Impressionists, Modern Art & 19th/20th Century Paintings

ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE 

CATALOGUE V 

IMPRESSIONISTS, MODERN ART & 

19TH/20TH CENTURY PAINTINGS 

Auctions: Thursday, 30 June 2022 

Exhibition: Saturday, 25 June – Tuesday, 28 June 2022

IMPRESSIONISTS 

& 

MODERN ART

PIERRE-AUGUSTE RENOIR 

1841 Limoges – 1919 Cagnes 

650 

PIERRE-AUGUSTE RENOIR, 

1841 LIMOGES – 1919 CAGNES 

Bedeutender Maler der französischen klassischen 

Moderne. 

DANS LE JARDIN DES COLLETTES À CAGNES, 

UM 1910 

Öl auf Leinwand. 

30,5 x 42,5 cm. 

Signatur links unten „Renoir“. 

Das vorliegende Werk wurde im April 2020 dem 

Comité Renoir des Wildenstein-Plattner-Institut (WPI) 

vorgestellt und bestätigt. 

Es wird demnächst in den „Renoir-Digital-Catalogue- 

Raisonné“ aufgenommen sowie im zweiten Band des 

Supplements des Werkverzeichnisses der Gemälde, 

Pastelle und Aquarelle erscheinen, herausgegeben 

von: Guy-Patrice Dauberville und Floriane Dauberville 

sowie Bernheim-Jeune. 

In der für Renoir typischen impressionistischen Malweise 

zeigt das Gemälde den Garten „Les Collettes“ 

in Cagnes nähe Nizza, am Mittelmeer. Dieses Anwesen 

hatte er 1907 erworben, und 1908 zog er dort hin. 

Das malerische Bauernhaus, mit Orangen- und Olivenbäumen, 

bot inmitten dieser südlichen Landschaft für 

den Maler wichtige Motive. 

Im vorliegenden Gemälde bilden kurzstämmige Bäume 

mit dichten, buschigen Kronen eine geschlossene Hintergrundkulisse 

für einen im Licht stehenden Gartentisch. 

Das Gemälde zeigt stimmige Geschlossenheit, 

sowohl kompositionell, als auch in der Farbigkeit, wie 

dies den reifen Werken des Malers eigen ist. Zudem 

ist es im Gegensatz zu vielen der späteren Landschaften 

Renoirs signiert. 

Im Werkverzeichnis von Ambrois Vollard ist auf Seite 

161 eine darstellungsgleiche Version abgebildet, rechts 

unten signiert, die Bäume dort eher in Gruppen nebeneinander 

positioniert, der Tisch dem Betrachter näher 

herangestellt, was auf das Format zurückzuführen ist. 

(†) 

PIERRE-AUGUSTE RENOIR, 

1841 LIMOGES – 1919 CAGNES 

DANS LE JARDIN DES COLLETTES À CAGNES, 

CA. 1910 

Oil on canvas. 

30 x 42.5 cm. 

Signed “Renoir” lower left. 

The present work was presented and approved by 

the Comité Renoir of the Wildenstein-Plattner-Institute 

(WPI) in April 2020. It will soon be included in the 

Renoir Digital Catalogue Raisonné and will be published 

in the second volume of the supplement to the 

catalogue raisonné of paintings, pastels, and watercolours, 

edited by: Guy-Patrice Dauerville and Floriane 

Dauberville and Bernheim-Jeune. 

In Renoir’s typical impressionist painting style, the 

painting shows the garden “Les Collettes” in Cagnes 

near Nice, on the Mediterranean Sea. He had bought 

this property in 1907 and relocated there in 1908. 

Ambrois Vollard’s catalogue raisonné, page 161 

shows an identical version, signed lower right. (†) 

Provenance: 

Ludwig Bersch, Zurich. 

Private collection, Switzerland (inherited from Ludwig 

Bersch). 

Literature: 

Ambroise Vollard, Tableaux, Pastels et Dessins de 

Pierre-Auguste Renoir, Paris 1918, vol. II, p. 161, 

with ill. 

INFO | BID 

€ 400.000 - € 600.000 

Sistrix 

Provenienz: 

Ludwig Bersch, Zürich. 

Schweizer Privatsammlung (durch Erbschaft Ludwig 

Bersch). 

Literatur: 

Ambroise Vollard, Tableaux, Pastels et Dessins de 

Pierre-Auguste Renoir, Paris 1918, Bd. II, S. 161, 

m. Abb. (1321741) (11) 

14 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.000 additional images.

MAURICE DE VLAMINCK 

1876 Paris – 1958 Rueil-la-Gadelière 

651 

MAURICE DE VLAMINCK, 

1876 PARIS – 1958 RUEIL-LA-GADELIÈRE 

Bedeutender französischer Maler der Moderne in dem 

Kreis französischer Künstler, der vor allem in enger 

Freundschaft mit André Derain (1880-1954) wirkte 

und die Entstehung des Fauvismus einleitet. Als Postimpressionist 

wurde er zeitweise von dem Galeristen 

Daniel-Henry Kahnweiler betreut. 1955 Teilnehmer 

der documenta 1 in Kassel. 2008 Würdigung seiner 

Werke durch eine Ausstellung im Musée du Luxembourg 

in Paris. 

VASE DE FLEURS 


65 x 54 cm. 

Unten rechts signiert. 


1876 PARIS – 1958 RUELL-LA-GADELIÈRE 



65 x 54 cm. 

Signed lower right. 

Accompanied by certificate by Wildenstein Institute. 

(†) 

€ 80.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Beigegeben ein Zertifikat des Wildenstein Institute. 

In einem braunen Tongefäß, welches bei de Vlaminck 

öfters vorkommt und bei welchem man den sonst 

sichtbaren Henkel nicht erkennen kann, da er auf der 

Rückseite zu vermuten ist und sich nur als Schatten 

auf dem Tisch abzubilden scheint, ein Blumenstrauß. 

Die Wand hinter dem Tisch, wie oft bei de Vlaminck, 

in eine dunkle und eine helle Zone diagonal geteilt. (†) 

(13220010) (13) 


HENRI-THÉODORE 

FANTIN-LATOUR 

1836 Grenoble – 1904 Buré 

652 

HENRI-THÉODORE FANTIN-LATOUR, 

1836 GRENOBLE – 1904 BURÉ 

Henri-Théodore Fantin-Latour war ein französischer 

Maler, der von seinem Vater, einem Portraitisten, 

ausgebildet wurde. Er setzte seine Ausbildung an 

der École des Beaux-Arts in Paris fort, besuchte regelmäßig 

den Louvre, wo er große Meister kopierte. 

Hier entwickelte er eine Begeisterung für die venezianische 

Malerei, vor allem für die von Tiziano Vecellio 

(1485/89-1576) und Paolo Veronese (1528-1588). Er 

schloss Freundschaft mit Édouard Manet (1832-1883), 

Berthe Morisot (1841-1895) und später mit James Abbot 

McNeill Whistler (1834-1903), der ihn mit nach 

England nahm und einer Klientel vorstellte, die sich für 

seine Stillleben, im speziellen die Blumenstillleben, 

begeisterte. Außerdem mit dem realistischen Maler 

Gustave Courbet (1819-187) und den Impressionisten 

befreundet, behielt er nichtsdestotrotz seinen eigenen 

Stil und orientierte seine Malerei hin zu Gruppenportraits, 

wovon die berühmtesten Exemplare im Musée 

d‘Orsay aufbewahrt sind. Später zog er sich in die 

Normandie nach Buré zurück und widmete sich dort 

fast ausschließlich seinen Blumensträußen, die er in 

seinem Garten pflückte. 

HOMMAGE AN ROBERT SCHUMANN 

Öl auf Papier, auf Leinwand aufgezogen. 

24 x 29 cm. 

Links unten signiert. Verso auf Leinwand Aufkleber 

mit Bezeichnung „Huldigung an Berlioz“. 

In vergoldetem Prunkrahmen. 

Provenienz: 

F. & J.Tempelaere, Paris. 

Literatur: 

Victoria Fantin-Latour, Catalogue de l‘œuvre complet 

de Fantin-Latour, Paris 1911/ 1969, Nr. 704. 

Anmerkung: 

Wohl Skizze für ein ähnliches Gemälde, das am 

05.02.2008 in London bei Christie´s unter Lot 274 

mit Titel „A Robert Schumann“ angeboten wurde. 

(1321452) (18) 

€ 8.000 - € 12.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Skizzenhafte Darstellung mehrerer stehender und 

einer auf der rechten unteren Seite sitzender Frau, 

jeweils in langen Gewändern vor unbestimmten Hintergrund, 

rechtsseitig auf einem Sockel eine Büste 

erkennbar. 


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19



653 






und die Entstehung des Fauvismus einleitet. Als Postimpressionist 


Daniel-Henry Kahnweiler betreut. 1955 Teilnehmer der 

documenta 1 in Kassel. 2008 Würdigung seiner Werke 

durch eine Ausstellung im Musée du Luxembourg in 

Paris. 

VUE D'UN VILLAGE D‘ILE-DE-FRANCE, UM 1920 


45 x 53 cm. 

Links unten signiert: „Vlaminck.“ 

1919 zog Vlaminck ins Departement Oise in der Nähe 

von Valmondois, wo er ein kleines Haus kaufte. Im 

selben Jahr erhielt er eine begeisterte Kritik auf der 

Einzelausstellung bei Druet in der Rue Royale, die seinen 

Durchbruch bedeutete. Im folgenden Jahr zog er 

einige Kilometer weiter und erwarb eine Reetdachkate 

in Auvers-sur-Oise. Das vorliegende Gemälde 

stellt höchstwahrscheinlich das sehr nahe gelegene 

Dorf Nesles-la-Vallée dar. Man kann die Komposition 

mit dem Bild in Mischtechnik „Nesles-la-Vallée“ aus 

dem Museum in Grenoble (MG 2103) vergleichen. 

Vlaminck ist hier noch dem 1910 übernommenen 

Cézanne-Kubismus verpflichtet: kubische Zusammenstellungen 

der Häuser des Dorfes, übereinandergelegte 

Ebenen ohne perspektivische Forschungsbemühungen 

und eine eingeschränkte Palette. Die 

leuchtenden Flocken der Blumen auf dem Feld erinnern 

jedoch an seinen fauvistischen Flair. Nesles-la- 

Vallée zeugt mit großer Meisterschaft von dieser 

Übergangsperiode, aber die tiefen Ultramarin-Blautöne, 

die so charakteristisch für den Maler sind und ihn 

in seinem späteren Werk begleiten sollen, sind bereits 

unverkennbar vorhanden. (†) 



VUE D’UN VILLAGE D’ILE-DE-FRANCE, CA. 1920 


45 x 53 cm. 

Signed “Vlaminck” lower left. 

The painting probably represents the nearby village of 

Nesles-la-Vallée. The present composition compares 

well with the mixed media painting “Nesles-la- 

Vallée” held at the Grenoble Museum (MG 2103). 

Here Vlaminck is still committed to the Cubism of 

Cézanne adopted in 1910. (†) 

Provenance: 

Madeleine Peuchet collection. 

Auction Robin, Drouot, 27 November 1975. 

Paule Cailac collection. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Sammlung Madeleine Peuchet. 

Auktion Robin, Drouot, 27. November 1975. 

Sammlung Paule Cailac. (13211312) (13) 



21



654 





Freundschaft mit André Derain (1880-1954) wirkte und 

die Entstehung des Fauvismus einleitet. Als Postimpressionist 


Daniel-Henry Kahnweiler betreut. 1955 Teilnehmer der 

documenta 1 in Kassel. 2008 Würdigung seiner Werke 

durch eine Ausstellung im Musée du Luxembourg in 

Paris. 

RUE DE VILLAGE 


65,5 x 81 cm. 

Rechts unten signiert. 

In Louis XV-Stil-Rahmen. 

Beigegeben Zertifikat Wildenstein Institut, ref 4443, 

Paris 19. Februar 2008. 



RUE DE VILLAGE 


65.5 x 81 cm. 


Accompanied by Wildenstein Institute certificate, ref. 

4443, Paris 19 February 2008. 

Provenance: 

Koller, Zurich 1973, lot 80. 

Private collection, Switzerland. 

Private collection, Belgium. 

€ 45.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Eine Straßenflucht öffnet sich dem Betrachter und 

verdichtet sich am Horizont zu einem schwammigen 

frischen Grün, das aus der Kulmination mehrerer 

Bäume resultiert, die eine Allee bilden und kompositorisch 

eine Verdichtung der im Vordergrund stehenden 

Häuser darstellen. Andere Kompositionen, wie 

zum Beispiel eine Straßenansicht von 1912, stellen 

die Bäume direkt den Häusern gegenüber (Vlaminck, 

le peintre et la critique, Ausstellungskatalog, Musée 

des Beaux-Arts de Chartres, 26. Juni-28. Oktober 

1987, abgebildet als Nummer 25, S. 175), sodass sich 

ein völlig anderer Landschaftseindruck ergibt. 

Provenienz: 

Koller, Zürich, 1973, Lot 80. 

Privatsammlung Schweiz. 

Privatsammlung Belgien. (1321458) (13) 


EUGÈNE BOUDIN 

1824 Honfleur – 1898 Deauville 

655 

EUGÈNE BOUDIN, 

1824 HONFLEUR – 1898 DEAUVILLE 

Eugène Boudin gilt als einer der bedeutenden Vorläufer 

des Impressionismus. Zehnjährig zog Boudin mit 

seiner Familie nach Le Havre, wo er später Maler wie 

Constant Troyon (1810-1865), Jean François Millet 

(1814-1875) und Eugène Isabey (1804-1886) kennenlernte. 

Sie ermutigten ihn, sich als Maler selbst zu 

verwirklichen, worauf er 22-jährig sein Ladengeschäft 

aufgab und sich ausschließlich als erfolgreicher Maler 

betätigte. 1851 studierte er in Paris, bevor er mehrere 

Studienreisen in Europa unternahm. Zu seinen Malerkollegen 

und Freunden gehörten Gustave Courbet 

(1819-1877) und Claude Monet (1840-1926). 

ENTRÉE DU PORT DE SAINT-VALÉRY-SUR-SOMME, 

1891 


35 x 57 cm. 

Unten links signiert „E. Boudin“, datiert „91“ und 

Vermerk „St Valéry 10 juillet“. 

In Louis XV-Rahmen mit textilem Ausschnitt. 

Es ist ein reifes Werk von Boudin, von dem wir wissen, 

dass er noch 1898 ausstellte, und es zeigt die Essenz 

seines Schaffens: eine ruhige weite Flusslandschaft 

mit zentralperspektivisch zusammenlaufenden Ufern, 

die einerseits von Architekturen gesäumt, andererseits 

von einer Baumallee bewachsen sind. In dem 

ruhigen Wasser schimmern die Spiegelbilder der Ufer 

und verdoppeln so ihre Präsenz ins Flirrende. (†) 



ENTRÉE DU PORT DE SAINT-VALÉRY-SUR- 

SOMME, 1891 


35 x 57 cm. 

Signed “E. Boudin” lower left, dated “91” and note 

“St Valéry 10 juillet”. 

Provenance: 

Private collection, France. 

Literature: 

The painting on offer for sale is illustrated in: Robert 

Schmit, Eugène Boudin (1824-1898), Catalogue 

raisonné de l’œuvre, Paris, 1973, vol. III, p. 88, 

no. 2808. 

Exhibition: 

Yonkers, Hudson River Museum, September-November 

1969, no. 24. 

€ 160.000 - € 200.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Französische Privatsammlung. 

Literatur: 

Das hier angebotene Gemälde ist abgebildet in: 

Robert Schmit, Eugène Boudin (1824-1898). Catalogue 

raisonné de l‘œuvre, Paris 1973, Bd. III, S. 88, 

Nr. 2808. 

Ausstellung: 

Yonkers, Hudson River Museum, September-November 

1969, Nr. 24. (1321133) (13) 


EUGÈNE BOUDIN 

1824 Honfleur – 1898 Deauville 

656 



Eugène Boudin gilt als einer der bedeutenden Vorläufer 

des Impressionismus. Zehnjährig zog Boudin mit 

seiner Familie nach Le Havre, wo er später Maler wie 

Constant Troyon (1810-1865), Jean François Millet 

(1814-1875) und Eugène Isabey (1804-1886) kennenlernte. 

Sie ermutigten ihn, sich als Maler selbst zu 

verwirklichen, worauf er 22-jährig sein Ladengeschäft 

aufgab und sich ausschließlich als erfolgreicher Maler 

betätigte. 1851 studierte er in Paris, bevor er mehrere 

Studienreisen in Europa unternahm. Zu seinen Malerkollegen 

und Freunden gehörten Gustave Courbet 

(1819-1877) und Claude Monet (1840-1926). 

LE BASSIN DU COMMERCE À BRUXELLES, 1871 

Aquarell und Zeichnung auf Papier. 

20,2 x 27,5 cm. 

Rechts unten signiert „E. Boudin“, verso betitelt und 

datiert. 

Im Passepartout, hinter Glas in vergoldetem Rahmen. 

Blick auf das nach hinten sich verjüngende Handelsbecken, 

das zur Seitenfassade der Kirche Sainte Catherine 

führt, und an dessen seitlichen Ufern unterhalb 

der eng stehenden Gebäude zahlreiche Boote und 

Segelschiffe liegen, deren Masten in den hohen gelblichen 

Himmel ragen. Dieser wird belebt durch eine 

Vogelschar, die einen beflaggten Mast umkreist. Zahlreiche 

Spiegelungen finden sich im Wasser wieder. 

Impressionistische Malerei in reduzierter Farbigkeit in 

der Manier des bekannten Künstlers. 

Als Freilichtmaler hat sich Boudin überwiegend in seiner 

angestammten Heimat mit Hafenlandschaften 

auseinandergesetzt. Er kam in Kontakt mit Malern 

wie Constant Troyon (1810-1865), Eugène Isabey 

(1804-1886) und Jean François Millet (1814-1875), die 

ihn zur Malerei ermutigten. Millet war es auch, der 

aus der Schule von Barbizon heraus bereits 1845 die 

Abkehr vom Akademismus einleitete, hin zu einer 

Philosophie, wie sie auch für Boudin gültig wurde, 

nämlich, dass die Natur, aus einem ersten Eindruck 

(Impression) erfahren werden kann, was schließlich 

der Kunstrichtung den Namen „Impressionismus“ 

verlieh. Nach dem Akademiestudium 1851 in Paris 

führten ihn Reisen nach Südfrankreich, Venedig und 

Flandern, aber immer wieder zurück in die Heimat in 

der Bretagne und der Normandie. Boudin gehört zu 

den frühen Freilichtmalern, deren Atelier nun in der 

freien Natur lag. 

Provenienz: 

Mareschal Paris. 

Galerie Schmit, Paris. 

Edouard & Jeannine Chapet, Paris (1872 von oben 

erworben). 

Ausstellung: 

Galerie Schmit, Paris, Aspects de la peinture francaise 

XIXe-XXe siècles, 1978, abgebildet im Katalog, S. 72, 

Nr. 66. (1320391) (18) 



LE BASSIN DU COMMERCE À BRUXELLES, 1871 

Watercolour and drawing on paper. 

20.2 x 27.5 cm. 

Signed “E. Boudin” lower right, titled, and dated on 

the reverse. 

Provenance: 

Mareschal, Paris. 

Galerie Schmit, Paris. 

Edouard & Jeannine Chapet, Paris 

(1872 purchased from above). 

Exhibition: 

Galerie Schmit, Paris, Aspects de la peinture française 

XIXe-XXe siècles, 1978, illustrated in cat. p. 72, no. 66 

€ 38.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BID 



27

GIORGIO DE CHIRICO 

1888 Volos – 1978 Rom 

657 

GIORGIO DE CHIRICO, 

1888 VOLOS – 1978 ROM 

FRÜCHTESTILLLEBEN „FRUTTA“ 


40 x 50 cm. 

Links unten signiert. Verso auf der Leinwand weitere 

Signatur von der Hand des Künstlers mit Titelbezeichnung 

„Frutta“ „Giorgio de Chirico“. 

Ferner: 9-zeilige handschriftliche Echtheitsbestätigung 

mit Rundstempel und Datierung Rom, 24. Juli 1962. 

Ferner Klebeetikett „S:P:Q:R: IV Rassegna di Arti 

Figurative di Roma e del Lazio“. Mit handschriftlichen 

Künstler- und Titelbezeichnungen „Vita silente di 

frutta“ – sowie „Piazza Spagna 31“ (ehem. Wohnhaus, 

dann Museum De Chirico). 

Auf einer Tischplatte artifizielle aufgetürmte grüne, rote 

und gesprenkelte Äpfel, dazwischen eingefügt blaue 

und grüne Trauben. Der Aufbau des Stilllebens übernimmt 

nur scheinbar die alte Bildtradition. Tatsäch lich 

ist hier das Zufällige weitgehend vermieden, denn wie 

ein festes Gefüge zeigt sich der Aufbau der Früchte. 

Der Stil, dem der Maler sich zuwandte, zeigt eine Abkehr 

von seiner einstigen „pittura metafisica“, hatte 

er sich doch nun wieder einem betont barocken und 

pathetischen Malstil verschrieben. Tatsächlich hatte 

ihm dies eine breitere Themenwahl geboten als die 

surrealistischen Stadtlandschaften. Dennoch herrscht 

auch hier ein nahezu architektonischer Bildaufbau vor. 

In diesen Jahren entstanden neben Stillleben auch 

Pferdebilder, meist in Auffassung von Bühnenszenen. 

A.R. (†) (13013112) (11) 


1888 VOLOS – 1978 ROME 

FRUIT STILL LIFE “FRUTTA” 


40 x 50 cm. 

Signed lower left. Another signature by the hand of 

the artist and title on the reverse “Frutta” “Giorgio 

de Chirico”. 

Furthermore, 9-line handwritten certificate of authenticity 

with round stamp and dated Rome, 24 July 1962 

as well as an adhesive label “S:P:Q:R: IV Rassegna di 

Arti Figurative di Roma e del Lazio”. With hand-written 

artist name and title “Vita silente di frutta” and “Piazza 

Spagna 31” (formerly residential property, then Museum 

De Chirico). (†) 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BID 




658 






und die Entstehung des Fauvismus einleitet. Als 

Postimpressionist wurde er zeitweise von dem Galeristen 


der documenta 1 in Kassel. 2008 Würdigung 

seiner Werke durch eine Ausstellung im Musée du 

Luxembourg in Paris. 

NATURE MORTE AUX RAISINS 


50 x 65 cm. 

Rechts unten signiert „Vlaminck“. 

Auf einer knapp von der Seite sichtbaren Tischplatte 

die verschiedenen Gegenstände vor dunklem Hintergrund 

sich abzeichnend. Darunter ein mit dunklen 

Weinbeeren gefüllter Weidenkorb vor einem Teller 

mit einer Hartwurst, daneben Zwiebel, Kartoffel und 

ein hohes geschliffenes Glas. Die rechte freie Hälfte 

durch eine weiße Porzellanschale belebt. Für den 

Künstler typische Farbigkeit in dunkelschattierten Tönen, 

welche zu den Lichtreflexen in scharfem Kontrast 

stehen. (†) 



NATURE MORTE AUX RAISINS 


50 x 65 cm. 

Signed “Vlaminck” lower right. (†) 

Provenance: 

Burthoul Collection, Burthoul Sale, Brussels 11 March 

1950, lot 108. 

Private collection, England. 

Private collection, South of France. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Burthoul Collection, Burthoul Sale, Brüssel 11. März 

1950, Lot 108. 

Privatsammlung, England. 

Privatsammlung, Südfrankreich. (12821018) (13) 




659 






und die Entstehung des Fauvismus einleitet. Als 

Postimpressionist wurde er zeitweise von dem Galeristen 


der documenta 1 in Kassel. 2008 Würdigung 

seiner Werke durch eine Ausstellung im Musée du 

Luxembourg in Paris. 



46 x 38 cm. 

Rechts unten signiert „Vlaminck“. Auf Keilrahmen 

rückwärtig Etikett mit Künstlerverweis. 

Beiliegend eine Kopie der Bestätigung des Wildenstein- 

Institute mit der Referenznummer 1284 vom 22. Oktober 

1993. 

Auf einer kaum als solche erkenntlichen Tischplatte 

ein braun glasierter Keramikkrug, dessen Hals sich 

schlaglichtartig mittels Reflex weiß abhebt. Darin ein 

Blumenstrauß in roten und blauen Tönen, welcher 

sich kontrastreich vor der weißen Wand abzeichnet, 

welche im oberen rechten Bildviertel verschattet ist. (†) 





46 x 38 cm. 

Signed “Vlaminck” lower right. Artist name on a label 

on the stretcher. 

A copy of the Wildenstein-Institute confirmation with 

ref. no. 1284 dated 22 October 1993 is enclosed. (†) 

Provenance: 

Private collection, England. 

Private collection, South of France. 

Literature: 

Maïthé Vallès-Bled, Maurice Vlaminck. Critical Catalogue 

of Fauve Paintings and Ceramics, Paris, 2008, 

cat. no. 108 with ill. 

€ 22.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Privatsammlung, England. 

Privatsammlung, Südfrankreich. 

Literatur: 

Maïthé Vallès-Bled, Maurice Vlaminck. Critical Catalogue 

of Fauve Paintings and Ceramics, Paris 2008, Katalognummer 

108 mit Abb. (12821032) (13) 


LOVIS CORINTH 

1858 Tapiau – 1925 Zandvoort 

660 

LOVIS CORINTH, 

1858 TAPIAU – 1925 ZANDVOORT 

MÄDCHEN IM WALDBACH, 1913 


96 x 120 cm. 

Rechts oben signiert und datiert „Lovis Corinth 1913“. 

Verso auf Keilrahmen mit Etiketten und Vermerken. 

In bronziertem Profilrahmen. 

Dieses lebendige und zugleich zarte Gemälde zeigt 

die Frau des Künstlers, Charlotte Berend-Corinth, wie 

sie auf einem Felsen sitzt und ihre Beine trocknet. 

Die Szene spielt sich am Fluss in St. Ulrich im Grödnertal 

in Tirol, während des zweiten Besuchs der 

Corinths ab. Charlotte, die eine Tiroler Tracht trägt, 

scheint sich an dem reißenden Strom, in dem sie 

sitzt, nicht zu stören. Von ihrem Mann ist hingegen 

überliefert, dass er während des Malens sehr um seine 

Frau besorgt war und rief: „Nein, die Situation ist 

doch zu gefährlich, du darfst unmöglich da sitzen!“ 

Das Kleid, gemustert mit kleinen Blumen auf dunklem 

Fond, bietet einerseits einen willkommenen Kontrast 

zu dem diagonal aufsteigenden breiten Pinselduktus 

des Hintergrundes, und ist andererseits semantisch 

doch mit der umgebenen Natur verbunden. 

Provenienz: 

Heinrich and Tony Kirchhoff, Wiesbaden. 

Galerie Schloss Rimsingen, Breisach. 

Leo Michelson, Paris, März 1934, von dort ins Kunsthaus 

Zürich zur Aufbewahrung. 

Privatsammlung Deutschland, Erwerb 1960-1962. 

Auktion Christie‘s, London, 1. Dezember 1992, Lot 155. 

Rolf Deyhle, Stuttgart. 

Auktion, Grisebach, 29. Juni 2001, Lot 16. 

LOVIS CORINTH, 

1858 TAPIAU – 1925 ZANDVOORT 

GIRL IN A FOREST STREAM, 1913 


96 x 120 cm. 

Signed and dated “Lovis Corinth 1913” top right. 

Provenance: 

Heinrich and Tony Kirchhoff, Wiesbaden. 

Galerie Schloß Rimsingen, Breisach. 

Leo Michelson, Paris, March 1934, from there stored 

at Kunsthaus Zurich. 

Private collection, Germany, acquisition 1960-1962 

Auction Christie‘s, London, 1 December 1992, lot 155. 

Rolf Deyhle, Stuttgart. 

Auction, Grisebach, 29 June 2001, lot 16. 

Literature: 

Han Hildebrandt, Die Sammmlung Kichhoff in Wiesbaden, 

in: Der Cicerone, vol. X, Leipzig, January 1918, 

p. 11 (ill. 2). 

Charlotte Berend-Corinth, Die Gemälde von Lovis 

Corinth, Munich 1958, no. 579, p. 129 (ill. 601). 

Charlotte Berend-Corinth, Lovis Corinth, Die Gemälde. 

Catalogue raisonné, Munich 1992, no. 579, p. 142 

(ill. p. 631). 

Exhibition: 

Glaspalast Munich, Allgemeine Kunst-Ausstellung, 

June-October 1926, no. 1236, p. 49. 

€ 120.000 - € 140.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

Han Hildebrandt, Die Sammlung Kirchhoff in Wiesbaden, 

in: Der Cicerone, Bd. X, Leipzig, Januar 1918, 

S. 11 (Abb. 2). 

Charlotte Berend-Corinth, Die Gemälde von Lovis 

Corinth, München 1958, Nr. 579, S. 129 (Abb. 601). 

Charlotte Berend-Corinth, Lovis Corinth. Die Gemälde. 

Werkverzeichnis, München 1992, Nr. 579, S. 142 

(Abb. S. 631). 

Ausstellung: 

Glaspalast München, Allgemeine Kunst-Ausstellung, 

Juni-Oktober 1926, Nr. 1236, S. 49. (1321921) (13) 



35

CHRISTIAN ROHLFS 

1849 Groß Niendorf – 1938 Hagen 

661 

CHRISTIAN ROHLFS, 

1849 GROSS NIENDORF – 1938 HAGEN 

KORNFELD (GETREIDEHOCKEN AUF DEM FELD) 


60 x 100,5 cm. 

Rechts unten signiert „C Rohlfs 7“. 

In breitem teilvergoldetem Rahmen. 

In Nahsicht ohne blauen Horizont ein abgeerntetes 

Kornfeld mit den von links vorne nach rechts hintereinander 

gestaffelten Heuhocken im strahlenden Sonnenlicht, 

links im Hintergrund weitere nebeneinander 

liegende Felder, wohl mit unterschiedlichen Gemüsesorten. 

Farbkräftige expressionistische Malerei mit 

breitem, im Vordergrund senkrechtem und im Hintergrund 

die Felder in waagrechtem pastosem Pinselstrich 

ausgeführt. Meisterhaftes Werk mit bravouröser 

Lichtführung. 

Provenienz: 

Private Sammlung, Berlin. 

Pietro del Vecchio, Leipzig. 

W. Colsman, Göttingen, 1949. 

Anonymer Verkauf, Karl & Faber, München, 18.-19. 

Oktober 1966, Lot 1038. 

Galerie Utermann, Dortmund, 1972. 

Anonymer Verkauf, Kunsthaus Lempertz, Köln, 

5. Dezember 1975, Lot 648. 

Anonymer Verkauf, Hauswedell & Nolte, Hamburg, 

2.-4. Juni 1976, Lot 1357. 

Anonymer Verkauf, Bassenge, Berlin, 28. November 

1998, Lot 6580. 

Galerie Salis & Vertes, Salzburg. Erworben dort 

vom Sammler, April 1999. 

Privatsammlung. 

Anmerkung: 

Der Künstler war ein deutscher Maler der Moderne. 

Er studierte an der Großherzoglichen Kunstschule in 

Weimar. Ab 1884 war er freischaffender Künstler in 

Weimar und wendete sich zunehmend dem Impressionismus 

zu. Ab etwa 1910 ist er den Expressionisten 

zuzuordnen, in dem Jahr wurde er in Darmstadt 

zum Jurymitglied des Deutschen Künstlerbundes gewählt. 

Von 1910 bis 1912 hielt er sich auf Einladung 

eines Mäzens in München und Umland auf. 1930 begegnete 

er in Ascona Helmuth Macke und Marianne 

von Werefkin, mit denen er bis Frühjahr 1931 eng 

zusammenarbeitete. Die umfangreichste Sammlung 

seiner Werke, rund 700 Arbeiten, befindet sich heute 

im Osthaus Museum Hagen. 

Literatur: 

Paul Vogt, Christian Rohfls. Œuvre-Katalog der 

Gemälde, Bongers Recklinghausen 1978, Nr. 409 

(Kornfeld). (13219210) (18) 

CHRISTIAN ROHLFS, 

1849 GROSS NIENDORF – 1938 HAGEN 

CORNFIELD 


60 x 100.5 cm. 

Signed lower right “C Rohlfs 7”. 

In wide gilt frame. 

Literature: 

Paul Vogt, Christian Rohfls. Œuvre-Katalog der 

Gemälde, Bongers Recklinghausen 1978, no. 409 

(Kornfeld). 

€ 75.000 - € 100.000 

Sistrix 

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37

GUSTAVE CARIOT 

1872 Périgny-sur-Yerres – 1950 Paris 

662 

GUSTAVE CARIOT, 

1872 PÉRIGNY-SUR-YERRES – 1950 PARIS 

Der Künstler wuchs im Pariser Stadtteil Marais auf. 

Als Autodidakt reifte er zu einem gefeierten postimpressionistischen 

Maler heran. Seine pointilistischen 

Landschaften erzielten Erfolge und wurden in zahlreichen 

französischen Ausstellungen gezeigt. 

LES MEULES DE FOIN 

Öl auf festem Malkarton. 

27,3 x 33 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „G.Cariot 1930“. 

Blick auf sonnenbeschienene farbenfrohe, gelb und 

orange leuchtende Heudocken auf einem ebenso farbigen, 

teils hellen grünen Feld im Spätsommer. Sie 

bilden einen starken Kontrast zu den in diversen Grüntönen 

wiedergegebenen Bäumen des Waldrandes im 

Hintergrund. Postimpressionistische Darstellung eines 

beliebten Themas des Künstlers. 

Anmerkung: 

Der Künstler wuchs im Pariser Stadtteil Marais auf. 

Als Autodidakt reifte er zu einem gefeierten postimpressionistischen 

Maler heran. Seine pointilistischen 

Landschaften erzielten Erfolge und wurden in zahlreichen 

französischen Ausstellungen gezeigt. 

(1320455) (18) 

€ 9.000 - € 12.000 

Sistrix 

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39

EUGEN SPIRO 

1874 Breslau – 1972 New York 

663 

EUGEN SPIRO, 

1874 BRESLAU – 1972 NEW YORK 

1935 Emigration nach Paris und 1941 in die USA. 

BLICK AUF RAGUSA, 1923 


75 x 92,5 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „1923“. Verso auf 

Keilrahmen betitelt, Ausstellungsetiketten. 

In Louis XV-Stilrahmen mit Textilpassepartout. 

Sommerliche Landschaft mit schattenwerfenden 

Pinien und mediterraner Architektur, die sich vor dem 

Mittelmeer abhebt. 

Provenienz: 

Gustav Knauer, Berlin. 

Literatur: 

Vgl. Wilko von Abercron, Eugen Spiro. Spiegel seines 

Jahrhunderts. Monographie und Werkverzeichnis, 

Alsbach 1990. 

Ausstellung: 

Kunstverein Brünn. (1321552) (13) 

€ 8.000 - € 12.000 

Sistrix 

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41

AUGUSTE RODIN 

1840 Paris – 1917 Meudon 

664 

AUGUSTE RODIN, 

1840 PARIS – 1917 MEUDON 

BRONZEBÜSTE „SUZON“ 

Höhe: 31,5 cm. 

Diese Gießermarke „Companie des Bronzes“ 

findet sich auch an der linken Schulter, die Signatur 

„A.RODIN“ am Büstenansatz oberhalb des mitgegossenen 

Rundsockels. 

Feiner Bronzeguss, in Kaltarbeit nachziseliert, mit 

goldbrauner Patina. Die zwischen 1872 und 1873 geschaffene 

Büste zählt zu den wenigen frühen Werken 

des bedeutenden Bildhauers, in einer Zeit, als er überwiegend 

Auftragsarbeiten annahm. Der traditionelle 

Einfluss der Plastik des ausgehenden 18. Jahrhunderts, 

der in jener Zeit im französischen Historismus 

gängig war, ist auch noch an diesem Werk zu erkennen. 

Der berühmte Bildhauer Albert-Ernst Carrier- 

Belleuse (1824-1887), der an der Pariser Oper gewirkt 

hatte, und nun als Lehrer Rodins mit ihm zusammenarbeitete, 

ist dem Werk noch anzusehen. Beide waren 

damals zusammen ins belgische Exil gegangen, 

wo die Ausführung der „Suzon“ auch entstand. Rodin 

widmete diese Büste als Hommage an seinen Lehrer 

Carrier-Belleuse. Zunächst in Stuck geformt, dann in 

Sèvres-Porzellan, später, als Rodin in finanziellen 

Schwierigkeiten war, auch in Bronze, nachdem er die 

Gießerlaubnis der Gießerei in Brüssel übertrug. A.R. 

Literatur. 

Robert Descharnes and J-F. Chabrun, Auguste Rodin, 

Paris 1967 (weitere Ausgabe illustriert S. 46). 

John L. Tancock, The Sculpture of Auguste Rodin, 

Phila delphia 1976, Nr. 106-2 (weitere Ausgabe illustriert 

S. 582). 

Antoinette Le Normand-Romain, The Bronzes of 

Rodin. Catalogue of works in the Musée Rodin, 

Bd. II, S. 961 (weitere Ausgabe illustriert). 

(1320651) (11) 


AUGUSTE RODIN, 

1840 PARIS – 1917 MEUDON 

“SUZON” BRONZE BUST 

Height: 31.5 cm. 

“Compagnie des Bronzes” foundry mark on left 

shoulder, signed “A.RODIN” on the base of the bust, 

just above the round pedestal which is cast in one 

piece with the bust. 

Fine bronze casting, re-chased in cold work, with 

golden brown patina. The bust, created between 

1872 and 1873, is one of the few early works by Rodin 

at a time, when he was predominantly creating 

commissions. 

Literature: 

Robert Descharnes and J-F. Chabrun, Auguste Rodin, 

Paris 1967 (further edition illustrated on p. 46). 

John L. Tancock, The Sculpture of Auguste Rodin, Philadelphia 

1976, no.106-2, (further edition illustrated 

on p. 582). 

Antoinette Le Normand-Romain, The Bronzes of 

Rodin. Catalogue of works in the Musée Rodin, vol. 

II, p. 961 (further edition illustrated). 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BID 

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BLANCHE 

HOSCHEDÉ-MONET 

1865 Paris – 1947 Giverny 

665 

BLANCHE HOSCHEDÉ-MONET, 

1865 PARIS – 1947 GIVERNY 

Die Malerin war Stieftochter und gleichzeitig Schwieger 

tochter von Claude Monet und stark von diesem 

beeinflusst. 

GIVERNY, LE JARDIN 


73 x 60,5 cm. 

In vergoldetem Prunkrahmen mit Namensplakette 

der Künstlerin. 

Mit Echtheitszertifikat BHM 19-1 von Philippe Piguet, 

Paris vom 7. April 2015. 

Blick in den blühenden Garten von Giverny in prächtiger 

Farbenvielfalt mit schmalem beigen Weg bei 

strahlendem Sonnenschein. Im Vordergrund weißviolett 

blühende Stiefmütterchen, dahinter ein großer 

Busch mit Margeriten und daneben einige Rosen, im 

Hintergrund entlang des Weges bläuliche Bepflanzung 

und diverse Sträucher und den Himmel fast verdeckende 

Bäume in differenzierten Grüntönen. Farbenfroher 

Pinselduktus im Stil des Impressionismus. 

BLANCHE HOSCHEDÉ-MONET, 

1865 PARIS – 1947 GIVERNY 

GIVERNY, LE JARDIN 


73 x 60.5 cm. 

With certificate of authenticity BHM 19-1 by Philippe 

Piguet, Paris dated 7 April 2015. 

Provenance: 

Auction Sotheby’s, London, 25 June 2015, lot 423. 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Auktion Sotheby‘s, London, vom 25. Juni 2015, 

Lot 423. (1302162) (18) 


EDWARD CUCUEL 

1875 San Francisco – 1954 Pasadena/ Kalifornien 

666 

EDWARD CUCUEL, 

1875 SAN FRANCISCO – 1954 PASADENA/ 

KALIFORNIEN 

Der Künstler besuchte mehrere Kunstakademien. In 

den Jahren zwischen 1907 und 1939 lebte er in München, 

am Chiemsee und am Ammersee sowie in 

Starnberg. 

FRÜHLING AM SEE 


64,5 x 80 cm. 

Rechts unten signiert, verso „Cucuel München“, 

Betitelung und Rahmenmaß „65 - 80“ sowie alter 

Aufkleber „Ausstellung Gerstenberger Chemnitz 

6584“. 

Gerahmt. 

EDWARD CUCUEL, 

1875 SAN FRANCISCO – 1954 PASADENA/ 

CALIFORNIA 

SPRING BY THE LAKE 


64.5 x 80 cm. 

