art maxx - KUNST Magazin

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Genin, Albert
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VORBESICHTIGUNG
mianki. Gallery
Kalckreuthstr. 5
0777 Berlin-Schöneberg
Vernissage: 5. ., 9- 4h
Ausstellung: 5. .-4. . 0 0
Di-Fr 5- 9h, Sa - 6h
SCHIRMHERRSCHAFT
Renate Künast
Mitglied des Deutschen
Bundestages
Dr. Thomas Köhler
Direktor der
Berlinischen Galerie
Jennifer Becker
KUNST Magazin
AUKTION
7. Dezember 0 0
4- 9h: Vorbesichtigung
9h: Beginn der Auktion
Auktionator: Fares Al Hassan, MA
www.fly-auctions.com
Berlinische Galerie
Landesmuseum für Moderne Kunst,
Fotografie und Architektur
Alte Jakobstr. 4- 8
0969 Berlin-Kreuzberg
www.berlinischegalerie.de
ONLINEKATALOG
Die Werke werden auf der Internetseite
der Telefonseelsorge und des KUNST
Magazins ab Ende November
präsentiert. Informationen unter www.
telefonseelsorge-berlin.de
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Stiftung Telefonseelsorge Berlin
Nansenstr. 7, 047 Berlin
Tel. 0 0 / 6 50
mail@telefonseelsorge-berlin.de
Harald Pignatelli
Fernsehmoderator
Ralf Meister
Generalsuperintendent
Philipp Hennevogl: STRUKTUR II, Linolschnitt, 009, 40 x 58 cm, paper 50 x 70 cm, ed. +

Gewitter über Menton, Öl, 2001/02, 130x160 cm
Dietmar Lemcke
geb. 13.01.1930 in Goldap, Ostpreußen, lebt und arbeitet in Berlin
B i l d e r, A q u a r e l l e , Z e i c h n u n g e n
Ausstellung vom 04.12.2010 - 15.01.2011
Georgia Berlin Galerie
Hillmer + Partner, Bleibtreustr.17 / 10623 Berlin, Germany,
Öffungszeiten: Montag bis Sonnabend von 11.00-19.00 Uhr
Tel.+49.30. 88 55 12 55 - Fax +49.30. 88 55 12 56 M: 0178 / 51 820 92
A.Hillmer@georgiaberlingalerie.de www. georgiaberlingalerie.de
Editorial
Wenn Sammler ihrer Leidenschaft nicht mehr nur in
privaten Schatzkammern frönen, sondern wie Stars
gefeiert werden, wird es Zeit, das gleichzeitig so
schwammige wie schillernde Wort „Elite“ unter die
Lupe zu nehmen.
Dem Galeristen Christian Nagel behagt es beispielsweise
nicht, den Begriff „Elite“ im Feld der Kunst
anzusiedeln. Seiner Meinung nach ist „Elite“ eher in
anderen Kreisen zu finden, in Politik und Forschung
zum Beispiel. Elite wird nach Meinung Nagels zu stark
mit schnellem Erfolg in Verbindung gebracht. Daher
warnt er vor solchen vorschnellen Etikettierungen.
Anfangs ist nicht vorhersehbar, wer sich auf dem
Markt behaupten wird.
Wo Eliten sind, könnte Mainstream nicht ferner sein.
Also hurtig her mit Mitteln zur Distinktion, denn
schließlich gilt: Keine Elite ohne Hierarchie.
Elite bedeutet Macht – in politischer, finanzieller
oder kultureller Hinsicht. Uns interessiert jedoch, in
welchen Bereichen Elite und Kunst aufeinandertreffen.
Per se haftet dem Kunstfeld der Begriff „Elite“ an, weil
es sich vom Mainstream abhebt, indem es alternative
Lebensformen und eine gewisse Form von Glamour
verspricht. Bettina Steinbrügge hat das Kunstfeld seziert
und als Elitemerkmal die akzeptierte Ungleichheit von
Kapital festgestellt. Dazu kommt die Unwägbarkeit:
Künstlerischer Erfolg ist ein höchst unsicherer Faktor.
Das sorgt für Spannung. Die Kunstelite bespaßt
sich mit Machtspielen rund um Selbstinszenierung,
Protektion und Können. Sie generiert Stars und lässt
im gleichen Moment die Idee von Kunstkrematorien
entstehen.
Das Kunstfeld ist aber auch ein Teil der Gesellschaft,
die von demokratischen Prinzipien bestimmt wird.
Hier stoßen die Praktiken des Elitären an ihre
Grenzen, und es entstehen gelegentlich Situationen,
die an Schizophrenie kaum zu überbieten sind. Da
sich nicht jeder die 000 Euro leisten kann, die einem
erlauben, eine Nacht im Hamburger Bahnhof zu
verbringen und dort Fliegenpilzextrakt trinkend an
Carsten Höllers „Soma“- Experiment teilzunehmen,
soll ein Kompromiss das demokratisch notwendige
Gleichgewicht wieder herstellen. Deswegen werden
einige Übernachtungsplätze verlost...
Ihre KUNST Redaktion
Cover: Philip Grözinger: Menschen lesen Figuren, 009
Öl auf Leinwand, 40 x 50 cm
Courtesy: Galerie Christian Ehrentraut
When art collectors no longer pursue their passions
only behind closed doors, when they are celebrated
likes stars in public, the time is ripe to take a closer
look at the ill-defined and illusive term “elite”.
The gallerist Christian Nagel, for example, doesn’t feel
comfortable using the term elite in the field of art. In
his opinion an elite is rather something you find in
other circles—in politics or in research for instance.
In Nagel’s view the term elite seems all too strongly
related to rapid success, and thus he warns against the
rash use of such labels. At the outset you never know
who will succeed on the art market in the long run.
Wherever there are elites, the mainstream couldn’t be
further away. Obviously we need the nimble means to
make distinctions; after all, without a hierarchy there
is no elite.
Elites imply power in politics, in finance or in culture.
What interests us, however, are the areas in which the
elite and art encounter each other. By its very nature
the concept of elitism is inherent in the field of art:
by offering alternative lifestyles and a certain form
of glamour, elites distinguish themselves from the
mainstream. Bettina Steinbrügge has analysed the field
of art and found that an accepted inequality of capital
is a basic characteristic of an elite. Moreover, there is
art’s imponderable status: artistic success is a highly
precarious risk factor, and this creates a tension. The
members of the art elite entertain themselves with the
power games involved in their self-promotion, vying
for patronage or publicising their artistic abilities. They
generate stars, creating simultaneously the notion of
an art crematorium.
The field of art belongs to the larger field of society
that is determined by democratic principles. Here the
practices of elitism clash with their own limits, and the
field generates situations that could scarcely be more
schizophrenic. Since not everyone can afford the 000
Euros it costs to spend the night at the Hamburger
Bahnhof and—whilst sipping on extract of magic
mushroom—to participate in Carten Höller’s “Soma
” experiment, a compromise was called for in order
to restore the essential democratic equilibrium. Thus
some of the overnight tickets are being raffled off.
Your KUNST Magazin Team
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Eliten in der Kunst
Elites in the World of Art
Bettina Steinbrügge
Review: Yoko Ono. Das Gift
Haunch of Venison Berlin, 0. September– . November 0 0
Review: Yoko Ono. Das Gift
Haunch of Venison Berlin, 0 September– November 0 0
Tanja Dückers
KUNST Magazin Sammlergespräche: Manfred P. Herrmann
„Die Kunst belebt das Leben, das ist das Schöne daran“
Coversations with Collectors: Manfred P. Herrmann
“Art enlivens life, and that’s the beautiful thing about it.”
Jan Kage, Franczeska Gutsch
Galerieprofil: Christian Nagel
„Kunst sollte intelligent und vom Mainstream abgehoben sein“
Gallery Profile: Christian Nagel
“Art should be intelligent and stand out from the mainstream”
Hannah Nehb
Benefizauktion Telefonseelsorge
Jennifer Becker
Ein Langhaus, ein Auktionshaus und ein Kulturspeicher
Die Kunsttipps für Süddeutschland
Katharina Knieß
Artverwandt
Buchvorstellungen | Book reviews
KUNST Kinderseite | Children’s Pages
Ausstellungshinweise | Gallery Announcements
KUNST Magazin Sammlergespräch Vorschau: Barbara und Axel Haubrok
Impressum | Imprint
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Inhalt | Content

Eliten in der Kunst
Elites in the World of Art
Text: Bettina Steinbrügge Translation: Brian Poole
Es gibt heute fast so viele Bedeutungen des Begriffs
„Elite“ wie Menschen, die sich mit diesem Begriff
befassen. In Deutschland war der Begriff lange Zeit
aufgrund der Rolle der alten bourgeoisen Eliten im
Nationalsozialismus belastet, doch hat er in den
letzten zehn Jahren eine Renaissance erfahren und
ist zu einem schillernden Ausdruck geworden. Aus
diesem Grunde ist zu Guttenberg derzeit so populär,
aus diesem Grunde möchte jeder an einer Elite-
Universität studieren und aus diesem Grunde bilden
sich in der Kunstwelt Milieus heraus, die stärker denn
je auf Exklusivität und einem distinkten Habitus
basieren. Die traditionellen europäischen Eliten
waren relativ homogene Milieus, die sich durch eine
bestimmte Kultur, Erziehung und soziales Benehmen
auszeichneten und sich somit von der Masse
unterschieden. Wer zur Elite gehörte, konnte anhand
von Sprache und Umgangsformen leicht identifiziert
werden. Heute sind Karrieren viel zu heterogen, um
eine einzige Elite herauszubilden, vielmehr steht der
Begriff „Elite“ derzeit für erfolgreiche Menschen,
die finanziell gut aufgestellt sind und über Macht in
ihrem sozialen und geschäftlichen Umfeld verfügen.
Dieser Elitebegriff basiert eher auf einem neoliberalen
Verständnis denn auf einem bürgerlichen, das soziale
Verantwortung wie auch Eigenverantwortlichkeit
umfasst.
Was bedeutet dies nun für das Kunstfeld? Dem
Kunstbegriff hängt per se das Stigma des Elitären
an, wird hier doch das nach dem kapitalistischen
Grundverständnis scheinbar Nutzlose gefeiert, dem
Today the word “elite” has almost as many meanings
as there are people struggling to define it. In Germany
the term has long been burdened by the historic role
of the old bourgeois elites under National Socialism,
but in the last ten years it has enjoyed a renaissance,
and it is now a common yet equivocal expression.
That is why zu Guttenberg is currently so popular,
just about everyone wants to study at the elitist
university and develop connections in the art world
that, more than ever before, are based upon exclusion
and a distinctive habitus. The traditional European
elites were relatively homogenous circles in possession
of a certain standard of culture, education and social
behaviour distinguishing them from the masses. Those
who belonged to the elite could easily be identified by
their language and their comportment. Today, careers
are far too heterogeneous to allow for the creation
of a single elite; rather, the term elite is now used to
refer to successful people who are both financially
well off and powerful in their fields. This approach
to elites is rooted rather in a neoliberal interpretation
than in a bourgeois interpretation of elites, which
earlier included both social responsibility and personal
responsibility.
What does this mean for the arts? The notion of art
has always carried the stigma of elitism, since here
something seemingly useless, from a capitalistic
perspective, is being celebrated, and a value is being
attributed to it that cannot be objectively validated.
The field of art is of interest to about 4% of the
population, the majority of them graduates with a
university education. Their proximity to bohemian
culture, to radicalism and to anti-consumerism is,
Im Soho House hängen die Bilder ...
Foto: Soho House Berlin
noch dazu ein (monetärer) Wert zugeordnet wird,
der objektiv nicht nachprüfbar ist. Das Kunstfeld ist
für ungefähr 4% Prozent der Bevölkerung interessant,
wovon der Großteil auf eine universitäre Ausbildung
zurückblicken kann. Die Annäherung an eine Bohème,
an Radikalität und Gebrauchswertverweigerung wird
gerade auch für die bürgerliche Mitte zu einem Mittel,
sich des eigenen distinkten oder auch nur vermeintlich
distinkten Habitus zu versichern und sich somit in
eine Gesellschaftsschicht einzureihen, die sich von der
werktätigen Bevölkerung abhebt.
Messbarer Erfolg hat immer etwas mit Geld zu tun,
weswegen der Kunstmarkt in den letzten Jahren
eine große Rolle in der kulturellen Elite spielte. Er
ließ nicht nur Sammler zu Stars aufsteigen, sondern
übte auch einen ungeheuren Einfluss auf das
Ausstellungsprogramm öffentlicher Institutionen aus.
In diesem Bereich der Kulturelite gehen wirtschaftliche
Interessen mit denen der politischen Legitimation
und dem Lifestyle einer jungen Stilelite eine enge
Verbindung ein. Ob Soho House, Grill Royal oder
Bar , PanAm Lounge oder eine „Perez Projects“-Party
– das Kunstfeld mit seinem Versprechen auf Erfolg,
Glamour und alternativer Lebensform hat einen
Zirkel entstehen lassen, der die Exklusivität schätzt
und lebt. Künstler und Kunstschaffende haben es in
die Boulevardblätter geschafft und somit auch die
Ökonomien des Feldes verändert. Dieses neoliberale
künstlerische Feld lässt sich als exemplarischer „Winner
take all“-Markt einstufen. Typische Merkmale sind
eine außerordentlich große und auch weitgehend
precisely for the bourgeois middle class, a tool to
ensure their own distinctive – or at least purportedly
distinctive – habitus, and a means to assimilate into
a social class above the workaday world of the larger
population.
Measurable success always has something to do with
money; and, for that reason, the art market has played
a large role among cultural elites in recent years. The
art market has not only allowed collectors to achieve
the status of stars; it has also gained formidable
influence upon the exhibition programmes of public
institutions. In this field of the elite cultural hierarchy,
the financial interests are closely connected to the goal
of political legitimisation and to the lifestyle issues of
the young and fashionable elite. Whether at the Soho
House, the Grill Royal or Bar , the PanAm Lounge
or a Perez Projects’ party, the world of art, with its
promise of success, glamour and alternative lifestyles,
has created a circle of individuals who both value and
live in their exclusivity. Artists and artisans have made
it to the tabloids, and they have thus changed the
economies of the field. This neoliberal artistic field
can best be comprehended as an exemplary “winner
takes all” market. Its typical characteristics are the
extraordinarily large and predominately accepted
inequality of the symbolic and economic capital of
competing artists and art world professionals as well
as the high level of insecurity over the success of both
the artistic production and the careers of the artists.
If this inequality and risk did not exist, the field of art
wouldn’t be interesting, since it only seems worthy to
strive for something that is not easy to have and thus
has to be fought for.
8 9

... in der Forgotten Bar die Künstler brütend überm Schachbrett.
Foto: Jennifer Becker
akzeptierte Ungleichheit des symbolischen und
ökonomischen Kapitals der konkurrierenden Künstler
und Kunstwelt-Professionellen sowie eine hohe
Unsicherheit über den Erfolg der künstlerischen
Produktion wie auch über die Karriere von Künstlern.
Gäbe es diese Ungleichheit und das Risiko nicht, wäre
das Kunstfeld uninteressant, denn es ist nur etwas
erstrebenswert, was nicht so einfach zu haben ist und
damit heiß erkämpft werden muss.
Damien Hirsts „For the Love of God“ spielt mit
diesen Gedanken. Der Totenschädel lässt sich ganz
klassisch vom Materialwert ableiten, ist mit Brillanten
besetzt und deswegen nur von einer ganz kleinen
Gruppe überhaupt zu erwerben. Die Arbeit ist so
unangemessen wie sie preislos ist. Ein bürgerliches
Kunstethos tritt neben den Glamour des „Nouveau
Riche“, verbindet Vergänglichkeit mit Zeitkritik und
führt das ganze System einer zeitgeistigen Elite vor.
Konsequenterweise hält der Künstler selbst Prozente
an dem Werk und hat es nicht komplett dem
Warenkreislauf zugänglich gemacht. Der Schädel als
Mythos und Symbol, das zudem eine gewisse Spannung
zu den nichtelitären Zirkeln der Kunstproduktion
aufrechterhält. Das Sujet der Arbeit ist ein Attribut
der Biker- und Gothicszene, wodurch das Ganze auch
noch die „Street Credibility“ erhält, die zur Bohème
der Kunst gehört. Das Elitäre erscheint hier als
Zwiespalt, der immer wieder durchbrochen werden
muss. Wenn in Carsten Höllers „Soma“ ein Doppelbett
für 000 Euro pro Nacht zur Verfügung steht, dann
muss auch dafür gesorgt sein, dass dieser Exklusivität
0
Damien Hirst’s “For the Love of God” plays upon
these ideas. The skull can be deduced classically
from its material value – laden with jewels and thus
only attainable for a very small group. The work is as
appropriate as it is priceless. A bourgeois art ethos is
added to the glamour of the nouveau riche, combining
transience with contemporary critique while poking
fun at the entire system of the elite zeitgeist. Logically
consistent with this, the artist himself retains a share
in the work, refusing to abandon it completely to the
circulation of consumer goods. Moreover, the skull,
both as myth and as symbol, maintains a certain
tension to the non-elitist circles of art production:
the theme of the work is an attribute of the biker
and gothic scene, yielding the object a sort of “street
credibility” inherent in the bohemian art world. The
elitism appears here as a dichotomy that has to be
resolved again and again. When, in Carsten Höller’s
“Soma”, a double bed is offered up for rent at a price
of one thousand Euros a night, then this exclusivity
must be carefully juxtaposed to the raffling off of free
overnight accommodations. Being elitist in a democracy
thrives upon a schizophrenic relationship to the self,
a balancing act between affirmation and negation
whereby, in art and in its mixture of upper class and
subculture, the concept’s development can be traced
back to a specific habitus more clearly than in other
fields. Here, the Boros Bunker can seem just as elitist as
the Forgotten Bar Project; the Kunst-Werke Institute
for Contemporary Art can seem just as elitist as the
Olbricht Collection; the Gallery neugerriemschneider
as elitist as Tulips & Roses; Angela Melitopoulos
as elitist as Martin Eder; and the art historians and
intellectuals in museum circles or at universities who
die Verlosung kostenfreier Übernachtungsplätze
gegenübersteht. Elite zu sein in einer Demokratie,
lebt von dem schizophrenen Verhältnis zu sich selbst,
dem Bejahen und gleichzeitigen Verneinen, wobei in
der Kunst – in ihrer Mischung aus Upper Class und
Subkultur – die Begriffsbildung stärker als andere
Felder auf den spezifischen Habitus zurückzuführen
ist. Der Boros-Bunker kann hier genauso Elite sein wie
das „Forgotten Bar“-Projekt, die Kunst-Werke genauso
wie die Olbricht Collection, neugerriemschneider wie
auch Tulips&Roses, Angela Melitopoulos wie Martin
Eder oder die Kunsthistoriker und Intellektuellen, die
sich in Museumszirkeln oder den Universitäten um
den Diskurs bemühen, wie auch die Intellektuellen,
die sich, prekär lebend, am internationalen Diskurs
beteiligen. Die Grenzziehungen sind schwierig und
lassen die Frage aufkommen, welche Eliten eigentlich
für das Kunstfeld interessant sind.
Die Aufzählung zeigt, wie einseitig es ist, nur
die neoliberale Kulturelite zu betrachten. Lassen
sich künstlerische Eliten konstatieren, so liegt
die Frage nach den diskursiven Praktiken nahe:
Selbstinszenierung, Protektion und künstlerisches
Können spielen hierbei offenbar komplementäre
Rollen. Bourdieu hat den Begriff der „Elite“ nur
polemisch verwendet und durch das Konzept des
„Feldes der Macht“ ersetzt. Die diskursiven Praktiken
werden zur Deutungshoheit eingesetzt, die immer
wieder neu ausgefochten werden muss. Die heute als
intellektuelle Kunstelite zu bezeichnende Gruppe, die
den Diskurs voranträgt, ist sich dieser Machtspiele
bewusst und benutzt sie zur Distinktion, manchmal,
um Diskurse durchzusetzen, manchmal, um sich des
intellektuellen Gegners zu entledigen. Diese elitären
Diskurse, von Künstlern wie von Kulturakteuren
geführt, sind die Basis zeitgenössischer Kunst. Keiner
möchte doch ernsthaft ein demokratisches Feld, das
sich rein nach Quote den doch etwas schlichten
Diskursen der Populärkultur und deren Verkürzung in
den erfolgreichen Selbstrepräsentationsserien hingibt.
Ein Großteil heutiger Kunst versucht, Gegenprozesse
und Gegenmodelle der Kooperation in Gang zu setzen,
die soziale Alternativen aufzeigen. Artur Żmijewski
z. B. geht analytisch mit dem Projekt der Kunst als
sozialem Gestaltungsmodell um, Alicja Kwade befragt
mit ihren „Bordsteindiamanten“ Äußerlichkeit und
Wertschöpfungsprozesse, und die Bruce High Quality
Foundation bedient sich der Komplizenschaft, um neue
Formen des Gemeinwohls zu erproben. Das Elitäre
schafft hier Freiräume für den individuellen Ausdruck,
und gerade weil die Kunst so eng mit den elitären
Machtzirkeln aus Wirtschaft und Politik verbunden ist,
stehen die politischen Themen in einem interessanten
Resonanzverhältnis zu Autorität und Kapital. Wenn
sich engagierte und gebildete Menschen in freier,
öffentlicher Rede über gesellschaftlich wichtige
Fragen zu verständigen suchen, beeinflussen sie die
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Fantasie und die Interessen der Machteliten wie der
breiten Bevölkerung und verändern schließlich auch
ihre Denkweisen.
Kunst ohne Elite ist wie Sex ohne Partner, manchmal
vielleicht ganz lustig, aber auf Dauer doch einfach
nur fad. Aber neoliberale Eliteverständnisse, die sich
derzeit nur zu gerne mit dem Kunstfeld verbinden,
sollten zur Distanz verpflichten. Die Vitalität und
Stabilität einer Gesellschaft hängen eminent von ihrer
Durchlässigkeit ab. Eliten dürfen sich nicht nur aus
sich selber rekrutieren, sondern sind allein in einem
relativ gleichberechtigten Wettstreit brauchbar. Nicht
brauchbar dagegen sind Rekrutierungssysteme, in
denen ohnehin schon Privilegierte versuchen, ihre
Privilegien und Weltbilder zu verteidigen.
Vgl. Isabelle Graw : „Der große Preis“, Köln 008
Vgl. Robert H. Frank/Philip J. Cook: „The Winner-Take-
All Society“, New York 995
Vgl. Pierre Bourdieu: „Die feinen Unterschiede“,
Frankfurt am Main 987
Bettina Steinbrügge studierte Kunstwissenschaft, Englische
Philologie und Vergleichende Literaturwissenschaft in
Kassel. Sie arbeitet als Kuratorin, Autorin und Dozentin.
Sie ist wissenschaftliche Beraterin der Künstlerstätte
Schloss Bleckede und Sprecherin des Arbeitskreises
der niedersächsischen Stipendiatenstätten in Hannover.
Nach verschiedenen Lehraufträgen am Fachbereich
Kulturwissenschaften der Universität Lüneburg ist sie seit
April 2005 wissenschaftliche Mitarbeiterin und Kuratorin
im Leitungsteam des Kunstraums der Universität
Lüneburg.
Bettina Steinbrügge studied art history, English, and
comparative literature in Kassel. She now works as a
curator, author, and lecturer. She is academic advisor at
the Bleckede Castle Artists’ Retreat and speaker of the
working group of Lower Saxony’s Stipend Recipients’
Retreats in Hannover. Following various teaching positions
in the faculty of cultural studies at the University of
Lüneburg, she has been working as a member and curator
of the directorial team of the gallery at the University of
Lüneburg since April 2005.
are responsible for the discourse surrounding art may
seem as elitist as the intellectuals surviving precariously
as they participate in the international discourse. It’s
difficult to draw boundaries: they raise the question of
which elites are actually of interest to the art field.
The list shows how one-sided it is to consider only the
neoliberal cultural elite. Wherever artistic elites can be
found, the question of their discursive practices has to
be raised: their “self-fashioning”, their patronage and
their artistic skills obviously play a complementary role
here. Bourdieu used the term “elite” strictly polemically,
replacing it with the concept of a “field of power”.
The discursive practices are applied as an interpretive
authority that has to be reevaluated and rehashed
again and again. The group promulgating this discourse
– the group that today is referred to as the intellectual
and artistic elite – is obviously aware of these power
struggles, and they use them to distinguish themselves:
sometimes in order to assert their own discourses,
sometimes to get rid of an intellectual opponent.
Conducted by artists and cultural agents, these elite
discourses form the foundation of contemporary art.
No one sincerely wants a democratic field here that,
in strict adherence to ratings, is abandoned to the
rather simplistic discourse of popular culture and its
reduction of everything to a successful series of selfrepresentations.
The lion’s share of contemporary art strives to
initiate oppositional processes and models of
cooperation offering social alternatives. For example,
Artur Żmijewski treats art projects analytically as
opportunities to create social structures; with her
“Sidewalk Jewels” Alicja Kwade calls into question
appearances and the processes of creating added
value; and the Bruce High Quality Foundation
recruits accomplices in order to test new forms of
public welfare. The elitism creates free spaces here
for individual expression; and, precisely because art
is so intimately connected to the elite power circles
of finance and politics, the political issues bear an
interesting relationship to authority and capital. When
engaged and educated people struggle to come to
terms with socially important questions in free public
speech, they influence the fantasy and the interests of
the power-wielding elites as well as the broader public,
ultimately changing the way they think.
Art without an elite is like sex without a partner:
sometimes its fun, but in the long run it just gets dull.
Still, the neoliberal conceptions of elites currently
vying to attach themselves to the field of art should be
kept at a distance. The vitality and stability of a society
depends largely upon its openness. Elites cannot be
permitted to recruit only amongst themselves: they are
only useful if the are held in balance by competition
based upon the principle of equal rights. Recruiting
systems in which privileged individuals attempt to
defend their privileges and their world views are, in
contrast, of no use at all.

