Musiker Magazin 02/2017

C 10973 F | N o 2/2017 | 3,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

Martin Engelien 

Als Bassist 

hat man die Macht der Musik 

in seinen Händen 

Andy Ost 

„Bock auf Leben“ 

Stone 

Diamond 

Das Rock-Chamäleon 

Mandragora 

Thuringia 

Folk Metal aus 

dem Kyffhäuser Kreis 

Die Historie 

der Rock- & Popmusik: 

Jimi Hendrix 

Das unerreichte Genie 

JUDITH 

HOLOFERNES

MUSIC IS OUR PASSION

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG, 

MUSIKER MAGAZIN UND ERPAM 

PRÄSENTIEREN 

Die verschiedenen „Deutschen Rock- und Pop-Preise“ 

werden in folgenden Sparten verliehen: 

8 Hauptkategorien: 

Rock, Pop, Hard Rock, Funk & Soul, 

Alternative/Independent, Singer-Songwriter, Singer, Country 

64 Nebenkategorien: 

Rock, Pop, Funk & Soul, Hard Rock, Alternative, Metal, Jazz-Rock, Rhythm & Blues, New Age, 

Reggae, Latin-Pop, Folkrock, Country, Gospel, Musical, Punk, Fusion-Jazz-Rock, 

Gothic/Wave, Weltmusik, Hip-Hop, Schlager 

25 Sonderkategorien: 

Filmmusik, Kinderlieder, Experimental, Fusion, Hardcore, Industrial, Progressiv, Ska, New Metal, 

Trance, Elektronik, Dancehall, Elektropop, Blues, Rock’n’Roll/Rockabilly, Cover/Revival, A Capella 

28 Sonderauszeichnungskategorien: 

Tonstudio, Independent-Label, Independent-Musikverlag, Booking-Agentur, Musikmanager, Musikproduzent, 

Förderung der Rock- & Popmusik, neuer Rock- & Popkünstler, CD-Album (deutschsprachig), CD-Album (englischsprachig), 

Studioaufnahme, Single, Song (deutschsprachig), Song (englischsprachig), 

Musikvideo, beste Komposition, deutscher Text, Booklet und Inlaycard, Instrumentalband, Instrumentalsolist, 

Instrumentalalbum, bester Gitarrist, bester Keyboarder, bester Schlagzeuger, 

bester Bassist, bester Percussionist, bestes Arrangement, bestes Blasinstrument 

an Nachwuchsmusikgruppen, Einzelmusiker & SängerInnen sowie an Profimusiker 

Anmeldegebühren pro Kategorie: € 20,– DRMV-Mitglieder / € 30,– DRMV-Nichtmitglieder (Bitte den Bewerbungsunterlagen beilegen.) 

Teilnahmegebühr: € 150,– je Hauptkategorie bei Auswahl durch die Bundesjury 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von € 1000,– für eigene Gäste/Fans) 

Teilnahmegebühr: € 100,– je Sonder- oder Nebenkategorie bei Nominierung durch die Bundesjury 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von € 1000,– für eigene Gäste/Fans) 

INFOS: Deutsche Popstiftung • Kolberger Straße 30 • 21339 Lüneburg 

Tel: 0 41 31/ 23 30 30 • Fax: 0 41 31/2 33 03 15 • E-Mail: info@drmv.de / info@deutschepopstiftung.de 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, 

des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V., des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V. 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften. 

9. Dezember 2017, Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen

10 FESTIVAL 

35. DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 2017 

am 9. Dezember 2017, Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen 

1. ZIEL/KONZEPT 

In 2017 werden zum 35. Mal insgesamt über 

125 „Deutsche Rock & Pop Preise“ der verschiedensten 

musikalischen Bereiche an heraus ra - 

gende Nachwuchsmusikgruppen, Nachwuchs - 

einzel künstler/-innen sowie zum ersten Mal 

durch eine Fachjury ausgewählte professionelle 

Musik gruppen und Einzelkünstler/-innen mit 

Ton trä ger vertrag verliehen. So sollen auch in diesem 

Jahr Nachwuchskünstler so unterschiedlicher 

musik stilistischer Bereiche wie Rock, Pop, 

Country, Hard & Heavy, Alter native, Weltmusik, 

Reggae, Funk & Soul u.v.a.m. geehrt werden. 

Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische 

Anspruch. In ihrer kulturellen und künstlerischen 

Aus rich tung steht diese Kultur ver an stal - 

tung damit im bewussten Gegensatz zu bisherigen 

Veranstal tungszeremonien von Industrie - 

preisen und TV-Anstalten. 

Durch die Auszeichnung in über 125 verschiedenen 

Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik 

Rechnung getragen. Damit soll erreicht werden, 

dass sich möglichst viele Musikgrup pen, Einzel - 

künstlerinnen und -künstler in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als 

Platt form des kreativen Nachwuchses, aber auch 

als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler/ 

-innen und Persönlichkeiten des musikalischwirtschaftlichen 

Umfeldes dienen. 

2. FINANZIERUNG 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesent li - 

chen – wie in den vergangenen Jahren auch – 

durch die Deutsche Popstiftung, den Deutschen 

Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am 

Wettbewerb beteiligten Musikgruppen und 

Künstler/-innen finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten 

kulturellen Wettbewerbs wird – ebenfalls wie in 

den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form 

einer geringen Anmeldegebühr verlangt. Alle 

durch die Bundesjury ausgewählten Final teil - 

nehmer sowie durch die Bundesjury nominierten 

Preisträger der Neben- und Sonderkate - 

gorien zahlen außerdem einen Teilnahme be trag 

pro Musiksparte, um die Selbstfinanzierung dieses 

musikereigenen Kulturfestivals auf Bundes - 

ebene zu gewährleisten. Diese solidarische 

Ge mein schafts finanzierung ist in Deutsch land 

einmalig: Damit wird auch der 35. Deutsche 

Rock & Pop Preis wieder ge meinschaftlich finanziert 

durch die Stiftungs- und Verbands trä ger, 

die ca. 3 000 Mu sik grup pen, Musi kerinnen und 

Musiker im Deutschen Rock & Pop Musiker - 

ver band e.V. sowie durch die über 1 000 Teil - 

neh mer dieses Festivals. 

3. KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musik - 

preisen werden die Deutschen Rock & Pop 

Preise 2017 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise 

können an herausragende etablierte Musik - 

gruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in

FESTIVAL 11 

den Unterkategorien „Bester Gitarrist”, „Bester 

Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen 

werden. Hierfür kann man sich direkt bewerben. 

Die Bundesjury entscheidet, ob besondere 

Leistungen in diesen Bereichen vorliegen. 

FOLGENDE EINZELKATEGORIEN 

WERDEN AUSGESCHRIEBEN: 

 

 

 

 

8 Hauptkategorien 

64 Nebenkategorien 

25 Sonderkategorien 

28 Sonderauszeichnungskategorien 

Durch die differenzierte Auswahl an Kate go - 

rien und Unterkategorien wird gewährleistet, 

dass eine große Anzahl vielversprechender 

Musik gruppen, Interpreten und Künstler/-innen 

in musikhistorisch bedeutenden, aber bisher 

bei Preisverleihungen vernachlässigten Musik - 

rich tungen ebenfalls gewürdigt werden können. 

In den acht Hauptkategorien werden die Final - 

aus scheidungen (und/oder Halbfinal vor ent - 

scheide) tagsüber live am Festivalort auf der 

Bühne er folgen. In den übrigen Kategorien entscheidet 

die Bundesjury allein aufgrund des 

eingeschickten Materials über eine Nominie - 

rung bzw. Aus zeichnung bei der Preisver lei hung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich 

mit dem künstlerischen und technischen Um - 

feld einer CD-Produktion und des Musik ma na - 

ge ments auseinandersetzen (Studioproduktion, 

CD-Design, Independent-Label, Künstler agentur 

etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch diese an - 

son sten im Schatten von künstlerischen Aus - 

zeich nungen stehenden Firmen und Personen 

geehrt werden. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer 

CD/einem Musikvideo pro Kategorie (möglichst 

eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop - 

stiftung für die verschiedenen Kategorien be - 

werben. 

ANMELDEGEBÜHR: 

DRMV-Mitglieder 20,– Euro, 

DRMV-Nichtmitglieder 30,– Euro. 

Nach dem Bewerbungsschluss am 15. Juli 

2017 ermitteln unabhängige Expertenjuroren, 

die von der Deutschen Popstiftung eingesetzt 

werden, die Teilnehmer am Finale und die 

Preisträger der Neben- und Sonderkategorien 

des 35. Deutschen Rock & Pop Preises 2017. 

Mithilfe eines detaillierten Bewertungsbogens 

(Arran ge ment, Instrumentierung, Gesang, Text, 

Kom position, Originalität, Kreativität etc.) 

ermittelt die Festivaljury die live im Finale des 

35. Deutschen Rock & Pop Preises 2017 auftretenden 

Musikgruppen und Einzelinterpreten 

der Hauptkategorien. Um eine gerechte Preis - 

ver leihung zu gewährleisten, kann die Bundes - 

jury, wenn die Einordnung den Juroren passend 

erscheint, Preise auch in anderen als den 

durch die Künstler ursprünglich beworbenen 

Katego rien zuerkennen. 

4. PREISVERLEIHUNG/FESTIVAL 

Die Teilnehmer am Finale des 35. Deutschen 

Rock & Pop Preises 2017 erhalten durch die 

Deutsche Popstiftung eine Einladung nebst Teil - 

nahmeformular. Die in allen Sparten und Be - 

reichen nominierten Bands und Künstler/-innen 

werden persönlich eingeladen. Erst die Rück - 

sendung des ausgefüllten Teilnahmeformulars 

und die Entrichtung der Teilnahmegebühr in 

Höhe von 150,– Euro je Hauptkategorie sowie 

100,– Euro je Sonder- oder Nebenkategorie (je 

zuerkannter Preissparte) garantieren die Teil nah - 

me am 35. Deutschen Rock & Pop Preis 2017. 

Die Finalisten (Einzelkünstler/-innen und Musik - 

gruppen) der Hauptkategorien erhalten im Ge - 

genzug je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 

1 000,– Euro für den eigenen Gäste-/Fan kreis 

(s. zusätzliche Publikumsabstimmungen), die 

ausgezeichneten Preisträger der Sonder- und 

Nebenkategorien erhalten ebenfalls je 50 Ein - 

trittskarten im Gegenwert von 1000,– Euro für 

die eigenen Gäste/Fans. Mit der Nichtrück sen - 

dung des Anmeldeformulars und der Nicht ent - 

richtung der Teilnahmegebühr verfällt die Teil - 

nah me und Preiszuerkennung. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung 

durch die Festivaljury werden auf der Home - 

page des DRMV www.musiker-online.tv und 

durch die Kulturzeitschrift musiker Magazin 

nach dem Festival veröffentlicht. 

Die jeweils ersten Preisträgerbands der 

Haupt kategorien „Rock“, „Pop“ und „Alter- 

na tive“ erhal ten eine einjährige kostenlose Mit - 

glied schaft im DRMV und ein einjähriges 

Rechts- und Fachberatungsprogramm. Die teil - 

nehmen den Preisträger der verschiedensten 

Deut schen Rock & Pop Preise 2017 erhalten 

als Auszei ch nung eine Ehrenurkunde. Die jeweils 

ersten Preis träger der Hauptkategorien erhalten 

zu sätzlich einen Rock- & Pop-Oscar. 

INFOS: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/ 

DEUTSCHER-ROCKPOP-PREIS 

ANMELDUNG: 

MUSIKER-ONLINE.COM/ANMELDUNG 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

FOTOS: LUDWIG CZAPLA

12 STORIES 

MARTIN 

ENGELIEN 

»Als Bassist hat man 

die Macht der Musik in 

seinen Händen.« 

MM: Du bist schon lange im Musikbusiness 

tätig – sowohl als Musiker (Bassist) als auch 

als Produzent. Wie hat sich der Musikmarkt 

verändert? 

MARTIN ENGELIEN: Die größte Veränderung ist, 

dass Musik heute keine große Wertschätzung 

mehr entgegengebracht wird. Die Qualitäts maß - 

stäbe sind entgleist. Es wird immer schwieriger, 

mit Musik seinen Lebensunterhalt zu bestreiten. 

Neue Technologien bewirken neue Denkweisen. 

Man muss damit leben, muss flexibel bleiben. 

Bei spielweise ein Konzert: Ursprünglich einzigartig, 

konnte es mit Erfindung des Rundfunks in 

alle Welt übertragen werden, mit Erfindung der 

mechanischen Aufzeichnung reproduziert werden, 

und als die Bilder laufen lernten, auch gesehen 

werden. Man bezahlte mit Freuden, es war 

die Sache wert. Musiker konnten davon recht 

gut leben und weiterhin ihrer Kunst frönen. Heute 

kann jeder seine musikalischen Darbietungen 

zeitgleich gestreamt auf alle Bildschirme dieser 

Welt schicken oder in HD auf diversen Platt for - 

men zum Anschauen und Hören freigeben, ohne 

dafür einen Cent zu erhalten. Doch heute wie 

damals zählt: Man muss eine Idee haben, dieser 

folgen und sie mit aller Kraft umsetzen. Man muss 

für sie leben und seinen Visionen folgen. 

MM: Wieso bist du Bassist geworden? 

MARTIN: Weil der Bass das mächtigste Instru ment 

ist. Als Bassist hat man die Macht der Musik in 

seinen Händen. Leider fällt das nur auf, wenn er 

nicht dabei ist. (lacht) 

MM: Du bist mit der Klaus Lage Band und 

„1001 Nacht“ berühmt geworden. Siehst du 

das als deinen größten musikalischen Er folg 

oder gab es da andere Dinge? 

MARTIN: Das war ein großartiges Erlebnis. Du 

machst Musik und irgendwann hörst du deinen 

Song bei allen Radiosendern. Diesen in TV-Shows 

wie „Wetten, dass …?“ zu präsentieren, war 

Wahn sinn. Die erste Goldene Schallplatte ist die 

schöns te. Darum zählt es zu einem großen 

Erfolg in meinem Leben. Es gibt einige Stationen 

in meinem Leben, die offensichtlich nicht spektakulär 

er schei nen, mir aber viel bedeuten. Zum 

Beispiel, dass ich mit 21 Jahren mit Toto Blanke 

und Charlie Mariano auf einer europaweiten Tour 

unterwegs war. Oder dass mich Lothar Meid in 

das Ge heimnis der „Straight Eights“ eingeweiht 

hat. Davon lebe ich heute noch. Großartig war 

auch, dass ich Jazzmusiker Albert Mangelsdorff 

kennenlernen durfte, sein erfolgreichstes Album 

pro duziert habe und fünf Jahre lang mit ihm auf 

Tour gehen konnte. Zu meinem größten musikalischen 

Erfolg zähle ich, dass ich die Welt bereise 

und erlebe. 

MM: Was war dein schönstes Bühnen er leb - 

nis? 

MARTIN: Bei der Menge an Konzerten und 

schönen Erlebnissen auf der ganzen Welt, was 

soll ich da benennen? Ich habe auf der Bühne 

des Okie Dokie in Neuss geheiratet. Eine echte 

Rock’n’Roll-Hochzeit. Jedes Mal, wenn ich diese 

Bühne betrete, denke ich an meinen Hochzeits - 

tag – das ist schön. 

MM: Warum hast du ein eigenes Studio, 

eigenes Label und einen eigenen Musik ver - 

lag gegründet? 

MARTIN: Da ich schon immer an Songs gebas - 

telt habe, hatte ich sehr früh einen Vier-Spur- 

Kassettenrecorder mit eingebautem Mischpult. 

Als mehr Geld zur Verfügung stand, kam ein 

Acht-Spur-Tonbandgerät mit einem 24-Kanal- 

Mischpult ins Haus. Parallel habe ich in großen 

Studios unsere ersten Schallplattenaufnahmen 

überwacht. Zeitgleich wuchs der Bekannt heits - 

grad der Klaus Lage Band, und Klaus bot mir an, 

Songs zu produzieren. Das machte Spaß. So 

wuchs mein Studio mit meiner Erfahrung. Heute 

befindet es sich in Düsseldorf. Das Label A1 

Records und den Flower Town Music Verlag 

gründete ich 2001. Damals erkannte ich, dass die 

Zukunft in der Eigenvermarktung liegt, weil die 

Plattenindustrie untergehen wird. 

MM: Du gibst Bass-Workshops, tourst damit 

sogar. Wie kam es dazu? 

MARTIN: Mein Lebensmotto: Einfach, aber effektiv! 

Ich hatte schon immer auf der Bühne gern 

Material, das im Bühnenstress einfach zu bedienen 

ist und großartig klingt. Mitte der 80er habe 

ich angefangen, meine Ideen in die Musik in dus trie 

einzubringen. Als Produktspezialist und Marken - 

botschafter gebe ich Workshops und Clinics in 

der ganzen Welt. 

MM: Schaffst du es überhaupt noch, ab und 

zu mal Bass zu spielen? 

MARTIN: Ich zelebriere rund 150 bis 180 Kon - 

zerte pro Jahr. Da spiele ich immer Bass. (lacht) 

MM: Wie geht es bei dir weiter? Welche Pläne 

hast du für die kommenden zwei bis fünf 

Jahre? 

MARTIN: Ich freue mich auf jeden Tag, den ich 

mit Musik verbringen kann. Mit Musik-Machen, 

Musik-Hören, Musik-Kümmern. Einen großen Teil 

des Tages verbringe ich mit Organisation. Von 

nichts kommt nichts. Neben meinen Konzert ak - 

tivitäten geht es im Herbst auf eine große Tour. 

Einige Produktionen stehen an, im Studio und für 

mein Label. Mein Kalender ist prächtig gefüllt. 

MM: Und danach? Rente? 

MARTIN: Ich denke nicht in Zeit. Ich bin Musiker. 

WEB: WWW.MARTINENGELIEN.DE 

INTERVIEW: JANINA HEINEMANN 

FOTO: MARKUS ROOSEN 

musiker MAGAZIN 2/2017

ANMELDUNG 

35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017 

Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2017 an. 

FESTIVAL 13 

Band/Künstler/-in: ......................................................... 

Ansprechpartner/-in: ...................................................... 

Straße: .......................................................................... 

PLZ Ort: ........................................................................ 

Bundesland: .................................................................. 

Tel.: ............................................................................... 

Mobil: ............................................................................ 

Fax: .................................................................................... 

E-Mail: ................................................................................ 

Internet: .............................................................................. 

DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................ 

GEMA-Mitglied?: ❑ nein ❑ ja: 

❑ angeschl. ❑ außerord. ❑ ordentlich 

Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich. 

Anmeldegebühr pro Musiksparte: EUR 20,– DRMV-Mitglieder /EUR 30,– DRMV-Nichtmitglieder 

Die Anmeldegebühren in Höhe von EUR ............ ❑ in bar beigelegt ❑ als Scheck beigelegt ❑ per Überweisung 

Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF 

Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 15. Juli 2017 an: 

Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2017, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg 

Teilnahmegebühr: EUR 150,– je Sparte in der Hauptkategorie bei Auswahl durch die Bundesjury. 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans) 

Teilnahmegebühr: EUR 100,– je Sparte in den Sonder- oder Nebenkategorien bei Nominierung durch die Bundesjury. 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans) 

35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: HAUPTKATEGORIEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

❑ 1 

❑ 2 

❑ 3 

❑ 4 

❑ 5 

❑ 6 

❑ 7 

❑ 8 

Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band) 

Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band) 

Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band) 

Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band) 

Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band) 

Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme) 

Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme) 

Deutscher Country Preis (beste Country-Band) 

In 2017 können sich auch 

professionelle Musikgruppen und Musiker/-innen 

mit Labelvertrag bewerben! 

35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: SONDERKATEGORIEN 

❑ 9 

Beste Filmmusik 

❑ 18 

Beste Tranceband 

❑ 26 

Beste A-Capella-Band 

❑ 10 Bestes Kinderlieder-Album 

❑ 11 Beste Experimentalband 

❑ 12 Beste Fusionband 

❑ 13 Beste Hardcoreband 

❑ 14 Beste Industrialband 

❑ 15 Beste Progressivband 

❑ 16 Beste Skaband 

❑ 19 

❑ 20 

❑ 21 

❑ 22 

❑ 23 

❑ 24 

Beste Electronic-Band 

Bester Electronic-Interpret 

Bestes Dancehall-Album 

Beste Elektropopband 

Bestes traditionelles Blues-Album 

Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband 

❑ 27 

❑ 28 

❑ 29 

❑ 30 

❑ 31 

❑ 32 

Beste Fusion-Jazz-Rockband 

Beste Punkband 

Beste Gothic/Wave-Band 

Beste Schlagersängerin 

Bester Schlagersänger 

Bestes Weltmusikalbum 

❑ 17 

Beste New-Metal-Band 

❑ 25 

Beste Cover/Revivalband 

❑ 33 

Bestes Hip-Hop-Album 

✁ 

EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2017 

2/2017 musiker MAGAZIN

14 FESTIVAL 

35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: NEBENKATEGORIEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

BEREICH ROCK: 

❑ 34 Beste Rocksängerin 

❑ 35 Bester Rocksänger 

❑ 36 Bester Rocksong 

❑ 37 Bestes Rockalbum 

BEREICH POP: 

❑ 38 Beste Popsängerin 

❑ 39 Bester Popsänger 

❑ 40 Bester Popsong 

❑ 41 Bestes Popalbum 

BEREICH FUNK & SOUL: 

❑ 42 Beste Funk-&-Soul-Sängerin 

❑ 43 Bester Funk-&-Soul-Sänger 

❑ 44 Bester Funk-&-Soul-Song 

❑ 45 Bestes Funk-&-Soul-Album 

BEREICH HARD ROCK: 

❑ 46 Beste Hard-Rock-Sängerin 

❑ 47 Bester Hard-Rock-Sänger 

❑ 48 Bester Hard-Rock-Song 

❑ 49 Bestes Hard-Rock-Album 

BEREICH METAL: 

❑ 50 Beste Metal-Sängerin 

❑ 51 Bester Metal-Sänger 

❑ 52 Beste Metal-Band 

❑ 53 Bester Metal-Song 

❑ 54 Bestes Metal-Album 

BEREICH JAZZ-ROCK: 

❑ 55 Beste Jazz-Rock-Sängerin 

❑ 56 Bester Jazz-Rock-Sänger 

❑ 57 Beste Jazz-Rock-Band 

❑ 58 Bester Jazz-Rock-Song 

❑ 59 Bestes Jazz-Rock-Album 

BEREICH ALTERNATIV: 

❑ 60 Beste Alternativ-Sängerin 

❑ 61 Bester Alternativ-Sänger 

❑ 62 Bester Alternativ-Song 

❑ 63 Bestes Alternativ-Album 

BEREICH NEW AGE: 

❑ 64 Beste New-Age-Band 

❑ 65 Bester New-Age-Song 

❑ 66 Bestes New-Age-Album 

BEREICH RHYTHM & BLUES: 

❑ 67 Beste Rhythm-&-Blues-Sängerin 

❑ 68 Bester Rhythm-&-Blues-Sänger 

❑ 69 Beste Rhythm-&-Blues-Band 

❑ 70 Bester Rhythm-&-Blues-Song 

❑ 71 Bestes Rhythm-&-Blues-Album 

BEREICH REGGAE: 

❑ 72 Beste Reggae-Sängerin 

❑ 73 Bester Reggae-Sänger 

❑ 74 Beste Reggae-Band 

❑ 75 Bestes Reggae-Album 

BEREICH LATIN-POP: 

❑ 76 Beste Latin-Pop-Sängerin 

❑ 77 Bester Latin-Pop-Sänger 

❑ 78 Beste Latin-Pop-Band 

❑ 79 Bester Latin-Pop-Song 

❑ 80 Bestes Latin-Pop-Album 

BEREICH FOLKROCK: 

❑ 81 Beste Folkrocksängerin 

❑ 82 Bester Folkrocksänger 

❑ 83 Beste Folkrockband 

❑ 84 Bester Folkrocksong 

❑ 85 Bestes Folkrockalbum 

BEREICH COUNTRY: 

❑ 86 Beste Country-Sängerin 

❑ 87 Bester Country-Sänger 

❑ 88 Bester Country-Song 

❑ 89 Bestes Country-Album 

BEREICH GOSPEL: 

❑ 90 Beste Gospel-Sängerin 

❑ 91 Bester Gospel-Sänger 

❑ 92 Beste Gospelgruppe 

❑ 93 Bester Gospel-Song 

❑ 94 Bestes Gospel-Album 

BEREICH MUSICAL: 

❑ 95 Beste Musicalsängerin 

❑ 96 Bester Musicalsänger 

❑ 97 Bestes Musicalalbum 

(Pro Einzelsparte können bis zu 3 Preisträger ausgezeichnet werden!) 

Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden. 

35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: SONDERAUSZEICHNUNGSKATEGORIEN 

MUSIKBUSINESS: 

❑ 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis) 

Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc. 

❑ 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop) 

Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc. 

❑ 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop) 

Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc. 

❑ 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht 

❑ 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen 

❑ 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD 

❑ 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik 

in Deutschland 

Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig! 

MUSIKPRODUKTION: 

❑ 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres 

❑ 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig) 

❑ 107 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig) 

❑ 108 Bester Song des Jahres (deutschsprachig) 

❑ 109 Bester Song des Jahres (englischsprachig) 

❑ 110 Beste Studioaufnahme des Jahres 

❑ 111 Beste Single des Jahres 

❑ 112 Bestes Musikvideo 

❑ 113 Beste Komposition 

❑ 114 Bester deutscher Text 

❑ 115 Bestes Booklet und Inlaycard 

❑ 116 Beste Instrumentalband 

❑ 117 Bestes Instrumentalalbum 

INSTRUMENTALISTEN: 

❑ 118 Bester Instrumentalsolist 

❑ 119 Bester Gitarrist 

❑ 120 Bester Keyboarder 

❑ 121 Bester Schlagzeuger 

❑ 122 Bester Bassist 

❑ 123 Bester Percussionist 

❑ 124 Bestes Arrangement 

❑ 125 Bestes Blasinstrument 

musiker MAGAZIN 2/2017 

EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2017 

✁

STORIES 15 

DAS IST 

KESH 

Der junge Rapper aus 

der Nähe Berlins 

mischt seine deutschen 

Texte mit Genres 

wie Funk, Rock und Pop. 

Hinter ihm steht eine 

Band, die mit groovigen 

Rhythmen, verträumten 

Gitarrenriffs und 

starken Solos die Musik 

steuert. 

MM: KESH gibt es seit 2014. Was steht dahinter, wer oder was 

genau ist Kesh? 

KESH: KESH ist ein gutaussehender Rapper mit einer großen Nase. (lacht) 

Nein, Kesh ist Max Meißner aus Fürstenwalde/Spree in Brandenburg. Als 

ich mit Rapmusik anfing, meinte mein Dad zu mir, ich solle mich „MC Pleite“ 

nennen, weil ich kein Geld hatte. Ich drehte das um und kam von „Money“ 

zu „Kesh“. Nun versuche ich, mit deutschen Texten und meiner Musik er - 

folgreich zu werden. 

MM: So reiner Rap ist das nicht, irgendwie fließt ganz viel mit ein. 

Beschreibe deinen Musikstil. 

KESH: Ich mag es, Rap mit Musikgenres wie Funk, Rock oder Pop zu 

mischen: verträumte Gitarrenriffs, starke Soli. Das macht die Art des Rap 

interessant. Um ehrlich zu sein, sehe ich mich selbst nicht wirklich als 

Rapper. Ich benutze den Stil, um mich auszudrücken. 

MM: Wer sind deine musikalischen Vorbilder? 

KESH: Auch wenn ich musikalisch einen anderen Weg gehe, bin ich großer 

„Kool Savas“-Fan, mag Künstler wie Ahzumjot und Casper. Mich inspirieren 

Songs von Bruno Mars, Seeed oder Teesy. Frei nach dem Motto: Alles was 

geil klingt, ist geil. 

MM: Wie bist du denn zum Rappen gekommen? 

KESH: Vorher habe ich einiges ausprobiert, aber schnell sein lassen. Ich 

bin nicht der krasseste Sportler, lag mehr im Krankenhaus, als dass ich auf 

dem Skateboard stand, und in meiner rebellischen Graffiti-Zeit saß ich öfter 

im Streifenwagen, als dass ich ein guter Künstler war. 

Auf einem Schüler ball sah ich zwei Typen bei einem Live-Rap-Battle. Als 

ich sah, wie die Jungs gefeiert wurden, wollte ich auch auf die Bühne. 

Einer der beiden Mcees brachte mir die Grundlagen bei. 

 


16 STORIES 

»Du rennst auf die 

Bühne und bist 

Feuer und Flamme für 

diesen Moment, 

egal was passiert. 

Das ist dein Moment 

und dein Gefühl, das 

dir niemand 

nehmen kann. 

Genau deshalb machen 

wir das.« 

MM: Du trittst in Begleitung einer großen Band auf. Wie kam es zur 

Zusammenarbeit? 

KESH: Ich versuchte, mich weiter zu entwickeln und eine eigene CD mit 

einem Musikerkollegen aufzunehmen. Aber ich hatte das Gefühl, etwas 

fehlt: nämlich eine Band. Ich meldete mich bei einem Bandcontest an (ohne 

eine Band zu haben). So setzte ich mich selbst unter Druck, eine Band zu 

finden. Zwei Tage später kam jemand zu mir, sagte, er habe eine Band. Er 

fragte, ob ich Lust hätte, mit denen Musik zu machen. Kurz darauf hatte 

ich meine eigene Band mit sieben Mann. Sie stärkt mir den Rücken. 

MM: Woran arbeitest du bzw. arbeitet ihr gerade? 

KESH: Zusammen mit meinem Gitarristen/Komponisten fangen die Ar - 

beiten an einer EP an. Wir haben zwar vorher schon CDs aufgenommen, 

aber jetzt wollen wir es mit mehr Erfahrung und Hilfe richtig anpacken. 

MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis habt ihr den dritten Platz in 

der Kategorie „Pop“ belegt. Wie war es für dich, dort aufzutreten? 

KESH: Es war ein unglaubliches Gefühl, überhaupt nominiert worden zu 

sein. Das klingt cool. Danach hieß es: alle Jungs anrufen, Tasche packen, 

Bus mieten und ab nach Siegen. Wir waren tierisch aufgeregt, denn abgesehen 

von der unglaublichen Stimmung gab es echt total gute Bands und 

Künstler. Wir wollten denen in nichts nachstehen. Als wir tatsächlich einen 

Preis gewonnen haben, waren wir tierisch begeistert. Es war ein tolles 

Bandwochenende und ein super Erlebnis, in der Siegerlandhalle spielen zu 

dürfen. Das gehört zu den Momenten, die man nicht vergisst. 

MM: Euer Hauptziel ist, live zu spielen. Warum? Was fasziniert dich 

an Live-Auftritten? 

KESH: Stell dir vor, du stehst hinter der Bühne, hast das Mikrofon in der 

Hand, hörst, wie der Moderator dich ansagt, wie dein Schlagzeuger einzählt 

und die ersten Töne erklingen. Du fühlst dein Herz pochen, stehst 

unter Strom, fragst dich: „Warum mache ich das hier eigentlich?“ Dann 

rennst du auf die Bühne und bist Feuer und Flamme für diesen Moment, 

egal was passiert. Das ist dein Moment und dein Gefühl, das dir niemand 

nehmen kann. Genau deshalb machen wir das. Live spielen ist das Tollste 

an Musik. 

MM: Was machst du, wenn du nicht gerade auf der Bühne stehst? 

KESH: Ich mache Kinder glücklich, denn ich arbeite in einem Spielzeug - 

geschäft. Ich hoffe aber, eines Tages mit der Musik meine Brötchen verdienen 

zu können. 

WEB: WWW.KESH-MUSIC.DE 

SOCIAL MEDIA: WWW.FACEBOOK.COM/KESHUNDBAND 

INTERVIEW: JANINA HEINEMANN | FOTOQUELLE: KESH 


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18 STORIES 

HIGH 

ROLLER 

Hard rockin’ groovin’ Band 

from Germany! 

MM: Ihr seid eine junge Band, macht aber 

Hard Rock mit Einflüssen der 70er und 80er. 

Wieso? 

HIGH ROLLER: Die musikalischen Siebziger und 

Achtziger hatten den stärksten Effekt auf uns. 

So kommt es, dass man unserer Musik diese 

Einflüsse stark anmerkt. Es war keine bewusste 

Entscheidung. Wir schreiben einfach die 

Musik, die uns in den Kopf kommt. 

HIGH ROLLER: Wenn wir gerade nicht Musik 

machen, gehen wir einem typischen Alltag nach. 

Wir sind alterstechnisch nah beieinander und 

haben alle entweder einen Job oder ein Stu - 

dium, dem wir nachgehen. Eher unspektakulär. 

Vermutlich machen wir deshalb so gern und viel 

Musik. 

MM: Welche Bands und Musiker inspirieren 

euch? 

den Tellerrand blicken und neue Musikstile aus - 

probieren. Eine Liste mit Bands und Musikern 

würde schrecklich lang sein. In unserer Platten - 

sammlung finden sich viele Klassiker, die man 

mit unserem Genre verbinden würde, aber auch 

viele Sachen, die man von uns nicht erwarten 

würde. 

MM: Beschreibt die Arbeit an eurem ersten 

Album „Hürden, Chancen, Freud und Leid“. 

MM: Was macht ihr, wenn ihr nicht musiziert? 

HIGH ROLLER: Wir vier machen schon eine 

ganze Weile Musik, wobei wir immer mal über 

HIGH ROLLER: Die Arbeiten an unserer ersten 

EP sind bald abgeschlossen. Das ist eine Chan - 


STORIES 19 

MM: Beim DRPP seid ihr Dritter in der Ka te - 

gorie „Hard Rock“ geworden. Ist das Ansporn 

oder eher demotivierend? 

HIGH ROLLER: Die Platzierung war nicht so 

wichtig wie der Auftritt selbst. Wer als Musiker 

plötzlich auf einer so großen Bühne und vor 

Publikum steht, hat sofort Blut geleckt. Es ist 

ein unheimlicher Ansporn für uns, weiterhin 

Voll gas zu geben und zu versuchen, noch mal 

auf vergleichbaren Bühnen zu spielen. 

MM: Spielt ihr lieber live oder arbeitet ihr 

lieber im Studio? Warum? 

ce, um sich besser zu verkaufen und die eigene 

Musik zu verbreiten. Bei Konzerten ist es 

gut, wenn man Leuten, denen es gefallen hat, 

eine CD für zu Hause geben kann. Auch, wenn 

man sich für Slots auf Festivals bewerben will, 

ist es super, wenn man den Verantwortlichen 

Aufnahmen schicken kann. 

Mit dem ersten Album ist aber auch immer Er - 

wartungsdruck verbunden. Man hat in der Regel 

viel vor und steckt jede Menge Arbeit und Geld 

hinein. Dann sollte am Ende etwas entstehen, 

das die Band von ihrer besten Seite zeigt. 

MM: Ihr tretet auf einigen Festivals auf, spielt 

kleine Konzerte – was ist euer Traum? Wo 

soll es mit High Roller hingehen? 

HIGH ROLLER: In der heutigen Szene kann das 

niemand mehr vorhersehen. Dass man damit 

nicht reich wird, ist uns bewusst. Also geben 

wir unser Bestes, gute Musik zu machen und 

sie unter die Leute zu bringen. 

Der Traum ist, gutes Feedback zu bekommen. 

Nicht, dass wir eines Tages im Proberaum stehen 

und uns fragen, ob wir unsere Zeit vergeuden. 

HIGH ROLLER: Live auf der Bühne zu stehen 

und zu spielen war für uns alle der Grund, 

warum wir mit Musikmachen angefangen 

haben. Das gibt einem einen besonderen Kick, 

wenn die Stimmung gut ist und das Publikum 

mitzieht. Außerdem sind wir die Sorte Band, für 

die das Ganze eine soziale Komponente hat. Wir 

nutzen gern die Zeit vor und nach Gigs, um mit 

Freunden zu quatschen, dabei neue Leute 

kennenzulernen und Spaß zu haben. Das soll 

nicht heißen, dass die Arbeit im Studio keinen 

Spaß macht. Aber es ist nicht dasselbe wie live 

auf der Bühne. 

WEB: 

FACEBOOK.COM/HIGHROLLERSIEGEN 


GRAFIK: © AFRICA STUDIO/ FOTOLIA.COM 

FOTOQUELLE: HIGH ROLLER 


20 STORIES 

»Wir sind doch alle verliebt 

ins Chaos, mit mehr 

oder weniger 

Sicherheitsabstand. 

Natürlich fürchten 

wir es auch, 

und wehren uns. 

Das ganze Leiden 

und Feilschen, 

all die ungeschickten 

Versuche, das Chaos 

zu beherrschen – das 

rührt mich, 

und gleichzeitig 

finde ich es 

wahnsinnig komisch.«

STORIES 21 

JUDITH 

HOLOFERNES 

Mit ihrer ersten Soloplatte zog Judith 

Holofernes 2014 erstmalig ohne ihre 

Mitstreiter von WIR SIND HELDEN in die Welt 

hinaus, „ein leichtes Schwert“ schwingend. 

Der Nachfolger „Ich bin das Chaos“ schließt in 

seiner Spielfreude klar an das „zerzauste Debüt“ 

an, mit wilden Einflüssen zwischen Breeders, 

Cramps, Nick Cave, dem frühen Bowie, Marvin 

Gaye und Cyndi Lauper. Große Melodiebögen, 

schmelzende Chöre, Streicher und Bläser, die 

mit synthetischen Flöten duettieren müssen, irrwitzig 

groovige Textergüsse und sperrige Gi tar - 

ren – „Ich bin das Chaos“ bewegt sich rasant 

zwischen sehr unterhaltsam und sehr traurig. 

Überraschend ist das selbstbewusste Bekenntnis 

zu „so etwas wie Glanz. Und Tiefe. Und Schön - 

heit! Die Songs wollten das so“, sagt Holofernes. 

MM: „Nichts hieran ist gut“ singst du gleich 

beim ersten Lied deines neuen Albums. Überhaupt 

klingt es sehr melancholisch. Wieso 

bist du so trübsinnig? 

JUDITH HOLOFERNES: Ich bin nicht trübselig. 

Nur kann ich gut traurig sein. Aber auch sehr gut 

glücklich. 

MM: Einige Songs sind lustig, beschwingt, 

sogar groovy. Ist der Albumtitel „Ich bin das 

Chaos“ Programm oder woher kommt die 

Mischung? 

JUDITH: Wahrscheinlich schon. Bei mir war das 

schon immer so: Ich liebe schwermütige, dunkle 

Songs. Ein großer Teil meiner Lieblingssongs 

anderer Künstler ist extrem traurig. Zum Bei spiel 

„I’ll follow you into the dark“ von Death Cab for 

Cutie. Auf der anderen Seite ist es für mich die 

Königsdisziplin, gut gelaunte, freudige Musik zu 

schreiben, die aber nicht doof ist. 

 


22 STORIES 

MM: Warum hast du das Album auf deinem 

eigenen Label veröffentlicht? 

JUDITH: Damit habe ich schon seit Jahren geflirtet. 

Bis jetzt ging die Rechnung total auf. Zwar habe 

ich gute Erfahrungen mit Labels gemacht, hatte nie 

fiese Verträge, bin nie zu irgendwas gedrängt worden, 

was mir nicht gefällt. Trotzdem hat es sich 

immer falsch angefühlt. Meine Definition von Erfolg 

ist sehr speziell. Natürlich muss ich genug Platten 

verkaufen, um alles zu finanzieren – das wird auch, 

äh, spannend (lacht) – aber verantwortlich bin ich 

jetzt nur mir selbst gegenüber. 

»Meine Definition von Erfolg ist sehr speziell. 

Natürlich muss ich genug Platten verkaufen, um alles 

zu finanzieren – das wird auch, 

äh, spannend – aber verantwortlich bin ich jetzt 

nur mir selbst gegenüber.« 

JUDITH HOLOFERNES, 

„Ich bin das Chaos“ 

VÖ: 17.03.2017 

herausgekommen ist. Das hat wahnsinnig gut 

funktioniert. Ich war total gerührt, als die Leute 

gleich bei den ersten Shows angefangen haben, 

die neuen Songs mitzusingen. 

MM: In welchen Situationen bist du chaotisch? 

JUDITH: Ich werde besonders dann chaotisch, 

wenn ich überfordert bin, mir zu viel aufgeladen 

habe. Das erkennt man daran, dass ich anfange, 

eine Spur von Kleidungsstücken und benutzten 

Kaffeebechern hinter mir herzuziehen. 

MM: Bekannt geworden bist du ja mit „Wir 

sind Helden“. Wie ist es, solo nun wieder in 

ganz kleinen Clubs zu spielen? 

JUDITH: Aufregend! Und nicht einfach. Aber ich 

habe wahnsinnig viel Spaß auf der Bühne. Ganz 

allein bin ich ja nicht – wir sind zu sechst. 

MM: Nervt es dich, immer auf „Wir sind 

Helden“ angesprochen zu werden? 

WWW.JUDITH- 

HOLOFERNES.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

JUDITHHOLOFERNES 

JUDITH: Nein, das ist ein wichtiger Teil meiner 

Geschichte. Ich habe keinerlei Bedürfnis, mich 

abzugrenzen. Ich finde, ich hatte die tollste Band, 

die man sich wünschen kann. Da kann ich auch 

gerne drüber sprechen. Natürlich möchte aber 

jeder Künstler am liebsten darüber sprechen, was 

er gerade macht. 

MM: Einige Tourauftritte hast du schon hinter 

dir. Gibt es ein schönstes Bühnenerlebnis 

dieser Tour? Oder ein katastrophales? 

JUDITH: Ich habe vor den Konzerten Mitsing- 

Tutorials ins Netz gestellt. So können die Leute 

voll mitmachen, obwohl die Platte gerade erst 

MM: Was wäre das Schlimmste, das dir auf 

der Bühne passieren könnte? 

JUDITH: Ich bin da ziemlich furchtlos. Text vergessen? 

Dann lasse ich mir vom Publikum soufflieren. 

Mir ist nicht schnell etwas peinlich – wir 

sitzen doch mit dem Publikum im selben Boot. 

Man muss nicht so tun, als sei man unfehlbar. 

MM: Warum singst du auf Deutsch? 

JUDITH: Das hat sich eher zufällig ergeben. Ich 

habe auch Songs auf Englisch geschrieben. Dass 

ich deutsche Texte singe, hat sich erst mit den 

Helden so herauskristallisiert. 

WEB: WWW.JUDITH-HOLOFERNES.DE 


FOTOS: MARCO SENSCHE 


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24 STORIES 

STONE 

DIAMOND 

Das Rock-Chamäleon 

Cyrus, Marc und Peter haben als Teenager in 

einer Garageband gespielt, mit einer Band - 

breite an musikalischen Einflüssen von Glam Metal 

bis Funk, Soul und Jazz. Nun haben sie ein neues 

Level erreicht: Phoenix! 

MM: Mit eurem Album „Phoenix“ wolltet ihr 

nicht mehr das Heavy-Rock-Klischee erfüllen. 

Was heißt das? 

STONE DIAMOND: Na ja, meistens sind das 

Deu tungen, die wir im Nachhinein zu einer Platte 

machen. Wenn wir im Produktionsprozess sind, 

ist uns das große Ganze meist unbewusst. Wir 

sind vernarrt in jeden Song, dessen Kraft und 

Ener gie. Die Synergie im Proberaum beim ersten 

Zusammenspiel einer Idee ist magisch. Plötzlich 

vereinen sich Basslinie, Beat und Gitarren-Hook 

zu etwas Neuem und Einzigartigem. Im Studio 

haben wir gemerkt, wie unterschiedlich die Songs 

klingen. Einige sind härter als alles, was wir davor 

gemacht haben, andere gehen in eine ganz andere 

Richtung wie eine psychedelische Gitarren - 

partitur oder Großstadt-Funk der rauen Sorte. 

MM: Eure Einflüsse kommen aus Glam Rock, 

Metal, Funk, Soul und Jazz. Das klingt erst 

mal merkwürdig. Wie verarbeitet ihr diese 

Einflüsse? 

STONE DIAMOND: Niemand von uns hat nur einer 

einzigen Szene angehört. Wir waren Grenz gänger. 

STONE DIAMOND 

„Phoenix“ 

VÖ: 20.03.2015 

STONE-DIAMOND.COM 


STONEDIAMONDBAND 

Peter hat Jazz-Drums studiert, aber auch Funk und 

Rock gespielt. Marc war in einer Metal-Band, bevor 

er sich für andere Spielarten geöffnet hat. Cyrus hat 

Funk gespielt und war schon immer ein großartiger 

Pop-Komponist. Was das angeht, sind wir aus 

den Neunzigern geprägt: Alles geht und kann 

miteinander verbunden werden. Den noch empfinde 

ich unseren Sound in unserem Ge burts - 

jahrzehnt heimisch. Und das sind die Siebziger. 

MM: Ihr seid – ziemlich sparsam – zu dritt 

unterwegs. Wieso reicht euch diese Beset - 

zung? 


STORIES 25 

STONE DIAMOND: Diese Besetzung hat uns bei den ersten beiden Platten 

gereicht. Bei einem Trio gibt es keine Fragen; jeder weiß, was zu tun ist. 

Das erzeugt eine große Freiheit; es gibt wenig Fragen. Die Schlicht heit der 

Möglichkeiten ist gut für unsere Inspiration. Für das neue Album haben 

wir uns ein komplexeres Arbeiten und Arrangieren gewünscht. Es ist uns 

endlich gelungen, unseren Freund Zaki zu überreden, festes Band-Mitglied 

zu werden. Das hat uns und der Musik gutgetan. Zaki ist die richtige 

Erweiterung zur richtigen Zeit. 

MM: Die erste Scheibe hast du, Cyrus, quasi allein komponiert 

und produziert. Bei „Phoenix“ hast du auch Peter und Marc rangelassen. 

Wie war es für dich, Verantwortung abzugeben? Gab es 

Reibereien? 

STONE DIAMOND: Es gab gar keine Reibereien. Die erste Platte hatte 

ich im Kopf fertig und habe die Jungs gefragt, ob sie Lust auf ein Rock - 

trio hätten. Die CD habe ich alleine in Köln und Los Angeles produziert 

und aufgenommen. Da ich als Produzent sowieso gern mit anderen 

Künstlern und Songs arbeite, freue ich mich über jeden Input, jeden 

Song und die Gemeinschaftsarbeit im Proberaum. Es war die logische 

Weiterentwicklung der Band, dass wir für die zweite und dritte Platte 

einen Bandsound und Style entwickeln, der mehrschichtiger ist. 

»Bei einem Trio gibt es keine Fragen; 

jeder weiß, was zu tun ist. 

Die Schlicht heit der Möglichkeiten ist 

gut für unsere Inspiration.« 

Sicherheit 

mit einem Dreh: 

»Ring Lock« 

MM: Wie schwer ist es, so eine Nischenmusik zu vermarkten? Wie 

geht ihr vor? 

STONE DIAMOND: Einige von uns haben die letzten guten Jahre der 

Plattenindustrie noch mitbekommen. Dass man als Band nicht mehr auf 

ein großes Label zählen kann, ist für die meisten Acts längst Alltag. Darin 

liegt auch eine große künstlerische Freiheit: die ewigen Gespräche, was 

ein Hit ist, wo die Single steckt und Ähnliches, kann man sich sparen. 

Früher gab es bei vielen die Schere im Kopf, was man als Band machen 

kann und was nicht. Insofern sind STONE DIAMOND ein Produkt der 

neuen Zeit. So frei und stilübergreifend hätten wir früher wahrscheinlich 

nicht gespielt, wenn wir auf die Meinung eines A&R-Affen gehört hätten. 

MM: Euer letztes Album ist ja schon zwei Jahre her – wann können 

wir Neues von euch hören? 

STONE DIAMOND: 2017. Das neue Album ist eingespielt. Wir sind be - 

geistert und haben die ersten Lieder schon live ausprobiert. Nach drei Alben 

merken wir, dass unser Programm die richtige Tiefe hat. 

MM: Wie soll es mit STONE DIAMOND weitergehen? 

STONE DIAMOND: Wir freuen uns, 2017 eine absolut audiophile, live eingespielte 

Platte herauszugeben und schöne Gigs mit viel Rock ’n’ Roll 

zu spielen. 

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INTERVIEW: JANINA HEINEMANN | GRAFIKEN: © MHP/FOTOLIA; 

© ALDANNA/FOTOLIA | FOTOQUELLE: STONE DIAMOND

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… bringen wir mit der Alphastage an (fast) jeden Ort: Ca. 160 m² Bühnenfläche, Aufbau in drei 

Stunden zu viert. Mitten in der Innenstadt, auf einem fünfspurigen Boulevard, auf der Verkehrskreuzung, 

auf der Autobahn oder im Fußball-Stadion. Planen Sie mit uns, wir sind zur Stelle.

28 STORIES 

PIZZICO DI SOLE 

Matias Collantes, 

Sandra Dell’Anna, Juan Moreno 

und Manfred Zmeck 

holen unter dem Namen 

PIZZICO DI SOLE mit Swing, Pop 

und Latin eine Prise 

Sonnenschein auf die Bühne 

Christiane Wohlhaupter hat Sängerin Sandra 

Dell’Anna zu musikalischen Vor bildern und 

Auszeichnungen befragt. 

