Drucken DCK - Neue Visionen Filmverleih

mit 

Sam Shepard, Jessica Lange, Tim Roth, Gabriel Mann, Sarah Polley, Fairuza Balk und Eva Maria Saint 

Regie Wim Wenders 

Drehbuch Sam Shepard 

nach einer Geschichte von Sam Shepard und Wim Wenders 

Kamera Franz Lustig 

Produzent Peter Schwartzkopff 

Weltpremiere: 19.05.2005 – Wettbewerb Cannes 

Eine Reverse Angle Production in Koproduktion mit Reverse Angle International 

und Arte France Cinema in Zusammenarbeit mit Euroarts, HanWay, Network Movie, Océan Films Distribution, 

Road Movies Filmproduktion, Sony Pictures Classics, Arte/ZDF 

Mit Unterstützung der Filmförderungsanstalt, der Filmförderung Hamburg und dem Medienboard Berlin-Brandenburg 

Verleih Reverse Angle Pictures 

In Zusammenarbeit mit United International Pictures 

www.dontcomeknocking.com 2

Verleih: 

Reverse Angle Pictures 

Neue Schönhauser Str. 20 

D - 10178 Berlin 

Tel: 030 - 880 486 0 

E-Mail: info@reverse-angle.com 

Pressematerial und Fotos unter 

www.reverse-angle.com und www.image.net 

Homepage 

http://www.dontcomeknocking.com und http://www.wim-wenders.com 

Pressekontakt: 

Patricia Bauermeister 

UIP-Pressebüro Berlin 

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Tel: 030 - 343 51 828 Fax: 030 - 391 81 10 

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Besetzung Stab 

Howard Sam Shepard 

Doreen Jessica Lange 

Sutter Tim Roth 

Earl Gabriel Mann 

Sky Sarah Polley 

Amber Fairuza Balk 

Howards Mutter Eva Marie Saint 

Regie Wim Wenders 

Drehbuch Sam Shepard 

Nach einer Geschichte von 

Sam Shepard und Wim Wenders 

Produzent Peter Schwartzkopff 

Executive Producer Jeremy Thomas 

Producers Karsten Brünig 

In-Ah Lee 

Co-Producer Carsten H.W. Lorenz 

Kamera Franz Lustig 

Musik T Bone Burnett 

Schnitt Peter Przygodda 

Oli Weiss 

Ausstattung Nathan Amondson 

Kostüme Caroline Eselin-Schaeffer 

Deutschland 2005 | 122 Minuten | Cinemascope 

© Alle Original-Dialoge stammen von Sam Shepard. Das ABC stammt 

von Wim Wenders. Zur ausschließlichen Verwendung für die unmittelbare 

Berichterstattung über „Don’t Come Knocking“ sind Sie 

gerne eingeladen. Für jede andere Nutzung der Texte wenden Sie 

sich bitte unbedingt an den Verleih Reverse-Angle. 


HOWARD: Is there a car rental place 

around here? 

OLD RANCH HAND: A what? 

HOWARD: Place to rent cars. 

OLD RANCH HAND: I haven’t seen any. 

HOWARD: Train? 

OLD RANCH HAND: Now and then. 

HOWARD: Well, thanks. Appreciate it. © 

Pressenotiz 

Der offizielle deutsche 

Wettbewerbsbeitrag in Cannes: Wim Wenders’ 

DON’T COME KNOCKING 

Mit „Paris, Texas“ hat er hier 1984 die Goldene Palme 

gewonnen, jetzt ist Wim Wenders zum achten Mal im 

Wettbewerb von Cannes vertreten. 

Bildgewaltig, bewegend, humorvoll und voll ungeahnter 

Leichtigkeit erzählt sein neuer Film die Geschichte 

des abgehalfterten Western-Stars Howard Spence 

(Sam Shepard), in dessen tristes Leben ein unverhoffter 

Lichtstrahl fällt, als er erfährt, dass er ein Kind hat, 

von dem (oder von der) er nie wusste. Howard begibt 

sich auf eine Reise in die Vergangenheit, an einen 

Ort und zu Menschen, die er längst hinter sich gelassen 

hatte. 

Die zweimalige Oscar©-Preisträgerin Jessica Lange 

(„Tootsie“ und „Blue Sky“), ist Doreen, die große Liebe 

in Howards Leben, wie er zu spät erkennt. Hollywood-Ikone 

Eva Marie Saint, Oscar© für „Die Faust 

im Nacken“, spielt seine Mutter. Sarah Polley („My 

Life Without Me“) und Gabriel Mann („Die Bourne Verschwörung“) 

überzeugen als Stars der jungen Generation, 

während Tim Roth („Pulp Fiction“), als Kopfgeldjäger 

cooler denn je, hinter dem flüchtigen Helden 

her ist. 

Sam Shepard schrieb auch das Drehbuch für diese 

emotionsgeladene Liebeserklärung an das Kino – 

eine Einladung, die ewigen Mythen vom Amerikanischen 

Westen, von Mann und Frau, vom Verlorenen 

Sohn, von der Sehnsucht nach Heimat und von dem 

Versprechen der großen Freiheit mitzuträumen. 

WILD-EYED: Are you a fleeing felon, or what? 

Are you a wanted man? 

HOWARD: No, no. I’m an actor! Don’t you 

recognize me? I’m an actor! 

WILD-EYED: An actor? You’re an actor? 

HOWARD: Yeah. Movies … lot’s of movies. 

WILD-EYED: What movies? High Noon? 

HOWARD: Stop shooting my car! This is my 

father’s car! It’s been in the family. 

It’s very old. 

WILD-EYED: Your father? 

HOWARD: Yeah. 

WILD-EYED: My father had a horse. 

HOWARD: What? 

WILD-EYED: I said, my father had a horse! 

HOWARD: That’s great. That’s really great. 

Why don’t you just let me get out 

of here, please? 

Inhalt 

Hollywoodstar Howard Spence (Sam Shepard) hat 

schon bessere Zeiten gesehen. Heute lebt er nur noch 

von seinem einstigen Ruhm. Nach einer weiteren 

durchzechten Nacht flieht er eines Morgens vom Set 

des Westerns, den er gerade dreht und reitet auf und 

davon, wie einer jener Helden, die er sein Leben lang 

gespielt hat. Als er bald darauf erfährt, dass er womöglich 

ein Kind hat, von dem er nie etwas wusste, erscheint 

ihm das wie ein Hoffnungsstrahl. Vielleicht 

war sein Leben doch nicht völlig sinnlos, vielleicht gibt 

es doch irgendwo einen Ort, wo er hingehört. So macht 

er sich auf die Suche nach diesem Sohn oder dieser 

Tochter und entdeckt ein ganzes Leben, das er bisher 

verpasst hat, und eine Liebe, die er verloren glaubte. 


Die Darsteller 

HOWARD: Not dead. Not dead. Not dead … I wish 

I would be dead, but I’m not! How 

could it be? How could I be not dead? 

SAM SHEPARD 

(Howard) 

Der preisgekrönte Autor, Regisseur, Produzent und 

Schauspieler Sam Shepard wurde als Samuel Shepard 

Rogers am 5. November 1943 in Fort Sheridan/Illinois 

geboren. Seit 1982 lebt er mit der Schauspielerin Jessica 

Lange zusammen. Das Paar hat zwei Kinder. 

Für sein Stück „Buried Child“ (Vergrabenes Kind) bekam 

Shepard 1979 den Pulitzer-Preis. Seine Bühnenwerke 

„Curse of the Starving Class“ (Fluch der verhungernden 

Klasse), „Buried Child“, „Tooth of Crime“, 

„La Turista“ und „Red Cross“ erhielten Obie-Awards 

im Jahr ihrer Debüts. Zu seinen bekanntesten Stükken 

zählen „Simpatico“, „True West“ und „Fool for 

Love“ (Liebestoll). 

Sein Spielfilmdebüt gab er 1978 in „In der Glut des 

Südens“ (Days of Heaven) von Terrence Malick. Eine 

Oscar©-Nominierung als Bester Nebendarsteller er- 

hielt er für sein Portrait des legendären Testpiloten 

Chuck Yeager in „Der Stoff aus dem die Helden sind“ 

(The Right Stuff). 

Für das Kino schrieb und inszenierte er „Silent Tongue“ 

und „Far North“. Für Wim Wenders verfasste er 1983 

das Drehbuch zu „Paris, Texas“. 

Seine letzte Prosa-Sammlung trägt den Titel „Cruising 

Paradise“ 

Filme (Auswahl) 

2005 Don’t Come Knocking (auch Drehbuch) 

Regie: Wim Wenders 

2004 The Notebook 

(Wie ein einziger Tag) 

Regie: Nick Cassavetes 

2003 Blind Horizon 

(Blind Horizon – Der Feind in mir) 

Regie: Michael Haussman 

2002 Leo 

Regie: Mehdi Norowzian 

2001 Black Hawk Down 

Regie: Ridley Scott 

2001 Swordfish 

(Passwort: Swordfish) 

Regie: Dominic Sena 

2001 The Pledge 

(Das Versprechen) 

Regie: Sean Penn 

2000 All the Pretty Horses 

(All die schönen Pferde) 

Regie: Billy Bob Thornton 

2000 Hamlet 

Regie: Michael Almereyda 

1999 Simpatico (nur Bühnenvorlage) 

Regie: Matthew Warchus 

1999 Curtain Call 

(Untermieter aus dem Jenseits) 

Regie: Peter Yates 

1999 Snow Falling on Cedars 

(Schnee, der auf Zedern fällt) 

Regie: Scott Hicks 

1999 Dash and Lilly (TV) 

Regie: Kathy Bates 


1999 Purgatory (TV) 

(Showdown auf dem Weg zu Hölle) 

Regie: Uli Edel 

1995 The Good Old Boys (TV) 

(Einmal ein Cowboy, immer ein Cowboy) 

Regie: Tommy Lee Jones 

1993 The Pelican Brief 

(Die Akte) 

Regie: Alan J. Pakula 

1993 Silent Tongue (nur Drehbuch, Regie, Musik) 

(Schweigende Zunge) 

Regie: Sam Shepard 

1992 Thunderheart 

(Halbblut) 

Regie: Michael Apted 

1991 Jessica Lange (TV-Doku) 

(Jessica Lange – Mit King Kong fing alles an) 

Regie: Steve Fischler, Joel Sucher 

1991 Homo Faber 

Regie: Volker Schlöndorff 

1989 Steel Magnolia 

(Magnolien aus Stahl) 

Regie: Herbert Ross 

1988 Far North (nur Drehbuch, Regie) 

(Rache ohne Hoffnung) 

Regie: Sam Shepard 

1986 Crimes of the Heart 

(Verbrecherische Herzen) 

Regie: Bruce Beresford 

1985 Fool for Love 

(auch Bühnenvorlage & Drehbuch) 

(Liebestoll) 

Regie: Robert Altman 

1984 Paris, Texas (nur Drehbuch) 

Regie: Wim Wenders 

1983 The Right Stuff 

(Der Stoff aus dem die Helden sind) 

Regie: Phillip Kaufman 

1982 Frances 

Regie: Graeme Clifford 

1978 Days of Heaven 

(In der Glut des Südens/ 

Tage des Himmels) 

Regie: Terrence Malick 

1978 Renaldo and Clara (auch Drehbuch) 

(Renaldo und Clara) 

Regie: Bob Dylan 

1970 Zabriskie Point (nur Co-Drehbuch) 

Regie: Michelangelo Antonioni 

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Sam Shepard über ... 

... Cowboys 

„Howard ist kein Cowboy im eigentlichen Sinne. Er 

ist ein Cowboy-Darsteller. In den frühen Western- 

Zeiten gab es noch echte Cowboys, die Kino-Cowboys 

gespielt haben, heute nicht mehr. Heute gibt es 

nur noch den Mythos. Die meisten Amerikaner kennen 

die wahren Ursprünge der Cowboys nicht. Oder 

es ist ihnen völlig gleichgültig. Sie sind schon mit 

dem Cowboy-Schauspieler völlig zufrieden. Deswegen 

gefiel mir diese Idee, einen Typen zu spielen, der 

kein echter Cowboy ist, aber genau dieses Cowboy- 

Image verkörpert.“ 

... das Thema 

„Worum es geht? Das kann ich gar nicht so in einem 

Satz sagen! Wie bei vielen Dingen, die eine Bedeutung 

haben, gibt es auch in unserem Projekt eine 

ganze Palette von verschiedenen Aspekten. Vor 

allem geht es um Entfremdung, um diese seltsame 

Einsamkeit in Amerika. Man kennt sich nicht mehr, 

und das ist nicht nur ein gesellschaftliches Phänomen, 

sondern gilt auch in den Familien. Wir haben 

keine Identität mehr. Vielleicht ist das ein Grund 

dafür, dass hier so viele Flaggen wehen. Die Welt soll 

uns Beachtung schenken – völlig lächerlich. Ich bin 

so patriotisch wie jeder andere, aber ich möchte 

keine US-Fahne schwenken oder mich darüber definieren, 

dass ich Amerikaner bin. Die Europäer haben 

eine Identität, sie kennen ihre Wurzeln. Wir haben 

keine Ahnung: Wir sind Vagabunden.“ 

... die Entstehung 

„Wim kam zu mir mit dieser Filmidee über einen todkranken 

Mann, der sein Testament macht, dann 

jedoch entdeckt, dass er uneheliche Kinder hat, von 

denen er nichts wusste. Ursprünglich war diese Figur 

ein erfolgreicher Geschäftsmann aus einer Großstadt. 

Aber mit dieser Welt kenne ich mich nicht sehr 

gut aus. Deswegen haben wir daraus einen Mann 

vom Land gemacht. Das Drehbuch ging durch sehr 

viele Stadien. Wir hatten zum Beispiel mal eine sehr 

tolle Zug-Szene, die gut 10 Seiten lang war. Aber das 

war wohl zu teuer oder zu kompliziert, so einen Zug 

zu finden, deswegen mussten wir das streichen. 

Immer, wenn ich mit Wim arbeite, gibt es diese verrückten 

Entwicklungen. Das war schon bei ‚Paris, 

Texas‘ so. Diesmal ging uns zweimal die Finanzierung 

verloren. Rückblickend war das eine Art von 

unfreiwilligem Luxus, der es uns ermöglicht hat, ein 

viel besseres Drehbuch zu entwickeln.“ 

... Howard 

„In meinem Hinterkopf hatte ich schon immer die 

Idee, so einen wie Howard zu spielen. Je länger ich an 

dem Stoff arbeitete, desto größer wurde dieser 

Wunsch. Wim wollte ja damals auch, dass ich die 

Rolle in ‚Paris, Texas‘ spiele. Aber das war nicht mein 

Ding. Damals fühlte ich mich als Schauspieler noch 

nicht sicher genug für diese Rolle und wusste, dass 

Harry Dean sehr viel besser dafür sein würde. Diesmal 

dachte ich: Vielleicht sollte ich es jetzt einmal 

selbst versuchen! Der Name Howard ist eine kleine 

Referenz an Howard Hughes. Und Howard Spence 

klingt für mich irgendwie gut.“ 

... Western 

„Eigentlich ist ,Don’t Come Knocking‘ kein Western. Er 

spielt im Westen ... aber ich weiß nicht, was ein Western 

ist. Wissen Sie, was der populärste Western aller 

Zeiten ist? ‚Der wilde, wilde Westen‘ von Mel Brooks. 