Review: Yoko Ono. Das Gift
Haunch of Venison Berlin, 10. September–13. November 2010
Review: Yoko Ono. Das Gift
Haunch of Venison Berlin, 10 September–13 November 2010
Text: Tanja Dückers Translation: Brian Poole
Wer die Ausstellung „Das Gift“ von Yoko Ono
betritt, unternimmt eine Reise zurück in die Zeit von
„Love and Peace“. Da stößt man auf von der Decke
baumelnde Soldatenhelme, in denen blau-weiße
Puzzleteile – ein zerstückelter Himmel – liegen. Jeder
Besucher soll sich ein Stück Himmel mit nach Hause
nehmen. Dunkle Mäntel mit Schusslöchern verbreiten
ebenfalls düstere Stimmung. Eine Leinwand, versehrt
mit tiefen Schnitten und einer langen Nadel, wartet
auf den Besucher, der hier, wie es heißt, seine Wunden
nähen, also: sich selbst heilen kann.
Wer glaubt, dass heute niemand mehr auf
solcherart Kitsch anspringt, irrt sich gewaltig. Die
mehrheitlich jungen Besucher der Ausstellung
sticken Schmerzensbekenntnisse wie – in rührend
falschem Englisch – „Love hurts ... without heals“ auf
die Leinwand, zitieren Beatles-Songs oder frühere
Arbeiten von Yoko Ono wie „A hole to see the sky
through“. Eine eifrige Näherin erklärt auf Nachfrage,
sie hätte vor drei Wochen ihr Kind per Kaiserschnitt
zur Welt gebracht und sei froh, jetzt ihre Wunde
vernähen zu können, dafür sei sie extra 60 km
angereist. Beeindruckender – und die weitaus beste
Arbeit der Ausstellung – ist „Memory of Violence“. In
der Berliner Presse wurde dazu aufgerufen, Zettel oder
Fotos mit eigenen Erinnerungen an erfahrene Gewalt
mitzubringen und an die entsprechenden Stellen auf
vergrößerten Stadtplänen von Berlin zu heften. „Pin
your memory“, wird der Besucher aufgefordert. So ist
eine Berliner Seelenlandschaft vor dem Hintergrund
des geografischen Berlins zum Vorschein gekommen.
Was hier zur Sprache kommt, hätte in keiner anderen
Stadt seinen Niederschlag gefunden: Da hat jemand
„Mauertote“ geschrieben, ein anderer „Gewaltsame
Räumung des Jugendzentrums Putte im Wedding
974“. Die Zahl „6.000 000“ verwirrt zunächst,
dann erkennt man, dass sie über das Mahnmal für
When you walk into the exhibition “Das Gift”
(“Poison”) by Yoko Ono, you embark on a journey
back through time back to the age of love and peace.
Here you will encounter military helmets swinging
from the ceiling in which blue and white puzzle pieces
have been placed, like dismembered fragments of the
sky. Visitors are invited to take a piece of this sky home
with them. Dark coats punctured with bullet holes
also contribute to the sombre atmosphere. A screen
seemingly wounded by deep cuts and pierced by a
long needle awaits the viewer. Here, as they say, you
can knit your wounds. You can heal yourself.
Those who believe that no one could still be intrigued
by such kitsch will be sorely deceived. The largely young
visitors at the exhibition pin their written lamentations
in touchingly broken English – “Love hurts … without
heals” – to the screen, quoting Beatles’ songs or earlier
works by Yoko Ono such as her “A hole to see the sky
through”. If you ask, a diligent seamstress will tell you
how she just gave birth to a child three weeks ago via
caesarean section, and how happy she is now to be
able to stitch her wounds, having travelled 40 miles
just to get here. Even more impressive – by far the best
work at the exhibition – is the “Memory of Violence”:
local newspapers in Berlin asked people to bring notes
or photos of the memories of the violence they have
suffered through and to pin them to an enlarged map
of the city. “Pin your memory” is a call addressed to
the visitors, and the images they bring with them give
rise to a psychological landscape overlaying Berlin’s
geography.
What finds expression here would not have found
expression in any other city. Someone wrote “Deaths
at the Wall”, another “The violent eviction of the youth
centre ‘Putte’ in Berlin-Wedding 974”. The number
Yoko Ono: Shattered Glass, Installationsansicht, Photo: Christian Glaeser
© 0 0 Yoko Ono All Rights Reserved
die ermordeten Juden gekritzelt wurde. Über dem
S-Bahnhof Lichtenberg steht „Nazis – 989“, am U-
Bahnhof Hermannplatz „Vier Türken verprügeln einen
Mann, niemand hilft“. Ein paar Meter weiter steht
einfach nur „Klaus“. Noch ein paar Straßen weiter:
„Selbstmord eines Freundes.“ An der Bülowstraße
findet sich der Hinweis: „Bülowstraße 55, 0. . 98 –
besetztes Haus geräumt, 00 Besetzer betroffen, Haus
danach abgerissen“. Ironischerweise findet sich auch
ein Zettel mit „John-Lennon-Gymnasium“, allerdings
ohne weiteren Kommentar – hat an dieser Schule
jemand eine Gewalterfahrung gemacht? „Memory of
Violence“ ist ein einzigartiges Kollektivkunstwerk; ein
Experiment, das mithilfe der Partizipationsbereitschaft
der Besucher gelungen ist.
Wer will, kann sich noch fotografieren lassen und Teil
der Arbeit „Berlin Smile“ werden. Wie immer bei Yoko
Ono ist die Idee schlicht: Nach der Konfrontation mit
Krieg, Verlust und Schmerz darf man am Ende doch
noch lächeln und glücklich sein. Auf das Gift der
Gewalt folgt das Gegengift der Liebe. Man könnte
trotzdem einigermaßen mit Yoko Ono versöhnt die
Ausstellung verlassen, wäre da nicht die Riesenvideo-
Installation „Shadows“: Äußerst disparate Bilder von
Gewalt – Zweiter Weltkrieg, Irakkrieg, sich balgende
Kinder – prasseln auf den Besucher ein. Der Einfall, den
Besucher selbst noch als Schatten über die Leinwand
huschen zu lassen und so plump der Mitschuld an
allem Bösen in dieser Welt zu bezichtigen, kann auch
nichts mehr retten. Yoko Ono differenziert nicht
zwischen Angriff und Verteidigung in kriegerischen
Konflikten, nicht zwischen Erwachsenen und Kindern.
Das Konkrete und Persönliche, das Gewalt erst richtig
spürbar macht und in den Berlin-Stadtplänen auf
eindringliche Weise sichtbar wurde, fehlt. So kommt
die Ausstellung am Ende wieder auf Friedensdemo-
Flugblattniveau an.
“6,000,000” is perplexing at first, until you realise that
it was inscribed atop the memorial for murdered Jews.
Above the train station Lichtenberg you’ll find “Nazis
– 989”, and at the Hermannplatz subway station
“Four Turks beat up a man, and nobody helps”. A few
metres further: “Suicide of a friend”. At Bülowstrasse
hangs the note: “Bülowstrasse 55, 0 December
98 , squatters evicted from building, 00 squatters
affected, thereafter the building was torn down”.
Ironically, there’s also a pointer to the “John Lennon
High School”. Did someone suffer from violence here?
“Memory of Violence” is a unique collective artwork,
an experiment that, thanks to the willingness of the
visitors to participate, has been a great success.
Those who want to can have their picture taken and thus
become part of the work “Berlin Smile”. As always with
Yoko Ono, the idea is simple: following an encounter
with war, loss or pain, you’re still allowed to smile and
be happy after all. The poison of violence (“Das Gift”)
is followed by the antidote of love. And you could
still leave the exhibition having reconciled yourself
with Yoko Ono, were it not for the monstrous video
installation “Shadows”. Extremely disparate images of
violence – World War II, the war in Iraq, scuffling kids
– pour down upon the visitor. The idea of allowing
the visitors’ shadows to be cast upon the screen – thus
blatantly accusing them of sharing the blame for the
evil in the world – really cannot be salvaged. Yoko Ono
fails to differentiate between offensive and defensive
warfare, or between adults and children. The concrete
and personal element that renders violence so palpable
– visualised so impressively in the Berlin city maps – is
missing here. Thus the exhibition ultimately ends on
a mediocre note, on the level of a demonstration or
leaflet for peace.
4 5

KUNST Magazin Sammlergespräche: Manfred P. Herrmann
„Die Kunst belebt das Leben, das ist das Schöne daran“
KUNST Magazin Conversations with Collectors: Manfred P. Herrmann
“Art enlivens life, and that’s the beautiful thing about it.”
Interview: Jan Kage, Text: Franczeska Gutsch Translation: Brian Poole
Manfred P. Herrmann ist Steuerberater und
zugleich Kunstsammler. Das ergänzt sich perfekt,
denn die Mandanten seiner Steuerkanzlei H/P/T/P
sind vorwiegend Galeristen und Kunstschaffende.
Gemeinsam mit seiner Frau Burglind-Christin
Schulze-Herrmann sammelt er seit über 5 Jahren
zeitgenössische Malerei, Fotografie und Skulptur.
Zu Hause und in seiner Kanzlei sind in erster Linie
Arbeiten von Berliner Künstlern zu sehen, dazu zählen
u. a. Daniel Richter, Jonathan Meese, John Bock, Artists
Anonymous, Philip Grözinger und Birgit Dieker.
Deine Sammlertätigkeit begann Anfang der 80er-Jahre,
als du den Galeristen Volker Diehl kennengelernt
hast. Was war das für eine Begegnung?
Ich habe Volker Diehl über eine Mitarbeiterin der
Galerie kennengelernt und durch ihn meine erste
Berührung mit zeitgenössischer Kunst gehabt. In
seiner Galerie kaufte ich auch meine erste Arbeit von
dem österreichischen Künstler Erwin Bohatsch, die
noch heute in meinem Büro hängt.
Bisher hast du dich nur von zwei deiner Arbeiten
getrennt und es später bitter bereut.
Genau. Das waren zwei Arbeiten von Baldessari und
Robert Gober, die ich leider verkauft habe. Beides
hätte ich nicht tun sollen. Seitdem verkaufe ich nichts
mehr.
Manfred P. Herrmann is a tax consultant, but he’s also
an art collector. The activities complement each other
perfectly, since his clientele at the offices of the H/
P/T/P tax consultants are largely gallerists and artists.
Together with his wife Burglind-Christin Schulze-
Herrmann, he has been collecting contemporary
painting, photography and sculpture for over 5 years.
At his home and at his office one finds primarily
works of Berlin artists, among them Daniel Richter,
Jonathan Meese, John Bock, Artists Anonymous, Philip
Grözinger and Birgit Dieker.
You started collecting art at the beginning of the 80s
when you met the gallerist Volker Diehl. What was
that encounter like?
I met Volker Diehl through a staff member of the
gallery, and through him I came into contact with
contemporary art for the first time. It was at his gallery
that I bought my first work of art by the Austrian artist
Erwin Bohatsch – it’s still hanging in my office.
In the past you’ve only managed to separate yourself
from two works from your collection, and you’ve
regretted it dearly.
True indeed. They were works by Baldessari and Rober
Gober; unfortunately, I sold them. I shouldn’t have
done that. Since then I won’t sell anything else.
Manfred P. Herrmann im Gespräch mit Yaneq in der Bar Tausend am
4. November 0 0.
Du sammelst weniger nach Stil, sondern mehr nach
Gefühl. Fällt es dir schwer, dich für eine Arbeit zu
entscheiden?
Nein. Ich sammle zusammen mit meiner Frau Burgi.
Sie hat Kunstgeschichte studiert und auch das
bessere Auge. Wir sammeln zwar keine bestimmte
Stilrichtung, konzentrieren uns aber ausschließlich auf
zeitgenössische Kunst. Dabei gehen wir immer sehr
intuitiv vor.
Auf welchen Messen kauft ihr in erster Linie?
Meist kaufen wir auf den Messen in Berlin oder Basel.
Früher war ich auch oft in Köln. London und Miami
schaffe ich dagegen meist nicht, weil diese immer in
den Monaten stattfinden, in denen ich beruflich stark
eingespannt bin.
Bei einem Blick auf eure Sammlung fällt auf, dass 70–
80% der Künstler aus Berlin kommen. Wie wichtig ist
der persönliche Kontakt zu den Künstlern?
Der persönliche Kontakt ist uns sehr wichtig, weil man
dadurch meist auch die Arbeiten viel besser versteht.
Mit einigen der Künstler bin ich mittlerweile auch
sehr gut befreundet, das ist ein herrlicher, von mir sehr
geschätzter „Nebeneffekt“.
Es gibt in deinem Büro eine Arbeit von Nam June
Paik, die die Haltung der Sammlung verdeutlicht.
Darauf steht: „When too perfect, lieber Gott böse.“
You collect less according to style, and more according
to feeling. Do you find it difficult to choose a work for
your collection?
No, I don’t. I collect with my wife Burgi. She studied
art history and has a better eye for art. We don’t collect
in any specific stylistic direction, but we do focus
exclusively upon contemporary art. And our approach
is always intuitive.
What art fairs do you attend when buying art?
We usually buy art at the art fairs in Berlin or Basel.
Earlier I was often in Cologne. I don’t often make it to
London or Miami because the fairs there take place
during the months when I am very busy at the office.
At first glance your collection appears to be made up of
70 to 80 percent Berlin-based artists. How important
to you is the personal contact with the artists?
The personal contact is very important to us because
it often helps us to understand the works much better.
I’ve actually become good friends with some of the
artists, and that is a wonderful “side effect” I highly
value.
There’s a work by Nam June Paik at your office that
clarifies the character of your collection. It has the
following text on it: “When too perfect the holy father
gets angry.”
Actually, that’s not an art work but a maxim. In it I find,
above all, the motto for our work as tax consultants. We
have to be perfectionists, and yet we have to accept at
the same time that everything has limitations.
There are many gallerists and artists among your
clients. Do they ever pay their bills with artworks?
Unfortunately it’s not possible to mix the professional
side of things that closely with the private passion.
The staff at the office and the electricity bills cannot
be paid with art. And with renowned artists that
wouldn’t work because our fees are actually not that
high. But sometimes, with younger artists, I do accept
an artwork instead of payment for our tax consulting
services. That can also be a form of support we both
stand to profit from.
How much vanity is involved in collecting – the feeling
that you’ve got a good nose for it?
I once bought a work from Peter Doig for 800 DM,
and now its worth about a thousand times as much.
Naturally that makes one very happy. It’s always
exciting to follow the development of an artist. But
the increase in value is actually not the most important
thing. I have lots of works that haven’t increased in
value so quickly, and yet they are nevertheless great
works.
Much has happened in Berlin in recent decades. How
would you describe the period?
At the end of the eighties things appeared to be
stagnating in Berlin, but then in the mid-nineties things
6 7

Das ist eigentlich kein Kunstwerk, sondern ein Spruch.
Ich sehe in ihm v. a. das Motto unserer Arbeit als
Steuerberater. Wir müssen zwar Perfektionisten sein
und dennoch akzeptieren, dass alles seine Grenzen
hat.
Unter deinen Klienten gibt es eine Menge Galeristen
und Künstler. Zahlen sie ihre Rechnungen in Form
von Kunstwerken?
Es ist leider nicht möglich, das Berufliche und die private
Leidenschaft immer derart eng zu verknüpfen – die
Mitarbeiter der Kanzlei oder unsere Stromrechnung
können wir leider nicht mit Kunst bezahlen. Bei großen
Künstlern geht die Verrechnung auch gar nicht, weil
unsere Honorare gar nicht so hoch sind. Manchmal
mache ich das aber mit jungen Künstlern und nehme
für die Steuererklärung anstelle der Bezahlung eine
Arbeit. Das kann ja auch eine Form der Unterstützung
sein, von der dann sogar beide Seiten profitieren!
Inwieweit spielt Eitelkeit beim Sammler eine Rolle,
das Gefühl, den richtigen Riecher gehabt zu haben?
Ich habe von Peter Doig einmal eine Arbeit für 800
DM gekauft, die heute ein Tausendfaches wert ist. Das
freut einen natürlich sehr. Es ist immer spannend, die
Entwicklung eines Künstlers mitzuverfolgen. Aber die
Wertsteigerung ist nun wirklich nicht das Wichtigste.
Ich habe viele Arbeiten, die im Wert nicht so schnell
gestiegen sind und die natürlich trotzdem tolle
Arbeiten sind.
In Berlin ist in den letzten Jahrzehnten viel passiert.
Wie würdest du diese Zeitspanne beschreiben?
Ende der 80er-Jahre stagnierte es in Berlin und wurde
dann Mitte der 90er-Jahre wieder richtig gut. Als viele
Künstler aus dem In- und Ausland nach Berlin zogen
und sich eine Galerie-Szene formierte, wurde es sehr
spannend. Als „Kunst-Steuerberater“ habe ich eine
ganze Reihe von Künstlern und Galeristen begleiten
dürfen, die heute zur Welt-Elite der Kunst gehören.
Das ist natürlich großartig. Vor allem, dass so viele
Mandate bis heute andauern.
Wie viel Substanz hat die Kunst- und Galerienszene
in Berlin und wie lange hält deiner Meinung nach
dieser Erfolg an?
Das Problematische an Berlin ist, dass es hier zu wenig
Sammler gibt. Den Ausgleich schaffen jedoch die
vielen Galerien, die internationale Sammler regelmäßig
in die Stadt holen, weil man hier in kurzer Zeit sehr
viel sieht und die Künstler besuchen kann. Da Lofts
und Ateliers im Vergleich zu London, Paris oder New
York sehr günstig sind, haben die Künstler in Berlin
sehr gute Arbeitsbedingungen. Insgesamt macht so der
Standortvorteil die geringe Sammlerdichte wett. Ich
denke, das wird bis auf Weiteres auch nicht einfach
abreißen.
Wie groß ist die Zeigefreude als Sammler?
Ich zeige die Arbeiten immer gerne und freue mich,
Birgit Dieker: Organsack, 00
got really good. Many artists from Germany and abroad
moved to Berlin and created a gallery scene here, and
that was very exciting. As an ‘arts’ tax consultant I’ve
had the privilege of working continuously with a great
number of artists and gallerists who now belong to the
world’s elite in art. And of course that’s wonderful
– particularly the fact that we’ve retained so many
clients right up to the present.
How substantial is the art and gallery scene in Berlin,
and how long, in your opinion, is this success going
to continue?
The problem with Berlin is that there aren’t enough
collectors here. That is, however, compensated by
the large number of galleries that regularly attract
international collectors to the city because here you
can see a lot of art and meet the artists in short period
of time. The lofts and ateliers are considerably cheaper
here than in London, Paris and New York, and thus the
artists in Berlin have rather good working conditions.
By and large, the advantages of the city make up for
the lack of collectors here. In my view, that won’t
change in the near future.
How much pleasure does the collector take in showing
the works he’s collected?
I like to show the works I have, and I’m always happy
when guests at the office or at home take an interest in
the works or request a tour. It’s fun to see how others
also enjoy the works we’ve collected.
wenn jemand im Büro oder zu Hause daran Interesse
hat oder nach einem Rundgang fragt. Es macht Spaß
zu sehen, wie sich andere über die gesammelten
Arbeiten mitfreuen.
Gibt es eine große Schau oder Kataloge, in denen ihr
eure Sammlung der Öffentlichkeit vorstellt?
Nein, das haben wir bisher nicht getan. Wenn ich
gefragt werde, würde ich darüber nachdenken, aber
ich weiß nicht, ob unsere Sammlung so eine große
Bedeutung hat. Vor zwei Jahren habe ich jedoch
angefangen, alles zu sortieren und zu archivieren, um
nicht den Überblick zu verlieren.
Ich stelle mir das Sammlerdasein wie eine Art
Lebensgefühl vor. Ist das so?
Ja, das ist allgegenwärtig. Überall, egal ob in der Kanzlei
oder zu Hause, hängen Arbeiten, zu denen man eine
enge Bindung hat. Auch durch die vielen Freunde und
Bekannten im Kunstbereich wird natürlich ein großer
Teil des Lebens davon geprägt. Das ist eine tagtägliche
Bereicherung.
Jetzt, fast am Jahresende: Was hat dich 2010
begeistert?
Besonders angesprochen haben mich in diesem Jahr
drei malerische Positionen: Billy Childish, Wawrzyniec
Tokarski und immer wieder Herbert Volkmann. Die
konnte ich zum Glück auch alle meiner Sammlung
hinzufügen bzw. vorhandene Werkgruppen ergänzen.
Frage aus dem Publikum:
Was sagen Sie zu Kunst als Anlage-Klasse?
Wenn man gut kauft, kann man sein Geld mit
Sicherheit sehr gut anlegen. Es wird aber auch immer
Fälle geben, wo man ein bisschen danebenliegt,
deswegen sollte Wertanlage nie das alleinige Motiv
für das Sammeln sein. Allerdings kann einem das
mit Immobilien oder Aktien genauso passieren. Es ist
legitim, Kunst als Wert zu sehen, weil man auch viel
Geld dafür ausgibt. Es geht nicht nur darum, etwas
Schönes an der Wand zu haben, sondern auch darum,
die Werte zu erhalten. Man muss nur vorsichtig sein
und sich gut beraten lassen.
Vielen Dank für das Gespräch, Manfred Herrmann!
Frau Schulze-Herrmann: Ich möchte gern die
Gelegenheit ergreifen und allen danken, die hier sind
und unser Leben bereichert haben. Die Kunst belebt
das Leben, das ist das Schöne daran.
Unser Moderator, der Soziologe Jan Kage alias Yaneq, spricht
jeden Donnerstag um 9h in seiner Sendung „Radio Arty“
mit Künstlern und Kuratoren auf 00,6 MotorFM.
Das Gespräch finden Sie in ungekürzter Form auf
www.kunstmagazin.de
Do you have a catalogue or is there an exhibition where
you present your collection to the larger public?
No, we haven’t done that yet. If I were asked to, I
would consider it, although I don’t know whether our
collection has such a great significance. But two years
ago I began to sort out and record the works in the
collection, just to make sure that I wasn’t losing track
of what we’ve got.
I imagine that the collector’s existence is based upon
a certain feeling for life. Is that true?
Yes, and it’s everywhere. Everywhere – whether at the
office or at home – there are works of art that we feel
closely connected to. And thanks to the many friends
and acquaintances in the field of art, a large part of
our life is defined by art. That is a daily personal
enrichment.
Now that the year is almost over, what inspired you
most of all during 2010?
This year I felt particularly intrigued by three painters:
Billy Childish, Wawrzyniec Tokarski and Herbert
Volkmann, whose works have often intrigued me in
the past. Fortunately I managed to add all of them to
my collection, or to supplement the already existing
groups of works.
Question from the audience:
What can you say about art as a type of investment?
If you buy carefully, it certainly is a good way to invest
your money. But there will also be cases where the
acquisitions don’t quite pay off; and for that reason,
the investment should not be the only motive for
collecting, although the same thing can happen with
real estate or stocks. It is legitimate to view art as a
value, since you also pay a lot of money for it. But it’s
not only a question of owning something beautiful to
hang on the wall; it’s also a question of maintaining the
value of the investment. You only have to be careful
here and to seek good advice.
Thank you, Manfred Herrmann, for the
conversation!
Mrs Schulze-Herrmann: I’d like to take this
opportunity to thank all the people here who have
enriched our lives considerably. Art enlivens life, and
that’s the beautiful thing about it.
Our moderator, the sociologist Jan Kage, alias Yaneq,
moderates the radio programme “Radio Arty” (MotorFM,
00,6) with guest artists and curators every Thursday at
7pm.
You will find this conversation unabbreviated at:
www.kunstmagazin.de
8 9

