräsentanten.
So hat er bereits Ende der 1950er-Jahre
mit dem Versand von Kunst begonnen und innerhalb
kurzer Zeit ein umfangreiches Netzwerk aufgebaut,
das später unter dem Namen „New York Correspondence
School“ [sic] bekannt wurde. Ich würde ihn
jedoch nicht als Begründer der Mail Art vereinnahmen,
da viele andere Netzwerke, insbesondere auch
in Europa und Südamerika weitgehend parallel und
unabhängig voneinander entstanden sind. Sie haben in
der Regel eine offene und auch dezentrale Struktur.
What is it you find stimulating about mail art? And
what were the curatorial challenges you faced when you
were developing the exhibition “I like funny stories”?
Much of what looks, today, like standard procedure
in art production was first tried and tested 50 years
ago in mail art. For that reason, the ideas, concepts,
and structures appear to be surprisingly contemporary,
even though the use of media has changed radically.
It’s fascinating, and it is an important basis for current
academic research at institutions which, hitherto, had
not sufficiently addressed the topic. Weserburg has its
own centre for the study of artistic publications, which
has its own vast archival collection, including materials
in the field of mail art; these materials have been studied
in various research projects and presented at various
exhibitions. Thus, ever since Weserburg’s Museum
of Modern Art was founded, aspects of mail art have
always played a role there. In addition, the internationally
renowned private collection assembled by Walter
and Maria Schnepel is also housed there. The collection
offers an impressive hodgepodge of early works
by Ray Johnson, among them fascinating collages, mail
artworks, and several other works and documents.
Exhibiting these works was indeed a great challenge:
mail art seems to continually resist attempts to adapt
it to the museum format. Ray Johnson offered his own
description of the central problem behind communicating
his approach: “The only way to understand
something of my school is to participate in it for some
time. It is secret, private, and without any rule.” Often
mail art is narrowly viewed from the perspective of
the archival situation, where its intellectual humour
and subversive power cannot be adequately appreciated.
But more than mere academic precision is required
here; we also have to develop lively exhibition formats
that appeal to the exhibition’s visitors.
Ray Johnson: o.T. (SAD), 1959, collagierte Postkarte an Dick Higgins,
Slg. Maria und Walter Schnepel, © Ray Johnson Estate, Courtesy Richard L. Feigen & Co.
Johnson blieb dagegen stets das Kraftzentrum seines
Netzwerks, auf das sich letztlich alles bezog. Gleichwohl
hat er als Erster konsequent und systematisch
den Postversand künstlerisch umfunktioniert und ist
damit bis heute ein inspirierendes Vorbild.
In Johnsons Werk werden Referenzen zu den Strategien
der Dada-Collagen und dem Element des Zufalls
– einem zentralen Thema von John Cage – deutlich.
In der Tat etablierte Johnson mit seiner Mail Art eine
fließende, sich durch das Versenden und Weiterleiten
permanent verändernde und ergänzende Kunstform.
Durch das sogenannte „on-sending“ gelang es ihm,
seine Künstlerfreunde, Kuratoren und Bekannte in den
künstlerischen Prozess einzubeziehen. Einzelne Sendungen
versah er mit der Bitte „Please send to“ oder
„Please add to and return to“. So entstanden kollaborative
Arbeiten, bei denen der Empfänger zum Versender
und Co-Autor wurde. Der Zufall wurde als eine
gestaltgebende Kraft bewusst einkalkuliert. Johnson
bevorzugte dabei stets den Prozess und nicht das
Resul tat. Dies hat sicherlich viel mit John Cages
künstlerischer Auffassung gemein. Es verwundert
nicht, dass sich Ray Johnson und Cage gut kannten
und sogar eine Zeit lang in New York im selben Haus
wohnten.
Ende April 2013 wird die Akademie der Künste eine
Mail-Art-Ausstellung zeigen. Was erwarten Sie?
Von Seth Siegelaub stammt der Satz „Art is to change
what you expect from it“. Dem Gedanken folgend
wünsche ich mir eine anregende Schau, die den
anarchischen Geist der Mail Art in ihrer Vielfalt und
in ihrer permanenten Lust am Experiment erlebbar
macht. Dann gibt sie den notwendigen Raum für
überraschende Entdeckungen, Irritationen und neue
Erkenntnisse.
Who was Ray Johnson? He’s been called the founder
of mail art. Would you agree?
Already in the 1960s Ray Johnson had become something
of a legend. He seldom appeared publicly and
very rarely exhibited his works. And yet he was intimately
connected with almost all the important figures
of the period, from pop art and Fluxus to conceptual
art. In a certain sense he was an artist’s artist
with a select circle of admirers that grew continuously.
With his mailings Johnson was certainly an important
pioneer of the international mail art movement and,
at the same time, one of its most influential representatives.
Already by the end of the 1950s he had begun
to mail art, and he built up a comprehensive network
in a short period of time that became known under
the name of the “New York Correspondence School”.
I wouldn’t want to pigeonhole him as the founder
of mail art, since there were many other networks
particularly in Europe and South America that were
created at the same time independently of one another.
They usually had an open and decentralised structure.
By contrast, Johnson was the central power in his network,
to which all others within it referred. Nevertheless,
he was the first to adapt the mailing service,
consistently and systematically, to his artistic goals, and
he thus remains, to this day, an inspirational model.
In Johnson’s works there are obvious references to
the strategies of Dada-collages and to the element of
coincidence—a central theme for John Cage.
With his use of mailing and forwarding in mail art,
Johnson did indeed establish a fluid, permanently
changing and expanding art form. With the practice
of “forwarding” he managed to involve artist-friends,
acquaintances, and curators in the artistic process.
In some of his packages he enclosed requests such
as “Please send to” or “Please add to and return to”.
Thus collaborative works were created; the recipients
became senders and co-authors. Coincidence was
consciously anticipated as a form-giving power. Here
Johnson preferred the process, and not the result. This
certainly has much in common with John Cage’s artistic
conceptions. It’s no wonder that Ray Johnson and
Cage knew each other well and even lived in the same
house in New York for a while.
The Academy of Arts Berlin will be showing an
exhibition of mail art at the end of April. What do you
expect to see there?
Seth Siegelaub once said: “Art is to change what you
expect from it.” Following that thought, I’m hoping
for a stimulating show that allows us to experience
the anarchistic spirit of mail art in all its facets, and
with its permanent desire to experiment. That would
give us the necessary space for surprising discoveries,
provocative stimulation, and new insights.
14 15

Sammlergespräch mit Ralf Leinemann:
„Kunst ist keine Kapitalanlage“
Conversations with Collectors: Ralf Leinemann
“Art is not a capital investment”
Yutaka Sone: Highway Junction 405-10, 2003-2011, Marmor, 22,5 x 118,3 x 161,2 cm
Courtesy David Zwirner, New York/London
Interview: Fares Al-Hassan
Text: Elisabeth Schlögl, Simone Raith
Translation: Brian Poole
Was tust du, wenn du gerade keine Kunst sammelst?
Ich bin mit Leidenschaft Rechtsanwalt. Das Sammeln
ist für mich ein Hobby. Unsere Kanzlei Leinemann
Partner hat im Wesentlichen mit Baurecht und Vergaberecht
zu tun, und über das Thema Kunst am Bau
bin ich der bildenden Kunst nähergekommen. Mein
erster Erwerb war circa 1995 und stammt von Jennifer
Kiernan. Ich glaube, sie hat den Durchbruch auf
dem Kunstmarkt nicht geschafft. Ich habe drei figurative
Holzskulpturen von ihr – sie sind im Büro als „die
bunten Laubsägearbeiten“ bekannt. Aber ich stehe
auch zu meinen frühen Ankäufen. Jeder, der das erste
Mal ganz unvoreingenommen mit Kunst in Berührung
kommt, findet das Bunte, leicht Erkennbare spontan
gut. Mit der Zeit wächst dann die Fähigkeit, stärker
zu abstrahieren, und damit auch das Interesse an
anspruchsvolleren Werken.
Die Sammlung umfasst mittlerweile 170 Werke, von
denen viele in euren Büros hängen, vor allem in
Berlin. Vor Kurzem kam eine sehr beeindruckende
Neuerwerbung hinzu.
Das ist eine Arbeit von Yutaka Sone. Ich kannte ihn
nicht, bis ich eine in Marmor gemeißelte Stadtlandschaft
von Manhattan vor zwei Jahren auf der Art Basel
What do you do when you are not collecting art?
I’m a very dedicated lawyer. Collecting art is my hobby.
Our office at Leinemann Partners deals largely with
construction law and with the allocation of public
funds, and the subject of art in construction brought
me closer to the fine arts. I purchased my first work
in 1995. It was a work by Jennifer Kiernan. I don’t believe
she managed to make it on the art market. I have
three figurative wood sculptures by her—at the office
they are known as the “colourful fretsaw works”. But
I’m still proud of my early acquisitions. Everyone who
comes into contact with art for the first time, without
any preconceptions, finds the works that are colourful
and easily recognisable to be good at first glance. In
time one’s ability to see things more abstractly grows
stronger, and with that one’s interest in more demanding
works increases.
Your collection now has 170 works, many of them
hanging in your offices, particularly in Berlin. Just
recently an impressive new acquisition was added.
The work is by Yutaka Sone. I wasn’t familiar with
the artist until I saw a cityscape of Manhattan carved
in marble at David Zwirner’s stand at the Art Basel
two years ago. “Highway Junction 405-10” is similar:
auf David Zwirners Stand sah. „Highway Junction
405-10“ ist ähnlich, der Ausschnitt einer Stadtlandschaft
von Los Angeles, ein echter „Crowd-Pleaser“.
Die Arbeit misst 1,60 mal 1,25 Meter. Winzig kleine
Häuschen, Bäume, Schilder und Millimeter kleine
Autos auf dem Highway sind in weißem Marmor gemeißelt,
alles aus einem Stück. Es ist ein wirklich sehr
schönes, für jeden zugängliches Kunstwerk, das gut in
ein Anwaltsbüro passt, das sich mit dem Thema Bau,
Verkehr und Infrastruktur befasst.
Ihr sammelt fast ausschließlich Werke aus der Malerei
oder Skulpturen und habt euch inhaltlich auf
Arbeiten spezialisiert, die sich mit Bauen, Stadt und
Architektur beschäftigen – hinter Yutaka Sone hängt
zum Beispiel Thomas Scheibitz im Foyer. Dazwischen
befindet sich aber auch ein riesiger Immendorff.
Welcher Sammler würde ein Bild, das „Mein Weg ist
richtig“ heißt, nicht haben wollen? Es macht Mut!
Zudem ist meine Frau Eva in Halle geboren. Sie also
Ossi, ich Wessi – aus diesem Grund haben wir auch
früh diese kleine Leidenschaft für Immendorff entdeckt.
Die Geschichte der deutsch-deutschen Trennung
und die Mauer gehören zu seinen Themen. Das
Bild zeigt Immendorff mit Devotionalien behangen,
it shows us a sector of a Los Angeles cityscape—and
it’s a real crowd pleaser. The work measures 1.6 by
1.25 metres. Tiny little houses, trees, signs, and millimetre-sized
cars on highways have been carved in
marble—all from one single piece. It is really a very
beautiful work, accessible to everybody, and it suits
our law firm well, which deals with construction, traffic,
and infrastructure.
You collect almost exclusively paintings and sculptures,
and you’ve specialised in works that deal with
construction, with the urban environment, and with
architecture. Just behind Yutaka Sone’s work there
is a work by Thomas Scheibitz, hanging in the foyer.
