Teruko Yokoi Mond · Sonne · Jahreszeiten · - Wolfsberg

WOLFSBERG
WOLFSBERG
Teruko Yokoi
Mond
·
Sonne
·
Jahreszeiten
·
Text von
Therese Bhattacharya-Stettler
... ... ...
SCR PT 3

Herausgeber: Toni Schönenberger
Redaktion: Rea Reichen
Übersetzung: Toby Alleyne-Gee, Zürich
Gestaltung: Urs Stuber, Frauenfeld
Lektorat: Kerstin Forster, Christina Bösel, Sulgen
Satz:
Daniela Bieri-Mäder, Niederbüren
Lithografie: Prolith AG, Schönbühl b. Bern
Herstellung: Heer Druck AG, Sulgen
© 2010 für die Texte bei den Autoren.
© 2010 für die Abbildungen bei Prolith AG, Schönbühl b. Bern,
und buag AG, Baden-Dättwil.
© 2010 für die Werkabbildungen bei Teruko Yokoi, Bern.
Jegliche Reproduktion der Texte ist nur mit ausdrücklicher
schriftlicher Genehmigung des Herausgebers erlaubt.
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Teruko Yokoi
Mond · Sonne · Jahreszeiten
5 An abstract retrospective
Oswald J. Grübel
7 Im Widerschein der Zeichen
Therese Bhattacharya-Stettler
16 Werke

An abstract retrospective
Oswald J. Grübel, Group CEO UBS AG
Teruko Yokoi malt seit über sechs Jahrzehnten. Bis heute arbeitet die Künstlerin
an einem Lebenswerk, das sich ganz der stillen Poesie der Natur verschreibt.
«Meine Gemälde sind in Farbe geschriebene Gedichte. Das Thema
stellt die Natur.» In knappster Form – ähnlich wie ein Haiku, ein kurzer japanischer
Vers – entwirft Teruko Yokoi innere und äussere Stimmungsbilder. Das
ist es, was mich vor über 15 Jahren zum ersten Mal an ihren Bildern fasziniert
hat und bis heute immer wieder tut.
Die 1924 in Japan geborene und international bekannte Malerin vermittelt
mit ihrer Kunst zwischen Ost und West. In ihrer Heimat geniesst sie ebenso
grosses Ansehen wie in Europa und Amerika. Ihr künstlerischer Werdegang
in Japan, wo sich heute zwei Museen ausschliesslich ihrer Arbeit widmen, und
später in San Francisco und New York führte zu einer wechselseitigen Durch -
dringung unterschiedlicher Kulturen, Stilrichtungen und Techniken. Ihre ge -
genständliche, impressionistische Malerei entwickelte sich zur expressiven
Abstraktion.
Blumen und Landschaften im Wandel der Tages- und Jahreszeiten sind
das Hauptmotiv von Teruko Yokois Schaffen. Reduziert auf das Wesentliche,
in schlichten Formen und satten Farben, malt die Künstlerin ihre Bilder als
Erinnerungen an die Natur.
Wir freuen uns, dass wir Teruko Yokoi überzeugen konnten, ihre Bilder im
Wolfsberg noch einmal auszustellen. Nach einer Ausstellung im Jahr 1984 präsentiert
sie 2010 eine Retrospektive ihrer abstrakten Werke, wie sie seit den
1950er-Jahren entstehen. Aufgehängt sind die über 50 Arbeiten grösstenteils
in den lichtdurchfluteten Räumen des Parquinhauses, wo sie mit der idyllischen
Landschaft in Dialog treten.
Lassen auch Sie sich von den prachtvollen Farben, der Symbiose aus Kunst und
Natur, inspirieren und tauchen Sie ein in die Bildwelten von Teruko Yokoi!
5