Galerieprofil: Galerie Christian Nagel
„Kunst sollte intelligent und vom Mainstream abgehoben sein“
Gallery Profile: Galerie Christian Nagel
“Art should be intelligent and stand out from the mainstream”
Interview: Hannah Nehb Translation: Brian Poole
Christian Nagel ist Galerist geworden, um sich
nicht von anderen vorschreiben lassen zu müssen,
welche Ausstellung er zu machen habe. Sondern
um bei Ausstellungen eigene Wünsche realisieren
zu können. 986 bot sich dem Kunsthistoriker diese
Chance in München. Zusammen mit Matthias Buck
leitete er zwei Jahre lang die Galerie Dürr und zeigte
in dieser Zeit u. a. Martin Kippenberger, Franz West
und Heimo Zobernig.
Seit zwei Dekaden betreibt Christian Nagel in
verschiedenen Kunstzentren eigene Galerien. 990
eröffnete der gebürtige Münchner seine erste Galerie
in Köln mit Arbeiten von Cosima von Bonin, 998
initiierte er den Kunstraum INIT in Berlin und seit
00 betreibt er eine zweite Galerie gegenüber der
Volksbühne in Berlin. Im Mai dieses Jahres ist ein
Galerieraum in Antwerpen hinzugekommen.
Christian Nagel sucht Künstler, die Substanz haben.
Künstler, die sich vom Mainstream abheben. Die
gesellschaftlich wie politisch Stellung beziehen
und ihre Kritik mit einer eigenen ästhetischen
Formensprache auf intelligente Weise umsetzen
wie z. B. Mark Dion, Kai Althoff, Merlin Carpenter,
Catherine Sullivan oder Martha Rosler. Etwas jünger
ist die von Nagel vertretene Künstlergeneration um
Sven Johne, Jan Timme, Stefan Müller oder Cornelius
Quabeck. Zu den jüngsten Künstlern, die die Galerie
vertritt und die einen Paradigmenwechsel einläuten
könnten, zählen Keren Cytter, Dominik Sittig oder
Julia Horstmann.
Christian Nagels Engagement geht weit über das
Tagesgeschäft einer Galerie hinaus, konstruktiv
0
Christian Nagel became a gallerist so that no one else
could tell him what he had to exhibit, and so that he
would be able to fulfil the aspirations important to
him at his exhibitions. In 986 this art historian got
his chance in Munich. Together with Matthias Buck
he directed the Galerie Dürr for two years, and during
this time he managed to exhibit Martin Kippenberger,
Franz West and Heimo Zobernig, among others.
For two decades now Christian Nagel has been
operating his own galleries hin various artistic centres.
In 990 the native resident of Munich opened his first
gallery in Cologne with works by Cosima von Bonin;
in 998 he initiated the Kunstraum INIT in Berlin;
and since 00 he has been managing a second gallery
across the street von the Volksbühne theatre in Berlin.
In May of this year he added a gallery location in
Antwerp.
Christian Nagel keeps his eye out for artists of
substance, artists who distinguish themselves from the
mainstream – artists who take a stand both socially and
politically, structuring their critique intelligently and
using their own aesthetic language, as is the case with
artists like Mark Dion, Kai Althoff, Merlin Carpenter,
Catherine Sullivan and Martha Rosler. The younger
generation of artists represented by Nagel include
Sven Johne, Jan Timme, Stefan Müller and Cornelius
Quabeck; and among the very youngest of them all
– those who may well initiate a paradigm change – are
Keren Cytter, Dominik Sittig and Julia Horstmann.
Christian Nagel is actively engaged far beyond the
day-to-day business at the gallery. He also helps to
constructively shape the art scenes in Cologne and
Gedruckte Floor-Cuttings: Kilpper hat Motive der Geschichte der Überwachung in den Boden der Stasi-Kantine eingeritzt.
Thomas Kilpper: Punk statt Stasi, 0 0, Installationsansicht, Courtesy: Galerie Christian Nagel, Foto: Simon Vogel
gestaltet er die Kunstszene in Köln und Berlin mit.
Im vergangenen Jahr hat Nagel zusammen mit
Thomas Rehbein in Köln eine „rental gallery“ ins
Leben gerufen. Unterstützt von der Stadt, bietet die
jetzige „Temporary Gallery“ dank günstiger Mieten
auswärtigen Galerien und jungen Kuratoren die
Möglichkeit, eigene Ausstellungen zu organisieren.
005 war Nagel einer der Mitbegründer des „Open
Space“ der Art Cologne.
Der Galerist gibt jedoch nicht nur starke Impulse,
sondern bringt sich auch durch Widerworte in
Diskussionen ein. Als beispielsweise vor vier Jahren
die Art Cologne an Rang zu verlieren drohte, tat
Nagel in einem offenen Brief seinen Unmut kund
– die Messe stellte sich der Kritik. Nagel begrüßte die
Instruktion des neuen Leiters Daniel Hug und war
wieder dabei. Auch jüngst hat Christian Nagel Position
bezogen. Als Stammgast der großen Messen in New
York, Basel, Miami und Köln – möglicherweise auch
bald in Brüssel – nahm seine Galerie seit letztem Jahr
nicht mehr am art forum berlin teil, einer Messe, die
der Galerist 996 selbst mit auf den Weg gebracht
hatte. Mit seinem Fernbleiben reagierte er auf die
negative Entwicklung des art forums, das seiner
Meinung nach mittlerweile zu wenig Profil zeigt. Ob
er zurückkehren wird, ist derzeit noch ungewiss.
Dafür steht eine andere Sache fest: Nach 0 Jahren
schließt Christian Nagel Ende November 0 0
seinen Kölner Galerieraum. Doch ganz aufgegeben
wird Köln nicht. Künftig wird Nagel dort ein zentral
operierendes Büro unterhalten, ab nächstem Frühjahr
sind Ausstellungen in und um Köln herum geplant
Berlin. During last year Nagel founded the “rental
gallery” in Cologne together with Thomas Rehbein.
Supported by the city, this “temporary gallery” offers
galleries and young curators from outside the city the
opportunity to organise there own exhibitions here,
all thanks to very affordable rents. In 005 Nagel was
among the founders of Open Space at Art Cologne.
But Nagel doesn’t only unleash new impulses in the
field; he also contributes provocative arguments to
discussions. When the Art Cologne appeared to be
losing stature four years ago, Nagel expressed his
annoyance in an open letter. The art fair responded to
his criticism. Nagel welcomed the plans of the new
director Daniel Hug and renewed his participation
at the fair. Just recently Christian Nagel has taken
another stand: although a regular guest at the greater
art fairs in New York, Basel, Miami and Cologne – and
perhaps Brussels will soon be added – since last year
his gallery has not participated in the art forum berlin,
which the gallerist Nagel himself helped to developed
back in 996. His absence was his way of reacting to
the negative evolution of the art forum, which in his
opinion is lacking in profile. He’s still not sure whether
he’ll return or not.
But one thing is certain: after twenty years Christian
Nagel is closing his Cologne gallery in the Belgium
district of the city. He’s not exactly abandoning
Cologne entirely; in the future Nagel will maintain a
centrally operating office here. In the spring of next
year exhibitions are planned in and around Cologne.
So this is not a retreat, but rather a step forward. And
with Thomas Kilpper’s exhibition “Punk, not Stasi”

– also kein Rückzug, sondern ein Schritt nach vorne.
Mit Thomas Kilppers Ausstellung „Punk statt Stasi“
verabschiedet sich Christian Nagel aus seinen Räumen
im Belgischen Viertel in Köln. Im Zentrum stehen
Arbeiten, die letztes Jahr im Rahmen von Kilppers
Projekt „State of Control“ entstanden sind. Dafür hatte
der Künstler den PVC-Boden der ehemaligen Stasi-
Kantine in einen riesigen Druckstock verwandelt und
Motive zum Thema Überwachung und Widerstand in
den Fußboden geritzt. Anschließend wurden Stoffe
und Papier mit diesen „Floor Cuttings“ bedruckt, ein
extrem heterogenes Geschichtspanorama von Tätern
und Opfern entstand: Neben Personen des DDR-
Überwachungsstaats schnitt Kilpper auch Konterfeis
von Rosa Luxemburg oder Nelson Mandela in den
Boden, auch Willy Brandt, Ulrike Meinhof oder Michel
Foucault sind dabei. Diese Mischung vermittelt eine
asynchrone Auffassung von Geschichte und feuert
eine Auseinandersetzung mit der Vergangenheit
geradezu an. Nagel hat nun die gerahmten Drucke
an einen westdeutschen Ort transportiert. Die
Hängung sondiert sorgfältig: Im Ausstellungsraum
selbst sind Politikerporträts zu sehen – laut Kilpper
„die Bösen“. Die Guten, die Intellektuellen –
Schriftsteller, Architekten, Historiker –, befinden sich
in den Büroräumen der Kölner Galerie. Die Drucke
werden durch ein Video ergänzt, in dem eine Kamera
durch das leer stehende Stasi-Gebäude wandert
und dem ortsunkundigen Publikum eine weitere
Reflexionsmöglichkeit anbietet. Zuletzt präsentiert
die Ausstellung Schwarz-Weiß-Fotografien von
Köpfen der westdeutschen Nachkriegselite, die
Kilpper in dadaistischer Manier modifizierte, indem
er die Augenpartien mit psychedelisch gemusterten
Brillen übermalte.
Auch für das Galeristendasein gilt: Die einzige
Konstante ist die Veränderung. Zwar gibt es nun
keinen Schauraum in Köln mehr, dafür kam einer in
Antwerpen hinzu. Saskia Draxler leitet diese 0 qm
große Filiale und zeigte zuletzt die Konzeptkünstlerin
Martha Rosler. Für ein Jahr ist das Projekt in
Antwerpen geplant. Ob Nagel den Standort halten
wird, hängt von betriebswirtschaftlichen Faktoren
ab. Dank verschiedener Verkäufe und Impulse, die
Antwerpen ermöglicht hat, ist Christian Nagel
zuversichtlich, entschieden ist allerdings noch nichts.
In Deutschland behält die Galerie Nagel den
Schauraum in Berlin. Bis Ende November ist dort die
Dokumentation von Keren Cytters Projekt „Mai Thai
University“ zu sehen. Im Zentrum der Ausstellung
steht die Videoarbeit „Konstruktion“, ein filmisches
Mikrodrama über menschliche Beziehungen inklusive
Eifersüchteleien, Lug und Trug, Ende und Neuanfang
– gelebter Existenzialismus, unterlegt mit poetischen
Kommentaren. Der Film entstand im Rahmen eines
zweitägigen Poetikseminars, das sich durch die in den
Vitrinen präsentierten Relikte (Stundenplan, Gedichte,
Urkunden) rekonstruieren lässt.
Wie gesprochenes Wort zu Dichtung wird und sich dann in Bilder
verwandelt: Keren Cytters poetischer Berlin-Film entstand im Rahmen
einer Dichterakademie der besonderen Art.
Keren Cytter: Konstruktion, 0 0, Digital video, 0’ 4’’
Courtesy: Galerie Christian Nagel, Berlin, Foto: Ludger Paffrath
he will take his leave of the gallery in the Belgium
district.
This exhibition is made up of three parts. At its centre
are the works Kilpper made last year as part of his
“State of Control” project – a project that involved
turning the linoleum floor of the former Stasi cafeteria
into an enormous printing plate in which were
etched various motifs related to surveillance and
resistance. Thereafter, fabrics and paper were printed
using these “floor cuttings”, creating an extremely
heterogeneous facial panorama of the agents and their
victims. In addition to the faces of people from the
GDR police state, Kilpper also cut portraits of Rosa
Luxemburg and Nelson Mandela into the linoleum.
Willy Brandt, Ulrike Meinhof and Michel Foucault are
likewise to be found here. The mixture establishes an
asynchronous image of history. It calls us to engage in
„hard drinking“ als Seminarinhalt: Wer sich 48 Stunden lang erfolgreich
bei von Alkoholexzessen genährten Diskussionen und kreativem
Schreiben bewährt, erhält das Diplom der „Mai Thai University“.
Keren Cytter: Mai Thai University, 0 0, Ausstellungsansicht
Courtesy: Galerie Christian Nagel, Foto: Ludger Paffrath
Direkt gegenüber der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz:
Die Galerie Christian Nagel. Das Foto entstand anlässlich einer
Ausstellung von Michael Beutler. Foto: Galerie Christian Nagel, 007
a critical appraisal of the past. Nagel has now framed
the prints and brought them to West Germany. The
exhibition offers a careful selection; in the exhibition
room hang the portraits of the politicians – the bad
guys, according to Kilpper. And the good guys – the
intellectuals, the writers, the architects and historians
– can be seen at the office of the Cologne gallery. The
prints are complemented by a video showing a film
made with a camera as it wanders through the empty
Stasi building, thus offering the audience unfamiliar
with these surroundings a further image to reflect
upon. Finally, the exhibition presents black and white
photos of the heads of the West German military elite,
illustrated by Kilpper in Dadaistic manner, the eyes
painted over with psychedelically patterned glasses.
And it’s also a fact in the life of a gallerist that the
only constant is change. Although he no longer has a
gallery in Cologne, he has acquired one in Antwerp.
Saskia Draxler manages the 0 square metre branch
where the concept artist Martha Rosler has recently
been exhibited. The project is scheduled for one
year. Whether Nagel retains the location in Antwerp
will depend upon its commercial viability. Thanks
to the sales and the impulses generated in Antwerp,
Christian Nagel is confident, but as yet nothing has
been decided.
In Germany Nagel has held on to the showroom in
Berlin. Here the documentation of Keren Cytter’s
project “Mai Thai University” can be seen until the
end of November.
The exhibition is centred around the video work
“Construction”, a cinematic micro-drama about
human relationships, including jealousies, lies, deceit,
abandonment and new beginnings – in short, a “lived”
existentialism underlain with poetic commentaries.
The film was created during a two day seminar on
poetics that can be reconstructed by following the
relics – the schedules, the poems and the certificates
– displayed in the window.
Galerie Christian Nagel
Weydinger Str. /4, 0 78 Berlin
Mo–Fr – 9h, Sa – 8h
www.galerie-nagel.de
bis 0. .: Keren Cytter
Stefan Müller: Opening am 6. . 9– h
7. . 0–8. .
CN Antwerp
Kievitplein, Lange Kievitstr. 4
0 8 Antwerp, Belgium
Do–Sa 4– 8h
www.galerie-angel.eu
bis . .: Kiron Khosla, Cornelius Quabeck,
Dominik Sittig