And between them there is another large work by
Immendorff.
What collector would not want to have a picture entitled
“My Way is Right”? It’s encouraging! Moreover,
my wife was born in Halle. She’s Eastern German, I’m
Western, and that’s the reason we discovered our little
passion for Immendorff. The history of the division
of Germany and the wall belong to his themes. The
picture shows Immendorff in a Roman chariot wearing
devotional objects as he storms through the whitecapped
crest of a wave—a symbol of the Berlin Wall.
16 17

wie er auf einem römischen Streitwagen durch eine
weiße Schaumkrone – Symbol der Berliner Mauer –
stürmt. Auch wenn das Bild eigentlich nicht in unsere
Sammlung passt, so ist Immendorff doch ein toller
Maler, und als Sammler nehmen wir uns die Freiheit,
abseits aller Vorgaben auch einmal zu kaufen, nur
weil es gefällt. Es macht Spaß, Künstler zu entdecken,
in Galerien herumzustöbern. Ich gehe nicht oft auf
Messen, dort lässt man sich zu schnell hinreißen. Ich
kaufe lieber in einer Galerie, wo man mehr Kontext
hat. Darüber lernt man vielleicht auch den Künstler
persönlich kennen. Es gibt Leute, die sehen Kunst als
ein Investment – das kann ich nicht verstehen. Ich finde
jede Aktie ist ein besseres Investment. Kunst muss
einen anders ansprechen als eine Kapitalanlage.
In eurer Bibliothek hängt ein ganz besonderes Bild.
Das Bild ist unsere einzige Kopie eines Kunstwerks,
nämlich von Kandinsky, „Das Konzert“. Es hat einen
eher sentimentalen Wert für mich, weil es von meinem
Vater nachgemalt wurde. Er war Kaufmann und kein
Künstler, aber schon sein Vater hatte als Pensionär Postkarten
abgemalt. Mein Vater hat sich immer darüber
lustig gemacht, als er sich aber 1995 zur Ruhe setzte,
hieß es plötzlich: „Papa hat sich eine Staffelei und ein
paar Ölfarben gekauft.“ Er malte dann Bilder nach von
Monet, Dufy, Picasso und auch mal einen Kandinsky.
Ich muss sagen, er hat das nicht schlecht gemacht.
Ich ließ deshalb einige davon rahmen und schenkte
sie meinen Eltern. Als wir 2011 die große Bibliothek
unseres Büros einrichteten, wurde dort die Kandinsky-
Kopie aufgehängt. Sie kommt bis heute gut an.
Markus Huemer war einer der ersten Künstler, die
dich zum Sammeln motiviert haben. Warum?
Warum gefällt einem ein Bild? Es ist zunächst das Motiv
und die Art, wie es gemalt ist, die mich bewegt. Ich
finde es auch wichtig, mehrere Arbeiten aus unterschiedlichen
Jahren zu sehen. Oft beeindruckt ein
großes Bild allein durch die Größe, deswegen möchte
ich auch immer gerne etwas Kleines sehen, um zu
prüfen, ob das genauso gut ist. Bei Markus Huemer
stimmt die ganze Linie. Sein Werk hat Ausdruckskraft.
Als ich ihn dann persönlich kennenlernte, klärten sich
weitere Verbindungen in seinen Bildern. Kürzlich
erzählte er mir, dass er jetzt auch architektonische Themen
aufgreife. Das hat mich sehr gefreut, und ich bin
neugierig auf sein kommendes Werk. Peter Krauskopf
und Martin Borowski gehören auch zu den Anfangsbeständen
meiner Sammlung. Martin Borowski malt
sehr akkurat und gegenständlich, aber mit feinen
Besonderheiten – wir nennen ihn deshalb augenzwinkernd
„unseren Gerhard Richter“. Krauskopf ist einer,
der uns mit seinen schmalen Linien und Horizonten
fesselte und sich jetzt deutlich in eine aufregende,
flächige Farbigkeit weiterentwickelt hat. Dies sind drei
Künstler, die mich von Anfang an begeisterten und die
ich weiter begleiten werde.
Even if the picture does not actually fit in with our collection,
Immendorff is still a great painter, and as collectors
we reserve the prerogative to buy what pleases
us beyond all the guidelines for the collection. It’s
fun to discover artists and to poke around in galleries.
I don’t often go to art fairs; it’s too easy to allow oneself
to be captivated there. I prefer to buy at galleries
where you have more context. At galleries you might
also get acquainted with the artist personally. There
are people who see art as an investment; I can’t understand
that. I find that just about anything on the stock
exchange is a better investment. Art has to appeal to
us on a different level than a capital investment.
In the library there is a particularly special picture.
The picture is our only copy of an artwork—“The
Concert” by Kandinsky. It has more of a sentimental
value for me because it was painted by my father. He
was a businessman and not an artist, but already his
father had painted postcards after he retired. My
father had always made fun of that. But when he
retired in 1995 we suddenly realized: “Dad’s bought
an easel and some oil paint.” He started to paint works
by Monet, Dufy, Picasso, and one work by Kandinsky.
I have to say that he didn’t do a bad job at all. I had
some of these pictures framed and gave them to my
parents. In 2011, while we were furnishing the library
in our offices, the Kandinsky copy was hung up on the
wall. And to this day it still impresses people.
Markus Huemer was one of the first artists that inspired
you to collect art. Why?
Why does a picture appeal to you? The first thing that
intrigues me is the motif and the way in which it’s
been painted. I think it’s also important to see several
works over the course of various years. Often a large
work is impressive purely on account of its size, and
that’s why I also like to see something small in order
to test whether it is also as good. In Markus Huemer’s
works the entire gamut of qualities can be found. His
works have an expressive power. When I finally met
him personally, other connections in his paintings
became clear. He recently told me that he is currently
tackling architectural themes. I was happy to hear that,
and I’m anxious to see his next works. Peter Krauskopf
and Martin Borowski also belong to the earliest works
in my collection. Martin Borowski paints very precisely
and objectively, but with fine particulars: we call
him “our Gerhard Richter” with an ironic wink of the
eye. And Krauskopf is someone who captivates us with
his delicate lines and horizons; he has now markedly
developed further into an exciting artist of expansive
colours. I will continue to follow these three artists,
who captured my interest from the very beginning.
Martin Borowski: Bibliothek 2, 2010, Öl auf Leinwand, 89 x 67cm
18 19

2008 habt ihr die Leinemann-Stiftung für Bildung
und Kunst gegründet.
Die Stiftung ist ein Instrument, um die Sammlung
zu kommunizieren, in der Kunstszene zu verankern
und ihr einen festen Halt zu geben. Wir arbeiten mit
Kunsthochschulen zusammen und vergeben jedes
Jahr einen Nachwuchskunstpreis. Wir sind sogar schon
berüchtigt: Anfang 2011 in Dresden hatte unsere Jury
als dritten Preis eine lebensgroße Polizistinnenfigur im
Kampfanzug, die urinierend in der Hocke dargestellt
war, prämiert – von der Bild-Zeitung wurde das Werk
als „Pinkelnde Polizistin“ bezeichnet. Wir haben damit
völlig überraschend ein großes Rauschen im Pressewald
verursacht. Am Ende erreichten wir damit ganz
unerwartet eine Aufmerksamkeit für die Toilettenfrage.
Heute stellt die Polizei bei Großeinsätzen Dixi-
Klos für die Polizistinnen auf. Wir fördern aber auch
Diplom- und Masterarbeiten in den Bereichen Baurecht,
Vergaberecht und Architektur und sponsern den
deutschen Baugerichtstag, der auch einen Forschungspreis
vergibt. Im nächsten Jahr organisieren wir
gemeinsam mit der Kunstakademie in Düsseldorf eine
Betonkunstaktion: Drei oder vier Bauunternehmen
nehmen teil, in deren Werkstätten 15 eingeladene
Künstler dann eine Betonskulptur realisieren. Anschließend
sollen die Arbeiten in Nordrhein-Westfalen
und in Berlin ausgestellt werden.
Wirst du als Sammler erkannt?
Ich halte mich nicht für einen großen Sammler, der
üppige Kunstumsätze bewegt. Man erkennt mich
meist nicht, und ich kenne auch viele nicht. Aber das
ist ganz gut so. Neulich war ich zu Besuch in New York
und kam zufällig bei der Gagosian Gallery vorbei. Man
bewundert die opulenten Räume, und da sitzen nette
Leute, die man dann fragt, welcher Künstler denn an
dieser Wand gezeigt wird. Und dann kommt die Antwort:
„Einen Moment, ich muss mal nachschauen.“
Wenn man wissen möchte, was ein Bild kostet, heißt
es: „Ich ruf mal eben beim Sales Department an.“ Egal
wo man hingeht – mal erwischt man jemanden, der
gut Bescheid weiß, und ein anderes Mal sitzt ein Praktikant
da und hat seinen ersten Tag. Aber das gibt es
überall. In der Kunstszene tauche ich unter, und das
finde ich ganz angenehm. Ob man nun hundert Bilder
hat oder eines oder gar keins – entscheidend ist, dass
man die Kunst genießen kann. Ob man kauft oder nur
anschaut, spielt dabei keine Rolle.
Danke für das Gespräch!
Das Sammlergespräch mit Ralf Leinemann führte
der Auktionator und Kunsthistoriker Fares Al-Hassan.
Es fand am 6. Dezember 2012 in der Bar Tausend in
Berlin statt.
In 2008 you founded the Leinemann Foundation for
Education and the Arts.
The foundation is an instrument that helps to promote
the collection, and it also helps to anchor it in
the art scene and to give it a permanent position there.
We work with art colleges and universities, and we offer
an award each year to a young artist. We’ve even
become notorious: Early in 2011 in Dresden our jury
awarded third prize to a life-sized statue of a female
police officer in battle attire who appears crouched
down, urinating. The tabloid newspaper Bild referred
to the work as the “pissing police officer”. With that
work we created an utterly surprising amount of buzz
in the press. Ultimately we managed to draw entirely
unexpected attention to the question of toilet facilities.
Now the police set up porta-potties for female
police officers at every event where the police appear
in large numbers. But we also support students working
on their master’s degree in the field of construction
law, allocation law and architecture, and we sponsor
the German Baugerichtstag (a ‘Day of Hearing’ for
construction projects), which also offers a prize for
research. Next year, together with the Art Academy
in Düsseldorf, we are organising a ‘cement art action’:
three or four construction companies are participating;
in their workshops, 15 artists will be invited to create
their own cement sculpture. The works will be exhibited
in Nordrhein-Westfalen and Berlin.
Are you recognised as a collector?
I do not consider myself a great collector who has
his hand in opulent art transactions. I’m usually not
recognised, and there are many whom I don’t know
in the field. But that’s good the way it is. Recently I
visited New York and, by coincidence, I found myself
at the Gagosian Gallery. You admire the opulent
rooms, and there are pleasant people there whom you
can ask about the artists exhibited on any particular
wall. But then you get the answer: “One minute,
please. I’ll have to look that up.” And if you want to
know what a picture costs, they tell you: “I’ll just call
our sales department and find out.” Wherever you go,
you might find somebody who can answer your questions,
or you might run into a trainee who’s there on
his first day. But that’s the same wherever you go. I
submerge and disappear in the art world, and I find
that rather pleasant. Whether you have a hundred pictures,
or just one, or none at all, decisive is the fact that
you can enjoy art. It makes no difference whether you
buy it or just look at it.
Thank you for the conversation!
This conversation with the collector Ralf Leinemann
was conducted by the auctioneer and art historian
Fares Al-Hassan. It took place at the Bar Tausend in
Berlin on the 6th of December 2012.
