Musiker Magazin 4/2017

C 10973 F | N o 4/2017 | 3,00 Euro
Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker
www.musiker-online.tv
Sweety Glitter
& The Sweethearts
Jeder Song ein Lieblingslied
Ann Doka
New Country ist Pop –
ganz ohne Plastik
Björn Amadeus
Musik, die das Herz berührt
Die Historie
der Rock- & Popmusik:
Jack Bruce
Musik ohne Grenzen
WOLFGANG
NIEDECKEN
DAS FAMILIENALBUM

Angebot
❶ Studiosendung
Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir
produzieren mit euch eine komplette Studiosendung
wie in den goldenen Zeiten des Musik -
fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged
und live auch möglich) und Interview.
(30 – 40 Minuten Videoclip)
➜ 500 Euro
+ Eine Seite Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 1 000 Euro
+ Zwei Seiten Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 1 500 Euro
Die Vorteile im Überblick:
❷ CD-Hearing /
Interview für
Promozwecke in
einem unserer
Filmstudios
Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein
und stellen es vor!
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künstler und euer musikalisches Schaffen.
(30 Minuten)
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im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 500 Euro
• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter
• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras
• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene
• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht
• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2)
• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden*
• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur
Verfügung – hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken
einbauen
• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange
• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und
Abspann
• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken
zur Verfügung für noch mehr Reichweite
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Live-Konzert
Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um
euch für Konzerte zu bewerben?
Kommt in unser Rock-TV-Studio!
(30 Minuten Videoclip)
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Film-Team ist
auch mobil!
Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh,
drinnen oder draußen.
Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um
mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen.
Auf Anfrage machen wir euch gern ein
© KZENON/FOTOLIA
* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund
auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis
nachträglich von uns abgemischt werden).
Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg
Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V.
DEUTSCHE POPSTIFTUNG UND MUSIKER MAGAZIN
PRÄSENTIEREN:
Preisträger der Hauptkategorien
Sparte Rock: 1. DAREMO, 2. Falb, 3. Password Monkey; Sparte Pop: 1. Di Mari, 2. DAREMO, 3. Lebendig; Sparte Singer-Songwriter: 1. Schraubenyeti, 2. Miss Allie, 3. Markus Sommer;
Sparte Singer: 1. Stefanie Black, 2. Manila Muffin, 3. Uwe Koch; Sparte Hard Rock: 1. Password Monkey, 2. Stinger, 3. Iron Horses;
Sparte Alternative: 1. A Scar For Amy, 2. Ghosttown Company, 3. Jaywalk; Sparte Country: 1. Danny Wuenschel, 2. The Continentals, 3. Flame; Publikumspreis: 1. Jaywalk
MUSIKERVERBAND
e.V.
Preisträger der Sonder-, Neben- und Sonderauszeichnungskategorien
Beste Filmmusik: 1. Das Blaue Palais, 2. Stefan Lauterbach, 3. KLANGFEDER;
Bestes Kinderlieder-Album: 1. Nadine Sieben und die Zwerge, 1. Christian Hüser, 2. Various-Kinderliederalbum: „Unter meinem Bett 2“, 3. Reinhard Horn;
Beste Experimentalband: 1. LOOPAHEAD, 2. New Visions, 3. Kolja & Panduranga; Beste Fusionband: 1. NANOBEAT;
Beste Progressivband: 1. NECRONOMICON, 2. Reflection Club; Beste Tranceband: 1. Das blaue Palais, 2. Stefan Lauterbach;
Bester Electronic-Interpret: 1. Micast, 2. Stefan Lauterbach, 3. Frank Woelfer; Beste Elektropopband: 1. Libell, 1. ALPHAMAY;
Beste Rock ’n’ Roll/Rockabillyband: 1. The Continentals, 2. Kingslane; Beste Cover/Revivalband: 1. Johnny Silver, 2. LOOPAHEAD;
Beste Fusion-Jazz-Rockband: 1. Botticelli Baby; Beste Punkband: 1. Botticelli Baby;
Beste Gothic/Wave-Band: 1. ALPHAMAY, 2. Tonchirurgie; Beste Schlagersängerin: 1. Prinzessin Mimi 1, 2. Ines-Marie Jaeger, 3. Stefanie Black;
Bester Schlagersänger: 1. Giuseppe Angelone, 2. DJ Marci; Bestes Weltmusikalbum: 1. Peter Reimer; Bestes Hip-Hop-Album: 1. Scapsis;
Beste Rocksängerin: 1. Lorena Huber; Bester Rocksänger: 1. Password Monkey, 2. Dorian Black, 3. Iron Horses;
Bester Rocksong: 1. Arrest, 2. SamZen; Bestes Rockalbum: 1. BOOL, 2. Udo Klpke Band, 3. Jaywalk;
Beste Popsängerin: 1. Ann Doka, 2. Jennifer Loosemore, 3. Melanie Bauermann; Bester Popsänger: 1. Marco Musca, 2. Dorian Black;
Bester Popsong: 1. RHETAIRE, 1. Marco Musco, 2. LUXERIÖS, 2. Andy Ost, 3. Sophia Crüsemann, 3. SEINE AUGEN, 3. Bossmann;
Bestes Popalbum: 1. JOONIC, 2. Uta Desch; Bester Hard-Rock-Sänger: 1. Password Monkey, 2. Iron Horses;
Bester Hard-Rock-Song: 1. DER CASSROLL; Bestes Hard-Rock-Album: 1. BOOL, 1. Stinger;
Bester Metal-Sänger: 1. Iron Horses; Beste Alternativ-Sängerin: 1. Saby O´, 2. LUXERIÖS, 3. Hedy J.;
Bester Alternativ-Sänger: 1. Dorian Black, 2. VOXX ROCKET; Bester Alternativ-Song: 1. Saby O´, 2. Esmeraldas Wahn, 3. LUXERIÖS;
Bestes Alternativ- Album: 1. Saby O´, 2. BOOL, 3. Jaywalk; Beste New-Age-Band: 1. Das blaue Palais;
Bester New-Age-Song: 1. Christoph Klüh; Bestes New-Age-Album: 1. Christoph Klüh; Beste Rhythm-& Blues-Sängerin: 1. Kingslane;
Bester Rhythm-& Blues-Sänger: 1. Kingslane, 2. Sourland Blues Brothers, 3. Edwin Hosoomel;
Beste Rhythm-& Blues-Band: 1. Sourland Blues Brothers;
Bester Rhythm-& Blues-Song: 1. Marie-Luise Cassar, 2. Alwin Smoke, 3. Sourland Blues Brothers;
Bester Reggae-Sänger: 1. Eli Benjoma; Beste Reggae-Band: 1. Eli Benjoma; Bester Latin-Pop-Song: 1. Oscar Pixner;
Beste Folrocksängerin: 1. Danny June Smith; Bester Folkrocksänger: 1. Saoirse Mhor, 2. Reidar Jensen;
Beste Folkrockband: 1. Fuchs Teufels Wild, 2. Schraubenyeti & das Mammut, 3. Ghosttown Company;
Bester Folkrocksong: 1. Corny Held, 2. Saoirse Mhor, 3. Günter Ermann, 3. Ghosttown Company;
Bestes Folkrockalbum: 1. Saoirse Mhor, 2. Ghosttown Company, 3. Reidar Jensen;
Beste Country-Sängerin: 1. Ann Doka, 1. Danny June Smith, 2. Ive & T.Bo, 3. Aurelia Christina;
Bester Country-Sänger: 1. Danny Wuenschel, 2. TC Dalton, 3. Ive & T.Bo;
Bester Country-Song: 1. TC Dalton, 2. Danny June Smith, 2. Ghosttown Company, 3. Ive & T.Bo;
Bestes Country-Album: 1. Danny Wuenschel, 2. Ive & T.Bo, 3. TC Dalton; Beste Gospel-Sängerin: 1. Susanne Nopper;
Beste Gospelgruppe: 1. Soul Bridges; Bester Gospel-Song: 1. Uwe Koch; Bestes Gospel-Album: 1. Addi m.;
Beste Musicalsängerin: 1. Susanne Nopper, 2. Stefanie Black, 3. Stefanie Rummel; Bestes Musicalalbum: 1. Oscar Pixner, 2. Stefanie Rummel;
Beste Mundartinterpretation: 1. Wattenläufer; Bestes Rock-/Pop-Tonstudio: 1. Cvmusic, 2. Reinhard Horn, 3. Marburg Records;
Kulturpreis für die Förderung der Rock- und Popmusik: 1. Jugend-Musik-Werk-Banden e.V.;
Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres: 1. Franz Josef, 2. Cosma Nova;
Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig): 1. Tonstudio Dreamland, 2. Patrick Wind;
Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig): 1. Saby O´, 1. Mellow Melange, 2. Udo Klopke Band;
Bester Song des Jahres (deutschsprachig): 1. LUXERIÖS, 1. Andy Ost, 2. Uwe Koch, 2. Scapsis, 2. Danny June Smith,
3. Alwin Smoke, 3. Patrick Wind, 3. Bossmann, 3. Franz Josef; Bester Song des Jahres (englischsprachig): 1. Colin B, 1. Saby O´, 2. TC Dalton,
2. Marie-Luise Cassar, 2. VOXX ROCKET, 3. Stefan Lauterbach;
Beste Studioaufnahme des Jahres: 1. Cvmusic, 2. Lausch Das!, 3. Reinhard Horn;
Beste Single des Jahres: 1. Pizzico di sole; 2. RHETAIRE, 2. Ines-Marie Jaeger, 3. Roberto Bates;
Bestes Musikvideo: 1. Micast, 1. Ludwig Schmutzler, 2. VICE, 2. Bossmann, 2. Roberto Bates, 3. Jaywalk;
Beste Komposition: 1. Saby O´, 1. Uwe Koch, 2. Claudia Hirschfeld, 2. Fränk Hechler, 3. Marie-Luise Cassar, 3. Stefan Lauterbach, 3. Stefan Lauterbach;
Bester deutscher Text: 1. Andreas Sutter, 1. Andy Ost, 2. Uwe Koch, 2. Andreas Sutter, 2. Fränk Hechler, 3. Nadeen;
Bestes Booklet und Inlaycard: 1. Strandakustik, 2. Stefan Lauterbach; Beste Instrumentalband: 1. Alwin Smoke;
Bestes Instrumentalalbum: 1. Gero, 2. Stefan Lauterbach, 2. Ralf Gauck, 2. Christoph Klüh, 2. Dave Groewer & Band, 3. Peter Reimer, 3. Frank Woelfer;
Bester Instrumentalsolist: 1. Matthias Schinkopf, 2. Ralf Gauck, 3. Frank Woelfer; Bester Gitarrist: 1. Peter Reimer, 2. Joe Heckel, 3. Matt and The Strangers;
Bester Keyboarder: 1. Gero, 2. Ackermann/Antrack; Bester Schlagzeuger: 1. The Freeman Band; Bester Bassist: 1. Ralf Gauck;
Bester Percussionist: 1. Stefan Lauterbach; Bestes Arrangement: 1. Botticelli Baby, 2. Stefan Lauterbach, 3. Reinhard Horn;
Bestes Blasinstrument: 1. Matthias Schinkopf; Bester englischer Text: 1. Reidar Jensen
Schirmherren
Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen und Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates
KONGRESSZENTRUM SIEGERLANDHALLE
9. Dezember 2017 • 12:30–23:00 Uhr • Siegen

10 STORIES
Interview mit
Wolfgang Niedecken
»DAS FAMILIENALBUM
– Reinrassije Strooßekööter«
Familie haben wir alle. Sie ist die Konstante, die unser Leben
begleitet. Bei Wolfgang Niedecken ist das nicht anders.
Und da seine Arbeit immer auch autobiografisch geprägt war,
hat der Kölner im Lauf der Jahre viele Lieder geschrieben,
in denen seine Familie eine Rolle spielt.
13 von ihnen hat er nun für seine zweite monothematische
Songsammlung „Das Familienalbum – Reinrassije
Strooßekööter“ neu aufgenommen und den Opener
„Reinrassije Strooßekööter“ extra für dieses Album geschrieben.
MM: Wie kamst du auf die Idee, deine Rock-, Popund
Folk-Songs im Kölner Dialekt zu singen?
WOLFGANG NIEDECKEN: Also die Band fing ja mit
Leuten an, die in den 60er-Jahren in irgendwelchen Beat-
Bands gespielt hatten und wo in den 70er-Jahren die
Instrumente irgendwo im Keller oder auf dem Speicher
standen. Ich meine, was willst du als Bassist machen,
wenn du keine Band hast? Was willst du als Schlag -
zeuger machen, wenn du keine Band hast? Und immer
wieder traf man in den 70er-Jahren Leute auf irgendwelchen
Veranstaltungen, auf Feten, wo man sich dachte,
ach, der hat bei den Soundsos gespielt, machst du
noch Musik? Ja, mit wem denn? Einige von denen haben
Familien gegründet und die Bands fielen auseinander.
Die Hochzeit der Bands war glaube ich so Ende der
60er-Jahre.
Und dann haben einfach viele Leute aufgehört, Musik
zu machen, obwohl sie das eigentlich gerne getan
haben. Da haben wir gesagt: Wir suchen jetzt irgendwo
einen Proberaum und treffen uns einmal die Woche
und jammen ein bisschen herum. Mehr sollte das nicht
sein. Wir haben dann Stones-Songs gecovert.
MM: War schon damals euer Gitarrist mit dabei?
WOLFGANG: Ja, der Hans Heres war damals dabei.
Bassisten gingen auch schon immer mal wieder. Aber
Hans war auch schon einer meiner besten Freunde.
MM: Ihr habt ja in den Bereichen Komposition und
Text fantastisch harmoniert.
WOLFGANG: Das war der Major, der Hans Heres hat
das erste Album noch gemacht, und in der Zeit, in der
das erste Album gemacht wurde, war er a) im Examen,
b) wurde er Vater und c) sollte er nach dem Examen den
Laden seines Vaters übernehmen. Das war ein Kalk sand -
steinwerk in Hersel. Daher konnte er nicht mehr weitermachen.
Er meinte: Ihr müsst euch einen neuen besorgen
und da habe ich dann den Major kennengelernt.
MM: Das Label Eigelstein ist ja relativ früh an euch
herangetreten.
WOLFGANG: Eigelstein hat 1979 angefragt, ob ich In -
teresse hätte.
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musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 11

12 STORIES
MM: Eigelstein war ein Kölner Label.
WOLFGANG: Die waren gut. Aber was sie eben
nicht hatten, war ein Vertrieb, das war die große
Krux und wenn die nicht so eigensinnig gewesen
wären. Die hätten ja nur ihr Repertoire an einen
ordentlichen Vertrieb geben müssen. Aber nein,
die haben dann irgendwie so einen Vertreter mit
einem Musterkoffer gehabt, der fuhr dann irgend -
wie über das Land in linke Buchläden und so.
Das ging eben nicht. Wir liefen Gefahr, im eigenen
Saft zu verbrüzzeln.
MM: Aber dann seid ihr zu EMI gelangt, da
die EMI Eigelstein übernommen hat.
WOLFGANG: Ja, es ging aber eigentlich noch über
einen kleinen Umweg über den GerigVerlag und
die haben uns dann das beste Angebot von allen
Plattenfirmen eingeholt. Und Gott sei Dank sind wir
dann bei der EMI gelandet. Die war schon gut, wir
waren dann über 30 Jahre bei der EMI. Darum war
es umso schlimmer, als EMI dann auseinanderflog.
Das war schon bitter, und ich hatte große Loya -
li tätskonflikte, als wir dann zu Universal kamen.
Gottseidank gab es dort den Daniel Lieberberg,
der auch scharf drauf war, uns auf seinem Label
zu haben. Da sind wir weich gefallen.
MM: EMI wurde dann später von Universal
aufgekauft. Und es geht leider nicht anders.
Du kannst heute keine professionelle Musik
machen, wenn du keine Firmen mit einem
vernünftigen Vertrieb im Hintergrund hast.
WOLFGANG: Du brauchst einen vernünftigen
Vertrieb. Weißt du, es gibt ja auch die Bands, die
halt am Peak ihrer Karriere alles selber machen.
Bei den Hosen hat es funktioniert. Das sind aber
wenige, bei denen es funktioniert. Bei den meisten
ist das eher so: Kriegst keinen Vertrag mehr,
dann machen wir es halt selber, aber das soll
man sich nicht schönreden. Da kommt auch die
Kunst zu kurz, wenn ich mich um alles kümmern
muss, da fällt mir dann ja gar nichts mehr ein, dann
bin ich ja nur noch Geschäftsmann. Das kann ich
nicht, das geht einfach nicht.
MM: Wie bist du auf den Kölner Dialekt ge -
kommen?
WOLFGANG: Ganz einfach. Zu der Zeit, als wir uns
damals schon getroffen und mit ständig wechselnden
Besetzungen irgendwelche Stones- oder
Dylan-Cover gespielt haben, zu der Zeit habe ich
mir das Album von Crosby, Stills, Nash & Young,
„4 Way Street“, nicht leisten können, wollte aber
trotzdem das Lied, „Cowgirl in The Sand“ spielen.
Und dann habe ich ewig bei mir in der Küche ge -
sessen, von Liebeskummer geplagt, weil meine
Freundin mich schon wieder in irgendeiner Form
schlecht behandelt hat, und ich sitze da und versuche,
dieses Lied herauszukriegen. Ich weiß
nur, der erste Akkord ist ein Moll-Akkord und
der zweite ein Dur-Akkord und wie geht das denn
jetzt verdammt noch mal weiter. Habe dann da so
lange hintereinander gespielt, also e-Moll, C-Dur,
e-Moll, C-Dur bis zum Abwinken, bis dann mein
Liebeskummer auf diese zwei Akkorde floss, und
irgendwann kamen dann der dritte Akkord und
der vierte Akkord, und irgendwann dachte ich mir,
das ist doch nicht wahr, ich habe ein Stück ge -
schrieben. Nach ewigen Zeiten habe ich mal wieder
ein Stück geschrieben, also seit den Schüler -
bands. Helfen kann dir keiner … Direkt auf Kölsch,
weil ich denke ja Kölsch.
MM: Gleich auf Kölsch? Man covert ja auch
auf Englisch, Bob Dylan zum Beispiel.
WOLFGANG: Diese zwei Akkorde gingen ganz
woanders hin, wenn du dir das Stück anhörst.
Hörst du dir „Cowgirl In The Sand“ an, dann weißt
du, wo es herkommt. Es geht dann im dritten
Akkord woanders hin. Dort habe ich dann meinen
Liebes kummer drauf gesungen, und dann komme
ich im Proberaum an und spiele das den Jungs
vor, und die haben dann gesagt: „Das ist super,
mach mehr davon.“ Das habe ich dann gemacht.
MM: Du hast dich in deiner Jugend intensiv
der Malerei gewidmet …
WOLFGANG: Mein Großvater war Kirchenmaler,
mein Opa hat in Köln die Kirchen ausgemalt.
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STORIES 13
»Kriegst keinen Vertrag
mehr, dann machen wir
es halt selber,
aber das soll man sich
nicht schönreden.
Da kommt auch die Kunst
zu kurz, wenn ich mich
um alles kümmern muss,
da fällt mir dann
ja gar nichts mehr ein,
dann bin ich ja
nur noch Geschäftsmann.
Das kann ich nicht,
das geht einfach nicht.«
Meine Mutter hätte auch gerne etwas Künst le -
risches gemacht, aber die war 1920 geboren,
dann kannst du dir ja vorstellen, in welchem Alter
sie dann berufstätig werden konnte, da war dann
nichts mit Modezeichnerin oder so etwas in der Art.
Meine beiden Söhne haben an der Kunst hoch -
schule für Medien studiert, und der eine ist nun
Regisseur und der andere freischaffender Künstler.
MM: Welchen Stellenwert legst du auf die
Kunstmalerei und bildende Kunst in deinem
Leben? Ist das der überwiegende Teil oder
ist das mehr ausbalanciert mit deiner Musik?
WOLFGANG: Also ich singe ganz zufällig in unserem
bekanntesten Lied „Verdammt lang her“ tatsächlich:
„Ist egal, ob du laut malst oder leise,
Hauptsache du tust es“.
Ich freue mich sehr, dass ich meine Familie mit
der Musik ernähren kann, obwohl ich mit der
Malerei schon ziemlich weit war, aber … Ich mag
es eigentlich nicht gerne, wenn ich neue Bilder
gemalt habe, die dann irgendwo an der Wand
herumhängen, und dann kommen so Schicki -
mickileute und ur teilen dann darüber, ob das gut
ist oder nicht. Bei einem Rock-Konzert sind die
Reaktionen unverstellt, voll kommen unverstellt.
Entweder du kriegst sie oder du kriegst sie nicht.
Es ist schon ein Privileg, so leben zu dürfen.
les, politisches und gesellschaftliches En ga - Mir kann keiner sagen, wie meine Meinung sein
gement. In den verschiedensten Bereichen. soll, die muss ich mir selber bilden.
WOLFGANG: Also ich war, soweit ich mich Diese Geschichte gegen rechts „Arsch huh,
zurück erinnern kann, immer politisch interessiert. Zäng ussenander“ in Köln habe ich gerne mitgemacht
und werde es auch weiter tun. Das ist
Wenn ich an einem Tag keine vernünftige Zeitung
lese, dann werde ich unruhig. Ich muss Nach - damals entstanden, als zum ersten Mal die Asy -
MM: Es gibt noch eine Ader in deinem Leben, richten lesen und hören. Man muss sich einfach lantenheime brannten. Das war zu der Zeit, als
die eine ganz große Rolle spielt: Dein sozia- informieren. Du musst dir deine Meinung bilden. die ganzen Menschen aus dem jugo slawischen 8
4/2017 musiker MAGAZIN

14 STORIES
WOLFGANG NIEDECKEN
„BAP – DAS LOGBUCH DER JUBILÄUMSTOUR“
VÖ: 6.11.2017
WWW.BAP.DE/START/SHOP
WWW.FACEBOOK.COM/NIEDECKENSBAP
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 15
»Ich freue mich sehr,
dass ich meine Familie
mit der Musik
ernähren kann.
Bei einem Rock-Konzert
sind die Reaktionen
unverstellt, voll kommen
unverstellt. Entweder
du kriegst sie
oder du kriegst sie nicht.
Es ist schon ein Privileg,
so leben zu dürfen.«
Bürgerkrieg zu uns kamen. Und dann brannten in
Rostock-Lichtenhagen die Asylan ten heime. Du
machst morgens den Fernseher an und hast ge -
schaut, wo hat heute Nacht etwas gebrannt. Es
fing so an, normal zu werden.
Und dann haben wir in Köln dieses große Ding
gemacht, wo 100 000 Leute hinkamen: Arsch huh,
Zäng ussenander am 9. November 1992.
Das ist das eine Ding, wo ich mich engagiere,
und das andere Ding ist halt seit 2004, wo ich so
einem Zusammenschluss von nicht staatlichen
Organisationen in Afrika helfe. Christoffel Blinden -
hilfe, Caritas, World Vision, Welthungerhilfe, alles
Mögliche, die haben mich gefragt, ob ich für diesen
Zusammenschluss, der hieß „Gemeinsam für
Afrika“, den Paten machen wollte. Ja, was muss
ich denn da machen? Du musst vor allen Dingen
mal Ahnung kriegen, was wir da tun in Afrika.
Und dann bin ich nach Afrika geflogen, nach
Uganda, und habe mir da diese ganzen Projekte
angeguckt, und am Schluss dieses Trips sind wir
auch in den Norden von Uganda geraten, und
dort war ein Bürgerkrieg, und ich habe wirklich
mal gesehen, was das tatsächlich eigentlich ist,
was diese Kindersoldaten erleiden müssen, wozu
die gezwungen werden.
Das hat mich nicht mehr losgelassen. Das war
für mich wirklich furchtbar, das konnte ich nicht
so hinnehmen, und dann haben wir „Rebound“
ge gründet.
MM: … du engagierst dich und machst vieles
in dieser Hinsicht ...
WOLFGANG: Weißt du, ich übertreibe es nicht.
Jeden Tag kriege ich eine Anfrage, wo ich etwas
unterstützen soll, und wenn ich das alles machen
würde, würde ich mich inflationieren. Ich muss
das so machen, dass es den Leuten nicht so
vorkommt, als wenn ich mich ständig auf jedes
Trittbrett stelle, um mich bemerkbar zu machen.
Also die Vorwürfe, dass man das nur macht, weil
man mal wieder in die Zeitung kommen will, die
gibt es ja auch. Das ist natürlich Quatsch. Es ist
ja das Gegenteil.
Man muss es nach bestem Wissen und Ge -
wissen machen.
MM: … Die Parteien wollen auch die Rock -
musiker für sich gewinnen.
WOLFGANG: Ich denke, ein Künstler gehört
sowieso nicht in eine Partei. Ein Künstler hat in
einer Partei nichts zu suchen, weil du da einer
Parteiräson unterworfen bist, und dann kannst
du nicht mehr frei entscheiden.
Ich bin mit einigen Politikern befreundet, wo ich
sage, gut, dass die das machen. Ich bin keiner
für Politiker-Bashing. Ich bin vielen dankbar, dass
sie diesen Scheißjob machen.
MM: Du scheinst ähnlich gelagert zu sein wie
Heinrich Böll. Der war nämlich auch Frei -
den ker.
WOLFGANG: Ja, der ist ja auch eines meiner großen
Vorbilder. Also er hat ja auch Willy Brandts
Aktion „Mehr Demokratie wagen“ unterstützt,
aber er ist nie in eine Partei reingegangen. Ich
würde auch nie in eine Partei eintreten.
MM: … Und auch die damaligen Gruppie run -
gen der Literaten waren keine Partei-Sol da -
ten …
WOLFGANG: Das haben wir ja in der DDR erlebt.
Die mussten ja in diese SED-Partei rein.
MM: ... Die Musiker in der DDR haben in
deutscher Sprache gut texten gelernt.
WOLFGANG: Ja, bei vielen war es ja so, dass es
Texter waren, die man irgendwo kennengelernt
hat, die für die Bands dann getextet hatten. Die
hatten ja teilweise Textschreiber außerhalb der
Bands.
Ich weiß noch, als ich das erste Lindenberg-
Lied im Radio gehört habe. Da saß ich im Auto
und dachte: „Ja gut, das ist eine dieser DDR-
Bands, hört sich gar nicht schlecht an, hört sich
ja gut an.“ Da war ich noch Kunststudent.
Und was mich damals sehr beeindruckt hat, um
noch mal auf den Dialekt zurückzukommen: Im
gleichen Jahr, als Wolfgang Ambros „Da Hofa“, dieses
Lied von der Leiche, die im Rinnstein liegt, das
Blut in den Kanal fließt, gesungen hat, da habe ich
das Lied zur gleichen Zeit gehört, wie in Köln die
Bläck Fööss direkt im Dialekt geschrieben haben.
Da habe ich mich sehr gefreut, als ich gemerkt
habe: Ach guck mal an, man kann so etwas auch
in seiner Muttersprache machen, also nicht unbedingt
Dialekt oder Mundart. Das sind eigentlich
Begriffe, mit denen ich nicht so viel anfangen kann.
Es geht um die Mutter sprache, es geht um die
Sprache, mit der du aufgewachsen bist.
Das war ‘72, als ich Malerei studiert habe und
Musik so nebenbei im Radio ge hört habe. Der
Song „Drink doch eine met“ hat mir sehr gefallen.
In der Schülerband habe ich damals natürlich
englisch gesungen.
Ein Vorteil vom Dialekt ist, dass Dialekte sich
sprachlich besser schleifen lassen. Also wenn ich
Kölsch singe, kann ich die Silben gesanglich in die
Länge ziehen. Deutsch ist Lego und Kölsch ist
Knetgummi. (Lacht) Habe ich noch nie ge sagt,
was Neues. Deutsch ist Lego und Kölsch ist
Knetgummi, ja, ist so, genau so ist es.
»Ein Künstler hat in einer
Partei nichts zu suchen,
weil du da einer
Parteiräson unterworfen
bist, und dann
kannst du nicht mehr frei
entscheiden.«
MM: Das Bayerische klingt gesungen auch
ein bisschen wie Knetgummi.
WOLFGANG: Ist auch Knetgummi, Dialekte sind
alle Knetgummis.
MM: … auf Sächsisch geht auch?
WOLFGANG: Das sind jetzt Vorurteile. Ich glaube,
Sächsisch geht auch, aber Sächsisch ist halt verbunden
mit diesem unsympathischen SED-Kom -
munismus. Man kann bestenfalls darüber lachen,
aber es ist eigentlich so: Oh nein, bitte nä. Es ist bitter
und tut mir total leid. Ich kenne nun eine Menge
Sachsen, ja, ich habe sogar zwei in der Band.
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4/2017 musiker MAGAZIN