Kunstauktion zugunsten der
Stiftung Telefonseelsorge Berlin e.V.
Als Anselm Lange, Geschäftsführer der Berliner
Telefonseelsorge, mich bat, neben Renate Künast,
Harald Pignatelli, Ralf Meister und Dr. Thomas Köhler
die Schirmherrschaft für die erste Kunstauktion
zugunsten der Stiftung Telefonseelsorge Berlin e. V.
zu übernehmen, sagte ich sofort zu. Eine der ersten
Aufgaben bestand darin, Künstler und Galerien um
Werkspenden zu bitten. Die Reaktion der Künstler
und Galeristen: „Telefonseelsorge? Das ist wichtig
– ich bin dabei!“ So können wir uns nun darüber
freuen, dass 55 Werke von international renommierten
Künstlern und Newcomern in der Berlinischen Galerie
zur Versteigerung kommen. Andreas Herrmann,
Berliner Künstler und Galerist, wird durch den Abend
führen, als Auktionator konnten wir Fares Al-Hassan
gewinnen.
Dass Kunst unsere Sichtweisen zu verändern vermag
und in der Lage ist, Perspektiven zu öffnen, die uns ohne
sie verschlossen geblieben wären, ist nichts Neues. In
etwas anderer Form vollzieht sich ein Perspektivwechsel
bei Hilfesuchenden, die sich in einer Krisensituation
an die Telefonseelsorge wenden. Die Mitarbeiterinnen
und Mitarbeiter der Stiftung Telefonseelsorge Berlin e.
V. sind für Menschen da, denen kein anderer zuhört.
In diesem Kontext gilt die Arbeit der Telefonseelsorge
oftmals der Suizidprävention, wobei der derzeitige
Schwerpunkt auf dem Thema „Suizid im Alter“ liegt.
Um den mannigfaltigen Aufgaben gerecht werden zu
können, sind Bildungsmaßnahmen und Supervisionen
für die im Ehrenamt tätigen MitarbeiterInnen
notwendig. Für die Finanzierung dieser Maßnahmen
ist die Telefonseelsorge auf Spenden angewiesen
– einen wichtigen Beitrag dazu soll die Kunstauktion
zugunsten der Stiftung Telefonseelsorge Berlin e. V.
leisten.
Seien Sie dabei und ersteigern Sie hochwertige
Kunstwerke für einen guten Zweck!
Vielen Dank, Ihre Jennifer Becker
Herausgeberin des KUNST Magazins
Kunstauktion zugunsten
der Berliner Telefonseelsorge e.V.
7. . 0, 9h in der Berlinischen Galerie
Vorbesichtigung dort ab 4h
Vorbesichtigung: Vernissage am 5. ., 9– 4h
6. .–4. ., Mi–Fr 5– 9h, Sa – 6h
Internationales KUNST Magazin
Sammlergespräch im Rahmen von
„Berlin-Paris“
Forum im Me Collectors Room. Foto: Gespräch über Chinesische
Gegenwartskunst im Oktober 0 0. © me Collectors Room Berlin.
Foto: Bernd Borchardt
Lieblingsfach: Kunstgeschichte
Gewinnfrage: In welchem Stadtteil von Berlin liegt das
Weiterbildungszentrum?
Bitte senden Sie die Antwort bis zum 5. . an:
Verlosung@kunstmagazin.de
KUNST auf dem iPad lesen
Sie sitzen in der ersten Reihe, ihr Interesse ist
leidenschaftlich und ihre Beiträge sind nicht selten
ausschweifend, gespickt mit Anekdoten aus dem
eigenen Leben. Manch einer gebärdet sich so eher als
Platzhirsch denn als Gast: Diese bösen Vorurteile gegen
Gasthörer halten sich hartnäckig. Die wissbegierige
Spezies hat überdies ganz bestimmte Vorlieben:
Gerade die Kunstgeschichte ist seit jeher überwiegend
bei den Gasthörern im Rentenalter heiß geliebt. Doch
in Bologneser Zeiten ist der reguläre Stundenplan der
jungen Studenten straff und die Plätze sind knapp.
Was liegt näher, als Gasthörern ein eigenes Programm
anzubieten?
Das Weiterbildungszentrum der Freien Universität
erkannte das Potenzial dieser neuen Zielgruppe
und feierte dieses Jahr das 0-jährige Bestehen des
GasthörerCard-Programms. Mittlerweile gibt es
80 Kursangebote und 0 Kulturpartner von der
Innenansicht me Collectors Room Berlin, 0 0
© me Collectors Room Berlin. Foto: Bernd Borchardt
Akademie der Künste bis zur Stiftung Preußische
Schlösser und Gärten. Zwei Varianten des Zugangs
werden angeboten: Inhabern der GasthörerCard
PDF Download auf:
Das Sammlergespräch ist der Auftakt von „Berlin-Paris“,
Classic steht das reguläre Angebot der Uni wie auch
das Fach Kunstgeschichte offen. 60 % nutzen jedoch
www.kunstmagazin.de
einem Austausch von Berliner und Pariser Galerien, der
die GasthörerCard Art. Damit ist man unter sich, kann
am 4.– 5. . 0 in Berlin stattfindet und der Beginn
aber zusätzlich die regulären Kurse besuchen und
einer Reihe von internationalen Sammlergesprächen
darin auf BachelorEtten treffen.
die in Kooperation mit dem Kunstmagazin im me
Collectors Room stattfinden wird.
Die 40 Dozenten des Programms „Kunstgeschichten
vor Ort“ sind in der Regel nicht Assistenten an der
Uni, sondern Freiberufler, der Lehrplan ist auf die
Erwartungen der Teilnehmer abgestimmt. Das Angebot
ist ein kultureller Rundumschlag: Malerei, Architektur,
Skulptur, Kunstgewerbe, Fotografie, mythologische
Kunst- und Zeichenbedarf
Welten, außereuropäische Kulturen, Literatur, Musik, Kremer Pigmente • Acrylfarben
Theater, Philosophie und Lebenspraxis mit einer
Philosophie-Werkstatt sind vertreten. Und natürlich
Ölfarben • Staffeleien • Malmittel
Reisen! Kunstgeschichten vor Ort – wie aus 00
Wir bespannen Keilrahmen auch
Nacht. Auf einen Abschluss kommt es wohl den
mit bemalten Leinwänden!
wenigsten Teilnehmern an. Muss ja auch nicht sein.
Dass die Beschäftigung mit Kunst und Kunstgeschichte Keilrahmenleisten
wunderbar, unerschöpflich und einfach toll ist, wer 3,5 x 2,0 cm 15 – 100 cm 1,20 €/m
wüsste das besser als wir? Deswegen verlosen wir eine 4,5 x 2,0 cm 15 – 250 cm 1,45 €/m
GasthörerCard Art.
6,0 x 2,5 cm
4,5 x 4,0 cm
40 – 300 cm
30 – 300 cm
2,55 €/m
2,80 €/m
Sondermaße in 1cm Schritten
4,5 x 2,0 cm 16 – 162 cm 2,00 €/m
Leinen roh 340 g 300 cm breit 24,90 €/lfm
Weitere Informationen:
Leinen grundiert 215 cm breit ab 24,90 €/lfm
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www.kunstmagazin.de
Maltuch grundiert 212 cm breit 8,99 €/lfm
MIANKI Galerie
me Collectors Room Berlin
Weitere Informationen:
CYM • Dieffenbachstr. 16 • 10967 Berlin
Kalckreuthstr. 5, 0777 Berlin.
Auguststr. 68, 0 7 Berlin
Weiterbildungszentrum
Tel. 691 64 06 • Fax 694 21 05
www.mianki.com
Onlinekatalog und weitere Informationen:
Do . . 0 , 9h
Freie Universität Berlin
Otto-von-Simson-Str.
CYM • Planufer 96 • 10967 Berlin • Tel. 691 29 43
www.stiftung-telefonseelsorge-berlin.de
www.kunstmagazin.de
Um Anmeldung per E Mail wird gebeten:
collectors@kunstmagazin.de
4 95 Berlin
www.fu-berlin.de/gasthoerercard
Montag bis Freitag 10–18 Uhr, Samstag 10–14 Uhr
www.cym-kunstmalerbedarf.de
4 info@cym-kunstmalerbedarf.de
5

Ein Langhaus, ein Auktionshaus und ein Kulturspeicher
Die Kunsttipps für Süddeutschland
Text: Katharina Knieß
In Schwäbisch Gmünd wurde 994 in einem einstigen
Langhaus der ehemaligen Dominikanerkirche im
Prediger ein weiträumiger und lichtdurchfluteter
Ausstellungsraum eröffnet. Trotz seiner Modernisierung
blieb der mittelalterliche Grundrisstypus der
dreischiffigen Anlage erhalten. An diesem schönen Ort
stellen alljährlich Künstler des Gmünder Kunstvereins
ihren „Querschnitt“ aus. Über 00 Werke bieten ein
Spiegelbild des breiten Spektrums und der Qualität
des regionalen Kunstschaffens: Malerei trifft auf
Objektkunst, Zeichnung auf Fotografie, Grafik auf
Skulptur.
In München hat der Bauherr Robert Ketterer 008 sein
neues Auktionshaus offiziell eröffnet: Hier finden sich
auf rund 500 qm der hochmoderne Auktionssaal des
Traditionshauses, eine großzügige Ausstellungsfläche,
eine Art-Lounge mit Lesebereich und das mit 8
Metern Höhe und Metern Breite „wahrscheinlich
größte Kunstschaufenster der Welt“. Schon allein der
Bau unweit des neuen Stadtviertels an der Neuen
Messe lohnt jederzeit einen Besuch.
Der Kunst-Tipp in 5 Sätzen kommt diesmal von …
… Thomas Reuter, Bildhauer und Vorsitzender des
unterfränkischen BBK:
„Als Vorsitzender des unterfränkischen BBK liegt mir
natürlich nichts näher, als dazu einzuladen, unsere
eigenen Ausstellungs- und Arbeitsräume im Würzburger
Kulturspeicher aufzusuchen. Hier betreiben
wir seit sieben Jahren unerschütterlich und ganzjährig
die BBK- und die Werkstatt-Galerie. Während
unsere alten Druckmaschinen im Künstlerhaus genau
die Bilder machen müssen, die wir wollen, können
Sie sich Ihr eigenes Bild von uns machen, wenn Sie
die BBK-Jahresausstellung „Versammelt“ im Dezember
ansehen. Im Januar können Sie sich fragen, ob es
die Skulpturen oder die Grafiken waren, die Markus
Schmitt zum Debütantenpreisträger werden ließen.“
Galerie im Prediger
Johannisplatz , 7 5 5 Schwäbisch Gmünd
Di, Mi, Fr 4– 7h, Do 4– 9h, Sa + So .– 7h
0. . 0– . . : Querschnitt. Jahresausstellung des
Gmünder Kunstvereins
www.museum-galerie-fabrik.de
© Markus Schmitt
Ketterer Kunst
Joseph-Wild-Str. 8, 8 8 9 München
4. . 0, 4h: Auktion Moderne Kunst nach 945
Vorbesichtigung: . ., 0– 0h und . ., 0– 5h
Hausbesichtigung: Mo–Fr 9– 8h
www.kettererkunst.de
BBK-Galerie in Würzburg im Kulturspeicher
Veitshöchheimer Str. 5, 97080 Würzburg
Mi–Fr, So – 8h, Sa – 8h
bis 9. . 0: BBK-Jahresausstellung: Versammelt
7. .– 0. . : Debütantenausstellung:
Markus Schmitt – Gezeiten
www.bbk-unterfranken.de
6 7

ARTVERWANDT
Seidentuch aus der LRRH_
»ART EDITION BY« zu gewinnen!
Mit Alexandra Bircken und ihrer Austellung „Blondie“
präsentierte der Kölnische Kunstverein in diesem Jahr
eine Künstlerin, deren Arbeiten zurzeit international
große Aufmerksamkeit erfahren. Ihre freistehenden
Plastiken, hängenden Objekte und Wandarbeiten
repräsentieren – vereint in einem narrativen Mikrokosmos
– die Ästhetisierung und Bedeutungsverlagerung
funktionaler Gegenstände. Nun entwickelte Alexandra
Bircken einen exklusiven Kunstdruck für die Seidentuchedition
»ART EDITION BY«.
Bisher beteiligten sich auch Christian Aberle, Marc
Brandenburg, Lucy McKenzie, Alicja Kwade, Paulina
Olowska, Johannes Wohnseifer, Anton Unai und Richard
Woods an der »ART EDITION BY«. Die dabei
entstandenen Seidentucheditionen repräsentieren eindrucksvoll
die Bildwelten und das kreative Schaffen
der jeweiligen Künstlerinnen und Künstler. Teilweise
in Handarbeit werden die eigens für die Edition entwickelten
Motive auf Seide übertragen. Die im Spannungsfeld
von Kunst und Mode entstandenen zeitgenössischen
Werke lassen sich als modisches Extra tragen
oder als Druckgrafiken oder plastische Draperien
präsentieren.
Wenn Sie einen Seidenschal der LRRH_ »ART EDI-
TION BY« von Alexandra Bircken gewinnen möchten,
senden Sie bis zum 5. . 0 0 eine E-Mail mit dem
Betreff „Blondie“ an Verlosung@kunstmagazin.de und
beantworten darin folgende Gewinnfrage:
Was studierte Alexandra Bircken am Londoner Saint
Martins College, bevor sie mit ihren ersten Einzelausstellungen
als Künstlerin in Erscheinung trat?
Einen Hinweis zur Lösung der Frage finden Sie hier:
www.LRRH.de
Der Rechtsweg ist ausgeschlossen.
Verlosung der Salonkatzen
Traumhafte Dessous haben jetzt Hochsaison.
Diese stöbernderweise bei einem Einkaufsbummel
auszusuchen – allein das macht schon Spaß, aber nur
wenn das Ambiente stimmt. In einem Salon wie „Miau
Miau“, der im Boudoirstil gehalten ist, lässt sich die
Frau von Welt vom erlesenen Angebot an Lingerie
gerne zum Kauf verführen. Wir als unbeabsichtigt
(fast) rein weiblich besetzte Redaktion haben die
Salonkatzen bezirzt und zwei Gutscheine im Wert
von je 00 Euro zur Verlosung für unsere LeserInnen
bekommen. Natürlich geht’s auch hier nicht ohne
Preisfrage: In welchem Stadtteil von Berlin ist „Miau
Miau“ beheimatet? Senden Sie die Antwort mit Betreff
„Salonkatzen“ an Verlosung@kunstmagazin.de.
Miau Miau, Kollwitzstr. 5 , 0405 Berlin
Di–Fr – 0h, Sa – 8h
www.salonkatzen.de
Big Bang: Und plötzlich macht es „klick“
Sonnenbrillen und Physik – wie passt denn das
zusammen? Klingt absurd, ist es aber nicht. ic! berlin
zeigt mit der Herbst/Winter-Kollektion 0 0, was
die Urknalltheorie mit Design verbindet. Dafür hat
das Berliner Brillenlabel, das für seine flexiblen,
schraubenlosen Gestelle bekannt ist, mit der Physikerin
Sibylle Anderl zusammengearbeitet.
Jedes der Modelle aus Acetat oder Blech trägt
den Namen einer Theorie oder eines Phänomens aus
der Welt der Physik. Wer künftig bei physikalischen
Diskussionen glänzen will, wirft einen Blick auf die
Innenseite des Bügels seiner Brille: Dort hilft ein
kleines eingraviertes Diagramm dem Gedächtnis auf
die Sprünge.
„Wie die Brillen von ic! berlin brauchen auch gute
physikalische Theorien keine Schrauben: Nichts lockert
sich oder muss nachgezogen werden. Physiker fügen
Dinge auf dem richtigen Weg zusammen. Plötzlich
macht es „klick“ – und alles passt. Das ist der ic!-Effekt.“,
lässt Anderl zur Kollektion „it`s phys!cs“ verlauten.
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Beuys für alle!
Für Joseph Beuys war jeder ein Künstler. Da alle Menschen über kreative
Fähigkeiten verfügen, um die Gesellschaft positiv zu verändern, sprach er
stets von Kunst als „sozialer Plastik“. Mit diesem demokratischen Leitsatz
sollten Kunstwerke nicht nur geweihten Hallen oder monetär potenten
Sammlern vorbehalten sein. Seine Multiples waren finanziell erschwinglich
und jedem zugänglich. Anlässlich der Ausstellung „Beuys für alle!“
versammelt der Bildband über 78 Abbildungen, ergänzt durch Interviews
mit verschiedenen Sammlern und Galeristen.
Marc Gundel, Städtische Museen Heilbronn (Hg.): Beuys für alle! Kerber Verlag 0 0.
Deutsch, 40 Seiten, 7 farbige und 7 S/W-Abbildungen, Softcover in Leinen gebunden,
,50 €. ISBN: 978- -86678-458-
La Bohème
Die Bohème gilt seit jeher als ein sagenumwobenes Phänomen. Ende des
9. Jahrhunderts schaffte ein kleiner Kreis in Paris erstmals den Balanceakt
zwischen Normen verweigerndem Lotterleben und stilsicherem Dandytum.
Die Entdeckung der Fotografie förderte die Möglichkeiten der Selbstdarstellung
einer Szene, die mit der künstlerischen Avantgarde eng verstrickt war. Der
Ausstellungskatalog enthält neben zahlreichen Abbildungen informative Texte
zu den Daguerrotypien und Fotografien und gewährt einen umfangreichen
Einblick in das Leben der exzentrischen Elite von gestern.
Bodo von Dewitz (Hg.): La Bohème. Die Inszenierung des Künstlers in Fotografien
des 19. und 20. Jahrhunderts, Steidl Verlag, Göttingen 0 0. Deutsch/english, 97
Seiten, zahlreiche farbige Abb., Hardcover, 58 €. ISBN: 978- -869 0- 9-6
Die geistige Emigration
Die beiden Mülheimer Künstler Arthur Kaufmann und Otto Pankok
verfügten in den 9 0er-Jahren über ein weitverzweigtes Netz an
Künstlerfreundschaften. Sie schufen zahlreiche Porträts ihrer Kollegen, mit
denen sie ein gemeinsames Schicksal teilten: In der NS-Zeit als „entartet“
verfemt, mussten sie sich aus dem öffentlichen Leben zurückziehen,
wählten den Weg in die innere Emigration oder gingen ins Exil. Dieser
Ausstellungskatalog schildert die eindrucksvollen Künstlernetzwerke unter
den Gebliebenen und Vertriebenen.
Beate Ermacora, Anja Bauer (Hg.): Die geistige Emigration. Arthur Kaufmann -
Otto Pankok und ihre Künstlernetzwerke, Kerber Art Verlag, 008. Deutsch,
8 Seiten, 7 Farbabb., Hardcover, 8 €. ISBN: 978- -86678- 4 -
Modern Art for Sale
Kunstmessen sind immer besondere Ereignisse; die hohe Konzentration
an Kunst, Künstlern und Sammlern bietet noch Wochen später einiges an
Gesprächsstoff. Henry Werner beschreibt über 0 Messen, von der etablierten
Art Basel Miami Beach bis hin zu Newcomern wie der India Art Summit. Auf
spannende Weise ermöglicht er dem Leser einen Blick hinter die Kulissen.
Weit weg von Messetrubel und Menschenmassen werden Verkaufsrekorde
verraten und die skurrilsten Besucher ausfindig gemacht. Dieses Werk kann
mit seinen eindrucksvollen Abbildungen eine Orientierungshilfe bei der
Planung der Messebesuche im Jahr 0 darstellen.
Henry Werner: Modern Art for Sale – Die bedeutendsten Kunstmessen der Welt.
Feymedia, Düsseldorf 0 0. Deutsch, 4 Seiten, 94 Farbabbildungen, Hardcover,
49 €. ISBN: 978- -94 459- 6-8
The new New
Schon Albert Einstein sagte: „Wenn eine Idee am Anfang nicht absurd
klingt, dann gibt es keine Hoffnung für sie.“ Ulrich Dietz nahm sich
diese Auffassung als Leitfaden für sein Buch „The new New“, in dem
Interviews mit Vorreitern aus Kultur, Wirtschaft, Wissenschaft und Kunst
wie Josh Bernstein und Tobias Rehberger zusammengestellt sind. Sowohl
die Geschichten, die hinter den erfolgreichen Ideen stecken, als auch die
Persönlichkeiten ihrer Schöpfer werden vorgestellt und hinterlassen den
Leser mit einer weltumfassenden Vision vom Morgen.
Ulrich Dietz (Hg.): The new New. Distanz Verlag, Berlin 0 0. Deutsch, 08 Seiten,
Hardcover, 49,90 €. ISBN: 978- -94 405-07-
Auf den Spuren der Mächtigen von morgen
Nachdem die Journalismus-Studentin Julia Friedrichs ein lukratives Job-
Angebot bei McKinsey abgelehnt hatte, beschäftigte sie sich ein Jahr lang
mit dem umstrittenen Begriff “Elite”. In ihrem Buch beschreibt sie ihre
Recherche in den Rekrutierungsstätten der angehenden Leistungs- und
Wirtschaftselite. Friedrichs setzt sich kritisch mit den auserwählten Nachwuchskräften
und einer Gesellschaft auseinander, in der Menschen, die weniger
als 70 Stunden pro Woche arbeiten, als „Minderleister“ gelten.
Julia Friedrichs: Gestatten: Elite. Auf den Spuren der Mächtigen von morgen.
Hoffmann und Campe, Hamburg 008. Deutsch, 56 Seiten, Hardcover, 7,95 €.
ISBN: 978- -455-5005 -6
1
K E R B E R

Cool, stark oder süß? Deine HipPuppe darf genauso aussehen, wie du
dir deinen persönlichen Helden vorstellst. Courtesy: Razia Mizrahi
Tilman Riemenschneider: Der heilige Georg im Kampf mit den
Drachen, um 490/ 495
Courtesy: Bode-Museum, Berlin, Foto: Jörg P. Anders
Peter Pan
Wie im Märchen: Kinderausstellung mit
Drachen und Helden
Bestimmt hast du einen Lieblingshelden – vielleicht
Pippi Langstrumpf oder eher Harry Potter? Im Bode-
Museum sind zurzeit die tollsten Helden ausgestellt.
Der Drachentöter Georg ist schon so alt, dass er locker
der Uropa von Pippi sein könnte. Er hat nämlich vor
fast 000 Jahren gelebt.
Der Drache Bruno zeigt dir alles und erzählt von seinen
Artgenossen. Er selbst ist ein kleiner Held – er spricht
Deutsch, Englisch und Türkisch. Auch du kannst zum
Helden werden, du musst nämlich schwierige Aufgaben
bewältigen und bekommst sogar eine Urkunde dafür!
In dem Workshop HipPuppe! erfährst du spannende
Geschichten über besonders tapfere Typen. Danach
darfst du selbst ein kleines mutiges Kerlchen basteln. Was
macht deinen Helden besonders? Hat er Superkräfte
oder ist er einfach stark und mutig? Zusammen mit
anderen Kindern und bei cooler Musik erweckst du
ihn zum Leben. Wenn du willst, kannst du ihn dann als
Beschützer mit nach Hause nehmen.
Der Workshop HipPuppe! findet am 4. . 0 und am . .
jeweils um 5h im Bode-Museum statt. Er kostet 5 € und
richtet sich an 7- bis 0-Jährige. Um eine Anmeldung wird
gebeten unter 0 0 - 66 4 4 4 oder per E-Mail: service@
smb.museum.
Die Kinderausstellung ist bis zum 7.6. zu sehen und
für Kinder von 4– 0 Jahren geeignet. Eintritt frei. Sonstige
Führungen und Workshops laufen jeden Sonntag von 5–
6. 0h und kosten 4 € Eintritt.
Bode-Museum, Am Kupfergraben , 0 78 Berlin
tägl. 0– 8h, Do bis h
Die Geschichte von Peter, Wendy und ihren Brüdern entführt
dich in eine verzauberte Welt. Meerjungfrauen und gefährliche
Krokodile erwarten dich dort. Schau dir die fantastischen Bilder an
und fliege mit. Denn niemand weiß, wohin dich deine Gedanken
tragen, wenn Mama abends nach dem Gute-Nacht-Kuss deine
Zimmertür hinter sich zuzieht…
James Matthew Barrie: Peter Pan. Illustrationen von Robert Ingpen.
Knesebeck Verlag, München 0 0. Ab 6 Jahre, 6 Seiten, 68 farbige
Abbildungen, Hardcover, 4,95 €. ISBN: 978- -8687 - 7 -
Kaiserkrone und Prinzessinnenschmuck:
Gestalte deinen Schmuck selbst!
Du kannst Holz sägen, Metall bearbeiten und Perlen auffädeln.
Zwei Schmuckdesignerinnen helfen dir dabei.
Schmuckworkshop 009, Foto: Petra Jaschke
Kunst-Memo für Kinder:
Gedächtnisspiel mit Motiven berühmter Maler
500 Jahre Kunstgeschichte sind ganz schön lang. Bei diesem
Memory-Spiel kannst du die berühmtesten Motive entdecken!
Vielleicht fürchtest du dich ja vor Redons lächelnder Spinne oder
lässt dich von Mona Lisas Lächeln verzaubern... Welches wird dein
Lieblings-Memo-Paar? Wahrscheinlich kennst du sie alle schon
bald auswendig. Es sind berühmte Maler dabei wie Vincent van
Gogh, Leonardo da Vinci und Neo Rauch.
Kunst-Memo für Kinder. E.A. Seemann, Leipzig 0 0. 7 farbige Karten
mit 6 unterschiedlichen Motiven, Spiel in Box, 9,90 €.
ISBN: 4 6-0-044- 5009-
Im Schmuckmuseum Pforzheim kannst du auf große
Entdeckungsreise in die Schmuckgeschichte gehen.
Wie hat man sich einst mit Amuletten gegen Angriffe
geschützt? Und welch kostbare Stücke trugen die
feinen Damen im Barock? Greif in die Schubladen
einer großen, bunten Schmucktruhe und probiere alles
vor einem großen Spiegel aus. Bastele danach deinen
eigenen Schmuck und fühle dich damit wie ein Prinz
oder eine Prinzessin!
Die Führung im Museum ist für Kinder bis 4 Jahre kostenlos
und dauert ca. 45 Minuten. Der Workshop dauert zwei bis
zweieinhalb Stunden und ist für Kinder im Alter von 6 bis
4 Jahren geeignet. Teilnehmer- und Materialkosten 0 € pro
Person. Um Anmeldung wird gebeten unter:
07 – 9 6.
Schmuckmuseum Pforzheim
Jahnstr. 4 , 75 7 Pforzheim
Di–So 0– 7h
www.schmuckmuseum.de