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nicht mehr wegzudenken. Intelligente Technologien machen die Welt
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sich die Medienkunst und setzt sich kritisch mit den neuesten Informations-
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unterschiedlicher Epochen. Die vielgestaltigen Zeugnisse aus fünf
Jahrhunderten geben Aufschluss über die Probleme und Gedanken ihrer
Schöpfer. Zugleich vermitteln die Briefe als Zeugen ihrer Zeit ein Bild der
Kultur geschichte. Kunst und Kunstwerke werden ebenso thematisiert wie all ­
tägliche, politische oder auch skurrile Begebenheiten: v om geschäftstüchtigen
Dürer und dem unaufgeklärten Freitod Kirchners, über den liebeskranken
Kokoschka und seiner lebensgroßen Puppe mit dem Gesicht der
früheren Geliebten bis hin zu Staecks gesellschaftskritischer Plakatkunst.
Hellmuth Karasek (Hg.): Briefe bewegen die Welt. Kunst und Kultur.
teNeues Verlag, Kempen 2012, Dt., 160 S., ca. 75 farb. und S/W-Abb.
Hardcover mit Schutzumschlag, 19,90 €. ISBN 978-3-8327-9655-6
Schmunzeln ausdrücklich erwünscht!
Was ist Humor, und wie drückt er sich in der Kunst aus? Diesen Fragen
gingen sieben zeitgenössische Künstler im Kunstmuseum Liechtenstein
nach. Ihren Positionen wurden ausgewählte historische Kunstwerke, die
zugleich als Referenzrahmen dienten, gegenübergestellt. Darunter Werke
von Wegbereitern wie Duchamp, Magritte, Schwitters als auch von Künstlern
der 1960er-Jahre wie Beuys. Durch verschiedene Methoden wie der
Überlagerung von sprachlicher und visueller Ebene, Wortspielen oder der
Verschiebung der Dinge aus ihrem Bezugsrahmen entsteht auf ernsthafter
Grundlage humoristische Kunst.
Christiane Meyer-Stoll Kerber (Hg.): Don‘t Smile. Vom Humor der Kunst.
Kerber, Bielefeld 2012, Dt., 180 S., 89 farb. und 34 S/W-Abb., Klappenbroschur,
gebunden, 26,50 €. ISBN 978-3-86678-782-7
Mail Art in der DDR – Protest der Post-Aktivisten
Franziska Ditterts Dissertation dringt auf ein bisher unerforschtes Gebiet
vor: Sie liefert die erste wissenschaftliche Aufarbeitung der Mail-Art-Szene
der DDR und untersucht deren künstlerische Praxis, Entwicklung und
gesellschaftliche Funktion. Dabei wird klar, inwiefern sich die DDR-Mail-
Artisten durch die politischen Rahmenbedingungen von der internationalen
Szene unterscheiden. Mail Art wurde oft genutzt, um subtilen Protest
gegen staatliche Repression auszudrücken. Dittert forschte dabei nicht nur
in Sammlungen und Archiven, sie sprach auch mit damaligen Aktivisten.
Es entstehen interessante Einblicke in eine Kunstform jenseits des offiziellen
Kulturbetriebs.
Franziska Dittert: Mail Art in der DDR. Eine intermediale Subkultur im Kontext
der Avantgarde. Logos Verlag, Berlin 2010., Dt., 743 S., farb. und S/W-Abb.
Softcover, 69 €. ISBN: 978-3832526184
Von der Handschrift zur Typografie
In seiner Geschichte war das handschriftliche Schreiben als Kulturtechnik
einem ständigen Wandel unterworfen. Die verschiedenen künstlerischen
Formen und Anwendungen, die es heute erfährt, werden in „Hand to Type“
zusammengestellt. Das Buch versammelt internationale Handschriften-
Entwürfe sowie digitale Typen, die auf handschriftlichen Weisen basieren.
Aufdrucke auf Grußkarten, Werbetafeln oder Tätowierungen verweisen
auf heutige Anwendungen und Interviews mit Schrift-Designern wie Ken
Barber und Timothy Donaldson zeigen aktuelle Tendenzen dieser Kunst.
Jan Middendorp (Hg.): Hand to Type. Scripts, Hand-Lettering and Calligraphy.
Die Gestalten Verlag, Berlin 2012. Engl., 288 S., zahlreiche farb. Abb., Hardcover,
39,90 €. ISBN: 978-3899554496
Die Anfänge der Mail Art
Die Kommunikation über Kunstwerke und deren postalischer Versand
waren unter Künstlern schon immer üblich. In Ray Johnsons Werken ist
der Versand auf dem Postweg jedoch erstmals wichtiger Bestandteil seiner
Arbeiten, weshalb er als Begründer der Mail Art gilt. Seit Ende der 1950er-
Jahre baute er sich so ein Netzwerk von über 200 Kontakten im Umfeld
von Fluxus und Pop Art auf. Der Katalog zu seiner Einzelausstellung in der
Weserburg – Museum für moderne Kunst – gibt mit einem ausführlichen
Katalogteil einen Einblick in das Spektrum seines Schaffen von Collagen,
Mail Art, Lithografien bis hin zu Künstlerbüchern.
Ray Johnson. I like funny stories. Sammlung Maria und Walter Schnepel.
Salon Verlag, Köln 2012, Dt./Engl.,128 S., zahlr. farb. Abb., Softcover, 22 €.
ISBN 978-3-89770-415-2
www.kremer-pigmente.de
Straßen und Gesichter
Berlin 1918–1933
Nach dem Ersten Weltkrieg, Inflation und Arbeitslosigkeit
stieg Berlin in der Weimarer Republik zur schillernden
Großstadt des Vergnügens auf. Mit spitzem Stift dokumentierten
und kommentierten Künstler politische Kämpfe wie
auch gesellschaftliche Veränderungen und entdeckten nicht
ohne Anteilnahme die tiefen Linien, die der Kampf ums
Dasein in die Gesichter der Menschen eingegraben hatte.
Das Buch zeigt Blätter vieler namhafter Künstler, deren
Zeichenkunst bis heute unser Bild von dieser Epoche prägt.
www.kerberverlag.com
23 x 27 cm, 128 Seiten,
83 Abbildungen,
Klappenbroschur,
gebunden
Deutsch | Englisch
isbn 978-3-86678-786-5
1 24,95

Arne Schmitt: Tausendfüßler, Düsseldorf 2010
aus der Serie Verflechtungen, 2012
© Arne Schmitt
Arne Schmitt – Wenn Gesinnung Form wird/
Verflechtungen
Im Jahr 2010 begann Arne Schmitt mit einem umfangreichen
fotografischen Projekt: Er untersuchte die
Nachkriegsarchitektur der Bundesrepublik Deutschland
zwischen 1945 und 1970, um die Visionen von
einer zukünftigen Gesellschaft, die diese Architekturen
widerspiegeln, zu ergründen. Dabei analysiert er in
nüchternen Schwarz-Weiß-Fotografien und vielen
Detailansichten den heutigen Umgang mit diesen
Stadträumen und die Formen heutiger Repräsentations
architektur. Inwiefern solche architektonischen
Strukturen in der Gegenwart funktionieren, überprüft
Arne Schmitt in Form von Fotoessays, von denen die
Ausstellung 29 zeigt: unter anderem von der Frankfurter
Altstadt, dem Bonner Regierungsviertel oder dem
Stadtzentrum Wolfsburg.
Xenia Fink: Just right, said Goldilocks, 2012
Tusche auf Papier, 42 x 59,5 cm, © Xenia Fink, Berlin
Xenia Fink – Too Close to Home
Die Federtuschearbeiten von Xenia Fink verführen
den Betrachter mit einer klaren technischen Ausführung
und mit nostalgischen, surreal-rätselhaften
Traumwelten, die sie mit assoziativen Zitaten anreichert.
Reduktion, Auslassung und Dekonstruktion
sind die wesentlichen formalen Merkmale in den
zarten, gegen ständlich-illustrativen Zeichnungen der
Werkserie „Too Close to Home“. Im Stil einer postmodernen
Erzählung bleibt die Behandlung ihrer
Themen frag mentarisch. Es geht um Familie, Kindheit,
Liebe und Einsamkeit; um zwischenmenschliche
und erotische Beziehungen. Und um die Identität der
modernen Frau. Die formale wie inhaltliche Ambivalenz
von Nähe und Distanz entspricht der konstanten
Unsicher heit im menschlichen Dasein.
Sprengel Museum Hannover
Kurt-Schwitters-Platz, 30169 Hannover, bis 3.3.13
Di 10-20h, Mi-So 10-18h, www.sprengel-museum.de
MORGEN CONTEMPORARY
Ackerstr. 162, 10115 Berlin-Mitte
Opening: 25.1., 19h
26.1.–9.3., Di–Sa 12–18h
www.morgen-contemporary.com
Lieber Aby Warburg, was tun mit Bildern?
Vom Umgang mit fotografischem Material
Sammeln, Archivieren, Ordnen, Reproduzieren, Montieren:
Der Umgang mit Fotografie kann auf ganz
unterschiedliche Weise praktiziert werden. Die
Gruppen ausstellung des Museums für Gegenwartskunst
in Siegen zeigt 23 Positionen zeitgenössischer Kunst,
bei denen der Umgang mit fotografischen Aufnahmen
aller Art im Zentrum steht. Der Bilderatlas des Kunsthistorikers
Aby Warburgs – eine Zusammenstellung
von verschiedenen Aufnahmen und Reproduktionen
als ästhetische Einheit, die dazu diente, Beziehungen
herzustellen und Thesen zu entwickeln– wirkt auf
Museum für Gegenwartskunst Siegen
Unteres Schloss 1, 57072 Siegen
bis 3.3.2013, Di-So 11-18h, Do 11-20h
www.mgk-siegen.de
Lia Perjovschi: „Subjective Art History
from Modernism till today“
1990-2004, © Lia Perjovschi
viele Gegenwartskünstler inspirierend. Die zeitgenössischen
Arbeiten von Tobias Buche, Hervé Garcia,
Haegue Yang oder Franziska Kabisch zeigen, wie Fotografie
in Kombination mit anderen künstlerischen
Medien eingesetzt werden kann.
Man Ray: Erotique voilée
(Meret Oppenheim), 1933
Silbergelatineabzug, Foto:
Archiv Stiftung Moritzburg
Amin El Dib aus „Bilder
von Menschen und Tieren“
1998, Silbergelatineabzug
Foto: Archiv Stiftung
Moritzburg
Begegnung der Bilder – 25 Jahre Sammlung Fotografie
In der Ausstellung begegnen sich ausgewählte Bilder
von berühmten und zu Unrecht vergessenen Künstlern
und Fotografen. Es ist eine Begegnung über die Zeiten
hinweg – sie reicht von den ältesten bis zu den jüngsten
Werken der Fotokunst. So treffen zum Beispiel
Kamerafotografien auf Bilder, die ohne Kamera entstanden
sind, und kleine Kontaktkopien stehen meterhohen
Großformaten gegenüber. Ausgehend von
Material, Motiv und Sicht der Fotografen ergibt sich
eine Ordnung der Dinge quer zum Gewohnten und
Erwarteten. Dabei werden Korrespondenzen, Wahlverwandtschaften
und zufällige Begegnungen möglich
und für den Besucher sichtbar. Die Schau ist nicht
streng thematisch, chronologisch oder nach Künstlern
geordnet, sondern zeigt assoziative Zusammenhänge
wie in einem Kaleidoskop auf.