16 STORIES
Aber das sind welche, die auch wissen, das mit
dieser Sprache so viel konnotiert ist.
MM: New Orleans: Wie bist du auf die Idee
gekommen, erstmals nach New Orleans zu
fahren? In die Stadt des Jazz?
WOLFGANG: Die haben auch Karneval, die haben
auch einen breiten Fluss. Die sind auch immer in
einem ethnischen Schmelztiegel. Es gab ja dort
im 18. Jahrhundert auch einen Sklavenmarkt.
Dadurch, dass die afrikanischen Menschen
dahin kamen, haben die natürlich auch die afrikanische
Musikkultur mitgebracht. Es gibt einen Platz
in New Orleans – das ist der Kongo Square, das
war die einzige Stelle, wo die Sklaven mit ihren
Trommeln hingehen durften. Dann gingen die zum
Kongo Square, haben getrommelt, und auch die
weißen Musiker haben dann gekuckt und sagten
sich: Hey, das ist ja unfassbar, was da abgeht.
Eines der Nationalgerichte in Louisiana heißt
Gumbo und das ist ein Eintopf mit Seafood und
allem Möglichen.
MM: Es gibt ja eigenständige Jazz-Musikstile
aus New Orleans wie den Dixieland, den New
Orleans und den Ragtime.
WOLFGANG: Dieses Wort Dixieland kommt aus
dem Französischen und heißt Dix. Das bedeutet
Zehn. Auch auf dem Dollarschein stand Dix Dollar.
MM: Ist es immer noch so, dass in New
Orleans die Afroamerikaner an allen Straßen -
ecken Musik machen?
WOLFGANG: Ja, immer noch. Es ist wirklich sehr
schön. Ich kann es dir wirklich nur empfehlen.
Miete dich in Algiers ein und dann fährst du mit
Fähre rüber und abends dann wieder schön nach
Algiers rüber, dann hast du da deine Ruhe.
MM: Wie bist du denn damals auf deine Ver -
ehrung zu Bob Dylan gekommen?
Wirklich, es gibt ein Foto von dem Tag, wo ich
noch mit dem Bass dastehe mit dieser Schüler -
band. Zum Bass zu singen ist schwer. Ich habe
auch teilweise mit dem Bass gesungen, aber
mehr als „Hang On Sloopy“ und „Wild Thing“ habe
ich nicht hingekriegt.
MM: … aber Paul McCartney macht es auch.
lange kein Bassist mehr war, habe ich mir natürlich
auch einen Höfner-Bass gekauft, und zwar
einen alten. Den spielt unser Bassist ab und zu
mal im Studio. McCartneys Gesang fand ich
schon immer faszinierend.
MM: Wolfgang, herzlichen Dank für das Ge -
spräch.
WOLFGANG: Kann ich dir sagen, es war ein Tag,
an dem wir mit unserer Schülerband auf dem
Schul fest gespielt haben, ich war 15, hab Bass
gespielt und der Sänger dieser Schülerband The
Troop, der kam und sagte: Jungs, ich muss Abitur
machen, ihr müsst euch einen neuen Sänger
suchen, ich habe keine Zeit mehr, sucht euch
einen anderen.
Er brachte am gleichen Tag aber auch von
Dylan „Like a Rolling Stone“ mit und hatte auch
schon den Text rausgeschrieben. Dann haben wir
das angehört und den Text gelesen, und ich habe
gesagt: Mo ment, wir brauchen einen neuen Bas -
sisten und ich mache das jetzt mit dem Singen.
WOLFGANG: Der war ja auch Held. Ich habe
sogar probiert, linkshändig zu spielen.
MM: Ich habe immer gedacht, John Lennon
war dein Held.
WOLFGANG: Ne, also bei Beatles erst mal Paul
McCartney fand ich ...
MM: Wegen dem Bass oder wegen dem Ge -
sang?
WOLFGANG: Ja, ich habe mir sogar viele Jahre
später einen Beatles-Bass gekauft. Als ich schon
WEB: WWW.BAP.DE
INTERVIEW: OLE SEELENMEYER
FOTOS: TINA NIEDECKEN
FOTO (S. 13): NADJA MAIS-REIS
WOLFGANG NIEDECKEN
„DAS FAMILIENALBUM –
REINRASSIJE
STROOßEKÖÖTER“
VÖ: 26.10.2017
WWW.BAP.DE | FACEBOOK.COM/NIEDECKENSBAP
musiker MAGAZIN 4/2017

-stage 120 HD
Wenn Techniker träumen …
… und Macher machen, schlagen Veranstalter-, Techniker- und Künstlerherzen höher.
Mindestens eine Oktav. Mit der b-stage 120 HD haben wir alle unsere Wünsche aus
30 Jahren Bühnenbau erfüllt: gigantische Traglasten für die Technik, maximale Flexibilität
bei der Montage, riesige Seitendurchlässe für Requisiten, großzügige Nebenräume,
abtrennbar nach Bedarf, optimale Arbeitsbedingungen für die Techniker auf der Bühne,
minimierter Aufwand beim Aufbau. Und was machen Sie im Sommer?
© Fotos 1 – 3: Markus Kohz, cross-effect / Foto 4: SWR, Ben Pakalski

18 STORIES
LORELAY
Lorelay ist ein
Freigeist. Ihr aktuelles
Album produziert
sie allein und auch ihr
neues Video ist
ohne professionelle
Hilfe entstanden.
Das nötige technische
Verständnis brachte
sich die Sängerin
eigenständig bei.
Dafür belohnt wird sie
mit einem Sound, der
nicht nach deutschem
Einheitsbrei klingt.
Im Interview erzählt
sie von der Produktion
und verrät, was ihr
Umzug nach Berlin in
ihr ausgelöst hat.
MM: Du drehst gerade ein Musikvideo. Wie
läufts?
LORELAY: Wir drehen morgen zum letzten Mal
für den Song „Wenn du frierst“. Insgesamt waren
wir vier Drehtage unterwegs. Dieses Video hab
ich komplett in Eigenregie geplant und drehe es,
gemeinsam mit Freunden, selbst. Ich habe mir
einfach eine ordentliche Kamera gekauft und bin
gleichzeitig Visagistin, Licht, Kamera, Regie und
Schnitt. Ich hoffe sehr, dass sich das Ergebnis
sehen lassen kann. So was im Alleingang zu
machen, ist echt viel Arbeit, weil ich natürlich kein
Kameramann oder Cutter bin, aber es macht auch
so unglaublich viel Spaß. Weil dann alles genauso
ist, wie ich es mir vorgestellt habe. Einen leichten
Kontrollzwang hab ich nämlich schon.
MM: Auch sonst entsteht dein Album „Berlin“
gerade größtenteils in Eigenregie. Warum
ver zichtest du auf Label und Co.?
LORELAY: Da will ich jetzt mal ganz ehrlich sein:
Ich hab primär nicht freiwillig verzichtet, sondern
gerade bei Produzenten einfach nicht den Rich -
ti gen gefunden oder für mich gewinnen können.
Irgendwann hat es mir gereicht und ich hab an -
gefangen, meine Songs selbst aufzunehmen und
zu arrangieren. Das war das maximale Freiheits -
erlebnis auf einmal. Vorher war ich immer auf
jemanden angewiesen, der mich aufgenommen
und Ideen dazu hatte, plötzlich konnte ich das
einfach machen. Heutzutage ist es durch die
Technik so easy geworden, Musik selbst zu produzieren.
Das größte Hindernis war für mich nur
die Arbeit mit der richtigen Software. Deswegen
hat die Albumentstehung auch länger gedauert,
aber dafür klingt jetzt alles zu 100 Prozent nach
mir. Was die Labels betrifft, ist es relativ schwierig
abzuwägen, was da für mich als Künstlerin
Sinn macht. Viele Labels bieten dir nicht genug,
als dass es sich lohnen würde, da einzusteigen.
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 19
Maximale
Freiheit
Oder erzählen dir dann, wie du klingen und aussehen
musst. Aber wer weiß, was die Zukunft
bringt. Ich bin da ganz offen. Mit Labels ist das wie
mit Beziehungen: Bevor ich den Falschen hab,
hab ich lieber erst mal gar keinen.
MM: Was muss eine Person, ein Label oder
ein Agentur mitbringen, damit du gerne mit
ihnen an deiner Musik feilst?
LORELAY: Das einzig Wichtige dabei ist: der
Glaube an mich als Musikerin. Die Begeisterung!
Alles andere ist für die Füße. Ich mach halt keine
Plastikmusik. Ich möchte privat wie auch beruflich
mit positiven Menschen zusammen sein, die mich
inspirieren und nicht bremsen. Ich will mit meiner
Musik was reißen und bin selbst in schwierigen
Phasen immer noch mega motiviert. Ein Mana -
gement oder eine Agentur müsste das eigentlich
nur unterstützen und mich so lassen wie ich bin.
MM: Du hast Crowdfunding genutzt, um dein
Album zu finanzieren. Würdest du diesen
Weg im Nachhinein wieder wählen?
LORELAY: Crowdfunding ist ein zweischneidiges
Schwert. Ich wollte ja mit dem Album schon viel
früher fertig sein, was ja aus oben genanntem
Grund, aber auch durch private Entwicklungen
nicht geklappt hat. Man spürt natürlich einen
ge wissen Druck, weil die Supporter warten.
8

20 STORIES
Andererseits hat mich das alles – während des
Fundings muss man ja ungemein viel online
machen, damit das klappt – viel näher an meine
Fans gebracht und meinen Umgang mit Social
Media verbessert.
Zur der Zeit hab ich dann angefangen, kleine
Videos zu machen und so was, das hat meinen
Horizont irgendwie erweitert. Ich hab gemerkt,
jeden Tag auf fünf Open Stages gehen und großartige
Leute sehen. Jeden Tag gibt es Hunderte
Konzerte. Das ist schon echt cool, manchmal aber
auch ein bisschen inflationär. Wenn immer irgendwo
irgendwas ist, sind die Leute auch über sättigt.
Es hat alles seine zwei Seiten. Aber Berlin war
mein Absprung aus dem geregelten Leben und ich
würde das genauso wieder machen.
LORELAY: Ja, mehrere Songs sind tanzbar! Aber
es ist eine Mischung. Ich wollte vor allem, wenn du
das hörst und in der Bahn sitzt, dass alles ein bisschen
magischer wird. Ein bisschen mehr Slow mo.
MM: Wenn man sich die Charts anschaut,
finden sich dort vor allem Rapper und DJs.
Wo siehst du für dich die Lücke als Sängerin?
»Mit Labels ist das
wie mit Beziehungen:
Bevor ich
den Falschen hab,
hab ich lieber
erst mal gar keinen.«
wie viele Leute man online erreichen kann und
wie viele echt so begeistert von meiner Musik
sind, dass sie voller Vertrauen einfach mitgemacht
haben. Im Moment würde ich das aber nicht
noch mal machen, weil es wirklich viel Arbeit war.
Ich schließe es aber für die Zukunft auch nicht
kategorisch aus.
MM: Das daraus entstandene Album heißt
„Berlin“. Warum dieser Titel?
LORELAY: Das kommende Album heißt aus tausenden
Gründen „Berlin“. Nicht falsch verstehen,
ich bin nicht verliebt in Berlin, aber es ist einfach
eine abgefahrene, zutiefst inspirierende Stadt. Po -
si tiv, wie negativ. Da ist mir beim Songwriting alles
explodiert. Vor allem aber ist es nach einem Song
benannt, den ich während meines Um zu ges
hierher und meiner ersten Zeit hier geschrieben
habe. Berlin ist nicht zimperlich mit einem, wenn
man herkommt. Aber es hat mir nicht geschadet.
Kommt man erst mal aus der Comfortzone – in
meinem Fall meine Heimat Frankfurt – raus, lernt
man schnell und viel. Und das war auch der Plan.
MM: Was ist an der Musikszene der Haupt -
stadt so einzigartig?
LORELAY: Ich weiß nicht, ob die Musikszene in
Berlin einzigartig ist. Was ich sagen kann ist, dass
es hier unheimlich viele gute Musiker gibt. Ich
glaub, Berlin ist für Musiker in Deutschland so
wie Los Angeles für Schauspieler in den Staaten.
Da sammelt sich einfach alles. Du kannst hier
MM: Dein erstes Album „Silikonmagie“ er -
schien vor rund fünf Jahren. Wie hast du dich
seitdem musikalisch weiterentwickelt?
LORELAY: Puh, also das ist selbst schwer zu beurteilen.
„Silikonmagie“ war mehr so eine Sam mlung
von vorhandenen Liedern, weil auf meinen Kon -
zerten die Leute immer unbedingt eine CD haben
wollten. Das waren natürlich schon meine liebsten
Lieder, aber ich wusste noch nicht so richtig, was
ich will, und war zu angepasst. Ich komme ja aus
einem normalen, bürgerlichen Umfeld und damals
hatte ich noch einen vernünftigen Beruf. Da muss
man sich selbst erst mal glauben, was man da
macht. Außerdem wird die Musik ja immer von
Erlebnissen und Begeg nun gen geformt und davon
hatte ich in den letzten Jahren zuhauf. Ich hab jetzt
den Mut, Künstlerin und ich selbst zu sein. Das ist
der Unterschied zu damals.
MM: Bisher sind deine Songs noch nicht auf
Streamingportalen zu finden. Eine bewusste
Entscheidung?
LORELAY: Ich bin kein Fan davon und nutze auch
selbst höchst selten Spotify und dergleichen. Ich
bin mir aber bewusst, dass das wichtig ist. Nur
weil ich selbst CDs mit Booklet liebe, muss das
nicht auf jeden zutreffen. Das neue Album wird
also auch streambar sein.
MM: Dein Song „Großstadtregenbogen“ ist
durchaus tanzbar. Zieht sich dieser Klang
durch das gesamte Album?
LORELAY: Ich hab nix gegen Rapper! Und DJs
machen ja sehr oft Features mit anderen Artists.
Es kommt drauf an. Gute Musik ist gute Musik.
Es gibt genauso Leute wie Mark Forster oder
Andreas Bourani, das sind auch keine DJs, die
machen einfach Popmusik. Ob irgendwo eine
Lücke ist, ist die falsche Frage. Ich mach, was ich
mach und seh, wohin es mich bringt. Darauf zu
schauen, was andere machen, ist nicht mein Ding.
MM: Du singst auf Deutsch. Welche deutschen
Künstler gefallen dir?
LORELAY: Oh, da gibt es viele. Ich liebe Ina Müller,
weil ich gute Texte liebe. Reinhard Mey, Revol -
verheld und Silbermond ist ne tolle Band. Aber
auch Casper, Curse, Motrip und so etwas. Wilde
Mischung, aber ich steh auf Texte und Charakter.
MM: Die Produktion des Albums befindet
sich gerade in der Endphase. Was gönnst
du dir, wenn das Album veröffentlicht ist?
LORELAY: Wenn das Album da ist, will ich mit
meinem Hund einmal zu Fuß von Berlin nach
Frankfurt laufen und auf dem Weg Straßenmusik
machen. Ohne Termine, ohne Müssen. Nicht so
hip, mehr so hippy.
WEB: WWW.LORELAY.NET
WWW.FACEBOOK.COM/LORELAYMUSIK
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTOQUELLE: LORELAY
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 21
RAZZMATTAZZ
Kick Some Ass
MM: Ihr macht sogenannten Kick-Ass-Rock.
Was kann man sich darunter vorstellen?
RAZZMATTAZZ: Voll auf die Zwölf – und wie ein
Tritt in den Hintern. Da Hardrock ein weites Feld
ist, hat sich „Kick-Ass“-Rock irgendwie als Be -
griff für unseren Style in den letzten Jahren etabliert.
Wer ACDC, ZZTOP und British Metal mag,
dem wird Razzmattazz gefallen.
MM: Seit eurer Gründung 2011 habt ihr
bereits drei Alben veröffentlicht und viele
Liveauftritte gespielt. Wie schafft ihr es so
konstant abzuliefern?
RAZZMATTAZZ: Razzmattazz war von Beginn an
eine Herzensangelegenheit und nicht nur ein Pro -
jekt. Wir haben einen langfristigen Plan aufgestellt
und beschlossen, dass es mindestens fünf
Alben geben wird. Glücklicherweise verschreiben
sich alle Bandmitglieder dieser Überschrift. Es
würde sonst nicht funktionieren.
MM: Schon euer erstes Album „Rock ’n’ Roll
Hero“ schaffte es bei Amazon in die Top 10.
Wie kam dieser schnelle Erfolg zu stande?
RAZZMATTAZZ: Eigentlich war mir bei der Band -
gründung bereits klar, dass dies ein Himmelfahrts -
kommando ist. Wir sind alle nicht mehr 18 und
machen außerdem was Oldschool-mäßiges.
Niemand wird uns 20 Millionen Mal auf YouTube
klicken und uns dadurch entdecken. So geht’s
also schon mal nicht.
8
Razzmattaz bedeutet auf
deutsch „Halligalli“, womit
die vier Musiker gleich
eine passende
Selbstbeschreibung
abliefern. Seit der Gründung
2011 haben sie bereits
drei Alben veröffentlicht,
die alle beim Deutschen
Rock und Pop Preis
in der Kategorie „Hard Rock“
prämiert wurden. Mit
Teamwork und Leidenschaft
trotzen Razzmattaz den
Schwierigkeiten und
sind der beste Beweis, dass
harte Arbeit sich auszahlt.
4/2017 musiker MAGAZIN