Im Widerschein der Zeichen
Therese Bhattacharya-Stettler
«Gedichte sind Bilder, Bilder sind Gedichte», heisst es sinngemäss in einem
frühen japanischen Text. Wenn Teruko Yokoi diesen Ausspruch variiert, indem
sie darlegt: «Meine Bilder sind in Farbe geschriebene Gedichte zu vier Jahres -
zeiten» 1 , so umschreibt sie damit ihr künstlerisches Credo. Das Wort, die Literatur
sind ihr seit jeher ausgesprochen wichtige Wegbegleiter. Sie hält selbst
regelmässig ihre Gedanken schriftlich fest und fügt zuweilen Worte in gemalte
Werke ein.
Ihr Vater, von dem sie die frühesten Impulse entgegengenommen hat,
war Vorsteher einer Grundschule; er war aber auch ein Verfasser von Haikus,
jene mit ihren nur 17 Silben kürzeste Gedichtform der Welt. Er war ein Buchliebhaber
und vor allem auch ein Kalligraf – ein Vertreter jener meditativen
fernöstlichen Schriftkultur, für die die ästhetische Ausgewogenheit und das
Sichtbarmachen von Emotionen weit wichtiger sind als die reine objektive
Lesbarkeit. Wesentliche Bestandteile des Schreibprozesses sind für die Kalligrafie
die Tusche – die mit dem Reibstein angerieben wird –, der Pinsel und
das Papier. Es sind Werkzeuge, die auch für Teruko unentbehrliche Inspi ration
bedeuten. Schreiben und Malen sind in Japan ohnehin aufs Engs te verwandt,
beide äussern dieselbe poetische Weltsicht. Im Schaffen der Tochter
kam jedoch als wichtigstes Element die Farbe hinzu, die – vergleichbar mit
der kalligrafischen Abbreviatur – ebenfalls Zeichen sinnlicher Wahrnehmung
kondensiert. Teruko Yokoi entwickelte über viele Jahre ihren persönlichen
Stil und machte die Farben und den Rhythmus der Natur mit ihren Jahreszeiten
zu ihrem Hauptmotiv.
Erfüllt ihre Kunst auch die Definition von Malerei als Ars pingendi
gemäss dem Frührenaissancekünstler Piero della Francesca, wonach diese
‹nichts als die Darstellung von Flächen und Körpern ist, welche je nach ihrer
Lage immer kleiner oder grösser werden›, bereichert sie sie dennoch um ein
wesentliches Element: das Zeichenhafte.
Der französische Philosoph und Mitbegründer des Poststrukturalismus
Roland Barthes beschrieb 1970 in seinem hervorragenden Essay L’empire des
signes 2 seine persönlichen Erfahrungen mit der geheimnisvollen Welt der
Symbole im Land der aufgehenden Sonne und formulierte die Eigenheiten,
die die Begegnung mit sprachlichen und bildhaften Zeichen und die Erkenntnis
von deren ‹Leere› mit sich bringen. Er war der Meinung, dass die treffende
Kürze und Einfachheit des Haikus bei aller Klarheit doch vor allem dem
Code der Gefühle, der ‹poetischen Empfindung›, zuzuordnen sei.
7

Anfänge
Teruko Yokoi wurde am 2. April 1924 in Tsushima in der Provinz Nagoya ge -
boren und wuchs in einem Dorf auf, in dem sie von klein auf von Reis- und
Rapsfeldern umgeben war, deren unermessliche Farbnuancen sie erlebte. Von
den Geschwistern – einer älteren Schwester und einem jüngeren Bruder –
unterschied sie sich insofern, als sie stets eine grosse Träumerin war. Sie war
zu früh zur Welt gekommen, sodass man ihren Geburtstag erst später festlegte,
als Gewissheit bestand, dass sie überleben würde. Der Jahrgang ist richtig,
der 2. April aber ist der Tag, an dem sie in der Schule registriert wurde. Schon
früh verschanzte sie sich hinter Büchern, verschlang Märchen ebenso wie die
Mythologie – sie träumte von Griechenland und vom Olymp und hat te den
Drang, Aphrodite und Narziss zu besuchen. Sie war aber keine Eigenbrötlerin.
Sie besuchte eine Mädchenschule und liebte den Unterricht, auch wenn
sie zu ihrem Verdruss immer als Letzte an die Reihe kam, da Yokoi auch in der
japanischen Sprache am Schluss des Alphabets angesiedelt ist.
Auf der Suche nach Haiku-Eingebungen nahm sie der Vater oft mit auf
seine Streifzüge in die Natur. 3 Hier entdeckte die aufmerksame Begleiterin
Lotusteiche, Kornfelder und Chrysanthemenbeete im Wechsel der Jahreszeiten
sowie den Mond und die untergehende Sonne, deren Licht die Vegetation
so un terschiedlich zum Ausdruck brachte. Ihre Sensibilität machte sie empfänglich
für alle visuellen Eindrücke, die auf sie einwirkten. Die Mutter
erkannte ihr künstlerisches Potenzial sehr früh: Als Teruko sechs Jahre alt war,
sang und hüpfte sie im Garten hin und her und begrüsste freudvoll den Frühling,
da sie die Farbveränderungen an den Bäumen konstatiert hatte. In der
Folge erhielt sie künstlerischen Privatunterricht; Malen und Zeichnen waren
von Anfang an ihre Lieblingsbeschäftigungen, auch wenn sie gerne Dichterin
ge worden wäre. Immer drängte sie nach dem Aussergewöhnlichen: So hat sie
während des Krieges, als dunkle Kleidung angebracht war, stets eine rote
Schleife am rechten Ärmel getragen, um einen farbigen Akzent zu setzen.
Und in einem ihrer persönlichen Texte 4 erzählt sie über ihr jugendliches Projekt
zugunsten leidender Kriegssoldaten: Zusammen mit ihrer Schulfreundin
erstellte sie kleine, von Hand gebundene Hefte und liess sie zur Schmerzlinderung
und Aufheiterung der Verwundeten in Spitälern verteilen. Die Freundin
trug die Gedichte bei, sie selbst lieferte die Illustrationen. Der poetischen
Kooperation war grosser Erfolg beschieden, und es dauerte lange, bis die
Presse den beiden anonymen Absenderinnen, die die Hefte nur mit ihren
8