Sie sind beim Deutschen Rock & Pop Preis 

in vier Kategorien ausgezeichnet worden. 

Haben Sie sich zum ersten Mal beworben? 

SANDRA DELL’ANNA: Ja, das war für uns alle 

das erste Mal. Und sicher nicht das letzte Mal. 

Was hat sich mit den Auszeichnungen im 

Rücken verändert? 

SANDRA: Wir haben die Band Ende 2014 ge - 

gründet. Wir konnten durch die Auszeichnungen 

an Bekanntheit gewinnen. Aber noch wichtiger 

ist für uns, dass wir mehr an unsere eigene 

Musik glauben. Wir freuen uns darüber, dass wir 

mit un seren Songs in italienischer Sprache in 

Deutsch land ausgezeichnet wurden. 

Welche Chancen ergeben sich durch die Un - 

terschiedlichkeit der einzelnen Bandmit glie - 

der? 

SANDRA: Ich komme aus Süditalien und bringe 

als Sängerin mein Temperament natürlich auf die 

Bühne. Unser Keyboarder Manfred ist als Deut - 

scher eher strukturiert, was für die musikalische 

Präzision wertvoll ist. Gitarrist Matias kommt aus 

Argentinien und hat den Latin-Rhythmus einfach 


STORIES 29 

»Jeder, der die Musik 

spüren möchte, 

kann kommen und sich 

von einem Hauch von 

Sonne kitzeln lassen.« 

im Blut. Schlagzeuger Juan mit spanischer Ab - 

stammung steuert die nötige Energie bei, damit 

die Rhythmen auch in die Beine gehen. Aus der 

Unterschiedlichkeit entstehen auch immer wieder 

neue musikalische Ideen, die uns bunt und 

einzigartig machen. Die Musik lebt davon. 

Wer sind Ihre größten musikalischen Vor - 

bilder? 

SANDRA: Vorbilder haben wir in dem Sinn nicht, 

Einflüsse jedoch viele: Eros Ramazzotti, Gianna 

Nannini, Elton John, Freddie Mercury, Nina Simone, 

aber auch Felix Mendelssohn Bartholdy. Wir lieben 

gute Musik. 

Welchen Wunsch wollen Sie sich gerne mal 

noch mit Ihrer Band erfüllen? 

SANDRA: Wir arbeiten weiter an unserem Erfolg 

und möchten uns überregional etablieren. Als 

Künstler fühlt man sich nie angekommen, aber 

eins ist jedem von uns wichtig: authentisch zu 

bleiben, damit die Prise Sonne im Herzen bleibt. 

Wir leben dieses Pizzico di Sole und möchten es 

auf der Bühne weitergeben 

GOODBYE 

FEEDBACK. 

KSM8 

DUALDYNE GESANGSMIKROFON 

Wenn Sie gerade nicht auf der Bühne stehen, 

was machen Sie dann am liebsten? 

SANDRA: Kontakt mit der Natur aufnehmen, um 

sich inspirieren zu lassen – vor allem bei sich anzukommen, 

um neue Lieder zu schreiben. 

Wer hat Spaß an Ihren Konzerten und sollte 

unbedingt kommen? 

SANDRA: Jeder, der die Musik spüren möchte, 

kann kommen und sich von einem Hauch von 

Sonne kitzeln lassen. 

die wir jemals entwickelt haben. 

Kabelgebundene und kabellose Optionen in schwarz 

oder gebürstetem Nickel erhältlich. 

WEB: WWW.PIZZICODISOLE.DE 

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TEXTQUELLE: SCHWÄBISCHE ZEITUNG 

INTERVIEW: CHRISTIANE WOHLHAUPTER 

FOTOQUELLE: PIZZICO DI SOLE 

www.shure.de 

© 2016 Shure Europe GmbH

30 STORIES 

MANDRAGORA 

THURINGIA 

von uns steht für sein Instrument und seine 

musikalischen Vorlieben. Das artet manchmal 

in einer Argumentationsschlacht zwischen Iron- 

Maiden- und Nightwish-Fan aus. Unterm Strich 

zählt aber der Leitsatz: „Diene der Musik!“ Jeder 

von uns sieben bringt sein Lieblingsgewürz 

aus seiner Musikrichtung mit und wirft es in die 

Suppe – abgeschmeckt wird gemeinsam. 

»Einer alten Sage nach schläft in einer Höhle 

des Kyffhäuser Bergs der Kaiser Barbarossa, 

um eines Tages zu erwachen – das wird wohl 

noch eine Weile dauern. 

Erwacht sind im Kyffhäuser Kreis indessen 

MANDRAGORA THURINGIA. 

2008 im Norden Thüringens 

als Rock-Coverband mit Schalmei angefangen, 

haben sie sich zu einer 

7-köpfigen Epic-Folk-Metal-Band entwickelt.« 

Sie singen von „Kriegselefanten“, Sauf ge - 

lagen und anderen Dingen, die man im 

mittelalterlich-fantastischen Bereich ansiedelt. 

Passend dazu benutzen die sieben Musiker von 

MANDRAGORA THURINGIA auch Akkordeon 

und Dudelsack zu E-Gitarren und Schlagzeug. 

Der Spaß, den sie an ihrem Epic-Folk-Metal 

haben, merkt man ihnen sofort an. Im 

Dezember ge wannen sie beim Deutschen 

Rock & Pop Preis in der Kategorie „Hard 

Rock“. 

MM: Was fasziniert euch an der Mischung 

aus alten bzw. volkstümlichen Instrumenten 

und Rock-Instrumentierung? 

M.T.: Folkige Instrumente können besonders gut 

Emotionalität vermitteln, während die normale 

Metalcombo die nötige Härte beisteuert. Jeder 

MM: Warum tretet ihr in Kostümen bzw. 

Gewandungen auf? 

M.T.: Das fragt sich unser Bassist auch. (lacht) 

Wir wollen dem Hörer ein Gesamtpaket bieten. 

Fantasievolle Geschichten, die in eine altertümliche, 

mystische Welt entführen wollen, müssen 

nicht nur akustisch, sondern auch optisch getragen 

werden. Das Auge hört mit. 

MM: Wenn ihr nicht gerade auf der Bühne, 

im Proberaum oder Studio steht – was macht 

ihr dann? 

M.T.: Wir haben vom Schüler über den Stu - 

denten bis zum Arbeitenden alles in der Band 

vertreten. Aber falls wir als Band Zeit haben 

und uns ein freies Wochenende gönnen, gehen 

wir zu Konzerten oder Festivals, zocken ge mein - 

sam an unseren Rechnern oder gehen zelten 

und wandern. Das hilft, um abschalten zu können 

und inspiriert uns. Aus der Natur, Ge - 

schichte und aus Videospielen ziehen wir die 

meisten Inspirationen. 

MM: Eure erste EP ist im Dezember er - 

schienen. Was war das Schwierigste am 

Ent stehungsprozess? 

M.T.: Der gesamte Entstehungsprozess. Wir 

waren absolute Neulinge. Der Plan war, eine 

MM: Ihr nennt eure Musikrichtung Epic-Folk- 

Metal, habt also wieder eine neue Metal- 

Richtung zusammengemischt. Was genau 

macht ihr? 

MANDRAGORA THURINGIA: Wir versuchen, 

epi sche Keyboardsounds und tanzbare Fol k - 

lore-Instrumente zu verbinden und in Metal zu 

verpacken. Dazu erzählen wir Geschichten, die 

von der Musik getragen werden wollen. Mit 

„Hebt die Humpen“ tanzen wir zum Dudelsack 

angetrunken im Wald, bei „Leiser Zweifel“ treibt 

uns die Wucht der Keyboardsounds in eine 

Schlacht. Wir behalten uns vor, flexibel zu sein. 


STORIES 31 

»Wir versuchen, 

epi sche 

Keyboardsounds 

und tanzbare 

Fol k lore-Instrumente 

zu verbinden 

und in Metal zu 

verpacken. 

Dazu erzählen wir 

Geschichten, die von 

der Musik getragen 

werden wollen.« 

erweiterte Demo zu machen und aus unserem 

Liederfundus die repräsentativsten auszuwählen. 

Dafür haben wir alle Songs überarbeitet und 

auf den neuesten Stand gebracht. Dennoch 

wurden wir ins kalte Wasser geworfen. Aus 

unseren Fehlern haben wir gelernt. Das End - 

produkt kann sich sehen und hören lassen. 

Cover und das Booklet brachten viel Arbeits - 

aufwand mit sich. Man muss mehr können, als 

nur seine Lieder im Studio einspielen. 

MM: Wieso lernt man als „cooler Typ“ Dudel - 

sack oder Akkordeon? 

M.T.: Nicht jeder kann Schlagzeuger sein. 

(lacht) Juan (Akkordeon) hat sich extrem früh in 

den „Schneewalzer“ verliebt und wollte ihn selber 

spielen können. Nun produziert er mehr Me - 

lodien als er CO2 ausatmet. Stefan (Dudel sack) 

kam über ein Irish-Folk-Festival zum Dudelsack. 

Zu Tränen gerührt vom Klang des damaligen 

Piper-Weltmeisters wollte er selbst spielen. Die 

Chance hat seine Freundin ergriffen und ihm 

einen Dudelsack geschenkt. Manche coole 

Typen suchen sich ihr Instrument also nicht 

aus, sondern werden vom Instrument erwählt. 

MM: Wie seid ihr darauf gekommen, beim 

Deutschen Rock & Pop Preis anzutreten? 

M.T.: Wir wurden gezwungen und genötigt. 

(lacht) Der Manager der Band King Leoric hatsich 

an uns gewandt, nachdem wir bei ihm auf 

der Long Heavy Night aufgetreten waren. Er hat 

unser Potenzial gesehen und uns überzeugt, 

dass wir uns anmelden sollten. Wir waren skeptisch, 

weil die Konkurrenz wirklich stark war. Der 

Auftritt lief gut und wir haben das Ambiente 

genossen. Ein unvergesslicher Abend. 

MM: Was sagt ihr zu eurem Erfolg? 

M.T.: Wir freuen uns über den Preis und den 

größeren Bekanntheitsgrad, den wir dadurch 

bekommen haben. Das merkt man: Wir be - 

kommen mehr Anfragen als vorher und können 

uns um größere Auftritte bewerben. Wir werden 

anders wahrgenommen, wirken durch den 

Preis etablierter. 

MM: Ist das Musikerdasein noch ein Traum 

von euch oder wollt ihr die Band lieber 

nebenbei am Laufen halten? 

M.T.: Das ist ein Traum. Uns macht die Musik 

Spaß und wir haben schon viel für unser Band - 

projekt geopfert, nicht nur Geld und Zeit. Aber 

es ist ein Hobby. Wir sind Nebenjob-Musi ker. 

Unsere Wochenenden sind fast immer mit Auf - 

tritten oder kreativen Treffen verplant. Das kann 

nach einer normalen Arbeits woche zehrend 

sein. Aber davon leben können wir noch lange 

nicht. Jede Gage wird nahezu vollständig dafür 

gebraucht, um Equipment zu kaufen oder ein 

richtiges Album aufzunehmen. Ziel ist, ein 

regelmäßiger Gast auf großen Büh nen zu sein 

und dem Publikum die Produkte unserer geis - 

tigen Sülze um die Ohren zu schmeißen. 


BAND-FOTOS: MANDRAGORA THURINGIA 

GRAFIK: © BONCIUTOMA/FOTOLIA.COM 

MANDRAGORA 

THURINGIA 

„Mandragora Erwacht“ 


WWW.MANDRAGORA- 

THURINGIA.DE 


32 STORIES 

»Seine Songs 

sind positiv, ohne 

zu belehren, 

herzlich, ohne kitschig 

zu wirken, 

und in Freude und Leid 

ergreifend ehrlich.«

STPRIES 33 

»BOCK AUF LEBEN« 

Interview mit Andy Ost 

Seine Musik ist 

kraftvoll, seine Texte 

sind stark. 

Der Hesse hat schon 

einiges im Leben 

erlebt und lässt seine 

Hörer teilhaben 

an der Achterbahn 

der Gefühle. 

Schon früh entdeckte Andy die Musik ⁄für 

sich, spielte Keyboard, Klavier, Gitarre, gründete 

mit elf seine erste eigene Band. Sie coverten 

Lieder bekannter Künstler, dann schrieben 

sie erste eigene Songs. Beflügelt von seiner 

neuen Freiheit beschloss er, zukünftig noch mehr 

auf sein Herz zu hören und sein Talent zum Beruf 

zu machen. So begann er im Frühjahr 2014 mit 

der Produktion seines ersten Solo-Albums, flog 

im Sommer mit all seinem Ersparten nach Los 

Angeles, um dort sein in der Folge zehnfach ausgezeichnetes 

Album „Bock auf Leben“ aufzunehmen. 

„Ich habe dort mit Musikern zusammengearbeitet, 

die schon für Bon Jovi oder Pink spielten.“ 

Parallel ist Andy weiterhin als Comedian & 

Musik kabarettist mit unzähligen Engagements auf 

drei Kontinenten erfolgreich unterwegs. 

MM: Was bedeutet dir dein Debüt-Album 

„Bock auf Leben“? 

ANDY OST: Eine ganze Menge. Es gibt Bilder, 

die ich mittlerweile damit verbinde – mehr, als ich 

je zu träumen gewagt hätte. Von den Er fah run - 

gen und Gefühlen beim Schreiben über die Auf - 

nahmen in Los Angeles bis hin zum Unplugged- 

Konzert im Kloster Eberbach und dem Konzert 

in der Festhalle Frankfurt. Und meine zehn Aus - 

zeichnungen beim Deutschen Rock & Pop Preis. 

MM: Kann man es als eine Art Biografie 

sehen oder was war deine Inspiration? 

ANDY OST: Für viele Songwriter ist das erste 

Album eine Art Inventur und basiert auf positiven 

und negativen Erfahrungen des Lebens. Bei mir 

war es ähnlich. Aber es war zusätzlich beeinflusst 

durch meine Begegnungen mit wunderbaren 

Menschen. 

MM: Deine Texte sind teils nachdenklich, teils 

lebensfroh und lustig. Was für Musik machst 

du? 

ANDY OST: Das Leben hat viele Facetten. Mein 

Wunsch war, einige abzubilden. Es ist ein Song - 

writer- bzw. Storyteller-Album, aber ich habe 

einen rockigeren Musikstil gewählt, um den Texten 

musikalisch kraftvollen Boden zu geben. Beim 

Nachfolger, der gerade in Arbeit ist, werden neue 

Einflüsse hinzukommen. 

MM: Du warst dieses Jahr nach zwei Jahren 

Pause bei „Mainz bleibt Mainz“ dabei. Wie 

ist es, im Karneval aufzutreten bzw. bei einer 

TV-Produktion mitzumachen? 

ANDY OST: Das Besondere an diesem Format 

ist der Live-Aspekt und die vielen Millionen Zu - 

schauer am Bildschirm. Man merkt, wie viel die 

Sendung den Menschen emotional bedeutet. Das 

Format gibt es bereits jahrzehntelang. Ich fühle 

mich der Sendung sehr verbunden, weil ich der 

Fastnacht viel zu verdanken habe. Und dem 

Publikum, das gerne mit mir und über mich lacht 

oder zuhört, wenn ich in einem Song Erfah run - 

gen verarbeite oder eine Geschichte erzähle. 

MM: Wie war der Deutsche Rock & Pop Preis 

für dich? Was ist dir positiv oder negativ 

auf gefallen? 

ANDY OST: Wir hatten in den letzten beiden 

Jahren eine Menge Spaß, haben tolle Erfah run - 

gen mitgenommen und freuen uns, wie viel Wert - 

schätzung uns für die Auszeichnungen entgegengebracht 

wird. Das zeigt den hohen Stellen - 

wert, den die Auszeichnung hat. 

 


34 STORIES 

MM: Du bist sowohl als Musiker als auch als 

Comedian unterwegs. Wieso bist du beim 

Deutschen Rock & Pop Preis in der Kate gorie 

„Pop“ angetreten? 

ANDY OST: Es ist ein großartiger Wettbewerb und 

bietet die Gelegenheit, mit anderen Musikern 

Kontakte zu knüpfen. Nachdem wir 2015 in den 

Kategorien Rock & Alternative erfolgreich waren, 

wollten wir 2016 unbedingt unseren Popsong 

„Dort wo Du bist“ ins Rennen schicken. 

MM: Worauf willst du in Zukunft den Fokus 

legen – Musik oder Comedy? Oder eine Syn - 

these aus beidem? 

ANDY OST: Derzeit gibt es alles: Comedy-Pro - 

gramme, Band-Shows und Storytelling-Abende 

aus beidem, die sich eine liebevolle und treue Fan - 

gemeinde erspielt haben. So lange ich darf und 

unser Publikum mitzieht, würde ich die Wege 

gern parallel beschreiten, da sie auf ihre eigene 

Art wertvoll sind. 

MM: Was haben Musik und Comedy bzw. die 

Auftritte gemeinsam? 

»Im Idealfall 

gelingt es uns, Kräfte zu 

wecken, statt 

nachdenklich zu machen. 

Denn nur dann 

entsteht bei Konzerten 

eine dynamische Einheit 

mit dem Publikum.« 

ANDY OST: Es sind Geschichten aus dem Leben 

– über Liebe, Angst, Freude, Zweifel oder das 

Scheitern. Humor hilft in vielen Dingen, eine 

Locker heit herzustellen und auch schwierige 

Themen mit dem Publikum auf Augenhöhe liebevoll 

anzugehen. Zudem macht es Spaß, auch bei 

Musikkonzerten mit einem Augenzwinkern unter - 

wegs zu sein. 

MM: Was ist anders? 

ANDY OST: Die Lieder packen emotionaler zu und 

sprechen persönlich an. Im Idealfall gelingt es uns, 

Kräfte zu wecken, statt nachdenklich zu machen. 

Denn nur dann entsteht bei Konzerten eine dyna - 

mische Einheit mit dem Publikum. 

MM: Was erwartet uns in Zukunft von dem 

Musiker Andy Ost? 

ANDY OST: Jetzt bekommt „Bock auf Leben“ 

erst mal ein Geschwisterchen. Beim Gedanken 

an die bisherigen Arbeiten im Studio entsteht bei 

mir ein Grinsen aus Vorfreude und Neugier auf 

die Reaktion der Menschen. Es ist wieder neu, 

es ist wieder etwas Besonderes. Ich freue mich 

darauf, es den Menschen vorzustellen. Und hoffentlich 

auf ein Wiedersehen beim Deutschen 

Rock & Pop Preis. 

WEB: WWW.ANDY-OST.COM/DE 

FACEBOOK.COM/ANDYOSTOFFIZIELL 


FOTOQUELLE: ANDY OST 

ANDY OST 

„Bock auf Leben“ 

VÖ: 26.06.2015 

WWW.ANDY-OST.COM/DE 


ANDYOSTOFFIZIELL 


Angebot 

❶ Studiosendung 

Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir 

produzieren mit euch eine komplette Studiosendung 

wie in den goldenen Zeiten des Musik - 

fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged 

und live auch möglich) und Interview. 

(30 – 40 Minuten Videoclip) 

➜ 500 Euro 

+ Eine Seite Interview und Foto 

im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare) 

➜ 1 000 Euro 

+ Zwei Seiten Interview und Foto 


➜ 1 500 Euro 

Die Vorteile im Überblick: 

❷ CD-Hearing / 

Interview für 

Promozwecke in 

einem unserer 

Filmstudios 

Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein 

und stellen es vor! 

Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel - 

künstler und euer musikalisches Schaffen. 

(30 Minuten) 

+ Halbe Seite Interview und Foto 


➜ 500 Euro 

• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter 

• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras 

• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene 

• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht 

• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2) 

• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden* 

• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur 

Verfügung – hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken 

einbauen 

• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange 

• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und 

Abspann 

• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken 

zur Verfügung für noch mehr Reichweite 

❸ Aufzeichnung 

Live-Konzert 

Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um 

euch für Konzerte zu bewerben? 

Kommt in unser Rock-TV-Studio! 

(30 Minuten Videoclip) 

➜ 1 000 Euro 

★ Unser 

Film-Team ist 

auch mobil! 

Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh, 

drinnen oder draußen. 

Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um 

mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen. 

Auf Anfrage machen wir euch gern ein 

individuelles Angebot. 

© KZENON/FOTOLIA 

* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund 

auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis 

nachträglich von uns abgemischt werden). 

Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg 

Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

36 STORIES 

MM: „bst“ gibt es seit 30 Jahren. Wie hat sich 

Event-Technik verändert? 

bst 

FÜR VERANSTALTUNGEN 

JAHRE 

Interview mit Matthias Becker 

MATTHIAS BECKER: Sie ist professioneller, er fah - 

render, routinierter und kreativer geworden. Es ist 

klasse, dass es einen Ausbildungsberuf gibt, dass 

wir von Künstlern als gleichberechtigte Partner 

wahrgenommen werden. Vor 20 Jahren durfte 

niemand einen dpa-Clip an eine Geige anbringen. 

MM: Was waren für Sie die besten Neue run - 

gen? 

MATTHIAS BECKER: Es stellt sich die Frage nach 

der Definition des Besten. Meine heißt: Neue run - 


STORIES 37 

gen sollen den Künstlern und Technikern andere 

Ebenen der künstlerischen Performance eröffnen. 

Sicherlich zählen hierzu Moving Lights, digitale 

Mischpulttechnik und die Miniaturisierung von 

Kameras wie Towercams oder Gopros. 

MM: Ist auch etwas schlechter oder komplizierter 

geworden? Wenn ja, was? 

MATTHIAS BECKER: Provokativ gesagt: der PC. 

Getreu dem Grundsatz „Nicht alles, was modern 

ist, ist auch ein Fortschritt“ fehlt mir oftmals das 

kritische Hinterfragen. Der PC in Pulten oder als 

Bürokratiemonster ist manchmal eine Hürde. Klar, 

man würde sonst keine 10 000 DMX oder 200 

Mikrokanäle verwalten können. Aber früher hörte 

man den Sound, heute wird man vom Netzwerk 

beschäftigt. Oft beherrschen nicht wir die Sys - 

teme, sondern die Systeme uns. 

MM: Was ist die wichtigste Zutat für eine 

gelungene Veranstaltung? 

MATTHIAS BECKER: Das Wollen im Team. 

MM: bst ist ein Ausbildungsbetrieb. Warum 

ist Ihnen das wichtig? 

MATTHIAS BECKER: Es liegt auf der Hand, dass 

man Facharbeit nur von Facharbeitern erwarten 

kann. Deshalb ist es obligat, dass wir selbst ausbilden. 

So haben wir es in der Hand, welche 

Qualität der Kunde später von uns geboten be - 

kommt. Je besser der Ausbildungsstand, desto 

erfolgreicher ist das Arbeitsergebnis für unsere 

Kunden. 

MM: Wie sieht die Zukunft der Eventbranche 

aus? 

MATTHIAS BECKER: Wir haben eine große Nach - 

frage als Dienstleister in der Veranstaltungs tech - 

nik bei einer gegenläufigen Entwicklung im qualifizierten 

Personal. Trotz der vielfältigen Aus bil - 

dungs chancen gibt es zu wenig junge Menschen, 

die sich für die Berufe interessieren. Vor allem 

fehlt das Interesse, die Komplexität einer Veran - 

staltung verstehen zu wollen oder das Hand werks - 

zeug zu erlernen. Derzeit leidet die Kreativität 

unter einer zunehmenden Bürokratisierung, die wir 

selbst erzeugen. 

MM: Nun waren Sie schon zum zweiten Mal 

für einen reibungslosen technischen Ablauf 

beim DRPP verantwortlich. Was waren die 

größten Herausforderungen? 

MATTHIAS BECKER: Die größte Herausforde rung 

war, den engen Zeitplan einzuhalten. Denn pro 

Band standen uns fünf Minuten zur Verfügung. 

Das beinhaltete Aufbau, Song und Abbau. Da so 

ein Song teilweise 3:50 Minuten lang ist, muss 

bei den Umbauten alles reibungslos ablaufen. 

MM: War es leichter als beim ersten Mal? 

Warum bzw. warum nicht? 

MATTHIAS BECKER: Es war etwas leichter, weil 

wir den groben Ablauf kannten und unsere internen 

Abläufe optimieren konnten. 

MM: Wie gehen Sie bei so großen Veran stal - 

tungen vor? 