22 STORIES
RAZZMATTAZZ
„Diggin’ for Gold“
VÖ: 3.02.2017
WWW.RAZZMATTAZZ.COM
WWW.FACEBOOK.COM/RAZZMATTAZZ.ROCKBAND
Jeder von uns ist ein guter Musiker – Wolle Heieck
gibt Gitarrenunterricht, Ulf Gokeler ist Schlag -
zeuglehrer, Tommy Wiegand beherrscht sieben
Instrumente – aber keiner von uns hatte Kontakte
in die Profiszene. Ich musste erst mal ein Label
gründen, um überhaupt ein Album veröffentlichen
zu können, einen Vertrieb finden, einen Masterer
und dann ohnehin Clubs wegen Gigs abklappern
– und das mit Mucke, die keiner kennt. Blut,
Schweiß und Tränen. Die Reviews, die wir bekamen,
waren allerdings immer gut bis sehr gut, für
alle drei Alben. Und so kommt dann auch eins zum
anderen. Auch die Amazon-Platzierung.
MM: Mittlerweile konzentriert ihr euch auf na -
tionale Festivals. Wie sieht eure Strategie aus,
um möglichst viele Gigs spielen zu können?
RAZZMATTAZZ: Tja, das ist die Frage aller Fragen.
Bewerben, bewerben, bewerben und dann noch -
mals bewerben. Ach so, fast hätte ich es vergessen:
Und dann noch bewerben.
MM: Bookings zu bekommen ist das Ziel
jeder Band. Wie ist die Situation im Rock-
Genre? Auf welche Schwierigkeiten seid ihr
bisher gestoßen?
RAZZMATTAZZ: Unfassbar schwierig. Sorry – ist
aber so. In Clubs konnten wir oft nicht spielen, weil
wir eigenes Zeugs machen, und auf größeren
Festen nicht, weil wir zwar eigenes Zeugs machen,
aber uns keiner kennt. Zum Haare raufen. Wenn
wir zum Beispiel eine Tributeband wären, hätten
wir von Beginn an mühelos viel und mit guten
Gagen spielen können. Wir wollten aber unsere
eigenen Songs machen. Das hat leider seinen
Preis. Die Szene in Deutschland ist eigentlich kleiner
als man glaubt, aber du kommst schwer rein.
Wir hoffen, dass wir bald drin sind und bleiben.
MM: Ihr werdet vom Lucky Bob Mana ge ment
unterstützt. Welche Aufgaben übernimmt die
Agentur für euch?
RAZZMATTAZZ: LuckyBob haben uns zum Bei -
spiel den Nazareth-Slot ermöglicht. Wir graben
aber auch selber, was das Zeug hält – übrigens
deshalb auch unser Album-Titel „Diggin’ For
Gold“. Anders geht’s nicht. Du musst selber ran.
Sonst wartest du vergebens. Das ist zumindest
unsere Erfahrung.
MM: Habt ihr eine Live-Erfahrung, auf die ihr
besonders gern zurückblickt?
RAZZMATTAZZ: Gleich zu Beginn hatten wir einen
Opener-Slot beim „Rock Of Ages“-Festival ergattert.
Kanonenfutter, wie man sagt. Es hat uns aber
bei den Leuten, die zur der Tageszeit anwesend
waren, einen guten Achtungserfolg eingebracht.
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 23
»Die Szene in Deutschland
ist eigentlich kleiner
als man glaubt, aber du
kommst schwer rein.
Wir hoffen, dass wir bald
drin sind und bleiben.«
Es war aber schon sehr cool, die Jungs von
Krokus oder auch Mothers Finest zu treffen. Wir
hatten Spaß und haben einen mörderguten Gig
hingelegt, auch weil wir immer gut trainiert und
vorbereitet sind.
Wir mögen aber auch nach wie vor Gigs in den
kleinen Clubs mit engem Kontakt zum Publikum.
Da kommen wir her – das macht uns nach wie
vor viel Freude. Das Ziel ist aber bei 20 Gigs nicht
20 x 100 Leute, sondern 20 x 1 000 Leute zu
haben, die uns hören. Deshalb, neben Club-Gigs
die Konzentration auf Festivals und Support-Slots
für bekanntere Bands. Es gelingt immer besser.
MM: Außerdem arbeitet ihr immer wieder
an euch selbst und nehmt an Workshops von
bekannten Musikern teil. Warum ist Weiter -
bildung auch als Musiker wichtig?
RAZZMATTAZZ: Steve Morse und Doug Aldrich
sagten bei einem Workshop zu mir: 1/3 des Tages
üben, 1/3 des Tages Papierkram und telefonieren,
1/3 des Tages live spielen. Alle Rezep toren
müssen arbeiten, sonst kommt irgendwann die
ganze Sache ins Ungleichgewicht.
MM: Im September wart ihr mit der schottischen
Band NAZARETH auf Tour. Wie ist es
dazu gekommen?
RAZZMATTAZZ: Wir haben 2015 schon mal ein
paar Konzerte mit NAZARETH gemacht. Das ging
über unsere Agentur. Die Jungs rocken, man sollte
es nicht glauben. Gute Live-Band. Ich bat Carl
Sentance, den neuen Sänger, mir einen Song für
Razzmattazz einzusingen – er hat zugesagt, es
bisher aber nicht geschafft. Mal sehen, ob’s noch
was wird.
MM: Was steht sonst noch in diesem Jahr an?
RAZZMATTAZZ: Wir hatten einen schweren Rück -
schlag zu verkraften. Unser langjähriger Drum mer
Bad Mike erkrankte unumkehrbar an MS. Wir
brauchten sieben Monate, um in Ulf Gokeler den
Richtigen zu finden. Dadurch verloren wir außerdem
auch wichtige Gigs, neben allen menschlichen
Traurigkeiten. Wir holen jetzt alles im zweiten
Halbjahr nach und ackern seit Juli auch wie
wild an den Gigs für 2018.
Und das nächste, vierte Album ist tatsächlich
auch schon fast fertig.
Lasst mich noch sagen, dass wir bei allen
Schwierigkeiten, die wir erlebt haben, allerdings
immer sagen konnten, das wir den Deutschen
Rock und Pop Preis gewonnen haben. Mittlerweile
sogar mehrfach. Das hat beim Gegenüber immer
zu erhöhter Aufmerksamkeit geführt. Überzeugen
muss man trotzdem jeden Tag aufs Neue.
Noch eine Bitte zum Schluss: Wer das liest und
uns gut findet, möchte uns bitte auf Facebook
liken. Das ist viel wichtiger als wir dachten.
Wer uns buchen will, soll uns gerne über FB
oder unsere Homepage ankontakten. Because:
Razzmattazz kicks your ass too!
WEB: WWW.RAZZMATTAZZ.COM
WWW.FACEBOOK.COM/
RAZZMATTAZZ.ROCKBAND
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTOS: TIM AßMANN; DIRK KÖNIG
CD-Release 24.11.2017
ALMANAC - Kingslayer
„... typisch Victor Smolski!“
www.almanac.band
The soul of pure copper .
METAL – das Performance-Kabel des Jahres.
So weit die Bühne reicht.
Dein Sound bleibt.
· photo: © Anton Brandl · thnaks to justmusic.de
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24 STORIES
JOONIC
»Sei kein
Frosch«
„Joonic“ heißt
das Musikprojekt von
Jochen Winkel.
Mit seiner ersten Solo-CD
hat sich der langjährige
Musiker einen Traum
erfüllt. Sein musikalischer
Appell: Feiert
und genießt das Leben!
MM: Dein Musik-Projekt heißt „Joonic“. Was
steht hinter diesem merkwürdigen Namen?
JOCHEN WINKEL: „Joonic“ besteht aus „Jo“ für
Jochen, „on“ im Sinne von „an, dabei sein“ oder
auch „auf“ im Englischen, dem Heimatort Nien -
burg und „c“ wie Copyright. Ein zweiter Sinn -
zusammenhang besteht zu dem Wort „unique“,
das hier für die Einzigartigkeit von Musik steht,
etwas Neues auf kreative Art zu erschaffen.
MM: Als deine Vorbilder oder Inspirations -
quellen nennst du u.a. Billy Joel und Elton
John. Was genau beeindruckt dich an ihrer
Musik?
JOCHEN: Es sind fantastische Pop-Pianisten mit
einem Riesenspektrum von Songs und künstlerischem
Schaffen. Ihre Lebensleistung ist beeindruckend.
Beide habe ich schon in Konzerten
erlebt und war beeindruckt.
JOONIC
„Jumpingcrackers in Jam“
VÖ: 12.05.2017
WWW.JOONIC-MUSIC.DE
WWW.FACEBOOK.COM/
JOCHEN.WINKEL
MM: Im Mai hast du dein Album „Jumping-
crackers In Jam“ veröffentlicht. Darauf sind
auch Gastmusiker zu hören. Wie hast du die
gewonnen?
JOCHEN: Alle Gastmusiker sind Personen aus
meinem musikalischen Umfeld, Lebensbegleiter,
ehemalige Bandmitglieder und Freunde. Es war
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 25
»Menschen kommen,
andere gehen –
und trotzdem sollte
man immer
das Positive sehen und
aktiv in die Zukunft
gehen.«
MM: Ein Appell auf der CD ist, das Leben zu
feiern. Warum ist dir das so wichtig?
JOCHEN: Ich finde, jeder sollte sich sein Leben
möglichst lebenswert gestalten. Menschen kommen,
andere gehen – und trotzdem sollte man
immer das Positive sehen und aktiv in die Zu -
kunft gehen.
MM: Wie sieht so eine „Lebensfeier“ bei dir
aus?
mir wichtig, mit mir bekannten Leuten zusammen
zu spielen. Ich bin dankbar, dass alle Lust hatten
und mitgemacht haben.
MM: Warum gibt es einen deutschen und
einen englischen Teil?
JOCHEN: Die Idee hat sich so ergeben. Ich habe
mit rein englischen Texten angefangen, bin dann
aber doch zur Muttersprache zurückgekehrt. Die
Möglichkeiten, sich auszudrücken, sind auf
Deutsch intensiver. Einfach, weil mein Wortschatz
größer ist. Das Texten fällt mir leichter und ich
brauche kein Wörterbuch.
JOCHEN: Mit guten Freunden in kleinem Kreis
zusammensitzen, Wichtiges und Unwichtiges
be quatschen, gemeinsam lachen, Musik hören,
tanzen und das Leben genießen.
MM: Du spielst mit dem Albumtitel auch darauf
an, kein Frosch zu sein. In welchen Din -
gen bist du ein Frosch im übertragenen Sinn?
JOCHEN: Da gibt es viel Alltägliches. Angst vor
Einbrechern zum Beispiel. Als Kind hatte ich Angst
vor Vampiren. Früher habe ich mir dann vorgestellt,
ich hätte einen Eisenhals, sodass dem
Vam pir die Zähne ausgefallen sind.
MM: Das Album ist ein Rückblick. Wie geht
es mit „Joonic“ weiter?
JOCHEN: Neue Songs sind schon in den Down -
load portalen. Vielleicht mache ich auch eine zweite
CD. Ich hätte auch Lust, für andere Künstler
oder Filmmusik zu komponieren. So schnell gehen
mir also nicht die Ideen aus.
WEB: WWW.JOONIC-MUSIC.DE
WWW.FACEBOOK.COM/JOCHEN.WINKEL
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: JOCHEN WINKEL
Idee + Foto: Christian Raith · Agentur: www.milk-and-honey.de
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26 STORIES
JEDER SONG
EIN LIEBLINGSLIED
Interview mit
Sweety Glitter & The Sweethearts
MM: Ihr feiert Ende November euer Band -
jubiläum in Braunschweig. Was habt ihr für
diesen Abend geplant?
SWEETY GLITTER: Wir haben ja schon einige
Jubiläumskonzerte gegeben. Manchmal haben
wir sie auch überladen, sodass unsere Stärke,
der Flow, darunter gelitten hat. Wir werden dieses
Mal ein absolutes „Best Of“-Set spielen,
das total von unserem subjektiven Geschmack
abhängt. Es wird kompromisslos Licht etc. nach
unseren Vorstellungen geben. Allein das ist ja
schon anders als bei 90 Prozent der Shows, die
wir sonst spielen. Auch künstlerisch haben wir
Überraschungen. Doch dazu musst du eben
dort sein oder dir berichten lassen.
MM: Seit 30 Jahren steht ihr gemeinsam
auf der Bühne. Habt ihr nie einen Punkt
erreicht, an dem ihr keine Lust mehr gehabt
habt?
SWEETY GLITTER: Vielleicht mal für Sekunden
oder auch Minuten. Doch unser Manager Stefan
und mir war immer klar, dass wir noch einen
Weg vor uns haben und dass wir es noch besser
können. Es hat mich immer schwer getroffen,
wenn ein Sweetheart aufgehört hat. Übrigens
selten im Streit. Glücklicherweise fand das
1996 sein Ende, davon abgesehen, dass
Mighty Mitch McCennedy seit 2008 den Bass
spielt. Selbst wenn man sagt, dass man das
schon sehr lange, vielleicht zu lange macht, so
ist das „Ende vom Lied“ in der Regel eine Menge
wohl gelaunter Menschen, denen man Freude
ge macht hat. Und am besten klappt das, wenn
man wirklich Freude an dem hat, was man
gerade, aufs Genaueste gleichzeitig, mit seinen
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 27
Die Band
Sweety Glitter
& The Sweetheart
steht seit
25 Jahren gemeinsam
auf der Bühne.
Neben ihrer
treffsicheren Auswahl
von Songs der
70er-Jahre begeistert
sie auch durch ihre
ausgefallenen Outfits.
Leadsänger
Volker Petersen hat
mit uns über ihre
Bühnenpräsenz und
das anstehende
Jubiläum gesprochen.
Kumpels spielt. Ich bin nur und ausschließlich
dankbar, dass ich mit Livemusik meinen Lebens -
unterhalt bestreiten kann.
MM: Auf der Bühne widmet ihr euch den
großen Liedern der Siebziger. Welche Songs
kommen besonders gut beim Publikum an?
SWEETY GLITTER: Wir haben derart unterschiedliche
Arten von Zuhörern auf den variabelsten
Einsatz- oder Auftrittsorten, dass ich
diese Frage überhaupt nicht mit dem Auf zählen
von einzelnen Titeln beantworten kann.
Ein Gala-Abend ist ganz etwas anderes als
ein Club konzert. Beides hat seinen eigenen Reiz
und es kommt uns darauf an, den richtigen
Fluss zu kreieren. Das Gute ist aber überall
gleich: Am Ende können sie nicht genug von den
wirklichen Rock-Titeln bekommen. Und das ist
das Tagesziel! 8
4/2017 musiker MAGAZIN

28 STORIES
MM: Deckt sich das mit euren eigenen Lieb -
lingssongs?
SWEETY GLITTER: Ja, denn ich wähle die
Songs nicht nur nach der Setlist vom Vorjahr
aus, sondern auch so, dass die Sweethearts
auch immer wieder gefordert sind. Jede Setlist
ist einzigartig. Wenn Du ein Lied gut arrangiert
hast und es vortragen darfst, dann ist es in dem
Moment gefälligst dein Lieblingslied.
MM: Die Stimmung übertragt ihr nicht nur
durch eure Musik, sondern auch über eure
außergewöhnlichen Outfits. Ist euch das
Gesamtbild seit Anfang an so wichtig?
SWEETY GLITTER: Ja, denn genau das und
natürlich unser „totally-out“-Songrepertoire
haben uns damals sofort einzigartig gemacht.
Dieter Thomas Kuhn und Guildo Horn kamen
erst viel später. Das Outfit bedeutet Offenheit
und Humor.
MM: Eure Jubiläumsshow ist ausgebucht
und auch sonst sind Eintrittskarten immer
schnell weg. Wie etabliert man sich als gut
gebuchter Act in Deutschland?
»Wer richtige Rock-Musik
machen möchte, sollte sich
genau überlegen,
ob er da auch als Beruf Spaß
dran hat.
Wenn man, wie wir, nicht
richtig berühmt ist, muss man
einige Opfer bringen
und braucht eine
an Größenwahn grenzende
Motivation, um all die Klippen
zu um schiffen,
die fast immer kommen.
Und wenn man gemeinsam
musiziert: Zuhören!«
SWEETY GLITTER: Die Ehrlichkeit gebietet es
mir zu erwähnen, dass wir keinesfalls überall
ausverkauft sind. In Braunschweig, Hannover
und noch ein paar Städten sind die Hallen oder
Clubs voll, aber woanders, besonders im
Süden, könnte das wirklich mehr sein. Da sind
wir immer noch zu unbekannt.
MM: Habt ihr selbst mal einen guten Rat -
schlag bekommen, den ihr gerne an junge
Musiker weiterleiten würdet?
SWEETY GLITTER: Wem sollte ich da etwas
raten? Es gibt 1 000 gute Tipps und Leitsätze,
die man beherzigen sollte und genau so viele
kannst du auch in die Tonne kloppen. Und es
gibt so viele Möglichkeiten, etwas, das wie
Musik klingt, aus zwei Boxen kommen zu lassen
und sich Musiker zu nennen. Wer einfach
nur berühmt sein möchte, sollte das anders
versuchen, als ein richtiges Instrument zu lernen.
Der Aufwand ist zu groß. Samples zusammenschrauben
und drauf rappen vielleicht.
Wer richtige Rock-, Jazz-, Blues- oder Soul-
Musik mit echten Instrumenten machen möchte,
sollte sich genau überlegen, ob er da auch
als Beruf Spaß dran hat. Wenn man, wie wir,
nicht richtig berühmt ist, muss man einige Opfer
bringen und braucht eine an Größenwahn grenzende
Motivation, um all die Klippen zu um -
schiffen, die fast immer kommen. Und wenn
man gemeinsam musiziert: Zuhören!
MM: Die Musikbranche hat sich innerhalb
der letzten zwei Jahrzehnte stark verändert.
Was ist für euch aus heutiger Sicht die
einschneidendste Veränderung?
SWEETY GLITTER: Der Abschied der CD als
Einnahme der Musikindustrie als Folge der
Ver marktung im Netz.
MM: Ihr seid vor allem eine Liveband, habt
aber auch schon eigene Songs veröffentlicht.
Ist derzeit ein neues Album in Planung?
SWEETY GLITTER: Wir haben fünf Alben ge -
macht. Drei davon sind live. Das jüngste ist un -
plugged und sehr beliebt. Wir haben immer et -
was im Kochtopf, doch mag ich dazu nix sagen.
Ganz einfach, weil ich noch nicht weiß, was wir
als Nächstes rausbringen wollen. Wir haben weitere
super Live-Aufnahmen, wir haben ein paar
selbst ge schriebene, wir werden sehen …
MM: Nach all den Jahren, was ist eure liebs -
te Bühnen-Anekdote?
SWEETY GLITTER: Derzeit, nach dem Tode von
Rick Parfitt, fiel uns wieder ein, wie Randy und
ich beinahe von der Bühne gepustet worden
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 29
Sicherheit
mit einem Dreh:
»Ring Lock«
sind. 15 000 Zu schauer, wir waren Support-Act von Status
Quo und nach sechs Minuten auf der Bühne in Rahlswiek laufen
Randy und ich als Choreo an den Bühnenrand. Wir laufen
dann richtig schnell und weit, denn die Bühne war riesig. Von
hinten kam eine schwere Böe über den Boden und durch die
Bühne, sodass wir wirklich erst auf den letzten Zentimetern
zum Stehen kamen. Es ging da ca. fünf Meter runter. Beide mit
den Köpfen über dem Abgrund, ein kurzer, gegenseitiger Blick
in die angstgeweiteten Augen, der sagt „Das war knapp!“ und
weiterspielen. Vollgas mit einer Extraportion Adrenalin! Das wäre
beinah’ ein sehr kurzer Auftritt gewesen.
»Ring Lock« Stative und
Distanzrohre von König & Meyer.
Weil die Lautsprechermembran vibrieren
soll – und nicht die Box:
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INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTOS: KARSTEN SCHIRBORT © SWEETY GLITTER

30 STORIES
DANNY JUNE SMITH
Ihr Zuhause ist Countrymusik, doch Danny June Smith ist
viel zu bunt, als sich darauf festnageln zu lassen.
So gibt sie auch Singer-Songwriter-Konzerte oder singt Pop
und Oldies auf Festen. Diese Vielfalt
spiegelt sich auf ihrem neuen Album wider.
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 31
»Mal ist der Kühlschrank
voll, mal gibt’s etwas
weniger. Doch jeden Tag
bin ich dankbar für
meinen Beruf, mein Leben
und die wunderbaren
Menschen darin.«
DANNY JUNE SMITH
„Phoenix“
VÖ: 23.10.2017
WWW.DANNY-JUNE-SMITH.DE
WWW.FACEBOOK.COM/
DANNYJUNESMITHMUSIC
MM: Wie lange bist du schon im Musik busi -
ness und wie sieht dein Platz darin aus?
DANNY JUNE SMITH: Ich bin schon seit 20
Jahren Teil dieses Karussells und kann mit absoluter
Überzeugung sagen, dass ich meine Be -
rufung zum Beruf gemacht habe. Meine Eltern
haben früh gemerkt, dass mein Weg nicht um
die Musik herum geht. Auf jeder Biegung, die ich
beschritt, führte er immer in diese Richtung.
Die ersten Bands, in denen ich als Sängerin tätig
war, waren Country-Bands. Der Geist dieser
Musik richtung war schon immer meine Leiden -
schaft. Mit der Zeit wurde der Wunsch größer, aus
meinem Hobby einen richtigen Beruf zu machen.
Ich sang auf Trauungen, mit Party bands und gab
Solo-Konzerte, auf denen ich Songs aus den Be -
reichen Musical, Pop und Oldies sang.
MM: Warum ist heutzutage eine Künstler -
seite bei Facebook wichtig?
DANNY JUNE: Ich nutze Facebook, um meinen
Fans nahe zu sein. Künstler wie ich, die aufgrund
ihrer Nischentätigkeit kaum in den gängigen
Medien auftauchen, finden dort eine gute Platt -
form, um Informationen und Neuigkeiten mit ihrem
Publikum zu teilen. Das wird gern angenommen
und ich komme ins Gespräch mit Kollegen und
Menschen aus der ganzen Welt. Auch schafft
man darüber einen Pool an Men schen, die sich
zusammentun und gemeinsam zu Konzerten fahren
– so manche Freundschaft ist in meiner Fan -
gruppe entstanden.
MM: Warum bedienst du mit deiner Musik
verschiedene Sparten?
DANNY JUNE: Bunt und abwechslungsreich ist
meine Devise – so bin ich einfach. Ich schreibe seit
meinem elften Lebensjahr Songs. Ich reise, ich
spiele auf verschiedenen Veranstaltungen von großen
europäischen Country-Festivals über kleine
Clubs im Singer-Songwriter-Stil bis hin zu Partys
oder auch größerem Programm auf Feiern und
Festen. Das ist, was ich immer machen wollte.
MM: In der deutschen Country-Szene bist
du eine bekannte Größe. Was macht die
Country-Szene so einzigartig?
DANNY JUNE: Jeder Künstler fühlt sich irgendwo
zu Hause. Ich habe mein Zuhause in dieser
Gemeinschaft gefunden – lange, bevor ich selbst
auf der Bühne stand. Die Menschen sind aufmerksam,
sie interessieren sich für dich und
deine Musik. Mit ihnen kannst du feiern und traurig
sein.
MM: Du setzt dich für Kinderrechte ein.
Warum ist dir das wichtig?
DANNY JUNE: Weil wehrlose, unschuldige Wesen
eine Stimme brauchen, die sie selbst (noch) nicht
haben. Als gelernte Erzieherin habe ich jahrelang
mit den Kleinsten und Jugendlichen gearbeitet.
Ich habe ihre Sorgen und ihre Freuden mitbekommen.
Nun ist es mir aufgrund meines Bekannt -
heits grades möglich, Kindern in Not eine Stimme
zu geben.
MM: Wie kann deine Musik dazu beitragen?
DANNY JUNE: Ich schreibe recht methaphorisch
und manchmal sehr persönlich über Ereignisse,
die ich erlebe oder von anderen Menschen er -
zählt bekomme. Ob meine Musik dazu beiträgt,
eine bessere Welt zu gestalten, weiß ich nicht.
Aber ich habe eine Botschaft, die ich weitergeben
will. Das Wichtigste ist, authentisch zu sein
und auch mal mit dem Finger auf Dinge zu zeigen,
die mir absolut missfallen. Nicht alles ist gut
– aber alles wird gut, wenn es genug Menschen
gibt, die sich entscheiden, Gutes zu tun.
MM: Kannst du von deiner Musik leben oder
was machst du, damit der Kühlschrank ge -
füllt wird?
DANNY JUNE: Unter der Woche beschäftige ich
mich mit Proben, Booking, Fanarbeit und allem,
was es braucht, um für gute Werbung und Qualität
zu sorgen. Am Wochenende packe ich meine
Tasche ins Auto und bin „On the Road“ zu Ver -
anstaltungen. Natürlich wird man als Musiker in den
meisten Fällen nicht reich. Aber ich tue, was ich
liebe. Und das ernährt mich seit vielen Jahren. Mal
ist der Kühlschrank voll, mal gibt’s etwas weniger.
Doch jeden Tag bin ich dankbar für meinen Beruf,
mein Leben und die wunderbaren Men schen darin.
MM: Dein neues Album ist nun fertig. Was
erwartet den Hörer?
DANNY JUNE: Die aktuelle Produktion gleicht
einem Schiff, das aus seinem Heimathafen, der
Country-, Southern und Folkmusik in verschiedene
Richtungen ausläuft, um spannende Ein -
drücke mit zubringen, ohne seine Wurzeln komplett
hinter sich zu lassen. So finden sich facettenreiche
Stücke im Stile des deutschen Pop,
mittelalterliche Klänge, Reggae- Rhythmen, Punk -
rockelemente, Akustik stücke in Singer-Songwriter-
Manier und ein Duett samt balladesken Kom po -
sitionen auf der Platte.
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: DANNY JUNE SMITH
4/2017 musiker MAGAZIN

32 STORIES
»Rapper sind für mich
auch „Lieder macher“,
da sie stark Persönliches
verarbeiten,
aber die Musik
ist eine ganz andere.«
LIEBER NISCHE ALS
MAINSTREAM
Interview mit Rainer Markus Wimmer
MM: Dein neues Programm „Ihm ging es um
die Kunst“ hat Anfang November Premiere
gefeiert. Wie war der erste Konzertabend?
Vor drei Jahren entschied sich
Rainer Markus Wimmer, seinen Beruf
aufzugeben und sich voll auf die Musik zu
konzentrieren. Ein Neuling ist er
aber nicht. Schon vor 25 Jahren erschien
sein erstes Album „Liederlich“, danach
folgten sechs weitere.
Mit seinem aktuellsten Werk „Ihm ging es
um die Kunst“ ist er nun auf Tour.
RAINER MARKUS WIMMER: Sehr, sehr gut. Ich
konnte das Publikum textlich und musikalisch in
die Welt von Michael Ende mitnehmen, die man
so nicht kennt. Das ist auch mein Anliegen, denn
für mich war Michael Ende ein Universalgelehrter
und kein Kinderbuchautor. Das scheint auch ge -
lungen zu sein, wie die Gespräche nach der Pre -
miere zeigten. „So haben wir Michael Ende noch
gar nicht gekannt“ war der Tenor der Äußerungen.
MM: Deine Auftritte sind schlicht und intim
gehalten, du stehst nur mit Gitarre auf der
Bühne. Wie wirkt sich das auf die Stimmung
im Saal aus?
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 33
RMW: Meine Konzerte sind immer eine sehr persönliche
Angelegenheit, was ich sehr schätze.
Und das Publikum scheint es auch zu mögen,
vielleicht als Kontrast zu den heute üblichen optischen
und akustischen Reizüberflutungen. Ich
glaube, ich bin auch der Typ dazu, sonst würde
das nicht funktionieren.
MM: Die Stücke sind Vertonungen von den
Texten Michael Endes. Was begeistert dich
an diesem Schriftsteller?
RMW: Seine Geschichten und seine Person wurzeln
in den Mythen und dem alten Wissen der
Men schheit. Er hatte diesbezüglich ein immenses
Wissen. Dieses Wissen, gepaart mit seiner Fan -
tasie, ohne dabei den Bezug zur realen Welt zu
verlieren, das ist einmalig und hat mich fasziniert.
MM: Früher wurde Michael Ende als „Schrei-
berling für Kinder“ kritisiert. Was sagst du
zu diesem Einwand?
Endivien
Ich esse den Endivien
Am liebsten mit der Vivien.
Als meine Frau davon erfuhr,
Sie aus der Haut,
der ihren, fuhr.
Nun lebt sie von mir separat
Und ich, ich habe den Salat.
prägt und bleibt. Und ich kann nur jedem empfehlen,
diese alten Lieder auszugraben. Es wird
eine Entdeckungsreise, das verspreche ich.
MM: Du bist bereits seit Jahrzehnten als
Musiker aktiv. 1982 erschien mit „Lieder lich“
dein erstes Album. Überrascht dich die Mu -
sik industrie manchmal noch?
RMW: Eher nicht, denn auch in der Musikindus trie
– wie in allen anderen Bereichen auch – wird der
leicht planbare Einheitskonsument geformt. Das ist
leider ziemlich gut gelungen. Wenn man überall
hört, es sei der beste Musikmix, der beste Hit -
mix, der beste was weiß ich was, dann kann da
was nicht stimmen. Denn den Besten gibt es nur
einmal. Wenn man einen Superstar wählt, aber
keiner der wirklichen Superstars je gewählt wurde,
dann zeigt das die Perversion des Systems. Es
gibt auch keine Musikredakteure mehr, ebenso
wie es keine Maikäfer mehr gibt („Es gibt keine
Maikäfer mehr“, ein altes Lied von Reinhard Mey).
RMW: Da lässt man den Autor am besten selbst
zu Wort kommen: „Man darf von jeder Tür aus in
den literarischen Salon treten: aus der Gefängnis -
tür, aus der Irrenhaustür oder aus der Bordelltür.
Nur aus einer Tür darf man nicht kommen, aus
der Kinderzimmertür.“
Und so zog er nach Italien, wo man toleranter
war. Wenn ich richtig informiert bin, lesen seine
Bücher mehr Erwachsene als Kinder. Aber wenn
man mal in einer Schublade liegt, dann kommt
man da nur schwer wieder heraus. Das zeigt auch
die Tatsache, dass ich fast immer gefragt werde:
„Ist das ein Programm für Kinder?“
MM: Dein neues Album beschäftigt sich nicht
mit Klassikern wie „Jim Knopf“ oder „Die
unendliche Geschichte“, sondern mit unbekannteren
Werken von Ende. Wie hast du
diese Stücke ausgesucht?
RMW: Das war ein langer Prozess. Die Aussage
von Michael Ende, dass die Welt des Nur-Be weis -
baren, trotz seiner immensen Kompli ziertheit,
letzten Endes einfach zu langweilig ist, hat mich,
als naturwissenschaftlich ausgebildeten Men -
schen, gereizt. Der eigentliche Ursprung aber lag
in der Tatsache, dass ich Roman Hocke – der
Michael-Ende-Kenner – schon sehr lange kenne.
Er hat mich sowohl bei der Auswahl als auch bei
der Programmstruktur sehr gut und umfänglich
unterstützt. Ohne diese Beziehung wäre das Pro -
gramm wahrscheinlich nie entstanden.
MM: Wie lief die Vertonung der einzelnen
Stücke ab?
RMW: Die Vertonungen waren der Schlüssel zu
diesem Programm. Hätten sie nicht überzeugt,
wäre das ganze im Nichts verlaufen. Da ich mich
schon einige Jahre kenne und schon einige Lieder
geschrieben habe, war ich überrascht, wie mich
die Melodien, die in den Texten liegen, geradezu
angesprungen haben. Es war ein unglaubliches,
fast schon mystisches Erlebnis. Ich war immer
wieder überrascht über mich selber, was da alles
herauskam. Vielleicht hat das alte Wissen diese
Saiten in mir zum Schwingen gebracht.
MM: Du bezeichnest dich als „Lieder macher“.
Ein Ausdruck, den man heute nur noch selten
hört. Wie würdest du das, was du machst,
beschreiben?
RMW: Heute sagt man wohl Singer-Songwriter.
Aber das passt nicht für mich, wie ich meine,
denn die sind zu unpolitisch und driften Richtung
Schla ger ab. Rapper sind für mich auch „Lieder-
macher“, da sie stark Persönliches verarbeiten,
aber die Musik ist eine ganz andere. Das passt
also auch nicht. Da bleibt für mich nur die Schub -
lade Lieder macher, in der ich mich aber sehr wohl
fühle und die meine Art der Musik am besten
beschreibt. Ich lebe in dieser Nische besser als
im Mainstream.
MM: Als Vorbilder nennst du Ludwig Hirsch
und Reinhard Mey. Inwiefern haben dich
diese Künstler beeinflusst?
RMW: Das war die Zeit, in der ich angefangen
habe, Lieder zu schreiben. Das heißt der Anfag
war eigentlich, deren Lieder nachzuspielen. Das
MM: Erst vor drei Jahren hast du deinen Job
gekündigt und wurdest zum Berufsmusiker.
War das die richtige Entscheidung?
RMW: Das war die absolut richtige Entscheidung,
aber auch zum richtigen Zeitpunkt. Ich habe bis
dahin in zwei Welten gelebt. Und in beiden habe
ich mich wohlgefühlt. In der einen habe ich mein
Leben finanziert – immer als Freiberufler, um Zeit
für die Musik zu haben –, in der anderen habe ich
gelebt. Jetzt mache ich beides in einer Welt.
MM: Ist dein Musikeralltag jetzt so, wie du
ihn dir vorgestellt hast?
RMW: Im Großen und Ganzen schon, auch wenn
das Organisieren und Akquirieren mehr Zeit in An -
spruch nimmt, als man sich das vorgestellt hat.
MM: Was sind deine Pläne für das nächste
Jahr?
RMW: 2018 wird ein Michael-Ende-Jahr, denn nach
Ostern kommt der Film „Jim Knopf und Lukas und
der Lokomotivführer“ in die Kinos. Da passt mein
Programm „Ihm ging es um die Kunst“ sehr gut.
Zurzeit fallen mir sehr viele neue Wimmerricks
– Nonsenspoesie – ein, auch ein neuer Weih -
nachts wimmerrick ist gerade im Druck (Postkarte).
Mein erstes Buch heißt „Wimmerricks, Wort dis -
sens im Konsens, Nonsens, Gedichte“. Vielleicht
gibt es 2018 ein zweites.
WEB: WIMMERX.DE
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTOS: JÜRGEN RÖSNER, FOTOGRAFIE
4/2017 musiker MAGAZIN