Signed lower right, verso “Cucuel München”. Title 

and frame dimensions “65 - 80”, as well as old label 

inscribed “Ausstellung Gerstenberger Chemnitz 

6584”. (†) 

€ 70.000 - € 100.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Auf einer sonnenbeschienenen, leuchtend zartgrünen 

Wiese mit Blumen ein liegendes und ein sitzendes 

Mädchen in weißen Kleidern. Sie genießen die Aussicht 

auf den großen ruhigen See mit einem weißen 

Segelboot, das sich im Wasser widerspiegelt. Darüber 

der strahlend blaue Himmel mit kleinen Wolken. 

Auf der linken Seite eine Birke in zartem Grün und 

davor ein schmaler Baum in zartrosafarbener Blütenpracht. 

Stimmungsvolle Landschaftswiedergabe, die 

Atmosphäre eines Frühlingstages vermittelnd in vielen 

frischen differenzierten Farbtönen. 

Der Maler gehörte dem bedeutenden Kreis der neoimpressionistischen 

Schule von Rouen an und wirkte 

zusammen mit den weiteren Mitgliedern der Gruppierung, 

wie Michel Frechon (1892-1974), Jacques 

le Chevallier (1896-1987), Robert Antoine Pinchon 

(1886-1943) oder Adrien Segers (1876-1950) etc. (†) 

(13220014) (18) 


CHARLES HENRI 

VERBRUGGHE 

1877 – 1974 Paris 

667 

CHARLES HENRI VERBRUGGHE, 

1877 – 1974 PARIS 

IM SOMMERLICHEN GARTEN 

Öl auf Holz. 

76 x 63,5 cm. 

Links unten gewidmet an den Maler „Jef van de 

Fackere“ und signiert und datiert „Ch. Verbrugghe 

1920“. 


In einem blühenden Garten ein stehender Korbstuhl 

vor einem kleinen runden, mit einer weißen Decke 

gedeckten Tisch. Auf diesem Tisch stehen zwei hellblaue 

Vasen, beide mit prachtvollen Blumensträußen 

geschmückt, weitere Blumen und Blüten liegen auf 

der hellen Tischdecke. Seitlich des Tisches, im grünen 

Gras, eine ältere weiße Henkelkanne, in der ebenfalls 

ein paar Blütenzweige stehen. Farbenprächtig leuchtendes 

Bild in impressionistischer Manier, typisch für 

den belgischen Maler. 

CHARLES HENRI VERBRUGGHE, 

1877 – 1974 PARIS 

SUMMERY GARDEN 

Oil on panel. 

76 x 63.5 cm. 

Dedicated to the painter “Jef van de Fackere” lower 

left and signed and dated “Ch. Verbrugghe 1920”. 

In magnificent gilt frame. 

Provenance: 

Berko Fine Paintings, 1995. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Berko Fine Paintings, 1995. (1322006) (18) 


FIRMIN GIRARD 

1838 Poncin – 1921 Montluçon 

668 

FIRMIN GIRARD, 

1838 PONCIN – 1921 MONTLUÇON 

DIE AUSFAHRT MIT DEM KAHN 


54,5 x 73 cm. 

Links unten signiert. 

Mit besonderem Dank an Herrn Patrick Faucheur, 

Urenkel des Malers, für seine freundlichen Hinweise 

mit Blick auf die Authentizität des vorliegenden Gemäldes. 

Ein Werkverzeichnis des Künstlers ist derzeit 

in Arbeit. 

Das Gemälde, in heller Lichtimpression gehalten, 

zeigt zwei Damen, die soeben mit einem Kahn vom 

Ufer abstechen wollen, im Vordergrund eine Wäscherin 

mit Körben. Die Dame in Rot betritt vorsichtig den 

Kahn, eine Augenblicksituation, wie sie gerne in der 

Malerei der Zeit thematisiert wurden, gleichsam wie 

in einem fotografischen Augenblick erfasst. 

FIRMIN GIRARD, 

1838 PONCIN – 1921 MONTLUÇON 

BOAT TRIP 


54.5 x 73 cm. 

Signed lower left. 

With special thanks to Mr. Patrick Faucheur, great 

grandson of the painter, for his kind references. A 

catalogue raisonné is expected to be published. 

€ 30.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Bei dem dargestellten Fluss handelt es sich mit großer 

Wahrscheinlichkeit um den Sornin in der Nähe von 

Charlieu (Haute-Loire), wo der Maler sich regelmäßig 

aufhielt. (1322003) (11) 



53

REMBRANDT BUGATTI 

1884 Mailand – 1916 Paris 

669 

REMBRANDT BUGATTI, 

1884 MAILAND – 1916 PARIS 

HUND MIT GESENKTEM SCHWANZ, 1903 

26 x 35 x 15 cm. 

Auf dem Sockel signiert „R. Bugatti“, ortsbezeichnet 

und datiert „Milano 1903“ (ohne Gießerstempel). 

Bronze, braune Patina. Originalausgabe „Giudici e 

Strada“ für A. Grubicy (Mailand). Nach dem heutigen 

Kenntnisstand beträgt unter Vorbehalt die bisher bekannte 

Auflage in Bronze zwei Exemplare. 

Provenienz: 

Privatsammlung Italien. 

Anmerkung: 

Rembrandt Bugatti war ein italienischer Bildhauer. Er 

ist der jüngere Bruder des Automobilkonstrukteurs 

Ettore Bugatti. Sein Werk umfasst in erster Linie Tierplastiken 

und gilt als überaus eigenständige künstlerische 

Position innerhalb der Bildhauerei der Frühmoderne. 

Literatur: 

Véronique Fromanger, Rembrandt Bugatti. Sculptor. 

Répertoire Monographique: a meteoric rise, Paris 

2016, abgebildet und besprochen auf S. 34 und S. 

268f. 

Ausstellung: 

1905, V. Biennale von Venedig. (1301981) (18) 


1884 MILAN – 1916 PARIS 

DOG WITH LOWERED TAIL, 1903 

26 x 35 x 15 cm. 

Signed “R. Bugatti” on the base, locally inscribed and 

dated “Milano 1903” (without foundry stamp). 

Bronze, brown patina. Original edition “Giudici e 

Strada” for A. Grubicy (Milan). According to current 

knowledge, with reservations, the edition known so 

far in bronze is two copies. 

Provenance: 

Private collection Italy. 

Notes: 

Rembrandt Bugatti was an Italian sculptor. He is the 

younger brother of the automobile designer Ettore 

Bugatti. His work includes primarily animal sculptures 

and is considered an extremely independent 

artistic position within early modern sculpture. 

Literature: 

Véronique Fromanger, Rembrandt Bugatti. Sculptor. 

Répertoire Monographique: a meteoric rise, Paris 

2016, illustrated and discussed on p. 34 and pp. 268. 

Exhibition: 

1905, 5th Venice Biennale. 

€ 18.000 - € 25.000 

Sistrix 

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REMBRANDT BUGATTI 

1884 Mailand – 1916 Paris 

670 


1884 MAILAND – 1916 PARIS 

DEUX PANTHÈRES SE LÉCHANT, 1906 

36 x 104 x 30 cm. 

Signiert auf Pinthe „Bugatti, 1906“. Gießerstempel 

„Cire airaindor perdu“, 1 von 25. 

Bronze, gegossen, dunkelbraun patiniert. Auf rechteckiger 

naturalistisch gestalteter Plinthe ein sich gegenüberstehendes 

Paar Panther, der eine Panther 

den Kopf des anderen leckend. (†) 

Anmerkung 1: 

Das Gipsmodell zu der vorliegenden Bronze von 1906 

wird im Musée d‘Orsay in Paris unter der Nummer 

RF 3575 verwahrt. 

Anmerkung 2: 

Rembrandt Bugatti war ein italienischer Bildhauer. 

Er ist der jüngere Bruder des Automobilkonstrukteurs 

Ettore Bugatti. Sein Werk umfasst in erster Linie 

Tierplastiken und gilt als überaus eigenständige 

künstlerische Position innerhalb der Bildhauerei der 

Frühmoderne. 


1884 MILAN – 1916 PARIS 

DEUX PANTHÈRES SE LÉCHANT, 1906 

36 x 104 x 30 cm. 

Signed “Bugatti, 1906” on plinth. Foundry mark 

“Cire airaindor perdu”, limited ed. no. 1/25. 

Bronze; cast, dark brown patina. 

Notes: 

The plaster model of the present bronze from 1906, 

is held at the Musée d’Orsay in Paris, no. RF 3575. 

(†) 

Literature: 

cf. Anne Pingeot; Le Normand-Romain, Antoinette; 

Margerie, Laure de, Musée d‘Orsay. Catalogue 

sommaire illustré des sculptures, Paris, Réunion 

des musées nationaux, 1986, p. 267 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

Vgl. Anne Pingeot, Le Normand-Romain, Antoinette; 

Margerie, Laure de, Musée d‘Orsay. Catalogue 

sommaire illustré des sculptures, Paris, Réunion 

des musées nationaux, 1986, S. 267 

Ausstellungen: 

Das Pariser Gipsmodell wurde ausgestellt: 

Nouvelles acquisitions du musée d‘Orsay 1980-1983 

– palais de Tokyo – musée d‘Art et d‘Essai – France, 

Paris, 1983-1984. 

La sculpture du XIXème siècle dans l‘Eure (1820- 

1914) – musée municipal – France, Bernay, 1987. 

(13211317) (10) 



57

ANTONIO MANCINI 

1852 Albano Laziale – 1930 Rom 

671 

ANTONIO MANCINI, 

1852 ALBANO LAZIALE – 1930 ROM 

Der Maler zählt zu den bedeutendsten Künstlern der 

italienischen Moderne. Nach lobendem Urteil über 

seine Jugendzeichnungen durch Domenico Morelli 

(1823-1901) wurde er bereits mit zwölf Jahren an 

der Kunstakademie in Napoli aufgenommen. Bereits 

18- jährig stellte er unter großem Beifall im Salon du 

Paris aus. Mancini war Mitglied der Verismo-Bewegung. 

Er begab sich 1877 nach Frankreich, wo er 

Édouard Manet (1832-1883) und Edgar Degas (1834- 

1917) kennenlernte, später war er eng befreundet mit 

John Singer Sargent (1856-1925) in London. 

PORTRAIT EINES ITALIENISCHEN JUNGEN 


67 x 50 cm. 

Rechts unten signiert „A. Mancini“. 

In dekorativem teilvergoldetem Rahmen. 

Vor einem Hintergrund in diversen rötlichen Farbtönen 

das Halbbildnis eines Jungen mit schwarzem breitem 

Hut, der neben weißen Federn mit goldenen Anhängern 

verziert ist. Er trägt eine dunkle Jacke mit 

weißem Spitzentuch um den Hals und Spitze am 

Armende der Jacke. In seiner linken Hand hält er 

eine Art Bambusstock. Er hat ein gebräuntes Gesicht, 

einen leicht geöffneten Mund und mit seinen glänzenden 

dunklen Augen schaut er seitlich aus dem 

Bild heraus. Das Bildnis vorgeführt in virtuoser, stark 

pastoser, dem Impressionismus naher Pinselführung, 

eine flirrende Atmosphäre vermittelnd. 

(1320843) (18) 

ANTONIO MANCINI, 

1852 ALBANO LAZIALE – 1930 ROME 

PORTRAIT OF AN ITALIAN BOY 


67 x 50 cm. 

Signed “A. Mancini” lower right. 

€ 10.000 - € 12.000 

Sistrix 

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BORIS FRÖDMAN-CLUZEL 

1878 – 1969 

672 

BORIS FRÖDMAN-CLUZEL, 

1878 – 1969 

HOCKENDE, 1926 

Bronze, gegossen, mittelbraun patiniert. 


Auf der Basis monogrammiert und datiert „B.F.C 1926“, 

seitlich mit Pariser Gießerstempel. 

Auf hoher rechteckiger blockhafter und leicht gekehlter 

Basis sitzende junge Frau mit gekreuzten Armen 

und Beinen. Das nach rechts gerichtete Haupt von 

Art déco-Stirnband geziert. (1320454) (13) 

€ 4.500 - € 6.000 

Sistrix 

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59

AUGUSTE RENOIR 

1841 Limoges – 1919 Cagnes/Nizza 

673 

AUGUSTE RENOIR, 

1841 LIMOGES – 1919 CAGNES/ NIZZA 

PETITE VÉNUS DEBOUT 

60 x 30 x 20 cm. 

Auf der Plinthe signiert. Außerdem römische Zahl 

„XVII“. 

Im griechischen Mythos kämpfte Venus um den Preis 

eines goldenen Apfels, den sie gewann, indem sie 

Paris versprach, er würde Helena von Troja, die schönste 

Frau der Welt, heiraten. Renoirs Skulptur zeigt Venus, 

die den Apfel in ihrem Moment des Triumphs 

hält. Renoirs Konzeption dieser Arbeit wurde von Erinnerungen 

an antike Skulpturen und vom „modernen 

Klassizismus“ des zeitgenössischen Bildhauers 

Maillol beeinflusst. Renoir war schwer durch Arthritis 

verkrüp pelt und wurde bei der Herstellung dieser 

Skulptur von einem Assistenten, Richard Guino, unterstützt. 

Braune Patina. (†) (13211320) (10) 

AUGUSTE RENOIR, 

1841 LIMOGES – 1919 CAGNES/ NICE 

PETITE VÉNUS DEBOUT 

60 x 30 x 20 cm. 

Signed on the plinth. Also Roman numeral “XVII“. (†) 

€ 60.000 - € 80.000 

Sistrix 

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61

MOÏSE KISLING 

1891 Krakau, Polen – 1953 Sanary-sur-Mer, Frankreich 

674 

MOÏSE KISLING, 

1891 KRAKAU, POLEN – 1953 SANARY-SUR-MER, 

FRANKREICH 

Der Künstler war ein französischer Maler polnischjüdischer 

Herkunft. Er studierte zunächst an der Akademie 

der Schönen Künste Krakau, ehe er nach Paris 

ging und ab 1910 im Stadtteil Montmartre wohnte. Er 

war mit vielen seiner Zeitgenossen befreundet, u.a. 

mit seinem Nachbarn Amedeo Modigliani, der ihn 

malte. Nach der Besetzung Frankreichs im Zweiten 

Weltkrieg floh er in die USA. 

COQUELICOTS ET BLEUETS, 1936 


81 x 65 cm. 

Unten links signiert „Kisling“. 


1891 CRACOW, POLAND – 1953 SANARY-SUR- 

MER, FRANCE 

COQUELICOTS ET BLEUETS, 1936 


81 x 65 cm. 

Signed “Kisling” lower left. (†) 

Literature: 

This painting is illustrated in: Jean Dutourd, Kisling, 

Landshut 1995, p. 250, no. 130. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Der gebürtig aus Polen stammende Kisling entwickelte 

sich zu einem der bedeutendsten Maler der 

Pariser Schule. Zunächst lernte er in Krakau, ließ sich 

jedoch bereits 1910 in Paris nieder in La Ruche de 

Montparnasse wo er auf alle wichtigen europäischen 

Maler seiner Zeit traf wie Chagall, Soutine und Zadkine. 

Aufgrund des Zweiten Weltkrieges verbrachte er 

als Jude sein Exil in den USA wo ihm ebenfalls großer 

Erfolg zuteil wurde. Später kehrte er nach Südfrankreich 

zurück, wo er sich vorwiegend der Landschaftsmalerei 

widmete. Die größte Sammlung seiner Werke 

ist im Musée Petit Palais in Genf zu finden. Noch 

vor seinem Weggang in die USA ist dieses herrliche 

Blumenstück 1936 entstanden. Es zeigt auf einer 

quadratischen kleinen Tischplatte eine kugelige Glasvase, 

die einen sommerlichen Strauß aus Mohn- und 

Kornblumen sowie weiße Margeriten aufnimmt. Die 

zurückgenommene Polychromie unterstreicht die 

einzelne Bedeutung der einzelnen Blüten, die jeweils 

intensiv leuchten und – nebenbei – die Nationalfarben 

Frankreichs darstellen. (†) 

Literatur: 

Dieses Gemälde ist abgebildet in: Jean Dutourd, 

Kisling, Landshut 1995, S. 250, Nr. 130. (1321139) 

(13) 


LOUIS VALTAT 

1869 Dieppe – 1952 Paris 

675 

LOUIS VALTAT, 

1869 DIEPPE – 1952 PARIS 

IRIS IN GRÜNER GLASVASE AUF ROTEM GRUND 


61 x 40,5 cm. 

Rechts unten signiert „L. Valtat“. 

Das Werk ist im Archiv der „Association Les amis de 

Louis Valtat“ aufgeführt. 

Das Gemälde, um 1943 entstanden, bezeugt bereits 

die Lebensreife im Werk des Künstlers, der den gesamten 

Wandel der Stilfolgen in Europa von seiner 

Studienzeit an bis kurz vor seinem Tod mitgestaltet 

hat. 1888, als Valtat in die Académie Julian in Paris 

eintrat, herrschten noch völlig andere Vorstellungen 

von Kunst. Hatte der wenig ältere Paul Gauguin bereits 

einen neuen Ansatz in der Malerei gefunden, 

nämlich die Idee der reinen Farbe, so suchte Valtat 

dennoch sich auch bei dem konservativen, aber bereits 

dem Symbolismus zugewandten Gustave Moreau 

Ideen zu holen. Nachdem er zusammen mit 

Toulouse-Lautrec Bühnenbilder malte, änderte sich 

jedoch seine Sicht bereits dahingehend, dass er ab 

1903 im Salon d'Automne Bilder ausstellte, die den 

neuen Fauvismus bereits erkennen ließen, und einen 

Skandal auslösten. Bestärkt durch sein Familienleben 

widmete er sich den Themen der eigenen Familie, 

Landschaften und Stillleben, wobei nicht das Bildthema 

selbst, sondern vielmehr die Wildheit der Darstellung 

zunehmend neuer und unverwechselbarer wurde. 

1914 zog Valtat nach Paris, wo er bis zu seinem 

Lebensende lebte. Mit dem Kunsthändler Vollard hatte 

er bereits seit 1900 einen Vertrag, der auch bewirkte, 

dass seine Bilder in bedeutende Sammlungen 

kamen. Valtat gilt als einer der Hauptvertreter der 

"Fauves", dessen Werke international in den bedeutendsten 

Sammlungen vertreten sind. Das Gemälde 

gewinnt seine Ästhetik nicht zuletzt gerade aus der 

Gegenüberstellung der beiden konträren Komplementärfarben 

Grün und Violett, in allen ihren Abstufungen. 

Der diese beiden Farbwerte verbindende und 

einbindende Hintergrund in Rot – mit weißen Punkten 

– schließt den wilden Farbenkampf zu einer dennoch 

wohltuenden Einheit. Wenige Jahre nach der 

Entstehung des Bildes erblindete Valtat und musste 

seine Arbeit aufgeben. A.R. 

LOUIS VALTAT, 


IRIS IN A GREEN GLASS VASE ON RED 

BACKGROUND 


61 x 40.5 cm. 

Signed lower right “L. Valtat”. 

The work is listed in the archives of the “Association 

Les amis de Louis Valtat”. 

The painting, created in ca. 1943, is already testimony 

to the maturity of the artist’s œuvre. He is known for 

having shaped the change in the stylistic transitions 

in Europe from his student days until shortly before 

his death. 

Provenance: 

Private collection. 

Sotheby’s, London, 27 February 2019, lot 155. 

€ 60.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 


Sotheby‘s, London, 27 Februar 2019, Lot 155. 

(12901419) (11) 


LOUIS VALTAT 

1869 Dieppe – 1952 Paris 

676 

LOUIS VALTAT, 


LA FAMILLE SUR LA PLAGE 

Öl auf Leinwand, auf Holz aufgezogen. 

45,5 x 54 cm. 

Rechts unten signiert „L. Valtat“. 

In vergoldetem Rahmen. 

Mit expressiven Pinselstrichen und reinem Farbgebrauch 

stellt Louis Valtat um 1917 diese sommerliche 

Strandszene dar. 1860 in Dieppe geboren wurde er 

bereits im zarten Alter von 17 Mitglied der Ecole des 

Beaux Arts und studierte zusammen mit großartigen 

Malern wie Gustave Boulanger und Jules Lefebvre. 

Zahlreiche zeitgenössische Künstler beeinflussten 

ihn, wie Matisse, Vuillard, Bonnard, Signac und besonders 

Renoir, mit welchem ihn eine lebenslange 

Freundschaft verband. Heute sind seine begehrten 

Werke in berühmten Sammlungen der ganzen Welt 

zu sehen – etwa im Metropolitan Museum of Art 

(New York, im Thyssen-Bornemisza Museum (Madrid) 

und in der Hermitage (Sankt Petersburg). 

LOUIS VALTAT, 


LA FAMILLE SUR LA PLAGE 

Oil on canvas, laid on panel. 

45.5 x 54 cm. 

Signed “L. Valtat” lower right. 

In gilt frame. 

Literature: 

J. Valtat, Louis Valtat, Catalogue de l’œuvre peint, 

1977, p. 140. 

€ 60.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

J. Valtat, Louis Valtat, Catalogue de l‘œuvre peint, 

1977, S. 140. (12901432) (13) 



67

MARC CHAGALL 

1887 Witebsk – 1985 Saint-Paul-de-Vence 

677 

MARC CHAGALL, 

1887 WITEBSK – 1985 SAINT-PAUL-DE-VENCE 

CARMEN, 1967 

Farblithografie. 

101 x 66 cm. 

Rechts unten signiert „Marc Chagall“, Ed. 36/ 200. 

In Passepartout in vergoldetem Rahmen. 

Links unten im Druck bezeichnet „D‘APRÈS MARC 

CHAGALL – CH.SORLIER GRAV“. 

Am Blattrand, außerhalb der Darstellung, vereinzelt 

leichte Knicksp. (1321671) (18) 

MARC CHAGALL, 

1887 WITEBSK – 1985 SAINT-PAUL-DE-VENCE 

CARMEN, 1967 

Colour lithography. 

101 x 66 cm. 

Signed “Marc Chagall” lower right, limited ed. no. 

36/ 200. 

Inscribed “D‘APRÈS MARC CHAGALL – 

CH. SORLIER GRAV” lower left on print. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BID 


HENRI MATISSE 

1869 Le Cateau-Cambrésis – 1954 Nizza 

678 

HENRI MATISSE, 

1869 LE CATEAU-CAMBRÉSIS – 1954 NIZZA 

ODALISQUE AU COFFRET ROUGE, 1926 

Farbaquatintaradierung. 

42 x 55,6 cm. 

Rechts unten signiert „Matisse“. 

Im Passepartout, hinter Glas gerahmt. In dekorativem 

Prunkrahmen. 

HENRI MATISSE, 

1869 LE CATEAU-CAMBRÉSIS – 1954 NICE 

ODALISQUE AU COFFRET ROUGE, 1926 

Aquatint etching in colour. 

42 x 55.6 cm. 

Signed “Matisse” lower right. 

Framed with mount behind glass. 

In magnificent decorative frame. 

Exemplar 54/ 200. (1321997) (18) 

Limited edition no. 54/ 200. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BID 



71

MAURICE UTRILLO 

1883 Paris – 1955 Dax 

679 

MAURICE UTRILLO, 

1883 PARIS – 1955 DAX 

CAFÉ DU LAPIN AGILE 


38 x 46 cm. 

Verso zwei rechteckige Stempel (auf Leinwand 

und Keilrahmen): „Petridés“. Rechts unten signiert 

„Maurice, Utrillo, V.“. 


1883 PARIS – 1955 DAX 

CAFÉ DU LAPIN AGILE 


38 x 46 cm. 

Verso two rectangular stamps (on canvas and 

stretcher) “Petridés”. Signed lower right “Maurice, 

Utrillo, V.”. (†) 

Blick auf eine Häusergruppe an einer verschneiten 

Straßenecke einer Kleinstadt. Vor höheren Mietshäusern 

niedrige, geduckte Häuser, ein- und zweigeschossig, 

die Straßenecke, seitlich kahle Baume, 

durch geradeziehende Pinselstriche angegeben. Im 

Vordergrund zwei betont farbig gekleidete Frauen, die 

sich auf die Türe eines Hauses zubewegen, das mit 

Aufschrift „café du Lapin agile“ beschriftet ist. 

Utrillo, Sohn der Malerin Suzanne Valodon, ehelichte 

1935 die Witwe eines Kunstsammlers, Lucie Pauwels, 

die unter Pseudonym ebenfalls malte. Das vorliegende 

Gemälde, rechts neben der Signatur mit „V“ 

bezeichnet, dürfte auf die im Bild wiedergegebene 

Kleinstadt weisen. (†) 

Provenienz: 

Galerie Allschwil, Schweiz. 

Schweizer Privatsammlung. 

Literatur: 

Vgl. Jean Fabris, Claude Wiart, Alain Buquet, Jean- 

Pierre Thiollet, Jacques Birr, Catherine Balin-Lacroix, 

Joseph Foret: Utrillo, sa vie, son œuvre, Editions 

Frédéric Birr, Paris, 1982. (1321061) (11) 

Provenance: 

Galerie Allschwil, Switzerland. 

Swiss private collection. 

€ 70.000 - € 100.000 

Sistrix 

INFO | BID 



73

HENRI BAPTISTE LEBASQUE 

1865 Champigné – 1937 Le Connet 

680 

HENRI BAPTISTE LEBASQUE, 

1865 CHAMPIGNÉ – 1937 LE CONNET 

HOCKENDER FRAUENAKT AUF BLAUEM SOFA 


38 x 47 cm. 

Rechts unten signiert. (12821037) (11) 



CROUCHING FEMALE NUDE ON BLUE SOFA 


38 x 47 cm. 


€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BID 



75



681 



AKT IN GESTREIFTEM TUCH 

Bleistift und Aquarell auf Papier. 

Sichtmaß: 36 x 25 cm. 


Hinter Glas und Passepartout gerahmt. 

In einem gut durchleuchteten Innenraum, durch dessen 

Sprossenfenster warmes Sonnenlicht dringt, ein 

zentraler Frauenakt nur leicht von einem gestreiften 

Tuch bedeckt auf einem Teppich stehend. Gerahmt 

beschrieben. (†) 

Provenienz: 

Kaplan Gallery, London (der Akt dort als Frau des 

Künstlers spezifiziert). 

Petersen Galleries, Beverly Hills. (12821030) (13) 



NUDE IN STRIPED CLOTH 

Pencil and watercolour on paper. 

Visible size: 36 x 25 cm. 


Framed with mount under glass. (†) 

Provenance: 

Kaplan Gallery, London (the nude is identified here 

as the artist‘s wife). 

Petersen Galleries, Beverly Hills. 

€ 14.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BID 




682 



AM STRAND 

Bleistift und Aquarell auf Papier. 

26,7 x 33,5 cm. 

Links unten signiert „Lebasque“. 

Unter Glas montiert. 

Im Mittelpunkt ein junger Mann in schwarzer Badehose 

in einem Liegestuhl an einem weiten sonnenbeschienenen 

Sandstrand. Hinter ihm führt der Blick 

über Sandbänke in die Weite des türkis-grünen Meeres 

mit tief liegenden Wolkenfeldern, zudem mit weiteren 

Sonnenanbetern und Spaziergängern in weißen 

Bademänteln. Auf der rechten Bildseite eine junge 

Frau in gelben Kleid, vor einem rotgestreiften Zelt 

sitzend. (12821039) (18) 



ON THE BEACH 

Pencil and watercolour on paper. 

26.7 x 33.5 cm. 

Signed lower left “Lebasque”. 

Framed with glass. 

€ 25.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BID 



79

JAN ZOETELIEF TROMP 

1872 Batavia – 1947 Breteuil 

683 

JAN ZOETELIEF TROMP, 

1872 BATAVIA – 1947 BRETEUIL 

SPIELENDE KINDER AM STRAND 

Öl auf Leinwand. Doubliert. 

39,5 x 48,5 cm. 

In Nahsicht fünf sommerlich bekleidete Kinder im 

seichten Wasser, dabei mit Schaufeln im Sand spielend. 

Im Hintergrund sind im leicht welligen Wasser 

einige Schwimmer und ein paar Seegelboote sichtbar. 

Atmosphärische Malerei in frischen sanften Farbtönen. 

Anmerkung: 

Authentifizierung als eigenhändiges Werk des Künstlers 

wurde durch seine Tochter vorgelegt (in Kopie). 

(12821038) (18) 

JAN ZOETELIEF TROMP, 

1872 BATAVIA – 1947 BRETEUIL 

CHILDREN PLAYING ON THE BEACH 

Oil on canvas. Relined. 

39.5 x 48.5 cm. 

Notes: 

A copy of a certificate of authenticity by the artist’s 

daughter is enclosed, confirming that the painting is 

by the artist’s own hand. 

€ 18.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BID 



81

RAOUL DUFY 

1877 Le Havre – 1953 Forcalquier 

684 

RAOUL DUFY, 

1877 LE HAVRE – 1953 FORCALQUIER 

NATURE MORTE À LA COUPE DE CITRONS 

Aquarell auf Papier. 

48 x 63 cm. 

Rechts unten signiert „Raoul Dufy“. 

Im Passepartout, hinter Glas in vergoldetem Prunkrahmen. 

Provenienz: 

Sammlung Vino, Paris. 

Auktion Hôtel Rameau, Versailles 7. Dezember 1975, 

Nr. 75. 

Auktion Hôtel Rameau, Versailles 2. Juni 1976, Nr. 51. 

Literatur: 

Fanny Guillon-Laffaille, Raoul Dufy. Catalogue raisonné 

des aquarelles, gouaches et pastels, Paris 1982, Bd. 2, 

S. 133, Abb. 1423. (1321591) (18) 

RAOUL DUFY, 

1877 LE HAVRE – 1953 FORCALQUIER 

NATURE MORTE À LA COUPE DE CITRONS 

Watercolour on paper. 

48 x 63 cm. 

Signed “Raoul Dufy“ lower right. 

Provenance: 

Collection Vino, Paris. 

Sale Hôtel Rameau, Versailles 7 December 1975, 

no. 75. 

Sale Hôtel Rameau, Versailles 2 June 1976, no. 51. 

Literature: 

Fanny Guillon-Laffaille, Raoul Dufy: Catalogue raisonné 

des aquarelles, gouaches et pastels, Edition Louis 

Carré, Paris 1982, vol. 2, p. 133, ill. 1423. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BID 


JEAN DUFY 

1888 Le Havre – 1964 Boussay 

685 

JEAN DUFY, 

1888 LE HAVRE – 1964 BOUSSAY 

AU CIRQUE, PARADE ÉQUESTRE, UM 1910 


51 x 73 cm. 

Links unten signiert: „Jean Dufy“. 

In textilen Passepartout, in aufwändig gestaltetem 

Louis XV-Rahmen. 

Beigegeben ein Zertifikat von Germaine Dufy, 1. März 

1977 und eines von Léandre Quesnel, 3. Oktober 1991. 

Rhythmus, Takt, Haltung! Acht Pferde bilden eine Ehrenreihe 

um einen Reiter und sein Pferd in der Mitte 

einer Zirkusmanege. Der Mann reitet auf seinem 

Pferd und grüßt die Reiterin, die ihm gegenübersteht, 

demonstrativ. Die Reiterin steht halb entkleidet auf 

ihrem Pferd und hält einen Reifen, ein Zirkusrequisit, 

das einige zukünftige Akrobatiken ankündigt. Im Hintergrund 

spielt ein Orchester eine Musik, die den 

Rhythmus der Pferdeparade untermalt. Der Dirigent, 

ganz in Gelb gekleidet, bringt seine glitzernde Note in 

die Mitte der Komposition. Alles ist hier in perfekter 

Symmetrie angeordnet. Die Tribünen und das Publikum 

verteilen sich in einem Kreisbogen, der den 

Halbmond des Zentrums überspannt. Das dunkle 

Blau auf der linken und das leuchtende Rot auf der 

rechten Seite erzeugen eine Tiefenwirkung. Die kleinen 

weißen, gelben und schwarzen Akzente fassen 

die Silhouetten der Zuschauer zusammen, die auf 

ihren Sitzen zu glitzern und zu zappeln scheinen. Im 

Vordergrund ziehen die weißen Nuancen der Pferde 

alle Blicke auf sich und verleihen ihnen die Hauptrolle. 

Als Meister des Lichts und der Farbe gelingt es Jean 

Dufy, die Atmosphäre dieses Zirkus, seine Unruhe, 

sein Schillern und sogar seine Geräusche mit Bravour 

wiederzugeben. Sein schwarzer, schneller Strich ziseliert 

die Formen auf einem Hintergrund mit einer fauvefarbenen 

Palette, die dem Bild eine ganz besondere 

Vitalität verleiht. Das Thema des Zirkus, in dem Dufy 

sowohl Dynamik als auch die von ihm gewünschte 

Polychromie fand, war fortan häufig Bestandteil seines 

Schaffens. (†) 

JEAN DUFY, 


AU CIRQUE, PARADE ÉQUESTRE, CA. 1910 


51 x 73 cm. 

Signed “Jean Dufy” lower left. 

A certificate by Germaine Dufy, 1 March 1977 and one 

by Léandre Quesnel, 3 October 1991 is enclosed. (†) 

€ 90.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

Vgl. Pascal Jacob, Le Cirque en Majesté, Paris, 2012. 

Vgl. Jacques Bailly, Catalogue raisonné de l‘œuvre 

de Jean Dufy, Paris 2010. (1321136) (13) 


JEAN DUFY 

1888 Le Havre – 1964 Boussay 

686 

JEAN DUFY, 


VOILIERS DANS LE PORT DU HAVRE, 1907 


50 x 64 cm. 


In breitem vergoldetem gekehltem Rahmen. 

Anbei ein Zertifikat von Monsieur Quesnel und 

eines von Monsieur Marumo. 

Dufys Bestimmung war nicht von Vornherein im 

künstlerischen Metier zu suchen, denn er war Außenvertreter 

eines Handelsunternehmens, das Überseewaren 

importierte und auch als Sekretär auf dem 

Überseedampfer „La Savoie“ angestellt, der Le Havre 

und New York verband. Erst eine Ausstellung, die 

1906 in seiner Heimatstadt stattfand und Matisse, 

Derain, Marquet und Picasso zeigte, führte ihn auf 

den künstlerischen Weg, der für ihn bestimmt war. 

Besonders ein Gemälde von Matisse, nämlich 

„Fenêtre ouverte à Collioure“ beeindruckte ihn mit 

seinen leuchtenden Farben und strahlendem Licht, 

sodass es in seinem Werk stark nachhallte – und 

auch in unserem Werk in Bezug auf Farbintensität 

und Macht der geometrischen eingebundenen Formen 

immanent zu sein scheint. 

In unserem Bild werden Kaimauern gezeigt und kleine 

trapezförmige Becken, ein Leuchtturm und Lagerhäuser, 

hinter denen sich das Meer erstreckt. Ein Segelboot 

beschreibt eine große Vertikale im linken Vordergrund, 

dessen Segel sich messerscharf in den Wind werfen 

und den Betrachterraum mit dem Bildraum verbinden. 

Dufy, der nach seinem Wehrdienst in Paris Drain, Braque, 

Picasso und Apollinaire begegnete, verwandte 

fortan vorwiegend stumpfere Farbtöne, wie Braun, 

Blau und Dunkelrot, während unser Gemälde von 

1907 noch in strahlenden diversen Farben leuchtet 

und der Darstellung zusammen mit ihren gebrochenen 

geometrischen Formen Dynamik verleiht. Viele 

seiner meist späteren Werke werden in hochklassigen 

Museen der ganzen Welt ausgestellt, wie im 

Musée national d‘Art moderne und im Centre Pompoidou 

in Paris, in der Albertina in Wien, im Art Institute 

of Chicago oder im MoMA in New York. Daher ist 

es uns eine besondere Freude ein so frühes Werk, 

welches Dufys Heimatstadt zeigt, mit der er emotional 

verbunden war, anbieten zu dürfen. (†) 

(1321135) (13) 

JEAN DUFY, 


VOILIERS DANS LE PORT DU HAVRE, 1907 


50 x 64 cm. 


A certificate by Monsieur Quesnel and by Monsieur 

Marumo is enclosed. (†) 

€ 350.000 - € 500.000 

Sistrix 

INFO | BID 




687 



GROS TEMPS À MORGAT, UM 1922 - 1923 


60 x 73 cm. 

Links unten signiert „Lebasque“. 


Blick von erhöhtem Standpunkt auf und an einer niedrigen 

Steinmauer eines Ufers sitzende Figuren: zwei 

Frauen auf einem Klappstuhl, eine halb auf der Mauer 

sitzende Frau und hinter ihr ein junger Mann, der ganz 

auf der Mauer sitzt; in fast gleichen Abständen wirken 

sie wie in einer von der Mitte nach links hochziehenden 

Linie hintereinander gestaffelt, von der älteren, 

dick angezogenen Frau mit Wolldecke über den Schultern, 

bis über die behüteten Frauen mit langen Röcken 

und dem mit kurzer Hose leicht bekleidetem jungen 

Mann, werden gleichsam auch verschiedene Lebensalter 

scheinbar wiedergegeben. Sie alle blicken auf 

das stürmische, gischtig aufbrausende türkisfarbene 

Meer mit mehreren Segelbooten im Wind unter graublauem 

Himmel mit großen Gewitterwolken. 

Provenienz: 

Verkauf, Me Oury, Paris, 23. Februar 1959, Lot 84. 

Musée du Petit Palais, Genf. 

Verkauf, Me Martin, Versailles, 28. November 1971, 

Lot 75. 

Verkauf, Mes Champin et Lombrail, Enghien-les-Bains, 


Verkauf, Mes Champin, Lombrail et Gautier, Enghienles-Bains, 


Sammlung Lansberg, Frankreich. 

Verkauf, Me Briest, Paris, 17. Juni 1985, Lot 52. 

Christie´s, Paris, 24. März 2015, Lot 5. 



GROS TEMPS À MORGAT, CA. 1922 - 1923 


60 x 73 cm. 

Signed “Lebasque” at lower left. 

Provenance: 

Sale, Me Oury, Paris, 23 February 1959, lot 84. 

Musée du Petit Palais, Geneva. 

Sale, Me Martin, Versailles, 28 November 1971, 

lot 75. 

Sale, Mes Champin et Lombrail, Enghien-les-Bains, 

11 December 1977, lot 83. 

Sale, Mes Champin, Lombrail et Gautier, Enghienles-Bains, 

18 December 1983, lot 26. 

Lansberg Collection, France. 

Sale, Me Briest, Paris, 17 June 1985, lot 52. 

Christie's, Paris, 24 March 2015, lot 5. 

Exhibition: 

Paris, Galerie Georges Petit, Henri Lebasque, probably 

March 1927, no. 52 (title: “La mer grise”). 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Anmerkung: 

Der Künstler war ein Maler des Post-Impressionismus. 

Er studiert an der Ècole des Beua-Arts in Angers, zieht 

jedoch bereits 1886 nach Paris, wo er sich an der Academie 

Colarossi einschreibt. Er hält sich auch einige 

Zeit lang in den französischen Provinzen Vendée, Normandie 

und Bretagne auf; auch Morgat liegt auf der 

Halbinsel Crozon in der Bretagne und ist ein beliebtes 

Bade- und Urlaubsziel mit langem Sandstrand. 

Ausstellung: 

Paris, Galerie Georges Petit, Henri Lebasque, wahrscheinlich 

März 1927, Nr. 52 (Titel: „La mer grise“). 

(1302161) (18) 



91


1883 Paris – 1955 Dax 

688 


1883 PARIS – 1955 DAX 

LA PLACE DU TERTRE À MONTMARTRE, 

1920 – 1922 


46 x 61 cm. 

Rechts unten signiert „Maurice. Utrillo, V.“. 

In vergoldetem barockisierendem Rahmen. 

Beigegeben ein Zertifikat des Wildenstein Institute. 

Ein Platz der trapezförmig nach rechts zuläuft ist von 

mehreren Bäumen bestanden, deren Grün den Passanten, 

die sich dorthin vor der senkrecht stehenden 

Sonne geflüchtet haben, Schutz bietet. Die Vertikalen 

der Baumstämme und die dazwischen gesetzten stehenden 

Staffagefiguren kontrastieren mit den Horizontalen, 

die durch die Etagenbegrenzungen der 

umstehenden Häuser gebildet werden. Diese architektonischen 

Gebilde gehören zu Utrillos Lieblingswerkzeugen, 

werden in diesem Gemälde jedoch von 

der domestizierten Natur beherrscht. (†) 

Provenienz: 

Kurt Sponagel-Hirzel, Zürich, 1955. 

Schweizer Privatsammlung. 

Sotheby‘s, London, 25. März 1992, Lot 62. 