Ungelogen: das war der kommerziellste Western. Ein 

großartiger Film …“ 


Wim Wenders über 

Sam Shepard 

(als Schauspieler) ... 

„Ich habe mich beim Lesen der Drehbuchseiten, die 

Sam aus seiner Schreibmaschine gezogen und mir 

vorgelegt hat, oft einfach nur heimlich gefragt: ‚Wie 

will er das denn spielen? Wird er sich das überhaupt 

trauen, zu spielen!?‘ Ich hatte Sam ja schon in vielen 

Rollen auf der Leinwand gesehen, aber immer nur in 

ernsthaften, als Jagdflieger, als Liebhaber, als Soldat, 

als Cowboy oder als General. Und dieser Howard, der 

sich da Seite für Seite herausschälte, war wirklich ein 

tragikomischer Held. Wenn so einer nicht neben sich 

stünde, um sich selber nicht ganz so ernst zu nehmen, 

würde unser Film fürchterlich in die Hosen gehen! Einmal 

habe ich all meinen Mut zusammengenommen 

und Sam gefragt: ‚Meinst Du, Du kriegst das hin?‘ ‚Das 

kann ich Dir noch nicht sagen‘, meinte er, ‚da tappe 

ich genauso im Dunklen wie Du.‘ Manchmal hat er 

beim Drehen den Kopf geschüttelt. ‚Da habe ich mir 

vielleicht was eingebrockt! Und ich kann’s nicht einmal 

dem Drehbuchautor ankreiden!‘ 

Beim Drehen ist meine Sorge dann bald verschwunden. 

Sam hat nie ‚auf die Tube gedrückt‘, um eine 

Szene absichtlich komischer zu machen. Aber er hat 

sich der Komik auch nie entzogen und sich auf die 

sichere ‚ernsthafte‘ Seite des Charakterdarstellers 

geschlagen. Letzten Endes war sein Howard so gebrochen 

und verletzlich und, ja, menschlich, wie er 

nur hätte sein können. Und damit sowohl tragisch 

als auch komisch.“ 


DOREEN: Oh, stop it! Just stop it! You’re an absolute 

idiot, Howard! You come back here 

supposedly wanting to meet up with 

your abandoned son. I don’t know why 

exactly. Maybe guilt. Was that it? Huh, 

to relieve yourself of some kind of 

guilt? I don’t know. I don’t care, but you 

know it might have made … some little 

difference … in Earl’s life. And that 

would have been great, but now it 

probably won’t even happen, because 

you’re just too gutless to see this thing 

through. You’re a coward, Howard! 

That rhymes, doesn’t it? But you are, 

you’re a total coward. And now you 

wanna hide and run away again. You 

wanna hide again, don’t you? 

Disappear into my life. You want me to 

give you cover, don’t you, Howard? 

HOWARD: No ... 

DOREEN: Don’t lie to me! Lie to yourself! You just 

keep telling yourself that there is some 

remote possibility that some pathetic 

woman somewhere on this planet … is 

gonna take pity on you and save you 

from the truth. But it’s not me! I am 

not that woman and I never will be. 

JESSICA LANGE 

(Doreen) 

Sie kam in Cloquet, einem kleinen Ort in Minnesota, als 

drittes Kind eines Kaufmanns und einer Hausfrau zur 

Welt. In Paris nahm sie Schauspiel- und Tanzunterricht. 

1973 kehrte sie nach Amerika zurück und arbeitete 

als Fotomodell. 

Mit dem Remake von „King Kong“ begann 1976 ihre 

Filmkarriere. Es folgten Filme wie „All That Jazz“, 

„Wenn der Postmann zweimal klingelt“ mit Jack 

Nicholson sowie 1982 „Frances“. Im gleichen Jahre 

drehte sie „Tootsie“ und erhielt dafür den Oscar© für 

die Beste weibliche Nebenrolle. Ein bemerkenswertes 

Frauenporträt bietet sie in „Country“ und 

„Sweet Dreams“ – für beide Rollen wurde sie für den 

Oscar© nominiert. 

Die vielseitige Schauspielerin arbeitet zudem für das 

Theater. Für die Rolle der Blanche du Bois in Tennessee 

Williams „Endstation Sehnsucht“ bekam Jessica Lange 

1996 den Golden Globe. Zu ihren weiteren Filme gehören 

„Far North“ von Sam Shepard, „Music Box“ von 

Costa-Gavras, „Kap der Angst“ (Cape Fear) von Martin 

Scorsese, „Rob Roy“ von Michael Caton-Jones und 

„Hush“ von Jonathan Darby. Zuletzt war Jessica Lange 

an der Seite von Christina Ricci und Anne Heche in dem 

Drama „Prozac Nation“ zu sehen sowie in „The Big 

Fish“ von Tim Burton. 

Aus ihrer Beziehung mit dem russischen Ballett-Star 

Mikhail Baryshnikov stammt ihre erste Tochter, die 

1981 zur Welt kam. Seit 1982 lebt Jessica Lange mit 

Sam Shepard zusammen. Das Paar hat zwei Kinder. 

Jessica Lange über … 

… ihre Rolle 

„Es gibt etwas ganz Wunderbares an Doreen: Sie ist 

eine glückliche Frau. Sie hat einen Sohn, der sie bewundert. 

Dass sie einst verlassen wurde, hat sie nie 

aus der Bahn geworfen. Erst als der Vater ihres Kindes 

plötzlich wieder auftaucht und sie nicht in Ruhe lässt, 

da explodiert sie. Für eine Schauspielerin ist das natürlich 

eine absolut interessante Rolle. Ich glaube, es werden 

sich viele Frauen mit dieser Figur einer starken, 

alleinerziehenden Mutter identifizieren können.“ 

… Kinder 

„Kinder können das Herz auf eine Art öffnen, wie es 

sonst nie möglich ist. Ich kann nicht für Männer 

sprechen, aber wenn eine Frau ein Kind bekommt, 

merkt sie plötzlich, dass sie nicht länger selbst der 


Mittelpunkt des Universums ist. Das ist ganz spezifisch 

weiblich. Ich kenne jedenfalls Väter, die sich 

nach vielen Jahren noch immer für den Mittelpunkt 

der Welt halten“. 

… ihren Auftritt 

„Ich habe gar nicht so viele Szenen, aber jede einzelne 

ist ein Juwel. Wenn man eine Hauptrolle spielt, 

hat man viel Zeit, seine Figur zu entwickeln. Bei kleineren 

Rolle fehlt diese Zeit, das macht es viel schwieriger, 

einen Bogen zu spannen. Aber mit solch einem 

Skript, so hoffe ich, kann man selbst mit einem halben 

Dutzend Szenen dem Publikum ein gutes Gespür 

für diese Frau vermitteln.“ 

… Dialoge 

„Sam schreibt absolut brillante Dialoge. Das ist nicht 

so ungewöhnlich, wenn man fürs Theater arbeitet. 

Im Film allerdings ist das längst nicht die Norm. 

Sams Dialoge sind fast wie Jazz. Sehr musikalisch, 

mit viel Rhythmus. Wenn etwas enthüllt wird, dann 

stets auf dezente Weise. Die Figuren werden die 

Dinge nie ausplaudern. Das Besondere liegt gerade 

darin, was die Personen nicht sagen.“ 

… Shepard & Wenders 

„Sam erzählt mit Worten, Wim mit seinen Bildern. Es 

gibt eine Art Seelenverwandtschaft zwischen den beiden, 

eine große Vertrautheit, die man zwischen einem 

Europäer und einem Amerikaner eigentlich so nicht 

erwartet. Aber beide scheint die gleiche Faszination für 

Trostlosigkeit und Einsamkeit zu verbinden.“ 


Jessica Lange … 

„Als beim Drehbuchschreiben die Rolle der Doreen 

zum ersten Mal auftauchte, habe ich mir sofort Jessica 

Lange vorgestellt. (Und dann auch nie jemand 

anderen). Sam teilte meine Begeisterung, war aber 

nicht sicher, ob seine Frau zusagen könnte. Er wollte 

ja selber den Howard spielen, und ihre Absprache 

war, dass einer von beiden immer zu Hause bei den 

Kindern bliebe. (Die beiden hatten 1982 gemeinsam 

für ,Frances‘ vor der Kamera gestanden, danach noch 

einmal 1984 für ,Country‘, aber seitdem nicht mehr). 

Aber da hat es sich dann letzten Endes ausgezahlt, 

dass wir zweimal verschieben mussten. Die Kinder 

waren erwachsener, und Jessicas andere Projekte 

waren abgedreht. Ich hatte natürlich einen Heidenrespekt 

an unserem ersten Drehtag. Jemanden pri- 

vat zu kennen oder „von der Leinwand“, das will alles 

nicht viel heißen. Die Wahrheit bringt erst die 

gemeinsame Arbeit ans Licht. Beim Proben hielt sich 

Jessica sehr zurück. Aber als dann die Kamera zum 

ersten Mal lief, ließ sie ihre Zurückhaltung fallen und 

war so voll und ganz die Doreen, die ich mir erhofft 

hatte, dass ich vor meinem Monitor eine Gänsehaut 

kriegte. Und aus den Augen aller Mitarbeiter sprach 

dieselbe Verblüffung. An die Gänsehaut haben wir 

uns dann alle gewöhnen müssen, bis Jessica abgedreht 

war ... 


HOWARD: Do you mind if I turn the radio on? 

SUTTER: Yes, I do … as a matter of fact. I don’t 

like outside influences. 

HOWARD: Outside? 

SUTTER: That’s right. The world at large. It’s a 

nasty place. Why allow it in? Live 

stock reports. Navajo chanting. 

Beheadings. Bestiality. Nothing’s 

changed. Black Death. The Inquisition. 

Crusades. The Conquest of Mexico. 

What’s changed? 

HOWARD: I was thinking ... 

SUTTER: What? 

HOWARD: I don’t know ... 

SUTTER: Nothing’s changed. 

TIM ROTH (Sutter) 

Er wurde 1961 in London geboren. Er studierte zunächst 

an der Kunsthochschule Bildhauerei, wechselte 

zum Schauspiel und gab sein Kinodebüt in Mike 

Leighs „Meantime“. Für Stephen Frears spielte er in 

„The Hit“ einen dickköpfigen Punker, Robert Altman 

engagierte ihn als Vincent van Gogh in „Vincent & 

Theo“. 1990 zog Roth nach Los Angeles und spielte 

unter anderem einen TV-Verkäufer in „Bodies, Rest & 

Motion“, einen Emigranten in „Little Odessa“, einen 

Cop in Quentin Tarantinos „Reservoir Dogs“ oder 

einen Kleinganoven in „Pulp Fiction“. Für seine Rolle 

als verachtenswürdiger Adeliger in „Rob Roy“ (an der 

Seite von Jessica Lange) bekam er 1994 eine Oscar©- 

Nominierung als Bester Nebendarsteller. Zu den weiteren 

Filmen gehören „Gridlock’d“ mit Tupac Shakur, 

Woody Allens „Alle sagen: I Love You“, „Hoods“ mit 

Lawrence Fishburne, „Liar“ mit Chris Penn, „Die Legende 

vom Ozeanpianisten“, „Bread and Roses“, „Planet 

der Affen“ sowie Werner Herzogs „Invincible“. 

Sein Regiedebüt gab Roth 1999 mit dem Drama „The 

War Zone“, das erfolgreich auf den Festivals von 

Sundance, Cannes und Toronto lief. 

Tim Roth über … 

… seine Figur 

„Sutter ist ein seltsamer Typ. Relativ frei von jeglichen 

Gefühlen. Selbst Gespräche findet er unangenehm. 

Als eine Art Kopfgeldjäger für die Versicherung 

soll er Howard suchen. Ausgerechnet einen 

Schauspieler, wo er die nun ganz und gar nicht mag. 

Ich glaube fast, er hält sie für eine Plage. Jedenfalls 

hegt er sehr wenig Verständnis für solche Typen. Er 

ist eben eine merkwürdige Figur.“ 

… Sam Shepard 

„Ich traf ihn vor 15 Jahren einmal in einer Bar in New 

York. Er fragte, ob ich nicht einmal in einem seiner 

Stücke spielen wollte. Ich war natürlich völlig begeistert. 

Ich gab ihm meine Nummer. Und hörte lange 

nichts. Irgendwann rief mich jemand an: ‚Sind Sie 

Tim Roth? Wir möchten Sie für ein Shepard-Stück 

engagieren.‘ Schade nur, dass ich zu der Zeit gerade 

‚Reservoir Dogs‘ drehte.“ 

… Eva Marie Saint 

„Ich hatte ihr bei irgendeinem Festival einmal einen 

Preis überreicht. Aber daran konnte sie sich nicht 

mehr erinnern. Die Arbeit mit ihr ist wunderbar, weil 

sie einfach schon alles gespielt hat. Bei ihr funktioniert 

jede Szene, weil sie die Mechanik einer Szene 

perfekt beherrscht.“ 

… Wim Wenders 

„Ich hatte eine kleine Rolle in ‚Million Dollar Hotel‘. 

Vielleicht 45 Sekunden, oder weniger. Eine großartige 

Figur, die leider schnell vom Dach gefallen ist. Ich 

glaube, Wim mag eine gewisse Dosis Wahnsinn. 


Dann gedeiht er. Manchmal kann er auch sehr ernsthaft 

sein. Es ist ihm wichtig, dass das Team den Spaß 

nie verliert, egal wie müde sie von der Arbeit sind. Als 

Regisseur mache ich das genauso – da zweige ich 

sogar heimlich Geld vom Budget für unsere Party ab.“ 


Tim Roth … 

„Ich finde Tim sowohl als Regisseur (,The War Zone‘ 

war ein höchst mutiger Erstlingsfilm) als auch als 

Schauspieler toll. Als solcher ist er mir schon einmal 

beigesprungen, bei ,Million Dollar Hotel‘ nämlich, 

wo er von einem Tag auf den anderen die Rolle des 

‚Izzy‘ übernommen hatte, einen Dichter und Junkie. 

Die Rolle des Detektivs und Kopfgeldjägers Sutter 

war lange Zeit vakant. Das Problem war, dass sowohl 

junge als auch ältere Schauspieler die Figur hätten 

ausfüllen können. Sie war weit offen und hätte 

durchaus action-orientierter oder skurriler gestaltet 

werden können. Mit Tim wurde daraus mehr eine 

Charakterrolle, die sich dafür umso besser in das 

Ensemble eingliederte: Ein Engländer, der im Amerikanischen 

Westen einfach etwas fehl am Platz war 

und zuviel auf seine Garderobe achtete.“ 


EARL: Howard? What a dumb fuckin’ name 

that is. 

DOREEN: Howard Spence. 

EARL: Sounds like a dentist. 

DOREEN: Well, that’s his name ... 