34 STORIES
Saby O’, so irisch
ihr Name auch klingt,
ist eine waschechte
Norddeutsche.
Doch ihr Herz schlägt
für die grüne Insel.
Warum sie bisher keine
eigenen Songtexte
schreibt und sie gern
mal Peter Maffay
treffen würde, erzählt sie
im Interview.
MM: Wie kommt eine Norddeutsche wie du
dazu, Irish Folk zu machen?
SABY O’: Als Teenager habe ich außer Pop musik
viel Irish und Scottish Folk gehört. Die traditionellen
Songs haben mich genauso begeistert wie
die Musik von Clannad, Mary Black und Dougie
MacLean. Ich habe zwar immer gerne gesungen,
aber erst der Irish Folk hat mich motiviert,
selbst Musik zu machen. Daher ist mein
Künst ler name an irische Namen angelehnt. So
will ich die Wurzeln meiner musikalischen In -
spiration verdeutlichen. Ich mache Folk Pop –
zwischen diesen Grenzen bewege ich mich.
MM: Warst du selbst schon in Irland?
SABY O’: Kaum zu glauben, aber ich habe es
noch nie nach Irland geschafft. Das wird aber
»Meine Songs sind
also nicht autobiografisch,
aber es fließt immer
ein Teil von mir hinein.«
hoffentlich bald nachgeholt. Mich interessiert be -
sonders die keltische Vergangenheit. Viele meiner
Freunde waren schon da und waren begeistert.
Vor allem die Herzlichkeit der Iren hat sie
be rührt.
MM: Du sagst, singen sei für dich ein Ventil.
Wie sieht das ganz konkret aus?
SABY O’: Ich bin ein eher introvertierter Typ und
höre lieber zu, als selbst zu reden. Über Gesang
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 35
SABY O’: Meine Kreativität liegt in den Gefühlen
verborgen. Oft habe ich aus heiterem Himmel eine
Melodie im Kopf. Die muss ich dann weiterentwickeln.
Manchmal finde ich einen passenden
Text, manchmal muss ich meine Ideen wieder ver -
werfen oder für später aufheben. Das Kompo -
nieren ist aber nur die halbe Miete. Viel von seinem
Charakter bekommt der Song erst durch
die Arrangements. Da habe ich mit Christian
Reddeker einen Glücksgriff gemacht. Sein Talent
hat meine Lieder zum Leben erweckt.
MAKE
MUSIC
SINGER/SONGWRITER
Das Songbook Band 2 ist da!
SABY O’
Lyrische Melodien,
folkige
Gitarrenklänge,
getragen schöne
Arrangements
und dazu
eine Stimme,
die vom ersten Ton
an tief berührt.
kann ich meine Emotionen mitteilen. Hierbei be -
werte ich Melodie und Klang höher als die Worte,
denn diese Art der Kommunikation spielt sich
gänzlich auf der Gefühlsebene ab.
MM: Heißt das, dass alle deine Songs ganz
persönlich, autobiografisch sind?
SABY O’: Es gibt noch keinen selbstgeschriebenen
Text, den ich als Song verarbeitet habe. Aber
sobald ich ein Gedicht oder einen Text vertone,
wird es zu meiner Geschichte. Am intensivsten
sind die Verbindungen, wenn die Geschichten
beim Singen lebendig werden und ich das Er -
zählte vor meinem inneren Auge sehen kann.
Meine Songs sind also nicht autobiografisch,
aber es fließt immer ein Teil von mir hinein.
MM: Was inspiriert dich zum Komponieren?
MM: Wie kommt es, dass dein Album sogar in
Südkorea und Taiwan veröffentlicht wurde?
SABY O’: Das ist eine interessante Geschichte.
Vor ein paar Jahren habe ich das Lied „Garden Of
Graves“ von dem Duo RUA gecovert und im In -
ternet hochgeladen. Die Songschreiberin und
Sängerin von RUA, Liz Madden, ist darauf aufmerksam
geworden und hat mich angeschrieben.
Wir haben uns auf Anhieb verstanden – seitdem
arbeiten wir zusammen. Sie schreibt überwiegend
die Texte zu meinen Songs. Ihr und ihrem
Label habe ich die Veröffentlichungen in Asien zu
verdanken.
MM: Warum hast du dich beim Deutschen
Rock & Pop Preis beworben?
SABY O’: Ich wollte wissen, ob meine Musik, die
einer Nische angehört, auch auf dem deutschen
Markt ankommt, und fand es eine passende Ge -
legenheit, mich bei diesem bundesweiten Wett -
bewerb anzumelden. Dass ich gleich in acht Kate -
gorien nominiert wurde, finde ich überwältigend.
MM: Welchen Musiker würdest du gern mal
treffen?
SABY O’: Kurt Nilsen würde ich unheimlich gern
treffen in der Hoffnung, ihn für ein Duett gewinnen
zu können. Seine Stimme ist umwerfend
schön. Dougie MacLean und Katie Melua würde
ich auch wahnsinnig gern persönlich treffen, um
über Songwriting zu reden und darüber, wie ich
aus meinen eigenen Geschichten Songtexte entstehen
lassen kann. Von den deutschen Künst lern
finde ich Peter Maffay spannend. Sein Enga ge -
ment für Kinder und sein Streben, den Men schen
Gemeinsamkeit zu vermitteln, finde ich herausragend.
WEB: SABYO.DE
WWW.FACEBOOK.COM/SABYOMUSIC
SOUNDCLOUD.COM/SABY-O
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: SABY O’
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36 STORIES
ANN DOKA
New Country ist Pop – ganz ohne Plastik
Ann Doka hat sich dem New Country verschrieben,
seitdem sie als Teenie „I Swear“
von John Michael Montgomery im Radio hörte.
Mittlerweile reist sie regelmäßig nach Nashville,
wo sie sich musikalisch zu Hause fühlt.
MM: Du warst schon öfter in den USA – hast
dort Konzerte gespielt und eine EP in der
„Music City“ Nashville produziert. Wie war
es für dich, im Heimatland des Country zu
spielen und aufzunehmen?
ANN DOKA: Ich bin mindestens einmal pro Jahr
in den USA. Am liebsten in Nashville, wo ich mittlerweile
schon Leute gefunden habe, mit denen
ich Songs schreibe, auftrete oder im Studio aufnehme.
Es ist spannend, so etwas in einem fremden
Land zu tun. Aber es ist für mich immer wieder
eine Herausforderung. Immerhin bin ich keine
Englisch-Muttersprachlerin, schreibe und singe
aber auf Englisch. Ich gehe meine Texte nach dem
Schreiben noch mal mit Muttersprachlern durch
– allein schon wegen der Aussprache.
MM: Welches war dein prägendstes oder
schönstes Erlebnis dort?
ANN DOKA: Da gibt es viele – aber im Grunde
sind es die Gegensätze in dieser Stadt. Mal stand
ich mit Musikergrößen wie Chris Rodriguez (Gitarre
– Kelly Clarkson & Keith Urban) und Vail Johnson
(Bass – Whitney Houston) im Tonstudio und habe
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 37
meine eigenen Songs aufgenommen. Vier Stun -
den später sitze ich ganz gemütlich auf irgendeiner
Veranda in East Nashville und jamme mit 15 Mu -
sikern ein bisschen Bluegrass auf einer „Pickin‘
Party“, zu der ich spontan eingeladen wurde.
Dazu gibt es Barbecue und etwas zu trinken.
Wenn ich in Nashville bin, schlafe ich kaum. Von
früh bis spät gibt es nur Musik.
MM: Inwiefern unterscheiden sich deine
Kon zerte hier von denen in Amerika?
ANN DOKA: Als „the German girl“ hatte ich immer
viel Spaß auf den Konzerten. Die Menschen in
den USA sind offen, kontaktfreudig und lieben
Deutschland. Auch die Musiker in Nashville habe
ich als offen kennengelernt. Da wird man spontan
während des Konzerts eines anderen Mu sikers
als Gast auf die Bühne geholt. Das passiert in
Deutschland selten. Hier denkt man eher an
Kon kurrenz, in den USA an Kooperationen. Man
hilft sich gegenseitig, voranzukommen.
MM: Du wirst gern mit Taylor Swift verglichen.
Wie gefallen dir solche Zuschrei bungen?
ANN DOKA: Taylor Swift ist eine erfolgreiche
Künstlerin – von daher finde ich diese Vergleiche
nicht schlimm. Ganz im Gegenteil sehe ich gerade
in den letzten Jahren immer mehr Parallelen.
Auch Taylor Swift startete mit Country und hat sich
von da aus in die Mainstream-Ohren der Radio -
sender gespielt. Mir geht es ähnlich. Meine Songs
waren New-Country-Pop. Mittlerweile überwiegt
der Pop. Und neben den kleinen Radiosendern
haben auch schon einige größere Sender meine
Musik in ihr Programm aufgenommen.
MM: Schon als Teenie hast du Country für
dich entdeckt. In dem Alter hören andere
eher Mainstream-Musik. Wie kam es, dass
du Country gehört hast?
ANN DOKA: Ich habe mit 14 natürlich auch viel
Radio-Mainstream gehört – Mariah Carey, a-ha,
Phil Collins, Elton John, Celine Dion … Einer meiner
Lieblingssongs war „I Swear“ von All4One.
Eines sonntags stolperte ich auf dem Radio sender
AFN über eine Countryversion dieses Songs. Ich
dachte, es sei nur eine Coverversion – bis dann
der Moderator sagte, dass es das Original von
John Michael Montgomery ist. So kam ich zum
Country. Allerdings habe ich immer nur New
Country gehört, der wie Radio-Pop klingt. Cow -
boyhüte und Westernstiefel sind nicht so meins.
Bis heute. Ich will ein modernes Bild von Country
vermitteln, wie es in den USA heutzutage gelebt
wird.
Beeinflusst haben mich Tracy Chapman und einige
US-Countrystars wie Jo Dee Messina, Keith
Urban und Lee Ann Womack.
MM: Was ist für dich das Wichtigste an deiner
Musik?
ANN DOKA: Das Kreative, dass man sich hinsetzen
kann und Melodien und Text schreibt, die
Menschen berühren. Ich finde es wichtig, dass
man sich musikalisch stets weiterentwickelt und
Songs schreibt, die mit gewohnten Mustern brechen.
Keine Perfektion – mehr ‚trial and error‘.
MM: Wie finden deine Freunde, Familie etc.,
dass du Musik machst?
ANN DOKA: Sie sind stolz, glaube ich. Zumindest
sind sie bei Konzerten oft in der ersten Reihe und
unterstützen mich jederzeit. Das finde ich toll.
MM: Dein neues Album soll 2018 rauskommen.
Was erwartet uns?
ANN DOKA: Mein neues Album „Lost But
Found“ ist ein Spiegel meiner letzten Jahre. Es
handelt vom Weggehen aus der Heimat, dem
Ankommen in einer fremden Stadt, des Sich-verloren-Fühlens
und der Frage, wo man sich aufgehoben
und zu Hause fühlt. Das war wie eine
spannende Reise mit mir selbst. Es ist weniger
Country, eher ein Songwriter-Pop-Album.
MM: Wo willst du in fünf Jahren musikalisch
stehen?
MM: Welche Songs haben dich beeinflusst
bzw. welche Songs bedeuten dir viel?
ANN DOKA: Die Liste ist lang! In den letzten
Jahren höre ich querbeet. Aber meine Vorlieben
liegen im Bereich Singer-Songwriter und Pop.
Ich mag Mainstream, solange die Melodien ins
Ohr gehen und die Texte nicht zu trivial sind.
ANN DOKA: Auf der Bühne der Festhalle Frank -
furt! (lacht) Im Ernst: Ich habe keinen festen Plan.
Einfach weitermachen, viel live spielen und Songs
schreiben, die ich mir auch selbst anhören würde.
Songs, zu denen ich weinen und tanzen kann.
Der Rest ergibt sich.
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
»Die Musiker in Nashville habe ich als offen
kennengelernt. Hier denkt man eher an Kon kurrenz,
in den USA an Kooperationen.
Man hilft sich gegenseitig, voranzukommen.«
ANN DOKA – NASHVILLE EP „COULD’VE BEEN MINE“
HTTP://WWW.ANNDOKA.COM | WWW.FACEBOOK.COM/ANNDOKA
4/2017 musiker MAGAZIN

38
MATTHIAS
»Countrymusik wird hierzulande auf
Lager feuerromantik, Pferdehalfter, Cowboys
und kraftstrotzende Trucker reduziert.
Gespielt wird sie meist von alten Männern mit Bart.
Das bringt diese Musik in den Schatten.«
WEB: WWW.FLAME-LIVE.DE | WWW.FACEBOOK.COM/FOLKCOUNTRYMUSIC.DE
FLAME
WOLFGANG
REINHOLD
Fröhliche,
lebensbejahende Musik,
zu der man tanzen kann –
das haben sich
FLAME auf die Fahnen
geschrieben.
Mit ihrem Country
sorgen sie für Stimmung.
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 39
DIETER
JONAS
Verständnis sind wir uns seit etwa 30 Jahren einig.
Jedes Konzert wird zum Fest – vor und auf der
Bühne.
MM: Was fasziniert euch an Country?
FLAME: Wolfgang und ich haben längere Zeit in
einer anderen Band gespielt. Im Lauf der Jahre
gingen aber Vielfalt und Spielfreude verloren. Er -
neu erung war dringend nötig. Also gründeten wir
2015 FLAME.
MM: In Deutschland fristet Countrymusik ein
Schattendasein. Wie seid ihr zu dieser Musik
gekommen?
FLAME: Countrymusik wird hierzulande auf
Lager feuerromantik, Pferdehalfter, Cowboys und
kraftstrotzende Trucker reduziert. Gespielt wird
sie meist von alten Männern mit Bart. Das bringt
diese Musik in den Schatten. So war sie aber nie
gemeint. Kein Cowboy hat Countrymusik ge spielt,
am Lagerfeuer schon gar nicht, denn die waren
meist müde von der Arbeit. Countrymusik ist
Volksmusik, ehemals sogar Hausmusik, vom Volk
fürs Volk. Authentisch und ungeschminkt. Jeder
bringt seine Fähigkeiten und seinen Stil ein. Es
entsteht Gemeinschaft, die zu Fest stimmung und
Tanz führt. Sie dient der Entspannung, Zusam -
men gehörigkeit und Lebensfreude. In diesem
FLAME: Er ist unendlich vielseitig. Das französische
Akkordeon, die kanadische oder deutsche
Fiddle, die irische Flöte, die elektrische und akustische
Gitarre, die Hammond, das Piano, die
Drums, das Cajon oder Waschbrett, die Man -
doline, ein satter Bass schlagen sich in Country -
blues und -rock, irisch und schottisch Folk,
Country swing und Cajun-Musik nieder. Gesungen
wird in verschiedenen Sprachen. Inhaltlich geht
es um irische Bergbauern, Bergarbeiter aus Liver -
pool, oder Liebe, Cowboys und Indianer. Die
Vielfalt wird bei uns auch auf der Bühne deutlich:
Unser jüngstes Bandmitglied ist 19 Jahre alt, das
älteste 72.
MM: Mandoline, Fiddle, „Schebberle“ sind
ja nicht gerade alltägliche Instrumente. Wie
schwer war es, die Band zusammenzustellen?
FLAME: Es ist nicht einfach, geeignete Musiker
zu finden. Die Stammbesetzung von Flame ist
miteinander gewachsen und versteht sich blind.
Wolfgang und ich stehen schon 30 Jahre ge mein -
sam auf der Bühne. Mein Sohn Jonas an den
Drums hat die Countrymusik mit der Muttermilch
eingesaugt und bringt rockige Elemente ein.
Darüber hinaus finden sich Musiker in die Band
ein, die vom Countryfieber angesteckt werden und
dann dabei bleiben. Oder uns manchmal eben
auch verlassen.
MM: Nun seid ihr ja keine Nachwuchsband
in dem Sinne, dass ihr jung seid. FLAME
wurden aber erst vor zwei Jahren gegründet.
Warum so spät?
MM: Ihr habt ganz unterschiedliche Hinter -
gründe – Chormusik, studierter Geiger und
Countryfiddler, Jazz, Rock – kracht’s da
manchmal?
FLAME: Wer sich der Countrymusik verschreibt,
hat Interesse am anderen, am Experimentieren.
Countrymusiker legen sich nicht auf einen Stil fest,
sondern lieben Vielfalt. Das macht die Span nung
aus. Gelegentlich kracht es: Dann, wenn die Viel -
falt zum Konflikt und zum Chaos wird. Die Band
schafft es dann entweder, wieder zueinander zu
finden, oder man trennt sich.
MM: Warum gab es Umbesetzungen?
FLAME: Vielfalt stellt hohe Anforderungen an die
Musiker. Respekt vor dem anderen, Kom promiss -
bereitschaft, Zielorientierung, Gruppen- und Kon -
fliktfähigkeit, sich für einen Sache einsetzen trotz
Beruf. Solche Fähigkeiten sind meist wichtiger
als musikalisches Können. Es geht darum, sich
immer wieder neu zusammenzufinden und die
Spielfreude und Harmonie nie zu verlieren. Es gibt
Musiker, die das nicht können. Dann ist eine
Trennung sinnvoller, ehe die Musik darunter leidet.
Was sind eure Ziele für die nächsten zwei
bis fünf Jahre?
FLAME: Zunächst wollen wir den Deutschen
Countrypreis gewinnen. Ziel ist, unser Ver stän d -
nis von Countrymusik ins Volk zu tragen und diese
Musik möglichst vielen zugänglich zu machen.
Damit wollen wir natürlich Erfolg haben.
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
4/2017 musiker MAGAZIN

40 STORIES
BJÖRN AMADEUS
Musik, die das Herz berührt
MM: Du hast schon früh angefangen zu mu -
sizieren. Was waren deine ersten Schritte
und wie war das für dich?
BJÖRN AMADEUS: Ich wurde in eine Musiker -
familie hineingeboren und durfte mit zwei Jahren
das erste Mal bei einer Studioproduktion mitmachen.
Als ich vier war, schrieb mein Vater für mich
einen Song, den ich für eine CD meiner Eltern
ein singen durfte. Manchmal sangen meine
Schwes ter und ich auch mit auf ihren Konzerten.
Mit sieben erhielt ich Klavierunterricht, später
kamen Schlagzeug- und Gesangsunterricht dazu.
Als Teenie wollte ich eigentlich mit Klavier unter -
richt aufhören, aber meine Mutter erlaubte es
nicht. Stattdessen fing meine Klavierlehrerin an,
mit mir Akkorde zu spielen. So begann ich, eigene
Songs zu komponieren und zu texten.
MM: Warum hast du diesen Anstoß zum
Songs chreiben gebraucht?
BJÖRN AMADEUS: Eine Zeit lang stand bei mir
das Tennisspielen im Vordergrund. Ich bin ein be -
geisterungsfähiger, ehrgeiziger Typ, der Sachen
gerne richtig macht, in dem Fall Tennisspielen.
Irgendwann haben sich die Prioritäten verschoben,
hin zu Musik und Songwriting.
MM: Dein christlicher Glaube ist dir sehr
wichtig. Wie drückt sich das in deiner Musik
aus?
BJÖRN AMADEUS: Es mir ein großes Anliegen,
Menschen mit meiner Musik zu ermutigen. Da
gehört mein Glaube einfach dazu, weil er der
Grund meiner Hoffnung ist. Der Bezug zu meinem
Glauben kann sich in meinen Songs unterschiedlich
ausdrücken. In dem Song „Du bist
geliebt“ wird Gott explizit als derjenige erwähnt,
der uns liebevoll geformt, erschaffen hat. In meiner
neuen Single „Echte Freundschaft“ erwähne
ich Gott gar nicht. Aber ich singe, dass unsere
»Ich singe, dass unsere
Lasten, Sorgen,
Ängste nur noch halb
so schwer sind,
wenn wir sie teilen und
zusammen tragen.
Das passt sehr gut zu dem,
was ich glaube.«
Lasten, Sorgen, Ängste nur noch halb so schwer
sind, wenn wir sie teilen und zusammen tragen.
Das passt sehr gut zu dem, was ich glaube. Für
mich ist Gott ein liebevoller Vater. Ich glaube, er
wünscht sich genau das: Dass wir in Liebe für
einander da und uns die Bedürfnisse anderer
wichtig sind.
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 41
Björn Amadeus Kahl ist
ein Singer-Songwriter,
bei dem der Name
Programm ist:
„Amadeus“ – „Liebe
Gott!“ Mit seinen
gefühlvollen Songs will
er auf den hinweisen,
der ihm Hoffnung gibt.
Damit war er sogar
schon im Fernsehen
bei „The Voice“
und beim Deutschen
Rock & Pop Preis
in Siegen erfolgreich.
MM: Welchen Stellenwert hat Musik in deinem
Leben?
BJÖRN AMADEUS: Einen sehr hohen! Mit Kom -
ponieren, Schreiben und Arrangieren habe ich
seit dem Teenie-Alter nie aufgehört. Mit meinem
Musikstudium in Osnabrück habe ich alles auf
eine Karte gesetzt. Ich kann meine Kreativität
ausleben und auf der Bühne von dem erzählen,
was mir wichtig ist. Natürlich ist das kein einfacher
Weg, denn es gibt viele gute Musiker. Ich
denke aber, dass mein Künstlerprofil viele Men -
schen anspricht.
MM: Warum hast du bei „The Voice“ mitgemacht?
BJÖRN AMADEUS: Dadurch hatte ich die Chan ce,
mich einem großen Publikum zu zeigen. Selbst
wenn ich nicht so weit gekommen wäre, hätten
mich viele Menschen gesehen und gehört.
MM: Beim Deutschen Rock & Pop Preis hast
du in der Kategorie „Singer“ den zweiten
Platz belegt. Wie war es für dich, dort aufzutreten?
BJÖRN AMADEUS: Es war schön, die Möglichkeit
zu haben, einen eigenen Song in einer so großen
Halle zu singen. So eine große Bühne ist schon
etwas Besonderes.
MM: Vergleiche die beiden Events. Was war
ähnlich, was anders?
BJÖRN AMADEUS: „The Voice of Germany“ und
der Deutsche Rock & Pop Preis boten die Mö g -
lichkeit, neue Kontakte im Musik-Business zu
knüpfen und mediale Aufmerksamkeit zu gewinnen.
Für aufstrebende Künstler sind das wichtige
Faktoren. Klar, das eine ist eine Fernseh-Show
mit mehr Reichweite, aber auch mit dem DRPP
kann man bekannter werden.
MM: Was sind deine Ziele für die kommenden
Jahre?
BJÖRN AMADEUS: Ich will mich mit meinem
musikalischen Profil etablieren und mit neuen
(und alten) Songs auf vielen Konzerten ein noch
größeres Publikum erreichen. Es ist mir wichtig,
dass meine Arbeit einen positiven Mehrwert hat.
Ich will die Zuhörer mit meiner Musik nachhaltig
berühren. Mit meiner neuen Single habe ich den
Weg eines mehr akustisch klingenden Singer-
Songwriter-Sounds eingeschlagen. Diesen Weg
will ich weiter gehen.
WEB: WWW.BJOERNAMADEUS.DE
FACEBOOK.COM/BJOERNAMADEUS
YOUTUBE.COM/USER/AMADEUSSOUNDS
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: © MAIK REISHAUS;
© PHILIPP EIFLER, NIA WORTMUSIK
4/2017 musiker MAGAZIN