Spitznamen 5 signiert und als Adresse lediglich einen Lotusteich angegeben
hatten, auf die Spur kam. Die danach einsetzende Flut an begeisterten Zu -
schriften als Reaktion auf die zarten Textbebilderungen zeigte, wie lohnenswert
die philanthropische Idee der beiden jungen Frauen gewesen war – und
auch wie wegweisend: Die Empathie der Künstlerin zu Patienten tritt immer
noch deutlich hervor, schmücken Teruko Yokois Bilder heute doch unzählige
Spitalzimmer in der ganzen Schweiz.
Ausbildung
Ihre Mutter, eine zerbrechlich-feinfühlige Frau «aus gediegenem Haus», verstarb,
als die begabte Tochter erst 18-jährig war; umso enger war Terukos Ver -
bindung zum Vater. Er willigte in eine künstlerische Ausbildung ein und liess
sie ab 1949 in Tokio Privatkurse beim angesehenen Takanori Kinoshita nehmen,
der einen impressionistischen Stil pflegte und unterrichtete. Durch ein
Stipendium gelangte sie 1953 an die California School of Fine Arts nach San
Francisco. Hier schuf sie Werke, die sich von den landschaftlichen und figurativen
Anfängen zu lösen schienen, und tastete sich an kubistische Zergliederung
heran. Vor allem ein paar eindrückliche Stillleben mit Fruchtschalen
oder aufgereihten Äpfeln sind erhalten, die ihre Suche nach farblicher Auflösung
und Austarierung bereits deutlich werden lassen. Sie war erst die zweite
japanische Absolventin dieser Institution und fand bald Anschluss an einen
völlig neuen Kreis ruheloser Studenten, als auf dem Höhepunkt der McCarthy-
Ära die Beatnikbewegung ihre Geburtsstunde erlebte und San Francisco ein
Sammelbecken für Künstler, Schriftsteller und Aussteiger war. Sie erinnert sich,
dass die Gruppe oft durch das North-Beach-Quartier streifte oder im Auto unterwegs
war und, u.a. mit Richard Diebenkorn als Wortführer, tiefgreifende
philosophische Gespräche führte.
Sie berichtet, dass sie sich zufälligerweise immer an Orten niederliess, die
gerade eine High Time erlebten. So kam sie 1955 mit einem weiteren Stipendium
ins brodelnde New York. Sie nahm Unterricht bei Hans Hofmann, der,
aus Europa kommend, schon 1933 eine Kunstschule in der amerikanischen
Metropole gegründet hatte. Hofmann näherte sich später dem New Yorker
Abstrakten Expressionismus an, was auch Terukos künstlerisches Schaffen
nach haltig verändern sollte. Zudem besuchte sie in New York Unterrichts -
stunden an der Art Students League bei Julian Levi. Seit 1950 war in New York
auch der renommierte Maler Kenzo Okada ansässig, der Teruko fürsorglich in
9

