Dons de la Fondation Clarence Westbury - Nîmes

PRESENTATION DES DONS
Dès sa conception, le projet de Carré d’art a valorisé aux côtés de l’institution un réseau
de collectionneurs privés. La collection a ainsi pu accueillir à l’inauguration des dons et
dépôts d’œuvres en provenance de ceux qui, dès l’origine, furent les actifs promoteurs
du projet d’un musée d’art contemporain à Nîmes : le Docteur Robert Calle, l’artiste
Claude Viallat mais aussi de nombreux partenaires privés, entreprises ou galeries :
Cacharel SA, Daniel Templon, Ghislaine Hussenot, Galerie de France…
Ces dons ont souvent permis de faire entrer dans les collections des pièces ou des noms
peu abordables pour le seul musée. Parmi eux, citons l’Hommage au Festival des
Nouveaux Réalistes, 1961 de Jean Tinguely et le remarquable relief d’Yves Klein, RE 44,
1960, donnés respectivement en 1991 et 1992 par la Scaler Foundation créée et
animée par Eric et Sylvie Boissonnas.
La Fondation Clarence Westbury, sous l’impulsion de son président Monsieur Jacques
Boissonnas, développe une action dans trois domaines principaux d’intervention : la
culture, et tout particulièrement le soutien à l’art moderne et contemporain, l’action
sociale avec l’aide donnée à un centre de soins psychologiques pour des enfants et
adolescents, et la recherche médicale, dans le champ de la détection des cancers. En
2003, la Fondation Clarence Westbury donnait au Musée d’art contemporain de Nîmes
par l’intermédiaire de la Fondation de France et l’AAMAC, une œuvre de la série des
panoramas de Jean-Marc Bustamante : Panorama Gust, 2000, sérigraphie sur plexiglas
de 145 x 267 cm. Depuis cette date, cette volonté ne s’est pas démentie puisque
quatorze œuvres ont rejoint les collections du Carré d’art grâce à ce mécénat.
Dons de la Fondation Scaler
Yves KLEIN (Nice, 1928 – Paris, 1962)
RE 44, 1960
Eponge, pigment et bois
Don de la Fondation Scaler, 1992
Acquis auprès de la Galerie Templon
Les quelques années de création d’Yves Klein mort à l’âge de 34 ans ont été une quête incessante sur
l’espace de la couleur, porté par le monochrome et l’intensité particulière des pigments dont il fait
l’expérimentation avec le marchand de couleur Edouard Adam. A ce titre, il s’est particulièrement
intéressé à la matière. Cette œuvre fait partie d’une série de Reliefs éponges, d’où le RE du titre,
réalisée par Yves Klein en 1960 et 1962. Yves Klein intégrera des éponges à son œuvre pour la
première fois en 1959 dans un décor réalisé pour l’Opéra de Gelsenkirchen (Allemagne). Les
sculptures éponge, éponge posée sur une tige, précèdent en 1959. L’éponge utilisée dans un premier
temps comme outil pour réaliser les œuvres, entre dans l’œuvre comme le matériau par excellence de
l’imprégnation par la couleur, l’idéal de Klein étant d’utiliser la couleur au maximum de son
intensité jusqu’à abandonner la matière avec les tableaux de feu en 57 et l’exposition du vide en 58.
De 60 à 62, le rose apparaît comme la couleur miroir du Bleu IKB. Pour Klein le rose naît de la
juxtaposition de l’or et du bleu. Cette trilogie de couleurs qui remplace les primaires se met en place
à partir 1959.

Jean TINGUELY (Fribourg, 1925 – Berne,
1991)
Hommage au Festival des Nouveaux
Réalistes, 1961
Bois, métal, électricité
130 x 110 x 110 cm
Don de la Fondation Scaler, 1991
Acquis auprès de la Galerie Montaigne
L’immédiate après guerre est en Europe une époque d’une intense activité créatrice où se croisent les
Nouveaux Réalistes, les artistes Fluxus, les lettristes, le groupe Zéro dans l’utopie d’un art
entièrement nouveau, résolument tourné vers l’avenir, où les formes de happenings et d’actions
spectacles viennent compléter les formes plus traditionnelles de la peinture et de la sculpture. Le
terme de Nouveau Réalisme fut utilisé pour la première fois par le critique Pierre Restany à
l’occasion d’une exposition à la galerie Apollinaire à Milan en 1960.