Stiftung Moritzburg (Nordflügel)
Friedemann-Bach-Platz 5, 06108 Halle (Saale)
Opening: 2.2., 15h, 3.2.–7.4., Di–So 10–18h
www.kunstmuseum-moritzburg.de
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Nathan Coley
Der Brite Nathan Coley untersucht in seinen Werken,
inwiefern Architektur und die Gestaltung des öffentlichen
Raums unser soziales Umfeld beeinflussen und
inwieweit eine Kultur durch ihre gebaute Umwelt
reflektiert wird. Öffentliche Skulpturen stellen dabei
einen wichtigen Teil seines Schaffens dar. Der Freiburger
Kunstverein zeigt schwarz-weiße Dokumentationsfotografien,
deren zentrale Objekte oder Subjekte mit
Blattgold verdeckt wurden, und skulpturale Installationen,
in denen Lichtspuren und leuchtende Buchstaben
als Inseln in einem grauen Hier und Jetzt dienen.
Nathan Coley: The Honour Series 03.03.09(B), 2012
Goldblatt auf Silbergelatine, Druck, 50 x 70 cm
Courtesy Haunch of Venison, London
Kunstverein Freiburg e.V.
Dreisamstr. 21, 79098 Freiburg
Bis 10.3.13, Di–So 12–18h, Mi bis 20h
www.kunstvereinfreiburg.de
Isn’t it romantic? Zeitgenössisches Design zwischen
Poesie und Provokation
H. R. Fricker: Büro für künstlerische
Umtriebe auf dem Land, Trogen/
Schweiz an Guillermo Deisler
Halle/DDR, 1.11.1988, Akademie
der Künste, Kunstsammlung
Die Ausstellung „Isn’t it romantic?“ versucht, das gegen ­
wärtige Verständnis von Romantik sowie die neue
Sehnsucht nach Romantik zu ergründen. Romantische
Tendenzen zeigen sich zum Beispiel an Mustern,
Materialien und Verarbeitungsmethoden, aber auch an
Konzepten, die poetische, ironische und sogar abgründige
Prinzipien aufgreifen oder widerspiegeln. Die
präsentierten Positionen sind durch 40 international
bedeutende Designer vertreten wie Philippe Starck,
Ronan und Erwan Bouroullec, Patricia Urquiola, Hella
Jongerius, Formafantasma und Robert Stadler.
Arte postale - Künstlerbriefe und Mail Art
Philippe Starck: Marie Coquine, 2011, Baccarat ©Baccarat
MAKK – Museum für Angewandte Kunst Köln
An der Rechtschule, 50667 Köln, bis 21. 4.
Di-So 11-17h, 1. Do im Monat 11-22h
www.makk.de
Selten bieten sich Möglichkeiten, Mail Art in Museums ­
häusern zu betrachten. In der Akademie der Künste
Berlin wird es ab April die Gelegenheit dazu geben:
Unter dem Titel „Arte postale“ kuratierte Rosa von der
Schulenburg eine Ausstellung, die sowohl Bilderbriefe
und Künstlerpostkarten als auch eine Auswahl der
großen Mail-Art-Sammlung aus dem Archiv der Akademie
und aus der Sammlung Staeck zeigt.
Einen Schwerpunkt bilden teilweise noch nie gezeigte
Briefe und Karten von George Grosz, Else Lasker-
Schüler, Max Schwimmer, HAP Grieshaber, Gustav
Seitz und Paran G‘Schrey, Walter Stöhrer und Dieter
Goltzsche, ebenso sind Zeichenbotschaften von Bernhard
Heisig, Bernard Schultze, Werner Stötzer und
Joachim John zu sehen, die an die Akademie adressiert
waren.
Ein weiterer wichtiger Teil der Ausstellung widmet sich
der DDR-Mail-Art-Szene und ihren Protagonisten,
die oftmals mit Mail-Art-Künstlern aus der Bundesrepublik
korrespondierten. Robert Rehfeldt und Ruth
Wolf-Rehfeldt, Joseph W. Huber und Karla Sachse,
Rolf und Klaus Staeck gehören zu den Autoren der
ausgestellten Postkarten, Briefumschläge und weiterer
Aktionsdokumente. Klaus Staeck erhielt seit Ende
der 1960er-Jahre zahlreiche Künstlerbriefe und Postkarten
von Fluxus- und Konzeptkünstlern – sie bilden
die Sammlung Staeck. Er stand unter anderem in Kontakt
mit Joseph Beuys, Diter Rot und Daniel Spoerri,
Hanne Darboven, James Lee Byars, Jean-Jacques
Lebel, aber auch Andy Warhol, Emil Schumacher und
Jonathan Meese.
Akademie der Künste
Pariser Platz 4, 10117 Berlin-Mitte
Opening 25.4., 19h, 26.4.–28.7.13, Di-So 11-19h
www.adk.de
Isa Melsheimer: Spiegelberg, 2009
Glas, Silikon, 30 x 48 x 37 cm
© Isa Melsheimer und Der Beauftragte der Bundesregierung für Kultur
und Medien (BKM) – Sammlung zeitgenössischer Kunst der
Bundesrepublik Deutschland
Nur hier – Sammlung zeitgenössischer Kunst der
Bundesrepublik Deutschland
Mit dem Ziel, die künstlerische Entwicklung in
Deutschland zu dokumentieren, wurde 1970 die
Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik
gegründet. Die Neuerwerbungen werden seitdem
regelmäßig präsentiert. Die Ausstellung macht 100
Ankäufe aus den Jahren 2007 bis 2011 der Öffentlichkeit
zugänglich, die gesellschaftliche Entwicklungen
der letzten Jahre dokumentieren und interpretieren
oder zeitgenössische Relevanz besitzen. Zentrale Kategorien
sind konkrete und visuelle Poesie, Untersuchungen
kollektiver Sehgewohnheiten und Modernismus.
Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland,
Friedrich-Ebert-Allee 4, 53113 Bonn
bis 14.4.13, Di/Mi 10-21h, Do-So 10-19h
www.bundeskunsthalle.de
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Elemente. Schwerkraft. Gleichgewicht.
40 skulpturale Positionen
Zeit(lose) Zeichen – Gegenwartskunst in Referenz zu
Otto Neurath
Bettina Lüdicke: Besucher 2, 2011, Kupferlegierung Alu Lack
58 x 40 x 45 cm
Im Rahmen des europäischen Festes der Skulptur werden
150 Werke der dreidimensionalen Kunst, die sich
mit dem Thema Naturelemente befassen, von sculpture-network-Mitgliedern
aus Berlin und Umgebung
präsentiert. Skulpturen, Objekte und Installationen
aus den vielfältigsten Materialien sowie Reliefs, Zeichnungen,
Druckgrafik, Malerei und Collagen zeigen,
wie sich die Elemente Feuer, Wasser, Erde, Holz und
Metall stetig wandeln und gegenseitig beeinflussen.
Kunstgießerei & Galerie Flierl
Friesickestr. 17, 13086 Berlin-Weißensee
bis 20.3., Mo/Mi/Fr 10–16h, Di u. Do 12–18h
and by appt., Begleitprogramm zur Ausstellung unter:
www.kunstgiesserei-flierl.de
Erdal Duman: Grasshoppers, 2012, Metall-Neonfarbe
120 x 27 x 27 cm © Art Suemer
Neurath machte es sich zum Ziel, dass der einfache
Bürger in der Lage sein sollte, uneingeschränkt Informationen
über alle Gegenstände zu erhalten, die ihn
interessieren. Zusammen mit dem Grafiker Gerd Arntz
schuf der österreichische Sozialökonom und Philosoph
ein bildpädagogisches Programm. Dieses stellt
die historische Grundlage für heutige Piktogramme
oder Visualisierungen dar, die als analoge und digitale
Bildzeichen, visuelle Leitsysteme oder animierte grafische
Illustrationen inzwischen alltäglich sind und
unsere Kommunikation prägen. In Wien setzen sich
Künstler mit Neuraths Thesen und den vielfältigen
aktuellen Bildsystemen auseinander.
Künstlerhaus Wien, Karlsplatz 5, 1010 Wien
bis 17.2.13, tägl. 10–18h, Do bis 21h, www.k-haus.at
Thomas Rentmeister – Normaltag
Installationen und Objekte
Şakir Gökçebağ – Prefix & Suffix
In dieser Einzelausstellung stellt Şakir Gökçebağ
(*1965 Türkei) seine Fähigkeit unter Beweis, Wortwitz
und bildnerische Gestaltung in verblüffenden Objekten,
Skulpturen, Materialcollagen und Fotografien zu verbinden.
Er verwendet einfache Materialien und banale
Utensilien des täglichen Lebens wie Besen, Schuhe,
Regenschirme, Besteck, Papier von der Rolle. Er
bedient sich freudig an dem, was der Alltag ihm bietet.
Seine Vorliebe für simple billige Gegenstände teilt er
ebenso wie seinen ausgeprägten Sinn für Humor und
Spielfreude mit vielen Fluxus-Künstlern. Im Rahmen
dieser Ausstellung erhält Gökçebağ den nur alle vier
Jahre vergebenen George-Maciunas-Preis.
Thomas Rentmeister „Ohne Titel“ 2012
Kinderwagengestell , Zigaretten, 36 x 66 x 27 cm
© Foto: Bernd Borchardt,Thomas Rentmeister
Zwischen Pop-Art und Bildhauerei entwickelt Rentmeisters
Schaffen gerade im öffentlichen und musealen
Raum eine ambivalente Beziehung zur vorgefundenen
Umgebung. Die Ausstellung in der Städtischen
Galerie Wolfsburg präsentiert deshalb neben bekannten
Arbei ten auch ganz neue und für die Räume im
Schloss Wolfsburg konzipierte Werke, die eher formalästhetischen
Kriterien folgen. Rentmeister (*1964 in
Reken) studierte an der Kunstakademie Düsseldorf.
2002 erhielt er den Piepenbrock Nachwuchspreis für
Bildhauerei. Er lehrte in Kassel und Berlin und ist seit
2009 Professor für Bildhauerei an der Hochschule für
Bildende Künste Braunschweig.
Städtische Galerie Wolfsburg, Schlossstr. 8, 38448 Wolfsburg
bis 24.2.13, Di 13–20h, Mi–Fr 10–17h, Sa 13–18h,
So 11–18h , www.staedtische-galerie-wolfsburg.de
Şakir Gökçebağ: o. T., 2012
Stuhl, Teppich, 194 x 85 x 52 cm
Foto: der Künstler
TANAS- Raum für zeitgenössische türkische Kunst
Heidestr. 50, 10557 Berlin- Mitte, bis 2.3.2013,
Di–Sa 11–18h, www.tanasberlin.de
Jürgen Drescher – dig it
ars viva-Preis 2012/13 – Systeme
Jürgen Drescher: Casted Plug, 2012, Aluminium-Sandguss, Edelstahl,
poliert, Goldlackierung, Durchmesser 49 x 18 cm. Courtesy: Mai 36
Drescher lotet die formalen, poetischen und performativen
Möglichkeiten, die ihm das Medium Skulptur
bietet, aus. Als Ausgangslage dienen ihm künstlerische,
ökonomische und ökologische Strukturen und deren
Werte. Der Ausstellungsschwerpunkt liegt auf den
jüngeren Arbeiten Dreschers mit ausgewählten Verweisen
zu älteren Werken der 1980er-Jahre, die als
zentrales Motiv den Transfer und die Kontextverschiebung
realer Objekte zeigen. Im aktuellen Schaffen
widmet sich Drescher den Verfahren des Metallgusses
und der plastischen Modellierung von Objekten und
Figuren und erreicht so eine abstrakte, minimalistische
Formensprache.