MATTHIAS BECKER: Wir sprechen mit den Ver - 

anstaltern über den Zweck bzw. Sinn der Ver an - 

staltung. Es geht zunächst weniger um den technischen 

Aufwand, sondern um die Frage, welche 

Stimmung erzeugt werden soll. Daraus erarbeiten 

wir einen Vorschlag zur Umsetzung. Gerade beim 

Personalplan ist es wichtig, die richtigen Ent schei - 

dungen zu treffen und Fähig keiten und Vor lieben 

des Einzelnen zu kennen. Genau diese Vorlieben 

sind es, die in der Durch führung ein angenehmes 

und verständnisvolles Klima zwischen Veranstalter 

und seinen Dienst leistern schaffen. 

MM: Warum ist dieser Abend „Hochlei s - 

tungs sport“ für das Team? 

MATTHIAS BECKER: Im Vergleich zu einem normalen 

Konzert haben wir 80 Aufbauten und un - 

terschiedliche Musikgeschmäcker. Im Normalfall 

betreut man ein oder zwei Bands bei einem Kon - 

zert, bei einem Festival fünf oder sechs pro Abend. 

Hier aber kommen alle fünf Minuten neue Leute, 

eine neue Besetzung, ein anderer Musikstil auf 

die Bühne. Alle wollen das Beste abliefern – wir 

wollen dabei helfen. Wenn der erste Ton einer 

Band gespielt ist, sind wir gedanklich bei der 

nächsten und übernächsten. 

WEB: BST.DE 


FOTOQUELLE: BST 

GRAFIK: © FOTOGRAFIKATERIA/FOTOLIA 


38 STORIES 

MM: Du bist viel auf Tour – wie ist es, ständig 

woanders aufzuwachen und zu spielen? 

JIMMY CORNETT: Es ist anstrengend, aber total 

klasse und lustig, mit der Band unterwegs zu 

sein. Alleine ist es härter, denn 600 Kilo meter 

zum Auftrittsort fahren, aufbauen, Sound check, 

Showtime, sich hinterher mit dem Publikum 

unterhalten, abbauen, danach ins Hotel – da 

kann ein Tag sehr lang werden. Man genießt 

die Zeit, die man im eigenen Bett und mit der 

Familie verbringen kann, umso mehr. 

MM: Dieses Jahr standest du auch in Finn - 

land, Frankreich und Spanien auf Büh nen. Ist 

das Publikum dort anders? Inwiefern? 

JIMMY CORNETT: Das französische Publikum 

war anders als unser Heimatpublikum. Ich glaube, 

in den Nachbarländern erwartet niemand, 

dass eine Band aus Hamburg einen so originalamerikanischen 

Sound macht. Zuerst waren die 

Leute verhalten. Aber nach der Show mussten 

wir uns zwei Stunden lang den neuen Fans hingeben. 

In Finnland kam es ganz dick. Ich bin 

halber Finne. Als wir in Helsinki ankamen, wurden 

wir von einer Motorrad-Eskorte abgeholt und 

zu einer extra für uns gegebenen Party ge - 

bracht. Da machten sie das Radio an und es 

kam eine Begrüßung vom „Rockradio Finland“ 

aus den Lautsprechern. Ich liebe Finnland und 

die Menschen dort. Aber jeder Ort hat seinen 

Zauber. Wir als Musiker haben keine Nationalität. 

MM: Was reizt dich an Live-Auftritten? 

JIMMY CORNETT: Live ist live! Da kann man 

nichts verstecken oder korrigieren. Jeder 

Fehler ist handgemacht, jede Emotion spürbar. 

Musik hören ist eine Sache, Videosehen 

eine andere. Aber live Musik zu erleben mit 

allen Sinnen ist unschlagbar. Lob, Kritik, Ge - 

spräche und neue Inspirationen brauche ich 

wie Luft zum Atmen. 

MM: 2015 bist du beim Deutschen Rock & 

Pop Preis für den besten Rocksong ausgezeichnet 

worden. Wie war es, bei so einem 

Wettbewerb zu spielen? Was bedeutet dir 

der Preis? 


STORIES 39 

JIMMY 

CORNETT 

& The 

Deadmen 

Man sollte sich nicht auf die falsche 

Fährte locken lassen: Nein, Jimmy 

Cornett & The Deadmen machen keinen 

Rocka billy! Der unübersehbare Kontrabass 

von Tieftöner Frank Jäger, mit dem er auf 

dem Rücken gespielt häufig in der Menge 

badet, könnte diesen Verdacht zwar nahelegen. 

Doch in der Hamburger Band gibt es 

keine Klischees, die auf Bestätigung warten. 

Ihre Karriere ist so bunt wie ihre Songs, 

ihre Texte sind ebenso vielschichtig wie das 

Leben an sich. Deshalb zunächst erst einmal 

die Frage geklärt: Welche Musik spielt 

die Band? 

Die Antwort lautet: Blues- und Southern 

Rock, dessen Ursprung an unterschiedlichen 

Orten der Welt angesiedelt sein könnte. Die 

Hitze Kaliforniens, die Trockenheit Nevadas, 

verrauchte Clubs in Amsterdam, London, 

Berlin, Inspirationen findet die Band massenweise. 

JIMMY CORNETT: Der Preis ist mir viel wert, 

denn er sagt mir: „Alles richtig gemacht.“ Er 

ist Bestätigung, die mich daran festhalten 

lässt, mein Ding zu machen und mich nicht 

verbiegen zu lassen. Wettbewerbe sind 

immer eine Herausforderung. Eigentlich mag 

ich so etwas nicht. Aber der Deutsche Rock 

& Pop Preis ist etwas Besonderes. Wir waren 

nervös, aber am Ende glücklich. Es war ein 

tolles Event. 

MM: Warum bist du Rock-Musiker geworden? 

JIMMY CORNETT: Warum nicht? Wenn ich 

keine Musik machen könnte, würde ich aus-

40 STORIES 

lichkeit und Aufrichtigkeit. Bleib sauber, nimm 

keine Drogen und habe ein Auge auf dein Ge - 

schäft. Wenn man das, was man macht, ernst 

nimmt, wird man auch ernst genommen. Am 

Ende wird man für jede Anstrengung vom Pu - 

blikum belohnt. 

»Musik ist mein Ventil 

für Freude, Wut und 

Trauer. Ich habe etwas zu 

sagen.« 

MM: Es heißt immer, der Musikmarkt verändert 

sich. Wie siehst du das? 

JIMMY CORNETT: Alles wird immer mehr Bu - 

siness. Die Wertigkeit eines Erfolgs ist so kurz, 

dass man sich nicht ausruhen kann. Casting - 

shows sorgen dafür, dass man denkt, man 

bräuchte nur etwas Glück, um Superstar zu werden. 

Die Realität ist anders. Selbst wenn man 

Talent hat, muss man ständig an sich ar beiten. 

Jeden Auftritt muss man sich verdienen. Man 

muss Erfahrungen machen, die reifen lassen. 

Streamingdienste sind nicht durchweg schlecht. 

Ich habe viele gute Musiker darüber gefunden. 

Aber die Bezahlung an Künstler ist schlecht. 

Man muss es als Werbetool sehen. Meine Er - 

fahrung zeigt, dass auf Konzerten das meiste 

Geld umgesetzt wird. Mit Merchandise und CDs. 

Facebook und Co. machen es möglich, schnell 

und direkt Produkte und Konzerte zu bewerben. 

Das war vor 15 Jahren nicht möglich. 

MM: Für 2017 ist ein neues Album geplant. 

Was erwartet uns? 

flippen. Musik ist mein Ventil für Freude, Wut 

und Trauer. Ich habe etwas zu sagen. Ich will 

den Leuten etwas geben, womit sie ihren 

Schmerz lindern können, ihre Freude teilen und 

Mut machen, harte Zeiten leichter zu nehmen. 

All das geht durch Musik. Also habe ich den 

geilsten Job der Welt! 

MM: Du spielst ja eher den Southern Blues- 

Rock. Was fasziniert dich als Deutscher an diesem 

(einst) typisch amerikanischen Sound? 

JIMMY CORNETT: Ich bin leidenschaftlicher 

Motorradfahrer. Da kommt man automatisch auf 

so eine Musik. Ich habe diese Musik inhaliert. 

In den USA habe ich großartige Künstler kennengelernt. 

Da gibt es kein Schubladen denken 

– alles ist Rock ’n’ Roll. Mit meiner Akustikgitarre 

spiele ich automatisch so, dass alle denken, es 

sei Country Blues oder Southern Rock. Ich gebe 

dem keinen Namen. Der Song macht es! Die 

Magie des Blues ist einfach. Aber er be rührt! Im 

Southern Rock gibt es die schönsten Texte. 

MM: Wie schaffst du es, von deiner Musik 

zu leben? 

JIMMY CORNETT: Hart arbeiten. Um heute als 

Musiker von seiner Kunst zu leben, sind viele 

Dinge wichtig. Dazu gehören Disziplin. Pünkt - 

JIMMY CORNETT: Mehr Bluesrock, mehr Slide, 

mehr Emotionen auf den Silberling bringen. Mit 

unserer neuen Drummerin sind wir wieder ein 

Stück näher an unsere Vorstellung von einem 

guten Album herangerückt. Moderne Beats, 

tighter Rhythmus und coole Gitarrensounds 

kombiniert mit einem Upright Bass. Es wird 

druckvoll! 


FOTOQUELLE: JIMMY CORNETT 

JIMMY CORNETT 

„Campfire“ 

VÖ: 24. MÄRZ 2016 

JIMMY-CORNETT.DE 


STRINGKILLER 


STORIES 41 

»IRISH MUSIC FLYING HIGH« 

FLEADH 

Interview mit Thomas Gorny 

Wer wie die Musiker von Fleadh seine 

Instrumente virtuos beherrscht, kann mit 

Leichtigkeit und Frische aufspielen. Daher wirkt 

der Sound dieser Band dynamisch, aber auch 

schwerelos und verleiht dem Irish Folk Flügel. Die 

Jungs agieren wie Piloten, die einen Testflug durch - 

führen, um auszuloten, in welche ungeahnten 

Höhen man eine bodenständige Tradition befördern 

kann. 

Ihr Publikum unterhalten sie nicht nur mit 

Tempo, sondern auch mit Eleganz. Warum nicht 

mal ein Stück kurz auf den Kopf stellen und im 

Rückenflug neue Perspektiven abgewinnen? Ja, 

die fünf sind in der Tat musikalische Himmels - 

stürmer, ringen dem Irish Folk neue Aspekte ab, 

um nach einigen wilden Kurven und Loopings 

wieder auf dem Boden der Tradition zu landen. 

MM: Euer Name bedeutet „Fest“. Wie kam 

es zu diesem Namen? 

FLEADH: Er ist kurz, prägnant und positiv. Außer - 

dem ist es ein gälisches Wort, ohne aber irische 

Klischees zu bedienen, wie Sham rocks, Guinness 

oder keltische Kreuze. 

MM: Es gab in der Geschichte von FLEADH 

viele Umbesetzungen. Was macht so etwas 

mit einer Band? Wie habt ihr es verkraftet? 

FLEADH: Ich glaube, die wenigsten Bands, die wie 

wir eine 20-jährige Geschichte haben, kommen 

ohne Umbesetzungen durch. Es gab Mo mente, 

als Frank Weber und Thomas Gorny der traurige 

Rest waren und die Band faktisch tot war. Nichts - 

destotrotz stehen wir heute stärker da als je zuvor. 

MM: Bereits mehrfach habt ihr beim Deut - 

schen Rock & Pop Preis in unterschiedlichen 

Kategorien gewonnen. Was bedeuten euch 

solche Auszeichnungen? 

FLEADH: Die Auszeichnungen haben uns viel be - 

deutet, da offenbar war, dass sich die Jury die 

Sachen auch angehört hat. Bemerkenswert war 

die Einstufung in die Rubrik Weltmusik. Viele 

Veranstalter achten auf diese Auszeichnungen und 

nehmen sie zum Anlass, uns zu buchen. 

MM: Warum macht ihr als Deutsche Irish 

Folk? 

FLEADH: Einige von uns sind seit jeher Folkies 

und waren unzählige Male in Irland. Saoirse ist 

selbst Ire, hat die Musik also in die Wiege gelegt 

bekommen. Ich bin eigentlich eher Rocker, habe 

aber festgestellt, dass Irish richtig Spaß macht, 

wenn man die Konventionen sprengt und anders 

arrangiert als üblich. 

MM: Was ist typisch für euren Irish-Folk- 

Sound? 

FLEADH: Die Hälfte des derzeitigen Livepro - 

gramms stammt aus der Feder von Saoirse 

Mhor, der sich als „contemporary Irish songwriter“ 

und nicht als Folksänger vergangener De - 

kaden versteht. Die Songs enthalten aktuelle 

Themen, mit deren Inhalten sich viele identifizieren 

können. Häufig kommen Leute mehrmals auf 

unsere Konzerte und kennen die Texte schon. 

 


42 STORIES 

»Irland ist für viele 

Deutsche mehr als ein 

Urlaubsland. 

Viele betrachten Irland als 

ein nordatlantisches 

Shangri La, 

einen Sehnsuchtsort, 

wo die Menschen 

locker und freundlich sind, 

alle Musik machen 

und Guinness trinken.« 

Wir benutzen untypische, spannende Arran ge - 

ments, die unsere Konzerte nicht langweilig werden 

lassen. 

MM: Warum gibt es gerade in Deutschland 

Fans irischer Musik? 

FLEADH: Irland ist für viele Deutsche mehr als 

ein Urlaubsland. Viele betrachten Irland als ein 

nordatlantisches Shangri La, einen Sehnsuchts - 

ort, wo die Menschen locker und freundlich sind, 

alle Musik machen und Guinness trinken. Dazu 

kommen eine vermeintlich intakte Natur und 

spannende Landschaften. Ich nenne das die 

Grüne Brille, denn alles hat auch Kehrseiten. 

Aber Land und Musik machen auf viele Deutsche 

einen nachhaltigeren Eindruck als andere nordische 

Länder. 

MM: Wie findet ihr euch im Musikmarkt 

zurecht? Wie beurteilt ihr den Markt? 

FLEADH: Es ist eine Vielzahl an Musikern unterwegs, 

nicht nur im Folk. Viele sind sehr gut. 

Deutschland ist so ziemlich das letzte Land, in 

dem für einen Auftritt noch Geld bezahlt wird. 

Insofern hängen sich viele Coverbands an den 

irischen Hype und überfluten die Szene mit tausendmal 

gehörten Saufliedern, Speedfolk im 

Schottenrock und anderen Mätzchen. Es gibt 

aber auch spannende Bands, die anfangen, von 

der Tradition wegzugehen und Stile zu mischen. 

Zugleich versuchen aus Irland stammende Mu - 

siker mit unterschiedlichen Ansätzen, auf dem 

deutschen Markt Fuß zu fassen. Denn in Irland 

springt beim Musikmachen nicht viel heraus. 

MM: Wie herausfordernd ist es, mit fünf 

Musikern auf einen Nenner zu kommen? 

FLEADH: Es ist nicht leicht, eine Band über diesen 

Zeitraum zusammenzuhalten und heftige Tur - 

bu lenzen und Differenzen zu überstehen. Diese 

wechseln sich aber mit hochkreativen Phasen, tollen 

Auftritten und einer Menge Lebendigkeit ab. 

WEB: WWW.FLEADH.DE 


FOTO: SIMONE STARON 

FOTOQUELLE: FLEADH 


STORIES 43 

TEIL 7: 

JIMI HENDRIX – das unerreichte Genie 

Seine Musik polarisiert 

die Liebhaber von 

Rockmusik wohl auch 

heute noch. 

Entweder schlägt 

sie den Zuhörer in ihren 

Bann, oder man 

findet sie nervig. 

Vielleicht ist gerade das 

das Markenzeichen einer 

außergewöhnlichen 

künstlerischen Schöpfung. 

Was Jimi Hendrix auf seiner Gitarre gleichsam 

als musikalischer Visionär zu zaubern 

verstand, ist auch nach nunmehr bald 47 Jahren 

nach seinem frühen Tod einzigartig. Seither hat 

niemand die elektrische Gitarre wie er aufs Neue 

revolutioniert. Hendrix hat so ziemlich alle Grenzen 

gesprengt und irgendwie zwischen Himmel und 

Erde gespielt. Treffend heißt es in seinem zweiten 

Single-Hit „Purple Haze“: „Excuse me while I 

kiss the sky“. 

Hendrix’ Gitarren-Technik steht ohne Beispiel 

da. Begleitung und Soli spielte er übergangslos 

mit einer traumwandlerischen Sicherheit, die Gi - 

tarre und er waren eins, und so holte er buchstäblich 

durch sein exzessiv-entfesseltes Spiel 

mit der einfallsreichen Nutzung des Tremolo- 

Hebels aus seiner Fender Stratocaster heraus. 

Außerdem beherrschte er wie niemand vor ihm 

Sound, Wah-Wah, Fuzz und Feedback, was er 

in den Dienst einer in dieser Weise bis dahin nie 

gehörten Musik stellte, die in Rhythm and Blues 

und Blues wurzelte und neue Klänge eröffnete, 

für die das gern genutzte Etikett „psychedelisch“ 

zu schwammig wirkt. Abgesehen von Show ein - 

lagen, wie 1967 am Ende seiner Version des 

Troggs-Hits „Wild Thing“ auf dem Monterey Pop 

Festival, als er nach einer majestätischen Fassung 

von Bob Dylans „Like A Rolling Stone“ auf der 

Bühne seine Gitarre mit Feuerzeug-Benzin übergoss, 

sie in Brand setzte und sich dazu unverhohlen 

sexuell betont wand, und als er 1969 in 

der Royal Albert Hall seine Gitarre in den Ver - 

stärker rammte (zu hören als „Smashing of the 

Amps“), war seine Musik keine Effekt ha sche rei. 

Seine kreischende, zerfetzende, sezierende, 

melodiöse Woodstock-Fassung der amerikanischen 

Nationalhymne steckt voller musikalischer 

 


44 STORIES 

Ein fälle, die auch knapp 50 Jahre danach Gänse - 

haut verursacht und zum Nachdenken anregt. 

Ließ Hendrix seine Gitarre heulen, wie ein Ma schi - 

nen gewehr rattern, atemberaubend-emotionale 

Rennwagen-Fahrten akustisch nachempfinden, 

um sich mit einem Mal wunderschönen, sphärischen 

Songs voller Lieblichkeit wie „Little Wing“, 

„Angel“ und „Hey Baby“ hinzugeben, ging davon 

eine Kraft aus, dass man sich wünschte, Hendrix 

möge nie aufhören zu spielen. In der Frühzeit der 

Kauf-Videos bemerkte ich eines Tages im Schau - 

fenster der Niederlassung eines damals großen 

deutschen Versandhauses, dass auf einem Fern - 

sehschirm Hendrix’ Berkeley-Auftritt lief, wozu 

die Musik aus einem Außenlautsprecher tönte. 

Ich blieb mit offenem Mund stehen, vergaß alles 

um mich herum und befand ich mich im Bann 

dieser Musik. 

Hendrix’ Karriere zu seinen Lebzeiten glich 

einem Kometen: steil nach oben schießend, mit 

Alkohol und Drogen im Gepäck rasend schnell 

seine Bahn ziehend und dann jäh verglühend mit 

einem frühen Tod am 18. September 1970 als 

Folge von Erbrochenem nach einem Mix aus 

reichlich Alkohol und Schlaftabletten. 

Eigenkompositionen des Ausnahmemusikers. 

Den ungewohnt klingenden hämmernden Rhyth - 

mus verband praktisch nichts mit der populären 

Beatmusik und übte durch die Kombination der 

von Blues-Elementen beeinflussten Melodie füh - 

rung und dem innovativen Gitarrenspiel eine sogartige 

Wirkung auf die Zuhörer aus, die auch diese 

Veröffentlichung zu einem Erfolg werden ließ und 

zu einem von Hendrix’ Klassikern, der auf Kon - 

zerten häufig gespielt und aufgezeichnet wurde. 

Der nächste Schritt mit Siebenmeilenstiefeln 

war im Frühjahr 1967 die erste Langspielplatte 

der Jimi Hendrix Experience, die die deutschen 

Schallplattenläden im Herbst des Jahres erreichte. 

Ihr Titel „Are You Experienced“ traf den Nagel 

auf den Kopf. Die Anhäufung ungewöhnlicher 

Songs bescherte ein Hörerlebnis der besonderen 

Art. Hendrix und seine Mitstreiter sahen für 

die damaligen Verhältnisse durchaus wild aus (aus 

heutiger Sicht freilich zahm). Als mein Vater, der 

Rockmusik strikt ablehnte, mich zu Hause mit 

der LP erwischte, war er bereits kurz vor dem 

Platzen. Jedoch brachte Hendrix’ Kurz biografie 

auf der Rückseite des Covers das Fass zum 

Überlaufen. Danach hatte Hendrix die Schule früh 

verlassen (sie also abgebrochen), weshalb ich 

mir vorhalten lassen musste, dass ich mir die 

Musik eines „ungebildeten Halbwilden“ anhörte. 

Der „ungebildete Halbwilde“ war und ist allerdings 

ein Autodidakt und Genie, dessen Song - 

texte alles andere als banale „Tralala“-Statements 

waren, sondern bizarre und surreale Elemente 

beheimateten. Das freilich ließen die meisten Er - 

wachsenen damals gar nicht erst an sich heran. 

Die Folge war ein weiterer heimischer Hendrix- 

Eklat. In einer Folge des Beat-Clubs gab es die 

Aufzeichnung eines Auftritts der Jimi Hendrix 

Experience im Londoner Marquee, während dessen 

Hendrix die Gitarrensaiten mit seinen Zähnen 

anschlug – eine von vielen Show einlagen, wie 

versierte Gitarristen sie gern einmal vorführen. 

Mein Vater tobte, nun seien wir endgültig im 

Urwald gelandet. 

„Are You Experienced“ passte genau in die Zeit 

der explodierenden Kreativität in der Rockmusik 

und ragte zugleich hervor. Wie Hendrix kompo- 

In den 1960er-Jahren sammelte er als Gitarrist 

in Bands wie den der Isley Brothers und von 

Little Richard und mit Curtis Knight reichlich 

Erfahrung. Eine ganze Palette von Aufnahmen 

wurde auch eingespielt. 1965 stellte Hendrix 

seine erste eigene Band auf die Beine: Jimmy 

James (das war er selbst) and the Blue Flames. 

Mit von der Partie war Randy Wolfe, besser 

bekannt als Randy California, einer der Gründer 

der künftigen Westcoast-Band Spirit. Man spielte 

damals schon unter anderem „Wild Thing“ und 

eine langsame Fassung von „Hey Joe“. Hendrix 

und California schrieben außerdem gemeinsam 

das Stück „Look Over Yonder“, das späterhin zu 

Hendrix’ Repertoire gehörte. Hendrix’ Durch - 

bruch fand im August 1965 statt. Der Animals- 

Bassist Chas Chandler erlebte ihn live in New 

York und war so beeindruckt, dass er den Gi - 

tarristen nach London einlud. Dort stellte er mit 

ihm, dem Bassisten Noel Redding und dem 

Drummer Mitch Mitchell die Band The Jimi Hendrix 

Experience zusammen, und nun nahm Hendrix’ 

Karriere Fahrt auf. Ende 1966 erschien als erste 

Single des Trios der Song „Hey Joe“, der sich an 

der langsamen Variante von Tim Rose orientierte. 

Es war nicht nur irgendein Cover. Das intensive 

Gitarrenspiel mit einem überwältigenden Solo 

und dazu ein Gesang, der im seltsamen Kontrast 

zur Musik zu stehen schien, sorgten auf dem 

internationalen Schallplattenmarkt für Furore. Die 

zweite Single „Purple Haze“ war schon kein 

Cover mehr, sondern der Beginn der zahlreichen 


STORIES 45 

»Das intensive 

Gitarren spiel mit einem 

überwältigenden 

Solo und dazu ein Gesang, 

der im seltsamen 

Kontrast zur Musik zu 

stehen schien, sorgte auf 

dem internationalen 

Schallplattenmarkt für 

Furore.« 

nierte, arrangierte, spielte und sang niemand. 

Auch heute noch sind „Third Stone From The 

Sun“, „Fire“ und „Manic Depression“ absolut ungewöhnliche 

Songs. Der Blues „Red House“ vibriert 

nur so vor Energie. Dass man Hendrix gar nicht 

hoch genug schätzen kann, zeigt zum Beispiel die 

CD „Variations On A Theme – Red House“ aus 

dem Jahr 1992, die nur kurz auf dem Markt war. 

Sechs verschiedene Fassungen von „Red House“ 

mit immer neuen Hendrix-Soli lassen einen aus 

dem Staunen nicht herauskommen, dazu eine 

„Red House“-Version von John Lee Hooker mit 

Randy California als Gitarrist. Großartige Musik pur! 