Anmerkung: 

Der Platz ist einer der Lieblingsmotive Utrillos am 

Montmartre. 

Literatur: 

Pierre Courthion, Montmartre, Lausanne 1956, S. 118 

und 142 (abgebildet auf S. 118). 

Paul Pétridès, L‘œuvre complet de Maurice Utrillo, 

Bd. II, Paris 1962, Nr. 901, S. 320 (abgebildet auf 

S. 321 mit nicht korrekten Maßen). 


Basel, Kunsthalle, Maurice Utrillo. Graphische Blätter 

von Corot und Daumier, Juni-Juli 1942, Nr. 205. 

Vevey, Musée Jenisch, Maurice Utrillo, Valadon, 

Modigliani, Utter, Juli-September 1955, Nr. 50, S. 24 

(mit inkorrekten Maßen). 

München, Haus der Kunst, Maurice Utrillo V., Suzanne 

Valadon, Juni-September 1960, Nr. 77, S. 12 (abgebildet 

Tafel 39). 

Bern, Kunstmuseum, Utrillo, Januar-März 1963, Nr. 69. 

Tokyo, Seiji Togo Memorial Sompo Japan Museum 

of Art, Maurice Utrillo, April-Juni 2010, Nr. 23, S. 55 

(abgebildet), Wanderausstellung. 

Nigata, The Nigata Prefectural Museum of Modern Art, 

Juli-August 2010. 

Kyoto, Museum Eki Kyoto, September-Oktober 2010. 

Aichi, Toyohashi City Museum of Art & History, Oktober-Dezember 

2010. (13211311) (13) 


1883 PARIS – 1955 DAX 

LA PLACE DU TERTRE À MONTMARTRE, 

1920 – 1922 


46 x 61 cm. 

Signed “Maurice. Utrillo, V.” lower right. (†) 

Accompanied by certificate by Wildenstein Institute. 

Provenance: 

Kurt Sponagel-Hirzel, Zurich, 1955. 

Private collection, Switzerland. 

Sotheby’s, London, 25 March 1992, lot 62. 

Notes: 

The square is one of Utrillo’s favourite subjects at 

Montmartre. 

Literature: 

Pierre Courthion, Montmartre, Lausanne, 1956, pp. 

118 & 142 (ill. on p. 118). 

Paul Pétridès, L’œuvre complet de Maurice Utrillo, 

vol. II, Paris 1962, no. 901, p. 320 (ill. on p. 321 with 

incorrect dimensions). 

Exhibitions: 

Basel, Kunsthalle, Maurice Utrillo. Graphische Blätter 

von Corot und Daumier, June-July 1942, no. 205. 

Vevey, Musée Jenisch, Maurice Utrillo, Valadon, 

Modigliani, Utter, July-September 1955, no. 50, p. 24 

(with incorrect dimensions). 

Munich, Haus der Kunst, Maurice Utrillo V., Suzanne 

Valadon, June-September 1960, no. 77, p. 12 (ill. panel 

39). 

Bern, Kunstmuseum, Utrillo, January-March 1963, 

no. 69. 

Tokyo, Seiji Togo Memorial Sompo Japan Museum 

of Art, Maurice Utrillo, April-June 2010, no. 23, p. 55 

(ill.), touring exhibition. 

Nigata, The Nigata Prefectural Museum of Modern 

Art, July-August 2010. 

Kyoto, Museum Eki Kyoto, September-October 2010. 

Aichi, Toyohashi City Museum of Art & History, October-December 

2010. 

€ 200.000 - € 250.000 

Sistrix 

INFO | BID 




689 



FRANKREICH 

Der Künstler war ein französischer Maler polnisch-jüdischer 



ging und ab 1910 im Stadtteil Montmatre wohnte. Er 





BOUQUET DE FLEURS DANS UN VASE 


65 x 50 cm. 

In geschnitztem und vergoldetem barockisierenden 

Rahmen mit textilem Passepartoutausschnitt. 

Wie viele seiner Blumenstillleben entstand auch dieses 

außergewöhnliche Gemälde in den 1920er Jahren 

(ca. 1925). Auf einem blockhaft quadratischen 

Stand befindet sich eine blaue zweihenklige Vase mit 

dunklem Vogeldekor. In ihr sind zu sehen Mohn, Rosen 

und Tulpen, allesamt rot, und die gelben Punkte, 

welche sich auf den hauchdünnen weißen Vorhängen 

links und rechts des Gebindes befinden, sind ein 

Spiegelbild der gelben Blütenstände, welche sich im 

Strauß abzeichnen. Die Blüten des gebürtigen Polen 

und in Montmartre arbeitenden Malers treten hier in 

formalen Kontakt mit ihrem Umfeld. 


1891 KRAKOW, POLAND – 1953 SANARY-SUR- 

MER, FRANCE 

BOUQUET DE FLEURS DANS UN VASE 


65 x 50 cm. 

In carved and gilt baroque-style frame with textile 

mount. 

Provenance: 

Private collection, Japan. 

Literature: 

This painting will be included in Volume IV et Additifs 

aux Tomes I, II, et III des Catalogue Raisonné de 

l’œuvre de Moise Kisling, which is currently being 

prepared by Jean Kisling and Marc Ottavi. 

€ 135.000 - € 180.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Privatsammlung, Japan. 

Anmerkung: 

Der Künstler war ein französischer Maler polnischjüdischer 








Literatur: 

Dieses Gemälde wird aufgenommen in den Volume 

IV et Additifs aux Tomes I, II, et III des Catalogue 

Raisonné de l‘œuvre de Moise Kisling, welcher momentan 

durch Jean Kisling und Marc Ottavi bearbeitet 

wird. (1290142) (13) 




690 



FRANKREICH 









FEMME AU PARASOL ROUGE, 1914 


79 x 55 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „Kisling 914“. 


Elegante Dame in einem dunkelblauen langen Kleid 

mit breitem Hut auf blonden Haaren, in ihrer linken 

Hand einen leuchtend roten Schirm haltend, auf beige-orangem 

breitem Weg, der bis zum hohen Horizont 

führt. Linksseitig eine angedeutete Baumallee 

mit dicken braunen Stämmen, rechtsseitig in Grün 

angedeutete Sträucher und Hecken. Der Himmel in 

überwiegend grau-weißer Farbgebung. Malerei in raschem 

Pinselduktus, bei teils pastosem Farbauftrag. 

Vereinzelt kleine Retuschen. 



MER, FRANCE 

FEMME AU PARASOL ROUGE, 1914 


79 x 55 cm. 

Signed lower right and dated “Kisling 914”. 

Provenance: 

President and fellow of Harvard College, Massachusetts 

(sale: Sotheby‘s New York, 10 May 1995, 

lot 350). 

Private collection. 

Notes: 

The painting on offer for sale in this lot was sold at 

auction at Sotheby’s, London, lot 270 on 27 February 

2019. 

Literature: 

cf. Jean Kisling, Kisling 1891-1953, Paris 1995, vol. III, 

no. 8. 

€ 50.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BID 









Provenienz: 

President and fellows of Harvard College, Massachusetts 

(Verkauf: Sotheby‘s, New York, 10. Mai 1995, 

Lot 350). 


Anmerkung: 

Das vorliegende Gemälde wurde bei Sotheby‘s, 

London, unter der Lotnummer 270 am 27. Februar 

2019 versteigert. 

Literatur: 

Vgl. Jean Kisling, Kisling 1891-1953, Paris 1995, Bd. III, 

Nr. 8. (12901424) (18) 




691 



FRANKREICH 









LANDSCHAFT BEI SAINT TROPEZ, 1918 


60,3 x 73 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „Kisling 1918“. 


Dem Betrachter mag fast schwindlig werden bei der 

Betrachtung des Auf und Ab der Felder, deren stark 

konturierte Linien wie gekämmt wirken. Kisling, von 

dem aus dem gleichen Jahr gleich mehrere Gemälde 

bekannt sind, die sich der Landschaft um Saint Tropez 

widmen, zeigt uns von stark erhobenem Betrachterstandpunkt 

aus das absteigende Ufer mit seinen 

fruchtbaren Feldern und seiner typischen Bebauung, 

die zu den Besitzern der Felder gehört. In leuchtenden 

Farben, die uns an die Landschaftsbilder von 

Chagall erinnern, führt er den Blick des Betrachters 

über Bäume in variantenreichen Grüntönen hinab auf 

das lapislazuliblaue Band, das den Golf von Saint Tropez 

kennzeichnet. Kisling liebte die Farben und das 

Spiel der Formen. Ebenfalls aus dem Jahr 1918 etwa 

ist ein Landschaftsgemälde bekannt, das bei kleinerem 

Format die Oberflächenbeugung der Felder geometrisiert 

und als flächige Rechtecke darstellt (Inv.Nr. 

Kis01 Montclair, Kasser Art Foundation). (†) 



MER, FRANCE 

LANDSCAPE NEAR SAINT-TROPEZ, 1918 


60.3 x 73 cm. 

Signed lower right and dated “Kisling 1918”. (†) 

Provenance: 

Galerie d’Art du Faubourg Saint-Honoré, Paris. 

Christine and Jim Mulligan collection, Agay, France. 

Brunk Auctions, Asheville, USA, 15 September 2018, 

lot 902. 

Notes: 

Christie’s sold a comparable work, 10 February 2012, 

lot 70. The landscape sold there compares particularly 

well with regards to the red roofs contoured 

in black over whitewashed masonry and the violet 

background. 

€ 65.000 - € 100.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Galerie D'Art du Faubourg Saint-Honoré, Paris. 

Sammlung Christine und Jim Mulligan, Agay, Frankreich. 

Brunk Auctions, Asheville, USA, 15. September 2018, 

Lot 902. 

Anmerkung: 

Ein vergleichbares Werk wurde bei Christie‘s, am 

10. Februar 2012, als Lot 70, verkauft. Die dort verkaufte 

Landschaft lässt sich besonders hinsichtlich der 

schwarz konturierten roten Dächer über geweißeltem 

Mauerwerk und dem Violett des Hintergrundes gut 

vergleichen. (12901411) (13) 


AUGUSTE HERBIN 

1882 Quievy – 1960 Paris 

692 

AUGUSTE HERBIN, 

1882 QUIEVY – 1960 PARIS 

PAYSAGE, 1911 


45,7 x 54,4 cm. 


In vegetabil verziertem Holzrahmen mit Textilausschnitt. 

Der französische Künstler Auguste Herbin spielte 

eine wesentliche Rolle in den künstlerischen Bewegungen 

des frühen 20. Jahrhunderts. Seine künstlerische 

Karriere umfasste Impressionismus und Postimpressionismus, 

Fauvismus und Kubismus, bevor er 

durch Konstruktivismus, Purismus und Orphismus 

eine eher geometrische und strukturelle Kunst anstrebte 

und schließlich als Pionier der abstrakten 

Kunst den architektonischen Zweck der Malerei proklamierte. 

Das vorliegende Werk „Paysage“ ist ein 

hervorragendes Beispiel für sein wechselndes Interesse 

und seinen Stil, in dem wir gleichzeitig den farbigen 

Einfluss des Fauvismus und den modularen Aufbau 

einer kubistischen Landschaft sehen. 

Geboren 1882 in Quiévy, nahe der belgischen Grenze, 

war Herbin nicht die bürgerliche Erziehung vergönnt, 

die so vielen seiner Zeitgenossen zuteil wurde. Während 

seine Eltern in einer Textilfabrik arbeiteten, kümmerte 

er sich um seine beiden Geschwister. Im Alter 

von zwölf Jahren verließ Herbin die Schule und arbeitete 

im Büro eines Gerichtsvollziehers, während er 

seine Nächte in den städtischen Zeichenkursen verbrachte. 

In diesen Abendkursen zeigte Herbin ein 

bemerkenswertes Talent zum Zeichnen; er erlernte 

die Techniken des Freihandzeichnens und -malens. 

Diese Fähigkeit brachte ihm bald ein Stipendium an 

der École des Beaux-Arts in Lille ein (1899-1901), wo 

Herbins Beherrschung der postimpressionistischen 

Maltechnik deutlich wurde, zusätzlich zu seiner akribischen 

Wiedergabe von Wasser und Himmel, die an 

die flämische Renaissance erinnert. 

Herbins Umzug nach Paris um 1902 war ein wirklich 

entscheidender Moment in seiner Karriere. Nachdem 

er mehrere Jahre in Isolation gemalt und sich mit den 

Avantgarde-Bewegungen beschäftigt hatte, begann 

sich sein Werk zum fauvistischen Stil zu entwickeln. 

Während seines Aufenthalts auf Korsika im Jahr 1907 

wurde dieser besonders ausgeprägt; seine Pinsel 

und Leinwände aus dieser Zeit sind voll von extravaganten 

Farben und Ausdrucksformen und zeigen den 

deutlichen Einfluss der großen Retrospektiven von 

Van Gogh, Gauguin und Seurat, von denen sich Herbin 

während seines Aufenthalts in der Hauptstadt des 

Landes inspirieren ließ. Es ist sicher anzunehmen, 

dass keine Ausstellung einen größeren Einfluss auf 

Herbin hatte als die Paul Cézanne-Retrospektive im 

Salon d‘Automne später im Jahr 1907. Es war eine 

Ausstellung, die die jüngeren Künstler in radikale Richtungen 

drängte, von wo aus sie später den Modernismus 

enthüllen und erforschen sollten. Dadurch wurde 

Herbins Interesse am Kubismus geweckt und er begann 

zu experimentieren. 1909 zog er in die Bateau 

Lavoir-Ateliers, die von Picasso, Braque und Gris 

frequentiert wurden, und tauchte voll und ganz in die 

Geburt des Kubismus und des Synthetischen Kubismus 

ein und verbrachte einen Großteil seiner Zeit mit 

den drei Künstlern. Herbins Stil des Kubismus blieb 

jedoch einzigartig, er behielt die Lebendigkeit seiner 

hellen, kraftvollen fauvistischen Landschaften bei und 

wählte stattdessen eine Verschmelzung der Farbe mit 

der düsteren Palette, die die frühen kubistischen 

Werke dominierte. Darüber hinaus behalten seine 

Formen ihre Präzision und werden eher abgeflacht 

und geometrisiert, als dass sie völlig dekonstruiert 

werden. Diese erfinderische Herangehensweise an 

die kubistische Landschaft schuf einige seiner dynamischsten 

Werke und zementierte ihn als einen Pionier 

des Kubismus. 

Das vorliegende Werk ist ein Schlüsselbeispiel für 

den Einfluss, den Herbin aus diesen grundlegenden 

Momenten der Kunstgeschichte zog. Wir können 

deutlich die strukturierte Form erkennen, für die er 

sich entschieden hat, mit der Leinwand, die von links 

nach rechts durch die gerade Straße halbiert wird, 

und der Vielzahl verschiedener Komponenten, die 

sich von diesem zentralen Konstrukt aus verzweigen. 

Wenn wir die Baumreihe am Straßenrand betrachten, 

die den Betrachter in die Ferne führt, stellen wir sofort 

eine Verbindung zu der Modulation her, die zu 

einem so bestimmenden Merkmal von Cézannes 

Methode wurde. Auf seine eigene, einzigartige strukturelle 

Art und Weise hat sich Herbin jedoch dafür 

entschieden, den Baum mit festen Linien zu konstruieren, 

die sich in Form von Chevrons durch die Baumkronen 

ziehen und sich von dem viel wilderen und 

natürlicheren Bild lösen, das Cézanne verwenden 

würde. Man ist auch versucht, einen Vergleich zwischen 

der oberen rechten Ecke des Himmels und dem 

entfernten Mont Sainte-Victoire zu ziehen, dessen 

schneebedeckter Gipfel auf einem blaugrauen Abhang 

sitzt, vielleicht eine Hommage an eine seiner 

großen Inspirationen. Wie Anatole Jakovski bemerkt: 

„Die Bäume selbst, ihre üppigen Blätter bilden seltsame 

magnetische Zeichnungen, konzentrische Wellen 

von Farben, die deutlich heller, noch kraftvoller werden, 

die nur ihren eigenen, von Herbin diktierten und von 

ihm gefundenen Rhythmen gehorchen... So schreitet 

seine Kunst unaufhörlich zur integralen Geometrie, 

zur absoluten Wahrheit, kraftvoll und energisch voran“ 

(A. Jakovsky, Paris 1933, S. 16). 

Provenienz: 

Privatsammlung seit 1993. 

Auktion, Drouot-Richelieu, Paris, 21. April 2000, 

Lot 38. 

Nick Scheeres Collection, Niederlande. 

Im Jahr 2006 dort vom Vorbesitzer erworben. 

Bonhams, 28. Februar 2019, Lot 46. 

Literatur: 

Geneviève Claisse, Herbin. Catalogue raisonné de 

l‘œuvre peint, Lausanne 1993, Nr. 232 (abgebildet 

Seite 320). 

Anatole Jakovsky, Auguste Herbin, Paris 1933. 

Ausstellung: 

Paris, Galerie Clovis Sagot, Auguste Herbin, März 

1914, Nr. 12. (1320641) (13) 

AUGUSTE HERBIN, 

1882 QUIEVY – 1960 PARIS 

PAYSAGE, 1911 


45.7 x 54.4 cm. 


Provenance: 

Private collection since 1993. 

Auction, Drouot-Richelieu, Paris, 21 April 2000, 

lot 38. 

Nick Scheeres Collection, The Netherlands. 

Purchased there by previous owner in 2006. 

Auction Bonhams, 28 February 2019, lot 46. 

Literature: 

G. Claisse, Herbin. Catalogue raisonné de l’œuvre 

peint, Lausanne 1993, no. 232 (ill. p. 320). 

A. Jakovsky, Auguste Herbin, Paris 1933. 

Exhibition: 

Paris, Galerie Clovis Sagot, Auguste Herbin, March 

1914, no. 12. 

€ 38.000 - € 55.000 

Sistrix 

INFO | BID 


ALBERT PAUL GUILLAUME 

1873 – 1942 

693 

ALBERT PAUL GUILLAUME, 

1873 – 1942 

DIE BLACKJACK-SPIELER 

Öl und Bleistift auf Malkarton. 

26,7 x 35 cm. 

Links unten signiert „AP Guillaume“. 

In teilvergoldetem Rahmen. 

Im Schein einer am oberen rechten Rand hängenden 

grünlichen Lampe drei Spieler an einem grünen Tisch 

sitzend mit Karten und Jetons. Links eine Dame mit 

langer Kette, ringverzierten Fingern und einem großen 

runden Hut mit lilafarbenen Blütenkranz, aufmerksam 

nach unten auf ihre abgedeckte Karte blickend. Neben 

ihr ein eleganter schlanker Mann im Smoking, gerade 

neue Karten aufnehmend, dabei wird er von dem Dritten, 

rechts sitzenden, etwas kräftigeren Herren mit 

grauem Bart beobachtet, dessen Gesicht jedoch durch 

den Lampenschirm teils verdeckt wird. Hinter ihnen 

drängen sich vier Beobachter in eleganter Kleidung. 

Für den Künstler typisches Werk, der mehrfach die 

elegante Gesellschaft des frühen 20. Jahrhunderts an 

Spieltischen oder in Salons wiedergegeben hat. 

(1321444) (18) 

ALBERT PAUL GUILLAUME, 

1873 – 1942 

THE BLACKJACK PLAYERS 

Oil and pencil on artist‘s board. 

26.7 x 35 cm. 

Signed “AP Guillaume” lower left. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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103

FERDINAND LOYEN DU 

PUIGAUDEAU 

1864 Nantes – 1930 Croisic 

694 

FERDINAND LOYEN DU PUIGAUDEAU, 

1864 NANTES – 1930 CROISIC 

SONNENUNTERGANG ÜBER DER GROSSEN 

BRIÈRE 


54 x 73 cm. 

Links unten signiert „F. du Puigaudeau“. 

In dekorativem Rahmen. 

Malerischer Blick über „La grande Briére“, eine der 

größten Sumpf- und Lagunenlandschaften Frankreichs, 

wahrscheinlich auf die vom ruhigen Wasser umgebene 

Insel Fédrun mit einem typischen, strohgedeckten 

kleinen Haus und einem ankernden Kahn. Am unteren 

rechten Bildrand ein Wiesenstück mit zwei hohen 

schmalen Pinien. Im Hintergrund im diffusen Licht die 

weite Uferlandschaft mit der Silhouette einer Stadt 

vor einem breiten türkisfarbenen Himmelsstreifen, 

hinter dem gerade die leuchtende gelb-orange Sonne 

untergeht, die sich im schimmernden Wasser widerspiegelt. 

Darüber der große Himmel, der ebenso 

wie das Wasser, in vielfach abgestuften Blautönen in 

teils impressionistischer Manier wiedergegeben wird. 

Stimmungsvolle, harmonische Malerei bei der der 

Künstler seine Faszination für die Wirkung von Licht 

verdeutlicht. 

FERDINAND LOYEN DU PUIGAUDEAU, 

1864 NANTES – 1930 CROISIC 

SUNSET ON THE GRANDE BRIÈRE 


54 x 73 cm. 

Signed “F. du Puigaudeau” lower left. 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Anmerkung: 

Der Künstler studierte an verschiedenen Internaten 

von Paris bis Nizza. 1882 reiste du Puigaudeau nach 

Italien, dann nach Tunesien und brachte sich das Malen 

selbst bei. Das erste Werk, das du Puigaudeau 

mit Sicherheit zugeschrieben werden kann, stammt 

aus dem Jahr 1886, dem Jahr, in dem er Pont-Aven 

besuchte, wo er sich mit Charles Laval und Paul Gauguin 

anfreundete. Er heiratete 1893, und 1895 ließ er 

sich für drei Jahre in Pont-Aven nieder. Seine Werke 

sind heute in diversen Museen zu finden, u.a. in Indianapolis, 

Madrid, Morlaix, Nantes. (1320451) (18) 


JACQUES MAJORELLE 

1886 Nancy – 1962 Paris 

695 

JACQUES MAJORELLE, 

1886 NANCY – 1962 PARIS 

Der Künstler war ein französischer Maler des 20. 

Jahrhunderts, dessen Werk zumeist dem Orientalismus 

zugerechnet wird. 1903 zog er nach Paris, wo er 

der Académie Julian angehörte. Reisen führten ihn 

nach Spanien, Italien und Ägypten (1910), wo seine 

Leidenschaft für das Licht, die Farben, die Formen 

und die Themen der islamischen Welt erwachte. 1917 

reiste er nach Marokko und ließ sich in Marrakesch 

nieder. 1926 erbaute er sich eine Villa außerhalb der 

von Stadtmauern umgürteten Medina von Marrakesch, 

wo er sich auch ein Atelier einrichtete. 

GEBEL EL TARIF, ÄGYPTEN 1914 

Öl auf Holz. 

60 x 46 cm. 

Links unten betitelt, ortsbezeichnet, datiert „1914“ 

und signiert. 

Hinter Glas in dekorativem Rahmen. 

JACQUES MAJORELLE, 

1886 NANCY – 1962 PARIS 

GEBEL EL TARIF, EGYPT, 1914 

Oil on panel. 

60 x 46 cm. 

Titled, with place name, dated “1914” and signed. 

€ 30.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Blick auf den in Beige und sandtonfarben wiedergegebenen 

Berg im Nordosten des ägyptischen Sinai, in 

strahlendem Sonnenlicht unter wolkenlosem hellblauem 

Himmel. Er ist einer von mehreren vorgeschlagenen 

Orten des biblischen Berges Sinai. Pastose 

Malerei in vielen differenzierten, teils ins Gelbliche 

und Weiße übergehende sandfarbene und beige 

Farbtöne. Gekonnt werden einige kleinere Partien 

verschattet. (1321673) (18) 


696 

CHARLES JOHANN PALMIÉ, 

1863 ASCHERSLEBEN – 1911 MÜNCHEN 

MÜNCHENER MARIENPLATZ MIT RATHAUS 


73 x 94 cm. 

Rechts unten signiert, datiert und ortsbezeichnet 

„Charles J Palmier München 07“. 

In profiliertem Rahmen. 

In violetten und beigen Tönen das Rathaus dessen 

hervorspringende Architekturelemente mit Schneebedeckt 

sind, sowie die im Osten des Marienplatzes 

abschließenden Architekturen und der davor stehenden 

Mariensäule, die 1638 von Kurfürst Maximilian 

errichtet lassen worden ist und im gleichen Jahr geweiht. 

Die Übersetzung der lateinischen Inschrift 

lautet: Dem allergütigsten großen Gott, der jungfräulichen 

Gottesgebärerin, der gnädigen Herrin und 

hochmögenden Schutzpatronin Bayerns hat wegen 

Erhaltung der Heimat, der Städte, des Heeres, seiner 

selbst, seines Hauses und seiner Hoffnungen dieses 

bleibende Denkmal für die Nachkommen dankbar 

und demütig errichtet Maximilian, Pfalzgraf bei Rhein, 

Herzog von Ober- und Niederbayern, des heiligen 

Römischen Reiches Erztruchseß und Kurfürst, unter 

ihren Dienern der letzte, im Jahr 1638. 

CHARLES JOHANN PALMIÉ, 

1863 ASCHERSLEBEN – 1911 MUNICH 

MARIENPLATZ WITH TOWN HALL IN MUNICH 


73 x 94 cm. 

Signed, dated, place name “Charles J Palmier 

München 07” lower right. 

€ 10.000 - € 12.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Anmerkung: 

Der Künstler war Gründungsmitglied der „Neuen 

Künstlervereinigung München“ am 22. Januar 1909. 

(1321922) (13) 


697 

EMMANUEL DE LA VILLÉON, 

1858 FOUGÈRES – 1944 PARIS 

Der Maler war einer der letzten der französischen 

Impressionisten. Werke seiner Hand im Musée Emmanuel 

de la Villéon, Fougères, Musée de Grenoble, 

Musée Fournaise, Chatou. 

NEIGE ET GIVRE, UM 1910 


80,7 x 100 cm. 

Rechts unten signiert „de la Villéon“. 

Verso mit Stempel eines Malmittelherstellers. 

In Montparnasse-Rahmen. 

Weite Winterlandschaft mit einer Figur an einem 

Bachlauf stehend, der von schneebedeckten Bäumen 

gesäumt wird, die in fast pointilistischer Auffassung 

die ruhige Stimmung zum Vibrieren bringt. 

Provenienz: 

Galerie de la Nouvelle France, Paris. 

Privatsammlung Paris (1974). 

EMMANUEL DE LA VILLÉON, 

1858 FOUGÈRES - 1944 PARIS 

NEIGE ET GIVRE, CA. 1910 


80.7 x 100 cm. 

Signed “de la Villéon” lower right. 

Provenance: 

Galerie de la Nouvelle France, Paris. 

Private collection, Paris (1974). 

Literature: 

Catalogue raisonné of watercolours, gouaches, 

pastels and drawings, foreword by Michel Cointat, 

Paris 1986, p. 607. 

€ 22.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Literatur: 

Catalogue raisonné der Aquarelle, Gouachen, Pastelle 

und Zeichnungen, Vorwort von Michel Cointat, Paris 

1986, S. 607. (1321923) (13) 


109

DIRK SMORENBERG 

1883 Alkmaar – 1960 Oud-Loosdrecht 

698 

DIRK SMORENBERG, 

1883 ALKMAAR – 1960 OUD-LOOSDRECHT 

IMPRESSIONISTISCHES BLUMENSTILLLEBEN 

MIT ZWEI VASEN 


122,4 x 72 cm. 

Links unten signiert und datiert „D. Smorenberg 12“. 

Auf einem kleinen Tisch mit gestreifter Decke eine 

hohe Glasvase mit einem Blumenstrauß aus Astern 

mit grünen Zweigen. Daneben stehend eine kleine 

blau-grüne Kugelvase, die einen großen Strauß enthält. 

Prachtvolles impressionistisches Blumenbild, teils 

mit Weiß gemischten Farbtönen und kräftigem pastosen 

Farbauftrag, bei dem die Farben Blau und Grün in 

vielen differenzierten Farbabstufungen überwiegen. 

(1322008) (18) 

DIRK SMORENBERG, 

1883 ALKMAAR – 1960 OUD-LOOSDRECHT 

IMPRESSIONIST FLOWER STILL LIFE 

WITH TWO VASES 


122.4 x 72 cm. 

Signed and dated “D. Smorenberg 12” lower left. 

€ 45.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BID 


GIORGIO DE CHIRICO 

1888 Volos – 1978 Rom 

699 


1888 VOLOS – 1978 ROM 

ETTORE E ANDROMACA, 1970 

Höhe: 49 cm. 

Seitlich auf der Basis signiert und nummeriert „8/9“, 

hinten betitelt und mit Gießereistempel versehen 

„Bond. Rustic: Gi.Bi. Esse Verona Italy“. 

Bronzeguss, poliert. Achtes von neun nummierierten 

Exemplaren, neben denen noch zwei Künstlerexemplare 

gegossen wurden. Wie auch schon in dem 

gleichnamigen Gemälde von 1917, das sich heute in 

der Galeria d‘Arte Moderna in Rom befindet, sind die 

dargestellten Figuren keine realen Gestalten, noch 

sind sie authentische, maßgeschneiderte Schaufensterpuppen; 

sie ähneln der Form von Schaufensterpuppen, 

weil die konstituierenden Elemente auf diese 

Weise zusammengesetzt sind, aber diese einzelnen 

Elemente sind abstrakte geometrische Figuren, so 

wie das Ganze abstrakt ist. Die Szene zeigt, dass sich 

die Liebenden bewusst sind, dass dies die letzte Umarmung 

vor einem blutigen und unerbittlichen Tod 

ist. Was an diesem Werk zweifelsohne fasziniert, ist 

das Gefühl der Liebe und der Resignation, das allein 

durch den Anblick der beiden gesichtslosen Schaufensterpuppen 

entsteht und vom Betrachter verstanden 

und geteilt wird, und vor allem die Art und Weise, 

wie Andromache, in diesem Fall ihrer Arme beraubt, 

den verzweifelten Wunsch ausdrückt, ihren Geliebten 

Hektor zu behalten. In der Geschichte der modernen 

Kunst wurde die Szene einer Umarmung zwischen 

zwei Liebenden von vielen großen Künstlern dargestellt, 

wie zum Beispiel von Klimt oder von Chagal. 

In Hektor und Andromache gelingt es De Chirico, 

durch die mystische Stimmung, die er der Szene verleiht, 

sowie durch die Haltung der Köpfe der Puppen 

und die spannungsvolle Gegenüberstellung und 

gleichzeitige Verflechtung ihrer Körper die gleiche 

Ausdrucksintensität wie seine Kollegen zu vermitteln. 

(†) 


1888 VOLOS – 1978 ROME 

ETTORE E ANDROMACA, 1970 

Height: 49 cm. 

Signed and numbered “8/9” on the side of the base, 

titled and foundry mark on the back “Bond. Rustic: 

Gi.Bi. Eat Verona Italy”. 

Bronze casting, polished. Eighth of nine numbered 

copies, in addition to two cast artist's editions. (†) 

Provenance: 

Private collection, New York (purchased from the 

artist in the 1970s). 

Auction, Sotheby’s, London, 19 October 1988, 

lot 362. 

Auction, Sotheby’s, London, 27 February 2019, 

lot 134. 

Literature: 

Claudio Bruni Sakraischik, Catalogo Generale di Giorgio 

de Chirico, Opera dal 1931 al 1950, Milan 1976, 

vol. VI, no. 1002. 

€ 90.000 - € 130.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Privatsammlung, New York (vom Künstler in den 

1970er-Jahren erworben). 

Auktion, Sotheby‘s, London, 19. Oktober 1988, 

Lot 362. 

Auktion, Sotheby‘s, London, 27. Februar 2019, 

Lot 134. 

Literatur: 

Claudio Bruni Sakraischik, Catalogo generale di Giorgio 

de Chirico, Opera dal 1931 al 1950, Mailand 1976, 

Bd. VI, Nr. 1002. (1290147) (13) 


114 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6.000 additional images. 

zum Größenvergleich

PABLO PICASSO 

1881 Málaga – 1973 Mougins 

700 

PABLO PICASSO, 

1881 MÁLAGA – 1973 MOUGINS 

KERAMIKSCHALE 

Keramik. 

31,5 x 38,5 cm. 

An der Unterseite in Mangan eingebrannte Aufschrift: 

Legiertes Monogramm CR, daneben „Madoura/ 

d‘après Picasso/ Nouvelle Edition“. 

Querovale Schale mit hochgezogener Fahne, schwarz 

glasiert, im Spiegel weiße Taube nach links, leicht im 

gravierten Relief, auf der Fahne ochsenblutrote Pinselstriche. 

(†) (13013134) (11) 



CERAMIC BOWL 

Ceramic. 

31.5 x 38.5 cm. 

Burnt-in inscription in manganese on underside: 

monogram CR, in ligature alongside “Madoura / 

d’après Picasso / Nouvelle Edition”. (†) 

€ 10.000 - € 16.000 

Sistrix 

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115

PABLO PICASSO 


701 



PLATTE MIT ZIEGENKOPF 

Breite: 51,2 cm. 

Rückwärtig Signaturstempel der Manufaktur Madoura. 

Rötlicher Scherben, weiß glasiert bzw. polychrom 

staffiert. Alters- und Gebrauchssp. (1321995) (13) 



PLATE WITH GOAT’S HEAD 

Width: 51.2 cm. 

Signature stamp of the “Madoura” manufactory 

on the reverse. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BID 



117

PABLO PICASSO 


702 



LES DEMOISELLES D‘AVIGNON 

Farblithografie. 

49,5 x 46,5 cm. 


Im Passepartout, hinter Glas gerahmt. 

Exemplar 16/100. 

Anmerkung: 

Das original Gemälde von Picasso befindet sich im 

Museum of Modern Art, New York. (1321672) (18) 



LES DEMOISELLES D’AVIGNON 

[THE YOUNG LADIES OF AVIGNON] 

Colour lithography. 

49.5 x 46.5 cm. 


Framed with mount behind glass. 

Limited edition no. 16/ 100. 

Notes: 

The original painting by Picasso is held at 

the Museum of Modern Art, New York. 

€ 30.000 - € 40.000 

Sistrix 

INFO | BID 



119

ANNE-PIERRE DE KAT 

1881 – 1968 

703 

ANNE-PIERRE DE KAT, 

1881 – 1968 

De Kat studierte in Den Haag an der Royal Academy 

und fortan in Brüssel. Zunächst beschäftigte er sich 

mit Skulpturen, bevor er sich gänzlich der Malerei 

widmete. Ab 1938 erwarb der belgische Staat zahlreiche 

Objekte von ihm. 

EVE, 1924 


204 x 122 cm. 


In schlichtem profiliertem Rahmen. (1321541) (13) 

ANNE-PIERRE DE KAT, 

1881 – 1968 

EVE, 1924 


204 x 122 cm. 


€ 12.000 - € 18.000 

Sistrix 

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BERNARD BUFFET 

1928 Paris – 1999 Tourtour/ Südfrankreich 

704 

BERNARD BUFFET, 

1928 PARIS – 1999 TOURTOUR/ SÜDFRANKREICH 

TRÉBOUL, LE CLOCHER ET LE RUE VIEILLE 

(FINISTÈRE), 1975 


89,5 x 130,2 cm. 

Oben links signiert und rechts datiert. 

Verso betitelt und vermerkt „AH66“. 

In vergoldetem Profilrahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von der Galerie Maurice 

Garnier, Paris. 

Aussicht auf eine Weggabelung im Viertel Finistère 

mit der Chapelle Saint-Jean im Hintergrund. Buffet 

nutzt die langen Schatten der Häuser und Mauern, 

um seine Kontraste, für die er bekannt ist, auf Leinwand 

zu bannen. Doch überwiegen freundliche Töne 

der bretonischen Hafenstadt, von der er auch reizvolle 

Hafenszenen – auch als Tapisserie – entwarf. (†) 

Provenienz: 

Galerie Martal Ltée., Montréal. 

Privatsammlung Montréal (vom Vorgenannten 1984 

erworben). (1321134) (13) 

BERNARD BUFFET, 

1928 PARIS – 1999 TOURTOUR/ SOUTHERN 

FRANCE 

TRÉBOUL, LE CLOCHER ET LA RUE VIEILLE 

(FINISTÈRE), 1975 


89.5 x 130.2 cm. 

Signed top left and dated lower right. 

Titled and note “AH66” on reverse. 

Accompanied by an expert´s report by Galerie Maurice 

Garnier, Paris. (†) 

Provenance: 

Galerie Martal Ltée., Montréal. 

Private collection, Montréal (purchased from aforementioned 

in 1984). 

€ 175.000 - € 200.000 

Sistrix 

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JEAN-PIERRE CASSIGNEUL 

geb. 1935 Paris 

705 

JEAN-PIERRE CASSIGNEUL, 

GEB. 1935 PARIS 

Der in Frankreich wirkende Maler wurde besonders 

durch seine Frauenbildnisse bekannt, in denen er die 

Leichtigkeit sommerlicher Stimmungen zu erzeugen 

wusste, häufig junge Mädchen mit Strohhut, meist in 

mediterranem Umfeld. Sein Stil setzt die ehemalige 

Avantgarde der Nabis-Künstler fort, mit Reminiszenzen 

an Maler wie Édouard Vuillard (1868-1940) oder Pierre 

Bonnard (1867-1947), zuweilen zeigen seine Bilder 

die Nähe zu Kees van Dongen (1877-1968). Der Maler 

veranstaltete bereits 17-jährig seine erste private Ausstellung 

in der Galerie Lucy Krohg in Paris. Zwei Jahre 

später besuchte er die Academie Charpentier und 

studierte dort unter Jean Souverbie (1891-1981), Professor 

an der École des Beaux-Arts in Paris. 1958 veranstaltete 

er seine erste Ausstellung und wurde daraufhin 

Mitglied des Salon d‘Automne. Neben weiterer 

Ausbildung durch Roger Chapelain-Midy (1904-1992) 

beteiligte er sich an mehreren Ausstellungen in Paris 

und anderen französischen Städten und stand anschließend 

unter Vertrag bei der Galerie Belle Choses 

in Paris. Ab 1965 stellte er international aus, wie etwa 

in der Galerie Tamenaga in Japan oder der Wally Findlay 

Galerie in New York. In den letzten Jahren von der 

Galerie Smith Davidson repräsentiert, war er in den 

Jahren 2015 bis 2017 auf mehreren internationalen 

Ausstellungen vertreten. 

LES TROIS PARAPLUIES, 1969 


80,5 x 60,5 cm. 

Rechts unten signiert „CASSIGNEUL“, verso auf 

Leinwand bezeichnet, datiert „1969“ und betitelt. 


JEAN-PIERRE CASSIGNEUL, 

BORN 1935 PARIS 

LES TROIS PARAPLUIES, 1969 


80.5 x 60.5 cm. 

Signed “Cassigneul” lower right, inscribed on canvas 

on the reverse, dated “1969” and titled. (†) 

Literature: 

cf. Martin Gaël, Jean-Pierre Cassigneul. Peintures, 

Paris 2019. 

€ 40.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Unter regnerischem grau-blauem Himmel, der nach 

links leicht aufklart, auf einem hölzernen Steg am 

Ufer in Rückenansicht vier schlanke, wohl weibliche 

Figuren in dunkler Kleidung stehend, den Blick auf 

das bewegte Meer gerichtet und einen gelben, roten 

sowie schwarzen Regenschirm haltend. Eingerahmt 

werden sie von zwei hohen dünnen, in den Himmel 

ragenden Fahnenmasten sowie einer hohen Beleuchtung. 

Auf dem Wasser selbst ist lediglich linksseitig 

ein kleines Segelschiff in schwarz-grauer Farbigkeit zu 

erkennen. Malerei mit den für den Künstler typischen 

großen schlanken Figuren; besonders auffallend die 

horizontale Linienführung, wie die Holzbohlen des 

Weges, die Abgrenzung gegenüber dem Sandstrand 

und dem Meer sowie der Trennungslinie zwischen 

dem Meer und hohen Horizont. Vertikal die Figuren 

selbst sowie die in den Himmel reichenden Masten. 

Malerei in zurückhaltender, fast monochromer beiger 

und grünlicher Farbgebung, bei der die drei Schirme 

besonders herausgestellt werden. (†) 

Literatur: 

Vgl. Martin Gaël, Jean-Pierre Cassigneul. Peintures, 

Paris 2019. (1301313) (18) 


CHARLES GEORGES 

DUFRESNE 

1876 – 1938 

706 

CHARLES GEORGES DUFRESNE, 

1876 – 1938 

JUNGE DAME IM BADE 


100 x 81,5 cm. 

Rechts unten signiert „Dufresne“". 

In bronziertem Profilrahmen. 

