Scheidegger & Spiess Vorschau Frühjahr 2019

Scheidegger & Spiess
Kunst I Fotografie I Architektur
Frühjahr 2019

Wichtige Neuerscheinungen
Herbst 2018
Herausgegeben von
Ruch & Partner Architekten
Mit Beiträgen von Hans-Jörg
Ruch und Franz Wanner
Fotografien von
Filippo Simonetti
Gebunden
424 Seiten, 272 farbige und
300 sw Abbildungen und Pläne
27,5 × 29,5 cm
978-3-85881-553-8 Deutsch
978-3-85881-797-6 Englisch
sFr. 150.– | € 140.–
ISBN 9783858815538
Deutsch
9 783858 815538
ISBN 9783858817976
Englisch
9 783858 817976
Close-up
Ruch & Partner Architekten
1994–2018
Mit seinen Restaurierungen und Umbauten historischer
Bauern- und Patrizierhäuser im Engadin hat der Schweizer
Architekt Hans-Jörg Ruch internationale Bekanntheit
erlangt. Nun liegt eine umfassende Monografie
zum gesamten Schaffen des St. Moritzer Büros Ruch &
Partner Architekten vor. Der opulente Band zeigt mit
vielen grossformatigen Bildern und auch für Laien verständlichen
Plänen – ergänzt durch kurze Texte zu den
Projekten und einen Essay – eine repräsentative Werkauswahl,
die auch vierzehn der berühmten Engadiner
Häuser einschliesst.
Die Welt der Giedions
Sigfried Giedion und Carola Giedion-Welcker
im Dialog
Sigfried Giedion (1888–1968) und Carola Giedion-Welcker
(1893–1979) prägten die kunst- und architekturhistorische
Forschung ihrer Zeit und spielten eine bedeutende
Rolle bei der Vernetzung führender Protagonisten
der Moderne in Architektur, Kunst und Literatur. Dieser
Band erlaubt eine Neubestimmung ihrer Tätigkeit und
Wirkung. Reich illustriert mit Bildern und bislang unveröffentlichten
Dokumenten aus dem erst seit Kurzem
vollständig zugänglichen Nachlass der beiden, bietet er
einen lebendigen und facettenreichen Einblick in das
«Universum Giedion».
Herausgegeben von Almut
Grunewald. Mit Beiträgen von
Roger Fayet, Monica Giedion,
Almut Grunewald, Mario Lüscher,
Bruno Maurer, Arthur Rüegg
und Bettina Zimmermann
Gebunden
ca. 420 Seiten, ca. 253 farbige
und 23 sw Abbildungen
22 × 33 cm
978-3-85881-610-8 Deutsch
978-3-85881-819-5 Englisch
sFr. 99.– | € 97.–
Erscheint im Februar 2019
ISBN 978-3-85881-610-8
Deutsch
9 783858 816108
ISBN 978-3-85881-819-5
Englisch
9 783858 818195
Roland Jaeger
Gebunden
336 Seiten, 146 farbige
und 355 Duplex-Abbildungen
23,5 × 30 cm
978-3-85881-531-6 Deutsch
978-3-85881-789-1 Englisch
sFr. 99.– | € 85.–
ISBN 978-3-85881-531-6
Deutsch
9 783858 815316
ISBN 978-3-85881-789-1
Englisch
9 783858 817891
Foto-Auge Fritz Block
Neue Fotografie – Moderne Farbdias
Der Architekt Fritz Block (1889–1955) zählte zu den engagierten
Vertretern des Neuen Bauens in Deutschland.
Ab 1929 brachte er den Impuls der Moderne auch als
Fotograf zum Ausdruck. Seiner jüdischen Herkunft
wegen 1933 zur Aufgabe seiner Tätigkeit als Architekt
gezwungen und 1938 in die USA emigriert, machte er
die Fotografie schliesslich zu seinem Hauptberuf. Diese
erste Monografie über den Fotografen Fritz Block demonstriert
die gesamte Breite seines Schaffens und dessen
Bedeutung für die moderne Fotografie.

Herausgegeben von Michaela
Unterdörfer und Laura Bechter
In Zusammenarbeit mit
Hauser & Wirth Publishers
Gestaltet von N. N.
Gebunden mit Schutzumschlag
ca. 224 Seiten, ca. 160 Abbildungen
ca. 15,2 × 21,4 cm
978-3-85881-631-3 Deutsch
ca. sFr. 49.– | € 48.–
Porträt in Gesprächsform einer der
wichtigsten Kunstsammlerinnen
der Welt
Thematisiert den Werdegang der
Sammlerin und ihre Schwerpunkte
Behandelt Begegnungen der
Sammlerin mit den ihr wichtigsten
Künstlerinnen und Künstlern
Erscheint im Juni 2019
ISBN 978-3-85881-631-3
9 783858 816313
Eine herausragende
Kunstsammlerin
im
Dialog
Der innere Spiegel
Gespräche mit der Kunstsammlerin Ursula Hauser
In den Gesprächen geht es
um die folgenden Künstlerinnen
und Künstler:
Louise Bourgeois
Roman Signer
Eva Hesse
Francis Picabia
Pipilotti Rist
Franz West
Maria Lassnig
Jason Rhoades
Alina Szapocznikow
Paul McCarthy
Berlinde De Bruyckere
u. a.
Ganz im Stillen begann Ursula Hauser in den 1980er-Jahren eine Kunstsammlung
aufzubauen, die heute zu den eindrucksvollsten Privatsammlungen moderner und
zeitgenössischer Kunst der Welt zählt. Sie erwarb Werke visionärer Künstlerinnen und
Künstler wie etwa Louise Bourgeois, Carol Rama, Alina Szapocznikow, Franz West
und vieler anderer und war 1992 Mitbegründerin der heute international führenden
Galerie Hauser & Wirth. Dieses Buch bietet zum ersten Mal einen ganz persönlichen
Einblick in Ursula Hausers Leben und ihre Sammlung.
Die Werke in Ursula Hausers Sammlung sind eng mit ihrer eigenen Identität und ihrem
Lebensweg verbunden, von ihrer Geburt 1939 in der Ostschweiz bis hin zu ihrer Rolle
als Mutter, als Teilhaberin im Elektrowarenunternehmen ihres Vaters und schliesslich
zur Gründung einer Kunstgalerie zusammen mit ihrer Tochter und ihrem Schwiegersohn.
Familie ist die unerschütterliche Achse, um die sich Ursula Hausers Leben dreht;
für sie gehören auch die Künstler, deren Werke sie sammelt, zu diesem Kosmos. In
Ursula Hausers Sammlung einzutauchen, heisst daher gleichzeitig, die Sammlerin
kennenzulernen und gemeinsam mit ihr eine Reise durch die Kunst des späten 20. und
frühen 21. Jahrhunderts zu unternehmen.
Laura Bechter ist Sammlungsleiterin und Kuratorin der Hauser & Wirth
Collection.
Michaela Unterdörfer ist Verlagsleiterin von Hauser & Wirth Publishers,
dem Publikationszweig der gleichnamigen internationalen Galerie.
Scheidegger & Spiess
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16 Marken gestalten
Der schleMMerkopf
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Was alles Bauhaus ist und sein kann!
Bauhaus­ort
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Bauhaus zur
touristischen
profilierung
18470 Z hinausgehende Aktivitäten von Bauhäuslern
begannen erst einige Wochen später,
als Deutschland in vier Besatzungszonen
aufgeteilt worden war und in Dessau, das ab
Juli 1945 zur Sowjetischen Besatzungszone
gehörte, der Aufbau einer neuen Verwaltung
begann. Die hier zu nennenden Bauhäusler
nahmen diese Situation sicherlich als Chance
wahr. Für fast alle kann man annehmen,
dass sie den Zusammenbruch des nationalsozialistischen
Staates auch als persönliche
Befreiung erlebten und dass dieser Neuanfang
für sie in mehr oder weniger direkter
Weise einen erneuerten Bezug zum Bauhaus
bedeutete. Allerdings muss im Falle von
Friedrich Karl Engemann und Hubert Hoffmann
auch darauf hingewiesen werden, dass
sie ihre Karrieren im nationalsozialistischen
Deutschland sehr erfolgreich hatten weiterverfolgen
können. 2
Carl Marx beschrieb sein Empfinden so:
„1945 ging erneut das Licht und das Herz
auf.“ 3 Sämtliche Bauhäusler, die 1945 in Dessau
lebten, waren noch in einem Lebensalter,
in dem man aktiven Menschen einen von
Elan befeuerten Neuanfang zutrauen darf:
Carl Marx als Jüngster war 35 Jahre alt, Max
Ursin war nur ein Jahr älter, Hubert Hoffmann,
Spiritus rector aller Bemühungen um
einen Neubeginn des Bauhauses in Dessau,
war 41, Friedrich Karl Engemann 47, Hinnerk
Scheper 48 und Carl Fieger als Ältester
war 52 Jahre alt. Nach 1945 stießen noch weitere
Bauhäusler dazu, die hier nur genannt
sein sollen: der Bühnenbildner Georg Neidenberger,
die Architekten Wilhelm Jacob
Hess, Fritz Pfeil, Adolf Menge und Willy Alex
Stamm sowie der Fotograf und Grafiker Kurt
Stolp. Mit Ausnahme von Carl Fieger und
Hinnerk Scheper gehörten diese Bauhäusler
zur Dessauer Schülergeneration. Wilhelm Jacob
Hess, Carl Marx, Fritz Pfeil und Max Ursin
hatten unter Ludwig Mies van der Rohe studiert,
Adolf Menge, Georg Neidenberger und
Kurt Stolp studierten auch zur Ära von Hannes
Meyer, und nur Hubert Hoffmann und
Friedrich Karl Engemann hatten ihr Studium
schon bei Walter Gropius begonnen. Es war
eine einzigartige Gemeinschaft, die sich auf
das Bauhaus berief, die nur für die kurze Zeit
von 1945 bis 1947 existierte – und die sich in
Ostdeutschland so nie wieder zusammenfinden
sollte. 4
Im Mai 1945 lag die Schließung des Bauhauses
gerade einmal zwölf Jahre zurück. Ihr
Ende hatte die Schule 1933 in Berlin gefunden,
doch ihr Name war im öffentlichen Bewusstsein
vor allem mit Dessau verbunden,
wo das Bauhaus als Hochschule für Gestaltung
von 1925 bis 1932 jene epochemachenden
Bauten, Produkte und weiteren Projekte
realisieren konnte, mit denen es auch heute nelius van der Linden in den frühen 1930er
noch zuerst in Verbindung gebracht wird. Jahren eine detaillierte „Analyse des Raumes
Vielen Menschen, die das Bauhaus als positiven
Beitrag zu einer neuen Kultur sahen, wabebauungsplan
erarbeitet. Beides wurde 1933
Dessau“ und einen darauf fußenden Generalren
das Programm und die Hervorbringungen von Walter Gropius auf dem berühmten vierten
Kongress der CIAM (Congrès Internatio-
der Schule als überaus aktuelle, jedoch durch
die nationalsozialistische Diktatur brutal unterbrochene
Angelegenheit präsent, sodass nalen Fachwelt vorgestellt. Hubert Hoffmann
naux d’Architecture Moderne) der internatio-
schon bald der Ruf nach einer Wiedereinrichtung
das Bauhauses laut wurde.
bestens vertraut. Im Dezember 1945 wur-
war also mit den Dessauer Gegebenheiten
Zu diesen Rufern gehörten nicht nur Bauhäusler.
Auch Außenstehende meldeten sich gegenüber dem Bauhaus gelegene Wohnung
de Hoffmann Baurat in Dessau. Er bezog die
zu Wort, wie etwa ein anonymer Leserbriefschreiber,
der im Bernburger Volksblatt vom auch die offizielle Adresse des neu gegründe-
am Bauhausplatz 6, die für einige Monate
12. November 1945 die eben erfolgte Umbenennung
des Platzes vor dem Bauhausgebäu-
nahm Kontakt zu den in Dessau ansässigen
ten Bauhaus-Sekretariats werden sollte, und
de in „Bauhausplatz“ begrüßte. Er verband Bauhäuslern Friedrich Karl Engemann, Carl
dies mit der Hoffnung auf eine „baldige Auferstehung
des Bauhauses“ und einer Mahnung In Ostdeutschland beriefen sich nach 1945
Marx, Rolf Radack und Max Ursin auf.
an die „Kleingeistigen“: „Bauhaustapeten mehrere Hochschulen auf das Bauhaus. Vor
gibt es immer noch, Bauhausmöbel ebenso allem in Weimar, Berlin, Dresden und Halle. 7
und ‚Bauhaus‘ ist ein Begriff geworden.“ 5 Schon im Sommer 1945 hatte der Architekt
All das bedeutete nicht zuletzt den Wunsch, Hermann Henselmann geplant, die Weimarer
an eine kulturelle Institution anknüpfen zu Hochschule zu reformieren und sie „Bauhaus.
können, die aus Deutschland kam, die man Hochschule für Baukunst und das gestaltende
Hand- und Maschinenwerk“ zu nen-
jedoch vom nationalsozialistischen Ungeist
frei wähnte. Mehr noch, gewissermaßen als nen. Fritz Hesse erfuhr davon und reagierte
Opfer des Nationalsozialismus bot sich das prompt. In seinem Brief an Henselmann vom
Bauhaus als positive Identifikationsmöglichkeit
an. Max Ursin erinnerte sich Jahrzehnte deren, von 1925 bis 1932 in Dessau entstande-
23. September 1945 erinnerte er an die beson-
später daran, im November 1945 in Hannover
ein Plakat des United States Information an jene Bauten, „die noch heute als Bauhausnen
Leistungen des Bauhauses, insbesondere
Service gesehen zu haben, auf dem stand: bauten bezeichnet werden“ 8. Der Name Bauhaus
sei „mit der Stadt Dessau aufs engste
„Wenn Deutschland in diesem Jahrhundert
nur das Bauhaus erfand, dann hat es der Welt verbunden“. Und: „Durch all dies glauben wir
einen großen Beitrag geschenkt!“ 6
Dessauer, uns einen besonderen Verdienst
All diese Bemühungen hätten nur wenige um das Bauhaus erworben zu haben.“ Als Jurist
wies er zudem auf eine Vereinbarung hin,
Bauhäusler nach
Hoffmann, der bis dato in Magdeburg an die er 1932 mit dem letzten Bauhausdirektor
der Stadtplanung mitwirkte, und bot ihm Mies van der Rohe getroffen hatte, und die
eine Stelle als Baurat in Dessau an. Zugleich ausschließlich diesem zusprach, „über die
stellte er ihm in Aussicht, eine Wiedereröffnung
des Bauhauses zu planen und in die mit dieser Bezeichnung verbundenen Rechte
Bezeichnung ‚Bauhaus‘ zu verfügen und alle
Wege zu leiten. Hubert Hoffmann hatte von auszuüben“. Hesse machte klar, dass er nicht
1926 bis 1929 am Bauhaus Dessau Architektur daran zweifelte, dass Mies van der Rohe dem
studiert und im Auftrag von Walter Gropius Dessauer Institut „das ihm zustehende Recht
zusammen mit Wilhelm Jacob Hess und Cor-
auf die Bezeichnung ‚Bauhaus‘ zuerkennen“
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Die Bauhaus­leuchte
Marken gestalten Bauhaus­ort
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Bauhausstil
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Die Bauhaus­leuchte
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64 Markeneinsatz
Bauhaus-Ort
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Gestaltet von 1kilo
Gebunden
ca. 320 Seiten, ca. 350 farbige
Abbildungen
20 × 28 cm
978-3-85881-620-7 Deutsch
ca. sFr. 39.– | € 38.–
Erscheint im April 2019
Eine leicht lesbare Bauhaus-
Geschichte mit ungewohnter
Perspektive
Ein Panorama dessen, was weltweit
mit dem Begriff Bauhaus in Verbindung
gebracht und mithilfe
seiner Wirkungsmacht vermarktet
wird
Verdeutlicht die umfassende und
anhaltende Bedeutung des Begriffs
Bauhaus auch acht Jahrzehnte
nach Schliessung der Institution
ISBN 978-3-85881-620-7
9 783858 816207
Philipp Oswalt
Marke Bauhaus
1919–2019
Nicht Funktion und Gebrauch zeichnen das Bauhaus aus, sondern Symbolik. Ob Quadrat,
Dreieck oder Kreis, ob Wagenfeld-Lampe, Schlemmer-Kopf oder weisse Kuben
mit Flachdach: Das Bauhaus hat ikonische Bildzeichen und einen Stil kreiert, der weder
funktional noch sozial ist, aber visuell prägnant.
Bauhaus-Gründer Walter Gropius zielte von Anfang an darauf, aus dem Bauhaus eine
Marke zu entwickeln – mit Erfolg. Sei es in Konsum, Politik oder Kultur: Mehr als
achtzig Jahre nach seiner Schliessung ist das Bauhaus präsenter als je zuvor. Es ist inzwischen
zu einer partizipativen Marke geworden, die nicht mehr zentral gesteuert
werden kann, sondern an der unzählige Produzenten und Konsumenten mitgeschrieben
haben. Das einstige Verspechen nach Funktionalität und sozialer Verpflichtung
bleibt dabei allerdings uneingelöst. Das Buch von Philipp Oswalt, ehemaliger Direktor
der Stiftung Bauhaus Dessau, widmet sich anhand zahlreicher Bildbeispiele und gehaltvoller
Texte dieser prominenten Markenbildung und -verwendung.
Philipp Oswalt war von 2009–2014 Direktor der Stiftung Bauhaus Dessau
und ist Mitbegründer des projekt bauhaus. Seit 2006 ist er Professor
für Architekturtheorie und Entwurf an der Universität Kassel.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 5