Le premier Festival du Nouveau Réalisme se tient les 13 et 14 juillet 1961 à Nice avec une exposition
collective à la galerie Muratore à Nice et des actions organisées par les artistes le 13 juillet dans les
jardins de l’Abbaye de Roseland : Colère de Arman, Tir à la carabine de Niki de Saint-Phalle,
Fontaine mobile de Tinguely, récital de poésie phonétique de Rotella et dégustation d’un Entremets
de La Palissade proposée par Raymond Hains. L’exposition quant à elle réunit les œuvres d’Arman,
César, Dufrêne, Hains, Klein, Martial Raysse, Rotella, Niki de Saint-Phalle, Spoerri, Tinguely, Villeglé.
Les festivals, héritiers des foires Dada, témoignent de l’extension du champ de l’art au son, l’art
culinaire, voire à la destruction de l’œuvre.
Ces deux œuvres viennent compléter le fonds représentatif de 29 œuvres des Nouveaux Réalistes
acquis ou demandé en dépôt dès 1985 comme point de départ de la collection du Musée d’art
contemporain.
Dons de la Fondation Clarence Westbury
Jean-Marc BUSTAMANTE (Né à Toulouse
en 1952. Vit et travaille à Paris)
Panorama Gust, 2000
Sérigraphie sur plexiglas éd 3/3
147 x 267 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2003
Acquisition auprès de la galerie Daniel Templon
Le travail de Jean-Marc Bustamante s’est développé depuis le début des années 80 autour des
notions de sites et d’espace, et brouille les limites des catégories reconnues. Peinture,
photographie, volume, tout y est abordé. Panorama Gust appartient à la série des Panoramas
commencée par l’artiste en 1998. Ces œuvres de grand format reproduisent mécaniquement un
dessin réalisé au feutre par l’artiste sur un A4. Le titre insiste sur la rapidité du graphisme : Gust
signifie jet, bouffée, grain selon le mot qui lui est adjoint. Ces dessins rapides, presque
automatiques, à la limite de la conscience tels que les a cultivés un artiste comme Jean Dubuffet
pour surprendre la créativité se retrouvent promus au rang d’œuvres terminées. Comme la série
précédente des Lumières, les Panoramas établissent un rapport subtil au mur. Les pattes
d’accrochage en acier sont fournies avec l’œuvre. Le plexiglas, accroché à quelques centimètres du
mur, favorise l’apparition d’ombres qui redoublent le graphisme. Par la technique choisie, la

spontanéité du dessin est filtrée, et d’une certaine façon désamorcée, parce que reproduite sans
rapport avec les dimensions du support qui lui est normalement attribué. Le geste de l’artiste se
trouve ailleurs. Chacune des séries propose une nouvelle position au regard des paramètres image
trouvée/image créée et approfondit l’examen par l’artiste des énigmes que sont l’art et le monde.
Cette œuvre de Bustamante interroge la peinture. Sa première série sur les photographies, tirages
uniques, prises dans des sites de banlieues, généralement proches de Barcelone, prennent le titre de
peinture. Mais dans les Panoramas, la relation s’inverse : c’est la peinture qui devient photographie.