Anmerkung: 

Ein gut vergleichbares Gemälde, welches das Urteil 

des Paris und ebenfalls einen sitzenden Frauenakt 

zeigt, von 1925, wird unter der Inv.Nr. 1963.10.140 in 

der National Gallery of Art Washington USA verwahrt. 

Literatur: 

Vgl. Jean-Luc Dufresne, Charles Dufresne. Hommage 

de son pays d‘origine, Ausstellungskatalog, Musée 

d‘Art et d‘Histoire, Granville 1988. (1320453) (13) 

CHARLES GEORGES DUFRESNE, 

1876 – 1938 

YOUNG LADY BATHING 


100 x 81.5 cm. 

Signed “Dufresne” lower right. 

Notes: 

A comparable painting, which shows the Judgment 

of Paris and a seated female nude as well, from 1925, 

is held at the National Gallery of Art in Washington, 

USA under inv. no. 1963.10.140. 

Literature: 

cf. Jean-Luc Dufresne, Charles Dufresne, Hommage 

de son pays d’origine, exhibition catalogue, Musée 

d’Art et d’Histoire, Granville 1988. 

€ 17.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BID 


FERNANDO BOTERO 

geb. 1932 Medellín 

707 

FERNANDO BOTERO, 

GEB. 1932 MEDELLÍN 

DAS TROJANISCHE PFERD 

35 x 29 x 19,5 cm. 

Signiert auf Plinthe „F.Botero“. Ed. 3/ 9 auf hinterem 

Rand der Plinthe. 

Bronze, gegossen, dunkel patiniert. Leichte 

Gebrauchs sp. (†) (13211316) (10) 

FERNANDO BOTERO 

BORN 1932 MEDELLÍN 

THE TROJAN HORSE 

35 x 29 x 19.5 cm. 

Signed on plinth „F.Botero“. Limited edition no. 3/ 9 

on the back edge of the plinth. (†) 

€ 100.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BID 



129

MARIO NEGRI 

1916 Tirano – 1987 Mailand 

708 

MARIO NEGRI, 

1916 TIRANO – 1987 MAILAND 

PICCOLA CATTEDRALE, 1980 

Bronze. 

19,5 x 15,2 x 12,5 cm. 

Verso auf Sockel Signatur, 

Stempel und Exemplar 2/6. 

Beigegeben eine Echtheitsbestätigung der Erben des 

Künstlers. 

Literatur: 

Anna Finocchi (hrsg.), Mario Negri. Catalogo delle 

sculture, Bergamo 1995, Abb. 344, S. 213. 

(1320822) (18) 

MARIO NEGRI, 

1916 TIRANO – 1987 MILAN 

PICCOLA CATTEDRALE, 1980 

Bronze. 

19.5 x 15.2 x 12.5 cm. 

Verso signature on base, stamp, 

and limited ed. no. 2/6. 

Accompanied by certificate of authenticity by the 

heirs of the artist. 

Literature: 

Anna Finocchi (ed.), Mario Negri, Catalogo delle sculture, 

edizioni Bolis, 1995, ill. 344, p. 213. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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MARIO NEGRI 

1916 Tirano – 1987 Mailand 

709 

MARIO NEGRI, 

1916 TIRANO – 1987 MAILAND 

SPIRITUAL, 1981 

Bronze. 

Höhe: 110 cm. 

Auf der Rückseite des Sockels signiert, Siegel und 

Exemplar 2/6 (mit Variante Kopf aufrecht). Im Sockel 

zusätzlich mit Filzstift signiert, Originaltitel und datiert 

„1981“. 

Beigegeben eine Echtheitserklärung der Erben des 

Künstlers. 

Literatur: 

Abgebildet in: Anna Finocchi (hrsg.), Mario Negri. 

Catalogo delle sculture, Bergamo 1995, Nr. 347, 

S. 214. (1320821) (18) 

MARIO NEGRI, 

1916 TIRANO – 1987 MILAN 

SPIRITUAL, 1981 

Bronze. 


Signed on the back of the base, seal, and limited ed. 

no. 2/6 (with variant head upright).Additionally signed 

in felt-tip pen on the base, original title and dated 

“1981”. 

Accompanied with an authenticity statement by the 

heirs of the artist. 

Literature: 

Illustrated in: Anna Finocchi (ed.), Mario Negri, catalogo 

delle sculture, edizioni Bolis, 1995, no. 347, p. 

214. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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ALBERTO GIACOMETTI 

1901 – 1966 

710 

ALBERTO GIACOMETTI, 

1901 – 1966 

LA FEMME QUI MARCHE 

Höhe: 130 cm. 

Auf dem Sockel signiert: „Alberto Giacometti 

933/34“. 

Beigegeben ein Gutachten von Mme Caroline Tamagno, 

in Kopie. 

Statisch, hieratisch und säulenhaft steht diese Bronze 

vor uns, auch wenn der Titel gegenteiliges suggeriert. 

Es ist eher ein Körper einer Frau, der in seiner Sanftheit 

und Eleganz soeben eine Bewegung gestoppt 

hat, um mit beiden Füßen am Boden verankert zu 

sein. Der Körper ist zu einer zeitlosen, essentiellen 

Silhouette sublimiert, die auf Kopf und Arme verzichtet, 

um die Form zusammenzufassen. Ihre schlichte 

Haltung geht auf antike Zeiten zurück, auf das pharaonische 

Ägypten ebenso wie auf den archaischen 

Kouros oder kykladische Idole, deren Formensprache 

sich in dieser Plastik wiederfindet. Die Frau ist vor allem 

das Ergebnis einer Epoche, des Surrealismus, in 

der Träume und Zufälle eine große Rolle spielten. Mit 

dieser Skulptur gelingt Alberto Giacometti eine Tour 

de Force zwischen Figuration und Abstraktion. Die 

Bronze mit ihrer dunklen, glänzenden Farbigkeit verleiht 

dem Werk ein monumentales Aussehen und 

reiht es ein in eine Genealogie von Bildwerken, in der 

das Erbe der Tradition mit der radikalsten Modernität 

konkurriert. Von dem ursprünglichen Werk aus dem 

Jahr 1932, das aus Gips gefertigt wurde, wurden 

mehrere Abzüge in Gips und dann in Bronze angefertigt, 

die unter anderem in der Giacometti-Stiftung und 

im Guggenheim-Museum in Venedig ausgestellt wurden. 

Einige wenige Bronzeexemplare wurden schließlich 

in den 1960er Jahren gegossen, wie das Exemplar 

für die Tate Modern in London und unser Exemplar, 

das für Peggy Guggenheim angefertigt wurde. Alberto 

Giacometti (1901-1966) war ein Schweizer Bildhauer, 

Maler und Grafiker, der als einer der bedeutendsten 

Bildhauer des 20. Jahrhunderts gilt. Sein Werk, 

das stark vom Kubismus und Surrealismus beeinflusst 

ist, ist geprägt von philosophischen Fragen 

über das menschliche Dasein, wie dem Existentialismus 

und der Phänomenologie. 1922 ging er nach Paris, 

um an der Académie de la Grande-Chaumière zu 

studieren, wo er von Antoine Bourdelle (1861-1929) 

unterrichtet wurde und den kubistischen Einfluss von 

Jacques Lipchitz und Fernand Léger erlebte. 1926 

wurde Giacomettis Werk durch die Entdeckung der 

afrikanischen und ozeanischen Skulptur geprägt. Seine 

beiden Werke La Femme-cuillère und Le Couple, 

die 1927 im Salon des Tuileries ausgestellt wurden, 

zeugen von der Umwälzung, die diese Begegnung 

mit sich brachte. 1928 begann Giacometti mit einer 

Serie von Frauen und Flachköpfen, deren Neuartigkeit 

ihm Aufmerksamkeit und einen ersten Vertrag mit der 

Galerie Pierre Loeb einbrachte, die die Surrealisten 

ausstellte. Giacometti schloss sich der Bewegung von 

André Breton an, deren surrealistische Verfahren in 

seinem Schaffen eine kontinuierliche Bedeutung hatten: 

Traumvision, Montage und Zusammenbau, metaphorisch 

funktionierende Objekte, magische Behandlung 

der Figur. Die Femme qui marche von 1932, die 

für die wichtige Surrealistenausstellung von 1933 anhand 

einer Schaufensterpuppe entworfen wurde, war 

in ihrer aktuellen Version ohne Arme und Kopf 1936 

auf der Surrealistenausstellung in London zu sehen. 

Ein zu einer Collage erweitertes Werk von 1933 zeigt 

170 cm großes Werk in Gips und dunkel gefasstem 

Holz mit Armen und einem Kopf als Cellokopf. Als aktives 

Mitglied von Bretons Gruppe setzte sich Giacometti 

dort schnell als einer der wenigen Bildhauer 

durch. Um 1935 gab er jedoch seine surrealistische 

Arbeit auf und widmete sich den „Kompositionen mit 

Figuren“, die zwischen 1938 und 1944 maximal sieben 

Zentimeter maßen, um die Entfernung widerzuspiegeln, 

aus der er seine Modelle sah. Die bekanntesten 

Werke Giacomettis entstehen in der Nachkriegszeit. 

Seine Skulpturen werden extrem schlank, mit seinem 

ikonischen Werk im Jahr 1948: L‘Homme qui marche, 

eine späte Antwort auf seinen weiblichen Vorläufer, 

die 1960 in drei Versionen, I, II und III, aufgelegt wird. 

Auf der Grundlage seiner subjektiven visuellen Erfahrung 

schuf Giacometti die Skulptur nicht als physische 

Nachbildung im realen Raum, sondern als ein imaginäres 

Bild in seinem Raum, der zugleich real und imaginär, 

greifbar und ungreifbar ist. Bronze, gegossen, 

braun patiniert. (†) 

Provenienz: 

Sammlung Peggy Guggenheim. 

Literatur: 

Vgl. Yves Bonnefoy, Giacometti, Paris 2001, S. 212f. 

(13211313) (13) 

ALBERTO GIACOMETTI 

1901 – 1966 

LA FEMME QUI MARCHE 


Signed on base “Alberto Giacometti 933/34“. 

Accompanied in copy by an experts report by Mme 

Caroline Tamagno. (†) 

Provenance: 

Collection Peggy Guggenheim. 

Literature: 

cf. Yves Bonnefoy, Giacometti, Paris 2001, p. 212f. 

€ 550.000 - € 700.000 

Sistrix 

INFO | BID 


AMEDEO MODIGLIANI 

1884 Livorno – 1920 Paris 

711 

AMEDEO MODIGLIANI, 

1884 LIVORNO – 1920 PARIS, NACH 

MÄDCHEN MIT PONY / TÊTE À LA FRANGE 

47 x 16 x 23 cm. 

Rückseitig signiert „Modigliani“ und nummeriert 

„6/9“. Gießereistempel „C.VALSUANI CIRE PERDUE“. 

Posthumer Guss. 

Braun patinierter Bronze Kopf einer jungen Frau mit 

stark in die Länge gestreckten Gesichtszügen. Konische 

Gesichtsform mit übernatürlich langer und 

schmaler Nase und Kinn. Der Abstand zwischen den 

mandelförmigen Augen vergleichsweise gering und 

der Hals lang und schlank. Das Gesicht gerahmt von 

einem kurzen Pony und stark stilisiertem Haar oder 

Haarband. Die raue Oberfläche des Hinterkopfes und 

der Schläfen lässt auf die von Modigliani aus Sandstein 

gefertigte originale Kopf-Skulptur von 1911-12 

schließen, die als Vorlage für diesen Guss diente. (†) 

AMEDEO MODIGLIANI, 

1884 LIVORNO – 1920 PARIS, AFTER 

GIRL WITH FRINGE / TÊTE À LA FRANGE 

47 x 16 x 23 cm. 

Signed “Modigliani” and numbered “6/9” on the reverse. 

Foundry stamp “C.VALSUANI CIRE PERDUE”. 

Posthumous casting. (†) 

Literature: 

J. Lanthemann, Modigliani, Catalogue raisonné, 

Barcelona 1970, no. 633, p. 317 (cf. ill. of the original 

sandstone head sculpture). 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Anmerkung: 

Unter dem Einfluss von Brancusi und afrikanischer 

Kunst widmete sich Amedeo Modigliani zwischen 

1909 und 1914 fast ausschließlich der Bildhauerei. 

Seine Kopf-Skulpturen, die er als „Säulen der Zärtlichkeit“ 

bezeichnete, zeigen idolhaft und ikonenartig 

ausgearbeitete Züge und strahlen eine majestätische 

Würde und Ruhe aus. Um diese Wirkung in der Präsentation 

der Köpfe noch zu steigern, entwickelte 

Modigliani ein eigenes Beleuchtungskonzept und 

präsentierte seine Kopf-Skulpturen auf kubischen 

Sockeln aus Stein. 

Literatur: 

J. Lanthemann, Modigliani, Catalogue raisonné, Barcelona 

1970, Nr. 633, S. 317 (Vgl. Abb. der originalen 

Sandstein Kopf-Skulptur). (13211319) (10) 


CAMILLE CLAUDEL 

1864 Fere-en-Tardenois – 1943 Montdevergues 

712 

CAMILLE CLAUDEL, 

1864 FERE-EN-TARDENOIS 

– 1943 MONTDEVERGUES 

L’HOMME PENCHÉ 

Höhe: 83 cm. 

Signiert auf Sockelrückseite „C. Claudel“. Darunter auf 

Sockelrückseite unten bezeichnet „REPRODUCTION 

AGRANDISSEMENT“. Gießerstempel, nummeriert 

1/8. 

Beigegeben ein Fotozertifikat von François de Massary, 

Großneffe der Künstlerin. 

Bronze, gegossen, patiniert. Das Modell zu dieser beeindruckenden 

Bronze entstand 1886, also drei Jahre 

nachdem Camille und der 24 Jahre ältere Bildhauer 

Auguste Rodin zusammentrafen. Claudel stellte 1885 

selbst zum ersten Mal aus und arbeitete seit 1885 

zusammen mit Jessie Lipscomb in Rodins Atelier. 

Am 12. Oktober 1886 setzte Rodin einen Vertrag auf, 

in dem er sich verpflichtete, Camille als einzige Schülerin 

zu unterrichten und mit allen Mitteln zu unterstützen 

und sich auch bis Mai 1887 mit keiner anderen 

Frau einzulassen. In diese Zeit fällt also die 

Entstehung unserer Bronze. Seit 2017 wird Camille 

Claudel ein eigenes Staatliches Museum in Nogentsur-Seine 

gewidmet, wo Claudel einen Teil ihrer Mädchenjahre 

verbrachte, allein hier sind 39 Skulpturen 

aus Claudels Hand zu bestaunen. (†) 

Anmerkung: 

Das Gipsmodell zu dieser Bronze ist von 1886 und 

wird im Musée d‘Orsay in Paris verwahrt. 

Literatur: 

Vgl. Barbara Krause, Camille Claudel. Ein Leben in 

Stein, Berlin 1990. 

Vgl. Reine-Marie Paris, Camille Claudel. 1864-1943, 

Frankfurt am Main 2007. 

Vgl. Josef A. Schmoll, Rodin und Camille Claudel, 

München 2000. (13211318) (10) 

CAMILLE CLAUDEL, 

1864 FERE-EN-TARDENOIS 

– 1943 MONTDEVERGUES 

L’HOMME PENCHÉ 


Signed on the back of the base “C. Claudel”. Inscribed 

“REPRODUCTION AGRANDISSEMENT” below on 

the reverse of the base. Foundry mark, limited ed. no. 

1/8. 

Accompanied by a photo certificate from François de 

Massary, great-nephew of the artist. 

Bronze; cast and patinated. The model for this impressive 

bronze was created in 1886, three years after 

Camille and the 24-year-old sculptor Auguste Rodin 

met. Claudel first exhibited in 1885 and from 1885 

she worked with Jessie Lipscomb in Rodin’s studio. 

On 12 October 1886, Rodin drew up a contract in 

which he undertook to teach Camille as his only student 

and to support her in any way he could, and not 

to get involved with any other woman until May 1887. 

The bronze on offer for sale in this lot was created 

during this time. In 2017, The French National Museum 

Musée Camille Claudel opened in Nogent-sur- 

Seine, where she spent part of her childhood and it 

celebrates and honours the artist with 39 of her 

sculptures. (†) 

Notes: 

The plaster model of this bronze from 1886 is held at 

the Musée d’Orsay in Paris. 

€ 100.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BID 


FRANÇOIS POMPON 

1855 Saulieu – 1933 Paris 

713 

FRANÇOIS POMPON, 

1855 SAULIEU – 1933 PARIS 

GORET, 1924-1930 („SCHWEINCHEN“) 


Breite: 24 cm. 

Tiefe: 8,9 cm. 

An der Basis-Längsseite signiert „POMPON“. 

In gelblichem, schwach geädertem Siena-Marmor vom 

Typus des Giallo Antico gearbeitet, mit glatt geschliffener 

Oberfläche, die Äuglein graviert. 

Pompon ist erst im vorgerückten Lebensalter öffentlich 

zu Ruhm gekommen, obschon er nach seinem 

Studium an der École des Beaux-Arts und an der École 

nationale supérieure des arts décoratifs mit Arbeiten 

am Hôtel de Ville beteiligt war und alsbald seinen 

eigenen Stil fand. Zunächst war er beeinflusst von 

dem Bildhauer Pierre-Louis Rouillard (1820-1881). Die 

Jury des Salon de Paris wurde auf seine meist kleineren 

Objekte aufmerksam. 

Bald wurde er Mitarbeiter bei keinem geringeren als 

Auguste Rodin. Er leitete dessen Werkstatt drei Jahre 

lang und prägte sie wesentlich. Ab 1896 wirkte er zusammen 

mit René de Saint-Marceaux (1845-1915). 

Seinen Durchbruch erlangte er erst 67-jährig mit der 

völligen Hinwendung und der stilistischen Mitformung 

des Art déco. Seine erste Arbeit war ein Polarbär, 

wiederholt ausgeführt in unterschiedlichen Materialien 

wie Gips und Marmor. Davon steht ein Exem plar 

im Metropolitan Museum of Art in New York, weitere 

im Museum von Luxemburg und im Musée d´Orsay 

in Paris. 

Die Stilistik seiner Werke zeichnet sich durch eine 

ebenso strenge, wie charakteristische Reduktion der 

Körperform aus. Dabei ist ein Verzicht auf Kantigkeit 

oder Schärfe in der Kontur wie im plastischen Körper 

das wesentliche Merkmal. 

Pompon wurde mit der Aufnahme in die Ehrenlegion 

ausgezeichnet. In seiner Geburtsstadt Saulieu befindet 

sich das François-Pompon-Museum. 2005 hat die 

Französische Republik anlässlich seines 150. Geburtsjahres 

eine Briefmarke zu seinen Ehren herausgegeben, 

mit Darstellung seines Polarbären – „Urs blanc“. 

Tadelloser Zustand. 

FRANÇOIS POMPON, 

1855 SAULIEU – 1933 PARIS 

GORET, 1924-1930 (“PIGLET”) 

Height: 17.5 cm. 

Width: 24 cm. 

Depth: 8.9 cm. 

Signed on long side of the base “POMPON” 

In yellowish, faintly veined Giallo Antico type Siena 

marble, with a smooth polished surface; the little 

eyes engraved. 

Literature: 

Catalogue raisonné, Catherine Chevillot, Liliane Colas, 

Anne Pingeot, Laure de Margerie, François Pompon, 

1855-1933, Paris 1994, no. 41 p. 190 (further comparative 

examples). 

Eric Knowles, Art Deco. Shire Collections, Oxford 

2014, p. 135. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 


INFO | BID 

Literatur: 

Werkverzeichnis, Catherine Chevillot, Liliane Colas, 

Anne Pingeot, Laure de Margerie, Francois Pompon. 

1855-1933, Paris 1994, N. 41, S. 190 (sowie weitere 

Vergleichsbeispiele). 

Eric Knowles, Art Deco, Oxford 2014, S. 135. 

(1320394) (11) 

714 

ENTFÄLLT 

715 

ENTFÄLLT 


ANDRÉ BRASILIER 

geb. 1929 Saumur 

716 

ANDRÉ BRASILIER, 

GEB. 1929 SAUMUR 

Der Künstler war der Sohn des symbolistischen Malers 

Jacques Brasilier und dessen Ehefrau Alice 

Chaumont. Er studierte ab 1949 an der École des 

Beaux- Arts in Paris, wurde im Alter von 23 Jahren 

mit dem prestigeträchtigen Premier Prix de Rome 

für Malerei ausgezeichnet. Die Faszination seiner 

Werke liegt im Spiel der leuchtenden und frischen 

Farben sowie dem Einsatz nur weniger Konturen. 

Die Themen innerhalb seines Werkes sind oft Pferde, 

Kavalkaden und Blumen. 2005 zeigte das Museum 

der Eremitage in Sankt Petersburg eine große Retrospektive 

seines Werks. 

DEUX CHEVAUX AU PRINTEMPS, 2006 


33 x 46 cm. 

Rechts unten signiert, verso auf Keilrahmen monogrammiert, 

datiert „A.B. 2006“ und betitelt. 

ANDRÉ BRASILIER, 

BORN 1929 SAUMUR 

DEUX CHEVAUX AU PRINTEMPS, 2006 


33 x 46 cm. 

Signed lower right, monogrammed on the back of the 

stretcher, dated “A.B. 2006” and titled. 

€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Anmerkung: 

Brasilier's Gemälde vermischen Abstraktion und Expressionismus; 

seine eleganten Pferde voller Stärke 

und Schönheit finden sich oft in kühlen Wäldern oder 

vor Sonnenuntergängen wieder. (1300061) (18) 



143

ROY LICHTENSTEIN 

1923 New York – 1997 ebenda 

717 

ROY LICHTENSTEIN, 

1923 NEW YORK – 1997 EBENDA 

CRYING GIRL, 1963 

Offsetlithografie. 

43,8 x 59,1 cm. 

Rechts unten signiert, mittig unten Widmung „To 

Harry Abrams“. Verso Aufkleber mit Künstler- und 

Titel nennung. 

Im Passepartout, in Glaskastenrahmen. 

Mit ihren scharlachroten Lippen und den wallenden 

goldenen Haarsträhnen gehört Roy Lichtensteins 

„Crying Girl“ zu einem der ikonischsten Motive im 

Kunstkanon des 20. Jahrhunderts. Das „Crying Girl“ 

ist eines der frühsten Werke des amerikanischen Pop 

Art-Künstlers Roy Lichtenstein. Die Offsetlithografie 

aus dem Jahr 1963 reiht sich in eine Motivserie von 

Frauendarstellungen ein, in der Roy Lichtenstein 

zwischen 1961 und 1965 Comicszenen adaptierte. 

„Crying Girl“ wurde 1963 als Plakat anlässlich einer 

Ausstellung in der Leo Castelli Gallery in New York 

hergestellt. Während der Ausstellung wurden weitere 

von Lichtenstein signierte Drucke des Motivs in der 

Leo Castelli Gallery verkauft und an besondere Kunden 

verschenkt. Das „Crying Girl“ war das erste Bildmotiv 

des Künstlers, das der Galerist Leo Castelli für 

Werbezwecke nutzte. Heute ist ihr Antlitz weltbekannt 

und nicht nur Kunstliebhabern ein Begriff. 

Lichtensteins „Crying Girl“ geht über seinen Wunsch 

hinaus, comicartige Kunstwerke zu schaffen. Hier untersucht 

er die geschlechtsspezifischen Aspekte der 

weiblichen Identität. Der Fokus des Betrachters liegt 

sofort auf den Emotionen der Dargestellten, die das 

Bild beherrschen. Sowohl ihr Blick als auch ihre körperliche 

Haltung sind von Stress geprägt. Der extreme 

Close-up des Bildausschnitts betont den melodramatischen 

Ausdruck der weinenden Frau. Im 

Unterschied zu späteren Arbeiten verwendete Lichtenstein 

hier ein monotones Punkteraster. Die Farbpalette 

ist sehr reduziert und die schwarzen Konturen 

treten dominant hervor. Dadurch wirkt ihre Attraktivität 

durch das monotone Punktraster glatt und oberflächlich. 

Ein Spannungsverhältnis zwischen der unpersönlichen 

Gestaltungsweise und der übertriebenen 

kitschigen Mimik und Gestik wird deutlich. Eingerahmt 

von ihrem makellos frisierten blonden Haarschopf 

ist Lichtensteins Portraitierte in einem Moment 

offensichtlicher Verletzlichkeit gefangen. Werke 

mit scheinbar einfachen Comicmotiven wie „Crying 

Girl“ wurden zumeist als Verbildlichung einer künstlerischen 

Gegenposition zu der damals vorherrschenden 

Strömung des Action Painting gedeutet. Lichtenstein 

zeigt die verklärte Idealisierung des amerikanischen 

Mädchens. Äußerlich scheint sie schön und zufrieden 

zu sein, aber die Emotionen in diesem Bild brechen 

hervor und zeigen, dass sie unter der Perfektion wirklich 

zu kämpfen hat. “Crying Girl“ wurde von einem 

Comicstrip mit dem Titel „Secret Hearts“ inspiriert, 

der das Innere der Beziehungen jener Zeit enthüllte. 

Warum weint sie, wer hat sie verärgert und was wird 

als nächstes passieren? Der Blick auf die ursprüngliche 

Bildvorlage macht die Erzählung klar. „Die Nacht 

schien mit tausend leeren Ewigkeiten gefüllt zu 

sein...“, heißt es in der Eröffnungsszene, während die 

Sprechblase der Heldin verkündet: „Ich... ich kann es 

nicht ertragen... ich werde mich morgen entschuldigen... 

es war schließlich sein erster Erfolg... er war 

aufgeregt... vergesslich...“ (vgl. Phyllis Read (Hrsg.), 

Secret Hearts #88, Juni 1963). In „Crying Girl“ entfernt 

Lichtenstein den gesamten Text und indem er 

die Erzählung zurückhält, gelingt es ihm, das Gefühl 

der Dramatik zu verstärken. Dieses bleibt eines von 

Lichtensteins berühmtesten Werken, weil es immer 

viel mehr bedeuten wird als ein hübsches weinendes 

Mädchen. Seine Absicht war es, den Kampf hinter 

der Perfektion zu zeigen. Diese fünf ursprünglichen 

Werke von Frauen dienten als Auftakt zu den Gemälden 

von 1964, die unschuldige „Mädchen von nebenan“ 

in einer Vielzahl von schwachen emotionalen 

Zuständen zeigten. Diese Reihe beinhaltet neben 

dem „Crying Girl“ von 1964 die wichtigsten Gemälde, 

die Lichtenstein in den frühen 1960er-Jahren 

schuf, wie z.B. „Hopeless“, 1963 (Kunstmuseum Basel), 

„Drowning Girl“, 1963 (Museum of Modern Art, 

New York) und „Hello“, 1963 (Los Angeles County Museum 

of Art), die alle eine einsame junge Frau zeigen, 

die unter einer Form von emotionaler Not leidet. Vorbild 

für seine Arbeiten waren insbesondere die Werke 

der Comiczeichner Tony Abruzzo, John Romita und 

Bernhard Sachs. Die Mädchen, welche in extremen 

Nahaufnahmen eingefangen wurden, wie beispielsweise 

das „Crying Girl“, übernahm Lichtenstein meist 

von Abruzzo, der seine Comicgirls mit leicht geöffneten 

Lippen, in einem Zustand klischeehafter Emotionen 

eingefangen hat: Spannung, Begierde, Angst und 

Trauer kommen zum Ausdruck. Auch Picassos Darstellungen 

weinender Frauen könnten Lichtenstein 

beeinflusst haben, Darstellungen von verletzlichen 

Frauen zu schaffen. 

Ein weiterer möglicher Einfluss auf seine Betonung 

der Darstellung verzweifelter Frauen war, dass seine 

erste Ehe zu dieser Zeit in die Brüche ging. Lichtensteins 

erste Ehe mit Isabel Wilson, aus der zwei 

Söhne hervorgingen, dauerte von 1949 bis 1965. 

Lichtensteins Bildauswahl und sein reduktiver Stil 

verdeckten seine Absichten auf eine Weise, die seine 

Werke sowohl für die breite Öffentlichkeit zugänglich 

machte als auch die Kritiker irritierte, die ihn als Banausen 

betrachteten. Aber genau diese Spannung zwischen 

Stil und Thema war die Grundlage seiner Praxis. 

Er wählte Comics, weil sie kulturell einfach und emotional 

heiß waren, und verwandelte sie in etwas kulturell 

Hochwertiges und emotional Cooles. „Zu dieser 

Zeit“, erinnert sich Lichtenstein, „war ich an allem interessiert, 

was ich als Thema verwenden konnte, das 

emotional stark war – normalerweise Liebe, Krieg 

oder etwas, das hochgradig aufgeladen war und ein 

emotionales Thema darstellte, das im Gegensatz zu 

den entfernten und bewussten Maltechniken stand“. 

Das Paradoxe an seinem Werk war und ist, dass die 

äußere Umarmung alltäglicher Bilder die innere Beschäftigung 

mit der Kunst als Arrangement von Farben 

und Formen verdeckt. Es ist, als ob er Mondrians Betonung 

der inhärenten Flachheit der Bildebene mit 

dem Konzept des Readymade von Duchamp kombiniert 

hätte. Mit diesen täuschend einfachen Signifikanten 

zaubert Lichtenstein ein Bild voller Dramatik und 

Intrigen; ein Bild, das ebenso viele Fragen aufwirft 

wie es Antworten gibt und zu hinterfragen versucht, 

wie wir unsere zunehmend visuelle Welt verstehen, 

indem es die universelle Sprache, die zu ihrer Kodifizierung 

beigetragen hat, unterläuft. Doch statt etwas 

Trockenes und Zerebrales zu produzieren, hat er eine 

Malerei geschaffen, die sinnlich, ironisch-witzig und 

voller Energie ist. 

Zweifellos ist dies das berühmteste oder zumindest 

eines der am besten zertifizierten „Crying Girls“ von 

Roy Lichtenstein. Es war ursprünglich ein Geschenk 

an den ersten großen Kunstverleger Harry N. Abrams, 

der auch Bücher für Warhol herausgab. Daher ist dieses 

Exemplar Harry N. Abrams gewidmet. Obwohl es 

schätzungsweise etwa 300 dieser Offsetlithografien 

gibt, ist der Großteil der Auflage verloren oder in einem 

schlechten Zustand, da die Farben verblassen. 

Dieses Werk zeichnet sich durch seinen neuwertigen 

Zustand aus. Von Harry S. Abrams wurde dieses Werk 

für eine irischen Kunstgalerie versteigert an private 

Kunstsammler im Süden Deutschlands. 

Harry N. Abrams war ein Pionier in der Popularisierung 

und Veröffentlichung von hochwertigen Kunstbüchern 

und der bekannteste Kunstverleger der 1960er-Jahre. 

Er starb am 27.11.1979 in seinem Haus in New York. 

Er wurde 74 Jahre alt. Als Leiter des Verlags, der seinen 

Namen trug und den er 1950 gründete, verband 

Harry N. Abrams ein Gespür für die Vermarktung von 

Kunstbüchern mit einer großen Verantwortung für die 

Qualität der Reproduktionen und der dazugehörigen 

Texte. Abrams war auch ein eifriger Kunstsammler, 

der sich auf die Realisten der 1930er-Jahre (Raphael 

Soyer, Philip Evergood, Jack Levine), die modernen 

französischen Meister (Picasso, Matisse, Rouault) und 

die Avantgarde-Künstler der 1960er-Jahre (Roy Lichtenstein, 

Marisol, Tom Wesselmann) konzentrierte. 

Provenienz: 

Leo Castelli. 

Collection Harry Abrams. 

Phillips, New York. 

Galerie Inception, Paris. 

Privatsammlung Süddeutschland. 

(1321391) (1) (18) 



145


1923 NEW YORK – 1997 IBID. 

CRYING GIRL, 1963 

Offset lithograph. 

43,8 x 59,1 cm. 

Signed lower right, dedication “To Harry Abrams” at 

lower centre. Verso label with artist‘s name and title. 

In a passepartout, in a glass case frame. 

With her scarlet lips and flowing strands of golden hair, 

Roy Lichtenstein‘s Crying Girl is one of the most iconic 

subjects in the 20th century art canon. Crying Girl is one 

of the earliest works by American Pop-art artist Roy 

Lichtenstein. The 1963 offset lithograph joins a series 

of motifs depicting women in which Roy Lichtenstein 

adapted comic book scenes between 1961 and 1965. 

“Crying Girl” was produced in 1963 as a poster on the 

occasion of an exhibition at the Leo Castelli Gallery in 

New York. During the exhibition, other prints signed 

by Lichtenstein were sold at the Leo Castelli Gallery 

and given to special customers. The Crying Girl was 

the first motif of the artist that the gallery owner Leo 

Castelli used for advertising purposes. Today, her visage 

is world-famous and known not only to art lovers. 

Lichtenstein‘s “Crying Girl” goes beyond his desire 

to create comic-like works of art. Here he explores 

the gendered aspects of female identity. The viewer‘s 

focus is immediately on the women’s emotions, which 

dominate the image. Both her gaze and physical posture 

are marked by stress. The extreme close-up of 

the cropped image emphasizes the melodramatic expression 

of the weeping woman. In contrast to later 

works, Lichtenstein used a monotonous dot grid here. 

The color palette is very reduced and the black contours 

stand out dominantly. As a result, her attractiveness 

appears smooth and superficial through the 

monotonous dot grid. A tension between the impersonal 

design style and the exaggerated, kitschy facial 

expressions and gestures becomes apparent. Framed 

by her immaculately coiffed shock of blonde hair, 

Lichtenstein‘s sitter is caught in a moment of obvious 

vulnerability. 

Works with seemingly simple comic motifs such as 

“Crying Girl” were mostly interpreted as illustrations 

of an artistic counter-position to the prevailing genre 

of action painting at the time. Lichtenstein shows 

the transfigured idealization of the American girl. Outwardly 

she seems beautiful and content, but the 

emotions in this painting burst forth and show that 

she is really struggling under perfection. “Crying Girl” 

was inspired by a comic strip titled “Secret Hearts” 

that revealed the inner workings of relationships of 

the time. Why is she crying, who has upset her, and 

what will happen next? Looking at the original picture 

template makes the narrative clear. “The night seemed 

filled with a thousand empty eternities...” reads the 

opening scene, while the heroine‘s speech bubble 

proclaims, “I.... can‘t stand it... i‘ll apologize tomorrow... 

it was his first success, after all... he was excited... forgetful...” 

(see Phyllis Read (ed.), Secret Hearts #88, 

June 1963). In Crying Girl, Lichtenstein removes all the 

text, and by holding back the narrative, he succeeds 

in heightening the sense of drama. This remains one 

of Lichtenstein‘s most famous works because it will 

always mean much more than a pretty girl crying. His 

intention was to show the struggle behind perfection. 

These five original works, of women served as a prelude 

to the 1964 paintings that depicted innocent 

“girls next door” in a variety of weak emotional states. 

This series, in addition to 1964‘s Crying Girl, includes 

the most important paintings Lichtenstein created in 

the early 1960s, such as Hopeless, 1963 (Kunstmuseum 

Basel), Drowning Girl, 1963 (Museum of Modern 

Art, New York), and Hello, 1963 (Los Angeles County 

Museum of Art), all of which depict a lonely young 

woman suffering from some form of emotional distress. 

His work was particularly modeled on the works 

of comic book artists Tony Abruzzo, John Romita, and 

Bernhard Sachs. The girls captured in extreme close-up, 

such as the Crying Girl, Lichtenstein mostly took from 

Abruzzo, who captured his comic girls with slightly 

parted lips, in a state of clichéd emotion: tension, desire, 

fear and sadness are expressed. Picasso‘s depictions 

of crying women may also have influenced 

Lichtenstein to create depictions of vulnerable women. 

Another possible influence on his emphasis on depicting 

desperate women was that his first marriage was 

on the rocks at the time. Lichtenstein‘s first marriage 

to Isabel Wilson, which produced two sons, lasted 

from 1949 to 1965. 

Lichtenstein‘s choice of images and reductive style 

obscured his intentions in a way that both made his 

works accessible to the general public and irritated 

critics. But this very tension between style and subject 

was the foundation of his practice. He chose 

comics because they were culturally simple and emotionally 

hot, and turned them into something culturally 

highbrow and emotionally cool. “At that time,” 

Lichtenstein recalls, “I was interested in anything I 

could use as a subject that was emotionally powerful-usually 

love, war, or something that was highly 

charged and presented an emotional theme that was 

at odds with distant and deliberate painting techniques”. 

The paradox of his work was, and still is, that 

the outer embrace of everyday images obscures the 

inner preoccupation with art as an arrangement of 

colors and shapes. It is as if he combined Mondrian‘s 

emphasis on the inherent flatness of the picture plane 

with Duchamp‘s concept of the readymade. With 

these deceptively simple signifiers, Lichtenstein conjures 

an image full of drama and intrigue; an image 

that raises as many questions as it answers, seeking 

to question how we understand our increasingly visual 

world by subverting the universal language that has 

helped codify it. But instead of producing something 

dry and cerebral, he has created a painting that is 

sensual, ironically witty, and full of energy. 

Undoubtedly, this is the most famous, or at least one 

of the best certified “Crying Girls” by Roy Lichtenstein. 

It was originally a gift to the first great art publisher 

Harry N. Abrams, who also published books for 

Warhol. Therefore, this copy is dedicated to Harry N. 

Abrams. Although it is estimated that there are about 

300 of these offset lithographs, the majority of the 

edition is lost or in poor condition as the colors fade. 

This work is notable for its mint condition. This work 

was auctioned by Harry S. Abrams for an Irish art 

gallery: private art collectors in Southern Germany. 

Harry N. Abrams was a pioneer in the popularization 

and publication of quality art books and the best known 

art publisher of the 1960s. He died Sunday night, 

Nov. 27, 1979, at his home in New York. He was 74 

years old. As head of the publishing house that bore 

his name and that he founded in 1950, Harry N. 

Abrams combined a flair for marketing art books with 

a great responsibility for the quality of the reproductions 

and the accompanying texts. Mr. Abrams was 

also an avid art collector, focusing on the realists of 

the 1930s (Raphael Soyer, Philip Evergood, Jack Levine), 

the modern French masters (Picasso, Matisse, 

Rouault), and the avant-garde artists of the 1960s 

(Roy Lichtenstein, Marisol, Tom Wesselmann). 

Provenance: 

Leo Castelli. 

Collection Harry Abrams. 

Phillips, New York. 

Galerie Inception, Paris. 

Private collection, Southern Germany. 

€ 120.000 - € 160.000 

Sistrix 

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147

ROY LICHTENSTEIN 

1923 New York – 1997 New York 

718 


NEW YORK 1923 – 1997 EBENDA 

STUDY FOR A TEMPLE (1968) 

Zeichnung, Farbstift und Bleistift auf Papier. 

23 cm x 17,5 cm. 

Vorderseitig signiert und datiert. 

Eine antike Tempelfront bestehend aus dorischen Säulen, 

ist durch Risse vom Verfall gezeichnet. Lichtenstein 

versteht es den Kontrast zwischen Motiv und Medium 

zu überwinden. Durch seine knallbunten Gemälde und 

Graphiken, die Comic-Strips gleichen, kreierte Roy 

Lichtenstein eine völlig neue Ästhetik und dies zu der 

Zeit, in welcher der Abstrakte Expressionismus in der 

Kunstwelt vorherrschte. Lichtenstein betonte bewusst 

die Künstlichkeit seiner Bilder und benutzte flache, einfarbige 

Punkte, die er per Hand mit Hilfe von Farbe und 

Schablonen herstellte, so dass der Eindruck einer 

Rasterung entsteht. In der klassischen Perfektion des 

vorliegenden Werks schwelgt Lichtenstein in der dramatischen 

Manipulation des Raums, denn das Nebeneinander 

von Flächigkeit und Tiefe führt unseren Blick 

auf der Bildebene durch den flächigen blauen und gelben 

Hintergrund hinauf zur trotzigen skulpturalen Plastizität 

des Tempels. In seiner konkreten Silhouette hebt 

sich die grafische Kühnheit des Bauwerks mit entschlossener 

Klarheit von der hypnotischen Energie 

der hinteren Bildebene ab. 

Lichtenstein untersuchte in seinem Werk die Beziehung 

zwischen Kunst und Populärkultur und verwandelte 

sorgfältig ausgewählte Bilder aus zeitgenössischen 

Magazinen, Zeitungen und dem Stadtdtbild in 

monumentale Ikonen. Der Künstler sagte dazu, dass er 

seine Bilder wie programmiert aussehen lassen möchte. 

Die Fähigkeit eines Bildes, zu kommunizieren, übte 

eine große Faszination auf Lichtenstein aus. Sein Werk 

basiert auf einer umfassenden Erforschung dessen, 

was ein Bild für den Künstler und den Betrachter ausmacht, 

was sich in dem von ihm verwendeten Vokabular 

und den von ihm gewählten Formen ausdrückt. 