Kapitel 3
Moving Away
„Moving Away“ nimmt Marcel Breuers Collage ein bauhausfilm
(1926) zum Ausgangspunkt, Anpassungen und Weiterentwicklungen
von Gestaltungsansätzen des Bauhaus nach
1933 zu verfolgen. Breuers Collage ist in den Ausklappseiten
der ersten von Gropius herausgegebenen Ausgabe der
bauhaus. zeitschrift für gestaltung 1926 veröffentlicht worden
und persifliert quasi eine Zeitschriftenanzeige. Auf einem
Filmstreifen wird pro Einzelbild ein von Breuer entworfener
Stuhl vorgestellt. Diese Sequenz visualisiert mit den Mitteln
der avantgardistischen Bildcollagetechnik den schnellen
Stilwechsel vom Expressionismus über De-Stijl-Einflüsse
bis zum Funktionalismus. Im letzten Bild aber, neben der
offenen Datierung „19??“, scheint eine Frau ganz ohne einen
Stuhl in der Luft zu sitzen. Diese Leerstelle, in der sich ein
Objekt befinden könnte, und die darauf bezogenen Fragezeichen
in der Datierung verweisen auf eine ungewisse Zukunft
des Gestalters und auch der Gegenstände und Gesellschaftsformen,
die Breuer 1926 noch nicht vorhersehen konnte.
In der Bildsequenz zeigt sich zudem bereits die Abkehr
vom Weimarer Bauhaus-Konzept, der „Einheit von Kunst
und Handwerk“, und nachfolgenden Phasen der Schule,
die im Jahr 1926 in der Stadt Dessau angekommen war. Der
Neubeginn in Dessau brachte auch neue Kontroversen mit
sich. Diese waren durch externen – finanziellen, politischen,
ideologischen – Druck geprägt, aber auch durch die internen
Debatten zwischen den Direktoren und Lehrenden des
Bauhaus, die unterschiedliche Meinungen teilten über
die soziale oder aber kommerzielle Ausrichtung der
Schule und der künstlerischen und polytechnischen Lehre.
Der Aufstieg des Nationalsozialismus und die politischen
Angriffe gegen das moderne Schulexperiment führten
letztlich zur Schließung durch die SA. Flucht und Migration
von Lehrenden und Studierenden verstreuten seitdem die
Ideen in die Welt an unterschiedlichste Orte. Die erzwungene
Migration, die Konsequenzen der prekären Lebensverhältnisse,
die Notwendigkeit, in der Fremde den Lebensunterhalt
verdienen zu müssen, die Verstrickungen mit den
sich jeweils wandelnden staatlichen Haltungen zu Gestaltung,
Kunst und Architektur sowie das Zusammentreffen
mit anderen Gesellschaften und deren Kulturen – all das
führte zu neuen Anpassungen von Ideen, die ehemals
am Bauhaus entwickelt wurden.
Bereits 1930 beantragte Hannes Meyer, der aufgrund seiner
Unterstützung des bestehenden kommunistischen Studentenwerks
als Bauhaus-Direktor auf Druck der konservativen
Kreise in Dessau entlassen wurde, bei der sowjetischen
Botschaft seine Übersiedlung nach Moskau. 1931 folgten
ihm ehemalige Studierende und Angestellte. Wie für viele
andere Architekten der Moderne lag die Motivation, in
158
Marcel Breuer, ein bauhaus-film. fünf jahre lang, 1926, aus: bauhaus, 1 (1926),
Ausklappseite innen. Offset-Lithografie, 42 × 29,7 cm
Bauhaus Past
Forward 1
Play >
658 Seiten Bauhaus in einer Minute. Der Film Bauhaus von
Muriel Cooper erzählt die Geschichte der Institution, ihrer
Protagonisten und Werke im Zeitraffer. Die Grundlage
für dieses filmische Experiment bildet die englische Ausgabe
des Kataloges Bauhaus. Weimar, Dessau, Berlin, Chicago
(MIT Press, 1969). Im Film rasen Hunderte von Abbildungen
und Dokumente und Tausende von Wörtern vor den
Augen der Betrachterinnen und Betrachter vorbei. Jede
Doppelseite bleibt für den Bruchteil einer Sekunde stehen.
Zu kurz, um sie als einzelne wirklich zu erkennen. Als würde
man einen Film im Schnellvorlauf sehen. Die Geschichte
des Bauhaus wird visualisiert und gleichzeitig verflüchtigt:
Weimar – Dessau – Berlin – Chicago.
Muriel Cooper, Ausstellungsplakat für Bauhaus: Weimar, Dessau, Berlin, Chicago, 1969
Christian Hiller
Rewind