Autres œuvres de Jean-Marc Bustamante dans la collection de Carré d’Art-Musée d’art contemporain : Tableau n°
42, 1982, photographie cibachrome et cadre en chêne, 108 x 135 cm, acquis en 1992 ; Tableau n°103, 1990,
cibachrome et cadre en chêne, 135 x 108 cm, acquis en 1992 ; Gerona, 1980, cibachrome, 30 x 40,7 cm, acquis en
1992 ; Tarragona, 1980, cibachrome, 30 x 40,7 cm, don de Daniel Lelong en 1991
Sélection d’autres collections publiques ayant des oeuvres de Jean-Marc Bustamante : CAPC - Musée d'art
contemporain, Bordeaux ; FRAC Nord-Pas de Calais ; Musée d'Art Contemporain, Lyon ; FRAC Provence-Alpes-
Côte d’Azur ; FRAC Languedoc Roussillon ; Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris ; FRAC Ile de France, Le
Plateau ; Centre Pompidou - Musée d´Art Contemporain, Paris ; Musée d'Art moderne de Saint-Etienne ; FRAC
Haute Normandie ; Musée d'Art Moderne et Contemporain (MAMCS), Strasbourg ; Huis Marseille stichting voor
fotografie, Amsterdam, Pays-Bas ; Kröller-Müller museum, Otterlo, Pays-Bas ; Moderna Galerija, Ljubljana,
Slovénie ; Museu d´Art Contemporani de Barcelona - MACBA, Barcelone ; Centro de Artes Visuales Helga de
Alvear, Cáceres, Espagne ; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS, Madrid; Kunsthalle, Berne, Suisse ;
Kunsthaus, Zurich, Suisse ; Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich, Suisse ; Tate Britain, Londres; Essl
Museum, Klosterneuburg, Autriche; SMAK Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gand, Belgique; Albright-Knox
Art Gallery, Buffalo, USA ; The Metropolitan Museum of Art, New York, USA
Alain BUBLEX (Né en 1961. Vit et travaille à
Lyon)
Plug in City (2000) Loft Construction, 2005
Épreuve chromogène sous diasec n ° 1/3
170 x 200 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2005
Acquisition auprès de la Galerie Georges-
Philippe et Nathalie Vallois
Après une formation de designer et un passage dans les bureaux d’étude de Renault, Alain Bublex
débute une carrière artistique en 1992. Dans sa première œuvre en 1992, il crée une ville
virtuelle : Glooscap à partir des caractéristiques d’une ville moyenne nord-américaine dont il
réalise le plan, l’urbanisme mais invente également le contexte géographique et l’histoire. Au début
des années 2000, deux autres ensembles visent à donner une nouvelle vie grâce à la photo
numérique au plan Voisin de Le Corbusier (2004) et au projet de Plug-in City (2003-2005) élaboré
par l’architecte britannique Peter Cook en 1964 au sein du groupe Archigram. Alain Bublex retient
du projet initial le principe de containers qui viennent se greffer sur une structure existante selon
les besoins de la population. Confrontant sur un même support l’utopie des Algeco transportés par
hélicoptère à une vue réelle de la construction d’une structure en bois, Bublex exprime aussi son
intérêt pour les structures provisoires. Le chantier, pris entre l’utopie non réalisée et l’architecture
réelle de conception le plus souvent passéiste, apparaît pour lui la seule véritable expression du
présent dans le contexte urbain actuel.
Sélection d’autres collections publiques ayant des oeuvres d’Alain Bublex: M.N.A.M. (Musée National d'Art
Moderne), Centre Pompidou, Paris ; M.A.M.V.P. (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), Paris ; Fonds National
d'Art Contemporain, Paris ; Maison Européenne de la Photographie, Paris ; Caisse des Dépôts et Consignations,
Paris ; MAC/VAL, Musée d'Art Contemporain du Val-de-Marne, Vitry sur Seine ; FRAC Rhône-Alpes ; FRAC
Provence-Alpes-Côte d’Azur ; FRAC Basse-Normandie ; FRAC Alsace ; Fonds Municipal de la Ville d'Annecy ; Fonds
Municipal d'art contemporain de la ville de Paris ; Collection publique d'art contemporain du Conseil Général de
la Seine-Saint-Denis (Fonds Départemental d'Art Contemporain)

Valérie FAVRE (Née en 1959, Evilard, Suisse. Vit
et travaille à Berlin)
Die Idiotinnen Rockband, 2005
Huile sur papier
191 x 164 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2005
Acquisition auprès de la Galerie Nathalie Obadia
Peintre d’origine suisse, Valérie Favre s’est tout d’abord fait connaître en France comme actrice. A
partir de 1991, elle se tourne à nouveau vers la peinture, son premier intérêt. Elle a souvent évoqué
ce tournant dans sa carrière comme la possibilité de quitter la place de l’interprète pour celle de
l’auteur. Valérie Favre travaille par séries qui s’entrecroisent sur plusieurs années. La pratique de
Valérie Favre, si elle est la lente reconquête d’une technique traditionnelle (huile sur toile) pour
laquelle elle n’a pas véritablement reçu de formation académique, ne s’arrête pas là. Elle pose une
question essentielle pour qui ne veut pas se cantonner à l’abstraction ou à la déclinaison des codes
et des matériaux de la peinture. Comment se forment les éléments d’un récit qui, à l’époque
contemporaine, ne peut trouver sa justification dans aucune mythologie ou histoire établie ? Le
personnage de la Lapine, joyeux alter ego de l’artiste, apparaît dès 1998, comme une sorte de logo
personnel qui entre en interaction tant avec la déesse du logo du studio Columbia, le lion de
Peugeot et les objets de la vie contemporaine. Comme dans le monde du cinéma, elle apparaît
comme une icône féminine. Entre conte et références cinématographiques, la peinture de Valérie
Favre n’illustre pas seulement un panthéon personnel. Elle porte une réflexion sur la scénarisation
de la société contemporaine. Installée à Berlin depuis 1998, Valérie Favre abandonne l’approche
taxinomique de la couleur blanche, la robe rouge, les fraises qui caractérise ses années françaises
pour aller vers une interrogation de la validité de la fiction en peinture. Elle se place ainsi parmi
des peintres de sa génération, Daniel Richter, Peter Doig qui interrogent également les possibilités
d’une fiction contemporaine.