Sarah Blee: MAS (Museum am
Strom), Antwerpen
© Neutelings Riedijk Architecten
Stadt Gent
Vaast Colson: Kalpetran, 00
© M HKA Collection
Antoon van Dyck: Isabella Brant
National Gallery of Art Washington DC
Beleuchtete Stadt – Tag und Nacht in Gent
Gent ist die erste belgische Stadt, die einen vollständig
maßgeschneiderten „Lichtplan“ entwerfen ließ. Gleich
einer Zeitreise lässt das STAM in der Ausstellung anhand
von alten Dokumenten und Tagebüchern, Zeichnungen
und Fotografien bis hin zu einer Video-Installation
sichtbar werden, wie sehr die Erfindung des Kunstlichts
Anfang des 9. Jh. einen Wendepunkt vom dunklen
Mittelalter zur heutigen 4-Stunden-Gesellschaft
darstellte. Höhepunkt der Ausstellung ist das 4-tägige
Lichtfestival Gent, zu dem 5 international anerkannte
Lichtkünstler einen 6 km langen Rundgang durch das
historische Zentrum der Stadt entwickeln.
STAM Bijlokesite
Godshuizenlaan , B-9000 Gent
bis .5. , Di–So 0– 8h, Ausstellungshöhepunkt:
Lichtfestival Gent 7. .– . . , www.stam.be
Neueröffnung des MAS (Museum am Strom)
The Story of the Image
Das neue MAS, ein ehrgeiziges Projekt für ein aktuelles
und aktives Stadtmuseum in Antwerpen, entsteht auf dem
Hanzestedenplaats im Zentrum des ältesten Hafengebiets,
des „Eilandje“ – genau dort, wo sich Stadt und Hafen
begegnen. Das Museum ist der Geschichte von Stadt,
Hafen und Region gewidmet. Die Eröffnungsausstellung
„The Story of the Image“ führt Werke alter Meister und
zeitgenössischer Künstler zusammen, die beweisen, dass
Flandern und Antwerpen einen wichtigen Beitrag zur
modernen Bilderkultur leisteten.
MAS – Museum aan de Stroom
Hanzestedenplaats , B- 000 Antwerpen
Opening: 7.5. , 8.5. – 0.9. , Di–So 0– 7h,
www.mas.be
Palazzo Rubens – Der Meister als Architekt
Der vielseitige Künstler Peter Paul Rubens ließ sich
für seine Arbeit als Architekt von den Malern und
Architekten Michelangelo und Giulio Romano sowie
von italienischen Architekturbüchern inspirieren. Er
wurde zu bedeutenden Antwerpener Projekten wie
der Erweiterung seines beeindruckenden Atelier- und
Wohnhauses und dem Bau der heutigen St. Carolus
Borromeus-Kirche hinzugezogen, die seine Zeitgenossen
einst als „das 8. Weltwunder“ bezeichneten. Die
Ausstellung zeigt rund 50 Leihgaben bedeutender
internationaler Museen, wobei zahlreiche Kunstwerke
aus weniger bekannten Sammlungen einem großen
Publikum bisher noch nicht zugänglich waren.
Rubenshuis
Wapper 9– , B- 000 Antwerpen
0.9.– . . , Di–So 0– 7h
www.rubenshuis.be
Roman Baths Head of Hadrian, Danny Veys
Luc Tuymans: The Nose, 00 , oil on canvas, 9,9 x 4, cm
Collection of Jill and Dennis Roach, © Luc Tuymans
Kristof Vrancken: Contour 009
Sagalassos – City of Dreams
Sagalassos, auch als „Pompeji des Ostens“ bezeichnet,
war in römischer Zeit eine der wirtschaftlich wichtigsten
Städte im Süden der Türkei. Nach mehreren Erdbeben,
Pestepidemien und Invasionen fremder Völker verlor die
Stadt ab dem 4. Jh. ihren Glanz und wurde schließlich
gänzlich verlassen. Seit den 90er-Jahren werden in
Sagalassos von einem Forscherteam der Katholischen
Universität Leuven archäologische Ausgrabungsarbeiten
durchgeführt, wodurch der Ort zu einer der wichtigsten
Ausgrabungsstätten rund um das Mittelmeer avancierte.
Das Gallo-Römische Museum widmet dieser inzwischen
weltberühmten römischen Niederlassung eine eigene
Ausstellung.
Gallo-Römisches Museum
Kielenstraat 5, B- 700 Tongeren,
9. 0. – 7.6. , Di–Fr 9– 7h, Sa, So und Feiertage 0– 8h
www.limburg.be/gallo
Luc Tuymans-Retrospektive
Die erste belgische Retrospektive des Werks von Luc
Tuymans bildet den Schlusspunkt einer Reise, die 009
in den USA begann (u. a. Wexner Center for the Arts
in Columbus, Museum of Modern Art in San Francisco,
Museum of Contemporary Art in Chicago). Sie umfasst
die berühmte Reihe aus dem MoMa New York, welche
der Künstler Lumumba gewidmet hat. Tuymans gilt
u. a. deshalb als bahnbrechender Künstler, weil er sich
in den 80er-Jahren der Vorherrschaft der Abstraktion
widersetzte. Nicht nur sorgte er für eine Wiederbelebung
der gegenständlichen Malerei, sondern er machte sie
auch zur Universalwaffe seines politischen und sozialen
Engagements.
BOZAR (Palast der Schönen Künste)
Ravensteinstraat 8, B- 000 Brüssel
8. .–8.5. , Di–So 0– 8h, Do bis h
www.bozar.be
Contour 2011 – 5. Biennale Bewegender Bilder
Die Biennale, unter der Leitung des Kurators Anthony
Kiendl (CAN), bietet Besuchern die Möglichkeit,
zeitgenössische bildende Kunst von internationaler
Bedeutung zu entdecken. Mit der Präsentation von
Filmen, Videos und Installationen möchte Contour an
besonderen Orten im historischen Stadtkern Mechelens
die Beziehungen zwischen Ton, Bild und sozialen
Veränderungen untersuchen – populäre Musik spielt
dabei eine wichtige Rolle. Contour 0 wird eine
faszinierende Gegenüberstellung von historischer und
zeitgenössischer Kunst: Kultur als Abenteuer.
Mechelen, 7.8.– 0. 0. , www.contourmechelen.be
Mehr Informationen über Flandern erhalten Sie unter
www.flandern.com
4 5

© Düsseldorf Marketing & Tourismus GmbH, 008
Gerd Petermeyer: Komposition , 0 0, Öl auf Holz, 75 x 75 cm
Auswertung der Flugdaten
Die Ausstellung wirft ein Schlaglicht auf die Kunst
der 80er-Jahre aus Düsseldorfer Perspektive. Zu
sehen sind rund 70 Arbeiten international bekannter
Künstler, teils vielteilige Skulpturen, Installationen
und Fotografien u. a. von Richard Deacon, Katharina
Fritsch, Andreas Gursky, Reinhard Mucha, Thomas
Schütte und Jeff Wall.
Die Ausstellung, die innerhalb der Quadriennale 0 0
gezeigt wird, wirft einen konzentrierten Blick auf
ein Jahrzehnt, in dem die Düsseldorfer wie auch die
deutsche Kunst von großer internationaler Bedeutung
waren. Alle gezeigten Werke stammen aus den 80er-
Jahren; sie zählen zu den Schlüsselarbeiten, mit
denen die Künstler damals zum ersten Mal an eine
breitere Öffentlichkeit traten. Die unterschiedlichen
Blickwinkel illustrieren, wie die Künstler in der
„neuen Unübersichtlichkeit“ nach dem Ende der
Avantgarden zentrale Aspekte der modernen Kunst
neu interpretierten und somit bis heute wirkende
Impulse für die nach-moderne Situation geben.
Kuratoren: Julian Heynen, Valeria Liebermann
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, K21, Ständehaus
Ständehausstr. , 40 7 Düsseldorf
bis 0. . , Di–Fr 0– 8h, Sa – h, So – 8h
Mo geschlossen. www.kunstsammlung.de
Atelier im Stellwerk – Gerd Petermeyer
Die fotorealistischen Ölbilder von Gerd Petermeyer
zeigen die vielfältigen Facetten der Industriekultur
zwischen Ruhr und Emscher. Die Bilder
thematisieren Fragmente, Stillleben, Landschaften
und die „Kathedralen“ der Stahlherstellung. Für
die Wiedergabe der Wirklichkeit nutzt Petermeyer
ausschließlich die Farben Schwarz und Weiß sowie
die daraus resultierenden Grautöne. Die Ölbilder
werden im Stellwerk in einer Dauerausstellung
präsentiert.
Atelier im Stellwerk
Gelsenkirchener Str. 00, 45 09 Essen
Opening: 4. . 0, 5h, 4. . 0– 0. . , Sa 5– 8h
and appt. 0 0 – 9 60 6
www.gerd-petermeyer.de
Susanne Kriemann: Ashes and broken brickwork of a logical theory
(prolog), 0 0, © Susanne Kriemann
Sławomir Elsner: Paris, Farbstift auf Papier, 40 x 00 cm
Courtesy: Rüdiger Schöttle, München
Reinhold Begas: Merkur entführt Psyche (Detail), 874–78, Berlin
SMB, Nationalgalerie, Foto: Andres Kilger, SMB
Susanne Kriemann
GASAG Kunstpreis 2010 in der Berlinischen Galerie
Seit Jahren erkundet Susanne Kriemann (* 97 ) in
ihren komplex eingerichteten Installationen den Einfluss
von Dokumentation und Archivierung auf unsere
Wahrnehmung der Realität. Für diese Ausstellung
entwickelte sie eine eigene Arbeit, für die sie das Material
ihres jüngsten Werks „Ashes and broken brickwork of
a logical theory“ arrangierte. Fremde und eigene Fotos
von archäologischen Grabungsstätten ergänzen sich zu
einer Recherche nach dem Zusammenhang zwischen
Archäologie und Moderne. Susanne Kriemann ist
Preisträgerin des GASAG Kunstpreises.
Berlinische Galerie
Alte Jakobstr. 4– 8, 0969 Berlin-Mitte
bis . . , Mi–Mo 0– 8h, Eintritt: 8 €, erm. 5 €
www.berlinischegalerie.de
Sławomir Elsner – Paris-Berlin-Warszawa
Drei großformatige Zeichnungen stellen brennende
Autos dar und könnten an die düsteren amerikanischen
Rock’n’Roll-Filme der 960er-Jahre erinnern. Bezüge
zu Ereignissen der jüngsten Vergangenheit in Pariser
Vororten oder sich regelmäßig in Berlin wiederholenden
Vorfällen sind ebenfalls denkbar. Elsner thematisiert
in seinen Werken die Bildsprache der Medien und
verborgene Bedeutungen teilweise banaler Motive, die
in einem neuen Zusammenhang eine gänzlich andere
und tiefere Bedeutungsebene erreichen. Erstaunlich ist
dabei seine virtuose Farbstift-Technik – die Zeichnungen
scheinen tatsächlich zu brennen.
Polnisches Institut
Burgstr. 7, 0 78 Berlin-Mitte
Opening: 9. . 0, 9h, 0. . 0– 8. . , Di–Fr 0– 8h
www.polnischekultur.de
Begas – Monumente für das Kaiserreich
Das DHM erinnert zum 00. Todestag von Reinhold
Begas an einen seine Epoche bestimmenden Künstler.
Als Schöpfer der größten Denkmäler Berlins und als
Porträtist bedeutender Persönlichkeiten gestaltete Begas
die Bildwelt des Kaiserreiches. Die Ausstellung zeigt
die Anfänge in Berlin, stellt die Jahre in Rom vor, wo
er mit seinen Malerfreunden Feuerbach und Lenbach
den „Neubarock“ entwickelte, und gibt Einblick in die
Atelierarbeit wie auch die Porträtkunst. Im Mittelpunkt
stehen die Denkmäler und Monumente für Berlin, die
drei Kaiser bei ihm in Auftrag gaben, und deren politisch
gewollte Zerstörung nach dem Zweiten Weltkrieg in
Ost- und Westdeutschland.
Deutsches Historisches Museum | Ausstellungshalle von I. M. Pei
Unter den Linden , 0 7 Berlin-Mitte
6. . 0–6. . , Mo–So 0– 8h, geschlossen am 4. + 5. . 0
www.dhm.de
6 7

Installationsansicht der Poul-Gernes-Retrospektive in den
Deichtorhallen Hamburg. Foto: Fred Dott
Peter Rösel: AH- 668 (Detail: Tizian), 0 0, Digitalvideo, Loops
(je : 5 Min., stumm), Rembrandt, Tizian, Leonardo Spezial
Automatic TV, -teilig, Größe variabel, © und Foto: Peter Rösel
Kara Walker: Darkytown Rebellion, 00
© Mudam Luxemburg (Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean)
© Kara Walker, Foto: Richard-Max Tremblay
Poul Gernes – Retrospektive
Ausgelassen, anarchisch, ausschweifend, fröhlich,
folkloristisch, funky, psychedelisch – mit diesen
Attributen kann man das Werk des dänischen Malers,
Bildhauers, Filmemachers und Performance-Künstlers
Poul Gernes ( 9 5– 996) beschreiben, der zu den
einflussreichsten skandinavischen Künstlern zählt. Die
Deichtorhallen Hamburg geben in einer Retrospektive
mit über 400 Exponaten einen umfassenden Einblick
in die Kunst dieses Multitalents. Gernes hinterlässt
ein beeindruckendes Œuvre, das durch seine
außergewöhnliche Vielschichtigkeit fasziniert und dessen
Ästhetik heute so aktuell ist wie zu seiner Entstehungszeit
in den 960er- und 970er-Jahren.
Deichtorhallen Hamburg
Deichtorstr. – , 0095 Hamburg
bis 6. . , Di–So – 8h, Do – h, Eintritt: 9 €, erm. 6 €
bis 8 Jahre frei, www.deichtorhallen.de
Peter Rösel
Tizian, Rembrandt, Leonardo Spezial Automatic
Der an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee lehrende
Künstler Peter Rösel (* 966) verknüpft Alltag und
Menschheitsgeschichte, kreuzt das Naheliegende mit
dem Fernen, mischt Banales mit Exotik. Hintersinnig
sabotiert er gängige Seh- und Denkmuster. Nun zeigt
das Ernst Barlach Haus Bilder, Objekte und Videos aus
5 Jahren. Im Zentrum der Schau stehen eigens für das
Museum geschaffene Rauminstallationen und eine neue
Werkgruppe: Fernsehtruhen der 950er- und 960er-
Jahre – wuchtige Möbel mit klangvollen Gerätenamen
wie „Tizian“ oder „Rembrandt“ – präsentieren ihr neues,
überraschendes Innenleben.
Ernst Barlach Haus
Baron-Voght-Str. 50a, 609 Hamburg
bis 9. . , Di–So – 8h, Eintritt: 6 €, erm. 4 €
www.barlach-haus.de
Cut. Scherenschnitte 1970–2010
„Cut. Scherenschnitte 970– 0 0“ ist die erste
Ausstellung der Kunsthalle, die sich ausschließlich dem
zeitgenössischen Scherenschnitt widmet. Vorbild für die
Arbeiten vieler junger Künstler, u. a. Olaf Nicolai, Annette
Schröter, Christian Boltanski und Kara Walker, sind die
Scherenschnitte von Philipp Otto Runge ( 777– 8 0).
Inspiriert von seinen Ideen, die durch Vereinfachung und
Abstraktion der technisch perfekten Scherenschnitte
der Imagination des Betrachters neuen Raum gaben,
hat der Scherenschnitt sich zu einem eigenständigen
künstlerischen Medium entwickelt. Gezeigt werden ca.
50 Arbeiten aus den Jahren 970– 0 0.
Kunsthalle Hamburg
Glockengießerwall , 0095 Hamburg
bis 6. . , Di–So 0– 8h, Do 0– h
Eintritt: 0 €, erm. 5 €, www.hamburger-kunsthalle.de
Ondrej Drescher: Mann im Wald, 0 0
Öl auf Leinwand, 0 x 50 cm
Gotthard Graubner: Farbraumkörper
Ondrej Drescher – Malerei
Der Maler Ondrej Drescher (* 977), EHF-Stipendiat
und Meisterschüler von Neo Rauch, präsentiert sich
erstmalig in Berlin mit einer großen Einzelausstellung.
Die Exponate zeigen Berglandschaften, die Drescher in
wochenlangen, z. T. gefährlichen Touren erwandert und
erkundet. Seit geraumer Zeit schälen sich aus den heftig
schraffierten Naturansichten auch Figuren – in der Regel
Selbstbildnisse des (wandernden) Künstlers. Dreschers
unvergleichliche Landschaften dienen allein als Spiegel
der Frage, was der Mensch ist, woher er kommt und
wohin er geht.
Konrad-Adenauer-Stiftung
Tiergartenstr. 5, 0785 Berlin-Tiergarten
0. . 0– 8. . , Mo–Fr 9– 7h
www.kas.de
Hommage zum 80. Geburtstag
Gotthard Graubner – Bilder
Gotthard Graubner setzt sich in seinen ungegenständlichen
Bildern mit dem Medium Farbe
auseinander. Von asiatischen Philosophien inspiriert,
lässt er die Farbe unabhängig von gegenständlicher oder
thematischer Einbindung ein Eigenleben entfalten.
Farbe steht für sich, besitzt einen eigenen Ausdruck. So
entstehen Farblandschaften, „Farbraumkörper“, die die
zweidimensionalen Grenzen überschreiten.
Kunsthandel Wolfgang Werner KG
Fasanenstr. 7 , 07 9 Berlin-Charlottenburg
bis 9. . , Mo–Fr 0– 8. 0h, Sa 0– 4h
www.kunsthandel-werner.de
Billige Zirpen III
Stephan Dill
Martin Groß
Lou Hoyer
Philipp Orlowski
Berlin-Leipzig… Malerei, Zeichnungen und Grafik
In seinen vorübergehend zur Galerie umgestalteten
Privaträumen präsentiert Reinhard Pels Leusden ein
Ausstellungsprojekt der Klassen von Prof. Valérie Favre
(UdK Berlin) und Prof. Annette Schröter (HGB Leipzig).
So nimmt die Kunst Bezug zu den Räumen und den
Menschen, die darin leben.
pels leusden at home
Knesebeckstr. 7, 06 Berlin-Charlottenburg
Opening: 9. ., 9h, 0. .– 9. ., Fr–So 6– 0h and by
appt., www.pelsleusdenathome.de
8 9
ZIRPEN

Rapedius/Rindfleisch: Kakteen, 009
Skizzenblöcke, variabel, © Rapedius/Rindfleisch, Berlin
Nadav Kander: Chongqing II, Chongqing Municipality, 006
© Nadav Kander
David Drebin: Me and me, 008, © David Drebin
I am the Landscape
Antonia Low, Ingo Gerken, Martina Rapedius/
Thomas Rindfleisch
Kuratiert von Christian Schindler
In der Ausstellung „I am the Landscape“ erforschen vier
Berliner Künstler das Thema Landschaft. Dabei geht
es weniger um traditionelle Landschaftsdarstellungen
als vielmehr um die Untersuchung von Natur- und
Stadtstrukturen. Während Ingo Gerken dem Betrachter
mit seinen Rauminterventionen überraschende
Perspektiven und Parallelen aufzeigt, legt Antonia Low
in ihren Arbeiten verborgene Schichten frei und erzählt
so eine neue Geschichte von Räumen und Orten. Das
Künstlerpaar Martina Rapedius und Thomas Rindfleisch
erkundet die Grenzbereiche zwischen Form und Inhalt,
indem es Pflanzen, Landschaftsstrukturen sowie
menschliche Artefakte auf ihre formale Erscheinung
reduziert und nach Gemeinsamkeiten sucht. Vereint in
„I am the Landscape“ verwandeln diese drei Positionen
die Ausstellungsfläche in ein Forschungslabor für
Raumdeutungen.
Galerie Morgen
Oranienburger Str. 7 (im Kunsthof), 0 7 Berlin-Mitte
Opening: 6. ., 9h, die Künstler sind anwesend
7. . 0–5. . , Di–Fr – 0h, Sa – 8h
www.galerie-morgen.com
David Drebin – The Morning After
Nadav Kander – Yangtze – The Long River
Robert Polidori – Pripyat and Chernobyl
David Drebins Fotografien sind episch, dramatisch und
cineastisch. Der Fotograf bietet dem Betrachter einen
aufregenden Einblick in die Gefühle der Protagonisten
seiner Bildwelten. Als gigantische Kulissen dienen ihm
glitzernde Metropolen, in denen er attraktive Frauen
geheimnisvoll in Szene setzt. Exklusiv zur Ausstellung
erscheint ein Katalog im teNeues-Verlag.
Ab dem . Januar präsentiert CAMERA WORK
mit „Yangtze – The Long River“ von Nadav Kander
und „Pripyat and Chernobyl“ von Robert Polidori zwei
beeindruckende Serien der jüngsten Fotogeschichte.
Beide Künstler dokumentieren die Auswirkungen des
menschlichen Eingriffs in seine Umwelt. Während
Kander den Wandel entlang des chinesischen Flusses
Jangtse dokumentiert, zeigen Polidoris Bilder die
Auswirkungen der Katastrophe von Tschernobyl.
CAMERA WORK
Kantstr. 49, 06 Berlin-Charlottenburg
David Drebin: bis 5. . , Di–Sa – 8h
Nadav Kander, Robert Polidori: . .– . .
www.camerawork.de
Elio Cassarà: Isländische Landschaft III
0 0, Öl auf Leinwand, 00 x 40 cm
Römer + Römer: O tu mir das nicht an
009, Öl auf Leinwand, 65 x 0 cm
Detlef Waschkau: Einkaufsstraße Osaka
009, Pigment auf Holz
Royal Nebeker (USA): In between, 009
Öl auf Leinwand, 0 x 40 cm
Karlheinz Biederbick:
Koalitionsverhandlungen in Bonn 0. 0.80
0 0, Terrakotta, ca. 8 x 6 cm
Elio Cassarà – Silenzi
Völlig unvermutet öffnete sich mein Blick, und vor meinen Augen
offenbarte sich eine fantastische neue Welt voller Empfindungen,
Farben und Geräusche. Beobachter zu sein war nur der erste Schritt. Der
Wunsch, zu verstehen, wurde schließlich zur alles erfüllenden Leidenschaft.
Der Staub legt sich hauchzart auf die Gegenstände. Meine Augen voller
Verzauberung über das Wesen der Dinge.
Galerie Sievi, Gneisenaustr. , 096 Berlin-Kreuzberg
bis . ., Do/Fr 4– 9h, Sa – 6h, 0 0 - 69 9 97
www.galerie-sievi.de
Römer + Römer – O tu mir das nicht an!
Die Kunsthalle Rostock präsentiert eine umfassende Werkschau der
Arbeiten von Römer + Römer, die das Lebensgefühl unserer Zeit einfangen.
Im Fokus steht meist die Kultur junger Großstädter. Malerisch zeichnen sich
die großformatigen Leinwände durch ihren pointillistischen Farbauftrag
aus, den das deutsch-russische Künstlerpaar in Auseinandersetzung mit der
pixeligen Optik digitaler Bilder entwickelt hat.
Kunsthalle Rostock, Hamburger Str. 40, 8069 Rostock
. . 0– 0. . , Di–So 0– 8h
www.kunsthallerostock.de
Detlef Waschkau – Stadt und Mensch. Holzreliefs
Der in Berlin lebende Künstler Detlef Waschkau (* 96 ) sammelt
Augenblicke in den Metropolen der Welt. Seine farbigen Holzreliefs zeigen
Mensch und Architektur im Großstadtdschungel. Waschkaus Arbeitsweise
im flachen Holz gleicht einer Erzählung. Er malt kein Bild seiner Fantasie,
sondern gibt als gefühlvoller Bildhauer mit dem Beitel dem einmal
Gesehenen Leben, farbige Struktur und lebendige Tiefe.
Kommunale Galerie Berlin, Hohenzollerndamm 76, 07 Berlin-Wilmersdorf
Opening: 6. . 0, 9h, 8. . 0– 0. . , Di–Fr 0– 7h, Mi 0– 9h, So – 7h
Eintritt frei, www.kommunalegalerie-berlin.de
Winterprogramm in der Galerie Anne Moerchen
Bis Februar zeigt die Galerie Anne Moerchen neben der aktuellen
Ausstellung des Daniel-Richter-Schülers Ryo Kato (bis . Januar) u. a.
international erfolgreiche amerikanische Künstler wie Royal Nebeker und
Luis Montoya, die chinesischen Maler Shan Fan und Chen Fangyuan und
Werke der europäischen Künstler Pejman Ebadi, Radomir, Martin Kreim,
Michael Sazarin und Hennie van der Vegt (November bis Februar).
Galerie Anne Moerchen, Milchstr. 6a, 0 48 Hamburg
Di–Fr . 0– 8. 0h, Sa – 5h and by appt.
www.galerie-anne-moerchen.de
Karlheinz Biederbick – Bruchzonen
Biederbick (* 9 4), der seit den 70er-Jahren mit lebensgroßen realistischen
Polyesterplastiken für Aufsehen sorgte, widmet sich nun dem Terrakotta-
Relief. Bilddokumentationen öffentlicher politischer Inszenierungen
– besonders aus dem „Spiegel“ – oder eigene Zeichnungen dienen als
Vorlage für seine Reliefminiaturen zur Vergegenwärtigung von Situationen
zeitlicher bzw. räumlicher Unerreichbarkeit.
GALERIE KONTRAPOST, Stallbaumstr. 4a, 04 55 Leipzig
Opening: 4. . , 0h, 5. .– 9. . , Di–Fr 0– h u. 8– h, . u. . Sa im
Monat: 5– 8h and by appt., www.galerie-kontrapost.de
40 4