Herausgegeben von Marion
von Osten und Grant Watson
Gestaltet von Wayne Daly
Gebunden
ca. 330 Seiten, ca. 175 farbige und
28 sw Abbildungen
ca. 24 × 30 cm
978-3-85881-623-8 Deutsch
ca. sFr. 65.– | € 58.–
Erscheint im März 2019
Das 100-jährige Bauhaus-Jubiläum
ist eines der grossen Kulturereignisse
des Jahres 2019
Untersucht erstmalig den Einfluss
des Bauhaus auch auf die Moderne
ausserhalb Europas
Präsentiert neue internationale
Forschungsergebnisse und ermöglicht
so eine aktuelle, globale
Lektüre des Bauhaus und seiner
Ideenwelt, mit rund zweihundert
Kunstwerken und Designarbeiten
aus der ganzen Welt
Begleitet die Ausstellungen im
Haus der Kulturen der Welt, Berlin
(15. März bis 10. Juni 2019), und im
Zentrum Paul Klee, Bern (20. September
2019 bis 12. Januar 2020)
ISBN 978-3-85881-623-8
9 783858 816238
Bauhaus Imaginista
Die globale Rezeption bis heute
Das Buch
zur zentralen
Jubiläumsausstellung
In der Geschichte von Kultur, Architektur, Design und Kunst des 20. Jahrhunderts
nimmt das Bauhaus eine zentrale Rolle ein. Seine Ideen verbreiteten sich weltweit,
korrespondierten mit lokalen Ausprägungen der Moderne und wurden in die jeweiligen
gesellschaftlichen und kulturellen Kontexte übersetzt und weiterentwickelt.
Als Begleitbuch zur grossen Ausstellung im Haus der Kulturen der Welt in Berlin und
im Zentrum Paul Klee in Bern verfolgt bauhaus imaginista die internationale Wirkung
der Bauhaus-Praxis und -Pädagogik vor dem Hintergrund der geopolitischen Veränderungen
im 20. Jahrhundert.
Ausgehend von einem mehrjährigen Forschungsprojekt zeigt dieser reich illustrierte
Band erstmals in diesem Umfang die Rezeptionsgeschichte des Bauhaus und dessen
globale Ausstrahlung. Der Schwerpunkt liegt dabei auf dem wechselseitigen Austausch
des Bauhaus, seiner Studierenden und Lehrenden mit aussereuropäischen Entwicklungen
der Moderne wie etwa in Indien, China, Russland, Brasilien und den USA.
Marion von Osten ist eine international tätige Kuratorin, Wissenschaftlerin
und Autorin und lebt in Berlin. Seit 2014 ist sie künstlerische Leiterin
und Kuratorin des Ausstellungsprojektes bauhaus imaginista zusammen
mit Grant Watson.
Grant Watson lebt und arbeitet als Kurator und Forscher in London, wo er
am Royal College of Art einen Lehrauftrag hat. Zusammen mit Marion von
Osten ist er seit 2016 für das Projekt bauhaus imaginista verantwortlich.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 7

Von Verführung und
Vergänglichkeit

Mit Beiträgen von Franziska Kunze
und Nadine Olonetzky
Gestaltet von
Hi – Visuelle Gestaltung
Gebunden
ca. 128 Seiten, ca. 80 farbige
Abbildungen
ca. 22 × 33 cm
978-3-85881-621-4
Deutsch / Englisch
ca. sFr. 59.– | € 48.–
Blumen zählen zu den beliebtesten
Motiven in Malerei und Fotografie
Anna Halm Schudel interpretiert
das Sujet in ihrer Serie neu
Hochwertige, sorgfältig materialisierte
Ausstattung
Erscheint im April 2019
ISBN 978-3-85881-621-4
9 783858 816214
Anna Halm Schudel
Blossom
Blumenstücke
Vom antiken Wandbild über das barocke Stillleben bis zur Fotografie der Gegenwart:
Blumen gehören zu den beliebtesten Motiven der Kunstgeschichte. Seit 25 Jahren beschäftigt
sich die Zürcher Fotografin Anna Halm Schudel mit dem traditionsreichen
Sujet. Mit der Kamera zoomt sie in Blumenkelche hinein und an Blütenstempel oder
Blattadern heran. Sie zelebriert die leuchtende Farbenpracht und Formenvielfalt und
damit die Verführungskunst der Blumen. Ebenso leidenschaftlich verfolgt die Fotografin
den Prozess des Ausbleichens, Verdorrens und Welkens und nimmt trockene,
faulende oder unter Wasser driftende Sträusse auf. Blossom vereint dekorative Pracht
mit einem Memento mori. Diese Symbolik und die Bezüge zur Geschichte des Blumenstilllebens
thematisieren die Kunst- und Fotohistorikerin Franziska Kunze und die
Fotopublizistin Nadine Olonetzky in ihren Essays.
Anna Halm Schudel lebt und arbeitet als freischaffende Fotografin
in Zürich.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 9

FLC E2(6) 243-002
August Klipstein and Le Corbusier’s Journey to the East, 1911
August Klipstein and Le Corbusier’s Journey to the East, 1911
Fig. 17
Paris, 1927, Left to right: August and Frieda Klipstein, Yvonne Gallis,
Pierre Jeanneret and Le Corbusier. Private collection.
Fig. 11 Jeanneret riding a horse at Shipka Pass, June 28, 1911
(photo attributed to Klipstein). FLC L5(1) 165
Fig. 12
Le Corbusier’s note from December 1962, referring to 2 drawings of Kazanlŭk
“being copies by Klipstein from his own drawings” (see Figs. 13a–13d).
11
12
17
42 August Klipstein and Le Corbusier’s Journey to the East, 1911
43
102 Orient Reise [Eastern Journey] 1911 by August Klipstein
103
Die eindrückliche Dokumentation
der Bildungsreise,
die Le Corbusier und sein
Freund August Klipstein
1911 unternahmen
Marseille, Ronchamp, La Tourette, Nantes-Rezé, Berlin, the Brazilian
Pavilion at Cité Universitaire, Firminy, Carpenter Center, Hospital of
Venice, the Zurich Pavilion, and his first full city, the new capital of Punjab
province: Chandigarh (1952–1965).
In 1965, a few months before his death, Le Corbusier acquiesced
to the request of his editor, Jean Petit, to publish as many works of his
as could be assembled. Jean Petit always had his eye on the great man’s
legacy, for artistic as well as purely commercial reasons. He was willing
to work quickly and at times carelessly, pulling together various notes
and texts and publishing them in pocket-size booklets. For Jean Petit,
any artifact or topic that was still unpublished was a welcome subject, no
matter how distant and romantic it happened to be—and for Le Corbusier,
this project could have served as an unprefaced final confession from
his own youth.
There were, of course, literary discontinuities. Between the 1910s
and the 1960s, Le Corbusier’s writing style had undergone a major shift
from impressionistic and romantic to didactic, authoritative, and antiseptic.
It is hard to imagine that on his own, the architect would have been
seized with enthusiasm for his “old” sentimental style, rejected or unrealized
in the past. But Frieda’s presence, Jean Petit’s editorial activity, and
perhaps moments of nostalgia were all nudging this experience towards
a new reality in print.
Still, it would take years of on-and-off reminding and backsliding
before the 1911 text again became a priority. In a letter to Le Corbusier
from November 20, 1960, Frieda mentioned that she had seen his
latest publication L’Atelier de la recherche patiente [Creation is a Patient
Search]. This book, among the architect’s most autobiographical statements,
reproduces many images and drawings from Le Corbusier’s youth,
Fig. 18 Le Corbusier watercolor “in memory of my friend Klipstein,” sent
to his widow Frieda, December 14, 1960. The image represents an early
variation of the series “UBU.” Courtesy Regula Bandi-Klipstein.
including those from the 1911 journey spread over 13 pages. Frieda very
much wanted a copy of this book, for August’s collection. Several weeks
later, on December 14, 1960, Le Corbusier answered her letter, apologizing
for his tardiness (he had just returned from India). He also enclosed
18
a watercolor “in memory of my friend Klipstein” with an accompanying
sketch about how to frame it. (fig. 18)
44
45
Fig. 23 Kariye mosque (from Tagebuch, p. 31).
Fig. 10 a “Les punaises” [Bedbugs], watercolor by Ch.-E. Jeanneret, 1911, sent to Mme Klipstein
Fig. 10 b Upon receiving this drawing Madame Klipstein wrote on the back, “August tormented
by parasites during the Balkan tour with Le Corbusier.”
10a
that her husband had left behind. It is even possible that Le Corbusier was
not even aware that his friend’s travel diary had survived. Frieda, meanwhile,
continued to re-read it and to enter the occasional small marginal
comment in her own handwriting.
The relationship between the widowed Frieda, the surviving documents
of her late husband, and Le Corbusier at the peak of his activity
and fame in the 1950s and 1960s, led to two hypotheses. First, that a
companion volume to Jeanneret / Le Corbusier’s Journey to the East—the
same journey, but as recorded by his travel companion—would interest
architectural historians. Such a volume would connect the full typed text
of Orient-Reise (57 pages), translated into English and annotated, to relevant
correspondence in its original French (the occasional German-language
exchanges translated into English as an appendix, Correspondence
1910–1965), as well as to the pertinent photographs and drawings. Among
these latter images are ones that Le Corbusier later claimed were copies
made by Klipstein of his own drawings.
This assumption of visual plagiarism in their “master-pupil relationship”
(as Jeanneret described it at the time) was to be subsequently
questioned on several occasions. In some instances the charge might be
true. In one case, for example, Le Corbusier claims correctly that Klipstein
copied two of his drawings of Kazanlŭk (Bulgaria) (see chapter 2,
Orient-Reise, figs. 13a, 13b, 13c, and 13d) where clearly Klipstein has done his
own variant of Jeanneret’s sketch. But other examples of alleged plagiarism
claimed by Le Corbusier are highly questionable, such as the drawing
of the Eastern Gate and view of Süleymaniye Mosque in Istanbul (see
chapter 2, Orient-Reise, figs. 30a, 30b, 30c, and 30d).
Perhaps the most interesting instance of this false claim or confusion
in authorship is a drawing made in Knjaževac, Serbia, claimed to
be by Jeanneret. This drawing is one of the three that is held today in
the National Museum of Belgrade, and which was done from a visit to
the Ethnographic Museum in 1911. An exchange of letters between Le
Corbusier and the curator of the Museum, Katja Ambroziŭ, in 1963 is
a case in point. On December 15, 1962 she wrote Le Corbusier asking
that he authenticate his authorship of this drawing in their collection.
Le Corbusier responded on January 5, 1963: “ . . . I did actually make a
10b
124 Orient Reise [Eastern Journey] 1911 by August Klipstein
125
34
35
Itinéraire du voyage d‘Orient
München
Fig. 14
Amedée Ozenfant, Albert Jeanneret and Charles-Edouard Jeanneret, 1919. FLC L3(16)15-25
Fig. 15 “A useful journey,” early sketch by Le Corbusier of Journey to the East dividing
Europe of 1911 into 3 categories: Industry, High Culture, and Folklore. FLC B2(14) 237
apparently in response to a question from a friend who had closely
followed the themes of the book’s chapters in L’Esprit Nouveau. “Confession”
was a pretext for providing his public with an autobiography, and
in it Jeanneret dealt with his past, his education, training and formative
experiences. Still a young man, he was already mythologizing the phases
of his life. “Confession” included sketches from his 1911 journey, as well
as a hand-drawn map of the itinerary he had traveled over past years.
Le Corbusier divided the map of Europe into three different categories,
labeling various regions “c” for Culture, “f” for folklore, and “i” for industry,
together with a caption that read “A useful journey.” 70 (fig. 15)
Jeanneret made one last attempt to publish all his chapters as a
unified book, with additional notes and chapters. An entry in the published
edition of Après le Cubisme in 1918 advertised a new collection of his
writings to be known as Les Commentaires sur l’Art et la Vie moderne.
(fig. 16)
Also promoted were “Vers une Architecture in press” and several
other titles, among them “L’Art Decoratif Actuel” (an illustrated volume)
and Tilleul et Camomille [Linden and Camomille]. The latter was none
Paestum
14
15
Eastern Journey [Orient-Reise]—1911
68 August Klipstein and Le Corbusier’s Journey to the East, 1911
69
246 Le Voyage d’Orient: the Backstory of Le Corbusier’s Parallel Journey
247