Sélection d’autres collections publiques ayant des oeuvres de Valérie Favre : Artothek NBK, Berlin ; Caisse des
Dépôts et Consignations, Paris ; Collections Les Uniques, faïences, Réunion des Musées Nationaux ; FDAC, Val de
Marne ; Fonds Municipal de le Ville de ; FNAC, Paris ; FRAC Auvergne ; FRAC Ile-de-France ; FRAC Poitou-
Charentes ; Kunstmuseum Luzern, Suisse ; MACVAL, Vitry-sur-Seine ; MAMAC, Nice ; Musée de Picardie, Amiens ;
Musée national d’Art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris
Jorge QUEIROZ
(Né en 1966 à Lisbonne. Vit et travaille à Berlin)
Sans titre, 2006
Graphite, crayons de couleur, aquarelle,
pastel à l’huile et gouache sur papier
152 x 121 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2006
Acquisition auprès de la Galerie Nathalie Obadia
L’œuvre de Jorge Queiroz se développe depuis le début des années 90 essentiellement sur support
papier et parfois filmique. L’artiste fait naître dans ses dessins au graphite et crayon de couleurs,
aquarelle et gouache, un univers singulier qui est de l’ordre de la vision où sont convoqués le
fantastique et le grotesque. La feuille, souvent de grandes dimensions, est comme une scène sur
laquelle se déroulent des actions parcellaires, interrompues, mêlées à des éléments architecturaux,
naturels, voire géométriques qui semblent s’engendrer les uns les autres. Mêlant éléments
identifiables et non identifiables et des zones de densités très différentes, ces dessins résistent à la
description.
A l’origine de la Collection du Carré d’art, s’était exprimé la volonté de faire place aux artistes
espagnols et italiens de l’axe méditerranéen. Depuis les années 80, le Portugal est entré sur la scène

artistique comme un espace riche d’artistes et de pratiques. Cette acquisition répond au souhait de
prendre en compte cette nouvelle scène.
Sélection d’autres collections publiques ayant des oeuvres de Jorge Queiroz : MOMA, San Francisco ; MOMA, New
York; Deutsche Bank, Frankfurt ; Fundacio Serralves, Porto ; Fundaçao PLMJ, Lisbonne ; FRAC Haute Normandie ;
Fundação Ilídio Pinho, Porto ; La banque postale, Paris ; Collection LVMH, Paris ; La Caixa, Barcelone ; FNAC, Paris
Joel STERNFELD (Né en 1944, New York City. Vit et travaille à New York)
Ruins of Villa Sette Basi with the Ruins of a small temple, Roma Vecchia, Rome
Negatif en septembre 1990, tirage 2006, édition 1/7 et 3 épreuves d’artistes
Photographie numérique. Diptyque, 68, 58 x 86,36 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2006
Acquis auprès de la Galerie Luhring Augustine
Très connu dans les années 70-80 pour son inscription dans la tradition des grandes traversées
photographiques des USA initiée par Walker Evans, Joel Sternfeld fut, comme Stephen Shore et
William Eggleston, de ceux qui donnèrent à la photographie couleur ses lettres de noblesse. Les
projets de Sternfeld ont de façon répétée exploré la perception d’une identité collective en
documentant la vie des gens simples. Sensibilisé au rôle émotionnel de la couleur par
l’enseignement de Johannes Itten, il développe une réflexion sur le lieu et la trace en proposant
dans les années 90 des séries autour des sites où se sont déroulées certaines des tragédies de
l’histoire américaine, ou les manifestations violentes autour du G8 de Gênes.