GABRIEL MANN 

(Earl) 

Der in Connecticut geborene Schauspieler hat schon 

etliche Rollen in Film, Fernsehen und auf der Bühne 

gespielt. In diesem Jahr dürfte er vom Geheimtipp 

zum Star avancieren. Neben seiner charismatischen 

Rolle in „Don’t Come Knocking“ kommt er an der 

Seite von Ashton Kutcher und Amanda Peet in der 

Komödie „So was wie Liebe“ von Nigel Cole sowie im 

Sundance-Teilnehmer „Drum“ von Morgan Freeman 

in die Kinos. Zu seinen weiteren Filmen gehören Paul 

Schraders „Exorcist: The Original Prequel“, „Die 

Bourne Verschwörung“ und „Die Bourne Identität“. 

An der Seite von Kevin Spacey spielte er in „Das 

Leben des David Gale“, mit Joaquin Phoenix trat er in 

„Buffalo Soldiers“ auf. Zur Filmografie gehören zudem 

„Abandon“ mit Katie Holmes, „High Art“ mit 

Radha Mitchell, „Things Behind the Sun“ von Allison 

Anders, „Josie and the Pussycats“ mit Rachael Leigh 

Cook, „Summer Catch“ von Mike Tollin, „Outside 

Providence“ von Michael Corrente, „Claudine’s 

Return“ von Antonio Tribaldi, „Große Erwartungen“ 

von Alfonso Cuaron und „I Shot Andy Warhol“ mit 

Lili Taylor. Zu seinen Theaterproduktionen gehören 

„Potato Creek Chair of Death“, „Tomorrowland“ und 

„The Red Badge of Courage“. Gabriel Mann lebt in Los 

Angeles und New York. 


Gabriel Mann … 

„Die beiden ‚Kinder‘ – eigentlich sind sie ja zu alt, um 

sie noch so zu nennen, aber da sie nun mal Howards 

Sohn und Tochter waren, sind wir immer bei dieser 

Bezeichnung geblieben – habe ich beide über ein 

langes Casting gefunden. Heidi Levitt, meine Casting 

Direktorin, hat mir zwischen dem Frühjahr 2001 und 

dem Sommer 2004 so ungefähr jede junge Schauspielerin 

und jeden jungen Schauspieler vorgestellt, 

die für diese Rollen überhaupt in Frage kamen. Als 

Gabriel Mann zum ersten Mal hereinkam, gleich in 

unserer ersten Runde, war er noch ein recht unbeschriebenes 

Blatt. Weil er mir auf Anhieb gut gefallen 

hatte, habe ich ihn die Rolle lesen lassen und 

dann drei Sternchen hinter seinen Namen gemacht. 

Nach ihm haben über die Jahre noch unzählige andere 

Schauspieler die Rolle gelesen, aber keiner davon 

hat Gabriel aus dem Feld schlagen können. Der hat 

noch drei weitere Male vorgesprochen und sich 

immer wieder aufs Neue behauptet. Er hat sich die 

Rolle wirklich verdient, muss ich sagen und schließlich 

T Bone und mich wirklich überrascht, als wir mit 

Gabriel ins Studio gegangen sind, um die 3 Songs 

einzuspielen, die Earl im Lauf des Films singt. Er hatte 

noch nie in ein Mikrophon gesungen, aber schon mitten 

im ersten Take drehte sich T Bone freudestrahlend 

zu mir um und sagte: ‚Das wird echt gut!‘“ 


SKY: You’re an actor, right? 

HOWARD: Look! This is a private room, okay? 

Would you just get out of here. 

SKY: I don’t care if you are or not. I’m not 

a fan or anything. 

HOWARD: I don’t have „fans“ anymore, honey! 

I’m all washed-up. „Seen better 

days.“ You understand? Now, look! 

Would you please go away? 

What’re you doing in here anyway? 

What is that you’re holding? 

SKY: That’s my mother. 

HOWARD: Look! I’m not in the mood for 

whackos right now ... 

SARAH POLLEY 

(Sky) 

Sie ist das jüngste von fünf Kindern des kanadischen 

Schauspieler-Ehepaars Michael und Diane. Bereits 

mit 6 Jahren trat sie in „One Magic Christmas“ auf. 

Wegen ihrer politischen Aktivitäten flog sie von der 

High School. Atom Egoyan engagierte sie 1994 für 

„Exotica“ und danach für „The Sweet Hereafter“. 

Später stand sie mit Jude Law für David Cronenberg 

in „eXistenz“ vor der Kamera. Zu den weiteren Filmen 

gehören „Go“, „The Weight of Water“, „The 

Claim“, „No Such Thing“, „My Life Without Me“, 

„Dawn of the Dead“ und „Siblings“. 

Sarah Polley über … 

… ihre Figur 

„Sky ist eine ziemlich einsame Figur. Wir wissen 

nicht viel über sie. Ihre Mutter ist gerade gestorben, 

nun will Sky ihre Asche in ihrer Heimat verstreuen. 

Sky redet nicht viel im Film. Aber man spürt ihre 

unglaubliche Gelassenheit, ihre Neugier und ihr 

unkompliziertes Mitgefühl. Es ist selten, dass in 

einem Film die Figuren derart komplex und vielschichtig 

sind wie hier. Die Geschichte lebt durch die 

Charaktere. Man bekommt einen Einblick in die Innenansichten 

dieser Menschen und lebt regelrecht 

mit ihnen. Für mich hatte das fast schon eine hypnotische 

Qualität.“ 

… Drehbücher 

„Ich glaube, dieser ganze Strukturwahn in Drehbüchern 

hat das Schreiben zerstört. Alles muss eine 

Antwort haben, es dürfen keine Fragen übrig blei- 

ben! Bei Sam ist es anders: Bei ihm weiß man nicht 

immer ganz genau, warum seine Figuren etwas 

Bestimmtes tun. Der Mensch ist ein kompliziertes 

Wesen. Da gibt es manchmal eben nicht nur eine 

einfache Ursache und Wirkung.“ 

… Sam Shepard 

„Am meisten an Sam, ob nun als Autor oder Schauspieler, 

hat mir schon immer gefallen, dass er die Intelligenz 

seines Publikums nie beleidigt. Es lässt seinen 

Lesern und Zuschauern genügend Freiraum, ihre eigenen 

Erfahrungen, ihr eigenes Leben in seine Stoffe einzubringen. 

Auch als Schauspieler kennt man längst 

nicht alle Antworten, wenn man die Szenen gerade 

spielt: Es gibt ständig Neues dabei zu entdecken.“ 

… Wim Wenders 

„Wenders gehört zu meinen drei Lieblingsregisseuren. 

Ich bin mit ‚Paris, Texas‘ und ‚Der Himmel über 

Berlin’ aufgewachsen. Für mich war es inspirierend, 

wie viel Geduld er sich für alle beim Drehen nimmt. 

Er überfrachtet dich nicht mit Anweisungen, sondern 

bleibt immer sehr knapp und präzise.“ 



Sarah Polley … 

„Sarah hatte ich in Atom Egoyans schönem Film ,The 

Sweet Hereafter‘ zum ersten Mal gesehen. Und 

zuletzt hatte sie mich in ,My Life Without Me‘ überzeugt. 

Als ich sie dann tatsächlich vor mir sah, wollte 

ich kaum glauben, was für eine kleine und zierliche 

Person sie ist. Aber vor der Kamera hat das selten 

etwas zu bedeuten. ‚Präsenz‘ hat kaum etwas mit 

Körpergröße zu tun ... Das Schwierigste beim Besetzen 

finde ich immer wieder, dass man Familienbeziehungen 

Glauben schenkt. Dass Sarah die Tochter von 

Sam/Howard und die Schwester von Gabriel/Earl sein 

könnte, habe ich vor allem ihren Augen geglaubt.“ 

AMBER: You can’t go around just judging 

people like that all the time. 

EARL: Yes, I can! 

AMBER: No, you can’t. You judge me all the 

time and I’m not so bad. 

EARL: You’re terrible. You’re like that stupid 

cricket from Pinocchio. 

AMBER: What’s Pinocchio? 

EARL: Oh, shut up! 

FAIRUZA BALK 

(Amber) 

Sie wurde 1974 als Tochter einer Bauchtänzerin und 

eines Musikers geboren – den ungewöhnlichen Vornamen 

verdankt sie ihren blauen Augen: Fairuza 

bedeutet „türkis“ auf persisch. Mit 9 Jahren absolvierte 

sie ihren ersten TV-Auftritt. Zwei Jahre später 

wurde sie aus 1.200 Mädchen ausgewählt, die Dorothy 

in „Oz – Eine fantastische Welt“ zu spielen. Nach 

ihrer ersten Ausbildung an der Bush Davies Performing 

Arts School in England bekam sie die Hauptrolle 

in der TV-Produktion „The Worst Witch“ (1986) und 

spielte die junge Hutton in „Armes reiches Mädchen – 

Die Geschichte der Barbara Hutton“ (1987). Als 15- 

Jährige besetzte sie Milos Forman für „Valmont“, Alli- 

son Anders engagierte sie für „Gas Food Lodging – 

Verlorene Herzen“, wofür Balk 1993 den Spirit Award 

als Beste Schauspielerin gewann. Zu den weiteren Filmen 

gehören „Heart to Kill“ (mit Tim Roth), „Unsere 

Welt war eine schöne Lüge“ (mit Harvey Keitel), „Das 

Leben nach dem Tod in Denver“ (mit Steve Buscemi), 

„Hexenclub“ (mit Neve Campbell), „DNA – Die Insel 

des Dr. Moreau“ (mit Marlon Brando), „Waterboy“ 

(mit Adam Sandler), „American History X“ (mit 

Edward Norton), „Almost Famous“ (mit Frances 

McDormand), „Deuces Wild – Wild in den Straßen“ 

(mit Matt Dillon) und „Bye Bye Blackbird“. 


Fairuza Balk … 

„‚Amber‘ war eine winzige Rolle, bis wir sie im allerletzten 

Moment, ein paar Wochen vor dem Drehen, 

noch erweitert haben, weil wir fanden, dass Earls 

Freundin einfach doch eine wichtige Person war. 

Plötzlich brauchte ich jedenfalls eine richtige Schauspielerin. 

Und da habe ich mich an eine junge Frau 

erinnert, die ich vor Jahren in einem Casting kennen 

gelernt hatte, die aber damals für die Rolle zu verrückt 

gewesen wäre: Fairuza Balk. Ihr Vater ist ein Gypsie, 

und neben allen anderen erstaunlichen Fähigkeiten 

kann Fairuza auch richtig gut Geige spielen.“ 


MOTHER: And you want me to hide you out or 

something? „Just like Jesse James?“ 

HOWARD: Yeah, „Just like Jesse James.“ 

MOTHER: Well, I suppose I could do that. You 

are my son, aren’t ya’? 

HOWARD: I just need a place to rest for a while. 

EVA MARIE SAINT 

(Howards Mutter) 

Der Hollywood-Legende gelang gleich mit ihrem 

Kino-Debüt 1954 der große Durchbruch: Als Freundin 

von Marlon Brando in Elia Kazans „Die Faust im 

Nacken“ (On the Waterfront) erspielte sie sich für 

ihre Rolle den Oscar©. Nachdem Fred Zinnemann sie 

in seinem Thriller „Giftiger Schnee“ (1957) besetzte, 

war sie für Alfred Hitchcock die perfekte Partnerin 

für Cary Grant in „Der unsichtbare Dritte“ (1959). Zu 

ihrem breitgefächerten Repertoire gehören Rollen 

in Otto Premingers „Exodus“ (mit Paul Newman), 

John Frankenheimers „Mein Bruder, ein Lump“ (mit 

Warren Beatty), George Seatons „36 Stunden“ (mit 

James Garner), Vincente Minnellis „Die alles begehren“ 

(mit Elizabeth Taylor und Richard Burton), John 

Frankenheimers „Grand Prix“ (mit Yves Montand), 

Blake Edwards „Die Russen kommen, die Russen 

kommen“ (mit Carl Reiner) oder Robert Mulligans 

„Der große Schweiger“ (mit Gregory Peck). Zu den 

zahlreichen TV-Arbeiten gehören „Titanic“, „Die Entführung 

der Achille Lauro“, „Der Kuß des Killers“ 

sowie regelmäßige Auftritte in der Serie „Das Model 

und der Schnüffler“ mit Bruce Willis und Cybill Shepherd. 

Demnächst wird Eva Marie Saint für Bryan 

Singer als Martha Kent in „Superman Returns“ vor 

der Kamera stehen. 

Eva Marie Saint über … 

… ihre Rolle 

Im Skript hatte meine Rolle keinen Vornamen. Deswegen 

habe ich sie für mich Lola getauft: Lola aus 

Elko, die Mutter von Howard. Aber im Film bin ich 

nur Frau Spence. Sie ist eine sehr starke Lady. Sie war 

lange verheiratet, ihr Mann starb vor 20 Jahren. Sie 

lebt allein, aber sie ist nicht einsam. Sie hat ihren 

kleinen Garten, sicher einige Freunde und spielt 

Poker. Sie mag Bier und Baseball. Sie hat sich in 

ihrem Leben eingerichtet. Sie hat nicht auf Howard 

gewartet. Aber sie besitzt ein Album, in dem sie alle 

guten und schlechten Nachrichten über ihren 

berühmten Sohn aufbewahrt.“ 

… Shepard 

„Ich fand Sam, wie wohl die meisten Damen, 

schon immer attraktiv. Diese Zähne! Seine blauen 

Augen! Als ich ihn zum ersten Mal traf, sagte ich: 

‚Ich fühle mich wirklich nicht wie deine Mutter‘. Er 

meinte nur: ‚Das werden wir schon schaffen‘. Und 

nun fühle ich mich wie seine Mutter – natürlich 

nur im Film.“ 

… Wenders 

„Ich kannte die Filme von Wenders, aber hatte nie 

mit ihm gearbeitet. Er sagt beim Drehen nicht viel, 

aber wenn, dann ist es immer sehr präzise. Schauspieler 

brauchen so etwas. Du glaubst, du machst 

alles richtig. Dann gibt dir Wim mit wenigen Worten 

ein paar sehr genaue Anweisungen. Und du denkst: 

‚Warum bin ich nicht selbst darauf gekommen?‘“ 

… die Dreharbeiten 

„Bei jedem Dreh gibt es eine gewisse Aura. Aber nur 

wenn man Glück hat, sind alle im Team entspannt 

und die Atmosphäre ist angenehm. Das ist selten. Bei 

‚Die Faust im Nacken‘ und ‚Der unsichtbare Dritte‘ 


hatten wir dieses Klima. Bei ,Don’t Come Knocking‘ 

fühlte ich mich wieder ganz genauso.“ 

… das Thema 

„Es geht um Aussöhnung. Es geht um die Wichtigkeit 

von Familie. Und um Vergebung. Der Film handelt 

vom Bezahlen seiner Schulden.“ 


Eva Marie Saint … 

„Für die Rolle von Howards Mutter habe ich eine 

ganze Menge Damen ‚älteren mütterlichen Alters‘ 

gesehen. Immerhin ist Howard ja schon um die sechzig, 

Mutter also nicht mehr die Jüngste. Ich habe also 

viele großartige Schauspielerinnen gesehen, eine 

interessanter, klüger oder komischer als die andere, 

aber von dem Augenblick an, als Eva Marie aus ihrem 

Mercedes stieg – sie war selber gefahren – war die 

Rolle besetzt. Wie sie da vor mir stand und mich 

anstrahlte, das war ‚Mom‘! Eva Marie hätte gar nicht 

mal mit ihrem Abgang eine Stunde später einen 

draufsetzen müssen. Da habe ich nämlich ihr Auto 

von hinten gesehen. Und da klebte auf ihrer Stoßstange 

ein Aufkleber, der lautete: ‚Get off the phone, 

or get off the road!‘ Den hatte sie selbst entworfen 

und produziert. Mom wie sie leibt und lebt! Unabhängig, 

unsentimental und witzig. 