Mit einer Einführung
von Tim Benton
Gestaltet von Iza Hren
Gebunden
ca. 336 Seiten, 92 farbige und
43 sw Abbildungen
15,5 × 24,5 cm
978-3-85881-817-1 Englisch
ca. sFr. 49.– | € 48.–
Erscheint im März 2019
Mit dem vollständigen und durch
den Autor annotierten Text des
bisher unveröffentlichten Reisetagebuchs
von August Klipstein
(in Englisch)
Eine grossartige Ergänzung des
seit 1966 in mehreren Ausgaben
publizierten Reisetagebuchs Le
Voyage d’Orient von Le Corbusier
Reich bebildert mit Zeichnungen
und Fotografien August Klipsteins
und Le Corbusiers
Mit dem Briefwechsel zwischen
Le Corbusier und August Klipstein
sowie dessen Frau Frieda Klipstein
(in Englisch)
ISBN 978-3-85881-817-1
9 783858 818171
Ivan Žaknić
Klip and Corb on the Road
The Dual Diaries and Legacies of August Klipstein and Le Corbusier
on Their Eastern Journey, 1911
Im Jahr 1911 unternahmen Charles-Edouard Jeanneret (später Le Corbusier) und der
junge Kunsthistoriker August Klipstein eine gemeinsame Reise durch Europa. Diese
führte sie über Prag, Wien, Budapest, Bukarest u. a. nach Konstantinopel, auf den Heiligen
Berg Athos und nach Athen. Ivan Žaknić spürt der kreativen Symbiose dieser
Freundschaft nach.
Klipsteins Interessen waren zielgerichteter, er war ästhetisch stärker geprägt und
wollte Studien betreiben, um seine Dissertation abzuschliessen, Jeannerets Wahrnehmungen
waren unmittelbarer und romantischer. Beide interessierten sich für Volkskunst,
führten Tagebuch, fotografierten und zeichneten, teilweise die gleichen Motive,
manchmal kopierten sie sich gegenseitig.
Mit dem bisher unveröffentlichten Reisetagebuch von August Klipstein und dem kaum
bekannten Briefwechsel zwischen ihm und Le Corbusier liegt nun, nach Le Corbusiers
Le Voyage d’Orient (1966), die andere Perspektive auf die gleiche Reise vor. Klip and
Corb on the Road bringt uns damit nicht nur die heute weniger bekannte Persönlichkeit
des Berner Kunsthändlers Klipstein näher, sondern vermittelt auch spannende
neue Einsichten in die frühen Jahre Le Corbusiers.
I v a nŽ a k n i ć ist Professor emeritus für Architektur und Kunst an der
Lehigh University in Pennsylvania. Er ist Autor mehrerer Publikationen
über Le Corbusier, in denen er sich vor allem mit dessen Früh- und
Spätwerk beschäftigt.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 11

Der Architekturwettbewerb als
Längsschnitt durch die Baukultur

Herausgegeben vom Institut für
Kulturforschung Graubünden ikg
mit Unterstützung des Bündner
Heimatschutzes
Fotografien von Ralph Feiner
Gestaltet von Guido Widmer
Gebunden
ca. 250 Seiten, ca. 100 farbige und
sw Abbildungen, ca. 100 Architekturzeichnungen
ca. 22 × 28 cm
978-3-85881-619-1 Deutsch
ca. sFr. 79.– | € 77.–
Erscheint im April 2019
ISBN 978-3-85881-619-1
Eine Architekturgeschichte
Graubündens im späten 19. und
frühen 20. Jahrhundert aus
neuem Blickwinkel
In der betrachteten Epoche entstanden
zahlreiche Bauwerke,
die Landschafts- und Ortsbilder
Graubündens bis heute prägen
Präsentiert wichtige, jedoch
wenig bekannte Gebäude und
stellt zahlreiche nicht realisierte
Entwürfe vor
Reich illustriert mit Architekturzeichnungen
und neu aufgenommenen
Fotografien ausgeführter
Bauten
Ein Buch für kultur- und sozialhistorisch
interessierte Kunst- und
Architekturfreunde
9 783858 816191
Leza Dosch
Entwurf im Wettbewerb
Zur Architekturgeschichte Graubündens 1850–1930
Behandelt u.a.:
Chesa Planta Gartenpavillon,
Samedan
Staatsgebäude Chur
Grabenschulhaus Chur
Jugendstilpavillon
Hotel Waldhaus, Flims
Erweiterung Kirche St. Johann,
Davos Platz
Graubündner Kantonalbank,
Chur
Gemeindesaal Samedan
Psychiatrische Klinik Beverin,
Cazis
Friedhof und Krematorium
Totengut, Chur
Wiederaufbau Sent
Renovation Kathedrale Chur
Trink- und Wandelhalle
St. Moritz
Im Mittelpunkt dieses reich illustrierten Buchs stehen die Architekturwettbewerbe im
Kanton Graubünden des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Ausgangspunkt der
Untersuchung war die Überlegung, dass sich Auseinandersetzungen mit architektonischen
Fragen im regionalen Kontext oft im Umfeld von Wettbewerben dokumentieren.
Der Architekturwettbewerb verlangt ein intellektuelles und künstlerisches Engagement
der teilnehmenden Architekten, aber auch Debatten unter Auslobern, Preisrichtern,
Medien, teils auch unter Einbezug des Publikums. Das Buch zeigt auf, dass der
Reiz und die Chance des Regionalen in dessen Kleinräumigkeit und Überschaubarkeit
liegen: Wie in einem Labor macht der Fokus auf eine einzelne Region den Zusammenhang
von Kunst und Architektur mit den wirtschaftlichen und sozialen Voraussetzungen
fassbar.
Zwölf Beispiele aus verschiedenen Zeitperioden, unterlegt mit bisher unpubliziertem
Archivmaterial, vertiefen das Thema und behalten dabei allgemeine Architekturentwicklungen
im Auge.
Leza Dosch ist Kunst- und Architekturhistoriker und interessiert sich
besonders für die Geschichte von Architektur und Kunst in kulturlandschaftlichen
Räumen und für die Übergänge zwischen den Kunstgattungen.
Bei Scheidegger & Spiess erschien sein Buch Kunst und Landschaft
in Graubünden. Bilder und Bauten seit 1780.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 13

Ein Chronist des
afroamerikanischen Lebens
im 20. Jahrhundert

Herausgegeben von Storm Janse
van Rensburg
Mit Beiträgen von Walter O. Evans,
Storm Janse van Rensburg und
Paula Wallace
Gestaltet von Christine Moog
Gebunden
ca. 224 Seiten, ca. 122 farbige
Abbildungen
ca. 24 × 30 cm
978-3-85881-825-6 Englisch
ca. sFr. 65.– | € 58.–
Jacob Lawrence ist einer der
wichtigsten afroamerikanischen
Künstler des 20. Jahrhunderts
Untersucht Lawrences Werk im
Dialog mit dem seiner Zeitgenossen,
Mentoren und bedeutenden
Protagonisten der Kunstgeschichte
Verdeutlicht seinen Einfluss auf
Künstler der Gegenwart
Erscheint im Februar 2019
ISBN 978-3-85881-825-6
9 783858 818256
Jacob Lawrence
Lines of Influence
Jacob Lawrence (1917–2000) gehört zu den bedeutendsten amerikanischen Malern
des 20. Jahrhunderts. Sein Werk reicht von modernistischen Illustrationen des Alltags
bis hin zu Erzählungen der afroamerikanischen Geschichte und deren historischen
Figuren.
Jacob Lawrence. Lines of Influence erscheint in Zusammenarbeit mit dem SCAD
Museum of Art in Savannah und untersucht Leben, Arbeit und Vermächtnis von Lawrence
– nicht nur als gefeierter Künstler, sondern auch als Erzähler und Chronist der
Lebenssituation der Afroamerikaner Mitte des 20. Jahrhunderts.
Der erste Teil des Buchs zeichnet die Beziehungen zwischen Lawrence und seinen Zeitgenossen
nach – seinen Mentoren und Künstlerfiguren wie Josef Albers, Richmond
Barthé, Gwendolyn Knight Lawrence, José Clemente Orozco, Augusta Savage oder
George Grosz. Den Blick auf die Gegenwart richtet der zweite Teil und erkundet dabei
Lawrences Einfluss auf zeitgenössische Künstler und solche, die seine formalen und
konzeptuellen Interessen teilen.
Storm Janse van Rensburg ist Chefkurator für Ausstellungen am
SCAD Museum of Art, Savannah, Georgia. Davor war er Kurator an
der Goodman Gallery Cape Town, der Kwazulu Natal Society of the Arts
in Durban und Mitgründer des Visual Arts Network of South Africa.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 15

Das kosmische Theater:
Lee Mullicans Kunst, inspiriert
von Galaxien, Jung’scher
Philosophie und der frühgeschichtlichen
Kultur Amerikas

Herausgegeben und mit einem
Essay von Michael Auping
Gestaltet von Evelina Laviano
Gebunden
ca. 80 Seiten, ca. 50 farbige
Abbildungen
ca. 24 × 28 cm
978-3-85881-823-2 Englisch
ca. sFr. 39.– | € 38.–
Präsentiert rund fünfzig ausgewählte
und selten öffentlich gezeigte
Gemälde und Zeichnungen
des bedeutenden amerikanischen
Künstlers
Beleuchtet Mullicans Schaffen
im Kontext seiner Zeit und seiner
Inspirationsquellen
Erscheint im April 2019
ISBN 978-3-85881-823-2
9 783858 818232
Cosmic Theatre
The Art of Lee Mullican
Der amerikanische Maler Lee Mullican (1919–1998) pflegte einen für die US-Westküste
typischen Zugang zur Abstraktion, der auf Bezügen zur Mystik und zur Transzendenz
gründet. Seine produktive, sechzig Jahre überspannende Karriere begann in San
Francisco, wo er Ende der 1940er-Jahre mit anderen Künstlern und Philosophen die
Dynaton Group gründete. Ihr gemeinsames Wirken mündete 1951 in der bedeutenden
Dynaton-Ausstellung im San Francisco Museum of Art.
Das vorliegende Buch – das erste über diesen bedeutenden amerikanischen Künstler
des 20. Jahrhunderts nach mehr als einem Jahrzehnt – geht besonders Mullicans lebenslanger
Faszination für den Himmel und das Weltall nach. Es erforscht die Entwicklung
seiner Arbeit zwischen 1940 und 1970 unter Einbezug seiner Beschäftigung
mit den Lehren Carl Gustav Jungs einerseits und seiner Bewunderung für die indigenen
Kulturen Amerikas andererseits. Fünfzig Werke, darunter einige selten gezeigte
Gemälde und Zeichnungen, werden begleitet von einem Essay des Kurators Michael
Auping.
Michael Auping ist Kurator und spezialisiert auf die internationalen
Entwicklungen der Kunst der Nachkriegszeit. Seine Ausstellung Abstract
Expressionism: The Critical Developments von 1987 gilt als Meilenstein
in der Erforschung dieses Gebiets.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 17