Ce diptyque fait partie d’une série réalisée au début des années 90 où le photographe souligne la
juxtaposition dans un même paysage de la campagne romaine des témoins du passé et des
bâtiments usuels contemporains. Il complète dans la collection la représentation du paysage
photographique aux côtés de noms comme Thomas Ruff, Thomas Gursky, Thomas Struth, Jean-Marc
Bustamante.
Sélection d’autres collections publiques ayant des oeuvres de Joel Sternfeld : Dallas Art Museum ; Folkwang
Museum, Essen ; Forbes Collection, New York ; Fotomuseum Winterthur, Suisse ; Groninger Museum, Groningen,
Pays-Bas ; High Museum of Art, Atlanta ; Museum of Modern Art, Houston ; Museum of Art, Indianapolis ; Maison
Européenne de la Photographie, Paris ; Museum Folkwang, Essen, Allemagne ; MOMA, San Francisco ; Art Museum,
Seattle ; The Art Institute of Chicago, Chicago ; MOMA, New York ; The Whitney Museum of American Art, New
York ; Yale University Art Gallery, New York
Hiroshi SUGIMOTO (Né en 1948 à Tokyo. Vit et travaille à New York)
Einstein Tower – Eric Mendelsohn, 2000
Photographie noir et blanc ex 4, édition de 25
61 x 51 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2004

German Pavilion – Ludwig Mies Van der Rohe,
1998
Photographie noir et blanc ex 8, édition de 25
51 x 61 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2004
Rietveld – Schroder House – Gerrit Rietveld, 1999
Photographie noir et blanc ex 2, édition de 25
51 x 61 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2004
Acquisition auprès de la galerie Daniel
Templon
Né au Japon en 1948, Sugimoto s’installe à New York en 1974 après des études à Tokyo et Los
Angeles. Depuis ses premières séries de Dioramas mais surtout des Theater où il photographie en
pause et en un seul plan la totalité d’un film, la photographie hiératique de Sugimoto a toujours
eu à voir avec le temps. En 1997, Sugimoto commence une nouvelle série autour des bâtiments
phares de l’architecture du XXe siècle de Le Corbusier, Gehry, Gaudi, Starck… Celle-ci se poursuit
jusqu’en 2002. Le flou créé à partir d’un défaut de mise au point commune à toutes les photos de
la série semble être une sorte de mise à l’épreuve du temps de cette architecture. Pour ses
photographies, Sugimoto utilise un dispositif proche des boîtiers photographiques du XIXe siècle.
La prise de vue est effectuée sur une pellicule de format 8 x 10 pouces et les tirages sont de quatre
fois la taille du négatif. Un temps d’exposition particulièrement long lui permet de révéler certains
détails et lumières, imperceptibles dans une photographie traditionnelle. La question de la
perception est en effet fondamentale dans l’œuvre de Sugimoto, et seul ce procédé sophistiqué lui
permet de dévoiler le mystère de la «présence physique» des lieux photographiés.
