Henri Jarrié - Arcade PACA

Comment s’obtient cette organisation logique
et nécessaire ?
Pendant trois siècles la musique occidentale a
privilégié l’étude de certaines gammes (majeure
et mineure) et en a fait la base d’une cohésion
de langage. Mais d’autres civilisations,
et certaines musiques contemporaines nous
ont fait découvrir qu’il y a d’autres principes
d’organisation sonore (que les grands compositeurs
n’avaient pas oubliés). On peut rendre
un langage sonore cohérent à partir d’un mode
ou d’une tonalité. L’École viennoise, au début
de ce siècle, construit l’homogénéité de son
langage sur le refus systématique de la tonalité.
Mais d’autres œuvres trouvent leur unité et
leur cohésion dans la rigueur rythmique, dans
une utilisation rationnelle des couleurs et des
timbres sonores, ou même dans une architecture
d’ensemble comportant des types de variations
ou de répétitions litaniques. L’essentiel
est de créer une durée sonore homogène
pour donner à l’œuvre son unité.
Mais on peut se contenter de préserver
l’unité de l’œuvre au prix d’une indigence
fastidieuse. Des compositeurs qui furent,
ou restent, célèbres nous lassent souvent
par d’interminables «rosalies». C’est ce que
Boulez appelle très justement «la musique
au kilomètre», qui n’est pas l’apanage de
notre époque de chanteurs-compositeurs au
langage sommaire ! Une musique ne capte
l’intérêt qu’en étant vivante, donc en perpétuel
mouvement.
En Afrique, par exemple, il existe des musiques
qui se veulent systématiquement répétitives
et litaniques, mais il faut alors remarquer
qu’il s’agit de musiques fonctionnelles
liées soit à une célébration religieuse ou magique,
soit à la répétition des gestes du travail.
En Occident où la musique veut exister
pour elle-même, ce système de courts noyaux
sonores constamment répétés ne traduit souvent
qu’une absence d’imagination chez celui
qui en use ou un désir de s’enfermer et de
Henri Jarrié [1924-2004]
se réfugier dans quelques sons pour y trouver
l’évasion d’une drogue.
En même temps qu’elle doit être une, l’œuvre
doit donc être constamment diverse, et c’est
sans doute pour cette raison que Schoenberg
fait de la «non répétition» un principe fondamental
de composition.
De fait, l’ambition du musicien est de créer
un espace sonore qui joue dans la durée à
la manière d’un organisme vivant : toujours
identique à lui-même et sans cesse mouvant.
En ce qui concerne notre méthode,
après deux ans d’expériences avec des jeunes,
des adultes, et même des enfants de 5 à
6 ans, nous avons pu constater les quelques
résultats suivants :
Sur le plan musical
Chez les enfants tout jeunes on voit se développer
très vite et d’une manière complémentaire,
une habileté et une imagination rythmique.
Chez certains enfants particulièrement éveillés,
une ingéniosité se manifeste rapidement dans
l’utilisation ou la recherche du matériau sonore.
Chez l’ensemble des participants, quel que
soit leur âge, on assiste à la naissance d’un
langage musical qui, refusant d’emblée la répétition
litanique, parvient à une construction
sur plusieurs plans sonores.
Lorsque ce langage a été suffisamment assimilé,
c’est-à-dire après une dizaine d’heures
de séances, les groupes deviennent capables,
sans avoir une écriture complexe, et sans
avoir à faire un gros effort de mémoire, de
jouer le même morceau de musique, à plusieurs
semaines d’intervalle.
On a pu constater aussi qu’avec les moyens
très simples mis à sa disposition, le compositeur-leader,
qui pour un moment dirige le
groupe, en obtient un résultat dans lequel il
s’exprime vraiment lui-même.
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