Gerd Grimm: Titel unbekannt, Tusche und Aquarell auf Tapete
47 x 6 cm, Kunsthalle Messmer
Else Lasker-Schüler: Prinz Jussuf von Theben, um 9 8
Mischtechnik auf Papier, 6,7 x ,6 cm
Jüdisches Museum Frankfurt am Main
© Jüdischer Verlag im Suhrkamp Verlag, Berlin 0 0, Fotonachweis:
Jüdisches Museum Frankfurt am Main. Ursula Seitz-Gray
Olaf Metzel: Turkish Delight, 006
Foto: Roman Mensing © VG Bild Kunst Bonn, 0 0
Gerd Grimm zum 100. Geburtstag
Mode Mädchen Metropolen
Der Freiburger Gerd Grimm ( 9 – 998) war eine der
markantesten internationalen Grafiker-Persönlichkeiten
des 0. Jahrhunderts. Sein Lebenswerk umfasst unzählige
Illustrationen, Grafiken und Reiseskizzen. Er verstand es,
in einem Stil, der gleichermaßen in Paris und New York
anerkannt wurde, menschliche Träume einfallsreich in
Szene zu setzen. Gerd Grimm arbeitete als Zeichner,
Illustrator und Werbegrafiker u. a. für Valmeline, Vogue,
Esquire, Chanel, Dior, Reval, Reemtsma und Black &
White-Whiskey.
Kunsthalle Messmer
Großherzog-Leopold-Platz , 79 59 Riegel a. K.
bis 6. . , Di–So 0– 9h, Do – 0h
www.messmerfoundation.com
Else Lasker-Schüler – Die Bilder
Else Lasker-Schüler ( 869– 945) ist aufgrund ihrer
herausragenden Gedichte jedem Literaturliebhaber
ein Begriff. In Zusammenarbeit mit dem Jüdischen
Museum Frankfurt am Main unternimmt die Ausstellung
„Else Lasker-Schüler – Die Bilder“ nun ihre bislang
umfassendste Würdigung als bildende Künstlerin. Bis
9 lebte und arbeitete Else Lasker-Schüler in Berlin,
wo Franz Marc, Karl Kraus und Gottfried Benn zu ihren
wichtigsten Freunden und Unterstützern zählten. Gezeigt
werden bekannte, seinerzeit in der expressionistischen
Zeitschrift „Der Sturm“ erschienene Motive ebenso wie
einige Arbeiten, die erstmals zu sehen sind.
Hamburger Bahnhof
Invalidenstr. 50, 0557 Berlin-Mitte
. .– .5. , Di–Fr 0– 8h, Sa – 0h, So – 8h
Eintritt: €, erm. 6 €, www.hamburgerbahnhof.de
Freedom of Speech
Emory Douglas, Maria Eichhorn, Hans Haacke, Sister
Corita Kent, Barbara Kruger, George Maciunas, Olaf
Metzel, Bruce Nauman, Dan Perjovschi, Joe Sacco,
Christoph Schlingensief, Taller Popular de Serigrafia,
Klaus Staeck, Act Up, Silke Wagner, Mark Wallinger u. a.
Die Ausstellung hinterfragt und analysiert das Konzept
der Redefreiheit und ihre ideologische Rolle, die sie in
der westlichen Demokratie spielt. Alles dreht sich um
die zentrale Frage: „Was, wenn nur der sprechen dürfte,
der die Wahrheit sagt?“ Die Ausstellung stellt Beispiele
der Medienberichterstattung, historische Ereignisse sowie
künstlerische Positionen in Kontext mit- und zueinander.
Kunstverein Hamburg
Klosterwall , 0095 Hamburg
8. . 0– . . , Di–So – 8h
www.kunstverein.de
Roger Ballen: Dresie and Casie, twins, western
Transvaal, aus der Serie „Platteland“, 99
Gelatineentwicklungspapier, 6 x 6 cm
Izis: Fête, place de la République, 950
© Izis Bidermanas
Christoph Schlingensief: Animatograph
– Iceland-Edition. (House of Parliament /
House of Obsession) Destroy Thingvellir,
005, Filmstill
© Christoph Schlingensief Produktion
Bas Jan Ader: I am too sad to tell you, 970
© 0 0 Bas Jan Ader Estate
Christa Biederbick: Mädchen auf rotem Tuch
97 –7 , 67 x 04 x 6 cm, Polyester
Roger Ballen – Fotografien 1969–2009
Die Ausstellung gibt Einblick in alle Schaffensperioden von Roger Ballen
(* 950, New York City), der vor seiner Karriere als Fotograf Psychologie
studierte. Die bisher unveröffentlichten Fotografien verraten eine Faszination
für das Abgründige und nehmen Merkmale späterer Serien wie die Isolierung
des Sujets vor weißen Wänden vorweg. Besonders die Aufnahmen des kargen
Lebens in den Dörfern Südafrikas machten Ballen bekannt.
Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz , 80 München
bis 7. . , Di–So 0– 8h, Eintritt: 4 €, ermäßigt €
www.stadtmuseum-online.de
Izis – Paris der Träume
Anlässlich des 00. Geburtstags von Israëlis Bidermanas ( 9 – 980),
genannt Izis, zeigen der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus e.V. und das
Institut Français Berlin eine umfangreiche Retrospektive mit 00 Werken.
9 0 verließ der Fotograf mit 9 Jahren sein Heimatland, um im „Paris
seiner Träume“ sein Glück zu finden. Bekannt wurde er durch seine Porträts
u. a. von Jean Cocteau, Colette und Édith Piaf.
Willy-Brandt-Haus, Stresemannstr. 8, 096 Berlin-Mitte
bis . . , Di–So – 8h, Eintritt frei, Ausweis erforderlich
www.freundeskreis-wbh.de
Figura cuncta videntis – Hommage an Christoph Schlingensief
Die Ausstellung verhandelt die Grenzen zwischen Kunst, Performance,
Theater und Film, zwischen Artefakt und Ausstellungsraum. Sie zeigt
eine Auswahl an performativen Installationen, die zwischen Fremd-
und Selbstbetrachtung, Innen und Außen, realem und imaginärem
Raum changieren. Im Mittelpunkt der Schau steht die Arbeit „Der
Animatograph“.
Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Himmelpfortgasse , 0 0 Wien
bis 6.4. , Di–So – 8h, Eintritt frei
www.tba .org
„Jeder Künstler ist ein Mensch“ – Positionen des Selbstporträts
Selbstbildnisse bieten die Möglichkeit einer radikalen Neuformulierung
und kritischen Beschäftigung mit einem der großen Themen der
Kunstgeschichte. Künstler wie Bruce Nauman, Katharina Sieverding,
Jeff Koons, Cindy Sherman oder Andrea Fraser haben dem Selbstporträt
Themenfelder der Kunst- und Geistesgeschichte geöffnet und kritische
Fragen zu Autorschaft, Individuum, Geschlecht und Genie gestellt.
Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Lichtentaler Allee 8a, 765 0 Baden-Baden
bis 9. . , Di–So – 8h, Do – 9h, Eintritt: 5 €, ermäßigt 4 €
www.kunsthalle-baden-baden.de
Mixed Emotions – Gemischte Gefühle
Die Gegenüberstellung einer Auswahl von Werken der Bildhauerin
Christa Biederbick mit den Videoperformances der Künstlerinnen Ulrike
Rosenbach, Risk Hazekamp, Judith Barry, Ute Friederike Jürß, Teresa
Margolles, A K Dolven und Sigalit Landau erschließt ein neues Territorium
von Erfahrungsfeldern der Emotionalität und des kognitiven Denkens aus
der Sicht der Künstlerinnen.
Kunsthalle Brennabor, Geschwister-Scholl-Str. 0– , Brandenburg a. d. Havel
Opening: . ., 8h, 4. . 0– 4. . , Mi–So – 9h, Eintritt frei
www.kunsthalle-brennabor.de
4 4

Wolfgang Schlett: Spur III (Detail), 0 0, 0 x 46 x 5 cm
Ayşe Erkmen: Ghost, 0 0, Ton- und Lichtinstallation
Foto: Uwe Walter/Installationsansicht TANAS, © TANAS, Berlin
Keisuke Shirota: Another day # (Triptychon), 0 0
Fotografie und Acryl auf Leinwand, 60 x 00 cm
Wolfgang Schlett – „lautlos“
Der Hamburger Künstler zeigt in der Galerie ICON
großformatige Installationen und neue Buchobjekte. Dem
wortreichen Ausgangsmaterial gewinnt er immer neue
Facetten ab, die sich zwischen Minimal und Konkret zu
bewegen scheinen – ohne jedoch emotionale Momente
auszublenden. Der allgegenwärtigen Informationsflut
werden stille Oberflächen auf Büchern und Buchseiten
entgegengesetzt. Dem Rausch der Wörter folgt
verschlossene Lautlosigkeit.
Galerie ICON Berlin
Veteranenstr. , 0 9 Berlin-Mitte
Opening: . . , 9h, . .–5. . , Mi–Fr 4– 9h
Sa 4– 8h, www.galerie-icon.de
Tactics of Invisibility
Nevin Aladağ, Kutluğ Ataman, Cevdet Erek, Ayşe
Erkmen, Esra Ersen, İnci Eviner, Nilbar Güreş, Hafriyat,
Ahmet Öğüt, Füsun Onur, Sarkis, Hale Tenger, Nasan
Tur, xurban_collective.
Die Gruppenausstellung „Tactics of Invisibility“ zeigt
4 Positionen zeitgenössischer Kunst aus der Türkei
und ihrer Diaspora, die den Begriff der Unsichtbarkeit
auf unterschiedliche Weise aufgreifen – als ein Unterder-Oberfläche-Sein,
als Abwesenheit und Taktik des
Rückzugs, der Verweigerung, Tarnung oder Maskierung.
TANAS Raum für zeitgenössische türkische Kunst
Heidestr. 50, 0557 Berlin-Mitte
bis 5. . , Di–Sa – 8h, geschlossen am 4. + . . 0,
. . , 0 0 - 89 56 46 0, www.tanasberlin.de
Keisuke Shirota
In seiner zweiten Ausstellung in der Galerie zeigt
Keisuke Shirota (* 975, Japan) Arbeiten einer neuen
Werkreihe. Mit den Bildern, die z. T. komplexer und
größer als bisherige Formate sind, verfolgt er seine
Arbeitsweise, Fotografie und Malerei zu verbinden.
Die übergangslose Zusammensetzung perspektivischer
Aufnahmen mit einem präzisen Malstil fordert dabei
unsere Wahrnehmung heraus: Farbenreiche Fotografien
erscheinen malerisch; das Gemalte, das sich auf Schwarz-
und Grautöne beschränkt, bleibt grafisch und kühl.
Daneben gibt es ein Video des Künstlers zu sehen, in
dem die Kombination zufälliger Momente poetische
Bilder generiert.
Galerie Stefan Röpke, St.-Apern-Str. 7– , 50667 Köln
Opening: 6. ., 8h, der Künstler ist anwesend
7. . 0–8. . , Di–Fr 0– h und 4– 8h, Sa – 6h
www.galerie-roepke.de
Francesco Maria Testa: o. T., 0 0
C-Print auf Alu-Dibond, 60 x 80 cm
Patrick Gabler: Zeichnung Nr. (Detail)
009, Tusche auf Papier, 5 x 57 cm
Franziska Rutishauser:
Anthropomorphismen – Kopfgeburt, 0 0
Pastellstift auf Holzgrund
Thomas Michel: o. T., 009, Hydrografie
Manfred Kage: Radiolarie, 007
REM-color, 4 0: , © Kage-Mikrofotografie
Francesco Maria Testa - Immaginario
„Definitive“ Bilder zu bestimmen und einzufangen ist das Ziel von
Francesco Maria Testas Arbeit. Seine Fotografien, die mittels einer einzigen
Aufnahme entstehen und ohne nachträgliche Bearbeitung auskommen,
streben eine Übereinstimmung zwischen der Wahrnehmung und der
fotografischen Einsicht des Subjekts an. Noch bis zum . . 0 zeigt die
Galerie außerdem neue Arbeiten des Malers Luca Brandi.
Immaginaria Arti Visive Gallery/Walter Bischoff Galerie, Linienstr. ,
0 5 Berlin-Mitte. Opening: 7. . , 9h, 8. .–8. . , Di–Sa – 8h
and by appt. 0 0 - 60 9 4 58, www.galleriaimmaginaria.com
Patrick Gabler: Kreis und Kosmos Zyklus
Owen Schuh: Die ersten 198 Primzahlen
Gablers großformatige Tuschezeichnungen von Kreisen präziser
Anordnung treffen innerhalb ihrer harmonischen Systeme auf das Chaos
von Owen Schuhs Darstellungen mathematischer Funktionen, die
Strukturen und Interaktionen von Lebenssystemen versinnbildlichen.
Künstlergespräch am 4. . , 9h mit Owen Schuh.
Cain Schulte Gallery Berlin, Winterfeldtstr. 5, 078 Berlin-Schöneberg
Opening: . ., 9h, in Anwesenheit von Patrick Gabler, 4. . 0– 4. . , Mi–Fr
– 8h and by appt. 0 0 – 00 5 7, www.cainschulte.de
3 x 6 + 1 – Eine Ausstellungstrilogie
Die Galerie präsentiert in drei Ausstellungsblöcken ihre neuen Mitglieder.
Die erste Ausstellung zeigt aktuelle Arbeiten von Andrzej Jan Piwarski,
Andrea Streit, A. Schneider-von Maydell, Barbara Zirpins, C. Patino Mayer
und Christoph Damm. Block wird vom .– . . , Block vom 7.–
7. . zu sehen sein.
Verein Berliner Künstler, Schöneberger Ufer 57, 0785 Berlin-Tiergarten
Opening: 9. . , 9h, 0. .– 0. . , Di–Fr 5– 9h, Sa/So 4– 8h
9. . , . 0h + 0. 0h Sonderprogramm zur Langen Nacht der Museen:
Performance von Daniel Kupferberg, www.vbk-art.de
Thomas Michel – Cyclus Cerealis
Ceres, römische Göttin der Fruchtbarkeit und des Ackerbaus, war
Namensgeberin für den „Cyclus Cerealis“. Thomas Michels Hydrografien
führen zurück zu den Anfängen der Schöpfungsgeschichte, als die Evolution
im Entstehen begriffen und fortwährenden Metamorphosen unterworfen
war. Sie zeigen die Welt in ihrem Urzustand, in der der menschliche Geist
als Teil des göttlichen Plans seine archaischen Spuren hinterlässt.
Galerie Frenhofer, Friedrichstr. , 0969 Berlin-Mitte
Opening: 7. . , 9h, 8. .–6. . , Mi–Sa 4– 9h and by appt.
www.galerie-frenhofer.eu
Mikrofotografie – Retrospektive Manfred Kage
Die Retrospektive des wichtigsten deutschen Mikrofotografen Manfred
Kage (* 9 5) zeigt sein zwischen Chemie, Mikrobiologie und visueller
Kunst angesiedeltes Werk, das seit 958 im Kunstkontext der Subjektiven
Fotografie, des Informel und der Gruppe ZERO rezipiert wurde.
Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststr. 75, 0 7 Berlin-Mitte
bis 9. . , Di–So – 8h, Do – h, Eintritt frei
www.alfred-ehrhardt-stiftung.de
44 45

Bernhard Heisig: Zeit und Leben (Ausschnitt)
© Deutscher Bundestag
Buhm Hong: Ausstellungsansicht „Somewhere in Mind“, Total
Museum of Contemporary Art, Seoul, Korea, 009
Margriet Smulders: Lava, 008
Cibachrome auf Aluminium/Plexiglas, 5 x 60 cm
© Margriet Smulders, Courtesy: Galerie Jordanow
Bernhard Heisig – Das große Welttheater
In Bernhard Heisigs Gemälden werden in schicksalhafter
Gemeinschaft Helden, Verbrecher und Opfer der
Geschichte über die Weltbühne gewirbelt, so auch in
seinem Gemälde „Zeit und Leben“, das er 999 für das
Reichstagsgebäude schuf. Die Ausstellung im Kunst-
Raum des Deutschen Bundestages rekonstruiert mit Vor-
und Nachfassungen, durch fotografische Dokumente
und Farbstudien das Werden dieses zentralen Werks.
Im Vergleich zu anderen Hauptwerken, darunter das
Gemälde „Ikarus“ ( 976) aus dem Palast der Republik in
Ost-Berlin, entfaltet sich Heisigs Welttheater.
Kunst-Raum im Deutschen Bundestag
Marie-Elisabeth-Lüders-Haus, Schiffbauerdamm, 0 7 Berlin
Opening: . . 0, 8h, . . 0– . . , Di–So – 7h
www.kunst-im-bundestag.de
Buhm Hong – Luminous Links
Buhm Hongs Reise in die Vergangenheit beginnt
stets mit einem einzelnen Punkt. Vervielfacht und
zusammengeschart zu grazilen Schwärmen bewegt
dieser sich durch die Videoinstallationen des New Yorker
Multimedia-Künstlers. Er überlagert Filmmaterial,
formiert verschachtelte Architekturen oder schimmert
fluoreszierend als auf Glas gemalter Tropfen. Punkte
bevölkern wachsend und wuchernd den Raum, der in den
Arbeiten Buhm Hongs immer auch Erfahrungsraum ist,
und lassen in ihm Orte und Erinnerungen an die Kindheit
des Künstlers in Südkorea aufleuchten. Sie verschmelzen
ihre Bruchstücke zu neuen narrativen Zusammenhängen
und eröffnen so eine Sphäre zwischen Vergangenem und
Gegenwärtigem, Erlebtem und Imaginiertem.
AANDO FINE ART, Tucholskystr. 5, 0 7 Berlin-Mitte
Opening: 0. ., 9h, . . 0– . . , Di–Sa – 8h and
by appt., 0 0 - 8 09 4 8, www.aandofineart.com
Margriet Smulders
Margriet Smulders studierte Malerei an der Akademie der
Bildenden Künste in Arnheim, wandte sich anschließend
der Fotografie zu und konzentriert sich seit 996 auf die
Arbeit mit Blumen. Geprägt durch die Bildsprache der
niederländischen Stilllebenmalerei des 7. Jahrhunderts
gelingen ihre zeitgemäßen Antworten auf eines der
großen Themen in der Kunst. Opulent, sinnlich,
verführerisch, berauschend, theatralisch inszeniert
und voller mystischer Symbolkraft sind ihre zumeist
großformatigen Bilder, die sich nun in zahlreichen
öffentlichen und privaten Sammlungen befinden.
Jordanow. Galerie für Fotografie
Fürstenstr. , 80 München
bis 5. . , Mi–Fr 4– 9h, Sa 0– 6h and by appt.
www.galerie-jordanow.de
Philip Grözinger: Wenngleich ich zögerte, 0 0
Öl und Lack auf Leinwand, 49 x 9,5 cm
Paul Goesch: o. T. (Generalarzt), um 9 8
Aquarell auf Papier, 8,5 x cm
Alessandro Twombly: Compressed
Landscape, 007, Bronze, 58 x 4 x cm
Ouyang Chun: Crown, 006, Öl auf
Leinwand, 70 × 70 cm, Foto: Li Liang
Angelika Bartel: Wandern im Nebel, 009
Monotypie, 60 x 40 cm
Philip Grözinger – Ebenbein und Elfenholz
Grözingers erste Einzelausstellung bei Christian Ehrentraut zeigt groteske
Landschaften. Statische, an Maschinen erinnernde Festungen stehen neben
scheinbar zurückgelassenen industriellen Artefakten. In kontrastreicher
Farbigkeit, hartem Duktus und nahe an der Abstraktion werden verschiedene
Materialien auf die Leinwand gebracht. Fremde Zivilisationen begegnen
dem Betrachter voller Düsternis und Komik.
Galerie Christian Ehrentraut, Friedrichstr. , 0 7 Berlin-Mitte
Opening: 5. . , 7– h, 6. .– . . , Di–Sa – 8h
www.christianehrentraut.com
Paul Goesch – Phantastische Träumereien
Die Galerie präsentiert Aquarelle von Paul Goesch ( 885– 940), die
zwischen 9 0 und 9 8 entstanden und phantastische Architekturentwürfe,
maskenartige Porträts wie auch religiös-historische Darstellungen zeigen.
Goesch, der Kunst sowie Architektur studiert hatte, wurde nach mehreren
Klinikaufenthalten in die psychiatrische Anstalt in Teupitz verlegt,
deportiert und 940 von den Nationalsozialisten ermordet.
Moeller Fine Art, Tempelhofer Ufer , 096 Berlin-Kreuzberg
bis 9. . , Mo–Fr – 8h and by appt.
www.moellerfineart.com
Alessandro Twombly – Skulpturen und Arbeiten auf Papier
Alessandro Twombly (* 959 in Rom) widmete sich nach botanischen
Studien ganz seiner Aufgabe als Kunstschaffender. In der Malerei wie in
der Skulptur geht es ihm gleichsam darum, in den inneren Kern des Motivs
und in diesem Sinne auch in das Innere der Kunst vorzudringen – in eine
Urform. Die archaisch anmutenden Skulpturen zeugen davon.
Galerie Biedermann, Maximilianstr. 5, 805 9 München
bis . . , Di–Fr 0– 8h, Sa – 4h
www.artnet.de/gallery/ 1/5 Seite
57/galerie-biedermann.html
1/5 Seite
王 Ouyang Chun – Painting the King
王 Ouyang Chun – Painting the King
Mit „王 „* Ouyang Chun – Painting – Painting the King“ the wird King“ der wird 1974 in der Peking 974 in Peking
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von Episoden Tod.
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dem und Leben Tod. eines Königs, von seinen Siegen und Niederlagen, von Liebe
me Collectors Room Berlin, Auguststr. 68, 0 7 Berlin-Mitte
und bis 9. Tod.
me Collectors . , Di–So Room – 8h, Berlin, Eintritt: Auguststr. 6 €, erm. 68, 4 10117 € Berlin-Mitte
www.me-berlin.com
2.10.10–9.1.11, Di–So 12–18h, Eintritt: 6 €, erm. 4 €
me www.me-berlin.com
Collectors Room Berlin, Auguststr. 68, 10117 Berlin-Mitte
2.10.10–9.1.11, Di–So 12–18h, Eintritt: 6 €, erm. 4 €
www.me-berlin.com
Ich und Du – Jubiläumsausstellung der Lebenshilfe Berlin
Die Auseinandersetzung mit Formen und Farben, die Loslösung vom
Abbildhaften hin zum Wesenhaften kennzeichnen die Arbeit in den
Kunstgruppen der Lebenshilfe Berlin. Monotypien, Collagen und
Zeichnungen, Spachtelarbeiten auf Papier und Skulpturen geben
authentische Einblicke in die Gefühls- und Gedankenwelt von Menschen,
die als geistig behindert gelten.
Galerie ART CRU (Outsider Art), Oranienburger Str. 7, 0 7 Berlin-Mitte
Opening: . ., 8h, . . 0–4. . , Di–Sa – 8h
and by appt., 0 0 - 4 5 74 , www.art-cru.de
46 47