seine Obhut nahm – auch wenn er sich verbat, dass die junge Malerin ihn
sensei nannte, wie die japanische Höflichkeitsform für Lehrende lautet. Okadas
Kunst war nicht nur stark vom Abstrakten Expressionismus beeinflusst,
sondern auch von einer Sensibilität durchwirkt, auf welche die Kollegin aus seiner
Heimat reagierte. Okada war der Begründer eines auf einem japanischen
Schönheitsideal basierenden ästhetischen Konzepts, das er selbst yugenism
nannte und das weithin Beachtung fand. 6 Zugleich war es Okada, der Teruko
Yokoi Mark Rothko vorstellte und ihr auch den freundschaftlichen Zugang zu
anderen Erneuerern der amerikanischen Malerei – so Franz Kline und Robert
Motherwell – ermöglichte.
Wiederum erlebte sie in dieser Grossstadt eine High Time, auch wenn sie
sich nicht explizit dem Bohèmeleben verschreiben konnte; so erzählt sie, dass
die Maler-Kollegen ihr zuweilen allzu grosse Kompromissbereitschaft vorwarfen
und sie belächelten, weil sie, einer Ärztin gleich, in weisser Schürze zu
malen pflegte – wie sie es noch heute tut. Im Jahr 1958 begegnete sie dem
kalifornischen Künstler Sam Francis, der mit seiner grossformatigen tachistischen
Malerei bald schon zu einer internationalen Karriere abheben sollte,
bei dem jedoch auch eine gewisse Affinität zu japanischer Kunst erkennbar
ist. Sie heirateten, und im Juli 1959 kam die Tochter Kayo zur Welt.
Hier, mitten unter den Action Painters in New York, fand sie zu ihrem abstrakten
Stil, ohne ihre japanischen Wurzeln ganz hinter sich zu lassen. Sie schien
vielmehr eine symbiotische Verschmelzung angestrebt zu haben, die erlaubte,
ordnende Rhythmen in die chaotische Wildheit einfliessen zu lassen. Fern -
östliches Formengut blitzt immer wieder auf in ihrem Werk.
Ab 1960 lebte und arbeitete das Künstlerpaar im 14. Arrondissement in
Paris, wo Teruko Yokoi mitten in der Hochblüte des Informels erneut diverse
Impulse erhielt. Das Jahr 1961 verbrachte sie in Japan, wo sie in der Minami
Gallery in Tokio eine Einzelausstellung einrichtete. Im darauffolgenden Jahr
liess sie sich mit ihrem Kind und ihrer Malerei in Bern nieder, die Ehe wurde
1965 geschieden. Die Aarestadt hatte sie von einem früheren Besuch mit Sam
Francis, der hier mit Eberhard W. Kornfeld und im Umkreis des legendären
Arnold Rüdlinger wertvolle Förderer gefunden hatte, bereits kennengelernt.
1991 erhielt sie schliesslich die schweizerische Staatsbürgerschaft.
10

West-östliche Vielfalt
Dieses Baums Blatt der von Osten
Meinem Garten anvertraut
Gibt geheimen Sinn zu kosten
Wie’s den Wissenden erbaut.
Ist es Ein lebendig Wesen
Das sich in sich selbst getrennt?
Sind es Zwei die sich erlesen
Daß man sie als Eines kennt?
Solche Frage zu erwidern
Fand ich wohl den rechten Sinn;
Fühlst du nicht an meinen Liedern
Daß ich Eins und doppelt bin.
Johann Wolfgang von Goethe, «Gingo biloba»
West-östlicher Divan (1815 –1819) 7
Teruko Yokoi hat sich selbst einmal mit einem aus der Tiefe Kräfte schöpfenden
Baum verglichen. Einem Ginkgoblatt ähnlich fliessen in ihrer Malerei die
unterschiedlichen Strömungen zu einem unverkennbaren Stil in ein ander. Eine
Dualität entsteht, die sie zeitlebens begleiten sollte. Bereits 1964 nahm sie
Rüdlinger, der inzwischen von Bern an die Basler Kunsthalle ge wech selt
hatte, in eine wegweisende Ausstellung auf und betonte im Ka talog, dass
ihre Bilder zwar «Malerei auf der Fläche im westlichen Sinne» blieben, aber
zugleich – angereichert durch das Ausdrucksvermögen der ja pa nischen Lyrik
– «räumliche Spannungen» zeigten, wie sie uns von der asiatischen Kunst her
bekannt seien. 8 So heimisch sie hier auch geworden ist, die japanische Herkunft
bleibt in ihrer Kunst deutlich erkennbar.
Bereits Ende des 19. Jahrhunderts hatte eine grosse Woge des Japonismus
die europäische Malerei und Grafik überrollt. Ausgelöst durch japanische
Holzschnitte, entwickelten sich neue Sehgewohnheiten und machten Monets
Seerosen und van Goghs Mandelzweige, aber auch Toulouse-Lautrecs Plakate
oder die Raumauffassung der Nabis erst möglich. 9
11