Seine künstlerische Sprache ist von universeller, unmittelbarer 

Anziehungskraft: eine kühle und mechanische 

Ästhetik, die sich durch graphische Präzision und 

kompositorische Klarheit auszeichnet. Lichtenstein 

wollte darauf hinweisen, wie wichtig es für den modernen 

Menschen ist, den Unterschied zwischen Bild und 

Wirklichkeit zu kennen. 

Im Laufe seiner langen Karriere hat der Künstler nur 

sehr wenige fertige Zeichnungen angefertigt. Diese 

Studie ist der Vorläufer der Lithographie Temple, die 

im Rahmen der Tempel und Ruinen Reihe entstanden 

ist. Lichtenstein war ein Bewunderer von Gesimsen 

– horizontale architektonische Strukturen auf Säulen – 

ursprünglich aus der klassischen griechischen Architektur 

stammend. In den 1970er Jahren entdeckte Lichtenstein 

Gebälk an Gebäudefassaden rund um die 

Wall Street und Lower Manhattan. Diese Beobachtungen 

inspirienten den Künstler und wurden der Ursprung 

der Gebälkserie, die für seine Arbeitspraxis 

einzigartig war. Anders als in den 1960er Jahren, als 

Lichtenstein sich auf Comics, Cartoons und Werbung 

bezog, schuf er in diesen späteren Fällen sein eigenes 

Quellenmaterial, indem er lokale Beispiele der 

New Yorker Architektur fotografierte. 1970, als er die 

Spiegelserie fortsetzte, begann er, sich mit dem Thema 

des Gebälks zu beschäftigen. Das Gebälk ist ein architektonisches 

Element, das einem Band oder einer 

Leiste ähnelt, die waagerecht über den Säulen eines 

Gebäudes liegt. Ursprünglich stammt das Motiv aus 

der Architektur des antiken Griechenlands und war 

auch in Amerika im Beaux-Arts- und griechisch-römischen 

Revival-Stil des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, 

der für öffentliche Gebäude wie Museen und 

Bibliotheken verwendet wurde, weit verbreitet. 

Provenienz: 

Leo Castelli, New York. 

Privatsammlung, New York. 

Kunsthandel Deutschland. 

Deutsche Privatsammlung. (1321651) 


NEW YORK 1923 – 1997 IBID. 

STUDY FOR A TEMPLE (1968) 

Drawing, coloured pencil and pencil on paper 

23 cm x 17.5 cm 

Signed and dated on the front 

An ancient temple front consisting of Doric coloumns 

is marked by cracks from decay. Lichtenstein knows 

how to unite the contrast between motif and medium. 

Through his brightly colored paintings and graphics 

that resemble comic strips, Roy Lichtenstein created 

a completely new aesthetic at the time when 

Abstract Expressionism was dominant in the art 

world. Lichtenstein deliberately emphasized the artificiality 

of his paintings, using flat, monochromatic dots 

that he made by hand using paint and stencils, creating 

the impression of a grid. In the classical perfection 

of the present work, Lichtenstein revels in the dramatic 

manipulation of space, as the juxtaposition of flatness 

and depth leads our eye up the picture plane through 

the flat blue and yellow background to the defiant 

sculptural plasticity of the temple. In its concrete silhouette, 

the graphic boldness of the structure stands 

out with determined clarity against the hypnotic energy 

of the back picture plane. 

Lichtenstein‘s work explored the relationship between 

art and popular culture, transforming carefully 

selected images from contemporary magazines and 

newspapers into monumental icons. In the artist‘s 

words, “I want my pictures to look as if they have 

been programmed, I want to hide the traces of my 

hand.” The ability of an image to communicate held a 

great fascination for Lichtenstein. His work is based on 

an extensive exploration of what constitutes an image 

for the artist and the viewer, expressed in the vocabulary 

he uses and the forms he chooses. His artistic 

language has a universal, immediate appeal: a cool and 

mechanical aesthetic characterized by graphic precision 

and compositional clarity. Lichtenstein wanted to 

point out how important it is for modern man to know 

the difference between image and reality. 

Throughout his long career, the artist made very few 

finished drawings. This study is the precursor to the 

Temple lithograph, which was created as part of the 

Temples and Ruins series. Lichtenstein was an admirer 

of cornices – horizontal architectural structures 

on columns – originally derived from classical Greek 

architecture. In the 1970s, Lichtenstein discovered 

entablatures on building facades around Wall Street 

and lower Manhattan. These observations inspired the 

artist and became the origin of Gebälkserie, which was 

truly unique to his working practice. Unlike the 1960s, 

when Lichtenstein referenced comics, cartoons, and 

advertisements, in these later cases he created his 

own source material by photographing local examples 

of New York architecture. In 1970, as he continued 

the mirror series, he began to explore the theme 

of entablature. The entablature is an architectural element 

that resembles a band or molding that lies horizontally 

across the columns of a building. The entablature 

is an architectural element that resembles a band 

or ledge that lies horizontally above the columns of a 

building. The motif originated in the architecture of 

ancient Greece and was also widely used in America 

in the Beaux-Arts and Greco-Roman Revival styles of 

the early twentieth century, which were used for public 

buildings such as museums and libraries. 

Provenance: 


Private Collection, New York. 

Art Trade, Germany. 

German Private Collection. 

€ 180.000 - € 220.000 

Sistrix 

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149

RICHARD H. PETTIBONE 

geb. 1938 Los Angeles 

719 

RICHARD H. PETTIBONE, 

GEB. 1938 LOS ANGELES 

Richard H. Pettibone zählt zu den Hauptvertretern der 

„Appropriation Art“ und war auch Wegbereiter dieser 

neuen Kunstrichtung. Dabei ging es dieser Gruppe 

um bewusste Einbeziehung anderer, bekannter Werke, 

die nun in eine eigene, neue Sichtweise gestellt werden. 

Vertreter dieser Richtung, wie Mike Bidio, Sherrie 

Levine, Yasumaso Morimura oder Cindy Sherman – um 

nur einige zu nennen – verwendeten in den 1970er-Jahren 

Motive von Warhol, Lichtenstein, Jasper Johns 

oder Frank Stella, und veränderten durch Manipulation 

den Blick auf diese Werke. Pettibone schloss sein 

Studium am Otis Art Insitue 1962 ab. Schon früh am 

Modellbau interessiert, schuf er Schaukasten-Assemblagen. 

Erstmals 1964 verwendete er Andy Warhols 

berühmte „Campbell Soup Can“ für seine verkleinerte 

und farblich veränderte Version. 

MINIATURSTAFFELEI MIT MINIATURVERSION VON 

ROY LICHTENSTEINS „ THE DANCE“ 1974 

Acryl und Seide auf feiner Leinwand. Staffelei in 

Weichholz. 

14,8 cm x 19,5 cm. 

Staffelei Höhe: 30 cm. 

Verso bezeichnet, oben auf dem Spannrahmen 

„Lichtenstein, The Artist´s Studio: The Dance, 1974“. 

Unten Signatur „Richard Pettibone 1975“. 

Beigegeben: Katalog: Ian Berry and Michael Duncan, 

Pettibone, A Retrospective, Saratoga Springs 2005. Mit 

Abb. des Werkes, S. 78. In vorliegendem Werk hat 

Pettibone das von Lichtenstein geschaffene Bild „The 

Artist´s Studio: The Dance“ von 1974 ein Jahr später 

in verkleinertem Format mit feinem Leistenrähmchen 

auf eine Staffelei gestellt. A.R. 

„The Artist‘s Studio: The Dance, 1974“ ist ein hervorragendes 

Beispiel für amerikanische Appropriations- 

Kunst. Die Vorlage – Lichtensteins “The Artists Studio: 

The Dance“ – ist in eine größere Serie eingebettet. 

Durch die bewusste Wahl der Farben zitiert Lichtenstein 

Matisse und stellt sich durch seine eigene Interpretation 

des Werks „The Dance“ in die Tradition des 

Fauvisten. 

Appropriation-art definiert das Konzept andere Kunstwerke 

zum Zweck der Hommage oder Kritik zu kopieren. 

Pettibone war einer der Pioniere dieses Genres. 

Seit mehr als 40 Jahren fertigt er präzise postkartengroße 

Gemälde, Kopien bekannter Meisterwerke zeitgenössischer 

Künstler an. Zu seinen Werken gehören 

winzige Versionen von Warhols Suppendosen, Lichtensteins 

Cartoon-Tafeln und Mondrians rechten Winkeln. 

In seiner Kunst, die Kunst repräsentiert, versucht Pettibone, 

Fragen zur Urheberrschaft und Originalität zu 

stellen. Seine Kunst hat eine wichtige Rolle in der Mischung 

aus Inspiration und Anleihen gespielt, welche 

die postmoderne Kunst ausmacht. Pettibone begann 

1964 mit der Herstellung exakter Kopien bestehender 

Kunstwerke im Miniaturformat. Er orientierte sich bei 

der Größe der Werke an Bildern, die er in Magazinen 

wie Art Forum gesehen hatte, und reproduzierte sie 

dann mit pedantischer Genauigkeit, indem er den Prozess 

des ursprünglichen Künstlers nachstellte und die 

Leinwände dann auf Rahmen montierte. Richard Pettibone 

hat seine Karriere der Herstellung kleiner Reproduktionen 

von Werken von Brancusi, Warhol, Lichtenstein, 

Stella und anderen Künstlern gewidmet, 

die weitaus berühmter waren als er. Künstler, die mit 

Appropriation Art arbeiten, kopieren bewusst bestehende 

Bilder und Kunstwerke, um sie in ihre eigene 

Kunst zu verwandeln. Dabei handelt es sich nicht um 

Diebstahl oder Plagiat, da sie nicht behaupten, die Urheber 

dieser Bilder zu sein. Sie wollen vielmehr, dass 

das Publikum die von Ihnen nachgebildeten Bilder 

wiedererkennt und den Kontext und die Assoziationen, 

die sie mit diesem Thema verbinden, auf das neue 

Werk überträgt, ganz gleich, ob es sich um ein Gemälde, 

eine Skulptur, eine Collage, ein Objekt oder eine 

ganze Installation handelt. 

Provenienz: 


Sammlung Peter und Susan MacGill (Angabe Werkverzeichnis). 

Hollis Taggart Galleries. 

Privatsammlung Deutschland. (1321393) (1) (11) 



151

RICHARD H. PETTIBONE, 

BORN 1938 LOS ANGELES 

MINIATURE EASEL WITH MINIATURE VERSION OF 

ROY LICHTENSTEIN’S “THE DANCE”, 1974 

Acrylic and silkscreen on fine canvas in the artist’s 

original frame. Softwood easel. 

14.8 cm x 19,5 cm. 

Height of easel: 30 cm. 

Inscribed on the reverse, on top of the stretcher 

“Lichtenstein, The Artist’s Studio: The Dance, 1974” 

and signed below: “Richard Pettibone 1975”. 

Enclosed: Ian Berry and Michael Duncan, Pettibone, A 

Retrospective, catalogue, 2005, with illustration of 

the work p. 78. In the work on offer for sale in this lot, 

Pettibone has placed the picture titled “The Artist’s 

Studio: The Dance” created by Lichtenstein in 1974 on 

an easel in a reduced format and set in a simple, thin 

frame one year later. 

”The Artist’s Studio: The Dance, 1974” is an excellent 

example of American appropriation art. Lichtenstein’s 

work “The Artists Studio: The Dance” is part of a larger 

series. Through the deliberate choice of colors 

Liechtenstein quotes Matisse and places himself in 

the tradition of the Fauvist through his own interpretation 

of the work “The Dance“. 

Appropration-art is the concept of copying other artworks 

as a critic or hommage. Pettibone was one of 

the pioneers of this genre. For more than 40 years, 

he has produced precise postcard-sized paintings, 

copies of familiar masterworks by contemporary artists. 

His works include tiny versions of Warhol’s soup 

tins, Lichtenstein’s cartoon panels and Mondrian’s 

right angles. In his art that represents art, Pettibone 

seeks to ask questions such as: Who owns an artistic 

idea? What is originality? His art has played a major 

role in the mix of inspiration, borrowing and citing 

that makes up postmodernist art. Pettibone started 

producing exact copies of existing works of art in 

miniature format in 1964. He based the size of the 

work on pictures he had seen in magazines, such as 

Art Forum, and then reproduced them with pedantic 

accuracy, recreating the process of the original artist 

and then mounting the canvases on frames. Richard 

Pettibone has devoted his career to making small reproductions 

of works by Brancusi, Warhol, Lichtenstein, 

Stella and other artists whose fame far exceeded 

his. Artists who work with appropriation art 

deliberately copy existing images and works of art to 

transform them into their own art. This is not theft or 

plagiarism as they do not claim to be the originators 

of these pictures. Instead appropriation artists want 

the audience to recognize the pictures they have recreated 

and transfer the context and their associations 

from this subject to the new work, whether this is a 

painting, a sculpture, a collage, an object or an entire 

installation. 

Provenance: 


Collection of Peter and Susan MacGill (information 

Catalogue raisonné). 

Hollis Taggart Galleries. 

Private Collection, Germany. 

€ 60.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BID 



JEAN-MICHEL BASQUIAT 

1960 New York – 1988 ebenda 

720 

JEAN-MICHEL BASQUIAT, 

1960 NEW YORK – 1988 EBENDA 

HORN PLAYERS, 1984 

Lithografie. 

70 x 60 cm. 

Rechts unten monogrammiert und datiert „84“, links 

unten Exemplarangabe „H.C.“ 

Im breitem teilvergoldetem schwarzem Rahmen, 

hinter Glas gerahmt. 

Nach dem Gemälde „Horn Players“ von 1983. Dieses 

weist alle wichtigen stilistischen Merkmale auf, die 

wir von diesem berühmten amerikanischen Künstler 

erwarten. Zusätzlich zu den Portraits in halber Länge 

auf der linken und rechten Tafel dieses Triptychons 

(das in der Lithografie zusammengefasst ist) hat der 

Künstler mehrere Zeichnungen und Wörter eingefügt 

– viele davon hat Basquiat gezeichnet und dann durchgestrichen. 

Auf jeder Tafel sind auch große weiße 

Farbflächen zu sehen, die den schwarzen Hintergrund 

zu betonen und gleichzeitig die Zeichnungen und/ 

oder Wörter darunter zu verdecken scheinen. Am auffälligsten 

ist vielleicht das Übergewicht an sich wiederholenden 

Wörtern wie „DIZZY“, „ORNITHOLOGY“, 

„PREE“ und „TEETH“, die der Künstler über alle drei 

Tafeln dieses Werks verstreut hat. (†) (1320602) (13) 

€ 5.000 - € 7.000 

Sistrix 

INFO | BID 


153

THÉO TOBIASSE 

1927 Jaffa/ Palästina – 2012 Cagnes-sur-Mer 

721 

THÉO TOBIASSE, 

EIGENTLICH TOBIAS EIDESAS, 

1927 JAFFA/ PALÄSTINA – 2012 CAGNES-SUR-MER 

JE PORTE AVEC MOI L‘ENFANT DE L‘HOMME, 

1966 

Öl auf Papier, auf Holz. 

60 x 50 cm. 

Links unten signiert „theo tobiasse“. 

Datiert mittig rechts „66“. 

In mit Wellenprofil verziertem Goldrahmen. 

Der Sohn litauischer Eltern wurde in einer jüdischen 

Siedlung in Palästina geboren und zog mit seinen 

Eltern über Litauen nach Paris. Während der Besetzung 

von Paris durch die Nazis fertigte er in Abgeschiedenheit 

eine Vielzahl von Zeichnungen an, wurde 

aber erst 1960 in Nizza auf einer Ausstellung entdeckt 

und widmete sich fortan ausschließlich der Malerei, 

deren Thematik häufig in jüdischem Zusammenhang 

zu sehen ist. (†) (1320601) (13) 

THÉO TOBIASSE, 

ACTUALLY TOBIAS EIDESAS, 

1927 JAFFA/ PALESTINE – 2012 CAGNES-SUR-MER 

JE PORTE AVEC MOI L’ENFANT DE L’HOMME, 

1966 

Oil on paper, laid on panel. 

60 x 50 cm. 

Signed „theo tobiasse” lower left. 

Dated „66“ centre right. (†) 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BID 


CHRISTO 

eigentlich Christo Javacheff 

1935 Gabrovo – 2020 New York 

722 

CHRISTO, EIGENTLICH CHRISTO JAVACHEFF, 

1935 GABROVO – 2020 NEW YORK 

RUNNING FENCE, PROJECT FOR SONOMA 

COUNTY AND MARIN COUNTY (1975) 

Grano Lithographie auf Fabriano mit 

Collage auf Papier. 

56 x 72 cm. 

Vorderseitig signiert und datiert „Christo 1975“. 

Mit einer Höhe von 5,5 m und einer Ausdehnung von 

über 39 km über die sanften Hügel Nordkaliforniens 

war er imposant und majestätisch. Der weiße Stoff 

blähte sich im Wind auf und reflektierte das Licht in 

einer Vielzahl von Winkeln und Schattierungen, so 

dass blendende, schimmernde Konturen entstanden, 

die das Land in weichen und zugleich scharfen Linien 

durchschnitten. Der Running Fence war das lyrischste 

der epischen Projekte von Christo und Jeanne-Claude. 

Die schiere Schönheit des Licht- und Wetterspiels auf 

dem Zaun stand in scharfem Kontrast zu dem Thema 

der Trennung und Begrenzung, das Zäune im Allgemeinen 

vermitteln. Für Christo und Jeanne-Claude 

verkörperte der Zaun ein größeres Thema, nämlich die 

menschliche Freiheit und Beschränkung. 

Running Fence gilt als eines der wichtigsten frühen 

Kunstprojekte im öffentlichen Raum und war bei 

seiner Installation 1976 das ehrgeizigste Werk von 

Christo und Jeanne-Claude seit ihrer Ankunft in den 

Vereinigten Staaten 1964. Als es während der Zweihundertjahrfeier 

der USA enthüllt wurde, erregte es 

die Phantasie der Öffentlichkeit. Die Planung, das 

Design, die Installation und die kritischen Reaktionen 

auf den Running Fence sollten alle folgenden Arbeiten 

nachhaltig prägen. Christo betonte in seinen Äußerungen, 

dass er Running Fence in seiner sozialen, 

rechtlichen und technischen Dimension betrachte. 

Über seine visuelle Pracht hinaus ist der Zaun bemerkenswert, 

weil er eine Flut von Interpretationen und 

Reaktionen auslöst. Er wirft Fragen nach der Vergänglichkeit, 

der Absicht, der Freiheit, dem Eigentum und 

der Begrenzung auf, nach dem, was die Bezeichnung 

„Kunst“ verdient, und nach dem kreativen Prozess. 

Doch trotz aller künstlerischen Verdienste des Zauns 

als fertiges Werk war es für Christo und Jeanne-Claude 

nicht die auffällige visuelle Präsenz, die aus der Landschaft 

herausragt, oder die theoretische Analyse, die 

sie ausgelöst haben mag, die ihn zur Kunst machte. 

Die künstlerische Vision von Running Fence liegt nicht 

nur in dem Zaun selbst, sondern auch in dem langen 

und mühsamen Prozess seiner Entstehung. In Paris 

(und auf mehreren Reisen nach Deutschland) begegnet 

Christo auch den Protagonisten der europäischen 

und amerikanischen Avantgarde, darunter Karlheinz 

Stockhausen, John Cage, Joseph Beuys und Nam June 

Paik. Unter dem Einfluss einer progressiven, alle Konventionen 

sprengenden Kunstszene, begann Christo 

sich alltägliche Gegenstände „anzueignen“, sie ihrer 

Funktion zu berauben und sie durch ihre Verhüllung 

dauerhaft für die Nachwelt zu bewahren. Auch wenn 

die ersten Werke als zufällige künstlerische Experimente 

entstanden, erkannte Christo bald, dass dies 

der Beginn einer künstlerischen Laufbahn war, in der 

die Verwandlung von Alltagsgegenständen und -orten 

zum zentralen Thema werden sollte. Sein Ansatz war 

direkt, unmittelbar und radikal. Wie Arman verwendete 

Christo, der sich Anfang der 1960er Jahre der Kunstbewegung 

des Nouveau réalisme angeschlossen hatte, 

anfänglich kleinere gefundene Objekte. Er verhüllte 

erst Autos oder Möbel und bewegte sich mit Jeanne- 

Claude dann auf großformatige Installationen zu. 

Running Fence gilt als eines der wichtigsten Frühwerke 

des berühmten Duos. Alle Kosten wurden 

durch den Verkauf von Studien, vorbereitenden Zeichnungen 

und Collagen, maßstabsgetreuen Modellen 

und Originallithografien getragen. In diesem Prozess 

ist auch auch diese Originalzeichnung entstanden.Von 

frühen verhüllten Objekten bis hin zu monumentalen 

Projekten für den Außenbereich überschreiten Christo 

und Jeanne-Claude mit ihren Werken die traditionellen 

Grenzen von Malerei, Skulptur und Architektur. In ihren 

beeindruckende monumentale Installationen sehen 

sich Christo und Jeanne-Claude als Umweltarchitekten 

verwirklicht. Die Bedeutung der Kunst 

liegt der Gesamtheit der Reise und der Realisierung. 

Provenienz: 

Künstleratelier. 

Italienische Privatsammlung. 

Galleria Accademia, Italien. 

Kunsthandel, Deutschland. (1321392) (1) 



157

CHRISTO, ACTUALLY CHRISTO JAVACHEFF, 

1935 GABROVO – 2020 NEW YORK 

RUNNING FENCE, PROJECT FOR SONOMA 

COUNTY AND MARIN COUNTY (1975) 

Grano lithograph on fabriano with collage on paper. 

56 x 72 cm. 

Signed on the front and dated “Christo 1975”. 

Standing 5.5m tall and stretching over 39km across 

the rolling hills of Northern California, it was imposing 

and majestic. The white fabric billowed in the wind, 

reflecting light at a variety of angles and shades, creating 

dazzling, shimmering contours that cut across 

the land in soft yet sharp lines. The Running Fence 

was the most lyrical of Christo and Jeanne-Claude‘s 

epic projects. The sheer beauty of the play of light 

and weather on the fence contrasted sharply with 

the theme of separation and boundary that fences 

generally convey. For Christo and Jeanne-Claude, the 

fence embodied a larger theme of human freedom 

and limitation. 

Running Fence is considered one of the most important 

early public art projects and, when installed in 

1976, was Christo and Jeanne-Claude‘s most ambitious 

work since their arrival in the United States in 

1964. When it was unveiled during the U.S. Bicentennial, 

it captured the public‘s imagination. The planning, 

design, installation, and critical responses to Running 

Fence would have a lasting impact on all subsequent 

works. Christo‘s statements emphasized that he considered 

Running Fence in its social, legal, and technical 

dimensions. Beyond its visual splendor, the 

fence is remarkable for triggering a flood of interpretations 

and reactions. It raises questions about impermanence, 

intention, freedom, ownership, and limitation, 

about what deserves the label “art”, and 

about the creative process. Yet for all the artistic merits 

of the fence as a finished work, for Christo and 

Jeanne-Claude it was not the striking visual presence 

that stands out from the landscape, or the theoretical 

analysis that may have prompted it, that made it art. 

The artistic vision of Running Fence lies not only in 

the fence itself, but also in the long and arduous process 

of its creation. In Paris (and on several trips to 

Germany), Christo also encountered the protagonists 

of the European and American avant-garde, including 

Karlheinz Stockhausen, John Cage, Joseph Beuys, 

and Nam June Paik. Under the influence of a progressive 

art scene that broke all conventions, Christo began 

to „appropriate“ everyday objects, depriving 

them of their function and permanently preserving 

them for posterity by covering them. Even though 

the first works were created as random artistic experiments, 

Christo soon realized that this was the beginning 

of an artistic career in which the transformation 

of everyday objects and places would become the 

central theme. His approach was direct, immediate, 

and radical.Like Arman, Christo, who had joined the 

Nouveau réalisme art movement in the early 1960s, 

initially used smaller found objects. He first covered 

cars or furniture and then, with Jeanne-Claude, 

moved toward large-scale installations. 

Running Fence is considered one of the most important 

early works by the famous duo. All costs were 

borne by the sale of studies, preparatory drawings 

and collages, scale models and original lithographs. 

This original drawing was also created in this process.From 

early shrouded objects to monumental 

outdoor projects, Christo and Jeanne-Claude‘s works 

transcend the traditional boundaries of painting, 

sculpture, and architecture. In their impressive monumental 

installations, Christo and Jeanne-Claude see 

themselves realized as environmental architects. The 

meaning of art lies in the totality of the journey and 

the realization. 

Provenance: 

The Artist Studio. 

Italian private collection. 

Gallerie Accademia, Italy. 

Art Trade, Germany. 

Sistrix 

€ 150.000 - € 200.000 INFO | BID

THEODOROS STAMOS 

1922 – 1997 

723 

THEODOROS STAMOS, 

1922 – 1997 

Seine Werke werden unter anderem in den Bayerischen 

Staatsgemäldesammlungen verwahrt sowie in 

50 weiteren Museen weltweit. 

INFINITY FIELD, CRETAN SERIES 

Acryl und Metallpigmente auf Leinwand. 

200 x 100 cm. 

Auf der Rückseite signiert und datiert. Verso auf dem 

Keilrahmen betitelt. 

In profilierter Goldleiste. 

Anbei ein technischer Report von Dimitris Papastamos, 

in griechischer und englischer Sprache, vom 30. November 

1989, Athen. 

THEODOROS STAMOS, 

1922 – 1997 

INFINITY FIELD, CRETAN SERIES 

Acrylic and metal pigments on canvas. 

200 x 100 cm. 

Signed and dated on the reverse. 

Accompanied by a technical report by Dimitris 

Papastamos, in Greek and English, dated 30 November 

1989, Athens. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Blaue, schwarze und rote Farbfelder, von unterschiedlichen 

Abtönungen in informeller Weise nebeneinander 

geschichtet. (1321421) (13) 



161

HERBERT ZANGS 

1924 Krefeld – 2003 ebenda 

724 

HERBERT ZANGS, 

1924 KREFELD – 2003 EBENDA 

KNÜPFUNG 22 KIESELSTEINE, 1979 

Kieselsteine, Schnur, Stoff. 

160 x 100 cm. 

Rechts oben signiert und datiert „ZANGS 79“. 

Beigegeben ein Zertifikat der Galerie Rottloff, Karlsruhe, 

vom 27.06.2020, über die Echtheit des Werkes 

(im Original vorliegend). 

Bei dem Werk wurden 22 Kieselsteine mit Schnur in 

ein Bettlaken eingeknüpft. Die Arbeit wurde nicht mit 

weißer Farbe übermalt. Stoff etwas unfrisch. Am 

Rand unten links in Rot zweifach gesticktes Monogramm 

„E.B.“. Verso an den Ecken Klebereste. 

(1320931) (18) 

HERBERT ZANGS, 

1924 KREFELD – 2003 IBID. 

KNÜPFUNG 22 KIESELSTEINE, 1979 

Pebbles, string, fabric. 

160 x 100 cm. 

Signed and dated „ZANGS 79“ top right. 

Accompanied by a certificate by Galerie Rottloff, 

Karlsruhe, dated 27 June 2020 regarding the painting’s 

authenticity (original enclosed). 

€ 10.000 - € 12.000 

Sistrix 

INFO | BID 


MAGDALENA JETELOVA 

geb. 1946 

725 

MAGDALENA JETELOVA, 

GEB. 1946 

TIME PRESENT AND TIME PAST ARE BOTH PRE- 

SENT IN TIME FUTURE, TIME FUTURE CONTAINED 

IN TIME PAST, 1989 

Mischtechnik auf Leinwand. 

107 x 76 cm. 

Verso mit Galerieetikett der Galerie Walter Storms 

und Datierung „1989“. 

Verglast in einfachem Rahmen. 

Rußzeichnung mit Schriftzug im unteren Drittel der 

geschwärzten Fläche. (13009610) (13) 

€ 4.000 - € 6.000 

Sistrix 

INFO | BID 


163

ROMEO TAMANTI 

1940 – 1997 

726 

ROMEO TAMANTI, 

1940 – 1997 

FRAUENKOPF 

72 x 79 x 83 cm. 

Signiert und ortsbezeichnet „Romeo Tamanti, Roma“. 

Interessante Kombinationsskulptur in der für Tamanti 

typischen Art mit hohem Holzanteil, der raumgreifend 

zum Einsatz kommt. (1320563) (2) (13) 

ROMEO TAMANTI, 

1940 – 1997 

FEMALE HEAD 

72 x 79 x 83 cm. 

Signed with place name “Romeo Tamanti, Roma”. 

€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

INFO | BID 



165

KAREL APPEL 

1921 Amsterdam – 2006 Zürich 

727 

KAREL APPEL, 

1921 AMSTERDAM – 2006 ZÜRICH 

Karel Appel zählt neben Asger Jorn (1914-1973), 

Constant (1920-2005), Corneille (1922-2010) u.a. zu 

den Begründern der Künstlergruppe CoBrA, die sich 

dem Ziel verschrieben hatte, den Expressionismus 

in der Malerei noch einmal im Sinne einer neuen 

künstlerischen Position umzudeuten und ihn mit den 

Mitteln des emporkommenden Informel zu vereinen. 

Karel Appel formte ab 1950 aus farbintensiven, im 

Verhältnis großen Flächen und kräftigen Linien Kompositionen 

fernab der akademischen Kunst dieser 

Epoche. 

KOMPOSITION, 1975 

Mischtechnik mit Öl, Gouache und Wachsmalkreide 

auf Papier, auf Leinwand. 

48,3 x 61 cm. 

Links unten signiert „Appel 75“. 

Freigestellt in dekorativem Rahmen. 

KAREL APPEL, 

1921 AMSTERDAM – 2006 ZÜRICH 

KOMPOSITION, 1975 

Mixed media with oil, gouache, and wax crayons 

on paper, laid on canvas. 

48.3 x 61 cm. 

Signed “Appel 75” lower left. 

Provenance: 

Sid Deutsch Gallery, New York. 

Fabian Carlson Gallery, London. 

Galleria Poleschi Casa d’Aste, Milan. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Sid Deutsch Gallery, New York. 

Fabian Carlson Gallery, London. 

Galleria Poleschi Casa d‘Aste, Mailand. 

(1321515) (1) (18) 


GEORGES MATHIEU 

1921 Boulogne-sur-Mer – 2012 Paris 

728 

GEORGES MATHIEU, 

1921 BOULOGNE-SUR-MER – 2012 PARIS 

Mathieu gehört zu den Hauptvertretern des Tachismus. 

Angelehnt an die japanische Kalligrafie sind seine 

abstrakten Werke von der Schnelligkeit des Malvorgangs 

geprägt. 

COURCAY 

Tempera/ Mischtechnik auf Karton. 

Sichtmass: 54 x 75 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „(19)69“, 

verso betitelt. 

Im Passepartout, hinter Glas gerahmt. (†) 

(12821020) (18) 

GEORGES MATHIEU, 

1921 BOULOGNE-SUR-MER – 2012 PARIS 

COURCAY 

Tempera/ mixed media on card. 

Visible size: 54 x 75 cm. 

Signed and dated “(19)69” lower right, 

titled on reverse. 

Framed with mount under glass. (†) 

€ 12.000 - € 16.000 

Sistrix 

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729 

CARSTEN NICOLAI, 

GEB. 1965 

KOPF, 1994/95 

Mischtechnik/ Öl/ Papier auf Leinwand. 

113 x 77 cm. 

Links unten signiert und datiert. Verso mit Etiketten. 

In schwarzem Holzrahmen. 

Provenienz: 

Galerie Eigen + Art. 

Süddeutsche Privatsammlung. (13009611) (13) 

€ 2.800 - € 3.500 

Sistrix 

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169

FERNANDEZ ARMAN 

1928 Nizza – 2005 New York 

730 

FERNANDEZ ARMAN, 

1928 NIZZA – 2005 NEW YORK 

GUITAR PORTUGAISE, 2003 

Höhe: 61 cm. 

Nummeriert 6/20, signiert „Arman“. 

Bronze, goldfarben patiniert. Auf gestuftem original 

Rundsockel. (13100320) (1) (13) 


1928 NICE – 2005 NEW YORK 

GUITARE PORTUGAISE, 2003 


Limited edition no. 6/20, signed "Arman". 

Bronze, golden patina. On original round stepped 

base. 

€ 5.000 - € 8.000 

Sistrix 

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731 

ROBERTO MATTA, EIGENTLICH 

„ROBERTO SEBASTIAN MATTA ECHAUREN“, 

1911 SANTIAGO DE CHILE – 2002 CIVITAVECCHIA 

Der Künstler studierte in Chile Architektur und ging 

ab 1933 nach Paris, wo er im Atelier von Le Corbusier 

(1887-1965) arbeitete. Ab 1938 wandte er sich der 

Malerei zu. Er reiste viel durch Europa und wurde mit 

zahlreichen Künstlern, darunter Salvador Dalí (1904- 

1989), Henry Moore (1898-1986) und Alvar Aalto 

(1898-1976) bekannt. Ausschlaggebend für seine künstlerische 

Entwicklung waren jedoch die Begegnung 

und Freundschaft mit André Breton (1896-1966). Die 

Jahre des Zweiten Weltkriegs verbrachte er ab Herbst 

1938 in New York, kehrte aber 1948 nach Europa zurück 

und ließ sich 1958 in Rom nieder. Seine Arbeiten 

werden dem Surrealismus zugeschrieben. 

MES DESSINS 

Farbserigrafie. 

Ca. 117 x 124 cm. 


Hinter Glas gerahmt. 

Exemplar 30/50. 

Nicht geöffnet. 

Anmerkung: 

Herausgegeben durch: Atelier Dupont Visat, Paris. 

Literatur: 

Vgl. Werk abgebildet in: 23 Artistes pour médecins 

du monde, Editions de la Tempête, Paris 1994, S. 39. 

(12914213) (1) (18) 

€ 2.000 - € 3.000 

Sistrix 

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171

WOLFGANG GÄRTNER 

geb. 1940 Berlin 

732 

WOLFGANG GÄRTNER, 

GEB. 1940 BERLIN 

An der Akademie der Bildenden Künste, München, unter 

Prof. Heinrich Kirchner (1902-1984) ausgebildeter 

Bildhauer. 

O.T. (URFISCH), 1969 

Skulptur: 37,2 x 106,5 x 49,5 cm. 

Sockel: 23 x 120 x 29 cm. 

Seitlich unterhalb der kreisförmigen Durchbrechung 

signiert „W.G.“ 

Bronzehohlguss, patiniert. Bei der angebotenen Bronze 

handelt es sich um die Abschlussarbeit des Künstlers, 

die er, im Hohlgussverfahren gegossen, 1969 an der 

Akademie in München einreichte. 

Elegante Formensprache. Der dynamisch geschwungene 

Körper in biomorpher Abstraktion. 

(1301901) (10) 

€ 2.500 - € 3.500 

Sistrix 

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HORST ANTES 

geb. 1936 Heppenheim 


733 

HORST ANTES, 

GEB. 1936 HEPPENHEIM 

Horst Antes gehörte zu den Ersten der jüngeren 

Malergeneration, die das Informel und den Tachismus 

der 1940er-Jahre hinter sich ließen und eine neue figurative 

Bildsprache entwickelten. Die Erfindung des 

„Kopffüßlers“ wurde für Antes Kunst zum Erkennungszeichen. 

Er studierte von 1957-1959 bei HAP 

Grieshaber (1909-1981) an der Akademie der bildenden 

Künste in Karslruhe. Dort war er schließlich seit 

1967 Professor und leitete eine Malerklasse. Seit 

1983 ist er zudem Mitglied der Freien Akademie der 

Künste in Hamburg. Er war zudem mehrfach Teilnehmer 

der documenta in Kassel. 

FIGUR 1000, 1987 

Gesamthöhe mit Sockel: 221 cm. 

Sockelmaße: 90 x 67 cm. 

Eine von 1000 Exemplaren. 

Stahl mit beidseitig eingraviertem Auge und Mund 

sowie natürlicher Rostpatina. (1301173) (1) (18) 

€ 6.000 - € 8.000 

Sistrix 

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173

JEFF KOONS 

geb. 1955 York/ Pennsylvania 

734 

JEFF KOONS, 

GEB. 1955 YORK/ PENNSYLVANIA 

GOAT: A TRIBUTE TO MUHAMMAD ALI 

Buch mit Hardcover in einer Schlagkassette. 

50 x 50 cm. 

Gewicht: 34 kg. 800 Seiten. 

Signiert „Muhammad Ali Berrien Springs Michigan, 

2001“ sowie „J. Koons, New York, 2001“. 

Verpackt in original Pappkarton. 

Mit Fotolithografie von Jeff Koons „This G.O.A.T. is 

copy number 05915 of a worldwide edition of 10 000 

copies“. Buch mit Goldschnitt. 

Dazu dünnere unnummerierte Ausgabe mit Signaturen 

von Muhammad Ali und Jeff Koons. (1301171) (1) 

(18) 

€ 2.000 - € 3.000 

Sistrix 

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Buch mit 800 Seiten, 

34 kg Gewicht. 


CAMILLE BOMBOIS 

1883 – 1970 

735 

CAMILLE BOMBOIS, 

1883 – 1970 

GAYOLE-TOR 


60 x 82 cm. 


Verso durch Sicherheitsab deckung verschlossen. 

In partiell vergoldetem, ornamental verziertem 

Holzrahmen. 

Provenienz: 

Süddeutsche Kunstsammlung. 

Literatur: 

Susanne Grimm, Authentische Naive. Das Erlebnis 

des Unmittelbaren, Stuttgart 1991, S. 63. 


Musée International d'Art Naif Anatole Jakovsky, 

Nizza, 1984. 

Galerie Berri-Raspail, Paris. (1280392) (13) 

CAMILLE BOMBOIS, 

1883 – 1970 

GAYOLE GATE 


60 x 82 cm. 


Provenance: 

Art collection, Southern Germany. 

Literature: 

Susanne Grimm, Authentische Naive. Das Erlebnis 

des Unmittelbaren, Stuttgart 1991, p. 63. 

Exhibitions: 

Musée International d'Art Naïf Anatole Jakovsky, 

Nice, 1984. 

Galerie Berri-Raspail, Paris. 

€ 5.000 - € 8.000 

Sistrix 

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736 

FRANCISCO BORES, 

1898 MADRID – 1972 PARIS 

Der Stil von Bores wurde nach seinem engen Kontakt 

mit den größten Malern der ersten Avantgarde geschmiedet: 

Pablo Picasso (1881-1973) und Henri 

Matisse (1869-1954). Beide hatten Einfluss auf sein 

Werk und sogar darüber hinaus. Seine Werke werden 

im Museo de Arte Contemporáneo in Madrid ausgestellt. 

NATURE MORTE AU NUAGE, 1939 


54 x 65 cm. 

Links unten signiert und datiert „Bores 39“. 


Provenienz: 

Aufkleber verso auf Keilrahmen „Svensk-franska 

konstgalleriet 61453 Francisco Bores“ mit Titel und 

Datumsangabe. 

Niederländische Privatsammlung. 

Literatur: 

Hélène Dechanet Bores, Francisco Bores. Catalogue 

raisonné de l‘œuvre peint, Bd. 1, Madrid 2003, S. 373. 

(1321553) (18) 

€ 3.000 - € 5.000 

Sistrix 

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LUDWIG BEMELMANS 

1898 Meran – 1962 New York City 

737 

LUDWIG BEMELMANS, 

1898 MERAN – 1962 NEW YORK CITY 

DAS RATHAUS IN MÜNCHEN 

Mixed Media mit Gouache/ Tinte auf Papier 

58,5 x 74 cm. 

Rechts unten signiert, links unten betitelt 

„Rathaus Munich“. 

Ungerahmt. 

Blick von erhöhtem Standpunkt auf den Marienplatz 

mit fahrender Tram, zwei Autos, dem Rathaus, der 

Mariensäule und im Hintergrund den beiden in rotbrauner 

Farbigkeit wiedergegebenen Türmen der 

Frauenkirche. 

Provenienz: 

Das Gemälde wurde 1948 von der Hammer Gallery 

in New York erworben. Derzeit aus europäischem 

Privatbesitz. 

Anmerkung: 

Ludwig Bemelmans war ein Schriftsteller und Illustrator 

europäischer Herkunft. 1914 ging er zu seinem 

in den USA lebenden Vater. 1935 unternahm er eine 

Deutschlandreise. Das vorliegende Werk soll aus 

der Zeit vor dem Krieg stammen. In seinen späten 

Lebensjahren als erfolgreicher Autor und Illustrator 

erhielt er den Auftrag, das Kinderzimmer der Yacht 

„Christina“ des Reeders Aristoteles Onassis auszumalen. 