Uwe Schloen: Installation aus „Das legendäre Silikon-Zimmer“, 004
Renate Wiedemann: Und sie setzten sich
zu einer schönen Tasse Tee zusammen, 009
Heri Dono: The Golden Shit, 0 0
Fibre glass, enamel paint, 77 x 5 x 40 cm
Skulpturen XI
Renate Wiedemann spielt mit der Poesie der Objekte
und lenkt in ihren Texten den Betrachter auf eine
widersprüchliche Fährte.
Gaby Schulze hat sich für die hier gezeigten Skulpturen
in Stein wie auch beim Zeichnen bei Ausflügen in
die Mikrowelt durch das Mikroskopieren im Labor
inspirieren lassen.
Uwe Schloen schafft durch die Platzierung zahlreicher
nebeneinander gelagerter Silikonsetzungen eine
sichtbare Distanz zum eigentlichen Körper.
Heinz Bert Dreckmann generiert poetische Skulpturen
aus Alltagsgegenständen in ungewohnter Anordnung.
Käthe Wenzels Knochenzelt ist eine betretbare
Installation aus Leinen, Seide und ca. 900
Entenknochen. Es hat eine Höhe von m und ist
beeinflusst von gotischen Gewölbestudien.
Nele Probsts Skulpturen entstehen aus verwitterten,
mit Alltagsspuren behafteten Fundstücken, die sie zu
immer neuen Körperskulpturen aufbaut und damit
das Überraschungsmoment mit einkalkuliert.
GEHAG Forum – Deutsche Wohnen AG
Mecklenburgische Str. 57, 4 97 Berlin-Schmargendorf
9. . 0– 7. . , Mo–Fr 9– 9h
www.deutsche-wohnen.com
Made In Indonesia
This group exhibition aims at an exploration of
Indonesian Contemporary Art from the most
prominent artists. The show also demonstrates the
anxiety experienced by the artists with defining their
identities in relation to the characteristic problems of
East versus West, personal versus communal, esthetic
versus politic, traditional versus cosmopolitan and
local versus global.
Made In Indonesia is curated by Asmudjo Jono
Irianto. Invited artists are Ay Tjoe Christine, Erik
Pauhrizi, Handiwirman, Heri Dono, Gede Mahendra
Yasa, Pintor Sirait, Radi Arwinda, R.E. Hartanto,
Ronald Manulang, Rudi Mantofani, Tromarama, Ugo
Untoro, Yuli Prayitno, Yusra Martunus, and Tisna
Sanjaya.
Galerie Christian Hosp
Invalidenstr. 50–5 , Halle am Wasser
0557 Berlin-Tiergarten
bis 8. ., Di–Sa – 8h
www.christianhosp.com
Stefan Roigk: stuck turkey mashup (Detail)
0 0, Mixed media installation
Cevdet Erek: Lineal /Ruler , 007
Michael Joaquin Grey: The Around (first
line through), Detail, 99 – 0 0
Ralf Pleßmann: o. T., 008
Inkjetprint auf Alu-Dibond, 50 x 75 cm
Muyan Lindena: o.T., 007, Kunststoff
(Pantonstuhl), 75 x 50 x 70 cm
I’m using a chicken to measure it – A tribute to Frank Zappa
Anlässlich des 70. Geburtstages von Frank Zappa zeigt die Galerie eine
Gruppenausstellung mit Nicolas Wiese, Heidrun Schramm, Pit Noack
und Stefan Roigk. Soundinstallationen, Collagen und skulpturale Arbeiten
werden gezeigt, die Bezüge zu den von Zappa verwendeten Techniken
aufweisen. Konzerte: . . 0 mit Olaf Hochherz und Christian Kesten,
. . mit Mat Pogo, Nicolas Wiese, Tom Smith und Pit Noack.
Galerie Hunchentoot, Choriner Str. 8, 0 9 Berlin-Prenzlauer Berg
Opening: . ., 9– h, 4. . 0– . . , Di–Fr 6– 9h, Sa 0– 8h
0 0 - 4 7 54 0, www.galerie-hunchentoot.de
„Kulturtransfers #1“: Another Country – Eine andere Welt
Tee und Tulpe, Papier und Porzellan, Yoga und Algebra stammen wie das
im Westen übernommene indische Zahlensystem aus anderen Kulturen.
Transnationale Wanderungen nicht nur von Motiven, sondern auch
von Techniken, Strategien und Ideen untersucht die Kuratorin Övül
Durmuşoğlu und wählte dafür Arbeiten von sieben KünstlerInnen aus dem
Nahen Osten, Europa, der Türkei sowie Nord- und Südamerika aus.
ifa-Galerie Berlin, Linienstr. 9/ 40, 0 5 Berlin-Mitte
bis . . , Di–So 4– 9h
www.ifa.de
Michael Joaquin Grey – Horizon Over Time
Michael Joaquin Greys (* 96 , Los Angeles) Arbeiten über Morphologie
und die Entstehung des Lebens überschreiten seit mehr als 0 Jahren
die Grenzen zwischen Kunst, Wissenschaft und Medien. Mit Gemälden,
computergenerierten Wandzeichnungen und Skulptur zeigt der Künstler
und Erfinder in seiner ersten Einzelausstellung in Deutschland sein Interesse
an der Entwicklung von Sprache und sich selbst organisierten Systemen.
Galerie Sherin Najjar, Am Park 4, 0785 Berlin-Mitte
bis 9. . , Mi–Sa – 8h u. n. V.
www.sherinnajjar.com
Ralf Pleßmann – Bilder zwischen Fotografie und Malerei
Die Bilder von Ralf Pleßmann sind verortet zwischen Gegenständlichkeit
und Abstraktion, zwischen Fotografie und Malerei. Durch eine vertikale
Bewegung bei der Aufnahme wird die Kamera ihrer eigentlichen Aufgabe,
ein getreues Abbild der Wirklichkeit zu schaffen, enthoben. In ihren
Verwaschungen wirken die Bilder, als lösten sie sich bereits ein Stück weit
aus ihrer fotografischen Materialität heraus.
Galerie Glass, Pariser Str. , 07 9 Berlin-Wilmersdorf
Opening: 0. ., 9h, . . 0–8. . , Di–Sa 4– 0h
www.galerie-glass.de
Das DING – Objekt und/oder Individuum
„Ding, guten Tag!“ – Betrachtungen um „das Ding“ mit 65 Positionen
aus Wissenschaft, Kunst und Literatur. Das Anliegen ist, formale wie
auch inhaltliche Korrespondenzlinien zwischen Kunst und Wissenschaft
aufzuzeigen, wobei Unterschiede sowie Ähnlichkeiten der Arbeitsweisen
von Wissenschaft und Kunst – formal wie medial – sichtbar bleiben.
G.A.S-station, Tempelherrenstr. , 096 Berlin-Kreuzberg
bis 4. . , Di–Fr 4– 9h, Sa 4– 7h
Veranstaltungstage: 4. . 0 u. 9. . , www. gas-station.net
48 49

Carsten Höller. Soma, 0 0, Installationsansicht Hamburger Bahnhof
Museum für Gegenwart Berlin, © VG Bild-Kunst 0 0/
Carsten Höller, Foto: Attilio Maranzano
Franz Marc: Gelber Löwe, blaue Füchse, blaues Pferd, Postkarte vom
. . 9 4, Bleistift, Aquarell, Tusche und Gouache auf Postkarte,
9 x 4 cm, Franz Marc Museum, Kochel am See
Ernst Ludwig Kirchner: Mit Schilf werfende Badende, 909, Farbholzschnitt,
Sammlung Hermann Gerlinger in der Moritzburg, Halle/Saale
Carsten Höller – Soma
Wodurch erhalten wir Erkenntnis? Auf der Suche
nach einer anderen Welt geht Carsten Höller
im Hamburger Bahnhof dem Ursprung von
Soma nach, einem mystischen Rauschtrank der
indogermanischen Veden im . Jahrtausend vor
Christus. Soma brachte den Veden Erkenntnis und
Zugang zur göttlichen Sphäre und wurde in ihren
Hymnen aufs Höchste gepriesen. Der pflanzliche
Inhaltsstoff dieses Getränkes ist nicht zweifelsfrei
überliefert; aus botanischer, ethnologischer und
etymologischer Sicht spricht allerdings vieles dafür,
dass es sich um den Fliegenpilz gehandelt haben
könnte. Aus diesem Sachverhalt heraus entwickelt
Carsten Höller ein Szenario zwischen Labor und
Vision, vermeintlicher Objektivität und gesteigerter
Subjektivität. Vor den Augen der Betrachter
entfaltet sich ein raumgreifendes „lebendes Bild“ mit
lebendigen Rentieren, Kanarienvögeln und Mäusen;
ein symmetrisches Experimentierfeld, das sich längs
seiner Mittelachse in zwei Hälften teilt und im
Doppelblindversuch die gewöhnliche Welt mit dem
Reich des Soma vergleicht.
Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart
Invalidenstr. 50, 0557 Berlin-Mitte
bis 6. . , Di–So 0– 8h, Sa 0– 0h, Eintritt: 8 €, erm. 4 €
www.hamburgerbahnhof.de
Franz Marc und Paul Klee. Dialog in Bildern
Eine der wichtigsten Künstlerfreundschaften der
Avantgarde vor dem Ersten Weltkrieg wird anhand der
von Paul Klee und Franz Marc zauberhaft illustrierten
Briefe und Postkarten dokumentiert. Gezeigt werden u.
a. Werkgruppen wie die abstrakten Kompositionen von
Franz Marc, die Zeichnungen zu Voltaires „Candide“
von Paul Klee und bedeutende Aquarelle, die im
Zusammenhang mit dessen Tunisreise entstanden, sowie
gemeinsame Projekte wie die Illustrationen zur Bibel.
Brücke sucht Freunde.
Die Künstlergruppe und ihre passiven Mitglieder
Die „Brücke“ etablierte einen Kreis von Kunstfreunden,
sogenannten passiven Mitgliedern, welche von 906 bis
9 Jahresgaben mit druckgrafischen Blättern erhielten.
Diese Werke spiegeln in markanter Weise die stilistische
Entwicklung der Gemeinschaft wider und bilden einen
Höhepunkt der Ausstellung. Außerdem werden seltene
„Brücke“-Dokumente sowie Gemälde gezeigt.
Stiftung Moritzburg
Friedemann-Bach-Platz 5, 06 08 Halle (Saale)
Sonderausstellung:
Franz Marc und Paul Klee: bis 9. . , 6 €, erm. 4 €,
Brücke sucht Freunde: bis . .
Dauerausstellung: 5 €, erm. €,
Di 0– 9h, Mi–So 0– 8h, 4. . u. . . geschl.,
www.kunstmuseum-moritzburg.de
Sebastian Klemm: point blank / the
initiation – Sci-Fi-Performance, 0 0
©I Like Visuelle Kommunikation
John Pollak: Kontaktabzüge
Originale: analoge Silbergelatine-Abzüge
0 0, 85 x 85 cm
Karen Irmer: Jellyfish in space, 0 0
C-Print auf Alu-Dibond, 00 x 50 cm
Courtesy: Zweigstelle Berlin
Winfried Mühlum-Pyrápheros: Erloschene
Sterne, 964, Dia im Alurahmen, 0 x 40 cm
Stefan Haase: monitoring the future
part I, 0 0, Digigraphie
Sebastian Klemm: point blank / the initiation – Sci-Fi-Performance
Wie konditioniert der Wille den eigenen Körper zur Bewegung? Ausgehend
vom Locked-in-Syndrom macht Sebastian Klemm mit Gastkünstlern
jene visionären Qualitäten erlebbar, mit denen der Mensch seine eigene
Befindlichkeit verändern kann. Mit: Jae Ho Youn, Agnete Beierholm,
Sebastian Klemm, Branka Rubic, Andreas Martini, Anna Oussankina,
Betania Meli, Alexandra Rauh, Philipp Lubienetzki.
ZKM Medientheater, Lorenzstr. 9, 76 5 Karlsruhe
Performance: 4. . u. 5. . , 0h
www.pointblank-theinitiation.org
John Pollak – Strandgut
John Pollak zeigt in seinen neuen Fotografien Fundstücke aus dem
Pazifischen Ozean. In den formal strengen und gleichförmigen Stillleben
sind es die feinen Details, die die Unterschiede deutlich machen. Zeit und
Naturgewalt haben die porträtierten Gegenstände in ihrer Form verändert.
Geheimnisvolles andeutend, ermöglichen sie eine Ahnung von Ewigkeit.
Galerie Förster, Schröderstr. , 0 5 Berlin-Mitte
bis 8. ., Di–Fr 6– 9h, Sa – 8h
www.galerie-foerster.de
Karen Irmer – nicht zu sehen
Karen Irmer (* 974) präsentiert in ihrer Ausstellung sensible Fotoarbeiten,
die weder auf einen genau zu lokalisierenden Ort noch auf einen spezifischen
Moment verweisen möchten. Ihr Anliegen besteht darin, mithilfe der
technischen Möglichkeiten der Fotografie eine kontemplative Suche nach
Verborgenem anzuregen und die Vorstellungskraft jedes Einzelnen zu
überprüfen.
Zweigstelle Berlin, Lehrter Str. 7, 0557 Berlin-Mitte
bis . . , Do–Fr 4– 9h, Sa 0– 4h, geschlossen 0. . 0–5. .
www.zweigstelle-berlin.de
Winfried Mühlum-Pyrápheros
Vom Original zum Dia im Leuchtkasten
Seit Jahrzehnten sind originale Leuchtgemälde des Künstlers in der Welt
verstreut, viele davon befinden sich inzwischen an unbekannten Orten.
Diese Leuchtgemälde, vom Künstler selbst aufgenommen, führen nun im
Leuchtkasten ein brillantes Eigenleben.
Galerie accent., Straßburger Str. 59, 0405 Berlin-Mitte
9. . 0–5. . , Do/Fr 5– 9h, Sa 0– 4h and by appt.
0 0 - 77 90 6 4, www.accent-lichtkunstgalerie.de
Edition 2010 – Künstler der Galerie
Nach etwas mehr als zweijährigem Bestehen präsentiert exhibeo galerie
in einer Gruppenausstellung die Künstler der Galerie. Schwerpunkte sind
nach wie vor Fotografie sowie konkrete und abstrakte Kunst aus Europa und
China: Beishui, Stefan Haase, Ann-Christine Jansson, Volker Leonhardt,
Tomasz Samek, Anne Ullrich, Günter Wintgens und Wang Fang.
exhibeo galerie, Veteranenstr. 4, 0 9 Berlin-Mitte
Opening: 6. ., 9. 0h, 7. . 0–4. . , Di 5– 9h, Sa – 6h
and by appt. 0 0 – 44 5 7 0, www.exhibeo-galerie.de
50 5

Kurt Kranz: Mund-Reihen, 9
Mark Dion: Regalinstallation im Lichthof
Foto: © Roman März
Gabriel von Max: Affen als Kunstrichter, 889, Öl auf Leinwand
© Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Neue Pinakothek
Foto: Bayer & Mitko-ARTOTHEK
Die Programmierung des Schönen
Ausstellung zum 100. Geburtstag von Kurt Kranz
Die Stiftung Bauhaus Dessau widmet dem Werk des
Künstlers, Grafikers und Experimentalfilmers Kurt Kranz,
der von 9 0 bis 9 am Dessauer Bauhaus studierte,
eine umfassende Ausstellung. Ein einzigartiges Œuvre
serieller Arbeiten machte Kranz zu einem Pionier der
generativen und multiplen Kunst der 960er-Jahre. Kranz
war zugleich Pionier des künstlerischen Animationsfilms
und Erfinder jenes Rasterverfahrens, mit dem Künstler
wie Roy Lichtenstein oder Sigmar Polke berühmt werden
sollten.
Stiftung Bauhaus Dessau
Gropiusallee 8, 06846 Dessau-Roßlau
bis 7. . , tägl. 0– 8h, Eintritt: 6 €, erm. 4 €
www.bauhaus-dessau.de
WeltWissen
Bis zum 9. Januar ist die Institutionen, Disziplinen und
Epochen übergreifende Ausstellung „WeltWissen“ zu
00 Jahren Wissenschaften zu sehen. Die Schau bildet
den Höhepunkt des Berliner Wissenschaftsjahres. Die
Vielfalt an Themen ist in drei Ausstellungsbereiche
gegliedert: einer großen, objektbasierten Installation
des Künstlers Mark Dion im zentralen Lichthof,
chronologisch angeordneten Etappenräumen durch 00
Jahre Wissenschaftsgeschichte und die Wissenswege.
Humboldt-Universität, Charité, Berlin-Brandenburgische
Akademie der Wissenschaften und Max-Planck-
Gesellschaft veranstalten die Ausstellung gemeinsam
anlässlich ihrer Jubiläen.
Martin-Gropius-Bau
Niederkirchner Str. 7, 096 Berlin-Kreuzberg
bis 9. . , Mi–Mo 0– 0hn Eintritt: 6 €, erm. 4 €
www.weltwissen-berlin.de
Gabriel von Max. Malerstar, Darwinist, Spiritist
Gabriel von Max ( 840– 9 5) war eine
außerordentliche Gestalt. Sein zentrales Interesse galt
der Entwicklungsgeschichte des Menschen, dessen
Ursprung, Wesen und Weiterleben. Die Ausstellung im
Kunstbau München strebt erstmalig eine spektakuläre
und umfassende Zusammenschau von Max’
Vorstellungswelt an. Das künstlerische Œuvre, besonders
seine berühmte Serie von Affenbildern, wie auch die
naturgeschichtlichen, ethnologischen und esoterischen
Themengebiete werden präsentiert. In Max’ Malerei,
Forschungs- und Sammeltätigkeit spiegeln sich Kunst,
Kultur und Wissenschaft seiner Zeit in enzyklopädischer
Weise.
Kunstbau
Königsplatz, 80 München
bis 0. . , Di–So 0– 8h, Eintritt: 8 €, erm. 4 €
www.lenbachhaus.de
Dorothea Schutsch: Besucher im Café
(Ausschnitt), 008,
Öl auf Papier, x 9 cm
Mimi Levy Lipis: Berlin 004
© Mimi Levy Lipis
Friedrich Hähner: Aus der Serie „Im
Zentrum Ost-Berlins“, 966– 970
Diapositiv digitalisiert, Stadtmuseum Berlin
© Maik und Dirk Löbbert
VG Bild-Kunst Bonn 0 0
Naomi Schenck: Aus “Archiv verworfener
Möglichkeiten”, 009/ 0
Kleine Formate – praktisch & gut
Das Konzept der diesjährigen Weihnachtsausstellung gründet auf dem
Quadrat, einer klassischen Form in der bildenden Kunst, die immer
wieder neu erfunden wird. Spannende künstlerische Interpretationen im
vielfältigen medialen Ausdruck sind das Ergebnis dieser konzeptuellen
Ausstellung. Diese wird unterstützt durch die Alfred Ritter GmbH &
Co. KG.
Galerie en passant, Brunnenstr. 69, 0 9 Berlin-Mitte
Opening: . ., 9h, 4. . 0–8. . , Finissage: 8. . , 9h
www.galerie-enpassant.de
Die Sukka. Ein flüchtiges Haus für ein jüdisches Fest
Eine Sukka auf einem Lastwagen in Manhattan, auf Parkplätzen in London
und Tel Aviv – Laubhütten gibt es an Orten, an denen man sie niemals
vermutet. Anlässlich des jüdischen Laubhüttenfestes werden jeden Herbst
diese flüchtigen Häuser errichtet, in denen man für eine Woche isst, feiert
und schläft. Mimi Levy Lipis hat zwischen 999 und 009 Laubhütten in
Europa, den USA und in Israel fotografiert.
Jüdisches Museum Berlin, Lindenstr. 9– 4, 0969 Berlin-Kreuzberg
bis . . , Mo 0– h, Di–So 0– 0h, Eintritt: 5 €, erm. ,50 €
www.jmberlin.de
Berlins vergessene Mitte | Stadtkern 1840–2010
Berlin hat viele Zentren. Aber wo liegt die Mitte der Stadt? Durch den
Fernsehturm und das Rote Rathaus scheint sie markiert. Viele jedoch
wissen nicht, dass sich dort der mittelalterliche Kern der heutigen
Metropole befand. Mit der Sonderausstellung rückt das Stadtmuseum
Berlin die einstige Pracht und die vielfältigen Brüche der Berliner Mitte ins
Bewusstsein und zeichnet ihre oft dramatische Entwicklung nach.
Ephraim-Palais | Stadtmuseum Berlin, Poststr. 6, 0 78 Berlin-Mitte
bis 7. . , Di + Do–So 0– 8h, Mi – 0h, Eintritt: 5 €, erm. €
www.stadtmuseum.de
special vision: deeper than surface
Im Rahmen des Monats der Fotografie Berlin zeigt der Deutsche
Künstlerbund Fotografien, die Bildwirklichkeiten über Wirklichkeiten
stellen. Die Werke verweisen nicht nur auf ihre Motive, sondern schaffen
durch stringente Formensprache neue bildimmanente Realitäten. Mit
Arbeiten von Simone van gen Hassend, Dieter Kiessling, Maik und Dirk
Löbbert, Judith Samen, Martina Sauter und Gregor Schneider.
Deutscher Künstlerbund – Projektraum, Rosenthaler Str. , 0 9 Berlin-Mitte
bis 7. ., Di–Fr 4– 8h and by appt.
Programm für Januar siehe www.deutscher-kuenstlerbund.de
Archiv verworfener Möglichkeiten – Bildmontagen von Naomi Schenck
Naomi Schencks Bildmontagen zeigen Szenerien für ungedrehte Filme:
Meist menschenleere Räume oder Gebäude. Es sind mit Zufallsrequisiten
befrachtete Orte, die einst von Leben erfüllt waren und irgendwann
verlassen wurden. Aber „von Stoffen voll“, beherbergen oder verbergen sie
ganz besondere Geschichten.
Petra Rietz Salon Galerie, Koppenplatz a, 0 5 Berlin-Mitte
0. . 0– . . , Mi–Sa 5– 8h and by appt., 0 7 - 649 5 99
www.petrarietz.com
5 5