Dass sie gleich für ihre erste Rolle als die atemberaubende 

Edie Doyle neben Marlon Brando in ,On The 

Waterfront‘ den Oscar© bekommen hatte, kann 

mich jetzt, wo ich sie kenne, nicht mehr wundern. 

(Natürlich habe ich mich wie jedermann in Eva Marie 

verliebt, als ich vor langer Zeit Hitchcocks ,North By 

Northwest‘ zum ersten Mal gesehen habe.) Und dass 

sie demnächst als Supermanns Mutter auftritt, als 

Martha Kent nämlich in ,Superman Returns‘ … ja, 

wer soll das denn sonst spielen!“ 


Die Filmemacher 

WIM WENDERS 

(Regie/Drehbuch) 

Wim Wenders wurde 1945 in Düsseldorf geboren. Er 

brach sein Studium der Medizin und Philosophie ab, 

um Maler zu werden. In Paris entdeckte er seine Liebe 

zum Kino. Er besuchte die Filmhochschule in München. 

Seit 1971 dreht und produziert er Filme in der ganzen 

Welt. Mit seiner Frau Donata lebt und arbeitet er in 

Berlin und in Amerika. 


2005 Don’t Come Knocking 

2004 Land of Plenty 

(UNESCO-Award, Venedig) 

2003 The Soul of a Man 

2000 The Million Dollar Hotel 

(Silberner Bär, Berlin) 

1998 Buena Vista Social Club 

(Oscar © -Nominierung; Europäischer Filmpreis) 

1997 Am Ende der Gewalt 

(Filmband in Gold) 

1994 Lisbon Story 

1993 In weiter Ferne, so nah! 

(Grand Prix du Jury, Cannes) 

1991 Bis ans Ende der Welt 

1987 Der Himmel über Berlin 

(Regie-Preis, Cannes; Europäischer Filmpreis) 

1984 Paris, Texas 

(Goldene Palme, Cannes) 

1982 Der Stand der Dinge 

(Goldener Löwe, Venedig) 

1982 Hammett 

1977 Der Amerikanische Freund 


1976 Im Lauf der Zeit 

(Preis der Filmkritik, Cannes) 

1975 Falsche Bewegung 


1973 Alice in den Städten 

1971 Die Angst des Torwarts beim Elfmeter 

(Preis der Filmkritik, Venedig) 

(weitere Informationen unter 

www.wim-wenders.com ) 

SAM SHEPARD 

(Drehbuch) 

Siehe Darsteller 


PETER SCHWARTZ- 

KOPFF (Produzent) 

Peter Schwartzkopff, 1949 in Kiel geboren, arbeitet 

bereits seit zwei Jahrzehnten erfolgreich in der Filmund 

Fernsehbranche. Nach seinem Studium an der 

Film- und Fernsehakademie Potsdam Babelsberg 

begann er seine Produzenten-Karriere an der Deutschen 

Film-Aktiengesellschaft (DEFA), wo er mit Konrad 

Wolff, dem bekanntesten Regisseur der DDR, 

zusammenarbeitete. 1993 gründete Peter Schwartzkopff 

seine Produktionsfirma Schwartzkopff TV Productions 

GmbH & Co. KG und avancierte innerhalb 

von fünf Jahren zum erfolgreichsten Talkshow-Produzenten 

Deutschlands. Unter seiner Mitwirkung 

entstanden Formate wie „Willemsens Woche“, „Kerner“ 

oder „Jörg Pilawa“. Mit Wim Wenders zusammen 

gründete Schwartzkopff im Jahr 2002 die Filmproduktionsfirma 

Reverse Angle Productions GmbH. 

Heute gehören zu Reverse Angle insgesamt fünf 

eigenständige Unternehmen mit unterschiedlichen 

Aufgaben in Filmproduktion, Vertrieb und Rechtehandel. 

Nach „Land of Plenty“ ist „Don’t Come Knocking“ 

die zweite Kinoproduktion mit Wim Wenders. 

Gespräch mit 

Peter Schwartzkopff 

„Land of Plenty“ lief in Venedig, „Don’t Come 

Knocking“ läuft in Cannes – welche Rolle spielen 

Festivals für den Kinoerfolg eines Filmes? 

In erster Linie ist es ein persönlicher Erfolg für die Filmemacher, 

wenn sie mit ihrem Film zu einem A-Festival 

eingeladen werden. Insbesondere, wenn es sich 

wie bei „Land Of Plenty“ um Venedig und nun mit 

„Don’t Come Knocking“ um Cannes, das wohl immer 

noch bedeutendste Festival der Welt, handelt. Für den 

Kinoerfolg spielt die bloße Teilnahme an einem Festival 

keine so richtig große Rolle mehr. Sollte der Film 

einen Preis bekommen, bringt das eine zusätzliche 

Aufmerksamkeit in den Medien. Aber ein Erfolg an der 

Kinokasse wird ein Film nur, wenn er die an ihn vom 

Publikum gestellten Erwartungen erfüllt. Vor allem 

muss er die Zuschauer, wie auch immer, berühren: Ob 

über den Kopf oder den Bauch. 

Warum hat die Finanzierung so lange gedauert? 

Zu Beginn der Finanzierungsphase platzte die New 

Economy Blase weltweit. Plötzlich waren Filmrechte 

nur noch einen Bruchteil wert. In Deutschland kam 

die „Kirch-Krise“ hinzu und massive Veränderungen 

im Programm der öffentlich rechtlichen Sender: 

Kaum noch Programmplätze bedeutet kaum noch 

Budgets für eine Projektbeteiligung. Damit entfiel 

eine wichtige Säule der Finanzierung für einen deutschen 

Film. Zudem war die Fördersituation nicht 

ganz unkompliziert. Zum einen, weil wir den Film ja 

nicht in Deutschland drehten, sondern nur die Postproduktion 

hier machen konnten. Zum anderen, weil 

Fördermittel knapper wurden. Umso mehr möchte 

ich mich bei allen Förderern für ihr Engagement bedanken. 

Dennoch mussten wir versuchen, unser 

Budget zu reduzieren – was unter Schmerzen gelungen 

ist. Ich finde es wichtig, dass sich Produzenten 

persönlich an der Finanzierung beteiligen. Nur so 

konnten wir letztlich die Finanzierung schließen. Der 

Film wurde in 36 Tagen gedreht, was nur dank eines 

hochmotivierten Teams möglich war. 

Was ist für Sie das Besondere von „Don’t Come 

Knocking“? 

Dies ist mein erster großer Kinofilm, den ich produziert 

habe – und ich hoffe, nach den guten Erfahrungen 

mit Wim, nicht mein letzter. „Don’t Come Knocking“ 

ist großes Kino. Ein wunderbares Drehbuch. 

Eine starke Geschichte, von großartigen, beeindruckenden 

Schauspielern gespielt, mit faszinierenden 

Bildern, von tiefen und berührenden Emotionen. Ein- 


fach ein Kinoerlebnis, auf das viele Zuschauer gewartet 

haben. 

Hat man als Produzent einen kostengünstigen 

Schnellschuss à la „Land of Plenty“ nicht lieber als 

eine aufwändige Produktion wie „Don’t Come 

Knocking“? 

Es mag zwar leicht so aussehen, dass ein Produzent 

möglichst schnell und ohne großes Risiko versucht, 

Filme zu produzieren, aber das ist, denke ich, ein weit 

verbreiteter Irrtum. Nein, mir sind beide Projekte 

gleich lieb. Wichtig ist für mich nur, dass mir die Projekte 

gefallen und ich Lust habe, sie zu produzieren. 

Der Film wird in Deutschland in Zusammenarbeit 

mit UIP, einem großen Verleiher, in die Kinos 

gebracht. Ist die alte Schranke arthouse-mainstream 

nicht mehr aktuell? 

Ich glaube, dass „Don’t Come Knocking“ ein Film ist, 

der gut zu UIP passt. Nach unseren Gesprächen mit 

UIP-Geschäftsführer Paul Steinschulte und seinen 

Mitarbeitern bin ich überzeugt, dass hier nicht nur 

exzellente Arbeit geleistet wird, sondern es zudem 

eine richtige Begeisterung für den Film gibt. 

Was halten Sie von den Vergleichen mit „Paris, Texas“? 

Vergleiche sind immer problematisch, deshalb halte 

ich davon auch nicht viel. Aber natürlich drängt sich, 

schon durch die erneute Zusammenarbeit von Wim 

Wenders und Sam Shepard, ein Erinnern auf. Manch 

einer wird sich bei „Don’t Come Knocking“ an die großen 

Bilder und die großen Gefühle erinnert fühlen. 

Aber schon allein das Tempo der Geschichte und der 

Inszenierung hat sich in den 20 Jahren seit „Paris, 

Texas“ sehr verändert. „Don’t Come Knocking“ ist 

teilweise auch sehr komisch. 

Ist das eine Komödie, ein Roadmovie, ein Melodram? 

Von allem etwas. Es ist eine sich überraschend fortbewegende, 

melodramatische Farce. Wenn es aber 

unbedingt einer Schublade bedarf, dann würde ich 

gerne ein viertes Genre hinzufügen: Für mich ist der 

Film vor allem eine dramatische Liebesgeschichte. 


FRANZ LUSTIG 

(Kamera) 

Franz Lustig, am 7. Oktober 1967 in Freiburg geboren, 

begann nach dem Abitur als freischaffender Kameraassistent 

bei verschiedenen Produktionen. Von 1991 

an studierte er im Gründungsjahr der Filmakademie 

Baden-Württemberg, wo er 1996 im Bereich Werbefilm 

abschloss. Seit 1994 arbeitet Lustig als Kameramann 

und Editor für Werbung und Musikvideos mit 

Regisseuren wie Wim Wenders, Ralf Schmerberg und 

Tarsem („The Cell“). Viele seiner Werbefilme erhielten 

Auszeichnungen, darunter die Nike-Spots „Horse“ und 

„Running Against The Bulls“. 

In Bereich der Musikvideos wurde ihm zweimal in 

Folge der Preis für die Beste Kamera beim VIDEO- 

CLIP-AWARD verliehen. Für den Film „Hommage à 

Noir“ erhielt Lustig den Förderpreis der Filmstiftung 

Nordrhein-Westfalen (Kamera und Schnitt). 

Nachdem er einige erfolgreiche Kurzfilme („Fragile“) 

und Dokumentarfilme gedreht hatte, gab er 

sein Kinodebüt mit „Land of Plenty“ (Regie: Wim Wenders), 

der 2004 auf dem 61. Filmfestival in Venedig 

Premiere hatte und für die Beste Kamera nominiert 

wurde. 

„Don’t Come Knocking“ ist seine zweite Kinoarbeit für 

Wim Wenders und wurde im anamorphotischen Cinemascope-Format 

gedreht. Sein jüngstes Dokumen- 

tarfilmprojekt ist „2, oder 3 Dinge, ...“ von Malte Ludin. 

(weitere Informationen unter www.FranzLustig.com ) 

Gespräch mit 

Franz Lustig 

Was macht dem Kameramann mehr Spaß: ein DV- 

Schnellschuss à la „Land of Plenty“ oder eine aufwändige 

Produktion wie „Don’t Come Knocking“? 

Mir als Kameramann macht beides Spaß. Es waren 

einfach zwei komplett verschiedene Herausforderungen. 

„Land Of Plenty“ hatte einen viel schnelleren 

Entstehungsprozess, war ein „non-union“ Projekt und 

damit vor allem flexibler und spontaner. Die Kamera 

habe ich selber geführt, der Film wurde zum großen 

Teil aus der Hand gedreht. Das hatte den Vorteil, 

näher an den Schauspielern zu sein, war aber auch 

physisch wesentlich anstrengender. 

Bei „Don’t Come Knocking“ war alles minutiös von 

langer Hand organisiert. Das Team war gewerkschaftlich 

organisiert. Also hatte ich einen Operator 

(Bengt Jonsson), der die Einstellungen mit Wim 

kadrierte und der dann schwenkte. Dadurch konnte 

ich ein freieres Auge auf das Licht haben und beim 

Drehen meistens an der Seite von Wim vor dem 

Monitor stehen. Unser hohes Arbeitstempo von 

„Land Of Plenty“ haben wir trotzdem beibehalten 

können. 

Haben Sie sich zur Vorbereitung „Paris, Texas“ 

angesehen? 

Ich hatte den Film vor 15 Jahren das letzte Mal gesehen, 

und habe mir ernstlich überlegt, es dabei zu lassen. 

Schließlich wollten Wim und ich es vor allem 

vermeiden, irgend etwas zu wiederholen. Als ich ihn 

mir dann doch angesehen habe, bemerkte ich, wie 

sehr die Bilder und Stimmungen von Robby und Wim 

in meinem Unterbewussten seitdem weitergelebt 

und gearbeitet hatten. Und jetzt haben wir etwas 

geschaffen, hoffe ich, was ebenso in vielen anderen 

Köpfen weiterleben wird. 

Welches war die schwierigste Szene für Sie? 

Die lange 360° Kreisfahrt um das Sofa herum, wenn 

Howard da einen Abend und eine Nacht wie festgenagelt 

sitzen bleibt. Das war vor allem ein ziemlich 

schwieriges Lichtkonzept. Das Sofa stand mitten auf 

einer Straße mit tiefen Fluchten, und wir konnten 

nirgendwohin eine Lampe stellen, alles war ja im 

Bild. Also musste mein Licht als „practicals“ ins Set 

eingebunden werden, oder sehr hoch positioniert 


sein. Das hat mich natürlich enorm limitiert, aber im 

Film ist der Effekt dieser endlosen Kreisfahrt wirklich 

schön und gerechtfertigt. Wim wollte eine Zeitspanne 

von früher Dämmerung über das Hereinbrechen 

der Dunkelheit bis zu richtigen Nacht und 

schließlich zum Morgengrauen erfassen. Alles musste 

schon aufgebaut sein, bevor es dunkel wurde, so 

dass beim entsprechenden Himmelslicht die einzelnen 

Elemente nach und nach einfach dazugeschaltet 

werden konnten. 

Am Ende der Szene, wenn Howards Tochter Sky 

dazukommt, sollte sie wie in ein Spotlicht treten, als 

ob sie ihr Licht mitbringen würde. Wir hatten eine 

2KW Xenon Lampe, die ein sehr gebündeltes Licht 

macht. Aber es war extrem schwierig, die Lampe in 

weiter Entfernung und in großer Höhe so zu positionieren, 

dass sie den richtigen Punkt getroffen hat. 