Anerkannt in Amerika,
verkannt in der britischen Heimat:
Lynn Chadwicks Werk
im internationalen Kontext

Mit einem Beitrag von
Marin R. Sullivan
Gestaltet von Studio Incipit,
Mailand
Gebunden
ca. 224 Seiten, ca. 150 farbige und
80 sw Abbildungen
ca. 24 × 30 cm
978-3-85881-824-9 Englisch
ca. sFr. 75.– | € 68.–
Erscheint im April 2019
Lynn Chadwick ist einer der bedeutendsten
britischen Bildhauer
der Moderne
Erste umfassende Untersuchung
von Chadwicks Werk und dessen
Rezeption im internationalen
Kontext
Der Autor Michael Bird ist einer
der renommiertesten Experten
für britische Kunst des 20. Jahrhunderts
ISBN 978-3-85881-824-9
9 783858 818249
Michael Bird
Lynn Chadwick
A Sculptor on the International Stage
Der britische Bildhauer Lynn Chadwick (1914–2003) ist berühmt für seine wegweisenden
Stahl- und Bronzeplastiken von expressiven und zugleich abstrahierten Figuren.
Bereits seine erste Ausstellung Anfang der 1950er-Jahre sorgte international für viel
Aufsehen. An der Biennale 1956 in Venedig gewann er als jüngster Künstler überhaupt
den Grand Prix für Bildhauerei. Zum Paradox von Chadwicks Karriere gehört, dass
seine späteren Arbeiten zu Hause in Grossbritannien wenig Anerkennung fanden,
während er im Ausland grosse Erfolge feierte.
Zum ersten Mal werden in diesem Buch Lynn Chadwicks Arbeiten in einen internationalen
Kontext gestellt. Die Kunsthistoriker Michael Bird und Marin R. Sullivan eröffnen
neue Einblicke in die Entwicklung seiner Arbeiten. Sie verorten sein Werk im
Kunstschaffen der europäischen Nachkriegszeit und paralleler Entwicklungen in
Nordamerika. Bird und Sullivan setzen Lynn Chadwick an eine Position in der Geschichte
der Skulptur des 20. Jahrhunderts, die ihm längst gebührt.
Michael Bird ist Autor und Kunsthistoriker. Er publizierte über moderne
Kunst in Grossbritannien und schrieb für Zeitungen und Zeitschriften
wie The Guardian, The Times und The Telegraph.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 19

12–13. Bettina Pousttchi
Metropolitan Life
Veduta dell’installazione /
Installation view, Museo
Nivola, Orani, 2017
30 |
18. Nuraghe Arrubiu,
Sardegna / Sardinia
40 |
10. Bettina Pousttchi
Metropolitan Life
Veduta dell’installazione /
Installation view, Museo
Nivola, Orani, 2017
significativamente lo stile delle campagne pubblicitarie e degli allestimenti
commerciali dell’azienda. Nel 1938 lasciò l’Italia con sua moglie, Ruth
Guggenheim, poiché l’origine ebraica di lei e le posizioni antifasciste di
entrambi li mettevano in contrasto con il regime politico italiano. Dopo
aver vissuto per qualche tempo in Francia, Nivola si stabilì a New York,
dove fu art director della rivista “Interiors” tra il 1941 e il 1945, sostenendo
la causa dell’architettura moderna ed entrando in contatto con una serie
di architetti e artisti internazionali con i quali strinse amicizia. All’altezza
degli anni cinquanta Nivola aveva sviluppato una tecnica di sand-casting
con la quale realizzare sculture primitiviste che cominciarono a essere
largamente richieste in seguito al grande successo riscosso nel 1954 dal
suo imponente bassorilievo per lo showroom Olivetti a Manhattan (fig.
11). La giustapposizione dei motivi primitivisti del bassorilievo Olivetti
con le macchine da scrivere che emergevano da piedistalli di forma semi-organica,
come se fossero letteralmente escrescenze o estensioni di
antichi segni, contribuisce a delineare il complesso impegno di Nivola sui
temi del tempo e della storia. Tra le sue molte collaborazioni successive
con architetti ci fu, nel 1962, un programma di 35 sculture per il radicale
progetto di Saarinen dei college Morse e Stiles all’Università di Yale.
Nonostante abbia vissuto all’estero per la maggior parte della sua
vita adulta, Nivola attinse frequentemente all’esempio della sensibilità
collettiva e comunitaria di Orani, che incorporò nel suo insegnamento alla
Graduate School of Design di Harvard come pure alla Columbia University
e alla University of California a Berkeley 33 . In altre parole, Nivola era un
eclettico che frequentemente collaborò con altri e che usò la sua pratica
come forma di impegno sociale con il mondo dell’esperienza vissuta: un
tema centrale nell’installazione di Pousttchi.
Pousttchi ha affermato di essere stata colpita, nell’affrontare l’incarico,
dalla storia di Nivola come artista riconosciuto in campo internazionale ma
con forti radici nella comunità piccola e fortemente coesa di Orani; e di
aver voluto creare un’installazione sul tema di questa giustapposizione 34 .
11. Costantino Nivola
Olivetti Showroom, New York,
1954
Per esempio, lo status di emigrato di Nivola lo portò a gravitare verso altri
artisti europei come Le Corbusier, con il quale condivise temporaneamente
uno studio vicino al famoso Flatiron Building e a Madison Square Park.
Pousttchi, la cui familiarità con New York deriva dall’avervi vissuto quando
era membro del Whitney Independent Studio Program, sapeva che Madison
Square Park è dominato dalla lunga ombra della Metropolitan Life
Insurance Tower, una riproduzione della quale l’artista ha scelto come elemento
centrale dell’installazione. Con una delle sue molte argute allusioni, il
titolo Metropolitan Life si riferisce perciò non solo all’edificio in sé ma anche
alla sorprendente giustapposizione fra la “vita metropolitana” di Nivola
a New York e la sua formazione in un piccolo paese della Sardegna, alla
quale fa riferimento il paesaggio rurale visibile dalle finestre della galleria
del Museo Nivola 35 . Perfino l’accostamento delle tecnologie aggiornate del
Metropolitan Life Building (come la struttura d’acciaio, l’avanzato sistema
antincendio e gli ascensori elettrici) a uno stile tutto italiano basato sul cam-
Kulturelle Verschiebungen zwischen
Alter und Neuer Welt in einem neuen
Werk der gefeierten deutsch-iranischen
Künstlerin
dei grattacieli (fig. 18). La funzione esatta dei nuraghe è ancora tema di
discussione: possono essere stati residenze di capi o piccole fortezze
progettate per la “difesa passiva”, deterrente verso possibili nemici o
competitori per il possesso della terra 52 . Da questo punto di vista, costituiscono
un parallelo quasi preciso con lo scopo dei primi grattacieli
come il Metropolitan Life Building, che fu costruito come simbolo del
prestigio e del potere di una compagnia di assicurazioni.
Per aggiungere ancora qualcosa al futuro anteriore del Metropolitan
Life Building, ricordiamo che fu realizzato nello stile del campanile di
piazza San Marco a Venezia in un’epoca in cui la torre originale aveva
temporaneamente cessato di esistere: il monumento veneziano, infatti,
era crollato inaspettatamente nel 1902 e la sua ricostruzione, sebbene
fosse stata progettata e approvata dalla giunta comunale già nella notte
successiva all’evento, non venne completata fino al 1912. La notizia del
crollo ebbe ampia circolazione attraverso una serie di fotomontaggi
che pretendevano di ricatturarne il momento in medias res (fig. 19). Il
Metropolitan Life Building riveste dunque un ruolo singolare nella storia,
come replica di un edificio che era crollato e il cui futuro appariva
incerto, replica di un monumento che era stato ripetutamente restaurato
e ricostruito dopo una serie di incendi, cadute di fulmini e altri disastri,
replica di un originale le cui origini erano tuttavia non proprio chiare 53 .
Di conseguenza, per un periodo di ben tre anni (dal 1909 al 1012), un
surrogato del campanile di San Marco esistette solo a New York, a più
di 6500 chilometri di distanza da Venezia, assicurando così al Metropolitan
Life Building un posto nella storia come struttura tanto fuori luogo
quanto fuori dal tempo. Così il Metropolitan Life Building funzionava
molto come un collage, ritagliato e incollato da una storia distante e da
una cultura lontana; mentre l’installazione di Pousttchi funziona come un
meta-commento sulla sua discontinuità spaziale e temporale.

Herausgegeben von
Antonella Camarda
Mit einem Text von Greg Foster-
Rice sowie einem Gespräch mit
der Künstlerin von Markus Miessen
und Hans Ulrich Obrist
Gestaltet von Studio Incipit,
Mailand
Präsentiert eine neue fotografische
Installation der deutsch-iranischen
Künstlerin Bettina Pousttchi
Pousttchis Werk an der Schnittstelle
von Skulptur, Architektur
und Fotografie findet weltweit
starke Beachtung
Klappenbroschur
112 Seiten, 46 farbige und
8 sw Abbildungen
16 × 22 cm
978-3-85881-826-3
Englisch / Italienisch
sFr. 29.– | € 29.–
Lieferbar
ISBN 978-3-85881-826-3
9 783858 818263
Bettina Pousttchi
Metropolitan Life
Seit den späten 2000er-Jahren arbeitet die 1971 geborene deutsch-iranische Künstlerin
Bettina Pousttchi an der Schnittstelle von Skulptur, Architektur und Fotografie.
Nach ihrer Ausbildung an der Kunstakademie Düsseldorf und in New York lebt sie
heute in Berlin. Ihre grossen Installationen, mit denen sie internationale Bekanntheit
erlangte, hinterfragen Geschichte und Gedächtnis von Orten und untersuchen die
Beziehungen zwischen Raum und Zeit mit einem transnationalen Blick.
Pousttchis neue fotografische Intervention Metropolitan Life Building im Museo
Nivola im sardischen Orani stellt die hybride Identität des berühmten Gebäudes an
der Madison Avenue in Manhattan in den Fokus. Zur Zeit seiner Eröffnung 1909
wegen seiner unverhohlenen italienischen Referenzen kritisiert, verweist das Gebäude
auf die kulturellen und raumzeitlichen Verschiebungen zwischen Alter und Neuer
Welt, zwischen Renaissance und Moderne.
Abbildungen weiterer Werke Pousttchis, ein Essay des Kunsthistorikers Greg Foster-
Rice sowie ein Gespräch zwischen der Künstlerin, dem Kritiker und Kurator Hans
Ulrich Obrist und dem Architekten und Autor Markus Miessen ergänzen das Buch.
Antonella Camarda ist Direktorin des Museo Nivola in Orani, Sardinien,
und unterrichtet Kunstgeschichte der Gegenwart an der Universität Sassari.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 21

Den Raum ärgern:
Werner Feiersingers skulpturale
Intervention im Belvedere 21
Ohne Titel / Untitled, 1992, Bronze, Lack /
bronze, paint, 42 × 22 × 12 cm
Ohne Titel / Untitled, 2002, Stahl, Grundierung /
steel, primer, 328 × 60 × 75 cm
15
21