Emil Nolde: Die Heiligen Drei Könige, 9 , © Nolde Stiftung Seebüll
Emil Nolde: Prinzeß und Bettler, 906, © Nolde Stiftung Seebüll
A. R. Penck: Großes Weltbild, 965
Emil Nolde. Die Graphik des Malers
Willkür und Zügellosigkeit
Die Winterausstellung 0 0 zeigt insgesamt
6 Werke, die während einer gut 0jährigen
Schaffenszeit des Malers entstanden sind. Noldes
Graphik umfasst insgesamt 5 8 Arbeiten. Seine
Graphik-Sammlung hatte Nolde in seinem
Berliner Wohnatelier untergebracht; es wurde im
Februar 944 durch eine Brandbombe zerstört.
Die Ausstellung bietet in chronologischer Folge,
und thematisch gegliedert einen Überblick über
das graphische Schaffen des Malers; mit einzelnen
Gemälden und Aquarellen zeigt sie dem Besucher
beispielhaft die große Beziehungsvielfalt in Noldes
Werk.
Nolde Stiftung Seebüll, Dependance Berlin
Jägerstr. 55, 0 7 Berlin-Mitte
bis 0. . ., tgl. 0– 9h, Eintritt: 8 €, erm. €,
Audioguide 4 €, Jahreskarten (Berlin und Seebüll) 0 €
www.nolde-stiftung.de
Welt und System – Zeitgenössische Kunst zwischen
Analyse, Verständnissuche und Dilemma
Die Ausstellung nimmt Pencks Idee einer
künstlerischen Beschreibung komplexer Systeme
zum Ausgangspunkt für einen Blick bis in die
zeitgenössische Kunst. Angesichts immer dichterer
politischer, wirtschaftlicher und medialer
Vernetzungen treten Überlegungen zu Strukturen und
Systembeziehungen an die Stelle direkter Erklärungen
der Welt. Künstlerische Auseinandersetzungen mit
Fragen nach dem Verständnis vielschichtiger Systemzusammenhänge
erscheinen damit aktueller denn je.
„Welt und System“ soll die Fragestellungen von Penck
mit aktuellen Themen sowie mit Strategien und
Blickwinkeln anderer deutscher und internationaler
Künstler in Beziehung setzen. Ausgestellt werden
Arbeiten von Penck, Öyvind Fahlström, Charles
und Ray Eames, Franz Ackermann, Theo Boettger,
Mark Dion, Benjamin Edwards, Andreas Gursky,
Olaf Holzapfel, Mark Lombardi, Frank Nitsche,
Christoph Rihs und Jorinde Voigt. Filme von Chris
Marker, Lutz Dammbeck und Johan Grimonprez
ergänzen die Ausstellung.
Städtische Galerie Dresden, Kunstsammlung
Wilsdruffer Str. , 0 067 Dresden
bis 6. . , Di–So 0– 8h, Fr bis 9h
Eintritt: 4 €, erm. €, www.galerie-dresden.de
Monika Ortmann: Fall-K, 980/ 0 0
Collage auf Leinwand, 40 x 60 cm
Irmgard Bornemann: o. T., 0 0, Öl, Acryl
Collage, Federzeichnung, 0 x 0 cm
Ingeborg zu Schleswig-Holstein: o. T., 0 0
Öl auf Leinwand, 65 x 95 cm
Katrin Hosterbach: o. T., 0 0, Aquarell auf
Papier, 40 x 0 cm, Eva Erbacher: pink objects,
Acryl und Öl auf MDF-Platte, 40 x 0 cm
Uli Fischer: Kopf Los, 0 0, Assemblage
Papier und Baumwolle, 95 x 64 cm
Prinzip Collage
40 Künstlerinnen und Künstler des VBK untersuchen in ihren Werken
die Collage als künstlerische Praxis der Gegenwart. „Collage-Technik ist
die systematische Ausbeutung des zufälligen oder künstlich provozierten
Zusammentreffens von zwei oder mehr wesensfremden Realitäten auf
einer augenscheinlich dazu ungeeigneten Ebene – und der Funke Poesie,
welcher bei der Annäherung dieser Realitäten überspringt.“ (Max Ernst)
Verein Berliner Künstler, Schöneberger Ufer 57, 0785 Berlin-Tiergarten
Opening: . ., 9h, . .– . ., Di–Fr 5– 9h, Sa/So 4– 8h, KUNST-
GESPRÄCH zum Prinzip Collage: 9. ., 9h, www.vbk-art.de
Irmgard Bornemann: Ausstellung und Vortrag
Durch die zufällige Entdeckung einer Samtvelourstapete ließ sich Irmgard
Bornemann zu ornamentalen Motiven inspirieren und kombiniert nun
gekonnt die verschiedenen Stränge der Zeichnung, der Collage und des
fetten Farbauftrags in ihren aktuellen Arbeiten. Diese Bilder sind Collagen
aus Tapeten und die Wiederholung der darin enthaltenen Motive z. B. in
aus Samt genähten Vögeln.
Akademie für Malerei Berlin
Hardenbergstr. 9, im Steinwayhaus, 06 Berlin-Charlottenburg
Opening und Vortrag: . ., 0h, www.a-f-m-b.de
Ingeborg zu Schleswig-Holstein
The object-free works of this painter do not picture objects that hail from
our visible world of superficial certainties. Much rather, they are themselves
the objects, demanding a closer look, not in terms of re-interpretation of
something physical but in light of one independent form of existence.
Opening: 4. . , 9h, 5. .–5. .
Werkstattgalerie, Eisenacher Str. 6, 0777 Berlin-Schöneberg
Di–Fr – 0h, Sa – 8h, www.werkstattgalerie.org
Galleria Nove, Anna-Louisa-Karsch-Str. 9, 0 78 Berlin-Mitte, Di–Sa – 8h
www.galleria9-berlin.com
Alles schwebt! – Eva Erbacher und Katrin Hosterbach
Beide Künstlerinnen beschäftigen sich in ihren Bildern mit dem Zustand
des Schwebens. Im Vordergrund steht die Erforschung von Räumlichkeit
durch Farbe, Aquarell und Acryl. Das visuelle Nachdenken vollzieht
sich leuchtend transparent und kompakt. „Schwebeteilchen“ und auch
Farbflächen betonen Tiefenwirkung, sie gehen nicht in einem Farbfeld auf.
ROOT am Savignyplatz, Produzentengalerie für Malerei
Carmerstr. , 06 Berlin-Charlottenburg
Opening: 6. . , 9h, 7. .– 0. . , Di–Sa 4– 9h, Finissage: 0. . , – 6h
Uli Fischer, Interaktion IV – Quintessence
Alle Arbeiten der Ausstellung entstanden 0 0 als „work in progress“.
Fischer verwendet für seine monumentalen Objekte bewusst Textilien mit
Patina, z. B. ausgeblichene Kostüme japanischer Straßenschauspieler oder
Futon-Fragmente – Gewebe mit Gebrauchsspuren als Zeugen für gelebtes
Leben. „Ich sehe, was schon da ist. Ich betrachte ein solches Gewebe nicht
als Stoff, sondern als Kompositionselement und Energieträger“.
Galerie art of textiles, Grolmanstr. 5 , 06 Berlin-Charlottenburg
Opening: 0. ., 9h, . . 0– . . , Di–Fr – 9h, Sa – 5h
www.uli-fischer.com
54 55

Gustave Courbet: Portrait de l’artiste, dit Le Désespéré
(Selbstbildnis als Verzweifelter), 844– 845, Öl auf Leinwand,
45 x 54 cm, Private Collection, by courtesy of
BNP Paribas Art Advisory, Fotografie: Michel Nguyen
Anonymous workshop painters: Portrait of an Official, Hanging
scroll, China, Ming dynasty, dat. 607, ink, colors and gold pigment
on silk, 80 x 85,7 cm, Museum of East Asian Art Cologne
Inv. Nr. A 8, , © Rheinisches Bildarchiv Köln
Marc Chagall: Über Witebsk, o. J., Bleistift, Tusche, Gouache,
Aquarell und Grafit auf Karton, 5 ,5 x 64, cm, Israel Museum,
Jerusalem, © VG Bild-Kunst, Bonn 0 0
Courbet – Ein Traum von der Moderne
Der französische Maler Gustave Courbet ( 8 9–
877) gilt als Vorreiter der sozial engagierten Malerei
und als Revolutionär der Pariser Commune. Über 80
Werke gewähren nun in Frankfurt einen Einblick in
die sensible Seite des Malers. In seinen Gemälden und
Zeichnungen schildert er eine Welt der Versunkenheit,
der Nachdenklichkeit und der Innenwendung – ganz
im Gegensatz zur hektischen Industrialisierung seiner
Zeit. Die traumwandlerische Sinnlichkeit, aber auch die
Versenkung in entlegene Gegenden, in denen es keinen
sicheren Halt gibt, ist Grund dafür, dass sich noch immer
viele Künstler der Gegenwart auf ihn berufen.
Schirn Kunsthalle Frankfurt
Römerberg, 60 Frankfurt
bis 0. . , Di–So 0– 9h, Mi/Do 0– h
Eintritt: 0 €, erm. 8 €, www.schirn.de
Der perfekte Pinsel – Chinesische Malerei 1300–1900
Die Werke chinesischer Berufsmaler kennzeichnet eine
perfekte Maltechnik. Im Vordergrund standen dabei
gekonnt inszenierte Figurenszenen mit Anspielungen
auf klassische Themen und idealisierende Sujets, die
das konfuzianische Wertesystem untermauerten und
die herrschende Dynastie bestätigten. Die Ausstellung
versammelt daoistische und buddhistische Themen sowie
Ahnenporträts und Bilder symbolträchtiger Blumen wie
auch dekorative, paradiesisch anmutende Landschaften.
Museum für Ostasiatische Kunst
Universitätsstr. 00, 50674 Köln
bis 0. . , Di–So – 7h
Eintritt: 7 €, erm. ,70 €
Marc Chagall. Lebenslinien
Persönliche Erlebnisse und Erfahrungen fanden stets
unmittelbar Eingang in Marc Chagalls Kunst. In
zahlreichen Gemälden, Zeichnungen und Druckgrafiken
spielt die inspirierende Beziehung zu seiner Frau Bella
eine zentrale Rolle. Die Ausstellung untersucht das
besondere Verhältnis zwischen dem Maler und seiner
Frau vor dem Hintergrund des künstlerischen Schaffens
von Chagall und setzt dessen Biografie direkt mit seinen
Werken in Verbindung.
Bucerius Kunst Forum
Rathausmarkt , 0095 Hamburg
bis 6. . , Di–So – 9h, Do – h, Eintritt: 8 €, erm. 5 €
www.buceriuskunstforum.de
Aron Zinshtein: Leihboote im Park, 005
Gouache, 60 x 85 cm
Alla Dzhigirey: Gasholder, 00
Tempera, 9 x 58 cm
Birgit Kjærsgaard: mosaic
© Kjærsgaard 009
Siegfried Elxnat: Millionen, 0 0
Acryl auf Leinwand, 00 x 80 cm
Gero Neumeister: Aus der Serie
„kill your idols“, 0 0
C-Print auf Spanplatte, 90 x 60 cm
Aron Zinshtein
Aron Zinshtein zählt zu den wenigen russischen Künstlern, die bereits
zu Lebzeiten ihren Ruhm genießen können. Diesen Erfolg verdankt er
seiner konsequent starken Position innerhalb der Avantgarde der Malerei.
Expressiv und schrill, provokativ und ironisch vermitteln seine Werke
trotzdem immer ein Gefühl der Weltharmonie.
Galerie Vinogradov Berlin, Chodowieckistr. 5, 0405 Berlin-Prenzlauer Berg
Opening: 4. . , 9h, 5. .– . . , Mi–Fr 4– 9h, Sa – 5h and by appt.
0 0 - 86 4 04 0, www.eurusart.com
Alla Dzhigirey – Urbanishaden
Der Begriff „Upanishaden“ bedeutet übersetzt „sich zu Füßen eines Gurus
setzen“. Mit ihrer menschenleeren meditativen urbanen Landschaftsmalerei
folgt Alla Dzhigirey aus St. Petersburg, die zur Künstlergruppe „Kinder von
Arkhip Kuindzhi“ gehört, den Geboten des vor 00 Jahren verstorbenen
Meisters.
Galerie Vinogradov Berlin, Chodowieckistr. 5, 0405 Berlin-Prenzlauer Berg
Opening: 9. ., 9h, 0. . 0– . . , Mi–Fr 4– 9h, Sa – 5h and by appt.
0 0 - 86 4 04 0, www.eurusart.com
Birgit Kjærsgaard – Verdensrum
Was ist wirklich „arabisch“, „indisch“ oder „chinesisch“? Die dänische
Architektin Birgit Kjærsgaard zeigt eine D-Installation zu kulturellen
Zeichensystemen dreier Weltkulturen und deren Metaphorik. Dem
Betrachter eröffnen sich virtuelle Vorstellungswelten und abstraktarchitektonische
Meditationen – eine holistische Spurensuche der anderen
Art.
A trans Pavilion
Hackesche Höfe III, Rosenthalerstr. 40/4 , 0 78 Berlin-Mitte
bis 5. . , Fr 6– 0h and by appt., www.atrans.org
Siegfried Elxnat: Gold ist aus
Für den Maler Siegfried Elxnat ist das Unbewusste Quelle seiner Bilder.
Der Idee des Actionpainting verbunden, fließen Farbe und Struktur intuitiv
zusammen, spielt er mit Kontrollverlust und Zufall, folgt mehr einem
inneren Rhythmus denn einem äußeren Konstruktionsprinzip. Dabei
wendet er sich vom Figurativen nicht vollständig ab. Seine Bilder erzählen
Geschichten und berühren elementare Gegenwartsfragen – Gold ist nicht aus!
Galerie Berliner Ursprung, Neue Schönhauser Str. 9, 0 78 Berlin-Mitte
bis . . , Mi–Do – 8h, Fr – 9h, Sa – 8h
www.berliner-ursprung.de
„... so ein verschwenderisches Gefühl!“
Björn Achilles, Katharina Arndt, Björn Geipel, Gero Neumeister und
Oliver Scharfbier sind Teil der jungen Berliner Kunstszene. Ihre Arbeiten
verbindet der direkte Bezug zum Alltag. Die tägliche Beeinflussung
visualisieren sie durch Materialien wie Müllbeutel, Kacheln, Teichfolien
oder BILD-Zeitungen. Bezugnahmen auf Popstars, Filme oder newsheadlines
reflektierten den Zeitgeist und spiegeln das Lebensgefühl.
dorisberlin, Nollendorfstr. 5, 0777 Berlin-Schöneberg
Opening: 4. . , 8h, 5. .– 5. . , Di–Fr – 9h, Sa 0– 6h and by appt.
0 0 – 97 86 8 4, www.dorisberlin.com
56 57

KUNST Sammlergespräch mit Barbara und Axel Haubrok
Die Sammelleidenschaft von Axel und Barbara
Haubrok, die heute zu den bedeutendsten Sammlern
Deutschlands zählen, begann vor 0 Jahren mit dem
Erwerb eines Bildes von Raoul de Keyser und einer
Arbeit von Luc Tuymans.
Nachdem in den folgenden Jahren der Schwerpunkt
der Sammeltätigkeit des aus Düsseldorf stammenden
Ehepaars zunächst auf der Malerei lag, führte der
Weg schließlich über den Ankauf von Arbeiten von
Günther Förg zu Beginn dieses Jahrtausends zur
Konzeptkunst. Diese bildet heute den Schwerpunkt der
Sammlung, die mittlerweile über 500 Werke umfasst,
darunter Arbeiten von Jonathan Monk, Christopher
Williams, Cady Noland und Gregor Schneider. Seit
005 präsentiert das Ehepaar regelmäßig Werke
der Sammlung in Berlin – seit Frühjahr 007 unter
dem Namen „haubrokshows“ in einem Projektraum
am Straußberger Platz. Neben etwa vierteljährlich
stattfindenden wechselnden Ausstellungen bietet das
Ehepaar mit dem Raum ein Forum für Diskussionen,
Konzerte und Filmführungen.
Parallel zu ihrer Sammlertätigkeit haben Axel
und Barbara Haubrok eine Stiftung gegründet. Die
Haubrok Foundation, deren Zweck die Förderung
zeitgenössischer Kunst ist.
In der Foundation sind museale Arbeiten wie
raumgreifende Installationen oder Performancekunst
zusammengefasst. Axel und Barbara Haubrok haben
sich entschieden, der Nationalgalerie diese
bedeutende Werken, darunter Arbeiten von Olafur
Eliasson, Tobias Rehberger und Andreas Slominski,
zur dauerhaften Leihgabe beizustellen.
In diesem Zusammenhang ist noch bis zum 9.
Dezember Tino Sehgals Projekt „This is Propaganda“
Impressum | Imprint
KUNST Magazin / KUNST Verlag, Berlin
Wrangelstr. 21, 10997 Berlin
Tel.: 0 0 - 6 0 4 und 0 0 - 4 9 58 9
Fax: 0 0 - 6 0 7 und 0 0 - 4 9 70 59
info@kunstmagazin.de | ISSN 86 - 7 8
Herausgeberin: Jennifer Becker (v. i. S. d. P.)
Chefredakteurin: Katharina Helwig
Chefin vom Dienst: Hannah Nehb
Redaktion & Texte: Franczeska Gutsch, Katharina
Küster, Julie Piérart, Agathe Power, Eileen Seifert,
Sarah Weckert, Steffi Weiss, Claudia Wissel
Gastautoren in dieser Ausgabe: Tanja Dückers, Jan
Kage, Katharina Knieß, Bettina Steinbrügge
Übersetzungen: Brian Poole
Lektorat: Dagmar Tränkle
Grafik: Matej Košir
Barbara und Axel Haubrok, Foto: Albrecht Fuchs
in der Alten Nationalgalerie zu sehen, das anschließend
durch alle sechs Berliner Häuser weiterwandern
wird. Geplant ist, die anderen zwölf Werke in den
kommenden Jahren nach und nach, je nach Konzept
und Kontext, in Ausstellungen der Nationalgalerie
einzubinden und zu präsentieren.
Wir freuen uns auf das KUNST Sammlergespräch mit
Barbara und Axel Haubrok, moderiert von Jan Kage alias
Yaneq.
Donnerstag, 2. 12., Einlass ab 20h, Gespräch ab ca. 0. 0h
Bar Tausend, Schiffbauerdamm , Berlin-Mitte
Um Anmeldung wird gebeten: sammler@kunstmagazin.de
Save the Date: Am . Februar 0 ist Stefan Haupt zu
Gast beim KUNST Sammlergespräch.
Onlineredaktion: Julia Schmitz
Webdesign: Marius Bruns, www.robinson-cursor.de
Druck: Druckerei Conrad GmbH,
www.druckereiconrad.de
Distribution: DHL GoGreen – wir versenden
klimaneutral, Deutsche Post Pressevertrieb
Erscheinungsweise: 40 000 Exemplare, 0-mal im
Jahr, Doppelausgaben: Jul./Aug. und Dez./Jan.
Es gelten die Mediadaten 0 .
Alle Ausstellungshinweise im KUNST Magazin
sind für Galerien, Museen und Ausstellungshäuser
kostenpflichtig.
Eine tagesaktuelle Übersicht zu allen
Veranstaltungen im KUNST Kontext in Deutschland
finden Sie im Kalender auf www.kunstmagazin.de
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Boots & shoes Coming January 2011: herr von eden.Com