John Paul Lepers - Dokhandeme - Alain Platel - Michel Raskine - 491

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[danse(s)] Après Les Vêpres de Monteverdi (Vsprs), Alain Platel, le chorégraphe flamand qu’on ne présente plus, et ses Ballets C de la B s’attellent à une autre grande œuvre de musique religieuse avec la mise en danse de La Passion selon saint Matthieu de Bach. Avec l’une de ses arias les plus célèbres, Erbarme dich, qui donne d’ailleurs son nom au spectacle (Pitié !). À ses côtés, le compositeur complice, Fabrizio Cassol, réorchestre, adapte et surtout écrit une nouvelle version de l’histoire en y greffant ses propres compositions teintées de jazz et d’ambiances manouches, voire plus largement world. “J’avais envie de continuer ce travail autour des thèmes religieux, puis de parler de l’idée du Messie. Nous sommes partis de la musique. Ensuite nous avons fait des associations autour des thèmes qui sont liés, directement ou indirectement, avec le sujet – la souffrance du Christ et sa Passion. Si l’on veut, on peut suivre l’histoire originale de la Passion par la musique. Fabrizio a fait une sélection, mais il en a gardé la chronologie. À côté de ça, il y a une troupe de danseurs qui montrent des choses qui ont à voir directement avec ce sujet. Quand je regarde la pièce, je me dis que c’est surtout l’être humain qu’on voit dans une sorte d’état propre à provoquer certaines émotions au public, enfin je l’espère”, explique le chorégraphe. Ce sont donc quelque 21 personnes qui prennent possession de la scène, danseurs (10), musiciens et chanteurs (3) confondus, et vont faire revivre à leur manière cette Passion du Christ pas vraiment classique, on s’en doute. Un décor succinct réduit à un mur de planches, un banc en bois et des peaux de bêtes suspendues, une bâche bleue. Ensuite il y a l’orchestre, omniprésent et terriblement prenant. Sans parler, bien évidemment, de la musique de Bach, indémodable et splendide. Enfin les danseurs, prêts à en découdre avec la compassion, le sacrifice, la souffrance, peut-être en filigrane la soif d’amour et de l’autre. Scènes d’ensemble, spasmes, torsions, © Agathe Poupeney Alain Platel convulsions, duos saccadés, solos convulsifs : sans surprise, Platel propose une danse tout en tensions, excès et débordements. “C’est sûr que lorsque je regarde ce qui se passe dans le monde… Je continue de considérer la scène comme un espace d’urgence. Sur laquelle des choses très fortes peuvent se passer. Je suis vraiment fasciné par le corps en état hystérique, ça dévoile pour moi des sentiments très profonds. Je crois que ça a toujours été le cas, sauf qu’aujourd’hui je n’ai plus peur de l’affronter plus directement.” Platel fait du Platel, diront d’aucuns, avec sa fameuse danse “bâtarde”, engagée sous la devise maison : “Cette danse s’inscrit dans le monde, le monde nous appartient.” Une danse profondément sensuelle (voire sexuelle), où tout est dans le corps à corps et le chair à chair, au risque, d’ailleurs, d’en gêner certains. “La peau est un élément qui est très présent. Dans la manière dont les gens se touchent, la sensualité qui émane de tous ces danseurs.” Succession de scènes sans réel fil conducteur, ponctuées par ces pics d’intensité et ces montées d’adrénaline. “C’est une forme qui fait Kataline Patkaï Rock Identity est un solo téméraire qui s’inspire des 3 icônes rock que sont Jim Morrison, Kurt Cobain et Bertrand Cantat. Une trilogie inattendue qui se focalise sur des thèmes ardus comme la transe, la crispation, le sexe pour en extraire la moelle d’une danse exacerbée. Autre enjeu sous-jacent, les notions de féminitémasculinité puisque c’est bien une femme, Kataline Patkaï en l’occurrence, qui réinterprète le répertoire (chorégraphique) de ces 3 mâles figures du rock. Depuis 2004, cette danseuse chorégraphe atypique (elle ne vient pas de la danse, puisque sortie de l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris avec un diplôme de scénographe) botte en touche à chacune de ses créations avec un travail très personnel qui s’interroge sur la féminité, la différence hommefemme (X’XY), mais encore la notion de plaisir et fantasme (Appropriate clothing must be worn) et tout simplement le corps. Visite guidée dans ce solo qu’elle définit comme “le parcours d’un moment rock”. De quoi parle Rock Identity ? De 3 personnages masculins, de 3 artistes ou de 3 hommes complètement inadaptés, fous et géniaux. Je veux parler de personnalités qui ont inventé quelque chose : ils font du rock et ils innovent par leur manière de bouger. Ce