Der Erfolg der Jimi Hendrix Experience war 

enorm. Bis zu Hendrix’ Tod erschienen fünf Alben, 

die, durchweg eine Besonderheit, Zeugnis von 

seinem rastlosen Genie ablegten. Der absolute 

Höhepunkt seines Studioschaffens war nach 

„Axis Bold As Love“ und „Smash Hits“ das 

Doppelalbum „Electric Ladyland“, gespickt mit 

höchst unterschiedlichen Stücken. Darunter be - 

findet sich der unglaublich intensive, über zehn 

Minuten lange Blues „Voodoo Chile“ mit seinen 

zahlreichen phantastischen Gitarrenparts und 

Steve Winwoods kongenial lastender Hammond- 

Orgel – so mitreißend, dass man sich den Titel 

jedes Mal mehrfach nacheinander anhören kann. 

Bekannter allerdings ist „Voodoo Chile (Slight 

Return)“, ist einer von Hendrix’ Bühnen-Klassikern, 

auf dem er mit einem Gitarren-Feuerwerk brilliert. 

Die beiden so unterschiedlichen Stücke lassen 

Hendrix’ Gitarenkunst in einem großen Reichtum 

an Facetten leuchten. Und wie groß ist die Überraschung, 

wenn Hendrix in „House Burning Down“ 

gar mit einem messerscharfen Tango aufwartet! 

„Electric Ladyland“ enthält überdies die sehr popu - 

läre Fassung von „All Along The Watchtower“, mit 

der Hendrix Bob Dylans Stück geradezu in eine 

neue Dimension überführt und damit einen weiteren 

Hit landete. 

Bevor Hendrix berühmt wurde, schloss er mit 

dem Produzenten El Chalpin recht unbedacht 

einen Vertrag, in dessen Erfüllung er Chalpin ein 

Live-Album zur Verfügung stellen musste und 

dem Geschäftsmann Geld in die Kassen spülte, 

mit dem er nie gerechnet hätte, als er den unbekannten 

Gitarristen unter Vertrag nahm. Das Er - 

gebnis war die LP „Band Of Gypsys“ mit der 

gleichnamigen Band, mit der Hendrix sich nach 

Auflösung der vormaligen Experience-Besetzung 

zusammengetan hatte. Bassist der Band war nun 

Billy Cox, Hendrix’ Freund und Mitstreiter aus alten 

Tagen, und Drummer das vormalige Electric-Flag- 

Mitglied Buddy Miles. Silvester 1969 und Neu - 

jahr 1970 spielten die Drei vier Konzerte in Bill 

Grahams New Yorker Fillmore East. Aus den beiden 

Neujahrskonzerten wurde das Album für 

Chalpin zusammengestellt, das damals nicht überall 

auf Gegenliebe stieß. Es ist jedoch ein wunderbares 

Album voller spannender neuer Songs. 

Der Titel „Who Knows“ zählt in dieser Fassung 

sogar wohl zu den besten Hendrix-Stücken über - 

haupt, denn sein hochspannendes, geradezu in 

Atemlosigkeit versetzendes Solo im letzten Drittel 

des Zehn-Minuten-Stücks ist innerhalb des 

Hendrix-Kanons ohne Beispiel. Buddy Miles steuert 

überdies einen langen Scat-Gesang bei, der 

absolut unter die Haut geht; deswegen mutet es 

merkwürdig an, dass auf der 1999 herausgekommenen 

Doppel-CD „Live At The Fillmore East“ 

eine andere, nicht im gleichen Maße elektrisierende 

„Who-Knows“-Fassung zu hören ist. Der 

damals neue Song und heutige Klassiker „Machine 

Gun“ dürfte weithin bekannt sein. Wie wegweisend 

die vier Konzerte der Band of Gypsys gewesen 

sind, beweist zudem die 2016 erschienene 

CD „Machine Gun“ mit dem kompletten ersten 

Konzert vom 31. Dezember 1969 und bis dahin 

offiziell nicht bekannten Versionen. Es zeigt einen 

mutigen Hendrix, der gar nicht erst den Versuch 

macht, die Zuhörer mit bekannten Stücken für sich 

zu gewinnen. Er spielt ausschließlich neue, bis 

dahin unveröffentlichte Titel. Hut ab! 

Leider zerfiel die Band of Gypsys sehr schnell. 

Bis dahin hatte man aber reichlich im Studio miteinander 

geprobt und gejammt. Wie gut Hendrix, 

Cox und Miles miteinander harmonierten, erfuhren 

die Hendix-Liebhaber erst nach seinem Tod. 

Hendrix war nicht nur ständig auf Tournee gewesen 

und auf Festivals wie Monterey, Wood stock, 

Atlanta, Isle of Wight und Fehmarn aufgetreten, 

er war auch Stammgast in Studios, wenn er 

nicht on the road war. Dann entwickelte er ge - 

meinsam mit anderen Musikern neue musikalische 

Ideen und tüftelte an seiner Musik. In New 

York baute er sogar die eigenen Electric 

Landyland Studios, die er vor seinem Tod nur 

wenige Wochen nutzen konnte. Während der 

Zeit seines internationalen Erfolges kam eine 

unglaubliche Fülle Studioaufnahmen zusammen, 

aber abgesehen von Hendrix’ Monterey- und 

Woodstock-Auftritten erst nach seinem Tod ans 

Licht, sowohl offiziell und in guter Tonqualität als 

auch auf tontechnisch überwiegend mangelhaften 

Bootlegs. 

 


46 STORIES 

Sein Genie war ein Eisen, das es galt, so lange 

wie nur möglich zu schmieden. Rasch nach seinem 

Tod wurde damit begonnen, seinen klingenden 

Namen und seine schillernd wirkende 

Persönlichkeit in klingende Münze umzusetzen. 

Es kursierten gleich Gerüchte über neue Alben. 

Und tatsächlich kam schon im März 1971 die LP 

„Cry Of Love“ (März 1971) heraus mit einer Fülle 

herausragender Songs, die Mitch Mitchell und 

Hendrix’ Toningenieur Eddie Kramer aus dem 

riesigen musikalischen Nachlass zusammengestellt 

und dabei versuchten hatten, dem nahe zu 

kommen, wie Hendrix sich das Album vorgestellt 

haben mochte. Diese ausgezeichnete Veröffent - 

lichung geriet zu einem würdigen Testament für 

die schöpferische Kraft des Musikers, das die 

Hendrix-Familie im Jahr 2000 bis auf Weiteres 

durch das umfangreichere Album „First Rays Of 

The New Rising Sun“ ersetzte. 

Die auf „Cry Of Love“ folgende ausgezeichnete 

LP „Rainbow Bridge“ (Oktober 1971) enthielt den 

Soundtrack für den gleichnamigen Spielfilm, der 

wiederum mit einem Hendrix-Live-Auftritt auf 

Hawaii punkten kann – der einzige Lichtblick in 

dem enttäuschenden, langweiligen und abstrusen 

Film, der um Hendrix zusammengekleistert 

ge worden zu sein scheint. 

Bald öffneten sich aber auch die Schleusentore 

für Tonträger aller Art. Ganze LP-Boxen mit Auf - 

nahmen aus Hendrix’ Zeit als Session-Gitarrist 

und mit seiner Band vor der Gründung der Jimi 

Hendrix Experience standen in den Regalen. 

Studio-Aufnahmen in mäßiger Qualität wie 

„Impromptu“ tauchten auf mit Material, das 

Hendrix nie veröffentlicht hätte. Interessanter 

waren die Einblicke in seine Studio Jams und 

Experimente mit neuen Stücken auf den LPs 

„War Heroes“ (1972), „Loose Ends“ (1974) und 

„Nine To The Universe“ (1980). Andere Musiker 

hätten sich vermutlich glücklich über die Fülle 

von Ideen geschätzt und damit gleich ihre Alben 

gefüllt. „Midnight“ von „War Heroes“ ist bester 

Hendrix, während „Born A Hootchie Coochie 

Man“ von „Loose Ends“ ähnlich intensiv ist wie 

„Who Knows“ von „Band Of Gypsys“. Wenn Miles 

seinen Scat-Gesang beginnt, meint man, eine 

zweite Gitarre zu hören. „Nine To The Universe“ 

wiederum lässt ahnen, wie Hendrix sich hätte 

fortentwickeln können. Wer weiß, vielleicht hätte 

er früher oder später auch mit Streichern zusammengearbeitet. 

Unter der Aufsicht der Hendrix- 

Familie kam davon 2010 unter dem Titel „Valleys 

Of The Neptune“ eine neue, umfangreiche Zu - 

sammenstellung heraus, die unbedingt zu empfehlen 

ist, wie übrigens auch „South Saturn Delta“ 

von 2000. 

Über den Wert der LPs „Crash Landing“ und 

„Midnight Lightning“ aus dem Jahr 1975 streitet 

man bis heute, denn ungeachtet von Hendrix’ 

tadelloser Musik bestanden die Begleitbands aus 

Musikern, mit denen er zu Lebzeiten überwiegend 

gar nicht zusammengespielt hatte. Über die Jahr - 

zehnte wuchs der Katalog offizieller und halboffizieller 

Hendrix-Veröffentlichungen explosionsartig, 

alles zusammen genommen mehrere hundert 

Tonträger – letztlich eine unüberschaubare Flut. 

Es liegt auf der Hand, dass es dabei mehr 

Schatten als Licht gibt. Anlass zu einiger Hoff - 

nung gab 1972 die Bootleg-LP „Sky High“, 1980 

herausgegeben als „Woke Up This Morning And 

Found Myself Dead“. Hendrix hatte unter anderem 

mit Jim Morrison gejammt und mit Johnny 

Winter, der seine Beteiligung allerdings vehement 

bestritten hat. Das Ergebnis war enttäuschend. 

Winter hielt sich sehr zurück und lieferte sich mit 

Hendrix keine „Guitar Battle“, und Morrison 

nuschelte sturzbetrunken ins Mikrofon. Von 

schwankender Qualität sind auch die zahllosen 

Veröffentlichungen aus dem Nachlass von Hendrix’ 

zwielichtigem, bereits 1973 verstorbenem Ma - 

nager Michael Jeffery. Zu empfehlen ist wiederum 

die 2012 herausgebrachte Doppel-CD „Am I 

Blue“ des Labels Spanisch Cast mit sehr guten 

Blues-Nummern. 

Ausgezeichnet sind jedenfalls die CDs, DVDs 

und Blu-Rays, die unter der Federführung von 

Hendrix’ Familie in Zusammenarbeit mit Eddie 


STORIES 47 

Kramer herausgegeben worden sind und den 

offiziellen Hendrix-Katalog enorm erweitert und 

neu geordnet haben. Dazu gehören der komplette 

Woodstock-Auftritt, eine rare Videoauf zeich - 

nung von Hendrix im Fillmore East mit der Band 

of Gypsys, wie auch verschiedene Konzerte für 

Bill Graham und die Auftritte in Monterey, Atlanta 

und auf der Isle of Wight. Die Hendrix-Familie 

steht überdies hinter den CDs des Labels 

Dagger Records mit hochinteressanten weiteren 

Einblicken in Hendrix’ Studioarbeit. Die bieten 

übrigens auch die 4-CD-Box „The Jimi Hendrix 

Experience“, die 2000 zu seinem 30. Todestag 

veröffentlicht wurde. Es gibt wohl kaum einen 

anderen Rockmusiker aus der zweiten Hälfte der 

1960er-Jahre, von dem in Ton und Bild derart 

viel überliefert ist. 

Jimi Hendrix – das ist natürlich auch der Stoff, 

aus dem Legenden gemacht werden. Joe Boyd 

und Gary Weis drehten bald nach seinem Tod 

die ansehnliche Dokumentation „Jimi Hendrix“ 

und Bob Smeaton 2012 den sehr informativen 

Film „Hear My Train A Comin’“. Zuweilen sind 

auch besonders ansprechende Tribute-Konzerte 

veranstaltet worden. Zu den Highlights gehört 

dasjenige aus dem Jahr 2007, als der Meister - 

gitarrist Gary Moore traumwandlerisch sicher auf 

Hendrix’ Pfaden wandelte und, zum Teil von 

Mitch Mitchell und Billy Cox begleitet, ein etwa 

70-minütiges Hendrix-Konzert gab! Nachahmer 

ließen natürlich auch nicht auf sich warten. Mehr 

oder weniger unverblümt versuchten sie, nach 

dem Tod des Gitarristen den Anschein zu erwecken, 

es stehe neues Material von ihm in den 

Schallplattenregalen. Damit versuchte Anfang der 

1970er-Jahre die Live Experience Band mit zu - 

weilen heftigem Gitarren-Geschredder auf mehreren 

Alben ihr Glück; die bislang unbekannt 

gebliebenen Musiker könnten aus dem norddeutschen 

Raum stammen, geklärt ist das aber 

bis heute nicht. Wie auch immer: Jimi Hendrix ist 

tot – es lebe Jimi Hendrix! 

NÄCHSTE FOLGE: 

PETER GREEN’S FLEETWOOD MAC 

WEB: WWW.JIMIHENDRIX.COM 

TEXT: DR. NORBERT APING 

FOTOS: CHUCK BOYD AUTHENTIC 

HENDRIX LLC; DANIEL TEHANEY 

FOTOQUELLE: SONY MUSIC 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, Buchautor 

und Leiter des Amtsgerichts 

in Buxtehude. 

Idee + Foto: Christian Raith · Agentur: www.milk-and-honey.de 

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48 MUSIKBUSINESS 

OFFENER BRIEF 

an die GEMA-Vorsitzenden 

des Aufsichtsrats Prof. Dr. Enjott Schneider 

und des Vorstands Dr. Harald Heker 

Ihre Einladung zur Mitgliederversammlung 2017 

habe ich erhalten, sie hat mich aber auch be - 

fremdet. Für nicht ausreichend muss ich insbesondere 

Ihre Einladung betrachten, Fragen mit 

den Ansprechpartner/inne/n der GEMA zu erörtern, 

zumal sich unter den Genannten auch mehrere 

Personen befinden, die sich in der Vergangen - 

heit an Willkürakten beteiligten, was dazu geführt 

hat, dass zahlreiche Berechtigte in die wirtschaftliche 

Insolvenz getrieben wurden, ihren Beruf wechseln 

mussten und erhebliche Vermögensschäden 

erlitten haben. 

Zumindest hätte ich erwarten können, dass Sie, 

meine verehrten Herren, sich nicht nur bei den 

Betroffenen entschuldigt und in irgendeiner Form 

vorgesorgt hätten, indem ein spezieller Härtefonds 

zur Verfügung gestellt worden wäre. Geschädigt 

wurden ja alle Mitglieder, indem wegen vorsorglicher 

Rückstellungen und nun wegen konkreter 

Ausgleichszahlungen alle Berechnungen vermindert 

erfolgt sind – und noch über Jahre in den 

Wertungsverfahren erfolgen werden. 

Dass in dieser Hinsicht noch immer kein offenes 

Wort gesprochen wurde, darf nicht nur ich 

als äußerst beschämend empfinden. 

Das BGH-Urteil in Sachen „Marktnachfrage“ 

war für Vorstand und Aufsichtsrat, für die An - 

tragsteller zur VP-Etablierung des Abschnitts XIII. 

A. 11, ein solch spektakulärer Akt des indirekt 

ausgesprochenen Vertrauensverlustes, dass Ihr 

Rücktritt zu erwarten gewesen wäre – in Ver - 

antwortung für die verleiteten Angestellten, in 

Verantwortung auch für den Aufsichtsrat, insbesondere 

für die Damen und die Herren der Pro - 

grammausschüsse, deren Geschäftsordnungen 

mehrfach verändert wurden (warum wohl?). 

Es darf hier einmal gesagt werden, in welch 

schäbiger Weise sich bestimmte Damen und 

Herren in den Abteilungen Abre E und Abre U 

(die es bezeichnenderweise nicht mehr gibt) bis 

hin in die Bezirksdirektionen einen Spaß daraus 

gemacht haben, wie Gott in Frankreich willkürliche 

Begründungen anzugeben, teils in Ab stim - 

mung mit der Dame und den Herren in den Pro - 

grammausschüssen E und U, teils in selbstzuerkannter 

Vollmacht. Da wurden stets wieder neue 

Kriterien der Ablehnung erfunden. Einsprüche bei 

den Genannten hatten kaum Aussicht auf Änderung. 

Ich erspare es mir, die Dame und die Herren 

der den Vollzug genießenden Programmaus - 

schüsse zu nennen – man kann sie in den diversen 

Jahr büchern nachlesen. Zu nennen sind aber 

die Abre-Mitarbeiter/-innen Silvia Moisig, Dr. 

Monika Staudt, Ulrich Büsing und Dr. Jürgen 

Brandhorst. Sie konnten sich rechtzeitig „vom 

Acker“ stehlen und in andere Abteilungen versetzen 

lassen, als das Desaster erkennbar wurde. 

Da wurde es anderen überlassen, das angerichtete 

Scherben ge richt zu beseitigen – in personalunterbesetzter 

Überforderung. 

Bedenken Sie bitte, dass mit Nach zah lungen, 

selbst mit 5-%-Zuschlägen (die immer noch 

unterschiedlich gewährt sind), mehrere Be rech - 

tigte/Betroffene nach Kreditaufnahmen (wegen 

Unterbezahlungen seit 2011) nunmehr der Steuer - 

progression unterworfen sind, die auch erhebliche 

Vorauszahlungen nach sich gezogen und irre 

Vermögensschäden angerichtet haben. Der 

Unterzeichnende hat sein Duisburger Haus zum 

Verkauf stellen müssen (ich darf um Löschung 

dieser Anschrift bitten). 

Verehrte Herren Vorsitzende, das BGH-Urteil 

entsprach keinem Kavaliersdelikt: Es war und ist 

eine schallende Ohrfeige, ein Urteil über die Un - 

rechtmäßigkeit von gematischem Handeln. 


MUSIKBUSINESS 49 

Professor Dr. Enjott Schneider und Dr. Harald 

Heker: Nehmen Sie bitte dieses Urteil (wie andere 

zuvor) nicht mehr auf die leichte Schulter. 

Erkennen Sie bitte, dass Sie die Mitglieder der 

GEMA in zwei Lager gespalten und einander verfeindet 

haben: in die sogenanten Markt nach frage- 

Anerkannten (ggf. Übersehenen) und in die Markt - 

nachfrage-Abgelehnten, d. h. erklärt Unnützigen. 

Sie werden erwarten, dass die letztgenannte 

Gruppe sich bei der Mitgliederversammlung nicht 

offen zu Wort melden wird (um weiterer Ächtung 

zu entgehen). Dass aber im Kern der Zusammen - 

halt in der GEMA „vergiftet“ ist und nunmehr therapeutische 

Maßnahmen angebracht wären. 

Und nun auch noch der Schock des Kam mer - 

gerichtsurteils wegen der Verlegerbeteiligung, das 

in der GEMA völlig kopflose Maßnahmen hervorgerufen 

hat. Der Unterzeichnende ist auch 

Verleger. Aber er wird sich dem von der GEMA 

geplanten Prozedere der persönlichen Zustim - 

mung nicht unterwerfen. Es geht hier um individuelle 

Werk verträge, die nur mit Werkvertrags er - 

gänzungen wieder flottgemacht werden können. 

Ich hatte Ihnen diesbezüglich, mit Post vom 

26. März 2017, folgenden Vorschlag an meine 

Verleger unterbreitet: 

Unter „meinen“ Verlegern gibt es recht unterschiedliche 

„Betreuungen“. Da gibt es (leider) nur 

einige wenige, die ihren Verpflichtungen vollgültig 

nachgekommen sind, die auch die GEMA- 

Verpflichtung zur Drucklegung erfüllt hatten. 

Siehe Verteilungsplan Abschnitt I Ziffer 5. a): 

„Grundsätzlich ist mit jedem Anmeldebogen bei 

verlegten Werken ein Exemplar der Druck aus - 

gabe vorzulegen.“ (So galt es bisher.) 

Andererseits habe ich aber auch zu beklagen, 

dass einige „meiner“ Verleger weder der Druck - 

verpflichtung nachgekommen sind noch Be wer - 

bungen vorgenommen (noch Aufführungen vermittelt) 

haben. 

Für mich ergibt sich daraus als Konsequenz, 

dass auf der Basis von unterschiedlich nachgewiesenen 

Aktivitäten auch differenzierte Zu stim - 

mungen bedenkbar wären. 

»Erkennen Sie bitte, dass 

Sie die Mitglieder 

der GEMA in zwei Lager 

gespalten und 

einander verfeindet 

haben: in die sogenanten 

Markt nach frage- 

Anerkannten 

(ggf. Übersehenen) und 

in die Markt nachfrage- 

Abgelehnten, 

d.h. erklärt Unnützigen.« 

der Urheber gegenüber der Verwertungs gesell - 

schaft zustimmen, dass der Verleger ... beteiligt 

wird.“ 

Eine solche Kann-Zustimmung wäre aber nicht 

ge genüber Ihnen (als „meinem“ Verleger) zu leisten, 

sondern (allein) gegenüber der GEMA. 

Auch in diesem Bezug darf ich mir erlauben, 

eine pauschale Zustimmungserlaubnis Ihnen ge - 

genüber abzulehnen. Ich darf dafür um Ihr Ver - 

ständ nis bitten. (Im Übrigen spräche ggf. nichts 

dagegen, im Verlagsvertrag in Zukunft eine differenzierte 

Refundierungsergänzung vorzunehmen 

...) 

Offensichtlich aus Gründen der Überforderung 

haben Sie auf diese meine rechtskonformen Aus - 

führungen noch nicht reagiert. 

Nehmen Sie, Herr Prof. Dr. Schneider und Herr 

Dr. Heker, bitte zur Kenntnis, dass ich einer Mit - 

gliederversammlung nicht beitreten werde, so 

lange Sie sich nicht (auch im Namen der übrigen 

Genannten) bei mir und bei allen Mitgliedern entschuldigt 

haben – andernfalls eine andere Be - 

setzung der Vorsitzendenschaft eingetreten ist. 

GRAFIK: © SEVENDEMAN/FOTOLIA | LOGO-QUELLE: GEMA 

Solches lässt § 27a VGG ausdrücklich zu, 

wenn es darin unter Absatz 1 heißt: „Nach der 

Veröffentlichung eines verlegten Werkes ... kann 

Mit freundlichen Grüßen Ihres 


50 MUSIKBUSINESS 

„DIE MUSIKBRANCHE IST 

EIN HERZENSDING“ 

Experten lehren das ABC 

des Musikmanagements am TA Bildungszentrum 

DIRK VAN GERCUM (MITTE) TEILT MIT GABRIELE PFAFF (2.V.L.) UND DEN ANDEREN SEMINARTEILNEHMERN SEIN 

FACHWISSEN IN SACHEN MUSIKMANAGEMENT 

»Die Musikbranche ist 

ein hoch emotionales 

Arbeitsfeld. 

Wer hier tätig ist, der 

brennt für seine Sache. 

Aber um als 

Musikmanager auf dem 

hart umkämpften 

Markt Fuß zu fassen, 

braucht man 

neben Leidenschaft 

vor allem eins: 

das richtige Know-how« 

Gabriele Pfaff hat sich vor zwei Jahren 

selbstständig gemacht. Ihr Ziel: neue 

Talente entdecken, fördern und im Live-Geschäft 

unterbringen. Wie man das macht, hat die 51- 

Jährige aus Stuttgart nicht gezielt gelernt. Viel - 

mehr hat sie sich das Wissen – wie viele andere 

auch – selbst angeeignet. Angetrieben hat sie 

die Liebe zur Musik. „Die Musikbranche, das ist 

so ein Herzensding“, erklärt sie. „Da arbeitet 

man auf ein bestimmtes Ziel hin. Das ist ein Be - 

geis terungsjob.“ So kam sie gut zurecht, aber ob 

ihre Arbeitsweise richtig ist, wo und wie sie noch 

etwas verbessern kann, wusste Gabriele Pfaff 

nicht. 

WEITERBILDUNG ZUM 

MUSIKMANAGER IN ZWEI WOCHEN 

Darum entschied sie sich, den Zertifikats-Lehr - 

gang Musikmanagement IHK am TA Bildungs - 

zentrum zu absolvieren. Der zweiwöchige Kom - 

paktkurs behandelt in neun Themenblöcken 

kauf männische, rechtliche und technische As - 

pekte und schließt mit dem Erwerb des deutschlandweit 

anerkannten IHK-Zertifikats ab. „Ich wollte 

mir die Bestätigung holen, dass das, was ich 

da mache, richtig ist“, sagt Pfaff. 

In zwei Wochen intensiven Vollzeit-Unterrichts 

bekam sie Einblick in verschiedene Tätigkeits - 

felder: Künstler-, Event- und Live-Management, 

Booking, Label- und Rights-Management, Musik - 

produktion und Veranstaltungstechnik. „Musik- 

management ist ein sehr komplexes Feld. Mir 

waren vor allem die rechtlichen Rahmen be - 

dingungen wichtig.“ Da gab es viele Fragen zu 

klären – und zwar von Profis. 