Teruko Yokois Weg verlief in entgegengesetzter Richtung: Sie war der westlichen
Kunst ihrer Zeit nahegekommen und ergänzte sie mit visuellen Elementen
der östlichen Tradition, die sie mühelos und voller Selbstverständlichkeit
in ihre piktorialen Flächen einflocht.
Formen, Farben, Linien, Striche – viele Elemente sind nach wie vor der japanischen
Tradition verpflichtet. Kreise und Rauten durchkreuzen kalligrafisch
die Bildfläche, hochformatige panneaux lassen ihre Herkunft von Rollbildern
oder Paravents erkennen, Fächer und Pompons sind zuweilen präsent. Dann
wieder wird die Fläche durch farblich gegensätzliche Teilungen auseinanderdividiert,
was sowohl Tag und Nacht als auch Yin und Yang implizieren mag.
Übergreifende gestische drippings vermögen die harte Trennung zwischen
zwei klaffenden Hälften teilweise aufzuweichen. Teruko ergötzt sich immer
wieder an raffinierten Farbharmonien, sodass ihre Werke als «freudige Farbgedichte»
bezeichnet werden. 10
Wenn sie Gegenständliches zulässt, dann sind es neben der stolz aufragenden
Fuji-Bergsilhouette vorwiegend vegetative Anspielungen mittels
Farbflecken und Pinselstrichen, insbesondere auf spitze Bambusblätter und
zarte Seerosen, auf leuchtend gelbe Chrysanthemen, auf Kamelien, Azaleen,
Cannas oder Pfingstrosen, dann wieder auf Herbstbäume und Bambushaine.
Mit ihrem Namen aufs Engste verbunden ist vor allem die rot glühende Mohnblume.
«Es geht hier nicht um die Wiedergabe der Wirklichkeit. Was Teruko
Yokoi uns zu vermitteln trachtet, ist das Erlebnis, die Poesie in den Feldern,
die Musik der Blumen, ihr Auftritt im Chor oder als Solistinnen. Die Bilder sind
ein Besingen der Pracht, vielleicht als Farbentanz, vielleicht als Moment der
Stille …». 11 Den roten Mohn mit seiner dunklen Mitte kannte sie zwar aus der
Literatur ihrer Heimat, 12 auf den Feldern hat sie ihn aber erst in Südfrankreich
für sich entdeckt. 13 Neben den roten Blüten finden sich in den Gemälden auch
die grünen Mohnkapseln oder die schwungvollen Stängel, die in unterschiedlichen
Farbklängen den Wechsel der Tageszeiten andeuten.
Immer wieder aber thematisiert Teruko Yokoi die Zyklen der vier Jahreszeiten.
14 Es entstehen imaginäre Veduten – gelegentlich sich gar mehrteilig
über zwei bis drei Leinwände erstreckend. Alles Urbane ist ausgeklammert. Es
ist ausschliesslich die erblühende, spriessende, saftig-reife bis welkende, dann
wieder sich spiegelnde, manchmal frostige Natur mit kahlen Zweigen, die ins
Bild rückt, oder Spuren in Schneeflächen, die über den Bildrand hinwegführen.
Wie bei den rein abstrakten Kompositionen ignoriert die Künstlerin
12