Herausgegeben von Stella Rollig
und Axel Köhne
Mit Beiträgen von Martin Herbert
und Stella Rollig sowie einem
Gespräch mit Werner Feiersinger
von Axel Köhne
Gestaltet von Willi Schmid
Broschur
108 Seiten, 58 farbige Abbildungen
16,5 × 22 cm
978-3-85881-617-7
Deutsch / Englisch
sFr. 29.– | € 24.–
Lieferbar
Präsentiert neue Arbeiten des
österreichischen Künstlers und
Fotografen
Werner Feiersinger ist auch bekannt
als Fotograf, u.a. für die Bücher
Italomodern 1, Italomodern 2 (Park
Books, 2016) und Chandigarh Redux
(Scheidegger & Spiess, 2015)
Das Gebäude des Belvedere 21,
der ehemalige österreichische
Pavillon für die Weltausstellung
1958 in Brüssel, ist eine Ikone der
Nachkriegsmoderne Österreichs
Erscheint zur gleichnamigen
Ausstellung im Belvedere 21, Wien
(12. Oktober 2018 bis 6. Januar
2019)
ISBN 978-3-85881-617-7
9 783858 816177
Werner Feiersinger. Overturn
Weiterhin lieferbar:
Werner Feiersinger verbindet in seinen Werken ein breites Wissen über Kunst-, Designund
Architekturgeschichte mit einer lakonisch-reduzierten Formensprache. Mit einem
umfassenden skulpturalen Eingriff bespielt er den Ausstellungsraum im Belvedere 21
– dem nach Wien transferierten österreichischen Pavillon der Weltausstellung 1958 in
Brüssel – und bezieht sich dabei auf die Geschichte des Gebäudes.
Feiersingers minimalistische Werke, durchzogen von tiefgründigem Humor, unterlaufen
stets konventionelle Sehgewohnheiten. Mit seiner Intervention im Belvedere 21
ärgert er sozusagen den Raum. Er lässt diese Architekturikone der Nachkriegsmoderne
buchstäblich kippen und besetzt sie mit «artfremden» Körpern.
Das Buch präsentiert neben einer Auswahl von Feiersingers skulpturalen Werken diese
neuen Arbeiten in zahlreichen Abbildungen und Reproduktionen seiner Entwurfsskizzen,
ergänzt durch einführende Texte und ein Gespräch mit dem Künstler.
Stella Rollig ist seit 2017 Generaldirektorin und wissenschaftliche Geschäftsführerin
des Belvedere in Wien. Davor war sie als Kunstpublizistin
und österreichische Bundeskuratorin für bildende Kunst tätig.
Axel Köhne ist seit 2012 Kurator am Belvedere in Wien. 2010–2012 war
er am MMK Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main tätig.
Chandigarh Redux
Photographs by
Werner Feiersinger
978-3-85881-762-4
Englisch
sFr. 49.– | € 48.–
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 23

Höhepunkte internationalen
Kunstschaffens aus der
Sammlung der Gottfried Keller-
Stiftung erstmals seit drei
Jahrzehnten vereinigt

Herausgegeben vom Schweizerischen
Nationalmuseum, dem
Museo d’arte della Svizzera italiana,
Lugano, sowie dem Eidgenössischen
Departement des Innern,
Bundesamt für Kultur
Mit einem Artikel von Franz Zelger
Gestaltet von Hi –
Visuelle Gestaltung
Broschur
240 Seiten, ca. 105 farbige
Abbildungen
19 × 26 cm
978-3-85881-629-0 Deutsch
978-3-85881-827-0 Französisch
ca. sFr. 39.– | € 38.–
Präsentiert die herausragenden
Meisterwerke einer der wichtigsten
Sammlungen zur Schweizer Kunst
Beleuchtet die wechselvolle
Geschichte der Stiftung und ihrer
Sammlung
Erscheint anlässlich der Ausstellungen
zur Gottfried Keller-Stiftung
im Landesmuseum Zürich
(14. Februar bis 22. April 2019)
und im MASI Lugano (24. März bis
18. Juli 2019)
Erscheint im Februar 2019
Die italienische Ausgabe erscheint
bei Edizioni Casagrande, Bellinzona
ISBN 978-3-85881-629-0
Deutsch
ISBN 978-3-85881-827-0
Französisch
9 783858 816290
9 783858 818270
Meisterwerke der Gottfried Keller-Stiftung
Zeigt Werke u.a. von:
Caspar Wolf
Angelika Kauffmann
Albert Anker
Robert Zünd
Arnold Böcklin
Ferdinand Hodler
Karl Stauffer
Giovanni Segantini
Félix Vallotton
Johannes Itten
Cuno Amiet
Alberto Giacometti
Marcel Bolomey
Pablo Picasso
Meret Oppenheim
Die Sammlung der Gottfried Keller-Stiftung ist Eigentum des Bundes und die wichtigste
öffentliche Sammlung zur Schweizer Kunst. Lydia Welti-Escher hat die Stiftung
1890 mit einem Vermächtnis an die Eidgenossenschaft begründet. Gemäss ihren
Vorgaben sind die Werke als Dauerleihgaben auf siebzig Schweizer Museen und
eine Reihe öffentlicher Gebäude verteilt. Erstmals nach fast dreissig Jahren werden
nun mit je einer Ausstellung im Landesmuseum Zürich und im Museo d’arte della
Svizzera italiana in Lugano die wichtigsten Meisterwerke dieser Stiftung wieder
zusammen präsentiert.
Das Buch zur Ausstellung bewahrt diesen Moment und umfasst im Katalogteil die
Exponate beider Ausstellungen in Bild und Wort: Gemälde, Grafiken, Glasgemälde,
Goldschmiedearbeiten, Fotografien und Skulpturen vom 12. bis ins 20. Jahrhundert –
eine in dieser Qualität einzigartige Zusammenstellung herausragender Meisterwerke.
Ein ausführlicher Essay des Kommissionspräsidenten Franz Zelger zeichnet zudem die
Geschichte der Gottfried Keller-Stiftung und ihrer Ankäufe von der Gründung im
Jahr 1890 bis heute nach.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 25

Herausgegeben von Stephan Kunz,
Bündner Kunstmuseum Chur
Mit Beiträgen von Martin Disler,
Patrick Frey, Dieter Hall, Stephan
Kunz und Tilman Osterwold
Gestaltet von Peter Zimmermann
Klappenbroschur
ca. 160 Seiten, ca. 120 farbige
und 20 sw Abbildungen
ca. 21 × 28 cm
978-3-85881-627-6 Deutsch
ca. sFr. 39.– | € 38.–
Umfangreiche Publikation zum
legendären Monumentalgemälde
Martin Dislers
Dokumentiert Entstehung und
bisherige Geschichte des Werks
Präsentiert historische und neue
Fotografien und zeigt das Gemälde
erstmals in seiner finalen Gestalt
Erscheint anlässlich der Ausstellung
Martin Disler – Die Umgebung der
Liebe im Bündner Kunstmuseum
Chur (16. Februar bis 26. Mai 2019)
Erscheint im Februar 2019
ISBN 978-3-85881-627-6
9 783858 816276
Martin Disler – Die Umgebung der Liebe
Produkt einer
künstlerischen
Tour de Force:
Martin Dislers
legendäres Monumentalgemälde
In einer einzigartigen Aktion malte Martin Disler (1949–1996) im Jahr 1981 in nur
vier Nächten das 140 Meter lange Panoramabild Die Umgebung der Liebe im Württembergischen
Kunstverein in Stuttgart. Das monumentale Gemälde ist das bekannteste
Werk des wichtigen Schweizer Exponenten der neuen expressiven Malerei. Obwohl es
nur wenige gesehen haben, wurde das Bild schnell bekannt und mit ihm sein Schöpfer.
Die Gottfried Keller-Stiftung erwarb Die Umgebung der Liebe 2007; an der bevorstehenden
Präsentation im Bündner Kunstmuseum wird das Gemälde zum ersten Mal
in der Schweiz gezeigt.
Dieses Buch ist die mit Spannung erwartete erste umfassende Dokumentation über die
Entstehung des Bildes sowie über dessen finale Gestalt. Den historischen Fotos aus der
ersten Ausstellung in Stuttgart werden neue Aufnahmen gegenübergestellt, welche die
malerische Qualität auch im Detail erfahren lassen.
Stephan Kunz ist seit Herbst 2011 Direktor am Bündner Kunstmuseum
Chur. Davor war er langjähriger Kurator und stellvertretender Direktor
des Aargauer Kunsthauses, Aarau.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 26

Herausgegeben von Martin Heller
und Barbara Weber
Gestaltet von Teo Schifferli
Broschur
ca. 300 Seiten, ca. 200 farbige und
sw Abbildungen
19 × 30 cm
978-3-85881-632-0 Deutsch
ca. sFr. 49.– | € 48.–
Ein Rückblick auf sämtliche Aktivitäten
zum Zürcher Reformationsjahr
Spiegelt das Ereignis der
Reformation aus heutiger Optik
Zeigt die 50 Veranstaltungen und
Aktionen in überwiegend unveröffentlichten
Bildern und Texten
Erscheint im April 2019
ISBN 978-3-85881-632-0
9 783858 816320
500 Jahre Zürcher Reformation
Das Jubiläumsbuch
Ein Überblick über
sämtliche Aktivitäten,
Schwerpunkte
und Veranstaltungen
des Zürcher
Reformationsjahrs
Zürich hat seine Reformation gefeiert. Im Anschluss an die Luther-Dekade in Deutschland,
aber auf eigenständige Weise – aus dezidiert gesellschaftlicher Sicht. Als «Langzeit-Festival»
konzipiert, wurde über einen Zeitraum von nahezu zwei Jahren ein
vielfältiges Kulturprogramm realisiert, das sich mit der Reformation in Zürich und
deren zentraler Figur, Huldrych Zwingli, auseinandersetzte.
Die Reformation als historische Zäsur, die die Entwicklung Zürichs in hohem Masse
geprägt hat und mehr denn je ambivalent wahrgenommen wird: Zwingli steht nicht
nur für religiöse Erneuerung, Selbstermächtigung und politischen Mut, sondern vielen
auch für moralische Rigidität und Lustfeindlichkeit, die das Zürich von heute überwunden
glaubt. In der kritischen Auseinandersetzung mit der Reformation, ihren Errungenschaften
und ihrem Nachhall ging es der künstlerischen Leitung, bestehend aus
Barbara Weber und Martin Heller, darum, die Situation mit einem heutigen Blick zu
betrachten, weiterführende Fragen zu stellen und mit einem breiten Publikum zu teilen.
Das vorliegende Buch fasst in Bild und Text sämtliche Aktivitäten zum Zürcher
Reformationsjubiläum anschaulich und in attraktiver Buch-Form zusammen.
Martin Heller, Kulturunternehmer (Heller Enterprises, Zürich) ist ehemaliger
Direktor des Museums für Gestaltung in Zürich und war künstlerischer
Direktor der Schweizerischen Landesausstellung Expo.02 sowie Intendant
der Europäischen Kulturhauptstadt Linz 2009. 2011–2015 leitete er für das
Humboldt Forum Berlin das Humboldt Lab Dahlem.
Barbara Weber ist eine Schweizer Regisseurin, Kuratorin und Intendantin.
Sie arbeitete u. a. am Maxim-Gorki-Theater Berlin, den Münchner Kammerspielen,
den Salzburger Festspielen und den Wiener Festwochen. 2008–2013
war sie Kodirektorin des Theater Neumarkt in Zürich.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 27

Die erste grosse Übersicht über
den Schweizer Expressionismus
im Austausch mit den
Avantgarden im Ausland