ERFAHRENE DOZENTEN AUS 

DEM MUSIKBUSINESS 

Einer von ihnen ist Dirk van Gercum. Der 

Musikproduzent, Künstlermanager und Verleger 

ist seit 30 Jahren im Musikgeschäft und hat 

unter anderem als Geschäftsführer der Booya 

Music Entertainment GmbH Künstler wie die 

Backstreet Boys, Sarah Connor und Mustafa 

Sandal produziert. Er kennt die Heraus for de - 

rungen der Branche ganz genau und schätzt die 

Weiterbildung am TA Bildungszentrum: „Das 

Sensationelle an dem Angebot ist das Angebot 

an sich. Ein solides Basiswissen in 14 Tagen – 

das gab es zu meiner Zeit nicht. Mir hat niemand 

gesagt, wie man ein Live-Event für 10 000 Leute 

organisiert – das war alles learning by doing. Die 

Absolventen dieses Lehrgangs können mit allen 

Beteiligten in der Musikbranche auf Augenhöhe 

kommunizieren.“ 

In einer dynamischen Branche wie dem Musik - 

business sei es wichtig, immer auf dem neuesten 

Stand zu bleiben. Das hätten die Ver änderungen 

der letzten zehn Jahre gezeigt. „Mittlerweile gibt es 

viele Möglichkeiten, im Musik management eigeninitiativ 

tätig zu werden“, weiß van Gercum. „Aber 

den Künstler aus der Masse hervorzuheben, das 

ist die Kunst.“ Darum ist Marketing ein wichtiger 

Bestandteil des Lehrgangs: Welche Genres funktionieren 

in welchen Medien am besten? Wie setzt 

man Social Media richtig ein? 


MUSIKBUSINESS 51 

Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf den rechtlichen 

Rahmenbedingungen. Die Teilnehmer er - 

werben umfangreiches Wissen zum Vertrags - 

wesen, zu Urheber- und Leistungsschutzrechten 

sowie deren Auswertungsgesellschaften GEMA 

und GVL. Aber auch Bereiche wie das Life- und 

Verlagsgeschäft stehen auf dem Lehrplan. 

Gabriele Pfaff ist vom Erfahrungsschatz der 

Dozenten begeistert: „Wir konnten viele Rück - 

fragen stellen und den Stoff so besser festigen. 

Dadurch war der Lerneffekt sehr hoch.“ Auch 

unter den Teilnehmern ergaben sich fruchtbare 

Gespräche. „Jeder geht Dinge anders an. Da 

bekommt man neue Perspektiven und Ideen.“ 

THEORIE UND PRAXIS 

ENG VERZAHNT 

Ein Höhepunkt des Lehrgangs war der Praxis - 

tag im Tonstudio. Die Teilnehmer konnten sich 

selbst am Mischpult versuchen und einen Rough 

Mix zusammenstellen. Eine Erfahrung, die die 

Möglichkeiten im Tonstudio aufzeigt und das eigene 

Hörverständnis schult, findet Gabriele Pfaff: 

»Mittlerweile gibt es viele 

Möglichkeiten, 

im Musik management 

eigeninitiativ tätig 

zu werden. Aber den 

Künstler aus der Masse 

hervorzuheben, 

das ist die Kunst.« 

„Jetzt kann ich bei neuen Talenten besser einschätzen, 

was da noch rauszuholen ist.“ 

Und das ist nicht alles. „Mit dem neuen Wissen 

aus dem Lehrgang fühle ich mich souveräner. Ich 

werde den Weg, den ich eingeschlagen habe, 

weiterverfolgen, aber professioneller.“ In rechtlichen 

Fragen wisse sie besser Bescheid, auch ihre 

Arbeitsweise habe sich verändert. „Mit neuen 

Künstlern werde ich anders starten: mit einem 

kompletten Plan, einfach zielorientierter.“ 

Die Weiterbildung am TA Bildungszentrum 

empfiehlt die Absolventin nicht nur Neuein stei gern. 

„Ich denke, viele in der Branche wissen viele 

Dinge nicht. Darum ist der Lehrgang auch für er - 

fahrene Kollegen geeignet.“ Ebenso für Künstler, 

die sich selbst vermarkten wollen. Denn der Job, 

in den man sein Herzblut steckt, macht noch mehr 

Spaß, wenn man ganz genau weiß, was man tut. 

DIE NÄCHSTEN 

LEHRGANGS-TERMINE 

Die nächsten Vollzeit-Lehrgänge Musik ma na - 

gement IHK starten an den TA-Standorten in 

Hameln, Hannover und Göttingen am 19. Juni, 

04. September und 13. November 2017. 

FOTOQUELLE: TA BILDUNGSZENTRUM 

ALLE INFOS UNTER: 

WWW.TA.DE/MUSIKMANAGEMENT-IHK.HTML 

Oder persönlich und unverbindlich per Telefon: 

05151-95776-0

52 MUSIK & RECHT 

GAGEN-AUSFALLVERSICHERUNG 

Der Beginn der lang ersehnten Tournee oder des Konzerts steht an – 

am Ende eines jeden Auftritts folgt der tosende Applaus der Fans. 

So viel zumindest zur Theorie, 

denn manchmal kommt einfach auch etwas dazwischen … 

Wir sprechen mit Christian Raith, Ge - 

schäftsführer der Eberhard, Raith & 

Partner GmbH. Viele kennen den Spezialmakler 

bereits, wenn es um Versicherungslösungen im 

Entertainmentbereich geht. Schon seit vielen 

Jahren gibt es das Konzept der Ausfallversiche - 

rung; es war bisher aber eher an den Veran stalter 

gerichtet, damit er bei Ausfall, Abbruch oder 

Verschiebung der Veranstaltung nicht auf seinen 

Kosten sitzen bleibt. Das neue Kon zept von 

ERPAM richtet sich an Künstler und Bands bzw. 

deren Manager, die ihren eigenen Ausfall absichern 

möchten. 

MM: Christian, ihr habt ein neues Konzept 

entwickelt: Die Gagenausfallversicherung. 

Kurz erklärt, was können wir darunter verstehen 

und wer kann eine solche Police ab - 

schließen? 

CHRISTIAN: Das ist richtig, mein Geschäfts füh rer - 

kollege Bernhard Eberhard hat die Ausfallver si - 

cherung ordentlich überarbeitet. Das erweiterte 

Angebot soll Künstler und Bands bei einem Aus - 

fall vor den finanziellen Folgen schützen. 

Einen Auftritt oder sogar eine Tournee vorzubereiten 

kostet nicht nur Zeit bei der Planung, 

sondern auch Geld, das durch die vereinbarten 

Gagen/Honorare wieder mehr als eingespielt 

werden soll. Jetzt stellt euch aber mal folgendes 

Szenario vor: 

Kurz vor dem ersten Auftritt der Deutschland - 

tour erwischt den Sänger der Band eine Stimm - 

bandentzündung oder der Drummer bricht sich 

den Arm. Damit ist der Musiker gezwungen, die 

gesamte Tour bzw. einzelne Auftritte davon ab - 

zusagen. In den Verträgen mit den Veranstaltern 

ist jedoch vereinbart, dass bei Erkrankung des 

Künstlers keine Gagenzahlungen erfolgen. Hier - 

durch kann nun der Lebensunterhalt für ein ganzes 

Jahr gefährdet sein, was zu enormen finanziellen 

Schwierigkeiten führen kann. Selbst wenn man 

die Tournee nur verschieben muss, schmeißt das 

einem die ganze Planung durcheinander. 

MM: Und was ist nun alles versichert? 

CHRISTIAN: Wenn gebuchte Auftritte durch 

Krank heit, Unfall, Tod oder sonstiges Nichterscheinen 

(z. B. der berühmte Flugstreik) nicht 

stattfinden können, verschoben oder abgebrochen 

werden müssen. Versichert sind dann 

sämtliche vertraglich vvereinbarten Gagen/Hono - 

rare für Ihre angemeldeten Auftritte, vorausgesetzt 

natürlich, dass diese auch entsprechend 

versichert sind. 


MUSIK & RECHT 53 

MAKE 

MUSIC 

»Wenn gebuchte 

Auftritte durch 

Krankheit, Unfall, Tod 

oder sonstiges 

Nichterscheinen nicht 

stattfinden können, 

verschoben oder 

abgebrochen werden 

müssen, 

sind sämtliche 

vertraglichvereinbarten 

Gagen/Honorare 

für die angemeldeten 

Auftritte versichert.« 

SINGER/SONGWRITER 

Das Songbook Band 2 ist da! 

NEU! 

Songbuch 

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NEUERSCHEINUNG 

ISBN 978-3-943638-86-8 

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ISBN 978-3-933136-93-0 

BLUESGITARRE 

Andi Saitenhieb zeigt, wie’s geht! 

MM: Das hört sich ja schon mal wirklich gut 

an. Wie wäre denn jetzt die weitere Vor - 

gehens weise, wenn ein Musiker/eine Band 

Interesse daran hat? 

CHRISTIAN: Auf einfachem und unbürokratischem 

Weg: einfach bei uns auf der Homepage vorbeischauen 

oder uns anrufen, wir unterbreiten Euch 

dann zunächst ein unverbindliches Angebot für 

eine maßgeschneiderte Ausfallversicherung, die 

allen Anforderungen genügt. Natürlich wollt Ihr 

jetzt wissen, was das kostet, aber von Preisen zu 

sprechen, halte ich für schwierig, da wir im Vor - 

feld einfach ein paar Daten haben müssen, um 

eine erste Einschätzung abzugeben. So viel sei 

aber zumindest versprochen: Es ist wirklich preis - 

werter als man denkt. Noch dazu, wenn man das 

Risiko dahinter sieht. 

MM: Du hast von einer Deutschlandtournee 

gesprochen. Wie sieht es aus, wenn eine 

Band auch Termine in Europa oder sogar der 

ganzen Welt hat? 

CHRISTIAN: Natürlich können wir auch da weiterhelfen, 

und das bedeutet dann nicht, dass die 

Police teurer werden würde. Selbstverständlich 

begleiten wir die Bands auch ins Ausland oder 

versichern das Management rund um die Welt. 

Es soll nur klar sein, dass diese Gagenaus fall - 

versicherung nicht nur an die Mega-Bands ge - 

richtet ist, sondern wirklich auch an kleinere bzw. 

nationale Bands. Übrigens: Bei Auftritten in USA/ 

Kanada ist neben der Ausfall- auch die Haft - 

pflicht versicherung besonders wichtig, das kann 

ich gleich noch an dieser Stelle loswerden. 

MM: Habt ihr schon Erfahrungen mit Schä - 

den gemacht? 

CHRISTIAN: Natürlich, wenn man so etwas versichert, 

bleibt es auch nicht aus, dass etwas 

passiert. Aber dafür gibt es schlussendlich ja 

diese Versicherung. Die Regulierung derartiger 

Schäden ist relativ einfach. Wir brauchen dann 

die Vertragsgrundlagen, die entsprechenden Be - 

lege und natürlich auch das Attest des Künst - 

lers. Wenn das alles vorliegt, geht es eigentlich 

sehr schnell. 

MM: Danke für das Interview! 

CHRISTIAN: Ich habe zu danken … 

WEITERE INFOS: WWW.ERPAM.COM/C/1/ 

GAGENAUSFALLVERSICHERUNG/ 

FOTO: © SPOILERGEN/FOTOLIA 

FOTOQUELLE CHRISTIAN RAITH: ERPAM 

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NEW DRUM BOOKS 

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ISBN 978-3-943638-81-3 

alfredverlag.de | alfredmusic.de

54 PRODUKT-NEWS 

SINGEN – VOM HOBBYKELLER AUF DIE BÜHNE 

„The only thing better than gehen? Muss ich zwingend Noten lesen 

singing is more singing!”, sagte können? Oder Tanzen? Oder Moderieren? 

einmal Ella Fitzgerald treffend. Was für Jobs gibt es überhaupt für (Berufs-) 

Für alle interessierten 

Sänger/-innen und wie komme ich daran? 

Hobbysänger, die mehr wissen, Kann man vom Singen leben? Welches 

vielleicht sogar ihre Leidenschaft Equipment benötige ich? Wie mache ich als 

zum Beruf machen wollen, Sänger/-in auf mich aufmerksam? Wie gehe 

bietet das Buch „Singen – vom ich mit Lampenfieber um? Wie bekommt 

Hobbykeller auf die Bühne. man einen Künstlernamen? Wo kann ich 

Ein Praxisbuch für ambitionierte mich versichern? 

Sängerinnen“ eine Fülle 

von Antworten auf viele Fragen. Über 20 Jahre Berufserfahrung beantworten 

sicher nicht alle Fragen, aber doch sehr 

Neben Basics in Sachen Gesang (Atmung, viele. In ihrem „Praxisbuch für ambitionierte 

Sänger/-innen“ gibt LeeZa Nail ihre 

Stimmbildung, Songinterpretation) oder 

Musik lehre (Harmonielehre, Rhythmik, Vom- Antworten und Tipps rund um den Beruf der 

Blatt-Singen) finden sich viele Kapitel, die Sängerin/des Sängers gerne weiter. Es be - 

Sänger/-innen auf den Schritt vom heimischen 

Üben auf die Bühne vorbereiten. So • Karriereplanung und Imageaufbau 

inhaltet u. a. Themen wie: 

werden Fragen behandelt wie: Reicht eine • Zeitmanagement und Organisation des 

gute Stimme aus, um auf die Bühne zu Sängeralltags 

• Marketing und Öffentlichkeitsarbeit 

• Verdienstmöglichkeiten des Sängers/der 

Sängerin 

• Teamarbeit im Bandgefüge 

• Erarbeitung eines individuellen Reper toires 

• Altersvorsorge und Versicherung des 

Künstlers 

• Motivation, Erhalt und Steigerung der 

Leistungsfähigkeit 

• Einklang von Körper, Geist und (Künstler-) 

Seele 

Fünf Interviews (davon vier mit Berufs sän - 

ge rinnen unterschiedlichster Branchen und 

eins mit dem langjährigen und erfahrenen 

Bandleader Pepe Lienhard) bereichern – als 

Intermezzi im Buch verteilt – die behandelten 

Themen und erzählen ebenso ehrlich wie 

anschaulich von beruflichen und menschlichen 

Erfolgen und Höhepunkten im Mu si ker - 

leben, aber auch von Sorgen und Nöten und 

deren Überwindung, kurz: vom Überleben 

im Musikbusiness. 

Autorin: LeeZa Nail 

Weitere Informationen: leeza.nail@email.de 

MEHRSPRACHIGE 

MENÜS FÜR TASCAMS DIGITALE 

AUDIORECORDER 

Tascam hat seinen beliebtesten Handheld-Recordern DR- 

05, DR-40, DR-44WL und DR-22WL mehrsprachige 

Benutzeroberflächen spendiert. Anwender können die 

jeweils neueste Firmware installieren, die auf der Website 

des Unternehmens bereitsteht. Anschließend stehen die 

Sprachen Englisch, Deutsch, Französisch, Italienisch, 

Spanisch, Russisch und Japanisch zur Auswahl. Die Benutzer- 

und Referenzhandbücher stehen ebenfalls in aktualisierten 

Versionen zur Verfügung. 

Tascam hat bei der mobilen Aufnahme erneut einen 

Meilen stein gesetzt. Der DR-22WL baut sein eigenes 

WLAN-Netzwerk auf, über das Sie den Recorder mit einer 

kostenlos erhältlichen App fernsteuern können, ohne den 

Recorder zu berühren. Da die Reichweite des WLANs ungefähr 

20 Meter beträgt, können Sie den Recorder an Orten 

verwenden, die normalerweise undenkbar wären. Mithilfe 

der App können Sie nicht nur die Aufnahme starten und 

stoppen, sondern auch die Eingangspegel mit Ihrem iOSoder 

Android-Gerät kontrollieren und anpassen. Alles, was 

mit Aufnahme zu tun hat, kann über WLAN geschehen. 

Seit Firmware-Version 2.0 ist es auch möglich, die WLAN- 

Verbindung über einen vorhandenen Router oder Access- 

Point herzustellen. Die Vorteile sind erstens, dass Sie weitere 

Webdienste wie E-Mail oder Sharing-Portale gleichzeitig 

mit Ihrem Mobilgerät nutzen können, und zweitens, dass 

je nach den Fähigkeiten des Routers die WLAN-Abdeckung 

und damit die Reichweite der Fernbedienung vermutlich 

größer sein wird. Eine direkte Verbindung ist im Gegensatz 

dazu ideal, wenn entweder kein WLAN verfügbar ist oder 

Sie nicht berechtigt sind, es zu benutzen. 

Auch können Sie das Material nach der Aufnahme über 

WLAN überprüfen. Beurteilen Sie die Klangqualität der Auf - 

nahme über Kopfhörer, die mit Ihrem Smartphone verbunden 

sind. Mit seinen technischen Möglichkeiten und einer Flexi - 

bilität, die Infrarot-Fernbedienungen nicht leisten können – 

und einer Zuverlässigkeit, die an die einer Kabel fern be - 

dienung heranreicht – erlaubt dieser Recorder bei der 

Platzierung weit mehr Freiheit als jegliche früheren Modelle. 

Anmerkung: Das Überprüfen von Audiomaterial über WLAN 

ist für die Zeit nach der Aufnahme bestimmt. 

Weitere Informationen: www.tascam.de 

NEUE 

CD-/KASSETTEN-KOMBINATION 

FÜR DIE INSTALLATION 

Der CD-A580 von Tascam verbindet die Vorteile der beiden 

beliebtesten Audiomedien Kassette und CD, kombiniert sie 

mit einem USB-Recorder und vereint all das in einem ge - 

meinsamen Gehäuse mit dem Ergebnis größter Funk tio - 

nalität bei geringem Platzbedarf. Der Anwender kann jede 

der Quellen für die Wiedergabe nutzen, Aufnahmen auf 

Kassette oder USB-Speichermedien erstellen oder Kopien 

von CDs oder Kassetten herstellen. 

Der CD-A580 ist eingangs- und ausgangsseitig mit unsymmetrischen 

Cinchbuchsen ausgestattet und hat einen 

Kopfhörerausgang mit Pegelregler. Neben der Installation in 

Hallen, Hotels und Restaurants eignet er sich für DJs, 

Musiker, Tanzschulen und Fitnesseinrichtungen sowie viele 

weitere Anwendungen. Eine Infrarot-Fernbedienung ist im 

Lieferumfang enthalten. 

ALLGEMEINE DATEN 

• Unsymmetrische Analogeingänge und -ausgänge (Cinch) 

• Kopfhörerausgang mit Pegelregler 

• LC-Display mit Pegelanzeigen 

• 19-Zoll-Gehäuse mit 3 Höheneinheiten (HE) 



PRODUKT-NEWS 55 

THOMANN-MUSIKERFLOHMARKT 2017 

am 22. Juli 2017 

LAPTOP-STÄNDER 

schwarz 

Dieser Laptopständer steht für Stand - 

fes tigkeit und Sicherheit. Die großzügig 

bemessene Auflageplatte bietet Platz für 

alle gängigen Laptops. Dank der verstellbaren 

Klemmbolzen mit Gummikappe wird 

der Laptop zuverlässig und schonend gesichert. 

Die Klemmbolzen werden hierzu an 

den Laptop angedrückt und mittels Rändel - 

mutter fixiert. Die Stativhöhe ist stufenlos 

einstellbar. Für den Transport wird die Auf - 

lageplatte schnell und ohne den Einsatz von 

Werkzeugen vom Stativ abgenommen. Mit 

den einklappbaren Füßen wird das robuste 

Dreibein-Stativ im Handumdrehen zum kom - 

pakten Packstück. 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

Auch dieses Jahr bietet das Musikhaus 

Thomann Musikern eine Plattform zum Feil - 

schen, Schnäppchen abstauben und um aus - 

giebig „Geartalk“ zu betreiben. 

Am 22. Juli 2017 findet wieder der große 

Musiker floh markt auf dem Thomann-Cam - 

pus in Treppendorf statt. 

Schnäppchenjäger haben bei diesem Event 

die Möglichkeit, ihre Ware an einem eigenen 

Stand feilzubieten, als Besucher über 

den Flohmarkt zu schlendern sowie im 

Thomann-Shop zu bummeln oder sich mit 

anderen Musikern auszutauschen. Thomann 

hat an diesem Tag für seine Gäste einige 

High lights zu bieten: unzählige B-Stocks, 

stark reduzierte Instrumente und Give- 

Aways. Eine Stromquelle zum Antesten von 

Instrumenten und Equipment stehen zur 

Ver fügung. 

Wer bei diesem Event mit einem eigenen 

Stand dabei sein möchte, kann ab Ende Mai 

alle Informationen zur Anmeldung auf dem 

t.blog nachlesen. 

Infos unter: www.tho.mn/event 

E-GITARREN-STÄNDER 

schwarz mit transluzenten 

Elementen 

Niedriger Gitarrenständer für elektrische Gi - 

tarren. Durch ein Druckknopfsystem kann 

der Ständer in der Breite schnell und einfach 

eingestellt und zusammengelegt werden. 

Die Auflageflächen sind komplett mit 

einem hochwertigen Kunststoff-Schutz - 

überzug beschichtet. 


BOXENSTATIV 

schwarz 

Stabiles Boxenstativ mit flacher Sockelplatte für den platzsparenden 

Einsatz. Die robuste Rohrkombination kann bis auf 1,81 m ausgezogen 

werden und Lautsprecherboxen bis zu 20 kg tragen. Der 

bewährte Rastbolzen mit der Sicherungsschraube ermöglicht eine 

komfortable und sichere Höhenverstellung. Die flache Stahlplatte 

sorgt für ausreichend Stabilität und fällt kaum auf. Ein praktischer 

Tragegriff, eine Kabeldurchführung sowie vier stabile Füße mit Filz - 

überzug bieten weitere nützliche Vorteile. Mit dem beigefügten 

Schlüssel kann die Rohrkombination individuell ausgerichtet werden. 




VON JOHANNES BÖHN 

OPEN-HANDED 

STARTER 

Der richtige Einstieg in die offene 

Spielweise 

• Buch & MP3-CD 

• Online Downloads 

• Best.-Nr.: 20246G 

• ISBN-13: 978-3-943638-81-3 

• DIN A4 

• 212 Seiten 

• 23,95 Euro 

www.alfredmusic.de 

SS250 CONTROL 

Fernbedienungs-App für SS-CDR250N/SS-R250N 

SS250 Control ist eine kostenlos erhältliche 

Fernbedienungs-App für die netzwerkfähigen 

Recorder SS-CDR250N und SS-R250N. 

Mit ihr können Sie von einem Android- oder 

iOS-Tablet oder -Smartphone aus die Trans - 

portfunktionen fernsteuern, auf Menüein - 

stel lungen zugreifen und Pegel in Echtzeit 

überwachen. 

Mit SS250 Control lässt sich der Recorder 

von überall dort aus bedienen, wo Sie Zu - 

griff auf Ihr Netzwerk haben. Sie können 

das Gerät also am bestgeeigneten Platz 

aufstellen, während Sie sich frei bewegen. 

Sie können die Aufnahme und Wiedergabe 

starten und stoppen, die Pegelanzeigen 

über wachen oder die Zeitsuche nutzen, um 

eine bestimmte Wiedergabeposition aufsuchen. 

Selbst spezielle Parameter wie veränderbare 

Tonhöhe und Geschwindigkeit sind 

leicht zu ändern. 

Die App informiert auch über den gewählten 

Aufnahme- oder Wiedergabemodus und 

zeigt Symbole an, um auf einen FTP-Upload 

oder -Download hinzuweisen. Zudem können 

Sie das Bedienfeld des Recorders aus 

der Ferne sperren und so die Bedienung am 

Gerät selbst unterbinden, wenn es beispiels - 

weise vorübergehend an einem öffentlich 

zugänglichen Ort aufgestellt ist. 

SS250 Control ist erhältlich bei Google Play 

und im App Store von Apple. 


„Open-Handed Playing“ – das „Nicht über - 

kreuzen“ der Hände beim Schlagzeugspiel 

– wird von Nicht-Schlagzeugern als die 

eigentlich natürliche Spielhaltung wahrgenommen; 

das Überkreuzspielen hingegen als 

unnatürlich. Unter ausgebildeten Drummern 

führt die Bevorzugung einer dieser beiden 

Spielweisen allerdings immer wieder zu 

Polarisierungen. Eigentlich unverständlich, 

denn die Vorteile der offenen Spielweise 

gegenüber dem Spiel mit überkreuzten 

Händen liegen auf der Hand: 

• mehr Bewegungsfreiheit beim gleichzeitigen 

Spiel von Hi-Hat und Snare. 