Badischer Kunstverein
Waldstraße 3, 76133 Karlsruhe. 25.1.13–1.4.13,
Di–Fr 11–19h, Sa/So 11–17h, www.badischer-kunstverein.de
Özlem Günyol und Mustafa Kunt: „…AND JUSTICE FOR ALL!”
handmade rope, acryl spray colour on cotton cloth, 2010, 22 m
Courtesy of the artists © Özlem Günyol & Mustafa Kunt
Der „ars viva-Preis“ des Kulturkreises der deutschen
Wirtschaft im BDI e.V. wird seit 59 Jahren an junge, in
Deutschland lebende Künstler verliehen. Die Auswahl
der Künstler folgt in jedem Jahr einem anderen Suchbegriff,
der aktuelle Tendenzen in der zeitgenössischen
Kunst aufgreift und grundlegende gesellschaftliche
Fragestellungen in den Fokus rückt. Die Auslobung des
Preises stand in diesem Jahr unter dem Begriff „Systeme“.
Preisträger 2013 sind Simon Denny und Melvin Moti
sowie Özlem Günyol und Mustafa Kunt.
Kunsthalle zu Kiel
Düsternbrooker Weg 1, 24105 Kiel
9.2.–12.5., Di–So 10–18h, Mi 10–20h
www.kunsthalle-kiel.de
28 29

Cristina Barroso – Locating
Hanns Kunitzberger – Malerei
Cristina Barroso: From here to there, 2012
Acryl auf Leinwand, 80 x 110 cm
„Landkarten und topografische Städtefotografien
bilden in Cristina Barrosos Arbeiten den Untergrund für
Farben und Texturen in ihrer Malerei. … Geografische
Texturen und malerische Strukturen interpretieren
sich gegenseitig als Systeme und Muster. Namen und
Zahlen unterstreichen die konzeptuelle Idee, die
Malerei wiederum zu vermessen und mit Bedeutungen
dem Bildraum Orientierungen zu geben und
imaginäre Territorien zu schaffen. In den Bildern
findet man das Staunen des Reisenden, das Gedächtnis
der Geschichte, literarische Anspielungen und die
abstrahierende, malerische Gegenwart der Künstlerin.“
(Werner Meyer)
TS art projects, Oranienburger Str. 45, 2 OG, 10117 Berlin-
Mitte, Opening: 7.2., 18–21h, 8.2.–21.4.13, Di–Sa 13–18h
and by appt., 0151 - 22 94 66 38, www.toresuessbier.com
Hanns Kunitzberger: „Mitte 2012 später“
Öl auf Mollino, 80 x 65 cm © H. K
„... zur Darstellung eines Gegenstandes
durch die vollkommene Abwesenheit desselben.“
Hanns Kunitzberger
Österreichisches Kulturforum Berlin
Galerie der Österreichischen Botschaft
Stauffenbergstr. 1, 10785 Berlin-Tiergarten
Opening: 8.2., 17h, 8.2.–15.3., Mo–Fr 10–12h, 14–16h and
by appt., 030-202 87 114, www.kulturforumberlin.at
Willem Julius Müller – Is there anybody out there?
Ioana Bătrânu – Randgänge
„Is there anybody out there?” könnte es in Willem
Julius Müllers (*1979) Gemälden mit den Ansichten
von Industriebauten, Ruinen, Stadtarchitekturen und
Landschaften heißen. Sie sind immer menschenleer
und wirken verlassen. Das Gegenständliche ist von
einer üppigen Vegetation umgeben, leidenschaftliche
Farben sprengen unseren Erwartungshorizont. Handelt
es sich hierbei um den Anbruch einer neuen
Welt? Die Antwort bleibt dem Betrachter überlassen.
Ioana Bătrânu debütierte in Rumänien in den 1980er-
Jahren mit einer Reihe figurativer Schwarz-Weiß-
Gemälde, die ihre Motive unter anderem aus dem
Punk und der Kleidermode der 1950er-Jahre bezog.
Im Laufe ihrer künstlerischen Karriere sind das Gefühl
der Entfremdung von der Wirklichkeit sowie autobiografische
Bezüge zur definitorischen Grundlage ihrer
künstlerischen Persönlichkeit geworden. Die wiederkehrenden
Themen ergeben zusammen betrachtet ein
kohärentes Bild ihres persönlichen Projekts: Der Suche
nach dem Punkt, an dem der Bruch mit der Welt
und der Versuch, sich mit ihr wieder zu versöhnen,
gleichzeitig bestehen.
Willem Julius Müller: Garage, 2012, Öl auf Leinwand, 40 x 40 cm
Galerie LUX Berlin
Südwestkorso 11a, 12161 Berlin-Friedenau
bis 30.3.13, Mi–Fr 13–19h, Sa 10–14h
www.galerie-lux-berlin.de
Ioana Bătrânu: Melancholischer Innenraum, 2012
Acryl auf Leinwand, 247 x 297 cm
Galeria Plan B, Potsdamer Str. 77-87, Gebäude G, 2.HH,
10785 Berlin-Tiergarten
Opening: 18.1., 18h, 18.1.–2.3., Do–Sa 12–18h
www.plan-b.ro
Leonardo Silaghi
Indien entdecken!
Leonardo Silaghi: Untitled, 2012, Öl auf Leinen, 200 x 300 cm
Courtesy Galerie Kornfeld, Berlin
Die gegenständlichen Gemälde von Leonardo Silaghi
(*1987) vereinen scheinbar unvollendete, gestisch-expressive
Partien mit detaillierten ausgearbeiteten Berei ­
chen. Schwere, graue Maschinen werden auf einzigartige
Weise ins Bild gesetzt. Kontrastierend brechen
farbige Akzente die breite Palette unterschiedlicher
Grautöne auf. Die Vorstellung der Verzerrung von Tönen,
Klängen und Bildern verbindet Silaghi in seiner
malerischen Auseinandersetzung mit Begriffen wie
Bildrauschen und Lichtbeugung. Indem er diese als
ein wesentliches, seine Werke bereicherndes Element
einsetzt, wendet Silaghi die Bildstörungen ins Positive.
Galerie Kornfeld
Fasanenstr. 26, 10719 Berlin-Charlottenburg
bis 23.2., Di–Sa 11–18h
www.galeriekornfeld.com
Tyeb Mehta: The Diagonal, 1972, Öl auf Leinwand
Indien hat viele Geschichten zu erzählen. Es gibt das
ewige Indien, eine alte Zivilisation mit großen Epen älter
als die Ilias und die Odyssee. Dann gibt es das neue
Indien, ein junges Indien, ein Indien in Bewegung. Auf
einer Reise durch seine jüngste Kunstgeschichte sind
im Rahmen der „Days of India“ Gemälde, Drucke
und Skulpturen der wichtigsten Künstler des späten
20. Jahrhunderts zu entdecken. Künstler wie Maqbul
Fida Husain oder Arpita Singh bieten einen Einblick in
die Sammlung der Lalit Kala Akademi, der Nationalen
Kunstakademie Indiens. Amit Pasrichas überwältigende
Panoramafotografien des religiösen Indiens sowie
Subodh Kerkars Objekte und Fotos von Landschaftsinstallationen
präsentieren das 21. Jahrhundert.
Zitadelle, Am Juliusturm 64, 13599 Berlin-Spandau
bis 1.4., Mo-So 10–17h, www.zitadelle-spandau.de
30 31

Rainer Fetting: Salomé, Berlin 1974, Fotografie, 150 x 150 cm
Rainer Fetting – Fotografie
Parallel zur Berlinale werden Filmtrailer von Fetting
gezeigt, bestehend aus seinen Spielfilmausschnitten
und stilisierten Super-8-Dokumentaraufnahmen der
späten 1970er-Jahren aus den Städten Berlin und New
York. Außerdem wird sein Film „Zeitgeist“ präsentiert,
der vor 30 Jahren auf der Berlinale uraufgeführt wurde.
Täglich um 16 Uhr wird der Film in der Ausstellung
gezeigt.
bis 16.2.13
Aus Film, Funk und Fernsehen
Zur Berlinale 2013 zeigt die Galerie Deschler in den
Räumen der Allianz Deutscher Produzenten – Film
und Fernsehen e.V., Kronenstr. 3, 10117 Berlin, Werke
von Holger Bär, Rainer Fetting, Jay Mark Johnson,
Hans van Meeuwen, Stefan Roloff, Deborah Sengl, Salomé
und Patricia Waller.
Gruppenausstellung mit den Künstlern Lies Maculan,
Stefan Roloff und Deborah Sengl
Opening: 22.2, 19–21h, 22.2.–13.4.13
Galerie Deschler
Auguststr. 61, 10117 Berlin-Mitte
Di–Fr 11–18h, Sa 12–18h, www.deschler-berlin.de
Kalte Rinden – Seltene Erden
Die Landschaft in der Gegenwartskunst
Herbert Maschke: Café Kranzler und Kaiser-Wilhelm-
Gedächtniskirche, um 1963
© Cornelius Maschke und Morlind Tumler
Kalter Krieg und Wirtschaftswunder
West-Berlin in Farbfotografien von Herbert Maschke
Mit einer Auswahl großformatiger Neuprints, persönlicher
Dokumente und Postkarten würdigt das
Stadtmuseum Berlin erstmals den Fotografen Herbert
Maschke (1915–2005). Seine farbigen Aufnahmen
zeigen eine wieder erstehende Stadt in der Zeit
von Kaltem Krieg und Wirtschaftswunder. Maschke
fotografierte die West-City, das Baugeschehen am
Kurfürsten damm und die innerstädtische Grenze.
1954 gründete er einen Verlag für Ansichtskarten, mit
denen er 20 Jahre lang das Bild der Inselstadt prägte.
Parallel zur Ausstellung erscheint im Nicolai Verlag
eine Publikation mit Maschkes Fotografien.
Ephraim-Palais, Poststr. 16, 10178 Berlin-Mitte
bis 17.2.13, Di, Do–So 10–18h, Mi 12–20h
Eintritt: 5 €, erm. 3 €, www.stadtmuseum.de
Anita Neugebauer – photo art basel
Porträt einer Fotografin, Galeristin und Sammlerin
Das Verborgene Museum präsentiert das Leben und
Wirken der kürzlich verstorbenen Fotografin, Galeristin
und Sammlerin Anita Neugebauer. Noch bis zum
3. März 2013 werden Werke historischer und zeitgenössischer
Fotografinnen und Fotografen zu sehen
sein, die untereinander und mit der Galeristin einen
thematischen oder auch ästhetischen Dialog aufnehmen:
u.a. Robert Doisneau, Gisèle Freund, Ruth
Mayerson Gilbert, Katrin Zickendraht, Ute Schendel,
Claude Baechtold.
Die Landschaft ist eine der vielfältigsten Gattungen
und scheint in der Kunst des 21. Jahrhunderts wieder
hochaktuell zu sein. Landschaft als Sehnsuchtsort oder
Utopie, Ruhepol oder Ödnis, mit reicher Flora oder als
düsteres Konstrukt – die Assoziationen sind so vielfältig
wie die Landschaft selbst. Die Werke der elf ausstellenden
KünstlerInnen – darunter Armin Boehm,
Sven Drühl, Valérie Favre, David Schnell – spiegeln die
lange Tradition der Landschaftsdarstellung und zeigen
sich zugleich sehr gegenwärtig; eine romantische
Wiederverzauberung unserer brüchigen Welt findet
nicht statt. Sie bedienen sich verschiedener Medien
wie Malerei, Fotografie, Video und Installation, um
die Landschaft als Bildmotiv, Bedeutungsträger und
Gegen stand der Wahrnehmung zu analysieren und
dar zustellen.
