Europäische Malerei – Stilepochen - Stephaneum

Europäische Malerei – Stilepochen
Romanik 900 – 1250
Die Romanik ist die erste große europäische
Kunstepoche seit dem Ende der Antike mit dem
Untergang Roms im 6. Jahrhundert.
Der Begriff wurde gewählt als Hinweis auf die
Verwandtschaft zur römischen Architektur, von
welcher der Rundbogen, Pfeiler, die Säulen und der
Gewölbebau übernommen waren.
Die künstlerischen Erzeugnisse sind bis auf
Buchmalerei und Plastik weitgehend der Zeit zum
Opfer gefallen. Werke der Romanik zeichnen sich vor
allem durch einen geringen Naturalismus und hohen
Symbolismus aus. Ihre starke Vereinfachung (Archaik)
erweckt schnell Gefühle im Betrachter. Weiterhin
werden häufig hierarchische Strukturen durch die
Bedeutungsperspektive und abgestufte Anordnung
dargestellt.
Codex Egberti um 970 Meister aus Tahull 1220
Gotik 1150 – 1500 Renaissance um 1400 - 1550
war eine Epoche der Verbildlichung der christlichen
Ideenwelt und bediente sich dabei in großem Umfang der
Symbolik und Allegorie. Herausragende Kunstschöpfung ist
die gotische Kathedrale, das Gesamtkunstwerk des
Mittelalters, Architektur, Plastik und (Glas-)Malerei
vereinend.
gotico (ital. fremdartig, barbarisch) ursprünglich ein
Schimpfwort, abgeleitet von der Bezeichnung des
Germanenstammes der Goten
Die gotische Malerei ist in ihrer frühen und mittleren Phase
ganz Bedeutungsmalerei, bei der meist nicht die
naturalistische Darstellung von Personen im Vordergrund
steht, sondern die Bedeutung, Proportion und Farbgebung
nach religiösem Sinninhalt. In der Wahl der Motive
herrschte eindeutig das Religiöse vor (Flügelaltäre,
Andachtsbilder, etc.), es wurden aber durchaus auch
weltliche Motive wie das höfische Leben, Jagd und Feste
aufgegriffen.
Die Gotik bevorzugt weiche Gesichtszüge, eine
geschwungene Haltung der dargestellten Personen (S-
Kurve) und einen fließendweiche, üppige Darstellung des
Faltenwurfs.
Stefan Lochner 1448 Giotto 1305
Bezogen auf seinen Ursprung bedeutet der Begriff die
„kulturelle Wiedergeburt der Antike“. Im weiteren Sinne
meint Renaissance daher die Wiedergeburt des
klassischen Altertums in seinem Einfluss auf die
Wissenschaft, die Literatur, die Gesellschaft, das Leben
der vornehmen Kreise und die Entwicklung der Menschen
zu individueller Freiheit im Gegensatz zum Ständewesen
des Mittelalters.
Renaissance (franz.: Wiedergeburt)
Zur Nachahmung der antiken Kunst gesellte sich im 15.
Jahrhundert die intensivere Beschäftigung mit der Natur,
der Forderung nach der Naturwahrheit.
„Gute Kunst sollte das, was einem die Realität bietet,
nicht getreu abbilden, sondern versuchen, das
Naturvorbild zu verbessern und zu idealisieren.“(L.B.
Alberti)
Die Künstler versuchen, den idealschönen Menschen
darzustellen, sie stellen die Frage nach dem Wesen der
Schönheit.
Entwicklung der Zentral, Farb- und Luftperspektive
Leonardo da Vinci 1492 Albrecht Dürer 1498
Europäische Geschichte der Malerei – Seite 1