Literatur: 

Das Werk ist abgebildet in: Ludwig Bemelmans, The 

best of times. An account of Europe revisted, with 

50 color and 110 black illustrations by the author, 

New York 1948, S. 90. (1320541) (18) 

€ 8.000 - € 10.000 

Sistrix 

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GÜNTHER UECKER 

geb. 1930 Wendorf/ Mecklenburg 

738 

GÜNTHER UECKER, 

GEB. 1930 WENDORF/ MECKLENBURG 

Lebt und arbeitet in Düsseldorf und Sankt Gallen. 

UECKER-SCHUH, 1972 

Gips, gegossen. Nägel. 

Länge: 32 cm. 

Auf der Unterseite signiert und datiert „Uecker 72“ 

sowie nummeriert 55/100. Prägestempel „Uecker & 

Fongi“. 

Erschienen bei Edition Denise René und Hans Mayer, 

Düsseldorf. (1321394) (1) (13) 

€ 8.000 - € 12.000 

Sistrix 

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179

739 



PAAR FIGÜRLICHE LEUCHTER 


Auf der Sockeloberfläche signiert „Arman“ sowie mit 

Gießereivermerk und Nummerierung „HC 2/20“. 

Im Louis XV-Stil gestaltete Gelbgussleuchter mit 

segmentiertem Puttodekor. (1301176) (1) (13) 

€ 2.000 - € 3.000 

Sistrix 

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740 



VIOLINEN 

Radierung/ Rives. 

43,5 x 37,3 cm. 

Rechts unten signiert, Ed. 57/100. 

Hinter Glas gerahmt. (1310032) (1) (18) 


1928 NICE – 2005 NEW YORK 

VIOLINS 

Etching/ Rives paper. 

43.5 x 37.3 cm. 

Signed lower right, limited edition no. 57/ 100. 

Framed behind glass. 

€ 400 - € 600 

Sistrix 

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741 

MIGUEL BERROCAL, 

1933 VILLANUEVA DE ALGAIDAS – 

2006 ANTEQUERA 

MANOLETE, 1976 

13 x 7 x 3,5 bzw. 6,4 cm. 

Sockelplatte mit Signaturstempel. Ex. 1732/10000. 

Demontierbare Bronzeplastik aus 24 Elementen. 

(13100333) (1) (13) 

MIGUEL BERROCAL, 

1933 VILLANUEVA DE ALGAIDAS – 

2006 ANTEQUERA 

MANOLETE, 1976 

13 x 7 x 3.5 or 6.4 cm. 

Signature stamp on base plate. Limited edition 

no. 1732/10000. 

Bronze sculpture made of 24 elements that can 

be disassembled. 

€ 1.200 - € 1.500 

Sistrix 

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181

742 

OSKAR MULLEY, 

1891 KLAGENFURT – 1949 GARMISCH 

Der Künstler war ein österreichischer akademischer 

Landschaftsmaler und Absolvent der Akademie der 

bildenden Künste Wien. Er gehört zu den führenden 

Vertretern der „Tiroler Kunst der Zwischenzeit“ (u.a. 

Albin Egger-Lienz (1868-1926), Alfons Walde (1891- 

1959)). In seiner Kufsteiner Periode herrschen Gebirgsmotive 

vor, die stets frei von Figuren sind. Seine 

heroischen Landschaften mit pastosem Farbauftrag in 

Spachteltechnik waren seit Mitte der 1920er-Jahre 

sehr geschätzt und erzielen auch heute noch hohe 

Preise. 

JAGDSTILLEBEN 


73,5 x 55 cm. 

Rechts oben signiert und ortsbezeichnet: Mulley / 

Garmisch. Verso signiert O. Mulley und datiert 1935. 

In breitem Holzrahmen. 

Der für seine zerklüfteten Berglandschaften mit alpiner 

Architektur bekannte Maler fertigte in seltenen 

Fällen auch Stillleben an, die nur selten auf dem 

Kunstmarkt angeboten werden. So ist es ein Glücksfall, 

dass wir aus einer österreichischen Sammlung 

dieses Jagdstillleben mit Auerhahn, Hut und Gewehr 

anbieten dürfen. (1321924) (13) 

€ 5.500 - € 7.000 

Sistrix 

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743 

OTTO MODERSOHN, 

1865 SOEST – 1943 ROTENBURG 

TORFABBAULANDSCHAFT 

Öl auf Holz. 

23,2 x 32 cm. 

Links unten signiert „O Modersohn“. (†) 

(12821010) (13) 

OTTO MODERSON 

1865 SOEST – 1943 ROTENBURG 

PEAT CUTTING LANDSCAPE 

Oil on wood. 

23,2 x 32 cm. 

Signed “O Modersohn“ lower left. (†) 

€ 10.000 - € 25.000 

Sistrix 

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744 

ANTAL BERKES, 

1874 BUDAPEST – 1938 EBENDA 

Studierte an der Kunstgewerbeschule in Budapest, 

war Schüler von Jozsef Feichtinger (1840-1907) und 

Gründungsmitglied des Nationalsalons in Budapest. 

Er malte auch in Paris und Wien. 

DARSTELLUNG EINES BELEBTEN BOULEVARDS 

IN DEN ABENDSTUNDEN 


154 x 200 cm. 

Rechts unten signiert „Berkes A.“ 

In Louis XV-Stilrahmen. 

Berkes liebte die Darstellung von belebten Boulevards 

wie diesem, nicht nur in Paris sondern auch in Budapest, 

wo auch die vorliegende Darstellung zu verorten 

vermutet werden kann. Seine impressionistisch 

aufgefassten Stadtansichten waren sehr gefragt. 

(1321551) (13) 

ANTAL BERKES, 

1874 BUDAPEST – 1938 IBID 

DEPICTION OF A BUSY BOULEVARD 

IN THE EVENING HOURS 


154 x 200 cm. 

Signed “Berkes A.” lower right. 

€ 12.000 - € 17.000 

Sistrix 

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183


19TH/20TH CENTURY 

P A I N T I N G S 


185

745 

FRANS VERVLOET, 

1795 MECHELEN – 1872 VENEDIG 

BLICK AUF DIE BEIDEN SÄULEN AM EINGANG 

DER PIAZZA SAN MARCO, VENEDIG 


33,5 x 25,5 cm. 

Rechts unten signiert „Vervloet Venice 18“. 

In dekorativem vergoldeten Rahmen. 

Im weichen Licht der Sonne, Blick auf die Piazza San 

Marco mit den beiden Säulen, die Venedigs Stadtheiligen 

Markus und Theodorus gewidmet sind. Auf 

den Säulen befinden sich daher der Markuslöwe bzw. 

die San Teodoro Statue. Im Hintergrund, unter hellblauem 

Himmel, die Lagune mit diversen Gebäuden. 

Auf der Piazza sind einige Händler und auch Besucher 

zu sehen. Feine Malerei in stimmungsvollem Licht. 

Minimale Rahmenschäden. (13220018) (18) 


1795 MECHELEN – 1872 VENICE 

VIEW OF THE TWO COLUMNS AT THE ENTRANCE 

OF SAINT MARK’S SQUARE, VENICE 


33.5 x 25.5 cm. 

Signed “Vervloet Venice 18” lower right. 

In decorative gilt frame. 

View of the Saint Mark´s Square with the two columns 

dedicated to the patron saints of Venice, Saint Mark 

and Saint Theodore, bathed in soft sunlight. Fine painting 

with atmospheric light. With minimal damage to 

the frame. 

€ 35.000 - € 55.000 

Sistrix 

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746 

ITALIENISCHER MALER 

DES 19. JAHRHUNDERTS, NACHFOLGE DES 

FRANCESCO GUARDI, 1712 – 1793 

Gemäldepaar 

ANSICHTEN VON VENEDIG 


Je 30 x 40 cm. 

Jeweils in dekorativen goldenen Rahmen. 

Auf beiden Gemälden ist jeweils der ruhig fließende 

Canal Grande wiedergegeben, mit diversen Gondeln 

und Booten sowie Staffagefiguren. Auf dem ersten 

Gemälde fällt der Blick auf die Punta della Dogana und 

der dahinterliegenden großen Kirche Santa Maria della 

Salute mit ihren großen Kuppeln. Auf dem Platz davor 

viele kleine Staffagefiguren. Das zweite Gemälde zeigt 

einen Nebenarm des Canal Grande, über den eine 

steinerne Brücke führt, jeweils links und rechts flankiert 

von den großen fensterreichen Häusern der Stadt. 

Unter hohem hellblauem Himmel mit weißen, teils 

leicht rötlich verfärbten Wolkenformationen. 

(1320134) (18) 

ITALIAN SCHOOL, 

19TH CENTURY, FOLLOWER OF 

FRANCESCO GUARDI, 1712 – 1793 

A pair of paintings. 

VIEWS OF VENICE 


30 x 40 cm each. 

€ 10.000 - € 20.000 

Sistrix 

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189

747 

JULIUS EDUARD WILHELM HELFFT, 

1818 – 1894 

MALERISCHER BLICK VOM CANAL GRANDE AUF 

UFERANLAGE MIT DEM DOGENPALAST 


78 x 98 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „Helfft 1858“. 


Die Vedute zeigt von der Hauptwasserstraße Venedigs 

aus den prachtvollen Dogenpalast im warmen Sonnenlicht 

mit seiner rötlichen Fassade, hinter dem der Campanile 

hervorragt, dann die reich bevölkerte Piazetta 

mit den beiden berühmten Monolithen, sowie durch 

das Wasser getrennt auf der linken Bildseite die bereits 

im Schatten liegende, grau weiße Kirche Santa 

Maria della Salute unter hohem, blauen Himmel mit 

wenigen weißen Wolken. Auf dem Kanal selbst mehrere 

große Segelschiffe und einige Gondeln. Am rechten 

Bildrand haben bereits einige Boote und Schiffe 

angelegt. Die Gebäude spiegeln sich in vielen, fast 

flimmernden Farbtönen im ruhigen, impressionistisch 

wiedergegebenen Wasser. Qualitätvolles, stimmungsvolles 

Gemälde im warmen Licht der untergehenden 

Sonne eines Sommertages voller Farbenvielfalt. Rest. 

JULIUS EDUARD WILHELM HELFFT, 

1818 – 1894 

VIEW FROM CANAL GRANDE TO DOGE’S PALACE 


78 x 98 cm. 

Signed and dated “Helfft 1858” lower right. 

€ 60.000 - € 90.000 

Sistrix 

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Anmerkung: 

Verso alter Aufkleber aus Brüssel. (13220012) (18) 



191

CLAUDE ANTOINE 

PONTHUS-CINIER 

1812 – 1885 

748 

CLAUDE ANTOINE PONTHUS-CINIER, 

1812 – 1885 

Der 1812 in Lyon geborene Künstler war Schüler von 

Paul Delaroche und besuchte die Hochschule für Bildende 

Künste seiner Stadt. Seine Karriere nahm 

1841 eine Wendung, als er mit einem Werk, das eine 

historische Landschaft mit Adam und Eva, die aus 

dem Garten Eden verbannt wurden, darstellt, den 

zweiten Platz beim Prix de Rome gewann. Er reiste 

zwei Jahre lang durch Italien und malte nicht nur in 

der Hauptstadt, sondern auch in Florenz und Neapel, 

bevor er nach Frankreich zurückkehrte und eine lange 

Reihe von Landschaften schuf, die unter dem Begriff 

des italienischen Neoklassizismus zusammengefasst 

werden können und fast immer von kleinen Figuren 

mit einem besonderen Geschmack belebt werden. Er 

arbeitete in der Dauphiné, in der Provence, in den 

Alpen, in den Pyrenäen und in Savoyen. 1841 schickte 

er seine Bilder in den Pariser Salon, aber zuvor (ab 

1838) nahm er auch am Salon von Lyon teil, wo er 

bis zu seinem Tod 1885 blieb. Schon zu Lebzeiten 

bekannt und geschätzt, wurde ihm vorgeworfen, zu 

sehr dem Dekorativen und Pittoresken zu frönen, 

was der Frische und Unmittelbarkeit seiner Malerei 

abträglich sei. Seine Gemälde befinden sich in den 

Museen von Lyon, Chalon-sur-Saône, Besançon, Brou 

und Chambery. 

VEDUTE DES BACINO DI SAN MARCO ÜBER DIE 

RIVA DEGLI SCHIAVONI 


80 x 141 cm. 

Links unten signiert „PONTHUS CINIER“ und rechts 

unten datiert „1871“. 

In vergoldetem, mit Lorbeerblattfries dekoriertem 

Rahmen. 

Die schöne Ansicht zeigt das Markusbecken von der 

Riva degli Schiavoni aus. Aus dieser Perspektive ist 

links die Basilika Santa Maria della Salute zu sehen, 

während die Punta della Dogana den Eingang zum 

Canal Grande markiert. Das in zarten Rosatönen getauchte 

Licht, das allmählich in Gelb und Blau übergeht, 

erzeugt zusammen mit dem Wolkenspiel über 

der Salute einen romantischen Effekt, bei dem die Gebäude 

in Licht getaucht und in festen Formen skizziert 

werden, die durch den geschickten Einsatz von scharfen 

Schatten definiert sind. Auf der rechten Seite wird 

der Himmel immer klarer und die warme Farbpalette 

beleuchtet die Reihe von Gebäuden, die zu dem kleinen 

Platz mit dem Dogenpalast, der Libreria Marciana, 

führen, wo einige Boote noch ihre Segel aufgerichtet 

haben und teilweise den Blick auf das Gebäude verdecken. 

Auf der rechten Seite sind einige Marktszenen 

zu sehen, bei denen die verstreuten Figuren entlang 

imaginärer Diagonalen arrangiert sind. Im Vordergrund 

rechts führt der Pier mit der vorbeifahrenden Gondel 

die Komposition auf eine eigentümliche und theatralische 

Weise ein. 

Das Werk kann als hervorragendes Beispiel für den 

Stil von Ponthus-Cinier angesehen werden, der sehr 

auf das Spiel des Lichts und den dekorativen Geschmack 

im Gesamtkontext bedacht ist. (†) 

Provenienz: 

Französische Privatsammlung. 

Ausstellung: 

Société des Amis des Arts de Lyon, 1872, Nr. 461. 

(1320124) (13) 


CLAUDE ANTOINE PONTHUS-CINIER, 

1812 – 1885 

VENICE VEDUTA OF THE BACINO DI SAN MARCO 

FROM THE RIVA DEGLI SCHIAVONI 


80 x 141 cm. 

Signed “PONTHUS CINIER” lower left and dated 

“1871” lower right. 

In gilt frame with laurel leaf frieze. 

The beautiful view shows the St Mark’s Basin from 

the Riva degli Schiavoni. From this perspective, the 

Basilica of Santa Maria della Salute can be seen on 

the left, while the Punta della Dogana marks the entrance 

to the Grand Canal. The light bathed in soft 

pink hues, gradually fading into yellow and blue, together 

with the play of clouds over the Salute, create 

a romantic effect in which the buildings are bathed in 

light and outlined in solid forms, defined by the clever 

use of sharp shadows. To the right, the sky is clearing, 

and the warm colouration illuminates the row of 

buildings leading to the small square with the Doge's 

Palace, the Biblioteca Marciana, where some boats 

still have their sails raised and are partially obscuring 

the view of the building. There are market scenes on 

the right where the scattered figures lead along imaginary 

diagonal lines. In the foreground on the right, 

the pier with the passing gondola introduces the 

composition in a unique and theatrical way. 

The work can be considered an excellent example of 

Ponthus- Cinier’s style, which is very sensitive to the 

play of light and the decorative taste in the overall 

context. (†) 

Provenance: 

French private collection. 

Exhibitions: 

Société des Amis des Arts de Lyon, 1872, no. 461. 

€ 95.000 - € 150.000 

Sistrix 

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195

GIOVANNI GRUBACS 

1829 – 1919 

749 

GIOVANNI GRUBACS, 

1829 – 1919 

Mit Giovanni Grubacs entwickelte sich die Vedutenmalerei 

in Venedig fort, welche bereits Jahrhunderte 

vorher begann. Grubacs hatte sich auf gemalte Ansichten 

Venedigs spezialisiert und wurde dafür gefeiert. 

Geprägt wurde er vor allem durch Maler wie Francesco 

Guardi (1712-1793) und Canaletto (1697-1768) 

und übersetzte die Vedutenmalerei seiner Vorgänger 

in den Geschmack des 19. Jahrhunderts. 

GROSSE VENEDIGVEDUTE: BLICK AUF DOGEN- 

PALAST MIT LIBRERIA UND CAMPANILE 


70 x 90 cm. 


GIOVANNI GRUBACS, 

1829 – 1919 

LARGE VENICE VEDUTA: VIEW OF THE DOGE’S 

PALACE WITH LIBRERIA, COLUMNS AND 

CAMPANILE 


70 x 90 cm. 


€ 80.000 - € 100.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Der Maler war Sohn des Carlo Grubacs (1812/40 - 

1870), der sich in Venedig wie dessen beiden Söhne 

Giovanni und Marco (1839-1910) bereits als Vedutist 

bekannt machte. Giovanni GrubacS hat es verstanden, 

die alte Tradition der Venezianischen Vedutenmalerei 

nach den Vorbildern der hervorragendsten Vertreter 

dieser Gattung, wie Canaletto und Guardi, ein neues, 

Aufmerksamkeit für dieses Genre weckendes Interesse 

zu schaffen. Seine meist großformatigen Bilder 

widmen sich thematisch den bekanntesten Ansichten 

der Lagunenstadt und fassen die Leistungen der Vorbilder 

in durchdachten Neudarstellungen in feindetaillierter 

Malweise zusammen. In gewisser Weise ist 

hier von einem Historismus der Vedutenmalerei zu 

sprechen. Entsprechend akkurat sind die architektonischen 

Details auch in den großen Formaten berücksichtigt. 

Die Ansichten klar und imposant, in nahezu 

fotografisch genauer Wiedergabe. A.R. 

(1321383) (11) 



197

750 

MARCO GRUBACS, 

1839 – 1910 

VENEDIG, CANAL GRANDE MIT SANTA MARIA 

DELLA SALUTE UND BLICK AUF DIE DOGANA 


68 x 107 cm. 

Links unten signiert. 

Im Empire-Rahmen. 

Der Maler war Sohn des Carlo Grubacs (1812/40 - 

1870), der sich in Venedig wie auch dessen beiden 

Söhne Giovanni (1829 - 1919) und Marco bereits als 

Vedutist bekannt machte. Wie sein Bruder Giovanni 

hat sich auch Marco diesem Genre gewidmet, und 

die Tradition der Venezianischen Vedutenmalerei nach 

den Vorbildern wie Canaletto oder Guardi weitergeführt. 

Im Gegensatz zu Giovanni ist in Marcos Werk 

jedoch weniger die akribische Exaktheit im Detail, 

dafür umso mehr die Weichheit einer barocken Stilauffassung 

zu finden. 

So ist der Pinselstrich locker, die Farben der Fassaden 

zeigen sich eher in flimmerndem Licht. Wie bei seinem 

Bruder Giovanni finden wir nicht selten das große 

Format, besonders bei den Ansichten der bedeutenden 

Partien Venedigs, was als imposante Erinnerungsdokumente 

der Lagunenstadt große Beliebtheit erfuhr. 

A.R. (1321333) (11) 

MARCO GRUBACS, 

1839 – 1910 

VENICE, GRAND CANAL WITH SANTA MARIA 

DELLA SALUTE AND VIEW OF THE DOGANA 


68 x 107 cm. 

Signed lower left. 

€ 13.000 - € 15.000 

Sistrix 

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751 

ITALIENISCHER MALER DES 19. JAHRHUNDERTS 

VEDUTE VON VENEDIG MIT DER PIAZZETTA 


39 x 54 cm. 


Vom ruhigen, türkis und gelblich schimmernden Canal 

Grande aus der Blick auf die Piazzetta mit den zwei 

bekannten Säulen und dem Dogenpalast sowie der 

Biblioteca Nazionale Marciana. Zahlreiche kleine Figuren 

bevölkern den Platz oder schauen von diversen 

Balkonen herab. Im Hintergrund links die Punta della 

Dogana und die großen Kuppeln der Kirche Santa 

Maria della Salute. Besonders auffallend, dass weder 

Schiffe noch Gondeln auf dem Canal Grande zu erkennen 

sind. Malerei unter hohem blau-grauem Himmel 

in diffusem Licht bei zurückhaltender Farbgebung. 

Kleine Retuschen. (1321332) (18) 

ITALIAN SCHOOL, 19TH CENTURY 

VEDUTA OF VENICE WITH PIAZZETTA 


39 x 54 cm. 

€ 13.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BID 


199

752 

PIETER VAN LOON, 

1801 – 1873 

DIE MARINELLA-KÜSTE IN NAPOLI 


61 x 93 cm. 

Auf einem am Boden liegenden Ruder bezeichnet 

„Strada della porta Capua a Napoli“ und datiert 

„(18)45“. 

Rechts unten signiert und ortsbezeichnet "Napoli". 

Mit hoher Häuserzeile links am Ufer, rechs hinten der 

rauchende Vesuv, im Vordergrund ans Ufer gezogene 

Fischerboote. (†) 

Literatur: 

Das Gemälde ist beschrieben und abgebildet in: 

Massimo Riccardi, Paesaggisti stranieri in Campania 

nell'Ottocento, Abb. S. 148 mit Angabe der Provenienz 

„Privatsammlung Como“. (1322007) (10) 

PIETER VAN LOON, 

1801 – 1873 

THE MARINELLA COAST IN NAPLES 


61 x 93 cm. 

Inscribed “Strada della porta Capua a Napoli” and 

dated “(18)45” on a rudder lying on the ground. 

Signed and place name “Napoli” lower right. 

A tall row of houses on the left side of the shore with 

fishing boats pulled to the shore in the foreground. 

Smoking mount Vesuvius in the background on the 

right. (†) 

Literature: 

The painting is described and pictured in: M. Riccardi, 

Paesaggisti stranieri in Campania nell’Ottocento, ill. 

p. 148 with provenance reference “Private Collection, 

Como”. 

€ 45.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BID 


753 


1795 MECHELEN – 1872 VENEDIG 

ANSICHT VON VENEDIG 

Öl auf Holz. 

30 x 25 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „F. Vervloet Venezia 

1855“. 

Durch einen hohen Arkadenbogen fällt der Blick auf 

die gut besuchte Piazetta mit dem Dogenpalast und 

weiteren Gebäuden entlang des Canal Grande. Im 

Hintergrund geht langsam die Sonne hinter einer 

großen Wolkenformation unter; ihre letzten Sonnenstrahlen 

beleuchten harmonisch die Stadtansicht von 

Venedig und das Wasser, auf dem zahlreiche Boote 

und Gondeln schippern. Im Vordergrund einige Händler 

beim Tragen von Paketen und Körben sowie eine 

Frau mit rotem Kopftuch und einem Hund, die unter 

dem Bogen sitzt, der zur Biblioteca Marciana gehört. 

Stimmungsvolle Wiedergabe mit gekonnter Lichtführung. 

(12821041) (18) 


1795 MECHELEN – 1872 VENICE 

VIEW OF VENICE 

Oil on panel. 

30 x 25 cm. 

Signed and dated “F. Vervloet Venezia 1855” lower 

right. 

Archway belonging to the Biblioteca Marciana. Atmospheric 

painting with masterful direction of light. 

€ 22.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BID 


201

754 

HERMANN SALOMON CORRODI, 

1844 FRASCATI – 1905 ROM 

Der Künstler arbeitete zusammen mit seinem Bruder 

Arnoldo in Rom, Paris, England und Venedig. Zahlreiche 

Werke gelangten in englischen Adelsbesitz, 

1900 nahm der Künstler an der Weltausstellung in 

Paris teil. 

BLICK ÜBER DEN TIBER AUF DIE ENGELSBURG 


43 x 83 cm. 

Links unten signiert und ortsbezeichnet „H. Corrodi 

Roma“ (übergangen oder später). 

In vergoldetem gekehltem Rahmen. 

HERMANN SALOMON CORRODI, 

1844 FRASCATI – 1905 ROME 

VIEW ACROSS THE TIBER TOWARDS CASTEL 

SANT’ANGELO 


43 x 83 cm. 

Signed with place name “H. Corrodi Romea” lower 

left (retouched or later). 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Corrodi, der zwar in Genf studierte und seinen Abschluss 

in Paris machte, wirkte vorwiegend in seiner 

Heimat. Zahlreiche stimmungsvolle Romansichten von 

ihm sind uns überliefert, wie diese ruhige Abendstimmung, 

welche die Schatten der Engelsbrücke sich auf 

dem Tiber brechen lässt, während sich die Stadtsilhouette 

vor dem changierenden Himmel mit seinen 

flachen Wolkenbändern absetzt. (12901448) (13) 



203

755 

JOHANN GEORG GMELIN, 

1810 ROM – 1854 

MALERISCHE ANSICHT DER BUCHT VON NEAPEL 


71 x 98 cm. 

Rechts unten auf Stein signiert und datiert „G Gmelin 

1851“. 


Von erhöhtem Standpunkt Blick über den Golf von 

Neapel im romantischen Licht der untergehenden 

Sonne. Im Vordergrund das breite, teils verschattete 

Ufer mit zahlreichen Figuren, darunter einige Fischer, 

die ihre Netze aus dem Wasser einholen und bereits 

mehrere auf Holzgestellen aufgespannt haben; dahinter 

im Wasser ein ankerndes Segelboot. Linksseitig 

eine rastende Familie in einem durch die Sonne erhelltem 

Uferstück und in der linken Bildecke einige 

stilllebenhaft präsentierte Objekte, zu denen zwei Holzfässer 

und mehrere Keramiken gehören. Im Hintergrund 

die Stadt Neapel mit der auf dem Vomero 

Hügel liegenden Festung Sant´Elmo und dem darunter 

liegenden Klosterkomplex San Martino mit Kirche. Im 

optischen Mittelpunkt des Gemäldes jedoch der Vesuv, 

dessen Rauch in den hohen türkisblau schimmernden 

Himmel steigt. Qualitätvolle, stimmungsvolle Malerei 

in der typischen Manier des Künstlers. Teils Retuschen. 

Anmerkung: 

Der Künstler wurde als Sohn des Zeichners und 

Kupferstechers Wilhelm Georg Gmelin geboren. Zur 

Ausbildung ging er mit 14 Jahren nach Wiesbaden 

und Karlsruhe. Nach seiner Rückkehr nach Rom waren 

seine Veduten vor allem bei Italienreisenden sehr 

begehrt. Zu seinen Auftraggebern zählte u.a. der Zar 

von Russland. (12901449) (18) 

JOHANN GEORG GMELIN, 

1810 ROME – 1854 

PICTURESQUE VIEW OF THE BAY OF NAPLES 


71 x 98 cm. 

Signed and dated “G Gmelin 1851” on stone lower 

right. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

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756 

SILVESTR SHCHEDRIN, 

AUCH „SILVESTER SCHEDRIN“, 

1791 MOSKAU – 1830 EBENDA 

POSILLIPO VOM STRAND VON SERMONETA AUS, 

UM 1825 


40 x 60 cm. 

Rechts unten signiert „Sil. Schedrin.“. 

In vergoldetem Originalrahmen. 

Blick vom Uferstrand über das ruhige Wasser auf die 

malerisch gelegenen Häuser von Posillipo, teils mit 

Balkonen, sowie einem hinter einer Mauer liegendem 

Garten mit Palmen und Zypressen, unter hohem hellblauem 

Himmel im sommerlich hellem, diffusen Licht 

eines späten Nachmittags. Dahinter ein hochziehendes, 

bewachsenes Gebirge. Eine große Wäscheleine 

nimmt fast die Hälfte der rechten Uferseite ein. Im 

Vordergrund am Strand einige Männer und Frauen im 

Gespräch sowie am rechten Rand zwei am Ufer liegende 

große Boote. Weitere sind auf dem schimmernden 

Wasser zu finden sowie ein angelnder Junge auf einem 

größeren Stein am Uferrand. Stimmungsvolle 

harmonische Malerei in der typischen Manier des 

Malers. Minim. rest., Craquelé, vereinzelt Kratzspuren. 

SYLVESTER SHCHEDRIN, 

ALSO KNOWN AS “SILVESTER SCHEDRIN”, 

1791 MOSCOW – 1830 IBID. 

POSILLIPO FROM THE BEACH OF SERMONETA, 

CA. 1825 


40 x 60 cm. 

Signed “Sil. Schedrin.” lower right. 

Provenance: 

From important private collection, France and Italy. 

€ 35.000 - € 55.000 

Sistrix 

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Provenienz: 

Aus bedeutender Privatsammlung, Frankreich und 

Italien. (1321961) (18) 


205

757 

CHARLES HENRI JOSEPH LEICKERT, 

1816 BRÜSSEL – 1907 MAINZ 

Der Maler zählt neben seinen Lehrern Andreas Schelfhout 

(1787-1870), Wijnand Jan Joseph Nuyen (1813- 

1839) oder Bartholomäus van Hove (1850-1914) zu den 

bekanntesten Landschaftsmalern Hollands im 19. Jahrhundert. 

Seine Küstenansichten, Straßenveduten oder 

Flusslandschaften, nicht selten mit Windmühlen, und 

reicher Figurenstaffage haben ihn weit über sein Wirkungsgebiet 

hinaus bekannt gemacht. Seine Feinmalerei 

gibt den Bildgegenstand jeweils minutiös wieder, 

was gerade im heutigen zeitlichen Abstand zur Entstehung 

der Gemälde als bedeutende Dokumentation 

gewürdigt werden muss. Neben seinen bekannten 

holländischen Winterlandschaften finden sich nicht wenig 

authentische Stadtansichten seiner Heimat, aber 

vor allem auch der Niederlande. In Den Haag lebte und 

arbeitete er in den Jahren 1841 und 1848, um danach 

seinen langen Aufenthalt von 1849 bis 1883 zu nehmen. 

1856 wurde er mit der Mitgliedschaft der Königlichen 

Akademie von Amsterdam geehrt. In der Folge 

bereiste er Frankreich, Deutschland und Italien. 

FLUSSLANDSCHAFT MIT STADT BEI ABENDLICHT 


38 x 54,2 cm. 

Rechts unten signiert und datiert. 

Das brillant leuchtende und fein gemalte Gemälde 

zeigt eine Uferlandschaft mit Booten, Schiffen, ein Gebäude 

im Vordergrund sowie einigen Personen im 

Boot und auf einem Wanderweg. In der Ferne, in das 

zarte Rosé des Abends getaucht, erhebt sich die 

Silhouette einer Stadt mit zwei charakteristischen 

Gebäuden, einer Kirche und einem Turm direkt am 

Wasser. Zusammen mit den zart leuchtenden Wolken 

am Himmel vereinen die Bildbestandteile die charakteristischen 

Elemente der Werke von Charles Leickert. 

(†) (12821026) (11) 

CHARLES HENRI JOSEPH LEICKERT, 

1816 BRUSSELS – 1907 MAINZ 

RIVER LANDSAPE WITH CITY AT SUNSET 


38 x 54.2 cm. 

Signed and dated lower right. (†) 

€ 25.000 - € 40.000 

Sistrix 

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758 

ÉDOUARD BERNARD SWEBACH, 

1800 – 1870, ZUG. 

GROSSE LANDSCHAFT MIT REITERN 


248 x 180 cm. 

In schmaler Profilleiste gerahmt. 

In warmem mediterranen Licht der aufgehenden 

Sonne wird eine Waldlichtung erhellt. Dahinter öffnet 

sich ein tiefer liegendes hügeliges Tal, das noch ganz 

vom Dunst der Nacht erfüllt ist. Es sind uns von 

Swebach vorwiegend Landschaften mit Jagden oder 

Jagdtieren bekannt. Er war zunächst an der Pariser 

Akademie und bereiste 1818 – 1820 Russland. 1822, 

1824, 1835 und 1838 nahm er an Ausstellungen in 

Paris Teil. Neben seinem malerischen Œuvre ist auch 

sein Druckgrafisches Werk von Bedeutung, in dessen 

Zentrum ebenso wie in den Gemälden das Pferd steht, 

das er stets anatomisch genau wiederzugeben versteht. 

Rest. (1320885) (1) (13) 

ÉDOUARD BERNARD SWEBACH, 

1800 – 1870, ATTRIBUTED 

VAST LANDSCAPE WITH RIDERS 


248 x 180 cm. 

€ 30.000 - € 40.000 

Sistrix 

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207

759 

PETRUS VAN SCHENDEL, 

1806 TERHEIJDEN/ BRABANT – 1870 BRÜSSEL 

DIENSTMÄDCHEN AN EINEM GEFLÜGELSTAND 

Öl auf Holz. 

39,5 x 32,7 cm. 

Auf einem nächtlichen städtischen Marktplatz bieten 

einige Händler ihre Ware an. Im Vordergrund stehend 

eine junge Frau mit einem kupfernen Korb in ihrer 

rechten Armbeuge, vor einem überdachten Verkaufsstand, 

an dem an einem Seil, an einer Stange befestigt, 

ein Huhn herabhängt sowie am rechten Bildrand ein 

aufgehängter Hase. Auf dem Tisch selbst weiteres 

Geflügel, eine brennende, leicht flackernde Kerze, die 

den Stand und auch das feine weiche Gesicht und die 

Arme der jungen Frau beleuchtet. Hinter der Kerze 

zudem ein großer geflochtener Korb zum Transport 

von Geflügel. Mit ihrem feinen Gesicht, den geröteten 

Wangen und den glänzenden Augen schaut die Dargestellte 

interessiert aus dem Bild heraus. Im dunklen 

Hintergrund, nur schemenhaft erkennbar, weitere Gebäude, 

aus deren Fenster teils weiches gelbliches 

Licht fällt. Am linken Rand, hinter der jungen Frau, die 

Gesichter zweier Männer erkennbar. Malerei in der 

für den Künstler typischen qualitätvollen feinen Malweise, 

bei zurückhaltender Farbgebung mit bravourös 

gekonnter Hell-Dunkel-Inszenierung. Minimale Retuschen. 

Provenienz: 

Privatsammlung Deutschland. 

Literatur: 

M.A. Kostyrja, The life and work of the artist Petrus 

van Schendel 1806-1870, Sankt Petersburg 2018, 

Abb. S. 88. (1321443) (18) 


1806 TERHEIJDEN/ BRABANT – 1870 BRUSSELS 

MAID AT A POULTRY STALL 

Oil on panel. 

39.5 x 32.7 cm. 

Provenance: 

German private collection. 

Literature: 

M. A. Kostyrja, The life and work of the artist Petrus 

van Schendel 1806 – 1880, Saint Petersburg 2018, 

ill. p. 88 

€ 18.000 - € 25.000 

Sistrix 

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760 


1806 BREDA – 1870 BRÜSSEL 

DER LIEBESBRIEF 

Öl auf Holz. 

63,2 x 47 cm. 

Rechts unten signiert und datiert „1840“. 

Verso auf der Malplatte mehrerem Ausstellungsaufkleber, 

wie Etikett der Galerie Guillaume Campo in Antwerpen, 

ferner Aufkleber „Hizkia van Kralingen“ mit 

Bezeichnung „Musée Villa Vauban“ einer Petrus van 

Schendel-Ausstellung mit entsprechenden Inventarnummerierungen, 

weiterhin Aufkleber der Schendel- 

Austellung „Breda´s Museuum“, November 2012 – 

Februar 2013. 

Van Schendel war ab 1834 Mitglied der Royal Academy 

of Fine Arts in Amsterdam. Er ist berühmt für 

seine Genrebilder in Kerzenbeleuchtung. Das vorliegende 

Gemälde ist als eines der hervorragenden Beispiele 

von Schendels Kunst anzusehen, Genreszenen 

im Kerzenlicht oder wie hier im Licht einer Spirituslampe 

wiederzugeben. 

Dargestellt ist ein Mädchen, das in weißem Seidenkleid 

mit rosafarbenen Schleifen an einen Tisch gelehnt 

sitzt und in einen Brief, wohl Liebesbrief, vertieft 

ist, den sie in der linken Hand hält. Hinter ihrem 

Rücken steht ein weiteres Mädchen, möglicherweise 

Schwester oder Freundin, die durch den Spiegel versucht, 

den Inhalt des Briefes zu erkunden. Beide 

Mädchen äußerst anmutig wiedergegeben. Besonderer 

Reiz liegt darin, dass das Mädchen im Hintergrund 

sowohl vom Profil, als auch in der Spiegelfläche en 

face zu sehen ist. Die Beleuchtung erfolgt durch eine 

am Tisch stehende Spirituslampe, deren Schirm abgenommen 

daneben auf der Tischfläche liegt. Dahinter 

der Biedermeier-Toilettekasten mit dem halbrund geschlossenen 

Spiegel. Im Halbdunkel des Innenraums 

ist an der Tapetenrückwand ein Halbschrank zu sehen, 

darauf ein Paar chinesische Vasen, ein weiteres chinesisches 

Väschen links am Bildrand auf dem Tisch hinter 

einem grünen Vorhang, der mit goldener Kordel 

nach links zurückgebunden ist. Im Vordergrund vor 

dem dunklen Schatten des Tisches ein Wäschekorb, 

gefüllt mit roten und grünen Stoffen. Die Hauptfigur, 

im Bild von links beleuchtet, ist entsprechend dem 

Flammenlicht in Sfumato wiedergegeben. Das Thema 

einer belauschten Brieflektüre findet sich in der Kunstgeschichte 

in dieser Zeit mehrfach, zuerst wohl in der 

französischen Malerei, dann alsbald in der gesamten 

europäischen Biedermeier-Malerei. (†) 

(12901414) (11) 


1806 BREDA – 1870 BRUSSELS 

THE LOVE LETTER 

Oil on panel. 

63.2 x 47 cm. 

Signed and dated “1840” lower right. 

Several adhesive labels of exhibitions on the reverse 

of the panel, such as label of the Guillaume Campo 

Gallery in Antwerp, “Hizkia van Kralingen” with inscription 

“Musée Villa Vauban” of a Petrus van 

Schendel exhibition with respective inventory numbers. 

Furthermore labels of a Schendel exhibition 

“Breda´s Museum”, November 2012 - February 

2013. (†) 

€ 70.000 - € 100.000 

Sistrix 

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761 

JAN VAN OS, 

1744 MIDDELHARNIS – 1808 DEN HAAG 

GROSSES STILLLEBEN MIT BLUMEN, FRÜCHTEN 

UND EINEM VOGELNEST 


84,1 x 65,3 cm. 

Links unten signiert „J. van. Os. fecit“. 


Vor landschaftlichem grünem Hintergrund, der rechtsseitig 

den Blick auf den hohen Himmel frei gibt, eine 

beige Vase mit ovalem Medaillon, auf einer Platte aus 

Marmor stehend. Darin ein prachtvolles Gebinde aus 

Blumen und Obst, dazu gehören rosafarbene und gelbe 

Rosen, gelb-rote Narzissen, leuchtend roter Klatschmohn 

sowie eine dunkelrote Stockrose, ein kleiner 

Zweig mit Pflaumen sowie ein Ast mit dunklen Weintraubenrispen. 

Rechts der Vase stehend ein Korb mit 

Früchten, darunter Weintrauben, Pfirsiche, Äpfel und 

eine Feige. Links vor der Vase liegend helle Weintraubenrispen, 

ein Maiskolben, zwei rötliche Pflaumen, 

eine nach rechts ragende Ananas und schließlich ein 

kleines gefülltes Vogelnest. Rechtsseitig im Korb zudem 

ein großer Kürbis. Belebt wird das Bild zusätzlich 

durch eine große Fliege, die auf dem Vasenkorpus 

sitzt, sowie eine kleine weitere auf einem orange 

leuchtenden Pfirsich im daneben stehenden geflochtenen 

Korb. Qualitätvolle feine Malerei in harmonischer 

Farbgebung. Vereinzelt Retuschen. 

Provenienz: 

Privatsammlung Belgien. 

Anmerkung: 

Der niederländische Maler wurde durch seine Stillleben 

mit Blumen und Früchten im Stil von Jan van 

Huysum (1682-1749) bekannt, mit denen er sich international 

einen Namen machte. Auf diesen Werken 

finden sich mehrfach auch eine liegende Ananas und 

ein Vogelnest wieder. (1321459) (18) 

JAN VAN OS, 

1744 MIDDELHARNIS – 1808 THE HAGUE 

LARGE STILL LIFE WITH FLOWERS, FRUIT, 

AND BIRD’S NEST 


84.1 x 65.3 cm. 

Signed “J. van. Os. Fecit” lower left. 

Provenance: 

Private collection Belgium. 