Gab es ein Storyboard? 

Nein. Vor jedem Drehtag haben Wim und ich abends 

die Szenen des nächsten Tages besprochen und aufgelöst 

und höchstens mal eine kleine Bilderabfolge 

skizziert. Vieles hat sich am Drehtag selbst ergeben 

oder wurde vor Ort improvisiert oder variiert. 

Wie sah die Zusammenarbeit mit Ausstattung und 

Kostüm für das farbliche Konzept aus? 

Ich hatte schon früh ein Licht-Farbkonzept entwickelt, 

das jedem Darsteller subtil spürbar eine Farbe 

bzw. eine Farbskala zugeordnet hat. Das haben wir 

dann mit Ausstattung und Kostüm besprochen, die 

das Thema variiert oder verfeinert haben. 

Eva Marie Saint, Jessica Lange und Sam Shepard 

sind Kino-Ikonen – macht das einen Unterschied 

für den Kameramann gegenüber ‚normalen‘ 

Schauspielern? 

Ich finde nicht, dass das einen Unterschied machen 

sollte. Jeder Schauspieler braucht seinen Raum, um 

optimal arbeiten zu können. Manche sind da kooperativer, 

offener, andere eher zurückhaltend und verschlossen. 

Beides kann genauso professionell sein. 

Damit muss man als Kameramann umgehen können, 

zumal man nicht unbedingt vorher weiß, wie jeder 

Schauspieler gerne arbeitet. Ich bin da relativ gelassen, 

beobachte diese Menschen bei der Arbeit und 

versuche, ihnen nach besten Kräften dabei zu helfen. 

Gleichzeitig will ich natürlich auch meine eigenen 

Wünsche und Bedürfnisse für Licht und Stimmung 

einbringen. Das ist ganz einfach Teamwork. 

Im Fall von Sam, Jessica und Eva Marie war ich 

erstaunt, wie unkompliziert das Arbeiten mit ihnen 

im Grunde war. Wim hat meistens zuerst mit den 

Schauspielern die Szene grob festgelegt. Dann 

haben wir ihnen Zeit für Maske und Garderobe 

gelassen, oder einfach nur, sich weiter vorzubereiten, 

während ich mit den Stand-ins weitergearbeitet, 

das Licht gesetzt oder die Kamerafahrten vorbereitet 

habe. Wir haben versucht, die Schauspieler erst 

wieder an den Set zu holen, wenn wir wirklich drehbereit 

waren. Gerade Sam, der ja praktisch in jeder Szene 

des Films vorkommt, hat das zu schätzen gewusst. 

Müssen Sie dem späteren DVD-Start nicht mit tränenden 

Augen entgegensehen? 

Es ist natürlich herrlich, so einen Film für die große 

Leinwand und in Cinemascope zu drehen. Aber auch 

für die DVD-Ausgabe werden wir uns Mühe geben 

und z. B. ein High-Definiton Master herstellen, mit 

einer eigens dafür angelegten Lichtbestimmung. 

Und ich denke, dass es eine Widescreen–Edition 

geben wird, dass also auch dem Bild keine Gewalt 

angetan wird und es nicht umformatiert werden 

muss. Aber natürlich kann auch die tollste DVD-Edition 

das Kino-Erlebnis nicht ersetzen. 


PETER PRZYGODDA 

(Schnitt) 

Er wurde 1941 in Berlin geboren. Seit 1970 arbeitet er 

als selbständiger Schnittmeister und war in fast allen 

Wenders-Filmen für den Bildschnitt verantwortlich. 

Für „Falsche Bewegung“ (Wim Wenders) erhielt er 

1975 den Deutschen Filmpreis für Schnitt. 1978 

bekam er den Bundesfilmpreis für seine Arbeit an den 

drei Filmen „Die linkshändige Frau“ (Peter Handke), 

„Die gläserne Zelle“ (Hans W. Geissendörfer) sowie 

„Der Amerikanische Freund“ (Wim Wenders). 1990 

wurde Przygodda mit dem Bayerischen Filmpreis für 

Schnitt für „Letzte Ausfahrt Brooklyn“ (Uli Edel) ausgezeichnet. 

1998 folgte der Grimme-Preis für „Kopfleuchten“ 

(Thomas Bergmann und Mischka Popp). 

Peter Przygodda hat neben Wenders mit einer Vielzahl 

renommierter deutscher Regisseure zusammengearbeitet, 

darunter Syberberg, Geissendörfer, Schlöndorff 

und Karmakar. 

Przygodda drehte als Regisseur zwei eigene Filme. 

Als Schnittmeister: 


2005 Don’t Come Knocking 

(Wim Wenders) 

2005 Schneeland 

(Hans W. Geissendörfer) 

2002 Tattoo 

(Robert Schwentke) 

2000 Manila 

(Romuald Karmakar) 

1999 Die Stille nach dem Schuß 

(Volker Schlöndorff) 

1998 Palmetto 


1997 Am Ende der Gewalt 

(Wim Wenders) 

1996 Der Unhold 


1995 Der Totmacher 

(Romuald Karmakar) 

1995 Lisbon Story 

(Wim Wenders) 

1993 In weiter Ferne, so nah! 

(Wim Wenders) 

1991 Bis ans Ende der Welt 

(Wim Wenders) 

1990 Letzte Ausfahrt Brooklyn 

(Uli Edel) 

1987 Der Himmel über Berlin 

(Wim Wenders) 

1985 Alle Geister kreisen (TV) 

(Peter Przygodda) 

1984 Paris, Texas 

(Wim Wenders) 

1982 Der Mann auf der Mauer 

(Reinhard Hauff) 

1982 Der Stand der Dinge 

(Wim Wenders) 

1980 Nick’s Film – Lightning Over Water 

(Wim Wenders) 

1978 Als Diesel geboren 

(Peter Przygodda) 

1975 Die verlorene Ehre der Katharina Blum 


1975 Falsche Bewegung 

(Wim Wenders) 

1973 Alice in den Städten 

(Wim Wenders) 

1972 Ludwig 

(Hans-Jürgen Syberberg) 

1971 Die Angst des Tormanns beim Elfmeter 

(Wim Wenders) 

1970 Summer in the City 

(Wim Wenders) 


T BONE BURNETT 

(Musik) 

Er wurde als Joseph Henry Burnett the Third in St. 

Louis, Missouri geboren und wuchs im texanischen 

Fort Worth auf. 

Ab 1965 produzierte er seine ersten Schallplatten 

mit Texas Blues, Country, Rock’n Roll-Bands und 

gelegentlich mit sich selbst. Heute lebt Burnett in 

Los Angeles. Dort veröffentlichte er auch sein Album 

„Tooth of Crime“, das er für das gleichnamige Sam 

Shepard-Stück geschrieben hat, sowie „The True 

False Identity“, sein erstes Album seit „The Criminal 

Under My own Hat“, für das er 1992 eine Grammy 

Nominierung bekam. 

Zu seinen Filmarbeiten gehören „Der Pferdeflüsterer“, 

„Stealing Beauty“, „Clay Pigeons“, „Bis ans Ende 

der Welt“, „Ruby in Paradise“ und „Unterwegs nach 

Cold Mountain“. 

Zu den vielen Künstlern, die Burnett produzierte, zählen 

Namen wie Elvis Costello, Los Lobos, Roy Orbison, 

Jackson Browne, The Wallflowers, Counting Crows 

und Spinal Tap. Seine Songs wurden unter anderem 

von Peter Case, Rita Coolidge, Robert Gordon, Arlo 

Guthrie, Kris Kristofferson, k.d. lang, Los Lobos und B.J. 

Thomas gespielt. 

Sein Soundtrack für den Coen-Film „O Brother, Where 

Art Thou“ gehört zu den meistverkauften Filmmusiken 

aller Zeiten. Derzeit arbeitet Burnett an „Walk the 

Line“, der Film-Biografie über Johnny Cash. 

EARL, SARAH and AMBER 

Where is Howard? 

Who is Howard? 

Where did he go? Where did he go? 

He’s down in the ditches. 

He’s down in the ground. 

Disappeared himself. 

He’s nowhere to be found. 

THE END … 


Wim Wenders – Mein DON’T COME KNOCKING ABC© 

A wie Autos 

Wichtig für einen Film, der von c Utah über c Nevada 

nach c Montana und zurück spielt. Howard 

auf seiner Flucht leiht sich erst einen Jeep aus, um 

bis zu seiner Mutter nach c Elko zu kommen. 

(Genauer gesagt, einen offenen 2004 Jeep Wrangler 

Rubicon.) Dann fährt er in dem Oldtimer seines Va- 

ters weiter, und das ist ein „mint“-farbener Packard 

B 

aus dem Jahr 1954. Der stand nämlich exakt so im c 

Drehbuch, und weil dem c Sam Shepard da sehr viel 

dran lag. (Das war wohl ein Auto seines Vaters 

damals, das erste, das er heimlich gefahren hat, 

bevor er überhaupt einen Führerschein hatte.) c Sky 

fährt einen 1976er Chevrolet Cheyenne C10 Half Ton 

mit Propangasantrieb. Und Howards Verfolger c 

Sutter fährt einen Porsche Cayenne Turbo, um in der 

Wüste möglichst nicht aufzufallen ... 

auch wie Amerika 

Der Nährboden unserer Geschichte. Die Figuren 

darin sind zwar uramerikanisch, aber solche heimatlosen 

Gesellen wie Howard gibt es auch woanders 

und auch solche allein erziehenden Mütter oder 

vaterlos aufgewachsene Söhne oder Töchter. Zwar 

ist der Amerikanische Traum ein auslaufendes Modell 

und politisch abgehalftert, aber die amerikanische 

Landschaft ist immer noch eine mythische 

Gegend, wenn man sich ihr aussetzt und sich nicht 

davon abschrecken lässt, dass sie hie und da zu 

einem großen Theme-Park verkommen ist. 

B wie Butte 

Ich habe die Stadt Butte („bjuht“ ausgesprochen) in 

Montana sofort als Schauplatz vorgeschlagen, als c 

Sam Shepard und ich uns hingesetzt haben, um c 

DON’T COME KNOCKING zu schreiben. Da wollte ich 

immer schon mal eine Geschichte erzählen. Genau 

genommen seit 1978, als ich den Ort zum ersten Mal 

besucht und entdeckt hatte. In einem alten Interview 

mit Dashiell Hammett hatte ich gelesen, dass 

die mysteriöse Stadt „Poisonville“ in seinem ersten 

Roman „Bluternte“ auf Butte beruhte, wo er als junger 

Mann in seiner Dienstzeit als Pinkerton Detektiv 

eingesetzt war. Die Pinkertons waren damals als 

Streikbrecher von New York nach Montana geschickt 

worden. Als Hammett seine wahre Aufgabe dort 

durchschaute, verließ er die Pinkertons und begann 

bald darauf zu schreiben. Auf jeden Fall bin ich von 

San Francisco aus nach Montana gefahren und war 

dann von Butte völlig hingerissen. So eine Stadt hatte 

ich noch nie gesehen! Hier kamen das Ruhrgebiet, 

New York und die Alpen auf das Aberwitzigste zusammen. 

Stillgelegte Minen, Fördertürme und Grubenschächte 

wie aus dem Pott, wo ich aufgewachsen 

war, Hochhäuser aus der Jahrhundertwende, wie auf 

dem Broadway, dabei auf einer Höhe von fast 2000 

Metern, und dahinter als Kulisse die schneebedeckten 

Gipfel der Rocky Mountains. Das Ganze als Geisterstadt, 

von Gott und der Welt verlassen. Am Tag als ich 

ankam, brannte ein ganzer Straßenblock weg. „Brandstiftung“, 

hieß es, um die Versicherung zu kassieren … 

Noch um die Jahrhundertwende war Butte die größte 

Stadt westlich des Mississippi gewesen, nun nur noch 

eine fantastische Filmkulisse. Über die Jahre bin ich 

immer wieder nach Butte gekommen, in der stillen 

Hoffnung, dass da hoffentlich noch niemand einen 

Spielfilm gedreht haben möge. Wir waren dann auch 

tatsächlich die ersten, auch wenn wir den Film zweimal 

c verschieben mussten. Inzwischen ist mir Butte 

richtig ans Herz gewachsen. Die Minen sind nicht wie- 


der aufgemacht worden. Dafür sind viele Maler und 

Künstler hergezogen. Die riesengroße Grube, die langsam 

bis zum Stadtkern vorgebaggert wurde, 

umschließt heute das größte offene vergiftete 

Gewässer der Welt. Von da her hatte Hammett völlig 

recht mit seinem „Poisonville“. 

auch wie Bilder 

„Schöne Bilder“ sind ja wirklich was Schönes, aber 

sie sind auch die Pest. Wenn sie zum Selbstzweck 

werden und die Leute letzten Endes aus dem Kino 

kommen und nur schöne Bilder gesehen haben, 

dann hat man als Regisseur etwas falsch gemacht. 

D 

C wie Cannes 

Aus Erfahrung weiß ich, dass man manchmal seine 

schönsten Einstellungen opfern muss, damit sie sich 

einerseits nicht zu sehr aufdrängen und damit andererseits 

die Charaktere und ihre Geschichte das 

bestimmende Element des Erzählens bleiben. 

Wo der Film im Wettbewerb läuft, als deutscher Beitrag. 

War in meiner Karriere ein gutes Pflaster für 

mich. DON’T COME KNOCKING ist der achte Film, den 

ich da im Wettbewerb präsentiere. 

auch wie Cisco 

Höchst unbekannter Ort in c Utah, eigentlich mehr 

ein Geisterkaff. Hier reitet Howard ein, um mit 

einem alten Cowboy Hemd und Jacke zu tauschen. 

Auch um sein Pferd loszuwerden ... 

auch wie Cinemascope 

In diesem Format wurde der Film gedreht. Für die, 

die es genauer wissen wollen: Auf Super-35, mit anamorphotischen 

Linsen. Also richtig echtes Scope, 

nicht gemogelt. Das schönste Filmformat, wenn 

man nicht auf 70mm drehen kann. 

D wie Drehbuchschreiben 

Mit Sam an einem Drehbuch zu arbeiten ist eine ganz 

eigene Prozedur. Er denkt in keinster Weise dramaturgisch 

oder an irgendwelche „Handlung“, zumindest 

nicht als Ausgangspunkt. Ihn interessieren erst mal 

nur die Charaktere. Wir brauchten eine zeitlang bis 

wir die Figur des c Howard gefunden hatten. Als wir 

ihn endlich vor uns sahen, fing Sam an, die erste Szenen 

zu schreiben, auf seiner alten deutschen „Voss“ 

Reiseschreibmaschine. Und ab da ging es immer fol- 

gendermaßen vor sich: Ich musste lesen, was Sam geschrieben 

hatte, dann redeten wir drüber, machten ein 

paar Änderungen oder auch nicht, und dann dachten 

wir über die unmittelbar darauf folgende Szene nach. 