Manierismus 1510 - 1610
bezeichnet die Übergangsform zwischen der
Renaissance und dem Barock. Der Begriff
„Manierismus“ wurde von Giorgio Vasari
eingeführt, um den Stil des späten Michelangelo zu
charakterisieren, und wurde auf dessen Nachfolger
verallgemeinert (In der „maniera“ des
Michelangelo)
maniera (ital.: Stil, Manier)
Allgemein ist der Manierismus gekennzeichnet
durch eine Abkehr von den harmonischen und
ausgewogenen Kompositionen der Hochrenaissance
beziehungsweise die deutliche Widerspiegelung
einer Zeit des Umbruchs, die zu einer gesuchten,
gezierten, kapriziösen und spannungsgeladenen
Manier führte.
Proportionen werden stark verzerrt - lange Körper,
Beine, Hälse. Die Figuren posieren in den
unmöglichsten, dynamischen Verrenkungen. Oft
werden grelle Farben genutzt, die Perspektive wird
gezielt missachtet.
El Greco 1610 Parmigianino 1540
Barock 1550 - 1750 Rokoko 1730 - 1790
Als Kunstform des Absolutismus und der Gegenreformation
ist der Barock durch üppige Prachtentfaltung
gekennzeichnet. Von Italien ausgehend, verbreitete er sich
zunächst in den katholischen Ländern Europas, später
auch in protestantischen Ländern.
Barocco (portugiesisch: unregelmäßig geformte Perlen,
schiefrund)
Der Barockstil übernimmt die Formelemente der
Renaissance, versucht sie aber durch Übersteigerung und
ein Streben nach Bewegtheit im Ausdruck zu übertreffen.
Es entsteht ein bewegungsreicher Figurenstil mit
kontraststarken Farben sowie einer besonderen Betonung
von Licht und Schatten. Bei allem Naturalismus kann eine
Verwandtschaft mit prunkvollen Theaterdekorationen nicht
verleugnet werden. Hauptthemen waren die Darstellung
des Göttlichen und des Profanen (Weltlichen),
Historienbilder, aber auch Alltagsszenen (Holland) und
reine Landschaften - alle vorgetragen mit echter Naivität
und Lebendigkeit.
Diego Velasquez 1656 Hyacinthe Rigauld 1701
auch Spätbarock genannt, ist eine Weiterentwicklung der
kunstgeschichtlichen Epoche des Barock Dieser Begriff wird
allerdings synonym auch für den Übergang des Barock zum
Klassizismus gebraucht und meint hier die Abkehr vom
Üppig-Schwülstigen hin zu klaren Linien.
Rocaille (franz.: Muschelwerk)
An die Stelle monumentaler Machtentfaltung und kraftvoller
Dynamik des Barock traten nun kultivierte Lebensführung
und ein leichtfüßiges, feinsinniges Lebensgefühl, gepaart
mit vornehm-zarter Sinnlichkeit und galanten
Umgangsformen. In der Plastik und vor allem in der Malerei
tauchen häufig private oder gar erotische Themen auf.
Stiltypisch sind überbordende Verzierungen an Bauten,
Innenräumen, Möbeln, Geräten usw. und vor allem die
Aufgabe jeglicher Symmetrie.
An die Stelle fester Formen treten leichter, zierlicher
gewundene Linien.
Jean Honoré Fragonard 1767 Jean Babtiste Chardin 1735
Europäische Geschichte der Malerei – Seite 2

Klassizismus 1770 - 1840
ist in der Kunstgeschichte ein Name für eine Stilepoche,
in der die Nachahmung des klassischen Altertums
(vorrangig die griechische Antike, der griechische
Tempelbau) zum Programm erhoben wird.
Gegenüber dem vorangegangenen Rokoko zeichnet sich
der Klassizismus durch eine Rückkehr zu geradlinigen
Formen mit einer stärkeren Anlehnung an klassischantike
Formen aus.
In der Malerei lösen sich die Künstler von dem meist
allegorischen Programm der Barockzeit und malten
Szenen aus der griechischen und römischen Antike, die
oft einen „patriotischen“ Hintersinn haben. Wichtig sind
Gesten, Gebärden und die Komposition der Figuren in
der Gruppe, was der Malerei einen theatralischen Zug
verleiht.
Jacques-Louis David 1784 Wilhelm Tischbein 1788
Romantik 1790 - 1850 Realismus 1840 – 1900 ... bis heute
Im heutigen, allgemeinen Sprachgebrauch bezeichnet der
Begriff Romantik mit dem Adjektiv romantisch die
Eigenschaft einer Sache oder eines Ereignisses,
Menschen mit Liebe und Sehnsucht zu erfüllen.
Der Romantiker unterstellt einen Bruch, der die Welt
gespalten habe in die Welt der Vernunft, der „Zahlen und
Figuren“ (Novalis), und die Welt des Gefühls und des
Wunderbaren. Treibende Kraft der deutschen Romantik
ist eine ins Unendliche gerichtete Sehnsucht nach Heilung
der Welt, nach der Zusammenführung von Gegensätzen
zu einem harmonischen Ganzen (idealistische
Orientierung). Hinführende Orte und Manifestationen
dieser Sehnsucht sind nebelverhangene Waldtäler,
mittelalterliche Kloster-Ruinen, alte Mythen und Märchen,
die Natur etc.
Caspar D. Friedrich 1818 Ludwig Richter 1847
Der Realismus bezeichnet in der Kunstgeschichte eine
Mitte des 19. Jahrhunderts in Europa einsetzende neue
Kunstauffassung, die sich gegen die historisierenden und
idealisierenden Darstellungen des Klassizismus und der
Romantik wandte. Insbesondere die Maler suchten ihre
Sujets nunmehr ausschließlich in der fassbaren Welt.
Thematisch nahm er Bezug auf die Arbeitswelt,
künstlerisch auf eine möglichst objektive Wiedergabe
dieser Alltagswelt.
Der Realismus ist, im Gegensatz zur Romantik,
materialistisch orientiert. Er rückt oft soziale Themen in
den Mittelpunkt.
Sozialistischer Realismus: Malerei im Dienst der Diktatur
Neuer Realismus: nach 1950, Gegenbewegung zur
damals vorherrschenden abstrakten Malerei
Wilhelm Leibl 1877 Gustave Courbet 1849
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