zumeist die Beschränkung durch das Bildgeviert; das Thema weist über den
Rand hinaus, zeitlos lässt sich das Dargestellte gedanklich fortsetzen.
Teruko führt eine persönliche Farbpalette mit bevorzugten Nuancen, die
sie jeweils konsultiert, um den geeigneten Ton zu erproben. Sie arbeitet
spon tan, intuitiv, oft an mehreren Werken parallel. Mit Vorliebe benützt sie
in letzter Zeit die rasch trocknende Acrylfarbe, die das Spontane besonders
unterstützt. Die früher häufiger verwendete Ölmalerei hatte sie von der westlichen
Kunst aufgegriffen; sie hat in der japanischen Kunst – im Unterschied
zur Aquarell- und Eitemperamalerei – keine Tradition. Eine grosse Tradition
hat hingegen seit der Meji-Periode die Lithografie. Dieses Steindruckverfahren
hat Teruko Yokoi schon früh für sich entdeckt. Es ermöglichte mehrere
Auflagen, sodass beliebte Motive in unzähligen Abzügen entsprechend weite
Verbreitung fanden. Eine vergleichbare serielle Produktionsweise bietet die
Töpferarbeit, d. h. die Bemalung von Steingut, die ganz in der japanischen Tradition
verwurzelt ist. Sie erlaubt ihr, rasch und prägnant, zuweilen in Tropftechnik,
reizvolle Zeichen zu setzen.
Neuer Aufbruch
Mit unglaublicher, an jugendlichen Übermut gemahnender Beharrlichkeit
und Willenskraft setzt Teruko Yokoi ihre Arbeit noch heute fort. Durch das
Hervorholen früher entstandenen Bildmaterials und ehemaliger Bildideen
wird sie in letzter Zeit scheinbar spielerisch zu neuen Kompositionen angeregt.
Es sind Collagen, die aus einem Temperabildgrund bestehen, der jeweils
selbst ein Œuvre abgeben würde, doch verteilt sie darauf locker kleinformatige,
früher entstandene Studien aus ihrem reichen Fundus. So herrschen einmal
Gelb-, Grün- oder Blautöne vor – mit Weiss setzt sie einen zusätzlichen
Akzent und stellt eine Balance her, um dem Schwarz nicht die Überhand zu
geben. Andere, vergleichbare Collagearbeiten dieser Zeit sind Variationen in
Rot und Orange; zuweilen finden auch Aquarellskizzen aus ihrem Arbeitsjournal
oder Blätter mit Schriftzeichen Einzug. Brüche gibt es in diesen ex -
perimentierfreudigen Werken kaum, alles scheint wie aus einem Guss. Die
kaleidoskopartig eingefügten Farbgevierte, die voneinander den Rhythmus
aufnehmen, verschmelzen mit der tonal harmonisierenden Unterlage.
13

Der Blick vom Elfenbeinturm
Gegenwärtig ist Teruko Yokoi wieder stark beschäftigt mit dem Begriff des
Elfenbeinturms, ganz im Sinne des französischen Literaturkritikers und
Schrift stellers Charles-Augustin Sainte-Beuve, der mit diesem immateriellen
Ort Mitte des 19. Jahrhunderts die künstlerische Unabhängigkeit oder gar Ab -
geschiedenheit umschrieben hat. Terukos Vater hatte ihr einst geraten: «Stay
in the Ivory Tower.» Er wollte sie, das fragile Mädchen, beschützt wissen; er
wollte nicht, dass sie vom Strudel, der sie in der neuen Welt erwarten sollte,
verschlungen würde. Eingedenk dieser Mahnung wählte sie zeitlebens ihren
eigenen Weg, unbeeindruckt von Stimmen, die sie in eine andere Richtung
drängen wollten. Auch wenn ihr 2004 in Ena nördlich von Nagoya ein Museum
gewidmet wurde (das Teruko Yokoi Hinageshi Art Museum) und vier
Jahre später erneut ein Mäzen zu ihren Ehren ein Privatmuseum erbaut hat
(das Yokoi Teruko Fuji Museum of Art in Fuji City), ruht sie sich nicht auf ihren
Lorbeeren aus. Täglich arbeitet sie weiter, erprobt neue Ausdrucksmöglichkeiten,
fühlt sich gefordert. Noch heute macht sich Teruko Yokoi Gedanken,
ob sie mit ihrer Kunst, mit der sie «den Leuten vor allem Blumen schenken»
möchte, richtig liege, zumal die weltweiten Geschicke des Kunstgeschehens
auch andere, der ästhetischen Kunst entgegengesetzte Bahnen eingeschlagen
haben. Aber sie kann nicht anders: Anmut und Schönheit sind ihr lieb.
Der Elfenbeinturm ist ihre Festung, von der aus sie, unbeeinflusst von anderen
Stimulationen, ihre Antennen ausfahren kann, um vor allem, wie sie sagt,
«Raum zu gestalten, in dem die Leute spazieren gehen können».
14