© Jean-Paul Brun
Anita Neugebauer – photo art basel, 1988
Das Verborgene Museum
Dokumentation der Kunst von Frauen e.V.
Schlüterstr. 70, 10625 Berlin-Charlottenburg
bis 3.3.13, Do/Fr 15–19h, Sa/ So 12–16h
Eintritt: 2 €, erm. 1 €, www.dasverborgenemuseum.de
Jim Rakete – Vertigo
Drei Schauspielerinnen in Rollen, denen sie ihre Engagements
verdanken. Figuren wie Lulu von Wedekind
oder Albertine von Proust, die sie beim Vorsprechen
spielen, aber später nicht umsetzen können. Die ungespielten
Rollen sind lebendig im Leben der Darstellerinnen:
Sie markieren Wegbiegungen einer Künstlerlaufbahn
und Momente, in denen man einen anderen
Weg nehmen musste. Jim Rakete schaut mit der Kamera
auf die Rollen, die sich ein Schauspieler zutraut,
und die Gedanken, die in den Texten dazu stecken.
Die Ausstellung wird durch einen Kurzfilm ergänzt.
Sven Drühl: E.T.C. (Neon), 2012, Foto: Patrice Kunte, Hannover
Courtesy Alexander Ochs Galleries Berlin | Beijing
Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen
Hauptstr. 60–64, 74321 Bietigheim-Bissingen
bis 7.4., Di, Mi, Fr 14–18h, Do 14–20h, Sa/So 11–18h,
Karfreitag bis Ostermontag tgl. 11–18h, Eintritt frei
www.bietigheim-bissingen.de
Jim Rakete: Lulu (Aenne Schwarz), 2012, Archival Pigment Print auf
Baryt, 100 x 100 cm (Ausschnitt), Ed. 6
MÜNZING CLAASSEN GALERIE
Holsteinische Str. 29, 10717 Berlin-Wilmersdorf
Opening: 12.2., 18.30–21h, 13.2.–13.4. (29.3.–1.4. geschl.),
Di–Fr 12–18h, Sa 11–15h, www.muenzingclaassen.de
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Christoph Primm: o. T., 2012, Öl auf Leinwand, 70 x 95 cm
Foto: Christine Jörss-Munzlinger
Eva Erbacher und Christoph Primm
velivoli – die kunst abzuheben
Farbe auf Farbe auf Farbe – doch die Farbe verlässt die
Ebene des Materiellen, überwindet die Schwerkraft,
hebt ab, schafft sich eigene Räume. Tusche, transparent
oder deckend, in frei bewegten Farbflecken geschichtet
bei Eva Erbacher – kompakte Ölfarbe bei
Christoph Primm, gespachtelte Flächen, bisweilen
aufreißend, frühere Schichten freigebend. Farbe findet
Form – ohne Gegenstand, ohne Referenz im realen
Raum. Motive gibt es nicht. Der Betrachter muss sich
neu verorten: velivoli – die Farbe schwebt!
Andrey Grositsky – Materie und Materialien
Andrey Grositsky ist ein Revolutionär der Bildsprache.
In seinen Werken erwachen Stoffe zum Leben und
Formen und Farbenspiel werfen Fragen auf. Ist es ein
Tuch, eine eben erblühte Rose oder eine Flüssigkeit,
die im Nichts verschwindet? Grositsky ist ebenso ein
„Poet der Dinge“ wie ein Kämpfer für die Freiheit der
Kunst. Auch seine Bilder verlangen, wie der Künstler,
kraftvoll nach ihrer Freiheit und ziehen den Betrachter
so in ihren Bann.
Zur Eröffnung am Donnerstag, 14. Februar 2013 um
19h, spricht Dr. Martin Steffens
Andrey Grositsky: Faltenwurf und Bilderrahmen, 2010
Öl auf Karton und Holz, 98 x 110 cm
Galerie pop/off/art Moskau-Berlin
Mommsenstr. 35, 10629 Berlin-Charlottenburg
bis 30.3.13, Di–Fr 10–19h, Sa 11–15h and by appt.
www.popoffart.de
Marek Benczewski
Eva Erbacher: PARIS II, 2012, Tusche auf Leinwand, 140 x 100 cm
Foto: Christine Jörss-Munzlinger
Galerie ROOT am Savignyplatz
Carmerstr. 11, 10623 Berlin-Charlottenburg
Opening: 14.2., 19h, 15.2.–10.3.13, Di–Sa 14–19h,
Finissage: 10.3.12, 17h
030-28 50 60 74, www.root-galerie.de
Die Handzeichnungen des Künstlers Marek Benczewski
leben von den Bildern der Gegenwart, die, auf das
Papier transferiert, in einen poetischen oder einen grotesken
Kontext gesetzt, zu gezeichneten Metaphern
des Gesehenen werden. Es ist ein Transfer in eine Erzählung,
die sich selbst illustriert.
Mikael Mikael: Jerusalem, 2011, Fotografie © Mikael Mikael
Die Philosophischen Bauern
Mikael Mikael
Ariane Pauls
Die Akademie Schloss Solitude präsentiert drei Ausstellungen
mit einem breiten Themenspektrum.
Die Philosophischen Bauern werfen in vielfältigen Medien
einen ornithologischen Blick auf die Gesellschaft
und laden die Besucher ein, mit Vogelbeerschnaps auf
die Wertschätzung des Blaukehlchens anzustoßen.
Mikael Mikael zeigt im Medium Plakat die Interventionsserie
„Show you are not afraid“ und beleuchtet
Konsequenzen von Terroranschlägen.
Ariane Pauls stellt das Künstlerbuch „6×72/102BB“
vor, das sich mit visuellen Strukturen an Orten des
Archivierens und Aufbewahrens beschäftigt.
Marek Benczewski: viel zu tun (Ausschnitt), 2012
Tusche, Blei- u. Buntstifte auf Fabriano, 60 x 80 cm
Galerie ICON
Veteranenstr. 22, 10119 Berlin Mitte
Opening: 18.1.13, 19h
19.1.–2.3.13., Mi–Fr 14–19h, Sa 13–18h u. n. V.
www.galerie-icon.de
Die Zeichnung
Stift, Feder, Pinsel und Spritzpistole
Das Kunstkontor Rampoldt zeigt Arbeiten zum Thema
„Die Zeichnung“ von: Peter Ackermann, Arcangelo,
Jérôme Bost, Ulf Cramer, Karl Heinz Droste,
Günther Förg, Gerhard Hoehme, Hans Holle, László
Lakner, Akos Novaky, Joachim Peeck, Michel Sauer,
Günther Uecker, Hana Usui, Ulrich Vogl, Klaus Vogelgesang,
Gerd Winner. Die Einzelausstellung „Klaus
Vogelgesang, Zeichnungen 1970–2012“ entfällt. Diese
Ausstellung zeigt von ihm jedoch Arbeiten aus der
Werkphase „Berliner Kritischer Realismus“ aus eigenem
Besitz.
Akademie Schloss Solitude
Solitude 3, 70197 Stuttgart
bis 10.3., Di–Fr 10–12 u. 14–16h, Sa–So 12–16h
www.akademie-solitude.de
Klaus Vogelgesang: Eng geschnürt, 1970/71
Farb- und Graphitstift auf Karton, 42 x 58 cm
Kunstkontor Rampoldt
Giesebrechtstr. 16, 10629 Berlin-Charlottenburg
Opening: 1.2.13, 18–21h, 2.2.–23.3.13, Sa 15–19h
030-32 70 18 21, www.kunstkontor-rampoldt.de
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Susann Dietrich: Das Singen der Perlmutt-Zirpe
Foto: www.guteaussichten.org © Susann Dietrich
Gute Aussichten
Junge deutsche Fotografie 2012/2013
Auch in diesem Jahr ist die Aussicht gut, in Hamburg
eine stilistisch breit ausgelegte Zusammenschau der
neuesten deutschen Fotografie zu sehen. Was die letzten
zwölf Monate junge Fotografen beschäftigte, erfährt
man in der Ausstellung. Es treffen unterschiedliche
ästhetische, formale und konzeptionelle Ansätze sowie
vielfältige foto grafische Themen zusammen. Mit 108
Teilnehmern am Wettbewerb bietet die Schau einen
umfassenden Überblick der aktuellen Fotoszene in
Deutschland und zeigt gegenwärtige Entwicklungen
und innovative Tendenzen.
Deichtorhallen Hamburg – Haus der Photographie
Deichtorstraße 1-2, 20095 Hamburg
26.1.–3.3., Di–So 11–18h, jeden 1. Do im Monat bis 21h
www.deichtorhallen.de
Halil Altındere: My Mother Likes Fluxus,
Because Fluxus is Anti-Art, 1998, Foto:
Lazar Pejovic, Courtesy: Sammlung Bock,
Leihgabe im Neuen Museum in Nürnberg
Nothing to declare? Weltkarten der Kunst nach ’89
Das dokumentarisch angelegte Ausstellungsprojekt zeigt die globalen Veränderungsprozesse
in der Kunstwelt seit 1989. Kunst ist zu einem dynamischen
Markt geworden, die internationalen Kunstbiennalen haben sich in
den vergangenen Jahren verzehnfacht. In einer multimedialen Installation
sowie einem umfangreichen Dokumentationsraum werden die Entwicklungen
auf dem Kunstmarkt visualisiert.
Akademie der Künste
Pariser Platz 4, 10117 Berlin-Mitte
Opening: 31.1., 19h, 1.2.–24.3., Di–So 11–19h
www.adk.de
beRUF Künstlerin – ein Paradigmenwechsel
In Rauminszenierungen, Wandarbeiten, Skulpturen, Videoinstallationen
und Computeranimationen stellen sich Karin Christiansen, Anna S. von
Holleben, Jinran Kim, Verena Kyselka, Liz Mields-Kratochwil, Monika
Ortmann, Raha Rastifard, Mehran Tizkar, Corinna Rosteck, Sooki Koeppel
und Gisela Weimann der Frage nach dem Schaffen der Künstlerin in der
heutigen Zeit.
Deutsche Wohnen – GEHAG Forum
Im Gehag-Forum werden drei in Berlin arbeitende
Künstlerinnen mit Werken außerordentlicher Techniken
vorgestellt.
Die fantastisch-absurden „Kitchenplastics“ von Anke
Eilergerhard aus Silikon und Geschirrteilen erscheinen
als humorvoller Kommentar zur Geschlechterfrage.
Heike Jeschonneks Bilder aus Öl- und Paraffin zeigen
Szenen der Wirklichkeit traumhaft entrückt, während
Tatjana Schülkes Skulpturen aus Kappaplatten
und gefundenen Objekten zwischen Abstraktion und
Figuration pendeln.