Sélection d’autres collections publiques ayant des oeuvres de Hiroshi Sugimoto : FRAC Basse-Normandie ; FRAC
Nord-Pas de Calais ; FRAC Lorraine ; Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris ; Queensland Art Gallery /
Gallery of Modern Art, Brisbane, Australie ; Det Nationale Fotomuseum, Copenhagen, Danemark ; Kiasma -
Museum of Contemporary Art, Helsinki, Finlande; Sammlung Hoffmann, Berlin ; Pinakothek der Moderne,
Munich ; The Israel Museum, Jerusalem ; Punta della Dogana - Francois Pinault Foundation, Venise ; City Museum
of Contemporary Art, Hiroshima ; Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo ; Berardo Museum, Lisbonne ; Cal
Cego - Colleccion de Arte Contemporaneo, Barcelone ; Museu d´Art Contemporani de Barcelona - MACBA,
Barcelone ; Moderna Museet, Stockholm ; Fotomuseum, Winterthur, Suisse ; Tate Britain, Londres ; The Art
Institute, Chicago ; Museum of Contemporary Art (MCA), Chicago ; Art Center, Des Moines ; Samuel P. Harn
Museum of Art, Gainesville ; Bates College Museum of Arts, Lewiston ; County Museum of Art - LACMA, Los
Angeles ; MOCA Grand Avenue, Los Angeles ; CIFO - Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami ; Art Museum,
Milwaukee ; Solomon R. Guggenheim Museum, New York City ; The Metropolitan Museum of Art, New York ; New
Museum of Contemporary Art, New York City ; Art Museum, Saint Louis ; MOMA, San Francisco ; Hirshhorn
Museum and Sculpture Garden, Washington
Walid RAAD (Né en 1967 à Chbanieh, Liban. Vit et travaille à Beyrouth et New York)
Civilizationally : We Do Not Dig Holes to
Bury Ourselves (Plate 941), 2004
Impression jet d’encre, edition 3/3
111,8 x 119,4 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2007
Acquisition auprès de la Galerie Paula
Cooper, New York

A partir des années 90, dans le contexte qui a suivi la guerre civile, apparaissent au Liban des
œuvres qui empruntent leur forme au réel : photos d’archives, films, interviews, ou pour être plus
exact aux modes d’interprétation du réel tels qu’ils sont utilisés par les historiens, experts,
journalistes… L’artiste sort de son domaine « réservé », s’empare d’une parole d’autorité, qui
normalement n’est pas la sienne. Bien longtemps auparavant, à l’issue de la Première Guerre
mondiale, les surréalistes, les constructivistes, les abstraits, tous, sous des formes différentes, avaient
reconnu à l’art la mission d’informer la vie. Ici, au contraire, c’est l’art qui prend la forme de la vie
avec pour évident corollaire un doute sur la véracité de ce qui est présenté, mais aussi l’absolue
liberté de qui échappe aux contrôles sociaux accompagnant d’ordinaire l’information politique et
historique.
L’Atlas Group remplace l’identité de l’artiste par le groupe Il se constitue non plus autour de la
création de l’œuvre mais autour de sa constitution en tant qu’archive. L’activité du groupe peut
aussi bien prendre la forme de photos, de vidéos que de conférences ou d’essais. Au sein de
l’archive se différencient les œuvres : fichiers avec auteurs, fichiers trouvés, production de l’Atlas
Group. Ces deux œuvres rentrent dans la première catégorie et font partie de l’ensemble The
Fakhouri File, 1996/2002, constitué à partir des carnets laissés par le Dr Fakhouri à sa mort et par
des photos prises par lui en 58-59.
Note book Volume 72 : Missing Lebanese
Wars ( plate 142), 2004
Impression Jet d’encre, edition 3/3
111,8 x 127 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2007
Acquisition auprès de la Galerie Paula
Cooper, New York
Texte d’introduction rédigé par l’artiste : « Chaque feuillet réunit une photo de presse découpée
dans l’édition du journal Annahar parue le lendemain de la course hippique, les indications de
Fakhouri sur la longueur du parcours, la durée de la compétition, le meilleur temps et les
différentes statistiques, ainsi que les initiales des historiens accompagnées de leurs paris respectifs
et l’écart de temps anticipé par l’historien gagnant. À cela s’ajoute un petit paragraphe manuscrit
en anglais. La veuve de M. Fakhouri, Zainab Fakhouri, explique que son mari avait l’habitude de
noter dans ses carnets des descriptions rapides des historiens gagnants. »
Let’s be Honest, the Weather Helped (Lybia, Venezuela, Romania, Italy, Iraq), 1984–2007
5 tirages archive Impression jet d’encre édition 5/7 + 2 épreuves d’artiste