42 STORIES
Schon vor CREAM hatte Jack Bruce bei der
Alexis Korner Blues Incorporated, vor allem
aber bei der Graham Bond Organisation (dort
bereits mit dem künftigen Cream-Drummer Ginger
Baker) und bei John Mayalls Bluesbreakers ge -
spielt. Es war deutlich geworden, dass er ein
ernstzunehmender, hochtalentierter Musiker war.
Sein Ausflug ins reine Pop-Geschäft mit Manfred
Mann nach dem Weggang von Mayall erschien
künstlerisch freilich wie eine verunglückte Episode;
in Manns späterer Formation, der progressiven
EARTH BAND, hätte Bruce ungleich besser
gepasst. Nachdem CREAM nicht zuletzt an der
Hassliebe zwischen Bruce und Baker gescheitert
waren (beide warfen einander vor, auf der
Bühne zu laut und damit gegeneinander zu spielen),
wuchs Bruce zu einem musikalischen Tau -
sendsassa in den verschiedensten musikalischen
Stil richtun gen heran, dessen Mitwirkung man suchte.
Als einer der markantesten und aus drucks -
stärksten Sän ger und Bassisten der Rock musik
überhaupt prägte er zahllose Musikereignisse. Man
kann nur darüber spekulieren, welches die musikalischen
Folgen gewesen wären, wenn er sich auf
Keith Emersons Wunsch nach der Auf lösung von
THE NICE der Nachfolgeband EMERSON, LAKE
AND PALMER angeschlossen hätte, die über viele
Jahre phantastische Erfolge feierte.
Aber auch ohne diese nicht realisierte Möglich -
keit verlief Bruces weitere Karriere in einer un -
glaublichen Vielfalt mit zahllosen Gastauf tritten.
In einem Artikel kann sein Wirken daher nur
angerissen werden, um den Appetit anzuregen,
sich mit dem Künstler näher zu befassen. Der
Titel der autorisierten Bruce-Biographie „Com-
posing Himself“ von Harry Shapiro könnte dafür
gleichsam das Motto sein.
Zunächst wollte auch ich von Jack Bruce
Musik nur im Stil von CREAM hören. Beim
Durchhören des seinerzeit aktuellen Polydor-
Samplers „Pop Sound 70“, der mit einzelnen
Titeln aus neuen LPs für deren Kauf warb, kam
ich zu „Never Tell Your Mother She’s Out Of Tune“
(mit George Harrisons Gitarre) aus dem ersten
Bruce-Soloalbum „Songs For A Tailor“ (1969).
Trotz der offensichtlichen Qualität des Songs:
Das war eben nicht die Musik der CREAM! Ich
wurde aber rasch eines Besseren belehrt. Denn
auf die Qualitäten wurde ich bald aufmerksam.
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 43
TEIL 9:
JACK
BRUCE
– Musik
ohne
Grenzen
Jack Bruce, geboren 1943 und unter anderem
ausgebildet am Cello, hat als Sänger, Bassist
und Songwriter der bereits 1968
auseinandergebrochenen Supergroup CREAM
musikalische Unsterblichkeit erlangt.
Vermutlich wird er deswegen darauf auch
häufig reduziert.
In den nur gut zwei Jahren ihres Bestehens hat
die Band nicht weniger als die Rockmusik
revolutioniert, indem sie mit immer
ausgedehnteren Live-Improvisationen zugleich
bewies, welches künstlerische Kaliber
Rockmusiker haben konnten,
die angeblich doch ihre Instrumente gar nicht
beherrschten und nur Krach machten,
wenn man der damaligen Elterngeneration
Glauben schenkte. Derlei Vorurteile taten
einem Allround-Vollblutmusiker wie Jack Bruce
absolut Unrecht.
Die Band MOUNTAIN spielte den Bruce-Song
„Theme For An Imaginary Western“ im August
1969 auf dem Woodstock-Festival und nahm ihn
für das 1970 erschienene Album „Climbing“ auf
– der MOUNTAIN-Bassist Felix Pappalardi war
immerhin der CREAM-Produzent gewesen. Eine
in meinen Augen entschieden aufregendere, jazzigere
Interpretation des Songs enthält jedoch
die Colosseum-LP „Daughter of Time“ von 1970,
nachdem die Band zuvor schon auch „Rope
Ladder To The Moon“ von „Songs For A Tailor“
auf dem Album „The Grass Is Greener“ veröffentlicht
hatte. Die drei genannten Songs sind echte
Bruce-Klassiker mit rockigen, balladesken und
jazzigen Schwerpunkten. „Rope Ladder To The
Moon“ war außerdem der Titel des Dokumentar-
Films, den Tony Palmer nach seinem Konzertfilm
CREAM „Farewell Concert“ 1969 über Jack Doch zurück zum Beginn der 1970er-Jahre:
Bruces Werdegang mit Schwerpunkt auf der Zeit Sowohl auf „Songs For A Tailor“ als auch dem
nach Cream gedreht hatte.
jazzigen Nachfolger „Things We Like“ (1970) wirkten
Heckstall-Smith und Colosseum-Drummer Jon
„Songs For A Tailor“ führte Bruce mit seinem Hiseman mit, unterstützt wurden sie von keinem
Band-Kollegen Dick Heckstall-Smith aus der Geringeren als dem Gitarristen John McLaughlin.
Graham Bond Organisation erneut zusammen. Diesen hatte Bruce aus seiner Beteiligung an den
Der Ausnahme-Saxophonist war durch sein eindrucksvolles
Spiel auf John Mayalls Blues - (1970) der Jazz-Rock-Formation THE TONY
Alben „Emergency“ (1969) und „Turn It Over“
breakers-Album „Bare Wires“ (1968) und seine WILLIAMS LIFETIME schätzen gelernt. (Am
prägende Mitwirkung bei Colosseum einer breiten
Öffentlichkeit bekannt geworden. Als 1994 im Beat-Club auftreten. Vor laufender Kamera aber
Rande: Diese Band sollte Ende November 1970
die CD „This That“ mit Bruce, Heckstall-Smith berichtete Moderatorin Uschi Nerke den er staun -
und John Stevens herauskam, waren meine ten TV-Zuschauern, die Band sei so undiszipliniert
Erwartungen demzufolge hoch. Doch der dort gewesen, dass man Abstand von ihr genommen
gebotene Free Jazz enttäuschte sie empfindlich: habe.) Hiseman wiederum spielte wiederholt mit
Vor lauter Tönen war keine Musik zu erkennen. Bruce bei BBC-Auftritten.
8
4/2017 musiker MAGAZIN

44 STORIES
»Nachdem CREAM nicht
zuletzt an der Hassliebe
zwischen Bruce und Baker
gescheitert waren,
wuchs Bruce zu einem
musikalischen
Tausendsassa in den
verschiedensten
musikalischen
Stilrichtungen heran,
dessen Mitwirkung man
suchte. Als einer
der markantesten und
ausdrucksstärksten
Sän ger und Bassisten
der Rockmusik überhaupt
prägte er zahllose
Musikereignisse.«
Von dieser erregenden Musik zeugt das 2008
veröffentlichte Bruce-Set „Live At The BBC
1971-1978“.
Dies alles und Bruces drittes Solo-Album
„Harmony Row“ (1971) waren eindrucksvolle
Zeugnisse seiner musikalischen Kapazität. Daher
hatte er es im Grunde nicht wirklich nötig, mit
den beiden Ex-Mountain-Mitgliedern Leslie West
und Corky Laing das Power-Trio West, Bruce
and Laing zu gründen, das in der kurzen Zeit seines
Bestehens drei Alben herausbrachte. Sie
hinterlassen gemischte Gefühle, denn trotz einiger
wirklich guter Stücke geht es zuweilen leider
mehr um Power als um musikalische Einfälle.
Bruces Trennung von dieser Band war musikalisch
daher folgerichtig. Gesundheitlich zwingend
war dies allemal. Wie viele andere damalige Mu -
siker hatte auch Bruce zu Drogen ge griffen und
damit seine Gesundheit nachhaltig ge schädigt.
Bei West, Bruce and Laing jedoch war der Heroin-
Konsum geradezu bedrohlich an gestiegen.
Abgesehen davon erfand Bruce sich häufig
buchstäblich neu, sodass er im Laufe der Jahr -
zehnte mit so unterschiedlichen Musikern zu -
sam men spielte wie Jan Akkerman, Norman
Beaker, Dickie Betts, Carla Bley, Clem Clempson,
Billy Cobham, Larry Corryell, Steve Cropper, Bob
Dylan, Rory Gallagher, Michael Gibbs, Gov’t
Mule, Jan Hammer, Kip Hanrahan, Tony Hymas,
Chaka Khan, Fela Kuti, Leslie Mandoki, Gary
Moore, Nucleus, Alan Parsons, Simon Phillips,
Cozy Powell, Lou Reed, Keith Richards, Uli John
Roth, David Sancious, Ringo Starr, Mick Taylor,
Robin Trower, Bill Ward, Bernie Worrell, Frank
Zappa; die Liste ist absolut nicht vollständig.
Seine Beteiligung an dem Album „Apostrophe“
(1974) bescherte Frank Zappa übrigens die am
besten verkaufte LP seiner Karriere. Und schließlich
kam er 1993 und 2005 vorübergehend auch
wieder mit Ginger Baker und Eric Clapton zu -
sammen.
Aufregend waren insbesondere Jack Bruces
Live-Auftritte, auf denen häufig einige CREAM-
Titel zu hören waren. Zahlreiche CDs und DVDs
sind zumindest ausschnittsweise auf CD und
DVD festgehalten worden. Gleich der zeitlich
erste Mitschnitt der Jack Bruce Band vom 1. Juli
1975 in Manchester hat es in sich. Mit der Jazz-
Key boarderin Carla Bley und dem exquisiten
Gitar risten Mick Taylor, der Ende 1974 bei den
Rolling Stones ausgeschieden war, unternahm
Bruce spannende Ausflüge in Rock, Jazz, Blues
und Folk. Aufzeichnungen zweier Kon zerte dieser
Zusammensetzung wurden 1998 unter dem
Titel „Live ’75“ (mit einer ungewöhnlichen Version
des Cream-Klassikers „Sunshine Of Your Love“
und ein über 20-minütiges Medley aus dem Solo -
album „Harmony Row“) und 2003 als „Live On
The Old Grey Whistle Test“ herausgebracht, 2003
zusammen mit Auf nahmen von Jack Bruces 1980
neu gegründeter Formation, der Bley und Taylor
nicht mehr angehörten.
Im legendären Rockpalast war Bruce zum
ersten Mal in der 7. Essener Rockpalast-Nacht am
19. Oktober 1980 mit seiner Band Jack Bruce and
Friends zu Gast. Diese „Friends“ waren nam hafte
Musiker. Gitarrist Clem Clempson hatte eine beeindruckende
Karriere bei Colosseum und Humble
Pie hinter sich, Billy Cobham zählte damals schon
zu den wichtigsten Drummern überhaupt, und
Key boarder David Sancious ge hört ebenfalls zur
Elite seiner Zunft. Das spannungsreiche Konzert
der Band geriet zu einem weiteren Highlight der
Rockpalast-Geschichte, unter anderem mit einem
furiosen Gitarren-Duell, das Clempson und
Sancious sich beim CREAM-Klassiker „White
Room“ zu Bruces Gesang lieferten. Weitere Live-
Auftritte von Jack Bruce and Friends in den USA
sind mittlerweile auf mehreren CDs erhältlich. 1980
nahm diese Band außer dem die hörenswerte LP „I
Always Wanted To Do This“ auf.
Am 1. November 1983 war die Jack Bruce
Band (erneut mit „Sancious“) im Rockpalast bei
einem Auftritt in der Zeche Bochum zu bewundern.
Dass Bruce ein Multi-Instrumentalist war,
bewies er am 16. Oktober 1990 in der Kölner
Music Hall mit einem Solo-Konzert vornehmlich
an den Keyboards und als Mundharmonika-
Spieler, ehe er sich nach dem Ende seines Auf -
trittes zu einer anderen Bühne des Hauses zu
Rory Gallagher gesellte, seinen Bass umhängte
und mit dem irischen Top-Gitarristen die Songs
„Born Under A Bad Sign“, „I’m Ready“ und
„Politician“ darbot – ein Musikfest, das die zwei
Ausnahmemusiker dem Publikum bescherten!
Wenige Monate darauf gehörte Bruce am 25.
April 1991 als Bassist im Kölner E-Werk zur
Allstar-Band des Jimi Hendrix Concert, auf dem
der begeisternde Sänger der Songs „Spanish
Castles Magic“, „One Rainy Wish“ und „The
Wind Crys Mary“ darbot. Zu den außergewöhnlichsten
Rockpalast-Auftritten zählen jedoch
seine beiden Konzerte vom 2. und 3. November
1993 im Kölner E-Werk anlässlich seines 50.
Geburtstages. Seinerzeit wurden nur Ausschnitte
ausgestrahlt, mittlerweile aber liegen sie seit
Herbst 2014 nach den schon 2005 als DVD herausgebrachten
anderen Rockpalast-Konzerten
nahezu komplett auf drei DVDs vor mit praktisch
allem, was Bruce ausmacht und auszeichnet,
von Klassik bis zum Jazz, zu Balladen und zum
erdigem Rock. Neu war dabei der intensive Song
„Neighbor, Neighbor“. Unter den vielen Gästen
waren Dick Heckstall-Smith, Clem Clempson,
Simon Phillips, Gary Husband und, trotz aller
Animositäten, Ginger Baker. Schon schien eine
Fortsetzung der kurzen CREAM-Reunion denkbar,
die am 12. Januar 1993 in Cleveland stattgefunden
hatte, als die Band in die Rock ‘n’ Roll
Hall of Fame aufgenommen wurde. Doch auf
Eric Clapton wartete man in Köln vergeblich, da
er an einem solchen Unterfangen zu der Zeit kein
Interesse hatte. Dafür spielten Bruce, Baker und
der irische Spitzen-Gitarrist Gary Moore ein fantastisches
CREAM-Set.
Dieser gemeinsame Auftritt hatte Folgen.
Bruce und Moore hatten ursprünglich geplant,
mit dem Drummer Gary Husband ein Album aufzunehmen.
Da Husband jedoch andere Ver -
pflichtungen hatte, taten sich Bruce und Moore
mit Baker zu BBM zusammen und veröffentlichten
1994 die CD „Around The Next Dream“, der
gemeinsam Live-Auftritte folgten. Und nun warfen
Kritiker Bruce vor, nach etwa einem Viertel -
jahrhundert wieder auf CREAM-Pfaden zu wandeln,
während man andere Bands, die sich wie
Oasis die Beatles oder The Who zum Vorbild
nahmen, hofierte – verkehrte Welt! BBM blieben
allerdings aus anderen Gründen eine kurzlebige
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 45
»Aufregend waren insbesondere Jack Bruces
Live-Auftritte, auf denen häufig
einige CREAM-Titel zu hören waren.«
Angelegenheit. Nicht nur die Differenzen zwischen
Bruce und Baker lebten wieder auf,
Moore musste wegen seines Tinnitus auch wiederholt
Auf tritte absagen, was vor allem Baker
missfiel, der wegen eines finanziellen Eng passes
damals auf Einnahmen angewiesen war. Bruce,
Husband und Moore hingegen kamen 1998 für
Bruces Video-Porträt „The Cream Of Cream“ und
Husbands Video „Interplay And Improvisation“
endlich doch für eine Reihe von CREAM-Titeln
zusammen, und dann 2002 noch einmal zu dem
John-Lee-Hooker-Tribute „From Clarksdale To
Heaven“, dem gemeinsame Kon zerte in Groß -
britannien folgten.
1981 hatte Bruce mit dem ehemaligen Procol-
Harum-Gitarristen und Jimi-Hendrix-Adepten
Robin Trower die Alben „B.L.T.“ und „Truce“ aufgenommen.
Leider geben sie ein schwankendes Bild
ab, vor allem „Truce“, weil es nicht mit Songs der
Güte von zum Beispiel „Carmen“ von „B.L.T.“ punk -
ten kann. Bruce und Trower unternahmen jedoch
2008 gemeinsam mit Drummer Husband einen
neuen Anlauf. Das ausgezeichnete Album „Seven
Moons“ bestätigte Trowers Einschätzung, dass es
nun ge lungen sei, sich mit Bruce musikalisch ohne
wenn und aber absolut verstanden zu haben. Der
Live-Mitschnitt gleichen Titels auf DVD legt ein Zeug -
nis darüber ab, wie die Band ihr Publikum mitriss.
Schon 1987 hatte Bruce in Japan seine Fans
begeistert mit solch herausragenden Mitstreitern
wie dem Session-Drummer Anton Fier und dem
japanischen Rock-Gitarristen Kenji Suzuki. Aus -
schnitte eines Auftrittes des Trios sind auf der CD
„Inazuma Super Session – Absolute Live!!“ zu
hören. Ausführliche Live-Mitschnitte von Bruces
Konzerten mit Ringo Starr and His All-Starr Band
aus den Jahren 1997 bis 2000 sind hingegen
bislang nicht erschienen. Offizielle Bild- oder Ton -
träger von Alan Parsons Beatles-Tribute-Tournee
„A Walk Down Abbey Road“, an dem Bruce
eben falls beteiligt war, sind bislang eine Fehl an -
zeige geblieben.
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4/2017 musiker MAGAZIN

46 STORIES
»Bruce hatte Ende Oktober
2006 auf dem deutschen
Jazzfestivals in Frankfurt
am Main mit der hr Big Band
ein denkwürdiges Konzert
gegeben, bei dem
er und die Band mit Verve
und traumwandlerischer
Sicherheit spielten.«
»Vom Krebs endgültig
gezeichnet produzierte
Bruce mit einer
Vielzahl ausgezeichneter
Gastmusiker ein
stimmiges, überzeugendes
letztes Album, das ihn
trotz nachlassender
Stimmkraft ein letztes Mal
als einen der
bedeutendsten Musiker
unserer Tage ausweist.«
Besonders begeistert war Bruce von seiner
späteren Band Cuicoland Express, mit der er unter
anderem 2001 in The Milky Way und im Sommer
2002 auf dem Canterbury Fayre Music Festival
auftrat. Das letztere Konzert erschien 2003 auf
DVD. Beide Konzerte sind abwechslungsreiche
Querschnitte durch Bruces Karriere seit den
CREAM-Tagen. Das Canterbury-Konzert beginnt
mit Sprechgesang zu Percussion, ge folgt von ra -
santen Versionen bekannter Titel und dem unter
die Haut gehenden Song „Milonga“ von Bruces
Album „Shadows In The Air“ aus dem Jahr 2001.
Dass Bruce von Cuicoland Express als einer seiner
besten Bands sprach, ist absolut nicht übertrieben.
Nach langjährigem Drogenmissbrauch litt Bruce
an Leberkrebs und musste sich 2003 einer
Leber transplantation unterziehen. Sie verlief
erfolgreich, aber er erholte sich nur langsam. Da
auch Baker zu der Zeit an Arthritis gelitten
haben soll, soll Clapton sich vor diesem Hinter -
grund zur CREAM-Reunion bereit erklärt haben,
die 2005 stattfand mit unglaublich erfolgreichen
Auftritten in der Londoner Royal Albert Hall und
im New Yorker Madison Square Garden. Diese
Konzerte waren im Handumdrehen ausverkauft,
die Schwarz markt preise stiegen ins Astrono -
mische, das Repertoire wurde auf CD und DVD
veröffentlicht. Eine angedachte CREAM-Tournee
scheiterte am alten Streit zwischen Bruce und
Baker. Zu Bakers Ehrung am 7. Dezember 2008
anlässlich des Ziljian Drummers Achievement
Awards im Londoner Shepherd’s Bush Empire
stand Bruce jedoch mit Tony Allen wieder an
Bakers Seite auf der Bühne.
Vor seiner erneuten Zusammenarbeit mit Robin
Trower 2008, die Bruce trotz seiner zurückkehrenden
Krankheit unverändert als kraftvollen
Sänger und Bassisten zeigte, hatte er Ende
Oktober 2006 auf dem deutschen Jazzfestivals
in Frankfurt am Main mit der hr Big Band ein
denkwürdiges Kon zert gegeben, bei dem er und
die Band mit Verve und traumwandlerischer
Sicherheit spielten. 2015 wurde dieses einmalige
Ereignis als CD- und DVD-Album unter dem Titel
„More Jack Than Blues“ ver öffentlicht, das man
nur wärms tens ans Herz legen kann (am besten
zuerst die CD hören und dann die DVD ansehen,
um aus dem Staunen nicht mehr herauszukommen).
Wie erregend wäre es wohl gewesen,
wenn Bruce auch den ohnehin schon vorzüglichen
(und für den Rockpalast aufgezeichneten)
Auftritt der Herzberg Blues Allstars (mit dabei die
Hamburg Blues Band, Clem Clempson und Chris
Farlowe) auf dem Burg Herzberg Festival Ende
Juli 2006 als Sänger und Bassist quasi als
Sahne häubchen veredelt hätte?!
Über all die Live-Perlen sollen Bruces Studio-
Alben, die nach „Harmony Row“ erschienen sind,
nicht vernachlässigt werden. Bei einer so langen
Karriere verwundert es nicht, dass nicht sämtliche
Alben durchweg gelungen sind. Zum Bei -
spiel wirkt „How’s Tricks“ von 1977 seltsam glatt,
musiker MAGAZIN 4/2017

da es die Ecken und Kanten von Bruce vermissen
lässt. Alben wie „A Question Of Time“ von
1989 (unter anderem mit dem spannungsgeladenen
„Life On Earth“) mit Ginger Baker auf
zwei Titeln und Something Els (1993) präsentieren
hingegen den bestens aufgelegten Aus -
nahme musiker. Clapton war 1989 auf dem
Bruce-Sampler „Willpower“ an der Lead-Gitarre
auf den bis dato unveröffentlichten, 1987 und
1988 aufgenommenen Songs „Ships In The
Night“ und „Willpower“ (mit Clem Clempson) zu
hören. Auf der CD „Monkjack“ (1995) glänzte
Bruce am Keyboard (Klavier und Hammond-
Orgel), sei es solo oder im Duett mit Bernie
Worrell. Die Ver öffentlichung dieses neuen
Materials zog große Aufmerksamkeit auf sich.
Für „Shadows In The Air“ (2002), ein Album mit
herausragenden Titeln wie „This Anger’s A
Liar“, spielten Bruce und Clapton im Studio die
CREAM-Titel „Sunshine Of Your Love“ und
„White Room“ neu ein. Knapp zehn Jahre nach
dem rundum empfehlenswerten Album „More
Jack Than God“ (2004) er schien 2014 mit
„Silver Rails“ wenige Monate vor Bruces Tod
sein letztes Studio-Album. Vom Krebs endgültig
gezeichnet produzierte Bruce mit einer
Vielzahl ausgezeichneter Gastmusiker ein stimmiges,
überzeugendes letztes Album, das ihn
trotz nachlassender Stimmkraft ein letztes Mal
als einen der bedeutendsten Musiker unserer
Tage ausweist.
NEU
Bereits 2008 hatte das Label Esoteric Records
Bruce die sechs CDs umfassende Werkschau
„Can You Follow“ gewidmet. Ein vielseitiger
Künst ler wie Bruce hat allerdings vermutlich Eini -
ges an Musik hinterlassen, was bisher in Archiven
schlum mert. Daher wird das letzte Wort über
eine noch umfassendere Re trospektive mit weiteren
bisher unveröffentlichten Live-Glanzlichtern
nicht gesprochen worden sein.
NÄCHSTE FOLGE:
CREAM – DER ZEITLOSE KLASSIKER
WEB: WWW.JACKBRUCE.COM
TEXT: NORBERT APING
FOTO (S. 15): MAREK HOFFMANN
FOTOQUELLE: WIKIPEDIA
GLX-D ® ADVANCED DIGITAL WIRELESS
MEHRKANAL-SETUP
SO EINFACH WIE NIE.
Die digitalen GLX-D Advanced Systeme bieten einen Empfänger
für die Rack-Montage sowie den Shure Frequency Manager und
liefern einen erstklassigen Klang, intelligente Akkutechnologie
und sichere Drahtlosperformance, auch bei der Nutzung mit
mehreren Systemen.
DR. NORBERT APING
Geboren 1952, Buchautor
und Leiter des Amtsgerichts
in Buxtehude.
www.shure.de
© 2017 Shure Incorporated