€ 35.000 - € 50.000 

Sistrix 


JEAN-LÉON GÉROME 

1824 – 1904 

762 

JEAN-LÉON GÉROME, 

1824 – 1904 

LA JOUEUSE DE BOULES, 1902 

52,9 x 25 x 16 cm. 

Signiert ‚J.L. Gérome“. Der Guss von 1902-1905. 

Auf gekehltem achteckigem Onyxsockel, schauseitig 

signiert, auf der rechten Seite mit Gießerstempel 

„Siot Decauville Fondeur Paris“. 

JEAN-LÉON GÉROME, 

1824 – 1904 

LA JOUEUSE DE BOULES, 1902 

52.9 x 25 x 16 cm. 

Signed “J.L. Gérome”. Casting dating to 1902-1905. 

On a fluted octagonal onyx base. signed on the front, 

with the founder´s stamp “Siot Decauville Fondeur 

Paris” on the side. 

Bronze, gegossen, vergoldet. Zwischen Maskarons, 

von denen zwei eine Kugel im Mund liegen haben, 

eine stehende nackte Frau mit verschränkten Armen, 

wobei eine Hand eine Kugel beinhaltet, die wohlmöglich 

für das dritte Maskaron vorgesehen ist und somit 

der Figur eine zeitliche Dimension gibt. 

(1320393) (13) 

Bronze; cast and gilt. 

€ 16.000 - € 20.000 

Sistrix 

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Detailabbildung 


763 

ANTONIETTA BRANDEIS, 

1849 MISCOCON, GALIZIEN – 1910 VENEDIG 

Antonietta Brandeis studierte in Prag und ab 1867 als 

erste Frau an der Akademie in Venedig bei Michelangelo 

Grigoletti. Sie blieb in Italien wohnen und 

malte überwiegend Veduten verschiedener italienischer 

Städte. 

PAAR ANSICHTEN VON VENEDIG 

Jeweils Öl auf Holz. 

Je ca. 13 x 23 cm 

Jeweils links unten signiert „ABrandeis“. 

Jeweils in vergoldeten Prunkrahmen. 

Das erste Gemälde zeigt von erhöhtem Standpunkt 

den Blick über die von der Sonne beschienene Piazetta 

mit dem prächtigen Dogenpalast auf der linken Seite 

und der rechts verschattet liegenden Bibliotheca Nazionale 

Marciana, die teils Schatten auf den Platz wirft. 

In der Mitte der Platz mit mehreren Staffagefiguren 

und den Säulen des Hl. Theodor und dem Markuslöwen 

vor dem Canal Grande. Auf dem zweiten Gemälde 

die Punta della Dogana, die sich an der Spitze 

der Insel Dorsoduro befindet. Gut erkennbar der 

Turm, an dessen Spitze die Skulptur der Erdkugel 

steht. Dahinter die Kirche Santa Maria della Salute 

mit ihrer mächtigen Kuppel. An der Anlage selbst haben 

– auf dem ruhigen Wasser des Canal Grande mit 

zahlreichen Spiegelungen – einige wenige Boote angelegt. 

Harmonische Malerei in weicher Farbgebung 

unter hohem, sommerlich hellblauem Himmel, in der 

typischen Manier des Künstlers. (1320291) (18) 

ANTONIETTA BRANDEIS, 

1849 MISCOCON, GALICIA – 1910 VENICE 

A PAIR OF VISTAS OF VENICE 

Both oil on panel. 

Ca. 13 x 23 cm each. 

Each signed “ABrandeis” lower left. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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764 

CHARLES-LOUIS BAZIN, 

1802 – 1859 

PORTRAIT EINER ODALISKE 


129 x 97 cm. 

Rechts unten signiert „Ch. Bazin“. 

In stark plastisch verziertem Rahmen. 

Beigegeben ein die Authentizität des vorliegenden 

Werkes bestätigender Schriftverkehr des Einlieferers 

mit Noé Willer. 

Auf einer Chaiselongue in komplizierter Drehung die 

Darstellung einer Odaliske neben einem Tisch mit japanischer 

Vase in Imarifarben, Schmuck und Saliere. 

Minimal besch. (1290275) (13) 

CHARLES-LOUIS BAZIN, 

1802 – 1859 

PORTRAIT OF ODALISQUE 


129 x 97 cm. 

Signed lower right “Ch. Bazin”. 

Accompanied by the correspondence between the 

consignor and Noé Willer confirming the authenticity 

of the present work. 

€ 12.000 - € 15.000 

Sistrix 

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765 

BRITISCHE SCHULE DES 19. JAHRHUNDERTS 

NACH FRANZ XAVER WINTERHALTER 

PORTRAIT DER JUNGEN QUEEN VICTORIA 


129 x 97 cm. 


In bewaldeter Landschaft vor abendlichem Himmel, 

die im unteren Bildteil die letzten gelb-rötlichen 

Strahlen der untergehenden Sonne aufweist, das Dreiviertelportrait 

der Monarchin nach links. Sie trägt ein 

edles helles Seidendamastkleid mit weitem Dekolleté, 

das zudem mit Spitze verziert ist, eine dunkelblaue 

Schärpe über ihrer linken Schulter, einen Orden 

und eine dünne Goldkette mit Anhänger um ihren 

Hals. Ihre Arme hat sie leicht überkreuzt und hält in 

ihrer Hand, mit goldenem Ehering am Finger, eine 

rote und eine weiße Rose nach unten. Der Ring 

dient hier als Verweis auf ihre 1840 geschlossene 

Ehe mit Albert von Sachsen-Coburg und Gotha. In Ihrem 

wohlfrisierten Haar mit Mittelscheitel ist auf 

dem Hinterkopf ihre Krone in die Haare eingearbeitet. 

Sie hat ein zartes feines Inkarnat, vollere gerötete 

Wangen, einen leicht geöffneten roten Mund und mit 

ihren glänzenden blauen Augen blickt sie voller Anmut 

und Würde aus dem Bild heraus. Repräsentative, 

einfühlsame Darstellung der jungen Queen Victoria. 

Teils Retuschen. 

Anmerkung: 

Das Originalgemälde von Franz Xaver Winterhalter 

(1805- 1873) stammt aus dem Jahr 1842, und befindet 

sich heute im Schloss von Versailles. 1842 fertigte 

der Künstler ebenfalls das Portrait von Albert von 

Sachsen-Coburg und Gotha an. 

Die beiden Rosen dürften eine Anspielung auf die 

weiße Rose des Hauses York und die rote Rose des 

Hauses Lancaster sein. (1320432) (1) (18) 

€ 7.000 - € 10.000 

766 

MAXIMILIAN ALBERT HAUSCHILD, 

1810 DRESDEN – 1895 NEAPEL 

DER DOM ZU REGENSBURG 


51,5 x 42 cm. 

Verso auf Leinwand bezeichnet und datiert 

„Hauschild p. 1883.“. 


Im sommerlichen Licht bei blauem Himmel mit strahlenden 

großen weißen Wolken der prachtvolle Regensburger 

Dom, einer der bedeutendsten gothischen 

Kathedralen in Deutschland. Auf dem großen Kirchplatz 

davor zahlreiche Figuren in biedermeierlicher 

Kleidung der Zeit, teils mit ihren Hunden, teils mit Pferden 

unterwegs. Rechtsseitig weitere alte Gebäude 

der Stadt. Der Platz malerisch von rechts von der Sonne 

beschienen, die teils Schatten wirft. Qualitätvolle, 

feine Malerei bei der insbesondere die Kirchenfassade 

hervorgehoben wird. Teils rest., kleine Retuschen. 

(1321086) (18) 

€ 3.000 - € 5.000 

Sistrix 

Sistrix 

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767 

RUSSISCHE SCHULE UM 1800 

PORTRAIT EINES ELEGANTEN MÄDCHENS 


63,5 x 52 cm. 

In vergoldetem dekorativem Rahmen. 

Vor hellbraunem Hintergrund das Halbportrait eines 

Mädchens nach rechts in weißem Empire-Kleid mit 

Spitzenbesatz, rotem Gürtel sowie rotem Umhang, 

der ihre linke Schulter bedeckt. Sie hat hochgestecktes 

geflochtenes Haar mit einem Golddiadem, und 

einige Schillerlocken bedecken ihre Stirn sowie die 

Stirnseiten. Sie hat ein feines, leicht gerötetes Gesicht, 

einen rötlichen Mund und mit ihren glänzenden 

braunen Augen schaut sie liebevoll aus dem Bild heraus. 

Feines charakterisierendes Portrait. Minimal rest., 

im Bereich des roten Schals kleine Retuschen. 

(1301401) (18) 

€ 2.500 - € 4.000 

Sistrix 

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768 

THOMAS LAWRENCE, 

1769 BRISTOL – 1830 LONDON, 

WERKSTATT/ KREIS DES 

PORTRAIT EINES GENTLEMAN 


76 x 64 cm. 

Halbportrait eines vornehmen Herren, der in einem 

Innenraum in einem Sessel vor einem zur linken Seite 

gerafften roten Vorhang mit goldenen Fransen sitzt. 

Er trägt einen schwarzen, zweireihig geknöpften Gehrock, 

darunter eine graue Weste und ein weißes 

Hemd mit Stehkragen. Seinen linken Ellenbogen hat 

er auf die Sessellehne abgestützt, sodass seine 

schmale Hand im Vordergrund sichtbar ist. Er hat ein 

feines weiches Gesicht, eine große Nase und mit seinen 

braunen glänzenden Augen schaut er aufmerksam 

aus dem Gemälde heraus. Würdevolle, repräsentative 

Darstellung in harmonischer Farbgebung. Verso 

Unterlegungen, kleine Retuschen. (1321021) (18) 

THOMAS LAWRENCE, 

1769 BRISTOL – 1830 LONDON, 

WORKSHOP/ CIRCLE OF 

PORTRAIT OF A GENTLEMAN 


76 x 64 cm. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

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221

BAREND CORNELIS 

KOEKKOEK 

1803 Middelburg – 1862 Kleve 

769 

BAREND CORNELIS KOEKKOEK, 

1803 MIDDELBURG – 1862 KLEVE 

Der Künstler war ein niederländischer Landschaftsmaler, 

der 1834 nach Kleve kam. 1841 gründete er dort 

eine Zeichenakademie. Das Wirken Koekkoeks und 

seiner Schüler begründete die Klever Romantik. Er 

war Mitglied der Königlichen Akademie der bildenden 

Künste in Amsterdam und wurde mehrfach mit Medaillen 

und Orden ausgezeichnet. 

WINTERLANDSCHAFT MIT PFERDESCHLITTEN 

AUF DEM EIS 


43,5 x 59 cm. 

Rechts unten signiert und datiert 

„B. C. Koekkoek f 1824“. 

In Prunkrahmen. 

Unter hohem Himmel mit großen Wolkenformationen, 

im rötlich-orangen Licht der untergehenden Sonne, 

ein zugefrorener Fluss mit mehreren Figuren. Im Zentrum 

ein stehender Pferdeschlitten, der gesammeltes 

Holz und Reisig beinhaltet. Zwei Männer und ein 

Junge sind gerade beim Entladen des Holzes. 

Rechtsseitig fährt ein Schlitten mit zwei Figuren an 

ihnen vorbei, während am linken Uferrand ein Mann 

dabei ist Holz zu zerhacken. Im Hintergrund am Ufer 

zwischen den hohen, malerisch in den Himmel ragenden 

kahlen Eichenbäumen ein Gehöft mit einer davor 

stehenden Frau. In der Bildmitte ist zudem im Hintergrund 

ein Schlittschuhläufer und die Silhouette einer 

Windmühle zu erkennen. Stimmungsvolle harmonische 

Malerei mit gekonnter Lichtführung. 

BAREND CORNELIS KOEKKOEK, 

1803 MIDDELBURG - 1862 KLEVE 

WINTER LANDSCAPE WITH HORSE-DRAWN 

SLEIGH ON THE ICE 


43.5 x 59 cm. 

Signed and dated “B. C. Koekkoek f 1824” lower 

right. 

Provenance: 

Sotheby’s Amsterdam, 15 December 2019, lot 23. 

Note: 

Authenticity of the painting formerly confirmed by 

Guido de Wird. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Provenienz: 

Sotheby‘s Amsterdam, 15. Dezember 2019, Lot 23. 

Anmerkung: 

Authentizität vormals bestätigt durch Guido de Wird. 

(1321453) (18) 


ANDREAS SCHELFHOUT 

1787 Den Haag – 1870 

770 

ANDREAS SCHELFHOUT, 

1787 DEN HAAG – 1870 

WINTERLANDSCHAFT MIT ZUGEFRORENEM 

FLUSSLAUF UND FIGUREN 

Öl auf Holz. 

53,2 x 71 cm. 

Links unten signiert „A. Schelfhout f.“. 

In Prunkrahmen. 

Unter hohem Himmel mit großen, grau-weißen Wolken, 

eine verschneite Landschaft mit einem zugefrorenen 

Fluss, der sich vom breiten Vordergrund in den 

Hintergrund zum Horizont schlängelt. In der Mitte am 

Ufer versuchen zwei Männer ein Weinfass in einem 

Schlitten mit Hund zu transportieren, während ein weiterer 

sich Schlittschuhe anzieht und auf einen Schlittschuhläufer 

mit einem Bündel Reisig blickt. Linksseitig, 

umgeben von hohen kahlen Eichenbäumen auf 

sonnenbestrahlten, Schnee bedecktem Boden, zwei 

alte, mit Reet gedeckte Häuser. Stimmungsvolle Malerei, 

die Atmosphäre eines sonnigen Wintertages 

vermittelnd. Das Gemälde wohl um 1815-1820 entstanden. 

Teils rest. 

Provenienz: 

Sotheby‘s, Amsterdam, 24. April 2006, Lot 149. 

Kunsthandel Rococo, Gulpen. 

Niederländische Privatsammlung. (1321456) (18) 

ANDREAS SCHELFHOUT, 

1787 THE HAGUE – 1870 

WINTER LANDSCAPE WITH FROZEN RIVER AND 

FIGURES 

Oil on panel. 

53.2 x 71 cm. 

Signed “A. Schelfhout f.” lower left. 

Provenance: 

Sotheby’s, Amsterdam, 24 April 2006, lot 149 

Kunsthandel Rococo, Gulpen. 

Dutch private collection. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

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771 


DER CANAL GRANDE IN VENEDIG 


61 x 92 cm. 

Rechts unten undeutlich signiert. 

Vom Canale Grande aus Blick auf die Punta della 

Dogana und die dahinter liegende Kirche Santa Maria 

della Salute mit ihren großen weißen Kuppeln. Jeweils 

links und rechts am Ufer zahlreiche Boote mit 

Segeln und einige Gondeln. Auf dem Ufer selbst zahlreiche 

Figuren erkennbar. Wiedergabe in diffusem 

Licht mit sommerlich blauem Himmel mit weißen 

Wolken und gelblichem Horizont, der sich im ruhigen 

Wasser widerspiegelt. Stimmungsvolle Malerei in 

weicher Farbgebung in raschem Pinselduktus. Minimale 

Retuschen, teils Rahmenschäden. 

(1321033) (18) 

€ 5.000 - € 6.000 

Sistrix 

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772 


PSEUDO-SENECA 

Kohle und Tusche auf Papier. 

Sichtmaß: 29 x 22,5 cm. 

Im textilen Passepartout, hinter Glas in blattvergoldetem 

Rahmen. 

Der Pseudo-Seneca ist eine römische Bronzebüste 

aus dem späten 1. Jahrhundert v. Chr., die 1754 in der 

Papyrusvilla in Herculaneum entdeckt wurde und das 

schönste Beispiel von etwa zwei Dutzend Exemplaren 

ist, die dasselbe Gesicht darstellen. Ursprünglich 

glaubte man, dass es Seneca den Jüngeren, den 

bedeutenden römischen Philosophen, darstellte, da 

seine abgemagerten Gesichtszüge seine stoische 

Philosophie widerspiegeln sollten. Moderne Gelehrte 

sind sich jedoch einig, dass es sich wahrscheinlich 

um ein fiktives Portrait handelt, das entweder für 

Hesiod oder Aristophanes bestimmt war. Man geht 

davon aus, dass das Original eine verlorene griechische 

Bronze aus der Zeit um 200 v. Chr. war. Die 

Büste wird im Museo Archeologico Nazionale in 

Neapel aufbewahrt und diente dem Künstler unserer 

fein aufgefassten ausdrucksvollen Zeichnung als Vorbild. 

Zur Beschreibung nicht geöffnet. 

(1300825) (13) 

€ 100 - € 200 

Sistrix 

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773 

AUGUST EDUARD SCHLIECKER, 

1833 – 1911 

BELEBTE STRASSE IN ANDERNACH AM RHEIN 


72,5 x 62,5 cm. 

Verso auf Etikett bezeichnet „Andernach am Rhein“ 

sowie rechts unten signiert „Aug. Schliecker“. 

In kanneliertem blattverziertem Rahmen. 

Belebte Szene in der historischen Altstadt von Andernach 

mit dem Runden Turm im Hintergrund. Dieser 

wurde im 15. Jahrhundert errichtet und diente zur 

Stadtbefestigung an der Nordwestecke der mittelalterlichen 

Stadtmauer. Um die Mitte des 19. Jahrhunderts 

sollte im Zuge einer Mauerniederlegung der 

Turm abgerissen werden, dies konnte jedoch verhindert 

werden. Im Jahre 1880 wurden die an dem Turm 

angebrachten Stadtwappen ausgetauscht, jedoch 

nicht schräg, sondern senkrecht eingesetzt, sodass 

dieses Gemälde vor 1880 entstanden sein muss. 

Rahmen minimal besch. 

Provenienz: 

Auktion, Ketterer, 23. November 2012, Lot 227. 

(1321084) (13) 

€ 2.000 - € 3.000 

Sistrix 

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227

774 

CONSTANTINOS VOLANAKIS, 

1837 KRETA – 1907 PIRÄEUS 

FISCHER IM KAHN IM SARONITISCHEN GOLF 


51,5 x 73 cm. 

Verso alter Papieraufkleber, dreizeilig griech. beschriftet, 

mit Wappenstempel. Rechts unten signiert. 

Beigegeben ein Echtheitszertifikat (2008, Dr. Nelly 

Missirli, Eurocert). 

Blick aufs offene Meer in heller Lichtstimmung, mit 

hellen und grauen Wolken. Im Bildzentrum ein Fischerkahn, 

besetzt mit drei Männern, von denen einer das 

Ruder hält, auf dem Kopf eine rote, wohl der Landestracht 

gehörigen Mütze. Rechts seitlich weitere Segler 

in der Ferne vor rötlich beleuchteter Sandbank, links am 

leuchtend hellen Horizont ein Mastsegler. Fliegende 

Möwen beleben die ansonsten ruhige, wie lautlose 

Stimmung. 

Der Stil des Gemäldes verrät seine Schulung an der 

Akademie in München, die er ab 1864 besuchte. Er 

wurde dort Schüler des bekannten Prof. Carl Theodor 

von Piloty, neben vielen weiteren griechischen Maler, 

wie etwa Nikolaus Gysis, Theodoros Vryzakis oder 

Georgios Iakovidis. In den folgenden Jahren nahm er 

an Ausstellungen der Münchner Künstlergenossenschaft 

teil. 1867 schuf er die „Seeschlacht von Lissa“, 

ein Gemälde, das er gelegentlich des Wettbewerbes 

der Wiener Kunstausstellung präsentiert hatte und 

sogleich von Kaiser Franz Joseph erworben wurde. 

1883 in seiner Heimat zurück, lehrte er bis 1903 an 

der Hochschule der Bildenden Künste in Athen sowie 

am Kunstzentrum in Piräus, das er gegründet hatte. 

Unverkennbar ist in seinem Werk die Prägung des 

Realismus der Münchner Schule, wobei seine Bildthemen 

jedoch wesentlich den Eindrücken seiner Heimat 

galten. Vor allem durch seine Marinebilder wurde er 

alsbald – und bis heute – der „Vater der Marinemalerei“ 

genannt. 2008 erzielte sein Bild „Karaiskakis Landung 

bei Phaliro“ auf einer Auktion nahezu zwei Millionen 

Euro. A.R. (1320851) (11) 

CONSTANTINOS VOLANAKIS, 

1837 CRETE – 1907 PIRAEUS 

FISHER IN A BARGE IN THE GULF OF SARONITE 


51.5 x 73 cm. 

Verso old paper label, inscribed in three lines in Greek, 

with coat-of-arms stamp. Signed lower right. 

Accompanied by a certificate of authenticity (2008, 

Dr Nelly Missirli, Eurocert). 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

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775 

ÉDOUARD CREMIEUX, 

1856 – 1944 

LE PORT MARSEILLE 


65 x 102 cm. 

Links unten signiert. Verso mit verschiedenen 

Nummerierungen und Etiketten, darunter ein 

Ausstellungsetikett der Stadt Mâcon mit Künstlernennung 

und Betitelung. 

In gold gefasstem Rahmen. 

Abendliche Sommerstimmung mit der Stadtsilhouette 

von Marseille, vom Wasser aus gesehen, in dunstigem 

Licht mit dem Widerschein der Sonne mit sich 

spiegeln den Booten in dem ruhigen Gewässer. In impressionistischer 

Farbauffassung. (1321093) (1) (13) 

€ 4.000 - € 6.000 

Sistrix 

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776 

FRANCESCO GUARDI, 

1712 VENEDIG – 1793 EBENDA, NACHFOLGE DES 

ANSICHT VON VENEDIG 


25 x 31,5 cm. 

In dekorativem vergoldeten Rahmen. 

Laut dem Experten Dario Succi, Goriza, ist das Gemälde 

ein Werk eines Nachfolgers von Francesco Guardi. 

Über den mit Booten und Gondeln belebten Canale 

Grande fällt der Blick auf die Piazetta mit zahlreichen 

Staffagefiguren, dem Dogenpalast, den beiden großen 

Säulen mit dem Markuslöwen bzw. mit der San-Todaro- 

Statue und auf die Biblioteca Nazionale Marciana. Im 

Hintergrund links der hohe Campanile, der in den 

hell blauen Himmel ragt. Am Ufer vor der Piazetta einige 

ankernde Boote und Schiffe. Qualitätvolle malerische 

Ansicht in lockerem leichten Pinselduktus in 

weicher Farbgebung. Minim. Rest., kl. Retuschen. 

Anmerkung: 

Verso auf Rahmen alter Aufkleber mit Datierung vom 

Juli 1929. (1321031) (18) 

FRANCESCO GUARDI, 

1712 VENICE – 1793 IBID., FOLLOWER OF 

VEDUTA OF VENICE 


25 x 31.5 cm. 

According to the expert’s report by Dario Succi, Goriza, 

the painting was created by a follower of Francesco 

Guardi. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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229

777 

LUDOVIC ALLEAUME, 

1859 ANGERS – 1941 PARIS 

Alleaume studierte an der École des Beaux-Arts in 

Paris bei Eugène Brunclaire. Von 1883-1938 zeigte er 

seine Werke auf dem Salon des Artistes Français. Ab 

1888 entstanden seine orientalisierenden Gemälde, 

welchen Reisen nach Palästina vorrausgingen. Sein 

Schaffen war vielfältig, so schuf er Holzschnitte, Gemälde, 

Lithografien und Glasmalereien. Einige Bilder 

zeigen eine präzise Konturenschärfe, während andere 

verschwommen wirken. 

UNTER DEM KASTANIENBAUM 


46 x 55 cm. 

Links unten signiert „Ludovic Alleaume“, verso auf 

Keilrahmen Etikett mit Vermerk „Sous le Marronnier“ 

sowie weiteres Etikett mit Signatur. 

In einer großen Parkanlage, unter einem weiß blühenden 

Kastanienbaum, ein elegantes Paar, er in dunklem 

Anzug und sie in einem langen altrosafarbenen Kleid, 

zärtlich aneinander geschmiegt stehend bei einem 

Kuss. Rechts im Hintergrund, umgeben von einer 

runden Buchsbaumhecke, ein Podest mit einer weiblichen 

nackten knienden Skulptur. Harmonische, wie 

im Nebel verschwommene Darstellung in ausgewogener 

zurückhaltender Farbgebung. 

Provenienz: 

Nachlassbesitz, Großbritannien. (1321441) (18) 



UNDER THE CHESTNUT TREE 


46 x 55 cm. 

Signed “Ludovic Alleaume” lower left, verso on strecher 

label with note “Sous le Marronnier” and further 

label with signature. 

Provenance: 

Estate, Great Britain. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BID 


778 



Alleaume studierte an der École des Beaux-Arts in 

Paris bei Eugène Brunclaire. Von 1883-1938 zeigte er 

seine Werke auf dem Salon des Artistes Français. Ab 

1888 entstanden seine orientalisierenden Gemälde, 

welchen Reisen nach Palästina vorrausgingen. Sein 

Schaffen war vielfältig, so schuf er Holzschnitte, Gemälde, 

Lithografien und Glasmalereien. Einige Bilder 

zeigen eine präzise Konturenschärfe, während andere 

verschwommen wirken. 

PARADIS NOCTURNE – DECLARATION 


46 x 55,1 cm. 

Rechts unten signiert „Ludovic Alleaume“. Verso auf 

Keilrahmen und Etikett betitelt. 

Unter nächtlichem Sternenhimmel eine große Parkanlage, 

die wohl vom Mondlicht beschienen wird. Auf 

einer steinernen Bank sitzend eine junge Frau in elegantem 

barockem Kleid, vor ihr in schwarzem Anzug 

und weißer Perücke mit gebundenem Zopf ein eleganter 

Herr, der seinen Kopf in ihren Schoß gelegt hat 

und wohl gerade eine Liebeserklärung gemacht hat. 

Sein Dreispitz liegt sichtbar links von ihm am Boden. 

Rechtsseitig eine freie Anlage mit zwei großen steinernen 

Kratervasen auf einem abgestuften Podest, 

jeweils gefüllt mit prachtvollen Blumen. Harmonische 

stimmungsvolle Malerei in der für den Künstler typischen, 

leicht verschwommenen Manier, in zurückhaltender 

Farbgebung. (1321442) (18) 

€ 8.000 - € 12.000 

Sistrix 

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231

779 

MALER DES 19. JAHRHUNDERTS 

ZUGFAHRT MIT EINGESCHLAFENEM TÜRKISCHEM 

HERRN 


54 x 67 cm. 

In dekorativem vergoldetem Rahmen. 

In einem Zugabteil mit großer roter Sitzaustattung ist 

ein beim Fenster sitzender, elegant gekleideter Herr 

mit rotem Fes eingeschlafen und schmiegt sich dabei 

an den Rücken einer jungen Frau in grauem Kostüm, 

ohne es zu bemerken. Diese blickt ihn missmutig an, 

während die sitzende ältere Dame rechts der beiden 

mit ihrem Kneifer ungläubig und leicht empört auf den 

so Schlafenden schaut. Humorige Genredarstellung 

in harmonischer Farbgebung mit feinen Details. Teils 

Retuschen. (1320613) (1) (18) 

€ 4.000 - € 6.000 

Sistrix 

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780 


DIE ZIGARETTE IM ZUG 


54,2 x 67,1 cm. 

In bronziertem Rahmen. 

In einem Zugabteil, über dessen rückwärtigem Abschluss 

sich neugierig zwei Jungen zeigen, sitzen 

drei männliche Personen, wobei die linke Person am 

Fenster eine Zigarette raucht und seine eine Hand 

auf einen neben ihm stehenden Koffer legt, während 

das Rauchen – heute kaum noch denkbar – von den 

Mitreisenden kritisch beäugt wird. (1320614) (1) (13) 

€ 4.000 - € 6.000 

Sistrix 

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781 

KASPAR KALTENMOSER, 

1806 HORB AM NECKAR – 1867 MÜNCHEN 

BAUERNFAMILIE IN DER STUBE MIT KLEINKIND 


70 x 85 cm. 

Rechts unten signiert, ortsbezeichnet und datiert 

„C. Kaltenmoser pinx 18 München 64“. 


Im Inneren einer großen bäuerlichen Stube mit Holzdecke 

sitzt unterhalb des Herrgottswinkels ein kleines 

Kind mit blonden Haaren und einem hellen Hemdchen 

auf einer mit weißer Decke belegter Tischplatte. 

Liebevoll wird es von seinen etwas größeren beiden 

Geschwistern betrachtet, während die dahinter in 

Tracht stehende Großmutter dem Kleinen gerade ein 

Glas mit Saft einschenkt. Linksseitig vor dem teils 

geöffneten Fenster sitzend die junge Mutter, die voller 

Interesse ihre Kinder betrachtet. Rechtsseitig vor 

einem großen, grün gekachelten hohen Ofen stehend 

der Vater, ein Pfeifchen rauchend und ebenfalls seine 

Kinder am Tisch aufmerksam beobachtend. Auf dem 

Fußboden rechts unten ein kleiner Hund, der aus 

dem Bild schaut. Lebendig komponierte Darstellung, 

in harmonischer Farbgebung mit vielen feinen Details 

und gekonnter Lichtführung. (1321082) (18) 

€ 4.000 - € 6.000 

Sistrix 

INFO | BID 


233

782 

ARNOLDO CORRODI, 

1846 – 1874 

Der Sohn Salomon Corrodis (1810-1892), der ab 1860 

in Genf u.a. im Atelier von Alexandre Calame (1810- 

1864) lernte, war ab 1866 Mitglied der Kunstakademie 

San Luca in Rom und machte dort u.a. Bekanntschaft 

mit Arnold Böcklin (1827-1901), Hans Makart 

(1840-1884) und dem spanischen Maler Mariano 

Fortuny y Madrazo (1871-1949). Von diesen wurde er 

hinsichtlich seiner romantischen Genregemälde stark 

beeinflusst. Später reiste er nach Venedig und Paris. 

Sein gesamter Nachlass wurde 1892 bei einem Brand 

des Hauses seines Bruders zerstört, was die Seltenheit 

seiner Werke unterstreicht. 

PREDIGT IN EINEM ITALIENISCHEN DORF 


90 x 130 cm. 

Links unten signiert „Arnold Corrodi Rom 1868“. Auf 

einer Rahmenplakette dem Künstler zugewiesen sowie 

betitelt „Street preaching in Rome“. 

In bronziertem lorbeerblattreliefiertem Rahmen. 

ARNOLDO CORRODI, 

1846 – 1874 

SERMON IN AN ITALIAN VILLAGE 

Oil on canvas, 

90 x 130 cm. 

Signed “Arnold Corrodi Rom 1868” lower left. Attributed 

to the artist on a frame plaque and titeld “Street 

preaching in Rome”. 

€ 16.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Vor einer Häusergruppe auf einer kleinen Anhöhe stehend 

ein gestikulierender Priester, hinterfangen von 

einem Kruzifix sowie mehreren Geistlichen. Vor ihm 

eine große Anzahl von Figuren in historischem Habit, 

hinterfangen von einer für Rom in dieser Zeit typischen 

Architektur, ins Licht der spätnachmittäglichen 

Abendsonne getaucht. (1321002) (3) (13) 


783 

AUGUST RIEDEL, 

1799 BAYREUTH – 1883 ROM, ZUG. 

NEAPOLITANISCHE FISCHERFAMILIE 


74,5 x 92 cm. 


Am Golf von Neapel am Ufer mit ankerndem Boot sitzend 

ein Fischer auf einer Mandoline spielend, neben 

ihm tiefer am Boden sitzend die Frau, die Hände über 

die Knie genommen, sowie die kleine Tochter, die sich 

an die Mutter schmiegt, mit ihrer Hand an der Schulter 

der Mutter und dem Vater beim Musizieren zublickend. 

Im Vordergrund rechts ein zusammengekauerter, friedlich 

schlafender Hund. Im Hintergrund das ruhige blaue 

Meer unter hohem Himmel. Wiederholung eines beliebtes 

Motivs des Künstlers, hier jedoch statt eines 

Obstkorbes ein liegender Hund. Verso zwei kleine Unterlegungen 

AUGUST RIEDEL, 

1799 BAYREUTH – 1883 ROME, ATTRIBUTED 

NEAPOLITAN FISHERMAN FAMILY 


74.5 x 92 cm. 

Notes: 

The motif can also be found in the 1834 painting by 

August Riedel in the Neue Pinakothek in Munich. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BID 

Anmerkung: 

Das Motiv findet sich auch auf dem Gemälde aus dem 

Jahr 1834 von August Riedel in der neuen Pinakothek 

München wieder. (1321036) (18) 


235

784 

GIUSEPPE GABANI, 

1846 – 1900 ROM 

FEUER IM PFERDESTALL 


106 x 180 cm. 

Links unten signiert und ortsbezeichnet 

„G.Gabani Roma“. 


Blick in einen Pferdestall mit schwarzen Rappen, Braunen 

und Schimmeln, festgebunden vor einem großen 

Futtertrog. Im Hintergrund rechts sind die hohen gelbroten 

lodernden Flammen eines großen Feuers und 

die aufsteigenden grauen Rauchschwaden zu sehen, 

die sich bereits im ganzen Stall verteilt haben. Voller 

Verzweiflung und mit aufgerissenen Augen versuchen 

sich die Pferde loszureißen, um fliehen zu können. 

Einigen ist dies gelungen, jedoch stehen sie in Aufregung 

links vor einem verschlossenen großen Holztor 

und hoffen auf Auslass. Dramatische Darstellung in 

zurückhaltender Farbigkeit, die Tiere und deren Verhalten 

und Entsetzen hervorragend wiedergegeben. 

Eine Kratzspur. 

Anmerkung: 

Gabani studierte zunächst bei Cesare Maccari und 

Giuseppe Raggio und spezialisierte sich dann hauptsächlich 

auf Historienmalerei sowie Landschaften, 

Tiere und insbesondere Pferde. Er ist auch bekannt 

für seine orientalistischen Themen, von denen die 

meisten Pferdethemen umfassen. (1321255) (18) 

GIUSEPPE GABANI, 

1846 – 1900 ROME 

FIRE IN THE HORSE STABLE 


106 x 180 cm. 

Signed with place name “G. Gabani Roma” 

lower left. 

€ 12.000 - € 15.000 

Sistrix 

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785 

OSWALD ACHENBACH, 

1827 DÜSSELDORF – 1905 EBENDA 

(ABB. LINKS) 

Zusammen mit seinem Bruder Andreas Achenbach 

(1815-1910) gehört der Künstler zu den bedeutensten 

Landschaftsmalern dieser Zeit. 

STUDIE AUS MONTEALLEGRO, 1855 

Öl auf Platte. 

34 x 22 cm. 

Oben links ortsbezeichnet, datiert und signiert 

„Monteallegro 5.8.1855 Osw. Achenbach“. Verso 

bezeichnet. 

In Louis XV-Stil-Rahmen. (1320111) (13) 

€ 2.000 - € 3.000 

Sistrix 

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786 

ROBERT ZÜND, 

1827 LUZERN – 1909 EBENDA, ZUG. 

ALPENLANDSCHAFT MIT FLUSSLAUF 

Öl auf Leinwand, auf Platte. 

46 x 56 cm. 

Rechts unten Signatur in Rot „Robert Zünd“. 


Blick von erhöhtem Standpunkt auf eine weite Landschaft 

mit Gebirge und einem breiten Fluss mit einer 

Kaskade, an dessen linkem Ufer ein großes Bauernhaus 

mit Holztreppe und Balkon steht. Vor dem Gebäude 

ein Mann, ein hochgehaltenes Horn blasend. 

Im Hintergrund auf einer grünen Wiese ein Paar mit 

seinen Schafen. Vom Haus führt ein steiniger Weg 

zum Flussufer hinab. Während in der linken unteren 

Bildhäfte zwei Stümpfe abgebrochener Nadelbäume 

zu sehen sind, ragen hinter dem Haus, mit erkennbarem 

weiterem Gebäude, zwei hohe Tannen, stark nach 

rechts geneigt, in den hohen, leicht diesigen blauockerfarbenen 

Himmel. Derartig geneigte Baumpaare 

lassen sich auch auf weiteren Landschaften mit Fluss 

des Künstlers finden. Vereinzelt Retuschen. 

Anmerkung: 

Zünd besuchte das Atelier von Jakob Josef Zelger, 

der ihm empfahl, nach Genf zu ziehen (er war damals 

21 Jahre alt), wo er Schüler von Francois Diday (1802- 

1877) und Alexandre Calame (1810-1864) wurde. 

Dieses Gemälde ist wohl von dieser Zeit beeinflusst. 

1851 reiste er nach München. Beginn einer langen 

Freundschaft mit Rudolf Koller. In Paris studierte er 

1852 die Alten Meister im Louvre. Nach einem Aufenthalt 

in Dresden (1860) ließ er sich in Luzern (1863) 

nieder. (1320381) (18) 

€ 8.000 - € 12.000 

Sistrix 

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237

787 

ANTON DOLL, 

1826 MÜNCHEN – 1887 EBENDA 

WINTERLANDSCHAFT AN EINEM FLUSS 

MIT HOHER BURG 


46,5 x 62,5 cm. 

Rechts unten signiert „A. Doll“. Verso mit altem 

Vergolderetikett aus Winterthur. 

In vergoldetem Louis XV-Rahmen. 

(1321081) (13) 

€ 2.500 - € 3.500 

Sistrix 

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788 

NIEDERLÄNDISCHER MALER 

DES 18./ 19. JAHRHUNDERTS 

GROSSES BLUMENSTÜCK MIT PENDULE 

UND KERZENSTÄNDER 


104 x 83 cm. 

In teilvergoldetem ebonisiertem Rahmen. 

Auf einer angedeuteten Steinplatte steht eine mit weit 

auskragendem Blumenbouquet gefüllte Balustervase 

mit Doppelhenkeln, daneben eine Pendule sowie ein 

figürlicher Kerzenleuchter. Zur Linken ein Zinnteller, 

eine Tazza und eine Karaffe, vor der Vase ein Büchlein 

mit Taschenuhr. Das Gemälde orientiert sich kompositionell 

und farblich an Vorbildern des niederländischen 

Goldenen Zeitalters und lässt stilistische Formen des 

späten 18. und 19. Jahrhunderts einfließen. 

(1320471) (13) 

€ 6.000 - € 8.000 

Sistrix 

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239


789 

LEOPOLD CARL MÜLLER, 

1834 DRESDEN – 1892 WEIDLENGAU, HEUTE 

WIEN, ZUG. 

Der Maler war Österreichs bedeutendster 

Orientmaler. 

NUBIER MIT GELBEM TURBAN 


85 x 70,5 cm. 

Verso mit drei Nachlassstempeln auf 

der Leinwand und dem Keilrahmen. 

In gekehltem, ornamental plastisch 

verziertem Rahmen. 

Vor unbestimmtem Hintergrund, in breitem Pinselduktus, 

eine sich vor schwarzem Fond abzeichnende 

sitzende Halbfigur eines nach rechts gerichteten 

Mannes mit weißem Gewand, das durch einen Textilgurt 

zusammengehalten wird. Der Blick leicht gegen 

den Betrachter gewandt. Aufgrund der Thematik seiner 

Darstellung war der Maler auch als Orient-Müller 

oder Ägypten-Müller bekannt. (1321083) (13) 

€ 3.000 - € 5.000 

Sistrix 

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790 

ADDISON THOMAS MILLAR, 

1860 OHIO – 1913 SOUTH NORWALK, 

CONNECTICUT 

BLICK AUF EINEN BAZAR IN ALGIER, 1911 


35,8 x 46 cm. 

Links unten signiert „Addison T. Millar“, sowie Daumenabdruck. 


Durch die enge Straße eines orientalischen Bazars 

fällt das Sonnenlicht auf einen kleinen Händlerladen, 

dessen Inhaber hinter der offenen Brüstung einem 

Kunden gerade Ware präsentiert. Zu Seiten des Geschäftes 

und über der Ladenbrüstung werden prachtvoll 

geknüpfte, überwiegend rot-blaue Teppiche präsentiert. 

Malerei mit vielen Details in teils pastosem 

Farbauftrag in typischer Manier des bekannten amerikanischen 

Künstlers. 

Provenienz: 

Berko Fine Paintings, Paris, Brüssel, Knokke. 

Anmerkung: 

Auf der Rückseite der Leinwand befindet sich der 

gleiche Fingerabdruck mit den vier Initialen „A“, „T“, 

„M“ und der Nummer „II“. Das letzte Zeichen muss 

wohl das Datum sein und bezieht sich auf das Jahr 

1911. (1320618) (1) (18) 

ADDISON THOMAS MILLAR, 

1860 OHIO – 1913 SOUTH NORWALK, 

CONNECTICUT 

VIEW OF A BAZAAR IN ALGIERS, 1911 


35.8 x 46 cm. 

Signed “Addison T. Millar” lower left, and thumbprint. 

In decorative frame. 

Provenance: 

Berko Fine Paintings, Paris, Brussels, Knokke. 