Gestaltet von Guido Widmer
Band 1: Text
Gebunden, ca. 408 Seiten
17 × 24 cm
Band 2: Abbildungen
Gebunden, ca. 312 Seiten,
235 farbige Abbildungen
17 × 24 cm
Nur zusammen erhältlich
978-3-85881-624-5 Deutsch
ca. sFr. 99.– | € 85.–
Die erste umfassende wissenschaftliche
Untersuchung zum
Expressionismus und seinen
Exponenten in der Schweiz
Der Textband bietet einen
fundierten Überblick sowohl
über einzelne Künstler als auch
über Gruppierungen
Der Abbildungsband zeigt zentrale
Werke aller wichtigen Künstler des
Schweizer Expressionismus
Erscheint im März 2019
ISBN 978-3-85881-624-5
9 783858 816245
Christian J. Meier
Der Schweizer Expressionismus
Über nationale Identität und nationale
beziehungsweise transnationale Avantgarde
Eine dezidiert schweizerische Kunstmoderne wurde bisher in der Forschung nur fragmentarisch
aufgearbeitet – der helvetische Expressionismus als Phänomen sogar nur in
Ansätzen beleuchtet. In seinem Buch untersucht Christian J. Meier den Schweizer
Expressionismus und die Werke seiner Exponenten vor dem Hintergrund des Einflusses
von Nation und nationaler Identität auf eine Kunstbewegung. Er unternimmt dabei
den Versuch, den Schweizer Expressionismus in die Kategorien nationaler und transnationaler
Avantgarden einzuordnen. Meier eröffnet mit dieser Arbeit eine historische
Debatte über die Verbindungen zwischen künstlerischen Avantgarden und der Schweiz
im Rahmen einer Rückschau auf die schweizerische Begriffs- und Rezeptionsgeschichte
des Expressionismus. Ein begleitender Bildband bietet eine Übersicht von mehr als
230 Werken zentraler Schweizer Gruppierungen und Künstler.
Christian J. Meier ist emeritierter Professor für Privat- und Wirtschaftsrecht
und hat 2018 in Kunstgeschichte an der Universität Tübingen promoviert.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 29

Eine Vertreterin der «Neuen Wilden» in der
Schweizer Kunst der 1970er- und 1980er-Jahre

Herausgegeben von Agnes
Barmettler und Patricia Bieder
Mit Beiträgen von Patricia Bieder,
Michael Hiltbrunner, Anka Schmid
und Rosmarie Schmid
Gestaltet von Guido Widmer
Agnes Barmettler zählt zu den
bedeutendsten Schweizer Vertreterinnen
der «Neuen Wilden» der
1970er- und 1980er-Jahre
Diese erste Monografie der Künstlerin
bietet einen Überblick über
ihr Gesamtwerk
Gebunden
ca. 152 Seiten, ca. 80 farbige
und sw Abbildungen
21 × 25,5 cm
978-3-85881-625-2 Deutsch
ca. sFr. 49.– | € 48.–
Erscheint im April 2019
ISBN 978-3-85881-625-2
9 783858 816252
Agnes Barmettler
Agnes Barmettler gehört in den 1970er- und 1980er-Jahren zu den bedeutenden
Künstlerinnen der Schweiz. In diesen Jahrzehnten entstehen zahlreiche Gemälde und
Arbeiten auf Papier von grossem Ausdruck und existenzieller Tiefe. Zu ihren wichtigen
Inspirationsquellen zählt die symbolreiche Bildwelt der indigenen Hopi in Arizona,
die Agnes Barmettler mehrmals besucht hat. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt
sich die Künstlerin vor allem mit dem Labyrinth als Kulturform und gestaltet Labyrinthe
im öffentlichen Raum: So wie sie darin Menschen zusammenführt, so «begreift»
Agnes Barmettler mittels Pinsel und Stift das Menschsein in der Welt.
Die erste Monografie über Agnes Barmettler erlaubt einen breiten Überblick über ihr
künstlerisches Schaffen. Sie umfasst Arbeiten von den 1970er-Jahren bis heute und
festigt sowohl die Bedeutung ihrer Rolle als Pionierin wie auch ihre Position als wichtige
Künstlerpersönlichkeit.
Agnes Barmettler, geboren 1945, arbeitet seit 1970 als freischaffende
Künstlerin und ist Mitinitiantin von labyrinth-international.org.
Ihr Schaffen wurde in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und mit verschiedenen
Preisen ausgezeichnet.
Patricia Bieder arbeitete 2012–2018 am Kunstmuseum Solothurn
und kuratierte dort mehrere Ausstellungen. Sie ist Autorin von Texten
zur Schweizer Gegenwartskunst sowie kunsthistorischer Beiträge.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 31

Mit Beiträgen von Marco Baschera
und Erich Franz
Gestaltet von Katarina Lang
Gebunden
ca. 168 Seiten, ca. 200 farbige
Abbildungen
ca. 24 × 22 cm
978-3-85881-628-3
Deutsch / Englisch
ca. sFr. 49.– | € 48.–
Präsentiert eine aussergewöhnliche
Zeichnungsserie
Erste Buchpublikation des Künstlers
Hochwertige, sorgfältig materialisierte
Ausstattung
Erscheint im April 2019
ISBN 978-3-85881-628-3
9 783858 816283
Felix Studinka
Chestnut Journal
Zeichnungen
Aus dem Leben
einer Kastanie:
Felix Studinkas
gezeichnetes
Baum-Tagebuch
Chestnut Journal präsentiert eine aussergewöhnliche Werkserie des Zürcher Zeichners
und Malers Felix Studinka. Dieses erste Buch des 1965 in Zürich geborenen
Künstlers stellt das Résumé einer beharrlichen Auseinandersetzung dar: Seit 2006
zeichnet Felix Studinka nahezu täglich denselben Baum. Die kleinformatigen Kohlezeichnungen
der in Zürich stehenden Kastanie machen verschiedenste Zugänge zur
Wirklichkeit und die Erfahrung des Sehens nachvollziehbar.
Chestnut Journal versammelt eine sorgfältige Auswahl besonders sprechender Zeichnungen,
begleitet von zwei Essays. Der Kunsthistoriker Erich Franz schreibt zur Arbeitsweise
des Künstlers aus kunstwissenschaftlicher Sicht, der Literaturwissenschaftler
Marco Baschera nähert sich dem Werk aus philosophischer Perspektive. Felix
Studinkas Betrachtungen einer Kastanie sind eine zeichnerische Studie über unser
Verhältnis zur sichtbaren Welt.
Felix Studinka studierte Kunstwissenschaft, Ostasiatische Kunstgeschichte
und Filmwissenschaft und lebt als freischaffender Künstler in Zürich.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 32

Mit Beiträgen von Jacques
Cordonier und Nora Gomringer
Fotografien von Georg Aerni
Gestaltet von Bonbon
Klappenbroschur
128 Seiten, 27 farbige Abbildungen
16 × 22 cm
978-3-85881-622-1 Deutsch
sFr. 39.– | € 38.–
Beleuchtet die künstlerische und
kulturpolitische Bedeutung von
Residenzhäusern in der Schweiz
Ein umfassender Serviceteil informiert
über das Angebot derartiger
Institutionen in allen Landesteilen
Lieferbar
ISBN 978-3-85881-622-1
9 783858 816221
Drehscheiben der
Kunstproduktion
und Kunstvermittlung:
Künstlerund
Kulturhäuser
in der Schweiz
Nicole Hess
Domizile auf Zeit
Oder: Welche Räume braucht der künstlerische Prozess?
Porträtierte Domizile:
Fondation Jan Michalski
(Montricher)
Atelier Müllerhaus (Lenzburg)
Künstlerhaus Boswil
Pfeifermobil (Luzern)
Villa Sträuli (Winterthur)
Übersetzerhaus Looren
(Wernetshausen)
Künstlerresidenz Chretzeturm
(Stein am Rhein)
Bodmanhaus Gottlieben
Kartause Ittingen
(Warth/Frauenfeld)
Kulturfrachter Alpenhof
(Oberegg)
Fundaziun Nairs (Scuol)
Villa Garbald (Castasegna)
Casa Pantrovà (Carona)
Ferme-Asile (Sion)
Wo entsteht Kunst? In den Zentren oder in der Peripherie? Der Band Domizile auf
Zeit folgt dem Ansatz, dass Ideen für künstlerisches Schaffen oft im Alltag entstehen,
ihre Ausgestaltung jedoch im Rückzug erfahren: An Orten, in Räumen und Kontexten,
die die Auseinandersetzung zwischen Künstler und Werk, aber auch unter Kunstschaffenden
anregen. In der Schweiz gibt es eine beachtliche Zahl solcher Drehscheiben
der Kunstproduktion und -vermittlung ausserhalb der urbanen Zentren. Sie bieten
Infrastruktur und Atmosphäre für Artists in Residence unterschiedlicher Sparten;
gleichzeitig sind sie wichtige Kulturveranstalter in den Randregionen.
Das Buch mit Texten von Nicole Hess und Fotografien von Georg Aerni porträtiert 15
ausgewählte «Domizile» in allen Sprachregionen, die die Vielfalt der Rückzugsorte auch
kulturhistorisch abbilden. Dazu gehören etwa das Pfeifermobil (LU), die Fundaziun
Nairs (GR) oder die Fondation Jan Michalski (VD). Ergänzt wird die Auswahl durch
zwei Essays zur kulturpolitischen und künstlerischen Bedeutung der Residenzhäuser
und einen umfassenden Serviceteil für Kunstschaffende und die interessierte Öffentlichkeit.
Nicole Hess war 1999–2006 als Kulturredaktorin bei der NZZ und beim
Tages-Anzeiger tätig. 2011–2015 verantwortete sie die Film- und Nachwuchsförderung
des Migros-Kulturprozent. Sie ist stv. Generalsekretärin des
Migros-Genossenschafts-Bundes und freischaffende Kulturmanagerin MAS.
Château de Lavigny
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 33

Drei Fotoessays des Fotografen
Andreas Greber erforschen die
Ästhetik und die Möglichkeiten
der Fotografie

Mit einem Text von Konrad Tobler
Gestaltet von Barbara Ehrbar
Gebunden
ca. 96 Seiten, ca. 35 farbige
Abbildungen
ca. 20,5 × 33 cm
978-3-85881-633-7
Deutsch / Englisch
ca. sFr. 49.– | € 48.–
Erste monografische Publikation
des Fotografen
Eine künstlerische Befragung des
eigenen künstlerischen Mediums
Mit einem Text des bekannten
Publizisten Konrad Tobler
Erscheint im April 2019
ISBN 978-3-85881-633-7
9 783858 816337
Andreas Greber
Im Schatten der Fotografie
Analoge Reflexionen
Der Bildband vereinigt drei Fotoessays, die der Fotograf Andreas Greber in den letzten
zwanzig Jahren entwickelt hat. Der Untertitel Analoge Reflexionen deutet an, dass im
Zeitalter der digitalen Fotografie die Ästhetik und die Möglichkeiten der Fotografie
neu befragt werden. Zu sehen sind ganz einfache Dinge wie Mauerfragmente, transparente
Porträts und klassische Waldstücke. Alles erscheint in einer irritierenden
Rätselhaftigkeit – Grebers Bilder bewegen sich in einem Feld des sichtbar Unfassbaren.
Sie entziehen sich jeder Fixierung, wie das Spiel von Schatten und Licht. So geht es hier
um den Kern der Fotografie: um das «Schreiben» mit Licht. Ein Text von Konrad
Tobler begleitet die Bildessays des Künstlers.
Andreas Greber, 1955 geboren in Zürich, seit 1990 wohnhaft in Bern,
seit 1975 freischaffender Künstler.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 35