Nicht weiter! Nicht etwa über die ganze Geschichte, 

Gott bewahre! Bloß über das, was jetzt als nächstes geschehen 

könnte. Und dann schrieb Sam das wieder 

auf, mit Dialogen, ich saß rum, wartete und machte 

mir Gedanken, und dann las ich die nächsten Seiten 

usw. usw … Der Prozess des Schreibens lief in völliger 

chronologischer Reihenfolge ab! So entstand Szene 

um Szene, ohne dass wir je hätten ausbrechen und etwa 

vorausdenken können oder wollen. Das ist eine 

ziemlich ausgefallene Vorgehensweise, und erfordert 

vom Regisseur jede Menge Geduld und Spucke. Aber 

eins lernt man: Sich auf seine Figuren zu verlassen, und 

auf sonst nichts! Man kann sich sehr sicher sein, dass 

die Geschichte ausschließlich von den Charakteren 

vorwärts getrieben wird, und nicht umgekehrt die Personen 

von der Geschichte. Wir brauchten drei Jahre bis 

wir einmal ganz durch waren und eine komplette 

Story hatten. Zweimal haben wir zwischendurch abgebrochen 

und ganz von vorne angefangen, weil wir 

irgendwie in eine Sackgasse geraten waren. (Und natürlich 

haben wir nicht in einem durch geschrieben, 

sondern immer mal wieder eine Woche hier, eine Woche 

da, an allen möglichen Orten quer durch c Amerika.) 

Und dann, erst dann, haben wir uns den Luxus 


geleistet, die Geschichte als Ganzes zu diskutieren und 

über dramaturgische Gesichtspunkte zu reden. Und 

dann haben wir natürlich weiter dran gefeilt. 

auch wie „Don’t Come 

Knocking“ 

Steht auf einem Schild, das sich c Howard wohl an 

seinen Wohnwagen hängt, wenn er nicht gestört werden 

will, denn darunter steht als zweite Zeile: „... if the 

trailer’s rocking.“ c Sutter entdeckt dieses Schild, als 

er zum ersten Mal Howards Wohnwagen inspiziert 

und feststellen muss, dass Howard einen liederlichen 

Lebenswandel führt, „wie nicht wenige seiner 

Berufskollegen“. Das diktiert Sutter jedenfalls in seinen 

Organizer. 

E 

Howards große Liebe. Nur merkt der Mann das et- 

auch wie Doreen 

was spät. Eine allein erziehende Mutter in einer 

Kleinstadt wie c Butte, die außerdem noch selbstständig 

ein Geschäft führt, nämlich das c M & M 

Café. Jessica Lange war meine Traumbesetzung für 

diese Rolle von Anfang an. Den Namen „Doreen“ 

habe ich einem inzwischen geschlossenen Diner ent- 

nommen, der vor ein paar Jahren noch in Uptown 

Butte in Betrieb war. Der hieß einfach nur „Doreen’s“ 

und die Chefin war eine unglaublich vergnügte ältere 

Dame, die mir schon beim zweiten Besuch das 

Gefühl vermittelte, ein Stammgast zu sein. Doreen 

machte außerdem traumhafte Milkshakes ... 

auch wie Donata 

Meine Frau. Die wichtigste Person für mich über die 5 

Jahre, die der Film letzten Endes gebraucht hat. Niemand 

anders ist sonst so durch dick und dünn mit mir 

gegangen. Donata war auch als Standphotographin 

dabei und kriegt so immer alles aus nächster Nähe 

mit. Ich kann mich voll darauf verlassen, dass ihrem 

aufmerksamen und liebevollen Blick nichts entgeht, 

und dass sie mir auch abends sagt, was ihr an diesem 

Drehtag aufgefallen ist oder sie gestört hat. 

E wie Entstehungsgeschichte 

Die ganze Sache fing damit an, dass ich einfach wieder 

Lust hatte, mit Sam zu arbeiten. Unsere Zusammenarbeit 

an c PARIS, TEXAS war für uns beide so 

ein reines Vergnügen gewesen, dass wir es vermie- 

den hatten, fast 20 Jahre lang, an eine Wiederholung 

auch nur zu denken. Wir fürchteten uns wohl davor, 

oder waren abergläubisch, eine so gute Erfahrung 

irgendwie zu zerstören, was ja leicht passieren kann, 

wenn man so etwas einfach wiederaufnehmen oder 

nachmachen will. Na, auf jeden Fall schienen mir 

zwanzig Jahre mehr als genug der Zurückhaltung 

und der freiwilligen Selbstkontrolle. Ich hatte ein 

Treatment für einen Film geschrieben und bin damit 

nach Minnesota gefahren, um es Sam zu zeigen. Der 

las es. Einiges gefiel ihm dran, mit anderem hatte er 

Probleme. Insgesamt war es jedenfalls nicht sein 

Ding, aber bevor wir uns versahen, waren wir schon 

mittendrin und auf der Suche nach einer anderen 

Geschichte und vor allem einer anderen Figur, die 

uns ähnlich interessieren würde wie damals Travis. 

Ein merkwürdiger Mensch namens c Howard stand 

schließlich vor uns ... 

auch wie Earl 

Howards verlorener Sohn, von Gabriel Mann gespielt. 

Earl ist in c Butte aufgewachsen, wusste von 

seinem Vater nur herzlich wenig und verdient seinen 

Lebensunterhalt mit Rock’n Roll und Country Musik. 

Hat eine etwas nervige Freundin, Amber (Fairuza 

Balk). Gabriel hat die drei Songs, die c T Bone Bur- 


nett für ihn geschrieben hat, selber gesungen und im 

Studio aufgenommen. Der Name „Earl“ stammt von 

dem Song „The Duke of Earl“, mit dem Gene Chandler 

1962 einen weltweiten Hit hatte. 

F wie Franz Lustig 

Mein Kameramann. Kommt aus dem Schwarzwald. 

Wir haben uns vor ein paar Jahren kennen gelernt, da 

haben wir zuerst ein paar Werbungen und Musikvideos 

zusammen gedreht, und dabei gemerkt, dass wir 

großartig miteinander auskommen. Dann hat Franz 

mit mir seinen ersten Spielfilm gemacht, LAND OF 

PLENTY, und nicht nur mich vollends überzeugt. Niemand 

anderes hätte das so hingekriegt, aus der Hand 

und in Nullkommanichts, da bin ich sicher. c DON’T 

COME KNOCKING hatte ich ursprünglich mit Phedon 

Papamichael geplant, mit dem ich vor ein paar Jahren 

MILLION DOLLAR HOTEL gemacht hatte. Aber durch 

das mehrmalige c Verschieben war dann Phedon 

nicht mehr frei (er drehte zur selben Zeit wie wir einen 

Film über das Leben von Johnny Cash, WALK THE LINE), 

und dann lag einfach nichts näher, als die Zusammenarbeit 

mit Franz fortzuführen. Nach einem Film auf 

Mini-DV war ein Dreh in c Cinemascope und Super-35 

natürlich das volle Kontrastprogramm. Aber die gemeinsame 

Low-Budget Erfahrung hat uns gut für diese 

so viel komplexere Aufgabe vorbereitet. Franz hat vor 

allem seine gute Laune und seinen nimmermüden 

Enthusiasmus hinübergerettet. Bei so einem großen 

Film, der ja zwischendurch immer mal wieder in harte 

Arbeit ausartet, zählt kaum etwas mehr, als dass man 

sich mit seinem wichtigsten Alliierten in dieser Phase, 

nämlich dem Kameramann, fast wortlos versteht und 

keine Grundsatzdiskussionen mehr führen muss. 

auch wie Farben 

Wenn man im Amerikanischen Westen dreht, darf 

man vor Farben keine Angst haben. Das ist mitunter 

eine recht bunte Gegend. Das Licht ist knackig bis 

hart. Der Himmel ist blau, die Felsen rot, die Neonschriften 

leuchten, und die „magic hour“ verdient 

ihren Namen zu Recht. 

auch wie Frauen 

Ich bin nicht gerade bekannt als „Frauen“-Regisseur. 

Aber was nicht ist, kann ja noch werden, sage ich mir 

immer. „Männergeschichten“ handeln meistens 

ohnehin hauptsächlich von Frauen und sei es durch 

deren schmerzhafte Abwesenheit. c Howard ist 

zwar die Hauptperson unseres Films und als einsa- 

mer Cowboy und Selbstdarsteller sozusagen eine 

„Männerfigur par excellence“. Aber umringt ist er 

von den Frauen, die sein Leben bestimmt haben oder 

in unserer Geschichte bestimmen: Lola, seine Mutter, 

Doreen, die Liebe seines Lebens, und Sky, seine 

einzige Tochter. Und die sind alle drei stark und jede 

auf ihre Art Howard ebenbürtig oder überlegen. Und 

so ist letzten Endes ein „Männerfilm“ entstanden, 

der von den Frauen getragen wird. Howard stünde 

auf verlorenem Posten, wenn ihn diese Frauenfiguren 

nicht alle liebevoll dulden würden in seiner tragikomischen 

Lächerlichkeit und wenn sie ihm darüber 

hinaus nicht noch deutlich die Wahrheit sagen würden. 

Eigentlich erzählt sich der Film immer mehr aus 

der Weitsicht dieser Frauen, je mehr sich Howards 

Sicht verengt. 

auch wie Finanzen 

Für die, die’s wissen wollen: Der Film hat etwas über 11 

Millionen Dollar gekostet. Eine rein deutsche Produktion, 

nicht nur rechtlich gesehen, sondern auch vom Produktionsrisiko 

und dem Engagement her, sowohl 

finanzieller als auch persönlicher Art. In Filmen schlägt 

auch ein Herz (siehe c Produzent). Ansonsten zu einem 

großen Teil durch Weltverkäufe finanziert, vor allem 

mit Vorverkäufen nach Frankreich, Italien und in 


die USA, aber auch mit Hilfe der FFA, des Filmboards 

Berlin Brandenburg und der Hamburger Filmförderung. 

Als Fernsehpartner war ARTE/ZDF dabei. Weltvertrieb 

durch HanWay und Jeremy Thomas, der sich 

vor allem als Produzent von Bernardo Bertolucci einen 

Namen gemacht hat. 

G wie Gefühl 

Wodurch entstehen in einem Film Gefühle, sogar 

„große Gefühle“, wenn nicht dadurch, dass sie tatsächlich 

investiert worden sind? Was in einer Geschichte 

nicht drinsteckt, kann man auch nicht herauslesen, 

höchstens hineininterpretieren. c Sam hat in dieses 

Drehbuch alles hineingeschrieben, was er über Eltern 

und Kinder wusste, auch alles, was er über c Liebe und 

c Verlust und Bedauern wusste. Und ich habe versucht, 

mit Hilfe der Schauspieler, diesen Gefühlen so 

wahr wie möglich auf den Grund zu kommen. 

auch wie Genre 

c Sam und ich haben immer gerätselt zu welchem 

Genre unser Film denn nun endgültig hinzugerechnet 

würde. Eine c Komödie? Ein Familiendrama? Eine 

Liebesgeschichte? Ein Road Movie? Eine Art c Wes- 

tern? Eine Tragikomödie? Nicht, dass es uns wichtig 

gewesen wäre, in welche Schublade man uns stecken 

würde. Aber Genres haben schließlich ihre eigenen 

Regeln, und die wollten wir doch zumindest wohlwollend 

in Betracht ziehen. Wir kamen aber zu keinem 

Schluss. Eines Tages kam Sam mit einer neuen Theorie: 

Wir bewegten uns auf dem Feld der Farce, meinte 

er. Ich habe dann in einer Filmbuchhandlung in Los 

Angeles ein antiquarisches Buch erstanden, das einzi- 

H 

I 

ge, was ich über dieses Genre finden konnte. Aber 

H wie Howard 

über die Einleitung bin ich nicht herausgekommen. 

Das Buch war mir zu ernsthaft … 

Reimt sich laut c Doreen auf „Coward“, Feigling. Wie 

wir auf den Namen gekommen sind, weiß ich auch 

nicht mehr genau. Ich glaube, Howard Hawks und 

Howard Hughes standen da Pate. Als Nachnamen hat 

c Sam eines Tages „Spence“ aufs Papier gebracht. 

(Spencer Tracy als Pate?) Als c Earl den Namen seines 

J 

Vaters erfährt, ist seine erste Reaktion: „Klingt wie ein 

Zahnarzt!“ Ich glaube, das war auch meine anfängliche 

Meinung. 

auch wie Heimat 

Hauptthema aller c Western. Unser Held c Howard 

hat sich so sehr nur um sich selbst gekümmert, sein 

Leben lang, und hat gar nicht mitbekommen, dass er 

letzten Endes alles verpasst hat. Die c Liebe, seine 

Kinder, und eben auch: Wo er hingehört. Nun steht 

er plötzlich wie vom Donner gerührt da und sieht 

sich allein auf weiter leerer Flur. 

I wie Indianer 

In einem „Post-Western“ (noch so ein c Genre!) dürfen 

Indianer nicht fehlen. Ich habe das gelegentlich 

mal so in den Raum geworfen, ohne dass c Sam das 

ernst genommen hätte. Aber eines Tages lag eine 

Szene auf dem Tisch, die Sam schon kichernd geschrieben 

hatte. Und eine neue Figur kam da vor, ein „wild 

blickender Indianer“. Einer, der von c Howard Wegegeld 

verlangte, wie einst die Raubritter in Europa. 

J wie Jugend oder „Just 

like Jesse James“ 

In seiner Jugend war c Howard ein Westernstar geworden. 

Der Film, der ihn zu diesem Status katapul- 


tierte, war um c Butte, Montana herum gedreht 

worden: JUST LIKE JESSE JAMES. Die Bilder vom Dreh 

und das Poster hängen heute noch im c M & M Café 

in Butte. Da hingen damals wohl auch die Schauspieler 

alle herum. Und Howard hatte eine Affäre mit der 

hübschen jungen c Doreen, die im M & M bediente. 

Howard hatte wohl überhaupt eine ganze Menge 

Affären ... Aber das war, wie gesagt, in seiner Jugend. 

Wenn er heute noch junge Mädchen in seinen Trailer 

einlädt, dann vor allem, um sein Alter zu vergessen 

oder zu übertünchen. Heute lebt Howard von seinem 

einstigen Ruhm, dem Kapital seiner Jugend. 

K wie Komödie 

Nach wie vor mein Traum, einmal eine solche zu 

drehen. Mit fortschreitendem Alter bewege ich 

mich auch zielstrebig auf dieses Ziel zu, und DON’T 

COME KNOCKING ist ein weiterer Schritt in diese 

Richtung ... (Woraus Sie entnehmen können, dass 

ich entgegen landläufiger Meinung durchaus glaube, 

schon vorher den einen oder anderen Schritt 

gemacht zu haben. Habe ich jetzt damit jemanden 

zum Lachen gebracht?!) 

L wie Liebe 

DON’T COME KNOCKING ist ein Film über die c Liebe. 