sont des espèces de “bêtes de scène”. En tant que chorégraphe qui travaille sur les pulsions et sur ce que peut créer l’énergie déchargée d’un corps, ça m’a touchée. Il y a une sorte de contorsion totale d’eux-mêmes dans leur manière de voir la vie et d’exprimer les choses. Ils ont tous un destin tragique, sont tous “morts” jeunes (au figuré pour Cantat), tous sont poètes avec une vraie qualité d’écriture. Je ne suis pas partie de la musique mais de ce destin. J’ai traité les individus différemment ; je voulais que chacun de ces personnages s’additionne pour arriver à la fin sur une phrase complète sur le rock’n’roll. Ce qu’il a apporté à la danse contemporaine. Peut-être est-ce un fantasme. Je n’ai pas de théorie pour l’étayer, mais j’imagine que le rock, dans sa liberté, a apporté beaucoup à la danse contemporaine. J’ai eu envie de décortiquer les mouvements de ces 3 rock stars pour voir comment on pouvait se les approprier et réattribuer. ...491 / N° 145 FÉVRIER 2009 [14] référence à plein de formes de danse. Qui n’est pas pure, car influencée par le travail et l’expérience de plusieurs personnes différentes, donc de plusieurs corps.” Une danse collective portée par des individualités remarquables, mais où la force du groupe est plus forte que les virtuosités singulières. On le sait, Platel ne laisse guère insensible, on adore ou on déteste, souvent sans demi-mesure. “Je suis toujours heureux de constater qu’il y a une majorité de gens, sans limite d’âge, qui sont très touchés. Il y a néanmoins une partie des gens du public qui ne rentrent pas dedans, qui détestent et qui refusent de voir ce qu’on tente de montrer. Je crois que c’est difficile pour les personnes qui cherchent à regarder le spectacle d’une manière rationnelle, ceux qui vont chercher une histoire à vivre, à comprendre…” Pitié !, Ballets C de la B, du 25 au 28 février à la Maison de la danse, 04 72 78 18 00 17 et 18 mars au Bel Image (Valence), 04 75 78 41 70 Anne Huguet Comment investissez-vous ces personnages ? Avec ma part de féminité. C’est un peu la problématique de mon travail. De confronter mon corps à un corps d’homme, un corps féminin à un corps viril. En essayant par là de se réapproprier des valeurs, comme l’Indien scalpe son ennemi pour s’attribuer sa force. Moi je fais un peu pareil, je capte des gestes de virilité que, moi, je réinterprète en tant que femme. Le paradoxe, c’est que je ne me transforme pas du tout en homme : je reste une personnalité très féminine et ça donne quelque chose d’ambivalent. J’avais envie aussi de voir si on peut se réattribuer la gestuelle propre à un individu… Je pense que ça donne autre chose, il se passe un truc… Cette espèce de nostalgie, de fantasme de l’icône. Il y a une part que je fais revivre, mais transformée, enfin un peu vrillée, contorsionnée. Il s’agit de se réattribuer les choses, non pour les voler, mais pour leur rendre hommage. Hériter de ce que les gens ont à nous dire, puis le ressortir avec une puissance de restitution (je retourne à ma sauce) peut être plus poétique… Je suis presque dans le mimétisme avec Jim Morrison, avec Kurt Cobain je me dédouble alors qu’à la fin, je suis en jupe et talons hauts pour incarner Bertrand Cantat : il y a une progression qui fait que d’une appropriation de quelque chose il découle une réappropriation. Et l’unité naît du fait que c’est moi qui mène la danse et qu’on est dans un destin commun. Doit-on parler de danse ou plutôt de performance ? Je me reconnais plus dans la danse par goût et par connivence. Je crois qu’en plus, dans mon travail, il y a une écriture qui s’inscrit très simple, basique… Je ne cherche pas à développer le mouvement – ça ne m’intéresse pas –, mais je me force à avoir une réflexion et un intérêt pour les déroulés du mouvement parce que cela m’apprend beaucoup, aussi bien en tant que chorégraphe qu’en tant qu’interprète. Où l’on attend de moi une mémoire, une gestuelle qui se répète et qui va se charger à force de répétitions, et je crois, là, qu’il est question de danse. […] Je travaille beaucoup sur le corps contraint, soit qu’il s’inflige à lui-même, soit qu’on lui inflige. La contrainte vous oblige à bouger dans un autre sens. Oui, une danse violente, mais pas dans le “contorsionnisme”. Pas à la Jan Fabre ni à la Wim Vandekeybus, mais oui je n’économise pas mon corps. Je n’inflige pas aux autres la souffrance, mais parfois je peux me l’infliger. Je ne suis pas une danseuse dans le sens classique du terme, du coup je vais pousser mes limites dans une autre dimension… Une artiste attachante, qu’on a hâte de découvrir. Du 26 au 28 février à la Maison de la danse, 04 72 78 18 00 Propos recueillis par Anne Huguet © Chris Van der Burght