48 STORIES
ZEITEN DES AUFBRUCHS
Mats Henningh
verbindet seine Musik mit
Geschichte.
Als Jugendlicher vom
Beatles-Hype angesteckt,
fing er selbst an, Songs
zu schreiben.
In seinem Buch „Auf dem
Weg zu Ike’s Café – oder –
wie wir beinahe alle
Beatles wurden“ wirft er
einen Blick in seine eigene
Vergangenheit.
Die passenden Klänge
liefert Henningh gleich
mit. Zu dem Buch
erscheint ein Album, für
das er die Songs von
früher neu aufbereitet hat.
MATS HENNINGH
BUCH: „AUF DEM WEG ZU IKE’S CAFE – ODER – WIE WIR
BEINAHE ALLE BEATLES WURDEN“
TRULY SIRIUS
CD: „IKE’S CAFE“
WEB: MATSHENNINGH.JIMDO.COM
MM: Du hast ein Buch über dein Leben als
Musiker geschrieben. Wie kam es dazu?
MATS HENNINGH: Schon vor längerer Zeit hatte
ich die Idee, mir einmal das von der Seele zu
schrei ben, was mich als 19-Jährigen so bewegt
hat, als ich zusammen mit zwei gleichaltrigen
Freun den Musik machte.
Diese Zeit erscheint mir heute als besonders
intensiv. Etwas später habe ich dann noch einmal
neu angesetzt und den Zeitrahmen weiter
gefasst, nämlich von dem Moment an, als mich
die Beatles musikalisch infizierten, bis in die un -
mittelbare Gegenwart hinein.
MM: Der Fokus des Buches sind die Sieb zi ger -
jahre. Wie sah dein Leben damals aus?
MATS: Aus heutiger Sicht nicht gerade mustergültig.
Ich hatte große Schwierigkeiten in der Schule,
einem humanistisch-katholischen Gymnasium (bis
heute bin ich mir nicht sicher, ob das nicht ein
Widerspruch in sich ist). Sowohl der Lehrstoff als
auch die Lehrer selbst schienen mir zum großen
Teil ungeeignet, sich mit den Fragen auseinanderzusetzen,
die sich uns Jugendlichen aufdrängten.
Einziger Ausweg für mich: Die Flucht nach vorn in
die Musik mit exzessivem Songschreiben. Das
hatte ich zusammen mit einem Schulfreund schon
ein paar Jahre zuvor begonnen; und als wir dann
unseren dritten Mann fanden, einen Deutsch-
Japaner mit philippinischen Wurzeln, waren wir
komplett und nannten uns „Anythree“, was so viel
bedeutete wie „Irgend drei“, drei, die äußerlich
ganz normale Typen waren mit langen Haaren, wie
es sich damals für coole Leute gehörte, innerlich
aber schon was Besonderes wegen ihres Talents,
gute Songs zu schreiben.
MM: Dieses Jahrzehnt gilt noch heute als
ikonisch – auch dank der Musik. Was sind
deine Erinnerungen an das Lebensgefühl?
musiker MAGAZIN 4/2017

STORIES 49
MATS: Eigentlich empfinde ich mich musikalisch
eher als ein Kind der 60er. Hier war ich wohl
genau in dem Alter, wo der Mensch am leichtes -
ten zu begeistern ist. Dazu erschien dann – quasi
als Synergieeffekt – plötzlich diese unglaubliche
Gruppe aus Liverpool, die sicher auch aus heutiger
Sicht zum Größten zählt, was die Rock- und
Popmusik hervorgebracht hat. Das Lebens gefühl
damals kann man am besten mit nur einem Wort
charakterisieren: Aufbruch. Es gab so viel Neues
und Verrücktes, das in den Menschen ein Gefühl
hervorrief, sich neu zu definieren und auszuprobieren.
Denken wir nur mal an die neuen Verhü -
tungs methoden, die Mondlandung, die Studen ten -
bewegung, die Kulturrevolution in China. Na, und
die Rock- und Popmusik taten das ihre dazu. Die
Siebziger erschienen mir damals lediglich als eine
konsequente Fortsetzung der 60er. Wir waren ja
auch erst am Anfang dieses Jahrzehnts. Wenn
man bedenkt, dass GENESIS gerade erst in den
Startlöchern waren und wir sie noch gar nicht
richtig auf dem Schirm hatten.
MM: Dein Buch trägt den Titel „Auf dem Weg
zu Ike’s Café – oder – wie wir beinahe alle
Beatles wurden“. Worauf spielt der Titel an?
MATS: Ike’s Café war ein beliebtes Tagescafé in
der Bonner Wenzelgasse. Eigentlich hieß es
schlicht „Nr. 12“, wir nannten es nur Ike’s Café,
weil der Besitzer, ein Berliner, auf den Kosenamen
Ike hörte. Dieses Café stellte in gewisser Weise
unseren kulturellen Mittelpunkt dar. Hier trafen
wir uns, hingen rum, hatten Spaß und traten auch
ein paarmal auf.
Dass wir unseren großen Idolen nacheiferten,
versteht sich von selbst angesichts der Tat sache,
dass sich diese Supergruppe gerade erst kurz
vorher aufgelöst hatte. Ihr Einfluss und ihre An -
ziehungskraft waren geradezu gigantisch. Gab es
seit den Beatles denn je eine Band, die in einem
Monat die ersten fünf Plätze der amerikanischen
Charts belegte? Das musste ja auf uns abfärben!
Insofern waren wir innerlich nahe dran, irgendwie
selber Beatles zu werden. Und ich glaube, wir
waren nicht die einzigen, denen es so oder so
ähnlich erging.
MM: Passend zum Buch ist auch ein Album
entstanden, auf dem deine alten Songs neu
vertont werden. Wie klingen die Songs, die
darauf zu hören sind?
MATS: Sie klingen überraschend gut, obwohl ich
für den einzelnen Song im Schnitt nicht mehr als
fünf Stunden Zeit hatte. Ich musste mir im Vorfeld
alles genau überlegen, wie die Instrumente und
die Stimmen einzusetzen waren, um hier nichts
unnötig in die Länge zu ziehen. Allerdings hatte
ich auch ausgezeichnete Musiker, die mir bei der
Umsetzung des Unterfangens halfen.
Die Songs selbst sind fast ausschließlich un -
plugged aufgenommen. Hin und wieder ist aber
auch schon mal eine Hammond dabei, in einem
Song auch mal ein E-Bass. Der Stil ist trotz der
großen Nähe der Beatles eigenständig. Ich lege
Wert darauf hervorzuheben, dass wir sie nicht
einfach kopiert hatten, wie viele das damals taten,
sondern – obwohl natürlich von ihnen stark beein -
flusst – wir unsere eigene Note hatten. Viele unserer
Stücke sind sehr eingängig, wie das auch bei
unseren Vorbildern der Fall war. Man hört sie ein-,
zweimal und sie bleiben im Ohr. Hier will ich mal
ein wenig unbescheiden sein: Das ist eine Kunst
für sich, die wir gut beherrschten.
»Das Lebens gefühl
damals kann man
am besten mit nur einem
Wort charakterisieren:
Aufbruch. Es gab so viel
Neues und Verrücktes,
das in den Menschen
ein Gefühl hervorrief, sich
neu zu definieren
und auszuprobieren.«
MM: Das Album entsteht unter dem Namen
„Truly Sirius“ zusammen mit einer Violi nistin.
Wie hat sich die Zusammenarbeit ergeben?
MATS: Schon lange vor der Produktion hatte ich
eine Anzeige aufgegeben, in der ich Musiker suchte,
mit denen ich auftreten wollte, um die alten
Songs live darzubieten. Louisa war eine der ersten,
die sich meldete; und sie war schließlich auch
diejenige, mit der ich das Projekt im Studio konsequent
durchziehen konnte. Sie ist eine äußerst
begabte Violinistin und steuert zu den Songs ihre
ureigene kreative Melodieführung bei. Der Name
„Truly Sirius“ spielt auf das Doppelgestirn Sirius
an und ist natürlich ein Wortspiel.
MM: Gleichzeitig an einem Album und einem
Buch zu arbeiten ist sicherlich ein Mammut -
projekt. Warum ist dir trotzdem wichtig, dass
sie zusammen erscheinen?
MATS: Das genau ist das Besondere an der
Sache. Das Buch soll die Songs sozusagen be -
gleiten, und umgekehrt sollen die Songs musikalisch
verdeutlichen, was im Buch behandelt wird.
Sie sollen das Geschehen rund um unsere Musik
akustisch untermalen und dem Leser ermöglichen,
sich besser in die Zeit und ihre Akteure, natürlich
im Besonderen in den Erzähler und seine Mit mu si -
ker, hineinzudenken und hineinzufühlen. Die Ver -
gan gen heit wird dadurch zur Gegenwart. Das ist
exakt das, was ich damit bewirken will.
Klar, das Ganze war schon ein ordentliches
Projekt. Es hat sehr viel Zeit in Anspruch genommen
und viel Geduld gekostet; und eine Menge
Herzblut, das ich in die Sache investiert habe.
Schön, dass sich alles gut zusammengefügt hat
und es jetzt richtig weitergeht damit!
MM: Was ist nach der Veröffentlichung ge -
plant? Werdet ihr Konzerte spielen oder ver -
anstaltet ihr Lesungen?
MATS: Da sind wir völlig offen, auch wenn es
gegenwärtig noch keine konkrete Planung gibt.
Im Moment haben wir beide weitere Projekte, an
denen wir arbeiten. Dennoch könnte es sich er -
geben, dass wir hier aktiv werden. Ich denke, wir
sind da sehr flexibel und passen uns den gegebenen
Umständen an.
MM: Einen großen Teil des Musiker-Daseins
nehmen heute Vermarktung und Vertrieb ein.
Hast du dir dazu schon Gedanken gemacht?
MATS: Ja, sehr gerne würde ich Buch und CD im
Doppelpack sofort als Book on Demand anbieten.
Dies gestaltet sich aber recht schwer, da es
nur wenige Anbieter gibt, die beides drucken und
liefern können.
Ich biete deshalb zunächst einmal das Buch
alleine zu einem kostengünstigen Preis als BoD
an, wäre im Weiteren jedoch an einem geeigneten
Verlag interessiert, der mir die echte Option –
Buch und CD – garantieren kann.
MM: Was erhoffst du dir von diesem Pro jekt?
MATS: Da steht an erster Stelle der von mir lang
gehegte Wunsch, unsere Songs von damals endlich
zu veröffentlichen, sie gewissermaßen aus der
Vergangenheit in die Gegenwart zu katapultieren.
Ich finde, sie sind einfach zu gut, um in der Be deu -
tungslosigkeit zu verschwinden. Gleichzeitig möchte
ich durch mein Buch unterhalten. Wenn ich es
dann noch schaffe, dass man über beide Zeit epo -
chen ein wenig nachdenkt und dadurch zu positiven
persönlichen Erkenntnissen kommt, hätte ich
genau das erreicht, was ich mir erhofft hatte.
WEB: MATSHENNINGH.JIMDO.COM
INTERVIEW: JANA MOYSICH
FOTO: LUCA BASTIAN
4/2017 musiker MAGAZIN

50 MUSIKBUSINESS
COACHING – DIE PERSÖNLICHE FORM
DER GESCHÄFTLICHEN BERATUNG
Liebe Leser und
Leserinnen und vor allem
– liebe Künstler!
Seit mehr als 35 Jahren bin ich in Sachen Musik,
Kultur und Kunst in Deutschland als All roun derin
unterwegs, lange bevor die Bundes regierung den
Beschluss fasste, unsere Arbeit als Kultur schaf -
fende und Kreative zu einem Wirtschaftszweig zu
erklären. Die Kultur- und Kreativwirtschaft, auf ge -
teilt in 11 Teilbereiche, die alle zusammen im Jahr
2015 immerhin beachtliche 2,16 % zum BIP
(Bruttoinlandsprodukt) beigetragen haben, wie
uns das vom BMWi (Bundesministerium für Wirt -
schaft und Energie) in Auftrag gegebene aktuelle
Monitoring aus dem Jahr 2016 zeigt.
Warum erzähle ich Ihnen das? Weil ich immer
wieder sehr erstaunt bin u. a. in Gesprächen mit
Seminarteilnehmern meiner Fachseminare, dass
ein erheblich hoher Anteil der aktiv Tätigen im Be -
reich Musik, Veranstaltungen und Events nicht
einmal weiß, dass wir zu einem umsatzträchtigen
Wirtschaftszweig gehören! Und darum verwundert
es mich auch nicht, dass diese Markt teil -
nehmer nicht wissen, dass es bereits seit 2002
etliche Förderprogramme auf Bundes- und
Länder ebene gibt, die jedem Freiberufler oder
Ge werbetreibenden die Möglichkeit geben, sich
coachen zu lassen, um die eigenen Wettbe werbs -
chancen und das unternehmerische Know-how
zu steigern. Das gilt natürlich auch für die Kulturund
Kreativ-Schaffenden, sofern diese marktwirtschaftlich
tätig sind und ihren überwiegenden
Lebensunterhalt aus dieser Tätigkeit bestreiten
wollen (Existenzgründer) oder dies bereits tun
(Bestandsunternehmen)! Es werden Gelder der
öffentlichen Hand zur Verfügung gestellt, die man
per Antrag eigentlich nur abrufen müsste. Dabei
ist ihnen der gewählte Coach oder Berater gerne
behilflich.
WAS PASSIERT IN EINEM
COACHINGPROZESS?
Nun, zunächst wird ein Ist-Stand des Frei be -
ruflers oder des Unternehmers ermittelt und die
Zielsetzungen des Coachees (Klient) festgehalten.
Dann erarbeiten der Coach und der Klient ge mein -
sam eine Strategie, wie diese Ziele zu erreichen
sind und in welchem Zeitraum.
Gleichzeitig werden Prioritäten gesetzt, die dem
Klienten wichtig sind und der Coach für realistisch
erachtet. In allen geförderten Beratungs prozessen
geben die Förderinstitutionen einen Zeitrahmen
vor, in welchem das Coaching beendet sein muss.
Es ist also keine Zeit zu verlieren und die einzelnen
Sitzungen von etwa 1 bis 2 Stunden pro
Sitzung werden terminiert. Solche Meetings können
persönlich, per Skype oder auch per Telefon
stattfinden. Zu jeder Sitzung schreibt der Coach
ein Protokoll, das der Klient meist am gleichen
Tag per E-Mail erhält. Dieses Protokoll hält die
wichtigsten Besprechungspunkte fest, gibt Hin -
weise (z. B. Links) und Empfehlungen zur weiteren
Vorgehensweise und enthält am Ende die To dos
für den Klienten. Diese Protokolle sind ein wichtiges
Dokument für die nächste Sitzung. Gleich -
zeitig soll in diesem Prozess erreicht werden,
dass der Klient zukünftig in der Lage ist, ähnliche
Arbeitsprozesse auch ohne den Coach planen
und durchführen zu können.
HÄUFIG AUFTRETENDE
COACHING-THEMEN
Es kommt natürlich darauf an, ob der Klient
gerade plant, in eine Freiberuflichkeit zu gehen
oder ein Gewerbe anzumelden und sozusagen
Exis tenz gründer ist.
HIER KÖNNEN FOLGENDE THEMEN
DRINGEND SEIN:
Wahl der Rechtsform
Erstellung eines Businessplans
Vertragsmuster
Strategische Maßnahmen für die zukünftige
Selbständigkeit
Wie organisiere ich effektiv und kostengüns -
tig meinen Markteintritt?
Wo bekomme ich eventuell Fördermittel für
mein Projekt oder Vorhaben?
Wer kreiert mir kostengünstig eine Website?
Welchen Berufsverbänden sollte ich beitreten?
Bei sogenannten Bestandsunternehmen können
einige der eben genannten Themen ebenfalls
relevant sein, jedoch befassen wir uns in
diesem Coachingprozess eher mit:
Marketingstrategien, PR (Public Relation) und
Promotionmaßnahmen (und zwar offline und
vor allem online)
verkaufsfördernden Maßnahmen (Werbung,
Telefonverkauf usw.)
Adressenbeschaffung und das Finden neuer
Zielgruppen
Kunden-(Fan-)Pflege und gezielten Aktionen
hierfür
musiker MAGAZIN 4/2017

MUSIKBUSINESS 51
Planung und Durchführung von Einzel ver -
anstaltungen und Tourneen
bei Künstlern: Entwicklung eines Image und
somit einer Marke
Entdecken des eigenen und individuellen
Potenzials und der entsprechenden Ent wick -
lung von Projekten usw.
Es versteht sich von selbst, dass jeder Coa -
ching-Prozess sehr individuell ist und auf den
jeweiligen Klienten, seine persönliche Situation
und seine Leistungskapazität abgestimmt wird.
Zudem par tizipieren meine Coaching-Klienten an
meinen Busi ness-Kontakten, an meinen bereits
erstellten Ta bel len und Formblättern sowie an meinem
Wissen über die Zusammenhänge in der
Musik wirtschaft.
DIE ZIELGRUPPEN FÜR
EIN GEFÖRDERTES COACHING
Seit 15 Jahren berät Gabriele Skarda erfolgreich
Existenzgründer und Bestands unterneh men
(KMU) speziell in den Segmenten Künstler agentur,
Eventagentur, Künstlermanager, kleine Labels,
Ton studios, Konzert- und Tourneeveranstalter
usw., die ein Gewerbe betreiben. Aber auch die
freiberuflichen Künstler unterschiedlicher Genres,
die sich selbst vermarkten müssen, gehören zu
ihrem Klientel. In der Kultur- und Kreativwirtschaft
finden wir ganz viele Ein-Mann-/Frau-Unter neh -
men, bei denen der Beratungsbedarf hoch ist,
gerade im Bereich Selbstvermarktung.
WAS KOSTET SO EIN COACHING?
Überwiegend werden diese Beratungen mithilfe
der staatlichen Coaching-Förder programme
durchgeführt, die eine Kostenerstattung von
50 % bis 80 % vorsehen. Gabriele Skarda führt
mit dem Interessenten ein kostenloses Kontakt -
gespräch, in dem die Förderfähigkeit des Vor -
habens geprüft wird, der Ablauf und die Regeln
einer geförderten Beratung erklärt werden und
die Coaching-Themen besprochen werden. Alle
fördernden Institutionen rechnen in sog. Tag wer -
ken ab. Ein Tagwerk hat 8 Stunden, aber wir
coachen i. d. R. 1 – 2 Stunden pro Sitzung. Das
heißt, für ein erstes Coaching brauchen wir etwa
2 – 3 Tagwerke, welches 16 bis 24 Stunden entspricht
und innerhalb von 6 Monaten durchgeführt
werden muss. Ein Tagwerk kostet von 600
bis 800 Euro, wovon der Coachee, je nach Pro -
gramm, die oben erwähnte Erstattung be kom mt.
Grundsätzlich geht der Coach immer in die Vor -
leistung.
Das bedeutet, dass erst am Ende des Be -
ratungsprozesses ein Abschlussbericht erstellt
»Ein guter Coach
fördert Sie, ohne
Ihnen die Verantwortung
abzunehmen,
er unterstützt Sie, die
von Ihnen gewünschten
Veränderungen
vorzunehmen, und er
motiviert Sie, den
von Ihnen erarbeiteten
Weg zu gehen.«
wird, der Pflicht ist und von beiden (Coach und
Klient) unterschrieben wird, und erst dann wird die
Rech nung gestellt.
BEISPIELE ZU
FÖRDERPROGRAMMEN
Nachdem etliche Programme in den vielen
Jahren mehrmals umstrukturiert wurden, gibt es
seit dem Jahr 2016 das bundesweit einheitliche
Programm zur Förderung von unternehmerischem
Know-how.
Die Antragstellung erfolgt über das BAFA
(Bundesamt für Wirtschaft und Ausfuhrkontrolle)
im Online-Verfahren und richtet sich an
junge Unternehmer und Freiberufler, die nicht
länger als zwei Jahre am Markt sind
(sog. Jungunternehmer)
Unternehmen und Freiberufler nach dem
dritten Jahr der Gründung (Bestands unter -
neh men)
Unternehmen in wirtschaftlichen Schwierig -
keiten, unabhängig vom Unternehmensalter
(sog. Unternehmen in Schwierigkeiten)
Über diesen Link erfahren Sie genauere De tails,
die Gabriele Skarda Ihnen gern in einem Ge -
spräch erklärt.
http://www.bafa.de/DE/Wirtschafts_Mittelstandsf
oerderung/Beratung_Finanzierung/Unternehmens
beratung/unternehmensberatung_node.html
DER COACH – FACHLICHE
UND PERSÖNLICHE KOMPETENZ
Ein guter Coach sollte sowohl über gute psychologische
als auch über betriebswirtschaftliche
Kenntnisse verfügen. Ein guter Coach fördert Sie,
ohne Ihnen die Verantwortung abzunehmen, er
unterstützt Sie, die von Ihnen gewünschten Ver -
änderungen vorzunehmen, und er motiviert Sie,
den von Ihnen erarbeiteten Weg zu gehen.
Allerdings muss ein Coach auf dem freien Markt
grundsätzlich keine formale Qualifikation nachweisen.
Jedoch die Berater, die mit staatlichen
För der pro gram men arbeiten (wie auch ich), müssen
sich einer Qualifikation unterziehen. Solche
Coaches finden Sie auf der KfW-Beraterbörse:
https://beraterboerse.kfw.de/index.php?ac=con
sultant_search
Liebe Leser, es würde mich sehr freuen, wenn
es mit diesem kurzen Artikel gelungen ist, Ihnen
ein wenig mehr Wissen über Coaching zu vermitteln.
Alle reden vom Coaching, nur wenige
kennen die Vorgehensweise! Möchten Sie mehr
über die einzelnen Coaching-Förderprogramme
erfahren oder sich über mich als Coach und über
meine berufliche Laufbahn informieren? Dann lade
ich Sie ein, meine Website speziell zum Thema
Seminare und Coaching in der Musik- und Ver -
an staltungswirtschaft zu besuchen:
www.skarda-seminare.de oder besuchen Sie mich
auf Facebook auf der Unternehmensseite
https://www.facebook.com/Skarda.Seminare/?f
ref=ts
Ich grüße Sie alle ganz herzlich und wünsche
Ihnen viel Erfolg bei allen Projekten, die Sie gerade
am Start haben …
Ihre
Gabriele Skarda
Künstleragentur, Seminare, Coachings
FOTO: © EVERYTHINGPOSSIBLE/FOTOLIA
FOTOQUELLE: GABRIELE SKARDA
4/2017 musiker MAGAZIN

52 MUSIKBUSINESS
MÄNNER MACHEN MUSIK,
FRAUEN DIE MUSE
In der Popmusik sind die Machtverhältnisse
zwischen den Geschlechtern nach wie vor ungerecht verteilt
Musik ist nicht nur Kultur, sondern auch eine
Industrie. Eine Industrie, die sich nach
rückläufigen Umsätzen Anfang der 2000er-Jahre
langsam wieder erholt. Die Machtverhältnisse
sind derzeit aber ähnlich geblieben: Vor allem der
Inner Circle der Musikindustrie ist nach wie vor
ein Männerverein. In den Vorstandsetagen von
Sony, Universal und Warner Music International
sitzen ausschließlich Männer und nur knapp acht
Prozent der beim Verband unabhängiger Musik -
unternehmen registrierten Firmen werden von
Frauen geführt.
Dabei sind laut einer Umfrage von UK Music,
einer Organisation, welche die Interessen der kom -
merziellen Britischen Musikindustrie vertritt, sogar
59 Prozent der Berufseinsteiger im Musikbusi ness
Frauen. Sie machen damit mehr als die Hälfte
der Mitarbeiter zwischen 25 und 34 Jahren aus.
Unter den älteren Mitarbeitern (ab 45 Jahren) und
auf Führungsebene finden sich dagegen kaum
Frauen.
Lange Zeit war der übliche und einzige Ein -
stieg von Frauen in die Branche der Job als Pro -
moterin. Hübsche junge Mädchen machten den
meist männlichen Pressevertretern die Produkte
musiker MAGAZIN 4/2017