Vor allem ein Film über die verpassten Gelegenheiten 

dazu und über das Bedauern, das im Nachhinein 

damit einhergeht. Das Verpassen ist im Grunde c 

Howards Schicksal. Wie alle tragikomischen Helden 

bemerkt er erst mit großer Verspätung, dass er sein 

ganzes Leben hat verstreichen lassen, ohne zu merken, 

was daran wichtig war. Der Liebe seines Lebens, 

c Doreen, macht er zwar einen Heiratsantrag, aber 

dreißig Jahre zu spät. Sein Sohn c Earl hätte seine 

Liebe gebraucht, aber als Howards sie ihm anbietet, 

hat Earl keine Verwendung mehr dafür. Zum Glück 

denkt seine Tochter c Sky nicht so, sondern liebt 

ihren Vater trotz allem, auf ihre eigene verschwiegene 

und bedingungslose Art. Und wenn Howard überhaupt 

etwas richtig macht mit seinem verkorksten 

Versuch, diese versäumte Familie zusammenzuführen, 

dann ist es die Tatsache, dass er Bruder und 

Schwester zueinander finden lässt, und dass ihre 

geschwisterliche Liebe ihr Leben sicherlich verändern 

wird. All diese c Gefühle wirbeln durcheinander, 

reißen unsere Figuren mit sich und produzieren 

eine Woche voller Freuden, Schmerzen und Verwirrungen 

in ihrem Leben. 

auch wie Leichtigkeit oder 

lakonische Lässigkeit 

Das Drehbuch hatte eine Beiläufigkeit und eine 

gewisse lakonische Lässigkeit, von der ich nicht wusste, 

wie sie sich auf das Drehen übertragen ließen. Viel 

hinge sicherlich von c Sam Shepard als Schauspieler 

ab. Der würde dem Ton des ganzen Films seinen 

Stempel aufdrücken ... Aber hatte er das drauf? (Mehr 

darüber unter „Shepard als Schauspieler“.) 

M wie Musik 

Ich möchte Ihnen die Band vorstellen, die c T Bone 

Burnett für die Aufnahmen der Filmmusik zusammengestellt 

hat. Das wichtigste Instrument in unserem 

Konzept war die Gitarre, und die spielt kein geringerer 

als Marc Ribot. Den hatte ich in den 80er Jahren zum 

ersten Mal kennen gelernt, als Mitglied von John Luries 

Band „Lounge Lizards“. Marc hat mit Fred Frith und 

Elvis Costello aufgenommen, und die meisten werden 

ihn von seiner Arbeit mit Tom Waits kennen. Auf dessen 

letzten fünf Alben ist er als Gitarrist zu hören. 

Seine eigene Band „Los Cubanos Postizos“ („Die eingebildeten 

Kubaner“) ist seit einiger Zeit schon sehr 

erfolgreich. In meinem Blues-Film SOUL OF A MAN ist 

Marc zu sehen, da covert er Blind Willie Johnsons 


Hymne „Dark Was the Night“. (Für weitere Informationen 

empfehle ich Marcs Homepage marcribot.com) 

Am Schlagzeug hören Sie den legendären Jim Keltner. 

Wenn man auflisten wollte, mit wem der alles in 

seiner Karriere gespielt hat, hätte man ein Who Is 

Who des Rock’n Roll. John Lennon, Bob Dylan, die 

Stones, Eric Clapton, Ry Cooder, Roy Orbison ... 

Auf den Aufnahmen spielt eine zweite Schlagzeugerin, 

Carla Azar, deren Band „Autolux“ vor kurzem 

ihre CD „Future Perfect“ herausgebracht hat. 

Auch Carla ist in SOUL OF A MAN zu sehen, wo sie, 

ebenfalls zusammen mit Jim Keltner, mit T Bone Burnett 

das Stück „Man, Don’t Dog Your Woman“ von 

JB Lenoir spielt. 

Dennis Grouch, einer der gesuchtesten Session 

Musiker aus Nashville, spielt Bass. 

Last but not least, an den Keyboards und allen möglichen 

Synthesizern, ist Keefus Criancia zu hören. Der 

hat unter anderem mit Dr. Dre, Vic Chestnut, Everlast, 

Macy Gray oder Elvis Costello gearbeitet und 

tourt zur Zeit mit seiner eigenen Band „Vincent and 

Mr. Green“. 

auch wie M & M Café 

Das gibt es in c Butte tatsächlich. Als ich das erste 

Mal dort war, habe ich da schon gefrühstückt. 

Damals konnte man im „Smoke Shop“ sogar noch 

Zigarren kaufen und die dann auch an der Bar rauchen. 

Seit 1864 gibt es diese Institution in Butte. 

1890 entstand das jetzige Gebäude, nach Martin and 

Mosby genannt, die einen „Cigar and Liquor Store“ 

neben dem Diner aufmachten. Seit 1890 jedenfalls 

war das M & M ununterbrochen geöffnet, 7 Tage in 

der Woche, 24 Stunden am Tag, bis zum Juni 2003! 

Da wurde der Laden geschlossen. Ich war untröstlich, 

als ich bei der letzten Motivsuche die Tür verriegelt 

vorfand. Aber innen drin war noch alles unverändert. 

Wir haben dann für den Film alles wieder auf 

Vordermann gebracht, sogar eine Zwischenwand 

eingezogen und die Boxen eingebaut, in denen c 

Howard und c Doreen sich jetzt aussprechen. Am St. 

Patrick’s Day in diesem Jahr, 2005, wurde das M & M 

durch den Gouverneur von Montana wieder eröffnet. 

Ich darf mit Stolz behaupten, dass wir mit unseren 

Dreharbeiten nicht unschuldig daran waren. 

N O 

N wie Nevada 

Zu c Howards Biografie hatten wir uns ausgedacht, 

dass er in Nevada aufgewachsen sei. Sein Vater habe 

dort eine Ranch besessen. Und seine Mutter sollte 

heute noch in der kleinen Stadt leben, in der Howard 

zur Schule gegangen war. Sam schlug Elko vor, im 

Norden Nevadas, nahe an der Grenze zu Idaho. 

Meine Idee war der Ort Ely, weiter südlich gelegen. 

Im direkten Vergleich schnitt dann Elko besser ab. Ely 

war zwar auch nicht ohne – hatte sogar noch eine 

Eisenbahn! – ähnelte aber als ehemalige Minenstadt 

zu sehr Butte. Elko hatte noch etwas von der 

Cowboy-Stadt, die es einmal gewesen war, und war 

noch nicht völlig von der Casino-Kultur verunstaltet, 

die alle anderen Orte in Nevada heimgesucht hatte. 

Auch die baskische Tradition gab es noch. Die Basken 

waren hier zur Jahrhundertwende hergekommen, 

als Fachmänner für die Schafherden, die im Norden 

Nevadas weitflächig die Rinderzucht ersetzt hatten. 

Auch heute noch gibt es in Elko baskische Restaurants, 

in denen man hervorragend alle möglichen 

Lammgerichte essen kann. Und außerdem gibt es in 

Elko das jährliche „Cowboy-Poetry-Festival“, zu dem 

Hunderte von Cowboys aus den Vereinigten Staaten 

kommen, um dort sowohl Gedichte als auch Lieder 

live vorzutragen. Höchst empfehlenswert! 

O wie Orte oder 

Originalschauplätze 

Spielen eine wichtige Rolle in meinen Filmen. Ich muss 

immer schon vorher wissen, wo ein Film spielen soll, 

um ihn mir vorstellen zu können (oder zu wollen). Orte 


sind damit für mich manchmal gleich wichtig wie die 

Figuren, gleichsam auch handelnde Personen. 

DON’T COME KNOCKING ist ausschließlich an Originalschauplätzen 

gedreht worden, keine einzige Einstellung 

entstand im Studio oder vor einer Blue Box. 

auch wie O-Ton 

Wir haben große Mühe darauf verwendet auch Dialoge 

und sämtliche Originaltöne vor Ort aufzunehmen, 

was natürlich nie so ausschließlich möglich ist. 

Einige Sätze muss man dann hinterher doch immer 

nachsynchronisieren. Das nennt sich dann „ADR“. 

(Automated Dialogue Replacement) 

P wie Peter Schwartzkopff 

oder auch Produzent 

Peter Schwartzkopff ist vor fünf Jahren in mein Leben 

getreten, zu einer Zeit, als ich schwer zu kämpfen 

hatte. Durch den Verfall des Neuen Marktes war die 

DAS WERK AG in Konkurs geraten, jene Aktiengesellschaft, 

der meine alte Produktionsfirma Road Movies 

gehörte. Damit waren auch sämtliche Rechte all meiner 

Filme, im Grunde mein ganzes Lebenswerk, in 

Gefahr, unter den Hammer zu geraten. Dank Peters 

Hilfe ist es uns gelungen, die Filmrechte aus der Konkursmasse 

herauszukaufen. Wir haben dazu gemeinsam 

eine neue Produktionsfirma gegründet, die c 

Reverse Angle. DON’T COME KNOCKING ist nun schon 

mein dritter Film mit Peter als Produzent und Partner, 

nach SOUL OF A MAN und LAND OF PLENTY, und wir 

werden sicherlich auch in Zukunft zusammenarbeiten. 

Ich bin froh, mich endlich wieder auf das Filmemachen 

konzentrieren zu können und dabei die komplexe 

Arbeit des Finanzierens, der Vertragsausarbeitungen 

und der Verwertung in guten Händen zu wissen. Nicht, 

dass damit die Arbeit eines Produzenten wie Peter zu 

Ende dekliniert wäre. Niemand sonst ist über den 

gesamten Prozess der Herstellung des Films, vom Konzept 

bis zur fertigen Kopie, so innig mit allen Entscheidungen 

verbunden, kreativer sowie finanzieller Art. 

Und das genau ist ja die Schnittstelle eines Films ... 

auch wie 

Peter Przygodda 

Wo wir schon bei Schnittstellen sind: Mein Schnittmeister. 

Peter hat schon meinen Abschlussfilm an 

der Filmhochschule geschnitten und seitdem, mit 

ganz wenigen Ausnahmen, fast alle meine Filme. 

Nach dem Kameramann, der für die Drehphase der 

wichtigste Mitarbeiter ist, ist der Cutter für viele Mo- 

nate die hauptsächliche Bezugsperson des Films, zusammen 

mit dem Komponisten, bzw. dem Musiker, 

der dann während der Schnittphase allmählich seine 

Arbeit aufnimmt. Przygodda ist Berliner, daher sein 

Spitzname „Keule“. Peters Methode ist die „total 

immersion“. Er sitzt jeden Morgen in aller Herrgottsfrühe 

am Schneidetisch (oder heute dem Avid) und 

geht abends schlafen. Er widmet sich dem Film mit 

einer Absolutheit, die ich bei keinem anderen Cutter je 

erlebt habe. Er kennt nach einer Weile jeden belichteten 

Meter Film, besser als ich selber. Ich habe mich 

inzwischen daran gewöhnt, ihn weitgehend allein zu 

lassen und nur alle paar Tage anzuschauen, was er 

geschnitten hat. Eine Art Zwillingsbruder. 

auch wie PARIS, TEXAS 

Als Film vor über 20 Jahren von c Sam Shepard geschrieben. 

(Und natürlich auch von c Peter Przygodda 

geschnitten.) In Wirklichkeit – gedreht haben wir 

dort letzten Endes keine einzige Szene – eine Kleinstadt 

im Norden von Texas, nahe der Grenze zu Oklahoma 

und unweit vom Red River. Die von Andy Warhol 

zu Weltruhm stilisierte „Campbell Tomato Soup“ 

wird hier produziert. 

In gewissem Sinn war PARIS, TEXAS eine schwere 

Hypothek für c DON’T COME KNOCKING. Daran wür- 


den wir sicher gemessen werden. Aber diese Sorge 

spukte letzten Endes nur ganz am Anfang in unseren 

Köpfen. Unsere Geschichte spielte heute und jetzt, 

und sie verdankte unserer ersten Zusammenarbeit 

nichts und wieder nichts. c Howard war nicht einmal 

ein entfernter Verwandter von Travis ... 

Q wie Querelen 

Gab’s beim Drehen keine, außer dass unser Team 

sich als sehr trinkfest und Pool-Billard-meisterlich 

erwies und daher bei den Dreharbeiten der eine oder 

andere Streit mit Lokalmatadoren aufkam. 

R wie Reverse Angle 

Zu deutsch „Gegenschuss“. „Angle“ (Blickwinkel) 

nicht zu verwechseln mit „angel“ (Engel). Wird aber 

oft so ausgesprochen, als „umgedrehter Engel“ sozusagen. 

Von c Peter Schwartzkopff und mir 2002 in 

Hamburg gegründet. Jetzt auch mit Schwesterfirmen 

in Berlin. Ist sowohl eine Produktionsfirma als auch 

ein Verleih, eine Plattenfirma und ein Weltvertrieb. 

S 

Den Rhythmus von c DON’T COME KNOCKING 

auch wie Rhythmus 

würde ich als „getragen“ bezeichnen, oder auch als 

„cool, calm, and collected“, mit gelegentlichen Ausbrüchen 

von Wildheit. 

auch wie ruhig schlafen 

Ein c Drehbuch, auf das man sich voll verlassen kann, 

lässt einen vor jedem neuen Drehtag ruhig schlafen 

und sich ganz auf die Arbeit mit den Schauspielern an 

den Figuren und mit dem Kameramann an den c Bildern 

konzentrieren. Ich habe ja genügend Filme gemacht, 

wo das nicht der Fall war, d.h. bei denen die 

Arbeitsmethode eben gerade darauf beruhte, dass 

das Buch beim Drehen entstand. Das führt allerdings 

zu schlaflosen Nächten. Es gibt kaum etwas Beruhigenderes 

als eine gute Geschichte und gute Dialoge 

im Rücken. Ich kann mich an kaum einen stressfreieren 

Dreh als DON’T COME KNOCKING erinnern. Nicht 

zuletzt deswegen konnten wir den Film so gelassen in 

36 Tagen abdrehen, keinen Tag länger als vorgesehen. 

S wie Sam Shepard 

Mein wichtigster Mann, sozusagen. Autor und Hauptdarsteller 

in einem. Ich habe Sam 1978 kennen 

gelernt. Damals hatte er noch nie in einem Film 

gespielt, aber ich hatte es mir in den Kopf gesetzt, 

dass er für die Hauptrolle in HAMMETT die perfekte 

Besetzung war. Er sah in der Tat dem großen amerikanischen 

Schriftsteller Dashiell Hammett verblüffend 

ähnlich. Groß, hager, gutaussehend, elegant, 

aber eben kein Playboy, sondern ein Mann mit beiden 

Füßen auf dem Boden. Intelligent, witzig, ernsthaft. 

Wir haben damals einen Tag lang Testaufnahmen 

gemacht, so richtig im Studio, auf 35mm Film, 

mit keinem geringeren als Gene Hackman als Partner. 