[théâtre(s)] ©Cédric Rouillat Les Muses Le jeune musicien Camille Germser et sa compagnie de la Boulangerie sont en résidence au Théâtre de la Renaissance à Oullins. Il y a déjà créé 2 revues de music-hall, La Sublime Revanche et Cheek to Cheek, où l’on a pu voir son goût pour les plumes et les paillettes, les femmes fatales, le swing, bref, le glamour. Cette fois, avec Les Muses, dont il a composé la musique et le livret, l’artiste a tenu à nous raconter une histoire. Questions à Camille Germser. Pouvez-vous nous raconter cette histoire ? Les Muses raconte l’histoire d’une troupe de comédiens rassemblée dans un théâtre pour monter un opéra glamrock, inédit car inachevé, attribué à David Bowie. Mais leur entreprise se révèle complètement vaine et absurde. Dans la 2 e partie, on se retrouve dans la mythologie, chez les Muses, et l’on découvre en quelque sorte la genèse de cet ouvrage inachevé… Que représente, pour vous, la figure de David Bowie ? Ce qui me retient chez Bowie, c’est surtout Ziggy Stardust. Inventé par lui, pour lui, sur mesure, comme une sorte de sublimation de ce qu’il est. En ce sens, d’ailleurs, nous ne sommes pas très loin du music-hall, des revues, dans lesquelles on venait voir des stars à personnalité “sublimée” par les artifices de la scène. Sur le plan de la mise en scène, vous avez collaboré avec Emmanuel Daumas… Je n’ai jamais suivi de formation à la mise en scène, et je ne suis pas comédien. Je suis arrivé au théâtre par la musique, avec l’envie de mettre en forme mes projets musicaux. Emmanuel a fait l’Ensatt, il est comédien, et il a lu tous les livres que je n’ai pas lus ! Nos approches sont donc complémentaires. Emmanuel travaille sur le rapport entre les acteurs et le texte, il les responsabilise sur le sens, tandis que j’ai une approche plus instinctive, archaïque, visuelle, et musicale, bien sûr, mais surtout globale avec ce que j’ai en tête… Lorsque j’écris ou que je compose, je me projette dans un univers très précis, j’imagine chaque comédien et tous les détails environnants. Ce sont presque des images de cinéma. Et dans cet univers imaginaire, les personnages prennent vie, ils évoluent dans ma tête, et c’est comme ça qu’ils deviennent les Muses qui m’inspirent ! Ce spectacle ne traite au fond de rien d’autre que de ce cercle vicieux-vertueux : le poète inspiré par les Muses qui lui inspirent ce que le poète leur fait dire… Du 25 au 27 février et du 5 au 7 mars au Théâtre de la Renaissance à Oullins, 04 72 39 74 91 Le 11 mars au Théâtre de Villefranche, 04 74 68 02 89 Le 13 mars au Théâtre de Vienne, 04 74 85 00 05 Le 31 mars au Théâtre Jean-Vilar de Bourgoin, 04 74 28 05 73 Le 24 avril à l’espace Albert-Camus de Bron, 04 72 14 63 40 Les 12 et 13 mai au Château Rouge d’Annemasse, 04 50 43 24 24 Propos recueillis par Étienne Faye ...491 / N° 143 FÉVRIER 2009 [15] Hamlet 4 Go C’est à une expérience particulière que nous sommes invités, en ce début de mois, au Nouveau Théâtre du 8e : et “invités” est bien le mot, puisque les représentations sont gratuites. Le Groupe Moi, à l’origine de ce projet, n’est pas une compagnie comme les autres, en fait ce n’est pas une compagnie. Un groupe, de photographes, danseurs, plasticiens…, qui aime à mêler les genres, s’essaye au cinéma, à l’écriture, à la mise en scène, et se produit en de multiples endroits, en ville, un collège ou un théâtre. Hamlet 4 Go ne se présente donc pas de façon conventionnelle, sur une scène. Les nombreux comédiens et danseurs seront répartis dans la salle, au milieu du public, chacun sur sa petite scène personnelle, sa “stèle”. Hamlet, la pièce de Shakespeare, classique des classiques, sera donc joué mais selon une gestuelle précise, et mâché, trituré, de façon qu’il ne dure que 20 minutes. Parce que “ce qui prenait hier 2 heures met aujourd’hui 20 minutes”, affirment les artistes du Groupe Moi. Ils ont voulu, avec ce texte complexe, figurer le flot continu d’informations dont nous sommes abreuvés, avec, par exemple, cette sculpture lumineuse qu’ils nous annoncent comme un cylindre de tulle blanc, et donc une toile, où sera projetée l’œuvre de Shakespeare, des images et du son. Le questionnement n’est pas nouveau, il n’en est pas moins d’actualité : comment faire face à cette vitesse, comment lire aujourd’hui l’information ? Du 5 au 7 février au Nouveau Théâtre du 8e , 04 78 78 33 30 Étienne Faye
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