MUSIKBUSINESS 53
der Musikindustrie schmackhaft. Für hochrangige
Jobs wurden Frauen eher nicht in Betracht
ge zogen. Diese Strukturen ändern sich langsam,
sind aber gerade bei den Majors nicht leicht aufzubrechen.
In Interviews geben in der Musikindustrie tätige
Frauen überdies immer noch häufig an, mit
Sexismus konfrontiert zu sein. Sobald ein Mann
mit im Raum sei, werde mit ihm das Geschäftliche
besprochen, auch wenn eine Frau alle zu be -
sprechenden Konzepte selbst ausgearbeitet habe.
Viele Befragte räumen aber ein, dass ihre Arbeit
auch von etlichen männlichen Kollegen in der
Bran che geschätzt werde, denen zumeist gar
nicht auffalle, dass in den höheren Positionen
oder auch z. B. in Musikredaktionen kaum Frauen
vertreten sind.
UND WIE SIEHT DAS GANZE AUF
KÜNSTLERSEITE AUS?
Im Durchschnitt sind unter den Interpreten der
Deutschen Single-Charts seit 2000 nur 26 Pro -
zent Frauen. Das ist den meisten gar nicht so be -
wusst. Auch auf großen Festivals liegt der Anteil
weiblicher Interpreten oft bei unter 10 Prozent. Hier
fällt auf, dass die meisten Künstlerinnen Sän ge -
rinnen sind, Instrumentalistinnen sind selten. An
den Universitäten studieren zudem mehr Männer
Popularmusik als Frauen. Frauen belegen auch
da zumeist das Fach Gesang. Ein paar Bassis tin -
nen und Schlagzeugerinnen gibt es, aber selten
Gitarristinnen oder Keyboarderinnen. Im Jazz stu -
dieren die Frauen meist Gesang und Piano und
sind an den anderen Instrumenten seltener vertreten.
Welche Gründe kann das haben? Werden
Mädchen generell weniger ermutigt, selbst aktiv
in einer Band zu spielen oder hinter den Turn tables
zu stehen, sondern in die Rolle als Muse, Groupie
und Fan gedrängt? Rockmusik hat ihre Wurzeln
im Blues und im Country, die zum Teil sehr vom
Machotum geprägt waren.
Im Schnitt fangen Frauen tatsächlich deutlich
später an, in einer Band zu spielen, als Männer.
Zwar nehmen sie häufig schon als Kind Musik -
unterricht, eine klassische Ausbildung ist für den
Einstieg in eine Band aber unter Umständen nicht
ausreichend. Hier muss man sich von Noten dis -
tanzieren, die Musik fühlen, selbst kreativ sein und
sich Parts für sein Instrument ausdenken. Alles
muss auswendig gespielt werden – oder es bleiben
selbst für exzellente Instrumentalisten nur
simple Parts zugunsten der anderen Band mit -
glieder übrig (damit zum Beispiel der Gesang
besser durchkommt, der mit der Frequenz der
Gitarre konkurriert). Für viele Männer ist die Band
oft auch ein Rückzugsort von zu Hause (ähnlich
wie manche Sportvereine), wo sie unter sich sein
können. Sie machen die Band außerdem häufiger
zu ihrem Lebensmittelpunkt, während Frauen häufig
noch andere Prioritäten, vor allem im sozialen
Bereich, setzen.
Auch die für Bands typischen elektronischen
Instrumente bringen Herausforderungen mit sich.
Da Mädchen in ihrer Sozialisation in der Regel
weniger mit Technik herumexperimentieren, liegt
bei ihnen unter Umständen die Hemm schwelle im
Umgang mit Hightech-Geräten höher, sie haben
zum Beispiel Angst vor einem Feed back der Ver -
stärker. Außerdem muss man sein Equipment warten
und gegebenenfalls auch re parieren können,
und nicht nur dafür sind Fach begriffe unabdinglich.
Auf Konzerten muss man sich schließlich mit
den Technikern beim Sound check und dem Ver -
an stalter im Vorfeld verständigen können. Wäh -
rend Männer sich häufiger für technische Spiel e -
reien begeistern, sind Frauen eher desinteressiert.
Das kann an ihrer Sozialisa tion liegen, aber auch
daran, dass Männer gern fachsimpeln und Frauen
dabei systematisch aus grenzen.
Die Hürden für eine Frau, ein Instrument in einer
Band zu spielen, sind also höher. Am leichtesten
haben es noch Bassistinnen. Der Bass ist in einer
Pop-/Rockband ein eher unbeliebtes Instrument,
das man am schlechtesten heraushört. Auch ist
der Bassist als Teil der Rhythmusgruppe weniger
am Songwriting beteiligt und steht seltener durch
Soli im Vordergrund. Das mächtige und laute
Schlagzeug sowie die Aufmerksamkeit garantierende
Gitarre bleiben jedoch häufig in Männer -
hand. Frauen wird eben kaum Verständnis für
Musik zugetraut, sie sind in erster Linie dazu da,
der Band zu huldigen.
Auch die Anzahl weiblicher DJs ist geringer,
zudem werden sie weniger ernst genommen. Be -
kannte It-Girls oder Erotikmodels, die als „DJane“
arbeiten, tragen dazu bei. Bei ihnen läuft in der
Regel ein vorproduzierter, fertiger Mix, während
die Künstlerin ein paarmal etwas ins Mikro sagt,
aber im Grunde keiner DJ-Tätigkeit nachgeht. In
anderen Genres wie dem Dance sind Frauen
eben falls meist in der klassischen Besetzung als
Sängerin anzutreffen, während ein Mann an den
Keys bzw. Turntables steht. Als Produzentinnen
oder Komponistinnen wiederum treten Frauen
nahezu überhaupt nicht auf.
Selbst hinter den Hits weiblicher Interpreten wie
Helene Fischer, Nena oder internationaler Top -
stars wie Ariana Grande, Beyoncé oder Céline
Dion stecken oft Männer. BR Puls hat zusammen
mit der GEMA die 100 Songs analysiert, für die
Urheber in der Zeit von 2001 bis 2015 die meisten
Ausschüttungen durch Radioairplays erhielten. Er -
gebnis: Nur rund 11 Prozent der Songs stammen
von Frauen.
Dass Frauen überhaupt komponieren und Kom -
position studieren dürfen, war lange Zeit nicht
selbstverständlich; darum gibt es auch wenige
historische Vorbilder. Eine Ausnahme erscheinung
wie Clara Schumann durfte nur komponieren, weil
sie von ihrem Vater und ihrem Mann sehr gefördert
und unterstützt wurde. Fanny Hensel, die
Schwester von Felix Mendelssohn, veröffentlichte
einige Stücke unter dem Namen ihres Bruders,
weil ihre Stücke anderenfalls nicht anerkannt worden
wären. Bis heute scheinen sich diese Struk -
turen auszuwirken.
»Werden Mädchen
generell weniger ermutigt,
selbst aktiv in einer Band
zu spielen oder hinter
den Turn tables zu stehen,
sondern in die Rolle
als Muse, Groupie und Fan
gedrängt?«
In der Welt der klassischen Musik ist die Hürde
für Frauen, ein Instrument zu erlernen, deutlich
nie driger. Hier wird wie in der Musikschule nach
Noten gespielt, die Mädchen sammeln im gleichen
Alter wie die Jungen Erfahrungen am Instrument.
Dirigentinnen aber sind bis heute ebenfalls rar
ge sät.
Alte Strukturen, traditionelle Sozialisation und
fehlende Vorbilder bremsen also den Zugang der
Frauen in die Musikbranche, möglicherweise leis tet
aber auch die Berichterstattung über Musik ihren
Beitrag: Vielleicht liegt das daran, dass die Musik -
nerds, die sich im Internet und auf Messen austauschen,
in der Regel Männer sind. Einige Frauen
veröffentlichen ihre Artikel sogar teils unter männlichem
Pseudonym, um, insbesondere bei Online-
Veröffentlichung, weniger unsachliche Kri tik, die
primär gegen das Geschlecht der Autorin geht,
einstecken zu müssen.
Nur etwa 20 Prozent der Musikjournalisten sind
Frauen – das ist deutlich weniger als in anderen
Kulturressorts. Über weibliche Künstler wird zu -
dem oft anders berichtet als über männliche.
Sehr oft wird das Geschlecht selbst zum Thema,
8
4/2017 musiker MAGAZIN

54 MUSIKBUSINESS
»Im Durchschnitt sind unter den
Interpreten der deutschen Single-Charts
seit 2000 nur 26 Pro zent Frauen.
Auch auf großen Festivals
liegt der Anteil weiblicher Interpreten
oft bei unter 10 Prozent. «
»Auch das Äußere
spielt in Berichten über
weib liche Stars eine
ungleich größere Rolle:
Män nern wird
fehlende Attraktivität
viel eher verziehen
bzw. ist einfach nicht
relevant.«
gerade wenn die betreffende Künstlerin eine Stil -
richtung vertritt, in der es weniger Frauen gibt.
Linus Volkmann, der schon lange als Musik jour -
nalist für verschiedene Medien tätig ist, hat das
nach Lektüre einer Kritik über eine Band aus zwei
Frauen auf den Punkt gebracht: „Frauenduo –
Ganz zentral: Die Frau in der Musik als Ab wei -
chung zu sehen und zu beschreiben. Man stelle
sich dagegen mal folgenden Satz vor: Die Pet
Shop Boys sind ein Männerduo aus London. Kein
Redakteur bei Verstand würde so etwas über den
Schreibtisch lassen – außer es handelt sich um
ein Frauenduo, dann muss dieser Zoo-Mo ment
natürlich auch gebührend Erwähnung finden.“
Auch das Äußere spielt in Berichten über weib -
liche Stars eine ungleich größere Rolle: Män nern
wird fehlende Attraktivität viel eher verziehen bzw.
ist einfach nicht relevant, da die Musik im Zentrum
der Berichterstattung steht.
Trotz all dieser unübersehbaren Benach teili -
gun gen von Frauen in der Musikbranche gibt es
auch Anzeichen eins langsamen Wandels: Grün -
derinnen neuer Independent-Labels sind häufig
Frauen, und eine Gitarristin wie Bibi McGill geht
nicht nur mit Beyoncé auf Tour, sondern fungierte
gleichzeitig als musikalische Leiterin der Tournee.
TEXT: RONJA RABE
FOTOS: © PAULTARASENKO/FOTOLIA.COM
musiker MAGAZIN 4/2017

ISBN 3-89775-169-9

56 PRODUKT-NEWS
JOST NICKEL
JOST NICKEL’S FILL BOOK
(ENGLISH EDITION)
A Systematic Fun Approach To Fills
Jost Nickel, seit 2006 Drummer bei Jan Delay & Disko No.
1, ist einer der Top-Session- und Tour-Drummer Deutschlands
und ge hört zur aktuellen „goldenen Ge neration“ deutscher
Schlagzeuger. Freunde und Kol legen wie Benny Greb, Marco
Minnemann oder Anika Nilles (übrigens eine seiner Schü -
lerinnen) sind mit seinem Namen in einem Atemzug verbunden
– alle stehen sie wegweisend für modernes Drumming
der absoluten Weltklasse.
Mit dem JOST NICKEL FILL BOOK legte Jost im Dezember
2016 sein zweites Lehrwerk für Drummer vor, das ab
September 2017 auch als englischsprachige Ausgabe vorliegt.
Widmete er sich in seinem erfolgreichen Erstlingswerk
noch dem Thema Groove, so steht sein neues Werk ganz im
Zeichen von Fills!
In klaren Schritten stellt Jost universell einsetzbare rhythmische
Konzepte in verschiedenen Schwierigkeitsgraden
vor, zeigt Orchestrierungsideen, Phrasierungsmöglichkeiten
sowie Dynamik- und Akzentuierungsübungen.
Eine Fülle verschiedener Fill-Konzepte präsentiert Jost in
diesem Buch für alle diejenigen, die eine Ent deckungs reise
in die weite Welt der Fills unternehmen wollen.
„Mein FILL BOOK soll Freude bereiten und inspirieren“, sagt
Jost, „und zum grundlegenden Verständnis der theo retischen
Grundlagen der jeweiligen Fills beitragen, um dich in die Lage
zu versetzen, dir eigene Fills auszudenken.“
Er widmet sich den verschiedenen Subdivisions, die für das
Spiel von Drum-Fills entscheidend sind, und präsentiert Fills
für gerade Grooves sowie Fills für Shuffle-Grooves.
„Ideen wie Switch & Path Orchestration, Diddle Kick, Clock -
wise- & Counterclockwise-Spielweise werden dein Spiel
ebenso bereichern wie Step-Hit-Hi-Hat, Hand & Foot Rolls,
Cymbal Choke, Stick Shot und vieles mehr.“
Dem JOST NICKEL FILL BOOK liegt eine MP3-CD bei, für
die Jost viele Fills in verschiedenen Tempi eingespielt hat.
Zusätzlich finden sich online zwanzig Videos, die alle Fills
zeigen, bei denen es hilfreich ist, den Bewegungs ablauf zu
sehen. Eine 12-seitige Beilage mit Lesetexten rundet das
Konzept des JOST NICKEL FILL BOOK ab.
Buch & MP3-CD | Online-Videos | Beilage Lesetexte
Best.-Nr.: 20256US | ISBN-13: 978-3-943638-35-6
23 X 30,5 CM | 144 Seiten | 21,95 Euro
www.alfredmusic.de
EUROLITE TMH-X20 – VIEL LEISTUNG FÜR WENIG GELD
Einen neuen und besonders kompakten Moving-Head hat
Eurolite jetzt im Programm: Er hat Kraft, kann sich durchsetzen
und ist umfangreich ausgestattet. Zugegeben, diese
Attribute treffen auf zahlreiche Scheinwerfer zu. Doch der
TMH-X20 von Eurolite bietet noch einen entscheidenden
Vorteil: sein extrem gutes Preis-Leistungs-Verhältnis.
So punktet der handliche Moving-Head mit seinem Zoom
(12° bis 23°), seiner hohen Verarbeitungsqualität und seiner
Helligkeit. Die Bedienung ist komfortabel: Gobos können
in Sekundenschnelle getauscht werden. Dank seiner
leisen Betriebsweise kann der Moving-Head auch in ge -
räuschempfindlichen Umgebungen eingesetzt werden.
Laut Hersteller ist der TMH-X20 ideal für Produk tions firmen,
Veranstaltungstechniker, Musiker oder Clubs geeignet, die
aus ihren finanziellen Möglichkeiten das Maximale herausholen
wollen.
Weitere Informationen: www.steinigke.de
musiker MAGAZIN 4/2017

PRODUKT-NEWS 57
SELA CASELA CAJON SE 109 MADERA MUSIC STORE EDITION
Tolles Design mit extrem definiertem Sound und höchstes Niveau, Made in Germany!
Splash“-Edelfunier-Spielfläche ist vollverschraubt, somit ist
es ohne weiteres möglich, die Spielfläche der SELA CaSela
Cajon auszutauschen. Der 15 mm starke Birkenkorpus er -
zeugt eine bemerkenswerte Kraft, ohne die nötige klangliche
Definiertheit einzubüßen.
Bei der Sela CaSela Cajon SE 109 Madera Music Store
Edition handelt es sich um eine professionelle Cajon, die in
Deutschland nach höchsten Qualitätsstandards angefertigt
wurde, mit sehr trockenem und klar differenziertem Sound
und einem exzellenten Spielgefühl.
Vier verstärkte Kanten mit Clap-Corners sind fein abgerundet
und bestehen aus Ahorn, während der Rest des Korpus
aus 15 mm Birke besteht. So ergibt sich eine ausgewogene
Soundkombination. Die ThinSplash-Spielfläche, mit exklusiv
im Music Store professional erhältlichem Madera Finish, ist
vollverschraubt und bietet sensible Ansprache ohne Stör -
frequenzen. Eine patentierte Sela Snare-Traverse ist einfach
einstellbar, so können die eigenen Klangvorlieben schnell
realisiert werden.
Die CaSela Cajon SE 109 Madera Music Store Edition ist
die perfekte Kombination aus Design, hochwertiger Ver -
arbeitung und eindrucksvollem Sound zu einem mehr als
fairen Preis.
PROFESSIONELLE CAJON MIT EDLEM DESIGN!
Das exklusive Madera Finish ist nur hier erhältlich und verleiht
der hochwertigen CaSela Cajon optisch den letzten
Schliff. Modernste Produktionsmethoden und jahrelange
Erfahrung eröffnen völlig neue Welten, was Optik und natürlich
Akustik angeht. Formschön, mit extrem definiertem
Sound – höchstes Niveau, made in Germany!
Stabile, abgerundete Ecken aus Ahorn generieren höchsten
Spielkomfort und pralle Soundentfaltung. Die spezielle „Thin
SNARE SYSTEM ZUM HERAUSNEHMEN
Klanglich kann der Spieler ganz einfach seine eigenen Vor -
lieben verwirklichen, denn das Sela-Snare-Sytem kann nach
Belieben gedämpft oder verstärkt werden, außerdem lässt es
sich einfach herausnehmen, ganz im Stile von peruanischen
Cajons ohne Snare. Auch die Clap Corners eröffnen weitere
zahlreiche Möglichkeiten hinsichtlich des Sounds, das individuell
einstellbar sind. Zusammenfassend lässt sich sagen,
dass die Casela Cajon einen knackigen Snare-Sound mit differenziertem
Bass kombiniert und zu sätzlich über extrem
hohe Qualität in Material und Ver arbeitung verfügt.
SELA CASELA CAJON SE 109 MADERA
MUSIC STORE EDITION – ALLES IM ÜBERBLICK
• Music-Store-Sonderedition
• Extra starker 15-mm-Birkenkorpus, 11-lagig
• SELA Thin Splash Madera Edelfurnier-Spielfläche
• Austauschbare Spielfläche
• Massive, abgerundete Ecken aus Ahorn
• Sela-Snare-Traverse zum Herausnehmen
• Individuell einstellbarer Snare-Sound
• Spezieller Clap-Corner-Sound
• Rutschfeste Gummifüße
• Made in Germany
Weitere Informationen: www.musicstore.de
4/2017 musiker MAGAZIN

58 PRODUKT-NEWS
SUPER 55-BLK DELUXE GESANGSMIKROFON PITCH BLACK EDITION
Die Pitch Black Edition des Super 55 Deluxe Gesangs mikro -
fons bietet den klassischen Look und die Performance des
Super 55 in moderner schwarzer Optik. Die Super 55 Pitch
Black Edition verfügt über ein mattschwarzes Guss-Ge häuse
mit schwarzem Popfilter und einen linearen Frequenzgang
für eine natürliche Gesangs- und Sprachwiedergabe auf der
Bühne und im Studio. Im Lieferumfang sind ein schwenk barer
Stativ-Flansch und eine Reißverschlusstasche enthalten.
WAS UNTERSCHEIDET DAS SUPER 55
VOM KLASSIKER 55SH?
Gemeinsam haben das moderne Super 55 und das klassische
55SH im Grunde nur das äußere Design mit dem verchromten
Guss-Gehäuse. Im Super 55 verrichtet moderne
Mikro fontechnik ihren Dienst. Das Ergebnis sind ein moderner
Sound, maximale Sicher heit gegen Feedback und reduzierte
Griffgeräusche. Das Super 55 verzichtet auf den An-
/ Aus-Schalter.
WIE KLINGT DAS SUPER 55?
Die hochwertige dynamische Kapsel des Super 55 liefert
einen Sound, der dem Spitzenniveau des Beta 58A entspricht.
Das bedeutet druckvollen und präsenten Klang. Es setzt sich
bereits ohne EQ-Einstellungen am Mischpult hervorragend
im Bandmix durch. Der Neodym-Magnet und die hohe Emp -
fin dlichkeit sorgen für hohe Ausgangspegel und klare, brillante
Höhen.
SICHER GEGEN FEEDBACK UND GEWAPPNET FÜR DEN
TÄGLICHEN BÜHNENEINSATZ
Die konsistente Super nieren charakteristik liefert maximalen
Schutz vor Rückkopp lungen. Wie alle Shure-Produkte ist auch
das Super 55 äußert robust konstruiert und übersteht den
rauen Bühnenalltag problemlos.
IST DAS KLASSISCHE 55SH NOCH ERHÄLTLICH?
Ja, das Super 55 ersetzt nicht das klassische „Elvis-Mikrofon“,
sondern ist nur eine modern klingende Alternative dazu.
AUFNAHMEN AM RECHNER
Für digitale Aufnahmen kann das Super 55 in Verbindung
mit dem X2u-XLR-auf-USB-Interface schnell und einfach an
den USB-Port eines Rechners angeschlossen werden.
GEWINNER DES SOUNDCHECK LESERPOLLS 2010
Das Super 55 wurde von den Lesern des Soundcheck-Ma -
gazins in der Kategorie „Mikrofon des Jahres“ zum Sieger
gewählt. Wir danken den Soundcheck-Lesern!
HAUPTMERKMALE:
• Deluxe-Gesangsmikrofon
• Klassisches Design mit moderner Mikrofontechnik
• Druckvoller und gleichzeitig präsenter, klarer Sound
• Gleichmäßige Supernierencharakteristik bietet höchste
Rückkopplungssicherheit
• Größtmögliche Verstärkung und maximale Unter drückung
von Nebengeräuschen
• Überträgt auch extrem hohe Lautstärken ohne Ver zer -
rungen
• Neodym-Magnet für hohe Empfindlichkeit und hohen
Ausgangspegel
• Schwarzer Popfilter minimiert störende Atem- und Wind -
geräusche
• Massives Guss-Gehäuse
• Integrierter, schwenkbarer Stativ-Flansch
Weitere Informationen unter: www.shure.de
musiker MAGAZIN 4/2017

PRODUKT-NEWS 59
LET IT SHINE:
KÖNIG & MEYER PRÄSENTIERT
NEUE LED-LEUCHTEN
König & Meyer präsentiert eine umfassende Serie an flexibel
einsetzbaren, energieeffizienten LED-Leuchten.
Die neueste LED-Technologie garantiert eine helle Licht quelle
bei langer Lebensdauer (bis zu 100 000 Std.) und minimalem
Energieverbrauch.
Der Lichtkegel ist dank einem oder zwei flexiblen Schwa -
nenhälsen variabel einstellbar. Alle Leuchten haben einen
praktischen Clip (bis 25 mm), der die Befestigung an Noten -
pulten, Tischplatten etc. ermöglicht.
Im Lieferumfang sind immer 3 Batterien (1,5 V AAA) enthalten.
NOTENPULTLEUCHTE »LED FLEXLIGHT«
Vielseitig einsetzbare LED-Leuchte mit extra heller Leucht -
diode. Extrem lange Lebensdauer bis zu 100 000 Stunden.
Lichtkegel durch flexiblen Schwanenhals äußerst variabel
einstellbar. Mit Clip (bis 25 mm) zum Befestigen an Noten -
pulten, Tischplatten etc., auch als Standleuchte verwendbar.
Sehr kompakt und handlich. Inklusive 3 Batterien (1,5
V AAA). Leuchtdauer bis zu 40 Stunden.
NOTENPULTLEUCHTE »2 LED FLEXLIGHT«
Vielseitig einsetzbare LED-Leuchte mit 2 superhellen LEDs.
Extrem lange Lebensdauer von bis zu 100 000 Stunden.
Lichtkegel durch flexiblen Schwanenhals äußerst variabel
einstellbar. Mit Clip (bis 25 mm) zum Befestigen an Noten -
pulten, Tischplatten etc., auch als Standleuchte verwendbar.
Sehr kompakt und handlich. Betrieb mit Netzteil oder
Batterie möglich. Inklusive 3 Batterien (1,5 V AAA) mit einer
Leuchtdauer bis zu 20 Stunden.
NOTENPULTLEUCHTE »DOUBLE LED FLEXLIGHT«
Multifunktionelle LED-Leuchte für den mobilen Einsatz. Dank
der 2 flexiblen Schwanenhälse wird der Lichtkegel der
jeweiligen LED individuell positioniert. Die LEDs sind einzeln
schaltbar und bestechen durch eine extrem lange Lebens -
dauer von bis zu 100 000 Stunden. Der praktische Clip (bis
25 mm) ermöglicht die Befestigung an Notenpulten, Tisch -
platten etc. Eine Verwendung als Standleuchte ist eben falls
möglich. Für den mobilen Einsatz können die Schwa nen -
hälse kompakt eingeklappt werden. Im Liefer umfang enthalten
sind 3 Batterien (1,5 V AAA) mit einer Leucht dauer
bis zu 20 Stunden.
NOTENPULTLEUCHTE »DOUBLE4 LED FLEXLIGHT«
Die leistungsstarke und vielseitige LED-Leuchte bietet Kom -
fort und Flexibilität. Durch die beiden äußerst beweglichen
Schwanenhälse kann der Musiker je nach Wunsch sehr
fokussiertes oder auch flächiges Licht einstellen. Jeder Kopf
enthält einen Viererpack LEDs, die unabhängig voneinander
in 2 Helligkeitsstufen geschaltet werden. Die neueste
LED-Technologie garantiert eine helle Lichtquelle bei langer
Lebensdauer (100 000 Stunden) und minimalem Energie -
ver brauch. Ein praktischer Clip ermöglicht die komfortable
Mon tage an Platten bis zu einer Stärke von 25 mm. Die kompakte
Leuchte kann wahlweise mit Batterie oder Netzteil
betrieben werden und bietet somit jede Menge individuelle
Einsatz möglichkeiten. Die Batterien, 3x (1,5 V AAA), sowie ein
5-V-Netzteil mit 3 m Kabel sind bereits im Liefer umfang
enthalten.
NOTENPULTLEUCHTE »T-MODEL LED FLEXLIGHT«
Die leistungsstarke T-Model-LED-Leuchte bietet optimales
Licht durch ihre 8 superhellen LEDs. Die Helligkeit ist in
zwei Stufen schaltbar. Extrem lange Lebensdauer der energieeffizienten
LEDs von bis zu 100 000 Stunden. Der Licht -
kegel ist durch den flexiblen Schwanenhals variabel einstellbar.
Mit Clip (bis 25 mm) zum Befestigen an Noten pulten,
Tisch platten etc., auch als Standleuchte verwendbar. Sehr
kompakt und handlich. Im Lieferumfang enthalten sind 3
Batterien (1,5 V AAA) mit einer Leuchtdauer bis zu 10
Stunden sowie eine praktische Tragetasche. Der Betrieb über
ein externes Netzteil ist ebenfalls möglich.
STANDFUSS »FLEXLIGHT«
Standfuß für freistehenden Einsatz der K&M-FlexLight-Leuch -
ten. Durch den integrierten Magneten ist eine Befestigung an
Metalloberflächen möglich.
Weitere Informationen unter: www.k-m.de
4/2017 musiker MAGAZIN