Raha Rastifard und Mehran Tizkar:
Tuba – Mixed-Media-Projekt, 2006/07
Humboldt-Pokal, Niederländisch, 1648–
1653, Provenienz Alexander von Humboldt
© Kunstkammer Georg Laue, München
Kunsthalle Brennabor
Geschwister-Scholl-Straße 10-13, 14776 Brandenburg an der Havel
Opening: 1.2., 18h, 2.2.–1.3., Mi–So 13–19h, Eintritt frei
www.kunsthalle-brennabor.de
WONDERFUL – Humboldt, Krokodil & Polke
Die Wunderkammer ist seit der Eröffnung des me Collectors Room im Jahr
2010 fester Bestandteil des Ausstellungshauses in der Auguststraße und die
einzige ihrer Art in Berlin. Mit „WONDERFUL – Humboldt, Krokodil &
Polke“ werden spektakuläre Neuzugänge der Wunderkammer und zeitgenössische
Werke aus der Olbricht Collection, die ebenfalls um die Thematik
der Wunderkammer kreisen, präsentiert.
me Collectors Room Berlin/Stiftung Olbricht
Auguststr. 68, 10117 Berlin-Mitte
bis 28.04.13, Di–So 12–18h, www.me-berlin.com
Anke Eilergerhard: Annina, 2012
Deutsche Wohnen AG – GEHAG Forum
Mecklenburgische Str. 57, 14197 Berlin-Wilmersdorf
Opening: 30.1., 19h, 31.1.–22.3., Mo–Fr 9–19h
www.deutsche-wohnen.com
François Morellet figuratif – Gunda Förster konkret
im Kunst-Raum des Deutschen Bundestages
François Morellet – Wandelbare Wand
im Mauer-Mahnmal des Deutschen Bundestages
Oliver Schmidt: Cognac, 2012
Fotografie, 10 x 15 cm
Oliver Schmidt – Durch die Jugend zur Tugend
Oliver Schmidt kombiniert Fotografien und Objekte aus dem dokumentarischen
Bodensatz der bundesrepublikanischen Dachbodenrealität mit
Fundstücken aus der Gegenwartswirklichkeit des Weddinger Lebensumfeldes.
Am 25.1.2013 um 19h eröffnet die Ausstellung von Oliver Schmidt
mit einem Konzert der Band „BETON“ (Stephanie Stremler und Florian
Loyke – Das Helmi, „Staub auf unseren Herzen“).
Galerie Hunchentoot
Choriner Str. 8, 10119 Berlin-Mitte
Opening: 25.1., 19h, 26.1.–15.3., Mi–Fr 16–19h, Sa 10–18h
www.galerie-hunchentoot.de
© Gunda Förster
Kunst-Raum und Mauer-Mahnmal des Deutschen Bundestages
Marie-Elisabeth-Lüders-Haus, Schiffbauerdamm
bis 5.5.13, Eintritt frei
Kunst-Raum: Di–So 11–17h,
Mauer-Mahnmal: Di–So 11–17h
www.kunst-im-bundestag.de, www.mauer-mahnmal.de
Guntars Sietiņš: Characters XIII / ∞ - A.
2012, mezzotint, aquatint, 60 x 90 cm
Mezzotints by Guntars Sietiņš
The reflection of reality on a metallic sphere is one of graphic artist Guntars
Sietiņš’ most frequently used motifs. The artist is fascinated by the possibility
to open an extra dimension in the dialogue of space and object, simultaneously
preserving real or seemingly real form.
Manière Noire
Printmaking Studio and Gallery
Waldenser Str. 7a, 10551 Berlin-Moabit
bis 28.2., Do 9.30–16h and by appt.
www.manierenoire.net
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© Natascha Sadr Haghighian
Natascha Sadr Haghighian – pssst LEOPARD 2A7+
Aus Lego-Bauplatten baute Haghighian maßstabsgetreu
den gleichnamigen Kampfpanzer nach, der
speziell bei Protesten oder Unruhen im urbanen Umfeld
zum Einsatz kommt. Die Kopie täuscht jedoch
nur vor, ein echter Panzer zu sein. Weder fahr- noch
kampftauglich besitzt er keine eigentliche Funktion.
Auf ihm sitzend oder liegend lässt er sich durch angebrachte
Kopfhörerbuchsen klanglich erkunden. Durch
Geräusche und Stimmen, die im Bezug zum Leopard
stehen, nähert man sich seinem Geheimnis. Haghighian
thematisiert mit ihrer Soundinstallation das öffentliche
Geheimnis um den echten Leopard und das
Stillschweigen um die deutsche Rüstungsproduktion.
Galerie Johann König
Dessauer Straße 6-7, 10963 Berlin-Kreuzberg
bis 2.3.13, Di–Sa 11–18h, www.johannkoenig.de
Arvid Gutschow: ohne Titel (Dünen mit
Strandhafer, Sylt), 1928, Silbergelatine –
Print 1989/90, Alfred Ehrhardt Stiftung
© Arvid Gutschow
Arvid Gutschow und Alfred Ehrhardt – Artverwandte
Arvid Gutschow ist als Autodidakt nur Eingeweihten bekannt. Anlass für
die Präsentation ist eine umfassende Schenkung von Aufnahmen des promovierten
Juristen, der sich parallel zu Ehrhardt 1930 in „See, Sand, Sonne“
dem Meer widmete. Gezeigt werden 60 Fotografien Gutschows gegenübergestellt
mit zehn Fotografien Alfred Ehrhardts.
Alfred Ehrhardt Stiftung
Auguststr. 75, 10117 Berlin-Mitte
bis 17.3., Di–So 11–18h; Do 11–21h
www.alfred-ehrhardt-stiftung.de
Lügengeschichten
Die Ausstellung „Lügengeschichten“ feiert die Kunst von Fantasterei und
Täuschungslust. In verschiedenen Medien erzählen die Künstler Jörg Bong,
João Galrão, Volker März, Sandra Munzel, Joan Ryan, Natascha Stellmach,
Deborah Wargon und Christopher Winter ihre Lügengeschichten und
laden die Ausstellungsbesucher als Voyeure und Komplizen ein, daran teilzuhaben.
5000 Feet is the Best, 2011
Digital video, 30 min.
Courtesy of gb agency, Paris and Arratia Beer, Berlin
Still by Yonn Thomas
Omer Fast
In der Galerie Arratia, Beer werden Omer Fasts jüngste
Videoarbeiten vorgestellt. „5000 Feet is the Best“ von
2011 basiert auf Unterhaltungen, die Fast mit dem
Piloten einer US Predator Drone führte und die von
dessen Einsätzen und den daraus resultierenden persönlichen
Folgen erzählen. „Continuity“ von 2012 ist
die Geschichte eines Paares, das auf ungewöhnliche
Weise die Rückkehr ihres aus Afghanistan zurückkehrenden
Sohnes inszeniert. Beide Filme drehen sich um
Geschichten, die sich zwischen persönlichen Erinnerungen
und Fiktion, zwischen medialen Erzählungen
und historischen Ereignissen abspielen.
Jörg Bong: Spiegelteich 2, 2010
Alu-Dibond, 100 x 150 cm, Edition von 8
Madi Boyd, The Point of Perception,
2009/13 (Installationsansicht),
Digitalfotografie
Kit Schulte Contemporary Art
Winterfeldtstr. 35, 10781 Berlin-Schöneberg
bis 3.3., Mi–Fr 14–19h, Sa 12–16h and by appt. 030-21005237
www.kitschulte.com
Synaesthesia 2: Space and Perception - Madi Boyd & Carrie C Firman
Im Rahmen der Synaesthesia-Serie stellt die Ausstellung die Parameter
Raum und Wahrnehmung zur Diskussion. Die Installation von Madi Boyd
setzt auf den produktiven Moment der Verunsicherung im Prozess der
räumlichen Wahrnehmung durch das menschliche Gehirn und das Sehen.
Die Arbeiten von Carrie C Firman laden die Besucher ein, an ihrer einzigartigen
synästhetischen Erfahrung der Welt teilzunehmen.
Art Laboratory Berlin
Prinzenallee 34, 13359 Berlin-Wedding
Opening: 25.1., 20h, 26.1.–10.3., Fr–So, 14–18h and by appt.
www.artlaboratory-berlin.org
Anahita Razmi: Videostill aus Arsenals, 2012
Videoinstallation, ca. 15 Min., ©Anahita Razmi
Arratia, Beer
Mehringdamm 55, 10961 Berlin-Kreuzberg
bis 9.2.2013, Di-Sa 12-18h
www.arratiabeer.com
Frischzelle_17 – Anahita Razmi
In ihren Arbeiten, die sich zwischen Video- und Performancekunst
bewegen, setzt Razmi die iranische
Heimat ihres Vaters mit ihrem eigenen Geburtsland
Deutschland in Verbindung. In Teheran verwirklichte
sie 2011 ihre Videoarbeit „Roof Piece Tehran“, basierend
auf der Tanzperformance „Roof Piece“ von Trisha
Brown, die in den 1970er-Jahren auf den Dächern
New Yorks stattfand. Razmis Remake erlag in einem
Land, in dem moderner Tanz strafbar ist, strenger
Geheimhaltung. Diese angespannte Atmosphäre ist in
der zwölfteiligen Videoinstallation, für die Razmi von
der Frieze Foundation ausgezeichnet wurde, spürbar.
Christina Kubisch: Minnen, 2003
Licht/Klangraum
WEITER
Seit über zehn Jahren wird ein Stipendium an der Akademie der Künste
(AdK) in Berlin vergeben, das für anregenden künstlerischen Austausch
zwischen dem Saarland und Berlin steht. „WEITER“ zeigt ausgewählte
Arbeiten (Installationen, Videos und Arbeiten auf Papier) von Teilnehmer­
Innen dieses Programms, die zum großen Teil direkt für die Ausstellung
konzipiert wurden.
Saarländische Galerie
Am Festungsgraben 1, 10117 Berlin-Mitte
bis 3.3.13, Di–So 15–19h
www.saarlaendische-galerie.eu
Schauplatz Natur. Grüne Häuser, tropische Gärten
In den letzten Jahren entstanden in Malaysia und Indonesien Projekte, die
die Fragen nachhaltiger Architektur und Grünflächenplanung auf innovative
Weise gelöst haben. Die Ausstellung stellt drei Architekten, Landschaftsplaner
und Aktivisten aus Südostasien vor. Jeder von ihnen hat eine Antwort
auf die Nachfrage nach zukunftsfähigen Bauten zwischen tropischem
Regenwald und Metropolregion gefunden.
Kunstmuseum Stuttgart
Kleiner Schlossplatz 1, 70173 Stuttgart. Bis 3.3.13,
Di–So 10–18h, Fr bis 21h, www.kunstmuseum-stuttgart.de
Editt Tower, Singapur, Planungsbeginn 2008
Architektur: T. R. Hamzah & Ken Yeang
© T. R. Hamzah & Ken Yeang
ifa-Galerie Berlin
Linienstr. 139/140, 10115 Berlin-Mitte
bis 10.3.13, Di–So 14–19h
ww.ifa.de
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Die Rixdorfer: Die Druckwerkstatt der Dichter
In Kennerkreisen waren „Die Rixdorfer“ und ihre Drucke
mit ausgedienten Blei- und Holzlettern schon vor 50
Jahren ein Begriff; ihre Plakate und Bücher erinnern
an Zeiten, als diese Drucktechnik für Kunst, politische
Propaganda und Aufklärung genutzt wurde. Es werden
Holzschnitte und Typografiken aus fünf Jahrzehnten
von Uwe Bremer, Ali Schindehütte, Johannes Vennekamp
und Arno Waldschmidt gezeigt.
Simon Wilde: Datenbank, 2011, Emaille,
Tinte, Öl und Band auf Stahl, 125 x 125 cm
Simon Wilde (Sydney)
Die tgb zeigt experimentelle, abstrakte Arbeiten des australischen Künstlers
Simon Wilde. Durch diverse Mischtechniken (zum Beispiel Tinte,
Emaille, Öle, Acryl, Lacke) und deren Oxidation mit Metallen auf gefrästen
Stahlplatten und Leinwand entstehen aus sehr gegensätzlichen Materialien
farbenprächtige Kunstwerke, deren Struktur und Farben auf den Betrachter
eine faszinierende Wirkung ausüben.