• ergonomisch vorteilhaftere Körper hal tung 

am Drumset 

• vielfältigere Klangauswahl in der offenen 

Spielposition 

Wenn man sich aber vor Augen führt, dass 

über viele Jahrzehnte im Schlagzeug un - 

terricht die überkreuzte Position der Hände 

vorrangig vermittelt wurde, kann man den 

Widerstand der Traditionalisten gegen eine 

Umorientierung der Spielweise nachvollziehen. 

Denn die Bereitschaft, die eigene 

Spiel weise gänzlich umzustellen, die man 

sich unter Schweiß und Tränen über Jahre 

erarbeitet hat, muss zwangsläufig erst ein- 

mal auf Widerstand stoßen. Umso wichtiger 

ist, dass endlich auch für Einsteiger Lehr - 

material zum Open-Handed Playing entwickelt 

wird, das keine nachträgliche Um stel - 

lung mehr erfordert. Der OPEN-HANDED 

STARTER von JOHANNES BÖHN soll diese 

Lücke schließen. 

CLAUS HESSLER, einer der Protagonisten 

der offenen Spielweise, be kräftigt im Vorwort 

zum vorliegenden Werk: „Diesen eigentlich 

so natürlichen Zugang zum Drumsetspiel 

auch schon auf Ein stei gerebene methodisch 

und didaktisch ge lungen zu vermitteln, ist der 

große Plus punkt des vorliegenden Buches. 

Modernes Drumsetspiel hat in den letzten 

Jahren immer wieder die technischen Gren - 

zen nach oben bzw. nach außen verschoben 

... Das Potenzial unseres Instruments 

allerdings in größtmöglichem Umfang zu nutzen 

und Wege aufzuzeigen, wie sich das 

Drumset effizienter und natürlicher spielen 

lässt, ist Aufgabe jedes Instru men tallehrers. 

„Open-Handed Playing“ dabei als wesentlichen 

Aspekt in Betracht zu ziehen, stellt für 

mich eine Investition in die Zukunft junger 

Schlag zeuger dar – unter denen sich ohne 

Zweifel der nächste Buddy Rich, John 

Bonham, Simon Phillips etc. befindet ...“ 

STEHHILFE MIT GASDRUCKFEDER 

schwarz Kunstleder 

RÜCKENLEHNE 

schwarz Kunstleder 

Ganz gleich ob Sie Gitarre, Keyboard oder ein 

anderes Instrument spielen, diese neu konzipierte 

Stehhilfe gibt Ihnen den nötigen Rück - 

halt, bei jedem Einsatz. Durch die ergo no - 

misch geformte Sitzfläche wird der Rücken 

spürbar entlastet und das wirkt einer frühzeitigen 

Ermüdung entgegen. Der kunstlederbezogene 

Sitz lässt sich außerdem in der 

Nei gung stufenlos verstellen. Mit einer 

Höhen verstel lung von 600 bis 900 mm findet 

jeder seine ideale Position. Zur zusätzlichen 

Entlastung dient die ebenfalls höhenverstellbare 

Fuß ab lage. Die robuste Fußrohr kon struk - 

tion mit dem integrierten Ausgleichs parkett - 

schoner sorgt für einen sicheren und stabilen 

Stand. Für den transportablen Ein satz lässt 

sich die Stehhilfe sehr flach zusammenlegen. 


Stabile und komfortable Rückenlehne für 

verschiedene Drummersitze und Stehhilfen. 

Die ovale Lehne ist angenehm gepolstert 

und mit strapazierfähigem Kunstleder überzogen. 

Die Höhe und Tiefe der Rückenlehne 

ist jeweils stufenlos durch Griffschrauben 

einstellbar. 




ROLAND TD-50 NEUE SOUNDS 

UND SETS 2017 

Drummer und Tutor Dirk Brand ist seit vielen Jahren 

ROLAND-Markenbotschafter und Produktspezialist für die 

V-Drums des renommierten japanischen Herstellers. Er war 

mit dem ROLAND-Truck zu Besuch im Kölner MUSIC STORE, 

um die neuen Sound Sets des ROLAND TD-50 in eindrucksvollen 

Live-Demos zu präsentieren. 

(Videos auf www.music-store.de) 

ROLAND TD-50KV E-DRUM SET 

HIGH-END E-DRUMSET AUS DER ROLAND V-DRUMS SERIE 

Das TD-50KV von Roland ist das neue High-End-Flaggschiff 

der V-Drums-Serie. Es handelt sich um ein absolutes Profi- 

E-Drumset mit unendlicher Ausdrucksstärke und Vielfalt. 

Herzstück dieses Schlagzeugs bildet das brandneue Roland 

TD-50 Soundmodul mit Prismatic-Sound-Modeling-Tech - 

nologie, die selbst kleinste Details perfekt umsetzt und 

somit den besten Drumsound liefert, geprägt von lebendigen 

und druckvollen Drum-Signalen. 

Weiteres Highlight ist die neue Roland PD-140DS Digital 

Snare in 14’’ mit sensiblem Multi-Sensorsystem , die es dem 

Drummer erlaubt, jede erdenkliche Spieltechnik mit perfektem 

Schlagzeug-Sound und großartigen Dynamikverhält nissen 

umzusetzen. Das CY-18DR Digital Ride besitzt ebenfalls 

das neue Multi-Sensor-System von Roland und es wird, 

dank einem komplett neu entwickelten Verbindungs pro - 

tokolls zwischen Pads und Modul, ein noch die dagewesenes 

Schlagzeug-Spielgefühl entwickelt. 

Als erstes Drum-Modul weltweit ist das TD-50 Modul von 

Roland in der Lage zu samplen, d.h. es können Loops im 

WAV-Format über das Modul herausgegeben werden, 

spurweise angepasst und mit den internen Sounds kombiniert 

werden – der professionellen Live- und Studio-Drum- 

Per for mance steht nichts mehr im Wege. 

Exklusives Extra: Music-Store-Kunden bekommen gratis 

dazu ein Simon Phillips Soundpack auf SD-Karte mit hochwertigen 

Drum-Samples, aufgenommen vom Toto-Drummer 

persönlich! 

SIMON PHILLIPS SOUNDPACK 

Als exklusives Extra für Music-Store-Kunden gibt es das 

TD-50 Soundmodul bei uns mit einem extra Soundpack auf 

SD-Karte mit hochwertigen Drum-Samples, erstellt und 

aufgenommen von Toto-Drummer Simon Phillips persönlich. 

Die hochauflösenden Samples bieten eine enorme Dynamik 

und sind an Klangqualität und Ausdruckskraft nicht zu 

überbieten. Mit diesen Eigenschaften sind die Simon-Phillips- 

Samples eine prima Ergänzung zu den Modul-internen 

Klängen und bereichern so das Sound-Angebot des TD-50. 

NEUE PADS FÜR SNARE UND RIDE: 

PD-140DS UND CY-18DR 

Das Roland PD-140DS Snare Pad ist ein echter Fortschritt, 

weil es einerseits einen 14’’ großen Kessel hat, der sich 

sofort vertraut anfühlt, und zum andern ein ausgeklügeltes 

Multi-Sensor-System, das die Schlagposition genau erkennt 

und den Sound anpasst, auch bei dynamischen Feinheiten. 

Sidesticks und Rimshots werden exzellent umgesetzt und 

klingen 100 % authentisch. Die Snare ist voller Charakter 

und Leben, wie man es von keinem anderen elektronischen 

Schalgzeug kennt. 

Auch das Roland CY-18DR Ride Pad arbeitet mit dieser 

neuen Sensortechnik und vermag auch die kleinsten Fein - 

heiten genau umzusetzen dank eines enormen Dyanamik - 

bereiches und stufenlosen, feinen Übergängen. 

WELTNEUHEIT: DAS ROLAND TD-50 MODUL SPIELT 

EIGENE SAMPLES AB 

Via SD Card lassen sich vom TD-50 Modul bis zu vier eigene 

Sample-Spuren schicken und anschließend ins eigene 

Spiel integrieren, also mit den internen Sounds mischen. Es 

sind also keine zusätzlichen Sample-Pads etc. nötig und 

die ganze Band profitiert vom Roland-Soundmodul. Via USB 

lässt sich natürlich auch, wenn gewünscht, die Verbindung 

zu PC und MAC herstellen, um DAWs anzusteuern und professionelle 

Aufnahmen zu machen. Für den Einsatz auf 

Konzerten und Liveauftritten sind acht symmetrische Direct 

Outputs vorhanden, die bei Bedarf einzeln in der Lautstärke 

angepasst und natürlich mit 3-Band-EQ und etlichen Effekten 

belegt werden können. 

Viele Drummer bevorzugen aus optischen Gründen und 

wegen des Spielgefühls eine normale Bass Drum. Das TD-50 

Modul in Verbindung mit dem KD-A22 Kick Drum Converter 

von Roland verwandelt jede 22’’ Bass Drum in ein Kick Pad 

mit echtem Spielgefühl. So wird deine akustische Bass Drum 

spielend leicht ein Teil deines Roland V-Drums Set-UP. 

SIMON PHILLIPS SOUNDPACK MIT VIER DRUM-KITS 

Als exklusives Extra für Music-Store-Kunden gibt es das TD- 

50 Soundmodul bei uns inklusive einem extra Soundpack 

auf SD-Karte mit hochwertigen Drum-Samples, erstellt und 

aufgenommen von Toto-Drummer Simon Phillips persönlich. 

Die hochauflösenden Samples bieten eine enorme 

Dynamik und sind an Klangqualität und Ausdruckskraft nicht 

zu überbieten. Mit diesen Eigenschaften sind die Simon- 

Phillips-Samples eine prima Ergänzung zu den Modulinternen 

Klängen und bereichern so das Sound-Angebot 

des TD-50. Neben den zwei Simon Phillips Drum Kits finden 

Sie noch zwei weitere Kits auf der SD-Karte. Dabei 

handelt es sich um ein Synthie Kit und ein Kit mit Drums 

aus den 80er-Jahren. Weiterhin befinden sich drei Songs auf 

der SD-Karte, welche die Kits mit Original-MIDI-Triggern 

von Simon Phillips demonstrieren. 

Weitere Informationen: www.music-store.de 



den sie bekannt sind. PARADIGM steht in dieser Tradition des 

Tons und verschiebt die Grenzen, wenn es darum geht, wie 

eine Saite sein kann – stärker, haltbarer und langlebiger, ohne 

Beeinträchtigung von Klang oder Spiel gefühl. 

AUSSERGEWÖHNLICH REISSFEST 

Der revolutionäre Wickelprozess erhöht in Kombination mit 

Ernie Balls patentierter RPS (Reinforced Plain Strings) 

Technologie die Reißfestigkeit um bis zu 35 %, die Saiten 

sind um bis zu 70 % resistenter gegenüber Materialer mü dung 

als herkömmliche Saiten. 

ERNIE BALL PARADIGM 

Einzigartig: 90 Tage Garantie auf Saiten! 

EIN LEBEN FÜR DIE INNOVATION 

Seit über 50 Jahren verschreibt sich die Ernie-Ball-Familie 

in Südkalifornien der Herstellung von Gitarrensaiten, die 

den Sound des Rock and Roll prägen, von den 1962 vorgestellten 

Slinkys bis zu PARADIGM – den fortschrittlichsten 

Gitarrensaiten, die jemals geschaffen wurden. 

LEGENDÄRER TON 

Eric Clapton, Jimmy Page, Keith Richards, Paul McCartney, 

Pete Townshend, Slash und Tausende anderer Gitarristen setzen 

auf Ernie Ball, wenn es um ihren legendären Ton geht, für 

UNERREICHT HALTBAR 

PARADIGM Wickeldraht nutzt einen exklusiven, plasmagestützten 

Prozess zur Fehlerbeseitigung und zu einer stark 

verbesserten Korrosionsfestigkeit. Ernie Balls patentierte 

Everlast-Nanotechnologie wird nach dem Wickeln der Saiten 

angewendet und ändert die Art und Weise, wie sie auf 

Feuchtigkeit und Fette reagieren. Das Ergebnis sind Saiten, 

die länger halten und frischer klingen – ohne die unerwünschten 

Neben effekte einer beschichteten Saite. 

Erhältlich ab dem 01.05.2017, www.musik-meyer.de 

EUROLITE HYPNO EFFEKTE – 

TMH-41 UND 61 

NOMEN EST OMEN 

Der Name ist bei den kompakten Moving-Heads Programm: 

Um die Linse angeordnete LED-Ringe erzeugen hypnotisierend 

scheinende Effekte in bunten Farben, während aus ihrer 

Mitte ein Lichtstrahl tritt. Für besonders ausgefallene Effekte 

können die LED-Ringe auch einzeln eingesetzt werden. 

Modellen steuern Sie die LED-Ringe völlig individuell. Die 

Moving-Heads können per DMX gesteuert oder im Stand- 

Alone-Betrieb betrieben werden. 

TMH-41 

Eurolite bietet ab sofort neue LED-Moving-Heads mit kompakten 

Maßen und verblüffenden Effekten: Die Geräte mit 

dem klingenden Namen „Hypno“ ziehen den Zuschauer mit 

leuchtenden Ringen in ihren Bann. 

ZWEI HYPNO-VARIANTEN ERHÄLTLICH 

Aktuell gibt es zwei Hypno-Varianten, die sich trotz ihres 

ähnlichen Erscheinungsbildes im Inneren unterscheiden: 

Die Spot-Version ist mit einer leistungsstarken, weißen 30- 

W-COB-LED ausgestattet, deren Projektion mittels Farb - 

rädern und Gobos verändert werden kann. Um diesen 

Licht strahl herum sind drei LED-Ringe mit insgesamt 76 

RGB-SMD-LEDs angeordnet. 

Das zweite Modell besitzt eine 60-W-COB-LED in RGBW- 

Farben, die einen farbintensiven Beam erzeugt. Um die 

Center-LED herum sind vier LED-Ringe platziert, die insgesamt 

88 RGB-SMD-LEDs zur Verfügung stellen. Bei beiden 

TMH-61 

Beide Modelle sind nur 35 Zentimeter hoch und wiegen nur 

fünf Kilogramm. Damit eignen sie sich hervorragend für den 

mobilen Einsatz. Alleinunterhalter und kleinere Bands sind mit 

zwei dieser Geräte gut ausgestattet. Auch als fest installierte 

Effekte in Clubs machen die Hypnos eine gute Figur. 

Weitere Informationen: www.steinigke.de 



TAKAMINE LTD 2017 MAGOME 

Seit nun 30 Jahren demonstriert Takamine jährlich mit 

einem Limited Model, was höchste Gitarrenbaukunst und 

einzigartiges Design bedeuten. Das diesjährige Jubiläums - 

modell widmet Takamine der historischen Stadt Magome 

an der traditionsreichen Handelsstraße namens Kiso-ji, die 

insbesondere auch von Samurai und Ninja genutzt wurde. 

Diese Straße führt nahe des Takamine-Berges vorbei. 

Wasser räder, alte Gasthäuser und Pferdeställe findet man 

am Wegesrand des heutzutage bei Touristen beliebten 

Wander weges. 

Das Griffbrett-Inlay „Legend Of The Road” greift diese Ele - 

mente gekonnt auf. Die Gitarre hat einen OM-Body mit einer 

massiven Fichtendecke sowie einen massiven Boden und 

Zargen aus Ostindischem Palisander. Mit dem CTP3 und 

exzellenten Tonhölzern ist sie ein Garant für (elektro-)akustische 

Höchstleistungen. Die Takamine LTD 2017 MAGO- 

ME wurde zuerst auf der NAMM Show in Anaheim vorgestellt 

und ist voraussichtlich ab Juni 2017 in Deutschland, 

Österreich und der Schweiz bei Ihrem Takamine Fach händler 

anspielbereit. 

Weitere Informationen: www.musik-meyer.de 

OLI RUBOW 

DAS MODERNE SCHLAGZEUGQUARTETT 

Eine spielerische Lehrmethode zur Erweiterung und Modernisierung des persönlichen 

Rhythmuswortschatzes 

spielsweise bei den Turntablerockern, den Fantastischen Vier, 

bei Henrik Schwarz, Cro oder Jazzanova. 

Auch die Wissensvermittlung liegt ihm: 2007 erschien das 

Buch „E-Beats am Drumset“ (Leu-Verlag), parallel dazu 

wurde das Weblog e-beats.net ins Leben gerufen. 

Seit 2011 läuft im „drums & percussion“-Magazin die 

Workshopreihe „Vom Zitat zum Ich“. 

Der untere Kartenteil gibt inhaltliche Information: Rechts 

steht eine der fünf übergeordneten Kategorien, in diesem 

Fall Frei für Freispiel, daneben der Kartenindex. Die linke 

Seite funktioniert wie ein Spickzettel. Dort steht die Kurz - 

fassung des Kartenauftrags. 

Das Moderne Schlagzeugquartett kann man zu zweit oder 

mit mehreren Rhythmusmachern spielen. Mit den Spiel karten 

und den Handzeichen lassen sich im Ensemble moderne 

Tracks nach dem Baukastenprinzip programmierter Rhyth - 

men erstellen oder den Spannungsbogen eines Arran - 

gements steuern. 

Oli Rubow zählt zu den innovativen Drummern hierzulande. 

Mit einem musikalischen Background im Jazz und im zeitgenössischen 

Club-Sound realisiert er seit Mitte der 90er- 

Jahre seine ureigene Vision modernen Schlagzeugspiels. 

Neben seiner langjährigen Zusammenarbeit mit Bass - 

legende Hellmut Hattler und den Lounge-Pionieren von DE 

PHAZZ gab es immer wieder interessante Gastspiele, bei- 

Wenn Kinder die Welt entdecken, lernen sie auf spielerische 

Art und Weise. Ein Augenmerk auf die Umschreibung 

unserer Passion macht klar: Auch wir „spielen Schlag zeug“. 

Um diesen Spieltrieb mit der Weiterentwicklung am Instru - 

ment zu kombinieren, hat Oli Rubow ein spezielles Karten - 

spiel erstellt: Das Moderne Schlagzeugquartett. 

Das Spiel besteht aus 54 Spielkarten, einem Papier se - 

quenzer und acht Handzeichen. Jede Karte ist mit einem 

Piktogramm bedruckt, das ähnlich wie die Bildsprache der 

Emojis funktioniert und hier für eine schlagzeugtechnische 

Anwendung steht. 

Das zentrale Piktogramm ist die Eselsbrücke, die unser 

Gedächtnis mit einem ästhetischen Kunstgriff verknüpfen 

soll. Die Rahmenfarbe deutet an, ob der Karteninhalt das 

komplette Drumset betrifft oder nur eine der drei Säulen 

Kick – Snare – HiHat. Der weiße Punkt zeigt die Anzahl der 

Takte an, in denen der Kartenauftrag ausgeführt werden soll. 

Das Moderne Schlagzeugquartett fördert das loopige und 

patternbasierte Groove-Verständnis. Es schult die Fähig - 

keit, während des Trommelns auf optische Zeichen reagieren 

zu können – ein zentraler Bestandteil beim gemeinsamen 

Musizieren! Darüber hinaus stellt die Rhythmusliste 

des Buches einen Pool voller moderner Grooves sowie 

einen Patternbaukasten zur Verfügung. Eine umfangreiche 

Klangbibliothek lädt zu kreativen Experimenten ein. 

Die Spielregeln sind einfach und kreativ-flexibel. Der 

Trommler sucht aus der Rhythmusliste im Buch ein Pattern 

aus und spielt es in Dauerschleife (Loop). Im weiteren Ver - 

lauf zeigt der Lehrer eine Spielkarte, deren Bildauftrag im 

nächsten Takt umgesetzt werden soll, bevor es zum ur - 

sprünglichen Loop zurückgeht. 

ISBN 978-3-89775-169-9 

Buch mit Spielkartentableau, 29,80 Euro 

www.leu-verlag.de 



MIKROFON VON SENNHEISER 

ERMÖGLICHT FANTASTISCHEN 

GOPRO®-SOUND 

So robust wie die GoPro HERO4: 

Das wasserfeste MKE 2 elements sorgt für 

hohe Klangqualität selbst unter extremen 

Bedingungen 

Für Abenteurer ist die GoPro-Kamera das Nonplusultra: Mit 

ihr lassen sich actionreiche Erlebnisse dokumentieren und 

mit der ganzen Welt teilen. Doch während die Videos immer 

spektakulärer werden, bleibt die Audioqualität oft zurück. 

Das wird sich mit dem MKE 2 elements von Sennheiser 

grundlegend ändern: Das wasserfeste, von GoPro zertifizierte 

Mikrofon ermöglicht kompromisslos guten Klang für 

die HERO4 Black und Silver. Verkaufsstart für das professionelle 

Miniaturmikrofon ist am 24. April 2017. 

Mit dem neuen MKE 2 elements haben GoPro-Nutzer die 

perfekte Ergänzung für ihre GoPro HERO4. Das Mikrofon ist 

genauso robust wie die Kamera in ihrem Schutzgehäuse 

und nimmt es wie diese mit den widrigsten Bedingungen 

wie Wind, Wasser und Schnee auf. 

„Im Extremsport war kompromisslose Soundqualität bislang 

nicht erreichbar. Sportler mussten ihre Erwartungen 

an den Ton herunterschrauben und akzeptieren, dass unter 

schwierigen Bedingungen nur schlechte Audioergebnisse 

erzielt werden konnten oder Audioaufnahmen auch gar nicht 

möglich waren, zum Beispiel unter Wasser”, erklärt Achim 

Gleissner, Commercial Manager für Broadcast & Media bei 

Sennheiser. „Das MKE 2 elements bedeutet hier den Durch - 

bruch, vergleichbar mit dem, was GoPro im Videobereich 

geleistet hat. Mit diesem Mikrofon lassen sich Action- 

Kamera-Aufnahmen um fantastischen Sound ergänzen und 

so noch intensiver machen.“ 

Das wasserfeste MKE 2 elements ist das erste Mikrofon 

für die GoPro HERO4-Kamera, das die Zertifizierung 

„Works with GoPro“ erhalten hat. 

„Sennheiser ist derzeit der einzige Mikrofonhersteller, dessen 

Produkt die Zertifizierung „Works with GoPro“ erhalten 

hat. Das MKE 2 elements ist bahnbrechend; es zeigt das 

enorme Potential, das in diesem auf Zusammenarbeit und 

technische Exzellenz ausgerichteten Entwicklerprogramm 

steckt“, sagt Achim Gleissner. „Parallel zur Markteinführung 

des MKE 2 elements arbeitet Sennheiser bereits an 

Lösungen für die HERO5. Wir freuen uns sehr, unsere Zu - 

sammenarbeit mit GoPro auch auf kommende Produkte 

ausdehnen zu können.“ 

WASSER- UND WETTERFEST 

Ob Surfen, Klettern oder Mountainbiking: Das MKE 2 elements 

macht alles mit, was GoPro-Nutzer unternehmen. 

Das Mikrofon basiert auf einem professionellen Lavalier- 

Modell von Sennheiser, das um innovative Designfeatures 

ergänzt wurde. Dadurch ist das Mikrofon weitgehend 

unempfindlich gegen Schnee, Eis und Wind und kann sogar 

unter Wasser aufnehmen. Dafür ist die Kapsel mit einer 

Tandemmembran ausgerüstet, die die akustisch aktive 

Membran vor Feuchtigkeit schützt. Hinzu kommen eine 

wasserdichte Verbindung zum Schutzgehäuse und ein spezieller 

Windschirm. Dieser neu entwickelte, austauschbare 

Windschutz besteht aus einem speziellen Schaumstoff, mit 

dem das Mikrofon sogar beim Wassersport genutzt werden 

kann. Im Gegensatz zu einem herkömmlichen Fell- oder 

Schaumwindschutz, der praktisch nur noch Windgeräusche 

aufnimmt, sobald er nass wird, schützt der Windschirm des 

MKE 2 elements zuverlässig vor Wind – ganz gleich, ob er 

nass oder trocken ist. Eine elastische Aufhängung macht 

das Mikrofon zusätzlich unempfindlich gegen Körperschall. 

DER NEUE REFERENZKLANG FÜR DIE GOPRO HERO4 

Das MKE 2 elements wurde im Rahmen des GoPro Developer 

Program entwickelt, das teilnehmenden Unter nehmen die 

Möglichkeit gibt, integrierte Zubehör-Lösungen für die 

Kameras zu entwickeln. Nach intensiven Tests durch GoPro 

hat das Mikrofon das Qualitätssiegel „Works with GoPro“ 

erhalten. 