Notes: 

The back of the canvas shows the same fingerprint 

with the four initials signs “A”, “T”, “M” and “II”. The 

last character probably is the date and refers to the 

year 1911. 

€ 10.000 - € 12.000 

Sistrix 

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241

THÉODORE GÉRICAULT 

1791 – 1824 

791 

THÉODORE GÉRICAULT, 

1791 – 1824 

Théodore Géricault (1791-1824) war der erste französische 

Maler der Romantik. Er wurde im Atelier von 

Carle Vernet ausgebildet und studierte bei Guérin. 

Obwohl er beim Wettbewerb um den Prix de Rome 

nicht erfolgreich war, reiste er 1816 nach Italien, um 

die Maler der Renaissance für sich zu entdecken. Er 

war von den Werken Michelangelos stark beeindruckt, 

dessen Einfluss sich in den kraftvollen Anatomien seines 

Hauptwerkes Das Floß der Medusa manifestierte. 

Die im Salon von 1819 ausgestellte Erzählung dieser 

wahren Begebenheit, die durch ihr monumentales 

Format in den Rang eines Historiengemäldes erhoben 

wurde, löste einen Skandal aus und spaltete die 

Kritiker. Der Schrecken des Themas faszinierte und 

löste teils Abscheu für den als zu realistisch empfundenen 

„Leichenhaufen“ aus, teils aber auch Bewunderung 

für ein modernes Gemälde mit einem politischen 

und aktuellen Thema. Verdrossen beschloss 

Géricault, mit seinem Gemälde nach England zu gehen, 

wo er die Landschaften von Turner und Constable entdeckte, 

die ihn dazu einluden, die Register seiner Malerei 

zu erweitern. Géricault, der sich leidenschaftlich 

für die Welt des Reitsports interessierte, war auch ein 

Maler von Pferden – aber auch von Katzen –, denen er 

zahlreiche Bilder widmete, bis er schließlich veritable 

Porträts von ihnen schuf, in denen die Tiere fast wie 

Menschen aussahen. Er starb an den Folgen eines 

Sturzes vom Pferd. 

ZWEI LÖWEN EINEN WAGEN ZIEHEND, 

1811 – 1812 

Öl auf Leinwand. Altdoubliert. 

45,8 x 55,2 cm. 

Auf der Rückseite, auf dem Keilrahmen, roter Wachsstempel 

der Sammlung Pierre Dubaut. 

In gekehltem Empirerahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Bruno Chenique, bestätigend, 

dass das Gemälde in das in Vorbereitung 

befindliche Werkverzeichnis aufgenommen wird. 

Ebenfalls anbei eine technische Untersuchung von 

Lumière Technology, Juni 2009. 

Wie zwei Pferde, die vor einen Wagen gespannt sind, 

zeigen die beiden Löwen ein ähnliches Verhalten: Der 

eine streckt seine Pfote wie zur Parade vor, während 

der andere zu wiehern scheint. Das Gespann, von 

dem man nur die Vorderseite des Wagens sieht, ist in 

der Tat unpassend, da es allegorischer Natur ist. Im 

Originalgemälde von Peter Paul Rubens (1577-1640) 

trifft Heinrich IV. als Jupiter auf Maria de Medici als 

Juno in der Stadt Lyon, die durch eine junge Frau in 

einem von den beiden gleichnamigen Löwen gezogenen 

Wagen angedeutet wird. Auf dem Gemälde von 

Rubens konzentrierte sich Géricault auf die Raubkatzen 

und verzichtete auf die Putten, die ursprünglich 

auf ihrem Rücken angebracht waren. Géricault, der 

sowohl Tier- als auch Porträt- oder Historienmaler war, 

malte sein Bestiarium nicht nur gerne aus dem Leben, 

sondern kopierte es auch nach den großen 

Meistern, wobei er vor allem den Louvre als unerschöpfliche 

Quelle der Inspiration nutzte. Von Rubens 

übernimmt er hier den Stil, die Farbtöne und die Lebendigkeit, 

aber er bringt seine eigene Erfahrung mit 

einer freieren Pinselführung ein, die an die Löwen erinnert, 

die er nach der Natur im Jardin des plantes 

beobachtet hatte. (†) 

Provenienz: 

Laut Philippe Grunchec und Germain Bazin: Catalogue 

des tableaux anciens & modernes par ou attribués 

à Bastien-Lepage, [.], Géricault, [.], aquarelles et 

gouaches, dessins [.] ayant composé la collection de 

Monsieur F. Funck-Brentano, Henri Baudoin, commissaire-priseur, 

Marignane, expert, Paris, Hôtel Drouot, 

salle n° 1, 29 avril 1921, n° 179 : „Géricault. Copie 

d‘après Rubens des lions de la Vie de Henri IV, au 

Louvre. / Peinture. / Toile. Haut., 50 cent. ; larg., 61 

cent“. 

Paris, Sammlung Pierre-Olivier Dubaut, Maler und 

Sammler, (1886-1968), zweifellos bereits 1937. 

Paris, Sammlung Maxime Dubaut (1920-1991), Maler. 

Paris, Sammlung Jacqueline Dubaut-Bellonte (1926- 

2012), Galerist. 


Künstlerkopien, Basel, Kunsthalle, 18. September - 

17. Oktober 1937, Nr. 78. Katalogtext: Géricault, Kopie 

nach Rubens. Aus der Geschichte der Maria von 

Medici/. Detail aus der Vermählung Heinrichs IV mit 

Maria von Medici (Louvre). / Verkäuflich. 

Literatur: 

Philippe Grunchec, L‘inventaire posthume de Théodore 

Géricault (1791-1824) , in: Bulletin de la Société de 

l‘Histoire de l‘art français, Jahrgänge 1976, 1978, 

S. 415, als Géricault. 

Philippe Grunchec, Tout l‘œuvre peint de Géricault, 

Vorwort von Jacques Thuillier, Paris 1978, S. 88, 

Nr. 18, mit Abbildung, als Géricault. 

Germain Bazin, Théodore Géricault. Étude critique, 

documents et catalogue raisonné, Bd. II, L‘œuvre, 

période de formation, Paris 1987, S. 434, Nr. 320, mit 

Abbildung, als unbekannter Künstler. 

Philippe Grunchec, Tout l‘œuvre peint de Géricault, 

Vorwort von Jacques Thuillier, Paris 1991, S. 88, 

Nr. 18, mit Abbildung, als Géricault: „Géricault, Deux 

lions, d‘après Rubens, 1808-1812, huile sur toile, 45 

x 55 cm, Paris, collection particulière. Germain Bazin, 

qui admet n‘avoir pas vu le tableau, préfère réserver 

son avis“. 

Bruno Chenique, Théodore Géricault, Deux lions, 

copie d‘après Rubens, Tableaux et sculpture XIXe 

et XXe siècle. Collection Pierre Dubaut, Artcurial- 

Deauville, James Fattori et Bernard de Reviers, 

commissaires-priseurs, Cabinet Turquin-Mauduit, 

Deauville, 22. August 2009, S. 14-16, Nr. 17. 

Das hier angebotene Gemälde wird in das von Bruno 

Chenique in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis 

zu den Gemälden von Théodore Géricault aufgenommen. 

(1321138) (13) 

THÉODORE GÉRICAULT 

1791 – 1824 

TWO LIONS PULLING A CHARIOT, 

1811 - 1812 

Oil on canvas. Old relining 

45,8 x 55,2 cm. 

On the reverse, on the stretcher, red wax stamp of 

the Pierre Dubaut Collection. 

Enclosed an expert’s report by Bruno Chenique, confirming 

the inclusion of the painting in the catalogue 

raisonné in preparation. Also enclosed a technical examination 

by Lumière Technology, June 2009. (†) 

Provenance: 

According to Philippe Grunchec and Germain Bazin : 

Catalogue des tableaux anciens & modernes par ou 

attribués à Bastien-Lepage, [.], Géricault, [.], 

aquarelles et gouaches, dessins [.] ayant composé 

la collection de Monsieur F. Funck-Brentano, Henri 

Baudoin, commissaire-priseur, Marignane, expert, 

Paris, Hôtel Drouot, salle n° 1, 29 avril 1921, n° 179 : 

“Géricault. Copie d’après Rubens des lions de la 

Vie de Henri IV, au Louvre. / Peinture. / Toile. Haut., 

50 cent.; larg., 61 cent“. 

Paris, Collection Pierre-Olivier Dubaut, painter and 

collector, (1886-1968), no doubt as early as 1937. 

Paris, Collection Maxime Dubaut (1920-1991), painter. 

Paris, Collection Jacqueline Dubaut-Bellonte (1926- 

2012), gallery owner. 

Literature: 

Philippe Grunchec, L’inventaire posthume de Théodore 

Géricault (1791-1824), in: Bulletin de la Société de 

l’Histoire de l’art français, Years 1976, 1978, p. 415, 

as Géricault. 

Philippe Grunchec, Tout l’œuvre peint de Géricault, 

foreword by Jacques Thuillier, Paris 1978, p. 88, 

no. 18, with illustration, as Géricault. 

Germain Bazin, Théodore Géricault. Étude critique, 

documents et catalogue raisonné, vol. II, L’œuvre, 

période de formation, Paris 1987, p. 434, no. 320, 

with illustration, as unknown artist. 

Philippe Grunchec, Tout l’œuvre peint de Géricault, 

foreword by Jacques Thuillier, Paris 1991, p. 88, no. 

18, with illustration, as Géricault: “ Géricault, Deux 

lions, d’après Rubens, 1808-1812, huile sur toile, 45 

x 55 cm, Paris, collection particulière. Germain Bazin, 

qui admet n’avoir pas vu le tableau, préfère réserver 

son avis”. 

Bruno Chenique, Théodore Géricault, Deux lions, 

copie d’après Rubens, Tableaux et sculpture XIXe et 

XXe siècle. Collection Pierre Dubaut, Artcurial-Deauville, 

James Fattori et Bernard de Reviers, commissaires-priseurs, 

Cabinet Turquin-Mauduit, Deauville, 

22 August 2009, p. 14-16, no. 17. 

The painting offered here will be included in the 

catalogue raisonné of the paintings of Théodore 

Géricault being prepared by Bruno Chenique. 

€ 250.000 - € 350.000 

Sistrix 

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243

792 

FÉLIX ZIEM, 

1821 BEAUNE – 1911 PARIS 

Der Künstler unternahm nach seinem erfolgreichen 

Studium der Architektur mehrere Studienreisen nach 

Italien zwischen 1845 und 1848 und machte die Malerei 

schließlich zu seinem Beruf. In Venedig fand er 

Inspriation für seine Werke, insbesondere Stillleben, 

Portraits und Landschaftsbilder. Er kann der Schule von 

Barbizon zugerechnet werden. 1857 ernannte ihn die 

französische Regierung zum Ritter der Ehrenlegion. 

KÜSTENSTÜCK IN ISTANBUL 

Öl auf Holz. 

38,5 x 58,5 cm. 

Rechts unten in den Wellen signiert „Ziem“. 

In bronziertem vegetabil reliefiertem Rahmen. 

FÉLIX ZIEM, 

1821 BEAUNE – 1911 PARIS 

COASTAL SCENE IN ISTANBUL 

Oil on panel. 

38.5 x 58.5 cm. 

Signed “Ziem” beneath the waves on the right. (†) 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

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Der Sohn einer französischen Mutter und eines kroatischen 

Vaters wurde in Beaune, Burgund, geboren 

und studierte Architektur, bevor er sich ganz der Malerei 

und dem Reisen widmete. Sein Markenzeichen 

sind die Ansichten von Venedig und Istanbul, mit ihrer 

charakteristischen Verschmelzung von Stadtlandschaft 

und Wasser in intensiven, manchmal leuchtenden 

Farben. Besonderes Augenmerk legte Ziem auf die 

Wiedergabe der wechselnden Lichtverhältnisse zu verschiedenen 

Tageszeiten, was ihn zu einem der Vorläufer 

des Impressionismus machte. In unserer Ansicht 

von Istanbul sieht man kurz den Bosporus mit der in 

sommerlichem Dunst getauchten Hagia Sophia, die 

von kleinen Wölkchen umspielt wird. Eine Ansicht in 

der Sammlung des Petit Palais in Paris zeigt eine sehr 

ähnliche Ansicht, jedoch mit röterem Himmel. Die 

Komposition an sich kennen wir von mehreren Gemälden 

von Félix Ziem, wobei sich die Lichtregie und 

die Repoussoir-Architektur unterscheiden kann. (†) 

(1320603) (13) 


793 

EMILIO VASARRI, 

1862 – 1928 

SAMSON, DER DAZU VERURTEILT IST 

DEN MÜHLSTEIN ZU DREHEN, WIRD VON 

DEN PHILISTERN VERSPOTTET 


74,5 x 130 cm. 

Links unten signiert sowie auf einer Plakette des 

Rahmens dem Künstler zugewiesen und Ausstel lungshistorie. 

Verso mit Ausstellungsetikett aus Monte Carlo 

mit Künstlernennung und Betitelung. 

In bronziertem Louis XV-Stilrahmen. 

Wie auch Jean-Léon Gérome (1824-1904) und Ernest 

Meissonier (1815-1891) spezialisierte sich Emilio Vasarri 

auf Genreszenen, die in Bezug auf die griechischrömische 

Periode der Antike stehen. In einigen seiner 

Gemälde werden Sklaven dargestellt, in diesem Fall 

ist es der gefesselte Samson, auf dem Mühlstein 

sitzend, in einem antiken Innenraum mit ihn umringenden 

und verspottenden Figuren. Dieser hatte angeblich 

eintausend Philister mit einem Eselskinnbacken 

erschlagen, nachdem diese Israel besetzt hatten. Delia 

hatte seine Haare, die ihm eine ungeheuerliche 

Kraft verliehen und ihn unbesiegbar werden ließen, 

abgeschnitten, sodass die Philster ihn gefangen nehmen 

konnten. Anlässlich eines Freudenfestes wurde 

Samson nun aus seinem Gefängnis geführt und dem 

Spott der Philister Preis gegeben. 

EMILIO VASARRI, 

1862 – 1928 

SAMSON, CONDEMNED TO TURN THE 

MILLSTONE, RIDICULED BY PHILISTINES 


74.5 x 130 cm. 

Signed lower left, and on a frame plaque attributed to 

the artist and exhibition history. Verso with exhibition 

label from Monte-Carlo with artist´s name and title. 

Exhibitions: 

First prize awarded at the Florence Academy and 

bronze medal awarded at the 1900 Universal Exhibition. 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

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Erster Preis bei der Akademie Florenz sowie Bronzemedaille 

bei der Weltausstellung 1900. (1320444) 

(1) (13) 


245

794 

GIACOMO CAMPI, 

1846 MAILAND – 1921 EBENDA 

FESTLICH GESCHMÜCKTES BOOT MIT FIGUREN 

VOR ORIENTALISCHER HAFENKULISSE 


59 x 74 cm. 

Rechts unten signiert „G. Campi“. 

Ungerahmt. 

Auf ruhigem Wasser ein großes, mit Blumenranken 

geschmücktes Boot, an dessen rechten Ende eine 

junge Frau mit rotem Schirm sitzt, die sich auf einem 

wertvollen Teppich über den Bootsrand gelehnt hat. 

Vor ihr sitzend mehrere verschleierte Frauen und eine 

kleine Kapelle, die aufspielt. Am anderen Ende des 

Bootes eine bereits eingerollte Flagge und ein junger 

Mann, der das große Boot steuert. Im Hintergrund die 

Silhouette einer orientalischen Stadt mit Minaretten, 

unter hohem hellblauem Himmel mit weißen Wolkenformationen. 

(1321229) (4) (18) 

€ 5.000 - € 7.000 

Sistrix 

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795 

HERMANN DAVID SOLOMON CORRODI, 

1844 FRASCATI – 1905 ROM 

Corrodi war neben seinen italienischen Ansichten für 

seine orientalischen Veduten und Szenen berühmt, die 

er stets in einen luftigen landschaftlichen Zusammenhang 

führte und Staffagefiguren selten fehlen ließ. 

FIGUREN UNTER EINEM BAUM VOR 

DEN RUINEN EINES TEMPELS 


74,5 x 134,6 cm. 

Trägt links unten Signatur und Ortsbezeichnung 

„H. Corrodi Roma“. 

In breitem geprägtem, ornamental verziertem 

vergoldetem Rahmen. (†) (13013115) (13) 

HERMANN DAVID SALOMON CORRODI, 

1844 FRASCATI – 1905 ROME 

FIGURES BENEATH A TREE IN FRONT 

OF THE RUINS OF A TEMPLE 


74.5 x 134.6 cm. 

Signed and place name lower left: “H. Corrodi Roma”. 

(†) 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

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247

796 

VINCENZO GIOVANNINI, 

1816 – 1868 

BLICK ÜBER DAS FORUM IN ROM 


93 x 165 cm. 

Aus erhöhtem Standpunkt des Kapitolshügels, wird 

hier der Blick über das Forum geboten. Das betonte 

Breitformat erlaubt hier einen Panoramablick, in dem 

die einzelnen Bauten in akribischer Genauigkeit wiedergegeben 

werden. Hier dominieren die erhaltenen 

Bauten und Säulen der römischen Tempel, wie des 

Castor- und des Vestatempels, aber auch der Triumphbogen 

des Septimus Severus links im Bild. Weiter 

hinten die in hellem Licht stehende Säulenfront des 

ehemaligen Tempels des Antoninus Pius, in den die 

Kirche San Lorenzo in Miranda eingebaut wurde. In 

weiterer Ferne ist das Colosseum nur noch im blauen 

Lichtdunst zu sehen. So liefert das raumbeherrschende 

Panoramagemälde eine Erinnerung an Rom in 

sonnigem Licht unter blauem Himmel. Die Figurenstaffage 

gibt die Kostüme des 19. Jahrhunderts wieder, 

Indiz für die frühe Entstehungszeit des Bildes. 

Der Maler hat sich in die Tradition der römischen 

Vedutisten eingereiht. Bereits früh aus Umbrien nach 

Rom gezogen, begann er sein Studium an der Accademia 

di San Michele. Später wurde er Mitglied der 

Accademia di San Luca. In einer Zeit der „Grand Tour“ 

erhielt der Maler zahlreiche Aufträge, wobei er vor allem 

die Ansichten Roms und des Forums besonders 

beliebt waren. Giovanninis Veduten zeigen sich sehr 

abwechslungsreich, denn er erfasste sie aus den verschiedensten 

Perspektiven. A.R. 

Literatur: 

Das Gemälde publiziert in: 

P. A. de Rosa, P. E. Trastulli: Vincenzo Giovannini 

(1817-1903). Dipinti di Roma e Campagna. Regesto 

delle Opere, Rom 2002. (1301324) 

VINCENZO GIOVANNINI 

1816 – 1868 

VIEW OVER THE FORUM IN ROME 


93 x 165 cm. 

Literature: 

The painting published in: 

P. A. de Rosa, P. E. Trastulli: Vincenzo Giovannini 

(1817-1903). Dipinti di Roma e Campagna. Regesto 

delle Opere, Rome 2002. 

€ 55.000 - € 75000 

Sistrix 

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797 

PIETRO GABRINI, 

1856 ROM – 1926 EBENDA 

GESELLSCHAFT VOR RÖMISCHER VILLA 


110 x 180 cm. 

Links unten signiert, ortsbezeichnet und datiert 

„P.GABRINI ROMA MXMXVI“. 


Im offenen Vorraum einer prachtvollen römischen Villa 

mit Säulen und einem in den Fussboden eingelegtem 

Mosaik auf einem Teppich mit drei Hockern, der sitzende 

Hausherr in weißer Tunika, neben ihm eine stehende 

Frau in hellblauem Gewand mit rotem Mantel 

und goldenem Haarschmuck und eine weitere sitzende 

Dame. Hinter ihnen weitere Figuren in römischantiker 

Kleidung, wohl den Ausführungen des linksseitig 

stehenden Mannes aufmerksam und bewundernd 

lauschend. Dieser weist mit Handgestus auf eine 

übergroße figurenreiche Skulptur mit einem Pferd hin, 

die außerhalb des Raumes auf einem rechteckigen 

Sockel steht. Im Vordergrund links am Boden stehend 

eine goldene Schale, gefüllt mit rosafarbenen und 

roten Rosen, von denen einige wenige am Boden liegen. 

Im Hintergrund links, vorbei an einer Vase mit 

einer Agave auf der Hausbrüstung, fällt der Blick auf 

eine Landschaft mit hochragenden Pinienbäumen, die 

gerade von der Sonne beschienen werden. Detailreiche 

Malerei mit reicher Interieurausstattung, die 

auf ein wohlhabendes römisches Ehepaar hinweist. 

Wenige kl. Retuschen. (1301328) (18) 

PIETRO GABRINI, 

1856 ROME – 1926 IBID. 

PARTY OUTSIDE A ROMAN VILLA 


110 x 180 cm. 

Signed lower left, with place name and dated 

“P. GABRINI ROMA MXMXVI”. 

€ 50.000 - € 60.000 

Sistrix 

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249

798 

ETTORE FORTI, 

ITALIENISCHER KÜNSTLER DES 

19./ 20. JAHRHUNDERTS 

DER VASENHÄNDLER 


60 x 74 cm. 

Rechts unten signiert und ortsbezeichnet 

„E. Forti Roma“. 


Im offenen Innenraum eines römischen Hauses bietet 

ein Vasenhändler seine wertvollen Waren zwei elegant 

gekleideten Damen in der Mitte des Raumes an. Die 

Hausherrin sitzt wohl auf einem Stuhl mit rotem Kissen, 

in einem langen weißen Gewand, das reich mit 

goldenem Schmuck verziert ist. Neben ihr stehend 

eine weitere junge Frau in grün-rotem Gewand, beide 

gerade skeptisch die Vase in den Händen des Händlers 

begutachtend. Vor ihm, auf dem weiß-blauen 

Mosaikboden, auf dem auch zwei Delfine zu erkennen 

sind, weitere Gefäße. Darunter auch eine schmale 

Amphore sowie weitere Vasen am Eingang, auf einem 

großen Absatz zur Straße hin stehend. Der Innenraum 

wertvoll ausgestattet mit roter Wand und goldenen 

Malereien. Dazu in der Ecke stehend, auf einem 

Marmorrundsockel, eine große wertvolle Skulptur. 

Nach rechts fällt der Blick auf eine Straße mit Figuren 

und Häusern unter hellblauem Himmel. Detailreiche 

Malerei des für seine realistischen neopompejianischen 

Darstellungen, mit Szenen des antiken römischen 

Lebens bekannten Künstlers. (1321761) (18) 

€ 5.000 - € 7.000 

Sistrix 

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799 


ODALISKEN IN EINEM HAREM 


73 x 99,5 cm. 

Links unten signiert „P. Dumont“. 


In einem prachtvollen farbenfrohen Interieur eines 

Harems eine Gruppe von edel gekleideten Odalisken. 

Im Mittelpunkt eine halb liegende schwarzhaarige 

Schönheit in einem weißen, fast durchsichtigen Kleid 

mit weißem Schleier und reichem Schmuck. Sie hält 

ihren rechten Arm hochgestreckt, auf dem sie einen 

weißen Kakadu sitzen hat. Ihre Begleiterinnen beobachten 

das Geschehen. Auf der linken Seite hat sich 

eine Musikantengruppe auf einem wertvollen Perserteppich 

niedergelassen. Zu ihrer Musik eine junge Frau 

mit weißem Rock und freiem Oberkörper, ein lindgrünes 

langes Tuch in ihren Händen haltend, beim 

Bauch tanz. Im Hintergrund wertvolle braun-rote und 

grünliche Teppiche. Durch eine Türöffnung kann man 

in den Innenraum einer Kirche blicken. Im Vordergrund 

ein weiterer großer wertvoller Teppich, auf dem ein 

kleines mehreckiges maurisches Tischchen mit einer 

Flasche steht. Am rechten seitlichen Bildrand ein weiteres 

Tischchen mit einer Schale mit Früchten. Das 

Gemälde in der Malerei des Orientalismus des 19. 

Jahrhunderts stellt ein beliebtes Sujet dar, wobei die 

jungen Frauen meist mit durchscheinenden Schleiern 

oder mit freiem Oberkörper dargestellt werden. Teils 

rest., teils Retuschen. (13218832) (18) 

€ 7.500 - € 9.000 

Sistrix 

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251

800 

CHARLES THÉODORE FRÈRE, 

1814 PARIS – 1888 EBENDA 

1869 begleitete der Künstler Kaiserin Eugenie, die 

Ehefrau Napoleons III, bei ihrer Fahrt auf dem Nil und 

führte in ihrem Auftrag zahlreiche Aquarelle der dortigen 

Gegenden aus, ehe er sich in Kairo niederließ. 

DER TEMPEL VON PHILAE 

Öl auf Holz. 

26,5 x 48 cm. 

Links unten signiert „TH. FRÈRE.“. 


Blick vom Ufer über das Wasser auf die Insel mit dem 

großen Tempelkomplex, in dessen Zentrum der Tempel 

der Göttin Isis steht. Rechtsseitig davon weitere kleinere 

Bauwerke, links ragen mehrere große Palmen in 

den hellblauen, teils vom Licht der untergehenden 

Sonne gelblich verfärbten Himmel. Im ruhigen, die Insel 

umgebenden Wasser spiegeln sich die Tempelanlagen 

harmonisch wieder. Im Vordergrund, am Ufer, drei sitzende 

Frauen in langen blauen Gewändern sowie eine 

stehende Frau, in ihrer rechten erhobenen Hand eine 

Vase tragend. Zudem sind am Ufer einige antike Ruinen 

stücke zu erkennen. Prachtvolle stimmungsvolle 

Malerei in teils diesigem Licht, die Ruhe und Würde 

ausstrahlt. Minimale Retuschen. 

Anmerkung: 

Der hier gezeigte Tempelkomplex liegt in Oberägypten, 

etwa acht Kilometer südlich von Assuan. Er steht jetzt 

auf der Insel Agilkia, nachdem er Ende der 1970er- 

Jahre auf der heute überfluteten Insel Philae abgebaut 

und auf dem höheren Gelände von Agilkia neu 

errichtet wurde. (1321605) (18) 

€ 7.000 - € 9.000 

Sistrix 

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801 

HENRI DUVIEUX, 

UM 1855 – 1902 

(ABB. LINKS UNTEN) 

BLICK AUF VENEDIG MIT DEM DOGENPALAST 

IM STIMMUNGSVOLLEN LICHT 


41 x 65 cm. 

Links unten signiert "Duvieux". 


Blick über den ruhig fließenden Canal Grande mit einer 

besetzten Gondel auf das berühmte Ufer mit dem 

Dogenpalast, der Piazzetta mit den beiden Säulen, 

der linksseitig wiedergegebenen Biblioteca Marciana, 

dem Torre dell‘ Orologio und schließlich der hohe, im 

Licht der untergehenden Sonne leuchtend gelb und 

rötlich strahlende Himmel. Linksseitig am Rand einige 

ankernde Boote mit farblich unterschiedlichen Segeln, 

die sich zusammen mit den berühmten Gebäuden 

der Stadt im stillen Wasser wiederspiegeln. Impressionistische 

Wiedergabe der Venedigansicht, in der typischen 

Manier des Künstlers. 

Anmerkung: 

Der französische Künstler besuchte mehrfach Venedig 

und auch Konstantinopel. Die meisten dieser entstandenen 

Ansichten beinhalteten Aspekte des Sees 

oder Meeres, in der Tradition des im 18. Jahrhundert 

tätigen Künstlers Canaletto (1697-1768); auch erinnern 

seine Arbeiten an Félix Ziem (1821-1911). Duvieux 

verwendete impressionistische Farben, die an Turners 

Seestücke erinnern, mit brillianten Lichtstimmungen. 

(1321617) (18) 

€ 7.000 - € 9.000 

Sistrix 

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802 

CHARLES GLEYRE, 

1808 CHEVILLY – 1874 PARIS, 

WERKSTATT/ NACHFOLGE DES 

DIE VERLORENEN ILLUSIONEN ODER DER ABEND 


138 x 245 cm. 

Im warmen Licht der untergehenden Sonne ein Boot, 

an einem Ufer ankernd, mit jungen Frauen in langen 

Gewändern, teils musizierend und mit geflochtenen 

Kränzen auf ihren Haaren. Ein kleiner nackter Putto 

sitzt am Bootsrand neben einem Blütenkranz, auch 

eines der Ruder festhaltend. Links ein hohes gesetztes 

weißes Segel. Besonders auffallend rechts im Vordergrund 

ein älterer Mann mit langem Bart in antikisierendem 

Gewand mit gesenktem Kopf und niedergeschlagenem 

Blick. Am Boden neben ihm liegend 

ein Musikinstrument. Am hohen Himmel, in rötlichgelber 

und hellblauer Farbgebung, neben einem kleinen 

Vogelschwarm, rechtsseitig die Mondsichel erkennbar. 

Malerei in weicher zurückhaltender Farbgebung, die 

Darstellung ganz im Stil der Nazarener. Vereinzelt 

rest., teils Retuschen, teils Rahmenschäden. 

Anmerkung: 

Das Originalgemälde von Charles Gleyre von 1843 

befindet sich im Louvre in Paris. (1320861) (18) 

CHARLES GLEYRE, 

1808 CHEVILLY – 1874 PARIS, 

WORKSHOP/FOLLOWER OF 

THE LOST ILLUSIONS OR THE EVENING 


138 x 245 cm. 

Notes: 

The original painting by Charles Gleyre from 1843 

is held at The Louvre in Paris. 

€ 10.000 - € 15.000 

Sistrix 

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253

803 

ABRAHAM HULK D. Ä., 

1813 LONDON – 1897 ZEVENAAR, 

Der in London geborene Maler erhielt seine künstlerische 

Ausbildung u.a. an der Rijksakademie in Amsterdam. 

In den Jahren 1833 und 1834 reiste er nach 

Amerika und besuchte New York und Boston. 1934 

kehrte wieder nach Amsterdam zurück, 1870 ließ er 

sich für den Rest seines Lebens in England nieder. Er 

wurde zu einem der großen Marinemaler, da er die 

Fähigkeit zu haben schien das Meer und seine Schiffe 

auf eine besondere Art und Weise zu malen. 

BOOTE AUF BEWEGTER SEE NAHE EINER KÜSTE 


30 x 45,5 cm. 

Rechts unten signiert „A. Hulk.“ 

In original vergoldetem Prunkrahmen mit zweifachem 

Blattdekor. 

Auf weiter See im Vordergrund ein beflaggtes Segelboot 

mit einem angehängten Beiboot, sowie rechtsseitig 

ein im Schatten liegendes weiteres Boot vor 

flacher Küstenlandschaft mit großem Gehöft mit roten 

Dächern. Im Hintergrund der flache sonnenbeschienene 

Horizont mit weiteren kleinen Segelbooten, darüber 

der hohe blaue Himmel mit weiß-rosafarbenen wie 

auch großen grauen Wolken, durch die nur vereinzelt 

das Licht auf die gischtig brausende See fällt. Am 

unteren linken Rand eine kleine Ecke des Ufers mit 

Gesteinsbrocken sichtbar. Stimmungsvolle Malerei in 

der typischen Manier des bekannten Künstlers. Teils 

rest. (1321616) (18) 

€ 4.000 - € 6.000 

Sistrix 

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804 

DEUTSCHER MALER DES 19. JAHRHUNDERTS 

PROFILBILDNIS EINES MANNES 


52,5 x 42 cm. 

In ovalem bronziertem, plastisch mit Blüten verziertem 

Rahmen. 

Vor Wolkengrund das Brustbildnis eines Mannes mittleren 

Alters mit tiefsinnigem Blick und schwarzer 

fezähnlicher Fellkopfbedeckung. (1321462) (13) 

€ 2.000 - € 3.000 

Sistrix 

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805 

LOUIS SMETS, 

BELGISCHER LANDSCHAFTSMALER, 

TÄTIG UM 1852 – 1868 

HOLLÄNDISCHE WINTERLANDSCHAFT 

MIT WINDMÜHLEN UND FIGUREN AUF DEM EIS 


45,5 x 64,5 cm. 

Rechts unten Restsignatur. 


Blick auf das kleine Gebäude einer Hafenanlage mit 

seitlich und dahinter, im gefrorenen Wasser liegenden 

Mehrmastern. Links die weite vereiste Polderlandschaft 

mit zahlreichen Staffagefiguren. Im Vordergrund 

drei Figuren im Gespräch, ein Schlittschuh laufendes 

Paar, ein Schlitten schiebender Mann sowie ein an 

der linken Seite gelegener Verkaufsstand, wohl für 

Getränke. Rechtsseitig ein breiterer Weg, der zum 

Wasser führt, eine Anhöhe mit den dahinter sichtbaren 

Dächern eines Ortes und zwei große, in den hohen 

Himmel ragende Windmühlen. Malerei in harmonischer 

Farbgebung mit vielen Details, durch den hohen 

gelben und rötlichen Himmel und die gekonnte Lichtführung 

mit Schattensetzung, die Stimmung eines 

schönen Wintertages vermittelnd. Kleine Retuschen. 

(13216116) (18) 

€ 3.500 - € 5.000 

Sistrix 

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806 

JACOB VAN STRIJ, 

1756 DORDRECHT – 1815 EBENDA, ZUG. 

LANDSCHAFT MIT RUINE, KÜHEN UND REISENDEN 

Öl auf Holz. 

38,4 x 49,3 cm. 


Unter hohem Himmel, teils gelblich verfärbt durch 

das Licht eines späten Sommernachmittags, auf einem 

Hang eine Ruine und im Bildvordergrund mehrere, 

teilweise im Gras liegende Kühe. Linksseitig auf einem 

Esel, in Rückansicht sitzend eine junge Frau, begleitet 

von einem Mann mit dunklem Hut. Harmonische 

stimmungsvolle Landschaft in der Art des bekannten 

Künstlers. Kleine Restaurierung, kleine Retuschen. 

(13206122) (1) (18) 

€ 1.500 - € 2.000 

Sistrix 

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807 

CHARLES VENNEMAN, 

1802 GENT – 1875 ST.-JOSSE-TEN-NOODE 

INTERIEUR MIT FAMILIE BEIM TISCHGEBET 

Öl auf Holz. 

62 x 70,5 cm. 

Links unten signiert "CH Venneman 1843". 


In einer bäuerlichen Stube mit Steinfußboden ein einfacher 

Holztisch mit weißer Decke, auf der eine große 

gefüllte Schüssel, ein Löffel und ein großes angeschnittenes 

Brot liegen. Um diesen Tisch herum ein 

sitzendes Ehepaar beim Gebet mit gesenktem Kopf, 

ein älterer Mann mit gefalteten Händen und mit glänzenden 

Augen auf die Frau blickend. Vor dem Tisch 

schließlich ein Kind in türkisfarbenem Kleidchen mit 

Schürze, andächtig ebenfalls die Hände vor der Brust 

zum Gebet gefaltet. Rechts des Tisches ein alter 

Schemel, während im Hintergrund rechts ein kleines 

Feuer zu erkennen ist, über dem an einem langen 

Haken ein großer gefüllter Kessel hängt. Links daneben 

ein geöffneter Vorratsschrank und schließlich in 

der linken Ecke die Bettstatt, von einem Vorhang flankiert. 

In der linken Ecke des Vordergrunds werden 

still lebenhaft mehrere Küchenutensilien gezeigt, darunter 

ein brauner Tontopf und eine Tonschale, ein liegender 

glänzender Kupferkessel, ein geflochtener 

Korb mit Gemüse sowie diverse Gemüsesorten am 

Boden liegend, wie Kohl, Kartoffeln und Zwiebeln. 

Dahinter auf einem Brett stehend Keramikgefäße und 

an der Holzwand, an einem Haken hängend, ein Hut 

und ein Kleidungsstück. Zudem ist im Hintergrund 

der Mitte ein kleines Fenster erkennbar. Malerische 

Genredarstellung des Künstlers mit gekonnter Lichtführung. 

Wenige kleine Retuschen. 

(1321516) (1) (18) 

CHARLES VENNEMAN, 

1802 GHENT – 1875 SAINT-JOSSE-TEN-NOODE 

A FAMILY SAYING GRACE IN AN INTERIOR 

Oil on panel. 

62 x 70.5 cm. 

Signed “CH Venneman 1843” lower left. 

€ 10.000 - € 14.000 

Sistrix 

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255

808 

ANTOINE VOLLON, 

1833 LYON – 1900 PARIS 

STILLLEBEN MIT MANDARINEN UND 

EINER IMARI-DECKELVASE 

Öl auf Holz. 

26,6 x 35,1 cm. 

Links unten signiert „A. Vollon“. 


In einem Innenraum vor rotbrauner Wand ein Tisch, 

dessen Platte links zur Hälfte mit einem grünen Tuch 

bedeckt ist. Auf diesem sorgsam arrangiert eine flache 

Schale mit wenigen Mandarinen, rechts davon 

ein Messer und eine teils geschälte Mandarine sowie 

hinter der Schale eine weitere höhere aus Glas mit 

Goldrand. Linksseitig auf dem Stoff stehend die 

prachtvolle Imari-Deckelvase sowie ein Glas, eine 

dunkle bauchige Vase mit langem Hals und eine Glasdeckelschale. 

Malerei in teils lockerem Pinselduktus. 

Teils Retuschen. (1321457) (18) 

€ 4.000 - € 6.000 

Sistrix 

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809 

MICHAEL WUTKY, 

1739 KREMS/ DONAU – 1822 WIEN, NACHFOLGE 

DER AUSBRUCH DES VESUV 


39 x 63 cm. 

Verso betitelt und datiert „Eruption du Vesuve du 

mois de Mai 1855“. 

Im Zentrum der Vulkan mit großer, leuchtend gelboranger 

Feuerwolke vor dem nächtlichen Himmel, 

der rechtsseitig durch den Mond teils hell beleuchtet 

wird. Die glühende Lava bahnt sich ihren Weg bis ins 

weite Tal im Vordergrund des Bildes. Zahlreiche Schaulustige 

sind hier vor und seitlich des Lavastromes auf 

Anhöhen zu erkennen: Meist Männer mit Fackeln 

oder langen Stangen in ihren Händen wohnen voller 

Interesse diesem Ereignis bei. Darstellungen von 

Vesuv-Ausbrüchen wurden vor allem in der ersten 

Hälfte des 19. Jahrhunderts häufig im Sinne von 

Grand Tour-Erinnerungen geschaffen. Verso drei kleine 

Unterlegungen, teils Retuschen. (1321466) (18) 

€ 3.000 - € 4.000 

Sistrix 

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810 


BLUMENSTILLLEBEN 

Öl auf Holz. 

32 x 27 cm. 

Rechts unten monogrammiert. 


Vor dunklem olivgrünem Hintergrund auf einer Platte 

stehend eine bauchige Glasvase mit Spiegelung eines 

Fensters, darin das frische Blumenarrangement, bestehend 

u.a. aus: gefüllten Rosen, blauer Hyazinthe 

und Primel. Auf der Platte links zudem ein liegender 

Zweig einer altrosafarbenen Rose mit Knospe, auf der 

sich ein kleiner gelber Falter niedergelassen hat. Feine 

Malerei mit den farbenfrohen, im Zentrum weißen 

Blumen, die sich besonders hervorheben. Teils Rahmenschäden. 

(1321469) (18) 

€ 3.000 - € 4.000 

Sistrix 

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811 

HENRIETTE HERMINIE GUDIN, 

1825 PARIS – 1876 

(ABB. LINKE SEITE) 

PAAR KÜSTENSTÜCKE 

Öl auf Holz. 

14 x 21 cm. 

Jeweils unten links signiert. 

In breitem gekehltem, mit Perlband verziertem Rahmen. 

Jeweils ein Küstengewässer darstellend mit Fischerbooten, 

deren Segel sich einmal vor rötlich erleuchtetem 

Morgenhimmel abzeichnen, einmal vor einem 

Figurenstaffage. (13216114) (13) 

€ 5.000 - € 7.000 

Sistrix 

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257

CATALOGUE VI 

HAMPEL LIVING 

Please click here to browse the next catalogue: 

ONE OF THE LEADING 

AUCTION HOUSES 

IN EUROPE 

CATALOGUE VI 

LIVING: GOLD BOXES & OBJECTS OF VIRTUE, 

RUSSIAN ART, FURNITURE & INTERIOR, 

OLD MASTER & 19TH CENTURY PAINTINGS, 

ART NOUVEAU & MODERN ART FOR THE YOUNG COLLECTOR, 

JEWELLERY, PARK DECORATIONS, VARIA 

Auctions: Thursday, 30 June 2022 

Exhibition: Saturday, 25 June – Tuesday, 28 June 2022

Impressionists, Modern Art & 19th/20th Century Paintings

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