1 Im Original: «My pictures are poems of four seasons
written in color.»
2 Roland Barthes, L’empire des signes, Paris 1970.
3 Zit. nach Teruko Yokoi, Haiku Hiroi, Bern 1982, unpaginiert.
4 Teruko Yokoi, Hinageshi, Bern 1981, unpaginiert.
5 Die Freundin signierte mit Midori (schöner Vogel),
Teruko Yokoi mit Yumi (Ursprung von Schönheit).
6 Nach yugen, einem damals viel diskutierten Schlüsselkonzept
zum Verständnis der japanischen ästhetischen
Sensibilität. Vgl. Bert Winther-Tamaki, Art in the Encounter
of Nations. Japanese and American Artists in the Early
Postwar Years, Honolulu 2001.
7 Zit. nach Johann Wolfgang von Goethe,
West-östlicher Divan, hrsg. und erl. v. Hans-J. Weitz,
Frankfurt am Main 1988, S. 69.
8 Arnold Rüdlinger, Teruko Yokoi, Walter Bodmer und
Otto Tschumi, Ausstellungskatalog der Kunsthalle Basel,
Basel 1964, unpaginiert.
9 Dazu gibt es reichhaltige Literatur, vgl. u.a. Klaus Berger,
Japonismus in der westlichen Malerei 1860 –1920,
München 1980.
10 Sandor Kuthy, «Teruko Yokois freudenvolle Farbgedichte»,
in: Teruko Yokoi. Nuancenreiche Farbgedichte, Ausstellungskatalog
Galerie Pavillon Werde, Zürich 1993, S. 16.
11 Fred Zaugg, «Teruko Yokoi – Blumen oder gemalte Musik»,
in: Teruko Yokoi. Schnee, Mond, Blumen, Katalog an -
lässlich der Ausstellung in der Galerie Kornfeld, Bern 2009,
S. 5 – 6. Zu den Mohnblumen vgl. auch: Teruko Yokoi,
Comme un petit coquelicot, Japan 1986.
12 Z. B. Natsume Sôseki, Kusamakura (Das Graskissen-Buch)
[1906], Berlin 1996.
13 Vgl. auch Yokoi, Hinageshi, a.a.O.
14 Vgl. insbesondere Willy Rotzler, «Jahreszeiten», in: Teruko
Yokoi. Die fünf Jahreszeiten, Bern/Disentis 1990, S.VI –VII.
Gedicht Seite 44: Zit. nach Carl Busse, Neue Gedichte,
Stuttgart 1896, S. 70.
15

Winterblumen 2002 – 2010, Öl und Acryl auf Leinwand, 114.5 x146.5 cm
16

Sommerlicht 2010, Acryl auf Leinwand, 137 x 90 cm
19
Gingko 2010, Acryl auf Leinwand, 136 x 98 cm