„Wir freuen uns, durch unser Entwicklerprogramm mit 

Unternehmen wie Sennheiser zusammenarbeiten zu können, 

die unsere Vision teilen. Die GoPro-Nutzer profitieren 

dabei von perfekt aufeinander abgestimmten Produkten“, 

erklärt Ted Simonides, Director Developer Partnerships bei 

GoPro. „Das MKE 2 elements ist von diesem innovativen Geist 

geprägt. Mit diesem Mikrofon können die GoPro-Anwender 

ihre Abenteuer noch eindrucksvoller dokumentieren.“ 

SOUNDBEISPIELE UNTER: 

www.youtube.com/watch?v=xzj2EJvH44k&feature=youtu.be 

TECHNISCHE DATEN MKE 2 ELEMENTS 

• Abmessungen: ca. 125 x 70 x 60 mm 

(Gehäuserückwand und Windschutz), 

Ø 62 mm (Windschutz) 

• Gewicht: 45 g (Gehäuserückwand, Mikrofon und 

Windschutz) 

• Anschluss: GoPro®-Audiostecker für die HERO®4 

• Schutzklasse: IPX7, wasserfest bis 1 bar 

(1 Meter für 30 Minuten) 

• Richtcharakteristik: Kugel 

• Frequenzgang: 20 – 20,000 Hz 

• Betriebstemperatur: -20 bis +70 °C (Lagerung) 

-10 bis +50 °C (Betrieb) 

Weitere Informationen: www.sennheiser.com 



LIMITIERTE SHURE SM58 50TH ANNIVERSARY EDITION 

IN ZUSAMMENARBEIT MIT PAUL MCCARTNEY UND THE WHO 

„Paul McCartney und The Who haben einige der bekanntes - 

ten Songs der Musikgeschichte geschrieben, und allein 

schon deswegen dachten wir, es wäre eine großartige Idee, 

sich zusammenzutun, um eine spezielle 50th Anniversary 

Edition des SM58 zu kreieren, das auch sie verwendet haben, 

um ihre Stimmen mit Fans aller Altersstufen über Jahrzehnte 

hinweg zu teilen“, erklärt Mark Brunner, Vice President of 

Corporate and Government Relations bei Shure. 

Das SM58 gilt als eines der bekanntesten Mikrofone weltweit 

und wurde seit seiner Einführung im Jahre 1966 von 

den einflussreichsten Musikern verwendet. Um diese enge 

Verbindung zwischen dem SM58 und legendären Künstlern 

zu feiern, hat Shure in Zusammenarbeit mit Paul McCartney 

und The Who eine einmalige Sonderedition bestehend aus 

600 seriennummerierten und grafisch gestalteten SM58 

produziert, die zugunsten karitativer Einrichtungen versteigert 

werden. Alle Erlöse, die aus der Versteigerung hervorgehen, 

gehen direkt an die Stiftungen der beiden Künstler: 

Paul McCartney’s „Meat Free Monday“ und The Who’s 

„Teen Cancer America“. 

NUMMERIERTE SPECIAL EDITION 

Die nummerierten Mikrofone sind mit jeweils Künstler-spezifischen 

Grafiken versehen. Auf der SM58 50th Anniversary 

Edition von Paul McCartney ist das Foto des Albums „Kisses 

on the Bottom“ abgebildet, das von Mary McCartney ge - 

macht wurde. Die The Who Edition zeigt Illustrationen des 

Grafikers Richard Evans, der bereits seit 1976 die Alben- 

Cover und Designelemente von The Who designt. 

300 STÜCK PRO KÜNSTLER 

Jeder Künstler bekommt 300 SM58 für die Auktion, die 

jeweils Nummern von 11 – 300 tragen und zum Festpreis 

versteigert werden. Zusätzlich auktioniert Shure die SM58- 

Mikrofone mit den Nummern 1 – 10, deren Mikrofongriffe 

von den Künstlern handsigniert wurden. Alle Mikrofone der 

limitierten Artist Edition stehen auf eBay for Charity zur Ver - 

steigerung bereit. Die SM58 50th Anniversary Künstler- 

Edition ist zum einen ein Sammlerstück, zum anderen eine 

Spende und trägt damit dem jahrzehntelangen kreativen 

Schaffen der Künstler und ihrem Engagement im Wohl - 

tätigkeitsbereich Rechnung. 

„Zudem engagieren sich Paul, Roger und Pete im karitativen 

Bereich und leiten ihre eigenen Wohltätigkeits orga - 

nisationen. Wir freuen uns, die Stiftungen der Musiker zu 

unterstützen, indem die Erlöse aus den Versteigerungen 

jeweils zu 100 % und direkt an die Einrichtungen gehen.“ 

2009 riefen Paul, Mary und Stella McCartney Meat Free 

Monday ins Leben, um Aufmerksamkeit für die Umwelt - 

belastungen zu wecken, die durch Massentierhaltung entstehen. 

Die Kampagne soll dazu animieren, durch mindes - 

tens einen fleischfreien Tag pro Woche den Klimawandel zu 

verlangsamen, kostbare Umweltressourcen zu schützen 

und die eigene Gesundheit zu verbessern. Roger Daltrey 

und Pete Townshend initiierten 2012 die Stiftung Teen 

Cancer America, nachdem sie sich zuvor bereits seit über 

20 Jahren für krebskranke Teenager engagiert hatten. Das 

Ziel der Organisation besteht darin, Kliniken und medizinischen 

Diensten dabei zu helfen, den Spagat zwischen 

Kinder- und Erwachsenen-Onkologie zu meistern und 

Krankenhäuser und ambulante Pflegedienste bei der Ent - 

wicklung von Abteilungen zu unterstützen, die auf Teenager 

spezialisiert sind. 

„Viele Jahre lang hat das Shure SM58 meine Stimme zu 

Millionen überall auf der Welt gebracht und auch heute noch 

transportiert es Millionen von Stimmen täglich zu ihren Fans“, 

so Paul McCartney. 

„Ich freue mich, mit Shure bei dieser 50th Anniversary 

SM58 zusammenzuarbeiten und dabei eine Wohltätig keits - 

organisation zu unterstützen, die meiner Familie sehr am 

Herzen liegt – auf viele weitere Jahre – für uns beide!“ 

„Wenn wir uns einen Moment nehmen, den 50. Geburtstag 

des SM58 zu feiern, ist es wichtig, darauf zurückzublicken, 

was wir erreicht haben, und auch auf die wichtige Arbeit, 

die vor uns liegt – was allein durch die Macht der Musik 

und des Gebens möglich wird“, sagt Roger Daltrey. „Shure 

und das SM58 haben eine wichtige Rolle bei meiner 

Karriere gespielt und gemeinsam unterstützen wir nun 

wichtige Aktivitäten bei der Teenager-Krebshilfe. Die Zu - 

sam menarbeit bei dieser Versteigerung ist eine Erinne rung 

an diesen wichtigen Meilenstein.“ 

Genaue Details zur Auktion und den Stiftungen gibt es 

online auf www.shure.com/auction 

VON MANUEL GRÜTTER 

SINGER/SONGWRITER – 

DAS SONGBOOK BAND 2 

24 populäre Singer/Songwriter-Songs für 

Gitarre 

Bereits lange erwartet hat Alfred Music auf der Frankfurter 

Musikmesse endlich den Band 2 zum erfolgreichen Singer/ 

Songwriter Songbook vorgestellt. Wie der erste Band enthält 

der zweite Band 24 neue und populäre Singer/Songwriter- 

Songs bearbeitet von Manuel Grütter für Gitarre: Jeder Song 

mit Noten, Text und Akkorden in Originaltonart und mit Kapo - 

daster-Akkorden sowie Guitarsheets, detailliert aufbereitet mit 

Chords & Lyrics, Strumming- und Picking-Patterns, Soli, 

Griffdiagrammen, Übungstipps in Noten & Tabulatur u.v.m. 

Die Titelzusammenstellung verheißt ein attraktives Song - 

repertoire für Lagerfeuer und Straßenmusik; 24 von „As 

Tears Go By“ (Rolling Stones) und „Blue Eyes Blue“ (Eric 

Clapton) über Gitarrenklassiker wie „Counting Stars“ 

(OneRepublic), „Hero“ (Family of the Year), „Herz über Kopf“ 

(Joris), „Hey“ (Andreas Bourani), „Hold Back The River“ 

(James Bay), „I See Fire“ (Ed Sheeran) und „Jar Of Hearts“ 

(Christina Perri) bis hin zu „Leaving New York“ (R.E.M.), 

„Let Her Go“ (Passenger), „Reality“ (Lost Frequencies), 

„Stolen Dance“ (Milky Chance), „Tage wie diese“ (Die Toten 

Hosen) und „You‘re Not Alone“ (Mads Langer) u.v.a. 

Weiterhin lieferbar ist auch der erfolgreiche Band 1 mit 

Gitarrenklassikern und aktuelleren Hits wie „Chicago“ 

(Clueso), „Hallelujah“ (Leonard Cohen), „Halt Dich an mir fest“ 

(Revolverheld feat. Marta Jandová), „If A Song Could Get Me 

You“ (Marit Larsen), „Junimond“ (Rio Reiser), „Just The Way 

You Are“ (Billy Joel), „Luka“ (Suzanne Vega), „Mr. Tambourine 

Man“ (Bob Dylan), „Nur noch kurz die Welt retten“ (Tim 

Bendzko), „Smells Like Teen Spirit“ (Nirvana), „Still“ (Jupiter 

Jones), „This Is The Life“ (Amy Macdonald), „Wild World“ (Cat 

Stevens), „You And Me“ (Milow), „Your Body Is A Wonderland“ 

(John Mayer) u.v.a. ( ISBN-13: 978-3-933136-93-0) 

SINGER/SONGWRITER – DAS SONGBOOK BAND 2: 

Best.-Nr.: 20251G; ISBN-13: 978-3-943638-86-8 

DIN A4;144 Seiten; 18,95 Euro; www.alfredmusic.de 


62 CD-REZENSIONEN 

YVONNE CATTERFELD 

»Guten Morgen Freiheit« 

Du reißt dich von allen Ketten und Zwängen los – wirst 

morgens von Sonnenstrahlen geweckt, torkelst glücklich 

ausgeschlafen zum Fenster und atmest frische Luft ein: 

Guten Morgen Freiheit! Ein Zufall, dass Yvonne Catterfeld 

ihrem neuen Album diesen vielversprechenden Titel verlieh? 

Zwar ist es bereits ihr siebtes Studioalbum, doch mit 

„Guten Morgen Freiheit“ schlägt die 37-jährige Wahl ber li ne - 

rin jetzt ganz neue Töne an. Anfang des Jahres gründete 

Yvonne Catterfeld ihr eigenes Label, Veritable Records. Nun 

kann ihr niemand mehr in ihre Musik hineinreden. Le véritable 

ist Französisch und heißt auf Deutsch das Echte, das 

Reine, das Un verfälschte. So kann die Sängerin völlig frei 

auf ihre eigene innere Stimme hören – und auf die ist Verlass. 

Echt, rein und unverfälscht, genauso hört sich ihr neues 

Album an. Doch treue Fans brauchen sich nicht zu sorgen, 

in „Guten Morgen Freiheit“ ist noch viel von der „alten 

Yvonne“ zu erkennen. An Soul und R & B fehlt es nicht. 

Überflüssige Elektro Beats? Fehlanzeige! Neu sind allerdings 

die urbanen Sounds und Hip-Hop-Einlagen. Im Duett mit 

Teesy singt Yvonne Catterfeld für mehr Frieden auf der 

Welt. Dieser Song, „5 vor 12“, ist definitiv ein Highlight auf 

ihrem neuen Album. Es scheint fast, als würde sie selber 

anfangen zu rappen – und das auf höchstem Niveau. Teesy 

ist übrigens nicht der einzige Gastmusiker in „Guten 

Morgen Freiheit“. Auch Bengio („Irgendwas“), Chima („Tür 

und Angel“) und MoTrip („Mehr als ihr seht“) stehen der 

Sängerin unterstützend zur Seite. 

Eingeleitet wird das Album mit einem Knall. Der Titelsong 

„Guten Morgen Freiheit“ strotzt nur so von neu gewonnener 

Energie und rhythmischer Fröhlichkeit. Es folgen Songs, 

die sich unter anderem auch mit Schattenseiten von Frei - 

heit auseinandersetzen. „... wollen uns nicht binden, weil 

wir dann vielleicht etwas verpassen können, was irgendwo 

noch ist ...“(„Irgendwas“). Mit Texten wie „ Ich glaub, Gehen 

ist nur Silber, im Bleiben liegt das Gold“ („Tür und Angel“) 

zeigt Yvonne Catterfeld, wie schön es sein kann, Dinge zu 

haben, an denen man festhalten kann. Menschen, die einem 

Halt geben, bei denen man sich „zu Hause“ fühlt. Mit 

„Freisprengen“, könnte man denken, verarbeitet die Sän - 

gerin und Schauspielerin ihre Erfahrungen aus alten Zeiten 

und zeigt, wie gut es ihr tut, ihr eigenes Label zu besitzen – 

frei zu sein. 

Alles in allem merkt man eine deutliche Reife auf Yvonne 

Catterfelds siebtem und erstem eigens produziertem 

Studioalbum. „Guten Morgen Freiheit“ macht Mut. Es muss 

nicht immer alles besser, schneller und höher sein. 

www.yvonnecatterfeld.com 

C.H. 

JUDITH HOLOFERNES 

»Ich bin das Chaos« 

„Nichts ist so trist wie ein Optimist“ singt Judith Holofernes 

mit heiserer, beinahe unsauberer Stimme. Rund drei Jahre 

nach ihrem Solo-Debüt meldet sich die Ex-Wir-sind-Helden- 

Frontfrau mit „Ich bin das Chaos“ zurück. Diesmal auf eigenem 

Label. Total sympathisch singt sie von alltäglichen 

Dingen – glücklicherweise bleibt die Stimmung nicht so 

trist wie beim ersten Track. In „Oder An Die Freude“ nimmt 

sie Beethovens Melodie und Schillers Text auf die Schippe, 

um danach beschwingt und lustig von der (vergeblichen) 

Suche nach Glück zu singen. Titeltrack „Ich bin das Chaos“ 

ist rhythmisch, steigert sich von flüsternd-gehaucht skandiertem 

Text zu Ruf-Gesängen mit rhythmischen Gitarrenriffs. 

„So weit gekommen“ ist ruhig und nachdenklich – damit 

endet das Album, wie es angefangen hat: mit melancholischen 

Tönen. Eine schöne Sammlung deutscher Pop-Lieder. 

www.judith-holofernes.de 

J.H. 

CARL EMROY 

„Ruf Teddybär 1–4“ 

Mit seiner wunderbar angenehm-weichen Stimme covert 

Carl Emroy den bekanntesten Song des österreichischen 

Musikers Jonny Hill „Ruf Teddybär“. Es klingt fast wie ein 

Talking-Blues von Hannes Wader, aber mit Countrymusik 

im Hintergrund. Man muss auf den Text achten, denn es ist 

eine rührende Geschichte eines Lkw-Fahrers, der über sein 

Funkgerät von einem im Rollstuhl sitzenden, einsamen 

Jungen angefunkt wird. Um das Kind glücklich zu machen, 

beschließt er, ihn zu überraschen. Damit ist er nicht der einzige 

... Die Musik steht sehr im Hintergrund, ist aber, wie auch 

die Geschichte, sanft, etwas melancholisch und trotzdem 

positiv. Auf der Single-CD sind noch zwei typische Emroy- 

Country-Stücke. Seine Stimme geht einfach unter die Haut. 

www.carl-emroy.com 

J.H. 

SCARLATYNA 

»... till the end« 

Schon am Cover sieht man, dass es sich hier um „good old 

Power Metal“ handelt: ein blau leuchtendes Schwert, im 

Hintergrund eine düstere Burg und ein Rabe mit rot glühenden 

Augen im Comicstil. Und gleich beim ersten Songs „The 

Truth“ pfeffern uns SCARLATYNA dichte, verzerrte Gitarren - 

riffs mit Double Bass und Galopp-Rhythmus um die Ohren. 

Dazu teilweise sehr hoher Gesang – der stellenweise ins für 

den Power Metal typische Falsett geht. Insgesamt sind die 

Songs druckvoll, kräftig. Da kann man gar nicht anders, als 

die Mähne zu schütteln und die Faust zu recken! Die Songs 

auf „... till the end“ sind noch aus den 80er- und 90er- 

Jahren. 2011 haben SCARLATYNA nach langer Trennung 

die Metal-Perlen wiederveröffentlicht. Großartig! „We“, 

„Wings Of The Night“ und Titeltrack „Till The End” kann 

jeder dank der tollen Hooklines sofort mitsingen. Metal- 

Fans werden diese gitarren- und rhythmusstarken Songs lieben. 

Bitte mehr, bitte Neues! 

J.H. 

SAM FRANCISCO 

»Bizz Party 1st Floor« 

Partymucke à la 90er rotzt Sam Francisco ins Mikro. Mit 

Disco-Rhythmen sind die Songs seines Albums „Bizz Party 

1st Floor“ vor allem eines: tanzbar. Inhaltlich sind „Bizz 

Party“, „Kiss Factory“ und „God Bless The Champ“ dünn. 

Nonsens-Texte, die aber eingängig und lustig sind, sodass 

jeder (auch betrunken) mitgrölen und dazu schunkeln kann. 

Sam Francisco bezeichnet sich als internationaler „King of 

Rock“. Das ist er nicht. Aber trotz dieser großspurigen Art, 

auf „dicke Hose“ zu machen, merkt man, dass er Spaß hat. 

Das ist sympathisch. Wer gern am Ballermann nachts die 

Tanzflächen unsicher macht, findet in diesem Album ein 

englischsprachiges Pendant. Und wird so vielleicht in Urlaubs- 

Party-Stimmung versetzt. 

www.king-of-rock.com 

J.H. 

RAIN SULTANOV 

»Inspired By Nature« 

Ein Intro, das mehr als zwei Minuten lang ist und als einzelner 

Track behandelt wird – damit startet der Naturtrip durch 

Aserbaidschan. Unglaublich feinfühlig und berührend führt 

Saxofonist Rain Sultanov durch sieben Landschaften seiner 

Heimat. Sechs Musiker begleiten ihn, sodass ein schöner 


CD-REZENSIONEN 63 

Klangteppich mit verspielten Soli entsteht. „The White Birds 

Of Qizilagac“ flattert mit hohen Pianoklängen, „Up Lahij 

Mountains“ ist deutlich schneller und rhythmischer, als 

würde ein Zug oder eine Lawine im Hintergrund rollen, 

„Wild Wind Of Zuvend“ klingt fast schon chaotisch. Aber 

das letzte Stück „The Breath Of Caspian Volcano“ endet 

ruhig und getragen. Sultanov zeigt die Natur seiner Heimat 

abwechslungsreich – ein kleiner Kurzurlaub in Aserbaidschan. 

Liebhaber entspannter Instrumentalmusik werden dieses 

Kleinod lieben. 

www.ozellamusic.com 

J.H. 

EVA KYSELKA 

»Bienenkönigin« 

Mit sanften Tönen und einer fast fliegenden Hauchstimme 

singt Eva Kyselka auf ihrer Single „Bienenkönigin“ davon, 

wie Bienen wieder summen und schweben. „Weil uns das 

Hoffnung bringt“, sagt Kyselka. Mit diesem Lied will die 

Sängerin auf das Bienensterben aufmerksam machen. Doch 

sie tut das nicht mit mahnend erhobenem Zeigefinger, sondern 

auf einfühlsame, nachdenkliche Art. „Noch können wir 

euch sehen“ ist der letzte Satz – das ist zwar irgendwie traurig, 

macht aber deutlich, dass es noch nicht zu spät ist. Im 

zweiten Track, „Mother Earth“, geht es um unsere leidende 

Erde. Kyselka sind Umweltschutz und vor allem Bienenrettung 

wirklich wichtig. Statt nur darüber zu singen, spendet sie 

alle Download-Einnahmen von „Bienenkönigin“ an „Deutsch- 

land summt“. Aber abgesehen davon ist es entspannte 

Musik zum Träumen und Melancholisch-Sein. 

www.evakyselka.de 

J.H. 

CULTURE POOL 

»Flow« 

46 individuelle Musiker aus 15 verschiedenen Her kunfts - 

ländern auf nur einer einzigen CD. Das Band-Projekt 

CULTURE POOL aus dem Ruhrgebiet hat mithilfe vieler toller 

Musikmacher ihr erstes Album veröffentlicht. Kein Titel 

wäre hierfür wohl passender als „Flow“. CULTURE POOL 

steht für Begegnung, was auch ihr Album verdeutlicht. 

Verschiedenste Musikrichtungen, Stimmen und Instrumente 

treffen sich in jedem der 13 Songs. Es entsteht ein bunter 

Mix aus Elektro- und Afrosounds mit Pop und Schlager, orientalischen 

Gesängen bis hin zum Hip-Hop, musical- oder 

soundtrackartigen Melodien. Klar, denn ganz nach dem Motto 

„I’ve got my own beat“ (Song 13) hat jeder der 46 Musiker 

etwas von seiner eigenen Kultur, seinen Erfahrungen, persönlichen 

Vorlieben und Talenten in das Album eingebracht. 

Wer Abwechslung von typischen Playlists und Radiocharts 

sucht, ist hier definitiv richtig. 

Außerdem cool: CULTUR POOL zeigen, dass ein friedliches 

Miteinander von Menschen diverser Kulturen möglich ist. 

Dass etwas Wunderbares entsteht, wenn alle zusammenhalten: 

Flow. 

www.culture-pool.com 

C.H. 

PETE ALDERTON 

»Something Smooth« 

Mit seinem neuen Album „Something Smooth“ beweist 

Pete Alderton auf ein Neues: Er ist der Meister des Blues. Mal 

mit dreckig-rauchiger Stimme, mal lieblich und verträumt, 

haucht der Sänger und Songwriter Geschichten auf seine 

neue Platte. Bei den meisten Songs reicht als Unterstützung 

schlichtweg seine Gitarre. Doch auch auf Klaviertöne und 

Drums braucht niemand zu verzichten. Wenn man die Augen 

schließt, so könnte man meinen, man befindet sich in einem 

guten, alten Pub – hält ein Bier in der Hand und lauscht der 

Musik von Pete Alderton, der live auf der kleinen Bühne vor 

einem mit Herzblut „Something Smooth“ performt. 

Ideal für einen entspannten Abend unter Freunden. Doch es 

darf auch getanzt werden – besonders der Song „so cool“ 

lädt geradewegs dazu ein. 

www.pete-anthony-alderton.com 

C.H. 

MIA AERGERTER – 

»Nichts für Feiglinge« 

Das ist „Nichts für Feiglinge“: Mia Aergerter veröffentlicht 

am 26. Mai 2017 ihr erstes hochdeutsches Album. Doch 

nicht nur in der Sprache kann man einen deutlichen Neu - 

anfang der Singer-Songwriterin erkennen. „Nichts für Feig - 

linge“ klingt ernst, ja fast schon düster – gleichzeitig jedoch 

auch mutmachend und motivierend. Stilistisch könnte man 

das Album bei Folk und Indie einordnen. Mia Aergerters 

teils melancholische, klare, kraftvolle Stimme sowie ihre 

Gitarre stehen dabei stets im Mittelpunkt. Die Schweizer 

Sängerin weiß, wo sie perfekt Akzente setzen kann und wo 

eine Kämpfernatur vonnöten ist. Auch vor schwierigen 

Themen schreckt Mia Aergerter nicht zurück. Ihrer neuen 

Heimat gerecht findet sie, berlinerisch direkt, immer die 

passenden Worte. Zum Beispiel singt sie im Titelsong „Nichts 

für Feiglinge“ über Bindungsangst: „In Wahrheit haben wir 

doch nur wieder Schiss, uns wieder zu binden. Machst du 

mit, machst du mit, machst du mit, wenn ich jetzt mein 

Herz ins Spiel bringe?“ „Ich wart’ auf unserer Bank hier 

oben am Hang. Wenn einer von uns beiden stirbt, dann 

treffen wir uns hier“, heißt es in dem von Verlustangst 

gezeichneten Song „Wenn einer von uns“. Und auch die 

Krankheit Depression wird nicht tabuisiert: „In mir drin ist 

ein schwarzer Fleck, den krieg ich auch mit Alkohol nicht 

weg. So hab ich ihn halt hinter Charme und Witz versteckt.“ 

Der dazugehörige Song, „Schwarzer Fleck“, ist übrigens 

zusätzlich als Liveversion aufgeführt. 

Mut wird ja bekanntlich belohnt. So ist es auch bei Mia 

Aergerters neuem Album. „Nichts für Feiglinge“ – also hör 

rein. ;) 

www.miaaegerter.de 

C.H. 

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vom 1. Januar 2017 gültig. 

Layout: 

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Lektorat: 

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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich 

Copyright und Copyrightnachweis für alle 

Beiträge: Nachdruck, auch auszugsweise, 

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nur mit schriftlicher Genehmigung des 

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