Temporary Gallery Berlin (tgb)
Mommsenstr. 42, 10629 Berlin-Charlottenburg
Opening: 2.2., 19h, 3.2.–25.2., Mi–Fr 15–18h and by appt.
0160-9027454, www.temporary-gallery-berlin.com
Die Rixdorfer: Abbildung aus „Landschaft mit Gästen“, 1992
Haus am Lützowplatz
Lützowplatz 9, 10785 Berlin-Tiergarten
Opening: 27.2., 19h, 28.2.–31.3.13, Di–So 11–18h
www.hausamluetzowplatz-berlin.de
Mark Tobey
Mit dem Preis für Malerei der Biennale Venedig von 1958 erlangte Mark
Tobey (1890-1976) hohe internationale Anerkennung. In den Jahren 1959
und 1964 nahm er an der documenta in Kassel teil. Vom 2. Februar bis 30.
März zeigt Ketterer Kunst Berlin 33 grafische Werke dieses bedeutenden
Künstlers, der als Wegbereiter des amerikanischen Abstrakten Expressionismus
gilt. Die Preise rangieren zwischen 300 und 1000 Euro.
acht! – Bachelor-Ausstellung an der BTK im Zeichen
des Oktaeders
Ganz im Zeichen des Oktaeders, mit seinen acht
Seiten, steht die Bachelorausstellung der BTK. Die
zahlreichen Varianten, einen Oktaeder zu falten, entsprechen
den unterschiedlichen Wegen, auf denen die
Studierenden ihre Visionen neuer Kommunikation
verwirklichten. Im Freien Museum werden Arbeiten
der Studiengänge Motion Design, Kommunikationsdesign,
Interaction Design und Fotografie gezeigt.
Mark Tobey: Longing for Community
(Anschnitt), Farbradierung, 1973
23,5 x 26,8 cm
Ketterer Kunst
Fasanenstr. 70, 10719 Berlin-Charlottenburg
2.2.–30.3., Mo–Fr 11–19h, Sa 11–16h
Tel.: 030-88675363, www.kettererkunst.de
NINE 4 FIVE – Neue Werke in der Sammlung
Anlässlich des 5-jährigen Jubiläums des privaten museum FLUXUS+ in
Potsdam wird eine Gemeinschaftsausstellung mit Arbeiten von neun
Künstlern gezeigt: Mary Bauermeister, Ben Patterson, Ann Noël, Dieter
Roth, Hella De Santarossa, Lutz Friedel, Sebastian Heiner, Costantino
Ciervo, Wolf Vostell. Mehrheitlich sollen diese Werke im Anschluss in die
Dauerausstellung integriert werden.
Veronika Montag: W:ORTE. Dreidimensionale Schriftobjekte im
öffentlichen Raum, 2012/13, Fotografie
Yang Fudong: Honey (mi), 2003, Still, 1-Kanal-Videoinstallation
(Farbe, Ton), 9’ 29’’, Courtesy Sammlung Goetz
Freies Museum
Potsdamer Strasse 91, 10785 Berlin-Tiergarten
Opening: 8.2., 19h, mit anschließender Feier, 9.2.–15.2.
Mo–Mi, Fr–Sa von 12–19h, Do 12–22h, So 15–18h
www.freies-museum.com, www.btk-fh.de
Open End – Sammlung Goetz im Haus der Kunst
Mit über 500 Arbeiten aus Film- und Medienkunst
gehört die Sammlung Goetz zu den umfangreichsten
dieser Art in Europa. In der vierten Präsentation gleichen
die Arbeiten in ihrer Darstellungsform dem
modernen und zeitgenössischen Roman. Eine freiere
Erzählform und ein offenes Ende kennzeichnen die
Filme und Videoarbeiten der 14 Künstler. Statt der
traditionellen, linear verlaufenden Handlung, die auf
einen Endpunkt ausgerichtet ist, treten etwa bei
„House of Pool“ von Teresa Hubbard und Alexander
Birchler mehrere Handlungsstränge parallel zueinander
auf; Sebastian Diaz Morales wiederholt in „The
Man with the Bag“ in sechs Episoden die sich kaum
ändernde Handlung.
Haus der Kunst, Prinzregentenstraße 1, 80538 München
bis 7.4.13, Fr–So 10–20h, www.hausderkunst.de
© Mary Bauermeister: „Don’t defend your
freedom with poisoned mushrooms“,1964
Objektkasten (Detail)
Foto: museum FLUXUS+
Bettina Sellmann: It’s glam-magic, 2012
Acryl auf Leinwand. 210 x 280 cm
Klaus Küster
museum FLUXUS+
Schiffbauergasse 4f, 14467 Potsdam
Opening: 15.2. 19 h, 16.2.–28.4. Mi–So 13–18 h, Eintritt frei
www.fluxus-plus.de
Bettina Sellmann – Magic Every Day. Genre paintings
Rosa- und Violett-Töne, ein reliefartig pastoser Farbauftrag und eine Motivwelt,
die sich ganz offensichtlich bei Vintage, Spielzeugindustrie und Märchenantasien
bedient, dominieren die neuen Arbeiten von Bettina Sellmann.
Im Zentrum ihrer Auseinandersetzung steht die von Konsum- und Unterhaltungsindustrie
vermarktete Sehnsucht nach einer Lebensalternative
in einer besseren, heilen Welt.
Galerie Gilla Lörcher - Contemporary Art
Pohlstraße 73, 10785 Berlin-Tiergarten, bis 1.3., Mi-Sa 13-18 h and by appt.
030-80613234, www.galerie-loercher.de
Klaus Küster – Mini Retro
Die Ausstellung zeigt Arbeiten aus verschiedenen Werkblöcken des Künstlers
der letzten vier Jahrzehnte: Fotografien, Fotoskulpturen, luminoplastische
Fotogramme, Malerei und Zeichnungen. Zur Ausstellung erscheint ein
Werkverzeichnis: „Andere Ansichten. Album: 2012–1969“.
zone B
Brunnenstr. 149, 10115 Berlin-Mitte
Opening: 8.2., 20h, 9.2.–18.5.13, Di–Do 9–16h and by appt.
01704-63 09 53, www.zone-b.info
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KUNST Magazin Sammlergespräch mit Tobias Gombert
und Samuel Leuenberger
Tobias Gombert (*1985) arbeitet hauptberuflich für
eine Bank. Bereits als Jugendlicher wuchs sein Interesse
an Kunst. Nach ersten Besuchen in Museen und Galerien,
dem Kontakt zu anderen Sammlern und dem
Kauf der ersten Arbeit – ein Bild von Christian Awe
– entwickelte sich das Sammeln zur Leidenschaft.
Samuel Leuenberger (*1974) ist freiberuflicher Kurator
und leitet den Kunstraum SALTS bei Basel. In diesem
Zusammenhang kooperierte er bereits zweimal
mit dem Autocenter Berlin. Nach Tätigkeiten für die
Stephen Friedman Galerie in London, das Auktionshaus
Christie‘s und die Kunsthalle Zürich begann er
vor circa acht Jahren selbst, Kunst zu kaufen. Seine
erste Arbeit ist eine Zeichnung von Nic Hess.
Der gemeinsame Sammlungsschwerpunkt liegt vor
allem in den Bereichen der zeitgenössischen Skulptur,
Malerei und Fotografie. Auf der Suche nach neuen,
avantgardistischen Positionen ist die Frage nach den
Grenzen in der Malerei und der Skulptur ein zentrales
Thema. Immer wieder werden auch Anknüpfungspunkte
und Referenzen zu etablierten Künstlern und
Richtungen innerhalb der Kunstgeschichte gesucht, die
der Frage nachgehen: In welche Richtung entwickelt
sich die zeitgenössische Malerei und Skulptur? Welche
Grenzen werden überschritten und gesprengt? Wo
werden neue Themen, Medien und Ideen erforscht?
Zu den vertretenen Künstlern im Bereich der Skulptur
gehören Beni Bischof, Claudia Comte, Karsten Födinger,
Dan Graham, Sara Masüger, Michael Sailstorfer
und Pedro Wirz. Im Bereich der Malerei sind Christian
Awe, Marieta Chirulescu, Armen Eloyan, Wade Guyton,
Joseph Montgomery und Ned Vena zu nennen.
Wir freuen uns auf das KUNST Magazin-Sammlergespräch
mit Tobias Gombert und Samuel Leuen ­
berger, moderiert von Jan Kage, am MITTWOCH,
30. Januar, in der Bar Tausend.
Einlass ab 20h, Beginn ca. 20.30h. Wir bitten um
Anmeldung unter sammler@kunstmagazin.de
Impressum | Imprint
KUNST Magazin / KUNST Verlag, Berlin
Wrangelstr. 21, 10997 Berlin
Tel.: 030 - 61 20 23 24 und 030 - 43 92 58 29
Fax: 030 - 61 20 23 17 und 030 - 43 91 70 59
info@kunstmagazin.de | ISSN 1862 - 7382
Herausgeberin: Jennifer Becker (v. i. S. d. P.)
Chefredaktion: Julika Nehb
Redaktion & Texte: Susanne Erichsen, Marlena Fiestelmann,
Isabella Hammer, Katharina Helwig, Alexandra Panzert,
Agathe Power, Simone Raith, Sarah Weckert, Steffi Weiss
Gastautor: Thomas Wulffen
Übersetzungen: Brian Poole
Lektorat: Sina Gesell
Gestaltung: Carola Büscher
Onlineredaktion: Julia Schmitz
Webdesign: Marius Bruns, www.robinson-cursor.de
Druck: Druckerei Conrad GmbH, www.druckereiconrad.de
Distribution: DHL GoGreen – wir versenden klimaneutral,
Deutsche Post Pressevertrieb
Erscheinungsweise: 40 000 Exemplare, 10-mal im Jahr,
Doppelausgaben: Jul./Aug. und Dez./Jan. Es gelten die
Mediadaten 2013.1
Alle Ausstellungshinweise im KUNST Magazin sind für
Galerien, Museen und Ausstellungshäuser kostenpflichtig.
Eine tagesaktuelle Übersicht zu allen Veranstaltungen im
KUNST Kontext in Deutschland finden Sie im Kalender auf
www.kunstmagazin.de
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ORION
Erster Sieger: Orion 33 rosé, die zeitgemäße mechanische Uhr fürs Leben.
Gleich nach Erscheinen mehrfach preisgekrönt wurde das jüngste Modell von
NOMOS Glashütte. Für alle geschmackssicheren Ehefrauen, Töchter, Mütter,
besten Freundinnen und lieben Geliebten mit zarteren Handgelenken. Jetzt neu
im Fachhandel feinsten Kalibers.
Für 1500 Euro etwa bei: Augsburg: Bauer & Bauer; Berlin: Brose, Christ KaDeWe, Lorenz; Bielefeld: Böckelmann; Bonn: Hild; Bremen:
Meyer; Darmstadt: Techel; Dortmund: Rüschenbeck; Dresden: Leicht; Düsseldorf: Blome; Erfurt: Jasper; Hamburg: Becker; Koblenz:
Hofacker; Köln: Berghoff, Kaufhold; Ludwigsburg: Hunke; Lübeck: Mahlberg; München: Bucherer, Fridrich, Kiefer; Münster: Freisfeld,
Oeding-Erdel; Stuttgart: Niessing; Ulm: Scheuble. Und überall bei Wempe. www.nomos-store.com und www.nomos-glashuette.com