Herausgegeben von
Karoline Beltinger
Mit Beiträgen von Karoline Beltinger,
Ester S.B. Ferreira, Danièle Gros,
Markus Küffner, Nadim C. Scherrer,
Jens Stenger, Karin Wyss und
Stefan Zumbühl, unter Mitarbeit
von Katja Friese und Anita Hoess
Eine Publikation des Schweizerischen
Instituts für Kunstwissenschaft
SIK-ISEA
Erläutert in leicht verständlicher
Sprache und reich illustriert Ferdinand
Hodlers komplexen Arbeitsprozess
Zahlreiche Werke aus Hodlers
gesamter Schaffenszeit werden in
Bezug auf Technik und Material
detailliert betrachtet
Ein Buch auch für Laien, die an
Hodlers Malerei und Arbeitsweise
interessiert sind
Gestaltet von Guido Widmer
Gebunden
ca. 196 Seiten, ca. 400 farbige
Abbildungen
ca. 22 × 28 cm
978-3-85881-626-9 Deutsch
sFr. 79.– | € 77.–
Erscheint im März 2019
Hodler malt
Neue kunsttechnologische Forschungen zu Ferdinand Hodler
ISBN 978-3-85881-626-9
9 783858 816269
Ferdinand Hodlers (1853–1918) Arbeitstechniken, Hilfsmittel und Materialien werden seit den
frühen 1990er-Jahren mit wachsendem Interesse wissenschaftlich untersucht. Das Schweizerische
Institut für Kunstwissenschaft hat Hodlers Malerei ein umfangreiches kunsttechnologisches
Forschungsprojekt gewidmet. Nach einer ersten Publikation 2007 bildet dieses neue Buch
nun den Schlusspunkt dieser Arbeiten. Es behandelt Themen wie beispielsweise Hodlers Gebrauch
von Messgestell, Liniengitter und Netzrahmen oder die Funktion des Zirkels, wenn
Hodler porträtierte. Weitere Schwerpunkte bilden Hodlers Malweise beim Kopieren eigener
Werke, sein Einsatz von Goldbronze zur Darstellung von Sonnenlicht sowie die Entwicklung
seines Bildaufbaus und Farbauftrags.
Herausgegeben von Céline Gaillard
und Simone Kobler
Mit Beiträgen von Céline Gaillard,
Simone Kobler und Nicole Seeberger
Fotografien von Ralph Feiner und
Ernst Scheidegger
Erste Monografie über den
Bergeller Künstler Piero Del Bondio
Reich illustriert mit Fotografien
der bekannten Fotografen
Ernst Scheidegger (1923–2016)
und Ralph Feiner
Gestaltet von Ramun Spescha
Gebunden
144 Seiten, 80 farbige
und 21 sw Abbildungen
21,5 × 27 cm
978-3-85881-616-0
Deutsch / Italienisch
sFr. 39.– | € 38.–
Lieferbar
ISBN 978-3-85881-616-0
9 783858 816160
Piero Del Bondio
Pfade
Der 1947 geborene Bergeller Künstler Piero Del Bondio bewegt sich zwischen Arte Povera,
Minimal Art und Land Art. In seinen Skulpturen, Gemälden und Zeichnungen und in Performances
ergründet er die Bewegung im Raum, die Bewegung des Körpers und dessen Ausdruckskraft.
Diese erste Monografie Piero Del Bondios stellt sein Schaffen umfassend vor. Textbeiträge zu
wichtigen biografischen Stationen und dem kulturellen Hintergrund, zum zeichnerischen Werk
und zum Körperhaften in seinem gesamtem Schaffen werden begleitet von Ernst Scheideggers
Fotografien des Künstlers im Atelier sowie ausgewählten Werkfotografien von Ralph Feiner.
Scheidegger & Spiess
Frühjahr 2019 36

Das lang erwartete Buch über
Schaffen und Archiv des richtungsweisenden
Kurators Harald Szeemann
Harald Szeemann
Museum der Obsessionen
978-3-85881-592-7 Deutsch
sFr. 75.– | € 68.–
Strukturen und Dynamiken
im Werk dieser Schlüsselfigur der
Perfomance-Kunst
Psychoanalytikerin trifft
Marina Abramović
Künstlerin trifft Jeannette Fischer
978-3-85881-546-0 Deutsch
978-3-85881-794-5 Englisch
sFr. 19.– | € 19.–
Das Œuvre der international
bekannten Comic-Künstler
M.S. Bastian und Isabelle L. aus zwei
Jahrzehnten der Zusammenarbeit
Bastomania
978-3-85881-614-6 Deutsch
sFr. 99.– | € 97.–
Ludovic Ballands aussergewöhnliches
Porträt der Amerikanerinnen
und Amerikaner aus völlig
neuer Perspektive
American Readers at Home
978-3-85881-809-6 Englisch
sFr. 75.– | € 68.–
Eine fotografische
Forschungsreise ins
Abgründige
Dominic Büttner –
Dreamscapes
978-3-85881-598-9
Deutsch / Englisch
sFr. 65.– | € 58.–
Peter Zumthor im Gespräch mit Mari
Lending über Geschichte, Zeit, Ort
und Erinnerung in seinem Werk
Die Geschichte in den Dingen
978-3-85881-558-3 Deutsch
978-3-85881-805-8 Englisch
978-3-85881-812-6 Französisch
sFr. 29.– | € 29.–
Christoph Schaubs grossartige
filmische Collage über Peter Zumthor,
sein Schaffen und seine Inspirationen
Peter Zumthor spricht
über seine Arbeit
Eine biografische Collage
978-3-85881-914-7 Deutsch
978-3-85881-915-4 Englisch
sFr. 39.– | € 39.–
Die grosse Monografie des
weltbekannten Architekten
Peter Zumthor
1985–2013
Bauten und Projekte
978-3-85881-304-6 Deutsch
sFr. 250.– | € 250.–
978-3-85881-723-5 Englisch
derzeit nicht lieferbar
Scheidegger & Spiess
Backlist 37

Die Aquarelle Karl Bodmers zählen zu
den wichtigsten Dokumenten über
die heute zerstörte Kultur der
indigenen Völker Amerikas. Ein Buch
für Forscher, Historiker – und für
Romantiker.
Karl Bodmer
Ein Schweizer Künstler in Amerika
1809–1893
978-3-85881-600-9
Deutsch / Englisch
sFr. 49.– | € 48.–
Eine attraktiv bebilderte, aktuelle
Monografie über Cuno Amiet
Freundschaft und Verwurzelung
Cuno Amiet zwischen Solothurn
und der Oschwand
978-3-85881-607-8 Deutsch
sFr. 39.– | € 38.–
Die Surbeks: höchst eigenständige
künstlerische Persönlichkeiten und
Lebenspartner während mehr als
sechs Jahrzehnten
Marguerite Frey-Surbek
und Victor Surbek
Als Künstler sind wir nicht verheiratet
978-3-85881-603-0 Deutsch
sFr. 49.– | € 48.–
Wiederentdeckung einer Spätimpressionistin
und starken Künstlerinnenpersönlichkeit
Martha Stettler
Eine Impressionistin zwischen Bern
und Paris
978-3-85881-588-0
Deutsch / Französisch
sFr. 49.– | € 48.–
Neue Sachlichkeit in der Schweiz:
eine überfällige Wiederentdeckung
Neu. Sachlich. Schweiz.
Malerei der Neuen Sachlichkeit
in der Schweiz
978-3-85881-572-9 Deutsch
sFr. 39.– | € 38.–
Künstlerinnen und Sonntagsmaler
schauen auf die Schweizer Berge
Schöne Berge
Kunst und Kitsch aus der Gemäldesammlung.
Ein Postkartenbuch
978-3-85881-585-9 Deutsch
sFr. 24.– | € 24.–
Beliebte Destinationen der
Belle Époque: eine Zeitreise in die
Vergangenheit der Tourismuswerbung
Reklamekunst und Reiseträume
Anton Reckziegel und die Frühzeit
des Tourismusplakates
978-3-85881-532-3 Deutsch
sFr. 59.– | € 58.–
Eine unterhaltsame und überraschende
Sammlung appenzellischer
Kultur von A wie Alpsegen bis Z wie
Zündschnur
Auftritt Appenzell
978-3-85881-581-1 Deutsch
sFr. 35.– | € 35.–
Scheidegger & Spiess
Backlist 38

Die Studie der amerikanischen
Psychologin Jill Melick: Referenzwerk
und Schlüssel zu C.G. Jungs
legendärem Roten Buch
The Red Book Hours
Discovering C.G. Jung’s Art Mediums
and Creative Process
978-3-85881-816-4 Englisch
sFr. 120.– | € 97.–
Eine gänzlich eigene, noch kaum
bekannte frühe Moderne der
Schweizer Kunstgeschichte
Extraordinaire!
Unbekannte Werke aus psychiatrischen
Einrichtungen in der Schweiz
um 1900
978-3-85881-604-7
Deutsch / Englisch
sFr. 39.– | € 38.–
Die Retrospektive des weltberühmten
Künstlers, der auf allen
Kontinenten Spuren hinterlassen hat
Not Vital
univers privat
978-3-85881-568-2 Deutsch
sFr. 49.– | € 48.–
Umfassende Darstellung
von Leben und Werk Giovanni
Segantinis anhand von
60 ausgewählten und
kommentierten Hauptwerken
Giovanni Segantini
978-3-85881-522-4 Deutsch
978-3-85881-783-9 Englisch
978-3-85881-784-6 Italienisch
sFr. 49.– | € 48.–
Was schürt einen Konflikt
und macht ihn scheinbar
endlos? Der neue Fotoessay
von Meinrad Schade
Unresolved
978-3-85881-808-9
Deutsch / Englisch / Arabisch /
Hebräisch
sFr. 49.– | € 48.–
Leben und Schaffen des legendären
Schweizer Magnum-Fotografen
Werner Bischof
Standpunkt
978-3-85881-508-8 Deutsch
sFr. 79.– | € 77.–
Die Neuausgabe einer massgeblichen
Monografie über Max Bill
Max Bill: ohne Anfang, ohne Ende
978-3-85881-578-1
Deutsch / Englisch
sFr. 49.– | € 48.–
Klassiker des modernen und
postmodernen Schweizer Möbeldesigns
Susi und Ueli Berger
Möbel im Dialog
978-3-85881-615-3
Deutsch / Englisch
sFr. 65.– | € 58.–
Scheidegger & Spiess
Backlist 39

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Aus dem Buch: Blossom, siehe S. 9.
Einfach komplex
Max Bill und die Architektur der HfG Ulm
Daniel P. Meister und
Dagmar Meister-Klaiber
Gebunden
650 Seiten, 520 farbige und Duplex-Abbildungen
sowie 152 sw Pläne
30 × 22 cm
978-3-85881-613-9 Deutsch
sFr. 150.– | € 140.–
ISBN 9783858816139
9 783858 816139
Die Hochschule für Gestaltung Ulm – kurz HfG – war nach dem Bauhaus die international bedeutendste Design-
Hochschule Deutschlands und zugleich eine der ikonischen Bauten des bundesdeutschen Aufbruchs der 1950er-
Jahre. Für Programm und Bau war der Schweizer Architekt und Künstler Max Bill verantwortlich. Nun haben der
Architekt und Stadtplaner Daniel P. Meister und die Journalistin und Publizistin Dagmar Meister-Klaiber «eine
akribische, eindrucksvoll umfangreiche Baumonografie» (Neue Zürcher Zeitung) über die Gebäude der HfG Ulm
vorgelegt.