Die Muster waren großartig, dachte ich, aber ich 

konnte das Studio nicht überzeugen. „Wir wollen keinen 

Theaterautor, sondern einen Filmschauspieler 

und zwar möglichst einen bekannten!“ (Die haben 

das spätestens bereut, als dann Sams erster Film als 

Schauspieler herauskam, der großartige DAYS OF 

HEAVEN von Terrence Malick nämlich, in dem Sam 

neben Richard Gere die Hauptrolle spielte.) So wurde 

aus unserer ersten Zusammenarbeit nichts. Dabei 

war Sam nicht nur in der Rolle überzeugend, sondern 

konnte auch noch als einziger – im Gegensatz zu allen 

anderen Schauspielern – tatsächlich richtig gut tippen! 

Nicht unwichtig bei einem Film über einen Schriftstel- 


ler, dachte ich. Damals habe ich mir nicht träumen lassen, 

wie oft ich Sam noch beim Tippen auf seiner alten 

Reiseschreibmaschine zuschauen würde ... 

Schon für c PARIS, TEXAS saßen wir beim Schreiben 

meistens tatsächlich zusammen an einem Tisch. 

Damals habe ich Sam noch bekniet, dass er die Rolle 

des Travis doch bitte selber spielen möge. Aber dazu 

war er weder mit Geld noch guten Worten zu bewegen. 

Er bestand darauf, dass er die Rolle zu intim 

kennen würde, um sie glaubhaft darstellen zu können. 

Bei DON’T COME KNOCKING war es dann ganz 

anders. Da war Sam es, der schon nach den ersten 

Drehbuchseiten, so ganz nebenbei, andeutete, dass er 

sich gerne von mir überreden lassen wollte, den 

Howard zu spielen. 

auch wie Sofa 

Wichtigster Schauplatz des Films, sein Epizentrum 

sozusagen. In der ersten Drehbuchfassung blieb c 

Howard noch wesentlich länger auf diesem Sofa 

festgenagelt. Wir wussten schließlich überhaupt 

nicht mehr, wie wir ihn jemals wieder davon loskriegen 

sollten. Es war fast wie ein Stück von Beckett ... 

Als es schließlich darum ging, wie dieses Sofa tatsächlich 

aussehen sollte, führte Nathan, unser Production 

Designer, mir alle möglichen Stoffe vor. 

Dabei waren auch Palmenstrände und Hula-Hoop 

Mädchen. Aber der Stoff mit den Pin-up-girls war 

dann einfach nicht zu schlagen. Dass Howard als Frauenheld 

ausgerechnet auf einem Sofa enden sollte, 

welches seine Leidenschaft (oder Sucht) so ausdrücklich 

zur Sprache bringen würde, überzeugte selbst so 

einen glühenden Verfechter ungemusterter Stoffe 

wie mich ... 

T 

c Howards Tochter, von deren Existenz er so wenig 

auch wie Sky 

weiß wie von der seines Sohnes c Earl. Sky’s Mutter 

war in einer ersten Drehbuchfassung eine Indianerin 

gewesen, Sky also ein Halbblut. Aber davon haben 

wir schließlich abgesehen. Es kam auch einmal die 

Überlegung auf, ob die Geschichte nicht auch ohne 

Sky zu realisieren sei, Howard also nur einen Sohn 

hätte. Das war insofern nicht unfruchtbar, als ich Sky 

mit Haut und Haaren verteidigt habe und deswegen 

hinterher umso besser wusste, was ich an ihr hatte. 

auch wie Sutter 

Der Detektiv und Kopfgeldjäger, der sich auf c 

Howards Spuren macht, um ihn wieder zurück an 

den Set des Films („Phantom of the West“) zu brin- 

gen, vor dem Howard Hals über Kopf geflohen ist. 

Sutter ist Engländer und im Amerikanischen Westen 

nicht zu Hause. Sonst trüge er andere Anzüge und 

führe ein anderes Auto. Aber er hat einen Siebten 

Sinn und versteht es wie kein anderer, sich in die 

Köpfe seiner Opfer hineinzudenken. 

T wie T Bone Burnett 

Ich liebe T Bones Musik, und ich war immer schon der 

Meinung, dass er sein eigenes Talent zu lange unter 

den Scheffel gestellt hatte, indem er sich seit Jahren 

auf das Produzieren anderer Leute Musik beschränkt 

hatte. (U.a. Los Lobos, Elvis Costello, Bruce Cockburn, 

Tonio K., The Counting Crows, Sam Phillips, Gillian 

Welch, The Wallflowers). Seine eigenen Platten, vor 

allem „Truth Decay“ aus dem Jahr 1980 und „The Criminal 

Under My Own Hat“ von 1992 gehören für mich 

zu den größten Werken der Rockgeschichte überhaupt. 

Über die letzten Jahre hat T Bone auch große 

Erfahrung gesammelt im Produzieren von Filmmusik. 

Die Musik von OH BROTHER WHERE ART THOU wurde 

zum erfolgreichsten Soundtrack aller Zeiten! 

T Bone war schon von Anfang an in c DON’T COME 

KNOCKING einbezogen. Er war sogar dabei, als ich c 

Sam Shepard zum ersten Mal in Minnesota besucht 


U 

habe, um ihm meine Geschichte vorzuschlagen. Die 

beiden kannten sich noch länger als ich sie kenne. Sie 

trafen sich auf Dylans „Rolling Thunder Revue“, auf 

der T Bone Bob Dylan als Gitarrist begleitete. Shepard 

war der Chronist dieses historischen Events in 

der Rock’n Roll Geschichte. 

T Bone tritt übrigens in unserem Film auch selber 

kurz auf, als jener ominöse Mann im blauen Anzug, 

der da mit seiner Golfausrüstung am Straßenrand 

entlanggeht und ein Lied vor sich hin singt. 

auch wie Titel 

Im Lauf der Zeit hatte unser Drehbuch diverse 

Arbeitstitel. „In Amerika“ war der erste. Dann „Phantom 

of the West“, nach dem Film, von dessen Dreharbeiten 

c Howard flüchtet. Dann schlug c Sam 

„Don’t Come Knocking“ vor, wobei es dann blieb. 

Beim Drehen kam einmal die Idee auf, den Film „52 

Miles to Wisdom“ zu nennen, nach der Schlusseinstellung, 

in der man die Kids mit dem Packard an 

einem Schild vorbeifahren sieht, worauf steht, dass 

es bis zu dem Ort „Wisdom“ 52 Meilen sind und eine 

Meile bis nach „Divide“, womit der „Continental Divide“ 

gemeint ist, jene Wasserscheide quer durch die 

USA, von der alle Flüsse westlich in den Pazifik und 

alle Flüsse östlich in den Atlantik abgehen. 

U wie Utah 

Moab war der letzte Drehort für den ich mich entschieden 

habe. Anfang und Ende des Films waren im Buch 

für „Monument Valley“ geschrieben, das wir beide, c 

Sam und ich, gut kannten. Hier hatte John Ford viele 

V 

seiner großen c Western gedreht, nicht zuletzt „The 

Searchers“. Über die Jahre bin ich bestimmt ein Dutzend 

Mal durch Monument Valley gekommen. Aber 

auf der Motivsuche entpuppte sich die Gegend dann 

als herbe Enttäuschung. Es war so, als ob ihre Seele 

wegfotografiert worden und als ob nur noch eine Art 

„Marlboro Country“ davon übriggeblieben wäre. Der 

Geist John Fords wehte hier nicht mehr durch. Entsetzt 

floh ich aus dem touristischen „Abenteuerpark“ und 

suchte nach einem Ersatz. Auch hier war John Ford 

behilflich. In der Gegend um den Ort Moab im Nordosten 

von Utah hatte er nämlich auch gedreht, z. B. 

„She Wore a Yellow Ribbon“, und hier war noch nichts 

zerstört worden. Im Gegenteil, um den Filmset herzustellen, 

den man zu Beginn von DON’T COME 

KNOCKING nun sieht, mussten unsere Fahrzeuge 12 

Stunden lang durch unwegsames Gelände geschleppt 

werden. Und in dem großen Nationalpark 

„Arches“ direkt bei Moab war z. B. bei dem doppelten 

Bogen, den „Augen“ in der Landschaft unserer Anfangseinstellung, 

noch nie gedreht worden. 

auch wie Urne 

Unser wichtigstes Requisit. c Sky bringt damit die 

Asche ihrer Mutter nach c Butte. Für eine Weile sieht 

es so aus, als ob sie sich davon nie trennen würde. 

V wie Vater/Sohn- 

Beziehung 

Ein grundlegendes Thema unseres Films, wie auch 

des Werks von c Sam Shepard ganz allgemein. Viele 

seiner Theaterstücke handeln davon, wie z. B. TRUE 

WEST oder THE LATE HENRY MOSS. Das Thema 

kommt auch in vielen meiner Filme vor, wie in FAL- 

SCHE BEWEGUNG, IM LAUFE DER ZEIT oder in BIS 

ANS ENDE DER WELT. 

Wenn man so will, haben wir dieses Gelände mit der 

Beziehung zwischen Travis und dem kleinen Hunter 

schon betreten, auch wenn der Konflikt dort anders 

gelagert war. c Howard und c Earl haben erst mal 

gar nichts gemein. Und Earl freut sich auch keineswegs, 

als sein Vater auftritt, im Gegenteil, es zieht 

ihn erst mal gewaltig runter. Und es belastet die 

Beziehung zu seiner Mutter, der er vorwirft, ihn aus 

einer höchst leichtfertigen Affäre empfangen zu 

haben. Gleichzeitig sieht man schon in Earl angelegt, 

was seinen Vater auszeichnet: Eine gewisse Unfähig- 


keit zu Beziehungen, eine Rastlosigkeit und eine ausgeprägte 

Selbstsucht. 

auch wie Verlust 

Das andere große Thema. Liebesverlust. Heimatverlust. 

Identitätsverlust. c Earl fasst das alles in dem 

improvisierten Lied über seinen Vater zusammen: 

„Where is Howard, who is Howard, we want to 

know, where did he go? He’s down in the ditches, ... 

he disappeared himself, he’s nowhere to be found ...“ 

auch wie Verschieben 

Schon im Jahr 2002 waren wir nahe dran, unseren 

Film realisieren zu können. Aber dann mussten wir 

doch noch ein Jahr verschieben. c Sam und mir war 

das nicht einmal so unrecht. Wir dachten, wir könnten 

noch ein wenig Zeit für unser c Drehbuch gut 

gebrauchen. Also haben wir uns auf den Sommer 

2003 eingestellt. Und Sommer musste es schon sein. 

Der dauert in Montana ohnehin nur eine kurze Zeit. 

Schon Ende September, Anfang Oktober kann der 

Winter wieder einbrechen. Aber erstens kommt es 

anders, und zweitens als man denkt. Wieder waren 

wir nämlich kurz davor, den Startschuss zu geben 

und das grüne Licht für den Drehbeginn schien nur 

noch eine Formsache, da brach uns noch einmal ein 

Teil unserer Finanzierung weg. (2003 war ein verheerendes 

Jahr, in dem es vielen europäischen Produktionen 

ähnlich ging.) Schweren Herzens mussten wir 

also noch einmal verschieben. Sam traf das besonders 

hart, weil er schon einen anderen Film abgesagt 

hatte. Ich machte kurz entschlossen LAND OF PLENTY 

als völlige Low-Budget Produktion, nicht zuletzt, um 

nicht in Trübsinn zu verfallen. Auf jeden Fall hatten 

Sam und ich auf diese Weise noch einmal Gelegenheit, 

unser Drehbuch zu verfeinern, und ich glaube, 

diese unverhoffte zusätzliche Reifezeit hat dem Film 

sehr gut getan. Wie ein guter Wein konnte er einfach 

noch ein Jahr länger lagern, und wir haben noch das 

eine oder andere zugefügt, bzw rausgestrichen. 

Wauch wenn er so anfängt, als sei er einer. Im Grunde 

X 

W wie Western 

DON’T COME KNOCKING ist natürlich kein Western, 

ist er ein „Post-Western“, obwohl c Howard im Tiefsten 

seiner Seele eben doch ein Westernheld ist. Was 

mich am Western heute noch bewegt, ist sein zentrales 

Thema. In diesem Genre geht es im Grunde immer 

um die eine Frage nach der c Heimat und wo man zu 

Hause ist. Der Mann, der da ziellos durch die endlo- 

sen Weiten des „Wilden Westens“ reitet, sehnt sich 

nach nichts anderem, als irgendwann irgendwo hinzuzugehören. 

Die Frauen in den Western warten 

geduldig auf diese rastlosen Männer, und zumindest 

wissen sie, dass sie den besten Teil ihres Lebens verpassen, 

während das den Männern meist zu spät 

auffällt. Auch Howard merkt erst auf seinem c Sofa, 

wenn ihn die Ereignisse so umgehauen haben, dass 

er sich nicht einmal mehr erheben kann, dass seine 

Lebenszeit ihm unter den Fingern verronnen ist. „Ich 

wusste ja nicht mal, dass die Zeit überhaupt vorbei 

ging!“ sagt er seiner Tochter. „Und, bleibst Du jetzt?“ 

will sie wissen. „Du brauchst doch ein Zuhause!“ 

auch wie Website 

Starker Auftritt. Viel Infos, Photos und Filmbilder 

unter image.net, dontcomeknocking.com. Sie können 

uns aber auch besuchen unter reverse-angle.com 

und wim-wenders.com. 

X wie XY Chromosom 

Das „männliche Chromosom“, was den feinen 

Unterschied ausmacht, ob da nun ein Mann oder 

eine Frau aus der Person erscheint, die da im Werden 


ist. Ansonsten nur der Vollständigkeit des Alphabets 

halber hier vertreten ... 

Y wie „Y“ 

Der Buchstabe Y hat, laut Wikipedia, in deutschen Texten 

eine durchschnittliche Häufigkeit von 0,04%. Er ist 

damit der 24.-häufigste Buchstabe in deutschen Texten. 

Irgendwas muss ja am Wenigsten vorkommen. 

Zwie Zwei Stunden 

So lange dauert der Film nämlich. Plus zwei Minuten, 

durch den Abspann. 

STARLET: Oh, John. Do you really have to 

leave? Ah, I am sorry ... 

I’m sorry! But I … I can’t do this! 

DIRECTOR: Cut! Cut! What’s going on now? 

STARLET: I … I … I just can’t do this! 

2ND A.D.: What can I get you? What’s wrong, 

Monica? 

STARLET: I am having a very difficult time with 

this, pretending that he’s supposed to 

be Howard. I mean I can’t kiss that 

guy! Who is that guy? That’s not 

Howard. 

DIRECTOR: It’s just a temporary thing, Monica. 

STARLET: Temporary my ass! Where is 

Howard? When’s he supposed to get 

here? 

DIRECTOR: Howard’s coming. He’s going to be 

here soon, but what we’ve got to do 

is try to continue until he gets here. 

STARLET: Why? I’m supposed to be acting with 

Howard Spence, not some stand-in 

jerk-off. 

DIRECTOR: The bond company wants us to keep 

shooting. 

STARLET: Fuck the bond company!! 

2ND A.D.: Wow! Hang on! Just hang on … 

1ST A.D.: You want any water … something … 

STARLET: Just get out of my way. I’m going to 

my trailer. I’m calling my agent. 

Leave me alone! 

DIRECTOR: I haven’t anything left to shoot. 

What we need is Howard! We need 

Howard here, and we need Howard 

here now!

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