46,4 x 71,8 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2008
Acquisition auprès de la Galerie Paula Cooper, New York
Le travail de Raad de manière générale engage la tension qui existe entre la conscience subjective
dispersée de multitudes d’événements vécus individuellement à la conscience historique des mêmes
événements pensés et organisé dans le travail de mémoire. Raad relate volontiers qu’à l’origine de
son travail artistique sont les photos prises avec son premier appareil à 15 ans lors de
bombardements de Beyrouth pendant l’invasion israélienne de 1982. Recouvrant les traces
d’impact des projectiles par des cercles de couleur selon le code couleur porté sur les munitions,
Raad élabore avec ironie une trace pour le traumatisme. « Comme de nombreuses personnes à
Beyrouth au début des années 80, je collectionnais les balles et les éclats d’obus. Je parcourais les
rues après un jour ou une nuit de tir pour prendre les balles dans les murs, les voitures ou les
arbres. J’ai gardé des notes détaillées de l’endroit où j’ai trouvé chaque balle en photographiant

les sites de mes découvertes et en plaçant sur mes photographies noir et blanc des taches de
couleur sur chaque trou de balle. La couleur des taches correspond aux couleurs hypnotisantes
que l’on trouve sur la tête de la balle. Les couleurs suivaient absolument les codes mis au point par
les fabricants dans les différents pays pour marquer leur munitions et obus. D’année en année,
pour compléter ma collection j’ai acheté des balles auprès de vendeurs des rues, recherchant le
spectre complet des couleurs qui ornait la tête des cartouches des AK-47 ou des cartouches 5.45 x
45 mm utilisées dans les M-16. Cela m’a pris 25 ans pour comprendre que mon book avait
catalogué les 23 pays qui ont armé ou vendu des munitions aux différentes milices et armées
combattants dans les guerres du Liban, y compris les USA, le Royaume Uni, l’Arabie Saoudite, Israel,
la France, la Suisse et la Chine. » Walid Raad
Sélection d’autres collections publiques ayant des oeuvres de Walid Raad : MOMA, New York ; Kunsthalle
Hamburg, Galerie der Gegenwart, Hamburg ; FNAC, Centre National des Arts Plastiques, Paris ; Kunsthaus, Zurich ;
Tate Modern, Londres ; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt/Main ; MUMOK, Museum Moderner Kunst, Vienne,
Autriche ; FRAC Languedoc Roussillon ; Museum of Contemporary Art, Athènes ; Centre National d´Art et de
Culture Georges Pompidou, Paris ; IFEMA, Madrid ; Kunstmuseum, Stuttgart
Andre BUTZER (Né en 1973 à Stuttgart. Vit et travaille à Rangsdorf)
Sans titre, 2009
Huile sur toile
180 x 130 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2009
Acquisition auprès de la galerie Renos Xippas
Dans une précédente série André Butzer avait organisé ses espaces plats aux couleurs vives autour
de personnages : les Friedens-Siemens, mélange de personnages à la Disney et de logotypes,
porteurs d’une fiction située à Nasaheim, siège de Disney en Californie, ville fondée par des
émigrés allemands. A partir de 2008 il fusionne ses espaces et ses personnages dans une
abstraction où transparaît encore parfois son personnage fétiche. Dès les débuts de sa carrière
particulièrement remarqués en 1999, au moment où le réalisme froid de l’Ecole de Leipzig semble
s’imposer, Butzer joue de l’archétype et parodie les caractéristiques primordiales de tel ou tel
style : ici l’abstraction, tendance action painting par la violence des couleurs, l’épaisseur d’un
traitement évidemment expressionniste, l’imbrication des lignes et de formes simples (triangles,
cercles, angles droits), jets de peinture blanche. Sa véhémence ne se contente pas d’être critique,
elle est également pleine de réussite. Elle porte clairement une peinture qui refuse de s’identifier à
l’héroïsme et aux idéaux de la peinture moderniste. Ancien étudiant à l’Académie de Hambourg où
il étudie de 1995 à 1996, il forme de 1996 à 2000 dans cette ville une auto-académie :Akademie-
Isotrop avec quelques camarades Il s’inscrit pleinement dans la tradition picturale et libertaire des
groupes d’artistes :Albert Oehlen, Daniel Richter, Jonathan Meese, tous marqués par cette ville.
C’est par cette généalogie qu’il intéresse notre collection très riche en artistes allemands.