60 PRODUKT-NEWS
TASCAM UND SENNHEISER KOOPERIEREN BEI DREIDIMENSIONALEN TONAUFNAHMEN
Die Teac Corporation ist mit ihrer Marke Tascam dem von
Sennheiser ins Leben gerufenen Partnerschaftsprogramm
„AMBEO for VR“ beigetreten, wie beide Unternehmen heute
bekanntgaben. „AMBEO for VR“ wurde gegründet, um reibungslose
Abläufe und Kompatibilität bei der Produktion von
Tonaufnahmen für VR, AR und andere 3D-Inhalte sicherzustellen
und umfasst namhafte Hersteller von Re cordern,
Kameras, Streaming-Software und VR-Platt formen.
Mit seinem Sechskanal-Audiorecorder DR-701D hat Tascam
bereits vor zwei Jahren die ideale Plattform für Mehrkanal-
Aufnahmen geschaffen. Der für den Einsatz mit einer DSLRoder
anderen Kamera prädestinierte und von Filmprofis
geschätzte Recorder erhält nun mit einer neuen Firmware
(Version 2.0) die Fähigkeit, dreidimensionale Tonauf nah -
men herzustellen.
„Sennheiser heißt die Teac Corporation herzlich willkommen
im Partnerschaftsprogramm AMBEO for VR“, sagte
Véronique Larcher, Co-Directoring für AMBEO Immersive
Audio bei Sennheiser. „Wir sind stolz, das Audiosystem
Tascam DR-701D mit an Bord zu haben, das bei Content-
Erstellern weltweit große Wertschätzung erfährt. Dank der
neuen Firmware bietet der Tascam-Recorder nun volle
Unterstützung für Aufnahmen mit dem AMBEO VR Mic im
Ambisonics-A- oder -B-Format.“
„Seit Jahren unterstützt Tascam Audio-Profis in den Be -
reichen Videoproduktion und Rundfunk, und wir sind stolz
darauf, nun als Partner von Sennheiser AMBEO unseren Bei -
trag zur schnell wachsenden VR-Welt zu leisten“, sagte Yuji
Hanabusa, Präsident und Generaldirektor der Teac Cor po -
ration. „Die Erweiterung unseres marktführenden DR-701D
um die Ambisonics-Technologie wird Besitzern dieses
Recorders eine weitere Dimension der Kreativität eröffnen
und dabei helfen, die Zukunft digitaler Unterhaltung, Bil dung
und Informationsweitergabe zu gestalten.“
HAUPTMERKMALE DER FIRMWARE-VERSION 2.0
• Aufnahme im Ambisonics-A- oder -B-Format
• Stereomischung des B-Formats für Eingangsmonitoring
und Wiedergabe über Kopfhörer- und Line-Ausgang
• Unterstützt die Austauschformate AmbiX und Furse-
Malham (FuMa) für Aufnahmen im B-Format
• Vier XLR-Eingänge mit 48-Volt-Phantomspeisung
• Präzise, synchrone Regelung aller vier Kanäle gleichzeitig
• Wählbare Einstellungen für flexible Positionierung des
Ambisonics-Mikrofons (aufrecht, hängend, liegend)
Anmerkung: Im Ambisonics-Modus sind Funktionen wie
Mixer, automatische Aussteuerung, Dual-Aufnahme,
Strom versorgung für Kleinmikrofone, Laufzeit kompen -
sation und Phasenumkehrung deaktiviert.
Weitere Informationen: www.tascam.eu/de/dr-701d.html,
www.sennheiser.com
TASCAM ERGÄNZT SEINE REIHE DANTE-FÄHIGER PRODUKTE
UM MEHRKANALIGE INTERFACES
Tascam hat zwei innovative Neuzugänge im Programm seiner
Dante-fähigen Produkte vorgestellt. ML-32D und ML-
16D sind mehrkanalige Wandler für die Übertragung von
Linepegel-Signalen über ein Dante-Netzwerk und umgekehrt
und bieten eine leistungsstarke und flexible Möglich keit, analoge
und digitale Komponenten miteinander zu verbinden.
Da Dante-fähige Geräte in professionellen AV-Systemen
zunehmend allgegenwärtig sind, ermöglichen es diese neuen
Tascam-Produkte Toningenieuren und System inte gratoren,
32 oder 16 Audiokanäle von der analogen Domäne schnell
und einfach an Dante-fähige digitale Komponenten wie etwa
die Audiorecorder DA-6400, SS-R250N und SS-CDR250
von Tascam zu übertragen.
ML-32D und ML-16D beschränken sich auf das Wesent -
liche, das senkt die Kosten und verringert die Komplexität.
Beide Modelle unterstützen eine Auflösung bis 24 Bit und
96 kHz Abtastrate und verfügen über Sub-D-Anschlüsse (8
beim ML-32D, 4 beim ML-16D) für die analogen Ein- und
Ausgänge. Frontseitige LEDs zeigen Signalpegel und Übersteuerung
für jeden aktiven Kanal an.
Weitere Informationen:
www.tascam.eu/de/ml-16d_ml-32d.html
musiker MAGAZIN 4/2017

PRODUKT-NEWS 61
ADAPTERKABEL
FÜR MODULARE SYNTHESIZER
Anhänger modularer Synthesizer besitzen oft nicht nur ein
Tonerzeugungs-System, der Reiz liegt in der Vielfalt der inzwi -
schen erhältlichen Modelle. Dafür werden im Übergang Kabel
mit unterschiedlichen Steckergrößen benötigt. CORDIAL
erweitert daher sein Adapterkabel-Sortiment um
die Mono-Variante CPI PZ.
Konfektioniert wird mit handverlöteten REAN-3,5-mm- und
6,3-mm-Vollmetallklinkensteckverbindern. Im Gegensatz zu
bisher marktüblichen Kabeln mit angeschweißten Plastik -
stec kern werden Einstreuungen somit auch auf den letzten
Zentimetern verhindert. Die für Adapterkabel ungewöhnlich
massive Meterware CIK122 besitzt innen einen zusätzlichen
Schirm aus leitendem Kunststoff zur Minimierung elek tro sta -
tisch verursachter Störgeräusche.
Lieferbare Längen: 1, 2 oder 3 Meter
Empfohlener VK inkl. MwSt.:
UVP: 1m – 8,00 Euro; 2m – 8,90 Euro; 3m – 9,70 Euro
Weitere Informationen: www.cordial.eu
CORDIAL ERWEITERT SEIN TEAM UM 5 NEUE MITARBEITER
Thomas Murawski, erfahrener Vertriebsprofi im B2B- und Günter Schäfer steht mit dem Schwerpunkt Technik allen
B2C-Business, ist seit August 2017 als Sales Manager DACH bestehenden und zukünftigen Cordial-Kunden lösungsorientiert
zur Verfügung. Seine jahrelange vertriebliche Er fah -
für den deutschsprachigen Raum bei Cordial unterwegs. Er
ist der Ansprechpartner für alle Fragen rund um Kabel, die rung in den Bereichen Musikinstrument und Professional
in der Musikbranche benötigt werden, und freut sich auf viele Audio ist dafür die beste Voraussetzung. Seit August dieses
konstruktive Gespräche.
Jahres verstärkt er das Cordial-Sales-Team als technischer
Berater.
Christine Kärger verstärkt im Zuge der Erweiterung der
internationalen Vertriebstätigkeiten seit August das Team Regina Wondra wurde durch die Berufsausbildung in der
von Cordial. Mit sieben Jahren Vertriebs- und Marketing- Filiale einer namhaften Musikhandelskette und die an -
Tätigkeit in der MI-Branche ist sie eine absolut professionelle
Ansprechpartnerin für die Cordial-Partner im Ausland. Unternehmens auf das Thema Kabel und Zubehör einge-
schließende mehrjährige Karriere in der PA-Abteilung des
Tim Franke, langjähriger Profi im digitalen sowie im klassischen
Marketing, ist seit Ende 2016 als Online Marketing händler und setzt bei der Weiterentwicklung der Neu kunden -
schworen. Seit Anfang 2017 betreut sie die Cordial-Fach -
Manager Teil der Cordial-Familie. Aufgrund seiner umfangreichen
internationalen Erfahrungen in B2B und B2C ist er
generierung wesentliche Akzente.
außerdem für die strategische Mitentwicklung und Umset - Weitere Informationen: Email: info@cordial.eu
zung des Cordial-Auslandsmarketing zuständig.
Internet: www.cordial.eu
CORDIAL DESIGNKABEL
SKY – DEM HIMMEL NAH
Lieferbare Längen: 3, 6 und 9 Meter | Empfohlener VK inkl. MwSt.: z.B. CXI 6 PP-SKY. 6-Meter-Variante, 35,00 Euro
Weitere Informationen: www.cordial.eu
Der süddeutsche Kabelhersteller CORDIAL erweitert seine
Design-Instrumentenkabel-Palette um das neue SKY-
Gewebekabel in den Farben Weiß-Blau. Retro im Design,
aber fortschrittlich in der Konstruktion kombiniert SKY einen
schmutzabweisenden Textilmantel mit den technischen Eigen -
schaften der bewährten CIK122-Meterware und robusten
weißen Neutrik-NP2-Steckverbindern. Spezielle Versei lung -
techniken und Materialkompositionen machen das SKY zu
einem flexiblen und durch niedrige Kapazitäts werte offen klingenden
Vintage-Kabel.
ERNIE BALL TAP TEMPO
Das Ernie Ball Tap Tempo Pedal ist die perfekte Ergänzung
zum Ernie Ball Ambient Delay oder auch zu jedem anderen
Effekt mit Tap-Eingang. Mit dem Tap-Taster kann das Tempo
deines Delays oder eines anderen Effekts an jede Live-
Situation angepasst werden.
FEATURES:
• Normally-Open-Momentary-Taster
• 6,3-mm-Klinkenausgang
• kein Stromanschluss notwendig
• mit vielen verschiedenen Pedalen kombinierbar
Weitere Informationen: www.musik-meyer.de
Weitere Informationen: www.ernieball.de/
guitar-accessories/pedals/tap-tempo#P06186
4/2017 musiker MAGAZIN

62 CD-REZENSIONEN
reise verzichtet werden. Danach und davor ist diese Ent -
span nungsmusik wirklich zur Entschleunigung zu empfehlen.
www.praxis-bte.de
C.S.
NOSOYO
»Resonante«
JO STÖCKHOLZER
»Musik«
Wer beim Reeperbahn Festival aufgepasst hat, muss sie kennen:
Das Indie-Pop-Duo NOSOYO. Denn sie haben dieses
Jahr den VIA Award in der Kategorie „Bester Newcomer“
verdient gewonnen. Ihr Album „Resonante“ erschien bereits
im Februar 2017 bei Freudenhaus Recordings. Im Sommer
folgte dann auch die internationale Veröffentlichung. Rück -
blickend kann man sagen, dass es eines der besten Alben
2017 geworden ist.
Donata Kamarz überzeugt mit ihrer poppigen, verträumten
Stimme, Daim de Rijke setzt ihre Ideen experimentell um.
Von Echo, Chor, verzerrtem Gesang, Schlagzeug bis Key -
boardklängen ist alles dabei. Melodie und Rhythmus sind
stets im Einklang. „No matter what’s next, We’ll be fine“,
heißt es in „Old Soul“. Egal welchen „Resonante“-Song du als
Nächstes abspielst, er wird gut. Musik zum Treibenlassen!
PS: Wer auf den Geschmack gekommen ist, sollte sich un -
bedingt auch die alternative Version der Single aus kop plung
„Resonante“ anhören.
www.nosoyo.net
C.H.
OBO
»Obolus«
Mit „Obolus“ erfreut OBO Freunde der leichten, entspannten
Muse. Der Richard Clayderman der Bossa- und Salsa-Gitarre
präsentiert sein zehntes Album. Erstaunlich die Qua lität, die
der musikalische Latino seit jeher in seinen Projekten de -
monstiert hat. 1977 begann der Werdegang des Aus nah -
me gitarristen, damals als El Duo Flamenco – Jorge y Obo.
Vier Jahrzehnte später begleiten OBO die Mitmusiker Jorge
Palomo an der Perkussion und Burkhard Rieger am Akkor -
deon. Klaus Dengler verleiht dem Album mit seinem Spiel
am Bass eine markante Note. Der Sound wurde vielfältiger
und weltoffener. Das mediterrane Flair bleibt und das
Schwelgen in Sonne und Meer bekommt mit diesem schönen
Album einen Soundtrack für die Ewigkeit. Wer es mag,
entspannt bei den Anspiel-Tipps „In der Therme“ und beim
rhythmischen „Demono“.
www.obo-towermusic.de
C.S.
Folk und Electro in einem Song – geht das? Die Antwort lautet:
Ja! Der Österreichische Singer-Songwriter Jo Stöckholzer
beweist mit seinem neuen Album wieder einmal, dass man
verschiedene Stile zusammenbringen kann. Folk und Electro
sind jedoch bei Weitem noch nicht alles, was „Musik“ zu
bieten hat! Manche Textpassagen klingen fast gerappt, im
Ausgleich dazu gibt es ruhige Pianoeinlagen. Dabei legt der
experimentierfreudige Jo Stöckholzer besonders viel Wert
auf Tiefgründigkeit und Ausdrucksstärke seiner Songs. Ein
echter Leidenschaftler eben. Seine Verbundenheit zu der
Musik drückt er gleich im ersten Song des Albums, der
gleichnamigen Single, aus: Von einer geliebten Person enttäuscht
greift er auf die Musik zurück, die immer da ist und
die ihn immer liebt.
„Musik zieht Salz aus den Wunden, lässt Gefühle nicht einfach
gut sein und bringt uns dorthin, wo Worte vielleicht zu
wenig sind.“ Das schrieb Jo Stöckholzer auf einer Crowd -
fundingplattform, um sein neues Album zu finanzieren. Mit
Erfolg! – Am 07.11.2017 erschien es unter dem einfachen
wie genialen Titel „Musik“.
www.jostoeckholzer.com
C.H.
LYDIA WITSCH –
»Träume am Meer«
Die Musiktherapeutin, Psychotherapeutin HP, Musikerin, Sän -
gerin und Komponistin Lydia Witsch schickt den Hörer auf
die Reise. Die Autorin hat jahrelange Erfahrung mit Ent span -
nungsmethoden im klinischen und ambulanten Bereich. Es
gilt, gleich zu Beginn des Tonträgers die Warnhinweise zu
beachten. Sehr wohl, so heißt es in der Einleitung, könnte der
Hörer einschlafen. In dem Genre der Entspannungs musik ist
das durchaus möglich, wenn auch nicht unbedingt er -
wünscht. „Träume am Meer“ ist die Fantasiereise, die begleitet
von Meeresrauschen, Klavier und zartem Gesang unter
Anleitung der Künstlerin und Therapeutin abtauchen lässt.
Es ist ein Abtauchen in tiefe Entspanntheit. Die Atmung und
der Ruhepuls werden beruhigt und die Wahrnehmung auf
das Selbst gelenkt. Nach dem ersten Stück von 32 Minuten
folgt eine Instrumentalmusik von über 28 Minuten. Die
Pianothemen wiederholen sich nahezu hypnotisch und
kriechen in das Bewusstsein des Hörers. Einer der Warn -
hin weise kann nur unterstrichen werden: Während der Auto -
fahrt oder der Bedienung von Maschinen sollte auf die Traum -
DIE ARBEITSLOSEN
BAUARBEITER
»Tasty Tuesday Tunes«
Rasant, feurig und pfeilschnell – das Albumcover mit dem
Hot Rod aus der Garage von ZZ Top beschreibt den Inhalt
des Albums der ARBEITSLOSEN BAUARBEITER trefflich.
„Tasty Tuesday Tunes“ ist eine Melodic Punk-Scheibe. Die drei
Chem nitzer hauen mit Gitarre, Bass und Schlagzeug Vollgas-
Songs raus, die dem Sound von The Offspring in nichts
nachstehen. Auf dem Album befinden sich zahlreiche originelle
Cover-Versionen in ihrer Version, so zum Beispiel
„Walking On Sunshine“, „The Letter“ und „I’m A Believer“.
Die Evergreens werden zu Mitgröhl-Nummern, die Partys
zum Eskalieren bringen könnten. MMB Friedhelm, Thumb -
master Thomas und Prof. Dr. Rhythm Hansch standen schon
mit den Toten Hosen, Abstürzende Brieftauben und den
Dimple Minds auf der Bühne. Ihre energiegeladenen Shows
präsentieren sie auch als „unplugged“-Akustik-Set. Vielleicht
reisen sie dann im roten Eliminator-Boliden an.
www.diearbeitslosenbauarbeiter.de
C.S.
Angela Nebauer
»Des Bin I«
Angela Neubauer will alles! Dass sie das mit ihrem Schlager-
Pop erreicht, daran besteht kein Zweifel. „Jung und frei und
supercool ...“ heißt es im Stück „Fit For Fun“. Und darum
geht es in der Welt der Moderatorin und Schlagersängerin
aus Gangkofen in Bayern. Stimmung ist gut, die Beats pulsieren
im Disco-Groove und die Melodien hat man irgendwo
schon mal gehört. Das läuft gut rein. Und kommt gut an.
Ihren Gesang kann man mit dem von Nici aus Bayern und
Nicole aus Saarbrücken vergleichen. Zwischen bayerischem
Kitsch und deutscher Spaßkultur. Modern und peppig produziert,
geht die tierliebe Künstlerin zu Werke. Märchen,
Operetten, Musical und Schlager beflügelten ihre Phan ta -
sie, sagt sie über sich. Der Schlager hat schon immer mit
der Illusion vom großen Glück gepunktet und das macht die
Angela Neubauer perfekt. Sie will eben alles!
www.angela-nebauer.de
C.S.
musiker MAGAZIN 4/2017

CD-REZENSIONEN 63
KULZER & STANGENBERG
»Neue Freiheit«
Ein 88-jähriger Dichter und Lyriker trifft auf einen ehemaligen
Punkmusiker: Neue Freiheit! Karl Stangenberg, vormals
Flötist auf weltweiten Konzertreisen, begegnet dem
Komponisten Harry Kulzer. Für den Punk Evergreen Pogo in
Togo der United Balls verantwortlich, widmet sich Kulzer
heute einer anderen Stilrichtung für KULZER & STANGEN-
BERG. Als Vorlage für ein Album voller Lieder dienten den
Musikern die Gedichte Stangenbergs. Kulzer sollte als einziger
Sänger fungieren und als Produzent, Toningenieur, Mu -
si ker und Produzent das Album in seine Form gießen. Die
Liedermacher-Musik entstand mithilfe einer langen Liste
Instrumentarium: Neben Bass, Gitarre und Schlag werk kamen
Gläser, Resonator, Banjolele und viele andere Klanger zeuger
zum Einsatz. Richtung gebend ist ein kraftvolles Klavier, das
das Grundarrangement trägt. Dies kommt in „Großes Rätsel“,
als Anspieltipp genannt, voll zur Geltung. „Dunkelheit“ ist eine
düstere Ballade des Schmerzes. Meist geht es musikalisch
in den Akustik-Pop, gefällig und dramaturgisch dem Text fol -
gend. Das Album „Neue Freiheit“ ist nah am Chanson, näher
an der Melancholie und lyrisch bedeutend.
www.harry-kulzer.de
C.S.
LOOPAHEAD
»Close To The Blues«
Udo Lummer und Paul Gerhard Lange haben’s mit LOOPA-
HEAD wieder getan: Mit ihrer Loop-Technik und feinstem
Saiten-Equipment haben sie sich dem Blues genähert. Und
nicht nur genähert, sie saugen ihn auf und geben ihn wieder.
Das machen die beiden Virtuosen gewohnt gekonnt mit ihren
gemeinsamen rund 104 Jahren Musikererfahrung. Neben
all den Live-Auftritten erhalten sie Rotation im Kultur pro -
gramm des Deutschlandfunks. Zurecht erhält diese Musik
wohlwollende Aufmerksamkeit, denn kaum jemand klingt
so angenehm relaxt diesseits des Ozeans. Wieder erinnern
sie mit Spiel und Gesang an Clapton und J. J. Cale. Dabei
interpretieren sie Songs der Namhaftesten, wie Rufus
Thomas mit „Walking The Dog“ oder Muddy Waters in „Going
Down To Lousiana“. Ihre Eigenkompositionen wirken gleichwertig
neben den ewigen Klassikern. Die Loop-Spielereien
verbleiben angenehm dezent, womit der Keyboard-freie
Sound von „Close To The Blues“ angenehm analog und warm
klingt. „Little Red Rooster“ von Willie Dixon lässt mit modernem
Arrangement aufhorchen, ehe „A Long Way Home“, eine
eigene Nummer, den Hörer nach Hause schickt. LOOP AHEAD
sind für den Blues essentiell und nicht zufällig beim Deutschen
Rock & Pop Preis 2017 in Siegen nominiert.
www.loopahead.de
C.S.
RECHTSANWALT
WOLFGANG KRÜGER
Wir beraten Sie in allen Fragen mit Bezug zur
Musik- und Veranstaltungsbranche:
GEMA, GVL, Umsatzsteuer, Namensrecht,
Vertragsrecht, Markenrecht etc.
Weg beim Jäger 75 | 22453 Hamburg | Fon. 04057008781
wolfgangkrueger44@googlemail.com

64 TITELSCHUTZANZEIGEN
Titelschutzanzeigen müssen uns fertig layoutet
zugesandt weden.
Sie können nur noch gegen Bargeld
veröffentlicht werden
Anzeige 45 x 20 mm
(fertig layoutet):
20,– € für Mitglieder
30,– € für Nichtmitglieder
BERGVAGABUNDEN
„Sonnenjodler“
VÖ: 10.03.2017
www.wiesenmueller.de
KARIN DEVAKI & PETER
PANDURA BAYREUTHER
„Paradies auf Erden“
VÖ: 19.08.2016
www.peterbayreuther.com
NIMA LINDNER
„Follow“
VÖ: 18.03.2016
www.nima-lindner.de
PURZEL PI!IPER
Olaf Maureschat | Birkenweg 42 | 22885 Barsbüttel
olafmaureschat@aol.com | 040-6 70 03 08
SANESCERE
„Sanescere“
VÖ: 10.02.2017
www.svenhamerskomponist.com
PETER PANDURA
BAYREUTHER
„Healing Nurturing Loving“
VÖ: 19.08.2016
www.peterbayreuther.com
WOODWIND & STEEL
„Stony Path“
VÖ: 19.02.2016
www.woodwind-steel.de
Hiermit beanspruche ich den Titelschutz gemäß § 5 Abs. 3 Markengesetz
für die drei Namen
BURNOUT LAUT | BURNOUT SOLO | BURNOUT COMEDY
in allen Schreibweisen, Schriftarten, Abkürzungen, Variationen,
und Darstellungsformen für öffentlich dargebotene Musik, Bühnen- oder sonstige
Werke sowie Musikprojekt, Band-, Künstler-, Label-, Verlags- und Produktnamen
in allen in- und ausländischen Print-, Bild-, Ton-, Daten- und Video und
Nachfolgemedien jeglicher Art, sowie in Software und Multimedia-Produktionen,
Fernsehen, Film, Rundfunk, Bühnen, Off- und Onlinediensten,
Merchandising und sonstigen vergleichbaren Werken.
Sean Warwick, Hitzelerstraße 53, 50968 Köln
AUBAAH
„Urnenwahl“
(Live)
VÖ: 10.02.2017
aubaah2005@email.de
LIONCEAU
„Noble Earth“
VÖ: 19.08.2016
www.lionceau.de
REIDAR JENSEN
„Silent Travelling“
VÖ: 12.02.2016
www.reidarjensen.com
AUBAAH
„Das Korn Januar 2014“
(Live)
VÖ: 10.02.2017
MICK ZIMMER
„Ich bleibe nicht stehen“
VÖ: 05.08.2016
BRAINGATE
„Standing Tall“
VÖ: 10.11.2017
aubaah2005@email.de
www.mick-zimmer.com
www.braingate-rock.com
SOMEONE
„Das Musikprojekt“
VÖ: 23.12.2016
info@die-songschmiede.de
FARYNA
„Musik, die Kinder in
Bewegung bringt“
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„New York City Lights“
VÖ: 16.12.2016
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REIDAR JENSEN FEAT.
DETLEF BLANKE
„Covered by shame“
VÖ: 15.07.2016
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DANNY JUNE SMITH
„Phoenix“
VÖ: 23.10.2017
www.danny-june-smith.de
LINDA LOUIS
„Heute hier, morgen dort“
VÖ: 16.12.2016
www.lindalouis.de
REINHARD MARKOWSKY
„Wie der Wind“
VÖ: 08.07.2016
bilgin.oktay@t-online.de
DAYAMI GRASSO
„The taste of Havana“
VÖ: 26.05.2017
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CD-Veröffentlichungen in den weltweiten
digitalen Downloadportalen
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MICHAEL ZIMMERMANN
„Verlernt zu lieben“
VÖ: 17.06.2016
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CASSROLL
„Lady Biene“
VÖ: 12.05.2017
okyo2004@t-online.de
DORIAN BLACK
„Lady Violet“
DIE PLANK
„Wildes Herz“
Bauer sucht Eich
„Endlich wieder feiern“
CIRCUS GENARD
„A circus world“
24.03.2017
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21.10.2016
www.julia-plank.de
VÖ: 10.06.2016
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VÖ: 28.04.2017
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DORIAN BLACK
„Harmony“
24.03.2017
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NIMA LINDNER
„Colours passing by“
VÖ: 21.10.2016
www.nima-lindner.de
MICHAEL GEMKOW
„Ein kleiner Dinosaurier“
VÖ: 03.06.2016
kindermusikkaufhaus.de
CASSROLL
„Hexe“
VÖ: 21.04.2017
okyo2004@t-online.de
DORIAN BLACK
„Blau und Gelb“
24.03.2017
dorian-black.de
CASSROLL
„Alkohol“
– Video –
14.10.2016
bilgin.oktay@t-online.de
MAX KERN
„One Man Band“
VÖ: 13.05.2016
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HAGGEFUGG
„Metgefühl“
VÖ: 07.04.2017
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BERGVAGABUNDEN
„Lehn di an mi“
VÖ: 10.03.2017
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FÄHRHAUS
„Wir können auch anders“
VÖ: 30.09.2016
www.faehrhaus-musik.de
EXAT
„Hauptsache es knallt“
VÖ: 18.03.2016
www.exatpunkrock.de
EDGAR WEILER
„Ich ge’ gradaus“
VÖ: 07.04.2017
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musiker MAGAZIN 4/2017

KLEINANZEIGEN 65
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Freie Mitarbeiter und Gastautoren:
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Zurzeit ist die Anzeigenpreisliste Nr. 31
vom 1. Januar 2017 gültig.
Layout:
Ana Seelenmeyer
Lektorat:
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Druck:
L.N. Schaffrath GmbH & Co. KG
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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich
Copyright und Copyrightnachweis für alle
Beiträge: Nachdruck, auch auszugsweise,
sowie Vervielfältigungen jeder Art
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Heraus gebers. Druckirrtümer vorbehalten.
Namentlich gekennzeichnete Beiträge
stellen nicht unbedingt die Meinung der
Redaktion dar.
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