Sternenlicht 1957 – 2010, Öl und Acryl auf Leinwand, 116.4 x126.8 cm
20

21 Fresh snow 1994 – 2010, Öl und Acryl auf Leinwand, 115 x 85.5 cm

23 The sunset 1969 – 2010, Öl und Acryl auf Leinwand, 116 x 81 cm

Reminiscences 1975, Eitempera auf Papier, 45.5 x 62 cm
24

25 March 1965, Öl auf Leinwand, 32 x 50 cm

Winter night
1977, Öl auf Leinwand, 46.3 x 61.5 cm
26

27 A path 1967, Öl auf Leinwand, 81 x 60 cm

From my back window
1956, Öl auf Leinwand, 76 x101.5 cm
28

29 Ballad of East and West 1957, Öl auf Leinwand, 96 x121.5 cm

Spring dream
1954, Öl auf Leinwand, 90.5 x 60.5 cm
30

31 March 1957, Öl auf Leinwand, 56.2 x 76.4 cm

November 1957, Öl auf Leinwand, 124.9 x 96.5 cm
32

33 Autumn in my garden 1957, Öl auf Leinwand, 127 x 101.2 cm

White morning
1956
Öl auf Leinwand
112x127cm
34

Untitled 1954, Öl auf Leinwand, 61 x 91cm
36

37 Untitled 1960, Öl auf Leinwand, 58.6 x 73.7cm

Autumn hamlet
1980, Öl auf Leinwand, 146 x 64 cm
The doll’s festival 1979, Öl auf Leinwand, 145.5 x 64.5 cm 38

41 February 2002, Öl auf Leinwand, 64.9 x100 cm

Pastoral scene 2010, Acryl auf Leinwand, 97 x129 cm
Über den Bergen 2010, Öl und Acryl auf Leinwand, 90 x136 cm
42

43 Fugue 1994, Öl auf Leinwand, 89 x116 cm

Ueber den Bergen
Ueber den Bergen, weit zu wandern,
Sagen die Leute, wohnt das Glück,
Ach und ich ging im Schwarme der andern,
Kam mit verweinten Augen zurück.
Ueber den Bergen, weit, weit drüben,
Sagen die Leute, wohnt das Glück …
Carl Busse, Neue Gedichte
Still ist die Nacht
1966, Öl auf Leinwand, 155.6 x 88.7 cm
44

Chrysanthemenduft 1968, Öl auf Leinwand, 80.3 x 57.1cm
46

47 Secret Garden 1978, Öl auf Leinwand, 161 x 81cm

Untitled 1973, Eitempera auf Papier, 64.4 x 48.1cm
48

Untitled 1971, Öl auf Leinwand, 100 x 64 cm
50

Vorangehende Doppelseite
Untitled 1972, Eitempera auf Papier, 47.9 x 65.2 cm
54

55
May 1991, Eitempera auf Papier, 79 x 53 cm
November 1991, Eitempera auf Papier, 79 x 53.5 cm
October 1991, Eitempera auf Papier, 79 x 43 cm

57 Plum blossomed 1991, Eitempera auf Papier, 76 x 53 cm

Mountain magnolia 2008, Acryl, Metallic und Eitempera auf Papier, 66 x 48 cm

Bush camellia
2003, Acryl, Metallic und Eitempera auf Papier, 47.5 x 66 cm
60

61 Wabisuke, Winter camellia – 2 2002, Eitempera auf Papier, 44.3 x 54.5 cm

Teruko Yokoi
1924 geboren in Nagoya, Japan
1949 Studien in Tokio an der privaten Kunstschule von Takanori Kinoshita
1953 Studien an der California School of Fine Arts in San Francisco
(heute: The San Francisco Art Institute)
1955 Unterricht bei Hans Hofmann, danach auch bei Julian Levi
an der Art Students League in New York
Beginn der Freundschaft mit Mark Rothko, Franz Kline u. a.
1958 begegnet Sam Francis in New York; Heirat;
Geburt einer Tochter (Kayo, *1959); 1965 Scheidung
1960 in Paris
1961 lebt und arbeitet in Tokio
1962 Niederlassung in Bern
1991 erhält die schweizerische Staatsbürgerschaft
2004 Eröffnung des Teruko Yokoi Hinageshi Art Museum in Ena, Japan
2008 Eröffnung des Yokoi Teruko Fuji Museum of Art
in Fuji City, Japan
Zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in den USA,
der Schweiz und in Japan
Therese Bhattacharya-Stettler
1949 geboren in Bern, Schweiz. Studium der Kunst- und Architekturgeschichte,
Anglistik und Publizistik an der Universität Bern.
Mehrjähriger Aufenthalt in Italien als freischaffende Kunsthistorikerin.
1986 Promotion in Kunstgeschichte mit einer motivkundlichen
Untersuchung an der Universität Bern.
Seit 1991 am Kunstmuseum Bern tätig, ab 1999 als Ausstellungskuratorin.
Zahlreiche Ausstellungen und Publikationen, u.a. zu Otto Nebel,
Julio González, Meret Oppenheim, Giovanni Giacometti und Albert Anker.
63