Sélection d’autres collections ayant des oeuvres d’André Butzer : Fondation Prada, Milan ; Collection Goetz,
Munich ; Kunstmuseum, Stuttgart ; Rubell Collection Miami ; Saatchi collection, Londres ; Staatliche Mussen
Preussischer Kulturbesitz, Berlin ; Taschen, Cologne
Rosson CROW (Née en 1982 à Dallas. Vit et travaille dans le Connecticut)
Pop Art Palazzo, 2009
Huile, acrylique et émail sur lin. 243 x 365 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2010
Acquisition auprès de la Galerie Nathalie
Obadia

Diplômée de Yale University, Rosson Crow est née en 1982 à Dallas. Elle développe une peinture de
grand format, aux couleurs éclatantes, marquées par des éclaboussures et des coulures qui
amplifient encore l’instabilité des espaces représentés. Certains d’entre eux, salles de palais
européens, halls d’hôtels, bars, dancing n’existent plus. Les espaces représentés sont vides de toute
présence humaine et sont choisis souvent pour leur histoire, voire leur valeur symbolique. Pop Art
Palazzo fait contraster des œuvres majeures du pop art : Epiphany peinte en 1964 par Richard
Hamilton à partir d’un badge trouvé lors de son premier voyage en Californie, un tableau de
Morris Louis, un Stella, le poof de Allen Jones de 1969 avec le lourd décor du sol et des lambris
d’une salle composée à partir de plusieurs palais vénitien. Crow s’appuie sur son expérience
personnelle de l’adaptation des styles historiques dans les villes neuves des Etats-Unis telles que
Dallas, Los Angeles ou Las Vegas mais développe également une réflexion sur le mythe, la mémoire
et l’usure du temps. S’attachant à des architectures réelles mais aussi à des espaces créés par des
artistes contemporains : telles l’installation Black Pussy de Jason Rhodes à LA ou l’exposition de
Jeff Koons au Château de Versailles, Rosson Crow opère une sorte de projection dans le temps et
de retournement de la glorification et l’hommage en décadence. Des majorettes au saloon en
passant par l’abstraction et le pop art, Rosson Crow traite avec une incroyable énergie les symboles
de l’Amérique. Loin de toute technique d’appropriation, ce tableau est particulièrement intéressant
pour l’intégration de la citation et de la référence à un univers personnel.
Sélection d’autres collections ayant des oeuvres de Rosson Crow : Collection LVMH, Paris ; Mudam, Fondation
Musée d’Art Moderne Grand Duc Jean, Luxembourg ; Modern Art Museum of Fort Worth, Texas
Hernan BAS (Né en 1978 à Miami. Vit et travaille à Miami et Detroit)
At the Root of his thinking (or the pink blossom), 2009
Acrylique sur toile
213 x 183 cm
Don Fondation Clarence Westbury, 2011
L’œuvre de Hernan Bas, né en 1978 à Miami de parents cubains, développe une figuration centrée
sur de jeunes gens androgynes qui n’est pas sans évoquer les œuvres de Elizabeth Peyton ou plus
loin encore David Hockney. Le travail de Bas s’inscrit dans le contexte d’un art qui explore la
culture gay et où, comme chez de nombreux contemporains, se traduisent les enjeux de l’identité
dans une certaine superposition de l’auteur et des personnages représentés. Les représentations de
Hernan Bas d’abord liée à l’univers de la mode et de la Fête s’attachent à de nouvelles thématiques
via la littérature et la peinture du XIXe siècle. Bas cite comme source Gauguin, Ensor. L’exposition
Considering Henry dont fait partie cette œuvre renvoie à Henry David Thoreau un exemple éclatant
de la formation du sentiment de nature comme morale politique et comme mode de vie. Dans ses
interviews, Hernan Bas revendique à la fois la possibilité de construire la peinture à partir d’une
histoire : Thoreau, Ubu… mais aussi à partir de la peinture seule. Les œuvres de Bas frappe par une
sensualité directe de la peinture dans l’évocation d’un environnement naturel à mi chemin de
l’effusion romantique et de l’abstraction. Bas qui couvre la toile blanche par un réseau de couleurs,
ici appliquées au couteau, d’où naît le sujet compare ainsi ses œuvres dans leurs premiers moments
à un De Kooning. L’opposition abstraction figuration a été structurante pour le XXe siècle et jusque
dans les années 70, jusqu’à ce que le recours à d’autres mediums comme la photographie et l’objet
fasse éclater ces considérations. Elle a nourri le travail de grands maîtres comme Gerhard Richter.
L’œuvre de Hernan Bas s’engage comme le travail de Cecily Brown qui est un peu plus âgée dans
une sorte de superposition de la représentation et de l’abstraction.
Sélection d’autres collections ayant des oeuvres de Hernan Bas : Museum of Modern Art, New York ;
MOMA, San Francisco ; Rubell Family Collection, Miami ; Museum of Contemporary Art, Miami;
Saatchi Collection, Londres ; Museum of Contemporary Art, Miami ; Whitney Museum of
American Art, New York ; Hirschorn Museum and Sculpture Garden, Washington ; Museum of
Contemporary Art, Los Angeles